Musica Colta

C'era una volta il bosco Stradivari

2018-11-26T10:55:00.000+01:00

Antonio Stradivari (Cremona 1644-1737), considerato il maggiore liutaio d'ogni tempo, costruì oltre 1100 strumenti, in maggioranza violini, suonati da illustri musicisti come Paganini, Vieuxtemps, Viotti.

Il lamento funebre

2018-03-08T18:12:00.000+01:00

I primi e perfetti esempi di lamentazioni si rinvengono presso i Sumeri e gli Assiro-Babilonesi nelle due forme di quella per la distruzione di una città (per es. di Ur e di Lagash) e di quella rituale specialmente nei culti di Tammuz.

Il lamento funebre, che seguiva formulari verbali e schemi metrici fissati dalla tradizione, accompagnava le cerimonie funebri. Diffusa in passato in tutto il mondo classico - oggi principalmente nelle popolazioni nomadi di pastori e nelle società contadine arcaiche, quasi estinta in Italia - la pratica del lamento funebre è riferita soprattutto alle donne: è ancor oggi viva l'usanza delle lamentatrici professioniste, che ricordano le prèfiche del mondo romano antico,donne che dietro pagamento, piangevano il defunto in cortei o veglie funebri.

La Lamentazione pur ubbidendo a regole. si apriva senza difficoltà all'effusione del sentimento, alleandosi talora anche con la danza per una sua traduzione mimica.

Liszt Franz Rapsodie ungheresi per pianoforte, 1853 e 1885

2017-09-23T12:12:00.002+02:00

Composte tra il 1840 e il 1853, le prime 15 Rapsodie ungheresi, pubblicate una prima volta in raccolte separate, furono raggruppate in edizione nel 1853.

Le ultime quattro, scritte tra il 1882 e il 1885, furono pubblicate nel 1885 Liszt ha orchestrato le Rapsodie n.2 e 12.

Ricollocate ed ben eseguite, le Rapsodie si presentano come brani dal sapiente gioco pianistico, un po' manierati per la loro magniloquenza, meno virtuosistici di quanto possa sembrare.

Le Rapsodie ungheresi fanno propria la scala, i ritmi e il gusto dell'ornamentazione dello stile tzigano.

La musica come sophia: il mito delle cicale

2017-08-05T18:36:00.001+02:00

Il significato dell'identificazione del comporre musica con il filosofare si trova forse nel Fedro, nel mito delle cicale da cui appare evidente la posizione privilegiata della musica rispetto alle altre Muse, privilegio che la rende simile alla filosofia: filosofare vuol dire rendere onore alla musica. La musica in questo mito appare come un dono divino di cui l'uomo può appropriarsi, ma solo ad un certo livello, quando raggiunge la sophia.

Il mito delle cicale riferito da Platone per bocca di Socrate:

"La storia è che una volta le cicale erano uomini - viventi prima della nascita delle Muse - e che quando esse nacquero e comparve il canto, alcuni di questi a tal segno furono storditi dal piacere che per cantare scordavano cibo e bevanda e neppure si accorgevano di morire. Da costoro e in seguito a ciò saltò fuori la famiglia delle cicale, alle quali le Muse concessero il favore di non aver affatto bisogno, da che sono nate, di alimenti, ma di potere cantare subito, senza mangiare e bere fino alla morte; e dopo di andare presso le Muse a riferire che le onori sulla terra e quali di esse ciascuno veneri. A Tersicore le cicale menzionano gli uomini che l'hanno venerata con le danze, così li rendono cari alla Musa; a Erato, parlano di quelli che la venerano in canti d'amore; e altre muse ugualmente secondo l'arte per cui ciascuno è onorata.. Alla più anziana, Calliope, e a Urania che le vien dietro, le cicale menzionano quelli che passano la vita a filosofare e che così onorano l'arte musica propria di quelle: perché queste due, sopra tutte le altre Muse presiedendo alle cose celesti ed occupandosi dei discorsi divini ed umani sanno il canto più soave. Così abbiamo mille ragioni per discorrere, invece di starcene appisolati nel mezzogiorno".

J.B.Lully

2017-08-05T17:42:00.003+02:00

A metà del Seicento , accanto al ballet de cour, fu introdotta la comédie-ballet, che univa parti recitate e danzate.

La collaborazione di Molière e di J.B.Lully (Firenze 1632 - Parigi 1687) creò degli spettcoli di alto valore artistico, tra cui Le Bourgeois gentilhomme, 1670.

La danza era molto gradita alla corte francese del re Sole; lo stesso Luigi XIV amava partecipare alle danze come ballerino..

Lully seppe a poco a poco accrescere la sua importanza nella vita musicale di corte: ottenne dal re la carica di sovrintendente generale della musica francese.

Oltre ai balletti e alle comédie-ballet , Lully scrisse le tragédies lyriques; tra le opere Cadmus et Hermione, 1673: Alceste, 1674: Thésée, 1682; Roland, 1685; Armide, 1686. Scrisse anche musiche religiose e strumentali.

La musica de Lully segue strettamente il testo, sillabicamente nel recitativo (numerosi cambiamenti di tempo) e nell'aria (in due parti semplici) che, rispetto a quella italiana, dispone di una minore libertà melodica. Grande importanza hanno i cori trattati omofonicamente e le danze, collegate all'azione (molto usata la ciaccona) La sinfomia di introduzione è in tre parti: grave, allegro fugato, adagio.

L'orchestra di Lully è già un organismo più ampio ed omogeneo delle contemporanee orchestre italiane: benché limitata la funzione dell'accompagnamento il compositore se ne serve a scopo descrittivo e psicologico.

L' "italiano francese" nel 1672 fondava l' Académie royale de musique et dans che divenne poi l'Opera.

Carl Maria von Weber Ouverture de Il Franco Cacciatore, 1821

2017-06-25T16:04:00.000+02:00

Composto nell' estate 1817, Il Franco Cacciatore fu eseguito per la prima volta il 18 giugno 1821 al nuovo teatro dell'Opera di Berlino. Al podio, l'autore.

All'origine di questa Ouverture vi è il progetto di condensare l'azione di un dramma lirico ispirandosi ad alcuni suoi temi.

Il Franco Cacciatore costituisce la prima grande trasposizione musicale degli ideali espressivi del romanticismo germanico: il Lied vi gioca una parte fondamentale, come la nuova concezione del suono, magico elemento di suggestione.

Il cantore Demodoco

2017-05-25T16:38:00.000+02:00

Leggendo l'Odissea sembra che l'arte musicale sia concepita come un mestiere specializzato e non come un'attività collettiva.

Il cantore Demodoco è rappresentato cieco come se lo si volesse separare dagli altri mortali.: "E giunse anche l'araldo, guidando il diletto cantore,/ così predilesse la Musa, donandogli un bene ed un male:/ privo lo fe' degli occhi, ma il canto soave gli diede".

La cecità è data come un male che si accompagna al dono del canto affinché il cantore sia più concentrato nella sua arte, distolto dal mondo esterno.

Odissea,VIII 44-45

Diabolus in Musica

2017-05-25T15:44:00.000+02:00

L'Intervallo musicale di tre toni interi (ad esempio: fa-si; do-fa diesis, ecc.) era chiamato dai trattatisti medievali Diabolus in Musica in quanto dissonante benché ricco di potere risolvente inoltre era di difficile intonazione. Continuò ad essere vietato in sede scolastica nei secoli successivi.
Tale intervallo è impiegato nella musica popolare.

Interpretazioni consigliate: J.S. Bach

2017-03-03T10:39:00.002+01:00

Superata la concezione che vede in lui solo il perfezionamento sommo e la sintesi finale della tradizione musicale dal Rinascimento al Barocco, restano ancora da chiarire problemi che concernano i rapporti della sua musica con quella dei temporanei e, soprattutto, dei musicisti posteriori, fino alle esperienze più moderne.

Interpretazioni consigliate
Cantate BWV 140 E bwv 147, Gardiner, Archiv 431 809
Concerti Brandeburghesi, Richter, Archiv 427 143.2
Motthdus-Passion BWV, Koopman, Erato 2292-458-2
Le 6 Suites per viooncello, Cals, EMI CHS 7 61027 2 (2 CD)
Il clavicembalo ben temperato BWV 846-893, Gould, CBS M3K, 42266 (3 CD)
Variazioni Goldberg, Gould, CBS MYK 44868, oppure Daler, Claves CD 50-8601
L'arte della fuga, Versione per quartetto d'archi, Borciani/Pegreffi/Poggi/Simoncini, Nuova Era 6744/45 (2 CD)

Bibliografia
A.Basso, Frau Musika, Vita e opere di J.S.Bach, EDT, Torino 1979-83 (2 voll)

Interpretazioni consigliate: Arcangelo Corelli

2016-11-14T13:36:00.000+01:00

Corelli è stato l' "inventore" del concerto grosso. Altri prima di lui avevano contrapposto un piccolo gruppo di strumenti: i dodici concerti grossi(1682, op.6) erigono il principio a sistema.

Interpretazioni consigliate:

Petite Bande diretta da S.Kuijken (Deutsche Harmonia Mundi 20 305, 1976)

Corelli, Concerti Grossi op.6, Solisti italiani, Denon CO 74168/69

Bibliografia:

A,Cavicchi, Contributo alla bibliografia di Arcangelo Corelli, in "Ferrara", 1961

Studi corelliani (atti del 1° Congresso internazionale, Fusignano, 1968), a cura di A,Cavicchi, O.Mischiati e P.Petrobelli, Firenze 1972.

Mendelssohn: Concerto in mi minore per violino e orchestra op.64

2016-10-07T13:06:00.005+02:00

Mendelssohn compose questo Concerto nel 1844, non era la prima esperienza del genere in quanto aveva già scritto un Concerto per violino e orchestra di soli archi nel 1822 (aveva soli tredici anni) e un altro Concerto doppio per pianoforte e violino nel 1823. La nascita del Concerto in mi minore è legata al grande violinista Faerdinand David (1810 - 1873) che nel 1835 Mendelssohn, direttore d'orchestra al Gewandhaus di Lipsia, aveva fatto assumere come primo violino solista in quell'orchestra, una delle prime d'Europa. Il virtuoso violinista era consapevole delle difficoltà (arpeggi, trilli, doppie corde, ecc.) della parte del violino perché Mendelssohn l'aveva associato, come consigliere tecnico, alla sua elaborazione.

.L'opera fu eseguita la prima volta il 15 marzo 1845 al Gewandhaus di Lipsia..

Nel primo tempo (Allegro molto appassionato), il compito di estendere l'atmosfera appassionata del primo tema è affidato ad un'idea di collegamento: lo sviluppo del tema principale e del motivo secondario porta ad una cadenza che si fonde nel movimento, che si conclude con una brillante variazione del motivo secondario.

Tra i tocchi delicati, è quella la nota tenuta dal fagotto solo che lega il primo tempo al secondo (Andante).

E' forse la più bella pagina della partitura, quella in cui si ritrova il Mendekssohn delle Romanze senza parole per pianoforte, appassionato con ritegno, che controlla i suoi effetti rinunciando ad ogni pathos romantico.

Con lo sviluppo dell'ultimo movimento (Allegro molto vivace) riappare la melodia iniziale la cui linea melodica è oggetto di variazioni affidate al solista durante la coda.

Paganini dedicò a David una delle sue pagine di più spericolato virtuosismo, il Moto perpetuo.

W.A.Mozart: Concerto per flauto, arpa e orchestra, 1778 Do maggiore, K.299

2016-09-18T12:51:00.002+02:00

Il concerto per flauto e arpa fu scritto da Mozart nel 1778, durante il suo secondo viaggio a Parigi.

Al musicista, che in quella città dava lezioni di composizione a una giovane arpista, figlia del duca di Guisnes, lui stesso flautista, fu incaricato di mettere in valore i due virtuosi dilettanti.

In effetti si tratta di una sinfonia concertante per due strumenti. L'opera nei suoi tre movimenti, è riuscita grazie all'equilibrio ottenuto tra i solisti e l'orchestra, lo stile francese e quello tedesco, la convenzione e l'invenzione.

La jigg

2016-09-10T17:45:00.001+02:00

Spettaccolo che mescolava dialoghi, musiche e danze che fu in voga tra il 1550 e il 1750 in Irlanda: di là fu poi introdotto in altri paesi europei (Inghilterra,Olanda, Germania, Paesi Scandinavi).
Intorno alla metà del XVI sec. la jigg si cristallizzò in una sorta di breve burlesque -ballata farsesca- destinata a 2-5 personaggi con inserzioni di danze e canti su melodie popolari.
In seguito la jigg si trasformò in un numero posto a conclusione di spettacoli drammatici seri e tale fisionomia mantenne fino al 1630 circa,
Successivamente, sotto l'influenza del masque, la jigg via via si andò configurando come una breve farsa in prosa.

Mauro Francesco

2016-06-15T19:21:00.000+02:00

E' nato in Olevano sul Tusciano nel 22 dicembre 1888 e deceduto il 16 ottobre 1951. Figlio di Domenico e di Venosa Raffaella...Un uomo di profonda cultura con una vera e innata vocazione alla musica ed allo studio delle opere, la cui esecuzione come direttore della banda musicale gli riusciva eccellente con ottime affermazioni nelle moltissime occasioni. Ha molto viaggiato, anzi ha compiuto diverse volte la traversata dell'Atlantico verso gli Stati Uniti d'America, dove si esibiva come maestro dimostrando le sue spiccate qualità e capacità nelle città di New York. Fu arruolato nell'esercito ed al rientro in patria si ritrovò senza il posto di lavoro e con la numerosa famiglia a carico. Fu determinato a rivolgersi alla autorità provinciali e nazionali del tempo con lettere di protesta anche al Papa ed al Duce Mussolini. Queste lettere nel paese gli procurarono l'accusa di sovversione ed antifascismo e poteva rischiare il carcere.

Negli inquisitori subentrò una naturale sovversione umana e vollero evitargli il carcere, considerandolo"insano di mente" da destinare al centro della Certosa di Padula. Vi restò circa due anni e insieme ad altri confinati perché oppositori del Regime Fascista riuscì a diffondere la passione la passione per la musica e costituì una banda.

Intanto si verificò un avvenimento straordinario che contribuì a salvarlo totalmente: la visita del duce Benito Mussolini alla Certosa di San Lorenzo. Il Duce fu accolto dai confinati al suono delle note della banda costituita dal Maestro Mauro Francesco con l'Inno Fascista[...]

La brillante esecuzione e la novità che si presentò al Duce sortì effetti positivi.

Il Duce parlò allungo col Maestro Mauro e venne a conoscenza della persecuzione politica subita ingiustamente, il particolare della condanna di insanità di mente. Ascoltato il resoconto Mussolini osservò:"e sarebbero questi come te pazzi?"

Poi telefonò al prefetto di Salerno affinché il Mauro fosse immediatamente liberato e restituito alla famiglia, con il reintegro nel posto di lavoro.

Moltissimi altri episodi della vita di questo eccellente musicista, di carattere fermo, sensibile e aperto alla cultura meriterebbero una voluminosa raccolta in un libro esclusivo.

E' bene chiarire una volta per tutte che Mauro Francesco non è mai stato pazzo, ma uomo libero nel pensiero e nelle azioni, capace degnamente di volare sulle ali della bella musica da lui coltivata, diffusa e amata.

Crescenzo e Michele Cicatelli, Orgogliosi di essere olevanesi, ilsaggioeditore, Eboli 2016, pp 53-54

Storia della Danza Curt Sachs

2016-05-16T18:31:00.001+02:00

Questa storia universale della danza e ancor oggi considerata un classico, poiché dall'anno della sua apparizione (1933) si può affermare che l'arte e l'espressione coreutica non abbiano più avuto una così ampia trattazione storica e filologica.

Giuseppe Verdi

2016-05-16T16:47:00.001+02:00

Gioseffo Zarlino

2016-03-23T11:06:00.002+01:00

Gioseffo Zarlino (Chioggia 31 ? 1517 - Venezia 4 II 1590). era figlio di Giovanni e Maria de' Zarlini, che erano giunti a Chioggia da Alessandria, passando per Cremona. Ricevette i primi insegnamenti di religione e musica dai frati francescani, ordine del quale alla fine fece parte. Nei documenti della cattedrale di Chioggia è registrato come cantore nel 1536 e come organista tra il 1539 e il 1540. Il 27 IV fu nominato cappellano e mansionario della scuola di San Francesco di Chioggia. Si stabilì a Venezia nel 1541 e divenne allievo di Willaert. Il 5 VII 1565 succedette a Cipriano de Rore come maestro di cappella di San Marco a Venezia e nello stesso anno fu eletto cappellano di San Severo. Nel 1583 divenne canonico del capitolo di Chioggia e fu designato dal capitolo alla nomina vescovile, ma in sua vece fu eletto G.Fiamma.

Zarlino è ricordato principalmente per i suoi tre trattati: Le istituzioni armoniche (1558), Dimostrazioni harmoniche (1571) e i Sopplimenti musicali (1588) I

l primo unisce la tradizionale scienza musicale con la pratica della composizione, il secondo in forma di dialogo tratta la teoria musicale tradizionale come un ramo della matematica, il terzo è una risposta alle obiezioni sollevate al suo primo libro da V.Galilei, che era stato suo allievo.

Tutte le istanze espresse nei trattati dei primi teorici del Rinascimento confluiscono nell'opera di Gioseffo Zarlino

Da tempo si sentiva l'esigenza di colmare da una parte la distanza tra teoria e prassi, teorizzata da Boezio e da tutto il pensiero medioevale, e dall'altra di elaborare una concezione della musica più aderente alla sua realtà storica. Queste esigenze confluiscono nel pensiero rinascimentale, in cui d'altra parte è viva l'aspirazione a razionalizzare su basi più solide la nuova esperienza musicale. Se il razionalismo medievale era astratto in quanto tendeva a creare delle costruzioni teoriche musicali prive di agganci con l'esperienza e fondate su principi estranei alla musica, i teorici rinascimentali mirano a giustificare razionalmente l'uso reale che nel loro tempo si faceva degli intervalli musicali.

Zarlino tenta nei suoi trattati, forse per la prima volta, di operare questa razionalizzazione sistematica nel campo della musica, che doveva poi trovare un punto di arrivo nell'opera di Rameau, quasi due secoli più tardi.

F.Schubert Quintetto con pianoforte "La trota", 1819 La maggiore, op. 114, D.667

2016-01-22T20:52:00.001+01:00

Poiché questo quintetto era stato commissionato a Schubert nel 1819 da un violoncellista entusiasta del Lied "Die Forelle", Schubert affidò il ruolo poco gratificante del basso, non al violoncello, ma a un contrabbasso.

Il Quintetto in la maggiore si compone in 5 movimenti: i 3 primi (allegro, vivace, andante, scherzo-trio) sembra che abbiano lo scopo di preparare il 4°, andantino, che è costituito da una serie di variazioni sul tema del Lied "Die Forelle" (La trota).

Questa preparazione avviene mediante l'allusione al genere liederistico (1° movimento), ricorrendo alla tecnica della variazione, ancora con l'impiego della stessa tonalità -re maggiore- nel trio dello scherzo. L'ultimo movimento, allegro giusto, per il suo tono trionfale, sembra commentare la riuscita della citazione

Lo Jubilus

2016-01-04T18:10:00.002+01:00

Lo jubilus è un melisma vocalizzato su un'unica sillaba, soprattutto nel canto gregoriano, sull'a finale della parola alleluia: è quindi parte integrante dell'Alleluia del Proprium missae, della cui melodia è una sorta di elaborata coda o cadenza. In questa senso è sinonimo di neuma, che nella terminologia medievale significa genericamente passo melodico melismatico di cantus planus: lo stesso si dice del termine jubilatio che sottolinea con maggior evidenza la mistica esaltazione di tali canti senza testo, certo i più ricchi del repertorio liturgico.

Fra gli altri ne parla, attestandone l'origine ebraica, sant'Agostino che nei suoi scritti afferma che la musica è lo strumento perfetto della lode a Dio e dell'elevazione dell'anima fino alla sfera dell'infinito e dell'inesprimibile.

"Il giubilo è quella melodia, con la quale il cuore effonde quanto non gli riesce di esprimere a parole...Allora il cuore si aprirà alla gioia, senza servirsi di parole, e la grandezza straordinaria della gioia non conoscerà i limiti delle sillabe". (Salmo 32,3)

Ludwig van Beethoven Sei bagatelle per pianoforte, 1825, op. 126

2015-10-25T12:21:00.003+01:00

Ai contemporanei è sfuggito l'interesse di queste miniature, che figurano a margine delle Variazioni Diabelli e della Nona Sinfonia. Un editore rifiutò di pubblicare quelle dell'op. 119, e sembra che Beethoven abbia composto l'op. 126 per rispondere a quelle critiche.

Contrariamente alla seconda raccolta op.119, i cui undici brani sono stati riuniti solo per la pubblicazione, le Sei bagatelle op. 126 sono concepite come un ciclo.

Non hanno il carattere casuale della raccolta precedente e la loro successione si articola in un'alternanza di brani lenti e veloci.

I numerosi studi lasciati nei quaderni di schizzi testimoniano l'importanza che Beethoven accordava a quest'ultima serie da lui considerata la più riuscita delle tre.

Video

2015-10-24T18:25:00.000+02:00

L.Van Beethoven - Youtube
12 febbraio 2014
Caricato da La Storia Viva

Farinelli - Voce regina

Cinema del 1994 del regista belga Gérard Corbiau, di Produzione italo-francese, Sulla vita del cantante castrato del XVIII Secolo Carlo Broschi, in arte Farinelli

Musiche: Nicola Porpora, Derek Lee Ragin, Ewa Malas, Godle WSKA, Johann Adolf Hasse

Casa Ricordi

Dati di Uscita: 1 dicembre 1954 (Italia)

Regista: Carmine Gallone

Durata: 1h 50m

Musiche: C.Gallone, LF D'Amico, F.Scarpelli, A.Incrolli, L.Benvenuti, VNNovarese

Real Teatro Borbonico di "San Carlo" (Napoli), il più bello del mondo
di A.Forgione

Teatro San Carlo di Napoli

Voce Non solo: Maria Callas
Italo Moscati

Il Pianista
Regia: Roman Polanski
Musiche: W.Kilar
anno: 2002

Giovane Promessa della Musica Classica, Una suona 4 anni il pianoforte e fa sognare il web

di Kravmagarob

Chopin raccontato DA Augias
di TreccaniChannel

Musica- Rossini (Corrado Augias e Giuseppe Modugno)
20015

Ezio Bosso - Praticare a Palazzo Bardo 2014

compositore e Direttore d'Orchestra e Uno dei massimi Esponenti del Neo Minimalismo

Organo ad acqua, villa d'Este, Tivoli

La balalaika

2015-10-24T15:51:00.001+02:00

Strumento musicale particolarmente diffuso in Ucraina (da baia, scherzo facezia), a corde pizzicate con o senza plettro. Ha tre corde, cassa armonica triangolare, tavola armonica con una o più rose circolari, manico con traversine e cavigliere a spatola, leggermente inclinato all'indietro.

La balalaika fu introdotta in Russia dai Tartari nel XVIII secolo e fu usata soprattutto dai contadini per accompagnare danze e canti rustici.

A.K.Glazunov e Rimskij-Korsakov dedicarono composizioni originali alla balalaika, che in Europa, con il canto dei battellieri del Volga, fu emblematica per rappresentare il folklore russo.

I trattati di età ellenitica

2015-09-03T11:06:00.001+02:00

I De Musica di Aristide Quintiliano del II secolo d. C. è un ampio trattato pervenutoci integro, di orientamento eclettico, mescolando idee proprie della corrente platonica con quelle della corrente aristotelica.

Gli Armonici di Tolomeo di orientamento pitagorico, ma il più importante per l'enorme quantità di notizie tramandateci, su tutta la storia del pensiero musicale antico è il dialogo De Musica dello Pseudo Plutarco, opera probabilmente del III secolo d.C., che si rifà ad altre fonti precedenti tra cui soprattutto alle opere di Dionigi di Alicarnasso.

Nessuna dottrina precisa viene esposta nel De Musica, ma solo un coacervo disordinato di notizie e giudizi riferentesi a tutti i pensatori greci da Pitagora ad Aristosseno.

L'imbroglio dei modi

2015-09-03T10:15:00.001+02:00

Per la confusione con gli antichi toni greci nell'ordine e nella terminologia, si dovrebbe bandire dal vocabolario musicale l'abitudine ancora diffusa di denominare i modi della musica occidentale con la terminologia greca.

Definire Dorica o di Modo Dorico una Toccata di Bach perché scritta in re minore senza bemolle in chiave è un'eresia storica perché in contrasto con la vera natura dei modi.

Paul Dukas: L'apprendista stregone

2015-07-13T16:30:00.001+02:00

Grande ammiratore di Wagner e Debussy, P. Dukas (1865-1935) presenta al pubblico dell'Opéra Comique la sua opera più riuscita, Arianna e Barba-Blu, una felice fusione di "wagnerismo" e spirito francese..

Compositore non particolarmente fecondo egli produce, anche in campo strumentale, alcune opere pregevoli: la più conosciuta è il poema sinfonico L'apprendista stregone composta nel 1897 ispirandosi ad una ballata di Goethe. La prima esecuzione dello stesso anno riporta un vivo successo.

La composizione è strutturata secondo lo schema classico della forma-sonata. Si apre con una breve introduzione (Lento) in cui sono abbozzati quattro temi: "I sortilegi", "La scuola magica", "L'apprendista" e La stregoneria" .

I due motivi della scopa e dell'apprendista saranno sviluppati nel movimento vivace della forma-sonata propriamente detta. Il brano si conclude con una breve coda (Lento): il maestro stregone, di ritorno, ha rimesso in ordine la casa in cui durante la sua assenza, l'apprendista aveva provocato un'inondazione facendo lavorare una scopa che non era più in grado di controllare.