Musicapadisfrutar

Nature by Numbers

2012-02-13T07:27:00.000+01:00

A movie inspired on numbers, geometry and nature, by Cristóbal Vila
Go to www.etereaestudios.com for more info about movie
Music: "Often a Bird" by Wim Mertens

ILYANOUS.mov

2012-01-25T05:48:00.000+01:00

Etta James, la fiera nunca domada

2012-01-23T06:37:00.001+01:00

vía Imaginariums de noreply@blogger.com (Jordi R.) el 20/01/12

Qué gran pérdida para la música. Me estoy quedando sin mis damas preferidas.

Diego A. Manrique

Etta James, que falleció hoy en el hospital Riverside Community de California, por culpa de complicaciones en la leucemia que padecía, por era la proverbial dama de armas tomar. En 2009,arremetía contra Barack Obama, que prefirió llamar a Beyoncé Knowles para las celebraciones de su toma de posesión en Washington. El presidente y su esposa bailaron acaramelados con At last, uno de los grandes éxitos de Etta,pero cantado por Beyoncé.

Otra suplantación más, que dolía por venir de quién se suponía lo bastante sensible para evitar esos deslices. Llovía sobre mojado, dado que Etta James había sido encarnada por Beyoncé en la película Cadillac Records, un retrato de la discográfica Chess que se tomaba muchas libertades con la historia real deEtta. Su indignación resultaba comprensible: Beyoncé, el modelo fashion de feminidad negra, se llevaba toda la atención mientras ella, la original,solo podía actuar en locales modestos.

Y es que EttaJames siguió trabajando hasta que su cuerpo dijo basta, debilitado por la leucemia y el alzheimer. En noviembre, Verve/Universal publicó The dreamer,un disco de soul sorprendentemente robusto, y no digamos para tratarse de una cantante de 73 años. La jubilación nunca fue una opción para artistas como Etta James, que no componían y que no recibieron suficiente compensación de muchas de las discográficas que contaron con sus servicios.

Paradigma delas glorias y miserias de la música negra, Jamesetta Hawkins nació en LosÁngeles en 1938. Nunca conoció a su padre, posiblemente blanco (ellasospechaba que pudo ser Minnesota Fats, un maestro del billar inmortalizado enla película El buscavidas). Educada musicalmente en la iglesia baptista,era menor de edad cuando llamó la atención de Johnny Otis, otro extraordinariobuscavidas, que la lanzó con una canción lujuriosa, Roll with me Henry,púdicamente rebautizada en la galleta del disco como The wallflower.

Tuvo más éxitos considerables durante la segunda mitad de los años cincuenta pero su visibilidad aumentó en 1960, cuando fichó para el sello Chess, en Chicago.Leonard Chess la vio como vocalista de amplio espectro y la hizo grabar desde baladas empapadas de violines (Trust in me o la citada At last)hasta sesiones de jazz, aparte de un incendiario directo, Etta James rocksthe house. Con la eclosión del soul a mediados de los sesenta, Ettapudo sacar al aire todos sus recursos de mujer brava y lenguaraz. Fascinó al gran público con Tell mama y la dolorida I'd rather go blind,ambas grabadas en 1967 con los músicos blancos de Muscle Shoals, en Alabama.

Todo setorció poco después. La muerte de Leonard Chess provocó la decadencia de su compañía, incapaz de proporcionar el impulso que necesitaba Etta. Aún peor:ella, que había flirteado con muchas drogas, se convirtió en heroinómana. Los años, las décadas, se fundieron en un vertiginoso carrusel de malas compañías,detenciones, condenas, intentos de desintoxicación. Aunque también hubo discos con admiradores como el productor Jerry Wexler, responsable del potente Deepin the night.

Pudo equivocarse a la hora de escoger amantes pero Etta nunca desperdició sus poderes: durante su época dura, el redactor de estas líneas acudió a verla a un pequeño restaurante del downtown de Los Ángeles. En un escenario mínimo,con una banda elemental, dio cumplida cuenta de sus clásicos…y desapareció nada más cobrar, a pesar de que había accedido a una entrevista.

Con la ayuda del experto David Ritz, explicó sus altibajos vitales en una descarnada autobiografía, Rage to survive: the Etta James story (1995) . Se podía permitir la sinceridad ya que su carrera se volvió a enderezar a finales de los ochenta. No pudo tomar el puesto de Janis Joplin, como fantaseaban algunos productores, pero facturó discos espléndidos en Island y Private Music.Solucionó elegantemente caprichos -o encargos- como Mistery lady,colección de piezas identificadas con Billie Holiday, y Christmas,canciones navideñas.

La reedición de su material clásico, en antologías del calibre de R & B dynamite oThe Chess box, ayudó a situarla históricamente. Había en ella un descaro natural, que explica tanto sus andanadas contra Obama y Beyoncé, como las audacias en su repertorio. Para consternación de sus doctores, su reciente disco contenía odas al alcohol y al tabaco, aparte de una insospechada versión de Welcome to the jungle, de Guns 'N' Roses.

Fuente

Playing For Change: Don't Worry

2012-01-23T06:36:00.002+01:00

Badi Assad (2010) [Brasil]

2012-01-16T06:20:00.002+01:00

vía GPS SONORO de zeporro el 15/01/12

Badi Assad, es un guitarrista, cantante, percusionista y compositor en Brasil.Desde hace 15 años, compartió el primer lugar como mejor guitarrista, junto con Fabio Zanon, el Concurso "Jóvenes Músicos", de Río de Janeiro.
Cuando tenía 19 años, ganó el mejor guitarrista del brasileño Villa-Lobos Concurso Internacional en Río de Janeiro.Badi fue elegido al año siguiente como el único guitarrista para representara Brasil en el "Concurso Internacional de Viña del Mar" en Chile.
Badi Assad estudió música en la Universidad del Estado de Río de Janeiro. En1989 grabó su primer disco, Shades of Dance, publicado sólo en Brasil, ala vez, más tarde reeditado en CD en 2003, dado a conocer internacionalmente con cuatro bonus tracks, nombre Danza de las olas. Entonces comenzó a Badi voces experimentación, la producción de sonidos de percusión con la boca, que combinado con su desempeño en la guitarra, caracterizar sus grabaciones posteriores.

01.A Bela e a Fera - Feminina

02.Você não entendeu nada
03.Bacherolette
04 Estudo # 1 - Assum preto
05 Vrap
06 Ponta de areia
07 Drume negrita - O mundo é um moinho
08 Ondas (Waves)
09 The being between
10 Joana Francesa
11 Asa branca - Ai que saudade d'ocê
12 Básica
13 Vacilão
14 A banca do distinto
15 Zoar
16 Feminina

Badi Assad
subido por repsempre

CARTELE DEL DIA

2012-01-16T06:19:00.002+01:00

vía Proyecto Cartele de el 5/01/12

Atahualpa... you funky! (Resistencia, Argentina)
VERÓNICA MARSANS

Somebody That I Used to Know - Walk off the Earth (Gotye - Cover)

2012-01-08T19:40:00.000+01:00

Stayin' Alive In The Wall (Pink Floyd vs Bee Gees Mashup)

2012-01-06T18:41:00.000+01:00

Win Mertens

2012-01-01T10:14:00.001+01:00

vía Música con nocturnidad y alevosía

"La música debe conectar con la esencia"

Siempre que hablo de música minimalista no acabo de decidirme ni de recordar, si me gustaba y ahora me sigue gustando, si no me gustaba y ahora me gusta, si el olvido me lleva a no recordar lo que cierta clase de música significaba para mí. En el caso de Win Mertens, uno de los grandes del minimalismo mundial, en ello estoy. Pero, si lo pensáis, ¿qué más da? El minimalismo, una rama de la música clásica contemporánea que, con los años, ha terminado arraigando como estilo en sí mismo, no surge en absoluto como forma de aproximación al público en el momento de su génesis; pero hay que admitir como un hecho obvio que las obras de Steve Reich, por ejemplo, poco tienen que hacer al lado de las de Mertens a la hora de entusiasmar a audiencias heterogéneas.

Si apiláramos uno a uno todos sus discos (unos 70) desde el primero de 1982 "For amusement only" (un disco destinado a las máquinas de Pinball) hasta el último "Series of Ands: Immediate Givens", alcanzarían la altura media de un niño de párvulos. El estilo del músico, aunque en continua evolución durante el transcurso de su prolífica producción, combina el minimalismo y el avant-garde, la polifonía y la experimentación musical, pero siempre preservando la melodía de las incursiones que realiza en los mundos que explora.

De él dicen que es "demasiado moderno" para los cánones de música clásica y "demasiado clásico" para los oídos más pegados a lo estrictamente contemporáneo. Aunque por encima de modas, nuestro músico de esta noche afirma rotundo que la música dirige su vida al completo, en todos sus aspectos y que está "al servicio de ella". Porque la música es un vehículo para llegar más allá, un elemento de trascendencia pura que nos invita a compartir, y por medio del cual Mertens desea reflejar la época que le ha tocado vivir. Yo, además, añadiría que con un sentido de lo romántico que atrae a los aficionados a la música seria y oyentes más convencionales.

Conocido sobre todo como compositor desde finales de los 70, Mertens es reconocido mundialmente por su obra Struggle for Pleasure, que fue elegida como música para los anuncios de un operador de telefonía. Al igual que en el mundo de la publicidad, sus composiciones también han sido protagonistas en desfiles de moda (los temas de su último disco han sido protagonistas de los desfiles de Dior). Sin embargo para mí lo más importante de este tema es que forma parte de la banda sonora de la película de Peter Greenaway, "El vientre de un arquitecto", una película magistral. Aunque para públicos minoritarios, seguramente, creo que es una magnífica composición para una noche tranquila antes de dormir. El video, además, es precioso.

No podía faltar en mi espacio nocturno una actuación en directo. He escogido la de su fantástico álbum "What you see is what you hear" (Lo que ves es lo que oyes), grabado el 30 de septiembre de 2005 en el teatro De Roma, Amberes, y publicado en el DVD (2006). En esta ocasión Mertens dirigió un conjunto de 12 músicos compuesto por él mismo aportando voz y piano, un quinteto de cuerda (2 violines, viola, violonchelo y contrabajo) y un coro a tres voces blancas (2 sopranos, 2 mezzosopranos y 2 contraltos). IMPRESIONANTE.

Para acabar, aquí os dejo su famosísimo y aplaudido tema Maximizing the Audience, que fue compuesto para la obra de Jan Fabre "The Power of Theatrical Madness" estrenada en 1984 en Venecia. Fue además la primera en la que la voz del músico fue grabada, también.

Quienes hemos tenido oportunidad de escuchar detenidamente algunos trabajos definitorios de la gran música "académica" clásica de nuestro tiempo admitiremos que, muy a menudo, ésta queda lejos de lo que el hombre de a pie consigue digerir. Sin embargo, Mertens ha logrado depurar una forma de hacer música que, más allá de adscripciones e ismos, llega perfectamente a aficionados a la música que tengan una mínima inquietud por escuchar cosas nuevas. De ello dan testimonio los auditorios abarrotados que le reciben en cada uno de sus frecuentes conciertos, el último en noviembre. Si su música fuese un poco mejor promocionada por los mejores medios informativos actuales, se estarían tendiendo puentes inquebrantables hacia un nuevo gusto musical entre el público masivo.

http://musicaconnocturnidadyalevosia.blogspot.com/2011/12/win-mertens.html?utm_source=feedburner&utm_medium=feed&utm_campaign=Feed%3A+MsicaConNocturnidadYAlevosa+%28M%C3%BAsica+con+nocturnidad+y+alevos%C3%ADa%29

La infancia de un mito: de los bajos fondos de Nueva Orleans al Hogar de Niñ...

2011-12-31T13:23:00.001+01:00

vía LA MÚSICA ES MI AMANTE de Manu Grooveman el 30/12/11

Nueva Orleans, principios del siglo XX. Un niño de unos 7 años empuja una desvalijada carretilla de madera por el Storyville negro, uno de los más depravados de la ciudad. En ella, lleva carbón que reparte por todos los salones, burdeles y tabernas del barrio. Sopla una larga corneta de hojalata para aunciar su presencia. Las prostitutas le conocen y le saludan con una especie de instinto maternal. Le llaman cariñosamente 'little' o 'dippermouth' (boca grande) debido a su apariencia menuda y a su descomunal sonrisa, que nunca parece perder a pesar de la situación.

De cuando en cuando, ese niño sonriente asoma la cabeza entre las cortinas de los lupanares y escucha una música diferente, mágica y excitante. Una música que se está forjando a golpe de sexo y alcohol, de corneta y de piano. Escucha un ritmo contagioso y vibrante que le atrapa, le transporta y le hace soñar. Ese niño -aunque todavía no lo sabe- será la figura clave en la evolución del jazz, el que codifica y asimila todo lo que ha pasado antes para marcar el camino de lo que será el lenguaje la música jazz y convertirlo en una forma de expresión artística universal.

Una de las leyendas mas antiguas del jazz -a la que contribuyó principalmente el propio protagonista- dice que Louis Armstrong nació el 4 de julio de 1900. Sin duda no podía haber efeméride más apropiada - el Día de la Independencia y el inicio del siglo- para el nacimiento de una de las mayores glorias estadounidenses, pero, como casi siempre, la realidad es mucho menos mitológica y solemne. Daniel Louis Armstrong vino al mundo el 4 de agosto de 1901 en el barrio de Jane Alley de Nueva Orleans como hijo ilegítimo de William Armstrong y Mary Albert, 'Mayan', una prostituta que tan solo tenía 17 años. Gracias al certificado de bautismo que descubrió el crítico Gary Giddins en su libro 'Satchmo: The Genius of Louis Armstrong' se pudo confirmar definitivamente esa fecha y se cerró un ciclo de pesquisas e investigaciones que habían emprendido otros autores.

Louis junto a su madre y su hermana

Los negros de la época no solían dejar registrado los eventos de sus vidas. Por tanto, no es algo circunstancial la fecha de nacimiento al igual que no lo son los detalles que el mismo Armstrong ofreció de su infancia. Nunca pareció avergonzarse de sus orígenes, sobre todo en lo que respecta al sentido comunitario y a la sensación de pertenencia. Aunque la mayoría de versiones de aquella etapa son contradictorias y en general tendían a edulcorar una realidad mucho más dura para un niño negro como fueron la segregación, la violencia y la extrema pobreza. En sus memorias Armstrong reconoció que en muchas ocasiones no tenían ni para cenar. Casi nada más nacer, además, su padre abandonó el hogar y se fue a vivir con otra mujer, con la cual formó una nueva familia, dejando a Louis sin una referencia masculina a la que imitar.

La ausencia de esta figura paterna marcó definitivamente el carácter y la personalidad del joven Armstrong que desde muy pequeño tuvo que hacerse cargo de las riendas de su casa. Pero además le influyó en su carrera artística ya que según apunta James Lincoln Collier en su espléndida 'Louis Armstrong: an American Genius', Armstrong siempre se rodeó de hombres -generalmente blancos- con personalidades fuertes, dominantes y rudas, algunos incluso con antecedentes criminales, porque creía que era la única manera que tenía un hombre negro de hacer algo en la vida.

Su madre Mayann (apodo utilizado por Armstrong) tuvo otra hija llamada Beatrice (apodada Mama Lucy), pero enseguida los niños se quedaron a cargo de su abuela Josephine, ya que Mayann trabajaba en varios prostíbulos para ganarse la vida. El entorno en el que crecieron era un barrio negro de desvencijadas y atestatadas casuchas de madera. En los meses de calor las calles se llenaban de polvo y durante las lluvias todo se cubría de lodo. Además era uno de los barrios más peligrosos de Nueva Orleans conocido popularmente como 'El Campo de Batalla'. Las peleas con cuchillos, las pistolas y los asesinatos estaban a la orden del día. Parece imposible que un genio de la categoría de Armstrong saliera de un lugar así donde la vida apenas importaba y si además tenemos en cuenta que no existían antecedentes musicales en su familia.

Louis Armstrong (centro, fila de arriba) y la 'Waif's Home Colored Brass Band'

Alrededor de 1905, Armstrong y su hermana Mama Lucy, ya con Mayann al frente, se trasladaron a un apartamento en Perdido Street, en pleno Storyville negro, donde compartían techo con los diferentes novios que tenía su madre. De hecho, Louis se vestía con un chaleco de algodón azul y unos pantalones arremangados que heredaba de éstos. Siempre iba descalzo, incluso en invierno, y nunca llegó a tener más de tres prendas a la vez.

A unos 50 metros de su casa, en South Franklin Street, se encontraba la escuela Fisk, donde parece que aprendió a leer y escribir, pero justo en la acera de en frente estaba otra escuela que enseñaría mucho más Armstrong: el Funky Butt Hall, lugar donde escuchó por primera vez a uno de sus ídolos, Buddy Bolden. Junto a los otros niños espiaban por los agujeros de la pared para ver el baile de las prostitutas y al mismo tiempo oír el espectacular sonido de corneta de Bolden, como ya describimos en la entrada dedicada al pionero cornetista.

En la zona no había una sola casa decente y abundaban los salones y burdeles. Precisamente a otro de sus ídolos, y principal mentor, Joe Oliver, lo descubrió en el Lala's trabajando para los Karnofskys, una familia judía de inmigrantes rusos, como repartidor de carbón. Cuando se aproximaba al salón donde tocaba Oliver, Armstrong ralentizaba el paso para poder estar más tiempo escuchándole.

El Hogar de los Niños Expósitos

En la Nochevieja de 1912, Armstrong se encontraba en la calle, como el resto del barrio, celebrando el Año Nuevo. Había tomado prestado de su padrastro un revólver del calibre 38. Un niño disparó un cartucho sin bala en dirección a Armstrong, a lo que éste respondió lanzando seis tiros al aire, sin ninguna intención de herir a nadie. Pero un policía blanco que observaba la escena le cogió de inmediato para llevárselo arrestado a comisaría. Después de una rápida audiencia, el 2 de enero de 1913 fue internado en el Hogar de Niños Expósitos de Nueva Orleans.

Este hecho que podría haber resultado traumático para cualquier niño de su edad, produjo una contrapartida sorprendente. El Hogar era una institución con disciplina militar que potenciaba la tradición musical de bandas. De hecho, había una banda, la 'Waif's Home Colored Brass Band', formada por un bombo y 15 instrumentos de bronce El primer instrumento que asignaron a Armstrong fue una pandereta, después pasó a los tambores, luego el bugle para acabar finalmente ocupándose de la corneta.

A diferencia de los grandes cornetistas de Nueva Orleans que tuvieron una formación autodidacta, Armstrong recibió en el Hogar una rudimentaria formación técnica. El repertorio se basaba en los rags y blues populares del momento porque todavía no existía el término jazz. Pero sin duda, el principiante Armstrong adquirió una concepción musical básica que le resultaría muy útil en el futuro.

Gracias a los méritos y los ensayos rápidamente Louis progresó hasta convertirse en primer cornetín de la banda. Consiguió sus primeros reconocimientos como músico y le dio la oportunidad de tocar en público en desfiles y procesiones. Además le mostró las posibilidades que había más allá del Storyville negro. En cierto modo le dignificó. Pero pasados 18 meses el juez le otorgó la libertad, circunstancia que no le agradó en absoluto porque él se sentía feliz y realizado en el Hogar. Además su salida significaría que tendría que vivir con su padre. Tendrían que pasar todavía 2 años hasta que Louis Armstrong pudiera pagarse su primera corneta. Como sugiere James Lincoln Collier, si el Hogar de Niños Expósitos no hubiera puesto un instrumento en sus manos es posible que hubiese llegado demasiado tarde a la música...

Las selecciones musicales son dos deliciosas piezas compuestas por Louis Armstrong y su segunda esposa, Lil Hardin, inspiradas en sus orígenes. En primer lugar 'Perdido Street', con uno de los fraseos más reconocibles de Armstrong y en segundo lugar 'Coal cart blues' (El blues de la carreta de carbón); ambas grabadas en 1940 en Nueva York para la discográfica Decca.

"Mi padre nunca tuvo tiempo para enseñarme nada; estaba demasiado ocupado persiguiendo rameras", Louis Armstrong en su autobiografía 'Satchmo'.

ONE-BY-ONE-videoclip-Tuku-Mtukudzi - Positive Generation .org

2011-12-30T09:46:00.000+01:00

Positive Generation es un proyecto musical de Médicos Sin Fronteras (MSF) que quiere dar a conocer las extraordinarias canciones de los grupos de apoyo y coros de Zimbabue que hablan sobre los retos de la enfermedad del VIH/sida y que se fusionan con el talento de artistas como Alejandro Sanz, Antonio Carmona, Javier Limón, Estrella Morente, Juan Luis Guerra, Carminho, Andrés Calamaro, Oliver 'Tuku' Mtukudzi y otros.

'Tiempo de leyenda', el documental sobre la revolución flamenca de Camar...

2011-12-26T10:24:00.000+01:00

'Tiempo de leyenda', el documental sobre la revolución flamenca de Camarón de la Isla

Cantares, los artistas flamencos cantan a Serrat

2011-12-21T11:15:00.000+01:00

Varios
“Cantares, los artistas flamencos cantan a Serrat”
UNIVERSAL

Texto: CHEMA DOMÍNGUEZ.

“Si uno no puede decir quién es, si uno no puede decir qué piensa, si uno no puede decir qué siente, francamente, nuestro paso por la vida sería un tránsito realmente penoso y sobre todo seríamos cómplices de una terrible injusticia”. Esta verdad inolvidable fue dicha por Joan Manuel Serrat el pasado 10 de diciembre, dentro de la campaña de recogida de firmas de Amnistía Internacional a favor de la libertad de expresión, y que él mismo encabezó en Madrid.

La expresión flamenca ha buscado desde sus inicios esa libertad. Ha roto cadenas cantando lo que siente, y las canciones de Serrat han buscado lo mismo. Así que este “Cantares” estaba ahí, esperando desde hace tiempo a que alguien le diese forma. Editado a finales de noviembre, contiene un índice de trece temas con nombres destacados del flamenco que quieren recoger la mayoría de los diferentes colores de voces, y la mejor representación de cantes que hermanen bien con el repertorio de El noi del Poble-sec.

Duquende por ‘Decir amigo’, José Mercé con ‘Lucía’ y Carmen Linares recitando ‘Poema de amor’ inician la entrega por el lado de las voces más genuinas, destacando la de Jaén.Miguel Poveda es uno de momentos más esperados, por unir en su voz grandeza flamenca y popular, justo el nexo de unión que necesita el repertorio del Nano. Y no defrauda con ‘El meu carrer’.

Un corte al que no esperé que le llegara su turno es esa copla honda y maravillosa titulada ‘Romance del Curro El Palmo’, a cargo de Mª Ángeles Fernández y Josemi Carmona. Una de las mejores letras de Serrat que sintetiza como pocos el folclore y una forma de expresión realmente del pueblo. Expectativas cumplidas, este romance justificaría por si solo el disco. Pero lo mejor es que siguen las buenas noticias al llegar los turnos habaneros y fiesteros con María Carrasco para cantar ‘Tu nombre me sabe a yerba’ y El Pele y El cuarteto de la Habana recordando ‘Aquellas pequeñas cosas’. Qué bueno El Pele, en compañía de otros o con Vicente Amigo, me viene a la memoria esa fantástica ‘La fuente de lo Jondo’ o ese ‘Vengo del moro’.

Camarón y Tomatito y Enrique Morente tenían que estar aunque fuera tirando de archivo, no podían faltar para que este mapa fuera completo. ‘La Saeta’ y ‘Nanas de la cebolla’ respectivamente aportan la dimensión poética que Serrat y el Flamenco tienen, gracias a Antonio Machado y Miguel Hernández. Y en esa línea y, quizá, con el timbre más llamativo del flamenco en su fantástica evolución, y que tanto deberá y deberemos siempre al talento de Mario Pacheco y sus Nuevos Medios, está Diego Carrasco dando argumento al proyecto con ‘Cantares’. Formidable.

Afortunadamente, el disco no sufre ningún descuelgue y mantiene una media muy alta que logra otro de sus mejores momentos con Mayte Martín, plena de sentimiento, cuando se acerca a la canción, sin más, y va directa al corazón con ‘Paraules d’amor’.

El proyecto, además, incluye una labor divulgativa muy acertada en el libreto, al incluir una breve reseña para contextualizar al artista que interpreta cada tema. De esta forma, quien se acerque por Serrat al flamenco o al flamenco por Serrat, encontrará un mínimo de pistas para seguir explorando y descubriendo. Nadie que lo haga se va a arrepentir. Los créditos de cada tema, aportan también esas huellas necesarias que podemos seguir para encontrar nuevos e interesantes caminos: los que han ido trazando y trazan Jesús Bola, Javier Limón, Manuel Ruiz “Queco” o José Miguel Carmona, entre otros. Lo único, ¿tenía que ser tan breve?

http://www.efeeme.com/90011/el-disco-del-dia-cantares-los-artistas-flamencos-cantan-a-serrat/

Aquí

A Curva da Cintura - Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra e Toumani Diabaté (2011)

2011-12-21T07:18:00.000+01:00

Gal Rocha

Um trecho da canção "Kaira" diz: "a música muda você / você muda mais alguém / alguém muda outro alguém / que muda você também". Esse mesmo efeito, no qual uma coisa vai desencadeando outra, agiu para que Arnaldo Antunes e Edgard Scandurra encontrassem Toumani Diabaté - músico maliense que toca um instrumento chamado kora, uma espécie de harpa com 21 cordas, típica da África Ocidental. Toumani foi premiado em 2010 e 2011 no Grammy Awards na categoria melhor álbum de Traditional World Music.

Arnaldo e Edgard, parceiros há mais de vinte anos, já estavam apresentando uma série de shows juntos, com voz, violão, guitarra e um bumbo eletrônico, e compondo novas canções para um disco, quando foram convidados a dividir um concerto com o maliense em 2010, dentro do Festival Back2Black, no Rio de Janeiro. E, apesar de terem feito apenas um ensaio antes do show, a sintonia foi perfeita. O músico, então, os convidou para gravar em Bamako, capital do Mali, na África. Eles não só aceitaram como chamaram Toumani para participar do novo projeto.

O álbum foi gravado em Mali e São Paulo durante os meses de abril e maio deste ano. Em Bamako, os músicos ficaram duas semanas gravando com Toumani, seu filho, Sidiki Diabaté, e outros músicos do lugar. Lá compuseram mais alguns temas além dos que já haviam feito. O CD, produzido por Gustavo Lenza, tem 14 faixas, além de quatro bônus tracks. O lançamento do disco está previsto para este mês em parceria com a MTV, sob o selo Especial MTV, junto com o documentário, dirigido por Dora Jobim, com cenas das gravações em Mali.

Culinária, modo de vestir e costumes malienses - como assistir novelas brasileiras, por exemplo, também são mostrados no DVD. Uma parte especialmente bonita é o registro feito na casa de Toumani quando as crianças começam a cantar e a dançar. Interessante também quando o músico conta sobre a independência do Mali, na década de 1960, e sobre o movimento de resistência para enfrentar os colonizadores franceses, chamado de Kaira. A "arma" usada pelo movimento foi o canto - que falava sobre cultura, alegria, amor e paz.

"A Curva da Cintura" - Arnaldo Antunes, Edgard Scandurra e Toumani Diabaté

1. A CURVA DA CINTURA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

2. CARA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

3. CORAÇÃO DE MÃE (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

4. MEU CABELO (Serge Gainsbourg / versão: Arnaldo Antunes)

5. GRÃO DE CHÃOS (Arnaldo Antunes / Liminha / Paulo Miklos)

6. CÊ NÃO VAI ME ACOMPANHAR (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

7. QUE ME CONTINUA (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

8. UM SENHOR (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

9. PSIU (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

10. SE VOCÊ (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

11. MUITO ALÉM (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

12. CÊ SABE COMO É (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

13. IR, MÃO (Arnaldo Antunes / Edgard Scandurra)

14. KAIRA (Toumani Diabaté / Arnaldo Antunes)

Bônus track

RIO SECO (Toumani Diabaté)

NEBLINA DE AREIA (Edgard Scandurra)

YACINE (Toumani Diabaté)

BAMAKO'S BLUES (Edgard Scandurra)

Download: A Curva Da Cintura

http://abaixafunda.blogspot.com/2011/12/curva-da-cintura-arnaldo-antunes-edgard.html#comment-form

Playing For Change: Feliz Navidad

2011-12-20T12:02:00.001+01:00

Calle 54 - Una Pelicula de Fernando Trueba (completa)

2011-12-18T10:07:00.000+01:00

FOLÍAS DE ESPAÑA - Concierto de Jordi Savall

2011-12-15T10:45:00.000+01:00

FOLÍAS DE ESPAÑA - Concierto de Jordi Savall.

Intérpretes:

- Jordi Savall (Viola de gamba)
- Rolf Lislevand (Guitarra barroca, tiorba)
- Arianna Savall (Arpa)
- Pedro Estevan (Percusión)
- Adela González-Campa (Percusión)

Grabado en la Iglesia de Plouaret, el 13 de octubre de 2002, dentro del Festival de Música Antigua de Lanvellec (Francia). (MEZZO TV)

Hubiera Cumplido 60 (Jaco Pastorius)

2011-12-13T17:24:00.001+01:00

vía La Quinta Disminuida de nico el 13/12/11

Arte. Magia. Genio. Locura. Innumerables y variopintas han sido las expresiones que han intentado explicar, los detalles inherentes al proceso de creación artística. De igual modo que la religión se apoya en metáforas épicas con las que trata de dar respuesta a los problemas derivados de la existencia humana, el germen del que nace el arte ha sido públicamente manipulado, evitando el reconocimiento del trabajo y el esfuerzo, mitificando y comercializando la figura del artista y reforzando indirectamente esa teoría que identifica al arte como un reflejo de la propia vida.

La genialidad de pintores, escultores, escritores y músicos se relaciono en muchos casos con detalles anecdóticos aparejados de sus biografías. Según este criterio el postimpresionismo pictórico se basó en la enfermedad mental de Vincent Van Gogh hasta el punto de amputarse su propia oreja, Ludwig Van Beethoven jamás podría haber compuesto su Novena Sinfonía, ni Francisco de Goya retratar sus Caprichos si ambos no hubieran padecido sordera, los suicidios de varios artistas tuvieron una relación directa con su martirizada mente de creador, y la revolución musical que propuso Wolfgang Amadeus Mozart estaba fundamentada en su inusual espíritu histriónico e infantil.

Esas mentes atormentadas, cuya compleja personalidad originada en oscuros pasados familiares, duras condiciones de vida y enfermedades de tipo físico y psíquico pertenecían a individuos con lógica, destreza e incansable disposición al trabajo, cualidades de gran valía, pero menos dadas a alimentar leyendas. Leyendas que siempre existieron en el jazz, una música que surgió de forma marginal, en lugares marginales y a cargo de un grupo social tan marginal como la raza afro-americana en la América de principios del siglo XX.

Los aspectos más oscuros de las biografías de los músicos suelen ser los más comentados, ya que justifican ese elemento especial, mágico, divino que les diferencia del resto de mortales y les otorga la calidad de artista. Entre la información siempre brilla la anécdota, y la historia del jazz está plagada de ellas.

Mi nombre es John Francis Pastorius III y soy el mejor bajista eléctrico del mundo.

Así se presentaba, ni más ni menos. No existe fanático del jazz que no conozca a Jaco Pastorius. No hay bajista que no lo idolatre. Jaco vino a revolucionar el mundo del jazz, tanto en aspectos creativos de sus composiciones, como en la manera de tocar el bajo eléctrico. Antes de de su aparición en el ámbito musical, el bajo era un instrumento plano, Jaco le dio una tercera dimensión, su percusiva y fluida rítmica funk, el innovador uso de armónicos naturales y su excepcional empleo de acordes, le permitían tocar desde una Fantasía cromática de J. S. Bach hasta los Pasos Gigantes de Coltrane, pasando por la Bruma Púrpura de Hendrix, todo esto en un bajo Fender Fretless que el mismo se había “fabricado” quitándole los trastes con la ayuda de una navaja. En la quinta disminuida hicimos varios homenajes a Jaco, el de hoy será diferente, y será diferente no solamente por las versiones o los temas que escucharemos, sino fundamentalmente porque no hablaremos de su trágica vida y consecuentemente de su leyenda. En esta sesión hablaremos del Jaco músico, músico completo, el bajista, el compositor, el arreglista, el acompañante. Todas estas facetas las escucharemos en toda la dimensión de su obra.

Happy Birthday
Havona
The Days Of Wine and Roses
Blackbird
The Chicken
Dark Prince
I Shot The Sheriff
Chromatic Fantasy
Portrait Of Tracy
Three Views of a Secret
Continuum
Killing Me Softly
Sophisticated Lady
God Must be a Boogie Man
Bird Song
Spiral
4:00 AM
Missouri Uncompromised
The Hope
Fanny Mae

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Ariane Orlandi présente le clip "Mantra", Malcolm Braff, sortie du CD "I...

2011-12-09T06:22:00.000+01:00

Celtic Music for Harp Flutes Oboe Violin and Orchestra

2011-12-09T05:58:00.000+01:00

Buika - Jodida pero contenta (Directo Cueva Candela 06)

2011-12-08T08:33:00.000+01:00

If / Kiko Veneno

2011-12-04T18:05:00.000+01:00

Videoclip de la canción "If" de Kiko Veneno, perteneciente a la edición especial del disco "El hombre invisible" (2006)

Berta Rojas plays "Danza" by Edin Solis Nominated by WAMA as Video of th...

2011-12-04T10:52:00.000+01:00

Reconocida por su técnica impecable y su innata maestría musical, Berta Rojas es una de las nuevas figuras más destacadas en la guitarra en el presente. Fue elogiada por el Washington Post como “guitarrista extraordinaria” y por la Classical Guitar Magazine del Reino Unido como “Embajadora de la Guitarra Clásica”. Su reconocida calidez y musicalidad le otorgaron un lugar de preferencia en el gusto del público que la aplaudió en escenarios como el Carnegie Hall o el South Bank Centre de Londres, el Frederick P. Rose Hall del Jazz en el Lincoln Center en New York, el Kennedy Center en Washington DC o el National
Concert Hall en Dublín, donde fue solista de la Irish Radio an Television Orchestra.
Recientemente estuvo en el estudio 4 de Flagey en Bruselas, que la recibió como solista de la Brussels Philarmonic Orchestra en un concierto emitido para la Televisión Nacional belga. Tuvo el honor de abrir la Cumbre de las Primeras Damas de las Américas, a la que asistió la entonces Primera Dama, Hillary Rodham Clinton

Berta mantiene una prolífica agenda de grabaciones. Su CD Intimate Barrios es una de las grabaciones más celebradas del gran compositor y guitarrista paraguayo Agustín Barrios, que brilla con la espontaneidad y cercanía que un compatriota brinda a su música.
Con su CD Cielo Abierto y más recientemente con Terruño, Berta logró grandes reconocimientos de la
crítica presentando un repertorio personal, fresco y emocionante en la guitarra clásica. También hizo
giras con Carlos Barbosa Lima, con quien grabó el CD Alma y Corazón.
Además de enriquecer continuamente su carrera artística, Berta Rojas se comprometió a fomentar el conocimiento de la guitarra clásica, haciendo especial hincapié en la promoción de la música de su país,
el Paraguay, así como también de la música latinoamericana y apoyando la carrera de jóvenes artistas. En el verano del 2009 creó el primer concurso online de guitarra clásica, el Barrios WorldwideWeb Competition, el que actualmente, en su segunda edición, genera un enorme interés en todo el mundo de la guitarra.
Fue directora artística de las tres ediciones del Festival Iberoamericano de Guitarra que se realizó en el Museo Smithsonian, en Washington DC y co-fundadora del Beatty Competition. Sus maestros fueron Felipe Sosa, Violeta de Mestral y Abel Carlevaro.
Obtuvo la licenciatura en música en la Escuela Universitaria de Música en Uruguay, donde fue alumna de Eduardo Fernández. Más tarde, logró una Maestría en Música en el Peabody Institute, bajo la guía de Manuel Barrueco.
Rojas fue Fellow of the Americas del Kennedy Center for the Performing Arts por su excelencia artística y tiene el honor de ser Embajadora del Turismo de su país, Paraguay.
Actualmente, es profesora de la cátedra de Guitarra en la George Washington University

http://www.bertarojas.com

Veronica Ferreiro - Stop Your Step

2011-12-03T21:44:00.000+01:00

Video “Strop Your Step (Sala Clamores)”

“LAIO” es el nombre que da título al álbum debut de Verónica Ferreiro. En él se incluyen 10 profundas canciones, que abordan géneros como el Jazz, Neo-Soul y el Folk. Letras en gallego, castellano e inglés, de las cuales Verónica es autora (excepto del corte número 2, con letra escrita por Carmen Rey).

Verónica abraza con nombre propio un proyecto que significa el comienzo de un concepto, de una entidad, de una manera diferente de entender la música.

LAIO son raíces, cultura, corazón, nostalgia, nuestros miedos, nuestra fragilidad como seres humanos, nuestras esperanzas, nuestra fe hecha música en el sentido estricto dela palabra.

http://www.zonadejazz.com/2011/12/02/veronica-ferreiro-laio/

Jimi Hendrix - Hey Joe [Live]

2011-11-27T19:14:00.000+01:00