El teclista Markus Teske, se ganó una excelente reputación como ingeniero de sonido de algunos artistas de renombre como Symphony X, Neal Morse, Ian Parry’s Consortium Project, Saga y Vanden Plas. En 2006, decidió montarse su propia banda y formó Red Circuit junto al vocalista Chity Somapala (ex Firewind, ex Avalón), además de Chris Moser (guitarra), Thomas Schmith (bajo) y Andy Klein (batería), con quienes el mismo año presentó su debut Trance State.

Tres años después, los alemanes lanzan su segundo álbum, Homeland, del que también forma parte importante en el aspecto compositivo Andy Kuntz (Vanden Plas), amigo personal de Markus y con quien se ha encargado de las labores de producción

Como es de esperar, con la experiencia de Markus en la parte técnica, el sonido que consigue Red Circuit en esta grabación es apabullante. Ante todo, destaca el protagonismo de los ritmos de la guitarra y el apoyo de los teclados. Entre uno y otro instrumento extraen exuberantes resonancias que encajan perfectamente en los parámetros del metal progresivo, aunque no es una banda de entramados complejos. Sus perfiles buscan más los esquemas directos, el acoso y derribo a base de potentes y recurrentes riffs emparentados con el power, no exentos de atractivas melodías, además de ciertos residuos vinculados al hard rock.

Somapala, realiza también un brillante trabajo vocal, complemento ideal para que las canciones ganen expresividad y sentimiento.

El comienzo, con “Homeland”, es de una plasticidad explosiva, con un riff que engancha de inmediato y unos teclados que inundan la atmósfera de brotes de dinamismo. En realidad, la guitarra realiza una actividad frenética durante todo el disco, tal como se puede descubrir en “The World Forgotten Sons”, “Through The Eyes Of A Child” o “See The Light”, apostando más por el turbo-rock voluminoso que por los desarrollos solistas cuyas esporádicas apariciones juegan un importante cometido estratégico, mostrándose especialmente eficaz en el corte “Healing Waters”.

Homeland es, un trabajo definido por su intensa fluidez y su fibrosa textura. Quizá ajustado a unos parámetros excesivamente esquematizados pero con una trepidante y contagiosa mecánica. Un grupo que todavía tiene mucho por decir, potencial les sobra.

CALIFICACION: 8,0

GRUPO: Red Circuit
TITULO: Homeland
DISCOGRAFICA: Limb Music
AÑO: 2009
PAIS: Alemania

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Uno pensaba que con Yngwie Malmsteen, Uli Jon Roth y, en menor medida, Ritchie Blackmore, el cupo de guitarristas dedicados a mezclar la música clásica con el heavy metal estaba suficientemente cubierto. Pero, al descubrir a Joe Stump a través de este recopilatorio titulado The Essential Shred Guitar Collection, hay que reconocer que faltaba un as importante para completar este poker de virtuosos.

Con una carrera iniciada en 1993 y desarrollada en varios frentes, Joe Stump no es ningún recién llegado. Cuenta con diez álbumes en solitario, cuatro junto a Reign In Terror y otro, además de un EP, con Holy Hell, banda con la que comparte actualmente su carrera como solista.

Además, fue nombrado como uno de los mejores en su estilo por diversas revistas especializadas. También ha sido profesor de miembros de bandas como Anthrax, Firewind, Diecast y Killswitch Engage, entre otros.

Una vez expuesto su curriculum, solo falta añadir que estamos ante un auténtico devorador de escalas que, igual nos fustiga con cien notas por segundo, como nos ataca con riffs musculosos o nos inunda de sentimiento melodramático. Pero siempre con un enfoque vitalista y bajo una diversificación de esquemas que evitan el tedio. Incluso, una balada como “Je T’aime”, se hace amena bajo la sensibilidad con la que toca Joe.

Estamos ante un músico que no solo se dedica a recorrer los trastes lo más rápido posible. Evidentemente, el tío es todo un experto en ese aspecto, pero su visión va más allá. Sus composiciones apuestan por la sustancia y la búsqueda de sensaciones diversas.

Los amantes del metal neo-clásico que desconozcan el trabajo de Joe, encontrarán aquí suficientes razones para añadirlo entre sus músico favoritos. De entrada nos regala con “Attack Of The Killers Swans” su particular versión de El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky, al que sigue “In For The Kill”, tema en el que mezcla con efectividad elementos clásicos con armonías heavys. Algo que aún se nota más en “Paganini’s Revenge”, con un riff poderoso de entrada y posterior inmersión en el universo inherente al músico que da título a la canción.

Los acelerados desarrollos guitarreros siguen deleitándonos en “Night Of The Living Shred”, luego se permite un homenaje a sus abuelos con el interludio “Never Forgotten”, para arremeter acto seguido con otra pieza muy decantada hacia el heavy metal, “The Sorcerer’s Apprentice”, con un riff cercano a los que suelen tener los trabajos de Ozzy Osbourne, aunque aquí se combinan, una vez más, con las filigranas guitarreras.

Por su parte “Demon’s Eye”, es otra de las composiciones más imbuidas del espíritu clásico y toda una declaración de principios puesto que Joe, ha comentado que su música fue menospreciada en la época del grunge y ahora, dice, “la mayoría de aquellos tipos, probablemente trabajen en Starbucks”.

Otras sorpresas que nos depara el disco son, por un lado, “R.B.N.C.S.F. NO II”, acrónimo de Ritchie Blackmore’s Neo-Classical Shred Fest Number Two, ya que la mayor parte del tema fue sacado de las fracciones solistas del “Child In Time” de Deep Purple, incluso, lleva un corto solo de batería y un riff que recuerda a la mítica banda británica. Y, por otro, “Rapid Fire Rondo”, donde un riff metálico sirve de introducción hacia nuevas expresiones clásicas, prestadas de Bach, Mozart y Paganini, este último vuelve a estar presente en el cierre del álbum con “The Devil’s Fiddler”.

Un disco que nos recuerda que el metal neo-clásico, cuando tiene el espíritu que mostró Yngwie Malmsteen en sus inicios, y se olvida de superfluos coqueteos comerciales, sigue teniendo un inmenso poder de atracción. Joe Stump, así lo demuestra en este repaso a sus mejores composiciones.

CALIFICACION: 9,0

GRUPO: Joe Stump
TITULO: The Essential Shred Guitar Collection
DISCOGRAFICA: Magic Circle Music
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Con su primer disco Out Of Myself (2004), los polacos Riverside demostraron al mundo que la alternativa puede surgir en cualquier país si se tiene imaginación y creatividad. Second Life Síndrome (2005) y Rapid Eye Movement (2007), completaron una trilogía que ratificó las magnificas cualidades de la formación compuesta por Mariusz Duda, bajista, vocalista y máximo compositor; Piotr Grudzinski, guitarra; Michal Lapaj, teclados y Piotr Kozieradzki, batería.

Con Anno Domini High Definition, se han desvinculado de las ataduras conceptuales que marcaron las pautas de sus obligaciones adquiridas y han apostado por el endurecimiento de los esquemas, aunque manteniendo la misma perspectiva estilística que ha formado su personalidad.

De esta manera, las composiciones de Riverside siguen enfocadas hacia unos planteamientos de estructuras complejas cuya dinámica se mantiene en constante mutación. Han desaparecido casi por completo los pasajes excesivamente sosegados en beneficio de una movilidad persistente en la que destacan los desarrollos instrumentales más intrincados. Posiblemente, esto ha incidido en la duración total del disco, algo más de 44 minutos, menos de lo que ha sido habitual. Sin embargo, la parte positiva radica en una mayor cohesión general así como una mecánica continuista que evita los deslices soporíferos que, en ocasiones, padecen algunas formaciones de corte progresivo.

La audacia de Riverside pasa por incursionar en el terreno del prog-rock con unos argumentos asimilados de influencias setenteras, para adaptarlos a la actualidad con una estudiada habilidad que les permite obtener un alto rendimiento global.

Anno Domini High Definition, es el fruto de la madurez de unas ideas y una fascinante travesía por los caminos del mejor metal progresivo de la actualidad, emparentado con lo que hacen grupos del calibre de Porcupine Tree.

Son solo cinco piezas pero todas aliadas con la exquisitez. “Hyperactive”, nos introduce en el universo de Riverside a través de unas notas de piano que cesan para dar entrada a un crescendo sonoro a base de aceleración guitarrera y acompañamiento de teclados, instrumento que aumenta su protagonismo en este álbum, con respecto a los anteriores.

“Driven To Destruction”, se inicia con unas líneas de bajo al estilo del maestro del jazz-fusion, Stanley Clarke. Acto seguido guitarras y teclados se funden con armonía y sentimiento. Un tema que, en parte, recuerda a Tool y que en su tramo final nos acercan a las sonoridades clásicas de Deep Purple.

El órgano Hammond, que ya había hecho su aparición en el anterior corte, asume mayor presencia en “Egoist Hedonist”, compartiendo espacio con diversos giros dinámicos donde tienen cabida, arremetidas guitarreras, incisos reposados de bajo y batería, efectos electrónicos, una sorprendente sección de viento y elementos percusivos de reminiscencias asiáticas; más variedad imposible.

“Left Out”, es el tema más tranquilo de todos, por lo menos durante media parte, en la que surgen las referencias a Pink Floyd en cuanto a guitarras y voces. Transcurrido un tiempo, el Hammond vuelve a impregnar la atmósfera de aires setenteros, con un final enigmático en el que un bajo de afinación grave apoya a un vitalista riff.

Finalmente, “Hybrid Times” nos descubre a una efectiva batería que durante todo el disco ha mostrado su ductilidad pero que aquí adquiere mayor relevancia con su pegada a contratiempo, siempre respaldada por una guitarra envuelta en continuos cambios de ritmo.

Una grabación soberbia que coloca a Riverside en la élite del género.

CALIFICACION: 9,5

GRUPO: Riverside
TITULO: Anno Domini High Definition
DISCOGRAFICA: Insideout
AÑO: 2009
PAIS: Polonia

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

El grupo madrileño Gauntlet, continúa la presentación en vivo por diversas ciudades españolas de su último y brillante álbum, What Doesn’t Kill Us…

En activo desde 1998, su formación ha sufrido una amplia metamorfosis durante once años de existencia. Desde sus inicios solo ha resistido el guitarrista Daniel Millán, a quien acompañan en la actualidad Miguel Rocha (voz y guitarra) y Alejandro Martínez (batería), además del más reciente incorporado Juan Carlos Fernández (bajo), sustituto de Santi García, el último en abandonar.

Tras su debut de 2006, Path Of Nails y el EP de 2007, The Comeback; What Doesn’t Kill Us es, posiblemente, uno de los trabajos más interesantes editados en lo que va de año en lo que respecta al metal estatal.

Sus composiciones se nutren de referencias derivadas del heavy y el thrash y se despliegan entre una vertiente cadenciosa, con persistentes riffs, y otra con un dinamismo más acelerado. En ambos casos, su desarrollo implica diversos giros y cambios rítmicos que enriquecen su contenido, evitando las similitudes para exhibir su propia personalidad.

Estos son sus próximos conciertos:

13-11-2009: Sala Averno (Castellón), + Unsouled
14-11-2009: Sala Be Good (Barcelona) + Unsouled+Steelgar
19-11-2009: Sala Estereo (Murcia) + Andralls (Brasil)+Iron Courtain
20-11-2009: Sala La Lola (Coslada-Madris)+Unsouled+Débler
04-12-2009: Sala Heineken (Madrid) Festival Dimebag Darrell III
11-12-2009: Sala Estereo (Alicante)+Leo 037
18-12-2009: Delicattesen Rock Bar (Segovia)+Unsouled+banda local
06-02-2010: Sala Excalibur (Madrid)+Punto de Mira-Unsouled

 

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LOCKY PEREZ

 

 

 

 

El número de noviembre de la revista This Is Rock, dedica su rosada portada a Pink Floyd, ya que, en páginas interiores, se realiza un amplio despliegue para descubrir al lector todos los secretos concernientes a la elaboración de The Wall, cuando se cumplen 30 años de la publicación de la última gran obra del grupo británico. El autor del reportaje, José Abellán, director del Animals Pink Floyd Magazine, todo un experto en el tema, detalla los pormenores del álbum conceptual que trascendió más allá de cualquier género musical.

En otro de sus artículos más extensos, la revista da cuenta de la histórica reunión de Mott The Hoople, incluyendo la crónica del concierto realizado en el Hammersmith londinense y una entrevista con uno de sus fundadores, Verden Allen.

Foreigner, otra formación con una larga trayectoria, aparece en las páginas de la revista con una entrevista exclusiva al guitarrista y compositor Mick Jones quien, entre otras cosas, manifiesta que fue muy duro quedarse sin la presencia vocal de Lou Gramm. En otras interesantes declaraciones, William Duval, actual cantante de Alice In Chains, explica nos pormenores del retorno a la actividad de la banda con un nuevo álbum y las dificultades que entraña sustituir al fallecido Layne Staley.

Por otra parte, Alfredo y Boni, de Barricada, uno de los pilares del rock estatal, exponen los argumentos de su nuevo y ambicioso trabajo, La Tierra Está Sorda.

RESTO DEL CONTENIDO

NOTICIAS: Metallica (nueva grabación en directo), Jimi Jamison, Them Crooked Vultures, Rush, Lynyrd Skynyrd, Rolling Stones, AC/DC, The Faces, Airbourne, Journey, Emerspn Lake & Palmer, Deep Purple, Joe Perry, Brian May, David Gilmour, Asia, Ramones, Doro

DISCOS: Kiss, Ace Frehley, W.E.T., Muse, Lynyrd Skynyrd, Blanc Faces, Transatlantic, The X, Shadow Gallery, Rod Stewart, Gov’t Mule, Indikuti, Cinderella, Believe, Barricada, Marillion, Man, Alice In Chains, Katatonia, Mark Knopfler, Slade, Adrift, Deadstring Brothers, The Kinks, Neil Diamond, Uriah Heep, Alquin, Eric Woolfson, Hawkwind, Sour Jazz, Fire, No Sound, Amartia, Planeta Imaginario, National Health, Mastedon, Sylvan, Wino, Nirvana, Juliette Lewis, Joe Bonamassa, Steve Vai, Elvis Presley, Kansas

ENTREVISTAS: The Bon Scott Band, Pen Cap Chew, Patrick Rondat, The Quireboys, Bullfrog, The Sign Of The Southern Cross, Strings24, Transatlantic, Bigelf, Steve Vai, Brann Dailor (Mastodon), Chad Smith, Andy Parker (UFO), Blackberry Smoke

CONCIERTOS: Y&T, Dan Baird & The Homenade Sin

TAMBIEN SE HABLA DE: Robert Savage, Blue Cheer, Bob Dylan, Whiteheart, Bob Seger, Eddie Cochran, Queen, Eric Clapton.

 

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LOCKY PEREZ

 

 

 

 

 

 

 

Con una trayectoria de quince años, los navarros Berri Txarrak han sabido asimilar referencias de aquí y de allá para plasmarlas en su nuevo álbum, Payola, facturado en tan solo ocho días y grabado a la antigua, en sistema analógico e interpretado en directo bajo la supervision técnica de Steve Albini en sus estudios de Chicago.

El disco, también significa la apuesta por una formación de trío tras la salida de Mikel López en 2008, además de su debut para Roadrunner Records.

Solos ante el peligro, Gorka Urbizu (voz y guitarra), Aitor Giokoetxea (batería) y David González (bajo), han ido a por todas, para demostrar su vigencia y su expasión hacia un futuro con garantía de continuidad sin necesidad de perder identidad. Al contrario, revalorizan su creatividad reforzando esquemas a base de absorber sonoridades prestadas para incrustarlas en parámetros personales y así trascender hacia los horizontes de la internacionalidad a pesar de utilizar el euskera como idioma comunicativo.

El resultado es un disco crudo, directo y corrosivo que se pavonea con descaro por las fronteras del punk como se puede apreciar en sus dos iniciales ráfagas, “Folklore” y “Gure Dekadentziaren Onenean”, la primera con unos trallazos guitarreros en plan Pete Townshend y la segunda introduciendo resonancias chirriantes.

Si al principio la impronta punkera impregna el ambiente, poco a poco Berri Txarrak nos dirigen hacia un entorno donde los tentáculos del metal hardcorizado y el stoner van asumiendo protagonismo.

Y es que Payola no se detiene en un perfil recurrente, su contenido domina la alternativa de forma gratificante. Así, “Maravillas” es una aportación con una dinámica algo más sosegada. Un corte de transición hacia incursiones espesas como la seductora “Dortoken Mendean”, un giro de aromas americanos con riff “mastodóntico” y reminiscencias sabbathicas; de lo mejor de un disco donde es difícil escoger predilecciones.

Tras un retorno a los perfiles acelerados con “Achtung!!!”, corte que por momentos destila saturación, llegamos hasta el tema título; una de esas canciones que marcan diferencias por su poder de atracción y que contiene un trabajo vocal excelente además de unas guitarras con una progresión de acordes cautivadores.

“Paperezkoa”, nos devuelve a la aspereza de los riffs erosivos, presentes también en “Etorkizuneko Aurrekari Guztiak”, y más adelante, en “Arren, Darwish”, tema donde revolotea la poderosa sombra de Metallica. De repente, el punk ha desaparecido para dejar paso a densas armonías de vértices grooves y voces enérgicas, pero despojadas de ira y, por momentos, de efecto pacificador. Lo que no cesa es la mordacidad guitarrera ni la crudeza primitiva de la batería, como queda reflejado en “Hasi Eta Bukatu”.

Y llega la despedida con “Jainko Ateoa” al paso marcado por un sugestivo bajo acompañado de nuevos y crujientes riffs, así como de una tangible incursión psicodélica.

Un trabajo brillante y demoledor que, interpretado en inglés, más asimilable y melodioso, quizá realzaría el resultado final.

A modo de información adicional, comentar que la palabra payola se aplica en Estados Unidos al soborno que las compañías discográficas ejercen sobre los disc-jockeys para recibir un trato preferencial a la hora de sintonizar su música en las emisoras de radio. El caso más famoso de la historia es el que protagonizó Alan Freed, el pinchadiscos que acuñó el término rock and roll y cuya carrera quedó truncada por el escándalo payola e, incluso, determinó que muriese amargado en 1965 debido a una cirrosis.

CALIFICACION: 8,5

GRUPO: Berri Txarrak
TITULO: Payola
DISCOGRAFICA: Roadrunner/Divucsa
AÑO: 2009
PAIS: España

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ

 

 

 

 

Artista: Converge
Álbum: Axe to Fall
Discográfica: Epitaph Records
País: Estados Unidos
Año: 2009
Más información: web/myspace

Tracklist:

01. Dark Horse
02. Reap What You Sow
03. Axe To Fall
04. Effigy
05. Worms Will Feed/Rats Will Feast
06. Wishing Well
07. Damages
08. Losing Battle
09. Dead Beat
10. Cutter
11. Slave Driver
12. Cruel Bloom
13. Wretched World

Inesperado. Es lo primero que se me ocurre a la hora de entrar a valorar Axe to Fall [Epitaph Records, 2009], el nuevo trabajo discográfico de Converge. Y no, si todavía no han podido escucharlo, no es que hayan cambiado, mutado o evolucionado a nada que no encaje perfectamente dentro de su universo musical. Lo que no me esperaba es que un nuevo álbum de Converge me fuese a enganchar de… sí, del sitio que están pensando.

Tres entregas después de esa referencia de escucha obligatoria de la música extrema en que se convirtió Jane Doe [Equal Vision, 2001], estamos hablando de You Fail Me [Epitaph Records, 2004], No Heroes [Epitaph Records, 2006] y del disco que nos ocupa, Converge han vuelto a hacerlo. Han fabricado un disco estremecedor, que no puedo parar de escuchar. Y eso que decían que con la edad uno termina cambiando, incluso en términos musicales. Pues a pesar de que cada vez me decanto por sonidos más convencionales, lo cierto es que Axe to Fall viene a contradecir esta teoría ya que cuando el resultado es bueno, la atracción es inevitable.

Resultado bueno, incluso me atrevería a decir que excelente, y no afirmo que insuperable porque hablamos de Converge, que están habituados a no defraudar y a rendir a un nivel altísimo en cada entrega. Por supuesto que, de nuevo, Kurt Ballou -guitarrista del grupo- se ha vuelto a encargar de la producción. Y por supuesto que también la grabación se desarrolló en sus estudios, los God City, ubicados en Salem. Lo que no sabemos con certeza si las brujas que en siglos pasados poblaron esta localidad de Massachusetts sirven de inspiración y guía del señor Ballou. Y, por supuestísimo, Jacob Bannon -a la sazón vocalista de Converge- se ha encargado de realizar el artwork tanto de la edición en cd como en vinilo, éste sale a la venta a través de su propio sello, Deathwish Inc.

Cosa de brujas o no, el disco es ideal para un aquelarre. Las cabalgadas por el mástil de Ballou parecen salidas del averno, los solos con los que nos deleita, en cortes como “Dark Horse” o “Reap What You Sow”, deberían hacer sonrojar a más de una banda de metal de la última década, y Bannon brama con esa desesperación, produciendo dolor, como ningún otro sabe hacer.

La primera parte es para ponerse el cinturón. Alta velocidad, cuatro trallazos para empezar, que están dominados por la guitarra de Ballou. Riffs apabullantes y solos muy jebis, al igual que demoledores. El ritmo frenético queda interrumpido por “Worms Will Feed/Rats Will Feast”, de tempo atrancado, pantanoso, con una duración que casi supera el total de las cuatro composiciones anteriores. Con “Wishing Well” comienzan a sentirse los Converge más habituales, que duran hasta que llega “Cutter”. Una auténtica arma de destrucción masiva, en el pit, por supuesto.

El disco se completa con “Cruel Bloom” y “Wretched World”, de más de siete minutos de duración. Dos cortes que ponen la pausa, acaban con el aquelarre, como hacían “In Her Shadow” en You Fail Me o “Grim Heart/Black Rose” en No Heroes. En “Cruel Bloom”, donde hacen uso de las guitarras acústicas, se puede apreciar la voz de Steve von Till, de Neurosis. Aportando esas sensaciones que a uno le recorren la espalda cuando escucha a Neurosis. Y es que también en el apartado de las colaboraciones Axe to Fall es un álbum de un alto nivel. Por él desfillan Mookie Singerman -Genghis Tron-, que lleva el peso vocal en la deliciosa y melódica “Wretched World”; John Pettibone -ex Himsa-, encargado de las voces de fondo de “Cutter”; lo mismo que hace George Hirsch -Blacklisted- en “Axe to Fall” y Uffe Cederlund -Disfear- en “Wishing Well”, al que también aporta guitarras; mientras que Steven Brodsky y Adam McGrath -ambos de Cave In- tocan las guitaras de “Effigy”. Colaboraciones de lujo para un álbum de luxe.

PD: Si no conoce a Converge y todavía se pregunta qué demonios hacen, la respuesta es música extrema. O, mejor dicho, una batidora extrema, única e intransferible. No hacen hardcore, ni metal, ni punk, ni noise, ni… Sino todo ello, mezclado, agitado, y llevado hasta el límite.

 

Paul Gilbert (guitarra), Billy Sheehan (bajo), Pat Torpey (batería) y Eric Martin (voz), es decir, Mr. Big, no han querido dejar ningún cabo suelto en su estelar reagrupación para conmemorar el 20 aniversario del lanzamiento de su primer álbum de título homónimo publicado en 1989.

De esta forma, emprendieron una extensa gira mundial que también pasó por España y que tuvo su periplo asiático con parada obligada en Japón, donde cuentan con uno de los públicos más fervientes. Circunstancia que aprovecharon para grabar en Tokio este CD en directo (y su versión en DVD).

Solo escuchar el recibimiento del público, nada más comenzar la actuación, se entiende que hayan escogido el imponente y mítico Budokan. Como no podía ser de otra manera, el trabajo cuenta con un sonido espectacular y un repertorio donde pocas veces un grupo ha podido reunir prácticamente todos sus mejores temas. La falta de espacio suele condicionar el contenido de un recopilatorio pero Mr. Big, parecen tenerlo todo calculado, y la solución ha sido sencilla, publicar un álbum doble.

Así las cosas, Back To Budokan (Next Time Around 2009 Tour), representa la reactivación de un legado que dejó huella en miles de aficionados y que ahora tienen la oportunidad de recuperar en directo.

El disco en sí es muy completo, el único handicap que le encuentro es que suena algo distante con respecto a las actuaciones que pudimos ver en España. Obviamente, aunque se trate de un trabajo en vivo, nunca será igual que estar in situ. Esto, seguramente, afectará solo a quienes tuvimos la suerte de verlos en directo recientemente y cuyas espectaculares imágenes aún permanecen en nuestra mente. Por otra parte, los que no pudieron presenciar sus actuaciones tienen la ocasión de resarcirse con esta grabación que tiene mucha más duración ya que, además de los temas habituales en su gira, se incluyen algunas concesiones de cara al público nipón como el imperecedero “Smoke On The Water”, “Baba O’Riley, de The Who y un “I Love You Japan” que se antoja inevitable por obvias razones.

Por lo demás, el disco refleja con absoluta fidelidad sus interpretaciones en vivo. No faltan sus temas más adictivos y armoniosos de carácter pegadizo, solo hace falta darle un vistazo al repertorio. Y, por supuesto, las elucubraciones solistas de Paul y Sheehan, tanto juntos como por separado, además de una intromisión de Pat.

Aparte de las filigranas particulares, Gilbert, se luce especialmente en “Hold Your Head Up”, “Price You Gotta Pay” y “Addicted To That Rush”, en esta última con el subyacente acercamiento al “Riff Raff” de AC/DC y la complicidad de Billy.

También es curioso escuchar como Eric Martin trata de comunicarse con el público con algunas palabras en japonés.

Resaltar que, adicionalmente, se incluyen las versiones en estudio de “Next Time Around” y “Hold Your Head Up”, canciones inéditas hasta ahora, así como una nueva versión acústica de “To Be With You”, como bonus track.

El contenido completo es el siguiente:

CD1: 01. Daddy, Brother, Lover, Little Boy (The Electric Drill Song), 02. Take Cover, 03. Green-Tinted Sixties Mind, 04. Alive and Kickin’, 05. Next Time Around, 06. Hold Your Head Up, 07. Just Take My Heart, 08. Temperamental, 09. It’s For You – Mars, 10. Pat Torpey Drum Solo, 11. Price You Gotta Pay, 12. Stay Together, 13. Wild World, 14. Goin’ Where The Wind Blows, 15. Take A Walk.

CD2: 01. Paul Gilbert Guitar Solo, 02. Paul Gilbert and Billy Sheehan Duo, 03. Double Human Capo, 04. The Whole World’s Gonna Know, 05. Promise Her The Moon, 06. Rock & Roll Over, 07. Billy Sheehan Bass Solo, 08. Addicted To That Rush, 09. To Be With You, 10. Colorado Bulldog, 11. Smoke On The Water, 12. I Love You Japan, 13. Baba O’Riley, 14. Shyboy, 15. Next Time Around (1), 16. Hold Your Head Up (1), 17. To Be With You (2)

(1) Nuevas canciones en estudio
(2) Versión extra acústica

CALIFICACION: 8

GRUPO: Mr. Big
TITULO: Back To Budokan (Next Time Around 2009 Tour)
DISCOGRAFICA: Frontiers
AÑO: 2009
PAIS: Estados Unidos

 

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CRITICA REALIZADA POR LOCKY PEREZ