Naranjas de Hiroshima

Semana de Cine Kurdo, voces de Rojava por primera vez en la pantalla mexicana

noreply@blogger.com (Kinoluiggi) — Tue, 17 Mar 2026 04:18:00 +0000

MX Nuestro Cine presenta la Semana de Cine Kurdo, voces de Rojava por primera vez en la pantalla mexicana

Un ciclo de cuatro películas producidas por la Komîna Fîlm a Rojava (Comuna de Cine de Rojava), organización cinematográfica colectiva fundada en el norte de Siria.
Transmisión del 16 al 21 de marzo de 2026, del Día del Genocidio Kurdo al Newroz, el año nuevo kurdo.

El canal 22.2 MX Nuestro Cine presenta la Semana de Cine Kurdo, un ciclo que acercará al público mexicano las voces, luchas y realidades del pueblo kurdo a través de su propio cine.

El ciclo abre el lunes 16 de marzo, aniversario del bombardeo químico de Halabja cometido por el gobierno de Irak a la comunidad Kurda en 1988, y cierra el sábado 21 de marzo con el Newroz, el año nuevo kurdo. Entre esas dos fechas, el ciclo traza un puente simbólico entre la memoria del dolor y la esperanza de renovación.

Las cuatro películas son producciones de la Komîna Fîlm a Rojava, comuna cinematográfica fundada en 2015 en el norte de Siria, en pleno conflicto bélico. Su modelo de producción es colectivo y autogestionado: los cineastas no son observadores externos, sino participantes activos de los procesos que documentan. Surgida al calor de la Revolución de Rojava , el proceso de autogobierno kurdo basado en la democracia directa, la ecología y la liberación de la mujer, la comuna ha construido un archivo audiovisual fundamental para comprender los acontecimientos del Kurdistán sirio, desde la batalla de Kobane hasta la resistencia yazidí frente al Estado Islámico. Sus producciones cuentan con la colaboración de colectivos audiovisuales iberoamericanos, que han establecido puentes de solidaridad cinematográfica entre el Mediterráneo y Oriente Medio.

El ciclo abre el lunes 16 de marzo a las 22:00 hrs. con el documental Tierra y Kurdistan (España, 2016); producido por los colectivos españoles Cámara Negra Colectivo Audiovisual y Semilla Audiovisual en colaboración con realizadores kurdos, este documental explora la relación entre el pueblo kurdo y su tierra ancestral. A través de un enfoque ecológico y político, el filme examina las prácticas de agricultura sostenible, la defensa del territorio y la construcción de una sociedad basada en el confederalismo democrático.

Puedes ver Tierra y Kurdistán en Naranjas de Hiroshima

El miércoles 18 de marzo a las 22:00 hrs. se transmite Letters from Shengal / Cartas desde Shengal (Irak, Siria, Kurdistán, 2022), dirigida por Dersim Zerevan; híbrido entre documental y ficción que aborda la tragedia y la resistencia del pueblo yazidí tras el genocidio perpetrado por el Estado Islámico en agosto de 2014. Combinando testimonios reales con elementos narrativos de ficción, la película revela la resiliencia de una comunidad ancestral que enfrentó el horror del exterminio.

El jueves 19 de marzo a las 22:00 hrs. se presenta Berbû (Wedding Parade) (Siria, 2022), dirigida por Sevinaz Evdike; drama que narra la celebración de una boda tradicional kurda en Rojava, mostrando cómo las tradiciones culturales persisten y se transforman en tiempos de revolución. La película explora las tensiones entre costumbres ancestrales y los nuevos valores de igualdad de género promovidos por la revolución, ofreciendo una ventana a la vida cotidiana y las transformaciones sociales en curso.

El ciclo concluye el sábado 21 de marzo a las 21:00 hrs., con Kobanê (Siria/España, 2022), dirigida por Özlem Yaşar; drama bélico basado en los hechos reales de la batalla de Kobane (2014-2015), uno de los enfrentamientos más simbólicos contra el Estado Islámico. A través de personajes de ficción inspirados en combatientes y civiles reales, la película recrea la resistencia heroica de una ciudad asediada que se convirtió en símbolo mundial de la lucha kurda.

MX Nuestro Cine invita al público a sintonizar la Semana de Cine Kurdo del 16 al 21 de marzo por la señal 22.2, para conocer historias raramente contadas en los medios convencionales, filmadas desde adentro por realizadoras y realizadores que son parte integral de los acontecimientos que documentan.

El ciclo sera visible en territorio mexicano en: Señal de TV abierta en el Valle de México por el Canal 22.2 Mx Nuestro Cine, y en toda la república por cable en Sky 1278 | Izzi 481 | Dish 304 | StarTV 148 | Totalplay 497 | Megacable 125 y en streaming en https://canal22.org.mx/mx_nuestro_cine.html

Colectivo Cine Mujer (1975-1986)

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Fri, 06 Mar 2026 02:40:00 +0000

Colectivo Cine Mujer (1975-1986)

El Colectivo Cine Mujer fue un grupo pionero del cine feminista latinoamericano, surgido en México y compuesto por mujeres cineastas feministas de diferentes países, activo de 1975 a 1986, con el objetivo de presentar y recoger las voces de mujeres estudiantes, amas de casa, trabajadoras sexuales, líderes de organizaciones populares, etc. Representando las vidas privadas y públicas femeninas, respondiendo a la óptica masculina que dominaba el cine mexicano en la década de 1970.

Dentro del cine del colectivo, se dieron a la tarea de llevar las propuestas de los distintos grupos feministas a la pantalla y de utilizar el cine como una herramienta de concientización sobre las graves consecuencias del machismo. Las obras de este colectivo mostrarían también desde las cámaras, los debates sobre los caminos que debía seguir la lucha por la emancipación de las mujeres.

Historia

El colectivo Cine Mujer, fue formado por estudiantes del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) actualmente conocido como la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas (ENAC), perteneciente a la UNAM. El colectivo se formó en 1975, y en sus inicios fue conformado por Rosa Martha Fernández, mexicana quien fue testigo de las movilizaciones estudiantiles del 68 en París; Beatriz Mira Andreu, nacida en Brasil pero que también había radicado durante una temporada en Francia y Odile Herrenschmidt estudiante francesa; a ellas se sumaron Guadalupe Sánchez, Ángeles Necoechea, Sonia Fritz, Eugenia (Maru) Tamés Mejía, María Novaro y María del Carmen de Lara, entre otras.

Coincidieron como estudiantes de segundo curso y planificaron una práctica que, con motivo del Año Internacional de la Mujer proclamado por la Organización de las Naciones Unidas y cuya sede fue la Ciudad de México, abordaría temas como el aborto. El proyecto original, en el que cada una abordaría diferentes casos, no llegó a ver la luz, pero fungió como base para los futuros proyectos del colectivo.

Hacia finales de la década de los setenta, Rosa Martha Fernández realizó las dos primeras obras del Colectivo Cine Mujer. En “Cosas de mujeres” (1978) la directora denuncia el problema del aborto clandestino en México a través de la ficción de una joven estudiante de sociología que tiene un embarazo no deseado, y las adversidades y humillaciones por las que tiene que pasar, tras un aborto mal realizado en el Hospital General de la Ciudad de México. La segunda cinta, “Rompiendo el silencio” (1979), analiza mediante la recopilación de testimonios, el grave problema de la violación en México, en el que comparten culpabilidad la Iglesia, el aparato judicial y la cultura machista.

Sin embargo, después de esta cinta el colectivo dio un giro radical en sus acciones y en sus obras, ya que la fundadora decidió dejar el grupo y viajar a Nicaragua para documentar e impulsar la participación de las mujeres en la revolución sandinista. Tras esto, quien quedó al frente del colectivo fue Beatriz Mira, estudiante brasileña, que incluiría por primera vez la condición de clase como elemento para comprender la opresión de la mujer en el cine del colectivo.

Mientras Fernández filmaba sus dos primeras cintas, Beatriz Mira realizaba “Vicios en la cocina” (1978), cortometraje donde se aborda de manera íntima y personal la situación de una mujer esclavizada por el trabajo doméstico, en dónde ve pasar su vida encerrada entre las paredes de una unidad habitacional.

Para su siguiente cortometraje, que marca una segunda etapa en el colectivo, Mira realizó "Es primera vez” (1981), una cinta donde las luchas por la liberación de la mujer y por la liberación de la clase trabajadora se funden completamente. En octubre de 1980, mujeres campesinas, obreras, colonas y esposas de trabajadores, pertenecientes a casi cincuenta organizaciones populares, se reunieron en Cuernavaca, Morelos, para compartir sus experiencias de lucha. Mira decidió filmar a estas mujeres que, siendo amas de casa como la protagonista de su anterior cinta, habían decidido organizarse y participar en la lucha popular en distintos puntos del país.

A pesar de la calidad lograda en “Es primera vez”, Beatriz Mira no volvería a dirigir una película hasta 2008. Sin embargo, películas como “Vida de ángel” (Ángeles Necoechea, 1982), documental que recoge el testimonio de distintas mujeres de diversas edades sobre el trabajo doméstico, el matrimonio y los roles de géneroo "Yalaltecas" (Sonia Fritz, 1981-1984), que trata sobre un grupo de mujeres en contra del cacicazgo en Yalalt, una región de Oaxaca; muestran la forma en que una parte del Colectivo Cine Mujer decidió inclinar sus intereses hacía un cine de intervención política en el que las mujeres se configuraron como la parte esencial de la lucha social.

Después de 10 años de trabajo del colectivo, se dio su disolución en 1986 por debates internos, sobre si la inclinación de que Cine Mujer entrara de lleno a la corriente del cine militante, que es aquel que busca ser una herramienta activa de lucha política y que su propósito no es sólo narrar o exponer, sino que busca incidir de manera inmediata en el cambio social, este tipo de cine es el que se presentó en los filmes de la primera etapa del colectivo; o de si se debía seguir como cine de intervención política, siendo este aquel que su objetivo principal es la reflexión, el análisis crítico o la representación artística de estos temas, más que una acción directa este siendo la corriente de la segunda etapa del colectivo.

A pesar de la separación del colectivo, las directoras siguieron sus carreras con filmes propios y actualmente siguen trabajando por que la historia de su colectivo no sea olvidada y siga inspirando a un cine feminista, que a pesar de la sociedad machista en la que vivimos, las cineastas logren plasmar su visión de la realidad y generar consciencia en las personas que consuman su cine.

Integrantes

Legado

En 2022, las realizadoras mexicanas Andrea Gautier y Tabatta Salinas Caballero realizaron el documental Rebeladas sobre el Colectivo Cine Mujer, el impacto que tuvieron sus películas y las problemáticas que continúan existiendo desde los 70.

En 2023, el Festival Internacional de Cine UNAM realizó una retrospectiva sobre el Colectivo Cine Mujer, titulado Colectivo Cine Mujer: El acto de mostrar, y reestrenó 8 de sus películas. Para su inauguración, el FICUNAM realizó la mesa de reflexión 'Las primeras luchas feministas por la pantalla en México', transmitido por Canal 22 y con la participación de Maricarmen de Lara, Guadalupe Sánchez, María Novaro y Rosa Martha Fernández, donde las realizadoras reflexionaron sobre su trabajo y el impacto del Colectivo.

Cosas de mujeres

Dirección: Rosa Martha Fernández
Fotografía: Arturo de la Rosa, Mario Luna, Víctor Viala
Música: Mario Lavista
Edición: Marcelino Aupart, Valtraud Kontel, Guy Devart, Ramón Aupart, Rosa Marta Fernández
Intervienen: Patricia Luke, Ángeles Necoechea, Martín Lasalle
País de producción: México
Año: 1975-1978
Duración: 42 min

Una estudiante de sociología tiene un embarazo no deseado y es sometida a la terrible humillación de un médico incompetente. La muchacha enferma por el aborto mal realizado y es llevada por una amiga al Hospital General. Filme que denuncia el problema del aborto clandestino en México, con entrevistas a mujeres que se han hecho abortos en ese hospital e impactantes estadísticas sobre mujeres que mueren por procedimientos realizados en condiciones precarias.

Rosa Martha Fernández

"Nació en la Ciudad de México en 1943. Es egresada de la facultad de Psicología y del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la UNAM, del Instituto de psicología de Paris, de la Escuela de escritores, de la Sociedad de escritores de México, del Taller de la dirección de la Casa del teatro, de la Escuela de teatro del Centro Nacional de las Artes y de la Escuela nacional de teatro Jacques Lecoc en París, Francia.

Ha escrito y dirigido más de 80 Videos de ficción, documentales, video de danza y teatro, de los que destaca la serie La casa dividida (1988). Ha escrito dirigido las películas de mediometraje: Cosas de mujeres (1978), nominada al Ariel, Rompiendo el silencio (1979) y Nicaragua, semilla de soles (1985). Ha escrito 3 guiones cinematográficos de largometrajes de los que “Zapotito” fue seleccionada en el certamen del INCINE escritura de guiones en 1997. Ha escrito cuentos y obras de teatro cortas, también me ha dirigido teatro, fue directora general de TV UNAM de 1989 a 1993. El proyecto de Televisión universitaria ejercido durante esos años fue seleccionado para participar en el premio internacional “Jules Verne” que se otorga el mejor proyecto de difusión televisiva de la cultura de la ciencia por el Centro nacional de la investigación científica en Francia. De 1978 a 2005 impartió clases de guion y dirección de la Facultad de Filosofía y Letras, la ENEP Aragón y la Facultad de química de la Universidad Nacional Autónoma de México."

Más información de Rosa Martha Fernández en el Catálogo Mujeres Documentalistas en México por el Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora

Ver película restaurada en HD en FicValdivia.

Y si eres mujer…

Dirección, Guion, producción: Guadalupe Sánchez
Fotografía: Carlos Bustamante.
Música: Guadalupe Sánchez, Isabel Parra, Trova Cubana
País de producción: México
Año: 1977
Duración: 6 min

El filme describe de manera sencilla la división que se hace entre las niñas y niños a través de la educación al asignarle distintas formas de conducta por la diferencia de sexos.

Guadalupe Sánchez

"Nació en 1955 en Córdova, Veracruz. Fue la última de siete hermanos. Durante la infancia aprendió que era posible fabricar cosas con las manos. Lupita fue de las últimas generaciones que cursaron la preparatoria en dos años. Sin embargo, no pudo acceder a la licenciatura por ser menor de edad. Esto le dio la oportunidad de irse un año a estudiar teatro en Xalapa, donde también ingresó a un taller de artes plásticas y algunas veces acompañó a su hermano Jorge en las poblaciones cercanas a proyectar el Cine Trashumante de la Universidad de Veracruz. Egresó de la licenciatura de Arte y diseño en la Academia de San Carlos, donde hizo sus primeras animaciones Mentirosa (1975) y ¿Y si eres mujer? (1976) con planteamientos feministas. Convivió con el Taller de Animación A. C. hizo animación para Virikuta (Grupo Cine Labor, 1976) y se desarrolló como script en Complot petrolero: La cabeza de la hidra (Leduc, 1980). Fue parte del grupo Un viejo amor, con el que grabó un casete homónimo en 1978, en esa época también formó parte del Grupo Arte y Sociedad.

Fue integrante del Colectivo Cine Mujer donde participó colectivamente en los documentales Es primera vez (1980), Vida de ángel (1982), Yalaltecas (1984) y Bordando la frontera (1986). También colaboró en los ejercicios fílmicos de las Ninfas del Celuloide (María Novaro, Maria Cristin Camus, Silvia Otero y Conchita Arroyo), en 7 am. (Novaro, 1982), Querida Carmen (Novaro, 1983) y en Una isla Rodeada de agua (Novaro, 1984), producciones en las que participó como actriz y diseñadora de arte. Durante mucho tiempo hizo ilustración y animación para proyectos editoriales y de televisión. Participó animando algunos fragmentos del documental La sirena y el buzo (Mercedes Moncada Rodríguez, 2009) y tuvo una participación similar en Las sufragistas (Ana Cruz, 2012). Su primer documental como realizadora fue La primera sonrisa (2014) donde además fue productora y animadora. El cuerpo volvió a ser protagonista en su segundo documental, Mi piel oculta (2022), codirigido al lado de su hijo Pablo y en el que ella también hace la animación para evocar la experiencia que cinco personas experimentan con sus cuerpos."

Más información de Guadalupe Sánchez en Catálogo Mujeres Documentalistas en México por el Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora

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Vicios en la cocina

Dirección, producción: Beatriz Mira
Guion: Beatriz Mira, poema ”Las papas silvan”, de Silvia Plath
Fotografía: Arturo de la Rosa, Mario Luna
Música: ”Dos gardenias para ti”
Edición: Gilberto Macedo
País de producción: México
Año: 1978
Duración: 23 min

"Cinta sobre el trabajo doméstico femenino. Se muestra el tedio y la frustración de una mujer dedicada exclusivamente a las labores del hogar."

Beatriz Mira

Nació en 1949 en Río de Janeiro, donde cursó la Escuela Superior de Diseño Industrial y de Comunicación Visual. Por motivos políticos vino a México donde se naturalizó e hizo estudios de realización cinematográfica del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC-UNAM). Ganó el Ariel de plata como mejor cortometraje documental testimonial otorgado por la Academia Cinematográfica Mexicana por la dirección de la película Vicios en la cocina (16 mm, blanco y negro), película que seleccionada entre las mejores por el Festival Mundial de Escuelas de Cine. Beatriz participó en el Festival de Cine y Video Feminista de Ámsterdam. en el Encuentro Latinoamericano y del Caribe de Mujeres en Lima Perú, y en el 1er. Festival del Nuevo Cine Latinoamericano de La Habana, Cuba. Ha impartido cursos en Berkeley, California y en Chicago.

Ha ejercido diferentes funciones en el ámbito del cine y el video como la dirección el guion, cámara, animación, edición y producción, entre sus trabajos se encuentra Vicios en la cocina, un video sobre la cineasta María Novaro, la campaña Cambia de película sobre violencia contra las mujeres, el video Enrique Guzmán pionero de la posmodernidad en México, sobre la obra de dicho pintor, participó en el guion y actuación del video El Otoño, para Diálogos a fondo, de Canal 11.

Actualmente es docente en el Centro de Enseñanza para Extranjeros (CEPE-UNAM) donde aborda la relación entre el cine latinoamericano y la mujer a ambos lados de la cámara, el cine Chicano, ha dado cursos sobre cámara y sonido en el Claustro de Sor Juana y tiene amplia de experiencia docente.

Más información de Beatriz Mira en Catálogo Mujeres Documentalistas en México por el Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora

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ROMPIENDO EL SILENCIO

Dirección: Rosa Martha Fernández
Guion: Colectivo Cine-Mujer, Rosa Martha Fernández
Fotografía: Toni Kuhn, Mario Luna, Alejandro Gamboa
Música: Alicia Urueta
Edición: Marcelino Aupart
Intervienen: Javier Aispuro, Scarlet Quiroz, Ricardo José Lezama
País de producción: México
Año: 1979
Duración: 36 min

Este documental integra una serie de testimonios sobre dos mujeres violadas y el presunto violador. La cinta analiza el grave problema de la violación desde sus causas y consecuencias, y difunde las opiniones sobre el tema que ofrecen la iglesia, el aparato judicial y la opinión pública.

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No es por gusto

Dirección: Maricarmen de Lara, María Eugenia Tamés
Producción: Maricarmen de Lara-Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México (Cuec / UNAM)
Guion: María Eugenia Tamés, María del Carmen de Lara, Juan López, Laura Rossetti, Alfonso Morales
Fotografía: Alejandro Gamboa, Vicente Blanchet
Edición: Elizabeth Kapnist
País de producción: México
Año: 1981
Duración: 51 min

Cinta que agrupa una serie de entrevistas realizadas a varias mujeres que ejercen la prostitución en la vía pública y a través de las cuales exponen sus experiencias cotidianas y la manera en que son reprimidas por la policía. La cinta incluye declaraciones de funcionarios del penal conocido como "La vaquita" donde éstas son encarceladas por ejercer su oficio.

Maricarmen de Lara

"Directora, documentalista, académica y productora independiente de cine y video. Después de estudiar un año Pedagogía, ingresó al CUEC (hoy ENAC) en 1977, de donde egresó en 1983 con la especialidad en Realización. Compaginó sus estudios de cine en la UNAM con el trabajo en la Cineteca Nacional y el Archivo Audiovisual del INI. En 1981 se incorporó al Colectivo Cine Mujer, surgido a raíz del movimiento feminista. Después del terremoto de 1985 en la Ciudad de México, filmó durante 1985-1986 No les pedimos un viaje a la luna, mediometraje documental que abordó la situación y la organización de las costureras afectadas por el sismo. Documental que la hizo acreedora del premio Ariel, por Unanimidad.

En 1986 fue seleccionada para la beca de Posgrado en Cine Documental en el Instituto de Moscú, VGIK. Volvió a México en 1987, y trabajo en las corresponsalías para Vis News, Univisión y PBS. Ha sido profesora en la UAM Xochimilco y es profesora fundadora de la maestría de Estudios Documentales CUEC-FAD -UNAM. Ha dirigido y producido documentales y ficciones en Calacas y Palomas, la compañía de cine y video que fundó junto con Leopoldo Best. Sus trabajos reflejan asuntos de actualidad afrontados por la sociedad mexicana, con especial énfasis en la visión de género, el cambio del comportamiento sexual y la violación de los derechos reproductivos. Su labor como documentalista se dio a conocer nacional e internacionalmente con No les pedimos un viaje a la Luna, sobre el sismo de 1985 en la Ciudad de México, que la hizo acreedora también del Colón de Oro de Huelva y de la Diosa de Plata entre otros, reconocimientos dentro y fuera de México. En 1999, realizó En el país de no pasa nada, su primer largometraje de ficción, ganador de tres premios en el XV Festival Internacional de Cine en Guadalajara y seleccionado en diversos festivales internacionales. Fue miembro del SNCA durante tres periodos y presidenta de la organización no lucrativa Mujeres en el Cine y la Televisión A.C. (2014-2015) y directora del CUEC (2015-2019, periodo en el que transformó el CUEC en la Escuela Nacional de Artes Cinematográficas), donde es docente titular.

Preside el Consejo del ILSB desde 2021 y recientemente recibió el Premio Sor Juana Inés de la Cruz, otorgado por la UNAM a mujeres destacadas de la institución por su contribución a la docencia, investigación y difusión de la cultura. Hasta mediados de 2025 ha filmado alrededor de 65 trabajos (mediometrajes y largometrajes), la mayoría documentales que también han tenido premios en diversos festivales."

Más información de Maricarmen de Lara en el Catálogo Mujeres Documentalistas en México del Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora

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Yalaltecas

Dirección, guion, edición: Sonia Fritz
Produce: Colectivo Cine Mujer
Fotografía: Maripí Sainz
Música: Banda de música de Yalalag S Penélope Simpson
País de producción: México
Año: 1984
Duración: 28 min

El documental recoge la lucha de la Unión de Mujeres Yalatecas, en una comunidad indígena zapoteca muy apartada, en la sierra de Oaxaca, México. Recrea la toma del Palacio Municipal que propicio el fin del cacicazgo, la organización de la Unión y logros como la cooperativa de artesanas, el molino comunal y el apoyo para el Centro de Castellanización e instrumentos musicales para la banda de música que es el corazón de la comunidad.

Sonia Fritz

"Nacida en Ciudad de México en 1953, se graduó de Ciencias de la Comunicación en la Universidad Nacional Autónoma de México. Posteriormente cursó una Maestría en Artes Visuales en Vermont College, y terminó los cursos del Doctorado en literatura del Caribe inglés, en la Universidad de Puerto Rico. En 1986 ganó el Ariel por Mejor Documental con De Bandas, vidas y otros sones. Se traslada a Puerto Rico en donde nace su hijo, y enseña en la Universidad del Sagrado Corazón, en el Departamento de Comunicación, además de trabajar como directora y productora independiente a través de su productora Isla Films. En el 2001 dirigió su primer largometraje titulado El beso que me diste, basado en la novela de Stella Soto Porque el beso que me diste no lo olvidaré jamás. Dicho largometraje junto a los siguientes cuatro han participado en diversos festivales, entre ellos Montreal, Guadalajara, Rabat, Ankara, Huelva, el Festival Latino de Chicago, de Los Ángeles, San Diego, y San Antonio, Latin American Film Festival en Nueva York, Cambridge Film Festival en Harvard, San Juan Cinemafest. Las estrellas del estuario fue seleccionado por DIVERCINE (presentado 10 capitales de Latinoamérica) y de Kids First (en 100 ciudades de EU). Entre 1998 y 1999 dirigió los cortos Dulce pesadilla, Abnel, Nightstand y Hebra rota, basados en los cuentos de la escritora Mayra Santos Febres. Previo a esto dirigió el docudrama Camino sin retorno, el destierro de María de las Mercedes Barbudo, sobre la primera independentista puertorriqueña.

La treintena de documentales que ha dirigido se centran en temas sociales y culturales de Puerto Rico, México y Estados Unidos. Su interés transita entre el tema de la migración, las cuestiones de género, la identidad, y la cultura puertorriqueña. Entre ellos destacan Puerto Rico, arte e identidad; Myrna Báez, los espejos del silencio; El sueño Americano, puertorriqueños y mexicanos en Nueva York; Las caras lindas de Tite Curet Alonso; Cruzando fronteras, la Alianza de Mujeres Viequenses; Visa para un sueño y Sueños atrapados: la migración dominicana a Nueva York, que ganó el premio a mejor documental en el San Juan Cinemafest; Puertorriqueños de aquí y de allá y Luisa Capetillo, pasión de justicia, premio al mejor documental en el Festival de Cine de Mujeres de Mar de Plata, Argentina, en 1994. Sus documentales han pasado por diversos canales de televisión educativa en Puerto Rico, así como en Estados Unidos. Ha sido jurado en festivales de Puerto Rico, México y Estados Unidos, y ha recibido varias becas de artista otorgadas por el Instituto de Cultura Puertorriqueña. El más reciente fue un Emmy NY por Después que se fueron las lanchas de CUNY TV."

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Vida de ángel

Dirección: Ángeles Necoechea
País de producción: México
Año: 1982
Duración: 60 min

Como en Vicios de la cocina (1978, Beatriz Mira) el documental recoge el testimonio de distintas mujeres de diversas edades sobre el trabajo doméstico, el matrimonio y los roles de género: las mujeres cocinan, lavan, cuidan del hogar mientras que los hombres trabajan. Se trata de una de las últimas en conjunto del Colectivo, aquí están presentes ciertos rasgos de su filmografía anterior como el trabajo con la animación realizado por Guadalupe Sánchez (Y si eres mujer, 1977).

Ángeles Necoechea

"Cineasta, realizadora, editora, asistente de dirección y guionista mexicana nacida en la Ciudad de México en 1952. Fue integrante de colectivos feministas en los años setenta como La Revuelta y el Colectivo Cine Mujer, donde trabajó temas como el aborto, la violación y la sexualidad femenina. En este último colaboró en la realización de obras con enfoque feminista como Cosas de Mujeres, Vida de Ángel y Bordando la frontera, de la cual se encargó del financiamiento, la dirección y el guion.

En 1976, formó parte de la Coalición de Mujeres Feministas; movimiento compuesto por distintas colectivas, entre las que se encontraba La Revuelta; quienes realizaron las Jornadas Sobre por el Aborto Libre y Gratuito.

En 1987 organizó, en estrecha colaboración con Julia Barco y Guadalupe Lara, “Cocina de Imágenes”, la primera exhibición de cine y video hecha por mujeres de América Latina y el Caribe, la cual se llevó a cabo en la Ciudad de México.

Formó parte de la distribuidora de películas independientes Zafra, fundada en 1978. Además, fue encargada del departamento de archivo en Nicaragua dedicado a la preservación de material fílmico tras la caída del régimen somocista."

Más información de Angeles Necoechea en el Catálogo Mujeres Documentalistas en México del Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora

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Bordando la frontera

Dirección: Ángeles Necoechea

Intervienen: Norma del Rivero, Alejandro Dorantes, Sandra Murillo
País de producción: México
Año: 1986
Duración: 60 min

En esta película, Ángeles Necoechea filma a un grupo de mujeres que trabajan en maquiladoras, en la frontera de México con Estados Unidos, sus testimonios dan cuenta de las condiciones de trabajo.

Karina Solórzano: Colectivo Cine Mujer

Rebeladas dirigida por Andrea Gautier y Tabatta Salinas (Tráiler)

Por más de diez años, el Colectivo Cine Mujer utilizó el cine como herramienta política para denunciar problemáticas de género en la sociedad mexicana. A casi cinco décadas de su conformación, el documental recupera la voz de sus integrantes para reconstruir su historia y contrastar aquellas luchas con la realidad que enfrentan hoy las mujeres mexicanas.

Fuentes de información: Catálogo Mujeres Documentalistas en México (190-1985) del Laboratorio Audiovisual de Investigación Social Instituto Mora, Wikipedia, Ficvaldivia, Karina Solórzano

1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en el canal MX Nuestro Cine

noreply@blogger.com (Kinoluiggi) — Wed, 16 Apr 2025 02:37:00 +0000

Naranjas de Hiroshima celebra 18 años

con la 1ª Muestra de Cine Documental en MX Nuestro Cine

En celebración de su 18º aniversario, Naranjas de Hiroshima presenta la 1ª Muestra de Cine Documental en colaboración con el canal MX Nuestro Cine, reafirmando su compromiso con la difusión del cine documental independiente y su acercamiento al público mexicano. Esta muestra ofrecerá una selección curada de documentales de relevancia histórica, social y cultural, buscando generar espacios de reflexión y memoria colectiva.

Entre los aspectos destacados de la muestra está la presencia de producciones mexicanas significativas como El secreto de la belleza, Pueblos que defienden la tierra, Recuperando al paraíso, Perdida y El Edén bajo el fusil. Además, se incluyen obras que abordan la resistencia comunitaria en Yucatán de Maricarmen Sordo y Patricio Eleisegui, así como una selección especial de documentales del reconocido cineasta Óscar Menéndez.

En el marco del aniversario del levantamiento de Cherán, se presentarán cortometrajes de TV Cherán y de la Agencia SubVersiones, documentando la lucha y la organización autónoma de esta comunidad purépecha.

La programación contará también con la presencia de emblemáticas producciones latinoamericanas, destacando documentales históricos del Grupo Chaski de Perú, el largometraje Nikkei, un viaje extraordinario, que explora la migración japonesa a Venezuela, y Newen Mapuche, sobre la resistencia del pueblo mapuche en Chile. Además, habrá una retrospectiva especial dedicada al cineasta argentino Raymundo Gleyzer con motivo del Día del Documentalista.

Esta primera muestra incluirá también una programación especial de documentales valencianos del director David Segarra y una selección inédita de películas del Archivo de Cine Anarquista de la CNT, producidas durante la Guerra Civil Española. La muestra cerrará con cortometrajes del proyecto cubano Televisión Serrana, destacando el valor del cine documental comunitario.

Sintoniza y forma parte de esta celebración del cine documental independiente en MX Nuestro Cine.

La 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine representa una oportunidad única para redescubrir obras esenciales del cine documental y para acercar al público mexicano narrativas que dialogan con su historia y su presente.

Sintoniza y forma parte de esta celebración del cine documental.

Ciclos y Documentales Destacados

Ciclo: Cherán: Voces desde la Comunidad - 15 Abril 21:00

Ciclo: Yucatán : Territorios y Comunidades en Lucha - 22 de abril

Ciclo: Memoria proyectada: Ecos del Cine Mexicano y Latinoamericano - 29 de abril

Ciclo: Documental Español Memoria y Derechos Humanos Del 06 al 20 de mayo

Ciclo: Documental Mexicano (1) Del 07 al 21 de mayo

Retrospectiva: Raymundo Gleyzer 27, 28 y 29 de mayo

Ciclo: David Segarra: Nuevo documental valenciano 03 de junio

Ciclo: Cine Documental Latinoamericano (1) Del 10 al 24 de junio

Ciclo: Documental Mexicano (2) Del 11 al 25 de junio

Ciclo: Documental Mexicano (3) Del 02 al 30 de julio

Ciclo: Grupo Chaski - Cine documental comunitario peruano 08 de Julio - Por confirmar

Ciclo : Archivo de Cine Anarquista de la CNT Del 16 al 31 de julio - Por confirmar

Ciclo: Una mirada actual al cine arquista Del 16 al 31 de julio

Retrospectiva: Televisión Serrana Del 15 al 29 de julio

Naranjas de Hiroshima: Un Archivo Digital para el Cine Documental

Desde su fundación en 2007, Naranjas de Hiroshima se ha consolidado como un referente en la difusión y preservación del cine documental. Su labor ha trascendido la simple recopilación de películas para convertirse en un proyecto que fomenta el acceso libre y crítico a materiales audiovisuales fundamentales para la memoria y la reflexión social.

Un Acervo en Crecimiento: Más de 600 Documentales en Línea

El blog de Naranjas de Hiroshima alberga una vasta colección de más de 600 documentales, disponibles para consulta y visualización. Este espacio digital no solo busca ofrecer acceso a obras difíciles de encontrar, sino también generar un diálogo en torno a la importancia del cine documental como herramienta de transformación social. A lo largo de los años, el blog se ha convertido en una referencia para estudiantes, investigadores y cinéfilos, consolidándose como un archivo en constante expansión y actualización.

Biblioteca Compartida: Conocimiento Colectivo

Además del archivo documental, el proyecto ha desarrollado una biblioteca compartida, un espacio en el que se reúnen libros, artículos y estudios sobre cine documental y audiovisual comunitario. La idea de este espacio es democratizar el acceso al conocimiento y fomentar el intercambio de ideas entre cineastas, investigadores y activistas interesados en la preservación del cine independiente.

La Pequeña Filmoteca de Naranjas de Hiroshima

En una evolución natural del proyecto, nació La Pequeña Filmoteca de Naranjas de Hiroshima, dedicada a la preservación y digitalización de películas independientes y caseras en diversos formatos como 35mm, 16mm, 9,5mm, 8mm y Super 8. Este esfuerzo responde a la necesidad de rescatar imágenes que, de otra manera, quedarían en el olvido. La filmoteca trabaja con materiales que muchas veces no tienen un respaldo institucional, dándoles un nuevo espacio de visibilidad y resguardo para futuras generaciones.

Dentro de esta iniciativa, se ha creado la sección Bóveda Abierta, un espacio destinado a compartir materiales digitalizados con el público, ofreciendo acceso libre no solo a películas y fragmentos de archivos rescatados, sino también a los elementos físicos asociados a ellos, como carretes, cajas y latas. Esta sección permite explorar el archivo en su totalidad, proporcionando imágenes detalladas de los formatos originales y destacando etiquetas, marcas y anotaciones relevantes. Además, cada pieza incluye información técnica como título, formato, duración, estado de conservación y procedencia, permitiendo una comprensión más profunda del contexto histórico y material de cada obra.

Bóveda Abierta no solo facilita el acceso libre a estos materiales, sino que también fomenta su uso en investigaciones, estudios académicos y nuevas creaciones audiovisuales.

Retrospectiva y Alcance del Proyecto

A lo largo de sus más de 18 años de existencia, Naranjas de Hiroshima ha logrado un impacto significativo en la difusión y preservación del cine documental. Ha sido una plataforma clave para realizadores que buscan visibilizar sus obras fuera de los circuitos comerciales y ha impulsado la discusión sobre la importancia del acceso abierto a la cultura audiovisual. Su trabajo ha sido reconocido en diversos espacios, y su modelo autogestivo ha inspirado a otros proyectos en América Latina y España.

El alcance del proyecto ha traspasado lo digital, organizando muestras y colaboraciones con festivales, espacios comunitarios y televisoras públicas. Más recientemente, en 2025, Naranjas de Hiroshima ha dado un paso más allá con la creación de la 1ª Muestra de Cine Documental en MX Nuestro Cine, un evento que permite llevar su trabajo de curaduría a un público aún más amplio.

Un Legado en Construcción

El impacto de Naranjas de Hiroshima no solo se mide en números, sino en la capacidad de generar conciencia sobre la importancia del cine documental. Su trabajo ha permitido que materiales de difícil acceso encuentren un nuevo público, que cineastas independientes logren difusión y que la historia visual de muchas comunidades no desaparezca.

Más que un simple archivo, Naranjas de Hiroshima es un proyecto vivo, en constante evolución, con la firme convicción de que el cine documental es una herramienta fundamental para la memoria, la resistencia y la transformación social.

Sobre Naranjas de Hiroshima

Desde su fundación en 2007, Naranjas de Hiroshima se ha consolidado como un acervo digital dedicado a la difusión de cine documental independiente, destacándose por su enfoque autogestivo y colaborativo. En su 18º aniversario, reafirma su compromiso de dar voz a historias y realidades silenciadas a través del poder del cine documental.

Sintoniza y Comparte

La 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine llegará a las pantallas mexicanas en [fecha a confirmar]. Te invitamos a unirte a esta celebración del cine documental independiente y a compartir estas historias que merecen ser escuchadas.

Para más información y entrevistas:
Naranjas de Hiroshima - www.naranjasdehiroshima.com
MX Nuestro Cine - www.mxnuestrocine.mx

Abril 2025

Ciclo: Cherán: Voces desde la Comunidad

15 y 20 de abril

En el aniversario del levantamiento de Cherán, comunidad purépecha que en 2011 inició un proceso ejemplar de autogobierno, presentamos una selección de cortometrajes producidos por TV Cherán y la Agencia SubVersiones. Estos materiales documentan la organización comunitaria, la defensa del territorio y el papel de la comunicación propia en la construcción de autonomía.

Documental:

Caminando hacia a autonomía

Capsulas de TV Cherán:

#TVCherán Televisión Comunitaria de Cherán , 1er capsula TV comunitaria Cherán, Nacatamales para el Día de Muertos, Trabajar el campo - Nuestras tierras , El Corpus, Reportaje TV Cherán; Guarda Bosques Diciembre 2015 , "Yo No Soy Peon de Nadie" - Un Dia con Don Fidel, "Servir y no servirse" : Cherán, nombramiento del nuevo concejo mayor en el barrio cuarto, Cheran reforestando sus bosques - vivero comunal.

Capsulas Agencia SubVersiones:

¿Dónde te agarró el levantamiento?, Algunos proyectos productivos en el Cherán autónomo , Cherán K'eri ejemplo necesario ante la violenta incertidumbre nacional , Juegos Tradicionales en Cherán, Michoacán.

Total: 02:10:17

15 Abril 21:00 y 20 de abril 18:30

Cherán: Voces desde la Comunidad

Cherán, comunidad purépecha en Michoacán, se ha convertido en un referente de resistencia y autonomía desde su levantamiento en 2011. Frente a la tala ilegal y la violencia del crimen organizado, su pueblo expulsó a partidos políticos y estableció un sistema de autogobierno basado en sus usos y costumbres. Su lucha no solo ha transformado su comunidad, sino que ha inspirado movimientos de autodeterminación en México y América Latina.

En el marco del aniversario de este levantamiento, la 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine incluirá una selección de materiales audiovisuales fundamentales para comprender la experiencia de Cherán y la importancia de la comunicación comunitaria como herramienta de resistencia.

TV Cherán y SubVersiones: Voces desde la Comunidad

Los materiales de TV Cherán forman parte de un esfuerzo de comunicación comunitaria que ha documentado la lucha del pueblo purépecha desde dentro, reflejando su organización, sus desafíos y su fortalecimiento identitario. Más que un medio de difusión, TV Cherán es un espacio de preservación de la memoria y construcción de su propio relato, al margen de las narrativas impuestas por los medios tradicionales.

Por otro lado, los cortometrajes de SubVersiones aportan una mirada comprometida y analítica sobre Cherán en el contexto de las luchas indígenas en México. A través de su periodismo independiente, han registrado testimonios, conflictos y logros que revelan la profundidad del proceso de autogobierno y la complejidad de su resistencia.

Un Espacio para el Cine Documental en MX Nuestro Cine

La 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine busca reivindicar el cine documental como una herramienta de memoria, análisis y transformación social. La inclusión de los materiales de Cherán dentro de la programación es un reconocimiento a la fuerza del cine comunitario y del periodismo independiente en la preservación de historias que desafían el olvido y la imposición de relatos hegemónicos.

A través de esta selección, no solo buscamos visibilizar la lucha de Cherán, sino también resaltar el papel del cine documental en la construcción de otras narrativas, más cercanas a las realidades de los pueblos y comunidades que luchan por su autonomía.

Ciclo: Yucatán : Territorios y Comunidades en Lucha

22 de abril

En el marco de la 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine, presentamos un ciclo dedicado a explorar las complejas problemáticas socioambientales que afectan a la península de Yucatán.

Este ciclo reúne cinco poderosos documentales que abordan las consecuencias de un modelo de desarrollo basado en la explotación intensiva de recursos y su impacto devastador en las comunidades mayas, el medio ambiente y la salud pública.

Estos documentales no solo revelan las dinámicas de despojo y contaminación, sino que también exponen las luchas de resistencia y dignidad de las comunidades locales que enfrentan estas problemáticas. Desde la expansión inmobiliaria que amenaza territorios ancestrales, hasta la contaminación del agua por parte de industrias extractivistas, cada una de estas obras da voz a quienes resisten la explotación de sus tierras y defienden su derecho a la vida.

La relevancia de incluir estos trabajos en nuestra muestra radica en la necesidad urgente de visibilizar realidades que suelen ser silenciadas o distorsionadas en el discurso oficial. Estos documentales nos invitan a reflexionar sobre las implicaciones del desarrollo desmedido y nos acercan a historias de resistencia comunitaria y cuidado del territorio.

Este ciclo se convierte así en un espacio de denuncia y reflexión, que busca generar un diálogo crítico con el público mexicano sobre la importancia de proteger el medio ambiente, respetar al territorio maya y cuestionar el modelo económico que amenaza la vida en la región.

Documentales incluidos en el ciclo:

Yucatán Bienes Raíces: comunidades mayas, territorios libres y colonización inmobiliaria
Una Laguna Negra (el desastre que provocan las mega granjas porcícolas)
Destapa fatalidad: Coca Cola, un atentado a la salud en Yucatán
Tierra de sacrificios: cómo la producción industrial de cerdos aniquila la vida en Yucatán

Total: 01:08:02

Una selección de documentales que denuncian los impactos del modelo extractivo y dan voz a comunidades que resisten el despojo, la contaminación y el desplazamiento. Desde Yucatán hasta el sur del país, estas historias muestran la dignidad de quienes luchan por su tierra y su vida. Dirigidos por Maricarmen Sordo y Patricio Eleisegui.

Ciclo: Memoria proyectada:

Ecos del Cine Mexicano y Latinoamericano

29 de abril

La 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en colaboración con MX Nuestro Cine se enorgullece en presentar una selección de cortometrajes que exploran la intersección entre memoria, la evolución del cine y el acceso a la cultura audiovisual, así como la valiosa contribución de las mujeres en la industria cinematográfica mexicana. Entre las obras destacadas se encuentran "Cácaro: el proyeccionista", "La Película" de Pablo Martínez-Zárate y "Pioneras" de Katia Morales.

"Cácaro: el proyeccionista" rinde homenaje a la figura del proyeccionista, un oficio en vías de extinción, y destaca su papel esencial en la experiencia cinematográfica tradicional. Este documental nos invita a reflexionar sobre la evolución tecnológica y cómo afecta a quienes han dedicado su vida al arte de proyectar películas.

Por su parte, "La Película" de Pablo Martínez-Zárate aborda la transición del cine analógico al digital, enfocándose en el impacto de este cambio en la preservación y la memoria fílmica. A través de un recorrido por un laboratorio cinematográfico y entrevistas con profesionales de la industria, el cortometraje plantea preguntas sobre cómo los cambios en los soportes audiovisuales alteran nuestra percepción y conservación de la memoria colectiva.

"Pioneras", dirigido por Katia Morales, es un cortometraje documental que destaca a las primeras mujeres formadas como cineastas en el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) de la UNAM. A través de testimonios, estas pioneras comparten los desafíos y problemáticas que enfrentaron para integrarse en la industria cinematográfica nacional, subrayando la importancia de la inclusión y representación femenina en el cine mexicano.

"Cultura Radical - Acceso al cine en Cochabamba", explora el poder transformador del cine comunitario y su rol en la democratización del acceso cultural en Bolivia, revelando cómo el cine independiente fortalece identidades locales y resistencia cultura

La programación conjunta de estos cuatro cortometrajes ofrece una oportunidad única para reflexionar sobre la evolución del cine en México, la preservación de su memoria, el acceso al cine en latinoamerica y el papel fundamental de las mujeres en su desarrollo. Al reunir estas obras, la muestra busca fomentar un diálogo enriquecedor sobre la importancia de conservar nuestras historias cinematográficas y reconocer las contribuciones de quienes han sido pilares en su construcción.

Incluir estas producciones en la 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima no solo enriquece la programación, sino que también honra la diversidad de voces y perspectivas que conforman el panorama cinematográfico mexicano. Es esencial visibilizar y celebrar estas narrativas para fortalecer nuestra identidad cultural y promover una industria cinematográfica más inclusiva y consciente de su historia.

Programa "Memoria proyectada: Ecos del Cine Mexicano y Latinoamericano" (01:21:50)

- Pioneras - Katia Morales (2013, A, México) (00:15:25)

- La Película, The film - Pablo Martínez Zárate (2014, A, México) (00:26:52)

- Cácaro, el proyeccionista - Cine Colectivo Guanajuato (2018, A, México) (00:09:39)

- Cultura Radical - Acceso al cine en Cochabamba - Nodo Común y Red-acción (2017, A, Bolivia) (00:29:54)

Mayo 2025

Ciclo: Documental Español Memoria y Derechos Humanos

Del 06 al 20 de mayo – Los martes

Ciclo: Documental Español – Memoria y Derechos Humanos

Este ciclo propone un recorrido por el cine documental español reciente, enfocado en temas de memoria histórica, derechos humanos, reconciliación y resistencia frente al olvido. A través de miradas íntimas y profundas, estas películas abordan conflictos sociales, heridas abiertas y la búsqueda de justicia y reparación desde distintas perspectivas personales y colectivas.

06 de mayo:

La caja vacía – Javier Falcó (2021, España, 01:00:52)

Documental que recoge un caso concreto de sustracción de bebés. Un caso que sirve de hilo conductor para ahondar en una trama de corrupción criminal, que tiene su origen en el franquismo y se extiende hasta los primeros años de la democracia. El documental recoge el caso de la María José Picó, que busca a su hermana gemela y que fue arrebatada a su madre en el hospital de Alicante en 1962.

13 de mayo:

Asier ETA biok (Asier y yo) – Amaia y Aitor Merino (2013, España/Ecuador, 01:33:28, Euskera y Castellano)

Amaia y Aitor Merino ofrecen un retrato íntimo y complejo sobre la amistad, el conflicto vasco y la lucha armada de ETA. Partiendo de la relación personal de Aitor con su amigo de la infancia, Asier, quien decide integrarse en ETA, el documental plantea preguntas difíciles sobre la identidad, la violencia política y las posibilidades de diálogo y entendimiento en contextos marcados por profundas divisiones sociales.

20 de mayo 21:00

Los ojos de Ariana – Ricardo Macián (2007, España, 01:32:00)

Este impactante documental cuenta la historia de trabajadores afganos que arriesgaron su vida para salvar el archivo cinematográfico de Kabul durante el régimen talibán. A través de la mirada apasionada de Ariana, una joven cineasta, la película explora el valor del cine como testimonio de identidad cultural y memoria histórica, revelando cómo la preservación audiovisual se convierte en un acto de resistencia y esperanza frente a la censura y el fanatismo.

Ciclo: Documental Mexicano (1)

Del 07 al 21 de mayo – Los miércoles

Este ciclo ofrece una mirada profunda sobre la historia social, cultural y política de México, mediante una selección de documentales clave que exploran temáticas esenciales como la memoria histórica, la defensa territorial, los procesos de gentrificación urbana y las luchas comunitarias por preservar identidad y raíces.

07 de mayo La línea paterna – José Buil, Maryse Sistach (1995, México, 01:24:37)
Una poderosa indagación en las raíces familiares y culturales, "La línea paterna" revela cómo la historia personal se entreteje con la historia colectiva, mostrando las tensiones, herencias y silencios que marcan generaciones enteras.

14 de mayo 21:00 y 18 de mayo 19:30 Permanecer en La Merced – Left Hand Rotation (2016, México, 01:36:23)
Este documental ofrece una exploración crítica y sensible sobre los procesos de gentrificación en La Merced, una emblemática zona de la Ciudad de México. La obra documenta cómo los residentes resisten los desplazamientos forzados y defienden su identidad comunitaria frente al desarrollo urbano desmedido.

21 de mayo 21:00 y 24 de mayo 19:30 El secreto de la belleza. Pueblos que defienden la tierra – Néstor A. Jiménez Díaz (2018, México, 00:50:46)

Pueblos chiapanecos organizados se enfrentan al extractivismo por el bien de la humanidad. El arte de la resistencia, la lucha y la rebeldía se refleja en el No rotundo a los intereses de cualquier Estado o capital financiero. La defensa de los ríos y de las montañas esta en sus manos y tienen claro que es ahora la defensa de la vida, porque no quieren volver a ser esclavos en sus propias tierras logradas desde la revolución.

Retrospectiva Raymundo Gleyzer

27, 28 y 29 de mayo
Retrospectiva Raymundo Gleyzer por el Día del Documentalista 27 de Mayo 2025

Raymundo Gleyzer: El cine como arma

Raymundo Gleyzer (1941-1976) fue un cineasta, documentalista y militante revolucionario argentino cuyo legado sigue siendo una referencia fundamental en el cine político latinoamericano. A través de su cámara, Gleyzer expuso con crudeza las injusticias sociales, la violencia institucional y las luchas populares, entendiendo el cine como una herramienta de transformación y resistencia.

Formado como antropólogo y periodista, Gleyzer comenzó su carrera en la televisión y el documental etnográfico, registrando realidades marginadas de América Latina. En 1971 dirigió México, la revolución congelada, una radiografía crítica del fracaso de la Revolución Mexicana y de su institucionalización. La película fue censurada en varios países y consolidó su compromiso con un cine de denuncia y militancia.

En 1973 fundó el grupo Cine de la Base, un colectivo cinematográfico ligado a las luchas obreras y populares en Argentina. Su obra cumbre, Los traidores (1973), es una feroz denuncia contra la corrupción dentro del sindicalismo peronista, filmada con una estética semidocumental que le otorga un realismo impactante. Esta película lo convirtió en un enemigo del régimen militar y de los sectores más reaccionarios del país.

Con el golpe de Estado de 1976 en Argentina, Gleyzer fue secuestrado por la dictadura cívico-militar y desaparecido en mayo de ese mismo año. Su desaparición lo convirtió en un símbolo de la lucha por la verdad y la justicia, y en un mártir del cine político latinoamericano. Su legado perdura en cada cineasta que asume la responsabilidad de dar voz a los oprimidos y en cada espectador que se enfrenta a su obra con el mismo espíritu combativo con el que fue concebida.

En el marco del Día del Documentalista, la 1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima rinde homenaje a Raymundo Gleyzer con esta retrospectiva, reafirmando la vigencia de su cine y su lucha en tiempos donde la memoria sigue siendo un campo de batalla.

Martes 27 de Mayo 2025

21:00 h

- La Tierra quema (1964)

Primer documental de Gleyzer, filmado en el noreste de Brasil. Expone con crudeza la extrema pobreza, el hambre y el abandono que padecen los campesinos bajo el sistema latifundista. Influido por el cine nuevo brasileño, es un grito urgente contra la injusticia social.

- Ceramiqueros de Tras la Sierra (1965)

Retrato de una comunidad campesina-artesanal en Córdoba, Argentina, que vive de la producción de cerámica. El filme pone en valor los saberes populares, la organización colectiva y las tensiones entre tradición y modernización.

- Swift (1971)

Documental clandestino sobre las condiciones laborales en el frigorífico Swift de Rosario. Denuncia la explotación brutal de los obreros en la industria cárnica y muestra la resistencia sindical, pese a la represión del gobierno militar.

- Me matan si no trabajo y si trabajo me matan:

La huelga obrera en la fábrica INSUD (1974)

Crónica de la lucha de las obreras gráficas de la fábrica INSUD, que denuncian las condiciones inhumanas de trabajo. El título, tomado de una frase de las trabajadoras, sintetiza la violencia estructural del sistema. Un testimonio feminista y de clase.

- México, La Revolución Congelada (1973)

Gleyzer recorre México para mostrar cómo los ideales de la Revolución Mexicana fueron traicionados por el PRI. A través de campesinos, líderes y testimonios, construye un análisis agudo del populismo y la continuidad del poder. Prohibido en Argentina a su regreso.

Miércoles 28 de Mayo 2025

21:00 h

- Raymundo - Ernesto Ardito & Virna Molina (2003)

Este poderoso documental narra la vida, obra y desaparición de Raymundo Gleyzer, cineasta argentino secuestrado por la dictadura en 1976. A través de archivos, entrevistas, fragmentos de sus películas y la voz de su compañera Juana Sapire, la película reconstruye su compromiso político, su lucha por un cine transformador y su rol clave en el grupo Cine de la Base. Raymundo no solo rescata su legado, sino que reflexiona sobre la relación entre cine, militancia y memoria. Ganador de múltiples premios internacionales, es una pieza clave para entender el impacto de Gleyzer en el cine político latinoamericano.

Jueves 29 de Mayo 2025

21:00 h

Programa 04 (01:45:08)

- Los traidores - Raymundo Gleyzer (1973)

Ficción basada en hechos reales sobre un sindicalista argentino que traiciona a su clase. El film denuncia la burocracia sindical como aliada de los intereses empresariales y la represión. Clásico del cine militante, fue prohibido y Gleyzer perseguido tras su estreno.

🎥 Retransmisión | Retrospectiva Raymundo Gleyzer

1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima

🗓️ Viernes 30 mayo – 22:00 h
▶️ Los traidores (1973) – Raymundo Gleyzer

🗓️ Sábado 31 mayo – 20:30 h
▶️ La Tierra quema (1964)
▶️ Ceramiqueros de Tras la Sierra (1965)
▶️ Swift (1971)
▶️ Me matan si no trabajo y si trabajo me matan (1974)

🗓️ Domingo 1º junio
🕔 17:00 h ▶️ Raymundo (2003) – Ernesto Ardito & Virna Molina
🕢 19:30 h ▶️ México, La Revolución Congelada (1973) – Raymundo Gleyzer

📺 Solo en MX Nuestro Cine

Junio 2025

Ciclo: David Segarra: Nuevo documental valenciano

03 de junio – martes 21:00 h

David Segarra es uno de los documentalistas más destacados de la Comunidad Valenciana, conocido por su compromiso con la memoria histórica, la identidad cultural y la lucha por la sostenibilidad. Su obra es un testimonio de la resistencia frente a los procesos de urbanización, globalización y pérdida de tradiciones, al mismo tiempo que pone en valor las historias de quienes viven en los márgenes de la sociedad.

En esta primera muestra de cine documental, presentamos una selección de sus trabajos más representativos, que exploran temas clave de la realidad valenciana: la defensa de la huerta y las costumbres agrícolas, la transmisión del conocimiento ancestral de los campesinos y el trabajo por un futuro más sostenible. La programación incluye:

Per molt que bufe el vent
Un emotivo retrato de los últimos veinte años de lucha en defensa de la huerta valenciana. Este documental muestra cómo una tradición agrícola milenaria se enfrenta a la amenaza de la expansión urbana y el cambio climático, mientras resalta el esfuerzo colectivo de aquellos que defienden el campo como un espacio vital para la cultura y la identidad de la región.
Savis de l'horta
A través de los relatos de los últimos campesinos de la huerta, este documental ofrece una reflexión sobre la sabiduría olvidada que guardan los viejos agricultores. Una mirada a la relación íntima entre el ser humano y la tierra, y cómo este legado cultural puede aportar enseñanzas sobre la vida en tiempos modernos.
Orba, reciclant porta a porta
Un breve pero significativo cortometraje que muestra cómo el municipio de Orba implementa un sistema de reciclaje puerta a puerta. Con una mirada sensible, Segarra presenta la importancia de la sostenibilidad en el contexto rural, demostrando cómo la conciencia ecológica puede ser cultivada incluso en comunidades pequeñas.
Llum Mudèjar
En colaboración con Víctor Serna, Segarra explora la influencia de la arquitectura mudéjar en la Comunidad Valenciana, un legado que es clave para entender la historia y el mestizaje cultural de la región. Este documental rescata la belleza de una tradición arquitectónica que ha perdurado en el tiempo y forma parte del patrimonio intangible de la zona.
Renaixem
En este trabajo, Segarra aborda la temática del renacimiento social y cultural, mostrando cómo las comunidades pueden reconstruirse tras momentos de adversidad. Un mensaje de esperanza y resistencia que se une a la línea de pensamiento de todos sus documentales: la lucha por la memoria y la identidad.¡

A través de esta muestra, queremos ofrecer una visión amplia y profunda de la obra de David Segarra, un autor que ha sabido dar voz a los elementos más esenciales de la cultura valenciana mientras aboga por un futuro más consciente y respetuoso con el entorno. Su cine no solo documenta, sino que también invita a la reflexión y al compromiso con el mundo que nos rodea.

Ciclo: Cine Documental Latinoamericano (1)

Del 10 al 24 de junio – Los martes

Este ciclo ofrece una exploración profunda sobre temas clave de identidad, resistencia y luchas territoriales a través de las voces diversas de Latinoamérica. Desde las complejas experiencias de la diáspora japonesa en Venezuela hasta la resistencia del pueblo Mapuche en Chile y las luchas invisibilizadas de comunidades indígenas y campesinas en Colombia, estos documentales presentan una narrativa crítica que cuestiona, interpela y visibiliza las diversas realidades del continente.

10 de junio 21:00 h

Nikkei, un viaje extraordinario
Kaori Flores Yonekura | 2011 | Clasificación: A | Venezuela | Duración: 01:20:00
Este documental explora la experiencia de los descendientes japoneses en Venezuela, revelando la complejidad de la identidad cultural, el legado migratorio y los desafíos en la construcción de una identidad híbrida en un contexto latinoamericano.

17 de junio 21:00 h y 22 de junio 19:30 h

Colombia Invisible
Unai Aranzadi | 2013 | Clasificación: B12 | España, Colombia | Duración: 01:03:07
Documental que arroja luz sobre las luchas sociales en Colombia, especialmente enfocándose en la resistencia de comunidades indígenas y campesinas frente al conflicto armado y la invisibilización mediática.

24 de junio 21:00 h

Newen Mapuche
Elena Varela | 2011 | Clasificación: A | Chile | Duración: 02:06:10
Profundo retrato sobre la lucha del pueblo Mapuche en Chile, abordando su histórica resistencia frente al despojo territorial, la criminalización de sus líderes y la defensa de su identidad cultural y autonomía política.

Ciclo: Documental Mexicano (2)

Del 04 al 25 de junio – Los miércoles 21:00 h

Este ciclo reúne documentales esenciales que exploran críticamente la complejidad de las realidades sociales, culturales y políticas de México, desde la preservación de identidades culturales marginadas hasta las luchas contra la discriminación de género, las movilizaciones populares y la memoria histórica frente a la represión estatal. Cada obra ofrece perspectivas reveladoras sobre la resistencia, la diversidad y la fuerza colectiva del pueblo mexicano.

04 de junio

Muchacha, ¿Estás Casada?
Felipe Morán | 2016 | Clasificación: A | México | Duración: 00:45:52
El documental relata la cotidianidad de los Rom tal como acontece en las afueras de la segunda ciudad más grande de México. Esta gente que vive de la compra y venta de coches usados ha conseguido mantener su forma de vida basada en el acatamiento de las normas de organización social que incluye respeto a la pertenencia en su linaje.

11 de junio

Los Exóticos
Michael Ramos-Araizaga | 2013 | Clasificación: B12 | México, Alemania, EEUU, Suecia | Duración: 01:41:45
Documental que explora el mundo de la lucha libre en México, particularmente la experiencia de los luchadores que han desafiado los estereotipos de género y las normas sociales.

18 de junio

Recuperando la palabra la Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca
Mario Viveros Barragán, Rafa de Villa Magallón | 2014 | Clasificación: A | México | Duración: 00:41:10
Este documental registra la experiencia organizativa y de resistencia popular durante la Asamblea Popular de los Pueblos de Oaxaca (APPO), destacando la fuerza colectiva y la recuperación de la voz ciudadana.

25 de junio 21:00 y domingo 28

Polinizadorxs. Resistencia en la Península de Yucatán
Lilia García Torres | 2022 | Clasificación: A | México | Duración: 01:14:12
Explora la resistencia de comunidades en Yucatán frente al impacto negativo de la agroindustria, destacando el papel esencial de las abejas y otros polinizadores en la conservación del medioambiente y la autonomía alimentaria.

Julio 2025

Ciclo: Documental Mexicano (3)

Del 02 al 30 de julio – Los miércoles

Este ciclo ofrece una mirada profunda y dinámica al México contemporáneo, revelando luchas sociales, recuperaciones históricas y reflexiones culturales que marcan y transforman la identidad nacional. Cada documental es una ventana que invita al público a descubrir narrativas conmovedoras y testimonios poderosos sobre la resiliencia, la memoria y las voces que habitualmente quedan silenciadas, proporcionando claves fundamentales para entender el presente y vislumbrar el futuro del país.

02 de julio 21:00 h y sábado 05 19:30 h

Recuperando el paraíso
José Arteaga, Rafael Camacho | 2017 | Clasificación: B12 | México | Duración: 01:12:00
Documental que aborda la lucha ambientalista y social por la defensa del territorio frente a proyectos turísticos que amenazan la biodiversidad y las comunidades locales.

09 de julio

El edén bajo el fusil 21:00 h
Salvador Díaz, Pedro Reygadas | 1982 | Clasificación: B15 | México | Duración: 01:00:33
Documental histórico sobre la resistencia indígena en Guerrero, anticipando conflictos posteriores y mostrando la fuerza del activismo campesino e indígena en México.

16 de julio 21:00 h

Los rollos perdidos de Pancho Villa
Gregorio Rocha Valverde | 2003 | Clasificación: A | México | Duración: 00:47:04
Obra que rescata el valor histórico y cultural de filmes perdidos de la Revolución Mexicana protagonizados por Pancho Villa, revelando aspectos poco conocidos del héroe revolucionario.

23 de julio 21:00 h

Perdida
Viviana García Besné | 2011 | Clasificación: A | México | Duración: 01:35:46
Un viaje íntimo y revelador al interior de la industria del cine mexicano, explorando la memoria familiar y las historias ocultas detrás de sus producciones más emblemáticas.

30 de julio 21:00 h y sábado 02 de agosto 18:00 h

Historia de un documento
Óscar Menéndez | 1971 | Clasificación: A | México | Duración: 01:40:00
Documental emblemático sobre la lucha estudiantil de 1968 en México, narrado a través de imágenes inéditas y testimonios que evidencian la resistencia ante la represión estatal y la importancia histórica del movimiento.

Ciclo: Documental Latinoamericano (2)

1ª Muestra de Cine Documental Naranjas de Hiroshima en MX Nuestro Cine 🔶 Ciclo: Cine Documental Latinoamericano

🗓️ Martes 1 de julio | 21:00 h 🎬

María en Tierra de Nadie de Marcela Zamora Chamorro (El Salvador, México, Guatemala, 2010, 86 min)

"En medio de la peligrosa ruta migratoria hacia Estados Unidos, miles de mujeres enfrentan abusos, secuestros y desapariciones. María en Tierra de Nadie sigue de cerca la travesía de mujeres centroamericanas que cruzan México en busca de una vida mejor, revelando las profundas heridas físicas y emocionales que sufren en el camino. A través de testimonios estremecedores, la directora Marcela Zamora expone con valentía y sensibilidad una realidad brutal frecuentemente invisibilizada: la violencia contra las mujeres migrantes en tránsito. Este documental es una denuncia urgente que nos invita a cuestionar las políticas migratorias y la indiferencia social ante esta tragedia humanitaria."

Ciclo : Archivo de Cine Anarquista de la CNT

En conmemoración del 88º aniversario del inicio de la Guerra Civil Española, presentamos una selección única del Archivo de Cine Anarquista producido por la Confederación Nacional del Trabajo (CNT) entre 1936 y 1939, durante la Revolución Social española. Estos documentos cinematográficos son testimonios esenciales que reflejan la lucha obrera, la autogestión libertaria y la esperanza revolucionaria en un período clave del siglo XX. Es especialmente significativo que estas obras se exhiban por primera vez en las pantallas mexicanas, ofreciendo una oportunidad excepcional para descubrir imágenes históricas inéditas que forman parte del patrimonio mundial del movimiento anarquista y obrero.

Ciclo : Archivo de Cine Anarquista de la CNT

Introducción al ciclo con el documental:

Miércoles 02 de julio 19:30 h

Economia col·lectiva. L'última revolució d'Europa (2014 | 67 min | Dir. Eulália Comas| España)

Documental que profundiza en un hecho histórico reciente y poco conocido: la expropiación y la gestión obrera del 80% de las industrias y servicios en Cataluña entre 1936 y 39. Es una de las transformaciones más radicales -de raíz– e innovadoras del siglo XX. La última revolución de Europa.

03 de julio - Jueves 21:00 h

Capítulo 01 - De las Columnas a la militarización Presentación de José Luis Gutiérrez Molina

PRESENTADO POR JOSÉ LUIS GUTIÉRREZ MOLINA

En este volumen se han agrupado todas las películas que, aún conteniendo escenas bélicas, pertenecen a los primeros momentos de la revolución. Cuando, derrotados los golpistas, se organizaron las Columnas de milicianos, bajo la inspiración de partidos y sindicatos, que intentaron recuperar las comarcas y ciudades ocupadas por los golpistas.

Las películas tienen un especial interés por suponer un completo reportaje sobre las actividades milicianas en Barcelona, organización y parlida ed las unidades, y en Aragón su destino y región donde es produjo un importante impacto revolucionario.

Contamos con los tres reportajes "Aguiluchos de la FAl" sobre la partida de las primeras columnas hacia Aragón y en sí mismos son memoria viva, en imágenes, de la revolución, de los llamados "anónimos" y de la finalidad revolucionaria de la lucha. Los tres tienen ne sí mismos su evolución. La que hay entre el n° ,1 de carácter plenamente optimista por la revolución en manos de un pueblo en armas, y al n° 2 en la que aparecen ya cadáveres, disparos y bombardeos. Los estragos de la guerra. Con materiales de estos reportajes, y otros, está realizado "Milicias Antifascistas de Aragón" que sigue esa línea.

La "Batalla de Farlete", “El cerco de Huesca", "La Columna de Hierro (Hacia Teruel)" y "La conquista del Carrascal de Chimilas" son imágenes ed diversas operaciones realizadas por las columnas milicianas en el frente.

Una mención aparte merecen los tres reportajes sobre la llegada de los milicianos a Madrid, de la Columna Durruti, su aportación a la salvación de la ciudad y su vida en las trincheras. El significado ed los combates en torno a al capital del estado en noviembre de 1936 y la aportación miliciana señala un punto álgido en la vida de estas unidades.

En "División Heroica" de 1937 se habla ya del Ejército Popular, aunque las referencias a las columnas ya los milicianos siguen estando muy presentes.

Un camino que se cierra con “El Ejército de la Victoria" un documental en el que, con el pretexto de unas operaciones en las cercanías de Huesca, se presenta ya como una realidad el nuevo Ejército Popular en le que se han integrado los antes "heroicos milicianos" que ahora son "disciplinados soldados". De otro lado también presenta ya al guerra como de "independencia y libertad" frente al proceso revolucionario anterior y como las armas de julio de 1936, escasas y antiguas, se han transformado ahora en material moderno.

"¡Criminales! Bombardeos sobre Barcelona" es una película que presenta dudas en qué dvd incluirla. iS bien es cierto que presenta numerosas imágenes que lo podrían considerar nu reportaje de guerra con escenas de bombardeos también contiene imágenes de al milicia "Batallón de laMuerte" organizado por la CNT.

Capítulo 01 - De las Columnas a la militarización Presentación de José Luis Gutiérrez Molina
Los Aguiluchos de la FAI por tierras de Aragón (Estampas de la revolución antifascista)
Los Aguiluchos de la FAI N02
Los Aguiluchos de la FAI N03
La Batalla de Farlete
El Cerco de Huesca La Columna de Hierro (Hacia Teruel)
La conquista del Carrascal de Chimillas (Huesca)
División heroica en el frente de Huesca
El Ejército de la Victoria Madrid tumba del Fascio (Documental n5)
Madrid tumba del Fascio - Cuarta jornada (Documental n8)
Madrid tumba del Fascio - Quinta jornada (Documental n9)
Milicias antifascistas en Aragón

Total: 02:53:39

04 de Julio - Viernes 21:00 h

Capítulo 02 - La Revolución – Presenta Abel Paz

La Revolución

PRESENTADO POR ABEL PAZ

Aunque sea un lugar común hay que escribirlo: la respuesta al golpe de Estado de Estado del 81 de julio de 1936, fue la revolución del 91 de julio que se extendió por prácticamente todas las comarcas no ocupadas por los sublevados:

Lo que hace especial, diferente, al conflicto español fue precisamente ese aspecto de cambio social que atrajo las miradas de todo el mundo y que, todavía hoy, setenta años más tarde permanece fijado en el imaginario colectivo de la humanidad.

No debe extrañar, por tanto, que un número significativo de la producción cinematográfica libertaria esté dedicada precisamente a mostrar ese aspecto tan olvidado y ocultado, además de menospreciado, en demasiadas ocasiones.

En primer lugar contamos con la película "Bajo el signo libertario" en la que se nos muestra una recreación de los momentos previos y primeros de la revolución en Barcelona que se completa con la obra de Mateo Santos, "Reportaje del movimiento revolucionario en Barcelona". Dos películas que nos muestran los distintos aspectos del primer momento.

"Barcelona trabaja para el frente" es un amplio reportaje sobre la colectivización y cómo las empresas ayudan a los frentes y milicianos. Son impactantes, no por conocidas, las escenas de las multitudinarias comidas en el hotel Ritz. "Ayuda aMadrid" es el reportaje de cómo es indisoluble el binomio revolución y guerra. Para ello no se escatiman esfuerzos. Como la ayuda que se

envía a Madrid.

"En la brecha" es un elaborado reportaje sobre la sociedad revolucionaria en el que se establece un paralelismo entre el mundo de las hormigas con el revolucionario. Como "Aragón trabaja y lucha" que hace referencia a la revolución en el mundo rural y a los más importante asuntos de ese momento: el agua, la cosecha y el mundo revolucionario.

"El Instituto Regional Agropecuario" tiene la peculiaridad de ser una de las pocas películas realizadas sobre el colectivismo en la región Centro. Como también lo es "La Última" una película que tiene como eje la lucha anti-antialcohólica. La construcción de la sociedad revolucionaria no era sólo una cuestión económica sino también de un hombre nuevo libre de vicios.

Finalmente tenemos el reportaje realizado del entierro de Durruti y la inauguración de su tumba un año más tarde con el tan conocido discurso de Juan García Oliver. Cierran estas dos películas el dvd dedicado a las imágenes sobre la revolución ya que se puede establecer, de forma simbólica e iconográfica, el comienzo de la decadencia del proceso revolucionario con la muerte del leonés.

Capítulo 02 - La Revolución – Presenta Abel Paz
Bajo el signo libertario Ayuda a Madrid
Barcelona trabaja para el frente
En la brecha Entierro de Durruti (The mass tribute to B. Durruti)
Reportaje del movimiento revolucionario de Barcelona
Aragón trabaja y lucha
20 de Noviembre
El Instituto Regional Agropecuario
La Última

02:47:31

10 de Julio – Jueves

Capítulo 03 – Un pueblo en armas – Presenta Heleno Saña

Un pueblo en armas

PRESENTADO POR HELENO SAÑA

"Amanecer sobre España", de la que es cuenta con tres montajes diferentes: una muda, otra sonorizada y otra en una versión en inglés titulada "The Will of Spain", es una visión de la historia reciente del pueblo español que vivía una vida nueva, una vida mejor Recorre todo el proceso revolucionario hasta que entra en el periodo del "triunfo republicano" indicando los nuevos tiempos que se abrían en el momento de su estreno en mayo de 1938. Cuando el proceso revolucionario ha sido encauzado yla CNT ocupa un papel secundario en la marcha de los acontecimientos desplazada por republicanos y comunistas.

Hay que resaltar que es la película en la que de forma más explícita se hace referencia a la importancia de la unidad CNT-UGT para la construcción del nuevo orden.

Documental de montaje realizado con materiales de las productoras vinculadas a los sindicatos anarquistas. El material utilizado abarca acontecimientos hasta primeros meses de 1937, aunque al locución menciona hechos del verano de este mismo año. La película se abre con imágenes de Madrid, Barcelona, Granada, Salamanca y Burgos, mientras la locución traza una presentación histórica de España y de su pueblo alegre y trabajador. La proclamación de la República se presenta con imágenes de un mitin en la plaza de toros de Madrid y manifestaciones del 14 de abril en Madrid y Barcelona. Imágenes de la Guardia Civil reprimiendo una manifestación en Madrid sitúan la posición anarquista frente ala República. La sublevación del 18 de julio se presenta con imágenes de Franco estudiando un mapa y junto con Queipo de Llano en Sevilla, y de Mola revistando fuerzas de la Guardia Civil.

Imágenes de "Reportaje del Movimiento Revolucionario en Barcelona" ilustran la reacción popular. La Columna Durruti parte hacia Aragón. La actuación de las columnas de las Milicias Antifascistas se sigue muy detalladamente. Tras los primeros avances los milicianos instalan el cuartel general en Bujaraloz; imágenes de las columnas marchando por carretera y dicha población se destaca la figura de Durruti. La locución indica: "las columnas han hecho retroceder al enemigo hasta pasar el Ebro".

Sietamo es conquistada por las milicias antifascistas (parte de estas imágenes proceden de la serie "Aguiluchos de la FA|"). Mitin en Barcelona, el público abarrota la Plaza de Catalunya y entona el nuevo himno revolucionario "Hijos del Pueblo", los aviones lanzan octavillas. El buque "Zyrianin" llega al puerto de Barcelona con ayuda soviética. Un mapa señala las zonas en las que estaba dividida España en septiembre de 1936. Imágenes de fuego artillero, edificios ardiendo, aviones en vuelo y del Alcázar de Toledo. La locución habla de las tropas mercenarias marroquíes que combaten en Badajoz e Irún. "Todas las fuerzas antifascistas van a defender Madrid, Durruti lleva más de 6 0 0 0 hombres".

Autobuses con milicianos pasan por un pueblo entre saludos de al gente. Bandera de la Columna Durruti. Madrid, combates en la Casa de Campo, aviones, ruinas y cadáveres en la calle, unidades de las Brigadas Internacionales desfilan por al calle, combates artilleros en el Puente de los Franceses. La locución habla de la muerte de Durruti y de su traslado a Barcelona. Entierro de Durruti, una enorme multitud en el cortejo. La Banda Municipal, dirigida por Lamotte de Grignón, interpreta la "Marcha fúnebre" de Chopin. En la cabecera del cortejo figuran la esposa de Durruti y otras personalidades.

Combates en la Ciudad Universitaria yen otros puntos de la periferia de Madrid. La locución compara la destrucción de la ciudad con las de Irún y Guernica. Imágenes de evacuación, pancarta "No Pasarán" y de la Puerta del Sol, donde la multitud despide a los milicianos que marchan al frente, abren paso a un bloque de sobreimpresiones de armas, puños levantados, combates y banderas que cierran al película.

Capítulo 3 Extra Ruinas y sangre de España

"Ruinas y sangre de España es un ejemplar ‘rara avis’ ya que no se encuentra citada en la hemerografía de la época. Tampoco se enumera entre las producciones del Sindicato de Espectáculos, y, a juzgar por la cartelera, no consta que se estrenase en ninguna sala de Barcelona. Por lo tanto resulta una incógnita conocer con exactitud la finalidad que se esperaba obtener con el montaje del film y la oportunidad política del documento. Los datos de la cabecera de la película indican que es una producción conjunta entre el Frente Popular y el Sindicato Único de Espectáculos Públicos de Barcelona (SUEP), una colaboración única en toda la cinematografía anarquista realizada durante la Guerra Civil. Resulta insólita la participación del Frente Popular ya que la orientación del film es rotundamente libertaria y propone un discurso de efecto propagandístico sin ambigüedades, que, además, incluye la exaltación de la FAI. Con todo, la primera imagen del film anuncia “Episodios de la lucha antifascista en
Cataluña y Aragón”.

La fotografía de la cinta es un compendio de diversas imágenes obtenidas por los cineastas: Ricardo Alonso, Adrién Porchet, Ramón de Baños, Pablo Weinschenk y Antonio García, reorganizada por el montador Juan Pallejá con un texto de Ramón Oliveres. Se combinan estas imágenes de archivo con otros materiales heterogéneos, gráficos y fotografías, para reelaborar una síntesis que recoge los principales argumentos esgrimidos por el relato anarquista tras el fracaso de la sublevación militar.

La narración está organizada en una breve secuencia cronológica que tiene dos unidades fundamentales: un primer bloque se inicia el diecinueve de julio, tras la fracasada sublevación militar en Barcelona y abarca los inmediatos días posteriores hasta el veintitrés de julio de 1936. La segunda unidad recoge la jornada del veinticuatro de julio, el día que la columna Durruti salió hacia el frente de Aragón.

En este documental la palabra adquiere un protagonismo relevante y se convierte en el principal elemento de articulación narrativa, mientras que la imagen sirve de fondo al relato sonoro. La enunciación participa del mismo tono de soflama que en el Reportaje del movimiento revolucionario en Barcelona y, de hecho, es un film que compendia el sentido y las imágenes de aquel con el mismo estilo de expresión mesiánica.

Para el anarquismo, el diecinueve de julio se convirtió en un tiempo fundacional, mítico, la fecha del cambio, celebración de la toma del poder obrero en Barcelona e inicio de la revolución tras el fracasado golpe militar. En el relato de Ruinas y sangre de España se manifiesta que hay un antes y un después de ese día, un pasado y un presente encauzado por los más humildes, el pueblo, los trabajadores

10 de Julio – Jueves

Intro Capítulo 03 – Un pueblo en armas – Presenta Heleno Saña
Amanecer sobre España
21:50 h Ruinas y sangre de España

00:69:57

Capitulo 04

11 de julio - viernes 21:00 h

Capítulo 04 - La guerra - Presenta Miguel Iñíguez
Alas negras El frente y la retaguardia
El general Pozas visita el frente de Aragón 1937
Tres fechas gloriosas
¡Criminales! Bombardeos sobre Barcelona
Y tú ¿qué haces?
La silla vacía
Momentos de España (n5)
Teruel ha caído La toma de Teruel

02:33:35

17 de Julio - Jueves

Cap 05 – El mundo obrero - Presenta Pablo Nacarino
Aurora de esperanza
Nosotros somos así
Aurora de esperanza "Aurora de esperanza" de Antonio Sau Olite es la historia del explotado que se rebela para que nazca la nueva sociedad a la que hace referencia el título.
Una película de excelente guión ydramaturgia que mantiene la larga tradición del mundo libertario por el melodrama a través de la historia de una familia obrera que maltratada por la sociedad burguesa lucha para que amanezca el día revolucionario. Como alguien ha escrito, una película neorrealista años antes de que este movimiento cinematográfico surgiera.
Melodrama de inspiración anarquista sobre la desesperada situación de la clase obrera y el inicio de la Revolución social. Juan es un obrero que al volver con su familia de las vacaciones encuentra que la fábrica ha cerrado y despedido a todos los trabajadores. Desde aquí inicia un largo calvario que le lleva a la desesperación y sumerge en la miseria y el hambre a su familia. Marta, su mujer, intenta también buscar trabajo pero únicamente encuentra un humillante empleo de "maniqui" para ropa frívola en un escaparate, empleo que es rechazado indignadamente por Juan, quien decide separarse de su familia enviándola al pueblo, junto a los padres de Marta, donde al menos podrán comer. Juan sigue buscando trabajo y comienza a juntarse con otros muchos parados, iniciando una progresiva toma de conciencia que le levará a encabezar una manifestación y posteriormente una "marcha del hambre" que se dirigirá hacia Madrid.
La "marcha" va recorriendo el camino cuando, la pasar junto al pueblo de los padres de Marta, les llega el anuncio de que ha estallado la revolución social. Juan corre a buscar a su familia para anunciarles la aurora de esperanza que inicia el pueblo trabajador. ¡Nosotros somos así! "Nosotros somos así", dirigida por Valentín R. González, es una película que mezcla el musical con el propio rodaje. Trata de la historia de unos niños y de la condición de espía del padre de uno de ellos que es salvado de morir porque el pueblo puede ser clemente con sus enemigos.
Mediometraje musical en el que se mezcla la ficción con la propia preparación del rodaje de la película. Un grupo de niños atraviesa los estudios cinematográficos hasta llegar a un decorado, mezcla de salón en una casa burguesa y escenario para ensayos con gradas para los espectadores. Comienza el ensayo en el cual se irán representando números de baile (jotas, claqué), canciones y recitado. El argumento sitúa la acción en la casa de uno de los niños, hijo de un rico burgués, que es el que organiza la fiesta. Los niños imponen que las decisiones sobre la calidad de las actuaciones se tomen por votación a mano alzada lo que produce un choque con Alberto, el niño rico, quien pretende imponer su criterio por ser el anfitrión; la discusión es agrava y el niño rico llega a pegarse con Pepito, abandonando después la reunión despreciativamente. La situación se complica; el padre de Alberto es detenido acusado de facilitar datos para los bombardeos del enemigo; el padre de Pepito, responsable del Comité del barrio, tiene pruebas documentales de la traición, estas pruebas harán que el espía sea condenado a muerte. Alberto, que quiere mucho a su padre, intenta entrar en casa de Pepito para robar los documentos comprometedores. Alberto es sorprendido y cuando ya cree todo perdido para su padre, descubre que los demás niños, a los que él ha despreciado, interceden, consiguiendo cambiar la pena de muerte por la de condena a prisión, pues el pueblo, que es poderoso, puede ser clemente con su enemigo. Los niños celebran por fin su fiesta cantando jubilosos "Nosotros somos así"

01:38:58

24 de Julio - jueves

Intro Cap 06 - En el mundo burgués (1) - Presenta Pablo Nacarino

Nuestro culpable

Cap 06 - En el mundo burgués (1) - Presenta IGNACIO SORIANO 24 de Julio - jueves Intro Cap 06 - En el mundo burgués (1) - Presenta Pablo Nacarino Nuestro culpable En el mundo burgués (1)

PRESENTADO POR IGNACIO SORIANO

Nuestro culpable Fernando Mignoni, quien dirigiría en los años cuarenta alguna que otra película, lo hizo en 1937 con "Nuestro culpable" un disparate en clave musical en el que se ironiza sobre la justicia burguesa. Comedia musical que, en clave de disparate, ironiza sobre las relaciones entre la justicia y la sociedad burguesa.

01:38:22

31 de Julio - jueves

Intro Cap 07 En el mundo burgués (2) – Presenta Antonio del Amo

Barrios bajos

01:43:50

Ciclo: Una mirada actual al cine arquista

18 de Julio - Viernes 21:00 h

Juan Mariné, entre luz y sombra (Rafael Toba, 2023, 73 min.)
Documental reciente sobre Juan Mariné, figura destacada del cine español, director de fotografía y restaurador cinematográfico, cuya obra atraviesa décadas clave del cine y la historia española.

19 de julio - Sábado 22:00h

El entusiasmo – Luis E. Herrero (2018, España, 01:20:00) Esta obra recupera una memoria casi olvidada de los años de la transición española, enfocándose en los movimientos libertarios y autogestionarios que florecieron tras la muerte de Franco. "El entusiasmo" revisa con rigor histórico y sensibilidad testimonial cómo el idealismo y la energía revolucionaria de aquellos años dieron paso a una profunda decepción, ofreciendo una mirada crítica y necesaria sobre el legado político y social de la transición española.

Ciclo: Grupo Chaski - Cine documental comunitario peruano

08 de Julio 21:00 h - ÚNICO PASE

Este ciclo dedicado al Grupo Chaski, colectivo peruano reconocido por su visión crítica y comprometida con la realidad social latinoamericana, explora importantes obras documentales producidas durante la década de 1980. A través de la mirada sensible y directa de sus realizadores, estas películas abordan temas fundamentales como la identidad cultural, la desigualdad social y las luchas populares. Presentamos cinco piezas fundamentales que reflejan la fuerza narrativa y el compromiso social del cine peruano de este emblemático grupo.

Caminos de Liberación
Grupo Chaski, 1985, B15, Perú, 20 min.

Explora la teoría y la práctica de un movimiento dentro de la Iglesia Católica que surgió en América Latina en los años 60. Muestra cómo laicos, sacerdotes, religiosas, cardenales y obispos viven su fe y se mantienen fieles al evangelio, apoyando a los más pobres y luchando por la justicia y la igualdad.

Miss Universo en el Perú 1982
Grupo Chaski, 1982, A, Perú, 37 min.
Una mirada crítica al concurso de belleza Miss Universo celebrado en Perú en 1982. El documental cuestiona los estándares impuestos sobre la belleza femenina y revela las contradicciones culturales, económicas y políticas generadas por este evento mediático.

Margot, la del Circo
Alejandro Legaspi, 1987, A, Perú, 10 min.
La vida cotidiana y las aspiraciones de Margot, una joven artista circense que refleja la realidad social del Perú de los años ochenta. Un retrato íntimo y humano de la lucha diaria por sostener sueños y sobrevivir en circunstancias adversas.

Encuentro de hombrecitos
Alejandro Legaspi, 1987, A, Perú, 11 min.

Un documental que captura la inocencia, creatividad y resiliencia de un grupo de niños trabajadores peruanos. Legaspi explora con delicadeza cómo estos pequeños se enfrentan a la vida con valentía, solidaridad y esperanza.

El taller más grande del mundo
Stefan Kaspar, 1987, A, Perú, 10 min.Don Lucho trabajó en lo que mejor supo hacer, ser mecánico. El buscó una salida creativa a la crisis económica, construyendo su taller de mecánica en un lugar que no le pertenece a nadie: la calle.

Total: 01:27:46

Retrospectiva: Televisión Serrana

Televisión Serrana es un proyecto audiovisual comunitario emblemático surgido en la Sierra Maestra, Cuba, con más de 30 años documentando la vida cotidiana, los saberes tradicionales, las leyendas, los personajes emblemáticos y la creatividad popular de las comunidades rurales de la región. En esta selección especial, se presentan documentales cortos que, desde diferentes miradas, visibilizan las historias, sueños, desafíos e ingeniosidad de las personas que habitan esta región, resaltando la fuerza y sensibilidad del cine comunitario.

15 de julio – Martes 21:00 H

🎞️ TV Serrana – Programa 01: Retrospectiva TVS Ayer

Duración total: 1h 30min

Este programa nos transporta a los orígenes y primeros años de TV Serrana, un proyecto comunitario cubano fundamental para el cine documental latinoamericano. A través de una selección de piezas emblemáticas, realizadas entre los años 90 y los primeros 2000, se revela la potencia testimonial, poética y transformadora de una cámara puesta al servicio de los campesinos de la Sierra Maestra. Estos cortometrajes muestran la vida cotidiana, las tradiciones, la fuerza de las mujeres serranas y los desafíos de la infancia rural, con una mirada sensible y profundamente arraigada al territorio.

La restauración y circulación reciente de estos materiales, bajo el sello de Retrospectiva TVS Ayer, permite redescubrir no solo un legado cultural invaluable, sino también un modelo de comunicación popular pionero en América Latina.

TV Serrana – Programa 01: Retrospectiva TVS Ayer

Como un rayo de luz (2009)
Duración: 14 minutos
Dirección: Tatiana Canro y Ariagna Fajardo
Descripción: Narra la creación de una televisión comunitaria en un remoto pueblo de la Sierra Maestra, donde los campesinos descubren que ellos mismos son los protagonistas de las historias que se cuentan.
Las cuatro hermanas (1998)
Duración: 17 minutos
Dirección: Rigoberto Jiménez
Descripción: Explora la vida de cuatro hermanas mayores que viven solas en la Sierra Maestra, abordando temas como la mujer y la tercera edad en el contexto rural cubano.
Tocar la alegría (1995)
Duración: 15 minutos (estimada)
Dirección: Marcos Bedoya
Descripción: Ofrece una representación empática de los habitantes de la zona oriental de Cuba, destacando la alegría y la cultura material de los campesinos serranos.
La Chivichana (2000)
Duración: 13 minutos
Dirección: Waldo Ramírez
Descripción: Se centra en la "chivichana", un medio de transporte rudimentario utilizado por los habitantes de las serranías orientales cubanas, simbolizando la inventiva y resistencia de la comunidad.
Como por primera vez (2002)
Duración: 14 minutos
Dirección: Waldo Ramírez y Luis Guevara
Descripción: Retrata la experiencia de personas que, tras años de aislamiento, acceden por primera vez a la televisión, capturando sus emociones y reacciones.
Al compás del pilón (2002)
Duración: 9 minutos
Dirección: Carlos Y. Rodríguez
Descripción: Muestra cómo los habitantes de la Sierra Maestra mantienen vivas sus tradiciones musicales y culturales, destacando la importancia del pilón en su identidad.

Duración total del ciclo: 82 minutos , 01:30:34

🎞️ TV Serrana – Programa 02: TV Serrana Hoy

Duración total: 1h 24min

En este segundo bloque, nos acercamos a la producción contemporánea de TV Serrana, donde se actualizan las preguntas y luchas del presente sin perder la raíz comunitaria que dio origen al proyecto. Los documentales aquí reunidos abordan desde una mirada actual las transformaciones sociales, económicas y culturales que vive la región, con énfasis en la memoria, el territorio y las relaciones intergeneracionales.

Estos cortos, realizados por nuevas generaciones de realizadores y realizadoras, muestran la evolución técnica y narrativa de TV Serrana, al tiempo que mantienen la esencia participativa y comprometida con su entorno. Una oportunidad única para descubrir cómo sigue latiendo, viva y necesaria, la experiencia audiovisual serrana.

TV Serrana – Programa 02: TV Serrana Hoy:

Como un rayo de luz (2009)
Duración: 14 minutos
Dirección: Tatiana Canro y Ariagna Fajardo
Descripción: Narra la creación de una televisión comunitaria en un remoto pueblo de la Sierra Maestra, donde los campesinos descubren que ellos mismos son los protagonistas de las historias que se cuentan.
Café diVino
Duración: 00:19:58
Dirección: No disponible
Descripción: Las complejidades del cultivo del café en la Sierra y su impacto en la vida de las comunidades productoras.
Los perros, las piedras, la revolución (2019)
Duración: 00:18:04
Dirección: Carlos Y. Rodríguez
Descripción: Retrata la vida de Luis Rojas Sosa, un campesino que construye un parque de piedras en homenaje a líderes revolucionarios, reflejando su devoción y conexión con la historia cubana.
Mirarme a través de ti (2024)
Duración: 00:32:26
Dirección: Ariagna Fajardo Nuviola
Descripción: Galardonado con el Segundo Premio en la categoría Documental en el Festival Nacional de la Televisión en 2024, destaca por su enfoque íntimo y reflexivo.

Solo en MX Nuestro Cine Tv abierta en Valle de México: 22.2

Streaming en todo México:https://canal22.org.mx/mx_nuestro_cine.html

18 Aniversario de Naranjas de Hiroshima

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Thu, 23 Jan 2025 06:37:00 +0000

Naranjas de Hiroshima celebra 18 años

de difusión del cine documental

Más de 700 documentales publicados en su plataforma digital.

Una biblioteca gratuita sobre cine con más de 1,000 libros especializados.

13 décadas de cine documental abarcadas, desde 1894 hasta 2025.

La Pequeña Filmoteca: más de 400 películas en formatos físicos preservadas y estudiadas.

Este año, una celebración especial: una selección de cine documental en una televisión pública,

el canal Mx Nuestro Cine.

“Nosotros no hacemos films para morir, sino para vivir, para vivir mejor. Y si se nos va la vida en ello, vendrán otros que continuarán…”

Raymundo Gleyzer

En 2007, Naranjas de Hiroshima inició su recorrido como un proyecto independiente y sin ánimo de lucro dedicado a la difusión del cine documental. 18 años después, esta plataforma ha construido un legado cultural que abarca no solo la recopilación y publicación de más de 700 documentales, sino también la creación de espacios de aprendizaje, preservación y reflexión en torno al cine.

Un archivo vivo de memoria y resistencia

A lo largo de su trayectoria, Naranjas de Hiroshima ha recopilado y difundido documentales que abarcan 13 décadas de historia cinematográfica, desde los primeros registros en 1894 hasta los títulos más recientes de 2025. Además, ha diseñado los carteles de más de 100 documentales, contribuyendo, modestamente, al aspecto visual de estas obras.

El proyecto no se limita al cine digital: en 2020 nació La Pequeña Filmoteca deNaranjas de Hiroshima, un archivo físico que cuenta con más de 400 películas en formatos fílmicos como 35mm, 16mm, 9.5mm, 8mm y Super 8. Este acervo no solo preserva estas obras, sino que también las estudia y difunde, reafirmando el compromiso del proyecto con la memoria audiovisual.

Una biblioteca abierta y gratuita

La pasión por el cine documental también se traduce en una biblioteca digital abierta y gratuita, con más de 1,000 libros especializados sobre cine, disponible para todos los interesados en explorar y aprender.

Una celebración especial: el cine documental en televisión pública

En este aniversario, la celebración toma una forma especial: una selección de cine documental será transmitida por televisión pública y en abierto en México. Por primera vez, muchos de estos documentales llegarán a la pantalla televisiva, marcando un hito en la difusión de este género cinematográfico. Esta iniciativa no solo permite que estas obras sean vistas por un público más amplio, sino que también subraya la importancia de llevar temas esenciales al debate público. Algunos de los documentales abordan luchas sociales, problemas territoriales y cuestiones políticas, temas que, aunque puedan ser incómodos, son cruciales para entender y reflexionar sobre nuestra realidad contemporánea.

La presencia de estos documentales en el canal Mx Nuestro Cine asegura que un pequeño recorrido por la historia del cine documental, así como historias de resistencia, memoria y transformación lleguen a un público diverso. Presentando documentales, largos y cortos de México, América Latina y España. En un contexto en el que muchas de estas producciones no suelen tener cabida en plataformas comerciales, la televisión pública se convierte en un espacio vital para democratizar el acceso a estas narrativas. Para el público mexicano, es una oportunidad invaluable de conocer perspectivas distintas, acercarse a problemáticas que tocan fibras profundas de nuestra sociedad y fomentar la empatía y la reflexión crítica.

El cine documental: un espejo de lo que somos

“El cine documental es el mejor espejo de lo que fuimos y de lo que somos”, afirma su fundador, Luis Iborra Miralles. “Nos permite acceder a momentos históricos y vidas ajenas, conectándonos con historias sociales, políticas y poéticas que nos generan empatía y nos invitan a reflexionar.”

Un legado que sigue creciendo

En estos 18 años, Naranjas de Hiroshima no solo ha difundido documentales, sino que también ha tejido un espacio de resistencia cultural, preservando y celebrando el cine como una herramienta de transformación social. Este aniversario es un recordatorio de que la memoria audiovisual sigue siendo una parte esencial de nuestra identidad colectiva.

Naranjas de Hiroshima continúa apostando por el cine documental como "el mejor espejo de lo que fuimos y de lo que somos", celebrando 13 décadas de cine documental desde 1894 hasta 2025. Este aniversario reafirma su compromiso con la preservación de la memoria audiovisual y la promoción de un cine que inspira, informa y transforma. Como dice Werner Herzog: "El documental no es la verdad, pero puede ser más honesto que la ficción."

https://linktr.ee/naranjasdehiroshima

No Other Land

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 13 Jan 2025 16:49:00 +0000

Título original: No Other Land
Dirección: Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor
Montaje: Basel Adra, Hamdan Ballal, Yuval Abraham, Rachel Szor
Música: Julius Pollux Rothlaender
Productor: Fabien Olivier Greenberg, Bård Kjøge Rønning
producción: Antipode Films, Yabayay Media (PS)
Música: Julius Pollux Rothlaender
Fotografía: Rachel Szor
Compañías productoras: Coproducción Palestina-Noruega; Yabayay Media, Antipode Films
País: Palestina, Noruega
Año: 2024
Duración: 95 min.

No Other Land es una colaboración entre el abogado y periodista palestino Basel Adra, el fotógrafo y agricultor palestino Hamdan Ballal, el periodista de investigación israelí Yuval Abraham y la directora de fotografía israelí Rachel Szor (los cuatro figuran como directores y montadores). Basel y Yuval (a los que se refieren por sus nombres de pila en la película) también son protagonistas, mientras que Ballal hace algunas apariciones memorables como el miembro escéptico del grupo: “Ah, ¿eres un israelí ‘a favor de los derechos humanos’?”, bromea Ballal cuando conoce a Yuval por primera vez.

No Other Land es tan específica como afectivamente extrapolable a otros marcos contemporáneos de dominación estructural en su descripción de la impotencia bajo un Estado represivo. No aborda directamente el conflicto más reciente entre Israel y Hamás, sino que documenta el desplazamiento forzoso de palestinos en Masafer Yatta (Cisjordania), una colección de aldeas rurales. El hilo narrativo central se teje en torno a la relación laboral entre Yuval y Basel, cuya cercanía y confianza a lo largo de años de colaboración puede apreciarse a través del afecto físico y las conversaciones profundas entre ambos. Sin embargo, sigue habiendo una división inevitable entre ellos, construida por la dinámica de poder del sistema: la absoluta libertad de movimiento de Yuval contrarresta el total confinamiento de Basel.

Desde el principio, no es posible apartar la mirada del metraje que presenta el colectivo. Los espectadores son testigos inmediatos de la destrucción de casas de hormigón, acompañada diegéticamente por los gritos de familias palestinas que se preguntan por qué el Estado israelí está llevando a cabo semejante acción. La película también convierte en villano al hombre responsable de las órdenes de desalojo sobre el terreno, conocido solo como Ilan. Representando el brazo ejecutor del Estado, el hombre viste gafas de sol reflectantes y camisetas Nike transpirables, un atuendo que personifica una especie de banalidad del mal. No Other Land se convierte en un incesante golpe en las tripas, en el que las inquietantes imágenes nunca pierden su fuerza. Ilan podría llevar un traje de payaso y seguir teniendo la capacidad absoluta de diezmar todas las casas construidas y reconstruidas en Masafer Yatta. La película llega incluso a resultar tan abrumadora en algunos momentos que infunde en el espectador una sensación de futilidad absoluta: ¿realmente somos todos tan impotentes?

La crudeza crítica de las imágenes se relativiza en una secuencia final que incluye una breve visita de periodistas internacionales, que acaban pareciendo intrusivos, performativos y fuera de contacto con la realidad palestina. El equipo de vídeo profesional y la entrevista con una madre afligida no tienen ningún peso frente a las imágenes grabadas con el teléfono y la videocámara de Basel y Yuval en el corazón del conflicto, donde la cámara se coloca justo frente a las caras de la policía militar, de una forma marcadamente confrontativa y sin dejar ninguna duda en cuanto a su subjetividad. Estas cámaras “amateur” captan con gran dinamismo las experiencias de los oprimidos cuando los dos activistas huyen de las autoridades. Mientras graban, los teléfonos se pierden en la maleza durante los altercados físicos, para ser recuperados más tarde.

No Other Land da lo mejor de sí cuando alcanza la movilidad cinematográfica, cuando la cámara actúa como una extensión de este interrogatorio activista de la violenta ocupación israelí y no como un observador distante. Al final de la película, el grado de impotencia es palpable, pero los cineastas ofrecen un resquicio de esperanza en este acto transnacional de solidaridad y resistencia.

No Other Land es una coproducción entre Palestina y Noruega, a cargo de Yabayay Media y Antipode Films.

Fuentes de información: Reseña escrita por Olivia Popp y publicada en CineEuropa, FilmAffinity,

Ver completa en VOSE en Vimeo Parte 01

Ver completa en VOSE en Vimeo Parte 02

Off Frame aka Revolution Until Victory

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Tue, 19 Nov 2024 15:47:00 +0000

Título original: Kharej Al-Itar aw Thawra Hata el Nasser (Off Frame - Revolution Until Victory, Fuera de cuadro - Revolución hasta la victoria)
Dirección: Mohanad Yaqubi

Guion: Reem Shilleh & Mohanad Yaqubi

Edición: Ramzi Hazboun & David Osit

Producción: Sami Said for Idioms Films, Coproducción Delphine Landes-Busnel para Monkey Bay Productions

Fotografía: Sami Said, Rami El Nihawi

Sonido: Design Carl Svensson
País de producción: Palestina, Francia, Jordania, Líbano, Estados Unidos, Reino Unido
Año: 2015
Duración: 62 min

Off Frame, también conocida como Revolution Until Victory, es una meditación sobre la lucha del pueblo palestino por producir una imagen y una auto-representación en sus propios términos en los años 1960 y 1970, con el establecimiento de la Unidad de Cine Palestino como parte de la OLP.

En ese momento, la revolución palestina colaboró con cineastas, actores y activistas de Siria, Italia, Reino Unido, Líbano, Francia, Alemania, Argentina y muchos otros, y estableció alianzas con instituciones en Berlín, Moscú, Bagdad y Cuba. A pesar de su prolífica producción, quedan pocas de sus obras (muchas de ellas han sido confiscadas por Israel).

Sin embargo, hay mucho que aprender al revisar esta era y reconstruir la narrativa del cine militante palestino. Off Frame tiene como objetivo llenar este vacío en la memoria colectiva.

Tras una búsqueda sin precedentes, la película desenterró películas almacenadas en archivos de todo el mundo y comenzó con representaciones populares de la Palestina moderna, para luego rastrear las obras de cineastas militantes que reivindicaron la imagen y la narrativa a través del cine revolucionario y militante.

¡REVOLUCIÓN! En el Cine

por Dorota Lech

"Al resucitar una memoria olvidada de lucha, Off Frame reanima lo que está dentro del marco, pero también teje una reflexión crítica al buscar lo que está fuera de él o lo que está fuera del marco. El director Mohanad Yaqubi recurre a material de archivo recientemente descubierto para explorar la tumultuosa historia de Palestina y el cine palestino en este documental oportuno y perspicaz.

Partiendo del cine de lucha palestino, término utilizado para las películas producidas entre 1968 y 1982 en relación con la Revolución Palestina, Off Frame AKA Revolution Until Victory rastrea los fragmentos de una revolución, entrelazando imágenes de un sueño de libertad. Los negativos de la película están empalmados en una línea de tiempo febril, capturando lo que está ante la cámara y al mismo tiempo sugiriendo lo que falta en su cuadro. Al tejer una historia de personas en busca de su propia imagen, pone de relieve el pasado (y el presente, no exento de horrores cotidianos).

En paralelo con Third Cinema, la Unidad de Cine Palestino se estableció como parte de la OLP en la década de 1960. (Desde entonces se ha convertido en el Instituto de Cine Palestino). A lo largo de su existencia, la Revolución Palestina ha colaborado con cineastas, actores y activistas de Siria, Líbano, Italia, Francia, Alemania, el Reino Unido, Argentina y otros lugares, y ha establecido asociaciones con instituciones de Berlín, Moscú, Bagdad y La Habana. A pesar de la prolífica producción de este movimiento, quedan muy pocas de sus obras.

Para el mundo exterior, estas películas militantes representaban un modelo de un pueblo en lucha, que explicaba contra quién luchaba y por qué. Pero para los palestinos, las películas marcaron una transformación de sus identidades: de refugiados a luchadores por la libertad. Este notable debut de Mohanad Yaqubi, nacido en Kuwait y criado en Gaza, es una batalla ensayística —entre el sueño y la realidad, la ficción y la propaganda— por la representación de un pueblo que ha resistido su opresión (que, según Amnistía Internacional, equivale al apartheid) durante milenios. A medida que se registra la historia, Off Frame, también conocida como Revolution Until Victory, conecta las fronteras del pasado con el presente, desde el río hasta el mar."

Fuentes de información: IMDB, Palestine Film Institute, FilmAffinity, Prime Video, IDFA, TIFF,

Ver documental completo en versión original con subtítulos en castellano en ok.ru

Ver entrevista con el director (activar subtítulos y traducción automática a tu idioma)

Novaro, el coloso mexicano

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Fri, 09 Aug 2024 00:42:00 +0000

Título original: Novaro, el coloso mexicano
Dirección: Andrés Pardo
Intervenciones de: Luis Gantus, Jose Episcopo, Sixto Valencia Burgos, Gabriel Novaro, Fernando Franco Quiroz
Música: Yonny Roldan
Fotografía: Santiago Casarino
Compañías: K3Films
Distribuidora: K3Films
Año: 2017
País: México
Duración: 76 min.

Novaro, el Coloso de México traza la historia desconocida de uno de los mayores editores de cómics en el mundo, que reinaba durante más de 30 años antes de desaparecer sin decir adiós en 1985. Sus fans nunca entendieron lo que pasó. Novaro solamente desapareció sin dejar rastro. Sólo los cómics se mantuvo.

Novaro: el coloso de la historieta nacional

por Marco A. Villa

Esta aventura continuará próximamente, ¡no se la pierdan!”, decía en una de sus últimas viñetas el Superman número 1537, a pesar de que sería la última edición que saldría de las máquinas de Editorial Novaro. Era agosto de 1985 y el fin de esta prolífica casa editorial estaba a punto de consumarse por malos manejos financieros. Sus más de tres décadas en la preferencia del público, millones de escenas dibujadas por sus talentosos historietistas y el tesón de sus primeros dueños, son algunas directrices que suman a la nostálgica reconstrucción de su historia, plasmada en el documental Novaro: el coloso mexicano.

Aquellos niños y jóvenes que nacieron entre los cincuenta y setenta, invariablemente conocieron las entrañables historietas producidas en esta empresa que Luis y Octavio Novaro fundaron en 1949 después de salir de La Prensa, pues sus variados títulos y coloridas portadas asomaban en los quioscos callejeros de muchas ciudades del país. Así, las aventuras de Archie, Kalimán, el Correcaminos, la Pantera Rosa, Tarzán, Superman (su primer cómic), Capitán Marvel y Batman, o títulos como Titanes Planetarios, Domingos Alegres (de origen francés), Chiquilladas o Dana en el Mundo Perdido, enriquecieron la ilusión de millones de menores que anhelaban que cada historia fuera interminable.

Editorial Novaro dedicó también cientos de páginas al exitoso personaje creado hacia 1911 en Europa, Fantomas, quien terminó siendo uno de los más representativos y longevos del sello editorial. Tal cual ocurrió con otras historietas, Fantomas. La amenaza elegante tuvo un talentoso equipo que la hizo posible, desde el escritor Julio Cortázar que aparece por primera vez en la edición 201, la cual presentó el capítulo “La inteligencia en llamas”, hasta los maestros Jorge Chargoy y Alfredo Cardona Peña, quien lideró la División de Cómic de Novaro por más de veinte años y que creó más de un ochenta por ciento de las aventuras de Fantomas.

Para el público infantil mexicano, las historietas de Novaro tuvieron un valor que iba más allá del ser solo productos para el entretenimiento. Fueran de drama, aventura o comedia, no pocos se pulieron en la práctica de la lectura mientras se divertían con las andanzas de sus personajes favoritos. Fueron también objeto de enseñanza, pues la casa produjo sus propias creaciones, algunas encaminadas a tratar temas de historia y ciencia, como fueron los casos de Epopeyas, Vidas Ejemplares o Vidas Ilustres, generalmente acompañadas de las obras de grandes historietistas, como Sixto Valencia, después dibujante de Memín Pingüín, o Fernando Llera, quien dio vida a la Pantera Rosa.

Asimismo, las traducciones y adaptaciones bien cuidadas, la pulcra ortografía y la creatividad de los contenidos hicieron de cada historieta un producto con calidad que terminó por derribar mitos, como el de que eran dañinos para el desarrollo del lenguaje y la enseñanza de ciertos valores que otras series, como La Familia Burrón o Lágrimas y Risas, se “encargaban” de empañar, a decir de las buenas conciencias de la época; pero esto fue, desde luego, un comportamiento prejuicioso que terminó por ceder a la masificación de la historieta con las decenas de títulos que llegó a tener en el mercado, y que gracias a su impresión en ófset, tuvo en algún momento el mayor tiraje para el género en el mundo hispano.

Y es que las tiras cómicas mismas habían sido, desde que comenzaron a aparecer en los periódicos hace alrededor de un siglo, principalmente en sus suplementos culturales, un producto “de cierto nivel” por estar dirigidas a la clase media, para en la década de los treinta convertirse en un fenómeno de lectura popular gracias en buena medida a su bajo costo, así como objeto de encono y vergüenza entre algunos sectores sociales que veían en las historietas populares, como los Pepines o Los Chamacos, un producto apto solo para los estratos sociales más bajos, lo que orillaba a otros a consumirlo a hurtadillas.

Como se expone en el archivo fílmico incluido en este documental –que fue comprado en un mercado de la CDMX en marzo de 2011–, la historia de Novaro terminó en medio de una profunda crisis económica que apremiaba al país, y no por el terremoto de 1985, como suele decirse. Repartición de archiveros y escritorios, así como liquidaciones de miles de ejemplares por cabeza que al tiempo permitió la circulación de historietas en el mercado de segunda mano –muchas de ellas hoy cotizadas a precios desorbitantes–, más una misa el 12 de diciembre de este año, pusieron punto final a esta empresa que inició actividades en Donato Guerra 49 y terminó en Naucalpan.

Fuentes de información: Filmaffinity, Relatosehistorias,

Ver documental completo en Youtube.

Tantura

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Thu, 16 May 2024 02:09:00 +0000

Dirección: Alon Schwarz
Guion: Alon Schwarz, Shaul Schwarz, Halil Efrat
Música: Ophir Leibovitch
Fotografía: Or Azulay, Avner Shahaf, Yonathan Weitzman, Ilya Magnes
Compañías productoras: Reel Peak Films
País de producción: Israel
Año: 2022
Duración: 94 min.

“No se puede crear un refugio seguro creando una catástrofe para otras personas”, dice Ilan Pappé , profesor de la Universidad de Haifa, sobre la fundación del Estado de Israel después de la Segunda Guerra Mundial en el abrasador y desafiante documental “Tantura. "

Para investigar la validez de esa fuerte proclama, el director Alon Schwarz ( “Los secretos de Aida” ) se concentra en la ciudad costera de Tantura. Lo que alguna vez fue un próspero pueblo de pescadores, se convirtió en el lugar de una masacre perpetrada por la Brigada Alexandroni a principios de la campaña de 1948 para apoderarse de Palestina, conocida por los israelíes como la Guerra de Independencia.

Para los palestinos, el inicio de su trágico desplazamiento se conoce como la nakba .

Los detalles de lo que ocurrió en Tantura hace más de 70 años permanecieron en secreto, un tema tabú que contradice la autoimagen idealizada del Estado israelí. Pero a finales de la década de 1990, el académico Teddy Katz entrevistó a muchos de los soldados involucrados como parte de su tesis de maestría.

En esas conversaciones en profundidad corroboraron a regañadientes la brutal matanza de cientos de palestinos, en su mayoría hombres, y la disposición de sus cuerpos en fosas comunes. También es notable el lenguaje deshumanizador que utilizan para referirse a sus “enemigos”.

Después de que los medios se enteraron de los hallazgos de Katz, los hombres de Alexandroni se retractaron de sus declaraciones y lo demandaron, poniendo fin efectivamente a su carrera y silenciando la verdad. Ahora Katz ha compartido las cintas con Schwarz, quien utiliza extractos, así como nuevas entrevistas con aquellos soldados que aún están vivos, para construir una exposición condenatoria de una nación que no está dispuesta a admitir sus pecados primordiales.

Algunos de los que acceden a hablar con Schwarz, que ya tiene más de 90 años, admiten haber sido testigos de los crímenes, pero niegan haber participado en ellos. Otros, envalentonados quizás por su avanzada edad, y más aún por la impunidad que les otorga su condición de héroes, confiesan los asesinatos. Una espeluznante partitura de Ophir Leibovitch acompaña sus escalofriantes relatos.

Sin embargo, todos se distancian de cualquier culpa directa, justificando los acontecimientos como el costo inevitable de la guerra. Cada vez que Schwarz les ofrece la oportunidad de examinar su propio comportamiento, mostrar remordimiento, considerar el efecto de sus acciones o de su inacción, recurren al lenguaje que se les inculcó sobre la justicia de su causa.

Ahí radica el poder trascendental de “Tantura”, porque mientras los perpetradores se nieguen a reconocer la responsabilidad por lo sucedido, la curación no puede comenzar. Pero ni los soldados veteranos ni el gobierno israelí reconocerán esta historia, porque admitir la masacre desafiaría la legitimidad del Estado en su conjunto. Y si el reconocimiento de cualquier irregularidad parece inviable, también lo son las conversaciones sobre reparaciones.

Más adelante en el documental, Schwarz habla con ancianos civiles israelíes que llegaron a Tantura cuando eran niños. Sus opiniones van desde aquellos que creen que los palestinos deberían renunciar a todos sus derechos sobre la tierra, mientras que otros, en una muestra de empatía limitada, aceptarían un monumento a la memoria de aquellos enterrados allí, siempre y cuando no se tome como un signo de propiedad.

Sólo un par de palestinos con recuerdos de la época ofrecen su testimonio. Su presencia sirve como recordatorio de la devastación que sufrieron las familias. Si bien los soldados Alexandroni han disfrutado de longevidad y veneración, los restos de sus víctimas nunca recibieron un entierro adecuado y, como implica la investigación de Schwarz, es posible que ahora se hayan perdido para siempre.

Aún así, a pesar de toda la resistencia institucionalizada para evitar enfrentar este caso de “limpieza étnica”, como lo describe un experto, también es la valentía de los académicos israelíes que comparten sus perspectivas en la pantalla lo que puede tener el mayor impacto. Se atreven a cuestionar públicamente el relato oficial en una sociedad que exige lealtad absoluta a su mito de origen.

Aunque la película terminada de Schwarz proporciona una visión imperdible y exasperante, también es decepcionante que nunca mencione la violencia continua que el Estado de Israel comete contra los residentes en los actuales territorios palestinos, incluidas numerosas violaciones documentadas de derechos humanos.

Al ver “Tantura”, uno podría suponer que la Nakba fue la extensión del conflicto militar, más que la piedra angular de décadas de opresión sin un final a la vista.

Por Carlos Aguilar. Publicado en L.A.Times en diciembre de 2022

Fuentes de información: Reseña por Carlos Aguilar en L.A.Times, Filmaffinity, IMDB.

Ver en V.O.S.Español en ok.ru a 720p.

Ver en V.O.S.E en Youtube.

Ver y descargar en V.O. a 1080p en Archive.org

Juan Mariné, entre luz y sombra

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Fri, 23 Feb 2024 17:35:00 +0000

Título original: Juan Mariné, entre luz y sombra
Dirección: Rafael Toba
País de producción: España
Año: 2023
Duración: 73 min.

Juan Mariné Bruguera, conocido como Juan Mariné, (31 de diciembre de 1920, Barcelona) es un director de fotografía y restaurador cinematográfico español. Con ciento cuarenta títulos en su haber, desde los años previos a la Guerra civil hasta la década de 1990, participó en grandes clásicos del cine español. Al margen de su trabajo de director de fotografía, destaca por su labor de restauración de películas antiguas para la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid (ECAM) y Filmoteca Española a partir de mediados de los años 1980, con una tecnología diseñada por él. Considerado no solo como uno de los grandes profesionales, sino como la memoria del cine español por su larga experiencia y su labor de recuperación, restauración y conservación del patrimonio filmográfico, ha sido merecedor de numerosos premios y homenajes, entre los que destaca el Goya de Honor a su trayectoria profesional en 2024.

Infancia y juventud

Su primer contacto con el cine tuvo lugar en 1924 en Arenys de Mar donde su madre le había enviado para que se curase de una «tos muy fea». Allí, pudo ver los primeros cortometrajes de Charles Chaplin que proyectaban unos comerciantes de antigüedades con un novedoso sistema de cine casero traído de París. «Aquello era una maravilla, me impactó muchísimo», dijo en una entrevista de 2017. De vuelta a Barcelona, su padre no tuvo más remedio que llevarle a una sala de cine, y su madre le inscribió en la escuela antes de tiempo para que aprendiese a leer y pudiera entender los subtítulos de las películas mudas.

Tuvo que aplicarse mucho en sus estudios y ser buen estudiante para que le mantuvieran la beca, dada la poca solvencia de sus padres. Estudió en el colegio Cervantes de la calle Aribau de Barcelona, pero sus estudios se vieron interrumpidos cuando cayó enfermo. Unas fiebres producidas por el tifus le dejaron ciego y le mantuvieron una larga temporada en cama, pero tuvo la suerte de que en urgencias le atendiera un médico experto en Oftalmología. Tras una operación y un mes de curas, logró recuperarse pero no lo suficiente como para seguir estudiando y no volvió a la escuela para terminar el bachillerato. Se puso a trabajar llevando portes.

Su madre le llevaba al cine a ver producciones extranjeras. Más tarde, frecuentó un club en Arenys de Mar que tenía un Pathé Baby con el que proyectaban diapositivas y películas. Como no funcionaba muy bien, Mariné lo arreglaba de vez en cuando.

En noviembre de 1934, su tío José Vilaseca, que era mecánico de profesión, le pidió que llevara una cámara Super Parvo para rodar cine sonoro a los estudios Orphea donde se estaba rodando El octavo mandamiento'' de Arthur Porchet. Mientras esperaba que llegase la furgoneta para el traslado, se puso a leer el manual de instrucciones, que estaba en francés, y cuando llegó a los estudios vio que el equipo de rodaje, compuesto de técnicos suizos, ya habían tenido problemas con la cámara que estaban utilizando, que era un modelo anterior a la que traía. Mariné fue el único capaz de entender cuál era el problema y de resolverlo. Al finalizar la jornada le pidieron que volviera el día siguiente. Pronto se interesó por las actividades del equipo de fotografía y acabó echándoles una mano cada vez que surgía un problema, como si fuese un meritorio, pero sin cobrar. Cuando se terminó el rodaje, le contrataron por 10 pesetas por película, que era más que lo que cobraba su padre.

Después de esta experiencia, Mariné siguió colaborando con Porchet que le ofreció ser auxiliar en Amor gitano de Alfonso Benavides, en Incertidumbre de Juan Parellada e Isidro Socias y finalmente en La canción de mi vida, una cinta que no terminó de rodarse debido al inicio de la guerra civil española.

Entierro de Buenaventura Durruti en 1936

Productora: CNT/FAI Realizada por: SUEP (Sindicato Único de Espectáculos Públicos).

Fotografía: José Gaspar. Cámaras: Sebastián Perera, Juan Mariné.

Guerra Civil

A los pocos meses de empezar la guerra, los estudios Orphea le encargaron que fuera como ayudante al rodaje del multitudinario entierro de Durruti para planificar la jornada, reunir al equipo y al material técnico. Hicieron un cortometraje que se proyectó en varias sesiones diarias durante una semana en el cine Publi con gran asistencia de público. Durante la contienda, Mariné va a formar parte de SIE Films, una productora creada por la CNT. Allí trabajó en noticiarios, películas de propaganda, corto y mediometrajes documentales, entre otras producciones. Mariné no se encontraba cómodo en SIE Films y pasó a trabajar para Laya Films, donde fue ayudante y operador de cámara.

En sus ratos libres, se dedicaba a la fotografía de arte y montó un modesto taller de dibujos animados. En la primavera de 1938, fue llamado a filas y se incorporó en la llamada Quinta del biberón para luchar en el frente donde entraron en combate en la batalla del Segre. Perdió la audición del oído derecho en la explosión de una bomba. En Preixéns, empezó a trabajar como fotógrafo, haciendo ampliaciones fotográficas de las posiciones enemigas en laboratorio y luego de fotógrafo para el comandante Enrique Líster. Ante la retirada de las fuerzas republicanas, huyó con otros soldados hacia Barcelona. En Calaf, quedaron sitiados y consiguieron subirse a unos camiones que los llevaron a Francia.

Allí, Mariné pasó por dos campos de internamiento, el de Saint-Cyprien y el de Argelès-sur-Mer; logró escapar y, como quería regresar a España, se entregó en Le Boulou en un destacamiento del ejército franquista. Lo llevaron preso a Sevilla donde fue internado en el campo de concentración franquista de La Rinconada, que era una azucarera. Fue liberado gracias a unos contactos de su padre que había sido árbitro de fútbol y conocía a mucha gente en Sevilla, donde había jugado a menudo. Tuvo que terminar de hacer el servicio militar, y lo hizo en un hospital del centro de Sevilla.

De vuelta a Barcelona, consiguió mediante oposiciones una plaza de fotógrafo en el Estado Mayor del general Luis Orgaz Yoldi que le encargó inspeccionar y fotografiar los campos de prisioneros republicanos. Le felicitaron por la excelente ejecución de sus informes. Simultaneaba su servicio militar con la realización y producción de dibujos animados, pero había tal escasez de medios que una vez utilizados los celofanes transparentes sobre los que dibujaban los personajes, se borraban para volver a utilizarlos de nuevo.

Trayectoria como director de fotografía

A principios del año 1940, año a partir de la cual la actividad de Cifesa se concentró en Madrid, Mariné decidió trasladarse a la capital española, pero le resultó imposible compaginar su actividad profesional con el servicio militar. Tuvo que esperar a que este finalizara para mudarse definitivamente a Madrid con el objetivo de dedicarse por completo al mundo del cine.

En la capital, retomó contacto con Manuel Berenguer con quien había trabajado en Laya, entre otros proyectos. Con el alicantino trabajó en varias películas como segundo operador, pero fue en 1947 cuando por primera vez asumió las funciones de director de fotografía. Fue en un episodio de la película Cuatro mujeres, de Antonio del Amo, después de que Manuel Berenguer no pudiese encargarse de la totalidad de la película por tener otros proyectos entre mano. Al año siguiente, se encargará con total responsabilidad de la fotografía de La sombra iluminada de Carlos Serrano de Osma.

Mariné ejercerá como director de fotografía hasta finales de 1987. Durante su extensa carrera realizó unas 140 películas entre las que destacan las 13 que hará con Del Amo, 26 con Pedro Lazaga, 10 con José María Forqué, 7 con Juan Piquer y 4 con Manuel Mur Oti, sin olvidar las que hizo con Fernando Fernán-Gómez y Jesús Franco. Pedro Masó le encargó 36.

Técnico innovador y restaurador fílmico

Mariné siempre se preocupó por investigar novedades y problemas técnicos de rodaje y de proyección de las películas. Mucho antes de que los cineastas de la nouvelle vague rodaran cámara en mano, Mariné ya había filmado las escenas del Rastro de Día tras día (1951), de Antonio del Amo, con una pequeña cámara Eyemo. También fue pionero en utilizar el sistema Eastmancolor y el objetivo Cinemascope en 1956 en La gata, de Margarita Alexandre y Rafael Torrecilla, y buscó maneras de mejorar la sensibilidad de las películas para obtener más calidad en las proyecciones o poder rodar de noche.

Juan Mariné, en diciembre de 2019 en la Escuela de Cine de la Comunidad de Madrid.

Foto: Santi Burgos. El País.

En la década de 1960, se alejó del cine durante unos cuatro años para trabajar en publicidad, lo que le proporcionaba mayores ingresos económicos trabajando menos y le permitía dedicar más tiempo a la investigación. Empezó a idonear máquinas para restaurar películas antiguas, lo que le valió el Premio Juan de la Cierva de Investigación en 1974. Invirtió el dinero del premio en profundizar más en sus investigaciones técnicas y experimentos que le llevaron a descubrir nuevos sistemas de rodaje y de lentes anamórficas.

Su trabajo con Juan Piquer, realizador de películas de terror y de ciencia ficción, le permitió convertirse en un gran especialista en trucaje y efectos especiales, lo que le valió el reconocimiento del Festival de Cine de Sitges en 2017 con el premio María Honorífica.

Tras su última colaboración con Piquer en La grieta, en 1989, Mariné dejó definitivamente los platós de rodaje para dedicarse en exclusividad a temas de investigación sobre restauración de negativos antiguos en Filmoteca Española y en la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM). Allí, en su laboratorio situado en el sótano, apodado cariñosamente «el Submariné», ha montado un tren de lavado y recuperación higrométrica que permite procesar miles de metros de cintas deterioradas. El director polaco Wenceslao Syzoryk le ha dedicado en 2016 un documental con el mismo título, que muestra el trabajo diario de Mariné y su compañera Concha Figueras, restaurando la cinta de 1905 La llegada del tren a Llanes.

Mariné ha investigado también técnicas de ampliación y de más alta definición de cintas de súper 16 y 35 mm que le llevaron a crear el formato de película que lleva su nombre: el Formato Mariné. Este formato propone sólo dos perforaciones en vez de cuatro, lo que supone un aprovechamiento total del negativo y una notable mejora de la calidad de la imagen.

Juan Mariné, a sus 96 años, en su búnker de la ECAM. Foto: José Ramón Ladra

Fuentes de información: Wikipedia (Biografía y listado completo de películas), IMDB, Filmaffinity, El País,

Ver en RTVE.

Extras

Playlist de Juan Mariné en Youtube

Jocelyne Saab (1948-2019)

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Thu, 18 Jan 2024 17:35:00 +0000

"Jocelyne Saab (o Jocelyn Saab), (Beirut 30 de abril de 1948-París, 7 de enero de 2019), fue una realizadora, fotógrafa y artista plástica libanesa. Autora de una treintena de documentales y varias obras de ficción está considerada una pionera del nuevo cine libanés. Fue especialmente conocida por sus trabajos Líbano y por su película Dunia (2005) en la que trata la mutilación genital femenina en El Cairo aclamada internacionalmente y censurada en Egipto.

(...)

Reportera de guerra, realiza numerosos documentales : sobre la guerra de octubre en Egipto, Kurdistán, la guerra de Irak, Irán, Siria, Golán y Líbano.

Los tres documentales de ensayo Beyrouth, jamais plus (1976), Lettre de Beyrouth (1978), Beyrouth, ma ville (1982), dedicados a los desastres provocados por la guerra de Líbano, en la capital forman una terna espontánea de la que Etel Adnan escribirá : « Jocelyne ha aportado instinto, gracias a su coraje político, su integridad moral, y su profunda inteligencia, a la esencia misma de este conflicto. Ningún documento sobre esta guerra ha igualado nunca la importancia del trabajo cinematográfico que Jocelyne ha presentado en las tres películas que ha consagrado en Líbano »

En 1982 es la única que acompañó con su cámara a Yasser Arafat en su exilio forzado del Líbano a bordo del Atlantis y que recoge en Le Bateau de l'exil.

Paralelamente a su trabajo como cineasta, se vuelca en la fotografía, que constituye un excepcional corpus documental que comienza a exponer a partir de 2006.

Ayudante de realización para Volker Schlöndorff en Le Faussaire en 1981, Jocelyne Saab pasa por primera vez a la ficción en 1985 con Une vie suspendue tema que retomará veinte años después con Dunia (2005) una película en la que junto a las reflexiones sobre el amor plantea el drama de la ablación, especialmente aclamado en festivales internacionales pero censurado en Egipto.

A partir de 2007, como consecuencia del estreno de su película Dunia, se interesa por el arte contemporáneo. Expone su trabajo Strange Games and Bridges sobre la guerra de 2006 en Singapur en 2009 y sus series de fotografías Sense, Icons and Sensitivity están expuestas en varios países.

En 2013, crea el Festival Internacional de Cine de Resistencia Cultural en el Líbano que celebró tres ediciones y se desarrolló en varias ciudades en las que Jocelyne Saab desea recomponer los vínculos : Beirut, Trípoli, Zaleh y Tiro.

En 2017 presenta la exposición Un dollar par jour con imágenes sobre los refugiados sirios en Líbano.

Jocelyne Saab vivía entre Beirut, París y El Cairo. Continuó trabajando hasta su muerte. "*1

Una mujer con una cámara en la resistencia palestina
 4 cortometrajes de Jocelyne Saab entre 1974 y 1982

Ante el genocidio al que asistimos como espectadores en el mundo entero, a través de los medios de comunicación que omiten y tergiversan la información a favor de los más poderosos, creemos que es importante contribuir y fomentar una lectura histórica del pueblo palestino desde el cine. Sobre todo, reclamar para ellos el cese de los bombardeos y la recuperación de sus tierras.

Por ello liberamos y compartimos cuatro películas cortas de la cineasta libanesa Jocelyne Saab (1948-2019), quien documentó la primera línea de las diversas formas de resistencia palestina y otros pueblos de Medio Oriente, especialmente la fuerza de las mujeres que criaron hijxs, cuidaron a heridxs, se formaron intelectual, política y-o militarmente en medio de los estruendos de los bombardeos en los años setenta y ochenta.

Gracias a la incansable labor de Mathilde Rouxel desde la Asociación Jocelyne Saab, encargada de restaurar y difundir su cine en todo el mundo, armamos este pequeño programa de cortometrajes (tres de ellos con subs en español, uno en inglés).

Las mujeres palestinas (1974)  Retratos de las mujeres palestinas entre tareas políticas, militares, intelectuales y de cuidado.

El frente del Rechazo (1975)  Retrato de las fracciones de comandos suicidas radicales y otros grupos militantes opuestos a la OLP de ese momento.

El barco del exilio (1982)  Luego de haber atravesado la clandestinidad en Beirut, Yasser Arafat, jefe de la OLP, se exilia en barco hacia Grecia y Túnez.

Los libaneses: rehenes de su ciudad (1982)  Un reporte de guerra de la ciudad de Beirut tras los bombardeos israelíes. -sólo este último contiene imágenes que pueden herir la sensibilidad-

Hacemos esto sin fines de lucro, por necesidad y urgencia.

¡Agradecemos toda difusión! 

¡Viva Palestina libre!

Association Jocelyne Saab *2

https://jocelynesaab.org/

“Por sus películas, y por toda su vida hasta ahora, veo en Jocelyne Saab una de las personas más valientes, más inteligentes y sobre todo más libres que conozco. Su libertad de pensar y actuar le costó cara. A veces era una cuestión de vida o muerte. Pocas personas, hombres o mujeres, han sufrido tanto para seguir siendo dignos de sí mismos, para sobrevivir de manera significativa, en un mundo tan hostil o tan indiferente como el nuestro.

Jocelyne merece que se reconozca su trabajo por su verdadero valor y pocas personas merecen nuestra admiración tanto como ella. Estoy feliz de poder decir eso”.

Etel Adnan

Jocelyne Saab: testigo de la historia

Durante más de cuatro décadas, Jocelyne Saab documentó conflictos y privaciones, especialmente en su Líbano natal. 30 de abril de 1948 a 7 de enero de 2019.

Artículo de Nicole Brenez. Publicado el 24 enero 2019 en BFI *3

Reportera, fotógrafa, guionista, productora, directora, artista y fundadora del Festival Internacional de Cine de Resistencia Cultural del Líbano, Jocelyne Saab ha puesto toda su carrera artística al servicio de los desposeídos y desfavorecidos: desde los pueblos desplazados hasta los combatientes exiliados y las ciudades en guerra. y un Cuarto Mundo sin voz. Su trabajo se basa en la violencia histórica y en la conciencia de las acciones e imágenes necesarias para documentarla, reflexionar y contrarrestarla.

Saab nació (en 1948) y creció en Beirut. En 1973, contratada como periodista por su amiga, la escritora y artista visual Etel Adnan, se convirtió en reportera de guerra. En este sentido, su obra se inscribe en la tradición literaria de Albert Londres y Ernest Hemingway. El arraigo en el aquí y ahora es clave para la práctica de Saab: los requisitos de hecho, relevancia, claridad y velocidad sustentan sus decisiones prácticas y estilísticas. Los acontecimientos actuales en su trabajo siempre se combinan con un agudo análisis político, tanto antes como después de las propias películas.

Saab siempre entiende que las imágenes serán parte de una historia común emergente, evaluando su papel e importancia para la construcción de la memoria, y filmándolas y editándolas para enfrentar los desafíos de las cuestiones históricas. En todos estos niveles, sus películas garantizan que el cine asuma sus responsabilidades.

Podemos ver esto más plenamente en el fresco que ha pintado de su propio país, el Líbano, a través de múltiples documentales, desde Retrato de un mercenario (Les nouveaux Croisés d'Orient, 1975) hasta Un dólar par jour (Un dólar al día) del año pasado. , sobre los refugiados sirios). Junto con las películas de ficción Una vida suspendida (Une vie suspendue, 1984, con Juliet Berto) y Érase una vez en Beirut (Il était une fois… Beyrouth. Histoire d'une star, 1994), forman un ciclo notable, no sólo por su retrato del Líbano sino por la relación que reflejan entre artista y nación. Saab documenta las terribles heridas de su maltrecho país, sus divisiones y callejones sin salida, y también su poesía y su asombrosa e inagotable energía. Esta empresa a largo plazo, en la que los sentimientos más íntimos se combinan con las realidades de los acontecimientos actuales, es comparable al trabajo de Johan Van der Keuken sobre Ámsterdam o al de Wang Bing sobre China.

Beyrouth más jamais (1976)

Parte destacable de este fresco cinematográfico es la 'Trilogía de Beirut': Beyrouth jamais plus (Beirut, Nunca más, 1976, con Etel Adnan), Lettre de Beyrouth (Carta desde Beirut, 1978) y Beyrouth, ma ville (Beirut, mi ciudad , 1983). En estas películas, realizadas en el fragor de la guerra, Saab crea una nueva relación entre el análisis político, las posiciones subjetivas y el trabajo artístico, documentando tanto los acontecimientos de los combates como las reflexiones colectivas sobre la situación y las formas en que la guerra afecta la mente.

La relación se resume en el comienzo de Beirut, mi ciudad: de pie sosteniendo un micrófono en las ruinas humeantes de su casa, recién bombardeada por la fuerza aérea israelí, Saab describe la situación, luego explora las habitaciones destruidas, evocando los cientos de años de vida familiar que acaba de desaparecer ante sus ojos. En largos travellings silenciosos, filmados al amanecer, cuando los cañones estaban en silencio, Beirut, Never Again documenta la devastación sufrida por su amada ciudad, luego el residuo de las actividades cotidianas, repentinamente surrealistas en este paisaje de pesadilla. Al igual que el estreno de Alemania, año cero (1948) de Rossellini en las ruinas de Berlín, el poder visual aquí desarrollado devuelve al cine a su esencia: su energía descriptiva. Carta desde Beirut, enviada a amigos en el extranjero, también informa sobre la destrucción del sur del Líbano, los campos de refugiados y las fuerzas armadas de ocupación. Su conclusión es clara: “El Líbano ya no existe”.

Lettre de Beyrouth (1978) / Carta de Beyrouth (1978)

Hasta ahora la historia le ha dado la razón: incluso después de los conflictos en Irak y Siria, Beirut sigue siendo un paradigma de furia agonística. Al escribirme hace un par de años, Etel Adnan resumió la relevancia de la trilogía de Beirut: “A través de su coraje político, integridad moral y profunda inteligencia, Jocelyne ha captado instintivamente la esencia de este conflicto. Ninguna documentación de esta guerra ha igualado jamás la importancia del trabajo cinematográfico que Jocelyne presenta en sus tres películas sobre el Líbano”.

Saab también aplicó su incomparable análisis político visual a otros territorios, entre ellos Palestina ( Palestina Women , 1973; The Palestinas Keep Going, 1974), Irán (Iran, Utopia in Motion, 1980), Vietnam (The Lady of Saigon, 1997), Turquía. (Imaginary Postcards, 2016), Kurdistán iraquí, Siria y, fundamentalmente, Egipto, donde vivió en diversas épocas (Égypte, la cité des morts, 1977; Alexandrie, 1986; Les Almées, danseuses orientales, 1989). En 2005, el musical Dunia , filmado en El Cairo y sus alrededores y que aborda el placer en el contexto del Islam, le valió censura y amenazas de muerte.

En todas estas películas, documentales o de ficción, Saab arroja una mirada esclarecedora sobre todas las dimensiones sociales, políticas, culturales y emocionales de una situación. Le Sahara n'est pas à vendre (El Sahara no está en venta, 1977) ofrece una lección sobre cómo documentar un conflicto para todos los estudiantes de cine y periodismo. Su registro metódico de los puntos de vista de todas las partes, sin excluir a nadie, se ve realzado por su representación visual del desierto, un motivo ilimitado que se muestra en toda su variedad y especificidades. Pero la racionalidad objetiva no impide la adopción de posiciones éticas: la película comienza con el destino de mujeres y niños, con el que podría haber terminado un ensayo menos sutil.

Beirut, ma ville (1983)

En los últimos años, Saab ha estado haciendo arte. Su primera instalación, Strange Games and Bridges, de 22 pantallas, que utiliza material de su trabajo sobre la guerra, se exhibió en el Museo Nacional de Singapur en 2007. El mismo año, mostró fotografías en la Feria de Arte de Dubai. Actualmente está desarrollando varias películas, un libro autobiográfico y un primer libro de sus propias fotografías. A través de su trabajo intrépido y crucial y su combinación única de análisis y sensibilidad, Saab documenta 40 años de nuestra historia compartida vista desde el Medio Oriente, con una visión irónica de los líderes políticos y, para las víctimas del conflicto, del amor.

Un emblema del arte de Saab se puede encontrar en su último cortometraje One Dollar a Day, que aboga por la recaudación de limosnas para los refugiados sirios en el Líbano. En el valle de la Bekaa, miles de familias viven bajo enormes lonas publicitarias recicladas como tiendas de campaña: una población harapienta sobrevive bajo imágenes monumentales de collares, perfumes y marcas de lujo, un sombrío collage de desperdicio capitalista y la miseria de las víctimas de la historia. Saab fotografió y filmó los campos, hizo copias muy grandes de retratos de refugiados y, utilizando grúas, las suspendió por todo Beirut. A las tomas de la ciudad, añade la pregunta candente: “¿Cómo se puede vivir con un dólar al día?” Que la imagen se convierta en un grito visual a favor de los desheredados; que nadie escape a la conciencia del sufrimiento y de la injusticia; Que la humanidad se convierta en sinónimo de bondad y comprensión: estas son las tareas que Saab se propone a sí misma y al cine.

A continuación os dejamos los documentales que han sido restaurados y compartidos al público general por la Association Jocelyne Saab, a la que agradecemos desde Naranjas de Hiroshima el trabajo realizado en la preservación de la obra de Jocelyne Saab así como su disposición para compartir de forma abierta y gratuita una parte de sus trabajos.

Mujeres palestinas

Título original: Les femmes palestiniennes (Mujeres palestinas)
Dirección: Jocelyne Saab
Imagen: Hassan Naamani
Montaje: Philippe Gosselet
Producción: Jocelyne Saab
Derechos de retransmisión: Asociación Jocelyne Saab
Formato original: 16mm , color.
País de producción: Francia
Año: 1974
Duración: 16 min

"Jocelyne Saab da voz a las mujeres palestinas, a menudo víctimas olvidadas del conflicto palestino-israelí."

Jocelyne Saab habla…

"En 1973 produje Mujeres palestinas para Antenne 2. Quería ofrecer imágenes de estas mujeres, las combatientes palestinas en Siria, que tenían tan pocas en ese momento. Estamos justo antes de la visita de Sadat a Israel y la situación es muy tensa. Mientras montaba la película en Antenne 2, Paul Nahon, entonces jefe de la redacción extranjera, me agarró por el cuello y me sacó de la sala de montaje. Las mujeres palestinas permanecieron en el plato y nunca aparecieron en televisión."
Comentarios recogidos por Nicole Brenez en París en 2015.

Disponible la versión restaurada a 2K en Vimeo en Versión original con subtítulos en castellano.

LES FEMMES PALESTINIENNES, Jocelyne Saab, 1974 from Jocelyne Saab on Vimeo.

El Frente del rechazo (o Los Escuadrones Suicidas)

Título original: Le Front du Refus (ou Les Commandos-suicides)
Dirección: Jocelyne Saab
Guion: Jocelyne Saab
Producción: Jocelyne Saab
Derechos de transmisión: Asociación Jocelyne Saab

Año: 1975

País de producción: France

Formato original:16 mm, color

Duración: 10 min

"Cuando la paz resulta imposible, todos los medios son buenos para defender una causa política. De ahí nace, en la frontera que separa los territorios palestinos y lo que se niegan a reconocer como Israel, la idea de los comandos suicidas. Jocelyne Saab filma a adolescentes, de entre dieciséis y veintidós años, que entrenan incansablemente, en una base subterránea secreta, para convertirse en comandos suicidas."

Jocelyne Saab habla…

“Los Escuadrones Suicidas fueron, en ese momento, descritos como una “primicia periodística”. Fue el primer documental que me hizo tomar conciencia de la fuerza de la imagen y del significado de su contenido, las diversas lecturas que se podían hacer de ella, la relación con el encuadre, etc. No se trataba de activismo. Se podía defender una causa, pero había que conocer fundamentalmente el lenguaje de las imágenes y lo que podía implicar... y saber cómo podía volver una imagen en nuestra contra."

Comentarios recogidos por Mathilde Rouxel en Beirut en 2013.

Disponible la versión restaurada a 2K en Vimeo en Versión original con subtítulos en castellano.

LE FRONT DU REFUS, Jocelyne Saab, 1975 from Jocelyne Saab on Vimeo.

Los libaneses, rehenes de su ciudad
(o Resumen de la guerra: destrucción en el Líbano)

Título original: Les Libanais, otages de leur ville (ou Bilan de la guerre : destructions au Liban)
Director: Jocelyne Saab
Imagen: Hassan Naamani
Producción: TF1

Formato original: 16 mm, color

Año: 1982

País de producción: Líbano

Duración: 6 min.

"Jocelyne Saab recorrió la ciudad de Beirut devastada por los bombardeos israelíes. Hace un balance de las víctimas y del alcance de la destrucción."

Disponible la versión restaurada a 2K en Vimeo en Versión original con subtítulos en inglés.

BILAN DE LA GUERRE, Jocelyne Saab, 1982 from Jocelyne Saab on Vimeo.

El barco del exilio

Título original: Le Bateau de L´Exil

Dirección: Jocelyne Saab
Comentario: Jocelyne Saab
Producción: Jocelyne Saab
Derechos de transmisión: Asociación Jocelyne Saab

País de producción: Líbano

Año: 1982

Formato original: 16 mm, color

Duración: 12 min

"Después de vivir escondido en Beirut para escapar de los israelíes, el líder de la OLP, Yasser Arafat, abandonó el Líbano para un nuevo exilio en Grecia y luego en Túnez a bordo del transatlántico “Atlantis”. Habla de su destino y del futuro de la OLP."

Nota de intención

“En 1973 regresé de Libia. Jean-Pierre Rassam era el productor de Retrato de Gadafi, Jean-François Chauvel le había hablado de mi forma de trabajar en el desierto.

Jean-François me dice que Rassam está intentando conocerme. Fue una tarde. Jean-François, después de haberme visto en acción en el campo, no pudo imaginar ni por un momento que yo fuera muy tímido. Estoy en el set de un estudio, los focos en mis ojos. Sentados frente a mí estaban Jean-Pierre Rassam y Godard. Lo que tuvo el efecto de intimidarme aún más.

Jean-Pierre intenta que le cuente mis hazañas en el desierto. No entendí muy bien. Logré dirigir a Gadafi de manera muy espontánea, como se dirige a un actor. Sentí que podía y estuve ahí. Pero en ese momento no tenía la perspectiva para saber cómo contarlo.

Jean-Pierre se levanta y me dice, parece que lo tomaste del brazo y le pediste que mirara de esa manera, que se moviera, que caminara, etc. Todavía no entendía la excitación de Jean-Pierre. Pierre, que evidentemente ya había visto los juncos...

Sin saber qué responder, hablé con Godard y le dije: los palestinos te preguntan dónde estás con la película que has rodado en Jordania. Godard había dejado dormidas estas imágenes y fue mucho más tarde cuando terminó aquí y en otros lugares. Obviamente Godard no respondió. No sabía que fue mi amigo Elie Sambar quien acompañó a Godard durante su rodaje en Jordania.

Después me pregunté si me habían filmado ese día. Ambos se estaban divirtiendo. Sentí que tenía dos ladrones frente a mí. Nunca supe si lo filmaron o no. Jean-Pierre Rassam me llamó a menudo al comienzo de la guerra del Líbano porque sus padres vivían en Beirut y, a veces preocupado, quería que fuera a ver si todo estaba bien. Si estuvieran vivos y bien en su casa. Jean-Pierre murió muy joven y perdí todo contacto. Más tarde, cuando vi la película de Godard en Cannes, entendí que había visto mi película El barco del exilio. Elie me lo confirmó."

Jocelyne Saab

Disponible la versión restaurada a 2K en Vimeo en Versión original con subtítulos en castellano.

LE BATEAU DE L'EXIL, Jocelyne Saab, 1982 from Jocelyne Saab on Vimeo.

Añadimos también el documental Une femme dans la tourmente, sobre Jocelyne Saab.

Una mujer en la tormenta

Título original: Une femme dans la tourmente

Dirección: Jerome Ricardou

Montaje: Suzanne Baron
Intervienen: Jocelyne Saab

País de producción: Francia

Productora: Muriel Films

Duración: 36 min

Disponible la versión restaurada a 2K en Vimeo en Versión original con subtítulos en inglés.

UNE FEMME DANS LA TOURMENTE_STEN from Jocelyne Saab on Vimeo.

Como extra añadimos varios extractos de otros trabajos de la directora que han sido restaurados recientemente, así como alguno del proceso de restauración.

TIMELAPSE - Restauration numérique du Liban dans la Tourmente - Manal Zakharia from Jocelyne Saab on Vimeo.

Jocelyne Saab, Les Enfants de la guerre, 1976 - extrait 1 - restauré from Jocelyne Saab on Vimeo.

Jocelyne Saab, Lettre de Beyrouth, 1978 - extrait 2 - restauré from Jocelyne Saab on Vimeo.

Fuentes de Información: *2 Jocelyne Saab, *3 Artículo de Nicole Brenez. Publicado el 24 enero 2019 en BFI, Wikipedia, IMDB, BNF, Vimeo, *1 Wikipedia,

Elvira y Teófila Palafox Herranz. Cineastas ikoots

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 15 Jan 2024 16:56:00 +0000

Mujer ikoots. Cineastas indígenas

En 1985, el Instituto Nacional Indigenista (INI) llevó a cabo el Primer Taller de Cine Indígena, en la localidad ikoots (huave) de San Mateo del Mar, Oaxaca. En el proyecto participó un grupo de seis mujeres, integrantes de la organización local de tejedoras. La iniciativa fue propuesta por el cineasta Luis Lupone Fasano, quien coordinó un equipo de capacitadores que trabajó en la localidad durante cinco semanas.

Como resultado del taller, se generaron tres cortometrajes dirigidos y producidos por las alumnas, además de un documental que fue realizado por el equipo de capacitadores. Todos estos materiales se integraron al entonces Archivo Etnográfico Audiovisual del INI, antecesor del actual Acervo de Cine y Video Alfonso Muñoz del INPI. Sin embargo, debido a diversas dificultades, en su momento solo se concluyó una de las películas, Leaw amangoch tinden nop ikoods / La vida de una familia ikoods, así como el documental Tejiendo mar y viento, que fueron estrenados como un solo producto en 1988. Las otras dos producciones, Angoch tanomb / Una boda antigua y Teat Monteok: el cuento del dios del Rayo, han permanecido inéditas hasta la fecha.

Las dos producciones terminadas y difundidas han sido reconocidas como obras pioneras en la apropiación de los medios audiovisuales por parte de los pueblos indígenas, como testimonios etnográficos fundamentales sobre el pueblo ikoots y como obras claves para los estudios de antropología visual.

En 2006 se digitalizaron todas las cintas correspondientes al Primer Taller de Cine y en 2008 se reeditó la película y el documental, como parte de la edición en DVD de la serie “El Cine Indigenista”, conformada por las 48 producciones cinematográficas realizadas por el INI.

A partir de 2012, la Dirección de Acervos puso en marcha diversas acciones para finalizar las producciones generadas por el Primer Taller de Cine Indígena y publicar la totalidad de las obras. Así, se llevó a cabo una serie de entrevistas con las participantes, se actualizaron las traducciones y se finalizó la edición de las películas inéditas. Asimismo, se generó un proyecto editorial, titulado Mujer ikoots. Cineastas indígenas, que incluyera la totalidad de las producciones fílmicas junto con los nuevos testimonios, además de textos que recuperaban la visión y experiencias de los propios coordinadores y capacitadores del taller.

Mujer indígena. Videastas del presente

A principios de los años 90, el Archivo Etnográfico Audiovisual del entonces Instituto Nacional Indigenista (INI) implementó el Proyecto de Transferencia de Medios Audiovisuales a Comunidades Indígenas, que consistía en facilitar equipos de grabación en video y proporcionar capacitación a personas u organizaciones indígenas para que pudieran elaborar sus propios registros y producciones audiovisuales, con base en sus necesidades y parámetros. La iniciativa dio como resultado la formación de varias generaciones de videastas indígenas, así como la conformación de los Centros de Video Indígena en Oaxaca, Michoacán, Sonora y Yucatán, que funcionaron como centros de capacitación y repositorios de las nuevas producciones.

Desde 2007, como parte del Programa de Derechos Indígenas, se ha llevado a cabo el proyecto “Apoyo a comunicadores(as) indígenas para la producción y realización de proyectos de comunicación intercultural”, que cuenta con varias ramas, entre ellas la de video. Hasta la fecha, esta iniciativa ha dado lugar a la conformación de un corpus de más de 300 videos, que forman parte del Acervo de Cine y Video Alfonso Muñoz del INPI. Muchas de estas producciones han participado en festivales de cine y video en México y el extranjero, en los cuales han recibido favorables críticas y obtenido importantes reconocimientos.

Para contribuir a la difusión de las obras de videastas indígenas, en particular de las mujeres, y estimular la generación de nuevas producciones, en 2018 se generó la publicación Mujer indígena. Videastas del presente, que compila algunas de las producciones más destacadas, con enfoque de género y mediante una selección representativa de la diversidad cultural.

https://www.gob.mx/inpi/articulos/nuevas-publicaciones-mujer-ikoots-cineastas-indigenas-y-mujer-indigena-videastas-del-presente

Hace poco más de tres décadas un grupo de mujeres ikoots participó, a instancias del Instituto Nacional Indigenista (INI) y bajo la asesoría de un equipo de capacitadores coordinado por el cineasta Luis Lupone, en un proyecto pionero que sentó las bases para transformar la manera en que los medios audiovisuales abordaban las realidades de los pueblos originarios en México. Conceptualizado y llevado a la práctica como el Primer Taller de Cine Indígena, esta iniciativa abrió un sinfín de posibilidades al poner a disposición de las comunidades indígenas, por primera vez en la historia, las herramientas tecnológicas y los conocimientos para crear obras cinematográficas. En el lapso que duró el taller, las mujeres se apropiaron de este lenguaje para narrar, desde su perspectiva, sus propias historias y realidades. Por motivos de los que se dará cuenta a lo largo de estas páginas, las metas del taller solo se lograron de forma parcial, ya que algunos de sus frutos han permanecido inéditos hasta la fecha. La presente obra da cuenta de esa historia y, a la vez, representa la culminación del proyecto al publicar juntas, por vez primera, las tres películas creadas por las mujeres ikoots.

Hasta aquel momento, el INI –cuyo patrimonio fue heredado por el Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas (INPI)– había producido importantes documentales antropológicos que mostraban la mirada institucional y de los realizadores acerca de los pueblos originarios. En su mayoría, estas obras audiovisuales se habían concentrado en registrar la vida en las comunidades indígenas desde un criterio etnográfico que ponía énfasis en aquellos aspectos menos conocidos o que representaran un mayor contraste con respecto a la cultura occidental. Este enfoque respondía a la necesidad de preservar la memoria de una diversidad cultural que se transformaba aceleradamente y que se consideraba en riesgo de desaparecer a consecuencia de las políticas de asimilación y modernización emprendidas en los primeros dos tercios del siglo XX (Korsbaek y Sámano-Rentería, 2007). El taller impartido en la comunidad ikoots de San Mateo del Mar, Oaxaca, buscaba ante todo que los pueblos indígenas contaran con las herramientas para retratarse a sí mismos y así mostrarse ante el resto de la sociedad.

Elvira Palafox y Guadalupe Escandón durante el Primer Taller de Cine Indígena del Instituto Nacional Indigenista. D.R. © Alberto Becerril, 1985, Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas.

En esta publicación se da a conocer la historia, las experiencias, los altibajos y la trascendencia del Primer Taller de Cine Indígena, a través de la visión de sus artífices, en particular, la de Luis Lupone. Los textos que aquí se incluyen introducen a las obras de las realizadoras ikoots que, como ya se ha mencionado, se publican juntas por primera vez. La aportación de Lupone es muy relevante, en virtud de haber sido quien concibió la idea del taller, gestionó su implementación, coordinó las actividades y ha sido su principal promotor.

El artículo de Luis Lupone, seccionado en dos intervenciones, relata desde el punto de vista personal del cineasta el proceso que condujo a idear y proponer el proyecto, las vicisitudes para ponerlo en marcha, su desarrollo, los descubrimientos y las lecciones aprendidas. Asimismo, refiere los motivos a los cuales el autor atribuye las contrariedades que se presentaron para completar la totalidad de las metas del taller y difundir sus productos.

En la primera parte de su exposición, Lupone narra sus experiencias en campo cuando trabajó como sonidista y asistente de cámara en algunas producciones del INI. A través de estas vivencias es posible encontrarnos ante una realidad quizá vivida por muchos aunque contada por pocos; historias que forman parte de los logros que se muestran ante el público, pero que muchas veces quedan como meras anécdotas “tras bambalinas”.

Al terminar los proyectos en los que participaba en el INI, Lupone tuvo la oportunidad, durante una estancia formativa fuera de México, de conocer las innovaciones que en cuestión de cine documental se estaban generando en el ámbito internacional, según relata él mismo. En particular, el autor refiere la significación de su paso por los Talleres Varan en París, Francia, fundados por el afamado antropólogo y cineasta Jean Rouch. Igual relevancia atribuye al formato súper 8 mm, que era “más propio del cine casero que del documental, porque era económico y a la vez permitía a los realizadores controlar la totalidad del proceso de filmación” (Vázquez, 2017: 181).

A partir de estas experiencias, Lupone imaginó un proyecto que, desde su perspectiva, transformaría radicalmente la manera en que se representaba a las comunidades indígenas del país. La idea rompía con el modelo de producción audiovisual con el que hasta entonces había operado el Archivo Etnográfico Audiovisual (AEA) del INI, pues consistía en dotar de los conocimientos teóricos y técnicos a los indígenas para que ahora fuesen ellos quienes contaran sus propias historias. Una iniciativa semejante nunca se había intentado en México.

En colaboración con el entonces jefe del AEA, Alberto Becerril Montekio, a lo largo de 1985 se llevaron a cabo las gestiones necesarias para afinar y poner en marcha la propuesta. Como requisito previo solicitado por el INI para autorizar la iniciativa, se realizaron las investigaciones necesarias para encontrar la comunidad más adecuada para llevar a cabo el proyecto piloto, un trabajo que fue realizado en conjunto con la antropóloga Diana Roldán y Susana Garduño del Departamento de Investigaciones del AEA. Ambas investigadoras y el propio Lupone decidieron trasladarse a la ciudad de Oaxaca, donde se celebraba la primera Feria Anual del Artesano Indígena. Tras varias pesquisas y acercamientos con distintas organizaciones procedentes de diversos pueblos originarios, que generosamente detalla Lupone en su artículo, se decantaron por trabajar con las tejedoras ikoots de San Mateo del Mar.

A partir de ese momento, la relatoría del autor transporta al lector a aquella comunidad de Oaxaca, situada en la costa del golfo de Tehuantepec, entre el océano Pacífico y la laguna Superior. A esta localidad, habitada por el pueblo ikoots desde la época prehispánica, el equipo que coordinó e impartió el taller trasladó cámaras de cine y fotográficas, micrófonos, reflectores, cables, audífonos, cuadernos, rollos cinematográficos, proyectores, pantallas y monitores, entre muchas otras cosas. Todo ello, desde luego, con la previa autorización de las autoridades comunales, con las que se había entablado el diálogo y a las que se les expusieron las intenciones y los objetivos del taller.

El Primer Taller de Cine Indígena le proporcionó a las tejedoras herramientas innovadoras para mostrar su realidad, sus historias, saberes y sueños. A través de los nuevos conocimientos adquiridos lograron empoderarse dentro de una sociedad, tanto a escala local como nacional, que consideraba su papel como secundario dado que eran mujeres e indígenas, una doble condición subalterna en el contexto de aquella época.

Otro aspecto relevante tratado en el texto de Luis Lupone son las motivaciones que lo llevaron a realizar el documental Tejiendo mar y viento, que se filmó de manera simultánea a la capacitación de las mujeres ikoots. El objetivo de esta producción era servir de guía para los siguientes talleres de cine que, de acuerdo con el proyecto original, emprendería el INI. En dicho documental se puede apreciar cómo se fue desarrollando el Primer Taller de Cine Indígena, experiencia que ha sido de gran importancia para antropólogos y documentalistas que han realizado talleres de cine o video con grupos socialmente marginados.

Es importante mencionar que en el ambiente cinematográfico de los años 80 no solían destacar nombres femeninos; sin embargo, para la preparación e implementación del taller fue muy importante el trabajo y la dedicación de las documentalistas María Eugenia Tamés Mejía y Arjanne Laan. Ambas habían logrado sobresalir en ese ámbito y, además, fueron figuras trascendentales para el buen desarrollo del taller, tanto al compartir sus conocimientos como al fraternizar con las participantes. Los textos que ambas presentan enriquecen significativamente esta publicación.

En su contribución, María Eugenia Tamés plantea un acercamiento a los perfiles de las tejedoras que participaron en el taller: Timotea, Teófila, Justina, Guadalupe, Juana, Elvira, Sofía y Aurora. Gracias a las notas que tomó podemos conocer a cada una de ellas más a fondo. Su texto también ofrece un panorama sobre la Organización de Artesanas de San Mateo del Mar, a la cual pertenecían las futuras cineastas, y cuya buena organización y manejo fue uno de los pilares para el éxito del proyecto.

En el “Diario del Taller”, Tamés rememora acontecimientos y anécdotas a través de los cuales las integrantes nos hacen partícipes, mediante sus opiniones e intervenciones, de su vida, sus actividades y sus mismas personalidades. Gracias a ello es posible comprender mejor los guiones y las películas que pensaron, filmaron y produjeron. A través del conocimiento del contexto social en el que vivían y de los esfuerzos que hicieron para involucrarse en el taller hasta el final, hay mayores elementos para analizar y valorar sus creaciones. Estos aspectos nos permiten adentrarnos paso a paso en el proceso de creación de las películas Teat Monteok (Padre Rayo), Angoch tanomb (Una boda antigua) y Leaw amangoch tinden nop ikoods (La vida de una familia ikoods).

Se presenta enseguida el texto de Arjanne Laan, documentalista holandesa, quien en unas cuantas líneas llenas de emotividad muestra que tan solo cinco semanas bastaron para generar fuertes vínculos. Al existir una convivencia diaria y un constante intercambio de opiniones, conocimientos, comidas, juegos, sueños, proyectos, miedos, historias y vivencias se generaron lazos afectivos resistentes tanto al paso del tiempo como a la distancia. La autora deja de manifiesto que hay recuerdos que permanecen y conexiones que no se rompen, como el que existió entre “la indígena del Mar del Norte” –como la llamaron las ikoots– y Elvira Palafox, directora de Teat Monteok y Angoch tanomb.

Tras las colaboraciones de ambas mujeres entra nuevamente la pluma de Luis Lupone para abordar cuestiones técnicas sobre el desarrollo del taller y exponer, desde su visión personal, los contratiempos que surgieron y cómo se les fue enfrentando. A lo largo de esas páginas, el autor relata paso a paso cómo se trataron en el taller aspectos teóricos sobre imagen fija y en movimiento, sonido o secuencias narrativas. Según refiere el autor, la experiencia de la creación de storyboards y guiones fue muy enriquecedora, pues en ello se dejó ver el talento que las ikoots tenían para crear, mediante unas cuantas imágenes, la narrativa visual de una historia, de manera similar a lo que hacían en sus textiles.

El autor también explica cómo fue que, a pesar del corto tiempo y del presupuesto limitado, la dedicación de todos los involucrados permitió sortear la mayoría de las dificultades. Para las ikoots el reto fue doble, pues además tuvieron que desafiar los paradigmas sociales y los roles de género aceptados por su cultura. Sin embargo, supieron encontrar el equilibrio entre sus deberes comunitarios y su participación en el taller.

Dado que las tres películas fueron filmadas originalmente en ombeayiüts –autodenominación de la lengua materna de los ikoots–, Guadalupe, Elvira y Juana viajaron junto con los instructores del taller a la Ciudad de México, en donde se transcribieron y tradujeron los diálogos de las películas y del documental. Sin embargo, en aquel momento solo se subtitularon este y una de las películas, Leaw amangoch tinden nop ikoods (La vida de una familia ikoods). Las otras dos películas, cuya edición final quedó pendiente durante casi tres décadas, fueron subtituladas en 2014 por el propio Luis Lupone, con base en las notas hechas 29 años atrás. Al terminar, el material fue trasladado nuevamente a San Mateo del Mar para cotejar, con apoyo de las participantes, la fidelidad y precisión de los subtítulos.

El lector podría pensar que este fue el final del taller y de las películas, pero no fue así. Desde un inicio se había planeado divulgar las películas y el documental junto a una publicación impresa, pero ello no sucedió. En la parte final de su contribución, narrada desde su perspectiva personal y con una significativa carga emocional, Luis Lupone hace un recuento de los hechos ocurridos al terminar el taller. El autor cuenta que, si bien se logró finalizar la película dirigida por Teófila Palafox junto con el documental, no fue posible proyectarlos ni difundirlos masivamente, pues no se disponía de los recursos para presentarlos en los festivales de cine nacionales e internacionales adonde fueron invitados a participar. La poca difusión impidió que las tejedoras mostraran a gran escala la forma en que ellas querían representarse a sí mismas y a su cultura y, de tal manera, se opacó la posibilidad de revelarse como cineastas ikoots.

A principios de los años noventa, el INI presentó el proyecto Transferencia de Medios Audiovisuales a Comunidades Indígenas, mediante el cual se perseguían objetivos similares a los del Primer Taller de Cine Indígena. Sin embargo, esta nueva iniciativa no tomó como referencia a dicho taller, que debe considerarse como su antecedente inmediato. A pesar de ello, la historia y la antropología lo han reconocido y apreciado, pues para hablar de cine indígena y etnográfico en México es obligatorio conocer la experiencia del taller en San Mateo del Mar. Inclusive, por ser de los pocos filmes que trataban acerca de los ikoots y debido a la importancia antropológica de sus contenidos, era una práctica frecuente que Tejiendo mar y viento y Leaw amangoch tinden nop ikoods (La vida de una familia ikoods) se proyectaran en algunas clases de la Escuela Nacional de Antropología e Historia como parte del panorama etnográfico general. Posteriormente, se convirtieron en una referencia fundamental para los cursos de antropología visual.

En la actualidad, el valor de las producciones emanadas del Primer Taller de Cine Indígena está ampliamente reconocido por antropólogos, etnólogos, especialistas en antropología visual, documentalistas y expertos en cine etnográfico (Dorotinsky, Levin, Vázquez y Zirión, 2017; Novelo, 2011). Ello se debe a que la implementación del proyecto fue un hecho inédito y, en su momento, una experiencia única en el país. Esto no quiere decir que después no se intentara reproducir la fórmula, aunque ya no por parte del INI. Así, surgieron propuestas aisladas como “Camaristas”, a cargo de Carlota Duarte, del Centro de Investigaciones y Estudios Superiores en Antropología Social (CIESAS) Sureste; el proyecto Videastas Indígenas, también en Chiapas, y en Angahuan, Michoacán, con el maestro bilingüe Valente Soto Bravo (Novelo, 2011). Es importante precisar que ninguna de estas iniciativas fue igual al taller en el que participaron las tejedoras ikoots, pues no fueron planeados ni impartidos por cineastas, sino por antropólogos que se iniciaban en lo que hoy conocemos como antropología visual. Debido a ello, es importante tener presentes las diferencias entre el cine indígena, creado a partir de las herramientas del cineasta, y el video indígena, concebido desde la perspectiva del antropólogo.

Ha sido un camino largo para que, finalmente, se presenten por primera vez las tres películas juntas, según se cuenta en esta publicación que nos hace imaginar lo ocurrido a finales del año de 1985. En sus páginas podemos percibir los sentimientos de alegría, emoción y entusiasmo latentes a lo largo del taller, así como la desilusión y el desencanto que vino después. Sin embargo, la espera ha terminado y ahora es posible conocer las creaciones fílmicas de las mujeres ikoots.

Para acercarse a estas películas y dimensionarlas adecuadamente, el espectador debe tomar en cuenta, en primer lugar, que los guiones fueron concebidos por las tejedoras con la finalidad de mostrar su origen, su cotidianidad, su trabajo, sus sueños y su cultura. Los filmes que crearon retratan y a la vez son fruto de la dinámica social de su comunidad y de la manera en que se tejen las relaciones de parentesco, de amistad y de compadrazgo. En su realización, las mujeres ikoots demostraron el esfuerzo que ponían día a día para salir adelante y cómo hacían frente a los retos planteados por la hegemonía de la cultura occidental, luchando por preservar, transmitir y mantener vivos su legado cultural y sus tradiciones.

Los cortometrajes y el documental poseen un indudable valor histórico, ya que son testimonios de creencias, formas de organización, de sentir, de comportarse, de vestir, de hablar y de la interacción cotidiana que había entre los ikoots durante la década de los ochenta, lo que permite contrastarlo con lo que hoy en día es San Mateo del Mar. Son documentos audiovisuales de gran valía pues en ellos se registran acciones y sucesos cuya memoria, de no ser por este proyecto, es probable que se hubiese desvanecido al paso del tiempo, tomando en cuenta que las comunidades indígenas están en constante transformación.

A partir de su participación en el taller, algunas de estas mujeres no solo se hicieron visibles a nivel nacional e internacional, sino que también generaron cambios al interior de su comunidad. Desafiando las normas de su propio ambiente comunitario, trascendieron los roles tradicionales como amas de casa, tejedoras y comerciantes, sin despreciarlos ni abandonarlos, para convertirse en productoras, camarógrafas, sonidistas, guionistas y editoras de cine. Con la justificación del rodaje, las mujeres lograron acceder a un entorno que les estaba vedado: el mar, espacio físico y simbólico que, en la cultura ikoots, es esencial y exclusivamente masculino.

A través de los tres cortometrajes y de Tejiendo mar y viento es posible apreciar la manera en que las mujeres ikoots asumieron el reto y lo superaron, enfrentándose incluso a señalamientos, rumores y murmuraciones dentro de su mismo contexto social. Con su participación en el taller demostraron que podían hacer mucho más que cumplir con los deberes que la comunidad les había asignado por ser mujeres, que por sí mismos no eran tareas menores, a pesar de que pocas veces fueran reconocidos y valorados.

Si bien hoy en día puede encontrarse un sinfín de producciones audiovisuales que tienen como base los saberes y las tradiciones de los pueblos indígenas, la mayoría de estas han sido generadas desde una visión externa. La importancia de los filmes aquí presentados reside también en el hecho de que no fueron realizados para ser consumidos por intelectuales, documentalistas o críticos, sino para hacer un autorretrato fiel y mostrarse de manera digna y honorable, primero ante los propios ikoots y, en segundo lugar, ante el resto de la sociedad mexicana. Aunque no era el objetivo del taller generar registros etnográficos, es innegable el valor que, desde el punto de vista de la antropología visual, poseen estos filmes, en los cuales se conjuga el interés por contar y la necesidad de escuchar, en un encuentro entre lo social y lo visual (Martínez, 2008).

Gracias a las distintas iniciativas de apropiación de los medios audiovisuales por parte de los pueblos originarios, entre las cuales el Primer Taller de Cine Indígena fue pionero, ahora podemos ser partícipes de saberes y experiencias a los que de otro modo no tendríamos acceso. A través de las películas de las mujeres ikoots, es posible generar experiencias de acercamiento recíproco entre personas y colectividades con distintas formas de verse en el mundo. En palabras del cineasta Alan Berliner, “La pantalla funciona a la vez como una ventana y como un espejo, como una ventana para adentrarnos en otros mundos y comprender la perspectiva de los otros, pero que a la vez permite que nos observemos unos a otros y a nosotros mismos.”

Créditos del equipo
Luis Lupone Alberto Becerril María Eugenia Tamés Arjanne Laan
Cecile Laversin
Director del taller, capacitación en la cámara, sonido, iluminación y producción.
Coordinador de producción con el INI. Encargado de la fotografía fija y registro visual del taller.
Documentalista. Coordinadora de capacitación en elaboración de guiones, preproducción y rodaje.
Documentalista. Coordinadora de capacitación en montaje, edición y traducción para los subtítulos en español.
Apoyo logístico y de producción en general, así como en actividades relacionadas con los hijos e hijas de las tejedoras mientras ellas estaban en el taller.

Leaw amangoch tinden nop ikoods

(La vida de una familia ikoods)

Título original: Leaw amangoch tinden nop ikoods (La vida de una familia ikoods)
Dirección: Teófila Palafox Herranz
País de producción: México
Año: 1985.
Duración: 21 min.

"Primer cortometraje de Teófila Palafox, experta tejedora, partera, gestora cooperativista y, desde entonces, primera cineasta indígena; fue la única de las tres producciones emanadas del Primer Taller de Cine Indígena que se finalizó y difundió desde la época de su filmación. El corto retrata la cotidianidad de San Mateo del Mar, a través de la historia de una familia de pescadores, tejedoras y comerciantes, en una narrativa que combina el documental con la ficción. El filme retrata así, desde la perspectiva de sus integrantes –y, específicamente, desde una joven mirada femenina–, diversos aspectos de la sociedad y la cultura del pueblo ikoots, así como la manera en que deseaban documentarlos y mostrarlos al exterior. Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas."

Ver en Youtube.

Teat Monteok: el Cuento del Dios del Rayo

Título original: Teat Monteok, El cuento del dios del Rayo.
Dirección: Elvira Palafox Herranz
País de producción: México
Año: 1985.
Duración: 19 min.

"Una abuela cuenta una historia para dormir, mientras la vida continúa en un lugar donde las historias antiguas y la realidad se entrelazan. El cuento narra la historia de un hombre devorado por una ballena, que después de mucho tiempo encalló en la arena, donde el hombre logró salir hallando un lugar desconocido junto al mar, en el cual se originó el pueblo ikoots."

Ver en Youtube.

Angoch tanomb (Una boda antigua)

Título original: Angoch tanomb (Una boda antigua)
Dirección: Elvira Palafox Herranz
País de producción: México
Año: 1985.
Duración: 11 min.

San Mateo del Mar, Oaxaca

"Una boda antigua es un cortometraje que refleja el interés de su directora por mostrar las tradiciones de su comunidad, así como documentarlas para la posteridad. Producto del Primer Taller de Cine Indígena llevado a cabo en 1985 con tejedoras ikoots, este corto enfrentó varias vicisitudes durante su filmación, que implicaron cambios en el guion y el montaje final, todo lo cual no hizo más que reforzar la voluntad de la realizadora para contar historias a través del lenguaje cinematográfico. Para su preparación, Elvira y su equipo de producción realizaron investigaciones con las personas mayores del pueblo –como Timotea Michelin, también integrante del taller–, elaboraron u obtuvieron vestimenta a la usanza local de la primera mitad del siglo XX, localizaron un pozo natural y consiguieron vasijas de barro de aquella época, elementos que permitieron ambientar históricamente la filmación."

Ver en Yotube.

Las tejedoras cineastas de San Mateo del Mar.
Entrevista con Teófila Palafox

Fuentes de información: Instituto Nacional de los Pueblos Indígenas, Mujer indígena. Videastas del presente, Últimas pioneras del Súper 8: cine hecho por mujeres ikoots por Lourdes Roca, Antonio Zirión, jefe del Departamento de Antropología de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM) Iztapalapa. Comunicación personal, julio de 2018.

Mi viejo rebelde

noreply@blogger.com (Naranjas de Hiroshima 2) — Tue, 26 Dec 2023 04:18:00 +0000

Título original: Mi viejo rebelde
Dirección: Ana Bayer
Guion: Ana Bayer

Intervienen: Osvaldo Bayer, Ana Bayer.
País de producción: Argentina
Año: 2019
Duración: 69 min.

Retrato íntimo de un imprescindible

Ana Bayer es la responsable de este documental “casero”, en el que se refleja la cotidianidad del escritor y periodista.(...)

La patria de Osvaldo Bayer es la rebeldía. “Me he propuesto no tener piedad con los despiadados. Mi falta de piedad con los asesinos, con los verdugos que actúan desde el poder, se reduce a descubrirlos, dejarlos desnudos ante la historia y la sociedad y reivindicar de alguna manera a los de abajo, a los que en todas las épocas salieron a la calle a dar sus gritos de protesta y fueron masacrados, tratados como delincuentes, torturados, robados, tirados en alguna fosa común”, explicó el periodista, historiador y escritor. Esta vez su cumpleaños no se celebrará en “El Tugurio”, nombre que le puso Osvaldo Soriano a la histórica casa de Belgrano, sobre la calle Arcos.

“Los años tienen su significado, cada año que pasó en esta Argentina, plena de historias y de desgracias. Yo estoy muy satisfecho de la vida que hice, aunque pagué bien caro todas las acciones por más democracia. Cuántos héroes tuvimos, olvidados completamente, que dieron su vida, exiliados por el destino del país”, dice Osvaldo en un breve video filmado en el patio de su casa, rodeado de sus plantas y libros –esos seres que él define como “sabios” por el silencio que guardan– en los días previos a su cumpleaños. El autor de excepcionales ensayos como Los anarquistas expropiadores, Severino Di Giovanni, el idealista de la violencia y La Patagonia rebelde admite que “fue hermoso seguir de cerca el destino del país; interpretar la historia y llevarla a cabo, en un país lleno de historias y de traiciones también al espíritu democrático”.

El viejo rebelde pelea y resiste. Nadie acallará su voz. No pudieron hacerlo cuando tuvo que exiliarse en Alemania en 1975, después de que “los heraldos negros” prohibieron su obra y lo amenazaron de muerte. ¿Hay mejor regalo, para sus lectores, que escucharlo y volverlo a leer todas las veces que sean necesarias? “Lo mejor que podemos hacer en nuestras vidas es tratar de llevar a cabo el destino, el ímpetu, de todos aquellos que querían un país bien democrático, un país de la igualdad –plantea el autor de la novela Rainer y Minou–. Seguiremos luchando para que nuestra rica historia se vea cada vez más cerca, y para que aprendamos de nuestros héroes diarios, cuánto hicieron. No demos pasos atrás; más democracia, más igualdad”.

Ana, la hija de Osvaldo, cuenta a Página12 que Mi viejo rebelde es una película “muy casera”, una especie de retrato íntimo del historiador y periodista. “Desde siempre he filmado a mi padre en privado, con su humor, sus cosas cotidianas, pero también su trabajo, sus comentarios, las charlas con la familia. Es el ojo de la hija, en el que prevalece seguramente lo familiar, pero creo que justamente es eso lo que hace más humano a Osvaldo para el que lo conoce por sus obras. No soy profesional del cine, pero en este caso hice este film para mi padre, para su cumple. No busqué la perfección de la imagen, sino más que nada quise documentar mucha vida vivida juntos”. Lejos de eclipsar la imagen pública del autor de Rebeldía y esperanza, En camino al paraíso, Ventana a Plaza de Mayo y Fútbol argentino, Ana bucea en lo doméstico, lo que no se ve ni se conoce puertas adentro. El espíritu combativo de su padre –ella bien lo sabe– es conocido. Si antes denunció la explotación y muerte de peones rurales en la Patagonia y acompañó a las Madres de Plaza de Mayo, ahora apela al ingenio de la palabra para protestar contra el avasallamiento de los derechos humanos y sociales del gobierno de Mauricio Macri, que para Osvaldo, ya lo ha dicho, “es como volver a la Edad Media”.

El año pasado publicó una bella y dolorosa carta por la desaparición de Santiago Maldonado. “Detrás del rostro de otro desaparecido, andaremos sin desandar ni un solo milímetro recorrido”, alentó Bayer en este texto que se publicó en La garganta poderosa. “Y a ustedes, hermanas, hermanos mapuches, los abrazo una vez más en la misma lucha, en la misma resistencia, en la misma dignidad, esa que nació hace siglos y vale la pena reconocer, porque no sólo supo trascender, también se supo hacer valer a fuerza de conciencia, sin ejercer más violencia que los saberes organizados, frente a ejércitos de robots armados”.

Luego del asesinato de Rafael Nahuel, en el marco de una nueva represión al pueblo mapuche, el historiador grabó un video en el que cuestionó el accionar de la Justicia y las fuerzas represivas. “Señor Juez Villanueva, usted es quien ordenó un desmedido operativo en el que participó la Policía Federal para apresar a los miembros de la comunidad mapuche del Lof Lafken (...). Y para garantizar el desalojo y la represión cortó la Ruta 40 en un radio de diez kilómetros con la Gendarmería Nacional contra familias mapuches, la mayoría de ellos mujeres y niños, vulnerando todos los reconocimientos legales e internacionales”.

El viejo rebelde prometió que vivirá hasta los 100 años. Hay que ver sus pestañas haciendo cabriolas en el marco de su mirada cristalina cuando habla de su “amada” Marlene Dietrich, la actriz y cantante alemana que puntualmente todas las noches sigue cantándole canciones, justo cuando Osvaldo cierra los ojos y empieza a soñar. El sueño –y la lucha– continúan.

Este artículo fue publicado originalmente el día 17 de febrero de 2018 en Página12

Fuentes de Información: Artículo publicado por Silvia Friera en Página12, FilmAffinity, Osvaldo Bayer Página Oficial.

Ver documental completo en Youtube.

Varda por Agnès

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Wed, 06 Dec 2023 00:48:00 +0000

Dirección: Agnès Varda, Didier Rouget
Guion: Agnès Varda Didier Rouget Sonido: David Chaulier Alan Savary
Fotografía: François Décréau Claire Duguet Montaje Agnès Varda Nicolas Longinotti
País de producción: Francia
Año: 2019
Duración: 115 minutos

Crítica de “Varda por Agnès”, de Agnès Varda
Por Víctor Esquirol

Dos meses antes de su muerte, la extraordinaria realizadora de Cleo de 5 a 7 y Sin techo ni ley presentó en la Berlinale 2019 esta suerte de carta de despedida, un ensayo testamentario con su visión del arte... y de la vida.

Se abre el telón (de Varda por Agnès) y en el escenario de un teatro abarrotado reconvertido en cine aparece una figura familiar. La considerada como “abuela de la Nouvelle Vague” está sentada en una de esas sillas plegables que el imaginario colectivo conecta inmediatamente con la de un director o directora de cine. En el invierno de su vida, la creatividad veraniega de la cineasta nacida en Ixelles se enfría en pos de una calma, pausa y clarividencia retrospectiva… fundamentada en un muy saludable gusto introspectivo.

Los títulos de crédito con los que se abre este documental autobiográfico recuerdan más bien (por formato, duración y presentación) a los de cierre de cualquier película. Así empieza Varda la crónica de una carrera alimentada por el mantra triplicado de la búsqueda de la inspiración, el amor por la creación y el gusto por compartir. Este esquema sencillo pero compuesto con piezas preciosas (perennes en la reivindicación de un espíritu vitalista que nos anima a experimentar; a descubrir) llega ahora rebajado en sus dos primeros elementos, pero elevado a la enésima potencia en lo que se refiere al tercero. Lo que pretende ahora Varda es, efectivamente, mirarse al espejo (gesto que ya insinuaba en su anterior trabajo, Visages Villages dirigido junto a Jean René) y que nadie se interponga entre ella y un reflejo que sigue estando sujeto a interpretaciones.

De lo que se trata aquí es de impartir una clase magistral: volcar sabiduría, sí, pero sin dialogar con el alumnado, lo cual para nada presupone la falta de capacidad comunicativa de la profesora. Al contrario. El gusto innovador de esta incombustible artista multidisciplinar se apaga aquí para dar mayor nitidez a una recopilación levantada a partir de la máxima de que a la artista se la conoce a través de su arte. El collage de películas propias no plantea ningún reto. No está especialmente inspirado, se podría decir, pero por esto mismo es exageradamente entendedor… y por esto inspira. El compendio (de batallas, de conquistas, de ocurrencias… de lecciones) trata sobre ella misma, está manejado por ella misma, pero va dirigido a todo aquel y aquella que quiera recordar, quién sabe si hallar por primera vez.

La maestra que se movía entre el tiempo objetivo y el subjetivo vuelve a hacer virguerías con las agujas del reloj, y nos hace saltar constantemente en un calendario (vital, artístico) que, como el mejor cine, nos habla precisamente de unos tiempos en permanente cambio. Arte que habla de lo que sabe para hacernos llegar a aquello que desconocemos. “Ver, pensar y no olvidar”, es la combinación ganadora que esgrime ahora Varda. Queda inmortalizado así el cine de lo efímero, cuyas imágenes e ideas están hermanadas por el propósito de permanecer. Éste es, al fin y al cabo, el objetivo final de Varda por Agnès, logrado, cómo no, por Agnès Varda. Esto es, asegurar por medios propios la supervivencia de la vida misma.

Fuentes de información: Crítica por Por Víctor Esquirol para OtrosCines, FilmAffinity.

Ver en V.O.S.E. en Ok.ru

Polinizadorxs. Resistencia en la Península de Yucatán

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Fri, 21 Apr 2023 22:17:00 +0000

Título original: Polinizadorxs. Resistencia en la Península de Yucatán
Realización: Lilia García Torres
Guión: Lilia García Torres
Fotografía: Sergio Flores Cuéllar, Eduardo Andaluz, Lilia García y Nute Kuijin (Uriel López).
Dron: Eduardo Andaluz.
Fotografía fija: Biancha Bachelot
Montaje: Lilia García Torres Edición: Sergio F. Cuéllar y Jocelyn Leal Ruíz
Sonido directo: Lilia García Torres
Música y musicalización: elhombreviento (Jeremías Pau Toledo)
Coros: Improóleos
Voz off: Lilia García Torres
Animación: Beatriz Olivares, Jorge García, CACAO y Jocelyn Leal
Diseño audiovisual: Jocelyn Leal Ruiz
Diseño gráfico: Jorge Cruz
Imágenes de archivo: Raúl Padilla (fototrampeo)
Color: Nute Kuijin y Jocelyn Leal Ruiz
Traductorxs: Heber Uc, Ángel Sulub, Pedro Uc, Bianca Bachelot, Parizia Righetti, Montserrat Rueda Productor ejecutivo: Bianca Bachelot
Productora: Colectivo Conspiración Audiovisual
Formato: digital, Color.
Testimoniantes: Joaquín Aguilar, Lourdes Ganzo , Enrique Vázquez, José Clemente May Echeverría, Haizel de la Cruz, María Candelaria May, Roberto Rojo, Raúl Padilla Borja, Manuel Puc, Heber Uc, Bruno Fabián Martínez Martin, Ángel Sulub, Wilma Esquivel Pat, Marco Jericó Nava Martínez, Melina Maravilla Romero y Anastasio Oliveros.
Idioma: Castellano y maya peninsular (subtítulos: francés e inglés. Próximamente al italiano y maya peninsular)
País de producción: México.
Distribución y/o venta: abierto, gratuíto
Año: 2022
Duración: 74 min.
Web oficial: https://www.facebook.com/polinizadorxs/

Documental que desde la perspectiva senti-pensante, acopia las palabras de algunos habitantes de la Península de Yucatán, recogidas en diferentes puntos de los siete tramos del llamado Tren Maya. En diálogo con la naturaleza, los pobladores expresan su relación con el territorio, las amenazas que actualmente enfrenta y su perspectiva sobre lo que pasaría si la “Serpiente de hierro” llegara. Los testimonios, enunciados en espacios simbólicos para quien defiende la vida, nos adentran a un universo íntimo de preocupaciones por la devastación que conlleva el actual modelo de desarrollo y su amplificación si el megaproyecto se implementara. Mensajes listos para esparcirse, por estos polinizadorxs de resistencia.

Territorios mayas en el paso del tren: situación actual y riesgos previsibles

Documento elaborado por el Grupo constituido por CONACYT para el análisis de riesgos en los territorios en los que está proyectado el Tren Maya (GC-TTM). El documento Territorios Mayas en el Paso del Tren: Condiciones Actuales y Riesgos Previsibles, resume resultados de consenso entre los miembros del grupo a partir de estudios realizados hasta la fecha. El documento ofrece información a los diversos actores de la sociedad, del gobierno y de la academia que tienen interés o la responsabilidad de contribuir activamente a garantizar la prevalencia del bien público, la mejora del bienestar social de los habitantes y el cuidado de la biósfera en estos territorios.

Presentación

El Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología hoy tiene entre sus responsabilidades el fomentar la participación científica, crítica y propositiva de las comunidades académicas en los esfuerzos que realizan sociedad y gobierno para generar estrategias que contribuyan a atender los grandes problemas y necesidades nacionales por vías que resuelvan, y no agraven, las condiciones sociales, ambientales, económicas y de salud de la población mexicana. El proyecto del Tren Maya y los procesos territoriales a él asociados requieren de generar activamente ese tipo de vías de solución.

A finales de septiembre de 2019, el CONACyT invitó a más de treinta personas de reconocida experiencia, adscritas a instituciones públicas de investigación, organizaciones no gubernamentales y organizaciones sociales regionales, a participar en un grupo de trabajo voluntario para generar una serie de documentos en los que se analizaran –con plena libertad de pensamiento y expresión y con apego a evidencia bien fundamentada– las condiciones sociales, económicas y ambientales prevalecientes hasta 2019 en los territorios sobre los cuales el FONATUR había proyectado el Tren Maya. También se les pidió que, con base en la información disponible sobre el proyecto, analizaran cuidadosamente los riesgos que diferentes voces de nuestra sociedad señalaban, a fin de que pudieran considerarlos y atenderlos los diversos actores involucrados en el proyecto Tren Maya.

El documento Territorios Mayas en el Paso del Tren: Condiciones Actuales y Riesgos Previsibles, resume resultados de consenso entre los miembros del grupo a partir de estudios realizados hasta la fecha. El documento ofrece información a los diversos actores de la sociedad, del gobierno y de la academia que tienen interés o la responsabilidad de contribuir activamente a garantizar la prevalencia del bien público, la mejora del bienestar social de los habitantes y el cuidado de la biósfera en estos territorios.

Regionalización Ambiental de los Territorios del Tren Maya.

En la primera parte del documento se destacan algunos riesgos sociales y ambientales que el proyecto Tren Maya pudiera traer consigo, y en la segunda parte se abordan las condiciones territoriales actuales que generan o exacerban dichos riesgos.

Es conveniente resaltar que el contenido de este documento es responsabilidad de quienes lo suscriben; que está fundamentado en años de investigación y/o experiencia reflejados en cuantiosa bibliografía que aparecerá en un texto más extenso actualmente en preparación y que, respecto específicamente del proyecto Tren Maya, cuenta con la información que se ha hecho pública hasta la fecha.

El CONACyT agradece los esfuerzos realizados por los académicos y demás actores involucrados, y pone este documento de trabajo a disposición de las instancias de gobierno y de la sociedad para su escrutinio, consideración y buen uso.

Principales Áreas Naturales Protegidas y Características Geohidrológicas en los Territorios del Tren Maya.

CONACYT

Introducción El Proyecto Tren Maya (TM) que traza una ruta de infraestructura ferroviaria con desarrollos turísticos, habitacionales y de traslado, almacenamiento y comercio de mercancías de tipo diverso, supone un profundo reordenamiento territorial en cinco estados del sureste de México. Con el fin de evaluar sus posibles impactos, se ha considerado un área de 10 km a ambos lados de la ruta debido al conjunto de intervenciones territoriales que se plantean sobre la región, que sobrepasan ampliamente los límites de la vía. Sin disponer todavía de estudios de infraestructura básica, impacto social, impacto ambiental y otros más específicos indispensables para estimar la viabilidad y pertinencia de un proyecto de esta envergadura, se adelantan las apreciaciones de la comunidad científica, basadas en conocimientos e investigaciones realizadas desde varias perspectivas disciplinarias que confluyeron en un primer pre diagnóstico del caso.

Geopolítica

El TM es parte de un gran proyecto de infraestructura y ordenamiento económico y poblacional en el Sur-Sureste mexicano, que abarca desde la Península de Yucatán hasta el puerto de Salina Cruz, pasando por Coatzacoalcos. El TM y el Corredor Interoceánico del Istmo de Tehuantepec están articulados por la conexión de las ferrovías y carreteras, por la red de puertos y por las actividades económicas proyectadas para la zona, particularmente el traslado de carga y los procesos de manufactura previstos o previsibles.

El proyecto consiste en aprovechar la geografía para promover el desarrollo y mitigar las problemáticas sociales generadas por los flujos de migrantes extranjeros que transitan por la región y que se quedan en ella en condiciones difíciles. Asimismo, por los migrantes de la zona que dejan a las comunidades sin varones y/o sin jóvenes en su ruta hacia Estados Unidos. Todo esto mediante una infraestructura que convertirá a la zona en un hub de competencia mundial equivalente al de Panamá. Por lo tanto, es necesario tener en cuenta la intensidad del tránsito actual de Panamá.

Continuar leyendo aquí.

Fuentes de Información: Conspiración Audiovisual, CONACYT, BajoTierraEdiciones, UNAM.

Ver completo en Youtube.

Videoclip

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La caja vacía

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 26 Dec 2022 18:43:00 +0000

Título: La caja vacía
Dirección: Javier Falcó  
Guion: Javier Falcó 
Producción: Javier Falcó 
Ayudante de Dirección: Manuel López
Operadores de cámara: Javier Falcó, Jaime Brotóns, Ximo Fernández, Alejandro Falcó
 Planos aéreos: Jaime Brotóns  
Corrección de color y etalonaje: Ximo Fernández
 Grabación de sonido: Alejandro Falcó Manuel López Javier Falcó  
Postproducción de sonido: Javier Falcó
Revisión textos y traducción: María José Ciordia Ana Ciordia
Retoque y estilo gráfico: Manuel López  
Con la colaboración de: Amnistía Internacional, Asociación de Víctimas de Alicante: Bebés Robados y adopciones Irregulares (AVA), Asociación “Todos los niños robados son también mis niños”, Coordinadora Estatal de Apoyo a la Querella Argentina (CeAQUA), Asociación Científica Arqueoantro. 
Música: Autor (Sid Acharya) Temas: Stories From The Sky Our World Into Midnight Sky Sailing Música cierre: Autor (Fran C) Tema: ¿Dónde están? Producción: Chaparro, Letras: Galgo, Fran C, Rushblacka, Brujo e Ibai Marín. Grabado, mezclado y masterizado en 100% Gourmet Records
País de producción: España
Año de producción: 2021
Duración: 60 min

Hace poco más de diez años, la problemática de los bebés robados empieza a hacerse eco en los medios de comunicación con la aparición de los primeros casos.

A partir de ese momento, se produce un punto de inflexión donde se disparan las denuncias y se pone de relieve la gran cantidad de afectados que hay.

El origen de estos robos se inicia durante el franquismo a través de políticas eugenésicas como la del psiquiatra jefe de los servicios psiquiátricos del Ejército franquista Vallejo Nájera, y se desarrolla hasta los primeros años de la democracia siguiendo ya una estela de corrupción organizada de tráfico de bebés.

En la actualidad unas 2.100 diligencias de investigación están abiertas, pero solamente 526 han pasado al juzgado. Es decir, el resto se han archivado o se han cerrado. De las 526 que están judicializadas la mayoría están en un limbo judicial.

No se sabe si están abiertas, poniendo de relieve que es un tema donde los poderes públicos no quieren involucrarse. Muchas ONG’s y asociaciones vienen trabajando todos estos años para exigir al estado justicia y reparación. En estos momentos, se está a la espera de la aprobación de una ley estatal de bebés robados promovida por la Coordinadora Estatal de Apoyo a la Querella Argentina (CeAQUA) y que está en trámite de enmiendas.

Esta iniciativa cuenta con la participación activa y apoyo de un gran número de asociaciones de víctimas por el robo de bebés de diferentes partes del Estado español, así como asociaciones estatales e internacionales en defensa de los Derechos Humanos, como son: La Asociación Pro Derechos Humanos de España (APDHE), Amnistía Internacional y La Red Argentino Europea por el Derecho a la Identidad. Son varios los organismos de Naciones Unidas los que se han visto obligados a intervenir: el Relator Especial de Naciones Unidas para la promoción de la verdad, la justicia, la reparación y las garantías de no repetición, y el Grupo de Trabajo sobre desapariciones forzadas de Naciones Unidas. De igual forma, el Parlamento Europeo envió una Misión de la Comisión de Peticiones, cuyo resultado fue la elaboración de un Informe con 31 recomendaciones, publicado en noviembre de 2017.

La Caja Vacía es un documental que recoge un caso concreto de sustracción de bebés. Un caso que sirve como hilo conductor para adentrarse en una trama de corrupción delictiva, que tiene sus orígenes en el franquismo y que llega a extenderse hasta los primeros años de la democracia.

El documental recoge el caso de la ilicitana María José Picó que busca a su hermana melliza y que fue sustraída a su madre en el hospital de Alicante en 1962.

Casi diez años después de tramitar la denuncia correspondiente ante el juzgado y de que el fiscal de menores procediera a investigar su caso e incluso a ordenar dos exhumaciones, no se ha encontrado los restos de su hermana y se ha archivado el caso.

El documental pretende evidenciar esta dramática situación y hacer reflexionar al espectador sobre una realidad muchas veces desconocida, ya que es silenciada desde ciertos sectores de la sociedad que no les interesa que salga a la luz. Con el apoyo de sus participantes (investigadores, asociaciones, la arqueóloga que dirigió la exhumación y de Amnistía Internacional), el relato adquiere una verosimilitud fuera de toda duda que pone en evidencia la falta de voluntad por parte de las distintas administraciones en dar apoyo a las víctimas y solucionar estos casos.

Web del director: http://javierfalco.com/

FB La caja vacía https://www.facebook.com/lacajavaciadocumental

Ver el documental La Caja Vacía completo directamente desde youtube.

Il Museo dei sogni

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 12 Sep 2022 01:50:00 +0000

Título original:
Il Museo dei sogni (El Museo de los Sueños)
Dirección: Luigi Comencini
Guion: Luigi Comencini
Fotografía: Rómolo Garrone, Carlo Nebiolo
Comentario musical: Cabor
Gerente de producción: Lu Leone
Narración: Piero Gallinari
Ediciones musicales: Fono-Enic
Material de archivo: Cineteca Italiana - Archivo Histórico Fílmico de Milán (Archivio Storico del Film Milano)
Producción: Opus Film
País de producción: 1949
Duración: 10:21 min

El director sigue el camino de los viejos carretes de copias de películas al final de su producción, hasta que son destruidos para recuperar su materia prima. Evoca la historia del cine a través de archivos, la creación de la primera filmoteca italiana, las acciones realizadas para proteger sus colecciones durante la guerra y las películas desaparecidas.

Una parte importante de nuestro pasado cinematográfico y cultural ha sido destruido por reglas inexplicables y dementes.

Hasta la Segunda Guerra Mundial existía la usanza de arrojar como desperdicio las películas ya proyectadas, después de algunos meses de su salida, dado que no tenían ninguna utilidad concreta. De tal manera se podía recuperar también el celuloide y las sales necesarias para la impresión, todo material destinado al reciclaje. Pero en 1935 la institución de la Cinemateca Italiano, en Milán, comenzó a cambiar las cosas.

Es uno de los primeros trabajos de Luigi Comencini, que había surgido el año anterior (1948) con el largometraje "Proibito rubare", pero que, como era común en esos años, continuaba filmando cortometrajes. Poco más de diez minutos dura "Il museo dei sogni", dedicado a la Cinemateca Italiana, surgida de manera clandestina en 1935 en Milán, destinada a transformar una costumbre italiana dada por sentada hasta ese momento: la destrucción de las películas ya proyectadas, de cualquier género, duración, relevancia artística - después de algunos meses de su salida cuando todos los efectos se volvían inservibles y se podía al menos garantizar la materia prima (celuloide y sales) reciclados.
Visto desde hoy este breve film habla de cosas inconcebibles, pensando que en 1949 no existía todavía la televisión que, al menos, habría servido de salvaguarda y también de restauración de las viejas películas; el trabajo de Comencini es cronológico, con una voz en off (Piero Gallinari) que comenta las imágenes: la primera parte está dedicada al proceso de vertido y reciclaje de viejas palículas, mientras que la segunda entra más en el detalle sobre el argumento de la Cinemateca Italiana.*1

Luigi Comencini nació cuatro años después de Michelangelo Antonioni. Se le considera el padre de la comedia italiana y, de hecho, tras sus primeros trabajos, el cine del Bel Paese empezó a tomar un rumbo diferente. Muchos directores que vinieron después de él le deben mucho.

Memorable es la película policiaca basada en el exitoso libro de Fruttero & Lucentini, La donna della Domenica, en la que un gran Marcello Mastroianni se ve obligado a desentrañar la intrincada madeja de un asesino en serie tan particular como el objeto que utiliza para aplastar las cabezas de sus víctimas. . .
El museo de los sueños (Italia, 1949, 10') es un cortometraje singular que parte del tema, el del destino que alguna vez tocó el viejo cine italiano o el pulp. Comencini ya tenía en su haber algunas películas importantes cuando decidió dirigir este cortometraje en el que documenta la actividad de una fábrica en Busto Arsizio, un municipio a las afueras de Milán, donde se concentran todos aquellos trabajos para imágenes que se consideran sin interés comercial. , aunque la cultural es indudable.

Por eso Gianni y Luigi Comencini, junto con Alberto Lattuada, fundaron la Cineteca Italiana de Milán, que tenía el noble objetivo de salvar de una muerte segura muchas obras importantes de la factoría cinematográfica mundial que representan otros tantos fragmentos de la historia narrados en imágenes.
La tendencia inicial del cortometraje recuerda las películas mudas del pasado, aunque el comentario del buen orador pronto nos devuelve a la época actual. Es realmente efectiva la parte que nos muestra a los muchos curiosos que, atraídos por las carteleras de las películas en los cines de la ciudad, se detienen a leer sobre los protagonistas y el director. ¿Quién sabe si entrarán a comprar la entrada?

Y entonces, ¿qué quedó de aquellas películas, después de que los oratorios parroquiales las hubieran reproducido también en la gran pantalla? El celuloide inflamable del que están hechas las pizzas o los rollos que contienen la película ensamblada, fue depositado en grandes archivos inertes, antes de pasar por las manos de los expertos que, a hachazos, comenzaron la lenta destrucción de los kilómetros de película. Quintales de sueños cinematográficos, repletos de elementos contaminantes como las sales de plata, se amontonaban en las grandes plazas de las fábricas encargadas del particular desmantelamiento. Un ejemplo perfecto de recogida selectiva de residuos ante litteram es el que documenta el corto de este autor. Una vez limpio de todos los agentes peligrosos, el celuloide blanco, con todas sus tiras transparentes, era troceado, fundido y recompuesto en diferentes objetos, como peines y juguetes.

El resto de este precioso video hay que verlo hasta el final. Realmente se lo merece. Un gran pedacito de la historia del cine italiano salvado in extremis de las garras del pulp. Gracias a Lattuada y los Comencini. *2

¿Qué hacer con tanta película sin valor comercial? Fabricado en celuloide, material altamente inflamable, basta un cigarrillo para provocar terroríficos incendios que han causado vida en todos los países del mundo. Incendios que los bomberos prefieren no encontrar. ¡El celuloide estalla como dinamita! (narrador)

Adiós, Íngrid. Tu destino está sellado. (narrador) [antes de que se descompongan los componentes químicos de una copia cinematográfica de una película con Ingrid Bergman]

Piensa en cuántas películas viste hace diez, quince, veinte años. Películas que quizás quieras volver a ver hoy. Imposible. Todos terminaron así. [...] Se han convertido en un peine barato, un juguete que hace feliz a un niño, una pelota de ping pong. (narrador) *3

Fuentes de información: *1 FilmTV, *2 Lidia Borghi, *3 Wikiquote, IMDB, El cine italiano, Archivo Luce,

Ver en Youtube en V.O.S.E.

La valigia dei sogni (Luigi Comencini, 1953)

"Ettore (Umberto Melnati) es un actor de cine mudo dedicado ahora a recuperar películas de desechos. Dedicado a sensibilizar y rescate de la basura grandes obras que de otra manera correrían el riesgo de perderse para siempre, organiza visiones de sus tesoros en espectáculos compuestos de collages temáticos."

The Real Buddy Holly Story (1987)

noreply@blogger.com (Naranjas de Hiroshima 2) — Sat, 27 Aug 2022 23:02:00 +0000

Título original: The Real Buddy Holly Story

Dirección: Richard Spence
Producido por: Debbie Geller, Paul McCartney, Anthony Wall, Alan Yentob
Fotografía: Philip Bonham-Carter, Phil Gries
Montaje: Kristina Hetherington
Sonido: Richard Manton, Andy Nelson, Steven J. Rogers
Cámara: Ken Morse, Ivor Richardson, Nigel Walters
Intervienen: Jerry Allison, Tommy Allsup, Sonny Curtis, Murray Deutch, Don Everly, Buddy Holly,
Dick Jacobs, Paul McCartney, Echo McGuire, Vi Petty, Elvis Presley, Bob Thiele , Keith Richards
País de producción: E.E.U.U.
Año: 1987
Duración: 86 min.

Este documental sigue la carrera de Buddy Holly desde sus inicios en Lubbock Texas hasta su prematura muerte en un accidente aéreo en 1959. Es una mirada muy personal a la vida privada y profesional de uno de los grandes contribuyentes al rock and roll. El espectador ve imágenes de películas antiguas mientras interpreta algunas de sus canciones más memorables: "Oh Boy", "That'll be the Day" y "Peggy Sue". Hay entrevistas informativas con Tommy Allsup, miembros de la banda y otros. que estaban estrechamente relacionados con su vida. Escuche sobre el hombre detrás del intérprete. Escuche lo que inspiró sus canciones atemporales en este relato completo y profundo de la vida y la época de Buddy Holly.

Buddy Holly

Charles Hardin Holley, más conocido como Buddy Holly (Lubbock, Texas; 7 de septiembre de 1936-Clear Lake, Iowa; 3 de febrero de 1959),32 fue un compositor y cantante estadounidense de mediados de la década de 1950, considerado hoy en día como uno de los pioneros y creadores del Rock and Roll.

Holly fue descrito por el crítico Bruce Eder como: «la fuerza creativa más influyente del rock and roll primigenio».4 Si bien durante su corta trayectoria solo alcanzó a publicar tres álbumes de estudio, su innovación y sobresaliente obra musical sirvieron de inspiración y fue la influencia de muchos músicos posteriores como The Beatles, The Hollies, The Beach Boys, The Rolling Stones, Don McLean, Bob Dylan y Freddie Mercury, entre otros, además de ejercer una profunda influencia en la música popular.

Buddy Holly murió a los 22 años en el accidente aéreo conocido como "El día que murió la música", debido a que en el mismo murieron también los cantantes Ritchie Valens (famoso por su interpretación de "La bamba") y J. P. Richardson, "The Big Bopper".

Fue uno de los primeros artistas que ingresaron en el Salón de la Fama del Rock and Roll en 1986, después de Chuck Berry, Elvis Presley, James Brown, Ray Charles, Sam Cooke, Fats Domino y The Everly Brothers.6 En el 2004 la revista Rolling Stone situó al músico en el puesto n.º 13 en su lista The 100 Greatest Artists of All Time.

Fuentes de información: IMDB, Allmovie, Wikipedia.

Ver en Youtube.

La energía de los pueblos

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 25 Apr 2022 00:45:00 +0000

Título original: La energía de los pueblos
Dirección: Marie Combe
Producción Ejecutiva: Suleica Pineda Rodríguez Productora: La Sandía Digital

Dirección de contenido, archivo y documentación: Mónica Montalvo Méndez
Guión: Marie Combe, Mónica Montalvo Méndez
Fotografía: Marie Combe
Fotografía Adicional: Kani La puerta e Iván Zamora Méndez
Sonido Directo: Eloisa Diez, Karina Franco Villaseñor, Carlos Marroquín, Ana Robledo
Edición y Montaje: Marie Combe, Olga Enríquez
Postproducción y Corrección de color: Olga Enríquez
Asesoría de contenido: Carla Vázquez Mendieta (Oficina Regional en México de la Rosa Luxemburg Stiftung) Sandra Rátiva Gaona y Sofía García Pacheco (Cooperativa Onergia) Colectivo Geocomunes
Producción en línea: Mónica Montalvo Méndez
Ilustración: Jimena Ramos
Animación: Braulio Manilla
Diseño Sonoro: Eloisa Diez
Mezcla y y producción musical: Josué Vergara 
Música original: Juan Pablo Villa y Josué Vergara
País: México
Año: 2020
Duración: 60 min.

La energía de los pueblos es un largometraje documental realizado entre 2019 y 2020 por la Sandía Digital. Fuimos al encuentro de quienes, además de resistir y defender sus territorios, están construyendo proyectos de vida en colectivo, articulando la energía con muchas otros aspectos de la vida: el agua, la alimentación, la salud, entre otros.

La experiencias comunitarias de la aldea Unión 31 de Mayo, en Guatemala, de la Organización Popular Francisco Villa de Izquierda Independiente, en la periferia de la Ciudad de México, y de las cooperativas indígenas de la Sierra Norte de Puebla, nos muestran, desde diferentes aspectos, que se puede pensar la energía para dignificar la vida, para el bien común y el cuidado de los territorios.

Este documental se realizó gracias a una valiosa colaboración entre colectivos, organizaciones y movimientos de defensa del territorio; recoge las voces y reflexiones de quienes a diario construyen estas alternativas y se apoya en los trabajos de investigación del colectivo Geocomunes y de la oficina en México de la Rosa Luxemburg Stiftung. Nuestra intención es finalmente visibilizar experiencias que inspiren esperanza, y alentar la reflexión sobre la importancia de construir una transición energética popular, justa y solidaria.

Fuentes de información: La energía de los pueblos, La Sandia Digital,

Ver en Youtube.

Carlos Velo (1909-1988)

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Tue, 25 Jan 2022 03:11:00 +0000

Carlos Velo Cobelas, viaje a una vida.

Biografía por Fundación Carlos Velo.

Pereiros, Cartelle, Ourense, Galicia, España, 1909 – Ciudad de México, México, 1988

Hijo del médico rural José Velo Castro y de Dolores Cobelas Alberte, Carlos nació en Pereiros, en la localidad ourensana de Cartelle. Cursó la escuela primaria en la escuela del pueblo ya los diez años ya estaba en el bachillerato de Ourense, donde acabó el bachillerato en 1925 con premio extraordinario. En un ambiente intelectual y cultural muy gallego de la época en la capital provincial, trabó amistad con los hermanos Lourenzo, en especial con Xaquín, y comenzó su afición al cine, primero como espectador y luego como miembro de un peculiar equipo de filmación con Augusto Pacheco, Antonio Román y el propio Xaquín Lourenzo "Xocas", en ocasiones reunidos en el estudio fotográfico del padre del primero, José Pacheco.

Posteriormente se graduó como maestro nacional en la Escuela Normal, donde asistió a clases con personajes como Otero Pedraio y Vicente Risco. Se fue a Madrid obedeciendo al deseo de su padre de ser médico, pero se matriculó gratis en Biología, su verdadera pasión. Se licenció en Ciencias Naturales en 1932 y, entre 1933 y 1935, ejerció como ayudante de cátedra de entomología en la Universidad de Madrid. También impartirá clases de historia natural, fisiología y nociones de física y química en el IES Lagasca de Madrid.

En el Instituto Politécnico (septiembre de 1940)

En el Madrid de aquellos años, Carlos Velo también sigue los acontecimientos de la época y el canal más eficaz para interesarse por la acción política es el cine, a través de la Residencia de Estudiantes y las sesiones del Cineclub Español, activo entre 1929 y 1931 en la iniciativa de Buñuel, Giménez Caballero y el círculo de la revista La Gaceta Literaria. Velo estuvo entre los presentadores de la película. Entusiasmado con esta nueva actividad, cofundó en 1933 el cineclub de la Federación Escolar Universitaria (FUE), asociación de la que era miembro y como tal participaba en las Misiones Pedagógicas de la Enseñanza Libre.

Llegaría a ser el comisario general de la Unión Federal de Estudiantes Hispanos, que agrupaba a todas las federaciones escolares universitarias. Velo descubriría las películas de Flaherty, Eisenstein, Dovjenko, Pudovkin o Vertov, que tendrán una influencia decisiva en él cuando se abra paso ante las cámaras. Como líder de un cineclub, la experiencia sería corta (un año escaso) pero intensa: una visita a París de Henri Langlois, cofundador con Georges Franju del cineclub Cercle du Cinema, que pronto se convertiría en la Cinématéque Francaise. Proyectó en Madrid la polémica y prohibida película La Edad de Oro y se le relaciona con Luis Buñuel, con quien ya había hecho un curioso contacto en Madrid años antes a través de las hormigas de "Un perro andaluz".: el director aragonés pidió hormigas españolas de París al Museo Nacional de Ciencias Naturales "porque los franceses eran tontos e inútiles" y la orden recayó en Velo.

Carlos Velo con Luis Buñuel y Carlos Bardem.

También se interesó por la fotografía. Con una novedosa cámara Leica, regalo paterno, experimentó con este medio, claramente influido por el surrealismo y las vanguardias de finales de los años veinte. Ya durante la República hizo su doctorado sobre los reflejos de las abejas que les permitían comunicarse entre sí. Primero presentó su tesis por escrito, pero fue rechazada por el tribunal. Animado a demostrarlo con fotografías de María Luisa Santullano, Marilyn, alumna que luego sería su esposa, Velo decidió seguir adelante con la propuesta, filmando la tesis en 16 mm con la colaboración de su colega y amigo Guillermo Fernández Zúñiga, quien luego retomaría esa obra con el título "Aventura de los Ápidos Apis".

Con la llegada de 1934 inicia su carrera como autor de cortometrajes documentales. En ese año, y con Fernando Gutiérrez Mantilla en labores de producción, a pesar de aparecer en los títulos como codirector, rueda La ciudad y el campo y, al año siguiente, Felipe II y El Escorial, Tarragona (Tarraco Augusta), pero sobre todos los experimentales "Infinitos" y los antropológicos "Almadrabas", que, según la crítica de la época, fueron los cortometrajes más calificados de la República. Ya en 1936 realizará su obra maestra "Galicia" (con el título alternativo de Finis Terrae), que recibió un premio en la Exposición Internacional de París de 1937 con un jurado presidido por Buñuel y en la que también estuvo presente Max Aub. Con los descartes de este rodaje, desgarrado por Mantilla sin la participación de Velo - ocultos por primera vez por Segovia, donde se preparaba oposiciones a la silla cuando el levantamiento de Franco, y más tarde por Ourense tierras de Cartelle y Lobeira antes de huir a Sevilla -, ahí se presentaría Santiago de Compostela" (también conocido como Saudade).

Carlos Velo en rodaje de "Almadrabas"

Carlos Velo salió de España en febrero de 1938 y hasta noviembre rodó en el norte de África el largometraje documental antropológico "Romance marroquí", del que hizo una primera versión y luego viajó a los estudios de la UFA en Berlín para terminarlo. Sin embargo, cuando llegó a Tánger, Velo y su mujer se trasladaron a la zona republicana de la Península, que era su verdadera intención, y finalmente a Francia en febrero de 1939, donde fue internado, como tantos refugiados españoles, en la concentración de Saint. campamento.-Cyprien, mientras su mujer se escondía en París. Por fin se embarcan en el transatlántico Flandes a México, donde llegan a fines de la primavera a través del puerto de Veracruz. "Moroccan Romancer" se estrenará con un montaje manipulado al que se le han añadido nuevas secuencias más acordes con el nuevo régimen dictatorial y su política colonial.

Flandes llega a México

En México, tras numerosas peripecias, recuperará el cine como eje vital, pero sin olvidar su condición de biólogo. En julio de 1939, Velo asumió la secretaría general del Comité Técnico de Ayuda a los Republicanos Españoles. En 1942 colaboró en la fundación de la revista Saudadejunto al arquitecto Xosé Caridad Mateo, el poeta Florencio Delgado Gurriarán y el profesor Ramiro Illa Couto. Las inquietudes literarias de Velo ya habían quedado bien reflejadas en el excelente cuento Galicia, paisaje de sangre, publicado en 1940 en la revista España Peregrina. Entre 1940 y 1944 enseñó biología en el Instituto Politécnico Nacional y la Universidad de San Nicolás de Hidalgo en Morelia, pero abandonó la escuela deprimido por la repentina muerte de su esposa, quien lo dejó con dos hijos, Teresa y Luis. Retomó su contacto con el cine y, en 1944, coescribió un premio Ariel por "Entre hermanos", película de Ramón Peón, que Velo no puede dirigir por carecer de licencia en México.

En 1946, el general Juan F. Azcárate le encargó la dirección del Noticiero Mexicano Ema, exhibición obligada en los cines, donde estará coordinando varios equipos de producción hasta 1953, ofreciendo informaciones y reportajes de todo tipo. El propio Velo filmará en esta etapa algunos monográficos, como Un día en la radio (1947). En 1952 conoció al productor independiente Manuel Barbachano Ponce, quien venía de Norteamérica dispuesto a renovar el cine de su país. Barbachano compró Noticiero Mexicano y le propuso a Velo el semanario Tele-Revista y luego hizo el cultural Cine-Verdad, proyecto que entusiasmó al director gallego.

Establecieron Raíces, que Velo no podrá filmar por la oposición del poderoso Sindicato de Trabajadores de la Producción Cinematográfica y que firmará Benito Alazraki. La película, de fuerte contenido antropológico, recibe un importante premio en Cannes y, con el paso de los años, la crítica nacional e internacional coincidirá en considerar a Velo como su verdadero autor.

Carlos Velo en el rodaje de "Romancero marroquí"

En estos primeros años de exilio no perdió el contacto con el ambiente gallego y, junto a Luis Soto y otras personas, ayudó en 1953 a fundar el Patronato de la Cultura Gallega, que presidiría hasta mediados de los años sesenta. Entre sus actividades estará el programa radiofónico semanal Hora de Galiza, la celebración del Día de Galicia y la revista Vieiros, cofundada por Velo (1959 a 1968).

En 1956 dirigió su primer largometraje, para muchos el origen del formato docudrama por su mezcla de documental y ficción en torno a la espada Luis Procuna. Esto es "Torero!", presentada en Cannes y Venecia con las felicitaciones de críticos como Sadoul y Truffaut al mismo tiempo que le dio fama internacional, recibiendo numerosos premios, incluida una preselección para los Oscar.

En el mismo año envió al I Congreso de la Emigración Gallega en Buenos Aires su revolucionaria propuesta de un Centro Cinematográfico Gallego que nunca se materializaría. Continuó trabajando para la productora de Barbachano en Nazarín (L. Buñuel) y Sonatas (Bardem), mientras preparaba su próximo proyecto, la ficción de "Pedro Páramo"., finalmente presentado en 1966 después de una laboriosa gestación de seis años. La polémica suscitada por su debut le afecta fuertemente y apostará por un cine ligero a partir de su matrimonio en 1966 con la productora Angélica Ortiz. Hasta 1969 realizó cuatro comedias -Don Juan 67, Cinco de chocolate y uno de fresa, Alguien nos quiere matar y El medio pelo- que apenas tuvieron repercusión en el mercado nacional.

Carlos Velo preparando una toma para "¡Torero!".

Galicia sigue muy presente en su actividad. En abril de 1961 presidió la Delegación del Consejo de Galicia en México, desde la que ocupó posiciones más radicales que el grupo de Buenos Aires. Fue desde ese cargo que en 1962 escribió su Carta al Destino Brais Pinto, texto considerado el germen simbólico que conduciría, dos años después, a la creación de la UPG.

Divorciado, volvió al documental y trabajó durante el sexenio del presidente Echevarría, dirigiendo el Centro de Producción de Cortometrajes en 1971, donde impulsó una renovación del cine azteca. En 1972 fundó el Centro de Formación Cinematográfica, inaugurado tres años después, con Luis Buñuel como presidente de honor. Sigue haciendo documentales con sus equipos, como Universidad Comprometida y Homenaje a León Felipe y, desde España, empieza a recibir reconocimiento. En 1976, la Filmoteca Española le rindió homenaje por su labor al frente del Centro de Formación Cinematográfica. Lo mismo ocurre con el Círculo de Escritores de Cine. Al año siguiente, el V Festival de Cine de Ourense promovió un primer homenaje gallego al intelectual de Cartelle, que apoyó, con su presencia e incondicionalmente, la reivindicación de su propio cine.

Sin embargo, Velo conocerá el período más doloroso de su estadía en México junto a Portillo, de seis años. Con la hermana del presidente, Margarita Portillo, al frente de la política cinematográfica,Velo será uno de los represaliados por los cargos de malversación de fondos, acusación que rechaza radicalmente. Ingresó en la prisión en el verano de 1979 y no salió hasta finales de ese año, libre de cargos tras provocar un fuerte movimiento de solidaridad en México, encabezado por Buñuel, y también en Galicia. Como su salud esta muy deteriorada por el incidente, en 1982 el Ministerio de Cultura español encargó la serie Los españoles republicanos en el exilio para acompañar una exposición presentada en Madrid sobre el tema. Con la presidencia de De la Madrid, Velo se reincorpora a la vida institucional mexicana. En 1984 fue nombrado Subdirector de Medios Audiovisuales del Consejo Nacional de Ciencia y Tecnología, que él mismo había ayudado a fundar.

Carlos Velo y MA Fernández (Xociviga, 1985)

En su última etapa de vida, aún recibirá nuevos reconocimientos de Galicia, como el premio Mestre Mateo de la Xunta de Galicia en 1983 y el homenaje en 1985 en las Jornadas de Cine y Vídeo Xociviga de Galicia, celebradas en O Carballiño. Sin dejar de trabajar en la industria audiovisual, en 1987 se sometió a varias operaciones quirúrgicas para paliar un cáncer que finalmente lo llevó a la muerte el 1 de marzo de 1988. La industria audiovisual mexicana sin excepción se declaró de luto y los profesionales y los medios de comunicación reconocieron por unanimidad su contribución al desarrollo cultural y cinematográfico del país durante casi medio siglo.

Filmografía de Carlos Velo

España
Director

- La ciudad y el campo (1934), coodirigida con F. G. Mantilla

- Infinitos (1935), con F. G. Mantilla.
- Almadrabas (1935), con F. G. Mantilla. Ver en Naranjas de Hiroshima.
- Felipe II y el Escorial (1935), con F. G. Mantilla.
- Tarragona (Tarraco Augusta) (1935), con F. G. Mantilla.
- Castillos en Castilla (1936), con F. G. Mantilla.
- Galicia (Finis Terrae) (1936),. Ver en Naranjas de Hiroshima.
- Santiago de Compostela (Saudade) (1936).
- Romancero marroquí. (1938), con E. Fernández Rodiño.

México
Director

- Un día en la radio (1947),.
- El corazón de la ciudad (1953).
- La tierra del chicle (1953).
- Pintura mural mexicana (1954).
- Retrato de un pintor (1954).
- Arte público (1954).
- J. C. Orozco (1954).
- Torero!. (1956).

- La Tierra era verde (1957).
- Chistelandia. (1958), con M. Barbachano Ponce, J. García Ascot e F. Marcos. Ver en Youtube.
- Nueva Chistelandia. (1958), con M. Barbachano Ponce, J. García Ascot e F. Marcos.
¡Vuelve Chistelandia!. (1958), con M. Barbachano Ponce, J.García Ascot e F. Marcos. Ver en Y.
- Pedro Páramo. (1966).

- Don Juan 67. (1967).

- Cinco de chocolate y uno de fresa. 1968. Ver en Youtube.

- Alguien nos quiere matar. (1969).
- El medio pelo. (1970).
- Nuestro cine. (1971).
- Cartas del Japón. (1972).
- Son dedicado al mundo. (Como asesor) (1972). Ver en Naranjas de Hiroshima.
- El rumbo que hemos elegido. (1972). Ver en la Videoteca de la Cineteca Nacional.
- Los que si y los que no (1973).
- Viena; o guerra o paz (1973).
- A la mitad del camino (1973).
- Baja California: Paralelo 28 (1973)
- Paralelo 27. (1973).
- Universidad comprometida. (1973).
- Una nación en marcha n° I. (1974). Ver en la Videoteca de la Cineteca Nacional.
- V informe de gobierno nacional (1974)
- Baja California: Último paraíso (1974)
- Danzas del mundo (1974)
- Fao: Población, desempleo, hambre (1974)
- Forum de Roma (1974)
- Homenaje a Leon Felipe (1974)
- Latinoamerica: un destino comun (1974) Ver en la Videoteca de la Cineteca Nacional.
- México-Europa: Las nuevas fronteras (1974) Ver en la Videoteca de la Cineteca Nacional.
- Nación en marcha no. 1 (1974) Ver en la Videoteca de la Cineteca Nacional.
- Vaticano: 120 años despues de Juarez (1974)
- Los murmullos. En coodirección con Rubén Gámez. (1975) Ver en FilminLatino.
- Palomas 76 (1975)
- Carta de los derechos y deberes (1975)
- Donación casa Zuno (1975)
- Isabel II en México (1975)
- Laberinto (1975)
- La tierra de todos (1975)
- Mar patrimonial (1975)
- México al exterior: un permanente desafio (1975)
- Palomas de San Jeronimo (1975)
- Tercer mundo: Independencia y Liberación (1975)
- El pueblo Maya (1976)

Coguionista

- Entre hermanos. (R. Peón, 1944).
- La barraca. (R. Gavaldón, 1944).

- Amok. (A. Momplet, 1944).
- La selva de fuego. (F. Fuentes, 1945).
- Raíces. Editor e supervisor. (B. Alazraki, 1953).

Consejero de producción

- Nazarín. (L. Buñuel, 1958).
- Sonatas. (J. A. Bardem, 1959).
- Cuba baila (J. García Espinosa, 1960).
- Amor, amor, amor (). L. Ibáñez, Barbachano Ponce, Mendoza, 1964).
- Los bienamados. (J. J. Curróla, J. Ibáñez, 1965).

Productor

- El gallo de oro. (R. Gavaldón, 1964).

Produtor executivo

- Una nación en marcha n° 2, 3, 4 (cm). (A. Ripstein, 1974).
- El borracho (cm). (A. Ripstein, 1974).
- La causa (cm). (A. Ripstein, 1974).
- Actor 2604 (mm). (P. Leduc e A. Grivas).
- Memoriales perdidos. (J. Casillas, 1984).

Supervisor

- Lecumberri (El palacio negro). (A. Ripstein, 1976) Ver en Naranjas de Hiroshima.

Ver todas las publicaciones relacionadas con Carlos Velo en Naranjas de Hiroshima.

Ver playlist en Youtube de Carlos Velo.

90 años de memoria cinematográfica en México

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 24 Jan 2022 06:45:00 +0000

“90 años de memoria cinematográfica”

Breve recorrido por la historia del cine documental en México

(1893-1983)

Vistas de México - Gabriel Veyre , Lumière Films Company (1896)

Las batallas documentadas

A pesar de las primeras limitaciones narrativas del cine en México este siempre estuvo ligado al poder, así mismo, los presidentes -en su mayoría- supieron de la importancia de esta nueva tecnología comunicativa, es así que una gran parte de la actualidad política y social del México de las primeras décadas del siglo XX, está retratado en el trabajo de directores como Salvador Toscano, los hermanos Alva, Enrique Echaniz, Guillermo Becerril e hijos, Jesús Abitia Garcés, Enrique Rosas, entre otros.

Además de las “vistas” -como llamaban a las primeras películas de cine- que representaban momentos de la vida política y social, fueron surgiendo los primeros documentales y en poco tiempo el cine documental ya era una herramienta política que generaba cambios, por ejemplo, en 1913 sucedió con varios documentales sobre la “Semana Trágica”, golpe de estado militar que tuvo lugar en la ciudad de México del 9 al 19 de febrero de 1913 para derrocar a Francisco I. Madero de la Presidencia de México, durante la Revolución Mexicana.

Ángel Miquel, investigador de la Universidad Nacional Autónoma del Estado de Morelos, indagó sobre la existencia de por lo menos tres documentales sobre “los hechos de armas de febrero de 1913”, realizados por cineastas como los hermanos Alva, Salvador Toscano y Enrique Rosas.

Esas cintas, indicó Miquel, registraron los estragos de las batallas: “los cadáveres en la vía pública, las calles desoladas y casas incendiadas, la marcha de los ejércitos de uno y otro bandos, pero también agregaron con oportunidad periodística los lugares donde fueron asesinados José María Pino Suárez, y Gustavo y Francisco I. Madero, así como del sepelio de este último, que tuvo lugar el 24 de febrero”.

Algunos de estos documentales referidos por el académico son Semana sangrienta en México, de Salvador, Guillermo, Eduardo y Carlos Alva, estrenado el 25 de febrero; Revolución Felicista, de Salvador Toscano y Antonio Ocaña, proyectado el 28 de febrero y un tercer filme, atribuido a Enrique Rosas que, de acuerdo con Miquel, también puede ser una edición corta del material de Toscano, la única que se ha conservado como fue editada.

De acuerdo con el boletín “Decena Trágica, otro campo de batalla” emitido por el Instituto Nacional de Antropología e Historia (INAH), en febrero de 2013, Ángel Miquel anotó que estas películas fueron exhibidas en los cines de la capital al menos 35 veces, pero también en ciudades como Toluca, Mineral del Oro, Salamanca y Atlixco, en Puebla, La Piedad, Ciudad Victoria y San Luis Potosí: “los documentales provocaron la reacción violenta de los maderistas, que lanzaban “mueras” contra el usurpador Huerta, en algunas salas tuvo que intervenir la fuerza pública para aplacar los ánimos de la turba”.

Los hermanos Alva filman escenas militares ca. 1910

Ciudad de México, Distrito Federal, México

Acervo INAH: fondo Colección Archivo Casasola -

Fototeca Nacional Parte de INAH: Fototeca Nacional INAH

Según este comunicado, en junio de 1913 el gobierno de Huerta publicó un reglamento que en la práctica instauró la censura de “la propaganda cinematográfica y la libertad de los documentalistas” a través de los inspectores del gobierno. “Anteriormente, los inspectores de la capital revisaban la seguridad y el orden en las salas, después del decreto tenían facultades para ver primero las películas y otorgar un permiso por escrito que permitía su exhibición”, dice la publicación.

Por su parte, Álvaro Vázquez, investigador de la Universidad Autónoma Metropolitana (UAM), se refirió a la reutilización del material fílmico de la Decena Trágica para elaborar cintas de carácter épico, tales como Memorias de un mexicano (1950), de Carmen Toscano, y Epopeyas de la Revolución Mexicana (1964), que utilizaron el pietaje de los pioneros de la cinematografía Salvador Toscano y Jesús H. Habitia, respectivamente”. *1

La Revolución Mexicana fue el primer gran conflicto armado registrado por el cine, los diferentes avances, gestas, tomas de poder, presidente tras presidente, batallas, muertes, derrotas y triunfos fueron registrados por los nuevos cineastas mexicanos y también por algunos extranjeros.

Salvador Toscano, de quien se dice que compró su primera cámara vendiendo una colección de timbres postales, y abrió la primera sala de exhibición del Cinematógrafo Lumière, fue el cineasta que filmó la primera ficción en México y que registró una parte de los acontecimientos sociales y políticos en este país, como la Revolución Mexicana, además realizó tomas y reportajes filmados en momentos históricos, dirigió y editó varias versiones sobre el documental Historia completa de la Revolución (1912, 1914, 1915, 1916, 1927), terminando en Historia de la Revolución Mexicana (1935).

El cine documental no solo fue empleado para retratar a la sociedad mexicana, también las diferentes esferas políticas que usaron el poder de la imagen documental para forjar la identidad nacional, para sus intereses políticos, y así, antes de entrar en la década de los 20 del siglo pasado, ya se instauraban las primeras condiciones legales para que el gobierno comenzara a producir sus propias películas, más allá de los encargos propios que hasta ahora habían funcionado desde los inicios:

“El interés del nuevo gobierno federal por las imágenes en movimiento se manifestó también en la creación en 1917 de las cátedras de “Preparación y práctica del cinematógrafo” y “Ceremonial, mímica y maquillaje” en el Conservatorio Nacional de Música y Arte Dramático; en la producción de unas cuantas cintas de ficción a cargo de la Secretaría de Guerra y Marina, de las que sólo se exhibió comercialmente Juan Soldado (Enrique Castilla, 1919), y en la filmación de cortos por la Secretaría de Gobernación bajo títulos como Servicio postal en la Ciudad de México, Un paseo en tranvía en la Ciudad de México y El agua potable en la Ciudad de México, positivados y copiados en los primeros meses de 1920 en un laboratorio instalado en la propia dependencia. Por otra parte, parece probable –como sugiere Aurelio de los Reyes– que la presidencia u otra oficina estatal patrocinara el primer noticiero que logró editarse de manera permanente en el país, la Revista semanal México, cuyo primer número apareció en julio de 1919 y el último en mayo de 1920. Pero aparte del estímulo a la producción y exhibición de películas de propaganda, la iniciativa federal de mayor calado en el campo del cine fue la instauración en octubre de 1919 de un Departamento de Censura, dependiente de la Secretaría de Gobernación, que tuvo entre sus principales funciones revisar las películas extranjeras que fueran a exhibirse, para evitar que contuvieran escenas denigrantes para México”. *2

Preservación de la memoria familiar

La década de los veinte trajo consigo muchos avances, entre los cuales estaba la comercialización del cine para las familias, aunque no cualquiera podía permitírselo, pero por primera vez quienes se lanzaban a la aventura de filmar la realidad desde su propio punto de vista no eran cineastas o aspirantes a serlo, sino gente que quería filmar su realidad y captar esos momentos que empezaron a ser los primeros recuerdos fílmicos familiares. Si bien en las primeras películas exhibidas por los Loumiere había películas caseras, de la intimidad familiar, no se hacía como un experimento o con la intención de ser vistas por un público, sino con la intención de tener un registro familiar. El cine casero registró lo que el documental oficial no filmaba, algunos mexicanos de clase alta usaron los diversos formatos disponibles, según sus posibilidades económicas, tales como el Pathé 9,5 mm que tuvo un cierto éxito, así como el 8mm y el 16mm.

Es muy probable que para las próximas décadas se siga documentando la vida familiar y social, así como los más insospechados lugares o episodios. Desafortunadamente es imposible saber el volumen del “cine casero” que se ha producido y se producirá en México, sin embargo, es probable que en muchos años algunos de estos registros salten a la gran pantalla -para la que nunca estuvieron pensados-, convirtiéndose en otro tipo de cine mediante el uso de archivo, un cine como es el foundfootage o metraje encontrado, que está de moda en este siglo, proyectos como Archivo Memoria de la Cineteca Nacional (2011), son un ejemplo de preservación de memoria documental.

El noticiario, la nueva forma de cine documental

Además de las nuevas formas narrativas en el cine de ficción, el cine documental creció en su vertiente más noticiosa en la década de los 20, es así que hoy en día existe un largo recorrido de realización de noticieros, reportajes y documentales en México y en diferentes latitudes del mundo.

Cineastas que ya tenían una década de trayectoria siguieron produciendo, tal es el caso de Jesús Abitia, con documentales como Las industrias de México (1921), Fiestas del primer Centenario de la Independencia (1921), La Venecia mexicana (1922), Tabasco (1923), Gira electoral de calles por diversos estados (1924), Las tres eras de la agricultura, los bueyes, las mulas y la gasolina ( 1925-1928), El estado de Sonora (1929), Alvaro Obregón (1929), Baja California (1929).

La década de los 30 comenzó con una premonitoria visita del héroe del cine ruso Segei Eisentein, quien filmó un material basto que nunca tuvo la oportunidad de montar, de este metraje en la misma década se pudieron ver varios montajes editados por el productor americano de Sergei, como fueron Thunder over Mexico (1933) y Death Day (1934), no fue hasta 1979 que hubo una edición final del proyecto original de Eisentein ¡Que viva México!

Con mayor libertad creativa, cámaras más ligeras y la introducción del sonido, surgieron obras notables que muchas veces cruzaron los límites impuestos entre la ficción y el documental, por ejemplo, más encaminado a lo poético y social, está Redes de Emilio Gómez Muriel y Fred Zinnemann (1936)

El nacionalismo y el impulso revolucionario por la creación de un México renovado redundaron en valorar al cine como instrumento pedagógico. Este descubrimiento indujo en pleno cardenismo a la realización de Redes (1936), el primer proyecto de una serie educativa inconclusa producida por la Secretaría de Educación Pública (SEP). Originalmente titulado Pescados, es una ficción documental sobre la comunidad pesquera de Alvarado en Veracruz. Paul Strand, fotógrafo y guionista estadounidense, junto con Emilio Gómez Muriel y codirección con Fred Zinnermann, seguidor del austriaco de Flaherty, son los autores de esta película cuasi etnográfica, precursora del neorealismo, que contrasta la lucha por sobrevivir de los pescadores con la avaricia de los capitalistas y políticos. El argumento surge de la investigación hecha en el campo. Y la mayoría de los actores representan sus propios papeles en su lucha común por la vida y en su medio”. * 3

Así como hay algunas primeras incursiones al documental antropológico, como es la controvertida y poco conocida serie Harry Wright´s Mexican Indian Series (1939-1941), donde el magnate estadounidense Harry Wright financió un primer retrato temático desde la perspectiva blanca, estadounidense y rica entorno a diferentes pueblos originarios de México, así como sus entornos y costumbres, y no sólo con sonido, sino también a todo color, con algunos títulos que dicen mucho acerca de las simpatías de Wright: Los indios otomíes envenenan a sus peces, Los crueles y bárbaros triquis, Danza Zoque de los pájaros, Danza guerrera azteca.

También esta década será importante por varios proyectos institucionales, como son el caso de la Oficina de Cinematografía de la SEP (1934), del que partirán filmes como el mencionado Redes y el Departamento Autónomo de Prensa y Publicidad (DAPP), creado por el presidente Lázaro Cárdenas sólo cuatro meses después de tomar el poder, el 1 de enero de 1937.

“Con la creación del DAPP, el gobierno cardenista cayó en la ambigüedad del control de la información, ya que si bien el organismo buscaba ser el único medio por el cual se difundieran los comunicados, noticias o información referente al ejecutivo y a la imagen del país, también se realizaron una gran cantidad de materiales de propaganda que dieron trabajo a distintas empresas, las cuales incluían su propia versión de México.

Una de las principales razones de la existencia y responsabilidad del DAPP consistía en comentar, explicar y fundamentar teóricamente las informaciones oficiales, lo cual se realizaba desde el discurso cinematográfico sin problemas. Así, el DAPP se convirtió en productor de cine, ya sea apoyando económicamente a proyectos, comprándolos una vez que se habían realizado o filmando y llevando a cabo sus propios documentales.

Sin embargo, una cosa era la producción y otra, muy diferente, que estos materiales llegaran al público en general. Con este propósito en mente, dentro del Departamento se crearon diferentes comisiones. En el caso de cinematografía fueron dos: la referente a Producción Cinematográfica y la de Circulación de Películas. El fin de ambas consistía en “Promover y vigilar la circulación de las películas del departamento, con el fin de lograr su más amplia exhibición tanto en el país como en el extranjero”.

Entre 1937 y 1938, en el DAPP se realizaron 116 copias de los materiales producidos en el mismo año, algunas en otros idiomas, como el inglés y el francés. La manera de distribuir dichos materiales se dio a través de un grupo de colaboradores, los cuales tenían como prioridad impulsar la circulación de las películas elaboradas por el organismo oficial. El primer movimiento dado por el Departamento para lograr esto fue el acercamiento y creación de convenios con exhibidores nacionales y distribuidores de películas extranjeras; en dichos convenios quedaba establecido que las películas del DAPP “De carácter informativo y documental, fueran exhibidas sistemáticamente dentro de los programas de cintas de gran metraje en todos los salones que constituyen circuitos comerciales”* 4

A pesar de su corta trayectoria, el DAPP produjo una gran cantidad de documentales, noticieros y programas de radio, se convirtió en la fuente oficial de las noticias nacionales. Además tuvo visión internacional y sirvió para contrarestar las campañas extranjeras contra el gobierno de Cárdenas y colaboró con otras productoras estatales, como Laya Films, productora del gobierno de la Cataluña republicana durante la Guerra Civil Española, con quién hubo intercambio de materiales fílmicos e incluso el uso de material del DAPP en los noticieros de Laya, como es el caso de Los niños españoles en México de Gregorio Castillo (DAPP) (México, 1938), parte de sus tomas fueron usadas en Mexic Amb els infants espanyols (México con los niños españoles) del noticiario “Espanya al dia” (1938).

Puedes leer más al respecto de este documental aquí mismo en Naranjas de Hiroshima.

Durante la década de los cuarenta el noticiario se asentó como la narrativa más usada en la producción de no ficción mexicana y se convirtió en la única realidad que vieron los mexicanos en la pantalla, filmándose centenares de reportajes, noticieros y documentales, mostrando los avances realizados por diferentes gobiernos, profundizando en el género del noticiario gubernamental y retratando los grandes acontecimientos de la época y elementos patrióticos como el registro del homenaje a Jaime Nunó y Francisco González Bocanegra, autores del “Himno Nacional Mexicano” en Los honores póstumos a los preclaros autores de Luis Manrique (SEP y Bellas Artes, 1942).

Los realizadores de la época tenían pocas oportunidades creativas, más allá de los logros presidenciales o los acontecimientos naturales, como fue el caso de la erupción del volcán Paricutín, dando lugar a muchas y variadas producciones como: Volcán Paricutín de Samuel Bolling Wright, Xavier Frías (México, 1943) o Nace un volcán de Luis Gurza (1943), entre muchas otras.

El poder derivado de las herramientas de comunicación de esos días asentaron una estructura cerrada que, incluso, perdura hasta nuestros días, los noticieros de los años cuarenta son la base de la televisión actual, que llegará a dominar la pantallas mexicanas una década después.

Como dice Alejandro Gracida en su entrevista para El Volcán:

“Los empresarios del periodismo cinematográfico son un grupo muy vinculado con el gobierno. Encontramos desde políticos como el general Juan F. Azcárate, que fue director del noticiero EMA o bien, realizaciones como el Noticiero Clasa que fue hecho bajo la supervisión del Departamento Autónomo de Prensa y Propaganda (DAPP). Otro caso sumamente interesante es el del Noticiero Continental, porque el investigador Seth Fein ha encontrado documentación que prueba cómo este noticiero fue financiado por el gobierno estadounidense; en un contexto de Guerra Fría el Noticiero Continental se dedicó a difundir contenidos favorables al gobierno de Estados Unidos. Cine Mundial o Cinescopio también pertenecieron a los círculos de poder que se hicieron del control de los medios de comunicación en México, donde figura el infaltable Emilio Azcárraga Milmo

(...)

Estos noticieros van a saltar en un primer momento casi tal cual a la televisión; el formato sigue siendo el mismo y no sólo en el aspecto noticioso sino también en el del espectáculo. Esos noticieros estaban muy nutridos de notas de la farándula, de humor, deportes, y es ahí donde empiezan a germinar los que después conoceremos como formatos televisivos. Los noticieros del cine, que ya contaban con cuatro o cinco décadas de existencia previa, fueron la génesis de los noticieros de la televisión”.*5

El 31 de agosto de 1950 se inauguró el primer canal comercial de televisión en México y América Latina, un día después, el 1 de septiembre, se transmitió el primer programa con la lectura del IV Informe de Gobierno del Presidente de México, Lic. Miguel Alemán Valdés. Simultáneamente los diferentes medios de comunicación producían cada vez más noticieros que eran proyectados en las salas de cine, como Cine mundial (1955-1973), producido por Manuel Barbachano, Noticiero mexicano (1952-1953), y los noticieros El Universal, Noticiero Mexicano Novedades, Noticiero Excélsior CLASA, El mundo en marcha, Telerevista, Noticiero deportes gráficos, entre otros.

A la par, el cine de ficción se encontraba abandonando la Edad de Oro del Cine Mexicano para comenzar un largo declive que, sin embargo, en el ámbito documental propició películas cada vez más interesantes, algunas muy importantes, tal es el caso de Carmen Toscano, cuando culminó la labor de su padre, con los archivos familiares de lo filmado y recopilado por Salvador Toscano, Carmen dirigió uno de los más importantes documentos realizados con archivo del cine nacional Memorias de un mexicano, estrenado en 1950, también empezó a resonar el nombre de un español que llegó con exilio republicano, Carlos Velo, quién además de realizar piezas para algunos noticieros dirigió su primer largometraje documental Torero en 1956, producido Manuel Barbachano, y que sentó las bases de una nueva forma de hacer cine documental en México.

Los primeros cine-clubs

En esta década también se fundaron los primeros cineclubes. En 1952 nació Cine-Club Progreso, el primer cine club de vanguardia en México, dos años más tarde Manuel Gutiérrez Casanova fundó el primer cine club universitario en la UNAM.

Para 1958, el Instituto Nacional Indigenista empezó a producir cine documental. La primera película del INI es Todos somos mexicanos (1958), filmada en 35 mm sobre las primeras acciones indigenistas en las llamadas regiones de refugio. Encargada por Alfonso Caso, fundador del INI, dirigida por José Arenas. Para 1959 se estrenó la primera del MNA Carnaval de Chamula de José Báez Esponda.

También para finales de la década de los cincuenta aparecen grupos como Cine Taller, con miembros como Julio Pliego o Manuel González Casanova. De esta manera comenzaron tiempos oscuros en el cine mexicano y los productores declararon en crisis a la industria cinematográfica, es así como comenzaron los cambios que transformaron la industria del cine para siempre.

En 1960, el Estado intervino en la industria del cine para hacer frente a la crisis en un complejo proceso que inicio con la nacionalización de la exhibición, pasando de ser un monopolio privado a uno público, algo que no consiguió que aumentara, de forma significativa, la producción del cine nacional. Fue casi hasta la década de los setenta que se sembraron las bases de lo que sería parte de la cinematografía mexicana, y prácticamente lo que conocemos hasta nuestros días, acontecimientos como la compra de los EstudiosChurubusco, la fundación la Filmoteca de la UNAM, cuyo acervo se origina con la donación de los filmes Raíces y Torero, así como la creación del Centro Universitario de Estudios Cinematográficos (CUEC) en 1963, donde estudiaron Jorge Fons, Jaime Humberto Hermosillo, Alberto Bojórquez, Marcela Fernández Violante, Alfredo Joskowicz y muchos otros. A la vez que surgen grupos y revistas como “Nuevo Cine” (1960) como miembros como Emilio García Riera, Carlos Monsiváis, Salvador Elizondo, Luis Vicens, Juan Manuel Torres, Rafael Corkidi o Paul Leduc. Se funda el Departamento de Cine del INAH, de los que surgen documentales como “Kalala” de Oscar Menéndez (1962) o “Él es Dios” de Víctor Anteo en 1965.

La década de los setenta comenzó con títulos muy importantes, aunque no tan reconocidos, como Epopeyas de la revolución, de 1963, en donde Gustavo Carrero, utiliza el metraje de Jesús H. Abitia filmado durante la Revolución Mexicana de 1910-1917. Para 1965, La fórmula secreta de Rubén Gámez rompió con todos los paradigmas asignados al cine mexicano hasta ese momento, e influyó en toda una generación de cineastas, que surgieron en 1968, como en Todos somos hermanos de Oscar Menéndez, que filmó en 1966.

Fue también gracias a las nuevas tecnologías, como el Super8, que abarataron mucho los costos del cine casero, que dejó de pertenecer a una élite para ser cada vez más accesible, con esta tecnología también surgieron nuevas formas de hacer cine y algunos de los futuros directores pudieron hacer sus primeros cortos en estos formatos creados para el cine familiar.

El cine documental como denuncia

El año de 1968 es extremadamente importante para México, en muchos sentidos, pero en el ámbito cinematográfico sucedieron dos eventos claves: las protestas estudiantiles que terminaron con la Matanza de Tlatelolco el 2 de octubre de ese año y las XIX Olimpiadas de 1968.

De las protestas estudiantiles y la matanza de Tlatelolco surgieron piezas realizadas en colaboración por cineastas clave como los Comunicados cinematográficos del Consejo Nacional de Huelga, en los que participan Paul Leduc, Rafael ‎Castanedo y Óscar Menéndez.

Más tarde también se utilizó este material para la realización de El ‎grito, un documental filmado en colectivo por estudiantes del CUEC, editado bajo la dirección de Leobardo López Aretche. También, en 1968, surgieron documentales como Únete Pueblo y 2 de Octubre. Aquí México de Oscar Menéndez, así como Mural efímero de Raúl Kamffer, producido por el CUEC.

Puedes ver todo lo publicado en Naranjas de Hiroshima sobre el 02 de Octubre de 1968 pinchando aquí.

Simultáneamente a la lucha política y a la represión, el otro hecho determinante fueron las Olimpiadas, que permitieron a muchos de los futuros documentalistas trabajar de forma profesional realizando todo tipo de piezas del evento olímpico de donde, además de piezas cortas, se seleccionó al director Alberto Isaac para realizar la película oficial Olimpiada en México, en 1968.

“Con la finalidad de promover en el exterior la imagen del México moderno que albergaría los XIX Juegos Olímpicos, el Comité Organizador de las Olimpiadas (COO), a través de su Sección de Cinematografía encabezada por el realizador y ex nadador olímpico Alberto Isaac, convocó a cineastas de la calidad de Rafael Corkidi, Felipe Cazals, Giovanni Korporaal, Manuel Michel, Salomón Leiter, Antonio Reynoso y Julio Pliego, entre otros, para la realización de 17 cortometrajes en 35 mm, que mostrarían las principales y más bellas ciudades del país, a su gente, a sus costumbres, a su cultura y a su folklore. Se trata de atractivas imágenes que a 50 años de su exhibición nos evocan a un México armónico, dinámico y preparado para recibir a los atletas de las Olimpiadas de 1968”. * 6

En 1970 comenzó una política de reestructuración a fondo del cine nacional. Rodolfo Echeverría, hermano del entonces presidente, quien estuvo en la dirección del Banco Nacional Cinematográfico, financió a un gran número de instituciones productoras de cine y teatro.

Puedes ver todo lo publicado sobre el CPC en Naranjas de Hiroshima pinchando aquí.

“A Carlos Velo, responsable en esos momentos del Departamento de Producción de Estudios Churubusco, lo nombra director del Centro deProducción de Cortometraje (CPC) como parte de la estrategia renovadora. Su objetivo será realizar documentales para difundir la obra del gobierno de Echeverría, tanto de la Presidencia de la República como de dependencias y entidades oficiales, sin olvidar la utilidad didáctica e incluso la crítica social.

Velo admite que: en un primer momento este trabajo me pareció poco interesante, pero comenzó a fascinarme la manera en que la política de diversos países, con sus puntos de vista variados, enfocaba los grandes problemas socioeconómicos a nivel mundial. De esta manera logré que se conserve en película para las futuras generaciones la historia del presidente, como nunca se había hecho (…). Cuando tengo que filmar la visita del presidente en el extranjero, escojo el punto de vista más sobresaliente, el aspecto político del discurso, y le pongo imágenes. A propósito de su viaje a Yugoslavia, me resulto posible hacer una película sobre Tito y los países no aliados. Con su visita a la Conferencia de Paz en Nueva Delhi, filmé una película sobre guerra y la paz.

(…)

Echeverría tenía mucho interés en las posibilidades de comunicación del cine. No solo reporteábamos sus actividades políticas y su punto de vista sobre México; también me dio absoluta libertad pa al experimentación. Incluso me autorizó a fundar una Banca donde se prestaba dinero a los productores de cine. El problema era que entonces casi no había cineastas profesionales, y se improvisaba mucho. Así que le comenté al presidente que se necesitaba una carrera. Perfecto, me contestó. Me encargué de conseguir excelentes profesores en el aspecto técnico y cultural, y puse mucho énfasis sobre el aspecto histórico del cine. Es indispensable conocer el trabajo y las influencias de otros directores de cine.

Concluye que “en el sexenio de Echeverría, el cine estaba en su apogeo, a los cineastas jóvenes le pareció increíble que no los censurasen. Para ser sincero, yo los guiaba un poco, para evitar tonterías y exageraciones, pero sabían perfectamente cómo exteriorizar sus mensajes”. *7

El Centro de Producción de Cortometraje (CPC) fue una gran escuela para muchos cineastas y también uno de los generadores de la memoria fílmica nacional menos conocida en la historia del cine documental mexicano. Este periplo se extendió por dos sexenios y acabó de forma inusitada, extraña e injusta para alguno de sus más importantes integrantes como Carlos Velo, sin embargo, la cantidad y la calidad de la producción del CPC fue más que sobresaliente. Algunos de los documentales realizados en una primera etapa son:

En 1970 Sucesión presidencial 1970 de Servando González, y Arriba y adelante de Toni Sbert, en 1971 El rumbo que hemos elegido de Carlos Velo, La Patria es lo primero de Toni Sbert, en 1972, Son dedicado al mundo y sus amigos que lo acompañan de Rafael Corkidi, en 1974 Kukulkan de José Nieto R. y Carlos Velo, Latinoamérica. Un destino común, México / Europa. Las nuevas fronteras y Baja California: último paraíso de Carlos Velo, Murmullos de Rubén Gámez, Sur: sureste 2604 de Paul Leduc, Las manos del hombre de Oscar Menéndez y Carlos Velo, Esto es PEMEX de José Romero y Carlos Velo, Los albañiles de Abel Hurtado, José Luis Marino, y Jaime Tello C., La Quinta de las rosas de Guy Devart, México en una nuez de Ángel Flores Marini.

Continua en 1975 con La urbe de Óscar Menéndez, Tres preguntas a Chávez. La Causa de Arturo Ripstein, Laberinto III Festival Cervantino de Arturo Rosenblueth, Baja California Paralelo 28 de Carlos Velo, Turismo de Altura de Arturo Rosenblueth, en 1976 Convencer para vencer de Arturo Rosenblueth, Lecumberri, El Palacio Negro de Arturo Ripstein, que terminó como largometraje, Ni un paso atrás de Julio Riquelme, El circo de Oscar Menéndez, Valle de México de Rubén Gámez, Popol Vuh. El quinto jinete de Alfredo Gurrola, ¿A qué vas a la ciudad? de Gonzalo Infante, Un pueblo con su presidente de François Reichenbach, Perfil de un presidente de Carlos Belaunzarán, Una justicia que se escapa de Juan Ramón Arana, en 1977 México de Víctor Anteo, Visión de México de Demetrio Bilbatua, Balsas en concierto de Alfredo Gurrola, Jornaleros de Eduardo Maldonado en coproducción de SEP, NFB, CPC, en 1979 María Sabina, mujer espíritu de Nicolás Echevarría, que también terminó como largometraje, La visita del Papa a México de Bosco Arochi y Ángel Flores Marini, Teshuinada, semana santa Tarahumara de Nicolás Echevarría y Piedras de Giovanni Korporaal.

Además de las producciones del CPC, el cine documental mexicano tuvo un crecimiento exponencial dando lugar a muchos filmes de directores noveles de entonces como: Jorge Fons, Arturo Rípstein, Giovanni Korporaal, Felipe Cazals, Alejandro Pelayo, Rafael Montero y José Luis García que incursionaron en la realización de documentales con temáticas de corte sociopolítico con obras como Así es Vietnam (1970) de Fons; Lecumberri: el palacio negro (1976) de Rípstein; e Islas Marías (1979) de Korporaal.

Algunos documentales más encaminados a temas de denuncia como Los hombres cultos (1972), de Nacho López; Ser (1973), de José Rovirosa; Historia de un documento de Oscar Menéndez (1971); Etnocidio: notas sobre El Mezquital (1977), de Paul Leduc y Jornaleros (1977), de Eduardo Maldonado, tuvieron poca o nula difusión.

Otros documentales importantes de la época fueron El día en que vinieron los muertos/Mazatecos I (1979) de Luis Mandoki; Judea, Semana Santa entre los coras (1973) y María Sabina, mujer de espíritu (1979), ambas de Nicolás Echevarría, además de Centinelas del silencio (1971), de Manuel Arango y Robert Amram, y el que se convirtió en el primer y único cortometraje documental mexicano en ganar dos premios Oscar. Caribe, estrella y águila de Alfonso Arau (1974), un caso atípico dentro de la filmografía de su director, un retrato de la hermandad entre México y Cuba mediante un recorrido en ambos países, de testimonios a pie de calle con trabajadores, artistas y escritores, y con imágenes con Fidel Castro y Luis Echevarria, aprovechando la visita oficial del presidente mexicano a Cuba, éste es un documental que expone las profundas similitudes y diferencias políticas y sociales entre los dos países.

La década de los setenta acabó con las primeras producciones del INI, que siguieron hasta inicios de los ochenta con filmes como Danza de conquista de Fernando Cámara Sánchez (1978), La música y los muxes de Óscar Menéndez (1978), Kukukan de José Nieto (1979) y Noche de muertos de Julián Pastor (1979), siguiendo una gran cantidad de títulos, en donde cada vez se profundizaba más en lo antropológico, lo social y lo político. Así es Vietnam de Jorge Fons (1979), Las historias prohibidas de Pulgarcito de Paul Leduc (1979), Nicaragua los que harán la libertad de Bertha Navarro (1979), El amanecer dejó de ser tentación de Miguel Necochea (1979), Iztacalco Campamento 2 de octubre de Alejandra Islas y José Luis González, producido por el CUEC (1979) , Jubileo de Rafael Castanedo (1979), Tatlácatl de Ramón Aupart (1979), Primer Cuadro - Tepito, la Merced y la Colonia Morelos de Óscar Menéndez (1979).

Para finales de esta década la producción de cine documental seguía en aumento, con títulos que retrataban las luchas sociales y políticas dentro y fuera del país, así como la observación y la antropología interna.

Además del CPC y el INI, que eran algunas de las instituciones que producían más cine documental en México, existieron diversas producciones independientes en los ochenta, en conjunto se filmaron títulos como Campeche, un estado de ánimo y Día en que vienen los muertos, ambas de Luis Mandoki (1980), J. C. Orozco de Jaime Kuri (1980), San Juan de las Abadesas de Guillermo Rosas (1980), Tabasco Más agua que la luna de Eduardo Carrasco Zanini (1980), Victoria de un pueblo en armas de Bertha Navarro (1980) , The Mexican Deal de Bosco Arochi (1980) , Tassili de Guillermo Rosas (1980), Poetas campesinos de Nicolás Echevarría (1980), Patria libre de Sergio Garcia de Taller Experimental de Cine Independiente) (1980), Cuando la Niebla Levante de Federico Weingartshofer 1980), Jicuri neirra la danza del peyote de Carlos Kleimann (1980), Juchari Uinapekua (Nuestra Fuerza) de Javier Téllez (1980), Guadalupe Amor. Un caso mitológico de Claudio Isaac (1980), Historias Prohibidas del Pulgarcito de Paul Leduc (1980).

En 1981 se filmaron los documentales Niño Fidencio, el taumaturgo de Espinazo de Nicolás Echevarría, Con el alma entre los dientes de Jaime Riestra (1981), En clave de Sol de Ludwik Margules (1981), Papaloapan de Luis Mandoki (1981), En clave de Sol de Ludwik Margules (1981), y El oficio de tejer de Juan Carlos Colín (1981). Para 1982 se produjeron las cintas El edén bajo el fusil de Salvador Díaz, Pedro Reygadas (1982), El corazón de un pueblo - Notas sobre la muerte de una banda de música de Francisco Chávez (1982), Del otro lado de la muerte de Henner Hofmann (1982), Purépechas, los que viven la vida de Roy Roberto Meza (1982), Marginación de Jaime Kuri Aiza (1982), Laguna de dos tiempos de Eduardo Maldonado (1982), Del Tianguis al Abasto de Demetrio Bilbatúa (1982-2017) y Pueblos Mazahuas de Julio Porfirio Garduño Cervantes (1983).

Años antes, en 1977, Margarita López Portillo creó la Comisión de Radio, Televisión y Cinematografía (RTC) y asumió, en su mayoría, el poder de las comunicaciones del país. La hermana del presidente José Luis Lopez Portillo tuvo un oscuro lugar en la historia del cine mexicano, en primer lugar por el caso del falso fraude en el Banco Cinematográfico, que acabó con la detención de Carlos Velo y otros responsables del CPC. Además, fue la responsable política del suceso mas grave para la cinematografía nacional que ocurrió el 24 de marzo de 1982, el incendio de la Cineteca Nacional, del cuál nunca se supieron las causas exactas, ni se conocieron los datos de las pérdidas reales, tanto humanas como materiales e históricas.

Para 1983 se fundó el Instituto Mexicano de Cinematografía (IMCINE), que definitivamente cambió la historia del cine mexicano, contribuyendo a consolidar y acrecentar la producción cinematográfica nacional, estableciendo una política de fomento industrial en el sector audiovisual, y apoyando a la producción, distribución y exhibición cinematográfica dentro y fuera de las fronteras de México.

Pero esa, es otra historia…

Por Luis Iborra Miralles. CC BY-NC-SA

Referencias bibliográficas:

* 1 Decena Trágica, otro 'campo de batalla'. Instituto Nacional de Antropología e Historia.

* 2 Documentales mexicanos de patrocinio gubernamental (1916-1919) – Angel Miquel

* 3 La construcción de la memoria. Historias del cine documental mexicano. María Guadalupe Ochoa Ávila (2013).

* 4 El Departamento Autónomo de Prensa y Publicidad (DAPP) y “Los Niños de Morelia”: La versión oficial del exilio español en México durante el cardenismo. Tania Ruiz Ojeda

* 5 El caso del cine mexicano de la época de oro (1940-53). Cine de ficción y periodismo informativo cinematográfico Entrevista a Alejandro Gracida. En El Volcán.

*6 Arcadia: Cine Rescatado y Restaurado que muestra materiales de acervo de la Filmoteca.

*7 Las imágenes de Carlos Velo. Miguel Anxo Fernández

Bibliografía:

Almadrabas

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 24 Jan 2022 03:00:00 +0000

Título orginal: Almadrabas

Dirección y Guión: Carlos Velo,Fernando G. Mantilla.

Fotografía: José María Beltrán.

Música: Regino Sáinz de la Maza (temas musicales de Robert Schumann).

Productora: Consorcio NacionalAlmadrabero.

Lugares de rodaje: Vejer de la Frontera (Cádiz).

Estreno: 03-12-1934 Madrid: Panorama

País de producción: España

Año: 1935

Formato: 35 mm, B/N

Duración: 20 min.

Documental producido por CIFESA para elConsorcio Nacional Almadrabero y rodado en Vejer dela Frontera y Barbate (Cádiz) sobre la pesca,conservación y comercialización del atún. “Mi labor como documentalista comienza en 1934, con Almadrabas, en donde se muestra la pesca del atún con las almadrabas en el mar abierto. Quise hacer un documental en el que sinpronunciar nada, se entendiera todo”. (Carlos Velo).

Quedaban todavía 6 años para que John Ford y John Wayne rodasen ‘La Diligencia’ cuando el gallego Carlos Velo viajó hasta tierras gaditanas para rodar ‘Almadrabas’, un documental de 1933 sobre la pesca del atún en la provincia de Cádiz.

La descripción del documental, grabado como es lógico en blanco y negro, dejaba claro de lo que iba: ‘film documental sobre la pesca e industria del atún en España”.

Contextualizando, hay que decir que España se encontraba en plena época republicana y que Velo había llegado a Madrid a principios de los años 30 para estudiar medicina. Allí, gracias a sus conocimientos sobre biología, fue el encargado de darle a Luis Buñuel las hormigas rojas que aparecen en la película ‘Un perro andaluz’.

A raiz de eso, y de conocer las obras de los grandes autores soviéticos de la época como Eisenstein, Pudovkin o Dovzhenko, Velo dirigió un cineclub y decidió pasarse al otro lado de su pantalla. Así, su primera obra, rodada en Cádiz, sería Almadrabas. Luego, la Guerra Civil le obligó a exiliarse a México, donde pasó el resto de su vida y donde desarrolló una exitosa carrera como director.

El documental, que tiene una duración algo superior a los veinte minutos, narra con detalle los entresijos del arte milenario de pescar atunes que a día de hoy sigue vigente.

Está claro que en casi noventa años han cambiado algunas cosas, por eso resulta muy interesante ver como se trabajaba antes. Los pescadores, obviamente, no contaban en sus barcos con las maquinarias con las que cuentan ahora, ni la demanda para la venta era tan grande como la actual. Además, no existían los descansos, se trabajaba de sol a sol.

En el documental se puede disfrutar de imágenes del Vejer y el Barbate de la época, pueblos que el director presenta en el inicio como Vejer, un pueblo árabe, y Barbate, el mar y la tierra.

Fuentes de información: La voz de Cádiz, Contaminame, Cienciatk, Scribd

Ver en Youtube.

Palestine in the Eye

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 17 May 2021 18:56:00 +0000

Título original: Palestine in the Eye

Dirección: Mustafa Abu Ali

Producción: Palestinian Film Institute.
Restauración: Azza El-Hassan, fundadora de The Void Project en 2017 con el apoyo de Creative Interruptions AHRC.

Formato original: 16mm.

País de producción: Palestina

Año: 1977

Duración: 29 min.

Uno de los íconos del cine palestino es el fotógrafo y director de fotografía Hani Jawharieh, nombrado 'mártir del cine' después de perder su vida filmando un combate en Ain Toura, Líbano, en 1976, capturando trágicamente su propia muerte desde el frente.

Jawharieh fue uno de los fundadores de la Unidad de Cine de Palestina, un colectivo de creadores de imágenes que operaba desde Ammán, esforzándose por documentar la injusticia masiva de la ocupación israelí y, al mismo tiempo, ir contra la corriente de la imagen más común de palestinos victimizados, mostrándolos en el corazón de la batalla, resistiendo y luchando.

Fotograma de Jawharieh del documental de Mustafa Abu Ali que narra su vida, Palestina en el ojo

Sus fotos, específicamente las de Jawharieh, constituyeron la mayor parte de la propaganda lanzada en oposición a la ocupación israelí, convirtiéndose en la narrativa oficial de la revolución palestina.

Durante la invasión de Líbano en 1982, el ejército israelí destruyó el archivo de la Unidad de Cine Palestina, robando y saqueando la mayor parte de su contenido, incluidas las obras de Jawharieh.

Este cartel, distribuido por el Movimiento Palestino de Liberación Nacional en 1970, presenta una de las fotografías icónicas de Jawharieh. Crédito de la foto- Archivos del Proyecto Palestino del Cartel.

Sin embargo, su esposa, Hind, mantuvo una colección de sus películas en la seguridad de su hogar, así como su archivo personal de fotografías, nunca antes vistas por el público.

Con la ayuda de la curadora Azza El Hassan, quien fundó The Void Project, un proyecto multimedia que reúne diferentes formas de archivos en un esfuerzo por llenar el 'vacío' dejado con el robo y saqueo de archivos palestinos.*1

Fuentes de información: The Void Project, Other Cinemas, *1 Scene Arabia, *2 Watershed, Palestine Studies, Creativeinterruptions, Palestine Image & Film Archive,

Ver en V.O. en árabe con subtítulos en inglés en Youtube.

Ver en V.O. en árabe con subtítulos en inglés en Vimeo.

Agradecemos enormemente a Azza El Hassan por su invaluable trabajo de recuperación, restauración y difusión en The Void Project, y con la que hemos tenido contacto y apoyo para publicar este documental, del que también hemos diseñado un nuevo cartel para esta ocasión.

The Void Project, utiliza fotos, películas y texto para lidiar con la ausencia y / y presencia de una imagen en tiempos de guerra. En The Void, se rastrea la historia detrás de una foto rescatada, y se restauran y exhiben películas que se han ocultado porque sus dueños temían por la vida de las películas. The Void Project, también produce películas que tienen como objetivo curar a sus protagonistas de un evento o momento grabado visualmente.

The Void Project realiza exhibiciones y proyecciones, tanto en línea como en el mundo real.

Películas Restauradas

The Void Project ha restaurado una colección de películas palestinas . La mayoría data de los años 60, 70 y 80. Una era conocida como la era revolucionaria del cine palestino. Estas son películas que fueron producidas por el Palestine Film Institute en Jordania y Líbano. Las películas más recientes que se restaurarán son películas realizadas por mujeres cineastas durante los años revolucionarios del cine palestino. Women & the Revolution es una colaboración entre The Void Project y el London Palestine Film Festival .

"En 1982, el archivo de la Unidad de Cine Palestina fue destruido y su contenido fue robado durante la invasión israelí de Beirut. Ahora se sabe que el ejército israelí se apoderó de él.

Investigadores de la Universidad de Sheffield Hallam han participado en el trabajo de digitalización y restauración de películas que se produjeron durante la Revolución en las décadas de 1960 y 1970, una parte perdida de la cultura palestina."*2

Palestine in the eye, restaurada por Azza El-Hassan, fundadora de The Void Project en 2017 con la colaboración de Creative Interruptions AHRC.

"Palestine in the eye" antes y después de la resturación.

Muchacha, ¿Estás Casada?

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Fri, 16 Apr 2021 15:27:00 +0000

Dirección: Felipe Morán
Guión: Felipe Morán y Kristína Jamrichová
Investigación: Kristína Jamrichová
Fotografía: Felipe Moran
Cámara: Felipe Moran
Montaje: Sara Pérez Fernández
Sonido: Miguel Chávez e Idar Estudio
Música: Mexitano Soundsystem
Diseño Gráfico: Andrea Caboara
Productor ejecutivo: Felipe Morán
Productora: Arriero Docs
Formato: HD 1920 X1080
Testimonios: Ana Marín Amador, Emilio Marín Medina, Rosa Marín, Roberto Marín, Arturo Marín Pereida, Jorge Marín, Cristian Marín, Jovani Marín, Citlali Marín Medina, Lupe Marin, Verónica González Marín, Ana Pereida Sánchez, Tomás Marín, Hilda Marín, Antonio Marín “El Tigre”.
Idioma: Español, Romaní
Subtítulos: Español, Inglés
País de producción: México, Eslovaquia
Año: 2016
Web oficial: www.arrierodocs.com
Duración: 45 min.

Es un documental sobre la identidad de una auténtica tribu urbana que ha sobrevivido hasta la fecha en medio de una descomunal sociedad de “Los Otros” y que ha logrado conservar su peculiar cosmovisión del mundo.

Sinopsis

Hoy día el tema de la identidad, parece, que se ha puesto muy de moda. ¿Por qué será? ¿Acaso estamos atravesando tiempos de mayor preocupación por nuestra propia identidad, hecho que nos hace reflexionar de las identidades ajenas?

La gente Rom de Guadalajara lleva aproximadamente veinte años de sedentarios viviendo en las afueras de la ciudad. ¿Podríamos decir o dirían ellos que se sienten (chez soi - en casa) aquí en las casas que construyeron? Sí, porque los Rom traen su casa consigo, su casa es su familia, no sólo padres e hijos sino también primos, tíos, cuñados y sobrinos.

Su casa son sus prácticas culturales jamás carentes de un significado social. Aquí, tal vez, somos testigos de una identidad territorial en su sentido de palabra simbólico. Los Rom aceptaron que uno puede sentirse en cualquier parte chez soi siempre y cuando traiga su mundo encima.

Los Rom de Guadalajara conforman una comunidad aproximada de quinientas a seiscientas personas. Ellos mismos suelen presentarse a los non-Rom como Gitanos o Húngaros, debido a que la mayoría de la gente desconoce el término Rom. Ni uno de estos etnónimos tiene mucha pertinencia en cuanto a su verdadero origen.

La equivocación popular Húngaros, que es de uso común por toda América Latina, fue creada, tal vez, por ellos mismos ya que se creía que habían venido de Hungría. El término Gitanos por su parte debería usarse correctamente solo para referirse a los Gitanos de España, sin embargo se ha acostumbrado en la lengua española aludir con él a cualquier grupo gitano o nómada. Además, los Rom de Guadalajara se consideran a sí mismos Mexicanos.

Eran sus tatarabuelos que a finales del siglo diecinueve empezaban a cruzar el Océano Atlántico y llegar al continente americano desde Europa (tanto América del norte como del sur). Incluso dentro del propio continente se trasladaban mucho, así que hoy día resulta que en México hay Rom que son descendientes de clanes que antes vivían en Argentina, Perú u otros países latinoamericanos.

Cabe subrayar que la transformación de su identidad colectiva, el grado de su conservación y su desarrollo continuo en este ambiente, han estado transcurriendo de una manera completamente distinta del contexto europeo, como si se hubieran aprovechado del hecho de que aquí, en medio de un amasijo indígena-mestizo su presencia gozaba de la posibilidad de pasar desapercibida o percibida solo hasta un punto admisible para ellos.

No fueron sometidos a una sedentarización forzada, se establecieron o pasaron al seminomadismo porque en un momento dado así les convenía.

Aproximadamente hasta los años noventa del siglo pasado erraban por todo México con su cine ambulante. Literalmente llevaron el agua a su molino ya que llegaban hasta los ranchitos perdidos donde no había televisión ni electricidad. Cobraban cinco pesos la entrada y los lugareños les daban la bienvenida pues traían un poco del aire artístico a esos lugares arrinconados.

La electricidad, la televisión y los vídeo-reproductores acabaron con el negocio de los gitanos. Hay quienes siguen errando hasta la fecha, sin embargo la mayoría se aprovechó de los precios favorables de los terrenos en las aglomeraciones urbanas crecientes y se construyó sus casas.

El documental relata la cotidianidad de los Rom tal como acontece en las afueras de la segunda ciudad más grande de México. Esta gente que vive de la compra y venta de coches usados ha conseguido mantener su forma de vida basada en el acatamiento de las normas de organización social que incluye respeto a la pertenencia en su linaje.

Referencias

Véase Bauman, Zygmund: Identidad. Madrid:

Losada, 2005, pág. 7.

Véase Silverman, Carol: correspondiente y cumplimiento de las obligaciones que ésta supone, obediencia a los roles que le incumben según su edad y género, cumplimiento de las costumbres de boda y el hecho de sujetarse a los veredictos de la kris romani.

Kris romani es una especie de tribunal o junta específica de los Rom adonde se llevan todos los conflictos graves de la gente que sobrepasan las posibilidades de una familia en solucionarse a su nivel (problemas matrimoniales, divorcios, conflictos económicos etc.)

Fuentes de información: Arrierodocs

Enlace del documental: https://youtu.be/FDZjfLYXAEQ

Las sin sombrero

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Mon, 08 Mar 2021 21:54:00 +0000

Créditos Documental
Dirección y Guión : Serrana Torres, Manuel Jiménez Núñez y Tània Balló
Producción: Tània Balló, Manuel Jiménez y Serrana Torres
Producción ejecutiva: Tània Balló y Alejandro Illa
Producción ejecutiva TVE: Andrés Luque
Idea original: Jorge Carrasco
Dirección de Producción: Mariona Claveria
Dirección de Fotografía: Pedro Sara Vila
Diseño de sonido: Juan Carlos del Castillo Planes
Sonido directo: Diego Lara
Montaje: Juliana Montañés y Carlos Prieto Cabrera
Con la participación de: José Antonio Mesa Toré, Emilio Miró, Mercedes Gómez Blesa, Ana Rodríguez Fischer, Antonio Gómez, Marga Clark, Nuria Capdevila, Alicia Rodríguez Mederos, Antonina Rodrigo, Felipe Alcaraz, Jaime Siles, Guillermo de Osma, Luis García Montero, Toni Marí, Emilio Lamo de Espinosa Michels de Champourcín, Jairo García Jaramillo, Alumnas y Alumnos de 4o de ESO C, Promoción 2013/2014, IES Padre Poveda (Guadix, Granada.
Créditos Webdoc
Dirección creativa y producción ejecutiva: Serrana Torres, Tània Balló y Manuel Jiménez Núñez
Producción ejecutiva: RTVE DIGITAL, Lab de RTVE.es, Andrés Luque
Dirección interactiva: Serrana Torres
Desarrollo interactivo y gráfico: Estudi Estampa
Asesor interactivo: Arnau Giffreu, Guy Spriggs y Thais Ruiz de Alda
Dirección de Arte: Knock Brand Design
Dirección de Fotografía: Pedro Sara Vila
Dirección de Producción: Mariona Clavería
Montaje: Carlos Prieto Cabrera
Sonido directo: Diego Lara
Ayudantes de Producción: Laia Lafarga, Berta Mille
Asistente de Producción: Maja Andersson
Documentación: David Fernández de Castro
Asesor de Contenidos: Jairo García Jaramillo
Diseño de Sonido y Mezclas: Juan Carlos del Castillo
Posproducción de Imagen: Cristina Pérez
Segunda unidad Cámara: David Navas
Storytelling / Social Media: Serrana Torres y Berta Mille
Estudio de Grabación off: Insync Estudio
Contabilidad: Meritxell Alonso
Con la participación de: José Antonio Mesa Toré, Emilio Miró, Mercedes Gómez Blesa, Ana Rodríguez Fischer, Antonio Gómez, Marga Clark, Nuria Capdevila, Alicia Rodríguez Mederos, Antonina Rodrigo, Felipe Alcaraz, Jaime Siles, Guillermo de Osma, Luis García Montero, Toni Marí, Emilio Lamo de Espinosa Michels de Champourcín, Jairo García Jaramillo, Alumnos y alumnas de 4º de ESO C, Promoción 2013/2014, IES Padre Poveda (Guadix, Granada)

“En el caso de llevar sombrero, llevaría un globo atadito a la muñeca con el sombrero puesto, y así cuando me encontrara con alguien conocido, le quitarían al globo el sombrero para saludar”

Maruja Mallo

En España, el año 1927 está asociado a la generación de artistas e intelectuales más fecunda del siglo XX.

Cartel de promoción del documental "Las sinsombrero": sin ellas, la historia no está completa tve

La denominada Generación del 27 se ha convertido en una de las marcas artísticas más reconocidas que identifica un momento crucial (1923-1936) en la historia cultural y social de este país.

Pasados los años, el hecho de formar parte de esta grupo ha permitido que sus integrantes oficiales hayan gozado de popularidad y hayan sido motivo de atención tanto en el ámbito artístico y literario como en el académico y de la enseñanza.

Las artistas del 27

Siempre y cuando hablemos de ELLOS. Pero ¿qué sucede con sus colegas, LAS ARTISTAS del 27?

Josefina de la Torre tve

La realidad es que junto a ellos convivieron, crearon ¡y triunfaron!, la que fuera la primera generación de mujeres que entró sin complejos en el mundo artístico. Mujeres de gran talento, que compartieron entre ellas amistad, reflexiones y vivencias y que con su obra influyeron de forma decisiva en el arte y pensamiento español de la época y en algunos casos, y debido a su producción en el exilio, en los estilos y géneros de artistas internacionales.

“La interrupción de la Guerra Civil supuso el fin de esa Generación, pero en el caso de ellas, supuso también su condena al olvido.“

La interrupción de la Guerra Civil supuso el fin de esa Generación, pero en el caso de ellas, supuso también su condena al olvido.

Pasaporte de la escritora Rosa Chacel ARCHIVO F. JORGE. GUILLIN

Reconstituida la democracia, los nombre de sus colegas fueron recuperados y ensalzados, mientras que los de esta mujeres permanecieron en silencio, perdiendo su lugar, de pleno derecho, dentro del relato oficial de la Generación del 27. María Teresa León, Ernestina de Champourcín, Rosa Chacel, Concha Méndez, Josefina de la Torre, María Zambrano, Maruja Mallo, Marga Gil Roësset, son una representación con nombres y apellidos de estas creadoras.

“Las Sinsombrero es el primer gran proyecto transmedia español que cuenta con la coproducción de TVE“

Las Sinsombrero es el primer gran proyecto transmedia español que cuenta con la coproducción de TVE: cuenta con un webdoc, un proyuecto educativo promovido por el Ministerio de Educación, una exposición itinerante y otras iniciativas futuras relacionadas con el documental.

Cualquier usuario puede ensalzar a las otras sin sombreros que no han recibido aún su reconocimiento participando en el webdoc. Sólo tienen que subir una foto a twitter o instagram con el hashtag #misinsombrero y saldrán en la pestaña de Participación.

El documental, junto con todas sus propuestas paralelas, propone ensalzar y recuperar el legado de estas artistas. Con el objetivo de que este episodio de nuestra historia artística se reescriba con ellas y a partir de ellas para que sean incluidas de forma incuestionable dentro del grupo del 27.

Proyecto participativo de "Las sinsombrero" tve

El documental fue estrenado en el Festival de Cine de Málaga y fue seleccionado para la sesión inaugural del Edimburgo Spanish Film Festival 2015.

Las Sinsombrero

Las Sinsombrero es el nombre por el que son conocidas un grupo de mujeres artistas españolas nacidas entre 1898 y 1914. El nombre responde al gesto de quitarse el sombrero en público que protagonizaron Maruja Mallo, Margarita Manso, Salvador Dalí y Federico García Lorca en la Puerta del Sol. "Nos apedrearon llamándonos de todo", relata la misma Mallo en unas grabaciones hechas por TVE tras volver del exilio. El documental "Las Sinsombrero", que recogía gran cantidad de material de archivo y entrevistaba a investigadores y familiares de estas mujeres, recogía el impulso de quienes durante décadas se habían afanado en rescatarlas en el ámbito más o menos erudito o académico, especialmente dentro de los círculos universitarios, para divulgarlo y extenderlo al gran público. El éxito del documental extendió el interés por este grupo y consolidó la etiqueta con que hoy son conocidas.

Madrid fue la ciudad donde la gran mayoría de ellas residieron, estudiaron y desarrollaron su actividad artística. Abiertas a nuevos conceptos de modernidad y a las corrientes de vanguardia que provenían de Europa, recuperaron también la tradición popular. Profundamente comprometidas con su tiempo y su realidad social, su actitud fue rompedora y abierta, transformando el panorama cultural y artístico de una España convulsa.

Sus aportaciones están todavía poco estudiadas y, en su gran mayoría, han quedado al margen de las antologías y los manuales de arte y literatura hasta nuestros días, aunque desarrollaron una actividad constante y destacada en campos tan variados como la escritura, la pintura, la escultura, la ilustración o la filosofía.

Origen del nombre

Un día, en el Madrid de los años 20, Federico García Lorca, Salvador Dalí, Margarita Manso y Maruja Mallo pasearon por la Puerta del Sol quitándose el sombrero. Esta actitud transgresora pretendía romper la norma y, metafóricamente, en ausencia de la pieza que tapa la cabeza, liberar las ideas y las inquietudes. El mismo Borges se hizo eco de esta práctica en su artículo “Los intelectuales son contrarios a la costumbre de usar sombrero”. Una de estas mujeres que protagonizó la anécdota, Maruja Mallo, la explica de la siguiente manera “Un día se nos ocurrió a Federico, a Dalí, a Margarita Manso y a mí quitarnos el sombrero porque decíamos que parecía que estábamos congestionando las ideas y, atravesando la Puerta del Sol, nos apedrearon llamándonos de todo”.

El origen del nombre Las Sinsombrero para denominar a las mujeres pertenecientes a la Generación del 27 viene del proyecto transmedia del mismo nombre creado por Tània Balló Colell, Serrana Torres y Manuel Jiménez Núñez (estrenado en el Festival de Cine de Málaga el 24 de abril de 2015 y posteriormente emitido en La 2 de TVE dentro del programa Imprescindibles, el día 9 de octubre de 2015) quienes tomaron la anécdota contada por Maruja Mallo para dar nombre al proyecto que acabaría denominando a estas mujeres.

En plena dictadura de Primo de Rivera, en una España todavía cerrada y de espaldas al mundo, este gesto, quitarse el sombrero, los convirtió en rebeldes, especialmente a las mujeres. Para ellas, prescindir del sombrero implicaba abandonar el corsé de la época y, por tanto, no conformarse con el papel de esposas y madres.

Nómina

Se cuentan entre las mujeres que tuvieron ese enorme peso en la vanguardia artística de principios del siglo XX nombres como Maruja Mallo (Vivero 1902-Madrid 1995), pintora; Rosario de Velasco (Madrid 1904-Barcelona 1991), pintora; Marga Gil Roësset (Madrid 1908-Las Rozas 1932), escultora, ilustradora y poeta; María Zambrano (Vélez-Málaga 1904-Madrid 1991), filósofa; María Teresa León (Logroño 1903-Madrid 1988), escritora; Josefina de la Torre (Las Palmas de Gran Canaria, 1907-Madrid 2002), poeta; Rosa Chacel (Valladolid 1898-Madrid 1994), escritora; Ernestina de Champourcín (Vitoria 1905-Madrid 1999), poeta; Concha Méndez (Madrid 1898-México 1986), escritora; Margarita Manso (Valladolid 1908-Madrid 1960), pintora; Delhy Tejero (Toro, Zamora 1904- Madrid 1968), pintora e ilustradora, Ángeles Santos (Portbou 1911-Madrid 2013), pintora y artista gráfica y Concha de Albornoz (1900-1972).

Contexto histórico

Entender el contexto histórico de Las Sinsombrero es entender los años que engloban la dictadura de Primo de Rivera, la Segunda República y la Guerra Civil.

Tras la pérdida de las últimas colonias (Cuba, Filipinas y Puerto Rico), el país se sumergió en una profunda crisis nacional que propició cambios económicos, políticos e intelectuales. A esta nueva España pronto se sumó el debate sobre “el problema femenino”. Inmersa en una corriente antifeminista que utilizaba el determinismo biológico para justificar la desigualdad de los sexos y señalar la debilidad del género femenino, la sociedad y sus estamentos más tradicionalistas pretendía frenar la aparición de una nueva mujer Europea, que había conocido la autonomía durante la Primera Guerra Mundial, forzada a asumir el lugar de los hombres que marchaban al frente.

Es en este contexto en el que aparecen los movimientos feministas y sufragistas, impulsado por aquellas que toman conciencia de su capacidad intelectual y deciden no aceptar nuevamente un papel de sumisión. La participación en la vida pública, el acceso a la educación generan mujeres cosmopolitas, independientes, creativas. En España, el proceso se consolida con la proclamación de la Segunda República en 1931. La mujer no solo refleja su modernidad en su aspecto físico y su modo de vestir, sino que tiene vocación profesional, formación cultural, conciencia política y aplaude los avances tecnológicos y sociales. Las Sin Sombrero, deudoras de la incorporación al mundo laboral y político que habían protagonizado las mujeres de la Generación del 14 (Clara Campoamor, Victoria Kent o Carmen de Burgos, entre otras), se presentan ante la sociedad y conquistan también el mundo artístico.

La Guerra Civil truncará este camino y su desenlace supondrá un brutal retroceso respecto a los avances obtenidos en décadas anteriores. Los largos exilios fueron la tónica general de estas mujeres, que encontraron en América y Europa su nuevo espacio. Las que se quedaron en España sufrieron represalias que comprendían la cárcel y, en muchos casos, el silencio intelectual, que se conseguía matándolas en la mayoría de los casos.

Características de conjunto

Las artistas españolas del 27 reivindicaron su papel intelectual no solo sobre su propia figura, sino sobre la vida cultural que las rodeaba. Así, es fácil seguir la pista de muchas ellas en publicaciones de la época, haciendo reseñas sobre libros, opinando sobre arquitectura y formando parte de una ajetreada agenda social.

Reflexionaron, además, sobre la iconografía propia de la feminidad. Este detalle puede comprobarse incluso a la hora de denominarse. Empiezan a imponerse fórmulas como “autora”, “escritora”, “pintora”...

El trazo más relevante es, sin duda, la introducción de un perfil femenino consecuente a su realidad en sus obras. La mujer se convierte en un personaje pictórico y literario fuerte, emancipado, que lucha contra su destino. Se representan grupos de mujeres con un aspecto moderno, fumando o en actitud intelectual. Las personalidades son fuertes e independientes y hacen suyo un espacio que, hasta el momento, solo estaba permitido a los hombres.

Centros de reunión

A pesar de no coincidir en muchos aspectos, la relación entre estas mujeres fue muy estrecha, extendiéndose incluso a generaciones anteriores. Les unía la lucha común contra una sociedad que las rechazaba y ninguneaba en gran medida.

En este sentido, los centros de encuentro fueron escenarios comunes de vital importancia para ejercer esa defensa y unión. Algunos de ellos, los no físicos, eran compartidos también con sus compañeros de generación. Con estos tuvieron intensas relaciones, aunque incluso ellos mismos olvidan mencionarlas en la mayoría de ocasiones. Son espacios de intercambio cultural como la Revista de Occidente o La Gaceta Literaria.

Pero también existieron lugares físicos exclusivos donde estas mujeres se reunían y compartían ideas. En el Madrid de aquellos años se consolidaba la Residencia de Señoritas, grupo femenino de la Residencia de Estudiantes, el Lyceum Club Femenino o la Asociación Universitaria Femenina. La semilla de la transformación femenina de varias generaciones y el camino de la igualdad de derechos se gestó en estas instituciones, de las cuales saldría grupos excepcionales de mujeres.

Fuentes de información: RTVE, LasSinsombrero, Wikipedia.

Las Sinsombrero

En España, el año 1927 está asociado a la generación de artistas e intelectuales más fecunda del siglo XX. La denominada Generación del 27 se ha convertido en una de las marcas artísticas más reconocidas que identifica un momento crucial (1923-1936) en la historia cultural y social del país. El hecho de formar parte de esta Generación ha permitido que sus integrantes oficiales, entre los que se encuentran Federico García Lorca, Luís Buñuel, Salvador Dalí, Rafael Alberti o Luis Cernuda, hayan gozado de popularidad y hayan sido objeto de atención nacional e internacional.

Pero este reconocimiento solo existe hacia ellos, aunque en esta explosión creativa también había mujeres: surgió la que fuera la primera generación de mujeres que entró sin complejos en el mundo artístico.

Mujeres de gran talento, que compartieron entre ellas amistad, reflexiones y vivencias y que influyeron de forma decisiva en el arte y pensamiento español y, en algunos casos, debido a su producción en el exilio, en los estilos y géneros de artistas internacionales. La Guerra Civil supuso el fin de esa Generación, pero en el caso de ellas supuso también su condena al olvido.

Reconstituida la democracia, los nombres de sus colegas fueron recuperados y ensalzados, mientras que los de ellas permanecieron en silencio, perdiendo su lugar, de pleno derecho, dentro del relato oficial de la Generación del 27 y por consiguiente en la historia. María Teresa León, Ernestina de Champourcín, Rosa Chacel, Concha Méndez, Josefina de la Torre, María Zambrano, Maruja Mallo y Marga Gil Roësset son una representación de estas creadoras.

Ver en Youtube.

Ver en RTVE

Las Sinsombrero. Ocultas e impecables

Ocultas e impecables, segunda parte de "Las Sinsombrero", sigue dando luz a la vida y obra de aquellas artistas e intelectuales, que pertenecen por derecho propio a la generación del 27, pero que la Historia jamás ha reivindicado, sumergiéndolas en un doloroso olvido.

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Las Sinsombrero - El exilio

Tres generaciones más tarde, el documental El exilio -tercer capítulo de la serie Las sinsombrero- recupera la memoria de aquellas intelectuales que tuvieron que huir de su país para salvar sus vidas personales y profesionales. Un documental que puede verse en A la Carta en Imprescindibles que trae a la vida las historias de mujeres como Luisa Carnés, Mada Carreño, Margarita Nelken, Silvia Mistral, Victorina Durán, María Dolores Arana y Carlota O’Neill.

El tercer episodio de Las Sinsombrero cuenta además con una banda sonora excepcional a cargo de la cantante Sheila Blanco que, inspirada por la historia que descubrió en esta serie documental, dio forma al álbum-homenaje Cantando a las poetas del 27 (2019).

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Hasél - Poeta Proscrito

noreply@blogger.com (Naranjas De Hiroshima) — Sat, 13 Feb 2021 00:25:00 +0000

Título original: Hasél - Poeta Proscrito

Dirección: Nikone Cons.
Guión: Nikone Cons con la colaboración de Pablo Hasél
Producción: Nikone Cons, Pablo Hasél, Felipe V. Welch

Dirección de fotografía: Felipe V. Welch

Música original: Pablo Hasél, Frank Moreno.

Camarógrafos: Felipe V. Welch, Nikone Cons, Pablo Hasél, Alex García Rodríguez, Alex Muñoz.

Edición: Nikone Cons

Intervienen: Pablo Hasél

País de producción: España

Año de producción: 2021

Duración: 58 min.

El documental 'Hasél- Poeta Proscrito' narra la historia del artista y militante comunista Pablo Hasél, condenado a penas de prisión en dos ocasiones por el contenido revolucionario de sus canciones y poemas. Será el primer rapero encarcelado en Europa y un ejemplo en la lucha por la libertad de expresión.

Una producción independiente de MAOMAO, cine militante y partidista.

Escrita y dirigida por Nikone Cons.

Este trabajo, militante y solidario, lo hemos realizado de forma independiente para denunciar la injusticia y represión que sufre Pablo. Si alguien quiere hacer alguna aportación económica puede hacerlo a la caja de resistencia de nuestro compañero.

Número de cuenta solidaria: ES 15 2100 3611 5021 0021 0784

PayPal: llibertatpablohasel@gmail.com

Pablo Hasél

Pablo Rivadulla Duró (Lérida, 1988), conocido artísticamente como Pablo Hasél, es un MC y poeta español. Empezó utilizando únicamente el nombre de Hasél en sus primeras maquetas, inspirado por un personaje de un libro de cuentos de literatura árabe.

Debutó en la escena underground del hip hop español con la demo Esto no es el paraíso en 2005. Su aparición en la escena coincide con la de otros grupos como Arma X, LaTecnika o Mentenguerra, por lo que actualmente se da un resurgimiento del rap político, en un contexto underground. También es autor de varios libros y poemarios.[cita requerida]

En 2014 fue condenado a dos años de prisión por enaltecimiento del terrorismo, debido al contenido de sus letras. En junio de 2020 fue condenado, en sentencias no firmes, a seis meses de cárcel por lesiones por agredir y rociar con un líquido de limpieza a un periodista, y a dos años y medio de cárcel por agredir a un testigo en un juicio contra un agente de la Guardia Urbana de Lérida. Es hijo del empresario Ignacio Rivadulla, quien fue presidente de la Unió Esportiva Lleida del 2007 al 2010.

Estilo

Pablo Hasél es autor de numerosas maquetas y demos, así como recopilaciones de temas sueltos, inéditos, acapellas y poemas. Según sus propias palabras: “yo grabo rápido y no paso el día retocándome”. En sus letras, siempre directas y sin eufemismos, trata tres tipos de temáticas con las que describe a su público la realidad que él percibe: crítica social y rap antisistema, temas sentimentales y personales y, finalmente, canciones en las que "se ríe de todo", según declaró en una entrevista. Por otro lado, su pensamiento y su compromiso político comunista lo ha diferenciado de otros artistas del rap político español.

Entre sus fuentes de inspiración destacan cantautores como Joaquín Sabina, Carlos Varela, Silvio Rodríguez, e Ismael Serrano,6 aunque también se puede notar la influencia de escritores como Vladímir Mayakovski o la vida de personajes históricos como Ernesto Che Guevara o Iosif Stalin.

Ha distribuido todos sus trabajos de manera gratuita en Internet a través de conocidas webs especializadas en música rap como hiphopdirecto.net o hhgroups.com. También ha subido numerosos temas a YouTube, muchos de ellos inéditos, a través de una cuenta que él mismo gestiona.

Condenas

Fue detenido en Lérida el 4 de octubre de 2011 por ensalzar en su canción Democracia su puta madre al que fuera secretario general del PCE(r), Manuel Pérez Martínez (Camarada Arenas), condenado a 17 años de cárcel por pertenencia a la banda terrorista GRAPO. En el momento de su detención, la policía registró y requisó varios discos duros, así como libros. La noticia de su detención provocó un terremoto en las redes sociales, que se llenaron de mensajes de apoyo hacia el rapero comunista.Asimismo, numerosos artistas recogieron firmas a través de la plataforma Actuable exigiendo su liberación inmediata.

En la mañana del 5 de octubre, tras declarar ante la Audiencia Nacional, salió en libertad provisional sin fianza, con la obligación de comparecer quincenalmente en los juzgados. A las 19:00 horas unos 200 jóvenes se manifestaron en Lérida para reclamar la libre absolución del rapero.

En 2014 Pablo Hasél fue declarado culpable y condenado a dos años de prisión por enaltecimiento del terrorismo por el contenido de las letras de sus canciones. Subió a la red social YouTube diez canciones compuestas por él mismo en las que ensalzaba las organizaciones terroristas Grupos de Resistencia Antifascista Primero de Octubre (GRAPO), Fracción del Ejército Rojo (RAF) y Terra Lliure, e incluso pedía a estas organizaciones que volvieran.

En mayo de 2014 fue nuevamente detenido por un presunto ataque violento el Día de San Jorge (Diada de Sant Jordi), junto a una quincena de personas, a un puesto de la asociación cultural Lleida identitària vinculada, según los agresores, al partido de extrema derecha Plataforma per Catalunya, resultando heridos de diversa consideración los cuatro representantes de dicha asociación. En junio de 2016 empujó, insultó y roció con un líquido de limpieza a un periodista de TV3.

Mural realizado el 7 de febrero de 2021 en Barcelona en apoyo a Pablo Hasél y por la libertad de expresión.

En marzo de 2017 la fiscalía solicitó contra él cinco años más de condena, que se sumarían a los dos que ya tiene, por delitos de "enaltecimiento del terrorismo", "calumnias e injurias contra la Corona" y "calumnias e injurias contra las instituciones del Estado". Fue finalmente condenado el 2 de marzo de 2018 a una pena de dos años y un día de prisión, más una multa de 24.300 euros. La Sala de lo Penal de la Audiencia Nacional lo consideró culpable de los delitos de enaltecimiento del terrorismo e injurias a las Corona e instituciones por sus comentarios e insultos en las redes sociales. En la sentencia se dice que las publicaciones de Hásel suponen «una actuación conjunta, dirigida contra la autoridad del Estado en sus múltiples formas, menospreciando y denigrándolos personalmente y en conjunto, aludiendo a la necesidad de ir más allá en un comportamiento violento, incluso con la utilización del terrorismo, a cuyos miembros destacados y condenados judicialmente por ello, se dirige en términos de ser el referente a imitar, buscando la adhesión de personas a tal finalidad».

El 28 de abril de 2019, fue detenido cuando acudía a un evento por la excarcelación del preso del GRAPO Paco Cela. La detención duró 17 horas y era para entregarle una citación para un juicio.

El 28 de enero de 2021, la Administración de Justicia dio a Hasél 10 días para entrar en prisión voluntariamente, a través de una notificación a su abogado. El 2 de febrero se lo notificaron al artista. El rapero se niega al ingreso voluntario.

Discografía

En solitario
Esto no es el paraíso (2005)
Miedo y asco en Ilerda – Reeditado con el título Ilerda rima con mierda (2007)
Trastorno Tripolar (2007)
Desde el abismo se goza de las mejores vistas (2008)
No me joda doctor (2008)
Recital de ideales/No me joda Doctor (2008)
En ningún lugar pero aquí (2008)
Descuartizando resacas (2009)
Quemando la vida (con Kaktan) (2009)
Cuando el tiempo no nos tocaba las ilusiones (2009)
Se lo vomite al viento mientras ella se drogaba con otro (2010)
Inéditas por culpa de Aileen Wuornos (2010)
Banquete de larvas (2010)
Siempre perdidos 1 (2010)
Siempre perdidos 2 (2010)
El Che disparaba (2011)
Solos en medio del misterio infinito (2011)
Polvo y ceniza (2011)
Un café con Gudrun Ensslin (2011)
El infierno sería verlos más allá (2011)
Crucificado en tu clítoris (2011)
Besos cortados con coca (2011)
Canciones supervivientes al registro policial (2012)
La tortura placentera de la luna: algunas canciones inéditas (2012)
Escribiendo con Ulrike Meinhof (2012)
Empezar de bajo 0: Algunos poemas grabados (2012)
La noche que supe que hay laberintos sin salida (2012)
Poemas de presos políticos comunistas (2012)
Los gusanos nunca volarán (inéditas) (2012)
La muerte nos obligó a vivir (2012)
Sigue desnudándose la dictadura del capital (2013)
Por mera supervivencia (inéditas) (2013)
Por mera supervivencia II (inéditas) (2013)
Por mera supervivencia III (inéditas) (2013)
Exprimiendo el corazón (inéditas) (2013)
Tarde o temprano Venceremos (2014)
Mientras me asesina el tiempo (inéditas) (2014)
Por escapar de la oscuridad (inéditas) (2014)
A Orillas Del Segre (2014)
Cafeína e imaginación (inéditas) (2015)
Burlando al dolor (2015)
Boicot Activo (2015)
Hasta el fin de mis días (2015)
Resistir hasta vencer (2016)
Esto ya ni desahoga (inéditas) (2016)
Fuerte fragilidad (2017)
Perdidos en el infinito (con Nyto Rukeli) (2017)
El interrogatorio del atardecer (2018)
La voz no puede encerrarse (2018)
Ha llovido mucho (2019)
Semillas de libertad (2019)
Haciéndome la autopsia (2020)
La inmolación de las entrañas (2020)
Canciones para la revuelta y la soledad (2020)
Prozaks (Pablo Hasél con Cíniko)
Recital de ideales/No me joda Doctor (2008)
A Orillas Del Segre (2014)
Magmah (Pablo Hasél con Zyon Revol "Frankie Brown" )
En ningún lugar pero aquí (2008)
Las resakas (Pablo Hasél con Marc Hijo de Sam)
Las resakas: Besos cortados con coca (2011)
La muerte nos obligó a vivir (2012)

Pablo Hasél en Deezer.

Pablo Hasél en Spotify.

Pablo Hasél en Youtube.

Fuentes de información: Nikone Cons, Pablo Hasél, Wikipedia.

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