Museo del Arte

Retrato de la reina Cristina de Suecia / Sébastien Bourdon

2012-02-24T09:34:00.000+01:00

Museo Nacional de Estocolmo

Sébastien Bourdon

En esta media figura, vemos a la reina desprovista de cualquier atributo de la realeza, para aparecer como una dama ataviada con sencillez, sin joyas ni colores, como si ya anunciase su despego al trono que había de abandonar. Únicamente se ha permitido el pintor tratar de mejorar la escasa belleza de la mujer, agrandando los ojos, ennobleciendo la línea de su nariz y disimulando la doble papada; así se aprecia al compararlo con algún retrato anterior, más fiel a la realidad. Esta idealización convenía a la efigie regia y estaba en consonancia con los gustos cortesanos de la época.

Retrato de Christoph Fugger / Christoph Amberger

2012-02-22T09:50:00.001+01:00

Alte Pinakothek de Múnich

Christoph Amberger

El personaje, que contaba veinte años de edad, era hijo del banquero y hombre de negocios Raymund Fugger, quien había facilitado la financiación de las operaciones militares de Carlos V contra los reformistas protestantes, lo que le valió, así como a su primo Hyeronimus, el título de conde del Sacro Imperio Romano. El joven Christoph adopta una actitud gallarda, su mano diestra en la cintura y la izquierda en la daga, ante un cortinaje de seda verde al que la luz concede apropiadas calidades de textura y volumen.

Retrato de Addie / Thomas Eakins

2012-02-20T09:51:00.000+01:00

Art Institute de Chicago

Thomas Eakins

La dama de mediana edad ha sido representada en busto prolongado, vistiendo un traje negro ceñido en torno al cuello por una cinta anudada en forma de corbata, y con el rostro ligeramente vuelto hacia un lado, de modo que su parte izquierda se halla sumida en la penumbra. La austeridad de la composición da la medida del talento y de las limitaciones de Eakins, quien subordinó sus recursos pictóricos al objetivo de representar con la máxima honestidad al modelo.

Retablo de Demidoff / Carlo Crivelli

2012-02-20T09:47:00.001+01:00

National Gallery de Londres

Carlo Crivelli

Retablo compuesto por trece tablas dispuestas en tres niveles que representan santos y santas en torno a la composición principal con la Virgen y el Niño. Precisamente esta pieza – que reproducimos- contiene la firma del artista y la fecha de 1476. La figura de la Virgen ilustra la manera cristalina y luminosa propia de Crivelli, artista que se complace en las formas precisas y estilizadas, realzándolas con el empleo de oros y delimitándolas con líneas impecables de dibujo. Su técnica del claroscuro está basada en la aplicación de menudos trazos paralelos que, por medio de una especie de rasgueado, sirven para dar las transiciones cromáticas y luminosas.

Recolección de maíz / Eastman Johnson

2012-02-15T22:49:00.000+01:00

Art Institute de Chicago

Eastman Johnson

El autor recibió una formación de litógrafo, lo que explica el carácter hasta cierto punto fotográfico que posee el cuadro, cuyo cromatismo se antoja superfluo. Posteriormente trabajó junto a un modesto pintor de retratos descubriendo su auténtica vocación.

Persona tirando piedras a un pájaro / Joan Miró

2012-02-15T22:45:00.000+01:00

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Joan Miró

La obra supone un salto atrás cronológico en la producción de Miró y, por lo tanto, el acercamiento a un surrealismo más purista que el de sus obras recientes. Esta composición de apariencia simplista es el resultado de una serie de circunstancias y contactos, en particular los mantenidos con los primates del grupo surrealista parisino. Su estética revela el fervor mironiano por una doctrina que propugna la liberación de las potencias del subconsciente. A diferencia de otras composiciones del artista, en ésta cabe reconocer los tres elementos enunciados en su título: el personaje –a la derecha, dotado como Polifemo de un único ojo, y también de un solo pie-, la piedra, cuya trayectoria se ha señalado con una línea de puntos, y el pájaro, reducido a la mínima expresión lineal, pero reconocible por su roja cresta.

Noche estrellada / Vincent Van Gogh

2012-02-14T09:43:00.001+01:00

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Vincent Van Gogh

Testimonio de la vehemencia formal y cromática con que se expresó el genial artista en las últimas semanas de su vida, mientras se hallaba en la localidad de Auvers-sur-Oise, donde frecuentaba a su amigo el doctor Gachet. El lienzo, realizado a base de azules y verdes muy densos, presenta un horizonte montuoso muy bajo, interrumpido por las líneas verticales onduladas de un ciprés. En la parte inferior aparece la aldea, iluminadas sus casas e iglesia por la luz astral. El cielo, presidido por la luna y una Vía Láctea que compone trazos espirales, es el auténtico protagonista del cuadro. Cada estrella se halla dotada de una luz de coloración diferente, y todas ellas forman en el celaje el halo propio de la estación calurosa. La obra fue pintada entre mayo y julio de 1890.

Pentecostés / Giotto di Bondone

2012-02-14T09:39:00.001+01:00

National Gallery de Londres

Giotto di Bondone

Pintura sobre tabla perteneciente a un retablo desmembrado. La composición representa a los discípulos, coronados por las lenguas de fuego, en un cubículo techado por un alero culminado por tres frontones. Al exterior aparecen tres personajes, símbolo de una muchedumbre de diferentes naciones admirada por la capacidad políglota de los apóstoles. Las líneas compositivas de los elementos arquitectónicos se hallan sometidas a un racionalismo geométrico que contrasta vivamente con la humanidad de las figuras, en actitudes de innegable valor expresivo.

Niños con una cabra / Frans Hals

2012-02-10T09:56:00.000+01:00

Reales museos de Bruselas

Frans Hals

El retrato colectivo es un género característico del arte holandés en esta época. Retratos de aparato, más preocupados por mostrar una manera de vivir, una equilibrada felicidad, una dignidad de clase social y estado que por inquirir en las profundidades psicológicas de los modelos. En este caso los niños muestran su juego y su alegría. Risueños, bien vestidos y bien alimentados, componen una estampa simpática, tratada por Hals con mano infalible, con magistral dominio de las luces, los tonos y las calidades, con un gusto refinado

Martirio de san Sebastián / Hans Memling

2012-02-10T09:53:00.001+01:00

Reales museos de Bruselas

Hans Memling

El artista ha representado una escena dinámica y dramática con un aire estático y caso podría decirse que apacible. El santo, amarrado a un árbol y desnudo de medio cuerpo, tiene una expresión serena, que no acusa el sufrimiento. Muy poca sangre, apenas dos hilillos, brota de sus heridas. Los rostros de los verdugos no exteriorizan crueldad, atentos a montar el arco y a fijar la puntería. El paisaje, ingenuo y complicado a un tiempo, es netamente flamenco, pese a las extrañas y algo fantásticas rocas de la derecha. El riachuelo y el camino serpenteante, el molino con su rueda, el mar y la nave, las suaves colinas tienen la dulzura de Flandes, en torno a una ciudad inequívocamente de aquel país, con sus torres y fortificaciones, con sus fachadas en escalera y sus chapiteles de pizarra.

Marat asesinado / Jacque-Louis David

2012-02-06T10:23:00.000+01:00

Reales museos de Bruselas

Jacque-Louis David

Estamos ante el retrato de un hombre que acaba de sufrir muerte violenta. El episodio es bien conocido. El médico jacobino, dentro de su bañera, está escribiendo y le acaban de pasar el memorial escrito por una mujer de 25 años, Carlota Corday, en cuyo suplicante texto puede leerse, encabezado por la fecha del suceso: 13 de julio de 1793. La propia Carlota irrumpe en la estancia y apuñala a Marat dentro de la bañera, siendo luego apresada y por último guillotinada. David, totalmente identificado con las ideas extremadas de su amigo, nos pinta a éste inmediatamente después del asesinato, desplomado, todavía con la pluma en la mano y a su lado el sangriento cuchillo que le ha dado muerte. En la parte baja de la caja que servía de mesa a la víctima, se inscribe la ostentosa y lacónica dedicatoria del pintor.

El cuadro fue realizado enseguida de haber ocurrido el crimen, meses antes de que David fuera encarcelado por sus excesos revolucionarios, que habrían de templarse más tarde, al convertirse en retratista oficial del futuro emperador Napoleón. El macabro asunto iba bien con el sentimiento del artista, que ya había pintado a Sócrates bebiendo la cicuta y que miraba la muerte de su amigo como una tragedia clásica. Éste es el sentido que tiene el cuadro, en la quieta simplicidad de sus elementos y en su moderada coloración. A los ojos de David, Marat es Séneca.

Madonna / Giotto di Bondone

2012-02-06T10:19:00.000+01:00

Galería Nacional de Washington

Giotto di Bondone

Aparece la figura de medio cuerpo, con túnica y manto oscuros, teniendo en la mano derecha un ramito con una flor, al que acerca su diestra el Niño, sentado en el brazo de su Madre, con el torso desnudo y envuelto en un cendal desde la cintura hasta el tobillo, Las formas se recortan sobre el fondo de oro tradicional, pero también se destacan de él con una corporeidad que es peculiar de Giotto y acaso su mayor aportación hacia una visión naturalista en el arte. El planteamiento iconográfico, así como la dorada abstracción del fondo, repiten todavía los modelos bizantinos asimilados por los primitivos italianos, pero el aliento vital de los personajes fija un concepto nuevo, que habrá de tener inmensa trascendencia para el futuro de la pintura.

Mahana no Atua / Paul Gauguin

2012-01-31T09:52:00.000+01:00

Art Institute de Chicago

Paul Gauguin

El cuadro bien pudiera ser la ilustración de ciertos pasajes de un libro, en los que Gauguin narra las costumbres polinésicas y la peculiar estructura cosmológica oceaniana, regida por dioses cuyas efigies escultóricas se yerguen a lo largo de la costa para establecer la frontera entre la tierra y el mar, asegurando el equilibrio entre ambos elementos. En el primer término aparecen las figuras de tres mujeres junto a las aguas multicolores de la laguna del atolón; tras ellas, sobre una pequeña eminencia rocosa, se alza el ídolo maorí ante el cual se halla sentado un personaje que fuma en pipa. A la derecha, sobre el paisaje costero, situó el pintor a dos danzantes y a una amorosa pareja, mientras que en el lado izquierdo dispuso las representaciones de mujeres portadoras de ofrendas, contra el fondo de un mar azul coronado por crestas de espuma. Se trata, en suma, de una visión primitivista e imaginaria del mundo idílico de Gauguin.

Madonna y santos / Duccio di Buoninsegna

2012-01-31T09:49:00.000+01:00

National Gallery de Londres

Duccio di Buoninsegna

El artista centra el efecto expresivo en los rostros de las figuras, realizados todavía a la “maniera greca” tradicional. Es un tríptico que en sus alas ofrece representaciones de san Dominico y santa Áurea. La Virgen que sostiene al Niño sobre su antebrazo izquierdo, se halla flanqueada por dos parejas de ángeles y cobijada bajo un arco de medio punto. En el tímpano situado sobre él, el artista situó las figuras –de izquierda a derecha- de Daniel, Moisés, Isaías, David, Abraham, Jacob y Jeremías, todas ellas identificables gracias a los textos bíblicos inscritos en las filacterias que portan. En las figuras principales concentra el artista su intención narrativa, componiéndolas de forma que indique las relaciones de afecto que existen entre la Madre y el Hijo, éste en trance de juguetear con el velo de aquélla. El Niño es de un canon muy inferior al de la Virgen, lo que acentúa el efecto de protección materna, claramente indicado por el gesto de las gráciles manos marianas. Las tonalidades graves de las carnaciones contrastan, por otra parte, con el profundo color azul del manto, cuyo plegado minucioso responde a una norma rítmica.

Los bebedores / Adriaen Brouwer

2012-01-27T09:45:00.000+01:00

Reales museos de Bruselas

Adriaen Brouwer

Los individuos sentados en bancos en torno a la mesa son maleantes, recluidos en un recinto cerrado por empalizada que, como minúsculo campo de concentración, había junto a la ciudadela de Amberes. Con ellos bebe su guardián, un soldado vestido con jubón claro y chambergo. No evita Brouwer el detalle grosero –aunque sumariamente tratado- de los que utilizan la garita que sirve de retrete, ni la presencia del cerdo buscando desperdicios. La colina verde y la nube que asoma tras ella muestran el mundo de la libertad, al otro lado de la barrera, y ponen un contrapunto poético a tanta inmundicia. En el suelo, bajo el banco, aparece la firma del artista.

En contraste con el tema, el cuadro tiene una elegante y delicada luminosidad que lo salva del envilecimiento. Por esta cualidad Brouwer fue apreciado ya en vida, hasta el punto de que un hombre tan refinado como Rubens poseía diecisiete de sus obras.

Las virtudes teologales / Giovanni Battista Tiépolo

2012-01-23T09:44:00.000+01:00

Reales museos de Bruselas

Giovanni Battista Tiépolo

Pequeño lienzo octogonal que contiene el esbozo de una pintura para un techo. A la derecha de la composición, suspendida en el cielo, aparece la Fe, con los ojos tapados, empuñando la cruz y el cáliz. En un plano inferior y sentadas se ve a la Esperanza, que agarra la caña de un ancla, y la Caridad, abrazando a un niño. Sobre el azul del cielo se cierne la paloma del Espíritu Santo. La perspectiva de la cruz y del edificio de la izquierda es la adecuada para un espectador que contemple la obra desde el suelo. La técnica es la peculiar e inconfundible del maestro veneciano. Unos rasgos en sepia sirven de apoyo y definición a las figuras, tratadas con colores nítidos con una singular fruición en los matices.

La Virgen de las rocas / Leonardo da Vinci

2012-01-19T09:58:00.001+01:00

National Gallery de Londres

Leonardo da Vinci

Composición que ofrece estrechas analogías con la del mismo tema que se conserva en el Museo del Louvre. Dicha circunstancia ha dado lugar a numerosas querellas eruditas entre los especialistas, para quienes resulta incomprensible que un artista de la volubilidad de Leonardo pudiera realizar dos veces la misma composición. Si recurrimos a la comparación estilística entre ambas obras, se pone de manifiesto la mejor factura de la composición del Louvre, la cual posee asimismo rasgos de espontaneidad más acusados que la de la Galería Nacional. En ésta deberá reconocerse la intervención, junto a Leonardo, de un ayudante de inferior calidad, lo que justifica su frialdad compositiva y la lividez de sus gamas cromáticas.

Enlace: Virgen de las rocas, Museo del Louvre

La Virgen de la sopa de leche / Gérard David

2012-01-19T09:52:00.000+01:00

Reales museos de Bruselas

Gérard David

Aquí el tema sacro ha prescindido de todo hieratismo para convertirse en la anécdota familiar e íntima de una madre que da de comer a su hijo, en una habitación burguesa poblada por los objetos cotidianos, junto a una ventana tras la que aparecen el jardín, la vecindad y, más lejos, el bosque. El artista combina así el asunto religioso y la escena de género, cosa que harán en el futuro algunos pintores, como, por ejemplo, Velázquez en su Jesús en casa de Marta y María. En este sentido, el pequeño cuadro de David representa una innovación con deliciosas posibilidades. Aunque parezca una obra menor, esta expresión de intimidad debió de tener una calurosa acogida, pues se copió o se imitó repetidas veces.

La ventana azul / Henri Matisse

2012-01-16T09:48:00.000+01:00

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Henri Matisse

El tema ha sido tratado con un criterio de abstracción de las formas en el que acaso quepa reconocer la influencia del naciente cubismo. En el primer término, al parecer sobre una mesa, se reconocen dos jarros –uno de ellos con flores-, un busto, una lámpara y un cenicero. La referencia al interior mediante los objetos que lo pueblan queda reducida a la mínima expresión geométrica. El paisaje, por su parte, es un mero arabesco en el que predominan las formas circulares y elípticas, sólo truncadas por las líneas del tejado de una casa que se percibe en la lejanía.

La tentación de san Antonio / Salvador Dalí

2012-01-16T09:45:00.001+01:00

Reales museos de Bruselas

Salvador Dalí

El más ambicioso de los surrealistas, el que tiene más pretensiones de trascendencia, el que siempre se propone sorprender al espectador ingenuo con un argumento que escape a lo inteligible. Todo ello puede apreciarse en esta Tentación de san Antonio, tema clásico que ya había servido de recurso a los más remotos precursores del surrealismo, como el Bosco. En todos aparece la tentación como una visión irreal e imaginada, subjetiva, cuya figuración puede variarse ad líbitum, según la fantasía de su autor.

Este pobre san Antonio desnudo se afirma en una piedra para esgrimir con mayor fuerza una cruz de palo como conjuro contra lo que se le viene encima, pues la visión –sin duda sueños de grandeza y de sensualidad- se le impone desde lo alto al flaco eremita. Abre la marcha un caballo blanco desbocado, como la soberbia, al que siguen cinco elefantes de patas larguísimas y pluriarticuladas, como de insecto, cargando sobre sus lomos una mujer desafiante, extraños obeliscos y un edificio de arbitraria arquitectura por cuya puerta asoma otro torso femenino desnudo. Como esperanza de salvación, a lo lejos aparecen dos figurillas penitenciales sobre la desolada llanura y, en el cielo y sobre el horizonte, la silueta de un ángel volador.

La Grande Jatte / Georges Seurat

2012-01-10T09:53:00.000+01:00

Art Institute de Chicago

Georges Seurat

El paisaje y las figuras fueron construidos con la técnica, característica de su autor, de la aplicación del color en estado puro y por medio de toques independientes que crean una trama destinada a fundirse en la retina del espectador si el cuadro se observa a la distancia adecuada. Seurat conocía a fondo la teoría óptica y se dejaba guiar como pintor por un espíritu científico. De ahí que la composición y las formas hayan sido tratadas con extraordinario rigor, como si su ejecución estuviese sometida a las normas inamovibles de una experiencia de física desarrollada en un laboratorio. A pesar de tal circunstancia, el conjunto produce una primera impresión satisfactoria de vibración lumínica, gracias al sutil juego de fluctuación de colores en la retícula de puntos que forma la superficie pictórica. En esta atmosfera tornasolada hallan su lugar varias parejas de paseantes, hombres y mujeres aislados, un músico aficionado que se ejercita en el arte de tocar la trompa, una mujer que pesca con caña, niños que juegan o se pasean con su institutriz… En la plateada superficie del agua, las embarcaciones de vela, de remo o a motor componen un mosaico de reflejos.

La gitana dormida / Henri Julien Félix Rousseau

2012-01-10T09:49:00.000+01:00

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Henri Julien Félix Rousseau

El titulo no parece justificado, puesto que lo que contempla el espectador es un paisaje desértico, de horizonte montañoso, tratado de forma casi monocromática, y en su primer término una figura dormida, a cuyo lado aparece un león de pacifica apariencia. El personaje, de epidermis oscura, se halla ataviado con una túnica de rayas multicolores y junto a él existen una mandolina y un jarro en cerámica. El sentido de tal composición no puede ser interpretado, a pesar de que el Aduanero Rousseau trataba –según declaró en numerosas ocasiones- de realizar una pintura realista.

La fuente de Villa Torlonia, en Frascati / John Singer Sargent

2012-01-05T09:46:00.000+01:00

Art Institute de Chicago

John Singer Sargent

La obra posee la frescura y espontaneidad propias de una nota realizada en vivo. Este apunte corresponde al viaje a Italia efectuado en 1907, en compañía de Jane Erin Emmet y su esposo, el retratista Wilfred de Glehn, amigo y discípulo de Sargent. Ambos han sido sorprendidos en el marco del parque de la Villa durante una sesión de pintura. La dama, sentada sobre un pedestal, tiene ante sí el caballete y la tela, en la que aplica el color bajo la atenta mirada de su marido. Al fondo, el verdor del follaje se halla interrumpido por el chorro del surtidor de la fuente, descrito con pinceladas rugosas que crean un efecto ilusionista. Las superficies del vestido de la pintora y de los elementos arquitectónicos han sido asimismo tratados con un mosaico de tonos y una carga de pigmento que producen una vibrante impresión.

La danza / Henri Matisse

2012-01-05T09:40:00.000+01:00

Museo de Arte Moderno de Nueva York

Henri Matisse

El artista deseaba expresarse por medio de la composición, evitando que la representación cobrase un sentido emocional capaz de anular su búsqueda de “líneas esenciales”. A tal criterio de armonía responde el cuadro, en el que prácticamente no existen más que tres colores y que se caracteriza por la importancia concedida a la línea de dibujo que contornea las figuras. Refiriéndose a la composición dijo Matisse a un periodista: “Tres colores para un vasto panel de danza; el azul del cielo, el rosa de los cuerpos, el verde de la colina.” El gusto por el arabesco y la simplicidad de las formas, patentes en esta obra, concuerdan con el interés del pintor por el arte musulmán, que le llevaría en los años siguientes a residir largas temporadas en el sur de España y en Marruecos.

La chica de la cocina / Rembrandt Harmenszoon van Rijn

2012-01-02T10:43:00.000+01:00

Museo Nacional de Estocolmo

Rembrandt Harmenszoon van Rijn

Retrato intimo, de encantadora sencillez, pintado en 1651. Modelada por un color denso y al mismo tiempo fluido, está la chica en actitud contemplativa, apoyando la mejilla en la mano. Nada falta ni sobra para definir su figura y hasta su temperamento. Se dice que Rembrandt lo colocó en su ventana y que la gente de la calle tardó tres días en darse cuenta de que se trataba de un cuadro y no de una persona de carne y hueso.

Se ha apuntado la probabilidad de que la retratada sea Hendrickje Stoffels, que por aquellas fechas había entrado al servicio del pintor y de la que en 1654 nació su hija Cornelia.