Los estadounidenses Lamb Of God se han convertido en la niña bonita de cientos de seguidores del metal de nueva generación. El hecho de que Metallica, apostasen por ellos para abrir muchos de sus conciertos también ha provocado parte de esa expectación.

Lo cierto es que los de Richmond han ido construyendo una sólida trayectoria desde que en 1990 se replanteasen su futuro como Burn The Priest e iniciaran una nueva etapa con su actual nombre produciendo cuatro competentes discos, consolidada en 2006 con Sacrament, un trabajo en el que se adivinaba un cierto acercamiento a los perfiles comerciales. Con Wrath, han retomado su vertiente más cruda apostando por las sonoridades de mordiente corrosiva.

Aunque posiblemente se hayan exagerado las bondades de su propuesta, sin duda es una banda con mucha personalidad. Sobretodo, por haber sabido cimentar un sonido que está desarrollado de forma que mantiene las distancias con los vértices excesivamente extremos, además de desmarcarse del puro y duro metalcore, quedando su contexto en el vasto universo del metal, para flirtear con esquemas encuadrados en la diversidad.

Asentados en la rudeza de unos riffs de rugosa textura y desafinación exquisita fruto de la vitalista labor de Willie Adler y Mark Morton, quien no se prodiga excesivamente en los solos pero cumplen su función perfectamente; en la agresividad vocal de Randy Blythe, en gran forma durante todo el disco y en una abrumadora sección rítmica formada por John Campbell (bajo) y Chris Adler (bateria), Lamb Of God facturan una serie de composiciones abruptas y demoledoras donde no destaca una más que otra porque todas transpiran peligrosidad, destilan mala leche y cabalgan a través de una musculosa dinámica.

Quizá la aceleración de “Contractor” y la firmeza de “Fake Messiah”, surjan como ejemplos más representativos aunque el resto de temas mantiene el mismo nivel de calidad y ferocidad, salvo la instrumental “The Passing”, una intro con rasgos armoniosos preludio de la tormenta consiguiente.

En determinadas partes la batería suena excesivamente orgánica y esto puede llegar a sorprender, incluso recuerda al vilipendiado St. Anger de Metallica, aunque aquí son solo momentos puntuales.

También es evidente su acercamiento a los atributos inherentes a Pantera, sin embargo, otro de los méritos de Lamb Of God es, precisamente, saber aprovechar esas influencias sin que dejen una huella descarada. Al contrario, las utilizan en su beneficio camuflándolas con criterio.

En conclusión, un brutal encuentro con los residuos del heavy más colérico mutado en material altamente inflamable. Quizá algo difícil de asimilar para neófitos pero con mucha sustancia por descubrir en sucesivas escuchas y eso siempre es positivo para una banda.

GRUPO: Lamb Of God
TITULO: Wrath
DISCOGRAFICA: Roadrunner
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos
CALIFICACION: 8

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

¡Jorn Lande ataca de nuevo¡ Ya lo comenté en la reseña de su DVD Live In América, el vocalista noruego es un adicto al trabajo. Alrededor de un año después de entregar su brillante álbum Lonely Are The Brave, presenta una nueva grabación bajo el título de Spirit Black.

Por suerte para quienes disfrutamos con su anterior disco, Jorn ha mantenido las mismas directrices, es decir, puro hard/heavy metal ochentero, directo, incisivo y energético, rodeado de un sentimiento vocal de alto nivel dramático.

Heredero de las texturas propias de vocalistas tan renombrados como Ronnie James Dio y David Coverdale, el “vikingo noruego” aporta la juventud y la capacidad necesarias como para continuar con garantía de calidad el legado de los dos legendarios cantantes.

La formación que presenta en esta ocasión cuenta con la incorporación de Igor Gianola (U.D.O.), en reemplazo de Jörn Viggo Lofstad en una de las guitarras. Sigue a su lado su inseparable colega Tore Moren (guitarra), además del batería Willy Bendiksen, todo un maestro con las baquetas. También repite aventura Tommy Jansen en la producción, con un excelente balance.

Reiterar las cualidades de Jorn, aunque sabidas, no está de más, su torrente de voz es incuestionable, además de las ya mencionadas influencias, es justo reconocer su versatilidad, adaptando su registro con eficacia según lo requiera la situación. Agresivo y desgarrador lo encontramos en “Spirit Black”, un inicio algo oscuro pero impactante, con una genial batería que en determinados momentos recuerda a Kiss, así como en “Below”, con el apoyo de espléndidas guitarras, o en la misteriosa “Road Of The Cross”, con épica de ambientación oriental. Igual de persuasivo se muestra en la robusta “The Last Revolution”, mientras que en “World Gona Mad”, surge el estremecedor espíritu de Thin Lizzy a través de su garganta. Por otra parte, “Rock And Roll Angel”, muestra el lado más tranquilo y convencional, con un comienzo lento que va cogiendo fuerza para acabar con un sugestivo aporte guitarrero.

Al contrario que otros cantantes que abusan de su presencia dando preponderancia a la voz en detrimento de la instrumentación, Jorn no tiene reparo en delegar protagonismo al resto de la banda porque, de igual forma, se hace notar con todo su peso específico. Ha sabido rodearse de un equipo altamente competitivo y le cede el espacio necesario para que despliege toda su capacidad. Así, su eficacia se puede notar en canciones que se salen algo de la norma, como “City Inbetween”, con iniciales efectos de campana que apoyan la entrada de un punteo al estilo AC/DC para, seguidamente, introducir un pegadizo estribillo y luego dar un giro radical con la irrupción de estimulantes guitarras; o también en “Burn Your Flame”, el tema más acelerado del álbum, de nuevo con las guitarras marcando el ritmo a base de vitalistas acordes.

El resultado es de una solidez apabullante, que se traduce en un trabajo sin fisuras, de una sonoridad exquisita e impecable nitidez. Con las proporciones necesarias de garra y energía para apartarse de lo excesivamente empalagoso. Una gozada para disfrutar de principio a fin.

GRUPO: Jorn
TITULO: Spirit Black
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2009
PAIS: Noruega
CALIFICACION: 9

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Grupo: Voivod
Disco: Infini
Sello: Nuclear Blast
Fecha de publicación: 23 de junio de 2009
Más información: web/myspace

Listado de temas:

1. God Phones
2. From The Cgrave
3. Earthache
4. Global Warning
5. A Room With A V.U.
6. Destroy After Reading
7. Treasure Chase
8. Krap Radio
9. In Orbit
10. Deathproof
11. Pyramidome
12. Morpheus
13. Volcano

Imagino que todos los amantes de la música tienen historias similares a la que voy a contar. Imagino que todos terminamos teniendo empatía con aquellas bandas que nos gustan. En mi caso, tiendo a simpatizar con los grupos que poblan esa necesaria e imprescindible segunda fila, que no ’segundones’. Grupos que nunca han llegado a conquistar al gran público pero que demuestran su capacidad en cada entrega. No gozan de mucha promoción, nunca ocupan los lugares más altos en los festivales, y tampoco hacen ruido en lo mediático. Con suerte, a lo más que llegan es a alcanzar ese estatus, maldito en muchos casos, de “grupos de culto”.

No me atrevería a clasificar a Voivod dentro de la esta categoría de “grupos de culto”, aunque por méritos, influencia y originalidad deberían ocupar un lugar cercano a Metallica, Slayer, o Anthrax, pero, sin duda, sí que son de esos grupos que actualmente no generan gran repercusión mediática. Y mira que esto es difícil en la era de Internet, en la que los media musicales se hacen eco de hasta la más mínima actualización del myspace. Probablemente, en esta primera década de siglo XXI las dos únicas noticias que uno recuerda sobre Voivod son el fallecimiento de su guitarrista Denis ‘Piggy’ D’Amour, cuyas últimas composiciones están incluidas en este Infini [Nuclear Blast/Relapse, 2009] -que será el último disco de Voivod bajo tal denominación-, y la incorporación al bajo del Jason Newsted en el álbum homónimo de 2003. Newsted sigue colaborando, ha grabado y ha participado en la producción Infini, aunque rara vez sale de gira con ellos. De hecho, el bajista original de los canadienses, Jean-Yves ‘Blacky’ Thériault, ha vuelto a la formación, parece que el ex de Metallica no tiene mucha intención de ‘chupar’ carretera, y no le podremos ver en la próxima actuación de los de Quebec en el Lorca Rock.

Esta falta de repercusión mediática perfectamente queda corroborada en esos foros de Dios surgidos en la red de redes, donde un ‘topic’ hablando de Infini nunca tendrá más de una docena de respuestas. Y uno termina pensando que su propuesta, por muy influyente que haya podido ser sobre otras bandas, no es de las que engancha con facilidad. Sus inicios ‘thrashers’, su inclinación progresiva, la voz de Denis ‘Skake’ Belanger, la aspereza sonora, y sus devaneos instrumentales no han jugado a su favor a la hora de conquistar al gran público. Pero, paralelamente, sí han servido para aumentar su consideración entre músicos y fans del metal. Infini constituye el mejor testamento posible para el trabajo realizado durante décadas por Denis D’Amour y Voivod. Un legado inmejorable en forma de trece canciones.

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Infini es una apuesta continuista. Encaja a la perfección con la línea tomada por la banda desde el ingreso de Newsted. Junto con Voivod [Chophouse, 2003] y Katorz [The End, 2006] completa una gran trilogía. La continuidad era esperada ya que estas composiciones datan de la fase de creación de Katorz. El inicio de Infini destaca por esa potencia metalera habitual en Voivod, que se combina con ciertos riffs rockeros. Como sucede en el inicio de “From the Grave” o en “God Phones“, que goza de una parte rapidísma ‘made in’ Motörhead. Rapidez de guitarras que más adelante también aparecerá en “Global Warning”, “Krap Radio”, “Volcano”, que cierra Infini y que vuelve a hacer gala de la escuela Motörhead en su inicio. Y, sobre todo, “Deathproof”, creo que definitivamente es mi canción favorita del álbum. Potencia guitarrera, riffs rockeros, tensión musical, lo tiene todo.

Con “Earthache” Voivod comienza a enseñar su otra cara, menos ligera, más progresiva. Esa facilidad para comenzar a encadenar partes, donde la progresión de los riffs desemboca en pasajes de gran potencia metalera, auténticas orgías de decibelios. Muestra de ello son “Destroy After Reading”, alterna partes agónicas con otras más ligeras, cuenta con un espectacular solo, “In Orbit”, otro de los cortes donde Voivod se desenvuelven como pez en el agua entre riffs pantanosos, inquietos, preludios de escaladas de intensidad, o la siniestra “Morpehus”.

 

Es conveniente resaltar el paulatino aumento de calidad que se observa en algunas bandas de metal de la escena estatal. Algo inevitable si se quiere afrontar un futuro con garantías de supervivencia en al actual y masificado universo de la música. Aquí podemos aplicar la máxima darwiniana de la selección de las especies, solo los más fuertes sobrevivirán, o sea, aquellos quienes sean capaces, dentro de su estilo, de ofrecer un producto de calidad que supere la media general.

Los toledanos Cuernos De Chivo, dentro del metal extremo vinculado al death/thrash, han conseguido despertar interesantes expectativas con su segundo álbum, Deshumanización, dando un salto cualitativo con respecto a su anterior Ultra-Violencia (2007) para colocarse en una posición aventajada entre los grupos españoles que merecen ser vigilados de cerca.

Formados en 2005, Cuernos De Chivo, compuesto por Mero Mero (voz), R. Herrero y Rafa (guitarras), Zipri (bajo) y Kappo (batería), asombran por la madurez que han conseguido en tan poco tiempo, sonando compactos, frescos y demoledores, además de contar con el apoyo técnico de una producción excelente a cargo Carlos Santos y una, no menos sobresaliente, masterización a cargo de Jacob Hansen.

Deshumanización, presenta unos parámetros vinculantes con diversas bandas de reconocida categoría; prestando la suficiente atención podemos descubrir referencias cercanas a bandas como, Machine Head, Slayer, Sepultura o Brujería, pero sin caer en reproducción exagerada. Se limitan a tomar referencias clásicas para producir un producto de empaque metálico actual de rebosante vitalidad que los coloca al lado de formaciones de nueva generación.

El planteamiento de las guitarras está más orientado a la dinámica del riff corrosivo y recurrente, como catalizador de emociones, que a los solos. Aunque todos los temas mantienen una tónica similar, buenos ejemplos pueden ser Cólera o Deformed, está última con pequeños matices de los mencionados Slayer, algo que también se puede apreciar en determinadas partes de Estás Muerto.

Otro punto determinante, es la aparatosidad de la batería con un doble bombo explosivo y una pegada de sólida presencia. Completa la viciada atmósfera, una vocalización que sigue las reglas de los ánimos encolerizados y la ira como fuente de transmisión.

No les falta ingenio, como demuestran en el inicio con Mawashi Geri que sirve de introducción a su violento y arrollador universo, ratificado al iniciarse Desata Tu Rabia o, en la intro de Hostil, con su concesión al hip hop, previo acercamiento al mundillo del narcotráfico mexicano con La Venganza De Los Narcos, donde unos segundos de mariachi sirven de enlace.

Asimismo, han contado con las colaboraciones de Leo Jiménez (Stravaganzza), Alberto Marín (Hamlet), Juanma (Kuturlat) y Carlos Santos (El Ego).

Una grabación que está a la altura, e incluso supera, a algunas de las facturadas por muchos de los grupos extranjeros, a quienes se les suele tener más en cuenta sin percatarnos de que hay proyectos en España que pueden competir dignamente y deberían tener el apoyo de crítica y aficionados.

GRUPO: Cuernos De Chivo
TITULO: Deshumanización
DISCOGRAFICA: CD Music
AÑO: 2009
PAIS: España
CALIFICACION: 8,5

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

Fecha: 22-06-2009
Ciudad: Barcelona
Lugar: Razzmatazz
Duración: 90 minutos

Nadie como Korn para definir el término nu metal. Fueron auténticos maestros del estilo, irrumpieron con fuerza con dos tremendos álbumes, Korn y Life Is Peachy, y marcaron el camino a seguir. Innovaron en su momento y obtuvieron la recompensa, ventas de discos millonarias, miles de seguidores, conciertos multitudinarios y la fama por montera.

Más de una docena de años después, la situación de la banda ha cambiado bastante. Han alternado composiciones brillantes compaginadas con determinadas mediocridades, han perdido algunos miembros originales y también un puñado de fans. Además, el nu metal ha sido menospreciado y tachado moribundo.

En su actual gira, denominada Escape From The Studio Tour, para hacer unos cuantos bolos antes de la edición de su nuevo álbum el año próximo, se refleja algo de sus dos épocas. En su presentación en Barcelona, no se registró el lleno total de anteriores visitas pero, sus más incondicionales seguidores no faltaron a la cita. Han perdido poder de convocatoria pero, cuando se trata de exponer en directo parte de su legado, el carisma que desprenden sus composiciones más representativas resulta contagioso.

Desde el inicio del concierto, una fina neblina cubrió el escenario ocultando parte del escenario, haciendo imposible una clara visibilidad desde puntos distantes y mucho menos, tomar en condiciones favorables alguna fotografía con una cámara no profesional.

Comenzaron muy vitalistas, con “Right Now”, de Take A Look In The Mirror y “Chi”, de Life Is Peachy. Pronto se notó que la batería del sustituto de David Silveira iba a ser protagonista del concierto. Y no solo por el elevado volumen que impedía, en determinados momentos, apreciar en toda su dimensión la voz de Jonathan Davis, sino por las habilidades de Ray Luzier, espléndido durante todo el concierto, un huracán tras las baquetas. Evidentemente, Davis también fue el centro de atención, presencia de gaita incluida.

En líneas generales, resultó un concierto muy sobrio sin excesivas florituras, fueron a sacar la faena como buenos profesionales dejando un regusto algo nostálgico que tuvo sus puntos culminantes en temas hipnóticos y de dinámica recurrente como “Here To Stay” o en clásicos infaltables como “Falling Away From Me”, “Helmet In The Bush” y dos reservados para formar parte de los bises, “Blind” y “Got The Life”. Especialmente efusivo estuvo el vocalista en “Freak On A Leash”, con esa palabrería laberíntica que interpreta como nadie.

Tampoco faltaron los temas con cover añadido, como “Coming Undone” y su escueta referencia al “We Will Rock You” de Queen y otro de los cortes infaltables, “Fake”, enlazando al final con “One” de Metallica y ya en la despedida, “Another Brick In The Wall”, de Pink Floyd.

Buen concierto aunque no tan vibrante como tiempo atrás, potente pero previsible. Como sucede en estos casos, siempre hay canciones que uno hubiera querido escuchar en lugar de otras. Además, dedicar el final de la actuación a una versión, se me antoja algo surrealista. “Another Brick In The Wall”, es un tema algo depresivo como epílogo, se supone que la conclusión debe ser la definitiva explosión de energía pero desfilamos hacia la puerta con la melancolía metida en el cerebro y con ganas de más marcha.

KILLSWITCH ENGAGE

Auténticos invitados de lujo, Killswitch Engage demostraron que son una banda emergente con potencial suficiente como para actuar por estas tierras como cabezas de cartel. Su aplastante metal de aristas corrosivas se esparció por la sala con un vigor pletórico. Expusieron parte de su incendiario repertorio ante el entusiasmo de la concurrencia.

SET LIST KORN

1. Right Now
2. Chi
3. Did My Time
4. Falling Away From Me
5. Coming Undone / We Will Rock You
6. Bagpipe Interlude
7. Helmet In The Bush
8. Here To Stay
9. Fake / One
10. Freak On A Leash
11. Y’All Want A Single
12. Somebody Someone
BISES
13. Blind
14. Got The Life
15. Another Brick In The Wall (Pink Floyd)

 

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CRONICA Y FOTOS LOCKY PEREZ

 

 

Evento: Kobetasonik’09
Lugar: Bilbao
Fecha: 19 y 20 de junio

Durante el pasado fin de semana Bilbao acogió la segunda edición del Kobetasonik. Una segunda entrega que numéricamente se saldó con una reducción de la asistencia en un 25 por ciento. El primer día en Kobetamendi se congregaron poco más de 12.000 personas y el segundo se superaron las 15.000. Los tiempos de crisis que corren, la coincidencia con el primer fin de semana del Metalway zaragozano, o la falta de un reclamo al nivel de Kiss -si es que esto es posible- son algunas razones que explican el descenso de asistencia. Menos personal pero las mismas ganas de disfrutar de un cartel variado en el que bandas de hard-rock/heavy se daban la mano con otras más extremas e incluso con el hardcore. En lo musical, el evento dejó a dos grandes perdedores: Marilyn Manson y Mötley Crüe; y a varios ganadores: Machine Head, Suicidal Tendencies, Papa Roach, Hatebreed, Dream Theather y, sobre todo, Journey.

Viernes 19 de junio

El gran reclamo de la primera jornada de festival lo constituyó Marilyn Manson, que aterrizaba en tierras vizcaínas con nuevo álbum bajo el brazo -The High End Low- y con Twiggy Ramírez de regreso en la banda. Una gira de reunión entre estos extraños personajes que estaba dando mucho de qué hablar, todo ello para mal, y que en Kobetamendi se demostró porqué. La actuación del Reverendo no es que dejase mucho que desear, simplemente fue horrible e infumable. Dejó desconcertado a todo el mundo. Los que no le seguían se preguntaban “¿Ésta es la banda de siempre?”, “¿Ha venido a ensayar?”. Y los fans, incluso los más acérrimos, despachaban improperios en primera línea. “The Great Big World” era una de mis canciones favoritas de Manson hasta hace cinco minutos”, lamentó a mi espalda un atónito seguidor.

Concierto frío desde el arranque con dos canciones nuevas -”Four Dusted Horses” y “Pretty As Svastika”-. Tras ellas, el esperpento. Parones, ahora te paso el micro porque no me apetece hacer los coros y tu me das la guitarra ya que no quieres tocarla. Decimos que es el cumpleaños de Twiggy, suponemos que para justificar el pedo que lucían. Nos traen un inhalador de oxígeno para recuperar el fuelle, igualito que una década atrás. Entre medias, el Reverendo va balbuceando las letras de “Disponsable Teens”, “Irresponsable Hate Athem”, “The Great Big World”, …. Carga contra el público, éste le responde con su indiferencia. Destroza “Sweet Dreams” y “Rock and Roll Nigger”. Para acabar con “Beatiful People”. Todo el despropósito sin el impacto visual de antaño. Insufrible.

Afortunadamente los festivales ofrecen mucho más que el cabeza de cartel. Y así lo corroboraron antes Journey y Machine Head y después Suicidal Tendencies. Journey se erigió en uno de los grandes triunfadores de la velada gracias a su capacidad de gustar tanto a sus fans como aquellos que apenas habían escuchado cuatro canciones suyas. Y, sobre todo, triunfó su vocalista: Arnel Pineda. El filipino dejó impresionado a la audiencia con una gran versatilidad vocal y con su adrenalínica puesta en escena. La actitud y sonido de la banda fue inmejorable. Salieron a por todas. Desde “Separated Ways” hasta “Anyway You Wanted” no hubo cuartel. Grandes clásicos, como “Faithfully”, “Don’t Stop Believing” o “Wheel in the Sky”, hicieron las delicias de un público entregado durante la hora de actuación de los estadounidenses.

Después de Journey llegó el turno de Machine Head que también convenció a su manera. Arrasando, con un volumen atronador, y, al igual que sus antecesores, yendo a por todas desde el inicio con “Imperium”. No tardaron en enganchar al público y no dieron respiro con “Ten Ton Hammer”, “Beatiful Morning” y “Old”. Robb Flynn volvió a mostrarse dicharachero sobre el escenario, animando a montar un gran circle pit. Lo cierto es que la respuesta de la concurrencia no llegó a los niveles de visitas anteriores, sin ir más lejos la del año pasado al Electric Weekend, pero hubo comunión entre el escenario y el foso. De aquí al final, turno para “Bulldozer”, para la sorpresa con la recuperación de “Seasons Wither”, “Halo”, “Struck a Nerve”, “Descendent the Shades of Night”, y, como no podía ser de otra forma, “Davidian” para cerrar. Lástima que se dejasen algún clásico por el camino, como “Take My Scars”, pero también agradecemos que renueven el setlist. Machine Head es un valor seguro, lástima que todavía no cuente con la estima de los promotores para encabezar festivales.

Y otro valor seguro es Mike Muir y sus Suicidal Tendencies. Lo volvieron a demostrar tras el show de Marilyn Manson. Los que no se habían ido disfrutaron de la actitud arrolladora de Mike Muir y sus chicos. Pero, además de actitud, también tocan, y muy bien. La banda reinterpreta los viejos clásicos del grupo, como “Possessed to Skate”, “You Can’t Bring Me Down”, “We Are Family”, “Two Side Politics”, “Fascist Pig”, introduciendo nuevas partes, algunas bailables, de inspiración funk, al estilo de su otro proyecto paralelo, Infectious Grooves, pero sin perder ni un ápice de contundencia. Destaca la facilidad con la que Mike Muir cede el protagonismo en las partes instrumentales, para luego interrumpir en escena derrochando adrenalina. Mención especial para el cierre de la actuación con más de medio centenar de personas sobre el escenario cantando con la banda “We Are Family” y para el trabajo de Eric Moore con las baquetas.

Del resto del día no podemos decir mucho ya que el traslado a Bilbao y la lluvia que cayó en la capital vizcaína hasta los primeros compases de la tarde no nos permitieron ver mucho. Pudimos ver a Cathedral, cuya mezcla de Black Sabbath con el stoner actual convenció, especialmente por el muro sonoro que facturaron, a pesar de que el cantante no estuvo a la altura. Repasaron en gran parte su obra maestra Carnival Bizarre y, como no podía ser de otra forma, cerraron con “Hopkins”. También nos sorprendió Trivium. No les conocíamos mucho, pero desde luego que ofrecieron un set arrollador, con un volumen ‘rompe-tímpanos’, pero que convenció, y mucho, a los asistentes. Además, de las bandas encargadas de abrir la jornada nos comentaron que Gojira, como suele ser habitual, dieron un gran concierto y que tanto Crucified Barbara como Hot Leg animaron al personal, a pesar de la lluvia que caía.

Sábado 20 de junio

La actuación de Mötley Crüe no llegó al esperpento de Marilyn Manson, se quedó en decepción. Decepción debido a las buenas críticas generadas tras su última visita. Pero lo del sábado en Bilbao fue soporífero. Una concatenación de parones entre canción y canción, con un show visual poco llamativo. A nadie impresionan ya las escenas de sexo lésbico, ni las caricaturas de George W. Bush. Todo ello coronado con una actitud escénica que dejó mucho que desear. En total, se marcaron doce más una canciones en casi hora y media, lo que refleja la cantidad de tiempo que transcurrió entre tema y tema, por no citar las innumerables entradas y salidas del backstage. Y el año pasado nos quejábamos de que Kiss había introducido mucha ‘paja’.

El premio al sopor se lo llevó el guitarrista. Tres canciones después de haber comenzado la actuación, donde destacaron los gallos de Vince Neil en “Shout at the Devil”, Mike Mars decidió hacer un solo de guitarra, no sabemos si influido por la actuación previa de Dream Theather. Lo cierto es que Mars, anclado durante todo el concierto en el mismo punto, estuvo más de cinco minutos haciendo un solo de ruido que hubiese firmado la banda indie más arriesgada y experimental del momento. Dos notas y una sobredosis de ruido. Sabíamos que no era Jimi Hendrix pero pensábamos que le quedaba algo de vergüenza.

Además de los temas de su última entrega en estudio -Saints of Los Angeles- el concierto estuvo lleno de clásicos. Inicio con “Kickstart My Heart” y posteriormente fueron sonando “Same Ol’Situation”, “Looks that Kill”, “Girls Girls Girls”,… donde Vince Neil demostró no estar muy fino de voz y, además, Mötley Crüe nos obsequiaron con una buena ración de coros grabados. Y para terminar, después de hacer “Dr. Feelgood”, cerraron incomprensiblemente con “Home Sweet Home”. Mötley Crüe demostró ser una agrupación de rockstars, de limitado talento, que deambularon sin pena ni gloria sobre las tablas del Kobetasonik. Alguno de sus miembros demostró estar más cerca del retiro en Florida que de las grandes giras.

En el caso del sábado, uno de los grupos encargados de salvar la jornada fue Papa Roach. El horario no fue el mejor, el sol picaba, pero en cuanto saltaron al escenario supieron granjearse la simpatía y atención del personal. Entre “Between Angels and Insects”, con la que abrieron, y “Last Resort”, con la que cerraron, repasaron su discografía y nos sorprendieron gratamente con su evolución. Han pasado de ser una banda ramplona de nu-metal a incluir toques más rockeros en su música, algo que nos agradó. Y además son un torbellino en directo.

Después de los californianos llegó el turno de Anthrax. Momento esperado para conocer a su nuevo vocalista: Dan Nelson. Lo cierto es que el ‘nuevo’ no lo hizo mal, pero no goza del carisma de Bush. Aunque, para ser justos, en lo suyo cumplió con creces, por lo menos con el repertorio de la era Belladona. Básicamente Anthrax se dedicaron a repasar sus grandes éxitos de toda la vida, olvidándose de la etapa Bush, de la que únicamente interpretaron “Only”. Comenzaron con “Indians”, que fue empalmada con “Got the Time”, “Madhouse” y “Antisocial”. Y aquí se rompió la dinámica al interpretar una nueva composición: “Fight’Em ‘Till You Can’t Fight No More”. Tras ella, vuelta al repertorio clásico con “Caught in a Mosh”, para después abordar “Only”. Tras ella llegó la sorpresa: “New Noise” de Refused. Con la cantidad de canciones que tienen en su repertorio no se entende la necesidad de hacer la tercera versión de la tarde, después de “Antisocial” y “Got the Time”, que al menos están en su discografía. Y para cerrar otro ‘clasicazo’: “I Am the Law”. Un concierto decente pero que nos hizo añorar la bendita locura de Bush.

Del resto del día podemos decir que In Flames no estuvieron especialmente acertados, tuvieron constantes problemas de sonido, y también su actitud dejó mucho que desear, por no hablar del raro setlist interpretado. Lizzy Borden, que sustituyó a ultima hora a Thin Lizzy, debido a los problemas de clavícula de Tommy Aldridge, aburrió con su mascarada-metal. Dream Theather lo bordó, como siempre, pero continúa siendo un grupo sin alma, una máquina sin corazón, y termina ofreciendo una buena turra metalera de solos interminables. Y para cerrar, Hatebreed ofreció una actuación contundente, que arrancó los últimos movimientos del poco público que permaneció en el recinto. Arrollando, gozando de buen sonido. A falta de nuevo disco, repaso de buena parte de su dilatada trayectoria: “I Will Be Heard”, “Life for This”, “This is Now”, o “Destroy Everything”. Otro valor seguro en directo.

Las últimas líneas de la crónica están dirigidas a la organización del evento ya que al igual que otras veces ponemos a parir aquello que no nos gusta, también es justo señalar lo positivo. Respecto a la primera edición, la organización mejoró tanto en la oferta y calidad de la comidad como en los accesos al recinto, que pasaron de ser de arena a cemento y asfalto. Además se mantuvo lo bueno del año anterior, muchos servicios, limpieza, y puntualidad en el cumplimiento de los horarios. Y, sobre todo, destacar que para mitigar los efectos de la lluvia y del barro que se creó en la jornada del viernes, llenaron los dos escenarios de paja, algo que todos agradecimos.

 

La banda vallisoletana Presidio publica su álbum debut de título homónimo después de que en 2003, el guitarrista Jorge Gutiérrez decidiera buscar alternativas más positivas y se uniera a Javi Martínez (guitarra) y Rafa Aparicio (bajo) para formar Diceroll. Al poco tiempo se les unió el batería Jose Luis Hermosa y a finales del 2005 publican el álbum Dirt In The Eyes.

En 2007, se produce un giro de rumbo y, tras algunos cambios de músicos, se establece una formación en la que solo permanecen Jorge y Jose Luis, quienes encuentran en Madrid al vocalista idóneo para sus expectativas en la persona de David Moreno. A ellos se unieron posteriormente Eduardo a la guitarra y Sergio “Kala” al bajo y se inicia una nueva etapa con el nombre de Presidio.

Sus esquemas tienen mucho de rock potente, arropado por una dinámica rítmica sin excesivas complicaciones, con ramificaciones que los acercan al heavy metal con pinceladas power.

Es una propuesta que abarca un amplio abanico de sensaciones que, partiendo de un corte clásico convincente trata de ofrecer variedad y evitar el encasillamiento.

Hay buenas ideas compositivas y momentos de guitarra de gran nivel, como se pueden apreciar en las iniciales “Mito Enterrado” y “Odio”, la primera con un estribillo que puede recordar en algún momento a Barón Rojo y la segunda con un riff con mordiente y solos muy trabajados con resultados brillantes. “Te Digo Adiós”, mantiene los parámetros melódicos a un buen nivel, con un inicio lento que poco a poco coge aceleración, mientras que “A Tren” es algo más oscura al principio pero con acordes igual de efectivos.

La cuota de balada la aporta “Grabado En Mi Piel”, con guitarras acústicas seductoras y unas voces sugerentes. “Olvidar”, también tiene un inicio baladístico que cambia radicalmente en su última parte para convertirse en un tema algo extraño con unas partes cercanas a Megadeth y otras de sonido muy “español”, algo muy raro pero efectivo.

El resultado final es un disco entretenido con planteamientos atrayentes en cuanto a la percepción general aunque con ciertos altibajos. Se nota que aptitudes no faltan y que con una mejor producción hubiera ganado puntos en el análisis definitivo. A la batería se le podía haber extraído un mayor rendimiento y las voces necesitan algún que otro reajuste.

El álbum se presenta en doble formato español/inglés y, personalmente, creo que el idioma extranjero les da más credibilidad.

Un debut aceptable que deja entrever buenas posibilidades de superar su rendimiento en el futuro.

GRUPO: Presidio
TITULO: Presidio
DISCOGRAFICA: Autoproducido/Locomotive
AÑO: 2009
PAIS: España
CALIFICACION: 6,5

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ