Neoverso - Cultura hecha Comic.

Los ojos del Drágon, de Stephen King

noreply@blogger.com (Unknown) — Thu, 27 Aug 2026 12:10:00 -0600

Sinopsis

Los ojos del Dragón es una novela de fantasía de Stephen King sobre el reino de Delain, su rey Rolando quien una vez hizo una gran hazaña, su bondadosa esposa Sasha, sus hijos; el talentoso Peter y el no tan talentoso Thomas, además de Flagg, el hechicero del reino y mano derecha del rey.

Personajes secundarios

- Naomi: una chica de acción, se reveló contra el mal gobierno, es muy valiente, parece fría pero de hecho ama profundamente a su perra frisky.

- Ben Staad: hijo de un ganadero, leal amigo del principe Peter.

- Andres Peyna: El juez general del reino; aunque él no gobierna, la gente le teme más a él que a el Rey. Es un hombre metódico pero justo.

- Dennis: El joven mayordomo de Peter, viene de una linea de mayordomos que han servido al rey.

- Frisky: la perra mascota de Naomi, es la líder de los perros que mueven el trineo, experta en rastrear y es aún más valiente que Naomi .

Mi opinión:

Este híbrido entre novela y cuento es muy sencillo pero tiene su encanto, los personajes son algo típicos pero el villano es bastante interesante por su personalidad, conocimientos y poderes (tanto así que aparece en otras novelas de Stephen King). No es la mejor historia de King pero si está ya entre mis favoritas.

Curiosidades

En la concepción de la novela

1. Para Naomi.

King escribió esta novela para su hija, Naomi King, a quien no le gustaban las historias de monstruos y vampiros que su padre escribía. Ella quedó encantada con esta novela y una de las heroinas lleva su nombre. De hecho la dedicatoria del libro es para ella, junto con el escritor Peter Straub.

Naomi es la pequeña bebe en esta foto, pero ahora ya es adulta

Conexiones hacia otros libros.

2. Ojos que brillan como plata.

Se se menciona que al estar molesto, los ojos de Flagg brillan como la plata, característica que también posee Pennywise en "Eso" y Victor Pascow en Cementerio de Animales.

3. Flagg es el Hombre de Negro.

Flagg el hechicero del Reino de Delain y consejero del rey, no es otro que Randall Flagg, el hombre de negro de "The Stand" y "La Torre Oscura", que además aparece en una docena más de libros de Stephen King. Como en todas su apariciones el mago gusta de crear intigras, traiciones y anarquía.

4. Uso del Dim

Flagg sabe que volverse invisible es imposible -incluso por magia-, pero no ser percibido, eso sí es posible y esta habilidad es conocida como "Dim" la domina muy bien. Otros usuarios del Dim son Sarey la callada, de "Doctor sueño"; Scott landon, en la historia de Lisey; los "Sleepwalkers", del relato homónimo; Rhea, de Coos de la "Torre oscura"; y Carol Gerber, de "Corazones en la Atlantis" que la prendió de un activista llamado Raymond Flieger uno de los alias de Randall Flagg.

5. El loro de 2 cabezas

Lester Parker en Casa Negra tiene un loro de 2 cabezas que al igual que pasa con el loro de Flagg, ambas cabezas discuten entre ellas.

6. La bruja y el arcoiris del mago.

Algunas mujeres hablan a sus esposos por las noches sobre Rhiannon, la bruja oscura de la Coos, quizás sea Rhea de Coos, de la Torre Oscura IV: Mago y Crystal, quien utiliza una esfera rosa para espiar a la gente. Una de las 13 esferas mágicas creadas por Maerlyn. De hecho En los ojos del Dragón se dice que Flagg tiene un cristal amarillo verdoso con bordes desiguales, con el que a veces puede espiar lo que sucede en el reino, quizás este es un fragmento de una las 13 esferas mágicas.

7. Roland Deschain y los ojos del Dragón.

Flagg, Dennis y Thomas son mencionados por el protagonista de la Torre Oscura Roland Deschain en el segundo tomo. Además un ganadero menciona que es natal del reino de Delain en el relato "Las hermanita Eluria", que también es protagonizado por Roland Deschain. así como el reino de Garlan vecino a Delain, es mencionado por Roland en los tomos IV y VI de la torre oscura.

8. Flagg esta leyendo el Necrominicon

El hechicero está leyendo el libro proveniente los mitos de H.P. Lovecraft, aquí te dejo la cita:

Luego se sentó, dio la vuelta a su reloj de arena y comenzó a leer un enorme libro de conjuros. Flagg llevaba leyendo aquel tomo, que se hallaba encuadernado con piel humana, desde hacia mil años, y sólo había logrado consultar una cuarta parte. Leer demasiado de este libro, escrito en las altas y distantes Planicies de Leng por un demente llamado Alhazred, podía ocasionar fácilmente la locura.

9. El ojo del Rey Carmesí

El juez Peyna tiene pesadillas, atormentado sueña que todo el centro de la cuidad se ha vuelto sangriento, y en esas pesadillas ellas incluso el mismo sol parece un ojo agonizante inyectado de sangre. Un ojo rojo como la sangre, es el símbolo que representa al Rey Carmesí, un villano principal en la saga de "La Torre Oscura".

10. Frisky y las lineas de colores.

Frisky, la perra de Naomi, es hábil rastreando pues percibe los olores como colores que nadie más ve y sigue el camino que estos dejan para encontrar personas, eso es similar a lo que hace Duddits y sus amigos en "Cazador de Sueños", ellos podian ver un camino de color amarillo y lo seguían para regresar a casa, esto gracias a los dondes sobrenaturales de Duddits.

11. "Vayase pues hay otros mundos aparte de este" (spoilers de la novela).

Al final de los ojos del dragón, Thomas decide ir tras Flagg, pues él siente que todavía esta cerca en este mundo u otros, lo cual encaja muy bien dentro de la saga de la Torre oscura donde nos enteramos que existen muchos mundos aparte de este, y Flagg como se habarán dado cuenta puede viajar entre ellos.

Libros influenciados por esta novela

12. Misery.

Una de las inspiraciones de Stephen King para su novela Misery la reacción de sus fans lectores ante los ojos del dragón, que les molesto por no ser del genero que del terror. Misery es una novela sobre una fan de un escritor que no le gusta el final de un libro, así que secuestra y tortura al escritor Paul Sheldon para que lo cambie y haga un final que si le guste, Paul Sheldon es un proyección del propio Stephen King.

Fin.

Paper Towns. No es otra novela romántica.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 25 Aug 2026 17:18:00 -0600

Nunca he hecho una reseña literaria es mi primera vez así que no se como quede ya he incursionado en muchos temas en el blog, he sido pionero de unos cuantos y pos se me metió el agua de hacer una reseña de un libro que leí ayer.

Ficha técnica.

Autor: John Green.
Editorial: Dutton Books
ISBN 978-84-15594-28-4
Formato: Impreso

Sinopsis

La historia trata sobre Quentín un chico en su último año de secundaria el cual se encuentra enamorado de Margo su vecina y amiga de la infancia, pero ese amor platónico dará un giro en una noche donde Margo lo dejaría cautivo dentro de una de sus famosas travesuras y luego desapareciera. El chico desesperado empieza una persecución para dar con ella donde resolverá incontables misterios.

Detalles a tomar en cuenta

Una novela que como historia romántica es buena novela de misterio, sinceramente no soy muy fan del señor Green ni de ningún autor que mate a sus protagonistas por puro gusto (The Fault in Our Stars).
En la novela no nos encontramos una trama confusa o profunda, son dos adolescentes con problemas que los superan, la típica historia de heroísmo infantil para adolescentes modernos.
Las motivaciones para los hechos que dan origen al drama son inmaduras y carentes de sentido ideas de una niña malcriada y un chico obsesionado con su vecina.
Los personajes son bastante superfluos a pesar de que el autor intenta darles profundidad usando constantes referencias propias en el texto, en pocas palabras el desarrollo de cada personajes es imperfecto y plano a pesar de que ciertos personajes intentan darnos a entender la profundidad psicológica en la que cada personaje se contextualiza.
Esta inmersa en clichés no solo el del chico obsesionado con su vecina (presente en dramas juveniles como la chica de al lado), o el de la chica popular con problemas familiares (usado hasta en SpiderMan 1), si no también los típicos nerds carentes de amor y abusados de la escuela, en fin si quieren saber que fue popular en mi tierna infancia de los 90 lean el libro y se enteraran.

A pesar de todo lo anterior, no todo fue malo lo que pienso que catapulto esta pésima historia de amor fue su trama de misterio es decir el gran aporte que hizo que todo ese cliché rancio y quemado alcanzara prestigio fue la magnifica obra de misterio que monto como base.

Para reforzar este pensamiento en listare algunas de las reglas del decálogo de Knox para una historia de misterio.

Ningún accidente puede ayudar al detective, ni el puede tener una inexplicable intuición que resulte correcta.
El detective no puede presentar pruebas que no pasaran por la inspección del lector.
El amigo "estúpido" del detective, el Watson, no puede ocultar los pensamientos que pasan por su mente; su inteligencia debe ser un poco, pero muy poco, ligeramente por debajo del lector medio.

Todas estas se cumplen en el desarrollo argumental de la novela, lo que da origen a una trama que te mantiene en vilo y te hace perseguir la verdad incansablemente en cada una de las páginas y terminas olvidado lo malo de los personajes, lo estúpido de sus motivaciones y si por un momento logras obviar esos puntos disfrutaras de una gran historia.

Cuando llueve sobre Dachau

noreply@blogger.com (Somet) — Mon, 24 Aug 2026 05:55:00 -0600

Cuando llueve sobre Dachau

Autor: Mónica G. de Audarebe
Editorial: Kindle
Páginas: 71
ASIN: B00Y7QNHF8
Formato: Ebook

Sinopsis

Berlín, junio de 1954.

La mujer morena se sentó en un amplio espacio de césped en el Tiergarten y comenzó a hurgar en su cesta de picnic. El día era soleado en Berlín, pero una suave brisa ofrecía tregua al calor sofocante de la tarde. Extendió el mantel amarillo claro moteado y comenzó a colocar sobre él lo que había preparado para merendar. Un par de sándwiches y algo de fruta. Por último, sacó su creación, su criatura. La sostuvo con las dos manos mientras la observaba y recordaba lo dura que había sido su redacción. Abrazó el libro y lo pegó a su pecho. Con él, exteriorizaba ese capítulo de su vida que nunca debió haber vivido. En un ejercicio de memoria y sufrimiento, decidió sacar todo lo que le hería por dentro y plasmarlo en ese manuscrito. La edición era sencilla pero muy atractiva. El título críptico apenas conseguía contextualizar el horror que contenían sus páginas, el horror de su vida.

Posicionó el libro en un lugar privilegiado, donde pudiera contemplarlo en todo momento y se tumbó boca abajo, con la cabeza apoyada en las manos, para merendar, observando su biografía. Mientras comía algo de fruta, pensaba en lo irónico de la imagen. Un ejemplar cuidado, con las letras decoradas y los colores elegidos para que no resaltaran demasiado y distrajeran del título. Un objeto bonito, para conservar en una estantería, donde alegraría la vista de una habitación. Sin embargo, al abrirlo, la maldad más pura salía a la luz. Una maldad difícilmente imaginable hasta la década anterior, en la que el mundo había cambiado para siempre. El libro era un símil de su protagonista: hermoso, atractivo, el orgullo de la nación alemana, rubio, ojos celestes casi grises, proporciones perfectas, facciones equilibradas… Pero, como el libro, encerraba la crueldad más atávica del ser humano, esa que sólo aflora en contadas ocasiones a lo largo de la historia, y que en esta ocasión, se había desbordado sin control.

Una vieja pelota apareció rodando por el césped hasta acabar a su lado. Mientras la recogía, no tardó en aparecer su dueño reclamándola, un niño de unos cinco años. Pensó que tenía suerte de no haber vivido la década anterior, aunque lo mismo debieron pensar los padres de los niños nacidos tras la Gran Guerra, y su futuro fue peor aún si cabe. Deseó que esa fuera la última vez que un niño tuviera que vivir algo parecido y le sonrió. Sin embargo, el niño la miraba con expresión de fastidio, por su demora en devolverle su pelota. Ella se dio cuenta y se la lanzó enseguida. Él continuó jugando con sus amigos, ajeno a todo y ella no pudo evitar recordar cuando también jugaba con los suyos, antes del fin de su mundo.

Su vista volvió a posarse en el libro, y decidió que había llegado el momento. Recogió todas las sobras de la merienda y las guardó en su cesta. También hizo lo propio con el mantel, después de haberlo sacudido en el césped. Entonces tomó el libro y, tras observarlo por última vez, lo introdujo en un sobre color arena. Sacó un lápiz de su bolso y escribió el nombre de su destinatario:

ERIC WÜLF

Debajo escribió la dirección, en Múnich, y salió del parque para depositarlo en el buzón de correos más cercano.

Lo que estuvo mal

Las tablas de tiempo. En un Berlín dividido por la Guerra Fría (aunque no separado por El Muro), seis años después del Puente Aéreo la ciudad se siente como el Berlín actual. Una transeúnte (la protagonista) que flota como ninfa por una ciudad en reconstrucción y un juicio en una zona donde los soviéticos están a la vuelta de la esquina, combinado con agencias en reciente formación ponen mucha presión a los episodios dramáticos que los usan de base. Como licencia artística es una buena movida, porque como realidad histórica estira la línea de la suspensión de la realidad (sin romperla).

Lo que fue como una piedra en el zapato (incómodo)

La brevedad de los acontecimientos. El uso del "fait acompli" es válido dentro del marco narrativo. Es válido que no aparezcan los procedimientos policiales que se relacionan con el arresto, ni los datos relacionados con la investigación; la obra no los necesita porque esa no es la intención original del relato. A pesar de eso como los extraño.

Lo que estuvo bien

El giro apolítico. Liesl es una víctima, la autora nos guía para que creamos como lectores que ella es un estereotipo de los campos de concentración, cuando la realidad es aún más profunda. El pueblo alemán fue víctima y victimario de uno de los episodios más oscuros de la historia de la humanidad. Al adoptar esta actitud en toda la historia, tanto la obra de ficción como la novela ficticia ganan peso y escapan del cliché al que estamos acostumbrados.

Mi opinión

Cuando llueve sobre Dachau es un testamento político más que un relato. En una era donde el genocidio más cercano es el de Ruanda, la obra nos recuerda que la Segunda Guerra Mundial fue un tiempo que cambió la percepción de la humanidad. Víctimas y victimarios danzan un vals de muerte y destrucción a través de las secuencias epistolares de la obra de ficción, se reúnen para pagar el precio por sus actos y buscar el perdón. Este legado es lo que le permite a la obra sobresalir a pesar de su extensión y erguirse con orgullo entre otras del mismo género. Por esto felicidades.

Feliz lectura!

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Obsesión: Relatos entre amor y odio

noreply@blogger.com (Somet) — Sun, 23 Aug 2026 06:33:00 -0600

Autor: Antonio Lagares

Editorial: Kindle

Páginas: 188

ASIN: B0087ASOCG

Formato: Ebook

Sinópsis: Obsesión se desarrolla en quince historias cortas, con temática y estilo variado, y en donde todos sus personajes están marcados por el mismo sentimiento que produce el desencuentro entre el amor y el odio, que es la obsesión. Una obsesión que habita en sus cerebros y que en algún momento tienen que expulsar de él. Esta obsesión va a desencadenar situaciones límites y variadas, pasando de lo cómico a lo trágico en un abrir y cerrar de ojos. Nos vamos a encontrar con: sed de venganza, ansias de amor, conciencias obsesivas, vidas atormentadas, mentes angelicales, presentes sin futuro, y sobre todo, un mundo paralelo en donde habitan estas mentes tan comunes en nuestra propia sociedad. Sociedad que nosotros mismos amurallamos para que no puedan integrarse a ella, y para que nuestros ojos no vean más allá, no conozcan ese otro mundo, que en verdad, ni siquiera nos interesa conocer. Obsesión es una obra que estimula al lector a adentrarse en la mente de sus protagonistas.

Lo malo: Nada.

Lo incomodo: Las múltiples referencias a los problemas mentales para cada relato. La mayoría de los relatos contemplan una introspección al subconsciente del individuo, donde tras una pequeña y formal presentación de estabilidad mental viene el giro que muestra la enfermedad que los afecta. Esto viene como un giro interesante en los primeros relatos, pero se torna agobiante conforme se avanza en la obra.

Lo bueno: La narrativa. El motor narrativo es fluido, óptimo y va rápidamente al grano. El desarrollo de la trama en cada historia es precisa, no trata de excusar al paciente ni de justificarlo; simplemente lleva al lector en un paseo intrigante sobre el subconsciente al enfocarse en su punto de vista, para ver sus reflexiones y tomar nota de cada una de sus tragedias, vivencias o formas de pensar. Esto nos permite percibir a cada personaje a pesar de sus carencias mentales o vicisitudes.

Mi opinión: Obsesión es una obra que se adentra en el subconsciente de cada caso desde un punto de vista clínico y sin ningún tipo de adorno. En la revelación descarnada de todos los horrores y giros que puede dar el ser humano, las historias sugeridas en este bloque permiten adentrarnos a una parte de nuestro subconsciente que no deseamos conocer. De esta forma siempre nos sorprenden los giros, pero a la vez se sienten ajustados a una realidad que vivimos. Por este delicado balance, Obsesión debe estar siempre en nuestras mentes.

Feliz lectura!

Emilly (de Recesvintha)

noreply@blogger.com (Somet) — Sun, 23 Aug 2026 00:03:00 -0600

Autor: Recesvintha

Editorial: Wattpad

Contacto: Emilly

Formato: Wattpad

Sinópsis: Tras los incidentes que marcaron trágicamente la vida de Maggey Reynold, ella esperaba poder disfrutar de unos años de calma junto a su hija Madge. Pero la misteriosa muerte de su hija, una muñeca de porcelana que ha dejado de ser adorable y el fantasma del pasado que no está nada contento con los juegos del destino, harán todo lo posible por evitarlo. La tenaz inspectora de policía Julia y su jovial compañero Henry, vivirán todo tipo de sucesos en su camino para hallar al verdadero culpable de lo ocurrido a la pequeña Madge Reynold. Pero no lo olvides: uno nunca debe fiarse de las apariencias.

«Un segundo relámpago dio luz de nuevo a la habitación, y la muñeca de ojos de cristal ya no estaba.

Emilly ya no estaba. »

¿Te atreves a descubrir el misterio que la lógica no sabe explicar?

Lo malo: Si se puede llamar un problema, algo que debe poner atención es el nivel de complacencia con lo que es "correcto" en lugar de concentrarse en lo que es "justo". Existen muchas oportunidades dentro de la historia en que la carrera de ambos policías debió haber quedado desacreditada por los giros que daba la trama, sin emba rgo no sufren ninguna consecuencia. Tal como lo dijo Gil Grisom de CSI en sus primeras temporadas cuando un taxista ilegal entrega información para la captura de un asesino. "Él ira a la cárcel por asesinato y usted será expulsado del país, porque usted trasgredió la ley, sin importar que haya ayudado en el caso". En una novela de detectives ese siempre debe ser el Norte, la justicia siempre se impone, por encima de todo.

Lo incomodo: Emily se balancea tenuemente entre el género fantástico y el género de detectives. Muchas veces el género fantástico y sobrenatural se impone sin una explicación completa. Eso no es malo porque la obra constantemente pone a la vista del lector que hay cosas que van más allá de la comprensión humana y que están sucediendo. Sin embargo, no deja de ser incómodo.

Lo bueno: Emily es sólida y puntual. Eso es un gran mérito para una obra que combina dos géneros irreconciliables. Muy pocos autores han podido relacionar el género de detectives con el género fantástico, logran mantener el interés constante con cliffhangers efectivos al final de cada capítulo y distribuyendo la emoción con dosis precisas. Para una serie de entregas es básico mantener el interés y la premisa, esta obra hace esto y amarra al lector hasta el final donde el desenlace lo obliga a uno a sentarse a terminar de leer, para saber como termina.

Mi opinión: A pesar de la inexperiencia de Recesvintha, Emily es un fiel testimonio de que el talento y la imaginación no tiene edad ni género. Con un gran habilidad, la obra consigue atraer a los lectores casuales y cautiva a los seguidores más fuertes del género de las Historias de lo Oculto. Desde este punto de vista, con más de 100 mil visitas, 4200 votos y más de 3000 comentarios; la obra los merece. Con una buena edición y personas que sepan del género podría conseguirse la gran obra y el sueño de este joven de aspirar a algo mejor. Porque la calidad y el valor están ahí, lo único que le hace falta es pulirlo. Suerte con eso.

Feliz lectura!

Ready Player One, un completo geekfest

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 22 Aug 2026 21:36:00 -0600

Ready Player One

Autor: Ernest Cline
Editorial: Random House
ISBN: 978-0307887436
Fecha: 16/08/2011
Páginas: 384

Sinopsis

Es el año 2044 la realidad es caótica, la gran mayoría de las personas vive en una realidad virtual llamada OASIS, la moneda virtual es la mas fuerte del mundo y ha desplazado al resto a un segundo plano, todo es posible en OASIS, Wade Watts es un adolescente que ha dedicado a dedicado su vida a resolver el acertijo que dejo el creador de OASIS, James Halliday, al morir; el que logre pasar las 3 puertas sera el nuevo dueño de OASIS y sera la persona mas rica y poderosa en el planeta.

Como es de esperarse el no es el único, millones de personas también buscan las pistas, haciendo se llamar "Gunters", ademas de la empresa de Internet mas grande del mundo que intenta controlar OASIS por la fuerza, liderados por Nolan Sorrento jefe de IOI.

Cuando Wade descubre la primera llave y pasa la primera puerta, se convierte en el objetivo de los "Sixers" (empleados de IOI) y la fascinación del resto del mundo.

Lo Bueno

Para los que crecimos en los 70s, 80s y 90s tiene muchas referencias de videojuegos, música y películas, el universo dentro de OASIS es inmenso y contiene planetas con muchos contenidos que generan muchísima nostalgia en el lector, por ejemplo usan naves de Star Wars, Gundam, Star Trek, armas de Ultraman, WoW, la batalla final es increíble se enfrentan robots de Mazinger, Mecha-Godzilla, el Tigre de la serie japonesa de Spider-man, usan la capsula Beta de Ultraman, etc.

Ademas muestra un mundo al que realmente estamos ingresando en este momento, este futuro tiene una única red social que alberga todo el conocimiento de la humanidad de forma gratuita, ligado a tu cuenta puedes tener emuladores, juegos, comics, películas, creas archivos, canales de vídeo,etc.; la realidad virtual es total, los 5 sentidos son incluidos.

Lo Malo

No encuentro algo malo, a lo mucho seria que no tiene muchas referencias a cómics :)

Mi Opinión

Es una muy buena historia con mucho contenido atraparte, la verdad no quiero contar mucho cada quien debe descubrir este mundo mientras lee, si eres parte de Neoverso debes leerlo si o si, créanme los atrapara y no los dejara aunque terminen de leerlo.

El Color de la Magia

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 22 Aug 2026 18:25:00 -0600

El Color de la Magia es una novela de fantasía escrita por sir Terry Pratchett y fue publicada por primera vez en 1983. Este escritor de origen británico ha escrito más de 60 libros y se calcula que ha vendido 40 millones de copias alrededor del mundo.

El Color de la Magia es la primer novela ambientada en el fantástico Mundodisco.

Pero ¿qué es el Mundodisco? En palabras simples es un mundo plano con forma de disco que descansa sobre los lomos de 4 elefantes gigantes que a su vez se encuentran sobre el caparazón de la gran tortuga A' Tuin que surca el espacio.

Sir Terry Pratchett

En este increíble mundo es donde habitan los particulares personajes de esta novela. Primero conoceremos a Rincewind, que podría ser considerado el mago más inútil de la literatura fantástica, es avaro, torpe y bastante miedoso. Además no puede utilizar la magia ya que uno de los 8 hechizos elementales por accidente se instaló en su mente y esto no le permite aprender hechizos nuevos.

Luego tenemos a Dosflores, un turista que ha llegado de tierras lejanas para ver con sus propios ojos a los héroes, magos y criaturas fantásticas que en su hogar son meras leyendas. Dosflores es gracioso, confiado y bastante ingenuo y su equipaje, un gran cofre con cientos de patas, le sigue a todos lados.

A Rincewind le es encomendada la tarea de proteger a Dosflores durante su viaje para que vuelva sano y salvo a su hogar. Esto no será nada fácil ya que Dosflores se mete en muchos problemas debido a su ingenuidad y Ricewind se verá arrastrado a situaciones muy peligrosas donde deberá enfrentarse a la constante mala suerte que le persigue.

Además de ellos, el Mundodisco está lleno de personajes interesantes: gremios de ladrones y asesinos, enormes trolls, espadas que hablan, heroes como Bravd el Ejeño, Comadreja y Hrun el Bárbaro, dragones que solo existen si crees en ellos, dioses que literalmente juegan a los dados con la vida de los mortales y el más particular de todos: la misma Muerte.

La gran tortuga A' Tuin

En "El Color de la Magia", Terry Pratchett nos lleva de la mano a visitar por primera vez el Mundodisco, por esto el autor se toma su tiempo para explicarnos todas las particularidades de este mundo: su clima, sus puntos cardinales (completamente diferentes a los reales), la escala social, el funcionamiento de la magia y muchos otros que ayudan a dotar de lógica y coherencia a la historia y que además son necesarios para entenderla. Pero tal vez algunos lectores no disfruten el hecho de que el autor haga a un lado la narración principal para explicar algún detalle y luego volver a ella, pero eso ya es cuestión de gustos.

Además la novela esta repleta de momentos cómicos y sátiras a los estereotipos de la literatura fantástica que hacen que la lectura se disfrute bastante y que sus casi 300 páginas se acaben en corto tiempo.

Una lectura que no debe faltar en la biblioteca de todo amante de la Fantasía. Y esta es tan solo la primera de alrededor de 40 novelas ambientadas en el Mundodisco.

Si no han visitado el Mundodisco ¿Qué están esperando? Si ya lo hicieron ¿Qué les pareció? ¡No dejen de leer!

Corrupción y Pureza. ¿Es posible amar en un mundo inhumano?

noreply@blogger.com (Somet) — Sat, 22 Aug 2026 06:16:00 -0600

Autor: Julio G. Castillo

Edición: Kindle

Páginas: 258

ASIN: B00MQU5ZFM

Formato: Ebook

Sinópsis: César es un poderoso bróker financiero que atraviesa una profunda crisis existencial.

María es una hermosa joven que aspira a un mundo mejor.

Les une un destino mágico.

¿Chico encuentra chica? ¿O una vuelta de tuerca a la novela romántica?

El lector podrá elegir entre las siguientes definiciones (o añadir una propia):

• Un thriller con glamour.

• Pretty Woman sin almíbar .

• Cuento de hadas adulto.

• Crítica social con humor inteligente.

Intriga, amor y humor se combinan, con el trasfondo de una sociedad corrupta y de las guerras que azotan al mundo.

Julio G. Castillo es periodista y escritor.

Ha ganado varios concursos literarios. Los más recientes:

• «Narrativa de Ediciones Oblicuas» (2010), con la novela «Gratis Total».

• «Premio Internacional Sexto Continente de Relato Negro” (2012), patrocinado por Radio Nacional de España y Ediciones Irreverentes, con la narración: “Cómo acabé con el sistema financiero”.

Lo malo: El final. Una vez que se pasa cierta línea, el final debe venir desencadenado para satisfacer al público. Si existe alguna debilidad en esta obra es su final, en donde su breve exposición apenas parte sirve para desenredar algunos entredichos sin atar todos los cabos.

Lo incómodo: Nada.

Lo bueno: El aspecto narrativo. Aunque a veces un poco forzado; las descripciones casuales encapsuladas encierran una acción narrativa fluida; con diálogos sagaces y sin desperdicios, rápidos giros de la trama para aderezar la trama y puntos de clímax bien puestos. De esta forma queda poco tiempo para dejar la suspensión de la trama y permite una lectura placentera.

Mi opinión: Corrupción y Pureza es el cuento de hadas llevado a la vida moderna. La magia y el destino se mezclan con la verdad, que en este mundo casi nada es obra de la casualidad. El líder aprensivo, el hombre que desea las cosas guía con mucho tino el curso aleatorio de los acontecimientos para que sucedan de forma que uno quiera. Y aunque las cosas no salen como quiere, la obra sienta esto en la mente del lector con una indicación, ¡nada es gratis en esta vida, ni siquiera el amor!

La señal del gato negro

noreply@blogger.com (Somet) — Sat, 22 Aug 2026 06:06:00 -0600

Autor: Jesús Jiménez Gonzalez

Edición: Kindle

Páginas: 108

ASIN: B00P16OHBG

Formato: Ebook

Sinópsis: La señal del gato negro se compone de 13 escalofriantes, perturbadoras y terroríficas historias en las que siempre el místico animal aparece de alguna forma u otra. Con su presencia dejará constancia de su estrecha relación con los más inexplicables, macabros, sangrientos y trágicos sucesos, avanza y supera sus problemas para quedarse fija en el lector.

Lo malo: La prisa. Se nota por la forma de escribir y el tiempo de la narración que el autor es novato, en varios de los relatos con tal de llegar al desenlace se da demasiada prisa y omite detalles precisos que podrían hacer su narración terrorífica. Esto deja la sensación de que no hubo estudio y en lugar de un suspiro de terror deja una mirada inquieta al texto preguntando, ¿eso es todo?

Lo incómodo: El gato negro. Aunque este heraldo es constante de que la vida de sus protagonistas esta a punto de extinguirse; en muchos de los relatos el autor pudo haber manejado la figura de forma más significativa para que no saltara inecesariamente y sin tener nada que ver en la trama. Pero eso ya depende de la habilidad del autor más que todo.

Lo bueno: Las historias. Todas y cada una de las historias son autocontenidas, poseen una introducción donde los personajes se nos presentan, el cuerpo, el clímax y un desenlace. Aún con la prisa, ninguna de estas historias queda incompleta y en algunas uno de verdad suspira por lo ocurrido. Por esto considero que como aperitivo esta muy bien para uno de los géneros más populares en línea.

Mi opinión: Como una obra del género de terror, La señal del gato negro cumple con la premisa esencial que debe tener la obra, un relato de terror sobrenatural que termina por convencer al lector de que las cosas no son como uno cree. Esa duda a pesar de que el consciente y la realidad le dicen que uno lee ficción es lo que le da un buen sentido a la obra, la cual avanza y supera sus problemas para quedarse fija en el lector.

El Gen. Las ruinas de Magerit.

noreply@blogger.com (Somet) — Fri, 21 Aug 2026 05:42:00 -0600

Autor: Covadonga González-Pola Jaquete

Editorial: Kindle

Páginas: 806

ASIN: B00H79F3YU

Formato: Ebook

Sinópsis: Sobrevivir al fin del mundo es algo tan cruel como paradójico. ¿Qué sucedería si la Humanidad se viese destruida por culpa de su propio poder, qué pasaría si finalmente todo el progreso acumulado y el egoísmo de las personas por conseguir su propio bienestar se viesen revertidos, y acabasen con nosotros tan rápidamente como podemos chasquear los dedos?

“El fin”, es lo que la mayoría de la gente diría. “Se acabó”, y, a pesar del dolor, no habrá más que llorar hasta que llegue, pues no habrá un mañana. El problema, en nuestro caso, fue que sí hubo un mañana, bajo un sol más gris y más lejos de nosotros, diezmados, agotados, hambrientos y enfermos porque nos tocó seguir en un mundo que ya no debería existir. Hasta los planes del mismísimo Anticristo pueden salir mal.

Esta novela nos sitúa en la supervivencia de la distópica ciudad de Magerit, una ciudad creada a imagen de Madrid que, tras sobrevivir al Fin del Mundo, se ve convertida en la única esperanza de la Humanidad por salir adelante.

En medio de un caos aprovechado inteligentemente por los poderosos para establecer una cruel dictadura, surge un rayo de esperanza: un grupo de niños, señalados por una marca blanca en el costado y que parecen haberse adaptado a las nuevas condiciones de la ciudad, volviéndose más diestros y poderosos. Guiados por un misterioso líder conocido como El Bávaro, plantan cara al poder establecido para tratar de dar a los seres humanos una última oportunidad de sobrevivir.

Con la lucha por el control del metro como única vía de acceso a la ciudad y una guerra por la posesión de los últimos pozos de agua como hilo conductor, conoceremos las vidas de estos niños marcados como elegidos, cuyos poderes van de la mano de sus diferentes personalidades.

Lo malo:

Material. Esta expresión francesa engloba la gran debilidad de la novela. En esta sociedad distópica descrita de forma precisa, el autor no delimita el alcance del material militar y los suministros a la disposición de los habitantes de la ciudad. Todo posee una cadena de suministros, sean armas, comida, agua y municiones. El peor lugar para quedarse luego de una catástrofe como El Martes es una ciudad sin una buena fuente de aprovisionamiento. Esto también queda manifiesto con las tácticas militares y la organización de las partes en conflicto, usadas a lo largo de la obra. Esa falta de formalidad (aunque sea una mínima mención) puso en peligro la obra durante toda su lectura (por lo menos en mi caso).

Lo incomodo: La edición. Se nota por el documento en Kindle que la obra fue hecha en un editor de texto en diferentes etapas, debido a la distribución de los diálogos en el primer capítulo. Cuando uno elabora un escrito en Kindle debe revisar la distribución que presenta en todos los dispositivos de Kindle. La distribución debe ser uniforme en todo el documento, si se presenta un salto puede resultar evidente, más para quien ha trabajado en esta plataforma.

Lo bueno: El giro de la trama. El clímax fue realmente sorprendente, la revelación llegó en el momento justo, la reacción fue la esperada y la novela terminó de forma concisa y rápida. A propósito se dejaron lazos abiertos, pero el cierre fue impecable y llegó oportunamente; lo que deja al lector con un palmo de narices que no se desenrollo sino hasta el momento oportuno (aunque se lanzaron algunas pistas por el camino).

Mi opinión: Al comenzar, El Gen no me ocasionó una impresión duradera. Su inicio es realmente desestimulante y en algunas veces innecesario, aunque se explica perfectamente por la necesidad de sentar la trama. Pero, a pesar de los problemas en la estructura y el temor de hacer daño a personajes entrañables, la autora cierra con un portazo que deja al lector deseando más. Esto redime una obra que está muy bien escrita (salvo algunos lunares ortográficos y de edición) y que tiene un contenido rápido (devoré las 800 páginas en poco tiempo). Por lo demás, espero más de esta autora novel.

Feliz lectura!

Los Mejores Anime de Futbol

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 1 Jun 2026 15:40:00 -0600

Solo los mejores animé de fútbol ¡El deporte rey no podria ser ignorado por el animé! Aunque hasta hace poco tiempo no era tan popular en el país asiático, todos hemos oído al menos de alguna serie de animé japonés emitida en occidente. Desde el legendario Super Campeones (Captain Tsubasa) hemos tenido decenas de series sobre este deporte, y lamentablemente no todas muy disfrutables.

Esto porque el animé tiende a recaer en ciertos clichés, pensados para su mercado otaku, que no necesariamente funcionan bien para los fanáticos del deporte. Por eso, en Neoverso hemos querido establecer una lista de los mejores animés de fútbol, que traten verdaderamente de FUTBOL. No de poderes especiales, canchas interminables, o jugadas fantasiosas… ok, tal vez un poco de esto sí, pero por demás, esta es la lista de los animés de fútbol que necesitas ver.

Ya sea que ames u odies el fútbol, aquí tienes una lista de series que podrás disfrutar porque su contenido, narración, historia y personajes te podrán atrapar. Sin ningún orden en particular, aquí tienes las mejores historias de animé de fútbol.

Los Mejores Animé de Fútbol

GOAL FIELD HUNTER

Un clásico que merece estar en la lista de los mejores animé de fútbol.

Hikaru Tatsumura es un joven japonés que viaja Brasil para cumplir su sueño de ser un gran jugador de fútbol porque una vez conoció a un gran jugador que era admirado por toda la gente. Aunque Tatsumura es una persona muy alegre y tranquila, cuando se trata de fútbol se vuelve serio y fuerte. Lamentablemente, tiene problemas de disciplina y es muy bocón. También tiene una actuación única, como hacer un baile divertido con su amigo después de marcar un gol. Tatsumura se enfrentará a muchos retos con su equipo mientras aspira al éxito.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Una serie de animé buena para su época, con un estilo que parece un poco antiguo ahora, pero la animación es fluida y los personajes están bien hechos, y son diferentes entre sí a diferencia de Captain Tsubasa, que tiene un máximo de 15 caras en todo el manga. No esperes efectos super especiales, disparos de fuego, redes rotas o físicas imposibles: aquí todo sucede como en el mundo real. Ese es probablemente el mayor atractivo, o al menos, lo que lo hace diferente a muchos otros deportes shonen. Es decir, muchos tiros van fuera, los jugadores se cansan, no hay pistas de seis kilómetros, etc.).

Goal Field Hunter un buen doblaje en español latino

Icaro (o Hikaru) tendrá que recorrer un largo camino luego que sus problemas de disciplina le cierren las puertas de casi todos los clubes. Tendrá que demostrar su valía como jugador, jugando entre los equipos de reservas, con el objetivo final de ser convocado a la selección de Japón, y finalmente, ganar la Copa Mundial de Fútbol.

Aunque antigua, es una serie muy recomendable para los fans del futbol en general, y también para las personas que les gusta el anime deportivo sin mucha parafernalia.

GINGA E KICKOFF!!

Shou Oota, un niño de sexto curso que ama el fútbol con una pasión sólo posible en el personaje de un anime deportivo, formaba parte de un equipo de fútbol, pero éste se disolvió por falta de jugadores. Sin embargo, después de que el chico conozca a una jugadora de fútbol profesional, se propone recuperar su equipo de fútbol.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Alegre, ruidoso, persistente y optimista, Shou ama el fútbol, aunque el fútbol no le ame a él. A diferencia de otros protagonistas famosos como Tsubasa (Captain Tsubasa), que básicamente era la personificación terrenal del Dios del Fútbol, o Kyosuke (Hungry Heart), Toshihiko (Aoki Densetsu Shoot!) y Kakeru (Area no Kishi), que tenían problemas, pero desde el principio sabías que eran prodigios, Shou no tiene habilidades.

Sin embargo, el talento tiene muchas formas, y aunque no es un gran jugador con los pies, tiene una gran visión y comprensión del juego, y es capaz de ordenar a todo el equipo desde su posición como defensa central. Básicamente, el equipo funciona a través de él. Por supuesto, con trabajo duro, su va a pulir sus habilidades para convertirse en un jugador respetable, y no sólo un organizador.

En Victory Kickoff!! se juega al futbol, de eso no hay dudas. Acá no hay súper poderes, ni tiros dementes o técnicas ridículas, las canchas donde juegan los chicos de primaria son, la verdad, una porquería (nada de pasto que parece una alfombra), y las tribunas están bastante vacías (excepto por algunos familiares y amigos). Algunos tiros están exagerados a nivel visual, pero no son descabellados en su resultado (o sea, podrá salir humo, polvo, o lo que sea, pero el arquero no va a salir volando por intentar agarrar la pelota).

Ginga e Kickoff! es una gran opción dentro del género deportivo. Partidos interesantes y muy dinámicos, personajes muy queribles y carismáticos, un ambiente muy relajado y alegre, pero con su dosis de emociones y pequeños problemas, y un nivel audiovisual superlativo convierten a GeK! en un anime muy recomendable para los fans del futbol, y también una buena opción para los que quieran ver uno de los mejores animé de fútbol con chicos y sin drama.

WHISTLE!

El sueño de Kazamatsuri Shou siempre ha sido convertirse en futbolista profesional, pero tiene un problema: no se le da muy bien el juego. Fue admitido en el prestigioso instituto Musashi no Mori, conocido por su equipo de fútbol de alto nivel, pero nunca pudo pasar del tercer puesto. Tras trasladarse al instituto Sakura Jousui, por fin puede jugar al fútbol. Y, con el apoyo de sus nuevos amigos y compañeros de equipo, su firme determinación y mucho trabajo duro, sus habilidades futbolísticas se están desarrollando rápidamente y ponen a Shou en el buen camino para alcanzar su sueño.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Este anime sigue a un chico de secundaria, Shou Kazamatsuri, al que le gusta el fútbol y trabaja muy duro para mejorar y llegar a lo más alto. Pasará de ser un suplente de tercera fila en un colegio a convertirse en un jugador increíble en otro.

Creo que lo que hace que este anime entre a la lista de los mejores animé de fútbol es el carácter de Shou. Creo que está destinado a tener un pedacito de todo el mundo dentro de él, de mí, de ti y de cualquiera que vea esta serie. Creo que tiene aspectos y rasgos que se pueden encontrar en cada uno de nosotros, creo que esta es en parte la razón por la que veo este anime y lo disfruto tanto, es casi como si a veces estuviera viendo un poco de mí mismo en el anime que tengo delante. Cuando veo esto, no pienso, “oh estoy viendo un anime de fútbol”, pienso en ello como la historia de un chico que se esfuerza por conseguir su objetivo, un chico que está dispuesto a trabajar más duro para llegar a la cima ¡porque puede!

Definitivamente es un anime que vale la pena ver al menos una vez, incluso si no te gusta el fútbol, definitivamente te animo a ver esta serie. La historia y los personajes son sin duda los puntos fuertes del anime y lo que lo convierte en lo que es. El arte y la música también son agradables y despiertan aún más el deseo de seguir viéndola.

DAYS

Dos chicos llamados Tsukushi y Jin. Tsukushi es un chico sin ningún talento o rasgo especial, mientras que Jin es considerado un genio del fútbol. Una noche de tormenta, Jin conoce a Tsukushi y ambos se ven sus destinos arrastrados al mundo del fútbol.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Days es un anime deportivo sin pretensiones que no se centra solo en el juego en si, sino en los personajes de la serie, nos presentan sus miedos y alegrias, quizás tiene el mejor desarrollo de personaje que he visto en un anime deportivo.

El arte de Days es muy bonito, pero no es el punto en el anime deportivo en el que enfoco mi validación, pero me siento muy agradable viendo el arte de la serie. La música es buena, es similar a la mayoría de anime OST cliché que logra mezclar los grandes momentos con esplendorosa canción o enmarca sus momentos tristes con una canción que rompe nuestros corazones.

Mientras la mayoría de animés deportivos nos muestran a un protagonista con un talento oculto que va puliéndose para convertirse en un fenómeno deportivo, Days va en la dirección diferente. Nos muestra a un personaje realmente malo (a veces, demasiado malo) y como poco a poco deja de serlo con trabajo duro y crueles experiencias.

En definitiva, creo que Days es una serie inspiradora merece la pena verla tanto si te gusta el anime deportivo como si no. Por eso esta en esta lista de los mejores animé de fútbol.

AREA NO SHIKI

The Knight in the Area es la historia de Kakeru Aizawa, hermano menor de Suguru Aizawa, un prodigio del fútbol que pertenece a la selección nacional sub-15 de Japón. Antes del comienzo de la serie, Kakeru deja su puesto de delantero tras una experiencia traumática que le impide jugar con la pierna izquierda y se conforma con un puesto de directivo. Después de que ambos sean atropellados por un camión, Suguru muere y su corazón es trasplantado a Kakeru. Con él, Kakeru vuelve al fútbol para cumplir su sueño y el de su hermano de ganar la Copa del Mundo.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Por lo general, los animes de fútbol no suelen explorar mucho a los personajes, salvo los temas tradicionales de superación personal y amistad. Eso se debe sobre todo a que lo importante ocurre dentro del campo, no fuera. En Area No Shiki, sin embargo, no es exactamente así.

No digo que este anime sea revolucionario en cuanto al desarrollo de personajes, pero algunas cosas serias tienden a suceder en el plano personal, siendo los personajes más importantes en este asunto Kakeru y Seven. Esto puede resultar atractivo para las personas a las que no les guste tanto el fútbol, pero que disfruten del ambiente deportivo y de cierta interacción entre los personajes. Y gracias a esto, es que merece un lugar entre los mejores animé de fútbol

HUNGRY HEART: Wild Striker

Kyosuke Kano ha vivido toda su vida a la sombra de su exitoso hermano Seisuke, que es futbolista profesional. Cansado de que lo comparen y lo menosprecien, abandona la práctica del fútbol hasta que un chico de su nuevo instituto lo descubre y le pide que se una a su equipo. Kyosuke se une a él y entabla amistad con otros dos jugadores de primer año llamados Rodrigo y Sakai con el sueño de convertirse ellos mismos en futbolistas profesionales.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Aunque no destaca mucho Hungry Heart Wild Striker es sin duda un gran anime deportivo, infravalorado y subestimado. Aunque contiene bastantes elementos y personajes shonen estereotipados, el anime es en realidad mucho más profundo de lo que parece a primera vista.

Simplemente no puedes evitar ver episodio tras episodio porque la historia es bastante impredecible. Cuando crees que un equipo va a ganar, acaba perdiendo. Cuando crees que van a perder, acaban ganando. Incluso la propia trama tiene algunos giros que no se ven venir. Aunque los encuentros tienden a repetirse con la animación, siguen teniendo algo de desconcertante que te hace mirar con expectación. En resumen, Wild Striker es divertido al máximo.

La animación y el arte es realmente ponen muy bajo nivel de este animé. Lamentablemente la falta de detalle en el diseño de los personajes y la variabilidad de la animación lo alejan del primer nivel de los mejores animé de fútbol No obstante, merece la pena echarle un vistazo.

AOASHI

Aoashi cuenta la historia del joven Ashito Aoi en su tercer año en la escuela secundaria de la ciudad de Ehime y su encuentro con el entrenador de fútbol Tatsuya Fukuda. Ashito, a pesar de su talento, es un chico difícil, pero Fukuda cree en él y le invita a unirse a su equipo. Ashito podría muy bien cambiar la faz del fútbol japonés.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Lo más loable de Ao Ashi es la dificultad del deporte. La mayoría de los anime deportivos se toman sus deportes a la ligera y no hacen hincapié en las técnicas ni en formas serias de mejorar, aparte del espíritu de equipo y el trabajo duro.

En Ao Ashi, sabemos que es físicamente agotador, mentalmente agotador y que puede arruinar tanto tu cuerpo como tu psicología. Cuántas técnicas hay que enseñar, cuánto debe hacer el deportista dentro y fuera de la pista, cómo tiene que cuidarse y qué enorme capacidad emocional se necesita. Y al mismo tiempo, cómo los entrenadores pueden utilizarte en su propio beneficio sin importarles tus opiniones, y cómo tus compañeros de equipo pueden sabotearte o no preocuparse por ti.

GIANT KILLING

El East Tokyo United (ETU) lleva varios años luchando en la mejor liga de fútbol de Japón. Ha necesitado todo lo que tenía para evitar el descenso. Para empeorar aún más las cosas, el equipo ha perdido cinco partidos seguidos, lo que ha hecho que la moral del equipo esté por los suelos. Incluso los aficionados están empezando a abandonarlos, y los rumores apuntan a que el ayuntamiento de la localidad les va a retirar su apoyo. Con innumerables entrenadores despedidos y malas decisiones financieras a la hora de contratar jugadores, la ETU se encuentra en una espiral descendente.

La junta directiva, presionada por el director general Kousei Gotou, se arriesga y contrata a un nuevo entrenador, el ligeramente excéntrico Takeshi Tatsumi. Aunque se le consideraba un gran jugador de fútbol cuando era más joven, Tatsumi abandonó la ETU hace años. Sin embargo, desde entonces, ha demostrado tener éxito como entrenador de uno de los equipos de aficionados de la división inferior de Inglaterra.

La tarea de Tatsumi no será fácil; los seguidores de ETU le llaman traidor, y el equipo se enfrenta a otros con mayor presupuesto y mejores jugadores. Sin embargo, hasta el más débil puede derrotar a un goliat, y Tatsumi afirma que es un experto en matar gigantes.

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Adictiva, llena de suspenso y divertida, esta es una historia sobre lo que le cuesta a un equipo de fútbol disfuncional con un pobre historial recuperar su honor y triunfar en la liga nacional de fútbol. Este equipo se llama ETU (East Tokyo United). Los miembros de ETU empiezan con muchas dificultades: mala comunicación, personalidades conflictivas, una mezcla de baja y alta autoestima y una excesiva dependencia de un miembro del equipo. Pero dentro de cada jugador hay un talento que está esperando a manifestarse. Su nuevo entrenador, Tatsumi Takeshi, les ayuda a sacar el “mata gigantes” que todos llevan dentro.

Táctica. Táctica. Tactica. Esta es la escencia del fútbol. No esperen amistad, ni superación personal. Giant Killing se trata de estrategia, táctica. Visto desde el ego insufrible de su excéntrico y talentoso entrenador. No hay un protagonista central, ni tampoco un prodigio deportivo: todos se esfuerzan por alcanzar y mantener sus habilidades, y reciben la misma atención. Y por eso, Giant Killing destaca entre los mejores animé de fútbol en una forma especial que ningún otro animé de futbol ha podido hacerlo. Si te interesa saber más sobre este animé, tenemos un artículo extenso sobre este.

BLUE LOCK

Yoichi Isagi recibe una invitación de la Unión Japonesa de Fútbol como uno de los trescientos delanteros sub-18 seleccionados para un controvertido proyecto llamado Blue Lock. El objetivo último del proyecto es convertir a uno de los jugadores seleccionados en el delantero estrella de la selección japonesa. Para encontrar al mejor participante, cada diamante en bruto debe competir contra otros a través de una serie de competiciones individuales y por equipos para llegar a lo más alto. Dejando a un lado sus objeciones éticas al proyecto, Isagi se siente obligado a abrirse camino hasta la cima, aunque ello signifique aplastar sin piedad los sueños de 299 jóvenes aspirantes a delanteros.

El animé que más controversias ha despertado entre los fanáticos del animé de fútbol del 2022. No, por ninguna manera es una serie que sea una referencia lógica o real del fútbol. Más al contrario, es muy desinformativa sobre el espíritu y la naturaleza del deporte. Y su premisa es igualmente loca y absurda. ¿Quizás es ese su encanto? ¡Joder, sí lo es!

¿Por qué esta entre los mejores animé de fútbol?

Imagínate, 300 adolescentes de instituto aceptan voluntariamente tirar su futuro por la borda sólo para producir 1 gran jugador, encerrados en unas instalaciones sin luz solar, sin permitirles tener una vida fuera, sin plan de dieta, sin habitaciones adecuadas, sin entrenadores ni nadie que les enseñe sobre fútbol. Aceptar entrar en el Blue Lock es como aceptar que te metan en un manicomio. Y es exactamente lo que pasa, cada uno de los personajes está mal de la cabeza a su manera, y ver cuán locos se pueden poner es parte del encanto magnético de este “survival game“.

Es muy posible que si eres un purista del fútbol, encuentre chocante esta serie, y si de plano odias al futbol, tampoco te dejará indiferente. Puedes odiar o amar a Blue Lock, pero no puedes ver un episodio e ignorarlo. Y por esa adrenalina que despierta es que se gana un lugar entre los mejores animé de fútbol.

Los Mejores Anime de Futbol

Como toda lista, siempre existirá cierto nivel de subjetividad, pero tratándose de los mejores animé de fútbol se ha buscado crear una lista de los animé que tengan un alto nivel de historia y desarrollo de personajes, pero principalmente, que desborden la pasión por el fútbol. Notarás por eso, que se ha dejado fuera a animés famosos como Captain Tsubasa o Inuzama Eleven, que además de ser demasiado famosos para necesitar difusión, tienen más elementos de fantasía que de deporte.

Si tienes otro animé de fútbol que merezca difusión y ha quedado fuera de esta lista, deja tu sugerencia en los comentarios para incluirlo. ¡Nos leémos!

Goodbye Eri - La adolescencia moderna según Fujimoto

noreply@blogger.com (Joel Edgardo López) — Wed, 4 Feb 2026 22:08:00 -0600

El Autor (in short)

Tatsuki Fujimoto es uno de los mangakas mas jóvenes y a la vez, uno de los mas reconocidos en estos últimos años.Entre sus ex asistentes están Tatsuya Endo (Spy x Family), Jukinobu Tatsu (Dandadan) y Yuji Kaku (Hell's Paradise). Fujimoto es autor de Chainsaw Man, FirePunch y otros títulos de renombre.

Técnica e inspiración

Podríamos enumerar 3 aspectos distintivos de Fujimoto: Acabado digital, influencia occidental y la expresión de la psicología adolescente.

Lo más evidente talvez sea la inspiración en occidente, especialmente el cine. Esta influencia se manifiesta en el escaso o nulo uso de kimonos, kanjis y cualquier aspecto que represente al Japón antiguo, en su lugar hay referencias visuales directas a películas y series. Este aspecto lo relaciona con autores como Hirohiko Araki (Jojo's Bizarre Adventure)

En el realismo de sus personajes vemos una aguda observación del comportamiento humano.

Sayonara/Goodbye Eri

En este tomo unitario el rasgo mas notorio es la fascinación del autor por el cine, el protagonista de esta historia recibe una extraña petición de su madre: "fílmame hasta el final". Con ese material hace una película que presenta en el festival escolar, que resulta en un fracaso rotundo y una burla para todos salvo para "Eri", una misteriosa chica que lo desafía a mirar muchas películas para refinar su estilo y obtener una "revancha".

En obras anteriores ya había demostrado su talento expresando la adolescencia, aquí el protagonista busca definir su personalidad como cualquier otro adolescente, lidiando entre la autoestima y la percepción que los demás tienen de él.

Opinión

La historia tiene varios recursos del estilo de Cervantes como: Contener historias dentro de la historia, la delgada línea entre ficción y realidad y foco en temáticas de actualidad. Aunque nada asegura que esta historia trascienda en el tiempo, tiene los elementos como para lograrlo.

Aunque leemos sobre temas serios no se llega a tocar ninguna fibra sensible, los temas se abordan con mucho tacto y elocuencia. A mi juicio, esta historia merece un lugar especial por la actualidad de los temas que trata, reflexiona sobre el fácil acceso al registro visual y almacenamiento, plantea lo delgada que es la línea entre lo privado y lo público y a la vez, la relación entre lo que somos y lo que mostramos de nosotros mismos en redes sociales. Espero puedas darle una oportunidad. ¡Hasta la próxima!

La Historieta Más Viva Que Nunca, Argentina y el mundo del cómic

noreply@blogger.com (Unknown) — Sat, 13 Dec 2025 08:26:00 -0600

La Historieta Más Viva Que Nunca

Argentina y el mundo del cómic

por Gastón Elian Ocariz

De un pasado próspero en los años 70 a una caída estrepitosa hacia finales de los 90, el sector se vio contra las cuerdas, al punto de llevar a muchos a pensar en un final abrupto y definitivo para la industria de la historieta nacional.

Hoy podemos ser testigos del resurgimiento y consolidación paulatina, a pesar de las desavenencias económicas actuales, de la historieta en todas sus formas. Muchos actores del medio siguen apostando a recuperar el terreno perdido y poner en valor a una de las formas de arte que jamás se rinde. El arte en viñetas.

Del pasado al presente

Argentina es semillero de grandes autores, guionistas y dibujantes de historieta desde los albores de la narrativa en viñetas, muchos de ellos reconocidos a nivel mundial. Podemos mencionar algunos ejemplos: Héctor Germán Oesterheld, Francisco Solano López, Carlos Trillo, Enrique Breccia, Ricardo Barreiro, Juan Zanotto, Quique Alcatena, Eduardo Mazzitelli, Horacio Altuna, José Luis Salinas, Eugenio Zoppi, Horacio Lalia, Lito Fernández, Ricardo Ferrari, Cacho Mandrafina, Ray Collins (Eugenio Zappietro), Carlos Vogt, también Ricardo, Carlos y Enrique Villagrán, y tantos otros autores que han dejado huella en la historia, representando a los Argentinos en el universo del comic internacional.

El país supo tener un importante mercado interno, que fue incrementando su alcance entre las décadas del 40 al 70, convirtiéndose en una industria pujante y prospera. Las editoriales de la época (Editorial Columba, Ediciones Récord, Editorial Abril, Editorial Frontera, Editorial Dante Quinterno, etc.) realizaban grandes tiradas de cientos de ejemplares al mes y la historieta de género, particularmente de aventuras, como así también el humor gráfico tenían una gran aceptación del público lector.

Pueden hacer un recorrido por la historia del cómic nacional en el sitio web "Todo Historietas".

Lamentablemente, fruto de los vaivenes y fluctuaciones que la economía del país, las condiciones de importación de material extranjero a bajos costos, y los elevados precios de producción y distribución a nivel local fueron los factores más significativos que empujaron a la producción nacional a sufrir enormemente a lo largo de los años, particularmente entre los 70 y finales de los 90, empujando a la industria hasta el borde de la extinción.

Las innovaciones tecnológicas que han devenido con la modernidad ofreciendo otras alternativas de entretenimiento, fueron determinantes, diezmando paulatinamente el mercado. Mientras las editoriales fueron reduciendo la producción, el público fue perdiendo el hábito de consumir historietas y eso trajo aparejado una disminución sustancial de la venta directa en los puestos de diarios y revistas, lugar donde el lector tenia mayor facilidad de acceso al material. También sufrieron igual suerte los negocios especializados, emergidos con el auge y frenesí de la importación, abocados al noveno arte. Muchos de estos últimos cerraron sus puertas dada la baja rentabilidad, así llegamos al inicio del nuevo milenio sin industria nacional y con muy bajas expectativas de cara al futuro.

Producto de la situación descrita la mayoría de los autores tuvieron que buscar nuevas oportunidades en el mercado extranjero, claramente más fértil y consolidado, tanto en el viejo continente, como en el país del norte.

Esta situación se prolongó en el tiempo y se afianzo como una realidad insoslayable para los autores argentinos, dado que la prácticamente inexistente industria nacional hacía imposible sustentar la economía doméstica y vivir de su arte.

El resurgimiento de la industria

Toda esta situación podría haberse considerado como el final de la industria, pero muy lejos de eso la historieta ha sabido mantener viva la llama en manos de la autogestión. Los autores siguieron creando, aunando esfuerzos y produciendo material con la esperanza de refundar las bases de la industria nacional. Intento tras intento, con proyectos interesantes, cambiando y adaptando el formato, fueron ganando terreno paso a paso, pero en general sin poder sustentarse económicamente de manera tal que permita a los autores vivir de la historieta, salvo escasas excepciones.

En la medida que los autores siguieron produciendo material, principalmente dentro del ámbito del Fanzine (abreviatura en inglés de fan's magazine, revista para fanáticos) y publicando de manera autogestiva con esfuerzo y dedicación férrea.

El compromiso de pequeños y medianos editores que de manera independiente o a través de colectivos editoriales fueron apostando por el mercado interno fue primordial para la reactivación de la industria.

Los eventos como nexo coordinante en la actualidad

Mucho tuvieron que ver también en este resurgimiento, los eventos relacionados con el noveno arte. La iniciativa de convocar a los diferentes actores del fandom local hizo accesible, paulatinamente, el material nacional de origen autogestivo al lector ávido de historietas.

Si bien hoy las redes sociales son la manera más afín para los seguidores que desean mantenerse al tanto de los acontecimientos y novedades dentro del gran abanico de información relevante respecto al mundo del cómic y sus derivaciones, son los eventos organizados los que ponen en valor el trabajo de los artistas del cómic nacional. Dándoles la oportunidad de interactuar en primera persona con los lectores y colegas del medio.

Son muchos los ejemplos exitosos en el país a lo largo de los años. Dichos eventos han mantenido viva y saludable la pasión por el noveno arte, dando cobijo a los miles de entusiastas y seguidores del universo del cómic en sus diferentes manifestaciones.

A continuación una lista de algunos de los mas destacados dentro del territorio Argentino:

La Noche de los Dibujantes (17 de Febrero - Ciudad Cultural Konex, CABA). Aquí la crónica del evento.

Sismicomix - 2da. Edición (1 y 2 de Abril - Espacio Sísmico, CABA)

Tigre Comic 2 (8 y 9 de Abril hasta 7 de Mayo - Casa de las Culturas de la Municipalidad de Tigre) Aquí las fotos de nuestra cobertura del evento.

Dibujados se va al mazo (6 y 7 de Mayo - Teatro Mandril, CABA) Neoverso estuvo presente, aquí las imágenes.

43.ª Feria Internacional del Libro (27 de Abril al 15 de Mayo - La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires, CABA)

Argentina ComicCon - 7ma. Edición (26 al 28 de Mayo - Centro Costa Salguero, CABA) Neoverso también estuvo presente. Pueden disfrutar del álbum con las fotos de la cobertura.

Docta Comics 3 (8 al 10 de Junio - Centro Cultural España Córdoba, Córdoba)

Multiverso 2017 (16 al 18 de Junio - Centro Municipal de Arte de Avellaneda, CABA)

Feria de Historietas - Asociación Argentina de Editores de Historietas (8 de Julio - La Paz Arriba, CABA) Aquí las fotos de nuestra cobertura del evento.

Comic Cordoba 2017 (14 al 16 de Julio - Teatro Solares, Alta Gracias, Córdoba)

Comarca Comics Fest 4 (22 y 23 de Julio - Universidad Nacional Del Comahue, Viedma)

Comicópolis: Cuarta Edición (1 al 3 de Septiembre - La Rural, Predio Ferial de Buenos Aires, CABA)

Expo Universo Retro (17 de Septiembre - Pabellón 4 Eventos, CABA)

Crack Bang Boom 8 (12 al 15 de Octubre - Parque Nacional de la Bandera, Rosario)

Como podemos apreciar durante 2017, se observa un incremento sustancial en la cantidad, periodicidad y calidad de los eventos relacionados con el fandom local. Muchos de ellos cuentan ya con varias ediciones, invitados internacionales, y por supuesto la presencia de los más representativos artistas nacionales. Dibujantes, guionistas, ilustradores, y demás actores del medio, interactuando con los fans es simplemente un momento mágico e inolvidable para todos los participantes.

Esperamos que el ímpetu alcanzado, prospere y se sostenga en el tiempo. Esta claro que la historieta esta más viva que nunca y la industria nacional siempre dará pelea a las adversidades suscitadas por los traspiés económicos del país.

Nosotros por nuestra parte seguiremos apoyando, como siempre, todos los proyectos vinculados con el universo infinito del arte en viñetas.

© Copyright 2017 - Todos los derechos reservados. Todos los textos e ilustraciones que acompañan este artículo en forma de imágenes, fondos, logotipos, diseños, etc. son propiedad de sus respectivos autores y/o editoriales y solo se utilizan con fines informativos.

Publicado originalmente el 24 de junio del 2017

Recordando a Camaleon El Comix #1

noreply@blogger.com (Unknown) — Fri, 12 Dec 2025 21:54:00 -0600

En agosto de 1997 se publicó el primer número de Camaleón El Comix, publicación que vendría a romper con el paradigma del cómic costumbrista y de crítica política que se acentuó durante la década de los años ochenta y noventa entre el reducido círculo de exponentes del noveno arte en la nación costarricense.

Tradicionalmente, la historia del cómic en Costa Rica ha tenido un estrecho ligamen al género de la caricatura, con expresiones de crítica humorística, muy del estilo del llamado "choteo tico", que no es más que la forma en que el costarricense manifiesta su frustración acerca de la realidad circundante, sin perder el buen ánimo. Sin embargo, con Camaleón se manifiesta si no la primera, la más ambiciosa propuesta de cómic de contracultura en nuestra nación. De ahi su apelativo de "cómix".

Esta propuesta presentaba una clara intención rebelde y hasta experimental, en la búsqueda de una identidad estética. En esta revista diversos artistas mostraban sus historias en diversos géneros, desde historias de horror, hasta comedia, misterio y superhéroes. Así también, los estilos variaban entre los dibujantes de forma marcada, ofreciendo al lector diferentes referencias artísticas.

LOS KIEBRA

Uno de los mitos susurrados acerca de esta publicación, es que para este primer número algunos artistas publicaron más de una historieta, sin embargo, usaban alias distintos en los créditos con el fin de aparentar tener una amplia planilla de dibujantes (estrategia que, dicho sea de paso, usara en su momento el maestro Will Eisner cuando inició su empresa).

Aunque la veracidad de este rumor se oculte entre brumas (y entre bromas) que se esfuman al revisar los nombres en los créditos, les comento esto como un detalle anecdótico y como una muestra del espíritu que transmitía a una generación que tuvimos acceso a ella.

En fin, las historias publicadas y sus artistas involucrados eran:

"BONY BONS": Un joven dibujante de cómic y skateboarder llamado Ron se vuelve el objetivo de un clan de cazadores alienígenas tras absorber una aleación que le convierte en el superhéroe creado por su imaginación. Creado por Cali y Cambo.

"RATH": otra historia que podríamos califica de género superheroico, aunque mas bien de tintes oscuros. Un hombre común durante el día, al caer la noche asume la identidad del vengador enmascarado Rath, un vigilante que se atribuye el papel de juez, jurado y verdugo al incinerar con sus poderes a los criminales. Creado por Oskar y Darius.

RATH

"LOS KIEBRA": Un grupo armado y amante de la violencia que se encarga de "solucionar" los problemas de seguridad de la capital. Muy criticada por contener mensajes xenofóbicos mostrados de manera directa y por considerársele una apología del uso de las armas como solución de conflictos. Creado por Tinbetto.

"VILLA VIEJA": un relato de misterio y terror, donde un viajero cuyo automovil se descompone, interfiere con la realización de un ritual místico y con ello queda atrapado en medio de un conflicto entre fuerzas sobrenaturales. Creado po Alex Monzón.

"LOS TUCANES - PATRULLA ECOLÓGICA": un equipo de guardabosques dotados de tecnologia avanzada en una realidad alternativa, se ecncarga de proteger los recursos naturales del país ante amenazas extraterrestes. Creado por Tinbetto.

"NECRÓTICA": en la época actual una bella y letal joven guerrera de nombre homónimo y su combatiente pero relajado hermano Texus son perseguidos por los esbirros de una empresa que los ha creado como armas viviente, mientras trantan de vivir vidas normales. Combates, acción, sangre y muchas extremidades volando por cada página. Creado por Púas, Cali y Cambo.

VILLA VIEJA

"TIKO JUNGLE": creación que de forma humorística y satírica denuncia los absurdos de la sociedad mediante personajes animales con defectos humanos: el alcohólico Zico Tucán, Boris el camaleón un consumista compulsivo, Hugo Tortugo, una tortuga obsesionada con el sexo, y Chico Perico, un perico con problemas psicológicos de identidad. Creado por Bobcat.

A lo largo de cuarenta y dos páginas a blanco y negro (con portada y retiro a color) Camaleón El Comix impactó a una generación de jóvenes acostumbrados a consumir lo que se traía de vez en vez del exterior.

Especialmente porque desde ese momento, muchos abrieron los ojos a las posibilidades de la expresión artistica a través del noveno arte y la necesidad de crear en el país una rama de cómic que llenase el vacío generacional entre los exponentes más tradicionales del cómic costarricense y la cultura del siglo XXI.

Camaleón El Comix en su corta existencia generaría un semillero de artistas que participarían después en publicaciones posteriores, tales como K-Oz Cómic y Neozaga; y de alguna forma preparó el camino para la aparición de la generación de fanzineros del movimiento "Cómic Party" que surgió en la primera mitad de la década pasada.

Por todas las razones mencionadas antes, merece un lugar notable en la historia del cómic de Costa Rica y repasaremos sus pocos números a medida que nos acercamos a la actualidad. Así que quedan invitados a acompañarnos en este viaje por nuestra historia.

Como siempre, la caja de comentarios queda a su disposición para expresar sus opiniones, dudas, correcciones y consultas ¡Nos leémos!

Publicado el 6 de enero 2012

▶ Comic Party: la primera ola de mangakas costarricenses.

noreply@blogger.com (Unknown) — Tue, 9 Dec 2025 12:33:00 -0600

Nunca se ha visto en la historia del cómic costarricense que tantas personas se levanten en un eufórico frenesí creativo para aprender, desarrollar y publicar por esfuerzo propio. La primera, y única ocasión, en que esto ha sucedido en dicha proporción fue durante el desarrollo del movimiento Comic Party.

En la historia del desarrollo del cómic en Costa Rica un interesante capítulo comenzó en los primeros años del siglo XXI, con la invasión de la cultura pop japonesa en el país a través de populares series animadas japonesas (conocidas como animé) como Ranma 1/2, Sailor Moon y Dragon Ball Z.

DESTIN NOIR
MANGA COSTARRICENSE

La difusión televisiva de estas series desembocó en una explosión de seguidores de la cultura pop japonesa ansiosa por conocer más de la llamada subcultura otaku que conocían gracias a la internet. De esta forma, se gestó la aparición de los primeros eventos dedicados a la cultura japonesa en Costa Rica.

Así entonces, decenas de jóvenes amantes de esta cultura y de la narrativa secuencial gráfica pudieron hallar un punto de encuentro para compartir sus intereses y apoyarse en su desarrollo artístico. Esta generación se distinguió por admirar e imitar las corrientes artísticas y de pensamiento de la cultura japonesa.

Los primeros "mangakas" (artistas del manga) costarricenses se presentaron en los eventos llamados "Mangafest" organizados por empresa Asesores Gráficos (creadora de los cómics K-Oz y Neozaga) y una cadena de tiendas dedicadas a la cultura pop japonesa. Aunque solo hubo un par de ediciones de dicho evento, permitió que se diera el primer contacto entre jóvenes artistas, y en este tiempo uno de ellos llamado Jose Pablo Morales Barrantes ("Hermes"), antiguo estudiante de Asesores Gráficos, comenzó a reunir a los jóvenes interesados en el arte narrativo secuencial, fundando el grupo Studio Manga-K.

Arte: Alexander Sanabria (Alexss)
Revista Vórtice

El que poco tiempo después se organizaran festivales como el "Expocomic" y el "Matsuri 2003" consolidaron el surgimiento de una buena cantidad de jóvenes interesados en desarrollarse artísticamente, siendo internet su principal medio de comunicación y organización.

Ya en mayo del 2005 se realizaban reuniones periódicas en la Sala Magón del Centro Nacional de Cultura (CENAC) donde los artistas pudieran conocerse en persona, intercambiar experiencias, compartir conocimientos y exponer los avances en las historias que pensaban publicar en el siguiente festival. Ya no solo existia Studio Manga-K, sino múltiples grupos que se crearon de manera independiente y todos con el objetivo de publicar sus historias, influenciadas fuertemente del manga (cómic japonés) que se imprimian en formato "fanzine" y vendían directamente al público en los distintos eventos de cultura japonesa.

Rápidamente el grupo creció y obtuvieron un espacio en el foro Imperioanime (organizadores de los eventos anuales llamados "Matsuri" y "Kamen") dedicado en forma exclusiva al tema del cómic y el manga costarricense, el nombre elegido por este colectivo de artistas fue "Comic Party" en alusión al relato homónimo de animación japonesa que trata sobre la lucha de un joven que lucha para ser un artista consagrado de manga (cómic japonés).

Arte: Liz
Revista: Revolution - The Joker

En diciembre del 2005 en medio de la Tercera Edición del Festival Latinoamericano de Anime y Manga Matsuri, se realizó la primera presentación oficial del colectivo Comic Party, en el CENAC. Esta primera muestra presentó una base de 15 agrupaciones de artistas que presentaron las publicaciones de su creación: Penumbra Americana, Geocalikat, Fenix, Shinto, NecronoComic, Koven, C.S., H2O, Sakura Jump, Vórtice, Destin Noir, Dark Moon, Matsu, Hikari Manga y Studio Manga-K. Cada una de estas publicaciones era creada por grupos de variado tamaño, entre uno y cuatro miembros.

A pesar de la ausencia de apoyo financiero, logístico y conocimientos de producción, los artistas solventaban con gran entusiasmo e idealismo sus múltiples carencias. Esto dado que en su mayoría, estaba integrado por adolescentes de diferentes estratos sociales, los adultos integrados eran quienes tomaban el liderazgo del colectivo y se creaba entonces una sinergia de explosiva creatividad. Pronto la sección dedicada a los expositores del "Comic Party" era prácticamente un requisito para que cualquier festival otaku se considerara bien organizado.

Para el 2007 el colectivo Comic Party superaba los 50 miembros, organizados en agrupaciones de diversos número de artistas y acumulando cerca de un centenar de publicaciones independientes realizadas. Hablar de cada uno de los grupos organizados, y las diferentes autopublicaciones presentadas al público gracias al colectivo da suficiente material para más artículos sobre esta historia.

En dicho año se organizó la primer exposición independiente, llamada simplemente "Comic Party 2007" en las instalaciones de la Universidad de Costa Rica (San Pedro) y el colectivo lanzó su propio website y un foro de discusion (www.comicpartycr.com). Al año siguiente se dió el evento "Comic Party 2008" pero en las instalaciones del CENAC y dejando de ser solo una exposición y venta de cómic y manga nacional para ser un evento abierto a diferentes subculturas con el fin de hacerlo más comercial y atraer más público.

También estuvo en proceso de producción el lanzamiento de la continuación del libro "Colectivo del Cómic Costarricense" que estuvo a cargo de los artistas del Comic Party, sin embargo por dificultades de financiamiento el proyecto quedó varado hasta que finalmente se canceló.

Arte: Kendall Angulo Johnson
(Jan-Hellsing)
Manga: Trinasty

Sin embargo, la gran mayoría de artistas participantes habian dejado atrás la adolescencia, y comenzaban a vislumbrar preocupaciones laborales; por lo que la ausencia de posibilidades de hacer carrera profesionales como artista del cómic o manga desembocó en un retiro paulatino del miembros.

Los líderes, veteranos del colectivo, buscaron crear una taller abierto de cómic y manga para impulsar nuevos artistas, trabajando en proyectos colectivos, donde supervisaban diferentes aspectos de la producción de los nuevos artistas con el fin de elaborar un resultado de mayor calidad artística: Kendall Angulo Johnson ("Jan-Hellsing") era el director de proyectos, y este servidor quien escribe, Bimago del Neoverso, editaba y revisaba los guiones y Armando Chacón Sevilla ("Zair Dacorus") -recién llegado al colectivo- supervisaba el apartado gráfico.

A pesar de los esfuerzos, poco a poco la actividad en eventos fue disminuyendo, del mismo modo que la actividad en línea, por lo que el website finalmente fue cerrado y el colectivo se dió por terminado.

Actualmente, Studio Manga-K continúa realizando de forma esporádica los eventos anuales "Comic Party", solo que ahora como otro festival más de cultura pop, alejado ya de sus orígenes y objetivos de contracultura. Irónicamente, el evento nacido de y por los artistas costarricense de cómic y manga le da escasa importancia a éstos, motivado en parte por la facilidad de obtener ganancias económicas al enfocarse en otras actividades como los concursos de cosplay. Con todo, el festival fue el primero de su género en organizar este tipo de eventos en un hotel de 5 estrellas en el país.

Hoy en día, de la amplia generación de artisas del colectivo "Comic Party" solamente un puñado de exponentes que comenzaron con el colectivo desde sus orígenes se han mantenido activos, luchando por mantener la bandera del cómic y manga tico en alto de manera independiente, la mayoría laborando en el área del diseño gráfico.

"Comic Party" fue la primera ola de mangakas costarricenses y es de esperarse, que no sea la última.

Publicaciones Grupales

Listado de publicaciones realizadas por artistas agrupados.

Publicados por Studio Manga-K

Manga-K a #1 (2001).
Manga-K a #2 (2001).
Manga-K a #3 (2001).
Manga-K O #1 (2001).
Manga-K O #2 (2001).
Manga-K O #3 (2001).
De la Pluma #1 (2002).
De la Pluma #2 (2002).
De la Pluma #3 (2002).
De la Pluma #4 (2002).
Manga-K Recopilación
Virus (2006).
Maky Amanita (2006).
Marie (2006).
Tomimi (2006).

Publicados por Grupo Artnes

Artnes #1
Artnes #2
Artnes #3
Artnes #4
Artnes #5
Artnes #6
Artnes #7

Publicados por Grupo H20

H20 #1
H20 #2

Publicados por Grupo Shinto

Shinto #1
Shinto #2
Shinto #3
Shinto #4
Shinto #5
Shinto #6

Publicados por Grupo Mistress Corp

O.R.A. #1 (Organic revelations Apocalipsis)
O.R.A. #2
O.R.A. Chibi
Revolution (Posteriormetne renombrada "Cage").

Publicados por Grupo Hikari Manga Corp

Hikari Manga #1
Hikari Manga #2

Publicados por Grupo Geocalikah

Geocalikah #1
Geocalikah #2
Geocalikah #3

Publicados por Grupo Vórtice

Vortice Fanzine #1
Vortice Fanzine #2
Vortice Fanzine #3
Vortice Fanzine #4
Vortice Fanzine #5
Vortice Fanzine #6
Vortice Fanzine Edición especial
Vortice 2.0 (Número de relanzamiento)

Publicados por Grupo Zero Studio

Zeroz #1
Zeroz #2
Zeroz #3
Zeroz #4
Zeroz #5
Zeroz #6
Zeroz #7
Magic Doll Nimue 1
Magic Doll Nimue 2

Publicados por Grupo Fénix

Fénix #1
Fénix #2

Publicaciones individuales

Listado de publicaciones realizadas por artistas individuales.

Publicados por Kendall Angulo (Jan-hellsing)

Trinasty vol 1

Publicados por Lobo Zamora

El Chey
Sempiria 1
Sempiria 2
Sempiria 3

Destin Noir #1
Destin Noir #2
Destin Noir #3
Destin Noir #4
Destin Noir #5
Destin Noir #6
Destin Noir #7
LoboZamora Varios

Publicados por Daniel Ruiz " Matsuyama".

Comic Party #1: Matsuyama
Classic Manga #1
Rosa Negra #1
Rosa Negra #2
Rosa Negra #3
Sombra Eléctrica Inazawa #1
Sombra Eléctrica Inazawa #2
Gothic Lolita Artbook
Matsuyama: Artbook #2
Matsuyama: Artbook #3: Girls

Publicados por Luís Roberto Araya Navarro

Endless Sigth #1
Endless Sigth #2

Publicados por Lady Bug

Daisuke: The Sword Hunter

EL OBJETIVO DE ESTE ARTÍCULO TRATA DE SER UN RECUENTO CONCISO DE ESTA HISTORIA, ES POSIBLE QUE HALLA CAÍDO EN ALGUNA EQUIVOCACIÓN, DE AHI QUE AGRADEZCO SU COLABORACIÓN PARA AMPLIARLO Y MEJORARLO YA SEA A TRAVES DE LOS COMENTARIOS O AL CORREO BIMAGO@NEOVERSO.COM

¿Quieres saber más de la historia del cómic costarricense? Lee nuestro artículo: [Historia del Cómic en Costa Rica].

Referencias:

http://misakicr.blogspot.com/2007/12/estudio-manga-k.html
http://dmatsuyama.blogspot.com/2007/11/saludos-que-tal-como-estan-amigos-y.html
http://www.89decibeles.com/foro/viewtopic.php?t=9416&start=0&postdays=0&postorder=asc&highlight=&sid=f23d4f559a07e285f7996012c4401422
http://www.cosplaypartycr.com/?page_id=2
http://www.neoverso.com/2008/08/primeras-publicaciones-colectivas-del.html
http://www.diarioextra.com/2007/junio/29/espectaculos03.php
http://www.freewebs.com/dreamerbase/projects.htm
http://mistresscorp-en.blogspot.com/

Publicación original 31 de mayo 2015

Revista Kasandra. El comic satírico de una generación costarricense.

noreply@blogger.com (Unknown) — Mon, 1 Dec 2025 18:19:00 -0600

Otro episodio de la historia del comic de Costa Rica. Recientemente actualicé nuestro artículo-archivo sobre la evolución del cómic en Costa Rica, hay muchos episodios perdidos en las crónicas del noveno arte costarricense. El paso del tiempo y la disfusión escasa han escondido muchos elementos de nuestra historia. Y poco favor le hace al desarrollo del cómic tico la aparición de egos desaforados que pretenden borrar todo elemento que no hable directamente de ellos, como si fueran los únicos artistas que han existido en Costa Rica.

Afortunadamente, la disfusión del conocimiento permite que más personas aporten su saber a nuestro esfuerzo por preservar nuestra historia. Así es como recién me entero de la existencia de la revista Kasandra gracias a la inestimable colaboración de Ferreol Murillo, hoy puedo contarles de esta publicación de comic costarricense.

Kasandra, portada de agosto de 1989.

Esta publicación nace entre 1989 y 1990 inicialmente como un proyecto entre amigos, liderada por Jorge Jiménez, doctor en Filosofía y profesor de la Universidad de Costa Rica,y Jorge Arturo, escritor y editor costarricense funcionario de la Universidad Estatal a Distancia, fue engendrada en las mismas entrañas de la Universidad de Costa Rica, principalmente por estudiantes y algunos profesores con inquietudes literarias y artísticas.

La revista nace inicialmente como un fanzine de comic costarricense con una clara dirección política. La intención de Kasandra era verdaderamente caótica, un híbrido entre el manifiesto político y los recortes de periódico. En fin, el propósito era dar a conocer voces alternas; lejos de la rigurosidad de lo políticamente correcto para romper la imagen de muchos de los líderes de la época a través de la risa, la burla y la sátira.

Usando la imagen de la mítica pitonisa griega, la Revista Kasandra buscaba ser la voz que lo podía predecirlo todo, y a la que nadie iba a creer.

La revista de comic costarricense circuló a fines de los años 80 y principios de los años 90 principalmente en los ámbitos universitarios, en una época en que el cómic prácticamente no tenía presencia en la escena costarricense. Aunque la revista no era exclusivamente de comic, sino que tambien trataba temas de literatura y artes, abría espacio al comic modernista, a la caricatura y al diseño.

Con un tiraje de 1000 ejemplares en cada publicación, Kasandra se forjó un nombre memorable en su época. Aunque como todo ciclo tiene que terminar, sus miembros continuaron con diferentes proyectos (por ejemplo, Jorge Jiménez ganaría el premio Aquileo J. Echeverría en Novela con su obra “Soy el enano de la mano larga-larga) dejando una notable marca en sus lectores.

Fuentes:

Montero Maria. (14 de enero de 1998) La Nación | Hija de la irreverencia.
Eppelin Pablo. (21 de enero de 1999) Kasandra.org
Venegas Jorge. (24 febrero 2011) Kasandra.
Venegas Jorge. (25 febrero 2011) Colaboradores en Kasandra.
Jiménez Jorge. (21 de marzo 2013) Kasandramemoria: Kleaks #1.
Jiménez Jorge. (21 de marzo 2013) Kasandramemoria: Kleaks #2.
Paquidermo. (28 de mayo 2013). Conversación con Jorge Jiménez: el alter-ego del enano maníaco.

Publicación original el 12 de junio del 2015

✅ Anime de Magia: lo Mejor del Anime en 30 años.

noreply@blogger.com (Somet) — Sun, 25 Aug 2024 22:01:00 -0600

La magia

En una anterior a la imprenta, donde la falta de un medio para compartir conocimientos provocaba la bendita ignorancia de la mayoría de la población y promovía el tránsito de ideas más simples, el hombre sólo encontró una explicación a los eventos inexplicables de su entorno por medio de los eventos sobrenaturales. La primera explicación que se ofreció a ellos es que alguna entidad superior guiaba los designios de cada evento que podían observar (por ejemplo Zeus/Thor con el rayo). Pero con el giro monoteista de las religiones, la mitología ya no servía como forma de explicar las cosas, salvo que desearas terminar sin piel, sin cabeza, receta original o extra-krispi. Aún así, los fenómenos paranormales continuaban en el mundo y la población recurrió a otro elemento tradicional para explicarlos, que la iglesia combatió por siglos y por esto se grabó en el subconsciente de la especie humana, la magia (mahou).

¿Quién quiere ser Oni-san? De premio siempre puedes analizarla a ella, aunque sea tu hermana.

La magia es una fuerza poderosa, nacida de la entropía producida por la ausencia de una explicación racional a fenómenos trascendentes en el mundo. En castellano, todo lo que no podemos explicar es mágico. Con la venida de la imprenta y la imposición del método científico, mucho de lo que nos maravillaba ya no nos sorprendente tanto. El arco-iris, el atardecer y el verde de las plantas son eventos que han sido medidos y estudiados, predecir el clima y los terremotos no es posible con precisión pero ya existe certeza suficiente para enviar alertas. La ciencia le ha robado a la humanidad esa inocencia de poder explicar las cosas que están fuera de su control con una única palabra. Pero no hemos renunciado a ella.

No hay nada como Dark Rukh para agriarle a uno el día.

Debido a la competencia que existe en la animación japonesa, las series de fantasía son de las más populares en emisión. Muchas de los anime de magia han gozado de varias temporadas, muchas de las adaptaciones son éxitos en ventas y ratings. ¿Por qué una sociedad basada en la tecnología volvería a valores que no están basados en la realidad? Porque la magia ofrece un medio de escape del tedio de una vida sin sentido, marcada en la rutina. Ese deseo es lo que mueve a miles de jóvenes a consumir series de magia, para sumergirse en un mundo donde todo puede hacerse realidad.

Que pena Inu Yasha, no estás en la lista.

Esta lista no es absoluta, pero refleja (IMHO) lo mejor de las series mágicas que ha ofrecido el anime durante los últimos años. Esta no incluye las series de realidades virtuales (SAO, Log Horizon), los elementos sobrenaturales que brindan ventajas a los protagonistas (Ao no Exorcist, Nanatsu no Tanzai), aventuras que combinan criaturas de mito con algo de magia (Inu Yasha, Bleach) ni tampoco se incluyen series que pierdan su vocación mágica durante secuelas o adaptaciones (To Aru no Majutsu no Index, Youjo Senki). Así que sin más preámbulo, pasemos a lo nuestro.

ANIME DE MAGIA.

Los personajes principales de Fate/stay night, el relato de magia en tiempos modernos que comenzó la actual tendencia.

FATE/STAY NIGHT

Director Yuji Yamaguchi
Productor: Masaaki Saito
Escritor: Takuya Satō
Estudio: Studio DEEN
Música: Kenji Kawai
Emisión: 6 de enero de 2006 al 16 de junio de 2006
Episodios: 24
Genero: Anime de Magia, Anime de Fantasia, Anime de Peleas.

ARGUMENTO

La Ciudad Fuyuki se ha vuelto el escenario de una secreta y violenta guerra de magos. Desde hace ya dos siglos que se escogen a siete magos para que entablen una lucha a muerte, en busca de obtener el Santo Grial, un cáliz legendario que concede cualquier deseo. Las últimas cuatro Guerras del Santo Grial han ocurrido cada sesenta años, la última acabó hacía apenas una década, pero la quinta comienza prematuramente. Cada mago (o “Master”/"Maestro") puede invocar a un Espíritu Heróico de nombre “Servant”/"Sirviente", que le ayudará en su batalla. Shirō Emiya, una víctima colateral de la última guerra, es envuelto en esta nueva batalla a pesar de sus limitados dones con la magia.

¡Por algo se debe comenzar!

¿Por qué Fate/stay night está en esta lista de anime de magia? ¿No debería estar mejor Fate/zero, fate/kaleid lainer, F/sn:UBW o fate/Apocrypha? El honor de introducir este top que Fate/stay Night fue la primera adaptación de la popular novela visual de Type-moon. Ya se habían adaptado trabajos de esta compañía con anterioridad, además la serie sufre de una mala distribución de tiempos, rivales de relleno, peleas que terminan fuera de cámara (por falta de presupuesto) y la ausencia notoria de un villano de peso en su primera mitad, debido más que todo a la necesidad de adaptar la mayor cantidad de rutas de la novela visual en veintiséis episodios.

A pesar de esto, con antagonistas invencibles, peleas gemelas simultáneas y un clímax imponente, Fate/stay night logra recuperarse al final para dejarnos una impresionante adaptación de magia en tiempos modernos. Su éxito garantizó que menos de un lustro después se emitiera Fate/zero, la cual lanzó la franquicia a la fama y sentó las bases que más de una década después continúan entreteniendo a las aficiones. Todo esto habla muy bien de la historia de un perdedor que no puede usar ningún tipo de magia (salvo física) y dos niñas magas muy superiores en habilidad que nunca logran vencerlo.

Fairy Tail, exponiendo el más grande atributo de Hiro Mashima, las curvas.

Fairy Tail

Director: Shinji Ishihira
Estudio: A-1 Pictures
Emisión: 12 de octubre de 2009 a 26 de marzo de 2016
Episodios: 277
Género: Anime de magia, Anime de pelea, Anime de comedia, Anime de fantasía

Argumento.

En el reino de Fiore los magos se reunen en gremios por dinero y poder. Natsu, Lucy, Gray, Erza y Happy forman un equipo para acudir a las distintas misiones que existen en el gremioFairy Tail, las cuales ofrecen a cambio de una recompensa cuyo valor varía según el grado de dificultad de la misión. Conforme transcurre la serie, se dan a conocer otros gremios que buscan casi siempre superar y destruir a Fairy Tail, por lo que los miembros del gremio deben unir fuerzas y evitar que los oscuros propósitos de aquellos se cumplan.

¿Existe algo más aparte del fanservice y las peleas cliché?

Jack Darktemplar preguntó por qué está basura está en la lista de mejores series de anime de magia. Debo reconocer también que esta serie no debería ni siquiera aparecer, sin embargo posee una característica que la hizo memorable, le ganó fans incondicionales y es la que le ha permitido tener un final animado (a diferencia de Bleach, de la que ni su live-action estamos seguros será adaptada a la fecha de este artículo).

Dejando de lado las tetas y el obvio fanservice, Fairy Tail nos introduce a un mundo donde la magia está organizada, existen gremios que la controlar y estos poseen músculo militar para llevar a cabo las acciones. Muchas series antes y después pecan al poner la magia sin una estructura establecida o con reglas a seguir. La principal virtud de esta serie es la construcción de un mundo más o menos organizado (aunque por supuesto plagado de numerosas referencias e idiosincrasias japonesas), en la cual uno puede imaginar que existe. De esto puedo dar testimonio, de los fans incondicionales que la han resucitado dos veces para el anime y las numerosas historias construidas a su alrededor.

Tatsuya Shiba, más conocido como Oni-san, usando sus habilidades "mediocres" para perturbar la magia.

Mahouka Koukou no Rettousei

Otros nombres: The Irregular at Magic High School
Director: Manabu Ono
Estudio: Madhouse
Música: Taku Iwasaki
Emisión: 5 de abril de 2014 al 27 de septiembre de 2014
Episodios: 26
Género: Anime de Magia, Anime Escolar, Animé de Pelea.

Argumento.

La "magia" no es un producto de leyendas ni de cuentos de hadas. Se ha convertido en una tecnología real desde hace ya casi un siglo. La crianza en varios países del Mundo está enfrascada a la carrera de "Magos". Shiba Tatsuya es un honorable estudiante sin habilidad mágica cursando secundaria, una secundaria mágica junto con su hermana menor, que pasa a ser la mejor entre los estudiantes de primer año. ¿Qué le pasará a Shiba? ¿Cómo vivirá su vida escolar en la cual él es uno de los muchos "reservas" que son mirados hacia abajo por los "Blooms"?

¿Un Saitama serio o un Kirito sin personalidad?

La gran virtud y el gran pecado de este anime de magia es su protagonista, Tatsuya Shiba (mejor conocido como Oni-san). En el desarrollo de la historia, el autor Tsutomu Satou nos introduce a un "cualquiera" que esconde un enorme potencial, un origen misterioso y un secreto "oscuro". Pero mientras se construye el entramado en torno al protagonista para que el público entienda el porque de su misterio, ninguno de los involucrados (autor de la novela ligera y guionista de la serie) pudo evitar que el personaje y la historia cayesen en todos los cliché del shonen; lo que provoca que el personaje sea unidimensional, apático y frío, curiosamente un imán para las mujeres que lo rodean (incluso su hermana).

Una obvia reacción comercial al éxito de Sword Art Online (en el anime), The Irregular at Magic High School destaca por llevar la magia a un nivel natural de combinación con la tecnología, la formación de una estructura de poderes basada en familias (al mejor reflejo de los Zaibatsu japoneses) y el recordatorio de que todos tenemos el potencial de llevar a cabo maravillas, incluso quienes no se destacan desde un principio. Este es la base del éxito de la serie, recordarnos que todos somos iguales, que no existen distinciones de rango y nadie está por encima de los demás. Asumir lo contrario no sólo es malo, puede ser un error con terribles consecuencias.

Tres brujas que se conocen en el camino a la Academia y se transforman en BFF's. ¿Dónde he visto eso antes?

Little Witch Academia

Director: Yō Yoshinari

Productores: Yoshihiro Furusawa, Yoshiki Usa, Kimi Suzuki

Escritor: Michiru Shimada

Estudio: Trigger

Música: Michiru Ōshima

Emisión: 8 de enero de 2017 al 25 de junio de 2017

Episodios: 25

Géneros: Anime de Magia, Anime Escolar, Anime de Fantasia.

Argumento.
La Academia Mágica Luna Nova es una prestigiosa escuela femenina en la cual las jóvenes estudian para convertirse en brujas. Tras descubrir su vocación durante un espectáculo de la bruja Shiny Chariot al que asistió cuando era pequeña, una chica llamada Atsuko Kagari se inscribe en la Escuela Mágica Luna Nova para convertirse en bruja. Sin embargo, el hecho de proceder de una familia sin vínculos con la magia hace que todo sea un auténtico desafío para ella. Esto empezará a cambiar cuando descubra el Shiny Rod, una poderosa reliquia mágica que perteneció a Chariot. La historia se centra en el día a día de Akko y sus amigas Lotte y Sucy y en las diversas aventuras mágicas en las que se ven envueltas.

La larga sombra de Harry Potter cruza los océanos.

Es difícil veinte años después de su concepción no ver una serie relacionada con magos que aprenden en un colegio seminario retirado del mundo y no asociarlo con Harry Potter, la sombra de la obra magna de J. K. Rowling siempre estará presente en este género hasta que llegue alguien que la supere (o por lo menos que lo intente). Pero lo que destaca del proyecto mascota del animador You Yoshinari es el tono y la habilidad de mezclar el mundo mágico con el mundo real.

Esto es porque Little Witch Academia trata una temática universal, el racionalismo científico nos ha robado la habilidad de soñar. El método científico nos ofrece la "solución" a todos los problemas cuando en realidad muchas de las interrogantes han quedado sin contestar. La razón de que esta serie se encuentra en esta lista de anime de magia es que hace soñar al espectador de que puede existir un mundo donde la magia y la ciencia conviven, donde los sueños se pueden hacer realidad con esfuerzo y dedicación, así como no existe justicia en las decisiones del destino. Todo con el toque del estudio de animación Trigger, que se caracteriza por no tomarse en serio nada cuando se trata de un tema. Así es como este remix no parece copia, sino homenaje al gran mago con la cicatriz de rayo en la frente.

Mmmm... Es mejor quitarse.

Slayers

Director: Takashi Watanabe
Estudio: Egg Films
Emisión: 7 de abril de 1995 a 29 de septiembre de 1995
Episodios: 26
Generos: Anime de Magia, Anime de Aventuras

Argumento.

Slayers sigue las aventuras de la hechicera adolescente Lina Inverse y sus compañeros mientras viajan por su mundo. Utilizando una poderosa magia y el manejo de la espada, luchan contra magos que se sobrepasan, demonios que intentan destruir el mundo y, ocasionalmente, con una desventurada banda de bandidos.

¿Para que aprender magia si tienes el hechizo para destruir el universo?

¿Cuánto cambia la percepción de acuerdo a cada persona? Para su sociedad, Lina Inverse es una amenaza a la seguridad pública, una peligrosa hechicera que debido a su imprudencia posee en lo profundo de su mente el secreto para destruir todo el Universo. Pero ella misma se ve como una atractiva, brillante, determinada y poderosa hechicera que puede resolver cualquier cosa con su encanto y etiqueta. ¿Cuál es la verdad? Todas y ninguna de las anteriores.

La habilidad de esta novela ligera transformada en serie anime que ha permanecido entre nosotros por dos décadas es la de fusionar dos puntos de vista en una protagonista que es la maga más brillante de su mundo y el más grande peligro que su sociedad jamás enfrentará en la historia. Sobre el plano pecho de Lina recae el destino del mundo, algo que enfrenta con alegría, indiferencia y sobre todo mal humor. Así que si se topan con ella en algún momento mejor quítense de su camino.

Si no lo recuerdan, lo que sigue es espectacular.

Sailor Moon

Directores: Junichi Sato, Kunihiko Ikuhara, Takuya Igarashi
Estudio: Toei Animation
Emisión: 7 de marzo de 1992 al 8 de febrero de 1997
Episodios: 200
Géneros: Anime de Magia, Anime de Fantasia, Anime de Romance, Anime de Comedia.

Argumento.
Todo comienza cuando Usagi Tsukino, una chica de secundaria a la cual no le interesan los estudios, se encuentra con una gata negra con una marca de luna creciente en la frente, Luna, quien le revela que es una poderosa Sailor Senshi que debe derrotar a varios enemigos para salvar la Tierra y a la princesa de la Luna.

¡Te castigaré en el nombre de la luna!

¿Alguno de ustedes recuerda como terminó la primera temporada de Sailor Moon original? Yo si. El genio de la química/farmaceútica vuelta mangaka Naoko Takeuchi no reside sólo en la adaptación de un anime de magia que combinan elementos del Super Sentai con la tradicional niña mágica que venía acompañando al público japones desde principios de los setenta. Tanto en el manga como en la serie televisiva, uno de los elementos claves de Sailor Moon es la tragedia, que aunque bajada de tono siempre sirve como referencia para todo en la vida de sus protagonistas.

Es porque antes de que Shaft re-inventara el agua tibia, Sailor Moon trata con problemas básicos de llevar una doble vida y el peligro mortal que encierra la lucha contra la maldad que no conoce límites. Cuando al final todos los héroes y villanos sufren el destino predestinado por la obra, uno se queda por unos segundos esperando a ver que sucede. Esa capacidad de sostener al público y soltarlo es lo que definió a dicho anime en su época, lo que le brindó fama imperecedera y lo transformó en una leyenda de nuestros tiempos. Tanto que lo han recreado incesantemente durante las últimas tres décadas. Por eso nunca puede hacer falta en ninguna lista de anime de magia.

Aladin sabe donde poner las manos.

Magi: The Laberynth of Magic

Director: Koji Masunari

Estudio: A-1 Pictures

Emisión: 07 de octubre de 2012 al 01 de abril de 2013

Episodios: 25

Géneros: Anime de Magia, Anime de Aventura, Anime de Fantasia, Anime de Comedia, Anime de Pelea.

Argumento.

La historia gira entorno a Aladdin, un misterioso niño de unos 10 años que lleva consigo una flauta, con la cual es capaz de invocar a un djinn gigante llamado Ugo. Aladdin viaja tratando de descubrir quién es en realidad y para aprender acerca del mundo en el que vive. Un día, conoce a un joven mercader llamado Alibaba que sueña con conquistar una mazmorra. Poco después, se encuentra con una esclava llamada Morgiana, ambos se unen a su aventura.

A lo largo de la historia, Aladdin descubre que es un "magi", una especie de mago capaz de reunir el rukh a su alrededor para su propio uso. Además, averigua que no es el único magi, ya que existen tres más, de los cuales conoce a Judar, un magi maligno que controla el rukh negro y que trabaja para la misteriorsa organización Al Thamen. Con la ayuda de Sinbad, el rey de Sindria, Aladdin y los demás lucharán contra la malvada organización y tratarán de averiguar sus oscuros motivos.

¡Me han inspirado sus senos, profesora!

En la constante búsqueda de mitologías para brindar una historia fresca y diferente (dentro de lo que los parámetros del shonen lo permiten), Las Mil y una Noches curiosamente son una fuente poco frecuentada por los autores japoneses. De esta forma, la historia de Shinobu Ohtaka destaca como una perla en medio del carbón por sus orígenes, por su adaptación y por la forma en que son presentados los personajes y sus auxiliares.

Magi exuda magia por todos sus poros. Con magis inspirados en los Tres Reyes Magos, referencias al Antiguo Testamento así como los relatos de las Mil y una Noches (casi todos los nombres de personajes se extraen de ambas referencias), figuras mitológicas del folclor oriental y una historia basada en los textos apócrifos de Enoc; Magi escapa a los clichés naturales del shonen y nos ofrece una nueva visión de la batalla del bien contra el mal; nos recuerda que lo único que se requiere para perder la paz interior es un mal día y para recuperarla muchas veces se debe pagar el máximo precio.

No hay nada más refrescante que la sonrisa de Sakura (y su estorbo).

Sakura Card Captors

Director: Morio Asaka

Escritor: Nanase Ohkawa

Estudio: Madhouse

Música: Takayuki Negishi

Emisión: 7 de abril de 1998 al 21 de marzo de 2000

Episodios: 70

Géneros: Anime de Magia, Magical Girl, Anime de Comedia, Anime de Romance.

Argumento.

La obra narra las aventuras de Sakura Kinomoto, una pequeña niña de diez años que accidentalmente libera un conjunto de cartas que se encontraban dentro de un libro, el cual había descubierto en la biblioteca de su padre. Tras esto, Kero —el guardián del libro— emerge y, al enterarse de que la mayoría de las cartas conocidas como las «cartas Clow» se habían esparcido por todas partes, le dice a Sakura que ahora es su responsabilidad convertirse en una «cardcaptor» e ir en busca de ellas para evitar que ocurra una «catástrofe» en el mundo. Por lo tanto, Sakura adquiere habilidades especiales para así enfrentarse a los poderes mágicos de cada carta y lograr capturarlas y sellarlas.

"Mi forma de ver las relaciones es muy diferente a la de mucha gente."

Nanase Ohkawa, guionista de CLAMP.

Cuando vi por primera vez Sakura Card Captors, ya era un adulto. Debo reconocer que fue un golpe muy fuerte. Porque sobre la base de una historia que ya había visto siempre (Sakura como niña mágica debía capturar elementos que le permitieran obtener un poder superior), existía un mensaje muy poderoso y obvio de relaciones entre el mismo sexo, amor cortes y primer amor desde la plena infancia. Pero la genialidad detrás de la adaptación conjunta de CLAMP con Madhouse es que la serie pudo combinar muchos elementos y tramas en torno de un mismo concepto, la amistad.

Con una animación muy superior a lo que se ofrecía en su época (todas las transformaciones de Sakura son diferentes), una sólida trama y personajes que nunca se traicionan a si mismos, Sakura Card Captors logra superar el letargo de la ausencia de un conflicto central (nunca existe un claro villano) para cambiar a la niña mágica y llevarla al nuevo milenio. Esta serie es la base de muchas otras, lo que incluye a su clon más exitoso, Magical Girl Lyrical Nanoha. Por esto y su capacidad de enviar un mensaje de igualdad entre géneros es que se encuentra en esta lista de anime de magia.

Los hermanos Elric, a los que esperamos ver en Live-Action pronto.

Full Metal Alchemist: Brotherhood

Director: Yasuhiro Irie

Productores: Hirō Maruyama, Noritomo Yonai, Ryo Ōyama, Nobuyuki Kurashige

Escritor: Hiroshi Ōnogi

Estudio: BONES

Música: Akira Senju

Emisión: 5 de abril de 2009 al 4 de julio de 2010

Episodios: 64

Géneros: Anime de Aventuras, Anime de Magia, Anime de Pelea, Steampunk.

Argumento.

La historia se centra en los hermanos Edward y Alphonse Elric, quienes viven en un pequeño pueblo de un país ficticio llamado Amestris. Su padre, se había marchado de su casa cuando aún eran pequeños y años más tarde su madre, muere por una enfermedad terminal, dejando a los hermanos Elric solos. Después de la muerte de su madre, Edward decide resucitarla a través de la alquimia, una de las técnicas científicas más avanzadas conocidas por el hombre. Sin embargo, el intento resulta fallido y como consecuencia Edward pierde su pierna izquierda, y Alphonse su cuerpo. En un esfuerzo por salvar a su hermano, Edward sacrifica su brazo derecho para sellar el alma de Alphonse en una armadura. Tras esto, un alquimista llamado Roy Mustang visita a los hermanos Elric y le propone a Edward convertirse en un miembro de las Fuerzas Armadas del Estado y así encontrar una forma de recuperar sus cuerpos. Edward se propone convertirse en un alquimista estatal y luego de pasar un arduo examen, logra alcanzar el rango deseado, por lo que se le da el nombre de «alquimista de acero». En su búsqueda de la piedra filosofal, conla cual recuperar sus cuerpos, los hermanos Elric luchan contra varias personas así como con diversos antagonistas, de los cuales algunos también buscan la piedra.

Si no puedes arreglar lo que está roto, te volverás loco.

Se lo que todos van a decir, esto debería estar de primero en cualquier lista. Una obra clásica del shonen, una realidad alterna donde la magia y no la tecnología es lo que dicta el funcionamiento del mundo. Sociedades secretas, magos licenciados, ritos prohibidos por los cuales se debe pagar el precio. La vida de los hermanos Edward y Alphonse Elric se transformó en una montaña rusa mientras intentan por todos los medios encontrar la forma arreglar el error que los dejó en dicho estado, en el proceso desencadenan una tragedia la cual deberán detener.

Tal como lo dijo George Miller en la cita en la parte superior, Full Metal Alchemist reúne de forma magistral todas las fortalezas que la transforman en un anime de magia que le roba el aliento al espectador. Pero al reunir tantas cosas al mismo tiempo y no esperar con paciencia, la primera adaptación quedó corta y hubo que esperar casi una década para que la segunda resolviese el problema. Así nos queda un mensaje, no todas las segundas partes son malas y muchas veces el remedio queda mejor que la enfermedad, todo esto mientras esperamos ver como queda el live-action.

Esta imagen dice más que mil palabras, especialmente relacionado con la serie.

Puella Magi Madoka Magica

Director: Akiyuki Shinbo

Productor: Atsuhiro Iwakami

Escritor: Gen Urobuchi

Estudio: Shaft

Emisión: 6 de enero del 2011 al 21 de abril del 2011

Episodios: 12

Géneros: Magical Girl, Anime de Magia, Anime Psicologico, Anime de Fantasia.

Argumento.

En la ciudad ficticia de Mitakihara, Japón, la estudiante de secundaria Madoka Kaname y su amiga, Sayaka Miki, se topan con una extraña criatura mágica llamada Kyubey. Este les ofrece la posibilidad de hacer un contrato con él, por el cual verían cumplido su mayor deseo, cualquiera que fuera, a cambio de obtener poderes sobrenaturales que emplearán para transformarse en puellas magi (chicas mágicas) y luchar contra los seres diabólicos conocidos como brujas. Surgidas a partir de maldiciones e invisibles a los ojos humanos, estas brujas son altamente peligrosas y responsables de buena parte de los desastres, suicidios y crímenes de la sociedad moderna.

En serio, ¿esto es una serie de niñas mágicas?

Relegada por mucho tiempo en mi lista de "animes pendientes", Madoka fue un redescubrimiento que jamás lamentaré haber visto en mi vida. De la mano de una compañía como Shaft (que nos ha acostumbrado a tramas complejas y regresos en el tiempo), al principio la trama es la tradicional de las niñas mágicas, pasada la cuarta parte de este anime de magia la historia entra en un punto sin retorno. Aunque no es la primera que trata con las consecuencias del camino de las niñas mágicas, esta serie refleja sin ningún reparo las penurias y sufrimientos que deben enfrentar las niñas, las que tentadas por un deseo terminan entregando todo por la causa en un ciclo interminable.

Puella Magi Madoka Magica es una tragedia con un velo de esperanza. Conforme el destino y la autodeterminación combaten para ver quien tiene la razón, está en el corazón de cada niña mágica de la serie (en especial Madoka) encontrar la forma de revertir la tragedia, cumplir sus deseos y llevar una vida llena de felicidad con la esperanza de algo mejor en el más allá. ¿Es que ese no es el sueño de todas las niñas del mundo?

¿Y los que no entraron?

Pretear: The New Legend of Snow White

Director: Kiyoko Sayama
Estudio: Hal Film Maker
Emisión: 4 de abril de 2001 al 27 de junio de 2001
Episodios: 13
Géneros: Shojo, Anime de Comedia, Anime de Romance, Anime de Magia, Anime de Fantasia.

Argumento.
La estudiante de secundaria Himeno Awayuki intenta adaptarse a su nueva vida después de que su padre viudo se volviera a casar con la Sra. Natsue, una millonaria. Hayate, uno de los sietes Leafe Knightsm se niega a aceptar la existencia de una nueva "princesa Prétear" y decide irse; en el camino ve un copo de la nieve roja de la Reina del Desastre, en eso accidentalmente choca con Himeno y Hayate al tocar su mano descubre que es la siguiente Prétear.

Tiempo después Himeno muy deprimida sale al jardín donde se encuentra una enorme fuente, donde conoce al resto de los Leafe Caballeros (Caballeros de la Hoja o Leafe Knights), que son Sasame, Goh, Kei, Mannen, Hajime y Shin. Ellos le dicen que la nieve roja que ha caído en la ciudad recientemente es causada por la Saihi, o bien Princesa del Desastre, que está despertando y está usando para absorber “Leafe”, la esencia de toda la vida; con ésta misma crea monstruos gusano que absorben más “Leafe”. Piden a Himeno convertirse en la princesa “Prétear” y que les ayudase a proteger el mundo. Himeno rehúsa y huye, pero de repente recuerda lo que le dijo Hayate “los Leafe no huyen” y Himeno se compromete a ayudar. Hayate le pide que tome su mano y ella se fusiona con él para convertirse en la “Wind Prétear”, o bien, “Prétear del viento”.

Después de ajustarse a sus nuevos poderes, Himeno es capaz de vencer al monstruo gusano. Pero luego descubre que Hayate está herido después de la batalla y se entera que al fusionarse ellos se convienten el las armas y escudos de “Prétear”.

Si conocen su nombre, saben que debería estar arriba, los que no, me apeno mucho por ustedes. Una adaptación del cuento de la Bella Durmiente, Pretear es una obra maestra del shoujo donde la niña mágica es llevada al nivel de los cuentos de hadas. La lucha entre el bien y el mal es llevada a nivel de los sentimientos mientras Himeno Awayuki intenta detener la proliferación del Gran Árbol, lo que lleva al sacrificio de amigos y enemigos, así todos discernimos el valor de la vida y el amor mientras el destino intenta llevárselo de nuestro lado. Y es una fiel adaptación del cuento de Blancanieves. ¿Irónico, no?

The Twelve Kingdoms

Otros nombres: Jūni Kokuki. 12 Kokki.
Director: Tsuneo Kobayashi
Estudio: Pierrot
Emisión: 9 de abril de 2002 al 30 de agosto de 2003
Episodios: 45
Géneros: Anime de Magia, Anime de Fantasia.

Argumento.
La historia del anime se centra en una chica japonesa llamada Yōko Nakajima, que es transportada repentinamente a otro mundo y acaba descubriendo que ella es la soberana del reino de Kei, uno de los doce reinos que componen este nuevo y extraño mundo muy similar al Asia antigua donde gobierna la voluntad del cielo y la magia. Esta novela, así el anime, sigue el patrón general del Camino del héroe.

Al contrario que en Fushigi Yūgi, no se trata de una obra romántica, sino que narra el desarrollo de la heroína, Yōko, describiendo cómo encuentra un lugar propio en ese extraño nuevo mundo y centrándose más en conceptos tales como la moral del gobernante, el poder de las clases sociales y el conflicto del individuo contra el destino que le ha sido preparado de antemano.

¿Han notado que arriba no hay series de elegidos que viajan a otro mundo? Los autores de la actualidad consideran que es más sencillo armar un Universo de la nada que tratar de armarlo sobre los parámetros modernos. The Twelve Kingdoms es el mejor ejemplo de ello, porque su protagonista no es el centro de la historia sino que es un testigo de la historia del mundo que la rodea. Sin embargo, la necesidad de traer alguien ajeno del mundo para salvarlo se ha intentado tantas veces que hace trastabillar la trama de cualquier esfuerzo. ¡Qué pena!

Shingeki no Bahamut: Genesis

Director: Keiichi Satō
Productor: por Nobuhiro Takenaka, Manabu Ōtsuka
Escritor: Shizuka Ōishi
Estudio: MAPPA
Música: Yoshihiro Ike
Emisión: 7 de abril de 2017 al 30 de septiembre de 2017
Episodios: 24
Géneros: Anime de Magia, Anime de Peleas, Anime de Fantasia.

Argumento.
Mistarcia es un mundo magico donde humanos, dioses y demonios conviven juntos. En el pasado el lugar fue amenazado y casi destruido por un legendario dragón llamado Bahamut, fue cuando tanto dioses como humanos y demonios unieron fuerzas y sellaron el poder del dragón. Dos mil años después del evento, el mundo goza de una era de paz pero varias amenazas desestabilizan la integridad del mundo y corre peligro de una nueva catastrofe.

El tiempo de paz de nuevo se ve amenazado por los demonios que intentan atacar a los humanos, hartos de ser tratados como esclavos, además, los dioses también conspiran para volver a imponerse y ser de nuevo adorados, pues la humanidad los ha olvidado. Con un arma poderosa robada a los dioses, los humanos se ponen de nuevo en riesgo, un grupo tanto de demonios, dioses y humanos se unirán de nuevo e intentarán arreglar los problemas.

Basada en un juego de cartas, Shingeki no Bahamut exuda magia por cada uno de sus poros. Con una animación magnífica, una trama del juicio final sobrecogedora, un enemigo que permanece en las sombras y corrompe con su influencia (irónicamente basado en un personaje real), y personajes únicos; esta debería ser un referente de cualquier lista de lo mejor de la magia. Lástima que la invocación del más poderoso ser de este mundo mágica es una mestiza de dos seres que pertenecen a la mitología y no a la magia. ¡Sigh!

Legend of Lodoss War

Otro nombres: Crónicas del caballero heroico

Director Yoshihiro Takamoto

Estudio AIC

Emisión: 1 de abril de 1998 a Septiembre de 1998

Episodios: 27

Género: Anime de Magia, Anime de Fantasia.

Argumento.
Trata de las aventuras de un joven llamado Parn, el hijo de un deshonroso caballero. Parte de esta motivación de aventurarse es encontrar que pasó con su padre, y restaurar el honor de su familia. A pesar de su inexperiencia, Parn es considerado el líder, quien está acompañado por su mejor amigo un niño del bosque llamado Etoh, su amigo y a veces aconsejante Slayn (y más tarde la sacerdotisa Leylia, amante de Slayn)y su recién adquirido mentor Ghim (un enano guerrero). Son acompañados por el interés romántico de Parn, la alta elfa Deedlit, quien viene del Bosque sin Retorno buscando una solución para el aislacionismo de su gente y un final para la extinción. A lo largo de la serie, Parn entra en contacto con sus amigos y con sus enemigos por igual. Sus aliados incluyendo el rey Kashue, Fahn, Shiris y Orson; sus enemigos incluyendo el emperador Beld, Ashram y el malvado nigromante Wagnard.

Lo que fue un mundo construido para una campaña de Calabozos y Dragones a mediados de los setenta se transformó con el tiempo en un anime de fantasía que definiría el siglo pasado para el anime. Adaptado en un manga, en novelas y en dos series, Lodoss War cautivó a un público de la primera y segunda generación de otakus por su impecable animación, por la profundidad de su historia y por el giro dramático entre los que tomaron el camino del héroe o se perdieron en la oscuridad de la villanía. Una fantasía épica que todos deberían ver, pero que sospecho que la nueva generación encontrará similar, porque su formula ha sido imitada muchas veces.

Magic Knight Rayearth

Director: Toshihiro Hirano
Estudio: Tokyo Movie Shinsha
Emisión: 17 de octubre de 1994 al 13 de marzo de 1995
Episodios: 20
Género: Anime de Mecha, Anime de Magia, Anime de Romance, Anime de Fantasia.

Argumento.
Magic Knight Rayearth cuenta la historia de tres chicas adolescentes de secundaria que son invocadas al planeta Céfiro para cumplir una leyenda que cambiaría el destino de ese mundo. En Japón, en la Torre de Tokio, repentinamente, ante tres chicas que no se conocen, Hikaru Shidō, Umi Ryūzaki y Fū Hōōji, aparece una luz que les ciega y las transporta al planeta Céfiro, ahí conocen al hechicero Guru Clef, quien les dice que son las legendarias Magic Knights convocadas por la Princesa Emerōdo con la misión de rescatar a la Princesa quien es el actual Pilar de Céfiro y que fue secuestrada por Zagato, su sumo sacerdote. Las tres chicas inician así su aventura para conseguir sus armas mágicas, desarrollar sus poderes, despertar a los Mashin y finalmente poder regresar a Tokio. Guiadas por la criatura mágica Mokona, las chicas logran desarrollar su magia elemental, despertar a los Genios y derrotar a los secuaces de Zagato que impedirán que cumplan su misión.

Antes de Sakura Card Captors, CLAMP tuvo otro éxito en sus manos en un manga más tradicional de las niñas mágicas. Casualmente, las tres heroínas de la historia son transportadas a otro mundo (caramba, que coincidencia), donde sus poderes son puestos a disposición de todas las fuerzas que intentan dominarlo. En el tradicional giro de sus autoras, las heroínas son las que tienen el poder y el control de su entorno, mientras que las figuras de poder (generalmente hombres) deben apegarse a su comando. Lástima que la sociedad japonesa no estaba preparada para dicho cambio y su adaptación anime fue orientada al amor. Shame! Shame! Shame!

Re: Zero/Konosuba

Durante la última década; casas editoriales de manga, así como productoras de anime se encuentran enfrascadas en una lucha sin precedentes, donde todos se intentan copiar las ideas y nada se queda a salvo. El ejemplo de SAO/The Irregular at Magic High School debió haber servido de advertencia, pero el colmo de esto se presentó en la forma de Re: Zero/Konosuba. Inadaptado social, chequeado. Transporte a otro mundo mágico: chequeado. Inútil total que se debe hacer valer como puede: chequeado. Harem de niñas lujuriosas: chequedo. Lolis: chequeado. La única diferencia es que la primera es una obra oscura y la otra es una comedia. ¿Y todavía dicen que son totalmente diferentes? Ambas son referentes de nuestros tiempos (ninguna es mala), tienen una base de fans que las aman y es seguirán siendo adaptadas para otras temporadas. ¿Ahora quién podrá detenerlos?

Junketsu no Maria

Director: Gorō Taniguchi

Escritor: Hideyuki Kurata

Musica: Masato Koda

Estudio: Production I.G

Emisión: Enero 11, 2015 a Marzo 29, 2015

Episodios 12

Género: Anime de Magia, Anime de Fantasia.

Argumento.

Ambientada en Francia durante la Guerra de los Cien Años, sigue a María, que es una de las brujas más poderosas de su época. Ella interviene contra las naciones en guerra mediante el uso de su súcubo e incubus familiars para manipular las facciones opuestas, así como ilusiones a gran escala, todo por el bien de ayudar a la gente y mantener la paz. Como resultado, ha ganado el reconocimiento de varios aldeanos y la hostilidad de la Iglesia, que la considera una hereje. Sin embargo, María todavía es virgen y sus propios familiares la molestan por eso. A medida que se difunden las noticias de sus acciones, el Arcángel Miguel se centra en María y rechaza su interferencia en los asuntos humanos. Después de una confrontación directa, Michael finalmente decide que María perderá sus poderes mágicos si pierde su virginidad y también le prohíbe usar la magia públicamente, enviando un ángel llamado Ezequiel para supervisar este decreto.

María, la Bruja Virgen es una historia fresca y entretenida que trata sobre un problema muy serio en nuestro pasado. Una serie anti-bélica con una protagonista maldita por el mismo Dios, María nunca pierde la actitud positiva ante la vida a pesar de todo lo que le sucede a ella y a su entorno. Ambientada en la Guerra de los Cien Años, la tragedia que rodea a María y al aquelarre al que pertenece sólo intensifica el deseo de la bruja por un mundo mejor, deseo que alimenta su deseo de enfrentar a quien se le interponga, incluso si este es el mismo Dios.

Magical Girl Lyrical Nanoha

Director: Akiyuki Shinbo
Estudio: Seven Arcs
Música: Hiroaki Sano
Emisión: 1 de octubre de 2004 - 25 de diciembre de 2004
Episodios: 13
Género: Magical Girl, Anime de Magia, Anime de Fantasia.

Argumento.
Nanoha Takamachi es una estudiante de tercer grado de primaria. Vive con sus padres, que tienen una cafetería, su hermana y su hermano, que están en la escuela secundaria y en la universidad, respectivamente. La vida normal de Nanoha cambia cuando oye una voz llamándola de vuelta a casa y termina rescatando un hurón herido (cuya forma humana es un niño arqueólogo, Yūno, que proviene de otro mundo). De él obtiene un cristal mágico llamado Raising Heart, que da a Nanoha poderes mágicos. Luego de su encuentro, Nanoha y Yūno deben conseguir las 21 "Jewel Seeds", cristales poderosos del mundo de Yūno que cumplen deseos y son peligrosos si caen en las manos equivocadas. Sin embargo, Nanoha y Yūno no son los únicos tras las Jewel Seeds.

Seven Arcs es una compañía que recién daba sus primeros pasos en la animación cuando decidió hacer una apuesta valiente, tomó prestados todos los argumentos extraños de las series de niñas mágicas, las combinó con algunos otros de series de super robots y diseñó algo que pocos pudieron adivinar al principio que era un refrito. Lo mejor del caso es que funcionó muy bien. Magical Girl Lyrical Nanoha debe su existencia desvergonzada a los argumentos de veinte años de niñas mágicas, pero en el proceso cuenta una historia que suena diferente, tanto que trascendió la barrera de género y mercado para transformarse en el caballo de batalla de la compañía de animación y una franquicia por derecho propio. Así que si quieren ver niñas mágicas disparando armas tecnomágicas como mechas, esta es su serie.

Es cierto Brianne, hay varios tipos de amor que no conoces en el Universo. Pero tú y tus amigas se originaron en Precure.

...y en el recuento de los daños

...este servidor está consciente de que hacen falta muchas series que pudieron ocupar esta posición. Ya sea por las razones expuestas arriba o que de verdad me da pereza el argumento del salvador que es llevado al otro mundo (que he visto repetirse una y otra vez por tres décadas); hay muchas series que deberían o pudieron estar en la lista y no lo están. Full Moon no Sagashite, Ayashi no Ceres, Princess Tutu, Densetsu no Yuusha no Densetsu, Tales of Vesperia, Strike WITCHES!, Zetsuen no Tempest, Majo no Takkyuubin, Kamikaze Kaitou Jeanne, Cutey Honey, Tokyo Mew Mew, Mahou Tsukai no Yome y Futari wa Precure (de donde creen que sale Brianne de Dragon Ball Super) son sólo una breve pincelada de todo lo que NO APARECIÓ en esta lista, y puedo seguir. Por supuesto, para los amantes del shonen, se pueden quedar con las combinaciones tradicionales que bien las merecen, pero durante estos años Japón nos ha bombardeado con anime de magia hasta el cansancio. Y sinceramente, no me canso de consumirla.

[Top] Protagonistas que definieron el anime de los 90.

noreply@blogger.com (Somet) — Tue, 5 Mar 2024 19:09:00 -0600

La Misoginia; el corazón oscuro del guionista japonés

Aunque sea un clon de Motoko Kusanagi, ¿quién no se puede enamorar de la carita de Naomi Armitage?

Si voy a sentarme a relatarles otro discurso aburrido de como la siguiente lista de mujeres cambió al anime, primero voy a hacer campaña feminista. Si, porque una de las cosas que uno debe admitir cuando ve anime del siglo pasado (que viejos somos), es que la mujer no vale nada. Solo pónganse a pensar por un momento en cuantos personajes femeninos protagonicos han existido antes de los noventa. Si mencionan a Sayaka Yumi (la del robot de las tetas misil), Karala (que pasó veinte minutos mostrando las tetas) o Misa Hayase/Lisa Hayes (una capitana que como gran felicitación recibió de su superior un "deberías dejarte de comportar como mujer histérica"); las mujeres pasaron por un período de oscuridad muy largo.

A pesar de la misoginia de Shoji Kawamori, Misa Hayase/Lisa Hayes fue una de las pocas protagonistas con poder en el anime de los 80. Comandante por derecho propio, su capacidad estratégica salvó a Macross de muchos problemas.

Pero con la venida de la década de los noventas, una serie de mangakas y guionistas comenzaron a replantearse completamente el rol de la mujer en las historietas. De forma tímida (y que todavía no es completa), las mujeres protagonistas comenzaron una dura lucha para no ser ninguneadas por sus coprotagonistas y adquirir vida por derecho propio. Así que con el cambio al nuevo milenio, a continuación la lista de las chicas que definieron el rol de la mujer en la década de los noventa.

La mirada silenciosa de Motoko es una muestra contemplativa de la mujer de los 90 en el anime, fuerte pero frágil, con dudas sin aclarar sobre su futuro.

Motoko Kusanagi/Naomi Armitage

¿Sueñan los androides con las ovejas eléctricas?

En la década de los ochentas, el visionario mangaka Masamune Shirow imaginó un mundo distópico en un futuro a cincuenta años de distancia, un mundo donde los humanos podían vivir para siempre en cuerpos sintéticos y los crímenes se daban en la dimensión real y virtual. Ese mundo requiere orden, el cual sólo puede proveer la mayor Motoko Kusanagi. Pero cuando el manga Ghost in the Shell se transformó en la película de culto en 1995, la cyborg que busca la explicación de la conciencia para si misma y los de su clase se transformó en el símbolo del cyberpunk por los siguientes veinte años. Ella y su clon Naomi Armitage (la cual fue diseñada a su semejanza por la competencia) introdujeron un elemento serio a la pregunta de que nos hace humanos, que ha dejado una huella que aún hoy en día nos acompaña (con la película Ghost in the Shell próxima a estrenarse este año de nuestro señor del 2017).

El gran problema de Oh! My Goddess! se refleja en esta imagen. La gentil Belldandy tapa la boca (y las dudas) de Keiichi para su conveniencia.

Belldandy

La última esencia de la Yamato Nadesico

Los japoneses no son los primeros ni serán los últimos en pecar por corrupción cultural. Así que cuando el atolondrado Keiichi Morisato llamó a una diosa a su servicio, que la representación nórdica del destino presente esta tomó la forma de una sumisa novia mágica que nada tiene que envidiarle a sus contrapartes japonesas amas de casa. Aunque no sería la última de su género, Belldandy marcó un antes y después en la representación tradicional de la mujer japonesa; que los siguientes autores decidieron transformar, doblar o ignorar; dependiendo de cual fuese su aproximación. Así que ella nos queda como la "última" de su género.

Cuando la sensualidad tiene cara de niña, Asuka y Rei se roban el corazones de los espectadores (y si no se tiene cuidado su cordura).

Rei Ayanami/Asuka Langley Soryu

Para ser piloto, la locura es requerida

Aunque Misato Katsuragui es la encarnación de la mujer deseable por todo hombre en Evangelion, en el corazón y las mentes de los aficionados mangakas del mundo se grabaron estas dos chiquillas con sangre y fuego. Ya sea la distante indiferencia de Rei o la extrovertida alegría de Asuka, ambas pilotos de EVA encarnaron el deseo en el corazón de los jóvenes que veían por primera vez una serie que no tenía ninguna semejanza con nada visto con anterioridad. Lo más impactante de ambas es que no todo era como aparenta en la superficie, porque el esfuerzo de Rei por comprender a la raza humana y la envidiosa frustración de Asuka prepararían el camino para un final impactante con la película de Evangelion de finales de los noventa. Por eso debemos dar gracias al psicopastor Hideki Anno.

Aquí Akane nos muestra el maravilloso triángulo amoroso en el que ella vive. P-Chan (Ryoga Hibiki) muerde a Ranma, que golpea al cerdo que a su vez es golpeado por Akane. La historia de sus vidas.

Akane Tendo

La protagonista tiene su propio harem

Es difícil hablar de Akane Tendo sin hacer una reflexión sobre los estereotipos que ella rompió. La hija menor de Soun Tendo y la futura heredera de su dojo (porque es la única que practica artes marciales); Akane no necesita ser salvada y mucho menos rescatada. Fuerte, violenta, marimacha y sin ningún tipo de restricción, su indeseado compromiso con Ranma y su comportamiento irascible la transforman en un imán para muchos hombres en su vida. De esta forma, el genio de Rumiko Takahashi estableció en ella un estándar por medio de la cual se define un moe actual, la tsundere. Así que en su hermosa violencia los hombres nos regocijamos.

Viéndola así, no puedo negar que Sakura es linda. ¿No creen?

Sakura Kinomoto

La redefinición de la niña mágica

Las chicas de CLAMP poseen un sentido diferente para medir lo que es socialmente correcto. La mayoría de sus historias incluyen niñas mágicas independientes, relaciones entre el mismo sexo, un género oscuro que requiere tiempo para percibir. Pero lo que hace especial a Sakura es que ella transformó el género de la niña mágica de formas en que no se preveía. Lo que esta chiquilla inocente y bondadosa introdujo al medio fue el gusto por las loli, el sentido de que la magia afecta la vida cotidiana y de que lo mejor para enfrentar cualquier peligro es el poder de la amistad. Así que con los numerosos mensajes subliminales Sakura nos introdujo a una década de Illyas, Madokas y otras. Gracias Sakura!

Aunque ella no logra superar su género, Kagero es la primera ninja que sirve de compañera a un trío de inadaptados. No les suena conocido. Shannaro!

Kagero

Una kunoichi también es un ninja

Yoshiaki Kawajiri y su equipo no son los más gentiles con las mujeres. En la mayoría de sus películas las protagonistas sufren golpes, cortaduras, violaciones, penetraciones y otras maleficencias que no deberían sucederle a las mujeres. Lo que distingue a Kagero (Ninja Scroll) de muchas protagonistas de su época es que es una belleza misteriosa con una capacidad mortal pasiva que la hace rechazar cualquier relación. Es por esto que en el descubrimiento de su femenidad ella evoluciona para transformarse de un alma a una amante, aunque el riesgo de la muerte siempre está presente.

Cuando te transportan a otro mundo sin tu consentimiento, el sentimiento adecuado es la sorpresa.

Hitomi Kanzaki

El corazón que ve el alma de los demás

Una premisa que se repite constantemente en el anime fantástico es que un fulano del Japón presente es obligado a viajar a un mundo diferente para ayudarlo a enfrentar el malo que lo invade. La razón por la que esta "ilustre desconocida" está en la lista es que ella invirtió el género. Su capacidad de ver el futuro, de manipular la realidad y de ver lo que no puede verse a simple vista es útil para todos los bandos de la lucha por el poder en Fanelia y literalmente el corazón del mecha Escaflowne. Así que, puesto de esta forma, su harem desea su bienestar y su poder. Eso es mucho para una inocente chiquilla japonesa que quedó atrapada en un mundo ajeno a ella. Una premisa interesante de Shoji Kawamori que se ha imitado pero no se ha podido replicar.

No se dejen engañar por su cara de ángel. Si la dejan terminar su hechizo Dragon Slave, están muertos.

Lina Inverse

¿Para que aprender magia si tienes el hechizo para destruir el universo?

¿Cómo podríamos definir a la hechizera más poderosa del Universo? Pequeña, plana, glotona, medio estúpida y despistada. Esas no son bonitas palabras pero describen perfectamente a la que por mucho es una de las manipuladoras de magia más peligrosa de la fantasía animada. Lina Inverse con tal de tomar atajos en el aprendizaje de magia se puso en contacto con su lado oscuro, lo que le brindó acceso al hechizo más poderoso de la historia (el Dragon Slave) pero la hizo blanco de quienes desean controlar dicho poder. Así que aunque ella desea ser dejada en paz, las fuerzas de su mundo intentan canalizar ese poder para usarlo a voluntad, lo cual es la base de las aventuras que ella vive durante la novelas ligeras y el anime.

Noa Izumi generalmente entra en un estado contemplativo cuando está cerca de Alphonse (en este caso sentada).

Noa Izumi

La primera geek del anime

Desde el primero momento que la conocemos, sabemos que Noa es una chica especial. El ejemplo de la mujer promedio japonesa en físico y altura, su corazón pertenece a los Labors a los cuales ha dedicado la mayor parte de su vida y su profesión. Como miembro de la Segunda Sección Motorizada de la Policía, esta singular oficial usa a su mascota/labor al que bautizó Alphonse (el tercero) para proteger y servir a la ciudad, por supuesto la mayoría de las veces esto termina en la destrucción masiva de equipo y tecnología que es difícil de reemplazar. A pesar de esto, su amor por los mechas le ha servido para explotar las ventajas de su unidad para sorpresa de compañeros y enemigos.

Inspirada en la Princesa Grace Kelly, la Reina Relena Peacecraft está a punto de dar un golpe de estado con sus palabras. La gracia de una era de elegancia y nobleza siempre impone su molde en Gundam Wing.

Relena Darlian-Peacecraft

Los ideales no se venden

La co-protagonsita de Gundam Wing tuvo un año difícil cuando cumplió los quince. Blanco de un terrorista, testigo de la muerte de su padre, heredera de un reino que desconoce y de un ideal que comparte; Relena pasa toda la serie tratando de conseguir el ideal de que la humanidad deje sus luchas y viva en armonía. Por supuesto que eso no es el interés de los nobles ni quienes controlan el poder, pero eso no detiene a la chiquilla de soñar, desear y amar. Por eso al final ella nunca viola los principios que le fueron inculcados y conserva su inocencia, a veces para la irritación del espectador. Pero por supuesto, ¿como no enamorarse de alguien dispuesto a morir por sus ideales?

¿Cuál es tu Sailor Scout favorita? No hay problema, hay para todos los gustos.

Sailor Moon y las Sailor Scouts

Cuando las niñas mágicas hacen equipo

Como mención especial traigo a colación a las Sailor Scouts. Aunque como toda serie orientada a su protagonista, Naoko Takeuchi logró en sus historias y adaptaciones crear una infinidad de personajes interesantes que apoyan a la super protagonista para conseguir sus objetivos. Durante las diferentes temporadas, las chicas nos mostraron sus diferentes personalidades para que el espectador tuviese a quien apoyar. Así que si eres aficionado a las chicas desastrosas, a los ideales femeninos japoneses, a las relaciones entre género e incluso a las niñas soldados, Sailor Moon es un formidable ejemplo que ha definido a los equipos de niñas mágicas hasta la actualidad.

Qué difícil es superar en estas eras a una protagonista que va a ser asesinada por su pareja. Por supuesto que Relena representa otra era, en un gesto que la redime ella acepta su destino.

¿Qué podemos aprender de ellas?

Lamentablemente para la evolución de la narrativa en la animación japonesa, el empoderamiento femenino está pasando por una etapa de incertidumbre que no tiene una solución a futuro. En el anime de este milenio existen las mujeres de todo tipo; fuertes, débiles, protagonistas, heroínas, geeks y femeninas. Pero la esencia residual se la misoginia japonesa provoca que las representaciones más populares sean las fantasías de los aficionados, sean lolis o bellezas semidesnudas (o una combinación de ambas). Por otro lado, el feminismo extremo ha dejado a la mujer sin una heroína que de verdad la represente tal como ella lo desea. Mientras ambos lados se debaten en como darle igualdad a la mujer, muchas veces volver al pasado sirve para encarrilar y aclarar las dudas. Para que una mujer sea protagonista y conserve la iniciativa en un mundo dominado por los hombres debe conservar su feminidad y defender su integridad como persona. Todos los anteriores ejemplos lograron en algún punto equilibrar ambos, por eso los que vivimos la juventud en esas eras las extrañamos. Esperemos que se recobre el sentido para disfrutar de personajes femeninos difíciles de olvidar, no como la mayoría de los actuales.

[TOP] 10 Animé para hacer nuevos otakus.

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 20 Dec 2023 19:00:00 -0600

Si quisieran iniciar a un conocido suyo a la cultura otaku, ¿cuales animé le recomendarían ver? Quizás en primera instancia uno pensaría que eso dependería de los gustos de cada quien. Sin embargo, gracias a una encuesta podemos tener una lista de los animé cuyos personajes y argumento son más impactantes, al punto de ser considerados capaces de convertir a una persona en otaku.

Es el sitio BiGlobe, es quien realizó esta encuesta a un total de 5,870 japoneses, donde se les hizo una pregunta: “¿Cuál Anime es el que crea más Otakus”. Para saberlo, aqui estan las respuestas, y comenzamos con la cuenta regresiva.

10 - To Aru Kagaku no Railgun

Surgida como un spin-off del animé To Aru Majutsu no Index, encontramos a esta historia que nos mezcla un mundo donde la tecnología y la magia conviven. La adaptación al animé fue lanzada en Japón el 2 de octubre de 2009 finalizando el 19 de marzo de 2010. Fué producida por J.C.Staff y dirigida por Tatsuyuki Nagai. También contó con 24 episodios, y tuvo 2 especiales títulados MMR y MMR II (Much More Railgun), los cuales fueron incluidos en la versión DVD. Hay también OVA de To Aru Kagaku no Railgun que fue puesta en venta el 29 de octubre de 2010.

To Aru Kagaku no Railgun (traducido como "Un cierto Railgun científico"), es ilustrado por Motoi Fuyukawa y empezó a serializarse en abril de 2007 en Dengeki Daioh. Este manga cubre la historia de Mikoto Misaka y sus amigos al tiempo que transcurren las novelas. El primer volúmen compilatorio también fue puesto en venta el 10 de noviembre de 2007 y hasta el 26 de junio de 2010 fueron publicados 5 volúmenes

9° - LUCKY☆STAR

Lucky ☆ Star comenzó como un manga de tiras cómicas estilo 4-Koma dibujado por Kagami Yoshimizu desde el 2004. En el año 2007 el estudio Kyoto Animation comenzó el animé cuyo primer episodio fue emitido el 8 de abril de dicho año por Chiba TV. Esta narra la historia de cuatro estudiantes, cuyo protagonista, Konata Izumi (17 años), es una chica atlética e inteligente que, a pesar de estos atributos, es muy perezosa en la escuela, pero tiene un gran amor por los animes, videojuegos y falta de interés en lo demás. Las constantes referencias a la vida cotidiana de la subcultura otaku y gamer hacen de esta una obra de culto entre miles de fans alrededor del mundo.

8° - Gundam

Gundam es un conjunto de series de anime de ciencia ficción, pertenecientes al género mecha, producidas desde 1979 por la productora japonesa de animación Sunrise (asimilada a partir de 1994 al grupo Bandai, más tarde Namco Bandai Holdings). Tratan generalmente de conflictos bélicos entre el gobierno de la Tierra y sus colonias espaciales. La acción suele transcurrir tanto en la Tierra como en las propias Colonias. Algunas de estas colonias buscan la independencia de la Federación Terrestre, lo cual suele causar enfrentamientos militares. Todas las series tienen un cierto número de características comunes, como la presencia de un robot gigante pilotado por los protagonistas que siempre responde al nombre de Gundam.

La primera de las series fue Mobile Suit Gundam que apareció en las pantallas japonesas el 7 de abril de 1979. Esta serie de animé los mismos héroes y personajes en general podrían llegar a morir durante el transcurso de la serie, muchas veces repentinamente y sin una larga escena de muerte y arrepentimiento.

7° - Mahō Shōjo Lyrical Nanoha

Mahō Shōjo Lyrical Nanoha es una serie de animé dirigida por Akiyuki Shinbo emitida en Japón entre el 1 de octubre y el 25 de diciembre de 2004. La serie fue producida por el estudio Seven Arcs, y consta de 13 episodios.

La protagonista es Nanoha Takamachi es una estudiante de tercer grado de primaria. Vive con sus padres, que tienen una cafetería, su hermana y su hermano, que están en la escuela secundaria y en la universidad, respectivamente. La vida normal de Nanoha cambia cuando oye una voz llamándola de vuelta a casa y termina rescatando un hurón herido (cuya forma humana es un niño arqueólogo, Yūno, que proviene de otro mundo). De él obtiene un cristal mágico llamado Raising Heart, que da a Nanoha poderes mágicos.

Luego de su encuentro, Nanoha y Yūno deben conseguir las 21 "Jewel Seeds", cristales poderosos del mundo de Yūno que cumplen deseos y son peligrosos si caen en las manos equivocadas. Sin embargo, Nanoha y Yūno no son los únicos tras las Jewel Seeds.

6° - Puella Magi Madoka Magica

Puella Magi Madoka Magika es una serie de animé japonesa producido por el estudio Shaft y Aniplex. La serie está dirigida por Akiyuki Shinbo y escrita por Gen Urobuchi. El animé comenzó a transmitirse en Japón por TBS y MBS. Los primeros diez episodios se emitieron entre el 6 de enero y el 10 de marzo de 2011, mientras que los dos finales fueron aplazados hasta el 21 de abril de 2011 (por causa del terremoto y la crisis nuclear de Fukujima).

En este relato, existen criaturas extrañas que tienen el poder de conceder un deseo a una chica elegida. En compensación, la chica deberá convertirse en una Puella Magi (Chica mágica) y luchar contra las brujas, criaturas malvadas nacidas de la oscuridad responsables de asesinatos y suicidios. Después de tener una extraña pesadilla, Madoka Kaname, una chica de 14 años, encuentra a una criatura mágica llamada Kyubey. A Madoka y a Sayaka Miki, su amiga, les ofrece la oportunidad de ser Puella Magi y arriesgar sus vidas para luchar contra brujas.

Sin embargo, a pesar de la idea atractiva de ser una chica mágica, una Puella Magi se encuentra constantemente con la muerte, el aislamiento y la agonía por el valor de su deseo. Madoka pronto descubre el lado más oscuro de ser una Puella Magi y se cuestiona si realmente debería ser una.

5° - Gintama.

Gintama comenzó como una serie manga escrita e ilustrada por Hideaki Sorachi y su adaptación al animé, dirigida por Shinji Takamatsu desde el episodio uno hasta el ciento cinco y por Yoichi Fujita desde el episodio cien en adelante. La obra tiene lugar en Edo —antiguo nombre que recibía la ciudad de Tokio—, la cual había sido conquistada por unos extraños seres alienígenas llamados «Amanto»; en ese mundo la historia narra las aventuras de un samurái conocido como Gintoki Sakata, quien trabaja de forma independiente junto a sus amigos Shinpachi Shimura y Kagura.

El anime se empezó a emitir en Japón desde abril de 2006 hasta que finalizó en marzo de 2010 en la cadena televisiva TV Tokyo, alcanzando los 201 episodios divididos en cuatro sagas. Una segunda animación original, titulada «Gintama: Shiroyasha Kotan», se publicó en el Jump Festa de 2008. Asimismo, en abril de 2010 se estrenó una película llamada «Gintama: Shinyaku Benizakura-Hen». Una vez que finalizó el anime, Sunrise inició la producción de otro, esta vez bajo el título de Gintama', el cual se estrenó en Japón el 4 de abril de 2011 y finalizó el 26 de marzo de 2012 con cincuenta y un episodios

Tanto el anime como el manga han alcanzado un gran éxito dentro y fuera de Japón. En un ranking publicado por TV Asahi sobre los cien mejores anime del 2006, la serie alcanzó el vigésimo segundo puesto. Asimismo, en otro ranking, este sobre los manga más vendidos de Japón en el 2009, Gintama alcanzó el quinto puesto, con más de 2.700.000 copias vendidas de los volúmenes, siendo sólo superado por One Piece, Naruto, Bleach y Fullmetal Alchemist respectivamente; mientras que en 2008 ocupó el décimo puesto con aproximadamente 2.300.000 copias vendidas. En abril de 2010, Gintama fue calificado como el decimotercer «Mejor anime» de abril de 2009 y marzo de 2010 por Animage.

4° -K-ON!

K-ON! es una serie de manga en 4-koma escrito e ilustrado por Kakifly. La historia base se centra en cuatro chicas que asisten a su primer año de preparatoria, las cuales por diferentes motivos se unen para integrar una banda muscical, como parte de un club escolar. Se comenzó a serializar en la revista seinen Manga Time Kirara de la editorial Hōbunsha desde mayo de 2007. También se ha serializado en la revista bimestral Manga Time Kirara Carat de Hōbunsha a partir de octubre de 2008. Una adaptación al animé de 13 episodios producida por Kyoto Animation se emitió entre abril y junio de de 2009. Un OVA salió en enero de 2010. Una segunda temporada de 26 episodios, de nombre K-ON!! (con dos signos de exclamación), se emitió entre abril y septiembre de 2010, con otra OVA en marzo de 2011. En el final de la segunda temporada se anunció la producción de una película, que se estrenaría en Japón el 3 de diciembre de 2011.

La historia base se centra en cuatro chicas que asisten a su primer año de preparatoria, comenzando con Yui Hirasawa y su impaciencia en la búsqueda de un club en el cual participar. Por otro lado, está Ritsu Tainaka (baterista) quien le propone a su mejor amiga Mio Akiyama (bajista), inscribirse juntas en el club de música ligera del instituto; desafortunadamente se enteran que está próximo a ser cerrado debido a que todos sus miembros se habían graduado el año anterior.

Debido a que el mínimo permitido para formar un club es de 4 integrantes, Ritsu y Mio tratan desesperadamente de conseguir interesados en participar, y en el intento lograrán reclutar a Tsumugi Kotobuki quien les indica que sólo sabe tocar teclado. Esto significa que ya sólo hace falta un miembro más para tener nuevamente al club en funcionamiento, y es aquí donde, tras una larga espera, Yui se decide finalmente por un club, precisamente el de música ligera. Con esto lo salva de la extinción. Desafortunadamente el club, al cual nombrarán más adelante "Hōkago Tea Time" ('La hora del té después de la escuela), requiere de la pieza clave de casi toda banda musical: el guitarrista, y Yui no tiene experiencia alguna con ningún instrumento.

3° - Card Captor Sakura

Cardcaptor Sakura es una serie de manga escrita e ilustrada por el grupo de mangakas CLAMP, y cuya adaptación al animé fue dirigida por Morio Asaka. La historia se centra en Sakura Kinomoto, una niña que descubre sus extraños poderes mágicos luego de haber liberado accidentalmente un conjunto de cartas mágicas que se encontraban dentro de un libro. Tras esto, Sakura, con la ayuda de sus amigos, se ve obligada a recolectar y cuidar las «cartas Clow» para evitar que ocurra una «catástrofe» en el mundo.

La primera temporada, que consta de treinta y cinco episodios, se emitió entre el 7 de abril y el 29 de diciembre de 1998. Por otro lado, la segunda temporada, con once episodios, se emitió entre el 6 de abril y el 22 de junio de 1999. Mientras que la tercera y última temporada, que contiene veinticuatro episodios, se emitió entre el 7 de septiembre 1999 y el 21 de marzo de 2000. Posteriormente a la conclusión del animÉ, se emitieron tres OVA como regalo suplementario

En el 2000, Cardcaptor Sakura obtuvo el premio Anime Grand Prix en la categoría «Mejor anime», un reconocimiento que se entrega anualmente al anime más notable. Al año siguiente, obtuvo el premio Seiun como «Mejor manga». Asimismo, en un ranking publicado por TV Asahi sobre los cien mejores animÉ del 2005 con base a una encuesta on-line en Japón, la serie alcanzó el puesto sesenta y nueve. Sin embargo, para el 2006, alcanzó el puesto cuarenta y cuatro en el mismo ranking.

2° -. Suzumiya Haruhi

Suzumiya Haruhi no Yūutsu es una novela ligera que lleva el título del primero de los diez volúmenes en las series de Haruhi Suzumiya escrito por el autor japonés Nagaru Tanigawa e ilustrado por la artista japonesa Noizi Ito. La historia sigue al personaje del título, Haruhi Suzumiya, una chica de secundaria que inconscientemente puede cambiar la realidad, y sus extrañas travesuras con su club de la escuela, la Brigada SOS, que ella fundó para investigar sucesos misteriosos.

Suzumiya Haruhi fue dirigida por Tatsuya Ishihara y realizada por los estudios Kyoto Animation. Se empezó a transmitir en Japón el 2 de abril de 2006 y estuvo constituida de 14 episodios. Originalmente la serie se transmitió en orden no lineal, En las escenas del próximo "episodio" previste con dos numeraciones diferentes: un número de Haruhi, que cuenta los episodios en orden cronológico, y el número de Kyon, quien le contradice contando los números de episodios según el orden de emisión.

La serie de anime se convirtió en un fenómeno de Internet en Japón, Asia y los países de habla inglesa. Más de 2000 clips de la serie creados por usuarios, parodias y homenajes, fueron subidos a sitios web para compartir video como YouTubey Nico Nico Douga. La popularidad de estos videos (y los de otras series populares de Japón) llevaron a la Sociedad Japonesa de Derechos de Autores, Compositores y Editores (JASRAC) a pedir que se retiraran los videos de YouTube bajo el copyright de sus miembros.

1. Neon Genesis Evangelion

La serie trata de un mundo futuro en el que una organización paramilitar llamada NERV protege a la humanidad de los ataques de unos seres de origen desconocido llamados «ángeles», usando para ello robots biomecánicos llamados «EVA». A medida que la serie avanza se torna más confusa y psicológica, en donde el desarrollo de los personajes y sus personalidades (miedos, deseos) es fundamental.< El animé cuenta con 26 episodios producidos en 1995 por el estudio GAINAX, bajo la dirección de Hideaki Anno. Diversos spin-offs, mangas, películas y videojuegos complementan la historia u ofrecen una realidad alternativa de la serie.Esta serie ha sido clasificada en los géneros ciencia ficción, mecha y distopía, conteniendo diversos elementos de filosofía, psicología y religión, con marcadas influencias abrahámicas. Además, sus características técnicas y temáticas, así como la complejidad de su argumento, han hecho que esta producción sea considerada como uno de los mejores ejemplos del género del realismo épico. También ha recibido algunos de los mayores premios de animación. Por todo ello, Evangelion es considerado por muchos como una de las producciones más grandes del animé En el ranking de los mejores 100 animes de 2006 de TV Asahi (con base en una encuesta japonesa online), Evangelion alcanzó el segundo puesto, tan sólo superado por Fullmetal Alchemist.

En fin...

A pesarde las dierencias culturales de los distintos países, no es de extrañar que los resultados de esta encuesta sean muy similares en diferentes latitudes, pues estos animé tienen en común tratarse de personajes con fuerte carisma, contenido emocional e impecables producción técnica de sus casas matrices. Probablemente, halla divergencias encuanto a uno u otro título incluido (o excluido) de esta lista, así que aprovechos para preguntar: ¿Cuál animé usarias si quisieras que un amigo se volviera otaku?
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Fuente: Biglove | Wikipedia | 24 oct 2012

Maou 10! Los Mejores Demonios del Animé.

noreply@blogger.com (Somet) — Wed, 1 Nov 2023 17:11:00 -0600

Satanas (del hebreo ha-Satan que significa “El Acusador”) o Lucifer (de la adaptación del hebreo heylel para “luz del amanecer”) es reconocido como la figura maligna por excelencia. Aunque como católico (si, reconozco mi credo de fe todavía) temo a esta figura malévola y descarada que intenta burlarse de Dios cada vez que puede tentando al hombre para caer en sus garras; con el tiempo he aprendido que una de las contradicciones mas grandes de la Biblia es tal vez su mayor fortaleza.

Porque a diferencia de Pablo, que para atraer el publico romano combino la mitología del Hades con la figura demoníaca por excelencia para traernos la imagen del condenador de la humanidad sobre el cual triunfó Jesucristo con su muerte en la Cruz (esa es la verdad tras el Nuevo Testamento, les guste o no); el papel del Ángel Caído en el Antiguo Testamento es mucho mas cercano a Dios de lo que cualquiera pudiera imaginarse (o creer). Resulta ser que el maldito entre los malditos es en realidad “el Abogado de Dios”, quien prueba de lo que esta hecho el hombre. No se puede negar que en el Génesis la mujer recibió poder sobre el demonio que la tentó lo que implícitamente nos devuelve la esperanza de poder resistirlo. Pero, como ser perfecto, es lógico que Dios tenga mecanismos para probar al hombre, para saber si pueden lograrlo, para saber si pueden vivir en sociedad.

Esta deliberación teológica para cuatro quintos de la población mundial, es basura, no significa absolutamente NADA. Es tan falsa como los dioses de la Mitología Griega y Nórdica para los cristianos occidentales. Es pura ficción palabrería inútil de una partida de locos sadomasoquistas (al cristiano le encanta sufrir) que le quitan lo divertido a la vida, que son tan prepotentes que creen que las mentiras que dicen son la verdad absoluta, además de que se burlan de las creencias que han tenido por milenios (oops, duele verdad). Japón no es la excepción. Es mas, después de la humillante derrota en la Segunda Guerra Mundial, la fe del japones promedio se vio sacudida hasta la médula Ellos siguen suscritos al sintoísmo o al budismo (las religiones mayoritarias en el archipiélago) pero el fracaso en la guerra y la imposición de los victoriosos americanos del articulo 20 en la Constitución (que garantiza la libertad religiosa); de forma lenta pero seguro los japoneses se han vuelto mas insensibles al tema. Después de todo, si el Shinto no garantizo la victoria y si fuimos derrotados por Cristianos, es como saltar de la sartén al fuego. ¿O eres perdedor, o eres parte del odioso grupo que nos gano? Por lo tanto, en la actualidad la mayoría de los japoneses no creen en nada en particular (mas de un 70% de la población según estadísticas y consultas de encuestas realizadas por televisoras).

Desde hace unos veinte años, la tendencia del anime a lo sobrenatural ha ido cambiando, reflejo absoluto de esta realidad. A los jóvenes autores ya no les da miedo referirse al demonio, a los cultos demoníacos ni a lo sobrenatural. Por lo tanto, se ha ido humanizando a la figura del demonio; dándole facultades, raciocinio y forma de actuar que apenas si reflejan su naturaleza de perdición, son más parecidos al ser humano y se mofan de los grandes temores que representan. Esto ha servido de material para evangelizadores ignorantes, que no reconocen a través de la exigencia de evangelización que el mismo Pablo que dijo “solo se necesita la fe para salvarse” era un erudito y un genio del mercadeo (por eso considero que se requiere un mínimo de educación para ser evangelizador y no ser tomado como payaso en el intento). Por lo tanto, el anime ha sido marcado de “demoníaco” y quienes lo seguimos debemos ser “lavados en la sangre de Cristo por nuestros enormes pecados” xD. En honor a “esa gente” dedico esta pequeña lista de los diez personajes demoníacos o sus representativos en el anime; para que los aficionados no sientan temor ni culpa de seguir mirando sus series favoritas, y lo vean desde un punto de vista mas objetivo. Cada uno de ellos representa un aspecto de la humanización de esta clase de monstruo por parte de sus realizadores, ajenos a la imagen que se muestra tradicionalmente arriba. Dicho esto, comenzamos.

10. Mr. Satan y Videl (Dragon Ball Z)

Cuando le preguntaron a Akira Toriyama porque le puso este nombre a este personaje, él comentó “Busque analogías en las mitologías de todo el mundo para este personaje, porque debía ser ladino, aprovechado, arrogante, sinvergüenza y descarado en sus engaños Luego de buscarlo, lo encontré en la mitología cristiana”. ¡Lol! Mr. Satan, el gran campeón de los últimos diez años en los torneos de lucha, es la medida referente para los demás peleadores de DBZ de lo que “no debe ser un luchador”. Estúpido sin remedio (considera que los poderes devastadores de los otros personajes son trucos), vanidoso, arrogante, idiota (piensa que con una pistola podrá derrotar a Majin-Buu), corrupto y alocado; este personaje tiene como objetivo servir como el otro lado de la moneda para los luchadores de verdad. Incluso, Toriyama tuvo el cuidado (descaro) de llamar a su hija Videl (Devil pronunciado al revés para que todos supieran de donde había venido su idea. No hay nada mejor para un producto que la publicidad y la polémica. Felicidades Sr. Toriyama por recordarle a toda una generación esta gran verdad.

9. Azazel-san (Yondemasuyo Azazel-san)

Todos estamos de acuerdo que para poder invocar a un demonio se necesita un contrato, un pentagrama, velas negras, una ceremonia poderosa, etc. Pero que pasaría si una distorsión desconocida provoca que los grandes demonios del infierno se transfiguren en figuras insignificantes con poderes patéticos En una de las parodias mas populares de Japón de los últimos cinco años, Azazel, un demonio poderoso y temido, es reducido al papel de un demonio menor con la apariencia de un perro, el cual por cuestiones del destino debe asistir a quien se vincule por medio de contrato. El problema es que su enorme poder es la “Excitación”, la capacidad de hacer que los demás sientan lívido Vulgar, mal hablado, estúpido y arrogante; las más de las veces su boca provoca que sea empalado, atravesado por tacones, desmembrado, decapitado, triturado y destrozado, sin contar que le sean arrancados sus hemorroides de las formas mas asquerosas que existen. Comedia ligera y humor de cañeria para reducir a una de las figuras mas imponentes de la demonología al ridículo, para la diversión del publico en general.

8. Dantalion (Majou Ouji: Devils and Realists)

¡Brrrr! ¿Qué podemos decir de este personaje? Sacando provecho del cruce de la moda victoriana con los personajes de mayordomos y la popularidad del lolicon, nos llega este ángel caído de la nada para armar un pacto con su contraparte humana (donde había oído eso antes... si ya se, Sebastian Michaels) para lograr que el se convierta en el Gran Señor de los Demonios mientras Lucifer descansa, y evitar el desastre de una colisión total entre el Cielo y el Infierno que de seguro usaran como campo de batalla la Tierra (bla, bla, bla). Obra inequívoca de una mujer (Madoka Takadono), este manga convertido en anime, orientado a un publico mayoritariamente femenino, se rescata por una razón, a diferencia de otras adaptaciones, William Twinning (el contratante) es un realista, que cree en las pruebas y el método científico. Por lo tanto, lo que pasa a su alrededor es mentira, y seguirá siendo mentira en su cabeza mientras no se pueda explicar racionalmente, aunque parezca muy real. Ese es el lado cómico de todo el asunto y lo que ayuda a explicar su popularidad.

7. Crimson Schoolar/Maou (Maoyuu Mahou Yusha)

“Un hombre debe escoger entre tres mujeres. Una le ofrece la sabiduría eterna, la otra le ofrece el poder absoluto, la tercera le ofrece el amor y la belleza. ¿A cuál escoge el hombre?”. Este acertijo tan simple solo tiene una respuesta “El hombre escoge a la de las tetas más grandes”. Nadie lo refleja mejor que Maou, el 43° Rey Demoníaco y una de las criaturas que se opone a esta lucha medieval que ha devastado tanto a la Tierra como al Infierno de forma fratricida A pesar de que tiene cientos de años; de que es inteligente, hábil sabia y una líder muy dedicada; ¿a dónde se dirigen las miradas de quienes ven este anime por primera vez? Por supuesto, a su escote. Con un aire tonto, infantil y delicadamente femenina, ella y el Héroe comparten una relación difícil, dado que son (o deberían ser) enemigos jurados. Pero como dice el dicho, el amor lo vence todo. Aunque esto sea hacer contratos con el diablo (o su actual representante).

6. Sadao Maou/Satan Jacob (Hataraku Maou Sama)

La continuación espiritual de la Maoyuu Mahou Yusha (según la opinión de muchos fans), la lucha entre el bien y el mal ha llegado a su final lógico Derrotado y sin ninguna otra forma de sobrevivir, el Rey Demonio de Ente Isla debe escapar por medio de un portal a un lugar aleatorio. Por supuesto, cae en medio de Japón de nuestros tiempos, lo que provoca que sus poderes desaparezcan en su mayoría y deba enfrentar la realidad que todo humano debe seguir, buscar un empleo y velar por su subsistencia. Una obra de comedia de situación, donde como demonio debe buscar como canalizar sus poderes para recuperar su asidero en su antiguo reino, buscar la forma de vivir en la era moderna y a la vez enfrentarse con su némesis, la medio ángel Emilia Yustina (Emi Yusa en japones) que debe sufrir los mismos problemas que su mayor enemigo (y que vive peor que el). Pero cuando ambos son blancos de la misma intriga, ambos deben juntar fuerzas para sobrevivir en este mundo mientras buscan la forma de regresar al Ente Isla, sea para protegerla o para conquistarla, sea lo que ocurra primero.

5. D (Vampire Hunt D)

Debido a la popularidad de la mitología eslava de su versión de los muertos vivientes, tanto la Romano Católica como la Ortodoxa Cristiana consideran a los vampiros tanto muertos vivientes y demonios, encarnaciones y anatemas a la vida. Porque debemos recordar que ellos necesitan sangre humana para vivir y lógicamente es se logra matando a quien la posee. De una de las primeras obras de horror populares en Japón (todavía sigue siéndolo), nos llega de Hideyuki Kikuchi, D un dhampir (medio vampiro medio humano) que es uno de los seres mas poderosos de su universo. Gracias a sus orígenes este cazador de vampiros es uno de los mejores que existe en su mundo, así como uno de los hechiceros y luchadores mas grandes de su realidad. Lamentablemente esta maldito, su belleza oscura y su estado provocan que sea despreciado tanto por humanos como vampiros. Con su fiel mano derecha acompañándolo (que si es un familiar demoníaco), este cazador nos ha estado acampanando desde la década de los 80 y más de 500 años en su obra. Y sigue muy presente en la literatura japonesa hasta ahora, aunque sus mejores días en el anime pasaron hace mas de diez años. Esperemos que lo vuelvan a traer, por el bien de todos sus fans (entre los cuales me incluyo)

4. Sebastian Michaels (Black Butler)

¿Qué darías para conseguir vengarte de quienes mataron a tus padres y te destruyeron a ti y a tu familia en el proceso? Ciel Phantomhive lo entrego todo al entrar en un pacto maldito con este sensual y perverso demonio que adopta la forma humana de un mayordomo bastante servicial y eficiente. Tras una imagen de eficiente cordialidad, flemático carisma y una gran dedicación a su trabajo; se esconde un demonio que refleja todo lo malo que estas criaturas nos pueden ofrecer; sádico loco, enfermo y brutal; que no siente nada por nadie y solo vive para obedecer a su amo mientras dure el pacto (y consiga su objetivo). Al final, el proceso termina convirtiendo al joven Phantomhive en una de estas figuras, y entrega al publico una de las imágenes mas fieles de una criatura demoníaca tentadoramente bien parecido, agraciado y servicial, así como sádico y repugnante cuando es necesario. La combinación perfecta de amor, comedia y odio es lo que ha mantenido a este popular mayordomo en el imaginario popular por casi cinco años desde su primera aparición en televisión y casi 10 de su aparición en manga.

3. Rias Gremory (High School DxD)

Todo el que lee esto es probable que haya visto High School DxD. Aunque tengamos opiniones encontradas (sigo pensando que es basura), aunque la novela ligera este concentrada en (y es relatada desde el punto de vista de) Issei Hyodo; es innegable que Rias Gremory ha sido y es (por el momento) el motor principal de la obra y una de las principales razones de su éxito De no haber sido por su intervención (como se ha visto en algunos cortos del autor Ishiei Ishibumi) Issei jamas hubiera conocido a ninguno de los seres sobrenaturales que pueblan esta historia. Ella es el “Rey” según el juego de ranking, su séquito lo componen sus demás criaturas (Akeno, Issei, Kiba, Koneko, Asia, Xenovia y Gasper hasta la fecha en el anime). Ella es quien gobierna a su grupo, quien da las ordenes, planea las estrategias e imparte los castigos. Todos los demás la obedecen, quieran o no. Todos le deben obediencia y fidelidad eterna. Todos están agradecidos porque ella los rescato de una muerta segura. En una eterna disputa en el imaginario de todos los faperos de esta serie con Akeno Himejima, esta demonio tentadora y lujuriosa es el vivo recordatorio de que una de los principales atractivos de las fuerzas oscuras es la belleza, porque es la base de la lujuria. Rias no deja de mostrar sus raíces y se comporta como lo que en verdad es, un demonio. Aunque uno muy rebajado.

2. Dante (Devil May Cry)

Como dice el meme clásico “Todos desearíamos estar con Rias Gremory excepto Dante, porque la mataría solo por ser demonio”. Desde su aparición en el juego Devil May Cry 2001, este medio demonio que se dedica a cazar demonios para vivir (Ajem... Vampire Hunter D... Ahem) se ha ganado el corazón y la voluntad de gamers, aficionados del manga y del anime, así como el de los cosplayers que una y otra vez lo representan con un éxito variado. La obsesión convertida en arma, el veneno usado en contra de la serpiente, la enfermedad usada para curar la enfermedad; Dante vive su vida con un solo objetivo, destruir a todos los demonios, en especial a aquellos que mataron a su madre y transformaron a su hermano Virgil en su mayor antagonista y aliado hasta la fecha. Por supuesto que los poderes heredados de su padre Sparda le son de gran utilidad para este propósito donde el constantemente se distingue de sus victimas por el hecho de que puede llorar, símbolo de su todavía latente humanidad.

1. Alucard (Hellsing)

No hay peor demonio ni monstruo mas horripilante que el que actúa en nombre de la fe. Vlad III Dracula “El Empalador” fue la encarnación de todo ese mal, durante su lucha por conservar la independencia de Moldavia de las invasiones turcos en nombre del cristianismo. En nombre de Cristo, él empaló, torturó y mutiló a miles de personas; aterrorizó a su pueblo y a sus enemigos, hubo que matarlo para que su maldad cesara. La mitología de este personaje nos fue preservada en la forma de Dracula de Bram Stalker, de donde Kouta Hirano recoge su inspiración para su bestia salida del mismísimo infierno; Alucard, agente de Hellsing. En un giro diferente de la obra original, la familia van Helsing hace un pacto con el demonio que persigue por tantos siglos y lo obliga a servirlos para tratar de detener la marea sobrenatural que invade Inglaterra (y de paso el mundo). Desde este punto de vista; este monstruo amoral, carente de cualquier precepto de empatía y que ama la fuerza (sea de carácter o física, se burla de sus oponentes y los destruye; integralmente tiene la capacidad de transformarse en múltiples criaturas, posee regeneración ademas de su amor por la sangre. Aunque muchas de sus capacidades son asociadas al vampirismo, también estas se asocian a poderes atribuidos a los mismísimos demonios. Su admiración por el género humano luego de su primera derrota lo convierte en un arma perfecta para la humanidad (una eterna) que hace lo que sea necesario para conseguir el objetivo. Por esta razón es que esta primero en la lista.

Lamentablemente para los fundamentalistas cristianos, ignorantes y gozosos de su propia ignorancia, la tendencia sobrenatural no va a desaparecer de la mente de los artistas en los años por venir. Eso no solo es en la corriente del anime, sino también en la del cine y la cultura general, donde las criaturas sobrenaturales de mi infancia, mi razón de miedo y morbo, se transforman en caricaturas de lo que solían ser para el capricho del publico que espera con ansias sus obras. Así que junto con esta lista, pongo esta reflexión para ustedes, de Isaias 45:7 “Yo hice la luz y cree la oscuridad. Yo hice la paz y cree el mal. Porque yo el SEÑOR he hecho todas estas cosas”. Pueden endulzarlo y teñirlo con todas las excusas que quieran (que fue el viejo pacto, que hay nuevo pacto, que Dios no puede tentar por su carácter divino y perfecto, que estoy malinterpretando la escritura; etc, etc, etc), pero es una realidad escrita en un libro aceptado como la Palabra de Dios. La verdad es que ya somos lo suficientemente malvados y destructivos para cometer “maldades demoníacas mas allá de la comprensión humana”. Esa capacidad justamente nos hace humanos. Yo no niego que existe el mal, tampoco niego que exista el lugar del castigo eterno. Solo creo que no es como lo imaginamos o como nos lo pintan, es peor. Culpar a criaturas heredadas de otras mitologías no es la forma de garantizar la profesión de fieles ni evita el pecado en las congregaciones. Es solo una excusa barata para justificar sus pecados a través de chivos expiatorios. Lo peor del caso (y esto es para ustedes padres) es que sus hijos verán con mas interés estas expresiones “demoníacas”, justamente por su carácter “prohibido”. La naturaleza del adolescente es oponerse a los designios de sus padres. ¡Que así sea!

[Top] Kijin 10! Diez series "excéntricas" del anime

noreply@blogger.com (Somet) — Mon, 7 Mar 2022 14:57:00 -0600

Piensen en este escenario. Encienden el televisor y ven a un anime de un estudiante con un uniforme. Entre su grupo de amigos está la loca, la tetona, el bromista, el perdedor, la fastidiosa que te quiere y tu rival. Tu enemigo generalmente es un adulto de más de treinta años, con un título universitario, que oprime y estorba tu camino a la libertad/ascenso/poder. Luego de haberte derrotado por primera vez, recibes la asistencia de un viejo (si viejo) que te ayuda a superar tu problema y luego de vencer las pruebas que te presentan eres feliz de terminar la secundaria/academia, despedirte de tus amigos y comenzar tu camino al éxito como adulto. ¿Reconocen este escenario? Si lo hacen, han visto más de la mitad de las tramas de anime que han salido en el mercado o saldrán durante el tiempo que dure su éxito. Coincidencia, ¿ay don sink sou?

La verdad es que todo manga o anime esta orientado a muchachos de colegio o principios de la Universidad. Tal como sucedió con Peter Parker en Spider Man, no hay nada mejor que poner a un colegial inseguro de si mismo para que todos nos identifiquemos con ellos. Por lo tanto, sea en Shingeki no Kyojin (que creen que estuvieron haciendo los cadetes por tres años, entrenando/estudiando), SAO (Kirito tiene que reponer el tiempo que estuvo dormido en Sword Art On-Line), Valvrave (los integrantes del módulo 77 son estudiantes), Madoka (estudiantes de magia), High School DxD (Isse y las zorronas colegialas que lo acompañan) y Naruto (estudiantes Ninja que deben entrenar para combatir), eso es algo natural que siempre van a ver. La misma historia contada una, y otra, y otra vez. Pero, más de las veces, entre la marea de obras presentadas por año, aparecen cosas que uno se queda viendo y dice "oigan, esto no me lo esperaba".

Debido a un reto de Bimago, o gran mago del Neoverso, me puse a hacer un análisis de las reseñas que he hecho durante mi carrera en este blog/revista. Esta lista es una muestra de las series que he reseñado que considero que son "excéntricas". Ya sea por la forma en que abordaron el tema, los giros de la trama o las combinaciones inusuales, considero que estas obras contienen elementos que no suelen verse a menudo. Esto las hace diferentes, por eso están aquí. A continuación, mi lista de las series inusuales reseñadas hasta el momento para Neoverso.

10) Starship Operators

Porque una historia de ficción no necesita estar reñida con la documentación científica.

Comenzando la lista pero no haciendo menos, Starship Operators ofrece una mirada realista a la ciencia ficción sobre la base de unos estudiantes (dejar de lado el cliché es tan duro) a bordo de un crucero estelar. Lo que hace fuerte la serie y la mete de lleno en la lista es el uso de ciencia dura (las batallas espaciales utilizan muchos conceptos de física usados en la actualidad en vuelos espaciales de otros planetas), la incertidumbre ante la guerra y la desesperanza que va agobiando al grupo hasta el dramático final; el cual tiene una pincelada de esperanza. Por esto, la experiencia de los operadores de la Amaterasu merece al menos una mirada del espectador curioso. Además de que es corta.

9) Gundam Seed
Todos los que amamos Gundam nos creemos expertos en esta metaserie.

Todos, entre puristas a aficionados, tienen sus recomendaciones. Pero existe una verdad absoluta, Gundam es el gran divisor. Si la vez, ¡LA AMAS O LA ODIAS! Aunque comencé mi experiencia con Gundam Wing, yo sinceramente les recomiendo que si tienen curiosidad de insertarse en este universo, comiencen por Gundam Seed. No es la mejor de las series, no pertenece a la línea original, pero hay dos razones para verla; las peleas de robots son muy buenas y están adaptadas a los tiempos modernos (son mejores que las de Valvrave, que emitieron 10 años después), y la serie es un remake de la Guerra de Un Año de la Serie Original. Si les gusta esta adaptación, les garantizo que les va a ENCANTAR el resto de Gundam (es mejor que esta serie). Sino, mejor no vean nada porque no les va a gustar. Lo digo por experiencia propia con un amigo (Christian era su nombre).

8) High School of the Dead
Cuando fusionamos zombies y bellezas tetonas, los resultados son previsibles.

Me matarás Bimago, pero este bodrio está aquí por derecho propio. ¿Porque? Porque había que estar bien tostado para considerar en el 2010 que la combinación de zombies con tetas iba a tener tanto pegue. Todavía hay gente que sigue preguntando ¿cuándo van a sacar la segunda temporada? Cuatro voluptuosas mujeres, dos pateadores de trasero y un par de mascotas introduce los elementos básicos de la trama de zombies; que sin llegar a ser The Walking Dead sirve para complacer al público y hacerlo pedir más. ¿Qué más se le puede pedir a esto?

7) Serial Experiments Lain
Definitivamente, esto ESTA EN OTRO NIVEL.

Lo que comenzó como un extraño suicidio se transformó en una reveladora obra de ciencia ficción, donde la frontera de la realidad se funde con la red para conformar un trama psicológico que deja al espectador con una interrogante en la cabeza. Anterior a The Matrix, conforma parte de la ola psicológica del final de los tiempos (Y2K) y nos deja la interrogante de si algún día los seres virtuales podrán integrarse como parte de nuestra vida. Una pregunta muy interesante sin una contestación a la vista.

6) Chaos;Head
Este no es una anime para el otaku promedio, pero si deseas un reto intelectual, esta es la serie que tienes que ver.

No aparecen desnudos, no aparecen chicas sensuales, no hay nada ecchi; pero la cantidad de cerebro que se debe volcar para entender este arroz con mango es significativo. Es un dolor de cabeza garantizado, con una estupenda animación y una trama que combina elementos psicológicos, mitológicos y de ciencia ficción de forma muy liberta. Al final, queda la pregunta de si la vida que vivimos es en realidad un sueño. Si fuera así, en realidad quisiera despertar, así como Takumi, aunque esto signifique mi propia muerte.

5) Michiko to Hatchin
Una obra más cercana a nuestra realidad lationamericana.

Todas las series descritas con anterioridad coinciden en una cosa, sus personajes principales son estudiantes de secundaria. Esta es una constante del anime, debido a que el público objetivo son los adolescentes y los jóvenes adultos. En cambio, Michiko to Hatchin es una obra para adultos. Ambientada en Brazil, muestra con crudeza la vida en las favelas, la miseria y la desesperación, mientras una huérfana y una madre sustituta escapan de la policía, de los delincuentes y de la vida; mientras recorren la exuberante campiña brasileña, la cual se integra como un personaje más de la obra. Altamente recomendada si usted desea en realidad ver algo diferente en este género.

4) Aku no Hana
Uno de los animes más controversiales del 2013, no por su contenido sino por la forma en que fue animada.

La Flor del Mal es un viaje psicodélico impresionantes. El uso del rotoscopio conspiró contra la calidad de la obra (ante la ira de los puristas), pero la intención del director se consiguió en pleno, brindando a la obra con un ambiente decadente, retorcido, sucio y realista que el público rechaza a primera vista. En este viaje al interior de la mente de tres adolescentes conflictivos, se hace un inmenso homenaje a la decadencia de Baudelaire, el cual es la base y la inspiración de esta obra.

3) Cowboy Bebop
Una merecida obra de culto que no deberian perderse ningún aficionado.

En 1998, dos series de anime dieron vuelta al género espacial. La primera, Outlaw Star, vino y pasó sin mucha gloria. Pero Cowboy Bebop, la primera obra de Shinchiro Watanabe, fue uno de los animes que definió una era. La combinación bien lograda del género neo-noir con el espacio, salpicado con leves destellos del género de vaqueros y llevado a una modernidad futurista nos deja una obra considerada clásica para quienes la vieron, así como uno de los animes que se deben ver para entender que este arte no es sólo para niños. Al final, Joss Wheldon COPIÓ ambas obras para crear Firefly, la cual también generó su buena cuota de seguidores a futuro. Por eso es bueno darle un vistazo.

2) Maria Holic
Muchas veces, las obras de animación se pueden definir bien con la primera impresión.

Pero existen algunos anime que no se pueden catalogar de esta forma. Estos toman la preconcepción del espectador y la derrumban, sacándolo de balance cualquier idea establecida pudiera tener. Maria Holic es la apoteosis de esta clase de obras, donde una yuri alocada e imaginativa (alérgica a los hombres) debe encarar a un trasvesti que es más macho que muchos. El choque de la dulce pero ingenua Kanako contra la sensual pero sucia Mariya le dan tal dinamismo a la comedia, que uno no puede parar de reír con todo el caos y las ocurrencias SÓLO DE ELLOS DOS. Ni que hablar del resto de los personajes, que provocan carcajadas estrepitosas hasta los retorcijones. Si quiere ver como se burlan del género Yuri, si quiere ver algo gracioso, esta serie es para usted.

1) Code Geass
¿Alguna vez han visto a CLAMP con tetas?

Bueno, las desventuras de Leluoch y su rebelión esta de primera en la lista porque es uno de los arroces con mango más bien diseñados de la historia de la Sunrise. ¿Te gustan las peleas de mecha?, esta es tu serie. ¿Te gusta CLAMP?, esta es tu serie. ¿Te gustan las tetonas en cueros?, esta es tu serie. ¿Te gustan los amores yuri platónicos?, esta es tu serie. ¿Te gustan los protagonistas carismáticos e inteligentes?, esta es tu serie. ¿Te gusta la tragedia y los héroes byronicos?, esta es tu serie. ¿Te gustan los giros de la trama en cada capítulo?, ESTA ES TU SERIE. Incluso el final es sorpresivo (y no le gustó a muchos). La triada entre CC, Lelouch y Suzaku está maldita, su interacción durante la serie provoca desastres que termina con tumbas para todos los que los aman y los rodean. Al final, el fracaso y el triunfo van de la mano; donde la muerte, la esclavitud y la vida son lo único que nos queda en firme. Por esta razón, es mi número uno de "diablos, que diantres estoy viendo".

Con toda honestidad, espero que me corrijan. Porque esta lista esta basada en mi criterio personal y abarca aproximadamente 15 años de animación. Obviamente hay grandes ausentes (me estaré refiriendo de Evangelion el próximo año, así como de Baka to Test y otras series maravillosas que no son más de lo mismo); no me he referido a series clásicas y fuertes (que fueron explotadas hasta el cansancio a la Shingeki no Kyojin), ni OVAS (Mnemosyne estaría entre las primeras 5) u obras clásicas (las cuales por si solas poseen un gran valor y generalmente las recomiendo). Esta lista refleja obras que se alejan de la fórmula o la cambian para dejarla irreconocible. Porque en este negocio así como en la vida, el secreto de que la gente consuma es que encuentren algo que los motive. Ya sea que sea algo que esperan o sea algo nuevo, la satisfacción de cada quien se mide de acuerdo a lo que espera. Eso es tan cierto en el anime como en todo en la vida. Así que espero que si les gusta lo disfruten. Sino, ¡que pena! ¡Provecho!

[Top] Koreikashaka 10! El Requiem del Pueblo Japones!

noreply@blogger.com (Somet) — Wed, 19 Jan 2022 20:11:00 -0600

Mariya Shido, El trap más viril del Universo lleva a cabo su amenaza. "¡Si me delatas, te violo!"

El réquiem de Japón

La sobrepoblación es uno de los grandes problemas que ha enfrentado la humanidad desde sus inicios. Tener muchos hijos era una medida de subsistencia necesaria dada la alta tasa de mortalidad infantil, la baja edad promedio de vida y la necesidad de mano de obra inmediata; pero cuando dio la vuelta el siglo XX, la mecanización y los avances de la medicina provocaron un crecimiento exponencial de la población que luego de la Segunda Guerra Mundial amenazó con destruir al mundo. Los gobiernos de las naciones estados, atentos al problema, iniciaron campañas de control de la natalidad que han revertido el proceso en países desarrollados, pero con la nefasta consecuencia de que la población nativa ha ido disminuyendo con el tiempo.

Una imagen muy poco común en el anime, una muestra de afecto entre dos orgullosos padres.

Para muchos países, la inmigración y variantes en los preceptos raciales (matrimonios mixtos) han permitido conservar una tasa demográfica competitiva con el cambio al nuevo milenio, pero en países con tradiciones aislacionistas este no ha sido el caso. En la República Popular China el partido-estado ha hecho esfuerzos por revertir su política de un sólo hijo para conservar la delantera demográfica con respecto al mundo (la cual pronto podría superar la India). Pero en Japón ninguno de los esfuerzos del gobierno ha resultado en la reversión de una realidad cada vez más atemorizante, esto es porque se están volviendo más viejos. En el reciente censo que refleja la tendencia del último lustro la población ha disminuido en un millón de habitantes y en otro lustro más de un tercio de los habitantes de la isla tendrán más del 70 años.

La quintaesencia de la simpática perdedora, Tomoko Kuroki. Sus características ojeras y su cara frente a la cámara son claros ejemplos de su personalidad.

Aunque se supone que el anime sirve para entretener, la realidad que enfrentan los japoneses se ve reflejada en sus obras. Si se pone mucha atención a los comentarios entrelíneas, uno puede encontrar que en mangakas entre 30 y 40 años (la edad de éxito de muchos), muchas de sus obras incluyen un hikikomori (un agorafóbico que no sale de la casa), una persona tímida o alguien que no se adapta al grupo. Esta es una realidad que ellos enfrentan a diario pero que temen admitir, así que la reflejan en sus obras porque su público de consume vive esta realidad y se siente cómodo con ella. Con esto en mente, he preparado una lista de los animes que reflejan de cierta medida el criterio que tienen los japoneses sobre su "problema demográfico". Ya sea que hagan falta mecanismos para un cortejo exitoso, que los personajes estén encerrados en si mismos o que no estén seguros de su definición sexual. Así que sin más comenzamos.

Aunque se vea romántico, el rubio de la izquierda es hombre. ¡Sorpresa!

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Animes sobre el problema demográfico en Japón

Uno de los grandes problemas de las Islas del Sol Naciente es el problema demográfico. Aunque poseen 120 millones de habitantes, el colapso de la tasa de natalidad y la migración del campo a la ciudad han provocado fenómenos interesantes que han capturado la imaginación de varios autores. Los ejemplos más significativos del género son:

Yuki confiesa por primera vez a Souhei su licantropía, una de las escenas clave de la película

Ookami Kodomo no Ame to Yuki

Una hermosa adaptación de una historia de amor y de vida diaria con tintes sobrenaturales; Los Niños Lobos Ame y Yuki nos relata la historia de Hana, una abnegada madre que queda sola con dos niños "especiales" (si la licantropía se puede considerar enfermedad, por lo demás serían muy sanos). Lo interesante de la historia es que siendo una madre soltera con dos niños lobo, poco presupuesto y muchas necesidades; ella decide hacer lo impensable y migrar al campo. El precio de su nueva casa (la adquiere por un precio muy cómodo), la edad de los vecinos (ninguno de ellos es menor de cuarenta años) y el abandono de su entorno reflejan el fenómeno japonés de la migración del campo a la ciudad que está amenazando la existencia de comunidades enteras. Al final, la joven viuda queda sola en casa, lo que acentúa la sensación de perdida del Japón rural del que poco se conoce.

Para saber más lee el artículo: Los niños lobo, Ame y Yuki

Repito. ¡Cómo desearía ser delfín inflable!

Seitokai Yakuindomo

¿Qué tiene de especial este anime vulgar, groso y venoso; de dos temporadas y una miriada de OVA's? Si se observa con mucha atención, la Academia Osai recientemente (justamente hasta el ingreso de Takatoshi Tsuda) cambió su política de ser una institución sólo de señoritas a una mixta. Decisión política basada en el decrecimiento de la población, la tasa es desfavorable para los varones, lo que provoca reacciones hilarantes de las estudiantes femeninas, especialmente las de los niveles superiores que no estaban acostumbradas a compartir su espacio con "hombres". Ya ven que no todo es cochambre ni pensamientos maliciosos en la vida.

Para saber más lee el artículo: [Reseña Anime] Somos los miembros del consejo estudiantil

Se nota la tensión verdad. Lástima que no es sexual (por ahora).

Kaichou wa Maid Sama!

Al contrario de la anterior, el Colegio Seika era de varones y hasta hace poco se volvió mixto. Debido al peso que tienen los varones por sus números, las mujeres se ven intimidadas pero con la guía de Misaki Ayuzawa ellas tienen quien las defienda de sus avances, sus palabras sucias o simplemente su presencia. El problema es que ella es pobre, así que debe trabajar medio tiempo para ayudar a su familia. Lo que es una comedia normal de identidad secreta se transforma en una representación (aunque exagerada) de la sociedad japonesa; donde la ginofobia, el sexismo y la indefinición de géneros aderezan lo que sería una historia romántica digna de una telenovela mexicana (fuchi).

Para saber más lee el artículo: [Reseña Anime] La presidenta es doncella en un café

Nitorin (al centro) se ve divino, ¿verdad?

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Animes sobre indefinición de géneros

Técnicamente la sociedad japonesa no tiene problema con la indefinición de géneros, las relaciones con personas del mismo género son aceptadas de forma tácita en una sociedad abierta y que con la derrota de la Segunda Guerra Mundial se ha transformado en una de tipo secular (cada vez menos apegada a la espiritualidad). Pero la aceptación no es tan abierta, en muchisimos casos (con el advenimiento de los movimientos de derecha) la sociedad está dando el giro hacia un "nucleo familiar formal" con tal de revertir el problema de la natalidad. Ejemplos del juego de la indefinición de géneros y su consecuencia son:

El trap más masculino del anime, brindando por el éxito de su serie.

Maria Holic

Kanako Miyamae es una lesbiana devota (comienza todos los capítulos con "Santa Madre que estás en el cielo") que detesta a los hombres hasta el punto de la alergia. La ilusión de estudiar en el alma mater de su madre (donde según se cuenta conoció a su padre) junto con una marejada de atractivas compañeras se ve empañada por la presencia de su compañero de cuarto, Mariya Shido. Trasvestido en parte por voluntad de su abuela y en parte por su propia voluntad, junto con su criada este le hace la vida imposible, mientras trata de sobrevivir su primer año en el colegio sin perder la vida (y la sangre en el proceso). Una exquisita burla al género Yuri y una hilarante comedia irrealista todo servido en un mismo plato.

Para saber más lee el artículo: [Animé] "Maria Holic": La adicción por María

Esta es la forma en que Shuichi Nitori y Yoshino Takatsuki se ven a si mismos.

Hourou Musuko

Shuichi Nitori y Yoshino Takatsuki se conocen desde el quinto grado, han estudiado juntos y son grandes amigos; pero ambos comparten un secreto, ninguno se siente bien con el género que le han asignado. Conforme cada uno sueña con pertenecer al género opuesto, ellos entran al colegio donde sus gustos y afinidades entran en conflicto con una sociedad donde "el hombre debe ser hombre y la mujer debe ser mujer"; tabú que ambos pretenden romper con consecuencias inesperadas para sus vidas. Como drama de vida diaria es una gran obra, pero al combinar la adolescencia con la indefinición de género logra una mezcla impresionante.

Para saber más lee el articulo: [Reseña_Anime] El hijo indefinido

¡Aclaración! Lo que se le ve a esta preciosura en medio de las piernas no es vello púbico.

Himegoto

Tal vez una de las propuestas más atrevidas y la serie que mató el género otokonoko (chicas que son chicos o como se conoce en occidente "trap"), Princesa Secreta trata sobre la vida y tragedia de Hime Arikawa; un muchacho muy femenino que con tal de salir de sus problemas económicos llega a un acuerdo con el Cuerpo del Consejo Estudiantil del Colegio Shimoshina para convertirse en su "perro" hasta el final de su ciclo educativo. El problema no está en que lo obliguen a vestirse de mujer para satisfacer sus bajos instintos, sino en que de verdad lo está disfrutando. Comedia de enredos con un alto contenido homofóbico, quedará para el recuerdo de como no se debe tratar un tema que puede herir suceptibilidades.

Es seguro que están babeando por un chico guapo. El problema es que no babean por razones heterosexuales.

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Animes con personaje principal incapaz de socializar

El último punto que mata demográficamente a Japón es un fenómeno cada vez más recurrente en el arte japonés, el inadaptado social. Ya sea en la forma del hikikomori (que oficialmente ya pasó la raya del millón en Japón), la generación perdida japonesa posterior a la crisis del 2000 o la simple premisa de una obsesión llevada al extremo de la locura; estos escenarios todos desembocan en la imposibilidad de una relación socialmente estable que culmine por supuesto en lo que se espera tradicionalmente de un ser humano (casado o con hijos). Aunque la presencia del inadaptado ha sido constante en el arte japones, pocas obras dedican trama o tiempo a tratar la vida desde su punto de vista. Ejemplos de esto se pueden ver en:

No Tomoko, las aspiradoras no son buenas besadoras.

Watashi ga Motenai no wa Dō Kangaetemo Omaera ga Warui! (WataMote)

Tomoko Kuroki cree estar lista para enfrentar la secundaria, pero las más de mil horas que pasó el verano jugando juegos otome no la prepararon para el cambio que la atropelló al entrar al colegio. Tímida, reservada, desaseada, degenerada, solitaria y completamente ausente de la realidad; para Tomoko es más fácil culpar a los demás de su minusvalía social mientras rebota entre burlas y penas tanto de sus pares como de su familia. Aunque representa la exageración de la inadaptación social, las desgracias de Tomoko son un cruel recordatorio de una realidad que viven muchos, no sólo en Japón.

No hay nada más erótico que un beso entre hombres... Nahh!

Watashi ga Motete Dousunda

En una inversión completa del género, Kae Serinumi pasa de ser una gorda degenerada con una afición enfermiza por el yaoi a una hermosa adolescente por la muerte de su personaje favorito. Este hecho no pasa desapercibido de los muchachos más populares del colegio, los que no pierden tiempo en cortejarla. El único inconveniente es que no es fácil cambiar la forma de pensar de Kae, la cual sueña con situaciones románticas entre sus pretendientes y no con ella. Comedia de enredos que en el anime no llega a nada más; Bésalo a Él, no a Mi nos muestra la otra cara de una afición que es popular entre el 37% de los aficionados del manga y del visual kei. ¿Quién lo diría?

Cuando vives con el pedófilo del barrio y este se hace amigo de una linda niña, no hay más remedio que fisgonear para ver que sucede.

Bokura wa Mina Kawaisou

Cuando decidió emanciparse de sus padres, Kazunari Usa jamás imaginó que conocería a la mujer de sus sueños en el hostal en que habita. El problema es que el amor de su vida y compañera de colegio Ritsu Kawai no se percata de su existencia. Absorta por un enfermizo amor a la lectura (su cuarto es la biblioteca con la que siempre he soñado), ella no pone atención a sus avances mientras todas las mujeres en su vida se aprovechan de su buen corazón y su disposición de ayuda. Comedia de vida diaria y de enredos, no sólo sus protagonistas sufren por sus excentricidades sino todos los miembros de la Mansión Kawaii, que en un juego de palabras podríamos catalogar como patéticos perdedores.

Para saber más lee el artículo: [Reseña_Anime] Todos somos patéticos en la Mansión Kawai.

Si, yo también reaccionaría así si me sorprendieran soñando, Tsukimi.

Kuragehime

El edificio de apartamentos Amamizukan en Tokyo es habitado por mujeres otaku con gustos muy peculiares. Pertenecientes a la generación perdida de Japón (adolescentes para inicios del milenio), ninguna estudia ni trabaja (NEET). Tsukimi Kurashita es la más joven de las habitantes, con una obsesión enfermiza por las medusas de mar que le dejó su madre ya fallecida. Pasada de peso, de anteojos y tímida con los hombres hasta el punto de la parálisis; ella se tropieza con una extraña mujer que la ayuda a salvar una medusa. Pero Koranosuke Koibuchi es un trasvestido, fruto de una relación extramarital de un adinerado político y una actriz destacada. Conforme la vida de ambos se interseca, los dos cooperan (a veces involuntariamente) para evitar el desahucio de las NEET del departamento y de paso expresar los sentimientos del uno por el otro. Una comedia de vida diaria que muestra una realidad interesante, los otaku que se independizan viven juntos con sus complejos, que supuesto no son exitosos socialmente como sus contrapartes "normales".

Para saber más lee el artículo: [Reseña Anime] Kuragehime, los 15 minutos de Kana Hanazawa

Koranosuke Koibuchi nos muestra que cuando un hombre se ve tan bien, hay algo malo con la heterosexualidad.

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Entre broma y broma...

¿Pero qué tienen que ver estas series con la implosión demográfica que condenará a Japón a una catastrofe económica en los próximos años? La verdad es que entre broma y broma la verdad se asoma. De todos los ejemplos dados los únicos que con seguridad podemos afirmar que tendrán hijos a futuro son los hijos de Hana, Ame y Yuki, y tal vez los protagonistas de Maid Sama! ¿Pero cómo puede ser eso si los niños son hombres-lobo y Mizaki Ayuzawa es más plana que una tabla? Es porque estos se pueden catalogar como "normales" dadas las circunstancias. Un punto en que coinciden todos los restantes ejemplos presentados es que tendrán hijos a futuro si adoptan, inseminan u otras circunstancias en las que es mejor no pensar.

Si Usui. El pecho de Misaki Ayuzawa está plano como una tabla.

Por supuesto, la indefinición sexual y el fracaso social no son un problema, pero las consecuencias de ambos son problemáticas a futuro. Con la revelación de que una parte significativa de las mujeres tienen sueños homoeróticos entre hombres (el auge del Yuri en el anime de esta década es un gran ejemplo), de que el otokonoko se consideró género manga por un tiempo y la popularización del hikikomori en el arte nos lleva a una conclusión alarmante, al japonés otaku no le interesan las relaciones interpersonales tradicionales. Relaciones que por supuesto terminan en hijos, que es lo que necesita Japón para revertir la tendencia.

Aquí Ritsu Kawai y Katsunari Usa nos muestran que no existe nada malo en trasvestir si es por ayudar a los amigos. ¿En serio?

Aunque culpar al fenómeno del anime/manga de este problema es generalizarlo, lo cierto es que la combinación de una sociedad tradicionalista que no expresa sus emociones con el auge de los medios audiovisuales ha tornado en asexual a una parte importante del público de la isla. Esto combinado con el estancamiento económico (tal como en el mundo la actual generación no puede soñar con tener casa propia y por eso viven con sus padres) y la falta de incentivos políticos son la receta para un desastre.

Si, hace calor.

Todavía falta mucho para saber si Japón logra revertir el proceso o no (Que Dios me haga mentiroso y no profeta), pero por mientras les recomiendo que disfruten del auge anime de esta década, porque es probable que en la que sigue este se apague conforme la generación que lo consume se va tornando más vieja. Así que disfrútenlo.

Esta es una imagen imponente de las NEET en apariencias normales. Qué cambio.

Starman: el Legado Olvidado por DC cómics.

noreply@blogger.com (Unknown) — Wed, 12 Jan 2022 19:28:00 -0600

Hay familias de superhéroes famosas y cuyos legados son conocidos: la bat-familia, la súper familia, la herencia de los velocistas escarlatas, o el legado del anillo esmeralda. Pero hay una familia poco conocida, que tiene un potencial enorme de escritura que como un tesoro perdido anda rondando por diversas ediciones de DC sin que nadie les reuna y les otorgue una estructura icónica.

El patrimonio de la Vara Cósmica y el manto de Starman. Un nombre que ha sido llevado por diferentes héroes, tanto terrestes como alienígenas, con una tradición que se remonta a los primeros años de DC Comics.

Un nombre. Muchos héroes.

Sin embargo, uno de los más interesantes y que merece especial atención es Jack Knight, el séptimo Starman del cual hablaré a continuación.

Creado por el escritor Gardner Fox y el dibujante Jack Burnley, el Starman original, Ted Knight, apareció por primera vez en Adventure Comics Nº 61 (abril de 1941). Astrónomo de profesión, Knight inventó una «vara gravitatoria» (más tarde renombrada como «vara cósmica») que le permitía volar y manipular energías. Vistiendo un traje rojo y amarillo con casco, adoptó la identidad de Starman.

Al igual que muchos de los héroes de la Edad de Oro, Starman desapareció de las publicaciones en los años 1950. Como mencionaba antes, durante los años siguientes, varios personajes, con distintos tipos de relación respecto del original, llevaron el nombre de Starman.

No obstante, en los albores del comic Zero Hour Nº 1 (septiembre de 1994), el escritor James Robinson y el dibujante Tony Harris presentaron a Jack Knight, hijo menor del primer Starman. Este heredó el papel y misión de su padre reluctantemente, protagonizando desde 1994 y hasta 2001 una serie escrita por Robinson que fue aclamada por la crítica especializada.

Durante el evento crossover D.C. 1994 Zero Hour, hubo una sola página presentando a los hijos del Golden Age Starman (Ted Knight). Ted es un hombre viejo, su edad acelerada por los dispositivos de la trama, le da a su hijo mayor David su vara cósmica, la fuente de su poder.

Después del crossover, DC tenía una nueva alineación de mensuales comenzando en el número 0, con Starman siendo uno de ellos. El problema comienza con David haciendo patrulla, resplandeciente en el clásico traje de Starman, y luego ...

Worst First Day Ever...

Jack termina tomando el manto de Starman a regañadientes, principalmente para vengarse y hacerse justicia en contra del asesino de su hermano, uno de los archienemigos de su padre.

Entonces tienes al héroe reacio, que hace las cosas de una manera nueva, y que tiene dudas y defectos humanos. Este es un tropo bastante común en los cómics para no ser especial en sí mismo. Sin embargo, James Robinson (quien escribió la ejecución completa de 80 números) agregó otro elemento. Hizo que toda la serie se convirtiera en una historia de amor para todas las cosas.

Starman se convirtió en un héroe reacio que buscó ayuda y ofreció ayuda a los héroes de la Edad de Oro que su padre conocía, los personajes extraños y menos conocidos como Swamp Thing y Solomon Grundy y The Shade. y las versiones clásicas de los modelos DC como Batman y Superman.

El personaje y las historias trataron todo de una manera muy compasiva y humana, dando un corazón a cada tropo de comedia imaginable. Tenía villanos redimidos (uno de sus amigos era un archienemigo de su padre ya retirado), luchas de superhéroes cross-overs, realidades alternas, viajes en el tiempo y aventuras espaciales, un viaje a dimensiones infernales / demoníacas, e incluso una historia navideña con el pobre hombre vestido de Papá Noel, y cada paso del camino parecía fresco y conmovedor (incluso si, fue pesado a veces).

Starman me mostró una faceta de lo que los comics superheroicos podrían ser, y profundizó mi amor por esta forma de arte y me hizo apreciar la historia de este personaje. Con el Starman que creó James Robinson visitamos una multitud de historias dentro del universo DC de una forma única que no podríamos ver a traves de personajes de primera línea como Superman. Los 80 números de Starman son un paseo por lo mejor del Universo DC. Pasado, presente y futuro.

Jack Knight además hace un personaje sumamente entrañable, un coleccionista de cachivaches que encuentra estúpido usar un disfraz para ser un superhéroe. Simplemente hace lo que tiene que hacer, sin pose ni impostura. Simplemente dejándose llevar por la necesidad de implicarse en los problemas de los que tenemos al lado y nos importan. Además, no cualquiera le dice sus verdades a Batman.

En palabras del escritor:

“Empecé a buscar personajes que me parecía poseían un potencial no explotado dentro del DCU, y enseguida tuve la impresión de que el potencial de Starman nunca había sido explotado a fondo a pesar de que siempre ha habido un Starman dentro del Universo DC desde la década de los años cuarenta.

Repasé las historias de la Edad de Oro de Jack Burnley, el creador de Starman, y me parecieron oscuras, misteriosas y llenas de sombras. Había una atmósfera general de cine negro o de terror que nunca ha vuelto a estar presente en el mito de Starman desde aquel entonces.

Todo surgió de estos elementos: quería trabajar con la clase de personaje cuyas aventuras me gustaría leer, lo cual significa este tipo muy joven y despectivo, y mezclarlo con el Starman original de la Edad de Oro.

Ese fue mi auténtico punto de partida. Si hubo un fallo en las encarnaciones anteriores de Starman, es que todas ellas eran un poco como islas. Ninguna interactuaba lo más mínimo con los demás Starman. No había ningún gancho que las anclase al universo DC, aparte del hecho de que compartían el nombre con Ted Knight. En este cómic habrá un sentido de linaje e historia. Cada persona, viva o muerta, que ha llevado el nombre de Starman, tendrá alguna resonancia y significado en este nuevo cómic”.

Así que les recomiendo este personaje tremendamente humano, una de esas historias que difícilmente veremos en una película animada (menos aún en Hollywood) pero que si sos un fan DCista definitivamente vas a adorar. Una historia de padres e hijos, de choque de generaciones de cambios de valores en la sociedad, pero que no se pierde en reflexiones filosóficas densas sino que expresa el temor y la esperanza del hombre común. Aunque no deja de tener sus fallos, por supuesto, es un relato autocontenido que con cada número va cimentàndose y mejorando para ganarse un puesto en el corazón del lector.

¿Veremos en un futuro relanzarse este personaje a nuevas glorias? Quien sabe, quizás el futuro guionista que lo consiga este leyendo estas líneas.

Mejores animes primavera 2021

noreply@blogger.com (Unknown) — Sun, 30 May 2021 17:57:00 -0600

Los mejores animé de la temporada de primavera 2021

Esta temporada contó con el retorno de animés consolidados que han decepcionado como My Hero Academia. La mayoría de la temporada ha sido bastante floja, con series que se basan en fórmulas repetitivas o que tratan de impresionar con el apartado gráfico.

Lo cual esta bien si eres un adolescente como mucho tiempo para desperdiciar. Pero si valoras tu tiempo y solo quieres dedicarte a ver series que te ofrezcan más que fanservice barato, sino darte una experiencia que valga la pena invertirle el tiempo te recomiendo ver cualquiera de las siguientes

Si quieres ver alguno de esto animes en tu teléfono puedes encontrar distintas aplicaciones para ver animes gratis aquí.

A TU ETERNIDAD

Del mangaka que trajo a los fans la clásica película de anime A Silent Voice llega una nueva obra que seguramente será otro anime desgarrador que hará llorar a los fans llamado Fumetsu no Anata e (To Your Eternity). Es un anime que muchos fans consideran que sólo ha necesitado un episodio para quedar absorbido por la historia. Muchos fans anticipan que esta historia pasará a formar parte de las grandes por la premisa que ha establecido hasta el momento, por lo que añadir To Your Eternity a la lista de obligatorios de ver.

La historia sigue a una criatura de naturaleza supernatural llamada "Eso", que tiene el poder de transformarse en cualquier cosa que le provea con un fuerte estímulo. Imitando en su camino a una roca, al musgo, a un lobo, a un oso y a un humano, "Eso" se embarca en una aventura de autodescubrimiento y propósito.

TOKYO REVENGER

Tokyo Revengers es un anime de viajes en el tiempo protagonizado por un protagonista que quiere mejorar su futuro. Tokyo Revengers es una serie de anime protagonizada por un delincuente que busca el cambio y desea modificar aspectos de su pasado mientras salva la vida de otros. Es un anime con el potencial de ser uno de los mejores anime de viajes en el tiempo por su protagonista y su trama que nunca se echa atrás.

Para aquellos que hayan leído el manga, es probable que sea una serie que les haya costado dejar de leer y que les haya convencido para darse un atracón durante mucho tiempo. Sobre todo, los fans adoraron el intrigante estilo artístico y los giros argumentales que encontraron al hojear los capítulos página a página.

VIVY: LA CANCION DEL OJO DE FLUORITA

Vivy: Fluorite Eye's Song es un anime que puede convertirse en uno de los mejores anime de ciencia ficción de la historia por su intrigante mundo, su trama y sus personajes. El anime sigue a una I.A. humanoide llamada Vivy y a un oso futurista llamado Matsumoto. La misión de Matsumoto es evitar una guerra entre el hombre y la máquina, mientras que la de Vivy es hacer feliz a la gente a través del canto.

La historia tiene lugar en "Nearland", un parque temático donde "los sueños, la esperanza y la ciencia" coexisten como un parque temático de Inteligencias Artificiales (IA). Este lugar es donde nace la primera IA automatizada de tipo humano. Vivy es una IA que canta en el escenario para los visitantes del parque todos los días, ya que su directiva es "hacer felices a todos a través de la música". Actúa de todo corazón para los visitantes del parque.

Un día, una IA llamada Matsumoto aparece ante ella. Dice que ha venido desde 100 años en el futuro con la directiva de "trabajar con Vivy para corregir la historia y detener la guerra entre la IA y los humanos que estalla dentro de 100 años". Así comienza el viaje de 100 años de la cantante de IA Vivy.

Es una trama que suena extraña sobre el papel, pero que ha sido bien ejecutada a los ojos de muchos fans por cómo se estructura la historia y se entrelazan las diferentes misiones de ambos personajes bajo un mismo techo. El anime también contiene una banda sonora estelar y una hermosa animación que atrae a los espectadores.

MEGALO BOX 2: NOMAD

El Megalo Box es una forma avanzada de boxeo en la que los competidores llevan monturas metálicas llamadas Gear. Cuando se celebró el primer torneo de Megalonia, "Gearless" Joe se convirtió en su campeón y fue conocido por todos como un luchador legendario. Sin embargo, poco después, perdió un combate de exhibición contra el segundo campeón y desapareció del ojo público.

Siete años después, Joe se hace llamar "Nómada" y mantiene un perfil bajo, luchando ocasionalmente en algunos combates clandestinos para salir adelante. Le persiguen las alucinaciones y depende de una serie de analgésicos para adormecer su mente.

"Gearless Joe" regresa en la esperada continuación de Megalo Box, el homenaje a Ashita no Joe de 2018 de TMS Entertainment. Megalo Box 2: Nomad supone el regreso del director de la serie, You Moriyama, junto con los guionistas y compositores de la serie, Katsuhiko Manabe y Kensaku Kojima. Megalo Box 2: Nomad es, sin duda, uno de los animes de acción más estimulantes y mejor animados de esta temporada.

EIGHTY SIX

La premisa de este animé se podria resumir en: "¿Qué pasaría si los nazis hubieran podido obligar a los judíos a montar mechas de combate y pelear por ellos?".

Eighty Six es un relato militar que no teme tocar los aspectos terribles de la vida del personal militar y de la propia guerra.Muestra los problemas raciales potentes en los militares del mundo real y la deshumanización. Sigue a hombres y mujeres marcados con el título de "ochenta y seis" y explica cómo pierden su humanidad a causa de la guerra.

El éxito del argumento y la dirección artística de Eight Six (que ha dado el clavo con el uso del CGI) se han unido al compositor de Attack On Titan, Hiroyuki Sawano, tiene un papel adecuado en la banda sonora de Eight Six para dar aún más razones a los fans para ver este anime de temática militar.

Si uno disfruta viendo series que se adentran en las vidas de quienes luchan en entornos de tipo militar, merece la pena ver Eight Six.

ODD TAXI

Excéntrico y contundente, la morsa Odokawa lleva una vida relativamente normal. Conduce un taxi para ganarse la vida, y allí conoce a varios individuos singulares: el desempleado Kabasawa, que está decidido a convertirse en viral, la misteriosa enfermera Shirakawa, el esforzado dúo cómico ''Homo Sapiens'', y Dobu, un conocido delincuente.

Pero el sencillo estilo de vida de Odokawa está a punto de dar un vuelco. El caso de una chica desaparecida que la policía ha estado rastreando conduce a él, y ahora tanto la yakuza como un dúo de policías corruptos le siguen la pista. Ambientada en una ciudad extrañamente familiar y llena de individuos inusuales, Odd Taxi es una extraña historia sobre un humilde taxista y el misterio de una estudiante de secundaria perdida.

KINGDOM - 3° TEMPORADA

Una serie para los amantes de la acción realista, complots políticos y principalmente, de la estrategia militar en estado puro. Después de dos temporadas realizadas sin presupuesto, por fin le dieron una animación con el mínimo de calidad que esta serie merece.

Tras el éxito de la campaña de Sanyou, el ejército del reino Qin donde pelea el protagonista, el comandante de 1000 hombres Li Xin es, está cada vez más cerca de cumplir el sueño del rey Ying Zheng de unificar China. Al ganar un importante punto de apoyo geográfico en el estado de Wei ahora bajo su control, Qin pone su mirada en el este hacia los restantes estados en guerra.

Mientras tanto, Li Mu -un estratega sin parangón y el recién nombrado primer ministro del estado de Zhao- ha aprovechado la tregua temporal de Zhao con Qin para negociar con los demás estados sin interrupción. Aparentemente sin previo aviso, Ying Zheng recibe la noticia de que los ejércitos de los estados de Chu, Zhao, Wei, Han, Yan y Qi han cruzado al territorio de Qin.

Al darse cuenta demasiado tarde del propósito de la tregua de Li Mu con Qin, Zheng reúne rápidamente a sus asesores para idear un plan que permita hacer frente al ejército de la coalición de los ejércitos de seis reinos a sus puertas.

Por primera vez en la historia, el estado de Qin se enfrenta a una destrucción total y debe utilizar todos los recursos y estrategias a su disposición para evitar ser borrado del mapa.

A esperar otra temporada de animé.

Ya sabemos que siempre habrá quien defienda su gusto por la comida chatarra como una forma de degustación culinaria, lo cual es respetable aunque sea indefendible. Por lo mismo, hay muchas series que le causan emoción a los amantes del "más de lo mismo", y que merecen su espacio también, pero que no es esta lista.

Si ya has visto algunos de estos animés, déjanos tus impresiones en los comentarios. ¡Nos leémos!

Grey: Una serie en estado de coma, del que podría no despertar

noreply@blogger.com (Joel Edgardo López) — Tue, 25 May 2021 12:02:00 -0600

¿De que trata esta serie?

A grandes rasgos, todo gira entorno a la vida de Meredith Grey una mujer que comienza su internado en el mismo hospital que su madre, una reconocida cirujana retirada. Grey tiene lo típico de cualquier novela: noviazgos, separaciones,etc., pero lo que hace especial al género "Serie de doctores" es la gran carga emocional que se encuentra en un hospital: nacimientos, fallecimientos, operaciones, historias de vida, etc.,

El legado de ER EMERGENCIAS

Al pensar en ER y Grey, se cree que son similares, pero bastan pocos capítulos para ver grandes diferencias. Grey tiene su foco en la cirugía y la vida sentimental de sus personajes, ER tiene foco en la vida en general de los pacientes y personal médico (no solo cirujanos).

ER Emergencias fue también una famosa serie de doctores, y es difícil no compararla con Grey. Las causas de su declive fueron prácticamente las mismas, personajes que se van/mueren y no conforman un elenco que podamos reconocer como "de base".

En mi opinión, ER heredó a Grey una parte de su público, un público fiel a series de doctores y que le gusta ver como es un hospital por dentro. También, es muy agradable ver a doctores buscando lo imposible y yendo "mas allá" de lo conocido por un paciente, en un mundo donde tu hospital local hasta puede amputarte la pierna incorrecta.(link)

¿Como llega una serie con buena salud al coma?

En principio quiero que lo sepas, soy fan de esta serie. Aunque señale varias cosas de ella, no quisiera que lo tomes tan en serio, solo me considero un televidente honesto, que reconoce lo bueno y lo malo de la serie que le gusta y que, en cierta forma, lo "malo" solo es producto de la vida real influenciando el mundo ficticio.

El pasado no enfrentado de la protagonista

En los primeros capítulos me fue muy difícil ver protagonismo en Meredith, pero la desdicha y la desgracia que rodea a Meredith hizo fácil que empatice con ella. Aunque ella no es solo víctima, hablamos de una mujer "fuerte" capaz de soportar accidentes, desvelos, juicios y toda clase de tragedias, pero no capaz de enfrentar el problema de raíz: Su niñez y su accidentada relación con su madre y como ello le lleva a meterse en todas esas desdichas. Las 2 veces que ve al psiquiatra, apenas ha tratado superficialmente el problema. Aunque también es entendible, ¿quien vería a una protagonista que lo haya superado todo?, este hecho solo tiene la contradicción del tipo ¿Como puedes cuidar a otros si no lo haces por ti?.

La inclusión forzada.

La inclusión muchas veces es elocuente, acertada y bastante realista, pero por momentos es nada sutil, con personajes que no llegan a desarrollarse del todo y terminan solo cumpliendo una "cuota" o "cupo".

El talón de Aquiles heredado de ER.

Desarrollar personajes durante muchos capítulos y temporadas, para simplemente prescindir de ellos por motivos personales de los actores, se volvió norma desde el principio, y últimamente, el saber por medio de las noticias que tal o cual actor "volverá" o "saldrá" de la serie es también, una forma encubierta de spoiler.

Creo que el mejor momento de esta serie está ubicado en las temporadas donde había un buen balance entre la estabilidad de los personajes, drama, trascendencia (con las investigaciones y premios) y revelaciones inesperadas.

Cuadro temporal de series médicas

Ubicar temporalmente una serie no es sencillo, ya que hay años de diferencia entre el estreno de un capítulo y su transmisión en latinoamérica, y a eso le sumamos que cualquier cosa que entre al catálogo de NETFLIX renueva su interés. Aunque este es solo un cuadro temporal, tengo la hipótesis de que el auge de una nueva serie se ubica justo en el declive de la anterior. El público de ER quizás abandonó el barco antes de que se hunda, yendo a Dr House o Grey, para luego repetir la historia en The Good Doctor y New Amsterdam. ¿Que piensas acerca de mi teoría? ¡Espero tus comentarios!