Music-Hall is Magical

Hommage à Marcel Dadi

2011-07-16T23:30:00.012+02:00

A l'occasion du 15ème anniversaire de la disparition de Marcel Dadi, voici l'hommage que lui rend Jean-Felix Lalanne.

"15 ans....pour moi 15 mn....mon ami, mon mentor, mon inspirateur et inspirant s'en va dans un accident absurde ou le hasard des agendas a choisi que je ne sois pas avec lui ce jour là.
Aujourd'hui, plus que jamais, je sens sa présence et son exemple dans chaque projet que je monte et à chaque fois que je monte sur scène.

Il aura fait bien plus que m'ouvrir les voies de la guitare, il m'aura appris la voix de la guitare et m'aura enseigné un état d'esprit précieux: celui des gens qui choisissent de faire les choses sérieusement sans se prendre au sérieux, la base d'un métier dont l'intelligence de l'approche est justement de ne jamais avoir l'impression d'exercer un métier.

Comment conjuguer la liberté et la spontanéité artistique avec les obligations professionnelles si on ne garde pas une approche d'enfant?
C'était un "adulte enfant" alors que j'étais, moi un "enfant adulte" projeté dans un monde de rêve à l'aube de mon adolescence.

(photo : Jean-Felix Lalanne à 12 ans)

J'avais 15 ans quand il m'emmenait partout: sur les plateaux de télévision, les studios de gravure ou je voyais ses vinyles se graver devant moi, les rendez-vous avec des journalistes, les concerts, les émissions de radio...

Pour chacun de ces déplacements, c'est comme s'il savait déjà que cela me serait utile pour ma vie qui se préparait et qu'il voulait juste me faire gagner du temps sur les étapes de la maturité.
Il posait sans jamais imposait...Sa fierté pour mes réalisations musicales nourrissaient la fierté d'un fils face à l'admiration de son père.

(photo : Première rencontre avec Marcel Dadi à l'âge de 13 ans)

Et puis est venu l'accomplissement absolu: notre duo, l'Olympia, les tournées dans le monde entier et ces moments de fou rires qui raisonnent encore dans ma tête.

Jean-Felix Lalanne et Marcel Dadi : http://goo.gl/w8Me4

Marcel Dadi est l'inspirateur de toute une génération de gamins comme moi qui, grâce au chemin qu'il aura tracé, nous aura permis de trouver notre propre voie et beaucoup d'artistes chanteurs ou guitaristes, enfants perdus dans la jungle musicale sans arrêt grandissante des années 70, peuvent légitimement le désigner comme le seul et unique...Peter Pan

I miss you my friend...

Jean-Felix Lalanne"

http://www.jeanfelixlalanne.com/

Vas-y Ginette (2) Ciao Garcin!

2010-06-11T02:52:00.023+02:00

Ma Ginette, ça me fout les boules que tu sois morte. Pour un peu, je t'appellerai pour t'engueuler. Il y a quelques jours, quand on s'est parlés, je ne voulais pas croire que ce serait la dernière fois. J'avais compris, mais ça m'emmerdait prodigieusement cette histoire de cancer qui revient sans qu'on lui demande rien. Bien sur, tu as évoqué tes douze projets en cours et ceux auxquels il fallait s'atteler dès ta sortie de l'hôpital.

Et ce livre. Le livre de tes souvenirs sur lequel on travaillait depuis trois ans. Pas assez régulièrement d'ailleurs. Mais comment faire avec une actrice qui tourne sans cesse et enchaîne les téléfilms, les pièces de théâtre, les chansons. On a tout de même sacrément avancé et ces dimanches passés à puiser dans ta mémoire, aidés par ta soeur adorée, Jacqueline, sont devenus au fil du temps des rendez-vous attendus avec impatience. On savait qu'on allait se marrer et pleurer, parfois. "On va jamais le finir ce bouquin", pestais-tu. Ben non, on l'aura jamais fini...

C'est Caroline Loeb qui nous a présentés. Un autre projet qui n'a pas vu le jour, parmi les multiples qui trottaient dans ta tête, tu voulais refaire un spectacle de music-hall et déployer tous les talents qui étaient les tiens, chanter, danser, faire des claquettes, jouer la comédie, avec Caroline à la mise-en-scène. A 80 piges, le défi avait de la gueule. Ta série télé, la pièce de Mezrahi, celles que tu écrivais dès qu'un moment se profilait, en ont décidé autrement.

"Je n'étais pas faite pour ce pays", combien de fois me l'as-tu dit? Sur les planches depuis l'âge de six ans, danseuse aux côtés de Réda Caire à dix ans, chanteuse dans l'orchestre de Jacques Hélian a vingt ans, vedette populaire du cinéma à quarante ans, tu n'as jamais eu la reconnaissance de tes confrères. L'amour du public populaire compensait largement cette défaillance. Le métier n'a pas su entendre quand tu chantais des absurdités de Boby Lapointe ou de Jean Yanne, alors inconnues, aujourd'hui standards de la chanson fantaisiste.
Ils ont zappé les séquences d'anthologie de films essentiels comme Dupont Lajoie ou Cousin, Cousine. Ils ont oublié Le Nègre de Van Cauwelaert ou Le Passe-Muraille de Marcel Aymé, pour lequel Michaël Jackson s'était déplace pour te saluer d'un "I love you" qui t'émoustillait encore dix ans après.

Ces trois années à t'écouter, ma Ginette, m'ont réjoui au plus haut point. Je t'ai entendu cent fois me raconter la même anecdote et faire l'impasse sur des moments importants que Jacqueline se chargeait de te remémorer avec l'accent chantant de Marseille qu'elle n'a pas perdu. On a tout revu à la loupe, de ton enfance phocéenne à tes derniers jours de tournage.

Lorsque vous êtes retournées vivre à Boulogne, Jacqueline et toi, il y a quelques mois, tu m'as dit "C'est incroyable, je reviens dans l'appartement que j'occupais avec mon mari Beauvais, l'amour de ma vie, comme s'il voulait que je vienne finir mes jours là où il est mort. Je sais que ça paraît con mais il veut que je meure ici". Tu avais raison, bordel.

Il n'y a rien à regretter. Ta vie a été remplie d'expériences plus exceptionnelles les unes que les autres. Tu as tout bouffé dans l'enthousiasme, la joie, le plaisir. Tu en as profité jusqu'au bout.

Notre dernière sortie ensemble fut consacrée au show d'Olivia Ruiz au Zénith. Tu adorais cette gamine et elle te l'a bien rendu. On s'est éclatés comme des gosses.

Mais l'idée qu'il n'y aura plus de dimanches, qu'on ne pourra plus se parler, que je ne pourrais plus t'emmener voir Olivia en concert, qu'on ne regardera plus les photos en riant, qu'on n'évoquera plus Jean Marco en pleurant, franchement, je trouve ça dégueulasse.

Je te salue, Ginette, et je te remercie de m'avoir accordé la si mince quantité de temps dont tu disposais. Je suis fier d'avoir croisé ta route.

Laurent

Ginette Garcin et Jean Marco

http://pagesperso-orange.fr/jacques-helian/sommaire.htm

Plus célèbres que le Christ....

2010-05-28T23:53:00.014+02:00

Depuis trois semaines, les artistes sont crucifiés par plus spirituel qu'eux. Dieu dope les ventes d'albums, aidé -soulignons-le - par l'impressionnant prosélytisme de TF1. Pas moins de 200.000 fidèles se sont déjà rués sur les albums qui partent comme des hosties à l'Eucharistie. Les Prêtres plus forts que les Rolling Stones, titre le blog Ozap ce 28 mai 2010. C'est diablement sympathique! Ce sémillant boys band, de noires robes vêtu, comprend un curé, un vicaire et un séminariste, divinement castés (non, non, ce n'est point un lapsus, c'est bien écrit "castés") par Monseigneur Di Falco.

Des prêtres plus forts que les Stones, cela nous ramène quelques années en arrière, à la Sainte époque des Sixties. Une jeune dominicaine Belge, Jeanine Deckers, commit le pêché de détrôner de leur Saint Siège (à savoir le Billboard Américain) Elvis Presley et les Beatles tout à la fois, sous le pseudonyme de Soeur Sourire. Invitée du Ed Sullivan Show, en couverture de Paris Match, à l'affiche d'Hollywood sous les traits de Debbie Reynolds, la Singing Nun provoqua un tel déluge que sa congrégation en perdit son latin.

Il faut dire que le ton avait été donné dix ans plus tôt par le Père Aimé Duval, la calotte chantante cité par Georges Brassens dans le texte blasphématoire de Trompettes de la renommée (Il me laisse dire "merde"/ Je lui laisse dire "amen"). L'église était déjà pauvre... de vocations. La jeunesse de l'après-guerre ne buvait plus la Sainte Parole au calice et les radios portatives la détournait des psaumes.

Soeur Sourire leur est apparue telle la Providence. Pour les jeunes ou les amnésiques, rappelons que le refrain valait à lui seul son pesant de matza ! Dominique, nique, nique, ne contribua pas qu'un peu à populariser la rengaine. Le sous-entendu graveleux échappa complètement à la femme voilée tout comme France Gall, à peu près à la même époque, ignorait la double lecture du sucre d'orge coulant dans la gorge d'Annie, lorsqu'elle se mit en bouche Les Sucettes de Gainsbourg... Le conte de fées fit long feu. Trois années d'euphorie et trois millions de disques plus tard, Jeanine Deckers quitta le couvent pour mener seule sa carrière de star mondiale. Elle apprit vite que son nom de scène, les royautés et les droits d'auteurs qui allaient avec, demeuraient la propriété exclusive de sa Sainte Mère l'Eglise, ce que le fisc Belge feignit d'ignorer, l'acculant ainsi au désespoir (non, non, ce n'est pas un lapsus, c'est bien écrit "l'acculant". Quoique...). L'enfer sur terre, d'autant que le label Philips d'Universal continua d'exploiter en toute impunité les bénédicités sautillantes de Soeur Sourire. Elle tenta le tout pour le tout, vierge d'engagements, sous le nom de Luc Dominique, entamant le chemin de croix d'une carrière d'artiste déchue et se mit à chanter La Pilule d'or faisant écho aux Elucubrations d'Antoine. Point de miracle, elle ne ressuscita pas sa gloire défunte et mit fin à ses jours en compagnie de sa bien aimée, après un ultime Dominique, nique, nique remix disco sous la bénédiction de Gilles Verlant (parait-il).

Un film poignant a été réalisé par Stijn Coninx, grâce à la volonté farouche de son interprète principale, Cécile de France. L'actrice, fascinée par la part d'ombre de la religieuse redonne vie au personnage de Jeanine Deckers, dans toute sa complexité, bien loin de l'image cucul-la-praline de Debbie Reynolds. Cécile de France mit plusieurs années pour trouver des producteurs capables de défendre l'histoire d'une exaltée, mal à l'aise dans son époque. Ses rapports destructeurs avec sa mère, puis avec sa supérieure au couvent, avec les médias enfin pour lesquels elle écrivit la chanson Luc Dominique (Elle est morte Soeur Sourire (...) Messieurs les journalistes/ Et Messieurs les disquaires / Sans doute feront critique / Comprendront de travers), sont décrits avec justesse et pudeur.

Alors a-t-on prévenu Les Prêtres , ces dieux du Top, de l'existence de Soeur Sourire? Eux qui chantent l'Abbé Brel et le Frère Cabrel, vont-ils finir leur tournée sniffant de la poudre d'hostie, bourrés au vin de messe en s'enfonçant des crucifix dans l'agnus dei, with God on their side? Ou bien, comme cela est plausible, recyclés par Endemol dans un loft oeucuménique où les représentants de chaque religion seront soumis à la tentation par de petits pervers en culottes courtes, échappés du confessionnal? Avec pour générique Dominique, nique, nique remixé par David Guetta?

Sous couvert du voeu de pauvreté, voilà qui va encore gonfler les bourses du Vatican...et celles d'Universal. Amen!

Ginsburg et Gainsbourg

2010-05-05T00:16:00.013+02:00

Certains livres sont essentiels. La bibliographie Gainsbourienne génère chaque année maints ouvrages. Peu d'entre eux méritent le dédain. Succéder aux fouilles archéologiques du biographe Gilles Verlant relève pourtant de la prouesse, tant le passionné s'est évertué à imbriquer les pièces du puzzle, rencontrant pléthore de témoins, toutes époques confondues, exhumant la correspondance du père, le pianiste Joseph Ginsburg, retrouvant jusqu'au moindre dessin, conservé comme un lépidoptériste protégerait une aile de papillon, vestige d'une espèce éteinte. Pour ceux qui l'ignorent encore, avant d'être Serge Gainsbourg, auteur, compositeur et interprète majeur officiant pour un art mineur, il était un Lucien Ginsburg, peintre d'avenir.

Chaque interlocuteur de Gilles Verlant aurait pu, à lui ou elle seul(e), noircir plusieurs chapitre de son volumineux ouvrage. C'eût été imbitable. Il est en revanche un témoignage que les transis de Gainsbourg attendaient depuis longtemps. Depuis le 17 mars 1993 exactement, soit deux ans à peine après la disparition du génie de la chanson. Georges-Marc Bénamou dirigeait alors un nouveau magazine, Globe hebdo, vite devenu indispensable pour les avides de contre-culture à la veille de la cohabitation François Mitterrand-Edouard Balladur.

Ce 17 mars, un journaliste de Globe retrouve Lise Levitzky, première épouse et muse de Lulu Ginsburg. Lui confiant quelques archives miraculeusement épargnées (Gainsbourg détruira la plupart de ses dessins, tableaux et oeuvres d'art), ladite Lise promet de livrer l'essentiel de ses souvenirs dans un livre cosigné par le journaliste en question. On la voit en photo. Joufflue comme un beignet, les traits fins et gracieux, une crinière poivre et sel mal domptée, une peau que l'on devine lisse et poudrée, certainement douce, une bouche charnue qui appelle le baiser, des doigts longs et potelés dans lesquels un mégot volute à pleins poumons. Elle n'est pas conforme aux égéries répertoriées du grand Gainsbourg, ça non. Ni BB ni Birkin, moins encore Bambou. Mais on l'imagine aisément, au début des années 50. Il suffit d'éplucher les couches de chair comme on éplucherait un fruit et Lise Ginsburg, modèle pour les couturiers, apparaît sous les traits de cette sympathique mamie joufflue, le regard mutin comme celui d'une adolescente. Le journal suit quelques temps cette aventurière, alors militante chez les Verts.

Puis, plus rien.

Contactée par les éditions Textuel en 2005 afin d'obtenir son accord pour reproduire un dessin d'elle par son premier mari, à l'occasion de la préparation du coffret "Les manuscrits de Serge Gainsbourg" que j'eus l'honneur de réunir, Lise Lévitzky sembla méfiante. On lui avait volé tant de reliques si intimes. Et puis, elle ne voulait pas trop parler, elle préparait toujours son livre, ce livre tant espéré dont personne ne savait quel imprimeur aurait la chance d'en relier les pages, ni si nous en verrions un jour la moindre jaquette. Que lui voulions-nous au juste? Pas grand chose. Rien d'autre qu'un accord de reproduction d'un dessin inquiétant, où la beauté de ses vingt ans traversait le papier, le peintre Ginsburg ayant choisi d'enliser ses pieds dans du béton, de masquer son regard et de mettre en cage cette femme trop libre à laquelle il demeurera enlacé toute sa vie durant. Les dessins de Gainsbourg sont rarissimes. Celui-ci si évocateur. Comment aurions pu nous en passer tant il révèle la difficulté du créateur face aux femmes moins figées qu'un modèle? Lise accepta.

Il y a quelques semaines, le journaliste Bertrand Dicale annonçait la publication de "Lise et Lulu". Eminente plume responsable des meilleures chroniques de groupes alternatifs ébahis de se lire si beaux dans une presse qu'ils ne fréquentaient que sous la menace, Dicale a accompli une précieuse biographie de Juliette Gréco après des années au service du journal Le Figaro. L'homme maîtrise son vocabulaire, chaque phrase évoque une image, précise. Il n'écrit pas, il raconte, il décrit, il fait sentir et ressentir. Qui d'autre pouvait mieux aider Lise Levitzky à trier le capharnaüm de ses souvenirs? L'accompagner pour livrer les crimes dont elle fut tour à tour témoin et victime, entre horreurs de la guerre et viols incestueux? Avant Lulu, Lise a subi sa vie, sans trop savoir qu'on pouvait la choisir. Avant Lulu, Lise était un fardeau qu'on posait là où ça dérangeait le moins. Dans les yeux de Gainsbourg, elle va révéler une impétuosité qui séduira puis blessera le jeune artiste. L'histoire de Lise recèle bien des clés pour qui comprend le travail de Gainsbourg comme une oeuvre à tiroirs.

Dans son blog, Caroline Loeb a décrypté l'origine du roman-photo érotique "Bambou et les poupées" après avoir lu "Lise et Lulu". Ayant participé à l'élaboration de cet ouvrage du Gainsbourg photographe, Caroline sait aussi par coeur le travail d'Hans Bellmer et racommode les mailles du patchwork en digne petite-fille de son grand-père, évoqué dans ces colonnes, le galeriste Pierre Loeb dont on découvre avec stupeur qu'il fut le seul à déceler en Gainsbourg les talents d'un véritable peintre. Jusqu'alors, hormis le livre de Franck Maubert "Gainsbourg, voyeur de première", les propos relatifs à la peinture de Gainsbourg laissaient entendre qu'il aurait abandonné cet art par manque de talent. Pierre Loeb fut l'un des plus grands marchands d'art de son époque. Il exposa Pascin dès 1924, Joan Miró dès 1925, les surréalistes firent leurs premières armes dans l'art plastique au sein de sa galerie la même année, il soutint Dufy, Braque, Chagall, Balthus ou Giacometti, fut l'ami de Picasso et d'Antonin Artaud... Poète plutôt que vendeur, Pierre Loeb ne peut être soupçonné d'imposture. Lorsqu'il commande 40 toiles à Gainsbourg vers 1950, Lise et Lulu sont dépourvus de réseaux d'influence qu'auraient probablement méprisés le galeriste. Et l'on ne peut s'empêcher de songer que si Gainsbourg avait donné suite à la commande de Pierre Loeb, il n'aurait pas ressenti le besoin d'écrire des chansons. La peinture lui coûtait, dans tous les sens du terme, la chansonnette lui rapportait. Le choix fut ainsi fait. Lise le déplore. Pas nous.

En cela et beaucoup d'autres choses encore, "Lise et Lulu" est un livre indispensable.

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LES ANNEES NONANTE

2009-02-14T14:20:00.005+01:00

Il n'y aura pas de journaux pour relater la disparition de Laura Couderc. C'est injuste. Partout où elle s'est posée, Laura a embelli les vies quotidiennes de centaines de personnes qui ne le sauront peut-être jamais. Des Lilliputiens dans les rues d'Ixelles, des installations dans le Centrum de Bruxelles, des flips books pour l'amour de l'art contemporain... A Valence, Villefranche-sur-Saône, Paris ou Bruxelles, Laura a enchanté tout un chacun, rêvant et réalisant des projets insensés, qu'elle seule visualisait. Nous mêmes, ses proches, restions parfois dubitatifs face à ses projections sur des toiles en mouvement, ses descriptions de réalisations à venir trop conceptuelles pour nos cerveaux étriqués.

Heureusement, certaines créations de Laura Couderc demeurent. Qu'il s'agisse des décors magiques filmés par Abel et Gordon dans L'iceberg (DVD, Mk2), Rumba ou du site Labelenchanteur qu'elle a entièrement conçu et qui me doit régulièrement des élans admiratifs et amusés.

Il n'y aura pas de journaux qui narreront son histoire, ses histoires, tour à tour et tout à la fois chanteuse à la voix rocailleuse derrière Jean-Michel Taliercio à l'époque insouciante de l'E.M.P.P., dans le sillage du crooner Enzo Piccinato ou auprès de son amie Cloé du Trèfle, mais aussi photographe, artiste plasticienne, dessinatrice... Tiens, d'ailleurs il me faudrait retrouver ce livre que nous avions conçu ensemble, édité à deux exemplaires, non par snobisme mais par jeu, Story of a princess. Comme tous nos projets débiles, celui-ci naquit de soirées où nous refaisions le monde, à Paris, souvent avec Cécile Montmasson. Nous étions persuadés que le talent de Laura éclaterait un jour. D'ailleurs, l'été dernier, les demandes de collaboration affluaient rue Hottat, dans cet appartement lumineux où Frédéric Jadoul, son compagnon, lui rendait la vie plus agréable.

Aucun journaliste ne dira non plus cette histoire cocasse. Nous rendions alors visite à Renaud, au studio ICP. Le chanteur donnait l'impression de ne plus tenir à la vie, peinant à écrire, persuadé de ne plus pouvoir chanter. A ses côtés, les fidèles Bucolo, Lanty et Langolf usaient de mille stratagèmes pour tenir leur ami. En sortant, Laura me dit "Le mec au cheveux longs m'a fait un plan drague assez relou en me disant que j'avais une super voix et me demandant si je ne voulais pas chanter. Je l'ai envoyé promener". Sans savoir qui il était, Laura venait de moucher Franck Langolf, l'un des compositeurs les plus en vue, d'un talent monstre qui, certainement, ne draguait pas ma Rirette mais avait repéré cette voix grave et rapeuse, unique, qui aurait pu conduire Laura à chanter davantage qu'elle ne le fit. Mais Laura n'a jamais voulu se mettre en avant. D'ailleurs, il existe trop peu de photos d'elle et si jamais une ou deux circulaient, elles les trouvaient ratées et moches.

Renaud renaquit de ses cendres, Langolf et Laura sont partis. Les signes extérieurs sont curieusement peu fiables. C'était la fin de nos années nonante. Moi à Paris, ma Rirette à Bruxelles, cet incongru Royaume qu'elle m'a permis d'apprivoiser, m'autorisant le luxe de devenir une sorte de Belge d'adoption. Aujourd'hui, tous les amis de Laura Couderc, Enzo, Tom, Gina, Jeff, Jean-Mi, Cathy, Béa, Naphta, Gérard, Cécile et tant d'autres, allons porter en nous la joie d'avoir connu ce petit bout de femme au caractère trempé. On va se remémorrer nos soirées interminables, colorées par les nuages de fumées et le vin qui brunit les lèvres. Pour toujours et à jamais, il ne me sera plus possible de regarder un viewmaster, un pain de viande, un flip book, une brole du marché aux puces, un tourne disque en plastique des années septante, un album de Matthieu Bogaerts, Marc Minelli ou Daniel Darc, un cendrier en forme de coquillage ni un Barbapapa sans penser à Laura. D'autres détails reviendront surement et ça appaise la douleur de savoir qu'on garde en nous une petite part de Laura Couderc. Cela compensera un peu l'article de journal.

Obamhayes & Bogdanoff

2009-01-12T00:55:00.011+01:00

Etre le premier force autant l'admiration que la suspicion, chaque Tour de France en apporte l'illustration. Le Premier connaît l'euphorie qu'il soit premier du Top 50, Premier Ministre ou Premier de la classe. Les classements n'étant pas immuables, le Premier finit par décrocher, et là, ça se gâte. Le Premier qui chute du podium recueille les sarcasmes, proférés par ceux qui saluèrent son ascencion. Il existe en revanche un statut de Premier incontestable dont l'aura perdure au fil du temps, c'est celui de "Premier à avoir fait quelque chose que les autres n'ont pas fait". Là, c'est la classe absolue. Rien à dire, même en cas de dégringolade. L'Histoire retiendra que Clovis fut le Premier Roi des Francs, Gutemberg, le Premier à imprimer un livre, Edison, le Premier à enregistrer la voix humaine, Neil Armstrong, le Premier homme ayant marché sur la lune, Marie Curie, la première femme inhumée au Panthéon et Barack Obama le Premier noir à devenir Président des Etats-Unis qu'il y en ait d'autres ou pas.

La musique n'est pas avare de ces Premiers. A quelques jours de l'investiture d'Obama, il n'est pas anodin de se remémorer Roland Hayes, le Premier noir américain ayant mené une carrière de chanteur lyrique. C'est en Géorgie, un Etat du Sud des Etats-Unis, que naquit Roland Hayes en 1887. A la même époque, à Paris, un fou génial, Gustave Eiffel, lançait les travaux d'une tour de métal qui deviendrait l'emblème de la ville-lumière. En Amérique, la ségrégation raciale prenait le relais sur l'esclavagisme bien que les États du Dixieland n'avaient pas changé grand-chose à leurs mauvaises habitudes. La mère de Roland Hayes déménagea dans le Tennessee à la mort du père. Le gamin avait onze ans. Il chantait à l'église et dans les rues, pour se faire un peu d'argent de poche. Repéré par un professeur de musique, son destin bascula. En plus du chant, le prof lui donna une éducation, opportunité inespérée pour ce fils d'esclaves. Roland Hayes finit par entrer à la Fisk University de Nashville, une Université pour élèves noirs, créée juste après la Guerre de Sécession. Afin de récolter des fonds pour son fonctionnement, cette Université eût l'idée de créer une chorale baptisée Fisk Jubilee Singers. Le groupe donna plusieurs séries de concerts et partit même en tournée en Europe. Le succès fût assez significatif. Roland Hayes rejoignit la mercanterie. En 1911, le président de l'Université lui proposa de devenir leader du groupe à l'occasion d'une tournée à Boston. Hayes accepta et décida de rester dans le Massachussets. Il voulait louer l'Orchestre du Symphony Hall de Boston pour donner ses premiers concerts de soliste. Hayes réussit ce pari insensé, multipliant les petits boulots. Il s'auto proclama ainsi concertiste classique, se débrouillant pour assurer lui-même la promotion de ses représentations. Rapidement, sa réputation dépassa la ville. On le réclama même au Carnegie Hall de New York. En 1920, il partit pour l'Europe, réclamé par le Roi George d'Angleterre pour chanter à la cour. Au travers de ces multiples périgrinations, il s'éprit de la Comtesse Berthie von Colloredo-Mansfeld (née Comtesse von Kolowratt). mariée à un aristocrate autrichien, la belle comtesse succomba aux charmes du ténor et du fuir au fin fond de la France pour accoucher. Maria-Dolorès, fruit de cette passion, enfantera beaucoup plus tard. Ses deux jumeaux, nommés Igor et Grichka Bogdanoff, deviendront à leur tour très célèbres, en animant, en France, la première émission télévisée consacrée à la Science-Fiction. Ont-ils jamais croisé la route de leur illustre aïeul?

Un incident ordinaire chassa Roland Hayes de Géorgie. Sa femme et sa fille commirent le crime de s'asseoir à l'emplacement réservé aux blancs dans un magasin de chaussures. C'était en Juillet 1942. Cela fit la "une" des journaux et la famille s'exila sous la menace du Gouverneur de l'Etat raciste.

Roland Hayes chanta jusqu'en 1973, soit quatre années avant de mourir. Il enregistra de nombreux Negro Spirituals toujours réédités.

Roland Hayes était né de parents esclaves en 1887, dans un Etat d'Amérique qui contribuerait précieusement à l'histoire mondiale de la musique puisqu'y naîtront, entre autres, Ray Charles, James Brown, Little Richard, Otis Redding et Jessye Norman, excusez du peu. Précisons que dans ce coin du Sud des USA, on continue d'y injecter légalement la mort dans des veines afro-américaines, curieuse reconnaissance.

LETTRE A MIRIAM MAKEBA par SOLORAZAF

2008-11-22T02:13:00.010+01:00

Née en Afrique du Sud le 4 mars 1932, Miriam Makeba était l'une des chanteuses sud-africaines les plus connues dans son pays comme à l'étranger où elle a acquis la célébrité grâce à des succès comme "Pata Pata" ou "The Click Song" mais également à travers ses prises de position contre l'apartheid en vigueur dans son pays.
Bannie par le régime d'apartheid en raison de son apparition dans un film dénonçant la ségrégation blanche, elle a vécu 31 ans en exil, notamment aux Etats-Unis et en Guinée. Surnommée "Mama Africa", Miriam Makeba était rentrée dans son pays au début des années 1990 après la libération de Nelson Mandela.

Voix légendaire du continent africain et symbole de la lutte contre l'apartheid, la chanteuse âgée de 76 ans est décédée d'une crise cardiaque après un concert pour l'écrivain italien menacé de mort par la mafia Roberto Saviano, dans la nuit du 9 au 10 novembre, près de Naples (sud de l'Italie).

- AFP -

SOLORAZAFINDRAKOTO, dit SOLORAZAF est né en France. Il passe son enfance à Madagascar avant de s'installer à Paris. A partir de 1979, il accompagne de nombreux artistes de scène et de studio. Autodidacte, l'expérience de vivre deux cultures lui permet de se batir un style personnel basé sur les traditions musicales malgaches

www.myspace.com/solorazaf

"Paris ce 20 novembre 2008

Chère Miriam Makeba,

Vous êtes partie...Vos cendres seront bientôt dispersées dans l'Océan Indien selon vos derniers souhaits, certainement au Cap Point là où l'Atlantique et l'Océan Indien se rejoignent. Pour moi Solorazaf, guitariste qui ai eu le privilège d'avoir été responsable de votre groupe musical une bonne décennie sur quinze ans passés à vos côtés sur les scènes du monde entier, c'est une maigre consolation que de savoir qu'un peu de votre poudre magique se mélangera au sable fin de la côte orientale de l'île de Madagascar, la terre de mes ancêtres où j'aurais tant aimé vous accueillir. Vous me l'aviez souvent demandé mais cela ne s'est pas fait, sauf que, après réflexion, un pont musical était déjà établi entre le "Mbaqanga " Sud Africain et les rythmes du sud de l'île rouge. C'est certainement grâce à cette promiscuité musicale entre Joburg et Antananarivo que j'ai pu jouer si longtemps votre répertoire sans jamais éprouver de lassitude (pour employer un terme sportif, je jouais à domicile).

Lorsqu'on parcourt des milliers de kilomètres sur le manche de la guitare, on ne peut s'empêcher de faire un parallèle avec les pas de danse de "Pata Pata" (Toucher toucher), ces pas à pas qui impriment sur scène les dernières nouvelles du continent africain, bonnes où mauvaises ? Les deux : colportées par un bouche à oreille mélodique puissant, c'est surtout l'oeuvre d'une Mama Africa criant, gueulant et vomissant sur ses enfants toute la souffrance des opprimés, des laissés pour compte,bref un combat universel.

Vous n'étiez pas une personne facile à vivre, mais je déteste la banalité, et là j'ai été servi mais je ne garde que le meilleur : merci de m'avoir fait faire vos premières parties, de nous avoir fait rencontrer - aux amis musiciens et moi - les grands que sont Dizzy Gillespie, Nina Simone, Odetta ...à la ville comme à la scène. Que de tournées mondiales en tambour et trompettes! Du joyeux et de l'énergie rien que pour vous : publics de l'Olympia, du Carnegie Hall, de L'Opéra House où encore du Hollywood Bowl. C'est dans un club de Paris, (le Memphis Mélodie ) que cette "aventure" avait commencé pour moi : alors que nous assurions le dernier set du samedi au dimanche avec Tao Ravao, c'est à dire à quatre heures du matin, Al Sanders le chef d'orchestre de Miriam Makéba de l'époque est passé et m'a proposé après audition de rejoindre le groupe. Aujourd'hui j'associe tous mes potes musiciens à cette lettre que je vous adresse: Al Sanders, Raymond Doumbé, Smith Haliar, Luther Perreault, Patrick Bebey, Papa Kouyaté, Brice Wassy et bien d'autres...vos musiciens Sud Africains, Français, Camerounais, Martiniquais, Malgaches, Maliens, Ivoiriens, Américains, Brésiliens, Guinéens, Guadeloupéens...tous originaires de l'espace terrien.

MIRIAM MAKEBA? c'est vraiment de la musique du monde, celle du coeur, jouée par des gens du monde entier pour tout le monde : c'est le plus bel héritage que vous m'ayez laissé!

Allez,on fait passer le message, pour ne plus pleurer.

SOLORAZAF "

Voir aussi : l'excellent blog "lire-écouter-voir" (ici)

Miriam Makeba avec Hugh Masekela, Nelson Mandela et Paul Simon

Ça, c’est Palace

2008-11-02T18:56:00.009+01:00

Oyez, oyez, amoureux du music-hall!! En ce mois de novembre 2008, un événement d'importance se déroule sous vos yeux ébaubis : la réouveture du mythique Palace. Bien avant d'avoir été le lieu des nuits les plus gays de Paris, sous la direction du désormais légendaire Fabrice Emaer, souvenons-nous que Le Palace fut un bijou de l'entre-deux guerres, sculpté par les non moins géniaux Oscar Dufrenne et Henri Varna.

Programme du Moncey Music-Hall, Oscar Dufrenne et Henri Varna en 1922

Les années folles

Dufrenne et Varna. Ces noms sans doute peu évocateurs pour les moins de 100 ans firent briller le Faubourg Montmartre de mille éclats de rire, d'autant d'applaudissements, lorsque les deux comparses rebaptisèrent, en 1923, le café-concert Eden en Palace. L'Eden avait -déjà - connu quelques déboires les deux années précédentes. Fins experts en la matière, Dufrenne et Varna dirigeaient alors le Concert Mayol (où ils créèrent les revues de nus), l'Empire, le Moncey Music-Hall et les Bouffes du Nord. Ils ne s'arrêteraient pas en si bon chemin. Le Bataclan leur échouera en 1927 tout comme Les Ambassadeurs et le Casino de Paris. De vrais Lagardère du spectacle!

Le Palace des années 1920 visait le haut du panier. En partenariat avec le music-hall Londonien du même nom, les deux salles s'échangeaient artistes et répertoire. Le danseur et chanteur Harry Pilcer (partenaire de Gaby Deslis et Mistinguett) vint y entonner du Irving Berlin et le clown musical Grock (auteur de la fameuse réplique "Sans blâââaaague!" reprise par Coluche dans les années 1970) s'y refit une santé en 1925.

Grock au Palace en 1925

En 1931, Oscar Dufrenne, toujours à l'avant-garde, transforma Le Palace en cinéma. La même année, il produisit au Casino de Paris les revues "Paris qui remue" avec Joséphine Baker (elle y créa "J'ai deux amours") et "Paris qui brille" avec Mistinguett (comprenant l'hymne "Je suis née dans l'Faubourg St-Denis"). Il vendit l'Empire au "Beau Serge" plus connu sous son nom de Stavisky. Devenu conseiller municipal et président du syndicat des directeurs de spectacle, Dufrenne était alors un personnage du Paris artistique et politique. Une belle réussite pour cet ancien apprenti chanteur, un temps reconverti en impresario (il fit ses classes avec l'artiste Mayol) et désormais patron des plus grandes salles de music-hall de la Capitale.

Le goût affirmé de Dufrenne pour les beaux garçons est-il à l'origine du crime survenu en septembre 1933? Où cela est-il en lien avec l'affaire Stavisky? De rares témoins certifient avoir aperçu un jeune homme déguisé en marin, amant notoire du directeur, le soir du 25 septembre. Le corps de Dufrenne fut découvert par un employé du Palace, nu, le crâne défoncé. Le pamphlétiste Léon Daudet y vit là un crime politique. Rien ne fut prouvé.

Après des funérailles pompeuses comme on les devaient à un élu, les affaires de Dufrenne revinrent à son collaborateur, Henri Varna. Profondément affecté par la disparition de ce compagnon des jours heureux, Varna débaptisa le Palace et y réintroduisit les spectacles de music-hall jusqu'à la fin des années 30. Le nouvel Alcazar (en hommage à un café-concert disparu) tint bon jusqu'à la seconde guerre mondiale puis mua de nouveau en cinéma. Varna accomplit le reste de sa longue carrière au Casino de Paris tandis que le Palace sombrait dans l'oubli.

Les années des folles

Il fallut attendre 1975 et Pierre Laville, dramaturge et metteur en scène, pour que l'endoit fut fréquenté de plus belle par des gens du spectacle. Et pas n'importe lesquels, s'il vous plait. Laville y produisit du théâtre expérimental qui fit long feu, attirant toutefois l'attention du ministre de la Culture, Michel Guy. Celui-ci y installa provisoirement son Festival d'Automne. Le directeur de boîtes de nuits Fabrice Emaer s'enquérit de l'avenir de ce bâtiment plus très frais mais de belle architecture.

Il suffit d'une tafiole à son gouvernail et le Palace retrouve éclat et splendeur d'antan. Avec Emaer, la Reine des Queers, le lieu accueillit le Tout-Paris-qui-chante-et-qui-pétille. Comme Dufrenne, Emaer avait écumé les lieux parisiens, fondateur du Pimm's et du Sept. Comme Dufrenne, Emaer s'inspirait des anlo-saxons. Il fit du Palace une sorte de réplique frenchy du Studio 54 de New York. Comme Dufrenne, Emaer disparut prématurément dans des circonstances, certes, moins glauques.

Les années Palace débutèrent en 1978, inaugurées par la diva Grace Jones, montrant la voie à des dizaines d'artistes d'horizons différents. Amanda Lear, Devo, Serge Gainsbourg et sa Marseillaise reggae, Prince, Bette Midler ou Siouxies and the Banshees se succédèrent sur scène tandis que dans la salle le public assistait au défilé permanent de Pacadis, Thierry Ardisson, Yves Mourousi, Karl Lagerfeld, Pierre et Gilles, Caroline Loeb, Jean-Charles de Castelbajac, Paloma Picasso, Mick Jagger, Thierry Le Luron, Yves Saint-Laurent, Loulou de la Falaise, Andy Warhol, Frédéric Mitterrand, Roland Barthes, Foc Kan, Andrée Putman, Jean-Paul Goude ou Maria Schneider pour n'en citer qu'une poignée parmi les plus assidus. Repère de mixités sociales, sexuelles ou culturelles, les marginaux de tous poils trouvaient la porte grande ouverte, ce qui contraignit Emaer à ouvrir Le Privilège, sous le Palace, un club select, histoire d'éviter aux princesses de repartir avec du vomi sur leurs visons.

Gainsbourg, Le Luron, Emaer, Mourousi

A mi-chemin entre les années Punk et les années Disco, le Palace organisa notamment une mémorable fête de la Cité des Doges initiée par Lagerfeld, tandis qu'au Bal Punk, Edwige arriva avec un sac plein de pattes de poulets. Caroline Loeb lui demanda ce qu'elle faisait avec ça. "Ce sont des confettis punks" répondit-elle, face à une Loeb hilare.

Les années défilent

Des documentaires et de nombreux bouquins retracent cet âge d'or des nuits parisiennes dont le glas sonna au moment de la mort de Fabrice Emaer, emporté par un cancer des reins en 1983. Les années sida firent leur apparition et la fête se teinta de deuils. Les matinées au crématorium du Père-Lachaise remplacèrent les afters-défonce. Repris par des associés d'Emaer, la boîte perdura et s'illustra en diffusant un genre nouveau, la House Music, parce qu'il fallait bien ça pour s'assommer et ne plus entendre les sanglots des survivants. Le Palace échoua dans les années 90 au couple Guetta qui ne put réveiller les esprits du Gay Paris. Une enième fermeture intervint en 1996. Définitive, disait-on alors.

Définitive? Eternel Phénix, le Palace s'enticha des frères Vardar en 2006. Propriétaires de nombreux théâtres en France et en Belgique, ils décidèrent vite de ne pas jouer la carte de la nostalgie. Le nouveau Palace sera désormais consacré aux spectacles populaires. Des sièges ont recouvert le dance floor et l'humoriste Valérie Lemercier vient inaugurer les lieux refaits à neuf avec un one-woman show comme elle n'en a plus produit depuis 5 ans. Les nuits seront moins folles mais le décor d'un siècle d'extravagances confère à cette partie du 9ème arrondissement de Paris quelque chose d'unique, à deux pas de ses copains de chambrée, le Casino de Paris et les Folies Bergère. Tiens, les Folies, un des rares music-hall n'ayant pas appartenu à Oscar Dufrenne...

A voir, le blog d'Edwige : http://discorough.blogspot.com/

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JACQUES BREL IS ALIVE AND WELL AND FOR SALE IN PARIS

2008-10-07T01:13:00.005+02:00

Les bottes de sept lieues, rendues légendaires par l'entremise de Charles Perrault via son fameux Chat Botté, étaient portées par les postillons en un temps où les compagnies de diligences leur confiaient missives et paquets de toute sorte d'importance. Cela, vous l'apprendrez par exemple au musée de la Poste, rue de Vaugirard. Au musée national du Sport, rue du commandant Guilbaud, une lettre signée Emile Zola informe le visiteur que l'illustre romancier était abonné au quotidien sportif "Le Vélo". Sachez aussi que le musée de la Chasse dispose d'emplacements tout à fait sympathiques puisqu'il s'étale sur deux hôtels particuliers en plein coeur du Marais. Au musée de la Chanson française... Oups, pardon. Malgré d'actives recherches, il s'avèrerait que Paris n'aurait aucun musée de la Chanson. Cela ne se peut, cherchons encore. Non. Il y a bien un musée de la Légion d'honneur, un musée Lénine (tiens?), un musée des services de santé des armées de Paris, un musée des monnaies et médailles mais rien, fichtre rien, sur le Paris des Boulevards, du café-concert, des cabarets et du music-hall. Rien. Nada. Pas une salle de cette ville escargot n'est consacrée aux aigrettes de Mistinguett, aux bananes de Joséphine Baker, au Canotier de Maurice Chevalier, au chapeau claque d'Yves Montand, au truc en plume de Zizi Jeanmaire, à la guitare de Brassens, aux Gitanes de Gainsbourg, à l'écharpe de Bruant ni à la cravate à pois de Bécaud. Tous ces symboles n'évoquent-ils pas Paris, au même titre que les bouches du métro de Guimard, les lumières de la Tour Eiffel ou les néons rouges de l'Olympia?

Paris est-elle totalement elle-même sans Juliette Gréco, Francis Lemarque, Edith Piaf, Charles Aznavour, Fréhel, Gaby Deslys, Arletty, Mick Micheyl, Barbara, Serge Reggiani, Georges Moustaki, Mireille ou Jacqueline François pour n'en citer qu'une poignée? Qu'attend-elle cette ville lumière pour célébrer ceux qui l'ont magnifiée dans tant de chansons éternelles? A croire que ce patrimoine là vaut moins que des médailles et des cerfs empaillés.

Il y a quelques temps, les effets personnels de Catherine Sauvage, immense interprète de Ferré, Mac Orlan ou Gainsbourg, prenaient le chemin de la salle des ventes, trop rapidement dispersés par des héritiers peu sentimentaux. Que de trésors gagnèrent ainsi d'obscurs coffre-fort. Aujourd'hui, c'est de Jacques Brel qu'il s'agit.

Trente ans après sa disparition, la famille d'une ancienne amante sème aux quatre vents des manuscrits originaux, inestimables témoignages de la frénésie d'écriture de l'artiste. D'intimes babioles se voient cédées au plus offrant et de précieux carnets vont se négocier comme des valeurs marchandes. Le Hall de la Chanson, seul organisme d'Etat dédié à cet art mineur, n'ayant ni le budget ni l'infrastructure idéale pour acquérir ces trésors et les mettre à disposition des amateurs ou des chercheurs, ne peut que contribuer à promouvoir une vente aux enchères exceptionnelle, certes, mais bien triste. Il eût été souhaitable que ce Hall là obtint un jour les moyens de récolter ces reliques qui bien souvent encombrent ceux qui en hérite.

Selon Paris Match, Carla Bruni fait découvrir les films de Fellini à son président de mari. Suggérerions nous au couple de se pencher rapidement sur le patrimoine musical ? Notre première dame n'est-elle point concernée au premier chef ? Le marché du disque s'effondre. Les disques sont offerts en cadeaux Bonux et Brel est en vente à Sotheby's. ça craint, non?

Vas-y Ginette! (1)

2008-08-31T04:10:00.008+02:00

Las Vegas est une ville bâtie en plein désert. S'y produire, pour artiste de music-hall équivaut à admettre un déclin de popularité. Ce sont les USA, certes, mais loin des prestigieux Carnegie Hall, Madison Square Garden ou du mythique Max's Kansas City. Pour certains, Las Vegas offre l'illusion d'une carrière américaine, pour d'autre, il maintient le souvenir d'un prestige masqué par les dunes. Sitôt exclus des charts, Tom Jones, Elton John ou Barry Manilov fréquentent la scène des Palaces ravis d'afficher quelques noms connus noyés au milieu des attractions visuelles.

Lorsqu'en 2003, Céline Dion décide de s'établir quelques années au Ceasar's Palace, elle stupéfie son monde. Que l'on apprécie ou pas la chanteuse, nul ne peut contester son succès exceptionnel. Chaque album s'écoule, depuis 15 ans, à plusieurs millions de copies dans le monde, deux d'entre eux ayant même dépassés les 30 millions d'exemplaires. Elle est classée dans le Top Ten des meilleures ventes de disques de tous les temps, juste après Elvis Presley, les Beatles, Michaël Jackson, Abba et Frank Sinatra.

Céline Dion à Las Vegas sonnait ainsi le glas d'un parcours rondement mené. Les bus convoyaient des troupeaux de fans éplorés au pays des machines à sous, tandis que les rétifs aux vocalises de la québécoise se réjouissaient enfin du dénouement des aventures de "Céline et son René" (René Angélil, son manager et mari, pour les plus indécrottables). Les ventes très moyennes (entre 2 et 5 millions tout de même!) de ses derniers disques avaient finis par convaincre les plus sceptiques. L'affaire était pliée, au revoir madame et nos amitiés à la nombreuse famille.

C'était bien mal connaître ce binome redoutable, Céline et son René... En France, on se moque d'eux à imitateur déployé mais les boites de conseil en management du monde entier devraient en prendre de la graine. Cette fille ordinaire, pas jolie, dont le répertoire frôle souvent la faute de goût, saine de corps, aux antipodes des frasques de Britney Spears, déballant sa vie sans rechigner, habillée et coiffée comme si elle était sa propre mère, continue de vendre davantage de disques que Madonna, les Stones, Dylan ou James Brown... Mieux. On la croit entérrée vivante, elle renaît d'outre-tombe et propulse des générations de francophones, dont certains sont deux fois plus âgés qu'elle, au devant de la scène. C'est inexplicable et pourtant, cela se peut.

L'année 2008 célèbre le 400ème anniversaire de la ville de Québec, fondée par le navigateur français Samuel de Champlain sur les terres de cette Nouvelle-France découverte par Jacques Cartier au XVI° siècle. Nombre de festivités sont organisées en l'honneur de la ville Capitale. Une place importante est réservée à la musique et le concert de Paul McCartney fait figure d'événement. L'ex-Beatle parvient à réunir plus de 200.000 spectateurs le 20 juillet. Il se met dans la poche les défenseurs de la francophonie en parlant français, brandissant le drapeau québécois et revêtant une veste à fleurs de lys. Impossible de faire mieux, d'aller plus loin, d'organiser plus grand. Impossible? Sauf pour la Céline et son René!

Ce ne sont pas moins de 250.000 admirateurs qui envahirent les plaines d'Abraham ce 22 août 2008. Pour un soir, l'anniversaire de Québec est relégué au second plan, il s'agit là des retrouvailles entre l'enfant prodige et son pays. Céline Dion invite sur scène quelques uns des artistes majeurs du Québec tels Garou, Claude Dubois, Zachary Richard, Jean-Pierre Ferland ou Dan Bigras. Pour ce show 100% francophone, les médias québécois ont déployé des moyens monumentaux. Des reporters couvraient l'événement dans les coulisses, au milieu du public, jusqu'en hélicoptère!! (on pense aux ingénieurs du son pour qui sonoriser le concert dût déjà être une prouesse, ils ont certainement adoré l'hélico en plein spectacle!). Les journaux télévisés et la presse écrite consacraient leurs gros titres au retour de leur Céline trois jours durant. La star a accordé d'interminables interviews, évoquant les sujets les plus intimes avec un engouement inusité pour les maudits français que nous sommes. Impossible d'y échapper. Les cafés diffusaient le concert en direct, les conversations de rues tournaient autour des questions "Tu vas voir Céline?", "T'as été voir Céline?" ou encore "T'as pas été voir Céline?" avec l'air grave que l'on prend pour culpabiliser le petit-fils qui dédaigne la visite annuelle à sa mère-grand. Au lendemain du show, on ne parlait que du final (au Québec, on dit "la finale"), un moment d'anthologie. Céline Dion et Ginette Réno réunies pour la première fois en duo, s'époumonant sur le standard de Jean-Pierre Ferland "Un peu plus haut", conclut par les larmes de Céline entraînant celles du public en transe.

On n'avait pas vu ça depuis un certain soir de 1975, à Montréal, sur le Mont-Royal lors de la fête nationale. Ginette Reno avait chanté la même chanson de Ferland devant un parterre de 250.000 personnes.

Dans les années 60, le Québec vivait à l'heure du rock, du twist et du madison. Pléthore d'adolescents s'essayaient au métier d'artiste dans les cabarets de Montréal. Le groupe Les Baronets, créé par René Angélil, se forgeait une petite réputation en adaptant les succès des Beatles, tandis que Ginette Reno prouvait qu'on peut chanter "Tous les garçons et les filles" de Françoise Hardy en ayant du coffre. Dix ans plus tard, Les Baronets se séparèrent et René Angélil prit en main la carrière de Ginette Reno. Il exporta la chanteuse de Londres à Tokyo. Elle anima une émission sur la BBC, suivit des cours d'art dramatique à Los Angeles, donna des concers à Las Vegas (déjà)... Le concert du Mont-Royal signait l'apogée d'une carrière riche en rebondissements, jonchée de prix et récompenses. La France se laissa difficilement convaincre et Ginette Reno y entama une brève carrière dans les années 80. Au Canada, elle demeure l'une des artistes les plus populaires.

Oui, mais voilà. Pour les fans de Ginette, Céline est suspectée d'avoir détourné le René, de s'être accaparée la carrière triomphale promise à Ginette. L'élève a-t-elle vraiment dévoré le Maître? On imagine mal Ginette Reno sur le ponton du Titanic en train d'hurler "My heart will go on", l'image eût été par trop cocasse et les critiques faciles ("Qui a coulé le Titanic? Un Iceberg ou Ginette Reno?"). En revanche, vraie ou fausse rivalité, les deux tornades vocales n'avaient jamais unis leur vibrato. La guerre froide prenait donc fin là, devant le Québec entier et un Jean-Pierre Ferland jubilant comme un gosse à Noël, lui dont les français boudent encore l'oeuvre impeccable. Céline Dion a gagné un pari impossible. Elle l'a partagé et a ainsi permis à Ginette Reno de reconquérir son trophée de "Plus grande chanteuse canadienne vivante". Sans doute s'agissait-il d'un habile calcul mais on peut se poser la question de savoir quel artiste en France - s'il nous était donné d'engendrer une jeune star mondiale - irait sortir de leur retraite les monuments que sont Jean Ferrat, Guy Béart, Patachou, Mick Micheyl ou Jacqueline François? Ces vedettes ultra populaires ne méritent pas l'indifférence dans laquelle elles sont aujourd'hui plongées. Au Québec, on s'apprête à célébrer dignement les 80 balais de Gilles Vigneault. Depuis deux ans, il existe même un prix qui porte son nom. "Si tu voyais le monde au fond là-bas, c'est beau" (Ferland)

Sardou, ça r'dure!

2008-08-03T15:08:00.018+02:00

Au milieu du XIX° siècle, la France danse la valse-hésitation. Monarchie? République? Empire? Le drapeau tricolore flotte au-dessus de ces bouleversements politiques comme l'un des rares signes de stabilité. Le bon peuple non plus ne goûte guère de différence à ces régimes successifs. Les privilèges abolis sous la Révolution perdurent en dépit des gouvernants, le labeur n'est pas moins pénible et les congés payés ne sont pas pour demain. Les voix émanant des "beuglants" tentent de se frayer un chemin dans la cacophonie du Second Empire naissant. Paris la festive s'embellit de théâtres et de salles de spectacles où les premières opérettes s'échappent du cerveau toqué du compositeur Hervé. Le café-concert réunit la faune des ouvriers, tout droit sortie de "L'assommoir". Parquée dans les "poulaillers" du dernier étage, elle interpelle chanteuses et comiques tout en reluquant le bourgeois placé au premier rang. La fumée du tabac crée l'unique lien entre ces deux castes, elle s'évade des cigares et les volutes montent picoter les yeux des blanchisseuses.

A Toulon, le travail ne manque pas pour un charpentier de marine. De nombreuses expéditions parcourent des contrées méconnues, Mexique ou Indochine. Baptistin-Hippolyte Sardou ne compte pas ses heures. D'autant que la ville s'est dotée d'un théâtre et il se murmure que les charpentiers du chantier naval sont les meilleurs pour monter les décors. Volontaire pour emboîter façades et mobiliers factices après sa journée de labeur, Sardou se fait d'autant moins prier qu'il est attiré par l'ambiance de la scène. Entre deux panneaux de bois, il regarde les comédiens répéter et rêve de se joindre à eux. Que faut-il donc pour faire l'acteur, si ce ne sont quelques planches de bois et la passion de la comédie? Baptistin se fabrique ainsi la scène qu'il trimballera dans toute la région pour y faire le mime, rejoint par son rejeton, le petit Valentin, né en 1868. Le gamin baigne dans son jus comme une sardine en boîte dans son huile. Parvenu à l'âge d'homme, c'est décidé, il sera saltimbanque. Un saltimbanque "professionnel". Et à cette époque, dans le midi, pour entrouvrir la porte du succès, le prétendant doit emprunter le couloir menant à l'impitoyable public de L'Alcazar de Marseille. Tous les mémoires publiés par des célébrités chantantes confirment le passage par L'Alcazar de Marseille comme le summum de la prouesse. On peut remplir Ba-Ta-Clan, l'Alcazar d'été des Champs-Elysées, trôner en couverture de la revue "Paris qui chante" et orner des cartes postales en des poses avantageuses, si l'on n'est pas sorti vainqueur de L'Alcazar de Marseille et de son public plus sévère que n'importe quel jury de télé-crochet d'aujourd'hui, on est au mieux "une vedette du Nord", au pire, une lavette.

L'ALCAZAR

Une anecdote plaisante bien qu'incertaine, illustre cette épreuve. Un soir de revue, le présentateur annonce le numéro suivant, à savoir Clara Tambour, une artiste mélodramatique (tout cela bien entendu "avé l'assent") : "Mesdameus z'et messieurs, voici mainetenaint la chaineteuse Clara Taimebour". Du fond de la salle, une voix mâle dominant l'assemblée s'exclame, tonitruante, "C'est uneu puteu!", provoquant une vague d'hilarité grasse comme un beignet. Gêné, bien qu'habitué, l'annonceur tente de rattraper le coup d'un circonspect "Quoiqu'il hein soit, voici Clara Taimebour!". Et la chanteuse, dont l'expression pathétique n'était pas feinte ce jour-là, d'effectuer son entrée sous les salves d'un public hilare, recouvrant l'orchestre censé jouer une introduction larmoyante.

Certes il est pittoresque ce public Marseillais mais celui ou celle qui parvient à se le mettre dans la poche reçoit consécration et respect des artistes confirmés comme des directeurs de théâtre. Valentin Sardou ne sachant guère de quel bois se chauffent les publics une fois franchies les frontières de sa Provence, apprivoise ce monstre à mille yeux et réussit, comme l'on dirait d'un examen, son passage à L'Alcazar dont on retiendra la certification estampillée en 1905. La notoriété de Sardou junior établie régionalement, cela garantit une sérieuse rente au jeune comique qui aurait probablement suffit à son bonheur. C'était sans compter sur Mayol!

Dans les années 1900, les gloires du café-concert s'appelaient Dranem, dans le rôle d'idiot du village, Polin, le comique troupier, Fragson, le dandy anglais et enfin, avec sa houppette blonde et son brin de muguet à la boutonnière, Mayol, l'idole des femmes - bien qu'il ne fut point réputé pour leur avoir retourné le compliment. Ce quatuor dominait nettement tous les autres artistes et chaque région possédait ses propres répliques, sosies, parodies, de ces idoles.

partition Mayol

De tous, Mayol est le plus entreprenant. C'est ainsi que, fortune faite, il se porte acquéreur en 1910 du Concert Parisien aussitôt rebaptisé Concert Mayol, sis rue de l'Echiquier. Chaque lieu ayant son chapelet de vedettes, il faut des têtes d'affiches au créateur de "Viens poupoule", "La Mattchiche" et "Lilas blanc" (dont on notera au passage qu'elles vivent encore cent ans après). Au lieu de débaucher une valeur confirmée, comme l'aurait fait n'importe qui, Mayol, natif de Toulon, pressent la vogue méridionale prête à souffler dans les bronches des parisiens comme le mistral s'abattant sur les oliviers. Il commande une revue à Vincent Scotto, prodige marseillais, tout juste auréolé de sa "Petite tonkinoise", l'un des plus grands succès de Polin. Le livret est signé Yves Mirande, futur scénariste de renommée mondiale. Et les acteurs, pas moins que Tramel et Raimu. Pour clore sa distribution, il fait monter à Paris son petit-cousin, un certain Valentin Sardou.

Il ne fait jamais bon être en avance sur son temps, et si la revue est applaudie chaque soir, ce n'est pas encore le triomphe qu'obtiendront les opérettes marseillaises vingt ans plus tard. Pour Sardou, c'est le début d'une vie nouvelle, d'autant qu'il masque sa liaison avec une jolie petite danseuse avignonnaise embauchée dans la revue. Éperdument amoureuse, elle prend le pseudonyme croquignolet de Sardounette, dévoilant ainsi le pot aux roses. De toutes façons, les signes du tendre rapprochement entre les deux artistes auraient trahis la danseuse. Ainsi, Valentin partage quelques mois durant, la scène avec son futur fils, Fernand Sardou. Les rondeurs masquées par un costume de cygne, Sardounette - censée incarner Vénus - sacrifie son rôle pour demeurer sur scène avec ses Sardou. Leur enfant deviendra une des figures légendaire de la Provence aux côtés de Scotto, Pagnol, Raimu, Sarvil, Andrée Turcy, Rellys, Alibert, Fernandel, Charpin et tant d'autres.

Fernand Sardou, contre l'avis paternel, embrasse tout à la fois une carrière d'artiste et la jeune danseuse Jackie Rollin. Jackie n'a rien à envier au patrimoine généalogique de son futur époux. N'est-elle pas la fille du comique marseillais Rollin et de Bagatelle, danseuse qui eût son heure de gloire au Moulin-Rouge en dansant le quadrille, ce fameux french can-can dont La Goulue demeure la figure de proue? Ce duo va séduire le public populaire. Fernand incarnera éternellement le bon gars du midi au cinéma et dans l'opérette, Jackie Sardou s'imposant comme une incontournable du théâtre de boulevard. Pouvaient-il faire autrement que donner naissance à un enfant de la balle? Michel Sardou va suivre les traditions familiales et porter le nom de son père au sommet des hit-parades avec des chansons qui diviseront critiques et public, se frotter au théâtre et au cinéma. 4O années de carrière n'altèreront pas sa popularité.

En octobre prochain, un siècle après la révélation de Valentin à L'Alcazar de Marseille, son petit-fils Michel Sardou va jouer sur la scène légendaire du Théâtre des Variétés une pièce intitulée "Secret de famille". Il aura pour partenaire un certain Davy Sardou, l'arrière-arrière-petit-fils de Baptistin-Hippolyte Sardou, le charpentier devenu mime. De père en fils, ils cumulent 150 ans de music-hall! Qui dit mieux?

il est pourtant une autre famille du spectacle à-même de rivaliser avec les Sardou, celle des Brasseur. On dit en effet que Jules Brasseur fonda le Théâtre des Nouveautés en 1878 puis une lignée d'acteurs toujours vive. Il est troublant de constater qu'en 2008, Michel et Davy Sardou vont se donner la réplique sur une scène parisienne quelques mois après le triomphe remporté par le classique de Sacha Guitry "Mon père avait raison", joué par... Claude et Alexandre Brasseur. Une autre histoire passionnante sur laquelle il faudra revenir bientôt.

LOEB SESSIONS

2008-07-14T21:37:00.029+02:00

Ici, c'est la voix de Denise Colomb. Elle parle, tout du moins, elle évoque Colette Thomas lisant des pages d'Antonin Artaud. Des mots venus d'ailleurs, d'avant, de quand elles étaient vivantes. La voix de Denise se faufile, sur le titre "It must be a sign" au coeur d'un album somptueux signé Christophe, ce Cyril Scott de la variété française.
Là, c'est la gouaille de Caroline Loeb, rescapée des sommets du Top 50, ce classement qui érigea ses icônes pour mieux les viser en doublé PULL/MARK, petits 45 tours convertis en plateaux de tir sportif. Au travers de Caroline, ce sont les voix de Mae West, Arletty, Marlène Dietrich ou Tallulah Bankhead qui jaillissent en hommages parfaits et mots d'esprit tordants. Le spectacle dans lequel on l'attendait depuis longtemps s'appelle "Mistinguett, Madonna et moi". Chaque soir, il fait salle comble au festival d'Avignon.

Est-ce incongru de relier ces deux timbres? Celui, posé, tout à la fois rural et aristocratique, d'une Denise Colomb émue par ses souvenirs, et l'autre, tonique et sonore, fleurant la gouaille et le bitume, d'une Caroline Loeb envoûtée par les paréidolies qu'elle provoque chez le spectateur? Pas vraiment. Caroline Loeb n'est autre que la petite-nièce de Denise Colomb. Le clin d'oeil est amusant. Au moment où l'une effectue son retour sur scène en tant que chanteuse, l'autre amorce (certes post-mortem et involontairement) une aventure musicale. Toutes deux rappellent à notre souvenir le passage sur terre de quelques personnages exceptionnels.

DENISE COLOMB

L'amour d'Antonin Artaud enfiévra-t-il le cerveau de Colette Thomas jusqu'à la folie? L'état psycholigique de celle qui publia "Le testament de la fille morte" (Gallimard, 1954) n'était pas des plus valeureux, avant même 1946, date de sa rencontre avec le concepteur du "théâtre de la cruauté". L'écrivain fascina la jeune comédienne. Denise Loeb dite Denise Colomb fut l'un des témoins de leur relation : "Quand elle lisait Artaud, alors ça c'était sublime! ".

Le visage supplicié d'Artaud nous est aujourd'hui familier. Nous le devons en grande partie au travail photographique de Denise Colomb, femme qui traversa le XX° siècle sans omettre d'en croiser les génies. Ses grands-parents paternels, de petits horlogers de Strasbourg, lui donnèrent un père Français. Côté maternel, la guerre de 1870 amputant momentanément de l'hexagone et l'Alsace et la Lorraine, fit facétieusement naître Allemande une mère pourtant originaire de Bisheim. Le jeune couple partit s'installer à Paris où naquirent les jumeaux Pierre et Edouard en 1897. Denise attendit sagement que le siècle soit amorcé pour voir le jour, en avril 1902. La passion dévorante de Pierre pour l'art moderne allait bouleverser le destin de cette fratrie. Pour sûr, il y eût bien des velléités artistiques dans cette famille. Le père avait abandonné sa vocation de comédien au profit d'un commerce de dentelles - sacrifice récompensé par la boutique florissante dont le succès fit des envieux. Son frère Jules Loeb suivit sa passion qui le conduisit à devenir premier violoncelle de l'Opéra de Paris. Il s'enorgueillissait d'avoir compté Pablo Casals parmi ses élèves du Conservatoire. C'est d'ailleurs la voie première que décida de suivre sa nièce, Denise Loeb. Fut-elle une violoncelliste douée?

En 1924, Pierre Loeb ouvrit la Galerie Pierre, inaugurée par une exposition de Pascin. L'année suivante, Miró et la peinture surréaliste furent à l'honneur. Pendant dix ans, Denise va fréquenter les amis de ses frères, Picasso, Eluard, Aragon, Ernst, Breton, Artaud, Man Ray, Paul Klee, Dufy, Braque... La liste est vertigineuse. Lors de son séjour en Indochine en 1935, Denise réalise ses premières photographies. Elle adopte le pseudonyme de Denise Colomb pendant la seconde guerre mondiale. Deux ans après l'armistice, Denise commence à saisir Artaud dans son objectif. Soit il accepte de poser pour son amie, soit elle capte sa fougue créatrice, immortalisant son visage torturé tel un cep de vigne et ses longues mains noueuses comme les troncs des figuiers. Ses grands doigts se prolongent parfois d'un fusain crayonnant le visage de Pierre ou de sa fille, Florence Loeb. Le Ministère de la Culture récupérera plus de 50.000 négatifs lorsque Denise Colomb cédera à l'Etat Français l'ensemble de son oeuvre en 1991, inestimable témoignage sur les responsables d'une partie de l'histoire de l'art. Digne et toujours coquette, Denise s'éteindra en 2004, quelques semaines avant ses 102 ans.

CAROLINE LOEB

Caroline Loeb est une incarnation moderne de Mistinguett et d'Arletty. Il est logique qu'elle leur clame une admiration fervente. Ni l'une ni l'autre pourtant n'a fréquenté la dynastie des Loeb. Lorsqu'Albert Loeb, fils de Pierre, se sentit atteint du virus paternel de l'art contemporain, il préfèra installer sa galerie à New York pour ne point souffrir des immanquables comparaisons. C'était aller vite en besogne. Les critiques d'art ne s'embarrassèrent pas de détails aussi insignifiants qu'un océan, tout Atlantique fût-il. Cette expatriation permit à Caroline de grandir au milieu des buildings, face à Central Park, de maîtriser parfaitement la langue anglaise, et de tomber raide dingue des musicals américains, "Le magicien d'Oz" en tête. Quand elle revint à Paris, l'adolescente manqua de défaillir face aux deux chaînes de télévision en noir et blanc, elle qui n'ignorait rien du zapping. Et les shows de Guy Lux supportaient difficilement la comparaison avec les étonnantes émissions "coast to coast" animées par Sinatra, Nat King Cole ou Jerry Lee Lewis.

En dépit de ces années en Amérique, Caroline Loeb demeure gouailleuse, parigote de bas en haut, où si l'on préfère, de Montmartre aux Catacombes. Prévert et Audiard auraient adoré. D'abord actrice, elle fit ses débuts aux côtés d'Isabelle Adjani et Francis Huster, apparaissant dans quelques films de James Ivory, Jacques Demy ou Adolfo Arrieta. Styliste, elle n'eût d'yeux que pour Kenzo et Gaultier avant d'enregistrer un album pour Michaël Zilkha, fondateur du label Ze Records puis le tube "C'est la ouate", refrain qui entêta au moins quatre des cinq continents. Se dirigeant vers la mise en scène, elle permit à Judith Magre d'accroître sa collection de Molière grâce à la pièce "Shirley" que Caroline adaptât des carnets de la peintre pointilliste Shirley Goldfarb. La chanson, c'était pour les autres désormais, ceux qu'elle dirgeait sur scène, les Lio, Viktor Lazlo, Michel Hermon, Weepers Circus ou autre Edwige Bourdy.

Les Loeb sont décidément nés pour festoyer aux meilleures tables. Un Bertrand Belin, une Elisa Point, un Marcel Kanche relevé de pointe de Weepers nappé d'une sauce Néry au Chet, et voici le menu idéal d'un nouvel album, la préparation d'un spectacle pour de nombreux convives et l'hommage rendu aux grands chefs des cabarets, cafés-concerts et autre music-hall du monde. Devrait-on dire aux chefesses puisque les coups de chapeau-claque s'adressent ici aux femmes de spectacle, Yvette Guilbert ou Régine, Madonna ou Birkin, Annie Cordy ou Joséphine Baker, de celles dont on dégustât la cuisine nouvelle en se pinçant le nez avant d'y succomber et d'en orner ad vitaem une carte de renommée mondiale.

Dans le train qui vous mènera dans les ruelles d'Avignon pour applaudir la Loeb dans "Mistinguett, Madonna et moi", n'oubliez pas d'emporter "Aimer ce que nous sommes", l'album de Christophe. De quoi voyager plusieurs fois.

MORITURI TE SALUTANT

2008-07-01T01:35:00.012+02:00

"Le disque se meurt. Vive la chanson!". Sur ces mots se conclut le post que l'ami Baptiste Vignol consacre aux albums à venir de Carla Bruni et de Julien Doré. Ce slogan est le nôtre. Celui de générations amoureuses du support physique, contraintes d'admettre sa disparition imminente. Ce constat ne nous empêche pas toutefois de succomber face à l'offre furibarde que représentent les sites légaux, les blogs persos et les initiatives de collectionneurs barjos. Grands consommateurs de musique, la toile décuple notre boulimie sans l'assouvir jamais puisqu'il devient possible de s'immerger dans des rivières inexplorées mises à jour par de généreux vétérans ou de découvrir de nouvelles sources ruisselantes sur les myspaces du monde entier.

Le prochain disque de Carla Bruni sera, probablement, le dernier album de chansons en langue française à même de générer, dans sa version non virtuelle, des droits d'auteurs jusque là réservés à Claude François, Mylène Farmer, Edith Piaf ou Jean-Jacques Goldman, héros récurrents du "Top Ten Export" des palmarès annuels de la SACEM. Fait doublement historique -il s'agit tout de même du premier disque enregistré par une femme de président de la République! - sa parution sonnera le glas des heures joyeuses de l'industrie phonographique. C'est ainsi. Son succès prévisible rassurera momentanément ceux qui refusent de tourner la page de l'histoire du disque. Carla Bruni permettra de reculer l'échéance. C'est une forme d'exploit en soi.

Le concept du support physique est apparut vers 1857, il y a donc 150 ans. Trente années de recherches furent nécessaires pour enfanter le cylindre, premier objet capable de restituer la voix enregistrée. Cinq encore pour imaginer le disque. Depuis lors, ces inventions ont engendré une industrie qui n'eût de cesse de chercher, de renouveler, d'améliorer. Un son toujours meilleur, des durées encore plus longues, des objets sans cesse plus beaux. L'aventure excitât les appétits. Pensez donc! Le XX° siècle devint le premier dans l'histoire de l'humanité à conserver intact les voix parlées et chantées de ses contemporains.

Rapidement associée au cinéma dont l'histoire est parallèle, cette révolution fit de nous les héritiers de cent années de témoignages audiovisuels de célébrités et d'anonymes. Pour la première fois, des civilisations n'ayant à leur disposition que l'oralité furent filmées et enregistrées, des événements historiques retransmis en direct ou pieusement recueillis par des micros et des caméras. La création se trouvât enrichie par ces découvertes et la musique sortit vainqueur de cette bataille d'ingénieurs : on peut aujourd'hui entendre une chanson de Mayol cent ans après qu'il l'ait gravée, assister à un concert d'Edith Piaf quarante ans après sa mort, écouter les pistes séparées d'un disque des Beatles ou percevoir le rythme des respirations de Chet Baker. Tout ceci, et plus encore, est désormais à notre disposition, d'un clic de souris sur un ordinateur ou un téléphone portable.

Aimerait-on parfois retrouver les plaisirs démodés, ceux que les gamins d'aujourd'hui ne connaîtront plus? Désirer fortement un disque et l'attendre avec impatience. Découvrir d'abord sa pochette et l'ouvrir soigneusement avant de le poser sur sa platine. L'user jusqu'au bout du saphir en rêvant d'un nouvel achat. Le ranger précieusement avec l'idée de se constituer une discothèque dont on est fier.

Et bien tout cela est terminé. Fini. Mort, et bien mort! En témoigne cet échange verbal entre deux adolescentes, surpris à une station de bus :

"-T'as vu le film sur Ray Charles hier à la télé?
- Non. J'connais pas trop en fait.
- Putain, c'est mortel ce qu'il fait ce mec. Si tu veux j'te télécharge l'intégrale."

L'intégrale de Ray Charles! Comme ça. D'un coup. Sans passer par les tubes, les premiers albums, les concerts mythiques, les versions alternatives, les trésors cachés au fond d'un opus méconnu. Directement l'intégrale, sans initiation. Quel courage.

Tandis que des mômes gavent leurs Ipod d'intégrales qu'ils n'écouteront probablement jamais, et nous punissent d'avoir été si peu pédagogues en ne leur enseignant pas la valeur de la chose enregistrée, une poignée de cinglés se réfugie vers le support physique avec une passion proportionelle à son extinction. Sur Ebay, les phonographes se négocient à prix d'or. Certains collectionneurs dépensent de petites fortunes pour acquérir des septante-huit tours (comme disent joliment nos voisins Belges) de Django Reinhardt ou de Suzy Solidor. D'autres dilapident leurs économies pour les pressages originaux de Serge Gainsbourg, les collectors de Johnny Hallyday ou les premiers maxi 45 tours de Mylène Farmer. Les sites marchands, à l'affût des marchés de niche, proposent désormais des platines USB pour graver en mp3 sa discothèque de vinyles, et certains éditeurs publient des livres entiers de reproductions des plus belles pochettes de 33 tours. Sans compter les fadas qui s'éreintent en sites majestueux consacrés à l'histoire de la chanson, offrant au plus grand nombre leur savoir impeccable et des trésors amassés durant de longues années (voir ci-dessous).

Continuons donc d'acheter des CD. Dans cent ans, ils seront les témoins de la fin d'une époque. Il n'est pas interdit que vos petits-enfants vous bénissent d'avoir investi quelques euros pour obtenir l'album de Carla Bruni dont on cherchera, peut-être, les différentes éditions un peu partout dans le monde...? "Le disque se meurt. Vive la chanson!" comme le dit si bien Vignol.

SITES HISTORIQUES DE REFERENCE :

Site consacré à l'histoire des personnages qui ont marqué la chanson, depuis l'époque du "café-concert" jusqu'au music-hall

Site répertoriant opérettes et comédies musicales avec navigation par auteur, compositeur, interprète, lieu, année, éditeur et oeuvre.

Tu veux qu'j'te chante "La mer"?

2008-06-01T01:21:00.015+02:00

"Elle est sûrement affreuse et mal foutue. Une énorme tête ronde, absolument disproportionnée à son corps. Une crinière de cheveux roux tout frisés, avec une mèche qui retombe sur le front. Très utile, cette mèche : elle obtient un effet comique en soufflant dessus, lorsqu'elle sent que ça ne rend pas bien au milieu d'une chanson. Maquillée comme un bébé JUMEAU, avec les cils peints en éventail autour des paupières. La voix est faubourienne, canaille, ébréchée par l'abus du "champ'". La vulgarité des gestes est soigneusement étudiée. Tout cela serait sans doute insupportable de la part d'une autre. mais il se dégage de la bonne femme une force comique telle que les plus délicats sont vite désarmés. (...) relevant sa jupe de la main gauche, elle se met à chanter des couplets bêtes à faire pleurer. Elle parvient pourtant à faire rire des gens qui, jusqu'à preuve du contraire, semblent parfaitement normaux."

Cette description précise et précieuse de la chanteuse Gaby Montbreuse émane de Georges van Parys, l'homme qui, durant trois années complètes, accompagna au piano quelques futures grandes vedettes au sein du cabaret "Chez Fysher". van Parys n'est pas encore le prolifique compositeur d'opérettes, de musiques et de chansons de films. En dépit de ses 22 ans à peine, il tient son journal depuis une dizaine d'années. Le document publié en 1969, vers la fin de sa vie, est épuisé et introuvable. Dommage. Il recèle foultitude d'anecdotes sur les coulisses du métier de compositeur. Contrairement au sentiment dégagé par la lecture de cet extrait, les deux pleines pages consacrées à Gaby Montbreuse sont empreintes d'estime et d'affection.

Bien avant de composer pour Mouloudji ("La complainte des infidèles", "Un jour, tu verras"), pour Arletty et Michel Simon ("Comme de bien entendu"), pour Maurice Chevalier ("Mimile", "ça s'est passé un dimanche"), pour Cora Vaucaire ("La complainte de la butte") ou pour Henri Garat ("C'est un mauvais garçon"), entre cent autres interprètes prestigieux, van Parys fit ses gammes Rue d'Antin de 1924 à 1927, derrière les débutantes Yvonne George, Lucienne Boyer et notre fameuse Gaby Montbreuse. Las, cette dernière semblerait tapisser le tréfonds du panier des artistes oubliés si Denis D'Arcangelo ne lui consacrait, dans son spectacle "Madame Raymonde", un hommage appuyé et mémorable.

L'acteur génial, boudiné par le costume austère de la chanteuse réaliste accouchée des bas-fonds, interpelle méchamment son public d'une gouaille toute parigote, la moue méprisante surplombant le regard assassin : "Kwââââ? Vous ne connaissez donc pas Gaby Montbreuse?". Offusquée, Madame Raymonde recense alors les succès considérables de cette bonne Gaby, jusqu'à l'intemporel "Je cherche après Titine", emprunté tout à la fois par Charlie Chaplin et par inélégance dans le film "Les temps modernes" en 1936, des années après que Léo Daniderff ne l'eût composée pour celle qui était alors sa douce et tendre. La révérence de D'Arcangelo s'avère d'un enthousiasme qui laisse le néophyte pantois face à tant d'ignorance, au point qu'il doute de l'existence réelle de cette Gaby-là.

Gaby Montbreuse vécut bel et bien. Peu de temps, certes, puisque, née en 1895, elle ne commît pas l'imprudence de devenir quinquagénaire, usée d'un même amour des plaisirs qu'elle s'octroya et par ceux qu'en élans généreux elle offrit dispendieusement. Outre Titine, elle laissa quelques perles pour garnir le collier de la chanson française dont Tu m'as possédée par surprise, titre qui sied si bien à Madame Raymonde. Peu d'enregistrements permettent de réécouter Gaby Montbreuse aujourd'hui, et ceux que l'on parvient à chiner au détour d'une brocante ne rendent pas, paraît-il, le dixième du talent de la fantaisiste. Qu'importe. Nous nous contenterons des mots de van Parys et de l'interprétation de D'Arcangelo...

bébés JUMEAU

Libre Max

2008-05-15T12:34:00.003+02:00

Combien de Présidents de La République, combien de stars du cinéma français, combien de Maires de Paris rendront hommage à Max Amphoux? Pas bézef, à n'en point douter, trop occupés à vidanger les huiles polluantes d'un Sevran au moteur encrassé par ses propres vilenies.

Pendant 40 ans, Max a trimballé sa silouhette massive, la clope au bec, le sourcil froncé, pour dénicher un artiste, défendre une chanson, s'engueuler avec un patron de label ou un programmateur de radio, intransigeant sur la qualité professionnelle de ses partenaires, impitoyable face à la veulerie et aux impostures. On l'aurait dit tout droit sorti des "Tontons flingueurs", craint autant que respecté, capable d'anéantir d'un seul regard par dessus ses lunettes. Comme tous les ours mal léchés, Max était tout tendre à l'intérieur, se laissant affubler de surnoms ridicules par ceux qu'il aimait vraiment.

Il n'était ni auteur, ni compositeur, ni interprète. Un éditeur et un producteur comme il en reste peu. De la trempe des Francis Salabert et des Raoul Breton. Avec une qualité essentielle, un goût pour transmettre son savoir qui lui vaudra, longtemps encore, l'admiration de plusieurs générations de "professionnels de la profession". Cet amoureux de la chanson a oeuvré auprès d'artistes populaires et plus pointus, sans snobisme, de Marie-Paule Belle à Alain Bashung, de Demis Roussos à Jacno, d'Isabelle Aubret à Jean Guidoni, de Bibie à Kent, de Sabine Paturel à Joan-Pau Verdier. Il laisse quantité de refrains à la mémoire collective sans que nul ne sache qu'il fut derrière ("L'amour est bleu", "La parisienne", "Il", "Juste quelqu'un de bien", "Gaby, oh Gaby", "Quand t'es dans le désert"... Voir aussi le Blog de Philippe Barbot).

Ces dernières années, il a révélé Clarika, Lo'Jo ou encore La Grande Sophie, luttant à leurs côtés avec une hargne que déploient peu d'éditeurs musicaux. (Voir aussi le Blog de Baptiste Vignol)

Oui, Max était parfois casse couilles; Oui, on pouvait le prendre en flagrant délit de mauvaise foi; Oui, mieux valait ne pas être l'objet d'une de ses tonitruantes colères; mais putain qu'est-ce que ce type a fait comme bien à son métier, à ses artistes et à ceux qui l'ont côtoyé!

Voir : Portail Sacem
et : Carnet du Monde - V. Mortaigne

Lo'Jo

Cardinaux en costume et canards sauvages

2008-04-19T12:55:00.001+02:00

"Vocalises hystériques, petit rot, débit précipité, mimiques, pour faire genre (...) douée, mais emmerdeuse. Tête à claques. (...) démonstration d'autosatisfaction vocale crispante. (...)bravache, et tellement dépassée par son entreprise ! Cantonnée à ses considérations sur la météo marine, ses onomatopées, ses galipettes verbales (« Oh mon thé ! Mon thé ! Monté aux cieux »)."

Mais qui diantre provoque ainsi l'ire de Véronique Mortaigne, l'indéboulonnable critique musicale du quotidien Le Monde dans son article du 12 avril 2008?

La jeune artiste Camille, car c'est bien d'elle qu'il s'agit, avait déchaîné comme un seul homme l'enthousiasme des médias en 2005 lorsque parut Le Fil, deuxième album de cette fille prodige. Véronique Mortaigne n'écrivait-elle pas en février de cette année-là, à l'instar de ses confrères et consoeurs : "Camille est d'une singularité qui rappelle le duo Higelin-Fontaine, période "Comme à la radio", moins la fibre politique. Puisque Camille est une amoureuse, énergique, inventive, gamine et folâtre." Précisons que, depuis, la chanteuse a obtenu un disque de platine pour 400.000 exemplaires vendus de cet album-phénomène, un Prix Constantin et deux Victoires de la Musique. Forcément, ça énerve. Et selon le fameux adage "brûlons ce que l'on a adoré", les critiques s'emboîtent aujourd'hui telles des poupées russes : "à tant vouloir inventer, Camille en oublie souvent l'essentiel : la mélodie, simple et directe, qui porte l'émotion. (...) dissimulée derrière la performance" selon Télérama du 12 avril 2008.

Est-ce l'effondrement du marché du disque qui panique tant ces plumes respectables? Est-ce la crise que traverse la presse qui obstrue incompréhensiblement leurs oreilles aguerries? Ou bien l'arrivée tardive du printemps? L'abus d'écoutes intensives sur les myspace du monde?

Camille a livré à la chanson de France pas moins de deux chef-d'oeuvres avec Le Fil et Music Hole, réitérant coup sur coup le prodige Gainsbourien de L'histoire de Melody Nelson et de L'homme à tête de chou ou celui de Bashung avec Fantaisie Militaire et L'imprudence. Dans vingt ans, lorsque nous ne saurons plus rien du nom des journalistes musicaux d'aujourd'hui, d'autres étudieront la création musicale française des années 2000 et seront fascinés par l'incroyable créativité d'une Camille. Ils poufferont probablement de lire ici où là les archives de l'époque qui égratignent Camille et encensent, à quelques jours d'intervalles, le nouvel album de Francis Cabrel dont on ne peut passer sous silence les quelques dithyrambes suivantes :

"Multi-intrumentiste, Michel Françoise a réalisé "Des roses et des orties" avec Cabrel, en respectant les arcanes du genre, guitares, batterie. C'est une manière classique de faire passer ses idées. Celles du chanteur aux yeux bleus ont pris du mordant. La misère des migrants ( Les Cardinaux en costume, refrain en espagnol, sur le ton de la corrida), la description d'une humanité hésitante, masse d'individus de bonne volonté confrontés à un monde dirigé par des stratèges ( Le Chêne-liège, Des hommes pareils, Des roses et des orties), la folie ( Le Cygne blanc) : comment s'insérer, comment appartenir à l'humanité politique quand on est chanteur de charme ?" (V. Mortaigne dans Le Monde du 4 avril 2008)

"ce onzième opus a été écrit et enregistré dans une grange aux poutres centenaires, qui servait autrefois à stocker des céréales séchées. Les arrangements acoustiques ont rarement été aussi épurés. Tout semble pesé au gramme près. Les textes ont la même finesse. Pas un mot de trop. Les roses pour les sentiments et la fraternité, les orties pour les critiques sociales. Un peu comme il l'avait fait sur "Saïd et Mohamed", le petit-fils d'immigrés italiens dénonce le racisme ordinaire puis l'immigration choisie dans les blues rocks "Des hommes pareils" et "African Tour". Il épingle les comportements trop clinquants à son goût de certains politiques sur "Les cardinaux en costume". Après s'être "Assis sur le rebord du monde" il y a quelques années, il s'adosse contre "Le chêne liège" pour méditer sur les religions. Il parle d'une femme en perdition ("Le cygne blanc") avant de célébrer l'adoption ("Mademoiselle l'aventure")." (AP dans Le Nouvel Obs du 3 avril 2008)

"A sa table, devant un cerisier, il a joué de la guitare, décortiqué la presse, puis écrit comme il le faisait quand il habitait à la Défense, période "Répondez-moi". Par respect pour son père, ouvrier d’origine italienne, il a travaillé à l’heure où les musiciens se couchent (7 h 30-11 h 30), puis enregistré sous l’œil de Michel Françoise (...) Avec la Robe et l’Echelle, il démarre sur une ode aux premiers émois. Et se termine ainsi en douceur, après s’être insurgé contre la précarité, le chômage et «tout ce qui porte, en gros, un costume»." (L. Perrin dans Libération du 31 mars 2008)

Avec tout le respect que l'on doit à Monsieur Cabrel, riche d'une carrière menée avec un talent digne d'un dirigeant d'entreprise familiale sous la III° République, les engouements unanimes qui saluent son nouvel opus paraissent exagérées. Que salue-t-on des chansons ou du personnage? Tout comme Camille se voit écornée par sa forte personnalité, Cabrel est porté aux nues pour sa simplicité (Ah, on imagine sans peine la table devant le cerisier et les poutres centenaires de la grange!!!). Mais attend-on d'un artiste qu'il ressemble à Mr Tout-le-monde? Attend-on d'un auteur qu'il aligne des poncifs sur les sans papiers, sans abris, sans enfants, qui ne changeront rien à rien? Que dirait-on si ces chansons avaient été signées par Francis Lalanne ou Michel Sardou? Le titre de l'album de Cabrel, rien que le titre, "Des roses et des orties", n'évoque-t-il pas davantage le journal intime d'une adolescente indépucelable sous la Restauration qu'un brûlot vindicatif et engagé dont l'encre serait puisée aux veines d'Eugène Pottier?

Il est certes difficile d'écouter un disque sans prendre en compte ce que l'on sait de l'artiste qui lui a donné vie. Tout comme il est risqué de s'opposer aux goûts du public (+ de 120.000 albums de Cabrel vendus en première semaine contre près de 17.500 pour Camille (source : snep)). Les journalistes étant logiquement à l'abri de ces présomptions, gageons que, leurs esprits retrouvés, ils préféreront d'ici peu les Canards Sauvages de Camille aux Cardinaux en Costume de Cabrel...?

DE PARIS A RANDAN

2008-03-10T19:17:00.001+01:00

Un air de cabaret

Avec la réouverture prochaine du Théâtre des 3 Baudets dont on se souvient qu'il fut créé par Jacques Canetti ("découvreur" de Piaf, Brassens, Brel ou Félix Leclerc, entre autres), la ville de Paris sauvegarde un lieu qui permit à Juliette Gréco, Ricet Barrier, Catherine Sauvage, Serge Gainsbourg, Boby Lapointe ou Boris Vian de se croiser et de paraître dans des revues pour le moins avant-gardistes.

A l'école des cabarets, les élèves, même les plus dissipés, apprenaient à se côtoyer, à s'encourager, se prodiguer quelques conseils et les artistes de confessions diverses y nouaient des liens indéfectibles. Il n'existe plus, aujourd'hui, d'endroits où se mélangent les genres, les styles, les répertoires. Le comique, la vedette du top, le chanteur de style "rive gauche", le slammer et le jazzman n'ont jamais l'opportunité de partager une même scène dans un spectacle conjoint. Ceci étant, le public ne goûte guère à la diversité musicale et se rend dans un concert en fonction de ses goûts préalables.

A Randan, petit village du Puy-de-dôme, quelque chose de l'esprit des cabarets parisiens cherche à relier entre eux des artistes n'ayant pour seul point commun que de s'exprimer en français et d'avoir publié un ouvrage, au sein du Salon du Livre et de la Chanson. Ainsi, l'on y vit Jeanne Cherhal deviser avec Anne Sylvestre, Caroline Loeb fêter ses retrouvailles avec Francesca Solleville, Armande Altaï faire la connaissance de Paul Tourenne des célèbres Frères Jacques, Valérie Lagrange rencontrer Julos Beaucarne, François Vals, ancien secrétaire de Maurice Chevalier, rire aux chansons de Pierre Vassiliu, ou encore Marcel Amont s'amusant avec Chraz.

Cette année, pour sa sixième édition, ce salon accueille Olivia Ruiz, Allain Leprest, Anne Vanderlove, Hervé Vilard, Kent, Francesca Solleville, Hugues Aufray, Leny Escudero et Ricet Barrier. Cela promet d'être mémorable. Ils ne viendront pas chanter. Ces artistes dédicaceront les livres dont ils sont les auteurs. Ce sera les 5 et 6 avril prochains. Ne tient qu'à vous d'aller y savourer ce petit air digne des coulisses d'un cabaret imaginaire.

NANA SWINGS

2008-02-10T03:29:00.002+01:00

Take it easy, baby. You're in the Big Apple. Have fun and learn.
Difficile d'imaginer que cette sentence, prononcée par Quincy Jones, s'adresse à la chanteuse Nana Mouskouri. Nous sommes à New-York, en 1962. Quincy Jones est le directeur artistique des disques Mercury, sur le continent américain. Celui qui débuta comme trompettiste de Dizzy Gillespie, en 1956, n'a que 28 ans.

Quincy Jones revient de France. A Paris, il exerçait comme arrangeur pour le compte d'un jeune loup de la production, un dénommé Eddie Barclay. Aznavour, Salvador ou Les Double Six, lui doivent quelques pièces maîtresses de leurs discographies respectives. Lorsqu'il rentre à New York, il ignore qu'il va devenir le plus grand producteur de sa génération. Vingt ans avant l'album Thriller de Michaël Jackson, l'un des disques les plus vendus dans le monde, Quincy Jones se fait la main avec une petite pousse germée en Grèce. Elle lui est confiée par le patron de Mercury France, Louis Hazan. Ce dernier a découvert cette perle rare dans une boîte de nuit, à Athènes. Elève du conservatoire, Nana Mouskouri est fan de jazz. Le soir, après les cours, elle se faufile à travers les ruelles de la Plaka, rejoindre une taverne pour y interpréter les succès de Nat King Cole, Ella Fitzgerald ou Frank Sinatra. Avertis par la rapide renommée qu'acquiert l'adolescente, ses profeseurs l'excluent du conservatoire. Un mal pour un bien. Lorsque Hazan s'enthousiasme pour cette chanteuse à la voix d'or, il pense immédiatement à Quincy Jones pour enregistrer un premier album, qui restera confidentiel.

C'est avec des titres empruntés à différents folklores européens, les poèmes de Hadjidakis, les chansons de Dylan et des adaptations du répertoire classique que Nana Mouskouri s'inscrira au très fermé TOP 7 des artistes ayant vendu plus de 500 millions de disques dans le monde, juste derrière Les Beatles, Elvis Presley, Les Rolling Stones, Michaël Jackson et deux de ses idoles, Bing Crosby et Frank Sinatra. Unique artiste féminine, à ce jour, à détenir tel palmarès.

Réédité en 1999, l'album Nana Mouskouri in New York connaît depuis une seconde vie, en passe de devenir un album culte. Black Coffee ne figure pas sur l'enregistrement original. Ce n'est qu'en 2003 que ce standard apparaitra sur le live Nana Swings.Heureusement, une émission de télévision a capté ce moment de grâce entre le Roi des producers et la Reine du microsillon.

ATMOSPHERE, davantage qu'une gueule

2007-12-19T18:39:00.001+01:00

Une fois n'étant pas coutume, ce lieu devient temporairement le théâtre d'une jouissive autopromotion. Est ainsi évoqué le coffret de 5 CDs intitulé immodestement "ATMOSPHERE, 100 chefs-d'oeuvre de la chanson" publié voici peu par le label Discograph, ordinairement spécialisé dans la découverte de jeunes talents pointus.

Comme quoi on peut aimer Brisa Roché, Olivier Libeaux ou Giovanni Mirabassi et trouver du charme aux rengaines que nos grands-parents fredonnaient gaiement quand nous attendions la visite du Père Noël en y croyant encore...

Loin de présenter l'exhaustivité de la production phonographique antérieure aux années 60, cette sélection de titres est rendue possible par une loi qui stipule qu'un enregistrement sonore se voit décerné le statut de "domaine public" dès 50 années d'exploitation révolues. Ainsi, il est aujourd'hui envisageable de commercialiser les premières oeuvres de Mistinguett ou Dalida, de Yves Montand ou Dario Moreno, sans avoir besoin d'en négocier les droits auprès du producteur original, tout comme n'importe quel éditeur peut publier à son aise Molière, Balzac ou Zola. Cet état de fait est violemment combattu par l'industrie du disque qui se trouve contrainte à devoir partager ses trésors. Le débat fait rage et chacun voit midi à sa porte. L'industrie souhaite prolonger les droits sur ses enregistrements. Cela peut, à première vue, répondre à une logique. Pourtant, il faut reconnaître les lacunes d'une confrérie qui néglige, sciemment ou pas, tout un pan de son histoire. On compte effectivement par milliers les oeuvres enregistrées que les producteurs, par souci de rentabilité immédiate, se refusent à rééditer. Pour une centaine de compilations d'Edith Piaf réalisées depuis sa mort, combien de disques de Lina Tosti, cette corse joviale, spécialisée dans le répertoire de Tino Rossi? Ne vous épuisez pas à chercher, il n'en existe pas! Si de passionnés amateurs n'avaient exhumé leurs collections de 78 tours, il n'existerait pas non plus de CD consacrés à Andrée Turcy, fantaisiste marseillaise hors pair, ni de Zappy Max, dont la voix enthousiasma longtemps les auditeurs du jeu radiophonique "Le quitte ou double", pas plus que de Henri Genès qui fit la joie des spectateurs du cabaret dans les années 50... Citons encore, puisqu'on les retrouvent dans les différents volumes de ce coffret, les duettistes Charpini et Brancato, l'averti et l'inverti, qui puisèrent dans le répertoire lyrique les instants légers, graciles, tout en provoquant, quand il le fallait, la grave émotion. N'ignorons pas Nitta-Jo au registre iconoclaste, tout aussi vibrante que Damia et Fréhel réunies, même si Berthe Sylva la supplanta nettement en popularité.

L'occasion est trop belle de se remémorer l'éclatant swing de Ginette Garcin lorsqu'elle chantait au sein de l'orchestre de Jacques Hélian, aux côtés du crooner Jean Marco; la grâce des Soeurs Etienne, fameuses dans leurs adaptations du répertoire Latino: la bonhomie de Fernand Sardou que de rares disques de cire conservent encore; la perfection de Lys Gauty ou de Germaine Montero, ces femmes qui imposèrent de grands auteurs auprès d'un public avide; la sublime voix d'Eliane Embrun; l'accent troublant de Raquel Meller...etc.

Tous ces chefs-d'oeuvre dormiraient outrageusement au fond des caves et des greniers sans cette fameuse loi sur le domaine public, et l'histoire du music-hall se résumerait aux artistes ayant vendu le plus de disques à une époque où la scène, la radio et la vente de partitons comptaient bien davantage que les chiffres d'une industrie qui, déjà, semble appartenir à une page d'histoire, faute, peut-être, d'avoir négligé la sienne...?

MADONNA, de MARILYN à MARLENE

2007-11-14T00:19:00.001+01:00

C'est en 1930 que Marlene Dietrich tourne son premier film made in Hollywood, Morocco, sous la direction de Joseph Von Sternberg. Réclamés par la mecque du cinéma, ce duo allemand surfe sur le succès mondial du film L'ange Bleu (Der Blaue Engel) sorti quelques mois plus tôt. Dietrich se sent bousculée par les méthodes des studios, inquiète de ce que les producteurs attendent d'elle. L'actrice n'a qu'une envie, repartir pour Berlin retrouver sa fille et son mari. Von Sternberg l'implore de ne pas rompre son contrat, supplique providentielle : trois ans après, Hitler est chancellier. La star allemande Emil Jannings, partenaire de Dietrich dans L'Ange Bleu, sombrera à la hauteur du soutien qu'il apportera au régime nazi. Pendant ce temps, Marlene devenue citoyenne américaine, ira chanter en Angleterre, en France, pour les GI's mobilisés.

Von Sternberg dirigera 5 autres films avec Dietrich, remplissant ainsi la mission confiée par les studios Paramount : concurrencer la Divine, Greta Garbo, l'icône de la Metro Goldwyn Mayer.

Il aura suffit d'une seule séquence de Morocco, d'une durée inférieure à 2 minutes, pour que Marlene Dietrich crée son propre mythe. Vêtue d'un smoking, arborant le chapeau haut-de-forme, elle chante la romance écrite en 1900 par le français Henri Crémieux, Quand l'amour meurt, vole un baiser à une spectactrice mi-consentante, mi-offusquée, et jette une fleur au superbe légionnaire incarné par Gary Cooper! Hollywood, sise dans la prude Amérique, sait se jouer des conventions dès qu'il s'agit de fabriquer du mythe.

Soixante trois ans plus tard, Madonna, affublée d'un costume identique, mêlera habilement son tube Like a Virgin aux accents lancinants de Falling in love again, l'adaptation américaine de Ich bin von kopf bis fuss auf liebe eingestelt, chanson du film L'ange Bleu composée par le talentueux Friederich Hollaender. La chanteuse Italo-américaine connaît ses classiques et use de références qui la placent au rang des plus grandes stars du XXième siècle. Après sa première période post-punk, Madonna s'inspirait en effet, pour le clip de sa chanson Material Girl tourné en 1984, d'une scène du film Les hommes préfèrent les blondes où Marilyn Monroe chantait Diamonds are the girl's best friends. Lorsqu'elle reprend l'image de Dietrich dans Morocco en 1993, Madonna rend hommage à Marlene disparue peu de temps auparavant. Elle patiente encore 10 ans, à l'occasion de la cérémonie des MTV Awards de 2003, pour provoquer en direct l'émoi (ou l'emoustillement) des télespectateurs, embrassant goulument les bouches de Britney Spears et de Christina Aguilera, autre clin d'oeil à Morocco.

LES ENTUBES

2007-10-28T01:57:00.001+02:00

"Pendant ces trois minutes trente de bonheur, le public, dans une bulle, se met en mode play-back, comme les chanteurs. On aurait dit que le tube avait sa vie propre, qui embarquait soudain tout le monde."
(Caroline Loeb, Has-Been, Flammarion, 2006)

Avant Henri Garat, il n'était pas vraiment question d'industrie phonographique. Bien sûr, les vedettes populaires brillaient de mille feux et un petit tour dans n'importe quelle phonothèque confirme les nombreux enregistrements effectués par Mayol, Mistinguett, Maurice Chevalier, Dranem ou Théodore Botrel. Mais acquérir un gramophone représentait un sérieux investissement, demeurant l'apanage des familles aisées. La population ouvrière disposait au mieux des partitions éditées en Petit Format sur lesquelles figurait la photographie du chanteur. Au pire, elle se rendait aux spectacles d'artistes locaux singeant les interprètes originaux. Ce n'est que dans les années 1930 qu'il se produisit un épiphénomène. Un ancien boy de Mistinguett devenu star du cinéma chantant se mit à vendre près de mille disques 78 tours par jour. Son nom? Henri Garat. Ses tubes? Tout d'abord Avoir un bon copain créé en 1931 dans le film Le chemin du Paradis, puis Amusez-vous écrit par Sacha Guitry et composé par Albert Willemetz (pour l'opérette Florestan Ier, prince de Monaco) en 1934, et surtout Un mauvais garçon tiré du film du même nom réalisé par Jean Boyer en 1936. La photo du playboy fit grimper les ventes des magazines de cinéma, ses apparitions provoquèrent des émeutes et sa vie mondaine nourrissait les potins de la Haute-Société. Ses films étant principalement tournés en Allemagne et produits par la UFA, la seconde guerre mondiale vint enrayer un processus qui semblait bien huilé. De mauvais investissements, la drogue, et des mariages impulsifs soldés par de ruineux divorces eurent bien vite raison de son inestimable fortune. Son public sera raflé par Tino Rossi durant l'Occupation et son retour après la Libération ne provoquera pas le moindre émoi. Henri Garat terminera sa carrière dans les années 50, en interprétant ses tubes au sein d'un spectacle de cirque dont il sera l'anonyme attraction, son nom ne figurant même pas sur les affiches. Il mourra dans un complet anonymat en 1959.

Plus veinard, le comique-troupier Gaston Ouvrard connût un regain d'intérêt inespéré lorsque Jean Yanne reprit son tube J'ai la rate qui s'dilate (en fait la chanson s'intitule Je n'suis pas bien portant) en 1961 dans une version twistée. Jean-Christophe Averty, ce génial cinglé du music-hall, intègrera Ouvrard au générique de plusieurs épisodes de son émission Les Raisins Verts, dont l'avant-gardisme provoquait de vives polémiques à cette époque où les Français n'avaient pas le choix entre plusieurs chaînes de télévision. C'est toujours vêtu de son costume de troufion que le septuagénaire débitera sans la moindre hésitation la chanson qu'il écrivit avec Vincent Scotto en 1932, aux côtés de Marcel Amont, chez Guy Lux en 1965, ou avec Claude François dans un show télé de 1968. Il décèdera en 1981 avec la satisfaction d'avoir interprété son titre fétiche pendant près d'un demi-siècle.

Arrêtons nous enfin sur Pierre Perrin que les dictionnaires de la chanson ont résumé comme "le chauffeur de taxi qui chante". Cet ancien artiste de music-hall connut une très mauvaise passe lorsque le twist et le rock'n roll rendirent désuets les spectacles traditionnels. Fini le temps des Revues à gros budget, les multiples attractions avant la projection d'un film où les numéros de cabaret qui s'étiraient sur un après-midi entier. La radio et le Teppaz imposaient chaque jour un nouveau nom et une nouvelle danse. Reconverti en chauffeur de taxi, Pierre Perrin fredonnait les mélodies qui lui passaient par la tête lorsqu'un producteur de disques, embarqué dans son véhicule, s'intéressa à l'air que venait de chantonner le conducteur. Aussi improbable que cela puisse paraître, c'est ainsi que le tango surréaliste Un clair de lune à Maubeuge se fit une place en 1962 entre le Mashed Potatoes et le Hully-Gully des yéyés. Le titre fut repris dans la foulée par Annie Cordy, Bourvil, et même Claude François (en twist, of course!). On réalisa un film sur l'incroyable aventure de Pierre Perrin qui joua son propre rôle aux côtés de Sylvie Vartan, Michel Serrault, Jean Carmet, Bernadette Lafont et Henri Salvador (Un clair de lune à Maubeuge de Jean Charasse, 1962). Las, si Perrin enregistra d'autres 45 tours, le succès l'abandonna avec une violence équivalente au tourbillon qu'il avait provoqué. A tel point que l'artiste en développa une forme de dépression, refusant de n'être plus qu'un vinyle rayé. Il écrivit, se débattit, implora, soutint que son arc disposait de nombreuses autres cordes, sa destinée demeura sourde à ce tapage et Pierre Perrin, complètement rangé des voitures, s'est éteint en 1985, son Clair de Lune ne l'illuminant plus depuis longtemps.

Gaston Ouvrard et Claude François "J'ai la rate qui s'dilate"

STRANGE FRUIT, un document historique

2007-10-26T00:21:00.000+02:00

Un fruit étrange est accroché aux arbres du Sud des Etats-Unis,

Du sang se répand des feuilles jusqu'aux racines,

La brise du Sud fait balancer le corps d'un homme noir,

Étrange fruit suspendu aux branches des peupliers

(adaptation du premier couplet de Strange Fruit de Lewis Allen, 1939)

Doit-on croire Barney Josephson, le propriétaire du Café Society, lorsqu'il affirme, en 1983, que Billie Holiday ne comprit pas un mot de la chanson Strange Fruit quand il lui suggéra de l'interpréter dans son club au début de l'année 1939*? Le lieu est l'un des rares où Noirs et Blancs se côtoient pour apprécier ensemble le bluesman protestataire Josh White, le saxophoniste Lester Young ou le chanteur Paul Robeson (qui va constituer peu après un comité de lutte contre le lynchage). Billie Holiday est l'une des attractions phares de cet endroit fréquenté par les gauchistes New Yorkais. Aux yeux de ce public, la chanteuse vient d'acquérir ses lettres de noblesses en annulant une tournée avec l'orchestre Blanc d'Artie Shaw (fait déjà notoire pour l'époque) en raison du racisme des Etats du Sud. On l'empêche de loger dans les hôtels des villes où elle doit chanter, et on lui interdit même parfois d'entrer dans les clubs où elle est censée se produire. Le fait est si répandu que Billie Holiday s'en retourne à New York sans que ces incidents n'aient soulevés la moindre polémique.

Abel Meeropol, alias Lewis Allen, sait-il les humiliations que vient de subir l'artiste quand il débarque au Café Society pour demander à Josephson que Billie chante sa chanson? Rien n'est moins sûr tant les médias ne relaient pas ce genre d'information. Billie Holiday est alors l'une des chanteuses de jazz en vogue. Lester Young l'a déjà surnommée Lady Day et elle lui a rendu la politesse, attribuant à son amant celui de Prez (pour Président). Toutefois, Billie n'est pas encore la légende que Strange Fruit va contribuer à élaborer. Depuis 6 ans, elle chante pour la compagnie de disques Columbia. Le répertoire est assez fleur bleue, What a little moonlight can do?, A Fine Romance, Say it with a kiss, These foolish things, et les pages les plus sombres s'intitulent Summertime, Billie's blues ou My Man, une adaptation de la chanson créée par Mistinguett, ce qui rendra cette dernière folle de rage quand on lui interdira de l'interpréter aux USA pour la bonne raison que son éditeur en avait vendu les droits aux Américains. Billie Holiday chante donc des chansons sans l'envergure ni le timbre que l'alcool, le tabac et la drogue viendront sculpter au point de le rendre unique.

Pour faire plaisir à Josephson, Billie va, en cette soirée de Janvier 1939, interpréter pour la première fois l'histoire de ses frères noirs qui, dans le Sud, continuent d'être lynchés par les Kriminels Kagoulés du Klan. Peut-elle vraiment ne pas saisir le sens des mots? Est-ce envisageable qu'elle ne perçoive rien du lourd silence qui plombe l'ambiance d'ordinaire survoltée du Café Society après sa prestation? Cette légende tenace est peu probable, tout comme les mémoires de Lady Day qui affirmera sans vergogne avoir écrit la chanson lorsqu'il faudra qu'elle réinvente sa vie. On pardonne tout à quelqu'un qui a porté son art si haut tout en dégringolant si bas. Aujourd'hui, Billie Holiday est statufiée parmi les légendes du XXème siècle. Sa vie véritable a été décortiquée par d'innombrables biographes. Et Strange Fruit est de ces chansons comme il en existe peu. Les mentors de la firme Columbia se lamentent depuis 70 ans du manque de courage de leurs prédécesseurs qui refusèrent d'enregistrer ce titre et laissèrent au petit label Commodore le soin de graver ce document historique. L'immense producteur de jazz Norman Granz ne commettra pas pareille bévue et le label Verve peut encore rééditer les différentes versions que Billie Holiday a réenregistrées par la suite. Il ne fait aucun doute que lors des sessions réalisées, l'artiste devenue plus fébrile, plus écorchée, maîtrise parfaitement ce texte dont elle saisit chaque nuance.

Parmi les innombrables artistes qui reprirent cette hymne antiraciste à leur répertoire, peu nombreux parvinrent à lui donner une nouvelle dimension. Eartha Kitt et Nina Simone, deux divinités sur lesquelles il faudra revenir bientôt, ont tatoué cette oeuvre avec leur âme. Tout récemment, le groupe français AaRon a réussi l'exploit de divulguer ce titre poignant auprès d'un public majoritairement blanc, branchouille et francophone. A vous d'apprécier.

* cité dans Strange Fruit de David Margolick, éditions 10-18, 2001

BERTRAND BELIN, l'ange volage

2007-10-23T00:55:00.000+02:00

Il est urgent d'aimer Bertrand Belin.

Son visage d'ange volage ne plaide pourtant pas en sa faveur. Dans le domaine de la variété, les français cèdent parfois à la blondeur sauvage d'un Johnny Hallyday où aux pâleurs brunes d'un Patrick Bruel. Certes. Mais lorsque l'on évoque les artistes majeurs du XXième siècle chantant, force est de constater que chacun déploie une imagination farouche pour se fabriquer une gueule. Rassemblez au générique d'un même film Aznavour, Trenet, Brassens, Gainsbourg, Brel, Barbara et Piaf, vous obtiendrez là un parfait casting de seconds rôles à même de ravir Howard Hawks, Billy Wilder et Elia Kazan réunis.

Par bonheur, le nez de Bertrand Belin dessine, selon l'angle d'où on l'observe, une courbe légèrement sinueuse, aussi subtile que son écriture, aussi sensuelle que le frôlement si particulier de ses doigts sur les cordes de sa guitare. Le nez de Bertrand Belin est donc le laisser-passer indispensable pour lui permettre de côtoyer les géants de la chanson française.

Pour le reste, il n'est besoin que de lire (ou plutôt de dire dans un murmure) quelques phrases piochées de ci-de là dans ce qui constitue déjà une oeuvre, en deux albums à peine :

Les tempêtes ont laissé sur le chemin d'ici des troncs entiers de honte (T'as l'vin t'as pas l'vin)

Au sein de quelle clique a-t-elle mis les voiles

Au dos de quel orque

Vous a-t-on parlé à mon grand dam

De frêles esquifs et de rocs (La longue danseuse)

Ma chère tante Madeleine

Tes bigoudis, c'est des fleurs de printemps, bouées d'hortensias

Clochettes des champs

Un bouquet de jeunes impatients (Madeleine)

Fait-il si beau là-bas où vous êtes à présent

A regarder vos mains sans les reconnaître

A mettre dans ma voix rien de plus que ma voix (La perdue)

Que Belin évoque la maladie d'Alzeihmer, un couple à la dérive, la beauté ardente des cités de la péninsule ibérique ou des personnages de son quotidien, ses textes coulent comme cette liqueur de Porto dont il nous régale dans son premier album. Oniriques, les chansons de Bertrand Belin sont des plats raffinés pour gourmets.

Il n'existe, hélas, aucune vidéo digne de ce nom pour allécher qui ne sait rien de ce chanteur circonflexe. L'extrait de concert filmé ci-dessous n'est qu'un amuse-bouche. Et puisque le visage de Bertrand Belin en est l'écrin, soulignons son incroyable ressemblance avec un autre esthète qui vécut près d'un siècle auparavent, Earl Leslie.

Evidemment, personne ne connaît Earl Leslie. Pas même ceux qui l'ont approché. Né au début du XXième siècle aux Etats-Unis, il fut repéré en 1921 dans un musical à Londres par Mistinguett qui savait orner sa presque cinquantaine aussi bien de plumes et d'aigrettes que de jeunes partenaires dont elle faisait double usage, à la scène comme à la ville. Parmi les fort nombreux danseurs de la Miss, Earl Leslie demeure le moins célèbre bien qu'il fut le plus impliqué dans l'histoire du Music-Hall des années folles. Outre son talent physique incontestable qui lui valut de figurer très rapidement en couverture des partitions de La Java - (oui, un mythe s'effondre, le parfait Titi Parisien est amerloque!) - il devint rapidement ce que les anglo-saxons appellent producer des grandes revues de sa chère et tendre. Earl Leslie fut donc l'un des concepteurs de ces spectacles qui virent trompher Mistinguett, réglant les chorégraphies, veillant à la valeur de chaque numéro tout en n'omettant pas de mettre en avant sa partenaire lorsqu'ils partageaient la scène du Moulin-Rouge. Devenu plus français que les français, Earl Leslie rendit tant d'hommages au pastis et au vin rouge qu'il y noya sa carrière et fit fondre sa place de favori au milieu des glaçons. Avant de repartir pour les USA, il eût le bon goût de produire Joséphine Baker dans la revue où elle créa son hymne, J'ai deux amours. Puis, Leslie s'éprit d'une Carmen et l'oiseau rebelle s'en fut sans ne plus donner signe de vie. Demeurent quelques photos et films amateurs où apparaît cette silouhette qui ressemble à s'y méprendre à Bertrand Belin dont il était question avant cette digression.

Il est urgent d'aimer Bertrand Belin, des fois qu'une Carmencita ne nous l'emporte au fil du Tage voguer vers les Amériques...

Bertrand Belin "Le colosse"

MAURICE WHO?

2007-10-20T17:30:00.001+02:00

"Au fond, je n'étais pas fait pour être artiste. (...) Quelle étoile extraordinairement bienveillante m'a permis de chanter, sans voix, pendant près d'un demi-siècle, en obtenant d'abord, en conservant ensuite, l'intérêt de ceux que j'ai appris à juger come le public le plus versatile et le plus nerveux du monde entier? Le public français!"

L'homme de 58 ans qui écrit ces mots au lendemain de la seconde guerre mondiale n'est autre que le plus populaire de nos chanteurs, Maurice Chevalier. Le môme de Ménilmontant a débuté sur les planches au moment ou naissait un XXième siècle qui, en guise de reconnaissance, le gratifiera d'une renommée mondiale. S'il rédige ses mémoires*, c'est en premier lieu pour tenter de dissiper les brumes des procès intentés à son encontre après la Libération. Non, hélas, Chevalier ne fut pas un héros. Faut-il prétendre qu'il fut un salaud? Il fut complaisant. Comme la plupart des artistes non juifs qui poursuivirent leur carrière sous l'Occupation; comme la plupart des Français dont il était, finalement, un parfait représentant. Oui Chevalier a chanté sur les ondes de Radio-Paris, ce qui n'échappa pas à Pierre Dac. L'animateur caustique de Radio Londres parodia plus que de raison l'homme au Canotier avant de se porter à son secours quand le chanteur fut traduit devant les tribunaux de la Libération.

Contraint toutefois au silence pendant quelques temps, Chevalier mit à profit cet isolement pour rappeler à son public l'incroyable histoire qui les liait depuis 1901. Depuis l'époque heureuse de la chanson qu'on appelait Café-Concert ou Caf'Conç'. Depuis les Mayol, Fragson, Polin ou Dranem, que le petit Chevalier prit pour modèle. Dans ces fameux mémoires, il ne cesse de s'étonner, contraint d'admettre l'incroyable destinée de ce gosse de rien devenu en 1930 l'une des stars d'Hollywood les mieux payées, Roi du Top Ten, respecté par Charlie Chaplin, Douglas Fairbanks et Les Marx Brothers. Plonger dans les mémoires de Maurice Chevalier c'est s'immerger dans l'Océan de l'Histoire du Music-Hall. L'on y suit le quotidien des chanteurs de Caf'Conç' des années 1900, l'on assiste aux revues fastueuses du Moulin-Rouge et du Casino de Paris aux côtés de Mistinguett, l'on s'imisce sur les plateaux d'un cinéma encore muet, l'on vibre aux Opérettes qui firent la réputation des Bouffes-Parisiens, l'on caresse le rêve Américain et ses voies lactées constellées d'étoiles entre Broadway et l'âge d'or d'Hollywood, l'on participe aux triomphes d'Edith Piaf à New-York... Une carrière de 70 ans racontée en détail, voilà une bien précieuse source d'informations pour qui aime la chanson et ses petites histoires qui font la grande Histoire.

Aujourd'hui, il ne reste pas grand-chose de cette légende. Disparu en 1972, Maurice Chevalier n'est plus qu'un canotier et une poignée de chansons pour un public qui n'a plus vingt ans depuis longtemps... Celui qui fut le Français le plus connu dans le monde, exportant sur les 5 continents les chansons de Willemetz et Christiné, jouant face aux caméras de Ernst Lubitsch et Vincente Minelli, lançant Charles Trenet en popularisant Y'a d'la joie, inspirant Sammy Davis Jr et Sacha Distel, n'est désormais qu'un nom de place de son Ménilmontant natal. Les temps où des artistes du monde entier parodiaient Chevalier semblent antédiluviens. Créée en 1925 dans la Revue du Casino de Paris intitulée "Paris qui chante", la chanson Valentine de Willemetz et Christiné est l'une des rares rengaines du répertoire Chevalier capable de se fredonner de nos jours sans avoir besoin de fouiller trop loin dans sa mémoire. Extraite d'un show télé américain des années 50, la vidéo ci-dessous témoigne de ce que fut Maurice Chevalier de son vivant. Un homme copié, imité, et bien souvent largement égalé, voir dépassé. Et bien qu'il fut un piètre chanteur, mauvais danseur, doté d'un physique assez ordinaire, aucun artiste français n'a réitéré semblable carrière...!

* Ma route et mes chansons, 10 volumes (!) publiés chez Julliard, Paris