NadaBueno

Husky Rescue: cuentos musicales que llegan desde Helsinki

2010-02-15T15:29:34Z

Para escuchar a Husky Rescue hay que estar dispuesto a traspasar el umbral de la realidad. Ese es el planteo de esta banda finlandesa nacida en Helsinki, en el año 2002: salir de la tranquilidad de lo conocido en busca de experiencias que van más allá de cualquier explicación racional o científica.
Su fundador, el multi-instrumentista Marko Nyberg lo explica en su sitio web diciendo que…

“A diferencia de otros canta-autores que cuentan historias sobre cosas que comienzan y terminan en el mundo real, nosotros amamos los cuentos musicales que abren puertas a otros mundos sin ningún destino específico en mente“.

Es así que cada canción de Husky Rescue es como un film en miniatura que apunta a generar su propio impacto emocional.

Marko Nyberg lidera la banda junto a la sensual vocalista Reeta-Leena Korhola. El resto de los miembros incluye a Miika Colliander en la guitarra, Ville Riipa en los teclados y Anssi Sopanen en los tambores.
Desde lo sonoro, se los puede ubicar entre el folk-hop y el electro-mod, aunque no dejan de aderezar la mezcla con ese característico toque chill al que nos tienen acostumbrados las bandas nórdicas.

En su variada y ecléctica influencia, el grupo también incursiona en diversas disciplinas, como el cine, inspirándose en David Lynch, Lars von Trier y Wim Wenders, en la arquitectura escandinava, en otros músicos y estilos como Erik Satie, Phillip Glass y el country folk, en el impresionismo francés, el diseño gráfico y la fotografía.
Es por eso que la mejor manera de disfrutarlos es preparandose para una inmersión en paisajes mentales alternativos.

New light of tomorrow

En el año 2004 lanzaron su disco debut Country Falls que en general tiene un ritmo tranquilo, pero hipnótico. Por momentos más pop, por momentos más volador.
Mucha guitarra con slide y la voz susurrante de Reeta-Leena Korhola hablandonos de gatos y de chicas que ahuecan las manos para darles leche tibia, de cowboys de verano, de chicas que se duermen en autos a toda velocidad, de canciones de cuna para dormir tigres… de cosas que están fuera del alcance de nuestro concepto de realidad.

El ritmo del disco sube y baja, vuelve a subir y a bajar con una facilidad pasmosa.
De pronto es la quietud de estar suspendido en el aire para pasar en el siguiente tema a bailar mecido por melodías inquietantes y fantasmales.

El segundo disco, Ghost is not real, del año 2007, muestra a un Husky Rescue más sólido.
Siguen apostando un poco al sonido etéreo, a las guitarras con slide, a las texturas minimalistas y los ritmos hipnóticos, pero las voces y las bases ahora son más concretas, más tangibles, como si hubieran traído aquel mundo de fantasía a nuestra realidad cotidiana. En eso, creo que ganaron mucho.

Si bien Ghost is not real sigue apoyándose fuertemente en la electrónica, me da la impresión de que se jugaron a incluir un porcentaje mayor de lo que yo llamo “tracción a sangre” y a disminuir la cantidad de ecos y reberverancias que hacían de Country Falls un disco liviano y lejano.
Este segundo material suena decididamente más cerca y con más aplomo.

Diamonds in the sky

Particularmente, me gusta el orden en que están presentados los temas. Un comienzo tranquilo, descriptivo, casi minimalista, que estalla en el tercer tema para cerrarse en una trilogía lenta y cautivante para luego subir y terminar con un ‘hitazo’.
Mis tres preferidos: “my home ghost”, “diamonds in the sky” y por supuesto, “caravan”

Caravan

A estos dos importantes trabajos discográficos habría que sumarles un álbum de remixes llamado Other World: Remixes and Rarities, y la promesa de un nuevo material llamado Ship of light para este 2010.

Horacio, NadaBueno.com

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Visage – Fade to Grey: el devenir gris del new romantic

2010-01-27T04:28:18Z

A fines de los ‘70, Steve Strange decidió alejarse de de la banda The Photons (power pop) con la intención de formar un grupo que le permitiera canalizar un torrente de ideas de influencia electrónica y que -a su vez- le diera material para pasar en Blitz, el club nocturno que tenía en sociedad junto a Rusty Egan.
La banda se completó con quien también sería su socio musical y con Midge Ure, ambos ex integrantes de The Rich Kids (punk – power pop). Así nació Visage, en medio del furor new wave.

Al darse cuenta de que el proyecto se tornaba “serio”, decidieron grabar un demo en el que versionaban “In the year 2525” de Zager & Evans, para el cual necesitaron de instrumentistas capacitados.
Fue entonces cuando llamaron a Billy Courrie y John McGeoch (guitarras), Barry Adamson (bajo) y al conocido pianista Dave Formula –todos ex integrantes de Magazine-, con quienes grabaron su primer single y precoz anuncio de éxito: “Tar”.
Era septiembre de 1979 y aún no sabían que la música que pasaban en Blitz inspiraría a muchos otros clubes de alrededor, los cuales servirían de escenario para el debut de clásicos como Culture Club y Depeche Mode.

En 1980, su primer álbum –también llamado Visage- se convirtió en un éxito de ventas y en foco de muy buenas críticas, debido a los arreglos, la orquestación, y la composición de una exquisita sencillez y calidad.
Pero como en todo disco hay un tema que sobresale, de lo que más me interesa hablar es de “Fade to Grey“, una de las obras más emblemáticas del new romantic.

Con esta canción, Visage hereda lo mejor del glam en cuanto a su estética visual y musical, pero busca diferenciarse quitándole el protagonismo a las guitarras electroacústicas para dárselo a los samplers y sintetizadores.
La era del techno pop había comenzado, y Steve Strange se maquillaba y se peinaba el cabello hacia arriba para recibirla.

En “Fade to Grey” aparecen los primeros sonidos de sirena, tan característicos de la electrónica bailable actual, acompañados de una marcación beat muy importante en el bajo y la batería.
De hecho, cada vez que escucho este tema no puedo evitar imaginarme una gran pista que me invita a bailar, en medio de la oscuridad amenazada por luces multicolores.

La imagen superior ilustra a la perfección lo que me genera musicalmente esta canción.
En “Fade to Grey” Visage trabaja con climas oscuros y lánguidos, en los que se conjugan melodías melancólicas y opresivas con recitados en español -“devenir gris”, susurra una voz femenina al comienzo- y frases en francés, la lengua del más maldito de los poetas de las postrimerías del Romanticismo: Charles Baudelaire.

Por último basta sólo con ver el videoclip de esta canción para entender por qué se convirtió en uno de los himnos del movimiento new romantic.
Estoy seguro de que cuando los Visage eligieron el blanco, el negro y el rojo -los colores de la vida, la muerte y la pasión- jamás se imaginaron que en esas imágenes estaban sintetizando lo más visceral de toda una estética.

Pablo Storani, NadaBueno.com

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OMD – Sugar Tax: entre lo místico y lo bailable

2010-01-24T12:49:37Z

Probablemente Sugar Tax sea el álbum de OMD con mayor trascendencia internacional y uno de los más vendidos del synthpop.
Los arreglos vocales e instrumentales de este disco son –sin lugar a dudas- de los mejores del estilo, ya que han logrado trasladar con éxito las melodías pop al complejo plano de lo orquestal.

Orchestral Manoeuvres in the Dark (en aquellos tiempos abreviado como OMITD) nació en Liverpool, en 1979, como un proyecto de Andy McCluskey en la voz principal, el bajo acústico y teclados, y de Paul Humphreys en teclados y coros, a los que se han sumado eventuales sesionistas en presentaciones en vivo y alguna que otra grabación de estudio.

A mediados de la década del ‘80 comenzó su verdadera época de fama en Inglaterra y Europa; pero en 1989 –a pesar de que estaban en su mejor momento- Humphreys decide abandonar OMIDT para escribir canciones por su lado.
McCluskey fue astuto y decidió conservar el nombre de la banda, pero renovó la abreviatura cambiándola por OMD.

Escuché a Orchestral Manoeuvres in the Dark por primera vez en el ‘93 o ‘94.
Yo miraba religiosamente un programa de televisión llamado Rock & Pepsi -el único de televisión pública en Argentina que difundía videos musicales internacionales- y me despertó mucho la atención un clip que parecía una película de los ‘50 con música de los ‘80: se trataba de “Pandora’s box”, el corte con mayor difusión del álbum Sugar Tax.

Ésta y otras canciones como “Sailing on the seven seas” y “Then you turn away” han hecho de este disco uno de los más significativos del synth-pop, en el que se nota muy claramente las influencias de grupos new wave como Eurythmics mixturados con pinceladas de techno pop.

En Sugar Tax, tal como lo promete su nombre, OMD prioriza por completo la orquestación; de hecho, casi todos los sonidos de teclados en este disco imitan a los instrumentos característicos de orquestas de cámara.
Todas las bases están grabadas, además, con cajas rítmicas, samplers, etc., lo que no impide en ningún momento la intervención de guitarras acústicas, bajos y baterías, como en “Sailing on the seven seas”.

Algo que distingue a los temas que componen Sugar Tax es que nunca se vuelven monótonos ni entran en el terreno del minimalismo, como es recurrente en otras composiciones del estilo.
En los planos armónico y melódico se pueden escuchar complejas modulaciones y solos de teclado Hammond que recurren a reconocidas frases del blues, algo innovador dentro del synthpop.

Por el contrario, en el plano vocal, los arreglos y la manera de cantar son fieles a sus influencias new wave; de hecho, la voz de Andy McCluskey me recuerda mucho a Roland Orzabal de Tears For Fears.

Sin lugar a dudas, Sugar Tax logra romper con la monotonía del estilo, fundiéndose en un synth-pop excelentemente orquestado con logrados arreglos vocales.
Este disco siempre me ha producido una especie de sensación de “paz musical” un tanto difícil de explicar… es increíble como los OMD –entre lo armonioso y lo vigoroso- logran sonar místicos y bailables a la vez.

Pablo Storani, NadaBueno.com

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Matthew Sweet: el 100% FUN desde Georgia

2010-01-23T23:45:18Z

La primera vez que escuché un tema de Matthew Sweet me pregunté si se trataba de alguna canción de Michael Stipe como solista o de algún lado B muy desconocido de REM.
Si no me equivoco fue en la casa de un amigo, a fines de los ’90. Me sorprendí mucho cuando me dijeron que no se trataba de ninguno de los integrantes de la mencionada banda, sino de otro músico también nacido en Georgia.

Siempre me llamaron la atención las coincidencias de origen entre músicos, porque en la mayoría de las ocasiones las similitudes de estilo tienen un fuerte fundamento en el desarrollo de un escenario musical local de una ciudad.
Me gusta imaginar a Kurt Cobain y a Krist Novoselic cuando todavía estaban en la escuela y visitaban los ensayos de The Melvins en Seattle, o a B.B King con tan sólo 15 años yendo a un club nocturno para escuchar a Fats Domino en Misisipi.
También imagino a Matthew Sweet, un músico completamente desconocido, siendo invitado para colaborar con una banda contemporánea de su natal Georgia: REM.

Pero más allá de las influencias locales, escuchando a Matthew Sweet descubrí que las melodías bien trabajadas y pegadizas también pueden olvidarse de las influencias “obligadas” de estilo (The Beatles, Beach Boys y Simon & Garfunkel).

Lo primero que escuché de él fue su álbum 100% FUN, el tercero de estudio y primero en obtener éxito masivo.
Para la época en que se editó este extraño disco (1995), su música traspasaba los límites de las radios universitarias para sonar en grandes cadenas radiales y programas televisivos. Yo lo conocí unos tres o cuatro años más tarde y, curiosamente, la canción que me llamó la atención fue “Sick of myself”, uno de los cortes más difundidos del disco.

Este tema define gran parte de 100% FUN, en la que Matthew Sweet coquetea con el indie rock y el power pop, a pesar de que también se aleja para acercarse al brit y explotar al máximo los solos de guitarra.
El sonido del disco en general es potente, algo duro en las bases, pero siempre prevalece el respeto por la calidad vocal.

“We’re the same” –otro de los temas que más me gustan del álbum- agrega un toque folk rock que en varios momentos deja al descubierto las fuertes influencias de colegas con los que trabajó, como es el caso de Michael Stipe.
Esta canción es una balada con una dulzura melódica y vocal muy cuidada, creando un clima que se beneficia por la ausencia de las explosiones de guitarra presentes en casi todos los demás temas.

We’re the same

Las melodías de 100% FUN suenan ingenuas, sin nada entrelíneas, dentro de la siempre eficaz belleza de la sencillez.
En “Come to love” los arreglos de voces exploran el terreno de lo coral (especialmente en el estribillo), acompañadas por suaves riffs de fondo.

Por último, entre las canciones del álbum que marcó un antes y un después en la carrera de Matthew Sweet, me interesa destacar “I Almost forgot”, una balada que contiene cambios armónicos y rítmicos moderados, con toques folk y melancólicos gracias a la guitarra slide.
En la composición de esta canción se nota una de las influencias más importantes en su adolescencia: James Taylor. Lo mejor del disco.

Definitivamente, 100% FUN es un gran álbum.
Es cierto, tiene un espíritu comercial, ya que Sweet es otro artista que se tuvo que amoldar a los nuevos tiempos. Pero la calidad de sus composiciones y de sus arreglos, hacen que esto no empañe para nada su mejor performance.

Pablo Storani, NadaBueno.com

Husky Rescue: cuentos musicales que llegan desde Helsinki Para escuchar a Husky Rescue hay que estar dispuesto a traspasar el umbral de la realidad. Ese es el planteo de esta banda finlandesa...

The Posies – Failure: melodías en tono power pop

2010-01-22T13:25:41Z

Descubrí a The Posies más tarde de lo que me hubiera gustado conocerlos, hace un par de años atrás, podría decir que de casualidad.
Lo que más me gusta de trabajar en radio es justamente el continuo riesgo de la sorpresa, de encontrarme con algo realmente nuevo (para mí), aunque en realidad sea algo “viejo” para la cronología de la música.

Fue una noche de septiembre, en uno de esos días en los que todo parece monótono.
En la radio, mis compañeros ponían canciones que me recordaban a otras canciones, hasta que “I may hate you sometimes” (The Posies) me sacó del letargo. Pregunté quiénes eran. “Una banda de los ‘90”, me dijeron. No sabía con qué estilo identificarlos, porque su música definitivamente no es rock, ni tampoco suena a pop ochentero.

En medio de la avidez típica que me ataca cada vez que descubro algo “nuevo”, buscando información me doy con que los autores del tema son considerados la banda del power pop por excelencia.
También me enteré que The Posies nació a fines de los ‘80, muy cerca de Seattle, nada más ni nada menos la ciudad que años después se convertiría en la cuna del grunge. Eran tan sólo dos chicos: Jon Auer y Ken Strigfellon.

Descubro, entonces, que “I hate you sometimes” era uno de los singles de su álbum debut (compuesto por temas propios), al que titularon Failure.
Lo conseguí como pude (al menos por aquí el disco no se encuentra en cualquier tienda) y, al escucharlo, me sorprendí por la calidad excelente de los arreglos de voces. Fue justamente la calidad vocal lo que me produjo una sensación de frescura al escuchar estas canciones, que en ciertos momentos parecen acariciar el punk, el hard rock y hasta un grunge precoz.

Una sensación que aún me queda es que en todo el álbum –pero particularmente en “I hate you sometimes”- las voces suenan a folk, sobre todo por su dulzura y cierta melancolía que en ningún momento dejan lado la parte vivaz del estilo.

Golden Blunders

También descubrí que en Failure el dúo se encargó de todo. Y cuando hablo de todo me refiero a que no sólo se encargaron de los arreglos vocales y de instrumentación, sino que además ejecutaron todos los instrumentos.

Dos de las canciones del álbum debut de The Posies (“I may hate you sometimes” y “Believe in sometimes other”) se convirtieron en hits radiales, una oportunidad genial para que cazatalentos como los del sello Geffen Records les ofrecieran editar su segundo disco: Dear 23.

Este segundo disco no fue tan difundido como el primero, pero -según dicen- fue producto de mucho orgullo para el dúo porque el tema “Golden Blunders” habría sido grabado por uno de los Beatles, en una versión que permaneció desconocida.
La verdad es que nada me consta de esto último, pero igual lo nombro como parte del mito que rodea a la banda.

Eran los comienzos de la década del ’90 cuando se sumaron dos más al grupo: Rich Roberts como bajista y Mike Musburger en la batería. Pero ya todos sabemos lo que pasó por entonces en Seattle: nació el éxito descontrolable de Nirvana, y The Posies se vio estrepitosamente opacado y confundido entre el nuevo movimiento.

Fueron aquellos momentos en los que se desvaneció el origen del power pop en su sonido, y empezaron a sonar más duros armónica y melódicamente, como para ponerse a tono con la nueva movida de Seattle.

En inglés, “failure” significa falla o fracaso, pero la verdad es que el álbum debut de The Posies no hace de ninguna manera honor a su nombre. Este disco es considerado nada más ni nada menos que la puerta de entrada al power pop, una especie de puente entre el rock y el pop repleto de melodías pegadizas y armonías vocales muy bien trabajadas, en la mayoría de los casos influenciadas por bandas de los ’60 como The Beatles, Beach Boys o Simon & Garfunkel.
Me parecieron muy interesantes los riffs por ser enérgicos y por evitar los solos de guitarra, algo muy característico del estilo.

Todo lo que vino después fue una confusión entre el post punk, el new wave y el indie rock, pero para hablar de eso tendríamos que abrir un nuevo capítulo sobre The Posies.

Definitivamente me quedo con Failure…

Pablo Storani, NadaBueno.com

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Faith Assembly: el esplendor del synthpop ‘made in USA’

2010-01-10T14:44:19Z

Foto: Patrycja Korfanty

Un día cualquiera, a mediados de los noventa, paseaba extasiado por la segunda planta de una conocida galería de Lima buscando algo nuevo que escuchar. Pude ver en una gran vitrina una portada que me llamó la atención… una corazonada me decía que debía escuchar aquel disco.

La tapa del Shades of Blue presentaba en el fondo a un hombre sentado junto a una mesa y al frente la imagen fantasmal de una niña, tonos de azul y luz muy tenue.
Luego de escuchar los ocho temas de aquel disco, quedé convencido que el synthpop de los Faith Assembly le daba un nuevo brillo al género.

A inicios de los años noventa el synthpop tomó fuerza en norteamérica. Bandas y solistas como Cosmicity, Color Theory y Agnes Poetry engalanaban la electrónica con sus nuevos sonidos. Faith Assembly se distinguía entre esa constelación de agrupaciones.

Su líder y fundador Mark Stacy junto a Craig Gilmore y Leigh Bailey encaminaron una propuesta distinta. Sus sencillas y delicadas composiciones desbordan pasión y estremecen el alma.

Stacy y compañía han logrado incluir atmósferas densas que evocan a la melancolía sin perder el toque dinámico que nos brinda la electrónica. La utilización de guitarras y melodías synths retro son, sin duda, una suerte de renacimiento del pop que lo hace muy gratificante.

Sus dos primeros discos, Shades of Blue (1993) y My Mortal Beloved (1997), les dieron el espaldarazo para afianzarse entre sus seguidores y lograr la atención de los medios.
Títulos como “denial“, “redemption” y “red ambition” se convirtieron en sus temas más importantes.

Una constante en sus cinco álbumes y nueve singles publicados es el espacio nostálgico que inevitablemente evoca dolor, desamor y sufrimiento, marcados detalles que también se pueden apreciar notablemente en las portadas de sus discos y en la temática de sus videos.

* “Carry me” es el sexto título de su cuarto álbum de estudio, Descent into Madness, lanzado en el 2008

Esta importante agrupación norteamericana ha lanzado recientemente su ultimo single “scarborough fair“, un viejo y bello tema de Simon & Gurfunkel en el que han impreso su sello y característico sonido.

Ricardo, NadaBueno.com

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Invisible Limits: hacia un dance-pop con fantasía

2010-01-08T17:17:44Z

Invisible Limits nace en abril de 1985.
Gracias a ese desasociego generacional que la mayoría de bandas underground de los 80s tenían en comun

En medio de aquel descontento generalizado, Thomas Lüdke (vocales, teclados) Ralf Schauf (bajo), Basera Küchenmeister (percusión) y Aseema (Marion) Küchenmeister (en voces), habían unido fuerzas y centraban su búsqueda del sentido de la vida en convertir sus sentimientos en música.

El trabajo empezó en un oscuro sótano y culminó a las pocas semanas en algo que se habría de convertir en una de las experiencias independientes más exitosas de los años ochenta.

Los dos ‘primeros ladrillos’ de la historia de Invisible Limits son Love is a Mystery (1985) y Devil Dance (1986), y forman parte de la colección de cualquier discoteca que se jacte de poner excelente musica aún hoy en día.

Los Dj’s empezaron a pasarse copias caseras de las grabaciones de mano en mano, cosa que hizo posible la irrupción del grupo en la escena de la new-wave, aún antes de que se editara nada de manera oficial.

Pero cuando la euforia del primer momento se apaciguó, el éxito obtenido les hizo anhelar más: la diversidad de opiniones en cuanto a los proyectos en solitario y a los sonidos o a los objetivos acabaron irremediablemente en la primera división del grupo (1987).

El vocalista Thomas Lüdke intentó retomar el éxito con Invincible Spirit, la misma clásica agrupación que hizo aquel tema bandera del ebm llamado “Push!” (recordado por todos).

Aquí hay que hacer un acápite corto pero importante: el sonido tan ebm de Invisible Limits hasta estos momentos se debio integramente a la presencia de Thomas en sus filas.

A continuación dejo “devil dance“, canción clásica de esta banda, bailada en casi todas las discotecas europeas en los años 80s.

Invisible Limits editó su primer álbum, Demand for Supply, en 1987 y abrió el camino y el estilo del grupo.
Vale añadir que el sonido característico de la banda se dio gracias al aporte y talento musical de Basera.

Este disco es una grata experiencia para la gente que gusta de los sonidos ochenteros. El sello responsable fue Fun Factory.

Dos años después aparecería el segundo álbum, A Conscious State (1989).
Las revistas de música alucinaban, y describían el cover de”love will tear us apart”, de Joy Division, como “uno de los temas más interesantes y brillantes de los últimos meses”, llegando algunos tan lejos como para decir que era una de las mejores cover-versions de los 80.

Aquí dejo la versión que hicieran de este clásico, que por cierto llegaría en su segundo álbum… una de las mejores versiones escuchadas por este humilde servidor (aunque la calidad del audio y del video dejan mucho que desear, vale la pena colgarlo).

Invisible Limits – Love will tear us apart

Por vez primera las revistas musicales británicas tomaron nota de estos alemanes, describiéndolos como una “irresistible y bailonga combinación de New Order y Eurythmics” que hacen un “synthpop de alta calidad”.

Familiar! (1991) pertenece a la tercera etapa en la historia de los Invisible Limits, co-producido por el británico John Fryer (Depeche Mode, Nine Inch Nails, HIM, etc.).
Hoy, el grupo cree que ésta fue una experiencia que los hizo completarse: las aportaciones musicales de gente perteneciente a una nueva generación se reflejaban en sutiles arreglos y en un sonido más claro y relajado.

“A diferencia de muchos grupos descendientes del espectro electro-wave, los Invisible Limits logran crear buenos arreglos y tensión bien calculada.
La característica coexistencia de las cultivadas voces virginales y de un grupo que se desvía de la imagen tecno ortodoxa hacia un dance-pop con fantasía“… ésta fue la reacción de la prestigiosa revista Musik-Express.

Es por eso que, de este disco en donde la mayoría de los tracks son bastantes profundos y más intimistas, les dejo con “sex symbol” (uno de los más ‘movidos’)

Su quinto y hasta la fecha último álbum, Violence (1993), fue otro hito en la historia del grupo.
Ralf Schauf y Jürgen Jaeger habían abandondo la banda, dejando a Aseema y Basera Küchenmeister a sus anchas. Con invitados musicales ingleses (Nigel Butler, Andy Falconer, Len Davies), canadienses (Darrin Huss, Psyche) y mexicanos (Blanca Solorio), quedó claro el puro y enorme potencial del grupo.

El resultado fue una producción madura.
La revista Fachblatt describió al álbum como “una producción evolucionada en consecuencia en términos de melodía y arreglo” y alabó su “versión mínimamente acústica con cuerdas del Imagine de John Lennon, con la voz de Aseema dándole ese toque mágico” (Fachblatt, 01/94).

Violence pasó desapercibida en Alemania, pero el resto del mundo añoraba a este par de ‘buscadores del sentido de la vida‘.

En 1995, las peticiones de los fans llevaron a Aseema y Basera Küchenmeister a la capital de Letonia: innumerables entrevistas de radio y programas de TV hicieron que la fría ciudad de Riga hirviera a principios de enero, al presentar a los letones aquellas canciones melancólicas envueltas de sonido esférico, como la que se presenta en seguida.

Con ustedes, “you’ll never know“.

Con esas impresiones, los Invisible Limits volvieron finalmente a Alemania en 1996.
Los jovenzuelos descontentos se habían convertido en adultos pensativos. Diez años de producción y la tensión de la gira tuvieron su resultado: Aseema y Basera se tomaron un descanso para reorganizar y repensar las estructuras del pasado.

Desaparecieron de la escena pública en 1996 y se centraron en sus vidas privadas y en algunos proyectos más pequeños.

Durante los cinco últimos años de silencio han compuesto nuevas canciones.
Existe todavía ese sonido anhelante -aunque ahora claro y seguro- y ahora cuentan sus propias historias en ellas: las estructuras sonoras melódicas y los ritmos hipnóticos de su estilo combinan mejor que nunca con la voz melancólica y onírica de Aseema.

Un nuevo elemento presente en la instrumentación del grupo es el Cajón Peruano, el mismo que proporciona una nueva dimensión a los vibrantes ritmos de los Limits (The final Album).

Este ultimo disco, está cargado de excelentes melodias junto con 2 tremendos covers (”temptation” de New Order y “torch” de Softcell) hechos con dedicación y ese toque particular que la banda ha tenido a bien brindarnos en cada disco… totalmente rcomendable.

Disfrútenlo y si tienen intenciones de comprarlo pues adelante: como es autoproducido, les estarán ayudando directamente a seguir haciendo música grandiosa.

Chuby242, NadaBueno.com
Fuente

‘Mis Problemas Con Las Mujeres’: El éxito masivo de Loquillo y Los Trogloditas Aquella noche había una frase que se repetía incesantemente en la reunión… Esperen, esperen… voy a poner una canción buenaza… sólo una… luego ya siguen...

Arcade Fire: todo un viaje emocional e introspectivo

2009-12-18T17:04:15Z

Cada vez que me siento triste echo mano a mis discos de Arcade Fire.

Este grupo está encabezado por el matrimonio Win Butler / Régine Chassagne; estadounidense él, canadiense con ascendencia haitiana ella, multi-instrumentistas ambos.
Pero el mérito de Arcade Fire no se queda en estas dos personalidades: basta con googlear un poco la trayectoria de alguno de sus integrantes, como Richard Reed Parry, Will Butler -hermano de Win- o de algún ex-integrante, como Owen Pallett, para darse cuenta de que es un grupo que apostó desde el principio por la calidad musical en la composición y ejecución de sus temas, y por una instrumentación que va más allá de los límites del rock / pop comercial.

El violín, el contrabajo y el acordeón mezclan sus sonidos con la zanfonía, la mandolina y el corno francés… todo eso sin dejar de sonar como un grupo de indie rock/pop y ensamblado con la pericia suficiente como para dejar lugar a que las voces canten sus letras como si estuvieran a flote en una balsa en medio de un mar cargado y embravecido.
Es que uno no puede resistirse al embrujo emocional de esta banda, sobre todo cuando se cruza en la historia personal… como es mi caso.

A principio del año 2004 editaron su primer álbum, llamado Funeral, que yo recién conocí a mediados del 2006. Supuse por el título (y sin haber tenido escuchas previas) que sería un disco melancólico y denso.
Leyendo un artículo sobre éste, me entero de que el disco fue titulado así debido a varias muertes que habían sucedido en torno al grupo: la abuela de Régine Chassagne, el abuelo de Win y Will Butler, la tía de Richard Reed Parry.

Estos decesos viraron el material un par de tonos más abajo de lo que tenían planeado en sus orígenes. Ese fue el detalle que faltaba para hacerme adicto al sonido espeso e hipnótico de Arcade Fire.

Con la muerte de mi padre a poco menos de un año de distancia, no pude evitar sentirme comprendido y acompañado en el dolor.
A lo largo de los años 2004 y 2005 Funeral fue metiendose en la sangre del público, que show tras show fue creciendo de sólo un par de cientos en los primeros conciertos a miles de personas… en presentaciones cuyas entradas se agotaban en un abrir y cerrar de ojos.

Cuando cerraron el año 2005, el balance incluía shows desde Canadá hasta Japón, pasando por el Lollapalooza norteamericano, el Electric Picnic irlandés y el Lowlands Festival en Holanda.
Todo eso aderezado con apariciones junto a David Bowie, David Byrne, U2, y hasta una nota de la revista Times en su versión canadiense.

Wake Up

En el 2006 decidieron que necesitaban un lugar propio y adquirieron una iglesia -que había sido abandonada y luego convertida en café- en un pequeño pueblo de Quebec llamado Farnham, y la transformaron en estudio de grabación.
Pasaron gran parte del año grabando allí con salidas ocasionales para hacer tomas en locaciones puntuales (Budapest, New York).

Finalmente, para las mezclas finales convocaron a Nick Launay como ingeniero de sonido: un inglés que trabajó anteriormente con Nick Cave, Kate Bush, Talking Heads, INXS y Lou Reed, por nombrar algunos.
Así se gestó el segundo álbum, llamado Neon Bible, que salió en diciembre del año 2006.

Para ese entonces, yo estaba hechizado por esta banda y el nuevo disco fue como sacar la cabeza fuera del agua y respirar. Sonoramente era un disco más denso, pero ya no me tocaba tan profundo en lo emocional (por cuestiones personales, que ya conté).
Sin embargo fue un disco que me atrapó, ahora “desde el lado intelectual“.

Yo había quedado encantado hacía unos años con un libro llamado La Conjura de los Necios de John Kennedy Toole y tenía la idea de que era el único que este señor había escrito… una compañera de trabajo me sacó del error al mencionarme una novela llamada La Biblia de Neón.
Obviamente, al salir el segundo trabajo de Arcade Fire, la relación fue instantánea y la mayor parte del disco terminó por cerrar ese concepto.

Sin embargo Win Butler declaró en una entrevista que no se había inspirado en la novela de Toole, sino que la imagen de la biblia de neón siempre le había llamado la atención. Pero “el mal ya estaba hecho” y mi en mi mente todo sonaba con reverberaciones de coros en una pequeña iglesia…

Neon Bible

Mención aparte merece la presencia de Arcade Fire en internet. La página principal de su sitio está dedicada a promover que parte de las ganancias por las ventas serán donadas al programa Partners In Health en Haití.

Una vez dentro del sitio de la banda, un árbol nos cuenta la genealogía del grupo para luego dar lugar a un espacio de expresión donde cada integrante tiene su voz y su momento para comunicar lo que desee.

El sitio de Neon Bible es también una experiencia gráfica e interactiva que pica el intelecto y los sentidos sin restar protagonismo al material sonoro que es, sin dudas, el pivote de la web de estos canadienses… altamente recomendables para un viaje emocional e introspectivo.

Neighborhood #1 (Tunnels)

Horacio, NadaBueno.com

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The Residents: los extravagantes del Avant Garde

2009-12-15T02:46:55Z

En el año 1990, un compañero de la facultad me prestó un CD titulado Eskimo (Esquimal), diciendome “Escuchá esto. Es rarísimo”.
En la contraportada recomendaban apreciarlo en un estado de ánimo relajado, con luces tenues, auriculares y una manta a la mano. Seguí las instrucciones y me dispuse a escuchar…

Rarísimo era poco. El extraño disco se basa en la idea de la banda viviendo una temporada con una comunidad eskimal en Alaska. Inspirándose en sus rituales y leyendas para crear sus canciones. El CD era acompañado por un booklet contando costumbres y creencias, mezclando la caza de la morsa, el nacimiento de un bebé y un Angakok (chamán esquimal) preparandose para enfrentar al espíritu de la muerte.
Parecía un sesudo trabajo de investigación de campo, salido directamente del más avezado etnomusicólogo. Sin embargo, los músicos jamás salieron del estudio de grabación. El viaje lo habían hecho hacia adentro, lo cual lo hacía aún más grandioso.

Fueron clasificados dentro de la Avant Garde / experimental. Y a eso suenan. A un experimento de vanguardia.
Sin embargo, hay algo que los caracteriza y que no permite que lo que hacen quede sólo en lo experimental: la idea.

The Residents es un grupo movido por ideas. La primera y fundamental es la del anonimato.
Es increíble, pero a casi cuarenta años de trayectoria, no se sabe quiénes son sus integrantes. Se conocen nombres de personas que han colaborado o influído, pero de sus integrantes… nada. Ellos mismos en su sitio web (http://residents.com/) dicen con respecto a eso:

- ¿Por qué los integrantes de The Residents están tan obsesionados con el anonimato?

- No lo están. Son las otras personas las que parecen sentirse incómodas con su privacidad.

Otra de sus ideas es la Teoría de la Oscuridad. Esta especie de manifiesto estipula que el artista debe crear sin influencias externas y que el arte así gestado debe ser apreciado sin intervención de ideas previas.
De ahí que si sabemos quiénes son, probablemente sepamos a qué suena.

Sin embargo, The Residents no pueden evitar tener un sello personal. Desde lo sonoro, con su manejo de las voces distorsionadas, al uso del estudio de grabación como un instrumento más y su descomposición tanto del ritmo como de la melodía.
Puedo asegurar que no suenan a nada conocido (y menos, comercial). Su versión del tema “satisfaction“, de los Rolling Stones es una prueba clara de su manera de pensar. Para ellos, poder transmitir la angustia por no poder obtener satisfacción (”I can’t get no Satisfaction“) es lo más importante y así es como ellos la cantan:

Desde lo visual, la impronta de cuatro tipos vestidos de traje con un ojo gigante como cabeza coronada con galera no deja lugar a equivocaciones. Estos tipos son únicos y personalmente, hasta el momento no conozco otro grupo que levante el guante que ellos arrojaron a la cara de un sistema que mete al arte por un lado de la picadora y por el otro saca salchichas listas para vender.

Algunos hasta llegaron a decir que lo que ellos hacen no es música. y es que ellos no se consideran músicos al 100%, sino que la mezcla artística que hacen se completa con su dominio del mensaje en la imagen y la potencia conceptual en sus presentaciones.
“One minute movies” es un ejemplo de su versatilidad:

La muerte del autor, es otro de sus delirantes conceptos en los que la obra existe separada de quien la crea, de modo que se aprecie el producto artístico por lo que es en sí y no por quién la hizo una persona.
Por eso ellos dicen que todo aquel que haya colaborado con The Residents es un ‘Resident‘.

Este grupo, que lanzó su primera placa en el año 1972 (Santa Dog), sigue sorprendiéndonos en la actualidad por su creatividad única e insólita. Buscando nuevas maneras de interactuar con su público, editó un material sólo disponible a modo de download que se conseguía a través de un código y un password impreso en las placas que se distribuyeron en el tour americano del año 2008.

El trabajo fue llamado Bunny Boy y para mi sorpresa puse “The Residents” “Bunny Boy” en el buscador de Youtube y me encontré con una serie de videos que hicieron hace muy poco y que fueron pensados para formato web.
Esto me deja tranquilo ya que la banda que empezó su carrera hace tantos años, se encuentra hoy, más viva que nunca.

“Bunny boy (episodio 1)” – Se recomienda ver el resto para una total apertura de conciencia ^_^

Horacio, NadaBueno.com

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The Rave-on-ettes Live in Lido / Berlin

2009-12-11T19:00:59Z

Después de un grado medio de gripe y costipado, aún con un poco de congestión, no puedo faltar al concierto que The Raveonettes dan en Berlin. ¿Qué mejor plan para un lunes?

Situado en Schelisches Strasse esquina Cuvry Strasse, Lido es un local Young and Beautiful (tema de The Raveonettes, que no tocaron, pero que es excepcional)

Desde fuera pasa totalmente desapercibido, de aspecto viejo y simple, parece estar abandonado. Pero cuando entras, te das cuenta que no acertaste con nada de lo que imaginaste.

Dispone de un pequeño hall donde el portero te pedirá la entrada y te mirará el bolso. La segunda fase es otro pequeño hall de donde se disponen las salas: la pista de baile propiamente dicha con su escenario, y una gran sala donde hay asientos de finales de los 70, como unos 50 o 60; un futbolín grande y bien cuidado, y una barra tan larga como uno de los laterales de la habitación.
Forrada como si de una carpa de circo se tratase y donde predominan los tonos rojos y granates, aquí puedes escuchar música, beberte una cerveza, sentarte y charlar, jugar un futbolín, bailar….

De aquí me dirijo al baño antes de que empiece el concierto. El de caballeros está en la misma planta, pero para el de señoras has de subir unas escaleras. Ya abajo, veo que las paredes están repletas de de carteles de conciertos, de giras, de nuevos álbumes…pero según empiezo a subir las escaleras, los carteles siguen, por todas las paredes.
Llego al baño de señoras: allí lo que hay son algunos carteles más, pero lo que predomina son las pegatinas por la madera de las puertas, los azulejos, y bordeando los espejos, además de las clásicas pintadas.

Cuando bajo, ya me dirijo a la sala de conciertos para coger un buen sitio. No hay mucha gente aún, y la mayoría están sentados en los laterales tomándose una cerveza. Yo también me siento y miro a mi alrededor: no es una sala muy grande, pero encantadora, y rápido me doy cuenta de que es genial para un grupo como The Raveonettes.
Miro cómo terminan de montar las cosas en el pequeño escenario, y de repente me fijo en la batería y en el tambor leo: Expatriate. ¡No me lo puedo creer! exclamo, aquellos teloneros de Placebo que hace un par de semanas no me habían gustado nada en el Berlin Arena, ahora telonean a The Raveonettes. En ese momento pensé algo así como “pff” .

Cuando la sala aún estaba a medio llenar, Expatriate empiezan con los primeros acordes: un intro guitarrero que me gusta ahora más que la primera vez. En general su actuación me gustó más que en el Arena. Y me doy cuenta de por qué siguen en Berlin, es que dicen que viven aquí.
Lo que más me gusta de ellos es el bajista: su pose, su actitud, como de rockero total pero sin parecer pretencioso. Es expresivo, toca descalzo, y se le ve bastante sexy también.

El escenario del Lido está a más o menos medio metro del suelo, y no existe ningún tipo de separación entre éste y lo que es la pista, es decir, nosotros, el público. Por lo tanto, si estás en primera fila, has de mirar al artista en picado, hacia arriba.
Así, los Expatriate, al terminar sacaron el equipo del escenario por aquí, por la parte delantera.

El equipo de The Raveonettes parece bastante sencillo: un par de micrófonos, unas guitarras y una batería. Dado el espacio reducido, en el Lido el toque final lo dan los focos, los colores, sus disposiciones y el juego que dan el técnico de luces.

Llega el momento en que sabes que van a salir, y allí salen Sune Rose Wagner y Sharin Foo, acompañados de otro guitarra y un batería. Él con camiseta a rayas horizontales blancas y negras, ella con vestido baby doll negro con las hombreras marcadas.
De su aspecto inicial me encantan sus peinados: él con sus rizos un poco al estilo Tim Burton, pero no tan excéntrico, y ella una marcada media melena platino con un flequillo que le roza las cejas, parece una muñeca.

No hace mucho que empecé a escucharlos en serio, pero es una de esas bandas que sabes has de ver al menos una vez en tu vida en directo, por eso no lo dudé ni un minuto cuando vi la fecha del directo en Berlin.

Cualquiera de sus temas, por difícil que parezca, son mejores en directo. No es sólo el encanto que el propio live tiene en sí mismo, es otra cosa. Te das cuenta de la sincronía de sus voces, de lo similares que son, de lo perfectas que suenan juntas, en una simbiosis pasmosa, se hacen una sola.
Es curioso cómo las voces se fusionan en una, mientras diferencias claramente cada guitarra y el bajo. Esto, y esas letras tan cargadas de energía a las son tan fieles , no hacen otra cosa que hipnotizarte.

Simplemente así, de esta manera casi intimista, con el juego de luces, la pasión de Sune Rose al cantar y la firmeza de Sharin, de frente, con la guitarra, te seduce sin apenas darte cuenta.

A pesar de que me pareció un concierto corto, de apenas hora y media, me fascinó el esquema de los temas.
No sé muy bien cómo explicarlo… es bien sabido el estilo de The Raveonettes, su indie más íntimo y claro, y su pop-rock más impulsivo que te anima a mover todas las partes de tu cuerpo. Pues de esta manera lo hicieron, tal y como a mí me gusta, una armonía del orden con “Bang”, “Break Up Girls”, “Lust”, “Last Dance,” “Suicide”, “Black/White”, “Love in a Trashcan”…

Te das cuenta, porque estás allí, lo ves, lo vives, lo sientes, lo percibes a cada segundo. Pocas veces me había fijado expresamente en esto, o quizá es que pocas veces de verdad había antes pensado que el orden funciona, le dieron el máximo sentido a cada uno de los temas, por separado y como conjunto.
Quizá es que pocas veces antes, de verdad una lista de tracks en un concierto había estado tan bien elegida. Por ejemplo, Cuando hicieron la primera intentona de “nos vamos” y no paramos de aplaudir durante 3 minutos hasta que aparecieron de nuevo, tocaron el “Last Dance” exactamente en el momento que debieron hacerlo, ahí mismo.

De esta manera, intercalaron momentos en los que tanto él (mientras ella se sienta en el suelo a tocar la guitarra) como ella, cantan en solitario una balada, sin mayor acompañamiento que la propia guitarra, con momentos donde el público bailábamos unos con otros mientras no parábamos de sonreír.
Es como poesía, para los oídos y para la vista.

Como bien he dicho, el concierto fue corto: en poco menos de hora y media se despiden de verdad.

Entonces, nos vamos yendo.

Antes de salir, pienso que voy a volver al baño. Y menos mal que lo hice: de camino, me encuentro a Sharin, ella misma tras el mostrador del merchandaising, atendiendo a la gente, enseñándoles las tallas de las camisetas, hablando con ellos, vendiendo bolsos, tazas, chapas…

No habían pasado ni diez minutos desde que había terminado el concierto, y ella se había colocado allí directamente, otra vez a disposición de todos los que habíamos disfrutado de su música.

¿No es genial? Así lo pensé yo, lo mismo que durante todo el concierto.

Kitchena Fact, NadaBueno.com

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