Museo del Rock Hispanoamericano

Rodrigo González, Rockdrigo, Sismo Rupestre

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Mon, 12 Mar 2018 04:11:00 +0000

Este año "Enero" me ha durado más de dos meses, aún siento que es año nuevo, tiempo en que uno pretende poner en orden los documentos, papeles y demás "chivas" que están haciendo bulto en los cajones, efecto de andar leyendo libros de autoayuda como El Método Kondo, en fin, a revisar papeles y recortes que tiene uno arremolinados y vaya sorpresa, me encontré con un texto de Armando Vega-Gil, el botellazo de jerez y también escritor, fotógrafo, más lo que se acumule esta semana; este texto se titula "Rockdrigo, Sismo Rupestre", publicado originalmente en El Financiero del 17 de septiembre de 1995.

Busqué en los archivos digitales del periódico antes de ponerme a transcribir esta carta post-mortem, pero ni el diario ni google me arrojaron resultados, así que, a propósito de mis deseos de escribir algo al respecto, que mejor que una memoria de alguien que lo conoció personalmente:

-Por si no alcanzamos a vernos en diciembre, feliz Navidad, ¡cabrón!- me gritaste, Rockdrigo, en allegro aguardientoso para luego reventar en una carcajada hiriente que engulló sin protocolos el túnel del metro. Las horrendas fauces de una Tonatzin encabritada, ¿por qué carajos no fui y te di un abrazo y te dije salte de esta ciudad que nos va a matar a todos? No, no fue en la estación del metro Balderas, fue en la de Centro Médico: resonancia sísmica, premonición. Esa fue la última vez que te vi. Se cuenta que a medio mundo le deseabas alegres pascuas y próspero año nuevo por que te latía que no ibas a llegar hasta el final del 85. Otros y Tanates. ¿Por qué carajos? y se dice que te obsesionaba la idea de la muerte, que ni tu chava ni tus cuates, ni el recuerdo de tu hija podían sacarte de una espiral depresiva y feroz. Cierren puertas y ventanas, encierren a sus hermanas, que ahí va la muerte. Tanto se dice de tu muerte anunciada, tanto porque el sismo socializó tu agonía y segó un árbol costero, que apenas comenzaba a dar sus primeros frutos mecos de papaya. ¡Préstala pa payase adiós, mamacita rica! Y Catalina me cuenta que, allá en Tampico-Madero, jaiba rellena y playas mar petróleo, le dabas miedo, todo mechudo y gandallita, siempre en una esquinita con tu lira y los vagos más vagos de todo el puerto, cante que cante en la esquina de la Quinta, diciéndole harta marranada cada vez que ella, faldita breve, pa'l calor, y pierna sabrosa, pasaba junto a tu bolita de cábulas. Tabula rasa. Allá en Tampico no hallabas que hacer y dejaste familia y jaibas y bajaste al séptimo círculo del infierno, acá en la Capital de mil formas, de recuerdos que se mueren entre el polvo no falta nada en la estructura del smog, los zapatos viejos y las caras oxidadas, las máquinas rugen feroces sobre Antonio Caso, la ciudad que te mató se volvió musa, odio, amor, pesadilla recurrente, concreto que diera concreción a la delirante lírica de tu lira negra, féretro electroacústico. Y, en el amanecer de los ochenta, Rodrigo, encontraste a un hombre espejo de tu nombre, hiciste un dueto y se te dio ser juglar. "Hoy, aquí en San Rafael Atlixco, canciones con Rodrigo González y Gonzalo Rodríguez". Paco Barrios se los encontró allá cantando a obreros rebeldes rolas de la Nueva Trova Cubana y un par de tímidas composiciones tuyas. Pasas tus días siempre a través de la ventana, soñando el tiempo, barriendo a veces con desgano. tus primeras canciones sonaban a las de Silvio, pero en tus letras se perfilaba, leit motiv, el modo del habla cotidiana, la dura semántica de la calle, el profundo océano significativo del caló chacotero y desmadroso, su belleza bizarra. Pero de aquellos duros años Gonzalo Rodríguez tampoco puede contarnos nada: el alcohol lo ahogo en su propio vómito (¡pinche muerte gandalla, siempre corres adelante, metiéndole zancadillas al desti-no tengo tiempo de cambiar mi vida, la máquina me ha vuelto una sombra borrosa, atrás de tus densos lentes oscuros, Rodrigo, hermanito difunto, uno podía adivinar el sarcasmo cintilando hiperquinesis de un no saber dónde descansar la mirada, como cuando estábamos los dos en una mesa sobre rock en la ENEP Acatlán y alternábamos rollos, tundiéndole a la guitarra con nuestras hoy viejas rolas y el inquieto clavar los ojos en las inquietantes piernitas de una preguntona estudiante de Comunicación: "Vas, cabrón, tu eres el guapo de la conferencia", "No -le conteste- vas tú, que aquí eres tú el carismático". Y te burlaste de mi y nos fuimos a una cervecería montada en una casa de paracaidistas con techo de cartón. Ahora tu eras Rockdrigo, el Profeta del Nopal en un gran pueblo magnético con Marías ciclotrónicas, tragafuegos supersónicos y su campesino sideral. Para ti la belleza era una miasma y hacías oscuras apologías al feísmo: que feo estoy, tengo una pata de palo y un ojo de vidrio. Querías que el horror te sepultara para encontrar, entre ruinas, la belleza y le escupías al mundo un dolor que entre sombras deslumbraba. Si volviera el amor, si tuviera un hermano, un amigo, un sueño en la mano, moriría ese dolor de buscar el calor en el cruel laberinto de este vaso de alcohol, de estas calles sin sol, ¡Carajo!, y yo que te vi desaparecer en el convoy intraterreno sin darte un abrazo, canalizo muerto, sin decirte que te fueras de esta ciudad que nos esta matando que no me caliente el sol, me asomé a mis adentros, solo vi viejos cuentos y una manera insólita de sobrevivir, miré hacia todos lados, dije: Dios ¿que ha pasado? Entre los botellos de jerez y tú habían amplias zonas de contacto: desmontar la realidad con las pinzas de la sorna, encuerar la pseudoconcreción con el desarmador de la autoparodia, que sólo el humor nos hará libres. Y nos pediste que fuéramos padrinos de tu grupo: Qual. Y les teloneamos en el Museo del Chopo y ahí si nos dimos un abrazo, el último, el único, canalizo ausente, y nos propusiste un día tocar con puras guitarras huecas y un tambor de hojalata, unplugged prehistórico. Si, estabas cocinando en las cavernas del subsuelo el Gran Movimiento Rupestre: La rasposidad del juglar destecnificado, la rapidez del rock guerrilla. "Mira, aquí el Misael está inventándose la onda del rock ranchero, este otro carnal el rock pop-ó, ustedes el guacarrock y yo, el rock huasteco Potosí". Tamaulipeco, después de todo: El canto de los vientos de la Huasteca es costas y montañas y la hoja seca; entre caña, tabaco y pescado frito, el huapanguero llega alegrando a todos con su rito. "Vamos a hacer un toquen con Botellita Rupestre". "Si, orales, hay que ponerse de acuerdo". pero tiempo y espacio nos guiaron por caminos diver S.O.S. La ciudad de México ha sido devorada por la furia de Coatlicue, la de las faldas de serpiente. La caída del cuarto Sol, el cielo se derrumba... Ese día llovió polvo. Algunas cuadras al norponiente, Carmelita gritaba bajo los escombros de Tepito, entre hijos vivos y angelitos muertos. Yo quedé varias horas atrapado por el cerco, policial y bomberos, en el Centro. Tú ya no saldrías, guitarra al hombro de los colmillos de varilla y granito en tu depa de la Juárez. Yo tenía 40 de calentura y tu perdías calor y voz. Me enteré de tu sepelio dos semanas después y, ¿carajo, por que no te di un abrazo y te pedí que te largaras de esta ciudad que nos esta matando a to

dos semanas después. Y te lloré, carajo, ¡si, el del carisma eres tú, no te puedes morir así! Y te lloró Catana que igual vio morir a su chava por un petardo de esquirlas, ¡puta muerte! Y Emilia lloró tanto cuando escuchó nuestra versión de Asalto Chiro: por fin, Botellita Rupestre, a pura guitarra de palo y blues harp, Y el corazón se me estrujo cuando alguien me llegó con un chiste catarsis-sísmico, de esos que inventamos los mexicanoscuangdo, desgarrados por la angustia y el terror, sacábamos un cadáver de entre los escombros: "¿Sábes de que murió Rockdrigo? De una sobredosis de cemento". Ese chiste te habría gustado por lo doloroso, por lo horrendamente cruel; si, la burla solía ser una bestia feroz en tus manos y a los que odiabas les llamabas panzones y los invitabas gustoso: "a ver cuando vienen a cagar a la casa". Después salieron los abanderados de tu recuerdo, los que se decían poseedores de tu verdad, los que a tu nombre descalificaban, pedían, perseguían, aullaban. Pero, qué más puedo yo hacer, hermanito muerto, que recriminarme el no haberte dado un abrazo y decirte que te largaras de esta ciudad que nos esta matando. A veces siento que se cae esa coraza que me mantiene seguro de moverme en todos lados; y entonces pienso que he corrido con algo de suerte en estas páginas dibujadas por la muerte. Adiós carnalito.

Asi, a diez años de la tragedia, cuando fue publicada originalmente este texto de Armando Vega-Gil, y a treinta años de aquel asalto de la naturaleza, y tan solo unos meses de un recordatorio del poder mismo de la madre tierra, con su irónica coincidencia, de mes y día, Rodrigo nos evoca al sismo, como mártir, esperemos que su memoria persista en las generaciones venideras, como seguramente le gustaría a todo artista, a través de su obra; ojalá y esta transcripción con fines meramente históricos no transgreda ninguna ley, y quienes la lean tengan a bien recordar al buen Rockdrigo invitando a las nuevas generaciones a escuchar su obra, la única manera en que sobreviven las grandes obras y sus artistas.

Salud!

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Cecilia Toussaint, La Sirena de Trapo

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Wed, 07 Mar 2018 21:17:00 +0000

Escuché a Cecilia durante mi adolescencia, y tengo el gran honor de decir que mi primer concierto al que asistí en mi vida fue precisamente uno de Cecilia Toussaint, en 1989, en el Centro Cívico de Ecatepec, para ese entonces el movimiento del Rock En Tu Idioma estaba en apogeo y Cecilia ya tenía dos discos impresos.

Cecilia Toussaint fue un giro total para lo que comúnmente hacían las "chicas" rockeras de la época, era agresiva y tenía una energía increíble, acababa de ver la película de Paul Leduc donde ella co-protagonizaba con Roberto Sosa una de las películas urbanas que mejor reflejaban la vida de los barrios suburbanos, donde ella canta "Aquí huele a Ghuetto encerrado" un tema de Jaime López que en esa versión guapachoza al estilo de la Sonora Dinamita, nunca salió a la venta y es exclusiva de la banda sonora, me parece que el grupo es Salario Mínimo, pero no lo recuerdo bien.

Mi primer cassette, por que era lo que se usaba en ese entonces entre los jóvenes, fue precisamente el de Arpia, grabado por Ediciones Pentagrama en 1986, y las letras me engancharon, principalmente La Primera Calle de la Soledad, autoría de Jaime López, los arreglos, la voz de Cecilia, todo estaba tan cargado de energía que era repetir una y otra vez el cassette. Un año después, en 1988 y ya en pleno movimiento del Rock En Tu Idioma, la radio comercial se subió al tren payolero que, como pocas veces, favoreció a muchos artistas que se vieron proyectados durante esa época, "Carretera" de Pepe Elorza se convertiría en su bandera y principal tema, en términos de difusión, su primer "single" del disco En Esta Ciudad, el cual recientemente fue reeditado por Sony Music en formato de Vynil Lp, aprovechando el resurgimiento del acetato, ese disco, En Esta Ciudad tendría una peculiaridad y un sello exclusivo, el haber gozado de la producción de Carlos Narea, el Rey midas del Rock en tu Idioma, el cual ya había producido a grupos Pop como Los Hombres G, entre muchos otros. En Esta Ciudad fue un éxito, catapultó a Cecilia y la consolidó como un ícono del Rock Mexicano.

La industria dio un giro y dejo de apoyar a los grupos del Rock En Español, parecía como si por algún "mandato extraño", el proyecto hubiera sido cancelado, Espacio 59, estación de radio, otrora La Pantera, fue cancelada y se convirtió en algo totalmente diferente. Las compañías discográficas empezaron a proyectar el lema "Rock En Su Idioma Original", para reivindicar a los grupos anglosajones, y parecía que ese castillo de naipes del Rock En Español iba cayendo en picada.

Para 1990 el disco "Tírame al Corazón" salió a la luz, pero parecía que la magia se acababa, Cecilia, perteneciente a una familia de músicos reconocidos, parecía haber cambiado de estilo, aunque el disco seguía contando con temas de López y de Elorza, los arreglos eran más cuidados, más jazzísticos, y su público inicial no estaba tan acostumbrado a ello.

El tema de la "Complacencia al público" no es algo que le agrade mucho a algunos artistas, aunque se deban a ellos, Tírame al Corazón tenía temas muy rockeros pero la respuesta a sus discos anteriores no fue la misma.

Para 1992 salió a la venta "Noche de Día" un disco en vivo grabado en el Auditorio Nacional, quizás el mejor disco que he escuchado en vivo, un agasajo escuchar sus primeros éxitos, como Amame en un Hotel, Me Siento bien pero me Siento Mal, Prendedor con los arreglos y orquestación de primera, Cecilia estaba en su punto más alto y se hacía notar.

Para 1993 el disco "Sirena de Trapo", el último que grabaría para Sony Music, mostró temas con una tendencia similar a lo hecho en "Tírame al Corazón", ahora había temas de Alejandro Lerner y Fito Páez, y aunque contaba con temas muy buenos como La Almohada Eléctrica, era evidente que Cecilia quería desprenderse del Rock, incluso en algunas entrevistas decía que ella quería gritar menos, mostrar que era una Cantante, así, sin etiquetas, lo que le permitió mostrar su talento al cantar para el álbum recopilatorio "México, Voz y Sentimiento", donde logró colocar un tema de Jaime López, "Ay, Qué Dolor Vivir" con arreglos de mariachi, una increíble pieza que actualmente es poco común encontrar. Pero quizás por presiones de la disquera o por decisión y gusto propio, en la segunda edición de "México Voz y Sentimiento", Cecilia grabó "Mi Ciudad", una hermosa canción de Guadalupe Trigo.

Parecía que la ruptura con Sony, si es que la hubo, generaría un limbo, sin embargo, la participación de Cecilia Toussaint con Caifanes/Jaguares durante la segunda mitad de la década de los noventas estaba caminando de la mano con su compañero sentimental, Alfonso André, baterista de ambos grupos, y resultante de ello hubo algunos proyectos interesantes, un Ep llamado Detrás del Silencio donde volvió a grabar el tema "Como la Nada".

Un disco infantil en 1997 sería lo último que Cecilia grabaría de manera solista durante la década de los noventa.

Un nuevo disco, homónimo, la llevó cerca del Grammy en el 2001, pero no tuvo la difusión merecida, experimentó con temas de José Manuel Aguilera, de La Barranca, logrando piezas memorables.

En el 2002 sale una especie de disco tributo o autotributo, con duetos y nuevas versiones a sus temas clásicos, Otro Lugar, donde recrea canciones como "La Primera Calle de la Soledad" con el Café Tacuva, "Aremos otra tierra" con Zoe, "Mejor exorciza tus miedos" con el Gran Silencio, y "Carretera" con Alex Syntek. Parecía que Cecilia regresaría hacer de nuevo rock, pero entonces vino

"Para Mi Consuelo", que llevó a Cecilia nuevamente a una zona donde los fans, quienes seguíamos esperanzados a la Cecilia "roquera", a una especie de limbo, donde Toussaint parecía quererse desmarcar de lo hecho anteriormente, logrando confundir a muchos de sus seguidores., era normal, Cecilia había madurado y crecido como artista y cantante, parecía que el rock era sólo un cliché, y sin embargo, su voz no logró el reconocimiento que se merecía en esa época de experimentar matices más académicos.

En el 2006 hubo una participación especial para el Canal 22, a lado de Betsy Pecanins, que quedó registrado en un disco y DVD llamado a "A Viva Voz", donde quedaron registradas canciones de Silvio Rodríguez, Fito Páez, etc; por alguna razón incomprensible para mi, esta producción quedó excenta de los temas clásicos de Jaime López, Elorza, y de Betsy tampoco hubo temas de Briseño.

Ya para el 2007 parecía haber una reconciliación artística entre Cecilia y Jaime López, lo que se evidenció en un nuevo disco acústico, una maravilla titulada "Acoso Textual" con una selección de canciones de Jaime López, algunos de ellos habían sido grabados previamente por Eugenia León, en Mar Adentro, pero la voz de Cecilia, para mi gusto, esta hecha para cantar rock, y aún en su versión acústica, las versiones de Cecilia son inmejorables.

En 2014 y para celebrar 30 años de carrera artística, Cecilia dio un inolvidable y maratónico concierto en el teatro Metropolitan, repasando lo mejor de 3 décadas, tiempo por el cual se editó un recopilatorio de 4 CD's llamado Línea de Tiempo, con una selección de toda su discografía, incluyendo sus participaciones con otros artistas como Kabha, LiranRoll y Caifanes. Parecía que con ello se cerraba un ciclo de 30 años de carrera, pero para 2015 salió Faro, su último disco.

Para finales del 2017 participó en el Rock En Tu Idioma Sinfónico Volumen 2, organizado por Sabo Romo. Interpretando su tema más comercial y emblemático, "Carretera" de Pepe Elorza.

(Continuará...)

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Armando Palomas y La Irreverencia Creativa

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Sun, 21 Jan 2018 06:11:00 +0000

Pocos artistas llegan a ser tan auténticos, honestos, irreverentes, consecuentes y prolíficos como Armando Palomas.

Sin ser complaciente, Armando Palomas dice y canta lo que quiere y lo que se le ocurre de una manera tan auténtica y fresca que puede llegar a espantar a los puritanos y a las persignadas.

Aunque se autodenomina Rupestre, su género es inclasificable, puede cantar banda, mariachi, cumbia, polka, son, rock, rap y cuanto le venga a la mente y todo con una natural e ingeniosa desfachatez.

Con más de veinte años de carrera en solitario, más de trescientas canciones grabadas a lo largo de más de diez discos y un documental grabado por García Michell, Armando Palomas se encumbra como el más auténtico y desenfadado cantante mexicano.

No le interesa quedar bien con nadie, ni con rockeros ni con demás artistas más que consigo mismo.

Se a grabado sus propios discos a través de Fábrica de Veladoras, su propio concepto, a logrado ingresar a los nuevos servidores de música en línea, como Spotify o iTunes.

Puede llegar a ser machista y políticamente incorrecto, sus letras invitan a ser apologías del vicio, a tenido sus percances por sus excesos y a logrado salir ileso, o casi.

Ya sea por su prolífica carrera, o por su originalidad, Armando Palomas merece ingresar en los memoriales de la música mexicana, y podríamos mencionar rolas tan bellas como Besando el Aire, hasta las rolas más descabelladas como Que se Muera el Rock.

Puede tentar lo poético hasta lo más guarro. Convencer abuelitas como provocar puritanos.

Cuenta con rolas comprometidas y de crítica política como La Canción del Mutilado que ya es una especie de himno milenial, o De Uno Por Uno, una de las canciones más críticas a la forma de gobernar o desgobernar.

La parodia y la crítica a la música de nuestra época se hace escuchar fresca y combativa, nueva, con ganas de exprimirle vida a las piedras, a las convenciones, a lo popular, y logra como resultado piezas que mueven al público.

Discografía “oficial” de Armando Palomas

Sin contar demos, rarezas y demás participaciones, la discografía solista de Armando Palomas:

Una Cuarta (1988), un disco principalmente acústico con guitarras nítidas y letras urbanas, mezclando sonidos de rock con coqueteos provincianos, logra una buena carta de presentación. Destaca Señor Gallero, una mezcla de sonidos desde provincia, rock y tango, con requintos exquisitos. El Blues del Perro Atropellado, donde la guitarra magistral logra buenos acordes de blues, con una letra que mezcla lo anecdótico y un coro que nos recuerda una canción más conocida de la cultura popular. Acidez Brutal, un hard core provinciano con rimas que nos recuerdan temas como Los Agachados y Chilanga Banda, pero con una mezcla de son jarocho.

Tequila Coyoacan (1999). A mi gusto, uno de los mejores discos de Armando Palomas, donde destacan El Corazón No Se Arruga, donde se continua con un acompañamiento acústico y una letra con coqueteos “sabinescos”, haciendo referencia a elementos de la cultura popular mexicana. “Ok Good Bye Simón”, una intro a lo nirvana y una continuación provincial con una letra que nos recuerda a Chava Flores; Canción con Sangre, Canción Pinche y Canción Pendeja son otra muestra del ingenio y desenfreno de este cantante. En este disco se incluye uno de sus temas icónicos, La Canción de Mutilado. Juan Simón es otro genial tema de este disco, cruda, urbana, enérgica, al igual que la controvertida Dr. Martínez.

El Extraño Retorno de la LLorona Pérez (2000); Uno de sus primeros discos donde incursiona a una mayor instrumentación; En este se incluyen temas como Todos Estamos Locos; Mariachi-Dote y La Cumbia del Maskin-Tape, donde se deja ver una postura más radical contra un sistema político tan criticable como lo es el mexicano. Se incluyen arpas y violines al estilo de son jarocho. En Vivo (2000), Su primer disco en vivo, con lo mejor de su repertorio hasta ese año,

(Continuará)

Francisco Barrios, "El Mastuerzo"

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Mon, 02 Jul 2012 18:03:00 +0000

Oriundo de Tulancingo, Hidalgo, Francisco Barrios se ha destacado en el mundo de la música por ser uno de los compositores del Rock Mexicano con mayor contacto y simpatía con el publico; rolero, como el se clasifica, Paco Barrios incursionó primeramente en la banda Los Nakos y posteriormente en el ya legendario grupo Botellita de Jerez.

Al rededor de 1996, en la debacle del genero ante los ritmos nuevos como el Hip-Hop, Paco inicia una aventura solista, bajo el apoyo del sub-sello Culebra, lanza su primer álbum solista, Prohibido, quizás uno de los mejores discos de su carrera, en el cual se destacan temas como "Prohibido", "La Mamá de Tarzan" y "Cuando vienes a cagar a la casa".

Todas sus letras son criticas y llenas de humor, un tanto escatológico pero siempre asertivas, las canciones de Paco son realistas y crudas.

Prohibido.

El disco "Prohibido" lo lleva a cantar en TODO lugar donde lo soliciten, ya sea a pie o en avión, el se presenta ya sea en Alicante España o en la Casa de Cultura de Ecatepec. Esa cercanía con la gente, acompañado tan solo de su guitarra rota, lo motiva a continuar con un segundo disco: Podrido.

Podrido

Podrido ya no tiene esa espontaneidad del que gozaba su primer disco pero aun así tiene piezas magnificas como El Rinoceronte de reversa, María o Cantate una que se sepan todos, continua con ese acercamiento que lo lleva a cantar ante una veintena de personas o ante miles como ocurrió en Pachuca donde antecediera a Panteón Rococo.

El Mastuerzo en vivo.

Entre 2005 y 2006 Paco distribuye entre el publico que lo escucha su disco en vivo, grabado en diferentes lugares donde el se presenta, generalmente peñas de trovadores. En dicho material se aprecia la esencia de sus presentaciones, llenas de humor y critica social y política.

(continuará...)

Santa Sabina - Flores, Rock y Vampirísmo.

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Wed, 16 Mar 2011 23:45:00 +0000

Corrían los años noventa, cuando surgió Santa Sabina, había un cambio en la música, la ruptura con los sonidos ochenteros y BMG, a través del sub sello Culebra, intento revivir el éxito del Rock en tu Idioma grabando a una nueva camada de rocanroleros.

Grupos como La Lupita, Tijuana No, Gerardo Enciso, la Cuca, la Castañeda y Santa Sabina fueron firmados por la trasnacional, de estos grupos se puede decir que, a excepción de Enciso, quien ya tenía una trayectoria discográfica, los otros eran grupos nuevos con propuestas totalmente alternativas.

Santa Sabina explotó una estética un tanto lúgubre y sensual, vampírica; en un inicio su principal patrocinador fue el grupo Caifanes, quienes en ese entonces eran el grupo líder en la escena del Rock Mexicano, eran días de giras donde grupos como La Castañeda, Fobia y demás grupos de la compañía discográfica BMG (actualmente SONY Music), se unían en carteles magnánimos.

La Era Caifanes tuvo esa magia, la magia de la unión, la solidaridad y el zapatismo. Botellita de Jerez y Café Tacuba se unieron a los eventos en C.U. a favor del EZLN y las comunidades indígenas. Santa Sabina se convirtió en una de las agrupaciones con más peso en el movimiento. Pero, tras la ruptura de Caifanes se fracturó algo mucho más grande, el colectivo del rock mexicano también se derrumbó, fue un tiempo de rupturas y cambios fuertes.

El grupo Santa Sabina fue reconocido al ser invitado a hacer un concierto Unplugged (el segundo disco acústico en su carrera y uno de los últimos para BMG). Lo que marcó de manera internacional su paso por la música rock.

Después de ese breve periodo de éxito, los conciertos ya no eran múltiples, y cada grupo se empezó a rascar con sus propias uñas, y, obviamente, el impacto dejo de ser lo que era en un inicio, ya no se vendían los conciertos, además, los discos perdieron espontaneidad y comenzaron a introducir elementos musicales cada vez mas conceptuales, más ligados a un rock más experimental y quizás hasta progresivo, música a la cual el público no estaba preparado.

Sin los Caifanes al frente del colectivo de rock mexicano, la “Generación Culebra” fue decayendo hasta perderse en el olvido y el conceptualismo.

Santa Sabina logro lanzar un par de discos de estudio mas con sello independiente y un álbum doble en vivo para celebrar sus XV años, pero la tendencia era la misma, los discos ya no se vendían ni llenaban presentaciones foráneas, a pesar de que habían logrado cosechar admiradores el grupo se perfilo a la extinción, aparecían esporádicamente en algún festival pero sin levantar expectativas.

Santa Sabina fue un concepto, que al igual que La Castañeda, venían del teatro, del performance, y algunos temas de su primer disco estaban ligados con dicho concepto, aunque su nombre era un tributo a María Sabina, el grupo tenía muchos elementos del gótico, el pop y el progresivo, una mezcla muy rara y difícil de digerir para la época. Dicha tendencia lírica se la debieron a Adriana Díaz Enciso, conocida en los círculos literarios por su manejo de temas vampíricos y fantasmagóricos.

Aprovechando el trabajo de Adrián Belew con Caifanes, fueron producidos por el icono musical y lograron cosechar a una generación de fans.

A últimas fechas el grupo se fue disgregando y Rita Guerrero de voz experimental y única se dedicó a la música barroca en el Claustro de Sor Juana, lugar donde fue velada tras su partida de este mundo el viernes 11 de marzo del presente, víctima del cáncer de mama.

Su legado queda registrado en cinco discos de estudio, dos discos acústicos, un disco doble en vivo y un DVD, al frente de Santa Sabina.

Santa Sabina:
Voz: Rita Guerrero.
Bajo: Alfonso Figueroa.
Guitarra: Pablo Valero / Alejandro Otaola.
Batería: Julio Díaz.

Discografía para BMG/Culebra (actualmente Sony Music):

1992 Homónimo. (reedición 2011 - Colección Recupera Tus Clásicos)
1994 Símbolos. (reedición 2011 - Colección Recupera Tus Clásicos)
1994 Concierto Acustico. (reedición 2011 - Colección Recupera Tus Clásicos)
1995 Babel. (reedición 2011 - Colección Recupera Tus Clásicos)
1997 MTV Unplugged.

Discografía Independiente:

2000 Mar Adentro de la Sangre.
2003 Espiral
2004 Espiral en vivo (DVD).http://www.blogger.com/img/blank.gif
2005 XV Aniversario (2 CD / 1 DVD).

Participaron a lado de Saúl Hernández y Sax de Maldita Vecindad para interpretar “Foto Finish”(Tema de José Elorza), en la película “Ciudad de Ciegos” (Dir. Alberto Cortés, 1992), con la cual, la cinta ganó un Ariel.

Página Oficial.

Ex - Caída Libre (1997)

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Tue, 29 Jun 2010 04:26:00 +0000

Los años noventa tuvieron para el rock en español un significado muy especial, se trataba del ultimo respiro del movimiento del rock de los ochenta antes de que la "onda pop(o)" invadiera la MTV.

Antes de que el siglo pasado terminara la afamada televisora de musica en video tenía una real proyección rockera, grupos verdaderamente independientes abordaron los subsellos comerciales como "Culebra" de la extinta BMG (ahora Sony Music), uno de esos grupos fue EX.

Ex produjo un disco de alto rock, rock en serio, con temas agresivos y un alto nivel de interpretación, les conocí solo este disco y desconozco si existan más, la ficha de producción que les muestro es de la versión mexicana.

El disco iniciaba con "Chao" un tema de rock punk, "Sacar la basura" fue uno de los temas que más sonaron en "Orbita" (actualmente Reactor), en "Sacate la Cresta" más rock punk a lo grunge tipo Nirvana sonaba el estribillo "buscate otra que te lave la ropa, buscate otra que te quiera mucho", "La Corbata de mi tio", el cuarto track, uno de los mejores temas del disco, mucha energía y voz desgarradora gritando "Dime cuantas veces quieres que te lo repita"; "Matame despues" es el quinto tema y uno de las canciones lentas que se ofrecieron en este disco; "Vendo Diario" fue el tema single del disco, con todo y videoclip que se ofrecía en la MTV, "hasta cuando con eso de que todo esta bien ..."; "De día" un tema coqueto de rock armónico, y asi le siguen otros temas igual de buenos y potentes.

Grupo: Ex
País: Chile.
Integrantes: Pablo Ugarte, bajo y coros; Hernan Edwards, guitarra; Colombina Parra, Voz y guitarra; Octavio Bascuñan, bateria.
Disco: Caída Libre.
Producción: Guido Nisenson.
Año: 1997 (Edición México).
Discográfica: Culebra Continental, BMG.
Singles: "Vendo Diario", "Sacar la Basura".
Temas: 12.
Formato: CD.

He aqui un video de Ex que encontré en YouTube:

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Alaska y Dinarama - Deseo Carnal - 1984/2006

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Tue, 05 Jan 2010 00:16:00 +0000

Es curioso, Deseo Carnal, es uno de esos discos que se adelantaron a su época y trascendieron de tal manera que son más disfrutables ahora que cuando fueron editados (pasados 25 años de su lanzamiento).

"Deseo Carnal" era glam, un concepto pop obscuro, algo que no era muy comprendido en su época y que a muchos les sonaba muy "fresa" (adjetivo que en México hace referencia a lo esnob), sin embargo, el concepto de Olvido Gara, Ignacio Canut y Carlos Berlanga iba mas allá del esnobismo, era perfilar una identidad a lo que posteriormente se consideraría en España como La Movida, y que en México se conoció como El Boom del Rock en tu Idioma.

El disco fue editado en México en el año de 1985 aunque en España había sido editado un año antes, su popularidad continúa en la actualidad. Y, podría decirse que para muchos es el disco más comercial de Canut y compañía, la verdad es que "Deseo Carnal" es el disco más completo y polifacetico de la discografía de Alaska y Dinarama, además de ser el más vendido con mas de un millón y medio de copias en todo el mundo.

Temas como "Ni tu ni nadie" y "Como pudiste hacerme esto a mi" se consolidaron como las piezas más populares del grupo, a la cual se le añade "A quién le importa?", tema perteneciente al LP "No es Pecado".

Para los más exigentes, hay temas de la época de Pegamoides que tienen más valía, sin embargo, los temas con Dinarama serían los más difundidos en México, temas como La Mosca Muerta sería reinterpretada por Zü y Tex Tex (México), y "A quién le importa?" sería reinterpretada por cantantes variados como Thalia y Raphael (este último gran amigo de Olvido Gara con quien a grabado varios temas a dúo).

En el 2006, Alaska y Dinarama recibe el favor de su disquera con una redición de lujo con lados B, remixes y nuevas versiones, haciendo la delicia de los fans, lo que sin duda hace falta en México, que las disqueras exploten ese lado del marketing musical de las vacas sagradas del rock mexicano como Fobia, Caifanes o Maldita Vecindad, quizás algún día lleguemos al desarrollo.

Titulo: Deseo Carnal
Grupo: Alaska y Dinarama
Integrantes: Olvido Gara, I.Canut, C. Berlanga.
Año de edición: 1984 (Lp-KCT)
Año de redición: 2006 (Doble CD)
Productor: Nick Patrick
Temas Single: Ni tu ni Nadie, Cómo pudiste hacerme esto a mi
Temas incluídos:

1984:

¿Cómo pudiste hacerme esto a mi?
Isis
Ni tu ni Nadie
Solo por hoy
Falsas Costumbres
Un hombre de verdad
La decision
Deseo Carnal
Victima de un error
Carne huesos y tu

2006:

Ni tu ni Nadie - Spam Remix
Cómo pudiste hacermo esto a mi? - Carlos Jean Remix
Isis - Spam Remix
Carne Huesos y Tu - Cycle Remix by David Kane
Un hombre de Verdad - Acid Remix by Spunky
Cómo pudiste hacerme esto a mi? - Re-Mix 1984
Ni tu ni nadie - Re-Mix 1985
Un hombre de Verdad - Nueva Versión
De Sol a Sol - B-Side Maxi Cómo pidiste hacerme esto a mi?
Jaime y Laura - B-Side Maxi Ni tu ni Nadie
Ni tu ni Nadie - Demo
Carne huesos y Tu - Demo

Grupos relacionados: Parálisis Permanente, Fangoria, los Vegetales, Corcobado, Zü.

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Qual - Al borde del precipicio (1988)

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Thu, 15 Oct 2009 19:57:00 +0000

RODRIGO "EL ROCKDRIGO" Y QUAL!!!

En este post me referiré al grupo Qual, de Rodrigo hablaré más tarde, y es que del grupo Qual nada se supo o bien poco se sabe, "el bueno era el Rockdrigo", si, es verdad, pero el trabajo de estos chavos era también valioso, y quedó sepultado como resulta de los acontecimientos terribles que mataron a la ciudad en el terremoto del 85.

Cosa curiosa, si el Rockdrigo no hubiera muerto, habría entrado al estudio de grabación para el proyecto que ya estaba armado con el grupo Qual, quizás fue mejor así, de lo contrario estaría perdido entre los demás colegas de su generación.

Rockdrigo fue el primer mártir del rock nacional, y no es que no se hayan muerto otros, sino que como el Rockdrigo ninguno.

El éxito que "Hurbanohistorias" y del auge que estaba recibiendo el rock en español en esa época le obligó a firmar para la grabación de un disco con el grupo Qual, ya que la onda solista no se estaba cocinando en las disqueras a menos de que hubiera un grupo de por medio, con Qual hay varias piezas grabadas, mismas que están incluidas en los "extras" del DVD "No tuvo tiempo", que su disquera Pentagrama lograría lanzar hace algunos años. (y que se pueden ver en you tube para variar).

Qual, Al borde del precipicio.

Tras la llamarada de petate que fue el "Rock en tu Idioma" y una vez que la música anglosajona se había reposicionado, varios grupos se perdieron dejando tan solo un disco registrado, o al menos un disco bueno, entre estos estaba Qual, quien tras la llamarada se desvanecieron entre tocadas ocasionales en hoyos funky, tocadas universitarias y memoriales al Rockdrigo.

"Al borde del precipicio" incluye dos temas de Rockdrigo González, "La maquina del tiempo" y "Señor Gasolinero", esta última es totalmente inédita y solo quedó registrada en este disco, por otra parte, el disco contó con la colaboración de Nina Galindo y con las letras de Fausto Arrellín, quién además es el vocalista del grupo, desconozco más información así que todo aquel que desee cooperar con mayores informes pues bienvenido!!!

Gracias a Rodrigo de Oyarzabal por la siguiente información que nos ha proporcionado, transcribo tal cual lo dejo registrado en los comentarios a este post:

"Qual se forma antes de tocar con Rockdrigo y es a raíz de los Festivales Rupestres cuando se vuelve su grupo de soporte. Fausto Arrellín había fundado primero Coatlicue, grupo de rock progresivo orientado hacia los orígenes y música prehispánica, y posteriormente, cuando el rock en México brincó hacia las calles y los barrios, armó Qual para afrontar este nuevo reto sonoro.

El rol de la época fue reuniendo a diferentes músicos que encontraban ciertas concordancias a partir de un trabajo similar que se reconocía en los diferentes sitios de la época en los que se podía tocar independientemente. De ahí Arrellín, Catana, Rockdrigo, Roberto González, Nina, Ponce y demás se fueron juntando hasta dar con el Colectivo de los Cantantes Errantes que en algún momento llegó a contar con Eblen Macari, Memo Briseño y el mismo Lora cuando trabajaba un taller de letras con Briseño y Jaime Moreno Villarreal.

Qual grabó pasado el temblor, un caset independiente llamado “Caminando” con las siguientes rolas: Caguamo’s blues, Caminando, Cazando mariposas, Los días, No me espantes, No sé porqué será, Ojos de obsidiana, Rocanrolero, Sólo una vez lo ví y Telenovelómana y, en 1986, con un repertorio muy similar, en modalidad acústica (unplugged, pues) grabó conmigo una cinta en Radio Educación que titulamos “Qual Acústico”: Cazando mariposas, Telenovelómana, Ojos de obsidiana, Los días, El quería ser… (que después quedaría como Rocanrolero), No me espantes, El gran silencio (de Rockdrigo), Memorias de un gusano, El viejo RIP y Sólo una vez lo ví.

Pentagrama grabó rock mexicano a partir de “Hurbanistorias” cuando la Fundación Rancho Electrónico que, a nombre de Don Manuel González Sámano decidiera la cuestión artística de la obra del Rockdrigo, aceptara la propuesta de Modesto López de producir (cobrando únicamente los gastos de producción las utilidades irían a un fideicomiso administrado por la Fundación Rancho Electrónico-). Establecido el contacto propuse a M. López (cuya relación formal con Radio Educación no va más allá de la difusión de su disquera) la creación de una “división” que se dedicara al rock mexicano la que llamé “Ozono” y para la cual conseguí que grabaran Cecilia, Trole, Mamá Z y la Camerata de Armando Rosas, Follaje y Banda Bostik llegaron con sus discos ya hechos y nomás se prensaron, (Ninot no forma parte del catálogo de Pentagrama y El Personal grabó su único disco con Julio Haro en Discos Caracol –años después de la muerte de Julio, el Boy Haro llevó la cinta a M. López para editar el CD, pero el LP nunca lo tuvo Pentagrama-)" Rodrigo de Oyarzabal (Mil gracias!!!)

Disco: Al borde del Precipicio
Grupo: Qual.
Año: 1988 (grabación noviembre 87 a julio 88).
Integrantes:
Miguel Ángel Pérez (Camilo) - Batería y Coros.
Francisco Acevedo - Bajo, Armónica y Coros.
Javier Vila - Teclados.
Fausto Arrellín - Guitarra y Voz.
Edgar - Sonido
Músicos Invitados: Nina Galindo, Mario Mota, Julio Oñate.
Producción: Modesto López.
Disquera: Pentagrama.
Temas:
lado a - Introducción, El primer Aguacero del año, la maquina del tiempo, solo una vez lo vi, rocanrolero, lado b - no se por que será, sr.gasolinero, los días pasan, al borde del precipicio, epílogo.
Grupos emparentados: Cecilia Toussaint & Arpía, Trolebús, Mamá-Z.
Estatus: Disco LP, 12" descontinuado.
Espacio 59 - Single: Rocanrolero

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MERCEDES SOSA: 1935 - 2009

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Mon, 05 Oct 2009 18:48:00 +0000

Antes que nada quiero hacer una justificación por la cual Mercedes Sosa hace aparición en el Museo del Rock Hispanoamericano, es verdad, Mercedes Sosa no fue roquera propiamente dicha, pero hay en su carrera las honrosas excepciones por la cual hablaré aquí de Mercedes, así que, para ir calmando los ánimos de todos los que estarán poniendo ojos bizcos no hablaré de Mercedes como folclorista, ni de su biografía, sino de su nexo con el rock y el pop contemporáneo.

Sosa y Charly García

La primera vez que vi a Mercedes Sosa fue en Junio de 1999 en el Zócalo de la Ciudad de México a lado de Charly García, fue cuando conocí su trabajo en conjunto y conseguí uno de los mejores discos que he escuchado: Alta Fidelidad (tendrá mejores, lo sé, pero para mi gusto rocanrolero es así).

"Alta Fidelidad" (Mercury 1996), es un disco donde Mercedes Sosa interpreta temas de Charly García, El Maestro, interpretando de una manera magistral los clásicos del Say No More, "Cuchillos", "Promesas sobre el bidet", "Hablando a tu corazón", "De mi", "Cerca de la revolución" y muchos otros temas del genial compositor argentino.

"Alta Fidelidad" es un disco que trasciende por sus arreglos, nada folclóricos, rupestres o acústicos, por el contrario, son electrónicos, vibrantes, rockeros, es por eso que Mercedes Sosa va a figurar aquí en el Museo del Rock, pero Charly García no es el único rockero con el que Sosa se ha identificado.

Sosa y Fito Páez.

Mercedes Sosa es de las artistas que, junto a Caetano Veloso han logrado interpretar con éxito y maestría la obra de Fito Páez, uno de los salieris de Charly.

Sosa ha interpretado como nadie los éxitos de Fito: "Un vestido y un amor", "Yo vengo a ofrecer mi corazón", "Y Dale alegría a mi corazón", todas de Fito Páez, el roquero, el músico que trasciende géneros y a lado de la interpretación de "La Negra", mote con el cual se referían cariñosamente a esta genial interprete.

Sosa y León Gieco.

Mercedes proyectó casi como propia uno de los temas más emblemáticos de León Gieco, "Solo le pido a Dios", Mercedes grabó y dio giras a lado de Gieco y de Gustavo Santaolalla (aquel que a producido a grupos como Café Tacuba, Molotov, Venegas, Peyote Asesino y más).

Mercedes Sosa y Gustavo Cerati.

Recientemente Mercedes fue homenajeada por varios artistas que han mostrado su admiración y respeto, uno de ellos es Gustavo Cerati (de sobra esta decir quien es Cerati, pero si algún despistado se lo pregunta solo les diré que es el vocalista y guitarrista de Soda Stereo, banda emblemática del Rock Argentino y principal influencia de la música alternativa en español). Dicho homenaje recibe el nombre de "Cantora 2".

En "Cantora 2", Sosa canta a dúo con Gustavo Cerati el tema "Zona de promesas", uno de los temas de Soda Stereo y que se editara originalmente en argentina como un disco de remixes de Soda, ahora Cerati compartiría dicho tema con un icono de su patria, Mercedes Sosa.

Mercedes Sosa, los dúos de "Cantora 1 y 2"

"Cantora" es un álbum doble (que se vende por separado), donde, al estilo de "Querido Pablo", el artista homenajeado hace duetos con aquellos que le rinden tributo, en estos discos vale la pena destacar algunos de los duetos que tienen mucho que ver con el rock y el pop de la actualidad:

Mercedes Sosa y Shakira, cantan "La Maza" de Silvio Rodríguez, algo que muchos tradicionalistas no toleran ni toleraban de Sosa era su gran corazón para compartir el escenario con artistas comerciales, aquí en México, por ejemplo, recibió una rechifla cuando compartió el escenario con Mijares, cantante mexicano de marcada línea comercial, durante un recital en el Auditorio Nacional (México).
Sosa cantando con Shakira resulta algo inconcebible para muchos seguidores izquierdosos, y luego cantando una pieza de Silvio les resulta insultante, lo cierto es que el tema resultó en una de las mejores piezas del disco "Cantora", ademas de que Shakira es una cantante que si bien no pertenece a la trova, tuvo en sus inicios una tendencia lírica respetable, casi pegandole a lo Alanis Morriset (de antemano pido perdón si el comentario resulta ofensivo para algún puritano o admirador acérrimo o de Shakira o de Alanis).

Algunos otros duetos incluidos en "Cantora 1 y 2" y que tienen una relación directa con la música hispanoamericana son los realizados con Julieta Venegas, Calle 13, Lila Downs, Joaquín Sabina, Jorge Drexler, Luis Alberto Spinetta, Pedro Aznar y Vicentico de Los Fabulosos Cadillacs.

Creo que después de todo Mercedes Sosa merecía un lugar aquí, entre los héroes de la música hispanoamericana.

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Alquímia - Hasta el Edén

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Wed, 28 Jan 2009 20:13:00 +0000

escuha la version podcast

Cada determinado tiempo, digamos casi cada diez años, aparece una mujer que cambia las estructuras musicales dejando una honda huella en una época, hablaba en alguna ocasión de “Zü” (Gabriela Medina), bajo ese tenor y con marcadas diferencias podríamos hablar de Alquimia, una cantautora mexicana que dejo su huella en el Rock Alternativo de los años ochenta, a mi parecer Alquimia se adelantó a su época, su música estaba claramente influenciada por “Siouxie & The Banshees”, atmósferas oscuras que a su época fueron revolucionarias, al menos en nuestro país, donde el pop estaba orientado a atmosferas más “alegres”, por así decirlo, “Hasta el edén” fue el single que quedó más arraigado en la memoria musical de quienes vivimos la época de Rock 101 y Espacio 59, ambas del Núcleo Radio Mil, y que ahora, a más de 20 años de ello aun no ha surgido un proyecto musical radiofónico con “idea musical” tan definida como estas estaciones, a la trayectoria del tiempo hemos tenido a Radioactivo y Orbita, pero en fin, retomando, Alquimia logró un rock de ruptura, de claras influencias “indie” con tendencias góticas.

“Monstruos transparentes”

La BMG logró firmar algunos grupos mexicanos para lo que mercadotécnicamente se conoció como “Rock en tu idioma”, creando a la vez una de las épocas mas añoradas por muchos treintones como yo comprenderé, Alquimia, Caifanes, Fobia, Neón, Amantes de Lola y Maldita Vecindad fueron los grupos firmados por la transnacional pero, al avance del tiempo, solo la mitad de esos grupos lograron mantenerse en la trascendencia comercial de la compañía, desgraciadamente el trabajo de Alquimia no fue comprendido a pesar de la alta calidad de su grabación y producción y terminó enlatado y descontinuado, actualmente es casi imposible conseguir el disco “Monstruos Transparentes” que no logró editarse en CD y que solo logró grabarse en KCT y LP.

“Monstruos Transparentes” fue el titulo del único disco comercial que logró grabar con BMG, aunque posteriormente grabó en el extranjero un disco conceptual al amparo de la asesoría de José Álvarez de Oxomaxoma, “Monstruos Transparentes” incluyó diez cortes y actualmente es prácticamente inconseguible, a excepción de las virtudes de la web que alberga en algún “host” el contenido onírico post gótico de “Monstruos Transparentes”.

Actualización 12 de mayo de 2018, Este disco ha sido reeditado y remasterizado para su venta digital. Se puede conseguir en iTunes, Spotify y demás plataformas digitales.
Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Disco: "Monstruos Transparentes" (Tu y Yo)
Tema o Single: "Hasta el Eden"
Artistas Relacionados: David Bowie, Siouxie & The Banshees.
Bien pudo haber influenciado a: Zü, Santa Sabina.

Naftalina – Federico Arana

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Thu, 12 Jun 2008 02:15:00 +0000

version 1.2 (diciembre 12, 2008)

1983 – Naftalina (CBS)

Un suceso inédito del Rock and Roll trajo a los sobrevivientes de la época sesentera a la década de los ochentas con versiones chistosas de temas clásicos de aquella época, el escritor, biólogo, dibujante y rocanrolero Federico Arana juntó a sus viejos compadres de Los Sinners del Ritmo, Los Sonámbulos, Los Locos del Ritmo y así formó a Naftalina.
La influencia de Naftalina se ve reflejada en las parodias de Fernando Rivera Calderón, en el desenfado de Molotov, en la refritería de Moderatto y la Onda Vaselina.
En 1983 produjeron un disco homónimo bajo la distribución de la CBS (actualmente Sony-BMG, y antes de eso Columbia), un caso muy raro para un grupo de desmadre; aunque el rock and roll ya estaba muy pasado de moda, las nuevas letras que imprimió aquél disco revitalizaron al rock and roll, y debido a que todos los integrantes habían hecho de las suyas en la era dorada y por aquello del no te entumas, decidieron seguir haciendo música para las nuevas generaciones.
El disco se distribuyó en la Librería Gandhi, cuando todavía nos vivía Mauricio Achar y aquella librería épica era en realidad un bastión de la música alternativa (nada que ver con lo que es ahora).
El disco homónimo tuvo la producción de Antonio de la Barreda, el cual también participó en la ejecución del bajo, las percusiones estuvieron a cargo de Adolfo “Fito” de la Parra, Ángel “Cartucho” Miranda y la participación musical de Eduardo Toral, Baltasar Mena y Renato López; la aceptación del grupo los motivó a crear muchos otros más de manera independiente, e incluso, la épica estación de radio Espacio 59 llegó a programar de manera regular el tema “El Delfín” de dicho disco. Durante la década de los noventa Federico Arana re-editó toda su discografía en CD con su disquera “Discos Transa”, ¡Algo inédito y digno de reconocer!
Aquél disco contenía los temas Me siento Beethoven, Carrera vs El Diablo, El Repartidor, Grandes Bolas de Fuego, Ballena Azul, Viva la Gula, El Delfín, El Triunfador, Ya vas Barrabas y Lunes Triste. Cómo colofón hay que decir que la reedición de 1996 incluyó las versiones con la letra original en inglés de todas las canciones, para la nostalgia es un grato pasaje para la música del rocanrol.

1985 - Naftalina se aproxima al Hit Parade.

Gracias a la buena fortuna, para los seguidores de Naftalina, Arana continuo con su clan de abuelos vertiginosos y decidieron darle continuidad al proyecto, así se edita otro disco homónimo bajo el amparo de “Discos Oro” (reeditado por Discos Transa en el 96). El nuevo disco estuvo producido por Renato López y dirigido por Federico Arana, contó con la participación, además de los integrantes del anterior, de Fernando Vahauks, Freddy Armstrong, Fernando Montes de Oca y ¡Guillermo Briseño!.
Los temas que integraron esta magna obra del hedonismo se hallan: Ya vas Barrabas, El Delfín, Los Rocanroles, Enamorado del Folclor, El Contaminador (tema programado por Espacio 59), El Futbol, Los Intelectuales, La Caja Venenosa, Yo no soy un Marxista Ortodoxo, La Audiometría y Se Aproxima al jit pareid.

1987 - Los Sonámbulos.

Una versión alternativa de Naftalina (la cuál es exactamente la misma alineación del primer álbum de Naftalina pero que a manera de homenaje a sus inicios de finales de los años cincuenta cuando tenían su banda Los Sonámbulos decidieron nombrarla así) y cuya principal diferencia es que las letras son de lo más ingeniosas y soeces, vulgares al punto de lo cagadamente divertido, y engendradoras de uno de los mejores discos de Federico Arana, acompañados por Jorge Rosell en el bajo.
Los temas: Carrera contra el diablo gay (Si un cachondo he sido yo y un libertino no es motivo pa’ que el diablo se pase de listo), Adiós a Mafalda (Desde pequeño la maña agarré, de estimularme con libros de Walt Disney), Chicharrones (Yo conozco una muchacha que se llama Lulú que usa siempre un vestidito azul y le dicen Chicharrones los rebeldes del salón porque a todos se les para cuando baila rocanrol), Francisco y Juanita , Retocemos (Oiga señorita no hay que abusar de las funciones porque al rato van a dolernos los riñones y hasta puede que se me gangrenen los cojones), Sexolitario (no es por higiene ni por religión, es por el grano que tengo en la mano que a las chamaconas les da pavor), Una niña bien, Una Costra Porosa (A mi me gusta panar tu chupocha, a ti te gusta margar buscaritas), Sonámbulo y La Chamba.

1987 – Historia del Rock de aquí de México.

Federico Arana vuelve a retomar el nombre de Naftalina y reúne a sus incondicionales para grabar un disco doble, proeza también de Discos Transa que para bien o para mal nos trajo una crónica a cerca de la evolución del Rock Nacional en temas entrelazados al estilo del Sargento Pimienta de Los Beatles, doce selecciones integran este albúm reeditado en 1996 en CD, ahora con Ramón Rodríguez en el bajo. Este disco es una verdadera joya, más por el valor nostálgico que genera y por la creatividad satírica de las letras de Arana, la ejecución musical también es de agazajo, sin contar que este álbum contó hasta con mariachis. Este sería, a mi opinión el segundo mejor disco de Naftalina.
Un hecho que destaca de este álbum es que las parodias ya no son exclusivamente de rocanrol, sino que incursionan a tocar temas más contemporáneos: Gloria en la versión de The Doors, Karma camaleón de Culture Club, Every bread you take de The Police, e incluso se parodian a Metro Balderas de Rockdrigo González.

1989 – Canta, Nafto, Canta.

Sin Baltasar Mena en la Voz ni Lalo Toral, ni Renato López, Federico se aventura a cantar, el resultado es muy peculiar, casi todos los Naftalinos lo acompañan, Vahauks, Freddy Armstrong, Felipe Sousa y Jorge Rosell. Ahora la disquera cambia a Borborigmo Record. Los temas siguen la línea lírica de “Los Sonámbulos (1987)”, pero con la voz de Federico, lo cual no le ayuda mucho pero sirve como una peculiaridad de la música, algo así como el tema “Ya te quemaste” de Los Jaguares donde ya no importa que se cante bien sino que se interpreten las letras.
El álbum se enriquece por las letras siempre cajetas de Federico, Oda a mi Huevo, La Caldera del Gozo y La Batalla de Nunca Jamás son algunos de los pintorescos temas del disco.

1996 – The Decálogo.

El tercer mejor disco de Naftalina, de nuevo con Renato López y Baltasar Mena en las voces y coros, Federico de nuevo a la guitarra, Javier Flores en el bajo, Felipe Souza en las guitarras, Fernando Vahauks en la batería.
El Decálogo contó con la asistencia de grabación de Federico Luna, y la participación de Alejandro Lora del Tri en la ejecución de la parodia de Hotel California, La Bestia en California. Este disco sigue contando con la chispa lírica de Los Sonámbulos y Canta Nafto, Canta, sobretodo en temas como El gozo al pozo y Migajas de Amor, por primera vez se realizan críticas directas al sistema oligárquico en “Jijos del Maíz”(parodia a “American Pay” de Don McLean) y “La Boa Criminal” (parodia a La Puerta de Alcalá de Víctor Manuel, mezclada con Get Back de Lennon y McCartney).

2003 - los Rancios del Swing

Cuando ya los daba por perdidos, cuando pensé que Arana ya estaba en otro plano dimensional, viene un cibernauta y me postea un comentario, "Arana tiene un disco llamado: Los Rancios del Swing", bastó sumergirme en Mercado Libre para darme cuenta que efectivamente había un disco nuevo de Naftalina, el cual resultó ser una verdadera joya, parodias a Daire Straits, Pink Floyd, Creedence, en fin, temas como "Los Microbuseros" (popotitos), o "El Gorila Güevos Tibios" (Cotton Filds), e incluso "Los Rancios del Swing" (Sultanes del Swing) harán cagarse de la risa hasta al mismisimo peje, he aqui a los padres de la parodia rocanrolera y no meros refusiles palomeros.

Federico Arana

Tiene es su haber libros de biología como “El Método Experimental” y “La diversidad de los organismos”; en su faceta de literato escribió “Las Jiras” donde relata de manera ingeniosa las aventuras de una banda ficticia (que bien pudo haber sido la suya propia); además de haber escrito “Guaraches de Ante Azul” donde recopila y narra lo que fue el fenómeno del Rock and Roll para nuestro país; como dibujante escribió y creó al genial personaje de “Ornitóteles, el pájaro filósofo” –tomen nota- (el cuál era en si un ornitorrinco); también ha sido profesor en la UNAM, e imagino que también un tierno abuelito, ¿Querían más?.

Desgraciadamente los cambios avenidos tras la sensible pérdida de Mauricio Achar, quién de alguna manera nos mantenía al día con las producciones de Naftalina en las estanterías de la Librería Gandhi, los discos de Naftalina se han ido desapareciendo, descontinuando o simplemente ya son imposibles de encontrar (salvo que alguien de ustedes diga lo contrario). Tampoco sabemos que fue sus integrantes (si alguien sabe no deje de avisar), Naftalina fue, pese a quien le pese, el eslabón perdido entre el rocanrol de los sesentas con la música alternativa de la actualidad, como ya dije, quiénes han escuchado los temas de Naftalina seguramente no le causaran ninguna sorpresa las parodias de Fernando Calderón, Molotov o Moderatto, pues sin Naftalina el Rock de Parodia no hubiera sido lo mismo (salvo la honrosa excepción de Los Nakos, quienes ya se aventaban sus palomazos paródicos y sátiros desde los años setenta).

Antonio "Olaf" de la Barreda

Gracias a los comentarios que ustedes aportan me he enterado a cerca de la muerte de Antonio "Olaf" de la Barreda, una perdida lamentable para Naftalina, nuestro más sentido pesame a familiares y amigos del músico, buscando información al respecto encontré esta monografía de Olaf, espero la chequen, hay información anecdótica para los fans: Antonio "Olaf" de la Barreda.

Discos Sobresalientes: En realidad, todos, pero si debo escoger uno sería el 1ro, el disco Homónimo.

Temas o Singles: En "Espacio 59" se llegó a programar el tema "El Delfin".

atencion: si alguien tiene alguna grabacion de Naftalina en vivo, por fa contactenme, dejenme sus datos en algun comentario o mandenme la informacion a mi mail de contacto el cual pueden checar en "perfil del autor", gracias

Chac Mool – 25 Aniversario, La Caja.

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Mon, 17 Mar 2008 18:07:00 +0000

Artista: Chac Mool
Integrantes: Armando Suárez – Bajo; Carlos Alvarado – Teclados; Jorge Reyes – Guitarra y Voz; Eduardo Medina - Batería
Disco: Aniversario 25, La Caja. (Incluye toda su discografía, “Nadie en Especial, Philips 1980”, “Sueños de Metal, Philips 1981”, “Cintas en Directo, Philips 1982”, “Caricia Digital, WEA 1984”, “Bonus, Rarities y Directos, Universal 2006”).
Año de producción: 2006.
País de origen: México.
Tracks: 42 temas.
Sencillos: “Vestir de Rojo”
Disquera: Universal Music – Warner Music
Dirección: Paco Rosas y José Xavier Navar
Realización: José Xavier Navar
Estatus: Vigente
Grupos relacionados: Ninguno.

Chac Mool, La Evolución Histórica.

Pocas bandas han dejado un rastro evolutivo en el Rock Mexicano, pocas bandas han roto con los cánones típicos de su propio contexto, en el año de 1980, por ejemplo, las bandas existentes estaban orientadas al blues y al soul, cantaban en su mayoría en anglosajón, y eran, en su mayoría, marginales.

Chac Mool rompió con los estereotipos del rock de la época, era un rock más pensado, más elaborado, más relacionado con lo experimental y el rock progresivo.

La historia de Chac Mool se podría dividir en dos, una era “Progresiva” y una “Pop”, ambas de alta calidad interpretativa, ambas adelantadas a su tiempo, y fueron “punta de lanza” en la historia del rock mexicano, y desgraciadamente, Chac Mool, al igual que la gran mayoría de las figuras musicales de este país, verdaderas figuras, no entes prefabricados por la TV, han pasado casi desapercibidos en la actualidad, por eso es importante rescatar en este breve compendio la trascendencia de Chac Mool.

El Chac Mool progresivo, desde “Nadie en Especial” hasta “Cintas en Directo”.

“Nadie en Especial”, disco con fecha de 1980, fue reeditado hace poco menos de diez años en memoria de Paco Rosas, uno de los productores constantes de Chac Mool, aquella reedición, primera en CD desde su lanzamiento en acetato, incluyó algunos temas en vivo, a modo de bonus track, entre los que se destaca “Cuadros para una exhibición”; Ahora, después de más de 25 años, sus disqueras, Universal y Warner, le hacen justicia a uno de los grupos de rock mexicano de verdadero culto, y creo que es la primera caja (box set) que se edita en México para un grupo nacional (el “Estuche de peluche” de Botellita de Jerez, por ejemplo, fue una caja parcial. ¡Bien por Universal y Warner!.

“Nadie en especial” mantiene una línea de rock progresivo de letra inteligente, “Nadie en especial” tema que da titulo al álbum es ejemplo de ello, la influencia de Aldeus Huxley se deja sentir en temas como “Mundo Feliz”, en si es una muy buena edición, pues en el interior se aprecian las fundas con el diseño original de tapa e interior.

“Sueños de Metal”, segundo álbum de Chac Mool, mantiene una línea muy semejante a lo hecho en el primer disco, con la pequeña diferencia de que la música empieza a ser un poco más roquera y melódica.

“Cintas en directo” es el titulo del tercer álbum de Chac Mool, el último con Philips y compuesto por piezas grabadas en directo, sobresalen temas como “Melanie” y “El Rey del Rock”, en este disco se presenta una versión un poco más movida de “Un mundo feliz”, mucho más roquera.

El Chac Mool del pop ochentero: “Caricia Digital”.

“Caricia Digital”, el cuarto disco de Chac Mool, el único que grabaron para la Warner a través de WEA, es uno de los más comercializados gracias a su sonido más pop, el sonido fresco que caracterizó a la música de los ochentas se hace presente con temas como “Vestir de Rojo”, uno de mis preferidos, dicho tema guarda a demás una melódica atemporal, sería un éxito si se relanzara como sencillo, (claro, con un poco de difusión)

Jorge Reyes, el New Age étnico.

Jorge Reyes hizo carrera como solista al unir talentos con Antonio Zepeda, juntos lanzaron “A la izquierda del colibrí” un álbum épico del naciente género electro-folk, o techno-étnico, yo prefiero “new age étnico”, por ahí de 1986, el disco actualmente esta descontinuado, pero aún se puede conseguir una copia sobreviviente en las tiendas para intelectuales del sur. (pero hablaremos de esto en un posteo exclusivo para Jorge Reyes).

Chac Mool de colección (y en DVD)

Como ya dije, la Caja de 25 Aniversario es una muy buena inversión, contiene toda su discografía a menos de doscientos pesos (¡por cinco discos!, con arte tipo réplica de los LPs originales de acetato). Algo que vale la pena conseguir, disfrutar y atesorar.

Como colofón basta comentar que también existe un DVD conmemorativo de estos 25 años de Chac Mool, un documental para la TV que quedó registrado para la posteridad, y para quienes son más aficionados también circula un disco en vivo con los temas de su primer concierto en 1980, el disco se hace denominar como “el bootleg oficial” y se titula “En vivo 1980” (algunos de estos temas se encuentran integrados en la primera reedición de “Nadie en especial”).

Actualización, febrero del 2009:

Jorge Reyes partió de este plano en su forma astral hacia Mictlán, el sábado 7 de febrero del 2009 (Q.E.P.D). Jorge Reyes originario de Uruapan, Michoacan (México), nació en 1952.

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Betsy Pecanins – La fidelidad al blues 1.2

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Fri, 08 Feb 2008 01:50:00 +0000

Version 1.3 actualizado al 05 de febrero de 2018.

El “blues” es uno de los géneros más segregados dentro de la música contemporánea, quizás por sus orígenes, relacionados con los cánticos negros de los esclavos traídos de África a los EUA, o por su tendencia trágica en su lírica, lo cierto es que es un género de música muy emotiva, y pocas cantantes logran trasmitir el sentimiento del “blues”.

En México tenemos al menos dos de los más trascendentes músicos y cantantes que han hecho del blues algo más universal, Real de Catorce y Betsy Pecanins, esta última tiene una carrera que data desde finales de los años setenta y principios de los años ochenta.

Betsy nació en Arizona, sus raíces catalanas y norteamericanas han influido en su actividad artística, pero vivir en México desde 1977 le ha marcado de manera total, pues ha conocido la música de Lucha Reyes, de José Alfredo, de Agustín Lara y demás, y de ellos ha obtenido parte de su éxito, sin dejar de lado su estilo único de cantar.

Sus primeros discos como Viendo tus Ojos (pentagrama, 1980) y Vent Amb Veus (pentagrama, 1982) fueron el inicio de una carrera discográfica aún versátil, la balada y la trova estaban aún en apogeo, y su definición por el blues vendría hasta su tercer disco “Canta Blues” (WEA, 1985), grabada por la trasnacional WEA, filial de la Warner BROS; pero el éxito de los programas que empezaban a trasmitir rock en español durante la segunda mitad de la década de los años ochenta le dieron un realce significativo al segundo disco para WEA, “El sabor de mis palabras” (WEA, 1987), había estaciones comerciales como Espacio 59 que llegaron a programar temas como “Me caí de mis zapatos”, además de que en ese mismo disco se incluían temas de Guillermo Briceño y un cover al tema de Miguel Ríos, “No estas sola”, así, “El sabor de mis palabras” obtuvo una importancia particular por el momento que la música alternativa estaba experimentando, su tercer disco, “Fuego Azul” (WEA, 1989), no tuvo el mismo impacto, la decadencia que se vivía en el ámbito de la música en español de la época había terminado de sepultar la breve moda del “Rock en Español”.

Por esas fechas, a finales de los ochenta, Betsy colabora en un disco en conjunto con Amparo Ochoa (Q.E.P.D.), y Tania Libertad, grabado de manera independiente. El disco actualmente es una rareza.

Pasarían cinco años para volver a editar un disco gracias a su colaboración con el director de cine Arturo Ripstein el cual usaría la voz de Betsy para interpretar la voz cantada de Lucha Reyes (cantante de música vernácula). El disco, banda sonora de la película, sería su primera colaboración con discos Milán, subsidiaria de BMG Ariola.

Al llegar el año de 1994, con toda la carga contextual del levantamiento del EZLN, la comunidad artística fue sacudida de tal manera que algunos autores dedicaron sus obras al EZLN, un ejemplo de ello a sido Guillermo Briseño, de quién ya hemos hablado en esta página, Briseño quién ya había grabado para Culebra, otra subsidiaria de BMG Ariola, une su talento al de Betsy para grabar “Nada que Perder” (Milán, 1994), el titulo y tema que lo nombra era una clara alusión al Ejercito Zapatista de Liberación Nacional, y una de las primeras obras directas en alusión y apoyo a dicho grupo.

La experiencia al interpretar a Lucha Reyes la llevó a su tercer proyecto para Discos Milán, y el segundo basado en la música vernácula, “El Efecto Tequila” (Milán, 1995), el cual fue todo un éxito, la llevó ante un público nuevo y plazas diversas, la maquinaria de los medios de comunicación volteó de nuevo hacia Betsy. A la fecha es de los pocos discos de Betsy que sigue siendo editado y sigue vendiendo.

Para el año de 1996 y con el “boom” de la beatlemania a raíz de la presentación de la “Antología” del cuarteto de Liverpool, Betsy decide reinterpretarlos a modo de blues en su disco “Solo Beatles” (Milán 1996). Ya con la música grabada para Milán durante casi cuatro años lanza “Recuento” (Milán 1997).

Para el año de 1999 grabaría su último disco para Milán, “Esta que habita mi cuerpo”, el cual pasó casi inadvertido, sin ofrecimiento para volver a grabar para Milán y con casi cuatro años de asueto discográfico Betsy se aventura a grabar un nuevo disco bajo la producción independiente de 400 Lunas, el disco pretendió repetir el éxito de “El Efecto Tequila” pero versión sinfónica, “Tequila Azul y Batuta”.

El éxito dado por “El Efecto Tequila” al fusionar el blues con la música vernácula la orilló a recrear a uno de los más representativos, Agustín Lara, si bien ella nunca había sido una fanática de la música de Lara, reconocía en el la cualidad lírica que se haya en el blues, de esa manera surge “Lara” (JM 2004). Sin embargo el éxito del Efecto Tequila seguía haciéndole sombra.

Para el año del 2006 presenta un nuevo disco “Blues en el Alma” (400 Lunas / JM 2006), en él mezcla un poco de blues con temas que ya había grabado anteriormente en “Nada que Perder” con temas populares como “Tonada de la Luna” y “Canción Mixteca”, además de grabar un tema a lado de Cecilia Toussaint, lo que serviría de experiencia para grabar un nuevo proyecto:

"A Viva Voz" (400 Lunas/JM Distribuidores, 2007), originalmente fue presentado en el canal 22, canal metropolitano del DF Mexicano, para su posterior edición y distribución en formato CD y DVD, en el recital se captan temas del último disco de estudio de Betsy, "Blues en el Alma", además de la interpretación a temas como "Yo vengo a ofrecer mi corazón" del argentino Fito Páez, y "Sueño con Serpientes" del cubano Silvio Rodríguez.

2009 - Sones.

Nuevamente para 400 Lunas, Betsy lanza un nuevo disco basado en el folclor de la música latinoamericana, a continuación les presento algunos fragmentos de la hoja de lanzamiento:

Ahora, en su propuesta más reciente, Betsy explora nuevamente
la música mexicana desde su propia perspectiva.
SONES, es el título de su nueva producción en la que la interprete
vuelve a hacer gala de un impresionante poder interpretativo
y de un talento único para adaptar sones huastecos,
jarochos e istmeños a su inconfundible estilo.
Como es su costumbre, Betsy Pecanins se hizo acompañar
de sus músicos virtuosos, entre quienes están el guitarrista
Jorge García (productor del disco), la cellista Mónica del
Águila, el bajista Alfonso Rosas, el percusionista Héctor Aguilar,
el guitarrista Felipe y como invitado especial, el violinista
Ernesto Anaya. Terminan de componer esta banda Laura
Barbosa y Elena García Nesme en los coros, Celso Duarte en
el arpa y Rosino Serrano en el piano.
En SONES, Betsy Pecanins hace notar una vez más el
talento creativo único que la ha colocado como una de las
artistas mexicanas más importantes de nuestro tiempo.

La carrera de Betsy es extensa, su música ha trascendido fronteras como una representante digna del “Blues hecho en México”, (José Alfredo nacido en Harlem, ¡órale!).

2013 - Ave Fénix

Tras luchar nuevamente por su salud, ahora contra una espasticidad de sus cuerdas vocales que la dejaba en una completa afonía, Betsy se confiesa ante su publico y explica que deben de inyectarle "botox" para poder hablar, su afectación vocal es notoria pero ella se adapta y apoya con sus músicos, creando un concepto de recitación musicalizada, rap bluseado, que genera algo totalmente fresco y que esperamos escuchar próximamente en disco:
Bunker Recargado: Betsy Pecanins - Ave Fénix

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Alarma !!! - En el lado oscuro

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Sun, 13 Jan 2008 23:50:00 +0000

Artista o Grupo: Alarma!!!
Integrantes: José Manuel Diez, Jaime Asúa, José Manuel de Tena (Manolo Tena).
Disco: En el lado oscuro.
Año de producción: 1985
País de origen: España.
Temas: 9
Sencillos: Preparado para el Rock’n Roll, Frío, Solo por tu dinero (En España), Marilyn (México).
Disquera: PolyGram Ibérica.
Dirección: Carlos Narea y Tim Hunt.
Realización: Carlos Narea.
Estatus: Descontinuado.
Grupos relacionados: Cualquiera de la Oleada Madrileña de los años ochenta.
Sitios relacionados: http://www.manolotena.com/

Corría el año de 1987 en México, cuando las estaciones de radio se llenaron de Rock en Español, grupos españoles y argentinos inundaron las estaciones de radio, algunos, los más predominantes, se convirtieron en pioneros y leyendas. Dicho “boom” sirvió para lanzar al mercado discos que ya llevaban años de haber salido en sus países originales, pero que no había cabido la oportunidad de lanzarlos en los demás países, así, la disquera BMG Ariola fue la pionera en lanzar una línea de discos bajo el logotipo de “rock en tu idioma”, en los cuales cabían artistas como Charly García, Toreros Muertos, Radio Futura, La Torre, entre otros, y las demás disqueras quisieron competir lanzando a sus grupos estrella en el extranjero, Columbia (Sony Music), lanzó a los Hombres G, Enanitos Verdes y Danza Invisible; EMI lanzó a Alaska y Luz Casal, y PolyGram logró introducir a Alarma!!!.

Desgraciadamente la promoción del Rock en Español no tuvo un efecto duradero en el mercado mexicano, y los discos que habían logrado entrar en los primeros lugares de preferencia dejaron de producirse pasando a la categoría de “descontinuados”, tal situación que pasó a afectar a propios y extraños enterró a varios grupos y artistas que habían logrado posicionarse con al menos un tema en la radio mexicana, en especial Espacio 59 y Rock 101 (del grupo Radio Mil), donde se transmitía de manera regular temas como “Agradecido”de Rosendo, “Como un Susurro” de Ramoncín y “Marilyn” de Alarma!!!.

“Marilyn” pasó a convertirse en el tema clave del grupo español encabezado por Manolo Tena, en su único sencillo en México de un disco que llegó tardío pero que a casi quince años de haber sido producido fue reeditado en nuestro país, “En el lado oscuro”.

“En el lado oscuro” incluye temas por demás agradables, melódicos y melancólicos como “Frío” y “Cansado de esperarte”, pero también buenos temas de Rock como “Solo por tu dinero”.

De Alarma!!! se produjeron dos discos en España, el primero no fue editado en nuestro país, y el segundo, “En el lado oscuro”, el cual es un disco por demás recomendable para los seguidores del género, uno de los mejores discos producidos de su tiempo y desgraciadamente poco difundido como el resto de la obra de Manolo Tena, quien hizo carrera en solitario sin suerte en nuestro país donde se le conoce como “el autor de Marilyn”, en parte debido a la gira de “El gusto es nuestro” de Ana Belén, Víctor Manuel, Serrat y Miguel Ríos, donde se integra también este tema emblemático, aunque no el mejor, ni el único de un grupo de rock ibérico que sucumbió a la inevitable oleada del egoísmo “rock star” que ataca a casi todos los grupos de rock en todo el mundo, las carreras en solitario, que si bien da buenos frutos en casos como el de artistas como Juanes, también ha sido desastroso para la mayoría como Juan Perro, Pablo Carbonell, David Summers y Ana Torroja, quienes tuvieron poco éxito en México a comparación de su éxito con sus grupos originales, Radio Futura, Toreros Muertos, Hombres G y Mecano; de tal manera, Manolo Tena es prácticamente desconocido en nuestro país a comparación de su trabajo con Alarma!!!.

Cabe mencionar la importancia de Carlos Narea en la producción de este disco, a Carlos Narea se le debe conocer como el Rey Midas del Rock Hispanoamericano de los años ochenta, produjo los discos más destacados desde Hombres G en España hasta Cecilia Toussaint y “Bon y los Enemigos del Silencio” en México. La huella que dejó Narea en el Rock en Español es ahora digna de mencionarse y rescatarse. Y como colofón, el disco grabado en los estudios Eurosonic en febrero de 1985 contó con la participación de Rafa Guillermo en los teclados, Andy Hamilton en el saxo y el mismo Narea en las percusiones.

Zü, Gabriela Medina, Desde las Entrañas, Culebra BMG 1994.

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Fri, 23 Nov 2007 00:23:00 +0000

Versión 1.2

Artista: Zü (Gabriela Medina Peláez)
Disco: Desde las entrañas.
Año de producción: 1994.
País de origen: México.
Tracks: 19.
Sencillos: “La Tumba”.
Disquera: BMG – Culebra.
Dirección: I. Cubillas.
Realización: Charles Rees, Jorge Amaro “La Chiquis”, Ignacio Canut.
Estatus: Descontinuado (Ojo BMG: ¡Se exige una re edición que contenga “Mary Glam”!)
Grupos relacionados: Alaska, Parálisis Permanente, Siouxie and the banshees, Corcobado, Héroes del Silencio, Bauhaus, Gabinete Caligari y PIL (Public Image Ltd).

La diva efímera en un medio viciado.

Corría el año de 1994 cuando un cuate, el amigo de un amigo, llegó a casa con un disco por demás exótico, prendido y sabroso, que con el paso del tiempo se convertiría en uno de mis discos favoritos. El disco en cuestión es “Desde las entrañas” de una chava darky-sexy que en créditos era señalada como Gabriela Medina y cuyo nombre de guerra sería Zü.

La paradoja de un éxito.

El disco fue criticado y condenado por “especialistas” puristas, por no decir mamones, que se abrazaban a la clandestinidad de la mayoría de las piezas incluidas de sus interpretes originales, que pasaron por alto la alta calidad de producción e interpretación del disco.

La Interpretación también es Aportación.

Mucho se ha dicho respecto a que si los interpretes aportan, yo creo que si, las re interpretaciones de temas (covers) son, en si mismos, otra manera de aportar, simepre y cuando haya una variable en arreglos y ejecución, en si, la escencia del interprete dando vida a una nueva creación.

Si no fuera asi, que chiste tendrían los discos "tributo" tan en moda en estos días, sin contar con los covers que los artistas integran a su discos o presentaciones como es el caso de muchos que no tiene ningun caso citar ya.

Del Glam al Dark y de ahí al Calabozo.

Gabriela Medina pertenece a una tradición de Rock glam español forjado por Alaska y del rock dark ácido de Javier Corcobado, con elementos heavys tomado de los Héroes del Silencio, porqué Zü, nacida en Chihuahua, México, se hizo como corista de Corcobado y los Héroes del Silencio en España, volvió a su patria para caer en un medio mezquino y quisquilloso donde se prefiere dar oídos a grupos monótonos y repetitivos que hasta dan güeva.

Gaby tuvo un video que llegó a proyectarse en Tele Hit, entró a Televisa, estuvo en el célebre Calabozo a lado de esas figuras tan emblemáticas de la comunicación contemporánea como Esteban Arce y El Burro, le entró al desmadre fue honesta y sencilla, una punketa alivianada cotorreando sanamente, sin poses ni protagonismos, que aunque hubiese sido así por que no aceptamos que el “show bisness” es así, por que preferimos ver a un Manson rompiendo Biblias y endiosar roqueros bipolares que se vuelan la tapa de los sesos con una escopeta que forjar una leyenda glam post moderna con sello nacional.

Evocando el éxito de Alaska.

Recordando que Olvido Gara Jova, alias Alaska, nacida en la Ciudad de México se hizo en la madre patria a lado de Ignacio Canut al conformar Los Pegamoides, que posteriormente, tras la ruptura con Canut, crearía a Alaska y Dinarama y en el movimiento del “Boom del Rock en Español” de los años ochenta volviera a su país natal para triunfar con temas como “Ni tu ni nadie” y “A quien le importa” dentro de un género más a lo pop que del punk que la vio nacer, Gaby, con clara influencia del rock de la “movida” española, intentó emular el éxito de su paisana de forma infructuosa, a causa de una desventaja relacionada con promoción y “marketing”.

El “Boom del Rock en tu Idioma” contó con un importante apoyo por parte de los medios de comunicación, de las disqueras, había estaciones de radio exclusivas para ello, y fue además un fenómeno generacional, ya que, a pesar de que Alaska era nacida en México se le considera como española, lo cual conlleva cierto “malinchismo”, Zü, en cambio, vino de España como Mexicana, intentando hacerse aquí, en donde los medios son difíciles de conquistar.

Originalidad y vanguardia son perras de distinto dueño

Alguna vez escuché a un locutor de Reactor, (antes de que fuera Reactor –estación de Radio juvenil del Instituto Mexicano de la Radio, alguna vez Estéreo Joven-, la verdad se me olvidó su nombre, tan importante era el fulano), que arremetió contra el disco calificándolo de “porquería”. Yo nunca entendí la razón, el disco era un disco de “covers”, temas de otros grupos, muy bien producidas y adaptadas por gente del medio, incluso el mismo Javier Corcobado había participado con todo y su banda de ese tiempo “Los Chatarreros de Sangre y Cielo”, y roqueros de todo tipo estaban involucrados: Jay de la Cueva, Jorge Amaro y Phil Manzanera, ¡Qué más pedían! (Hasta los muñecos de Tex Tex estaban involucrados).

Dos cosas le eran criticadas a Gabriela Medina, el interpretar “covers”, y la otra, tener una actitud o pose de Diva, las dos cosas eran ciertas, y era por eso mismo que debía reivindicársele, ¿Qué ha hecho Moderatto para estar donde está? Hacer covers y no de Siouxsie & The banshees, ni de Bauhaus, sino de Timbiriche y Yuri, próceres y mártires del rock nacional. ¿Qué han hecho grupos como Café Tacuba, Molotov, Moenia o hasta Mijares para sacar la chamba, pues covers, y por ello se le condenó a Zü.

Los Tracks de “Desde las Entrañas”, Covers pero no de Yuri o Timbiriche.

Así es, los temas de “Desde las entrañas” pasaban por un pelo de inéditas, muchos de los temas yo no los conocía, sé que eso no dice nada para fines de referencia, pero deberían de agradecerle a Zü haberlas grabado e inmortalizarlas por que de no ser por ella no las conoceríamos quienes no somos tan clavados en la onda “indie” de aquella época.

1. “Cerca de ti”(Leza, Diez, García) atribuible a Las Novias, grupo producido por Bunbury en el 92.
2. “Perfume” de Siouxie & The Banshees, este tema es una adaptación hecha por Gaby, no es una traducción sino una transposición lírica en música de Siouxie, cuyo titulo original es “Melt”.
3. “La Navaja Automática” (Corcobado, Laguna, Baguesto), este tema fue ejecutado ni más ni menos que por los músicos originales, el buen Javier con sus Chatarreros de Sangre y Cielo. Un punto a favor de Zü haber contado con la venia , tanto de Javier como de los Héroes para ejecutar sus temas.
4. “Autosuficiencia” (Ignacio Canut), atribuida a Parálisis Permanente de España, con arreglos de Gabriela Medina.
5. “De ningún lugar”, supuestamente de Adriano Calentano, de Italia, con arreglos de Gabriela Medina.
6. “Mosca Muerta” (Bazoka Nut, I. Canut, J.C. Aured), es un clásico de Alaska, solo que aquí la interpretan Los Muñecos de Tex Tex.
7. “Suicidio”. Idea musical de Killing Joke (Adorations), con adaptación y arreglos de Gaby Medina.
8. “Energía Vital”, Idea musical de Public Image Limited, basada en “Rise”, arreglos de Gaby Medina.
9. “La Tumba”, (Bazoka Nut, I. Canut, J.C. Aured), arreglos de Gaby Medina.
10. “Mar Adentro” (Andreu, Cardiel, Valdivia y Ortiz de Landazuri), original de Los Héroes del Silencio de su disco debut La Mar no Cesa.
11. “Atraco a las Tres”, (Bazoka Nut, I. Canut, J.C. Aured), arreglos de Gaby Medina.
12. “Hoguera”, (P. Young), arreglos de Gaby Medina.
13. “Amarrados”, basada en una idea musical de Bauhaus (She’s in Parties), arreglos en letra y música de Gabriela Medina.
14. “Amapola” (J.M. Lacalle, L. Roldán), la cual también fue ejecutada musicalmente por los latín lovers de Texcoco, los inigualables Tex Tex, este tema, si no me equivoco, es ya una pieza del dominio público del folclor nacional (se aceptan reclamaciones).
15. “Al final de todo” (Urrutia, Presas y Clavo), original de Gabinete Caligari de España.
16. “Camaleón”, (Charles Rees), arreglos y adaptación de Gabriela Medina, por cierto que Charles Rees estuvo involucrado como Ingeniero de grabación.
17. “Abismo” (I.Canut), arreglos de Gaby Medina.
18. “Soledad” (Tim Buckley)
19. “El circo”, una recitación bastante peculiar, aportación lírica original de Gaby que incluye un sampleo de Jack Nicholson de su risa como el Guasón para Batman de Tim Burton.

La pose de ser Rock-Star.

No me acuerdo el nombre del wey ese que criticaba tanto a Zü, seguramente era un roquero de closet, de esos que cantan sus discos haciendo “Air guitar” con su escoba mientras su jefa los pone a trapear la sala y cuya única rola que se saben es un circulo de acordes en “Sol” y su más cercana experiencia a la euforia de un escenario son sus sesiones de “kareoke” en su casa, eso lo digo por mi, solo que a mi si me gustó Zü, y preferiría mil veces a Gabriela Medina que muchos rock stars de ahora que hasta hacen comerciales para tintes de cabello, no mameyes!.

¿Que si era muy payasa?, no lo creo, los cuates que conocieron de cerca de Gaby decían que era muy alivianada y que su comportamiento como Zü era parte del “show bisness”, algo que aquí en México aún no comprendemos, y por ello nos seguirán llevando ventaja los anglosajones, los españoles y argentinos (en cuanto a promoción, difución y calidad de grabación de música alternativa se refiere).

Que fue de Gabriela Medina, ¿Habrá retorno?.

En el blog: http://archivodelrockmexicano.blogspot.com/2007/01/z-desde-las-entraas.html se anexa información interesante a cerca Zü, proveniente sobre todo de los comentarios, en dicho blog postearon un comentario por parte de Alfonso Medina Peláez quien realizó algunas precisiones a cerca de la ex Diva: “ahorita es una apacible madre de familia y vive con su hija en el norte de México”, ..., “ella es nacida en Chihuahua”,..., “hija de Alfonso Medina de la Peña y de Ethel Peláez, que por cierto mi madre es hermana de Vianey Valdez (Elsa Peláez) antigua cantante de las épocas de Cesar Costa y Enrique Guzmán
y Zü es prima Hermana de dos de los integrantes de Jumbo (tecladista y baterista Eduardo y Enrique González Peláez) de ahí le viene la loquera de ser artista”.

De colofón.

De cualquier manera, Gaby dejó su huella en quienes compramos su disco y a través de sus interpretaciones la adoramos añorando su retorno. Ignoro el número de copias que integraron la unica edición de su disco, e ignoro quienes las hayan comprado, y realmente se me hace algo irrelevante, porque gracias a Dios tenemos mucha música tracendente en el medio del Rock mexicano.

Zü, Una Modelo Transepidérmica

Las fotos de exterior e interior del CD fueron producidas por el fotógrafo Carlos Somonte, su trascendecia dentro del mundo de la fotografía abarca desde una galeria de tatuajes de internos presidiarios hasta Miguel Bosé y Thalia, abajo integro un link para acceder a la sesión fotográfica desde la perspectiva del mismo Carlos Somonte:

Letras Libres - "Cuerpo a la vista" por Carlos Somonte
LETRASLIBRES.COM

Abajo un link desde el "Bunbury Club" a manera de disculpar una omisión penosa:

1994. ZÜ. DESDE LAS ENTRAÑAS
Bunburyclub - sábado, 01 de diciembre de 2007

© Bunburyclub

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Trolebús: En sentido contrario.

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Sun, 04 Nov 2007 16:02:00 +0000

Grupo: Trolebús.

Titulo: En Sentido Contrario.

Estatus: Vigente.

Tracks: 10 temas + 2 bonus.

Duración aproximada: 30 min.

Género: Rock urbano.

Disquera: Discos Pentagrama (Independiente), en la edición de 1987, Avanzada Metálica en la edición de 1992, Discos y Contas Denver en la actualidad.

Año: 1987 (Pentagrama), edición CD 1992 por Avanzada Metálica.

Producción: Rodrigo de Oyarzabal y Víctor Esquide.

Participaciones: Cecilia Toussaint, Emilia Arau, Sabo Romo, Gerardo Aguilar, Abraham Viñas y Paco Barrios "El Mastuerzo".

País de Origen: México.

Otros discos: Urbanicidio, Días Oxidados, Delirium Trolems y La estufa de carbón (Choluis solo), La Alcantarilla (El trole sin Choluis).

Similares: Cecilia Toussaint con Arpia y La Botellita de los años ochenta.

Pocas veces se escucha un disco tan completo y tan disfrutable como "En sentido contrario", una producción musical de Paco Barrios "El Mastuerzo", el Monsi del rock nacional, bajo la batuta de Oyarzabal.

Los Tracks:

El disco inicia con Plegaria, una oración chilanga en vísperas de la vigilia; discreta crítica a las contradicciones historico sociales de las tradiciones religiosas. Y reflejo también de la pobreza que se vive en la gran urbe.

Atletic Tepis, el segundo track, descripción de la clásica cascarita (jugar futból en la calle), en este disco del trole cabe destacar la importancia que tuvo la participacion de Barrios y la Toussaint, que en todas las rolas, excepto los bonus, sobresalen para darle un toque muy original al disco.

Coito Circuito, si te imaginas la letra de esta rola te vas a entretener un rato, un platónico enamoramiento que termina en funesta y ridicula imagen, una muy buena rola que critica el aspecto sexista de los medios y su explotación.

Monedero, es un tema altamente depresivo, de esas rolas que al escucharlas hasta chillas, una amiguita decía que con esta canción se acordaba de su infancia y es que la crisis económica en que viven miles de personas es tan gandalla que hay que hacer magia con los frijoles.

Barata y Descontón es, por asi decirlo, su tarjeta de presentación, fue el tema promocional que llegó a sonar en la estación Espacio 59 (AM), basada, según el mismo Choluis, en el Simón Simonazo, una historieta urbana vaciadísima que reflejaba los desmanes de los chavos banda de la metrópoli.

El País de los Borrachos es un tema que a mi en particular me gusta mucho, es una critica severa a lo que podemos tener como una sociedad alcholica, pero aceptable.

Balada Chilanga hace honor a su nombre, pocas veces escucha uno una rola tan llegadora, tan urbana, tan neta como esta; "Ayer me acordé de ti mirando unos perros hacer el amor" (¡Órale!).

El Anzuelo, Jugo de Riñon y Cuando la sicodelia llego al DF son los últimos temas de este disco excepcional, letras irónicas, sicodélicas, críticas e ingeniosas de José Luis García Campos (El Choluis), a excepción de el Blues de las Ventanas (bonus track) y El Anzuelo, que son temas de Enrique Montes.

La versión de Avanzada Metálica contiene dos bonus tracks grabados en los estudios del IMER (Instituto Mexicano de la Radio).

El Trole esta integrado por Choluis en la guitarra electroacústica, Pato Montes en el requinto, Fernando M. Vargas en guitarra de acompañamiento, Felipe Moreno en el bajo y el Demex en la bateria.

Si usted ve este disco no dude en adquirirlo y si quiere más información cheque la página http://losdocegrandes.blogspot.com/, de Rodrigo de Oyarzabal.

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Mas información del grupo en http://troleblog.blogspot.com/2007/12/trolebs-vuelve.html

El Personal - No me hallo (y algo más) - 1988/1995

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Mon, 30 Jul 2007 05:52:00 +0000

Grupo: El Personal.
Titulo: No me hallo (y algo más) - versión especial por primera edición en CD.
Titulo actual: No me hallo.
Estatus: Vigente.
Tracks: No me hallo (y algo más): 8 temas más 5 bonus track
No me hallo: 8 temas.
Duración aproximada: 30 min.
Género: Reggae + Híbrido.
Disquera: Discos Pentagrama (Independiente).
Año: 1988, remix 1992, edición CD 1995.
Producción: Paco Navarrete.
Participaciones: Jis y Trino en dibujos de interiores.
Gerardo Enciso haciendo coros.
País de Origen: México, específicamente Guadalajara.
Otros discos: El Personal (DVD), y diversas cintas grabadas en las peñas y foros donde El Personal (aún con Julio Haro) se presentaba. (urgar en la Ciudadela de Metro Balderas en México).
Similares: Desorden Público, Café Tacuba, Panteón Rococó.

Anecdotario:

El Personal, grupo de reggae a lo “world beat” (extraña etiqueta donde quedan aquellos ritmos inclasificables que están entre el reggae y el ska. El Personal ha sido uno de los grupos más anti-solemnes desde la aparición de los Xochimilcas y los Botellos; y son, una referencia obligada para otros como Café Tacuba o Panteón Rococó).

Oriundos de Guadalajara, dejaron su huella con tan solo un disco: No me hallo, grabado para Discos Pentagrama en 1988.

Sus integrantes: Julio Haro (Q.E.P.D), en la voz, el melodión y el kazoo; Alfredo Sánchez en los coros, teclado y guitarra; Oscar Ortiz en la guitarra; Andrés Haro en el bajo y Pedro Fernández (Q.E.P.D.), en la batería.

Si bien el concepto de El Personal fue rescatado por Andrés para producir un par de discos más, es “No me hallo” quién los ha consagrado entre los grupos más sobresalientes en la escena de la música alternativa mexicana de los años ochenta, por el hecho de hacer música de manera desenfadada, letras desmadrozas y antisolemnes, signos que le dan a los grupos un delicioso toque de trascendencia.

El LP, originalmente incluía ocho temas:

¡Niño Déjese ahí!, una cumbia reggae anti-onanísta, donde se muestra el catálogo de mitos a cerca de la masturbación: “que no vas a crecer sano, que te vas a quedar enano, que te van a salir muchos pelos en la palma de la mano, que va a volar el pajarito, que se va a caer en pedacitos, que te vas a enfermar de tos y no te va a traer nada santaclos”.

No te hagas, fox trot en tu idioma, que refleja las actitudes mustias del cortejo, este tema fue el elegido por los programadores de Espacio 59, estación de radio en AM que le sucedió a La Pantera de núcleo RadioMil, para trasmitirse de manera regular, a modo de “single”.

Dale de comer al conejito, reggae jarocho, exigencia de amor y declaración de derechos: “yo no quiero ser tu padre, yo no quiero ser tu madre, yo no quiero ser pariente ni siquiera un buen amigo, yo lo que quiero contigo es asunto muy aparte, es a picarte el ombligo a lo que aspiro yo tanto y por eso yo te canto para ver si lo consigo”.

Menjurje, bolero, receta de olvido, tan poética como ingeniosa (lo cual ya es redundar): “De ese pechero que hierve, de ese perol, de ese alambique que tienes, de ese licor, dame una gota para ayudarme a olvidar a mi amor”.

La Tapatía, Rock guapachoso, tour mágico y misterioso en las entrañas de Guadalajara, quién ya la conoce se identificará con los lugares que describe: “La conocí en la central comprando un virote descomunal ..., en San Juan de Dios la encontré y en el mercado me la ligué ..., en la plaza tapatía nos siguió la policía ..., nos metimos al hospicio a ponerle a nuestro vicio ...”.

No me hallo, reggae existencialista que da titulo al disco, descripción o trauma ontológico: “Me busque en el directorio, me busqué en la enciclopedia, me busqué en el padrón electoral, me busqué en la filosofía oriental y no me hallo”.

Nosotros somos los marranos, reggae montuno ecologista, segundo sencillo, por así decirlo, que entrara en la programación de Espacio 59, y uno de los temas más representativos de este grupo tapatío: “Hay que llenar el mar de orines pa acabar con los delfines, hay que lavar con detergente pa que se muera la gente”.

Broche de oro, reggae, un delicioso tema donde se exclama: “Llámame Pedro, llámame Juan, llámame por teléfono pero no me llames por cobrar”.

La re-edición de este LP en Disco Compacto fue por ahí de 1995, aunque se cocinaba desde el 92, y los temas datan de 1988. La re-edición, titulada “No me hallo y algo más” incluye un remix de “Nosotros Somos los Marranos”, más cuatro temas en vivo: Rumba sin rumbo (rumba dialéctica), grabada en el Foro de Arte y Cultura; Centerfold Blues (blues de bolsillo), grabada en la Peña Cuicacalli, este tema fue grabado recientemente por el grupo Panteón Rococó para su CD y DVD en vivo, como introducción a La Rubia y el Demonio; El Muso (danzón con letra), grabado en el Teatro Degollado, y El Último Camión, también grabado en la Peña Cuicacalli (el lugar de sus más exitosos cassetes apócrifos que rondan por el Chopo o la Ciudadela).

El CD cuenta, además, con las ilustraciones de los moneros Jis y Trino; además de una breve explicación:
“La consigna era difícil: Crear un grupo que sacudiera las estructuras del rock mexicano, cosa que no había sucedido desde la aparición de Mayté Gaos”, palabras de Tony Mex en el booklet del CD.

Actualmente el CD sigue editándose por parte de su disquera original, Discos Pentagrama, al igual que los discos que Andrés grabó con la alineación alterna de El Personal. La letra de todos los temas son autoría de Julio Haro, quién en un acto de suma modestia y honestidad, al ser entrevistado responde: “El Personal, si puedo dar mi opinión, es una porquería” (ver DVD: El Personal).

En el DVD que Andrés logró editar recientemente a cerca de El Personal, se pueden apreciar algunos temas en su cuarto de ensayos, grabado por el monero Jis, más dos documentales, donde Julio Haro da el secreto de su éxito: “a la gente le gusta lo mal hecho, lo burdo, por eso hablamos tanto de caca, por que sabemos que eso le gusta a la gente”. El DVD incluye también el video clip realizado para el tema “No te Hagas”, más la discografía y las letras de esta.

Si, desgraciadamente Julio Haro partió de esta dimensión, aunque cuentan que los marcianos se lo llevaron por que, según fuertes rumores, su tema, La Espacial, fue tomada como himno en una provincia marciana, por lo cual lo abdujeron para hacer una sólida carrera de solista como cantante y compositor de reggae en aquellos lares, pero, no hay nada contundente.

Sin duda El Personal es un grupo excepcional e ingenioso, por tanto Julio Haro a trascendido a formar parte de los doce grandes compositores de este país (para saber más de los doce grandes accede a la página http://www.losdocegrandes.blogspot.com/ de Rodrigo de Oyarzabal).

Jaime López

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Fri, 27 Apr 2007 03:24:00 +0000

actualización 31-Marzo-2012

Jaime López es un cantautor mexicano originario de Matamoros, Tamaulipas, el 21 de enero de 1954. Ha escrito poemas, ilustrado cómics, y cantado cumbia, polka, rock y otros etcéteras.

Ha influido en el trabajo de artistas y grupos como Café Tacuba, Botellita de Jeréz, Cecilia Toussaint, Eugenia León y Tania Libertad. Aunque se le ha conocido más por ser el autor del tema “Chilanga Banda”, su obra es mucho más profunda y elaborada.

Ha trascendido como uno de los artistas precursores de lo que a la postre se consideraria y llamaría “movimiento rupestre”, gracias a su trabajo con otros cantautores como Roberto González y Emilia Almazán en lo que ahora es un disco clásico: “Roberto y Jaime: Sesiones con Emilia” de finales de los años setenta; a lo largo de su carrera ha participado en el Festival OTI de 1985, con su entrañable y extrañable canción: Blue Demon Blues, y digo extrañable por que no ha sido reeditada ni rescatada por los coleccionistas apócrifos de la ciudadela de allá por Metro Balderas, aunque se le puede conseguir en YouTube.

Hace tiempo que nuestro López ha venido haciendo su historia a base de frases ingeniosas y juegos de palabras, por demás peculiares; a mediados de los años ochenta López incursionó en la cumbia con el disco “Qué onda ese” que a la fecha tampoco se ha reeditado en CD (a ver si a los señores que tengan los derechos se les ocurre reeditarlo o bien que López les compre los derechos tal como hizo Aguilera con los discos de La Barranca). Volviendo a “Qué onda ese”, de ahí se desprendió el tema que da titulo al disco, al igual que “Nocaut” una rola épica cuyo estribillo dice: “Dios, cuanto vale allá en el cielo el alma de un esclavo clavado en un contrato sangrando en el infierno”; a por que eso si, nuestro López siente Simpatía por el Devil, y como que de repente se le sale lo radical, tal como lo ha hecho oír en sus múltiples referencias contra la iglesia Católico Apostólico y Romana, Sumo Pontífice incluido.

Después vino “La Primera Calle de la Soledad” donde se desprenden dos clásicos: “Ella empacó su bistec” y “El Mequetrefe”; llegando el “boom” del Rock en tu Idioma, López lanzó su disco homónimo con BMG, donde se desprende “A la orilla de la carretera”, tema incluido en el volumen tres de la recién editada colección de “Rock en tu Idioma”.

El tiempo pasó y lo juntó con el ex vocalista de Sangre Azteca, vocalista de La Barranca y ex guitarrista de Los Jaguares: José Manuel Aguilera, con el que editó “Odio Funky, Tomas de buró”; y entre expresiones acústicas como en “Desenchufado”, y experimentos norteños como “Nordaka” (donde incluso canto a lado de “Piporro”), nuestro López se ha catapultado a la cima de los autores más representativos del rock nacional.

Y ya en este nuevo milenio, López nos preparó “Grande sexy tos” junto a su grupo Hotel Garage, y diez años después de su experimento llamado “Odio Funky” viene “No más héroes por favor, el panteón ya se llenó”, álbum grabado en colaboración con José Manuel Aguilera, y distribuido por Fonarte. Este CD incluye temas geniales en su totalidad, de los cuales el tema que da titulo al disco nos introduce a ese ambiente barrancoso y lopezco (lopezco por que lopezco); “Ese beso de tus ojos” es un viaje suave que nos hace sentir maripositas cachondas cortejándose en la panza del mundo. Y que decir de “Diva de Diván” unos coros sabrosones del barrancoso Aguilera que no tienen jefa.

"Arando el aire" es uno de los discos acústicos más reciente de López, y su más reciente trabajo es "Por los Arrabales" editado por Fonarte LATINO (2008), es uno de los mejores trabajos de López, retoma el tex-mex y la cumbia con nuevas versiones de temas antes grabados para "Qué onda ese" y "15 demos", sin duda uno de los mejores discos de López.

Ha colaborado con artistas y grupos como Mama-Z, Botellita de Jeréz, Café Tacuba, Eugenia León, Tania Libertad, Cecilia Toussaint y Maru Enríquez, específicamente:

Esa viscosa manera de pegarme las ganas, Mama-Z, Discos Pentagrama. Donde hace coros en el tema “Pastel Artaud” (1988).
Naco es Chido, Botellita de Jeréz, Polydor (1988). Dondé se interpreta el tema “Caite Cadáver”.
Mar Adentro, Eugenia León, Polydor (1989). Donde se interpretan temas como “Muriéndome de sed”, “Adios a los Dioses”, etc.
Razón de vivir, Tania Libertad, Sony Music (1989). Donde se interpretan temas del artista.
Avalancha de Exitos, Café Tacuba (1996). Donde se interpreta “Chilanga Banda”
Y mi voz que madura, Maru Enríquez, Discos Pueblo. Donde López hace los arreglos y ejecuta algunos instrumentos e incluso hace coros.
Gran Quinqué, Maru Enríquez, Discos Pueblo. Donde se interpretan temas del artista.
Un Viaje, DVD, Café Tacuba, Warner México (Hace dúo con Rubén Albarrán para el tema Chilanga Banda).
Tributo a Rigo Tovar, varios, EMI, interpreta “Testamento”.
Fuego en el alma. Betsy Pecanins, interpreta a dúo el tema “Orale Gutierrez”.
Abrió el concierto de Lenine, uno de los mejores músicos alternativos de Brasil, en el Teatro de la Ciudad, en dicho concierto el carioca realizo un dueto con julieta Venegas.
En el año 2007 se integra el tema "Bordando la forntera" del disco "Desenchufado" para la banda sonora de la película "La Misma Luna" protagonizada por Eugenio Derbéz y Kate del Castillo.

La discografía es extensa y se puede consultar en la página www.los12grandes.blogspot.com, pero, de su obra solo esta disponible (y por tiempo limitado):

“Roberto y Jaime: Sesiones con Emilia” (re-edición de discos Pentagrama).
“Jaime López”, BMG Ariola, 1988.
“Odio Funky”, (en colaboración con José Manuel Aguilera), Fonarte latino, re-edición. 1994.
“No más héroes por favor” (en colaboración con José Manuel Aguilera), Fonarte Latino. 2004.
“Grande sexy tos”, Independiente 2005.
“Arando al Aire”, independiente 2006.
"Por los arrabales", Fonarte Latino, 2008.

Los discos de Jaime López pueden conseguirse a través de la página de conocida tienda de discos en México.

Su Libro: Lírica, que incluye todas sus letras hasta 1998. se puede conseguir en la página de una de las librerias más importantes de México.

López es de “los pocos” artistas que han sido marginados por los grandes medios de comunicación mexicana por no alinearse a las exigencias comerciales, es en si un héroe que pide no se le llame héroe, no exige tributo, solo es López, Jaime López.

Jaime López y el Bicentenario.

A razón de las actividades que ha generado en nuestro país el Bicentenario de la Independencia, la disquera "Bunker Producciones" bajo licencia de EMI lanzó un Ep de Aleks Syntek y Jaime con un tema en relación a estos festejos, el tema es "El Futuro es Milenario", fechado, según el iTunes, el 27 de junio del 2010, las criticas son variadas, ya que la voz principal de dicho tema es Aleks Syntek y la voz de Jaime figura tan solo en una estrofa, en la portada se anuncia el tema como si se tratace de un dueto y lo que pasa es que no hay más información de este tema, ni la autoria de la letra ni nada más.

http://itunes.apple.com/mx/album/el-futuro-es-milenario-single/id381810127

En mayo de 2010 salió al mercado español "El Maquinista de La General", un disco suigeneris por su contenido, referencia total a la música mexicana NO COMERCIAL, de entrada, varias canciones son re-composiciones de temas de autoria de Jaime López, lo que convierte a Gurruchaga en uno de los primeros interpretes extranjeros a la lírica de Jaime López, asi como un cover a "Por los arrabales" un tema que solo se consigue en iTunes. (El track "Por los arrabales" no fue incluido en la versión física del disco en México).

Recomposiciones a temas como "No más héroes por favor", el cual nada tiene que ver con el tema grabado con José Manuel Aguilera, la mancuerna de Jaime López y Javier Gurruchaga no ha sido explotada todavía en México, ya que el disco apenas se edito con un arte de portada totalmente diferente al que se promueve en iTunes.

2011 - Mujer y Ego

Llega el primer material de la segunda década del nuevo milenio con Mujer y Ego, un disco con una producción de lujo distribuido por Fonarte Latino México.

Catorce tracks de "rolas" variadas, donde destacan "Bailando en la distancia", "Tropas de ocupación", "de este lado del rio", "Junkie Amor" y "Todas las calles".

Aunque se extrañan los elementos movidos y rapeados tan característicos en López, el disco no decepciona, por el contrario, muestra a un López más asentado y maduro.

2011 - Jaime López y su Chilanga Banda

Jaime López y su Café Tacuba

La noche más emotiva para los seguidores de Jaime López, fue sin duda la del 21 de octubre del 2011, noche en que Jaime López tuvo como músicos acompañantes ni más ni menos que a Café Tacuba, uno de los grupos de rock mexicano más importantes e influyentes en la actualidad.

Como lo venían anunciando desde días antes en diferentes periódicos de la ciudad, desde La Jornada hasta El Record, el concepto fue diseñado por Joselo Rangel quien imaginaba a Café Tacuba como el grupo de Jaime López, y los Tacubos, en un acto de humildad y reconocimiento, hicieron a lado las ataduras de la comercialidad para homenajear a uno de los cantautores más representativos de la escena alternativa mexicana.

Andrea Balency

La velada fue enriquecida por la presencia de una talentosa chica llamada Andrea Balency, hasta donde sabemos, ella es de origen galo, canta muy bonito y tiene en su haber un EP, a cargo del acordeón, la chica acompañó a López y a los Tacubos e incluso hizo una versión de La Cale de Santa Fe, una chica que seguramente dará de que hablar en los días siguientes.

La Chilanga Banda

La velada fue emotiva, llena de nostalgia, no podían faltar los palomazos con Rubén Albarran en tres piezas, Por Cigarros a Hong Kong, Malafacha y Chilanga Banda; Los integrantes de Café Tacuba, todos presentes más la admirable presencia de Luis Ledezma en la potente batería, y Ramiro del Real en la guitarra, ojalá y el concierto lo graben en algún DVD o CD.

El Sr. González

Acompañó a esta súper banda el magnífico percusionista y otrora integrante de Botellita de Jerez, el Sr. González, quien además de acompañar en las percusiones se aventó un palomazo genial en la pieza Nocaut.

Jaime López sonó como nunca y como siempre, lleno de energía con esa voz que lo caracteriza, agasajado por quienes le estiman y admiran, dando un espectáculo quizás irrepetible

Jaime López, En vivo y en Domínguez, 2012.

Una reedición parcial del Hotel Garage que reúne algunos temas ya grabados y editados en el 2005 junto con unas cuantas grabaciones en vivo, lo cual llama a oportunismo mal enfocado, si tuvo la oportunidad de grabar un disco totalmente en vivo para que sacar temas ya grabados, en fin, misterios que tiene el señor López, esperemos que pronto saque un disco nuevo aunque se auto coveree, pero que sean grabaciones nuevas.

Links:

La Orquesta Mondragon, Betsy Pecanins, Molotov y Jaime López

ENTREVISTA A "LA JORNADA" RESPECTO A CONCIERTO CON OSCAR CHAVEZ 2009

2009 - Oscar Chávez y Jaime López : Dos tipos descuidados.

"Dos tipos descuidados" - Bootleg

"Jaime López y su Chilanga Banda" Bootleg

"Jaime López, En El Foro Del Tejedor, 20122

Botellita de Jerez

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Sun, 15 Apr 2007 05:31:00 +0000

versión 1.6

Botellita de Jerez es un grupo mexicano de Rock alternativo integrado, en su primera y última etapa por Sergio Arau en la guitarra, Armando Vega Gil en el bajo y Francisco Barrios en la batería, juntos conformaron un género paródico-paroxístico-musical: El Guacarrock (mezcla de aguacate, alusión a las raíces mexicanas con rock); una formación alterna en su periodo medio, medio cumbiambero-rock-popero fue: Armando y Francisco más: Benjamín Alarcon, Santiago Ojeda en la guitarra y El Sr. González en las percusiones.

Breve (Con)Penetración a la Botella.

Si bien es cierto que los integrantes de Botellita ya tienen peleas en la coliseo, también es cierto que cuando estaban imberbes y se ganaban la vida de folkloristas y ruleteros generaron una nueva forma de hacer música alternativa que los lanzaría a la inmortalidad rocanrolera, la H.H. Botellita de Jerez sigue viva y amenaza con una película autobiográfica, basada en hechos más o menos reales, realizada por el H.H. Miembro Fundador, Sergio Arau, alias el Director. Aunque la Botellita de Jerez se vuelva de vinagre, como ellos mismos dicen, lo cierto es que han dejado su huella en la historia del rock mexicano como uno de los primeros grupos de la nueva era, dijese de 1980 pa’ca, en:

Ser la primera banda de Rock Mexicano en fusionar ritmos del folclor nacional con rock.
Ser la primera banda de rock nacional en crear un género exclusivo para su música: El Guacarrock.
Primera banda en cantar en español sin que le diera pena. (después de la era del rock’n’roll de los años sesenta el idioma fue marginado tras la onda inglesa, los grupos de rock mexicanos cantaban en inglés, tales como La Revolución de Emiliano Zapata con su célebre “Nasty Sex” y la obra inicial del Three Soul, actual Tri de Lora).
Primera banda, junto con los Nakos y la Naftalina de Federico Arana, en hacer rolas anti solemnes antes que exageradas pretensiones de rock.
Primera banda que logró trascender gracias a no tomarse mucho en serio a si mismos.
Primera banda nacional en tomar como modelo a Tin Tan, un icono nacional, y no a Robert Plant (un icono del rock anglo). Aunque la pretensión fue, por así decirlo, jugar con el mestizaje musical y generar un híbrido, por así decirlo un Tin Tan a la Hendrix.
La primera banda en explotar una imagen y diseño emblemáticos, como los pantalones de estoperoles tipo charro, salir con penachos y cascabeles prehispánicos.
Banda NO URBANA, que fue punta de lanza y clara influencia para una generación de roqueros, tales como: Mama Z, Café Tacuba, Tex Tex, Los Estrambóticos, Molotov, Trolebús, Panteón Rococó, Los de Abajo, Los Exquisitos y otros etcéteras.
Primera Banda en combatir los delirios de grandeza de los miembros y no monopolizar el micrófono, ya que, cada integrante que pasa por BDJ hace su disco solista: Paco Barrios y sus discos Prohibido y Podrido; Sergio Arau y sus tres discos que son el mismo pero con diferente disquera; Armando Vega Gil y su proyecto con Fernando Rivera en el Palomazo Informativo; y que decir de los botellones aviadores de los años noventa, tales como El Sr. González y el genial Santiago Ojeda, miembros inolvidables de la H.H. Botellita de Jerez.
Primer grupo de rock, aparte de Los Caifanes y su Negra me Tomas, en hacer cumbias y hacerse populares por ello, pues la banda no olvida su entrañable “Abuelita de Batman”, en una época en que le abrían a las bandas clásicas de la cumbia tales como “El Súper Show de los Vázquez”, y los “Carro Show”. Y tocaban en eventos populares de la Asamblea de Barrios junto al enmascarado Súper Barrio Gómez (precursor de los encapuchados activistas).
Primer grupo capaz de cambiar de giro, del rock a la cumbia y de la cumbia al rock, con soberana desvergüenza, y vivió para contarlo.
Primera banda de rock mexicano en participar en grandes clásicos de la TV, como “Cachun, Cachun, Ra,Ra” y “Alcanzar una Estrella”, para después ser el primer grupo en mentarle la madre a Televisa tan cínica y graciosamente y siguió viva a pesar del veto.
Primera y única banda de rock mexicano que hizo temporada en teatro con, ni más ni menos que con la “Angelicaquita”, la fea más furris, en “Botellita de jerez, todo lo que me digas será al revés”. (además de tocar en los quince años de la actriz, para más información remítanse a “Diario Intimo de un Guacarroquer” escrito por Vega Gil en la revista La Mosca y posterior edición en un libro del mismo nombre.
Y algo que espero que nunca se les olvide a los Botellones, es, que a pesar de haber grabado cumbias y salido en Cine y TV con Lalo Capetillo y su ahora esposa, el principal error de los Botellones fue no haber mantenido una continuidad discográfica, y es lo que ahora sigue fregando al rock mexicano.

Bueno, después de estas aclaraciones pasemos a la historia de Botellita de Jerez (BDJ, en lo sucesivo).

En el inicio fue la Botella.

BDJ surgió en México a principios de la década de los años ochenta gracias a la unión de Francisco Barrios “El Mastuerzo”, cantante y baterista, quien además de ser prolífico compositor a quien se le atribuyen temas como “Niña de Mis Ojos”, “Luna Misteriosa” y “Ropavejero” entre otras, es además un trovador urbano, “rolero” dice él; junto con Armando Vega Gil, cantante y bajista a quien se le atribuyen poderes sobrenaturales de eterna juventud, tipo Dorian Grey pero versión azteca; los cuales al conocerse se llevaron tan bien que hay quienes dicen que hasta tiraban de uñita, hasta que el destino malvado, a través de la mano de un monero de seudónimo El Fisgón (¿o era Ahumada?), los presentara con quien ya hacia monitos y muñequitas encueradas del cuello pa’ bajo, pero eso si, con mascarita a la Místico remix con El Santo, el ya guitarrista y también cantante: Sergio Arau., los cuales dieron al mundo su primer disco homónimo en 1984, de donde se desprenden temas como “Alarma”, “OH dennis”, “Charrocanroll”, “Buscando La Fama”, “Saca”, “San Jorge y el Dragón”, etc. Y fuera tanto la sacudida mental generada por este trío de auto llamados “Guacarrokeros”, que la disquera, originalmente Poly Gram, les pidió un segundo bebe, al cual llamaron: La venganza del hijo del Guacarrock (1986), ilustrado por Ahumada (¿o era El Fisgón?), donde se grabaron temas como “Guacarrock del Santo”, “Ton’s que mi reina”, “Vete al averno”, etc; todo iba muy bien, sus videos salían en los programas de la época, en la radio se abrían espacios importantes tales como “Rock 101” y la siempre fiel “Radio Educación”.

Debido al éxito de los dos primeros discos, “nuestros muchachos”, como dijera Arana, ya tenían el compromiso de un tercer disco, “¡Naco es Chido!” (1987), donde asumen plena y llanamente, sin prejuicio y más bien orgullosamente la condición más real de nuestra condición mestiza: Ser Naco, el disco resulto ser un éxito, ya que incluye un tema emblemático de la Botella “El Guacarrock de la Malinche”, y como es típico cuando se trabaja bajo presión, tuvieron que llenar el espacio con versiones de canciones de otros grupos, tales como: “Asalto Chido” del Rockdrigo (QEPD) a manera de tributo, “Caite Cadáver” de Jaime López, “El Túnel 29” de Guillermo Briseño, y una peculiar parodia al tema “Yo vivo en tiempo de guerra” interpretada por Daniel Viglietti, titulada: La guerra en mi casa.

Llegó el “Rock en tu Idioma”.

Al llegar el año de 1988 todo cambió para el rock en español, Radio Mil programaba cada vez más grupos en español a través de la estación comandada por Luis Gerardo Salas, Rock 101, y como el concepto de la estación se veía comprometido se vieron en la necesidad de despedir a “La Pantera” (radio 590 AM), para darle paso a Espacio 59, quien programó día y noche “puro, total y absoluto” rock en tu idioma (HEEEEEEE!), para gusto y disfrute de quienes ya nos alucinábamos gachamente con Radio Futura, Toreros Muertos, Hombres G, Enanitos Verdes, Nacha Pop, Miguel Mateos, Mecano, Miguel Ríos, Charly García, Fabulosos Cadillacs, Gabinete Caligary, Rosendo, Ramoncin, Joaquín Sabina, Sumo, Alaska y Dinarama, La Torre, Fricción y demás, todos ellos pasaban por las bocinas de Espacio 59 y su locutora estrella: Fernanda Tapia, quien, con su ya característico sentido del humor, pasó a formar parte de nuestra memoria generacional. Pero, todos los que integraban esta nueva ola de “Rock en tu Idioma” (idea original de la disquera BMG Ariola), ya tenían una larga historia en su país de origen, así que, el bombardeo de las emisoras fue tan grande que pronto se hizo mas comercial, surgiendo así “97.7” en el FM de la Ciudad de México, la cual integró lo más comercial de los grupos del rock en español con lo más comercial de la música pop nacional, pero, esa batalla aún era luchada por los batallones del rock azteca, Botellita de Jerez abrió las puertas y los conciertos de los grupos del rock hispanoamericano, y en Espacio 59 se empezó a programar más rock nacional: Jaime López, Chac Mool (con todo y Jorge Reyes), Cecilia Toussaint, Mama-Z, Tex Tex, Trolebús, Gerardo Enciso, Carlos Arellano, Daniel Touchmann, hasta que las disqueras le dieron luz verde a los grupos nacionales, llegando así uno de los mejores grupos que han existido en este país: Caifanes, símbolo del movimiento del “Rock en tu Idioma” en México, y le siguieron Maldita Vecindad, Fobia, Bon y los Enemigos del Silencio, Ritmo Peligroso, El Personal y Maná (que en un inicio era Sombrero Verde y después grabaron un disco de rock pop de donde se desprende el genial tema: Robot, un tema eminentemente ochentero).

Pero hubo un hueco en la labor discográfica de BDJ, la ola del Rock en tu Idioma estaba pasando de moda y la BDJ se estaba desmoronando internamente, supuestamente por que Sergio Arau no aguantaba la carilla que Barrios y Vega-Gil le propinaban (versión de Barrios y Vega-Gil), pero, según Arau la idea de hacer música más popera y comercial les fue seduciendo a Barrios y Vega-Gil, y con ello se corría el riesgo de perder la identidad del grupo, El Guacarrock.

La Taza de Café y La Niña de mis Ojos.

Espacio 59 ya amenazaba con desaparecer, los grupos de Rock en tu Idioma se estaban desmoronando como dientes de león al aire, Sergio Arau abandonó al grupo y se fue a L.A. California y empieza la grabación de su proyecto de continuidad guacarroquera con Los Mismísimos Ángeles. Empezó a haber broncas en Rockotitlan, un foro para el impulso del rock nacional que otrora fuera promovido por la BDJ, y en contraste las bandas como Ritmo Peligroso, Los Amantes de Lola, Bon y los Enemigos del Silencio, Fobia, Caifanes y La Maldita Vecindad iban ganando terreno frente a las bandas independientes que ya estaban cayendo en una marcada marginación, en contraste con la lamentable perdida de Julio Haro y el fin de El Personal.

Barrios y Vega-Gil se vieron en la necesidad de incorporar a otros integrantes: Benjamín Alarcón en los teclados, Santiago Ojeda (para mi gusto el mejor guitarrista que ha tenido la BDJ) y el genial Sr. González (Rafael González). Juntos crearon un nuevo capítulo en la BDJ, sepultaron al guacarrock y le apostaron a la música pop, la agonizante estación Espacio 59 programa “La Taza de Café” primer sencillo del nuevo disco de la BDJ, un disco que cambiaría por completo la carrera de la BDJ, la cuál había abandonado la estética y concepto brindada por Arau, a su vez, Sergio Arau, de manera independiente lanza su primer disco: Sergio Arau y Los Mismísimos Ángeles, con todo el sello del guacarrock pero sin difusión, lo cual lo condena a un semi anonimato, por su parte la BDJ recogía y disfrutaba los frutos de su segundo sencillo “Niña de mis Ojos”, el lanzamiento del disco fue un éxito entre un público más abierto y comercial, algunos seguidores de la BDJ nos sorprendimos con este disco aunque otros iniciaron un veto al disco por considerarlos “vendidos”, la BDJ quién ya había tenido una que otra aparición en programas como “Cachun Cachun Ra Ra” y en los programas de videos patrocinados por la Pepsi, se vuelan todas las bardas conocidas al participar en la telenovela “Alcanzar una Estrella” a lado de Lalo Capetillo y Bibi Gaytán, donde protagonizan a unos mecánicos que son los patiños del Capetillo, y con el éxito de la novela los contratan para la película “Más que alcanzar una estrella” donde debutaron en la pantalla grande comercial bajo el amparo de Televisa y compartieron cámara con Ricky Martín y sus Muñecos de Papel.

Cambiar de género del guacarrock al pop les había abierto las puertas de la productora de San Ángel, pero también les había traído el repudio de la banda roquera, peor tantito que el nuevo look de los BDJ era de lo más “cool”, el “look” del roquer fresa de ojos delineados, vaqueros rotos y camisas sueltas con chalequito torero se imponían a los cascabeles y penachos de antes; eso sin contar que en el disco “Niña de mis Ojos” (1989), se incorporaba una cumbia, “¡Qué se acaben los guapos!” (una contestación a una rola titulada “Qué se acaben los feos” grabada por un conjunto grupero cuyo nombre desconozco), en el disco se incluía aún temas de co-autoría con Sergio Arau, además del tema “Hormigas” que ya había sido grabado en solitario por el Sr. González, y el tema “México Lindo y Querido” el cual pretendía hacer tributo a sus raíces de fusión guacarrocanrolera, y a su vez era una idea del mismo Arau que no vio realizada en ese momento.

No te metas con mi Bati-Cumbia.
(o La culpa de todo la tiene Tim Burtón (o en dado caso Bob Kane)).
(o La cumbia no tiene la culpa).

Dos cosas se mezclaron a finales de los años ochenta, el éxito de los temas de fusión tropical: Caifanes había conquistado a las masas con La Negra Tomasa, Ritmo Peligroso con Contaminado y Déjala Tranquila, Maldita Vecindad con Mojado y Morenaza, y el segundo factor fue el arrollador éxito de una nueva película de Tim Burton sobre el personaje oscuro creado por Bob Kane y Bill Finger: Batman; México sufría de la batimanía así la BDJ decide probar éxito con un sencillo peculiar: Abuelita de Batman, ¿que creen lo que pasó?, ¡Fue un éxito!, Abuelita de Batman llegó a un público popular, las mieles del éxito llegaban ante contratos para ir a tocar su “baticumbia” por todas partes de la república, aunque ello había significado el fin de su carera roquera ya sea por el pop o por el guacarrock.

“Abuelita de Batman” que había sido concebido como un EP fue instrumento de medición de masas para ver cual sería la nueva ruta de la BDJ, el éxito del sencillo los perfiló para su siguiente disco: “Busca Amor”, el disco más bizarro de la BDJ, abría con “Busca Amor” primer sencillo, el cual era a su vez “un cover del cover”, el tema era originalmente un cover a “Cotton Fields” de Creedence Clearwater Revival, pero en su versión de los años sesenta “Busca Amor” (desconozco quien la grabó en los años del Rock’n’Roll).

“Busca Amor” (1991), incluía también “Amor de locos” un tema basado en los sones jarochos, “Dulce Amor” un ingenioso tema al estilo de los Bukis, una versión de “Tiburón a la vista”, “Despiértame” el cual, para mi gusto, es el mejor tema de ese disco, curiosamente “Despiértame” es el único tema pop del disco, junto con “El mismo viejo perro” del Sr González, ambos temas los más rescatables, en el disco se incluye una versión cumbia de un clásico de la BDJ: ¡Alarma!. (La cumbia no tiene la culpa, grita Vega Gil a media canción).

El disco no era del todo malo, e incluso era una burla mal entendida a la música grupera, pero ya tocaban con los grupos de cumbia y botellita se perdía más y más en un hoyo tan profundo y negro como su suerte, al grado que, según fuentes, se perdieron en una mezcla de drogas, nihilismo y hedonismo donde los nombres de notables señoritas de la TV se veían comprometidas en viajes pachecos a lo “Yellow Submarine”. Fueron los días de hacer teatro, “Botellita de Jerez, todo lo que me digas será al revés”, fue la cerecita del pastel de popolate donde se sepultó la Botella para hacerse bolita como perro recién pateado en las pelotas y poder incendiarse para poder resurgir de sus cenizas.

La Culebra y El Ave Fénix botellezco.

Para principios de los años noventa, el movimiento de “Rock en tu Idioma” había demostrado ser lo que muchos críticos auguraban, una moda temporal, así, muchos grupos que fueron pilares del movimiento fueron desmoronándose hasta que el movimiento se perdió, Espacio 59 desapareció, los discos se descontinuaron, las bandas se desintegraron y entre los jóvenes se podía escuchar el “U’Can’t touch this” de MC Hammer, el “Ice Ice Baby” de Vanilla Ice, y el “Pump Up the Jam” de Technotronc, el House, seguido de la ola industrial y posteriormente el dance y el Techno, dejaron en penumbras el recién difundido “Rock en tu Idioma”, peculiarmente, en esos momentos, los botellones ya se habían saltado a la soga de la cumbia, hasta morir musicalmente hablando, lo mismo pasó con el rock nacional, nadie sabe y nadie supo como, pero de todo lo que había surgido a finales de los ochenta solo quedaba El Tri de Lora, Caifanes, Maldita Vecindad, Fobia y Maná. Todo fue gris hasta llegar el año de 1992, año en que el rock en español tuvo un nuevo empuje en México y de nuevo, gracias a la BMG Ariola, quien, después del éxito obtenido con el “Rock en tu Idioma”, vio la necesidad de una nueva campaña musical, la cual coincidió con el lanzamiento de nuevas producciones de las bandas que habían surgido a finales de los ochenta, así, los pilares del ahora revivido rock nacional, se unían a los nuevos discos del sub-sello Culebra de BMG, lanzando discos que hoy en día ya son clásicos, sumados a los de otras disqueras, fortaleciendo el movimiento de rock nacional:

El Silencio – Caifanes – BMG – tercer disco oficial – Sencillos: Nubes, Piedra, No dejes que, Hasta Morir.
Donde jugaran los niños – Maná – WEA – tercer disco oficial, segundo con WEA, Sencillos: Vivir sin aire, El desierto, Huele a tristeza, Me Vale.
El Circo – Maldita Vecindad – BMG – Segundo Disco - sencillos: Pachuco, Kumbala, Solin.
Café Tacuba – Homónimo – WEA, Álbum debut, sencillos: Maria, Las persianas, Rarotonga, Las Batallas.
La invasión de los Blátidos – CUCA – Culebra BMG, Álbum debut, sencillos: El son del dolor, Señorita cara de pizza.
Pa’servirle a usted – La Lupita – Culebra BMG, álbum debut, sencillos : Contrabando y traición, la paquita disco.
Santa Sabina – Homónimo – Culebra BMG, álbum debut, sencillo: Azul casi Morado.
Servicios Generales II – La Castañeda – Culebra BMG, Primer disco con BMG: El Viejo Veneno, Transfusión.

Los lanzamientos del año 1992 fueron decisivos para buscar más grupos para grabar, de los principales grupos de rock nacional la mayoría ya estaban firmados para BMG, ya fuera directamente o a través de Culebra, entre estos hubo proyectos afortunados y otros desafortunados, así, Culebra siguió grabando Rock Nacional: Gerardo Enciso, Toxodeth y Guillermo Briseño, Tex Tex y para el año de 1994 y sin prevenir a sus fans, surge un nuevo disco de Botellita: Forjando Patria (Culebra BMG – 1994), donde vuelven al “guacarrock” con temas como “Return To Aztlan”, “La Valona de la Conquista”, “El Santo vs. la Tetona Mendoza”, “Chin Pun Cuaz”, “Basura” y “El laberinto de la soledad”, aunque aún incluían temas de un agradable pop melódico como: “Luna Misteriosa”, “Ropavejero” y “Soy y no Soy”, el efecto fue inmediato y como fruto de un buen trabajo de producción, el disco los llevó de nuevo al lugar donde se habían quedado antes de cantar bati cumbias, los conciertos en el Museo del Chopo fueron un éxito y una muestra de que la Botella no estaba muerta andaba de parranda cumbiambera; tras ese genial disco “Forjando Patria”, y ante el auge de los conciertos de concepto “Unplugged”, los botellones se aventuraron a la experiencia desenchufada, anotándose un nuevo hit: “Súper Especial Un plug” (Culebra BMG – 1996), donde el momento histórico quedo registrado, como una polaroid sonora que nos refleja los años del levantamiento zapatista, los huecos políticos del gobierno del entonces presidente Zedillo, el enfado contra la caja idiota y el veto contra Botellita por parte de Televisa.

Sergio Arau, El Eslabón Perdido.

Tras la ruptura con Paco y Armando, Sergio se refugió en Los Ángeles California, seguía manteniendo viva la llama del “Guacarrock”, seguía pintando sus enmascaradas sensuales y tenía proyectos de cine; casi a la par del lanzamiento del álbum “Niña de mis Ojos” de sus antiguos compañeros, Arau lanzó su primer y único disco con una disquera independiente junto con su nueva banda “Los Mismísimos Ángeles”, mismo que pasó sin pena ni gloria, a pesar de ser un producto de alta calidad interpretativa; entrando los años noventa y con el recurso de que las disqueras le copiaban a BMG la idea de los sub.-sellos, WEA explotó la idea de lanzar el sub.-sello “Rockotitlan”(el concepto de “Rockotitlan” es otro capitulo más en la historia de los Botellones, por cierto). Sergio firmó con una nueva versión de su banda, la ahora “Venganza de Moctezuma”, con quien lanzó un nuevo disco, que en realidad era el primero, con nuevos arreglos y las mismas ganas, pero de nuevo fue opacado por la novedad de la época que ya les platiqué, Caifanes, Maná, Maldita, Café Tacuba, etc.

Posteriormente, un nuevo conecte con una disquera trasnacional, la Sony Music, que ya había probado suerte con los subsellos, tales como “Discos Do Do”, con quien había firmado a El Clan, le propone a Sergio un chance para grabar, Arau lo aprovecha para volver a lanzar su primer disco por tercera vez pero ahora con el “apoyo” de Sony, sin embargo el resultado es el mismo, Sergio ahora vagaba entre el tex mex y el guacarrock, y sin embargo su disco: Frida Sufrida nomás no vendía, nada se supo de Sergio en el ambiente musical, a pesar de haber insistido con el “Guacarrock”, hacer buenos arreglos y echarle mucho ingenio a sus discos, hasta que llegó ...

El Ultimo Guacarrock.

Para el año de 1997, Francisco Barrios “El Mastuerzo”, lanza su primer disco solista, “Prohibido” (Culebra-La Solitaria-BMG 1997), el cual augura el final de la BDJ, a su vez, el auge del Hip Hop gabacho empieza a hacer eco en los nuevos grupos, el ska esta en su mero apogeo y bandas como DEF CON DOS empiezan a sacudir mazas con su rock “jip jopero” de protesta, bandas como La Sekta Kore, Molotov y control Machete empiezan a hacer ruido, la decadencia amenazaba a los grupos de rock, Caifanes se había extinguido entre un jardín de dudas a cerca de los mitos y los motivos; Maldita Vecindad y Maná estaban estancados cada uno en su propio ritmo sin poder superar cada uno su disco anterior.

De alguna manera, el fin de Caifanes si había influido sobre las demás bandas, Jaguares no tuvo, ni ha tenido, la misma magia de Caifanes, Fobia se desvaneció, y Café Tacuba se abrazó de los refritos para sobrevivir, y eso fomentó la idea del fin, ya que Armando Vega Gil se dedicaba con más ahínco a sus proyectos literarios; en alguna ocasión, platicando con Paco, nos confesaba, a un compañero y a mi: “Botellita se va separar”, él tenía una actitud de resignación, nos hablaba de Molotov y Café Tacuba como la nueva vanguardia, como si los botellos fueran ya unos dinosaurios que debían auto-extinguirse, “Queremos despedirnos con la cabeza en alto”, decía el Mastuerzo mientras tomábamos un café en el “Café ES3”, “Terminar con dignidad”, después de más de veinte años de hacer rock y ser pionero en la fusión alternativa, cabizbajo, melancólico, Paco adelantaba el adiós de Botellita, de un proyecto que dio tantos momentos gratos a sus seguidores.

A mediados de 1997, en el teatro Metropólitan de la Ciudad de México, Botellita nos ofrece su “Último Guacarrock”, un espectáculo que no tuvo, ni a tenido igual, de todos los conciertos que he asistido tanto en el Museo del Chopo como en el mismo Metropólitan, Hard Rock y etc; ninguno iguala al de esa noche, y les voy a decir porque:

Botellita ha sido para muchos un icono del rock nacional, yo lo escuchaba desde que tenía diez años, mi primer disco de botellita es precisamente el homónimo del 84, se lo decomisé a mis tíos y no me da vergüenza pues al igual que ese disco también rescate el de la “Venganza del hijo del Guacarrock” que mi abuelo por sus ideas mochas hubiera condenado al fuego, sino al de los infiernos si al de la estufa, así rescaté heroicamente muchos otros discos de otros grupos como ya lo relaté antes.

El primer golpe encefálico que me produjo botellita fue con “Los maderos de San Juan”, “OH Denis” y “Charrock and Roll” (por no mencionar todos los temas del primer disco, y del segundo y del tercero), No había solemnidad en botellita y eso era increíble, no había vulgaridad en botellita y eso lo hacía genial, no había pretensiones, ni poses, y eso lo hacía accesible e inteligente, humilde y elocuente.

El día del Último Guacarrock se pudo advertir que Botellita no era un grupo cualquiera, sino que era un grupo con el que todos los mexicanos (rocanroleros) podíamos identificarnos, desde el niño, el adolescente, el joven, el ruco, TODOS. Ante el escenario del metropólitan todas las botellitas estuvieron presentes, la Botella de Sergio Arau, donde el público lo aclamaba como al hijo pródigo, hasta la Botella de Los Noventas, donde Santiago Ojeda y el Sr. González nos conmovían al interpretar Guadalupe, donde al Mastuerzo se le apaga la voz en un llanto que toda la banda sentimos. Esa noche en el Metropólitan fue para recordar, fue histórica, algo que muy difícilmente se repetirá. Por eso, ante la noticia de la filmación de una película que relate lo que fue Botellita de Jerez, se me hace pertinente usar este blog como un pliego petitorio para los Botellones, para que no olviden que Botellita surgió con Arau, pero ninguno dejo de ser y hacer guacarrock, Hay Botellita en los discos solistas de Sergio, como hay botellita en cada rola desde Niña de mis Ojos hasta Forjando patria.

Aquella noche en el Metropolitan, estaba unida toda la Botella, desde El Mastuerzo, pasando por Armando, Sergio, Ojeda, El Sr. González, Cox Gaytan, El Androide Andrade, e incluso Rubén Albarrán (alias “pinche Juan”, alias “Rita Cantalagua”, alias “Anónimo”, alias Zisu Yantra, alias mi güevo izquierdo); parecía que Botellita le cedía el lugar a Café Tacuba, mientras todos los botellos, Tacubo incluido cantaban extasiados “Alarma la de tos”, éxito memorable de Botellita.

El fin es el principio.

Los motivos del fin de BDJ nunca estuvieron claros, había muchos rumores que entre Paco Barrios y El Sr. González había mucho pique creativo, pues se rumora que Barrios marginaba las canciones de González (las cuales pocas veces se interpretaban en los conciertos en vivo), Barrios veía como una opción salirse de Botellita, pero eso sería como hacerse el “jaraquiri” pues sería como dejarle el nombre a González. Barrios y Vega-Gil anticipan el fin de Botellita e invitan a todos los que alguna vez formaron parte de la banda (excepto a Benjamín Alarcón con quien se dice hubo mucho motivos para despacharlo y para saber más de ese capitulo tendrían que leer “Sex sin bolls” en “Diario intimo de un Guacarroquer” de Vega-Gil).

El rencuentro con Arau sacó chispitas y corazones en efluvios perfumados para Barrios, Vega-Gil y el mismo Sergio, la respuesta de la banda al verlo en el escenario “de nuez”, “again”, fue tan impactante que la posibilidad de hacer un nuevo concierto con él quedo abierta, dicen que limaron asperezas y dejarón las puertas abiertas para un arrejunte.

De Piedras Verdes a Tin Tan.

El arrejunte de Botellita se hace una realidad en 1999, en el Hard Rock del DF, donde Sergio, Paco y Armando siguen bailando la danza de los viejitos al entrar al escenario mientras se pican la cola con el bastón y terminan cantando todos los viejos éxitos ochenteros como si fueran las Flans después de un ídem de tiempo. Y eso ha sido algo un tanto intolerable, porque se abstienen de tocar rolas como “Niña de mis Ojos”, “Luna Misteriosa”, “El laberinto de la soledad”, etc.

Tiempo después Paco Barrios es invitado para hacer una breve participación en la película “Piedras Verdes”, para la cual hacen una canción incluída en la Banda Sonora de la misma, el tema sería la primera pieza inédita de la BDJ con Sergio Arau después de más de diez años, en esas mismas fechas participan en el disco tributo a Los Tigres del Norte, su primera participación en un disco tributo, con el tema “Jefe de Jefes” en una versión a lo “bule-bule”, poco después participan en otra banda sonora, Corazón de Melón con el tema homónimo en diversas versiones, el soundtrack viene incluido en el DVD de la película más otros temas tanto de Arau (son del corazón), como de Barrios (Corazón) y otros temas de la BDJ que ya habían sido grabados con anterioridad.

Por diversas causas Sergio Arau, quién ya había grabado un corto metraje llamado “un día sin mexicanos” ve la oportunidad de hacer una extensión para presentarla de manera comercial con un éxito moderado y en medio de criticas y opiniones opuestas, el “guaca-cine” de Arau es la oportunidad para presentar otro tema inédito de la BDJ, “Dónde esta José”, la banda sonora incluye también algunos temas con Sergio Arau y su banda (el corto metraje lo realizo de manera previa a su “arrejunte” con la BDJ); tiempo después, y con la intención de empezar a grabar material para una película o DVD, la BDJ vuelve a tomar los foros, hace presentaciones durante el 2005, 2006 y 2007 en el Metropólitan, La Arena Coliseo, el Hard Rock Café y participa en presentaciones de foros, libros y demás ondas de contracultura. En esas fechas participa también en el disco tributo a Tin Tan con un tema pseudo inédito, “Ese”.

"Naco es Chido: Botellita de Jerez - La Película"

A través de ArtNacó, Sergio Arau pretendió realizar una remembranza de Botellita (obviamente "la botellita trio", lo cual dejaba fuera 10 años de Botellita como quinteto), desgraciadamente la influenza acabó por partirle el queso a la economía de México y entre suspiros y bostezos botellita logró proyectar su película en Septiembre del 2009, la "premiere" en la Cineteca Nacional pasa casi inadvertida, hasta que despues de tanto tiempo de anunciarla y promoverla, el 11 de junio del 2010, se estrenó en algunos cines de México, la segunda obra de Sergio Arau como director, Plan B era el nombre con el cual se promovería la cinta, pero la coincidencia en tiempo y espacio con una obra extranjera del mismo nombre orilló a los Botellos a cambar el nombre a “¡Naco es Chido!”.

Sergio Arau, quien ha dado al mundo obras musicales como “Frida Sufrida”, y que tras haber roto con los Botellos restantes en 1988, deciden, tras “El ultimo Guacarrock” del 97, volver a las andadas en el plan original, el que había concebido ya tres discos, el homónimo, la Venganza del Hijo del Guacarrock y “Naco es Chido”, como cineasta, Sergio había concebido un cortometraje llamado “Un día sin Mexicanos” pero, debido a la originalidad de la idea y de que el formato del cortometraje no es comercial, decidió hacerlo largo, y de esa manera se exhibió, sin embargo, el estilo de Sergio Arau era tan siugeneris como el Guacarrock, por lo cual generó reacciones muy diversas en la crítica.

¡Naco es Chido! Es una película exclusivamente para fans, no solo de Botellita, sino del rock mexicano, y cuenta con un soundtrack extenso y diverso con bandas que van desde café Tacuba, Plastilina Mosh, Molotov, Los de Abajo, Carina Ricco, etc. No hay mucho que decir, es otra obra de guaca-cine (cine y guacamole), que a manera personal a mi me divirtió pero, yo soy fan de Botellita desde que iba a la primaria, tengo mis acetatos, sin embargo, para el público general les recomendaría tomar la película como una auto parodia de lo que Botellita de Jerez generó y genera en quien lo escucha, así que, si no son muy fans ni del rock mexicano ni de la botella pues abstengance, sin embargo, si quieren reírse con una obra tan pueril como entretenida, pues vayan, seguramente algo les dará gracia.

¡Naco es Chido!, Soundtrack Tributo:

ESTE DISCO COMPACTO, DOBLE Y CIRCULAR NO ES UN TRIBUTO, ¡NEL!, ÉSTE ES UN AJUSTE DE CUENTAS, ES UN BESO SALIVÓN, ES UN ABRAZO CHIDO, MACHÍN RIN , AMOROSO HASTA LAS CHANCLAS Y BIEN ENTRADO EN LAS CARNES DE MACIZA Y CUERO DE TODOS NUESTROS CARNALES QUE LE ENTRARON A REHACER NUESTRAS ROLAS: DESDE LOS MÁS ANTIGUOS Y AUTÓCTONOS HASTA LOS MÁS JÓVENES Y LOCOTOTES, DESDE LOS MÁS RASPOSOS Y PELUDOS HASTA LOS MÁS QUERENDONES Y PELONES. LOS TRES BOTELLOS JERECIANOS, EL MASTUERZO, EL UYUYUY Y EL CUCURRUCUCÚ DECLARAMOS A LOS CINCO RUMBOS CÓSMICOS Y MOCÓSMICOS QUE SE NOS SALTAN LAS LÁGRIMAS COMO COCHINILLAS ENLOQUECIDAS Y QUE SE NOS AGITAN LAS TRIPAS EN UN MAREMOTO AL OÍR UNA A UNA ESTAS ROLITAS QUE EN MANOS, LIRAS, BATACAS, JARANAS, TOLOLOCHES Y GAÑOTES DE NUESTROS AMIGOS SE VUELVEN ROLOTOTOTAS. ESTE DISCO DOBLETEADO, ES LA MÚSICA DE FONDO DE UNA PELÍCULA NACA Y REIVINDICADORA, PERO ES TAMBIÉN UNA PUERTOTA QUE SE ABRE DE PAR EN PAR PARA EL MUNDO, ES NUESTRO TESTAMENTO A TRAVÉS DE LA BANDA CHONCHA Y CHIDA DE TODOS NUESTROS AQUÍS Y NUESTROS ALLÁS. ¡GRACIAS A TODOS! Y RECUERDEN: COOL ES CULERO, ¡NACO ES CHIDO! ATENTAMENTE, BOTELLITA DE JEREZ.
(texto publicado en promoción para el CD - Banda Sonora de la película "Naco es Chido")

Varias Botellas en tres décadas.

Como verán el camino de la BDJ ha sido variado, lleno de altibajos, momentos de alegría y de tristeza, pero siempre con la intención de no dejarse vencer ante la adversidad, ojalá pronto presenciemos conciertos tan emotivos como el que quedó registrado en el CD “El último guacarrock”, donde todos los botellos, tacubo integrado participaron para dar a conocer lo que ha sido la Histórica y Honorable Botellita de Jerez.

Discos Sobresalientes:

- El Estuche de peluche (los 3 primeros discos).

- Niña de mis ojos.

- Super especial un plug.

Temas: "Niña de mis Ojos", "Luna Misteriosa", "Alarma", "Abuelita de Batman".

La otra Botella también fue Botella

Aunque a los seguidores puristas no les guste, la otra Botellita, la de Alarcon, Ojeda y el Sr González, también fue importante

Bunker Recargado: Botellita de Jerez en el Teatro de la Ciudad

2012: El Santo vs La Tetona Mendoza

Los caricaturistas mexicanos Jis y Trino tuvieron la oportunidad de mostrar su talento en el periódico La Jornada, la tira cómica "El Santo vs La Tetona Mendoza" fue un golpe a la cabeza para las mentes moralinas de nuestro país, pero era un complemento a la gran ola artística que se venía desarrollando en Guadalajara, el gran boom tapatio venía desde finales de los ochentas y hasta los años noventa con talentosos personajes y bandas como Maná (hay que decirlo, nos guste o no), El Personal, José Fors y La Cuca, Guillermo del Toro, Gerardo Enciso, etc. Dicha tira cómica resultó en una influencia obligada en los circuitos intelectuales, culturales y anexas, el estilo escatológico de Jis y Trino influyó en Botellita de Jerez y a manera de homenaje, en el disco Forjando Patria del 94' se incluyó el tema El Santos vs La Tetona Mendoza, mismo que se usó para la película del mismo título, estrenada en el 2012.

2013: Nuevo Guaca Truene, principio y fin de una Botellita.

Apesar de las intervenciones en los soundtrack de Corazón de Melón y Piedras Verdes, los tributos a León Chávez Texeiro, Tin Tan y Los Tigres del Norte, Botellita de Jerez, El Arrejunte, no había producido un disco nuevo con temas inéditos desde Forjando Patria (BMG, 1994). Se esperaba desde hace años un nuevo disco pero tal parecía que eso iba quedando rezagado, Vega Gil con sus compromisos literarios, Paco Barrios con Los Jijos del Maíz, tal parecía que el ave fénix botellazo se resistía a resurgir de sus cenizas, pero entonces ocurrió el milagro, Arau decide dejar a la banda, entre noviembre y diciembre del 2012, Arau decide abandonar a Paco y Armando "por incompatibilidad y chingaderas".
Un concierto se anuncia en El Queso del politécnico, Arau explota y anuncia la muerte de Botellita de Jerez.

La HH Botellita, un éxito con lleno total y localidades agotadas.

Armando Vega Gil aclara en entrevista para La Jornada y la revista MX que la decisión de Arau no debe afectar al grupo y en el segundo cartel ya no aparece el nombre de Botellita de Jerez sino el de La HH Botellita, la misma de Niña de Mis Ojos, Busca Amor y Forjando Patria

Entrevista: http://www.jornada.unam.mx/2013/03/08/espectaculos/a11o1esp

"Vega-Gil: “Sergio decía sentirse limitado. Tras muchos roces, un día sólo explotó y dijo a Paco: ‘ya no te soporto’, pero no dijo las razones. Ha sido desconcertante, porque ya teníamos compuestas canciones nuevas y muchos planes”. Barrios: “Para mí es una traición. Antes le dije que si lo había ofendido, ofrecía disculpas, y sólo dijo ‘lo voy a pensar’. Ya no supimos más. No tiene derecho a decir que Botellita no existe si no está él. La propiedad legal es de los tres. Pero Botellita no le pertenece a nadie, ni a nosotros; ya es de la gente que se ha apropiado de las canciones. Tampoco tiene derecho a desacreditar a González y a Ojeda, pues ellos ayudaron a reivindicar el nombre y las rolas de la vieja Botellita, de modo que no fue olvidada en los años 90. Amo a Sergio y le pido que vuelva a tocar con nosotros. Ya habíamos tocado los tres con González y Ojeda en el Teatro de la Ciudad (mayo 2011) y sonamos muy bien. Creo que a Sergio le molesta que le pidan canciones de la otra Botellita, así como la participación de ellos dos”.

La frescura que vendrá en lo musical

¿Será que Sergio siempre se ha sentido el creador del grupo y que le roban su proyecto? AVG: “Él siempre siente que le roban ideas; ha acusado a varios de ello. Pero no es así. Siempre hemos sido un triángulo equilátero: los tres cantamos y componemos. No nos estamos ‘aprovechando’ ni engañando a la gente. Tenemos derecho de piso: Paco y yo llevamos 30 años partiéndonos el hocico, dando vida a esta banda; también somos Botellita y necesitamos seguir tocando, vivimos de esto. Aun así, nos volveremos a llamar La HH Botellita de Jerez: la gente sabe que el concepto es otro; tocaremos las rolas clásicas, pero también del Forjando Patria (1994) que muchos piden. González y Ojeda son muy buenos músicos; ellos y Paco son productores: tienen una experiencia de control, planeación, cabroncísima, lo que nos hará estar en otro nivel”. Dijeron tener seis canciones nuevas, y que la idea es tener un disco a finales de 2013; adelantó que una se llama No pinches mames, otra Estoy ardilla; otra hablará del maíz en México y otra parodiará el que ya estemos viejitos.

AVG: “Es como iniciar una nueva banda. Nos costará mucho; ya nos cancelaron shows, porque no estará Sergio. Pero me da esperanza la frescura que ahora tendremos en lo musical, lo cual ya estaba muy agotado. Las limitaciones de Sergio en la guitarra sí llegaban a ser un problema”. Barrios: A mí me encanta empezar algo nuevo, sonar diferente, hacer arreglos al viejo material. Yo me quiero morir tocando con Botellita."

Botellita en El Queso resultó uno de los eventos más emotivos en la historia de Botellita, volver a escuchar viejos temas como Niña de mis ojos, El muchacho asfaltico, Vamos a la alberca, La Valona de la Conquista, Luna Misteriosa, etc, fue mágico. Eran temas que muchos queríamos volver a escuchar y tras poco menos de 2 horas el final del evento con uno de los mejores temas de Forjando Patria, El Ropavejero, fue épico.

Botellita viene en grande, es una de las mejores bandas de rock mexicano, y muchos esperamos que sigan haciendo historia.

En concierto:
http://www.youtube.com/watch?v=JVvshjGtcAU

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Briseño, Guillermo

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Sun, 25 Mar 2007 01:01:00 +0000
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¿Quién es Guillermo Briseño?
A mi disco de “Briseño y el Séptimo Aire” le tengo un cariño muy especial, en primera por que no es exactamente mío, sino que se hizo mío por que soy yo quién lo protegió de mi abuela, mi abuela, en cuanto le compraron su nuevo “estéreo” súper Sony Hi Fi con reproducción de CDs y MP3 se dio cuenta que esas tortillas negras de vinilo simplemente habían pasado a formar parte de los objetos inútiles, a menos que quiera uno quemarlos, tornearlos, ponerles espejos en el centro, hacerlos volar, en fin; ya sea por melancolía o por lo que tu más quieras, decidí rescatar los discos de acetato de mis tíos, así, rescaté al de Briseño, que por cierto se oye del carajo debido al “scrach”.
Briseño es Ingeniero Químico, egresado de la UNAM, inició su carrera musical en 1961, aunque el gusto por el piano la tiene desde niño, su afición musical lo hace colaborar con “Little Richard” y, posteriormente, fundar diversos proyectos musicales, entre estos: “La cosa nostra”, “el séptimo aire” y más recientemente, “La banda de guerra”; aunque la mayor parte de su discografía es independiente, hay tres discos, desde mi punto de vista, que son fundamentales para comprender porque Briseño, es una figura dentro del rock mexicano tan poco comprendido y poco valorado: El Séptimo aire (1987), El Conexionista (1990) y Verde, Blanco y Colorado (2003).
Me esta valiendo madre el corazón.
Si bien no es su primer disco, y como dijera por ahí un personaje político, “no será el mejor pero es el idóneo”: “El Séptimo Aire” se encumbró por haber sido concebido en un momento donde grabar rock nacional estaba de moda entre las disqueras trasnacionales, así “El Séptimo Aire” fue grabado en 1987, con la colaboración de Octavio “El Sopas” Espinoza, Sabo Romo en el bajo antes de integrarse a los Caifanes, Juan Carlos Novelo en la bataca y Hebe Rosell en los coros la flauta y el sax. “El séptimo aire” fue producido por y para el sub-sello COMROCK de WEA, filial de la Warner, quién, después del boom del rock en español, enlató esta obra para confinarla al olvido, junto con otros disco como “El sabor de mis palabras” de Betsy Pecanins, “En la mira” de Ritmo Peligroso y toda la obra de Ricky Luis, el de “Tengo un mes con el mismo pantalón”. En el disco quedaron registrados temas como : “El túnel 29”, que fue grabado también por Botellita de Jerez, y “Violencia, drogas y sexo”, grabado originalmente por el TRI; y otros temas no menos ingeniosos como “Cruciflexo” cuya tonadita introductoria fue usada posteriormente para un comercial de condones, y que decir de “la escena me traspasa el corazón”, donde el estribillo reza algo así como: Me esta valiendo madre, me esta valiendo madre, me esta valiendo madre el corazón, y “Donde estabas”, esta última de mi especial agrado, donde el estribillo sentencia: Paso mucho tiempo y el tiempo no vuelve, no olvides voltear, tal vez cuando mires ya sea diferente.
¡Apaga la “pinche” luz!
Pasada la euforia del rock mexicano, casi todas las disqueras se dedicaron a enlatar las producciones que a penas unos años antes se habían encumbrado como clásicos instantáneos, Columbia-Sony, Warner, EMI y BMG Ariola dejaron de apoyar al rock nacional para darle prioridad a la música pop de moda, y los roqueros tuvieron que irse de retache a las disqueras independientes, las cuales aún eran emergentes, a excepción quizás de Discos Pentagrama, quién se aventuró a distribuir “El Conexionista”, originalmente grabado vivo en 1990 en la Sala Miguel Covarrubias, con una selección de canciones que se incluyeron en el programa de análisis político económico Nexos, y a diferencia con El Séptimo Aire, El Conexionista incluye temas críticos, de enfoque social y cultural, salvo excepciones como “Te Amo, como lo vas a tomar” que escribió para Eugenia León e incluida por esta en el álbum Mar Adentro, Disco de proporciones roqueras por incluir temas de David Haro, Pepe Elorza, Jaime López y Briseño. El Conexionista también incluye “Apaga la luz” que fue un tema emblemático de Briseño en su paso como locutor en el 105.7 de FM. El Conexionista fue distribuido por Discos Pentagrama en Cassette, y al igual que “El séptimo aire”, después de una edición, fue confinada al olvido.
La Banda de Guerra, la Culebra y la Serpiente.
La falta de difusión de los grupos de rock de contenido como Briseño, Carlos Arellano, Jaime López y Gerardo Enciso, debido a una avasallante maquinaría de mercadotecnia enfocada a vender la música de los grupos de moda de enfoque juvenil y grupero a mermado también el desarrollo de proyectos alternativos, un intento por parte de BMG en México, fue la creación del sub-sello “Culebra” que grabó bandas hasta ese momento desconocidas y fue la plataforma de grupos como la CUCA, La Lupita, Santa Sabina y La Castañeda, un acierto de Culebra fue grabar a Gerardo Enciso y a Guillermo Briseño. Guillermo, quien para 1993 había reunido a un grupo de músicos, echó a andar a su nuevo grupo, tal proyecto quedó registrado como: Briseño y la Banda de Guerra, el disco seguía la línea temática de El Conexionista, y según Briseño, el disco se titularía “El Conexionista 2”, sin embargo, el disco no obtuvo la promoción suficiente y fue enlatado aún a pesar de contar con temas de gran sensibilidad como “Necesito despertar”, a dúo con Betsy Pecanins, quien también es su compañera en la batalla musical en defensa del blues.
Meses después de “La Banda de Guerra” Betsy Pecanins, quien había grabado “El Efecto Tequila” para el sub-sello Milán de BMG con éxito, un disco de temas rancheros con arreglos de blues, le mereció la oportunidad de grabar un segundo disco para Milán en colaboración con Guillermo Briseño, titulado: Nada que perder, de donde se desprende un tema, autoría de Briseño dedicada a las comunidades indígenas en insurgencia: Caricia Urgente.
Para el año de 1994 la situación general del país es avasallante, se levanta en armas el Ejercito Zapatista de Liberación Nacional (EZLN), y atrae para sí la atención no solo de México sino del mundo, concientizando, conmoviendo y convenciendo a la comunidad artística nacional, lo que lleva a Briseño a crear una Organización No Gubernamental (ONG), la Serpiente Sobre Ruedas A.C.
No somos uno, ni somos cien.
El Movimiento Zapatista y la crisis nacional que se vivió en los primeros años de insurgencia del EZLN motivó a la comunidad artística a unirse por la causa, Briseño se comprometió hondamente con el movimiento y fundo una ONG, llamada “Serpiente Sobre Ruedas A.C.” para reunir recursos para las comunidades indígenas, el primer fruto artístico fue: Va por Chiapas, un disco en colaboración con bandas y artistas de la talla de Mercedes Sosa, Charly García, León Gieco, Fito Paez, Café Tacuba, El Tri, Maldita Vecindad, Los Tres de Chile, y más, en dicho disco se incluyó “Navegar” autoría de Briseño, tema que se convertiría en el himno de “La Serpiente sobre ruedas A.C.”, “Navegar” contó con la participación de Paco Barrios, Armando Vega Gil, Fratta, entre otros músicos y roqueros, pero, tanto Culebra como Milán sucumbieron ante la imponente necesidad mercantil de la industria discográfica, la cual no tardó en volver la espalda a los artistas para endiosar adolescentes tocando música para adolecer.
Verde, Blanco y Colorado.
Aunque su música merece una difusión más honorable, y a pesar de que el disco “Briseño y la Banda de Guerra” fue re-editado para Pentagrama, la disquera rompió con muchas bandas, grupos y corrientes (aunque quizás fue al revés), como sea, la disquera dejó de grabar y distribuir a Briseño, “El Conexionista” y “La Banda de Guerra” se habían enlatado nuevamente, y ahora por una disquera independiente, así que, buscando opciones de difusión, y decepcionado de la actitud ante “La Serpiente Sobre Ruedas A.C.”, la cual fue víctima de saqueos y acoso durante el sexenio del presidente Zedillo, Guillermo siguió fiel a la causa y en rolado en proyectos culturales en la UNAM, con su Taller de Rock y Música, decidió rescatar los discos “El Conexionista” y “La Banda de Guerra” apoyado por Causa Ciudadana y “Im Sorry, records”, los cuales, sumados a un tercer nuevo disco conformarían la trilogía de Briceño, Verde, Blanco y Colorado (2003), el tercer disco inédito, “Colorado” es muestra de la madurez del artista, la música cuidada hasta el último detalle, con temas de verdadera calidad e incluso con capacidades comerciales, pero ya sea por sus convicciones ideológicas de orientación democrática, cosa que aún es criticado y satanizado por los medios de comunicación que se conforman con que la música sea superflua, nihilista y hedónica, o porque Briseño toca blues y rock and roll, géneros ya caducos para una industria tan cambiante y contradictoria como la industria musical. “Verde, Blanco y Colorado” destaca, en su disco inédito, el re-make de viejos temas como “Jugar con Fuego” que ya veinte años atrás había grabado Betsy Pecanins, la versión en estudio de “Apaga la Luz”, nuevas versiones de temas como “Caricia Urgente”, “Navegar” y “El Botellazo”.
Si no has escuchado a Briseño te puedo asegurar que si consigues un disco de él no te vas a arrepentir, su música es pegajosa, inteligente, contemporánea, irónica, etc. Afortunadamente “Verde, blanco y Colorado” aún se puede conseguir en Micsop, famosa tienda de discos en México, también en la Gandalla (clásica cadena de librerías que antes tenía mucho más respeto por los artistas que por las ventas), y en mercados alternativos culturales, quizás El Chopo, quizás.
Guillermo Briseño en las Tiendas Virtuales Extranjeras
Es una pena que en México no valoremos a los artistas como Briseño, y que sea más facil conseguir sus discos en tiendas virtuales del extranjero que en tiendas nacionales, ni iTunes tiene el material que Amazon o 7digital tienen a la venta:

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Corcobado, Javier

noreply@blogger.com (Cuauhtémoc JG) — Fri, 09 Mar 2007 06:24:00 +0000

José Javier Pérez Corcobado
(Frankfurt, Alemania, 1963)

Conocido en México en las esferas góticas por sus letras llenas de referencias ácidas y agresivas, para algunos es considerado como el poeta maldito contemporáneo, a pesar de haber nacido en Alemania, sus padres fueron emigrantes españoles (madrileños); vivió en Los Álamos (Vallecas).

A pesar de incursionar en diferentes áreas del arte, a sido su letra y su música lo que lo han dado a conocer. Incursionó en bandas como Mar Otra Vez y Demonios Tus Ojos, aunque el mayor impulso lo obtuvo con su banda Los Chatarreros de Sangre y Cielo con los discos Ritmo de Sangre y Tormenta de Tormento, los cuales le merecerían algunos de sus temas más notables, como “La Navaja Automática” y “Ladrada del Afilador”, esta última guarda la notable influencia de Jim Morrison y The Doors, tanto en lo lírico como en lo melódico.

El tercer disco con Los Chatarreros ha sido, sin duda, su obra maestra, “Arcoiris de Lágrimas”, donde la mayoría de los temas guardan cierto ritmo electrónico pegajoso con letras demasiado crudas: Yo seré tu cáncer, Carta al Cielo, Diente de Mezcal, y en la versión limitada, el disco cuenta con tres covers: Digan lo que Digan, Hoy daría yo la vida y Paroles.

El efecto experimental de géneros lo llevo, por ahí de 1995 al 96, al Bolero Mexicano, con los “Boleros Enfermos de Amor Vol. 1 y 2” con Cría Cuervos. Donde se destacan los temas “Amarga Navidad” y “Sombras”, además de otros temas, de lo más sádico de Armando Manzanero.

En el mismo año, 1996, se embarca a un nuevo experimento sonoro, ahora con la banda de Gijón Manta Ray, con el álbum Diminuto Cielo, de donde se desprenden temas de belleza melódica como Gitanita, y un nuevo cover, Getsemani, original de Lloyd Weber para Jesucristo Súper Estrella que en España fuera interpretada por el baladista Camilo Sesto.

En 1999 Corcobado nos vuelve a mostrar por que es el Poeta Maldito por excelencia con un disco para algunos muy criticado y para otros elogiado, Corcobator, donde la sensibilidad bailable se muestra en dos temas en particular: Carros de Choque y Tu Alma en Mi, a estos le siguen temas sensuales como Beso de Cianuro, y otros experimentos sonoros como: Quiero ver el fondo de Mar de Todos Los Corazones y Canción Pequeña II, y también hay un cover, Nature Boy, tema incluido en la banda sonora de Moulin Rouge e interpretada por David Bowie.

Para el 2003 “Fotografiando al Corazón” es un disco más que esperado, incluye temas de mucha energía, además del cover “Ella ya me olvidó” que inmortalizara Leonardo Favio.

Durante 2002 a 2004 radica temporalmente en México y se destacan dos presentaciones particulares, la primera en el Bar Victoria, ya desaparecido, donde en un local para doscientas personas meten a quinientas (sino es que más), el caos y la tensión se hacen presentes y un espectador le lanza un vaso a Javier, el cual enfadado se niega a seguir cantando, sin embargo la tensión amenaza con un zafarrancho para lo cual, Corcobado acepta seguir cantando; en un ambiente más tranquilo, en el 2004 se presenta en el Hard Rock de la Ciudad de México, y le abre el grupo San Pascualito Rey, con el cual colaboró, ese concierto se convierte en uno de los mejores recitales de Corcobado en tierra azteca.

Ya en la actualidad y después de un disco recopilación titulado: “Una época de grabaciones accidentales”, Corcobado vuelve a la carga con “Editor de Sueños” (2006).

Sobra decir que, la trayectoria de Corcobado ha sido extensa, sus grupos favoritos son Los Doors, también le gusta Diamanda Galas y Madonna. Las composiciones de Hendrix, Lou Reed y Wagner.

Sus Películas favoritas son "El exorcista", "La noche del cazador", "La naranja mecánica", "La semilla del diablo". Y, sus escritores predilectos son: Luis Martín Santos, Bukowski, Burroughs, William Faulkner, Hubert Selby.

En México ha colaborado con grupos como Zü y San Pascualito Rey, sin embargo, su condición de cantante subterráneo a mermado la distribución de su obra, la cual es prácticamente imposibles de conseguir, lo cual amerita una llamada de atención a Warner México, pues la mayoría del catálogo DRO y Atlantic de España, nos ha dejado privados de lo mejor del rock alternativo español, como es el caso de Corcobado y Def Con Dos.

2009 - A Nadie

En el 2009 es editado en México el disco "A nadie", bajo sello independiente y dificil de conseguir por los medios convencionales, a excepcion de iTunes y 7digital, quienes ya tienen el disco del barón oscuro, "A Nadie" es un disco típico de Corcobado, totalmente hecho para fans, poemas que se musicalizan para ambientar la forma particular de Javier para recitar, las melodías bien producidas y arreglos que van desde bajeos funkys , pasando por rock duro, hasta electropop, el disco "A Nadie" es ya una obra consagrada para los seguidores del cantante.

Los textos contenidos son una obra original de un servidor, me lleva cierto tiempo y esfuerzo realizarlos, por respeto a este trabajo de difusión si tomas parte o totalidad del mismo dame el crédito, no me haré famoso pero es lo mínimo que se puede pedir por un trabajo no remunerado, ¿no crees?.

Para descargar el video clip “Susurro” visita su página oficial:
http://www.javiercorcobado.es/