Museo de arte - art museums - musées d'art - Kunstmuseen

38 obras de arte que pertenecieron a la fallecida actriz Elizabeth Taylor

2012-02-18T04:08:00.000-08:00

Un total de 38 obras de arte que pertenecieron a la fallecida actriz Elizabeth Taylor, entre ellas valiosos Van Gogh, Pissarro o Degas, se subastarán en Londres el 7 y el 8 de febrero, informó hoy la casa de subastas Christie’s.
Entre los cuadros más importantes de la colección, parte de la cual se subastó en Nueva York el pasado diciembre, se encuentra “Vue de l’Asile de la Chapelle de Saint-Remy” de Vincent Van Gogh, con un precio estimado de hasta 7 millones de libras (13 millones de dólares).
La obra, que se expondrá antes de su subasta en la sede de Christie’s, fue pintada por el genio holandés en 1889, un año antes de morir, y Taylor la adquirió en 1963.
También destaca “Pommiers d’Eragny”, de Camille Pissarro, con un precio estimado de 1,2 millones de libras (1,8 millones de dólares), y un autorretrato de Edgar Degas que podría alcanzar unas 450.000 libras (688.977 dólares).

Otra joya de la colección, en la que abundan las obras del galés Augustus John, es un óleo de Pierre-Auguste Renoir, valorado en 250.000 libras (382.765 dólares).
Durante esas dos jornadas de pujas dedicadas al arte impresionista, moderno y surrealista se ofrecerán también piezas de otras colecciones, entre ellas una obra clave del cubismo de Juan Gris, “Le livre”, cuyo precio se estima en hasta 18 millones de libras (33,6 millones de dólares).
“Elizabeth Taylor sentía tanta pasión por comprar obras de arte como joyas”, declaró la directora de arte modernista y moderno de Christie’s, Giovanna Bertazzoni.

La experta explicó que Taylor, nacida en Londres en 1932, estuvo influida por su padre, Francis Taylor, que era marchante de arte y tuvo una galería en la londinense Old Bond Street antes de que la familia se trasladara a vivir a California (EEUU) a principios de la segunda Guerra Mundial.
La actriz, fallecida en Los Ángeles el año pasado, compró su colección sobre todo en los años sesenta, adquiriendo especialmente obras de artistas en auge en ese momento.

Francesco Francia en 1510 representa a un atractivo chiquillo de pelo largo llamado Federigo Gonzaga.

2012-02-17T03:56:00.000-08:00

Imágenes

FEDERIGO GONZAGA. El joven de la pintura fue tomado como rehén para liberar a su padre en el siglo

Un retrato encantador pintado por Francesco Francia en 1510 representa a un atractivo chiquillo de pelo largo llamado Federigo Gonzaga. Vestido con una toga negra y luciendo un gorro inclinado y el cuello enjoyado, mira con expresión soñadora hacia la izquierda. Un césped pastoral se extiende a sus espaldas hasta una ciudad perdida en la bruma. http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/
Es uno de los cuadros más cautivantes de "The Renaissance Portrait from Donatello to Bellini", una exposición magistral, intensamente motivadora de unas 160 obras de los maestros más celebrados de la pintura y la escultura italianas del siglo XV en el Metropolitan Museum of Art de Nueva York. También tiene una historia notable.

La Galería Rafael Pérez Hernando exhibirá la fotografía de Alberto Frei

2012-02-17T02:50:00.000-08:00

Foto: REGINE SCHUMANN

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La artista alemana Regine Schumann llega a Madrid con su universo fluorescente, que podrá visitarse en la exposición 'Touch me!', una muestra de las obras de la artista donde el trabajo con la luz es su principal herramienta. La exhibición se complementa con fotografías panorámicas del artista Alberto Frei, que se transforman bajo la luz natural y ultravioleta.

   La Galería Rafael Pérez Hernando, en colaboración con Goethe-Institut y la Galería Renate Bender (Alemania), ha hecho posible esta exposición, en la que el visitante podrá acercarse a las instalaciones que cobran importancia en su juego con el espacio y la luz.
   Sus obras están concebidas a modo de esculturas realizadas con metacrilato traslúcido, piezas elaboradas con tejido de plástico flexible y dibujos realizados con spray fluorescente. Además, las oscuridades se sugieren con luces negras y las transparencias con luces blancas, mientras que las luces brillantes de los colores fluorescentes transforman el espacio y alteran su percepción.
   En palabras de Schumann, en el análisis del espacio le interesa "inventar obras que dialoguen con su entorno de modo especial en cuanto a forma y contenido, y que muestren así una visión de la noche y del día".

ARTISTA Y PROFESORA

   Regine Schumann (Goslar, Alemania 1961) es licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Braunschweig, ha sido alumna en clases magistrales junto al pintor Roland Dörfler y actualmente vive y trabaja en Colonia, donde ha compaginado su faceta como artista con la de profesora en la Universidad de Niederrhein, Krefeld.
   Su obra ha sido reconocida con numerosos premios y becas en Alemania, Japón, Reino Unido, Italia y España, destacando en 2006, la obtención del Premio Leo Breuer del Rheinisches Landesmuseum Bonn (Museo de Arte Contemporáneo Regional del Rhin, en Bonn); en 1996, el Premio Volks- und Raiffeisenbanke (Alemania); y su nominación al III Premio Internacional de Pintura de la Diputación de Castellón (Museo de Bellas Artes de Castellón).
   Sus trabajos han podido verse de manera individual y colectiva en Galerías y Ferias Internacionales como: Toronto Internacional Art Fair, Art Chicago, Art Miami, Art Cologne, Art Fair París, Los Ángeles Art Show. La obra de Schumann está representada a nivel internacional en destacadas colecciones públicas y privadas.
   Por su parte, el italiano Alberto Frei (Südtirol, 1963), se formó de manera autodidacta en la fotografía y desarrolló y amplió sus conocimientos en sus estancias en Italia, Reino Unido y Alemania, país donde reside desde 1986. Su obra ha podido verse de manera individual y colectiva en Alemania y Estados Unidos y ahora se presenta por primera vez en España.

'Chica con perro negro' (1950 -51), uno de los retratos de ucian Freud

2012-02-16T03:57:00.000-08:00

'Chica con perro negro' (1950 -51), uno de los retratos de ucian Freud

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La muestra, en Londres, muestra los grandes retratos que firmó el artista durante siete décadas, desde los años cuarenta hasta su muerte en julio de 2011.
El pintor trabajaba poco antes de morir en la selección de los cuadros que se verán ahora postumamente en la National Portrait Gallery.
"Nunca podría pintar algo que no estuviera ante mí. Todo es autobiográfico y todo es un retrato, incluso si es sólo una silla". http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/

La exposición permite apreciar varias reproducciones de «La Gioconda» Da Vinci un genio adelantado a su tiempio

2012-02-15T03:48:00.000-08:00

Da Vinci un genio adelantado a su tiempo

12 Enero 12 - - Javier López Prieto

MADRID- «Da Vinci, el genio» es el título de la exposición que se puede ver en el Centro del Canal de Isabel II y que nos muestra todos las facetas de la vida del artista: desde su cara más íntima, con sus obras y dibujos a su faceta como científico y matemático en la que destacan los mil y un inventos del hombre visionario. No falta un estudio fotográfico en profundidad de sus obras más celebres, como la eterna «Gioconda» o «El hombre de Vitrubio». En definitiva, una forma de conocer y acercarse desde dentro a la larga trayectoria de un maestro.

Para ello, basándose en el trabajo de tres instituciones –Grande Exhibitions, la Fundación Anthropos y Pascal Cotte– se ha montado este proyecto que cuenta con la colaboración de diversas instituciones que han prestado numerosas piezas que no han sido vistas en España antes, dándole más importancia si cabe a la exposición, y que se ha centrado en dos áreas: una primera, que gira alrededor del ámbito más privado del genio, con piezas de gran valor, como manuscritos e incunables. Y una segunda dedicada a la pintura, en la que se exponen obras de los discípulos de Leonardo da Vinci y entre las que destaca la obra de Giampietrino, una copia de «La última cena», que aterriza en Madrid desde Londres, «La Catedral de Cuenca», que firma Fernando Yáñez, y «Piedad y Adoración de los Magos», cuadros restaurados para la ocasión.

Ex Convento del Carmen cuenta con otros atractivos de la plástica

2012-02-14T03:44:00.000-08:00

El Ex Convento del Carmen expone grandes muestras.

Una de ellas es la muestra de gráfica canadiense, a desarrollarse en mayo

El Ex Convento del Carmen cuenta con otros atractivos de la plástica

El director de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de Jalisco, Francisco Barreda, dijo que en 2012 habrá exposiciones interesantes, una de ellas es la muestra de gráfica canadiense, a desarrollarse en mayo.

Otra muestra a destacar es la de José Luis López Galván, ganador del Salón de Octubre 2011, añadió al destacar que ambas actividades se desarrollarán en el marco del Festival de Mayo, que tendrá como invitado a Quebec.

Dijo que con el objetivo de apoyar y difundir el arte contemporáneo, la Dirección de Artes Visuales de la Secretaría de Cultura de Jalisco promueve y difunde la obra de los artistas en los distintos espacios de la dependencia, lo que contribuye a la creación de nuevos públicos.

Señaló que una colección muy peculiar llegará en junio desde la Ciudad de México, 'se trata de una muestra de 200 cajones para bolear zapatos, que estarán decorados y tendrán el sello personal de cada uno de los expositores'.

Añadió que el Salón de Octubre se caracterizará el próximo año por el homenaje póstumo que se rendirá a Jorge Alzaga, y para cerrar el año a la agenda se sumará una colección retrospectiva de Lucía Maya.

Destacó que el Ex Convento del Carmen cuenta con otros atractivos de la plástica, como las obras permanentes de escultura de Miguel Miramontes, que se encuentra a la entrada del inmueble, y la 'Silla pato', de Alejandro Colunga, en el patio del recinto, 'que serán los primeros anfitriones de la plástica'.

Además de la obra rotativa en la planta alta, que se conforma por cuadros de José Luis Cuevas, Daniel Ledezma, Pedro Escapa, Sebastián, Byron Gálvez, Vicente Rojo y Martha Chapa, entre otros.

'Así como la vitrina que se encuentra sobre avenida Juárez, en la que participan artistas invitados, quienes complementan las piezas que reciben a sus invitados en el inmueble', señaló.

retrospectiva del artista ruso Marc Chagall en España

2012-02-13T12:33:00.000-08:00

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Marc Chagall desarrolló un estilo pictórico expresivo y colorista, muy vinculado a sus experiencias vitales y a las tradiciones religiosas y populares de la comunidad judía rusa. En él combinó ciertos elementos de la vanguardia cubista, del fauvismo y del orfismo de Robert Delaunay, para crear un estilo personal y difícil de clasificar.
Nacido en la ciudad bielorusa de Vitebsk, Chagall tuvo una larga vida casi centenaria, marcada por todos los grandes acontecimientos históricos de la primera mitad del siglo XX. Trabajador incansable y siempre abierto a nuevas experiencias y conocimientos, su producción artística es rica y abundante; estuvo siempre abierto a explorar nuevas técnicas -óleo, grabado, escultura, cerámica, vidriera- y acometer nuevos proyectos.
En esta muestra verás más de 150 obras procedentes de colecciones e instituciones públicas y privadas del todo mundo, reunidas en ambas sedes, para repasar toda la trayectoria de uno de los artistas más destacados del siglo XX; un creador singular, con un estilo personal e inconfundible, que ocupa un papel clave en la historia del arte.

El MoMA y el Guggenheim de Nueva York, la Kunsthaus de Zürich, el Kunstmuseum de Berna, el Stedelijk Museum de Amsterdam, el Tel Aviv Museum of Art, la Tate Modern deLondresy así hasta un total de veinte museos de todo el mundo, junto a un gran número de colecciones particulares, que han cedido para la ocasión piezas fundamentales de sus fondos.

El resultado, una larga y completa selección de obras maestras que hacen de esta exposición un acontecimiento artístico de primer orden, difícilmente repetible, y una ocasión única para acercarse a la extensa y particular obra de este artista imprescindible.
Un capítulo importante de la exposición está dedicado, por ejemplo, a su importante faceta como ilustrador de libros. A lo largo de toda su vida, Chagall estuvo acompañado por poetas y escritores, que fueron sus amigos y con los que mantuvo una relación de mutuo reconocimiento.
Chagall fue, efectivamente, un maestro del color; sus tonos vibran con distintas intensidades, logrando realzar el contenido de los cuadros: sus azules, verdes, rojos o amarillos dan vida a los personajes, reales o fantásticos, que pueblan su particular universo. Un mundo en el que todo es posible y que no deja de sorprendernos, basado en historias vividas o imaginadas: un violinista, un rabino, una pareja de enamorados, un saltimbanqui, un paisaje y toda una amplia gama de animales fabulosos, pueblan sus complejas composiciones.
En su obra los colores se mezclan de forma impensable, al igual que lo hacen sus extraños personajes. Esta peculiar combinación hace de él un precursor del surrealismo, tal como manifestó el teórico de este movimiento, André Breton: «Con él la metáfora hizo su entrada triunfante en lapinturamoderna».
La exposición podrá visitarse del 14 de febrero al 20 de mayo de 2012, en el Museo Thyssen-Bornemisza. Paseo del Prado 8 – Madrid.

La Fundación Francisco Godia permite conocer qué obras de arte contemporáneo guardan algunos de los mejores coleccionistas barceloneses

2012-02-12T07:49:00.000-08:00

El coleccionismo vive uno de sus mejores momentos. La Fundación Francisco Godia permite conocer qué obras de arte contemporáneo guardan algunos de los mejores coleccionistas barceloneses, con trabajos firmados por nombres como Juan Muñoz, Plensa, Beuys, Mapplethorpe, Chillida, Basquiat o Cindy Sherman.

Según explicó ayer Sara Puig, directora de la Fundación Godia, en los últimos años está surgiendo en Barcelona una generación de coleccionistas que está abierta a los formatos y estilos que dictan las nuevas corrientes artísticas, además de buscar una dimensión internacional.

La exposición recoge vídeo-instalaciones, escultura, , fotografía o pintura llenan las salas de la fundación. Son piezas procedentes de las colecciones privadas de José María Civit, Gabino Diego, Carmen Riera, Mango o Cristina Castañer, además de algún depósito o cesión del Museo de Arte Contemporáneo de Barcelona (Macba).

Estructurado en once apartados que van desde el minimalismo a la materia, pasando por el erotismo, las arquitecturas o la guerra, el recorrido se inicia con una obra de Dan Flevin, un montaje en el que juega con la luz a partir de cinco fluorescentes de diferentes colores.

La soledad queda ejemplificada en la Fundación Godia con tres trabajos de Juan Muñoz, destacando sobre todo un conjunto de pequeñas figuras que recuerdan a los tentetiesos. En el mismo apartado también puede verse «Shadows III» con una de las típicas figuras compuesta por letras de Jaume Plensa o «Ein-Stein-Zeit», una plancha de Joseph Beuys que recoge parte de una de lo que fuera una de sus grandes instalaciones.

El erotismo queda ejemplificado gracias a la fotografía de Nobuyoshi Araki, Antoni Abad, Carles Santos, Leopoldo Pomés y Robert Mappelthorpe. De este último, uno de los mejores autores estadounidenses de su tiempo, también se presenta el retrato que hiciera a su gran amiga Patti Smith. Esta obra es una de las principales en la sección sobre la feminidad, en la que también hay sitio para una curiosa escultura de Gertrud Goldschmidt, una instalación de luces de Sylvie Fleury con las palabras «Naughty but Nice» o una fotografía de Rineke Dijkstra.

La obsesión de los artistas por el espacio queda expuesta con esculturas en hierro y piedra de Chillida y Oteiza, así como curiosos trabajos de James Lee Byars o Anish Kapoor. La fundación también mira al expresionismo con un rostro pintado por Basquiat.

- Dónde: Fundación Godia. Diputació, 250.
- Cuándo: Hasta el 26 de marzo.
- Cuánto: 5,50 euros.
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ARTE ROSARINO EN LOS 50. 26 artistas y 114 obras desplegaron su fuerza.

2012-02-11T07:35:00.000-08:00

ARTE ROSARINO EN LOS 50. 26 artistas y 114 obras desplegaron su fuerza.

Satisfecho con la vasta concentración de obras expuestos en tres pisos de la Fundación OSDE –al 900 del coqueto Boulevard Oroño rosarino– el historiador Guillermo Fantoni, en su rol de curador de La diversidad de lo moderno. Arte de Rosario en los años 50, conversó con Ñ Digital al cierre de la muestra que brindó una perspectiva muy consistente y hábilmente testimoniada del arte moderno de esa ciudad hacia mediados del siglo XX.
Allí se contemplaron maestros verdaderos y creadores a rajatabla: los merecidamente infaltables Gambartes y Grela, más toda una pléyade de artistas cabales, integrada entre otros por Herrero Miranda, Uriarte, Vanzo, Pedrotti, entre los más conocidos, y Froilán Ludueña, García Carrera, Jorge Vila Ortiz, Susana Zinny y Rubén de la Colina entre los de perfil más acotado al ambiente local.
A lo rotundo de esta muestra, conviene asociar criterios que maneja el patrocinador y que Fantoni describe con fundamento:
—¿Cuál es el concepto con que se montan este tipo de exposiciones?
—OSDE tiene, tanto en Rosario como en Buenos Aires u otras filiales, a mi entender la política de realizar muestras de tesis. Es decir, exposiciones que tengan un espesor, un interés cultural relativamente importante, que sean significativas, que aporten a la comunidad de especialistas pero también a la comunidad en general. Que dejen un sedimento. Por lo tanto son exposiciones que como en este caso exploran a fondo un período determinado, un lapso, un segmento del arte de Rosario. Pueden explorar un autor, hacer una antología a partir de ciertas temáticas... En fin, muestras que atraviesan el panorama del arte argentino de muy diversas maneras.

En la charla, sobre todo en el segmento que reproducimos en video, surge inevitablemente la fuerte influencia del Grupo Litoral, que no sólo se limitó a esa década y que conformó, como escribe Fantoni en el catálogo, “un variado y potente conjunto cuya actuación, tan intensa como perdurable, impregnó la escena artística constituyéndose en una suerte de modelo del arte de su tiempo y también en una marca de identidad en el arte de la ciudad al combinar de un modo inédito regionalismo, universalidad y autoridad de lo nuevo”. El curador habla además de la expansión de lo moderno, de la pulsión de lo abstracto y, en el caso específico de Rosario, de la gravitación de los temas regionales. No menos de 114 obras de 26 autores sostuvieron ese discurso en el lugar.
—Un rosarino conocedor, ¿de qué podría enorgullecerse más ante todo este material exhibido?
—Yo estoy muy orgulloso de todo lo que estoy exponiendo. Y si bien hay obras que impactan por la imponencia de las escalas, de su estructura material, hay otras que en el pequeño tamaño tienen un grado de experimentalidad que las torna muy seductoras al mismo tiempo. Creo que es una exposición que se transita con mucho placer. Al menos es lo que busqué: que sean obras significativas, que tengan un sentido histórico, estético, pertinente, pero que al mismo tiempo sean obras que ejerzan una seducción potente.
—¿Qué repercusión podría tener esta exposición en Buenos Aires, con no pocas firmas poco conocidas?
—Si bien aquí hay autores que han tenido un alto grado de visibilidad porque han transitado instancias de consagración importantes en vida, hay otros que no han tenido la misma suerte pero que han realizado una obra igualmente atractiva. Y muchos no se han conocido tampoco en la ciudad. Pero así como producen atracción e interés en Rosario lo producirían también en Buenos Aires, no me cabe la menor duda. (Las firmas menos conocidas) causarían sorpresa e interés y permitirían armar un mapa más complejo del arte argentino. Justamente, creo que una muestra cartografía, y que además se constituye en insumo para la historia del arte.
Los historiadores podemos expandir nuestros objetos de análisis a partir de los descubrimientos en ciertas exposiciones. En ese sentido una muestra es un punto de arribo, pero también un punto de partida para nuevas exploraciones. Y también permite barajar y dar de nuevo, en el sentido de reconsiderar autores que han sido menos visibles y cuyas obras permiten completar los procesos de desarrollo del arte argentino, o del siglo XX en este caso.
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Dalí, Magritte, Miró - El Surrealismo en París' presenta una de las mayores antologías del movimiento de vanguardia.

2012-02-10T12:39:00.000-08:00

'Dalí, Magritte, Miró - El Surrealismo en París' presenta una de las mayores antologías del movimiento de vanguardia.
Están representados 40 autores y se exhiben 110 cuadros, 50 fotos, 30 manuscritos, 15 joyas, cuatro películas...(Dalí, Magritte, Miró - El Surrealismo en París) es una muestra casi total sobre uno uno de los movimientos culturales cruciales del siglo XX. La oferta es cuantitatívamente enorme (290 piezas de todos los géneros artísticos) y cualitatívamente incontestable (además de los tres grandes, hay piezas de Ernst, Picabia, Breton, Arp, Ray, De Chirico, Dora Maar y muchos otros, hasta un total de 40 artistas.
La exposición, que estará en cartel hasta el 29 de enero, reúne 110 cuadros, 30 objetos y esculturas, 50 trabajos en papel, otras tantas fotografías, 30 manuscritos y ediciones originales, 15 piezas de joyería y cuatro películas.

Retrato de Camilo José Cela por Ricardo Asensio

2012-02-09T03:29:00.000-08:00

TITULO: "Retrato de Camilo José Cela" - 1996
TÉCNICA: Acrilico y pastel
"Fundación Cela" - Padrón (La Coruña)

exposicion Gustavo Adolfo Bécquer es considerado el iniciador del romanticismo español

2012-02-08T03:16:00.000-08:00

. ESPECIAL

Recuerdan al escritor en el Convento de Santa Clara, España

El hilo conductor de 'La construcción del mito de Becquer. El poeta de su ciudad, Sevilla, 1871-1936' es la narración de construcción del monumento a Bécquer

ESPAÑA (21/DIC/2011).- El Convento de Santa Clara en Sevilla, España, reabrió sus puertas como espacio expositivo con una exposición dedicada al poeta español Gustavo Adolfo Bécquer, la cual da inicio, metafóricamente, con su muerte, ocurrida el 22 de diciembre de 1870.

El hilo conductor de 'La construcción del mito de Becquer. El poeta de su ciudad, Sevilla, 1871-1936' es la narración de construcción del monumento a Bécquer. El primer proyecto fue de Antonio Susillo, pero suscitó la negativa de ciertos sectores de la ciudad a levantar un monumento a la figura del poeta.

También relata la decidida apuesta de los hermanos Alvarez Quintero por su construcción y el definitivo diseño de Lorenzo Coullaut, se informa en la página del convento.

Gustavo Adolfo Bécquer nació en Sevilla el 17 de febrero de 1836, fue hijo del pintor José Domínguez Insausti, que firmaba sus cuadros con el apellido de sus antepasados como José Domínguez Bécquer. Su madre fue Joaquina Bastida Vargas.

El 27 de febrero de 1847, los hermanos Bécquer quedaron huérfanos, fueron adoptados entonces por su tía materna, María Bastida y Juan de Vargas.

En 1854 se trasladó a Madrid, con la intención de comenzar su carrera literaria. Sin embargo, el éxito no le sonrió; su ambicioso proyecto de escribir una 'Historia de los templos de España' fue un fracaso, y sólo consiguió publicar un tomo.

Para poder vivir tuvo que dedicarse al periodismo y hacer adaptaciones de obras de teatro extranjeras, principalmente del francés, en colaboración con su amigo Luis García Luna, por lo que ambos adoptaron el seudónimo de Adolfo García.

Bécquer poseía una salud muy débil, en 1858, estuvo nueve meses en cama a causa de una enfermedad; probablemente se trataba de tuberculosis, aunque algunos biógrafos mencionan que era sífilis.

Durante la convalecencia, en la que fue cuidado por su hermano Valeriano, publicó su primera leyenda, 'El caudillo de las manos rojas', y conoció a Julia Espín, quién según ciertos críticos fue la musa de algunas de sus Rimas.

En 1861 contrajo matrimonio con Casta Esteban, hija de un médico, con la que tuvo tres hijos. El matrimonio nunca fue feliz, así que el poeta se refugió en su trabajo o en la compañía de su hermano.

La cumbre de Bécquer ocurrió entre 1861 y 1865, etapa donde compuso la mayor parte de sus Leyendas, también redactó notas periodísticas y las 'Cartas literarias a una mujer', donde expone sus teorías sobre la poesía y el amor.

En 1864 pasó una temporada en el monasterio de Veruela, lo que inspiro 'Cartas desde mi celda', conjunto de descripciones paisajísticas que se publicaban por entrega en un periódico de la época.

Económicamente las cosas mejoraron para el poeta a partir de 1866, cuando obtuvo el empleo de censor oficial de novelas, el cual le permitió dejar sus crónicas periodísticas y concentrarse en sus 'Leyendas y sus Rimas'. Sin embargo, con la revolución de 1868, el poeta perdió su trabajo, su esposa lo abandonó ese mismo año.

Por los acontecimientos de 1868 se trasladó a Toledo con su hermano y termino de escribir el manuscrito de las 'Rimas'.

Cuando regresó a Madrid, fue nombrado director de la revista 'La Ilustración de Madrid', en la que también trabajó, Valeriano, su hermano como dibujante. Valeriano murió en 1870 lo que deprimió profundamente a Becquer, según dicen los expertos el poeta presintió su muerte así que le entregó a su amigo Narciso Campillo sus originales para que se hiciera cargo de ellos tras su fallecimiento, que ocurriría tres meses después del de Valeriano.

Bécquer es considerado el iniciador del romanticismo español.

exposicion Esteban Murillo museo del prado

2012-02-07T03:18:00.000-08:00

'Conversión de San Pablo' de Bartolomé Esteban Murillo. ESPECIAL

Fue un pintor del barroco español, formado en el naturalismo tardío

Destacan muestras para el próximo año de Rafael Sanzio y Anton Van Dyck

Entre las exposiciones que prepara el Museo del Prado, de Madrid, para el 2012, destacan las del artista italiano Rafael Sanzio (1438-1520), la del flamenco Anton Van Dyck (1599-1641) y la del español Bartolomé Esteban Murillo, quien nació el 31 de diciembre de 1617.

'El último Rafael', que albergará el Museo del Prado del 12 de junio al 16 de septiembre próximo, es una colaboración con el Museo del Louvre, de París, dedicada al artista italiano y a su taller, centrada en los últimos años de su producción.

'El joven Van Dyck', que se inaugurará el 20 de noviembre del 2012, profundizará en las obras del pintor nacido en Amberes, Bélgica, antes de su partida a Londres, a finales de 1620, periodo en el que trabajó al servicio de la corte inglesa y del pintor barroco, de la escuela flamenca, Peter Paul Rubens.

Mientras que 'Murillo y Justino de Neve' se concentrará en la producción tardía del pintor español como fruto de su relación con el canónigo de la Catedral de Sevilla en aquella época, don Justino, la cual iniciará el próximo 26 de junio.

Bartolomé Esteban Murillo, pintor del barroco español, nació el 31 de diciembre de 1617, en el seno de una familia de 14 hermanos; fue un pintor formado en el naturalismo tardío y posteriormente evolucionó al estilo barroco, figura central de la escuela sevillana.

Huérfano de padre a los nueve años, perdió a su madre seis meses después, por lo que una de sus hermanas mayores, Ana, se hizo cargo de él, y además le permitió frecuentar el taller de un pariente pintor Juan del Castillo.

La influencia de su pariente se advierte con claridad en sus obras 'La Virgen entregando el rosario a Santo Domingo' y en 'La Virgen con fray Lauterio, San Francisco de Asís y Santo Tomás de Aquino', las cuales podrían corresponder al periodo de 1638-1640, aproximadamente.

Como pintor independiente, en 1645 recibió su primer encargo importante: una serie de 11 lienzos desatinados a adornar los muros del Claustro de San Francisco, en Sevilla, la cual incluyó 'San Francisco confrontado por un ángel' y 'La cocina de los ángeles', laureada por su minuciosidad y realismo.

Ese mismo año contrajo matrimonio con Beatriz Cabrera, con quien concibió nueve hijos, a los que pudo mantener de manera holgada gracias al prestigio que le valió la realización de las obras para el claustro sevillano.http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/

En 1655 llegó a Sevilla Francisco de Herrera el Mozo, quien pintó en la catedral de la misma localidad 'Triunfo del Sacramento', obra que influenció de inmediato a Murillo, quien trató de hacer pinturas similares, como en 'San Antonio de Padua'.

Tras pintar dos grandes lienzos para la catedral de Sevilla, Murillo empezó a especializarse en los temas iconográficos que mejor caracterizaron su personalidad artística: la Virgen, la Inmaculada Concepción y las representaciones de Jacob.

Luego de una estancia en Madrid, entre 1658 y 1660, ese último año intervino en la fundación de la Academia de Pintura, cuya dirección compartió con Herrera, durante dicho lapso recibió los encargos importantes del retablo del monasterio de San Agustín y los cuadros para Santa María la Blanca, que concluyó en 1665.

Luego de estos encargos pintó 16 lienzos para el convento de los capuchinos de Sevilla, en los que Murillo representó las figuras de diversos santos, como San Leandro, San Buenaventura, Santa Justa, Santa Rufina y San Antonio de Padua, entre otros.

Años después se le encomendó la decoración de la iglesia del convento de los capuchinos de Cádiz, de la que sólo concluyó los 'Desposorios de santa Catalina', ya que falleció, mientras trabajaba en ella, a consecuencia de una caída desde un andamio, el 3 de abril de 1682.

La Gioconda desnuda El MIN continuó con su política de contribuir al acerbo cultural de los hondureños

2012-02-06T03:02:00.000-08:00

Los retratos imaginarios de Picasso.

Y es cierto, en parte, pues a pesar de que se asuman algunos como el “non plus ultra”, algunos con verdadero peso y otros recién llegando a la escena cultural; creo que si no fuera por la iniciativa de la empresa privada a través de sus fundaciones y cooperantes extranjeros más el apoyo financiero del gobierno a estos, el 2011 no hubiera sido un buen año comparado con el anterior. A continuación lo más importante según mi propio criterio.
*El IHCI se destacó nuevamente apoyando a las mujeres artistas con su Expo Colectiva Femenina y en alianza con la Universidad Privada José Cecilio del Valle, la Bienal de Escultura y Cerámica resultó todo un éxito y de gran apertura contando con gran asistencia este año, realizándose en Galería Veroushka, un lugar muy amplio y accesible, resultando ganadores los artistas Víctor Hugo Cruz y Pastor Sabillón como resultado escrutinio de los reconocidos artistas del jurado Melquiades Sastre, de USA; Rubén Martínez, de El Salvador y Delmer Mejía de Hondura y Bellas Artes.
Honduras artística al descubierto llevó este año a Chile una pléyade de artistas, entre los que figuraban la pintora Celsa Flores, Pinto Rodezno, Santos Arzú, Iván Fiallos, Luis Landa, Ziad Suliman y Rubén Salgado, obteniendo algunos de ellos, según me comentaron una excelente crítica durante su estadía en el país visitado. Pero el IHCI decidió este año no solo llevar artistas al exterior, invitándome en marzo a inaugurar su salón cultural en Comayagua con una selección de obras pictóricas de algunas de mis anteriores exposiciones y 10 nuevas pinturas relacionadas con Comayagua colonial, que fueron adquiridas por los comayagüenses.http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/
*El MIN continuó con su política de contribuir al acerbo cultural de los hondureños, trayendo exposiciones e itinerantes como “Del capricho al disparate”, una selección de litografías de Goya, Dalí, en mayo presentaron una excelente muestra de arte contemporáneo mexicano de los famosos archivos de Kyron, además de lanzar su interesante programa de membresía para todo público, incluyendo estudiantes y artistas; Los Retratos Imaginarios de Picasso en combinación con MUA, otra itinerante de litografías o giclees de los famosos diseños del desaparecido genio universal en cartón de embalaje .
Este año resultó todo un éxito la subasta internacional IDEARTE 2011, luciendo todos muy relajados en los diferentes medios de comunicación, mejor organizada sin improvisaciones, buena asistencia y comentarios del público, buena venta, buenos artistas, a pesar del velo de misterio de QUÉ, CUÁNTO, CÓMO, QUIÉNES, preguntas que sin cifras exactas ayudan a la curiosidad normal del público, aduciendo la inseguridad en que vivimos, el cierre de año fue con la gran expo del hondureño premio nacional de arte Hermes Armijo Maltez, expo que continúa abierta hasta el 31 de enero.
*El CCET como siempre mantuvo una apretada agenda para niños, jóvenes y adultos, además de innumerables participaciones en diversas disciplinas al interior del país en ciudades como Comayagua, Gracias, Lempira, Santa Bárbara y La Ceiba.

Obra de Mario Mejía T.

Comenzaron el año con una expo de rarezas y antiguas obras publicadas del poeta Juan Ramón Molina, en ocasión del centenario de la publicación Tierras, Mares y Cielos, La fiesta de la música, el Festival Internacional de Cine ICARO Honduras 2011, el Festival de Cortos La Boca del Lobo, actividades de fomento a la lectura y el excelente proyecto Leer es fiesta, además de su tradicional apoyo al teatro hondureño con monólogos y piezas completas. El poeta uruguayo Roberto Mascaro impartió un taller de escritura creativa.
*El IHCH fue lugar de varias exposiciones fotográficas patrocinadas por diferentes clubes y asociaciones, el Recital mujer y poesía de Juana Pavón, Diversidad Plástica Hondureña de la Ahavi, y una excelente exposición de pintura del artista Premio Nacional de Arte Mario Mejía, expo que al igual que la de Maltez pudo haber sido muy sonada y visitada dada la calidad de estos dos grandes artistas. También realizó una importante alianza estratégica con la Asociación de Artistas Visuales de Honduras, Ahavi, quienes ahora tendrán su sede en este importante centro cultural.
*La FMHH tubo un gran año con la creación de su Orquesta de Cámara, en alianza con la Asociación Filarmónica Coral de Honduras del maestro y director musical Jorge Mejía Medina, son 12 jóvenes músicos con la idea de llevar música clásica a todo el país, contando con el apoyo del CCET y el Banco de Occidente. El programa educativo de la Biblioteca de Arte Reyna Sofía dirigido a niños, niñas y jóvenes de escasos recursos económicos de Tegucigalpa y Comayagüela, desarrollo 2 ciclos de talleres de música, danza contemporánea, lectura y artes plásticas.
Con gran éxito el Programa de Formación de Guías del Centro Histórico de Tegucigalpa sigue inculcando el sentido de identidad y ofreciéndoles una herramienta de trabajo, al prepararlos como guías expertos con amplio conocimiento histórico y turístico, contando con el patrocinio del Instituto Hondureño de Turismo y la Fundación Cerro de Plata.

Obra de Maltez.

Organizaron 4 grandes exposiciones como la del gran fotógrafo hondureño Arturo Sosa “Expresiones de Fe”, “Líneas al carbón” del primitivista hondureño Roque Zelaya, Tegucigalpa Ayer, Hoy y Siempre del artista Roger Silva Pérez, como un homenaje al 433 aniversario de Tegucigalpa, “En el blanco” del artista hondureño Andrés Mejía, expo que continúa abierta hasta el 31 de enero de 2012.
Por más de 18 años esta institución ha organizado “Semana Santa, un reencuentro con la tradición” rescatando y conservando las tradiciones católicas de la antigua Tegucigalpa, con el apoyo del Comité Metropolitano que preside la dama Ana María de Durón con el apoyo del Arzobispado de Tegucigalpa, la AMDC, el IHT, y la Policía Nacional contribuyendo a la inclusión de jóvenes y adultos que profesan diferentes religiones y una gran cantidad de voluntarios que trabajan en el Concierto del Miércoles Santo, la decoración de las alfombras de aserrín y el Santo Entierro de Viernes Santo.
La fundación ha venido realizando una excelente labor en la conservación del patrimonio del centro histórico de Tegucigalpa y realizó este año una importante alianza con la Universidad Privada José Cecilio del Valle y la AMDC, además presentaron su libro Tegucigalpa Ayer Tegucigalpa Hoy, una colección de textos históricos y poemas así como una compilación de fotografías de Rafael Trobatl y Arturo Sosa, libro que aún no he logrado ver; pero del que se escuchan ya diversos comentarios.

La Monna Maíz del ganador del Premio Nacional de Arte 2011, López Tróchez.

Otro gran suceso fue la presentación de la ópera “El matrimonio secreto” de Domenico Cimarosa cuya gala inaugural fue a beneficio de la FMHH, donde su presidenta Armida López Contreras desplegó una amplísima estrategia en compañía de su equipo de trabajo con la fundación para llenar el teatro que lució lleno y muy organizado.
*La MUA se anotó un gran éxito con su proyecto “Bailando con Tegucigalpa” que resultó una verdadera fiesta para niños, jóvenes y adultos, divirtiéndose en las calles de Tegucigalpa desde la colonia La Reforma, el CCET, Los Dolores y la sede de MUA contando con la participación de 25 artistas locales y el proyecto de residencias de la coreógrafa Neyla Yatkin, quien ya realizó Bailando con Berlín y otras ciudades europeas.
Vivamos el barrio, un interesante proyecto que mediante ferias culturales motiva la participación ciudadana y de artistas de la pintura, danza y fotografía realizándola este año en el antiguo barrio La Plazuela, antes llamado de Los Horcones.
Lucy Argueta mostró al público su fabulosa muestra de arte conceptual “Transfiguración”, que reúne fotografías, instalaciones y vídeos, hurgando en el subconsciente de las personas y evocando ausencias o presencias de situaciones y vivencias que en ocasiones nos recuerdan las nuestras, inquietante y muy bien lograda.
*La Galería Nacional de Arte presentó una importante exposición “Espejos de luz” del artista hondureño residente en USA, Francisco Alvarado Juárez, quien presentó 28 obras entre lienzos e instalaciones de las series “Después del tsunami”, “Topografía del amor”, “Secretos de flora y fauna”, con temas ecológicos, sensualidad y emociones humanas así como la destrucción.

Obra de Francisco Alvarado Juárez.

Aquí se realizó la importante presentación de fin de año de los estudiantes de Bellas Artes, así como la expoventa de reproducciones litográficas o giclees de importantes artistas hondureños.
Con el ánimo de apoyar esta institución, la Secretaría de Cultura, Arte y Deportes y el CCET realizaron aquí la presentación del catálogo del desaparecido artista hondureño Aníbal Cruz, un excelente trabajo coordinado por el artista Walter Suazo, con textos de Ramón Caballero y compilación de material de archivo de vídeo por Henry Mancía, en un proyecto editorial de la unidad administradora de Cultura, Arte y Deportes, el apoyo financiero del CCET y el gobierno de España en Honduras.
*Es de destacar que instituciones como la Alianza Francesa también desarrollaron una gran agenda; pero no pude conseguir información, Chiminike por su parte continúa abierto al público toda la temporada navideña y de fin de año, lo cual felicito pues en esta época es cuando más tiempo tienen las personas y los turistas nacionales y extranjeros de la temporada para visitar los diferentes centros culturales.
También muchas instituciones culturales como la Soliho, Sociedad Literaria de Honduras, mantuvo una apretada agenda organizando y participando en concursos de cuentos y poesías, además del mal momento vivido por la falta del premio en metálico de 30 mil lempiras que Cultura, Arte y Deportes había prometido para la tercera edición del Certamen de Novela Corta, a último momento se retractó, dejando en aprietos a la Sociedad, quienes al final obtuvieron el apoyo financiero con el asesor presidencial Áfrico Madrid y el alcalde Ricardo Álvarez, gracias a la gestión de Tony Sierra y Salvador Madrid.

Arzú Quioto en Orígenes.

Este incidente tubo una repercusión internacional poniendo en precario la imagen de Honduras como lo demostraron los intelectuales de diferentes partes del mundo mediante sus comentarios en web y cartas a Soliho.
*El gobierno de la República, la Secretaría de Educación y la de Cultura, Arte y Deportes otorgaron este año el Premio Nacional de Literatura a la escritora y miembro activo de Soliho, la dama Aída Castañeda y el Premio Nacional de Arte al artista Rolando López Tróchez, con la aceptación general pocas veces vista por la mayoría de la comunidad intelectual y artística de Tegucigalpa, ya se sabe la inconformidad y críticas que han suscitado en el pasado algunos de los premiados.
*El departamento cultural de la AMDC realizó importantes proyectos con la coordinación de Lorenza Durón y el poeta Salvador Madrid, con su proyecto Leer es fiesta cuyo objetivo es llevar un millón de libros gratis bajo la coordinación y edición de Salvador Madrid y Rolando Kattán presentando obras literarias de interés universal, incluyendo grandes autores hondureños regalando estos libros mensualmente con el apoyo del CCET.
También este departamento de Cultura regaló el libro Viendo Caer la Lluvia desde una Ventana Azul del poeta uruguayo Roberto Mascaro, quien además ofreció varios talleres y conversatorios en diferentes centros culturales.
Hay quien se despide en la arena, Premio Iberoamericano de Poesía Juegos Florales de Tegucigalpa 2010 fue presentado en esta ciudad por su autor Luis Manuel Pérez Boitel, el libro Lecturas de Tegucigalpa del historiador Mario Felipe Castillo, así como el libro de arte contemporáneo de Adán Vallecillo que aún no consigo.

Obra de Pastor Sabillón.

*La Biblioteca Nacional Juan Ramón Molina, durante su aniversario, también otorgó importantes premios a la solidaridad cultural a artistas intelectuales como Juan Almendárez, Katya Lara, Jesús Muñoz y Gustavo Armijo, entre otros no menos importantes.
*Es de destacar este año la importante labor cultural y fortalecimiento a la identidad nacional de tres grandes periodistas y presentadores de televisión Pedro Grave de Peralta, Carlos Arturo Matute y Tony Low quienes a través de su programas, en diferentes canales de tv, presentan a diferentes públicos personajes de la cultura literaria, musical, teatral y de la plástica de Honduras.
*También este año las galerías de arte que funcionan en diferentes centros comerciales han realizado una labor de promoción y mercadeo de los artistas de la plástica del país, entre las que están Orígenes en el centro comercial Los Arcos, tiene abierta al público una súper muestra del artista Santos Arzú Quioto; Amazonas en Multiplaza; Portinari en Los Castaños; Antico en La Hacienda ofrecen la obra de diferentes artistas a precios muy accesibles y con promociones.
La novedosa Veroushka está de moda, por lo diferente y suntuoso del local en Las Minitas, ofreciendo arte en varias expresiones y de una variada oferta de artistas. Algunas organizan importantes exposiciones para diferente público y mercado, otras ofrecen el servicio de enmarcados y asesoría profesional en la selección y compra de arte hondureño e internacional.

Exposición de Manuela Mora en el Hotel Cerro del Sol

2012-02-05T16:38:00.000-08:00

Detalle de uno de los cuadros exhibidos en la exposición de Manuela Mora en el hotel Cerro del Sol.

Llega la navidad y con ella una nueva exposición al Hotel Cerro del Sol. En esta ocasión el visitante puede disfrutar de los cuadros de la afamada pintora Manuela Mora, en una muestra que hace viajar al espectador por la geografía más cercana: los pueblos de Andalucía.

Haciendo uso de su particular técnica, la pintora lanza sus pinceles contra el lienzo siguiendo una estudiada mecánica que explota al máximo el color, su virtuoso manejo de la luz y una peculiar dulce perspectiva, gracias a la cual logra zambulliar al espectador en los rincones más bellos de la serranía malagueña de Ronda, el Albayzín granadino o pueblos de su natal Jaén.

Manuela Mora, originaria de Jaén pero residente en Granada, tiene un impresionante curriculum y ha recibido más de 100 premios a lo largo de su trayectoria artística. Es Licenciada en Bellas Artes por la Universidad de Granada y en su obra predomina el uso de la técnica mixta con un trazo con manchas sobre las que dibuja y en las que deja retazos de la línea del lápiz. Los colores protagonistas son los cálidos, especialmente los ocres. Y las formas son verdaderamente vertiginosas pero muy cariñosas.

La muestra, que se podrá ver hasta finales de marzo de 2012, en horario de tarde, en el Hotel Cerro del Sol, sito en la calle Salvador Dalí 1 de Cenes de la vega, permite también la adquisición de los cuadros, con precios desde tan sólo 200€.

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Jessica Stockholder en Max Estrella

2012-02-04T03:03:00.000-08:00

http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/

Two Frames de Jessica Stockholder. Cortesía de Galería Max Estrella

Entre las nueve incorporaciones y colaboraciones registradas por ARTEINFORMADO en las dos últimas semanas destaca la de la artista Jessica Stockholder (Seattle, Washington, EE.UU., 1959) a la Galería Max Estrella de Madrid. Esta artista norteamericana, tras sendas exposiciones individuales en el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) - Palacio de Cristal y en la galería bilbaína Carreras Múgica en 2010 y 2011, respectivamente, presentará a partir del próximo día 19 de enero en Max Estrella "Clouds", su primera exposición individual en una galería comercial de Madrid. El trabajo de Stockholder ha desempeñado un papel crucial en la expansión del diálogo entre la escultura y la pintura. Robert Rauschenberg, Kurt Schwitters y Frank Stella son importantes puntos de referencia en su trayectoria, aunque la artista confiesa haberse interesado en primer lugar por Jackson Pollock y Donald Judd, y sus piezas más minimal, más reticulares. A lo largo de más de 25 años, Stockholder ha compaginado la producción de sus instalaciones / esculturas, site specifics que desafían los límites entre pintura y escultura, por las que es ampliamente conocida, con piezas a escala humana que reflejan un ambiente más íntimo. Sin duda se trata de una de las artistas más influentes de su generación. Entre los galardones más destacados que ha recibido figura el prestigioso premio Lucelia Artist del Smithsonian Museum, que recibió en 2007 y su propuesta en la feria suiza ArtBasel de 2005 le valió el aplauso de la crítica internacional. Stockholder ha expuesto de forma individual en museos como el Dia Center for the Arts y el P.S. 1 del MoMA, ambos en Nueva York, The Renaissance Society en Chicago, The Power Plant en Toronto, y K20 Kunstsammlung, Nordrhein-Westfalen en Düsseldorf, entre otros. Su obra está representada en colecciones como la del Whitney Museum of American Art en Nueva York, Art Institute of Chicago, Los Angeles County Museum of Art, Kunstmuseum St. Gallen, The British Museum en Londres, Stedelijk Museum en Amsterdam y la Fundación La Caixa en Barcelona, entre otras. Jessica Stockholder actualmente dirige el Departamento de Artes Visuales de la Universidad de Chicago. El resto de las nuevas incorporaciones y colaboraciones, de las que ARTEINFORMADO ha tenido noticia, las tiene a continuación:

** Artista: Alba García (Oviedo, Asturias, 1995) * Galería con la que inicia colaboración: Mediadvanced (Gijón) * Desde: Enero de 2012 * Notas: "Soledades" es el título de la individual que esta jovencísima fotógrafa, de tan sólo 16 años, presenta en este espacio gijonés, como una promesa emergente de la fotografía de moda.

** Artista: Carlos Pascual (Madrid, 1950) * Galería con la que inicia colaboración: Astarté (Madrid) * Desde: Enero de 2012 * Notas: "Presencias reales" es el título de esta primera muestra de Pascual en esta galería.

** Artista: Fernando Martín Godoy (Zaragoza, 1975) * Galería que le representa: Louis 21 (Palma de Mallorca) * Desde: Diciembre de 2011.

** Artista: Gonzalo Elvira (Neuquén, Patagonia, Argentina, 1971 - actualmente vive y trabaja en Barcelona) * Galería con la que inicia colaboración: Quiosc Gallery (Lleida) * Desde: Diciembre de 2011 * Notas: "Barcelona" es el título de su primera individual. Elvira cuenta, entre sus galerías representantes, con la Galería Hartmann de Barcelona; Monocromo Art Gallery de Roma; Galería de Arte Wussmann de Buenos Aires y Galería Pilar Riberyagua de Andorra la Vella.

** Artista: Guilhem Senges (Francia) * Galería que le representa: Galería Tagomago (Barcelona) * Desde: Diciembre de 2011 * Notas: "Atraco temporal" es el título de su primera individual en este espacio.

** Artista: Javier Ordoñez (Bilbao, 1960) * Galería con la que inicia colaboración: Galería Cervantes (Santader) * Desde: Diciembre de 2011.

** Artista: Jessica Stockholder (Seattle, Washington, EE.UU., 1959) * Galería que le representa: Max Estrella (Madrid) * Desde: Enero de 2012 * Notas:"Clouds" es el título de su primera exposición individual en una galería comercial de Madrid.

** Artista: Josep Tornero (Valencia, 1973) * Galería que le representa: Alejandro Bataller (Valencia) * Desde: Diciembre de 2011 * Notas: "Noli me tangere" es su primera individual en la que presenta pinturas al oleo sobre tabla.

Museo de Arte Contemporáneo y Ateneo de Yucatán Palle Seierse

2012-02-03T03:00:00.000-08:00

El Museo de Arte Contemporáneo y Ateneo de Yucatán (MACAY), en la cual once artistas exhibirán sus máximas creaciones en este recinto cultural.
En la sala 1 se presenta el artista Palle Seierse, escultor en papel de tendencia geometrista y que ahora presenta en su exposición "Testimonios y Despliegues", un nuevo papel japonés. En las Sala 2 está la muestra "Niños del Camino" del artista plástico Miguel A. Cimé.
En las Salas 4 y 5 tres artistas presentan una muestra de 22 retratos en la técnica de fotografía de Christian Rasmussen, con dibujos de Gabriel Ramírez y bordados de Elena Martínez, quienes abordan el tema de la prostitución y a la que han titulado "Las Mujeres Decentes de la 58 ¡Por Nuestros Hijos!".
"Segunda Quimera" se llama la exposición de Álvaro Santiago, quien ofrece varias pinturas en donde plasma figuras extraídas de su ambiente familiar en las Salas 6 y 7 del MACAY.
Uno de los mejores pintores de Yucatán es Gabriel Marní, quien presenta una técnica que recuerda el Rakú japonés y en donde el ante "arte" se quema en diferentes momentos, para luego de un solo golpe fragmentar los óxidos con un baño de agua helada que le da la ansiada textura a su trabajo para llamarlo "Carne Humana", en las sala 8 Bis.
Por su parte, el fotógrafo Rogelio Cuéllar presenta la exposición "El Rostro de la Plástica 1974-2011", en las Salas 9 y 10. Ha hecho retratos de los considerados clásicos de los más importantes escritores mexicanos y artes visuales.
El escultor Arno Avilés presenta su trabajo realizado por diez años en las Salas 11 y 11Bis. Su obra muestra un registro de la exploración de su lenguaje escultórico: la abstracción, lo orgánico y lo figurativo.
Finalmente en el Pasaje Revolución se expondrán las esculturas de Hugo Arquímedes, denominada "Suma Escultórica", que presenta forma esbeltas que celebran el dinamismo espacial, no sólo por su naturaleza aerodinámica, sino hasta por su a veces prodigiosa manera de evocar lo luminoso del aire

Exposición de Giuseppe Flangini

2012-02-02T02:59:00.000-08:00

http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/

El Instituto Italiano de Cultura de Lima, en colaboración con la Asociación Cultural Giuseppe y Gina Flangini presentan una significativa selección de dibujos y litografías de Giuseppe Flangini, artista italiano que vivió en la primera mitad del siglo pasado. La muestra fue recientemente presentada en el Complejo del Vittoriano en Roma, en el Cerce Municipal de Luxemburgo y en el Palacion Imperial de Innsburck.

Lambros Dose, uno de los curadores de la muestra en el Arengario, realizada en Milán en 1970, escribió: “Maravilloso equilibrio entre la verdad y la transfiguración lírica, feliz síntesis entre la reproducción de lo verdadero y la íntima poesía de las cosas, los diseños de Flangini nos cuentan sus meditaciones, sus viajes, sus experiencias, su perfecta adhesión al continuo cambio de la luz, de la atmósfera, del paisaje”.

La exposición, que se enmarca en un amplio programa de muestras internacional sobre el artista para conmemorar el 50 aniversario de su muerte, permanecerá abierta al público hasta el 3 de febrero, de lunes a viernes, de 10.00 a.m. a 1.00 p.m. y de 3.00 a 9.00 p.m.

Sobre Giuseppe Flangini

Giuseppe Flangini (Verona, 1898) inició temprano su formación como docente, que continuó luego de transferirse a Milán en 1944. Hasta entonces “Flangini fue, por así decirlo, polivalente: pedagogo y profesor, comediógrafo, pintor, diseñador, dotado de un extraño poder en cada uno de los campos en los que se aventurase. Luego la pintura prevaleció, pero quedaron vivos en él, no separados ni adormecidos, los intereses múltiples, la cultura indeterminada” (G. Altichieri). Su primera exposición fue organizada por la Sociedad de Bellas Artes en Verona en 1921. Desde ese momento participó en todas las manifestaciones artísticas nacionales más importantes, entre las más prestigiosas la Cuadrienal de Arte de Roma y las exposiciones presentadas desde 1948 hasta 1961 en el Palacio de la Permanente de Milán. También participó en exposiciones internacionales, recibiendo premios y reconocimientos.

En Milán enseñó hasta 1950. Luego dejó la escuela y se dedicó por completo a la pintura, relacionándose con los más importantes artistas del momento como Contardo Barbieri y Carlo Carrà.

Sus viajes al exterior, que comenzaron en 1922, pronto se convirtieron en peregrinajes anuales en búsqueda de los lugares que habían inspirado a impresionistas y expresionistas. Durante una de sus permanencias en Ostende (Bélgica) inició una relación de amistad con Ensor con quien, en numerosas ocasiones discutía sobre arte. Los últimos años de Flangini, entre 1959 y 1961, estuvieron caracterizados por un nuevo y feliz cromatismo atribuible a las experiencias de los Fauves y de Vlaminck en particular. En agosto de 1961, y a consecuencia de una breve enfermedad, murió en Verona.

En los años sucesivos fueron organizadas alrededor de cuarenta exposiciones, en Italia y en el extranjero, para recordar la figura y la obra del maestro. Las más recientes son las presentadas en el Complejo del Vittoriano de Roma, el Palacio Imperial de Innsbruck, el Centre Historique Minier en Francia, en Le Bois du Cazier en Bélgica, en la Fundación Stelline de Milán y en el Palacio Te de Mantua. Entre las más significativas no pueden olvidarse la de la Opera Bevilacqua la Masa en Venecia, en el Arengario y Palacio Real en Milán, en Castelvecchi y en la Gran Guardia en Verona.

XPOSICIÓN. Reúne 55 propuestas artísticas.

2012-02-01T02:59:00.000-08:00

EXPOSICIÓN. Reúne 55 propuestas artísticas.

Un grupo de amigos (que tienen en común la pasión por el arte) unió ideas y proyectos para dar inicio a una propuesta artística que rompa con todo esquema. Es así que nació ‘El primer salón de la justicia’, una exposición de prácticas culturales contemporáneas.

“Surgió de la inquietud de un grupo de amigos, tiene una relación con las cuestiones emotivas. Al inicio eran reuniones o encuentros para hablar de todo, menos de arte, pero luego fueron surgiendo las ideas puesto que todos somos artistas”, explicó Karen Solórzano, una de las organizadoras de la muestra. http://museodearte-artmuseums-museesdart.blogspot.com/

La propuesta

‘El primer salón de la justicia’ se genera desde la plataforma colaboracionista ‘Los súper amigos’ (denominada así porque a través de cuatro amigos se creó una base de artistas para realizar esta muestra) la misma que ha logrado reunir a importantes artistas de varias generaciones y de varios lugares del mundo.

Esta es una primera experiencia con la que esta peculiar plataforma inicia su recorrido por las artes contemporáneas. Su título surge de una especie de parodia, “está presente la idea de la amistad, inclusive desde la curaduría se basa en la confianza y en la inclusión, puesto que hay artistas que no han sido incluidos en las exposiciones y de cierta forma es como que hacemos justicia con artistas que se lo merecen”, expresó Cristian Proaño, expositor y organizador.

Después de tener las ideas claras y el proyecto en pie empezó a trabajar esta plataforma con la expansión hacia otros artistas y esto consistía en invitar a alrededor de 20 artistas por integrante para que muestren su trabajo. Todo se hizo por medio de redes sociales lo cual funcionó a la perfección, en poco tiempo empezaron a escribir los interesados, y así ahora, son 55 artistas los que participan de la misma, algunos del Ecuador y otros de Colombia, Costa Rica y Perú.

La muestra

Se presentará video, performance, pintura, instalación, fotografía, etc. pero con un toque especial creado por estos súper amigos o a quienes también nombraremos como la liga de la justicia.

Es así que nacieron los poderes como: ‘anormalidad’, ‘ver más allá de lo evidente’, ‘vivir sin trabajar’, ‘interpretación’, ‘sanación’, ‘sospecha’, ‘el innombrable’, ‘de estar en todas partes’, etc.

Todas estas propuestas artísticas contemporáneas serán exhibidas en La Naranjilla Mecánica, ubicada en la calle Tamayo N22-43 y Veintimilla. La entrada a la muestra es libre y el horario de atención es de lunes a sábado a partir de las 16:00.

El dato

‘El primer salón de la justicia’ se expondrá en Guayaquil y sus organizadores esperan que se pueda llevar a otras ciudades.

Tome nota
Si quiere conocer un poco más sobre esta propuesta artística ‘puede visitar la página www.lanaranjillamecanica.com

ARTISTAS. Cristian Proaño y Karen Solórzano forman parte de este proyecto.

Joan Miró, Vincent Van Gogh, Juan Gris y Paul Signac protagonizarán las subastas de arte contemporáneo que celebrará la casa Christie's de Londres en febrero.

2012-01-31T02:37:00.000-08:00

Foto: CHRISTIE'S

Joan Miró, Vincent Van Gogh, Juan Gris y Paul Signac protagonizarán las subastas de arte contemporáneo que celebrará la casa Christie's de Londres en febrero. Durante este mes saldrán a la venta piezas de colecciones privadas como las de Elizabeth Taylor y la de Hubertus Wald.

   En concreto, la subasta del próximo día 7 se dividirá en dos partes, 'El arte impresionista y moderno' y 'El arte del Surrealismo', y su precio de salida está estimado entre 10.434.912 y 15.394.027 euros. Además, entre los días 2 y 7 del mismo mes tendrá lugar una exposición con las obras que se incluirán en esta subasta.
   La primera parte estará protagonizada por la obra 'Le livre', de Juan Gris, con un precio estimado de salida de entre 14,5 y 21,7 millones de euros. La obra fue realizada en parís entre 1914 y 1915 y pone de manifiesto la transición estilística del artista de la representación a la abstracción.
   Además, entre el 7 y el 8 de febrero se subastará la última parte de la Colección de Elizabeth Taylor, un conjunto de 38 pinturas pertenecientes a la actriz. Entre ellas destaca 'Vue de l'asile et de la Chapelle de Saint-Remy' (1889) de Van Gogh, que tendrá un precio de salida de entre 6 y 8,4 millones de euros.
   Se trata de una pintura caracterizada por su luminosidad, que formó parte de las primeras exposiciones que realizó el artista y que no ha estado visible para el público desde hace 20 años. Según las palabras que Vincent Van Gogh le escribió a su hermano, Theo, esta obra "saca lo mejor de las acuarelas".
   A estas estos artistas se unen nombres como Camile Pisarro, Edgar Degas, Paul Signac, Henry Moore, Salvador Dalí, René Magritte y Max Ernst. En palabras de la directora internacional de Arte Impresionista y Moderno de Christie's, Giovanna Bertazzoni, el mercado continúa interesado en las mejores y más singulares pinturas de este campo.

artista visual José Toledo, Museo Diego Rivera

2012-01-30T02:50:00.000-08:00

Obra de Carol de Masselli
PIEZA DE Guillermo Monsanto de la serie Suite Madrileña.
INTERVENCIÓN GRÁFICA, de Guillermo Monsanto.
ESCULTURAS PELIGROSAS, de José Toledo.

1 de 4

La muestra tiene varias particularidades, que incluye algunas presentaciones personales del artista visual José Toledo, quien ha participado en la colectiva a la que ahora se une la obra gráfica de Guillermo Monsanto.
La exhibición, por demás sui géneris debido a la naturaleza de los trabajos que la componen, se dio gracias a la invitación e inquietudes de la embajadora de Guatemala en México, Rita Claverie de Sciolli. Esta funcionaria planteó y apoyó decididamente los términos de la realización de la convocatoria a través de su oficina de asuntos culturales, la cual está a cargo de la nieta del internacional Carlos Mérida, Cristina Navas. De las condiciones quedó exento Pepo Toledo, quien al mismo tiempo estaba siendo invitado por otras instituciones para exponer sus esculturas. Lo que hace vital su participación en estas muestras, radica en que Toledo decidió compartir muchos de los espacios con sus conciudadanos.
Los enlaces en Guatemala fueron la Fundación Monteforte Toledo y Monsanto, quien ejerció el papel de comisario-curador de la muestra en el 2011.
A partir de un cabildeo entre las partes citadas se decidió incluir a los artistas Josué Romero, Plinio Villagrán, Érick Menchú, Marlov Barrios, Norman Morales, Mario Santizo —todos del Taller de Gráfica Experimental—, Carol de Maselli, Patricia de Valladares —ambas del colectivo femenino Hecho en Guatemala—, Sergio Valenzuela, María Victoria García y Mónica Torrebiarte. Listado al que se sumó, para esta muestra, Monsanto.
Arte nacional recorre país azteca
En junio del 2011, Toledo develó una escultura urbana, frente a la Galería Latinoamericana Klaus Steinmetz, en Costa Rica. En México, del 8 al 25 de septiembre del año pasado, expuso su colección Esculturas peligrosas, en el Centro Histórico de México, DF.
Esta exposición también podrá apreciarse del 9 de febrero al 8 de marzo en el Museo de Arte Contemporáneo de Puebla. Luego, será trasladada a la galería del Palacio de Gobierno en Villa Hermosa, Tabasco.
Del 13 de octubre al 11 de noviembre, Monsanto y el grupo de artistas visuales guatemaltecos montaron Plástica Contemporánea Guatemalteca - Encuentros y tendencias, en el Centro Cultural Ollin Yoliztli en México, DF.
Del 18 de noviembre del año pasado al 19 de enero del 2012, la colección estuvo en el Museo Jardín Borda, en Cuernavaca, Morelos, y del 26 de enero al 26 de febrero, la muestra se trasladará al Museo Diego Rivera, en el DF.

Emilio Quintanilla, director técnico de la nueva fundación, junto a una obra de Miguel Echauri.

2012-01-29T07:39:00.000-08:00

Emilio Quintanilla, director técnico de la nueva fundación, junto a una obra de Miguel Echauri. CALLEJA.

Los hermanos Miguel y Fermín Echauri han puesto en marcha la Fundación Miguel Echauri, un proyecto en el que han invertido veinte años de trabajo y con el que pretenden conservar la obra del artista, así como promover la cultura en Navarra. La fundación, además, presentará otras actividades culturales en Pamplona, al tiempo que apostará por la promoción de los artistas navarros, fundamentalmente jóvenes promesas.
La Fundación Miguel Echauri nace bajo el impulso y el tesón de ambos hermanos, que no han contado con ayudas económicas externas. Se trata de un proyecto particular que ahora han convertido en realidad y que, en un principio, cuenta con los recursos económicos de sus impulsores.
A partir de este momento, Fermín y Miguel Echauri, junto con Emilio Quintanilla, director técnico de la fundación, comenzarán a dar sus primeros pasos para asentar la fundación en el mundo cultural y para organizar distintas actividades abiertas a los ciudadanos y que sirven para consolidar la fundación en el tiempo. Emilio Quintanilla explicó que el artista "quiere devolver a Pamplona todo lo que la ciudad le ha dado a él".
La exposición
Uno de los elementos de partida de los fundadores es la exposición que ayer se inauguró en la nueva sede de la fundación. Se trata de la Galería Fermín Echauri 2, situada en la calle San Antón, número 6 de Pamplona, en los bajos de la vivienda familiar de los fundadores que, en breve, también podrá conocerse a través de un programa de visitas guiadas que comenzarán en el mes de enero.
La exposición, titulada Miguel Echauri I,está formada por 27 óleos de la colección particular de Miguel Echauri. Dicha selección constituye una muestra representativa de su trayectoria artística en las dos últimas décadas. La muestra permanecerá abierta al público hasta el 15 de febrero y será la primera de una serie de exposiciones periódicas sobre la obra del pintor navarro.
La galería de arte, que también se convertirá en un espacio mulitusos para conferencias u otros actos, acogerá también exposiciones de otros artistas navarros.
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Exposiciones de artistas plásticos Pedro Cristaldo

2012-01-28T02:56:00.000-08:00

27 Fotos

Muchas son las actividades culturales agendadas para enero y febrero. Exposiciones de artistas plásticos, conciertos musicales, talleres para aprender a moldear el barro —de la mano del artesano Pedro Cristaldo—, museos de muebles antiguos; viejos edificios en los que se ve la huella de la época colonial y que reflejan la importancia que tuvo la ciudad a inicios del siglo XX, tal como lo muestra La Casa Amarilla, en la que hoy vive el joven artista Sergio Buzó y donde pueden apreciarse mobiliarios antiquísimos.

También está la que fuera casa del cuentista, dramaturgo y novelista Gabriel Casaccia. Los corredores con importantes pilares llaman la atención y son la característica principal de la mayoría de las viejas construcciones que todavía quedan en pie, con “muchas ganas” de ser restauradas y convertidas en posadas.

Las galerías abundan y es porque muchos artistas eligieron esta ciudad para vivir y expandir su talento, entre ellos Lucy Yegros, con sus cuadros firmados como Eirete; Luis Cogliolo, en Fusión Arte; Carlos Colombino, con el Museo del Mueble; Lucy Spinzi, con sus figuras campesinas y pesebres; Justo Pete Guggiari, con sus esculturas. Están también Ysanne Gayet y Osvaldo Albert, con sus paisajes chaqueños; en fin, son muchos los pintores o escultores que apostaron por este lugar y que tienen agendadas varias actividades para la temporada veraniega.

ABC Revista realizó un recorrido por la encantadora Areguá y se informó de todos los encuentros programados para contarle en este número y pueda darse la escapada perfecta algún fin de semana o disfrutar de sus vacaciones. Definitivamente, es una ciudad de mucha belleza, con una arquitectura admirable, un entorno ideal para los amantes de la naturaleza —muy tranquila por cierto— y con un atractivo turístico esencial como es el lago Ypacaraí. Así que ordene su agenda y péguese una escapada con la familia y los amigos, y elija adónde ir con la guía que le presentamos.

Lucy Spinzi. Lucy es muy conocida por sus figuras campesinas moldeadas en barro y sus pesebres siempre requeridos. Ella vive en Areguá desde hace muchos años. Dejó la ruidosa Asunción para asentarse en una encantadora casa con galerías, terrazas y perfectas molduras con diversos dibujos, y un patio arbolado, principalmente con mangales. Desde ahí, Lucy Spinzi proyectó su arte en cerámica evocando a las chiperas, las lavanderas, las costureras; evocando también esos clásicos paisajes del campo en los que el mate nunca falta. Ya no sigue realizando tantas esculturas. “La vista me está fallando”, cuenta a viva voz mientras nos invita a su casa. Su cordialidad y sus conocimientos brindan una charla amena y constructiva. Visitarla y conocer su taller, su forma de trabajo, son una cita obligada.

Henry Centeno Galería. El artesano Henry Centeno no para. A la vera de la ruta sobresalen sus enormes figuras trabajadas en fibra de vidrio, arcilla, madera u hojalata. “Utiliza estos elementos, pero todo lo que cae en su mano lo convierte en arte”, cuenta orgullosa su esposa.

Henry Centeno se inspira en la naturaleza para moldear. Su talento lo llevó de la arcilla al lienzo. En todas sus obras, el despliegue de colores es vibrante. Es autodidacta y está en constante búsqueda de conocimientos para experimentar, pero la cerámica es su base, sin duda alguna. La exposición es permanente en su casa, ubicada a 800 m aproximadamente del local de la Policía Caminera, camino a Ypacaraí. Solo tiene que pasar, disfrutar y comprar.

Guggiari Arte Galería. Es un conocido espacio dedicado a la exhibición, difusión y venta de esculturas y objetos de arte de diversos artistas. Se encuentra en la entrada misma a la ciudad, sobre la ruta Luque-Areguá-Patiño, en la Curva Bolaños. Sobresalen las esculturas en hierro en fusión con otros materiales, como la madera. Se respira arte en la propiedad, que está abierta al público de martes a domingo, de 08:00 a 18:00. La atención es personalizada. El mismo Justo Pete Guggiari espera a quienes quieran conocer o adquirir algunas piezas.

Ceproca. El Centro Cultural Museo y Biblioteca es atendido por Cándido Alberto Brizuela, más conocido como Colibrí. Ceproca es un sitio destinado a todos los artistas que quieran difundir sus trabajos y no tengan un lugar donde hacerlo. Diversos estilos en formas, colores y tamaños esperan a los turistas. No puede pasar por Areguá y dejar de visitarlo. Con esta iniciativa estará ayudando a los artesanos aregüeños. “Toda actividad cultural es posible realizar en Ceproca”, asegura Brizuela. “Llevamos a cabo exposiciones fotográficas, documentales; solo tienen que llegar y proponer sus ideas”. Está abierto de lunes a lunes, de 07:00 a 20:00. Una actividad programada para el próximo domingo 15 de enero es la gran liquidación de saldos. Habrá venta de esculturas, pesebres, pinturas, artículos de indígenas chamacoco; productos de Marciano Palma, de San Miguel Misiones, con sus hamacas, ropas de lana. Rubén Balbuena, hijo de Owa, estará presente con sus trabajos; así como Adán Meyer y muchos otros. Dirección: Yegros entre La Candelaria y Mariscal López.

Osvaldo Albert es otro artista plástico asentado en la encantadora Areguá. Posee una galería en la que están expuestas sus obras relacionadas con el paisaje chaqueño. Estudió pintura en el Caribe. Sus trabajos tienen mucho éxito en el extranjero. La técnica que utiliza el artista es la abstracción. Plasma en un lienzo el paisaje chaqueño y, si bien utiliza mucho color, su preferencia son el blanco y el negro. Una primicia: las obras de Osvaldo Albert tienen un descuento del 30 % durante todo enero. La dirección es Mcal. Estigarribia e/ La Candelaria y Mcal. López (Paseo Central).

La Casa Amarilla. La arquitectura colonial es digna de visitar. En esta antigua casona, actualmente vive el escultor y artista plástico Sergio Buzó, creador del Nano Guaraní, que son esculturas hechas con desechos tecnológicos. La iniciativa tuvo un rotundo éxito y logró premios relevantes. “Ya hice más de 450 piezas en solo un año”, confiesa Buzó. Sus inicios en el arte se dieron con maquetas hasta que decidió unir maquetismo con escultura y surgió el Nano Guaraní. En su taller de La Casa Amarilla expone sus obras. La misma puede ser visitada, hay muebles de época que pueden ser admirados o adquiridos.

El Museo del Mueble. Es un espacio único, con rampa, desde donde los visitantes van mirando los muebles desde arriba, desde abajo, de costado, de frente, desde todos sus lados y perspectivas. El fundador y director es el arquitecto Carlos Colombino. Las colecciones incluyen sillas, sillones, mesas, camas, cómodas, baúles, tinajas, puertas, ventanas, armarios, escritorios, estantes, alacenas. También hay vitrinas con pequeños y raros ejemplares de utensilios escolares hechos en madera. Hay una serie de delicados muebles del ámbito religioso: nichos pintados, reclinatorios, confesionarios, cruces y santos tallados en madera. El objetivo del Museo del Mueble Paraguayo es mostrar e historiar las formas por las que atravesó la creación del mobiliario paraguayo, desde la colonia hasta el siglo XX. El acceso al espacio es gratuito y abre de martes a domingo, de 14:00 a 17:30. Está ubicado en la zona de Kocue Guasu, en las cercanías de la Estación Terrena.

Luis Cogliolo Taller – Galería de Arte: El artista plástico Luis Cogliolo también eligió Areguá para vivir y expandir su arte. Desde su taller-galería de arte se dedica a realizar muestras multidisciplinarias en las que participan escultores, dibujantes, pintores, artesanos, músicos. En tal sentido, el sábado 28 de enero se realizará la primera muestra del año, que consistirá en exposiciones de las esculturas de Sergio Buzó, origami de Vicky Duarte y las pinturas de Luis Cogliolo. Además, el artista Caballero estará ofreciendo retratos instantáneos a los interesados. Estarán también disponibles las fundas artesanales “Sueños para despertar”, de Sole Viera. Como broche de oro, el artista Pablo Medina, a través de la música fusión de Nunca Viste, concluirá el evento ofreciendo una verdadera fusión de música y arte en vivo. Te esperan sobre Mcal. López 818, ruta Aregua-Patiño, al lado de la Policía Caminera.

Centro Cultural del Lago – Ysanne Gayet: La artista Ysanne Gayet también tiene agendadas actividades para enero. Hoy, por ejemplo, realizará una feria con productos de varios artistas. El encuentro se va a llamar “Debajo de la pérgola”, y ahí se podrá comprar “de todo”: remeras, tejidos, mantelería, cerámica de Areguá y Tobatí, cuadros. “Vamos a continuar con varias actividades hasta el 8 de marzo”, expresa. En su galería pueden encontrarse trabajos de varios artesanos, entre ellos los ángeles negros con alas de metal. Los ángeles negros de barro (técnica del ahumado) fueron realizados por Carolina Noguera, de Tobatí, y las alas elaboradas por Beatriz Allen. Todos los sábados y domingos también van a estar mostrando las películas nacionales. Estos días abren de 10:00 a 19:00, mientras que los jueves y viernes de 10:00 a 18:00.

El Cántaro. Espacio Cultural, Almacén de Arte: Ubicado sobre la calle Mariscal Estigarribia 302 esq. La Candelaria, este espacio cultural es un lugar descentralizado de exposición y creación abierto a todo público. Es un taller de trabajo de distintas disciplinas visuales de rescate y difusión de saberes abandonados. Es un lugar de descubrimientos, de sorpresas y contradicciones, en el que se manejan varias verdades, gracias a la curiosidad y a talleres puntuales durante todo el año. Allí se pueden apreciar y adquirir arte indígena, arte de campo y arte urbano. Está abierto de martes a domingo, de 09:00 a 18:00. Sin duda alguna, Areguá se mueve y es una cita obligada con la cultura, la buena comida y el disfrute.

La sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos acogerá desde hoy, sábado 14 de enero, la exposición Natalio Bayo; Estampas

2012-01-27T11:49:00.000-08:00

El artista de Épila ha anunciado la donación de 294 obras de su trayectoria a Fuendetodos; cuarenta de éstas se incluyen en la exposición “Estampas”.

Zaragoza. La sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos acogerá desde hoy, sábado 14 de enero, la exposición Natalio Bayo; Estampas, una muestra compuesta por cuarenta obras del artista aragonés, que ha anunciado la donación de 294 piezas artísticas de su trayectoria durante los últimos cuarenta años.

El artista, nacido en Épila, ha explicado que el motivo de la cesión de su obra responde “a un deseo personal de donar a Aragón” buena parte de su trayectoria artística, y la elección de Fuendetodos fue “obvia, por su importancia pasada como lugar natal de Goya y por el esfuerzo presente de impulsar el patrimonio artístico desde el municipio”.

En la creación artística de Natalio Bayo, cualquiera que sea la expresión técnica elegida –dibujo, acuarela, óleo, grabado, cartel, ilustración, etc.– se impone siempre con rotundidad un conjunto de elementos formales y figurativos, que van desde el predominio del dibujo hasta su peculiar universo iconográfico, con los que queda configurada una fuerte personalidad artística.

Una vez considerados los rasgos personales de su lenguaje artístico, tarea que en el caso de Bayo resulta bastante sencilla y gratificante por su plástica evidencia, es necesario volver de nuevo al medio expresivo y a las técnicas elegidas por el artista en cada caso, para matizar y diferenciar las posibilidades expresivas de cada medio. En toda obra de Natalio Bayo subyace una clara razón artística, ya que el pintor estudia previamente la adecuación de los medios y técnicas a sus propósitos creativos.

Se aprecia en esta actitud artística un clásico y difícil equilibrio entre sensibilidad e inteligencia, entre razón y vida, con el que el pintor decide en cada momento el medio expresivo según sus propósitos, obteniendo con ello resultados diferentes. En suma, en los diferentes medios expresivos utilizados por Natalio Bayo no todos los recursos formales e icónicos son intercambiables.

El Artista
Natalio Bayo Rodríguez nace en Épila (Zaragoza) en 1945. A los dieciséis años comienza a trabajar en un taller de orfebrería, donde diseña imágenes y piezas de joyería y orfebrería, aprendiendo el manejo del buril y cincelado en metal. Dos años después abandona esta actividad, pasando a trabajar como diseñador en una empresa de publicidad de Zaragoza. Cumplido el servicio militar, colabora en una agencia de ilustradores de Barcelona, donde realiza ilustraciones para revistas y novelas que se publican en diferentes países de Europa, también hace diseño de estampaciones de telas para una empresa de Mallorca.

En 1970 recibe el I Premio «San Jorge» de pintura en Zaragoza. Con este motivo decide dedicarse con más intensidad a la pintura. En 1971 la Beca de Pintura de la dotación de Arte Castellblanch de Barcelona le permite una larga permanencia en Italia. Recibe también el Premio Beca María Blanchard, del I Certamen Nacional de Dibujo Pancho Cossío de Santander para artistas menores de 25 años. En 1972 gana el premio Sergio Piedrafita de la II Bienal Félix Adelantado de Zaragoza. En 1973 Mención Especial de la VI Bienal de Pintura y Escultura Premio Zaragoza. Durante esta época forma parte del grupo Azuda 40 entre otros pintores aragoneses.

En 1978 hace su primer grabado en el taller de Maite Ubide. Paralelamente a su actividad pictórica, ha diseñado e ilustrado libros de diversos autores, como Antón Castro, Javier Tomeo, Juan Domínguez Lasierrra, Gunnar Ekelöf, entre otros. En el año 1992 diseña e ilustra el libro Bestiario Aragonés, con texto de Antón Castro, que el Ministerio de

Cultura premia como libro mejor editado del año en el apartado de Bibliofilia. En 2008, el Ayuntamiento de Zaragoza le concede la Medalla del Bicentenario «Defensor de Zaragoza».

Exposición Natalio Bayo, Estampas 1971-2011
Sala Ignacio Zuloaga (Fuendetodos)

exposición “Sara Moreno”

2012-01-26T02:52:00.000-08:00

Ante casi un centenar de asistentes el presidente del Ateneo de Sevilla, Alberto Máximo Pérez Calero, inauguró la exposición “Sara Moreno” anoche a las 19.30h. La muestra, alojada en la sala Gonzalo Bilbao de la docta casa (C/Orfila 7), son un conjunto de 27 obras, impresionistas, de pincelada suelta, y de temática sevillana “sin caer en el costumbrismo”, apuntó la autora.

Sara Moreno es una artista autodidacta, quien ha expuesto en Sevilla y Francia, “y cuya disciplina y constancia queda patente por la cantidad de nuevas obras que lleva cada domingo a la plaza del museo”, apuntó Antonio Zambrana, presidente de la sección de Bellas Artes del Ateneo de Sevilla.

Durante el acto de inauguración, el presidente del Ateneo ha destacado que “de las 27 obras, todas ellas realmente preciosas y exquisitas, una ha sido donada al Ateneo y muestra la fachada de la Docta Casa, imagen del emblemático edificio de 1883 situado en la calle Orfila”.

“Los comentarios de los asistentes es que es una exposición estupenda, de una sensibilidad preciosa. En el Ateneo de Sevilla hemos comenzado el 2012 con una Cabalgata de Reyes estupenda, y en esta línea de luz y alegría continuamos con la exposición de Sara Moreno”, dijo Antonio Zambrana.

La artista, se emocionó ante las palabras de sus presentadores y los aplausos de los asistentes, “enhorabuena y felicidades por la exposición, esas lágrimas no salen de los ojos si no del corazón”, dijo el presidente del Ateneo dirigiéndose a Sara Moreno.

Fotos: Fernando Zalazar.