Música sin mapa

2008-01-02T01:42:00.004-02:00

Queridos Amigos,

A partir del próximo 5 de Abril comienza la 5ta temporada de Sonidos Clandestinos

Sonidos Clandestinos es un programa radial que cada semana emprende diversos viajes por las músicas y las culturas del mundo. Un género un instrumento musical, un artista o un país en particular pueden ser la puerta o el puente para constituir la Música Sin Mapa. Aquella que no respeta fronteras políticas impuestas, sino que se constituye a partir de otra geografía: la delimitada por los diversos pueblos que habitan el mundo.

La idea de seguir viajando, utilizando la música como único pasaporte sigue en pie; este año Música Sin Mapa formara parte de este ciclo pero de una manera particular y novedosa. La música seguirá llegando semana tras semana desde los lugares mas remotos del mundo delimitado por la geografía y esta temporada queremos que los oyentes de música sin mapa junto a los de sonidos clandestinos sean participes este nuevo camino que emprende Sonidos Clandestinos junto a Música Sin Mapa.

Los esperamos a todos a partir del sábado 5 de abril ,de 20 a 22hs, por FM LA TRIBU 88.7 o por Internet ingresando a http://www.fmlatribu.com.

La música viene llegando...

www.musicasinmapa.com.ar

www.sonidosclandestinos.com.ar

www.sonidosclandestinos.blogspot.com

Música y revolución

2007-12-27T23:17:00.000-03:00

Revolución como sueño, como utopía. Revolución como posible. Revolución tangible. Revolución como lucha, rebeldía. Revolución que parece escurrirse entre nuestros dedos, pero para luego volver a inquietarnos desde las entrañas.

Inquietud, rebelión, transformación radical de un estado. Cambio violento de las instituciones. Revolución es vida, es lucha.

Es sentir que no es suficiente mientras que exista la injusticia, las vejaciones, el silencio.

Revolución, como término polémico y abarcativo. Revoluciones Políticas, artísticas y científicas.

En esta palabra, en este concepto, confluyen La bronca, la esperanza, la lucha y los sueños. Revolución que también es poesía y es canción. Porque hablamos de conciencia, hablamos de acción y de ideas.

La música, compañera fiel de la revolución. Es una herramienta, un complemento y muchas veces es la misma música: Revolución.

Porque subvierte y concientiza. Porque despierta y anima. Porque acciona.

Es innegable que la música es un elemento infaltable en cualquier proceso revolucionario. Desde el canto de trovadores que reflejan situaciones sociales de su pueblo hasta las marchas y los himnos explícitos que acompañan a los guerrilleros y luchadores, la música es un elemento infaltable. Es una herramienta de denuncia de desahogo y de conciencia.

En Latinoamérica no han faltado revoluciones de diversa índole, con distintas características y desenlaces. Y cada proceso revolucionario en el pasado y en el presente han tenido y tienen su música característica. Muchos artistas han tenido que pasar a la clandestinidad junto con sus sonidos, con su música.
El corrido es uno de los géneros de la lírica popular mexicana por excelencia. Este estilo musical se encuentra prácticamente en todo el territorio mexicano con algunos matices.

El periodo de mayor auge sucedió, precisamente, durante la revolución ya que los “corridistas” informaban acerca de los sucesos revolucionarios mediante poesía cantada o escrita en hojas sueltas.

Es por eso que muchas veces se otorga a los “corridistas” un papel similar al de los juglares que van contando y cantando al pueblo los avatares de su país.

La Revolución mexicana, ocurrida entre los años 1910 y 1921, ha sido largamente relatada y estudiada a través de las canciones que permanecieron en la voz de los pueblos aún después de terminada la lucha. En los Corridos podemos ver cómo en algunas fases del conflicto había ciertas alianzas, por ejemplo entre Madero, Pancho Villa y Emiliano Zapata.

Chavela Vargas, grabó algunos de los famosos corridos de la revolución mexicana y es un interesante ejemplo de cómo las temáticas de los corridos acompañaron a Zapata en su camino revolucionario y al pueblo en sus historias cotidianas. El disco data de 1970 y entre los corridos de la revolución que contiene se encuentra uno dedicado a uno de los personajes de aquellos años, un militar revolucionario asesinado Felipe de Jesús Ángeles Ramírez nacido en Hidalgo, 1869 y muerto en Chihuahua, 1919.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

GUERRA CIVIL ESPAÑOLA

Europa también tuvo sus procesos revolu- cionarios, sus conflictos sociales y políticos acompañados por la música. Otro de los especiales de este año 2007 fue aquel dedicado a la guerra civil española la cual ha tenido su particular cancionero popular.
La guerra Civil española transcurrió entre los años 1936 y 1939: Comenzó a raíz de un alzamiento militar originado en Marruecos y encabezado por el General Francisco Franco, que se extendió rápidamente por todo el país.
Las fuerzas nacionalistas ocuparon la capital española el 28 de marzo de 1939 y el 1 de abril el general Franco declaró oficialmente el fin de la guerra. Y por consiguiente, el principio de la dictadura. El 29 de septiembre la Junta de Defensa Nacional nombró a Franco jefe de gobierno y comandante de las Fuerzas Armadas.

A los dos bandos enfrentados (el ejercito nacionalista y el republicano) se sumó el rol de Las Brigadas Internacionales. Estas brigadas ejemplificaron como esa generación sentía que en ese momento la lucha contra el fascismo se estaba empezando a dirimir en las tierras españolas.

A finales de 1935 y a raíz de este giro de la derecha, empezó a gestarse una gran coalición de partidos de izquierdas que se preparaba para las elecciones de febrero de 1936 y que poco más tarde se conocería como Frente Popular.

Por otro lado, El llamado Frente Nacional o de Orden se creó para oponer sus intereses a los de las izquierdas en las elecciones más reñidas que hasta entonces había vivido España.

Así fue que sucedió el alzamiento militar que dio paso a casi tres sangrientos años de guerra civil. Este alzamiento se inició en Melilla el 17 de julio de 1936 encabezado por el general Franco. Hacia el 22 de julio ya se podía decir que en España había guerra civil.

Muchísimos artistas han retomado y re versionado las canciones e himnos republicanos de la época de la guerra civil española. Muchos representantes de la lucha antifascista consideraron los acontecimientos aquellos como un ensayo de la segunda guerra mundial. Es por eso que hasta el día de hoy, la temática sigue vigente, porque la lucha sigue vigente. Artistas como Quilapayún (Chile), Joan Manuel Serrat, Paco Ibáñez, Rita Pavone, el chileno Rolando Alarcón, Banda Bassotti, Victor Jara, entre muchos más han cantado algunas de estas canciones.

Hasta 1937 Madrid había constituido el objetivo prioritario del ejercito nacional pero no fue fácil para Franco poder conquistarla, le llevo un buen tiempo más. Es así que la resistencia heroica por parte de Madrid ante el ejercito de Franco se inmortalizó en estas coplas de defensa de Madrid que en este caso nos interpreta el inconfundible Joan Manuel Serrat.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

NICARAGUA

Nicaragua ha tenido su propio y particular proceso revolucionario, acompañado, por supuesto, de la música. Así como hoy en día los zapatistas se inspiran en la lucha perpetrada por Emiliano Zapata en la revolución de principios del siglo XX, los sandinistas retomaron en Nicaragua la figura de Augusto Cesar Sandino – el general de los hombres libres - que se alzó en armas con 29 mineros de la mina de oro de San Albino en el norte de Nicaragua exigiendo el retiro de las tropas invasoras.

Sandino desarrolló contra el invasor “yanqui” una victoriosa guerra de guerrillas en la selva y las montañas que se extendió hasta 1933, cuando los Estados Unidos se retiraron de Nicaragua dejando instalado al comando de la Guardia Nacional (GN) – a la que crearon, financiaron y entrenaron - a un falsificador de monedas llamado Anastasio ‘Tacho’ Somoza, vinculado por motivos familiares con algunos renombrados oligarcas de Nicaragua y pariente del presidente de la Nación Juan B. Sacaza.

Al concretarse el retiro de las tropas invasoras, Sandino desactivó su ejército y con un núcleo importante de su gente se instaló en una zona de cooperativas agrícolas en Las Segovias (Wiwili).

De allí en adelante fueron hostigados por la GN en forma permanente. Sandino viajó a la capital – Managua - para entrevistarse con el presidente Sacaza y plantearle la situación. A la salida de la reunión Sandino fue asesinado junto con sus principales colaboradores por miembros de la GN por órdenes de Somoza, el 21 de Febrero de 1934. Al día siguiente la GN arrasó a sangre y fuego las cooperativas, matando a muchos de sus integrantes y destruyendo todo lo encontrado.

El Frente Sandinista de liberación Nacional, se propuso continuar la huella de Sandino. El frente se funda en el año de 1961 como una organización político-militar, con el objetivo de derrocar la dictadura de Los Somoza. Objetivo que logran en 1979 luego de duras batallas.

Los cantautores Luis y Carlos Mejía Godoy han compuesto cientos de canciones alusivas a la revolución Sandinista. No hay duda de que sus canciones ayudaron a la victoria del frente. Entre sus obras, destacamos el disco: “Canto épico al FSLN” que reúne varias canciones que cuentan los distintos episodios transcurridos desde el Nacimiento del Frente en 1961 hasta la toma del poder en 1979. Se dice que las canciones de estos trovadores contribuyó en forma decisiva gestar esa lucha y su victoria el 19 de julio de 1979.

Escucharemos una canción que precisamente festeja el nacimiento del FSLN. Incluida en este Canto épico llevado a cabo por Carlos Mejía Godoy acompañando el proceso revolucionario nicaragüense.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

CUBA

Si hablamos de revolución debemos mencionar la revolución más emblemática de Latinoamérica, Cuba.

Fidel, El Che, Cienfuegos y el resto de los revolucionarios lograron derribar la dictadura de Batista y tomaron el poder en 1959. Conocidas son las canciones que han acompañado este proceso: desde Carlos Puebla hasta los protagonistas de la nueva trova cubana. Los vastos estilos musícales nacidos en cuba han tenido su relación desde lo lírico con la revolución. No solo las canciones de los trovadores, sino también sones y boleros han acompañado ideológicamente el espíritu libertario y socialista en la isla durante décadas.

Entre las grandes cantantes de boleros en Cuba encontramos la figura de Omara Portuondo nacida en la Habana en 1930. Debutó junto a su hermana Haydee que era bailarina en el Tropicana. Luego ambas formaron un cuarteto vocal junto a Elena Bourke y Moraima Secada dirigidas por la pianista Aida Diestro. El cuarteto conocido como “Las de Aida”, se convirtió en uno de los mas importantes de la historia cubana a pesar de haber grabado un solo álbum. Eran aclamadas en todas partes y hasta compartieron escenario con Nat King Cole en el Tropicana.

En el mítico año 1959, Omara editó su álbum debut como solista titulado “Magia negra”. Siguió durante algunos años cantando alternadamente con “Las de Aida”, pero luego se dedicó a su carrera en solitario aunque participó del legendario grupo de Charanga, La orquesta Aragón.

En 1996 fue convocada a participar del Buena Vista Social Club, la película de Wim Wenders que rescató muchísimas de las grandes estrellas de la música cubana del siglo XX en la que Omara cantó junto a Ibrahim Ferrer el tema “Silencio”. En el 2000 World Circuit lanza Buena Vista Social Club presenta a Omara Portuondo, que consolida la repercusión internacional de esta artista a nivel mundial que luego seguiría editando discos y haciendo giras. Su último trabajo lo llevó a cabo junto al guitarrista Martín Rojas., allí incluyó una particular versión de la clásica guajira de Carlos Puebla “Hasta siempre”.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

VENEZUELA

Mas allá de la polémica y el debate que la figura de Chávez posee en los distintos sectores de la sociedad tanto en Venezuela como interna- cionalmente. La política de Chávez se proclama revolucionaria y contraria a los intereses del neoliberalismo y del imperio representado por Estados Unidos.
Desde su asunción en 1999 Chávez se propuso continuar la revolución bolivariana retomando los ideales de unificación latinoamericana. Chávez sobrevivió golpes de estado, boicots y enfrentamientos. Y por supuesto la música también está presente en este proceso revolucionario Venezolano que está vigente. Un cambio drástico y de raíz de las lógicas de poder que venían manejando Venezuela en los años anteriores.

En Venezuela, hay un grupo experimental y folklórico que es emblemáticamente representante del Chávismo. Nos referimos al grupo “Madera”, cuyo director es Noel Marquez.

Este agrupación está conformado por 27 integrantes y retoman ritmos afro venezolanos, su disco “En tiempos de revolución Bolivariana” fue bendecido públicamente por el presidente Chávez en su programa televisivo “Aló Presidente” .

El disco contiene 14 canciones con marcada carga política. Por ejemplo El primer tema se titula “Uh Ah Chávez no se vá” y el tercero “Chávez no lo tumba nadie”, en el resto del disco recorren diversos estilos latinoamericanos y afro venezolanos con referencias políticas un poco más implícitas pero siempre a flor de piel.

Del disco “En tiempos de Revolución Bolivariana” llena a música sin mapa el tema “Venezuela Canta”.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

EZLN

Otro proceso revolucionario vigente en América Latina es el que vienen practicando con modalidades particulares los zapatistas. Continuadores del legado de Emiliano Zapato, el ejercito zapatista de Liberación Nacional, (EZLN), encabezó un levantamiento en 1994 que significó la consolidación de quinientos años de lucha de los pueblos indígenas en un grito de “Ya Basta”. Indígenas y Campesinos se rebelaron y se alzaron en armas tomaron algunos municipios y a partir de entonces vienen construyendo autonomía en rebeldía, con radio, revista, hospitales y escuelas propias en los municipios autónomos, desarrollando intercambios y acciones concretas con organizaciones, colectivos e individuos en Chiapas, el resto de México y el mundo.

En el 2004 se lanzó la campaña por el doble aniversario del EZLN, 20 años desde su nacimiento y 10 años del levantamiento que los dio a conocer en el mundo. Al grito de “ya basta” se sumaron muchísimos grupos de todo el mundo y por supuesto también músicos y poetas se hicieron eco de sus demandas.

ARRIBA LO POLÍTICO DEMOCRÁTICO MANDANDO Y ABAJO LO MILITAR OBEDECIENDO. Hoy en día para los zapatitas El poder militar está subordinado al poder civil.

Quienes organizados en Juntas de buen gobierno en cada uno de los centros cívicos y políticos denominados caracoles llevan a cabo la máxima de mandar obedeciendo y de gobernar desde abajo y a la izquierda. Hace ya varios años que le proceso revolucionario gestado en Chiapas viene haciendo uso de la palabra y no del fuego.

El EZLN llevó a cabo seis declaraciones públicas de la selva lacandona. La Sexta dio lugar a la gestación de un plan nacional de lucha que se vio fortalecido por las acciones conocidas como “La otra Campaña”. Llevaría un programa entero tratar en detalle la situación socio política de los zapatistas, como de cada una de las situaciones que hemos recorrido hoy en Música Sin Mapa. Otro programa nos llevaría analizar la música que ha sonado y que ha acompañado los procesos de resistencia en nuestro propio país durante las épocas dictatoriales e incluso en democracia. Hoy elegimos compartir algunos de los sonidos del mundo que han estado de la mano de procesos que trascienden lo musical pero que a la vez constituyen la cultura de cada pueblo. Las ideas de libertad, de revolución y de resistencia. El proyecto de mantener una identidad cultural por sobre los embates foráneos. Vamos a cerrar escuchando una de las tantas manifestaciones artisticas mas bien musicales que han acompañado desde los comienzos, la lucha zapatista que como dijimos al comienzo del programa es todas las luchas. Porque mas allá de las particularidades y los contextos históricos de los distintos acontecimientos revolucionarios (Sandino, Cuba, Guerra civil española, Venezuela, Chiapas) hay demandas que tienen que ver con la dignidad de hombres y mujeres, con la lucha por el reconocimiento y el respeto por el otro, el diferente. La lucha zapatista por un mundo donde quepan muchos mundos, es una lucha colectiva que no solo concierne a Chiapas o a México.

En el mencionado doble aniversario del EZLN se editaron 4 discos que acompañaron el lanzamiento del libro “el fuego y la palabra” de la periodista Gloria Muñoz Ramirez.

En esos discos artistas de distintas latitudes exclamaron su adhesión a la lucha zapatista. El grupo español “Hechos contra el decoro" se originó en Madrid en 1995. Es claramente un grupo Militante. El grupo experimentó el mestizaje de diversos ritmos como el rock, el Hip Hop y la música electrónica de la mano de influencias latinas de la música caribeña y el reggae.

En 1998 se crea la Asociación Cultural Rabiamuffin con el fin de reunir energías y apoyar a movimientos sociales como el zapatismo en Chiapas.

En el año 2001 el grupo se separó y algunos de sus miembros continuaron mezclando ritmos desde el rock latino con el grupo “Desechos”. El grupo participó del volumen 1 de la colección de artistas que adhieren a Chiapas en este doble aniversario del EZLN. Hechos contra el decoro se hacen voz del grito colectivo que exige un Mundo donde quepan muchos mundos.

Nota: Por razones ajenas a música sin mapa por el momento no podremos publicar las canciones citadas, sepa disculparnos, estamos tratando de resolver el inconveniente.

“Cantadoras Colombianas”

2007-12-05T21:19:00.001-03:00

Totó La Momposina

Diversos pueblos y etnias del mundo han elegido el canto como medio no solo de expresión sino también de transmisión oral del conocimiento, las tradiciones y las historias de su gente. En la voz de los trovadores, ha radicado el legado popular de narrar y cantar. Desde épocas antiguas hasta el día de hoy, valiéndose de distintos elementos, instrumentos y estilos, han existido artistas que por medio de su voz han logrado mantener y preservar culturas. En el caso de la etnia africana Mandinga encontramos los Griots, dispersos por Mali, Senegal y Guinea; aquellos guardianes de la historia de su pueblo que se valen del canto y el sonido de un cordófono similar al arpa conocido como Kora.
En nuestro continente latinoamericano son distintos tipos y clases de trovadores y trovadoras los que han representado desde lo musical a cada país.
En las tierras Colombianas encontramos una serie de mujeres que han recibido, ancestralmente, el don de poder cantar versos que acompañados con las palmas y los tambores afrodescendientes, llamador, alegre y tambora, han sabido preservar la historia de su pueblo. La tradición de acompañar los acontecimientos sociales con el canto ha dado a luz grandes artistas y compositoras que se han transformado en embajadoras culturales de su país. Es el caso de Etelvina Maldonado, Petrona Martinez, la reina del Bullerengue o Totó La Momposina, fieles herederas de la tradición de los bailes cantaos. No solo hay cantadoras en el caribe sino también en el litoral pacífico.
Bullerengue, Chalupa, Chandé, Berroche y Fandango son algunos de estos aires de bailes cantaos muchos de los cuales han dado lugar a la cumbia, ritmo que ilustra de modo fidedigno la triple herencia de la música colombiana: africana, Indígena y europea.
Los pueblos del Caribe Colombiano reconocen a las cantadoras como las mujeres que poseen la sabiduría y la historia. El papel de la mujer en la música tradicional colombiana es sumamente importante. Entre ellas podemos mencionar a la embajadora mas conocida fuera de Colombia, Totó La Momposina.
Proviene del pueblo de Talaigua, en el corazón de una isla llamada Mompós que está en el medio del río Magdalena. Nadando en la música y la danza del Caribe colombiano, su trabajo está inspirado por una mezcla cultural rica que combina elementos africanos, tradiciones indígenas y melodías hispanas.
Ella presenta ritmos de la costa caribeña de Colombia junto al son, la guaracha, la rumba y el bolero cubanos. Nació en una familia tradicional de músicos, aprendió a cantar y a bailar desde niña. Su primer disco “Cantadora” se editó en 1983 y durante mucho tiempo fue una pieza de coleccionistas ya que hasta el día de hoy es difícil de conseguir. Allí se incluye el tema tradicional “Tres golpes”.
Diez años después grabó la candela viva, el cual fue incluido en el sello de Meter Gabriel Real World y lo implicó la puerta de entrada de Totó a la denominada World music o música del mundo.
En Argentina, Suramusic editó por primera vez a esta artista en ese país con el disco Carmelina, cuya edición original data de 1996 y donde Totó como cantadora apareció musicalmente renovada. Además editó Pacantó o para el cantor, disco original de 1999 que llegó recién en 2004 a la Argentina y donde la artista debuta como compositora con temas de gran calidad e incorpora músicos africanos en su banda.
Además Totó participo del disco NO A LA DEUDA, editado también en Argentina en 2003 para el cual Totó hizo especialmente el tema de apertura titulado Cosas pa´ pensar en repudio a la deuda externa en países del tercer mundo.

Petrona Martinez:

Este arte del baile cantado que originalmente se acompañó tan solo de los tambores y las palmas. Uno de los ritmos y estilos que son parte de esta modalidad y que quizás es uno de los más antiguos toques es El bullerengue, un canto tradicional de la Costa Atlántica colombiana, que tiene sus raíces en los lamentos de fecundidad africanos que llegaron al país con los esclavos. El bullerengué es quizás uno de los bailes en los cuales se destaca con mayor fuerza la ascendencia africana. En los palenques, se retienen cantos ancestrales que son parte de los cantos fúnebres, uno de los rituales religiosos que más sabor africano conservan. Se dice que el Bullerengue se desarrolló junto con el proceso de sincretismo que tuvieron los distintos bailes cantaos asociándose a fiestas de origen religioso católico como las de San Pedro y San Pablo el 24 y 29 de junio, la de la inmaculada concepción el 8 de diciembre, la navidad y por supuesto la de la virgen de la candelaria festejada en muchísimos pueblos de la región.

El bullerengue es un ritmo y toque típico de la región caribe, a la voz líder entonadora, en la mayoría de los casos femenina, se le suma el coro de respondedoras que marcan el pulso con maracas de Totumo, tablitas y por supuesto las palmas siempre presentes en los bailes cantaos. Con respecto a los tambores, que dan el sabor africano, debemos mencionar al tambor “alegre” también conocido como hembra y el tambor “llamador” conocido como macho. En algunos casos se ha agregado la tambora de doble parche muy presente en los toques de la región del río magdalena.

Las cantadoras bullerengueras componen sus canciones mientras realizan tareas cotidianas. Las letras refieren a sus labores, sus costumbres y transmiten la identidad de su pueblo. Los cantos tienen estructuras responsoriales. Las cantadoras suelen versionar continuamente piezas tradicionales y en muchos casos anónimas. En general el oficio de cantadora y bailadora se aprende por tradición familiar. Se respeta a los más ancianos por ser portadores legítimos de la tradición. No solamente respecto de la música, las cantaoras ancianas saben también de plantas medicinales, gastronomía y rezos. Las primeras grabaciones profesionales del bullerengue se originaron en la década del 70´ con Irene Martínez y los soneros de Gamero, luego Emilia Herrera y mas recientemente las cantadoras que recorreremos hoy como Etelvina Maldonado, Petrona Martinez o Totó La Momposina.

Petrona Martínez es heredera de una fuerte tradición de cantadoras de bullerengue, iniciada por su bisabuela Carmen Silva y continuada por su abuela Orfelina Martínez y su tía Tomasita Martínez, a quienes escuchó cantar desde niña, mientras hacían sus labores diarias, y durante las fiestas patronales de San Cayetano.

La primera vez que salió de Colombia fue en el año 2000. Cuando acompañada de su hijo se fue a Europa. Al año siguiente, ya como una ciudadana del mundo viajó a Bristol, Inglaterra, para grabar su disco “Bonito que canta”. El último trabajo discográfico de Petrona se titula “Mi Tambolero” y fue editado en el 2003.

Hablamos del bullerengue y hay que aclarar que este toque y baile tiene diversas variaciones o aires: Bullerengue Sentao, mas candencioso y lento el cual permite a la cantadora hacer variaciones líricas y melódicas explotando sus recursos expresivos. El Fandango que utiliza el canto onomatopéyico y si bien su configuración melódica es similar al sentao está en clave ternaria. Y la Chalupa , una variante del Bullerengue de tiempo mas acelerado y de carácter festivo. Si bien Petrona Martinez es denominada la reina del Bullerengue, es una gran cantadora de Chalupas como la que abre este disco de reciente edición Argentina “Bonito que canta” titulada La Vida vale la pena.

Entrevista realizada por Nicolas Falcoff a Petrona Martinez

Etelvina Maldonado

Otra prolífica compositora y cantadora bullerenguera es Etelvina Maldonado, nació en la isla de Santa Ana (Departamento de Bolívar, Colombia) el 26 de Abril de 1936. Etelvina es poseedora de grandes cualidades como improvisadora, las cuales sabe explotar muy bien en el escenario. En su larga trayectoria como cantadora se ha consolidado como una de las más representativas intérpretes de bailes cantaos, fandangos y bullerengues.

Con más de 70 años, se hizo conocer a nivel nacional e internacional a partir de su participación en el CD Cantadoras del colectivo Alé Kumá proyecto dirigido por Leonardo Gomez. En el 2003, por primera vez, creó su propio grupo de música y grabó “Canto, repique y tambor” su primer disco donde muestra todo su encanto, su cariño y su calidez interpretativa por la música tradicional.

Una gran compositora y autora, en el disco su voz se acopla al tambor alegre, al cuaghe y a las gaitas colombianas (esos aerófnos construidos con el corazón del cardón). Etelvina Maldonado es digna heredera de los bailes cantaos.

Martina Camargo:

Martina Camargo oriunda de San Martín, hoy vive en Cartagena con su familia y es una de las más reconocidas cantadoras de Tambora. El padre de martina, Don Cayetano Camargo Urrutia, es una de las figuras más importantes en la historia de la tambora de su pueblo, un campesino agricultor, poeta y compositor que solía escribir y recitar poemas y componer versos para tambora muchos de los cuales recupera su propia hija martina en su disco solista “Aires de San Martín”. La voz de Martina Camargo conserva la tradición de los pueblos cantores del sur de Bolívar.

Su voz es aguda y fuerte, y en medio de tambores y tamboras produce una interacción fascinante. Martina forma parte del colectivo artístico Alé Kumá, al cual ya nos referimos y que unificó 2 cantaoras del litoral pacifico con otras dos del caribe entre las cuales está martina.

En su disco solista retoma ritmos y toques típicos del rió magdalena que se tocan con tambora: Berroche, Tambora, Guacherna y Chandé. Este último con gran influencia afro, cuya esencia es percusiva, tambora y palmas sobre todo. El disco lo produjo Leonardo Gómez de ale kumá y cuenta con la presencia de Andrea Echeverri la cantante del grupo de pop y rock Aterciopelados que aporta su particular color de voz en una tambora titulada Corré Morenita junto a Martina Camargo.

Entrevista realizada por Nicolas Falcoff a Martina Camargo

Diana Hernandez

Vamos hablar de una joven artista que influenciada por los cantos de las mujeres mayores ha decidido rescatar también los cantos del bullerengue del caribe colombiano y llevar a cabo un disco con distintas tonadas compuestas por grandes mujeres representantes del género en uno de los discos cantando sola y en el otro junto a varias de estas maestras.

Diana Hernandez junto al productor y percusionista Leonardo Gomez, llevaron a cabo este proyecto conocido como María Mulata, como un pájaro de la región y cuyo disco lleva el nombre de Itinerario de Tambores.

Diana se maravilló con la voz de Etelvina, los cantos del grupo Alé Kumá y cuando Leonardo Gomez la invitó a hacer coros en el disco comenzó a estudiar cada vez mas este estilo y luego grabó en el CD de Pablo Florez, el rey del estilo denominado Porro que al igual que le fandango, el bullerengue sentao son aires de la cumbia. Del recorrido que en el 2005 Diana llevó a cabo en toda la zona bullerenguera aprendiendo y entrando en contacto con estas reinas del estilo, en Necoclí y Arboletes (en el departamento de Antioquia), así como María la Baja, San Basilio de Palenque y San Cayetano (Bolívar) de donde es oriunda Petrona martinez se efectuaron grabaciones que son parte de este disco doble editado a finales del 2006. Etelvina Maldonado, Eulalia Gonzalez, Martina Balseiro Eustaquia Amaranto, Eloísa Garcés y Graciela Salgado hermana del gran Paulina Batata Salgado de quien ya hemos hablado. Todas estas mujeres están en itinerario de tambores en el disco B que contiene grabaciones in situ junto a Diana en sutiles piquerías.

Diana Hernandez, tiene tan solo 25 Y canta bullerengue como las grandes maestras, en el disco B de Itinerario de tambores demuestra que puede cantar junto a ellas de modo más que interesante.

Escucha sus canciones AQUI

ALE KUMÁ

Las cantadoras no solo están presentes en el caribe colombiano sino también en la costa pacifico. Esto lo tuvo claro el productor Leonardo Gomez que decidió juntar 4 cantadoras, 2 de cada región para llevar a cabo un interesante colectivo artístico llamado Alé Kumá cuyo nombre en lengua Guahibos, Cauca, que quiere decir unión sin ruptura. El disco Cantadoras, se editó en el 2002 e incluyen diversos cantos interpretados por Benigna Solís y Gloria Perea del pacífico y las voces afro caribeñas de Etelivna Maldonado y Martina Camargo (una de las mejores cantadoras de Tambora, de la región de Mompos).

El trabajo de Alé Kumá es un poco diferente a los cantos tradicionales puros, porque a los cantos, los tambores y las palmas de los tradicionales bailes cantaos se le adicionaron otros instrumentos como es el piano y el contrabajo. Igualmente se mantiene la esencia de estos toques y cantos, el agregado es muy fluido y orgánico. Leonardo Gomez esta a cargo del contrabajo, Nicolás Ospina del piano y se les suman varios percusionistas como Urian Sarmiento.

Especial de Música sin Mapa

2007-11-23T02:01:00.000-03:00

Especial de Música sin Mapa

El Jueves pasado muestro viaje programa lo armaste vos y estas son la latitudes a las que volvimos...

Primera Parte

Segunda Parte

Gracias!!!

Eduardo Mateo

2007-11-15T13:08:00.000-03:00

Vamos a centrarnos en un artista que si bien en vida no gozó de la popularidad y el reconocimiento que merecía, indiscutidamente está considerado hoy como uno de los músicos mas influyentes de la música popular uruguaya. Su originalidad y audacia artística se vio acompañada de la marginalidad de los circuitos tradicionales. Sus últimos días lo pasó vagando por las calles de Montevideo, casi en el anonimato.

Un músico mágico, bohemio, loco. Su genialidad fue manifestada en bruto, casi rústicamente en las grabaciones que consiguió registrar en vida, y ese material, esa materia prima, a partir de su desaparición física, no deja de ser reformulada, moldeada y re interpretada.

Eduardo Mateo, nació en Montevideo un 19 de septiembre de 1940. Su padre era feriante y músico carnavalero y su madre trabajaba limpiando en la casa del insigne compositor Eduardo Fabini. A los 14 años su abuela le regaló su primera guitarra y así comenzó a incursionar en la música imitando al grupo brasileño Os Demonios da Garoa.

Su primer grupo propiamente dicho llevó por nombre “O bando de Orfeo”, como homenaje al film Orfeo Negro (1959), además era el nombre del boliche en el que solían tocar en Carrasco. Luego Mateo integró el grupo “Los Malditos” como guitarrista, una banda de covers formada en 1964 que tuvo cierta repercusión en Uruguay tocando música de los Beatles. El grupo llegó a grabar un simple para el sello sondor pero cambiando su nombre a “The Knights”. En 1966 el grupo de disolvió pero Eduardo Mateo y Walter Cambón siguieron juntos y para no desperdiciar las oportunidades de trabajo incorporaron nuevos músicos: Luis Sosa, Antonio Lagarde y Rubén Rada, ese fue el inicio de “El Kinto”. Un grupo emblemático de fines de los 60 que a la par de Almendra en Argentina, constituyeron las bases del rock popular del Uruguay.

El nombre del grupo hace referencia al doble sentido de tratarse de un quinteto por un lado y por otro al tambor quinto, una de las piezas del juego de congas, el instrumento predilecto de Rada quien junto a Mateo se impusieron como líderes del grupo. Al poco tiempo Antonio Lagarde se fue del grupo y fue reemplazado en el bajo por Urbano Moraes. La primer propuesta discográfica fue en 1968 para grabar un simple con sus dos canciones más importantes “Que me importa” y “Principe Azul” (versionada por León Gieco en “de Usuahia a la Quiaca”). Pero el proyecto de grabación quedó trunco porque Rada se fue a tocar a Perú. Algunas de las grabaciones fueron rescatadas con los años y editadas en CD.

A pesar de no haber podido editar el simple que grabaron en 1968, en esos años el grupo había adquirido cierto prestigio en el circuito local, de hecho “El Kinto” fue el grupo eléctrico invitado por Zitarrosa para su proyecto multicultural “La claraboya amarilla”. Luego en el teatro “El Galpón” llevaron a cabo las “musicaciones” donde eran el grupo anfitrión que alternaba su música con poesía, teatro, Jazz y candombeadas. Pero a pesar del éxito creciente del grupo, Mateo comenzó a desinteresarse y dejó ir por la borda una nueva propuesta de grabación. Llegando tarde o utilizando muchísimas horas de estudio.

En 1970 el Kinto se separó e interrumpió su actividad. Pero a pesar de su casi nula presencia discográfica quedaron en la memoria colectiva como un grupo de culto, ya que fueron los primeros en tocar música beat desde una concepción más expresiva alejada de lo comercial, en cantar en castellano y fusionar el beat con ritmos como el candombe. Pero al no haber ningún registro discográfico mas allá de algunas sesiones como grupo acompañante en un par de simples, podía haber quedado diluida la mística que se formó en torno al grupo si no hubiera sido por una grabaciones que el Kinto efectuó para el programa televisivo Discódromo, donde actuaron reiteradas veces y como precisaban tener playbacks grabaron. El ingeniero de sonido, Carlos Piriz, fue quien retomó y editó con gran repercusión en diversos simples y un LP esas grabaciones.

Sobrevivieron 16 canciones grabadas por El Kinto. Muchos de sus temas, compuestos en su mayoría por Rada o Mateo, han sido re versionados y recordados en todo el desarrollo del rock nacional y la música popular uruguaya.

Después de su incursión en el Kinto, Mateo ya era considerado un músico destacado y original en Uruguay, pero no tenía disco propio. Así fue que el técnico de grabación Carlos Piriz, fanático de mateo, (quien a su vez fue el mismo que rescato las pocas grabaciones de El Kinto), incitó a Mateo a grabar en Buenos Aires en 1971 el disco que se llamo “Mateo solo bien se lame”. Tras pagarle al músico y a su novia Nancy pasajes y estadía, los flamantes dueños del sello musical De la Planta empezaron a comprobar que el intento de registrar las canciones en una semana era utópico: los tiempos de Mateo eran imposibles.

Mateo tenía anotados diversos garabatos en un cuaderno azul que cada día interpretaba de distinto modo; grababa un tema como de casualidad y al día siguiente se lo olvidaba o lo borraba. Es así que mientras las horas de estudio se facturaban. Mateo quizás se hacia presente en el legendario estudio ION solo para avisar que no estaba inspirado, si es que se hacía presente. Según el musicólogo brasileño Guilherme de Alencar Pinto-. Quien a su vez escribió la biografía de mateo. Este proceso de grabación intermitente duró dos meses. Hasta que un día Mateo hizo la típica dijo: "voy a la esquina a comprar fasos" y se volvió a Montevideo, cerca de Navidad.

El disco terminó siendo, lógicamente, el borrador de lo que podría haber sido: Piriz estuvo un año pegando partes de temas, cortando otras, armando conceptualmente los trozos dispersos, bordando un rompecabezas a partir de las pistas dejadas por el músico. Y “Mateo Solo bien se lame” se editó en 1972 y marcaría a fuego la música popular uruguaya. El propio Jaime Roos confesó haberse devorado de un bocado el disco y que lo conoce de memoria.

En épocas de rock progresivo y mucho instrumento eléctrico, Mateo hizo un álbum intimista, acústico solo con guitarra, percusión y voz. En este disco Mateo toca guitarra, percusión y canta. Horacio Molina le hizo coros. La admiración de Mateo por la música negra, por el candombe y la bossa nova era sabida. En sus composiciones demostró un particular modo de interpretar esos ritmos.

Con respecto a la discográfica de Mateo hasta el momento de su muerte han quedado registrados cuatro fonogramas individuales: "Mateo solo bien se lame" (1972), "Cuerpo y alma" (1984), "La Máquina del Tiempo presenta Mal tiempo sobre Alchemia" (1987) y "La Máquina del Tiempo - La Mosca" (1989), y otros cuatro fonogramas en colaboración: "Mateo y Trasante" (1978), "Mateo y Cabrera" (1987), "Botija de mi país" con Ruben Rada (1987) y "Teatro de Verano en vivo" con Hugo Fattoruso, Rada, entre otros (1989).

Se dice que su caso parece similar al de Tom Zé, y que si David Byrne hubiese entrado en una disquería de Montevideo en lugar de una de Río, hace 14 años, probablemente sería hoy Mateo el artista de culto internacional, como lo es Tom Zé a partir de su re descubrimiento por medio del sello Luaka Bop.

“Razones Locas. El paso de Mateo por la música popular uruguaya”, es el titulo de la biografía monumental que el musicólogo brasileño Guilherme de Alencar Pinto- escribió sobre Mateo.

Allí Alencar Pinto sostiene que Eduardo Mateo fue el principal músico ‘antropófago’, de la música popular uruguaya. Un concepto introducido por el escritor brasileño Oswald de Andrade, que habla de los artistas que optan por deglutir al conquistador para incorporar su fuerza, en oposición al nacionalismo meramente resistente. Mateo era un creativo en todo sentido, incluso inventaba palabras porque el idioma le quedaba corto para expresar sus pensamientos. Una de esas palabras es “Contumancia”, en referencia a aquello que escapa al lenguaje, a lo indecible. La contumancia era el elemento que sus grabaciones debían poseer para que Mateo de su aprobación final. Inspirada en esa particular cualidad indefinible, fundamental para la dimensión en la que habitaba Mateo surgió en Argentina la revista La Contumancia dedicada a la cultura musical independiente. Las canciones de Mateo son un mundo en sí mismas. Son como gemas sin pulir. La música de Mateo es una continua invitación a abrir nuestra cabeza a un nuevo mundo detrás del mundo que observamos cotidianamente. Porque a este cantautor uruguayo, le quedaron chicas las palabras, las notas y la guitarra. Y por eso reinvento un modo de decir, de cantar y de tocar.

Sus canciones fueron versionadas por muchísimos artistas rioplatenses. Entre ellos se encuentra Pedro Aznar quien grabó un disco titulado “Cuerpo y Alma” en el 1998 llevando como titulo el de un tema de Mateo y de un disco del artista uruguayo editado en 1984.

Alli mas allá de grabar cuerpo y alma, Pedro Aznar versionó un clásico de Mateo, un candombe en ¾ que también tiene los neologismos a los que Mateo nos tiene acostumbrados: Tungue Le.

Alencar Pinto cuenta en su libro que Mateo pasó su última época vagando por el centro de Montevideo, en Pijama pidiendo limosna. La mayoría de los que lo reconocían se cruzaban de vereda. Los que no, solían recibir discursitos como éste: "Hola, ¿no me conoces? ,soy Eduardo Mateo. Seguramente escuchaste más de una vez un tema mío. No te estoy pidiendo limosna. Te pido que me pagues una parte de mis derechos de autor. Es que... nunca me los pagaron.

Mateo murió joven, hizo lo que quiso y como lo quiso. Y así se retiró con bajo perfil tal vez sin saber que su legado sería una huella imborrable en la música popular rioplatense.

Murió a los 50 años el 16 de mayo de 1990, el cantautor uruguayo ya era mito. Mito que sigue creciendo día a día no solo en Uruguay sino también en Argentina y Brasil. Mateo hoy tiene una plaza con su nombre en Montevideo. Fue descripto por Fito Paez como una mezcla entre Tanguito y Zitarrosa y valorado también por León Gieco, Lito Nebbia o Jaime Roos quien recuerda lo siguiente:

“La noticia de la muerte de Mateo fue uno de los golpes más fuertes que he tenido en mi vida”, recuerda Jaime Roos. “Justamente estaba grabando un tema que se llama `Igual que ayer´. Una letra que terminé cuando murió Lazaroff. Al día siguiente sentí que había un agujero en mi pecho, y me parecía que había también un agujero en el cielo de Montevideo. Me acuerdo que llovió todo el día, y a la noche teníamos que hacer un show. Fue la peor noche de mi vida sobre un escenario. No se lo dijimos al público hasta la última canción, porque muchos de ellos no lo sabían, y luego tocamos `Amigo lindo del alma ´. Y después de ese tema, escuché de la gente un aplauso que no había escuchado nunca en mi vida sobre el escenario. Un aplauso que recordaba a una llovizna, muy tranquilo y suave, y que parecía que no terminaba jamás”.

Dice el dicho popular que detrás de todo gran hombre hay una gran mujer. A su vez artistas de la talla de Mateo no estuvieron exentos de tener sus propias musas inspiradoras. Si bien el nombre de “Nancy” es el que resuena como “La novia de Mateo” a quien le dedicó algunos de sus tema como el Son de Nancy, hubo otra mujer en la vida de Mateo la cual si bien no estuvo implicada con él desde el punto de vista amoroso, pero, si fue protagonista de algunas de sus composiciones y de su vida artística. Según describe biografía de Alencar Pinto editada en 1994, ciertas gemas creadas por Mateo como “Esa Tristeza” o “Mejor me voy” estuvieron inspiradas en una mujer que cuando conoció a Eduardo Mateo tenia diecinueve años y unos preciosos ojos verdes, era estudiante de arquitectura y admiraba el cine y la música francesa.

El verdadero nombre de esta cantante es Diana Reches pero antes de su primer concierto el padre le anunció poniendo el grito en el cielo que no quería ver el apellido de la familia anunciado en un espectáculo musical por lo cual como Diane siempre se vestía de Negro, decidió casi inmediatamente adoptar el apellido de Denoir (de negro en francés) para su vida artística. Bajo ese nombre se presentó ante los músicos que tocaban junto a Manolo Guardia en el bar del hotel Lancaster, donde le habían dicho que podía encontrar un guitarrista para sus conciertos. Cuenta el libro de Pinto que cuando Diane lo escuchó tocar a Mateo inmediatamente le propuso que la acompañara en un concierto que le había surgido en el Solís.

A partir de ahí se hicieron amigos y todos los días mateo pasaba por la casa de Diane. La figura de Diane estuvo asociada a Mateo y más aun a partir de la edición de “Razones Locas” la biografía de Alencar.

Sus grabaciones editadas originalmente en 1971, sin repercusión comercial alguna, pasaron de la clandestinidad de coleccionistas y grabaciones piratas a un disco editado en Argentina por un sello independiente local. Aquel único registro que compila temas de mayoritariamente compuestos por Mateo y Urbano Moraes tiene una duración de apenas media hora y contiene doce temas con influencias de la bossa nova y la chanson francesa, de la cual Diane era adepta. “Mejor me voy” fue la primer canción y en realidad la única que Mateo admitió haberle escrito a la propia Diane. La versión de Diane Denoir de este tema cierra su disco. En una nota reciente que le hicieron a Diane esta declaró lo siguente: “Alguna vez, Mateo le dijo a Jaime Roos que yo fui su musa, y que compuso para mí canciones como ‘Y hoy te vi’ y ‘Esa tristeza’. Pero a mí eso no me lo dijo nunca”, “Para mí, la única canción que es mía es ‘Mejor me voy’, porque Mateo me dijo que ésa era yo. Sucedió así: yo solía ir con mi novio a verlo tocar a Mateo con Orfeo Negro, y bailaba un poco y después me cantaba un tema. Una noche me peleé con mi novio y caí por ahí, y Mateo me decía: ‘Cantate una’, y yo le decía que no, me preguntaba qué te pasa y yo le decía nada y así estuvimos un rato. No canté nada, no le dije nada, y debía tener muy poca sonrisa esa noche. Al día siguiente, como todas las tardes, a eso de las tres cayó Mateo por casa y me dice: ‘Vo, ésta sos vos’. Y me cantó ‘Mejor me voy’. Así que ésa soy yo, porque es el cuento mío y me la hizo para mí, no hay ninguna duda.

ESPAÑA

2007-11-07T09:57:00.000-03:00

Flamenco

El estrecho de Gibraltar es una barrera natural entre dos países: Marruecos y España, entre dos continentes: África y Europa. Este estrecho de 10 kilómetros también divide occidente de oriente. En pocos lugares del mundo se ven tantos contrastes en tan pequeña extensión territorial. Sin embargo, a pesar de estos contrastes, es claro que la existencia del estrecho de Gibraltar también fue clave para el intercambio cultural entre estos dos mundos. España a su vez no es un territorio cerrado, uniforme, univoco. Dentro de aquel país habitan distintas regiones, pueblos y culturas, hijas del mestizaje.

Una de las primeras referencias musicales al pensar en España es el flamenco, aunque esta música es bastante tardía en la cultura española. El Arte Flamenco es un arte andaluz, nacido al Sur de España, se manifiesta en tres formas: en el Cante, en el Baile y en la Guitarra.

La primera noticia escrita sobre el flamenco se encuentra en una de las "Cartas Marruecas " de Cadalso, (data del año 1774), en ellas el escritor atribuye su origen a los gitanos, o al menos especifica que es junto a ellos donde se encuentran sus manifestaciones mas precisas.

Pero el flamenco también posee influencia de los moros procedentes del norte de África que habitaron la España musulmana. De hecho la música marroquí guarda varias similitudes con las armonías de este folklore español.

De este modo, una vez más rescatamos raíces africanas de la música occidental, comprobamos que África ha echado raíces no solo en América sino también en manifestaciones musicales europeas mestizas como el flamenco.

Vale aclarar que en el flamenco, la guitarra, al principio no solía acompañar al cante, este normalmente se realizaba sin acompañamiento alguno, como se ha dado en llamar a palo seco, salvo percusiones con las manos o toque de palmas.

En la actualidad el guitarrista no solo acompaña sino que también puede ser solista. De hecho Paco de Lucia marca el inicio de una nueva etapa de esplendor sin precedentes, realizando una verdadera revolución estilística en el toque.

Los distintos estilos de cante y ritmo flamencos se denominan palos;

El primer palo de que se tiene conocimiento es La Toná, y la zona donde fueron creados los Cantes básicos fue precisamente en donde más gitanos se asentaron, es decir la trilogía de los pueblos de Tríana, Jerez y Cádiz.

Una de las figuras del flamenco de Jerez de la frontera es Diego. Carraco, guitarrista, compositor, cantaor y productor igualmente respetado por puristas y renovadores del flamenco. Nació en 1954 y posee una de las voces más personales y actuales del flamenco. Si bien al comienzo se dedicó solo al toque, al no encontrar nadie adecuado para interpretar sus canciones, comenzó a cantar.

Eliseo Parra

Eliseo Parra nació en Sardón de Duero (Valladolid), antes de comenzar su carrera solista en los noventa ya tenia varias décadas de ruedo con diversas agrupaciones pasando por el rock y por el jazz. Pero su ánimo de investigador del folclore español se vio plasmado desde la década del 80 con el grupo “mosaico” y luego se consolido esta faceta de investigador y musicólogo en su carrera como solista.

De los trabajos realizados por Parra se destaca el disco “Tribus Hispanas”, un recorrido por los ritmos (realizados con percusiones autóctonas españolas), coplas y danzas de las diferentes “Tribus” (culturas) que pueblan la franja central de la península Ibérica (desde Extremadura a Ibiza).

Ha pasado gran parte de su vida investigando el folclore y la tradición de todas las culturas que han conformado la península ibérica y, en especial, de todas aquellas que con el paso del tiempo se han ido perdiendo y que en muchos casos ya sólo se conservan en manos de unos pocos. Eliseo ha grabado y conservado manifestaciones musicales que, desgraciadamente, ya no existen. Un legado cultural que se va perdiendo y que sólo gracias a trabajos como el suyo se puede perpetuar y conservar.

Su último trabajo se titula “de ayer mañana”: Una frase que se usaba para situar lo que fuera en el pasado, sirve para titular un trabajo actual con proyección de futuro.

Eliseo Parra posee un contundente show donde hace uso de los más variados instrumentos: Mandolas, Panderos cuadrados, chekeres, Moxeños y ocarinas.

Parra también es productor y escritor de libros que plasman su trabajo de investigación de campo. Es un valioso musicólogo de la península ibérica y además gran compositor, percusionista y cantante. Retoma y revive grandes artistas y compositores que tuvo el folclore español. Como por ejemplo en la zona de Murcia, que ha albergado y visto en acción al Chato de Puerto Lumbreras, un gitano de pura cepa. Que Eliseo homenajea cantándole algunas Jotas. Entre los bailes tradicionales murcianos encontramos en un lugar destacado: La Parranda, La Malagueña (o Murciana) y también La Jota que si bien es típicamente aragonesa, al extenderse por toda la geografía adquiere características propias y variaciones en cada región.

En estas jotas del “Chato” Eliseo no solo hace uso de panderos cuadrados, del laud, del violín y los jaleos. También suena el bansurí (una flauta de caña de la india) y hasta un cuatro venezolano. Lo que torna su re interpretación de lo tradicional en una original fusión étnica.

Miquel Gil, Valencia

A orillas del Mediterráneo nace el País Valenciano: romano, visigodo, musulmán y finalmente cristiano. Comprende las provincias de Alicante, Valencia y Castellón. Suya es la famosa huerta, las palmeras, los naranjos y limoneros; las vides y olivos.

Allí nació Miquel Gil, un gran cantaor que demuestra que en las zonas no flamencas de España como Murcia, Valencia, Castilla y Aragón hay mucho folklore muy anterior al flamenco por descubrir. El tema es que el flamenco en los últimos cien años ha tenido un desarrollo demoledor, y en cambio los fandangos, malagueñas y rondeñas que artistas como Eliseo Parra o Miquel Gil recuperan se han ido extinguiendo.

La música de Miquel Gil enfatiza la impureza de los estilos populares españoles, impureza en el buen sentido, en su disco del 2004 titulado Katá se cita el pensamiento de Cortazar sobre la Pureza, horrible palabra. Puré y después Zá. Músicas tradicionales del mediterráneo se fusionan con composiciones propias y textos de poetas.

Xeremias, bandurrias, laudes, bouzokis, percusiones orientales se fusionan con el bajo y la guitarra flamenca dando un espíritu multiétnico a su música.

Entre los distintos estilos que recorre Miquel se encuentra el fandango, es un aire popular bailable, ejecutado por una pareja, de movimiento vivo. El compás ternario, los versos octosílabos y el frecuente empleo de castañuelas marcan un estrecho parentesco con la jota. Dada la popularidad del fandango como danza de exhibición a finales del siglo XVIII y principios del XIX, no es de extrañar su presencia y arraigo en la tradición de Asturias, Castilla (fandangos charros), Cataluña, País Vasco o Portugal.

Música Celta, Galicia

La denominación celta a ciertas manifestaciones musicales de Asturias y Galicia se debe principalmente a la utilización de instrumentos como Gaitas y en la similitud de algunos bailes y melodías con ritmo prácticamente iguales al de algunas danzas escocesas e irlandesas.

Mas allá de las gaitas, las harpas y el violín, en Asturias y Galicia se utiliza como percusión especifica de esta región las panderetas, los tamboriles, los bombos, los pandeiros y las cunchas (o conchas de mar). Mención aparte merece la Zanfoña, una especie de violín mecánico conocido también como gaita de pobre (muy utilizado por los mendigos).

La Zanfoña es ampliamente utilizada en los últimos años en el folclore gallego. La música gallega y asturiana si bien también se la denomina celta tiene su propia personalidad, y se diferencia de otras manifestaciones musicales de Irlanda o Escocia. Algunos de los destacados músicos de Asturias los mas destacados son Llan de Cubel, Hevia, Tejedor o Xuacu Amieva.

La otra gran región celta de España es Galicia que se encuentra en el noroeste de la península ibérica y está compuesta por cuatro provincias: A Coruña, Lugo, Ourense y Pontevedra, y su capital, es la ciudad de Santiago de Compostela, en la provincia de La Coruña.

Las danzas gallegas son de marcada elegancia, ceremoniosas y sentimentales, y el instrumento típico de la región es la gaita gallega, mas pequeña que la asturiana. La danza característica en Galicia es la Muñeira o Serranilla. La palabra Muñeira, significa molinera.

Islas Baleares

Las Islas Baleares conforman una comunidad autónoma uníprovincial formada por el archipiélago de su mismo nombre. Tiene 4.992 km²de superficie, lo que la convierte en la comunidad menos extensa de España. Se encuentra situada en el centro-oeste del Mediterráneo occidental, está constituida por tres islas mayores: Mallorca (3.624 km²), Menorca (695 km²) e Ibiza (Eivissa, 570 km²), y dos menores —Formentera y Cabrera—, además de algunos islotes como Dragonera, Conillera (Conejera) y Espalmador. La capital es la ciudad de Palma de Mallorca. Las lenguas oficiales son el castellano y el catalán.

A pesar que durante mucho tiempo se ha creído que "Baleares" provenía de la palabra griega ballein que significa "lanzar", últimamente se ha cambiado de opinión y parece que se descarta el origen helénico. El origen del nombre "Baleares" no es griego sino púnico, es decir semítico. Proviene del plural "ba' lé yaroh". El significado final sería algo así como "los maestros del lanzamiento". Y estos maestros del lanzamiento son los honderos de las islas. Así pues, Baleares significan "honderos".

Las danzas y canciones tradicionales poseen una gran personalidad. Las más típicas manifestaciones del folclore balear son el bolero balear y la jota, con sus variantes denominadas copeos y maitexes. En Menorca, se cantan los fandangos menorquines, y en Ibiza, son relevantes los bailes típicos de sa curta y sa llarga. Existe también, desde la década de 1960, una nueva música popular gestada en el archipiélago. Se destacan Maria del Mar Bonet, Música Nostra, Uc y Raels quienes con sonidos actuales y en la lengua autóctona, recogen y recrean formas musicales tradicionales.

El repertorio de la música popular de las Balears está basado en su mayoría en músicas con o sin letra, y que sirven de base musical a las danzas también denominadas "ball de bot". (Literalmente: Baile de salto).

En otro orden de cosas, existen los Romanços (Historias), que suelen contar historias de amor y desamor, infidelidades, ajustes de cuentas, etc. y que normalmente no suelen utilizarse para el Ball de bot.

Un romance es una canción narrativa, surgieron por la disolución de los grandes poemas de la poesía heroica, cantares de gesta, en narraciones breves, o como imitación de estos por poetas y juglares. El Romance popular está extendido por todo el territorio desde Castilla, llegando incluso a las islas Canarias y Baleares.

BARCELONA

Muchachito Bombo infierno es un grupo que va a dar que hablar. Representantes de un sonido mestizo renovado, engendrado en Barcelona. El personaje en cuestión, vocalista y compositor de este proyecto es el Muchachito, Jairo. Entre la rumba arrabalera, el pop español, el flamenkito, y hasta una pátina de hip hop, Muchachito colocó trece temas de su autoría agrupados en el álbum debut “Vamos que vamos” y editado este año y difundido por el sello de los Ojos de Brujo.

Muchachito toco mucho tiempo en un grupo llamado trimelón, que luego de 8 años se separo y Muchachito empezó a componer nuevas cosas solo hasta que hace dos años estableció la banda con la que grabó este disco debut “vamos que vamos” que tienen la colaboración en la producción de Tomas Arroyo de dusminguet y Marc Parrot del Chaval de la peca.

A pesar de trabajar junto a Ojos de Brujo, Muchachito mantiene una independencia musical y estética mas allá de las coincidencias ideológicas.

El arte de tapa tiene ilustraciones muy originales, con toques urbanos, de fonda, bares y noche del tango y el flamenco.Reggae, rumba y rock suenan desde Barcelona con el mestizaje de Muchachito Bombo …Una gran alegoría sobre la paz, la convivencia y la tolerancia.

MARRUECOS

2007-10-31T12:09:00.000-03:00

Un país que limita al norte con el mar Mediterráneo, al este y al sureste con Argelia, al sur con la República Saharawi y al oeste con el Océano Atlántico.

Marruecos tiene una población de mas de 30 millones de habitantes integrados por los bereber, pero también por árabes y judíos. Su capital es Rabat y se habla Bereber, Árabe y francés.

En la música marroquí conviven las sonoridades sagradas y rituales de los descendientes de los esclavos africanos, con los cantos andaluces y árabes. Hay mucha música de raíz religiosa o ritual, a logrado expandiere al mundo occidental y géneros como el Gnaoua o el Chaabi y en menor medida la música denominada Rai reciben influencia del pop y otros géneros de occidente.

GNAWA

El Gnaoua se define a través de la historia entre África Negra y el Magreb. Las poblaciones marroquíes crearon este estilo basándose en los cánticos sagrados árabes e incorporando ritmos africanos, provenientes especialmente de las tierras de los actuales Senegal, Malí y Guinea. El Gnaoua utiliza sobre todo la percusión llamada tbal, el sonido grave del cordofono Guimbri o sentir, de 3 cuerdas que da un ritmo continuo y un instrumento llamado Querqbat, o Cárcabas que son una especie de castañuelas metálicas. A su vez, el festival mundial de Música Gnaoua se ha convertido en uno de los eventos culturales y étnicos más importantes del mundo.

En este festival mundial, artistas de todo el mundo se dan cita cada año, en el mes de junio para recordar una tradición musical que se remonta siglos atrás en la historia de Essaouira Mogador, una ciudad emblemática de este estilo. En este festival los maestros del Gnaoua intercambian sus experiencias musicales con los músicos de jazz, del rock y del pop.

Entre los grupos más destacados de Gnaoua figuran grandes artistas de la zona del mágreb, no solo de Marruecos sino también de Túnez y Argelia.

Vale destacar también que los maestros Gnawa son curadores, emplean sus ritos alrededor de canciones litúrgicas siguiendo códigos muy estructurados en base a danzas extáticas. La práctica de los Gnawa puede relacionarse con una práctica chamanica, haciendo uso de la música y la danza para fines rituales. Los maestros de este estilo conducen noches enteras al compás de la música. Estas veladas se denominan “Lilas” donde los participantes entran en trance catártico.

Hay ciertos maestros Gnawa, Maalem Mahjoub es muy conocido en Europa por sus presentaciones en vivo mostrando la ceremonia en escena. Y ha grabado un disco reproduciendo bastante fielmente el clima de una de estas veladas denominadas “Lilas”. Las piezas de este disco son muy largas, duran entre 7 8 y 15 minutos, porque son de carácter ritual.

Esto es Gnawa marroquí fue tocado en la edición 2003 del festival al que hacíamos referencia, se titula “Dawi”.

CHAABI

Chaabi significa popular. Es la que se escucha por la radio, la que más se graba en los casetes que proliferan en desquerías. El Chaabi es una música alegre y sencilla, muy emparentada con la tradición bereber, existen infinidad de cantantes e instrumentistas, destacando el éxito de Nayat Aatabou, una mujer con estilo propio y personales letras de contenido social y feminista. Otros artistas sobresalientes son Khaled Benani, Faissal o la Orquestra Jidwan.

El Chaabi es una viva herencia de la música árabeandalusí que nació en los siglos XIII y XIV. Incorpora sus ritmos y melodías dándole un aire diferente fusionándose en muchas oportunidades con música electrónica.

En bodas, fiestas, mercados y cafés, es uno de los estilos más escuchados en territorio marroquí, especialmente en el norte. Diferentes grupos son muy conocidos en Marruecos como Nass el-Ghiwan, grupo al cual Martín Scorsese nombró como los Rolling Stones de África.

Música electrónica

La música marroquí no solo tiene manifestaciones tradicionales, religiosas. La música ha conseguido sumar su impronta en diversos sonidos y ritmos típicos marroquíes. Llama la atención un proyecto desarrollado en Italia por el marroquí Nour Eddine. El disco se titula Coexist, haciendo alusión a la hermandad entre los pueblos mas allá de sus creencias religiosas.

El título del disco y su foto de tapa (instrumentos tradicionales descansando al lado del monitor de una computadora) ya dan una idea del propósito de Nour-Eddine al componer, interpretar y grabar este álbum. Un presentimiento que queda confirmado cuando al abrir la caja nos topamos con la palabra “Coexist”, en donde se mezclan íconos cristianos, judíos y musulmanes, y un manifiesto que declara que esta palabra es una filosofía de vida del ciudadano global, viviendo en armonía, respetando la naturaleza y al resto de los habitantes del planeta, sin distinción de credos. Una concepción que se ve reflejada en cada uno de los sonidos del álbum.

Musicalmente este trabajo es sólido y poderoso. Mezcla instrumentos típicos de la región del mágreb como (dud, ney, leira, entre otros) con programación electrónica diseñada por Oussama Elkarrichi y la voz del propio Nour-Eddine, y algunos invitados especiales. Ocho canciones, entre creaciones propias y tradicionales arreglados por el marroquí, más una versión instrumental del tema que da título al disco. El titulo de esta canción da nombre al álbum y al proyecto de coexistencia entre los pueblos de oriente.

El Rai

Marruecos comparte con otros países del mágreb la presencia del Rai, ritmo nacido en Argelia más precisamente en la ciudad de Orán.

A principios del siglo XX sus orígenes yacen en las antiguas tradiciones religiosas musulmanas y la música folklórica beduina. La palabra Rai significa; “punto de vista”, “opinión” o “consejo”. Este es un estilo que se ha hecho muy popular debido a que es muy bailable y posee letras sencillas pero características y comprometidas.

El Rai ha sido un estilo muy controvertido en su natal Argelia; de hecho, su transmisión en radio estuvo prohibida hasta 1985, y a pesar de los intentos de 2 gobiernos por apagarlo, se ha esparcido ya por todo el mundo.

El hecho que estas letras estén en una lengua desconocida para nosotros y que el mensaje del Rai, no impide que pueda intuirse parte del mensaje disfrutando de la música y comprendiéndola más allá de las palabras.

El Rai tiene orígenes beréberes con una influencia de la música occidental. Sus temáticas reflejan los problemas de la sociedad magrebí en general y especialmente de su juventud (amor, marginación social, migración, alcohol, drogas). El más conocido de los cantantes es el argelino Cheb Khaled, pero el rai ofrece muchos otros nombres como; Cheb Hasni, Nasro, Cheb Mami, Cheb Samir, Cheb Aïssa, Chaba Zahouania, Faudel.

Vamos a escuchar una cantante belga pero de origen magrebí, específicamente egipcios y marroquíes. Natacha Atlas editó su primer disco en el 95 y se tituló casualmente “Diaspora2 el año pasado editó Mish Maoul su sexto disco. El tema Kidda, puede traducirse como “Así” y es una canción de amor incluida originalmente en el disco de 1997 Halim, segundo trabajo discográfico de esta cantante que se crió en el barrio marroquí de Bruselas, Bélgica y canta en inglés francés y árabe.

Abdelaziz Statu y Abdellah Daoudi

Abdelaziz Statu es un cantor de Chaabi que impregnó este estilo con ciertas influencias balcánicas. Nació en 1961 en El Jadid. Su tío era violinista y cantante y a su vez fue el primer maestro de Abdelaziz quien se enamoró del violín como instrumento y con tan solo 12 años ser dirigió a Casablanca con el objetivo de trabajar para poder comprarse su primer instrumento. En los años 80 hizo su debut discográfico. Después de editar su primer cassette se posicionó muy bien en el mercado musical magrebi dentro del Chaabi, estilo en el cual se especializó desde sus comienzos.

Por otro lado el cantante Abdellah Daoudi, cuyo verdadero nombre es Elmakhlouk Abdellah nacido en Casablanca en 1972. El sobre nombre Daoudi es en homenaje a sus orígenes, ya que proviene de la Tribu Ouled Sidi Bendaoud que habita el pequeño poblado de Guisar. Al igual que Statu, se sintió desde pequeño muy cautivado por la música popular marroquí y por el Chaabi en particular. Al terminar la secundaria comienza a formar parte de diversos grupos locales y en 1998 graba su primer cassette que llevaba como titulo Daoudi.

Daoudi y Statu son quienes cierran la travesía del día de hoy por tierras marroquíes y nos demuestran en su modo de cantar y sus inflexiones porque el flamenco tiene influencias árabes y africanas. Y porqué la cultura al andaluz está tan cerca de la magrebí con este tema titulado “Aatini el visa”

Venezuela

2007-10-31T11:46:00.000-03:00

Fue descubierta en el 3er viaje de Cristóbal Colón, el 2 de Agosto de 1498. Las construcciones locales sobre pilares recordaron a los españoles las de Venecia y por eso dieron al país el nombre de Venezuela:

Muchas formas, ritmos y melodías nacieron y siguen evolucionando en la geografía venezolana. El más célebre de todos y género nacional es el Joropo. Algunas versiones acerca del origen de la palabra Joropo relatan que proviene de "xarop", palabra árabe que significa jarabe. Se piensa además que el joropo proviene del viejo continente, ya posee formas y maneras afines al flamenco y a otros bailes andaluces. Es un género continuamente reinventado y la improvisación es su eje principal.

Cecilia Todd es una de las artistas que más ha calado hondo en el público argentino a pesar de no ser tan reconocida como se merece en su país de origen. Su primer álbum llamado “Pajarillo Verde”, fue grabado en Argentina y editado en 1974.

Nació el 4 de marzo en Caracas, Venezuela. Toca el cuatro y canta. Cosa que no es nada sencillo teniendo en cuenta las rítmicas que lleva a cabo el instrumento tanto en el Joropo como en el Tango Merengue y otros ritmos típicos de Venezuela.

Se dedicó desde muy joven a recopilar, investigar y difundir la música de su país. Desde el 9 de octubre de 1972, cuando dio un primer concierto de música venezolana en la Universidad Simón Bolívar, la lealtad casi religiosa de Todd hacia el género criollo hace que desde siempre su nombre se asocie con el charrasqueado de un cuatro.

Es Imposible hablar de Cecilia sin mencionar el cuatro. Ella hizo conocer hace más de treinta años este instrumento y también maravilló con las canciones de ordeñe que se cantan en el campo, al amanecer dando paso también a joropos y merengues.

Este amplio espectro de la música venezolana, están presentes el cuatro, las pequeñas maracas, el humor y la picardía popular y la voz de Cecilia Todd, límpida y vibrante, al servicio de la música.

El polo es considerado por muchos como un género que posee una gran búsqueda poética y lírica. Las coplas son en este estilo improvisadas por los pescadores de la isla.

Cecilia Todd interpreta este magnifico Polo cuyas coplas fueron recopiladas por el folklorista Juan Liscano en 1942.

EL JOROPO

Muchas formas, ritmos y melodías nacieron y siguen evolucionando en la geografía venezolana. El más célebre de todos y género nacional es el Joropo, nació en los "llanos" venezolanos y no existe un solo tipo de joropo.

Muchas modalidades que han ido surgiendo a lo largo del tiempo. En casi toda la geografía venezolana, el joropo puede observarse en sus múltiples formas de bailarlo y tocarlo. Los instrumentos principales que se utilizan para tocar el Joropo Llanero son:

El ARPA LLANERA: Es distinta Arpa tradicional o clásica. Tiene una caja de resonancia angosta y las clavijas están colocadas en doble fila.

CUATRO: Es miembro de la familia de las antiguas guitarras y guitarrillas españolas. De pequeño tamaño, le debe su nombre al número de cuerdas que posee. Se ejecuta principalmente por rasgueo o charrasqueo.

LA BANDOLA LLANERA: Es de cuatro cuerdas (tripa y nailon).

LAS MARACAS: Son los conocidos sonajeros con semillas dentro.

El joropo es un género continuamente reinventado y la improvisación es su eje principal. Podemos extraer, a grandes rasgos, 3 regiones que se diferencian en el modo de bailar y tocar este ritmo:

Joropo Llanero: Se caracteriza por zapateos fuertes del hombre y escobillados muy sutiles de la mujer.

Joropo Tuyero o central: Se ejecuta en los llanos centrales del país. Es mucho más pausado y sus zapateos son menos fuertes, pero en el ámbito rítmico su complejidad aumenta, debido a que se superponen compases a distintos tiempos.

El joropo tuyero o central diferencia dos formas genéricas: El pasaje (o revuelta) y El golpe.

El pasaje se compone de tres partes musicales repetitivas sin estribillo, formadas de períodos de cuatro ú ocho compases.

El golpe en cambio tiene dos partes básicas -la estrofa y el estribillo, componiéndose la estrofa de dos temas musicales. Su forma poética es sobre todo la copla. Esta música de transmisión memorial se caracteriza por su ritmo ternario en 3/8.

Joropo Oriental: En el oriente del país, se acostumbra tocar joropos que a diferencia de los anteriores, dan mayor espacio al movimiento de caderas.

El Merengue

Entre los géneros de ascendencia hispánica, como el joropo, también podemos hallar un popular estilo denominado Merengue Venezolano.

El Merengue venezolano vino de una combinación de ritmos populares como la polka, la danza y el tango. No tiene relación alguna con el tango argentino, sino con el tango español, o el tango gaditano. En los años 20, especialmente en Caracas, el merengue se convirtió en una forma musical que se extiende también por toda la cuenca del Caribe.

La orquestación del merengue se conforma de cuatro instrumentos solistas: trompeta, trombón, saxo y clarinete y como instrumentos acompañantes el cuatro, el bajo y la percusión. El ritmo puede ser de 2/4 o 5/8.

En Venezuela existen distintos ensambles que retoman la música de raíz y la re interpretan desde una óptica contemporánea y a su vez hay una gran tradición de instrumentistas de cuerda, que vienen desarrollando el toque del Cuatro, La Bandola, el arpa y la mandolina. Por supuesto un instrumento que siempre tuvo una gran influencia es la guitarra venezolana que se viene desarrollando incluso desde lo académico en modo vertiginoso desde los años 30 del siglo XX le sucedieron a Raúl Borges, el fundador de la cátedra de guitarra en la escuela de música y declamación, varios talentosos guitarristas que hoy en día en su cuarta generación pueden verse muy bien representados por Aquiles Baez, un verdadero maestro en la guitarra que es además un gran compositor.

Aquiles es reconocido internacionalmente por figuras como Paquito de Rivera, Richard Bona entre otros. Vive en Nueva York y ejecuta múltiples estilos ya sea tradicional de Venezuela como también Jazz o Klezmer. En su aspecto como docente, Aquiles ha sabido ser un formador y un continuador de la tradición de la guitarra venezolana.

Entre los grupos de jóvenes que han sido influenciados por su música se encuentra un ensamble de tres grandes músicos que se dedican precisamente e las cuerdas, un trio de cuatro, mandolina y guitarra llamado Kapicua. Aquiles conoció a dos de sus integrantes en un taller que dictaba en Nueva York y al tercero en el mundo de la guitarra escuchándolo tocar por casualidad.

En otra oportunidad en un taller en Caracas donde coincidieron estos jóvenes talentosos, Aquiles Baez decidió presentar a los 3 músicos e incentivarlos para que hagan música juntos. Así fue que Edward Ramirez sumo su cuatro a la mandolina de Jorge Torres y la guitarra de Alvaro Paiva Bimbo y nació el ensamble Kapicua. Quienes retoman ritmos tradicionales del folklore venezolano y los interpretan con esta particular instrumentación de cuerdas.

El vals

El vals es un género musical que vino claramente de Europa pero que al desembarcar en nuestro continente sufrió interesantes mutaciones que lo arraigaron a estas tierras con particularidades autóctonas realmente destacables.

Llegó al país después de la Guerra de Independencia e introdujo el uso del piano. Las características especiales del Vals venezolano son las partes contrastantes dentro de la pieza, donde suele haber una suave introducción, luego partes o secciones más melódicas, que contrastan con otras, más rítmicas. Asimismo, en Venezuela el vals adquirió características propias de su música folklórica incorporando algunos de sus instrumentos y elementos rítmicos.

Este género es característico de la región de Los Andes y de la zona Centro Occidental del país, sin embargo se puede encontrar en otras partes de la geografía venezolana con sus particulares diferencias.

Es interpretado con; guitarra, tiple, arpa, cuatro, piano y el clarinete, este último incorporado posteriormente.

En la región Andina el violín y la mandolina son los instrumentos solistas, acompañados de guitarra, tiple y cuatro.

El grupo Encayapa.

Este grupo de seis integrantes se propone diluir la frontera entre lo popular y lo académico. Algunos integrantes de Encayapa, se conocieron en el Instituto universitario de estudios musicales. Otros formaban parte de la orquesta sinfónica de la juventud venezolana Simón Bolívar.

El percusionista de Encayapa, Leowaldo Aldana, forma parte de un equipo de investigación orientado a rescatar el legado de la música afro en Venezuela.

GOLPE DE TAMBOR. AFRO VENEZUELA

Mas allá de los ritmos de ascendencia hispánica e indígena, en Venezuela es posible encontrar una fuerte raíz afro que ha influenciado una multiplicidad de ritmos y también desarrollado una interesante gama de tambores.

Uno de los géneros que se afianzó dentro del folklore tradicional del país es el golpe de tambor que representa el legado de los esclavos africanos que se afianzaron en la costa venezolana. Los golpes de tambor en Venezuela están ligados al culto a San Juan y San Pedro. Esta música se ha concentrado en la costa, específicamente desde el céntrico estado Miranda hasta el occidental estado Yaracuy.

Hay diversos tambores que arribaron a Maracaibo por los negros esclavos procedentes de lo que hoy es Angola, Congo y Zaire. Los complejos de tambores Mina integrado por 2 tambores: el mina y la curbata, se ejecutan con los Laures o palos con los que se golpea el cuerpo del tambor.

También se utiliza el conjunto de tambores redondos conocidos como culo’e puya, tres tambores cónicos de dos membranas que se ejecutan como acompañamiento de los cantos y bailes típicos de las fiestas de San Juan. Finalmente están los golpes de tambores cumacos, en los que la polirítmia se presenta en las variantes del segundo tambor, la libertad de las maracas y algunos acentos a contratiempo del tercer tambor.

Otra manifestación interesante es la del calipso, un ritmo afro caribeño originario de Trinidad y Tobago, muy popular en las islas del Caribe anglófono y francófono, también en Costa Rica, Panamá y al sur de Venezuela.

Los esclavos africanos fueron llevados a las antillas para trabajar, siendo arrancados de sus familiares y raíces culturales. Les estaba prohibido hablar entre ellos durante las horas de trabajo, por lo que comenzaron a crear canciones como modo de comunicarse y entretenerse. La lengua que utilizaban era una mezcla del francés y el ingles denominada patois. Es en Patois precisamente que se interpreta hoy en día el calipso. Las guitarras, los tambores y las maracas conforman la instrumentación típica del calipso venezolano.

Este ritmo llegó a Venezuela a mediados del siglo XIX gracias a la inmigración de hombres y mujeres esclavos provenientes de las antillas británicas y francesas, quienes se trasladaron al país para trabajar en las minas explotadas por galos e ingleses.

El calipso venezolano acuño características particulares que lo diferencian del calipso de otras regiones caribeñas. Se incorpora el cuatro y se populariza sobre todo en la zona en el callao, al sur del estado de Bolíva. Sus letras muchas veces contienen un tono picaresco de denuncia social.

Los tambores de calipso son mambranófonos cilíndricos de un solo parche y son de origen antillano. Esta batería está compuesta por tres tambores, dos de ellos definen el ritmo del calipso, mientras que un tercer tambor más pequeño y de temple más agudo conocido como Bum-Bac hace los repiques. El calipso acompaña la celebración del carnaval en la región del Callao.

MÚSICA DE GAITA,ZULIA

Otro de los ritmos que podemos mencionar mas en detalle en esta travesía por la música venezolana es la gaita. Original del estado Zulia en Venezuela. Hoy en día es un género que se relaciona con la Navidad en toda Venezuela.

Entre los estilos en la interpretación de la gaita zuliana tenemos: La Gaita folclórica (desaparecida), Gaita tradicional modernizada, Gaita popular, Gaita romántica, Gaita de furro, Gaita protesta y Gaita a Tambora.

A su vez, los instrumentos gaiteros utilizados tradicionalmente son: El furro, Las maracas, El cuatro, La charrasca y La tambora.

Entre las décadas de los 60 y 70 se comenzaron a introducir otros elementos en busca de enriquecer el sonido de la gaita. Piano, bajo, congas, guitarras, timbales, batería y hasta instrumentos de viento y cuerda fueron tomados en cuenta para ese fin.

El Ensamble Gurrufío, nació en 1984 de la mano de talentosos músicos que inauguraron un nuevo modo de tocar música instrumental en Venezuela, retomando la música tradicional pero otorgando un lugar predominante a la improvisación y a la fusión con géneros como el jazz.

Cheo Hurtado, uno de los mejores ejecutantes de cuatro, junto a David Peña en el contrabajo y en la guitarra quien le aporta influencias afro venezolanas al grupo, Cristóbal Soto en mandolina y guitarra y Luís Julio Toro en Flautas, integran este innovador grupo que en 1988 grabó un disco titulado “Cosas del ayer” homenajeando a grandes compositores e interpretando de modo muy original clásicos del cancionero popular de Latinoamérica. Entre el repertorio elegido se encuentra esta versión del himno de la gaita Zuliana compuesto por Ricardo Aguirre oriundo de Maracaibo conocido como “El monumental” revolucionó el género. La grey Zuliana interpretado por el ya legendario Ensable Gurrufío, uno de los ensambles pioneros en reformular la música de raíz y refrescarla con toques modernos.

Mexico

2007-10-17T18:44:00.000-03:00

Chavela Vargas

Una mujer viste poncho rojo, lleva el pelo corto y nunca usó falda. A pesar de haber nacido en Costa Rica, su corazón está con el pueblo mexicano. Una mujer portadora de una garganta que encarna las penas de amor del pueblo.

Hay una mujer cuyo rostro denota surcos de penas y alegrías. Y su garganta, que ha bebido 45 mil litros de tequila, es un legítimo sello de haber vivido. En esa garganta, en esa voz se gesta un canto entrañable que es un grito y a la vez un arrullo. Una paradójica magia nos atrapa al oirla cantar, nos mantiene atentos y a la vez nos dispersa contemplativos en nuestros sueños.

Hay una mujer, musa de poetas, pintores, cineastas y músicos. Se enamoró de Frida Kahlo, inspiró a Diego Rivera; conoció a Trostsky y a Carlos Gardel. Una mujer que logró que las penas no sean tan amargas cuando su voz las entona, las tiñe de vida y de intensidad.

Tiene el don de decir la música, de hacerla resonar en cada recoveco del espíritu. Las palabras salen de su boca, flotan, fluyen…

Hay una mujer que nunca jugó con muñecas y le gustan las armas de fuego. Que tiene una leve renguera por haberse tirado de la ventana gracias a un desengaño de amor. Hace casi 60 años que canta penas de amor y exprime su corazón en cada verso.

Hay una mujer que ha vivido como pocas. Hay una mujer que se hace llamar Chavela Vargas…

La ranchera y el bolero no son los mismos desde que ella los canta. Es por eso que muchas veces acercarse a determinados géneros desde sus interpretes es más dinámico, mas ágil.

Chavela interpretó en el disco de 1970 que contiene 12 legendarios corridos tradicionales como el clásico titulado Simón Blanco dedicado a uno de los héroes de la revolución mexicana.

Un género puede ser definido y determinado teóricamente. Pero a fin y al cabo esos artilugios teóricos son siempre posteriores a las creaciones mismas de los compositores y de los intérpretes. La música es experiencia, práctica, hay que escucharla. Y que mejor que escuchar a Chavela para hablar de Boleros, Valses y Rancheras.

Hija de Herminia Lozano y el ranchero Francisco Vargas, nació en realidad en Costa Rica en 1919. A los 14 años se fugó de su casa y se fue a México, país que la albergaría y se quedaría con su corazón. Su manera particular de implicarse en las letras de las canciones rancheras y hacerlas suyas y de retar al público desde el escenario, le han valido la admiración de su público.

Musa de poetas y cineastas, Chavela Vargas vivió las décadas de oro de México, los años cuarenta y cincuenta y su nombre se asocia a figuras como Frida Kahlo, Diego Rivera, Agustín Lara y ya en la década del 90´al cineasta Pedro Almodovar.

Sensual y desgarrada, su voz ha cantado al amor y a los celos, exprimiendo su corazón, durante más de 50 años; podríamos decir que Chavela es la intérprete más grande, en edad y talento, de la canción mexicana.

Comenzó con su arte cantando en las calles de México y a mediados de la década de los 50 de la mano de las composiciones del músico mexicano José Alfredo Jiménez fue fascinando a su público hasta llegar al pico popularidad en los años 60 y 70 tras grabar su primer disco en 1961.

Podríamos decir que el puntapié inicial lo dio hacia los años 50 de la mano de "Macorina". Una canción que posee versos del poeta Alfonso Camín quien se inspiró en una bella salvadoreña de cruce racial de negra y amarillo. Chavela Vargas le puso música y la interpretó con arreglos propios influenciados por el danzón cubano. De este modo, la popularidad que adquirió Chavela elevó a “Macorina” a categoría de Himno de la guerrilla latinoamericana.

Los conjuntos de mariachis, originarios de Jalisco y cuyo nombre proviene de la degeneración del vocablo francés MARIAGE (boda) atribuido por su costumbre de amenizar las fiestas nupciales, se encargaron de difundir en el México posrevolucionario la canción ranchera, autóctona variedad musical que simbolizó la aparición de una nueva conciencia nacional.

La música ranchera constituye un género de canción popular acompañada por las orquestas características que surgieron por véz primera en México en los inicios del siglo XX.

La revolución de 1910 marcó en México un cambio profundo en la concepción política de este país y se acompañó de manifestaciones culturales novedosas. Así, la música ranchera nació como una reacción de fuentes populares ante los modelos aristocráticos europeos que predominaban en los ambientes acomodados de México.

Esta musica encontró inspiración en el espíritu de las danzas folklóricas mexicanas, cuyo carácter festivo, como en el caso del huapango, precursor de la bamba, se combina con un argumento narrativo de naturaleza lírica o épica.

Durante los años revolucionarios proliferaron las crónicas cantadas de las gestas de hombres, mujeres y ejércitos. Esta forma de romance, llamada corrido, adquirió un estilo y una técnica propios que, desde sus orígenes, emparentados estrechamente con la música Ranchera, desarrollaron un género considerado como independiente.

La canción ranchera que desarrolló su edad de oro junto a figuras como Jorge Negrete, Pedro Infante y Javier Solís quiénes, durante las década de 1940 y 1950 inmortalizaron en grabaciones de discos y películas cinematográficas el sonido y la imagen arquetípicas de los intérpretes de este género.

Chavela se apropió de las rancheras, valses y boleros compuestos por José Alfredo Jimenez, el músico nacido en Guanajuato, México en 1926 y los innundó con el decir de su voz y su interpretación. La propia Chavela describió su admiración por José Alfredo Jimenez como un artista que según ella abre mundos

En 1979 victima del alcoholismo, Chavela debió retirarse de los escenarios y 12 años tuvieron que pasar hasta que la cantante retornó al mundo del espectáculo, esta vez gracias al cine.

Aceptó trabajar en la película de Werner Herzog “Grito de piedra” (inclusive viajó a la patagónica argentina de incógnito para filmarla). Un año mas tarde Pedro Almodovar hizo de Chavela, una de sus chicas. “La Vargas”, contribuyó en la banda de sonido de la película “Tacones Lejanos” con el tema “Luz de luna” del compositor mexicano Álvaro Carrillo (después de José Antonio Jimenez uno de los autores mas interpretados por Chavela). Chavela, también hizo una breve aparición en “La Flor de mi secreto”.

En 1993 retornó luego de décadas sin grabar a un estudio y registró varios de sus clásicos éxitos como también temas tradicionales de su repertorio compilados en el álbum titulado “La llorona” que fue Grabado en Madrid y al año siguiente también en Madrid, le dio forma al disco “Macorina” el cual incluye una particular versión del tango de Carlos Gardel y Lepera “Sus Ojos se Cerraron”.

Su gusto por el tango y su admiración por Atahualpa Yupanqui es manifiesta. La relación de Chavela con Argentina a su vez fue explicitada por las canciones de autores locales que ha interpretado algunos ejemplos de esto son: ("Negra María" de Homero Manzi, "Canción de las simples cosas" de Armando Tejada Gómez, "Así", de Sandro.

Al conocer a Gardel dijo al relatar ese momento:

Lo conocí a Carlos Gardel, en los Estudios de RCA Víctor en Nueva York. Le dije: "Señor, ¿me permite que dé vuelta alrededor suyo para verlo de todos lados?". Y se murió de risa. Un hombre guapísimo, muy acicalado, muy bello.

Chavela se acerca al tango Argentino, como ella sabe acercarse a cada género. Tiñiendo de sí misma la canción, haciéndola propia. Como en esta versión de “Sus ojos se cerraron”.

La Voz áspera de la ternura, como muchos la llaman ha grabado mas de 30 discos. A su vez ha sentado amistad con varias personalidades de las diversas ramas del arte, pero la amistad más reciente entre Chavela Vargas y Joaquín Sabina, también es públicamente conocida. Un modo obvio de ilustrarla sería escuchando el tema que Sabina escribió para Chavela Vargas titulado “En el Boulevard de los sueños rotos” en el que la describe como “una dama de poncho rojo, pelo de plata y carne morena” y afirma que “las amarguras no son amargas cuando las canta Chavela Vargas”.

Pero creo que es mas interesante compartir esta versión que llevaron a cabo juntos del tema de Joaquín Sabina “Noches de Boda”. Esta es una versión que tiene un divertido prologo de Chavela en el que cuenta como se conoció con Sabina. El modo de contarlo y el tono de voz brindan una simpática nota de humor.

Belice

2007-10-13T00:49:00.000-03:00

Belice es un pequeño país en América Central, ribereño del Mar Caribe, que colinda con México al norte y Guatemala al oeste y al sur. Separada de Honduras por 75 Km. de distancia en el punto más cercano entre las dos naciones, separadas por el Golfo de Honduras, al este. Belice era anteriormente conocida como Honduras Británica y el nombre coloquial procede de la Ciudad de Belice (Belice City) y del río Belice. Ciudad de Belice es la ciudad más grande del país, el puerto principal y su antigua capital.

Belice es parte de la región maya de Meso América que se extiende desde el sur de México hasta Guatemala.

Los primeros europeos que ingresaron en lo que hoy es Belice fueron españoles, seguidos de leñadores ingleses. Éstos llegaron en el año 1638. Ya en el año 1524 este territorio formaba parte del reino de Guatemala como parte de la provincia de la Verapaz, los piratas lograron adentrarse en las selvas, enfrentándose a los mayas que habitan esas tierras.

En general solemos recorrer distintos artistas de un mismo país o género musical pero hemos decidido desmenuzar un disco en particular que fue recientemente editado. Se trata del disco Watima de Andy Palacio y el colectivo Garifuna.

Andy Palacio es oriundo de Belice y junto a diversos músicos garifunas de Honduras, Belice y Guatemala, bajo el nombre de The Garifuna Collective, rescata estilos de su música mestiza.

Wátina es primer corte del disco y justamente es el da titulo al disco que traducido al español podría traducirse como Hice Venir.

La historia de los Garifunas comienza antes del año 1635 en la isla de St. Vincent en el Caribe oriental. St. Vincent estaba habitada por una tribu de Indios que se llamaban a sí mismos los Arawaks. La tribu Kalipuna, procedente del territorio continental sudamericano, invadió St. Vincent y conquistó a los Arawaks. Los hombres Arawaks fueron asesinados y los guerreros Kalipuna tomaron como esposas a las mujeres Arawaks. Los habitantes de la isla fueron el resultado de la unión de estas dos tribus.

La palabra "Garifuna", que significa "la gente que come yuca", desciende del "Kalipuna".

En el año 1635, dos buques Españoles que llevaban esclavos Nigerianos naufragaron en la isla de St. Vincent. Al principio, los españoles, nigerianos y kalipunas que ocupaban el territorio, pelearon unos contra otros, pero con el paso del tiempo aprendieron a convivir y se realizaron matrimonios mixtos, creándose así los denominados Caribes Negros quienes hasta el siglo XVIII impidieron la colonización europea en la isla.

Después de varias batallas, finalmente los británicos expulsaron a los caribes de la isla. Si bien muchos murieron de fiebre amarilla, otros fueron deportados a Roatan Honduras pero algunos de los barcos fueron interceptados por los españoles quienes mandaron a los 1700 caribes sobrevivientes a Trujillo, Honduras donde la mano de obra era necesitada y el ejército necesitaba hombres.

Los primeros Caribes que arribaron a la costa de Belice fueron traídos como leñadores por los españoles en 1802 y se asentaron en el área cercana a Stann Creek, lo qué ahora es Punta Gorda.

A causa de su alineación con los españoles, los Caribes se encontraron a sí mismos en el lado equivocado del mapa político, cuando Centroamérica logró la independencia de España. Esos Caribes, en Trujillo, se encontraron con el nuevo país de Honduras, donde los sentimientos contra los españoles eran fuertes. Un gran número de Caribes huyeron a la costa de Belice donde ya vivían otros Caribes. Es esta migración la que se celebra anualmente el día 19 de Noviembre como Día del Acuerdo Garifuna, siendo la fiesta mayor en las comunidades Garifunas.

La cultura Garifuna narra la historia de migraciones y mestizajes masivos y hacen un fuerte énfasis en la música, el baile y la historia. Tienen su propia religión, que consiste en una mezcla de Catolicismo, Africanismos y creencias Indias.

Andy Palacio & The Garifuna Collective dedican su primer trabajo específicamente a la cultura garifuna. Todos estos temas recuperan su particular idioma y algunos de sus ritmos tradicionales.

Garifuna Yagane, (En español: mi canoa), las voces son solo acompañadas por tambores y la letra relata la historia de un hombre que perdido en medio del mar que, le pide a su canoa que lo lleve de regreso a casa.

Hoy en día hay apenas 250 mil garifunas en el mundo. La globalización hizo que la herencia garifuna se vaya perdiendo y junto con ella su idioma (el garifuna), sus costumbres y su música. En el 2001 la UNESCO proclamó la cultura garifuna como una obra maestra de la herencia oral e intangible de la humanidad.

El músico Andy Palacio, nació en Barranco, en Belice y creció hablando Garifuna en su hogar y desde siempre estuvo en contacto con la música. A los dieciocho años viajó a Nicaragua y se dio cuenta que su cultura originaria estaba en extinción y allí conoció al ultimo hombre que hablaba Garifuna en Nicaragua.

El anciano no podía creer cuando se encontró con Andy Palacio, un joven que hablara su idioma.

A partir de ese momento Palacio decidió dedicarse a recuperar y revitalizar la cultura garifuna desde la música y al poco tiempo ganó cierto prestigio como interprete de un estilo de la región llamado Punta rock, un baile basado en un ritmo garifuna mezclado con algunos estilos caribeños como el zouk y el soca.

El encuentro con el productor y músico Ivan Duran, que fundó en 1995 el sello Stonetreet records, hizo que Palacio se convenciera en focalizar en ritmos y tradiciones menos comerciales para bucear en las raíces más profundas de la música garifuna. Duran y Palacio crearon un ensamble con los mejores músicos garifunas de Guatemala, Honduras y Belice. También invitaron algunos de sus compositores favoritos como Paúl Babor, un hombre de 78 años icono del Paranda.

En Belice comenzaron a grabar un disco recuperando estilos garifunas influenciados por elementos latinos como el Paranda, o sagrados como el Dugu o él punta.

Es posible oír diversas canciones que versan sobre temas cotidianos, anécdotas e historias del pueblo. A su vez también suenan los tambores garifunas conocidos como primero y segundo. Y en el disco se destaca la presencia de Paúl Nabor uno de los abuelos de la música garifuna. El disco no es un trabajo de folklore tradicional garifuna sino mas bien un disco de pop con ciertas reminiscencias de reggae pero basado en ritmos garifunas y tradicionales de la región caribeña.

Baba es una canción que puede traducirse como Padre y se transformó en un himno para la comunidad Garifuna que es muy devota de la fe cristiana aunque con elementos de creencias afro.

Fue compuesta por el joven artista garifuna de Belice Adrián Martínez que participa junto a Andy Palacio.

En general las letras de las canciones garifunas versan sobre anécdotas cotidianas, ocurrencias diarias que sirven como inspiración.

Edgar Jacob, el director artístico del sello putumayo había hecho algunos trabajos de campo como etnomusicólogo en la década del 90 y había quedado fascinado con la música Garifuna y con el trabajo de Andy Palacio, incluyó algunos temas en primeras versiones en compilados temáticos de Putumayo.

Cumbancha, el sello paralelo de Edgar Jacob editó este disco en Febrero de este año. Es el primer disco con difusión internacional que se edita recuperando la música garifuna, a su vez el productor Ivan Duran ya esta armando un disco con la presencia de las mujeres garifunas manteniendo su modo de trabajar genuino y en conexión con el lugar de origen sin ingredientes artificiales.

Lidan Aban es un tema con una particular fusión de reggae con paranda, estilo musical caribeño bailable el cual junto con el Punta popularizaron la música garifuna, es de las pocas canciones del disco que incorporan este ritmo ya que su productor Ivan Duran no quería incursionar en el ritmo mas comercial de los garifunas sino ahondar en sus raíces mas profundas. Sin embargo en Lidan Aban que podría traducirse como Juntos, el reggae y la parranda se fusionan de modo particular.

La población garifuna se distribuye a lo largo de la costa atlántica de Belice y Nicaragua en 43 pueblos y asentamientos. En Honduras hay 98 mil garifunas viviendo en condiciones de gran carencia sanitaria y de nutrición. El 78% de los chicos menores de 12 años sufren desnutrición y 3 de cada 10 mueren antes de los 2 años por esta causa. El 28% de la población garifuna es analfabeta y no hay suficientes escuelas para que accedan a una educación por encima del tercer grado. Solo el diez por ciento de los garifunas que terminan la primaria continúan sus estudios. Un pequeño porcentaje emigra a estados unidos y el resto se integra en la comunidad y por la falta de práctica se vuelven iletrados.

Cerrando esta travesía por Belice y por la comunidad garifuna en particular, no podemos deja de obviar la canción Miami, del disco de Andy Palacio & The Garifuna Collective, donde habla del desarraigo y de la búsqueda del lugar en el mundo.

Musica Iraní

2007-10-05T21:41:00.001-03:00

Música Iraní

Desembarcaremos en un país estigmatizado y particular, pero con una historia milenaria la cual podrá ser apreciada en parte por su música y sus influencias en otros pueblos. No referimos al territorio de la República Islámica de Irán, su capital es Teherán y su población estimada es de 70 millones de habitantes.

Hasta 1935 fue conocido en occidente como Persia. Precisamente el Persa es el idioma oficial lengua también conocida como Farsi, también hablada en Afganistán, Tayikistán, parte de la india, y parte de Pakistán.

Irán perteneció hasta principios del siglo XX a la extensa porción territorial de Persia.

El Imperio Persa se extendía desde Mesopotámica a la India y desde el Mar Caspio hasta el Golfo Pérsico, actualmente los países de Afganistán, Irán e Irak. Lucharon contra los romanos y más tarde contra los bizantinos por el control de los territorios de las actuales Siria, Turquía, Palestina, Israel, Egipto y Arabia. La capital del Imperio Persa fue Ctsesiphon, hoy Bagdad, la actual capital de Irak.

Pero yendo al aspecto musical de la cultura Iraní, debemos decir que la música tradicional de Irán es modal y monofónica. Monofónica porque todos los instrumentos tocan el mismo esquema melódico sin connotaciones armónicas; y es modal porque hay doce modos básicos, siete primarios denominados Dastgah s y cinco secundarios denominados Avaz-s a partir de los cuales se construyen los patrones rítmicos y melódicos que permiten la improvisación.

La construcción de los modos musicales Persas es similar a la de los griegos, o sea mediante la conjunción de dos tetracordios o sea sucesiones de cuatro notas. Aunque su afinación varía notablemente en relación a la occidental.

La música iraní está basada fundamentalmente en la improvisación a partir de los modos descriptos y su transmisión ha sido en general por vía oral de maestro a alumno. La improvisación se lleva a cabo a partir de formulas modales melódico rítmicas. Estas formulas o piezas individuales de cada modo se denominan Gushes y sobre ellos se lleva a cabo la interpretación improvisada, es decir que cada artista puede interpretar cada Gushes de distinto modo. Por ello, una misma pieza tocada incluso por el mismo músico en un mismo concierto será diferente en su melodía, forma, duración e impacto emocional.

Estos patrones melodicos standards de la música tradicional iraní, han sido codificados y sistematizados en un corpus denominado Radif cuyo contenido ha sido escrito a comienzos del siglo XX a pesar de pertenecer ancestralmente como decíamos a la tradición oral.

Hay distintas versiones del Radif que cada artista interpretara en virtud del instrumento que utilice. Las interpretaciones generalmente consisten en una melodía interpretada por un solista u ocasionalmente en dúo con un acompañamiento percusivo, aunque las combinaciones orquestarles se han vuelto mas popular con los años.

Los grupos instrumentales habituales de la música clásica persa actual se componen de hasta cinco de carácter melódico, uno a tres rítmicos e incluyen, además, un cantante.

Entre los primeros destacan los cordófonos de pulso tar, setar, barbat (o‘ud, laúd árabe), el salterio santur, el violín kemanché y la flauta ney, junto a las percusiones tombak, zarb y daf.

El Setar, un instrumento de cuerda descendiente del Tanbur pre islámico, está hecho de madera y tiene 25 o 26 trastes ajustables. La traducción literal del setar es “Tres Cuerdas”, aunque en el presente tiene cuatro cuerdas; este instrumento es el preferido por los sufis.

Son varios y de diversos los tipos instrumentos adoptados en la música iraní. El santur, por ejemplo, es un dulcimer similar al utilizado en la música clásica de la india.

Un instrumento de viento bastante difundido es el ney, una flauta muy común en el cercano oriente (en la región del mágbreb) que también es utilizado en Irán. También se utiliza El kemanché , un violín similar a la viola árabe rebab, con cuatro cuerdas afinadas como el violín, aunque sostenido verticalmente sobre el muslo izquierdo, mientras la mano derecha sostiene el arco y el Oud que en Irán se llama Barbat, otro instrumento de cuerda muy popular no solo en Irán sino sobre todo en Turquía y Grecia. Siguiendo con los instrumentos de cuerdas además del Setar, es posible encontrar un instrumento mas largo de cuerdas aunque similar llamado Tar.

El instrumento percusivo mas popular quizás sea el Tombak, un tambor de madera recubierto de piel de cordero con forma de cáliz, de aspecto similar a la darbuka La técnica de su toque es similar también a la de la darbuka, con ambas manos percutiendo sus dedos de maneras diversas. Sirve no sólo como acompañamiento mediante patrones rítmicos, sino también para acentuar y ornamentar las frases melódicas. Un derivado del tombak es el Zarb algo mayor que el Tombak y de boca mas ancha cuyo sonido y forma de ejecución se asemeja más a las tablas de la india. Es posible mencionar también el Daf, otro instrumento utilizado por los sufis que tiene forma de tamborín, parecido al pandeiro brasilero pero mas grande que es utilizado en Irán tanto para la música clásica como para la música popular. El percusionista iraní Moshen Kasirossafar es un maestro tanto en el Tombak como en el daf Junto al búlgaro Veselin Mitev (que interpreta el Kaval, flauta tradicional búlgara y la Gaida, oriunda también de esa latitud) ellos juntos llevaron a cabo un disco en el 2004 titulado Ditirambi donde la tradición pastoral exploran el pasado común de ambos países con origen indoeuropeo.

HOSSEIN ALIZADEH. POESIA

Más allá del aspecto instrumental es importante centrarnos también en el aspecto lírico ya que muchos gustes se adaptan a los versos tradicionales que dice el cantante. Hay un extenso tesoro poético clásico en Irán, que viene desde épocas medievales hasta el presente de la mano de los cantantes. La mayoría de los poemas son libres rítmicamente, es decir no están delimitados por la métrica. Pero si poseen un fraseo intrínseco en cada palabra, generalmente son interpretados estos poemas en un contexto musical, en un conjunto o suite de gushes o motivos musicales extraídos del radif. Si bien la poesía clásica iraní remonta a tiempos medievales y la codificación de los radif es moderna, las formas musicales parecen datar de la época clásica en Persia. La música iraní, esta dotada de estos tesoros milenarios que dentro de sus reglas dan rienda suelta a la oración e improvisación de los artistas.

Uno de los maestros de la música radif es Hossein Alizadeh, nacido en Teherán en 1951 quien se nutrió de grandes artistas como Houshang Sharif, Aki Akbar Sanázi, Abdollah Davami o Yousef Foroutan entre otros. Hossein estudio en la escuela musical de Teherán. Y luego integro la orquesta nacional, convirtiéndose en el conductor y solista de la misma. Siempre dedicó a la difusión de la música clásica Persa, integró el Aref Ensamble y trabajó junto a otros ensambles similares. Su primer experiencia profesional en Europa fue junto al ballet de maurice Bejart en los 80´s. luego estudio composición y musicología en Berlín.

Ha tocado por todo el mundo, apareciendo en diversos programas televisivos interpretando sus grandes composiciones, aportes invaluables para la música clásica de Irán. Quizás Alizadeh sea uno de los maestros más importantes de la escena musical contemporánea de medio oriente.

Enseño en la universidad de Teherán y en el conservatorio nacional. Escribió y publico una docena de estudios para Tar y grabo el extenso material de radif basado en la interpretación de Mirza Abdullah para Tar y Setar. Junto al músico y compositor armenio Djivan Gasparyan gran interprete del Duduk, un instrumento de viento muy popular en los caucazos cuyo sonido es similar al oboe y que en Irán se conoce bajo el nombre de Balaban. Llevaron a cabo un legendario concierto en Teherán en el 2003 que reunió mas de 10 mil personas que fue grabado en vivo entre aquellas grabaciones es posible encontrar este tema titulado Sari Galin.

SANTUR Y TOMBAK

Cuando mencionamos los instrumentos típicos de la música iraní más allá del Tombak, uno de los instrumentos de percusión más importantes hicimos una breve referencia al Santur; El Santur es simplemente el nombre que se le aplica en Turquía y en Irán al Dulcimer. Este instrumento es conocido en México y en Brasil como Salterio. Su importancia radica en que es uno de los instrumentos más antiguos de la historia del hombre. De origen persa, es mencionado en el Antiguo Testamento, cuando en el año 1500 A.C. el rey David entonaba sus salmos acompañándose de este noble instrumento. El salterio o dulcimer tiene hasta 120 cuerdas, se toca con dos finos palillos y da origen al piano, al címbalo y al clavicordio. En Irán, antigua Persia, cuna de este instrumento se lo conoce como Santur. Su forma es trapezoidal o triangular como la citara antigua. El santur iraní posee 72 cuerdas aunque su nombre etimológicamente puede traducirse del persa como “cien cuerdas”.

El santur típico tiene dos puentes distintos permitiéndole tener una extensión de 3 octavas de registro, fue el antecesor de muchos instrumentos similares en Armenia y Turquía. En la india es posible hallar el Santoor, de forma más rectangular y con más cuerdas que el santur que dio origen también al Yangqin chino, al clavicordio al piano e incluso al cimbalo que los romanos o gitanos utilizan en Europa oriental. El instrumento griego Sandouri también deriva del santur, de hecho en la clásica novela Zorba el griego, el protagonista, Zorba toca el Sandouri. Una vez más se establecen nexos culturales entre los pueblos a través de un instrumento que de un modo u otro nos narra la historia de la civilización.

Volviendo a Irán, y en relación al Santur podemos hacer referencia a uno de los músicos que ha decidido plasmar su arte con este instrumento. Alireza Mortazavi, nació en Ishfahan en 1976 desde pequeño se dedico a este instrumento e incluso obtuvo premios y reconocimientos en concursos locales. Luego, su paso por Alemania e Italia, lo influenció para extender sus raíces hacia concepciones occidentales. Junto a su hermano Mohamadreza Mortazavi, Alireza llevo a cabo un trabajo donde el dialogo es lo primordial entre dos instrumentos, el santur y el Tombak. Música iraní de pura cepa con este instrumento milenario de cuerdas interactuando con el tambor más popular de la música típica persa. En el 2004 estos hermanos editaron “Now and then” disco que incluye entre otros temas este que está sonando de fondo titulado precisamente Santur y Tombak.

SUFISMO

El sufismo (en idioma árabe تصوف taṣawwuf) es el aspecto más esotérico del Islam, es la respuesta ascética y mística, con antecedentes pre-islámicos, a la imposición religiosa, política y social del Islam por parte de los árabes en los territorios conquistados a los imperios Bizantino y Sasánida. Se dice que la lengua neo persa, surgida alrededor del siglo XX de nuestra era, es la lengua franca del sufismo. Este movimiento espiritual ha tenido fértiles frutos en la producción literaria y musical.

Al comienzo del programa hicimos referencia a su estructura, basada en distintos modos sobre los cuales se estipulan patrones melodicos rítmicos denominados gushes sobre los cuales se permite la improvisación.

Los gushés suelen tener una forma interna de arco que asciende hacia el clímax (auj) a unas dos terceras partes de la pieza para resolver luego en el modo y tono inicial de la melodía, de forma muy similar a cómo progresan las melodías de la tradición clásica de Occidente.

La interpretación de este repertorio, de fuerte espíritu de improvisación, genera un efecto llamado hâl, o inspiración, capaz de sacar de la realidad conciente tanto al oyente como al músico. Esta tradición se nutre particularmente de la filosofía mística sufí, especialmente en lo que a la temática de sus poemas se refiere y a la interpretación vocal.

VAS

Irán ha dado a luz una de las cantantes mas prolíficas y talentosas de medio oriente en la actualidad. Su talento no es solo como interprete sino como compositora. Su nombre es Azam alí, una artista multifacética que hizo un interesante disco solista retomando cantos europeos de origen medieval entre los que incluyó una pieza jadeó española. A su vez en el proyecto Niyaz, retoma versos de antiguos poetas sufis y los versiona fusionando las melodías ancestrales con la música electrónica. Pero mas allá de Niyaz, su ultimo proyecto y de su disco solista Portals of grace al que me refería, los primeros pasos de Azam Ali en su carrera discográfica internacional sucedió con el dúo Vas, junto al destacado percusionista estadounidense Greg Ellis. Nacido en 1996, este proyecto se origino cuando estos dos grandes músicos se conocieron en California en la universidad de los Ángeles y comenzaron a hacer música. Al poco tiempo firmaron con el sello Narada, distribuido por virgen y llevaron a cabo 4 exitosos discos, no solo destacados desde lo artístico sino también aclamados por la crítica. Estos músicos mas allá de sus proyectos personales y de Vas su punto de convergencia, han tocado con diversos artistas en todo el mundo e incluso cantaron y tocaron en el tema final de la conocida ultima parte de la trilogía Matrix.

Azam Ali, si bien nació en Irán se crió desde los 4 años en la India absorbiendo la riqueza de esta cultura, la cual aplicaría no solo a su modo de cantar sino también a sus propias composiciones. El último trabajo editado junto a Grez Ellis en el dúo Vas, se titula Feast of Silence, editado en el 2004, está plagado mayoritariamente de composiciones propias utilizando bajo, guitarra, la flauta denominada Bansuri y las múltiples percusiones étnicas de Grez Ellis, que incluyen Tambores de diversas latitudes africanas como así también campanas y cimbalos de Indonesia.

Su ultimo disco se titula Feast of silence y fue editado en el 2004 después de 3 años de receso con este proyecto debido a que ambos artistas estuvieron de gira y grabando con músicos de la talla de Beck, Serj Tankian de system of a dawn, entre otros.