Il s’agit, vous l’aurez facilement deviné, de la nouvelle mouture de Ratchet & Clank. Comme son nom l’indique, dans ce jeu, on pourra prendre le contrôle de l’un des 4 personnages que sont : Ratchet le Lombax évidemment, Clank, son fidèle acolyte robotique, Qwark, éternel président peureux, ainsi que Nefarious le grand méchant des premiers épisodes. Car en effet, ici le méchant n’est pas le docteur Nefarious mais une autre entité bien plus dangereuse et qui menace la ville de Luminopolis et bien plus. Vous allez donc devoir tout faire, seul ou jusqu’à 4 joueurs en local, pour comprendre et neutraliser cette menace.

Car en effet, dans ce jeu, il est possible de jouer jusqu’à 4 sur le même écran, et pas splitté ! Tout au long de votre aventure vous allez pouvoir gentiment « affronter » vos amis en ramassant le plus de boulons, le plus de créatures, tuant le plus d’ennemis et j’en passe. Mais pour l’affrontement, cela s’arrêtera là. Il faudra plutôt faire preuve de beaucoup de coopération pour vaincre les ennemis facilement, un système de dégâts augmentés étant mis en place pour favoriser la focalisation des joueurs sur un seul ennemi. D’ailleurs de nombreux passages nécessiteront des actions synchronisées voire simultanées des joueurs (utilisation du même objet en même temps, suite de boutons à enclencher …). Et pour le solo ? Et bien c’est exactement la même chose, sauf qu’en lieu et place de vos amis vous aurez droit à une IA (et je peux vous assurer que Clank avec Nefarious, ça fait bizarre !).

Ce jeu bénéficie d’une durée de vie conséquente, avec plus d’une dizaine d’heures (seul ou entre amis) de jeu à passer. De plus, la grande variété des armes disponibles (qui devront être achetées tout au long du jeu), dont certaines exclusives à certains personnages, donne une vraie diversité dans les styles de jeu.Les personnages interagiront d’ailleurs entre eux, en se lançant quelques piques ou des compliments, dans l’esprit de la série. Les mondes, eux aussi, sont assez diversifiés, puisqu’on a le plaisir de ne pas retrouver le même décor d’un monde à l’autre. Le jeu propose également plusieurs séquences qui tranchent avec un jeu de plate-forme standard ; vous pourrez ainsi contrôler un canot sur un fleuve truffé de mines, ou encore un jetpack pendant une chute libre en essayant d’échapper à un gros monstre affamé. Enfin, détail amusant, les personnages interagissent entre eux en se lançant quelques piques ou des compliments, dans l’esprit de la série.

Cependant, le jeu n’est pas exempt de défauts. Tout d’abord, un problème inhérent à ce type de jeu, la caméra. Celle-ci est un peu particulière, car elle est semi fixe, et ne suit pas un seul des personnages comme leader, mais un peu tous les personnages à la fois sans raison particulière. Cette caméra sera aussi souvent synonyme de mort, ne vous montrant pas un précipice ou vous cachant une partie du niveau, ou encore vous empêchant de voir le boulon qui se trouve juste à côté de vous. De plus, il n’est souvent pas possible de revenir en arrière. Un autre problème qui se pose avec ce détail concerne les murs invisibles, puisqu’ils sont parfois assez mal placés. En effet, ils peuvent aussi bien donner l’impression que l’on peut avancer alors que le chemin est bloqué, ou manquer là où on aurait eu besoin d’eux.

Pour continuer dans les problèmes, il s’en pose aussi concernant les ennemis. Ceux-ci ont beau être différents et spécifiques à chaque monde, on en revient toujours aux mêmes archétypes avec uniquement quelques variantes au niveau des couleurs, ce qui donne un peu l’impression de combattre toujours les mêmes ennemis. Une autre bizarrerie se trouve dans le compte des points de coopération. Pour avoir joué à 2, nous nous sommes aperçus d’une chose, l’un des deux joueurs jouait plus coopérativement que l’autre sur certains tableaux. Oui, vous avez bien lu, l’un des joueurs a fait plus d’actions à 2 que l’autre, chose à priori impossible vu le nombre de joueurs. Dernier petit problème pour la route, dans le cas d’un jeu solo, l’IA. En effet, l’IA est par définition un peu bête, sauf que là, malheureusement, elle est un peu plus bête que la moyenne. En effet, lors de certains combats, elle restera impassible, se placera sur les zones à éviter, attendra bêtement au milieu du combat alors que vous venez de mourir, ou encore, choisira une arme différente de la vôtre pour ne pas faire de points de coop (sinon, je ne vois pas pourquoi elle fait ça). Et pour couronner le tout, je suis malencontreusement tombé sur un bug, dans un passage qui nécessitait 2 personnages : l’IA était coincée sur un bumper hors du champ de la caméra, et impossible de la faire bouger.

Ratchet & Clank : All 4 one n’est pas un mauvais jeu, loin de là, mais comme dans tout jeu il y a des choses qui ne passent pas. Il possède une grande durée de vie et un sacré atout en la présence des 4 joueurs en mode local, cependant il pèche un peu lors d’un jeu solo qui ne laissera que peu de place au joueur, et consistera parfois en une surveillance de ce que fait le compagnon IA. Je ne peux donc le conseiller que si vous pouvez jouer tous ensemble !

Malheureusement, je dois vous avertir tout de suite, nous n’avons pas pu effectuer ce test dans des conditions optimales. La faute à un Kinect trop gourmand dont les concepteurs ont dû croire que tout le monde possédait une villa orientée côté soleil. Plus sérieusement, on a accumulé les merdes avec cet accessoire. Premier test chez moi : pas assez de place et cet idiot de capteur qui continue de nous dire « Reculez » alors qu’on est au max (j’imagine les gens qui ont une mini-télé et qui doivent reculer de 10 mètres pour être autorisés à jouer, j’espère qu’ils ont des yeux de lynx…). Puis chez Aza, où l’on croyait tout problème réglé : pas de chance, le capteur a cette fois décidé qu’il n’avait pas assez de lumière et qu’il ne nous capterait qu’une fois sur 2… sur 3… sur… Bon, quand il le voudrait bien. Si ça c’est pas la loose ! Toutefois, le mauvais éclairage n’empêchant pas de jouer (au moins le jeu se lance), nous avons quand même pu tester Happy Action Theater dans ces conditions un peu déplorables. Aussi, ce test ne portera que sur l’aspect ludique du jeu, et non sur ses capacités de reconnaissance de nos mouvements, sans quoi il risque de se transformer en une critique acerbe du capteur lui-même :p

Revenons donc à nos moutons : qu’est-ce exactement que Double Fine Happy Action Theater ? J’aurais tendance à vous mettre en garde sur le fait qu’il ne s’agit pas vraiment à mon sens d’un jeu, mais plutôt d’une petite palette d’idées autour de ce qu’il est possible de proposer avec le Kinect. Présenté, comme son nom l’indique, sous forme d’un théâtre, on enchaîne donc différentes petites scénettes qui ont chacune leur propre thème et des degrés ludiques et d’originalité bien différents. Par exemple, l’une d’elles vous proposera tout simplement de faire péter des ballons (vu et revu…). Une autre vous transformera en monstre géant façon Godzilla qui doit détruire la ville et les avions qui tentent de l’abattre (« tentent », car vous ne pouvez jamais perdre dans ce jeu). Une autre encore vous placera au milieu d’un pudding géant, ce qui n’a aucun intérêt si ce n’est celui de voir le pudding se déformer au rythme de vos mouvements. Je ne vais pas tous les décortiquer, car il y en a quand même 18, mais vous l’aurez compris, si certains « niveaux » peuvent passer pour de vrais mini-jeux (il y a par exemple un casse-briques ou une sorte de Space Invaders), la plupart ne sont que de simples tableaux sans grande utilité et parfois psychédéliques.

Pour « animer » tout ça, 2 modes de jeu vous sont proposés : le mode « libre », dans lequel vous choisissez vous-même la scène que vous souhaitez jouer, ou le mode « Réalisateur », qui consiste en fait à jouer toutes les scènes à la suite aléatoirement. Chaque scène a normalement une limite de temps, mais il est tout à fait possible de supprimer cette limite en mettant le jeu en « pause » via la manette, ce qui permet parfois de découvrir de nouveaux niveaux dans les tableaux qui en proposent (le « Space Invaders » par exemple). On peut aussi passer à la scène suivante, ou revenir à la précédente, grâce aux gâchettes. Petit détail amusant, le menu, qui prend la forme d’une scène de théâtre, rappelle énormément le style de Stacking, autre jeu du studio Double Fine que je ne saurais trop vous conseiller si vous ne l’avez pas encore fait (au passage, rien à voir avec le Kinect, et celui-ci est également disponible sur le PlayStation Store !)

En toute honnêteté, je n’ai pas pris beaucoup de plaisir sur ce Double Fine Happy Action Theater, et j’ai souvent eu l’impression de gesticuler pour rien devant la caméra (la faute sûrement aussi à nos mauvaises conditions de jeu). Mais je crois que pour apprécier ce « jeu » à sa juste valeur, il faut bien comprendre que justement, ce n’en est pas un. En fait, le véritable intérêt d’Happy Action Theater est la découverte des différents tableaux proposés (le titre commence d’ailleurs directement dans le feu de l’action, en mode « Réalisateur », avant même de passer par le menu comme c’est d’habitude le cas). Lorsque l’on découvre le jeu pour la première fois, on ne sait pas ce qui nous attend, et chaque nouvelle scène réserve sa petite surprise, même si au final certaines manquent cruellement d’intérêt ou d’originalité. Mais une fois tous les tableaux faits au moins une fois, difficile d’éprouver le même sentiment : l’effet de surprise passé, on se retrouve en effet devant une succession de mini-jeux ou de tableaux qui peinent à amuser. Autant dire qu’Happy Action Theater est typiquement le genre de titre que l’on ne fait qu’une fois (ou plus seulement si c’est pour le faire découvrir à d’autres personnes par la suite, le jeu étant tout de même jouable jusqu’à 6). Pour 800 MS Points, cela fait donc un peu cher de l’heure de jeu. Mais si vous souhaitez avoir, en un seul titre, un condensé de 18 manières d’utiliser Kinect, alors Double Fine Happy Action Theater demeure un titre intéressant, à tester peut-être au moins une fois chez un ami si vous en avez l’occasion.

Mais avant tout, je vous laisse méditer sur le synopsis d’AlloCiné : Après avoir fui une secte et son charismatique leader, Martha tente de se reconstruire et de retrouver une vie normale. Elle cherche de l’aide auprès de sa sœur aînée, Lucy, et de son beau-frère avec qui elle n’avait plus de contacts, mais elle est incapable de leur avouer la vérité sur sa longue disparition. Martha est persuadée que son ancienne secte la pourchasse toujours. Les souvenirs qui la hantent se transforment alors en effrayante paranoïa et la frontière entre réalité et illusion se brouille peu à peu…

Martha Marcy May Marlene, c’est donc l’histoire d’une fille totalement paumée (et terrifiée) qui cherche à revenir à une vie normale après des années passées en marge de la société. Malheureusement, ces années ont laissé sur elle des marques qu’il est à présent difficile d’effacer. Martha n’a plus vraiment le sens des réalités, du bien et du mal tels que les voit la société. Elle se dévêt sans pudeur, n’imagine pas travailler ou reprendre ses études, montre peu de gratitude envers sa sœur et son beau-frère, … A vrai dire, plus le film avance, plus le personnage de Martha devient agaçant et horripilant. Incapable d’exprimer son malaise, la jeune femme (incarnée par Elizabeth Olsen, la sœur des jumelles Mary-Kate et Ashley) se renferme sur elle-même et fait preuve de plus en plus d’agressivité envers son entourage et l’incompréhension qu’il témoigne à son égard. Pire, elle finit par sombrer dans la paranoïa : on touche alors le fond, au point de ne plus avoir envie de témoigner la moindre sympathie envers ce personnage ingrat et totalement déconnecté de la réalité. Pour une fois, on pourrait reprocher à un acteur de trop bien jouer son rôle : si dans le script, il était prévu que Martha soit une tête à claque, alors Elizabeth Olsen a parfaitement su le retranscrire à l’écran…

Afin de mieux comprendre toutefois comment cette jeune fille en est arrivée là, les scènes alternent, parfois de manière si imprévisible que c’en est déstabilisant, entre le passé de Martha au sein de la secte (sous le surnom de Marcy May), et sa vie présente chez sa sœur. Une seconde, Martha est en sécurité chez sa sœur. L’instant d’après, elle est à la ferme, là où elle a vécu ces dernières années. Au début du film, les transitions sont si subtiles que le spectateur est un peu perdu et ne comprend parfois plus où la narration se situe. Mais au fil de la projection, lorsque l’on se familiarise davantage avec le style de Sean Durkin, on comprend vite que celles-ci consistent principalement en de bêtes fondus. Martha passe une porte, l’écran s’assombrit ? Nul doute que l’on va changer de lieu et d’époque… Si elles ne nous ont pas du tout emballés, ces transitions hasardeuses et rapidement prévisibles ont toutefois valu au film le prix de la mise en scène au dernier festival Sundance. Eh bien tant mieux pour lui…

Quoi qu’il en soit, peu importent les transitions, l’important étant ce que cherche réellement à nous raconter le réalisateur au travers de son long-métrage. A cela, j’aurais une réponse simple : un porno pour les scènes à la ferme, rien pour celles chez Lucy… Comme souvent lorsqu’un réalisateur ne sait pas vraiment quoi montrer à l’écran, Sean Durkin nous fait en effet le vieux coup des scènes de sexe à outrance. A cela s’ajoute un statut des femmes qui ferait hurler beaucoup de féministes : celles-si se retrouvent en effet très souvent totalement dénudées, sont cantonnées aux tâches « ingrates » comme le ménage, le jardinage ou la couture, doivent manger séparément (et après) les hommes de la sectes, … A la sortie de la salle, on avait davantage l’impression que le réalisateur avait tenté d’assouvir ses fantasmes plutôt que de partager une vraie histoire captivante avec ses spectateurs. Quant aux scènes dans le présent, j’en ai déjà suffisamment parlé : celles-ci montrent une Martha de plus en plus énervante, voire même rapidement insupportable. Mais si vous attendez qu’il se passe quelque chose, abandonnez tout espoir (attention, spoil éventuel) : on a beau y croire très fort, l’ambiance malsaine et un peu oppressante du film aidant à penser qu’il va se produire un drame, c’est le plat total jusqu’à la toute fin. Fin d’ailleurs totalement abrupte, inattendue (mais bienvenue), et sans grand intérêt : le coup de l’écran noir, vous connaissez ?

Non, décidément, il est probable que beaucoup vous diront le contraire, prétexteront qu’on n’y connait rien et qu’on n’a pas su apprécier ce film à sa juste valeur, ou qu’il était trop « intelligent » pour nous, et ils auront peut-être raison (ou en tout cas, des goûts différents des nôtres, ça c’est sûr). Mais pour notre part, nous avons passé devant ce film 1h40 d’ennui total, 1h40 qui nous ont semblé une éternité et une perte de temps considérable. Martha Marcy May Marlene, c’est tout simplement un film dans lequel il ne se passe rien, bien qu’il tente de faire croire le contraire, un film dont le seul but est de mettre en images les fantasmes salaces d’un réalisateur et son goût visiblement prononcé pour les femmes soumises et sans la moindre liberté. Si vous souhaitez une comparaison, alors je vous dirai que j’ai eu le même ressenti, la même incompréhension, le même dégoût après avoir vu Martha Marcy May Marlene qu’après avoir vu un certain Funny Games U.S. (même s’ils jouent dans un autre registre). Si vous avez vu ce dernier, alors vous saurez peut-être quoi faire de cette critique : l’écouter (peut-être à tort) et fuir le long-métrage de Sean Durkin, ou la jeter aux ordures et vous ruer en salles où vous apprécierez ce film sans doute bien plus que nous. Sinon, eh bien, vous trouverez énormément de critiques bien plus élogieuses que la nôtre sur le web, alors… à vous de voir

NB : Les 2 points attribués sont pour les acteurs (principalement Elizabeth Olsen qui, mine de rien, rentre très bien dans la peau de son personnage) et pour l’ambiance un peu malsaine du film, réussie bien qu’inutile.

Comme l’indique le carton, les Tortues Ninja sont donc de retour, et elles comptent le faire savoir ! Après avoir reçu ces dernières semaines une petite série d’emails très intrigants avec comme simple contenu une image et le hashtag #onestderetour, c’est donc directement dans notre boîte aux lettres que Nickelodeon France nous a apporté la clé du mystère.

Cette année sera verte et bourrée de baston nous apprend donc le verso de la « pizza » (en carton je vous rassure :p), puisque les tortues les plus célèbres de notre génération (Franklin, va te coucher !) ont une tonne de projets en réserve. A commencer par un comics, dont le tome 1 se trouvait sous notre pizza (les services d’hygiène, c’est quel numéro déjà ? ). Je ne suis pas une grand connaisseuse de comics, mais c’est avec plaisir que j’ai parcouru celui-ci : le dessin est très agréable (j’ai souvent un peu de mal avec les crayonnés des auteurs de comics), l’impression et la couverture cartonnée de bonne qualité… mais c’est surtout le plaisir de retrouver Leonardo, Donatello et leurs compères qui l’emporte Sorti le 25 janvier aux éditions Soleil, ce tome s’intitule « Nouveau départ » : un nouveau départ réussi, pour un comics qui, on l’espère, continuera sur sa lancée

Mais les Tortues Ninja ne comptent pas s’arrêter là ! 2013 verra ainsi apparaître sur nos écrans une nouvelle série totalement revisitée par les studios Nickelodeon, ainsi qu’un film réalisé par Michael Bay. Mais nos étals devraient aussi se couvrir de nouveaux produits dérivés en tous genres. Notre boîte à pizza, décidément bien garnie, contenait d’ailleurs en plus du comics un chouette t-shirt « Party Dude » aux couleurs de Michelangelo et une clé USB à ne pas laisser entre les mains d’un affamé (d’ici qu’il la confonde avec une vraie pizza…)

Bien évidemment, on espère également que les rumeurs quant au fait que Rocksteady (le studio derrière les excellents Batman : Arkham Asylum et Batman : Arkham City) travaillerait sur une adaptation de la série soient fondées (imaginez… !), mais, s’il faisait état de « jeux vidéo », le buzz kit n’entrait pas plus que cela dans les détails

Quoi qu’il en soit, on remercie énormément Nickelodeon pour nous avoir fait parvenir cette boîte fort bien garnie, car mine de rien on reçoit très peu d’objets de ce genre et celui-ci est particulièrement original et réussi ! Qui plus est, cela faisait bien longtemps qu’on n’avait plus trop entendu parler de ces tortues qui ont bercé notre jeunesse, et c’est donc avec grand plaisir (et un petit coup de vieux dans les dents :p) qu’on a appris qu’elles n’avaient pas pris une ride et qu’elles reprenaient leurs activités ! Alors, longue vie aux Tortues Ninja, et merci Nickelodeon ! :p

Organisée dans un appartement parisien chicos du 16ème arrondissement, à quelques pas à peine de la Tour Eiffel, la soirée promettait du fun, du challenge… et surtout du chauffage, parce qu’on se les caillait quand même sévère dehors :p (Merci d’ailleurs à PlayStation France d’avoir fait de gros efforts pour nous faire rentrer à l’heure et pas poireauter dans le froid, la SNCF n’ayant pas eu tant d’égard envers ses usagers ce soir-là lorsque j’ai désespérément essayé de rentrer chez moi…)

La première partie de la soirée a consisté pour moi à découvrir un peu la console, que j’avais déjà pu toucher lors de la Paris Games Week, mais trop brièvement à mon goût. Des bornes étaient disponibles pour se faire soi-même une idée de la console et des jeux proposés en démo dessus, mais j’ai préféré laisser l’une des animatrices de la soirée me faire l’article de la console, bien confortablement vautrée au fond d’un canapé en compagnie de mister Poisseman :p

La première chose qui m’a bluffée sur la PS Vita, c’est son écran : grand, lumineux, on en prend plein la vue ne serait-ce que sur l’écran d’accueil (lequel fait un peu trop penser à un bureau de smartphone ou de tablette à mon goût, mais c’est un détail). Alors forcément, la console est un peu plus grande que sa prédécesseure, mais à l’heure où les gens n’hésitent plus à s’afficher avec des tablettes tactiles parfois presque aussi grandes qu’un PC, je pense que le temps n’est plus à la recherche du minimalisme. Cela dit, la taille de la PS Vita n’est pas dérangeante non plus : elle reste « facilement » transportable (dans une sacoche plus que dans la poche), et son grand écran bousillera certainement moins nos yeux de gamers fatigués que s’il faisait la taille de celui de votre vieux téléphone Nokia.

Après, côté fonctionnalités, je dois avouer qu’on n’en a pas vu grand chose. On nous a présenté la fonction « Near » qui permet de voir les gens ayant une PS Vita connectée à 3 kilomètres à la ronde pour les ajouter à ses amis, amis avec qui l’on peut ensuite jouer en créant un salon privé et en les y invitant. Bien évidemment, contrairement à sa petite sœur, la PS Vita inclut également le système de trophées si cher aux joueurs PS3. Une question reste toutefois en suspens : comment cela se passera-t-il pour les jeux sortant à la fois sur PS Vita et sur PS3 ? Aura-t-on 2 listes de trophées distinctes, ou une seule partagée entre les 2 versions ? J’ai malheureusement oublié de poser la question :p Enfin, dernière fonctionnalité présentée : le « cross play ». Sous ce terme se cachent les interactions PS3/PS Vita, c’est à dire par exemple la possibilité de commencer son jeu sur PS3, et de le continuer ensuite sur PS Vita. Malheureusement, selon les dires de l’animatrice, seul WipeOut 2048 exploiterait pour le moment cette fonctionnalité, ce que je trouve bien dommage car c’est, d’après moi, la plus intéressante que propose la console.

Une fois qu’elle nous avait bien fait baver devant la bête, l’animatrice nous a ensuite confié à tour de rôle la bête afin que nous puissions essayer les différents jeux présents sur la console. Voici un bref récapitulatif de ce que j’ai pu voir et penser de chacun d’eux

La plupart des jeux présentés étaient des jeux Sony (ce qui est logique), mais une minuscule poignée de jeux d’éditeurs tiers était également de la partie. Parmi eux FIFA, mais aussi Virtua Tennis 4, qui est le premier jeu qui nous a été très brièvement présenté (quelques secondes à peine). Il s’agissait surtout de nous montrer comment l’écran tactile était exploité… c’est à dire à fond :p Il est en effet tout à fait possible de jouer au jeu, aussi bien uniquement avec les boutons de la console, qu’uniquement en touchant l’écran. Cela dit, cet aspect 100% tactile m’a plus donné l’effet d’un jeu pour tablette que d’un jeu console (même si graphiquement ça déboîte), et je dois admettre ne pas forcément avoir accroché.

Après avoir découvert un jeu utilisant pleinement 1 pavé tactile, c’est sur un jeu utilisant les 2 que nous sommes passés ! Little Deviants est un titré bourré de mini-jeux et mettant en scène des petites créatures assez bizarres. Nous en avons testé 2 d’entre eux. Le premier prenait place sur un ring de boxe et consistait à « pincer » son personnage (en mettant un doigt à l’avant et un à l’arrière de la console), le tirer en arrière dans les cordes, puis relâcher pour l’envoyer frapper ses ennemis et récupérer de petites étoiles bonus. Le but du second mini-jeu était à peu près similaire (récupérer des étoiles, avec cette fois-ci des clés en plus pour ouvrir le portail de sortie du niveau), à la différence qu’il se jouait uniquement avec le pavé tactile arrière. Cette fois-ci, il s’agissait de toucher l’arrière de sa console pour déformer le terrain (une petite montagne se créée à l’endroit où votre doigt « s’enfonce »), ceci dans le but de faire avancer votre personnage. Sur le principe, ces 2 mini-jeux étaient assez amusants, même s’il y avait un peu trop de manches à mon goût. Mais j’ai eu quelques difficultés à jouer pour 2 raisons : la première, c’est que la pavé tactile arrière est trop grand, et que j’ai eu du mal à tenir fermement la console sans mettre mes doigts dessus (ce qui n’est pas pratique, car il n’a pas l’air multitouch :p). Le second problème vient du fait que j’avais parfois l’impression que l’endroit sur lequel j’appuyais sur le pavé tactile arrière n’était pas celui répercuté à l’écran. La prise en main n’était donc pas évidente, et demandait un petit temps d’adaptation…

Ce troisième titre testé m’a un peu fait l’effet d’un jeu en réalité augmentée sur 3DS. Il s’agit d’un jeu de combat au gameplay très classique dans lequel les arènes sont le monde réel, et les combattants… nous-mêmes (comprenez par là qu’on peut customiser son personnage et lui coller notre tête, préalablement prise en photo… heureusement nous y avons échappé, ouf !). Dans le principe, c’est plutôt sympa, parce que les combattants ne sont pas limités à l’écran de votre console. Comprenez par là qu’ils peuvent sortir du champ et que c’est à vous de tourner votre PS Vita pour retrouver où ils sont passés. Malheureusement, le gameplay est un peu lourd et ultra classique, ce qui limite fortement son intérêt. J’ai plus l’impression que les développeurs se sont dit « tiens on va faire un jeu en RA… allez, on va en faire un jeu de combat ! » que l’inverse, mais bon, en un match à peine, difficile d’en être vraiment sûre

Celui-ci est l’un des rares jeux que je voulais vraiment tester, et j’ai été bien contente quand la madame l’a lancé =D Il s’agit d’un jeu de réflexion en noir et blanc dont le style graphique et les morts assez courantes et parfois un peu sanglantes rappellent méchamment l’excellent Limbo. Il s’agit ici de faire sortir son personnage (un petit bonhomme au teint aussi sombre que son humeur) de prison, en interagissant avec lui et les objets qui encombrent sa progression. Pour cela, on peut agir sur les deux plans : le premier, avec l’écran tactile, et l’arrière plan avec le pavé arrière. Par exemple, on pourra pousser une caisse par devant ou par derrière en fonction de si l’on souhaite la ramener vers nous ou la repousser vers l’arrière plan. Les interactions avec le personnage lui-même sont plus minimes : on commence par le réveiller dans sa cellule en tapotant dessus, puis on le fait avancer en traçant un trait franc vers l’avant, ou s’arrêter en dessiner une ligne nette verticale sur lui. L’arrêter n’est d’ailleurs pas évident, car il réagit assez mal si notre mouvement n’est pas parfaitement droit, ou parfaitement sur lui, ce qui est assez dommage car il faut souvent faire preuve de précision (l’arrêter pile sur un interrupteur par exemple) sous peine de le voir mourir… Lorsque notre héros est « saoul » (eh oui :p), il devient joyeux, ce qui permet de le faire avancer plus vite en le pinçant et en l’envoyant valser à la manière du premier mini-jeu de Little Deviants. Les premiers niveaux sont très simples, mais je pense que c’est nécessaire pour bien appréhender le gameplay, car on a quand même parfois tendance à se retrouver coincé car on a oublié l’existence du pavé tactile arrière XD En tout cas Escape Plan est typiquement le genre de jeu que j’apprécie, et c’est mon coup de cœur de la soirée

L’animatrice commençait à manquer de jeux et nous a proposé d’effectuer une course sur WipeOut 2048. Je n’ai jamais été fan de cette série, certainement parce que je suis très mauvaise, mais je dois admettre que graphiquement le jeu claque bien sur la « petite » PS Vita. A vive allure, j’avais tout de même parfois un peu de mal à distinguer ce qu’il se passait exactement à l’écran, mais j’ai toujours un peu fait ce reproche à cette série, et la Vita n’est donc pas en cause :p En toute objectivité, je pense que les amateurs de WipeOut trouveront cet épisode parfaitement à leur goût (je ne vois pas de raison particulière pour le moment pour que ce ne soit pas le cas), mais pour ma part je n’ai pas accroché plus que ça, même si j’admets qu’une course de temps à temps, ça reste un bon défouloir

Finalement, nous avons conclu cette présentation très conséquente de la console par une démo très rapide d’Uncharted : Golden Abyss. J’avais déjà eu l’occasion de le tester à la Paris Games Week, et je n’ai rien vu de particulièrement nouveau cette fois-ci qui puisse modifier mon jugement à son propos. Le seul détail que je trouve un poil dommage, c’est que j’ai l’impression que l’utilisation de l’écran tactile facilite trop les phases d’escalade : il suffit en effet de faire un mouvement du doigt dans la direction voulue pour que Nathan s’y déplace automatiquement. Le pavé tactile arrière quant à lui m’a semblé assez peu exploité : mis à part pour zoomer avec le sniper, je n’ai pas l’impression qu’il ait une utilité folle.

Après tout ce temps à baver sur la console et ses jeux, PlayStation France nous avait préparé une émotion encore plus forte : un petit jeu qui permettrait à l’un d’entre nous de remporter le Saint Graal, à savoir le press kit de la PS Vita (contenant bien sûr la console !). Celui-ci prenait place dans la Dark Room, une salle presque totalement plongée dans le noir (forcément, elle ne s’appelle pas la « Dark » Room parce que Pikachu y défile en slip sous les projecteurs…). Et pour être vraiment sûr qu’on ne voit rien, on nous bandait les yeux avant d’y pénétrer : ambiance garantie :p Une fois à l’intérieur, le principe était simple : 10 objets PlayStation (consoles, accessoires, boîtiers de jeu, …) à reconnaître au simple toucher, et ce le plus vite possible (le chrono départageant les ex-æquo). Avec seulement 9 objets reconnus sur 10 (foutu micro Singstar !) et un chrono assez mauvais, je n’avais aucune chance de remporter la console, mais j’ai pris beaucoup de plaisir à cette petite activité très originale qui a ravivé beaucoup de souvenirs (aaah les boîtiers PlayStation première du nom… !). Bravo à PlayStation France pour cette excellente idée, et au gagnant du press kit qui a trouvé les 10 objets avec un chrono de malade !

Ce n'est pas Papy Cocole qui a gagné, mais il serait bien reparti avec la console quand même :p Comme tout le monde je pense !

Bref, c’est une excellente soirée à laquelle j’ai été conviée, et j’en suis revenue des étoiles plein les yeux, plus pressée que jamais de recevoir ma console ! Le compte à rebours est lancé, la date fatidique approche, et si vous n’avez pas encore précommandé la Vita, je ne vous conseillerai pas de le faire car ce ne serait bien sûr pas raisonnable, mais quand même, avec toutes les offres de préco intéressantes qui fleurissent… :p Allez vite vite, le 22 !!

Comme son nom l’indique, il s’agit de l’endroit rêvé pour dépenser vos deniers si vous êtes amateurs d’art toys. Bien que petite, la boutique propose en effet une jolie exposition d’oeuvres de toutes tailles et d’artistes divers, pour tous les budgets. Nous-mêmes sommes de grands fans des figurines de la marque Kidrobot, vendues en blind boxes (nous tâcherons d’y revenir dans un prochain article si on en trouve le courage :p), et Artoyz est l’endroit idéal à Paris pour en trouver (je ne sais d’ailleurs pas du tout si on peut en trouver ailleurs…).

L’expo « Eeerz » a donc lieu en ce moment au sous-sol de cette sympathique boutique, un espace très chouette mais un peu trop confiné pour accueillir convenablement tout le monde qui avait fait le déplacement pour le vernissage (heureusement qu’il y avait de la bière et de l’eau pour nous réhydrater :p). En période « normale », je pense toutefois que la place est bien assez suffisante pour accueillir les visiteurs ponctuels.

Mais que trouve-t-on d’exposé dans ce sous-sol ? Des oreilles ? Presque, ajoutez-leur les lapins qui vont avec « Eeerz » est en effet le nom donné à la collection de vinyl toys en forme de lapins crétins éditée par Ubisoft. Celle-ci se décline en 2 types de modèles : le « Velvet » (en velours) et le « Do It Yourself » (en vinyl) dont il était question ici. Pour ceux qui ne le sauraient pas (et qui auraient vraiment de gros soucis avec l’anglais), une figurine « Do It Yourself » est une figurine « vierge » (généralement blanche) qu’il est donc possible de customiser soi-même (c’est d’ailleurs le but). On en trouve de formes, de tailles et de fabriquants divers, mais pour le coup ce sont les lapins crétins, et uniquement eux, qui étaient à la fête, puisque plusieurs designers, habitués des art toys, avaient été invités à customiser ces « adorables » créatures à leur sauce le temps de cette expo. Malheureusement, ne comptez pas sur moi pour vous fournir le nom de ces artistes, car notre intérêt pour les art toys, et notre culture en la matière, sont trop jeunes pour que nous les connaissions :s

Plutôt que des noms, ce sont donc des oeuvres que je vous propose d’admirer via les photos de cet article (vous en trouverez davantage dans la galerie). Et des oeuvres de qualité, il y en a dans cette expo ! Bien sûr nous avons nous-mêmes nos préférences : le lapin Ghostbusters, le « Lapin de fer », le poilu, …. Mais chaque artiste a su se distinguer des autres et sublimer son lapin de façon admirable. J’ai été très très très agréablement surprise par cette expo, qui même si elle est petite, propose vraiment de très jolies pièces. On aurait presque envie de les acheter, mais nul doute que si elles étaient en vente, leur prix nous ferait changer d’avis XD

En tout cas, je vous conseille vraiment, si vous n’êtes pas trop loin, de passer faire un tour à la boutique Artoyz. Déjà parce que c’est un chouette endroit, et ensuite parce que les photos de cet article ne rendent pas suffisamment hommage au travail de ces artistes. En plus de ça, l’expo est gratuite, il serait donc dommage de s’en priver Et pour ceux qui aiment les art toys mais qui trouvent la rue de l’Arbre Sec trop loin à leur goût, sachez que le magasin Citadium situé à Saint-Lazare habrite également un grand stand Artoyz ! Mais vous ne pourrez toutefois pas y profiter de l’expo « Eeerz », ce qui est quand même bien dommage

Plus d’infos sur le blog d’Artoyz
Plus d’images dans la galerie

Henry Barthes est un professeur remplaçant. Il est assigné pendant trois semaines dans un lycée difficile de la banlieue new-yorkaise. Lui qui s’efforce de toujours prendre ses distances va voir sa vie bouleversée par son passage dans cet établissement…

Dans ce film Adrien Brody campe le professeur remplaçant. Vivant seul et quasiment sans famille, il est ballotté d’école en école sans trouver aucune attache et il semble apprécier cette vie. Cependant sa rencontre avec sa nouvelle classe, ainsi qu’une jeune prostituée, Erica (incarnée par Sami Gayle) va changer complètement sa vision de la vie et des choses.

Le casting du film comprend quelques visages connus, notamment Adrien Brody qu’on a déjà pu voir dans des films divers comme Le pianiste, ou Predators. Lucy Liu, qui incarne ici Doris Parker, était quant à elle O-Ren Ishii dans Kill Bill ou encore Alex Munday dans les Charlie’s Angels. James Caan (Charles Seaboldt) est, lui, plus connu pour avoir incarné Ed Deline dans la série Las Vegas. On remarquera aussi une furtive apparition de Wiliam L Peterson (Gil Grissom, Les Experts) dans le rôle de M. « Sarge » Kepler. Mais on remarquera surtout l’excellente performance de Sami Gayle qui signe ici, si je ne me trompe pas, sa première apparition dans un long-métrage au cinéma.

A travers le regard de ce professeur intérimaire, tiraillé entre son passé et un présent auquel il refuse de s’attacher, c’est une véritable critique du drame de la scolarité à l’américaine que nous dépeint ce film. Le drame de ces classes vouées à l’échec, dans lesquelles on a placé tous les élèves en difficultés, de toutes origines, que les professeurs, impuissants, n’arrivent ni à comprendre, ni à intéresser, et sont condamnés à envoyer au casse-pipe.

Dans ce film, Henry Barthes tentera de changer les choses, à la manière de toute personne encore insouciante et n’ayant pas encore perdu tout espoir. Il est là, il le sait en transition, en attendant qu’un professeur titulaire vienne remplacer son prédécesseur. Cependant c’est lui qui subira les plus profonds changements, dans son mode de vie et sa vision de la vie. Il sera confronté à l’attachement aux personnes qui l’entourent et à l’impossibilité de tout contrôler.

L’ambiance de ce film est assez sombre, parfois même dérangeante. En effet, ce professeur semble représenter une certaine lueur d’espoir pour tous ces gens, leur redonnant le sourire, les uns après les autres. Mais cette lueur est faible, car Henry Barthes a lui-même ses propres démons, et il est lui est difficile de percer l’épais brouillard opaque qui entoure ces jeunes tant leur malaise est profond. C’est d’ailleurs le seul professeur dans cette école qui ne soit pas encore désespéré ou au bord de la crise de nerf et qui ne se soit pas laissé aller à un abandon total.

Je dois vous avouer que personnellement, ce n’est vraiment pas mon type de film. Celui-ci « souffre » d’une sorte d’impression de lenteur dans le rythme, bien que l’on ne s’y ennuie pas. Cependant, cette lenteur traduit également la réalité de cette école : une avancée inexorable, lente et douloureuse, vers une fin potentiellement tragique, et un sentiment d’impuissance de part et d’autre. Le spectateur ressent ce malaise, et celui-ci grandit au fil de la narration. Le réalisateur sait de toute évidence ce qu’il fait, et le fait bien, avec un sens artistique visiblement aiguisé. Cependant le thème, la scolarité, n’est pas vraiment un de mes thèmes de prédilection et ne me touche pas vraiment. C’est pourquoi, malgré ses qualités évidentes, je n’ai pas pu accrocher à Detachment et ne saurais pas vraiment vous le conseiller, sauf si le thème vous parle davantage qu’à moi.

Pourtant, La Taupe est loin d’être une petite production, comme nous l’avons découvert le jour même de la projection : avec pas moins de 11 nominations aux BAFTA 2012, il se place en effet juste derrière The Artist, qui lui en rafle 12 (well done ! ). Autant dire que si le film se fait pour l’instant très discret en France (aucun de nos proches ne semblait davantage en avoir entendu parler que nous), il devrait très vite faire du bruit à l’approche de sa sortie, le 8 février prochain.

C’est donc rassurés sur la qualité du film que nous allions voir, mais tout de même intrigués, que nous nous sommes rendus au désormais habituel Forum des Images pour assister à la séance. Une séance de 2h07 précisément, 2h07 pour un thriller au scénario haletant mais qui allait nous demander un peu de concentration :p

Etant donné que je ne suis pas sûre de réussir à trouver les mots justes pour vous expliquer clairement le scénario sans toutefois trop vous spoiler, je me contenterai pour cette fois du synopsis d’AlloCiné, dont l’inhabituelle longueur en dit fort sur sa « complexité » :

1973. La guerre froide empoisonne toujours les relations internationales. Les services secrets britanniques sont, comme ceux des autres pays, en alerte maximum. Suite à une mission ratée en Hongrie, le patron du MI6 se retrouve sur la touche avec son fidèle lieutenant, George Smiley.
Pourtant, Smiley est bientôt secrètement réengagé sur l’injonction du gouvernement, qui craint que le service n’ait été infiltré par un agent double soviétique. Epaulé par le jeune agent Peter Guillam, Smiley tente de débusquer la taupe, mais il est bientôt rattrapé par ses anciens liens avec un redoutable espion russe, Karla. Alors que l’identité de la taupe reste une énigme, Ricki Tarr, un agent de terrain en mission d’infiltration en Turquie, tombe amoureux d’une femme mariée, Irina, qui prétend posséder des informations cruciales. Parallèlement, Smiley apprend que son ancien chef a réduit la liste des suspects à cinq noms : l’ambitieux Percy Alleline, Bill Haydon, le charmeur, Roy Bland, qui jusqu’ici, a toujours fait preuve de loyauté, le très zélé Toby Esterhase… et Smiley lui-même.
Dans un climat de suspicion, de manipulation et de chasse à l’homme, tous se retrouvent à jouer un jeu dangereux qui peut leur coûter la vie et précipiter le monde dans le chaos. Les réponses se cachent au-delà des limites de chacun…

Vous l’aurez compris (sinon, n’allez pas voir le film ^^’), La Taupe est donc un pur film d’espionnage, dans lequel le doute plane continuellement sur ses principaux acteurs. Même si Smiley a à présent une vision extérieure de la situation, son investigation fait resurgir beaucoup d’éléments du passé, du temps où il appartenait encore au « Cirque » (surnom du MI6), ce qui donne parfois lieu à des flashbacks très justement mis en scène. La narration est parfois longuette, les dialogues pleins de silences et de non-dits, mais chacun d’eux apporte aussi des réponses, de petites briques qui font, très progressivement, avancer l’enquête. On pourra reprocher à La Taupe de manquer de rythme, d’être parfois davantage un film contemplatif qu’un thriller mordant. Mais le scénario avance malgré tout pas à pas, les pièces du puzzle s’emboîtent, et celui-ci en compte tant qu’il vaut peut-être mieux après tout laisser tranquillement au spectateur le temps de les assimiler. Quand je vous disais que ce film nous avait demandé de la concentration, c’est surtout que le scénario comprend de nombreux fils difficiles à démêler. De nombreux personnages interviennent, et les dialogues sont davantage faits de silence que d’échanges de paroles clairs et précis. Si le spectateur se perd parfois un peu dans tout ce « cirque » (jeu de mot foireux time), on pourra cependant reconnaître une chose : jusqu’au bout, il est difficile de savoir avec certitude qui est vraiment la taupe ; un doute qui permet au scénario de conserver tout son intérêt et toute sa saveur jusqu’aux toutes dernières minutes.

Côté acteurs à présent, je vous avais parlé d’un casting de choc, et je n’en démords pas. Fait amusant, La Taupe s’est payé une bonne partie du casting d’Harry Potter. Smiley est ainsi incarné par Gary Oldman (Sirius Black), Control par John Hurt (Mr Ollivander), Alleline par Toby Jones (Dobby XD), Bland par Ciarán Hinds (Abelforth Dumbledore), et j’en passe… beaucoup ! Mais on retrouve également une poignée d’autres acteurs ayant récemment marqué le cinéma ou la tévision (et même le Club 300 :p) : Benedict Cumberbatch (Sherlock dans la série du même nom) dans le rôle de Peter Guillam, Colin Firth (George VI dans l’excellent Le Discours d’un Roi !) dans celui d’Haydon, Tom Hardy (Tommy dans Warrior) dans celui de Ricki Tarr, ou encore Mark Strong (Lord Blackwood dans le film Sherlock Holmes) dans celui de l’agent Jim Prideaux. Les têtes connues ne cessent de se succéder, et il m’est arrivé à plusieurs reprises de louper une partie des dialogues, trop occupée que j’étais à me dire « Sa tête me dit quelque chose… mais dans quel film c’était déjà ?? » :p Alors bien sûr, des acteurs « en vogue » ne font pas la qualité d’un film. Mais pour le coup, le casting colle, et on sent bien qu’aucun n’est là juste pour faire de la figuration. Les acteurs sont bons, et le film n’en est que meilleur.

Finalement, un petit mot très rapide (car je n’ai pas l’oreille très musicale) sur les musiques. Comme je vous l’ai déjà dit, La Taupe est un film parfois assez contemplatif : pas d’action, pas de coups de feu, pas d’explosions, et même, parfois, pas de dialogues. Autant dire que contrairement à certains films où elle est secondaire car cachée par tous les bruitages, la bande son est ici très importante. Et heureusement, le compositeur, Alberto Iglesias, a fait du très bon boulot. Les morceaux collent parfaitement à l’ambiance du film, et même s’ils ne marquent pas les esprits, ils remplissent parfaitement leur rôle sur toute la durée de l’oeuvre.

Quoi qu’il en soit, je me rends compte à la rédaction de cet article que, même si le temps m’a parfois paru un peu long lors de la projection et que j’ai clairement senti les 2h07 de film passer, je garde de La Taupe un très bon souvenir. Il faut dire que peu de productions actuelles mettent véritablement l’accent sur l’intrigue, et les quelques thrillers qui essaient échouent lamentablement en la saupondrant à outrance d’action hollywoodienne. La Taupe a fait le choix risqué, mais judicieux, de se baser sur le fond plutôt que sur la forme. Les plus formatés aux productions américaines (ou américaines-like) qui envahissent les écrans depuis des années, mourront donc peut-être d’ennui devant son manque de rythme, mais les autres (re)trouveront le plaisir d’un scénario recherché et bien ficelé, ce qui n’était pas forcément évident dans le genre tout de même déjà bien exploité de l’espionnage.

Comme je vous le disais, suite au niveau que j’avais fait lors de la soirée de lancement et qui ne m’avait pas du tout convaincue, j’avais quelques appréhensions sur ce nouvel opus et une grande crainte d’être fortement déçue. Heureusement, l’équipe de Naughty Dog n’a décidément plus grand chose à démontrer, et son aptitude à faire démarrer un jeu sur les chapeaux de roue est terrifiante d’efficacité.

Après une petite mise en bouche digne des meilleurs films de gangsters, c’est quelques années en arrière que nous sommes projetés, dans la peau d’un Nathan Drake encore enfant, quelques heures avant sa rencontre avec celui qui deviendra son mentor et son meilleur ami, Victor Sullivan. Je ne suis habituellement pas fan de ce genre de flash-backs, qui sont souvent mal amenés et mal construits. Mais celui-ci est une réussite, et force est de constater que déjà enfant, Nathan avait le chic pour s’attirer des ennuis :p

Le reste du jeu n’est bien sûr pas en reste. En fait, à part le niveau du château (celui que j’avais justement testé lors de la soirée) qui m’a vraiment déçue car il y avait moyen d’en faire quelque chose de bien mieux (un château perdu au milieu d’une jungle en France ? O.o), les autres s’avèrent très intenses.

Non seulement Uncharted 3 est d’une beauté fracassante, prouvant encore une fois que Naughty Dog est certainement le studio maîtrisant le mieux les consoles Sony, mais la mise en scène est tout aussi hallucinante. Le vilain chien a réalisé ici un véritable film interactif, dans lequel jeu et cinématiques se mélangent si habilement qu’on parvient difficilement à en distinguer les frontières. Alors certes, on se croirait parfois dans un film d’action façon Taken ou Le transporteur tellement certaines scènes sont totalement abusées, mais après tout, c’est aussi pour ça qu’on l’aime notre Drake

Côté scénario, Uncharted 3 reste là encore fidèle à la série. Sur fond de chasse au trésor (et de la mythique Atlantide des sables), Nathan et ses amis se lancent une nouvelle fois sur les traces de son ancêtre Sir Francis Drake, s’attirant au passage plus d’ennuis que jamais. Comme dans les opus précédents, les choses ne sont pas si cartésiennes, et ce que va trouver la petite bande (outre des mécanismes vieux d’il y a des milliers d’année et grands de plusieurs dizaines de mètres qui fonctionnent toujours parfaitement et que personne n’avait jamais remarqués :p) tombe parfois un peu dans l’univers fantastique. Cela dit, ce troisième opus s’avère plus « réaliste » que ses prédécesseurs, de par le fait qu’il ait été épargné de monstres et de nazis… ce qui n’est pas pour me déplaire !

Maintenant, si Uncharted 3 m’a bluffée par sa maîtrise technique et son incroyable force d’immersion, un point m’ennuie encore : les gunfights. Si ceux-ci m’avaient déjà lassée dans le second opus, ils m’exaspèrent carrément dans celui-ci. Après 3 épisodes, la sauce ne prend plus. Les combats à un contre tous se succèdent, on tire, on se fait contourner, on peste, on recommence. La recette est bien rodée mais ne présente plus grand intérêt à mon goût. Si les phases d’exploration m’émerveillent et me scotchent à ma console, les phases d’action, elles, sont capables de me faire poser ma manette : trop fréquentes, trop improbables (mais comment Nathan fait-il pour tomber sur une armée d’ennemis en plein milieu du désert ?!?), et trop répétitives… Pourtant, l’arsenal est varié et le fait de pouvoir relancer les grenades en appuyant sur triangle au bon moment est amusant deux minutes ; mais ça s’arrête là.

Et puisqu’on en est dans les reproches, je pourrais encore ajouter la fâcheuse tendance de Drake à casser tout ce qu’il touche. J’en avais déjà parlé après la soirée de lancement car le niveau du château testé ce soir-là en était le parfait exemple : Nate ne peut pas poser un pied sur le sol sans passer à travers, ni se suspendre à une rambarde sans que celle-ci ne se détache. Si c’est amusant à petites doses, à trop en faire on finit par se lasser et par se demander si les développeurs n’ont vraiment rien trouvé d’autre pour « relancer » l’action.

Malgré tout, j’ai passé un excellent moment en découvrant ces nouvelles aventures palpitantes de Drake. La magie opère toujours et, si les gunfights sont lourdingues et répétitifs, les phases d’exploration, elles, offrent des décors si variés (et magnifiques), des situations si critiques, et une immersion si forte qu’on en prend plein les mirettes en permanence. Je m’en tiendrai cependant au mode solo pour ces propos, n’ayant pas du tout pris la peine d’attaquer le mode multi. Uncharted est pour moi une série pour laquelle le solo s’est toujours suffit à lui-même et ne nécessitait absolument pas l’ajout d’un multi, à l’instar d’Assassin’s Creed. Jouer en ligne dans ce 3ème opus ne m’a donc pas plus attirée que dans le second, et la présence d’un pass en ligne est une raison supplémentaire à mon goût de ne pas m’y plonger (même si je possède le-dit pass, mais c’est pour le principe, vous voyez :p).

Sous ce nom fort étrange se cache une comédie d’horreur un peu perturbante. Ou, si vous préférez, un film d’horreur comique, car je dois dire que je ne sais pas vraiment dans quel sens le prendre ! Tucker et Dale, les deux protagonistes principaux de ce film, sont deux types simples, au physique pas forcément très avenant. Venus passer quelques jours dans un bled un peu paumé où ils se sont payés la maison de vacances « de leurs rêves », ils comptent bien utiliser ce temps pour retaper leur nouvelle bicoque. Malheureusement, un groupe d’adolescents, eux aussi venus passer leurs vacances dans le coin, en décide autrement. Persuadés que Tucker et Dale sont deux psychopathes suite à un malheureux enchaînement d’événements, ceux-ci se mettent en tête de lutter pour leur survie et de tuer avant d’être tués.

Tucker & Dale fightent le mal est un film qui se base énormément sur les quiproquos. Si ce n’est leur dégaine négligée, Tucker et Dale n’ont rien de psychopathes, mais la tournure des événements et la présence d’un adolescent un peu dérangé dans leurs rangs laisse vite penser le contraire au groupe de jeunes facilement impressionables et influençables qui campe à proximité de chez eux. Comme dans tout bon film se basant sur des malentendus, les occasions de rétablir la vérité et le calme sont nombreuses, mais toujours gâchées par un événement impromptu, une parole mal interprétée, ou tout simplement un mauvais coup du sort.

Il faut dire aussi qu’il est difficile de faire passer des décès sanglants pour des malentendus. A trop vouloir la mort de Tucker et Dale, celle-ci s’insinue progressivement dans les rangs des adolescents, tous aussi malchanceux les uns que les autres. Je dois admettre avoir été surprise par la violence de certains « meurtres » : même si cela fait longtemps que la différence n’est plus faite, je qualifierais davantage ce long-métrage de film gore que de film d’horreur. Corps déchiquetés, projections de sang à fair pâlir Kill Bill, … Tucker & Dale fightent le mal est loin de faire dans la dentelle et soulèvera certainement quelques estomacs lors sa sortie en salle. Honnêtement, je ne m’attendais pas à voir autant d’hémoglobine dans une « comédie », et les films gores n’étant vraiment pas mon fort, celui-ci n’est pas parvenu à marquer des points ainsi :/

Mais l’aspect gore du film n’est malheureusement pas la seule chose qui m’ait rebutée. En fait, trop de malentendus tuent le malentendu, et Tucker & Dale fightent le mal en abuse bien trop à mon goût. Si certaines situations nécessitent de dégénérer pour mettre en place le scénario, d’autres viennent ajouter leur grain de sel sans que cela ne soit réellement nécessaire. Le film compte quelques scènes de calme très plaisantes, car totalement décallées avec la réalité qui se déroule autour de la cabane de nos 2 protagonistes, mais celles-ci sont la plupart du temps gâchées par un nouveau quiproquo fortement prévisible, comme s’il s’agissait là de la seule manière qu’avait trouvé le réalisateur pour relancer l’action dans son film. Résultat, même si cela vous paraîtra peut-être logique pour un film gore, ce long-métrage manque cruellement de finesse dans son déroulement… et d’humour, à moins que les malentendus et les cadavres ne vous fassent rire aux éclats.

J’ai donc été très « déçue » par Tuker & Dale fightent le mal, dans le sens où je m’attendais davantage à une comédie sur fond de film d’horreur que l’inverse. Comme dirait l’autre, « si j’avais su, j’s'rais point venue », car étant très peu adepte des films gores, il aurait été plus objectif de ma part ne pas émettre de critique envers un film d’un genre que je n’affectione pas. Malgré tout, je dois reconnaître qu’Alan Tudyk (Tucker) et Tyler Labine (Dale) réalisent de belles performances d’acteurs, et que certaines scènes réussissent à surprendre. Mais même en mettant l’aspect gore de côté, le scénario, trop classique, bourré de déjà-vu, et qui ne parvient pas à s’arrêter au bon moment (la fin tirant méchamment en longueur), peine trop à me convaincre pour me laisser une bonne impression de ce film.

Tucker & Dale fightent le mal : un film à réserver aux amateurs de films gores donc, qui trouveront certainement les morts sanglantes à souhait et sauront faire abstraction du scénario prévisible et mal ficelé, finalement fidèle à ceux qu’on leur sert généralement dans ce gerne de productions. Ceux qui cherchent une comédie, eux, peuvent par contre passer leur chemin, à moins bien sûr d’avoir un humour vraiment sordide. Dans tous les cas, vous avez largement le temps de lire d’autres critiques pour vous décider, puisque ce film ne fera son apparition dans les salles que le 1er février prochain