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Interview: Mark Wahlberg

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 23 Mar 2013 14:05:00 +0000

Gelb gewellte Auslegware und Treppen aus weißem Marmor weisen uns den Weg. Wir befinden uns im Ritz Carlton am Potsdamer Platz und warten auf Mark Wahlberg. Kurz vor der Berlinale jettet der berühmte Ex-Rapper, Ex-Calvin-Klein-Model und mittlerweile einflussreiche Hollywoodstar und Produzent in die Hauptstadt um die Promo-Trommel für seinen neuesten Streifen “Broken City” zu rühren. Ganz ungezwungen und mit bester Laune betritt er den Interview-Raum “Hey Jungs, wie geht’s euch?” informiert er sich in einem kumpelhaften Umgangston. Dabei sieht Marky Mark so aus, als wäre er direkt aus dem Wellness-Bereich des Luxus-Hotels zu uns gestossen. Bunte Sneakers an den Füßen, T-Shirt, Schweißbändchen am Arm und eine Flasche Hydro-Water in der Hand. Natürlich trinkt er auch nur das, ihm gehört schließlich ein Teil des Konzerns der dahinter steht. Doch dazu später mehr. Reisen wir erst mal in seine bewegte Kindheit.

Herr Wahlberg, wie war es, als eins von neun Kindern in einer Arbeiter-Groß-Familie auf zu wachsen?

Es war ziemlich normal, denn es war das einzige was ich kannte. Ab einem bestimmten Alter merkte ich, dass ich mir nicht alles leisten konnte, was andere Kinder so hatten, aber wir hatten immer uns und das reichte. Es war sehr chaotisch, aber meistens cool und vor allem, wenn man mal in einen Kampf geraten ist, konnte man immer einen seiner anderen Brüder um Hilfe bitten.

Wann kamen die ersten Träume ans Kino und die Idee beim Film zu arbeiten?

Das kam alles erst sehr spät, als ich Danny DeVito und Penny Marshall getroffen hatte, so mit 20 oder 21 Jahren. Das Kino habe ich aber schon immer geliebt. Meine Lieblingsbeschäftigung war es mit meinem Vater Filme zu gucken. Der erste Film den ich jemals im Kino gesehen habe war “Ein stahlharter Mann” mit Charles Bronson. Ich erinnere mich noch als wäre gestern gewesen. Steve McQueen, Robert Ryan und James Cagney, alle diese Typen, die besser als andere aussahen, wurden meine Idole.

Toll macht er das alles. Man fühlt sich so, als hätte man einen entspannen Kumpel neben sich zu sitzen, der ein wenig aus dem Nähkästchen plaudert und das alles gar nicht so anstrengend findet. Fragen wir ihn mal etwas zu dem Film, der eigentlich promotet werden soll.

Niemand hat eine reine Weste in “Broken City”, es gibt kein echtes Happy End, dass ist alles ein wenig untypisch, was hat sie dazu bewegt den Film zu machen?

Ich liebe diese Welt, mag das Material, solche Filme machen mir einfach Spaß und es kann nicht immer Happy-Endings geben. Filme über Korruption und Leute die viel Macht haben und diese falsch nutzen ziehen mich einfach magisch an, obwohl ich auch vieles anderes mache, sind es doch genau diese Geschichten die ich zeigen möchte. Macht ist einfach gefährlich und schon als Kind hatte ich es mit korrupten Polizisten zu tun. Es ist eine Welt in der ich mich wohl ziemlich gut auskenne.

Welche Rolle hatten sie als Produzent bei dem Projekt, konnten sie selbst die Schauspieler aussuchen?

Ich habe alle Schauspieler ausgesucht, mich um alles gekümmert. Vom Geld besorgen, über die Idee den Streifen unabhängig zu produzieren. Wir haben ihn im Geiste einer Fernsehproduktion gemacht. Weniger Geld, weniger Zeit, aber wenn man gutes Material hat, verzichten große Schauspieler auch mal gerne auf ihre normalen Gagen.

Stimmt es, dass sie eigentlich die Rolle des Bürgermeisters übernehmen wollten?

Ja, wisst ihr, man will immer die Rolle haben, für die man eigentlich nicht der richtige ist. In “Ted” wollte ich eigentlich der Bär sein, wenn man “Scarface” liest, will man “Scarface” sein.

Aber wieso ist Russel Crowe dann besser geeignet als sie?

Na ja, vor allem stimmt es mit dem Alter eher als bei mir. Aber junge Leute wollen immer die alten und die alten die jungen spielen. Ich habe mal ein Drehbuch von Paramount Pictures bekommen und es gelesen. Es ging um einen alten und einen jungen Typen und ich wurde immer aufgeregter und hatte mich in Geschichte verliebt. Vielleicht rufe ich Jack Nicholson an, er ist ein Kumpel von mir oder Tommy Lee Jones, die wären perfekt für den alten part. Dann bekomme ich einen Anruf aus dem Studio. Sie fragen mich, was ich von Gerrett Hedlund halte. Er ist cool, aber wieso wollt ihr das wissen? Antworte ich. Na ja, er soll den jungen Typen spielen. Wie bitte? Wer bin ich dann? Schreie ich in den Höhrer, ich bin schon der verfickte alte Typ? Das geht alles so schnell.

Stimmt es, dass es während dem Dreh einen Unfall gab?

Ja, es gibt diese Szene wo mein Charakter anfängt zu trinken, weil er seine Freundin, die ja Schauspielerin ist, auf der großen Leinwand in einer Sexszene sieht. Grauenhaft, meine Frau würde ich auch nie in so etwas sehen wollen, sie hasst es auch, wenn ich erotische Szenen drehe. Er geht also auf die Strasse und verprügelt ein Paar Männer, macht was kaputt und wirft Flaschen umher. Ich hab einfach ein paar Freunde angerufen, denen ich aufs Maul hauen konnte und wir haben mit der Kamera drauf gehalten.

Wie bitte?

Ja, ich hatte keine Lust viel zu choreographieren, also rief ich zwei Freunde an, sagte ich bring euch in meinen neuen Film. “Cool, was sollen wir machen” erwiederten sie und wussten auch gleich es wird was verrücktes werden. Stellt euch einfach in die Ecke da hinten und schaut was passiert. Ich rannte hin und wir schlugen einfach die Scheisse aus uns raus. Plötzlich schreitete die Polizei ein und wollte einen Schlussstrich unter die Sache setzen. Es reicht, sie wollten mir die Drehgenehmigung weg nehmen. Also musste ich im Büro des echten Bürgermeisters anrufen und um Vergebung bitten, damit wir weiter machen konnten.

Herrlich, wie er mit kleinen Anekdoten und persönlichen Geschichten um sich wirft, er weiss einfach wonach die Presse lechzt. Ein Profi. Und jetzt wird er richtig leidenschaftlich. Man sieht ihm die Passion richtig an, spürt wie er sich für Projekte begeistern kann.

Sie haben die amerikanischen Rechte des norwegischen Films “Headhunters” erworben?

Ich liebe diesen Film einfach, er ist so großartig.

Ein zustimmendes Nicken von unserer Seite aus.

Hast du den Film gesehen? Fragt Wahlberg.

Ja, er war super!

An dem Tag wo ich ihn sah, haben wir gerade “Broken City” gedreht und meine Familie plante vorbei zu kommen, weil wir Thänksgiving feiern wollten. Ich habe einem Kumpel gesagt, er muss ihnen erklären, dass ich erst diesen einen Thriller zu Ende sehen muss. Wir wollten eine amerikanische Version davon drehen. Und dann wurde ich richtig traurig, weil er eh schon verkauft war. Ich wollte ihn produzieren und drin mitspielen, hatte mich schon mit dem Regisseur getroffen, also habe ich den neuen Verleih angerufen und denen erklärt, dass sie verkacken werden und ich das machen muss, aber im Moment weiss ich nicht mal mehr wo die Rechte geblieben sind. Oh man, erinnert ihr euch noch an diese eine Szene, wo das Polizeiauto die Klippe runter fällt, oder als er sich die Haare mit dem Messer schneidet?! Einfach verdammt großartig der Streifen. Oder die Szene mit dem Hund. Wow!

Genug geschwärmt, holen wir ihn mal ein wenig zurück in die Realität und stellen die obligatorischste aller Fragen.

Du hast schon immer einen wohl trainierten Körper, wie wichtig ist dir Fitness und was ist dein Geheimnis?

Ich liebe es meinen Körper zu pushen, ich kann mich an physische Grenzen bringen, aber es kommt immer darauf an, was ich gerade spiele. In “Broken City” reicht es aus, normal rum zu laufen, aber in “Pain & Gain”, den ich mit Michael Bay gedreht habe, musste ich richtig pumpen gehen. Ich spiele einen Bodybuilder.

Vermisst du die Zeit als Marky Mark manchmal und ist deine Musik-Karriere endgültig ein geschlossenes Kapitel in deinem Leben?

Es ist auf jeden Fall vorbei. Aber es waren echt lustige Zeiten. Ich kann mich noch daran erinnern oft in Deutschland und Berlin gewesen zu sein und allen möglichen Trubel veranstaltet zu haben. Es gibt aber keinen Fokus und keine Disziplin im Musik-Business, dass ist der größte Unterschied zum Filmemachen.

Welche Musik hörst du denn Heutzutage so?

Ach, keine Ahnung. Aber meine neunjährige Tochter liebt Taylor Swift. Mein Sohn, er ist sechs Jahre alt, hört den ganzen Tag Jay-Z und Kanye West. Alleine im Auto höre ich Rock, aber meistens diktieren die Kinder, was wir für Filme gucken und für Musik hören.

Kannst du überhaupt noch relaxen, wenn du deine Filme produzierst und mitspielst?

Nein, das klappt einfach nicht. Die Tage werden immer länger und vieles passiert in der Nacht. Man kommt nach Hause und die Sonne geht schon wieder auf, es ist schwer ein zu schlafen, du musst alles abdunkeln. Ausruhen ist da nicht drin.

Du hattest so viele verschiedene Karrieren. Als Rapper, Model, Schauspieler, was kommt als nächstes, was passiert noch so in deinem Leben?

Ich habe viele verschiedene Business-Ideen, vor allem abseits der Filmindustrie. Mir gehört ein Teil des bekannten “AquaHydrate”-Konzerns…

Er spielt mit dem Wasser auf dem Tisch herum.

…der mit Elektrolyte versetztes Wasser herstellt. In Zukunft will ich darauf hin arbeiten alles was ich produziere auch selbst behalten zu können, also mein eigenes Studio zu haben.

Wie sieht es mit selbst Regie führen aus?

Da habe ich auf jeden Fall schon drüber nachgedacht, aber das nimmt so viel Zeit weg. Ich habe vier Filme die dieses Jahr raus kommen, dann noch Regie irgendwo machen, klappt nicht mehr. Aber wenn das richtige Projekt zur richtigen Zeit kommt, wieso eigentlich nicht.

Vielen Dank für das Gespräch.

Quatsch, ich danke euch dafür. Ruft er noch in die Journalisten-Menge. Posiert brav für ein Paar Fotos und muss dann auch schon weiter zu der nächsten Gruppe.

Interview/Foto: Markus Breuer

Gesichtet: Die fantastische Welt von Oz

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Tue, 05 Mar 2013 19:04:00 +0000

Die fantastische Welt von Oz

Filmstart: 07. März 2013

Dauer: 130 Minuten

Mit: James Franco, Mila Kunis, Rachel Weisz, Michelle Williams

rottentomatoes: 73%

imdb: 7,4

Da wo Weite beschränkt wird, blickt man automatisch in die Tiefe: Sam Raimi startet seinen Mega-Blockbuster „Die fantastische Welt von Oz“ im Kansas der Jahrhundertwende. Schwarzweiß-Bilder im alten 4:3-Format zelebrieren während des stimmungsvollen Vorspanns nicht nur die Geburt des Kinos, sondern auch die des Frauenhelds, des Tricksers Oz. Während er Illusionen für seine Zuschauer kreiert, wird er plötzlich mit der harschen Realität konfrontiert. Oz muss fliehen und springt in einen Heißluftballon. Dann erwischt ihn plötzlich ein Wirbelsturm. Der eigentliche Triumph weicht dem Todeskampf. Wie seinen Protagonisten, schüttelt der Sturm auch den Rezipienten wild durch. Ist die Ballon-Achterbahn-Rallye erst mal vorbei, vernebelt die eine oder andere Hirnerschütterung erst mal das logische Denkvermögen. Perfekt, denkt sich das Produzenten-Gremium, man ist ja schließlich direkt in der knall bunten Disney-Blockbuster-Fabrik gelandet.

Retorten-Unterhaltung, triviale Dialoge, eine Geschichte ohne wirkliche Höhepunkte, ohne Spannung, ohne großartige Überraschungen, immer das erlösende, vorhersehbare Finale im Auge. Das ist die wundervolle Welt der risikolosen Disney-Juristen, die ihre Multi-Millionen-Ausgaben in Sicherheit wägen und bloß kein Wagnis eingehen wollen. Wie wäre es mal mit der einen oder anderen Charakter-Entwicklung im Laufe der Spielzeit? Quatsch! Das haben wir bei „Alice im Wunderland“ auch nicht gebraucht. Und während Micky Maus seit 2010 noch fleißig die eingenommenen Dollarnoten aus dem Tim-Burton-Spektakel stapelt, können wir uns über die Logiklücken des neuen potentiellen Geldscheffel-Filmchens echauffieren.

Da wäre zum einen ein kleines Dorf, das von einer guten Hexe (trägt weiß) und ihrem eigens geschaffenen Sicherheitsschirm beschützt wird. Seit Jahren haben die bösen Hexen (alle in schwarzen Lederanzügen) auf ihren fliegenden Stöckchen es nicht geschafft, die erschaffene Kunsthaut zu durchdringen. Hexe Theodora wechselt mal eben auf die dunkle Seite, bekommt grüne Hulk-Haut und schwupps – durchdringt sie ohne irgendwelche Trixereien – das nicht ganz so effektive Schutzschild. Nur um ein wenig herum zu schwafeln und wieder ab zu zischen. Ob es nun der fliegende Cgi-Affe ist, das traumatisierte Porzellan-Mädchen oder sonst wer in dem hermetisch abgeriegeltem Effekt-Kosmos, alle Figuren zeigen immer nur ihre eindeutig definierten Emotionen.

Niemand weiß zu überraschen, niemand darf aus seiner Blase an eindimensionaler Dialoggunst ausbrechen, Sätze werden zu Statements, Menschen zu Objekten, die konstruierte 3D-Welt sorgt zwar für den obligatorischen Eye-Candy, schafft es aber nicht, das Gehirn der Zuschauer komplett zu vernebeln. Ja sind wir denn die einzigen, die der Bonbon-Welt wieder entfliehen wollen, weg von Computer animierten Tierchen, fliegenden Hexen, einstürzenden Brücken und hölzerner Phrasen? Zurück ins 4:3 Schwarzweiß Kansas, hier wo es noch etwas zu erzählen gab, etwas wirkliches zu tun? James Francos Charakter scheint es mit dem Heimweh nicht allzu ernst zu nehmen. Wieso auch? Am Ende seiner stupiden 3D-Reise steht die Aussicht auf haufenweise Gold.

Eine Aussicht, die sich auch die Produzenten des Abenteuer-Filmchens nicht nehmen lassen werden. Auch wenn es der phantastischen Welt an Phantasie fehlt und sie am Ende nur schablonenhafte Langeweile-Unterhaltung bietet.

40%

Ein Blick hinter die Kulissen:

Die Schauspieler erklären ihre Rollen und kriechen sich gegenseitig in den Arsch:

Trailer:

Text: Markus Breuer
Fotos: Walt Disney Pictures 2013

Gesichtet: Broken City

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Tue, 26 Feb 2013 20:35:00 +0000

Broken City

Filmstart: 18. April 2013

Dauer: 109 Minuten

Mit: Mark Wahlberg, Russel Crowe, Catherine Zet Jones, Jeffrey Wright & Natalie Martinez

rottentomatoes: 28%

imdb: 6,2

boxoffice: 19 Millionen Dollar

Interview - Mark Wahlberg

Korrupte Polzeichefs, betrunkene Detektive und geldgierige Bürgermeister mit dunklen Geheimnissen: New York geht in “Broken City” buchstäblich vor die Hunde. Wir befinden uns mitten im Wahlkampf und Bürgermeister Hostetler alias Russel Crowe hat eigentlich die besten Karten um wiedergewählt zu werden. Das komplette Rathaus ist schon bestochen worden und steht auf seiner ganz persönlichen Gehaltsliste, die wichtigsten Leute der New Yorker Polizei natürlich auch, dazu kommen eine handvoll Harlemer Grundstücksbesitzer, Journalisten und und und. Nur seine eigene Frau (Catherine Zeta-Jones) scheint der Mann, der eher wie ein Gangster-Boss als Politiker daher kommt nicht wirklich unter Kontrolle zu haben.

Hostetler ist sich sicher, das undankbare Biest geht fremd. Bevor sein Privatleben nun den Wahlkampf zerstört, braucht er Gewissheit. Zum Glück gibt es da noch Billy Taggert (Mark Wahlberg). Der musste vor ein paar Jahren seine Polizei-Marke abgeben, weil er im Dienst einen Jugendlichen weggepustet hat. Mittlerweile verdient er sich seine Brötchen jedoch als mehr oder minder erfolgreicher Privatdetektiv. Da kommt der lukrative Job natürlich genau richtig, doch nichts ist wie es scheint in der kaputten Stadt und so findet sich Taggert plötzlich als Spielball in Dreiecks-Beziehungen, Multi-Millionen-Dollar Abzock-Immobilien-Deals und Mordkomplotten wieder.

Als seine heiße Latino-Schauspieler-Freundin in ihrem Kino-Debut plötzlich in wilden Sex-Szenen zu sehen ist, läuft das Fass über. Nach sieben trockenen Jahren bestellt sich Taggert seinen ersten, doppelten Whiskey, säuft die komplette Flasche leer und rastet aus. Toll, jetzt ist auch noch die Beziehung im Arsch. Und wenn das nicht schon genug wäre, liegt plötzlich der tote Lover der Bürgermeister-Gattin vor ihm. Schnell macht sich Taggart durch seine Ermittlungen einige sehr einflussreiche Leute zum Feind und es wird immer schwieriger, seinen Kopf wieder aus der Schlinge zu ziehen.

In bester Film-Noir-Manier erzählt Allen Hughes (”Menace II Society”, “Book of Eli”), der hier erstmals ohne seinen Zwillingsburder Albert Regie führte, eine komplexe Geschichte mit großer Star-Besetzung. Das Duell Wahlberg/Crowe wird dabei mit unzähligen, kleinen Untergeschichten angereichert, die den actiongeladenen Thriller immmer wieder durch neue Impulse in andere Richtungen leiten. Genau wie Wahlberg auf der Leinwand, grübelt man als Zuschauer immer wieder mit und freut sich über jedes Puzzleteil das zur Auflösung der Geschichte führen könnte.

Die nötige Prise an whiskeyschwerer jazzlastiger Melancholie in erfrischend ruhigen, old-schooligen Kamerafahrten, fernab von wilder Wackelkamera und schnell geschnittener MTV-Videoclip-Ästhetik, darf natürlich auch nicht fehlen und so ist der detaillierte Einblick in das kaputte, korrupte Moloch New York City fernab jeglicher Postkarten-Romantik ein durchaus solider Thriller geworden, den man wärmstens empfehlen kann.

60%

Interview mit Mark Wahlberg:

Trailer:

Text: Markus Breuer
Fotos: Universum Film 2013

Gesichtet: Django Unchained

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 29 Dec 2012 00:41:00 +0000

Django Unchained
USA 2012
Regie: Quentin Tarantino
Darsteller: Christoph Waltz, Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio, Samuel L. Jackson
Filmstart: 18. Januar 2013

rottentomatoes: 89%

homepage: link

Eine Sandwüste. Tageslicht, verbrannte Erde. Die Augen brennen im grellen Sonnenlicht. Im Hintergrund ein schwarzer Punkt. Ein Mann, der sich durch die Wüste schleppt. Die glockenhelle Filmmusik von Ennio Morricone posaunt von der Leinwand.

Lässig hängt ein Seil über seiner Schulter an dessen Ende ein riesiger Holzsarg befestigt ist. Den Tod schleift Filmheld Django immer mit sich herum. Eine Last die so einige Überraschungen barg. Quasi über Nacht machte „Django“ Schauspieler Franco Nero 1966 berühmt. Der ultra brutale Italo-Western, der bis in die Neunziger Jahre hinein in England auf der Verbotsliste stand, in Deutschland erst 2006 mit der DVD-Veröffentlichung erstmals ungeschnitten zu sehen war und hunderte Nacharmer inspirierte (darunter auch den 2007 entstandenen japanischen Exploitation-Streifen "Sukiyaki Western Django" von Extrem-Regisseur Takashi Miike, bei dem Quentin Tarantino selbst als Schauspieler eine große Rolle inne hatte) ist längst zum Kult geworden. Ein Film, der ein ganzes Genre erwecken sollte. Der blutgetränkte "Spaghetti-Western" war geboren. Mit den aalglatten, mutigen und sauberen Cowboys vom Kaliber eines John Wayne hatten die Charaktere nichts mehr zu tun. Zwielichtige Helden, unrasierte Banditen und dreckige Killer standen in den Startlöchern. Clint Eastwood, Lee van Cleef, Klaus Kinski und Terence Hill wurden zu Mega-Stars.

Neben den Sergio-Leone-Western, war der schonungslosere “Django” so populär geworden, dass bis Heute über Hundert Filme existieren (laut der Filmdatenbank imdb sind es sogar 156) die alle den Namen des schiesswütigen Helden im Titel vorweisen, aber so gesehen nichts mit dem eigentlichen Franco-Nero-Film zu tun haben. Es wurde nicht mal probiert, den Charakter ähnlich dar zu stellen. Oft heißt im Film nicht mal jemand Django. Man hat den Namen einfach als profitversprechenden Werbeträger in die Titel gepackt und sich einen Mehrwert erhofft. Auch Quentin Tarantinos neuester Streifen “Django Unchained” reiht sich nun in die lange Schlange der “Django”-Rip-Offs ein. Und nur so viel vorweg: Dem Regie-Star mit dem enzyklopädischen Genre-Wissen ist ein vor Filmzitaten strotzendes Popkultur-Epos gelungen.

Foto: Sony Pictures Releasing 2012

Es ist ein widerliches Thema, dass sich Tarantino als Subtext vorgenommen hat. In Ketten gelegte Männer, nackte Frauen die als Strafe in einer “Hot Box” eingesperrt, der Sonne ausgesetzt sind, wie Tiere werden die Sklaven in sogenannten „Mandingo“-Kämpfen aufeinander los gelassen. Schwarze bei lebendigem Leibe von Hunden zerfetzt. Und doch ist dies auch der realistischste Streifen den Tarantinos jeh gedreht hat. Noch nie wurde die barbarische Geschichte des ausbeuterischen Amerikas, welche die Grundlagen für den Wohlstand einer Weltmacht legte, so detailgetreu und rigoros auf der großen Leinwand gezeigt. Ja, die Südstaaten waren nicht gerade der liberalste Ort, den man im 19. Jahrhundert auf dem Erdball aufsuchen konnte.

Trotzdem verschlug es den Düsseldorfer Zahnarzt Doktor King Schultz (grandios: Christoph Waltz) in den Süden der heutigen USA. 1858, so ganz ohne Praxisgebühr und Zusatzleistungen, scheint das Kopfgeldjäger-Business lukrativer als jedwede Dentalbehandlung zu sein und so macht sich Schultz im Auftrag der Regierung einen Namen als zuverlässiger Killer. Erst braucht er den ehemaligen Sklaven Django nur um seine potentiellen Opfer zu identifizieren. Allerdings “Weiße umbringen und dafür auch noch bezahlt zu werden” steht auch unserem Helden ganz gut. Die beiden werden Partner und schließlich Freunde. Doch eines wurmt Django noch. Seine Frau Broomhilda von Shaft (sexy eyecandy: Karry Washington) sitzt als Hausmädchen auf der Wollfarm des diabolischen Calvin Candie (teuflisch: Leonardo DiCaprio) fest. Der pseudo frankophile (versteht kein Wort Französisch) Großverdiener lässt sein Hab und Gut aber nicht einfach so mit den beiden Heuchlern, die sich angeblich im “Mandingo”-Business verdient machen wollen, mit der Dame von dannen ziehen. Damit Django gemeinsam mit “Hildi” in den Sonnenutnergang reiten kann, muss Calvin überlistet werden.

Man merkt es schon in den ersten Minuten. Tarantino ist total verschossen in seine Figuren, seine elegant konstruierten Szenen, Sätze, Wörter. Man kann ihn sich richtig vorstellen – über beide Ohren grinsend – zu Hause sitzend. Den Stift in der Hand, das Blatt Papier vor ihm auf dem Schreibtisch. Stolz ist er auf seine seitenlangen Dialoge. Obwohl “Django Unchained” mit einer Laufzeit von 165 Minuten oft auch ein wenig verschwatzt daher kommt, lauscht man doch Christoph Waltz, Jamie Foxx, Leonardo DiCaprio und auch Samuel L. Jackson gerne zu. Egal ob es nun um moralische Aspekte, eine der Zielpersonen soll vor den Augen ihrer Kinder erledigt werden, oder die angeblichen einheitlichen Schädelstrukturen der negriden Rasse geht. Immer ist der pointierte Gedankenaustausch packend inszeniert.

Die in der Gewaltdarstellung äußerst realistisch und explizite Hommage an das italienische “Spaghetti Western”-Kino wird mit fortschreitender Spielzeit dabei immer bestialischer, rigoroser und unangenehmer an zu sehen. Doch bis es zu den in Blut getränkten Showdown auf DiCaprios Candyland kommt, will man seinen Kopf nicht angewiedert weg drehen, zu mitreißend sind die epischen Bilder, zu packend die fesselnden Dialoge, zu ausdrucksvoll die in Rot getränkten letzten Minuten. Nein, man begleitet Django bereitwillig auf seinem Ritt vom Sklaven zu einem freien Mann und schlussendlich zum Colt-Schwingenden Kopfgeldjäger.

Dabei injiziert Tarantino durch die Musikauswahl soulige Hüftschwünge in seine siebte Regiearbeit. Ob nun Jamie Foxx - der auch einen eigenen Song auf dem Soundtrack zu verantworten hat - in Zeitlupe seinen Sklaven-Poncho abwirft oder rechts und links Kugeln an ihm vorbei fliegen während 2Pac auf James Browns “Payback” rappt, nie stören die Songs, sondern fügen sich nahtlos in Tarantinos Popkultur-Kanon ein. Der hat schon längst seine Wellen geschlagen. Pünktlich zum Filmstart bringt der DVD-Vermarkter “Koch Media” die Western Unchained Kollektion heraus, die zehn von Quentins Lieblingswestern enthält. Seit Mitte Dezember verbucht der Soundtrack Chartplatzierungen in den USA und neue Western anderer Regisseure sind auch schon geplant.

Locker kann man nun eigentlich darüber hinweg sehen, dass Waltz oft wie eine Kopie seiner oscarprämierten Darstellung des intelektuellen Nazis Hans Landa aus “ingloriuos Basterds” daher kommt, weibliche Wesen eigentlich nicht wirklich viel in dem Film zu tun haben und auch die eigentliche Geschichte (Django will seine Frau befreien) keine größeren Überraschungen bietet. Während “Inglorious Basterds” eine Abrechnung mit dem Nationalsozialismus war, so ist “Django Unchained” nun nicht nur ein fiktiver Rachefilm mit historischen Bezügen geworden, sondern ein radikaler Mix aus völlig schrägen Situationen, großartigen Bildern und überragenden Darstellern, garniert mit Blaxploitation-Anleihen, Asia-Action, deutschen Volkssagen und französischer Literatur. Mehr kann man nun wirklich nicht für eine Kinokarte verlangen.

Trailer:

80%

Weitere Artikel:

- Der Italo-Western
- Quentin Tarantinos Lieblings Italo-Western

Text: Markus Breuer
Fotos: Sony Pictures Releasing

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Der Italo-Western

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 29 Dec 2012 00:14:00 +0000

Das Genre des Italo-Western boomte seit 1964 bis in die Mitte der Siebziger Jahre hinein. Dabei entstanden rund 500 Streifen. Als die alten Monumentalfilme kein Publikum mehr fanden und die italienische Filmindustrie den plötzlichen Erfolg deutscher Karl-May-Verfilmungen zu kontern versuchte, wollten die Leute einfach andere Filme sehen. “Die Amerikaner drehen schon lange nicht mehr, was den Leuten gefällt”, erklärte Regisseur Sergio Leone 1966. “Darum haben wir etwas neues versucht” (Der Spiegel Nr.23/1966).

Den Thron der “Spaghetti-Western”-Regisseure teilten sich Duccio Tessari, Sergio Corbucci und Sergio Leone. Der Erfolg kam mit “Für eine Handvoll Dollar”: Eine Geschichte zweier Familien, die sich gegenseitig aus der Western-Welt schießen. Die Regie hatte ein unbekannter Namens Bob Robertson übernommen, dabei handelte es sich eigentlich um Leone der sich erst zu erkennen gab, nachdem sein Werk von der Presse als “König der italienischen Western” ausgerufen worden war.

Sergio Leone und Clint Eastwood am Set von "Für eine Handvoll Dollar"

Das Drehbuch schrieb der Italiener damals in nur 5 Tagen, da es sich dabei eigentlich um Akira Kurosawas “Yojimbo” handelte und Leone ihn nicht mal erwähnte, folgten jedoch langwierige Rechtsstreite. Man einigte sich auf 15% aller Einnahmen für Kurosawas Vorlage. Da Maximilian Schell sich zu schade war, wurde Clint Eastwood unrasiert und mit Zigarre im Mund über Nacht zum Star. Der Film wurde ein Smash-Hit. Der Nachfolger “Für ein paar Dollar mehr” spülte noch mehr Geld in die Kinokassen und der dritte Film “Zwei Glorreiche Halunken” übertraf die beiden Filme bei weitem. Leone hatte Glück. Sein Monumental-Schinken-Vorgänger “Der Koloss von Rhodos” lag ihm noch fad im Nacken. Der teure Film ruinierte 1961 fast das damalige Produktionsstudio.

Corbucci wollte einen ähnlichen Helden kreieren, den sich Sergio Leone mit Clint Eastwood erschaffen hatte. Am Ende war es ein Foto, dass die Produzenten auf Franco Nero aufmerksam machte. Nur eines wollte der damalige Theaterstar unbedingt in den Film einbringen. “Ich heisse Nero… ich will komplett in Schwarz gekleidet sein”, wies er an. “Django” war geboren. Verschlossen, finstern, wortkarg bis zur klinischen Stummheit. Den Hut tief ins Gesicht gezogen. Aufreizend lässige, träge Bewegungen. Ein Mann den sein Job geprägt hat: zu töten. Darin ist er der Größte, Schnellste, Sicherste. Django zieht immer zuletzt und bringt doch alle um. Hunderte Nacharmer folgten. Jüngst auch Quentin Tarantino, der mit seinem aktuellen Film “Django Unchained” den Italo-Western mit dem Blaxploitation-Film verbindet.

Vor allem die Gewaltdarstellungen wurden dabei immer drastischer. “Die Leichen”, sagt Regisseur Duccio Tessari, “müssen noch voll mit Blei gepumpt werden, denn diese Letzten Kugeln machen den Leuten am meisten Spaß. Wir haben in einem Jahr mehr Munition verbraucht als (der amerikanische Westernregisseur) John Ford in 30 Jahren”. (Der Spiegel Nr. 23/1966) Corbucci, der in drei Monaten auch mal locker drei Filme abdrehte, erörtert “Ach ja, der Erfolg. Ich glaube es ist der gegenwärtige Zeitgeist den wir bedienen. Ein Zeitgest der von Gewalt bestimmt wird. Gewalt nur um der Gewalt wegen. Ich glaube dies macht auch den Erfolg der James-Bond-Filme aus”. “In meinen Filmen töte ich mehr Menschen als Nero und Caligula zusammen. Es wird schwer sich immer neue Methoden aus zu denken”.

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Leone wies dagegen darauf hin: “Die Gewalt in meinen Filmen ist harmlos, verglichen mit dem was wirklich geschah”. Die blutgetränkten Streifen zogen ihren roten Faden dennoch mit immer mehr Erfolg durch den gängigen Kino-Kanon. Nun wurden auch die Amerikaner aufmerksam und holten Leone in die Staaten. Mit einem Budget von 2,5 Millionen Dollar drehte er das mittlerweile als Meilenstein der Filmgeschichte anerkannte Meisterwerk “Spiel mit das Lied vom Tod”.

Der Kino-Veteran Henry Fonda, sonst gewöhnlich als lonesome rider tragisch zu Pferde wurde als harter Killer Frank besetzt, Claudia Cardinale als Gegenstück einer blonden Pioniersfrau. Für die damalige Presse ein komplettes Desaster. “Und weil sein Rezept Grausamkeit als Selbstzweck heißt, nimmt der Regisseur auch die Zuschauer bei der Folter nicht aus: Minutenlang verharrt die Kamera auf dem Kinn eines Banditen, über das eine lästige Fliege krabbelt. Für nichts und wieder nichts” schrieb Der Spiegel. In Der Zeit wurde der Film unter “Ferner läuft” wie folgt beschrieben: “Seine zweieinhalb Stunden braucht der Film, um Langeweile als Stilprinzip praktizieren zu können. Ununterbrochen passiert gar nichts, und wenn doch was passiert, ist es beliebig, ebensogut könnte ganz etwas anderes passieren. Ereignisse und Bilder werden dem Zuschauer um die Ohren geschlagen, zu sehen, zu entdecken bekommt er nichts. Und gerade daran soll er seine Freude haben: daß ihm die Verachtung gezeigt wird, die ihm die Filmmacher entgegenbringen.”

Dennoch, knapp 13 Millionen Menschen rannten allein in Deutschland in die Lichtspielhäuser. In den USA wurde der Film auf eine kürzere Version geschnitten, bei der Kohärenz-Fehler auftraten. Er floppte an den US-Kinokassen, spielte weltweit aber über 60 Millionen Dollar ein. Ein Mega-Hit für damalige Verhältnisse. Mittlerweile ist “Spiel mir das Lied vom Tod” der Kultfilm schlechthin und als Meisterwerk des Western-Genre weltweit anerkannt.

Doch die Regisseure wurden müde und die Zuschauer langsam auch. Immer dasselbe zu produzieren und dabei von den intelektuellen Kritikern ignoriert zu werden, nagte am Ego. “Dialoge sind im Western nicht so wichtig”, erklärt Corbucci. “Wir haben hier Franzosen, Amerikaner, Italiener.” “Es ist für die meisten Schauspieler besser zu zählen.” “Der Franzose sagt “quatre” oder “trois”, der Engländer “one” und das heißt soviel wie “ja”. Es kann aber auch was ganz anderes heißen, es ist scheiß egal. Deshalb hasse ich den Western. Die Gewalt nahm den Western alle “psychologische und patriotische Romantik”. “Unsere Filme sind absolut sadistisch. Ich hoffe, das alles hat bald ein Ende.” Die Antwort ist “nein” und das ist auch gut so.

Interessant:

Morricones verlorenes Interview:

Dokumentation "Der Italo-Western":

Dokumenation "Leichen pflastern seinen Ruhm" (1972):

Quentin Tarantinos lieblings Italo-Western

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Fri, 28 Dec 2012 18:28:00 +0000

Die Jungs von "spaghetti-western.net" haben es geschafft, während den Dreharbeiten zu "Inglorious Basterds", ein Treffen mit dem Meister persönlich zu organisieren und kamen mit dieser exquisiten Liste zurück. Jetzt wo "Django Unchained" am 17. Januar starten wird (eine Kritik folgt die Tage) wollen wir euch Tarantinos Lieblings-Western natürlich nicht vorenthalten.

1. THE GOOD, THE BAD AND THE UGLY 1966
Unter der Regie von Sergio Leone definierte der Film den dreckigen, staubigen Western-Look der Italo Western. Leone wollte Eastwood unrasiert und mit Kippe im Mund am Set sehen und nicht so aalglatt wie die moralischen Gutmenschen-Cowboys vom Kaliber eines John Wayne. Nach dem riesigen Erfolg ward nicht nur Clint über Nacht zum Star geworden, ein ganzes Genre wurde geboren.

Vor allem Ennio Morricone's glockenhelle Filmmusik die damals von der Leinwand posaunte, half um aus dem Low-Budget-Streifen einen nachhaltigen Hit zu machen.

1986: Morricone dirigiert seinen theatralischen Score selbst...

Trailer:

2. FOR A FEW DOLLARS MORE 1965

Ebenfalls ein großer Hit aus dem Hause Leone, Morricone Van Cleef & Eastwood.

Auch hier wieder gespickt mit dem ein oder anderen Soundtrack-Meisterwerk:

Trailer:

3. DJANGO 1966

Der Film der hunderte Nacharmer haben sollte. Oft hatten die Streifen nur den Namen im Titel gemeinsam und sonst nichts. 157 Resultate bringt der imdb search hervor. Franco Nero wurde über Nacht zum Star.

Franco Nero über seine Rolle

4. The Mercenary 1968

Sergio Corbucci inszeniert seinen "Django"-Star Franco Nero als polnischen Auftragskiller der es mit brutalen Homosexuellen, Minenarbeitern und Tonnen von Silber zu tun bekommt. Dabei geht es ganz schön zur Sache:

Beim Soundtrack bediente sich Tarantino auch schon für seine "Kill Bill"-Saga

5. Once Upon A Time In The West 1968

Leone's Meisterwerk...

6. A Fistful Of Dollars 1964

7. Day of Anger 1967

8. DEATH RIDSE A HORSE 1967

9. NAVAJO JOE 1966

10. THE RETURN OF RINGO 1965

11. THE BIG GUNDOWN 1966

12. A PISTOL FOR RINGO 1965

13. THE DIRTY OUTLAWS 1967

14. THE GREAT SILENCE 1968

15. THE GRAND DUEL 1972

Auch den Theme dieses Klassikers baute Tarantino schon in seine "Kill Bill"-Filme ein.

16. SHOOT THE LIVING, PRAY FOR THE DEAD 1971

17. TEPEPA 1968

18. THE UGLY ONES 1966

19. VIVA DJANGO! 1967

20. MACHINE GUN KILLERS 1968

Konsum... !!!

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Die Videowelt vor 20 Jahren: The Last Boy Scout

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sun, 09 Dec 2012 18:32:00 +0000

Spulen wir die Zeit mal ein wenig zurück. Vor 20 Jahren gab es keine Blu-Rays, keine DVD’s und keine überteuerten 3D-Kinokarten für Filme die auch locker in 2D funktionieren würden. Zurück spulen musste man auch - die nicht gerade vor Qualität strotzenden - VHS-Kassetten die es in den lokalen Videotheken gab. Nachlässigkeit wurde mit einer Straf-Mark geahndet. Weit entfernt von “downloads”, “streaming” und digitalen Projektionen blieb dem Filmfan jedoch nichts anderes übrig als der Weg zum Videoladen um die Ecke.

Willkommen in einer Zeit, bei der man noch schnell mal einen flotten Spruch aus dem Repertoire zog nach dem man jemanden umgenietet hat, eine Zeit in der Actionstars noch Muskeln und wenig Köpfen brauchten, eine Zeit in der Daman Wayans die Glatze hatte und nicht Bruce Willis.

Japanische Auto-Werbe-Spots machten keinen Sinn, aber hatten den Star aus “Stirb Langsam” als verkaufsfördernden Werbeträger mit an Bord.

“Last Boy Scout” erklomm locker die Siegertribühne der damaligen Videocharts. Ein Actionkracher der alten Schule. Derbe Sprüche, explodierende Autos und ein ungleiches Paar als quirlige Hauptdarsteller.

“Das sind die Neunziger, du kannst nicht einfach auf jemanden zu gehen und ihm eine geben, du musst vorher was cooles sagen”
- So bringt es Joe Hallenbeck alias Willis auf den Punkt

Obwohl Produzent Joel Silver mit "Lethal Weapon"-Drehbuchautor Shane Black und "Top Gun"-Regisseur Tony Scott ein klares "Stirb Langsam"-Remake auf die Beine stellte, ist der Film in seiner Machart doch um einiges radikaler. Das Blut fließt in Strömen, Körperteile und Ausdrücke fliegen durch die Lüfte wie Konfetti, Sekt und Glitzer auf wilden Silvesterpartys. “Fuck you Daddy”, “you are an asshole”, “you are such a fuck-up” keift die 13-Jährige Darian (Danielle Harris - die bis Heute mit 83 vorzugsweise Horrorfilmen zu einer nicht gerade unbekannten Scream-Queen gebracht hat) ihren Vater an. Ein wenig zu vulgär, ein bisschen zu verdorben. Shane Blacks Drehbuch zündete die F-Bombe gefühlte 10 Mal pro Seite. Schneidet man nur die Kraftausdrücke des 90 Minuten Films zusammen, bleiben trotzdem 4 Minuten an reinen Anstößigkeiten.

Trotzdem heimste Black die Rekordsumme von 1,7 Millionen Dollar für sein Script, ohne das es jemand vorher gelesen hätte, ein. Damit war er der erste Drehbuchautor der die Millionen-Dollar-Barriere durchbrach. Übertroffen nur von sich selbst, als er fünf Jahre später gigantische 4 Millionen Dollar für „The Long Kiss Goodnight“ nach einer Versteigerung einsackte. Leute in der Hollywood-Industrie wurden hellhörig, neidisch, sogar sauer. Wie dieser Artikel aus der US-Variety zeigt. Autor Peter Bart – eigentlich ein guter Freund Blacks – echauffiert sich über ein Drehbuch, dass angeblich 1/3 seiner Leser zum kotzen brachte. Du bist nicht mehr nur noch ein "Schriftsteller", du bist mittlerweile eine "Figur der Industrie" schrieb Bart in dem mehrseitigen Memo an seinen Freund. Beruhig dich einfach wieder, schließt er ab. Deine Charaktere sind zu brutal, du hast deine Waffen nicht mehr unter Kontrolle.

But cool it, kid. Your weapons are out of control. If the French have established a "language police" to protect their native tongue against vulgarization, then Hollywood may have to come up with its own language police to protect against Shane Blackisms.

Mit dem Drehbuch zu „lethal Weapon“ begann Blacks Hollywood-Karriere. Im gleichen Jahr als er als Soldat Hawkins eine der ersten menschlichen Trophäen für den „Predator“ wurde (Shane startete seine Karriere als Schauspieler), sorgten Riggs und Murtaugh für klingelnde Kassen in Joel Silvers Produzentenbüro.

Shane Black als Soldat Hawkins in "Predator" 1987

Gedankt hat er es ihm wohl immer wieder. Nach dem kommerziellen Misserfolg von "The Long Kiss Goodnight" ging es bergab mit dem Wunderkind, dass mit nur 23 Jahren ein Drehbuch wie "Lethal Weapon" ablieferte. Partys wurden gefeiert, doch wirklich arbeiten konnte Black nicht mehr, wie er in einem Interview bestätigt. 2005 produzierte Silver dann Shane's Regie-Debut "Kiss Kiss Bang Bang". Nur 15 Millionen Dollar konnte er für den wilden Mix aus Film Noir und Buddy-Komödie zusammen kratzen. Fans lieben den Film, der auch ein großer Erfolg für Robert Downey Junior ist, doch mit nur 4 Millionen Dollar Einspielergebnis in den USA, ist er alles andere als rentabel. Wieder wird es ruhig um Shane Black.

Mittlerweile ist Black jedoch wieder Auferstanden und scheint aus dem Nichts plötzlich am Höhepunkt seiner Karriere angekommen zu sein. Interviews auf der Comic-Con, Gerüchte im Internet streuen und Fotos mit Kumpel Robert Downey Junior & Don Cheadle machen.

Comic-Con 2012

Shane Black schreibt das Drehbuch und führt Regie bei "Iron Man 3". Ein Hochpunkt, ein Triumph, eine schwere Bürde. Im Mai 2013 startet der Bombast-Blockbuster in den Kinos. Eines ist schon jetzt klar: Diesmal wird auch ein Film von Shane Black mal rentabel sein.

Zurück ins Jahr 1992. Damals wollte Shane einen Film machen, der Tribut an „The Big Sleep“ zollt. "Zum Glück hat The Last Boy Scout ein gewisses Maß an Selbstironie. Doch Black ist kein Raymond Chandlers, Bruce ist nicht Bogart." Urteilte die damals noch recht relevante Kinozeitschrift "cinema".

cinema, märz 1992

Trotz Ungereimtheiten: Eine 100% Bewertung. Ein Actionspektakel für große Jungs. Trockener Humor und Videoklip-Ästhetik überzeugen die Redaktion. Dabei schafften es nicht wirklich alle Spitzfindigkeiten aus dem Drehbuch in den finalen Film. So schrie Football-Star Billy Cole am Anfang nicht “Ain’t live a bitch”, sondern:

COLE

I'm going to Disneyland...

Puts the GUN to his helmet. FIRES.

Regisseur Edgar Wright ("Shaun of the Dead") scheint den Klassiker dennoch zu lieben. Immer wieder zeigt er den Film einem Publikum zum Neu-Entdecken in London's Prince Charles Cinema und LA's New Beverly Cinema.

The movie still plays like a dragon eating its own tail, an action thriller framed by flaming air quotes. While completely dismissed by some, it predates the 90′s vogue for meta madness and exhibits the thick ear exuberance of a coked up ‘Kiss Me Deadly’. As you can tell, I highly recommend it.

Vor 22 Jahren sah das alles noch ganz anders aus. "The Last Boy Scout" startete zur Weihnachtszeit, Hollywood-Studios kämpften mit enttäuschenden Ticketverkäufen und Warner baute eher auf den Thriller "JFK" als den fiesen Buddy-Movie-Bastard. Für viel zu brutal wurde der Streifen eingestuft.

Body Count:

Die Internet Movie Firearms Database "imfdb" zählt folgende Waffen auf, die in 90 Minuten zu ihrem tödlichen Einsatz kamen.

Die Kritiker waren sich indes einig. Eines hatten alle zu bemängeln: den Fakt, dass Frauen nicht wirklich etwas zu tun hätten in Tony Scott's nüchternem Actionfeuerwek. Hallenbacks Frau betrügt ihn, seine Tochter flucht sich durch den Tag. Einzig und allein Halle Berry – die damals noch recht unbekannt war – konnte durch ihre Mini-Rolle als exotische Tänzerin “Cory” überzeugen und blieb den Kritikern im Gedächtnis.

Halle Berry als Stripperin Cory

“Das beste am Film ist Halle Berry, eine Schauspielerin von der man noch viel hören wird”

(Was für prophetische Fähigkeiten die New York Times doch hatte). Dennoch – viel Textil war ihr nicht vergönnt und lange überlebt auch sie im Film nicht. Und mal ganz ehrlich: Für dieses Verbrechen von einer Zebra-Leder-Fransen-Jacke hat sie ihren frühen Screen-Tod auch irgendwie verdient.

Halle Berry

I don't think women will want The Last Boy Scout.

Postulierte Kritikerin Kathleen Maher im Austin Chronicle. Wozu auch? Denkt man sich, lehnt sich zurück und genießt einen äußerst bösen, vor Dialogwitz strotzenden Action-Krimi mit Krawall-Szenen die man sich wohl nur vollgekokst auf irgendeiner Pool-Party in LA ausgedacht haben konnte. Die als "MTV-Generation" tätolierte Jugend dankte und nominierte die Helikopter-Schluss-Sequenz als "Best Action Sequence" bei den MTV Movie Awards 1992.

Auch Willis und Wayans wurden nominiert. Als "Best On-Screen Duo", mussten sich aber den beiden hier geschlagen geben.

Wie ihr schon merkt. Wir empfehlen diesen fiesen Thriller.

80%

tödliche "fat wife" Scherze

- Regisseur Tony Scott über "The Last Boy Scout"

- Original Drehbuch mit 166 Seiten

Trailer:

Die Blu-Ray auf amazon.de:

Gesichtet: Parker

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Tue, 04 Dec 2012 23:29:00 +0000

Parker 2013
Regie: Taylor Hackford
Darsteller: Jason Statham, Jennifer Lopez, Nick Nolte, Emma Booth
US-Start: 24. Januar 2013
Filmstart: 7. Februar 2013

Rottentomatoes: 91% (audience)

Eins ist auf jeden Fall klar: Parker ist der schnellste Autoknacker der Filmgeschichte. Noch nie hat man jemanden gesehen, der so rasch die unterschiedlichsten Karren kurz schließen kann. Da will man nur mal eben zum Geldautomaten und während man gerade seine Pinnummer eingibt, fährt Parker schon unbemerkt mit deinem Auto im Hintergrund an dir vorbei. Das ist natürlich nicht alles was der wortkarge Kerl so drauf hat. Der “echte Mann”, wie er von Jennifer Lopez’ Film-Mama erwartungsvoll genannt wird, hat auch so seine Prinzipien. Wer versucht ihn ab zu murksen und seinen Teil der Beute einheimst, der muss halt mit dem Echo rechnen. Da hilft es auch nicht, dass Vaterfigur Nick Nolte mit den 200.000 Dollar, die nun in Parkers Urlaubskasse fehlen, in der Sporttasche vor ihm steht und den Spuk beenden will. Prinzip ist Prinzip und so schnappt sich Parker (Wer braucht schon einen Vornamen, die sind eh nur für Pussys) einen Cowboyhut, passende Stiefel samt engen Anzug und macht sich auf die Suche nach den Verrätern.

Foto: Constantin Film

Die mehr oder minder aus Prolls und Rednecks zusammengewürfelte Truppe plant jedoch schon den nächsten Coup. Juwelen im Wert von 75 Millionen Dollar in Palm Beach Florida während einer Auktion vor den Augen der Polizei klauen. Damit hätten sicher sogar “Ocean’s” Freunde einiges zu tun. Wirklich glaubwürdig sind die Hillbillies nicht, die nach dem Job des Jahrhunderts erst mal mit dem Sixpack Bier aus der Küche anstoßen und Panik schieben. Das wäre George Clooneys Armani-Nobel-Truppe nicht passiert. Aber egal. Parker muss sich nebenbei eh noch mit Auftragskillern rumschlagen, sich von seiner Freundin zusammen flicken lassen und den sexuellen Avancen von Jennifer Lopez wiederstehen.

Man macht sich plötzlich Sorgen um Jason Statham. Der schlafwandelt durch die sich ewig, wiederholende Action-Story und spielt die ganze Schose ein wenig so als wäre er in Trance. Hier mal blutverschmiert, grimmig in die Kamera gucken, schnell noch das eine oder andere Genick brechen und bloß keine Emotionen zeigen. Sogar nach Jennifer Lopez’ Striptease kostet es den gebürtigen Engländer große Überwindungen aus seinem bequemen Sessel auf zu stehen und auch nur den Ansatz einer Gemütsbewegung erkennen zu lassen. “Anziehen!” ruft er nur nüchtern und verschwindet aus dem Hotelzimmer. Knisternde Erotik geht anders.

Die größte schauspielerische Leistung hätte da noch der texanische Akzent sein können, doch der sitzt allerdings überhaupt nicht und wirkt total lächerlich. Noch viel besorgter ist man nach dem Film allerdings um Nick Nolte. Der sieht so aus, als hätte man ihn auf Steroiden aus dem Altersheim entführt und ohne Zivi irgendwie verloren ans Filmset gestellt. Hier wirkt er wie ein verwirrter Demenzkranker der nicht genau weiß, was er tun soll wenn die Kameras auf ihn gerichtet sind. Verstehen kann man sein lispelndes, unfreiwillig komisches Geschwafel auch kaum.

Foto: Constantin Film

Der einzig spannende Charakter der Geschichte kommt da ein wenig zu kurz. Parkers Power-Freundin Claire alias Emma Booth. Die sticht nicht nur den Killern, die sie unter der Erde sehen wollen, vorausschauend die Reifen kaputt, nein Madame hat sogar Qualitäten als Teilzeit Ärztin, sexy Betthäschen und abgeklärte Freundin. “Keine Narben mehr haben wir doch gesagt!” merkt sie beim gemeinsamen Duschen an. Sogar besorgt darf sie also sein. Endlich ein paar Emotionen in der Geschichte, bei der man vor Unterkühlung schon fast erfriert. Man könnte sich ein Spin-off mit Emma als Hauptdarsteller wünschen, würde sie nicht nur dafür missbraucht werden, brav in einer Holz-Fischer-Hütte auf ihren Mann zu warten.

Foto: Constantin Film

Da wäre dann noch die Action zu erwähnen. Die hier durchaus innovativ in Szene gesetzt ist. Was haben wir von “Parker” gelernt? Man muss nicht immer nur stupide auf den Auslöser drücken, auch das Magazin einer Automatikwaffe kann als Mordinstrument zweckentfremdet werden. Und allein dafür lohnt es sich wenigstens ein mal rein zu schauen in die abgeklärte Welt von Parker. Dafür und für den riesigen, überdimensionalen Cowboyhut.

Statham ist auch bei weitem nicht der Erste, der in die Schuhe von Parker schlüpft. Schon acht Mal zog es die unterschiedlichsten Schauspieler als Super-Gangster auf die große Leinwand. Vorlagen gibt es genug. Parker ist nämlich Krimi-Buch-Star. Erfunden von Schriftsteller Donald Westlake entstanden unter dem Schreiber-Synonym Richard Stark seit 1962 ganze 24 “Parker”-Thriller. Acht davon wurden verfilmt. So unterschiedliche Regisseure wie Jean-Luc Godard, John Boorman oder Brian Helgeland wagten sich an den minimalistischen Stoff (Parker gerät in Schwierigkeiten - Parker entkommt seinen Schwierigkeiten). Allerdings ließ es sich Autor Westlake nicht nehmen eine gewisse Klausel in die Verfilmungs-Rechte ein zu bauen. Welcher Schauspieler auch immer Parker verkörpert, solle doch gleich für eine komplette Serie Unterschreiben.

Das wollte irgendwie niemand so recht und so heißt der Held in seinem Film-Ouevre entweder Porter, Walker oder Stone. Godard verwandelte ihn gar in eine Frau namens Paula Nelsen (”Made in U.S.A”) und in “Split” - der mutig in den USA der sechziger Jahre die Rassentrennung ansprach - ist Parker ein Schwarzer namens McCain. 2008 starb Autor Westlake mit 75 Jahren in Mexiko und hinterließ ein Lebenswerk von über einhundert Romanen, sowie die Rechte zu Parker. Deshalb ist Statham nun der erste in der Reihe, der seinen original Namen tragen darf.

Liest man sich ein wenig durch die Parker-Krimis, merkt man schnell, Regisseur Hackford ("Ray") klammerte sich streng an die Vorlagen. Der verschlossene Profi und seine stringente Arbeit waren nie für ein Mainstream-Publikum gedacht. Das betonte Westlake in einem Interview mit der Chicago University selbst:

"More than that, I’d done nothing to make him easy for the reader; no smalltalk, no quirks, no pets. I told myself the only way I could do it is if I held onto what Buck seemed to like, the very fact that he was a compendium of what your lead character should not be. I must never soften him, never make him user-friendly, and I’ve tried to hold to that."

Drei Regeln gibt es in Parkers-Welt zu befolgen:

- Never have sex when working a caper. (Before and after is a different story.) - During a takeover job, learn and use the first names of the people you're holding at gunpoint. It boosts their ego and makes them easier to deal with.- When a caper goes sour and a partner gets in trouble, it's their tough luck. The professional crook sticks his neck out for no one.

Auch die acht entstandenen Filme machen da keine Ausnahme:

Made in U.S.A. 1966
Der französische Nouvelle Vague Star Jean-Luc Godard verwandelte Parker in eine Frau. Anna Karina (in ihrer letzten Zusammenarbeit mit Godard) macht dabei eine gute Figur als Paula Nelson, eine linke Schriftstellerin mit weitreichenden Problemen.

Basierend auf den Stark-Roman "The Juggler" blieb der Streifen in dem Titel gebendem Land jedoch recht unbekannt. Bis die DVD bei Criterion veröffentlicht wurde.

MADE IN USA - ANNA KARINA - VIDEO TRIBUTE from Ji-Yun Jung on Vimeo.

Trailer:

Point Blank 1967

Der ultra stylische John Boorman Thriller basiert auf den Parker-Roman "The Hunter" und schickt Lee Marvin in Parkers Schuhen auf die Jagd nach seinem untergrabenen Anteil der Beute eines Auftrags.

Kritiker Roger Ebert hatte zwar einige Bedenken bei dem doch recht simplen Plot (Lee Marvin will seine Kohle wieder haben und bringt auf dem Weg dahin ein paar Typen um), allerdings musste auch Feuilleton-Greis zugeben "...and as suspense thrillers go, "Point Blank" is pretty good".

Echte Männer eben...

"There are two kinds of people in his uptide world, his victims and his women. And sometimes you can't tell them apart"

Mise á Sac 1967
Eine kleine Minenstadt wird Zeuge eines großen Angriffes. Die Vorlage "The Score" verfilmte Regisseur Alain Cavalier in Frankreich mit Philippe Moreau.

Bis auf das doch recht verheißungsvolle Poster, gibt es leider nicht viel über den Film zu entdecken.

Einige wenige Infos kann man hier nach lesen:

http://violentworldofparker.com/?page_id=2439

Weder eine DVD-Veröffentlichung, noch eine Videofassung konnten bis dato ausfindig gemacht werden.

The Split 1968

Basierend auf den Roman "The Seventh" gibt es hier eine bahnbrechende Erneuerung. Parker ist Schwarz (Jim Brown spielt Parker, der hier McClain heißt). Im Amerika der sechziger Jahre war es noch immer eine Seltenheit Schwarze Schauspieler als Hauptdarsteller zu besetzen, vor allem bei Nebendarstellern wie Donald Sutherland, Gene Hackman oder Ernest Borgninge. Über weitere ambitionierte Rassenthematiken die der Film anspricht wusste damals auch die New York Times zu berichten.

"But in its last half hour the picture makes a sudden and extremely ambitious leap outside its genre: a white neighbor, originally almost irrelevant to the story, tries to rape Miss Carroll and existentially spoils the crime. It is hard to adjust one's mood from pleasant, color-transposed genre thriller to something racially serious, yet the movie is tactful about it"

Neben einem groovigen Quincy Jones Soundtrack

Gibt es hier auch den original Trailer zu sehen - inklusive Jim Brown Drop-Kick-Action:

The Outfit 1973
Basierend auf den Roman "The Outfit" ist es hier Robert Duvall der sich Parkers böse Mine überstreift und nach einem bitteren Knastaufenthalt nach Rache sinnt. Regisseur John Flynn gelingt damit ein detailverliebter Thriller, der es zu Gunst und Lobpreisungen bei Kritiker Roger Ebert brachte.

Slayground 1983

Regisseur Terry Bedford inszenierte Schauspieler Peter Coyote als Parker alias Stone in dem gleichnamigen Thriller zur Buchvorlage. Allerdings nahm sich die Regie hier viele Freiheiten und kreierte eher einen eigenständigen Actionfilm als eine reine Adaption der Novelle. Eine Enttäuschung für die Fans.

"Stone is definitely not Parker. He complains a lot and he’s overemotional for someone in his line of work. This is frustrating"

- violentworldofparker.com

Trailer:

Payback 1999

Die wohl bekannteste Verfilmung des Parker-Stoffes mit Mel Gibson in der Hauptrolle als Porter war Ende der Neunziger Jahre mit 161 Millionen US-Dollar Einspielergebnis keinesfalls ein kommerzieller Flop. Regisseur Brian Helgeland musste sich nur endlosen Schnitten, Re-Cuts etc. unterziehen, bis er sieben Jahre später im "Straight Up"-Cut seine düstere, wortkargere Version zeigen durfte. Alle Fassungs-Unterschiede und die komplette Story dazu gibt es auf schnittberichte.com zu bewundern.

Lucy Liu über ihre Rolle:

Trailer:

Weiterführende Informationen gibt es auf:

- http://violentworldofparker.com

- Wikipedia Eintrag über den fiktiven Charakter

- Interview mit Donald Westlake

Trailer: Parker 2013 ...

50%

Text: Markus Breuer

Fotos: Constantin Film

Interview: Liam Neeson zu "Taken 2"

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Mon, 03 Dec 2012 21:59:00 +0000

Interview: Liam Neeson zu „96 Hours – Taken 2“

Wir befinden uns mitten in den Neunziger Jahren des letzten Jahrhunderts. Hollywood-Regie-Liebling Steven Spielberg hat mit seinem Holocaust-Mammut-Filmprojekt “Schindler’s Liste” gerade haufenweise Oscarnominierungen eingeheimst. Darunter auch für Oskar-Schindler-Darsteller Liam Neeson. Die Welt schaut auf den irischen 193cm Hünen. Plötzlich klingelt das Telefon mit einem Angebot, dass seine Karriere komplett ändern könnte. In einem Film namens “Goldeneye” soll er die Hauptrolle übernehmen. Richtig! Ein Ire als Macho-Geheimagent James Bond. Doch er lehnt vehement ab. Begründung? Neeson sieht sich einfach nicht in einem Actionfilm und war auch nie daran interessiert bei solchen Filmchen mit zu machen.

Seit dem kämpfte er als schottischer Highlander in “Rob Roy”, überzeugte als irischer Revolutionsführer “Michael Collins”, schwang sein Jedi-Schwert um Obi-Wan Kenobi und Darth Vader in “Star Wars” zu trainieren, bildete Batman in den düsteren Neuverfilmungen in allen wichtigen Kampfsportrichtungen aus, lieh dem mysthischen Löwen Aslan in den “Narnia”-Filmen seine Stimme und verkörperte Zeus persönlich, was ihn mindestens in zwei Religionen zu einem Gott macht. Er war der Kopf des Kino “A-Teams”, ein begnadeter Wolfskiller in “The Grey” und trotzdem kamen fiese Menschenhändler in “96 Hours” auf die Idee seine Tochter zu entführen. Als pensionierter CIA-Agent Bryan Mills, der sogar den Eiffelturm abreissen würde, um sein gekidnapptes Kind wieder zu bekommen, ballerte sich Neeson 2008 in die Herzen der Actionfans. Nur den Oscar - den hat er noch immer nicht bekommen. Egal - denn jetzt startet die Fortsetzung “96 Hours - Taken 2” in den Kinos und der neueste Actionheld am Hollywood-Himmel sitzt uns im 5-Sterne Hotel gegenüber.

Seine Haut ist braungebrannt, als würde er gerade aus dem Urlaub zurück kommen, er trägt einen schwarzen Anzug, dazu ein dunkelblaues Hemd, Haifischkragen, die ersten paar Knöpfe sind offen. “Wo soll ich mich hinsetzen?” brummt seine beruhigende Stimme bei schummrigen Kronleuchter Licht in das Luxus-Hotel-Zimmer am Berliner Gendarmenmarkt. Da die Nachfrage natürlich groß ist und der Hollywoodstar-Kalender gefüllt, teilt man sich die 20 Neeson-Minuten gerne mit 5 anderen Kollegen, die mit am Runden Tisch vor dem Hauptdarsteller sitzen. Alles ist mit dabei. Die junge, hippelige Blondine, die eigentlich nur ihr Facebook-Foto beansprucht und dieses lästige Interview-Geschwafel am liebsten so schnell wie möglich hinter sich bringen will. Der schüchterne Fan, der auch mal leicht ins Stottern kommt, die abgeklärte Boulevard-Jounalistin, sie alle haben ihre Fragen und kämpfen um jede Sekunde Aufmerksamkeit. “Ob er ein Wasser will?” fragt eine besorgte PR-Dame. Natürlich nicht. “Ihm geht’s gut” antwortet er, während er mit einem Zahnstocher in seinem Mund herumpuhlt und sich gelassen der Fragerunde stellt.

Wie fühlt es sich an, wieder in die gleiche Rolle zu schlüpfen?

Es ist so, als würde man einen sehr komfortablen Anzug anziehen.

Als sie das erste Mal, diesen Anzug trugen, passte er nicht wirklich ins Liam Neeson Ouevre. Sind solche Actionfilme nicht eine große Herausforderung für sie?

Ja. Klar. Besonders vom körperlichen Aspekt her. Aber es ist

einfach ein großer Spaß.

Wie haben sie sich auf die Action vorbereitet?

Ach. Na ja. Ein wenig mit der Waffe trainiert. Und ich war 7 Tage die Woche im Fitnessstudio. Eine Actionszene ist wie ein Tanz. So was macht mir - wie gesagt - einfach Spaß.

Und das mit seinen sechzig Jahren. Na gut, bevor er Physik, Mathe und Theaterwissenschaften studierte um Lehrer zu werden und später Brummifahrer war, erkämpfte sich Neeson in jungen Jahren den nordirischen Meistertitel im Boxen. Anscheinend hat der Mann nie mit dem Fitnesstraining aufgehört. Er ist auch die Ruhe in Person, als er die ersten Fragen in seiner ausgeglichenen Stimmlage beantwortet. Sogar unser Fan wird von seiner Aura beruhigt, stottert nicht mehr und bohrt drauf los.

Wie lange habt ihr an der finalen Action-Szene im Hamam in Istanbul gedreht?

Lass mich überlegen. Wir durften nur 2 Tage mit dem Team dort sein. Und die haben die Heizung schon zwei Tage vorher abgestellt…

Jetzt kommt er ein wenig ins Schwärmen.

…Trotzdem war es noch immer verdammt heiß! Das Ding wurde vor 500 Jahren als Hamam gebaut. Es ist 500 Jahre alt und noch immer ein Hamam.

Ein verständnisvolles Nicken von unserer Seite. Für eine Sekunde passiert nichts im Raum.

Sehen sie sich als Actionheld?

Och nein. Ich habe 56 Filme gedreht.

Man schaut ihm in die müden Augen. Er schiebt seinen Zahnstocher gelassen im Mundwinkel hin und her, gönnt sich immer wieder Atempausen um dann etwas wortkarg zu antworten. Mit seiner Gelassenheit und der entspannenden Stimmlage fühlt man sich, als würde ein vertrautes Familienmitglied seine Anekdoten seelenruhig am Lagerfeuer sitzend besprechen. Die Stimmung - so wohlig es sich anhört - scheint jedoch auf einem Tiefpunkt angekommen zu sein. Wenn es so weitergeht, schläfert er uns vielleicht noch ein. Vielleicht schläft er sogar noch selbst ein.

Falls ihre Action-Karriere so weiter läuft. Sehen sie sich vielleicht demnächst sogar bei den „Expendables“ im Team?

Endlich ein erlösendes Lachen in der Runde.

Ich glaube nicht. Da ist einfach kein Platz mehr für mich drinnen. Das sind doch jetzt schon viel zu viele.

Würden sie immer noch das James-Bond-Angebot ablehnen?

Ich bin jetzt zu alt für James Bond und die haben im Moment einen super Darsteller dafür.

Das Lachen verstummt. Es wird wieder ruhiger im Raum. Ok, genug mit den soften Fragen. Versuchen wir mal etwas über sein Familienleben heraus zu finden.

Wie sie vorhin erzählten, haben sie in über 56 Filmen mitgespielt. Zwanzig davon in den letzten Jahren. Das ist ein immenser Output, wann haben sie mal frei? Wann Zeit für ihre Familie?

Zwischen den Filmen gibt es immer ein paar Monate Zeit. Ich meine an “Battleship” habe ich nur für 4 Tage gearbeitet. “Batman - The Dark Knight Rises” waren vielleicht 2 Stunden.

Waren sie mit dem Ende der “Batman”-Filme zufrieden. Wie fanden sie den Schluss?

Weisst du. Ich habe ihn nicht gesehen. Man hat mir erzählt, ich bin im Film.

Schauen sie ihre eigenen Filme nicht?

Doch schon. Aber “Batman - The Dark Knight Rises” soll wohl dreieinhalb Stunden gehen. Komm schon. Ich meine, dass ist es, was ich an den “Taken”-Filmen so mag. Die gehen nur 90 Minuten.

Er schnippst mit seinen Fingern.

Sie sind verdammt kompakt!

Die Gewalt stört sie nicht?

Ach. Ich bin Immun gegen solche Sachen. Das ist - leider - in unserer Kultur verankert. Und es ist auch nur Filmgewalt.

Dürfen ihre Söhne diese Filme schauen?

Ja, klar. Die finden das super.

Wie alt sind sie?

16 und 17 Jahre alt.

Was denken sie über ihren Action-Papa? Nehmen die beiden sie ernst?

Nicht ernst genug. Die sind jetzt aber in dem Alter, wo ich schon wissen will, was sie von meiner Arbeit halten. Natürlich auch in Bezug auf die “Taken”-Filme.

Und?

Sie sagen immer “Dad - das war okay!”. Das ist dann auch alles was man bekommt.

Ziehen sie die Arbeit an Liebesfilmen oder Actionfilmen vor?

Ich liebe es, beide Genres zu kombinieren.

Also Liebesszenen in Actionfilmen?

Da ist sie wieder, die berühmte Atempause. Doch plötzlich lächelt er und schwatzt drauf los.

Du meinst, ob ich auf Liebesszenen stehe? Es ist cool, aber auch immer ein wenig peinlich.

Weil so viele andere Leute dabei am Set mit rumstehen?

Ja, es ist irgendwie unbehaglich. Nächste Woche drehe ich einen Film mit Olivia Wilde und wir haben zwei oder drei Szenen in denen wir Liebe machen. Der Regisseur kam zu mir und meinte. “Nur damit du bescheid weisst, Olivia wird nackt sein”. Sie rennt einen Flur entlang, du wirst sie in der Szene von hinten anhimmeln. Ich schaute ihn an und sagte nur “super, das ist ausgezeichnet”.

Der ganze Raum lacht. Wenn es um Frauen geht, scheint er wieder ganz da zu sein. Die Stimmung ist auf ihrem Hochpunkt.

“Werden sie auch nackt sein?” ruft unsere Blondine ungeniert von der Seite in die Menge. Neeson grinst.

“Wir brauchen dich auch nackt”, erklärte mir der Regisseur. “Dude - mein verfickter irischer Arsch wird niemanden antörnen. Besonders nicht auf 35mm Kamera!” erwiderte ich und die Sache war gegessen.

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Haben sie jemals daran gedacht nach Irland zurück zu ziehen?

Öhm. Ich weiss nicht.

Haben ihre Söhne eine Verbindung zu ihrem irischem Background?

Oh ja. Sogar richtig.

Sie haben mal gesagt, dass sie erleichtert sind, zwei Söhne zu groß zu ziehen, weil sie Angst hätten, Töchter zu haben. Stimmt das?

Ja. Bei Töchtern ist man einfach zu ängstlich und will sie zu sehr vor allem schützen.

Also wären sie schon wie ihr Film-Charakter in “Taken”?

Ja, nur ohne die ganze Gewalt. Mit Jungs ist einfach alles viel einfacher.

Das muss er wirklich wissen. Neeson ist nämlich in einem reinen Frauenhaushalt mit drei Schwestern aufgewachsen. Aufgelockert traut sich die Fragerunde nun auch ein paar ernstere Dinge an zu sprechen.

In den “Taken”-Filmen geht es unter anderem um zweite Chancen. Im ersten Teil, hofft Papa Bryan auf eine neue Chance sich seiner Tochter zu nähern. Im zweiten, will er seiner Ex-Frau wieder näher kommen. Glauben sie an zweite Chancen?

Wenn wir sie haben können…

Jetzt wird es wieder ruhiger im Raum. Er denkt nach. Auch gern ein wenig länger. Schaut in die Luft, spielt wieder an seinem Zahnstocher herum. Natürlich weiss er worauf wir hinaus wollen. Wer seine Shakespeare-Gesamtausgabe als eine von drei überlebenswichtigen Dingen nicht missen will, der weiss wie Drama funktioniert. Und sicher auch wie man ihm ausweicht.

Er stottert ein wenig. Blinzelt mit den Augen.

Ja. Ich glaube schon daran.

15 Jahre war Neeson mit der Schauspielkollegin Natasha Richardson verheiratet. Die Mutter seiner Söhne Michael (17) und Daniel (16) starb 2009 mit 45 Jahren nach einem Skiunfall an einer Gehirnblutung. Laut Neeson hat er den Tod nur überlebt, indem er davonlief und sich Hals über Kopf in Arbeit stürzte. Die gute Nachricht ist, 2010 verliebte er sich wieder in die 22-Jahre jüngere Freya St. Johnson. Mittlerweile hat er sich wieder gefangen.

Was meinen sie damit?

Im Theater zum Beispiel kann man acht Mal die Woche eine zweite Chance haben. Du verkackst etwas am Dienstag und am Mittwoch ist wieder alles bestens.

Und im echten Leben?

Nein, ich glaube dort nicht.

Gibt es trotzdem eine Situation, wo sie gerne eine dieser zweiten Chancen im echten Leben genutzt hätten?

Er murmelt die Frage noch mal leise vor sich hin.

Zweite Chance…

Er denkt nach.

Mir fällt nichts ein.

Also sind sie gerade fröhlich im Leben?

Zufrieden! Ich glaube nicht an Fröhlichkeit, ich glaube an Zufriedenheit.

Kein Glaube an Glück?

Nein, es kommt und geht. Es sind immer nur Momente.

Das war jetzt alles ein wenig erdrückend. Am besten wir kommen direkt wieder auf den Film zu sprechen um den es hier ja gehen soll.

Gab es gravierende Unterschiede zwischen dem Dreh vom ersten oder zweiten „Taken“-Teil?

Es geht. Die Franzosen arbeiten sehr schnell. Das mag ich.

Gucken sie denn selbst solche Filme?

Das ist eine gute Frage. Ich habe letztens “The Skin I Live In” gesehen. Dieser Almodovar-Film. Er war sehr gut.

Sie sind seit 2009 Amerikaner. Wie stehen sie zu den Wahlen?

Dazu will ich nichts sagen.

Wird es einen dritten “Taken” Teil geben?

Ich glaube nicht. Aber ich würde gern mal wieder in Berlin drehen. Ich meine Babelsberg sind die ältesten Filmstudios der Welt. Ansonsten vielleicht in Hongkong.

Eine der Pressefrauen stürmt in den Raum.„Letzte Frage!“ ruft sie in die Runde.

Interessieren sie sich für Einspielergebnisse, Zahlen und so was?

Ja schon. Also früher nicht so, aber jetzt, wenn mein Name so groß im Titel steht, da finde ich es schon sehr interessant. Ich bin nicht besessen davon, aber es ist schon wichtig.

Und dann ist auch alles schon wieder vorbei. Für ein paar Minuten war man Teil im Leben eines Hollywoodstars. Unsere Lieblings-Journalisten-Blondine bekommt ihr Foto, Liam Neeson bleibt brav am runden Tisch sitzen, wir werden gemeinsam aus dem Raum geleitet und vor der Tür wartet schon die nächste Reporter-Meute bewaffnet mit ihren Diktiergeräten in den Händen.

Text: Markus Breuer

Siehe auch: "96 Hours - Taken 2"-Filmkritik...

Gesichtet: Taken 2

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Mon, 03 Dec 2012 21:36:00 +0000

96 Hours – Taken 2

Regie: Olivier Megaton
Darsteller: Liam Neeson, Famke Jannsen

Homepage: http://www.96hours-taken2.de/
Rottentomatoes: 21%
Boxoffice:
http://boxofficemojo.com/movies/?id=taken2.htm

Was verursacht - statistisch gesehen - die höchste Sterberate bei 25 - 32 jährigen, im Menschenschieber-Business aktiven, Albanern? Natürlich! Liam Neeson. Der Charakterdarsteller ballert sich in “96 Hours - Taken 2” erneut durch die osteuropäische Menschenhandel-Szene. Diesmal schnappen sich die Bösewichte nicht seine Tochter, sondern entführen seine Frau und Neeson alias Ex-CIA-Agent Bryan Mills höchstpersönlich.

Vor vier Jahren hätte Mills in Paris noch den Eiffelturm umgerissen, um Töchterchen Kim aus den Fängen der Fieslinge zu befreien und scheute nicht davor zurück, extreme Gewalt, Folter & alte CIA-Kontakte zu nutzen um an sein Ziel zu kommen. Dabei starben eine Prostituierte, Kims beste Freundin und haufenweise albanische Gangster. Zumindest um einen davon, wird nun in der Eröffnungs-Beerdigungs-Sequenz getrauert. Familienoberhaupt Murad schwört Rache und will - koste es was es wolle - Mills zur Strecke bringen.

Premiere am Times Square

Der ist gerade auf Bodyguard-Mission in Istanbul unterwegs und befindet sich dann auch ziemlich schnell samt Frau in den klauen des rachsüchtigen Vaters. Jetzt wird der Spieß umgedreht und Tochter Kim muss ihrem Daddy helfen, wieder frei zu kommen.

Mit “Taken”’s gigantischen Einspielergebnis von über 200 Millionen Dollar weltweit hatte 2008 niemand gerechnet. Da fällt es jedem Produzenten natürlich schwer nicht direkt für Nachschub zu sorgen, auch wenn es keinen offensichtlichen inhaltlichen Grund gibt, weiterzumachen. Man nehme die bewehrten Zutaten aus dem ersten Teil und verlagere die Story in eine andere Stadt, fertig ist der neue Film. Ein riesiger Pluspunkt ist aber, dass Liam Neeson - dessen Rolle in “Taken” schon längst Kultstatus genießt - wieder mit an Bord ist. Nach dem großen Erfolg des Originals entwickelte sich der 60-Jährige mit Filmen wie “A-Team”, “Unknown” oder “The Grey” zu einem gern gesehenen, abgeklärten Action-Opi.

Auch in “96 Hours - Taken 2” füllt sich wieder ein Leichensack nach dem anderen. Istanbul ist dabei eine gern gesehene Kulisse, obwohl mit brachialer Härte der Gemüsemarkt, die amerikanische Botschaft oder ein Hammam zerstört wird, kommt immer wieder Urlaubs-Flair auf. Da stört es auch kaum, dass sich in der Stadt niemand dafür interessiert, wenn Töchterchen Kim mal die eine oder andere Handgranate, als Signal für Papi auf den Häuserdächern in die Luft gehen lässt.

Auch dass das Wort “nachladen” nicht in Bryan Mills’ Wortschatz vorkommt und wohl eher für Pussys wie “James Bond” oder “Jason Bourne” erfunden wurde, ist schnell verkraftet. Wieso die Bösewichte ihren Erzfeind - nachdem er locker über 30 von ihren Freunden gekillt hat - dann nur mit einem Bändchen Kabelbinder an einen Stuhl fesseln und sich sicher fühlen, dass wird wohl jedoch für immer ein Rätsel bleiben.

Obwohl “96 Hours - Taken 2” immer mal wieder an eine Steven-Seagal-Videopremiere aus den Neunziger Jahren erinnert, macht es trotzdem einen Heidenspaß Neeson mit grimmiger Miene als Ein-Mann-Bulldozer durch die Türkei wüten zu sehen. Zwar ein wenig mit angezogener Handbremse und ohne die kleinen, fiesen Genre-Grenzüberschreitungen des Originals, dafür aber mit einem weitaus höherem Budget und schicker Hochglanz-Optik.

Trailer:

Liam Neeson im Interview:

40%
Text: Markus Breuer

Gesichtet: Silver Linings Playbook

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 24 Nov 2012 16:22:00 +0000

Silver Linings Playbook

Start: 03.01.2013

Regie: David O'Russel

Mit: Jennifer Lawrence, Bradley Cooper, Robert De Niro

homepage: http://silverliningsplaybookmovie.com/

box office:

http://boxofficemojo.com/movies/?id=silverliningsplaybook.htm

Bradley Coopers Charaktere haben meistens schwerwiegende Drogenprobleme. Manchmal sind sie sich dessen bewusst, manchmal nicht. Entweder er säuft sich mit seinen Freunden fast in den Tod („Hangover“), er wird durch den übermäßigen Konsum ultra kreativ („Limitless“) oder Herr Cooper säuft sich an exotischen Plätzen erneut mit seinen Freunden fast in den Tod („Hangover II“).

Wenn man es nicht besser wüsste, sollte man ihm doch einen Entzug ans Herz legen. Auch in „Silver Linings Playbook“ bedient sich Pat alias Cooper an einem weitreichenden Pillen-Cocktail. Wieso? Na ja – Pat ist bipolar. Irgendwann in der Vergangenheit hat er seine Frau mit jemand anderem unter der Dusche erwischt und ist nun mal ausgerastet. Acht Jahre saß er in einer psychiatrischen Anstalt. Jetzt ist er endlich raus und wohnt wieder bei seinem abergläubischen Football-Fan-Papa (Robert De Niro) und seiner Mama im Kinderzimmer. Fest im Glauben seine Frau wolle ihn wieder zurück haben, ignoriert er die anbandelnde Schwester eines Kumpels.

Aber auch Tiffany (Jennifer Lawrence) hat so ihre Probleme und die dazugehörige Medikation. Nachdem ihr Mann bei einem Autounfall starb vögelte sie nicht nur mit allen Mitarbeitern in ihrem Büro, auch die halbe Nachbarschaft hatte es ihr angetan. Man kann sich jetzt natürlich denken, dass sich die beiden auf irgendeine Weise näher kommen. Stimmt auch. Dabei sind der schwarze Humor, Pat's plötzliche Wutausbrüche, eigenwillige Tanzkurse, schrullige Brüder, kriminelle Freunde und wilde Football-Wetten so pointiert und unterhaltsam inszeniert, dass man nicht nur während des gesamten Films ein Grinsen auf dem Gesicht hat, sondern auch noch weit darüber hinaus. Ganz ohne Drogen versteht sich.

Seine Premiere feierte "Silver Linings Playbook" auf dem Toronto Filmfestival. Hier die komplette Pressekonferenz:

Trailer:

70%

Gesichtet: Killing Them Softly

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Wed, 03 Oct 2012 20:26:00 +0000

Killing Them Softly

Kinostart: 29. November 2012

Regie: Andrew Dominik

Darsteller: Brad Pitt, Ray Liotta, James Gandolfini, Sam Shepard

Homepage: http://killingthemsoftlymovie.com/

Boxoffice: http://boxofficemojo.com/movies/?id=coganstrade.htm

Es hört einfach nicht mehr auf zu Regnen, die Sonne scheint hier schon seit Jahren nicht mehr vorbei geschaut zu haben, ein getunkt in trüben Sepia-Farben wandeln Kleinganoven, Nutten und bewaffnete Gangster durch verkommende Gassen. Willkommen in Amerika im Jahr 2008. Barack Obama kämpft gegen John McCain um den Posten des scheidenden Präsidenten George Bush. Die Wirtschaftsblase ist geplatzt. Das Land steht am Abgrund. New Orleans gleicht drei Jahre nach Hurrikan „Katrina“ immer noch einem Kriegsgebiet.

Für Frankie und Russel sieht es auch in absehbarer Zukunft nicht gerade rosig aus. Es scheint einfach keine vernünftigen Jobs mehr zu geben. Doch während Frankie sich langsam wieder in seine warme Zelle zurückwünscht, ist Russells Hoffnung noch nicht ganz verschwunden. Er will in ein paar Jahren das große Geld als Heroindealer machen. Nur an das Startkapital muss er irgendwie ran kommen. Vor allem scheint es dabei jedoch nicht hilfreich zu sein, dass er selbst sein bester Kunde ist und vom Drogenrausch benebelt im Halbschlaf durch seine trübe Welt wandelt. Ein Überfall auf Markies Kartenspieler-Truppe soll seine und Frankies Geldsorgen vergessen Lassen. Gangster beklauen Gangster. Natürlich bleibt so ein Beuteraubzug nicht ohne Konsequenzen. Auftritt Brad Pitt alias Auftragskiller Jackie. Mit zurück gegeelter Haarpracht, Lederjacke über den Schulten und einer Sonnenbrille auf der Nase, die sogar Steve McQueen vor Neid erblassen lassen würde, wandelt er als gefallener Engel auf einer todbringenden Mission durch den Gott verlassenen Vorort. Regisseur Andrew Dominik könnte mit seinem Gangster-Streifen auch auf Zeitreise aus den rohen achtziger Jahren gekommen sein. Wir treffen auf geschwätzige Charaktere die meist Reden, wenn sie sich nichts zu sagen haben, einsame Junkies treffen auf perspektivlose Gangster. Eine Stadt voll von verlorenen Seelen.

Regisseur Dominik scheint die Hoffnung in sein Land schon komplett aufgegeben zu haben. In Amerika bist du auf dich allein gestellt, flüstert Pitt seinen Auftraggebern ins Ohr. Wir sind kein Volk, Amerika ist ein Business. Sozialkritik, verpackt in einem wütenden, fluchenden, aussagekräftigen Kleinganoven-Thriller mit großen Darstellern. James Gandolfini flucht sich vom Schnaps gezeichnet durch billige Hotelzimmer und wenn in extremer Zeitlupe auf Ray Liottas vom Botox und Narben gezeichnetes Gesicht eingeprügelt wird, der Regen dabei plätschert und die Knochen langsam knacken, inszeniert Dominik seine Szenen auf skurille Weise in einer wohligen Symphonie. Gewalt als Poesie in einer Welt, die wohl nicht mehr zu Retten ist. Killing Them Softly überzeugt als intelligenter Arthaus Film verpackt in einem vulgären Thriller, der es verdient von einem großen Publikum gesehen zu werden.

Übrigens: Auch das Cannes-Filmfest spielte Killing Them Softly im Offiziellem Programm. Hier ist die gesamte Pressekonferenz.

Trailer:

Text: Markus Breuer
Fotos: Promo

Lucas, Spielberg -- Cameron: Anzeigen-Gratulation

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sun, 10 Jun 2012 08:05:00 +0000

Steven Spielberg, George Lucas, and James Cameron are members of some very exclusive clubs. All three have created films that are not only certified classics of the genre, but which managed to shatter the boundaries of that genre and find insane levels of mainstream success. All three have helped shape the landscape of both filmmaking and pop culture over the past three decades. All three have had a film that spent time as the number-one box-office record holder. And as that torch has been passed over the years, they’ve each been involved in the Hollywood tradition of taking out an ad to congratulate the new champion. Spielberg did it when Star Wars surpassed Jaws for the record, and Lucas returned the favor when E.T. lapped Star Wars. In 1998 a new guy joined the club when James Cameron’s Titanic took the box office by storm. How did George pass his congrats on to Cameron? Just take a look:

Stanley Kubrick "Chicago City of Contrasts" for Look Magazine; 1949

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 09 Jun 2012 17:15:00 +0000

Vielleicht scheinen es einige nicht wirklich zu wissen, aber bevor der legendäre Regisseur Stanley Kubrick mit "Shining", "Clockwork Orange" oder "2001 A Space Odyssey" Filmgeschichte schrieb, verdiente der talentierte junge Mann seine Brötchen mit Auftragsfotografie für das "Look Magazine".

1949 schickten ihn seine Auftraggeber nach Chicago um ein Foto-Essay zu produzieren. Momentan im Archiv der "Library of Congress", sind die produzierten Aufnahmen von der Strasse, eines Westling-Kampfes oder aus der Untergrundbahn unter dem Titel "Chicago City of Contrasts" immer noch stylisch an zu sehen:

Gesichtet: Der Diktator

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sat, 19 May 2012 18:04:00 +0000

Der Diktator

Filmstart: 17.05.2012

Darsteller: Sacha Baron Cohen, Megan Fox, Ben Kingsley

Regie: Larry Charles

Homepage: http://www.derdiktator-film.de/

Boxoffice: http://boxofficemojo.com/movies/?id=dictator.htm

General Admiral Aladeen alias Sacha Baron Cohen hilft einer jungen Frau bei der Entbindung. Trotz der einen oder anderen Komplikation läuft alles glatt und er hält triumphierend das neugeborene Baby in der Hand. Plötzlich verzieht er seine Mieneund verkündet entrüstet die schlechten Neuigkeiten: “Mist, es ist ein Mädchen… Wo ist der Mülleimer?”. Wer jetzt laut lachend aufschreit, der wird seine helle Freude am “Diktator” haben, allen anderen wird mit derartig bösartigen Witzen wohl der Atem stocken und die Kinnlade herunter fahren. Und das,obwohl Cohen hier nach “Borat” einen Gang zurück schaltet. Während der talentierte Entertainer mit “Ali G in da House”, “Borat” und “Brüno” noch Charaktere aus seiner eigenen Fernsehshow für die große Leinwand aufbereitete,ist “Der Diktator” nun der erste Spielfilm von und mit Mister Cohen, der hier am Drehbuch mit gewerkelt hat.

Und da wärenwir auch gleich bei den Schwächen des neuesten Streiches vom Anarcho-Komiker: waren die letzten Filme noch mit einer Art entlarvendem Journalismus gespickt, wenn “Borat” als engstirniger, kasachischer Journalist beispielsweise während einer Rodeo-Veranstaltung seine eigene kasachische Version der US-amerikanischen Nationalhymne im Salem Civic Center singt und mit lauten “Buh”-Rufen kämpfen muss oder wenn er als schwuler Österreicher Brüno für seine Modesendung “Funkyzeit” mit Waffennarren aus Texas campt und fast erschossen wird, als er versucht einem der Südstaatler ins Zelt zu folgen, so fehlen diese “echten” Reaktionen gänzlich beim “Diktator”, in dem Schauspieler nur mit anderen Schauspielern agieren.

So muss natürlich eine gewisse Dramaturgie aufgebaut werden und diese greift nicht immer perfekt. Doch — keine Angst — “Der Diktator” ist nicht das Desaster, welches die unterirdischen Trailer heraufbeschworen haben. In der einen oder anderen Szene blinzelt gar der Glanz alter “Borat”-Tage hervor; alleinbeim Start des Films, der dem leider verstorbenen nordkoreanischen Machthaber “Kim Jong Il” gewidmet ist oder als Aladeen in seinem Hotelzimmer auf der Wii-Konsole das Münchner Olympia-Attentat von 1972 mit putzigen Computer-Terroristen nachspielt, wird scharf mit der Kalauer-Kanone geschossen. Frauen mit Kurzhaarschnitt werden als kleine Jungs tituliertund in einer Szene, als Aladeen die Masturbation für sich entdeckt und dabei an den jungen Forrest Gump denkt, der seine Beinschienen verliert, muss man einfach schmunzeln. In anderen Momenten wirkt gar die recht kurze Spielzeit von 80 Minuten ein wenig langatmig. Doch so wie nicht jeder Witz und jede Situation perfekt getimt sind, sind diejenigen,die wirklich sitzen, zum losgrölen.

Vor allem lohnt es sich auch wieder - wie bei jedem Sacha-Baron-Cohen-Werk - die ausgefallene PR-Kampagne zu betrachten. Nicht nur, dasssich der Herr General auf jedemseiner öffentlichen Auftritte mit einer Auswahl an ultra-hübschen, uniformierten Soldatinnen-Models zeigt, auch währendder Live-Berichterstattung vom Roten Teppich der Oscarnacht bekam ein recht bekannter Moderator während einesInterviewsdie vermeintliche Asche von Despot Kim Jong-Il über seinen Anzug geschüttet.

Der Diktator mit Supermodel Elisabetta Canalis

Pressekonferenzen in New York betritt Cohen natürlich in seiner Rolle als Alleinherrscher der fiktiven Republik Wadiya und begrüßt die versammelten Journalisten als “Teufel der zionistischen Medien”.Im US-Fernsehen wird Regisseur Martin Scorsese, gefesselt an einem Stromschocker, dazu genötigt in den höchsten Tönen über den neuen Film zu sprechen und zur Weltpremiere in London ging es bewaffnet mit einem orangenen Lamborghini, seinen uniformierten Jungfrauen-Models und einer goldenen Knarre in der Hand.

Wenn hier Realität und Fiktion gemixt werden, kennt Baron Cohen einfach keine Grenzen und genau deshalb scheinen ihn auch alle seine Kollegen so zu lieben. “Der Diktator” ist prall gefüllt mit Cameos berühmter Leute. Nicht nur, dassBen Kingsley (Sacha Baron Cohens Co-Star in dem Scorsese-Film “Hugo”) seinen Sekretär mimt, auch Megan Fox, Anna Faris oder John C. Reilly sind sich nicht zu schade, mit dabei zu sein. „Der Diktator“ ist politisch unkorrekt, frauenverachtend, bösartig und dabei extremst lustig. Auch wenn man nach der Sichtung bei all den Lachern über etliche Minderheiten ein schlechtes Gewissen hat und am liebsten Duschen würde – dieser Kinobesuch ist es wert.

60%

Gesichtet: Nathalie küßt

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Mon, 19 Mar 2012 21:07:00 +0000

Nathalie Kuesst
Kinostart: 12.04.2012

Audrey Tautou? Das ist doch diese super süße Französin aus dem “Amelie“-Film? Genau! Die mit den Knopfaugen und dem tollen Lächeln. Seit ihrer großen Rolle in dem Jean-Pierre Jeunet -Kultstreifen hat die mittlerweile 36-Jährige aber noch so einiges anderes gemacht.

An der Seite von Tom Hanks knackte sie den „Da Vinci Code“ in ihrem einzigen großen US-Blockbuster, für Chanel stand sie nicht nur als Werbegesicht vor der Kamera, sie verkörperte die Modeschöpferin auch selbst in dem Biopic „Coco Chanel - Der Beginn einer Leidenschaft“, dass ihr eine englische Bafta- und eine spanische César-Nominierung einbrachte. Bald ist sie in dem Michel Gondry-Streifen „L'écume des jours“ zu sehen, doch vorerst schwebt sie für alle frankophilen wundervoll leichtfüssig durch das seichte Komödien-Drama „Nathalie Küßt“. Einen Film den man auch getrost in ein eigenständiges, neues Genre eintüten könnte: „Tautouploitation“.

Ja, im Adaptieren und Drehen seines eigenen Romans, mit Hilfe von Bruder Stéphane, feiert David Foenkino ein großes Audrey Tautou-Fest. In unzähligen, langen, verfolgenden Kamerafahrten werden entweder ihre filigranen Beine, ihr Nacken, oder der leuchtende spitze Mund seiner Hauptdarstellerin gezeigt. Sogar in ihren Gedanken schwelgt man des öfteren. Natürlich muss das nichts Schlechtes sein, es gibt schlimmeres als Audrey Tautou dabei zuzusehen, wie sie einfach sie selbst oder eben die Titel gebende Nathalie ist. Die wiederum hat es gar nicht so einfach in ihrem Leben. Nicht nur das ihr Chef (In welcher Branche sie arbeitet, kommt nie genau zur Sprache) über beide Ohren in sie verliebt ist, sogar ihr Sunnyboy-Freund kommt immer wieder dazu ihr ihre „Unglaubligkeit“ zu beweisen. „Neben ihr verblassen andere Frauen, sie ist wie Yoko Ono. Die sprengte mit ihrer Schönheit einst die größte Band aller Zeiten“ heißt es.

Wie hübsch da erst ihre Kinder werden, denkt sich auch Audreys – Pardon -- Nathalies Filmfreund François. Schnurstracks werden die Eltern vom Mittagstisch verbannt und so schnell wie möglich das heimische Bett aufgesucht. Schade nur das sich Francois auch sonst recht fit hält. Bei seinem täglichen Jogging-Training stirbt Nathalies Freund plötzlich.

Drei trauernde Jahre vergehen und die Schönheit stürzt sich in Arbeit. Allen Flirtversuchen des Chefs zum Trotz, bleibt sie lieber Single. Bis plötzlich der depressive Schwede Markus in ihrem Büro steht.

Eine Kombination aus Opa-Pullis in verschiedenen Beige-Tönen tragend und die verschwitzte Halbglatze noch gerade abgetupft, fällt sie ihn plötzlich an und drückt dem Ahnungslosen einen dicken Schmatzer auf. Was woanders als sexuelle Belästigung gelten könnte, lässt Markus kurzzeitig wieder wie einen pubertierenden Jüngling durch die Strassen laufen. Tja, so ein „French-Kiss“ bewirkt Wunder. Hier kommt „Nathalie küßt“ dann kurzzeitig in Fahrt. Eine Romanze mit dem – im echten Leben belgischen Comedian François Damiens – kann sich nämlich keiner so wirklich vorstellen.

Nicht nur der verwirrte Chef, auch ihre besten Freunde sind geschockt, dass die wundervolle, smarte Nathalie so einen bulligen Typen trifft. Hier kommen nicht nur hinreißend, skurille Situationen zustande, auch der schwarze Humor tut dem sonst eher schmalzigen Streifen gut. Ob das ungleiche Paar sich verliebt und was man sonst noch so von Audrey sieht, das wird erst ein Kinobesuch zu Tage bringen. Allen Dramen-Erprobten Fans von Audrey Tautou ist der Streifen wärmstes zu empfehlen. Alle anderen würden eh nicht reingehen.

Fotos: Promo
Text: Markus Breuer

Skulls: Der ultimative Endgegner

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Mon, 27 Feb 2012 07:09:00 +0000

Der ultimative Endgegner: Totenkopf-Filmbösewichte!

Nicht nur als Aufkleber auf Giftflaschen, überall auf der Welt sind sie ein Zeichen für das Böse. Ja, sie erzeugen Unbehagen und sind einfach ultra fies... Totenköpfe!

Ghost Rider ist eine ganz eigenwillige Spezies der Totenkopf-Bösewicht-Gattung. Zwar raubt er gerne Seelen und schickt sie ohne Umwege, direkt in die Hölle, nur ist der Rider nicht zwingend böse. In seinem neuesten Kinoabenteuer “Ghost Rider: Spirit of Vengeance” kämpt er gar erfolgreich gegen den Teufel persönlich. Das kann man von folgenden “Evil-Skull-Kandidaten” nicht behaupten:

Hugo Weaving als Red Skull aka Johann Schmidt:

Der gedopte Supernazi will mit seiner eigenen Faschistenarmee Captain America den gar aus machen. In seinem ultra geheimen “Hydra”-Forschungsinstitut werkelt der Mega-Schurke an allen möglichen Waffen und Drogen herum um die Menschheit zu unterjochen und die gesamte Welt zu unterdrücken.

Ein intelligenter Super-Human-Nazi mit einem roten Totenkopf auf seinem Hals: Ja, warum eigentlich nicht. Funktioniert in dem 2011er Streifen wunderbar, nimmt sich selbst nicht allzu ernst und bekommt 4 von 5 Evil-Points.

Lasst euch das alles aber am besten von Hugo Weaving selbst erklären:

Skeletor

Skeletor macht He-Man und seinen Freunden das Leben schwer. Dabei will er einfach nur über den Planeten Eternia herrschen.

Skeletors fieseste Beleidigungen:

Engelbert von Nordhausen -- Die deutsche Synchronstimme von Skeletor stellt sich seinen Fans:

Jeffery Meek als Shao Kahn in der TV-Serie Mortal Kombat Conquest

http://www.imdb.com/title/tt0170982/

Da bleibt nicht viel zu sagen. Die Serie war genau so schnell wieder verschwunden, wie sie Ende der Neunziger Jahre im TV-Äther auftauchte. Wohl auch zurecht:

Die Totenkopf-Brigaden der Nazis

Gesichtet: Der schlechteste Film 2012: "Journey 2 - The Mysterious Island"

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Thu, 23 Feb 2012 22:56:00 +0000

Journey 2 - The Mysterious Island
Die Reise zur geheimnisvollen Insel

Start: 1. März

Regie: Brad Peyton

Mit: Dwayne "The Rock" Johnson, Michael Caine, Vanessa Hudgens

Erinnert sich noch jemand an "Journey to the center of the earth"? Nein? Natürlich nicht. Irgendwo tief im Innern und absichtlich verdrängt schlummert er aber sicherlich noch in seiner verdienten Versenkung. Der wohl schlechteste Film aus dem Jahr 2008. Ok, nach "Mamma Mia!". Ja, genau: Das war der Streifen in dem Brendan Fraser in ultra, schlechten cgi-Kulissen unter anderem auf dem Schädel eines T-Rex in Richtung Erdkern geschleudert ist.

Wer sich nicht erinnert, kann mit dem fiesem Hirnschmelz-Trailer hier noch mal auf alte Zeiten anstoßen:

Weshalb es von dieser Grütze jetzt einen zweiten Teil gibt, dass könnten sicher nicht mal Jules Verne oder Captain Nemo selbst beantworten. Die Effekte sind immer noch genau so billig und auch an den hölzernen Dialogen, der Schema-F-Inszenierung, den unrealistischen Kulissen, den schlechten Schauspielern und der vorhersehbaren Coming-Of-Age-Geschichte wurde nicht wirklich gearbeitet. Brendan Fraser hatte diesmal wohl aber keine Lust und so musste für das nervige, neunmalkluge Kind Sean Anderson schnell ein Stiefvater gefunden werden.

Ein wenig Freizeit in seinem Arbeitskalender hatte dann wohl Dwayne „The Rock“ Johnson. Das Tier, der Übermensch, der mit seinem Muskelpaket so unwirklich gigantisch in Provinzler-Daddy-Polohemden wirkt. Schon ganz am Anfang des Films fragt ihn unser nerviger, kleiner Hauptdarsteller ironisch „Wer hat dir denn bitte eine Sprechrolle gegeben?“. Das sollte sich der kleine Penner wohl besser selbst fragen. Hofft man doch immer, wenn die Nervensäge im Bild ist, dass er jeden Moment stirbt und entweder in goldener Vulkan-Lava verendet oder an seiner Hochnäsigkeit erstickt.

Egal, der Kleine hat mal wieder mit seinem MacBook-Pro und dem iPad, dass auf seinem Schreibtisch nicht fehlen darf recherchiert und ist gerade dabei einen Morsecode zu entschlüsseln. Da kommt Stiefpapi Dwayne mit einem breiten Grinsen ins Zimmer und versucht die Gunst des Jungen für sich zu gewinnen. Male-Bonding mal ganz anders: „The Rock“ kann hier nämlich einfach alles. Morsecodes? Kein Problem. In ein paar Sekunden ist klar: Es geht um eine geheimnisvolle Insel. Noch ein paar Sekunden später, ist sogar der genaue Standort gesichert. Warum Big Dwayne das alles so easy schafft? Klar, er war bei der Marine! Mukkis mit Grips und Emotionen, na ja.

Ganz nach Schema-F muss für unseren Hauptdarsteller natürlich noch ein Love-Interest gefunden werden und wieso nebenbei nicht noch einen dickbäuchigen Insulaner als Side-Charakter einführen? Luis Guzmán hat in seiner Karriere sicher schon mal mehr gemacht, als ein wenig schwul im Hawaiihemd Dwayne Johnson an zu machen und seiner Tochter Kailani eine wundervolle Zukunft am College zu versprechen. Zumindest hat er einen schrottigen Hubschrauber mit dem unsere Helden (Wir erinnern uns: der nervige kleine Junge, sein bullig, emotionaler Marine-Dad & Love-Interest wie Guzman-Tochter Kailani) die versteckte Insel finden wollen.

Das süße Disney-Flittchen Vanessa Hudgens ist sicher nicht schlecht anzusehen und robbt deshalb wohl auch in Zeitlupe mit dem Hintern zuerst durch dunkle 3D-Gänge, viel zu tun hat sie bei dem Trip sonst nichts. Eigentlich hat das hier auch niemand. Die Charaktere sind viel zu sehr damit beschäftigt, das zu wiederholen, was wir in dem billigen 3D eh schon gesehen haben. Ein Beispiel: „The Rock“ und die anderen schleichen über riesige Echseneier, plötzlich knackt es unter Rocks Füßen und er schreit auf: „Stopp! Wir laufen auf Echseneiern“, „Niemand bewegt sich jetzt mehr“, „Es knackt unter meinen Füßen, wir könnten alle einbrechen!“. Ach echt? Zum Glück hast du das alles noch mal laut ausgesprochen, wir würden sonst echt nicht wissen was gerade los ist.

Ein weiteres Mysterium des Films ist Michael Caine. Wieso um alles in der Welt torkelt „Harry Brown“ so unbeholfen durch den grell, bunten cgi-Dschungel? Leerer Geldbeutel? Immobilien-Raten? Oder hatte der Kultschauspieler wirklich einfach nur Lust auf einer riesigen Wespe zu fliegen? Ja! Michael Caine alias Opi des nervigen Kids, zweckentfremdet eine Riesenwespe als Düsenjet. Warum das gigantomanische Tier das mit macht? Wir werden es wohl nie erfahren. Ganz sicher werden auch Caines Beweggründe in diesem Schrottfilm mit zu wirken immer im dunklen bleiben.

Rocks markante Beobachtungsgabe bringt dann auch ein wenig Action in die lahme Story. Blick auf eine Pfütze vor ihm. „Das Wasser ist um 30 Meter gestiegen, wenn wir nicht in genau 3 Stunden hier wegkommen, werden wir alle ertrinken“. Klar, der Marine-MacGuyver bastelt aus ein paar Plastiktüten und Strohhalmen dann noch Tauchermasken mit denen man locker 30 Meter in die Tiefe tauchen kann und findet nichts geringeres als die Nautilus. Ja – Die Nautilus. Übrigens hatte ich erwähnt, dass wir uns in Atlantis befinden? Nein. Ist ja auch egal. The Rock weiss bescheid und darf in 2 rührenden Szenen nicht nur Singen, sondern auch mit seinen Brustmuskeln einen kleinen Balztanz aufführen.

Der ganze Schrott-Streifen wirkt wie eine leere Drehbuchhülle in der Actionsequenzen und teure Darsteller eingefügt wurden um die 80 Millionen Dollar Produktionsbudget zu rechtfertigen und wenn das Gehirn der Zuschauer nicht wegen der unrealistisch, grellen cgi-Farben im Dschungel schmilzt, dann gibt es spätestens bei den dumpfen Dialogen nach. Einen gewissen Unterhaltungswert kann man „Journey 2“ sicher nicht abschlagen, werden wir hier doch Trash-Kino vom feinsten ausgesetzt, doch sollte man es mit der Entscheidung vor dem Multiplex wohl ähnlich wie The Rock beim betrachten von Riesenechsen halten, wenn das Plakat Abenteuer, tolles 3D oder Michael Caine verspricht: „Renn, renn, renn!!!, renn!!!!!“

10% (Für den wirklich guten „Duffy Duck“-Vorfilm)

Gesichtet: Ghost Rider: Spirit of Vengeance

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Thu, 23 Feb 2012 10:36:00 +0000

GHOST RIDER: SPIRIT OF VENGEANCE

Start: 23. Februar 2012

Regie: Mark Neveldine/Brian Taylor

Mit: Nicolas Cage, Christopher Lambert u.a.

Laufzeit: 95min.

Der Ghost Rider ist kein normaler Marvel-Superheld wie Thor oder Iron Man. Der Rider war nie ein funkelnder Retter der Armen und Beschützer der Menschheit. In der Not entpuppt er sich als waschechter Antiheld, der von der unstillbaren Sucht getrieben wird, schuldige Seelen in die Hölle zu verbannen.

Der erste Teil von 2007 entpuppte sich trotzdem als hochglanz Comic-Blockbuster, der sich kaum von anderen Verfilmungen unterschied. Na gut, der Ghost Rider hatte einen brennenden Schädel und trug ne coole Lederjacke, aber davon abgesehen war er doch nur irgendwie ein Held wie jeder andere. Diese glattgebügelte Version des Anarcho-Comics stieß nicht nur bei Fans, sondern auch bei dem bekennenden „Ghost Rider“-Liebhaber Nicolas Cage auf Argwohn. Immer wieder kämpfte er für eine weitere Chance den harten Stoff doch ein wenig wilder auf die Leinwand zu bringen und diese nutzt er nun mit „Ghost Rider 2: Spirit of Vengeance“.

Das „Crank“-Krawall-Regie-Duo Mark Neveldine und Brian Taylor ist mit der Verfilmung ein doch recht wilder Genrefilm gelungen, der sich klar von gelackten Hollywood-Schinken unterscheidet. Natürlich ist die Neuinterpretation des Stoffes jetzt nicht mehr allzu Massentauglich, dafür aber viel gerechter zu seiner Comicvorlage.

Einst verkaufte Stuntfahrer Johnny Blaze (Nic Cage) seine Seele an den Teufel (Ciaran Hinds) um seinen Vater vor dem sicheren Krebstod zu bewahren. Seit dem ist er als Satans Handlanger in Form eines flammenden Skeletts in bester „Hells Angels“-Manier mit flammenden Ketten und feurigem Motorrad unterwegs um die Seelen der von der Hölle auserwählten in den Abgrund zu befördern. Ganz klar, Blaze hat da echt keinen Bock mehr drauf. Also verschanzt er sich in Osteuropa um seinem Fluch zu entkommen.

Aber mit dem Frieden ist es schnell vorbei, als plötzlich der Martial-Arts-Priester Moreau (Idris Elba) hereinstürmt und den Rider um Hilfe bittet: Der Teufel ist hinter dem 12-jährigen Danny (Fergus Riordan) und dessen Mutter Nadya (Violante Placido) her, weil er hofft, mithilfe des Jungen seinen alt-werdenden Körper abstoßen zu können und wieder wie neu die Erde zu unterjochen.

Hach ja, hier kann Nicolas Cage in seiner Rolle mal wieder so richtig am Rande des Wahnsinns agieren und mit verrückten Gesten und weit geöffneten Augen seinen Schädel durch die Luft wirbeln. Das klingt zwar sehr übertrieben, ist bei „Ghost Rider 2" aber genau der richtige Weg. Statt des handzahmen Johnny Blaze aus dem ersten Film gibt es diesmal einen Ghost Rider, der schniefend und zitternd durch die Welt rast. Natürlich ist das Anarcho Regie-Duo Neveldine/Tayler, die mit ihrem „Crank“-Filmen für Furore sorgten, dabei die beste Wahl und so erfährt man beispielsweise, was man schon immer über den Seelenrächer aus der Hölle wissen wollte: Wie sieht es wohl aus, wenn man als flammender Motorrad-Untoter pinkeln muss? „Ghost Rider: Spirit of Vengeance“ gibt eine feurige Antwort in feinster Videoclip-Ästhetik. Weitere Highlights sind „Highlander“-Darsteller Christopher Lambert als glatzköpfig, tätowierter Kung-Fu-Priester oder eine Attacke des Riders mit einem gigantischen, in Flammen stehenden Bagger auf eine Gruppe von mit Panzerfäusten bewaffneten Gangstern.

Der letzte Kick fehlt jedoch immer noch. Die Handlung in Osteuropa bietet wenig Platz für witzige Popkultur-Referenzen, trotz aller verrückten Momente, bleibt der Streifen doch ein wenig brav und die Story vom Teufel, der einen kleinen Jungen für seine satanischen Rituale benötigt, haut einen weder vom Hocker noch ist sie sonderlich originell. Auch die 3D-Effekte sind nicht unbedingt atemberaubend, aber trotzdem kann man sich über eine äußerst freche Genreverfilmung in einem dreckigen, übertriebenen Look freuen.

Trailer:

Nicolas Cage: Das Interview

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Wed, 22 Feb 2012 06:34:00 +0000

Nic Cage spricht mit uns über hypnotisierende Cobras, unartige Pfaffen & böse Berliner Paparazzos.

Schick ist es eigentlich im Hotel de Rome. 5 Sterne Ambiente mit pompös geschmückten Ballsälen, zuvor kommende Concierges, Valet Parking und nett, dudelnde Fahrstuhlmusik. Das Interviewzimmer in das 13 Journalisten für 30 Minuten gezwängt werden, erinnert mit seinen Stoffstühlen, dem gedimmten Licht und den zusammen gestellten Tischen dann aber doch eher an einen spartanisch, eingerichteten Verhörraum. Egal, man setzt sich brav hin und wartet auf Hollywood. Auf Nic Cages Tisch steht eine einzelne, allein gelassene Taurin-Brausen-Dose und ein Glas. Mehr nicht. Die Zeit verstreicht und dann taucht er plötzlich auf. Cage trägt Jacket, einen adrett, frisierten Kurzhaarschnitt und Lackschuhe. Die Dose braucht er nicht. Selbst ist der Mann der tagtäglich von Agentinnen und Beratern umgeben ist. Jetzt zeigt er erst mal selbst Initiative und schnappt sich aus der Hotel-Mini-Bar eine Flasche Wasser.

Noch nicht mal richtig im Sessel und das Sprudelwasser noch gar nicht eingegossen, da springt ihn schon die erste Journalistin an. „Wie gefällt es Dir in Berlin?“. „Guten Abend“ sagt er im bestem Deutsch. (Ein Blick auf die Uhr. Es ist 16:30 Uhr, gut das kann man ihm schon als „Abend“ durch gehen lassen). Erst mal ein paar lockere Fragen zum warm werden:

MoAB: Was hast du in Berlin denn schon entdeckt?

Nicolas Cage: Um wirklich ehrlich mit euch zu sein. Die Paparazzis sind seit dem letzten Mal wo ich hier war, schon viel aggressiver geworden. Also ist es schon ziemlich schwer für mich hier auf Entdeckungsreise zu gehen. Ich bin zwar ein paar Tage früher angekommen um ein wenig von der Kultur hier mit zu kriegen. Aber ein paar der Typen haben sich schon regelrechte Hochgeschwindigkeits-Verfolgungsjagden mit mir gegeben. So konnte ich nicht wirklich all das sehen, was ich wollte.

MoAB: Es gab ein paar Gerüchte darüber, dass du in Deutschland sogar einen Film mit deutschen Schauspielern realisieren willst.

Nicolas Cage: Ja, „Black Butterfly“ war im Gespräch, aber das wird in naher Zukunft nicht passieren.

MoAB: Aber es gibt jetzt nichts was du dir in den letzten Tagen in Berlin unbedingt anschauen wolltest?

Nicolas Cage: Na ja, das Wetter war echt scheisse. Aber ich bin durch den Grunewald gefahren. Das war echt ganz cool. Ich liebe es wie die Deutsche Gesellschaft den Wald und die Bäume respektiert und all das auch in eure Architektur einfließt.

Man hört ihm gerne zu. Hängt an seinem einschläfernden Schlafzimmerblick und seiner melancholisch, tiefen Stimme. Herrlich auch das Bild von Cage, der mit 150 km/h den Grunewald runter brettert und vor fiesen Paparrazos flüchtet. Mal sehen ob man ihm bei familiären Fragen ein wenig mehr Emotionen entlocken kann.

MoAB: Wäre es nicht auch eine gute Möglichkeit gewesen, deine Familie mit zu bringen und ihnen deine deutschen Wurzeln zu zeigen.

Nicolas Cage: Eigentlich schon, aber das wäre auch total verantwortungslos, weil mein Sohn noch zur Schule geht und den Anschluss nicht verlieren soll.

Was für ein aalglattes Image. Na gut. Dann fragen wir doch was zu „Ghost Rider: Spirit of Vengeance“

MoAB: Was war der Grund für dich, diesen Film zu machen?

Nicolas Cage: Ich hatte einfach mehr mit Johnny Blaze zu sagen. Und dieses Mal konnte ich auch den Rider spielen, da es die Technik zu ließ. Seit dem ersten Teil, lebt er nun schon 8 Jahre mit seinem Fluch, er hat sich in Rumänien verschanzt und der Humor ist viel schwärzer, sarkastischer und nervöser. Ein Humor, den man eher von einem Polizisten oder einem Rettungssanitäter erwarten würde. Menschen die schlimme Dinge sehen und einen speziellen Humor als Ventil suchen. Dort habe ich den Charakter angesetzt. Noch interessanter war es den Rider zu kreieren. Jemand aus einer ganz anderen Dimension. Wie bewegt sich so jemand? Ich habe Cobras beobachtet, wie sie versucht haben mich mit ihren hypnotischen Tänzen ein zu schläfern und dann plötzlich zu zuschlagen.

Jetzt scheint er ein wenig ab zu driften. Er schwingt seine Arme hin und her und imitiert mit seiner Handfläche den Kopf einer Cobra. Sein Kopf schwankt ein wenig, er scheint fast ein zu schlafen und plötzlich schaut er wieder hellwach auf.

Nicolas Cage: Das alles ist mit in den Charakter des Riders eingeflossen. Aber die eigentliche Idee von „Spirit of Vengeance“ hatte ich bei einem Besuch in England. Ich habe den ersten Teil dort promotet und zu der Zeit liebte ich es Lederjacken, Motorradstiefel und all das Zeug zu tragen. Ich war in Westminster Abbey in meiner Mittagspause. Plötzlich stellte sich heraus, dass ich genau zu einem wichtigen Gipfel herein platzte. Da war also auch ein Bischoff aus Colorado zugegen, der mir gleich eine Tour durch die ganze Kirche gab. Er stellte mir den Erzbischof von Centerbury und den Papst der griechisch-orthodoxen Kirche vor. Also stand ich da in meinem Lederoutfit, umzingelt von diesen spirituellen Führern. Dabei dachte ich mir, das könnte auch ein cooles Setting für den Rider sein. Plötzlich flüsterte mir der Erzbischof zu „Auch ich kann total ungezogen sein“. Dann war es besiegelt — Das ist es! Der Ghost Rider arbeitet mit der Kirche zusammen. So bin ich auf die Idee zum Film gekommen.

MoAB: Bist du denn selbst religiös?

Nicolas Cage: Ich glaube an Gott. Aber ich bin mehr so der wahrheitssuchende Typ und hacke nicht auf anderen Religionen rum. Ob jemand nun nach dem Islam oder dem Judentun lebt ist ihm völlig selbst überlassen. Jeder soll daran glauben, wo er Lust drauf hat. Ich bin eigentlich noch immer auf der Suche.

MoAB: Glaubst du an das Leben nach dem Tod?

Nicolas Cage: Oh Wow. Ähm. Niemand von uns weiss wirklich darüber bescheid, oder? Aber meine Intuition sagt mir irgendwie, dass es das wohl geben könnte.

MoAB: Wärst du denn froh über ein Leben nach dem Tod?

Nicolas Cage: Es gibt diese fifty fifty chance, dass es ziemlich cool sein könnte. Ich weiß halt nur nicht in welche Richtung es wohl geht. Und wenn ich dir jetzt sagen würde, ich wüsste es doch, würde ich wohl an einer Psychose leiden.

MoAB: Kannst du da Parallelen zu deinem Filmcharakter ziehen?

Nicolas Cage: Ghost Rider ist der einzige Superheld den ich kenne, der von Goethe inspiriert wurde, der Kontakt mit dem Teufel und all das. Der Film ist zwar eher ein Popcorn-Event aber als ich als Kind zum Beispiel die Comics las, fand ich es immer beängstigend zu sehen, wie jemand die Kraft des Bösen nutzt um etwas gutes zu tun. Das war ein kompliziertes, philosophisches Erwachen für mich in dem jungen Alter. Es ist alles eine Metapher in dem Film, wir alle machen Fehler, das liegt in der Natur des Menschen.

Doch ja, er redet schon gern und auch nicht wenig. Versuchen wir es mal wieder mit ein paar privateren Fragen.

MoAB: Wie ist das denn bei dir und deiner Familie zu Hause, wenn du mal einen deiner Filme einschmeisst, guckt ihr die zusammen?

Nicolas Cage: Ich spiele meine eigenen Filme nicht bei mir zu Hause. Ich versuche das Leben in den eigenen vier Wänden doch so normal wie möglich zu halten. Mein Sohn soll das alles nicht sehen, das würde ihn nur verwirren.

MoAB: Aber du bist ein Superheld für deinen Sohn?

Nicolas Cage: Das würde ich nicht sagen. Ich bin einfach sein Vater.

MoAB: Weiss er aber was du machst?

Nicolas Cage: Natürlich, dass weiss er schon. Er besucht mich ja am Set. Ich zeige ihm nur nicht die Filme.

MoAB: Aber wenn der Fernseher an ist und einer deiner Filme läuft?

Nicolas Cage: Dann mache ich den Fernseher aus.

MoAB: Da wird er nicht sauer?

Nicolas Cage: Ach was, der einzige Film den von mir kennt, ist „the ant bully“

MoAB: Weiss er, dass er nach Superman benannt wurde?

Nicolas Cage: Ja, weil er hat die Comics irgendwo im Haus entdeckt. Aber es ist einfach ein Name. Keine Frucht oder ein Tier oder so was. Es ist eigentlich ein hebräisches Wort und bedeutet „Stimme Gottes“. „El“ heißt auch eigentlich „der erleuchtete“. Alles ein wenig märchenhaft. Vor allem, wenn man sich Leute im Medienbusiness anschaut, die „El“ im Namen haben. Ob es nun Elton John oder Elvis Presley oder Elmo von der „Sesamstrasse“ ist, alle haben irgendwie wunderhafte Sachen vollbracht. Also dachte ich mir, warum versuche ich es nicht einfach damit.

MoAB: Hat er denn schon was wunderhaftes vollbracht?

Nicolas Cage: Oh ja. Weisst du wie man erkennt, wenn man einen Schauspieler in der Familie hat? Du schenkst deinem Kind ein Spielzeugtelefon und guckst zu, wie es so tut, als würde es telefonieren. Dann wirst du wissen, ob ein geborener Schauspieler in deinem Kind steckt oder nicht.

Wenn es um sein Privatleben geht, schaut er auch gern mal nachdenklich an die erleuchtete Hotel de Rome Decke. Doch bevor Cage abdriftet und wieder von hypnotisierenden Schlangen erzählt, fängt er sich dann doch wieder.

Nicolas Cage: Aber jetzt reicht es auch mit den privaten Fragen. Lasst uns über Filme sprechen.

FILME spricht er jetzt ganz laut aus, schreit es förmlich in den Raum. Da ist sie wieder, seine Leidenschaft und plötzlich blitzen seine Augen ein wenig auf.

MoAB: Erzähl uns doch etwas zu deiner Leidenschaft bezüglich Comics, du scheinst in dem Thema ja sehr versiert zu sein und eine große Sammlung zu besitzen.

Nicolas Cage: Ich liebe Popkultur. Aber ihr habt irgendwie echt alle ein falsches Bild von mir und den bunten Heftchen. Lasst mich das mal klar stellen: Ich bin nicht bis 3 Uhr morgens wach und sitze bei mir zu Hause mit einem Pappkarton voller Comics herum, esse Zitronenkekse und lese Spider-Man Hefte. Aber ich kenne mich in der Materie aus, weil ich liebe wofür Comics stehen. Und so wie Rosebud in Citizen Kane bin ich loyal zu meiner Kindheit. Ich denke das Comics mir in meiner Kindheit geholfen haben von meiner Umwelt zu entfliehen. Die bunten Charaktere, die Geschichten, die Mythologien und all das, eröffnete mir eine phantasievolle Parallelwelt in die ich gern flüchtete. Comics sind nichts anderes wie Grimms Märchen, griechische Mythologie, oder nordische Mythen in die sich Kinder in der Vergangenheit gerne vertieften. Ich finde die Magie eines Comics gibt dir eine Form von Lesen in Verbindung mit Bildern, die eine großartige, inspirierende Erfahrung seien kann.

Reisen wir mal ein wenig in Nics Vergangenheit.

MoAB: Du hast ja als ziemlich junger Kerl den Oscar gewonnen. Wo steht der denn gerade bei dir zu Hause?

Nicolas Cage: Ich habe keine Trophäen bei mir zu Hause und ich gucke mir meine eigenen Filme nicht an. Ich habe „Leaving Las Vegas“ damals mit der Einstellung gemacht, dass ich eh nie einen Oscar für irgendwas bekommen werde. Also kann ich auch in so einem Film mit spielen. Im Endeffekt hat er mir zu dem Award verholfen. Ich mache aber keine Filme für Awards, das wäre die falsche Einstellung. Ich weiss auch, dass ich einen Weg gewählt habe, der Kritiker eher anpisst. Ich lebe aber mit einer Einstellung die besagt, wenn du die Kritiker nicht verärgerst, dann machst du irgendwas falsch.

MoAB: Wenn dein Oscar aber nicht bei dir zu Hause steht, wo ist der dann?

Plötzlich kommt er ins stocken.

Nicolas Cage: Er ist, sagen wir. Ich, ich. Also sagen wir. (Kurze Pause) Er ist sicher verstaut.

Großes Gelächter im Saal.

MoAB: Zurück in die Zukunft. Wie war es denn mit den „Crank“-Regisseuren so einen durch geknallten Film wie „Ghost Rider: Spirit of Vengeance“ zu drehen?

Nicolas Cage: Mark Neveldine und Brian Taylor sind wirklich verrückt. Die würden ihr Leben für eine gute Einstellung riskieren. Mark hat in der einen Hand eine Kamera, mit der anderen navigiert ein Motorrad. Dabei fährt er auf Rollerblades mit 100 km/h, jeden Moment kann er sein Genick brechen. Alles nur um euch zu unterhalten. Die haben das Motto, dass wenn du dir in irgend einer Szene einen Knochen brichst, sollte die auch im Film gezeigt werden. Ich hab mich also in eine ziemlich, gefährliche Umgebung gebracht. Die Regisseure gingen Abends auch oft mit den Stuntleuten einen trinken, zwischen denen entstand eine richtige Freundschaft. Bei solchen Sachen habe ich mir immer gedacht, scheiss drauf. Gebt mir mehr Actionszenen, macht alles noch gefährlicher. Wenn sie eine Szene 20 mal drehen wollten, wollte ich sie 40 mal spielen. So gehe ich mit Druck um, ich überkompensiere ihn.

Jetzt dreht er richtig auf.

Nicolas Cage: Wenn ich aber als Ghost Rider spielte und ich mich in den Charakter eingefühlt hatte, war ich so in trance, dass ich die Gefahr gar nicht wahr genommen habe. Es war schon unheimlich wie sehr ich verbunden mit diesem Gefallenen Engel aus einer anderen Dimension war.

MoAB: Die Drehbedingungen in Osteuropa waren sicher auch nicht gerade einfach, oder?

Nicolas Cage: Na ja, wenn es vier Uhr morgens ist und du draussen an diesem kalten Set stehst, bist du einfach eingefroren. Es wird total schwer deinen Mund zu bewegen und zu schauspielern. Es war schwer, aber wir sind durch gekommen. (Kurze Pause) In den alten Tagen, also viel früher. (Wieder kurze Pause). Hab ich euch von meiner Theorie erzählt, dass die Schauspielerei von den alten Medizinmännern und Schamanen entstammt?

Oh ja, er liebt nicht nur Mythen und Märchen, sondern erzählt auch gerne welche. Wie am Lagerfeuer bei den Pfadfindern, sitzen wir Journalisten alle um Herrn Cage herum und hängen an seinen Lippen. Also dann mal los.

Nicolas Cage: Also, wenn wir weit in die Zeit zurück reisen. Hatten wir auch hier in Europa Dörfer, noch vor der Christianisierung, die voll von Medizinmännern und Schamanen waren. Man könnte meinen, die waren alle verrückt, aber die drifteten alle in diese andere Welt der Psyche ab um Antworten und Heilmethoden für die anderen Einwohner des Dorfes zu finden. Es gibt ein Buch, dass die Therie unterstützt, dass dies die ersten Schauspieler auf der Welt waren. Ich glaube ich hab an diese Theorie gedacht, als ich mich für Ghost Rider vorbereitet habe. Manchmal haben die Schamanen ja Masken benutzt, die haben sie aufgesetzt um sich in einen besonderen Geist herein zu versetzen. Also hab ich mich mein Gesicht manchmal weiß oder schwarz angemalt und sah aus wie ein Voodoo-Priester. Ich sah aus wie jemand aus dem Kult, es gibt da einen, der repräsentiert den Tod und den Übergang. Aber er liebt auch Kinder. Er ist aber auch der Gott des Fickens in dieser Welt. Ich dachte mir einfach Ghost Rider sollte auch etwas davon haben. Also hab ich mein Gesicht angemalt, mir schwarze Kontaktlinsen in die Augen gemacht und bin so ans Set gelaufen. Ich hab kein Wort gesagt. Auch wenn die anderen Darsteller mit mir reden wollten, blieb ich stumm. Das war meine Art mich in der Rolle nicht lächerlich zu fühlen. Das hat mich ein wenig im düsteren Licht dar stehen lassen und die anderen Darsteller hatten auf jeden Fall Angst, das konnte ich in deren Augen sehen. Das hat alles meinen Glauben vergrößert, zu denken ich wäre wirklich der Ghost Rider. Das war mein erster Versuch im, so wie ich es nenne, „Nouveau-Scharmaniac-Acting“.

Das gruselige an all dem ist, dass man ihm das alles irgendwie abkauft, wenn er diese Anekdoten erzählt. Kommen wir zum Endspurt.

MoAB: Wirst du denn nie wieder in einem romantischen Film wie „Moonstruck“ mit spielen?

Nicolas Cage: Ich glaube nicht. Ich habe diesen Christopher Lee, Vincent Price Weg eingeschlagen, den er es für junge Frauen eher erschwerlich machen wird, mich in solchen Rollen noch mal sehen zu wollen.

MoAB: Hast du denn schon die Comics wieder bekommen die dir gestohlen wurden.

Nicolas Cage: Ich glaube das wird immer ein Rätsel bleiben.

Er rutscht auf seinem Stuhl umher, wird langsam nervöser, irgendwie verlässt ihn die Konzentration. Seine langen, drahtigen Hände lässt er dabei am liebsten auf seinem Schoß oder dem Tisch hängen, dort liegen sie ein wenig wie die von Nosferatu herum. Kein Wunder bei den Klunkern, die daran befestigt sind. An seinen Fingern hängt viel Gold und Glitzer. Dicke Goldringe mit Diamanten und schwere Uhren aus dem Edelmetall scheinen es dem Mann angetan zu haben. Fragen wir doch mal nach.

MoAB: Was hat es eigentlich mit all den interessanten Ringen an deinen Fingern auf sich?

Nicolas Cage: Auch das wird sicher immer ein Rätsel bleiben. Das ist persönlich.

MoAB: Man hat gehört, dass du so ein großer Fan des Riders bist, dass du dir ein Tattoo von ihm stechen lassen hast?

Nicolas Cage: Ja das stimmt. Ich habe einen flammenden Totenkopf tätowiert.

MoAB: Wo denn?

Nicolas Cage: Auch das wird wohl für immer ein Rätsel bleiben.

MoAB: Was bist du denn für ein Fahrer. Wenn du mit deinem Motorrad oder Auto fährst?

Nicolas Cage: Viel zu schnell. Ich würde gerne so schnell wie möglich fahren. Aber meine Versicherung lässt mich rechtsbindend wirklich nicht mehr fahren.

MoAB: Der Film hat viel mit schlechten Entscheidungen und schlechten Verträgen zu tun. Was war deine schlechteste Entscheidung, dein schlechtester Vertrag in der Filmbranche den du je unterzeichnet hast? Oder wird das auch immer ein Rätsel bleiben?

Nicolas Cage: Dummerweise sind diese Entscheidungen meist allgemein bekannt. Ich gebe aber zu, dass ich Leuten vertraut habe, denen ich nicht hätte vertrauen sollen. Aber es ist nur ein Fehler, wenn man daraus nichts lernt.

MoAB: Man sieht dich nicht oft auf Premieren oder Roten Teppichen, woran liegt das?

Nicolas Cage: Ich habe einen fundamentalen Konflikt mit dem Hollywood-Business und dem was ich tue. Ich kämpfe immer damit ein besserer Mann zu sein und in einem Feld zu arbeiten, dass darauf gründet eitel zu sein. Ich will nicht der Typ sein der seine neueste Jacke auf dem Roten Teppich vorzeigt oder über selbst spricht. Was ich jetzt gerade zwar mache, aber das ist nur dafür, dass ihr den Film gut findet. Aber Hollywood und diese Fotos und all das ist genau das Gegenteil von dem was ich eigentlich sein will.

MoAB: Aber wie willst du das schaffen?

Nicolas Cage: Ich will ein wenig mehr mit Amnesty arbeiten, mehr Zeit für ein belesenes Leben haben und hoffentlich irgendwann mal damit anfangen zu schreiben. Egal ob Literatur oder Drehbücher.

Vielen Dank für das Gespräch und viel Erfolg damit.

Cage Rage: Nicolas Cage im Portrait

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sun, 19 Feb 2012 20:09:00 +0000

Es gibt niemanden der so ist wie Nicolas Cage.

Der Vollgas-Schauspieler ist ein cineastisch aufleuchtender Sonderling mit einem uneingeschränktem Spielraum, dessen weit gestreute Filmographie seines gleichen sucht. Wie ein Heroinjunkie auf der Suche nach seinem nächsten Schuss, rast Nic Cage durch seine Filmprojekte.

Ob er nun geistesgestörte Vietnamveteranen, zwangsneurotische Betrüger, russische Waffenhändler, moralische Kreuzritter, PS süchtige Autodiebe, einen Rächer aus der Hölle, sich zu Tode trinkende Drehbuchautoren, drogensüchtige Sanitäter, Crack rauchende Polizisten oder einen Engel spielt: Nicholas Kim Cage fasst seine schauspielerische Hingabe selbst so zusammen: „Hollywood wusste nicht ob ich wirklich spielte, oder echt verrückt war“. Für David Lynch ist er der „Jazzmusiker der Schauspielerei“

Der 1964 geborene Sohn des italienisch stämmigen Literatur Professors August Coppola (Bruder von Regisseur Francis Ford Coppola), der deutschstämmigen (Omi kam aus Cochem an der Mosel) Tänzerin und Choreographin Joy Vogelsang, änderte seinen prominenten Nachnamen schon früh in seiner Karriere, um ein eigenes Image mit eigenartig schrulligen Rollen auf zu bauen.

Die High School schmiss Cage schon mit 17 Jahren. Natürlich aus Protest, denn dort hatte man dem komischen Kauz, der sich bei seinem Abschlussball Anzug und Schuhe voll kotzte und deshalb von seinem eigenen Limousinenfahrer nicht mehr ins Auto gelassen wurde, keine Rolle in der Schulaufführung spielen lassen. Ein Job musste her, am besten irgendwas auf Marschroute zu einer Filmkarriere. Also verkaufte er Popkorn im kalifornischen Fairfax Kino. Schliesslich hielt er sich bei Onkel Francis als Anspielpartner für die Castings von „Rumble Fish“ über Wasser, die ihm in dem Streifen die Rolle eines der Gangmitglieder abwarfen.

Seine Risikofreudigkeit independent Filme mit einer mainstreamigen kommerziellen Sensibilität zu vermischen hat auf lange Dauer Erfolg gewährleistet. In der Tat hat Cage seit seinem Oscargewinn für „Leaving Las Vegas“ 1995 eine Strategie entwickelt zwischen freakigen, unkonventionellen Rollen und total anderen, eher kommerziellen Action Blockbustern hin und her zu pendeln wie sonst kein anderer.

Doch für seine eigenwillige Interpretation der Charaktere erntete Cage auch schon böses Blut. Die Coens sahen in ihm eigentlich einen Hollywoodschönling ala Kevin Costner und dann tauchte dieser schrullige Typ mit seinen wild durcheinander fliegenden Haaren am Set auf. Auch bei „Peggy Sue hat geheiratet“ wurde er fast gefeuert, weil er einfach nicht Kathleen Turners „Babe“ sein wollte und die Rolle ein wenig bizarrer verkörperte.

Privat scheinen seine großen Leidenschaften wohl Immobilien und Comics zu sein. Nicht nur Schloss Neidstein im bayerischen Dorf Etzelwang oder Midford Castle in der Nähe von Bath in England haben es ihm angetan, auch das Domizil von John Wayne in Newport Beach in Kalifornien legte sich Cage 2007 für satte 24 Millionen Dollar Kaufpreis zu. Sein selbst gewählter Nachname entstammt dem Marvel-Superhelden Luke Cage, der einer der ersten schwarzen Comicheroen war und Cage’s 2005 geborener Sohnemann Kal-El ist nach seinem Lieblingscomic „Superman“ benannt.

Der Legenden und Mythen liebende Filmkünstler, dessen Helden harte Kerle wie Clint Eastwood und Jack Nicholson sind, wollte vor seiner Karriere erst Boxer, dann Zauberer oder Rennfahrer werden. Die beiden letzteren Wünsche erfüllte er sich in „Duell der Magier“ oder „Nur noch 60 Sekunden“, aber auch für seine Freunde tut er so einiges. Als er Anfang der 80iger Jahre mit Johnny Depp (der war damals noch Musiker in Florida) eine Runde Monopoly zockte, erkannte er seine Begabung und ermutigte ihn, es mal mit der Schauspielerei zu probieren. Nach einem Treffen mit Cage’s Agenten startete Depp’s Traumkarriere.

Auch die Ladys standen bei Mister Cage Schlange: Affären werden ihm mit DiCaprio-Freundin Kristen Zamg, Uma Thurman oder Model Christine Fulton, mit der er seinen erstgeborenen Sohn Weston (1992) zeugte, nach gesagt. Von 1995 − 2001 war er mit Kollegin Patricia Arquette verheiratet. 2002 Schnappte sich Nic dann die wohl größte Trophäe eines jeden hingebungsvollen Elvis Fans: Presley’s Tochter Lisa Marie, mit der er 2 Jahre verheiratet war. Seine jetzige Frau Alice Kim Cage entführte er aus einem Sushirestaurant in dem die 20-Jährige kellnerte und schleppte sie gleich zum Traualtar.
Es war in den Neunzigern, vor seiner Rolle in „The Rock“ (1996), als Cage’s Weg noch auf Independent-Film-Exzesse geebnet war.

Er glänzte in abgefahrenen Streifen wie „Raising Arizona“, „Vampire’s Kiss“ (Indem er in selbstloser „method- acting-manier“ lebendige Kakerlaken mampfte) oder David Lynch’s überladenem „Wild at Heart“, bis Superproduzent Jerry Bruckheimer etwas ganz anderes in Cage’s wilden Augen sah. Er sah einen großen Hauptdarsteller. Jemanden der fähig war Kraft und Komplexität in die Rolle eines Actioncharakters zu bringen. Mit Krawall-Hits wie „Con Air“ oder „Face/Off“ positionierte sich Cage in den späten Neunzigern als erste Adresse für harte Actionkost und löste Muskelpakete wie Arnold Schwarzenegger oder Sylvester Stallone von ihrem Thron ab. Seitdem schöpft er seine Angebote aus vielen verschiedenen Quellen, schwankend zwischen riesigen und eher kleinen Projekten. Wenige erinnern sich wohl an „Windtalkers“, „The Family Man“ oder „Bangkok Dangerous“, aber Cage gibt nicht auf. „Natürlich muss ich arbeiten“, sagt er in einem Interview, „ich finde immer wieder etwas Befriedigendes in meinen Rollen“. Das kann man gerne unterschreiben, wurden wir doch erst kürzlich Zeuge wie er den Killer-Superhelden Big Daddy in „Kick Ass“ spielte oder seine skurill oscarreife Darstellung des abgefuckten Iguana-beobachtenden Bullen in Werner Herzogs verrückten „Bad Lieutnant“ meisterte.

Bereuen wird er wohl keine seiner Entscheidungen. Aber wieso sollte Nic Cage, der erst vor kurzem Leonardo DiCaprio bei einer Auktion mit 276.000 Dollar den echten Schädel eines Tyrannosaurus Rex weg kaufte, irgendetwas bereuen? Das einzige, was er an seinem Lebensende wirklich bedauern wird, ist der Verlust der drei Comic-Bücher, die aus seinem Privatbesitz geklaut wurden und nie wieder zu ihm zurück fanden. Darunter war auch die Erstausgabe von „Superman“. Lieber Nic, wir trauern mit dir.

best ninja film ever

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Sun, 05 Feb 2012 00:19:00 +0000

Behind the scenes pics of the month: Dawn of the Dead

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Thu, 02 Feb 2012 18:14:00 +0000

Es ist der Zombiefilmklassiker schlecht hin: George A. Romeros DAWN OF THE DEAD

Ein kleiner Blick hinter die Kulissen:

Ein paar coole links

Monroeville Mall Tour mit Ken Fore

Monoeville Mall TV-Spot aus den Siebziger Jahren

Interessante Fanseite:

http://www.dotd.de

Trailer des Tages: 0000

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Thu, 02 Feb 2012 17:15:00 +0000

Ein philosophischer Science-Fiction-Film? Wieso eigentlich nicht!
Newcomer Eddie Alcazar werkelt seit geraumer Zeit an seinem "0000" Streifen.

Noch nicht ein mal fertig und schon jetzt freuen sich Hunderte Fans auf einen mal etwas anspruchsvolleren Film aus dem Subgenre.

Hier eine Synopsis:

The mind of one man will galvanize a global revolution. His technology will birth a new era of human existence and social connection, but this great gift is rooted in dark tragedy. If he is to survive, he will need the help of many, and if we are to survive, our awareness must grow.

One man's creation will help form a collective consciousness.

Weiterführende Links:

www.0000themovie.com

facebook.com/0000themovie

Bad Ass Motherfucker of the month: Francisco Scaramanga

noreply@blogger.com (Lord of this Blog) — Thu, 02 Feb 2012 01:14:00 +0000

Hier ist er, der ökonomischste Auftragskiller der Welt. Mit nur einer Kugel pro Mann ballert Francisco Scaramanga seine Gegner ins Jenseits. Seine Waffe: Der goldene Colt!

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