Artista: Els Catarres
Título: Postals
Sello: Música Global Discográfica‎
Fecha de publicación: 2013
Más información: www.elscatarres.cat

Listado de canciones:

Tokio
Camp d’oliveres
Vull estar amb tu
Rock&Roll
A tot color
De pares a fills
Invencibles
Utopia
Seguirem lluitant
Souvenirs
T’hi va la vida
La porta del cel

La marca de bebida se encuentra presentando este nuevo  producto que, todo indica, es el más amargo de toda su gama. Nos avisan de que no sólo no es aconsejable para todos los paladares, si no que además, ha hecho estremecerse de escalofríos, debido a su acidez al mismísimo Iggy Pop. No es de extrañar, porque la versión más Schweppes de limón Scheweppes, es una una bebida dry hecha solo para gente dry.

Artista: La factoría del cosmos
Título: Maniobras de evasión
Sello: Autoeditado
Fecha de publicación: 2013
Más información: http://www.myspace.com/lafactoriadelcosmos‎

Listado de canciones:

Atrás
Luces, Cámara, Acción
Rosa de los vientos
La clave magistral
Da igual
Un último adiós

Dan Auerbach está que no para en los últimos años. A su frenética actividad con The Black Keys tenemos que sumar su trabajo como productor y músico en discos de otra gente, como Dr. John, The Growlers, Hanni El Khatib o el que aquí nos ocupa. Omara Moctar es el nombre real de Bombino, un músico tuareg nigeriano que lleva algunos años buscándose la vida en esto del negocio de la música y que ahora, por fin, parece haber encontrado una buena plataforma en el sello Nonesuch y en la valiosa aportación de Auerbach.

Nomad es un trabajo que, si bien conserva ciertos elementos de la música tuareg, está mucho más occidentalizado que otras bandas del mismo estilo, como Terakaft. En ese punto, el trabajo de Auerbach parece haber sido decisivo, puesto que muchos momentos encontramos recursos que ya ha había utilizado en el disco Lock Down, de Dr. John, aunque en este caso con mucha menos fortuna que entonces. El tema que abre el disco, Amidinine, es un buen ejemplo de ello, aunque no será el único, porque Azamane Tiliade, Imuhar y otras siguen la misma línea. Como guitarrista, Bombino aporta algunos riffs agradables y hay pequeños destellos de buenas ideas, pero el resultado general hubiera sido más cautivador si se hubieran atenido a un sonido concreto, puesto que la mezcla de ambos no parece haber sido la mejor opción.

Al igual que con Talking Timbuktu Ali Farka Touré consiguió entrar en el mercado occidental y norteamericano de la mano de Ry Cooder, Bombino cuenta con Auerbach para edulcorar su propuesta y hacerla más accesible al público occidental. La diferencia estriba en que Touré y Cooder contaron en aquella ocasión con la experiencia de Nick Gold con músicos como Oumou Sangare, la Orchestra Baobab o el propio Touré y Auerbach no parece estar tan versado en estos sonidos. Nomad es un disco interesante y entretenido, pero eso sí, no esperen encontrar aquí lo que vende su nota de prensa, porque no hay ni desierto ni tradición tuareg.

Artista: Pull My Strings
Título: Dora Bay
Sello: Pias Spain
Fecha de publicación: 2013
Más información: http://www.pullmystrings.es/‎

Listado de canciones:

Shake Shake
Floating Issues
Monday (7 A.M.)
Sea of Waves
Hide the Brusses
Crow’s Nest
She Dances Online
We Are All We Have
That’s the Only Thing
You’re not Allowed to Destroy My Empire
Another Grey Cloud

Un documental en toda regla que nos mostrará los entresijos del mundo de la música, así como un montón de historias divertidas entre las que el amor, la música y las cosas que estos originan jugaran un papel muy importante…

Si el slowcore desdibujara sus iniciales y desintegrara sus fonemas, los sonidos del habla de su música se construirían en base a postulados de un rock religioso cuyos discípulos mirarían al cielo en busca de la música gloriosa que construyó obras maestras impolutas, como lo fueron “Things we lost in the fire” o “Secret name”, de Low. Si otros álbumes no alcanzaban tales cotas celestiales, su recorrido, -desde aquella primavera de 1993-, es una carrera irreprochable de grandes canciones; siempre apasionantes. Y es que, para el seguidor de siempre de Low, el grupo es uno de los mejores del mundo; en su estilo y en todos los posibles. Ni que decir tiene que otro de sus álbumes, “The great destroyer”, se queda muy cerca de los citados.

Llegaron a España para presentar su reciente “The invisible way”, otra de su conmovedora colección de canciones, que vuelve a cerrar de un portazo la cuentagota salida de discos esperados en 2013 (Primal Scream, Deerhunter, Vampire Weekend, Justice, Daft Punk, etc, etc).

Y como Low no engañan a nadie, su música sigue puliendo los mismos esquemas de siempre, entre el desgarro emocional de una de las mejores voces femeninas del mundo (Mimi Parker, más presente en el último trabajo del grupo) y la implacable de Alan Sparhawk.; ahora bajo la producción del líder de Wilco, Jeff Tweedy para este décimo disco de estudio de la banda de Minnesota.

La noche en la Sala Joy Eslava madrileña la abrieron el matrimonio estadounidense formado por Buck y Shanti Curran, Arborea. Formándose en el año 2005 y procedentes de Maine, acompañantes de Low en sus conciertos en España, son una suerte de folk en la versión más “camp” del término y concepto, que con su último y quinto trabajo “Fortress of the sun”, brincan con las voces a lo Joanna Newsom y retozan como un millón de figuritas de Lladró por sus melodías suaves y aterciopeladas. He de reconocer que su exorcismo de ninfas me acaba cansando y me cuesta entrar en ese delicado mundo que crea sus atmósferas etéreas. Aún así, deberían explotar mucho más las canciones cantadas a dúo. Las que cantaron a dos voces se me hicieron menos espesas y también disimulando la candidez recorrida por los lugares comunes de la canción folk que practican.

Inmediatamente al salir Low se hizo un respetuoso silencio en la sala. El trío arrancó su solemne concierto con la primera de las canciones de su último trabajo, “Plastic cup”, donde desde el primer momento se da cuenta uno de la innegable seña de identidad de la banda y el signo de su último gran trabajo de estudio.
De las tres o cuatro veces que les he visto en vivo, esta fue, sin lugar a dudas, en la que la voz de Alan Sparhawk se hizo notar en mayor manera. Los melancólicos susurros de la siempre comedida Mimi Parker sólo fueron un acompañamiento para la inmensa voz y la modulación perfecta de su acompañante (siempre más comunicativo con el público), estirando los tonos cuando Parker las había cortado en seco. Sparhawk estuvo soberbio, inmenso y enormemente magnético.

De ahí pasaron a la distorsión de “On my own”, la canción más arisca de su trabajo, el bucle guitarrero que haría pasar a ambientes más reposados con “Clarence White”, la espesura sonora de la monumental “Monkey” de su celebrado “The great destroyer” (como he comentado antes, uno de sus mejores trabajos), y de ahí al tema más pop de “The invisible way”, una “Just make it stop” que funciona como respiro a la atmósfera envolvente y taciturna de su colección de canciones, como ocurría con “Step” en “The great destroyer”.

Aunque hicieron un somero repaso a su último trabajo (faltó “Mother”), también tuvieron tiempo para dedicar tiempo a otros, como “Sunflower” (de “Things we lost in the fire”), donde su magnitud como banda queda palpable en vivo, y la voz de Alan Sparhawk se suavice bajo el eterno manto de su rasgada voz. Fue, una vez más, una hora y media de emoción e inteligente (por el dominio que tienen de su música) puesta en escena, aunque a algunos les pueda resultar un tanto fría.

Low no hacen trampa al presentar sus trabajos en vivo, y mucho menos a sus seguidores. Y siguen haciendo discos como aquella ciudad eterna iluminada por los destellos fugaces de una lluvia que abotarga las almas y deja abatido al que los escucha. Es una banda que practica una música enormemente cuidada y son dignos de figurar como emblema de una generación de incondicionales que son testigos de una de las bandas más cautivadoras del Planeta. Volved…siempre.

Pachi García Alis es ese hombre esquivo de la voz dormida que transita entre la nocturnidad y la fantasía dentro de “Cantos de ocasión” (Warner, 2013), el quinto álbum del jienense. No esperen nada anterior ni nada conocido, pues lo que escucharán será producto de su propia ensoñación. Ahora puede que sea tarde, pero nunca es demasiado para los que no se arrepienten.

Lo siento, pero “Cantos de ocasión” me suena a retales. Como eso de los coches de ocasión.
Sí, como que están de oferta, ¿no? (Risas) Es un poco eso, tiene ese significado. ¡Lo traigo rebajado! En realidad son retales de cosas que sobran. Hay mucha parte de ironía en el título, pero sí que es verdad que el título es una llamada de atención para decir que estoy aquí. Que siguen estando mis canciones y que las pongo en bandeja para que se puedan escuchar. Pero lo de la ocasión, la oferta y la casualidad de encontrar algo que no estás buscando, pero que está en las rebajas. ¿Sabes? Dar con algo que no conocías pero que al final te ha servido. Hay mucha gente que no me conoce, así que igual me encuentran de oferta.

¡Encontrar los discos de Alis en las ofertas del Alcampo!
O encontrarte un disco inédito de Led Zeppelin que estabas buscando desde hacía mucho tiempo y encima de oferta. Eso es la hostia.

Me dijiste anteriormente que si no te diviertes, te enfadas contigo mismo.
Sí, y es cierto. Últimamente me enfado mucho pero me divierto poco. O me hace disfrutar gente como Suso Saiz –que me saca de mi locura para intentar llegar a donde quiero llegar- o no disfruto porque tengo muchos prejuicios. Por eso no produzco mis discos.

¿Prejuicios con tu propia música?
Con mi propio sonido y con mi forma de hacer las cosas.

¿Por qué?
Porque no sé sacarme de mí mismo y verme desde fuera, por eso necesito a Suso.

Por lo tanto, en caso de autoproducirte, ¿te escucharías ridículo?
Es que lo he hecho y son los discos que menos me gustan, que son los primeros. Realmente, si te soy sincero, sí.

¿Y no lo has vuelto a intentar?
Sí, pero ahora lo que hago es desahogarme y divertirme reversionando esas canciones. Ese concepto de directo de guitarra abierta; de base rítmica rota, distorsionada y desubicada que hay en “Material de disección” y en “Cantos de ocasión”, lo trasladamos al resto de temas de los primeros discos para ensayarlos en el estudio con mucho curro y con ideas previos que llevo. Trato de hacer un concierto un concierto con sentido y unísono hasta el final reversionando las canciones antiguas.

Diría que “Cantos de ocasión” me parece incluso más homogéneo que “Material de disección”, aunque comparo ‘Contraseñas’ con ‘Alineación de planetas’.
De hecho son canciones que he hecho a medias con Antonio Román “Telémako” porque en ‘Alineación de planetas’ la estrofa es suya y el estribillo es mío. La letra es cincuenta y cincuenta. Una especie de sello que tenemos entre los dos componiendo. Entonces, sí tienen mucho que ver esas canciones. Además, ‘Alineación de planetas’ es una de mis canciones preferidas de todo el disco.

Tiene mucho que ver con el anterior…
Totalmente. Pero creo que tiene una vuelta de tuerca más.

Pero es cierto que empiezas más movido. Creo que ‘Los que no se arrepienten’, el single, engloba bastante el disco.
En principio, como single, pensé en sacar ‘Cantos de ocasión’. Lo tenía clarísimo. Pero después de una reunión con la discográfica, pensaron que ‘Los que no se arrepienten’ era más directa, como que tenía más salida. Y bueno, les hice caso. Si ellos lo veían claro, yo no tenía ningún inconveniente. Tú sabes que me curro mucho el tema de los vídeos y que a veces se me ocurren historias con actores, animaciones y demás movida. El caso es que en este disco quería salirme un poco de eso que ya llevo haciendo mucho tiempo, así que quería hacer algo convencional, como ese que hicimos para ‘Cine mudo’ tocando en el campo. Llevábamos mucho tiempo sin hacer un vídeo de tocata, pero como ahora contábamos con un director de foto como es Miguel Amoedo, me daba igual qué canción sacar. Sé qué un vídeo de tocaba va a quedar bien hagas donde lo hagas. Quizás no se equivocaban en eso de que ‘Los que no se arrepienten’ englobaban más lo que tú has dicho: el concepto y el sonido del disco.

¿Y qué crees que habrían dicho con ‘Cantos de ocasión’?
Pues que es más rara que un perro verde (risas). Si te das cuenta, empieza con un ritmo de Reggaetón en la batería. Era un riesgo. La gente se iba a preguntar qué era eso.

La gente y sus prejuicios…
Pero los prejuicios de la gente me dan igual. El problema son mis prejuicios. Ahí tenía claro que el ritmo no iba a ser el que ya he hecho un millón de veces y también el que ha hecho todo el mundo, sino que debía ser un ritmo que nadie hubiera hecho antes.

Ya lo harán, ya.
Pues puede ser. En el segundo disco, cuando ninguna de las bandas que te he nombrado estaban ahí, ya hacíamos esa clase de ritmos que ahora hacen ellos. Nadie dijo nada, pero estaban ahí aunque hay gente que se ha dado cuenta. Al final, la gente te pilla. Si hay alguien que copia un ritmo y lo mete en su disco, habrá otros que se den cuenta. Eso está clarísimo. Mira, si alguien hizo esa clase de ritmo en su momento, fue Radio Futura. Eran los que se dedicaban a arriesgar en la época. Pero de todas formas, y actualmente, no he vuelto a oír esa clase de ritmos.

También eras de bajar las persianas y de quedarte a oscuras. ‘Palabras que compré’ se me antoja lóbrega. Además de esos cambios de tono tan dramáticos.
Es muy oscura. Esa oscuridad del “Amnesiac” de Radiohead está plasmada ahí. La tonalidad cambia de una manera brusca, al igual que en ‘Los que no se arrepienten’, donde el estribillo es bastante asequible aunque las estrofas tienen unas armonías rarísimas.

Pero al ser más animada, no caes en eso.
Cierto, pero tiene un Si menor y un Sol menor que entran directamente haciéndote pensar qué demonios ha pasado ahí. Parece una armonía barroca muy tenebrosa. Son armonías que ya había utilizado antes, aunque no tan bruscas. ‘Palabras que compré’ es otro de los temas que más me gustan del disco. Creo que es sencilla, corta, pero directa diciendo lo que tiene que decir.

Los pianos son protagonistas, como en ‘Donde no llega el humo’, pero no hay banjo. ¿Dónde está el banjo del que hablabas hace un par de años?
(Risas) Sí, tío. En realidad me habría gustado meter banjo y muchas más cosas porque estoy en el momento de descubrir nuevos instrumentos. Me gusta la sonoridad que da la armónica pasada por un sintetizador o por un vocoder. En fin, investigar. Pero lo del banjo me gusta. Eso me lo apunto. Estuve a punto de utilizar un ukelele que me compré, pero ya está tan visto lo del ukelele… ¡lo usa todo el mundo!

¡Eso sí que es un instrumento de ocasión! La melódica también está muy usada, pero no te descuides con el banjo…
Podría ser que se empezara a usar mucho (risas). Lo mismo ahora aparecen banjos por todas partes y ese empieza a poner de moda.

Oye, explícame lo de ‘Tachadme de las listas de las bodas’. Es una indirecta tan de puta madre…
¡Exactamente! Mira, soy de Baeza, tú lo sabes, y a mí me encanta mi pueblo. Soy de los que presume de tener pueblo.

¿Y familiar?
No me considero muy familiar.

Pero me refería al tema del pueblo, las abuelas.
¡Ah, claro! Pero es que mi pueblo es mi abuela.

A eso iba. Me refería a la familiaridad de los pueblos y las tradiciones.
Me gusta cierto tipo de tradiciones que se respetan desde la antigüedad y que los mayores van conservando a lo largo de siglo. Pero creo que hay otras tradiciones que se han desvirtuado completamente y que la gente utiliza para lucrarse y para engrandecer su ego. Allí todo el mundo invita a todo el mundo a las bodas. Y mira, no me gustan las bodas, porque sentarme a comer con alguien que no conozco me es bastante incómodo. Ya estaba harto de decir que no me gustaban las bodas. No voy ni a las de mis amigos ni a las de los amigos de mi pareja. Recuerdo la última a la que fui, en Mallorca. Me quedé sentado en las hamacas de la puerta, debajo de un árbol, y nadie me encontraba después de cinco horas. Y mira que era una boda que me molaba, pero a mí que me dejen de historias.

¿Y en cuanto a la canción en sí?
Te introduce en mi pueblo. La letra habla de mis amigos, de los lugares a los que voy, las tabernas, como Casa La Abuela.

Entiendo que Casa La Abuela no habla de la casa de tu abuela…
No. Casa La Abuela es la taberna de un amigo –llamado también Pachi- al que le decimos “la abuela” desde que éramos pequeños porque tiene una cana. Le salió un mechón blanco cuando nació y no se le ha ido. De ahí viene el nombre, aunque nosotros decimos “cá la abuela”. El nombre de verdad es Burladero. A casa de mi abuela voy mucho, claro, pero también a las tabernas. Al lado hay otra que llamamos casa Ramón pero que en realidad es El Arcediano. Pero son tabernas de verdad, de las que escriben las tapas con tiza. Es más: no te ponen la tapa en un plato, sino en un papel de charcutero. Y te voy a contar algo más. El fan número uno de Casa La Abuela es Suso Saiz. No hay quien lo saque de ahí. Lo metes allí, le pones un vino y no lo echas ni con agua caliente (risas). Va al pueblo y yo ni lo veo porque va directo.

Podéis montar el estudio al lado.
Es que mi estudio está al lado (risas). A dos minutos andando. Es que en Baeza es difícil no encontrar avituallamiento cercano. Es una ciudad “borracha” y de buenas costumbres. Baeza y Úbeda son las ciudades más importantes del Renacimiento en Andalucía. Tienen un nivel de turismo incluso más alto que los que pueden tener Sevilla o Granada.

¿Son el “indie” del turismo?
¡Son el indie del turismo! (Risas) Pero es verdad que salen muchas bandas de Baeza y Úbeda.

“El pez más grande del río es así porque no se deja pescar”, dicen en la película “Big Fish”. Entiendo que te sientes como ese pez.
Por supuesto. Y como Le Pendu (la carta del tarot) o como cualquier cosa que intente ver las cosas desde otro punto de vista diferente, como lo hace “Cantos de ocasión”. Es darte la vuelta, ponerte bocabajo y verlo todo de un modo diferente. Todos preocupados con la política, poniéndose a parir los unos a los otros… y tú, mientras tanto, mirando por tu agujero. Observando y viendo las cosas pasar, quedándote con lo bueno y mandando a tomar por culo todo lo malo. Esa es la base del disco.

En lugar de señalar el problema, se trataría de buscar la solución, ¿no?
Eso es. En vez de hablar mucho y criticar, habría que ponerse a buscar la solución, que es lo que hace falta.

¿Y tendría algo que ver ‘El gigante de Big Fish’?
Ese tema en concreto no. Está basado en mi hija y es además la primera vez que hago una canción basándome en mi hija. La gente piensa que ‘¿Dónde estabas?’ iba para ella, pero no es así porque nunca antes lo había hecho. ‘El gigante de Big Fish’ habla un poco de cómo puedo hacer para que a mi hija no le falte de nada. Como si fuera capaz de ponerme los hierros que utiliza el niño de la película para crecer y convertirse en gigante y así llegar a alcanzar muchas cosas que yo no alcanzo. No sé si en la película le dan ese sentido, pero yo se lo encuentro. Sería capaz de ponérmelas para estirarme y darle lo que no sería capaz de alcanzar. Veo cómo está el mundo que le va a tocar vivir y me siento culpable de haberla traído a esta vida, así que tengo esa responsabilidad hasta el final. Comenzó siendo una especie de nana con un ritmo rarísimo de 7 x 4. ¡No sabía ni qué ritmo era! ¡Me lo tuvo que decir Suso! (Risas)

Te ha quedado muy onírico.
Sí, puede ser. Además, el estribillo se convierte en un Valls porque tiene un ritmo de 3 x 4. Te contaré un secreto. Si te pones los cascos, al final del tema hay un órgano con muchísima reverb, muy enmascarado, porque no quería que me cobraran los derechos de autor, pero está un tema de Procol Harum que se llama ‘A whiter shade of pale’ (‘Con su blanca palidez’). ¿Recuerdas ese tema? Pues está ahí. Es como el canon de Pachelbel. Hay tres partes de órgano. Empieza y las notas se van pisando.

Estás muy clásico, pero por ahí veo yo el banjo, ¿eh?
Pues en esa canción me habría gustado meterlo (risas). En serio te lo digo.

Las personas escogidas para realizar los vídeos de los skates son también jóvenes promesas del terreno audiovisual que han estado bajo la supervisión del director de cine experto en este tipo de trabajos, Juan Rayos. Antonio J. Ronink, Daniel Etura, Pocholo y Mac trabajarán por conseguir el primer puesto con sus vídeos, y el que lo consiga tendrá la oportunidad de disfrutar de un Ford Fiesta  cedido por la marca durante la temporada de verano. Eso no es todo, además, podrán asistir a la celebración de los X Games, que se realizan por primera vez en España del 16 al 19 de mayo.

A estas alturas es difícil encontrar alguien que no conozca a Satriani, pero quizá también entre ellos haya un buen número que no le preste atención desde hace años, sobre todo los que ya tienen una edad, que fueron saturados hace tiempo con guitarristas de toda índole y velocidad. Parece que hace tanto de la época dorada de los guitar-hero que hoy en día los aficionados al género quedan casi como irreductibles. Y, sin embargo, uno de los más grandes ha seguido sacando discos más que interesantes en los últimos años…

Unstoppable Momentum no es uno de esos experimentos en los que periódicamente se embarca el señor Satriani, como aquel denostado Engines Of Creation. Aquí abundan ese tipo de composiciones rockeras con optimistas melodías, como la que da nombre al disco, Lies And Truths, Shine On American Dreamer o A Door Into Summer. Uno de los puntos fuertes del disco es la presencia de Vinnie Colaiuta, Chris Chaney y Mike Keneally, uno de los aventajados alumnos de Frank Zappa. El firme respaldo rítmico que aportan los dos primeros y los fugaces destellos de inspiración de Keneally realzan en diversas ocasiones el buen trabajo de Satriani, como en Jumpin’ In.

Con una carrera tan dilatada como la suya y un estilo tan definido la sensación que tenemos con este trabajo es de extraña familiaridad, porque muchos de los temas nos van a recordar a otros clásicos. Sin embargo, esto no es obstáculo para que el álbum se pueda disfrutar algunas semanas y para que, quienes estén más interesados en la técnica, encuentren algunos momentos muy interesantes.

La actividad del mayor de los hermanos Cavanagh al margen de Anathema ha sido desde hace tiempo bastante intensa, con trabajos tan interesantes como los que ha grabado con Anneke Van Giersbergen o con Leafblade. Pero este sin duda es uno de sus trabajos más personales, porque la colaboración con el escritor Joseph Geraci, quien ya puso su voz en Internal Landscapes del disco Weather Systems, tiene mucho que ver con las inquietudes espirituales de Cavanagh y su relación con la obra de Geraci.

El álbum se compone de diecisiete composiciones hiladas en las que la música ejerce de telón de fondo para los textos, recitados por el propio Geraci, Daniel Cavanagh y Heather Leah Huddleston, lo que aporta ciertos contrastes y consigue un mayor dinamismo en los textos. Aunque casi todo el trabajo se compone de fragmentos breves recitados con el piano de Daniel Cavanagh aportando la atmósfera adecuada a cada texto, también han dejado espacio para un par de composiciones. Within, part 2 y Brief. La primera, a pesar del inconfundible e inevitable recuerdo a Anathema, tiene un tono más austero e introspectivo, y la segunda es posiblemente una de las composiciones más bellas y emotivas del señor Cavanagh de los últimos años.

Con un disco así, disponer de los textos es casi una obligación para su completo disfrute e inmersión. Geraci es un tipo peculiar, cuyos textos están entre lo filosófico, lo espiritual y lo místico, por lo que el contenido es en The Passage el auténtico protagonista y la música el acompañamiento que busca crear un ambiente de reflexión adecuado a los textos. Y, sin embargo, es posible deleitarse con este álbum sin haber leído una sola línea…

No reconocer su voz es casi imposible. Es por eso que Pablo Alborán esta inmerso en una extensa gira que lo llevará por un montón de ciudades de nuestro país y que está haciendo que el joven malagueño viva en un tour constante. “Tanto” es el nombre de su segundo disco, que está presentado actualmente, y con el que ha conseguido reconocimientos como el de Cadena Dial en 2012. Un éxito que ya cosechó con su anterior disco homónimo.

Su mágica fusión del flamenco y el pop enganchó desde el primer momento a miles de fans que lo apoyaron viendo sus vídeos en youtube. Una guitarra, un piano y buenas canciones bastaron para llevar a Pablo Alborán al punto en el que está ahora mismo. A penas llega a los 24 años, y quizás ese sea el secreto para saber llegar tanto a jóvenes como a personas mayores, que abarrotan noche tras noche los recintos en los que toca. Si eres uno de los interesados en asistir a alguno de la multitud de conciertos que Pablo Alborán ofrecerá en su nueva gira,  compra tu entrada para ver a Pablo Alborán  y no esperes a que se acaben.

Viernes

Un año más SOS 4.8 daba el pistoletazo a la temporada de festivales con gran éxito en lo que se refiere a afluencia de público (aunque sin agotar). El parking del Eroski a reventar, una curiosa mezcla entre moderneo y chonismo y bastante cola para entrar marcaron los primeros momentos del festival, en la que Dorian fue la primera banda estrella del viernes.

A raíz de su último “La Velocidad del Vacío”, la bases enlatadas han pasado a la historia y las guitarras tienen más protagonismo, por lo que su directo resultaba algo menos bailable de lo habitual, pero sin perder pizca de la emotividad y el drama que les caracteriza. Supieron ir al grano, sin discursos absurdos de por medio (muchos todavía se acuerdan del ya famoso “Sonorama sí, Sonorama no”), escogiendo sabiamente sus mejores hits y gozando de un sonido más unificado y sólido. Puede que muchos no les tomen en serio, y es verdad que a veces chirrían (especialmente ciertas letras), pero nadie les puede negar su potencial pop, y así lo demuestran “A cualquier otra parte”, “Tormenta de arena”, “El temblor” o “La mañana herida”.

Grises bebe bastante de Dorian, aunque desde un prisma näif, pero con el mismo afán de parir el himno pop perfecto. Ellos también pecan en las letras, bastante facilonas y en su segundo disco llenas de tópicos excesivamente azucarados, pero sobre el escenario saben ganarse al público gracias a sintetizadores envolventes, riffs de teclado infecciosos, muchos “oh-ohs” y por supuesto melodías a prueba de bombas. Incluso la voz masculina de la banda se vio beneficiada, resultando menos estridente.

The xx era una de las estrellas de la noche, lo que conlleva que se acercase mucho público que en realidad le importa un pimiento su música, así que se ponen a hablar de su ligue de ayer o de lo cocidos que van. El problema se convierte en tragedia cuando estamos ante una banda que destaca por el minimalismo sonoro, donde los silencios casi resultan tan importantes como la música. Desconectar suponía una tarea ardua, pero si finalmente se conseguía se podía disfrutar de una delicatessen en la que a modo de in crescendo se desgranaba buena parte de los temas de sus dos álbumes. “Intro”, “Reunion”, “Crystalised”, “Chained” o “VCR” derrocharon sensualidad y elegancia hasta un maravilloso final a cargo de “Intro” y “Angels”. Pelos de punto es poco. Mención especial a su acertado juego de luces.

Parece mentira que Hola a Todo el Mundo no se ganen el respeto de muchos, y más tras su último y magnífico ”Ultraviolet Catastrophe”. Y es que por si fuera poco en directo plasman su nuevo sonido de manera tan cristalina y precisa que la alabanza está asegurada. Apostando al máximo por este nuevo material, los asistentes gozaron de un directo que calaba, pero por desgracia muchos de ellos prefirieron no terminar la experiencia y salieron escopetados hacia Bloc Party, porque básicamente no sabían lo que les esperaba…

Algunas voces ya claman la vuelta de los 2000, pero si va a ser como el directo de Bloc Party, mejor reivindicar de nuevo los ochenta. ¿Dónde quedaron los artífices del mítico “Silent Alarm”? Pues no estaban sobre el escenario Estrella Levante, eso seguro. Ni sus grandes éxitos conseguían salvarles de la quema, qué decir de su último y desastroso disco. “Banquet”, “Helicopter” o “Positive tension” quedaban deslucidas por un Kele ausente y un sonido vulgarizado. Ni empotrar “Flux” con “We found love” de Rihanna sirvió de mucho.

La presencia de John Talabot en medios y festivales internacionales se justificó una vez más gracias a un directo bailable (más que en estudio) pero con estilo, sin zafiedades e intentando que no todos los matices sonoros quedasen en manos de un botón. Un show sinuoso y misterioso que hipnotizaba sin remisión. La odisea electrónica continuó con la sesión de Jamie xx, que en clave de house tomaba algún tema pop, incluido de su banda madre, con la que comparte el minimalismo, aunque de una manera más contundente y club. Podía resultar un poco cargante al final, y más si no se trata de tu género favorito, pero con un par de copas de más se le podía sacar partido.

Sábado

La primera opción apetecible, para un servidor al menos, fue Extraperlo, aunque la mayoría se decantó por Jero Romero, porque el escenario Jägermeister estaba casi vacío al comienzo. Quizás a una hora más avanzada hubiesen congregado a más gente, además de que sus ritmos pop tropicales (ahí se nota la mano de El Guincho) seguro que hubiesen dado más juego. Por suerte vivimos grandes temas como “Ardiente figura”, “Fina Vanidad” o aciertos como enlazar “Fieras” con el gran hit de su primer disco “Bañadores”. Y a pesar del fresco ambiente del sábado, supieron insuflar calor veraniego con su propuesta.

Lori Meyers era posiblemente la banda nacional más esperada, y sus fans son los que se saben las letras de pe a pa, lo que influye en la generación de un ambiente muy festivo y receptivo. Como anécdota cabe destacar que Javiera Mena y Annie B. Sweet subieron al escenario para aportar sus femeninas voces a un par de temas de su repertorio, en el que desgranaron parte de “Impronta”, pero donde realmente brillaron fue interpretando sus grandes clásicos. Sin ser la panacea del pop nacional, cumplieron con creces.

El galardón al mejor concierto del sábado se lo llevó M83 sin atisbo de duda. Optando por un setlist menos ravero que en Primavera Sound (aunque la hipervitaminada “Couleurs” no faltó para cerrar la velada), “mágico” es el mejor calificativo que se le pudo atribuir a una hora de pop expansivo, emotivo y épico con momentos inolvidables como “Outro”, “Reunion”, “The skin of the night”, “We own the sky” o “Teen angst”. Daban ganas de coger la mano del de al lado, apretarla y llorar de alegría por una música que entre líneas, nunca de manera directa, recoge la grandeza del ser humano y que en directo multiplica su poder vital por cien, ayudados por una puesta en escena acorde con el espectáculo. Si al final su popularidad ha llegado a tales cotas, será por algo.

Los Punsetes empezaron antes de que terminarse M83, pero muchos empalmaron entre ambos y sin agobios, el público resultaba bastante numeroso. Con la chulería innata de Ariadna, presentaron su último disco con antiguos éxito como “Tus amigos”, “Dos policias” o “Maricas”. Ella tan estática como siempre, se acompañó de visuales muy acertados con su actitud irónico-festivo, y el sonido destacó por la limpieza dentro de su ruidismo y distorsión en el caso del su última época. Siempre aciertan, y aunque alguno lo vea como el típico grupo nacional indie, el subtexto de su música está muy por encima de la media. Y gracias a Dios, no solo mantienen, sino que lo potencian en directo.

Javiera Mena salió más elegante de lo habitual (vestido brillante y todo) e hizo bailar al público a pesar de que de primeras las dudas sobre si su hora era la más adecuada planeasen sobre su concierto. Las despejó gracias a su encanto y soltura y unos cuantos temazos de impresión como “Luz de piedra de luna”, “Al siguiente nivel” o “Sufrir”. Si en España no tenemos popstars indies decentes (ni comerciales), en Chile está claro que sí.

El mayor problema de Citizens! recayó en la hora, demasiado avanzada para un concierto de esta índole, y en un volumen muy moderado. Y sus canciones son efectivas como las que más, pero no hubo manera, y eso que se les vio entregados al 100%. Una injusticia, y que extrañó, ya que en general el sonido de todos los conciertos resultó exquisito. Como anécdota, llamaron la atención de los que les desconocían con una versión de “Missing” de Everything But The Girl.

Para terminar Addictive TV supuso un gran acierto en parte gracias a sus maravillosos visuales, tanto a nivel de contenido (desde Star Trek de los 60 a Transformers) como de montaje. Quizás el tema musical resultaba algo hardcore, debido a unos bajos un tanto exagerados, ya que retumbaba todo en exceso. Sin embargo no resultaba complicado quedarse embobado mirando a la pantalla, pero no es menos cierto que se echó de menos la triste ausencia de Amable y su opción más pop.

I am Dive es un grupo que tiene en su haber uno de los discos más interesantes del panorama independiente en España de los últimos meses. Acaban de volver de su gira por los Estados Unidos y, contentos de su paso por Madrid, pudimos conversar con la mitad del grupo. El lúcido Esteban Ruiz (excelente voz del grupo sevillano), que nos habló con locuacidad soltura de los planes de la pareja, nos respondió a las siguientes preguntas. Se me olvidó, entre todas ellas, preguntarle el que por favor implore a los responsables pertinentes el que nos regalen más de media hora de concierto que pudimos disfrutar en la capital. En esta, o en cualquier otra.

“En España la decisión de ir a un concierto de un grupo humilde como nosotros tiene un lugar mucho más secundario que en otros países”

1 – Mundomúsica: Acabáis de llegar de gira por Estados Unidos. Cuéntame cómo ha sido la experiencia y, sobre todo, qué diferencias habéis notado entre tocar en ese país y el nuestro.

Esteban: Estados Unidos es muy distinto y estamos lejos de la escena; pero no porque sea un paseo triunfal sino porque la música es una especie de costumbre. El plan habitual allí es ir a conciertos y la música es algo que está mucho más dentro de la gente de lo que está aquí. Allí la música se escucha de forma más profunda y significativa; es habitual ir a conciertos. También es diferente el cómo trabajan los promotores, cómo trabajan las salas y las cosas se toman mucho más en serio, por muy pequeña que sea la banda. Es alentador el ver cómo se hacen las cosas en otros sitios. Para nosotros ha sido una experiencia muy enriquecedora y divertida. Estamos deseando volver.

2 -M: ¿Es que aquí la gente no responde como en otros países?

Esteban: El problema es que aquí el público medio hace de todo en lugar de ir a un concierto. Hay gente a la que le parece razonable gastarse un dinero en copas y caro pagar seis euros por ir a un concierto.

3 – M: ¿nos falta cultura musical en este sentido?

Esteban: No sé si cultura o simplemente costumbre. Es cuestión de cómo cada uno distribuye su tiempo de ocio y su dinero, que es muy respetable. El dedicarse a la música en nuestro país te hace ver las cosas desde una óptica profesional y te das cuenta de que la decisión de compra de una entrada tiene un lugar mucho más secundario que en otros país como Estados unidos, Inglaterra o Francia. Hablando de grupos pequeños, la gente vive de otra manera la experiencia completa de ir a un concierto; es algo mucho más importante para su plan de fin de semana de lo que es aquí.

M: 4- ) Con vuestro primer disco (Ghostwoods), exploráis la combinación que existe entre lo desnudo de las voces, los ambientes y suaves arreglos electrónicos, además de las guitarras acústicas. ¿Es esta una forma de diferenciaros de un folk mucho más tradicional?

Esteban: Sí, pero es una evolución natural de lo que hacíamos. No buscamos diferenciarnos de nada. Yo vengo muchos años tocando con bandas y José también, de bandas de guitarras, bajos….pero yo escucho muchísima música folk, acústica y José es muy aficionado a la música electrónica desde hace muchos años. La combinación parecía algo loco pero hemos encontrado la manera de conjugar ambas cosas y estamos muy contentos con el resultado.

M 5- ) ¿Y quién pone primero la idea?

Esteban: En los primeros eps era yo pero eso se ha difuminado con el tiempo. Trabajamos los dos ahora al mismo nivel; el conjunto ahora está muy difuso.

M-6). En este sentido, pienso que Foehn, vuestra actual discográfica, se ajusta perfectamente a la imagen del grupo. No hay más que ver, salvando las distancias, a grupos del mismo sello, como Balago, que acaban de publicar álbum. ¿No es cierto?

Esteban: En principio no teníamos intención de editar nada con ningún sello cuando empezamos con el grupo. Nos inventamos un nombre y el plan era sacar eps a medida que los fuéramos teniendo. Pero si cabía la posibilidad de estar en un sello, esa era Foehn el que nos gustaba; pero fueron ellos los que nos buscaron. La decisión entre ambos fue muy fácil. Trabajamos de una forma muy relajada y llegamos siempre a un acuerdo sobre los temas sin problema.

M 7- ) Grabasteis vuestro primer ep, Fall ep, en un estudio casero. En nuestro país, ¿es esta la mejor y única manera de abrirse camino en el mundo musical cuando quieres nacer como grupo independiente?

Esteban: No, sólo es otra manera. Grabar en casa tiene sus ventajas y desventajas. Teníamos un equipo de grabación básico y cuando hacemos una música como la nuestra es fácil. Fue una cuestión de querer grabar algo sin plantearlo de otra forma. Si existe esa posibilidad, siempre recomiendo grabar en un estudio. El mundo de escoger un productor y demás es otra historia.

M 8- ). Es complicado que haya grupos que consigan, en nuestro país, sobrevivir a lo largo de los años. Los ejemplos son contados y sólo bandas como Los Planetas o ahora la reunión de Chucho, parecen hacerse maduros y sobrevivir al cabo de los años. ¿Cómo ves el futuro del mercado nacional musical español y qué hay que hacer para tocar en diferentes ciudades y conseguir darse a conocer entre tu público?

Esteban: El caso de estos grupos no es equiparable a otras bandas que han nacido en estos últimos cinco o seis años, porque el escenario de comunicación, promoción y difusión de la música es radicalmente distinto al que existía hace quince años. Estos grupos se constituyeron como bandas de referencia de la música independiente en España y eso que los medios eran pocos, pero tenían mucha importancia. Había muy pocos medios pero si dabas el paso de entrar en una escena expuesta era relativamente fácil convertirte en una banda grande aunque, por supuesto, había que aguantar el paso del tiempo y hacer discos que merecían la pena; eso es algo que no hay nadie que lo discuta.

M – 9) ¿Claves para solucionarlo?

Esteban: No tengo las claves y seguro que me iría mejor si tuviera la solución para ello. Pero la solución es simplemente el tratar de plantearse donde quiere estar uno y hacer todo lo que sea necesario. Estoy harto de escuchar a grupos que se quejan de que no tocan en festivales y conciertos y que pierden dinero pero no trabajan en que eso deje de suceder y no invierten tiempo en mejorar su directo y en pensar cómo hacerlo mejor. Hay muchos grupos que tienen un directo deficiente y creen que merecen una situación que no tienen. Estoy harto de ver a grupos que tienen un directo impresionante y que trabajan muchísimo y, aunque tarden en conseguir donde quieren llegar, siempre llegan a su objetivo. Creo que existe cierta justicia en la música y que quien persevera lo consigue. El problema es que se tarda en conseguir esto y durante mucho tiempo. Pero si lo haces bien y con cabeza las cosas terminan saliendo. Yo llevo desde el año 1997 tocando en grupos y ahora en el 2011-12 me empiezan a salir las cosas bien.

M -10) Me sorprende el que, con muy pocos trabajos en el mercado, habéis tocado en países como Francia, Inglaterra y Estados Unidos, además de en festivales musicales en nuestro país. ¿Esto se gana en base a una discográfica como Foehn que os ha ayudado a tocar fuera o parte de un esfuerzo que sale del grupo por abrirse fronteras?

Esteban: Es una combinación de factores. En una discográfica como Foehn tienes un prestigio. Mucha gente escucha el disco porque viene de una discográfica como la nuestra. La solución está en tener claro tu camino y en sentido común. Me ha pasado en otros momentos en otros grupos; en el momento en el que modificas cosas que crees que no tienes que modificar en pro de que puede que así vaya mejor, las cosas terminan yendo fatal.

M -11) En el disco, hay canciones, como por ejemplo “The cliff” donde los ambientes cobran más protagonismo que las voces. ¿Cómo habéis elaborado vuestro álbum?, ¿pensando antes en los arreglos electrónicos, en las letras o en las voces?

Esteban: Simplemente el disco lo hemos trabajo con muchísima paciencia en cuanto a voces y demás. Teníamos unas treinta y cinco canciones y nos hemos quedado con las que creíamos que tenían un sentido unitario para formar el disco. Las letras vienen de una época oscura personal mía; pero al fin y al cabo las canciones han ido evolucionando musicalmente sin prisa. De hecho hemos estado casi seis meses grabando el disco. Se ha retrasado dos veces porque no estábamos satisfechos con lo que teníamos y al final creo que hemos llegado a un resultado interesante.

M – 12) ¿Es cierto que estáis preparando un formato acústico del disco?

Esteban: No, no. Lo que ocurre es que estoy haciendo conciertos en los que voy yo sólo con la guitarra, pero lo hacemos por cuestiones económicas, de agenda y de movilidad. Lo que sí saldrá es un formato de remezclas del disco.

M – 13) Muchos pensarán que es un tipo de música que se ajusta mucho más a recintos como en el que acabáis de tocar (en Teatro Lara en Madrid); pero también habéis tocado en festivales. ¿Dónde os sentís más cómodos y notáis que la gente responde mejor a vuestra forma de hacer música?

Esteban: Si duda en recintos más pequeños que grandes y más silencios que ruidosos. Nos encantaría poder hacer más conciertos como el Teatro Lara en Madrid y con público tan respetuoso como el de hoy. Hemos tocado en todo tipo de recintos pero lo importante es que la gente esté atenta. En ese sentido, he visto un concierto de Sigur Rós hace muchos años en un teatro pequeño y todo el mundo comentaba que el grupo debía de tocar en recintos pequeños. Pero luego les he visto hace mes y medio, con siete mil personas… en definitiva, depende siempre de lo receptiva que esté la gente.

M – 15) ¿Hay recintos en España donde los responsables se presten a recibir a I am Dive o también, en este sentido, el tema está complicado?

Esteban: Las promotoras en España son empresas que están dirigidas y gestionadas por personas que tienen que comer y hacen lo que creen más oportuno para su negocio. Habitualmente es difícil encontrar la posibilidad de llegar a las condiciones adecuadas para poder tocar en sitios como el Teatro Lara o similares. Normalmente vamos a salas o teatros; pero en el momento en el que el grupo comience a generar más venta de entradas las cosas cambiarán. Pero somos conscientes de que somos un grupo pequeño. Es inviable el que aún vayamos a tocar solos a un local como éste, sin el apoyo de un grupo como Efterklang, al que hemos taloneado.

M- 16) Y próximamente, ¿seguiréis tocando en España o pensáis salir fuera? ¿cómo se plantea el seguir dando a conocer el álbum y vuestras canciones?

Esteban: Con el inminente disco de remezclas, esperamos darle un empujón nuevo al proceso de hacer que el disco se conozca en España. Saldremos a Inglaterra en junio y tocaremos en algún festival en verano porque, como te he dicho, no somos un grupo de festivales. Y hay una gira bastante intensa de tocar después del verano en salas. También sale el disco en Japón, el disco está editado en Corea del Sur… y hay planes de tocar en Asia.

Como ese paraguas que abriga de la lluvia las gotas que puedan caer poco a poco hacia los oídos que escuchan ese folk susurrante. Como esa sombra que pinta de negro el talento luminoso de los rayos que rompen el silencio eléctrico de un trueno, los sevillanos I am Dive han casado con su álbum “Ghostwoods” una pareja de ruidos y melodías extraordinarias. Y lo llevan a su directo como aquellos habitantes de una ciudad que pisan cien veces un chicle mojado con sus zapatos cada día sin darse apenas cuenta de que algo queda en la suela; de aquel que se sienta en una butaca ocupada antes con las mismas huellas que ha dejado otra persona, desdibujando su forma y afeando su volumen. Primero el trueno en “Mount Eerv”; luego la calma de la voz cristalina de Esteban Ruiz. El chasquido y la calma, el invierno y la primavera.

I am dive es una pareja que ha sabido enlazar, jugar con sus sonidos y las voces, sentar las bases de una atmósfera que más que envolver, aísla al que sabe entrar en sus sonidos en un espacio inequívocamente desértico, árido de más cosas; objetos que no sean las voces, los sonidos galvánicos y las guitarras.

Media hora exacta nos regalaron, puntual como la hora que marcan treinta minutos de escrupuloso estudio entre las máquinas, las voces y las guitarras. Todo estudiado. Para que haya más que un corazón que romper en la sala que igual no les conoce; de gente que ha venido a ver a otro tipo de fantasmas que los espíritus que tienen enfrente. Cumpliendo la probabilidad de que en lugar de treinta sean sesenta los duendes que salgan iluminados tras la noche. Y que luego enciendan en sus casas el fulgor de sus canciones en un aparato que repita incesantemente esta cadencia. Sesenta y 120. Y de ahí que siga sonando. La excelente voz (en vivo y en el álbum) de Esteban Ruiz suena en las paredes de mi casa. La sombra queda pegada; y la pintura no se descompone. Como aquel rayo de Sol que muere al quedar pegado a la piel de nuestras manos. Como aquellas cosas que son tocadas por otras personas en otras casas. La vida da instrucciones de uso. Ya lo dijo Georges Perec.

Tras el invierno la primavera. Salieron los seis miembros daneses de Efterklang donde antes había dos y la fiesta tuvo otro nombre. En el sillón, desalojado, saltaron los que esperaban ser agasajados.

No se confundan. En vez de daneses creían engañarnos y parecían británicos. Porque su música esconde tras la americana, la pajarita, y la afectación británica de su frontman, las maneras que vienen de 1980 en adelante. Si suenan “Black summer”, “Monument” ó “Modern drift” no está cantando el Tony Hadley de Spandau Ballet, porque los sonidos no son los suyos. Los sueños de los presentes son de ahora.

Efterklang fueron muy generosos en su recital. Dos horas de concierto que convirtieron en una fiesta para los incondicionales que llenaban la sala, organizada con arrojo por los Conciertos Sublimes (en los que colabora Radio 3). Fue así porque tanto I am Dive como Efterklang tienen en común en llevar a su estilo musical la mezcla de folk (unos) y pop (los daneses) con las bases electrónicas; lo que les hace distinguir su música de hormas donde articular sus sonidos sin salirse de convenios que puedan hacer registrar sus influencias sin tapujos.

Efterklang disfrazan sus canciones de estirados arreglos electrónicos. La base de sus canciones es muy básica. Sus estribillos y estrofas responden al esquema de canción tradicional, sin escaparse de la natural y contagiosa estructura de letras y melodías. Lo que les hace distintos son estos embellecedores de voces femeninas (que utilizan muchas veces los ecos en base a la repetición, como en “The Ghost”) y los nombrados y decorativos sonidos electrónicos que distancian su esencia “british” hacia caminos más nórdicos.

Se vio que se lo pasaron en grande, disfrutaron de lo lindo en su concierto, agradecieron a su público, a los organizadores del evento el recinto que les habían brindado y su cantante tuvo la oportunidad de conversar varias veces con sus atentos oyentes, comentando objetos que se había encontrado y les entregaba con cariño. Y lanzando un último beso, como un dandy boreal, calentado por la incontestable caricia de sus fans. Sus canciones no han descubierto nada nuevo, pero su alegría y ganas de pasarlo bien, además de querer transmitir con talento sus temas les hacen sumamente simpáticos. La satisfacción hacia el colofón final del concierto fue mutua. Y, que no se nos olvide, ambos grupos funcionaron igual de bien gracias a un sonido perfecto. La acústica era magnífica. Lástima que I am Dive no tocaran más tiempo. Se merecen un concierto en toda regla. Así todos quedaríamos igual de contentos.

Listado de canciones:

She leads my soul
Back to the end
Fallen
Have it all
Live Unafraid
Lucky
As far as I could go
How did you think
Dinosaurs
See the light
Headblower
Hiding in the trees

Un trabajo después, este reputado letrista urbano presenta ahora un tercer álbum llamado “Diario de un espantapájaros” que, según reconoció durante su unplugged en el Noise off festival, es lo más íntimo y personal que ha compuesto en sus diez años como músico profesional.

Si estás planificando tus vacaciones seguro que te interesan estos vuelos a Palma de Mallorca low cost.

Listado de canciones:

Trail of Breadcrumbs
Ageless
Revelation
Insomnia
Fish Tank
Lonely Parade

Sin embargo, lejos de abandonar sus orígenes, su apuesta por la música libre les ha animado a recorrerse 1000 kilómetros en un día para realizar el unplugged del Noise off festival o, este próximo sábado 27, a dar un concierto benéfico contra la malaria en el Centro Cultural La Llagosta.

Como patrocinador oficial por séptimo año consecutivo de la UEFA Champions League, Heineken está inmerso en una campaña de acciones que tienen como principal objetivo hacer partícipes a sus seguidores de este evento mundial. En ello está centrado su último spot publicitario en el que el protagonista se ve sorprendido con una entrada para asistir a la final de la Champions pero se encuentra en el otro lado del mundo. Con ingenio y mucha gracia consigue llegar al estadio de Wembley, donde se disputa el partido  ¿Conseguirá pasar dentro y disfrutar del evento?

Puedes verlo en el vídeo que te traemos hoy con el que además tienes la oportunidad de disfrutar y competir con tus amigos. La forma es muy sencilla, a través de un juego de pintball que está directamente relacionado con este anuncio, tienes la oportunidad de desafiar a tus amigos para averiguar quién es el mejor jugador. Posteriormente puedes compartirlo a través de tus redes sociales. Puedes introducirte en ese mundo a través de la web de Heineken donde también tendrás la oportunidad de disfrutar de exclusivas ediciones limitadas de diseños de Heinken que te permitirán viajar a la final de la Champions League. 

De ahí este vídeo que nos trae Four Roses, que dentro del proyecto Poker Inspiration continúa ofreciendo las peculiares visiones que tanto la explosiva Vinila como el periodista Dani Mateo, tienen sobre el mundo del póker y la relación de éste con la marca y la actitud Four Roses. La campaña está siento un éxito en cuanto a reproducciones de vídeos en la red, y no es para menos, teniendo en cuenta la calidad y lo adictivo de vídeos como éste: