Music In The Memory

Crítica: BALA — "Lume" (2017)

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 03 Apr 2017 12:11:00 +0000

De BALA escucharéis lo típico casi siempre en todos lados: son un dúo femenino que suenan a grunge y stoner, blablablá. Aunque no lo parezca porque siempre se abren sus entrevistas con esa premisa, la cosa va más allá, quizás no mucho más allá ya que mantienen una influencia característica de esos géneros desde que debutaron en los escenarios, pero ya ha pasado un tiempo y cada vez encontramos más matices en sus composiciones. Con "Lume" ("fuego") han abierto el abanico a un sonido más crudo y duro. Ya no vamos a pensar tanto en Nirvana, Babes In Toyland, L7 y Kyuss al escucharlas como antes. Esta vez tenemos más alboroto. Además del grunge y stoner (que no deja de ser rock al fin y al cabo), tenemos condensada una amalgama variopinta de punk, hardcore y metal.

Sí es verdad que mucha gente como yo nos preguntamos qué pasaría si BALA fuesen un dúo masculino en vez de femenino: ¿tendrían el mismo éxito? Por desgracia, el género de quien proyecta la música se sigue utilizando como excusa para tomar una vara de medir según interese, algo sin el más mínimo sentido ni interés a lo que no merece la pena ni prestarle atención. Lo que he dicho puede dar lugar a malentendidos: no estoy desprestigiando el trabajo de Violeta (batería y voz) y Anxela (voz y guitarra) ni siendo machista, misógino ni nada de eso. Debo matizarlo para que no se interprete lo que no es, ya que solamente me cuestiono si el boom que están teniendo BALA como banda lo podría tener cualquier otro grupo en clave masculina o mixta, teniendo en cuenta la juventud, los pocos años de existencia (si no contamos el grupo previo, Calixta), la salida de solamente dos LP's que podrían ser EP's por contenido (ya arrasaron seriamente con su primera referencia), una extensa gira que además de por toda la Península llegará a Australia o Japón y ese patrocinio que les ofrece la marca de ropa urbana más que prestigiosa ya de Óscar Vales, Vazva. Suponemos que la cosa se centrará en contactos, el boca a boca y en que tanto Anxela como Violeta están metidas en el mundillo de la cultura desde hace años, ya que bandas de su estilo hay para dar y tomar.

Dejando de lado este paréntesis que me apetecía hacer y comenzando con la reseña de "Lume", he de decir que es un disco que visto por la superficie sin sumergirse demasiado vuelve a quedarse escaso de minutaje y canciones. Las primeras sensaciones te llevan a pensar que es un trabajo hecho con prisa (no tanta como su debut, eso sí) y que no parece estar bien centrado debido a ese "mix" de letras en tres idiomas diferentes (castellano, gallego e inglés), pero a decir verdad es que una vez escuchamos un par de veces esta mezcla condensada de riffs potentes y guitarras distorsionadas y baterías retumbantes y potentes cambiamos el punto de vista.

"Lume" es un disco que va pegando saltos y te acostumbras a él con las escuchas. Es directo, con actitud y sonido punk a pesar de esos nuevos matices más duros y metálicos que pueda tener. Más agresivo y mejor concebido que "Human Flesh" a pesar de los detalles a mayores. Es diferente a pesar de tener el alma todavía intacta. Eso sí, una vez le pegas las escuchas que ves convenientes parece desinflarse debido a su limitación y ya te lo comes del tirón para bien y para mal como quien ve pasar un coche, lo que les da un pro de digeribilidad y a la vez un contra de indeferencia.

En cuanto a lo que he sentido en el campo instrumental: me sigue pasando lo mismo que ya me pasó y pensé que no se iba a repetir, como me pasó con el minutaje. La pega principal que le puedo encontrar a este nuevo trabajo es que esa muralla de sonido que crea la guitarra tiene su doble cara. Los riffs son duros, potentes y fortalecen ese sonido que absorbe todo lo que se encuentra por medio, pero... Hay un momento en el que la guitarra de Anxela parece que se queda a medio camino, que le está pidiendo más gasolina y cambios rítmicos. Repito que los riffs me encantan por si no se ha notado, son un ejemplo de "menos es más" claro, de que no hace falta para nada ser Satriani o Ray Vaughan para molar, pero te llegan a saturar hasta querer decir: "me voy a otra cosa, con esto ya he escuchado todo". No hay duda de que transmiten lo que pretenden: una pedrada de mala hostia en toda tu puta cara bonita, pero al contemplarlos con más sibaritismo el asunto se te puede quedar corto de miras. Necesitas más. Puede que unos cortes de guitarra más punzantes y agudos para romper el hilo rutinario de graves y algo vagos rugidos de cuerdas o una progresión diferente que siga más esos ritmos de batería de forma independiente sirvieran para aferrarse del todo. Algo más hábil que no sea tan constante. Sin duda la batería es la que lleva el timón del grupo junto a la dupla de voces intercaladas de Anxela y Violeta y la guitarra no hace más que mantener la carrera, sin dar juego a más.

Es posible que lo más molesto (por ponerle un adjetivo) de este disco sea su duración. Soy repetitivo con ello porque así siento que debo ser. Hablo de molesto porque te deja a medias. Otra vez. Solamente diez minutos más o un par de canciones, no sé. Se intuye que lo que se quiere dar a entender aparentemente es un balazo, valga la redundancia. Un balazo rápido, certero y eficaz. "Lume" es eso: veloz, potente y eficiente. Pero vuelve a pecar de poco en muy pocas canciones (solamente 9). Seguramente si durase más de 50 minutos acabaría uno hasta los huevos de escuchar riffs repetitivos (para repetitivo y denso ya está el "Dopesmoker" de Sleep, por ejemplo) y no me agarrarían tanto (o sí, quién sabe). Un punto medio estaría bien. Ni me des demasiado ni me dejes con hambre es como resumiría todo. A pesar de los pesares, yo no voy a ser el que cambie a un grupo con mi opinión que siempre trato de que sea sincera y que no tenga ningún tipo de influencia externa. Ellas y supongo que su productor han decidido que esto sea así bajo sus ideas, conceptos, influencias y conocimientos. Esto, lo dejo bien claro desde ya, es siempre respetable: cada uno que haga lo que quiera y lo que le salga natural y sincero. De no ser así, mejor despedirse de los ruedos musicales, que no estamos en el caso. Pese a mis "peros", admiro a este grupo porque no me mienten cuando lo escucho aunque pueda discrepar en algunas cosas como he hecho. Es difícil mentirme con un disco, y estas dos amigas sé que no lo hacen.

Lo que no dudo en absoluto es que la metralla de BALA va a funcionar de lujo en directo como viene haciendo. Son una formación que cuaja perfectamente de cara al público y es ahí donde te ganan de verdad. Es recurrente decir esto de muchísimas bandas, pero con BALA esto se cumple al 100%. Es imposible no dejarte el cuello cabeceando al ritmo de sus canciones en un concierto de ellas. Te alimentan bien con esos dos amplis de guitarra que te dejan despeinado y esa batería con V de violencia que hace temblar los sesos de la gente. A BALA no les vamos a pedir baladas ni hits, les vamos a pedir balazos. Y los dan. Sin piedad. El gatillo no lo dejan reposar en ningún momento. Son de guerras breves, pero son capaces de romper cristales y echar abajo muros sin dejar vivo a ni Dios.

(￪) Destacable: "Colmillos", "Upside Down" "Omertá" (¡¡Ojocuidao!!), "Flapper", "Vives" y "Humo"; la agresividad tan directa con la que juegan y la atmósfera de caña y no cesar que crean; el primer y último tercio del disco; la batería incesante (escuchad "Humo" y ya me decís); la originalidad para hacer de riffs sencillos y bastante similares algo adictivo, pegadizo y duro; que sus puntos débiles como son la simpleza y brevedad puedan convertirse en su característica más atractiva; si haces skate, BMX o algo similar puedes gozar mucho con BALA como B.S.O.

(￬) Mejorable: Con "Vitamina", "Liar" (quizás la canción más aburrida que tienen), y "Luces" (ya no queda tiempo para llorar, escapar y... ¿follar?) te puedes venir un poco abajo; lo plana y simple que puede llegar a ser la guitarra; la duración de poco más de 20 minutos del trabajo; que a la cuarta o quinta escucha, cuando parece que ya te han agarrado para no soltarte, te entren ganas de dejar tirado el disco unas semanas o meses hasta que las veas en directo; la duda que parece rondarles de si tirar por el inglés, castellano o gallego (aquí el voto lo tiro hacia el castellano).

NOTA: 6'99/10.

Crítica: Vörtex — "Architects Of Misfortune" (2017)

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 28 Mar 2017 14:25:00 +0000

Hace unos años sería raro escuchar en mi reproductor algo de Vörtex, aunque siempre doy oportunidades a casi todo lo que me ponen delante. "Confessions" (2014), su debut, estuvo bastante lejos de gustarme por diferentes motivos, como que probablemente estaba en un momento en el que la ola de metal moderno me estaba fatigando un poco (en cierto modo me sigue pasando) o que no tardaba de entender la fórmula del grupo.

En estos momentos quizás me encuentro más introspectivo o abierto de mente y creo que puedo ver más allá de unos acordes y una voz en casi toda la música que escucho. Está bien no rizar el rizo y decir que la música es música y ya está, pero está bien saber qué hay detrás, qué te quiere contar la gente que la hace, darle tú un significado personal y, por supuesto, poder hablar con los músicos que la hacen si se tiene la oportunidad y éstos no están ocupados puliendo sus egos (no es el caso).

A veces resulta un deporte de riesgo hablar de un músico sobre lo que compone sin que estés notando cierta incomodidad, prisa o desprecio, ya que normalmente las críticas son malinterpretadas o no se quieren escuchar si no son positivas. Yo no me callo ni bajo el agua, así que esa hostilidad con la que se toman los artistas opiniones ajenas me suda los huevos (no hagas arte ni lo promociones y defiendas si no quieres recibir opiniones de todo tipo). Esos "¿me vienes tú a decir lo que tengo que cambiar, aconsejar o a criticar mi obra?" en algunas caras llegan a crispar, pero hay gente para todo. Esto es un gran error por parte de esa gente que cree que lleva un Grammy honorífico metido en el culo.

Vörtex, retratados por André Silva

Con todo esto quiero decir que con Vörtex (y otras muchas bandas, claro) no me ha pasado nada de esto: he podido hablar con ellos, con Jacobo principalmente —vocalista y guitarrista— sobre qué opinión me merece su música para bien y para mal sin tener que sentirme acorralado por una horda de defensores ciegos y cabreados. El ego de Jacobo (guitarra y voces), Marcos (guitarra), Jony (batería) y Víctor (bajo y voces) no desprende hedor de superioridad para nada, algo estupendo por su parte y que a mí me gana ya de primeras. Tenemos ya demasiadas formaciones gallegas y peninsulares que precisan una cura de humildad y a las que parece que les hacemos un favor yendo a sus conciertos y consumiendo su música.

Dejando los cerros de Úbeda por los que me he perdido ahí atrás, voy al grano. He venido hoy aquí a hablar de mi libro de "Architects of Misfortune" (2017), el segundo largo de la banda pontevedresa. El álbum se estrenó el pasado 14 enero oficialmente y consta de 14 temas incluyendo el bonus de la edición física.

Ya que hablar de las canciones canciones una por una sería una tarea un poco tediosa, aburrida y a la que no le encuentro siempre sentido, prefiero hablar un poco de mis impresiones generales del disco sin diseccionar meticulosamente cada corte. Para comenzar, debo de pararme al menos unos segundos para felicitar al grupo y productor (Iago Pico de Pousada Son Estudios) por no dejar de lado lo que ya hacían pero sí renovarlo con sonidos más modernos, electrónicos y darle tanto contenido al material. El trabajo de Iago Pico en la producción es una maravilla, los arreglos y la estructuración que ha hecho junto a los músicos me ha sorprendido mucho. Tanto Iago como Vörtex parecen haber casado perfectamente para reunir ideas y proyectarlas y defenderlas tan bien en 50 minutos, en los que hay que comentar que a pesar de las melodías de las guitarras y sonidos típicos del metalcore, hay más chicha. El juego de voces limpias y guturales, los coros y las letras se balancean continuamente entre la claridad y la oscuridad, sin obcecarse y caer en simplemente un concepto cerrado. No hablaré de un disco atípico de metal porque he escuchado cosas similares en bandas como Bullet For My Valentine (la influencia de este grupo en ellos es más que evidente), Bring Me The Horizon (nadie negará que los coros y esos arreglos electrónicos de "Architects of Misfortune" no recuerdan a ellos por momentos), Trivium, Avenged Sevenfold o incluso Slipknot o Parkway Drive. Para la gente acostumbrada a estas bandas de forma cerrada no va a haber demasiadas sorpresas más que esos estribillos pegadizos y mágicos que se te clavan en la cabeza y que sin darte cuenta estás tarareando por la calle, formulados parece como algo pop dentro del metal de una forma tan homogénea que te lleva a pensar, y creo que acierto, que esta gente le pone oído tanto al metal como al pop, rock y sus variantes. Punto a favor.

Además de esos estribillos pegajosos también tenemos una buena dosis de coros (buena dosis para bien y para mal, quizás pueden llegar al exceso tras varias escuchas) que, si no me equivoco y el libreto del disco no me miente, han sido cantados tanto por amigos del grupo y el mismo grupo como por coristas profesionales del Conservatorio Manuel Quiroga.

Aunque los puntos fuertes sean esas melodías duras que crean dentro de una sensibilidad pasmosa que realmente les sale de dentro con naturalidad, el juego melodía-gutural en las voces, los arreglos que faltaron en su debut y esas influencias de otras bandas que se alejan un poco del metal unido a que son unos músicos como la copa de un pino ejecutando (destacando ese juego y sonido de las guitarras que podrían ser fácilmente sacados de grandes bandas americanas, británicas o australianas), también hay puntos débiles que realmente acaban dejándote sin ganas de escuchar el disco del tirón durante un tiempo largo una vez que lo machacas un poco.

Me preguntaréis por qué digo esto si hablaba en un principio de que hacían música pegadiza que por cierto, a juzgar por su público parece que resulta accesible a muy diferentes tipos de personas y gustos para ser "tan dura". Pues bien, a pesar de todo también pecan de ser bastante planos y abusar de esos arreglos maravillosos que tienen. El disco se hace monótono tras varias escuchas y te acabas aburriendo de muchas canciones que saltas sin más, pasando de una especie de éxtasis al principio a un "vale, ya lo he escuchado todo y sé lo que hacen" para posteriormente ir a los cuatro o cinco temas que más se te han metido en la cabeza. Esto unido a que todavía falta una mejor pronunciación del inglés —error ya notado en "Confessions"— en las partes más melódicas (siendo sincero, en los guturales casi no se aprecian algunas gambadas con el idioma). Yo no soy un genio con el inglés, de hecho probablemente tengan más don con la lengua ellos que yo, pero puedo apreciar cierta cojera con la lengua. Aún con todo, apoyo la seguridad con la que siguen defendiendo su música de la forma que sea. Muchos se preguntarán cómo sonaría esto en castellano, en gallego o armenio; puede que mejor o puede que peor. Eso no se sabrá por ahora. Creo que todos los que desean ese cambio de lenguaje (a mí también me causa curiosidad saber qué pasaría con esto, no solamente con ellos) también deben de saber que si lo hacen así es porque les apetece jugar en ese terreno, están más cómodos y seguramente les resulte más sencillo componer en inglés.

Decir para terminar que un tercer disco en un par de años, tres, o lo que sean puede ser la clave para que Vörtex se propulsen y recorran el camino definitivo acomodarse en un estilo del que, para ser sinceros, ya pueden casi presumir por muy manido y moderno que sea el género que practiquen. Todavía estamos con un segundo disco, que para una banda pequeña puede parecer un mundo, pero no lo es en este caso. Si nada se trunca en su camino, estoy seguro de que bajo el nombre de Vörtex todavía podremos esperar más cosas y me aventuraría a decir que no están lejos de comenzar a experimentar con otros terrenos más delicados y menos duros en las partes instrumentales. Espero no pecar de exceso de futuro y volver dentro de un tiempo a darles la enhorabuena tanto por lo que han hecho como por unas posibles mejoras que no les haga caer en la monotonía de la "moda metalcore".

Con "Architects of Misfortune" Vörtex parecen querer enviar varios mensajes: queda camino por andar, lo vamos a recorrer juntos y vamos a disfrutarlo. Espero que ese camino futuro lo disfruten los mismos músicos que han grabado tanto "Confessions" como este álbum. La unión de estos cuatro músicos y la imagen de amistad y compenetración que proyectan creo que no puede ser sustituída y que es auténtica y efectiva. Por el resto, el tiempo dirá y no yo. Ojalá ese pegadizo estribillo que reza "as my memories, I'm stronger with the time" no caiga en saco roto.

(￪) Destacable: "Dear Animal", "Breaking Bones", "Take It Easy", "Lost Memories", "Things That Make Me Die", producción, arreglos, letras y voces (que no fonética del idioma).

(￬) Mejorable: la intro "XIX" de la edición física, el interludio "All My Needs", "Morphine", "My Crown", "D.I.S.C.", el abuso de ciertos arreglos electrónicos y coros que llegan a aburrir al no tratarse de algo característico de una canción, dándole al disco una línea demasiado fija (esto cambiará posiblemente en los directos), la pronunciación del idioma y ese aparente bajón a la mitad del disco que peca de monotonía.

NOTA: 7/10.

Vörtex: Facebook | Bandcamp | Youtube | Instagram

Ecos del Desierto: Kyuss

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 19 Apr 2012 13:44:00 +0000

Esta semana los ecos suenan más fuerte que nunca, las rocas tiemblan y el desierto se estremece con el sonido de sus profetas. El rojo sol se pone tras las colinas de Sky Valley dejándonos a merced de sus hijos predilectos. Kyuss

La historia del rock está llena de dualidades, Beatles o Rolling, Led Zeppelin o Black Sabbath, y es que a los fans les gusta mucho defender a sus ídolos y eso de las rivalidades vende mucho. Escribo esto porque hoy voy a hablar, por decirlo de alguna manera, sobre los Led Zeppelin del Stoner.

Es cierto que Black Sabbath, ha sido la mayor influencia del género y el grupo más versionado por bandas de Stoner, empezando por el "Into the Void" de Kyuss. Sus riffs pesados y sus ritmos inspirados en la metalurgia, donde Tommy Iommi perdió las yemas de los dedos, son el abc del metal y el soporte vital del Rock Desértico.

Sin embargo en las composiciones de Kyuss no todo es pesado, hay multitud de enrevesadas melodías, arreglos de guitarra y efectos que recuerdan a la psicodelia de Zeppelin, salvando las diferencias de género, por no mencionar sus temas acústicos con aires de música india o sus atmósferas expansivas.

La semana que viene hablaré de los que considero los Black Sabbath del Stoner y quedará más claro por qué hago estas comparaciones.

Todo empezó en Palm Desert, California, a finales de los 80 cuando cuatro amigos del instituto se animaron a formar el grupo con el que llevaban soñando toda la vida. Ellos eran John García (vocalista), Josh Homme (guitarra), Brant Bjork (batería), y Chris Cockrell (bajo).

En su afición a los juegos de rol encontraron el nombre para su grupo, en un principio Sons of Kyuss y posteriormente Kyuss. Pronunciado como "kai-uss" alude a los guerreros Kai de Dragones y Mazmorras.

Participaban en las Generator Parties, conciertos junto a otras bandas locales en medio del desierto.

"Cuando tienes un grupo de personas que aman la música, algo surgirá casi por aburrimiento, por las ganas de hacer algo. No había clubes ni nada para nosotros, recuerda que estábamos a dos horas de los Angeles, en medio de la nada. Tuvimos que hallar la forma de hacer lo que queríamos. Siempre hay una manera de encontrar esa diversión, de escapar de la casa de tus padres y hacer estas cosas (...) Cuando tocas en el desierto y es una noche hermosa, o no tan hermosa, siempre es increíble, siempre. Pero seré honesto, no me voy a poner como Jim Morrison y decirte que era una cosa mágica, sicodélica que tuviera algo chamanístico. Josh tendrá su forma de describir la escena, también Nick y Brant, pero para mí eran sólo chicos tratando de liberar un poco de vapor." (John García en su entrevista para RockAxis)

En 1990 graban "Sons of Kyuss", su primer Ep, "Ese primer álbum…lo grabamos siendo unos críos, es un disco bastante extraño, supongo que no sabíamos todavía muy bien lo que queríamos" (John García en otra entrevista para un blog)

En 1991 Nick Oliveri sustituye a Chris al bajo y graban "Wretch", un disco crudo y primitivo en el que se empieza a vislumbrar el camino que llevarán pese a tener importantes influencias de estilos simples y directos como punk, grunge o hardcore.

A partir de 1992 con la grabación de "Blues for the Red Sun" definitivamente encontraron su camino, éste y los siguientes dos discos son la cima de Kyuss tal y como se conoce. Chris Goss del grupo Masters of Reality se une a ellos en calidad de productor dándoles ese sonido tan característico.

En 1994 Scott Reeder toma las riendas del bajo para grabar "Welcome to Sky Valley", personalmente mi disco y bajista favoritos. En la gira de este disco se produce el último cambio en la formación cuando Brant Bjork deja la banda por problemas internos para dedicarse a su propio proyecto, Fu Manchu, dejando en su puesto a Alfredo Hernández.

Dejo un concierto precisamente de la gira de este disco para que los disfrutes, aunque con mala calidad, en su máximo esplendor.

Con esta formación llega lo que será su último disco oficial "...And the Circus Leaves Town", un título que ya hacia presagiar la disolución de la banda, pese a que se mantuvo dando coletazos un par de años más.

El reconocimiento les llegó tarde, en parte gracias éxito del nuevo grupo de Josh Homme, Queens of the Stone Age, que nos hizo a muchos indagar hasta llegar a Kyuss.

Prueba de este reconocimiento es el tributo que en 2004 les rindieron bandas como Cygnus, Los Natas y Buffalo, "Listen Without Distraction, A tribute to Kyuss", que tiene versiones realmente interesantes dándole otra vuelta a los clásicos del grupo.

En el 2000 sacaron un recopilatorio llamado "Muchas Gracias, The best of Kyuss", con el que se despedían de su reducido aunque fiel público.

Ya iremos analizando uno a uno los proyectos que formó cada miembro de la banda, Fu Manchu, Mondo Generator, Hermano, Unida, Queens of the Stone Age, todos diferentes aunque dentro del mismo estilo.

En respuesta a los deseos de los fans, volvieron a girar el año pasado, bajo el nombre de Kyuss Lives, aunque no con todos los originales, (Josh Homme es totalmente impensable que vuelva) con una formación más que digna y bastante fiel a los inicios, John García, Nick Oliveri y Brant Bjork.

Pero es mejor escucharlo a que yo te lo cuente, así que aquí te dejo la discografía completa y te deseo un buen viaje.

"Listening without distraction"

ECOS DEL DESIERTO: Una sección de música psicoactiva

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 11 Apr 2012 00:16:00 +0000

Sabías que algo raro estaba pasando, sientes cómo flota a tu alrededor envolviéndote, necesitas algo pero no sabes qué, la inquietud tensa tu cuerpo y desespera tu mente, tu cerebro pide a gritos algo que lo estimule, algo realmente bueno, que te ondule, que te transporte...

No es la llegada de la primavera lo que sientes, sino el aire caliente del desierto que desde hoy invade este blog. Y es que la familia de Music in the memory me ha habilitado un rinconcito perfecto donde poder desbarrar a gusto sobre mi pasión musical, el Stoner rock.

Así que a partir de ahora, y espero que por mucho tiempo, los ecos del desierto reverberarán en esta sección dejando grandes dosis de música psicoactiva, analizando las principales bandas del rock desértico en todas sus variantes, sus influencias y el fenómeno en general.

Empezaremos tirando de wikipedia, ¿Qué es eso del Stoner Rock?

"El término Stoner rock proviene de la palabra stoner, que en inglés significa fumador de marihuana." La traducción al castellano sería algo así como "Rock fumeta".

Sólo con esto ya puedes hacerte una idea de la carga psicodélica y ambiental de esta música, sin duda uno de sus puntales.

Cito la definición que me parece bastante buena:

"El stoner rock o stoner metal es un subgénero del rock y del metal con gran influencia del rock psicodélico de fines de los sesenta y principios de los setenta. Está conectado tanto con el rock alternativo como con el heavy metal. El stoner rock habitualmente usa tempos de lentos a medios y presenta guitarras afinadas grave, un sonido pesado de bajo, voces melódicas y producción 'retro'. El género emergió a principios de la década de 1990 y fue inciado principalmente por la banda californiana Kyuss."

Por supuesto una canción vale más que mil palabras, así que ahí va una de las más míticas.

El abanico de estilos dentro del stoner es inmenso, desde el rock al metal hay muchos grados, y esto hace que dentro del género encontremos bandas muy distintas. A esto hay que sumarle un gran número de influencias que diferencian a cada grupo: rock psicodélico, blues, grunge, doom, rock sureño e incluso soul.

Me he encontrado una recopilación de bandas en youtube que te puede dar una idea de lo que estoy hablando y que seguramente te descubra algún grupo interesante si eres ya un iniciado.

Todas estas diferencias provocan la aparición de gran número de etiquetas. Muchas se refieren al carácter expansivo de la música como desert rock, space rock , o a su psicodelia intrínseca como stoner rock o bong rock. Otras, normalmente las que tienden más hacia el metal, a su carácter pesado, como stoner doom o sludge metal.

Por eso si investigas un poco sobre alguna banda es muy posible que te la encuentres etiquetada de mil maneras distintas según donde lo mires, incluso alguna puede aparecer como hard rock, pero al fin y al cabo las etiquetas no son más que eso, lo importante es la música, da igual cómo la llames.

Para despedirme un consejo fundamental de aquellos que como quien dice inventaron esto.

En el libreto de "Welcome to sky valley" de Kyuss, a modo de instrucciones podemos leer "listening without distraction".

Así que te recomiendo que te relajes, pongas el volumen al máximo y disfrutes del viaje.

La semana que viene los ecos volverán bien empapados con el mensaje de los profetas de Palm Desert para deleitar vuestros oídos.

Crónica: Mark Lanegan Band + Creature with the Atom Brain (Sala Capitol, 28/3/2012)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 31 Mar 2012 12:31:00 +0000

Hoy os voy a relatar cómo tuve el magnífico placer de ver a uno de mis cantantes predilectos, el mismísimo Mark Lanegan, ex-vocalista de Screaming Trees.

La sala Capitol abrió sus puertas a las 20:30h. Una hora después comenzaba la actuación de la banda belga Creature with the Atom Brain, cuyo cantante y guitarrista principal, Aldo Struyf, resultó ser también parte de la banda del señor Lanegan, colaborando a la guitarra rítmica y los teclados.

En cuanto respecta a los teloneros, debo decir que me llamaron bastante la atención. Cuentan con un sonido guitarrero y con una buena carga de psicodelia. Resultó una sorpresa que no dejó a nadie indiferente.

Después de unos 45 minutos de concierto se despidieron para dar paso a los músicos que acompañaban a Lanegan. Ahí fue cuando veíamos a Struyf sentado a los teclados, mientras que sus compañeros probaban sus respectivos instrumentos. Mientras tanto se podía ver publicidad sobre los próximos conciertos en la sala Capitol en una gran pantalla situada en el muro del escenario.

Aproximadamente a las 22:10h se apagaron las luces durante unos instantes y el público empezó a aplaudir a los músicos que hacían su aparición en fila india bajo una tenue luz roja que se posaba sobre el escenario.

Entre aplausos y gritos salió a escena el esperado cantante, con su característica camisa negra, su pelo rojizo y largo cubriéndole parcialmente la cara, y cómo no, sus manos llenas de tatuajes.

El repertorio comenzó con "The Gravedigger's Song", single presentación de su último trabajo, "Blues Funeral", publicado hace apenas dos meses. El setlist (que podéis leer al final de esta entrada) se centró mayormente en dicho trabajo y en el anterior, "Bubblegum", publicado en 2004, que hasta ahora ha sido el álbum más exitoso del vocalista estadounidense.

Resultó ser una actuación impecable, tanto por su parte como por la de los músicos. Los temas del nuevo disco estuvieron dotados de un sonido mucho más potente, y no tan electrónico como en estudio, a pesar de que el teclado resaltase en momentos puntuales.

Destacaron temas como "Hit the City", "One Way Street", "Resurrection Song" o "Tiny Grain of Truth", tema que cierra el álbum "Blues Funeral", y que sirvió a la banda como final antes de salir a tocar otros tres bises.

En resumen, y desde mi punto de vista, ha sido una experiencia muy enriquecedora el haber podido ver a Mark Lanegan en primera fila, tan cerca que se podían apreciar las arrugas de su demacrado rostro, así como las muecas que hacía al cantar. Lo único que eché algo en falta era más interactuación con el público, ya que se mostraba muy retraído y únicamente habló para presentar a la banda y agradecer nuestra asistencia a todos los que estábamos ahí, disfrutando de su profunda e inconfundible voz.

Eso es todo lo que os puedo contar, así que aquí os dejo con un vídeo que he encontrado en youtube:

Como bien dije más arriba, aquí podéis ver el Setlist:

1. Gravedigger's Song
2. Sleep With Me
3. Hit the City
4. Wedding Dress
5. One Way Street
6. Resurrection Song
7. Wish You Well
8. Gray Goes Black
9. Crawlspace
10. Quiver Syndrome
11. One Hundred Days
12. Creeping Coastline of Lights
13. Riot in My House
14. Ode to Sad Disco
15. St. Louis Elegy
16. Tiny Grain of Truth

Bises:
17. Pendulum
18. Harborview Hospital
19. Methamphetamine Blues

*Foto por livetheroof.com
Vídeo por chocoetero (youtube.com)

Born Of The Storm, el nuevo supergrupo de Dez Fafara y Mark Norton

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 15 Mar 2012 22:13:00 +0000

Si hablamos de DevilDriver o Lamb Of God probablemente nos adentremos en terrenos que toquen géneros como el groove y death metal "moderno" por así decirlo. Aunque estos dos grandes grupos de la nueva ola del metal de los últimos años hayan cosechado fama por su lado más agresivo podemos decir que la cosa ha dado una vuelta de tuerca con el nacimiento de Born Of The Storm, un supergrupo integrado por Dez Fafara (Coal Chamber, DevilDriver) a la voz, Mark Norton (Lamb Of God) a la guitarra y Kevin Talley (Six Feet Under, Dååth) a la batería que creará una polémica considerable.

Después de escuchar el primer adelanto de la banda, las canciones "Nowhere Fast" y "Dust", podemos casi confirmar que los tiros irán cercanos a un sonido típico de los setenta con algún que otro retoque más actual aunque prácticamente invisible. Con "Nowhere Fast" nos podemos adentrar en las profundidades del rock sureño, hard rock y heavy metal tradicional con tintes que rozan el doom. "Dust" es un tema que deja la boca más seca, no tiene tanta chicha como el anterior, es más lento y repetitivo, aunque tiene su gustillo también.

Lo más impresionante de este nuevo proyecto es la voz de Dez Fafara, complementamente limpia y algún rasgueo leve de por medio. Lo cierto es que impresiona mucho verlo cantar de esta forma después de escucharlo dejarse la voz con sus característicos growls en DevilDriver.

En un futuro no muy lejano podremos ver como termina todo esto, esperemos que con un álbum. La verdad es que pinta todo muy muy bien ya que podríamos estar ante una nueva banda similar a los Down de Phil Anselmo (en "Nowhere Fast" la similitud con Down es considerable) con influencias claras de bandas como Soundgarden, Circus Of Power, Trouble o Black Sabbath.

Están disponibles para descargar (oficialmente) los dos temas que han grabado hasta el momento desde AQUÍ y AQUÍ. Os recomiendo echarles una ojeada, para nada tienen que gustaros ni Lamb Of God ni DevilDriver, con ser fans de Black Sabbath y/o Down es más que suficiente para curiosear.

Analizando..."Boggy Depot" (Jerry Cantrell)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 11 Mar 2012 14:37:00 +0000

Tras otro mes sin publicar vuelvo a dar signos de vida para hablaros de uno de mis discos favoritos.
Lanzado en 1998 "Boggy Depot" fue el primer trabajo en solitario de Jerry Cantrell, guitarrista y principal compositor de la banda de grunge Alice in Chains.

Este álbum ha llegado a denominarse "el disco que Alice in Chains nunca grabaron", por el hecho de que junto a Cantrell colaboraron Mike Inez y Sean Kinney, bajista y batería de la banda de Seattle (respectivamente).

Este trabajo surgió en principio debido a que el cuarteto se había visto obligado a cancelar numerosos conciertos en su última gira, debido al deteriorado estado de salud del cantante Layne Staley, provocado por su fuerte adicción a las drogas, después de que Staley dejara definitivamente la música tras la publicación del emblemático "MTV Unplugged", grabado y publicado en 1996, el mismo año en el que daría su última gira.

Por su parte, Cantrell seguía componiendo, con la intención de publicar material en solitario. Y así fue.

Como ocurría con Alice in Chains, hay un gran contraste entre canciones potentes que conservan la esencia grunge de sus dos primeros álbumes, como por ejemplo "Dickeye", "Cut You In" o "Keep the Light On", junto con temas más suaves, pero que al mismo tiempo están cargados de oscuridad como "Breaks My Back" o "Satisfy". También cabe destacar que, en un par de temas, Cantrell muestra ciertas raíces country, estilo con el que afirma haber estado familiarizado desde su infancia.

En este álbum se busca crear una atmósfera envolvente, escapando un poco del protagonismo que tenía la guitarra en los inicios de Alice in Chains, a pesar de que no deja de haber buenos solos de guitarra como el de "Settling Down", así como los contundentes riffs de algunos de los temas ya nombrados.

Por supuesto, el trabajo a las voces por parte de Cantrell es impecable. Además de cantar la voz principal fue él mismo quien grabó los coros, utilizando en algunas canciones varias pistas de voz para crear complejas armonías similares a las que hacía junto a Staley en sus mejores años.

Para todos los que conozcáis a esa estupenda banda de Seattle, este disco es muy recomendable. En él encontraréis melodías y composiciones que os darán a entender el poder que Cantrell seguía teniendo a pesar de la difícil situación por la que la banda había pasado.

Esto es todo, aquí os dejo con el single "My Song". Disfrutadla:

Analizando..."Dalle!" (Unicornibot)

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 08 Mar 2012 21:34:00 +0000

(La portada oficial del disco todavía no está disponible)

El nuevo trabajo que nos traen los Unicornibot bajo el brazo viene de nuevo cargadito de math rock, técnica matemática, riffs pegadizos y progresiones. Si una calculadora pudiera consumir ácido y tocar algún instrumento probablemente os lo podría explicar mejor que yo.

"Lendakari" hace de introducción del LP de forma impecable con un comienzo progresivo e inicialmente lento de batería y guitarra que se alterna continuamente con melodías afiladas y precisas para terminar casi bruscamente, como si de un final abierto se tratase.

Continuamos la andanza por la geografía española con "Anchoas Castilla", una pieza breve pero intensa con una base rápida y pegadiza a partes iguales. Ésta da paso a "Abril-Cerral", quizás la canción más conocida de este álbum por su previo estreno el pasado año a través de un vídeo en Litium Records. Supongo que ya la habréis escuchado, pero a los que no os diré que es una de las perlas del disco, muy elaborada y con unas melodías muy reconfortantes y "duras" por momentos, incluso con algo de noise que nos lleva a ese final inesperado, el típico que te deja "muñeco" cuando vas a aplaudir pensando que ya se ha terminado la canción.

Quizás no le ponga demasiado énfasis a las descripciones por miedo a extenderme demasiado, pero que debo decir que "Dalle!" es un trabajo muy equilibrado en cuanto a participación de instrumentos. Aunque la guitarra esté casi siempre por encima, el sonido del bajo y la batería nunca dejan de ser fieles acompañantes y a veces hasta caminan solos. En "Antigua y Bermuda" más de lo mismo. Es para mí el tema más pausado de todo el trabajo, quitando el primer minuto. Aunque no me ha aburrido sí me ha dejado algo indiferente durante su comienzo, cosa que no quiere decir que no me guste o me vaya a gustar.

Seguramente el señor Torreiglesias estaría orgulloso de escuchar "Pum Pum Como Una Piedra", una canción que incita a tocársela, palpársela, con buen rollo y "buen ano". Podría afirmar que el sr. García Serrano diría algo de ella por contar con unas melodías tan sexuales. Echarle imaginación y veréis lo que sale de ahí, que en eso se basa la música instrumental y/o experimental, en crear tus propias paranoias.

"Dalle Que Non Mira" es otra canción que ya fue presentada en directo anteriormente. Muy desordenada y técnica, con melodías de clavijero incluídas que os dejarán echando espuma por la boca en el suelo del gusto.

Lo más fácil sería hablar de las cuatro canciones que quedan de forma conjunta y dejar aquí el análisis o pseudoanálisis (lo intento, cohones), pero vamos a seguir con un par de huevos, con más huevos que Julio Iglesias teniendo hijos. Si este icono de la música hubiera continuado jugando al fútbol (efectivamente, fue portero del Madrid) lo haría con el estilo comparsero de "Julio Iglesias, Portero", su himno a partir de hoy mismo. Al final le terminan marcando un gol, sino no me explico esos gritos de desazón al final del tema.

Antes de ir con el responsable de este golazo por toda la escuadra vamos a entretenernos con "Perro Termómetro",un perro singular que podría ser el dibujo animado del futuro. Efectivamente, un perro con un termómetro metido por el cu...lo que os venía diciendo era que esta canción en la que toma un claro protagonismo el cencerro de la batería podría ser el himno de un perro macarra, tipo Poochie o acercándonos más a lo nuestro: perro muchacho haciendo air guitar ¿No os lo imáginaís corriendo por la ciudad en formato bailongo con esta canción de fondo con una guitarra a sus espaldas? Yo sí...

El sujeto de la próxima canción es jugador del Mallorca, o eso creo. Y sí, joder, fue el que desbancó a Julio Iglesias de su puesto futbolístico para meterlo en el mundo de la música. Lo de que se lleven cuarenta años es secundario, esto es sólo una dramatización con trasfondo psicológico... ¡"Gol de Chico"! Una tonada algo tranquilita con punteos y pasajes extraños.

El shock anafiláctico del disco llega con "Todos Contra El Fuego Anal", que se puede resumir en: caos, muerte, fin del mundo, ruido y cosas apocalípticas varias.

Y así es más o menos como mi cerebro asimila la línea general del disco. Está claro que han hecho que mis niveles de serotonina aumentasen durante casi veintisiete minutos. Peeeeeero... aunque las cosas cortas a veces son mejores que las largas (esto es lo único que no va con segundas) sigo echando de menos unos diez minutos más de música, al igual que en "Hare Krishna", pero bueno, no me quejo, a veces los polvos rápidos son más satisfactorios.

9'5/10. Lo dejo un poco más alto que su antecesor a pesar de que haya canciones como "Antigua y Bermuda" o "Julio Iglesias, Portero" hayan tardado lo suyo en entrarme. Los puntos álgidos se los dejamos a "Perro Termómetro", "Abril-Cerral", "Anchoas Castilla" y "Todos Contra El Fuego Anal".

Lo único que podemos hacer sin rechistar es felicitar Toño, Gayoso, Guille y Gon por este discazo y por habernos dejado escucharlo casi un mes antes de su salida. Muchas gracias a todos y desde aquí os deseamos un montón de suerte para vuestro futuro, lo váis a petar en el Primavera Sound seguro. Esperemos que en un año, dos o tres podamos volver a catar un nuevo disco.

Y nada más. Si no os réis por lo que pongo espero que al menos os riáis de mí, que lo que cuenta en este mundo es el despiporre.

Podéis ver las fechas de sus próximos conciertos pulsando AQUÍ.

Truth, el nacimiento de Rod Stewart

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 26 Feb 2012 18:30:00 +0000

Anoche, en un momento de delirios previos al concierto que daba con mi banda, un amigo hablaba con nosotros sobre nuestro cantante:

"Para cantar así, hay que tener una ex-mujer."

No sabemos a ciencia cierta si el protagonista de este post había escuchado allá por el año 1968 estas mismas palabras en boca de alguno de sus amigos... ,lo que sí sabemos es que a lo largo de su vida se cansó de tener ex-mujeres y engendrar vástagos allá por dónde pasaba. Pero recordad, como decía David Hume: "Correlación no implica causalidad". Así que lo lógico es pensar que Rod Stewart ya era una mala bestia antes de caer bajo el místico embrujo de una fémina.

Hoy quiero hablaros sobre uno de mis álbumes favoritos alltime, de una de mis bandas favoritas también: "Truth" de Jeff Beck.

La banda estaba formada por Rod Stewart a las voces, Jeff Beck a la guitarra, Ron Wood al bajo y Micky Waller a la batería.

Lo primero que destaca de este álbum es que ninguna de las canciones es de composición propia, la mayoría son versiones de algunos clásicos del Blues de grandes compositores como ,por ejemplo, Willie Dixon o Howlin' Wolf. Eso no quita que el álbum sea fantástico, de hecho, es citado como uno de los mejores álbumes de la historia del Blues/Rock británico de los 60. En él, podemos encontrar a un hasta el momento desconocido Rod Stewart demostrando el porqué de su futura popularidad y a un Jeff Beck luchando con Clapton y Hendrix por la hegemonía del edén guitarril.

Todavía recuerdo la primera vez que escuché este álbum, movido por la curiosidad, en un intento de adentrarme cada vez más en el universo sesentero. Me sentí atrapado en una espiral de sonidos totalmente nuevos para mis oídos. La voz de Rod Stewart fue capaz de erizar hasta el más ignoto vello de mi ser, con intensas líneas como las de "Blues Deluxe"; la guitarra de Jeff Beck parecía vacilante en ocasiones, se alejaba de la seriedad del Blues más clásico, como en canciones como "I Ain't Superstitious", donde su guitarra parece estar riéndose a tu espalda.

Encontramos también en este álbum canciones como las instrumentales "Beck's Bolero", compuesta por Jimmy Page y "Greensleves".

Otra canción destacable es la versión de "You Shook Me" de Willie Dixon, aunque meses más tarde, Led Zeppelin dejarían en pañales esta y cualquier versión posterior de dicho tema.

Lo dicho, si queréis disfrutar de un gran clásico del blues/rock y de la voz de Rod Stewart en el mejor momento de su carrera, no dudéis en abrir vuestras mentes a "Truth".

Traballando dende o subsolo do pop

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 14 Feb 2012 12:00:00 +0000

Actualmente parece que é habitual considerar aos selos discográficos como enviados do mesmo inferno, co obxectivo de chuparnos o sangue e violar ás nosas fillas, mentres sodomizan aos nosos artistas preferidos obrigándoos a asinar abusivos contratos a cambio dunhas porcentaxes ridículas de beneficios. Isto pode ser certo en gran medida (se lle quitades a esaxerada teatralización que acompaño no texto) pero, e sen entrar na cuestión de se a industria discográfica é un modelo de negocio anticuado hoxe en día, non todas as compañías que se dedican a este negocio naceron coa mente posta unicamente en encher os seus petos.

Tal vez moita xente non o saiba, pero a popularización de moitos xéneros musicais cos que gozamos dependeu fundamentalmente dunha serie de xente que traballando dende un selo fixo posible a promoción de determinados estilos e das súas correspondentes bandas. Poderiamos falar de moitos exemplos, pero neste artigo quería centrarme nunha etiqueta clave para entender a música tal como a coñecemos hoxe en día, xa que gracias a ela todos sabemos o que é o grunge. Estou a falar do selo de Seattle Sub Pop Records.

Os orixes deSub Pop remóntanse ao ano 1980, moito antes de darse a coñecer en todo o mundo, cando un rapaz chamado Bruce Pavitt creou en Olympia, Washington, un fancine co título Subterranean Pop. Neste centrábase unicamente en bandas de selos independientes estadounidenses, e no seu cuarto número decidiu acurtar o nome e chamalo sinxelamente Sub Pop. Inspirándose noutro fancine, de nome Fast Forward, comezou a alternar as publicacións con casetes recompilatorios de bandas underground de rock a partir da súa quinta edición. Sub Pop tería unha vida de 9 números en total (6 fancines e 3 casetes), publicándose o derradeiro en 1983. Nese ano Pavitt mudaríase cara a cidade de Seattle, e alí comezou a escribir unha columna no xornal The Rocket co título Sub Pop U.S.A.
O nacemento de Sub Pop como selo podería datarse no ano 1986, cando Pavitt editou o primeiro LP da etiqueta, o recompilatorio Sub Pop 100, con material de artistas como Sonic Youth, Steve Albini, Scratch Acid ou Wipers, entre outros. Coincidindo coa publicación deste disco, a banda de Seattle Green River< decantouse polo selo para o lanzamento do seu segundo EP, Dry As a Bone. Debido a que Sub Pop non contaba cos cartos suficientes, a edición do EP tivo que agardar un ano, ata xullo de 1987. Foi nese 1987 cando Pavitt coñeceu a Jonathan Poneman e este decidíu aportar 20.000 dólares para permitir o lanzamento do sinxelo de estrea doutros músicos locais, coñecidos co nome de Soundgarden. Ao pouco tempo Poneman, centrado sobre todo nos asuntos financieiros e legais, covertiríase no compañeiro de Pavitt ao mando de Sub Pop. Despois de editar a estrea de Soundgarden o selo lanzou o que sería o seu primeiro EP, Screaming Life, no mes de outubro de 1987. A comezos do ano seguinte Pavitt e Poneman decidiron deixar os seus traballos e adicarse exclusivamente a Sub Pop cun presuposto de 48.000 dólares. Segundo as propias palabras de Pavitt, o selo estivo a piques de declararse en bancarrota na primavera dese ano, pero conseguiron remontar a situación e no mes de agosto a etiqueta publicaría o sinxelo que marcaría o inicio da era grunge, “Touch Me I’m Sick” de Mudhoney. Os dous socios de Sub Pop dedicáronse a estudiar a outros selos independentes estadounidenses e chegaron á conclusión de que todos os movementos exitosos dentro do rock partiran dunha base rexional. A actividade musical de Seattle nunca destacara fóra das súas fronteiras, e só era coñecida por ser o berce de artistas que triunfaron máis ala dos límites da cidade, como Jimi Hendrix. Pero, xa dende principios-mediados da década dos 80, unha nova xeración de músicos comezaba a canalizar a súa rabia e frustración a través das guitarras eléctricas, e a cidade era un fervedoiro de actividade. Habería que indicar que Seattle acababa de atravesar unha grave crise económica en anos anteriores e moita xente tivo que abandonala en busca de traballo, despois de que Boeing, principal motor económico da cidade, despedise a máis de 60.000 dos seus 100.000 traballadores. Fíxose famoso un cartel colocado nunha das estradas que entraban na urbe que dicía algo así como “a última persoa en abandonar Seattle que apague as luces” O selo creou unha forte imaxe de marca, chegando incluso a promocionarse máis que ás súas bandas. Creou tamén a etiqueta “Seattle sound” para comercializar o seu produto, e aliouse co produtor local Jack Endino, que axudou a definir o son do selo. Endino, que chegou a realizar 75 sinxelos, EPs e álbums con Sub Pop, traballaba barato e rápido, utilizando practicamente as mesmas técnicas de gravación nas súas producións, o que axudou a uniformizar o seu son. A actividade do selo continuou e no ano 1988 ficharían á banda que anos máis tarde farían estoupar o panorama musical en todo o mundo, Nirvana. No mes de novembro apareceu o sinxelo de estrea do trío de Aberdeen, “Love Buzz”. Este sinxelo tamén sería o primeiro do Sub Pop Singles Club, un novidoso servizo de subscrición polo cal os seus socios recibían un sinxelo mensualmente por correo. Este foi unha das claves do éxito da etiqueta, relacionando o seu nome coa escena de Seattle ademais de xerar un movemento de cartos continuo que fixo que o selo puidese continuar máis tranquilamente o seu traballo. O Singles Club funcionou ata o ano 1993, e posteriormente volvería a funcionar dende 1998 ata 2002 O primeiro motivo polo cal Sub Pop, e en consecuencia a música grunge, comezou a ser coñecida por todo o mundo foi un feito ocorrido en marzo de 1989. Os dous socios eran conscientes de que era moi difícil chamar a atención dos grandes medios estadounidenses, e máis aínda partindo dun selo independiente pequeno. Inspirándose en bandas como Sonic Youth ou Dinosaur Jr. puxeron os seus ollos na prensa británica e convidaron ao xornalista da revista Melody Maker Everett True a coñecer a escena musical da cidade (evidentemente pagándolle a viaxe e co obxectivo de que escribise, a poder ser ben, sobre ela). A xogada saíulles redonda a Pavitt e Poneman e a prensa británica rendeuse ante a Sub Pop e so son de Seattle. Acabábase de poñer a primeira pedra para que Seattle conquistase os oídos de medio mundo. Aos poucos meses publicábase o álbum de estrea de Nirvana, Bleach, ao que Sub Pop non lle deu máis promoción que o resto dos seus lanzamentos. A pesares diso o álbum vendeu ben, aínda que Kurt Cobain amosábase molesto pola falta de esforzos por parte do selo. Kurt decidiu entón asinar cun grande selo, e despois das recomendacións de Kim Gordon, dos ruidosos Sonic Youth, Nirvana acabaría entrando en DGC Records. O seu álbum de estrea co seu novo selo sería Nevermind, cuxa historia coñecemos ben, pero, a pesar de que Nirvana xa non estaba en Sub Pop, a discográfica sacou beneficio do disco. Sub Pop acordara con Geffen Records, a nai de DGC, parte dos royalties de Nevermind, e estes cartos (que como imaxinaredes tiveron que ser moitos despois dos 30 millóns de discos vendidos) permitíronlle a Sub Pop manterse viva durante moitos anos; tamén se acordou a inclusión do logotipo de Sub Pop en todos os lanzamentos de Nirvana, co que o selo gañaba notoriedade; e por último Warner Bros. Records, distribuidora de Geffen, pasaba a distribuír o catálogo de Sub Pop. Coa chegada do éxito de Nirvana a popularidade do grunge acadou o seu punto máis alto. Nese tempo moitas das primeiras bandas de Sub Pop xa abandonaran o selo, e outras moitas foron contratadas por grandes discográficas que estaban ansiosas por facerse cun grupo de Seattle tras o tirón do Nevermind. Pero o traballo de Sub Pop estaba feito, Seattle e o seu son xa tiñan o seu espazo na historia do rock. Pavitt e Poneman comezaron a ter posturas enfrontadas sobre a dirección a tomar coa discográfica. O segundo quería que o selo medrase e tivese máis beneficios e, incapaz de seguir a nova política da compañía tras a alianza con Warner, Pavitt abandonou en 1996 para poder estar máis tempo coa súa familia. A partida non foi amigable, e os antigos socios pasarían anos sen falarse. A etiqueta abriría novas oficinas polo mundo adiante e investiu en novos artistas, pero non conseguíu acadar o éxito entre o grande público, polo que regresou ás súas orixes e centrouse novamente en Seattle. Nestes últimos anos ficharía a bandas como The Postal Service, No Age, Sleater-Kinney, Iron & Wine, Comets on Fire ou Fleet Foxes, entre moitos outros, centrándose na música indie.

Gran parte da información está tirada da Wikipedia: A enciclopedia libre.

Crónica del concierto de Thin Lizzy en Sala Capitol (Santiago de Compostela; 12/2/2012)

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 13 Feb 2012 15:05:00 +0000

Pues aquí estoy de nuevo para hablaros de la velada que pasé el pasado domingo (día 12) en la sala Capitol. Llegué a eso de las nueve de la noche, cuando el concierto todavía no había empezado, de modo que no me perdí nada. Al parecer había gente que llevaba ya una hora esperando desde la apertura de puertas.

Lo primero que avisté nada más entrar en la sala fue el escenario, en el que resaltaba un enorme telón tras la batería con el característico logo de la banda irlandesa. Tras unos minutos más de espera vimos como un envejecido Scott Gorham (guitarrista de la banda desde mediados de los 70 hasta día de hoy) hacía su aparición seguido del teclista Darren Wharton y del baterista Brian Downey, siendo éste último el único miembro fundador de Thin Lizzy que queda vivo.

Después de éstos salían también el cantante y guitarra rítmico Ricky Warwick, el bajista Marco Mendoza y el segundo guitarrista Damon Johnson (última incorporación desde el año pasado). Me resultó extraño no ver a Vivian Campbell junto a ellos, al parecer dejó la banda oficialmente el año pasado.

En cuanto todos se asentaron en sus puestos, Warwick se arrimó al micro y se dirigió al público con un enérgico "Are you ready!?". La banda abrió su espectáculo con el tema del mismo nombre, bien continuado por el clásico "Jailbreak", con el que se metieron al público prácticamente en el bolsillo.

El repertorio fue bastante acertado, siguiendo la línea con temas como "Don't Believe a Word", "Killer on the Loose", "Angel of Death", "Dancing in the Moonlight" (donde Mendoza animó al público a cantar a coro), "Massacre", entre otras (no exactamente en ese orden).

Tras toda esta oleada de temas cañeros llegó un momento de calma con la balada "Still in Love with You", en la cual Warwick alternaba algunas estrofas con Wharton, y después Gorham y Johnson se batían en un largo duelo con sus guitarras.

Después de este clásico (algo apastelado por la voz y el sonido de teclado un tanto ochentero de Wharton), Johnson siguió improvisando un solo mientras Warwick se colgaba una guitarra acústica a los hombros para luego dar paso a uno de los temas estrella de Thin Lizzy, "Whiskey in the Jar". El final de este tema se alargó para que el público pudiera corear su famoso y pegadizo estribillo.

Más tarde tuvo lugar uno de los puntos más altos de la noche, cuando Brian Downey nos dejó a todos anonadados con un extenso solo de batería durante la canción "Sha la la".

Pero sin duda el repertorio fue a mejor, cuando Warwick sacó una harmónica y Gorham comenzó a tocar unos punteos que a la mayoría nos resultaban familiares, era el inicio de otro gran clásico de la banda, "Cowboy Song", que como hacía el cuarteto irlandés en sus buenos tiempos, enlazaron con otro clásico enorme, "The Boys are Back in Town".

Entre aplausos y gritos de júbilo la banda se retiró y nos dejó al público con ganas de más.
Pasaron un par de minutos hasta que volvieron al escenario. Warwick agradeció nuestra presencia y también añadió: "Es un gran honor rendir tributo a Thin Lizzy".
Tras estas palabras anunció el nombre del primer bis: "Emerald", una de las canciones más influidas por la música celta dentro del repertorio de esta gran banda.

Hubo lugar para otros dos bises: "Rosalie", tema original del cantautor estadounidense Bob Seger. Cabe destacar que en durante este tema, mientras los cinco instrumentistas volvían a tocar el riff de "Cowboy Song" (o mejor dicho de "Cowgirl's Song"), el cantante interactuaba con el público haciéndoles repetir una melodía. En ese momento fue cuando mencionó al fallecido líder de la banda, Phil Lynott, en cuya memoria dos de sus antiguos compañeros siguen tocando temas como este y los antes mencionados.

El colofón final llegó con la épica "Roisin Dubh (Black Rose)", compuesta por el propio Lynott y su buen amigo, el guitarrista Gary Moore, fallecido el año pasado.

Finalmente, los seis miembros actuales de la banda se juntaron e hicieron una reverencia al público, repartieron púas a diestro y siniestro, estrecharon alguna que otra mano en la primera fila, y por supuesto Downey arrojó sus baquetas para el primer suertudo que la agarrase.

Este divertido y enérgico show duró aproximadamente una hora y media sin dejar a nadie indiferente, por lo menos que yo sepa.
A pesar de admitir la buena calidad de los músicos que acompañan a Gorham y Downey, debo admitir que en ciertos aspectos dichos invitados no me acaban de convencer. Por una parte Warwick, a pesar de tener una voz potente y muy buen trato con la gente, parecía desentonar un poco al cantar temas de Thin Lizzy, por no ponernos a criticar también su vestuario, claro está.

Por otra parte estaba Wharton, cuyos teclados a veces no se escuchaban lo suficiente (por lo menos desde mi perspectiva), y cuya voz me resultaba demasiado "blanda", incluso para una balada como es "Still in Love with You".

¿Y qué decir de los demás? Damon Johnson es un buen guitarrista, tiene buena técnica y aportaba un excelente acompañamiento a los coros, igual que Mendoza, el cual tenía un sonido contundente en el bajo, intentando recordar (dentro de lo posible) a Phil Lynott.

Por parte de Gorham y Downey no hay queja ninguna, porque al fin y al cabo son los únicos miembros "supervivientes" de la formación clásica de la banda. Sólo puedo añadir que ha sido un verdadero placer ver a estos dos prestigiosos músicos en vivo, a un siempre sonriente Gorham y a un incansable Downey.

Como conclusión, fue una velada muy entretenida a pesar de que la formación no fuera la que a todo fan de Thin Lizzy le habría gustado ver una vez en la vida. Lo que desde luego me pareció exagerado fue el precio de la entrada (31 euros anticipada, 35 en taquilla), aun teniendo en cuenta que no era un concierto de la banda irlandesa propiamente dicha.

Aquí os dejo con un video de "Whiskey in the Jar". La calidad del sonido es bastante mala, pero aceptable:

Imágen por cortesía de metalicia.com

Vídeo por mecagoenramoncin (YouTube)

Recordando a Paul Kossoff (Parte 1)

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 10 Feb 2012 20:11:00 +0000

Quería dedicar mi primer post en este blog a este increíble músico, una de mis mayores influencias, alguien de quien aprendo algo nuevo cada día, el gran Paul Kossoff.

"La música debe venir del alma y ser simple y directa para que todos puedan disfrutar de ella."

Esta frase define perfectamente el estilo de Koss, simple y directo, basado en las raíces del Blues/Rock inglés de finales de los '60. Sin embargo lo más llamativo de su forma de tocar es su vibrato, tan excesivo como preciso; el mismísimo Eric Clapton le pidió años más tarde que le enseñase a ejecutar esta técnica, su aprecio por Koss era tal que incluso le obsequió con una Gibson Les Paul Sunburst del año '59, una guitarra perteneciente a la mejor cosecha de Les Pauls de la historia.

Años 60, la revolución del Blues/Rock comenzaba en Gran Bretaña, y fue realmente en este país de donde salió (en mi humilde opinión) la mejor cosecha de guitarristas de la historia.

Todo comenzó con Eric Clapton, en su andadura con John Mayall & The Bluesbreakers, a mediados del año 1965. Clapton inspiró a cientos de guitarristas con su estilo único.

Uno de esos jóvenes guitarristas que quedó impresionado con la manera de tocar de Clapton, fue el joven Paul Francis Kossoff, cuando asistió en Londres a uno de los shows de John Mayall & The Bluesbreakers. Aquella noche, y contando con tan sólo 15 años, sintió que su vida había cambiado completamente. Paul retomó su aficción a la guitarra y se compró una Gibson Les Paul Custom Black Beauty del '54. Durante dos años, se dedicó a perfeccionar su técnica imitando a sus músicos preferidos: Albert King, Hendrix, Jeff Beck, Clapton...

Su primer grupo:
En 1967 se uniría a su primera banda, Black Cat Bones, en la cual entraría meses más tarde el batería Simon Kirke. Paul y Simon pronto se hicieron amigos, compartiendo su admiración por el Blues. Pese a que fue en 1967 cuando el mundo se volvió psicodélico, Paul estaba decidido a llevar las riendas del grupo a un estilo basado en el Blues/Rock imperante en los años anteriores. En pocos meses, el grupo se volvió un habitual del circuito londinense de clubs, atrayendo la atención del productor Mike Vernon. Fue en este momento, cuando Kossoff sintió que debía dejar el grupo para evolucionar musicalmente.

Y así fue, meses más tarde Black Cat Bones sacaron el disco "Barbed Wire Sandwich", en el cual (pese a la creencia popular) no es Kossoff quien toca la guitarra, sino uno de los hermanos Brooks (de quienes hablaré en otro post dentro de unas semanas).

Las únicas grabaciones que se conservan de este período, pertenecen a grabaciones de ensayos o de diversos directos en clubs londinenses, he aquí una versión de "Rock Me Baby", pese a la mala calidad, se puede vislumbrar el enorme talento de Paul Kossoff.

Libre al fin:
Después de haber dejado Black Cat Bones, Paul estaba decidido a montar su propia banda con el batería Simon Kirke. Una noche, en el club "Fickle Pickle", Kossoff asistió al concierto de un grupo local llamado "Brown Sugar", y del cual quedó bastante impresionado con su vocalista. Se trataba nada más y nada menos que de Paul Rodgers. Al terminar el concierto, Kossoff le pidió a Rodgers unirse a la banda que estaba formando junto con Simon Kirke. Rodgers aceptó y en su primer ensayo sintieron la magia del blues recorriendo sus cuerpos, la compenetración fue instantánea. La formación se completó con el bajista de tan sólo 15 años Andy Fraser.

Con una media de edad inferior a los 20 años, el grupo grabó el álbum "Tons Of Sobs". Sin duda alguna, junto a Led Zeppelin I, éste es el mejor álbum debut de un grupo Blues/Rock de esta época. La voz de Paul Rodgers es la de un barítono completamente desgarrado e intenso, la guitarra de Kossoff siempre exhuberante en su vibrato y detrás, siempre manteniendo el groove, Fraser y Kirke. Os dejo una interpretación en directo del tema de Albert King "The Hunter"

Unicornibot lanzan "Dalle!" en marzo y se van al Primavera Sound

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 08 Feb 2012 22:53:00 +0000

Nuestros paisanos Unicornibot lanzarán el próximo jueves 1 de marzo su segundo LP de estudio bajo el título de "Dalle!". Será un álbum formado por diez cortes instrumentales entre los que se encuentran canciones como la ya conocida "Abril-Cerral", "Dalle Que Non Mira" (presentada en algunos de sus últimos directos), "Perro Termómetro" o "Gol De Chico", esta última una ~~casi~~ clara alusión al futbolista genovés. El disco ha sido grabado en directo en los estudios Brazil de Madrid con la ayuda de Javier Ortiz.

La portada del sucesor de "Hare Krisha" (2010) está recibiendo las últimas pinceladas por parte Xose L. García (blog) que ya ha unido fuerzas con el grupo en el anterior trabajo y que además ha diseñado las camisetas oficiales de la banda (os podéis hacer con una a través de un mail a unicornibot@gmail.com). Por otro lado tenemos a David Tombilla y Borja Fernández, fotógrafos encargados de ponerle cara a todos estos momentos de lucidez del grupo; han trabajado con ellos en las imágenes promocionales, que suponemos que saldrán a la luz en su totalidad en no mucho tiempo.

Pero... no acaba aquí la cosa. Los cuatro jinetes de plata han sido elegidos para tocar en el Primavera Sound de este año (¿mejor festival nacional del año junto al Azkena y Sonisphere?), compartirán cartel con Refused, Napalm Death, Lisabö, Mudhoney, Melvins y muchos más grupos nacionales e internacionales de traca.

Así de bien comienza el año para Toño, Gayoso, Guille y Gon. Si las predicciones no fallan 2012 será un año que les hará pasar a los anales (van con segundas, pero tiene sentido) de la música experimental nacional, o por lo menos se alzarán con un trofeo espiritual de músicos PTV's que nos representan fuera de la comunidad. Nos corroe la envidia y nos la pone dura como una piedra (esto también tiene lógica, tranquilos) a partes iguales.

Os dejamos con "Perro Termómetro", primer tema de los dos que nos han dejado catar hasta la fecha:

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Próximos conciertos:

MARZO
16 marzo: Bar Labranza (Bueu) (con Lendrone)
17 marzo: Sala Filomatic (Coruña) (con Lendrone)
23 marzo: La Faena II (Madrid)
24 marzo: Sala Red (Ourense) (con Haecceidad)

ABRIL ~~(cerral!)~~
6 abril: Liceo Mutante (Pontevedra)
7 abril: La Iguana (Vigo)
27 abril: Sala The Class (Gijón)
28 abril: Por determinar (Valladolid)
11 mayo: Por determinar
31 mayo: Primavera Sound (Barcelona)

El disco de Storm Corrosion saldrá en abril

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 08 Feb 2012 22:13:00 +0000

Muchos lectores de este blog no sabréis todavía que se esconde bajo el nombre de Storm Corrosion, pues bien, os lo explicaremos de una forma sencilla. Bajo ese "alias" están dos de las mentes más exitosas del rock/metal progresivo actual: Steven Wilson (Porcupine Tree) y Mikael Åkerfeldt (Opeth), ambos con carreras de más de veinte años en sus grupos originales y con pocos altibajos en ellas.

El proyecto que los une desde unos cuantos meses y con el que grabarán un álbum de estudio es descrito por los propios músicos como "la parte final de la saga que conforman 'Heritage' y 'Grace For Downing' de Steven Wilson", ambos del pasado año. Si echamos la vista atrás tenemos ante nosotros dos de los mejores discos del 2011 y dos trabajos con una fuerte carga de improvisación y experimentalidad unidos fielmente al rock progresivo. Siendo esto así y teniendo en cuenta las declaraciones de estos "peces gordos" ("el sonido puede ser descrito como orquestral, ambiental, épico pero nada nuevo para vuestras orejas") será una especie de tercera fase que completará un ciclo musical para ellos. Podemos comenzar a especular de su sonido y quizás dar en el clavo: unos Opeth empujados por la electrónica más oscura y ambiental, Steven Wilson llevado al rock progresivo más duro bajo la mano de King Crimson, quién sabe. Solo podemos afirmar que lo que saldrá de ahí no va a ser "moco de pavo", y más sabiendo que Gavin Harrison pondrá la "samba" al asunto con sus baquetas. El 23 de abril saldremos de dudas.

El LP saldrá a través de Roadrunner Records, todavía no sabe el nombre de ningun tema ni el número de canciones que contendrá (suponemos que unas ocho-diez como mucho), simplemente tenemos algún que otro detalle oculto escondido bajo esta imagen subida en Facebook, la cual podría ser la portada:

Montando no cisne negro

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 02 Feb 2012 15:33:00 +0000

Se hai un disco maldito na miña discografía este é "Mary Star of the Sea", do breve proxecto paralelo montado por Billy Corgan a principios de século que recibiu o nome de Zwan. O de maldito ven porque a súa edición coincidiu cun momento moi delicado da miña vida e, despois das súas primeiras escoitas íntegras, durante moito tempo fun incapaz de poñelo enteiro. Afortunadamente o tempo vai acabando con todo o que se lle pon por diante e hai uns días puden gozar novamente dese delicioso traballo.

Zwan naceu por unha promesa realizada moitos anos antes da súa formación. Billy Corgan e Matt Sweeney fixéranse amigos ao comezo das súas carreiras, e este último chegou a aparecer nos agradecementos do álbum de The Smashing Pumpkins Siamese Dream. Naqueles anos os dous prometeran montar algun día unha banda xuntos, pero Corgan pasou o tempo facéndose famoso coa súa banda, mentres que Sweeney estivo ocupado en Chavez, Guided By Voices e Bonnie “Prince” Billy. Tras a desaparición dos Smashing Pumpkins a finais do ano 2000 semellaba que era o momento perfecto para cumplir a súa palabra.

Foi en 2001 cando Corgan e o baterista Jimmy Chamberlin uníronse a Sweeney para iniciar o seu novo proxecto. A estes uníuselles David Pajo (Slint, Papa M., Stereolab), convidado por Sweeney, para ocupar a posición de baixista, e o cuarteto estreouse a finais dese ano. Na primavera de 2002, a antiga compoñente de A Perfect Circle Paz Lenchantin entraría en Zwan e ocuparíase do baixo, pasando Pajo a empuñar a terceira guitarra.

A banda comezou a realizar concertos de baixo perfil pola área de California, pero a medida que pasaban os meses iniciaron unha xira por pequenas salas, que os ocupau durante parte dos anos 2001 e 2002. O quinteto faría o seu primerio grande concerto no Jamboree Festival de Chicago no mes de maio. Os dous últimos meses dese ano os ocuparían tocando xa en grandes salas do medio oeste e noreste estadounidense, actuando tamén nalgunhas datas como teloneiros de Counting Crows.

Parte dese ano 2002 tamén o dedicaron para gravar o seu único álbum, que vería a luz o día 28 de xaneiro de 2003 co título Mary Star of the Sea, idea dun relixioso señor Corgan que, segundo as súas palabras, atopou consolo e guía na figura da Virxe María. Estou seguro de que non foi obra divina pero, tras escoitar o disco, pode dicirse que algo si cambiou na súa pelada cabeza. Despois duns últimos traballos dos Pumpkins que nos amosaban o seu lado máis escuro, Mary Star of the Sea é un disco que está cargado de optimismo, con cancións alegres e pegadizas e cheas de guitarras que soaban a un rexurdimento da figura de Corgan como compositor tras os irregulares Machina e Machina II. A propia portada e o libreto do mesmo xa nos poden dar unha idea do que nos atopamos dentro.

Do disco sacáronse dous sinxelos cos seus respectivos videos musicais, a guitarreira “Honestly” e a optimista “Lyric”, que son dous bos exemplos do contido do álbum. Trátase dun disco en xeral fresco e alegre, tal vez de máis para o que nos tiñan acostumados os seus compoñentes cos seus anteriores proxectos, e a pesar de que dous ou tres (catro se nos poñemos duros) dos seus 14 cortes son prescindibles, atopámonos ante un magnífico traballo. Sen perder a súa sonoridade en case ningún momento imos dende as máis “pesadas” "Ride a Black Swan" ou "Honestly", ata a tranquila "Of a broken Heart", pasando polas divertidas e deliciosas "Baby Let’s Rock" e "Yeah!", sen esquecernos da "post-roqueira" de 14 minutos "Jesus I/Mary Star of the Sea". En definitiva, un disco cargado de boas sensacións perfecto para levantarlle o ánimo a calquera aberto a el.

Facendo un pequeno inciso, pero sen alonxarnos do tema en cuestión, Zwan realmente tivo dúas encarnacións: a máis coñecida e eléctrica True Poets of Zwan (ou sinxelamente Zwan), da que estamos a falar, e a acústica Djali Zwan, que tamén contaba coa irmá de Paz, Ana Lenchantin, encargada de tocar o cello. Os plans para o seu lado máis tranquilo pasaban por editar un álbum cara finais do ano 2003 e un DVD a comezos do 2004, pero os acontecementos posteriores impedirían que estes se levasen a cabo. Ademais dalgún material ao vivo gravado por seareiros nos directos, e dispoñibles a través da rede, as únicas composicións publicadas baixo o nome de Djali Zwan foron as da banda sonora do filme Spun, dirixido por Jonas Åkerlund (que xa traballara con The Smashing Pumpkins no video de "Try, Try, Try") e no que o propio Billy Corgan fai un pequeno cameo.

Pouco antes da publicación de Mary Star of the Sea, Zwan inciou unha xira de promoción, e nela servidor puido confirmar que Billy Corgan podía parecer unha persoa feliz enriba dun escenario. No seu único concerto no estado, na madrileña sala La Riviera, o quinteto demostrou que, a pesar de levar apenas uns meses tocando xuntos, tiñan moitas táboas sobre o escenario e transmitiron a sensación de estar realmente gozando co que facían. Nun concerto musicalmente impecable, desgranaron todo o seu repertorio, cuns membros da banda, en especial Billy Corgan que ata nas súas roupas e nos seus instrumentos (empuñando unha Flying-V) parecía distinto, resplandecentes.

Pero o que comezou como un proxecto de dous bos amigos rematou cos rapaces tirándose os trastos á cabeza. O 15 de setembro o señor Corgan anunciaba a disolución da banda alegando que gozara co grupo pero que non se sentía como en familia. Ata aí todo normal, pero dous anos despois resumíu as súas razóns para desfacer o grupo con estas tres palabras “Sex and drugs and junk” (sexo, drogas e lixo). Según el o comportamento do resto dos membros non foi demasiado exemplar e deixou de confiar neles. Bromas de mal gusto, excesos nas gravacións e nas xiras, falta de confianza... Pajo e Lenchantin quitaron ferro ao asunto, e Sweeney negouse a falar do tema (supoñemos que Chamberlin tería unha opinión semellante a Corgan, senón non seguirían xuntos uns aniños máis).

Tras a separación, os ex-Pumpkins adicaríanse aos seus proxectos en solitario; Corgan lanzaría en 2004 TheFutureEmbrace, ademais do seu libro de poemas Blinking with Fists, e Chamberlin montaría o proxecto de jazz-rock Jimmy Chamberlin Complex, co que publicaría Life Begings Again en 2005. Sweeney uníuse a Bonnie “Prince” Billy e xuntos facturarían o marabilloso Superwolf. Paz Lenchantin regresaría a A Perfect Circle para gravar cordas e piano no álbum de versións eMOTIVe. E finalmente David Pajo continuaría co seu traballo en Papa M., antes de protagonizar unha breve reunión con Slint.

Tras 10 anos do paso de Zwan pola escena do rock alternativo, a día de hoxe pouca xente se lembra ou escoitou falar deles. Certo é que que non debemos considerala nin de lonxe unha banda que deixase un gran legado musical ou que cambiase algo no panorama alternativo, pero tratouse dun proxecto interesante que recomendo a calquera dos que lean estas liñas.

Crónica: Holywater (Pontevedra, Liceo Mutante 28/01/12)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 29 Jan 2012 22:23:00 +0000

El año pasado Holywater ya se dejaron ver por tierras pontevedresas, concretamente en el concierto en apoyo al S.D. Teucro en el Pazo da Cultura. Siendo sinceros, el público no puso demasiado de su parte allí y el lugar era tremendamente grande, lo que tampoco ayudó. Ayer la cosa cambió. El Liceo Mutante abrió sus puertas para dar paso a los lucenses en una noche con lleno absoluto.

Sobre las 22:00 comenzó el espectáculo. Abrieron con la lenta y melódica "Allow" la noche del sábado, ganándose ya desde un principio a los "mutantes" del Lérez. Su clase magistral de rock crudo y sucio (rozando el grunge) se alargó durante casi hora y media. Su actuación tuvo como pilar su trabajo más reciente, "The Path To Follow", del cual tocaron canciones como "In Your Head", "Similar", "My New Road", "The Tunnel" o "Confrontation's Done".

De los anteriores LP's cayeron "Six-String Throat", "Similar", "Crawl", "Last Ulcer" y "Reach You" (si no me equivoco, que es posible), entre otras.

Aunque el sonido del local no es de sobresaliente (tampoco nos quejamos, por supuesto), el concierto sonó de lujo. Las guitarras altas y ruidosas, los acoples "autoinflingidos" y esa batería ejecutada con la mayor fuerza posible llegaron incluso a ponerse de parte del grupo para recrear su estilo de una forma perfecta. De las voces qué decir... Ricardo (vocalista) es un fiera de los que faltan por nuestras tierras, esa voz angelical y melódica que se rasga por momentos es digna de estudio.

"Never Be Broken" fue el broche perfecto para una actuación excelente que se hizo corta, por supuesto. Esperemos que vuelvan pronto por aquí y que traigan bajo sus brazos un nuevo álbum.

Agradecimientos a David Tombilla (Flickr) por las geniales fotos y al Liceo Mutante por hacer posible conciertos como este y por sus asequibles precios. Ojalá en unos años podamos hablar de esta asociación como un referente gallego en cuanto a conciertos, si no lo es ya.

Analizando..."Jar of Flies" (Alice in Chains)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 28 Jan 2012 14:30:00 +0000

El pasado miércoles este precioso EP de la banda de Seattle cumplía su mayoría de edad, así que hoy os hablaré un poco de él.

Para empezar, es el primer álbum grabado con el bajista Mike Inez, que sustituyó a Mike Starr (fallecido el año pasado), después de que éste dejara la banda tras la exhaustiva gira promocional del álbum "Dirt".
Al igual que su predecesor, Inez aporta líneas de bajo elaboradas y bien condimentadas con un sonido claro y robusto, además del efecto de "chorus" que utiliza en temas como la balada "Nutshell", presente en este mismo EP.

Ya que menciono esta canción debo añadir que es una de las más famosas de la banda, y por supuesto una de las más emotivas gracias a la interpretación vocal de Layne Staley, junto con su depresiva letra:

"If I can't be my own
I'd feel better dead"
(Si no puedo ser yo mismo
preferiría estar muerto)

Como siempre, el guitarrista Jerry Cantrell es el principal compositor. Debo añadir que aquí podéis encontrar algunos de sus mayores logros como son "Rotten Apple", que abre el disco; o bien "No Excuses" y "I Stay Away", ambas dotadas de ricas armonías vocales como es característico de la banda; así como el corte instrumental "Whale & Wasp", que añade también el acompañamiento de un violonchelo.

Es cierto que por su corta duración y por estar compuesto únicamente de siete canciones viene a ser un EP, pero sin embargo mucha gente llega a considerarlo un disco. Al fin y al cabo se trata de un trabajo importante en la carrera del grupo, en el que muestran su lado más intimista de la misma forma que en su famoso concierto Unplugged para la MTV, grabado dos años después.

Un trabajo pero que muy recomendable para cualquiera que busque un momento de tranquilidad. Treinta minutos de auténtica belleza entre la oscuridad, tanto lírica como musical.
Sin más preámbulos aquí os dejo con el primero de los cuatro singles sacados de esta obra de arte:

Analizando..."Queen" (Homónimo)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 21 Jan 2012 14:33:00 +0000

Aquí estoy de vuelta después de tres semanas sin publicar nada, y voy a hablaros del álbum debut del cuarteto inglés Queen, a los que no he parado de escuchar desde las pasadas vacaciones de navidad.

Para empezar quiero decir que Queen, como todo entendido sabe, no es un grupo de singles ni mucho menos. Su grandiosidad no se queda sólo en temas míticos como "We will Rock you", "We are the Champions" o "Another one bites the dust", sino que también reside en temas menos conocidos, como los que podéis encontrar en cualquiera de sus álbumes publicados durante la década de los 70, empezando por éste.

El álbum debut fue publicado en 1973, aunque su grabación comenzó casi dos años antes.
Los miembros de la banda se vieron obligados a regrabar todo el material por orden de su productor. Este proceso de remezcla duró seis meses, y una vez se habían grabado y arreglado los diez temas del disco, la compañía Trident Studios tardó otros siete buscando una discográfica interesada en publicarlo.

Y así llegó el esperado momento, cuando Elektra Records y EMI publicaron su trabajo en Europa y Estados Unidos, respectivamente.

El álbum muestra un sonido directo y bastante maduro para tratarse de un debut. Destacan los coros a tres voces que se convertirían en sello de la casa, así como la energía en la guitarra de Brian May y la batería de Roger Taylor (únicos miembros activos actualmente).

La mitad de las canciones fueron compuestas por el cantante y líder Freddie Mercury, mientras que otras cuatro corresponden a May y una a Taylor. Éste último canta la voz principal en dicha canción, llamada "Modern times Rock & Roll".

En cuanto al bajo, cabe destacar la contundencia de John Deacon, el cual siempre pasó desapercibido junto a sus otros tres compañeros.

La música del cuarteto en sus inicios muestra una interesante mezcla de influencias, entre ellas: hard rock, glam, rock progresivo y lo que en aquellos tiempos empezaba a denominarse como heavy metal.

Por otra parte, las letras están salpicadas de fantasía y de una estética medieval ("Great King Rat", "My Fairy King") e incluso bíblica ("Jesus", en la cual se recrea el nacimiento de Jesucristo en el portal de Belén).

Este trabajo fue promocionado a través de dos singles: "Keep Yourself Alive" y "Liar".
La segunda es la más larga del disco, con una duración de seis minutos y medio.

En contraste a ésta, también está el tema de cierre "Seven Seas of Rhye", aunque la disponible aquí es sólo una versión instrumental de un minuto, mientras que el tema íntegro sería publicado un año después, como single promocional del segundo álbum de Queen.

Para los que no conozcáis demasiado a esta magnífica banda os recomiendo echarle una ojeada a este trabajo, así como a los dos siguientes, "Queen II" y "Sheer Heart Attack".

Aquí os dejo con "Great King Rat", una de mis favoritas, en las que podéis encontrar esa temática medieval así como un gran sentido del humor:

Título y tracklist para lo nuevo de The Mars Volta

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 18 Jan 2012 11:48:00 +0000

Este año tendremos ración doble de las peripecias de Omar Rodríguez-López y Cedric Bixler-Zavala. Como bien sabéis, At The Drive-In han confirmado su vuelta hace unos días y por otra parte también se ha confirmado que Mars Volta lanzarán un nuevo disco en marzo de este año: "Noctourniquet". Contendrá trece canciones:

(Portada)

01. The Whip Hand
02. Aegis
03. Dyslexicon
04. Empty Vessels Make The Loudest Sound
05. The Malkin Jewel
06. Lapochka
07. In Absentia
08. Imago
09. Molochwalker
10. Trinkets Pale Of Moon
11. Vedamalady
12. Noctourniquet
13. Zed And Two Naughts

La temática de las canciones girará en torno a un personaje basado en Solomon Grundy (villano de Superman) y Jacinto, un héroe de la mitología griega.

El primer adelanto, "Zed And Two Naughts", saldrá a relucir el 6 de marzo.

Crónica: The Answer (Santiago de Compostela, Sala Capitol 14/01/12)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 15 Jan 2012 18:14:00 +0000

Anoche tocó parar por la Sala Capitol para ver qué tal se defendían en directo los norirlandeses The Answer. Después de unos preparativos previos (afinación de instrumentos, pequeñas pruebas de sonido, etc) el grupo se subió al escenario, a las 22:05 más o menos, fueron puntuales dentro de lo que cabe.

El setlist elegido (el cual diría que fue idéntico al de la anterior noche en Barcelona) estuvo casi totalmente centrado en su último disco , "Revival". No cayeron demasiadas canciones de sus dos anteriores trabajos, únicamente "Under The Sky", "Come, Follow Me", "Evil Man", "Preachin'", con la respectiva zambullida de Cormac Neeson entre el público y "Too Far Gone". Se echaron de menos "On And On" y "Never Too Late" para hacer totalmente redondo el concierto, pero no hay queja.

Como bien dije arriba, casi todo el concierto se centró en su último CD, que en directo gana mucho por cierto. Destacables de éste "New Day Rising" como abertura, la genial "Trouble", "One More Revival" y "Nowhere Freeway", esta última adaptada como balada de una forma sublime sublime.

La recepción del público fue quizás un poco sosa en cuanto a movimiento general, pero la gente se hizo notar de todas formas coreando algunos temas y alabando mediante aplausos y griterío a esta estupenda y todavía joven formación de rock.

Para la gente joven como yo, que no era poca, el hecho de disfrutar de una banda bastante prestigiosa con esa fuerza propia de bandas como podrían ser Led Zeppelin, The Black Crowes o incluso Blind Melon fue una experiencia única e irrepetible. Si visitan vuestra ciudad algún día no dudéis en asistir, disfrutaréis como un niño con jugete nuevo de la increíble y "desafinable" voz del sr. Cormac y de la maestría y frescura adaptada a nuestros tiempos del resto del grupo.

Sobresaliente al canto para el grupo por su intenso directo de hora y media y sus agradecimientos continuos (con utilización del "graciñas" incluído) y suspenso para la organización: ¿Dónde estaban los teloneros? ¿El concierto empezaba a las 21:00, 21:30 o 22:00? ¿Por qué subieron las entradas 2€ en taquilla en el último momento?

Con suerte nos veremos de nuevo en Capitol para el concierto de los Corizonas que está dentro de la programación "Compostela Rock", aunque eso ya lo dirá el bolsillo.

Sinxelamente... ruído (Parte 1)

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 11 Jan 2012 23:56:00 +0000

Teño que recoñecer que, durante os meus primeiros anos de adición ao rock, molestábame moitas das habituais frases da miña nai adicadas a miña afición, destacando a que rezaba “iso non é máis que ruído”. Co paso dos anos, a medida que o meu abano musical se abría, a palabra “ruído” foi collendo un significado menos molesto, e na actualidade, a pesar de que na familia xa están bastante máis afeitos, resposto fachendoso cun “tes razón, non é máis que ruído”.

A miña introdución ao apaixoante mundo do noise rock foi grazas a unha das bandas que máis “popularizou” este xénero, os meus adorados Sonic Youth. Cara finais dos anos 90, cando na televisión aínda se podían ver de cando en vez cousas interesantes (falo da xeneralista, xa que daquela só tiñabamos media ducia de canles), unha actuación dos neoiorquinos onde se adicaban a “xogar” cos seus instrumentos e trebellos chamoume a atención e comezou a picarme a curiosidade. Foi entón cando comecei a facerme coa discografía da banda; daquela só tiña na miña colección o seu álbum Dirty dende facía un par de anos pero, entre que o meu poder adquisitivo non me permitía mercarme apenas discos, que no meu círculo de amizades non se estilaba moito ese tipo de músicas, e que internet era algo bastante descoñecido, tardei en ir facéndome cos seus discos. E así, aos poucos, fun descubrindo máis sobre este mundo.

Pero, que é iso do noise rock? Pois basicamente o noise rock é un xénero que adopta a instrumentación e a iconografía do rock, pero facendo un uso abusivo da distorsión e a atonalidade, frecuentemente sobre estruturas pouco convencionais, todo iso dende unha aproximación normalmente agresiva e a un volume excesivo, así de sinxelo. Esteticamente adoitan a ser bandas cun xeito de vestir espartano, adoptando a imaxe das bandas de hardcore punk contemporáneas ao seu nacemento, aínda que existen notables excepcións, con presentacións moi teatrais. En canto ás letras non adoitan a ter mensaxe político, e moitas veces ningún tipo de mensaxe en absoluto, existindo tamén bandas cunha ideoloxía moi definida nas súas composicións líricas.

Entón, despois de todo o escrito anteriormente, se collemos unhas guitarras, un baixo e unha batería, as distorsionamos o máis que poidamos, tocamos o primeiro que se nos veña á cabeza todos á vez, saltándonos os estándares de verso-estribillo-verso..., e aderezamos todo iso cunha boa melodía de voz se nos ven en gaña, xa teremos unha prometedora banda de noise rock, non? Na teoría así é, pero aínda non saiades correndo cara o Cash Converters a facervos cuns instrumentos JP para pecharvos no garaxe e preparar o voso salto á fama. Primeiro, porque non vos faredes ricos facendo ruido, este sempre foi un xénero moi minoritario, aínda que algunha outra banda se dese a coñecer no chamado “mainstream” (iso si, diso hai uns 20 anos); e segundo, porque realmente a xente que se dedica a isto, e o fai ben, non é manca en absoluto; porque dentro de todo ese caos aparente adoita a existir un grao de orde moi ben pensada e controlada.

E de onde ven isto do noise rock? Despois da definición anterior poderíamos pensar que a súa orixe puido ser espontánea; catro frustrados rapaces que se xuntan para facer música e no medio da súa impotencia por non poder facer algo “cool” dedícanse a aporrear os seus instrumentos ata que un deles di: “oe, isto non está tan mal!”. Pois sinto dicirvos que os inicios non foron así. Como case todo na música, todo ven dalgún lado, e a pesar de que o nacemento do noise rock como xénero de seu dátase a finais dos anos 70, xa dende os anos 60 algúns artistas comezaron a experimentar coa disonancia e a distorsión nas súa composicións. Músicos como Jimmy Hendrix ou Neil Young xa empezaba a facer os seus experimentos nesa década; todo isto grazas a que a electrónica musical estaba avanzando a pasos de xigante, e os roqueiros comezaban a ter á súa disposición un bo feixe de novos trebellos cos que poder xogar (este é un feito que permitiu a aparición e evolución de multitude de xéneros, non só do ruído, que vos quede claro).

Ademais de todos os aparellos, o uso dos outros elementos que posteriormente definirían o xénero foi adoptado en gran medida da xeralmente chamada “música noise”, un termo usado para definir a distintas variedades de música de vangarda (entre a que tamén está o noise rock, pero que nos seus comezos tratábase da chamada “música culta”), que tiña a súa orixe na década de 1910, impulsada por movementos artísticos como o futurismo ou o dadaísmo. A música noise adoitaba a usar elementos como cacofonía, disonancia, atonalidade, ruído, indeterminación e repetición nas súas pezas, ingredientes que adoptarían posteriormente moitos músicos e que axudarían a desenvolver a música industrial, a música experimental e, por suposto, o noise rock.

Continuará...

Os señores de Sonic Youth facendo das súas nun bo exemplo da súa forma de entender o noise

65 discos indispensables de 2011 (Parte 6) (3-1)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 31 Dec 2011 17:35:00 +0000

3) ARCTIC MONKEYS - "Suck It And See"
Indie rock/Psicodelia

¿Por qué?

De la salida de ese debut titulado "Whatever People Say I Am, That's What I'm Not" ya han pasado más de cinco años. Los Arctic Monkeys de entonces, recién salidos de la adolescencia, aportaban su granito de arena al indie rock que se encontraba en alza en esos momentos con sus melodías pop y una actitud propia de un grupo cualquiera del momento. Así como casi cualquier grupo "del montón" podrían haber continuado con aquella actitud, decidieron cambiar. Con la salida de "Humbug" ya apuntaban los tiros hacia otro rollo, más psicodélico, oscuro, algo agresivo y con pocos rasgos de música pop. Podríamos habernos parado en ese disco y decir "será una excepción para llamar la atención", pero no. "Brick By Brick" fue primer adelanto de "Suck It And See", una canción que se acerca bastante al sonido inicial del grupo pero con alicientes setenteros e incluso un solo de por medio.

"Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair", segundo single. A los pocos segundos de comenzar a escuchar esta canción ya nos topamos con un riff tremendamente pesado (para un grupo como ellos, claro), potente y oscuro, en el que se puede apreciar alguna que otra influencia de bandas como Black Sabbath. Si bien este single no define a todo el disco, sí define el cambio que se ha pegado el grupo en los últimos años a le perfección. Podría ser "la canción del cambio".

"Suck It And See" es en definitiva un álbum tremendamente completo, con canciones quizás más movidas que las del "Humbug", algo más pop, pero también más elaborado y más "adulto" por así decirlo. Tiene temas que pueden rozar el soul si nos ponemos exquisitos. La madurez y el rasgo que esperemos que defina a Arctic Monkeys en adelante está aquí, la esencia de un grupo que ha evolucionado de una manera abrumadura con el paso del tiempo.

DESTACABLES: "Don't Sit Down 'Cause I've Moved Your Chair", "Love Is A Laserquest", "Suck It And See" y "The Hellcat Spangled Shalalala".

2) MASTODON - "The Hunter"
Sludge metal progresivo

¿Por qué?

"Crack The Skye", penúltimo disco de Mastodon, marcó otra etapa para el grupo. Otra etapa en la que se le dio más importancia a las melodías y menos a los "gritos" y la agresividad del "sludge metal". La genial "Oblivion" con la que abre el disco y su pegadizo estribillo demuestran con más facilidad todo lo que quiero decir. Aunque el disco daba un lavado de cara al grupo, su esencia seguía allí, en canciones como "Ghost Of Karelia" por ejemplo. Para abreviar un poco, pongamos como base que la música experimental, lo melódico y a la vez la capacidad incrustar estribillos pegadizos en medio de canciones con inmundas y pesadas progresiones se apoderó un poquillo de ellos sin llegar al punto de consumirlos.

"Crack The Skye", un disco de 7 canciones (dos de de más de diez minutos), dio paso a "The Hunter", con 13 breves cortes (ninguno llega a los 6 minutos). Aunque las cosas no se juzgan por su portada, ya viendo su nuevo diseño nos podemos percatar un poco de que se han dado otro aire aunque sin perder esa habilidad que tienen para crear mitologías paralela, presente desde su primer disco y que nunca han abandonado.

Ya que no quiero escribir una tesis sobre el disco, intentaré ser breve. Si os ponéis el disco podréis escuchar a un grupo de metal progresivo y sludge creando canciones casi pop (quizás muy fuerte decir pop, pero no encuentro otra palabra) y fabricando estribillos melódicos bajo una percusión esquizofrénica e inquieta (destacable como siempre el trabajo de Brann Dailor). No os defraudará, a no ser que seáis muy cerrados de mente. Es un paso adelante más para Mastodon y su creatividad y además una forma de digerir sin problemas el sludge, porque al fin y al cabo, y a pesar de lo que he dicho, es un disco de metal progresivo, de sludge, como siempre, pero con sus respectivos y geniales condimentos.

DESTACABLES: "Black Tongue", "Blasteroid", "All The Heavy Lifting", "Spectrelight", "The Sparrow" y "Curl Of The Burl".

1) FOO FIGHTERS - "Wasting Light"
Rock alternativo/Rock and roll

¿Por qué?

Nadie puede negar que Foo Fighters ya es una banda emblemática dentro del rock de los últimos años. Casi todos sus discos son muy buenos aunque algunos quizás algo desmerecidos. Sus últimos álbumes puede que se alejen del sonido que querían hacer en un principio, más noventero y con algún que otro rasgo grunge y se vayan más hacia el hard rock, pero como todo lo bueno siempre llega cuando menos lo esperamos nunca hay que perder la esperanza. Y es que si Foo Fighters continuaran en la línea de "Echoes, Silence, Patience & Grace" y "In Your Honor" no creo que llamaran la atención de ninguna manera. Este año fue su año, un año para volver al pasado y deshacerse de las exquisiteces de grabar en grandes estudios y con sofisticados ordenadores y avances de todo tipo. Dave Grohl se quitó la poca pijería que le quedaba y la arrojó por el sumidero. Pat Smear volvió al grupo, Butch Vig a los mandos de la producción (justo veinte años después de grabar el Nevermind con Nirvana) y las cintas análogicas de grabación poblaron el garaje de Dave. Sí, un disco grabado en un garaje y con cintas análogicas, en pleno 2011.

Cuando el videoclip de "White Limo" aterrizó en nuestras pantallas probablemente más de uno se quedó acojonado o con cara de sorpresa. Un clip en el que Lemmy Kilmister de Motörhead conducía una limusina atropellando gente mientras Dave se dejaba las cuerdas vocales en una canción sin sentido aparente no era lo más normal del mundo, y menos siendo grabado en VHS. Después llegó "Rope", y ya cambió la cosa. El estribillo pop tremendamente pegadizo de esta canción (con videoclip en VHS también) nos dejó muy claro que el disco iba a ser un "remember" en toda regla.

Y salió el trabajo, allá por abril. Simplemente con darle al play y escuchar esa enérgica y bestial "Bridge Burning" muchos ya dijimos: esto era lo que llevábamos buscando años y años. Para no dejarse llevar por la primera impresión que da esta canción simplemente hay que pegarle un repaso a todo el disco. Baladas con un montón de trasfondo y carga sentimental como "I Should Have Known" (con Krist Novoselic al bajo), canciones repletas de puro rock & roll y nostalgia, trallazos crudos (la ya citada "White Limo") e incluso algún que otro tema que nos puede acercar a sus dos últimos discos como podría ser "Back & Forth".

Con toda la seguridad del mundo puedo decir que "Wasting Light" es el mejor disco del año. Un disco repleto de toda clase de sentimientos que podría ser escrito tranquilamente en los años 90. No aburre en ningún momento. No se hace pesado. Es entretenido, es fresco, es rock & roll!

Podéis leer haciendo click AQUÍ el análisis que ha hecho Javi del álbum.

DESTACABLES: ¿Todas? Escuchadlo si no lo habéis hecho, es lo único que puedo decir.

Ver el resto del ranking:
Parte 1 (65-45)
Parte 2 (44-30)
Parte 3 (29-20)
Parte 4 (19-10)
Parte 5 (9-4)

Analizando..."Wasting Light" (Foo Fighters)

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 31 Dec 2011 14:48:00 +0000

Antes de nada quisiera desearos a todos un feliz año nuevo y hacer un minucioso balance de los acontecimientos musicales acontecidos este año:

En primer lugar, el 2011 ha traído consigo algunos malos momentos como, por ejemplo, el fallecimiento de músicos importantes como el guitarrista irlandés Gary Moore o la cantante inglesa Amy Whinehouse, así como el primer bajista de la banda de grunge Alice in Chains, Mike Starr o el vocalista de la banda de Anal Cunt Seth Putnam.

También ha habido despedidas como la de la banda pionera del rock alternativo, R.E.M., que nos dijeron adiós a mediados del pasado mes de Octubre tras 31 años de carrera.

Pero este año también ha tenido buenos momentos, como el festival Optimus Alive, al que un servidor tuvo el privilegio y el placer de acudir para disfrutar de actuaciones en directo de bandas como Primal Scream, Kaiser Chiefs, Jane's Addiction, Iggy & the Stooges y cómo no, Foo Fighters.

Después de haber comprobado en persona la excelente calidad de esta banda en directo y de haber escuchado este álbum detenidamente me he dado cuenta de lo infravalorada que la tenía.

En primer lugar cabe decir que este es posiblemente el disco más potente y directo que Dave Grohl y los suyos hayan sacado hasta el momento. Un detalle importante en este álbum es el regreso del guitarrista Pat Smear, que grabó su último disco de estudio con Foo Fighters en 1997, aunque su regreso oficial a la banda fue como músico de gira en el año 2006.

Aunque todavía parezca increíble, el material fue grabado en el garaje de Grohl utilizando un sistema de grabación analógica, para conseguir un sonido más natural. La producción corrió a cargo de Butch Vig, con el que Grohl grabó exactamente 20 años atrás, es decir, en la grabación del "Nevermind" de Nirvana.

El resultado han sido 11 canciones con un sonido muy compacto y potente.
Se abre la veda con "Bridge Burning", con un riff de guitarra muy sencillo y la incombustible fuerza del batería Taylor Hawkins, que también se encarga de cantar los coros.

Seguidamente suena "Rope", que fue el single de presentación del álbum y que en mi opinión es el mejor tema de todo el álbum (lo cual es discutible). Se trata de una canción muy completa de estrofas potentes y un estribillo muy pegadizo por su melodía, que hace que quieras escucharla una y otra vez.

A continuación aparecen otros tres temas de mención imprescindible:
"Dear Rosemary", la primera "balada" dotada de un sonido muy rockero y que cuenta con la voz de Bob Mould, cantante de Hüsker Dü, a los coros. Grohl afirmó en el documental sobre la banda "Back & Forth" que llevaba tiempo queriendo trabajar con Mould.

"White Limo", el tema más cañero del disco, con un riff bastante "heavy" y un enloquecido Dave Grohl gritando a través de un micro distorsionado.

Y "Arlandria", otra "balada", con una estructura sencilla, una bonita melodía, los adornos de guitarra elaborados de Chris Shiflett, y un gran contraste de intensidades entre las estrofas y el estribillo.

Después de cortes más alegres como "These Days" o "Back & Forth", llegamos al punto culminante con "I Should Have Known", que según algunos, hace referencia al fallecido Kurt Cobain y al impacto que su muerte tuvo sobre su buen amigo Dave Grohl (de ahí el título, "debería haberlos sabido"). Cabe destacar también la colaboración en este tema del que fuera bajista de Nirvana, Krist Novoselic.

Y para acabar de forma algo más positiva está "Walk", el segundo single promocional, con un sonido más alegre y una letra esperanzadora, además de un videoclip muy cómico, típico de esta banda.

Esto ha sido todo. Espero que todos disfrutéis de la Nochevieja y de lo que queda de Navidades.

Os dejo con "Rope" para empezar con fuerza el nuevo año:

65 discos indispensables de 2011 (Parte 5) (9-4)

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 30 Dec 2011 22:48:00 +0000

Mañana terminaremos con la lista de los álbumes que consideramos que han lavado la cara de cierta forma a este 2011. Como os dijimos al comienzo, es muy difícil hacer una lista y escoger entre tanto material y géneros, pero pensamos que hemos acertado en muchos casos y que hemos sido bastante variados. Esperamos que hayáis disfrutado, y si queréis poneros al día en cuanto a la música lanzada en estos últimos doce meses, aquí tenéis una número bastante amplio discos.

9) BLACK TUSK - "Set The Dial"
Sludge/Stoner metal

8) MOGWAI - "Hardcore Will Never Die, But You Will"
Post-rock

7) M83 - "Hurry Up, I'm Dreaming"
Electrónica/Shoegaze/Post-rock

6) THE BLACK KEYS - "El Camino"
Blues/Garage rock

5) MACHINE HEAD - "Locust"
Groove/Thrash metal

4) OPETH - "Heritage"

Rock psicodélico/Metal progresivo

65 discos indispensables de 2011 (Parte 4) (19-10)

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 29 Dec 2011 16:58:00 +0000

19) NOVEDADES CARMINHA - "Jódete Y Baila"

Garage rock/Indie punk

18) VETUSTA MORLA - "Mapas"
Indie pop/rock

17) CRYSTAL ANTLERS - "Two-Way Mirror"
Rock experimental/Noise

16) THE HORRORS - "Skying"
Indie rock/Garage

15) STEVEN WILSON - "Grace For Drowning"
Rock progresivo/Experimental

14) RUSSIAN RED "Fuerteventura"
Indie pop/Folk

13) KASABIAN - "Velociraptor!"
Indie/Rock alternativo

12) BEASTIE BOYS - "Hot Sauce Committee Part Two"
Rap (¿+ rock?)

11) RUSSIAN CIRCLES - "Empros"
Post-metal/Post-rock/Experimental

10) EXPLOSIONS IN THE SKY - "Take Care, Take Care, Take Care"
Post-rock