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7 vidéo musicales à voir ou à revoir

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 21 Nov 2013 01:11:00 +0000

Un concert de table Rap/Hip-Hop par Rakede (Tischkonzert), "Bitte Bitte", de quoi motiver ou décourager celles et ceux qui essayent encore de trouver comment faire "Au clair de la lune" sur une flûte.
En Asie l'art de la batterie s'exprime par le corps, même sur du Franck Sinatra.
Marco Iannetta joue un Songo à sa manière (rythme cubain moderne inventé Changuito et Juan Formel) : batterie avec les mains et congas aux pieds, oui c'est possible ! Par contre, en dehors de la performance, la musicalité n'est pas impérissable.

Un bal dans la campagne américaine et un batteur en manque de reconnaissance ! Tout le monde à le droit à sa part du gâteau et la gestuelle permet de tirer la couverture à sa façon. Un vrai tour de force à découvrir ou à redécouvrir.
La musicienne poulpe ou comment jouer trois instruments sans se fatiguer ! Et en plus elle est charmante.

Trailer officiel du film chaud venu du froid, "Sound of Noise"(2012), un film d'une grande finesse et où le rythme est respiration. A voir !
Pour terminer, une vidéo de 25 minutes sur un concert du Trio Jimmy Smith en 1962. En hommage à Donald Bailey, le fin et excellent batteur de ce trio mythique de l'organiste culte du jazz. Donald Bailey est décédé en octobre 2013.

Caym : The Book of Angels Vol. 17 | Banquet of the Spirits

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 29 Apr 2011 13:48:00 +0000

Banquet of Spirits play Masada Book Two

Lorsque des artistes prolifiques se heurtent, le résultat peut être grandiose. L’album Caym [1] (Volume 17 du fameux Book of Angels de John Zorn) est de cet acabit.

Interprété par Banquet of the Spirits - le combo bien débridé du percussionniste Cyro Baptista - le groupe prend à bras le corps des pièces du prolifique saxophoniste John Zorn (dont le John Zorn’s Book of Angels contient 316 compositions créées pendant 3 mois en 2004).

Caym : démon d'un groove ethnique

Paru fin janvier 2011, Caym est un album arrangé par Shanir Ezra Blumenkranz, bassiste et membre de Banquet of the Spirits, que l’on le retrouve aussi au oud (luth oriental) et au gembri (guitare basse gnawa) sur ce nouvel album.

Véritable voyage sonore, proche d’une musique de film, Caym propose des landscape en une cinquantaine de minutes d'exotisme tourbillonnant et évocateur. Collaborateur et ami de longue date de John Zorn, Cyro Baptista est facilement reconnaissable dans l’univers du jazz.

Sa touche est à rapprocher de celle de Airto Moreira, avec un jeu précis et inventif, mais toujours riche d’une dynamique fragile et poétique. Pour ce faire, en dehors de la qualité des compositions « zorniennes », il y a l’expérience du maestro Baptista, la vertu des jeunes musiciens qui l’accompagnent, et les 75 instruments utilisés pour ce disque multi-ethniques!

D’un jazz oriental, en passant par une rythmique du Maghreb ou l’ambiance d’un Gamelan javanais, l’album respecte tout de même les codes « zoriens », même si les approches minimalistes de la construction de ce disque sont moins évidentes, la valeur d’une note est toujours essentielle plus que de longs discours.

Caym est un album qui alterne entre plusieurs morceaux atmosphériques comme « Zapahaniah » (piste 4), « Flaef » (piste 6) un morceau hypnotique dédié àl’instrument à corde « oud », ou les humeurs orientales nostalgiques de « Chamiel » (piste 1) et « Tahariel » (piste 10).

Oscillation laconique, surréalisme cinématographique à la sauce Lynch, ou baroque oriental, Caym est un album d’artifices sonores sans fioriture où dès la première strophe une séduction puissante s’installe. Bravo les artistes !

A lire : Cyro Baptista's Banquet of the Spirits | Infinito

[1] Caym ou Caim est un démon issu des croyances de la goétie, science occulte de l'invocation d'entités démoniaques. | Définition complète via Wikipédia : http://goo.gl/pYJOL

[Caym : The Book of Angels - Vol. 17. Banquets of Spirits Label : TZADIK | 1CD Audio | TZ 7388 | 2010]

Tracklist : 1. Chamiel - 2. Matafiel - 3. Briel - 4. Zaphaniah - 5. Tzar Tak - 6. Flaef - 7. Hutriel - 8. Yeqon - 9. Yahel - 10. Tahariel - 11. Natiel - 12. Phaleg

Musiciens : Cyro Baptista : Percussions, Voix - Shanir Ezra Blumenkranz : Oud, Guitare basse, Gimbri, Vocals - Tim Keiper : Batterie, Percussions, Kamel N'goni, Voix - Brian Marsella : Piano, Harpsichord, Pump Organ, Voix.

Dennis Coffey | Detroit Guitar Hero

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 25 Feb 2011 11:15:00 +0000

Dennis Coffey : album éponyme

Dennis Coffey est un guitariste américain de Detroit né en Novembre 1940 qui a travaillé pour plusieurs labels Soul et Rythm’N’Blues, notamment pour les Funk Brothers et introduisit la guitare Hard Rock et la pédale Echoplex au label Motown.

En 1971, il rencontra le succès avec son titre instrumental « Scorpio », puis « Taurus » dans un style latin Soul et fut ensuite samplé par les groupes de Hip hop.

Interviewé pour le documentaire « in The Shadows of Motown » en 2002, il est revenu en studio en 2008 avec les Funk Brothers et sortira le 26 avril 2011 sur le label Strut Records ce nouvel album éponyme de nouvelles compositions et de nouvelles versions de ses succès avant une tournée internationale.

Dès le premier titre "7th Galaxy", on retrouve la guitare hard et les breaks de sa "Detroit Guitar" auxquels il nous avait habitués, avec un feeling oriental bouzouki idéal pour ce nouveau backing de cuivres peplum funky Latin’ploitation bien envoyé à vous couper le souffle. “Don’t Knock My Love” profite du concours de la chanteuse Funk Fanny Franklin (qui a chanté avec Orgone) puissante et groovy et avec le côté Lionne féline de Tina Turner ou de son homonyme Aretha (Franklin) sur de bons riffs de cuivres.

"All My Goodies Are Gone" est accompagné par la belle voix du chanteur Mayer Hawthorne sur un efficace arrangement Soul modernisé juste ce qu’il faut mais en gardant l’orgue funky, les cuivres et les chœurs doo-wop, dans la lignée de l’album de "Call My Name" de Jo Bataan.

Le pari d’« I Bet You » est relevé haut la main par la voix puissante Hip Hop Soul de Mick Collins Of Dirtbomnbs et la tigresse Rachel Nagy, rappelant dans la mélodie « Don’t Let Me Be Misunderstood » version Disco par Santa Esmeralda après Nina Simone et les Animals, vous touche comme le « Son Of The Preacher Man » de Dusty Springfield et vous emporte comme « Beggin ‘» de Frank Vallie, mais la guitare de Coffey, plutôt discret jusque là sauf dans le premier instrumental, rugit avec fureur puis part dans des aigues spatiaux en remportant la mise sans bluffer après avoir fait monter les enchères et ses chanteurs dans leurs derniers retranchements.`

Miss Millie est accompagné par, rappelle un peu le « Pinball Wizzard » des The Who en intro dans le côté latin des percus et la guitare héroïne, puis entrent en scène les Kings Go Forth, déferlante Soul cuivrée venue du Milwaukee sur un bon orgue funky et une bonne guitare, dans la digne lignée des Apples funkysant a posteriori « Killing In The Name » de The Rage Against The Machine.

La chanteuse Afro-Hawaïenne Lisa Kekaula (The Bellrays, Basement Jaxxx) joue les femmes jalouses en colère quand elle voit que « Somebody’s Been Sleeping » (« quelqu’un a dormi », ndlr) dans son lit, toute en puissance Rock’N’Soul , sur un rythme à faire tourner les tables jusqu’au break housy et à la reprise des cuivres.

« Plutonius », où l’on retrouve Coffey seul face à la rythmique rappelle ses expériences space funk des années 70ies, avec dans les harmonies des chœurs un côté Peter Gabriel. « Knockabout » le prolonge d’une guitare wah wah de feu accompagnée par un groupe du Sussex sur des chœurs sixties vintage colorée, avec un festival d’effets pédales wah-wah et Echoplex comme dans « Scorpio », crache son venin et ne craint pas le feu qu’il allume ! Plus connu du grand public, le chanteur Soul Folk écossais Paolo Nuttini pose son art du Story telling torturé sur une bonne basse et les riffs du guitariste dans « Only Good For Conversation ». « Space Traveller » est un instrumental digne des grandes œuvres épiques de Science Fiction galactiques Noire Blacksploitation allumant sa guitare Martienne dans les foudres de la batterie et la pluie de mercure des claviers, puis se calmant sur un ralentissement façon dub.

Petite surprise, « Don’t You Knock My Love » se termine sans chanteuse à la fin de l’album, avec un arrangement plus electro, dub spatial à la 4 Hero, laissant libre cours à la guitare confrontée à des cuivres modifiés, aux cordes et à une bonne rythmique!

Si à son âge Dennis Coffey est moins au premier plan que dans les années 70s, il joue toujours aussi bien et su choisir avec goût ses chanteurs et chanteuses, sa rythmique et ses arrangements, pour donner à cet album à la fois l’urgence de la modernité et la saveur des grandes années du Funk et de la Soul. Indispensable!

TRACKLISTS :
1. 7TH GALAXY
2. DON’T KNOCK MY LOVE FEAT FANNY FRANKLIN
3. ALL YOUR GOODIES ARE GONE FEAT. MAYER HAWTHORNE
4. I BET YOU FEAT. MICK COLLINS OF DIRTBOMBS AND RACHEL NAGY
5. MISS MILLIE FEAT. KINGS GO FORTH
6. SOMEBODY’S BEEN SLEEPING FEAT. LISA KEKAULA
7. PLUTONIUS
8. KNOCKABOUT
9. ONLY GOOD FOR CONVERSATION FEAT. PAOLO NUTINI
10. SPACE TRAVELLER
11. DON’T KNOCK MY LOVE (PART 2)

Joji Hirota Hiten Ryu Daiko | Japanese drums DVD

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 18 Feb 2011 15:14:00 +0000

Composé de sept titres et un bonus, le DVD du percussionniste japonais Joji Hirota (et son ensemble Hiten Ryu Daiko) est la suite logique de son album du même titre paru en 2009, sur le label Arc Music. Musicien créatif de la tradition du tambour japonais, le taiko, la technicité et la qualité des compositions démontrent la passion de Joji Hirota pour sa culture et la poursuite de sa tradition auprès des plus jeunes.

Le spectacle est étroitement lié à la musique folklorique japonaise d’antan ainsi qu'aux religions bouddhiste et shintô et à l’art théâtral Noh et Kabuki, mais porte le propos vers des mélodies et un style radicalement plus moderne. Musicien polymorphe originaire du Nord du Japon, Joji Hirota a plusieurs cordes à son arc en étant à la fois chanteur, multi-percussionniste, flûtiste, compositeur et directeur d'ensembles musicaux.

Dans cette nouvelle parution, on découvre un spectacle live captivant et raffiné, où le maître est accompagné de son ensemble « Hiten Ryu Daiko », composé de : Akinori Fujimoto, Ayako Tabo, Yukiko Kato, Keisuke Moriya, Yoshinori Hayashi.

Au niveau des instruments on découvre le tambour O-daiko (type Nagado), le Miya daiko, le Shime daiko, le Hira daiko, le Hira-doh, la Chappa (cymbales), le Kane (gong), le uchiwa Oke-doh, le Kin (bol), le Bo Sasara et le Daiko Chuujime (type Oke-doh). En fonction de votre dispositif d'écoute, la puissance de certains gongs utilisés procure une intense relaxation avec des infra-basses impressionnantes.

Complémentaire, voire indispensable à la médiathèque des percussionnistes curieux, ce DVD sera aussi un moyen excellent de faire découvrir la tradition des tambours japonais actives au plus grand nombre.

Références : Label Arc Music - CD Title: EUDVD0013 Japanese Drums DVD | Artist(s): - Joji Hirota & Hiten Ryu Daiko | CD Code: EUDVD0013 | Tracks: 7 | Playing Time: Approx 56 min. | Booklet Info in: English, Spanish, French, German

3 albums Ari Hoenig Punkbop Live at Smalls à gagner

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 29 Dec 2010 22:45:00 +0000

Ari Hoenig and Punkbop Live at Smalls

En partenariat avec le label Smalls Live, le label du Club de Jazz situé dans le Greenwich Village à New York et le batteur Ari Hoenig, Mypercu.com vous propose de participer à un concours pour remporter un disque du nouvel opus live de l'artiste musicien. Indispensable pour les passionnés de jazz et de batterie jazz.

Pour participer à ce concours c'est simple ! Il vous suffit de répondre à une question et expédier votre réponse accompagnée de votre adresse postale, par e-mail avant le 31 janvier 2011 à l'adresse suivante : mypercu(at)gmail.com [remplacez (at) par @]. Concours terminé.

Les 3 gagnants du concours tirés au sort le 31 janvier dernier sont :

Julien. V de l'île de Malte
Vincent. D de Québec
Simon. M dans de l'Hérault

Question du concours : Avec quel artiste musicien originaire de Colombie et joueur de harpe Ari Hoenig collabore-t-il régulièrement en duo ?

Votre réponse sera tirée au sort et si vous êtes parmi les trois gagnants, vous recevrez à votre domicile le beau disque digipack de ce Live at Smalls du projet Ari Hoenig Punkbop.

Bonne chance et meilleurs vœux pour l'année 2011 !

Nb : Petite pensée et hommage au pianiste Billy Taylor qui nous a quitté le 28 décembre à l'âge de 89 ans.

Ari Hoenig and Punkbop Live at Smalls

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 29 Dec 2010 15:25:00 +0000

Dans ce live jazz plein de séduction, le batteur Ari Hoenig brosse et polit le rythme en sensibilité détonante. PunkBop est d'une délicatesse métronomique au flot hypnotique et diablement groovy. Un vrai coup de maître, irrésistible et inspiré.

Batteur et compositeur prolifique depuis une quinzaine d'années, Ari Hoenig ne cesse de nous offrir une belle perspective de sa carrière solo.

Accompagnateur adoubé par de nombreux acteurs du jazz, il a enregistré ou partagé les planches vibrantes des clubs avec Jean Michel Pilc Trio, Kenny Werner Trio, Chris Potter Underground, Kurt Rosenwinkel Group, Joshua Redman Elastic Band, Jazz Mandolin Project, Wayne Krantz , Mike Stern, Richard Bona, Pat Martino, Dave Leibman, Bojan Z, Jacques Schwartz-Bart, Julien Lourau, Herbie Hancock, Ivan Linz, Wynton Marsalis, Theilmans Toots, Dave Holland, Joe Lovano, Pat Metheny ou Gerry Mulligan.

Un innovateur de la pulsation

Musicien d'origine américaine né dans une famille de musiciens et passionnés, Ari Hoenig témoigne toujours et encore de finesse et de maturité. Mâtiné d'un sens de la pulsation à toutes épreuves, il repousse à chaque disque un peu plus les limites de son instrument. Ari Hoenig déploie un éventail de touchers, de sons et de timbres qui éveillent les sens de nombreux mélomanes, sans pour autant se limiter au jazz.

Comme le montre une vidéo récente, ci-dessous, Ari est vraiment un phénomène qui place la batterie un cran au dessus des stéréotypes et de ce que chacun peut imaginer des possibilités de la batterie.

Artiste et pédagogue

Son énergie créatrice, puisée dans l'histoire des grands de la batterie, s'élève aussi dans une recherche permanente de modernité. Comme le démontre ses deux albums solo auto-produits "Time Travels" (2000) et "The Life Of A Day" (2002), ainsi que sa méthode "Intro To Polyrhythms - Contracting and Expanding Time Within Form, Vol. 1" [via] (Éditions MelBay Publishing), créée avec le fin contrebassiste Johannes Weidenmueller.

Punkbop Live at Smalls : Un live jazz à passer en boucle

Pour continuer sur la lancée, Ari vient de mettre dans les bacs son nouvel album, enregistré le 8 février 2010 au Smalls Jazz Club dans le beau quartier de Greenwich Village (New York, USA). Ce disque live fait état d'un instant magique entre des musiciens qui parcourent régulièrement les sillons de disques épiques et des tribunes du jazz actuel : Will Vinson au saxophone alto, Jonathan Kreisberg à la guitare, Tigran Hamasyan au piano, Danton Boller à la contrebasse, et Ari Hoenig à la batterie.

Troisième production enregistrée avec le label Smalls Records, cette prise directe complète la collection ouverte par le label sur une série de disques live autour des jazz [via Smalls Live].

Composé de 6 titres signés et arrangés par Ari Hoenig, ce nouvel album est une très bonne manière de s'imprégner de la qualité musicale de ce combo pointu, et du sens du phrasé époustouflant de l'un des plus grands batteurs du moment ; qui marquera, sans nul doute, l'histoire de la batterie au fer rouge.

Comme l'inspire la pochette et les illustrations du digipack de PunkBop Live at Smalls, l'univers d'Ari mène l'art batteristique dans des sentiers pleins d'espoir et de bonnes augures pour que la batterie et les percussions soignent encore mieux leur image. Niveau enregistrement, il s'agit d'un album live qui aurait pu mériter encore plus de qualité, mais quand bien même, ce disque risque d'enflammer nombreuses discothèques d'aficionados du jazz et de batterie (notamment lorsque vous découvrirez l'opus 6, "Ska"). A découvrir d'urgence !

Site de l'artiste : http://www.arihoenig.com
Titres de l'album en écoute et pour se procurer l'album : https://www.cdbaby.com/cd/arihoenig

"Ari Hoenig and Punkbop Live at Smalls" (2010, 1CD Digipack. Label Smalls Live. Réf.: SL0013) Executive Producer: SPIKE WILNER. Produced by: BEN RUBIN & SPIKE WILNER. Mixed by BEN RUBIN AT THE HOUSE OF CHACHA. Engineered by: JIMMY KATZ. Mastered by GENE PAUL & JAMIE POLASKI. Cover design & photos: MICHELLE WATT

Titres de l'album

BIRDLESS (Hoenig)
REMEMBERING (Hoenig)
RAPSCALLION CATTLE (Hoenig)
GREEN SPLEEN (Hoenig)
DARK NEWS (Hoenig)
SKA (Hoenig)

Percussionnistes & Batteurs de l'année 2010

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 08 Dec 2010 11:22:00 +0000

Comme souvent en fin d'année, c'est l'heure des bilans. Aucun domaine n'y échappe. En matière de percussions (baguettes et mains), la revue made in USA incontournable Down Beat réalise un sondage ayant pignon sur rue et nous donne chaque année la liste des artistes qui retiennent l'attention des lecteurs.

Cette année, pour le 75th Annual Readers Poll Results, les artistes sponsorisés par le fabricant de cymbales Zildjian dominent les sondages du lectorat downbeatien et des publications influentes dans le monde entier.

Les lecteurs de cette année pour ce palmarès des percussionnistes et batteurs du magazine Down Beat, ont particulièrement placés les artistes Zildjian en tête, en balayant la catégorie « Batterie » (« Drums » et une grande majorité des artistes de la catégorie « Percussions », même si des artistes (percussionnistes et batteurs confondus) tout aussi fondamentaux (à découvrir ou re-découvrir) comme Jack DeJohnette, Dafnis Prieto, Susie Ibarra, Satoshi Takeshi ou Stefon Harris remportent la palme de beaux scores.

Dans cette liste honorifique, on retrouve le légendaire percussionniste brésilien Airto Moreira en première position - un honneur bien mérité pour cet artiste si prolifique et inventif.

Billy Martin (drums)

En outre, c'est le batteur Billy "illyB" Martin du trio "Medeski, Martin and Wood" (MMW), qui est en vedette pour la catégorie « Batterie ». Depuis longtemps Billy mérite quelques focales sur son travail artistique. Humainement (pour l'avoir rencontré entre autre pour une interview lors du projet avec MMW et John Scofield à Jazz à Sète en 2008), c'est un personnage d'une grande sensibilité et humilité (comme le reste du trio MMW d'ailleurs). A mon sens, ne pas connaître ou reconnaître Billy Martin pour son style est une bavure, et la voie certaine pour louper de bons groove et feeling.

Voici la liste de tous les artistes Zildjian qui ont reçu des votes dans leurs catégories respectives, et cette liste ne laisse pas indifférente quand à sa teneur et la qualité artistique qu'elle reflète. Bravo les artistes !

J'ajouterais aussi à cette liste l'incontournable Ari Hoenig, avec son style et son toucher tellement à part et remarquable.

Les nominés du team Zildjian

Airto Moreira
Billy Martin Bio et Set [via]
Brian Blade
Steve Gadd
Antonio Sanchez
Lewis Nash
Eric Harland
Roy Haynes
Bill Stewart
Matt Wilson
Al Foster
Kenny Washington
Carter Beauford
Randy Jones
Nate Smith
Jeff Ballard
Dave King
Eric Harland
Poncho Sanchez
Trilok Gurtu
Pete Escovedo
Nana Vasconcelos
Giovanni Hidalgo
Cyro Baptista
Mino Cinelu

Interview de Billy Martin (en anglais)

Giovanni Mirabassi Trio | Live at the Blue Note Tokyo

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 10 Oct 2010 13:34:00 +0000

Un album live est toujours un bel événement pour un groupe ou un artiste de n'importe quel bord. C'est aussi pour l'auditeur néophyte et le mélomane l'occasion de mieux savourer l'instant musical dans sa construction la plus intime.

Cet album Live at the Blue Note Tokyo du transatlantique Trio Mirabassi-Renzi-Parker n'échappe pas à la règle. Il est justement l'occasion rêvée de ce plaisir auditif fait de délicatesse, et l'illustration de la pochette n'est pas trompeuse.

Giovanni Mirabassi (piano) n'en n'est pas à son premier disque live, mais inaugure ici la saveur de l'enregistrement direct de son récent trio jazz, formé en 2007, avec son compatriote-complice Gianluca Renzi (contrebasse) et le new-yorkais Leon Parker (batterie). Une connivence débutée par l'album Terra Furioso en 2008 et le superbe disque Out of track (2009) vendu à plus de 165.000 albums-monde, qui se prolonge grâce à cette actualité jazz.

Trio à fleur de peau

Gianluca Renzi, Giovanni Mirabassi, Leon Parker. (de gauche à droite)

Celles et ceux qui ont savourés ce trio jazz en direct ont pu remarquer la force de caractère de chacun des personnages que révèle leur identité musicale, sans que l'un ou l'autre ne tire la couverture à son avantage. L'art du trio n'est pas nouveau, mais c'est toujours l'occasion d'un défi de haute voltige.

Pour la composition de ce trio, le batteur Leon Parker prouve encore sons sens artistique et du groove, les mêmes qui l'ont amenés à être l'un des batteurs les plus remarqués des années quatre-vingt dix (voir interview de L.Parker par Frédérica Randrianome). Pour Giovanni Mirabassi et Gianluca Renzi, nul doute que leur complicité et leur expérience sont marquées au fer rouge d'une qualité similaire dans leur carrière plus récente et plus "européenne".

Très inspiré par Bill Evans et Oscar Peterson, la musique de Giovanni Mirabassi se caractérisée par plusieurs éléments d'envergure, avec un discours harmonique savoureusement développé où les voicings (conduite des voix) apportent une sorte de jeu interactif qui pousse les musiciens du trio au rang de solistes, chacun avec le même coup de projecteur dans l'espace sonore aménagé. Musique résolument horizontale, au service d'un jeu polyphonique et polyrythmique, le vocabulaire de ce jazz a une portée émotive qui comblera la majorité des auditeurs.

Déjà lors de leur escapade au Japon en mars 2009, le trio sublimait le public du Blue Note Tokyo, et il a été facile de déduire que ce band trouverait à nouveau sa place avec une grande aisance dans ce lieu magique et sublime, situé dans le quartier Minato-ku (proche de Roppongi et juste à côté de l'immanquable Memorial Museum Taro Okamoto).

Saveur automnale, ce disque (qui sera dans les bacs pour début novembre 2010) Live at the Blue Note Tokyo (2010, Discograph) est habité par 9 titres composés en majeure partie par Giovanni Mirabassi, qui laisse la parole à ses compagnons pour trois compositions, dont NY #1 (piste 1) et Here's the captain (piste 4) par Gianluca Renzi, et It is what it is (piste 6) par Leon Parker qui le proposait initialement sur son album Awakening (1998).

Véritable instant de musique sensible, ondoyant et avec une pointe de lyrisme, la captation et le travail post-production des neufs compositions de ce Live at the Blue Note Tokyo seront les clefs d'un plaisir assuré pour les amateurs de jazz. Album incontournable à découvrir, il marquera la fin de l'année 2010 et réchauffera sans difficulté les pénates jusqu'au printemps 2011 sans être dénaturé. Une valeur ajoutée à toute les discothèques sans frontière et amatrices de "bon jazz".

• CD Live @ Blue Note Tokyo sur HMV Japan | Disque Office |
• Giovanni Mirabassi FaceBook

Gretchen Parlato in a dream

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 08 Oct 2010 17:14:00 +0000

Gretchen Parlato est une chanteuse de Jazz américaine, première chanteuse acceptée du Thelonious Monk Institute pour en sortir avec les honneurs du premier prix en 2004, est aussi adulée par les sémillants Herbie Hancock et Wayne Shorter. L'intérêt de parler de ce disque sur un Blog percussion, est aussi de mettre en valeur la qualité de cette prestation, qui laisse découvrir en délicatesse les possibilités des percussions vocales et des body percussions, dans un format standard de combo jazz, mais avec des gens atypiques. Sans casser la baraque, ce disque mérite une attention particulière.

In a dream (2009, Label ObliqSound)

Dès « I Can’t Help It », on sent passer le souffle d’air frais intégrant la base d’ un scat babillant aux paroles en oiseau naturel. « Within Me » montre combien elle peut être bouleversante dans les nuances émotionnelles du chanté au parlé au fredonnement, au soupir accompagnant sur un trio doucement cavalcadant. « Butterfly », après un sample de Gretchen bébé à 2 ans, part en bossa scatée caressée de la voix à la Astrid Gilberto, mais sur une base de rythmiques buccales à la Myriam Makeba et des changements rythmiques rapides qui dérouteraient d’autres chanteuses mais sur lesquels Gretchen Parlato tient la ligne, musicienne autant que chanteuse au mêle titre que le guitariste Lionel Loueké.

Elle a aussi composé les textes du titre éponyme « In A Dream » sur une musique de Robert Glasper, chanté sur les douceurs du clavier d’Aaron Parks, se mêlant à lui à la Flora Purim et de « Turning Into Blue ».

Sa version de « Doralice » de Dorival Caymmi montre une fois encore combien son talent est naturel, non pas du Jazz d'exotisme façon bossa, mais une version ethnique, naturelle et organique du Jazz, dans la lignée des recherches du batteur de jazz Leon Parker pendant sa période ethnico-spirituelle d’ateliers body-percussion et Maria Joao. Gretchen réinvente avec talent ce qu’on croyait toujours entendre à travers le sourire et le parlé-chanté de João Gilberto.

Après un autre babillement de baby scat à 2 ans enrichis de polyphonies pygmées, elle nous fait renaître l’ESP de Wayne Shorter pour le dernier quintette de Miles Davis dans la jungle d’Afrique, par ses propres « Perceptions Extra Sensorielles » où l’enfant qu’elle était dialogue avec la chanteuse qu’elle est devenue. Si l’électronique sert à nous/la ramener vers les limbes de l’enfance, ce serait bien la première fois. Et c’est vrai qu’à la fin on dirait qu’elle chantait ESP à deux ans !

Elle s’attaque même à « Azure » de Duke Ellington pour là encore le ré-harmoniser, le vocaliser comme une chorale à elle toute seule. « On The Other Side » continue sur le chemin du groove naturel chanté/scatté avec Lionel Loueké. Enfin, « Weak » joue d’une voix faussement brisée, enrouée sur une rythmique batterie/Fender Rhodes très moderne, sa manière de Soul naturelle, comme si elle avait grandi de toute une vie l’espace d’un disque, et le bébé revient nous dire au revoir.

Après les chanteuses de Jazz qui imitaient même très bien les grandes divas du Jazz en flattant faute de mieux nos nostalgies, en voilà une qui trouve sa propre voix/voie, un chemin vers quelque chose de très pur, très original et très doux, sans passer par la moulinette electro-machin-truc-chouette, sans non plus une voix à briser les murs, mais une susurrante et pleine de charme comme on ne croyait plus jamais en entendre (n'hésitons pas les poncifs, et faites en autant !, ndlr.), capable de créer, à elle seule, tout un univers irisé et hypnotique, personnel et charmant. A découvrir pour les amoureux de douceur et les râleurs, qu'ils aillent ailleurs !

Orgone | Killion Vaults placé sur écoute

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 30 Sep 2010 08:24:00 +0000

Actifs depuis 2002, après un second album Cali Fever pour le label Ubiquity, et des concerts à des festivals et en premières parties, le groupe de Los Angeles (C.A., USA), Orgone (force universelle de la nature) a monté un nouveau groupe purement instrumental et sorti l’album Killion Vaults, ajoutant une dimension plus cinématique, voire psychédélique, à leur musique.

Et en effet dès « The Dramatic Times », on se trouve entraîné dans une B.O. imaginaire à la Blaxploitation Latine rappelant un peu « Kinky Reggae » de Bob Marley dans l’orgue, suivie d’une émouvante guitare à la Carlos Santana sur un bon drum'n'bass bien groovy. « The Score » part plus en Blues Dub à la mélodie irisée de claviers avançant avec la guitare funky sur un tempo drum’n’bass banghra assuré par un tabla (percussions indiennes) et des cymbales sauce latine.

« Interloper » s’envole comme un bon vieux Isaac Hayes dans Shaft vers quelque-chose dans le grain sonore interlope Ethiopique au ralenti, mais là aussi l’électronique apporte sa modernité sans gâcher la beauté mélodique du clavier. « Summer Beat » part en psyché funk latin, avec une guitare au son très pur à la Little Wing égrenant guitare et clavier sur une bonne rythmique entre clave cubaine et batucada brésilienne sur la basse.

« Countin On » surprend tout d’abord par la clarté de ses lignes de piano introductives à la Cinematic Orchestra, puis les nappes électroniques nous hypnotisent vers un modèle plus House et des répétitions Dub finales, tissant d’un bout à l’autre un rêve éveillé à danser debout. « Waiting » rajoute quelques cuivres sur un bon Dub groovy à la Lee Scratch Perry, puis l’orgue gronde et vrombit vers une psyché-baroque sur une guitare bossa et la mer ou le vent souffle la fin de partie, ou de l’attente.

« The Big Escape » est encore bien dans la manière de Black Moses et de son Shaft, mais le clavier fait s’échapper son Shaft Austin black bionique vers les étoiles futuristes d’un autre millénaire, le nôtre sur les turbines de percussions.

Après la fuite, un arrangement est fait, « Done Deal » entre les parties en présence ou trouvé entre ces tendances musicales : funk Blaxploitation, traitement Dub dans la basse et élévations organiques du clavier à la Booker T & The MGs et percussions latines.

Dans « Dark Falls » la nuit tombe avec ses mystères, son repos après les arnaques du jour, ses dangers et ses excitations aussi, sur un Dub cuivré sur une base bluesy aux harmonies languides. Le sommeil est agité comme les sons de rêves et de fantômes devinés, jusqu’au silence.

« Inin » est plus calme, surprenant, ethno-electro, liquide comme du Edgar Froese ou Brian Eno, plus dans la profondeur, la percussions se mêlant aux prolongement dans un dedans-dans (Inin) de la musique, juste une rutilance musicale brillant dans le noir à contempler des deux oreilles les yeux fermés jusqu’à accéder à une cascade rewind.

Dans « Sandstorm », la tempête de sable fait à nouveau souffler les vents du désert sur la basse groove et les orientalismes hésitants et rêches du clavier éthiopique, cherchant une mélodie sans l’articuler pour rester plus proche de la rythmique et peindre d’autres couleurs sur les dunes. Ces deux derniers titres décrivent un monde plus naturel, moins urbain, plus ethnique. « Dead Reckoning » entre dans une pyramide baroque infestée de serpents, en Égypte ou au Mexique dans la guitare suivant Jim Morrison dans le peyotl trip de « The End ».

Plus gai, « Shopping Spree » appelle au shopping en vue d’une fête d’étudiants funky.

Passe un « Impala » à la Santana, et l’on redevient un chasseur Africain, un Masaï Ethiopique de la jungle des villes jusqu’au final cut.

En effet, qui a les plus « Cruel Intentions », de l’homme ou l’animal, se demande malgré son aspect rieur et festif & funky 80'S le titre suivant dans le bouillonnement de la marmite musicale. « Wanting Wandering » est à nouveau plus House psyché, ambient ethnique relaxante sous les clapotis percussifs. « Sonny’s Lament » montre le groupe capable aussi d’improviser de façon plus classique sur un Blues desperado au tempo lent où la guitare vrombit son électricité et l’émotion à la Gary Moore.

« Faith Keep Rolling » termine l’album sur une touche dub enfantine (les clochettes) et housy, funky dans la guitare, message d’espoir où toutes ces influences se retrouvent pour nous promettre de nouvelles aventures sous le soleil. Le jeu orgue, guitare et basse est 70ies, les mélodies rappellent sans les copier celles de cette époque dans leur ambiance, et le traitement sonore électro/dub donne à ces réminiscences rétro cocooning une patine plus urbaine et moderne. On pense aussi à Ursus Minor et Tribe qui ont sorti « Rebirth », leur dernier disque, sur le même label Ubiquity pour ce don d’ubiquité musicale, stylistique et géographique.

Ces petits courts-métrages musicaux d'Orgone sont presque trop courts et ne donnent qu’une envie : se les repasser pour s’inventer d’autres histoires. De quoi éviter l’ennui et la lampe à U.V. sans bronzer idiot et danser pour se réchauffer avec la tête dans les étoiles cet automne !

© Jean Daniel BURKHARDT - Septembre 2010.

[A propos du rédacteur de cet article : pour suivre les activités jazzistico-musicoles de JDB]

Liens | Myspace Orgone | Orgone Killion Vaults Label Ubiquity | Contact Press France
Titres de l'album 01. Dramatic Times 02. The Score 03. Interloper 04. Summer Beat 05. Counting On You 06. Waiting 07. The Big Escape 08. Done Deal 09. Dark Falls 10. K. Irin 11. Sandstorm Pt. 2 12. Dead Reckoning 13. Shopping Spree 14. Impala 15. Cruel Intentions 16. Wanting Wondering 17. Sonny's Lament 18. Faith Keep Rolling

Hommage au conguero Francisco Aguabella

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sat, 04 Sep 2010 11:22:00 +0000

Un artiste au groove absolument contagieux

Voilà presque quinze années que le nom de Francisco Aguabella fait partie des artistes percussionnistes que j'écoute régulièrement, et qui ressort comme une référence évidente lorsqu'il s'agit de parler de congas, comme le sémillant Candido Camero ou les regrettés Carlos "Patato" Valdès et Mongo Santamaria.

Disparu récemment (07/05/2010 à l'âge de 84 ans*), Francisco Aguabella a eu la chance de faire de vastes traversées d'époques et collaborations durant sa carrière musicale. Rendons lui hommage ici, en retraçant quelques points de sa longue carrière.

En plus de soixante années d'exercice de son art, le maestro Francisco Aguabella est considéré à juste titre comme un légendaire conguero doublé d'un maître du tambour Batá.

Originaire de Cuba, qu'il quittera dans les années 1950 pour se produire avec Katherine Dunham dans le film de Shelley Winters "Mambo" (1954), tourné en Italie, Francisco découvre alors l'Europe du Sud. Après une tournée avec Katherine Dunham, il part vers les États-Unis et y effectue des tournées avec Peggy Lee pendant une longue période. C'est à cette occasion que le maestro Aguabella parcourt le monde, de l'Europe, à l'Australie, l'Asie, en passant bien entendu par l'Amérique du Sud et les États-Unis.

Dès cette période, Francisco Aguabella intervient comme musiciens de studio et de scène sur de nombreux disques devenus depuis des références en matière de latin-jazz ou de musique latine (salsa, rumba, mambo…).

Francisco Aguabella déploie un sens musical reconnu par tous, en étant très humble et d'une personnalité sensible qui lui permet de jouer avec les grands maîtres du jazz et latin-jazz comme Dizzy Gillespie, Tito Puente, Mongo Santamaria, Frank Sinatra, Perez Prado, Eddie Palmieri, Cachao, Lalo Schifrin, Cal Tjader, Peggy Lee, Nancy Wilson, Poncho Sanchez, Bebo Valdes, pour ne citer qu'eux.

Francisco Aguabella transcende les genres musicaux, quand bien même la sonorités des percussions latines peuvent parfois cloisonner, il joue et enregistre avec le "guitar-hero" Carlos Santana, ou Three Dog Night, Paul Simon, et même The Doors.

De cette créativité de caméléon qu'il déploie, Francisco Aguabella en sera récompensé tout au long de sa carrière par plusieurs prix et distinctions, la Bourse du patrimoine national de la National Endowment for the Arts, la Fondation des bourses de Durfee Master Musicians, et une haute reconnaissance par le Los Angeles County Arts Commission. Du petit écran au grand écran, il est aussi apparu durant toute sa carrière dans plusieurs films et documentaires dont "Sworn to the Drum", réalisé par le cinéaste Lee Blank.

Francisco Aguabella, le maître conguero est largement conseillé à ceux qui aiment les musiques latines aux racines profondes et fait partie des grands percussionnistes cubains qui ont contribué à la reconnaissances des musiques afro-latin-jazz.

Intervenant à l'UCLA dans le cadre du département d'ethnomusicologie, Francisco avait le feu de la passion et a su transmettre ses savoirs à de nombreux musiciens chanceux d'avoir pu le rencontrer, comme son élève et amie, la belle à croquer Melena (lire mon interview de Melena "la conga en jupon" via Percussions.org, réalisée en 2007). Il s'agit maintenant de ne pas l'oublier et d'en faire profiter les générations futures.

© Jimmy Braun - septembre 2010.

Site officiel et sources biographiques : http://www.franciscoaguabella.com
*Source du décès de Francisco Aguabella à Los Angeles, annoncé par son manager Orna Rachovitsky
Photo n°2 : © Tom Pich

Bazoomba : nouvelle percussion de bois

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 20 Aug 2010 10:41:00 +0000

En matière d’innovation, les instruments de musique réservent parfois de belles surprises.

La famille des percussions est l’une des plus pratique pour tout les publics lorsqu’il s’agit de bidouiller, créer, transformer. Le recyclage ou l’adaptation d’une percussion est d’ailleurs un grand classique pour les percussionnistes qui créent leur set. Pallier le coût parfois élevé ou s’approprier une invention semble donc une pratique courante, tant chez les amateurs que les professionnels. Comme le montre les différents musico-bricoleurs et facteurs en herbes, qui donnent naissances parfois à de belles pièces, tout est bon dans les percussions.

Si l’on fait un rapide survol de l'évolution des instruments dans l’histoire de la musique, on peut se rendre compte de la relation instrument-instrumentiste. C’est après la stabilisation du mode tonal contemporain occidental que l’on constate une puissante évolution des formes d'instruments.

Pour se faire, la technologie contemporaine est alors au service du musicien, tout comme Bach qui utilise les chefs-d'oeuvres technologiques de son époque que sont les orgues, ou Listz qui utilisera ensuite la perfection des mécaniques du piano-forte.

Étonnamment, le siècle de la surenchère de la modernité qu'est le XX° siècle, verra des révolutions dans de nombreux domaines. L’interface entre le musicien et l'instrument pour la gestion de la ligne mélodique, comme sur « le manche des guitaristes les plus radicaux (hard-rocks, etc...) sont toujours similaires à ceux du luth du XVII° siècle. Les synthétiseurs les plus sophistiqués utilisent toujours le clavier du type piano contemporain de Bach. Les instruments des jazzmen les plus contemporains utilisent les mécaniques et les doigtés d'instrument à vent élaborés à la fin du XIX°. » [via Expresseur*].

Mais l’exception ne fait pas la règle, et on trouve bien sûr des singularités : « les musiques classiques contemporaines avant-gardistes, quelques produits marginaux comme le Theremin et autres variétés quasi-inconnues, les D.J. qui utilisent de la matière sonore pré-enregistrées, des commandes de synthétiseurs et "machines à sons" professionnelles »*. Mais, en rentrant dans un magasin de « musique standard » tel qu'il y en a autour de nous, force est de constater qu'un musicien du XIX° siècle ne serait pas beaucoup dépaysé !

KP Percussions et son Bazoomba

Parmi les passionnés, il est possible de découvrir des astuces (sonnailles de djembé ou tendeur pour djembé home-made) ou le travail soigné de musiciens ingénieux comme Congalou, avec de belles congas ou encore son atténuateur d’harmoniques pour congas.

Ces « artisans de cœur et de sons » répondent au passage à leur passion, et c’est le cas de Pascal Klein, un mélomane d’origine alsacienne. Ce dernier à fait naître le Bazoomba. Pour celles et ceux qui suivent l’actualité, les tribunes de Batterie Magazine de Février-Mars 2010 en parlaient.

Inspiré du « très à la mode » cajon (comment fabriquer son cajon ?), le Bazoomba est un instrument étrange. Fait de bois, avec des feuilles de bouleau de Finlande, sa surface de frappe (d’une épaisseur de 2,5mm) dispose d’un spectre basse-aiguë assez large, en étant très résistante aux frappes (sa colle PU de type D4 résiste aussi à l'eau, la chaleur et au froid).

La sensibilité de la surface de frappe permet de développer les techniques « à mains pleines », de type conga ou djembé ou bien de tambours orientaux. Les balais jazz ou balais ethniques (similaires à ceux de Steve Shehan) seront aussi très sympathiques à utiliser pour créer des groove de batterie par exemple.

Vous me direz alors quoi de neuf avec ce Bazoomba ? Tout y est presque comme un cajon, le son, le timbre (munit d’un demi-timbre de caisse claire) mais avec les surfaces de frappes bien plus grandes et avec un « pont » entre basses et aiguës du fait de sa forme « en vague ».

Sa forme est très contemporaine, proche d’une rampe de skateboard ou d’un meuble contemporain, et son look ne passe donc pas inaperçu.

KP Percussion (le facteur du Bazoomba), propose aussi une customisation, avec des motifs, des couleurs, avec une personnalisation presque infinie.

La prise de l’instrument apporte autre-chose. Le fait de pouvoir jouer à plat, permet de nombreuses combinaisons, mais différentes du cajon.

Sa tenue nécessite par contre une sangle pour un bon maintien sur les genoux (Il est pourvu de deux perforations prévues pour le sangler), ou alors de le poser sur un support approprié (type tréteau).

Vendu à partir de 250€, le Bazoomba n’est pas qu’un délire d’une famille de passionnés. Comme nous l’explique le fabricant, « l’instrument [le Bazoomba, ndlr] est né après avoir vu une vidéo de Fele Vega [percussionniste dominicain, ndlr] avec son Boombakini et l’un de nos garçons jouait au cajon. Puis se faisant, avec un papa aimant le bois et hop ! le Bazoomba a vu le jour ! Une année d'essais pour arriver au son voulu, un brevet et voilà…. »

C’est un instrument qui mérite une attention, et qui aura sans doute des évolutions futures en drainant aussi la curiosité des amateurs d’instruments « étranges » et novateurs, comme le Spacedrum de Djoliba ou le Tambourin mélodique Guillaume Toutain.

En attendant de vous laisser découvrir les autres degrés de liberté de cet instrument, il faut noter au passage que l’incontournable musicien-percussionniste Mino Cinelu utilise le Bazoomba (une interview prochaine de l’artiste nous apportera de l’eau à notre moulin).

Pour ma part, en attendant de vous proposer des prises de sons sur les possibilités de cet instrument (les polyrythmies de tambours bata lui vont très bien), je me suis empressé de le faire découvrir à plusieurs artistes comme le conguero Miguel Gomez, ou auprès du Team Djoliba, dont leurs remarques pertinentes sur l’instrument, feront l’objet d’un autre article plus technique et destiné aux curieux du tambour. (Une autre vidéo sur le Bazoomba, par Alvaro Pignatari, visionnée en dernière minute.)

Un instrument de musique à découvrir et qui rentrera très bien dans la hotte du Père Noël !

© Jimmy Braun - Août 2010 - © Photos : J.Braun & KP Percussions.

Fabricant du Bazoomba : KP PERCUSSIONS (Pascal KLEIN) Tél.: +33 (0)3 88 53 07 95 Email : kppercussions_at_gmail.com (antispam : remplacer _at_ par @)

Sixun, Guem, Cueco & Pozzi… : percussions des Mondes

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 23 Jul 2010 13:20:00 +0000

Le soleil est bien présent (enfin presque partout) et c'est l'occasion pour les mordus de percussions de tous poils de pouvoir jouer en extérieur, voir des concerts et spectacles de rue et aussi prendre du bon temps pendant les congés (si c'est le cas). Pendant cette période estivale, peut-être serait-ce aussi l'occasion de découvrir les nouveautés musicales où le Rythme et la Percussion détiennent une place de choix.

Dans les bacs ou en prévision de sortie, on pourra se délecter en (re)découvrant des artistes au cœur du jazz ou des musiques traditionnelles et improvisées. En voici quatre exemples qui méritent le détour et le coup d'oreille.

Sixun Live in Marciac

Mon premier coup de cœur va pour l'album Live du légendaire groupe SIXUN (avec aux manettes, le pianiste Jean-Pierre COMO). L'album dispose de huit titres fameux qui reprennent in extenso le concert sublime donné par le 2 août 2009, à JAZZ IN MARCIAC (Gers, France) à l'occasion des 20 ans du groupe - une belle occasion pour déboucher le Champagne au cœur du pays de l'Armagnac. Pour cette fois, le batteur et trublion Paco SERY n'était pas à la bourre ou absent (comprend qui peut).

D'ailleurs, Paco SERY offre deux titres signés sur les huit, avec un feeling à décoiffer votre grand-mère et un solo de sanza (kalimba ou piano à pouces) plutôt savoureux. Dans la section rythmique de ce pur jus jazz on retrouve bien entendu le bassiste Michel ALIBO, au groove incontournable, mais aussi le jeune Stéphane EDOUARD, un percussionniste inventif et au jeu incisif, qui va faire parler de lui dans les années à venir.

Ce live est disponible chez Harmonia Mundi (Label Futur Acoustic/Distribution Harmonia Mundi), en version coffret CD + DVD, de quoi ne pas regretter de ne pas avoir pu assister à ce concert qui m'a littéralement laissé joyeux et avec l'envie puissante de groover sur leur pulsation.

Guem over ?… No !

L'autre nouveauté (que je n'ai pas encore entre les mains) est la sortie d'un livre, qui est une BD, un CD et un DVD à la fois (Éditions BD Music). Il s'agit d'un support complet et illustré sur l'artiste GUEM.

Qui ne connait pas cet artiste de la percussion populaire ? Si c'est le cas, ce coffret sera peut-être le meilleur moyen d'avoir un beau support sur un artiste qui a su résister et se confronter au monde difficile de la production artistique. Car le père GUEM est un percussionniste atypique, hors de sentiers battus, avec un feeling et une technique propre à lui (et souvent on n'aime ou on n'aime pas, très tranché donc…). Largement cantonné dans l'intuitif, l'improvisation et la percussion avec une vision mélodique (parfois trop), ce personnage a contribué dès les années 70, à la reconnaissance et la propagation de l'instrument.

Aujourd'hui beaucoup de ses élèves de l'époque ont dépassés le maître, mais le personnage vaut le détour et sa musique sera parfaite pour l'apprentissage, l'illustration d'un spectacle ou l'éveil musical. Gageons que cet ouvrage crée par Jérémy SOUDANT, trouve son public.

Le CD contenu regroupe des titres repris des albums de l'artiste mais n'est pas véritablement un nouvel album, tout comme le DVD qui l'accompagne. La nouveauté réside surtout dans l'assemblage des supports et la création d'une BD-collage autour des rythmes et de l'image de cet artiste : GUEM.

Mirtha Pozzi & Pablo Cueco

"Percussions du Monde" : Voici le titre de ce disque du duo et compères de vie, Mirtha POZZI & Pablo CUECO. Ces deux artistes sont de véritables passionnés et chevronnés.

Leur nouvel album (disponible sur le label Buda Musique, collection Musique du Monde) est composé de 22 morceaux, 20 duos et 2 soli de percussion.

Véritable mine d'or pour les amoureux du Rythme et des tambours de la planète, il s'agit là d'un disque à ne pas bouder. Le sérieux du savoir musical et l'humour de la composition sont la base même du jeu de ces deux artistes qui roulent leur bosse depuis plusieurs décennies, entre les musiques improvisées, traditionnelles et jazz tous azimuts.

Entre conga cubaine, zarb (tombak) iranien, ou percussions brésiliennes, ce disque va faire écho. Bravo les artistes !

Oneira : Si la Mar

Oneira s'est formé en 2006 autour du percussionniste iranien Bijan CHEMIRANI, le petit frère de Keyvan CHEMIRANI, les enfants du grand maître Djamchid CHEMIRANI, qui n'est autre que l'un des musiciens percussionnistes iraniens qui a donné une lettre de noblesse au Zarb hors de contexte natal (un tambour iranien en forme de calice).

L'album "Si la Mar" (Hélico/L'Autre Distribution) réunit les musiciens Kevin SEDDIKI à la guitare, Pierre-Laurent BERTOLINO à la vielle à roue électro-accoustique, Harris LAMBRAKIS au ney, et les deux voix de Maruam CHEMIRANI et Maria SIMOGLOU. Cette rencontre au sommet de 6 musiciens d’horizons différents tant culturels (Provence, Grèce, Iran, Paris) que musicaux (musiques traditionnels, jazz, classique) s’est faite autour de la volonté de ces amis d’échanger, de partager leurs cultures musicales.

"Nous formons un groupe qui voyage dans l'improvisation à partir de ses compositions. Nous avons tous fait ce rêve d'une vie meilleure, où l'on garderait de nos traditions, comme de nos inventions, tout ce qu'il y a de bon...Alors, avec nos instruments, nos passions, notre amitié, ce que nous chantent nos ancêtres, ce que nous murmurent les villes, nous jouons et fabriquons des musiques d'ici et de là-bas, histoire de partager un moment sur les rives de la Méditerranée, et un peu plus loin.". Un beau voyage sonore qui vient encore démontrer que dans la famille CHEMIRANI, la musique est un second souffle empreint de passion et de savoir-faire.

Je vous souhaite une belle découverte, et si vous préférez faire des économies en écoutant la radio, je vous conseille une excellente radio de la Nouvelle-Orléans : WWOZ, à écouter via votre ordinateur (avec iTunes ou équivalent). Vous ne serez pas déçu, la programmation est d'une savante passion et en plus d'avoir envie de danser, battre la mesure ou ré-entendre des standards, vous découvrirez à coup sûr des perles musicales.

© Jimmy Braun - Juillet 2010.

Seijiro Murayama | 4 Pieces of Snare Drum

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 14 Jun 2010 23:54:00 +0000

Musicien et compositeur japonais dès plus underground, Seijiro Murayama est connu comme percussionniste et batteur. Bien réputé dans le milieu les musiques improvisées, Seijiro Murayama donne des concerts de Musique Improvisée depuis 1982.

Ce japonais vivant en France depuis plusieurs années a notamment travaillé avec des artistes (musiciens, danseurs, plasticiens) comme Fred Frith, Tom Cora, Keiji Haino, K.K.Null, Jérôme Noetinger, Thierry Madiot Trio, Pascal Battus, Antez,, Mituyo Uesugi, Katja Fleig, Olivier Gelpe, Christine Burgos, Minoru Hideshima, Kazuo Ohno, Christophe Robin, Christophe Cardoen, Delphine Reist ou Lilian Menard.

Né à Nagasaki en 1957, Seijiro Murayama est atypique dans la façon dont il traite le Son. En recherche permanente, cet explorateur contemporain flirte avec le minimalisme, l'électroacoustique, et amène dans sa dernière parution (intitulée 4 Pieces of Snare Drum) la caisse-claire sur un terrain où le maître devient comme un peintre, un sculpteur ou un conteur sonore.

Enregistré par Thomas Tilly en mars 2009 au Polysonic (Orléans, France.), le dossier de presse de ce 4 Pieces of Snare Drum (Parution chez Petit Label, label crée par le contrebassiste Nicolas Talbot, sous la réf. PLSON008 / 1CD Audio, 2010.) explique que l'"On a presque envie de dire en écoutant ce disque qu’il se visite plus qu’il ne s’écoute, comme une expo permanente et personnelle de Seijiro Murayama.

Ces quatre pièces fractales, véritables sculptures sonores et temporelles pour certaines, plus proches d’une peinture monochrome pour d’autres n’en sont pas moins des pièces musicales, réalisées avec une simple caisse claire, prouesse technique ahurissante qui pourrait paraître dérisoire.

Et pourtant la force et la beauté de cette musique viennent en partie de l’énergie déployée pour transcender l’instrument et en réinventer des usages éphémères, dans un élan créatif frôlant la tragédie." [Via Petit Label + Extraits en écoute]

Ses pièces sont de véritables performances sonores, qu'il réalise en général in-situ, en prenant en compte la dimension musicale du lieu, les jeux de résonance de ses volumes, de son architecture.

Voici un exemple d'une récente performance solo de Seijiro Murayama [Via Youtube]. Attention ! Le voyage dure environ une demie heure ! Installez-vous confortablement, laissez-vous aller ! Car l'univers en question bouscule. Seijiro remet en cause les fondements d'une oreille, qui serait formatée au rythme quatre temps et aux bonnes vieilles structures A-B-A-B.

© Jimmy Braun - Juin 2010

Cyro Baptista le percussionniste sans frontière

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 04 Jun 2010 20:41:00 +0000

Cyro Baptista fait partie de ces percussionnistes talentueux (comme Steve Shehan, Jamey Haddad, Miguel Gomez, François Kokelaere, Xavier Dessandre-Navarre, Okay Temiz,…) dont le jazz, les musiques improvisées et estampillées World dénombre. Ce brésilien d'origine est un personnage vraiment surprenant et coloré.

Très ouvert et d'une chaleur humaine expressive, Cyro Baptista est un musicien très inventif, qui laisse passer le rythme au travers de n'importe quel objet (adepte du recyclage, des objets sonores à base de récupération).

Chez lui le rythme et la musique sont là en toute situation.

Comme si la musique ne s'arrêtait jamais, et qu'il la captait à son passage, en la caressant, la frottant, la titillant…

Une mélodie traîne toujours dans ses pulsations, avec une tendance à toujours aller à l'essentiel des phrases mélodiques et des dynamiques de chaque rythme.

Rhythm Awareness Workshop by Cyro

Lorsqu'il joue, ce trublion, qui roule sa bosse depuis plus de trente années, dégage une énergie communicative, comme le montre cette vidéo récente de Cyro Baptista et son ensemble Beat The Donkey - en particulier sur son projet auprès des enfants et ses workshop.

Actif le plus souvent au côté de John Zorn, Cyro Baptista pose sa touche inimitable avec un bon nombre de grands musiciens pour des projets très différents (Herbie Hanckok, Sting, Yo Yo Ma…).

Quand il joue, ce musicien et compositeur anthropophage (dans le sens du mouvement antropofagia), retrouve une âme d'enfant où son parcours atypique et son style, emportent tout sur son passage.

Dans la discographie du percussionnistes-chanteur Cyro Baptista il sera difficile de ne pas trouver un titre qui plaît à chacun.

Véritable caméléon tant en sideman que pour ses créations, ses albums sont souvent une surprise, une fête explosive où l'imagination est en pure ébullition.

Bien que nourrie de rythmes exotiques, latins ou orientaux, sa musique n'est pas qu'un collage de pattern et de recettes pour faire danser grand-mère.

Joyeux, sombre, intriguant, harmonieux, son art de la composition se bonifie avec le temps.

Ses derniers albums avec le projet Banquets of the Spirits laissent paraître cette force de catalyseur, de rassembleur dont fait preuve l'artiste.

Souvent, pour ne pas dire toujours, présent sur scène avec ce don de transmission de la pulsation, comme le dévoile cette vidéo du projet Rhythm Awareness Workshop [via Viadéo 18'48" V.O. (an.)].

Quand l'iPhone est une percussion

noreply@blogger.com (Anonymous) — Mon, 19 Apr 2010 00:15:00 +0000

La téléphonie mobile influence de nombreux aspects de notre quotidien, en la rendant plus ou moins pratique, si on considère que c'est aussi un moyen d'oublier les valeurs essentielles de la vie.

Et la musique n'est pas la dernière mine, le dernier vivier au développement d'applications pour iPhone. Depuis un certain temps, on peut voir apparaître des applications pour tout et n'importe quoi, même si Apple a fait un joli tri dernièrement dans les applications disponibles sur son AppleStore.

La percussion virtuelle

Avec l'arrivée de l'iPad, il semble que certaines de ces applications deviendront plus agréables ergonomiquement parlant. Pour l'exemple, l'Application Virtuoso, un clavier de piano plutôt très pratique pour réviser, risque de pouvoir pousser la chansonnette un peu plus loin si le clavier devient plus spacieux.

Au niveau des percussions on trouve aussi un bon lot d'applications. Bien que l'idée de vouloir jouer des percussions sur un iPhone me semble totalement sans intérêt, j'ai personnellement testé trois applications, bien entendu gratuites : Drum Kit Lite, KalimbaLive Free et Pocket Shaker.

De ces trois applications, je ne retiendrai que KalimbaLive et Pocket Shaker, qui permettent d'avoir un outil facile à rendre pédagogique. KalimbaLive reste assez agréable pour jouer des doigtés sur un kalimba (sansa ou piano à pouces), réviser des doigtés ou faire découvrir l'instrument.

Pocket Shaker est lui plus complet, en proposant une quinzaine d'instruments dont le son s'actionne en secouant votre iPhone (avec l'iPad ça risque d'être plus délicat).

La cowbell de cette application pourra très bien faire un accompagnement si vous poussez la chansonnette et que vous voulez un beat pour vous accompagner.

Chaque instrument est présenté simplement avec une illustration et son nom. On peut découvrir les castagnettes, le guiro, le shaker, la grosse caisse, la cymbale ride…. (Avec cette dernière, j'ai testé un chabada, ça demande un peu de maîtrise, mais c'est assez marrant)

Si vous disposez d'un iPhone et que vous êtes percussionniste n'hésitez pas à les tester, elles sont légères, gratuites et au fond assez pratiques (pour passer le temps, déconner ou faire découvrir).

Visuellement les interfaces de ces trois applications sont simples, même si quelques publicités apparaissent sur l'écran dans un petit espace, elles restent gratuites et franchement il serait malheureux de dépenser de l'argent pour une application.

Frenchy App.
Enfin, une application française dédiée au SpaceDrum de Djoliba (une percussion créée en France, de la famille des métalophones, proche du Hang, SteelDrum, Hapi Drum, Caisa…) a aussi été élaborée par un passionné de nouvelles technologies.

L'application SpaceDrum n'est pas superbement réussie graphiquement, mais à le mérite d'être simple et française à 100%. Seul bémol elle est payante, vous me direz, 0,79€ ce n'est pas grand chose.

iPhone pour iMusique et iMusiciens

Pour avoir une idée de ce que certains zinzins toqués du iPhone font déjà avec les applications musicales, je vous conseille d'aller sur Youtube ou DailyMotion où vous trouverez de nombreuses vidéo.

Toutes ces vidéo regorgent plus ou moins de pertinence, mais donnant une petite idée de ce qui se prépare pour le futur, comme cette vidéo mélangeant plusieurs applications iPhone et créant un orchestre ou l'initiative de ce musicien-compositeur, Ge Wang, en créant aux États-Unis un orchestre - The Stanford Mobile Phone Orchestra (MoPhO) - de musiciens équipés d'un téléphone mobile, ou encore cette chanteuse coréenne qui s'accompagne d'une batterie d'iPhone et qui compose en direct des reprises en créant des loops et en chantant (lien de la vidéo via Youtube).

© Jimmy Braun - Avril 2010

Percussion student's video weekend

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 18 Apr 2010 23:58:00 +0000

Les réseaux sociaux comme Youtube permettent à de nombreux percussionnistes de mettre en ligne des petites vidéo de concerts ou de cours. En cherchant régulièrement sous des mots clefs différents, il est possible de dénicher des vidéo du jour publiées par des musiciens du monde entier. Voici une sélection de video fraîchement mise en ligne pendant le weekend du 17 au 18 avril 2010.

Steve Shehan & Pockemon Crew

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 30 Mar 2010 22:16:00 +0000

Quand les percussions retrouvent le hip-hop

Oui, quand les percussions retrouvent le Hip-Hop, car ne l'oublions pas, la séparation n'aurait jamais eu lieu (à mon avis), mais sa visibilité est bien dissoute dans l'épaisse confiture musicale des majors (et des préférences de la masse ?).

Le Hip-Hop, qui est un mouvement artistico-culturel est apparu aux États-Unis (dans le Bronx à New York) dès les années 1970. Au-delà des aspects festifs et revendicatifs de cette danse, son origine nous vient tout droit des ghettos noirs new-yorkais et ces mêmes habitants d'origines variées (aux racines africaines) mélangeaient déjà les percussions aux prémices de ce Hip-Hop.

L'arrivée des produits nippons sur le marché électronique a surtout motivé ces précurseurs à utiliser les platines, les grosses radios chromées (celles qui se portent sur l'épaule pour faire "style"). D'ailleurs, d'autres danses et musiques se sont mélangées et transformées avec l'arrivée en masse des technologies de l'électronique, comme le Popping, une danse popularisée par les Electric Boogaloos, qui pour cette dernière allait plus dans les racines latino-américaines (Puerto Rico, Cuba…).

DJing, le MCing, le b-boying (break dancing) et bien entendu le graffiti sont les outils du Hip-Hop, et son expression "plurimedia" se compose aussi du human beatboxing, du street-language, du street-fashion et du street-knowledge. Le Hip-Hop c'est donc un univers au sens large et plutôt très communautaire (à l'inverse de la "Communauté Illusoire" de Marc Augé).

Une histoire de Beat, de Break et de mouvements

En France, il existe plusieurs structures (crew) et compagnies de danse où l'activité n'a de cesse. Pokemon Crew en fait partie. Preuve en est de leur volonté de revenir aux sources (de la percussion, du rythme), en faisant mine de nous proposer une nouveauté. Seulement voilà, on peut parler ici de nouveauté, puisqu'au fond leur création initiée avec le percussionniste Steve Shehan est bien une vraie et nouvelle rencontre.

Si futile soit-elle, qu'elle soit un coup d'épée dans l'eau, ou une œuvre pleine d'avenir, la création réunissant Percussions et Hip-Hop sous le même toit a pu voir le jour dernièrement à l'Amphi Opéra de Lyon le 26/3/2010.

Mais, bref, trêve de blabla, je vous laisse visionner ces extraits de la rencontre entre l'éminent et sensuel percussionniste Steve Shehan et les agitateurs du Pokemon Crew !

La qualité vidéo n'est pas extrême, mais vous pourrez avoir une idée précise de ce que la rencontre à fait naître. Fight ! ;)

Frédéric Firmin | Batteriste solo

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 24 Mar 2010 01:30:00 +0000

Frédéric Firmin est un « batteriste » Antillais (et non batteur, il a inventé le terme) qui propose un double disque CD/DVD solo éponyme « Batteriste ». Un exercice original trop souvent anecdotique pour cet instrument, pourtant le plus proche des racines africaines, percussives du Jazz, mais à cause de cela plus connu pour son rôle d’accompagnement, rythmique, sa pleine puissance assourdissante que dans son rôle mélodique, auquel les compositions laissent rarement la part belle, si bien qu’on a l’impression ici de redécouvrir l’instrument et ses possibilités.

Ce double CD [paru aux Éditions Le Salon de Musique, ndlr] réédite tout d’abord son premier disque « Batteriste » de 1996 enregistré aux Instants Chavirés paru sur la label In Situ avec la motion « aucun effet n’a été rajouté », tant cette batterie au naturel se révèle riche et impressionnante, proprement inouïe.

La batterie est sa maison

Par sa faculté à créer dans ce répertoire un réel univers personnel, mais universel car d’une force émotionnelle traversant les cultures et les genres, on pense à Leon Parker qui sut le faire dans les années quatre-vingt dix, mais à partir du jazz, et avec des invités jazzmen. Ici c’est vers les musiques du monde que s’ouvre cet univers.

La batterie est sa maison, où il nous convie à ces « Voyages avec ta maison », tel un escargot car c’est LUI qui habite son instrument de sa musique, de sons qui font sens, d’échos et de ras qui la rendent à son statut de percussions ethniques assemblées. On y retrouve dans les cymbales les gongs balinais, et jusqu’aux cloches tibétaines murmurantes, s’éloignant, jusqu’au silence, dans les peaux des toms les percussions des déserts et l’Afrique, dans la grosse caisse la puissance des énormes tambours japonais assourdissants, puis au « Au fil des étoiles », le métal sonnant des cymbales chantantes, du Brésil aux castagnettes gnawi du Maroc [karkabous, ndlr], par des variations d’intensité aussi lumineuses que musicales, nous apprend le DVD.

De ce même silence semble naître « La ballade des cercles » qui entourent les peaux des toms comme des percussions, martelant sensiblement on ne sait quoi, (que nous apprendra là encore le DVD) aussi doucement que des gouttes d’eaux en ricochets, muettes, imperceptibles et pourtant envoûtantes en leurs résonnants échos, de peau, de métal, se répondant jusqu’au silence.

Mais « Beau Soleil » aborde aussi le côté entraînant, martial, leader de la batterie, soleil des rues et des fanfares que l’on suivait à La Nouvelle Orléans en processions festives, puis parcourant la course du soleil dans sa journée, des tambours de l’Afrique aux Caraïbes, accélérant de plus en plus, puis s’éloignant pour qu’on le suive.

Dans « La beauté tout autour de moi fasse que je marche » (joli titre où Firmin se montre aussi poète des mots), il confirme encore son talent et son affection pour les cymbales (il faut avouer tout de même que sa batterie en a six, et d’énormes, plus qu’une batterie "conventionnelle", comme dans le rock) ; c'est la danse d’un fakir indien avec un serpent d’Afrique, qui accélère son déhanchement, se presse et s’allonge en dragon des rues pour le Nouvel An Chinois (le DVD nous apprend qu’il obtient cet effet de cymbales entrechoquées par la pédale de la cymbale charleston).

Frédéric Firmin est aussi antillais, et nous entraîne de liane « Barbadines » en « Goyaves » cueillir des fruits dans une forêt tropicale luxuriante.

Alliant l’inouï au jamais vu, Frédéric Firmin est de ces musiciens qui pose à l’écoute à tout batteur, batteriste ou simplement auditeur sensible à sa musique la question du faire, de la manière.

Dans ce disque double, le DVD de concert répond, sur un programme en partie différent, enregistré plus récemment au Samovar le 4 octobre 2004, aux questions posées par l’écoute du CD audio à ceux qui ne l’ont jamais vu en concert.

Cette formule s’adapte donc très bien à cet artiste et à sa musique, prolonge l’écoute par la vidéo qui en éclaire les mystères techniques, permet de suivre le « fil des étoiles » ou « la ballade des cercles ».

Mieux même qu’au concert, les caméras aériennes offrent un point de vue imprenable par le spectateur de concert sur sa batterie : vu d’en haut dans « Mazurka pour Rimbaud » sur les peaux et une cymbale couvertes de linges dévoilés comme un mystère, ailleurs fourrageant entre les éléments de la batterie, les trépieds des cymbales et les flancs des tambours.

Improvisation et racines

On découvre aussi un autre pan de son répertoire, plus ancré dans ses origines Antillaises, engagé avec « Justice » (journal d’André Aliker, journaliste martiniquais assassiné en 1934 pour avoir dénoncé un scandale financier béké) à la révolte sourdement grondante, ou la revendication d’une identité culturelle propre dans « Outre-Mer, Autres-Terres ».

Simplicité et beauté du geste, il s'y dévoile quelques secrets de jeu du batteur, de véritables cloches cubaines, les cowbells [cloches métalliques, ndlr], posées à même les toms dans « Les Hirondelles de Marie », mais utilisées à la balinaise ou à la tibétaine comme des gongs [ou le Gamelan, ndlr].

On trouve aussi un Frédéric Firmin plus Jazz, plus proche dans « Pour Tous » de Max Roach et de sa Freedom Now Suite entre grondement et apaisement des tambours de la révolte, plus tambourinant et fanfaronnant dans « Beau Soleil » .

Enfin, dans l’improvisation, c’est lui qui se déplace, change son point de vue et le nôtre, prend la batterie à rebours en en faisant le tour, côté cymbales et gongs, puis rejoint sa place, comme pour rappeler que cet instrument est fait de percussions assemblées de bric et de broc par les esclaves noirs en mal d’instrument, après les avoir si bien rendues à leurs premières destinations ethniques ou en avoir créé d’autres pour l’avenir.

En Bis, Frédéric Firmin confirme avec « Jeu D’Ailes »ce miracle que la légèreté de la frappe peut faire croire à l’envol des cymbales et des peaux de cet instrument massif qu’est la batterie...

Ce coffret CD/DVD réjouira les batteurs, mais aussi les amateurs de musiques Jazz ou traditionnelles, et ce nouveau format semble vraiment avoir été créé pour Frédéric Firmin, et prendre ici tout son sens.

© Jean Daniel BURKHARDT - mars 2010. © Photos : Patrick Bard.

Batteriste | Batterie solo par Frédéric Firmin. 2009. DIGIPACK CD/DVD / CD audio + DVD 5 PAL. Toutes zones – All regions. La Salon de Musique.

Mix Stix | pour une cuisine plus funky !

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 18 Mar 2010 01:50:00 +0000

Qu'est-ce qu'on mange chérie ce soir ? Mhm… j'hésite entre un poulet samba, une bœuf cascara ou une truite funky !

Musique et gastronomie font bon ménage. Musicien ou non, les sons des couvercles ou de certains ustensiles nous émerveillent parfois les feuilles de choux. A chaque plat son rythme et c'est ce à quoi répond MIX STIX™ ! Faire la popote en même temps que de réviser ses gammes rythmiques et animer la galerie !

Mix Stix se sont des classiques cuillères en bois faite de hêtre et transformables en baguettes de batteur. Réviser un Paradiddle (doigtés, rudiment de base utilisé en percussion) sur la marmite, faire un rimshot sur la cocotte, on peut presque imaginer un repas musical, transformer son Wok en Hang ou SpaceDrum, et faire un petit orchestre musico-culinaire. Et pourquoi pas faire sa cuisine un peu dans l'esprit de ce qu'avaient fait quelques élèves japonaises au Seitoku University Festival 2008.

J'oubliais, allez voir aussi cette vidéo très récente de Steve Shehan et Vladiswar Nadishana, pour une petite partie de percussion de cuisine : http://www.youtube.com/watch?v=VvRkqOTI8ws

© Jimmy Braun - Mars 2010

Istanbul Sessions | jazz ottoman pur jus

noreply@blogger.com (Anonymous) — Sun, 14 Mar 2010 23:03:00 +0000

La musique turque regorge de bonnes idées, et ce n'est pas que dans le cœur traditionnel que cette gageure réside - même si des personnages comme Mustafa Kandirali ne doivent jamais être laissé de côté pour enrichir nos feuilles de choux. Dans cette effervescence musicale aux sonorités ottomanes, il est un artiste actuel, d'origine suédoise-turque à découvrir ou re-découvrir : Ilhan Ersahin, un saxophoniste plein d'idées, très en vogue à New York (où il réside), et riche de ressources comme le montre son projet Istanbul Sessions.

Istanbul Sessions c'est 4 musiciens polyvalents : Ilhan Ersahin, Alp Ersonmez, Turgut Bekoglu et Izzet Kizil. Ilhan est né et a grandi en Suède, son pays natal, et depuis longtemps maintenant il vit à New York où il a fondé Nublu, une double entité, à la fois un club et une maison de disques. Ayant un père turc et toujours en liens étroits avec Istanbul et la Turquie, son nouveau projet marque d'une pierre blanche sa carrière, au même titre que le courant jazz actuel. Oui, "actuel", car c'est bien "un jazz", mais définir le style propre de ce projet semble être délicat tant les territoires touchés sont un large éventail.

Istanbul Sessions a été conçu comme un projet "très organique". Le concept est une combinaison du sons urbains entre NYC et Istanbul. Istanbul Sessions mélange les échelles musicales turques, des pieds métriques "smooth jazz" et "club" et des improvisations jazz au sens le plus stricte. Leur prestation live semble être une expérience sonore faite de bonnes humeurs, de transe, à partir d'instruments acoustiques, électriques et électroniques.

Les couleurs et le tissage de ce disque est aussi l'occasion de découvrir des musiciens d'une grande qualité : le bassiste Alp Ersonmez, entre autre bassiste de la popstar Tarkan, Turgut Bekoglu, un batteur versatile et inventif, et Izzet Kizil, un percussionniste turque très actif (qui a déjà joué avec de très grands noms tels que Bebel Gilberto ou Natasha Atlas, etc.) et qui met la derbouka en valeur dans un style peu commun pour ce tambour.

Tous très actifs sur la scène musicale d'Istanbul, le projet Istanbul Sessions est aussi un projet à géométrie variable puisque Ilhan Ersahin invite Erik Truffaz sur l'album, et va réitérer la rencontre lors de différents concerts, en y intégrant aussi le suprême et éclectique violoncelliste Vincent Segal (Bumcello, -M-, Sting, Agnès Jaoui…). Istanbul Sessions est un projet à ne pas manquer, où les rythmes et la fraîcheur des thèmes ne laisseront pas le mélomane en panne d'inspiration pour placer quelques titres dans une set list, qui se laisseront apprécier sans se faire prier.

© Jimmy Braun - Mars 2010.

Ilhan Ersahin's Istanbul Sessions with Erik Truffaz, 2010. 1CD Audio Label Nublu Records/Distribution France Discograph. Site : http://www.myspace.com/istanbulsessions

Franck Vaillant | Magnetic Benz!ne

noreply@blogger.com (Anonymous) — Thu, 04 Mar 2010 00:41:00 +0000

Ce n'est pas un mythe. Le passionné [de jazz] est un malade ; qui n'écoute pas que John Coltrane ou The Bird en grignotant Billie [Holliday]. Il est suffisamment fou pour aller puiser dans le fond des bacs, dénicher des disques (oui ça existe encore le disque) et partager ses découvertes. Car le partage c'est le nerf de la passion et de la musique.

Jean-Daniel [Burkhardt] est l'un de ceux là. Cette fois encore, il nous emmène dans les sentiers d'une musique au paroxysme de la rencontre musicale et musicienne. Franck Vaillant (batteur au côté de Lo'Jo, Print, Arthur H…) avec Magnetic Benz!ne ouvre la voix du jazz et de la musique coréenne (une nouvelle brèche). Pour ceux qui connaissent déjà que la chanteuse Youn Sun Nah, ils pourront découvrir Soo Bin Park [et au passage ça fait bien dans une soirée de connaître deux noms de chanteuses coréennes ;) ]. Ce disque, n'est pas simple. Comme une rencontre. Comme du jazz avant-gardiste.

Ce disque m'a fait penser de suite au film musical de Guy Girard sur Sainkho Namtchylak (chanteuse originaire du désert de Tuva) avec William Parker (basse) et Hamid Drake (batterie), sur la très artistique collection de DVD Freedom Now (Édition La Huit). 감사합니다 ("kamsa-hamnida", merci en coréen) Jean-Daniel pour ce retour d'écoute ! Jimmy Braun.

Magnetic Benz!ne ou la pompe à jazz

[Franck Vaillant | Magnetic Benz!ne. 2009. Mélisse Production / Abeille Distribution. Réf.:MEL666008 - 3760002134253 - 1 CD Audio]
Si le Jazz est à l’origine une musique, afro-américaine, afro-cubaine, afro-brésilienne, ou européenne d’adoption, il est aussi « la seule musique assez libre pour accepter toutes les autres en son sein » (Fusion Jazz Rock, funk, Electro), et gagne aujourd’hui à s’ouvrir à de nouveaux horizons et continents, à de nouvelles fusions mondiales.

Le disque Magnetic Benz!ne du batteur du groupe Print, Franck Vaillant, sorti sur le label Mélisse en 2009 (distribution Abeille Musique), ouvre le Jazz à la Musique Coréenne, grâce à la chanteuse coréenne Soo Bin Park, accompagné par une formation Jazz/ Jazz-Rock (Guillaume Orti au saxophone, Josef Dumoulin au piano et Fender rhodes et Jean Luc Lehr à la basse électrique et acoustique).

Le Jazz est présent dans son expression la plus calme ou plus libre. Petites étoiles de Paris trouve le quartet, sans la chanteuse, dans un contexte de ballade purement Jazz classique, acoustique avec batterie, contrebasse et piano à la Keith Jarrett, citations du "A Love Supreme" et l’agilité rythmique d’Orti très troisième mouvement Tristanien à la Lee Konitz, et éclaboussements sonores de rires d’enfants en fond sonore. Dans Womp Womp, Orti a la précision et la liberté Monkienne d’un Steve Lacy sur une batterie flottante, ouverte, libre, improvisé, mais respectant une mélodie magnifique suivie d’un solo de piano très original.

Corée-lations jazz

Dès L’Affaire à l’envers, la puissance de la chanteuse coréenne rappelant celle de la musique Samul’Nori ou le Minyô japonais par sa puissance dramatique, surprend d’abord, inouïe dans ce contexte, puis s’allie à merveille avec le groupe, les tempos casse-cous d’Orti et le clavier Jazz-Rock inquiétant dans les basses de Dumoulin, mieux intégrée et plus active que la discrète Yen Shyu dans Lucidarium de Steve Coleman, dès le début aussi déjantée que les musiciens qui l’accompagne, dans une émulation et écoute mutuelle.

Million Dollars, rappelle un peu les genres Pansori narratif puis des percussions coréennes comme le tambour changgo [photo ci-dessous, tambour bimembranophone] et le gong kwaenggwari [photo ci-contre, petit gong plat] se mêlant à la batterie de Franck Vaillant, puis Orti attaque des dunes mélodiques façon Steve Coleman, et finit presque en afro-cubain sur le tambour changgo (homonyme d’un Dieu du panthéon afro-cubain de la Santeria, comme le monde est petit !) sur les cris de Soo Bin Park.

Ils inventent de nouveaux chemins entre ces musiques. Dans le groupe de Franck Vaillant, Jazz et Musique Traditionnelle conversent sans s’étouffer, l’un rendant l’autre plus accessible, tandis qu’elle l’enrichit de ses couleurs inédites, traversant les frontières avec Fil de Feu, dont les premières mesures de la coréenne seule accompagnée de percussions Japonaises rappellent la Click Song de Myriam Makéba, puis le Minyô narratif japonais déroule son histoire.

Plus électrique, Boom Boom Ship décolle avec le Fender Rhodes vers un Space Rock psychédélique cosmique à la Sun Râ accompagnant la voix hallucinée de la coréenne poussée jusqu’au cri, passant du langage articulé aux expressions vocales plus libres et informes, hallucinée dans sa chute, presque diphoniques.

La chanteuse, là encore, semble plus intégrée moins plaquée artificiellement que le chanteur japonais Suzuki dans le Rock progressif de Can, car elle n’essaie pas de faire Rock ou Jazz, mais reste elle-même de son étrangeté exotique à ses délires punks. Dancing In Armor rappelle le Rock Jazz de Rocking Chair.

Dans Bondage Maracas, elle use d’un taepyongso, [appelé aussi ho-jug, un hautbois coréen à anche double similaire à la bombarde ou la gaïta. ndlr], qui rappelle des sonorités indiennes dans une sorte de Bourrée d’ailleurs rejointe par le quartet jazz qui finit en "brouillage" électro-expérimental.

Dans ce traitement, à la fois issu d’un terroir et s’en échappant, le groupe crée sa "Musique Folklorique Imaginaire" n’appartenant qu’à lui, à la manière du Marvellous Band où Sclavis [Louis] jouait des tuyaux divers.

Après s’être ainsi cherchés, découverts et trouvés, Sadhaan, aboutit à une fusion parfaite, inédite, d’électro-pop-wave un O.V.N.I. sublime ambient lounge apaisé d’une stupéfiante beauté, métisse, mutante, à un langage propre où chacun a sa place dans une harmonie collective...

© Jean Daniel BURKHARDT - 2010

Site : http://www.myspace.com/franckvaillant & En écoute ici

Tracklist 1 L'Affaire à l'envers 2 Petites Etoiles de Paris 3 Million dollars 4 Womp womp 5 Fil de feu 6 XY 7 Boom boom ship 8 Bondage Maracas 9 Amulette 10 Dancing In Armor 11 Pousse tes pas 12 Sadhana

Musiciens : Franck Vaillant, tambours, cymbales et composition - Soo Bin Park, chant, changgo, kwaenggwari, taepyeongso - Guillaume Orti, sax alto, c-melody sax, Korg MS-20 - Jozef Dumoulin, piano & Fender Rhodes - Jean Luc Lehr, basse électrique, contrebasse

Hasse Poulsen et ses Progressive Patriots

noreply@blogger.com (Anonymous) — Wed, 17 Feb 2010 16:03:00 +0000

Dernièrement, Jean-Daniel nous proposait un billet de son retour de concert de la soirée Fridge-Jazz du percussionniste Terje Isungset. A cette soirée, qui se déroulait dans la salle de Pôle Sud à Strasbourg, il se préparait deux concerts d'exception. Voici donc un billet d'humeur sur le concert de seconde partie, avec le guitariste Hasse Poulsen & The Progressive Patriots.

En seconde partie, on pouvait entendre le dernier groupe du guitariste Hasse Poulsen, qu’on a pu découvrir dans le Napoli’s Wall de Louis Sclavis , et qui s’assume comme Citoyen du Monde : « Qui suis-je ? Français ? Danois ? Ma mère est Anglaise, j’ai grandi au Kenya et étudié aux États-Unis (...) Je parle toutes les langues avec un accent. Parfois, je me sens chez moi partout, parfois un étranger absolu. Nous avons besoin de redéfinir nos nations. Et moi, ma nation s’appelle Jazz... ».

D’où, dans la lignée de ce beau et généreux discours rappelant le film L’Auberge Espagnole de Cédric Klapish, le nom de ce groupe monté pour fêter ses dix ans en France, « The Progressive Patriots » [http://www.myspace.com/progressivepatriots] (après qu’Identité Nationale ait été refusé par une salle de concert pour éviter la confusion avec les débats enterrés depuis le 11 février 2010 par François Fillon), d’après un livre du musicien écossais Billy Bragg qui y déclare que les Socialistes peuvent reprendre le Patriotisme à la Droite !

Sur scène, en effet, on trouve une belle formation qui se joue des frontières géographiques et musicales : outre le guitariste, le batteur New-Yorkais underground historique de Tim Berne, Tom Rainey, son vieil ami le bassiste danois Henrik Simonsen et et deux jeunes souffleurs français : Stéphane Payen au ténor (grand spécialsite de de la polymétrie du groupe Print) et le très jeune et imprévisible Guillaume Orti à l’alto.

Dans « Open Up », les deux saxophones s’envolent dès les premières notes, puis la batterie Jazz Rock de Tom Rainey crépite, et Poulsen les soutient d’accords décalés à la Jim Hall en plus énergique. Puis Poulsen frappe les cordes d’un archet d’une manière plus contemporaine et habitée, comique et désarticulée que Jimi Page dans « Dazed & Confused » de Led Zeppelin, les portant à une incandescence inouïe sur la ventilation des saxophones et les ras de Rainey et repart sur un dernier break. Chez ces Patriotes, la Progression est constante !

Ils poursuivent avec la suite « They Might Think I Was Soft » [http://www.myspace.com/progressivepatriots]. Doux, Hasse Poulsen ? Parfois pris individuellement dans certains arpèges lents presque baroques, plus qu’il ne m’était apparu sur leur Myspace sur la batterie légèrement ethnique.

Mais, quand il branche sa guitare sur le secteur, c’est une électricité Rock que crachent les amplis comme dans Papremborde avec des oiseaux de feu à la Mc Laughlin [John], un déluge d’étincelles sonores alimenté de mouvements rageurs du poignet.

Trop Jazz pour être doux, trop Rock pour être que Jazz, trop l’un pour n’être que l’autre, et trop libre pour s’en contenter, Jazz mais pas que, Jazz et caetera...

Ils enchaînent sans crier gare sur « Très Blue » [http://www.myspace.com/progressivepatriots] sur la basse lente résonnante d’Henrik Simonsen dans le détaché des ornements, sans Rainey, que Poulsen habille de quelques effets contemporains bornés de clapotements et titillements de cymbales du batteur de plus en plus martial, rompu avec Tim Berne à toutes les évolutions du Jazz déstructuré vers le déchaînement Rock ou l’étrangeté électro. [http://www.youtube.com/watch?v=8RFUvdisNb0].

Le discours semble avancer en ordre dispersé entre les attaques de fanfare des deux souffleurs, et pourtant de cette disparité apparente naît comme par miracle une forme, de cette beauté convulsive dont parlait André Breton couvant toujours sous la glace, un discours organisé qui vous entraîne vers un prolongement moderne des recherches de Lennie Tristano (http://www.youtube.com/watch?v=sdedfoKIjIE&feature=related ) et du Troisième Mouvement avec Lee Konitz, Warne Marsh et Billy Bauer [http://www.youtube.com/watch?v=sMw8t_Ahgbc].

Alors, Soft, Poulsen ? Du miel à nos oreilles, mais qui accroche pour mieux s’y maintenir, ne pas faire qu’y couler...

La démocratisation du Jazz de ces « Progressive Patriots » s’exerce aussi, en plus du jeu collectif, dans le choix du répertoire, où chacun a sa petite composition, même Orti jouant à vide sur un pied tel une de nos cigognes [http://www.youtube.com/watch?v=KDPn9r-pWLQ] dans « B » ou Payen signant « H », au tempo lent comme refusé, retenu, joué à contretemps par Rainey faisant entrer les scories dans ce répertoire organisé pour les plaisirs de l’imprévu et du risque.

Dans ce happening, un membre du public ajouta son grain de sel, citant Charles Mingus : « La contrebasse a le corps de ma grand-mère et la voix de mon grand-père », avant un dernier titre d’Hasse Poulsen gai, presque pop, à la manière de sa chanson « Godspeed You All » sur son album « Rugby in Japan » [http://www.cdbaby.com/cd/hassepoulsen] avec son Sound Of Surprise, avec une voix à la New Wave , Bauhaus [http://www.youtube.com/watch?v=paMbMLkBGzU] ou Joy Division [http://www.youtube.com/watch?v=QVc29bYIvCM].

Comme Bis, ils jouèrent « Gloria in the Movies », une belle ballade soft dédicacée par Hasse Poulsen à sa femme, avec un côté « Itinéraire Imaginaire » de Stéphane Oliva.

A la réflexion, Hasse Poulsen [http://www.youtube.com/watch?v=EdSGrB7nsuk] est plus proche en cherchant d’autres effets en barrant son médiator très près de la caisse de résonance de sa guitare de Fred Frith et de ses essais de techniques alternatives pour la guitare, avec des outils peu conventionnels mains intéressants pour l’œil et l’oreille [http://www.youtube.com/watch?v=M2WSeZZV6iQ] que de l’improvisation libre jusqu’au vide de l’abstraction d’un Derek Bailey, plus élitiste. [http://www.youtube.com/watch?v=9XE2N4mxeRw].

A bien y entendre, on y retrouve des pratiques plus anciennes, baroque, Jazz, Rock, reprises dans une approche contemporaine et libre [http://www.youtube.com/watch?v=rMfL_ZHsKns].

Jazz Ain’t What It Used To Be, a-t-il écrit un jour, répondant au Things Ain’t What It Used To Be [http://www.youtube.com/watch?v=5fJu-byjtRY] de Duke Ellington. Grand sideman et improvisateur, il est aussi bon compositeur pour cet éclectique ensemble.

© Jean Daniel BURKHARDT - 2010

Du souvenir de Fadouba Oularé : djembé héro

noreply@blogger.com (Anonymous) — Fri, 12 Feb 2010 11:19:00 +0000

En 2009, une rumeur - qui a fait l’objet d’un billet sous l’initiative et la bienveillance de Julien Brygo - cette rumeur « assassinait » le grand maître djembéfola Fadouba Oularé. Bien que la rumeur fut démentie par le maître, cette dernière a raison de lui une année plus tard.

Fin janvier 2010 (le 27 janvier selon plusieurs sources, comme sur le forum Dondaba) , l’enfant de Faranah, en Haute-Guinée (Afrique de l'Ouest) nous a quitté. Fadouba Oularé est disparu à l’âge incertain de 75 ou 80 ans (les registres de sa commune de naissance n’étant pas précis).

« Celui qui dit que Fadouba est mort, il est contre Fadouba, pour éclater mon bonheur.»

Recruté par le président Sékou Touré pour devenir premier soliste et chef-tambour à la création des Ballets Africains en 1959, Fadouba Oularé était l’aîné de la tradition du tambour djembé malinké. Aujourd'hui, il semblerait que ce soit le maître guinéen Famoudou Konaté qui soit le plus âgé (de ceux connus en Occident).

Incontestable grand maître de la tradition du djembé malinké et du ballet, il parlait avec le tambour une « parole ancienne » utilisant une grande variété de « touchers » , de frappes (dont un jeu de basse fondamental) avec une virtuosité et une vitalité encore inégalés.

N’oublions jamais de lui rendre hommage en écoutant sa musique et en faisant découvrir aux générations futures le long travail de cheville ouvrière que Fadouba Oularé a perpétué corps et âme.

« Je suis dans la main de Dieu, je ne suis dans la main de personnes ! En Afrique, ici ! »

Et écoutons à nouveau l'interview de Fadoubé OULARE par Julien BRYGO (25 février 2009, Guinée)

[Quicktime Player est nécessaire pour la lecture. Téléchargez-le gratuitement !]

© 2010 Jimmy Braun - Photo (2009) : Julien Brygo

Liens video Fadouba Oularé | http://www.youtube.com/v/0daEJhod9 • http://www.youtube.com/v/cW1FqDXAxEw&hl |

Miguel Gomez Orquesta : Lamento de concepcion

noreply@blogger.com (Anonymous) — Tue, 09 Feb 2010 15:47:00 +0000

Le percussionniste Miguel Gomez est l'un des congueros mondialement reconnu (Africando, Don Byron, Cesaria Evora,…).

D'une part sa grande qualité artistique et pédagogique, font de lui un fer de lance d'une génération de percussionnistes qui intègrent des techniques de jeu traditionnelles et modernes.

D'autre part sa qualité humaine en fait un artiste humble et protégé des flashs de rubriques people, sans le laisser au rang des incognitos lorsqu'il s'agit de parler de conga, de salsa et de musiques latines ou latin-jazz.

Motivé par l'engouement du public pour son propre ensemble, Miguel Gomez, qui est un véritable passeur et défenseur des traditions rythmiques (afro-cubaines et caraïbes), a joué récemment à La Chapelle des Lombards (Paris), avec ses musiciens du Miguel GOMEZ Orquesta.

Mais trêve de parole, le mieux est de savourer…

A noter aussi que Miguel Gomez propose sur son site une démonstration des cours qu'il dispense, avec des extraits vidéo très intéressants : http://www.miguel-gomez.com/cours2010.html