No puedo mentir y tengo que ser sincero y es que la razón que nos hizo acercarnos en el caluroso mes de julio es John Maurer que estuvo tocando el bajo en los fantásticos Social Distortion y que se nos presentaba con este nuevo proyecto llamado Five Alarm Fire ,razón suficiente para acercarnos.Las comparaciones con Social Distortion son inevitables y más teniendo en cuenta que en la última visita de Mike Ness en Madrid personalmente me desilusionó bastante y es que la banda salió con el piloto automático puesto algo que no pasó con John Maurer que salió al escenario con muchísimas ganas de de facturar una buena descarga, sin arrogancias y con un humor ciertamente particular que en más de un momento de la noche nos hizo sonreir y con una humildad y cercanía con la gente como pocas veces se pueden ver.

Pero antes de la descarga de John Maurer para abrir apetito teníamos a los excelentes Widow makers que provienen de las calles de Madrid y que personalmente desconocía su existencia causándome una grata impresión, con sonidos resultantes de combinar Country, soul y unas buenas pinceladas de punk rock, que dan como resultado a un grupo enérgico que saben mover a la gente y hacerles disfrutar con cada tema.Muy grandes, y la verdad es que uno no sabe como ha cometido el error de no verles en directo.Si te gusta el rock and roll de los 50, el punk, el soul y el country échales un ojo.

Al rato teníamos sobre el escenario a Five alarm fire comenzando con “This thing”, dispuesto a darlo todo sobre el escenario, a dejarse la piel, (con lo que de entrada ya nos tenía ganados), además de un buen humor como comentábamos antes, entre canción y canción.Musicalmente sus composiciones navegan por territorios muy cercanos a Social Distortion con pinceladas de punk y buenas melodías, lo que sin duda da como resultado unos temas frescos que se disfrutan.Cierto es que palidecen al compararlos con los de Social que aparecieron durante la noche, como “So far away”,“let it be me” o “Story of my life” que sonaría en la parte final del concierto, pero no debemos de caer en el error de compararlas ya que Five Alarm Fire son un buen grupo con composiciones que suenan realmente bien en directo, como “Workin man”, “Paids for” o “Back Home”.

Aparte hay que mencionar dos regalitos jugosos como las versiones de “Blitzkrieg bob” de Ramones y “Ring of fire” del grandísimo J. Cash que sonó cruda y salvaje en una actuación formidable que como única pega es la de la corta duración sobre el escenario,aunque para nada empaña el hecho de ver como una banda se deja la piel y desprende honestidad con cada acorde que toca como bandas legenedarias de nuestro rollo. En definitiva: Fabuloso

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Celebran 40 años de historia y son uno de los grupos que han dejado una huella inborrable en todos los que amamos el rock con mayúsculas sin importarnos estilos,nacionalidad o edad y es que Canned Heat pertenecen a esa serie de grupos que nos dieron dos décadas gloriosas como los 60 y 70 que tenían el rock and roll y el blues por bandera,virtuosos de sus instrumentos, amantes de improvisaciones en directo y como no,metidos en el torbellino del sexo, drogas y rock and roll que se llevó a tanta gente y que en este caso lo hizo con dos miembros de la formación original como Alan Wilson y Bob Hite. Por todo esto era lógico que no nos perdiéramos su actuación en Madrid donde veríamos un concierto lleno de sentimiento como pocas veces hemos podido ver en un escenario y es que salvo contadas ocasiones que la banda acusaba algo de cansancio, (lógico, si tenemos en cuenta con que no son niños) disfrutamos de una noche de blues y rock and roll intenso.

La primera duda para aquellos que desconocíamos que la banda siguiera en pié era la formación que se acercaba a los escenarios españoles y es algo que fué resuelto nada más sonar los primeros acordes de “On the road again” con la que comenzaron. A la guitarra estaba Harvey Mandel,virtuoso con su instrumento que estuvo junto a Larry Taylor en John Mayal and the Bluesbreakers y una temporada en la banda mientras que en la otra guitarra teníamos a Dave Spalding, no demasiado conocido para el gran público pero es un músico curtido en mil batallas y que ha colaborado en muchas bandas que por desgracia no han pasado del anonimato y los dos miembros originales de la banda.Fito de la Parra a la batería y Larry Taylor al bajo.

La segunda duda estaba también muy clara y era respecto al set list, algo que se nos fué desvelando durante la noche y que para alegría de todos fué clásico tras clásico,tocados de manera magistral y perfecta,haciéndonos a todos retroceder a los setenta y disfrutar de placer como el tremendo “Bullfrog blues” , “Time was” o “Sugar bee” donde Dave Spaldingcogía la batuta cantando el tema estupendamente durante la primera parte del show que encadenaría con la segunda mitad donde aparecieron otros temas como “Goin up the country”, rock americano cien por cien que nos dejaba a todos locos y es que es una verdadera joya al igual que otros clásicos como “On the road again” y “lets work together”, siendo esta última la que apareciera en la recta final junto a ” Shake n Boogie” que daría fín al concierto en el que también hay que destacar el instrumental “Cristo redentor” perteneciente al primer trabajo en solitario de Harvey Mandel que también nos dejaría un buen sabor de boca.

Texto y Fotos:Charly Rock and roll

Dweezil Zappa tomó hace años el testigo de su padre reinterpretando sus temas por todo el mundo y con el mejor material de esos conciertos publica el doble directo “The return of the son of…”. Dweezil no deja de insistir en que el legado de Frank, su padre, sigue siendo vigente, dejemos que nos lo cuente él mismo:

Tu anterior lanzamiento, “Zappa plays Zappa”, era un directo, y el que ahora presentas, “The return of the son of…”, también lo es, ¿por qué otro directo?

Por la evolución de la banda, de esta manera le damos la oportunidad a la gente de ver como ha evolucionado este proyecto. Llevamos 5 años tocando juntos y hemos cambiado mucho, el disco anterior era de 2006, lo sacamos tanto en CD como en DVD y las canciones se parecían más a cómo las hacía Frank. Ahora somos diferentes y queremos que el público lo disfrute.

Ambos discos son especiales, en el primer disco tuvimos un montón de invitados y para este han participado muchos otros. Quiero estar seguro de que la gente escucha esta puesta al día de las canciones, grabamos muchísimo, trabajamos sobre la base de 130 versiones grabadas y queríamos que todo lo que sacáramos tuviera su punto de novedad, que nunca hubiera sido grabada o filmada antes. Por ejemplo, “Billy the mountain” es una canción de media hora, como una mini rock opera y nunca había sido filmada cuando Frank solía tocarla, así que lo hicimos nosotros.

He observado que tocáis mucho material de mediados de los 70, Andy e Inca roads de “One size fits all” (1975), tres más de “Over-nite sensation” (1973) y que además en “Zappa plays Zappa” también había unas cuantas de “Apostrophe’” (1974), ¿son esos discos tus favoritos?

Todos los discos de mi padre son mis favoritos. Crecí con ellos, viví cómo se creaban… son parte de mi vida y de la de mucha otra gente también, porque en ellos participaron muchas personas. Frank tiene tanto material que no podría decantarme por ninguna época en particular, en todas ellas hay amplia variedad estilística.

Además de esos discos hay otros muy buenos en los 70, “The grand wazoo”, “Fillmore East” o alguno de los 80, como “Tinseltown rebellion. Considero que los 70 fueron una época de muy buena música en general, así que estuvo bien vivirla desde dentro.

Creo que tu canción favorita es “Peaches in regalia”, que salió precisamente el año que naciste…

Me encanta “Peaches in regalia”, esa canción la escuche muchísimas veces cuando era niño y tiene un significado especial para mi.

Ahora que comentas esto, considero que la música de Frank es muy buena para ponérsela a niños pequeños, ya que suelen tener mucha instrumentación, percusiones, arreglos de metales, ritmos vivos… ¡A mis sobrinas pequeñas les encanta “We are not alone”!

Claro, crecer estando expuesto a tanta música así con tanta intrumentacion y todo eso que dices es muy importante. Realmente crecí amando el sonido de esos instrumentos aunque no sonaran en otras músicas dentro del contexto rock, crecí siendo consciente de esa variedad y me gustaba el jazz. También estaban los arreglos para orquesta, Frank tenía mucha destreza para hacer esas cosas tan diferentes, y no sólo para el rock. Para un niño está muy bien vivir todo eso.

Dentro de poco harás una gira por Europa, ¿sabes por qué no hay ninguna fecha en España?

Probablemente volvamos a Europa en otoño, este tour es muy breve y especifico para algunos festivales. En los últimos años apenas hemos hecho 2 o 3 shows en España, pero suele ser cuestión de los promotores locales y no podemos hacer nada. Alguna gente se cree que somos una banda de versiones y no es así, ese no es el sentido de este proyecto, no somos una banda de nostalgia para antiguas generaciones, la música de Frank sigue siendo moderna y además ofrecemos a las nuevas generaciones cosas que no se han oído antes.

¿Tienes en mente algún proyecto con material original?

Últimamente escribo más de mi propio material y supongo que haré otro disco antes o después. Si sigue la evolución de “Zappa plays zappa” llegará un momento en el que el proyecto tome mi propio nombre, Dweezil Zappa, y continuaré de ese modo con mis canciones.

Siempre has sido fan del heavy metal de los 80, sobre todo de guitarristas como Steve Vai o Eddie Van Halen, ¿cuál es tu opinión sobre Ronnie James Dio?

Por supuesto que he escuchado a Ronnie James Dio, sus trabajos con Black Sabbath: Heaven and hell, Mob rules… y los anteriores también. Creo que fue un gran cantante, su voz era muy reconocible, poderosa, fuerte, con presencia, le aprecio mucho.

¿Sigues teniendo una guitarra de Jimi Hendrix?

Si, la sigo teniendo. La he usado en el estudio pero no en directo, ya sabes, realmente no puedes viajar con un instrumento así.

Tu padre revolucionó en su día el trato entre músicos y discográficas, renunciando a perder independencia y manteniendo todos sus derechos sobre las canciones. En los últimos años la industria musical ha sufrido un montón de cambios, ¿cómo crees que está la industria actualmente?, ¿tenéis los músicos más poder que antes?

No sé, realmente no creo que los músicos tengan más poder, siempre necesitas a la discográfica para hacer la promo y esas cosas. Un músico puede hacer un disco muy bueno, de acuerdo, pero ¿cómo llegaría a la gente? ¿cómo lo encontrarían?. Los sellos gastan millones de dolares para que lleguen a millones de personas a través de la radio, las revistas… el músico no puede hacer todo solo.

Mi padre siempre intentó crear un mejor entorno para el artista, incluso trabajó en un sistema de intercambio de discos en 1980 con conceptos similares a lo que es hoy iTunes. Frank pensaba más en el músico y en su público que en el negocio, pero los artistas todavía necesitamos un acuerdo con una discográfica.

El 9 de Julio sale a la venta “The return of the son of…”.

Entrevista realizada por: Pointer ]]> http://www.todomusicarock.org/entrevista-a-dweezil-zappa-la-musica-de-frank-sigue-siendo-moderna-y-ofrecemos-cosas-que-no-se-han-oido-antes-872010/feed/ 0 http://www.todomusicarock.org/psicotropia-psicotropia3-critica/ http://www.todomusicarock.org/psicotropia-psicotropia3-critica/#comments Thu, 08 Jul 2010 20:58:38 +0000 pablobm http://www.todomusicarock.org/?p=4709

Artista: Psicotropia
Disco: Psicotropia3
Sello: Luna Negra / Nooirax Prod.
Fecha de publicación: mayo 2010
País: España

Tracklist:

1. Space Habanera (4:36)
2. Piedra (7:23)
3. Tinta (6:33)
4. Country Grog (2:07)
5. Patos (6:39)
6. Los Espectros De Kronstadt (5:53)
7. Oigo Silencio (6:43)
8. Bella (7.54)

Y el rock español ya tiene su power trio… lo tenía desde hace mucho, realmente. Ya en 2002, cuando tuve la suerte de conocerles, funcionaban bajo esa estructura tras un complejo álbum de debut casi coral en cuanto a su composición de la banda. Pero en Grog, hace ya cuatro años -cómo pasa el tiempo-, su segundo disco, evolucionaron hacia esta fórmula.

Ahora, en 2010, podemos afirmar que Pablo, Jaime y Juan son un referente en nuestro país. Junto a otras bandas minoritarias, encabezan la nueva generación del rock progresivo en España. Y lo tienen merecido, porque este Psicotropia 3, al cubo, cumple todas las expectativas y cierra un fantástico álbum.

Hoy por hoy, casi todas las mejores canciones de Psicotropia están en este álbum, y no por desmerecer a sus predecesores. Grog fue, para mí, un auténtico discazo, casi para encumbrarlos dentro de la Historia del rock progresivo de nuestro país. Pero faltaba escuchar su nuevo trabajo. Impresionante.

Ya desde el inicio se ganan la atención y la admiración del escuchante. “Space Habanera”, que la habían presentado anteriormente con vídeoclip incluido, es quizás, junto a “Tinta”, su mejor canción de siempre. También cerca de temazos ya inolvidables del pasado como “Vÿ”, “Quasar” o “PQTQ”.

“Space Habanera” lo tiene todo. No olvida sus raíces crimsonianas, pero evoluciona, como se vio en Grog, en su idea de grog-rock, un rock de sonido sucio en sus guitarras, con ritmos muy vivos y originales en la percusión -muy Bill Bruford- un bajo que tiene su propia línea y la guitarras y las voces creando un climax envolvente e intenso. La idea de meter un extracto de la ópera Carmen es un guiño que encaja a la perfección, sobre todo si decimos que a continuación llega una secuencia de punk-rock sucia e intensa. Más tarde el tema evoluciona a una especie de poema musical, donde las letras y la forma de cantar de Pablo Tato se comen la “Habanera”. Y es que no es casi hasta el final que llega lo que se podría considerar estribillo de la canción. Grandísimo tema.

“Piedra” está tan bien insertada e integrada en este increíble arranque de canción que apenas el oyente nota el cambio de corte. “Piedra” incide en esa idea de poema cantado con acompañamiento musical, como en toda la discografía de Psicotropia se ha podido escuchar. La voz de Pablo da mucho juego para esto y por eso el grupo lo explota como es debido. En esta ocasión, se trata de una composición con trama filosófica y creacionista, con tantas diferencias musicales en sus tramos instrumentales que entendemos por qué Psicotropia decían de este disco que era tan ecléctico. A veces suenan a Van der Graaf, otras a King Crimson, otras a bandas de metal progresivo e incluso se ven influencias de Triana y Jesús de la Rosa a la hora de dar cancha al expresionismo musical en las partes cantadas: ese “soy la piedra, soy la piedra, estoy hecho de tierra” nos evoca, inevitablemente a Triana cuando cantaban aquel incomprensible y esquizofrénico pasaje sonoro y vocal al final de “Sombra y luz”.

Después llega “Tinta”, que escribe de su color una impresionante música llena de sentido, emoción y talento. Además de unas letras excepcionales, la calidad de sus instrumentos y las melodías de la sección de cuerda interpretada por los violines y violonchelos de Micaela Tocino y Aurora Aroca llevan a una de las mejores composiciones del rock español de todos los tiempos. Comprendo que es difícil de asimilar así, y que la complejidad del tema, así como el lenguaje del rock progresivo, que llega poco al público, hacen casi imposible que esta opinión se comparta en demasía. Pero basta con escuchar “Tinta” para entender por qué digo todo esto.

Sintonizando con la última parte de “Tinta”, más dura y menos melódica, llega un tema de 2 minutos, “Country Grog”, que más que un tema instrumental se podría considerar un intermezzo, un pasaje de transición con el resto del disco, con sonido punk en las guitarras y espíritu metalero, así como de space rock.

Y digo resto del disco porque a partir de aquí, comienza otro Psicotropia3. “Patos” sigue jugando con ritmos más cadenciosos y partes muy melódicas, aunque siempre en su atmósfera tétrica, teatral y expresionista. El hecho de que vuelvan las partes de cuerda con violines y violonchelos majestuosos le dan una categoría suprema a este tema, que quizás no termine de enganchar por la complejidad de su estructura y sus cambios continuos de atmósfera. Lo que no quita para hablar de un espectacular despliegue de talento para interpretar este tema. Uno de los más crimsonianos de todo el álbum, con un final bluesy que desconcierta a los oídos menos acostumbrados al progresivo complejo y cambiante. La melodía guitarrera cierra el tema con menos paz que en el resto de la canción.

Y tras los ‘patos’, “Los Espectros De Krons”. Suena muy a Robert Fripp en su inicio, para luego evolucionar a su grog-rock habitual, ecléctico, con líneas vocales dramáticas, tristes y su habitual aire complejo. Atención a la parte final de la pieza, que sorprende por su frescura como contraste al resto de la composición. Sus últimos 40 segundos me recuerda a los mejores Porcupine Tree: atención a la batería de Juan. Impresiona.

El disco se cierra con “Oigo Silencio” y “Bella”. Mientras que la primera incide en la línea de los temas anteriores, de temática existencialista y creacionista, muy filosófico en letras y la forma de narrar musicalmente estos conceptos, aunque dando prioridad a la calma, recordando al Vivaldi de las partes más calmadas de Las cuatro estaciones, “Bella” cambia las tornas. Se trata del tema más largo del disco y aunque vuelve al sonido guitarrero del inicio del álbum, y suena como a “Grog” de hace 4 años, es una preciosa canción de amor, sentida y expresada como hace el buen rock, desde la furia de las guitarras, el bajo libre e intenso, y una línea de batería con vida propia. Ojo al estribillo tan bello de “Bella”, haciendo un juego de palabras, porque el trío psicotrópico vuelve a disparar a nuestro corazón al tiempo que no olvida componer un gran tema de rock.

Estamos tan hartos de superficiales músicas y chicos y chicas que exhiben sus cuerpos a ritmos de música de baile, que encontrar este remanso de talento, calidad y paz vuelven a creer en el camino. El camino del buen rock y la buena música en definitiva. Porque Psicotropia no acepta etiquetas. Y nosotros no queremos ponérselas.

Más información: Página oficial de Psicotropia

MOTÖRHEAD

En vista de muchos topicazos y sanbenitos que se cuelgan a los artistas y/o estilos musicales, que llegan a convertirse en realidad, depués de decirse tanto, me apetece analizar estas cosas, y, por supuesto, demostrar que son, en muchos casos, si no en todos, más falsos que una peseta de madera. Empezaremos por una de mis bandas favoritas de siempre.

Siempre hacen el mismo disco.

Mentira podrida. Una cosa es que Lemmy y sus compis, hayan permanecidos fieles a un estilo y una forma de concebir el rock&roll. Pero de ahí a que siempre hayan hecho sucedáneos de “Ace Of Spades”, va, no uno, sino chorrocientos abismos. Es quizás, la banda con ese sanbenito, que menos se lo merece. No se parece en nada su primer disco, a “Overkill”, ni éste a “Ace Of Spades”, ni, por supuesto, “Iron Fist” a “Another Perfect Day”, ni a “Orgasmatron”, ni a “1916″, además de que, cuando cambiaron de trío a cuarteto, la manera tan peculiar de tocar el bajo de Lemmy se hizo más standard, cosa que se nota un huevo. Y en los mismos discos, hay una variedad aplastante. Eso sí, el estilo de ellos es único, personal, y siempre está ahí, pero vamos, en “Overkill” te puedes encontrar el típico tema acelerado, como el que da título al disco, otro más reposado como es “I’ll Be Your sister”, un boogie con un riff calcadito a ZZTop, como es “No Class”, un tema con ecos psicodélicos y hasta hendrixianos, como es “Capricorn”, un rock&roll de la talla de “Damage Case”, y hasta un tema con comienzo bluesero, llamado “Limb From Limb”. Y si analizamos “1916″, ya sí que se desmonta del todo ese topicazo. Temas en plan Chuck Berry, como es “Going To Brazil”, rock&roll acelerado en “I’m So Bad” o “No Voices In The Sky”, una balada en toda regla, “Love Me Forever”, y hasta un tema en plan canción francesa de primeros del siglo pasado, con violines y la hostia, como es “1916″. Vamos, repetitivo de cojones ¿eh? Ahí van unos ejemplos de lo “repetitivos” que son:

Son simples musicalmente

Otra puta falacia, que de repetirse hasta la extenuación, hay gente que se lo cree. El mismo Brian May, contaba en las tomas extras del DVD “Boneshaker”, que se las vio muy putas para aprenderse la canción de “Overkill”, por la rapidez y la casi total falta de acordes que tiene. No es tan fácil como parece tocar este tipo de temas, y además, mucha gente tiende a confundir la música más cañera y sucia, o simplemente la música con pocos arreglos y florituras, con música falta de destreza, lo que es una total estupidez. Un tema sencillo, no significa que sus autores sean simples o malos músicos. Solo es un tema sencillo, y punto. En el caso de Motorhead, pues hombre, han tenido en sus filas a guitarristas como Brian Robertson (ex Thin Lizzy), que de malo tiene bien poco, y en la actualidad cuentan con uno de los mejores baterías rockeros de la actualidad, que es esa máquina con patas llamada Mikey Dee. Además que Phil Campbell no es tampoco manco, precisamente.Por no hablar de colaboraciones en algunos de sus discos, de músicos tan “simples” como Steve Vay o Tommy Aldrigde.

Lemmy es nazi

Todavía esta idiotez circula frecuentemente, en según qué círculos. No vamos ya a contar aquí, que fue pipa de Hendrix, es fanático de Little Richard, tuvo una novia negra, es muy amigo de judíos como Gene Simmons, y además, su mánager es judío. Y no solo eso, sino que además, si uno traduce muchas letras de Motorhead (por cierto, es un grandísimo letrista, algo que siempre suele pasar desapercibido) son todo un alegato contra las guerras, las religiones, los poderosos y todo tipo de facherío. Otra cosa es que este señor sea tan coleccionista de la memorabilia bélica, y le guste tanto la estética nazi. Yo también soy un entusiasta de la estética del western y no he matado un búfalo ni un nativo americano en mi vida. Pero ya se sabe cómo es la gente.

Como se puede ver, unas letras muy “nazis”, sí. Espero que esta lección les haya instruído y hayan pasado un rato ameno. Próximos tópicos a desmontar en breves entregas, los Rolling Stones.