Música con nocturnidad y alevosía

La icónica voz de Bonnie Tyler se ha roto para siempre

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Mon, 13 Jul 2026 19:29:35 +0000

Su historia nos demuestra que muchas veces lo que creemos que nos rompe puede ser, precisamente, lo que nos hace irrepetibles.

Hay artistas que pasan por el mundo dejando grandes canciones, y hay otros que dejan una parte de su alma en cada una de ellas. Bonni Tyler pertenece a ese pequeño grupo de voces extraordinarias que nacieron para emocionar. Su voz, tan desgarradora como hermosa, tan inconfundible como eterna, no solo conquistó escenarios; conquistó la vida de millones de personas. El jueves pasado supimos que la poderosa vocalista galesa había fallecido, inesperadamente. Tenía 75 años y quería seguir cantando.

Fotografía de El Español

Esa voz rasposa que cautivó a toda una generación se ha mantenido a lo largo de los años en mi añeja memoria musical, dispuesta a ser tarareada en infinitas ocasiones. La primera vez que escuché It's a heartache, fue allá por el año 1978. Sonaba a menudo en la radio y en la TV. Su voz rasgada y llena de sentimiento, su pegadiza melodía y su impactante letra convirtió este clásico en un himno eterno que sigue poniendo la piel de gallina. Porque It’s a heartache no es solo una canción; es un grito del alma sobre el dolor de amar de quienes han amado y perdido, pero han seguido adelante. Y de esos recuerdos que nunca desaparecen. Estaréis conmigo que hay canciones que se cantan y hay canciones que, como esta, se sienten.

Antes de triunfar en EEUU con esta canción, Tyler alcanzó la fama en el Reino Unido y Europa con Lost in France, un éxito anterior a la intervención quirúrgica que le realizaron para retirarle unos nódulos en las cuerdas vocales que habían puesto en peligro su capacidad de cantar, operación que, al no seguir correctamente el postoperatorio, cambió drásticamente la textura de su garganta, dándole ese matiz rasgado tan icónico. “Después de recuperar mi voz, tras la intervención fui al estudio por primera vez y empecé a cantar. La banda dijo: ‘¡Guau, tu voz suena genial!’”, recordó Tyler en un artículo de The Guardian de 2009. “Mi voz era más ronca que antes y tenía más carácter. Resultó que perder la voz no fue tan grave para mí”. "Yo tenía la voz mucho más dulce, pero quién me iba a decir que aquel mal se convertiría en mi seña de identidad", reconoció la artista en otra entrevista con EFE en 2005. Llegaron a llamarla “la versión femenina de Rod Stewart”

Pero su mayor éxito fue Total Eclipse of the Heart en 1983, una balada poderosa de casi siete minutos, rebosante de anhelo y nostalgia. Desde su lanzamiento, la canción apenas ha desaparecido de la conciencia popular, apareciendo cada vez que hay un eclipse lunar o solar importante. Tyler poseía la potencia vocal y la seriedad necesarias para lograr un gran éxito, pero su característico tono ronco también le aportaba a la interpretación esa vulnerabilidad tan necesaria. Como un eclipse total del corazón que hizo vibrar al mundo entero, Tyler demostró que incluso en la oscuridad puede nacer la luz más hermosa. “Me entregué por completo al cantarla”, dijo, con toda sencillez, en una entrevista de 2023 con The Guardian . Un éxito que nunca se apagó, que nunca dejó de sonar, superando el pasado mes de enero de 2026 los mil millones de reproducciones en Spotify y los 1.200 millones de visualizaciones en YouTube.

Un año después, apareció la explosiva Holding Out of a Hero, una canción que formaba parte de la banda sonora de “Footlose”, una película más recordada por su música que por sus valores cinematográficos. La canción, que supuso la tercera nominación a un Grammy que nunca recibió, se escuchaba en la ficción en un radiocasette de los 80, con el protagonista subido a un tractor tratando de impresionar a la chica. La voz de Tyler se impuso en la escena y se convirtió en un éxito a largo plazo. Otro himno que se niega a morir.

Aunque su nombre quedará inevitablemente ligado a estos éxitos, su trayectoria fue mucho más amplia. Estas son cinco de las canciones menos conocidas de Bonnie Tyler que merecen una segunda oportunidad:

La cantante galesa llevó a cabo una prolífica carrera discográfica que incluye 18 álbumes de estudio, 3 en directo y una gran cantidad de recopilatorios. Además, continuó actuando en vivo hasta sus últimos años. En 2013, representó a Reino Unido en el concurso de la Eurovisión y en 2022 recibió la honraría de Miembro del Orden del Imperio Británico (MBE) por su contribución a la música. En 2025, Tyler incluso regresó a las listas de éxitos en Francia tras colaborar con David Guetta e Hypaton en el sencillo Together. Cuando Tyler fue hospitalizada en Portugal, se estaba preparando para embarcarse en otra gira ese mismo mes.

Y, sin embargo, algo no cuadra: la Academia la nominó al Grammy en 3 ocasiones distintas a lo largo de su carrera, pero ninguna se tradujo en el gramófono dorado. Ni una sola vez. Sus canciones sí ganaron el corazón del público. Solo les faltó ganar el de los jurados. “No sirve de nada cantar si solo quieres ser una estrella del pop, escribió Tyler en 2009, tienes que esforzarte y hacerlo por amor a la música, no porque creas que te hará famoso. Yo nunca lo hice, nunca pensé en eso”.

Una curiosidad: La voz inconfundible de Bonnie Tyler también dejó huella en el fútbol : It’s a Heartache inspiró uno de los cánticos más populares de las hinchadas argentinas. La canción suele bajar desde las tribunas en momentos de enojo con el equipo. Una conexión inesperada entre la música y la pasión por el fútbol.

En estos tiempos en los que siento que la edad se me viene encima a borbotones, su muerte me produce un sentimiento de tristeza, una especie de hormigueo en la memoria, como si algo también se hubiera muerto en el tiempo que procesa mi conciencia. Su voz, tan desgarradora como hermosa, tan inconfundible como eterna, y su fuerza sobre el escenario la convirtieron en una leyenda inigualable. Cuando la vuelvo a escuchar después de tanto tiempo, cada nota tiene la fuerza suficiente para emocionarme hasta las lágrimas. Lo dicho. Me hago mayor.

Y pase lo que pase, NO DEJEMOS DE HABLAR DE GAZA. Ni de los incendios. Da pánico pensar en manos de quienes tenemos nuestros montes… nuestras vidas. Pánico ante lo que puede ocurrir en estos meses. Nada pasa por casualidad. La lucha política contra los incendios empieza aceptando la gravedad y urgencia del cambio climático. Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір,

Otras fuentes:
https://www.imdb.com/es-es/name/nm0878781/trivia/
https://www.20minutos.es/musica/las-cinco-canciones-que-convirtieron-mito-voz-ronca-bonnie-tyler_7012723_0.html
https://www.facebook.com/fulgencio.arguellestunon
https://www.facebook.com/upsocliconos

https://los40.com/2026/07/09/las-10-canciones-menos-conocidas-de-bonnie-tyler-que-merecen-haber-sido-un-exito/?outputType=amp

La música y la poesía también viajan en tren

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Mon, 22 Jun 2026 19:04:23 +0000

"Los trenes, de noche, mueven la melancolía por el mundo". (Karmelo Iribarren)

Cuando era pequeño, a Izan le encantaban los trenes. Los fines de semana que su padre trabajaba, subíamos al terrado del ambulatorio de la Torrassa a verlos pasar. Se quedaba atrapado de su grandeza, sus artilugios y sonidos. Nos podíamos pasar horas jugando a contar convoyes y vagones o a adivinar el cambio de aguja qué decidiría el camino que tomarían. ¿A dónde irían? Y echábamos a volar la imaginación. Aún conservamos sus trenes eléctricos, los cuentos que tantas veces leíamos, los álbumes de cromos, pequeños tesoros familiares. Es que el tren tiene algo de mágico. Y de nostálgico, de melancólico…

Muchas personas llevan un tren circulando por las vías trazadas en su subconsciente más profundo. Eso es lo que le pasa a Jesús, "mi Jesús", (no es extraño que a su hijo le encantaran tanto como a él) que cogía el tren de noche para ir y volver del trabajo: Quizás siempre eché de menos la columna de humo saliendo de la locomotora, evoca. Quizás nunca superé el sentir alejarme del hogar. Pero los trenes nocturnos, que cada día me llevaban hacia un mundo que siendo el mío no lo era, siempre me produjeron una sensación compleja. Entre el extrañamiento y la introspección, entre la tristeza y la reflexión. Siempre acompañado por la música, por ese buen amigo. Por mucho que ver aparecer la luz esas mañanas no acabase con las sombras nocturnas, cada día es una nueva esperanza, una oportunidad. La lucha de la oscuridad y la luz a ritmo de ese amigo del alma, Pat Metheny.

El poeta catalán Joan Margarit estuvo vinculado estrechamente al mundo técnico y a sus recuerdos de infancia. Por eso recurrió a menudo al tren para evocar en su obra las memorias más íntimas.

HORARIS NOTURNS

Estic dormint amb tu i sento passar els trens.
Em travessen el front els llums de les finestres
estripant el vellut blau fosc d’aquesta nit.
L’estona de silenci em deixa un llum vermell,
la nota a un pentagrama de cables i de vies
obscures i lluents. Estic dormint amb tu
i els sento com s’allunyen amb el soroll més trist.
Potser m’he equivocat no pujant en un d’ells.
Potser l’últim encert és–abraçat a tu-
deixar que els trens se’n vagin en la nit.

Hubo un tiempo en que viajar de noche en tren era mucho más que desplazarse de un lugar a otro. Era entrar en una geografía distinta, en un mundo suspendido entre la vigilia y el sueño, entre el traqueteo constante de las ruedas sobre la vía y el rumor apagado de conversaciones que nacían y se extinguían en unas pocas horas. En aquellos trenes nocturnos de los años ochenta no solo se cruzaban ciudades, comarcas, países o fronteras; se cruzaban también vidas, recuerdos, silencios y destinos.

Algo tendrán los trenes que transforman la nostalgia y la melancolía en música y poesía, ¿no creéis? De humildes trabajadores ferroviarios nacieron hijos que fueron poetas y universales. Es el caso de Pablo Neruda cuya relación con los trenes fue siempre profundamente personal, ya que su padre lo era. Muchos son sus poemas dedicados al mundo ferroviario. En su obra, el silbato de la locomotora y la figura de su padre como capitán de tren son imágenes recurrentes.

SUEÑOS DE TRENES

Estaban soñando los trenes
en la estación, indefensos,
sin locomotoras, dormidos.

Entré titubeando en la aurora:
anduve buscando secretos,
cosas perdidas en los vagones,
en el olor muerto del viaje.
Entre los cuerpos que partieron
me senté solo en el tren inmóvil.

Era compacto el aire, un bloque
de conversaciones caídas
y fugitivos desalientos.
Almas perdidas en los trenes
como llaves sin cerraduras
caídas bajo los asientos.

Pasajeras del Sur cargadas
de ramilletes y gallinas,
tal vez fueron asesinadas,
tal vez volvieron y lloraron,
tal vez gastaron los vagones
con el fuego de sus claveles:
tal vez yo viajo, estoy con ellas,
tal vez el vapor de los viajes,
los rieles mojados, tal vez
todo vive en el tren inmóvil
y yo un pasajero dormido
desdichadamente despierto.

Yo estuve sentado y el tren
andaba dentro de mi cuerpo
aniquilando mis fronteras,
de pronto era el tren de la infancia,
el humo de la madrugada,
el verano alegre y amargo.

Eran otros trenes que huían,
carros repletos de dolores,
cargados como con asfalto,
y así corría el tren inmóvil
en la mañana que crecía
dolorosa sobre mis huesos.

Yo estaba solo en el tren solo,
pero no sólo estaba solo,
sino que muchas soledades
allí se habrán congregado
esperando para viajar
como pobres en los andenes.

Y yo en el tren como humo muerto
con tantos inasibles seres,
por tantas muertes agobiado
me sentí perdido en un viaje
en el que nada se movía,
sino mi corazón cansado.

Aunque los trenes hayan dejado de ser esas máquinas de hierro humeantes que fueron, viajar en tren tiene un encanto difícil de explicar y, al mismo tiempo, imposible de ignorar. Quizá sea el suave balanceo de los vagones, el rumor constante de las ruedas sobre los raíles o la sucesión interminable de paisajes que se deslizan tras la ventana. En el tren, el tiempo parece adoptar un ritmo diferente, más pausado, más propicio para la contemplación. Mientras el mundo corre al otro lado del cristal, el viajero permanece suspendido en una especie de intervalo donde la imaginación encuentra espacio para desplegarse.

Nada mejor para ilustarlo que una canción de Junior Parker que se convirtió en un clásico del blues. Porque, ¿quién no ama los trenes y el blues, a la vez? Es evidente que ambos estaban hechos el uno para el otro.

Antonio Machado consideraba el tren un espacio de reflexión y ensueño. En sus versos, el traqueteo y el paisaje exploran el paso del tiempo, el nomadismo y los encuentros casuales Hay que viajar en tren porque como dice el poeta “el tren al caminar / siempre nos hace soñar”. Eso practicaba el poeta en sus idas y venidas -siempre sobre la madera/de mi vagón de tercera-, del páramo a los olivares, de la mística Castilla a la Andalucía del limonero.

EL TREN

Yo, para todo viaje
—siempre sobre la madera
de mi vagón de tercera—,
voy ligero de equipaje.
Si es de noche, porque no
acostumbro a dormir yo,
y de día, por mirar
los arbolitos pasar,
yo nunca duermo en el tren,
y, sin embargo, voy bien.
¡Este placer de alejarse!
Londres, Madrid, Ponferrada,
tan lindos... para marcharse.
Lo molesto es la llegada.
Luego, el tren, al caminar,
siempre nos hace soñar;
y casi, casi olvidamos
el jamelgo que montamos.
¡Oh el pollino
que sabe bien el camino!
¿Dónde estamos?
¿Dónde todos nos bajamos?
¡Frente a mí va una monjita
tan bonita!
Tiene esa expresión serena
que a la pena
da una esperanza infinita.
Y yo pienso: Tú eres buena;
porque diste tus amores
a Jesús; porque no quieres
ser madre de pecadores.
Mas tú eres
maternal,
bendita entre las mujeres,
madrecita virginal.
Algo en tu rostro es divino
bajo tus cofias de lino.
Tus mejillas
—esas rosas amarillas—
fueron rosadas, y, luego,
ardió en tus entrañas fuego;
y hoy, esposa de la Cruz,
ya eres luz, y sólo luz...
¡Todas las mujeres bellas
fueran, como tú, doncellas
en un convento a encerrarse!...
Y la niña que yo quiero,
¡ay!, preferirá casarse
con un mocito barbero!
El tren camina y camina,
y la máquina resuella,
y tose con tos ferina.
¡Vamos en una centella!

En esta canción sobre un tren en concreto, la Locomotora 8 de la Southern Crescent que pasaba por el estado de Georgia, una de las rutas ferroviarias históricas de los EEUU, el grupo REM describe con rara minuciosidad en una banda de rock, el trayecto del tren: los niños que miran desde dentro, los campos, los bloques de viviendas, los aviones que pasan por encima. Pero, al mismo tiempo, tiene una cualidad espectral, lo que le otorga una categoría peculiar dentro de las canciones sobre trenes.

Juan Ramón Jiménez nos explica también la emoción de viajar en una vieja locomotora.

LA VIEJA LOCOMOTORA

La vieja locomotora empuja y tira
con toda su fuerza
y su respiración de hierro.

A través de la llanura
y la montaña,
va dejando atrás
los campos y los pueblos.

Los vagones van detrás
como un sueño
que se escapa
por los raíles.

Y el maquinista
en su alto asiento
va mirando el horizonte
con ojos de fuego.

La vieja locomotora
va hacia la ciudad
con un ruido de trueno
y un aroma de humo.

Y yo me siento
en la ventana
mirando el paisaje
que se va deslizando.

La vieja locomotora
me lleva lejos
a un mundo nuevo
de aventuras y de sueños.

Sin duda hay algo profundamente romántico en observar a través de la ventanilla campos, montañas, valles, pueblos y estaciones que aparecen y desaparecen como escenas de una película. Cada figura que se distingue a lo lejos parece guardar una historia; cada casa iluminada al anochecer invita a imaginar vidas, encuentros y secretos. El tren no solo transporta personas de un lugar a otro: también conduce pensamientos, recuerdos y fantasías.

IRIS DE LA NOCHE

A D. Ramón del Valle-Inclán.

Hacia Madrid, una noche,
va el tren por el Guadarrama.
En el cielo, el arco iris
que hacen la luna y el agua.
¡Oh luna de abril, serena,
que empuja las nubes blancas!

La madre lleva a su niño,
dormido, sobre la falda.
Duerme el niño y, todavía,
ve el campo verde que pasa,
y arbolillos soleados,
y mariposas doradas.

La madre, ceño sombrío
entre un ayer y un mañana,
ve unas ascuas mortecinas
y una hornilla con arañas.

Hay un trágico viajero,
que debe ver cosas raras,
y habla solo y, cuando mira,
nos borra con la mirada.

Yo pienso en campos de nieve
y en pinos de otras montañas.

Y tú, Señor, por quien todos
vemos y que ves las almas,
dinos si todos, un día,
hemos de verte la cara

(Otra vez Neruda)

En Train in he distance, el sonido del tren en la distancia es romántico y misterioso; nos hace imaginar que nos llevará a un lugar paradisíaco. Sin embargo, cuando el tren finalmente llega, es ruidoso, pesado y ensordecedor. Para Paul Simon, hay relaciones que suceden con la naturaleza predecible de un vagón de tren siguiendo al siguiente por una vía predeterminada.

Tanto en la poesía como en la música, los trenes también son símbolos recurrentes del viaje físico y metafórico, del paso del tiempo... Su cadencia y velocidad han inspirado innumerables metáforas sobre el destino, la nostalgia, la memoria, el tránsito hacia lo desconocido, la pérdida, el dolor, la muerte… El tren es un emblema en la música popular estadounidense, simbolizando la huida, la libertad o el paso hacia una vida mejor. He sabido de personas a las que Little Black Train de Woody Guthrie les ha ayudado a afrontar la muerte de sus seres queridos a través de una canción. A pesar del tono amargo de esta canción, los trenes en la obra de Woody Guthrie representan el símbolo definitivo de la movilidad y la supervivencia durante la Gran Depresión.

En Black Train Song, Jim Morrison también utiliza la metáfora del tren para explorar temas de pérdida, destino y resignación. La imagen del tren, recurrente en toda la canción, simboliza un poder imparable y cruel que arrebata lo más querido.

En este poema, Machado nos evoca un viaje de madrugada donde la alegría de la compañía se rompe bruscamente, simbolizando cómo la muerte aprieta el corazón y cambia nuestro rumbo.

OTRO VIAJE

Ya en los campos de Jaén
amanece. Corre el tren
por los brillantes rieles,
devorando matorrales,
alcaceles,
terraplenes, pedregales,
olivares, caseríos,
praderas y cardizales,
montes y valles sombríos.
Tras la turbia ventanilla,
pasa la devanadera
del campo de primavera.
La luz en el techo brilla
de mi vagón de tercera.
Entre nubarrones blancos,
oro y grana,
la niebla de la mañana
huyendo por los barrancos.
¡Este insomne sueño mío!
¡Este frío
de un amanecer en vela! ...
Resonante,
jadeante,
marcha el tren. El campo vuela.
Enfrente de mí, un señor
sobre su manta dormido;
un fraile y un cazador
—el perro a sus pies tendido—.
Yo contemplo mi equipaje,
mi viejo saco de cuero;
y recuerdo otro viaje
hacia las tierras del Duero.
Otro viaje de ayer
por la tierra castellana,
¡pinos del amanecer
entre Almazán y Quintana!
¡Y alegría
de un viajar en compañía!
¡Y la unión
que ha roto la muerte un día!
¡Mano fría
que aprietas mi corazón!
Tren: camina, silba, humea,
acarrea
tu ejército de vagones,
ajetrea
maletas y corazones.
Soledad,
sequedad.
Tan pobre me estoy quedando,
que ya ni siquiera estoy
conmigo, ni sé si voy
conmigo a solas viajando.

Otra canción sobre un tren metafórico símbolo de la muerte es Freight Train, un tren que va a toda prisa. Un tema lleno de bellas imágenes, dulce en sus severas admoniciones y muy pegadizo.

El tiempo avanza sin medida dentro del vagón del tren, donde el pasado el presente y el futuro parecen fusionarse sin remedio. Ausencia y probabilidad. El tren llega puntual, la protagonista no llega. La ausencia se mezcla con la multitud en un mundo que sigue funcionando perfectamente sin ella. Me encanta cómo Wisława Szymborska explora magistralmente la idea de la ausencia, el azar, los encuentros fortuitos y cómo la vida continúa su curso independientemente de nuestra presencia.

Estación de Francia. Barcelona.

ESTACIÓN

Mi no llegada a la ciudad de N.
se efectúa puntualmente.

Te lo he comunicado
por carta no enviada.

Has tenido tiempo
para no llegar a la hora prevista.

El tren entra por la vía tres.
Se apea mucha gente.

La ausencia de mi persona
sigue a la multitud hacia la salida.

Deprisa
entre tanta prisa
varias mujeres ocupan mi vacío.

Un desconocido mío
da la bienvenida a una de ellas,
ella le reconoce
de inmediato.

Intercambian besos
no nuestros,
y se extravía
una maleta no mía.

La estación de la ciudad de N.
ha aprobado el examen
de existencia objetiva.

El todo ha permanecido firme en su sitio.
Los detalles se han desplazado
por trayectorias calculadas.

Incluso ha tenido lugar
una cita concertada.

Fuera del alcance
de nuestra presencia.

En el paraíso perdido
de la probabilidad.
En otra parte.
En otra parte.
¡Sonora expresión!

En esta canción, Johnny Cash captura la desolación de esperar en los paneles de información.

Se dice que esta canción la compuso Eliza Cotten con ¡once años! Pero yo no acabo de creérmelo, la verdad, a juzgar por la letra. Quizás que lo hubiera hecho con catorce o quince. Pero eso es lo de menos; Cotten fue una mujer increíble y su descubrimiento se debe a la casualidad. Eliza trabajaba en unos grandes almacenes y un día encontró a una niña que se había perdido. La madre de esta niña resultó ser Ruth Seeger, la célebre musicóloga, que la contrató como niñera de sus hijos pequeños, Pete, Mike y Peggy. Y con los años, nació su leyenda.

123RF

En poesía, el poeta chileno Jorge Teillier cinceló este sencillo epitafio: “¡Hasta luego, raíles, girasoles...!”. Y, con su proverbial flema cáustica, el peruano Emilio Adolfo Westphalen equiparó su propia muerte a este parón ferroviario: “El tren se ha detenido en el silencio opaco y sin ecos de la noche anónima. Es la llegada a término / no se reanudarán ya más ni agitación ni bullicio ni carcoma”.

Estació de França. Barcelona

Cómo hablar de trenes sin hablar de las estaciones. En las estaciones, la viejas y las nuevas, hay dos mundos: el del andén y el nuestro. A la estación llega el dolor y la felicidad, cartas, noticias, avisos o paquetes. También personas, encuentros y despedidas. Es recurrente la metáfora de la estación como imagen de la vida y la muerte. Desgarros y llantos, pañuelos blancos que sirven para prolongar la despedida y secar las lágrimas. Besos de adiós, abrazos del reencuentro. Estaciones que fueron partida, que fueron destino o simple parada. Estaciones contempladas con el tren en marcha y estaciones de diez minutos. Presencias y ausencias. Serrat nos lo explica muy bien.

El tiempo avanza sin medida dentro del vagón del tren, donde el pasado el presente y el futuro parecen fusionarse sin remedio hacia su destino. Ausencia y probabilidad. El tren llega puntual, la protagonista no llega. La ausencia se mezcla con la multitud en un mundo que sigue funcionando perfectamente sin ella. Me encanta cómo Wisława Szymborska explora magistralmente la idea de la ausencia, el azar, los encuentros fortuitos y cómo la vida continúa su curso independientemente de nuestra presencia.

ESTACIÓN

Mi no llegada a la ciudad de N.
se efectúa puntualmente.

Te lo he comunicado
por carta no enviada.

Has tenido tiempo
para no llegar a la hora prevista.

El tren entra por la vía tres.
Se apea mucha gente.

La ausencia de mi persona
sigue a la multitud hacia la salida.

Deprisa
entre tanta prisa
varias mujeres ocupan mi vacío.

Un desconocido mío
da la bienvenida a una de ellas,
ella le reconoce
de inmediato.

Intercambian besos
no nuestros,
y se extravía
una maleta no mía.

La estación de la ciudad de N.
ha aprobado el examen
de existencia objetiva.

El todo ha permanecido firme en su sitio.
Los detalles se han desplazado
por trayectorias calculadas.

Incluso ha tenido lugar
una cita concertada.

Fuera del alcance
de nuestra presencia.

En el paraíso perdido
de la probabilidad.
En otra parte.
En otra parte.
¡Sonora expresión!

En esta canción, Johnny Cash captura la desolación de esperar en los paneles de información.

También encontramos entre los versos himnos silenciosos a todo lo que hemos perdido. Todo está en este breve poema de Peter Ling: las imágenes, los sonidos y los olores de una estación rural a punto de cerrar. He buscado si existía Harviston End, pero parece que no. Sin embargo, la palabra “end” en el título va mucho más allá del nombre de una estación de guijarros blancos.

HARVISTON END

Miré por la ventana del tren,
y de repente vi la estación vacía
mientras atravesábamos a toda velocidad, con un rugido hueco...
'Harviston End'... Estaba oscuro y muerto."

Noticias de Salamanca

Dice Pablo Arribas que la vida no siempre son trenes a los que hay que subir, a veces son estaciones en las que hay que bajar. Por muy hermoso que haya sido el viaje, casi siempre llega el momento en el que se abren las puertas y toca mirar a ese presente ya con ojos de pasado y decirle: "este no es mi viaje es el tuyo.” Pero también hay otros “viajes” de los que hablar. En esca canción, el tren sirve como metáfora de la droga, y el sonido de Leño ruge imitando un tren. En el argot callejero de finales de los años 70, "subirse al tren" era una metáfora directa de colocarse o experimentar un viaje psicodélico con esta sustancia.

Armando Uribe lo erigió en siniestro emblema del despecho amoroso: “¿Dónde estabas, maldita, mientras yo en largos trenes / llenos de muertos despulgaba niños”. Los versos de Vanesa Pérez-Sauquillo cantan a ese amor imperdonable, tal vez equivocado, que atraviesa un tren de largo recorrido hacia el alma de uno mismo.

"Compartimiento C" Edwar Hopper

Llega un punto

en que solo somos libres

para saltar -o no-
de un tren en marcha.
Ese tren que cogimos
demasiado temprano.

El tren también puede ser metáfora de la esperanza, claro está. La canción de Curtis Mayfield People Get Ready sobre ese tren que acoge a todos los que se suban, sin discriminación ni equipaje, sin pedir ticket, solo con su fe, se convirtió en un himno no oficial del Movimiento por los Derechos Civiles. He aquí la versión de Jeff Beck y Rod Stewart.

Sin embargo, este poema de Helen Mackay sobre un soldado que deja a su familia para viajar al frente, en la Primera Guerra Mundial es verdaderamente angustioso.

TREN

¿Nunca arrancará el tren?
Dios, haz que arranque el tren.

Ella no puede soportarlo, aguantando tanto tiempo;
y él, él ya no intenta reírse de ella.
Se va.

Ella ahora le toma las dos manos.
Ahora, ella lo toca y lo ve.
Y entonces él se habrá ido.
Se habrá ido.

Son tan jóvenes.
Ella está de pie bajo la ventana de su vagón,
y él está de pie en la ventana.
Se toman de las manos
a través del alféizar de la ventana.
Y miran y miran,
y saben que tal vez nunca vuelvan a mirarse.

El gran reloj de la estación, -
qué extraño es.
Terrible que los minutos pasen,
terrible que los minutos nunca pasen.

Habían caminado por el andén durante tanto tiempo,
arriba y abajo, y arriba y abajo-
el andén, en la mañana lluviosa,
arriba y abajo, y arriba y abajo.

El guardia pasó, llamando,
“Tomen sus lugares, tomen sus lugares”.

Ella está de pie bajo la ventana de su vagón,
y él está de pie en la ventana.

¡Dios, haz que arranque el tren! ¡
Antes de que no puedan soportarlo,
haz que arranque el tren!

¡Dios, haz que arranque el tren!

Los tres niños, allí,
vestidos de negro, con la anciana niñera,
de pie juntos, mirando, y mirando,
a su padre en la ventana del vagón,
están tan desolados y silenciosos.

La niña no llora,
pero le tiembla la barbilla.
Echa la cabeza hacia atrás,
con su pequeña trenza rígida,
y no llora.

Su padre se inclina,
sobre el alféizar de la ventana,
y la besa, y la besa.

Debe ser como su madre,
y debe ser la madre la que está muerta.

La niñera levanta al niño más pequeño,
y su padre lo besa,
inclinándose a través de la ventana del vagón.

El niño grande se mantiene muy erguido,
y mira a su padre,
y lo mira, y nunca aparta los ojos de él.
Y sabe que tal vez nunca vuelva a mirarlo. ¿

¿Nunca arrancará el tren?
¡Dios, haz que arranque el tren!

El padre extiende la mano desde la ventana,
y agarra la mano del niño,
y no dice nada.

¿Nunca arrancará el tren?

Suelta la mano del niño.

¿Nunca arrancará el tren?

Toma la barbilla del niño entre sus manos,
asomándose por la ventana,
y levanta su rostro juvenil hacia el suyo.
Se miran y se miran,
sabiendo que tal vez nunca vuelvan a mirarse.

¿Acaso el tren nunca arrancará?
¡Dios mío, que arranque el tren!

Y es que en la historia de la humanidad siempre ha habido un tipo de trenes que conducían a un negro destino.

El siempre combativo Pete Seeger (a quien Barack Obama pisó el Nobel de la Paz) escribía en 1970 esta protesta cantada contra la guerra de Vietnam, en la que culpa a los políticos, a los militares, a los ciudadanos conformes y a los votantes de cierto presidente de la invasión del país asiático en nombre de (decían, dicen, y como no nos andemos con ojo, volverán a decir) “la democracia” … Una democracia que había tenido silenciado al gran trovador estadounidense por su ideología socialista, por apoyar a los trabajadores y a los negros. Seeger invita a todos ellos a tomar el último (por desgracia no ha sido así) a Nüremberg, que, como todos sabéis, es la ciudad alemana en donde los criminales de guerra nazis fueron juzgados por crímenes contra la humanidad.

Miguel Hernández conoció los trenes-hospital del bando republicano, combatiendo a su lado en la guerra civil española de 1936. Este poema es una alegoría del viaje de los milicianos hacia la noche más oscura, por un territorio en el que no se detienen, porque ya no tienen dónde detenerse.

EL TREN DE LOS HERIDOS

Silencio que naufraga en el silencio
de las bocas cerradas de la noche.
No cesa de callar ni atravesado.
Habla el lenguaje ahogado de los muertos.

Silencio.

Abre caminos de algodón profundo,
amordaza las ruedas, los relojes,
detén la voz del mar, de la paloma:
emociona la noche de los sueños.

Silencio.

El tren lluvioso de la sangre suelta,
el frágil tren de los que se desangran,
el silencioso, el doloroso, el pálido,
el tren callado de los sufrimientos.

Silencio.

Tren de la palidez mortal que asciende:
la palidez reviste las cabezas,
el ¡ay! la voz, el corazón la tierra,
el corazón de los que malhirieron.

Silencio.

Van derramando piernas, brazos, ojos,
van arrojando por el tren pedazos.
Pasan dejando rastros de amargura,
otra vía láctea de estelares miembros.

Silencio.

Ronco tren desmayado, enrojecido:
agoniza el carbón, suspira el humo
y, maternal la máquina suspira,
avanza como un largo desaliento.

Silencio.

Detenerse quisiera bajo un túnel
la larga madre, sollozar tendida.
No hay estaciones donde detenerse,
si no es el hospital, si no es el pecho.

Para vivir, con un pedazo basta:
en un rincón de carne cabe un hombre.
Un dedo solo, un solo trozo de ala
alza el vuelo total de todo un cuerpo.

Silencio.

Detened ese tren agonizante
que nunca acaba de cruzar la noche.

Y se queda descalzo hasta el caballo,
y enarena los cascos y el aliento.

Locomotoras, vagones, raíles, estaciones… los trenes no le temen al vacío de los puentes ni a la oscuridad de los túneles. Nosotros sí. Se podría decir que oímos el corazón del mundo cuando pasan. “¿Hay algo más triste en el mundo que un tren inmóvil en la lluvia?” dijo Neruda. “Pensad que el viajero que se aleja / siempre vuelve a su punto de partida / y que el tren que parte a medianoche / es el mismo que llega al amanecer”.

El tren es un sentimiento permanente que no está en vías de extinción. Sigue vivo aunque las malas hierbas invadan algunos andenes y la vida se parece a veces a esas estaciones olvidadas. No es fuego extinguido, invisible a los ojos: la llama sigue latente. Hubiera sido pretencioso tratar de recoger aquí toda la música con los trenes. Existe una lista de 800 temas y no está completa. Y hay cientos de páginas en internet dedicadas a la poesía ferroviaria.

"La estacón de Saint Lazare". Claude Monet

Para acabar, quiero nombrar el documental “El último vagón”, un trabajo universitario chileno que nos invita a mirar hacia atrás, a reconocer las historias que aún viajan entre los rieles del pasado. “El último Vagón” no solo cuenta una historia: abre una ventana a la memoria, al territorio y a quienes hicieron parte de una época que no debe ser olvidada.

24 de junio de 2026

Mi querido amigo Migel Sagües nos propone esta canción de Andrés do Barro, uno de los referentes de la música gallega. Una canción que tiene su historia: “O tren” es una canción que salió a la luz el 3 de noviembre de 1969. Andrés Dobarro colocó su canción directamente en el número uno en España. Fue la primera canción gallega en conseguirlo. Y la única en una lengua diferente al castellano, en una época en la que la censura franquista no permitía editar canciones en gallego.

Y pase lo que pase, NO DEJEMOS DE HABLAR DE GAZA. Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір, si el calor tropical os lo permite. Aunque ya sabemos que el cambio climático es una farsa, ¿verdad?

Otras fuentes:

https://www.podiumpodcast.com/podcasts/sofa-sonoro-playser-em/episodio/3974758/
https://www.jotdown.es/2024/08/melodias-ferroviarias/
https://medymel.blogspot.com/2011/12/la-musica-del-tren.html
https://velvetyblog.wordpress.com/2015/05/13/5-canciones-sobre-trenes/
http://www.10historias10canciones.com/2010/02/canciones-sobre-trenes.html
https://radiopopular.com/podcast/el-ferrocarril-en-la-musica-clasica-el-jazz-y-mas
https://realacademiadesanquirce.es/?p=3740
https://ejerciciodelcriterio.org/2025/04/14/el-tren-dos-poemas-agustin-garcia-calvo-y-antonio-pereira/
https://encimadelaniebla.com/literatura-ferroviaria-iv/
https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/libros/20231010/antonio-puente-articulo-abril-trenes-nostalgia-117969371
https://arteyferrocarril.blogspot.com/

Recordando a Cat Stevens

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Mon, 01 Jun 2026 18:21:33 +0000

La maravillosa delicadeza del músico que tenía los ojos de gato

En la música no abundan las figuras que están de paso. La música, la fama, es siempre una meta y rara vez un medio, un lugar en el que uno está de paso. Ese es el caso de Cat Stevens. El cantante tuvo una irrupción tremenda en la música siendo muy joven. Sus canciones tranquilas, evocadoras y poéticas conectaron con un enorme público a comienzos de los años setenta y sus discos vendieron millones de copias.

Foto de Dioses y monstruos

La vida del gato Stevens siempre estuvo llena de avatares místicos religiosos que le llevaron a una verdadera crisis de identidad. Un día aquel famoso joven que ya había superado una tuberculosis estaba nadando en las playas de Malibú cuando tuvo un susto, uno que le cambió la vida. Tras ver la muerte de cerca, Stevens se alejó de la música y se convirtió al islam. Siete años después de publicar “Tea for the Tillerman” (1970), un disco que marcó la cima del cantante, Cat Stevens cambiaba su nombre por el de Yusuf Islam. Hasta entonces había sido un hippie bueno deseoso de vivir en un mundo mejor. Paz y Amor. Estuvo casi treinta años sin grabar un disco, pero a comienzos de los setenta la realidad era otra. En esa época tan fascinante de la música la irrupción del folk tranquilo y reflexivo de Stevens resultó una anomalía, una genial anomalía. “Tea for the Tillerman” es el trabajo intensamente espiritual de un veinteañero que buscaba su lugar en el mundo, disconforme con el rumbo materialista y deshumanizado del mundo moderno, pero con el instinto de un cantautor de melodías inolvidables. Melodías que recordaremos esta noche.

Este vinilo es una de las joyas de nuestra discoteca

Cat Stevens es parte de la banda sonora de mi juventud, de la vida que iniciamos Jesús y yo en aquel ático maravilloso del barrio de Sant Andreu. Me encantaba. Si tuviera que hacer una lista de mis 100 canciones favoritas seguro que incluiría 3 o 4 suyas. La primera sin duda, Morning has Broken.

Mucha gente cometimos el error de darle la autoría de Morning has Broken a Cat Stevens dado que él fue quien la popularizó en todo el mundo. “La saqué de un libro sobre himnos, nos explica él mismo, cuando estaba buscando ideas. Era una canción bastante tradicional cantada en la iglesia, y yo solo hice mi propio arreglo. Me enamoré de la melodía y las palabras, y la gente piensa que es mía”. La parte de piano fue interpretada por el teclista de Yes, Rick Wakeman. Es por eso que en el año 2000 Wakeman publicó una versión instrumental en un álbum del mismo título.

El primero y último disco que tenemos de él

El primero de sus discos, “Mona Bone Jackson” (1970), de hermosa austeridad, contiene las primeras joyas del inicio de su popularidad, como la famosa balada acústica Lady D´Arbanville. Detrás de su letra, que simula el luto por la muerte de una mujer, se esconde una metáfora del desamor: el fin de la relación de Stevens con la modelo y actriz estadounidense Patti D'Arbanville una joven modelo neoyorquina y musa de Andy Warhol.

Wild World es otro de los éxitos de este álbum. “Esa fue realmente mi canción de despedida con mi novia Patti D’Arbanville. Habíamos tenido buenos momentos juntos, pero comencé a grabar y ella estaba de modelo. Eran dos mundos muy diferentes”, explica en “Plásticos y decibelios”.

Cabalgando sobre el éxito, “Teaser and the Firecat” (que, por cierto, también es el título de un libro escrito e ilustrado por el cantante) cimentó el distintivo “sonido de Cat Stevens”, gracias a diez prístinas, poéticas e inolvidables composiciones llenas de altruismo entre las que destacaron como puntas de lanza la otoñal Morning Has Broken, citada anteriormente, la utópica Peace Train (compuesta en un tren), la emotiva Moonshadow, y la folclórica Rubylove, en la que ahonda en sus raíces griegas. Peace Train es un grito de paz en toda regla, un himno que resonaba en todos los movimientos por la paz de aquella época en la que la Guerra de Vietnam estaba aún muy presente, y que volvió a sonar para protestar por la Guerra de Irak en el 2003.

“La canción salió de la era de Vietnam y el efecto que tuvo en nuestra generación, así como en la Guerra Fría, que se avecinaba por encima de nosotros. Nos dimos cuenta, “Hey, todos queremos vivir; No queremos ser arrastrados a hacernos añicos. Queremos que este planeta continúe “. Así que la paz se convirtió en una llamada de reunión para muchos de nosotros en los años 60. Una vez comencé a hacer turismo y estaba en un tren que iba hacia el norte en el Reino Unido y de repente me di cuenta de que tenía esto. A partir del sonido de las ruedas, se me ocurrió esta idea de “Tren de la Paz” (…) una de mis canciones más profundas y que aún brota a través de los corazones de muchas personas y las esperanzas que tenemos hoy”.

Cuento escrito e ilustardo por el cantante

Ya sé que no es una canción que tuviera muchó éxito pero una de las que también me gusta mucho es The Wind, la primera de la cara A.

En 1973 viaja a Jamaica para grabar su nuevo trabajo “Foreigner”, un arriesgado cambio de rumbo, un disco influenciado por el soul y el rock sinfónico, corriente musical que estaba en sus días de gloria. Este álbum es otro recuerdo de cuando íbamos a Rodons, la tienda de nuestro barrio, Sant Andreu, a comprar vinilos de oferta con el carro de la compra. La de joyas que pudimos conseguir en aquel antro. Música inolvidable que compone la banda sonora de una de la épocas más intensas de mi vida. El disco nos costó 300 pesetas. En él, Cat Stevens nos ofrece cinco composiciones. La primera de ellas la ha titulado Foreigner Suite, una ambiciosa pieza de 18 minutos que ocupa todo el primer lado del disco. A pesar de su validez, es ignorado por la crítica y solo The Hurt obtiene cierta repercusión.

Cat Stevens en 1973

Sin embargo, yo me quedo con How Many Times en la que Stevens nos pregunta acompañado del piano, “¿Cuántas veces debo levantarme? / Mira hacia afuera y ve la misma vieja vista ¿Cuántas veces debo usar las mismas cosas viejas? / Y escuchar las mismas viejas cosas que hago, hago / Cuantas veces debo limpiar esta cara, mi cara / Y cuántas veces debo lustrar mis zapatos, oh señor / ¿Cuántas veces debo beber la misma bebida de siempre? / Y soñar los mismos viejos sueños que yo hago”.

Otra de las canciones que tengo en mi recuerdo de aquella época y que he tarareado muchas veces es Heaven gravada como parte de Foreigner Suite En "Roadsinger" (2009) modificó algunas letras y amplió la canción añadiendo Where True Love Goes. Aquí está la versión original extraída del original de 1973.

Hasta aquí el recuerdo de las canciones que me llenan de nostalgia (alguna lagrimita ha caído volviéndolas a escuchar). Pero quiero también compartir una curiosidad. Se trata de una reimaginación de Father & Son, una ejercicio mental que su autor ha hecho para plantear desde la perspectiva de un septuagenario lo que concibió un joven veinteañero en un mundo que, aunque era distinto, en realidad no lo es tanto. En ella el Yusuf de 72 años asume la voz del padre, mientras que la voz del hijo es tomada de una grabación en vivo en el Troubadour de Los Ángeles de 1970, en un trabajo fantástico de edición. Precioso.

El Cat Stevens que tantos buenos recuerdos me trae es un personaje fuera del tiempo, un artista de rara sensibilidad fruto de una infancia y juventud muy intensa, con momentos de tragedia. Este pasmoso equilibrista empeñado en caminar siempre a contracorriente, en permanente viaje interior en búsqueda de la verdad, es una especie de último romántico capaz de aparecer y desaparecer a su antojo de una escena, la del mundo del espectáculo en la que nunca se sintió muy a gusto. El 22 de noviembre de 1979, en el concierto "The Year of The Child" en el estadio de Wembley, frente a cien mil personas, cantó su última canción sobre un escenario, Father & Son. Al terminar la canción se dirigió al público: “Sólo tenemos una vida y hemos de aprovecharla lo mejor que podamos. Deseo que todos los que estáis aquí aprovechéis la vuestra. In salá”, y abandonó el escenario para siempre. Estaba en el cenit de su carrera. Tenía el mundo a sus pies.

22 de noviembre de 1979, último concierto

El 22 de noviembre de 1979, en el concierto "The Year of The Child", de la UNICEF en el estadio de Wembley, frente a cien mil personas, cantó su última canción sobre un escenario, Father & Son. Al terminar la canción se dirigió al público: “Sólo tenemos una vida y hemos de aprovecharla lo mejor que podamos. Deseo que todos los que estáis aquí aprovechéis la vuestra. In salá”, y abandonó el escenario para siempre. Estaba en el cenit de su carrera. Tenía el mundo a sus pies.

BBC

Después de 11 álbumes como Cat Stevens, el último ya convertido al islam, harto del mundo del espectáculo, inmerso en una continua lucha entre el mundo material y el espiritual, yo le perdí la pista. Como cantante de folk, el compositor británico se convirtió en el portavoz de una generación hippie desilusionada. Como Yusuf Islam, fue acusado de apoyar la fetua del ayatolá Jomeini contra Salman Rushdie, autor de "Los versos satánicos", tras una desgraciada entrevista. Luego hubo explicaciones y justificaciones pero esa mancha siempre quedará ahí. En el año 2000 Israel le niega la entrada luego de haber sido acusado de darle recursos a Hamas. En 2004, EEUU le prohibió la entrada por sospecha de terrorismo. A pesar de todo ello, su peculiar tono intimista lo sigue haciendo agradable y próximo, y sus obras desinteresadas o benéficas atraen las simpatías hacia su persona. En 2009 lanzó una canción solidaria, una versión del tema de George Harrison, The Day the World Gets Round, junto al bajista alemán Klaus Voorman, ex colaborador de los Beatles, cuyos beneficios serán donados a la agencia de la ONU para los refugiados palestinos (UNRWA) y a la organización "Save The Children " para ayudar a los niños y sus familias de la franja de Gaza .

No me voy a despedir sin hablar del estado genocida de Israel una vez más (y las que haga falta). Son múltiples las secuelas en los niños de un genocidio impune por el que el mundo debería haber expulsado a Israel de la comunidad internacional. Además de estar haciendo una limpieza étnica y carnicería en Gaza y colonizando Cisjordania, Netanyahu, anunció el jueves que Israel tomará el control del 70% del territorio de la Franja,. Por otra parte, cada vez hay más indicios de que el genocida que preside el Gobierno de Israel permitió conscientemente la muerte, secuestro y violación de cientos de israelíes a manos de los salvajes de Hamás como cimiento de sangre para toda la estrategia que implementa desde entonces.

Mientras, los activistas de la Flotilla han sido víctimas de "malos tratos" físicos y psicológicos y han explicado las "torturas" sufridas durante su detención y “violencia sexual”. Apuntan a una "escalada de violencia abismal". Los periodistas de Gaza Norte se dirigen directamente al mundo: "La ley de Israel que condena a muerte a los palestinos es peor que la de los nazis". Además, el ejército también está avanzando sobre una porción considerable del Líbano. Nadie dice nada. Los dejan hacer. Al contrario. Europa se convierte en la puerta de entrada para el negocio generado por el genocidio en Palestina y mira para otro lado mientras el genocida Ben Gvir, el de la horca, dice que hay que arrasar el Líbano, y cortarles la electricidad y el agua. Somos cómplices de una barbarie retransmitida en directo ante nuestros ojos. Las generaciones futuras nos maldecirán.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

https://www.podiumpodcast.com/podcasts/sofa-sonoro-playser-em/episodio/3974758/
https://diosesymonstruosdotcom.wordpress.com/2013/03/20/12-cat-stevens-el-dibujante-de-canciones/
https://www.rtve.es/play/audios/los-ultrasonicos/doctor-soul-cat-stevens-sesenta-anos-pop-exquisito-20-04-25/16546767/
https://elpais.com/cultura/2020-05-03/las-metamorfosis-de-cat-stevens.html
https://latorredemontaigne.com/2014/12/las-tres-vidas-del-gato/
https://deloposiblesesabedemasiado.blogspot.com/2014/02/cat-stevens_3.html

https://culturainquieta.com/musica/el-precioso-video-en-stop-motion-del-clasico-father-and-son-de-cat-stevens/

"Hurt" de Johnny Cash, una versión convertida en leyenda

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 15 May 2026 18:02:50 +0000

Cash no la cantó, la confesó.

A la hora de hablar de temas versionados en la historia de la música podemos encontrar unas raras excepciones en las que la adaptación llega a hacerse más popular y conocida que el tema original. Esta canción que os traigo esta noche ejemplifica como pocas dicha situación. Se trata de la desgarradora Hurt de Johnny Cash, una joya musical icónica. Recuerdo la primera vez que la escuché hará unos siete años. Recuerdo, también, la cantidad de emociones que provocó en mí. Porque Hurt es una obra maestra que desnuda el alma; es el espejo de los que cargan con cicatrices emocionales. Los espíritus rotos y vulnerables encuentran eco en una canción que habla de la culpa, la soledad y el deseo de redimir el pasado, aunque sea tarde. Es la voz de quienes han tocado fondo, pero aún buscan sentido, aunque sea en el dolor.

Foto: Loudwire

Cuando el 17 de abril de 1995 el grupo Nine Inch Nails lanzaba esta canción, no podía ni intuir que sería considerada una de las más crudas y dolorosas de la historia del rock. Intento imaginar qué pasaría por la cabeza del autor del tema, Trent Reznor, cuando siete años después le dicen que Johnny Cash iba a versionarla. Es difícil saber si en medio de ese orgullo y esa alegría extraña que le debieron inundar vislumbró en algún momento el peligro potencial que la noticia traía consigo. Posiblemente no. El peligro potencial se convirtió en realidad cuando Johnny hizo lo único que sabía hacer y convirtió Hurt en algo tan grande, tan grande, que se comió a la original. Porque escuchar la voz profunda de Johnny Cash con 70 años decir que "todas las personas a las que conozco /se acaban yendo" no puede compararse con oírselo a Trent Reznor, que de pronto parece un adolescente cantando sobre algo que no conoce.

Lo último que nos dejó Johnny Cash antes de morir hace casi 13 años fue este vídeo filmado en su desmoronado y ya desaparecido museo House of Cash en el que un Cash viejo, cansado y enfermo terminó de condenarla a la leyenda. Cuentan que cuando Reznor vio el video dijo entre lágrimas: "Esa canción ya no es mía”. En el video, considerado por muchos el mejor video musical de la historia, también aparece June Carter Cash, su esposa, el gran amor del hombre de negro, quien falleció pocos meses después del lanzamiento. A pesar de su relación tormentosa, cuando le peguntaron al cantante por su definición del paraíso dijo: “Esta mañana, con ella, tomando café”. Cash murió en 2003, pocos meses después de la filmación, lo que reforzó la percepción de la canción como una despedida. Su voz gastada convierte cada verso en epitafio. La muerte y el dolor que provoca tanto para el que se va como para el que se queda nunca se han visto tan bien reflejados tanto en las imágenes como en la música.

En 2008, Reznor habló sobre la primera vez que escuchó la escalofriante y emotiva versión de Cash. “Dije que me sentiría muy halagado, pero no me dieron ninguna indicación de que realmente sería grabado. Pasaron dos semanas. Luego recibí un CD por correo. Lo escuché y fue muy extraño. Era esta otra persona que habitaba mi canción más personal. Sabía dónde estaba cuando lo escribí. Sé lo que estaba pensando. Sé cómo me sentí. Escucharlo fue como si alguien besara a tu novia. Fue algo invasivo”.

La Hurt de Johnny Cash no es solo una canción sino una confesión que cambió de dueño. Una exploración cruda del dolor psíquico cuando el sufrimiento ya no cumple ninguna función defensiva. No hay catarsis ni dramatización; hay desgaste. Una mirada a la culpa y a la pérdida; el balance de vida.

HERIDO

Hoy me herí
Para ver si aún siento
Me concentro en el dolor
La única cosa que es real
La aguja abre un agujero
La vieja punzada familiar
Trato de eliminarlo todo
Pero recuerdo todo
¿En qué me he convertido
Mi más dulce amiga?
Todos los que conozco
Se van al final
Y tú podrías tenerlo todo
Mi imperio de suciedad
Te voy a decepcionar
Te voy a herir
Uso esta corona de espinas
Sobre mi trono de mentiras
Lleno de pensamientos rotos
Que no puedo arreglar
Bajo las manchas del tiempo
Los sentimientos desaparecen
Tú eres otra persona
Yo aún sigo aquí
En qué me he convertido
Mi más dulce amiga?
Todos los que conozco
Se van al final
Y tú podrías tenerlo todo
Mi imperio de suciedad
Te voy a decepcionar
Te voy a herir
Si pudiera empezar de nuevo
A un millón de millas de aquí
Me preservaría
Encontraría una salida

Las canciones están escritas para ser cantadas, claro está. Sin embargo, esta estaba esperando a alguien lo suficientemente mayor, vulnerable y cansado como Johnny Cash para decir cada palabra. Su voz desgastada, su interpretación lenta y su presencia vulnerable hicieron que cada expresión se sintiera real como si no estuviera cantando sino recordando. De esta manera, Hurt se convirtió en un documento emocional que trascendió generaciones y géneros, consolidándose como uno de los covers más reconocidos en la historia reciente de la música.

Hurt de Johnny Cash, como todos los grandes temas tiene su historia; un relato de emociones y autenticidad. Cuando el legendario productor musical Rick Rubin la interpretó por primera vez en 2002, para que Johnny la versionara este no lo vio. "No puedo hacer esa canción", dijo. "No es mi estilo. Está escrito por un joven, fuerte y enojado, lleno de vida que nunca conocí”. Pero Rubin le pidió que leyera las palabras. Así que Cash se sentó con la letra (me lastimé hoy, para ver si todavía siento) y algo en él se cambió. Tenía 70 años. Su cuerpo estaba fallando. June se estaba desvaneciendo a su lado. Aceptó. Lo grabaron en el salón de Rubin. Una guitarra acústica y una voz que se rompió en lugares que nunca solía hacerlo. "Tal vez está demasiado roto", pensó, Rubin. Pero roto era la verdad ahora. Siete meses después de que el vídeo fuera filmado, se había ido. Johnny Cash murió en 2003, lo que reforzó la percepción de la canción como una despedida.

Rubin y Cash. Foto:Plásticos y Decibelios

Hay muy pocas versiones de Hurt (quién se atreve). Vale la pena nombrar la que se escuchó durante la gira Dissonance de 1995, cuando Nine Inch Nails abrió con David Bowie, Bowie cantó Hurt en un dueto con Reznor, respaldada por el ritmo y la melodía original. Compartiendo el escenario, el dúo representó la luz brillante y la oscuridad absoluta.

El vocalista principal de Pearl Jam y una figura importante en el auge del rock alternativo, Eddie Vedder hizo cover de la versión de Cash en su tour como solista en el 2008. A fines de 2011, Leona Lewis también lanzó su versión incluida en “Hurt: The EP”. No hay color.

Esta no es solo una historia sobre una canción; también lo es sobre cómo una voz puede cambiar el significado de todo y sobre cómo a veces la imperfección es lo único que puede transmitir la verdad. Las canciones nos llegan a veces sin saber ni lo que dicen, solo con el sentimiento que transmiten. Cierro los ojos y la voz rasgada y profunda de Cash me transmite la crudeza de la soledad y la memoria del dolor. Cada palabra es un eco de arrepentimiento y verdad. Todo muy humano. Johnny Cash transformó el dolor en arte eterno.

Foto: El Generacional

El 12 de septiembre de 2003, apenas cuatro meses después de la muerte de su esposa, fallecía Johnny Cash. Un mes después, el 10 de noviembre de 2003, en el Ryman Auditorium de Nashville se celebraba un emotivo homenaje. Era imposible plasmar en un solo evento público la amplitud y profundidad de su figura: artista, intérprete, hombre de familia y leyenda. Pero generaciones de cantantes, músicos, familiares y amigos hicieron todo lo posible por dar testimonio de la inmensa influencia de su carrera y celebrar su vida a través de la música.

Hoy tampoco dejaré de hablar de Palestina. La imagen de Lamine Yamal con la bandera palestina en la celebración del título de Liga del Barcelona CF no ha gustado mucho a su entrenador, Hansi Flick, pero ha significado mucho para los que sufren todos los días la destrucción provocada por Israel en Gaza. Tanto que dos artistas han querido dedicar al delantero español un mural en medio de los escombros de los edificios destruidos en el campo de refugiados en el que viven en Ciudad de Gaza.

La respuesta de Israel no sorprende a nadie: acusa a Lamine Yamal de “fomentar el odio”. Yo hago mías las palabras del presidente Sánchez: “Quienes consideran que ondear la bandera de un Estado es “incitar al odio”, o han perdido el juicio o han sido cegados por su propia ignominia. Lamine solo ha expresado la solidaridad por Palestina que sentimos millones de españoles. Otro motivo más para estar orgullosos de él”.

Una buena noticia, para acabar. Un tribunal federal de Washington ha suspendido cautelarmente las sanciones impuestas en 2025 por la Administración de Donald Trump contra la relatora especial de Naciones Unidas para los territorios palestinos ocupados, Francesca Albanese, al considerar que pueden constituir una restricción inconstitucional a la libertad de expresión. "Gaza es el Apocalipsis y está revelando quiénes somos como individuos, como organizaciones, Estados, instituciones y sistemas”, dijo ante un nutrido público en el Círculo de Bellas Artes de Madrid, en la presentación de su libro “Cu ando el mundo duerme”."Necesitamos cortar la complicidad, protestar no es suficiente".Como tardemos mucho en despertar, no quedará nadie

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

https://cadenaser.com/programa/2019/11/30/a_vivir_que_son_dos_dias/1575112002_230375.html
https://www.rockfm.fm/al-dia/noticias/johnny-cash-hurt-redencion-mejor-version-historia-musica-20220912_2283713
https://arinduz.odoo.com/blog/arte-y-espiritu-4/hurt-por-johnny-cash-
https://www.reddit.com/r/Music/comments/65iggc/the_story_behind_johnny_cashs_hurt_still_the/?tl=es-es
https://pod.co/canciones-con-historia/hurt-versin-de-johnny-cash-140618cancionesconhistoria
https://loudwire.com/rick-rubin-got-johnny-cash-cover-nine-inch-nails-hurt/
https://www.plasticosydecibelios.com/rick-rubin-tuvo-que-convencer-a-johnny-cash-para-que-grabara-hurt/

Patti Smith, la madrina del punk que se enamoró de España, Premio Princesa de Asturias

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 03 May 2026 18:48:00 +0000

“¿Por qué escribimos? Porque no podemos limitarnos a vivir”. (Devoción)

Este miércoles conocimos la noticia de que Patti Smith es Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 “por su impetuosa creatividad, que conecta el rock, la poesía simbolista y el espíritu de la contracultura con una gran potencia expresiva. Intérprete de estilo vigoroso, ha plasmado la rebeldía del individuo en la sociedad en canciones palpitantes, algunas de las cuales ya son iconos de la música popular de nuestro tiempo”. Como escritora, ha transmitido una visión poética de la vida, comprometida con ofrecer un mensaje de esperanza frente a las injusticias. Con una actitud inconformista y transgresora, ejemplo para muchas artistas, ha conmovido a oyentes y lectores de todo el mundo y sigue inspirando a las nuevas generaciones”.

Foto: Poetryalquimia

Mi primer encuentro Patti Smith con fue con el álbum “Radio Ethiopia”, publicado en 1976 y que yo conocí un poco más tarde, en 1982, cómo no, gracias a Jesús. Lo compramos a un precio regalado en la mítica Rodons, una tienda de nuestro barrio, cuya alma era Albert Miró, el propietario ya fallecido del Colombia, el bar más antiguo de Sant Andreu, un melómano empedernido como nosotros. Una historia de juventud.

Acompañada del Patti Smith Group que conformó en los 70 con Ivan Král (bajo, guitarra), Richard Sohl (teclados, piano) -ambos ya fallecidos- y los inseparables Lenny Kaye (guitarra, bajo y coros) y Jay Dee Daughtery (batería, percusión), Radio Ethiopia fue, sin duda, un disco potente y salvaje, un paso atrevido después del alto impacto de “Horses” en 1975. A mi no me gustó, NADA. No me gustaba ni el punk, ni el rock, ni el heavy… Yo decía que eso no era música, que era ruido. El paso del tiempo te abre la mente, sin duda. El talento y honestidad de esta inigualable cantante, poeta y heroína del rock y de las causas perdidas, ha sido, afortunadamente, cada vez más valorado. El disco contiene temas muy poderosos y al mismo tiempo pegadizos como Ask the Angels clara inspiración para la generación punk a punto de hacer erupción.

Fue el 10 de noviembre de 1975 se editó el álbum debut de la cantante estadounidense, una obra sumamente influyente en el devenir de la historia; “un catalizador emocional e intelectual de la desarraigada época de los setenta anglosajones”, escribió Fernando Navarro en el diario El País. Un disco transgresor e icónico desde su portada, en la que la cantante aparece rompiendo cualquier cliché de feminidad y con una mirada un tanto desafiante. Era apenas el principio. Con él inició una carrera de combate y resistencia que se extendió a la literatura, la pintura o la fotografía marcada por la insobornable defensa de las libertades y del arte. Además, Patti era la primera mujer que lideraba una banda que ponía música a sus poemas y que se negaba a ser sexualizada para ganarse al público.

Robert Mapplethorpe retrató a la inclasificable artista con una camisa blanca que había comprado en una tienda de segunda mano y un corte de pelo desaliñado que la convirtió de un día para otro en un símbolo de lo andrógino. Lynn Goldsmith, la fotógrafa que la retrató como nadie explica: "En aquella época, mucha gente se sentía incómoda cuando tenía que posar. Patti era exactamente lo contrario. Sabía cómo enfrentarse a la cámara, cómo colocar el cuerpo” “Fue una bocanada de aire fresco”

La primera canción del disco que me viene a la cabeza es su versión del Gloria de Van Morrison a todo volumen, con aquel mítico comienzo “Jesús murió por los pecados de alguien, pero no míos” que tan poco tenía que ver con la que grabó el norirlandés.

La infancia de Patti fue una infancia dickensiana, en un hogar nómada, muy religioso, devoto y humilde, de constante enfermedad, de cuarentenas y largas convalecencias. "Me sentía niña, pero al mismo tiempo anciana como si fuese una reliquia humana de una cultura primitiva", confiesa “No rezaba a Dios para que nos salvase, sino para que nos diera fuerzas para sobrellevar lo que estuviera por llegar”. (en “Éramos unos niños”)Pronto supo que ser artista era una profesión "sagrada", que requería un gran sacrificio, y se marchó a Nueva York, dejando atrás a su familia y a una niña, a la que había dado en adopción después de un embarazo adolescente. En “Pan de Ángeles”, su tercer libro de memorias después de "Just Kids" y "M Train”, en el que la artista hace un recorrido completo de su vida, recuerda a su marido, Fred "Sonic", guitarrista de la banda de rock MC5, como "un hombre atormentado", aunque con un cariño eterno. "Nunca fui capaz de penetrar en la auténtica naturaleza de sus problemas. Su declive fue la tragedia de mi vida, y no beneficia a nadie el exponer las batallas privadas de un hombre muy reservado".

Qué ligero parece el corazón

y a la vez qué cosa tan pesada.
La argolla que nos rodea el cuello
pesa, vaya si pesa. Ella lo rodeó
y él perdió la cabeza ...

Patti y Fred se casaron en marzo de 1980 y tuvieron dos hijos. Pero en Fred murió repentinamente en 1994 a los 46 años de una insuficiencia cardíaca. Patti vertió aquel dolor en canciones como esta, Farewell Reel. Publicada en el disco “Gone Again” (1996), Smith aún hoy dice que cuando la escucha lo impacta profundamente.

Uno de sus temas más conocidos es Because the Nigth (Porque la noche), tanto como Gloria (In excelsis Deo) o Horses, diría yo. Su autoría compartida con Bruce Springsteen el máximo jefe del rock americano, ha llevado a cantidad de debates sobre quien escribió realmente uno de los grandes himnos de rock and roll de la historia de la música moderna, ya que nunca había aparecido en un disco del Boss. La historia, sin embargo, es sencilla: Bruce, en un momento muy negro de su carrera, no sabía cómo acabar la letra y se la pasó a Patty, que la completó en una noche de angustia, esperando la llamada del hombre del que estaba enamorada y que sería su esposo. El resto es historia: él puso la música, Smith puso los versos y lograron un éxito absoluto.

Frederick es el tema más celebrado del disco “Wave” (1979), una canción que han versionado U2 entre otros. Incluida por la revista Rolling Stone entre las 500 mejores canciones de la historia del rock, Smith dedicó la canción a Jeanne Hébuterne, amante del pintor Amedeo Modigliani.

La trama de nuestra vida suda en la oscuridad como un rostro
El misterio del parto, de la infancia misma
Visitas a la tumba
¿Qué es lo que nos llama?
¿Por qué debemos rezar gritando?
¿Por qué no se debe redefinir la muerte?
Cerramos los ojos, extendemos los brazos
y giramos sobre un cristal.

Otro de los clásicos del disco “Horses”, Land: Horses/Land of a Thousand Dances/La Mer(de,) dura más de nueve minutos y es una mezcolanza en principio imposible que resulta siendo completamente orgánica. Violencia y belleza se entrelazan con referencias a la cocaína, Rimbaud (el poeta predilecto de Smith).

Pero el gran himno político de Smith que nunca pasará de moda, por su potencia y su optimismo infinito en que el pueblo tiene el poder de redimir la obra de los necios es, sin duda, People Have The Power. Fue utilizado en 2004 para la gira Vote for change, en la que varios artistas, como Bruce Springsteen, animaban a los ciudadanos a inscribirse para votar. La letra nos habla un sueño donde las guerras desaparezcan, y los enemigos se pueden entender. Un mundo donde las personas tomen el control de lo que sucede, y la violencia desaparezca. Un mensaje necesario de completa actualidad.

Estaba soñando en mis sueños

de un aspecto brillante y justo
y mi sueño estaba roto.
Pero mi sueño quedó cerca.
en forma de valles brillantes
donde el aire puro reconoció
y mis sentidos se abrieron de nuevo
Me desperté al llanto
que el pueblo tiene el poder
para redimir el trabajo de los necios
sobre los mansos la lluvia de gracias
se ha decretado que el gobierno del pueblo

El pueblo tiene el poder (4)

Los aspectos vengativos se volvieron sospechosos
e inclinándote como si estuvieras escuchando
Y los ejércitos dejaron de avanzar
porque la gente tenía sus oídos
Y los pastores y los soldados
yaciendo bajo las estrellas
intercambiando visiones
y deponiendo las armas
para desperdiciarse en el polvo
En forma de valles brillantes
donde el aire puro reconoció
y mis sentidos se abrieron de nuevo
me desperté al llanto

El pueblo tiene el poder (4)

Donde había desiertos
vi fuentes
como la crema las aguas suben
p paseamos juntos por allí
sin nadie para reír o criticar
Y el leopardo
y el cordero
yacían verdaderamente unidos
Esperaba que en mi esperanza
para recordar lo que había encontrado
estaba soñando en mis sueños
Dios sabe que una visión más pura
mientras me rindo a mi sueño
te encomiendo mi sueño

El pueblo tiene el poder (4)

El poder de soñar para gobernar
para luchar contra el mundo de los necios
se ha decretado que el gobierno del pueblo
se ha decretado que el gobierno del pueblo
Escucha,
creo que todo lo que soñamos
puede pasar a través de nuestra unión
Podemos dar la vuelta al mundo
podemos convertir la revolución de la tierra
Tenemos el poder
La gente tiene el poder

El pueblo tiene el poder (4)

El poder de soñar para gobernar
para luchar contra el mundo de los necios
se ha decretado que el gobierno del pueblo
se ha decretado que el gobierno del pueblo

Tenemos el poder
Tenemos el poder
La gente tiene el poder
Tenemos el poder

Por comentarios que he podido leer en redes, creo que es necesario aclarar que Patti Smith no ha recibido el Premio Princesa de Asturias de las Artes 2026 como una visitante ilustre que aterriza de repente en la cultura española. Su nombre lleva años ligado a España por una mezcla de admiración, memoria y afinidad artística. "Si tuviera que resumir lo que este Premio significa para mí, lo haría con dos palabras: Arte y Amor. Por todos los poetas y pintores que desde Lorca a Picasso me han inspirado, y por todo el afecto que he recibido, especialmente de la gente joven", dijo al recibir la noticia.

Patti comenzó escribiendo poemas, pero descubrió que podía llevar su pasión de la mano de la música. El jurado destacó esta faceta menos conocida de la artista, quien, además de contar con una carrera de más de 50 años, es autora de una veintena de libros. La literatura, según ella misma afirma, ha sido siempre el eje principal en el que su vida se sostiene; de muy joven ya devoraba los libros de poesía.

A las 10 horas del 10 de noviembre de 1891.
el poeta Jean Arthur Rimbaud encontró el fin
de su aventura terrestre
A.R

Devociones. a Arthur Rimbaud. Él era joven. Él era muy joven. Era demasiado maldito. Se emborrachó con la sangre de jóvenes muñecas. Con el poder de esas risas locas. Corriendo codo a codo con la visión de su propio demonio. Rápidamente penetró a las jóvenes muñecas. Clavó alfileres en inocentes cabezas. Su tristeza dorada producía una mala semilla. Ja ja. Fue el último en reírse. Cabellos rubios enredados con tu aliento vital. Hidrógeno blanco. Rimbaud. Salvador de los científicos olvidados: los alquimistas. La alquimia de la palabra. El poder de la palabra. Los disparos de los rayos del amor en las ceremonias obscenas no dejan marcas doradas de prueba. Detrás. Rimbaud, bendito Rimbaud herido Rimbaud: ángel con mangas de cabello azul (NO) luz sin sombra. Rimbaud ¿fue una piedra rodante perseguida como todos los profetas? Fue un joven demasiado maldito.

El dibujo y poema aparecen en la edición americana del álbum “Sahara Blue” de Hector Zazou.

El 4 de mayo de 2012 se celebró una rueda de prensa con motivo del primer concierto de Patti Smith en México en La Casa Azul, la residencia de una de las mujeres que más ha influido en su vida, Frida Kahlo, y Diego Rivera en Coyoacán (Ciudad de México). Patti interpretó un par de canciones en su honor y escribió este poema para Frida, inspirado en la colección de mariposas que cuelga horizontalmente sobre la cama de Frida y que le había regalado su amigo, el arquitecto Isamu Noguchi.

LAS MARIPOSAS DE NOGUCHI

No puedo caminar
No puedo ver
Más allá de lo que
Está frente a mí
Me tumbé boca arriba
Sin embargo, no lloro.
Transportados al espacio por las mariposas.
Encima de mi cama
Otro cielo
Con las alas que enviaste
A mi vista
Todo dolor desaparece
Desde otra perspectiva
Transportado a través
Tiempo
Por la mariposa
Esta pequeña canción
Vino a mí
Como un pequeño regalo mientras estaba de pie
Junto a la cama de Frida.
Te lo doy con mucho amor.

La historia de Patti está llena de momentos estelares, etapas miserables, relaciones sentimentales tormentosas, excesos de todo tipo, legendarios discos, textos muy comprometidos, inesperados retiros e increíbles resurrecciones musicales. Su inquietud artística va desde las performances, a componer y cantar canciones con el guitarrista Lenny Kaye, que lleva tocando con Patti desde su primer concierto hasta hoy; de traducir a su admirado Rimbaud a hacer coros o ser periodista musical. Además, se confiesa devota de Bolaño. ¿Sabes?, ser artista es como ser un agente doble. Intentas vivir la vida con toda tu atención, pero no puedes porque sucede algo que desencadena una idea. Estoy sentado en un concierto escuchando a Beethoven y mi mente inventa una historia, y entonces siento la necesidad de escribirla en lugar de seguir escuchando a Beethoven. Es esa dualidad. Quieres involucrarte plenamente en la vida y prestar toda tu atención a tus seres queridos, pero a menudo simplemente no puedes.” (de una entrevista de 2017)

Foto: Quotidiano Nazionale

En 2016, el anuncio de que Bob Dylan recibiría el Premio Nobel de Literatura sacudió el mundo literario, resucitando debates de larga duración sobre la autonomía y los límites de la literatura, (yo misma le dediqué un espacio en este blog) así como el antagonismo entre la cultura alta y la baja. El propio Dylan parecía ser el menos preocupado y no asistió a la ceremonia para aceptar su premio. En su lugar, escribió un breve discurso de aceptación leído por el embajador estadounidense en Suecia, y se pidió a Patti Smith que interpretara una versión de una de sus primeras canciones, A Hard Rain's A-going to Fal. Más allá de su conexión personal, Smith y Dylan han sido considerados iconos, no solo del rock and roll, sino de una época. Dylan encarnaba el movimiento de protesta de finales de los sesenta, y Patti Smith personificaba el primer periodo punk de los setenta. La elección parecía acertada.

A pesar de las excelentes credenciales de Smith como suplente de Dylan, no todo salió como se esperaba en la ceremonia. Debido a un agudo caso de nervios, tuvo que detenerse mitad de camino para recuperar la compostura. Smith describió su agudo fracaso en “How does it feel” (otra referencia a Dylan), un breve ensayo autobiográfico en The New Yorker. “Me vi obligado a parar y pedir perdón y luego intentarlo de nuevo en ese estado y cantar de nuevo con todo mi ser, aunque todavía tropezando. No pasó desapercibido que la narración de la canción comienza con las palabras 'Tropecé junto a doce montañas brumosas' y termina con la línea 'Y conoceré mi canción tan bien antes de empezar a cantar.' Al sentarme, sentí el humillante escozor del fracaso, pero también la extraña realización de que, de alguna manera, había entrado y realmente vivido el mundo de las letras”.

“No busques ser “cool”. Sé apasionado, sé comprometido, sé tú mismo. La autenticidad es más punk que cualquier chaqueta de cuero. Escribe, canta, crea, aunque nadie escuche. Porque el arte verdadero nace del alma, no del aplauso”, nos dice Patti. A pesar de ello, el Princesa de Asturias forma parte de una larga serie de reconocimientos entre los que se incluyen, entre otros, su ingreso en el Salón de la Fama del Rock and Roll (2007), el Premio Nacional del Libro por sus memorias "Just Kids" (2010) y la Legión de Honor y la Orden de las Artes y las Letras en Francia (2022). "La vida es como una montaña rusa. Nunca será perfecta: tendrá momentos perfectos y tramos duros, pero merece la pena".

Foto: Bangkonk Post

No puedo acabar este post sin hablar de Patti Smith como activista. Desde el principio, el activismo social se ve reflejado en su obra. Una de sus primeras canciones, que además le permitió conectar con el público en los primeros recitales de poesía, fue Piss Factory. En realidad, era un poema en prosa donde criticaba las condiciones laborales en las que estaba cuando trabajaba en la fábrica. Esta canción formó parte de su primer disco, que incluía Hey, Joe, algunos poemas e improvisaciones varias. Años después vendría Qana, homenaje al pueblo libanés que fue atacado por militares de Israel o Without Chains, sobre Murat Kurnaz, un ciudadano turco retenido en Guantánamo durante cuatro años.

“Escribí ambas canciones directamente en respuesta a eventos que me indignaron», dijo. Estas son injusticias contra los niños y los jóvenes que están siendo encarcelados. Soy estadounidense, pago impuestos a mi nombre y están dando millones y millones de dólares a un país como Israel, bombas de racimo y tecnología de defensa, y esas bombas fueron lanzadas sobre ciudadanos comunes en “Qana”. Es terrible. Es una violación de los derechos humanos. Extracto del artículo The Independent (9 septiembre 2006). Han pasado 20 años y...

Gaza 2023. Foto BBC

En una de sus visitas a España participó en una manifestación contra la violencia de ETA. Fue en 2008, coincidiendo con una retrospectiva que le dedicó el Museo Artium, donde exponía sus dibujos de artistas como su amigo y compañero Robert Mapplethorpe, o su admirado Rimbaud. También una muestra de sus fotografías, muchas tomadas con Polaroid. Un día antes, la banda terrorista había asesinado al empresario guipuzcoano Inaxio Uria en la localidad guipuzcoana de Azpeitia y en la presentación de la muestra dijo: “Un hermano, un trabajador murió ayer, un hermano de la humanidad”.

Patti Smith ha mantenido un apoyo histórico y constante hacia el pueblo palestino y la situación en Gaza, utilizando su música y su perfil público para abogar por el fin de la violencia y el bloqueo de Gaza. Recientemente participó en la conmemoración del asesinato de Rachel Corrie donde leyó fragmentos de su libro de memorias Pan de ángeles y cantó su tema Peaceable Kingdom en honor a la activista asesinada en Gaza en 2003.

El 24 de julio de 2025, en el Festival de Música en Tiendas de Campaña de Friburgo, le dedicó Peace for children of Gaza a los niños de la Franja.

En esta foto, Patti Smith besa apasionadamente la bandera palestina en el escenario.Un gesto poderoso y conmovedor de solidaridad con el pueblo de Gaza en medio de su sufrimiento interminable.

No dejemos de hablar de Gaza, no dejemos que el ruido de un mundo cada vez más debastado nos vuelva indiferentes. El sufrimiento tiene tolerancia, como las drogas. Como ella misma ha dicho: “Apoya a Gaza, sé humano” En un mundo que a veces guarda silencio, su voz y su corazón siguen clamando por justicia, humanidad y libertad. Desde el escenario hasta nuestras conciencias. Gracias, Patti, por recordarnos que el arte también es resistencia.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

https://marieclaire.com.mx/quien-es-sienna-spiro/
https://www.huffingtonpost.es/virales/patti-smith-le-manda-mensaje-leonor-recibir-premio-princesa-asturias-f202604.html
https://ajustedeletras.wordpress.com/2019/05/24/el-poder-de-patti-smith/
https://www.theguardian.com/music/2025/nov/10/bread-of-angels-a-memoir-by-patti-smith-review-a-wild-ride-with-the-poet-of-punk
https://poetryalquimia.org/2021/12/30/8-poemas-de-patti-smith/
https://revista.poemame.com/2020/06/05/cinco-poemas-de-patti-smith/
https://ismorbo.com/5-de-los-mejores-poemas-de-patti-smith/
https://cancionesrobadas.wordpress.com/2023/06/14/people-have-the-power-patti-smith/
https://www.lavanguardia.com/cultura/20260429/11525468/patti-smith-gana-princesa-asturias-artes.html

https://www.elplural.com/revista-bando/musica/patti-smith-punk-enamoro-espana_388635102
https://www.quotidiano.net/magazine/patti-smith-sui-passi-di-9c428f4e

Sienna Spiro, la música como supervivencia

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 24 Apr 2026 18:00:00 +0000

“Cuando aprendí a plasmar un sentimiento en una obra de arte y a interpretarla, fue cuando aprendí mucho sobre mí misma”

Hace una década, una niña se subió a un escenario y comenzó a cantar. Sienna Spiro descubrió desde muy joven que la música la ayudaba a comprender sus sentimientos. Creció sintiéndose abrumada por sus emociones y, según explica ella misma a sus veinte años: “sufrí mucho acoso escolar y estaba muy confundida sobre por qué me acosaban”. “Fue entonces cuando escribí mi primera canción. La interpreté delante de quienes me habían acosado y fue como una medicina. Me sentí muy reconfortada”.

Fue la primera vez que Sienna se dio cuenta de que la música podía ayudarla a comprender el mundo y a sí misma. “Soy neurodivergente y no me diagnosticaron de pequeña, así que estaba muy confundida con lo que sentía”. Creció escuchando los discos de su padre descubriendo así su voz, cantando a coro con leyendas como Frank Sinatra, Nina Simone, Aretha Franklin y Teddy Pendergrass: “Escuchar música me reconfortaba mucho, y siempre había cantado”. Desde subirse a un escenario escolar con tan solo diez años hasta llenar recintos en todo el Reino Unido y Europa, esta artista de diecinueve años ha transformado la vulnerabilidad en poder.

Esta preciosa canción, Maybe, es un tema lanzado el 2 de agosto de 2024, el segundo sencillo de su EP debut “Sink Now, Swim Later”. La canción se convirtió en su primer sencillo en entrar al top 100 de la lista UK Singles Chart . Spiro dijo que la "canción trata sobre darse cuenta de tu valía y finalmente ver quién es realmente alguien después de haber estado en la oscuridad durante tanto tiempo".

Foto: Karmamagazine

Antes de publicar sus primeras canciones, a los 16 años Sienna empezó a publicar versiones en redes sociales, sobre todo en TikTok, para darse a conocer. En 2024, debutó con la canción Need Me, reflejo una lucha interna entre el anhelo de ser indispensable para otra persona y la inseguridad que surge al no sentirse valorado.

Su meteórica carrera siguió con el lanzamiento en 2025 de su álbum de debut, “Sink Now, Swim Later”, Butterfly effect es el tema de introducción y marca el tono emocional del proyecto. “Creé la canción con un clímax inesperado y una estructura libre para capturar la imprevisibilidad que refleja el concepto del "efecto mariposa" y que realmente cuenta la historia de qué trata esta canción”, explica la cantante.

Cinco meses más tarde ve la luz el también exitoso sencillo You Stole the Story, una exploración emocional de la vulnerabilidad y el desamor. La canción no solo habla de una relación amorosa, sino también de su lucha interna por encontrar su propio valor y sentido de identidad en medio de la incertidumbre.

Con una emotividad sin tapujos y su aire retro, Die on This Hill otro de sus éxitos del año pasado, se erige como la última de una larga lista de baladas melodramáticas de jóvenes británicos como fue Amy Winehouse. La voz de Spiro destaca rica y potente, con un quiebre que sabe desplegar para expresar el máximo desgarro emocional para recordarnos que expresar nuestros sentimientos abiertamente puede ser una tarea ardua. Al mismo tiempo, es una celebración, aunque teñida de lágrimas, de la decisión de sentirlo todo, en lugar de no sentir nada. “Sé que nada importa, / Dios, ojalá algo te importara”, canta en el crescendo de la canción.

En 2025, Spiro se embarcó en la gira “The Visitor Tour”, su primera gira como cabeza de cartel en Norteamérica.En 2025, Spiro se embarcó en la gira “The Visitor Tour”, su primera gira como cabeza de cartel en Norteamérica. Y The Visitor es la canción que inspiró el nombre a la gira. Spiro afirma que siempre se ha sentido como una "visitante" en su vida, temiendo que sus relaciones, amistades, trabajos y otras experiencias fueran efímeras.

Primer concierto en L.A, abril 2025. Foto: The Honey Pop

La canción transmite una mezcla de deseo, vulnerabilidad y cinismo, mostrando el conflicto entre querer creer en el amor del otro y saber que solo es un momento fugaz. “Solo conseguí escribir The Visitor en mi noveno intento. Toda mi vida me he sentido como una persona sin rumbo; me aterra la impermanencia, que las cosas terminen y que la gente se vaya. Me llevó años encontrar las palabras adecuadas para expresar ese sentimiento. No es solo una canción de amor, es una oda a mi vida. Una súplica para no ser solo un momento fugaz en la vida de otra persona, y para aprender a vivir con la idea de que todo es efímero”’, comenta Sienna. La vida es, sin duda, un estado pasajero.

Sienna lo presenta señalando que no trata sobre el desamor de un romance condenado al fracaso, sino sobre la pérdida de una amistad, un giro inusual en el formato de las canciones de ruptura. Para componer, la británica intenta "ser lo más atemporal posible" y escribir desde la honestidad, por eso su tema fetiche es el desamor en todas sus formas. Y no duda en afirmar: "Creo que se puede sentir el corazón roto en muchas áreas de la vida, no solo en el amor. Creo que los amigos rompen el corazón aún más".

Y si queremos seguir hablando de canciones desgarradoras y conmovedoras, tenemos Taxi driver, que explora los sentimientos que experimentó al descubrir que su ex la había engañado con su mejor amiga.

Sus canciones son dramáticas, emocionales, tristes, es verdad. Sin embargo, esos sentimientos provocan una cercanía es sentida profundamente por sus fans, quienes a menudo comentan debajo de sus videos sus propias historias de acoso, desamor o depresión. Un comentario típico: “Sienna sana corazones que ella no rompió”. “Creo que es lo más maravilloso que hay en el mundo”, dice, “haber pasado por algo así y poder crear algo que me ha ayudado, y luego ayudar a otras personas. Es el mayor regalo que tengo”.

Tengo que reconocer que no me gusta la evolución de su imagen, sus labios, sus ojos.... No me gusta sus poses, ni su campaña publicitaria de bolsos de lujo. Pero esa voz, aireada y rota, su tono ronco de mezzosoprano con toques de jazz a causa de unos nódulos, me encanta. Y sus canciones, también. Debe ser que estoy un poco depresiva.Y, por supuesto... (y a este par de genocidas)

Otras fuentes:

https://marieclaire.com.mx/quien-es-sienna-spiro/
https://www.europafm.com/noticias/musica/quien-sienna-spiro-joven-promesa-musica-britanica-versionar-adele-actuar-the-tonight-show_20260108695f93f122f0db7daf08c1f3.html
https://vanidad.es/quien-es-sienna-spiro-nueva-cantante-moda/
https://music.youtube.com/channel/UCd5sMkyvImc50eLIpwy3UaQ

Música para el desarme nuclear

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 12 Apr 2026 18:32:00 +0000

Un grito unánime a frenar nuestra autodestrucción

El 28 de febrero de 2026 comenzó la operación "Furia Épica", una serie de bombardeos aéreos sobre varias ciudades de Irán llevados a cabo por sorpresa por los Estados Unidos y el estado genocida de Israel, mientras estaban en curso negociaciones diplomáticas. Aunque no existe prueba creíble alguna de que Irán estuviera a punto de adquirir un arma nuclear o de obtener los medios para lanzarla, Trump incluyó la amenaza nuclear en su cambiante lista de motivos para ir a la guerra.

Desde entonces, las amenazas de este narcisista patológico, ególatra, racista, misógino, y vengativo al borde de la demencia que se sienta en la Casa Blanca con el botón nuclear a mano, mientras la escoria que hierve bajo las tapas de las alcantarillas sale, le aplaude y le sonríe, han ido creciendo hasta anunciar que si Irán no cedía a sus exigencias “esta noche morirá toda una civilización para no volver más”. Ya sabemos que se ha tenido que echar atrás, pero el simple hecho de que nos corroyera la duda, dice mucho de cómo están las cosas. En el momento en el que escribo esto, el fágil alto el fuego entre EEUU e Irán se tambalea entre nuevas amenazas de Trump y acusaciones de Teherán. Como bien cantó Aguaviva, la guerra que vendrá no es la primera.

Durante el siglo XX grandes acontecimientos históricos motivaron la necesidad del desarme. La Primera Guerra Mundial dio lugar luna carrera de armamentos en el marco de la segunda fase de la Revolución Industrial. Las principales potencias compitieron por colocarse como grandes productoras de armamentos. La Segunda Guerra Mundial y el estallido de la primera bomba atómica, marcaron el peligro de la era nuclear. Desde entonces, muchos compositores y cantantes han decidido hacer un llamamiento a través de la música para alertarnos del peligro de nuestra autodestrucción. Obras musicales y canciones criticando su uso y sus consecuencias, para exigir un proceso de reducción o eliminación de las armas nucleares, buscando un mundo libre de ellas mediante acuerdos internacionales o decisiones unilaterales. 50 años de voces por la paz en el mundo. He aquí una muestra de ellas.

Empecemos con Ain't Gonna Study War No More, un espiritual afroamericano. Sus raíces se remontan a antes de la Guerra Civil Estadounidense. Se utilizó como canción de protesta contra la guerra , especialmente durante la Guerra de Vietnam.

¿No será ese un día glorioso
cuando oigamos a los líderes mundiales decir
"Ya no tenemos que llorar más"
"Lo estamos dejando, lo vamos a dejar ir todo"?

No vamos a estudiar, estudiar la guerra no más
No vamos a pensar, pensar la guerra no más
No vamos a luchar, luchar la guerra no más
Lo estamos dejando, lo vamos a dejar ir
Lo estamos dejando, lo vamos a dejar ir

Tomaremos pólvora para divertirnos.
Luego, deshagámonos de la bomba atómica.
Otra cosa que podemos hacer:
deshacernos también de todos esos cohetes.

El dinero gastado solo en bombas
puede construir un hogar feliz para los pobres.
Algo bueno que podemos hacer.
Tú me tratas como yo te trato.

No más hambre en la nación
Todos reciben educación
Cada vez que nace un bebé
Sabemos que tendrá un hogar feliz

No más dormir en la calle
Todos seremos felices con quienquiera que encontremos
Entonces todos le estrecharemos la mano
Y haremos de este mundo una tierra prometida.

El artista de Michigan Rusty Vining compuso esta versión con el mismo tema de fondo, para el musical “Study War No More”, con un tono totalmente diferente, de trsiteza y desesperación.

¿Alguna vez terminará esta guerra?

¿Puedes decirme para qué es toda esta lucha?
Parece que toda mi vida he estado luchando batallas
y ya no tengo fuerzas.
¿Habrá suficientes muertos?
¿Llegará el momento en que podamos levantar nuestras pesadas cabezas?
Parece que toda mi vida
he estado viendo derramar sangre.
Ahora quiero lavarme las manos culpables.
Quiero dejar mi espada y mi escudo a la orilla del río
Quiero recordar cómo me siento a la orilla del río
Quiero dejar que me enseñes cómo arrodillarme a la orilla del río
No quiero estudiar más la guerra.
No quiero estudiar más la guerra.

La devastación provocada por las bombas atómicas lanzadas sobre Hiroshima y Nagasaki el 6 y 9 de agosto de 1945 es un tema visitado a menudo por los poetas y los compositores de canciones, a menudo en aproximaciones metafóricas y casi siempre como eje de manifiestos pacifistas de alcance universal. Eso sí, con ropajes musicales bien diversos, del folk sombrío al tecno-pop bailable.

Muchas son las canciones que hablan sobre el peligro de una guerra nuclear. Ya desde el principio del uso de las armas atómicas, tras el lanzamiento de las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, el periodista y cantante folk Vern Partlow en 1947 escribió el blues hablado Old Man Atom, grabado entre otros por cantantes como Pete Seeger, en el que nos hablaba de este nuevo peligro diciéndonos entre otras cosas:

Me refiero a lo que la ciencia liberó.
Einstein dice que tiene miedo,
Y cuando Einstein está asustado, tengo miedo.
Hiroshima, Nagasaki, Alamogordo, Bikini...
Aquí está mi moral, clara como el día,
Old Man Atom está aquí para quedarse.
Él va a esperar, es fácil de ver.

Todo empezó en Hiroshima. A las 8:15 de la mañana del 6 de agosto de 1945, la primera bomba atómica jamás utilizada, apodada "Little Boy", fue lanzada sobre la ciudad, que hasta entonces se había librado de los bombardeos convencionales, arrasando el 70% de sus edificios. Se estima que el número de muertos ascendió a 250.000, incluyendo 75.000 en los segundos inmediatamente posteriores a la explosión. En 1980, el grupo británico de techno Maniobras Orquestales en la Oscuridad publicó esta maravillosa canción, que toma su nombre del superbombardero Boeing Enola Gay, que a su vez era el nombre de la madre del piloto que la lanzó. Pese a la gravedad del tema, la contagiosa melodía, guiada por una irresistible frase de sintetizador, convirtió la canción en un superéxito en la Europa continental.

Hiroshima, es una balada melancólica del grupo Wishful Thinking. Una canción poderosa por sí sola, con imágenes como "que el cielo explote".

Hay una sombra de un hombre en Hiroshima
Donde pasó la luna
En un país de las maravillas en Hiroshima
Bajo la luna de agosto
Y el mundo recuerda su rostro,
recuerda que el lugar estaba
aquí.
Vuela pájaro de metal a Hiroshima
y llévate tu carga.
Di la palabra mágica a Hiroshima.
Deja que el cielo explote.
Y el mundo recuerda su nombre,
recuerda que la llama fue
Hiroshima.
Y el mundo recuerda su nombre
Recuerda que la llama era
Hiroshima (6)

En 1972, Georges Moustaki escribió este himno universal por la paz, titulado también Hiroshima, aunque solo menciona la ciudad al final de la canción, expresando una frágil esperanza. Tras esta canción, Moustaki fue nombrado ciudadano honorario de Hiroshima. En 1973, el cantautor ofreció un importante concierto en Tokio, que por supuesto incluyó esta canción.

En el álbum “T’estimo”, un disco de 1983 dominado por la temática amorosa y el piano lento, Lluís Llach incluyó esta curiosa pieza política en la que parece invocar a los espíritus de las víctimas de Hiroshima para que se hagan presentes e impongan su testimonio sobre los manejos de los rectores de la Guerra Fría.

Paul McCartney y Yoko Ono hicieron oficialmente las paces oficialmente en 1995 y colaboraron en una canción, Hiroshima Sky Is Always Blue, para conmemorar el 50 aniversario del bombardeo estadounidense de Hiroshima. Tras un solemne repique de campanas, oímos la voz de Ono Yōko. “John, estamos aquí juntos”, dice. “Que Dios te bendiga. Paz en la Tierra”. Le sigue una cacofonía de instrumentos musicales tradicionales, extraños gemidos y chillidos, intercalados con las voces de un coro liderado por Paul y la voz de Yōko repitiendo la enigmática frase: “El cielo de Hiroshima siempre es azul”. La canción se ha interpretado en directo solo una vez, en un concierto de Ono Yōko (autora de la canción) celebrado el 7 de octubre de 1995 en el escenario Takabutai del Santuario Itsukushima en Miyajima, Hiroshima.

No es fácil encontrar en YouTube música nipona relacionada con la dantesca tragedia nuclear del 6 de agosto de 1945. Solo una pieza dedicada a Sadako Sasaki, que sobrevivió a la masacre, pero falleció de leucemia diez años después, con tan sólo doce años: Song to Sadako Sasaki.

Continuamos con La niña de Hiroshima, un sentido poema de Nazim Hikmet, al que el grupo Aguaviva puso música en su obra imprescindible y de enorme actualidad "Apocalipsis", editado en 1971.

El desaparecido Elijah Nang compuso este maravilloso tributo a Hiroshima One Wish. Un deseo... Se trata de la música... Siempre se ha tratado de la música... Y siempre se tratará de la música... Es hora de que todos volvamos a bailar...

El conflicto en Irán ha resucitado el temor a que se desate una guerra nuclear. Una encuesta del CIS reveló a mediados de marzo que casi el 80% de los españoles la ve posible. Desde la Crisis de los misiles de Cuba y la Guerra Fría, no se había tenido tan claramente esa inquietud. El gasto nuclear de los países que tienen la bomba atómica bate récords en mitad de una tendencia de rearme global, y por primera vez en más de 50 años no existe ningún límite jurídicamente vinculante para las dos mayores potencias nucleares del planeta.

Hammer to Fall (El martillo caerá), de Queen, fue escrita en esa época en que se estaban instalando armas nucleares en territorio estadounidense, listas para disparar en cuanto sintieran que sus enemigos pasaban de ser hostiles a abiertamente agresivos.

Por nosotros que crecimos altos y orgullosos,
en la sombra de la nube de hongo.
Convencidos que nuestras voces no podían ser oídas.
Solamente queremos gritar más fuerte, más fuerte y más fuerte:
¿Para qué demonios estamos peleando?
Solamente ríndete y no dolerá en absoluto.

A Hard Rain's A-Gonna Fall (1963), compuesta por Bob Dylan, es una emblemática canción de protesta folk inspirada en la angustia de la citada Crisis de los Misiles de Cuba y la Guerra Fría.

También del poeta que revolucionó la música popular, Masters of War es una canción de protesta lanzada en el álbum “The Freewheelin” Escrita durante el invierno de 1962-63, es una crítica mordaz contra el rearme nuclear y los artífices de la Guerra Fría, influenciada por la Crisis de los Misiles con una melodía basada en la canción tradicional Nottamun Town.

La banda de rock R.E.M plasma también ese temor en su It's the End of the World as We Know It :“Es el fin del mundo tal y como lo conocemos”

1986. Un tema explícito en español de La Mona Jiménez, que clama por la eliminación de las armas nucleares: Al Desarme Nuclear.

Está claro que en la lucha antinuclear, como en todas las luchas sociales, la música ha sido clave para afrontar los diferentes momentos. En 1983 Miguel Ríos grabó Antinuclear, una de las canciones antinucleares más conocidas en español, que está basada en los hechos que ocurrieron en Washington el 8 de diciembre de 1982, cuando la policía abatió a Norman Mayer, un viejo pacifista, porque se creía que llevaba explosivos, y lo “convirtieron en un mártir antinuclear”.

Tras más de tres décadas, en febrero Trump y Putin dilapidaron la arquitectura de seguridad sellada en las postrimerías de la Guerra Fría, el único acuerdo que resistía con vida para el control de armas nucleares, el Nuevo Tratado de Reducción de Armas Estratégicas (New Start, en sus siglas en inglés), que limitaba a 1.550 el número de ojivas nucleares desplegadas por las dos grandes potencias (tanto montadas en misiles como en bombardero). Allá por 1945, Albert Einstein y J. Robert Oppenheimer, junto a otros científicos del Proyecto Manhattan, que condujo a las primeras bombas nucleares, fundaron el Boletín de los científicos atómicos. Esta organización actualiza periódicamente lo que llama el Reloj del juicio final, que mide lo cerca que está la humanidad de la catástrofe, fijada en la medianoche. Según la última revisión, el pasado 27 de enero, el mundo está a 85 segundos de esa medianoche, lo más cerca que ha estado de la hecatombe. Y Trump con el botón rojo en su poder.

En el 80 aniversario de los bombardeos de Hiroshima y Nagasaki, más de 60 íconos de la música, incluyendo a Joan Baez, Graham Nash y Sean Ono Lennon, firmaron una carta abierta exigiendo el desarme nuclear mundial. La iniciativa buscó generar conciencia sobre la amenaza atómica. En un mundo en declive, con la Tercera Guerra Mundial asomando la patita en cada declaración de Trump, en cada bombardeo sobre Irán, en cada amenaza sobre Cuba; con el fascismo sentado en el congreso de demasiados países europeos con todo lo que se nos está viniendo encima esta noche solo quiero gritar. ¡NO A LA GUERRA! Como canta Jonh Lennon, tras las primeras manifestaciones contra las amenazas nucleares de los años 60, ¡DENLE UNA OPORTUNIDAD A LA PAZ!

Buenas noches. Bona nit. Καληνύχτα. مَساءُ الخَير. Gabon. 굿나잇. Boas noites. 晚安 Bonne nuit グッドナイト Buonanotte. לילה טוב. Oíche mhaith. Wengi alus. Bones nueches. اچھا شام Noson dda. Good night. Спокойной ночи. Guten Abend. শুভ রাত্রি. Laku noć. Bon lannwit. Fie. God nat. Usiku mwema. Oimore. Sula bulungi. Добрий вечір

Otras fuentes

https://www.jotdown.es/2019/02/masters-of-war-celebrando-la-vispera-de-la-destruccion/
https://arteexpressblog.wordpress.com/2016/11/10/las-canciones-y-sus-historias-masters-of-war-bob-dylan/
https://www.nippon.com/es/japan-topics/g01137/
https://www.facebook.com/CarlosCanoOficial/posts/la-ni%C3%B1a-de-hiroshimaen-el-aniversario-de-uno-de-los-acontecimientos-m%C3%A1s-lamentab/3418151008236852/
https://www.the-paulmccartney-project.com/song/hiroshima-sky-is-always-blue/
https://www.abc.es/cultura/musica/20150806/abci-hiroshima-diez-canciones-final-201508051410_1.html
https://www.elsaltodiario.com/energia-nuclear/verano-antinuclear-seleccion-de-musica-para-las-vacaciones
https://elpais.com/internacional/2026-02-05/el-final-del-ultimo-tratado-nuclear-entre-estados-unidos-y-rusia-abre-la-puerta-a-un-rearme-atomico.html
https://www.youtube.com/playlist?list=PLg5zEXHli7Fzz62QTiktaB1WPpzs9Xv6d

Miguel Hernández, el canto que no cesa

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sat, 28 Mar 2026 19:02:00 +0000

El símbolo de la España que pudo haber sido y no fue.

En un día de la infame y sombría posguerra, el 28 de marzo de 1942, en la prisión de Alicante dejaban morir, es decir, asesinaban pasivamente, al gran poeta Miguel Hernández, español, republicano, hombre del pueblo, poeta del pueblo.

Miguel fue un pastor de cabras, persona comprometida con su gente y con su tiempo. Un hombre sencillo y sensible que amaba la libertad y decía: “… soy como el árbol talado que retoño y aún tengo la vida” … y se la quitaron.

El poeta sabía que se moría y que lo haría en la cárcel, que nada material podía legar a su familia. Estaba preocupado, abatido, necesitado de sus seres queridos. Se sentía impotente ante la maquinaria franquista que lo había condenado injustamente y ante la miseria en que sabía dejaba a los suyos. En Nanas de la cebolla, leemos: “En la cuna del hambre/ mi niño estaba/ Con sangre de cebolla/ se amamantaba…”.

Sus vividas experiencias de niño-pastor y huertano se trasfunden por primera vez, poéticamente transformadas, a su poema El niño yuntero, el más tierno y sencillo de su “Viento del pueblo”.

Como dijo su amigo y compañero de celda Antonio Buero Vallejo, fue la guerra de resistencia del pueblo español frente al fascismo internacional la que acabó por convertir a Miguel en un poeta necesario, eso que muy pocos poetas, incluso grandes poetas, logran ser. Miguel fue poeta y miliciano, intelectual y cabrero. Miguel fue comunista, fue coherente, escribió para el pueblo desde las trincheras del pueblo.

Poeta del pueblo, le llamamos. Lo es porque sus versos son cantos a la tierra y a la naturaleza, cantos de amor y de lucha, de exaltación y dignificación del trabajo, de generosidad y orgullo frente a la desigualdad y la opresión.

El mejor homenaje que puede recibir cualquier poeta es que su poesía prosiga como el rayo que no cesa, relampagueando en la larga noche de todos los tiempos, convirtiéndose en poeta de todos. Por eso, desde hace más de medio siglo los poemas de Miguel Hernández han inspirado a numerosos cantantes que han convertido sus versos inmortales en canciones inmortales, discos icónicos y recopilaciones que han dado eco a esa poesía.

De esas naciones icónicas hemos escuchado ya Para la Libertad de Joan Manuel Serrat, Nanas a la cebolla por Niño de Elche, El niño yuntero de Víctor Jara, Vientos del Pueblo de Los lobos, Después de haber cavado este barbecho de Buika y Por una senda de Amancio Prada. Del flamenco al rock y del folk al jazz pasando por la canción de autor, todo el mundo ha querido cantar, versionar o reinterpretar los poemas de Miguel.

La primera llamada de atención en ese sentido la dio en 1967 desde París Paco Ibáñez. Su gran adaptación de Andaluces de Jaén despertó muchas conciencias.

Pero el estallido definitivo no llegaría hasta 1972, cuando Joan Manuel Serrat dedicó todo un elepé a su obra, titulándolo con su nombre y su apellido, que aparecían con caracteres bien grandes en una portada que hizo historia.

Yo aún recuerdo vivamente cantar Llegó con tres heridas, pensando que era una canción folk de Joan Baez. Corría el año 1974. Vestida con uniforme de las monjas y acompañada de mi guitarra, cantábamos canciones de las que desconocíamos su orígen, importancia y la profundidad de su significado.

Los versos de su autor comenzaron así a correr de mano en mano, de boca en boca, floreciendo de nuevo en las voces de artistas como Elisa Serna, Camarón, Carmen Linares, Enrique Morente, Eliseo Parra o Sílvia Pérez Cruz.

Entre 1967 y 2018 se habían grabado 227 discos con 168 poemas adaptados, unas cifras que implican a 242 compositores o intérpretes y un total de 510 canciones. Todo ello, sin contar los temas dedicados al escritor, que no son pocos, desde Víctor Manuel o Silvio Rodríguez a Mayte Martín.

El final de la vida del poeta es un absurdo, deambulando de cárcel en cárcel acabada de la guerra civil y muriendo a los treinta y un años. La cadena SER le rindió homenaje con un fantástico podcast, una serie de 5 episodios, sobre los dos procesos sumarísimos a los que el franquismo sometió al poeta. Es aquí cuando el verso “para la libertad, sangro, lucho, pervivo” adquiere la dimensión exacta y su significado real. Pablo Neruda dijo de él: “Recordar a Miguel Hernández es un deber de España, un deber de amor. Pocos poetas tan generosos y luminosos como el muchachón de Orihuela cuya estatua se levantará algún día entre los azahares de su dormida tierra”.

Miguel Hernández en Orihuela. Enrique Orejudo

No se imaginaba el poeta que, en febrero de 2020, el alcalde de Madrid Martínez-Almeida borraría los versos del poeta del memorial de la Almudena. En noviembre, el Consistorio ya había arrancado las placas con los 2.934 nombres de los fusilados durante el franquismo. Lo hizo sin comunicación previa a las familias. En septiembre de 2024, Orihuela rechazó pedir que se anulen los juicios contra el poeta por los votos del PP y Vox. En enero, ya habían dejado sin subvención el Premio de Poesía miguel Hernández. A principios de este mes, la Diputación de Alicante rechazó blindar el proyecto educativo la Senda del Poeta de Miguel Hernández con los votos, otra vez, de PP y Vox.

Fotografía: Diario Público

Pero no podrán con él. Hasta que la semilla del amor, de la dignidad, de la humanidad, del espíritu de lucha que transmite su poesía no sea una realidad, Miguel Hernández será el poeta de los pobres, de los explotados, de los excluidos, de los refugiados (¿por qué les llaman refugiados si en realidad son abandonados?), de los amordazados, de los represaliados, de los desarraigados, de los desahuciados, de los asesinados en guerras ilegales.

Miguel Hernández será, sobre todo, el poeta de nuestros muertos que cayeron defendiendo la República, olvidados por la historia oficial, poeta de nuestros presos, de nuestros fusilados, de nuestros exiliados.

Que el destino mantenga fresca la memoria y nos libre de aquellos que asesinan a los poetas y a la poesía, señores de la guerra que asesinan a niños, a la Justicia y a la Libertad. Si Miguel viviera también gritaría ¡NO A LA GUERRA!

"Aunque el otoño de la historia cubra vuestras tumbas con el aparente polvo del olvido, jamás renunciaremos ni al más viejo de nuestros sueños"

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

https://cancionypoema.blogspot.com/2016/04/los-poemas-de-miguel-hernandez-en-el.html
https://www.youtube.com/playlist?list=PLFzTrQTFByTSICiAvF_pnm_Qcw15RSQ6L
https://www.elmundo.es/cultura/2017/03/28/58da400f268e3e4a6d8b488f.html
https://kzoomusic.com/el-canto-que-no-cesa-el-gran-homenaje-a-miguel-hernandez/
https://diyeivago.blogspot.com/2021/09/herido-estoy.html
https://www.dipujaen.es/miguelhernandez/catalogo/high.raw?id=0000357189&name=00000001.original.pdf&attachment=0000357189.pdf

La fusión clásico-celta de Rastakeltia

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 24 Mar 2026 19:10:00 +0000

Cuando la novela negra me llevó a la música celta de cámara.

La verdad, no es fácil explicar cómo he llegado hasta el grupo de esta noche. Internet, ya lo sabemos, tiene el peligro de clicar en un enlace que te lleva a otro y a otro y a otro, que, al final, casi ni recuerdas qué estabas buscando originalmente.

Eso me pasó a mí. Estaba tomándole el pulso a la novela negra, con esa sensación de que se edita demasiado de todo, que se satura el mercado. Así me encontré con Juan Miguel Antoranz del Val, un autor de cinco novelas que, además de escritor, es músico, profesor de violín, funcionario docente y director de una escuela de Madrid en la que "la base de la educación es el respeto al alumnado de diferentes culturas". Como no podía ser de otra manera me enganchó su perfil. Y se convirtió inmediatamente en mi héroe. Además del violín, Juan Miguel toca distintos instrumentos como la gaita, la mandolina, la zanfona y la flauta. Además ha pertenecido a distintas orquestas, coros y grupos de música pop y folk, siendo fundador del grupo Rastalekia una formación de música celta de cámara, (fusión de la música celta y popular con la clásica) formada en 2001, con el que seis años después grabó el disco “Suite Celta”. Pertenezco a un grupo de música folk, en el cual, además de instrumentista, soy compositor de los temas que interpretamos, nos cuenta él mismo. Temas como Natire

Así fue como les conocí. Me gustaron y, como es habitual, quise saber más. Algunos de los miembros del grupo son multiinstrumentistas, con lo que las combinaciones posibles son múltiples, desde una formación completamente clásica, con violines, cellos y flauta travesera, hasta otras totalmente distintas con saxo, clarinete, percusiones, gaita, voces, bouzuki, flautas de pico, mandolina, etc.

Desgraciadamente, encontré muy poca información. El grupo se desvanece en el tiempo sin que haya llegado a saber cuándo ni los motivos. Sé que fue ganador del 6º Concurso de Maquetas Tetuán en Vivo, en 2010. Ese mismo año actuaron en el Ateneo de Madrid, con motivo del homenaje de CCOO y UGT a las víctimas del atentado terrorista del 11M en su sexto aniversario. La obra, Once, fue compuesta expresamente por Juan Miguel Antoranz para esta ocasión.

En 2017 fue seleccionado en el proyecto Runas, plataforma para lanzar grupos noveles del Festival de folk de Ortigueira. En 2018, cuando lanzaron el disco, el fantástico y añorado programa de Tarataña de Radio 3 lo presentó en un par de episodios Y que en 2021 se sumaron al grupo Rock contra el fascismo, un colectivo de bandas, oficinas de representación, bares, salas, medios y festivales de rock comprometidos contra el fascismo. Nada más. Tras más de 15 años de conciertos, de componer un buen puñado de temas originales, de arreglar unos cuantos tradicionales y de plasmar su trabajo en disco, desaparecen. Aún así, creo que se merecen un lugar en este blog, aunque solo sea para que su recuerdo perdure en el tiempo.

La influencia celta es la que más se aprecia, pero no faltan giros, melódicos o rítmicos del jazz, del flamenco, del pop, del reggae, de la música árabe…, que se unen a las claras influencias clásicas del grupo. Música relajante y alegre al mismo tiempo para no dejarnos arrastrar por la cruda realidad del momento.

Aun así, no dejemos de gritar ¡NO A LA GUERRA!

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Cantar a Blas de Otero

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sat, 14 Mar 2026 23:00:00 +0000

¿Dónde está Blas de Otero?

“Aquí tenéis mi voz

alzada contra el cielo de los dioses absurdos,
mi voz apedreando las puertas de la muerte
con cantos que son duras verdades como puños”.

En estos tiempos convulsos de guerra y crueldad en los que el hombre es lobo para el hombre, no puedo dejar de preguntarme dónde está Blas de Otero, el poeta de la paz y la palabra.

“¿Dónde está Blas de Otero?”, cantaba Ramón Andrés. “¿Dónde está Blas de Otero?”, se preguntaba el poeta a sí mismo en cada verso de ese dramático y bellísimo poema titulado “Cantar de amigo”. En cada respuesta hay un fragmento de su vida y su dolor, para acabar declarando: “Está muerto, con los ojos abiertos”. Yo también me pregunto dónde está esa postura emblemática de una vida dedicada a buscar, extraer y declarar la verdad. ¿Y nosotros? ¿estamos muertos con los ojos abiertos ante la barbarie del mundo?

He vuelto a releer “Pido la paz y la palabra” y sus versos son como lluvia o como rayo esperanzador. Su palabra se convierte en el propio deseo de los que sufren, en la voz del pueblo. Aparece crítica con la censura del régimen y la propia dictadura, gritando junto a todos aquellos que, como el poeta, han contemplado la muerte de cerca y la destrucción y ansían con fuerza la promesa de un mañana libre, en paz, justo y solidario. Yo también quiero pedir esta noche la paz y la palabra. Pero, ¿dónde están las palabras? ¿Cómo vamos a acercarnos unos a otros desde las más diversas distancias si callamos? ¿Cómo sumar para avanzar? ¿Cómo compartir las soledades? ¿cómo vamos a construir la paz? ¿Estamos a punto de sentir la desesperación que sentía Blas de Otero o ya la sentimos? Necesitamos la palabra, pero la viva, la verdadera, la que nos negaron durante tanta tiranía y a la que ahora estamos renunciando.

Aguaviva, el grupo que acabáis de escuchar, es parte de la banda sonora de nuestra vida. Todos, absolutamente todos sus temas los hemos oído, cantado, incluso llorado juntos Jesús y yo. Aguaviva conseguía con su música y su voz, despertar la sensibilidad oculta por la represión fascista y poner a nuestro alcance poetas malditos de la dictadura. En 1971 eligen “Me queda la palabra”, un poema que reivindica el poder de la expresión, del grito, de la lucha, de la rebeldía cuando todo parece estar perdido y al que ya le había puesto música Paco Ibañez.

¿Dónde está hoy esa poesía social tan necesaria en la era del vacío? Nos urge que alguien escriba como si escupiera formidables virus para erradicar sus males y alertar a los demás del peligro. Porque en medio del ruido del mundo y de las cosas siempre surge, incoercible, el afán del hombre por conocerse y preguntarse. En ese anaquel descansa —¿descansa? — la poesía, humanística, de Blas de Otero, que nos interpela reciamente sincera, hirviente, libre de caireles, directa, honda, decidida en la búsqueda de una paz basada en la justicia. Paz para todos. Así lo cantaba Jarcha.

Él, y los poetas de su generación, espolearon y aplacaron mi hambre y mi sed en los días y las noches de mi primera juventud, maravillada por su intensa integridad.

Me llamarán, nos llamarán a todos.
Tú, y tú, y yo, nos turnaremos,
en tornos de cristal, ante la muerte.
Y te expondrán, nos expondremos todos
a ser trizados ¡zas! por una bala.

Por ello han sido tantos los cantantes y cantautores que han convertido sus poemas en canciones, como lo hizo Luis Pastor, en su disco "Fidelidad", un punto de partida y una constante en su obra.

FIDELIDAD

Creo en el hombre. He visto
espaldas astilladas a trallazos,
almas cegadas avanzando a brincos
(españas a caballo
del dolor y del hambre). Y he creído.

Creo en la paz. He visto
altas estrellas, llameantes ámbitos
amanecientes, incendiando ríos
hondos, caudal humano
hacia otra luz: he visto y he creído.

Creo en ti, patria. Digo
lo que he visto: relámpagos
de rabia, amor en frío, y un cuchillo
chillando, haciéndose pedazos
de pan: aunque hoy hay sólo sombra, he visto
y he creído.

Hubo muchos más, nombres que forman parte de nuestra memoria musical colectiva: Soledad Bravo, Gernika, Imanol, Rosa León, Hilario Camacho Víctor Manuel, Ana Belén, Goliardos…

La obra de Otero es una tarea de por vida, de despertador de la conciencia humana, de apelación a la íntima verdad, de sumergimiento en la inmensa mayoría, de poner el dedo en las llagas que padece y sufrirlas con ella, de manera que así despierte y comience a levantar las ruinas. El poeta nos hablaba desde las ruinas de las ciudades de la posguerra, llamando al hombre, reivindicando la esperanza y luchando contra el odio, por hacer venir al hombre nuevo.

A LA INMENSA MAYORÍA

Aquí tenéis, en canto y alma, al hombre
aquel que amó, vivió, murió por dentro
y un buen día bajó a la calle: entonces
comprendió: y rompió todos su versos.

Así es, así fue. Salió una noche
echando espuma por los ojos, ebrio
de amor, huyendo sin saber adónde:
a donde el aire no apestase a muerto.

Tiendas de paz, brizados pabellones,
eran sus brazos, como llama al viento;
olas de sangre contra el pecho, enormes
olas de odio, ved, por todo el cuerpo.

¡Aquí! ¡Llegad! ¡Ay! Ángeles atroces
en vuelo horizontal cruzan el cielo;
horribles peces de metal recorren
las espaldas del mar, de puerto a puerto.

Yo doy todos mis
versos por un hombre
en paz. Aquí tenéis, en carne y hueso,
mi última voluntad. Así nos dijo,
luchando contra el odio.

Y así cantó también Adolfo Celdrán su palabra inmortal:

Blas de Otero estaba encantado con la musicalización de sus poemas. El poeta abogaba por “imprimir en el aire”, o lo que es lo mismo, airear las palabras y sacarlas de los libros que están “encerrados en sí mismos”.“El disco, la cinta magnetofónica, la guitarra o la radio y la televisión pueden -podrían: y más la propia voz directa- rescatar al verso de la galera del libro y hacer que las palabras suenen libres, vivas, con dispuesta espontaneidad. Mientras haya en el mundo una palabra cualquiera, habrá poesía. Que los temas son cada día más ricos y acuciantes”.

En 1976, en esta entrevista que le hace Enrique Entrena: “Blas de Otero, el poeta vivo...”. para el periódico “La verdad” de Alicante el 28 de mayo de 1976) le preguntan:

- Sus poemas han sido muy cantados… ¿es usted partidario de que se canten?

- Sí, claro, hay que pensar que la poesía se escribe para ser dicha […], lo mismo que los juglares. ¿Sabe una cosa? La imprenta perjudica a la poesía porque el poema se ahoga en un libro. El libro es solo una linda jaula para encerrar pájaros disecados. Hasta las líneas de un libro parecen rejas de una jaula…”

No solo no estaba en desacuerdo en el uso que se hicieron de sus poemas, la inmensa lista de cantautores desde los años 60 y 70 sino que era consciente de que, de esa manera, se popularizó su poesía de una manera casi inimaginable para un poeta contemporáneo. Blas de Otero escuchaba los discos de Paco Ibáñez, y asistió en 1968 a su concierto promocional en el Teatro de la Comedia de Madrid. Por eso no es de extrañar que sean tantos, muchos más de la pequeña muestra de esta noche.

Quiero acabar este post con el magnífico homenaje que Lucía Socam le hace cantándole como quien respira en un bellísimo trabajo evocando y homenajeando al poeta vasco; un disco titulado sencillamente "OTERO" lanzado con motivo del centenario del poeta nacido el 15 de marzo de 1916 en Bilbao.

“Frente al vocerío de los ganapanes y el estruendo de la estridencia, –escribe Juan José Tellez en la presentación del disco de Lucía– nos queda su palabra, la de la fidelidad creyente en hombres y en mujeres, la de la inmensa minoría, la de la razón y el corazón, la de la madre y la madrastra. Blas de Otero cumple cien años de soledad consciente y Lucía Socam lo canta para revivir su condición de ángel fieramente humano”.

¿Dónde está Blas de Otero? Está, por fin, donde debe estar, junto a los clásicos que tenía siempre en la punta de la lengua. Y con la inmensa mayoría, como siempre quiso estar. Este hijo del destierro interior, sintió la emergente necesidad de recrear al hombre nuevo, y elaborar para ello una nueva poesía humanista. Y aquí estamos nosotros para empaparnos de ella a través de la música.

Apostemos por la palabra, la única arma que debemos utilizar. Blas de Otero pidió la paz y la palabra. Y nos han dado la palabra. Utilicémosla para la paz y la libertad. ¡NO A LA GUERRA!

"Yo doy todos mis versos por un hombre en paz"

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Otras fuentes:

https://fundacionblasdeotero.org/

https://www.cervantesvirtual.com/obra-visor/blas-de-otero-entre-el-pueblo-y-la-palabra/html/

https://www.diaridegirona.cat/opinio/2014/04/25/poemes-des-llit-49265484.html
https://albokari2.wordpress.com/tag/blas-de-otero/
https://discmedi.com/es/disco_new/7503/la-msica-y-la-palabra.-poemas-musicados
https://crisisdepapel.blogspot.com/2013/06/blas-de-otero-poesia-e-historia.html

https://elpais.com/ccaa/2013/03/13/paisvasco/1363169261_204464.html

La dulce Pomme

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Mon, 16 Feb 2026 19:25:00 +0000

Una artista polifacética, una cantante delicada, una compositora impresionante

Ya os he dicho alguna vez que tengo una sobrina, Nuria, a la que le encanta la música y que comparte conmigo sus gustos musicales. Un lujazo. A ella le debo haber conocido a Demi Lovato, que tuvo su espacio en este blog, así como a Joy Oladokun, a quien también dediqué una entrada. El verano pasado, Nuria me dio a conocer la artista de esta noche, la cantante francesa Pomme. A la saca para saber más de ella, le dije. Pero como mi relación con los franceses nunca ha sido buena (cosas de familia), se había quedado ahí, en la saca... del olvido. Un anuncio en Instagram de su gira por Sudamérica, me la hizo recordar. El algoritmo, que lo sabe todo de nosotros.

Fotogtrafía: Ce C'est Culte

Pomme es una artista francesa que compone música tan delicada como su nombre artístico. Nacida como Claire Pommet, creció en Lyon y se rodeó de talentosos artistas franceses y canadienses. Pomme nos cuenta que comenzó "muy temprano la música aprendiendo el solfeo a los 6 años y luego el violonchelo y también ha cantado mucho en coros. De manera paralela escribió permanentemente textos poemas, canciones e historias y organizó toda su vida en torno a esto. A partir de sus 15 años, comienza a trabajar para que la música se convierta en su profesión".

Qué os ha parecido? He querido empezar con este precioso tema, la versión en francés de Seabed Eden, canción que originalmente publicó la cantautora y multinstrumentista japonesa Ichiko Aoba en 2020 y que es una de las más representativas de su repertorio. Me encanta la sencillez y la ternura que desprende.

Fotografía: Eliana Francés Online

La música de esta joven cantautora, una amalgama de pop, folk y chanson française, ha evolucionado a lo largo de su carrera, como reflejo de un viaje personal y musical. La siguiente canción, En Cavale, es de su primer EP en solitario, un trabajo homónimo publicado en 2016 que, según sus propias palabras “resume los últimos 4 años de mi vida; el paso del tiempo, la carrera tras la felicidad”.

Sin embargo, su verdadera promoción en la industria discográfica empezó con este sencillo: Même robe Qu”hier.

Pomme tiene muchas caras. En 2016, junto a Benjamin Hékimian, alias Waxx, un inconformista que expande las fronteras de la música, el cine e internet a través de su canal, utilizan desde el violonchelo, instrumento que Pomme estudió de pequeña, a la guitarra, del banjo al arpa hasta quince instrumentos, para interpretar el éxito "Lean On" de Major Lazer y DJ Snake. El resultado es una toma única de 3 minutos y 30 segundos, una forma encantadora de mostrar la amplitud de su talento musical.

Pero el mayor activo de la artista francesa es, sin duda, su voz. Pomme tiene una voz pura que se eleva hasta notas agudas inalcanzables a lo largo de sus canciones. Su música nos acaricia y nos reconforta como una manta junto al fuego en invierno.

En sus inicios, la joven artista mostraba una clara influencia del folk anglosajón, con melodías sencillas y letras cargadas de emociones. Artistas como Joni Mitchell y Laura Marling se perciben en su sonido, aportando una sensibilidad y una intimidad con la que es muy fácil conectar.

Tras un primer álbum, "Au peu pres”, de 2017, que pasó relativamente desapercibido, lanza dos años después “Les Failles”, (los defectos) un trabajo que le trajo el reconocimiento del público: el premio al mejor nuevo álbum en las "Victoires de la musique" en 2020, seguido un año después por el trofeo a la mejor artista femenina. Esta visibilidad le permite alzar la voz sobre las causas que defiende, desde la ecología hasta la lucha contra la violencia de género.

Y es que Pomme parece absorber el mundo que la rodea como una esponja. La audacia de sus temas revela una mujer fuerte de ideas claras. "Les Failles" lanzado justo un mes antes de que entrara en vigor el confinamiento por el COVID, es todo lo que no queremos decir, ni siquiera admitirnos; todo lo que permanece enterrado en nuestros pensamientos. Los “defectos” de Pomme que son los del ser humano, se entrelazan entre sí, dando lugar a un álbum denso y compacto.

Sus letras, a menudo autobiográficas, abordan temas difíciles como el amor no correspondido, la muerte, la pérdida, la identidad, la ansiedad y la búsqueda de uno mismo.

El amor, en sus textos, no solo es heterosexual, sino también bisexual u homosexual. “Asumo muy naturalmente mi homosexualidad, por ejemplo, usando pronombres femeninos en mis canciones, expone en esta entrevista, Y creo que es importante dada la cantidad de mensajes de agradecimiento que recibo. De adolescente, también me hubiera gustado poder reconocerme en cantantes lesbianas”. La siguiente cación está dedicada a la cantante de Quebec Safia Nolin, su esposa actual.

He encontrado esta Playlist que resume la Pomme que me ha enganchado. Veo que, con el paso del tiempo, que Pomme ha ido experimentando y ampliando su paleta sonora. En sus últimos álbumes, se aprecia una mayor complejidad en sus arreglos, con la incorporación de elementos electrónicos y texturas más experimentales. Esta evolución hay quien la compara con la de artistas como Björk y Radiohead, quienes también han explorado los límites del pop.

A pesar de estas influencias, la música de Pomme conserva una identidad propia. Su voz única y cristalina nos transporta a su mundo. Sus producciones de piano y guitarra aportan una inquietante ligereza a sus historias. Cuando Pomme canta, susurra a nuestro corazón, nos detenemos un instante. Todo en el aire pesado y abrumador parece encogerse y solo su voz etérea llena el espacio. Es una pequeña luz en la oscuridad de sus palabras.

Para acabar quiero hablaros de la UNRWA y la situación de las refugiadas y los refugiados de Palestina. Hoy hemos hablado por teléfono con una colaboradora y nos ha puesto los pelos de punta. Los ataques contra sus instalaciones son constantes. Entre enero y febrero, ocho de sus escuelas han sido demolidas por las fuerzas israelíes. Desde el inicio de la ofensiva, UNRWA ha registrado cerca de 960 incidentes que han afectado a sus instalaciones, con un saldo de al menos 853 personas asesinadas mientras se encontraban en edificios de la Agencia. A ello se suma el asesinato de 390 trabajadores y trabajadoras de UNRWA, una cifra sin precedentes que refleja el nivel extremo de riesgo en el que se desarrolla la respuesta humanitaria en la Franja. Necesitan nuestro apoyo, necesitan nuestras donaciones para seguir trabajando en Gaza. Si podéis, no dudéis en colaborar en este enlace.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

Sara K., el lugar común entre el folk y el jazz.

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 03 Feb 2026 19:17:00 +0000

Cuando no dudas en elegir tu propio camino

Aquí estoy de nuevo para compartir otra voz femenina, la de Sara K. Con ese nombre parece la protagonista de una película de espías, pero no, es una cantautora estadounidense que se retiró en 2009 pero que he recuperado muchos años después de haberla conocido. Cada voz es única, por supuesto, pero para mí, la de Sara K. es particularmente singular, por eso creo que vale la pena que la conozcáis..

Si os fijáis en la foto, su guitarra solo tiene 4 cuerdas. Sara creció en una familia rodeada de música. Todos, su madre, su padre, su hermano y su hermana, cantaban o tocaban algún instrumento como pasatiempo. A principios de la década de 1970, a los 15 años, la más pequeña de la familia comenzó a tocar la guitarra clásica, usando una que su hermana había dejado, pero quitándole las cuerdas originales para sustituirlas por tan solo cuatro cuerdas graves. Sara K. utilizó esta afinación desde entonces, convirtiéndola en una de sus señas de identidad. Yo la conocí gracias a su álbum “Hell or High Water” hace… 15 años… uf!. Su voz me pareció la evocación de la desolación, del calor del suroeste americano.

Su música expresa cierta turbulencia emocional, pero con un perfecto equilibrio entre poesía y pasión. Con una voz dulcemente seductora y un estilo muy personal, se eleva más allá del límite de los géneros: folk-pop, jazz-blues, scat y un toque de vanguardia. Es una música reflexiva, pero no depresiva. Sensual pero llena de profundidad. Pasajes de meditación con una voz jazzística que se acerca al blues. Esta mujer cuenta sus historias con melodías y tonos que cualquiera que la escuche las acaba tarareando por largo tiempo después de que el disco haya dejado de sonar.

A pesar de hacer tantos años que se retiró, tanto su canal de Youtube con en el de Spotify sigue teniendo muchos seguidores. A través de sus canciones, Sara K. nos muestra un universo musical que nos permite vislumbrar su alma. Es valiente, va adonde quiere, no pretende ser una artista de masas pero se lleva al oyente consigo. Lo primero requiere convicción, lo segundo, poder de seducción. Sus letras son una poesía única, sincera e imaginativa, fácilmente asimilable, pero con un profundo significado: una mano suave en un guante de boxeo, que el oyente se deja llevar con gusto a un reino de sueños.

En su discografía encontramos también versiones muy, muy potentes. De su disco “Hobo” (1997) me encantan Brick House, una versión acústica del gran éxito de 1977 de los Commodores, y Oh Well, del gran Fleetwood Mac.

Sara K. compartió varios proyectos con su compañero y alma gemela, el guitarrista Chris Jones

Su primer trabajo juntos, “Water Falls” (2001), fue seguido por una gira ese mismo año, que a su vez proporcionó material para el álbum en vivo “Live in Concert. Are We There Yet?” (2002).

La cantautora tejana y su acompañante se fusionan maravillosamente. Su guitarra de cuatro cuerdas y la guitarra de acero de él impulsan canciones como All Your Love.

.Chris Jones fallece en 2005 a causa de un linfoma de Hodgkin poco antes del lanzamiento de su último álbum juntos “Hell or High Water” En 2009 la cantante estadounidense le dedica su álbum "Made in the Shade", uno de los mejores de Sara, quizás el mejor. Como el buen vino, esta obra posee ese brillo interior, ese resplandor con el que el verdadero arte ilumina el mundo. Guitarras, instrumentos exóticos y, esta vez, también el arpa, enmarcan a Sara K., quien aquí suena completamente preparada, madura y absolutamente despejada: apasionada y controlada a la vez, como el puño de un boxeador con guantes de terciopelo.

Con el lanzamiento de su álbum de 2009, anunció su retirada del mundo de la música. En una nota a sus fans en la página web de su sello, Sara declaró: “Después de muchos años de gira y componiendo música, he decidido dejar de girar y grabar. Es difícil explicar por qué, pero espero que lo entiendan. Tuve una buena racha, pero creo que se acabó. Hoy en día es demasiado para muy poco. “Made in the Shade” lo explica lo mejor que sé». Por favor, acepten mi cariño y gratitud por todos los años que me han dado”.

Nada más por esta noche. Espero que os haya gustado. ¡Ah! Y, ya sabéis...

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. طاب مساؤك לילה טוב Спокойной ночи Добрий вечір.

El mundo se derrumba y nosotros escuchamos a Lori Williams

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 09 Jan 2026 18:38:00 +0000

"La voz de un ángel... absolutamente asombrosa". (Joe Biden)

Fotografía de SoundCloud

Qué ironía empezar este post con una cita del que fue el último presidente del país más poderoso del mundo, cuando el actual gobierna haciendo ostentación del mal. Y lo consigue porque el mal está siendo premiado socialmente en lugar de ser rechazado. Trump es un experto malista que manejó esa estrategia con soltura junto a los bulos, los sobornos o la difamación del contrario para conseguir llegar al poder. Su risa cuando fue elegido fue una carcajada ruin, el primer aviso de las decisiones espeluznantes que iba a tomar, y también una advertencia despiadada al mundo. Y así nos va. Guerra comercial, amenazas, injerencias, caza de personas, bombardeos, asesinatos, secuestros… La bestia lleva más de un año llenando el mundo de rencor, miedo, polución y sangre. Trump no solo vulnera permanentemente el Derecho Internacional, sino la misma dignidad humana. Y nadie rechista. Mientras tanto, avanza impune hacia nosotros. “Vivimos en un mundo, en el mundo real, gobernado por la fuerza, gobernado por el poder. Estas son las leyes de hierro del mundo desde el principio de los tiempos” aseguró su asesor de Seguridad Nacional Stephen Miller. Trump está demoliendo las bases de las relaciones entre los países, el multilatelarismo y la diplomacia contemporanea. El miércoles, EEUU se retiró de 66 organizaciones y tratados internacionales de cooperación y gobernanza global. El mundo con construimos después de la II Guerra Mundial se va a la mierda.

Para combatir mínimamente los estragos que en nuestro ánimo produce tanto mal, qué mejor que “la voz de un ángel”, Lori Williams, una voz suave y cremosa, un vehículo natural para la introspección, pero también una en la que puedes acurrucarte felizmente y perderte, al menos por unas horas.

Las palabras ya son las armas preferidas de su megalómana visión imperial. Un discurso zafio, brutal, agresivo y faltón. Las palabras son las nuevas cartografías mentales y físicas. Trump expresa sentimientos ocultos, inconfesables, vergonzantes. Y, cuidado, despierta al autócrata, misógino y racista que muchos llevan dentro.

"Las palabras son poderosas. Habla con sabiduría", nos interpela Lori, “Nuestras palabras tienen poder. Pueden levantar y motivar, o pueden derribar, causar daño y dividir. Lamentablemente estamos viviendo en una época en la que el lenguaje áspero, odioso y denigrante es tan común. Es agotador y repugnante. Elegir nuestras palabras cuidadosamente es más importante que nunca, porque lo que decimos y cómo decimos puede determinar nuestro futuro”. Ella ha encontró la voz de sus palabras en la música que comparte con pasión.

La versión acústica es maravillosa

Lori Williams tiene un currículum impresionante como artista, educadora musical, compositora, productora, actriz de teatro musical, presentadora de radio, propietaria/fundadora de una empresa y artista residente con más de 30 años de experiencia. Ha colaborado con famosos como Ella Fitzgerald, Nancy Wilson, Dianne Reeve, a la que conoció en la universidad, y Anita Baker. Además, es fundadora y directora ejecutiva de Positive Music for Positive Minds, La valoración La valoración de Dianne es rotunda“La hermosa voz de Lori Williams se desliza con sentimiento y naturalidad por un paisaje rítmico suave y acogedor con mensajes de abundancia, alegría y afirmación. ¡Este proyecto es alimento para el alma y una banda sonora para tu ritmo diario!”. He aquí una buena muestra de ello.

"El mundo se derrumba y nosotros nos enamoramos" le dice Ilsa Lund (Ingrid Bergman) a Rick Blaine (Humphrey Bogart) en “Casablanca”. Nosotros escuchamos a Lori Williams. Música para seguir viviendo, para no embrutecernos, para soportar la impotencia ante la crueldad que domina el mundo. El Ejército israelí mató este jueves a una niña de 11 años. Se llamaba Hamsa Nidal Samir Hoso y fue alcanzada por fuego israelí en la zona de Faluya en su casa a las cinco de la mañana. Ayer jueves el Ejército israelí ha mató a 14 palestinos en todo el enclave como resultado de diferentes ataques aéreos. Entre las víctimas mortales, hay cinco niños. Aunque el mundo deje de mirar hacia la Franja de Gaza, ni los ataques del ejército israelí han cesado ni las bombas dejan de caer sobre ella. Ya lo dijo Trump: Netanyahu es un héroe de guerra. NO DEJEMOS DE HABLAR DE GAZA.

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"The sound of silence", un susurro melancólico sobre el aislamiento y la incomunicación

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 14 Dec 2025 18:30:00 +0000

“Hola oscuridad, mi vieja amiga / He venido a hablar contigo otra vez”

Una de las cosas que me maravilla de la música es su poder evocador, cómo es capaz de reflejar tu propia imagen en el espejo. ¿Alguna vez os habéis sentido angustiados y aislados por la superficialidad del mundo en el que vivimos, hasta el punto de sentiros incapaces de conectar con los demás, o incluso con vuestros propios sentimientos? Yo sí; muchas veces.

Imagen de Last fm

Hace poco, sumida en mis cavilaciones nocturnas, en uno de esos podcasts en los que me sumerjo para desconectar y poder dormir, suena una canción. Uf. Qué recuerdos… ¿recuerdos? No, exactamente. Más que recuerdos me evocaba emociones de juventud. Pero ¿qué me estaba diciendo? Yo no sé inglés (hace tiempo que asumí que me iré de este mundo sin saberlo). De lo que fue un himno para toda una generación en busca de su significado, solo entendía "el sonido del silencio". Así que, tapada con la nórdica para no molestar, busqué la traducción de la letra en mi smartphone (fue una mala idea, lo sé) y allí estaba yo reflejada, 40 años después de la primera vez que la escuché.

The Sound Of Silence es una de esas poesías hechas música más hermosa de todos los tiempos. Los autores, Simon & Garfunkel, unos maestros que a pesar de su tormentosa relación en la que atravesaron un puente de aguas turbulentas, reconvirtieron el folk y conmovieron a toda una generación. Una guitarra y unas voces que realmente transmiten, para mí, la frustración de una sociedad que se volvió loca… (y que no recuperó nunca la cordura).

Live Monterey Pop Festival June 16, 1967. Full concert Youtube

Para entender el origen de la canción debemos viajar a 1963 cuando su autor, Paul Simon, tenía apenas 21 años y se refugiaba en la penumbra de su cuarto de baño con la luz apagada y la puerta cerrada para concentrarse mejor. Allí, envuelto en la oscuridad, solía componer canciones. "Lo principal de tocar la guitarra, sin embargo, era que podía sentarme solo, tocar y soñar, explicó más tarde, Y siempre era feliz haciendo eso. Solía irme al baño, porque el baño tenía azulejos, así que era una ligera cámara de eco. Abría el grifo para que corriera el agua (me gusta ese sonido, es muy relajante para mí) y tocaba. En la oscuridad.

De sus reflexiones nació esta letra sobre la incomunicación, el aislamiento y la alienación humana.

Hola oscuridad, mi vieja amiga.

He venido a hablar contigo otra vez,

porque una visión deslizándose suavemente,

dejó su semilla mientras estaba durmiendo

y la visión que fue plantada en mi cerebro

aún permanece

en el sonido del silencio.

En los inquietos sueños, camine solo

por estrechas calles de adoquines,

bajo el halo de las luces de la calle,

me subí la solapa por el frío y la humedad,

cuando mis ojos fueron acuchillados

por el destello de una luz de neón

que partió la noche

y toco el sonido del silencio

Y bajo la luz desnuda yo vi,

a diez mil personas, quizá más,

gente conversando sin hablar

gente oyendo sin escuchar

gente escribiendo canciones

que las voces nunca comparten

y nadie se atrevió

a perturbar el sonido del silencio.

“Tontos”, dije, “no sabéis que

el silencio crece como un cáncer.

Escuchad mis palabras para que pueda enseñaros.

Tomad mis brazos para que pueda alcanzaros”.

Pero mis palabras

cayeron como silenciosas gotas de lluvia

y resonaron en los pozos del silencio.

Y la gente se arrodillo y rezó

al dios neón que crearon.

Y el cartel mostró su advertencia

En las palabras que estaba formando

Y el cartel decía:

“Las palabras de los profetas están

Escritas en las paredes del metro

Y en los pasillos de los edificios de viviendas

Y susurradas en el sonido del silencio”

Inspirado por la obra de poetas como Dylan Thomas y la introspección propia de la generación beat, sus versos nos hablan de una sociedad atrapada en el ruido superficial, incapaz de escuchar las voces verdaderamente importantes Art Garfunkel durante una actuación en 1966, al presentar la canción dijo :“Esta es una canción sobre la incapacidad de las personas para comunicarse entre sí (…) Lo que ves a tu alrededor son personas que no son capaces de amarse los unos a los otros".

Hay más de cien versiones de la canción. Sólo el dúo neoyorquino hizo de ella seis versiones diferentes, y la fuerza de su melodía ha permitido todos los tratamientos, desde el rock hasta el góspel, pasando por el jazz o el canto gregoriano.

Portada del sencillo remezclado de 1965, nº1 en ventas en EEUU

La versión acústica original se incluyó en su álbum debut, “Wednesday Morning, 3 A.M” (1964), del que solo se vendieron 2.000 copias. Dado el fracaso, los jóvenes decidieron separarse. Dos años después tendría un enorme éxito la versión eléctrica que todos conocemos. Lo que Simon y Garfunkel no sabían era que Columbia Records, su discográfica, hizo que el productor Tom Wilson agregará instrumentos eléctricos (guitarra, bajo y batería) a la pista acústica y lo lanzó como sencillo. Cuando The sound of silence alcanzó el puesto número uno en Estados Unidos, Simon y Garfunkel no tenían ni idea de lo que el productor había hecho. Paul estaba en Inglaterra y Art en la universidad. Probablemente, si Wilson no hubiera reelaborado la canción sin su conocimiento, el dúo habría tomado caminos separados, pero el éxito los volvió a unir. El eco de este enorme éxito no tardó en llegar al cine con “El graduado”.

También ha formado parte de la BSO de “Watchmen” (2009), así como en “Perdidos en la noche” (1969) y en “Bobby” (2005), que trata sobre las últimas horas del senador Robert F. Kennedy y su asesinato en 1968.

Para muchos, la versión más notable, con diferencia, ha sido la de la banda de heavy metal Disturbed en su álbum de 2015, “Immortalized”. Su interpretación, impulsada por el piano con un sombrío en blanco y negro, incorpora cuerdas orquestales, mientras que la potente voz de David Draiman enfatiza la ira implícita en esta versión. “Una interpretación realmente poderosa el otro día en el programa de Conan. Es la primera vez que los veo tocar en vivo. Muy bueno. Gracias”. Parece que a Paul Simon le gustó.

A mí me impacta más esta de Sílvia Pérez Cruz para la película uruguaya "La noche de 12 años". La película gira en torno a los doce años de prisión de José “Pepe” Mujica, Eleuterio Fernández Huidobro y Mauricio Rosencof, durante la negra dictadura uruguaya. Silvia supo integrar en la composición de Simon la emoción del film, dotándola, como hace siempre, de un sello muy personal.

La versión interpretada por Pentatonix mantiene la esencia y profundidad de la original. Este talentoso grupo tiene un don para seleccionar la canción perfecta que complementa sus habilidades vocales. Con su armonía vocal y la ausencia de instrumentos, pone de relieve la potencia de la voz humana, algo paradójico para hablar del silencio.

Michael David Rosenberg, más conocido como Passenger por ser el ex-cantante de la banda de rock alternativo del mismo nombre, le da un giro entre lo alternativo y lo indie algo que encaja muy bien con su sonido folk original. No necesita más que su guitarra y su voz para darle un tono aún más melancólico.

Nada tiene que ver con la versión de Carmen Mcrae. La cantante neoyorquina le da un sonido de jazz protofunk que nos hace vibrar en nuestros asientos. Así, rompe del todo con el espíritu original, sin mencionar que, en teoría, estamos escuchando una canción sobre las palabras silenciadas. Quizás la mejor parte de esta versión llega al final de la canción. Dejando en el aire el último verso, Mcrae omite la última palabra, silencio. "Y susurradas en el sonido del.…". Una versión sorprendente, sin duda.

Gregorian nos ofrece una versión sin igual. Unos diez vocalistas masculinos cantan la canción al estilo del canto gregoriano. Junto a las voces, escuchamos una instrumentación más propia de la electrónica.

Una nota de humor: Esta canción aparece parodiada en un capítulo de Los Simpson, en el episodio de la quinta temporada "Lady Bouvier's Lover". Todo el episodio está basado en “El Graduado”. La versión de The Sound of Silence se reproduce en los créditos finales, después de que el abuelo Simpson y la señora Bouvier abandonen la iglesia, exactamente igual que en la película.

No todas las versiones tienen su interés. Por ejemplo, la banda estadounidense de rock alternativo The Smashing Pumpkins la ha destrozado muchas veces, sobre todo en sus actuaciones en directo.

Para cerrar el círculo, quiero compartir la primera versión que lanzó en abril de 1966 el grupo irlandés The Bachelors que alcanzó el tercer puesto en las listas de éxitos del Reino Unido. The Bachelors abordan la canción con una armonía muy similar a la de Simon y Garfunkel. Utilizan una modulación ascendente, así como un tempo más rápido para dar un toque de urgencia, transformando un sentimiento inquietante y solitario en ira y posiblemente incluso en desesperación.

Diez versiones, diez estilos de una canción icónica. Pero ¿cuál de ellas refleja mejor el mensaje de la canción? ¿Hay versiones que eclipsan la original?

Escribió MargheriteYourcenar en su novela Alexis o el tratado del inútil combate: "El ambiente estaba lleno de un silencio que parecía cada vez mayor y todo silencio está hecho de palabras que no se han dicho" Con The Sound of silence, el silencio, ese que se extiende fuera de la palabra orillada por gritos desgarradores y murmullos inarticulados, encontró su sonido.

Es innegable que a los seres humanos se nos empuja a vivir vidas frenéticas y estresantes en las que acaba reinando el egocentrismo, el desapego y la incapacidad de compartir sentimientos, ideas... Nos escondemos detrás de nosotros mismos por miedo a revelar nuestra verdadera identidad. Nos aterra la no aceptación. La sensibilidad y la creatividad corren el riesgo de perderse. Nos estamos volviendo insensibles al mal que nos rodea; cada vez alzamos menos la voz contra la crueldad y la injusticia. Nadie se atreve a perturbar el “sonido del silencio”. Y cuando lo hacemos, parece que todo es en vano, nuestro grito no se oye, cae como gotas de lluvia que se pierden en este silencio ensordecedor en el que vivimos. Aun así, no hay que dejar de gritar porque si no, nuestro silencio será cómplice.

Cuidaos mucho. Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes consultadas:
https://www.cambio16.com/los-sonidos-del-silencio/
https://www.elmundo.es/loc/que-fue-de/2023/09/19/6507ff56fc6c8301228b4597.html
https://www.rockfm.fm/al-dia/noticias/las-curiosidades-que-conocias-the-sound-silence-simon-garfunkel-20240117_3096666
https://eltrasterodepalacio.wordpress.com/2012/04/19/canciones-con-historia-los-sonidos-del-silencio-simon-garfunkel/
https://plasticosa45.com/la-historia-detras-de-la-cancion-the-sound-of-silence/
https://elpais.com/cultura/2015/05/04/babelia/1430752298_701424.html

Música para la esperanza

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 05 Dec 2025 18:41:00 +0000

"La esperanza es como el sol en la cara que siempre deja las sombras detrás". (Samuel Smiles)

iStok

Hay cosas en la vida que son como el agua fresca y necesaria, pero cuando cierras la mano se te escapa entre los dedos. El optimismo de la voluntad nos hace creer que todo es posible. Por el contrario, cuando la realidad golpea en la cara nos noquea porque no estamos preparados. Son lecciones que deberíamos aprender; sin embargo, la ilusión nos hace creer que somos invencibles. Pero no es verdad; no lo somos. A veces la ilusión no nos deja ver dónde vamos a llegar. No obstante, abogo por creer que en el futuro seremos invencibles de nuevo. Porque la fuerza la llevamos dentro. Esa es mi esperanza. Porque Esperanza es el nombre de mi guitarra y lo último que pierdo. Y la esperanza es la melodía del futuro que resuena en el corazón de la música.

Hace un par de días me encontré con una buena amiga que hacía tiempo que no veía. Fue un subidón porque es pura vitalidad, una mujer de enorme fortaleza que siempre transmite energía. Tiene 5 años más que yo, pero cada año que pasa parece más joven. “A mí se me vino encima la vejez de golpe, Carme”, le dije. Dicen que la vejez comienza cuando el recuerdo y la nostalgia son mayores que la ilusión y la esperanza. No es fácil recuperarlas cuando las has perdido. Pero, no sé, quizás para recuperar la esperanza lo primero que debemos combatir es el miedo. Eso nos dice Rosana.

Si lo pienso... qué ganas tengo de no tener que morderme los labios cada vez que es bueno nombrar la esperanza, de no tener ni siquiera que titubear. Pero como queda mucho tiempo para que no sea confuso hacerlo, pues no sé qué nos espera, he decidido esperar el milagro de que, aún en las peores circunstancias, haya una salida. Si no lo creyese... no sé... Eso quiere transmitir Greg Dombrowski con esta composición dirigida a aquellas almas rotas que han pasado por el infierno y, aun así, han seguido adelante.

El filósofo y matemático británico Bertrand Russell afirmaba que concedemos una exagerada importancia a la inteligencia humana, creyendo que si las personas son más inteligentes el mundo será mejor. Pero la realidad es que la inteligencia también está al servicio de las pasiones y mientras eso sea así serán éstas las que rijan nuestras vidas. Sin embargo, a pesar de la Tristeza infinita de Manu Chao, su mensaje es que siempre que hay un rayo de esperanza en las relaciones humanas, que “Próxima estación: Esperanza, avenida de la paz”. Sobre todo porque “Yo siempre estaré a tu lado”, siempre habrá alguien cerca cogiéndote de la mano en momentos de tristeza.

Formo parte de una generación brillante que soñó y llega a vieja sin ver realizados sus sueños. Lejos de ellos, una humanidad cada vez menos humana, más individualista, en manos del consumismo. Las guerras, la manipulación, la despersonalización, la deshumanización, la nostalgia distópica del resurgimiento del neofascismo y la extrema derecha me aterrorizan. Pero la lucha debe continuar para mantener la esperanza de que no todo está perdido. El siguiente artista, S am Cooke, era un hombre negro de éxito en su época, algo nada habitual. Muy influido por el Blowin' In The Wind de Bob Dylan, sintió que debía a su gente una canción de esperanza. En A Change Is Gonna Come, cada verso detalla una experiencia de injusticia y penurias, pero el estribillo repite la esperanza y la convicción de Cooke sobre el cambio social. “Ha tardado mucho en llegar, pero sé que un cambio va a llegar”. Poco después, Cooke fue asesinado en circunstancias todavía por esclarecer. Prefiero no profundizar en este dato.

Cuando se pregunta a diferentes personas qué música puede reflejar de la mejor manera posible la esperanza, nos encontramos con muchos temas y títulos que coinciden, claro está. Uno de ellos, sorprendentemente para mí la verdad, es Let it Be, de The Beatles. No sólo es un himno a la esperanza y a seguir con la vida a pesar de las dificultades. “Déjalo estar” es una forma de encarar las frustraciones y todo lo que se escapa del control personal. También es un tierno recordatorio de lo tranquilizante que es el amor de una madre en los momentos complicados, sobre todo en esos donde sentimos que todo nos sobrepasa y no sabemos para donde echar a correr.

Si hablamos de esperanza no podía faltar Bruce Springsteen. “Deja atrás tus tristezas. Mañana brillará la luz del sol y toda esta oscuridad habrá pasado”. Estos versos pertenecen a su canción Land of hope and dreams (Tierra de esperanza y sueños) Sin embargo, entre sus muchas canciones con mensajes de superación me quedo con The Rising escrita tras los ataques del 11 de septiembre Esta canción se convirtió en un himno de resiliencia y esperanza colectiva. Habla de levantarse y encontrar luz tras la tragedia.

El jazz es la expresión de la esperanza de un pueblo libre que ansía una vida mejor, por eso tiene muchas canciones optimistas. No es de extrañar que esta forme parte de la banda sonora de la Navidad, pero su espíritu positivo es válido para cualquier época del año. ¿Quién no se estremece cuando escucha "Veo árboles de color verde (I see trees of green, red roses too...?) / También rosas rojas / Las veo florecer / Para ti y para mí / Y pienso para mí / Qué mundo tan maravilloso", en la profunda voz de un icono del jazz como Louis Armstrong? ¿A quién no se le ponen los pelos de punta con los primeros acordes de esta canción?

Como veis, hay muchas canciones esperanzadoras, algunas icónicas, otras que fueron grandes éxitos, como Color Esperanza de Diego Torres, verdaderos himnos al optimismo y a la resiliencia que emocionan. Celebraciones de la vida, llamadas a valorar los momentos de felicidad, que los hay, claro que sí, a pesar de todo. Canciones como Dias Felizes de Felippe Lau que nos invitan a desear que los días felices se prolonguen, porque la vida es un milagro que merece ser vivido plenamente. A pesar de los pesares.... Ya lo dijo hace tiempo el poeta Goytisolo ¿verdad?

Ya está bien por esta noche. Como siempre, la selección es como mi blog, como yo, ecléctica, quizás contradictoria. Por eso se pasea por diversos géneros musicales y de distinta procedencia. Esta noche esta ha sido mi elección; quien sabe qué habría elegido otro día… Empecé este canto a la esperanza con la cantautora gala Joyce Jonathan porque sus canciones alternan el folk pop optimista con una vertiente más melancólica, como nos podemos sentir tantos de nosotros, según el día, y la acabo con Violeta Parra y su Gracias a la vida porque sería injusto no hacerlo. Esta particular versión instrumental de Maureen Choi Quartet se inicia con una doliente melodía en el violín y se desarrolla en una atmósfera de melancolía obsesiva a la que se superpone la pese a todo esperanzadora melodía, como un reflejo de las contradicciones que se agolpan en esta canción que Parra compuso poco antes de suicidarse.

Jesús, mi compañero de vida, siempre dice que hay que prepararse para lo peor y esperar lo mejor. Porque por muy desengañados que estemos es imposible vivir sin alguna esperanza por pequeña que sea. Siempre conservamos una, a pesar nuestro, y esa esperanza inconsciente compensa todos los fracasos. Así sea.

Cuidaos mucho. Y hay que seguir denunciando, sin descanso, las atrocidades que comete Israel contra la población palestina. No solo en Gaza, donde lleva más de dos años cometiendo un genocidio, sino también en Cisjordania asesinando impunemente a jóvenes indefensos. Hoy he sabido que España, con una postura coherente, valiente y digna, se retira de Eurovisión y que no estamos solos. Lo dicho, no hay que perder la esperanza.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on. Добрий вечір. iyi geceler تصبح على خير

"Si me borrara el viento lo que yo canto": cantar contra el dictador

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 18 Nov 2025 18:07:00 +0000

La angustia de que todo el esfuerzo y el coraje, de que esas vidas rotas en la lucha por la democracia se pierdan en el olvido (Máximo Pradera)

El 20 de noviembre se cumplen 50 años de la muerte del dictador. Pero, como dice Javier Cercas en El País, muerto el perro no se acabó la rabia, porque cuarenta años de dictadura son una eternidad. Su muerte no representó el fin del franquismo; tampoco, el principio de la democracia. El franquismo era robusto a la muerte de Franco, aunque no lo bastante robusto para imponerse al antifranquismo; el antifranquismo era robusto a la muerte de Franco, aunque no lo bastante para imponerse al franquismo. De ese empate de impotencias surgió en España la democracia. Uno de los elementos que ayudó al antifranquismo a esa robustez fue la canción protesta de la que España fue una superpotencia mundial.

Desde los tiempos más remotos, los oprimidos han cantado para armarse de valor en momentos de zozobra o provocar al poder para rebelarse contra él. En España hay una larga tradición de canción protesta que se remonta al ‘Himno de Riego’ y al ‘Trágala’ del siglo XIX. Aunque es durante la dictadura franquista y los primeros años de la Transición española cuando alcanza su esplendor este género que nos ha legado joyas musicales imperecederas. En los años 60 y 70, España produjo canciones protesta en cantidad y calidad como no ha habido en ningún otro lugar del mundo. Lo hizo en las condiciones más adversas imaginables, bajo una dictadura que censuraba, perseguía, encarcelaba y mataba. En ese campo, España se vino arriba por necesidad. Mientras en otros países la canción protesta era una opción estética o política, aquí era una necesidad vital. Fue como la gasolina de la oposición a Franco.

Cantar contra Franco no era postureo. Podías ir a la cárcel, te podían impedir ganarte la vida, ponerte una bomba en la puerta de tu casa, como les pasó a Ana Belén y Víctor Manuel o quemarte la librería como hacían los Guerrilleros de Cristo Rey. Estas canciones a menudo se difundían clandestinamente o en conciertos multitudinarios que podían ser disueltos por la policía. Muchas de sus letras se convirtieron en himnos para una generación que anhelaba la democracia y la libertad de expresión.

En el contexto del 50 aniversario de la muerte del dictador y dentro de las actividades destinadas a ilustrar cómo el tránsito de la dictadura a la democracia impactó en múltiples ámbitos de la vida, vio la luz “Si me borrara el tiempo lo que yo canto”, un homenaje a la canción protesta que tanto movilizó a estudiantes, intelectuales y obreros. Un viaje por diez canciones emblemáticas que fueron mucho más que música, fueron actos de resistencia, gritos de libertad en tiempos de silencio impuesto.

El espectáculo consta de 10 canciones emblemáticas y cuenta con el padre y director de la idea, el periodista y musicólogo Máximo Pradera, como narrador (aunque también canta alguno de los temas con una voz increíble, por cierto). La interpretación corre a cargo de la soprano Laura Sabatel acompañada por Antonio López Serrano al piano. Está de gira por España, ha estado en París, Turín, pronto irña a Nápoles...

"Si me borrara el viento lo que yo canto” nos remite directamente al documental (podéis verlo aquí) realizado por David Trueba en 2019. Narra la historia de Chicho Sánchez Ferlosio, tío de Max Pradera, y su disco “Canciones de la resistencia española”, algunas tan emblemáticas como A la huelga (el álbum completo, en este enlace). Grabado en la clandestinidad por dos estudiantes suecos en 1963 con un magnetofón de pista abierta que llevaron adosado en los bajos del coche, y publicado en Suecia, se convirtió en todo un símbolo antifascista. Años después, lo descubre un profesor del Instituto Cervantes de Estocolmo en un mercadillo y se pregunta esto como ha llegado hasta allí. Pronto atravesó fronteras, se publicó en distintos países y las canciones se versionaron en multitud de lenguas, y aún hoy perviven. A este disco pertenecen dos de las canciones del espectáculo: Gallo Rojo, Gallo Negro y Canción de Grimau.

Gayo Rojo, Gayo Negro cae en el olvido durante la Transición pero fue rescatada por Silvia Pérez Cruz y se incluyó en la película “El 47”.

La canción con la que se inicia el espectáculo, la preferida de Pradera, es Mi querida España, de Cecilia, una canción mitad unamuniana (me duele España), mitad machadiana (las dos Españas). . Años setenta. Franco, el dictador que murió en su cama, aún vivía. No habíamos podido con él. Recuerdo aquella pantalla de nuestro TV Marconi en blanco y negro viendo cantar a Cecilia en el Festival de Mallorca (1975). Fijaos en el esforzado director que mueve los brazos frente a la típica orquesta televisiva con violines, saxofones, contrabajos, coristas.... Allí está ella, vistiendo un elegante traje negro, entonando uno de los éxitos del momento,

Todo iba bajo las normas establecidas hasta que Cecilia decide salirse del guion, cantando ante millones de españoles la letra original de la canción, letra que nunca llegó a ser grabada por el miedo a las tijeras de los censores. La España dejaba de ser "nuestra" para transformarse, sin perder la sonrisa, en lo que era, una "España muerta", un verso que se atragantó a los censores. "Estos idiotas... le cambio dos palabras a la canción, digo lo mismo y no se enteran". Ésta, claro está, no es la versión que apareció en el disco “Un ramito de violetas”, publicado en 1975. Evangelina Sobredo, tachada de las listas de radiables debido a la censura franquista, optó por ello por modificar su letra. El resultado final es el que todo el mundo conoce: “Mi querida España. Esta España mía, esta España nuestra”, en lugar de “esa España viva, esa España muerta”. Una España sin dudas, sin pasado. Cincuenta años después, las modificaciones, más que indignación, suscitan una sonrisa.

En febrero de 1976 Libertad sin ira, otra de las canciones del espectáculo, era el himno no oficial de la Transición. Franco ya había muerto pero el presidente del gobierno era Arias Navarro, “el carnicero de Málaga”, favorito de Carmen Polo. La censura la declara no radiable condenándola al ostracismo, pero como fue grabada, está en las tiendas.

Aunque un día ocurre algo asombroso. Lalo Azcona, abre el Telediario diciendo Se está comentando que hay una canción que está prohibida, Libertad sin ira, y que no puede ser utilizada. Nada más incierto. Y para demostrarlo, el grupo Jarcha, en directo, la va cantar. Así se acabó con la censura fonográfica en España.

Otro de los títulos de este homenaje a la canción protesta es Al vent potente metáfora sobre la búsqueda de la libertad. Un himno antifranquista que nació en una vespa y sin intención política. “El viento era una metáfora: la adolescencia, la sociedad adversa, la necesidad de seguir adelante…”, dice Raimon. Su letra no ofrecía ningún argumento a la censura, pero la canción, por el contexto político, se convirtió en una amenaza y empezó a ser censurado. En su caso, la búsqueda de la libertad era doble: no solo no podía defender sus ideas, sino que no tenía problemas para hacerlo en su propia lengua.

Diari La Veu

Los recitales de Raimon solían terminar con todo en auditorio, seis mil, hasta diez mil personas gritando ¡Libertad! ¡Libertad! Cuando se oye que la democracia nos la otorgaron graciosamente, casi en un gesto de despotismo ilustrado, dos señores (el rey y Suárez) me acuerdo del 18 de mayo de 1968 en la Facultad de Económicas de Madrid, el ya famoso recital de Raimon quedó sellado en las memorias de los que se la jugaron y salieron a la calle para, al son del estribillo Al vent plantar cara al régimen del dictador.

A Galopar de Paco Ibáñez es una de las canciones más emblemáticas de la música de protesta en España. Basada en un poema de Rafael Alberti llamado “Galope”, escrito en 1938 en el Madrid sitiado, esta composición también se consolidó como un símbolo de resistencia durante la dictadura. Las 250 pulsaciones por minuto con las que la interpreta el cantautor sugieren galope de un caballo, la pureza y determinación de la lucha. Un grito de guerra pacífica “hasta enterrarlos en el mar”. Su mensaje sigue resonando en diferentes contextos de lucha y reivindicación. La canción no solo rinde homenaje a la poesía de Rafael Alberti, sino que también mantiene vivo el recuerdo de una época marcada por la búsqueda de la libertad y la justicia. Su interpretación en 1976, en el regreso de Ibáñez a España tras su exilio, marcó un momento histórico en la música y la política del país. Pero antes estuvo la mítica en el Olympia de París

L’estaca no podía faltar en la selección de Max Pradera. Un símbolo y una llamada a la unidad, para poder lograr un objetivo: tumbar la dictadura. Si hay una versión que pone los pelos de punta es la del recital de 1976. Barcelona. Gener de 1976” no es un disco, es un documento histórico. Yo asistí al primero de los tres recitales que dio que Lluís Llach en el Palau dels Esports, un día como hoy, el día 15, recital con un final apoteósico e inolvidable, de los que orgullosamente se puede decir “yo estuve allí'. Un concierto histórico del que hay muy poca documentación gráfica y audiovisual. ¡Cómo cambian los tiempos! Lo escuchas, y vuelves al ambiente tenso, al calor de un recinto a rebosar, la ilusión a flor de piel, tomando el testigo de los que lucharon antes que nosotros. Vuelves al momento en que todo era posible. Y nos creíamos dueños del futuro.

La historia de Al alba, de Luis Eduardo Aute, es de todos conocida. Le dediqué una entrada en mi blog cuando se cumplían los 40 años de los últimos fusilamientos del franquismo. El músico la creó como un poema de amor, pero Rosa León la hizo suya, situándola en la órbita de esas últimas ejecuciones del régimen. Involuntariamente la narración de la canción evoca a alguien que iba a ser ajusticiado al amanecer, dijo el cantautor. Sin embargo, viendo esta entrevista en La Vanguardia el 4 del 11 de 2000 hay algo que no me cuadra.

Rosa León hizo de ella un éxito en diciembre del 75. Y la gente la cantamos una y otra vez, captando el mensaje implícito y convirtiéndolo en el himno de toda una generación. Aute se resistió a incluir su propia versión en su discografía hasta que en el año 1978 Al alba integró su excelente larga duración Albanta, publicado en el sello Ariola. Para entonces, era un himno reconocible, una canción inmortal.

Si me borrara el viento lo que yo canto” acaba con España, camisa blanca de mi esperanza, de Víctor Manuel y La, la, la. Me resulta curioso que formen parte de este espectáculo. La primera fue escrita en 1982 y más que una canción protesta es una aspiración. "Fue escrita en esa época en la que en este país estaba todo por hacer y se necesitaban las manos de todo el mundo y esta canción resumía aquel anhelo", explica su pareja Ana Belén.

Entiendo más el sentido de la elección de la segunda. En 1968 Joan Manuel Serrat fue seleccionado para el Festival de Eurovisión para interpretar el La, la, la del Dúo Dinámico, una canción atípica que Serrat jamás eligió, que jamás consideró como parte de su obra. Le impusieron cantarla en el festival por sus posibilidades de triunfo, por lo pegadizo de su melodía, en lugar de la menos comercial El titiritero que Serrat había presentado como candidata. La historia es compleja y un poco rocambolesca. Serrat la grabó primero en castellano pero planteó y finalmente grabó una versión en catalán. En ese momento sucede un cambio de posicionamiento en el cantante que se da cuenta, y le hacen darse cuenta, de que no puede ni debe representar a una televisión manipulada por el régimen franquista y que de hacerlo debía ser con la versión en catalán. El Festival de Eurovisión era un gran escaparate y significaba mucho para la imagen del franquismo de cara al exterior. De hecho, la elección de Serrat suponía un interesado cambio de tendencia, una búsqueda de una imagen más europea, más juvenil, menos encorsetada. Serrat renunció tan solo unos días antes del festival ante la exigencia de cantar en castellano. Fue sustituido por Massiel.

Llevo cantando canción protesta desde los 7 años dice Max Pradera en La Ventana, explicando el origen del recital. Mi padre fue condenado tres veces. Cuando a la tercera estaba en arresto domiciliario le vigilaban dos policías nacionales, nos los metieron en casa. Aquella pareja de “grises”, no tendrían más de 19 años. Sentados en el zaguán, Max Pradera les cantaba las canciones que escuchaba en su casa cotidianamente: canciones protesta. Los policías, no podían más que sonreír ante la osadía de ese chaval. Enternecedor.

Recital UBU

La elección de las canciones de Max Pradera es muy particular, una selección relacionada directamente con sus vivencias. Pero él mismo reconoce que hay decenas de canciones más que podía haber elegido. Porque son muchísimos los nombres y los grupos que podemos colocar bajo el epígrafe “canción protesta española”. Así, a bote pronto, sin orden ni concierto, se me ocurren un montón de nombres: Labordeta, Luis Pastor, Patxi Andión, Pablo Guerrero, Mikel Laboa, Benedicto, Hilario Camacho, Pi de la Serra, Javier Krahe, Ovidi Montllor, Manuel Gerena… En algunos casos se reunieron en movimientos colectivos, como es el caso de Els Setze Jutges y la Nova Cançó en Cataluña; Ez Dok Amairu, en el País Vasco; Voces Ceibes, en Galicia, o el Manifiesto Canción del Sur, en Andalucía, con Carlos Cano como miembro más destacado. Todos merecen formar parte de este viaje

20once

La canción protesta ha sido compañera y propulsora de agitaciones que han cambiado el curso de la historia, y que han servido para la creación de ideales y referencias en momentos de incertidumbre y catástrofe. No solo como transmisora de información, sino como espejo en el que reflejar un ideal hacia el que avanzar, o sobre el que revisar los ya establecidos. Bien merecía este homenaje.

Cuidaos mucho. Por cierto. ¿Os habéis dado cuenta? Ya no hablamos de Gaza.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes:

https://archivoshistoria.com/la-cancion-protesta-en-el-franquismo/
https://elpais.com/cultura/2018/11/27/actualidad/1543342895_625733.html
https://www.elperiodico.com/es/ocio-y-cultura/20251109/raimon-anunciaba-titulo-luego-cantaba-123439135
https://revistadiapason.com/cancion-protesta-en-la-dictadura-espanola/
https://elgeneracionalpost.com/cultura/2025/0812/233837/la-cancion-protesta-la-banda-sonora-de-la-rebeldia.html
https://www.levante-emv.com/costera/2023/02/05/seis-decadas-vent-xativa-raimon-82455703.html
https://elpais.com/cultura/2023-02-15/al-vent-el-himno-antifranquista-que-nacio-en-una-vespa-y-sin-intencion-politica-cumple-60-anos.html

Ilegales, la rabia de vivir de una generación en crisis

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 11 Nov 2025 18:38:00 +0000

Habrá quien se extrañe que este grupo capaz de pasar del lirismo a la violencia sangrante, del nihilismo al alegato pacifista sea parte de mi música nocturna. Pero la verdad es que en esta casa se ha escuchado de todo (y lo que nos queda aún por escuchar).

Primera formación: David Alonso, Iñigo Ayestarán y Jorge Martínez (1980).

Su música es una mezcla de punk, rock, pop… en definitiva el paradigma de lo que lo que menos me gusta del amplio abanico que nos ofrece la música. Sin embargo, Ilegales, me cautivaron en los ochenta y se quedaron en el imaginario musical familiar. Porque sus letras son un cóctel explosivo de bromas, insultos, ocurrencias y provocación y, a la vez, de verdadera literatura. Cultos lectores de Bertolt Brecht, vomitadores de rimas consonantes, Ilegales se convirtieron en el testimonio impagable, doliente y sincero de aquellos jóvenes de los primeros años ochenta, algunos de los cuales se quedaron en el camino entre drogas, SIDA, mili y otras porquerías.

Escuchándolos, se comprende mejor la desesperación de una generación extrema salida del ocaso de una dictadura y a las puertas de una democracia insegura que sólo ofrecía paro a raudales y crisis económica. No sé si aprendimos del todo la lección... Varios son los temas que me impactaron y que me han acompañado durante 40 años... y que me vienen a la cabeza cuando hiervo por dentro.

“Para siempre es demasiado tiempo” es una frase que forma parte de nuestra comunicación cotidiana.

“Tiempos nuevos, tiempos salvajes. / Toma un arma, eso te salvará. / Levántate y lucha, esta es tu pelea. / Levántate y lucha, no voy a luchar por ti”.

Llegar a la escuela. / Escuela de daños /Buenos maestros/ Para aprender a odiar/ Rebelde sin causa/ Buscando la calle” Destruye, destruye… En 1982, el año que salió “Ilegales” su primer álbum yo trabajaba en una escuela en la que había niños que pasaban hambre… Imposible que no me interpelara.

Pero “Agotados de esperar el fin”, tema que da nombre al su segundo álbum, tiene en estos momentos mucho(s) sentido(s)

Delincuentes juveniles ayer

Hoy hombres peligrosos
Viejas caras, nuevas caras
Pero las mismas cabezas
¿Qué les empujará?
No viven solo esperan
Van agotados de esperar

Agotados de esperar el fin

Agotados de esperar el fin
Agotados de esperar el fin

Niños sin escuela de ayer

Jugadores de billar
No los mires en los ojos
Porque van desesperados
¿Qué les empujará?
No viven solo esperan
Van agotados de esperar

Agotados de esperar el fin

Agotados de esperar el fin
Agotados de esperar el fin

Esa chica pálida y triste vende anfetaminas

Mis amigos hombres del norte luchan en las calles
¿Qué les empujará?
No viven solo esperan
Van agotados de esperar

Agotados de esperar el fin

Agotados de esperar el fin
Agotados de esperar el fin

La música como grito que sale de dentro. La música como arma arrojadiza. La música como muestra de rabia y desesperación. La rabia de vivir en un mundo que se derrumba. Y tristeza; también tristeza.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Ludovico Einaudi, mínimo y profundo

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 28 Oct 2025 19:06:00 +0000

Música para pensar… o para dejar de hacerlo; 10 composiciones para buscar un poco de paz

Fotografía de elDiarioes

Vuelvo a mis tranquilas atmósferas minimalistas por las que intento navegar siempre que puedo. A pesar de lo que pueda parecer, el minimalismono es la falta de algo, se trata simplemente de la cantidad perfecta de algo. Por eso he acudido esta noche a Ludovico Einaudi. No necesito más. Siempre me ha encantado su música, la considero hermosamente evocadora y lírica. Es a la vez poética y rica en musicalidad. Sencilla, pero posee profundidad de sentimiento y emoción. Sus temas son verdaderos poemas musicales. Sus manos, fuertes y recias, son capaces de forjar composiciones tan delicadas como ésta:

O como esta.... Cuando su piano y el cello se unen, su música te quedará grabada para siempre en la memoria. El cello refleja como ningún otro instrumento las emociones humanas y el piano con su elegancia discreta… recuerdos…

Luces de atardecer encienden mi mirada de cristal.
Con retraso, en su sigilosa prisa,
el cielo se enciende en la última gota de luz;
dedos de sol peinando nubes
de tonos rojos, dorados y amarillos.
Adquiere el aire el manto mestizo
de todos los colores.
Gotea vino del cielo.

¿No os parece sublime? Aunque no sé si utilizo correctamente la palabra. El término “sublime” puede referirse a una experiencia estética que combina lo impresionante, lo vasto y lo aterrador, es ese estado que provoca una mezcla de admiración y temor. Burke describió lo sublime como un temor controlado que atrae al alma, presente en cualidades como la inmensidad, el infinito, el vacío, la soledad, el silencio… No se trata solo de belleza, sino de una belleza que nos desborda, que nos hace sentir pequeños e insignificantes frente a la magnitud de lo que estamos contemplando. Una imagen como esta:

Junio de 2016. Un piano de cola se asienta sobre un iceberg artificial hecho con más de 300 triángulos de madera. El retroceso prematuro y monumental del hielo marino como resultado del cambio climático permitió su construcción. El glaciar Wahlenbergbreen en Svalbard, Noruega, como telón de fondo, un espectacular escenario para un concierto organizado por Greenpeace para exigir la protección del Ártico. Mientras el artista toca, parte del hielo se desploma. Con su música el pianista quiso denunciar el cambio climático que afecta a esta región al doble de velocidad que al resto del mundo. En los últimos 30 años se ha perdido el 75% del volumen de hielo marino. El pianista interpretó Elegy for the Arctic (Elegía por el Ártico), inspirada en la belleza y en las amenazas a las que se enfrenta, y que fue escrita especialmente para ese día. Pura emoción y sensibilidad.

"Pude ver la pureza y la fragilidad de esta zona con mis propios ojos e interpretar una canción que escribí para que se tocara en el mejor escenario del mundo", dijo Einaudi desde a bordo del Arctic Sunrise. "Es importante que entendamos la importancia del Ártico, detengamos el proceso de destrucción y lo protejamos". Pero, no hay nada que hacer. El Ártico tal y como lo conocemos va a desaparecer.

Fotografía: La Ganzúa

La vida es como un viaje por la mar: hay días de calma y días de borrasca; Cualquier persona puede sostener el timón cuando el mar está en calma. El reto está en saber navegar en con mala mar. Alguien dijo que solo enferman de calma quienes conocen la tormenta. En esta cadenciosa y contemplativa pieza Le Onde (Las Olas), Einaudi nos habla del tiempo, en definitiva del transcurrir de la vida…

Si fuera una historia, Questa Notte transcurriría en el paseo marítimo de una larga playa. Una playa sin principio ni fin. La historia de un hombre que camina por esta orilla y quizá nunca se encuentra con nadie. Su mirada se detiene de vez en cuando para observar algún objeto o fragmento traído del mar. Las huellas de un cangrejo o una gaviota solitaria, la arena, el cielo, las nubes, el mar. O quizás busque un poema verso que perdió… Solo cambian las olas, siempre iguales y diferentes, más pequeñas, más grandes, más cortas, más largas.

La música de Einaudi actúa como un refugio en tiempos de adversidad. Durante años, mi refugio era el mar, parece bastante evidente. Con el paso del tiempo, no hay mayor refugio que mi hogar. Stanze (Estancias) es un viaje minimalista muy hermoso por ese hogar que acoge y me protege cuando el mundo se vuelve insoportable. El arpa Cecilia Chailly me transporta por cada rincón, por cada habitación. Cada una tiene su propio carácter y forma, pero a la vez está conectada a todas las demás Conectar nuestras experiencias vitales con la música es apasionante. Es como su formaras parte de la partitura…

La belleza de Nuvole Bianche reside en esa sensación de paz casi palpable a medida que la música fluye y refluye. Una pieza que evoca ligereza y suspensión en el aire la sensación de flotar, de dejarse llevar por la música.

Para mí no hay nada más ligero que una mariposa. Y la mejor representación musical del sentimiento de libertad y vuelo que transmite Fly, volar… escapar…

Las composiciones de Lodovico me transmiten esperanza, felicidad, amor y los anhelos del corazón humano con una fuerza conmovedora. Divenire (Convertir-se, Llegar a ser…) nos invita a reflexionar sobre quienes somos, quienes éramos y en qué nos hemos convertido.

Podría continuar. Quería acabar con Love is a mystery, sobre todo porque lo es, pero no me he podido sustraer a esta belleza dedicada los seres más bellos y delicados de la tierra.

Cuidaos mucho. Y no dejemos de hablar de Gaza. No desconectemos de nuestra humanidad, no dejemos de hablar de Palestina. Acabo de saber que Netanyahu ha ordenado “bombardeos contundentes” en Gaza. No hay música en la que refugiarse ante esta masacre genocida.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

OVO, de Peter Gabriel

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Tue, 21 Oct 2025 18:12:00 +0000

Construyendo el mañana…

Esta noche estoy muy cansada. Es difícil, a veces. Hace tiempo que es difícil, pero hay días que estaría bien ser la Santísima Trinidad. Ser tres en uno para no ser nada. Qué fácil lo tendría Dios, si existiera. Pero yo no soy Dios. Lo dicho, que estoy cansada. Quizás por eso necesitaba buscar algo de música para compartir. La música no deja de ser una suerte de escondite donde poder escabullirnos, un refugio sonoro, y a la vez un lugar de encuentro y acogida... un lugar de encuentro entre lo que somos y lo que recordamos... Lo que fuimos... lo que somos... lo que seremos... Pero cuando he clicado en el editor de este blog para empezar esta entrada, por mucho que buscara no encontraba nada dentro mí y no tenía ganas de tirar de esa libreta de ilusiones que son los recuerdos. Ni siquiera de los musicales. Tampoco tenía ganas de pensar así que he entrado en el gran almacén donde todo está colgado a ver qué me ofrecía.

Como si supiera lo que necesito, YouTube, después de haberme empujado una y otra vez esta semana a escuchar a Satie (está claro que el Gran hermano Google nos observa), hoy me ha llevado hasta Peter Gabriel, un artista que me encanta, que consigue como pocos emocionar y entregar obras pletóricas de belleza. Desde que pasó por este espacio hace más de once años, no le había vuelto a dedicar nada. Sin embargo hoy ha venido sin llamarle, allí estaba con su The Nest That Sailed The Sky… surcar el cielo…No lo había escuchado nunca, para que os voy a engañar. Como tampoco conocía OVO, el álbum al que pertenece. O no lo recuerdo, que todo puede ser, porque el disco tiene ya 25 años. A veces le pierdes la pista a tu propia historia y un día va y te la encuentras en el camino, pero ya no la reconoces. Normalmente la curiosidad haría que buscara más y más información, pero va a ser que no. Esta noche no. Tras una breve ojeada por algunas publicaciones sólo he llegado a saber que OVO fue un espectáculo multimedia. Una preciosa historia que habla del pasado, presente y futuro a través de tres generaciones de una familia. En este enlace podéis escucharla en castellano. El texto, una alegoría o más bien una fábula, es maravilloso. Vale la pena escucharlo con atención.

Lo cierto es que The Nest That Sailed The Sky me ha encantado. Una pieza instrumental mágica y poética que nos transporta a un mundo de sueños y fantasía para emprender un viaje surcando el cielo: de "abajo a arriba de arriba a abajo mi peso se alejaba de la tierra cayendo profundamente al cielo sumergiéndome en lo desconocido..."

Uno de los vídeos de esta canción que he podido ver empezaba con esta frase de Bob Dylan: “Detrás de cada cosa bella hay algún tipo de dolor”.

La primera canción que se escucha en el enlace de la narración es Low Light… Bajo la luz… una increíble combinación de elementos celtas y del medio oriente, con sutiles efectos electrónicos.

En OVO confluyen muchos estilos: baladas, folk rock, rap, hip-hop, tribal, céltico, ambiente. Algunos temas me han producido dolor de cabeza, no son lo que necesito esta noche, pero no puedo dejar de reconocer que el álbum es un ejemplo perfecto del talento excepcional de Peter Gabriel para contar historias a través de su música. Sin embargo, me han parecido maravillosos otros temas en los que demuestra, una vez más, su enorme capacidad para crear canciones líricamente profundas y musicalmente ricas. Allá van The Time of the Turning y Father, son. Espero que os gusten.

Cuando no parezca haber esperanza, construyamos el mañana hoy…Que será la mejor medida de lo que estás haciendo… De lo que puedes dejar atrás…Tus hijos…y los hijos de tus hijos… ¿has pensado alguna vez en lo que se encontrarán? Construyamos el mañana… Hoy… (Peter Gabriel: OVO). Tengamos esperanza de que en algún momento todo pasará.

Nada más por hoy. Felices sueños.

“Kind of Blue”, la melancolía de Miles Davis

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 03 Oct 2025 18:23:00 +0000

“Lleva mucho tiempo sonar como uno mismo”

Desde que me aficioné hace ya dieciséis años a acabar mis largos días compartiendo mi pequeño universo musical (germen de lo que dos años después supuso la creación de este blog) he hecho más de un quiebro para no tropezarme con él. Todo lo que pueda yo decir de Miles Davis, ya está dicho. Eso sí. No dejo de preguntarme qué hubiera sido del jazz moderno sin él.

Si lo pensáis, Miles Davis es, tal vez, el único músico de jazz que nunca tuvo un apodo. Él es Miles, punto. Y “Kind of Blue”, uno de los 20 discos más importantes de la historia de la música. O no. Pero no es imprescindible tener la razón para describir correctamente la realidad. Era el 17 de agosto de 1959, y un nuevo disco de jazz salía a escena a generar un punto de inflexión en la historia de la música: 66 años desde su lanzamiento y sigue siendo ese referente musical que marcó un antes y un después en la historia del género y más allá.

Cuando “Kind of Blue” se grabó, algo misterioso ocurrió en la historia de la música moderna, pues registró de manera casi plástica y como que sin querer queriendo y sin mayor ensayo previo, ésta es la cuestión, la melancolía de una nación. ¿Qué había en “Kind of Blue” que hizo que una refinada élite que disfrutaba, esencialmente, de la música clásica se interesara por lo que aquellos rebeldes (de mayoría afroamericana) tocaban? La respuesta, en gran medida, está en Blue in Green: la balada que “blanqueó” al jazz.

Estaréis conmigo en que Blue in Green es absolutamente impresionante. La melodía es de una belleza cautivadora, transmite una profunda sensación de calma e introspección creando una atmósfera de nostalgia y serena reflexión. La interacción entre el piano de Bill Evans y la trompeta de Miles es sencillamente mágica. En realidad, Blue in Green no es solo una canción, es una experiencia: un viaje jazzístico a través de la emoción y el alma.

John Coltrane, Cannonball Aderley, Miles Davis y Bill Evans, fotografiados por Don Hunstein durante la grabación de 1959 (Clarín)

En la portada del disco, con su “arma” entre las manos, el gran trompetista nos reclama, nos dice que nos sentemos con tranquilidad para oír algo atemporal, algo que, oído hoy después de tantos años, sigue siendo una verdadera obra de arte. Otros cuatro temas forman el álbum: So what, Freddie Freeloader, All blues y Flamenco sketches. Con Miles Davis a la trompeta, John Coltrane al saxofón, Bill Evans al piano, al contrabajo Paul Chambers y a la batería Jimmy Cobb. El saxofón alto fue tocado en este álbum por Julian «Cannonball» Adderley, cada pieza musical constituye un diálogo entre los instrumentos.

Podemos decir sin temor a equivocarnos que Miles Davis es "el artista" por excelencia. Un hombre imprescindible en el jazz moderno ¡desde finales de los 40! Lo fue para los Boppers al lado de Charlie Parker, para el cool con Gerry Mulligan, para… ¿para quién no?. Miles, como el genio que era, escogió en el momento preciso a las personas adecuadas para abrirle paso a una tendencia fundamental que, de no haber sido por esa selección y por esa conjunción musical, se habría diluido irremediablemente en el barullo azaroso de la vida y el trabajo en el que todos estaban inmersos. Miles dibujó en ese instante un arco temporal en función del cual la influencia de la música interpretada estaba llamada a tener una consistencia de perduración canónica, como ocurrió con lo que hicieron Bach o Mozart o Beethoven, que pareciera que están fuera del tiempo, que sus composiciones son siempre contemporáneas, que nunca suenan a viejo, que son, literalmente, clásicos. Y si algo adquiere el estatuto de clásico es porque está fuera y por encima de las modas. Miles es el músico del SXX. Hacer una obra maestra tiene mérito, reinventarse varias veces a si mismo con obras maestras, es lo que le hace imprescindible.

Fotografía de Cultura Inquieta

Un último dato: "Kind of blue" vendió, nada más y nada menos, que más de 2.000.000 de copias. Un hit en el jazz en tiempos del reinado del rock que puso el listón muy alto durante décadas. En la actualidad, todavía vende 5.000 copias a la semana.

No me voy a despedir sin hablar de Gaza. Cuando Janine di Giovanni, una periodista que ha cubierto Sarajevo, Ruanda, Irak o Siria dice que nada se compara con Gaza, no es una hipérbole: es un diagnóstico. Gaza no solo es la violencia extrema contra una población encerrada y castigada colectivamente, es también el espejo que nos devuelve la imagen más repugnante de nuestra época: Lo que distingue a Gaza no es solo el horror, sino la impunidad con la que se ejecuta mientras Trump y Netanyahu nos venden un plan de paz sin garantías ni justicia. Ofrecen a los palestinos la opción de elegir entre el apartheid colonial y la ocupación, en el mejor de los casos, y en el peor, sirve de pretexto para la continuación del genocidio. No es un plan de paz, es un ultimátum. Mientras, Israel asaltó el miércoles los barcos de la flotilla Global Sumud en aguas internacionales, donde rige el derecho a la libre navegación. Fue, por tanto, una operación completamente ilegal, que ha levantado protestas en todo elmundo. Israel es un estado genocida. Y desde este espacio no dejaré de denunciarlo. No desconectemos de nuestra humanidad, no dejemos de hablar de Palestina.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Cuando la pena vuela

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 28 Sep 2025 18:45:00 +0000

"De repente, algo nuevo, inesperado, nos ha penetrado; nuestros sentimientos enmudecen en una tímida turbación, todo en nosotros se retira, surge un silencio, y la nueva experiencia, que nadie conoce, se yergue en medio de todo y no dice nada ” (Rainer Maria Rilke)

A veces las tristeza llega sin avisar, se cuela por el quicio de la puerta, se instala como una nube oscura, se hace densa, pesa. Es entonces cuando hace falta que la pena empiece a volar. Porque el dolor también es un lenguaje que pide ser escuchado.

©Brian Ingram

DESALIENTO

Fijo mis ojos en su mirada fría,
huyen sin dejar rastro las horas;
se anclan los miedos
en las pupilas gastadas.
Caen las palabras, plomizas,
como lluvia incesante,
húmedas de lágrimas contenidas.
Con el arrullo de una voz quebrada,
intenta dormir para siempre.
Un minuto se ha roto en el cristal,
el paisaje ha sangrado sin quejarse
emanando lamentos de escarcha.
Brazos que dejan de extenderse
para demorarse en puños apretados.
Ante tanto dolor,
mis palabras mueren antes de ser oídas.

Victoria Geijo

El Adagio for Strings de Samuel Barber fue considerada “la canción más triste del mundo”. Quizás por eso la BBC Synphony Orquestra la grabó 4 días después de los atentados del 11S. Aunque si hay una canción que me pone un nudo en la garganta desde el primer día que la escuche hace más de 50 años es Blue Moon de Ella Fitzgerald.

Dice Rilke que la tristeza es necesaria para poder crecer. Que cuando entra dentro de uno lo hace de manera inesperada y que, precisamente por eso, y por ser algo que no está habitualmente en nosotros, cuando aparece nos coge con las defensas bajadas. Los poetas y los músicos saben lidiar con sus demonios, los aplastan a base de versos, canciones y melodías. O, como mínimo, los contienen. Los seres mundanos como la mayoría de nosotros, no. Ellos saben convivir con la tristeza, esa odiada palabra que parece no tener cabida en la vida trepidante de felicidad impuesta en la que están prohibidas las lágrimas. Llanto contenido en la boca del estómago. ¡Qué error más grande! El dolor no nos define pero una lágrima puede ayudarnos a saber quienes somos. Porque ¿qué es una lágrima sino un poema líquido?

A UNA LÁGRIMA

Gota del mar donde en naufragio lento

se hunde el navío negro de una pena;

gota que, rebosando, nubla y llena

los ojos olvidados del contento.

Grito hecho perla por el desaliento

de saber que si llega a un alma ajena,

ésta, sin escucharlo, le condena

por vergonzoso heraldo del tormento.

Piedad para esa gota, que es cual llama

de la que el corazón se desahoga

cual desahoga espinas una rama.

Piedad para la lágrima que azoga

el dolor, pues si así no se derrama,

el alma, en esa lágrima se ahoga...

José Ángel Buesa

Lágrima de Francisco Tárrega

“La poesía puede salvar el mundo. Creo firmemente en su poder curativo y transformador. Ojalá más gente la leyera... La poesía es probablemente lo más cercano que puede llegar a ser un sentimiento religioso. Creo que la poesía hace que el mundo se detenga”. (Carol Muske-Dukes). Poesía, refugio del dolor; lo transforma, lo domestica. La poesía siempre es caricia, una caricia que a veces duele. La música no deja de ser una suerte de escondite donde poder escabullirnos.

UMBRÍO POR LA PENA, CASI BRUNO...

Umbrío por la pena, casi bruno,
porque la pena tizna cuando estalla,
donde yo no me hallo no se halla
hombre más apenado que ninguno.

Sobre la pena duermo solo y uno,
pena en mi paz y pena en mi batalla,
perro que ni me deja ni se calla,
siempre a su dueño fiel, pero importuno.

Cardos y penas llevo por corona,
cardos y penas siembran sus leopardos
y no me dejan bueno hueso alguno.

No podrá con la pena mi persona
rodeada de penas y de cardos:
¡cuánto penar para morirse uno!

Dante, el gran poeta de los siglos medios, dijo que aquel que sabe de dolor todo lo sabe. El dolor es un suelo sagrado por el cual pisa y pasa la poesía, cuando sus versos exploran el desgarro del alma; dolor reconocido, validado y trascendido.

EL DOLOR ENVEJECE MÁS QUE EL TIEMPO

El dolor envejece más que el tiempo,
este dolor dolor que no se acaba,
y que te duele todo todo todo
sin dolerte en el cuerpo nada nada.

A tantos días de dolor se muere uno,
ni la vida se va,
ni el corazón se para,
es el dolor acumulado el que,
cuando no lo soportas,
él te aplasta.

Mi accidente será un buen epitafio:
Cuando una calle bajo el sol cruzaba,
de dolor – o de amor – es lo mismo,
murió desbaratada.

Gloria Fuertes

Tears in Heaven de Eric Clapton es una de las canciones más crudas de la historia y que ojalá nunca hubiera sido escrita. ¿Puede haber mayor dolor que la muerte de un hijo?

¿Os habéis preguntado alguna vez cómo suena la tristeza? ¿qué es lo que la hace tan reconocible al oído, traspasando incluso las barreras culturales? No la tristeza atributo de superioridad, característica con la que los hombres que se creen excelsos se reconocen entre ellos y se conocen a sí mismos, sino esa tristeza profunda, sentimiento dolorido...

ODA A LA TRISTEZA (fragmento)

Tristeza, escarabajo

de siete patas rotas,

huevo de telaraña,

rata descalabrada,

esqueleto de perra:

Aquí no entras.

No pasa.

Ándate.

Vuelve

al sur con tu paraguas,

vuelve

al norte con tus dientes de culebra.

Aquí vive un poeta.

La tristeza no puede

entrar por estas puertas.

Por las ventanas

entra el aire del mundo,

las rojas rosas nuevas,

las banderas bordadas

del pueblo y sus victoria.

No puedes.

Aquí no entras.

Sacude

tus alas de murciélago,

yo pisaré las plumas

que caen de tu mano,

yo barreré los trozos

de tu cadáver hacia

las cuatro puntas del viento,

yo te torceré el cuello,

te coseré los ojos,

cortaré tu mortaja

y enterraré, tristeza, tus huesos roedores

bajo la primavera de un manzano.

Pablo Neruda

Para Schubert no existía música alegre. En su diario, en marzo de 1824, anotó: "Mis obras son fruto del conocimiento que tengo de la música y también de mi conocimiento sobre el dolor".

Sonate n° 20 en la mayor D. 959 interpretada por Geoffroy Couteau.

Si hay un dolor idealizado e idealizante, ese que se siente por el mero gusto de padecerlo; un dolor visceral, irreflexivo, un dolor, en fin, profundamente egoísta y apasionado, es el que transmite Chopin en su Nocturno Nº2.

Luis Cernuda en una carta a Jorge Guillén en 1928 escribió: “La Poesía es la mentira de las estrellas en el cielo imposible, está en el aire donde por desgracia nuestra, mantiene eternamente un equilibrio infernal; ¡si cayese!”. Contemplando la muralla del infinito, ante el hálito salvaje del abismo al que parecemos abocados intentamos en vano huir de la melancolía, pero no podemos.

EN EL REGAZO DE LA TARDE TRISTE…

En el regazo de la tarde triste
yo invoqué tu dolor… Sentirlo era
¡Sentirte el corazón! Palideciste
hasta la voz, tus párpados de cera.

Bajaron… y callaste… Pareciste
oír pasar la muerte… Yo que abriera
tu herida mordí en ella -¿Me sentiste? -
¡Como en el oro de un panal mordiera!

Y exprimí más, traidora, dulcemente
tu corazón herido mortalmente;
por la cruel daga rara y exquisita
de un mal sin nombre, ¡Hasta sangrarlo en llanto!
y las mil bocas de mi sed maldita
tendí a esa fuente abierta en tu quebranto

¿Por qué fui tu vampiro de amargura?
¿Soy flor o estirpe de una especie oscura
que come llagas y que bebe el llanto?

Delmira Agustini

D'un soir triste de Lili Boulanger (1893-1918)

Melancolía al sentir que vivimos una vida falsa, una mentira, algo que no es vida y que es un castigo. Un débil fulgor. Un destierro permanente, constante, sin remedio, sin solución, sin consuelo.

EL DESPERTAR (fragmento)

Señor

La jaula se ha vuelto pájaro

y se ha volado

y mi corazón está loco

porque aúlla a la muerte

y sonríe detrás del viento

a mis delirios

Qué haré con el miedo

Ya no baila la luz en mi sonrisa

ni las estaciones queman palomas en mis ideas

Mis manos se han desnudado

y se han ido donde la muerte

enseña a vivir a los muertos

Señor

El aire me castiga el ser

Detrás del aire hay monstruos

que beben de mi sangre

Es el desastre

Es la hora del vacío no vacío

Es el instante de poner cerrojo a los labios

oír a los condenados gritar

contemplar a cada uno de mis nombres

ahorcados en la nada.

Señor

Tengo veinte años

También mis ojos tienen veinte años

y sin embargo no dicen nada

Señor

He consumado mi vida en un instante

La última inocencia estalló

Ahora es nunca o jamás

o simplemente fue

¿Cómo no me suicido frente a un espejo

y desaparezco para reaparecer en el mar

donde un gran barco me esperaría

con las luces encendidas?

¿Cómo no me extraigo las venas

y hago con ellas una escala

para huir al otro lado de la noche?

El principio ha dado a luz el final

Todo continuará igual

Las sonrisas gastadas

El interés interesado

Las preguntas de piedra en piedra

Las gesticulaciones que remedan amor

Todo continuará igual

Pero mis brazos insisten en abrazar al mundo

porque aún no les enseñaron

que ya es demasiado tarde

Señor

Arroja los féretros de mi sangre

Recuerdo mi niñez

cuando yo era una anciana

Las flores morían en mis manos

porque la danza salvaje de la alegría

les destruía el corazón

Recuerdo las negras mañanas de sol

cuando era niña

es decir ayer

es decir hace siglos

Señor

La jaula se ha vuelto pájaro

y ha devorado mis esperanzas

Señor

La jaula se ha vuelto pájaro

Qué haré con el miedo

Alejandra Pizarnik

¿Puede existir una canción tan triste que haga que la gente que la escucha cometa suicidio poco después? Una muy difundida leyenda urbana afirma que la canción Gloomy Sunday tiene semejantes poderes. Debido a su relación --real o imaginaria-- con diferentes suicidios a lo largo del siglo XX, ha sido llamada popularmente "la canción húngara del suicidio." Pese a ello la maravillosa voz de Billie Holiday le dio un halo de esperanza y contribuyó a su posterior legado tanto de muertes como de artistas que querían versionarla.

Melancolía, pena, tristeza, dolor, nostalgias, pérdidas… Versos y melodías hacen de la pena una escultura; saben labrar lo que, en definitiva, siente cada uno de forma personal e intransferible. La poesía y la música pueden ser un lugar donde lavar el dolor para luego encontrar (o no) la esperanza.

DICE LA ESPERANZA: UN DÍA...

Dice la esperanza: Un día
la verás, si bien esperas.
Dice la desesperanza:
Sólo tu amargura es ella.
Late, corazón... No todo
se lo ha tragado la tierra.

Antonio Machado

Esta lacrimosa obra que define la difícil sensación de frustración y pena es .Everybody Hurts R.E.M.

A Leonard Cohen lo llaman el poeta de la tristeza y la depresión, sus historias retratan los recovecos del alma humana. Un día dijo que se sentaba a la puerta de su casa esperando que vinieran tiempos mejores. A veces me siento así. Porque “es difícil sostener la mano de alguien que está alcanzando el cielo para rendirse”.

QUÉ HAGO AQUÍ

No sé si el mundo ha mentido
Yo he mentido
Yo no sé si el mundo ha conspirado contra el amor
Yo he conspirado contra el amor
El clima de tortura no constituye ningún consuelo
Yo he torturado
Aunque no hubiera existido la nube en forma de hongo
habría odiado
Escuchadme
Yo habría hecho las mismas cosas
aunque no existiera la muerte
Me niego a que se me sujete como a un borracho
bajo el frío grifo de los hechos
Yo rechazo la coartada universal
Como un ninfomaníaco que ata a un millar
en una extraña hermandad
Yo espero
a que cada uno de vosotros confiese.

Leonard Cohen

Halelluyah, la famosísima canción de Cohen, es un poema basado en historias bíblicas, relatos antiguos, creencias, fe, inseguridades e inquietudes existenciales. La versión del malogrado Jeff Buckley de tan solo voz y guitarra eléctrica transmite una tremenda tristeza.

Bueno...podría seguir hasta el infinito. Pero vamos a ir acabando. Esta pequeña, pequeñísima muestra de poemas y canciones de esta noche exploran el más intrincado de todos los laberintos, el de nuestro corazón. No son solo lamentos sino profundas reflexiones sobre la vida. Porque, seamos sinceros, apartemos fantasías y espejos, asumamos nuestra vulnerabilidad, confrontemos la verdad: Que nuestra lucha interna por ser felices fracasa con solo abrir los ojos a la realidad.

EL REMORDIMIENTO

He cometido el peor de los pecados
que un hombre puede cometer. No he sido
feliz. Que los glaciares del olvido
me arrastren y me pierdan, despiadados.

Mis padres me engendraron para el juego
arriesgado y hermoso de la vida,
para la tierra, el agua, el aire, el fuego.
Los defraudé. No fui feliz. Cumplida

no fue su joven voluntad. Mi mente
se aplicó a las simétricas porfías
del arte, que entreteje naderías.

Me legaron valor. No fui valiente.
No me abandona. Siempre está a mi lado
La sombra de haber sido un desdichado.

Jorge Luis Borges

Hurt es una canción que originalmente fue escrita por Trent Reznor, pero la versión de Johnny Cash es especialmente conmovedora. La interpretación de Cash, realizada en los últimos años de su vida, está impregnada de una profunda emoción que refleja el dolor y el arrepentimiento. La canción se ha convertido en un himno para quienes enfrentan sus propios demonios internos, ofreciendo una forma de catarsis a través de su poderosa letra y entrega emocional.

Fotografía de Huelva Información

Llegamos al final, ahora sí, con una mirada optimista. Según confesó Agatha Christie, la tristeza fue siempre una fuente de inspiración. La melancolía aparece claramente en su novela "Un triste ciprés", donde se explora el drama psicológico de la envidia y la inseguridad. "Me gusta vivir. A veces me he sentido terriblemente desesperada y profundamente miserable, atormentada por la tristeza; pero a pesar de todo, sigo teniendo la certeza de que el simple hecho de estar viva es algo grandioso".

EN PAZ

Muy cerca de mi ocaso, yo te bendigo, Vida,
porque nunca me diste ni esperanza fallida,
ni trabajos injustos, ni pena inmerecida;

porque veo al final de mi rudo camino
que yo fui el arquitecto de mi propio destino;

que si extraje las mieles o la hiel de las cosas,
fue porque en ellas puse hiel o mieles sabrosas:
cuando planté rosales, coseché siempre rosas.

Cierto, a mis lozanías va a seguir el invierno:
¡mas tú no me dijiste que mayo fuese eterno!

Hallé sin duda largas las noches de mis penas;
mas no me prometiste tan sólo noches buenas;
y en cambio tuve algunas santamente serenas…

Amé, fui amado, el sol acarició mi faz.
¡Vida, nada me debes! ¡Vida, estamos en paz!

Amado Nervo

Que vuele la pena, pues…

La Pena Vuela Manuel García / Rozalén

Antes de despedirme quiero insistir en lo más triste, angustioso, deprimente y desesperante que estamos viviendo: Trump y Netanyahu ya demostraron en la ONU que no hay nada que les frene. Dicen que lo que no se nombra no existe, por eso, desde este espacio continuaré explicando y denunciando este genocidio, porque siento tristeza, impotencia y vergüenza hasta dolor. El silencio no es una opción. Así que…

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

“Roam”, el deambular de Eliën

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Mon, 22 Sep 2025 17:57:00 +0000

Un viaje atmosférico por el paisaje del alma de Europa

¿Os imagináis a una cantante convirtiendo una furgoneta en una pequeña sala de conciertos sobre ruedas para realizar una gira por Europa e invitar al público a entrar en su universo? Eso es lo que hizo Élénie Wagner, Eliën una artista alternativa, cantante, compositora y creadora teatral nacida y radicada en Arnhem (Países Bajos). Criada como una niña multilingüe en un tranquilo pueblo de Alemania, la cantante siempre estuvo en contacto con diferentes culturas y países a lo largo de su infancia. El mejor remedio que tenía para superar el aburrimiento era cantar.

Fotografía: Die Rheinpfalz

En 2022, cuando la pandemia de la COVID tocaba a su fin, la artista holandesa adquirió una furgoneta, la convirtió en una minisala de conciertos sobre ruedas y escribió a todo tipo de festivales de Europa, diciéndoles que venía y que solo necesitaba público. Este es el origen de su álbum “Roam” (Deambular).

En su pequeña VW T5 azul, se embarcó en un viaje por ocho países europeos, entre ellos España, y recorrió sus festivales invitando a la gente a unirse a sus íntimas sesiones. A ese puñado de personas que asistían cada vez, les entregaba una tarjeta y un bolígrafo para que escribieran sus pensamientos, opiniones y reflexiones personales sobre la soledad y, quien quisiera, anotara su número de teléfono. Con ello pretendía tomar una instantánea del estado de ánimo de la joven Europa para trasnformarla en música, en un álbum con todas esas impresiones convertidas en canciones. Dos años después, más de 400 postales, testimonios manuscritos de la profunda conmoción que su música puede transmitir a la gente, colgaban en su furgoneta, y cuyo contenido se incorporó a las catorce canciones del álbum.

Fotografía: Die Rheinpfalz

“Roam” son, pues, catorce temas intensos y profundamente conmovedores, creados durante y después del viaje, que Eliën canta en inglés y holandés, sobre la sensación de perder el corazón por primera vez, el difícil camino del autoconocimiento, los miedos y las esperanzas. La artista rinde así homenaje a una sociedad en la que las personas de todo el continente luchan contra la creciente soledad, y al valor de la conexión y la amistad en la Europa pospandémica. "Roam" es un álbum etéreo que suena muy onírico en muchos momentos, con pasajes electrónicos y polifónicos. Una buena muestra de ello es Heights, una canción que trata sobre el miedo a lo desconocido y en la que la cantante se pregunta por qué hemos perdido nuestra curiosidad infantil y nuestro salvajismo.

Sus canciones se inspiran en diversas influencias; a caballo entre el indie-pop, la música clásica y el folk alternativo, Eliën ha encontrado su lugar en el espectro musical. Ya sea cantando sobre el intento desesperado de capturar momentos hermosos, ya sea revelando su yo más íntimo en I Lost My Heart, o sus miedos en Fear, Eliën forja su propio estilo al que es casi imposible resistirse. Pero ¿por qué deberíamos hacerlo? El "deambular" compartido es demasiado emocionante como para detenerlo.

Son historias de soledad, de redescubrimiento, de nuevas conexiones, de anhelo de una vida en libertad, cálidas y envolventes desde la primera nota: canciones orquestadas de forma minimalista y maravillosamente melancólicas, que se centran en su voz, entrenada, pero a veces tiernamente frágil, que nos envuelven una atmósfera mágica. En definitiva, una mirada melancólica a unos años confusos.

Esta melancólica mirada al pasado que une diferentes épocas, uniendo visiones y realidad, encaja a la perfección en esta Europa que nació de las ruinas de la Segunda Guerra Mundial con una promesa: que nunca más se repetirían los horrores que la dejaron sin alma. Ochenta años después, a causa de la mayor crisis moral que nos azota, la ha vuelto a perder. Una tristísima conclusión musical para estos tiempos convulsos.

¡Ah! Y por favor. Estés donde estés, hagas lo que hagas, no dejes de hablar de Gaza. Nunca dejes de recordar Palestina. Hablad de Gaza incluso cuando otros se cansen de escuchar. Hablad de Palestina incluso cuando no sea tendencia. Incluso cuando un día nos digan que se acabó, porque no será verdad. Porque la verdad y la justicia se desvanecen cuando se ignoran. Hablar de Gaza no es hacer ruido. Es estar vivo. Es recordarnos colectivamente que aún somos humanos.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Otras fuentes:
https://www.sofarsounds.com/artists/elien
https://www.instagram.com/elien.official/?hl=es
https://cuerporomo.com/Elien
https://www.3cat.cat/3cat/elien-i-jorge-da-rocha-presentaran-el-seu-album-roam-a-la-casa-elizalde/audio/1246430/
https://www.rheinpfalz.de/pfalzleben/freizeit-erlebnis_artikel,-gef%C3%BChlvoller-indiepop-eli%C3%ABn-mit-ihrem-neuen-album-roam-in-kaiserslautern-_arid,5738338.html
https://musicheadquarter.de/cds/elien-roam/

https://www.rtve.es/play/audios/musicas-posibles/razones-tendra-lluvia-18-01-25/16412314/
http://www.firab.org/es/programacion/525/

https://3voor12.vpro.nl/lokaal/groningen/artikelen/overzicht/2020/maart/Interview-Elien.html

La cristalina voz de Mariam Matossian y el genocidio armenio

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Fri, 12 Sep 2025 18:12:00 +0000

Un firme compromiso con su pueblo y con los niños.

Vivimos rodeados de verdaderos tesoros musicales que, a menudo, pasan desapercibidos. En este pequeño templo dedicado a aquella música que me gusta, impacta o me emociona, he tenido la oportunidad de compartir más de uno de esos tesoros. El de esta noche lo guardé cuando lo escuché por primera vez con la intención, como siempre, de investigar para conocerlo mejor, pero me olvidé de él. Aunque el amor por la música es un romance eterno que siempre te deja queriendo más, se quedó ahí, esperando el momento. Ha sido la necesidad de escuchar una voz que me ayudara a evadirme de un mundo en el que el ser humano se deshumaniza por segundos y nadie quiere hacer nada por devolvernos la humanidad, la que me ha llevado de nuevo hasta la cantante armenia Mariam Matossian. Un tesoro, sin duda.

Esto fue lo primero que conocí de ella hace ya 15 años: Hars Em Knoom, una canción tradicional armenia que habla de una novia que agradece a su madre todo el cuidado, la guía y el amor que le ha brindado.

Esta mujer, nacida y criada en Vancouver, se ha dedicado a recoger el repertorio tradicional armenio para darlo a conocer a todo el mundo. En 1998 se convirtió en el primer miembro de su familia en viajar a Armenia desde que su abuela, una sobreviviente del olvidado genocidio armenio, había sido deportada. Un lugar en el que se sentía como en casa a pesar de que nunca lo había visitado antes. Su nombre, Mariam, es el de su abuela, a la que no conoció, y que le encantaba cantar. En la familia de Matossian, la tradición del canto se transmite de la bisabuela a la abuela, de la abuela a la madre y de madre a hija en una cadena interminable de pasión, fe e inspiración. Como miembro más joven de este linaje, se enteró de estas canciones a una edad temprana. El canto fue rápidamente para ella tan natural como respirar. Su voz, maravillosa. Su compromiso con su pueblo, indiscutible.

En sus dos viajes a sus orígenes, Mariam trabajó como voluntaria en Ereván, la capital de Armenia, para un periódico inglés, con niños y adultos. "... Mi sueño siempre ha sido compartir la historia de mi cultura con el mayor número de personas que la quieran escuchar. La historia de mis abuelos, en especial las cuentas de su fe, resistencia y esperanza a pesar de los muchos obstáculos que soportaron, y la situación de los niños de la calle en Armenia - a aquellos niños que me enseñaron algunas de las canciones- me han inspirado. Anhelo compartir estas historias con otras personas. Y cuando paso a través de la música, estas historias a los demás, espero que la gente se enriquezca tanto como yo". (Del perfil de su blog)

A pesar de las espectativas creadas cuando empezó su carrera musical en 2004, solo ha grabado dos discos: “Far From Home” (Lejos de casa) y “In the Light” (En la luz). En su poderoso álbum debut, combina los sonidos únicos del duduk, el oud, la mandolina, la guitarra y los ritmos hipnóticos del djembé, el dumbec y el udu con su fascinante voz para llevar a cada oyente a un viaje encantador a Armenia. Escuchad esta maravilla.

“Lejos de casa” es una colección de 10 canciones folklóricas armenias repartidas en 13 pistas (la canción que acabáis de escuchar, Groong / The Crane, la interpreta tres veces de manera diferente) cantada en un estilo inocente muy claro, medido y, en última instancia, dulce que captura al oyente desde su primera respiración. Este tema forma parte de la banda sonora del conmovedor documental “Genocidi in Me”, que aborda el impacto del Genocidio Armenio de 1915 en la vida de la joven cineasta Araz Artinian, quien, como tantos, ha tenido que cargar con este legado desde su infancia.

En sus trabajos hay básicamente dos tipos de canciones: los cantos de alegría, que por lo general celebran la belleza de la tierra, y canciones que son tristes o inquietantes. Canciones sobre el dolor de estar separado de la patria, letras que describen la patria como madre o como amante. Es el caso de Mayrikis: He dejado mi tierra natal / Soy un pobre extraño, no tengo hogar.

Antes de pasar a su segundo y último disco, escuchad esta preciosa canción de cuna, Oror. A veces, la voz de Matossian es tan ligera como el aire.

En resumen, este disco es un viaje musical emocional a través de un paisaje vocal revelador que te acompaña, incluso, después de cada canción. No importa si no entiendes la letra; no es necesario.

El otro álbum, “En la luz”, fue lanzado en 2007. En él se nos vuelve a mostrar la hipnótica voz pura de Mariam y sus conmovedoras y atractivas interpretaciones. Este álbum también incluye composiciones originales con letra y música de Matossian, como Nor Yerk (Canción Nueva) o la inquietante Narineh que trata sobre la sobrina de un amigo que desapareció en Irak y que dedica a todas las víctimas de la guerras.

Con canciones como Patsvaz Vart (Rosa Floreciente) y el acompañamiento de su banda, Matossian añade una dimensión completamente nueva a las canciones folclóricas de su primer álbum.

Aunque su discografía sea tan escasa y no hay publicada mucha información sobre ella, Matossian ha seguido actuando en solitario o con su banda. Al menos así lo muestran sus perfiles en redes: la última publicación de Facebook es de 2021. Debido a sus creencias profundamente cristianas, Mariam se dedicó unos años por completo a sus hijos y a su familia. En esta entrevista de 2014 aseguraba que volvería a grabar. Han pasado 11 años.

Si bien canta canciones folclóricas armenias, es difícil pensar en Mariam Matossian como una simple cantante de folk armenio. La mayoría de su público ni siquiera lo es. Su música es inclusiva y también la usa como un medio para educar a la gente sobre el genocidio de su pueblo y transmitir un mensaje de amor y de esperanza. “Quiero usarla para decir: 'Miren la belleza que surgió de eventos tan horribles'. No terminó ahí, la historia continuó”, dice. “Eso es universal”. Me hubiera encantado saber qué piensa del genocidio palestino que estamos viviendo en directo (y aún así muchos lo niegan) y de la indiferencia del mundo. Seguramente no es casual que su música, su voz y su mensaje sean los protagonistas de esta noche.

Ya veis; eso que llamamos "voz de terciopelo" existe. La voz de Mariam Matossian es una buena muestra. Y ella combina esa voz con su música para tocarnos el alma sin que nos demos cuenta. Escuchadla; escuchadla para que el alma pueda descansar y encontrar paz en su dolor. Ojalá, escuchándola, se descongelen nuestros corazones. Porque yo al menos, hay días que tengo el corazón helado.

Genocidio que se niega, genocidio que se repite. (Y se ha repetido)

Entre 1915 y 1923 fuerom masacrados más de un millón de armenios (ANRed)

Más de ciento diez años después de cometido el Genocidio Armenio perpetrado por el Imperio Otomano y el estado de Turquía entre 1915 y 1923 en el que aproximadamente un millón de armenios fueron masacrados, en lo que luego pasó a la historia como el “Primer Genocidio del siglo XX”, las sofisticadas prácticas negacionistas del Estado responsable continúan con hasta el presente. “Maten a cada mujer, niño y hombre armenio sin ninguna contemplación” (Talaat Pasha líder político del Comité de Unión y Progreso o “Jóvenes turcos”) Sin embargo, la actitud de la “comunidad internacional” a los largo de estos años, ha sido muy diferente comparada con el genocidio palestino.

El 20 de abril de 1965, Uruguay se convirtió en el primer país en reconocer el Genocidio Armenio. El 7 de noviembre de 1989, la Unión para el Judaísmo Reformista, el mayor movimiento judío en los EE.UU, aprobó una resolución para el reconocimiento del genocidio armenio. En enero de 2001, Francia reconoce públicamente que lo ocurrido en 2015 fue un genocidio. En 2012 promulgó una ley para penalizar a quien lo negara. El 3 de marzo de 2015, el Partido Popular Europeo (PPE) adoptó una resolución reconociendo y condenando el genocidio armenio y rindiendo homenaje a las víctimas en el centenario. Unos días antes, el Papa Francisco dijo que el genocidio armenio fue "el primer genocidio del siglo XX". La palabra no la volvió a utilizar, debido a la fuerte reacción turca, hasta junio de 2016, cuando el pontífice reafirmó y consolidó su postura y condenó enérgicamente la persistente negación del mismo. El 15 de abril de ese año, el Parlamento Europeo respaldó una moción que califica de genocidio la masacre. A su vez, el Consejo Central de Judíos de Alemaniapidió al gobierno alemán ese reconocimiento. "Hace cien años, el gobierno del Imperio Otomano ordenó la deportación de un millón de armenios. Fueron asesinados directamente o murieron de hambre y deshidratación en el desierto”, dijo el presidente del Consejo Central, Josef Schuster, al periódico Der Tagesspiegel, agregando: “Estos terribles hechos deberían llamarse como fueron: un genocidio”. Schuster dijo que el genocidio armenio sirvió más tarde a Adolf Hitler y sus nazis como modelo para el Holocausto. Seis meses después, el Consejo Judío para los Asuntos Públicos publicó una resolución en la que pedía al gobierno de los EE. UU. que reconociera las masacres turcas de armenios como un genocidio. En 2021 lo reconoció Joe Biden. Hace escasamente 15 días, por primera vez, Netanyahu, ante el deterioro de su relaciones con Erdoğan hizo lo propio en una entrevista (¿se puede ser más cínico?). Hasta el momento, 35 países y muchísimas regiones, provincias, municipios y comisiones parlamentarias han reconocido el genocidio armenio. Hoy, el negacionismo es una justificación que continúa deshumanizando a las víctimas al responsabilizarlas de su propia destrucción. ¿Y el genocidio palestino? No hace falta decir mucho más.

¿Qué hacer frente a un hecho tan aberrante como un genocidio, que estamos viendo cada día en directo, cuando sus perpetradores y buena parte de la comunidad internacional se empecinan en negarlo? Desesperarnos de impotencia, tristeza y rabia. Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros que buena falta nos hace.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

"The Dreamer" de José James, la vanguardia difícil de definir

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 31 Aug 2025 18:01:00 +0000

El SUEÑO

El sueño, esa nieve dulce

que besa el rostro, lo roe hasta encontrar

debajo, sostenido por hilos musicales,

el otro que despierta.

(Julio Cortázar)

Este espacio musical, nocturno y alevoso se ha convertido con los años en un refugio, un bálsamo, una huida, una ventana a otra realidad que me ayuda a conectar con la paz interior que habita en mí, cuando tengo agujetas en el alma. Aunque también puede ser un espacio en el que llorar bajo mi corona de espinas, lamiéndome las heridas. Esta noche, sin embargo, va a ser un lugar donde habiten los sueños.

Empiezo esta entrada el día que se cumple el 111 aniversario del nacimiento de Cortázar el infinito, el escritor que te hace reír, llorar, pensar, callar, crecer, odiar, amar, soñar: “Sólo en sueños, en la poesía, en el juego nos asomamos a veces a lo que fuimos antes de ser esto que vaya a saber si somos”, dice el argentino. Quién sabe lo que somos… ¿Realmente sabemos quién somos? Como dijo M. de Montaigne, hay tanta diferencia entre nosotros y nosotros mismos como entre nosotros y los demás. Empiezo a escribir la tarde de 26 de agosto. No sé cuándo acabaré. Parafraseando a Jorge Drexler, la vida es mucho más compleja de lo que parece. Aun así, he decidido que Cortázar nos acompañe en este trayecto musical que va de sueños.

Soñar… ¿quién no tiene un sueño? Serrat dice que sin sueños la vida sería sólo un ensayo para la muerte. Martin Luther King lo tuvo: “I have a dream”. Sin embargo, yo creo que Luther King no era un soñador, pero sabía hacer soñar y sacrificó su vida para que los sueños de cientos de miles de personas de todo el mundo se cumplieran. Quizás por eso José James, el artista de esta noche, le dedicó esta maravillosa canción:The Dreamer. El sonido del saxo es conmovedor.

Estaréis conmigo que esta portada negra, esa cara entre claroscuros y una pose con apariencia arrogante y sensual, tiene algo de Miles Davis.

"The Dreamer" es, también, el LP debut del que fue la voz del jazz para una generación en el que empezó a dejar claro que es un camaleón que se atreve con todo. James viaja por numerosos estilos fusionándolos con el jazz, permeándolos, rompiendo fronteras. “Tenemos que obligar a la realidad a que responda a nuestros sueños, hay que seguir soñando hasta abolir la falsa frontera entre lo ilusorio y lo tangible, hasta realizarnos y descubrir que el paraíso estaba ahí, a la vuelta de todas las esquinas", dice Cortázar. No obstante, lo único cierto es que la realidad tiene sus propias reglas. No por soñar va a dejar de seguir sus propios pasos.

"Algún día encontraremos lo que estamos buscando. O quizás no. Quizás encontremos algo mucho mejor". Quizás... pero también podemos encontrar algo inesperadamente peor. No es el caso de José James que, como si hubiera estado buscando en el vasto baúl de jazz, el disco está repleto de ritmos jazzísticos profundos, bendecidos por su rica voz de barítono: magníficas obras de su autoría que se complementaban con versiones excepcionales de John Coltrane, Rashaan Roland Kirk e incluso estrellas del hip hop como Freestyle Fellowship. La diversidad del álbum se aprecia también en los sutiles ritmos de drum & bass de Love

"Escribir, para mí, es hacer el esfuerzo de soñar". En cierta manera, para mí también. Las palabras crean mundos. José James también ha querido crear su propio mundo en el que la instrumentalización no quedara absorbida por el jazz vocal. Soñó que su excelente voz no le convertiría inequívocamente en un cantante más de jazz. Esa idea fue lo que realmente le ayudó a definirse. Una buena muestra de ello es la espléndida versión del blues de Roland Kirk Spirits Up Above, uno de los puntos fuertes del álbum: su potente voz, sí, pero acompañada principalmente por piano, contrabajo y batería, y la prestigiosa contribución de Junior Mance

Pero también hay sueños que se convierten en verdaderas pesadillas y hay que lidiar con ellos. “Hay una sola manera de matar los monstruos, aceptarlos”, no dejarse arrastrar por la nostalgia de los sueños perdidos. Hay muchas pruebas en este disco de que, a pesar del título, James no canta por nostalgia. De muestra, la romántica Blackeyedsusan, que es una delicia que sigue los pasos de la más gloriosa tradición del jazz, con una composición muy fiel a Coltrane. Y Nola con esa tensa interacción entre la intensidad musical y la forma engañosamente relajada de su voz.

Después del intenso Red, el cantante panameño-irlandés cierra el álbum, regresando a la simplicidad de sus raíces, con Winterwind, una pequeña obra maestra con tonos refinados y poéticos.

"The Dreamer" se lanzó por primera vez en vinilo en 2008 y se convirtió instantáneamente en un objeto de colección. Estuvo agotado en Estados Unidos durante muchos años En 2018 se publicó "The Dreamer: 10th Anniversary Edition", con dos temas más. En definitiva, este trabajo cautivador, intenso y firme de jazz nocturno y sensual es, ante todo, una delicia discreta que consolidó rápidamente la talla y el talento innato de José James dentro de la comunidad jazzística mundial. Espero que os haya gustado.

Acabo ya, pero no puedo hacerlo sin volver a levantar la voz ante el genocidio de Gaza por el sionismo israelí, con la hambruna como arma de guerra. Un genocidio que estamos viviendo en directo ante la hipocresía de esa Europa que presume de defender los Derechos Humanos. El genocidio de Gaza resume el fracaso civilizatorio y moral de Occidente. En Gaza está muriendo el mito de la humanidad occidental. Antes de ayer, la policía de Berlín arrestó a una niña de 14 años durante una protesta que exigía el fin de los crímenes israelíes en Gaza. La niña se llama Alicia Angelique Müller y no es la primera vez que la detienen. Europa, en el lado criminal de la Historia. Por favor, no dejéis de hablar de Palestina.

Cuidaos mucho. Y cuidad la Cultura para que ella cuide de nosotros. Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב

Miquel Poveda: “EnLorquecido”

noreply@blogger.com (Victoria Geijo) — Sun, 17 Aug 2025 18:38:00 +0000

"Siempre había navegado en el océano que es la vida y obra de Federico García Lorca”

El pasado 7 de agosto estuve en el Festival Porta Ferrada, un regalo de cumpleaños para gozar de Miguel Poveda, gran conocedor de los recovecos más emocionales del cante y uno de los principales referentes del flamenco a todos los niveles. Jesús y yo quedamos seducidos por su maravillosa propuesta y sensibilidad sin parangón ante su espectáculo “Poema del Cante Jondo” con textos del poemario homónimo, publicado por Federico García Lorca en 1921. El cantaor nos habló de “Federico”, como su fuera un familiar que ha estado siempre presente en su vida: "Ha estado instalándose en mí sin que yo me diera cuenta hasta que al final me ha arrastrado a una obsesión bonita, a un desdoblamiento. A un amor que siento por su persona también, no solamente la admiración a artista. Y porque me ha enseñado mucho".

Y es que cuanto más se quiere saber de él, más te atrapa hacia su universo infinito: "Todo lo que oigo y leo de Lorca a nivel humano y lo que yo interpreto me dibujan un ser muy especial, un magnetismo muy fuerte con mucho amor”, comenta Poveda de su referente, “me seduce, además del artista y el dramaturgo, el poeta, el músico e incluso el dibujante, su personalidad. Lorca tiene un deseo muy fuerte de amar y ser amado, está al lado del desfavorecido, de las músicas populares cuando mandaban las vanguardias”. Tanto ha indagado el cantaor en la vida del poeta que rescató del olvido, ante la desidia de las autoridades, su casa de Granada, en el nº 50 de la Acera del Darro, donde Lorca escribió sus primeros poemas. Ahora esta calle también está en el camino de quienes quieran acercarse a su figura.

Como todavía no he profundizado lo suficiente en el disco, esta noche, en el 89 aniversario del día en el que la irracionalidad fascista perpetró el crimen cultural más grave de los acontecidos en este país, se la dedicaremos a “EnLorquecido”, el disco del cantaor catalán, publicado en 2018, homenaje a su querido Federico. Cuando Miguel Poveda conoció a Ian Gibson, después de un concierto suyo, andaba el hombre muy nervioso. Había cantado una copla en honor a Federico. El hispanista se acercó a él y le dijo: “Veo que tú también andas enlorquecido”. El término le impactó, de ahí el título del disco. Años después, en el 120 aniversario del nacimiento del poeta, le rendirían un homenaje juntos.

Así nos cuenta el propio Miguel Poveda la génesis de este disco: Siempre había navegado en el océano que es la obra de Federico García Lorca, pero nunca había buceado tanto como en estos dos últimos años llegando a “enlorquecer” de una manera arrebatada. Para mí, ha supuesto un antes y un después en mi manera de ver y entender la vida. Desde que leí por primera vez, hace ya algunos años, “Soneto de la dulce queja”, un algo imperioso y terrenal me arrastró al mundo de Federico con todo lo que eso implica, pero es ahora, con el paso de los años cuando, con mucha más fuerza y madurez, me he sentido capaz (o eso creo) de afrontar la selección de poemas que finalmente he decidido grabar en este disco.

No ha escogido Poveda temas fáciles. Al álbum lo tiñen esos nubarrones preñados de tormenta y los más negros presentimientos lorquianos. El pavor a la muerte y ese sermón contemporáneo en la montaña metálica de Nueva York, que es un clamor contra la injusticia y la desigualdad en la tinta de un Cristo contemporáneo. Escuchad, disfrutad y asomaos a esta ventana llena de sol en la que el badalonés se ha dejado el alma. Comprobad de qué manera ha "enlorquecido“.

Parece temerario ponerle música a Federico García Lorca. La inmensidad de su poesía, su arriesgado trazo metafórico, sus imágenes cargadas de simbolismo hacen de su poesía un reto tan tentador como difícil de alcanzar con éxito. Durante el proceso de elaboración del álbum, el cantaor se preguntaba qué diría Lorca de su trabajo "era una obsesión por no defraudarle, era como si le sintiese vivo al lado y al que tenía que rendirle cuentas era a él más que a nadie". "Asumir el riesgo de hacer la selección y abordar toda la música me parecía imposible y ahora escuchándolo veo momentos en los que algo, una inspiración, ha ocurrido ahí, uno cree en cosas, en energías, porque hace más romántica la historia".

Un trabajo en el que también ha asumido la responsabilidad de componer gran parte de la música, creando así un vínculo más íntimo y directo con su poeta predilecto. "He conocido a Federico a través de la música de Morente, Carmen Linares o Camarón y a partir de ahí he conocido a mi propio Federico y a ese le he cantado" -explica- “porque yo quería hacer mi propia obra, mi propia visión del poeta".

En “Enlorquecido”, Poveda une y mezcla elementos de rock y sinfónicos con el flamenco. "El propio Federico también se cambió de piel y se convirtió en muchas otras cosas más allá de Romancero gitano o de los poemas de juventud, cuando por ejemplo se va a Nueva York hay otro Federico, hay una explosión de vanguardismo y de crítica social también" -nos recuerda- "Y yo también en la música puedo ser muy tradicional porque me gusta y porque es mi base pero he crecido en un ambiente muy diverso en el que he escuchado desde Pink Floyd, Alan Parson o Supertrump a Bambino, Marifé de Triana o Chiquete".

Poveda cuenta con Joan Albert Amargós, genial compositor, intérprete y arreglista que ha conseguido una vez más los sonidos y caracteres necesarios para cada uno de los poemas. De la mano del guitarrista Regino Sainz de la Maza trabajó músicas, textos y poemas. Finalmente con otro gran guitarrista como Jesús Guerrero, su actual compañero de éxitos, dieron forma a las canciones.

Durante el tiempo que duró la preparación del disco, no sólo estuvo inmerso en la obra del poeta; también sintió la necesidad de volver a los lugares donde Federico amó la vida, incluso donde le fue arrebatada. Un ciclón de emociones difícil de describir. Medio mundo quiere saber dónde se hallan los restos del genial poeta, pero si algo aprendió en ese tiempo dedicado a Lorca en cuerpo y alma, de forma profunda y casi obsesiva, es que “a Federico lo encuentras dentro de ti si sabes buscarlo con amor, con interés por: su poesía, sus amigos, el teatro, la Residencia de estudiantes, la Huerta de San Vicente, Valderrubio, Fuente Vaqueros o en cualquiera de sus fotografías o dibujos” por citar algunos lugares o elementos.

Espero que os haya gustado este viaje por el universo y la arrebatadora personalidad de los miles de Federicos que existen - el entusiasta, comprometido, viajero, alegre, triste, premonitorio, amante de lo culto y lo popular y obsesionado con la muerte, pero también con la vida – a través de este trabajo de Poveda en el que se percibe tanto amor. Porque cuando le conoces, Federico te zarandea en lo más hondo de tu alma para quedarse a tu lado y regalarte caminos que recorrerás sin saber por qué lo hiciste.

Para acabar, esta noche sólo puedo pensar en esos incendios devastadores incontrolados que nos azotan, en las vidas perdidas, las viviendas, pueblos enteros devastados, el sufrimiento de sus gentes, las miles de hectáreas calcinadas mientras el presupuesto total de las administraciones públicas en prevención de incendios se ha desplomado un 51% entre 2009 y 2022. Los mismos que han llegado a los Gobiernos autonómicos apoyándose en los negacionistas del cambio climático, son los mismos que están gestionando las políticas antiincendios ¡¡Bomberos fijos discontinuos que cobran 1.300 €!! Los incendios remitirán, pero el desastre, el dolor y los lamentos pervivirán. Malditos los políticos negacionistas climáticos que han asaltado las administraciones autonómicas, malditos seáis.

Buenas noches. Bona nit. Boas noites. Bones nueches. Arratsalde on Надобраніч. طاب مساؤك. לילה טוב