Na Pauta - TO

FILME> ENCONTROS & DESENCONTROS (Lost In Translation)

2014-07-02T05:30:00.000-07:00

Título Original> Lost In Translation
Direção> Sofia Coppola
Roteiro> Sofia Coppola
Elenco> Bill Murray, Scarlett Johansson, Giovanni Ribisi, Anna Faris
Páis/Ano de Produção> EUA/2003
Produção> Sofia Coppola 7Ross Katz
Distribuidor> Universal
Lançamento nos EUA> 29 de Agosto de 2003
Lançamento no Brasil> 23 de Janeiro de 2004
Duração> 101 minutos
Orçamento> 4 milhões
Bilheteria Acumulada> -:-

O segundo filme de Sofia Coppola continua a explorar os meandros dos espaços infinitos que não permitem a aproximação e a completude das pessoas com elas próprias e com aqueles que as cercam. Depois da sensação de deslocamento e insegurança vista pelos olhos das adolescentes Lisbon, em Virgens Suicidas, agora temos como acréscimo a melancolia constante e o sentimento de fragmentação do adulto contemporâneo em Encontros e Desencontros.

O filme estende as questões sobre a existência humana e parece brincar com elas, porque, independente de sermos jovens ou adultos, permanecemos com os mesmos medos e inseguranças, a diferença é que em uma fase temos todos os sonhos e esperanças que o mundo comporta e na outra só resta o pragmatismo contemporâneo para justificar a existência humana. Pode haver razões para a irracionalidade dos exageros e arroubos das emoções juvenis, no entanto, o amadurecimento do ser humano surge imposto em sua existência, lhe cobrando, muitas vezes, ações incongruentes com suas experiências... não lhe permitindo, simplesmente, experimentar essa vida em todas as suas possibilidades.

A história segue Bob Harris (Bill Murray), decadente ator que está gravando um comercial em Tókio e seu encontro com Charlotte (Scarlet Johansson), jovem recém-casada, negligenciada pelo companheiro, um fotógrafo workaholic. São estrangeiros em um país onde tudo que os cercam não reflete nem o seu exterior e, tão pouco, seu interior. Quando não obtemos eco do ambiente onde estamos, começamos a procurar segurança nas nossas lembranças e pensamentos. No entanto, se este é frágil, surge a insegurança, o medo e a questão: quem sou eu? O que estou fazendo da minha vida?

Bob, Bill Murray surpreendentemente sincero e frágil, não está somente deslocado externamente; o incômodo “interno” é visível em seu intenso olhar, uma mistura de insegurança e procura infantil. Nos primeiros minutos do filme, seus olhos cansados parecem buscar algo que perdeu em algum lugar ou tempo e seu semblante triste é de alguém que não tem esperanças em encontrar "isto" novamente, seus “anos dourados” estão distantes - e o seu emprego o lembra disso constantemente - e agora só existe a melancolia negra e profunda da espera do inevitável.

Já a solidão de Charlotte está na firmação do que construiu até aquele momento em sua vida, resultando no seu precoce casamento. Seus sonhos, desejos e até sua própria personalidade parecem não ter muito valor para o seu companheiro. Então o que vale realmente a pena? Ela está naquela bifurcação da vida onde suas escolhas moldarão o rosto que ela irá encarar todos os dias no espelho – pode ser de alegria, de satisfação, de fracasso ou de tristeza. Em ambos os casos, de Bob e Charlotte, existe uma necessidade latente de “se encontrarem”, mas essa percepção só será possível se ambos forem “encontrados” ou percebidos na sua verdadeira existência, sem máscaras. E em um cenário totalmente estranho, é mais fácil, em toda a sua fragilidade, alguém olhar para você, sem as máscaras de pai, marido ou esposa dedicada; sem essa “vestimenta”, o que resta para explorar é só a essência.

Os dois, apesar de casados, são solitários e seus relacionamentos são mais sociais que sentimentais – em que pese o tempo e o comodismo no que se refere ao casamento de Bob e as expectativas e o medo de fracasso no de Charlotte. Mas basta um momento onde as armaduras estão recolhidas, um estado de presença, sem palavras, na sutileza e a sensibilidade de um verdadeiro olhar, para eles se “perceberem”, no sentido figurado ou literal da expressão. Isso tudo sem apresentações e formalidades, só a naturalidade e a honestidade que surgem inerentemente de uma boa companhia, tão rara nos nossos dias.

Este elo forte entre Bob e Charlote é uma resposta à necessidade de uma conexão verdadeira e única que as pessoas procuram. E em um país estrangeiro esse sentimento pode ser ainda mais forte. Há, com isso, a percepção de que as pessoas que deveriam se importar, escutar e apoiar você - no caso de Charlotte há o marido e a irmã; e, no caso de Bob, a esposa – não atendem às expectativas, e quando tentam não se dão ao trabalho de entender ou simplesmente ouvir... só resta o julgamento e a incompreensão. Então, o sentimento interno é de realmente estar falando outra língua. É doloroso quando, ao telefone, a mulher de Bob indaga a ele - "eu preciso me preocupar com você?", e ele responde - "só se você quiser"; resumindo, o relacionamento deles toma forma na praticidade de uma escolha, como o tipo de carpete do escritório – mais fácil essa decisão ao invés de procurar entender o comportamento de quem está do seu lado. No entanto, é uma escolha o modo como construímos as relações e as mantemos.

No outro extremo, Charlote busca de todas as formas entender o que está acontecendo com seu casamento e um dos conselhos que ouve é de um “guru” de auto-ajuda que justifica os acontecimentos a nossa volta com um determinismo conformista, onde, segundo ele, a vida teria sido planejada anteriormente em outro plano. Este pensamento é momentaneamente acalentador por não apontar culpados e nem exigir uma ação de mudança. Mais à frente, em sua prática de Ikebana, ela encontra a resposta que procurava e sua maior lição: no final, é você que decide como "construir" tudo; a beleza está em pensar na melhor maneira de encaixar as peças, com paciência e coerência, para que o resultado seja o mais perto que você conscientemente buscou, mas sempre unindo sua sensibilidade com sua racionalidade.

Quando os dois personagens colocam em cheque suas experiências, é perceptível que ambos começam a caminhar para um estado de sujeitos de ação. Bob, na sua maturidade e amargura, diz - "Quanto mais você sabe quem você é e o que você quer, menos deixa que as coisas o perturbem", e ela na sua insegurança e sabedoria responde - "Mas eu não sei quem eu sou". Quando Bob definiu sua personalidade, ele colocou muros à sua volta, não permitindo a possibilidade que houvesse mudanças em sua personalidade. É como se tornar cobaia de algum experimento de Pavlov, sempre respondendo aos mesmos estímulos até a morte. Charlotte, desde o início, é inconformista, ainda existe aquela fagulha de esperança que a coloca em movimento e, conseqüentemente, tem forças para tirar ela e Bob do estado letárgico.

Ao final percebe-se a diferença no semblante de Bob, seu ar de satisfação não por ter tido aquela experiência, mas por permitir-se vivê-la. A última cena de intimidade de ambos, abraçados no meio da multidão, com o primeiro beijo e palavras ditas no pé do ouvido – onde só eles sabem o que foi dito, em uma escolha sábia da diretora – é um grande modelo do amor moderno. É esse o recado que Sofia Coppola deixa, com um pouco mais de esperança que em Virgens Suicidas... a vida é como uma ikebana. Outra pessoa que olhar vai enxergar algo estranho, meio sem nexo, uns vão achar bonito e muitos outros vão julgá-lo feio e desengonçado, mas só quem montou sabe como foi difícil harmonizar os detalhes e deixar todo o conjunto belo no final. Talvez, com sorte, alguém olhe para o que você construiu, pare e tenha o mesmo sentimento de completude e compreensão, e a mensagem que Encontro e Desencontros deixa é que sempre tem, é só dar uma olhada mais cuidadosa à volta.

TRAILER> ENCONTROS E DESENCONTROS (Lost in Translation)

FILME> JOVEM & BELA (Jeune & Jolie)

2014-07-02T05:01:00.002-07:00

Título Original> Jeune & Jolie
Direção> François Ozon
Roteiro> François Ozon
Elenco>Marine Vacth, Géraldine Pailhas, Frédéric Pierrot, Fantin Ravat, Johan Leysen, Charlotte Rampling, Nathalie Richard
Páis/Ano de Produção> EUA/2013
Produção> Eric & Nicolas Altmayer
Distribuidor> Europa Filmes
Lançamento nos EUA> 16 de Maio de 2013
Lançamento no Brasil> 22 de Novembro de 2013
Duração> 95 minutos

Orçamento> -:-

Bilheteria Acumulada> -:-

Após perder a virgindade nas férias de verão, a jovem Isabelle (Marine Vacth) inicia uma vida dupla, prostituindo-se sem que ninguém à sua volta desconfie. Desde a primeira cena do filme, é hipnotizante a beleza da protagonista do longa francês, e, com o decorrer da história de Jovem & Bela, o espectador é enlaçado por sua intrigante e curiosa personalidade, que mais parece uma esfinge enigmática que, presume-se, a qualquer momento quer devorar quem desafia suas ações.

Muitas das críticas que se observa sobre o filme focaram na curiosidade sexual da jovem e sua aparente incoerência dos atos com o ambiente em que ela vive. Desde o início é ressaltado a boa condição financeira e a união familiar como barreiras para qualquer tipo de ação marginal ou, no outro extremo, o vazio de significado que o sexo adquiriu na sociedade contemporânea, principalmente entre os jovens – aqui vislumbrado por alguns como uma fuga da melancolia da vida. Sem desmerecer tais perspectivas, acredito que François Ozon, diretor e roteirista do longa, julga menos o sexo e mais a cultura masculina dominante.

Isabelle traz no rosto os traços delicados de um anjo e seu comportamento contido e polido só esconde um espírito perspicaz e curioso. Em nenhum momento há uma expressão do que se julgaria imoral ou muito menos algo que forneça informações sobre seus desejos, bem diferente da protagonista em Ninfomaníaca, polêmico filme de Lars Von Trier. A cena no qual ela, na praia, se certifica do seu isolamento para fazer topless parece exemplificar o caráter de Isabelle – seus pensamentos e seu corpo não são e não devem ser públicos. Entre essa dicotomia e o relacionamento familiar esboçado, o incômodo que ficou ao final do filme foi: qualquer um(a) pode ser “puta”! A mais antiga profissão, como dizem, pode ser exercida por sua irmã, mãe, tia. Se a única pergunta que martelar na cabeça do telespectador é “por quê?”, se entra num discurso infinito moralista com poucas e limitadas respostas; para ampliar a discussão, principalmente em uma obra de ficção, tem que se fazer um questionamento tão intrigante quanto o filme propõe: - Por que não?

Em perspectiva, o choque se dá por dois motivos: o personagem é feminino e se prostitui. Agora, tire o foco de Isabelle e coloque as mesmas experiências em Viktor, seu irmão caçula, igualmente jovem e belo e até poderíamos ter duas faces da mesma moeda, mas em uma sociedade machista a história não é bem assim. Ozon delineia isso ao filmar a masturbação feminina e masculina, as primeiras aventuras sexuais dos dois irmãos, ambos expostos pela perspectiva masculina, encarados com espanto no primeiro e com normalidade no segundo. Exemplo de uma sociedade patriarcal que dá o poder de dominar e exercer o domínio sobre o seu sexo e do outro, definindo papeis com regras pré-estabelecidas desde o momento que o pai e mãe descobrem o gênero da criança que vai nascer. Está arraigado os papeis esperados por cada um, sem indagações ou restrições e Isabelle parece perceber isso e busca ir além da compreensão racional.

Não se sabe se foi a experiência de ver a separação dos pais ou perceber antecipadamente as pressões que existem sobre o gênero feminino um possível estopim de seus atos, talvez a simples percepção das restrições absurdas sobre seu sexo, proibindo-lhe de utilizá-lo sem rótulos, a tenha desafiado ir contra eles. E o primeiro adjetivo a cair é o de virgem; sua primeira experiência sexual é seca, física, sem qualquer emoção envolvida, a experiência pela experiência, resumindo, masculinizada. Isabelle salta todo o drama e pressão que a cultura designa ao gênero feminino, de um prazer obrigatoriamente relacionado a ligações sentimentais, como sua melhor amiga retrata. Ao homem permite-se o sexo pelo simples prazer do ato, à mulher o prazer sexual deve vir imbuído de paixão e entrega, caso contrário, se ela quiser o gozo no mesmo patamar físico que o homem consegue só restará um rótulo para ela, o de prostituta.

No entanto, a escolha da prostituição não surge como um grito de revolta e sim de poder. Infelizmente nossa cultura não ensina e muito menos acolhe mulheres que busquem seu prazer, e, na minha leitura do filme, Isabelle sabe disso. Prostituir-se para ela é exercer o poder de tudo que a natureza lhe deu ao ser fêmea; cobrar por isso seria uma busca de balancear um jogo de regras e valores. A ilusão é daquele que se acha dominador, mas em um contexto onde não há viés para abusos sociais, Isabelle é quem dita às regras, seu corpo tem um preço e um tempo delimitado para uso. Se existe um vazio pós-coito, todos são expressos pelos frustrados homens que passam por usas mãos: o casado infiel, o fetichista e o senhor, que no fim da vida, se apaixona pelo alvorecer da sua juventude. Cobrar é uma forma de a protagonista sentir e mostrar quem tem poder, apesar de a prostituição ser uma linha tênue para isso, porém o fato só coloca em perspectiva quem é que dita as regras.

O resultado, sutil, é aquela que só a ação além da inércia pode proporcionar àqueles que ousam além dos papeis sociais impostos. A primeira está no sepultamento da imagem materna: Isabelle é uma desconhecida para a mãe, no entanto, a jovem parece enxergar os pensamentos da progenitora, algo que causa espanto na mesma. Já para o namorado de Isabelle, ela é uma incógnita. No seu desespero de macho, não há meios de surpreender uma pessoa, na cama ou fora dela, que sabe tudo sobre como manipular os corpos e os sentidos. O embate final, entre Isabelle e uma das mulheres traídas, não aponta culpados, mas um vencedor.

No fim, François Ozon criou um filme sobre a descoberta da sexualidade e dos prazeres e dissabores da vida do que convencionamos chamar de jovem-adulto. Ao contrário dos diversos filmes juvenis com experiências transbordando drama e paixão, onde suas vidas são folhas soltas no rio do destino, em Jovem & Bela temos uma adolescente que decide ter a razão no comando. Cobaia de suas próprias experiências ela aprende, com o racionalismo de xadrezista, como funciona sua mente e, principalmente, a do outro. E isso tem um preço que não é moralista e sim, receoso. Ao ter seus atos descobertos, todos à sua volta ficam com medo, medo este que pode envolver o telespectador ao final, que procura respostas e não encontra... e não vai encontrar enquanto estiverem perguntando-se: por quê?

TRAILER LEGENDADO> JOVEM E BELA

FILME> TUBARÃO (Jaws, 1975)

2013-01-24T05:01:00.003-08:00

Título Original> Jaws
Direção> Steven Spielberg
Roteiro> Peter Benchley, Carl Gottlieb
Elenco> Roy Scheider, Robert Shaw, Richard Dreyfuss
Páis/Ano de Produção> EUA/1975
Produção> Universal Pictures
Distribuidor> Universal
Lançamento nos EUA> 22 de Junho de 1975
Lançamento no Brasil> 07 de Julho de 1975
Duração> 124 minutos
Orçamento> 8 milhões
Bilheteria Acumulada> 430 milhões (mundialmente)

Se o leitor perguntar quais foram os filmes que me levaram para este apaixonante vício cinematográfico, com certeza Tubarão vai estar no topo da lista. Ainda tenho lembranças daquelas infinitas e vazias tardes em frente à TV e o dia em que não me movi durante duas horas – algo bastante raro para uma criança entre seus sete e oito anos. Naquele nível máximo de simbiose com o sofá, estava boquiaberto com a cena de uma bela loira sendo arrastada violentamente por alguma coisa no mar. Entre seus gritos suplicantes por ajuda, uma trilha sonora angustiante ia, pouco a pouco, tomando conta do ambiente: aquele era o prenúncio da morte. E tudo nos 10 minutos iniciais. – Nossa! Pensei, fascinado e paralisado – Esse é dos bons! Neste dia experimentei, inconscientemente, toda a força do cinema hollywoodiano. Mal sabia que estava diante de um clássico que iniciaria uma era e revelaria um dos mais talentosos e criativos diretores de todos os tempos: Steven Spielberg. Sem dúvida nenhuma comecei com o pé direito.

Mas, segundo palavras do seu criador, “Tubarão é um divertido filme de se ver, mas não é tão divertido de se fazer”. Baseado no best-seller de Peter Benchley, o roteiro adaptado, escrito a quatro mãos, foi entregue a Spielberg, visto como um jovem promissor, que tinha no currículo somente alguns curtas e um filme feito direto para a televisão. Logo, se qualquer coisa desse errado não seria tão difícil achar o culpado. Mas a maior dor de cabeça do diretor, além do prazo e orçamento estourados, foi o protagonista do longa: Bruce, o tubarão mecânico construído para o filme, que teimava em não funcionar durante as filmagens. Há várias imagens na internet dos momentos de descanso da equipe enquanto o temperamental Bruce ficava cercado por mecânicos. Outro que tirou Spielberg do sério foi John Willians, responsável pela trilha sonora. Com os prazos no limite, Willians teve dificuldades em fazer o jovem diretor acreditar no seu trabalho final. Quando o músico tocou pela primeira vez o que havia vislumbrado para anunciar os ataques, Spielberg acreditou que aquilo era uma piada. Foi preciso ele ouvir uma série de vezes para entender que ali estava a alma e, posteriormente, a marca registrada de seu trabalho.

Prontos para a estréia, mas não certos do sucesso, Tubarão chegou aos cinemas em 1975 com toda equipe receosa que a audiência caísse na gargalhada ao ver o grande peixe mecânico. Ledo engano. Tubarão foi o primeiro filme americano a ultrapassar a marca dos 100 milhões de dólares arrecadados nas bilheterias e forjou o termo blockbuster ao denominar o fenômeno das enormes filas, que dobravam esquinas, formadas por pessoas nas portas dos cinemas para assistirem ao filme. Todas ansiosas para sentir aquele frio na barriga durante longos 120 minutos.

Analisando friamente, Tubarão foi um grande tiro no escuro. Perceba: o enredo se passa em uma pequena cidade litorânea que se vê ameaçada por um grande tubarão branco que só vemos, praticamente, no final do filme. Quais as chances das pessoas embarcarem nisso, principalmente aquelas que, à época, mal conheciam o mar e muito menos tinham noção do que era um tubarão? Filmes de ficção têm seus seres gosmentos, os slashers, têm sua violência escatológica, mas não menos aterrorizante, baseado no lado obscuro dos homens. Mas dizer às pessoas que existe um assassino real embaixo das águas parece realmente um exagero. Ou não?

Recentemente resolvi embarcar nesta montanha russa novamente, queria observar se toda a minha fascinação pelo filme era devido a minha larga imaginação infantil ou se realmente o brilhantismo do longa ia me agarrar pelas pernas mais uma vez. Bem, constatei que o filme está longe de ser datado. Tudo nele é como um complexo quebra-cabeça onde é difícil imaginar como seria o produto final se faltasse uma das peças. Claro que Bruce não é tão verossímil assim depois de uma reprise, mas depois de mais de sessenta minutos de tensão, quando ele resolve aparecer você já está acreditando que aquele robô desengonçado é um temido assassino dos sete mares. Antes do apoteótico final, ao qual ele “sobe” em cima do barco, demonstrando quem é que manda naquele pedaço, ficamos realmente aterrorizados, porque simplesmente na maior parte do tempo só vemos a calmaria das águas sendo cortada por sua amedrontadora barbatana.

E a história nos permite, mesmo com um cenário tão improvável à época para os telespectadores, uma ligação. Martin Brody (Roy Scheider), o protagonista, decide aceitar o emprego de xerife da cidade litorânea de Amity com o intuito de fugir da violência das grandes metrópoles. Sua maior preocupação no novo emprego é em controlar brigas de vizinhos e garotos malcriados. Até o dia que encontram o corpo de uma jovem destroçada na praia. A sua luta se dá em duas frentes, se fazer acreditar diante daqueles que prometeu proteger de que algo maior os ameaça e não permitir que tamanha violência chegue à sua família. E, ao contrário de filmes de assassinos, onde existe um grupo específico que é perseguido, em Tubarão há algo que ataca indistintamente, de crianças a cães (algo raro de acontecer até em filmes do gênero).

Tubarão não deixa de ser o velho e conhecido bicho-papão ou, para nacionalizar mais, o homem-do-saco. Ele está sempre à espreita, como nossas mães e tias sempre fazem questão de lembrar, embaixo das nossas camas, dentro do guarda-roupa ou escondido em um canto escuro da casa. É o medo mais primitivo do ser humano. Não vemos, mas sabemos que ele nos vê e está lá, só basta um deslize para ele conseguir o que quer: pegar eu e você. A mensagem do filme é clara: a paz e a segurança são uma utopia social, criada pelos homens. O que existe é um pequeno véu de momentânea tranqüilidade. E o terror aqui é mais profundo e incontrolável do que aqueles que vemos pela TV nos noticiários, porque ele é natural. É um aviso da natureza lembrando que fazemos parte dela, e que além das leis racionais que seguimos, existe uma maior que nos rege. A música tema aterroriza por anunciar a violência, mas essa mesma violência chega sem avisos, sem trilha sonora, na vida real não vemos e nem ouvimos quando ela vem. Ela simplesmente desaba sobre nós. E quando, no filme, o homem decide tomar as rédeas da situação, indo à caça do monstro, a história revela que por mais que sejamos racionais nunca estamos preparados para enfrentar algo além da compreensão humana. A cena em que o experiente caçador Quint (Robert Shaw) é devorado vivo diante dos seus colegas de barco é uma exemplificação da reação humana diante dos desastres naturais, aqueles que o homem por séculos tenta entender, controlar, dominar... e não consegue. O erro é tentar racionalizar tais ações, o que pode levar a loucura; julgamos tudo isso violento, mas apenas tomando como parâmetro nossa própria concepção do mundo.

No primeiro rascunho do roteiro, a natureza vencia ao final. Os três caçadores sucumbiam diante da fome do grande tubarão branco. Produtores não gostaram e pediram mudanças, estas quais foram filmadas e aplaudidas durante as sessões de cinema. Depois de tanto sangue derramado, todos queriam vingança, queriam se livrar daquele medo incontrolável que permeava suas mentes. Os telespectadores têm a necessidade de sair do cinema com a sensação de segurança, que ao final tudo vai acabar bem, sempre. E isso foi dado ao público, que saiu satisfeito em ter seu medo dissolvido com a coragem e inteligência do homem representado pelo protagonista. Porém, observar os dois sobreviventes nadando, ao final, na imensidão do mar, acaba por deixar uma mensagem mais sutil. Ainda somos pequenos diante da grandeza da natureza. O mar acaba se tornando símbolo dos nossos maiores medos: imenso, desconhecido, cheio de possibilidades. E sobreviver mergulhado nele é uma batalha cruel, travada constantemente por qualquer coisa viva.

Spielberg voltaria ao tema décadas depois com Jurassic Park, onde, claramente, a sensação de controle é colocada como uma mera ilusão. Mas Tubarão, junto com Os Pássaros, de Hitchcock, é uma das muitas representações do medo que Hollywood soube tão bem massificar; o caso aqui é da natureza versus o homem, o terror mais primitivo, talvez o primeiro, e cada vez mais distante do nosso “seguro” cotidiano, mas que vez ou outra o cinema ou a própria natureza nos trata de recordar.

TRAILER> TUBARÃO (Jaws)

CLÁSSICOS DO CINEMA> DOUTOR JIVAGO

2012-09-13T13:07:00.000-07:00

Diretor> David Lean (1965)

Elenco> Omar Shariff, Julie Christie, Geraldine Chaplin

Duração> 197 minutos

O drama Dr. Jivago, um dos maiores épicos do cinema, tem como cenário a Revolução Russa. Ali, seguimos o idealista Jivago (Omar Sharif), médico e poeta que, casado com a aristocrata Tonya (Geraldine Chaplin), tem que conviver com os encontros e desencontros com seu verdadeiro Amor: Lara (Julie Christie).

Quando Doutor Jivago chegou aos cinemas, em 1965, ao contrário do que muitos pensam, não foi um sucesso imediato. Logo na primeira semana, os críticos olharam com antipatia a história de amor que atravessa a Revolução Russa, a ponto do Diretor, David Lean, jurar nunca fazer outro filme. Nada mais injusto, principalmente se observamos a grande jornada que a produção teve que fazer para chegar às telas.

Baseado no romance do autor russo Boris Pasternak, o calhamaço de quase seiscentas páginas, foi reduzido a um roteiro de cerca de 250 folhas por Robert Bolt. David Lean, depois do sucesso de Lawrence da Arabia, era o nome mais indicado para dar vida ao épico literário. Um dos primeiros entraves enfrentados foi a locação, o produtor Carlo Ponti desejava rodar na União Soviética, mas o governo proibiu. Lean visitou a Ioguslávia e os países escandinavos, mas a burocracia e o clima acabaram se tornando obstáculos para a produção. Assim, o filme teve que ser praticamente filmado na Espanha – os cenários que retratam Moscou demoraram cerca de 18 meses para serem construídos - onde não teve problemas com o tempo, mas sim com o momento político. Na época, a Espanha estava sobre o regime do general Francisco Franco, que acompanhou parte das gravações, causando um grande desconforto nos figurantes.

Enquanto ao elenco, existiam controvérsias entre os produtores e o diretor. Carlo Ponti queria sua mulher, a atriz Sophia Loren, no papel de Lara, David Lean não aceitou, alegando que a atriz era alta demais para o papel, ganhou Julie Christie. Omar Sharif tinha sido convidado para fazer Pasha, marido de Lara, e acabou recebendo de presente o médico poeta Jivago. Audrey Hepburn seria Tonya, desejo que se desfez depois que Geraldine Chaplin fez o teste para o papel, encantando o diretor.

A trilha sonora, um dos componentes fundamentais de Dr. Jivago, teve seus momentos de discussão. Lean não queria Maurice Jarre, achava o compositor francês muito meloso. No fim das contas, o Tema de Lara foi o grande chamariz do drama e vendeu cerca de 600 mil cópias na época do lançamento e arrematou o Oscar de Melhor Trilha Sonora.

Em renda, Doutor Jivago só perde para E o vento levou, ficando na segunda posição dos filmes mais rentáveis da MGM e, ajustado a inflação (de 2010), em oitavo em arrecadação.

Hoje, para os jovens cinéfilos, deve ser difícil acompanhar a tomadas longas e abertas de Dr. Jivago. Mas uma coisa não mudou, a história de amor que sobrevive a Revolução Russa e a guerra, não se tornou datado, emociona ainda por sua grandiosidade e beleza, característica típicas dos grandes épicos que o cinema, infelizmente, não produz mais.

LIVRO> A ERA DA LOUCURA, de Michael Foley

2012-06-29T08:23:00.000-07:00

Livro> A Era da Loucura
Autora> Michael Foley
Editora> Alaúde
232 p.

Opinião> Seria difícil, neste áureo século XXI, encontrar uma única pessoa que não esteja à busca daquele sentimento mais profundo, que traz satisfação e conforto, chamado felicidade. No entanto, com países colocando-a em sua constituição como um direito do cidadão – e que logo o Brasil deve fazer parte -, você não precisará procurar mais por essa, até então, abstrata condição; a Felicidade (isso mesmo, agora com letras maiúsculas), com forma e espaço a serem preenchidos, é exigível tal qual uma indenização por perdas e danos. E que seja paga com juros!

É essa transformação de paradigmas e prerrogativas, que o filósofo irlandês Michael Foley discute no livro “A Era da Loucura – Como o mundo moderno tornou a felicidade uma meta (quase) impossível”. Não se engane com o título. Para aqueles que adoram livros de autoajuda, o autor é um crítico ferrenho a este tipo de literatura, onde há variáveis passos a serem seguidos para alcançar os mais absurdos objetivos. “A única receita é que não há receita”, afirma ele.

Os que têm ojeriza à filosofia podem ter uma agradável surpresa. Com uma narrativa leve e cômica, Foley acaba trazendo graça para o que seria trágico e, por muitas vezes, colocando suas próprias ações em cheque. E buscar o entendimento através das suas próprias experiências é o melhor meio, segundo o autor, de chegar a um equilíbrio racional do querer e o poder.

Em cada capítulo, uma desconstrução. Foley fornece não só a lógica, mas diversas informações esclarecedoras sobre temas como trabalho, amor e envelhecimento, que tornam o senso comum um emaranhado ridículo de ideias manipuladas e manipuladoras. Em uma entrevista à revista Galileu, Foley desmistifica, por exemplo, a questão da transcendência nas religiões:

“Transcendência é uma perda de si mesmo, uma imersão de si em uma unidade maior – e a sociedade moderna prefere tomar o atalho à transcendência por meio de álcool e drogas. Quanto à espiritualidade, não-crentes não devem permitir que isto seja reivindicado pela religião. Também pode ser uma espiritualidade ateia: essencialmente, um sentimento de admirar o milagre da existência consciente na galeria das maravilhas que é o universo.”

Para o autor, a fuga de responsabilidades está tornando a sociedade infantil e individualista. Existe uma fuga progressiva das obrigações e uma busca por riqueza inesgotável, situação inversa pelo qual nossos pais e avós passaram. “O novo infantilismo tem contribuído para uma sensação cada vez maior de autovalorização e prerrogativa de direitos, e uma sensação cada vez menor de autoconhecimento e obrigação.”

E autoconhecimento é uma das palavras chaves do livro. Um dos principais objetivos do autor é tornar o leitor consciente do que ocorre a volta. “Se a ignorância é o problema, a solução deve ser o conhecimento. Portanto, percepção é redenção. Compreensão é salvação”. E para não dizer que Foley não cedeu nenhuma receita para encontrar ou perceber essa tal felicidade, ele dá um conselho peculiar: Meditação. “O objetivo da meditação não é a quietude e a indiferença, mas a consciência, a prontidão, a clareza de propósito.”

Receita simples de ouvir, mas difícil de colocar em prática. Mas o próprio Foley rebate com maestria a nossa postergação de melhorarmos nosso ser é o pequeno universo que nos cerca; “tudo o que é excelente é raro e difícil de alcançar”. É; ninguém disse que seria fácil.

LIVRO> NÃO SEJA BONZINHO, SEJA REAL - COMO EQUILIBRAR A PAIXÃO POR SI COM A COMPAIXÃO PELOS OUTROS, de Kelly Bryson

2012-05-15T06:23:00.000-07:00

Livro> Não Seja Bonzinho, Seja Real

Autora> Kelly Bryson

Editora> Madras
302 p.

"A força é a substituta universal da verdade. A necessidade de controlar os outros se origina da falta de poder, assim como a vaidade provém da falta de autoestima. A punição é uma forma de violência, uma substituta ineficaz do poder."

Opinião> Quantas vezes ao dia se colocam as máscaras de simpatia, bondade e solidariedade para com os outros, quando lá no fundo, na verdade, a pessoa queria estar fazendo o contrário? Por que é mais fácil falar um "sim" a contragosto do que um "não" espontâneo? Sem contar as várias situações onde se é "pressionado" a ceder continuamente - no emprego, com o chefe, no lazer, com os amigos e em casa, com a família. E aqui se podem enumerar vários exemplos, dos aparentemente inofensivos, como quando a amiga, que está um pouco acima do peso, pergunta se está gordinha e o interlocutor, não querendo perder a amizade, diz que ela está ótima, até às mais drásticas, quando o relacionamento termina e uma das partes não sabe onde errou porque sempre fez 'tudo certo'. Com certeza as situações citadas são familiares em algum grau para qualquer pessoa; no entanto, as diversas formas de se encarar estas situações é que faz toda a diferença. E, geralmente, os estragos que uma palavra mal dita causa, podem ser contornadas com mudanças de atitudes sutis que traz um grande diferencial para todos. Esta é a proposta do livro “Não Seja Bonzinho, Seja Real - Como equilibrar a paixão por si com a compaixão pelos outros”, do terapeuta americano Kelly Bryson.

Mais do que um "livro de receitas" comportamentais e longe de ser um daqueles monólogos de autoajuda, Kelly Bryson traça detalhadamente um perfil que não é somente fácil de verificar em várias pessoas próximas como também é visível na nossa personalidade. Em uma de suas listas de identificação, o leitor poderá descobrir se está seguindo os passos para o Autossacrifício (ou, como ele diz ironicamente, como tornar-se um capacho) enumerando, entre outras características, as seguintes:

1. Ouve mais do que gostaria;

2. Faz o possível para evitar que os outros pirem;

3. Trabalha para ganhar a vida em vez de tentar descobrir como divertir-se trabalhando.

É claro que o intuito disso tudo não é demonstrar os malefícios da bondade, e sim os efeitos que ela traz quando não mensurada conscientemente aos limites de cada indivíduo. Se as pessoas são sempre solícitas, talvez, o que move as suas ações não seja a vontade de ajudar, independente de recompensas e agradecimentos, e sim o medo inconsciente de magoar o outro e suas expectativas. Para o terapeuta, em um curto prazo essa desonestidade com os próprios anseios pode levar o indivíduo a descontar sua frustração em outras pessoas (que muitas vezes nem estão relacionadas com o problema) e a longo prazo pode consciente ou inconscientemente escolher outra opção mais destrutiva: o próprio corpo - através de vícios ou doenças.

Tudo começa na infância

Quando uma criança faz uma boa ação, como realizar as tarefas da escola ou lavar o carro no final de semana, naturalmente os pais podem recompensá-lo por sua boa vontade, porém, quando o inverso acontece ninguém vai reprimir o pai ou a mãe de castigar essa criança travessa. Jean Piaget já afirmava que "a punição torna impossível a autonomia da consciência", e segundo Alfie Kohn, autor do livro Beyond Discipline: From Compliance to Community (Além da Disciplina: da Complacência à comunidade) os efeitos repercutem na idade adulta "destruindo qualquer relacionamento respeitoso e amoroso entre o adulto e a criança e retardam o processo do desenvolvimento ético". E a sedução por recompensa também não é uma atitude louvável, principalmente se a criança começa a barganhar seus deveres morais e éticos por prêmios. Em uma interessante analogia, Kelly Bryson diz que castigos e recompensas são como beber água salgada, "dá um alívio a curto prazo, mas a longo prazo piora tudo."

O livro “Não Seja Bonzinho” aborda outro paradigma na estruturação da personalidade na infância: o uso do poder dos pais para exigir determinados comportamentos dos seus filhos. O oposto do amor não é o ódio, mas o medo, e o respeito pela autoridade advém do medo das consequências por não cumprir as regras, quando o que deveria ser cultivado era o respeito verdadeiro advindo de uma natural 'reverência amorosa', ou seja, a bondade inerente da personalidade do individuo, sem afetações externas.

A Comunicação Não Violenta

A cada capítulo, Bryson inquire o leitor sobre os seus comportamentos guiando-o para o papel de observador. Ao distanciar-se das ações como sujeito, tornando-se objeto de análise, fica mais fácil reconhecer vários modelos de ações e reações em sua grande maioria automáticas, para não dizer irracionais. Um dos primeiros passos para sair do estado de “vitimização” é reconhecer que o sofrimento não é causado pelo outro, mas pelas carências pessoais não supridas. Segundo o terapeuta, a técnica de Comunicação Não Violenta (CNV) seria uma das formas do indivíduo respeitar o espaço do outro sem que este invada o seu espaço.

Segundo o autor, “é melhor primeiro ter compaixão e amor apaixonados por mim e depois tenho compaixão e amor apaixonados quando os outros piram”. Em sua análise, ceder às vontades e desejos do outro é uma forma de violência que anula e oprime, levando muitas vezes ao ódio.

“Nessa cultura educada, o consentimento fingido permeia todas as áreas da vida. Há pessoas que dizem que irão a um compromisso, mas não aparecem, fazem promessas e depois as quebram e fingem ouvir, mas mentalmente estão em outro lugar.”

Para que a CNV ocorra de maneira natural é necessário duas características essenciais: presença e assertividade. Assim, da próxima vez que aquela amiga lhe perguntar sobre o peso dela, você não precisa mentir, dizendo que ela está ótima ou ser maldoso e chamá-la de gorda. Olhe para ela e diga o quanto gosta dela e que você está preocupado com sua saúde. Mostre empatia com sinceridade e não simpatia por dever. “Não Seja Bonzinho, Seja Real” demonstra que entre a guerra dos extremos do cotidiano, às vezes, é melhor pegar o caminho do meio.

ANIMÊ> SERIAL EXPERIMENT LAIN EPS. 101

2011-09-04T11:28:00.000-07:00

Serial Experiments: Lain
Diretor> Ryutaro Nakamura
História> Chiaki Konaka
#1 "Weird"
Exibido> 06 de Julho de 1998

Opinião> Estranho e curioso! Acho que estes são os melhores adjetivos para qualificar este primeiro episódio da série Serial Experiments Lain. O ritmo é lento, nada comparável ao que é comercialmente veiculado; eu o classificaria como um animê "cult-pop-filosófico", se é que vocês me entendem.

Lain é uma garota timida, retraída ao extremo, que não tem muita ligações afetivas sociais ou fraternais. Sem parâmetros, e em uma fase tão delicada que é adolescência, é perceptível sua falta de objetivos. As coisas começam a mudar à sua volta depois do suicídio de uma colega de colégio, porém, não demora muito e algumas pessoas começam a receber um e-mail da garota, afirmando que nao morreu, só que está em outro lugar, e Lain é uma das pessoas privilegiadas que passam a se comunicar com "a outra dimensão". Inicialmente, o resumo pode levar qualquer um a achar que estamos falando de uma trama com fantasmas, o que não é. SEL procura abordar as relações sociais no mundo pós-moderno e seus efeitos. Com o advento do computador e da internet, todos estão interligados; mas no cotidiano, estamos cada vez mais distantes, mergulhados na nossa própria realidade. Outro ponto abordado pelo animê é sobre o que julgamos real; além da realidade virtual, que está adentrando a vida de Lain, temos a realidade social, familiar e pessoal, uma bagunça de mascaras sociais que não torna as pessoas loucas por justamente elas nao estarem atentas ao que realmente ocorre ao seu redor. E quando Lain liga o computador, fica impressionada com a "pergunta da Esfinge": Quem é você? E após uma leitura de voz, a máquina, mesmo liberando sua entrada, coloca, sutilmente, em dúvida quem realmente está à sua frente -"Você parece ser mesmo Lain".

Há várias outras metáforas em apenas trinta minutos de episódio:o fato de Lain começar a ter problemas visuais, onde mensagens subliminares se sobrepoem à sua "realidade" e o detalhe de, em casa, ela está sempre "disfarçada" de urso de pelúcia, demonstrando um medo visível de encarar as mudanças que estão ocorrendo na sua vida apegando-se ao símbolo maior da sua infância inocente, justamente "vestindo" uma nova pele, para esconder seu novo "eu".

E após tanta auto-análise, em um mergulho cada vez mais profundo na sua persona, Lain é a única a se colocar no lugar da garota que "sofreu" o acidente nas trilhas do metrô. Ou seja, da garota "autista" do início do episódio, terminamos com uma Lain mais conectada à sua realidade, a ponto de se colocar no lugar de outra pessoa. Mas quem disse que o mundo que vivemos é real, principalmente quando um "fantasma" diz que Deus está com ela em outra dimensão?! Será que além da solidão física, Lain descobrirá que está sozinha metafisicamente falando? Quem sabe teremos a resposta nos próximos capítulos.

No final, foi inevitável não lembrar de Matrix, mas sem a pancadaria e os efeitos especiais. Ou seja, ficou só a filosofia. E isso, até agora, npara mim não é um problema.

Momento WTF> Depois de um contato de quinto grau com o espírito, ou algo parecido, da suicida, Lain decide pedir um computador turbinado para o pai maluco. @_@

SINAL VERDE

FILME> AS VIRGENS SUICIDAS (The Virgin Suicides)

2011-07-05T07:30:00.000-07:00

Direção> Sofia Coppola
Roteiro> Jeffrey Eugenides (Romance) & Sofia Coppola
Elenco> Kirsten Dusnt, Kathleen Turner, James Woods, Josh Hartnett
Páis/Ano de Produção> EUA/1999
Produção> American Zoetrope
Distribuidor> Paramount
Lançamento nos EUA> 23 de Abril de 2000
Lançamento no Brasil> 12 de Maio de 2011
Duração> 97 minutos
Orçamento> 6 milhões
Bilheteria Acumulada> 10 milhões

Opinião> Na primeira cena do filme As Virgens Suicidas a câmera passeia por uma rua comum a qualquer cidade dos EUA. Belas casas, com jardins bem cuidados e árvores frondosas na frente – uma representação banal do modelo familiar americano. Há uma tranquilidade presente no cenário, uma paz constante onde todos são interpretes desta felicidade idílica. A câmera para diante de uma das casas, não é qualquer uma, nela reside os Lisbons. E, como o título sugere e o narrador informa logo no início da trama, foram ali que as irmãs Lux (Kirsten Dusnt), Mary (A.J. Cook), Cecilia (Hanna Hall), Therese (Leslie Hayman) e Bonnie Lisbon (Chelsea Swain) tiraram a própria vida em menos de um ano. Em tanta perfeição, vislumbraremos suas rachaduras.

Apaixonado pelas vizinhas da frente, Tim (Jonathan Tucker) tenta, junto com um grupo de amigos, decifrar o grande mistério por trás da trágica morte das garotas. Onde foi que tudo começou? Por que elas fizeram isso? Existem culpados? Mas, como toda tragédia, existem mais perguntas do que respostas. Sofia Coppola além de inserir uma aura de mistério em torno dos Lisbons, também parece querer pincelar tudo com toques de uma tragédia grega. As irmãs quando surgem, passeiam languidas e etéreas, ninfas aquém do mundo e dos simples mortais que a cercam. É fácil entender e logo compartilhar da fixação dos jovens pelas meninas, as adolescentes são filmadas com um mistério nos gestos, nos sorrisos acompanhados de um olhar que parecem não fixar em nada e sim trespassar. Há uma sensualidade natural e ingênua permeando suas personalidades intrigantes. São seres incomuns para a época, crianças adentrando à força o bosque escuro e desconhecido dos adultos. Infelizmente, os pais não enxergam isso, percebem que mudanças estão ocorrendo, mas no exterior, o perigo está fora, então é melhor manter todos seguros dentro dos muros do lar. Inconscientes que a mudança real é interior, de dentro para fora. Em uma metáfora, seria como a virgem da caverna e o dragão fosse à mesma pessoa. A virgem se sacrifica para o monstro, devorada por ele, não deixa de existir, mas simplesmente faz parte dele. Os cavaleiros, que seriam os pais, pensam estar guerreando contra o mal, defendendo os fracos, quando, sem saber, não está defendendo as filhas do mal e sim guerreando contra elas.

As Virgens Suicidas é um retrato amargo de uma juventude sufocada por escolhas que não são suas. Como a história se passa na década de 70, o adolescente é um personagem novo na composição familiar; o que ele pensa, o que quer ainda é uma novidade, e por essa invisibilidade não são ouvidos. Antes, só tinham que seguir os sonhos e planos dos pais, modelos prontos para serem copiados. A depressão ainda não é uma palavra corrente, e muito menos reconhecida pela sociedade. Assim, Sofia Coppola praticamente cria uma ode a esta doença que permeia não só aos jovens, mais adultos, velhos e até crianças no século XXI. E tudo em As Virgens Suicidas é melancólico, é poético, é sensual porque a juventude remete a tudo isso, Ícaros prontos para queimar suas asas em desobediência aos pais, com o único objetivo a liberdade e os sonhos, o desejo de fugir a regra, buscar a plenitude de ser único.

Este foi o primeiro filme da americana Sofia Coppola, antes disso carregou por um longo tempo o peso das críticas negativas por sua participação como atriz no filme O Poderoso Chefão III (The Godfather: Part III), em 1990. E ser filha de um dos mais importantes diretores de Hollywood criou uma grande rejeição a sua primeira incursão importante à frente das telas, justificando sua presença em uma produção tão importante mais por nepotismo do que talento. Mas, por esses acasos do destino, se não fosse este contratempo talvez nunca conhecêssemos a verdadeira Sofia, que, quando atrás das câmeras, demonstra segurança e sensibilidade únicas, a ponto de distanciar do estilo de seu pai.

No seu primeiro filme, Sofia já traz na sua estrutura vários aspectos que seriam freqüentes em sua filmografia: a introspecção, a inércia da vida, a solidão e, o contraponto, a diferença que o outro pode fazer nas vidas dos seus personagens solitários. Como a poesia de Carlos Drummond de Andrade, para Sofia não importa o caminho e sim a pedra que impede o trajeto do andarilho, ele tem a escolha de seguir por algum meio ou parar e desistir. Em As Virgens Suicidas, infelizmente as Lisbons escolhem a última alternativa. Nota> 10

TRAILER> AS VIRGENS SUICIDAS

ARTIGO> O CONCEITO DE REVISTA EM QUADRINHOS E LITERATURA: PORQUE PERSISTEM AS DIFERÊNÇAS - 1º PARTE

2011-06-01T14:57:00.000-07:00

Recentemente escrevi este artigo sobre quadrinhos para a faculdade. Como a nota foi boa – só 9.6 :p – resolvi compartilhar com vocês, até para saber opiniões diversas. Vou colocar aos poucos os tópicos para a o post não ficar grande demais e nem enfadonho. Leiam e comentem>>>

*******

O Conceito de Revista em Quadrinhos e Literatura: Porque persistem as diferenças.

Introdução.

1. Muitos nomes, poucos significados

Comics, mangás, gibis, história em quadrinhos ou, simplesmente, HQs. As denominações são muitas para este formato popular de leitura, mas que trazem implicitamente significados restritivos. Comics e mangá denominam a origem cultural, respectivamente revistas americanas e japonesas, de material publicado nacionalmente. Gibi e história em quadrinhos, termos nacionais, ganharam um apelo mais popular e tornaram-se os títulos designativos de qualquer narrativa que tivesse como características a ação dos personagens em esboços, balões de diálogos e direcionados ao público infantil. Infelizmente, essa limitação ideológica no Brasil não colaborou com o desenvolvimento desta peculiar forma de arte, a exemplo de outros cenários, como o europeu e o americano. As barreiras que separam este tipo de literatura com a já difundida culturalmente – do comum formato dos livros – tornam perceptíveis os preconceitos existentes com a 9º arte*, impedindo um foco mais amplo, em âmbito social e escolar, para uma visão literária.

Na última década observamos, felizmente, a aceitação crescente dos quadrinhos nas salas de aula. Pedagogos e educadores chegaram à conclusão que as HQs são um ótimo meio para desenvolver a leitura na infância. Mas, um caminho longo para mudanças de pensamento foi percorrido, como demonstra Vergueiro,

“Essa inegável popularidade, no entanto, talvez tenha sido também responsável por uma espécie de “desconfiança” quanto aos efeitos que elas poderiam provocar em seus leitores. Por representarem um meio de comunicação de vasto consumo e com conteúdo, até os dias de hoje, majoritariamente direcionado às crianças e jovens, as HQs cedo se tornaram objetos de restrição, condenadas por muitos pais e professores no mundo inteiro. De uma maneira geral os adultos tinham dificuldades para acreditar que, por possuírem objetivos essencialmente comerciais, os quadrinhos pudessem contribuir para o aprimoramento cultural e moral de seus jovens leitores.” (2004: 08)

Essa crença, aos poucos vem sendo ultrapassada, promovendo na última década a criação de leias que possibilitaram a entrada dos quadrinhos nas escolas e bibliotecas.

“Mais recentemente, em muitos países, os próprios órgãos oficiais de educação passaram a reconhecer a importância de se inserir as histórias em quadrinhos no currículo escolar, desenvolvendo orientações para isso. É o que aconteceu no Brasil, por exemplo, onde o emprego das histórias em quadrinhos já é reconhecido pela LDB e pelo PCN.” (Vergueiro, 2004: 17)

Se por mimetismo a leis estrangeiras ou por iniciativas próprias para a adoção dessa literatura nas salas de aula, o ato foi positivo. No entanto, é notório que há uma necessidade de preparação dos profissionais da área sobre o universo dos quadrinhos. Notícias diversas pelo país dão exemplos da falta de preparo de professores e pedagogos para trabalharem este material em sala além do limite de objetos alfabetizadores para as séries iniciais.

Dois casos graves reacenderam os debates e demonstraram claramente pontos francos não só referente ao conhecimento sobre HQs, mas também sobre o que esses profissionais da educação tomam por literatura. O primeiro foi o recolhimento das obras O Jogador, Um Contrato com Deus e O Nome do Jogo, do desenhista e escritor Will Eisner das bibliotecas dos estados do Rio Grande do Sul e São Paulo, em 2009, pelas respectivas Secretarias de Educação. Os livros foram considerados inadequados por conter citações, neste caso seria melhor usar o termo imagens, que evocam pedofilia e violência doméstica em suas páginas. O outro fato que chamou a atenção foi o recolhimento da coletânea nacional Dez na Área, Um na Banheira e Nenhum no Gol, de Waldomiro Vergueiro. Considerada de “muito mau gosto” pelo então governador de São Paulo José Serra, os 1.216 exemplares foram recolhidos das escolas municipais a qual foram destinados.

A “demonização” do gênero é gritante. Tanto pela ignorância discursiva quanto pela falta de entendimento coerente e aprofundado sobre o objeto em questão. As justificativas sobre os casos listados acima levam a outras questões: o que estes profissionais consideram por literatura? Como é observado o leitor-aluno nessa perspectiva do que é ou deixa de ser politicamente correto?

(continua>>>)

TEST-DRIVE> SANCTUARY - EPS. 01

2011-05-19T14:58:00.000-07:00

Seriado> Sanctuary – 1º Temporada
Criador> Damien Kindler
Elenco> Amanda Tapping, Robin Dunne, Emilie Ullerup, Ryan Robbins
País / Ano de Produção> EUA/2008
Canal> SyFy
Dia> Segunda, às 23h
1º Temporada> 12 episódios

Opinião> Um detalhe que sempre me incomodou nas duas primeiras temporadas de Sobrenatural era a representação bem definida entre mocinhos e bandidos. Sempre pensava: e se aqueles monstros tivessem suas próprias vidas e dramas com suas justificadas? Como seria se eles não fossem sempre a representação do mal absoluto para um mocinho extravasar sua sede de justiça? Sanctuary, série do canal pago SyFy, explora muito bem essa vertente.

No enredo, o Dr. Will Zimmerman é chamado pela misteriosa Helen Magnus para fazer parte da sua equipe especial, o Sanctuary For All, que procura proteger e pesquisar monstros e seres sobrenaturais. Completam a equipe a jovem Ashley Magnus, filha de Helen, Henry Foss, responsável pela parte tecnológica e um amigável Pé-Grande. Para mostrar como a série e fora do comum, o primeiro serviço do Dr. Will é capturar uma criança com um apêndice simbiótico que suga cérebros quando está nervoso (bizarro é pouco!!!). Detalhe: o garoto matou três pessoas. Só isso seria motivo para os irmãos Winchester descerem chumbo, em Sanctuary não, neste caso os vilões seriam Dean e Sam.

Sem rostos conhecidos ou grandes efeitos, Sanctuary é melhor do que muita série exibida no Prime Time por aí, mesmo com suas limitações. O curioso é que a ideia surgiu primeiro na internet, com websódios disponíveis no canal. Com o sucesso, desenvolveram o universo para a produção de uma série e hoje Sanctuary já está na sua quarta temporada.

SINAL VERDE

TRAILER> O SANTUÁRIO (Sanctuary)

FILME> O HOSPEDEIRO (Gwoemul, 2006)

2011-05-18T11:58:00.000-07:00

Direção> Joon-ho Bong
Roteiro> Joon-ho Bong & Won-jun Ha
Elenco> Kang-ho Song, Hie-bong Byeon, Hae-il Park
País / Ano de Produção> Coréia do Sul / 2006
Produção> Showbox
Distribuidora> Pandora Filmes
Duração> 119 minutos
Lançamento na Coréia do Sul> 27 de Julho de 2006
Estréia nos EUA> 09 de Março de 2007
Lançamento no Brasil> 18 de Maio de 2007
Orçamento> 11 milhões
Bilheteria Acumulada> 87 milhões

Sinopse> Na beira do rio Han moram Hie-bong (Byeon Hie-bong) e sua família, donos de uma barraca de comida no parque. Seu filho mais velho, Kang-du (Song Kang-ho), tem 40 anos, mas é um tanto imaturo. A filha do meio é arqueira do time olímpico coreano e o filho mais novo está desempregado. Todos cuidam da menina Hyun-seo (Ko Ah-sung), filha de Kang-du, cuja mãe saiu de casa há muito tempo. Um dia surge um monstro no rio, causando terror nas margens e levando com ele a neta de Hie-bong. É quando, em busca da menina, os membros da família decidem enfrentar o monstro.

Opinião> O Hospedeiro teve grande repercussão no seu país de origem, Coréia do Sul. Com um custo de 10 milhões de dólares (valor pífio diante de um lixo como ALIEN VS. PREDADOR) chamou a atenção ao passar pelo Festival de Cannes em 2006, e desde então arrebatou vários prêmios, como o de Melhor Diretor para Bong Joon-ho no último FANTASPORTO. Isso prova como um filme de monstro pode ser levado a sério, envolvendo temas como sistema político nacional e internacional, dramas familiares, e a ultra-batida interferência humana na natureza. Isso tudo levando em consideração um aspecto primordial na história: o elenco. A família Park, com seus exageros cômicos, tornam o filme uma diversão a parte, ou seja, nada de ficar esperando o mostrengo aparecer para roubar a cena, o interesse se fixa tanto na busca pela pequena Hyun-seo, quanto no drama vivido por ela em seu cativeiro.

Já o monstro é um achado de criatividade da WETA, empresa responsável pelos efeitos do SENHOR DOS ANÉIS. Independente de ser uma criação gráfica, é sensível o profissionalismo dos envolvidos ao inserir características peculiares, tornando verossímel a evolução de um bagre para... "aquilo". Uma prova de que "criar" não ficou só na parte técnica: em uma das melhores cenas o "girino gigante" revida um ataque por pura raiva, como qualquer outro animal selvagem faria ao perceber que está sendo ameaçado.

Os vilões do filme – não, não é o monstro – os americanos, são rechaçados a todo o momento. É descarada a antipatia dos produtores pelos EUA; isso fica explícito principalmente na interferência estrangeira (a velha sutileza americana conhecida), por que uma das vítimas é um americano - o que gera todo um contra-ataque. Se Hollywood decidir refilmar a história é perigoso o bicho vir do espaço, só para eliminar a causa do problema.

O Hospedeiro não é só um fantástico suspense, mas também um bom drama, ficção-científica e, pasmem, comédia. Tudo isso na dose certa, como só uma cultura já acostumada com robôs gigantes e adolescentes defendendo o planeta poderiam criar. Estão produzindo uma continuação com previsão de estréia para 2009 e, ao contrário das notícias que recebemos das sequencias sem fim das produções ocidentais, não fico assustado com a notícia. Do mesmo modo que temos pré-estabelecidos que continuações sejam ruins é por que não vimos o outro lado da "moeda", e nisso, os coreanos, devem se sair melhores que os americanos.

Curiosidades>

O evento descrito no começo de O Hospedeiro é baseado em um fato real. Em fevereiro de 2000, uma instalação militar dos EUA situada no centro de Seul, um militar chamado McFarland despejou produto tóxico pelo sistema de esgoto que conduzia ao rio Han, mesmo com a objeção de um funcionário coreano. O governo coreano tentou processar o Sr. McFarland na corte nacional mas as forças armadas dos EUA recusaram a custódia dele ao sistema legal sul coreano. Mais tarde, um juiz coreano condenou o Sr. McFarland "in absentia". O povo coreano ficou irritado por causa da inabilidade da lei em seu próprio solo. Em 2005, quase cinco anos após o incidente original, Sr. McFarland foi finalmente julgado e considerado culpado em uma corte sul coreana. Entretanto, nunca pagou a pena de prisão real. Nenhuma observação de uma criatura mutante foi relatada no rio de Han até então;

A cena onde Nam-il chuta Gang-du no funeral foi improvisada;

Os criadores dos efeitos especiais utilizaram barris de metais para fazer o efeito do monstro pulando na água;

O diretor Joon-ho Bong apelidou o monstro de Steve Buscemi por causa da sua interppretação no filme Fargo (1996);

O diretor criou todo os movimentos da criatura e comparou este trabalho ao de dirigir um ator;

TRAILER > O HOSPEDEIRO (THE HOST)

TEST-DRIVE> THE GATES - EPS. 01

2011-05-17T14:59:00.000-07:00

Criadores> Richard Hatem, Grant Scharbo
Elenco> Rhona Mitra, Frank Grillo, Marisol Nichols
Páis/Ano de Produção> EUA/2010
Canal> ABC
Estréia nos EUA> 20 de Junho 2010
1º Temporada> 13 episódios

Opinião> O plot de The Gates, seriado de vida curta do canal ABC, inclui lobisomens, bruxas e, como não poderia faltar, depois de vampiros caipiras, adolescentes e aqueles com purpurina, temos agora os suburbanos.

O início do piloto é interessante: Claire (Rhona Mitra), aparentemente uma típica dona de casa, está levando sua filha para o ponto de ônibus da escola. Ela se distrai um pouco, a criança corre para rua e... isto mesmo, é quase atropelada. Passado o susto, criança sã e salva indo para o colégio, a housewife convida o motorista que quase matou sua filha para dentro de casa. Lá dentro, conversa vai, cantada vem, Claire vê que o cara está sangrando muito, motivo que a deixa “acesa” o bastante para atacar o homem literalmente, já que a bela dona de casa é uma vampira muito da faminta. Esta cena que inicia o episódio, com ela drenando o cara, é a coisa mais legal do episódio e a única.

Em seguida somos apresentados aos personagens mais chatos da série - inclua aí boa parte do elenco - e que guiarão toda a trama: os Monahan, uma família de humanos que vai bagunçar a vida de todos no condomínio. Nick Monahan, o patriarca, é o novo chefe de segurança do local e sua primeira investigação recai no desaparecimento do motorista que serviu de aperitivo no início. Essa é a parte adulta da série, existe a ala “malhação” representada pelos filhos do casal Monahan: Dana e Travis. O último tem um flerte com uma garota em ritmo the flash - aquele que você olha e já ta morrendo e matando por amor - e logo é perseguido pelo namorado dela, que é um lobisomem – mas não espere grandes coisas, eles estão mais para os “shapeshifters” de True Blood. Mas uma dica para os desavisados, não espere uma sessão de terror aqui, a série do canal ABC parece transferir todo o cenário de Desesperate Housewives para o universo fantástico, ou seja, famílias, independente da “espécie” são um saco: responsabilidades demais e diversão de menos. Aqui ser um “monstro” traz mais dores de cabeça do que mordomias, sem falar na vergonha, já que todos aparentam ser o que não são.

O grande problema da série é a falta de conexão não só do telespectador com a história, mas também entre o elenco, que soa forçado e artificial. Os únicos que eu achei mais à vontade e que acabou gerando interesse é o relacionamento doentio entre Claire e Dylan Radcliff, e só.

Fora uma pequena curiosidade de como tudo vai se amarrar com tanto monstro dando uma de suburbano emergente, o resto não atrai muito, do núcleo humano ao dos seres fantásticos. Com poucos atrativos, o interesse para ver como tudo vai se desenrolar é quase nulo.

SINAL AMARELO

TRAILER> THE GATES

FILME> LIGAÇÃO PERDIDA (Chakushin Ari, 2003)

2011-05-14T13:03:00.000-07:00

Direção> Takashi Miike (Ichi - The Killer)
Roteiro> Baseado no romance de Yasushi Akimoto
Elenco> Yumi (Kou shibasaki), Hiroshi (Shin'ichi Tsutsumi), Natsumi (Kazue Fukiishi)
País / Ano de Produção> Japão / 2003
Estúdio> Kadokawa
Distribuidora> Alpha Filmes
Estréia no Japão> 03 de Novembro de 2003
Estréia nos EUA> 22 de Abril de 2005
Lançamento no Brasil> -:-
Orçamento> -:-
Bilheteria Acumulada> -:-

Sinopse> Ao atender seu celular, uma adolescente ouve um grito aterrorizante cuja voz ela reconhece. Nervosa, ela vai ver quem ligou e descobre que a mensagem vem do seu próprio celular, com data de três dias adiante. Inexplicavelmente, ela encontra uma morte horrível, na data e hora da chamada. A partir daí, outras pessoas começas a receber estas chamadas e o pânico se instala. Uma jovem que também recebe o telefonema resolve descobrir o que está por trás disso tudo e a verdade é muito mais aterrorizante do que se possa imaginar. Dirgido pelo mestre do horror Takashi Miike, Ligação Perdida já tem status de cult pelo mundo inteiro e chega agora ao Brasil onde certamente manterá um lugar de destaque nas produções do gênero.

Opinião> Se os EUA disseminaram as histórias de casas assombradas, o Oriente está criando outra maldição: os objetos assombrados. Temos de tudo, desde perucas a violoncelos amaldiçoados. Em Ligação Perdida temos um objeto mais popular: o celular.

Baseado em um romance de Yasushi Akimoto, Ligação perdida foi lançado em 2003 e seu sucesso propiciou duas continuações, uma em 2005 outra em 2006 respectivamente, e uma série para TV de 10 episódios exibidas em 2005.

O diferencial deste filme é o seu diretor, Takashi Miiki, uma espécie de Quentin Tarantino oriental, só que mais extremo nas suas criações - então imagina as idéias visuais do japa. Em Ligação Perdida ele está mais contido, mas isso não o impediu de criar cenas violentíssimas dos ataques paranormais. Com uma cadência mais lenta e sem qualquer artifício sonoro – durante 112 minutos a única música é do toque do celular – o filme se torna, além de um bom suspense, uma experiência interessante onde muito se sugere e pouco se mostra, tudo a favor de criar um cenário adequado e crível para a maldição acontecer. Se você já está acostumado com o ritmo de videoclip e os sustos sonoros dos filmes americanos, passe longe deste aqui, mas se tiver atrás daquele algo mais, recomendo.

TRAILER> LIGAÇÃO PERDIDA

FILME> CONVERSANDO COM OS MORTOS (Solstice, 2007)

2011-05-14T12:42:00.000-07:00

"A verdade não pode ser enterrada"

Direção> Daniel Myrick (A Bruxa de Blair)
Roteiro> Daniel Myrick & Martin Musatov
Elenco> Elisabeth Harnois, Shawn Ashmore, Amanda Seyfried
País/Ano de Produção> EUA/2007
Produção> End Game Entertainment
Distribuidor> Imagem Filmes
Lançamento nos EUA> 01 de Janeiro de 2008
Lançamento no Brasil> -:-
Duração> 87 minutos
Orçamento> -:-
Bilheteria Acumulada> -:-

Sinopse: Menos de um ano após a morte de sua irmã, Megan e seus colegas de faculdade fazem uma última viagem a casa de seus pais em Louisiana. Quando um bonito jovem local lhes conta sobre o feitiço do solstício de verão - a época mais fácil para que os mortos se comuniquem com os vivos - o grupo tenta ressuscitar o espírito da irmã de Megan - mas acaba tendo conseqüências mortais.

Opinião> Conversando com os Mortos é leeeeeento, muito lento. À primeira vista a produção é boa, o que neste caso se torna um defeito. Depois de vinte minutos de filme com tantos adolescentes bonitos, tomadas da paisagem local e dramas juvenis, a impressão que fica é de estar assistindo a mais um episódio perdido de algum seriado juvenil, por que em contrapartida não há nada de suspense, sangue e mortes (algo que eu esperava pelo tamanho do elenco). O enredo não é de todo previsível, mas limitado, peca-se pela falta de ousadia. Um exemplo é a insistência do roteiro utilizar-se de um único recurso para trazer suspense à trama: um insistente chaveiro de ursinho. Entre as idas e vindas deste pequeno objeto há piadinhas entre amigos, romances mal resolvidos, nostalgia familiar e uma desnecessária contagem regressiva para a chegada do tal Solstício. E quando o bendito do ritual mencionado na sinopse resolve acontecer já estamos perto dos créditos finais. Isso se você não tiver perdido a paciência antes. Conversando com os Mortos tem apuro técnico de produção feita direto para a TV, mas é frio e sem vida, como os mortos que tentam se comunicar com a mocinha.

TRAILER> CONVERSANDO COM OS MORTOS

FILME> O PÂNTANO (The Marsh, 2006)

2011-05-14T10:40:00.000-07:00

"O passado não permanece enterrado"

Direção> Jordan Barker
Roteiro> Michael Stokes
Elenco>Gabriele Anwar, Justin Louis (Jogos Mortais 5), Forest Whitaker, William Cuddy
País/Ano de Produção> Canadá/2006
Produção> Marshville Productions
Distribuidora> Califórnia Filmes
Lançamento nos EUA> 17 de Abril de 2007
Lançamento no Brasil> 13 de Novembro de 2007
Orçamento> 9 milhões
Bilheteria Acumulada> -:-

Sinopse> Claire Holloway é uma bem-sucedida escritora de livros infantis, mas os personagens e histórias pueris que escreve não se refletem em seus sonhos. Pelo contrário: acometida por recorrentes pesadelos envolvendo mortes violentas, ela sente que seu subconsciente anda bagunçando as fronteiras entre a realidade e a fantasia. Assim, ela terá de resolver seus tantos fantasmas se não quiser sucumbir a um surto psicótico.

Opinião> A Globo criou um modelo interessante de denominarmos os filmes: temos aqueles que passam no TELA QUENTE - com os campões de bilheterias -, os da SESSÃO DA TARDE - depois da regularização do conteúdo de acordo com os horários se tornou mais "família"e os do SUPERCINE - dramas ou suspenses, geralmente, de gosto duvidoso, com o adendo de ter uma função altamente soporífera. O PÂNTANO se encaixa nesta última modalidade, se você está com sono, pronto é só começar a assistir-lo que é "tiro e queda". E não se preocupe, por mais que você durma, com certeza você vai acordar uma vez lá na metade do filme e outra nos últimos cinco minutos finais, e ainda assim irá entender a história do mesmo jeito.

Com certeza você já assistiu O PÂNTANO, a velha história do fantasma que quer descanso infernizando a vida dos outros. Além de cair no “lugar comum” de casas assombradas, o filme tem uma história mal desenvolvida. Os personagens ao mesmo tempo que gritam por causa de uma sombra, parecem encarar tudo normalmente quando estão vivenciando uma verdadeiro fenômeno paranormal. Claro que a protagonista vai dar uma de investigadora, enquanto pessoas são mortas dos modos mais bizarros. Mas sua curiosidade está acima de qualquer ameaça, já que sua sanidade depende da resolução do mistério.

Pistas falsas, personagens estranhos e lá se vão mais de 45 minutos de filme pra acontecer algo de interessante; e ainda temos que aguentar aquela mania americana de querer nos assustar com uma trilha sonora altíssima em vez de competência.

Gabrielle Anwar interpreta a escritora de livros infantis às voltas com os fantasmas da sua nova casa. Para quem não se lembra, a francesa estrelou o segundo remake de Invasores de Corpos. Belíssima, aqui nem isso é aproveitado. Suas expressões são tão limitadas que não há diferenças suas demonstrações de medo ou curiosidade, a única coisa perceptível era a indiferença, até os fantasmas tem mais diálogos e presença que ela. Forest Whitaker (O Ultimo Rei da Escócia) devia estar fazendo algum favor para um amigo, só assim para explicar sua medíocre interpretação. Sua participação consiste em botar a história nos eixos, ou seja, explicar o que está acontecendo pra todo mundo: para o telespectador, para os personagens e para o diretor também, que parece ter esquecido que estava filmando um filme de terror.

O PANTANO não assusta, não emociona (estamos falando de um filme de espíritos no Supercine) e nem causa calafrios. Se você tiver a sorte de dormir durante o desenvolvimento da história, talvez ache o filme bom. Azar daqueles que sofrem de insônia...

TRAILER> O PÂNTANO

FILME> AI QUE VIDA!, 2008

2010-12-20T11:05:00.000-08:00

Direção> Cícero Filho
Roteiro>Cícero Filho & Diógenes Macêdo
Elenco> Irisceli Queiroz, Wellington Alencar, Rômulo Augusto
País/Ano de Produção> BRA/2008
Estúdio> TVM Filmes
Distribuidora>TVM Fimes
Estréia no Brasil> 14 de Setembro de 2008
Duração> 100 minutos

Opinião> Devo confessar que o melhor de escrever esta coluna é a liberdade para a escolha dos temas. Não estar preso às estréias da semana ou aos lançamentos que chegam às locadoras são pontos positivos, não só no quesito de não soar repetitivo e pedante, mas também de estar livre de ver muito material de gosto, no mínimo, tortuoso. É com satisfação que deixo de lado os astros hollywoodianos, os blockbusters e os filmes oscarizados para falar do sucesso cinematográfico chamado “Ai Que Vida!”.

Produção 100% nacional, a comédia “Ai Que Vida!”, roteirizada, dirigida e produzida pelo jovem Cícero Filho, se passa na fictícia Poço Fundo, onde acompanhamos o desenrolar de duas histórias: a primeira, a disputa política entre Zé Leitão (Feliciano Popó), prefeito corrupto que tenta se reeleger, e a dona da funerária local, Cleonice da Cruz Piedade (Antonia Catingueiro), que quer acabar com a corrupção local; a segunda, o dilema amoroso da dançarina de forró Charlene (Irisceli Queirós) que, prestes a se casar com o mauricinho Jerod (Wellington Alencar), se vê apaixonada por Valdir (Rômulo Augusto).

O filme foi lançado em 2008 no cinema Riverside, em Teresina. Na mesma época estava estreando mais um capítulo da franquia Harry Potter. Adivinha qual sala teve todas as sessões lotadas a ponto do dono prorrogar sua exibição? Com a aceitação rápida do público e através de parcerias, o filme percorreu algumas cidades do Maranhão e Piauí, onde quem assistia queria ver de novo, enquanto quem só ouvia falar queria ver de qualquer jeito. E foi esse “de qualquer jeito” que acabou popularizando o filme em todo norte e nordeste com seu lançamento em DVD. Infelizmente, Cícero Filho produziu apenas 300 cópias para o mercado doméstico, ou seja, não demorou muito para “Ai Que Vida!” chegar aos camelôs e sites de downloads. Assim, não é difícil encontrar alguém que possua o filme para repassar para os amigos uma “versão alternativa”. Para Cícero Filho, que gastou cerca de 30 mil reais na produção, isso não é um problema, “meu maior lucro é ver as pessoas comentando que gostaram muito do filme, que se retrataram com o enredo e as personagens!”, declarou o diretor para o site Cabeça de Cuia.

As interpretações dos atores, nem todos profissionais, são um achado. A naturalidade, os trejeitos e os falares - armaria merman, nam! - reforçam todo o contexto da história, nada que lembre as formas caricatas dos nordestinos perpetuados pelas grandes redes de televisão. Um destaque especial para a atriz Sara Castro, que interpreta Mona, a melhor amiga de Charlene e responsável pelos momentos mais hilários do filme. Um ponto que, infelizmente, fica perdido nas cópias piratas são os extras do DVD que trazem toda a dura trajetória dos envolvidos para realizar esse trabalho. Sem contar as entrevistas e os engraçadíssimos erros de gravação.

Uma boa analogia para exemplificar este fenômeno é comparar, nacionalmente, os filmes da Globo Filmes, que não chegam a ser superproduções mas tem uma grande máquina de publicidade à seu favor, enquanto esta pequena pérola nordestina seria o equivalente aos filmes independentes. Não digo isso em relação só em termos de produção, mas sim no seu poder de atrair públicos específicos com uma linguagem mais fiel e criar novos conceitos do que é o cinema nacional e sua representatividade. Hoje nossa produção cinematográfica está indo muito bem, com reconhecimento da crítica e do público. Mas o que é produzido está preso a uma região que insiste em “querer ser” a identidade nacional. Restrito a este eixo, todas as regiões correm o risco da esteriotipação rasa e preconceituosa e também da limitação de cenários e temas. As leis, editais e financiamentos devem ser ofertados em igualdade a todos os profissionais, possibilitando ao nosso cinema mostrar toda a pluralidade do nosso país.

Não precisamos de atores televisivos e imagens do Corcovado para atrair um público. A sétima arte é algo que prima principalmente pela paixão dos envolvidos para atingir seus objetivos e agora é preciso também de democracia. O sucesso do filme “Ai Que Vida!” é um bom exemplo e deve ser tomado como um dos vários passos que o cinema nacional precisa continuar a dar.
(Publicado no Jornal O Girassol dia 27 de maio de 2009)

TRAILER> AI QUE VIDA!