Musiqualização

Alternadores

2015-09-17T20:23:00.000-03:00

Um alternador é uma máquina que trabalha de uma maneira completamente inversa a da música. Transforma energia mecânica em elétrica. Já a música, pelo menos quando eletrônica, segue o caminho inverso, transformando energia elétrica em mecânica, tendo assim como produto final as vibrações circulares das caixas de som.

Carlos Eduardo, Pepeu Guzman e Gustavo Pozzobon são músicos que levam a sério o significado de fazer sons no mundo moderno. Rompendo predefinições, amarras de estilos e principalmente barreiras geográficas, trabalham utilizando-se da nuvem virtual para intercâmbio de seus sons. Com membros espalhados por João Pessoa e Brasília abraçam as tecnologias que podem viabilizar tal movimento.

Nesse fluxo de sons trocados, onde cada um pode ouvir isoladamente as criações sonoras do outro e modificar suas camadas, num processo às vezes nada pacífico, mas de grande desprendimento com suas criações, um outro membro oculto, mas agregador, se materializa na forma de um certo software sequenciador. Como membro não humano, às vezes selvagem, outras vezes servil, termina por acrescentar um pouco de aleatoriedade nas composições, tornando o som em sua essência bastante experimental.

Talvez por esse motivo de forma indireta o primeiro ep se chame Beta, que no mundo dos softwares quer dizer que o programa já funciona muito bem mas ainda não está ou nunca chegará a sua versão final. O ep possui 4 faixas e numa leitura mais direta de sua bonita capa, feita pelo designer Leandro Luna, vemos um peixe tridimensional muito parecido com o peixe Beta, animal pequeno e raivoso que gosta de se impor e não se intimida pelo pouco tamanho.

A primeira faixa, Transa de Domingo, tem um clima muito agradável de jam session. Bonitos riffs minimalistas dançam com suavidade por uma batida e baixos marcantes que progridem lentamente como a preguiça de domingo, pontuados por sutis efeitos eletrônicos.

Índia é um instrumental místico com percussões bonitas e melodias aleatórias, os sons e ruídos que vão progredindo ao longo da música imergem você num leve estado de transe e um sentimento épico nos transporta para filmes de faroeste ou um sertão com passado indígena.

Cosmopolita é o que o próprio termo representa. Com seus sons e timbres diferentes de piano, nos eleva numa viagem por grandes metrópoles, onde nos sentimos cidadãos do mundo e de lugar nenhum ao mesmo tempo.

A última faixa, A Forma Deforma a Forma inicia com uma homenagem em forma de riffs ao Kraftwerk, assim fechando o clima de jam session, com camadas de noises mais vertiginosos em médios solos bem brilhantes. Por fim o disco acaba deformando sua própria forma para ser reconstruído em seu segundo ep.

Malverde parece ser uma versão mais final que o Beta. Novas paisagens sonoras demonstram uma maior entrega ao mundo dos bits, parecendo que o já referido sequenciador tomou as rédeas com um certo totalitarismo. Por falar em extremos, o nome que batizou o disco é referência ao cultuado santo morto em 1909, Jesus Malverde, considerado padroeiro dos traficantes mexicanos. Tal crença em conjunto com a bonita arte gráfica do publicitário Paraibano residente em Buenos Aires, Léo Rolim, demonstra a necessidade da banda de transitar pelos pares de opostos arcaicos que continuam a nos moldar atualmente, sejam eles o divino e o terreno, o silêncio e o ruído, o analógico e o digital.

Rock Demais não espera muito tempo para cortar o silêncio com batidas. Elas vão crescendo e se mutando progressivamente durante toda a faixa, deixando os riffs e noises para segundo plano, embora os primeiros pareçam ter sido a base construtora. A sensação é de termos entrado num labirinto poligonal dentro de um jogo de computador.

Hoje é muito Melhor que Qualquer outro Dia é ainda mais brutal que a anterior. A música parece uma escalada ou travessia em paisagens urbanas sinuosas. Ecos e ruídos nos colocam em terreno cinzento e pixelado, a massa difusa parece que vai nos engolir, mas o fim da faixa é o começo da última e vislumbramos enfim luzes coloridas e quentes no fim de uma rota de saída ou túnel.

Orange Juice tem uma atmosfera mais tranquila, embora não perca os costumeiros ruídos das anteriores e escaladas de efeitos. O timbre e swing das guitarras faz lembrar novos compositores da guitarrada paraense ou baiana. Pra fechar um sampler muito bem humorado explica o porquê do nome da música e queremos novamente voltar para o começo, reentrando no labirinto musical do disco.

Assim se encerra o segundo ep da Alternadores. As vibrações circulares das notas musicais são interrompidas, mas continuam reverberando dentro da mente por muito tempo, talvez pelo fato do grupo não se deixar amarrar por fronteiras, contornando dificuldades do espaço e tempo e não se limitando a estilos, cenas ou qualquer coisa que diminua a sua capacidade de onda sonora, que existe apenas para vibrar em nossos células ciliadas do ouvido interno e reverberar em nossos campos vibracionais.

Página da Banda no Facebook: www.facebook.com/AlternadoresPage

SoundCloud: www.soundcloud.com/alternadores

Alt-J (∆)

2014-10-07T20:03:00.000-03:00

Poderia ser apenas mais uma banda de rock alternativo. Mas o Alt-J começou a destoar e chamar atenção desde seu primeiro disco, An Awesome Wave de 2012. Já na primeira música Intro, tem-se uma boa ideia dos componentes do som da banda, com harpejos bonitos de guitarra e alguns efeitos eletrônicos de baixo e vocais lúdicos pontuados de piano.

A coisa fica bem interessante com Breezeblocks (Vale a pena ver o clipe). A voz meio fanha de Joe Newman e uma guitarra bem peculiar me faz lembrar do Maroon 5, mas a semelhança para por ai quando o baixo fica mais constante e a bateria começa a quebrar. A letra foi inspirada no livro/filme infantil Onde Vivem os Monstros do Maurice Sendak. Quem já viu ou leu vai lembrar e entender a frase da música: “Please don't go, I'll eat you whole, I love you so”.

Depois de um pouco de animação vale a pena falar da faixa 8, Matilda. A música começa com a voz de Joe falando: “This is from Matilda”. Ela é uma personagem interpretada por Natalie Portman no filme de 1994, Léon, The Professional. Mathilda é uma menina de 11 anos que teve a família assassinada, então ela passa a ter uma relação confusa com o assassino profissional Léon. Ele ensina a menina o básico do oficio para que ela possa vingar a morte do irmão. Apesar do tema forte a letra e melodia são muito bonitas e possuem até uma certa leveza.

Taro é a última música do disco, tem uma pegada tranquila e mais pra frente uns efeitos de percussão meio orientais e violino. Para fechar contarei a história da letra desta música. Ela é um pouco triste e contrasta com a beleza da melodia, mas nem sempre as histórias de amor são felizes.

Gerda Taro foi uma fotógrafa que deixou como maior legado a cobertura da Guerra Civil Espanhola. Robert Capa também foi um fotógrafo conhecido, um de seus trabalhos mais importantes foi ter fotografado Leon Trótski num congresso em Copenhague, mas em 1932 ele teve que abandonar a Alemanha e mudar de nome pois era judeu. Sua sorte mudou quando conheceu Taro na França, mas infelizmente ela e o amor de ambos não durou muito tempo. Em 1936 o casal tinha voltado para a Espanha para cobrir a guerra quando Taro foi atropelada acidentalmente por um tanque de guerra. Capa continua sua vida como fotógrafo e em algum momento vai cobrir a Guerra da Indochina. Mas em 1954 ele também morre ao pisar numa mina terrestre e assim o casal se reencontra novamente em um outro plano, talvez longe das guerras.

A música tenta contar a triste história de guerra e amor e assim termina o primeiro disco do Alt-J.

Há alguns meses foi lançado o segundo disco deles, This is All Yours. Ele se divide bem entre canções mais alegres e paradas, algumas com pegada folk. Destaque fica para a faixa Nara.

Bandas Similares: Foals, Wild Beasts, Roza Parks, Glass Animals e Bombay Bicycle Club

Porcelain Raft

2013-08-20T20:24:00.000-03:00

Se o chillwave (ler sobre no post do Youth Lagoon) é uma releitura distorcida pela nostalgia do synth-pop dos anos 80, o que seria o dream-pop (ver post do Beach House) filtrado com suas camadas de reverberações?

Dizem que o Porcelain Raft é o que o MGMT seria se tivesse se deixado levar na crista da chillwave, ao invés de ter apostado apenas na psicodelia. Estranho por estranho, ficaram as ondulações de efeitos eletrônicos para ambos.

O italiano Mauro Remiddi não tem medo de ecos e reverbs. Depois de um Ep intitulado Gone Blind, gravou seu álbum de estréia trancado num porão no Brooklin, durante os meses de junho e julho de 2011. Strange Weekend foi lançado em janeiro de 2012 e possui 10 faixas de 3:30 em média. Drifting in and Out mostra desde o princípio as peculiaridades de seu dreampop. Apesar dos efeitos, fica claro que as melodias pariram os sons e não o contrário. O teclado drone de Put me to Sleep deixa isso bem claro, seguidos dos pequenos riffs de guitarra acompanhando a melodia. Unless You Speak Form Your Heart é uma baladinha e vai te fazer lembrar do MGMT, inclusive o timbre da voz.

Pemanent Signal foi lançado agora em 2013. Esse disco sim parece ter sido gravado em um porão. De tom melancólico e carregado de personalidade, flerta muito com o shoegaze, sendo bem mais heterogêneo e mais limpo em camadas que o anterior. In Ain't Over é quase um Radiohead, embora a voz se pareça muito com a do Brian Molko da Placebo. Five Minutes from Now é um nebuloso spacerock e algumas músicas possuem piano, deixando o som ainda mais introspectivo, como Echo, I Lost Connection e Minor Pleasure. Essa última combina o drone com piano convencional, assim como Warehouse, que como em algumas outras, capricha mais em guitarras etéreas, ficando com cara de música ambiente. The Way Out resume um pouco a atmosfera total do disco e sublinha as mudanças acima referidas, a música e o clipe poderiam fazer parte do filme Only God Forgives do diretor de Drive, Nicolas Winding Refn.

Para além de estilos, ruídos e definições, o Porcelain Raft merece destaque por conseguir criar atmosferas sonoras que reverberam nos seu devidos lugares, suas células ciliadas do ouvido interno e logo em seguida no nosso espírito.

Bandas Similares: Exit Music, Blouse, Wild Nothing, Lotus Plaza e as relacionadas acima no post do Beach House e Youth Lagoon.

Bardo Pond

2013-05-21T18:29:00.000-03:00

Quando se tira o nome de uma banda do Livro Tibetano dos Mortos, é bom ficar com as orelhas em pé. Bardo Pond formada em 1991, tem também a peculiaridade de batizar seus álbuns com nomes de substâncias alucinógenas enteogênicas.

Bufo Alvarius Amen 29:15 foi o primeiro disco mais significativo, seu nome de batismo é de um sapo venenoso que quando ingerido possui forte poder alucinógeno. O disco não pretende mostrar musicalmente os efeitos da substância, mas a fluidez e a atmosfera espacial das guitarras, faz pensar que talvez os membros tenham lambido o sapinho antes de apertar no rec.

O spacerock tem características muito parecidas com o shoegaze e noiserock, e a banda sabe utilizar muito bem os "efeitos drone" de distorção de guitarra, logo as camadas de ruído e músicas de longa duração, inserem o ouvinte num estado de suspensão muito boa, como que pairando no éter.

O disco Amanita (cogumelo do Mario) tem uma atmosfera que transparece bem o acima dito, principalmente na faixa mais bonita, The High Frequence, que de tão boa, transformou-se em Ep.

Os discos mais recentes perto de 2000, como o último lançado de nome Yntra, são mais limpos e possuem mais estrutura, por um lado é bom, mas a perda da liberdade de Jam Session tem os seus pontos negativos, como se o efeito dos enteógenos estivesse acabando, então a banda passa a flertar com o post-rock por conta da nova estrutura técnica e instrumental. Destaque fica para o Dilate de 2001.

Se você gosta de guitarras monótonas, reverbs e lavagens de whitenoise, vai encontrar bastante material para divagações e projeções astrais a universos paralelos estranhos.

Bandas similares: Flying Saucer Attack, Jassamine, Spiritualized e Farflung, e algumas outras da emblemática Matador Records.

Circo Vivant

2013-03-11T12:13:00.001-03:00

AfroAméricaLatinidade é um neologismo que poderia resumir tudo, mas fazer isso diminuiria muito a proposta do grupo em questão, e diminuir não é algo que costuma ser dito das bandas paridas no eixo olinda/recife, há algumas décadas agregadores de estilos e conceitos musicais.

A Circo Vivant é uma das bandas do atual post-mangue, tendo surgido em 2004 para fertilizar um pouco mais as ladeiras de Olinda, trazendo para as pedras centenárias da cidade um pouco de reminiscências da cultura africana no que diz respeito a música, incorporando ao seu estilo musical popular, com guitarras swingadas, gêneros como funk, soul, reggae, ska e pra fechar a pele do tambor, afrobeat. Já a latinidade fica entrelaçada no imaginário de algumas das letras que fazem alusões a escritores latinos, como o antropólogo místico Carlos Castaneda e Eduardo Galeano.

O disco Afroamericalatinidade lançado no fim de 2012 e suas dez músicas, transitam nesse terreno sinuoso entre dois continentes, como mostra a bonita arte da capa do disco. Há em todo álbum nuances de outros estilos em trechos de músicas, como a bem composta Bolero de Jardel e Cor Branca, que é um típico sambarock olindense. Em algumas músicas a voz grave e ecoada remete um ar místico, dando uma pegada pós-psicodélica, como na parte final de In Babylon, onde é recitada uma parte do livro A Erva do Diabo do já citado Carlos Castaneda. Sons eletrônicos de samplers, noises de guitarras e microkorg (sintetizador) são sutilmente utilizados, envolvendo ainda mais o ouvinte nessa atmosfera. As letras das músicas tratam de temas cotidianos, podendo se passar tanto do outro lado do oceano na africa, quanto no relevo recortado das olindas.

Você pode dançar acompanhado num bolero, sozinho num funk/soul latino ou relaxar ouvindo reggae e ska, tudo isso numa colcha de retalhos olindense muito bem cerzida, que veio para juntar dois continentes novamente, numa pangeia sonora de extrema qualidade.

Circo Vivant é Petruchio (voz, percussão e sample/efeitos), Pedro Vivant (voz, guitarra, violão), Júnior Duarte (baixo), Junior Dujarro (bateria), Gustavo Joe (Teclados, Microkorg e violão) e Ganga Barreto (Percussão e voz).

http://www.circovivant.com/

http://www.youtube.com/watch?v=ZlB4DwOdhoc

http://www.youtube.com/watch?v=tBOy79yFUQo

Amnese

2012-12-17T22:24:00.000-03:00

A música conceitual, de maneira explícita ou indiretamente é um fenômeno ainda que antigo, pouco utilizado, principalmente nos projetos musicais brasileiros, seja uma conceitualidade no que diz respeito as letras, ou mesmo a instrumentação.

Amnese ganhou título de pseudo-banda, pois para esconder a autoria das músicas o violinista Nelson Barreto achou melhor não mostrar seu reflexo no espelho e inventou 5 pessoas fictícias como membros. Parte disso deu-se também por conta do segundo disco, Apatheia de 2006.

O álbum retrata de maneira musical a experiência pessoal do autor com a morte, mais especificamente, o suicídio de uma pessoa próxima. A capa do disco, um céu nebuloso em p&b, transparece boa parte da atmosfera musical. A temática das letras é uma boa análise existencial acerca da transitoriedade da vida. O disco é dividido em 8 partes, como se fossem capítulos, com direito a prólogo e epílogo. A sonoridade é bem experimental, cheia de harpejos de guitarra acústica e alguns instrumentos eruditos de corda. Há sons de piano distorcidos e diferentes tipos de ruídos etéreos. Toda as letras são cantadas em inglês.

O último álbum, Sofia e a Curva do Céu foi lançado em 2008. Mais conciso que o Apatheia, possuía instrumentação mais limpa, trabalhando melhor as camadas de noises. Dessa vez as letras são cantadas em português e narram uma viagem existencial de um indivíduo que está a procura de si mesmo, uma procura estranha, pois ao mesmo tempo, é uma fuga do eu, do seu ego. O músico que gosta muito de filosofia disse que ao fazer o disco estava a um bom período impregnado por leituras de livros do Nietzsche. Fato interessante é que todas as letras foram feitas após as músicas terminadas, e a primeira, que é como se fosse o início da jornada, foi a última a ganhar letra. Ainda sobre elas, todas tem um aspecto estranho de poesia, onde o próprio músico diz ser poeta, apesar de não ler poesia, e que elas só tem alguma linearidade por conta das melodias já estabelecidas, como se os sons tivessem dado luz as palavras.

O primeiro disco de 2004 chama-se Songs for Rainy Days, e o título é a própria atmosfera que o som quer despertar.

Sobre o estilo pode-se dizer que é uma espécie de post-rock, por conta das camadas de noises, ainda que não tenha uso de baixo e bateria. O que é mesmo diferente é a utilização de instrumentos acústicos de maneira pouco usual, diminuindo assim a necessidade de sons eletrônicos e também uma incorporação de elemento de lo-fi.

Amnese merece destaque não pelo fato de ser um dos poucos que fazem post-rock e música experimental como um todo aqui no brasil, mas por conta de uma capacidade diferenciada de instrumentação e empenho nos projetos de música conceitual, seja de forma intencional ou não.

O autor tem como influências declaradas as bandas de post-rock:

Silver Mt. Zion e Sigur Rós, e as de rock progressivo:

Pink Floyd e King Crimson.

http://www.youtube.com/watch?v=zX8sPgY3vcc

Efterklang

2012-12-13T19:51:00.000-03:00

Não é só a islândia e seu clima frio que tem importado artistas que fazem uma sonoridade mais experimental unindo com o erudito, ainda que a banda Múm, o Sigur Rós e outros grupos com sonoridade parecida sejam mais lembrados. Outra região fria do globo, não muito longe dali, mais especificamente a escandinávia, tem revelado alguns bons grupos, como a dinamarquesa Efterklang.

A banda em questão teve início no final de 2000 com a junção de 3 amigos de infância: Mads Brauer (senquenciadores), Casper Clausen (vocal) e Rasmus Stolberg (guitarra) se juntaram com Thomas Husmer (bateria e trompete) e Rune Molgaard (piano) para fazer um som. O grupo tem como membro flutuante o pianista Peter Broderick que tem projetos solo de música ambiente e minimalista.

Os gêneros abrangidos desde o começo foram um misto de musica ambiente (ler mais no post do Carbon Based Lifeforms e tag) e experimental, principalmente nos recursos eletrônicos e também há bastante utilização de vocais, geralmente com mais de uma voz simultaneamente, resumindo, muitas camadas sobrepostas de ruídos eletrônicos se misturando com a sutileza de instrumentos eruditos, principalmente cordas e as já comentadas vozes.

O primeiro disco, Tripper de 2004, possui 9 faixas de duração média, estourou rapidamente dentro da dinamarca e aos poucos foi se espalhando. A faixa número 4, Prey and Predator mostra bem os elementos acima ditos. Monopolist de longe é a mais bonita e bem composta.

Quando Parades foi lançado em 2007 a banda já estava bastante conhecida por toda europa. O disco possui características muito parecidas com o primeiro, apenas há uma maior incidência de instrumentos de sopro e uma perda significativa de atmosferas da música ambiente. As duas primeiras, Polygyne e Mirador resumem bem a sonoridade do disco, a última, Cutting Ice to Snow é sem dúvida um folk, com banjo e tudo.

Magic Chairs de 2010 foca mais no uso de duas vozes apenas e é bastante utilizado piano. O disco tem várias músicas menos carregadas de elementos eletrônicos, como Alike e Harmonics. Novamente a última faixa, Natural Tune tem características de folk.

Piramida, lançado esse ano é um pouco diferente dos demais. Bem menos experimental e focando apenas em uma só voz, tem uma coisa meio estranha à la Peter Gabriel. Destaque fica para a faixa 6, The Ghost.

O cineasta Karim Ghahwagi é um grande colaboradores da banda. Produziu vários recursos visuais para shows entre 2003 e 2005, além do vídeo Swarming.

Que o experimentalismo desses países gélidos não derreta nunca para quem sabe podermos cultivar projetos mais intimistas e "eletroeruditos" aqui, perto da linha do equador.

Bandas similares: Balmorhea, Clogs, Múm, Amiina e Under Byen.

Mixtapes

2012-11-12T19:16:00.001-03:00

O Musiqualização agora disponibilizará Mixtapes dos estilos musicais menos conhecidos, alguns até obscuros, que vem sendo explorados durantes esses 4 anos de existência.

Quando tiver uma hora livre e quiser se deixar levar aleatoriamente em terrenos nebulosos, é só clicar na tag mixtapes e escolher o estilo que você irá explorar.

A trilha para ouvir o arquivo streamming e os nomes de músicas e bandas que a compõem e também o link para baixar o arquivo estão disponíveis no próprio Mixcloud, onde muitas delas você irá encontrar resenhas aqui.

O link para a primeira mixtape, do gênero Downtempo e também todas as futuras, ficarão disponíveis nos comentários desse post.

Quando acabar de ouvir nem precisará da caneta bic pra rebobinar a fita. Boas vibrações epifânicas pra vocês.

*03/12: Segunda mixtape de "MPB Obscura" adicionada.

*12/12: Terceira mixtape de "Trip-Hop" adicionada.

*15/12: Quarta mixtape de "Acid Jazz/Nu'Jazz" adicionada.

*20/12: Quinta mixtape de "Folk" adicionada.

*25/12: Sexta mixtape de "Dreampop/Chillwave" adicionada.

*04/01: Sétima mixtape de "Math-Rock" adicionada.

*11/01: Oitava mixtape de "Dub" adicionada.

*28/01: Nona mixtape de "Shoegaze/Space Rock) adicionada.

*31/01: Décima mixtape de "Indie" adicionada.

*13/03: Décima Primeira mixtape de "Post-Rock" (Os Clássicos) adicionada.

*18/03: Décima Segunda mixtape de "Post-Rock Brazil" adicionada.

*30/03: Décima Terceira mixtape de "Chillout" adicionada.

*07/04: Décima Quarta mixtape de "Female Vocalists" adicionada.

*20/05: Décima Quinta mixtape de "Lounge" adicionada.

*02/06: Décima Sexta mixtape de "Ambient/New Age" adicionada.

*07/07: Décima Sétima mixtape de "MPB Obscura 2" adicionada.

*25/07: Décima Oitava mixtape de "Post-Metal" adicionada.

*25/08: Décima Nona mixtape de "Afrobeat" adicionada.

*16/10: Vigésima mixtape de "Dreampop" adicionada.

*29/12: Vigésima primeira mixtape de "Neoclássico" adicionada.

*06/03/14: Vigésima segunda mixtape de "Soundtracks" adicionada.

*27/09/2014: Vigésima terceira mixtape de "Middle East" adicionada.

*03/03/2015: Vigésima quarta mixtape de "Pop Mind" adicionada.

*04/07/2016: Vigésima quinta mixtape de "Post-Punk (Old and New Post-Punk Revival)" adicionada.

*11/07/2016: Vigésima sexta mixtape de "Women in Command" adicionada.

*16/09/2016: Vigésima sétima mixtape de "MPB Obscura 3" adicionada.

*27/07/2017: Vigésima oitava mixtape de "MPB Atual" adicionada.

*17/09/2017: Vigésima nona mixtape de "Pop Mind 2" adicionada.

Manitoba / Caribou

2012-11-02T12:50:00.001-03:00

Ainda que seja conhecido por dois nomes, o canadense Daniel Victor Snaith é mais um dos projetos de um homem só. Seja pelo nome de Manitoba ou Caribou, chama atenção desde o seu primeiro Ep.

People Eating Fruit de 2000, com apenas duas músicas, aguçou a curiosidade de muita gente. Ambas tinham a atmosfera bem característica das bandas do começo dos anos 2000. Um dos responsáveis por essa ambientação foi um estilo que começou a se popularizar nessa época, embora os primeiros passos tenham sido dados nos anos 90, sendo ele o chamado indietronic. Dizem que esse estilo seria um subgênero do trip-hop, e da mesmo pra pensar em alguns pontos comuns, principalmente nas passagens de bateria e elementos eletrônicos, dreampop e noise pop também são experienciados, esse último por causa dos ruídos atonais e estruturas livres de "noise music", embora numa abordagem menos experimental. Pra resumir, os ruídos são mais coloridos do que na noise music tradicional, como no caso do cinzento shoegaze. Todos os três estilos ficariam contidos dentro do gênero downtempo.

O aguardado álbum de estréia saiu em 2001. Start Breaking my Heart não possui vocal algum e se divide entre músicas mais lentas, downbeat mesmo, e as com batidas menos espaçadas. As duas músicas do primeiro ep fazem parte do álbum, junto com outras 8 muito boas, destaque fica para a suave Children Play Well Together.

Em 2003 vem o Up In Flames. As faixas se alternam nas que se aproximam mais da música eletrônica e do indie, principalmente esse segundo em relação aos vocais. Da pra perceber bem a diferença ouvindo as faixas Jacknuggeted e a última, Every Time She Turns Round It's Her Birthday. O disco parece ter mais textura que o primeiro e não apenas pela implementação dos vocais.

Um ano depois deste álbum, Daniel teve que parar de usar o nome Manitoba por questões judiciais em relação ao cantor de punkrock Richard "Handsome Dick" Manitoba, passando então a chamar o projeto de Caribou.

Em 2005 após dois eps muito bons (Marino e Yeti) é lançado o primeiro álbum de estúdio com o novo nome, The Milk of Human Kindness. O disco tem atmosferas muito parecidas com o primeiro, destaque fica para Bees, que é quase um folktronic e Pelican Narrows com sua bateria de trip-hop.

Em 2007 é lançado o Andorra. O som fica um pouco mais flat, principalmente pela preferência por bateria comum e não eletrônica. As músicas também flertam muito com o shoegaze e há em todo álbum um ar estranho de psicodelia reminescente dos anos 60, podendo ser bem sentido na faixa After Hours. O disco foi muito bem aceito pela crítica, chegando a ganhar o Polaris Music Prize de 2008 no Canadá. A última e maior faixa, Niobe, é meio que um preâmbulo do que viria a seguir.

Swim de 2010 parece ter incorporado toda a parte eletrônica mais pesada que foi economizada no Andorra. Em todas as 9 músicas é visualizável a incorporação de IDM, e algumas tem todas as características estéticas de deep house, principalmente nos filtros tipo reverbs e delays, tanto na música, como nos vocais, quase todos eles ecoados, principalmente nas faixas Sun e Kaili. No mesmo ano também foi lançado uma versão do álbum com Remixes, reiterando sua veia eletrônica.

Seja Manitoba, Caribou ou Daniel, nenhum deles pode faltar em qualquer setlist de downtempo, viagens de carro e porque não o lounge/tapete da sala de sua casa, bem acompanhado ou sozinho em sua introspecção mística.

Bandas Similares: Four Tet, Zero 7, Lemon Jelly, Bibio, Daedelus, Pantha du Prince, Marumari e Bonobo.

iamamiwhoami

2012-10-04T22:36:00.000-03:00

Começando pelo sentido contrário, reduzindo para depois explanar, poderia se comparar o incomparável e dizer que é uma meio termo entre Lady Gaga e Björk. Menos pop que a primeira, menos experimental que a segunda, mas o gosto pelo excêntrico de ambas.

Cada uma das três a sua maneira utilizou-se de sintetizadores como instrumento principal para suas composições e estilo, incorporando o que passou a se chamar de synthpop nos anos 70, embora o termo tenha ganho rótulo de estilo nos anos 80, com a acessibilidade e praticidade dos novos sintetizadores. O estilo está associado a música gótica, industrial e se vê traços em praticamente todos os projetos eletrônicos de hoje em dia, principalmente com o advento da cena Lo-Fi.

O projeto iamamiwhoami teve início no ano de 2009. Servindo-se das ferramentas virtuais de divulgação e da tendência dos novos artistas multimidia, a sueca Jonna Lee lançou secretamente pequenos trechos de clipes na internet num canal do Youtube. Como a vocalista não aparecia nos vídeos, a coisa se espalhou viralmente e o burburinho começou a cogitar os possíveis nomes. Entre eles as já citadas Björk e Lady Gaga, Goldfrapp e o Nine Inch Nails. O mistério só foi desvendado no lançamento do sétimo videoclipe, onde a cantora loira finalmente deu cara e corpo ao grupo.

Os vídeos eram meio macabros e misteriosos, traço marcante também no som do grupo, synthpop bem dark flertando com industrial. Em 2011 a artista foi indicada ao MTV Music Awards, sedimentando-se de vez na cena pop. Agora em 2012 foi lançado Kim, o álbum possui 9 das principais faixas dos videoclips. Um traço marcante do grupo são as linhas de baixo, sempre bem fortes e marcantes, como pode ser observado em In Due Order. Algumas faixas como Rascal tentam com efeitos deixar a coisa meio experimental. Não da pra encaixar o som apenas em um estilo, pois as faixas possuem ambientações bem diferentes uma das outras. Sever flerta com o trip-hop e dream pop, outras são mais pesadas como Kill e Idle Talk. Sever é a mais tranqüila e Goods dá até pra dançar.

Fato curioso é que em novembro de 2010 foi transmitido o "To Whom It May Concern; In Concert". O show foi gravado em uma floresta que mostrava personagens de todos os vídeoclipes e contava com a participação do usuário do YouTube "ShootUpTheStation (SUTS)", que foi escolhido no lugar da usuária "tehhils" para representar os fãs do projeto e embarcar numa jornada com iamamiwhoami.

Pra quem gosta de música eletrônica mais suave, com melodias mais simples, mas quer fugir do pop, iamamiwhoami vai te levar para florestas alienígenas bizarras, como nos seus clipes.

Projetos Similares: Fever Ray, Niki and the Dove, The Do, Zeigeist e Plannigtorock

http://www.youtube.com/watch?v=OTnH3zs8wRo&feature=relmfu

DJ Shadow

2012-09-18T20:14:00.000-03:00

Ainda que Stockhausen com seus estudos e trabalhos na música concreta e contemporânea tenha sido um dos grandes propulsores da música eletrônica, a gênese deu-se a partir do momento em que alguém criou um aparelho para gravar sons e usar os mesmos como forma de criar música. O primeiro instrumento eletromecânico foi criado em 1897 pelo americano Thaddeus Cahill, se chamava Telarmónio e ocupava uma sala inteira, ao mesmo tempo em que o alemão Emil Berliner atualizava o fonógrafo, possibilitando a futura gravação em discos.

Muito tempo se passou e cada um dentro de suas vertentes foi explorando a infinidade de sons virtualmente criados ou até mesmo a criação de sons tendo como matéria prima partes de outras músicas gravadas, seja pela deformação, aceleração, duplicação ou mesmo sobreposição com outras. Turntablist é um nome dado para essa prática, e é o que diferencia um DJ comum, que só troca músicas alheias, daqueles que a manipulam e a reproduzem.

Josh Davis, mais conhecido por DJ Shadow nasceu em 1973. Um de seus hobbys na adolescência, talvez até obsessão, era freqüentar o porão da Rare Records, situada em Sacramento, Califórnia, sua cidade natal. Dizem que costumava sair de lá apenas quando precisava de dinheiro ou para que a luz do sol o visse.

A capa do primeiro disco Endtroducing… de 1996 imortalizou o interior da loja. O mesmo entrou para o Guiness Book em 2001 como o primeiro disco a ser feito em sua totalidade com samples. O álbum possui 12 faixas de tamanhos variados e há quem chame de hip-hop instrumental, o que não soa totalmente verdadeiro pois trechos de vozes nas introduções das músicas e samples soltos no meio delas com estrofes, ocorrem em quase todas as faixas, assim como uma das faixas mais bonitas, Midnight in a Perfect World, possui melodia em voz feminina. O álbum inteiro é muito versátil e por ser feito de retalhos não possui uma única paisagem sonora. Steam/Long Steam é uma dessas, tem partes delicadas e harmônicas sem muitas batidas, que de repente se transformam num hardcore eletrônico com acordes de violoncelo. Ainda na mesma faixa ele introduz Organ Donor, e no fim a já referida Midnight. Building Steam With a Grain of Salt tem sonoridade parecida com Midnight, num conjunto de batidas e baixo muito elaborados, guitarras swingadas de soul e brincadeiras com o pitch. Alguns trechos das músicas tem bateria quebrada de jazz e trompetes, como Mutual Slump.

Depois da obra prima, Josh só lança novo álbum 6 anos depois. The Private Press de 2002 é bem mais agressivo, como pode ser observado na segunda faixa, Fixed Income. A mesma atmosfera habita Mongrel… e …Meets His Maker que são a mesma música dividida em duas. Sinos de igreja e chiados de vinil introduzem a faixa com bonitos efeitos e assim perduram até entrar a batida. Noises de variadas fontes crescem em camadas com acordes soltos de piano. A música mais bonita de longe é Six Days. Flerta com música ambiente e tem sonoridade oriental. A letra fala um pouco sobre cada dia da semana, tendo como tema valores cotidianos existenciais. A maior música do disco é também a que mais destoa, Blood On The Motorway e sua breguice à la Sebastien Tellier.

Diz uma lenda que Shadow teria sido o "inventor" do trip-hop, mas o mesmo nega, ainda que algumas de suas músicas tenham tal estética.

Parafraseando alguns críticos, Josh Davis mostrou que com um pouco de imaginação e habilidade é possível criar músicas com qualidade feita de retalhos de outras já existentes. Dizem também que é hip-hop para que não gosta de hip-hop, e é mesmo.

Bandas com pontos comuns: UNKLE, Kid Koala, Gold Panda, RJD2 e Dj Cam.

Youth Lagoon

2012-08-07T19:01:00.001-03:00

Quando sons ecoantes e etéreos se juntam com voz e piano modificados eletronicamente impossível seria não mergulhar no universo lúdico.

Young Lagoon poderia bem ser um diário de sonhos, pessoalmente os sonhos documentados de um período específico da mente do americano Trevor Powers. Tal tempo/espaço foi batizado de The Year of Hibernation, podendo ele ter durado um ano, 36 minutos, ou quem sabe 8 faixas de média duração.

Nas páginas do diário confeccionado em 2011 há sempre uma fluidez de pianos com cara de caixinha de música, quebradas sutilmente por batidas programadas e reefs curtos de guitarra com distorções "dreaming". A intimidade da vida de Powers está ali bem definida, tanto nas letras como no som, retratando um período de ruptura e batalhas contra ansiedade crônica.

Nas paisagens dos sonhos predominam os gêneros dream pop, música ambiente, traços do que se passou a chamar lo-fi e por fim chillwave, fruto dos efeitos, sintetizadores, loops e principalmente os vocais filtrados com linhas melódicas simples. Um resumo diria que é uma boa psicosfera de quando se acorda muito cedo, já com um pouco de luz do sol, mas os postes ainda estão acessos na penumbra. Se está acordado, mas a mente não tem certeza e flutua ao invés de caminhar.

Voltando ao mundo lúdico, Posters, o primeiro dos sonhos, passa bem a experiência descrita acima, com suas duas linhas destoantes de teclado, um delicado e o outro distorcido, aguardando com alguns noises vítreos e efeitos que trazem a batida compassada, mas tranqüila, terminando por se enlaçar com os acordes de guitarra. Cannons, Afternoon, e 17 tem camadas muito parecidas com Posters, modificando um pouco com a chegada de July e sua bateria mais percussiva e distorções mais fortes de guitarra. Daydream destoa de todas as outras desde o começo, tendo até um inesperado ritmo dançante, quebrando um pouco o ar monocromático das demais. Montana e The Hunt são parecidas com as primeiras, o som muito latente e contido no começo e meio, atingindo o ápice só perto do fim, onde geralmente entram as batidas.

Ainda que os sonhos passem por alguns lugares comuns, ouvir o audiodiário do Powers é uma experiência interessante de mergulhar dentro da personalidade do mesmo. Se você gosta de imergir nos sentimentos que os sons querem representar e despertar, encontrará um lugar macio para deitar e sonhar.

Bandas de dream pop e chillwave: Real Estate, Perfume Genius, Porcelain Raft, Beach House, Toro Y Moi, Blackbird Blackbird, Wild Nothing.

Feiticeiro Julião

2012-07-20T12:44:00.001-03:00

O bom de se morar no eixo Recife/Olinda é que as vezes a famigerada multiculturalidade de fato nos pega desprevenidos e surpreende. Melhor ainda é quando o conteúdo do pacote é aberto e nos agrada.

Qualquer um já percebeu que se tem ouvido muito Afrobeat ultimamente, a banda Bixiga 70 ter vindo duas vezes pro estado em menos de um ano não é por acaso. Mas querer rotular o som da banda em questão seria diminui-lo bastante. Feiticeiro Julião e suas seis músicas no álbum de estréia, Batismo Místico, surpreende com toda inovação e uma mistura pouco recorrente de jazz com rock e um pezinho no rock psicodélico.

Pra quem não conhece o gênero afrobeat, é só colocar dentro da mesma panela música yorubá, highlife, funk, jazz e muita percussão africana. O caldo é grosso mas desce redondo e é difícil ficar com os pés parados.

Voltando ao álbum, logo na primeira faixa, Entrance, a banda já mostra ao que veio com o sax marcante, bateria quebrada e guitarras swingadas. Coma/Virus mostra um pouco essa coisa do jazz psicodélico, assim como Hiena, que ainda possui um cântico semi indígena no final. Quando Barra começa não tem como não se deixar levar pelo baixo pesado colado com o sax e a bateria cadenciada. De longe a faixa mais bonita e bem composta, ainda conta com sons bonitos de sintetizador e teclado, e um coral místico. Pazes e seu solo de sax é o encerramento do batismo. Você ficará marcado e da próxima vez que ouvir Coltrane, Davis, Monk, Kuti, Mapfumo, ou qualquer grupo de jazz e derivados, sentirá falta de alguma coisa.

O afrobeat pode até ter entrado na moda (e isso não é ruim de maneira alguma) mas a psicodelia é um gênero que sempre está em evidência, então se você gosta do dois não vai se arrepender e entregará o seu sangue para o batismo.

Principais bandas de Afrobeat: Fela Kuti, Mano Dibango, Ebo Tayler, Mombasa, Osibisa e Peter King.

http://www.youtube.com/watch?v=7I3ePPBnwlY

Perfume Azul do Sol

2012-07-02T20:32:00.000-03:00

Com a facilidade de gravação e a proliferação de estúdios na atualidade é muito raro um artista lançar apenas um único álbum, e se o faz, logo se tem na mente a ideia de que a banda não tem qualidade. Já nos anos 70, e até mesmo antes disso, muitas eram as bandas de um álbum só, e falta de qualidade não é algo que possa se dizer delas.

Perfume Azul do Sol é uma das muitas bandas de rock psicodélico setentonas que pouquíssima gente conhece. Nascimento, de 1974, é ao mesmo tempo sua obra prima e único disco. As dez faixas, algumas na voz e piano de Ana, violão do Benvindo, Jean na guitarra e Gil na bateria, tinham como temática a psicodelia, mas não abriam mão de uma mistura com instrumentos e estilos de música regional, como pode ser ouvido na faixa Abraço do Baião e também em Equilíbrio Total, tendo essa última todas as características do que foi chamado de "rock rural" na época em questão.

Um dos lugares comuns em algumas faixas do disco é o conhecido pedal Fuzzbox, que para bom ouvinte, nunca falta nas bandas da década, sejam estrangeiras ou nacionais, e também harpejos e pequenos solos de guitarra.

As letras das músicas são simples, mas ao mesmo tempo profundas por conta da subjetividade dos símbolos, dando assim um ar de misticismo, tanto as letras como no som. A faixa que melhor expressa tal ideia é Canto Fundo, com seu baixo forte e longa introdução, nos conta uma estória marítima que podia muito bem ser contada por um pirata, tema também recorrente em outras bandas da época, a exemplo "O Pirata" da Ave Sangria e o álbum Pirata de 1979 da banda A Barca do Sol.

Fechando o disco tem a faixa A Ceia, que é possivelmente a descrição falada de um quadro famoso. A música tem duas atmosferas, a primeira bucólica, remete a tempos antigos com a ajuda da flauta e pouca percussão. Na segunda roncam guitarras em solos curtos, o baixo troveja e a bateria vai trotando até o fim da faixa.

Apesar dos pontos comuns, todas as bandas acrescentaram um pouco na história da psicodelia brasileira, e de maneira alguma a repetição de temas ou mesmo no que diz respeito a técnica e jeito de tocar, diminuem a qualidade do que foi criado. As semelhanças no mínimo contribuíram para marcar uma época fértil e lúdica musicalmente falando.

Bandas sententonas com Pontos comuns: Impacto Cinco, Pão com Manteiga, Os Lobos, Os Brazões, Som Imaginário, Rubinho e Mauro Asumpção, Liverpool, Módulo 1000, Som Nosso de Cada Dia e muitas outras se você queria ter vivido naquela época e seguir os pedaços de pão que elas deixaram pelo caminho.

http://www.youtube.com/watch?v=aGcVGsue8-0

http://www.youtube.com/watch?v=yB_8s10wDFY

http://www.youtube.com/watch?v=2WWCW4pafkg

bandavoou

2012-06-19T11:27:00.001-03:00

Tem dias que todo mundo acorda meio bandavoou. Não sabe-se muito bem o motivo, as vezes por algum muito mundano, ou apenas um sentimento clandestino que abre a porta, e nos faz dar passos estabandos pela rua afora.

Bandavoou é o estado de espírito que você está para ter a astúcia de quebrar a rotina e observar os gravetos que se assemelham a ninhos de pássaro, acumulados nos fios de postes, muito comuns nas cidades do interior.

Olhando para cima, o ar muda quando uma voz rompe o silêncio e diz: Pérai! Menina. A suavidade do violão e o pandeiro cadenciado nos contam uma estória, quase um causo de cordel, paixão repentina com cheiro de querosene e chão de terra batida. A letra da música é um varal com fotografias, imergimos na narrativa da melodia e tudo flui num atropelo leve, com pausas bonitas levadas pelo harpejo do violão.

Se Pérai! é dia, Cavala Marinha tem o balanço e charme do fim da tarde e começo da noite. Seu piano quebrado e a bateria alternada de Breno, tem cara de jazz, as vezes samba, e desliza despretensiosamente com a voz doce de Luiza. A letra da música é um quadro que retrata o quarto de uma menina mulher. Olhamos os objetos e absorvemos os sentimentos.

A noite escurece mais um pouco e Como é que tá? é um diálogo musicado, vai progredindo lentamente, quando as fotografias amareladas de um antigo romance voltam a se encontrar. A atmosfera sonora se desenrola sob nuvens cinzentas e o metalofone de Rui é o som da nostalgia. "Parapapa" poderia ser as fotos anteriormente citadas resgatando um pouco das cores, para talvez amarelar novamente com os encontros e desencontro da vida.

A lua há muito saiu da linha do horizonte, o amanhecer se prepara pra nascer e o encerrar da noite é um Triste Samba que eu não quis fazer. O lamento do fim e novamente o metalofone guarda as fotos dentro de uma gaveta, e o que sobra é apenas uma melancolia suave, que vai se perdendo aos poucos com os acordes tímidos do violão de Carlos.

Som e imagem fazem parte da gênese do grupo, não só as despertas pelas letras, mas também a simbiose perfeita vislumbrada nos clipes musicais que muito influenciaram na difusão do som da banda. Todos muito bem filmados e editados.

Uns diriam que é por causa do amor, outros pelo sentimento que as vezes brota do nada, e nos espanta o fato de estarmos vivos, e de os dias parecerem bem mais coloridos do que de costume. Assim é o som da bandavoou, dono de uma singeleza visceral, com todas as cores e sombras que uma existência plena comporta. Nem alegre, nem triste, apenas vivendo e fluindo, contemplando a beleza e simplicidade do dia a dia, a melancolia que te faz pensar e nunca parar de caminhar. As vezes chuva, as vezes sol, mas sempre aquele desprendimento de quem sabe valorizar os dois.

bandavoou é:

Carlos Filho

PC Silva

Luiza Magalhães

Marina Sobral

Rui Dornelas

Breno Barbosa

O Ep pode ser baixado no link do mediafire no site oficial da banda.

http://youtu.be/P5lXnyRsRpk

http://soundcloud.com/bandavoou

http://www.youtube.com/user/canalbandavoou

http://www.bandavoou.com

Bibio

2012-05-19T15:34:00.000-03:00

Bibio poderia ser somente mais uma banda dessas que mistura música eletrônica com música tradicional. Mas basta ouvir uma única música para uma estranheza boa tocar sua mente.

Stephen Wilkson começou sua ligação com a música experimental quando cursava artes na Middlesex University em Londres. Misturando alguns estilos termina por criar o seu próprio, chamada por alguns de Folktronik. Ainda que meio autoexplicativo, o rótulo em questão é uma boa mistura de Folk, IDM (ver post do Helious para ler a respeito do estilo) e música ambiente. O som sempre sincopado as vezes é rico em batidas ou então fica na flutuação do minimalismo da música ambiente.

O primeiro álbum Fi de 2005, demonstra bem o acima dito. A primeira faixa, Cherry Blossom Road é o exemplo perfeito das melodias monótonas fabricadas por guitarras e/ou sintetizadores, trazendo aquela singularidade marcante da música ambiente. A própria foto da capa do disco retrata a contemplação que ele quer passar com o som. London Planes é talvez a faixa que mais se percebe a fluência do compositor.

Hand Cranked de 2006 deixa um pouco o minimalismo de lado e entra mais no folk experimental. Cherry Go Round resumo um pouco a atmosfera do disco todo, com suas guitarras acústicas e nuances de sons eletrônicos misturado a instrumentos físicos.

Ambience Avenue de 2009 é o disco que vem quebrar mais com o folk e adicionar as batidas inteligentes da IDM. Numa primeira ouvida fica difícil imaginar que o mesmo público que gostava do primeiro disco poderia se interessar por essa nova fase mais "barulhenta" do produtor. A primeira música que batizou o disco tem batidas leves de bateria e o folk como raiz. Jealous of Roses quebra todo o ar acústico com seu baixo forte e batida com características de Disco Music. Mas o folk nem de longe é deixado de lado, agora também possuindo vocais em algumas das faixas. O título mais bonito é Cry! Baby!, com seu baixo marcante, riffs bonitos de guitarra e efeitos eletrônicos delicados.

Em 2011 é lançado o Mind Bokeh, mais eletrônico que o anterior o folk passa longe da maioria das 12 faixas do álbum. O mesmo acontece com Land of Juice Bug lançado este ano, predominando mais títulos com características do estilo Downtempo. Destaque fica para a faixa Saint Christopher.

Para navegar na fluidez da música ambiente e no folk, ou para esquecer um pouco a contemplação e movimentar os pés e corpo, Bibio consegue transitar muito bem por ambos, bastando apenas escolher o espaço e o tempo que você vai querer viajar.

Bandas Similares: Boards of Canada, Gold Panda, Lone e Colleen.

http://www.youtube.com/watch?v=jTYKLfhjQtE

http://www.youtube.com/watch?v=B54Z3OtXBCg

http://www.youtube.com/watch?v=7NaTBRnOs6g

Helios

2012-03-10T16:11:00.000-03:00

Ainda que confundido com o post-rock, talvez pelo minimalismo, sonoridade em camadas e músicas com guitarras harpejadas, a "banda" em questão é predominantemente inserida no universo da ambient music (ver sobre o estilo no post do Carbon Based Lifeforms) e por conta das batidas e elementos eletrônicos, no que comumente transformou-se em IDM (intelligent dance music) no começo da década de 90. O subjetivo e polêmico rótulo é de difícil definição, comumente serve como antagonista da EDM (eletronic dance music), sendo mais música para se ouvir com fones de ouvido do que nas pistas de dança. É notável também a incorporação do gênero downtempo no estilo.

Banda estava com aspas porque a Helios é um desses grupos de um homem só. O americano e multi-instrumentista Keith Kennif é responsável por toda composição e execução das faixas. Ainda muito jovem, tocava baixo, bateria e guitarra, tendo se formando na Berklee College of Music no ano de 2006.

O primeiro disco lançado com o nome Helios foi o Unomia de 2004. A qualidade e maturação do álbum assusta, e mostra toda a capacidade de composição e percussividade de Keith. As faixas possuem várias atmosferas que vão se desenrolando segundo a segundo, algumas possuem batidas bem definidas como a primeira, Velius, já outras, ficam mais no minimalismo como Sansara. Destaque fica para Light House, com seu piano e violão etéreos.

Em 2006 é lançado o Eingya. Muito bem aceito pela crítica, a suavidade eleva a contemplação e há uma perceptível diminuição nas batidas, proporcionando um ar mais acústico e menos eletrônico. Halving The Compass e sua natureza contida, esboça bem o anteriormente dito. Uma faixa que destoa do restante do álbum é Paper Tiger e sua marcante bateria alternada.

Ayres foi lançado em 2007, o diferencial desse álbum é que ele possui vocais, o que dividiu opiniões na época do lançamento. Em 2010 o disco foi relançado só com a parte instrumental. As seis faixas são muito bonitas e utilizam bastante guitarra, como pode ser percebido em Woods and Gives Away.

Já em 2008 é lançado Caesura, que mantém mais ou menos a mesma linha do Eingya, só que com mais uso de guitarras acústicas. Destaque fica para a faixa A Mountain of Ice, com sua percussão rica, bonita guitarra e alguns noises.

Para se ouvir com fones de ouvidos, numa viagem de carro, num Chill Out de boate, ou mesmo para contemplar o sol com os amigos não vejo opção melhor.

Outros projetos de Keith: Goldmund (Piano Solo), Mint Julep (Duo de shoegaze e dream-pop com a sua esposa.)

Tem também feito diversas trilhas para comerciais e algumas participações em trilhas de filmes.

Bandas Similares: Eluvium, Hammock, Message to Bears, I am Robot and Proud e So Quiet.

http://www.youtube.com/watch?v=YAZIdqfHgMw

http://www.youtube.com/watch?v=ZMKnlNHPeec

Kalouv

2012-01-20T18:00:00.000-03:00

Quem se interessa por sonhos, ou pelo menos consegue lembrar-se deles com certa frequência, sabe da possibilidade de ser experimentar sensações nunca sentidas no universo acordado, seja tentar correr e não conseguir, a sensação de queda livre, o vôo, ou qualquer estado que se deseja nos sonhos lúcidos.

Experiências parecidas a essas ocorrem de olhos bem abertos, tendo como veículo os sons etéreos e as reverberações fluídicas dos noises de guitarra, naquilo que se passou a chamar pós-rock. (Ver sobre tal estilo no post do Sigur Rós e nos demais via tag.)

Tirando os pés do chão e se distanciando das raízes, o grupo Kalouv, tendo se formado em Recife no ano de 2010, lançou seu primeiro álbum de estúdio no ano de 2011, ganhando destaque pela qualidade e distanciamento dos pontos comuns, o que as vezes não é comum dentro desse estilo num primeiro disco.

O Sky Swimmer, apesar de não ter longa duração, encanta desde Agripa, a primeira faixa, trazendo aquele sentimento de expansão emoldurado pela escalada das notas e a liberdade da ausência de gravidade dos gritos abstratos de guitarra. A introdução de pouco mais de um minuto é como a corrida que antecede o pulo no abismo. Passado o piano, a queda transforma-se em vôo e a progressão se desenrola até chegar perto das nuvens por volta dos 4:10, onde a atmosfera resurge e finalmente se alcança as nuvens com a entrada de todas as camadas de noises.

Beni inicia para conter o fluxo e mudar os horizontes, trazendo Zéfiro com suas misturas de estilos e influências dos membros da banda. A truculência meio inesperada do final da música emenda o começo da faixa de maior duração que batizou o álbum. A introdução longa de vez em quando mostra nuances de post-metal, efeito dado com grande contribuição do teclado, e o vôo transforma-se em queda novamente, com o início de Avec...? e suas ondas de noises cortando o vento num trote épico.

Seus altos e baixos são a própria sinuosidade da escalada, e o teclado que é o grande diferencial da banda dita o tom, se enlaçando nas reverberações das guitarras. A pequenina Ressonance chega para estabilizar a trajetória com seus riffs harpejados, a suavidade continua no começo de Waves, soando quase como um fim de tarde com nuvens douradas, onde o caminho de volta para a terra tem início, atingindo o chão aos 4:35, onde a lembrança da viagem prepara o terreno para aos 5:22 silenciar os teclados e iniciar o solo final e os noises mais bonitos do álbum.

Terminado esta viagem lúdica longe do espaço e do tempo, fica o desejo de que um novo vôo venha logo, pois entre outras qualidades a Kalouv soube sair do chão conhecendo primeiro os próprios pés, encontrando sua identidade desde o primeiro álbum, mostrando que é possível levantar a bandeira de um estilo sem perder a qualidade e originalidade.

O Sky Swimmer pode ser baixado gratuitamente no site do selo Sinewave que possui alguns projetos de pós-rock, disponíveis no link abaixo:

http://sinewave.com.br/2011/11/kalouv-sky-swimmer-2011

http://www.youtube.com/watch?v=_mTAvdqCfBc

Beach House

2012-01-11T20:56:00.000-03:00

Confundido com o shoegaze, uma de suas variantes, o estilo dream pop nada mais é do que um subgênero do rock alternativo, tendo tido início nos anos 80. Como no shoegaze, os vocais são etéreos e as melodias delicadas, mas ao contrário deste, o estilo em questão não possui muitas distorções pesadas de guitarras, tornando os instrumentos mais perceptíveis. As músicas possuem ritmo lento, acompanhadas por letras atmosféricas e guitarras com características drone (notas sustentadas e repetidas e pequenas variações harmônicas).

Beach House é um duo formado em 2005 em Baltimore, Estados Unidos, pela francesa Victoria Legrand e o americano Alex Scally. Em 2006 foi lançado o primeiro álbum, homônimo. Nas nove faixas com uma média de 4 minutos, os sons espaciais e o vocal murmurado da um ar melancólico e as vezes sombrio, até mesmo numa das faixas com batidas mais animada, Master of None, onde a voz de Victoria aparece limpa e recheada de teclados imitando órgão, uma característica presente em todas as músicas do disco.

Em 2008 é lançado o Devotion, que mantém mais ou menos as mesmas características do anterior, inclusive os teclados, e também algumas passagens bastantes distorcidas de guitarras, flertando um pouco com o shoegaze, como pode ser ouvido na faixa Wedding Bell.

O último álbum, Teen Dream de 2010, é menos melancólico que os demais, talvez pelo fato da bateria ser mais trabalhada e o som ter um pouco mais de camadas. A voz de Victoria de tom meio rouco, comparada muitas vezes com a da cantora Nico, muda substancialmente durante o álbum, adquirindo características bem masculinas. A diferença pode ser percebida nas faixas Silver Soul e Walk in the Park. Na faixa 10 Mile Stereo, a guitarra drone fica em evidência e sons eletrônicos com influências de space rock podem ser distinguidos. A faixa mais bonita e bem composta é também a última do disco, Take Care, com sua guitarra e teclados harpejados.

A banda é citada como uma das favoritas por componentes das bandas Grizzlly Bear, MGMT e Julian Casablancas.

Pra quem gosta de harmonias densas e imóveis, e aquele sentimento de tempo pairando suspenso, não vai ter problemas para viajar distante ao som da banda, talvez nunca casa de praia num dia chuvoso, seja acordado, ou num sonho pop.

Bandas com pontos comuns: Cocteau Twins, Cat Power, Broadcast, Deerhunter e Twin Sister.

http://www.youtube.com/watch?v=s2YiUTh9dj4

Blonde Redhead

2011-12-13T22:29:00.003-03:00

Ainda que tenha nascido nos anos 80, as bandas do então chamado Rock Alternativo ou Alt Rock ganharam notoriedade nos anos 90, época em que o Indie Rock passou a se sedimentar e ser confundido com o estilo em questão. Apesar de ter influências do grunge, do britpop e post-punk, o estilo é utilizado mais como meio de exclusão do que de rotulação, tendo em vista que o nome "alternativo" é genérico demais, conglomerando apenas tipos de rock não comuns e que não possuem outras classificações.

A banda novaiorquina Blonde Redhead surgiu em 1993 tendo lançado o seu primeiro disco, homônimo, neste mesmo ano. Apesar de já ter tido outras formações, atualmente é composta por dois italianos gêmeos, Amedeo Pace e Simone Pace e a japonesa Kazu Makino. O referido disco tem características bem definidas dentro do citado estilo, lembrando muito a banda Sonic Youth, e não é apenas pelo fato do revezamento de vocal entre homem e mulher. O que mais chama atenção são as distorções carregadas e sujas de guitarra, pontuadas e desconcertantes e alguns gritos ocasionais.

Os demais álbuns seguem mais ou menos a mesma linha, chamando atenção também o fato de que as faixas podem ser cantadas em inglês, japonês, francês e italiano. Fato interessante é que no álbum In an Expression of the Inexpressible de 1998, há uma faixa, Futurism vs. Passeism Part 2 que possui estética de Math-Rock.

Depois do Melody of Certain Damaged Lemons de 2000, e um período longo sem nada novo, a banda lançou o seu álbum mais popular e que deu notoriedade mundial a banda, o Misery is a Butterfly de 2004. Coincidência ou não o grupo mudou um pouco de estilo, perdendo bastante o peso e caprichando em instrumentos eruditos e pitadas de trip-hop. O som ficou mais intimista, aproveitando melhor o ar misterioso e sensual da voz de Kazu Makino. Sons eletrônicos são bem aproveitados em várias faixas.

Em 2007 é lançado o 23, sendo mais bem composto e melódico que o anterior e tendo algumas músicas flertando com o dream-pop e apostando bastante em percussão eletrônica. Destaque fica para a faixa Heroine, que resume bem a atmosfera do disco.

O último álbum lançado foi Penny Sparkle, de 2010. Ele vem para surpreender mais uma vez e entrar ainda mais na música eletrônica e um pouco no experimentalismo, ainda que seja predominantemente mais calmo que o anterior, com batidas bem lentas.

Se você gosta de acompanhar as transformações de uma banda o Blonde Redhead é uma opção que vale a pena baixar toda a discografia. Mesclando suavidade e agressividade a banda soube representar muito bem o estilo e suas variações nas décadas de 90 e 2000.

Bandas do mesmo estilo ou com pontos comuns: Sonic Youth, My Bloody Valentine, Cat Power, Broadcast e Beach House.

http://www.youtube.com/watch?v=e9ZcqtJTaVY

Rabotnik

2011-10-29T16:02:00.000-03:00

Se antigamente a criatividade, e como decorrência lógica, as criações artísticas, eram explicadas por meio de deusas/musas inspiradoras, nos dias atuais o homem não mais brinca de Deus e os processos criativos, saindo do metafísico, são estudados não só diretamente pelos artistas, mas também por neurologistas e psicólogos.

A mente humana, nascedouro do germe que em alguma hora vai dar forma a ideia, tem na improvisação livre um terreno fértil para estudar o fenômeno da criação, sendo a composição as moléculas formadoras da música.

Tendo como raíz o serialismo, e após a 2ª guerra, a música concreta e estocástica, a improvisação livre embora muita gente ignore, não se destina apenas ao jazz e suas derivações como o free jazz. O uso da probabilística nos sons, deu-se antes mesmo da possibilidade de exploração analógico-digital, provavelmente com a observação e utilização dos sons da natureza como proposta musical. Embora não haja consenso sobre a possibilidade da construção aleatória de música, tendo como premissa e observando neurologicamente a capacidade ininterrupta do cérebro de construir padrões, a psicologia com suas teorias acerca do inconsciente, vem timidamente demonstrar a possibilidade da criação mecânica e talvez, totalmente inconsciente.

Os Rabotnik's tendo formado o grupo em 2004, lançaram seu primeiro álbum, de nome Rabotnik em 2008. Apesar de serem validamente associados ao estilo post-rock, o grande diferencial e influência da banda é a cinefilia de seus membros. Nomes como Ennio Morricone, Henry Mancini, Nino Rota e John Barry servem de influência para essa inusitada mistura de rock instrumental, música eletrônica e soundtrack. As faixas do álbum apesar de não serem muitos extensas, são muito bem elaboradas e ricas em elementos, alternando entre faixas agitadas e mais atmosféricas, como pode ser ouvido na delicada e contemplativa Kalei, rica em guitarras acústicas e pouca bateria, em contraponto com a faixa número 6, 2 Gatos, com bateria eletrônica e várias camadas distintas de noises.

Em 2009 é lançado Lounge Ass, predominantemente mais eletrônico que o anterior. Destaque fica para JC Superstar, que poderia ser a trilha de um filme de ficção científica/terror. A faixa Radiodeluxe mostra um pouco da improvisação que costuma ocorrer nas apresentações ao vivo, onde é comum o convite de músicos alheios a banda para Jam Sessions. A faixa seguinte, Sentinela, destoa um pouco das demais faixas por ter estética parecida com a das músicas do primeiro disco, embora a experimentação eletrônica não fique toda de fora. As ultimas faixas são mais calmas, podendo definir a penúltima, Tedio, como um dub experimental lento, e 75, como um diálogo entre uma guitarra e um sintetizador.

Além das já citadas Jam de improvisação no palco, a banda é conhecida por atrelar à proposta musical arte visual, via telões nos shows com projeções abstratas ou não. O grupo também já fez trilhas ao vivo para peças de teatro e desfile de modas.

Embora pouco difundido aqui no brasil, a improvisação livre merece destaque e apreciação para que possa emergir do meio acadêmico e encontrar o seu lugar de destino que é o ouvido e o cérebro das pessoas. Seja com instrumentos clássicos ou a incorporação de música eletrônica atual, a abstração sonora necessita de mais entusiastas para a sedimentação do fenômeno como gênero musical aceito pelo senso comum.

Bandas similares: Tortoise e Morte Macabre

Artistas de Free Jazz/Livre Improvisação: Evan Parker, Peter Brötzmann, Derek Bailey e Anthony Braxton.

Artistas Eruditos de Improvisação Livre e Música Concreta: Iannis Xenakis, Karlheinz Stockhausen, Pierre Henry e Giacinto Scelsi.

http://www.youtube.com/watch?v=g1pYormsw5o

Mr. Maps

2011-09-27T20:34:00.000-03:00

Odiado por uns, amado por muitos, o rótulo de post-rock desde sua primeira aparição em 1994, cunhado pelos dedos do jornalista Simon Reynolds, é vítima de confusões, fusões sem critérios e principalmente, uma falta de unidade. As desavenças se dão pelo fato das bandas sempre recearem ser catalogadas, e principalmente por conta dos "guardiões" dos estilos musicais, que por passarem mais tempo baixando álbuns do que os ouvindo, tendem sempre a ignorar a sabedoria que as vezes emana do senso comum.

Coisa muito diferente se passa com o math-rock, talvez por se tratar de um gênero mais antigo que o post-rock, e também por sua própria configuração repetitiva ajudar na identificação do estilo. Se algo pode ser modificado ou acrescentado é apenas o fato do som ser mais ou menos quadrado, ou que tenha ou não, elementos eletrônicos. (Ver mais sobre o estilo no post do Maybeshewill).

Retirados os pacotes, vamos desembrulhar o presente. O grupo australiano Mr. Maps, em seu primeiro álbum, Mimicry of Lines and Light de 2009, poderia passar despercebido, caso você tivesse baixado o álbum por causa da capa bonita, e o ouvisse depressa. Mas apurado os ouvidos, e passado o espanto de não esbarrar com o esperado som quadrado, as sonoridades do disco encantam, deixando um ar de estranheza boa. As guitarras cadenciadas, os ostinatos decrescente, pontuados aqui e ali, e principalmente, o piano atmosférico, preenchem as faixas de duração média do disco.

Depois de um "ep" com apenas duas faixas em 2010, a banda lançou a uns meses atrás o álbum Wire Empire. O dito cujo continua na mesma linha do primeiro, apesar de ser mais fluído e incorporar pequenas passagens delicadas de violoncelo, para não falar dos sons eletrônicos que preenchem os ouvidos em algumas partes das músicas. O piano continua com toda a sua fluidez espacial, e é homenageado em toda a faixa Secrets You Cold Sift. Ruídos eletrônicos e "d-efeitos" a la glitch music, podem ser ouvidos na bonita música, Drummy.

Uma faixa ou outra tem paradas curtas, riffs e distorções que possuem características do post-metal, como pode ser ouvido nos minutos finais da faixa Fly Monumental Mistake. A bateria quebrada atinge seu auge na última música, Totalism. Curtos noises em algumas músicas poderiam ser uma incorporação recente ao post-rock. A música mais quadrada é a primeira, Step Step, que tem como diferencial o violoncelo.

Se nem tudo que reluz é ouro, nem todo rock instrumental é post-rock, assim como nem todo som repetitivo de bateria e baixo é math-rock, e nem tudo o que é estranho e de difícil digestão é experimental. Se libertar dos estilos, gêneros e subgêneros é mais do que desapego material com álbuns e bandas, é uma atitude consciente de ouvir música, sentir vibrações e se deixar levar pelas notas, ou até mesmo a ausência delas.

Bandas similares: (Ver post do Maybeshewill)

http://www.youtube.com/watch?v=XYLXHLNkzwQ

AIRtist

2011-09-12T20:16:00.000-03:00

Que os sons eletrônicos tomaram conta da música não é novidade alguma. Muito antes dos engenheiros de som virarem músicos, como o Kraftwerk, e até mesmo antes da invenção de samplers, sintetizadores e sequenciadores, sons eletrônicos e microfonia já preenchiam a música, provavelmente desde que o primeiro instrumento foi ligado a um cabo.

Outra coisa que ninguém duvida é que as Raves são as manifestações mais expressivas da música eletrônica e verdadeiros instrumentos de culto de várias gerações, algumas delas já tendo nascido ouvindo música eletrônica, seja anteriormente nos midis feitos para videogames, ou há cerca de uma década, na era dos toques polifônicos e mp3.

Apesar dessa conversa toda, o grupo em questão não utiliza som eletrônico algum. Com um projeto único e inovador, trançou a alcunha de Biodynamic Trance e elevou o conceito de música orgânica para outros níveis. O trio usa no trocadilho do seu nome a gênese do conceito de seu som.

Os AIRtist, moldam e trabalham o oxigênio, transmutando a vibração dos instrumentos em sons naturais, com aparência completamente eletrônica. O trio é composto por dois instrumentos primitivos e ligados a cultos tribais e rituais xamânicos, são eles o Didjeridoo (instrumento geralmente de madeira que é vibrado continuamente com os lábios) e o Berimbau de Boca ("Jew's Harp", língua flexível de metal ou bambu, inserida na boca e dedilhada). A batida e as vezes o baixo são feitos por meio de Beatbox. Vibrando madeira, metal e cordas vocais, o grupo tem feito multidões dançarem em festivais e raves ao redor do mundo, remodelando o conceito do unplugged. (Para saber mais a respeito desse ponto, ver o post do Yagé)

Em seu álbum de estreia, Wireless, de 2009, se tem uma pequena noção de que é possível fazer música dançante e psicodélica sem nenhum sintetizador ou batida de silício. Logo na primeira faixa, Simcha, o Didjeridoo inicia a sua vibração grave e demonstra a quantidade infinita de texturas e matizes. Depois de alguns segundos é a vez do som metálico e agudo do Berimbau de Boca deixar seus rastros prateados, numa sucessão progressiva e rápida de notas curtas. Quando a batida do beatbox entra, a velocidade é tanta que fica difícil acreditar que se trata de sons feitos com voz humana.

A música de maior destaque é também a mais longa das 11, Light Soul Dance, que apesar de não ter o beatbox, possui uma melodia muito bonita com voz.

Mais do que uma crítica, e sim uma reflexão, é sempre bom ver projetos que apostam em novas propostas e tentam contornar a dificuldade de se fazer algo inédito e atual, sem precisar sobrecarregar a música de conceitos, voltando assim um pouco ao culto dos antigos, em apreciar a música feita ao vivo e sem fio. É sempre bom lembrar que apesar da evolução, a mente do xamã de uma pequena tribo e a nossa, não é muito diferente, só adquirimos conhecimentos "civilizados" que para eles, eram e ainda são totalmente desnecessários. Ainda assim, o líder espiritual consegue levar toda uma tribo ao transe, vibrando pedaços de madeira e tocando tambores de pele animal, enquanto hoje em dia o homem não "selvagem" precisa toneladas de equipamentos, luzes e psicotrópicos sem fim. Alguma coisa deve ter se perdido por ai.

Grupos que utilizam Dijeridoo: Umkulu, Ilario Vannucchi e Didjworks

Grupos de Psytrance e música orgânica: Yagé, Hilight Tribe e Ganga Giri

Filmes sobre xamanismo e rituais tribais: Onde Sonham as Formigas Verdes e Yeleen.

http://www.youtube.com/watch?v=Y53Ek_mbzhg

Pio Lobato

2011-08-25T17:32:00.009-03:00

(A música muda constantemente e as coisas também devem mudar. Após esse período de recesso revigorante e reflexivo, voltamos com algumas mudanças. O tempo passou e as coisas ficaram um pouco amarradas demais por aqui, decidi então deixar tudo um pouco menos impessoal e aos poucos estou tentando acabar com as amarras pesadas de ter que as vezes rotular o que dispensa conceitualizações. Não estranhe os "novos termos", o teclado e os dedos continuam os mesmos. Agora também não tem mais isso de ser uma banda brasileira e outra estrangeira, vai aparecer aqui o que a vibração cósmica mandar para o itunes.)

Essa estória começa e termina com guitarras e recados. Quem mandou o primeiro recado não se sabe muito bem, mas já no projeto Orla Orbe, Lúcio Maia dava seus primeiros passos para se tornar um dos guitarristas mais influentes e criativos do brasil, seja com o Nação Zumbi, Chico Science ou em seu projeto Maquinado.

O segundo recado visto, foi o do também guitarrista Lucas Santtana, na faixa de número 5, do álbum Sem Nostalgia, está para todos verem e ouvir a faixa Recado para Pio Lobato. A música com um baixo grooveado é semeada de ecos harpejados de guitarra. Então é ai que vem Pio Lobato.

Aprofundando o seu álbum Café de 2005, não é que esbarramos com a faixa número 7, de nome Recado para Lúcio Maia. Vale salientar que é um senhor recado. Ele vem coladinho com a faixa 6, Psicocumbia, que apesar de pequena, dispensa comentários. Depois da "introdução" no início do recado, já fica claro que se destina a alguém do Manguebeat, por causa do batuque eletrônico que se assemelha a um coco, embora a Guitarrada Paraense fique em evidência em toda a faixa.

Quase esquecendo de fazer as rotulações de costume, os estilos do disco em questão são múltiplos, e o que precisa ser levado em conta é que pouca importância eles tem de fato, pois os recados são entre guitarristas, logo o instrumento é o que importa. Mas pra não perder o costume, você pode encontrar até um downtempo guitarrado, na faixa mais bonita e calma, Loop do Mathias.

O café não é nada escuro mas bastante flúido, composto por muitas camadas de noises eletrônicos, sampleados ou apenas distorcidos por pedais, as vezes brancos feito açucar, preenchem um pouco o minimalismo da guitarra e a ausência constante de bateria e baixo. Amarrando mais um pouco o som, poderia se dizer que também possui características de música ambiente e lo-fi. Diferentemente de outras músicas, nenhuma faixa do cd possui batidas fortes com ambientações do drum'n'bass. Seria heresia não citar a última faixa do disco, Tema do Hippie Velho, com seus 9 minutos de guitarras à la folk music, e uma guitarra solando noises animalescos em progressão.

Já esquecendo quem sabe o principal, o que diabos é guitarrada? Dizem por ai que é uma espécie de Lambada Instrumental, criada por um tal Mestre Vieira. O tal mestre você talvez não conheça, mas Chimbinha, aquele mesmo do Calypso, tem um álbum de nome Guitarras que Cantam, com a estética desse estilo. Pra esclarecer um pouco (ou não), o gênero é uma boa mistura de cúmbia, carimbó e merengue, só que guitarrados com solos.

Entre outras coisas, Pio Lobato tocava na extinta banda Cravo Carbona, teve também participação em duas faixas do álbum Contraditório do Dj Dolores, e possui uma faixa numa coletânea francesa de nome Le Nouveau Rock Brésilien. A música Recado para Lúcio Maia participou da trilha do filme Deus é Brasileiro.

O recado por aqui chegou ao fim, mas com o desejo de que esse chat de recados/músicas continue interminavelmente, para o deleite de todos aqueles que gostam de guitarra e que tem sentido que muitos músicos brasileiros andam subutilizando as magrelas.

Bandas brasileiras com pontos comuns: Cravo Carbona, Chimbinha, Lucas Santanna

Bandas estrangeiras (Downtempo): Lemon Jelly, Zero 7, Air, Bonobo, Cornelius, Caribou e Kid Loco.

http://www.youtube.com/watch?v=AFXzwhZ8AY8

Fellini

2011-07-12T21:42:00.006-03:00

Olhar para o passado é sempre mais fácil do que tentar traçar os caminhos ainda sinuosos, que a música atualmente percorre, para se adequar as novas mídias, o desmantelamento ou reconfiguração das grandes gravadoras, o crescimento de estúdios "em casa" e principalmente, a nova configuração dos que carregam a bandeira das bandas independentes. Mais complicado ainda seria tentar delinear os rumos atuais do underground, pois hoje se tem o mal hábito de dizer que todas as bandas independentes são undergrounds, ou então que tudo que está fora do mainstream também o é.

Deixando o futuro a sua sorte e olhando para o passado, iniciaremos um pequeno resumo sobre a cena post-punk.

Muitas vezes confundido com música gótica e indie-rock, o post-punk teve início por volta do ano 77, logo após o auge do punk. Culturalmente falando, tal estilo musical surgiu para quebrar com a inflexibilidade do punk, principalmente com o que o senso comum passou a chamar "conduta punk", e também pelo afronte da incorporação do estilo na indústria cultural. Apesar de querer fugir do mainstream e romper com o dogmatismo das bandas, as mudanças musicais do post-punk foram principalmente a incorporação de estruturas mais complexas e melódicas, diminuindo assim a repetição do "punk clássico". Quanto aos instrumentos, o baixo fica em primeiro plano e a guitarra fica como uma segunda voz. Nas letras, o niilismo destrutivo dá lugar ao existencialismo e ao cinismo.

Dois fatos e datas marcantes marcam a gênese da banda Fellini. O primeiro é o suicídio em 1980 de Ian Curtis, o vocalista de uma das principais banda de post-punk, a Joy Divison, e como uma das consequências, o declínio do estilo. O segundo é que a banda surgiu exatamente no dia em que a morte de Ian Curtis completava 4 anos.

Apesar do estilo ter ficado para trás, a Fellini lança seu primeiro álbum em 85, O Adeus de Fellini. A música mais expressiva é Rock Europeu, que demonstra bem o ar sombrio constante no disco e no estilo em questão.

Em 87 é lançado o disco 3 Lugares Diferentes, que parece ser o mais apreciado pelos fãs. Nele contém a faixa mais famosa do grupo, Teu Inglês, com letra bem humorada e riffs de gaita e uma bonita percussão eletrônica.

Já beirando a década de 90, é lançado o disco mais bem produzido e aceito pela crítica, Amor Louco. O estilo muda bastante em tal disco, entrando um pouco no rock "comum" das bandas brasileiras dos anos 80 e também com pitadas de samba. Destaque para a bonita faixa, Grandes Ilusões, e também a bem conhecida LSD.

Em 2002 os dois principais músicos da banda, Thomas Pappon e Cadão Volpato tentam uma retomada e sozinhos lançam o último álbum, Amanhã é Tarde.

Apesar da morte do estilo e de a banda nunca ter entrado no gosto do grande público, a Fellini vem junto com outras bandas, atestar e acabar com a lenda fajuta de que nos anos 80, o brasil passou por uma espécie de idade das trevas na música, e principalmente no rock.

Outras bandas brasileiras do estilo, chamado aqui de Dark: Cabine C, Akira S e as Garotas que Erram, Plebe Rude e Ira!.

Bandas estrangeiras: Joy Division, The Cure, Echo and The Bunnyman, Bauhaus e The Jesus and Mary Chain.

Filmes relacionados ao estilo: Control (cinebiografia de Ian Curtis), The Right Side of my Brain, The Hunger, Donnie Darko, e o brasileiro, Cidade Oculta.

http://youtu.be/OP1g8UjTHDQ