La vocalista Mette Lindberg y el productor Lars Iversen se encuentran tras The Asteroids Galaxy Tour, una formación que se dio a conocer por haber conseguido colocar dos canciones suyas, Around the Bend y The Golden Age, como jingles en sendos anuncios de iPod Touch de Apple y Heineken respectivamente. La formación danesa, apadrinada por la mismísima Amy Winehouse desde sus inicios y convertida actualmente en sexteto con una potente sección de vientos ve en Out of Frecuency (BMG) la oportunidad de refrendar todo el trabajo realizado hasta la fecha. “Es absolutamente increíble”, confiesan sobre el hecho de darse a conocer en su día a través de esas importantes marcas. “Fue muy útil para nosotros darnos a conocer a través de la televisión. No es fácil llegar al nivel 2 en este ‘juego’ de la industria musical”, reconocen.


Lo que queda de aquella época en la que Mette y Lars tuvieron un sueño juntos “es que lo estamos viviendo. Para nosotros este es el mejor trabajo del mundo. Nos encanta difundir nuestra música en todo el planeta y viajar mucho. Out of Frecuency, nuestro nuevo álbum se publicó en enero en EE UU y este mes en Europa. Los últimos meses han sido una locura, porque estamos lanzando en 20 países al mismo tiempo, pero somos un equipo fuerte y cercano”.


Para ello cuentan que se metieron en su propio estudio, “pequeño y acogedor” en el corazón de Copenhague y dedicaron el último año y medio trabajando día y noche. El resultado es un disco más setentero, más funk, que suena a veces casi como la BSO de una película o una serie de televisión, e incluso con momentos que ofrecen una visión cercana de los jingles de los años 60: “Out of Frecuency es un álbum más profundo y más definido, porque los dos estábamos tan involucrados en la realización del mismo que por tanto nuestras influencias brillan más. Nos encantan las películas Blaxploitation así que sí, entendemos que te hayas hecho esa idea del disco”.


Desde luego es un paso más en su pop-psicodélico, donde la sección de metales y los sintes cobran un mayor portagonismo si cabe. Lars es quien nos contesta: “Hay muchos Hammond y Fender Rhodes y algún viejo Clavinet también. Sí hemos jugado con más sintetizadores que en el otro álbum Fruit. Uno de mis favoritos es el Korg MS-20. Es tan crudo y distorsionado que no puedes dar con un mal sonido. Creas un poco de magia cada vez que lo enciendes. Para los sintetizadores polifónicos usamos el Júpiter-6 un montón, es una bestia grande y preciosa que suena a sintetizador analógico y creo que es el mismo que utilizó Michael Jackson en Thriller. También usé una vieja caja de ritmos como la CR-8000, (momentazo Sly Stone), y una colección de pedales con efectos vintage y ecos de cinta”.


También en cuanto a las letras y la temática encontramos un disco más definido. Al componerse en el último año aparece más contreto y directo: “Hay mucha brutalidad en el nuevo disco, tanto musical como lírica. Temas sobre los bajos fondos, historias de ascenso y caída, el amor adictivo loco… Todo esto es bastante dramático y tiene momentos casi cinematográficos a veces. Es el gran contraste. Tal vez inspirado en el entorno de nuestro estudio. Está ubicado en la calle la mayoría de los criminales de la ciudad con traficantes, prostitutas y bandidos por todas partes”, añaden.
Reconocen que existe una gran presión ahora que se acerca la publicación de este plástico, algo inerente a una maquinaria de estas características: “Por supuesto, hay mucha presión, sobre todo ahora tan cerca de la salida del álbum. Estamos trabajando duro en tantos niveles diferentes…”, suspiran: “Aparte de hacer la promo también hemos estado trabajando en el nuevo show en vivo y estamos muy entusiasmados con él. Tuvimos que adaptar el directo al sonido creado que te comentábamos. Hay más instrumentos en el escenario, un hermoso telón de fondo detrás, un espectáculo de luz… nos hemos convertido en una familia de 10 personas por lo que todo es muy emocionante. Llegamos agotados a veces, pero haciendo algo que te gusta es realmente inspirador y le da un nivel extra de energía”, aseguran. theasteroidsgalaxytour.com

Más información en Club de Música

Scratch Massive, cual proyecto, no puede ser grupo revelación de 2011 pues se estrenaron con obra oficial en 2003, debut al que darían varias continuaciones. Sin embargo, Nuit De Rêve sí que debe ser ensalzado como disco revelación de synth pop del año ya cerrado tras nuestras espaldas. El tándem que forman Maud Geffray y Sebastien Chenut, equipo que desde Francia impulsa su gusto a la hora de entender la electrónica, alcanza en nuestros días la culminación. Ya nada volverá a ser lo mismo en la escena sintetizada.

‘Take Me There’, únicamente en el tercer escalón tras comenzar a subir la lustrosa escalinata sónica, contiene el embrujo de un Jimmy Somerville superando cualquier cota de calidad que entregase durante sus años de mayor gloria frente al micrófono de Bronski Beat o The Communards. Frases que canta sobre un colchón de techno pop casi onírico, como sacado de un Olimpo celeste. Antes han sonado la experimental, y tocante con la etapa más comercial de Tangerine Dream, ‘Pleine Lune’, al igual que la casi industrial ‘Waiting For A Sing’. ‘Paris’, por su parte, acerca a un romanticismo misterioso en el que Daniel Agust pone su reconocible registro vocal.

Existen a lo largo de las diez piezas figuras instrumentales que recuerdan a The Human League, Ultravox o a ciertos manierismos de Talk Talk; incluso ‘Closer’ podría acercar al oyente a aquel Friday Morning Sound Therapy (2007) de los nacionales Venus Bites. Excelentes y magníficos, Maud y Sebastien recuperan los años 80 con el conocimiento de los nuevos gustos, cocinando a la postre un disco de pop electrónico o sintético entre lo evolutivo y lo tradicionalista.

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Sergio Guillén

Con motivo del 40º aniversario de la publicación de Thick as a Brick, Jethro Tull tienen previsto lanzar una continuación o segunda parte. Según el líder de la banda, Ian Anderson, el álbum se pondrá a la venta el 2 de abril que servirá de apoyo a la gira de 32 conciertos por UK, Alemania y Francia que Jethro Tull va a realizar para celebrar el aniversario de Thick as a Brick.

Anderson contará como compañeros de banda tanto en el disco como en su presentación en directo con los músicos John O’Hara (teclados), David Goodier (bajo), Florian Opahle (guitarra) y Scott Hammond (batería).

El listado completo de temas de la secuela de Thick as a Brick de Jethro Tull es el siguiente:

01 From A Pebble Thrown
02 Pebbles Instrumental
03 Might-have-beens
04 Upper Sixth Loan Shark
05 Banker Bets, Banker Wins
06 Swing It Far
07 Adrift And Dumfounded
08 Old School Song
09 Wootton Bassett Town
10 Power And Spirit
11 Give Till It Hurts
12 Cosy Corner
13 Shunt And Shuffle
14 A Change Of Horses
15 Confessional
16 Kismet In Suburbia
17 What-ifs, Maybes And Might-have-beens

El álbum original tiene la peculiaridad de estar compuesto por una única canción que se presenta dividida en dos partes, correspondientes a cada una de las caras de un vinilo (el formato que se consumía en la época). A pesar de estar dividida en dos partes, la unión nunca se rompe en realidad pues el efecto sonoro de viento que se escucha al final de la primera parte continua en la segunda.

La letra se basa en un poema escrito por un ficticio niño precoz llamado Gerald Bostock, alias Little Milton. Las cubiertas y el interior del disco de vinilo fueron diseñados imitando un diario de un pequeño pueblo, el St. Cleve Chronicle & Linwell Advertiser, en el cual se incluye la letra de la canción y diversas noticias y pasatiempos típicos de un diario.

Artista: Lana del Rey
Título: Born to Die
Sello: Universal
Fecha de publicación: 2012
Más información: web oficial

Listado de canciones:

1. Born to die
2. Off to the races
3. Blue jeans
4. Video games
5. Diest mountain dew
6. National anthem
7. Dark paradise
8. Radio
9. Carmen
10. Million dollar man
11. Summertime sadness
12. This is what makes us girls

El disco de la temporada, para bien o para mal. Así ha sido catalogado el primer disco como Lana del Rey de Elisabeth Grant, y razón no le falta a esta afirmación. El tsunami de noticias, expectativas, alabanzas y dardos envenenados ha superado todas las cavilaciones que pudiésemos haber planteado hace unos meses cuando escuchamos la preciosa “Video games” por primera vez. Sin embargo da la sensación que al final el disco es lo de menos: la gente prefiere hablar de sus recauchutados labios, acusarle de producto de marketing o quedarse en la superficie con los singles. Como siempre, al final el concepto álbum, tan denostado en nuestros días, se queda en un segundo plano ante aspectos más frívolos que complementan, pero no lo son todo. No debería ser así, pero es lo que hay. Por suerte Born to die tiene más chicha que un par de singles, una cara bonita o una actitud retro-romántica. Tampoco es que vaya a salvar el pop, tanto comercial como indie, pero unos cuantos buenos ratos no nos los quita nadie.

La primera mitad del disco es maravillosa, incluyendo las consabidas “Video games” y “Blue jeans” (lynchiana total), que incluso ganan puntos en conjunto que por separado. El tema homónimo marca la tendencia elegante y sugerente del álbum, con bien de instrumentación y envoltorio post trip-hop. Lo que sí que resulta ciertamente variado es la interpretación de Lana, que dependiendo del tema puede tornarse hacia personalidades completamente contrapuestas, como en el descaro de Off to the races o el tono de animadora en el estribillo de National anthem. A partir de este tema el álbum comienza a flaquear en el terreno lírico, con clichés más que vistos acerca del poder y el dinero, aunque la melodía se destapa tan pegajosamente pop que acaba no importando. El problema es que este déficit lírico sí que pasa factura en cortes como “Dark paradise”, “Million dollar man” o “Carmen”, que pecan de monotonía sonora y melódica (además de parecer remedos de los highlights del álbum). El caso es que cuando Lana lo da todo, da igual que cante el tópico más manido del mundo, porque la sensualidad intimista con lo que interpreta lo convierte en una escena de la mejor película noir de la época dorada de Hollywood.

Es la segunda parte de Born to die la que lastra el conjunto: más de lo mismo pero perezosamente ejecutado. Hay excepciones como la azucarada pero deliciosa “Radio”, que navega entre la ñoñería y la emotividad más honesta, con una preciosa melodía como guinda. “Summertime clothes” también se salvaría de la quema por mucho que la temática del amor de verano esté más vista que el tebeo. De los tres bonus tracks prescindimos porque aunque no estorban, no engrandecen Born to Die (aparte de que un disco es lo que es, los extras son simple anécdotas).

Luces y sombras para un trabajo que va del gusto más exquisito y emocional al tedio más recargado y vacuo. La ambientación retro y cinematográfica, las continuas referencias a la Norteamérica más decadentemente superflua o el romanticismo sensual y nocturno son motivos suficientes para disfrutar de este “debut”. La crítica ha sido generalmente feroz, y es que muchos no han sabido separarse del hype generado. Al final la música es música, más allá de una presencia mediática excesiva. Lana revive el sad core de Chris Isaak, un género casi olvidado, lo sazona con buen olfato pop y aunque no triunfa del todo ni inventa la rueda, revive sensaciones que hace mucho que no vivíamos. Aunque a veces se queden a medio gas.

 

 

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dyorch

Fast Car fue el primer y gran éxito de la señorita Chapman a finales de los 80 en un momento en el que las cantautoras volvían a copar las listas de éxito. A pesar de que nunca ya tuvo la misma repercusión que con su primer disco, lo cierto es que Tracy Chapman tiene algunos trabajos posteriores muy interesantes, como New Beginning o Telling Stories.

 

 

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Texto: Juan Manuel Vilches

 

Hellfest, el festival más absolutamente mastodóntico que cualquier metalhead pueda imaginar, cierra su interminable cartel anunciando las caídas de All Pigs Must Die y Whitechapel y las incorporaciones de Guns N’ Roses, Megadeth, Mötley Crüe, Refused, Dropkick Murphys, Biohazard, Turbonegro, Within Temptation, Abysse, All Shall Perish, Arson Anthem, Ascension, Behemoth, Belenos, Benighted, Big Business, Black Bomb A, Bukowski, Cancer Bats, Celeste, D.A.D., Discharge, Doomriders, Edguy, Entombed, Gotthard, Hank III, los madrileños Hamlet, Heaven Shall Burn, Ihsahn, Insomnium, Jesus Crost, Koritni, Lasting Values, Liturgy, Lock Up, Moonsorrow, Necrophagia, Obituary, October File, Satyricon, Sebastian Bach, Shining, Sublime Cadaveric Decomposition, Suffocation, Sunno))), The Atomic Bitchwax, The Bronx, The Obsessed, The Rodeo Idot Engine, Tragedy, Trepalium, Unearth, Unsane, Uriah heep, Vitamin X y diez bandas más que se unirán a las ya conocidas hasta ahora para sumar un total de 160 actuaciones distribuidas en 6 escenarios durante el fin de semana del 15 al 17 de junio en la localidad francesa de Clisson.

Todo un tour de force sólo apto para los más aguerridos soldados…

 

 

 

 

El grupo de visual kei Dolly ha informado en su página web oficial que lanzará un nuevo maxi-single para el próximo día 25 de Abril.

Este trabajo se llamará “Nijiiro no Kanaria” (虹色のカナリア) y saldrá en dos formatos diferentes. La edición regular que será un solo CD con un total de 3 canciones y la edición limitada que será un CD con 2 temas más un DVD con el videoclip de Nijiiro no Kanaria.

La banda de rock Jack Rose ha anunciado que lanzará un nuevo álbum titulado “Second Destiny” para el próximo día 20 de Febrero.

“Second Destiny”

CD:
01. Secret mail (シークレットメール)
02. Bloody Mary
03. Lost In Time
04. Itsuka dokoka de kitto… (いつか、どこかで、きっと…)
05. DeeP～kare kara no message (DeeP～彼からのメッセージ)
06. Final Destiny

 

THE KIDDIE ha informado en su página web oficial que lanzará un nuevo Álbum titulado “MA★PIECE” para el próximo día 28 de Marzo.

“MA★PIECE” [Edición Regular]

CD:
01. MA★PIECE
02. mr.FIREBIRD
03. Sun’z up
04. Akane sasu sora, Ochiru kage (茜射ス空、落チル影)
05. Raise no Megami (来世の女神)
06. Nutty Nasty
07. Summer Dream (サマードリーム)
08. Happy End ga Matteiru (ハッピーエンドが待っている)
09. Destination
10. REDRUM (美しき)
11. Futari no Memories (二人のメモリーズ)
12. Stand by me

“MA★PIECE” [Edición Limitada]

CD:
01. MA★PIECE
02. mr.FIREBIRD
03. Sun’z up
04. Akane sasu sora, Ochiru kage (茜射ス空、落チル影)
05. Raise no Megami (来世の女神)
06. Nutty Nasty
07. Summer Dream (サマードリーム)
08. Happy End ga Matteiru (ハッピーエンドが待っている)
09. Destination
10. REDRUM (美しき)
11. Futari no Memories (二人のメモリーズ)
12. Stand by me
13. Adult (アダルト) [bonus track]

DVD:
(Sin informar)

El grupo de visual kei BugLug, ha anunciado que lanzará un nuevo single para el próximo día 22 de Marzo.

El sencillo se titulará “Guillotine” (ギロチン) y saldrá en 2 formatos diferentes.

La edición regular que será un solo CD con los temas “Guillotine” (ギロチン), “Sangatsu tooka” y “Juko kara Psycho Love” (銃口からサイコラブ) y la edición limitada que será un CD que contendrá las canciones “Guillotine” (ギロチン) y “Sangatsu tooka” (三月十日), más un DVD que incluirá el videoclip de “Juko kara Psycho Love” (銃口からサイコラブ).

La joven banda de visual kei Misaruka (ミサルカ) ha informado en su página web oficial que lanzará un nuevo álbum para el próximo día 2 de Mayo.

El nuevo trabajo se titulará “Episodes. -Merrow-” y será una sola edición de un CD con un total de 10 canciones más un DVD con el videoclip de “Jester”

“Episodes. -Merrow-” también se podrá comprar por adelantado en el “Neo gothic for fantasy” concierto que tiene el grupo programado el 18 de Marzo en el Ikebukuro BLACK HOLE de Japón.

 

 

 

 

 

Hay ciertos resortes que despiertan recuerdos íntimamente ligados al apartado más lúdico de nuestro subconsciente: aquel que nos lleva a las infinitas tardes palomiteras de la infancia, en las que todo era seguro, cálido y, sobre todo, había sido creado únicamente para nuestra diversión. De pulsar estos resortes han hecho los mexicanos Twin Tones una fructífera carrera: las bandas sonoras de Morricone o Nicolai, temas clásicos del surf o del rock versionados en este estilo, a semejanza de los clásicos de The Ventures, o la propia imagen del “malo” de las películas italianas del Oeste, indefectiblemente vestido de charro, todo lo que nutre el imaginario colectivo de más de una generación ha entrado a formar parte de su repertorio.

La madrileña La Boîte presentaba una sorprendente media entrada, meritoria en las fechas y temperaturas en que nos hallamos, y que dio fe del buen recuerdo que los aztecas han dejado en sus anteriores conciertos en la capital, con el ahora convaleciente Daddy O’Grande y acompañando a Los Coronas. Presentaban en esta ocasión “Trío de Mercenarios”, su último disco íntegramente compuesto por versiones de temas cinematográficos de sus “maestros”, los anteriormente citados Ennio Moriconne o Bruno Nicolai, entre otros. Paradójicamente, en la presentación de este homenaje han sustituido la maravillosa trompeta que tanto feeling aportaba a su estilo, y que tan imbricada se halla en todo lo mexicano, por un flautista que, entre otros, emulara los ya clásicos silbidos del imaginario “spaghetti western”. Esto que a priori no debería ser perjudicial ha acabado privando al sonido Twin Tones de una de sus principales características.

Este alejamiento de la garra charra de la que hacían gala en anteriores ocasiones merced a la impresionante presencia del trompetista Eduardo Montesinos ha ido en detrimento de su fuerza escénica, que parece centrarse más ahora en las cuestiones sónicas que estéticas. Una apuesta peligrosa, tanto más cuanto su actual repertorio, repleto de medios tiempos, adolece de una cierta monotonía temática, precisamente por esa querencia a un muy determinado ámbito musical y huída de lo previsible, no por meritoria necesariamente mejor.

Queda ahora por ver si este nuevo esquema en los directos será definitivo o si, por el contrario, recuperarán su alianza con el añorado Montesinos una vez cumplido este sentido y sincero homenaje a sus “maestros” del celuloide, regresando a sus raíces surf y a su sangre auténticamente mexicana, sin necesariamente olvidar los divertidos guiños cinematográficos, pero aportando una mayor variedad y, sobre todo, energía al espectáculo. Más sangre, más sudor, más tequila… y menos autocomplacencia.

 

 

El Klubbers Day 2012, el evento electrónico más importante del año en Madrid, está a la vuelta de la esquina y la organización ya ha hecho un segundo avance de artistas, enriqueciendo todavía más un cartel que ya contaba con nombres de la talla de Carl Craig, Ben Klock, Marcel Dettman, Ekkohaus o Fritz Kalkbrenner. Pues bien, ésta es la nueva ristra de deejays que nos tiene preparado esta nueva edición del Klubbers: Loco Dice, Sven Väth, Judge Jules, Marco V, Brian Cross, Cassy, Clockwork, Dan Ghenancia, Dash Berlin, Davide Squillace, Dyed Soundorom, Ellen Allien, Marien Novi, Martin Buttrich, Martinez Brothers, Raresh, Sossa, System Of Survival, Tale Of Us, Tennis, Thugfucker y Tini. Además, la organización ha anunciado las zonas especiales de Cocoon Heroes, Desolat, Life and Death y Moonharbour Showcase.

Esta es la séptima edición del festival y FSM ha confesado su orgullo de haber llegado hasta este septenio de existencia. Haciendo gala de su gradilocuencia han expresado que “este número nos catapulta hacia un futuro que abordaremos cada vez con mayor contundencia. No en vano el arcano mayor número 7 es EL CARRO, que representa el gran salto hacia delante, el progreso y el triunfo. Y es que después de haber purgado los 7 pecados capitales, nos merecemos disfrutar de las 7 maravillas del mundo electrónico, con Klubber’s Day a la cabeza. Las 7 notas musicales nos harán bailar y bailar hasta desear tener las 7 vidas de un gato para que este deleite no acabe nunca. Los siete chacras de tu cuerpo focalizarán toda su energía para llevarte al séptimo cielo y volar sobre los 7 colores del arco iris.”

El recinto elegido será el ya clásico, Madrid Arena durante los días, 16, 17 y 18 de Marzo. Puedes comprar entradas y abonos haciendo click aquí.

 

“No somos nada puristas y no nos gustaría encasillarnos.”

El conjunto de rock experimental Albatros cerró 2011 con uno de los mejores trabajos que se editaron dicho año en nuestro país en esta disciplina musical. Ursus, ese último lanzamiento de la agrupación, les ofrece misteriosos y algo oscuros, pero colmados de un sentimiento que saldrá de tu equipo de reproducción casero dispuesto a atraparte y hacerte así participe de tan especial experiencia. Hoy son los propios componentes de la banda citada los que nos presentan su propuesta.

Para los que todavía no se han adentrado en la música de Albatros, respondedme a dos preguntas que me parecen fundamentales para iniciar esta entrevista. La primera: ¿De dónde nace el sonido de vuestro proyecto? Y, por otro lado, ¿cómo decidís fundar una propuesta de tan importante calado experimental?

Javi: Pues creo que las dos preguntas podrían contestarse con una sola respuesta, todo nace de las ganas de tocar y sobretodo de crear. Mirando atrás te das cuenta de la importancia real que tuvo todo al principio, ya que básicamente no había intención de nada más que de crear y expresar. Puede sonar un poco típico, pero se agradece mucho que fuera de esa manera, ya que en ningún momento nos planteamos el tener en cuenta la posible parte comercial o social del asunto. Para nosotros esto es una forma de expresión, la frescura y la sinceridad del proyecto reside precisamente ahí. Eso implicó que nunca tuviésemos reparos en reconocer nuestras influencias, que al inicio eran evidentes e imitadas, y que a medida que creces como banda vas abandonando para dar paso a tu personalidad como tal. La atmósfera progresiva y la psicodelia de los 70 fueron sin duda básicas al principio. Después nos hemos ido abriendo a grupos más contemporáneos.

¿Cómo fue la transición de la primera maqueta a grabar finalmente Pentadelia?

Joan: Pentadelia verdaderamente ha sido un puente de madurez entre nuestra maqueta ¿Quién Colgó A Los Lobos? y Ursus. Pentadelia fue grabado con la actual formación, pero los temas incluidos en el álbum, excepto ‘Las Tripas De Goliath’ y ‘Mehari’, proceden de nuestra anterior época, cuando Ivan Macià todavía formaba parte del grupo y fue sustituido por Tolo. En una época de cambios, resultó muy duro sustituir a Ivan, ya que era miembro de Albatros desde el principio, pero sobretodo amigo… Entramos en una etapa de desmotivación, y él no estaba lo suficiente motivado para seguir. No sabíamos hacía donde se dirigirían los temas nuevos ya que Ivan tenía un peso muy importante a la hora de componer; pero tras la entrada de Tolo enseguida nos entendimos y es en Ursus dónde más clara se muestra la personalidad de la banda.

Ahora ya estamos trabajando en las nuevas canciones y creemos que van a sorprender. Estamos dejando atrás la oscuridad que parece envolver a Ursus y dejando entrever un poco de psicodelia, ¡otra vez! Bueno, ya veremos que saldrá en esta ocasión, raramente pensamos en cómo queremos sonar, sino que hacemos lo que sentimos y lo que nos gusta.

Ursus es sin duda un segundo paso en oficialidad que guarda coherencia con lo presentado en el ya citado debut de Albatros. ¿Desde qué punto partió la banda a la hora de enfrentarse a un segundo asalto que, como se suele decir, es donde un grupo demuestra que no ha sido flor de un día?

Red: Pues con mucha más convicción en nuestro sonido y en nuestra personalidad. La primera vez que entras en un estudio te das cuenta de muchos de tus miedos y limitaciones, y además ves, casi siempre demasiado tarde, que la inexperiencia te hace elegir erróneamente, o te hace ser demasiado orgulloso y celoso de tu espacio y tu música. Con ese bagaje encima, también supongo que fuimos influenciados por la casi totalidad de críticas provenientes del progresivo. Esta vez teníamos bastante más claro cual era, mayoritariamente, el público que nos iba a escuchar. No somos nada puristas y no nos gustaría encasillarnos, pero hay que reconocer que el pertenecer a algo similar a una movida nos ha ayudado, al menos de momento. Encontrar un productor que encajara con nuestra visión y la complementara fue una buena manera de empezar.

Desde la primera escucha de Ursus sentí un regusto setentas en el conjunto de lo que ofrecíais, en el grueso de vuestro sonido. Y no hablo de copias del pasado, ya que es más como si aquella década se actualizase por medio de Albatros pero manteniéndose igualmente la verdad tan encarnada y pasional de dichos días.

Red: En los 70 el rock llegó a su cumbre, ya fuera con el progresivo, con el hard rock (Purple, Zeppelin) o el rock más ácido. Supongo que es normal echar la mirada atrás, para aprender o simplemente por gusto. Luego, a medida que vas creciendo, lo vas modelando a tu manera, y por supuesto le añadimos otras influencias, de los 90 o actuales. En mi caso me gusta añadirle pizcas de jazz, al menos en cuanto a concepto o a melodía. Pero nos atraen los Porcupine, Opeth, Mastodon, Radiohead, Flaming Lips, y así hasta el infinito.

En Progarchives, el prestigioso portal versado en la escena progresiva mundial, se os cataloga como banda de lo que ellos llaman heavy prog. Me parece un cajón totalmente estanco que en ningún momento abarca todo lo que Albatros da de sí en su apuesta musical y su evolución artística. ¿Cómo os definiríais vosotros?

Marc G.: Nosotros, como banda, bebemos de muchas fuentes e influencias, no solamente del heavy, del rock o del progresivo, sino de muchísimos grupos y tendencias también extramusicales como la literatura, el arte, el cine o el cómic. Cada uno de nosotros tiene gustos musicales diferentes pero coincidimos en muchos. Esta mezcla conceptual y de ideas hace que Albatros sea mucho más que heavy prog. Aparte, tenemos una sensibilidad parecida a la hora de componer y decidir hacia donde avanza nuestro sonido… aunque no es muy premeditado, más bien sale de manera muy natural. Nunca nos hemos parado a pensar cómo nos etiquetaremos y no creo que tengamos ninguna necesidad; aunque si se nos engloba en el heavy prog y eso ayuda a la gente a entrar en nuestro mundo, adelante.

Me ha agradado que no tengáis miedo de mezclar en vuestro trabajo los texto en castellano con otros en inglés; más en concreto, el que colma la pieza ‘Planeta Prohibido’. ¿Os lo pedía la temática de la composición?

Marc G.: Sí, la canción esta basada en la película Forbidden Planet, y desde un principio ya empezamos a cantarla con algunas frases en inglés. Nos gustó y la escribimos del todo. Aunque en los anteriores discos (Pentadelia, ¿Quién Colgó A Los Lobos?) también escribimos canciones en inglés.

¿Me podéis hablar de vuestro método a la hora de componer? ¿Qué prima en las sesiones de creación? ¿Letras, bases rítmicas, fraseos de guitarra?

Javi: Pues todo suele nacer de una idea mía o de Marc (teclista), como un esbozo en bruto que llevamos al local de ensayo. Una vez allí empezamos a darle vueltas entre todos y lo vestimos con todo lo demás. Es bonito porque pasa de una idea muy básica a un tema terminado y completo. Es como si aportásemos una pequeña chispa para encender la maquinaria. A partir de ahí, absolutamente todo es participativo en el grupo. Desde las bases hasta los fraseos, aunque cada uno después le da su toque personal. Es un claro ejemplo donde el total es más que la suma de las partes. De las letras, excepto en ‘Planeta Prohibido’, me encargo yo.

¿Cómo sentís el futuro del rock progresivo y de bandas como Albatros, Senogul, Ignatius o Kotebel, por citar cuatro ejemplos?

Red: Pues por lo que se ve, el panorama prog en España está germinando. El hecho de que Musea Records haya recuperado la figura del manager en nuestro país ha sido vital para que muchos de ellos vean publicado su disco bajo un sello de prestigio, que quieras o no da cierto relumbrón. Esperamos que esto nos beneficie mutuamente, aunque en cuanto al estilo se refiere cada uno vaya por caminos distintos, incluso muy distanciados. No tenemos ningún reparo en publicitar en las redes sociales los lanzamientos o triunfos de compañeros como Ignatius, Senogul o L’Herba d’Hamelí, puesto que el éxito de unos es bueno para los otros, y también porque somos fans de muchos de ellos. Esperamos que vuelvan Hysteriofunk, ¡los grandes olvidados del panorama ibérico!

Intentamos ser positivos, aunque en España la verdad es que es prácticamente imposible encontrar bolos, vender discos e incluso salir en los medios rockeros mainstream. Lo máximo a que hemos llegado es a una nota a pie de página. Nos consuela que fuera de nuestras fronteras nuestra propuesta vaya calando. Tenemos muy claro que perderemos dinero, pero eso no va a impedir que sigamos sacando discos pues ya estamos con el cerebro de lleno en un tercer álbum… ¡que pinta tremendo!

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Texto: Sergio Guillén

Según leemos en Alternative Press, los miembros de Paramore han ido a Los Ángeles para tener varios encuentros con diferentes productores para elegir el adecuado para la grabación de su próximo disco. El último trabajo del actual trío de Tennessee fue Brand New Eyes, que salió publicado en 2009.

Desde la publicación de su último disco, la banda giró intensamente y por el camino perdió a dos de sus miembros, los hermanos Josh y Zac Farro. En los últimos compases de 2011, el trío anunció su intención de publicar una serie de singles para agradecer el apoyo de sus fans y ahora, han emitido una actualización.

“Han pasado cuatro meses desde nuestra última actualización… Pero, sinceramente, este tiempo ha batido el récord de tiempo que hemos estado descansando desde que grabásemos nuestro primer larga duración en 2005”, así comienza el comunicado.

“Queremos que sepáis que la próxima semana, los tres nos vamos a L.A. para reunirnos con unos productores… Es un lío terrible… Tan sólo estamos intentando ofreceros el mejor cuarto disco posible”, y continúa diciendo que “estamos grabando con una cámara nuestras reuniones con los productores, las sesiones de grabación en el hotel y todo lo que hacemos en L.A.”.