Nerdologia Alternativa

[Especial] Rapidinhas de 2025

2026-04-10T22:13:00.002-04:00

Feliz 2026 atrasado, meus caros leitores e amigos.

Como puderam perceber, estou trazendo o Especial com as Rapidinhas de 2025 ~~em março~~ em abril. Quem acompanha este espaço, sabe que esta publicação normalmente sai em janeiro. Logo, o que diabos aconteceu? Aliás, por que o blog está há tanto tempo sem atualizações?

Pois bem, pretendo explicar o motivo e comentar sobre outros assuntos no final deste texto.

Mas primeiro...

O que são essas Rapidinhas?

São textos curtinhos que cabem em 300 caracteres (um post do Bluesky) onde dou uma opinião geral sobre um filme, uma série ou um anime que assisti. A regra que atribui para a elaboração destes "mini-artigos" é que a obra resenhada precisa ser recente (preciso ter assistido no máximo seis meses desde o lançamento brasileiro). Foi uma maneira rápida e prática de comentar sobre algo sem ter que escrever uma crítica por aqui, onde normalmente levaria muito mais tempo para produzir ~~até porque não consigo escrever artigos curtos por aqui~~. Além disso, elas servem como conteúdo para as nossas mídias sociais.

Para quem acompanha apenas o blog, esta será a oportunidade de conferir a opinião deste que vos escreve sobre algumas produções que tiveram destaque (ou não) no ano passado. Para quem também acompanha as nossas redes (Facebook, Instagram e Bluesky), este post será uma grande recapitulação do que foi comentado durante o ano passado.

Assim como fiz nas edições anteriores, incluirei alguns extras produzidos exclusivamente para esta postagem.

Sem mais delongas, estas foram as rapidinhas lançadas em 2025:

Comando das Criaturas - 1ª Temporada

The Bride Dr Phosphorus GIFfrom The Bride GIFs

A animação usa e abusa (de forma competente) dos clichês que o James Gunn adora.

Ela brilha durante os seus flashbacks, onde vemos que os verdadeiros monstros da série são os seres humanos... e o babaca do Frankenstein.

Vale a pena conferir.

Onde Assistir: HBO Max.

Doctor Who: Joy to the World

Oh No Doctor Who GIFfrom Oh No GIFs

Como um especial de Natal, é uma produção singela e com uma personagem com potencial para companion (Anita, a gerente do hotel). Já como um episódio regular, ele é bem mediano.

Steven Moffat já entregou episódios natalinos melhores do que esse.

Onde Assistir: Disney+.

Dragon Ball Daima

Dragon Ball Daima Jaka Jaan GIFfrom Dragon Ball Daima GIFs

Em seu último trabalho, Akira Toriyama entregou um anime que acertou nos principais pilares de Dragon Ball: a aventura, a comédia, os personagens e as lutas.

Com apenas 20 episódios, "Daima" é uma série superior ao "GT" e ao "Super".

Toriyama fará muita falta!

Onde Assistir: Crunchyroll, HBO Max, Netflix.

Bleach: Thousand-Year Blood War - 3ª Parte

Bleach Tybw GIFfrom Bleach GIFs

Correspondendo a uma das partes mais legais do arco final do mangá, a adaptação do Studio Pierrot vem mantendo o alto nível técnico de seus episódios.

A "Guerra dos Mil Anos" está divertida de acompanhar no anime. Recomendo demais! 😄

Onde Assistir: Disney+.

O Auto da Compadecida 2

Como celebração ao original, a produção até faz bem o seu papel. Mas como filme, ela carece da mesma inspiração de seu antecessor.

Sinceramente, o longa vale mesmo é pelo retorno de João Grilo e Chicó. Matheus Nachtergaele e Selton Mello estão ótimos!

Onde Assistir: Prime Video.

The Red Ranger Becomes an Adventurer in Another World

紅戰士在異世界當冒險者 Sentai Reddo Isekai De Bokensha Ni Naru GIFfrom 紅戰士在異世界當冒險者 GIFs

Quem disse que não há bons Isekais na atualidade?

"Red Ranger" diverte como uma paródia/homenagem ao gênero Super Sentai e como um shounen de lutinha.

Ele só deixa a desejar na animação (os robôs em CGI são horrorosos).

Onde Assistir: Crunchyroll.

The Witcher: Sereias das Profundezas

Jaskier Sirens Of The Deep GIFfrom Jaskier GIFs

O novo longa animado de "The Witcher" é mediano em todos os aspectos. Contudo, é uma produção muito mais agradável de assistir que as últimas temporadas da série.

Sérgio Moreno como Geralt foi um grande acerto da versão brasileira.

Onde Assistir: Netflix.

The Electric State

Face To Face Michelle GIFfrom Face To Face GIFs

Orçamento elevadíssimo, grandes nomes no elenco e uma premissa interessante. Mesmo com esta combinação, a nova produção dos Irmãos Russo é um filme fraco e desprovido de charme.

Espero que o retorno ao MCU ajude a dupla a retomar os bons trabalhos.

Onde Assistir: Netflix.

Doctor Who - 2° Temporada (2025)

Doctor Who Fifteenth Doctor GIFfrom Doctor Who GIFs

O segundo ano de Ncuti Gatwa na série estava indo muito bem, até os episódios finais estragarem tudo.

É uma pena o 15° Doutor ter regenerado em sua temporada de consolidação. Ele saiu de cena sem enfrentar um mísero Dalek.

Lamentável RTD!

Onde Assistir: Disney+.

Mobile Suit Gundam GQuuuuuuX

Char Aznable Running GIFfrom Char Aznable GIFs

O maior pecado do anime foi tentar fazer muitas coisas em pouco tempo. Apesar de alguns acertos, o que se viu em tela foi algo bem inconsistente.

Não é a pior produção de Gundam já feita. Porém, considerando os nomes envolvidos, é uma grande decepção.

Onde Assistir: Prime Video.

Capitão América: Admirável Mundo Novo

Clutching The Shield Captain America GIFfrom Clutching The Shield GIFs

Mesmo apostando mais uma vez na temática de espionagem e dando sequência a TRÊS produções do MCU, o novo longa do Capitão é bem morno. Nem a presença do Hulk Vermelho foi capaz de salvá-lo do marasmo.

Anthony Mackie merecia um filme melhor.

Onde Assistir: Disney+.

Superman (2025)

Flying Around Clark Kent GIFfrom Flying Around GIFs

Otimista, emocionante e humano. A nova encarnação do Último Filho de Krypton para os cinemas é uma produção que faz o espectador terminar o filme com um sorriso no rosto.

Um ótimo começo para o novo universo DC. Estou curioso para ver a Supergirl em ação.

Onde Assistir: HBO Max.

Diários de uma Apotecária - 2ª Temporada

Mao Mao Shisui GIFfrom Mao Mao GIFs

Além de amarrar algumas pontas soltas, o segundo ano revelou segredos bombásticos e grandes conspirações envolvendo a alta corte.

Maomao é fantástica. Ela e a Frieren são as grandes protagonistas femininas desta primeira metade da década.

Onde Assistir: Crunchyroll, Netflix.

Guerreiras do K-Pop

Yeah Rumi GIFfrom Yeah GIFs

Animação inspirada em Aranhaverso e webtoons; trama digna de um dorama; e canções com influência do k-pop. Sério, não tinha como este filme dar errado.

Ele tem os seus problemas (ás vezes é bem bobo), mas é uma produção que tem o coração no lugar certo.

Onde Assistir: Netflix.

Dan Da Dan - 2ª Temporada

Dandadan Momo GIFfrom Dandadan GIFs

Estrela da vez, o arco do Olho Demoníaco é divertido e conta com bons momentos. Mas a temporada brilha mesmo nos três últimos episódios.

Um Kaiju, um Robô Buda Gigante e a introdução de Kinta Sakata garantem aquele clima insano que tanto gosto no anime.

Onde Assistir: Crunchyroll, Netflix.

Sakamoto Days - Partes I e II

Fist Bump Shin Asakura GIFfrom Fist Bump GIFs

O anime para os fãs de John Wick.

O elenco principal é legal e tem bons momentos de comédia, mas a maioria dos personagens é sem sal e os combates deixam a desejar.

Se não fosse pelo último arco, não teria curiosidade pela Parte III da animação.

Onde Assistir: Netflix.

Thunderbolts*

Head Turn Red Guardian GIFfrom Head Turn GIFs

O Esquadrão Suicida da Marvel deixa um pouco a desejar na ação (são poucas as cenas), mas compensa no carisma de parte do elenco. São eles que seguram o interesse na trama.

Gostei da batalha final. Ela foi tão criativa quanto a do primeiro Doutor Estranho.

Onde Assistir: Disney+.

Quarteto Fantástico: Primeiros Passos

Running Mister Fantastic GIFfrom Running GIFs

Um primeiro e um terceiro ato muito bons e protagonistas com muita química. "Primeiros Passos" é facilmente o melhor filme do Quarteto.

O longa seria ainda melhor se o segundo ato fosse mais inspirado, mas o saldo final é positivo.

Onde Assistir: Disney+.

Fuuto Pi: The Portrait of Kamen Rider Skull

Kamen Rider Skull Kamen Rider Double GIFfrom Kamen Rider Skull GIFs

Dando sequência aos eventos da 1ª temporada, o longa é uma versão animada da Begins Night, mas com poucas novidades para quem viu a série original.

Apesar disso, só pelo fato de ser algo novo de Kamen Rider W, já vale a pena conferir.

Onde Assistir: Crunchyroll.

EXTRA | Gladiador II

Tired Lucius GIFfrom Tired GIFs

É bem inferior ao original (que é uma obra prima do Ridley Scott). Mas apesar desse status, esta continuação é divertida. A batalha naval no coliseu já vale o filme.

Paul Mescal está muito bem, mas quem rouba a cena é Denzel Washington.

Vale a pena conferir.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Chico Bento e a Goiabeira Maraviosa

Uma aula de adaptação de quadrinhos.

As principais características das histórias do Chico estão lá: a vida no campo, o humor ingênuo, o linguajar caipira, a pegada ambiental e as goiabas do Nhô Lau.

Isaac Amendoim foi um grande achado!

Onde Assistir: Prime Video.

EXTRA | Branca de Neve

Snowwhitenews Snow White GIFfrom Snowwhitenews GIFs

Músicas ruins, roteiro com adaptações tenebrosas, anões com o carisma de um pote de maionese, cenários em CGI pra lá de falsos... sério, NADA neste filme funciona.

Rachel Zegler é o menor dos problemas. Gal Gadot está muito pior como Rainha Má.

Onde Assistir: Disney+.

EXTRA | Lilo & Stitch

Clap Stitch GIFfrom Clap GIFs

Apesar de algumas diferenças, o longa manteve os principais elementos do original (a questão familiar, a amizade entre Lilo e Stitch e o carisma da criatura).

Em 2025, a Disney lançou uma das piores adaptações live-action e uma das mais simpáticas.

Que coisa não?

Onde Assistir: Disney+.

---------------------------------------------------

Como mencionado na introdução, gostaria de explicar a vocês o motivo pelo período sem atualizações no Nerdologia Alternativa.

A razão para a inatividade é bastante simples: paternidade. Sim meus caros leitores, tornei-me pai no segundo semestre do ano passado. Após o lançamento do texto sobre Charrito, usei o meu tempo livre para preparar a casa (e me preparar também) para a chegada do bebê. E quando o meu filho nasceu, as semanas seguintes foram de dedicação total a ele. O tempo que sobrava ou era para descanso ou para correr atrás de alguma coisa que faltava em casa.

Aos poucos, algumas brechas foram surgindo e fui retornando com as atividades das redes sociais do blog. Quando meu filho passou a dormir à noite, voltei enfim a ter um tempo livre de verdade. Porém, como preciso de bastante tempo para produzir um artigo, tenho dado prioridade para outras coisas. Esta postagem mesmo venho elaborando nas oportunidades que surgiram ao longo dos três últimos meses.

Portanto, eu não abandonei o blog ~~ainda~~. Apenas deixei ele em stand-by para lidar com algo muito mais importante na minha vida. Eventualmente, acredito que me ajustarei ainda mais a esta rotina e conseguirei elaborar um novo artigo para vocês.

Primeiro tópico abordado. Vamos agora para outros pontos que gostaria de compartilhar:

Lista de Melhores e Piores do Ano de 2025

Como a minha prioridade neste espaço é comentar sobre outros assuntos, não teremos as listas este ano. Elas voltam na edição do ano que vem (ou não).

Conta do Blog no Twitter/X

Creio que só comentei isso no Bluesky. Bem, vamos lá.

No início deste ano, decidi desativar a conta do Nerdologia Alternativa no Twitter/X.

Confesso que foi um grande exercício de desapego, afinal foram quase 17 anos de presença naquela plataforma. Mas sendo bem honesto, faz muito tempo que não estava valendo a pena manter um usuário por lá.

Os motivos são vários: os tweets normais perderam muito de seu alcance; ferramentas antes disponíveis para todos usuários passaram a ser exclusivas de pagantes (o Tweetdeck, por exemplo); o nível de toxicidade dos usuários cresce cada vez mais (e a plataforma, de certa maneira, incentiva este tipo de comportamento); e para mim a pá de cal foi uma mudança nos termos de uso onde o Twitter/X passaria a ter direito de usar as minhas postagens como dados de treinamento para o Grok (a IA da empresa).

Se o serviço entregue pela rede social estivesse bom, poderia pensar em ficar mesmo contrariado com estes termos. Como a realidade é outra, achei que era a hora de encerrar o ciclo.

Conta do Blog no Youtube

Além do artigo sobre Charrito, uma das novidades de 2025 foi a criação de uma conta do blog no Youtube. A razão para isso era porque queria brincar um pouco com edição de vídeo e também produzir alguma coisa relacionada ao jogo Super Robot Wars 30, um JRPG de estratégia que reúne vários animes de robôs gigantes.

A união desses dois desejos resultou no vídeo Os 10 Ataques mais Legais de Super Robot Wars 30, que vocês podem conferir logo abaixo:

O vídeo em si ficou bem simples. Gravei as animações de ataque do jogo, fiz um ranking de cada golpe e depois juntei tudo na edição. Para um completo amador no assunto, até ficou bem direitinho.

Honestamente, a minha ideia inicial era escrever um artigo em conjunto com este vídeo, mas perdi o timming da coisa (agora vocês sabem o porquê). No fim das contas, eu o apresentei nas redes sociais enquanto o blog ficou sem qualquer registro sobre este trabalho... até a publicação desta postagem especial.

Na próxima vez que me aventurar na edição de vídeos, prometo que não demorarei um ano para divulgar a novidade por aqui.

--------------------

Bem meus caros leitores, esta foi a retrospectiva das Rapidinhas de 2025 e todos os assuntos que desejava compartilhar com vocês.

O que acharam desta postagem? Concordam com os reviews? Desejam corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente deixar alguma dica para um pai de primeira viagem? Se a resposta para alguma das perguntas for sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem deixar as suas impressões, opiniões e dicas paternas.

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de ler as suas mensagens como costumo sempre respondê-las.

Bora lá trocar uma ideia.

Por fim, sintam-se à vontade para compartilhar o link dessa postagem com os seus amigos, familiares, BFFs, colegas de trabalho, amantes, inimigos jurados, enfim... com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem, a participação de vocês é o que move a existência deste espaço (além da minha teimosia). 😉

Um grande abraço e até a próxima!

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

Nos acompanhe também em nossas redes sociais.
Facebook: https://www.facebook.com/NerdAlt
Instagram: https://www.instagram.com/nerdologialternativa/
Bluesky: https://bsky.app/profile/nerdalt.bsky.social

[NerdFacts] Charrito, Tretas com a Televisa...e Gugu Liberato?!

2025-07-24T21:07:00.019-04:00

[Vitrine: Divulgação/Televicine, Divulgação/Televisa, Divulgação/SBT]

Eu adoro Chaves (El Chavo del Ocho, 1972-1983) e Chapolin (El Chapulín Colorado, 1973-1979)

Assim como boa parte das pessoas da minha idade, assistir essas séries fez parte da minha rotina como moleque. Conforme fui crescendo e o SBT foi alterando os horários de exibição dos seriados (uma prática muito comum do Sr. Silvio Santos), a frequência com que os acompanhava foi diminuindo até naturalmente deixar de assisti-los. Contudo, o meu carinho pelas obras de Roberto Gómez Bolaños (o Chespirito) nunca deixou de existir, tanto que a lembrança de pérolas como “Já chegou o disco voador”, “Não são pedras, são aerólitos” e “A vingança nunca é plena, mata e envenena” sempre colocam um sorriso no meu rosto.

Graças a Internet, descobri que os trabalhos de Bolaños não ficaram restritos aos programas de televisão. Entre os anos de 1979 e 1990, o super comediante lançou cinco longas metragens nos cinemas mexicanos. E apesar do sucesso estrondoso que os seus seriados fizeram por aqui, nunca tivemos a acesso a único filme de sua filmografia.

Bem, isso era o que eu acreditava até pouco tempo atrás.

Há cerca de dois meses, vi um post do Nintakun no Bluesky (@nintakun.bsky.social) comentando sobre Charrito: Um Herói Mexicano (Charrito, 1984), um dos filmes lançados pelo comediante. Por curiosidade, resolvi pesquisar sobre a produção... e descobri que ela foi lançada OFICIALMENTE no Brasil em VHS. E não só isso: a distribuição do longa-metragem teve envolvimento direto de Augusto Liberato, o Gugu.

Pesquisando mais a fundo sobre o assunto, descobri ainda que o filme quase NÃO FOI LANÇADO no México. Sério meus caros leitores, após saber de tudo isso, para mim estava claro qual deveria ser o assunto do meu próximo artigo.

Meu texto sobre The King of Braves: GaoGaiGar terá que esperar ~~ao lado de várias outras promessas de texto engavetados~~.

Ninguém tem paciência com Charrito!

Consagrado na televisão, Bolaños sonhava em dirigir seu primeiro filme para cinema.
[Imagem 1: Reprodução/@chespirito_rgb]

Ser cineasta no México na década de 70 não era uma tarefa fácil. Para se dirigir um filme, era necessário estar filiado a Seção de Diretores do Sindicato dos Trabalhadores da Produção Cinematográfica (SPTC), cujas condições de entrada eram bem rígidas. No entanto, com a entrada do cineasta Sergio Véjar no cargo de secretário-geral da Seção em 1977, o processo de filiação se tornou mais flexível. Era o que Chespirito precisava para realizar o seu sonho de dirigir o seu primeiro longa-metragem para o cinema.

Após finalizar El Chanfle (1979), ele começou a trabalhar em “Charrito”, o projeto que marcaria a sua estreia como cineasta. Na trama, um produtor de cinema contrata um Charrito (termo no México usado para se referir a pessoas simples que vivem no campo) para o elenco de seu filme visando economizar alguns trocados. Mas as trapalhadas do sujeito logo mostraram que o barato sairá bem caro. A produção contou com parte da trupe dos seus programas de TV - Carlos Villagrán, Ramón Valdés e Edgar Vivar não participaram – e com nomes como Víctor Alcocer, Benito Raúl Ibarra, Arturo García Tenorio, Gilberto Román e Claudia Ivette Castañeda. Além da direção, o "super comediante" protagonizou e roteirizou a obra.

Com o filme finalizado, o criador do Chapolin logo percebeu que lançá-lo não seria uma tarefa simples. Os empecilhos começaram quando a Televisa (emissora de TV em que Roberto trabalhava) entrou em contato para negociar uma sequência para El Chanfle. Ele aceitou trabalhar na continuação, mas exigiu a direção do projeto. Emilio Azcárraga, o chefão do canal, negou a condição com a justificativa de que vários executivos assistiram o corte final de “Charrito” e não gostaram do que viram. Eles acreditavam que a melhor opção seria buscar um outro diretor para a sequência de “Chanfle”. Bolaños não aceitou a proposta e deu início a uma discussão que durou dias, até que Azcárraga, cansado da teimosia de seu astro, acabou cedendo. Desta forma, El Chanfle 2 (1982) se tornou a produção que marcou a estreia do ator como cineasta.

El Chanfle 2, oficialmente o primeiro filme dirigido por Chespirito.
[Imagem 2: Reprodução/Televicine]

No ano seguinte, Chespirito lançou nos cinemas o seu segundo trabalho como diretor, Don Ratón y Don Ratero (1983). Aparentemente o problema com “Charrito” não se resolveu e ele acabou trabalhando em um novo filme. No entanto, não demorou para que o lançamento do “Herói Mexicano” voltasse à discussão. Fernando de Fuentes Reyes, responsável pela Televicine, convocou uma reunião com Roberto onde lhe contou que os executivos ainda acreditavam que havia algo de errado com o seu filme. Mas eles tinham a solução: lançá-lo diretamente para televisão. O ator prontamente recusou e no dia seguinte foi ao escritório de Emilio Azcárraga onde travaram uma nova discussão. Nenhuma das partes chegaram a um acordo.

Duas semanas se passaram e Fernando convidou Bolaños para uma nova reunião em seu escritório. Lá ele apresentou uma solução que julgava conciliatória: uma cópia do filme com mudanças na edição e a remoção de algumas cenas. Para o responsável da Televicine, aquele era um corte bastante aceitável. Para o criador de Chaves, aquilo era uma piada de mal gosto que ia contra a ideia que ele desejava apresentar. Ele desaprovou as mudanças e exigiu que a sua visão prevalecesse.

Alguns dias depois, em um almoço no Estúdio A da Televisa, Emilio Azcárraga foi até Roberto – que na ocasião dividia uma mesa com Rubén Aguirre e Horacio Gómez Bolaños – e lhe pediu desculpas pelas críticas a “Charrito”. Ele comentou que havia revisto o filme ao lado de várias pessoas e que todos gostaram do que assistiram. Azcárraga concluiu parabenizando o ator pelo seu trabalho e pela sua teimosia.

Com isso, Chespirito enfim teve o sinal verde para lançar o seu filme nos cinemas. E assim, o longa-metragem chegou aos cinemas mexicanos em 22 de março de 1984 e foi um grande sucesso.

Teria sido melhor ir ver o filme do Pelé

"Tinha que ser o Charrito de novo!!!".
[Imagem 3: Reprodução/Televicine]

Com a sua comédia metalinguística, Roberto desejava brincar com o conceito de um filme consistir em uma sequência de cenas alinhadas em uma ordem rigorosa. Da mesma forma que uma palavra muda de sentido quando alteramos a ordem de suas letras, a sua ideia era mostrar que o mesmo acontece com um filme quando alteramos a ordem de suas cenas.

Convenhamos, é um conceito bastante interessante. Olhando o lado do artista, acho sensacional que ele tenha conseguido lançar o seu filme do jeitinho que desejava e ainda obter um sucesso comercial. Por outro lado, após assisti-lo eu confesso que entendi o receio que os executivos da Televisa tinham com a produção.

“Charrito” é bem mais ou menos.

A questão envolvendo o sentido das cenas funciona muito bem quando assistimos o longa-metragem que os personagens estavam rodando. Contudo, a linha narrativa do “filme principal” é muito estranha. A impressão que tive é que estava acompanhando uma coleção de esquetes do Programa Chespirito que, em certos momentos, entregava fragmentos da história que estava se passando durante aquelas filmagens. Não que a trama seja difícil de se entender ~~até o Kiko entenderia~~, mas parece que falta sentido entre as cenas para que alguns acontecimentos soem mais naturais

Tendo em vista que o comediante lutou para que a edição do longa se mantivesse assim, talvez esta montagem estranha também deva fazer parte da sua ideia de brincar com a sequência de cenas.

Entendo a motivação, mas não gostei.

Esta cidade é definição perfeita do termo anacronismo.
[Imagem 4: Reprodução/Televicine]

No quesito diversão, não vou negar que o filme tem os seus méritos. Há vários momentos de comédia física que são ótimos. Charrito derrubando Estrelinha Pérez (María Antonieta de las Nieves) do cavalo e o galã dando um Ippon (não intencional) na mesma personagem me renderam boas gargalhadas. Foi interessante também notar as homenagens a grandes clássicos da comédia como Um Convidado Bem Trapalhão (The Party, 1968) de Blake Edwards e Primavera para Hitler (The Producers, 1967) de Mel Brooks, embora a homenagem deste último não tenha feito tanto sentido na trama do longa. De uma forma geral, o roteiro está longe de ser um dos trabalhos mais inspirados de Chespirito, com piadas que funcionariam melhor na televisão do que no cinema.

Falando em televisão, o longa conta com piadas que foram recicladas das séries de TV ~~na maior cara de pau~~. A gag do quadro da vaca jorrando leite após levar um tiro é reciclada de um episódio do Chapolin chamado "O Bandido" de 1973. Os Irmãos Brothers ~~que nominho bosta ein?~~ confundirem o Charrito com um matador de verdade usa a mesma premissa de outro episódio do Polegar Vermelho, "A Revólver Dado, Não Se Olham as Balas" de 74. A pergunta do diretor faz a Estrelinha se ela estava falando do Cavalo ou do Charrito me lembrou do clássico “O Gato ou Kiko?” de Chaves, presente no episódio "Era Uma Vez Um Gato - Parte 2" de 1975.

Levando em conta que Bolaños adorava reutilizar os seus textos em seus trabalhos para TV (basta observar a quantidade de remakes que alguns episódios de Chaves e Chapolin possuem), não é nenhuma surpresa constatar que ele aproveitou algumas ideias para o filme. Só que neste caso, acho que o fator novidade funcionaria melhor.

Crianças que não parecem adultos de 40 anos?! O que está acontecendo aqui?
[Imagem 5: Reprodução/Televicine]

Chespirito pode até protagonizar as cenas mais engraçadas, mas o grande destaque do filme foi a Maria Antonieta de las Nieves. Ela mandou muito bem no papel da atriz esnobe de Hollywood (para mim ela está claramente se divertindo com o papel). Quanto aos demais, o longa não faz um bom proveito. O diretor vivido por Rubén Aguirre conseguiu ser mais sisudo que o próprio ~~Mestre Linguiça~~ Professor Girafales; o único ato notável da professorinha de Florinda Meza foi um número musical com várias crianças (que é bem qualquer nota); o ajudante do diretor de Horacio Gómez e o xerife de Raúl "Chato" Padilla possuem pouquíssimo tempo de tela (o Padilla ao menos ainda consegue entregar umas reações bem engraçadas); e a participação da Angelines Fernández consistiu em APENAS três cenas curtíssimas como uma maquiadora. Até a pirralha pentelha da escolinha da Florinda teve mais tempo de tela.

O papel da Angelines no longa foi uma grande falta de respeito com ela. Roberto pisou na bola com a sua colega de longa data.

Falando em elenco, é inegável que as ausências de Carlos Villagrán (que saiu do grupo no final de 1978), Ramón Valdés (deixou a trupe em abril de 1979) e Edgar Vivar (tudo indica que estava participando de um outro projeto) fizeram muita falta na produção. Afinal de contas, estamos falando de três nomes fundamentais do grupo Chespirito. Os dois primeiros inclusive eram os comediantes mais talentosos do elenco, tanto que a saída da dupla criou uma lacuna nos seriados que o Bolaños jamais conseguiu suprir.

Se estivessem disponíveis, encaixá-los nos papeis de “Charrito” seria moleza. Vivar faria de olhos fechados o produtor do filme (vivido por Víctor Alcocer); Villagrán daria um ótimo galã (interpretado por Gilberto Román) e Valdés poderia muito bem ser o contrarregra. E se considerarmos que um mesmo ator pode ter dois papéis (o Roberto também fez o Doutor Chapatin em uma participação especial), os irmãos Brothers (Benito Raúl Ibarra e Arturo García Tenorio) poderiam muito bem serem interpretados por Villagrán e Valdés. Lógico que a presença do trio não apagaria os problemas da produção, mas certamente a tornaria muito divertida.

Angelines Fernandes aproveitando seus 3 segundos de tela.
[Imagem 6: Reprodução/Televicine]

Para o público brasileiro, um fator que melhora consideravelmente a experiência é a dublagem do Estúdio Maga. Não sei quanto a vocês, mas escutar as vozes de Marcelo Gastaldi, Osmiro Campos, Marta Volpiani, Cecilia Lemes e Helena Samara em seus atores/atrizes trouxe uma grande sensação de conforto para mim. A adaptação seria ainda melhor com Silton Cardoso no Horacio Gómez e o Older Cazarré no Raul "Chato" Padilha, mas não tenho nenhuma reclamação com o trabalho do Élcio Sodré e do Hélio Vaccari.

Por outro lado, a única reclamação que tenho com o trabalho da Maga foi não substituir a trilha sonora do filme com as faixas do álbum Kids and Cartoons (como foi feito em Chapolin e Chaves). A trilha do longa consiste em duas músicas que se alternam entre as cenas. Se fossem boas canções, até vai lá.... MAS NÃO, são composições de qualidade bem ~~vagabunda~~ duvidosa. O orçamento era tão curto assim para não investir na parte musical?

São nessas horas que um teclado Casio faz a diferença.

Apesar de todas as minhas críticas, confesso que fico triste de não ter tido a oportunidade de assistir "Charrito" quando era mais jovem. Se o VHS estivesse presente nas locadoras que frequentei, certamente teria alugado uma porrada de vezes e nutriria muito mais carinho pela produção.

É, acho que sinto inveja de quem teve esta oportunidade.

Mas e o Gugu?

Gugu Liberato e Chaves, um crossover entre dois campeões de audiência do SBT.
[Imagem 7: Reprodução/SBT]

Considerando que o Sr. Augusto Liberato foi um dos maiores nomes do SBT, não é nenhum absurdo imaginar que o apresentador tivesse envolvimento na distribuição de "Charrito" no Brasil. A grande questão é: como isso aconteceu?

Para isso precisamos voltar alguns anos no passado, mais precisamente em 1988. Com Chaves e Chapolin explodindo de popularidade no canal do Homem do Baú, Gugu viajou para o México para entrevistar quatro nomes do elenco dos seriados: Florinda Meza, Edgar Vivar, Rubén Aguirre e Roberto Gómez Bolaños. A entrevista foi exibida em 7 de janeiro de 1987 no Programa Viva a Noite.

Em 1990, o apresentador retornou ao México, onde entrevistou apenas o "super comediante". Ao que tudo indica, foi durante esta viagem que o apresentador, por meio da Gugu Promoções & Merchandising, adquiriu os direitos de "Charrito". Em 1991, o filme foi dublado pela Maga e lançado em VHS pela Carat Home Vídeo. Aliás, é bem provável que foi nessa viagem que os direitos do episódio duplo de Chapolin conhecido como Aventuras em Marte foram adquiridos. Ele foi exibido como um filme pelo SBT e é até hoje um dos únicos registros do breve retorno de Ramón Valdés ao grupo que temos dublado em português.

Há rumores de que Gugu teria conseguido os direitos de El Chanfle nesta viagem. Se é verdade ou não, acho que jamais saberemos.

Sugestão de Leituras e Vídeos

Por se tratar de um filme estrelado por um grande nome da América Latina, acreditava que seria tranquilo encontrar informações sobre os bastidores desta produção.

E bem, não foi.

O meu interesse sobre o assunto começou após assistir um vídeo sobre o longa-metragem no canal Vila do Chaves. Contudo, quando fui pesquisar mais sobre os problemas da obra, não encontrei informações nem em páginas em português e muito menos em páginas em espanhol (o que me fez imaginar que o filme não é lá muito popular).

Foi então que uma pista me conduziu para a biografia de Roberto Gómez Bolaños, o livro Sem Querer Querendo. Após conseguir uma cópia digital através do Kindle ~~sim, não fui até uma loja de torresmos~~, a minha busca me levou até o décimo quarto capítulo do livro, onde Chespirito descreve todos os percalços que ele enfrentou para lançar o filme. 95% do tópico sobre a briga com a Televisa foi baseado neste capítulo. Os outros 5% foram este que vos escreve encaixando uma citação sobre Don Ratón y Don Ratero (já que o próprio Bolaños ~~esqueceu o filme~~ não comentou uma vírgula sobre ele no capítulo).

As informações adicionais que obtive sobre a participação do Gugu vieram da página do filme na Dublapedia e de um tópico do Fórum Chaves sobre a dublagem das obras do Chespirito. Aliás, este tópico reúne informações de vários membros do fórum em uma linha do tempo bem interessante.

Deixo aqui a minha recomendação destes conteúdos.

-------------------------------------------------------------------------

Pois bem meus caros leitores e amigos, este foi mais artigo da coluna NerdFacts.

Inicialmente, gostaria de deixar o meu agradecimento ao Nintakun por (de forma indireta) me apresentar este filme. Quero aproveitar e recomendar a página do Ninta no Medium onde ele escreve artigos bem legais sobre mangás e tokusatsus. É válido mencionar também que ele é uma das pessoas na otakusfera brasileira que mais conhece de Gundam e animes de mecha. Se vocês gostam de tudo isso, certamente apreciarão os seus textos.

Mas e aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por ter desistido de escrever um texto sobre GaoGaiGar?

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia.

Por fim, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste artigo com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, amantes, inimigos mortais, enfim... com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência deste blog. 😉

Um grande abraço e até a próxima!

OBS: Não é uma certeza, mas acredito que a ausência de Edgar Vivar se deve a sua participação no filme A Tia Frankenstein (Frankenstein's Great Aunt Tillie, 1984).

OBS2: Em uma edição do Domingo Legal na década de 90, Gugu fez um cosplay de Senhor Barriga no quadro Táxi do Gugu (era um especial de Dia das Crianças).

OBS3: Já na Record, Gugu entrevistou Florinda Meza em 2016 e Maria Antonieta De Las Nieves em 2017. Ao contrário das entrevistas realizadas no SBT, essas duas têm um ar mais sensacionalista.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Especial] Rapidinhas de 2024

2025-01-14T19:33:00.022-04:00

Feliz ano novo, meus caros leitores e amigos.

Como foram de festas de fim de ano? Comeram bastante? Ganharam muitos presentes? Pularam ondinhas ou realizaram outra simpatia qualquer?

Espero que este 2025 que se inicia seja um ano fantástico para todos.

Seguindo uma pequena tradição que venho realizando há alguns anos, abriremos as atividades do Nerdologia Alternativa com uma retrospectiva das nossas Rapidinhas lançadas em nossas redes sociais durante o último ano. Além de relembrarmos estes textos, trarei ao final algumas listas de melhores e piores do ano passado (algo que comecei na edição anterior da coluna).

Mas primeiro....

O que são essas Rapidinhas?

São textos curtinhos que cabem em um tweet (280 caracteres) onde dou uma opinião geral sobre um filme, série ou anime que assisti. A regra que atribui para a elaboração destes "mini-artigos" é que a obra resenhada precisa ser recente (no máximo seis meses desde o lançamento). Foi uma maneira rápida e prática de comentar sobre algo sem ter que escrever uma crítica por aqui, onde normalmente levaria mais tempo para produzir ~~até porque não consigo escrever artigos curtos por aqui~~. Além disso, as Rapidinhas servem como conteúdo para as nossas mídias sociais.

Para quem acompanha apenas o blog, esta será a oportunidade de conferir a opinião deste que vos escreve sobre algumas produções que tiveram destaque (ou não) no ano passado. Para quem também acompanha as nossas redes (Twitter, Facebook, Instagram e Bluesky), este post será uma grande recapitulação do que foi comentado no ano passado.

Assim como fiz nas edições anteriores desta publicação, incluirei no final alguns extras produzidos exclusivamente para esta postagem. Até ano passado, todos esses textos eram referentes a produções lançadas no ano passado e que acabei não escrevendo um texto dedicado. :)

Sem mais delongas, estas foram as rapidinhas lançadas em 2024.

Monstros: A Maldição do Dragão

Ryuma Monsters 103 Mercies Dragon Damnation GIFfrom Ryuma GIFs

A adaptação do one-shot de Eiichiro Oda é uma aventura bacaninha (e curta) que complementa o universo de One Piece.

Com exceção do epílogo, ela não exige que o espectador conheça o anime do "piratinha que estica".

Onde Assistir: Netflix.

Mestres do Universo: A Revolução

Clashing Swords He-man GIFfrom Clashing Swords GIFs

Com He-Man mais ativo na história, "A Revolução" é uma trama muito mais divertida que sua antecessora, trazendo novamente uma quebra no status quo dos defensores de Eternia.

O único defeito da temporada é ser bem curta.

Onde Assistir: Netflix.

As Marvels

Fighting Kamala Khan GIFfrom Fighting GIFs

Sinceramente, não é o pior longa que a Marvel Studios já fez.

Por outro lado, "As Marvels" é uma amálgama dos piores vícios presentes nas produções do MCU ao longo dos últimos anos.

Uma pena. É muita gente talentosa reunida em um filme medíocre.

Onde Assistir: Disney+.

O Menino e a Garça

The Boy And The Heron GIFfrom The Boy And The Heron GIFs

Miyazaki une o Japão da 2ª Guerra Mundial com o fantástico para contar uma jornada de amadurecimento e de luto.

Visualmente, o filme é magnífico. A cena em que Mahito corre até o hospital é espetacular.

Hayao Miyazaki nunca decepciona.

Onde Assistir: Netflix.

Ficção Americana

Masqueperigo American Fiction GIFfrom Masqueperigo GIFs

Além de uma sátira ácida aos estereótipos da representação negra no entretenimento, o longa é um ótimo drama sobre um homem com sérias dificuldades de se relacionar.

Jeffrey Wright está fantástico. Hollywood precisa vê-lo com mais carinho.

Onde Assistir: Prime Video.

Frieren e a Jornada para o Além

Frieren Sip Sipping GIFfrom Frieren Sip GIFs

Embora seja uma fantasia medieval com ótimas cenas de ação, o ponto forte da animação está nos momentos "slice of life" vivenciados por Frieren e seus companheiros.

Foi um anime bem gostoso de assistir. Que venha a 2ª temporada.

Onde Assistir: Crunchyroll.

Duna: Parte 2

Dune Victory GIFfrom Dune GIFs

Com o primeiro filme servindo de introdução, este segundo pode entregar o que havia de melhor na ficção científica de Frank Herbert.

Denis Villeneuve mostrou-se um cineasta corajoso ao destacar o fanatismo religioso e seus efeitos sociopolíticos.

Onde Assistir: Max.

Godzilla e Kong: O Novo Império

Run Godzilla GIFfrom Run GIFs

Apesar de uma trama bem boboca, o reencontro entre Godzilla e Kong é divertido. Ele exala a energia dos longas da Era Showa do Rei dos Monstros.

Sem sombra de dúvidas, é um filme superior ao primeiro crossover.

Onde Assistir: Max.

Pobres Criaturas

Dancing Bella Baxter GIFfrom Dancing GIFs

Misturando Frankenstein com altas doses de surrealismo, o filme apresenta uma história onde o sexo tem papel essencial no crescimento e na independência de sua protagonista.

Emma Stone está incrível. O Oscar de Melhor Atriz está em boas mãos.

Onde Assistir: Disney+.

X-Men '97

Team Assemble Cyclops GIFfrom Team Assemble GIFs

Uma das gratas surpresas do ano.

Dando sequência a trama da animação clássica, a série não fica presa na nostalgia, entregando uma adaptação competente e surpreendente das aventuras dos Filhos do Átomo.

Ansioso demais pela próxima temporada! 😁

Onde Assistir: Disney+.

City Hunter (2024)

A nova adaptação do mangá de Tsukasa Hojo não decepciona, entregando ação e comédia com muita competência.

Ryohei Suzuki está inspirado como Ryo Saeba. Ele alterna seriedade e galhofa com naturalidade.

Torço para que ganhe uma sequência. 😄

Onde Assistir: Netflix.

Furiosa: Uma Saga Mad Max

Reverse Driving Furiosa GIFfrom Reverse Driving GIFs

Demorou 9 anos, mas George Miller retornou ao universo "Mad Max" com mais um filmaço. A Furiosa de Anya Taylor-Joy é tão impressionante quanto a de Charlize Theron.

É uma pena que o desempenho nas bilheterias não faça jus ao filme.

Onde Assistir: Max.

Dungeon Meshi

Dungeon Meshi Delicious In Dungeon GIFfrom Dungeon Meshi GIFs

Temos receita bizarras envolvendo monstros?

Sim. Mas também temos comédia, aventura, drama, personagens cativantes (Izutsumi não conta) e uma construção de mundo bem competente.

O Sabor do Calabouço é bom demais. Que venha a segunda temporada.

Onde Assistir: Netflix.

Ultraman: A Ascensão

Come Here Ultraman GIFfrom Come Here GIFs

Com temas como relações familiares e amadurecimento em seu cerne, o filme apresenta uma nova e competente versão de Ultraman.

Bons personagens, várias referências a franquia Ultra e muito coração. Os fãs de tokusatsu agradecem. 😄

Onde Assistir: Netflix.

Doctor Who - 1ª Temporada (2024)

Hugging Each Other Doctor GIFfrom Hugging Each Other GIFs

Três grandes episódios para a mitologia da série e uma boa apresentação do 15° Doutor (mesmo com a "ausência" de Ncuti Gatwa em dois capítulos).

A 1ª temporada de Russell T Davies em seu retorno ao seriado teve saldo positivo.

Onde Assistir: Disney+.

Konosuba - 3ª Temporada

Darkness Megumin GIFfrom Darkness GIFs

Não foi uma temporada tão inspirada quanto as duas anteriores (e o filme). Dito isso, foi divertido demais acompanhar os novos absurdos cometidos por Kazuma & cia.

Darkness foi o grande destaque da temporada.

Onde Assistir: Crunchyroll.

Um Tira da Pesada: Axel Foley

Woohoo Axel Foley GIFfrom Woohoo GIFs

O grande mérito desta sequência é resgatar a malandragem de Axel Foley, algo esquecido pelo filme anterior.

Eddie Murphy está mais à vontade do que nunca. As cenas de comédia de Foley são um show à parte.

Onde Assistir: Netflix.

Batman: Cruzado Encapuzado - 1ª Temporada

Batman Caped Crusader Batman Pose GIFfrom Batman Caped Crusader GIFs

Rejeitada pelo chefão da Warner, a produção do Prime Video é a que mais se aproximou do clima de "Batman: A Série Animada". A qualidade da animação não impressiona muito, mas a sua ambientação é um charme à parte.

Simplesmente Imperdível.

Onde Assistir: Prime Video.

The Umbrella Academy - 4ª Temporada

Hand Clap Diego Hargreeves GIFfrom Hand Clap GIFs

A última aventura dos Hargreeves até começa bem, mas ela derrapa de forma tão desastrosa que nem o final corajoso salvou o estrago.

"Umbrella" tinha potencial para ser mais. No fim, foi apenas mais uma obra medíocre do gênero de super-heróis.

Onde Assistir: Netflix.

Deadpool & Wolverine

Deadpool3 Dogpool GIFfrom Deadpool3 GIFs

Wade Wilson ainda não foi o "Jesus da Marvel" que o MCU precisa, mas realizou o seu primeiro milagre ao protagonizar uma das produções mais divertidas desde Vingadores Ultimato.

E se o Hugh Jackman quiser fazer o Wolverine até os 90 anos, por mim tudo bem!

Onde Assistir: Disney+.

Makeine Too Many Losing Heroines!

Anna Yanami Lemon Yakishio GIFfrom Anna Yanami GIFs

Uma grata surpresa.

Esperava um rom-com de harém e recebi uma boa dramédia sobre relacionamentos encabeçada por um elenco cativante (com destaque ao trio feminino).

Torço para que a trama siga apostando na vibe Toradora!.

Onde Assistir: Crunchyroll.

Gundam: Requiem for Vengeance

Gundam Requiem For Vengeance GIFfrom Gundam GIFs

Deixando de lado o CGI ruim, o grande acerto da série foi apresentar uma trama focada nos soldados de Zeon. A abordagem "filme de monstro" ainda deu um certo charme a produção.

E dublagem brasileira: "Armadura de Vôo" não dá!

Onde Assistir: Netflix.

One Piece Fan Letter

One Piece One Piece Fan Letter GIFfrom One Piece GIFs

Como o próprio título sugere, o especial é uma carta de amor à One Piece.

Com 24 minutos de duração e estrelado por pessoas comuns, ele é superior a todos os filmes da franquia.

É uma obra obrigatória para os fãs dos Chapéus de Palha.

Onde Assistir: Netflix e Crunchyroll.

Dan Da Dan - 1° Temporada

Dandadan Dan Da Dan GIFfrom Dandadan GIFs

Um dos grandes animes de 2024.

Misturando yokais com alienígenas, a animação traz situações pra lá de insanas, personagens carismáticos e um casal de protagonistas com muita química.

Momo e Okarun é um ship que vale a pena torcer.

Onde Assistir: Netflix e Crunchyroll.

Coringa: Delírio a Dois

Head Nod Joker GIFfrom Head Nod GIFs

Acho válida a intenção de Todd Phillips em fazer um "filme desculpa". Porém, faltou transformar este desejo em algo minimamente decente.

"Coringa 2" é a prova de que as vezes o melhor pedido de desculpas é o silêncio.

Onde Assistir: Max.

EXTRA | O Dublê

Thumbs Up Ryan Gosling GIFfrom Thumbs Up GIFs

Um dos blockbusters mais legais de 2024.

Ryan Gosling e Emily Blunt estão incríveis em seus papéis. Além de carismáticos, a química entre eles é absurda.

Uma pena o filme não ter dado o retorno esperado. Espero que Metalstorm tenha tido mais sorte.

Onde Assistir: Prime Video.

Extra | Bad Boys: Até o Fim

Screaming Marcus Burnett GIFfrom Screaming GIFs

Com cenas de ação cada vez mais grandiosas (e mentirosas) e um elenco cada vez maior (te cuida, família Toretto), o trunfo do filme continua sendo Will Smith e Martin Lawrence.

O carisma e a sinergia deles fazem os filmes valerem a pena.

Onde Assistir: Max.

EXTRA | Kimetsu no Yaiba: Arco do Treinamento Hashira

Airtaaqz Demon Slayer GIFfrom Airtaaqz GIFs

Se não fosse pelo ótimo último episódio e pelos passados dos hashiras Giyu Tomioka e Gyomei Himejima, esta temporada seria totalmente dispensável.

Agora é aguardar pelos filmes que adaptarão o Castelo do Infinito.

Onde Assistir: Crunchyroll e Netflix.

EXTRA | Ranma 1/2 - 1° Temporada

Ranma Remake Ranma 1 2 Remake GIFfrom Ranma Remake GIFs

Meu primeiro contato com a obra de Rumiko Takahashi.

"Ranma" é uma comédia romântica que mistura artes marciais, pessoas com alguns parafusos a menos e maldições chinesas. Sério, é muito divertido.

Tentarei conhecer o anime original.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Operação Natal

Giggling Callum Drift GIFfrom Giggling GIFs

Embora seja superior a Alerta Vermelho e Adão Negro, a produção é mais um filme ruim do The Rock.

Contudo, se hoje o horroroso Um Herói de Brinquedo ostenta o status de filme natalino relevante, não duvido que o mesmo possa acontecer aqui.

Onde Assistir: Prime Video.

Essas foram as rapidinhas do ano passado e as cinco extras que deixei para esta postagem. Dos filmes, séries e animes descritos, quais foram os melhores do ano? Quais foram os piores? O que de bom assisti no ano passado?

Responderei estas perguntas e umas coisinhas a mais na segunda parte desta postagem especial.

Melhores e Piores do Ano | Edição 2024

Top 5 Melhores Filmes de 2024*

5º) Deadpool & Wolverine;
4º) Ficção Americana e Pobres Criaturas (Empatados);
3º) O Menino e a Garça;
2º) Furiosa: Uma Saga Mad Max;
1º) Duna: Parte II.

Top 3 Piores Filmes de 2024*

3º) As Marvels;
2º) Operação Natal;
1º) Coringa: Delírio a Dois.

Top 5 Melhores Séries/Animes de 2024*

5º) Dan Da Dan (1ª Temporada);
4º) X-Men '97 (1ª Temporada);
3º) Doctor Who (1ª Temporada);
2º) Dungeon Meshi (1ª Temporada);
1º) Frieren e a Jornada para o Além (1ª Temporada).

Top 3 Piores Séries/Animes de 2024*

3º) Gundam: Requiem for Vengeance;
2º) Kimetsu no Yaiba: Arco do Treinamento Hashira;
1º) The Umbrella Academy (4ª Temporada).

Top 5 Melhores Filmes Antigos que Assisti em 2024

5º) Top Gun: Maverick (2022);
4º) The First Slam Dunk (2022);
3º) Cowboy Bebop: Knocking on Heaven's Door (2001);
2º) Mobile Suit Gundam: Char’s Counterattack (1988);
1º) Central do Brasil (1997).

Top 5 Melhores Séries/Animes Antigos que Assisti em 2024

5º) Mobile Fighter G Gundam (1994-1995);
4º) SSSS.Gridman (2018);
3º) Mobile Suit Gundam Unicorn RE:0096 (2016);
2º) Mobile Suit Zeta Gundam (1985-1987);
1º) Cowboy Bebop (1998).

Séries que NÃO PASSEI do Primeiro Episódio

Avatar: O Último Mestre (1ª Temporada do Live-Action);
Senna (1ª Temporada);

Produções que Queria Assistir, mas NÃO VI

O Auto da Compadecida 2;
Bleach: Thousand-Year Blood War (3ª Parte);
Gladiador 2;
Pinguin (1ª Temporada);
O Senhor dos Anéis: A Guerra de Rohirrim;

Filmes Mais Esperados de 2025**

Superman;
Quarteto Fantástico;
Missão: Impossível - O Acerto Final;
Mickey 17;
Tron: Ares.

Séries/Animes Mais Esperados de 2025**

Andor (2ª Temporada)
Doctor Who (2ª Temporada do 15º Doutor);
Mobile Suit Gundam GQuuuuuuX (1ª Temporada);
Dan Da Dan (2ª Temporada)
Stranger Things (5ª Temporada);

*Citados nas Rapidinhas.
**Não significa que assistirei em 2025. 😬

--------------------

Bem meus amigos, esta foi a retrospectiva das Rapidinhas de 2024 juntamente da lista de melhores e piores do ano.

Neste ano que passou, consegui cumprir a minha meta pessoal de entregar um artigo novo a cada trimestre. No primeiro publiquei o especial com as "Rapidinhas de 2023", onde comecei a incluir a lista de melhores e piores do ano. No segundo foi o NerdTop "15 Encerramentos IMPULÁVEIS de Animes", o texto mais popular nos últimos dois anos. No terceiro lancei a segunda parte do texto "Jogos da Minha Vida", fechando (por enquanto) o tema que tinha deixado em aberto em 2023. Por fim, embora não tenha feito um anúncio oficial, no quarto trimestre fiz uma atualização no NerdTop "Os 10 fatos mais DESAGRADÁVEIS em Dragon Ball Super", onde procurei corrigir erros ortográficos que passaram e realizar melhorias no fluxo do texto. Apesar da tentação de atualizar também a minha opinião sobre o assunto, decidi manter a ideia que tinha na época intacta.

No fim das contas, foi um ano bem produtivo. Espero manter o ritmo em 2025.

Mas enfim, o que acharam desta postagem? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por ainda não ter assistido Kaiju No. 8, Gladiador II ou a série do Senna? Se a resposta para alguma das perguntas é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem deixar as suas impressões e opiniões.

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia.

Por fim, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste artigo com seus amigos, familiares, BFFs, colegas de trabalho, amantes, inimigos jurados, enfim... com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência deste blog. 😉

Um grande abraço e até a próxima!

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Penso, Logo Digito] Os Jogos da Minha Vida | Parte II

2024-09-12T20:57:00.004-04:00

[Vitrine: Photo by Curtis Berry on Unsplash]

Quando escrevi a primeira parte do artigo Os Jogos da Minha Vida, comentei que o plano original era contar com a presença de 10 jogos, porém decidi dividir o artigo em dois pois notei que o texto estava ficando grande demais. Levou um ano e quase três meses, mas cá estou eu para resolver esta ponta solta. Sim, meus caros leitores! Hoje trarei a vocês a segunda parte da série que iniciei em 2023, com mais cinco jogos que fizeram a minha alegria como jogador de videogame.

Se no primeiro texto o foco foi em jogos da Nintendo (mas especificamente do Super Nintendo), aqui teremos apenas títulos que conheci graças aos consoles da Sony (com grande predominância do ~~Rei dos Piratas~~ PlayStation 2). Assim como no texto original, os jogos serão abordados em ordem de lançamento.

Pois bem, vamos aos games!

Legend of Legaia

Os gráficos dataram bem, mas Legend of Legaia continua um senhor jogão.
[Imagem 1: Reprodução/Prokion Ltd]

Ano de Lançamento: 1998.
Desenvolvedor: Prokion Ltd.
Gênero: RPG.

Quando optei pelo Nintendo 64, o meu contato com os jogos PlayStation original se deu através de emulação e, principalmente, de amigos. Graças a eles, pude ter acesso a várias pérolas que não encontraria no console do Mario. Legend of Legaia foi uma delas.

Tal qual o Super Nintendo, o PlayStation foi uma plataforma recheada de excelentes RPG’s. Gosto muito de Final Fantasy VII, Chrono Cross, Xenogears...mas foi justamente “Legaia” o título que mais me cativou. Curiosamente, ele me foi apresentado pelo mesmo amigo que me ~~viciou~~ introduziu ao RPG de mesa. Após assisti-lo com o jogo em várias oportunidades, ele me ofereceu um save do seu Memory Card para que eu pudesse jogar. Fiz uns 90% da campanha, mas não a terminei porque este amigo precisou mudar de cidade...e porque nos momentos finais dei muito mais atenção para Harvest Moon: Back to Nature.

Mas essa história fica para um outro artigo.

O grande diferencial desse game para mim está no sistema de batalha. Seguindo o padrão de combate por turnos, ele permite que o jogador personalize os ataques físicos dos membros do grupo. Cada um dos personagens - Vahn, Noa e Gala - possui uma quantidade x de golpes por turno (o número vai aumentando com o passar dos níveis). A montagem do combo consiste na escolha de quatro tipos de ataque: um com arma, um com Ra-Seru (uma arma viva que cada personagem tem em seu antebraço), um golpe alto e um golpe baixo. Cada protagonista possui uma lista própria de golpes especiais chamados Arts que exigem uma certa sequência de comandos para serem executados. Com o avanço da campanha, o trio obtém os Hyper Arts e, mais próximo dos finalmentes da trama, os Miracle Arts.

Por mais que o jogador normalmente escolha por usar um Art em vez de uma série de ~~chutes na canela~~ golpes aleatórios, a possibilidade de personalizar os ataques físicos é algo muito maneiro. Com exceção de Xenogears, não me recordo de outro título que possua um recurso semelhante. Falando em personalização, este foi o primeiro JRPG que vi a troca de equipamento (armas e armaduras) refletir na aparência dos personagens. Tudo bem que isso era apenas durante os combates, mas já era alguma coisa.

A pegada Mon do sistema de magias foi outro aspecto que me chamou a atenção. No game há certas criaturas que podem ser “capturadas” através do Ra-Seru dos personagens. Quando invocados, os monstros podem realizar uma ação relacionada com o seu elemento. Quanto mais um monstro é usado, mais níveis ele obterá e mais forte será a sua ação. É lógico que não dá para esperar destas mecânicas a mesma complexidade de um Pokémon ou de um Monster Hunter da vida, mas é de se admirar o esforço dos desenvolvedores em criar alternativas bem diversificadas para os combates.

Sendo bem sincero, Legend of Legaia sofreu demais com os efeitos do tempo. Tanto os gráficos poligonais ingame quanto as cenas em computação gráfica envelheceram MUITO MAL. Dos jogos presentes nos dois artigos desta série, é de longe o que mais datou. Por outro lado, se tiver que indicar um dos títulos citados nos textos para que vocês conheçam, meus caros leitores, este seria a minha opção. Além de batalhas bem divertidas, ele entrega uma trama com uma pegada ambientalista protagonizada por três personagens bem carismáticos, com destaque para a Noa, uma das personagens mais fofas da geração PSX.

Embora não tenha conseguido na minha primeira oportunidade, fiz questão de terminar o jogo quando tive o meu PlayStation 2. Ao lado de Resident Evil 2 e Metal Gear Solid, ele foi um dos jogos do primeiro Playstation que joguei através do recurso de retrocompatibilidade do console. E sem o Harvest Moon para “atrapalhar” (afinal já tinha jogado o porte de “Back to Nature” para o Game Boy Advanced), pude jogá-lo do início ao fim sem interrupções.

Mas não fiz 100%. Faltou obter alguns monstros (qual a tara dos japoneses com mini games de pescaria?) e derrotar o pássaro Lapis, o chefão opcional ~~apelão miserável~~.

Final Fantasy X

Este combate contra o Sin foi o momento que pensei "Uau, então este é o poder da nova geração".
[Imagem 2: Reprodução/Square]

Ano de Lançamento: 2001.
Desenvolvedor: Square.
Gênero: RPG.

Certa vez enquanto folheava uma revista (isso entrega a idade) com uma matéria sobre o filme Final Fantasy: The Spirits Within (2001), recordo-me de encontrar um artigo sobre o próximo jogo da série, cujo lançamento aconteceria naquele mesmo ano. A foto que abria o texto apresentava o protagonista empunhando uma espada com a lâmina feita de água. Para quem estava acostumado com os gráficos poligonais “quadradões” da geração 64/32 bits, aquela imagem era algo de encher os olhos.

Final Fantasy X não foi o que me motivou a comprar um PlayStation 2 (a razão era ter acesso aos jogos que não chegavam aos consoles da Nintendo), mas foi um dos primeiros títulos que fiz questão de adquirir para o console (olha a influência daquela imagem aí). Olha, bastaram apenas alguns acordes de To Zanarkand para que eu estivesse completamente fisgado pelo jogo.

Nobuo Uematsu é genial demais.

Final Fantasy é uma série que gosto bastante apesar de não ter jogado todos os títulos. Gosto muito do V (presente no meu artigo anterior), do VII (a minha party favorita), do XIII (por motivos que não consigo explicar), mas nenhum me pegou tão forte quanto o X, que é o meu favorito. A jornada de Tidus, Yuna e seus companheiros para deter a entidade conhecida como Sin é uma verdadeira montanha russa de emoções. Tem ação, romance, drama, comédia (involuntária), um antagonista detestável, pessoas lutando pelo controle de seus próprios destinos e um final extremamente emocional (foi a primeira vez que o fim de um jogo me levou às lágrimas).

Aliado a tudo isso, está o melhor sistema de batalha que a franquia já entregou. Além de seguir a tradicional mecânica de combate por turnos - o meu estilo predileto em RPG’s – temos a introdução da opção de troca de personagens durante as lutas. É um detalhe simples, mas que AGREGA DEMAIS na jogabilidade. Ele possibilita uma gama de estratégias durante os confrontos, o que te incentiva a usar todos os membros do grupo ao invés de ficar preso a uma única formação. Nas grandes batalhas, era natural efetuar várias e várias trocas entre os integrantes da equipe...com exceção do Kimahri, que convenhamos, é um personagem bem ~~bosta~~ limitado.

Comparado aos jogos anteriores, ele é relativamente mais fácil. Mas isso, meus caros leitores, não significa que não haja desafio. Os inimigos dos momentos finais não dão moleza, limpando o chão com a sua party no seu primeiro erro de decisão (eu torcia para não encontrar um Behemoth pela frente). Chefes como Seymour (maldito!!!) e Lady Yunalesca renderão combates para lá de demorados (uma hora no mínimo) que exigirão do jogador um domínio sobre as habilidades de cada membro do grupo. O chefão final (Braska's Final Aeon) me deu tanta dor de cabeça que precisei ir atrás do Anima, um summon opcional para que eu tivesse mais chances de vitória.

Falando nisso, os summons receberam uma mecânica bem interessante. Nos jogos anteriores, eles consistiam em magias que causavam mais dano que as tradicionais, mas que consumiam mais MP (nos do Play 1, o grande diferencial eram as grandes animações em CGI que acompanhavam as invocações). Em FFX, ela deixa de ser uma simples magia de dano para ser um aliado no campo de batalha, tomando lugar do seu grupo enquanto estiver de pé. É mais um elemento que acrescenta demais nas estratégias de combate, seja para aplicar um dano extra nos inimigos ou para impedir que a party tome aquele 9999 de dano maroto.

Mesmo sendo o meu Final Fantasy favorito, sei que ele tem os seus problemas. Tidus é um protagonista sem sal que só fica relevante graças a Yuna; o jogo é linear durante grande parte de sua campanha; o famigerado Blitzball é algo bem descartável; o grid de habilidades de alguns personagens é limitado; e o trabalho da dublagem norte-americana é qualquer nota (como esquecer a cena das gargalhadas?).

Mas na boa?

Os prós de Final Fantasy X são tão fantásticos que consigo relevar tudo isso numa boa. Além disso, se eu consegui gostar do XIII, não seriam estes detalhes que me faria desgostar do X.

Metal Gear Solid 3: Snake Eater

Um local lindo para um momento dolorido.
[Imagem 3: Reprodução/Konami]

Ano de Lançamento: 2004.
Desenvolvedor: Konami.
Gênero: Ação/Aventura.

Metal Gear está presente nos games desde os tempos do MSX, mas só passei a olhar a série com mais atenção a partir da geração 128 bits. Enquanto buscava indicações de jogos para o meu PS2, Metal Gear Solid 2: Sons of Liberty surgiu como uma boa opção. Um jogo de espionagem de um grande nome da indústria (Hideo Kojima), cheio de intrigas políticas e com uma jogabilidade bastante única. Por que não dar uma chance?

Sei que muitos torcem o nariz para MG2 – muito por conta do protagonista ser Raiden e não o Solid Snake (jogável apenas no prólogo) - mas gostei da experiência. Sofri um pouco graças a minha incompetência em ser furtivo, mas me diverti. Foi mais do que o suficiente para garantir a minha curiosidade por mais títulos da série.

E foi assim que cheguei em Metal Gear Solid 3: Snake Eater.

O jogo me ganhou logo na sua abertura. Como um fã de James Bond, assistir a algo inspirado nos créditos iniciais dos filmes da franquia foi muito empolgante. Sério, a canção interpretada pela cantora Cynthia Harrell é o melhor tema de 007 em uma produção não protagonizada pelo agente da M16.

Além desta homenagem, a abertura também apresenta ao jogador o que ele encontrará em MGS3: uma aventura de espionagem no auge da Guerra Fria. Em uma série conhecida pelas intrigas e conspirações, trazê-la para o auge das tensões entre EUA e URSS foi uma grande sacada (particularmente, eu adoro esta ambientação). No meio deste barril de pólvora, acompanhamos a jornada de Naked Snake, o homem que viria a assumir a alcunha de Big Boss e o primeiro grande adversário de Solid Snake nos jogos do MSX. Além de todas as questões políticas e reflexões sobre conflitos que o Kojima curte abordar, um dos grandes baratos é acompanhar o que levou um homem destinado a ser um herói a se transformar em um vilão.

Sinceramente, no final fiquei tão revoltado com a situação quanto o próprio Snake.

A escolha do cenário foi uma renovação de ares muito bem-vinda para a Metal Gear Solid, saindo do esquema “complexo isolado da civilização” para uma floresta no coração da terra do Zangief. Esta mudança gerou novas mecânicas para explorar o novo ambiente. A mais famosa – e posteriormente adotada em Metal Gear Solid 4: Gun’s of Patriots – é o índice de camuflagem, uma taxa que mostra o quão visível Snake está perante os inimigos. Para se manter fora do radar, o jogador tem acesso a uniformes de camuflagem, pinturas faciais para se misturar com a vegetação do local...e caixas de papelão (claro!). Outras novidades bem interessantes (e que tornam o gameplay ainda mais imersivo) são a barra de stamina (se o jogador não tiver rações, precisará caçar animais para comer) e a condição médica do protagonista (que vão desde a cuidar de um simples resfriado a uma fratura no fêmur).

Um ponto alto em todos os MGS são as batalhas contra os chefes. “Snake Eater” não decepciona, entregando três confrontos que estão no meu Top 5 da série: a batalha contra Volgin e o Metal Gear, uma experiência simplesmente cinematográfica; o acerto de contas com a The Boss, um momento extremamente emocional (e difícil ~~pra cacete~~) no cenário mais bonito do jogo; e o duelo contra o The End, uma luta que exigirá paciência, mas que pode ser resolvida de uma forma bem ~~roubada~~ criativa.

Metal Gear Solid 3 é um jogo que esbanja a criatividade do Kojima, seja como contador de histórias ou como game designer. Com relação a este último, tenho um momento em meu gameplay que exemplifica isso. Estava observando uma construção guardada por alguns soldados. Enquanto estudava o que faria, observei que um deles tinha um rádio à mostra. Usando uma arma com silenciador, atirei na direção do aparelho que, para a minha surpresa, não era um mero enfeite no uniforme do NPC (era um item funcional). Quando me revelei ao soldado, ele tentou chamar reforços, porém logo percebeu que o seu comunicador não estava funcionando.

É detalhe bem simples, mas que rendeu um momento de ouro na minha experiência com este jogaço.

Kingdom Hearts II

Dane-se ~~foda-se~~ o rato. O grande trio da Disney é Sora, Pateta e Donald.
[Imagem 4: Reprodução/Square]

Ano de Lançamento: 2005.
Desenvolvedor: Square.
Gênero: RPG de Ação.

Curiosamente, a minha história com Kingdom Hearts começou de forma bem semelhante à de Metal Gear Solid. Estava em busca de indicações de jogos para o PS2 quando cheguei nele. Já tinha algum conhecimento sobre o jogo por conta de revistas, porém confesso que a proposta de um crossover entre Disney e Final Fantasy soava no mínimo bizarro. Contudo, as referências de terceiros me animaram e resolvi dar uma chance.

E não me decepcionei.

Quando os créditos finais do Kingdom Hearts original terminaram, a primeira coisa que fiz foi correr para a internet pesquisar se havia uma sequência do jogo e de preferência para o Playstation 2. A busca me conduziu a um trailer curtinho em japonês de Kingdom Hearts II, embalado pelo tema Another Side. Se antes já estava empolgado, o meu hype subiu para as alturas após assisti-lo.

Não tenho outro adjetivo para KH2 senão fantástico! Ele é uma evolução de seu antecessor em todos os aspectos, a começar pela sua jogabilidade (vejam bem, eu adoro o original, mas o seu sistema de combate e de câmeras eram ~~horrorosos~~ o seu calcanhar de Aquiles). Neste segundo, a Square deu uma bela refinada nessas mecânicas, tornando o gameplay muito mais fluído e divertido. A criação dos “Drives” adicionou ainda mais variação e dinamismo nas batalhas.

Além do retorno dos Heartless (as grandes ameaças do primeiro “Kingdom”), o game introduz um novo tipo de inimigo, os Nobodies. Normalmente vistos como criaturas prateadas e de formatos corporais diversos, eles também podem ser humanoides, como é o caso dos integrantes da Organização XIII, os principais antagonistas de Sora, Pateta e Donald em sua jornada. Particularmente, os melhores combates do jogo terão a presença de um membro da organização. Como cada um deles é especialista em um tipo de arma, as batalhas contra eles são bem distintas entre si, o que é muito legal.

E claro, não podemos nos esquecer dos vilões da Disney. Assim como era no jogo original, descer a Keyblade na fuça desses desgraçados continua uma experiência muito satisfatória.

Falando em Disney, ele é disparado o título que conta com a melhor seleção de mundos a sua disposição. Apesar da ausência de Deep Jungle (Wonderland e Monstro também estão ausentes...ainda bem!), para a minha felicidade temos os retornos de Hollow Bastion (totalmente repaginado), Olympus Coliseum e Agrabah. Halloween Town e Atlantica, dois lugares que achava bem nhé, retornam com versões mais dignas. Entre os novatos, os meus favoritos são Twilight Town, Space Paranoids (o meu primeiro contato com Tron), Timeless River, Pride Land e The World That Never Was. O acesso a maioria dos mundos continua sendo através da Gummi Ship, que recebeu melhorias consideráveis em sua jogabilidade e customização.

Assinada mais uma vez por Yoko Shimomura, a trilha sonora é magistral tanto na adaptação dos temas da Disney quanto em seu material original. Já perdi as contas de quantas vezes me peguei escutando The Other Promise, Dearly Beloved, Sacred Moon e, especialmente, 13th Reflection (um dos meus temas favoritos de boss battle). Ainda no campo musical, não posso deixar de lembrar que o jogo nos trouxe uma nova canção de abertura interpretada pela Utada Hiraku. Simple and Clean é bem legal e tudo mais, mas gosto muito mais de Passion. Esta canção é espetacular.

Assim como fez no primeiro título, a Square Enix lançou a versão Final Mix para Kingdom Hearts II repleta de extras. Esta edição só chegou ao ocidente na geração seguinte, como parte de uma coletânea que trazia o Birth By Sleep (outro jogão da franquia) e Coded. E meus caros leitores, ela conseguiu melhorar algo que já era incrível. Temos novos itens, novas armas, novos equipamentos, uma nova dungeon em Hollow Bastion, a possibilidade de realizar uma revanche contra TODOS os membros da Organização XIII (os combates contra o Marluxia e contra o Roxas são maneiros demais) e o chefe opcional mais desgraçado que esta franquia já produziu, Lingering Will.

Para quem adora os chefões impiedosos da série Souls, recomendo fortemente que conheçam este ~~filho da puta~~ cidadão.

Vocês não vão se arrepender.

Persona 5

Ora ora ora...mas se não são as consequências de seus atos.
[Imagem 5: Reprodução/Atlus]

Ano de Lançamento: 2016.
Desenvolvedor: Atlus.
Gênero: RPG.

Acho incrível que a série Persona tenha ficado fora do meu radar durante tanto tempo. Embora a franquia tenha começado na geração 32 bits, ela só ganhou destaque a partir do PS2. É uma pena que nenhuma recomendação de seus jogos tenha chegado ao meu alcance na época, mas como diz aquele clássico ditado: antes tarde do que nunca.

A série começou a chegar ao meu conhecimento entre 2018 e 2019, momento em que me deparei com diversos elogios vindos de artigos e de podcasts (em especial o Reloading). No fim de 2019, enquanto navegava nas promoções de fim de ano da PSN, vi que Persona 5 estava custando apenas 50 reais. Não tive dúvidas, a oportunidade de conhecer Persona havia finalmente chegado. Comprei a cópia digital e comecei a jogá-la assim que a instalação terminou.

E meus amigos, foi amor à primeira vista.

Como um grande fã de animação japonesa, a estética “shounen de lutinha” com toques de slice of life me pegou em cheio. Protagonizado por um grupo de adolescentes do ensino médio (e um gato), o shounen de ação acontece quando eles viajam para uma realidade paralela conhecida como Metaverse. Lá eles assumem a identidade dos Phantom Thieves of Hearts, um grupo de vigilantes que usa os poderes de seus ~~Stands~~ Personas (seres que representam a manifestação dos pensamentos mais íntimos do usuário) para punir os adultos de coração corrompido. Fora deste universo fantástico, o slice of life se personifica na vida estudantil dos personagens. Assim como em vários animes escolares, temos as aulas no colégio, as semanas de prova, o festival cultural, um evento com yukata, a viagem para a praia, os trabalhos de meio período e todos aqueles clichês que estamos acostumados em produções do gênero.

Os elementos mais clássicos de JRPG estão presentes nas incursões ao Metaverse. Aqui chamadas de Palácios, as dungeons são bem distintas entre si, contendo várias Shadows (os inimigos mais clássicos da franquia), puzzles e oportunidades de exploração. O sistema de combate é um dos melhores que vi nos últimos anos. Seguindo o modelo de turnos, o jogador pode escolher entre atacar com uma arma branca, atacar com uma arma de fogo, usar item, trocar um membro da party (YEEESSS!!!) ou recorrer aos poderes dos Personas (que fazem as vezes das magias no jogo).

O protagonista (Ren Amamiya/Joker) é o único que pode ter acesso a vários Personas. Nos palácios, é possível obter novos monstros vencendo os em combate ou até mesmo negociando com eles ~~depois que levam uma sova~~ Na Velvet Room, você tem acesso a mais opções envolvendo as suas criaturas. Gastando uma grana, é possível fortalecê-las, transformá-las em itens, readquirir um monstro que você já teve acesso ou simplesmente criar um através da fusão de duas ou mais criaturas. Só o que citei já daria um sistema de Mon absurdo, mas existe mais uma mecânica que o torna excepcional: a força de seus Personas depende da força de seus relacionamentos.

O sistema de relacionamentos (Confidants) é de longe a minha parte favorita. O jogo apresenta personagens com quem o seu protagonista pode se relacionar, cada um deles sendo representado por um Arcano do Tarot. Como os Personas também estão associados com um Arcano específico, conforme você avança os níveis de amizade com uma pessoa, isso influenciará na força de seus Personas e no acesso de monstros mais fortes. Como mencionei em um artigo no passado, as mecânicas de relacionamentos apresentam tramas bem interessantes de se acompanhar.

Ahhh, e tem mais uma coisa: é possível engatar romances com as garotas do game.

Persona 5 é muito bem servido nesse quesito. Vejo que o fandom possui uma preferência pelo trio Makoto Niijima, Ann Takamaki e Tae Takemi. Particularmente, a minha favorita é a Haru Okamura. Sim, sei que ela não é tão bonita ou estilosa quanto as três citadas, mas ela é muito fofa. E os seus “impulsos violentos” no Metaverse a tornam uma garota ainda mais interessante.

O jogo até permite que você monte o seu próprio harém, só que aí você terá que arcar com as consequências...

-----------------------------------

Pois é pessoal, este foi mais um artigo da coluna "Penso, Logo Digito".

E aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por não ter comentado uma linha sobre a trilha sonora e as canções de Persona 5? E claro, repetindo a pergunta do último artigo, quais são os jogos da sua vida, meu caro leitor?

Com isso eu concluo a minha missão de listar os 10 jogos da minha vida. Mas isso não significa que seja o final desta “série”. Quando escrevi o primeiro artigo no ano passado, fiz um levantamento onde listei mais de 30 jogos. Ou seja, conteúdo para mais textos eu tenho, só depende de vocês para que eu dê sequência a isso.

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia?!

Por fim, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste artigo com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, amantes, inimigos mortais, enfim...com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência do Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até a próxima. Valeu!

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[NerdTop] 15 Encerramentos IMPULÁVEIS de Animes

2024-04-30T20:00:00.017-04:00

[Vitrine: Reprodução/Studio Pierrot/Sunrise/Studio Bones/Madhouse]

O que te faz não pular um encerramento?

Creio que a resposta geral para essa pergunta seja “ele ser memorável”. E o que faz um encerramento ser memorável? A resposta para esta pergunta varia de pessoa a pessoa. As sequências animadas, a canção tema, o clima do clipe, o momento da história em que está presente...são várias as razões para que um encerramento faça parte do imaginário de alguém.

Pensando nisso, hoje trago a vocês 15 Encerramentos IMPULÁVEIS de Animes. Em cada item desta lista, apresentarei as razões que fazem esses encerramentos serem relevantes para mim, além de uma reflexão sobre o que cada um deseja passar.

Para deixar as coisas mais interessantes, a lista será composta apenas de um título por série (posso ter uma de Dragon Ball Z e uma de Dragon Ball GT, mas não duas do Z). E ao final de cada item, comentarei outras opções presentes no anime das quais gosto e outras de que vocês JAMAIS verão em uma sequência deste texto.

Enfim, vamos ao que interessa...

15º) Shizuku (Great Teacher Onizuka)

Onizuka sem seus alunos, sou eu assim sem você.
[Imagem 1: Reprodução/Tohru Fujisawa/Studio Pierrot]

Conforme vocês observarão ao longo desta lista, eu tenho um fraco por encerramentos melancólicos. Veja bem, não é que eu não goste de encerramentos mais felizes, mas é uma questão de preferência minha mesmo! Da mesma forma que uma abertura mais empolgada tem grandes chances de me conquistar, o mesmo pode acontecer no caso de um encerramento com um tom mais triste.

Shizuku é um exemplo que segue justamente essa premissa. O segundo encerramento de Great Teacher Onizuka (certamente o anime menos conhecido dos presentes) é o meu favorito da série justamente por conta do tom. Durante o clipe, acompanhamos Eikichi Onizuka sozinho em uma sala de aula vazia enquanto relembra suas desventuras. Em comparação com as aberturas, a animação do encerramento é bem simplória. 90% do tempo é o protagonista sentado enquanto um flashback dos episódios anteriores vai rolando ao fundo.

O diferencial de Shizuku está justamente na canção tema. Quando acompanhada pela voz da cantora Miwako Okuda, a animação ganha muito mais peso. Acredito que a ideia deste encerramento seja mostrar o sentimento de Onizuka em uma sala de aula vazia. Como professor, ele se sente realizado quando está na companhia de seus alunos (estou certo, professores?). Sozinho em meio às carteiras, ele fica “curtindo o momento deprê” lembrando do que ele já passou com aqueles adolescentes problemáticos.

A canção até conta com alguns versos que vão de encontro com os conceitos da trama, mas acredito que a sua escolha foi justamente pela sua vibe. E bem, como disse logo no início, eu gosto de encerramento melancólicos. Então, por mim, está tudo bem.

Opções que Ficaram de Fora: sinceramente, não gosto de Last Piece (1º ENC) e nem de Cherished Memories (3º ENC).

14º) Wind (Naruto)

Amarelo é a cor da solidão.
[Imagem 2: Reprodução/Masashi Kishimoto/Studio Pierrot]

Órfão desde bebê e rejeitado pela Vila da Folha por conta da Raposa de Nove Caudas selada em seu corpo, Uzumaki Naruto teve uma infância bem difícil. A solidão vivenciada pelo protagonista é um tema bastante recorrente na história, especialmente no seu início. Wind, o primeiro encerramento do anime, trata exatamente sobre isso.

Visualmente, a estética do encerramento é muito criativa. Sob um filtro amarelo, o clipe apresenta várias imagens da infância do protagonista. Uma porta aberta sem ninguém, um balanço vazio, o pequeno Naruto afastado das demais crianças da Vila e logo depois correndo e desabando no chão sem ninguém por perto. A animação ganha cores e o ninja (agora com 12 anos) se vê na companhia de Sakura e Sasuke.

Enquanto a primeira parte ressalta a vida solitária do personagem em seus primeiros anos de vida, a segunda mostra que essa rotina de tristeza está prestes a mudar para sempre. Embora a letra da canção não tenha muita relação com a solidão (o tema dela é autoconhecimento), a interpretação do cantor Akeboshi transmite um vazio e um sofrimento que ajudam a legitimar a ideia que o clipe deseja passar.

O anime clássico de Naruto possui QUINZE encerramentos, sendo alguns deles desconhecidos para mim até a produção deste artigo quem manda pular fillers. Após conferir todos, posso afirmar com toda certeza que nenhum é tão icônico quanto Wind.

Opções que Ficaram de Fora: gosto bastante de Viva Rock (3º ENC). Em uma prateleira abaixo, ficam os decentes Lost Words (9º ENC) e Speed (10º ENC).

Quanto aos demais, confesso que nenhum me cativou. Quem sabe minha opinião não mude no futuro?

13°) Hyouri Ittai (Hunter x Hunter)

O melhor arco de Hunter x Hunter merece um encerramento a altura.
[Imagem 3: Reprodução/Yoshihiro Togashi/Madhouse]

Além do tom melancólico, outra particularidade que aprecio nos créditos finais é a de quando os primeiros acordes da canção de encerramento começam a rolar durante os últimos momentos do episódio. Na minha modesta opinião, quando um anime faz bom uso deste recurso, ele consegue amplificar a emoção que é passada nas últimas cenas do capítulo. Hyori Ittai, o quinto encerramento do remake de Hunter x Hunter, é um exemplo de emprego bem-sucedido deste artifício.

Presente no arco das Formigas Quimera, ele surge mais precisamente no ponto onde a trama começa a pegar fogo. A sua melodia se inicia misteriosa e vai crescendo até "estourar". Os ganchos dos episódios, que por si só já são incríveis, ficam ainda mais instigantes acompanhados pelo tema. Quando a dupla Yuzu assume os vocais, o ritmo empolgante da canção não deixa a “peteca cair”.

Hyori Ittai ainda faz uso de um clichê bem comum (mas efetivo) de créditos finais: apresentar os herois e vilões que estarão no centro do conflito. A melhor representação desta dicotomia acontece quando a animação faz um paralelo com a letra do tema (moedas de dois lados), transformando os personagens em peças de gungi, jogo de tabuleiro jogado por ~~Cell Wannabe~~ Meruem e Komogi.

O resultado é um encerramento bem empolgante, capaz de deixar qualquer espectador no hype pelo próximo episódio.

Opções que Ficaram de Fora: caso eu faça uma sequência deste texto no futuro, Hunting for Your Dream (2º ENC) tem grandes chances de estar na lista.

Não desgosto de Just Awake (1º ENC), REASON (3º ENC) e Nagareboshi KIRARI (4º ENC), mas também não vejo muita graça neles.

É válido lembrar que o sexto encerramento tem uma segunda versão de Hyori Ittai. Sinceramente, não tem o mesmo peso da versão que acompanhamos no arco das Formigas Quimera.

12°) Modern Crusaders (JoJo’s Bizarre Adventure: Golden Wind)

Gold Experience Requiem, o Stand mais ROUBADO de JoJo.
[Imagem 4: Reprodução/Hirohiko Araki/David Production]

Uma das principais assinaturas da versão animada de JoJo’s Bizarre Adventure é a presença de músicas e artistas não japoneses nos créditos finais. Desde a adaptação de Phantom Blood até a recente Stone Ocean, já tivemos canções vindas do rock progressivo do Yes, das garotas do The Bangles, da cantora Duffy e até mesmo de um projeto de música experimental alemã (como é o caso desta posição).

Golden Wind, a quinta parte da história, conta com um dos encerramentos que mais gosto em JoJo, Modern Crusaders. A ideia por trás da animação é bem simples: com a tela se movendo de baixo para cima, acompanhamos um pilar de uma espécie de templo que tem entalhado todos os ~~Personas~~ Stands que apareceram na trama. Quando um novo Stand é introduzido, o pilar é atualizado com a novidade da vez.

Uma coluna decorada com vários Stands é legal, mas a grande graça do clipe está em sua canção, cujo título nos remete quase que de imediato a Stardust Crusaders, o nome da 3ª parte de JoJo. Assim como o grupo de Giorno Giovanna, a letra fala sobre a união de guerreiros (Giorno e seus “Cruzados Modernos”) para enfrentar uma força opressora (Diavolo e seus associados). Cortesia do projeto Enigma, o tema em si já é emocionante e empolgante, ganha tons épicos com a introdução de trechos da maravilhosa O Foturna de Carl Orff.

Modern Crusaders pode ser simples em termos de animação, mas a sua música vale por cada segundo do clipe. Honestamente, adoro quando um encerramento me faz procurar a sua canção tema internet a fora!

Opções que Ficaram de Fora: sei que há muitos que preferem Freek'n You (1º ENC), mas confesso que nada neste encerramento me conquistou.

11º) Anna Ni Issho Datta No Ni (Mobile Suit Gundam Seed)

White Base 🤝 Archangel: explorar jovens civis tragados pela guerra como força de trabalho.
[Imagem 5: Reprodução/Chiaki Morosawa/Sunrise]

Dois amigos se reencontram, agora de lados opostos. Explosões acontecem e um gigante de metal surge em meio a chamas. O que descrevi para vocês, meus caros leitores, são os momentos finais do primeiro episódio de Gundam Seed, algo que ficou marcado em minha memória. Certamente um dos fatores que contribuíram para isso são os primeiros acordes do tema de encerramento embalando esta sequência.

Drama é o melhor termo para definir Anna Ni Issho Datta No Ni, o primeiro encerramento de Seed. Cantada pela dupla See-Saw, a canção reforça a carga dramática e emotiva da trama, tanto durante o seu começo no fim do episódio quanto durante a animação dos créditos finais. A letra é um grande reflexo da situação entre Kira Yamato e Athrun Zala. Amigos de infância, os jovens agora se encontram em lados opostos do conflito. Nem palavras ou gentilezas serão capazes de evitar um confronto.

Os créditos finais de Seed seguem um mesmo padrão: mostrar todo o elenco presente naquela etapa da história. No caso de “Anna Ni Issho Datta No Ni”, temos Kira e os demais em meio a destroços de mobile suits (robôs) sob a luz da lua. Cansaço, sofrimento e desconforto são sentimentos visíveis entre os personagens em cena, reflexo da terrível situação em que todos foram tragados.

Um ótimo encerramento. E com música começando no fim do episódio, o que rende muitos pontos comigo.

Opções que Ficaram de Fora: Find the Way (3º ENC) brigou cabeça a cabeça com a minha escolha durante todo o planejamento do artigo. Embora ache a música linda e o tom bem esperançoso, acabei optando pelo tom dramático que me marcou desde a primeira vez.

Não sou fã de River (2º ENC) e como não assisti a versão HD Remaster da série, não posso opinar sobre Distance.

10º) Shougeki (Attack of Titan)

Um belo encerramento para acompanhar os últimos bons momentos da trama do anime.
[Imagem 6: Reprodução/Hajime Isayama/MAPPA]

Se as soluções de Hajime Isayama para concluir Attack of Titan são pra lá de questionáveis ~~alguém aí disse pombo?~~, o mesmo não se pode dizer das aberturas e encerramentos do anime. Tanto o Wit Studio quanto o MAPPA fizeram trabalhos excelentes. No quesito encerramento, o auge aconteceu em Shougeki, o primeiro encerramento da última ~~e interminável~~ temporada da animação.

Com cenas de Falco, Gabi e Reiner em meio ao conflito apresentado no início da temporada, a canção usa os pássaros – também presentes na animação – como uma alegoria com a situação dos Eldianos refugiados em Marley. Assim como as aves, essas pessoas desejam ser livres para deixar a sua marca no mundo, mas qualquer tentativa de um “vôo mais alto” fará com que as suas asas sejam queimadas até serem reduzidas a cinzas.

O momento do refrão é bem emblemático. Vários pássaros se transformam em feixes de luzes que se movimentam pela tela, agrupam-se e formam uma enorme árvore de luz (na trama, este é o local onde o caminho de todos os súditos de Ymir e dos Titãs se cruzam). Além de uma cena bem bonita, se partirmos da analogia dos pássaros estarem representando pessoas, a mensagem passada por esta sequência é bem espiritualista (e triste por sinal).

Variando entre a esperança e o remorso, Shougeki é um encerramento agridoce, embalado pela belíssima voz de Yuko Ando.

Opções que Ficaram de Fora: até os 45 minutos do segundo tempo, a minha escolha era Akatsuki No Requiem (1º ENC da 3ª temporada). Mas o drama dos Eldianos de Marley acabou superando o conto da personagem Historia/Christa em minha preferência.

Great Escape (2º ENC da 1ª temporada), Utsukushiki Zankoku Na Sekai (1º ENC da 1ª temporada) e Akuma no Ko (2º ENC da 4ª temporada) são bons encerramentos, mas inferiores aos citados anteriormente.

9°) Blue Dream (Os Cavaleiros do Zodíaco/Saint Seiya)

"Pô Hyoga, o Shiryu não está aparecendo na foto. Tira a cabeça dai."
[Imagem 7: Reprodução/Masami Kurumada/Toei Animation]

A grande maioria dos fãs de “Cavaleiros” adora Blue Forever. E bem, o fato dele estar presente em SETENTA E TRÊS episódios da série clássica o transformou no encerramento mais memorável do anime. Mas aqui nadarei contra a corrente pois acho Blue Dream muito melhor.

Para um amante de encerramentos melancólicos, o segundo encerramento de Saint Seiya é um prato cheio, meus caros leitores. Ele coloca em ação alguns clichês usados pela indústria de animação japonesa como “o herói solitário fazendo pose com os cabelos ao vento”, “os heróis caminhando sozinhos sem destino” e claro, “os heróis fazendo pose enquanto encaram uma paisagem”. Além de todas as cenas serem noturnas, a animação tem um tom mais azulado que ajuda demais no clima.

Interpretada pelo grande Hironobu Kageyama, a canção que acompanha este encerramento tem muita sinergia com as cenas. Ela passa um sentimento de solidão nos momentos que está lenta, e quando ela explode é extremamente emocionante e tocante. Gosto demais quando as faces dos cinco de bronze surgem para acompanhar o refrão. Aliás, neste momento a letra da música diz “Jovens, todos vocês são viajantes dos sonhos”. Isso tem muita energia de “Cavaleiros”.

A versão em português do tema é cantada por Tchê Leal. A adaptação não é muito parecida com a japonesa, mas eu gosto dela ~~ao contrário da adaptação de Soldier Dream~~, especialmente de seu refrão.

Opções que Ficaram de Fora: apesar da minha preferência pelo segundo encerramento, gosto muito de Blue Forever (tanto da versão original quanto da adaptação em português).

Quanto aos encerramentos da Saga de Hades, Kimi To Onaji Aozora (Santuário) possui uma animação lindíssima, mas a canção não me pegou. Takusu Mono He (Inferno) e Kami No En - Del Regno (Campos Elíseos) são temas bem bonitos, mas a animação de ambas consiste apenas nos melhores momentos do episódio.

8°) Alumina (Death Note)

"Meu deus todo poderoso, como eu sou inteligente, como eu sou genial! Sim, mais do que qualquer outra coisa na terra. A lua, as estrelas, o sol brilhante são insignificantes diante de mim."
[Imagem 8: Reprodução/Tsugumi Ohba/Takeshi Obata/Madhouse]

Um dos animes/mangás dos meus anos de faculdade ~~isso entrega idade~~, Death Note foi um verdadeiro fenômeno. Sua trama policial e com elementos sobrenaturais instigou a comunidade nerd durante o seu lançamento. Além de chamar atenção pela qualidade da obra, a versão animada da Madhouse entregou um dos encerramentos mais celebrados entre os fãs de animação japonesa, Alumina.

O primeiro encerramento do anime é um dos mais bonitos de sua época (vide a sequência da maçã sendo lançada para cima). O clipe brinca com o ego e o alter-ego do protagonista. A todo momento, ele alterna a cor dos olhos e do cabelo de Light para vermelho. A ideia é mostrar que por trás da imagem de estudante colegial aparentemente inofensivo se esconde o perigoso assassino em série.

Figurinha carimbada em eventos e rádios de animes dos anos 2000, a canção tema foi interpretada pela banda Nightmare. Em comparação com a canção de abertura (também feita pela banda), Alumina é uma balada mais calma, mas com tanta personalidade quanto. A música descreve com exatidão quem é Light Yagami: um sujeito que não medirá esforços para atingir seus objetivos. Não importa os meios, nada ou ninguém o impedirá de colocar o seu sonho em prática.

Quando era mais jovem, a estética da animação e o J-Rock eram o que mais me chamavam atenção no encerramento. E como vocês puderam observar, ainda gosto desses dois elementos. Porém, confesso que o clipe ganhou ainda mais pontos comigo quando notei que ele, através da música e da animação, ressaltava o lado monstruoso do protagonista.

Opções que Ficaram de Fora: a existência de Zetsubou Billy (2º ENC) em nenhum momento ameaçou a minha preferência por Alumina.

7°) The Fourth Avenue Cafe (Samurai X/Rurouni Kenshin)

Kenshin ainda não encontrou o Cafe localizado na Quarta Avenida de Kyoto.
[Imagem 9: Reprodução/Nobuhiro Watsuki/Studio Gallop]

Desde a primeira vez que assisti Samurai X (Rurouni Kenshin), os seus encerramentos me chamaram muito mais atenção do que as suas aberturas. Claro que as canções tiveram papel fundamental nisso. Heart of Sword, por exemplo, foi a primeira música de anime que ~~baixei o mp3~~ adquiri no finado Kaaza. Contudo, a minha escolha para esta lista não é o terceiro encerramento (no qual a canção é tema), mas sim The Fourth Avenue Cafe, o quarto encerramento.

A edição deste clipe me agrada demais. Seja em suas cenas exclusivas ou em trechos reaproveitados dos episódios, todos os seus segmentos se encaixam com muita naturalidade no timming da música. Não sou fã de reusos de animação, mas tenho que admitir que os melhores momentos ocorrem justamente quando revemos flashes das lutas de Kenshin contra Saito e contra Chou. Embaladas pelo tema da banda L'Arc~en~Ciel, elas ficaram incríveis.

The Fourth Avenue Cafe é uma canção bem mais contida que Heart of Sword, mas é bem gostosa de escutar. Ao contrário do que o título nos faz pensar, ela não fala de uma “Cafeteria na Quarta Avenida”, mas sobre uma pessoa que se despede de um lugar onde permaneceu durante algum tempo, deixando boas memórias e uma paixão. Se considerarmos que este clipe começa a ser exibido no início da Saga Shishio, a escolha da música foi cirúrgica.

É válido acrescentar que estamos falando de uma animação de 2 minutos, algo pouco usual para um encerramento.

O que o estúdio Gallop fez aqui é digno de aplausos.

Opções que Ficaram de Fora: além de Heart of Sword, 1/3 no Junjou na Kanjou (6º ENC) foi outro encerramento que me gerou dúvidas na cabeça durante a elaboração deste texto.

Gosto também de Tactics (1º ENC), Dame (7º ENC) e It's Gonna Rain (5º ENC), mas considero que estão numa prateleira abaixo das demais.

Namida wa Shitte iru (2º ENC) é o único que acho bem chatinho.

6°) Homework ga Owaranai (Yu Yu Hakusho)

Yusuke Urameshi, detetive espiritual com muito estilo.
[Imagem 10: Reprodução/Yoshihiro Togashi/Studio Pierrot]

Yu Yu Hakusho é considerado pelos fãs brasileiros como uma das obras com as melhores adaptações de suas canções para o português. Eu assino embaixo nesta questão, tanto que em meu artigo sobre as melhores adaptações de animesongs para o português (será que merece uma parte II?), as seis canções do anime estão presentes na lista.

Homework ga Owaranai não ocupa a posição mais alta entre os temas de “Yu Yu” daquela lista, mas é o encerramento que mais gosto. Sendo o primeiro da animação, ele é estiloso da primeira até a última cena. Sério, a sequência inicial com o quarteto em meio a um festival de luzes é muito maneira. Ela é seguida por vários takes muito bons (Yusuke carregando aquele porrete é show demais) que te deixam na ânsia pelo próximo episódio.

Interpretada pela cantora Matsuko Mawatari, a canção tema é vibrante, daquelas que te fazem estalar os dedos enquanto acompanha a melodia. Quanto à letra, ela descreve uma pessoa que deixa para lá os “intermináveis deveres de casa” para correr atrás dos seus sonhos. É uma ideia que encaixa na personalidade de Urameshi (um delinquente que não quer saber de colégio). E claro, o seu ritmo combina demais com as cenas dos créditos finais.

A versão brasileira é cantada por Luigi Carneiro. Não é tão fiel ao original, o que não interfere na ótima qualidade da adaptação.

Opções que Ficaram de Fora: Unbalanced Kiss (3º ENC) foi mais uma escolha que permeou durante a elaboração deste artigo. No final das contas, o conjunto da obra acabou favorecendo o primeiro encerramento.

Daydream Generation (5º ENC) e Sayonara Bye Bye (2º ENC) são dois bons encerramentos. Gosto da adaptação brasileira do tema de Taiyou ga Mata Kagayaku Toki (4º ENC) mas não do clipe em si.

5º) Tobira no Mukou e (Fullmetal Alchemist)

Winry, Edward e Alphonse. Memórias de um tempo mais simples.
[Imagem 11: Reprodução/Hiromu Arakawa/Studio Bones]

Se compararmos aberturas e encerramentos, Fullmetal Alchemist Brotherhood é, ao menos no meu humilde ponto de vista, superior à primeira adaptação do mangá de Hiromu Arakawa, realizada pelo estúdio Bones em 2003. O que não significa que as sequências de introdução e de créditos finais presentes nesta versão sejam ruins. De fato, há joias extremamente brilhantes “escondidas” neste primeiro e ofuscado anime.

O segundo encerramento, Tobira no Mukou e, é uma dessas preciosidades. Grande parte de sua duração consiste em Winry Rockbell lembrando os momentos agradáveis que passou ao lado dos irmãos Elric. As lembranças são apresentadas como fotos dentro de um rolo de filme. As memórias de uma vida mais simples logo são interrompidas com o filme se desintegrando e com o doloroso presente de Edward e Alphonse vindo à tona.

Interpretado pelo trio do Yellow Generation, a melodia varia de tom indo da ternura (as lembranças da jovem Rockbell) à melancolia (Ed e Al contemplando a fria paisagem). A letra fala sobre pessoas em uma jornada que não sabem se obterão êxito, mas elas precisam continuar, mesmo que as pernas doam, o vento atrapalhe e a incerteza apareça. Praticamente uma descrição literal da aventura de Ed e Al.

É um ótimo encerramento, esquecido pelos fãs por conta da sombra que Brotherhood criou sobre esta adaptação. E para a minha alegria, ela não só começa a tocar nos momentos finais dos episódios como também é melancólica.

Sucesso demais!!!

Opções que Ficaram de Fora: Kesenai Tsumi (1º ENC) e I Will (4º ENC) são bons encerramentos.

Já Motherland (3º ENC) não me agrada.

4º) Life Goes On (Mobile Suit Gundam Seed Destiny)

"Destiny" cometeu um crime imperdoável ao arruinar o relacionamento desses dois.
[Imagem 12: Reprodução/Chiaki Morosawa/Sunrise]

Gundam Seed Destiny é ~~uma bosta~~ muito ruim. Frustrante do início ao fim, é um tapa na cara de todos que gostaram do anime original. A queda de qualidade é tão gritante que chega ser surpreendente que a animação consiga entregar aberturas e encerramentos tão incríveis como é o caso de Life Goes On.

Segundo encerramento de “Destiny”, ele segue a fórmula de apresentar todos os personagens presentes na trama, enquanto no fundo temos o vislumbre de alguns Gundans do enredo. Em cada canto temos duas fileiras se movimentando em sentidos opostos, promovendo encontros entre vários personagens (Athrun com Cagali, Ramius com ~~Mu La Flaga mascarado~~ Neo, Yzak com Dearka) até finalizar com Kira e Lacus.

Se em termos de animação o encerramento faz o “feijão com arroz”, ele brilha mesmo em sua canção tema. Composta e cantada por Mika Arisaka, a música é simplesmente sensacional. Ela descreve uma pessoa que precisa seguir em frente mesmo diante de uma grande tristeza. A letra casa perfeitamente com ~~o insuportável~~ Shinn Asuka, um garoto traumatizado com a perda da família durante a invasão a Orb em “Seed”. A interpretação de Arisaka torna a música uma verdadeira potência cheia de sentimento.

Life Goes On tem tudo que eu gosto em um encerramento. Seu tema começa nos momentos finais do capítulo e o seu tom é melancólico. Além desses dois números em “meu bingo”, ele marca pontos extras por conta de sua bela canção, que é responsável por 90% da graça deste clipe.

Opções que Ficaram de Fora: Kimi wa Boku ni Niteiru (4ª ENC) e Reason (1ª ENC) são ótimos encerramentos. I Wanna Go To A Place... (3ª ENC) é bonitinha, mas fica em último lugar na minha preferência.

3º) Shinjitsu no Uta (Inuyasha)

Inuyasha fazendo propaganda da L'Oréal Paris.
[Imagem 13: Reprodução/Rumiko Takahashi/Sunrise]

Nadarei contra a corrente mais uma vez neste artigo. Sei que a maioria dos fãs de Inuyasha preferem Fukai Mori, o segundo encerramento. E vejam bem, acho ele ótimo (está no meu Top 3 pessoal do anime), mas não tem para mim o mesmo peso de Shinjitsu no Uta.

Através de várias sequências, o quinto encerramento mostra a jornada de três grupos de personagens (Kagome, Sesshomaru e Kikyo) pelo Japão Feudal, dando destaque para a jornada pessoal de Inuyasha. Se tornar um Yokai completo ou não? Kagome ou Kikyo? Além de impedir Naraku, ele precisa tomar uma decisão frente a questões que o fazem afundar em um mar de dúvidas.

Shinjitsu no Uta não é a música mais melancólica entre os temas de encerramento do anime, mas gosto demais como a banda Do As Infitiny traz um sentimento de paz para a tristeza presente nesta canção. A letra fala sobre alguém lidando com suas inseguranças. Tal qual o Meio Yokai, o “eu lírico” está afundando em um mar de incertezas, temendo perder coisas que lhe são importantes.

Assim como vários temas de Inuyasha, a versão brasileira deste tema está presente no meu artigo sobre animesongs em português. Cantada pela inspiradíssima Sônia Santhelmo, a adaptação vai para um lado mais romântico embora possua pontos em comum com a letra original.

Opções que Ficaram de Fora: além de Shinjitsu no Uta e Fukai Mori, meu top 3 do anime é composto por Dearest (3º ENC), encerramento que conta com uma das melhores adaptações de canção de anime para o português. Só não entrou nesta lista porque não curto a versão original do tema.

My Will (1º ENC) e Every Heart (4º ENC) são bons encerramentos que estão numa prateleira abaixo dos citados. Itazurana Kiss (6º ENC) tenho um bloqueio por conta da ~~bizarríssima~~ versão brasileira.

As demais confesso que não tenho uma opinião formada.

2º) Prototype (Mobile Suit Gundam OO)

Encerramento mais marcante que a série? Temos aqui.
[Imagem 14: Reprodução/Sunrise]

Entre todas as séries citadas por aqui, Mobile Suit Gundam OO foi certamente a que menos me marcou. Não que ele não tenha me entretido, mas olhando hoje vejo que tenho pouquíssimas lembranças sobre o que acontece nele. Sendo bem honesto, o fato mais marcante de “OO” para mim foi justamente o seu terceiro encerramento, Prototype.

Assim como no anime, a qualidade de animação no clipe é padrão Sunrise em seu melhor. Focado nos quatro pilotos Gundam, aborda as trágicas motivações que levaram cada um a tornar-se um membro da Celestial Being ~~sim, precisei pesquisar este nome~~. O tom, inicialmente melancólico, aos poucos ganha contornos de esperança quando vemos Setsuna e os demais desapegando de seus passados para lutar por um futuro melhor.

A canção descreve uma criança que se viu obrigada a virar um soldado. Com sua inocência sendo transformada em arma, sua luta tem grandes possibilidades de não se tornar uma história conhecida. A letra encaixa muito bem no perfil de Setsuna, um rapaz que teve a infância usurpada pela guerra. A grande interpretação da cantora Chiaki Ishikawa (vocalista do See-Saw) torna esta música ainda mais intensa e poderosa.

Prototype é um encerramento do jeitinho que eu curto. Ele é melancólico, seu tema começa durante os momentos finais do capítulo e ainda tem uma canção digna de fazer parte de uma playlist.

Opções que Ficaram de Fora: como não lembrava dos outros encerramentos do anime, fui atrás para me recordar. E bem, ... com exceção de Trust You (4º ENC), que é bacaninha, não vi muita graça nem em Wana (1º ENC) nem em Friends (2º ENC).

É..., fazer o que.

1º) Ray of Light (Fullmetal Alchemist Brotherhood)

Este frame do encerramento é para emoldurar e colocar na parede.
[Imagem 15: Reprodução/Hiromu Arakawa/Studio Bones]

Se há pouco mencionei que as aberturas e encerramentos de Fullmetal Alchemist Brotherhood são superiores ao da primeira adaptação, seria no mínimo contraditório se não trouxesse um exemplar para compor esta lista.

Quinto e último encerramento da animação, Ray of Light cumpre dois papeis. Ao mesmo tempo que se apresenta como um recorte da jornada de Van Hohenheim, ele é uma carta de despedida do anime aos seus fãs. A edição das cenas com a música tema torna o clipe extremamente emocional. O momento do refrão com aquela sequência do círculo de transmutação sob o planeta é de arrepiar.

Com Shoko Nakagawa no vocal, a interpretação da cantora traz muito sentimentalismo e uma sensação de paz. A canção descreve o sentimento de remorso de uma pessoa que perdeu alguém muito importante. A culpa por não ter conseguido evitar o pior é algo que encaixa bem ao personagem de Hohenheim, um homem que não pode fazer nada nem pelos seus compatriotas, nem pela sua esposa e nem pelos seus filhos. Se nos basearmos nas últimas cenas, a ideia do tema também encaixa no próprio Edward Elric com relação ao seu irmão.

Desde a segunda vez que assisti “Brotherhood”, não existiu uma única vez que não fiquei emocionado ao rever Ray of Light. Extremamente sentimental e embalado por uma incrível canção, este é um dos meus encerramentos de anime favoritos da vida.

Opções que Ficaram de Fora: gosto de todos os preteridos. Atualmente a minha preferência segue esta ordem: Uso (1º ENC), Shunkan Sentimental (4º ENC), Let it out (2º ENC) e Tsunai Da Te (3º ENC).

E o Hour Concur vai para...

"Oh well...Whatever happens, happens."
[Imagem 16: Reprodução/Shinichiro Watanabe/Sunrise]

...The Real Folk Blues (Cowboy Bebop)

Simplesmente uma obra-prima vinda de outra.

Já achava The Real Folk Blues excelente muito antes de assistir Cowboy Bebop por completo. Além de uma canção espetacular, o encerramento passa aquela atmosfera melancólica que tanto prezo. Após assistir o anime (algo que só fui fazer este ano, acreditem!!!), este clipe subiu ainda mais em meu conceito.

Quando o assistimos pela primeira vez, a primeira impressão é que Spike Spiegel está relembrando uma desilusão amorosa. Quando a série chega nos finalmentes, percebemos que a animação estava nos contando desde o início um dos pontos chave do background do protagonista: o triângulo amoroso entre ele, Julia e Vicious. E considerando as poucas imagens que temos do passado do caçador de recompensas durante o anime, o clipe ainda serve como um complemento para a trama.

Este conto da vida de Spike pré-Bebop é contado através de fotos. Sob um filtro azulado e acompanhado pela fantástica canção da banda Seatbelts (liderada por Yoko Kanno, compositora responsável pela trilha sonora da série), o encerramento entrega a vibe depressiva que aquela história necessita. A letra descreve alguém que está preso a um amor do passado, uma ferida que o impede de seguir em frente. Nem preciso dizer que esta música encaixa como uma luva em nosso personagem principal.

The Real Folks Blues é um encerramento que une animação e canção de uma forma magistral. Pular este clipe, mais do nunca, é um crime contra o bom senso.

E o Meia Boca de hoje vai para...

Clichê de Encerramento Nº 78: Personagens acompanhando o pôr do sol.
[Imagem 17: Reprodução/Tite Kubo/Studio Pierrot]

...Daidai (Bleach)

Bleach por muito pouco não teve um encerramento na minha lista principal. Se tivesse montado uma lista com dezesseis nomes, era quase certo que a opção em questão estaria entre os selecionados.

Mas vejam pelo lado bom, meus caros fãs de Kurasaki Ichigo & cia, o anime conseguiu seu espaço neste artigo através de Daidai, o décimo segundo encerramento da animação e representante da posição Meia Boca deste NerdTop.

Creio que perdi dois dos cinco leitores que ainda insistiam em acompanhar este blog...

Falando sério, eu não detesto este encerramento. Vamos lá, colocar a Orihime, na ocasião prisioneira em Las Noches, lembrando dos dias felizes com os amigos no colégio é um tema bacana para um clipe. Considerando que o tema central da canção é arrependimento, podemos entender que a ideia do encerramento é mostrar que a garota se arrepende de não ter aproveitado mais os bons tempos como uma estudante comum. E assim, isso também é algo bem legal.

O grande problema da música é a banda Chatmonchy. A vocalista é tão estridente em sua interpretação que a canção soa desafinada em diversas ocasiões. E para uma pessoa que vê a música como elemento fundamental, é praticamente impossível entrar na vibe que o clipe quer me passar.

Sinceramente, se é para ver um encerramento com os personagens de Bleach apreciando um belo pôr-do-sol, prefiro assistir Life (5º ENC) em looping. A animação é melhor, tem muito mais personagens e ainda conta a cantora Yui a frente do tema.

Fica a dica.

------------------------------

Bem pessoal, este foi mais um artigo da coluna NerdTop.

Fazia muito tempo que não escrevia um texto gigante. Foi bem trabalhoso (quase dois meses de labuta), mas muito prazeroso escrever sobre este tema. Além de revisitar encerramentos que gosto bastante e falar sobre suas músicas (preciso escrever mais sobre isso), pude notar detalhes que nunca havia parado para prestar atenção. Conteúdo para uma sequência tenho de sobra.

Gostaria de agradecer a meu irmão André e a minha esposa Ariane por ajudarem na revisão deste texto. Também gostaria de fazer o mesmo para minha cunhada Juliana e para meu grande amigo Geovani por ajudarem a validar algumas ideias. Se este artigo tem o mínimo de qualidade é porque tive ajuda de todos vocês.

Mas e aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada, expor uma visão sobre algum encerramento que não enxerguei ou simplesmente me xingar por não ter citado Roundabout de JoJo’s Bizzare Adventure entre as minhas escolhas?

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia?!

Sintam-se à vontade para compartilhar o link deste artigo com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, amantes, inimigos mortais, enfim... com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência deste blog. 😉

Um grande abraço e até a próxima!

OBS: pretendia citar dois encerramentos na posição Hour Concur, mas decidi guardar um deles para a sequência deste tema.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Especial] Rapidinhas de 2023

2024-01-17T21:59:00.005-04:00

Feliz 2024, meus caros leitores e amigos.

Como foram as festas de fim de ano? Conseguiram aproveitar bastante?

Espero que este ano novo seja próspero para todos nós.

Assim como fiz no começo do ano retrasado e no anterior, abriremos as atividades deste blog xexelento com uma retrospectiva das nossas Rapidinhas lançadas em 2023. Mas antes de começarmos, creio que seja necessário realizarmos aquele mesmo protocolo das edições anteriores. Afinal de contas, não podemos nos esquecer dos leitores novos. ;)

Ok, mas o que são essas Rapidinhas?

São textos curtinhos que cabem em um tweet (280 caracteres) onde faço um review/crítica de um filme, série ou anime que assisti. A regra que atribui para a elaboração destes "mini-artigos" é que a obra resenhada precisa ser recente (no máximo seis meses desde o lançamento). Foi uma maneira rápida e prática de comentar sobre algo sem ter que escrever uma crítica por aqui, onde normalmente levaria mais tempo para produzir ~~até porque não consigo escrever artigos curtos por aqui~~. Além disso, as Rapidinhas servem como conteúdo para as nossas Mídias Sociais.

Para quem acompanha apenas o blog, esta será a oportunidade de conferir a opinião deste que vos escreve sobre algumas produções que tiveram destaque (ou não) no ano passado. Para quem também acompanha as nossas redes (Twitter, Facebook, Instagram e Bluesky), este post será uma grande recapitulação do que foi comentado em 2023.

Assim como fiz nas edições anteriores desta publicação, incluirei no final alguns extras produzidos exclusivamente para esta postagem. Até o ano passado, todos esses textos eram referentes a produções lançadas no ano passado e que acabei não escrevendo uma Rapidinha. Neste ano incluirei também obras de 2022 mas que só tive oportunidade de assistir no ano seguinte. Ou seja, mais conteúdo inédito para esta postagem especial. :)

Sem mais delongas, estas foram as rapidinhas lançadas em 2023.

Pinóquio por Guilhermo Del Toro

Waving Pinocchio GIFfrom Waving GIFs

Animada em stop-motion de forma magistral, a nova versão do clássico aborda temas como luto, perda da inocência e amadurecimento sob uma ótica sombria, mas ao mesmo tempo encantadora.

Simplesmente a melhor animação de 2022!!!

Onde Assistir: Netflix.

Gato de Botas 2: O Último Pedido

Epic Landing Puss GIFfrom Epic Landing GIFs

Divertido e cativante, a nova aventura do Gato de Botas é o melhor longa animado da Dreamworks em tempos. A opção pela animação estilizada nas cenas de ação torna a experiência ainda mais memorável.

O "Shrekverso" respira.

Onde Assistir: Claro Tv+ e Globoplay.

Pantera Negra: Wakanda Para Sempre

Black Panther Tribute Chadwick Bousman GIFfrom Black Panther Tribute GIFs

Quando homenageia Chadwick Boseman, a produção é bela e tocante.

Mas quando tenta contar uma história, é uma verdadeira bagunça com várias decisões equivocadas.

O longa é um reflexo perfeito do que foi esta Fase 4 do MCU.

Onde Assistir: Disney+.

JoJo Bizarre Adventure: Stone Ocean

Jojo Jolyne GIFfrom Jojo GIFs

Com a 1ª protagonista feminina de JoJo (e bem badass), 'Stone Ocean' fecha o "ciclo" do clã Joestar com um final tão corajoso quanto o de 'Phantom Blood'.

O 2° cour até possui uns problemas, mas nada que estrague a diversão.

Onde Assistir: Netflix.

Dungeons & Dragões: Honra Entre Rebeldes

Attacking The Villain Holga GIFfrom Attacking The Villain GIFs

Vinte anos após a primeira tentativa, 'Dungeons & Dragons' enfim recebeu uma adaptação digna de uma ótima mesa de RPG.

Pena que a estratégia de lançamento do longa contribuiu para o baixo desempenho nas bilheterias.

Onde Assistir: Apple Tv+, Claro Tv+, Globoplay e Paramount+.

Andor - 1° Temporada

On A Mission Cassian Andor GIFfrom On A Mission GIFs

Dando sequência a visão mais crua do conflito vista em 'Rogue One', a série tem como diferencial o foco nas pessoas comuns em meio ao autoritarismo do Império.

O texto de Tony Gilroy é incrível. Andy Serkis e Stellan Skarsgård deram show.

Onde Assistir: Disney+.

Power Rangers: Agora e Sempre

Power Rangers Mmpr GIFfrom Power Rangers GIFs

Apesar da curta duração e do estranho Megazord de CGI, o especial cumpre o seu papel de homenagear o legado dos Rangers.

Walter Jones foi o grande destaque do episódio. E o Billy como líder foi uma ótima sacada do roteiro.

Onde Assistir: Netflix.

Guardiões da Galáxia Vol. 3

Team Up Peter Quill GIFfrom Team Up GIFs

Divertido e emotivo (preparem os lenços), o longa entrega um desfecho satisfatório para Peter Quill e seus companheiros. É a melhor filme da Marvel Studios pós-'Vingadores: Ultimato'.

James Gunn fará muita falta ao MCU.

Onde Assistir: Disney+.

Resgate 2

Fist Fight Tyler Rake GIFfrom Fist Fight GIFs

Nos 45 minutos iniciais, o filme é um entretenimento dos bons graças ao seu ótimo (e longo) plano sequência.

Porém, nos 78 minutos restantes, o longa desiste de ousar e se transforma em uma produção de ação bem genérica.

É uma pena.

Onde Assistir: Netflix.

Homem-Aranha: Através do Aranhaverso

Spiderverse Pointing GIFfrom Spiderverse GIFs

Muito mais ambicioso, visualmente ainda mais incrível e com a grande sacada de ter Gwen Stacy como co-protagonista, 'Aranhaverso 2' supera com folga o seu antecessor.

O título de melhor filme de herói de 2023 tem dono.

Onde Assistir: Claro Tv+ e HBO Max.

Shazam! Fúria dos Deuses

Shazam2 Shazam GIFfrom Shazam2 GIFs

A cena inicial parece ter saído de uma esquete do SNL, o CGI está mal acabado, a participação especial é bem aleatória e a trama é boba.

Dito tudo isso, ainda sinto que há um coração ali. O filme merecia mais sorte nas bilheterias.

Onde Assistir: HBO Max.

Barbie

Barbie Barbie Film GIFfrom Barbie GIFs

Greta Gerwig foi precisa ao aliar referências a mitologia da boneca e comédia (com pitadas de nonsense) com discussões sobre o patriarcado e o papel da mulher na sociedade.

O filme merece todo o sucesso conquistado. Assistam sem qualquer preconceito. 😉

Onde Assistir: HBO Max.

Shin Kamen Rider

Shin Kamen Rider Kick GIFfrom Shin Kamen Rider Kick GIFs

Com a assinatura de Hideaki Anno (personagens com traumas, debates existenciais e ótimas cenas de ação), o filme atualiza Kamen Rider para os tempos atuais, trazendo elementos da série original e do mangá.

Shotaro Ishinomori ficaria orgulhoso.

Onde Assistir: Prime Video.

The Flash

Closing Goggles Barry Allen GIFfrom Closing Goggles GIFs

A aventura do Corredor Escarlate até conta com bons momentos. O problema é que eles são seguidos quase sempre por efeitos visuais horrorosos, gags constrangedoras e o irritante "Barry n°2".

'Flash' é a definição audiovisual do termo "auto sabotagem".

Onde Assistir: HBO Max.

Nimona

Nimona Nimona Meme GIFfrom Nimona GIFs

Simplesmente uma das grandes surpresas do ano no quesito animação.

Contando com uma protagonista carismática e cativante, o filme trata de preconceito e identidade de uma forma bastante emocional.

É um belo exemplar de produção LGBTQIA+.

Onde Assistir: Netflix.

Castlevania: Noturno - 1ª Temporada

Ready To Fight Richter Belmont GIFfrom Ready To Fight GIFs

Com heróis menos experientes e poderosos, o início da jornada de Richter Belmont entretém, mas é inferior ao começo da série original.

A qualidade da animação oscila muito, intercalando cenas de encher os olhos com outras nada inspiradas.

Onde Assistir: Netflix.

Pluto

Pluto Anime GIFfrom Pluto GIFs

Por meio de uma trama policial, a adaptação da obra Naoki Urasawa usa o elenco de 'Astro Boy' para tratar questões como guerra, racismo, ódio e luto de forma bastante competente e comovente.

É o melhor anime que vi no ano. Osamu Tezuka ficaria orgulhoso.

Onde Assistir: Netflix.

Indiana Jones e o Chamado do Destino

Riding A Horse Indiana Jones GIFfrom Riding A Horse GIFs

Embora entregue um final digno ao Indy de Harrison Ford, o filme é bem morno. Não conta com cenas vexatórias (como em "Caveira de Cristal") e nem memoráveis (vide trilogia original).

Ficou devendo. Poderia ter sido melhor.

Onde Assistir: Disney+.

Scott Pilgrim: A Série

Scott Pilgrim Scott Pilgrim Takes Off GIFfrom Scott Pilgrim GIFs

Divertida, a versão "Rebuild of" de Scott Pilgrim tem como diferencial o foco no elenco secundário, cujo espaço é bem reduzido na história original.

O anime seria ainda mais redondinho se contasse com pelo menos mais dois episódios.

Onde Assistir: Netflix.

Godzilla Minus One

Godzilla Minus One Godzilla Tail GIFfrom Godzilla Minus One GIFs

O filme tem como trunfo o drama de uma sociedade (esfacelada pela guerra) diante do surgimento de uma força da natureza e a letargia do governo ante a ameaça.

O grande astro não decepciona, trazendo caos e tensão em todas as suas cenas.

Onde Assistir: Netflix.

Yu Yu Hakusho (2023)

Toguro Live Action Ghost Fighter GIFfrom Toguro Live Action GIFs

A adaptação da obra Yoshihiro Togashi condensa arcos em um ritmo bem apressado, mas entrega os principais pontos presentes na trama original.

As cenas de ação são fenomenais (o ponto alto da série).

Que venha Sensui na próxima temporada.

Onde Assistir: Netflix.

Rebel Moon: A Menina do Fogo

Fire A Gun Kora GIFfrom Fire A Gun GIFs

Zack Snyder não poupou esforços em apresentar sua assinatura em cada sequência de seu "Os Sete Samurais no Espaço".

Só esqueceu que precisava desenvolver minimamente os seus personagens.

Não há "Snyder Cut" que salve este filme.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Adão Negro

No Escape Black Adam GIFfrom No Escape GIFs

Só o Senhor Destino de Pierce Brosnan se salva deste desastre. O filme só entrega alguma coisa digna de nota em sua cena pós-crédito (cuja promessa jamais se cumprirá).

The Rock conseguiu mudar a hierarquia da DC. Mas não do jeito que ele imaginava...

Onde Assistir: HBO Max.

EXTRA | Avatar: O Caminho da Água

Avatar Avatar2 GIFfrom Avatar GIFs

James Cameron domina a arte do blockbuster como poucos.

13 anos após o filme original, ele entrega uma sequência visualmente ainda mais impressionante, expandindo a história e conceitos, em uma aventura grandiosa.

O cara é o mestre.

Onde Assistir: Disney+

EXTRA | Homem-Formiga e Vespa: Quantumania

Stay Back Ant Man GIFfrom Stay Back GIFs

Se você pretende apresentar a nova grande ameaça do MCU, não o faça ser derrotado pelo Homem-Formiga & cia.

O longa é um emaranhado de péssimas decisões (técnicas e artísticas). Mas esta do vilão é certamente a mais estúpida.

Onde Assistir: Disney+

EXTRA | O Tio de Outro Mundo

Isekai Ojisan GIFfrom Isekai GIFs

Em gênero cada mais abarrotado de produções, o Isekai já chama atenção pelo herói que retorna ao seu mundo logo no início.

Com foco no humor e nas referências a Sega, o resultado é um entretenimento bem decente.

Vale a pena conferir.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Doctor Who (Especiais de 60 anos + Especial de Natal)

Doctor Who Dr Who GIFfrom Doctor Who GIFs

O retorno de Russell T. Davies ao cargo de showrunner não poderia ser melhor: uma "última dança" para David Tennant e Catherine Tate e a apresentação do Doutor do carismático Ncuti Gatwa.

A próxima temporada promete.

Onde Assistir: Disney+.

Com relação ao ano de 2023...

Top 3 Melhores Filmes

3º) Homem-Aranha: Através do Aranhaverso.
2º) Pinóquio de Guilhermo Del Toro.
1º) Godzilla Minus One.

Top 3 Piores Filmes

3º) Shazam! Fúria dos Deuses;
2º) Flash
1º) Rebel Moon: A Menina do Fogo.

Top 3 Melhores Séries

3º) JoJo's Bizarre Adventure: Stone Ocean;
2º) Pluto;
1º) Andor (1ª Temporada).

Séries que Não Passei do Primeiro Episódio

The Witcher (3ª Temporada);
One Piece: A Série (1ª Temporada).

Melhor Filme Antigo que Assisti

O Comboio do Medo (1977).

Melhores Séries Antigas que Assisti

JoJo's Bizarre Adventure: Golden Wind (2018-2019);
Kamen Rider Kuuga (2000-2001).

Filmes Mais Esperados de 2024*

O Auto da Compadecida 2;
Duna: Parte 2;
Furiosa: Uma Saga Mad Max;
Gladiador 2;
O Senhor dos Anéis: A Guerra de Rohirrim.

Séries Mais Esperadas de 2024*

Doctor Who (1ª Temporada do 15º Doutor);
Konosuba (3ª Temporada);
Bleach: Thousand-Year Blood War (3ª Parte)
Avatar: O Último Mestre do Ar (1ª Temporada);
Pinguin (1ª Temporada).

*Não significa que assistirei em 2024. 😬

--------------------

Bem pessoal, esta foi a nossa retrospectiva das rapidinhas de 2023.

E aí, o que acharam? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por ainda não ter assistido Jujutsu Kaisen, Oppenheimer ou o live-action de One Piece? Se a resposta para alguma das perguntas é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem deixar as suas impressões e opiniões.

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia.

Um grande abraço e até a próxima!

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[NerdFacts] William Friedkin, Comboio do Medo e...Star Wars?!

2023-10-07T17:00:00.005-04:00

[Vitrine: Divulgação/Universal Pictures/20th Century Studios]

Algumas semanas atrás, em um momento de pura procrastinação no Instagram, deparei-me com uma postagem do Roberto Sadovski (ex-editor da Revista Set, crítico de cinema e participante do canal Os Quatro Fantásticos) que me chamou muita atenção. A imagem era um pôster de um filme em que um caminhão se equilibrava sobre uma ponte suspensa. Se a imagem já foi o suficiente para chamar a atenção, o meu interesse aumentou quando vi na descrição do post os nomes de Roy Scheider e William Friedkin.

O filme em questão era O Comboio do Medo (Sorcerer, 1977).

Instantes depois, lá estava eu pesquisando sobre o longa-metragem, conferindo informações sobre a trama, elenco e algumas críticas. Eis que nesta pesquisa encontrei alguns relatos bem curiosos sobre os bastidores da produção. Quanto mais eu lia, mais potencial via de explorar o assunto em um artigo.

Empolgado com a ideia, acessei o site do JustWatch para ver em qual serviço de streaming estaria presente. E, bem, achei Little Nicky: Um Diabo Diferente (Little Nicky, 2000) mas nada de ‘Comboio de Medo’. Com esse belo balde de água fria, optei por colocar o texto em “modo de espera”. Mas as coisas mudaram dias depois com a notícia do falecimento de William Friedkin, aos 87 anos. O texto seria uma bela oportunidade de homenageá-lo pelas grandes contribuições feitas com a sétima arte. De ânimo renovado, fui até uma “loja de torresmos” em busca do longa. Para minha felicidade, finalmente o encontrei!

Bem meus caros leitores, antes de discorrermos sobre as confusões envolvendo a obra, é preciso contextualizar alguns detalhes. E claro, este artigo é dedicado à memória de William Friedkin.

A Nova Hollywood e William Friedkin

Friedkin durante as filmagens de ~~uma de suas pedradas~~ 'Operação França'.
[Imagem 1: Reprodução/20th Century Studios]

As décadas de 50 e 60 não foram fáceis para o cinema norte-americano. O Anti-Trust Act de 1948, lei do governo que proibiu os estúdios de atuarem na exibição dos filmes, foi um golpe duríssimo no poderio dessas corporações, afetando-os financeiramente e os forçando a encontrar novos paradigmas para a produção de seus filmes. Em paralelo, houve ainda a popularização da televisão, mais um meio de entretenimento para a população com que o cinema precisou dividir as atenções. Esses dois fatores foram determinantes para sepultar a Era de Ouro de Hollywood.

A sorte começou a mudar no final da década de 60. O lançamento Bonnie e Clyde: Uma Rajada de Balas (Bonnie and Clyde, 1967) e A Primeira Noite de um Homem (The Graduate, 1967) representaram, de maneira simbólica, o nascimento de um novo movimento cinematográfico. Com as fortes influências do cinema europeu (em especial de nomes como François Truffaut, Federicio Fellini, Ingmar Bergman) e asiático (com Akira Kurosawa como principal representante), a abordagem de temas tabus e a quebra das técnicas narrativas tradicionais que perduravam na indústria, as produções da Nova Hollywood reconquistaram a atenção do grande público.

Ao privilegiar a visão autoral de seus cineastas, o movimento foi também um grande celeiro para o surgimento de novos diretores. Foi neste período que surgiram nomes como Steven Spielberg, Martin Scorcese, Francis Ford Coppola, George Lucas, Brian De Palma, Michael Cimino, Peter Bogdanovich, Paul Schrader, John Carpenter e, claro, o homem que dá nome a este artigo, William Friedkin.

Natural de Chicago, Friedkin vinha de uma origem humilde. Enquanto sua mãe ganhava a vida como enfermeira, seu pai chegou a trabalhar como marinheiro mercante, jogador semiprofissional de softball e vendedor de roupas. Durante a juventude, foi um jogador de basquete com talento suficiente para se tornar profissional, mas tudo mudou quando ele arranjou um emprego na correspondência de uma estação de TV local, assim que terminou o colégio. Aos 18 anos, já estava dirigindo o seu primeiro programa ~~o cara era “bão” mesmo~~.

Após mais de uma década dedicada à televisão - entre seus trabalhos no período, é preciso ressaltar o documentário O Povo vs. Paul Crump (The People vs. Paul Crump, 1962) que salvou a vida de um homem no corredor da morte injustamente condenado por latrocínio – o diretor fez a sua transição para o cinema em 1967, com o musical Good Times. Embora o lançamento aconteça no ano que marca o início da Nova Hollywood, não foi esse e muito menos os três trabalhos seguintes – Feliz Aniversário (The Birthday Party, 1968), Quando o Strip-Tease Começou (The Night They Raided Minsky's, 1968) e Os Rapazes da Banda (The Boys in the Band, 1970) - que o colocaram como um dos grandes nomes do movimento.

Sua ascensão ao estrelato aconteceria na década seguinte com Operação França (The French Connection, 1971). Em um thriller que mostra a brutalidade policial e um protagonista de moral questionável, o cineasta não só quebrou o paradigma das tramas policiais da época como também entregou uma das melhores cenas de perseguição da história do cinema. Tal mérito foi reconhecido na cerimônia do Oscar de 1972, onde o longa faturou cinco dos oito prêmios que concorria, com Friedkin se consagrando com prêmio de Melhor Diretor.

Dois anos depois, mais uma jogada de mestre, dessa vez com o filme O Exorcista (The Exorcist, 1973). O cineasta não poupou esforços para criar uma experiência de horror que chocasse os espectadores. As reações do público (muita gente passou mal ou se revoltou) com as ações da jovem Regan (que incluem jato de vômito verde, giro de 180º com a cabeça, violência contra a mãe e outras profanações) serviu de propaganda para a produção, fazendo com que as pessoas encarassem filas e mais filas para assistirem ao filme de horror mais assustador daquele ano. No ano seguinte, o longa venceu dois dos oito prêmios indicados pela Academia.

Indicado mais uma vez como diretor, desta vez William não levou o prêmio para casa. Mas pouco importa. Ele era um dos grandes nomes da Nova Hollywood graças aos seus dois trabalhos mais recentes.

Uma Filmagem Infernal

Em uma realidade paralela, esta seria uma foto de bastidores da versão cinematográfica de Carga Pesada.
[Imagem 2: Reprodução/Everett Collection Inc/Alamy Stock Photo]

Após revolucionar o cinema policial e o de horror, William Friedkin estava na crista da onda da indústria. Com um contrato da Universal Studios em mãos, ele decidiu que seu próximo trabalho seria uma refilmagem de O Salário do Medo (Le Salaire de la peur, 1953), um thriller franco-italiano dirigido por Henri-Georges Clouzot, no qual quatro homens aceitam uma proposta de petroleira de conduzir dois caminhões com explosivos pelas perigosas estradas da América do Sul.

Em parceria com Walon Green, o roteirista responsável pelo clássico Meu Ódio Será sua Herança (The Wild Bunch, 1969), Friedkin levou quatro meses para escrever o roteiro. No texto ele impôs duas mudanças bem significativas. Enquanto no original os protagonistas eram pessoas decentes, em sua versão eles são canalhas de moral duvidosa. A segunda alteração foi no título, o qual ele optou pelo nome “Sorcerer” (feiticeiro em português). Ele via este termo como uma metáfora onde “O feiticeiro é um mago maligno que faz às vezes do destino. No caso daqueles homens, o destino estava completamente fora de seu controle”.

A real é que isso foi uma desculpa para justificar uma palavra que ele adorou. Segundo uma matéria do Telegraph, a inspiração veio de um álbum de mesmo nome do trompetista Miles David. Já o Joblo menciona que em uma viagem ele viu dois caminhões com os nomes “Lazarus” e “Sorcerer” (isso inclusive foi incorporado ao filme).

O cineasta planejava filmar em cinco locações: Paris (França), Jerusalém (Israel), Elizabeth (Estados Unidos), Veracruz (México) e na floresta próxima do vulcão Cotopaxi (Equador), local pelo qual se encantou. Para o elenco principal, desejava contar com Steve McQueen (o astro mais bem pago da época), Marcello Mastroianni, Lino Ventura e Amidou. McQueen se empolgou com o roteiro, mas por conta de seu casamento com a atriz Ali MacGraw, estava resistente em abandoná-la por semanas. O astro chegou a oferecer duas opções – criar um papel para MacGraw ou torná-la uma produtora associada – mas Friedkin, no alto de sua arrogância, prontamente recusou ambas, o que resultou na desistência do ator.

Com a saída de Steve McQueen, Lino Ventura abortou sua participação. Por problemas pessoais, Marcello Mastroianni decidiu não participar. O diretor procurou por outros grandes nomes - Robert Mitchum, Paul Newman, Kris Kristofferson ~~o irmão gêmeo perdido do Jeff Bridges~~ foram alguns dos sondados –, mas no fim acabou escolhendo Roy Scheider (com quem havia trabalhado em ‘Operação França’), Francisco Rabal e Bruno Cremer para substituir McQueen, Ventura e Mastroianni. A resolução do elenco principal acabou gerando um novo problema: com exceção de Scheider, os demais eram nomes obscuros ao público norte-americano. Lew Wasserman (o cabeça da Universal na época) não estava disposto a gastar milhões em filmagens no Equador com um bando de desconhecidos.

A entrada da Paramount Pictures como um parceiro solucionou o problema dos custos (o estúdio iria dividi-los com a Universal). Entretanto, Charlie Bluhdorn (o chefão da Paramount) “propôs” que as filmagens fossem realizadas na República Dominicana por questões de custos (o país era quase uma subsidiária da Gulf and Western, controladora do estúdio).

Com isso, o cineasta deu adeus a Cotopaxi.

A palavra tensão teve seu significado atualizado após esta sequência.
[Imagem 3: Reprodução/Universal Pictures]

Em comparação a produção, a pré-produção foi um passeio ao parque. Houve problemas em quase todas as locações. Para o prólogo do personagem de Scheider, foram necessários dez dias e sete carros para a obtenção de um resultado satisfatório. Em Jerusalém, um atentado a bomba real aconteceu próximo de onde a equipe estava localizada. No México, um agente federal informou o cineasta que vários membros da produção estavam de posse de entorpecentes, forçando os envolvidos a retornarem imediatamente para os Estados Unidos.

Os maiores problemas ocorreram nas filmagens em meio da selva latino-americana. Tal qual os protagonistas da história, a produção enfrentou uma verdadeira descida ao inferno. Nos exaustivos meses que se passaram, vários membros da equipe foram hospitalizados ou enviados para casa devido à exaustão, exposição ao calor, disenteria amebiana, gangrena ou malária (o próprio diretor acabou contraindo a doença no fim das filmagens).

Friedkin estava obcecado com o seu filme, querendo extrair de cada tomada a melhor cena possível. Somada com as dificuldades impostas pela locação, a sua obsessão gerou ainda mais atrasos no cronograma. A famosa cena da ponte – que ilustra o cartaz do filme – é um perfeito exemplo disso. Com auxílio do designer de produção John Box, uma ponte foi construída sobre o melhor rio que eles encontraram na República Dominicana. Usaram um sistema hidráulico oculto, com suportes de metal e cabos invisíveis para prender os caminhões (permitindo que eles balançassem sem tombar). O projeto levou TRÊS MESES para ser construído e custou 1 milhão de dólares. Contudo, quando a ponte foi finalizada, o período de chuvas acabou e veio uma época de seca.

Os executivos dos estúdios sugeriram que a sequência fosse descartada em prol de algo mais simples. E o que o cineasta fez? Simplesmente ignorou ~~cagou para~~ a sugestão. Com ajuda de Box, eles desmontaram toda a estrutura da ponte e a levaram para o Rio Papaloapan, no México. A ideia parecia promissora já que o Rio era bem semelhante ao anterior... só não contavam que a região também estava EM SECA. Para evitar novos atrasos, a solução foi realizar as filmagens no lugar usando uma série de efeitos mecânicos para criar um rio com correntes violentas em meio a uma tempestade. No fim, toda essa brincadeira custou 3 milhões de dólares a mais no orçamento.

Como vocês devem imaginar, William Friedkin era uma pessoa difícil. O seu temperamento tempestivo lhe rendeu o apelido Hurricane Billy (Furacão Billy em português). O sucesso de ‘Operação França’ e ‘O Exorcista’ o tornou AINDA PIOR, entrando em rota de colisão com vários companheiros de set. Por divergências criativas, mandou embora cinco técnicos de produção. Dick Bush, o diretor de fotografia, foi demitido por conta da iluminação nas cenas da floresta (elas ficaram sub-expostas e escuras). Não importava se era dublê, diretor de elenco, transportador de equipamentos ou o tio do café, uma mera crítica ao diretor era recompensada com o olho da rua.

Ele teve problemas até mesmo com o Roy Scheider. Só que ao contrário dos demais, o ator tinha “imunidade” perante seus destemperos já que era o único astro de nome que topou participar de toda aquela loucura.

Havia uma Estrela da Morte no Caminho

"Mr. Friedkin, I have a bad feeling about this."
[Imagem 4: Divulgação/20th Century Fox/Lucasfilm]

Após longos dez meses de trabalho ~~e muita confusão~~, as filmagens do longa foram encerradas. Em parceria com Bud S. Smith e Robert K. Lambert, Friedkin iniciou o processo de edição que, segundo relatos do próprio, rolou sem qualquer problema. Com a apresentação do primeiro corte, alguns executivos da Universal até tentaram sugerir algumas mudanças, mas o diretor conseguiu garantir a autoria sobre o corte final.

‘Comboio do Medo’ teve seu lançamento agendado para o dia 24 de junho de 1977, em pleno verão norte-americano. Com um orçamento na casa dos 20 milhões de dólares, os estúdios torciam para que o filme conseguisse algo perto dos números do último trabalho do cineasta. Custando 11 milhões, ‘O Exorcista’ faturou impressionantes 193 milhões de dólares. ‘Operação França’ também se saiu muito bem nas bilheterias, faturando 51.7 milhões de dólares e custando apenas 1.8 milhão.

O que ninguém imaginava era que naquele mesmo ano, mais exatamente no dia 25 de maio (um mês antes), chegava aos cinemas uma fantasia espacial assinada por um dos nomes da Nova Hollywood, George Lucas.

Sim meus caros leitores, aquele era o verão da estreia de Star Wars.

Como todos sabemos, a aventura de Luke Skywalker contra as Forças Imperiais se transformou no maior fenômeno cultural da história, trazendo verdadeiras multidões aos cinemas. Se com um concorrente deste quilate a situação já era nada animadora, as coisas ficaram piores com as duras críticas da mídia especializada. No final das contas, ‘Comboio do Medo’ conseguiu apenas 9 milhões de dólares nas bilheterias (nem metade do seu orçamento), tornando-se um grande fracasso comercial.

Enquanto o sucesso de ‘Guerra nas Estrelas’ fortaleceu ainda mais a cultura dos blockbusters de verão, o fracasso de ‘Comboio do Medo’ foi um golpe duríssimo para a Nova Hollywood. As derrocadas de New York, New York (1977), 1941: Uma Guerra Muito Louca (1941, 1979), O Fundo do Coração (One From the Heart, 1981), Muito Riso e Muita Alegria (They All Laughed, 1981) e, especialmente, O Portal do Paraíso (Heaven’s Gate, 1980) sepultaram de vez o movimento.

O fracasso também teve reflexos na carreira de William Friedkin. Abandonado pelos executivos com que trabalhou, ele enfrentou verdadeiras batalhas para financiar seus próximos projetos. E mesmo produzindo com regularidade ao longo dos anos, o cineasta nunca mais teve o mesmo sucesso que vivenciou em seus dois grandes hits.

Mas o filme é ruim?

"Juro que não estou inventando. Meu primo Brody conseguiu mesmo explodir um tubarão branco em Long Island"
[Imagem 5: Reprodução/Universal Pictures]

Creio que esta deve ser a pergunta que ~~todos os meus cinco leitores~~ vocês devem estar fazendo após acompanharem esta história. Sendo bem franco, ‘O Comboio do Medo’ não é ruim... é um puta de FILMAÇO!!

Digo mais: é o melhor filme que vi no ano.

A trama é bastante idêntica ao do thriller de 1953. Por conta de seus atos amorais, um corrupto banqueiro francês (Cremer), um assassino de aluguel mexicano (Rabal), um terrorista muçulmano (Amidou) e um piloto de fuga norte-americano (Scheider) são obrigados a se esconderem em Porvenir, uma comunidade pobre localizada em um país totalitarista fictício da América Latina. Presos em uma realidade miserável, aceitam arriscar suas vidas transportando caixas de nitroglicerina em meio a floresta até uma refinaria de petróleo. A bordo de dois caminhões caindo aos pedaços, eles veem na arriscada missão uma chance para recomeçarem as suas vidas.

A realidade que Friedkin imprime em suas cenas é algo assustador. Sob as suas lentes, a miséria, a corrupção e a falta de perspectivas da população de Porvenir recebem tons documentais, o que torna as sequências no vilarejo uma experiência sufocante. A cena em que mortos no desastre da refinaria são trazidos ao local parece ter saído de um documentário. A vida desesperadora daquele lugar é tão realista que você compra a absurda iniciativa dos protagonistas de conduzirem caminhões cheios de explosivos. É talvez a única oportunidade na vida que eles terão de escapar daquele “purgatório”.

Se a comunidade é o “purgatório”, o caminho até a refinaria é literalmente uma descida rumo ao “inferno”. A esperança inicial aos poucos dá lugar ao desespero. Com uma carga altamente instável, cada novo obstáculo imposto pela floresta testa os limites da sanidade de cada um. E meus amigos, tensão é a palavra-chave durante este ato na selva. A possibilidade de uma tragédia é tão alta que você espera que ela aconteça a qualquer momento. Esse sentimento de angústia é administrado por Friedkin com perfeição, atingindo o seu ápice na famigerada sequência da ponte.

Sério, ainda bem que o diretor ignorou ~~cagou litros para~~ a opinião dos executivos. Esta cena valeu cada centavo dos 4 milhões de dólares gastos. Os efeitos práticos, os ângulos de câmera e a atuação do elenco torna este momento extremamente angustiante (vide a travessia do segundo caminhão) e memorável. Certamente, um dos trabalhos mais primorosos da carreira de William Friedkin.

Mesmo não sendo as primeiras escolhas do cineasta (com exceção de Amidou), o quarteto principal mandou bem demais. Você consegue acreditar no arrependimento de VictorManzon/Serrano (Cremer) ao abandonar a esposa em Paris; no desespero de Nilo (Rabal) ao perceber o tamanho da roubada que se meteu; no medo de Kassem/Martinez (Amidou) a cada situação que precisam enfrentar; e no desgaste físico/mental sofrido por Scanlon/Dominguez (Scheider). Este último, aliás, é o personagem que melhor exemplifica esta jornada. Ele vai do otimismo ao desespero, do desespero à loucura, da loucura até a completa exaustão. Com o longa sendo redescoberto pelo público e a crítica nos últimos anos, é uma pena que o quarteto não teve a chance em vida de ser reconhecido pelo trabalho realizado nesta produção.

Recomendo demais que vocês, meus caros leitores, assistam ‘O Comboio do Medo’. É uma jóia do período mais inventivo do cinema hollywoodiano. Uma pérola que pessoas como eu só tiveram a oportunidade de conhecê-la graças aos esforços do próprio William Friedkin em conseguir os direitos sobre a obra. Se dependesse dos estúdios, o filme continuaria esquecido em um galpão qualquer. É um filme sensacional que teve o GRANDE azar estrear no mesmo ano de Star Wars.

Definitivamente, a força não estava com Friedkin.

Sugestão de Leituras

Como precisei de várias fontes para a elaboração deste artigo, nada mais justo que dar os créditos a todos que me ajudaram com o texto. E como muita coisa acabou ficando de fora, nos links a seguir vocês conseguirão mais informações relevantes sobre os assuntos em questão.

Para escrever sobre a "Era de Ouro de Hollywood", a minha referência foi um texto do Jornalismo Júnior da ECA-USP (no momento a página deles está fora do ar). Para descrever a "Nova Hollywood", usei os textos de Chris Heckmann do Studio Binder e Sammylle Matheus do Feededigno. Com relação a William Friedkin, tomei como fontes a coluna do Sadovski no UOL e as matérias dos seguintes jornalistas: Scott Mendelson do The Wrap, Christi Carras do Los Angeles Times e Matt Zoller Seitz do Vulture.

Sobre a produção de ‘O Comboio do Medo’, o texto de Danilo Areosa do CineSet; Tim Robey do Telegraph; Eric Walkuski do Joblo; Christina Newland da BBC; Travis Wood do Bright Wall/Dark Room; e, um relato do próprio Hurricane Billy para a Variety foram as minhas referências. Por fim, o artigo de Meg Shields do Film School Rejects me ajudou a entender como foi filmada a fantástica sequência da ponte suspensa.

------------------------------

Enfim meus caros leitores, este foi mais um artigo da coluna "NerdFacts".

Mas e aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por ter citado um filme do Adam Sandler em texto envolvendo um dos grandes diretores do cinema norte-americano?

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia.

Um grande abraço e até a próxima!

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Penso, Logo Digito] Os Jogos da Minha Vida

2023-06-04T15:30:00.004-04:00

[Vitrine: Photo by Derek Story on Unsplash]

Olhando os meus últimos artigos, percebi que tenho pouquíssimos cujo assunto são videogames. O tema até era mais recorrente nos primórdios do Nerdologia Alternativa, mas com exceção do NerdTop sobre os Social Links de Persona, o último texto foi há mais de 10 anos!!!

Isso é muito bizarro. Assim como os animes e o cinema, os jogos eletrônicos estão presentes na minha vida desde que me entendo como pessoa. Comecei aos 5 anos de idade quando ganhei um Atari; dois anos depois, passei para a Nintendo onde tive dois consoles e um portátil; e, desde o PlayStation 2, sigo firme e forte nos aparelhos da Sony. Em paralelo, ainda tive minhas experiências com Arcades e PC. Ou seja, não me falta experiência para produzir artigos sobre o assunto.

De fato, estou há meses ensaiando para escrever um texto sobre a trilha sonora de um certo jogo. Inclusive, cheguei até a bater o martelo sobre ele e a iniciar a minha pesquisa. Só que tudo mudou, há uns dois meses, quando um amigo me perguntou quais eram os 10 jogos da minha vida. Como observei que a resposta poderia render algo bem interessante para o blog, vocês c~~inco que ainda me acompanham~~ terão que aguardar um pouco mais para ver a ideia anterior.

Originalmente este artigo contava com 10 jogos. Entretanto, o texto estava ficando muito maior do que eu esperava e, por conta disso, decidi dividi-lo em duas partes com 5 jogos cada. Listei os jogos por ordem de lançamento, assim esta primeira parte será formada essencialmente por títulos que fizeram parte da minha infância e adolescência. Mesmo fazendo um ou outro comentário sobre questões técnicas, a minha intenção é fazer um texto mais pessoal.

Dito isto, vamos para a lista. 😊

Super Mario World

Miyamoto & cia deram gargalharam malignamente quando projetaram esta fase.
[Imagem 1: Reprodução/Nintendo]

Ano de Lançamento: 1990.
Desenvolvedor: Nintendo EAD.
Gênero: Plataforma.

‘Super Mario World’ foi a minha primeira experiência na Era dos 16 bits. Para um moleque que estava acostumado com os jogos do Atari 2600 (sim, não tive um console da geração 8 bits), imaginem o quão maravilhado fiquei com a cena de introdução que surgiu após aquele “Nintendo Presents” com som de estalo. Era a Nintendo nos mostrando o que seu Super Nintendo era capaz de fazer.

E aquilo era apenas o começo.

Mesmo com mais de 30 anos nas costas, ele ainda é impressionante em todos os sentidos. Os sprites dos personagens são bonitos e expressivos, as fases e os mapas são extremamente bem detalhados, a jogabilidade é uma delícia de tão precisa, a sonoplastia é carismática e a trilha sonora é incrível. Convenhamos meus caros leitores, um projeto que reuniu gente do calibre de Shigeru Miyamoto (produção), Takashi Tezuka (direção), Toshihiko Nakago (programação) e Koji Kondo (composição) – um legítimo dream team da Nintendo - dificilmente não resultaria em algo EXTRAORDINÁRIO.

Sem sombra de dúvidas, este é o jogo mais importante da minha vida. Já tinha contato com os games por meio do meu finado Atari e dos Fliperamas, mas foi a jornada do encanador bigodudo que fez o meu amor pela mídia se fortalecer. Além disso, ‘SMW’ moldou algumas de minhas preferências em jogos eletrônicos. Mesmo com uma duração total relativamente comum para os padrões atuais (10 horas para completar os 100%), foi por conta dele que tenho preferência por experiências mais longas.

E veja bem, até gosto de campanhas mais curtas, mas não consigo não ficar empolgado quando um jogo me apresenta um mapa gigante e cheio de possibilidades.

Isso nos leva a mais um aspecto que 'Super Mario World' me fez adorar: a exploração. Quando descobri que os estágios marcados em vermelho davam acesso a um novo caminho no mapa, e consequentemente um novo estágio, joguei a mesma fase “n” vezes para encontrar a saída secreta. A busca por novas passagens me rendeu os meus melhores momentos no jogo. A primeira vez que o zerei, por exemplo, foi graças a uma passagem que descobri no mundo 'Donut Plains' que me conduziu para a 'Star Road'. De lá só precisei passar algumas fases para encontrar um atalho até o Castelo do Bowser ~~e morrer umas trocentas vezes até conseguir vencê-lo~~.

Outro momento digno de nota na minha experiência está relacionado com o 'Castelo #3' (#3 Lemmy's Castle). Por conta de um segmento de plataformas que afundavam em um poço de lava, fiquei emperrado nesta fase durante MUITO tempo. Contudo, ao explorar melhor a primeira fase de 'Vanilla Dome', descobri um novo caminho que me conduziu para a parte superior do mapa principal e, algumas fases depois, estava no 'Castelo #4' (#4 Ludwig's Castle). A partir dali, foi só seguir o caminho até 'Valley of Bowser', sem recorrer pela primeira vez ao atalho ~~oculto atrás da cachoeira~~ da 'Star Road'.

Embora o terceiro castelo não fosse difícil no final das contas (a solução era BEM SIMPLES), ‘SMW’ tinha sim seus estágios que exigiam um pouco mais de perícia. Já que comecei o assunto mencionando um castelo, o '#5' (#5 Roy's Castle), com a sua plataforma móvel sobre um rio de lava, e o '#6' (#6 Wendy's Castle), com seus pilares espinhosos, são bem desafiadores. ‘Suken Ghost Ship’ exige muita paciência para não trombar com os boos. ‘Outrageous’ requer habilidade para desviar dos inimigos e dos vários bullet bills. E claro, não podemos deixar de mencionar a famigerada ‘Tubular’, a fase mais ~~desgraçada~~ difícil do jogo.

'Super Mario Word' foi um dos games que mais revisitei na vida. Fiz isso em inúmeras ocasiões quando o tinha em meu console e algumas vezes via emulador. Aliás, foi através da emulação que finalmente consegui abrir todas as 96 fases do jogo. A única que me faltava era ‘Soda Lake’, um estágio aquático localizado no mundo 'Twin Bridge'. E como vocês observarão ao longo deste texto, emuladores (como o do SNES) foram fundamentais na minha experiência como jogador.

Preciso mencionar que este foi o cartucho que veio na caixa do meu Super Nintendo. Sim meus caros leitores, houve uma época em que os videogames vinham com jogos.

Bons tempos.

Final Fantasy V

Exdeath foi inspiração para um vilão de uma campanha de RPG mestrada por mim. :)
[Imagem 2: Reprodução/Square-Enix/Nintendo]

Ano de Lançamento: 1992.
Desenvolvedor: Square.
Gênero: RPG.

RPG é o meu gênero favorito no mundo dos games. É o tipo de experiência que costumo priorizar sempre que estou em busca do meu próximo jogo. Embora seja um grande entusiasta atualmente, role playing game era algo que me atraia na época de moleque. Certa vez, aluguei 'Ilusion of Gaia' em minha locadora e, por total falta de experiência, troquei por um outro jogo – possivelmente 'Street Fighter II' - no mesmo dia. Só fui aprender as nuances do estilo durante a minha adolescência, período em que não possuía mais o meu Super Nintendo..., mas contava com um PC e um emulador.

Foi graças à emulação que conheci ‘Final Fantasy V’, um jogo que dificilmente teria em meu console já que a versão para SNES nunca saiu do solo japonês. A Nintendo me perdoe, mas o ZSNES do sucesso me possibilitou o acesso a várias coisas que jamais teria oportunidade através dos meios convencionais.

Sendo bem honesto, ‘FFV’ está longe de ser um dos melhores RPG’s do Super Nintendo (‘Chrono Trigger’, ‘Super Mario RPG’ e ‘Breath of Fire 2’ são títulos superiores) e muito menos um dos melhores 'Final Fantasy's da franquia (o próprio console conta com ‘Final Fantasy VI’, reconhecido como um dos melhores de todos os tempos ~~e que criminosamente não joguei~~). Inclusive, eu mesmo lembro pouquíssimo da sua história. Recordo de algumas coisas como: os nomes de três membros do grupo (Lenna, Faris e Galuf); que há cristais que são de suma importância ao plot; Galuf acaba morrendo e é substituído por sua neta; e o grande vilão do jogo se chama Exdeath.

Se duvidar, creio que tenho mais lembranças do enredo de ‘Chrono Trigger’.

“Então por que razão este jogo é tão importante para você?” – diz indignado um de meus quatro leitores ~~imaginários~~.

Em primeiro lugar, ele foi a minha porta de entrada para a franquia. Por mais que já tivesse visto um ‘Final Fantasy VII’ rodando em um PlayStation, nunca havia jogado um título sequer da série até então. Combinado a isso, há o fato de que comecei a jogá-lo na mesma época em que estava me iniciando no RPG de mesa, mas especificamente no Advance Dungeons & Dragons (AD&D). Essa dobradinha não só aumentou meu interesse no game como facilitou o processo de aprendizagem do gênero. Consequentemente, ‘Final Fantasy V’ foi o primeiro JRPG que finalizei.

Se hoje sou maluco por RPG’s eletrônicos, ‘FFV’ possui uma GRANDE RESPONSABILIDADE por isso.

Assim como a 2ª edição do sistema de Gary Gygax e Dave Arneson, o jogo contava com uma mecânica bastante similar ao conceito das Classes chamada Jobs. Além de definir a “classe” de cada personagem no grupo, era possível trocá-las por outras sempre que puder. O mais bacana dessas trocas é que você pode utilizar uma habilidade de um job anterior no seu atual, formando assim uma versão – ainda que limitada é claro – de um multiclasse do D&D. Esta ferramenta permitia a criação de combos bem legais.

Elaborar estratégias com as habilidades dos jobs é algo imprescindível uma vez que o game não aliviava na dificuldade. Tudo bem que eu era bem ~~ruim~~ inexperiente em RPGs naquela ocasião, mas ainda tenho a impressão de que Hironobu Sakaguchi & cia não tiveram piedade dos jogadores. Conforme a história ia progredindo, os inimigos e os chefes ficavam cada vez mais ~~apelões~~ difíceis, varrendo o chão com a sua party com o mínimo de esforço. Para ter alguma chance, era preciso ter boas habilidades e manter os personagens em um nível alto. Griding aqui não é uma escolha, mas uma necessidade.

E olha, tive que abusar de griding para vencer o Exdeath. Até que não tive problemas com a primeira forma do vilão. Contudo, quando ele evoluía para a sua forma final e passava usar ataques que combinavam dano e algum status negativo aos personagens, era obliterado pelo miserável. Para vencê-lo, montei uma estratégia que incluía no grupo habilidades dos jobs Mimic, Time Mage e White Mage. Quando o enfrentei novamente e a estratégia funcionou... foi lindo!

Simplesmente uma das vitórias contra um chefão final mais INESQUECÍVEIS que já tive.

Donkey Kong Country 2: Diddy's Kong Quest

Dixie Kong, a melhor personagem da série 'Donkey Kong'. Sim ou com certeza?
[Imagem 3: Reprodução/Rare/Nintendo]

Ano de Lançamento: 1995.
Desenvolvedor: Rare.
Gênero: Plataforma.

Durante a minha juventude, a figura das locadoras esteve bastante presente em minha vida. Seja para alugar pela 6ª vez o VHS Pateta: O Filme (A Goofy Movie, 1995) ou para pegar um joguinho para o fim de semana, ir para este estabelecimento na sexta-feira pós-colégio era algo sagrado. Graças a locação, pude ter acesso a vários filmes e jogos, como foi o caso da trilogia 'Donkey Kong Country' do Super Nintendo.

Nem preciso dizer qual dos três é o meu favorito ~~é lógico que é o terceiro~~.

‘Donkey Kong Country 2: Diddy’s Kong Quest’ é ESPETACULAR. É uma evolução de vários conceitos do (excelente) jogo original. Os gráficos pré-renderizados estão ainda mais bonitos (e envelheceram muito bem); a jogabilidade está ainda mais refinada e com novas mecânicas; novas companhias animais foram incluídas; e, as fases bônus ganharam muito mais relevância. E mesmo com a ausência do personagem que dá nome ao jogo - o que convenhamos, foi um movimento bastante ousado e arriscado -, a Rare ~~saudades, volta para a Nintendo~~ soube como contornar a situação com a criação da carismática Dixie Kong.

Quem precisa do Donkey Kong quando a sua substituta te permite flutuar pelo cenário usando o seu rabo de cavalo?

Além de fazer a minha alegria no quesito exploração, DKC2 me fez gostar de uma mecânica muito presente nos jogos atuais: os itens colecionáveis. No game eles eram fundamentais para a progressão. Quer ter acesso às fases do Lost World? Junte as Kremkoins presentes nos estágios bônus. Quer ser O CARA em uma disputa contra Link, Yoshi e Mario que acontece na cena pós créditos do jogo? Junte as moedas DK espalhadas em todas as fases.

Coletar todos os itens é a chave para se atingir os 102% de progresso que é uma tarefa bem divertida e com um bom nível de desafio. Até acho o primeiro 'Donkey Kong Country' muito mais difícil, mas esta sequência sabe como complicar a vida do jogador. Eu mesmo nunca consegui finalizar o jogo durante os aluguéis. Durante algum tempo, fiquei preso em ‘Red-Hot Ride’ pois não sabia como controlar os ~~malditos~~ balões de ar. Tempos depois, foi a vez de 'Glimmer’s Galleon' e seu escuro labirinto subaquático. Após superá-la, mais um labirinto (mas com espinhos e barris) em 'Bramble Blast'. O máximo que consegui chegar por meio dos aluguéis foi em 'Krazy Kremland', o quarto mundo.

Quando uma das locadoras da cidade fechou, comprei o ‘Donkey Kong Country 2’ que ela tinha em seu acervo. Graças a isso, pude enfim conhecer todos os mundos e fazer os dois finais... ou quase isso. Sem saber, adquiri uma versão piratona que vinha com todos os estágios abertos. Em contrapartida, ela possuía um bug em que certas entradas presentes em algumas fases te conduziam DIRETO para o mapa do mundo, tornando impossível o acesso a algumas fases bônus e moedas DK. Só fui capaz de obter 102% quando joguei DKC2 via emulador.

Entre os jogos da trilogia, é o que, na minha opinião, apresenta o melhor time de companhias animais. Além do retorno do trio de ouro formado pelo rinoceronte Rambi, do peixe-espada Enguarde e do papagaio Squawks (que foi promovido de “lanterninha de cinema” para o “terror das abelhas”), ressalto a inclusão da aranha Squitter e da cobra Ratty. Além de super carismáticos, acrescentam demais na jogabilidade. É tão incrível ver como a Rare acertou nisso que beira o inacreditável ela ter excluído Rambi e Ratty em DKC3. Donkey Kong 64 é fichinha perto disso aí.

A trilha sonora de ‘Diddy’s Kong Quest’ é uma das favoritas da minha vida. Após o trabalho absurdo no primeiro game, o Sr. David Wise voltou ainda mais inspirado. Composições como "Krook's March", "Mining Melancholy" e "Interlude Florest" são exemplares que mostram o nível de excelência que ele conseguiu para um jogo da era 16 bits. A minha predileta – e acredito que a de muitos – é a FENOMENAL "Stickerbrush Symphony".

Para quem ficou preso em 'Bramble Blast' e suas fases irmãs, escutar "Stickerbrush Symphony" é um grande alento.

Super Mario World 2: Yoshi's Island

E pensar que existe uma maneira de derrotá-la com um ÚNICO ataque.
[Imagem 4: Reprodução/Nintendo]

Ano de Lançamento: 1995.
Desenvolvedor: Nintendo EAD.
Gênero: Plataforma.

No primeiro esboço deste artigo, havia estabelecido uma regra que a lista consistiria apenas de um jogo por franquia. Este critério não durou muito tempo, especialmente quando percebi que não conseguia abrir mão nem de ‘Super Mario World’ e nem ‘Super Mario World 2: Yoshi’s Island’.

Se o artigo não tivesse sido dividido, este não seria o único caso que vocês veriam aqui.

‘Yoshi’s Island’ surgiu em minha vida através de um colega de bairro. Apesar do número “2” no título, fiquei muito surpreso ao observar que não era exatamente uma sequência direta do primeiro jogo. Mario era um bebê e o jogador assumia o controle de um grupo de Yoshi de múltiplas cores. Além de engolir os inimigos, o dinossauro agora era capaz de flutuar por alguns segundos, atirar ovos e realizar um ataque de esmagamento. Graficamente, o game contava com um aspecto mais infantil, com cores que parecem ter saído de uma caixa de lápis de cor e detalhes desenhados à mão.

Em resumo, era algo bem diferente de ‘Super Mario World’, porém TÃO GENIAL quanto. Além de divertidíssimo, era visualmente magnífico. Da minha parte, posso afirmar que foi amor à primeira vista.

O game não possui um mapa gigante onde se pode navegar com o seu personagem e muito menos a mesma quantidade de fases de seu “irmão mais velho”. Em compensação, seus estágios são muito mais LONGOS e, para a minha alegria, com TRÊS tipos de itens colecionáveis a serem coletados pelo jogador. Acho a dificuldade do jogo bastante relativa. Ela é moderada para uma jogatina mais descompromissada... e bem desafiadora para quem opte em fazer 100% em todas as fases e jogar os estágios secretos.

Após jogar algumas vezes ‘SMW2’ na casa do meu conhecido, consegui que ele o emprestasse para mim em duas oportunidades. Assim como no jogo original, fiquei travado durante algum tempo em um castelo (Naval Piranha's Castle), mas dessa vez por conta do chefão do lugar. Mas com exceção desta fase, fui capaz de terminar o jogo. Fazer os 100% em todos os estágios só foi possível anos depois quando o joguei no emulador. Aliás, existe uma coisa bem comum nesses dois períodos em que me aventurei no jogo: um trauma chamado 'Poochy Ain't Stupid'. Sério, passei mais raiva com essa fase ~~maldito seja Miyamoto!!!~~ do que com a 'Tubular'.

Um ponto que adoro – e que faz muita diferença no meu gameplay – são as batalhas contra os chefões. Cada chefe possui a sua própria peculiaridade, o que torna cada embate uma experiência bem única. Para se ter uma ideia da variedade, no mesmo jogo temos um vaso possuído por um fantasma, um confronto dentro do estômago de um sapo – algo digno do filme Viagem Insólita (Innerspace, 1985) - e um bebê Bowser com dimensões de um Kaiju.

Como vocês devem imaginar, o chefão mais memorável para mim foi a ~~Piranhona do Mal~~ Naval Piranha. Mesmo com o ponto fraco bem visível, demorei para sacar como poderia atingi-la. Além do desafio, algo que também me marcou neste duelo foi a sequência de introdução da criatura, onde aos poucos ela vai saindo da água com um belo toque de suspense vindo da trilha sonora. Na moral, Koji Kondo é um cara excepcional. Com a inclusão de um mero detalhe no início do tema do chefão principal, ele criou um clima muito maneiro para a batalha. É uma pena que esta introdução só apareça novamente no confronto contra Raphael the Raven.

Particularmente, acho ‘Yoshi’s Island’ um movimento bem ousado por parte da Nintendo. Com o ciclo do SNES próximo do fim (o Nintendo 64 foi lançado um ano depois), ela poderia muito bem ter aproveitado a fórmula do ‘Super Mario World’, o que certamente faria sucesso. Porém não, ela optou por entregar uma nova experiência aos jogadores. A qualidade do trabalho foi algo tão primoroso que a grande maioria dos movimentos criados para o Yoshi foram incorporados ao personagem em jogos posteriores. Aliás, o próprio golpe de esmagamento passou a ser um movimento do próprio Mario a partir de ‘Super Mario 64’.

Se isso não é sinônimo de trabalho bem-feito meus amigos, eu não sei o que é. :D.

The Legend of Zelda: Ocarina of Time

De tanto jogar "tênis" em seus duelos, Ganon e Link deveriam estar no elenco de 'Mario Tennis'.
[Imagem 5: Reprodução/Nintendo]

Ano de Lançamento: 1998.
Desenvolvedor: Nintendo EAD.
Gênero: Ação/Aventura.

Era um domingo qualquer de 1999. Estava passando na casa de um amigo quando me deparei com o irmão dele concentrado em seu Nintendo 64. Na tela da TV havia um personagem com um traje verde atravessando um corredor enquanto portava uma espada e um escudo em cada uma das mãos. Aquele era o meu primeiro contato com ‘The Legend of Zelda: Ocarina of Time’.

Os poucos segundos que presenciei me deixaram completamente impressionado. Eu já conhecia a série ‘The Legend of Zelda’ graças ao excelente ‘Link to the Past’, mas não fazia ideia que já existia um ‘Zelda’ para o novo console da Nintendo. Naquela época, ainda não havia migrado de geração, mas já pensava no N64 como opção por conta do meu ciclo de amizades (a grande maioria tinha). O jogo foi mais um motivo para sacramentar a minha escolha.

‘Ocarina of Time’ foi o primeiro cartucho que fiz questão de pegar na locadora. Aliás, não só o primeiro, como também foi o jogo do 64 que mais aluguei na vida. E assim, boa parte dessas locações se deram pelo fato de eu conseguir aproveitar o meu progresso no aluguel seguinte, fazendo com que eu iniciasse o jogo do zero na maioria das vezes.

"Pô, mas você poderia zerar o jogo pelo save de outra pessoa." – diz o único leitor que ainda não fechou a aba do navegador.

Sim, eu cheguei a fazer isso. Mas também queria terminar jogando do zero. Graças a algumas edições da revista Nintendo World que ganhei da minha locadora, consegui avançar bastante nos primeiros aluguéis. Porém, como o “detonado” das minhas revistas só explicava até o Templo da Floresta, o restante do game tive que ir aprendendo por conta, o que tornou o processo bem demorado. Mas no fim das contas, joguei tanto ‘OoT’ que decorei grande parte dele. Isso me possibilitou terminá-lo em um final de semana.

Agora imaginem a dor de cabeça que foi passar pelo Templo da Água sem qualquer ajuda....

Sei que é chover no molhado – especialmente considerando o tema do artigo – mas ‘The Legend of Zelda: Ocarina of Time’ é um JOGAÇO. Além de transportar Hyrule para um ambiente tridimensional, ele aprimora e expande tudo o que seu antecessor realizou. Ele apresenta um mundo aberto cheio de lugares para explorar onde a variação dia/noite acrescenta diferenças no gameplay, várias sidequests para conseguir itens importantes alguns nem tanto, uma trilha sonora fantástica, masmorras inesquecíveis ~~galinhas vingativas~~ e um enredo que, apesar de simples, é bem cativante. Por mais que graficamente esteja datado - o grande mal dos primeiros títulos com gráficos poligonais – todos os prós compensam este mínimo contra.

O game foi o grande responsável por solidificar o meu amor pelas dungeons da série. E meus caros leitores, elas são sensacionais ~~sim, até você Templo da Água~~. A ambientação, os quebra cabeças, as armadilhas, os inimigos, tudo foi elaborado de forma primorosa. A grande "cereja do bolo" são as batalhas contra os chefes. Cada um possui uma sequência própria de introdução, culminando com o seu nome surgindo em tela juntamente com o tema da batalha. Fico empolgado só de lembrar das apresentações do King Dodongo e do Phantom Ganon.

Gostaria de destacar também a figura da Ocarina, um dos elementos mais marcantes do título. Mais do que entregar uma grande trilha sonora, o jogo ainda a usa como uma mecânica de jogabilidade. Através do instrumento musical, somos apresentados a composições como “Zelda's Lullaby”, “Epona's Song”, “Song of Storms”, “Minuet of Forest” e, a minha favorita, “Serenate of Water”.

Se tem Koji Kondo envolvido meus amigos, não tem erro.

‘Zelda’ é uma das minhas franquias favoritas dos videogames. Mesmo não tendo um console da Nintendo desde o N64, sempre dei os meus pulos para ter acesso aos jogos ~~leia-se: pegava os videogames da cunhada emprestado~~. Nesses mais de 20 anos, tive a oportunidade de jogar títulos incríveis como ‘The Wind Waker’, ‘Twillight Princess’ e ‘Breath of the Wild’. Mas nenhum, com exceção de ‘Link to the Past’, chegou próximo do que ‘Ocarina of Time’ foi para mim.

Na minha humilde opinião, é o melhor jogo do Nintendo 64.

Sinto muito, ‘Super Mario 64’. =/

------------------------------------

Pois é meus amigos, este foi mais um artigo da coluna "Penso, Logo Digito".

Por conta de uma série de contratempos nas últimas semanas, a publicação deste texto acabou atrasando. A minha intenção era lançar na primeira semana de maio...o que não deu muito certo, como vocês podem observar. Se tudo correr bem, pretendo lançar a sequência no próximo trimestre.

Se vocês sentiram falta de jogos fora da Nintendo, a continuação será exclusivamente com títulos que joguei nos consoles da Sony. 😉

Mas e aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por não ter jogado ‘Final Fantasy VI’? E claro, quais são os seus jogos da vida?

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre os responder.

Bora lá trocar uma ideia.

Por fim, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste artigo com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, amantes, inimigos mortais, enfim...com pessoas que se interessarão pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência do Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até a próxima.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Especial] Rapidinhas de 2022

2023-01-11T21:27:00.002-04:00

Feliz 2023, meus caros leitores.

Espero que este ano que se inicia seja excelente e próspero a todos vocês.

Assim como fizemos no ano passado, iremos abrir as atividades do blog Nerdologia Alternativa com uma retrospectiva das nossas rapidinhas lançadas em 2022. Mas antes de começarmos, creio que primeiro seja necessário sanar uma dúvida que deve estar na cabeça de alguns...

Ok, mas o que são essas Rapidinhas?

São textos curtinhos que cabem em um tweet (280 caracteres) onde faço um review/crítica de um filme, série ou anime que assisti. A regra que atribui para a elaboração destes "mini-artigos" é que a obra resenhada precisa ser recente. Foi uma forma rápida e prática de comentar sobre algo sem ter que escrever uma crítica no blog, onde eu normalmente levaria mais tempo para produzir ~~até porque não consigo escrever artigos curtos por aqui~~. As Rapidinhas servem como conteúdo para as Mídias Sociais do Nerdologia Alternativa.

Para quem acompanha apenas o blog, esta será a oportunidade de conferir a opinião deste que vos escreve sobre algumas produções que tiveram destaque (ou não) no ano passado. E para quem também acompanha as nossas redes (Twitter, Facebook e Instagram), este post será uma grande recapitulação do que foi produzido no ano passado.

Aliás, este ano teremos cinco textos produzidos exclusivamente para esta postagem. Todos são referentes a produções lançadas no ano passado e que acabei ~~esquecendo~~ não escrevendo um review. Quem disse que não haveria novidades por aqui? :D

Sem mais delongas, estas foram as rapidinhas lançadas em 2022.

The Witcher - 2° Temporada

Training Ciri GIFfrom Training GIFs

A segunda temporada entrega bons momentos, mas é inferior a primeira de uma forma geral.

Ela brilha quando Geralt, Yennefer, Ciri e Jaskier estão em cena, mas sofre (e muito) quando o foco se volta para Aretuza e para os Elfos.

Onde Assistir: Netflix.

Homem-Aranha: Sem Volta Para Casa

With Great Power Comes Great Responsibility Spider Man GIFfrom With Great Power Comes Great Responsibility GIFs

Após dois filmes bem regulares, o Aranha de Tom Holland enfim tem o seu grande momento no MCU.

Além de entregar um grandioso evento cinematográfico, o filme abre uma gama de possibilidades para as próximas aventuras do herói.

Onde Assistir: Disney+.

Duna

Giving The Sign Timothee Chalamet GIFfrom Giving The Sign GIFs

Visualmente impecável, o filme de Villeneuve entrega uma adaptação competente da obra Frank Herbert.

Se por um lado o final abrupto é frustante, o cenário construído pelo longa indica grandes eventos para a sequência da história.

A continuação promete.

Onde Assistir: HBO Max.

Viúva Negra

Superhero Natasha Romanoff GIFfrom Superhero GIFs

Fugindo da fórmula Marvel, o longa apresenta uma trama focada no poder feminino e na força dos laços familiares.

A produção conta com grandes cenas de ação e com boas atuações dos "Romanoff", mas peca nos antagonistas.

Natasha merece mais filmes.

Onde Assistir: Disney+.

Shang-Chi e A Lenda dos Dez Anéis

Ready To Fight Shang Chi GIFfrom Ready To Fight GIFs

Mesmo com boas cenas de luta, um Tony Leung convincente como vilão e uma Awkwafina inspirada, o longa de estreia de Shang-Chi no MCU é apenas mediano.

O 3° ato seria mais divertido se contasse com mais Kung Fu e menos CGI.

Onde Assistir: Disney+.

007: Sem Tempo Para Morrer

Jump Secret Agent GIFfrom Jump GIFs

Após a decepção chamada 'SPECTRE', o capítulo final da Era Craig se redime com uma boa aventura cheia de sentimento.

Rami Malek é o ponto fraco do filme. Ele não convence em momento algum.

Quero um spin-off da 007 da Lashana Lynch.

Onde Assistir: HBO Max.

Eternos

Feasting Thena GIFfrom Feasting GIFs

Modorrento, entediante e repleto personagens desinteressantes. Estas são as palavras que melhor descrevem este longa-metragem.

Infelizmente a parceria entre a Marvel Studios e a diretora Chloé Zhao não funcionou.

Onde Assistir: Disney+.

Ghostbusters: Mais Além

Shooting Phoebe GIFfrom Shooting GIFs

Uma verdadeira carta de amor aos Caça-Fantasmas. O longa de Jason Reitman honra o legado dos filmes originais e faz a passagem de bastão para a nova geração, com muita competência e coração.

Harold Ramis ficaria orgulhos

Onde Assistir: HBO Max.

A Família Mitchell e a Revolta das Máquinas

Walking Katie Mitchell GIFfrom Walking GIFs

Divertida e envolvente, a nova animação produzida por Phil Lord e Chris Miller apresenta um estilo visual atraente e que usa muito do Know-How adquirido em 'Aranhaverso'.

Uma das melhores animações de 2021. 😉

Onde Assistir: Netflix.

Matrix Resurrections

Wait Neo GIFfrom Wait GIFs

O epílogo da saga de Neo apresenta bons conceitos e uma metalinguagem interessante.

Contudo, as cenas de ação pra lá de preguiçosas, os plots que não vão a lugar nenhum, e a conclusão anticlimática acabam sabotando o longa.

É uma pena.

Onde Assistir: HBO Max.

Kimetsu no Yaiba - 2° Temporada

Inosuke Zenitsu GIFfrom Inosuke GIFs

Com perdão do trocadilho, este arco foi um ótimo "entretenimento". Os vilões foram bons, a batalha foi divertida e todos os personagens tiveram a sua importância.

A Ufotable mais uma vez entregou uma animação de altíssima qualidade.

Onde Assistir: Crunchyroll.

Encanto

House Encanto GIFfrom House GIFs

Visualmente "encantador", o longa brilha nos números músicas escritos por Lin-Manuel Miranda e na representatividade do povo colombiano.

Contudo, a partir do momento em que o grande mistério da trama é solucionado, o filme perde muito de sua força.

Onde Assistir: Netflix.

Mestres do Universo: Salvando Eternia - 2° Parte

Scream Savage He Man GIFfrom Scream GIFs

Apesar de algumas resoluções nada satisfatórias, a animação entregou uma quebra no status quo bem interessante dos guerreiros de Eternia.

E se depender do gancho no final, a próxima temporada promete.

Onde Assistir: Netflix.

Batman

This Is My City Batman GIFfrom This Is My City GIFs

Simplesmente um filmão!!!

Além de finalmente termos o lado detetive do herói nos cinemas, o longa apresenta um Batman amargurado tentando compreender o seu papel perante Gotham.

É um filme bem longo, mas que vale a pena ser visto no cinema. 😉

Onde Assistir: HBO Max.

Pacificador - 1° Temporada

Peacemaker Peace Sign GIFfrom Peacemaker GIFs

Boas cenas de ação, ótimos diálogos, grandes momentos de humor e drama. E claro, muito rock'n roll.

Pacificador é mais grande acerto de James Gunn na DC. Uma aula de como se desenvolver personagens.

Que venha a 2° temporada!

Onde Assistir: HBO Max.

Red: Crescer é uma Fera

Dancing Mei Lee GIFfrom Dancing GIFs

Relacionamento entre mãe e filha e os retratos da adolescência não são novidades na Pixar. Mas fazer isso com toques de 'Ranma 1/2', Garotas Mágicas, Kaijus e Boy Bands é algo bem único.

Simplesmente uma das melhores animações de 2022.

Onde Assistir: Disney+.

Cavaleiro da Lua

Transforming Marc Spector GIFfrom Transforming GIFs

Ancorada na grande atuação de Oscar Isaac, a série se sai muito bem quando foca na psiquê do seu protagonista.

Contudo, ela deixa muito a desejar em sua trama principal e em suas cenas de ação.

Nem a "batalha de Kaijus" se salva. 😛

Onde Assistir: Disney+.

Doutor Estranho no Multiverso da Loucura

Sorcery Dr Stephen Strange GIFfrom Sorcery GIFs

Mesmo não correspondendo a toda expectativa criada, o filme ainda se sai muito bem graças a direção inspirada de Sam Raimi e a atuação de Benedict Cumberbatch.

Doutor Estranho Zumbi ficou muito foda!!! 😎

Onde Assistir: Disney+.

Spy x Family - 1º Temporada

Spy X Family Spy Family GIFfrom Spy X Family GIFs

Simplesmente um dos melhores animes de 2022.

A ótima qualidade de animação, os personagens cativantes e o bom senso de humor fazem da série animada uma experiência leve e divertida.

É impossível não gostar da Anya.😄

Onde Assistir: Crunchyroll.

OBS: Este texto foi escrito ao final do 1º cour do anime (exibido no segundo trimestre). Ainda não terminei o 2º cour (lançado no último trimestre), mas tudo leva crer que as palavras acima continuam válidas. :)

Obi-Wan Kenobi

Here We Go Obi Wan Kenobi GIFfrom Here We Go GIFs

Mesmo com Ewan McGregor super inspirado, a minissérie do Mestre Jedi é uma ilha de boas ideias em meio a um mar de mediocridade.

Se houver segunda temporada, precisará melhor (e muito) a direção e os roteiros.

Onde Assistir: Disney+.

Stranger Things - 4° Temporada

Running Max Mayfield GIFfrom Running GIFs

Embora proposta de núcleos fora de Hawkins não tenha funcionado tão bem, o quarto ano entrega com competência ótimos momentos de tensão, drama (Sadie Sink mandou bem demais), amizade e até mesmo horror.

Ansioso pela última temporada.

Onde Assistir: Netflix.

The Umbrella Academy - 3º Temporada

Crying Klaus Hargreeves GIFfrom Crying GIFs

A nova aventura dos Hargreeves é um amontado de eventos que levam a lugar nenhum, personagens irrelevantes, soluções preguiçosas e muito potencial desperdiçado.

Klaus até conta com ótimos momentos, mas a temporada é uma grande decepção.

Onde Assistir: Netflix.

Dragon Quest: Dai no Daibouken

Dai Dragon Quest GIFfrom Dai GIFs

Apesar de um arco final enrolado e viciado em plot twists, o remake de Dai deixará muitas saudades.

Com personagens carismáticos, grandes batalhas e momentos marcantes, o anime seguiu com louvor a cartilha de um grande shounen.

Onde Assistir: Crunchyroll.

Sandman - 1° Temporada

Leaving Dream GIFfrom Leaving GIFs

Com uma produção caprichada, boas escolhas no elenco e um ótimo texto, a adaptação das graphic novels de Neil Gaiman foi uma das melhores séries do ano.

O sexto episódio e o extra foram de longe os meus favoritos. 😁

Onde Assistir: Netflix.

Dragon Ball Super: Super Hero

Dragon Ball Super Super Hero Gohan GIFfrom Dragon Ball Super Super Hero GIFs

Bem humorado e com referências aos arcos da série, o filme é um belo entretenimento para os fãs, mesmo com uma trama que mais parece uma terça-feira na vida dos personagens.

Piccolo e Gohan como protagonistas foi uma ótima decisão.

Onde Assistir: Não está disponível em serviços de streaming.

Cyberpunk: Mercenários

Chilling Cyberpunk Edgerunners GIFfrom Chilling GIFs

Com uma animação de qualidade, uma ótima trilha sonora, violência extrema e uma das waifus de 2022, o anime da Trigger é uma das grandes surpresas do ano, além de uma bela peça publicitária para 'Cyberpunk 2077'.

Cd Projekt Red agradece!

Onde Assistir: Netflix.

Kamen Rider Black Sun

Kamen Rider Black Sun Kotaro Minami GIFfrom Kamen Rider Black Sun GIFs

Honrando o legado de Shotaro Ishinomori, o reboot +18 de 'Black' entrega uma trama sociopolítica, com pitadas de gore e homenagens a série de 1987.

O roteiro até deixa algumas pontas soltas, mas não compromete a experiência.😃

Onde Assistir: Amazon Prime Video.

One Piece: Red

One Piece Luffy GIFfrom One Piece GIFs

O novo filme dos Chapéus de Palha impressiona na parte musical ("Shinjidai" é muito legal), mas deixa um pouco a desejar na condução da trama.

Bianca Alencar manda bem demais na versão brasileira das canções da cantora Ado.

Onde Assistir: Não está disponível em serviços de streaming.

Guardiões da Galáxia: Especial de Festas

Gotg Holiday Special GIFfrom Gotg GIFs

Bem humorado e com toda aquela pieguice típica de produções natalinas, o especial é um ótimo aquecimento para o terceiro filme do super grupo.

Onde Assistir: Disney+.

Bastard!! - 1° Temporada

Dark Schneider GIFfrom Dark Schneider GIFs

Loucaça e absurda, a jornada do mago Dark Schneider diverte por não se levar a sério em momento algum.

Porém, o anime teria ainda mais impacto se contasse com uma qualidade melhor de animação.

Agora entendi a fama do Liden Films.

Onde Assistir: Netflix.

Glass Onion: Um Mistério Knives Out

No Its Just Dumb So Dumb GIFfrom No Its Just Dumb GIFs

Com um grande elenco liderado por um Daniel Craig inspirado e uma produção muito bem dirigida e roteirizada, Rian Johnson entrega um "whodunit" tão divertido e eficiente quanto 'Knives Out'.

Que venham mais casos para Benoit Blanc solucionar. 😀

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | O Projeto Adam

Shocked Young Adam GIFfrom Shocked GIFs

A parceria Ryan Reynolds/Shawn Levy rendeu mais uma boa produção original.

Sob o verniz da ficção científica (com direito a viagem no tempo), o filme discute de forma singela a relação pai e filho e o luto.

O garoto Walker Scobell tem futuro.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Tico e Teco: Defensores da Lei

Cheers Chip GIFfrom Cheers GIFs

Não é que o longa é uma produção bem decente?

Não se contentando apenas com o carisma dos esquilos e das participações especiais, a obra entrega uma trama de investigação divertida e bem amarrada.

Sonic Feio roubou a cena.

Onde Assistir: Disney+.

EXTRA | Agente Oculto

The Gray Man Netflix Ryan Gosling The Gray Man GIFfrom The Gray Man Netflix GIFs

Contando com um orçamento generoso e um elenco de peso, o novo longa de espionagem dos Irmãos Russo é apenas um filme medíocre e genérico.

Ter a Jessica Henwick em uma produção de ação e não aproveitá-la é um grande desperdício.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Thor: Amor e Trovão

Got The Storm Breaker Thor GIFfrom Got The Storm Breaker GIFs

Taika Waititi não foi capaz de repetir o feito de 'Ragnarok'.

O longa até tem os seus momentos, mas falha no timimg de várias piadas e não aproveita bem o seu elenco.

Infelizmente o filme não se mostrou "digno" do poder de Thor.

Onde Assistir: Disney+.

EXTRA | Fuuto Pi - 1º Temporada

Anime Fuuto Pi GIFfrom Anime GIFs

Uma das surpresas do ano.

Personagens cativantes, boa animação e tramas bacanudas, o seriado é mais uma prova de que anime e tokusatsu rendem uma boa mistura.

E não é preciso assistir a série original ('Kamen Rider W') para entender a animação.

Onde Assistir: Crunchyroll.

OBS: Após assistir o anime, fui atrás do tokusatsu e gostei do que vi. :)

--------------------

Pois bem meus caros leitores, esta foi a nossa retrospectiva das rapidinhas de 2022.

E aí, gostaram da postagem? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por ainda não ter visto Chainsaw Man, Pantera Negra: Wakanda Para Sempre ou Andor? Se a resposta para alguma das perguntas é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem deixar as suas impressões e opiniões.

Além de comentar, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste texto com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, namorada(o), amantes, enfim...com gente que vai se interessar pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência da Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até o próximo artigo.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Tirou do Baú] Black Kamen Rider

2022-10-26T23:08:00.011-04:00

[Vitrine: Divulgação//Ishinomori Productions/Toei Company]

Pois é meus caros leitores e amigos, hoje é dia de voltarmos a falar de tokusatsu, um assunto que esteve presente em boa parte de minha terna infância e que há tempos não aparecia por aqui.

Neste novo artigo da coluna Tirou do Baú, trago a vocês nada menos que Black Kamen Rider, uma das melhores séries do gênero que a minha geração ~~bando de velhos~~ teve a oportunidade de acompanhar.

Sem mais delongas, bora ao que interessa!

Ficha Técnica

Black Kamen Rider (Kamen Raida Burakku, 1987 - 1988)
Ação | Aventura

Produção: Ishinomori Productions e Toei Company.
Temporadas: 1.
Episódios: 51.
Exibição original: MBS e TBS.
Exibição nacional: Rede Manchete e Band (apenas dois episódios, mas está valendo).
Streaming: Amazon Prime Video.

No dia 3 de abril de 1971, os japoneses presenciaram o surgimento de Kamen Rider (1971-1973), uma nova série de TV de ação/aventura assinada pelo ‘Rei do Mangá’ ~~e cover do Reginaldo Rossi~~ Shotaro Ishinomori e pela Toei Company. Trazendo um herói com a “aparência” de um gafanhoto pilotando uma moto envenenada, a jornada do jovem Takeshi Hongo (Hiroshi Fujioka) contra a maligna Organização Shocker caiu no gosto do público, rendendo a produção um total de 98 episódios. Eram apenas os primeiros passos de um dos grandes expoentes do gênero tokusatsu.

Nos anos seguintes, vieram Kamen Rider V3 (Kamen Raida Buisuri, 1973-1974), Kamen Rider X (Kamen Raida Ekkusu, 1974), Kamen Rider Amazon (Kamen Raida Amazon, 1974-1975) e Kamen Rider Stronger (Kamen Raida Sutoronga, 1975). Após um intervalo de quatro anos (uma estratégia para evitar um provável desgaste da fórmula), foram lançados Skyrider (Atarashi Kamen Raida, 1979-1980) e Kamen Rider Super-1 (Kamen Raida Supa Wan, 1980-1981). Os resultados da audiência não agradaram e mais uma vez as séries Rider entraram em um novo hiato.

Com o sucesso dos Super Sentai e o advento dos Metal Heroes, os Kamen Riders foram deixados de lado durante boa parte da década de 80. Em 1984, os heróis retornam no especial Birth of the 10th! Kamen Riders All Together!!, onde o Kamen Rider ZX foi apresentado. No entanto, o episódio não rendeu o suficiente para garantir uma série para o novato. Quando tudo indicava que a franquia cairia no esquecimento, Ishinomori e a Toei trouxeram uma nova proposta de renovação para os motoqueiros mascarados.

E assim nasceu Black Kamen Rider.

Moto que voa e flutua, da lua nua ao arranha-céu

Sr. Black e Shadow Moon, dois irmãos destinados a lutar.
[Imagem 1: Divulgação/Ishinomori Productions/Toei Company]

Um dia após completarem 19 anos, Issamu Minami (Tetsuo Kurata) e seu irmão adotivo Nobuhiko Akizuki (Takahito Horiuchi) são sequestrados pela seita Gorgom, um grupo com raízes sólidas nas mais altas camadas do poder japonês e que tem como objetivo principal a dominação global. Em razão de nascerem em um dia de um eclipse solar, os irmãos são os candidatos perfeitos para se transformarem em Sr. Black e Shadow Moon: dois seres destinados a lutar até a morte pelo título de Imperador Secular dos Gorgom.

No covil dos vilões, os jovens sofrem uma cirurgia onde são transformados em mutantes, cada um com um Kingstone (artefato que confere poderes ao seu usuário) implantada em seu corpo. Ao saber que ambos teriam suas memórias apagadas, o Professor Soichiro Akizuki (Kantaro Suga) se arrepende do pacto feito com o culto e interfere na operação, dando oportunidade para Minani escapar. Durante a fuga, o rapaz encontra a moto orgânica Patrol Hopper que o ajuda a escapar do local.

Chegando em Tóquio, ele é perseguido pelos três sacerdotes da seita – Danker (Shozo Iizuka), Baraom (Toshimichi Takahashi) e Pérola (Hitomi Yoshii) –, que conseguem capturá-lo com facilidade. Contudo, enquanto “ensinam boas maneiras” ao jovem, Issamu sofre uma mutação, transformando-o no poderoso Black Kamen Rider. Com suas novas habilidades e contando com o apoio de sua meia irmã Kyoko Akizuki (Akemi Inoue) e de sua cunhada Satie Kida (Ayumi Taguchi), ele enfrentará os Gorgom para proteger o planeta e salvar Nobuhiko.

HENSHIN!!!

"Kamen Rider...BLACK!!!"
[Imagem 2: Divulgação/Ishinomori Productions/Toei Company]

A nova aposta de Shotaro Ishinomori deu muito certo. Além de conquistar o público japonês, ela foi a lufada de ar fresco que os Riders tanto necessitavam. O grande sucesso garantiu a produção de Kamen Rider Black RX (Kamen Raida Burakku Aaru Ekkusu, 1988-1989), sequência direta da série no ano seguinte. Contando com o retorno de Tetsuo Kurata ao papel principal, a continuação não repetiu o mesmo desempenho da original, gerando uma nova crise para a franquia. Mas deixemos para falar sobre 'RX' em um outro momento.

Distribuída no Brasil pela Everest Vídeo e exibida pela finada Rede Manchete, a partir de 1991, a série foi muito bem recebida por aqui. Entre as pessoas que acompanharam a grande “Era dos Tokusatsus na TV Brasileira”, Kamen Rider Black só perde em prestígio para o trio O Fantástico Jaspion (Kyoju Tokuso Juspion, 1985–1986), Jiraya: O Incrível Ninja (Sekai Ninja Sen Jiraiya, 1988-1989) e Esquadrão Relâmpago Changeman (Dengeki Sentai Chenjiman, 1985–1986). E de fato, foi a popularidade do seriado que garantiu com que a continuação fosse adquirida pela Tikara Filmes anos depois.

‘Black’ foi o primeiro Kamen Rider a ser exibido no Brasil. Mesmo sendo mais uma obra de ação japonesa a abordar o eterno embate entre “bem vs mal”, ela trouxe consigo o fator novidade da franquia ‘Rider’ para os brasileiros. Para um público acostumado com as histórias de grupos de Super Sentai, guerreiros metálicos de Metal Hero e gigantes ~~com traje de mergulho~~ da Família Ultra, um herói com traje de gafanhoto cruzando as estradas em uma super moto era algo inédito por aqui.

Como vocês verão ao longo deste artigo, este não foi o único diferencial da série!

Patrol Hopper 🤝 Going Merry: deixar o espectador com o coração partido.
[Imagem 3: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

A intenção de Ishinomori com Black Kamen Rider era criar uma sequência independente das demais séries ‘Rider’, de forma que não exigisse do espectador qualquer conhecimento das temporadas anteriores. Com a necessidade de revitalizar a marca, o ‘Rei do Mangá’ foi diretamente na fonte, trazendo vários conceitos narrativos usados na série original. E realmente, o começo da trama bebe muito da obra de 1971.

Da mesma forma que Takeshi Hongo, Issamu Minami era um homem comum que é raptado por uma organização maligna. Ambos recebem os seus poderes através dos vilões, são resgatados por cientistas arrependidos e escapam do covil pilotando uma moto. Seus benfeitores são assassinados por um Monstro Aranha e eles se transformam em Kamen Rider para enfrentar e derrotar a criatura (no caso de Issamu, eram CINCO Monstros Aranha).

Além de detalhes no enredo, o seriado compartilha de algumas características de seus antecessores: o protagonista possui um cinto que possibilita a sua transformação (que normalmente ocorre após o herói dizer “Henshin!!!”); um capacete com visual que remete a um inseto; uma moto especial para locomoção e combate e, o Rider Kick (uma super voadora) como golpe de finalização. Aliás, um ponto bastante significativo herdado pela obra foi a estrutura dos capítulos, onde a maioria é episódico; isto é, uma trama que se resolve no próprio episódio e comumente relacionada com o monstro da semana. Este foi o modelo que permaneceu ativo durante todas as produções da Era Showa (1971-1994).

Diante do que foi apresentado, não é nenhum absurdo afirmar que ‘Black’ foi um soft reboot para franquia. Inclusive, este foi um grande acerto da produção. Com a base da obra original em seu cerne e trazendo as principais características das antecessoras, a jornada do Sr. Black fez com que os japoneses voltassem a se interessar por Kamen Rider e, ainda, serviu como uma porta de entrada para novos espectadores. A questão da acessibilidade certamente foi muito importante para o sucesso da obra no Brasil.

Mas lógico que a série não foi um sucesso apenas por fazer bem o "arroz e feijão" da franquia. Ela trouxe novidades para o formato: a ausência do cachecol (um acessório quase que obrigatório para o personagem na época) e de tecido no traje de batalha; a presença de uma segunda moto (Lord Sector); a inexistência de crossovers com os heróis anteriores (uma clara estratégia para tornar a produção independente das demais ~~e que RX fez questão de não seguir~~); e, um Rider como o grande antagonista (Shadow Moon).

Kyoko, Issamu e Satie, a grande base dramática de Black Kamen Rider.
[Imagem 4: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

Black Kamen Rider foi um dos tokusatsus favoritos da minha infância. O visual do herói, a sua sequência de transformação e o uso das motos em combate foram pontos que me conquistaram logo de cara. E assim como aconteceu com grande parte da minha geração, os dois episódios iniciais me marcaram demais. Sei que o primeiro é o favorito de muitos, mas foi justamente o segundo que me conquistou. A festa no barco invadida por gafanhotos, Issamu fugindo desesperadamente do covil dos vilões, a assassinato de uma atriz ligada aos antagonistas e a luta contra o Monstro Mutante Leopardo em um depósito foram cenas que ficaram gravadas em minha memória de criança!

Um dos fatos que mais chamou atenção dos espectadores nesses capítulos foi a presença de um tom mais sombrio na história. Este clima é justamente um dos grandes diferenciais da produção. Entre os ‘Riders’ da Era Showa, ele é um dos mais soturnos, perdendo apenas para Shin Kamen Rider: Prologue (Shin Kamen Raida: Purorogu, 1992) com seus elementos de body horror. Mesmo não seguindo a linha Cronenberg, ‘Black’ é muito competente na elaboração de narrativas densas, usando e abusando do apelo dramático de seu enredo como a grande força motriz para esses momentos.

O seriado não decepciona no quesito drama, meus caros leitores. Todo arco dramático parte do mesmo evento que mobiliza a história principal: o sequestro de Nobuhiko Aizuki. Não bastando o fardo de ser o único capaz de enfrentar o Culto Gorgom, Issamu Minami se sente culpado por ter escapado sem o seu irmão adotivo. Este pesar é bastante evidente durante as suas interações com Kyoko e Satie, com vários momentos descontraídos mudando radicalmente de clima sempre que alguém se lembra do rapaz. A partir do despertar de Shadow Moon, a carga dramática fica ainda mais intensa. Antes com esperanças de que seria capaz de salvar seu irmão, Minami precisa encarar o fato de que terá que enfrentá-lo em um duelo mortal. O confronto final contra os vilões entrega os momentos mais dramáticos do seriado e os melhores episódios por consequência.

E olha que a Toei Company ainda teve a ~~safadeza~~ audácia de inserir alguns recaps nos finalmentes da bagaça!!! ... :P

Embora seja reconhecido pelas características descritas, ‘Black’ não é uma série densa durante 100% do tempo. Os episódios mais sérios – que correspondem aos dedicados à trama principal e alguns da primeira fase – são uma minoria (algo em torno de 39%). A maior parte da produção consiste em um clima mais ameno, com histórias mais leves (algumas até bem bobas) e com toda aquela tosqueira ~~gostosa~~ que o gênero tokutsatsu é capaz de entregar. Muitos se esquecem, mas a obra é destinada ao público infanto-juvenil.

É lógico que isso não impede que adultos possam assistir e se divertir com o seriado, mas não dá para assisti-lo esperando a densidade e a dramaticidade de um filme do Darren Aronofsky.

"GORGOM...IMPERDOÁVEL!!!"
[Imagem 5: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

Ao rever ‘Black’ recentemente, chamou-me a atenção a mudança drástica na direção da obra após quinze episódios. Nesses primeiros, além de toda atmosfera soturna, temos a presença de aliados humanos dos Gorgom – pessoas com altos cargos e influência dentro da sociedade, com destaque ao Professor ~~Ultraman~~ Kuromatsu (Susumo Kurobe) – em papéis de antagonismo e poucas tramas envolvendo crianças. Com o avanço da história, o clima soturno fica cada vez mais esparso, os vilões humanos perdem espaço – especialmente após o surgimento de Taurus (Jun Yoshida) – e a molecada passa a ter mais espaço nos capítulos semanais. Até Issamu sofre mudanças, deixando de usar roupas com cores mais escuras e adotando um vestuário mais claro.

O grande motivo para essas alterações foi a saída de Shozo Uehara da função de main writter (algo equivalente ao ofício showrunner no Japão). Conhecido pelos trabalhos em Ultraseven (Urutora Sebun, 1967-1968), Gorenger (Himitsu Sentai Gorenja, 1975-1977) e Denziman (Denshi Sentai Denjiman, 1980-1981), ele ficou no posto até o 12º episódio quando foi substituído por Noboru Sugimura, até então um novato no gênero. Enquanto Uehara apostou em uma linha mais ousada, Sugimura seguiu uma abordagem mais segura afim de preservar a audiência. Sendo bem justo, há episódios bons e ruins sob a tutela de ambos, mas confesso que tenho muita curiosidade de como as coisas seriam se o veterano tivesse se mantido no cargo.

Falando em episódios, os melhores são aqueles onde a trama principal se desenvolve. Fora deste escopo, há alguns que conseguem se destacar, embora não sejam numerosos. Em ‘A Peste das Trevas’ (T01E05) temos um dos capítulos mais darks do programa, onde os cidadãos de um vilarejo têm a mente controlada pelo ritual do Monstro Mutante Bode ~~cof cof satanismo cof cof~~; ‘Amigos pra Valer’ (T01E16) introduz o personagem Suda Ryusuke (Masaki Kyomoto), um dos melhores e mais úteis coadjuvantes da série; ‘No Fio da Navalha’ (T01E27), uma das tramas mais dramáticas fora do enredo principal, com Issamu correndo contra o tempo para ativar um gerador de energia para que um garoto possa realizar uma cirurgia cardíaca; ‘O Segredo do Karateca’ (T01E40) conta com uma trama bem bobinha e um dos trajes de monstros mais toscos da produção, mas possui uma das batalhas mais legais da série.

Há ainda casos de tramas que até apresentam ideias interessantes, mas que não vão a lugar algum. ‘Pesadelo Sem Fim’ (T01E24), a primeira história protagonizada por Satie, seria muito interessante se optasse por seguir o tema do monstro que desejava viver como um humano. Em vez disso, ele se transforma em uma grande salada de ideias desconexas, misturando o Monstro da Lagoa Negra, rapto de universitárias, androides exterminadores e crianças adultas superdotadas (?!!). Para piorar, a namorada de Nobuhiko passa a maior parte do capítulo desacordada; Em ‘Conspiração Negra’ (T01E31), temos um deputado aliado dos Gorgom usando um partido político para controlar as pessoas. Em certo ponto, eles conseguem colocar a opinião pública contra o próprio Kamen Rider. O problema é que todo o conflito é ~~esquecido~~ resolvido com a derrota do inimigo da semana.

De uma forma geral, a maioria das histórias fora do arco principal são bem questionáveis (isso porque nem comentei sobre a trama dos viajantes do tempo). É inegável que elas cumprem muito bem o objetivo de entreter o seu público-alvo (que não está lá muito ligado na qualidade do enredo), mas acredito que dava para fazer mais. Com a grande quantidade de capítulos com tramas fechadas, poderia oferecer mais espaço aos coadjuvantes e até mesmo trazer novas informações sobre eles. Introduzindo alguns episódios duplos, seria possível entregar enredos melhores e com mais tempo de desenvolvimento. Mas não, o seriado joga no seguro em grande parte do tempo, partindo para ousadia apenas no plot central.

"Desenvolver coadjuvantes? Bobagem, bora uma trama sobre uma criança possuída por um Monstro Bufalo. Vai ser sucesso demais!"
[Imagem 6: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

Com relação aos personagens, Issamu Minami segue o arquétipo do herói solitário. Apesar dos momentos de descontração ao lado da meia-irmã e da cunhada, a culpa pela situação de seu meio-irmão e o fardo de ser o único capaz de enfrentar os vilões faz com que a sua jornada se torne algo bem mais pessoal (algo que os finais dos episódios costumam reiterar ao colocá-lo andando de moto sem rumo). Corajoso e determinado, ele não pensa duas vezes em agir em qualquer situação de perigo. Tetsuo Kurata entrega uma atuação decente, mandando bem nas cenas que exigem a sua revolta perante as maldades dos inimigos. Gosto muito da voz raivosa que ele usa para dizer “Henshin” e “Rider Kick”. E claro, não se pode esquecer do clássico “Gorgom...IMPERDOÁVEL!!!”.

Kyoko Aizumi e Satie Kida são as principais coadjuvantes da trama. A dupla é o principal porto seguro do protagonista, ajudando-o principalmente com as vítimas do Culto. Embora estejam presentes na grande maioria dos episódios, elas possuem pouquíssimos momentos de maior protagonismo. Enquanto Satie passa os seus momentos de destaque desmaiada ou mentalmente controlada (justiça seja feita, ela tem uma ótima cena no começo deste capítulo), Kyoko tem mais sorte com histórias que aprofundam a sua ligação com seus irmãos. No fim das contas, é preciso reconhecer o ótimo trabalho de Akemi Inoue e de Ayumi Taguchi. As duas mandam muito bem com o pouco que lhes é oferecido.

Por conta da natureza solitária do nosso personagem central, a obra não conta com tantos aliados recorrentes. Os maiores destaques nesse quesito são Suda Ryusuke e o Monstro Mutante Baleia. Na minha humilde opinião, o agente da Interpol de Masaki Kyomoto é outro que poderia ter tido mais espaço. Além da química em cena com Kurata, Suda se mostrou muito útil frente aos vilões mesmo sendo um “humano comum”. É uma pena que ele tenha aparecido em apenas dois episódios... enquanto as crianças adultas guerreiras da Tropa Juvenil participaram de três. Quanto ao ~~mascote do Santos~~ Baleião, o bicho não é lá muito útil em combate ~~na real ele é bem fracote~~, mas ele ajudou a salvar a vida do Sr. Black e tem o desejo de proteger a vida marinha. Impossível não se afeiçoar a ele!!!

Kamen Rider não seria Kamen Rider sem a presença das motos. Patrol Hopper é a principal motocicleta da série. Criada para o futuro Imperador Secular, ela é uma criatura biomecânica dotada de consciência, o que faz dela a principal companheira do Sr. Black frente aos antagonistas. E assim, é de admirar como a produção conseguiu conferir uma personalidade à Hopper. Ela é tão personagem na história quanto Issamu, Kyoko ou Satie, a ponto de nos importarmos com o seu trágico destino. Já Lord Sector é o completo oposto à sua “parceira”. Introduzida em ‘Máquina Lendária’ (T1E12), ela conta com um supercomputador embutido em sua estrutura e é capaz de atingir velocidades altíssimas. Sector é a moto mais poderosa de Black, ajudando a reverter a situação de vários combates ao longo de sua jornada. E apesar de demonstrar consciência em alguns momentos, ela não possui uma personalidade.

Se vocês ~~dois dos cinco únicos leitores que me acompanham~~ estão se perguntando qual é a minha favorita, é óbvio que é a Patrol Hopper. Além de carismática, o design é muito mais bonito e limpo do que o da Lord Sector (que convenhamos, é um belo de um trambolho!).

Não é por nada, mas até a moto do Taurus é mais estilosa que a Lord Sector.
[Imagem 7: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

Com nossos heróis apresentados, chegamos a um momento que estava ansioso para discutir: os três sacerdotes da Seita Gorgom, os grandes vilões durante grande parte do tempo. Apesar da grande importância do trio para o enredo, o tokusatsu não oferece oportunidades de desenvolvimento para eles. Pelo que é mostrado, é possível pegar características bem pontuais como Danker ser o líder ~~desprovido de altura~~, Baraom o mais cabeça quente ~~e dono das piores máscaras~~, e, Pérola a ~~risada mais irritante~~ mais atrevida/confiante. Particularmente, o que mais me chamou a atenção é o fato de uma seita maligna presente no planeta há milênios e com raízes sólidas nas mais altas camadas da sociedade japonesa... ser administrado por três incompetentes!!!

Além de colocarem em ação planos bem estúpidos, em alguns momentos eles são os responsáveis pelo próprio fracasso. O caso mais clássico acontece em ‘O Túmulo de Kamen Rider’ (T01E20). Os três encurralam Issamu em uma armadilha ~~em um plano bem idiota, diga-se de passagem,~~ onde eles têm a melhor oportunidade de todas para vencê-lo, mas uma falha de Danker liberta a Patrol Hopper e coloca tudo por água abaixo. Esses fracassos ao menos geram situações bem engraçadas com o Taurus dando uns rolês no covil só para tripudiar da incompetência do trio de patetas. E o mais engraçado é ver que o Jun Yoshida está realmente se divertindo nas cenas.

Aliás, o guerreiro é o grande peixe (ein ein ein?) fora d’água do seriado. A trama até apresenta um contexto interessante dele ser um candidato a Imperador Secular de 30 mil anos atrás que foi selado por ser um sujeito problemático, só que a aparência que deram a ele não casa com o estilo dos antagonistas. Ele seria um personagem perfeito no elenco de um Super Sentai ou até mesmo de um Metal Hero, mas ali ele ficou parecendo aquele amigo que faz cosplay de Naruto em um baile de formatura. Mas, verdade seja dita, Taurus é de longe o inimigo que dá mais trabalho ao nosso Kamen Rider. Os seus planos não são lá grandes coisas (afinal ele é um Gorgom apesar de tudo), mas no combate ele faz o herói penar durante toda a sua participação.

Como vocês já devem imaginar, o melhor vilão de ‘Black’ é nosso icônico Rider DO MAL, Shadow Moon. Cruel e ambicioso, até personagem demora um pouco para entrar em cena – ele só surge em ‘O Herdeiro Imperial’ (T01E35) – mas quando finalmente aparece, ele não perde tempo em mostrar o seu cartão de visitas mandando Taurus para a vala, persuadindo Kyoko e Satie a ficarem do seu lado, enviando os três sacerdotes (agora transformados em monstros) tocarem o terror na cidade e surgindo para Issamu para desafiá-lo para a porrada.

Após esta demonstração de poder, ele passa vários episódios totalmente estático em sua base enquanto acompanha os “brilhantes” planos de seus comandados ao lado de suas Shadow Moonzetes (que surgem do nada). Quando o roteiro se lembra que pode usá-lo, temos ‘A Morte de Kamen Rider’ (T01E47), onde ele mata Black com seu Sabre Satan (e com uma ajudinha do Grande Rei, é verdade), forçando a sua irmã e a sua namorada fugirem do Japão. Não satisfeito, alguns episódios depois é a vez da Patrol Hopper (nãooooooo!!!!) sucumbir perante suas mãos. E mesmo com a sua derrota, ele usa seus últimos momentos para desgraçar a cabeça do nosso protagonista com um discurso bem cruel.

Ok, a sua última ação foi enviar o Sabre para que o herói conseguisse vencer o Rei Gorgom...mas convenhamos, isso não o absolve de seus pecados ~~tanto que teve que aparecer em RX como punição~~.

~~Pérola, Danker e Baraom~~ Moe, Larry e Curly.
[Imagem 8: Divulgação/Ishinomori Productions/Toei Company]

A Toei Company não poupou esforços em tornar Black Kamen Rider um grande sucesso, dedicando ao projeto a melhor produção técnica possível da época. Em comparação com as antecessoras, é visível o salto técnico que temos em ‘Black’. ‘A Metamorfose’ (T01E01) é bom exemplo dessa dedicação. De acordo com Tetsuo Kurata, o piloto levou cerca de um mês para ser filmado, onde dez dias foram dedicados à cena de fuga de Issamu Minami na noite de Tóquio. Roteirizado por Shozo Uehara e dirigido por Yoshiaki Kobayashi, o piloto é considerado por muitos fãs como um dos grandes clássicos do gênero.

Falando em apuro técnico, é inaceitável não comentar o quão fantásticos são os trajes do Sr. Black e de Shadow Moon. Além de visualmente incríveis, as duas vestimentas são bem diferentes entre si. Enquanto a do herói parece o exoesqueleto de um inseto com a epiderme de um gafanhoto exposta nas juntas, a do vilão é uma armadura metálica e fria (que encaixa com a própria personalidade do personagem). A sequência de transformação em Kamen Rider é outro show à parte. Os punhos cruzados cheios de fúria do protagonista, a sequência de flashs de luz do Kingstone ~~capazes de causar um ataque epilético~~ e a fumaça saindo das articulações ao final da pirotecnia. Certamente uma das minhas transformações favoritas em tokusatsus.

Enquanto em muitos pontos a Toei buscou se reinventar, nos monstros enfrentados por 'Black' ela optou por uma abordagem mais segura. Aqui não há bizarrices do nível "Hitler Estrela do Mar" de Kamen Rider X, mas ameaças baseadas em animais, insetos e plantas. O nível dos trajes das criaturas varia bastante. O Monstro Bode, Rinoceronte, Vespa, o simpático Monstro Baleia e a versão monstruosa de Danker são bons exemplos onde a produção acertou. Já o Monstro Gato Negro, Salamandra, Mosca e Morcego são tão ruins que parecem terem saído de uma produção do Roger Corman.

Diferente dos inimigos enfrentados pelo Sr. Black, não há o que reclamar da parte musical. Substituindo o experiente Shunsuke Kikuchi (compositor oficial da franquia até então), Eiji Kawamura trouxe uma trilha sonora que entrega com muita competência o sentimento que cada cena exige. Para os momentos de tensão? Seiki ou Dassou e Akuma no Tsuigeki. Precisa de emoção para as cenas? Tsuioku e Moeru Omoi. Necessita de melancolia? Kodoku. Quer destacar a vilania dos Gorgom? Jaaku No Shinden e Sakubou. O monstro da semana apareceu? Semari Kuru Kaijin e Zettaizetsumei!. É hora do Rider entrar em ação? Henshin! e He Low Toujou. Ele venceu? Só colocar Gaika e show!

Em parceria com Ryudo Uzaki, Kawamura ainda participou da composição dos temas de abertura (Kamen Rider Black, interpretado pelo próprio Tetsuo Kurata) e de encerramento (Long Long Ago, 20th Century, com Norio Sakai no vocal), com letras assinadas por Yoko Aki. E bem...nada contra os dotes musicais do Kurata (acho até bem ok), só que prefiro o tom melancólico da música cantada por Sakai. A produção ainda conta com várias insert songs em seu acervo. Com a grande maioria interpretada por Igarashi Toshiya, as mais memoráveis são Black Hole Message, Black Action e Henshin! Rider Black. Enquanto a letra da primeira é também assinada por Yoko, as demais são contribuições do próprio Ishinomori.

Na moral, a sequência de transformação com ‘Henshin! Rider Black’ é simplesmente épica! *___*

Baleião é muito amor! 💓
[Imagem 9: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

A versão brasileira foi realizada no finado estúdio Álamo. Entre os nomes presentes no elenco, os grandes destaques ficam por conta de Élcio Sodré (Shiryu em Cavaleiros do Zodíaco) como Issamu/Kamen Rider e Francisco Brêtas (Hyoga em Cavaleiros do Zodíaco) como Nobuhiko/Shadow Moon. Apesar de gostar das frases “sangue nos olhos” do Kurata, acredito que o Sodré agrega muito ao personagem em sua interpretação, tanto no lado heroico quanto no dramático. Quanto a Brêtas, ele simplesmente destrói no papel do Rider DO MAL. Masaki Terasoma que me perdoe, mas a minha versão definitiva do vilão faz “Execução Aurora”.

Além da dupla de bronze (ein ein ein?), é preciso destacar o trabalho de Rosana Perez (Keiko/Pink Mask em Maskman) como Kyoko, Rosa Maria Baroli (a Erina em Jojo’s Bizarre Adventure) como Satie. A frente das personagens com a maior carga dramática da história, a dupla não fez feio e entrega um trabalho bem competente. Ricardo Nóvoa, José Parisi Júnior e Patrícia Scalvi também mandam muito bem como Danker, Baraom e Pérola respectivamente. De uma forma geral, a minha única crítica à dublagem é um detalhe bem específico: a voz da atriz que fez a criança no capítulo ‘O Túmulo de Kamen Rider’ (T01E20) não combinou na personagem. E sendo bem sincero, ficou algo beeeem esquisito...

O texto do tokusatsu contou com várias adaptações. Particularmente, mudanças como Sr. Black (Black Sun no original), Golpe Insectus (Rider Punch no original) e Golpe Louva-Deus (Rider Kick no original) foram boas sacadas por parte dos envolvidos, apesar de não serem traduções literais. Patrol Hopper (Battle Hopper no original), Lord Sector (Road Sector no original), Pérola (Bishum no original) e Danker (Darom no original) não foram escolhas sensacionais, mas são aceitáveis. Entretanto, Issamu (Kotaro no original), Satie (Katsumi no original) e Taurus (Bilgenia no original) são bem questionáveis. Sério, com relação aos dois primeiros, qual a intenção de trocar nomes nipônicos... por outros nomes nipônicos?! E quanto ao Gorgom, com aquele capacete que lembra um PEIXE, onde é que viram um TAURINO?

Acho que a maior bola fora da adaptação foi na mudança do relacionamento de Satie Kida com Nobuhiko Aizuki. Por aqui, eles deixaram de ser um casal de namorados para serem apresentados como irmãos. Tudo bem que o enredo não é lá muito competente em explorar esta relação; contudo, nos breves momentos em que ele o faz, as cenas em nosso idioma perdem muito da sua carga dramática. Vide a cena inicial em ‘Os Céus de Yubari’ (T1E37), onde Satie sente inveja da felicidade da amiga que está se casando. No contexto da versão brasileira, todo sentido desta sequência acaba se perdendo.

Curiosamente, a série contou com dois títulos em território brasileiro. Enquanto nas peças de marketing a produção era referida como Blackman, quem assistiu o seriado o conhece pelo nome Black Kamen Rider.

Algo me diz que faltou um pouco de comunicação entre as partes nesta história.

"Sr. Black, prepare-se para experimentar o zero absoluto....PÓ DE DIAMANTE!!!"
[Imagem 10: Reprodução/Ishinomori Productions/Toei Company]

O seriado não teve o seu último episódio exibido pela Manchete. E não, não foi por má vontade da emissora. Pelo que pude apurar em artigos do JBOX e no Toku Blog, os episódios eram adquiridos através de fitas masters que tinham a capacidade para armazenar um número par de episódios. Como a obra possui 51 episódios, a Everest Video não quis arcar com os custos de uma fita com um único episódio. Consequentemente, o capítulo final não foi dublado pela Álamo e os fãs brasileiros ficaram a ver “gafanhotos”. :P

E como é a conclusão da série?

Diria que é um ótimo final contido em um episódio que poderia ser melhor. A primeira metade dele é sensacional: Black se vinga da morte do Monstro Baleia, vence o duelo decisivo contra Shadow Moon e ainda tem tempo para dar cabo do Grande Rei Gorgom (que é apenas um coração de espuma flutuante..., mas ainda é o grande culpado por todas as desgraças). O problema é que a segunda metade é uma grande recapitulação, repetindo as mesmas cenas que já vimos pelo menos umas 200 vezes no seriado (sim, estou falando daquele “passeio feliz na lancha”). Apesar do banho de água fria que é esse recap, o final é muito bom. Issamu Minami finalmente vence a batalha contra o culto maligno, mas termina completamente só, confirmando a sina do que é ser um homem mutante.

Em 2020, com a paralisação de todos os eventos esportivos por conta da pandemia de covid-19, a Bandeirantes firmou uma parceria com a Sato Company e passou a exibir ~~para alegria da velharada~~ Jaspion, Jiraya e Changeman durante as manhãs de domingo. Com o fim do metal hero prateado favorito dos brasileiros, Black Kamen Rider foi anunciado como o seu sucessor no bloco. Na mesma época, veio também a notícia que o último episódio estava sendo dublado no estúdio Centauro, contando com os retornos de Élcio Sodré e Francisco Brêtas.

Mas a exibição da série durou apenas um fim de semana. Com problemas relacionados aos direitos conexos relativos a Sodré, ‘Black’ saiu de cena e Jaspion retornou ao bloco no domingo seguinte. E com o retorno dos eventos esportivos, a Band extinguiu o bloco, finalizando assim o breve retorno do herói à TV Aberta. Posteriormente, a Sato lançou a série completa (legendada em português) no catálogo da Amazon Prime Video. E assim, finalmente o episódio final chegou oficialmente ao Brasil.

Black Kamen Rider com toda certeza merece o carinho do público. Se para nós foi uma novidade em termos de tokusatsu e de abordagem de enredo, para os japoneses foi um respiro mais que bem-vindo aos Riders (que não durou muito tempo graças a vocês sabem quem :P). O seriado poderia ser ainda melhor com tramas paralelas melhores (sério, elas cansam) e com a permanência de Uehara no cargo (a questão dos humanos aliados aos Gorgom poderia render mais), mas o saldo final ainda é bem positivo.

Aliás, é válido lembrar que estamos próximos do lançamento do reboot do Sr. Black. Com Hidetoshi Nishijima – o astro do oscarizado Drive My Car (Doraibu Mai Kâ, 2021) - assumindo o papel de Issamu Minami e Tomoya Nakamura como Nobuhiko Aizuki, Kamen Rider Black Sun (2022) será uma produção voltada para maiores de 18 anos com a promessa de uma forte discussão sociopolítica em seu enredo.

Para aqueles que anseiam por tokusatsus voltados para o público adulto, eis a grande oportunidade. 😉

PS: Sei que muitos têm carinho pelo tema brasileiro da série (“Moto que voa e flutua, da lua nua ao arranha-céu”) interpretado pelo cantor Toninho Ghizzi. Sendo bem franco, não tenho o mesmo sentimento pela versão. Gosto muito mais das adaptações feitas nos temas do RX e de Solbrain.

PS2: No quesito efeitos visuais, 'Black' contava com o melhor que se poderia ter para as produções da época. Ou seja, muitas explosões em pontos específicos dos cenários (alguém disse Pedreira da Toei?), faíscas saltando na tela, pedras de isopor, sobreposição de imagens, reciclagem de cenas e muitas outras coisas que aos olhos de hoje soam bem toscas. Mas apesar dos pesares, tenho mais apego a esses efeitos mais artesanais do que nos efeitos em CGI.

PS3: Apesar de ter usado o título Black Kamen Rider ao longo de todo texto, eu prefiro Kamen Rider Black. Apesar disso, optei por usar o primeiro no artigo pois foi o nome adotado no Brasil durante a exibição da série.

PS4: Enquanto publico este artigo, estou assistindo Kamen Rider W (Kamen Rider Daburu, 2009-2010), a minha primeira série da Era Heisei. Até o momento, tem sido uma experiência muito bem agradável.

Algumas Curiosidades

Além dos nomes citados, o elenco nacional também contou com participações pontuais de Flávio Dias, Nair Silva, Ézio Ramos, Walter Breda, Cecília Lemes, Letícia Quinto, Wendel Bezerra, Carlos Laranjeira, Tatá Guarnieri, Maximira Figueiredo, Ronaldo Artinic, Zezinho Cutolo (a voz de 8 de 10 crianças de tokusatsus no Brasil) e muitos outros;

A narração do seriado ficou a cargo de Luiz Antônio Lobue;

O mangá de Black Kamen Rider foi escrito e ilustrado pelo próprio Shotaro Ishinomori. Publicado na Weekly Shonen Sunday entre os anos de 1987-1988, a versão em quadrinhos é muito mais densa (e violenta) que a série live-action;

A HQ foi lançada no Brasil pela NewPOP, rendendo um total de 3 volumes;

A série teve dois curta-metragens lançados durante a sua exibição: Kamen Rider Black: Hurry to Onigashima (Kamen Raida Burakku: Onigashima e Kyuko Seyo, 1988) e Kamen Rider Black: Terrifying! The Phantom House of Devil Pass (Kamen Raida Burakku: Kyofu! Akumatoge no Kaijinkan, 1988). O primeiro se passa entre os episódios 22 e 23 e o segundo entre o 38 e 39;

Patrol Hopper foi produzida a partir de uma Suzuki RM250 (um modelo off-road) enquanto Lord Sector foi a partir de uma Suzuki GSX-R400. Aliás, a moto normal de Issamu é justamente uma GSX-R400;

O papel de Issamu Minami foi decidido através de uma audição aberta. Takahito Horiuchi, o Nobuhiko Aizuki, fez o teste para o protagonista;

Tetsuo Kurata retornou ao papel de Issamu Minami/Black Kamen Rider em algumas oportunidades:

No curta-metragem Kamen Rider: Run All Over the World (Kamen Raida: Sekai ni Kakeru, 1989);
No jogo Kamen Rider: Seigi No Keifu (2009);
Nos episódios 26 e 27 de Kamen Rider Decade (Kamen Raida Dikeido, 2009);
No longa-metragem Kamen Rider Decade The Movie: All Riders vs. Dai-Shocker (Gekijoban Kamen Raida Dikeido: Oru Raida Tai Daishokka, 2009);
No longa-metragem Super Hero Taisen GP: Kamen Rider 3 (Supa Hiro Taisen Guran Puri: Kamen Raida Sango, 2015)
No jogo Kamen Rider: Battride War Genesis (2016);

Miyuki Nagato, a vilã Urk de Comando Estelar Flashman (Choshinsei Furasshuman, 1986-197), participou do episódio ‘O Poema do Demônio’ (T01E08);

Jouji Nakata, o vilão Kaura de Flashman, participou do episódio ‘Os Rebeldes’ (T01E10);

Kouji Unogi, o Hedogross Jr. de Metalder: O Homem Máquina (Chojinki Metaruda, 1987), participou do episódio ‘A Possuída’ (T01E26);

Hiroko Nishimoto, a Sayaka Nagisa/Change Mermaid de Changeman, participou do episódio ‘Boneco Assassino’ (T01E29);

Mayumi Yoshida, a Lou/Pink Flash de Flashman fez uma ponta no episódio ‘Os Céus de Yubari’ (T1E37);

'Black' foi a penúltima série de Kamen Rider a seguir um modelo episódico. A partir de Kamen Rider Kuuga (Kamen Raida Kuga, 2000-2001), a franquia passou a adotar o modelo de capítulos com tramas sequenciais;

Para a exibição na Band, um novo tema de abertura chegou a ser produzido com Ricardo Cruz nos vocais, mas ela acabou não indo ao ar no único domingo que a série foi exibida (vocês podem conferir o tema na seção Vídeos);

Em 15 de abril de 1988, foi lançado Kamen Rider Black: Taiketsu Shadow Moon, o jogo oficial da série para o Nintendinho. Sendo um game de plataforma com elementos de Beat 'em Up, ele não foi lançado no mercado ocidental.

Vídeos

Abertura com tema brasileiro exibido na Manchete.

Abertura com o tema original (Kamen Rider Black).

Encerramento com o tema original (Long Long Ago, 20th Century).

A nova versão brasileira da abertura (e que não foi ao ar) cantada por Ricardo Cruz.

Cover de Ricardo Cruz do tema de abertura original.

Chamada da Sessão Super Heróis, bloco de tokusatsus da Manchete.

------------------------------------

Meus caros leitores, este foi mais artigo da seção Tirou do Baú.

E aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito por escrever textos muito longos (passei as seis mil palavras)? Desejam ver mais sobre tokusatsus por aqui? Se a resposta para alguma das perguntas acima é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada.

Além de comentar, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste texto com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, enfim...com pessoas que vão se interessar pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência da Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até a próxima.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[NerdTop] 5 Momentos Marcantes de 'Star Wars: O Império Contra-Ataca'

2022-06-26T09:32:00.009-04:00

[Vitrine: Divulgação/Disney/LucasFilm]

Postado em: 12/06/2010 00:23
Atualizado em: 26/06/2022

Pois é meus caros leitores e amigos, após um bom tempo com publicações inéditas, desta vez resolvi fazer um remake de um dos vários artigos antigos ~~e ruins~~ que temos nos registros do Nerdologia Alternativa.

E com a Disney decepcionando os fãs de Star Wars com O Livro de Boba Fett (The Book of Boba Fett, 2022) e Obi-Wan Kenobi (2022), a minha escolha foi atualizar um texto sobre o melhor produto que esta franquia já gerou, o incrível Star Wars: O Império Contra-Ataca (Star Wars: The Empire Strikes Back, 1980).

Portanto, no artigo de hoje conhecemos 5 Momentos Marcantes deste filmaço. 😉

5. O Campo de Asteroides

Com a base em Hoth comprometida pelo Império, os Rebeldes se veem forçados a abandonar o planeta e se dirigir a um novo ponto de encontro. Separados de Luke Skywalker (Mark Hamill) e R2-D2 (Kenny Baker), Han Solo (Harrison Ford), Leia Organa (Carrie Fisher), Chewbacca (Peter Mayhew) e C3PO (Anthony Daniels) deixam a o planeta a bordo da Millenium Falcon. Para o azar do quarteto, uma frota de Star Destroyers - sob o comando do próprio Darth Vader (David Prowse e voz de James Earl Jones) - está bem próximo deles. A situação fica ainda mais desesperadora quando os controles de hiperespaço da Falcon não funcionam (como sempre).

É em uma situação crítica como esta que brilha a estrela (ein? ein?) do Capitão Solo. Para escapar das Forças Imperiais que estão em seu encalço, ele conduz a ~~Sucata Falcon~~ nave para dentro de um Campo de Asteroides, onde qualquer erro de cálculo transformaria todos em poeira cósmica.

Uma tática suicida?

Nas mãos de um piloto qualquer, com toda certeza.

Mas este, meus caros leitores, não é o caso do ex-mercenário. Fazendo uso do ambiente, ele deixa para trás os Star Destroyers que estavam em sua cola e vai eliminando um a um os Tie-Fighters que o seguiram no campo. E ao perceber que todos os caças foram abatidos, ele ainda aproveita o rochoso espaço para se esconder de seus perseguidores. Ok, ele depois descobre que precisa fugir pois estava estacionado no estômago de um verme saído de Duna, mas a estratégia funcionou.

Esta sequência é o mais puro suco do embate Império Galáctico x Aliança Rebelde. Enquanto os Imperiais contam com um grande efetivo e as melhores armas e equipamentos que a Galáxia pode proporcionar, os Rebeldes sempre estão em menor número, com os equipamentos mais sucateados e precisando recorrer a táticas não convencionais para sobreviver.

E se não havia ficado claro em Star Wars: Uma Nova Esperança (Star Wars: A New Hope, 1977), esta sequência mostra mais uma vez porque Han Solo é um dos melhores pilotos de toda a franquia. Convenhamos, escapar da frota inimiga dentro de um ambiente completamente hostil enquanto bate-boca com a Leia e escuta um C3PO desesperado não é para qualquer um. :P

Ahh, não posso deixar de mencionar que todo este momento é acompanhado pelo tema “The Asteroid Field”, mais uma grande composição do genial John Williams que entrega com perfeição toda a atmosfera da cena.

4. A Batalha de Hoth

‘O Império Contra-Ataca’ foi o primeiro filme de Star Wars que eu assisti. Era uma criança quando ele foi exibido em um sábado à tarde na Rede Globo. Naquela distinta ocasião, duas cenas ficaram gravadas eternamente na minha mente enquanto assistia no sofá da minha tia avó. O surgimento dos gigantescos AT-ATs (All Terrain Armored Transports) cruzando a paisagem gélida de Hoth foi uma delas.

A outra entraremos em mais detalhes ainda neste artigo.

A Batalha de Hoth é um dos melhores confrontos da franquia. Situado no início da trama, o confronto apresenta logo de cara como será a tônica da trama. Após a humilhação na Batalha de Yavin – que culminou na destruição da Estrela da Morte – o Império vai com tudo para dizimar o coração da Aliança Rebelde. Com um Vader com sangue nos olhos, os rebeldes terão que fazer das tripas coração para sobreviverem.

Como todo confronto entre Rebeldes e Império, a batalha mostra o grande ABISMO no poderio bélico entre as duas frentes. Enquanto os heróis protegem a sua base com um efetivo de tropas em solo e alguns canhões a sua disposição como (no longa é possível ver armas como Mark II ~~feitos pela Stark Industries~~, DF.9 e Atgar 1.4 FD P-Tower) os vilões surgem a bordo de FUCKING KAIJUS BLIDANDOS!!!

Covardia deve ser a palavra-chave das Forças Imperiais. :P

Embora seja um combate onde o grande objetivo da Aliança seja garantir a fuga dos rebeldes para um lugar seguro (ou seja, algo totalmente diferente de Yavin), esta é a minha batalha favorita de Guerra nas Estrelas. Mesmo com chances ÍNFIMAS de fazer frente aos vilões (o que um canhãozinho de blaster vai fazer contra um FUCKING KAIJU?), gosto muito como os heróis improvisam soluções para contra-atacar. O uso dos cabos de aço das T-47 Airspeeder para enroscar as pernas dos Andadores Imperiais e derrubá-los foi uma puta sacada. E quem jogou Rogue Squadron no Nintendo 64 sabe que não é algo muito simples de se fazer.

O próprio Luke demonstrou criatividade após ter a sua nave abatida em combate. Se aproveitando do tamanho do inimigo, ele se aproxima da cabine usando um arpéu, perfura a blindagem com o seu sabre de luz e lança uma bomba para dentro da cabine. Quem disse que táticas de guerrilha não funcionam em uma Space Opera?

Há ainda mais um motivo que justifica a minha preferência por este combate. Vocês lembram que eu mencionei que o surgimento dos Walkers foi uma sequência que me marcou, certo? Graças aos tokusatsus, robôs e monstros gigantes são elementos que sempre gostei desde pequeno. E considerando os AT-AT’s são praticamente uma mistura dos dois conceitos, nem preciso dizer mais nada, não é? :D

3. Han Solo é Congelado em Carbonita

Han e os demais seguem até a Cidade das Nuvens no planeta Bespin em busca de um porto seguro na figura de Lando Carlrissian (Billy Dee Williams). Entretanto, o grupo cai diretamente na armadilha de Darth Vader que já os aguardava graças a uma informação do mercenário ~~mais bucha da galáxia~~ Boba Fett (Jeremy Bulloch). Após garantir que Luke Skywalker viria até o planeta, o Sith tem a “brilhante” ideia de usar câmara de congelamento de carbono para congelar o jovem Skywalker e levá-lo até o Imperador. Mas para garantir que o procedimento funcionará, ele resolve testá-lo em Han Solo.

Olha meus caros leitores, aqui tem tanta coisa para comentar que mal sei por onde começar.

Vamos lá...

Diferente do tom esperançoso de 'Uma Nova Esperança', esta sequência não mede esforços em deixar um gosto amargo ao espectador. Sem qualquer chance de revidar, os tripulantes da Millenium Falcon passam grande parte do tempo fugindo. Mesmo com todos os esforços, eles são capturados e um deles é congelado em um bloco de carbonita sem a certeza de quanto tempo permanecerá vivo. E detalhe: este ainda não é o maior baque que o filme proporcionará.

Apesar de melancólico, a despedida do maior casal de Star Wars ~~não me venha com Rey e Kylo Ren~~ é uma das cenas mais icônicas de toda franquia. Após toda a tensão que o casal passou durante o longa, Leia finalmente se declara enquanto Han dá a resposta mais “Han Solo” possível para isso. Acho incrível como a resposta consegue flutuar entre o cômico, o romântico e o melancólico. É um momento de ouro do roteiro...que não estava presente nele.

Segundo o livro A Journal of the Making of ‘The Empire Strikes Back’, Harrison Ford deveria responder “Apenas lembre-se disso, Leia, pois eu vou voltar”, mas em conversa com o diretor Irvin Kershner, o ator sugeriu o famigerado “Eu sei” pois acreditava que seria uma resposta bonita e engraçada.

E ele estava certo!

Aliás, vocês sabiam que existe uma cidade no estado de Minas Gerais chamada Carbonita? É uma cidade de menos de 10 mil habitantes localizada a 421 km de Belo Horizonte. E bem, considerando que o município surgiu 1963 e o filme saiu em 1980, seria esta a prova de que o “brasileiro sacana” da LucasFilm (responsável pelos nomes Capitão Panaka, Conde Dooku e Mestre Sifu Dias) estava trabalhando em Guerra nas Estrelas desde o início de tudo?

Spoiler: Lógico que não.

2. Yoda explica a Luke sobre “a Força”

Enquanto Leia & cia eram perseguidos pelo Império, Luke estava no pantanoso planeta de Dagobah, onde teria o seu treinamento Jedi conduzido ~~pelo goblin verde~~ por Yoda (Frank Oz), antigo tutor de Obi-Wan Kenobi (Alec Guinness). O jovem Skywalker é submetido a um treinamento de concentração onde deve fazer o uso da Força para mover objetos, mas acaba falhando ~~miseravelmente~~ frente às dificuldades da situação. Vendo seu discípulo abalado, o sábio mestre decide tomar uma atitude.

Antes de mais nada, não vou negar que em minha adolescência eu vibrei com os duelos de Yoda na Trilogia Prequel. Afinal de contas, os filmes foram a oportunidade de ver o lendário Mestre Jedi em ação. Com a maturidade ~~e alguns fios brancos de cabelo~~, percebi que não os saltos de ginasta olímpico e nem o manejo de sabre de luz que fazem dele um personagem incrível, mas a forma demonstra o seu vasto conhecimento.

Por conta disso, digo que este é o meu momento favorito do personagem. Com toda a serenidade e a sabedoria acumulada pelos anos (900 para ser mais exato), ele entrega a melhor explicação sobre a Força de toda a franquia. Percebendo que o seu pequeno monólogo não foi o suficiente para levantar a moral de seu discípulo, ele demonstra o nível de sua comunhão com a Força retirando a X-Wing do fundo do pântano. Não satisfeito, ainda manda uma frase de efeito para seu incrédulo aprendiz.

Que momento fantástico, meus caros leitores!

Mesmo não sendo a sua primeira cena no longa-metragem – na verdade é uma das últimas – ela é a sequência que verdadeiramente apresenta o Mestre Jedi ao público. Se até aquele momento havia ainda dúvidas sobre a capacidade do baixinho, isso some completamente após a demonstração de sabedoria e poder.

O boneco do Yoda é outro detalhe digno de aplausos. Sendo uma criação que saiu da parceria entre Frank Oz e Stuart Freeborn, acho incrível como o puppet consegue ser extremamente expressivo em cena. É uma atuação tão incrível que você esquece de que ali é um ator atuando com um fantoche. É por essas e outras que adoro efeitos práticos.

Por fim, posso ter meus problemas com Star Wars: Os Últimos Jedi (Star Wars: The Last Jedi, 2016), mas admiro muito os responsáveis pela produção terem resgatado o Yoda bonecão. E claro, a sua participação no filme, apesar de curta, é digna de aplausos.

1. Luke Skywalker vs Darth Vader

Ao sentir um distúrbio na Força que indicava que seus companheiros corriam perigo, Luke abandona o seu treinamento com Yoda e parte para a Cidade das Nuvens em Bespin. Após se deparar brevemente com Leia e Chewie, uma série de eventos termina por conduzi-lo diretamente para a câmara de congelamento de carbono onde Darth Vader estava à sua espera.

Se em ‘Uma Nova Esperança’ temos um duelo ~~bem bosta~~ xoxo com espadas sendo balançadas a esmo, ‘O Império Contra-Ataca’ traz o primeiro grande combate de sabres de luz de Star Wars. ‘Luke vs Vader’ é uma luta superior em coreografia, tensão e apelo dramático. O cenário escuro e opressivo da câmara torna o duelo ainda mais memorável. Sério, a cena em que ambos sacam seus lightsabers é digna de um quadro na parede de tão fantástica que ficou.

E aqui, meus caros leitores, o poder do protagonismo não tem vez. Mesmo lutando com todas as suas forças, o nosso protagonista é derrotado sem grandes dificuldades pelo vilão. Aliás, como Vader não tinha a menor intenção de matá-lo, o Sith pouco se esforça para fazer frente ao jovem. Em certo momento, ele deixa o sabre de lado e passa a arremessar objetos com a Força de forma aleatória.

O único momento em que o Samurai Espacial DO MAL age de forma séria é quando Luke, em um ato de desespero total, acerta um golpe em seu braço. Como resposta, ele simplesmente decepa a mão do grande herói da história.

Agora imaginem a cara de horror de uma criança de oito anos, acostumada a ver seus heróis com espada laser vencendo os vilões, ao presenciar isso?

Foi algo tão impactante que nem prestei atenção na cena seguinte, onde temos o grande momento do filme. Assim como o surgimento dos AT-AT’s, esta sequência ficou marcada para sempre na minha memória, a ponto de ser uma das primeiras referências a virem na minha cabeça quando penso na obra.

Este é o meu duelo favorito da trilogia clássica. Além de todas as características ressaltadas, é relevante mencionar que ele serviu como introdução ao estilo de luta do vilão. Enquanto a grande maioria dos Sith e Jedis manejam o sabre de luz com as duas mãos (como um samurai lutando com uma katana), o Vader usa apenas uma mão. É um detalhe simples, mas que diz muito sobre o nível de habilidade do personagem no manejo da arma mais elegante da galáxia.

E a posição Hour Concur vai para...

"Venha para o lado sombrio, Luke. Nós temos cookies de graça."
[Imagem 1: Disney/LucasFilm/Divulgação]

… “Não, eu sou seu PAI!”

Sério, alguém ainda tinha dúvidas de que esta seria a nossa posição Hour Concur?! :D

O momento em questão ocorre logo após o término do grande duelo da trama. Desarmado, sem uma mão e totalmente ~~fudido~~ acuado, Luke tenta se afastar o quanto pode do Sith. Observando que rebelde não oferecerá mais perigo, Darth Vader tenta convencê-lo a mudar de lado. Na tentativa de ganhar a confiança do rapaz, ele então pergunta se o velho Obi-Wan havia lhe contado sobre o seu pai.

Este é o gatilho para a fatídica frase.

E o Luke achando que perder a mão seria seu maior trauma na luta...

A revelação de Vader não é apenas o grande momento do filme, mas uma das cenas mais famosas de Star Wars e da história do cinema. Foi um grande plot twist na trama que certamente “explodiu as cabeças” dos espectadores na época. Por mais que atualmente ela não tenha o mesmo “choque” de outra hora – afinal de contas, tanto a icônica frase quanto a paternidade do vilão se tornaram fatos de conhecimento público - a sequência ainda é muito impressionante. Não é à toa que este é a cena mais memorável do filme e da franquia.

Curiosamente, mesmo sendo o momento mais conhecido de ‘O Império Contra-Ataca’, com os anos a citação se transformou em um dos maiores exemplos do Efeito Mandela (fenômeno onde um grupo de pessoas compartilham uma memória que na verdade é falsa). Isso porque muitos acreditam que a frase do Sith era “Luke, eu sou seu pai!”, o que é um erro já que o diálogo correto é “Não, eu sou seu pai!”. É um erro tão enraizado na cultura que confesso que eu também cheguei acreditar que a primeira versão era a correta ~~que fã de bosta eu sou~~.

A grande revelação do vilão ainda serviu para expor o nosso Ben Kenobi como o grande mentiroso do rolê. Até porque ele contou para o jovem Skywalker que ele era um grande amigo de seu pai (vá lá, isso é uma meia verdade), que seu pai havia sido morto pelo Vader (mentira) e que ele queria que o seu filho ficasse com seu sabre de luz (mentira²).

Porra Obi-Wan, só faltou dizer que o Vader deixou o Anakin para morrer em Mustafar. :P

E a posição “Meia Boca” vai para…

"Rááááá!!! Pegadinha do Wampa!!! IEIEEEEE!!!!"
[Imagem 2: Disney/LucasFilm/Divulgação]

…o Ataque do Wampa

Em 11 de janeiro de 1977, Mark Hamill sofreu um acidente de carro que desfigurou o seu rosto. Faltando algumas poucas tomadas para finalizar ‘Uma Nova Esperança’, George Lucas precisou usar dublês para finalizar o seu filme. Mas com o sucesso de ‘Guerra nas Estrelas’ e a necessidade de continuar a história, o que fazer para explicar a mudança da fisionomia de seu protagonista?

Simples, incluir a cena onde Luke Skywalker é atacado por um Wampa, ~~o Abominável Monstro das Neves de Star Wars~~ uma criatura nativa do planeta Hoth.

Por mais que George Lucas jure de pés juntos que esta sequência sempre existiu em seus planos, sejamos bem justos meus caros leitores, ela só está ali para justificar a mudança que Hamill sofreu de um filme para outro.

Sinceramente, não vejo mal algum nisso já que este arco funciona muito bem dentro da história.

O que credencia este momento para a nossa posição “nhé” da lista é o fato dele ser responsável pela ÚNICA “barriga” da obra. Os quinze primeiros minutos do filme são dedicados ao resgate do protagonista no deserto gélido de Hoth. Quando a situação é resolvida, o Império resolve atacar e a trama principal enfim se inicia.

Novamente, entendo a necessidade deste subplot. Só que dentro do contexto do filme, ele acaba se comportando como um grande filler. Por conta disso, a posição meia boca deste NerdTop vai para ele.

---------------------------------------------------------------------------------

Bem galera, este foi mais um NerdTop.

E aí? Gostaram da lista? Teve algum momento do filme que vocês sentiram falta? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito por escrever textos muito longos? Se a resposta para alguma das perguntas acima é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada.

Além de comentar, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste texto com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, enfim...com gente que vai se interessar pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência da Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até a próxima (possivelmente com um artigo inédito). _o/

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Especial] Rapidinhas de 2021

2022-02-04T20:17:00.006-04:00

Pois é meus caros leitores, hoje temos estreia no blog.

A partir de agora, todo início de ano haverá uma postagem especial onde reunirei todas as Rapidinhas publicadas durante o ano anterior. Mas antes de começarmos a nossa retrospectiva, acredito que devo responder uma pergunta que deve estar na mente de muitos de vocês.

O que diabos são essas Rapidinhas?

Elas são textos curtinhos que cabem em um tweet (280 caracteres) onde faço um review/crítica de um filme, série ou anime que assisti. A regra que atribui para a elaboração destes "mini-artigos" é que a obra resenhada precisa ser recente. Foi uma forma rápida e prática de comentar sobre algo sem ter que escrever uma crítica no blog, onde eu normalmente levaria mais tempo para produzir ~~até porque não consigo escrever artigos curtos por aqui~~. As Rapidinhas servem como conteúdo para as Redes Sociais do Nerdologia Alternativa.

Para quem acompanha apenas o blog, esta será a oportunidade de conferir a minha opinião sobre algumas produções que tiveram destaque (ou não) no ano passado. E para quem também acompanha as nossas redes sociais, este post será um "Vale a Pena Ver de Novo", mas sem estrelas globais. :P

Com tudo explicado, vamos para os reviews publicados durante o ano de 2021.

Soul

Soul Pixar GIFfrom Soul GIFs

A Pixar acertou mais uma vez.

Em um belíssimo espetáculo audiovisual e sensorial, o estúdio nos brinda, através da jornada de dois personagens cativantes, uma profunda discussão sobre o sentido da vida.

Oscar de Melhor Animação de 2020 já tem dono.

Onde Assistir: Disney+.

Attack on Titan 4° temporada

Attack On Titan Season4 GIFfrom Attack On Titan GIFs

A 1° leva de episódios tem duas partes bem distintas. Em Marley, temos as melhores cenas de ação e uma trama com um bom ritmo.

Já em Paradis, são tantas informações e reviravoltas que chega a ser beeem confuso.

Tomara que isso melhore.

OBS: Eu não tinha lido o mangá quando assisti estes episódios.

Onde Assistir: Crunchyroll e Funimation.

Mestres do Universo: Salvando Eternia - Pt. 1

Its Me He Man GIFfrom Its Me GIFs

Não sou um grande fã do trabalho do Kevin Smith, mas preciso admitir que ele me surpreendeu de forma bem positiva. E meus amigos, os dois episódios finais são fantásticos.

Gorpo melhor personagem disparado!

Onde Assistir: Netflix.

The Seven Deadly Sins 4°temporada

The Seven Deadly Sins Seasons5 Nanatsu No Taisai Season5 GIFfrom The Seven Deadly Sins Seasons5 GIFs

Além de uma batalha final anticlimática, o anime sofreu mais uma vez com a péssima animação do Studio Deen.

Contudo, o carisma dos protagonistas e a dublagem brasileira fizeram valer os momentos finais da história.

Escanor Eterno!!!

Onde Assistir: Netflix.

O Esquadrão Suicida

Open Fire Idris Elba GIFfrom Open Fire GIFs

James Gunn conseguiu mais uma vez.

Além de um filme infinitamente superior em todos os aspectos ao original, esta sequência é certamente um dos melhores e mais divertidos filmes do DCEU.

Estou muito curioso pela série do Pacificador.

Onde Assistir: HBO Max.

Mulher-Maravilha 1984

Bring It On Diana Prince GIFfrom Bring It On GIFs

A nova aventura de Diana Prince apostou em um tom mais leve e descompromissado.

Mas apesar do carisma do elenco principal (e da Diana Amazona de Sagitário), o filme sofre com o péssimo roteiro e com soluções pra lá de convenientes.

Onde Assistir: HBO Max.

Godzilla vs Kong

Godzilla Kong GIFfrom Godzilla GIFs

Assim como nos filmes anteriores, o longa brilha quando os monstros estão em cena e sofre quando os humanos assumem os holofotes.

E apesar do título, Kong é o Titã protagonista da obra. O Rei do Monstros aqui é apenas um mero coadjuvante.

Onde Assistir: HBO Max.

Samurai X: O Final

Kenshin Himura Rurouni Kenshin GIF from Kenshinhimura GIFs

Como entretenimento, o longa é bem competente. As sequências onde a velocidade de Kenshin é explorada continuam incríveis.

Contudo, como adaptação ele deixa a desejar, especialmente na segunda metade da trama.

Onde Assistir: Netflix.

Alerta Vermelho

Gal Gadot Red Notice GIFfrom Gal Gadot GIFs

O grande diferencial do blockbuster do Netflix é justamente o trio Dwayne Johnson, Ryan Reynolds e Gal Gadot. É o carisma deles que fazem o filme valer.

Só mesmo muito carisma para fazer espectador engolir o absurdo que é o 3° ato do longa.

Onde Assistir: Netflix.

EXTRA | Tenet

Uh Oh Oh No GIFfrom Uh Oh GIFs

Usando novamente a questão temporal como ferramenta narrativa, o longa de espionagem/sci-fi de Christopher Nolan não é o seu melhor trabalho, mas é entretenimento garantido com o selo de qualidade do cineasta.

Gostaria muito de ter visto no cinema.

Como assisti o filme no ano passado mas acabei não escrevendo nenhuma rapidinha sobre ele, esta será exclusiva desta postagem. ;)

Onde Assistir: HBO Max.

--------------------

Enfim meus caros leitores, esta foi a estreia da nossa nova postagem anual.

Confesso que a ideia desta postagem existe desde o ano passado, mas acabei não levando para frente pois perdi o timing de publicação. Afinal de contas, qual a graça de uma retrospectiva do ano anterior se ela não acontecer no inicio do novo ano?

Mas e aí, gostaram da postagem? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito por não ter assistido os filmes da Marvel em 2021? Se a resposta para alguma das perguntas acima é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada.

Um grande abraço a todos e até a próxima. o/

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Tirou do Baú] Street Fighter II V

2021-12-30T14:04:00.023-04:00

[Vitrine: Divulgação/Group TAC/Capcom]

Pois é meus caros leitores e amigos, com 2021 próximo de sua conclusão, venho aqui para lhes trazer o último artigo deste ano. Após quase dois anos ausente, a coluna “Tirou do Baú” está de volta para que eu finalmente possa cumprir uma promessa que fiz a mim logo no início do blog: escrever sobre Street Fighter II V (ou Street Fighter II Victory, para os mais íntimos), um dos animes mais queridos da minha geração.

Sem mais delongas, vamos ao que interessa!

Ficha Técnica

Street Fighter II V (Sutorīto Faitā II V, 1995)
Animação | Aventura

Produção: Group TAC e Yomiuri Telecasting Corp.
Temporadas: 1.
Episódios: 29.
Exibição original: Yomiuri Telecasting Corp.
Exibição nacional: SBT, Cartoon Network e Rede Brasil.
Streaming: Netflix, Amazon Prime Video, Looke e Pluto TV

Em 1991 a Capcom revolucionou o mundo dos games com o lançamento de Street Fighter II: The World Warrior. Mais do que uma sequência do jogo original de 1987, ele foi responsável por definir vários conceitos dos jogos de luta que estão presentes até os dias atuais (o sistema de combo, por exemplo, nasceu aqui). E para se ter uma ideia do sucesso, Street Fighter II ostentou durante 18 anos o título de jogo mais vendido da “Casa do Megaman”. Ele só perderia o posto com o lançamento de Resident Evil 5, em 2009.

Com o ~~Sonic~~ Boom da marca em todo o mundo, não demorou para que ela se expandisse para outras mídias. Nos Estados Unidos, além dos quadrinhos publicados pela Malibu Comics, marcou presença no infame longa-metragem Street Fighter: A Última Batalha (Street Fighter, 1994) estrelado por Jean-Claude Van Damme e Raul Julia (em seu último trabalho) e no tosco (porém divertido) desenho animado Street Fighter da InVision Entertainment. Hollywood tentaria mais uma vez emplacar a franquia aos cinemas com Street Fighter: A Lenda de Chun-Li (Street Fighter: The Legend of Chun-Li, 2009), mas é melhor não falarmos sobre isso. :P

O Japão teve muito mais sorte neste aspecto. Pelas mãos do estúdio Group TAC, foi produzido o longa animado Street Fighter II: O Filme (Sutorīto Faitā II Gekijô-ban, 1994), que se tornou um grande sucesso de público e crítica. Motivado pelos resultados positivos do filme e pelo apelo da franquia ~~a Capcom já havia lançado 9999 versões de Street Fighter II~~, o estúdio se uniu a Yomiuri Telecasting Corp. para a produção de uma série animada. E assim nasceu Street Fighter II V.

“Um lutador eu sou”

Um japonês, uma chinesa e um norte-americano entrarão nas mais altas confusões em uma aventura do barulho.
[Imagem 1: Divulgação/Group TAC/Capcom]

Como estamos falando de uma produção japonesa, os protagonistas da obra são o japonês Ryu e o norte americano (com descendência japonesa) Ken Masters, dois jovens de 17 anos que aprenderam artes marciais sob a tutela do mesmo mestre quando mais novos. Enquanto o primeiro vive com seu avô em uma pequena ilha no Japão, o outro reside em uma luxuosa mansão em San Francisco nos Estados Unidos.

Tudo começa quando o Ryu recebe uma carta de seu grande amigo pedindo para que ele vá até a América. Ao chegar em San Francisco, Ken revela que o chamou porque, após o fim de seu treinamento, nunca encontrou alguém tão forte quanto o seu parceiro de treinos nos torneios que disputou em sua terra natal. Para comemorar o reencontro, ambos saem para aproveitar a noite da cidade.

Logo no primeiro bar que adentram, eles acabam arrumando briga com um grupo de militares ~~que mais parecem figurantes de Final Fight~~ que estavam apenas curtindo uma noitada. Após derrotarem o bando com certa facilidade, a dupla se depara com o Guile, Sargento da Força Aérea dos Estados Unidos e colega do grupo surrado pelos jovens. Ryu decide enfrentá-lo, mas acaba sendo derrotado de forma humilhante. Para vingar o amigo, Ken vai atrás do sargento no dia seguinte para desafiá-lo, mas também é surrado pelo militar (que ainda por cima estava de ressaca).

Ao reconhecerem a derrota, os dois ponderam sobre a experiência e concluem que há pessoas fortes por aí que nem sempre estão presentes em torneios convencionais. E a partir daí, eles decidem viajar pelo mundo em busca de oponentes tão poderosos quanto o sargento norte americano. Nesta jornada, eles conhecerão novos lutadores, novos estilos de artes marciais, os mistérios envolvendo a energia Hadou e entraram na mira de uma perigosa organização criminosa.

Nós vamos ao encontro do mais forte!


Ryu demorou apenas dois episódios para encntrar alguém mais forte. [Imagem 2: Reprodução/Netflix/Capcom]

Street Fighter II: The World Warrior foi um dos jogos de luta que mais joguei na vida. Durante a minha infância, morei em uma cidadezinha onde a locadora com jogos de Super Nintendo se localizava na Rodoviária. E um dos melhores jogos no catálogo do lugar era justamente o Street Fighter II original. Obviamente que tive oportunidade de jogar as outras versões do título como Street Figther II Turbo – que foi o meu primeiro contato com a franquia – e Super Street Fighter II, mas (graças a locação) The World Warrior foi o cartucho que esteve mais tempo presente em meu console.

E não, embora o estabelecimento ficasse em uma rodoviária, lá não tinha o famigerado “Street Fighter de Rodoviária”.

Quando o SBT começou a divulgar a exibição uma dobradinha entre Street Fighter II V e Street Fighter Cartoon nas manhãs de domingo, fiquei simplesmente alucinado. Afinal de contas, eram animações baseadas no game que eu passava horas jogando. E ao contrário do longa-metragem estrelado pelo Van Damme, os desenhos corresponderam com as expectativas do meu “eu criança”.

Quando escrevi o artigo sobre o desenho norte americano, pontuei que duas coisas me atraíram na animação: a presença de todo o elenco dos jogos (que ainda contava com a participação de personagens de Street Fighter Alpha e de Final Fight) e dos ataques especiais (o Coronel William Guile resolvia todos os seus problemas na base do Sonic Boom). De fato, esses dois pontos mais o humor involuntário gerado pela tosquice do desenho o torna um passatempo divertido. Contudo, ele mais parece um G.I. Joe com template de Street Fighter do que algo próximo ao que tínhamos nos videogames. E convenhamos, o nosso Johnny Bravo Militar é um personagem legal, mas todos sabíamos que ele não era o REAL protagonista da coisa...

E é aí que entra o anime.

Dois adolescente viajando pelo mundo. O que pode dar de errado?
[Imagem 3: Reprodução/Netflix/Capcom]

Street Fighter II V é um dos meus animes favoritos. Não coloco na “mesma prateleira” de obras como Fullmetal Alchemist Brotherhood (Hagane no Renkinjutsushi, 2009-2010) e Neon Genesis Evangelion (Shin Seiki Evangerion, 1995-1996), mas é um título que tenho muito carinho. Este sentimento que nasceu durante a primeira exibição da obra no Sistema Brasileiro de Televisão, a ponto deste que vos escreve acordar mais cedo aos domingos e até assistir trechos do Pesca & Cia e do Siga Bem Caminhoneiro só para não perder o episódio da semana

Embora não conte com um torneio como pano de fundo, só pelo fato do anime consistir em dois lutadores viajando o mundo em busca do mais forte (leia isso com a voz do Nelson Machado), já tem muito mais da essência dos jogos que a produção americana. E até mesmo o meu “eu de 9 anos” conseguia perceber que os aspectos técnicos da produção japonesa eram superiores. Sem contar que mesmo sem ataques especiais sendo usados a torto e a direita, as batalhas eram muito mais divertidas.

Foi bastante curioso descobrir que o estúdio por trás do longa animado era um dos produtores do anime. Apesar de tomar várias liberdades na adaptação do material, como na questão das idades dos personagens e no character design, dá para notar que algumas ideias presentes no filme foram usadas aqui: M. Bison controlando os protagonistas por meio de lavagem cerebral, Vega dando uma “visitinha” ao quarto de Chun-Li e a batalha final entre Ryu e Ken vs Bison, são aspectos que estão presentes nas duas produções do Group TAC.

O seriado também possui semelhanças com a série Alpha, cujo primeiro jogo foi lançado no mesmo ano de exibição do desenho. Os personagens são cronologicamente mais novos; temos a introdução de Charlie Nash (o companheiro de Guile citado durante o seu final em Street Fighter II); e, a versão ~~saindo da jaula~~ armário 2m x 2m do líder da Shadaloo, que era muito maior que a variantes presentes no segundo jogo e no filme live-action.

Se bem que não precisava de muito esforço para fazer algo maior que Raul Julia.

Acho que a CAPCOM imaginou o Charlie um pouquinho diferente desta versão...
[Imagem 4: Reprodução/Netflix/Capcom]

Este certamente foi um dos animes que mais assisti na vida. Além de ter acompanhado a sua primeira exibição no SBT, revi a série quando ela integrou a grade do Cartoon Network em dois momentos distintos (uma no fim da tarde e outra no início da madrugada) e, a fim de finalmente escrever este artigo, vi a versão disponível no Netflix. Com a bagagem que tenho atualmente, posso dizer que foi uma experiência bem interessante. Pude confrontar vários aspectos tidos como verdades pela minha nostalgia e vi que alguns infelizmente não correspondiam com a realidade.

“Isso significa que você passou a achar Street Fighter Victory ruim?” – diz um dos cinco leitores ~~imaginários~~ que ainda frequentam este blog. Pelo contrário! Continuo gostando muito deste seriado, só que passei a perceber que ele não era tão perfeito assim. Por exemplo, tinha comigo que a qualidade de animação era impecável e uma das melhores que vimos no Brasil durante a década de 90. De fato, considerando a época que foi produzida, o que se vê em tela é um trabalho muito bom, mas longe da perfeição que este que vos escreve lembrava. O nível da animação dos primeiros episódios vai se perdendo com o decorrer da história, com a quantidade de quadros mal-acabados aumentando de forma progressiva. E isto é bem visível especialmente na segunda parte da história.

Já que toquei no assunto, uma coisa que ficou muito evidente na parte final é que a equipe de produção precisou tomar uma outra direção devido a questões orçamentárias. Por exemplo, se no início tínhamos Ryu e Ken viajando pelo mundo e visitando locações distintas em cada episódio, a trama passa a concentrar seus personagens dentro do covil de vilão mais minimalista da história dos animes. A subtrama que rola em paralelo com a história principal – a tentativa da Shadaloo de eliminar o Delegado Dubao – acaba seguindo o mesmo caminho, se passando inteiramente dentro do hospital mais vazio de Barcelona. Nos últimos episódios, só existem dois cenários possíveis, o que torna o trabalho dos animadores muito mais fácil e menos custoso.

As reutilizações de cenas passam a ser cada vez mais escancaradas. A produção do desenho parece ter gostado do trabalho realizado na sequência em que Chun-Li é enforcada por Bison tomado pelo Psycho ~~Killer~~ Power. Ao menos, esta é a única explicação que consigo pensar para explicar a quantidade de vezes que ela é reprisada. As primeiras vezes até entendo que foi um recurso narrativo para fazer o Ken despertar a sua energia Hadou, mas as restantes foram puramente “encheção de linguiça”. Falando em enrolação, a partir do arco final todos os episódios passam a reprisar os dois minutos finais do episódio anterior. E olha que a série possui uma recapitulação do último capítulo logo após a abertura.

O 23º episódio (“O brilho misterioso”) é a prova cabal de que algo não estava certo. Metade do capítulo é dedicada a uma recapitulação dos eventos de Barcelona até o momento em que o micro cyberchip é instalado em Ryu. Durante a outra metade, a história passa a se concentrar nos dois cenários mencionados, com direito ao roteiro recorrendo ao teletransporte de personagem. Sério, é a única explicação que tenho para a Cammy sair da piscina do hotel e surgir atrás de Balrog no hospital em questão de segundos.

Achava que apenas o Dhalsim possuía este poder! :P

O anime terminou e infelizmente não pudemos acompanhar a incrível jornada de Ken e Ryu em cima de um elefante.
[Imagem 5: Reprodução/Netflix/Capcom]

Outro indício de que a animação passou por problemas está na condução do seu enredo a partir do arco final. A série engata a quinta marcha ~~Monkey D. Luffy aprova~~ e passa a correr com a trama a fim de chegar logo à sua conclusão. O problema é que toda essa correria deixou pontas soltas. A questão da Shadaloo ter adquirido terras na América do Sul, por exemplo, é algo apresentado com muito destaque durante a reunião da Interpol. Inclusive, há uma cena na base minimalista (sempre bom frisar) dos vilões onde temos uma maquete de uma floresta tropical. Só que esta informação é totalmente esquecida com o avançar dos episódios. E teorizando a respeito, essa talvez fosse a uma deixa para introduzir o Blanka na história.

E quanto a Estátua da Águia de Prata? Ela sempre reagia com fachos de energia quando M. Bison despertava o seu poder. Momentos antes da batalha final, o vilão dá a entender que ele conseguia se comunicar com o objeto. Mas o que ele realmente era? Jamais saberemos! Assim como nunca teremos uma explicação de como Ken Masters foi capaz de aperfeiçoar o Hadou Shoryuken tão rapidamente. Seria ele o verdadeiro prodígio da série? Seria esta a prova definitiva de que Ken é melhor do que Ryu?!

Perguntas e mais perguntas que nunca terão uma resposta.

Infelizmente, todos os indícios levam a uma única conclusão: o anime não fez sucesso no Japão. Se tivesse agradado, possivelmente não teríamos uma queda no nível da animação ~~a não ser que fosse feita pela Toei Animation~~, a trama não aceleraria o passo e teríamos muito mais episódios que os 29 lançados. Sendo ainda mais otimista, personagens que ficaram de fora como E. Honda, Dee Jay, T. Hawk e o próprio Blanka poderiam integrar o elenco da animação. E mais, Akuma poderia ter uma importância muito maior, deixando de fazer o seu papel do Geninho no desenho da She-Ha.

Os responsáveis pela obra até incluíram alguns ganchos na tentativa de alavancar uma continuação. Ryu se despedindo de Ken dizendo que aperfeiçoará o controle de seu Hadouken, Cammy jurando a Fei Long que se vingará da Shadaloo por ter sido usada, Zolter e seus comandados fugindo para a unidade no Camboja e o destino de Bison – algo me diz que ele não morreu - são cliffhangers que poderiam ser desenvolvidos em uma eventual sequência. Mas como todos sabemos, ela nunca aconteceu.

"Oi meus amiguinhos, aqui é o Akuma. Conseguiram me encontrar no episódio de hoje?"
[Imagem 6: Reprodução/Netflix/Capcom]

É inegável que o enredo seria muito melhor se não fosse por todos os problemas. Mas por outro lado, acredito que Kenichi Imai (responsável pela história do anime) e a equipe de roteiristas - sendo Naoyuki Sakai e Kenya Sawada os nomes mais presentes nos episódios - fizeram um bom trabalho. Lógico que o texto não possui a profundidade de um Yoshiyuki Tomino e nem te fará elucubrar por horas como um Hideki Anno, mas é competente o suficiente para transmitir ao espectador de que aquilo não é um produto qualquer com um verniz de Street Fighter ~~como é o caso do desenho americano~~. Ela poderia ser mais ~~coerente~~ detalhista em alguns aspectos - qual é a lógica daquela droga que aplicaram na Chun-Li no Castelo Maria Isabel?! - mas ela entrega grande parte do que se propõe.

Especialmente em sua primeira parte, o anime tem muito do espírito daquelas produções ~~normalmente mequetrefes~~ de artes marciais dos anos 80 e 90. Obviamente que há um toque oriental nesta composição, mas clichês como os estrangeiros que viajam a um país para conhecer a arte marcial local, torneios de luta de submundo, heróis que usam seus punhos para derrubar redes de tráfico de drogas são elementos muito presentes nestes filmes. Tudo isso se encaixa como uma luva na animação, até porque o próprio jogo é um “filho” deste tipo de produção.

Bem, se considerarmos que o Jean-Claude Van Damme protagonizou alguns filmes deste gênero como O Grande Dragão Branco (Bloodsport, 1988) e Kickboxer: O Desafio do Dragão (Kickboxer, 1989), faz muito sentido que ele estivesse presente no live-action da franquia.

Importante ressaltar que na época em que The World Warrior foi lançado, não existia uma preocupação com histórias para jogos de luta. O que se tinha normalmente eram algumas linhas de contexto sobre os personagens e a trama no manual do jogo e o texto presente no final de cada lutador. Era pouca informação, especialmente se compararmos com os jogos atuais. Portanto, o fato de traduzirem o pouco que tinham em mãos para uma animação sem perder a essência do negócio é um trabalho bastante louvável.

A adaptação dos personagens é outro ponto a se elogiar. Apesar do roteiro tomar algumas liberdades criativas com cada membro do elenco, com algumas exceções – Balrog só é pugilista em uma ~~fucking~~ cena da segunda abertura - as mudanças são bem aceitáveis. E falando em liberdades, os characters designs feito por Akira Kano à primeira vista pode até parecer estranhos (Ryu de cabelo espetado e sem a sua faixa vermelha na testa, Fei Long topetudo, Zangief com mullets), mas é algo que se acostuma fácil. E particularmente, acho os novos visuais bem legais.

Por outro lado, o roteiro escorrega quando necessita criar os seus próprios personagens. Com algumas exceções como Zolter e Yu da Casa de Chá, o restante do elenco original passa muito longe de ser memorável. E olha que havia gente com potencial, como um chefão do crime que acopla uma mini-motosserra na mão, igualzinho o Ash de Evil Dead.

Nash e Dubao não contam pois foram baseados em personagens mencionados no game.

Aproveitem pois este é o único momento em que Balrog é um lutador de boxe.
[Imagem 7: Reprodução/Netflix/Capcom]

Quando era mais jovem, o meu personagem favorito nos jogos era o Ken. Por consequência, esta preferência foi repassada para o anime. E convenhamos, era muito fácil para um moleque gostar dele. Além de um lutador habilidoso, ele era carismático, rico, desejado pela mulherada e fiel aos amigos. Para completar, tinha o Hadou Shoryuken que era um golpe bem maneiro. Claro, ele tem atitudes bastante duvidosas no início da história, como roubar a mina de um sujeito no bar e usar a influência da família para entrar em uma base militar só para tretar com Guile. Isso porque nem coloquei o fato de usar o dinheiro dos pais para se meter em confusão no mundo. Assim, ainda curto ele, mas com o olhar de hoje eu diria que o jovem Masters é “um cara daora, mas vacila”.

Apesar da minha já declarada preferência pelo carateca de gi vermelho, gosto muito de como o Ryu foi apresentado no anime. Ele é um rapaz simples, justo, de muita fibra (o termo chave da dublagem brasileira na primeira parte do anime) e com um talento fora do comum para as artes marciais. São características bacanas para um protagonista, mas se pensarmos bem, ele é praticamente um Son Goku com alguns neurônios a mais. Até mesmo o enorme apetite por comida ele divide com o Sayajin. Mas sendo bem justo, acho que é uma visão bem mais divertida e simpática do lutador. É o oposto dos games, onde ele é muito ~~chatão~~ sério e ~~solitário~~ centrado.

Sei que a Chun-Li é uma das maiores musas dos videogames e o primeiro crush de inúmeros gamers espalhados no mundo... só que não foi o meu caso, porque sempre preferi a Cammy. Por outro lado, a chinesa de Street Fighter II V foi uma das minhas primeiras waifus em um anime. Acho que ela ficou encantadora em seu novo visual – curto muito pelo fato dela usar roupas mais civis - e gosto bastante da sua personalidade. Ela é doce e até um pouco estabanada (especialmente na presença do seu pai) no convívio normal, mas que se transforma em uma guerreira feroz quando a porrada come.

Com relação aos demais personagens secundários (e que não estão no time dos vilões), Guile é certamente o melhor. Ele é o contraponto a inexperiência e a inconsequência de Ken e Ryu. Além disso, a interação com seu amigo Nash é algo que o engrandece demais na história. Com bem menos tempo de tela, Dhalsim e Sagat também prestam suas contribuições. Enquanto o primeiro exerce o papel de mestre que guiará os protagonistas na busca pelo Hadou, o segundo abandona o seu papel de vilão dos jogos e assume uma nova função, a do Campeão de Muay Thai vítima de uma grande injustiça.

Ahh, temos ainda Fei Long... que bem... é o Bruce Lee wannabe Street Fighter... e um personagem bem “marro ou menos” :P

O primeiro crush em um anime a gente nunca esquece. <3
[Imagem 8: Reprodução/Netflix/Capcom]

Do lado dos antagonistas, Cammy é um caso que me chamou atenção. Enquanto a grande maioria dos personagens sofreram um rejuvenescimento no seriado, a britânica ficou mais velha e ainda assumiu o status de femme fatale. Acho interessante que assim como nos jogos da série Alpha, ela começa no papel de vilã. Com relação aos demais vilões, Balrog é a minha maior decepção. Sendo um espião dentro da Interpol, ela passa mais tempo fumando e suando frio do que com uma luva de boxe. O espanhol Vega não é um soldado a serviço de Shadaloo, mas se torna uma pedra do sapato de Ken pois o vê como um obstáculo na conquista do “amor” de Chun-Li (ok, não o julgo por isso). E quanto a Zangief, ele faz as vezes do gigante estúpido que está do lado errado da história... porque é um russo mal-encarado (Porra Japão, até tu?!).

Assim como nos jogos da franquia, M. Bison é o grande nêmesis da parada. E meus caros leitores, não me recordava o quão desprezível o tirano era. O seu grande cartão de visitas é, sem sombra de dúvidas, um dos momentos mais marcantes de Street Fighter II V: o combate contra Chun-Li. Além de apresentar uma perversão sexual, esta luta mostra o quão sádico e monstruoso ele é, brincando com a filha de Dubao como um predador que brinca com a sua presa. E quando se empolga, ele quase a mata sufocada com seu Psycho Power. Embora seja curta, coloco esta batalha como uma das melhores do anime. Não só pela carga dramática, mas pela forma como ela apresenta o vilão.

Na minha opinião, o posto de grande combate da animação vai para Ken vs Vega, momento que antecede a “apresentação do Bison”. Desde o meu primeiro contato Victory, tenho esta luta como a minha preferida. O combate nas gaiolas de ferro do Castelo Maria Isabel é dramático, violento e muito bem animado (e olha que ele se estende por três episódios). É a luta mais completa do anime em todos os quesitos. Não tão completa quanto esta, mas bem divertida é Guile vs Zangief, onde temos o sargento tendo que suar a camisa contra um poderoso adversário. Acho muito maneiro ver o militar usar de todos os seus recursos (o que inclui “golpes baixos”) para conseguir superar o Gigante Soviético. Ken e Ryu vs Bison, a batalha decisiva da trama, também é digna de nota. acho muito bacana como esta é a luta que mais se aproxima dos jogos. Temos Hadouken, Hadou Shoryuken, Psycho Crusher e mais alguns golpes que são assinaturas dos três lutadores nos games.

Apesar dos grandes exemplares citados acima, o desenho não escapou de ter lutas pouco inspiradas. Fei Long vs Cammy, Ken vs Ryu (a treta que serve de aquecimento para duelo de técnicas Hadou) e Chun-Li vs Guile são combates que nas minhas memórias eram incríveis e que se demonstraram o contrário. Enquanto a primeira é bem nhé, as demais são basicamente um looping de repetição de cenas. Ken vs Fei Long e Ryu vs Sagat eram outras que pareciam divertidas nas minhas lembranças, mas se mostraram apenas OK.

Por outro lado, a luta entre Ken e Ryu contra o Demônio da Caverna na Índia me surpreendeu positivamente. Não me recordava do plot twist da situação (não havia demônio, eles estavam se enfrentando) e não lembrava o quão franca ela era. Os dois trocam golpes até o ponto de não conseguirem mais se levantar. Toda situação até a sua resolução é muito bem bolada. Outro momento que me pegou desprevenido foi Ryu vs Damugi, o Leão de Chácara do Castelo Kowloon no episódio 3 (‘Duelo de Hong Kong’). Mesmo sendo um personagem original do anime sem qualquer peso na história, o duelo entre os dois é tecnicamente bem animado e bem honesto. E pensando um pouco mais, esta talvez seja uma das melhores lutas do arco de Hong Kong.

"Você quer criar uma moeda chamada 'Bison Dolar'?! Mas...senhor Bison..."
[Imagem 9: Reprodução/Netflix/Capcom]

Se tem um aspecto no anime em que as minhas lembranças não me enganaram é a parte musical. A trilha sonora composta por Masahiro Kawasaki é fantástica. Além de ajudarem a engrandecer as lutas da história, a trilha é a principal responsável por segurar as pontas quando a animação derrapa, como é o caso da segunda parte da série.

A música mais icônica é Ryu & Ken no TEEMA, o tema principal dos protagonistas, mas que por aqui é conhecida como...o tema do Hadouken. Sim, assim como 99.85% das pessoas que assistiram o desenho, a primeira coisa que me vem à cabeça ao escutar a música é o Ryu fazendo os seus movimentos com os braços para preparar o seu golpe mais poderoso. Só que ao rever o anime, observei que ela está presente em várias cenas envolvendo os dois caratecas... e muito antes do “Kamehameha da Capcom” ser introduzido na história. Aliás, o verdadeiro tema da técnica é Hadouken Tanjou, que está presente no momento do primeiro Hadouken bem-sucedido. Mas por conta do tom misterioso e soturno, ela foi promovida para o fechamento dos capítulos.

Não posso deixar de mencionar outras músicas maravilhosas que fazem parte desta OST (Original Soundtrack): Tenkuu wo Kakeru Gekitou é o tema que surge normalmente em situações arriscadas (quando Ryu é surrado por Sagat); Dharma-Dhaishi no Densetsu é a canção mais emocional das compostas por Kawasaki, aparecendo em situações de apelo dramático (Guile se deparando com o corpo de seu amigo Nash); Lunatic Balrog é o tema do Vega (ela está presente durante a invasão do psicopata ao quarto de Chun-Li) e também apresenta um tom soturno; Hadou vs Psycho Power passa estar presente nas tretas da segunda parte da história, entregando um sentimento de perigo eminente (é uma das trilhas presentes em Guile vs Zangief); e o tema de M. Bison, Kyoukai Vega, que traz todo o peso que o tema do grande vilão da história necessita.

As canções do anime são tão incríveis quanto as trilhas originais. De longe, a minha favorita é Forever Friends interpretada pela dupla Masaaki Endo e Akira Ochi. E meus caros leitores, que música sensacional. Ela é uma insert song do anime que está presente nos capítulos finais, mais especificamente quando Ken precisa confrontar Ryu controlado pelo micro cyberchip. E quando ambos são obrigados a preparar suas técnicas Hadou e a música surge, ~~puta que pariu~~ meus amigos...segura a emoção!!!

Kaze Fuiteru e Cry, os temas de abertura e encerramento interpretados por Yuki Kuroda, também são exemplares muito bacanas apresentados pela animação. Inclusive, ambas ganharam versões em português, interpretadas pela Elisa Villon e com as letras adaptadas pelo Nelson Machado. E sendo bastante sincero, as versões em nosso idioma são tão boas quanto as originais. A versão de Kaze Fuiteru inclusive está no meu NerdTop das Melhores Animesongs Cantadas em Português. E se um dia eu resolver fazer a segunda parte deste artigo, certamente a versão brazuca de Cry estará por lá.

DÁ HADUKEN RYU!!!
(Perdão, esta foi a primeira coisa que veio a minha cabeça)
[Imagem 10: Reprodução/Netflix/Capcom]

A dublagem da série foi realizada nos estúdios da Megassom (os primeiros doze episódios) e Mastersound. Para os papéis de Ken e Ryu, foram escolhidos Sérgio Moreno (Geraldão de Rivia em The Witcher 3: The Wild Hunt) e Orlando Viggiani (Marty McFly em De Volta Para o Futuro). Na moral, ambos caíram como uma luva em seus papéis, a ponto que eu teria muitas dificuldades de vê-los nas vozes de outros profissionais. Enquanto Viggiani imprime com naturalidade um “que” de ingenuidade ao nosso ao jovem japonês, Moreno traz um tom canalha ao norte-americano. Inclusive, a expressão “Ih ô cara ae!” é uma das minhas expressões favoritas de uma obra dublada, chegando a fazer parte do meu vocabulário pessoal durante anos.

Guilherme Lopes (Mr. Satan em Dragon Ball) como Guile, Tânia Gaidarji (Bulma em Dragon Ball) como Chun-Li e Antônio Moreno (Sorento de Sirene em Cavaleiros do Zodíaco) como M. Bison também encaixaram muito bem em seus papéis. Da mesma forma que a dupla de protagonistas, não consigo imaginar outra voz para o Guile que não seja a do Guilherme. Ele confere em sua interpretação um misto de maturidade e seriedade que casou perfeitamente ao sargento. Com relação a Tânia, posso afirmar que sua atuação foi fundamental para o surgimento do meu crush pela jovem chinesa. A atriz consegue alternar com facilidade os momentos de doçura com os de espírito guerreiro que o papel exige. Quanto ao Moreno, a sua voz pesada e imponente faz dele a minha versão favorita do vilão. Também gosto do Bison do Jonas Mello (que aqui faz o Zangief) do filme animado, mas acho a versão do Antônio insuperável.

Vale destacar também os trabalhos de Affonso Amajones (Sanosuke Sagara em Samurai X) como Fei Long; Daoiz Cabezudo (o eterno Chefe Shunsuke Massaki em Winspector) como Dhalsim; Valter Santos (o Kamus de Aquário em Cavaleiros do Zodíaco) como Delegado Dubao; Hélio Vaccari (Gandalf em O Senhor dos Anéis) como Zolter; Carlos Silveira (Shaka de Virgem de Cavaleiros do Zodíaco) como Nash; Cassius Romero (o homem que melhorou o Capitão Smoker em One Piece) como Vega; e, a Denise Simonetto (Punky em Punky: A Levada da Breca) como Cammy. Tenho que tirar o chapéu para a escalação deste elenco. Se o anime é lembrado com tanto carinho por pessoas como este que vos escreve, todos estes profissionais têm grande parcela nisso.

Nelson Machado merece elogios pelo trabalho porque atuou como diretor de dublagem e como narrador do anime, sendo o responsável por imortalizar a frase “Nós vamos ao encontro do mais forte!”. Aliás, enquanto pesquisava para escrever o artigo, acabei me deparando com um vídeo em seu canal do Youtube (Papo com o Machado) onde ele comenta sobre a dublagem da animação. Street Fighter II V. Como a animação veio diretamente do Japão, eles tiveram problemas pois não havia tradutores no meio especializados em japonês (lembrando que os animes que vinham para o Brasil normalmente possuíam áudio em espanhol ou inglês). Para realizar o processo de adaptação do texto, eles precisaram contar com uma pessoa que conhecia o idioma para transcrever todas as falas presentes nos episódios

É possível encontrar na versão dublada um momento desta inexperiência com o idioma. Durante o arco da Índia, quando Ken e Ryu passam a se referir a Dhalsim como Bonzo. Nunca tinha entendido o motivo desse “apelido” até assistir a versão original e descobrir que na verdade eles o chamavam de Bosan, que é monge em japonês. Se vocês compararem a versão brasileira com a japonesa, é possível ainda identificar alguns detalhes como os nomes originais de Dubao e Zolter (Dorai e Zoltar respectivamente), mas sinceramente, diante das circunstâncias a equipe de dublagem realizou um ótimo trabalho.

A última imagem deste artigo terá a Chun-li porque sim. :P
[Imagem 11: Reprodução/Netflix/Capcom]

E para fechar ~~afinal este artigo está gigante e eu definitivamente tenho que aprender a escrever menos~~, preciso comentar sobre a versão disponibilizada pela Sato Company nos serviços de streaming. A dublagem brasileira presente é a mesma exibida no SBT e no Cartoon, porém a versão da animação é aquela que veio diretamente do Japão (exibida nos dois canais), mas sim uma vinda dos Estados Unidos. Ela até apresenta coisas bacanas como as versões originais de Kaze Fuiteru e Cry. Aliás, foi graças a ela que descobri que o anime possuía um SEGUNDO tema de encerramento. Só ela não conta com os recaps do episódio anterior e nem o preview do próximo. Ou seja, não temos aqui a icônica frase do nosso Nelsão.

Pô Sato, que vacilo ein?!

Outro problema está na imagem presente na versão nos streamings. Ela é a mesma lançada durante a década de 90. Se você a assistir em uma televisão de tubo ou em uma tela pequena de 14/15 polegadas, a qualidade será aceitável. Agora se vocês tentarem ver em uma tela de 40 polegadas 4K, a chance de decepção é gigantesca. O ideal seria que as empresas que detêm os direitos do anime investissem na sua conversão para as TV’s de alta definição. Mas se considerarmos que a série nunca foi lançada oficialmente em Blu-Ray, creio que não há interesse neste tipo de investimento por parte dos responsáveis.

Enfim, meus caros leitores e amigos, mesmo traído pela nostalgia em alguns momentos, reassistir Street Fighter II V foi uma ótima e divertida experiência. Os personagens são carismáticos, a dublagem tem muita alma, a parte musical é fantástica e o anime entrega grandes cenas de pancadaria, mesmo não sendo na quantidade que eu acreditava. Meu sentimento após o episódio final foi o mesmo de todas as vezes anteriores, de que aqui havia potencial para haver mais aventuras.

Algumas Curiosidades

Além dos nomes citados, o elenco nacional também contou com participações pontuais de Angélica Santos, Armando Tiraboschi, Carlos Campanile, Élcio Sodré, Letícia Quinto, Luiz Antônio Lobue, Marcelo Campos, Mário Vilela, Paulo Porto, Sidney Lilla, Silvio Giraldi e Ulisses Bezerra;

Durante uma live em seu canal, Nelson Machado explicou que os responsáveis pelo anime enviaram uma lista de sugestões para vários termos presentes na obra, onde a mais curiosa era Fire Ball (Bola de Fogo) para o Hadouken. Nelson acabou optando pelo nome original do golpe pois ele já estava enraizado entre as pessoas que gostavam dos jogos;

Falando em Fire Ball, vocês sabem quem acatou esta sugestão? Os responsáveis pela dublagem brasileira de Street Fighter II: O Filme feita em Miami. Mas assim como a "A Lenda de Chun-Li", é melhor não falarmos muito sobre isso;

No Japão, o primeiro episódio foi ao ar no dia 10 de abril de 1995 e o último no dia 27 de novembro de 1995. No Brasil, ele estreou em setembro de 1995, apenas cinco meses após a sua estreia na Terra do Sol Nascente;

Corroborando com o que disse sobre o Ryu lembrar o Goku, no oitavo episódio (“A vingança de Ashura”), Chun-Li reclama que o carateca japonês só pensa em artes marciais. Como a Tânia Gaidarji é a dubladora da Bulma, temos um momento tipicamente Dragon Ball em Street Fighter;

Shuji Honda é o cantor que assume os temas de abertura e encerramento a partir do episódio 20. 'Ima, Ashita No Tame Ni' é tema de abertura e 'Lonely Baby' é o de encerramento;

A canção ‘Just Believe’ interpretada pela cantora Rei ~~Ayanami~~ é outra insert song presente no anime. Ela aparece no 23º episódio durante a recapitulação da luta ‘Chun-Li vs Bison’;

A trilha sonora da animação foi lançada no Japão em 27 de setembro de 1995 pelo selo Toshiba EMI Ltd. O disco contém 32 faixas e possui duração total de 48 minutos e 40 segundos;

Em seu canal no youtube, o cantor Ricardo Cruz fez um cover da versão original e da brasileira da abertura 'Kaze Fuiteru'. O clipe pode ser visto no tópico "Vídeos" (logo abaixo);

Intérprete dos temas nacionais do anime, Elisa Villon faleceu em 2019 aos 55 anos. Além de cantora, Villon também era dubladora. Umeda Harumi (Super Onze), Emma Frost (Wolverine e os X-Men) e Natsuko Ozora (Super Campeões) são alguns de seus papéis.

Vídeos

Abertura exibida no SBT.

2º Abertura exibida no Cartoon Network.

Encerramento exibido no Cartoon Network.

1º Abertura com tema original (Kaze Fuiteru).

2º Abertura com tema original (Ima, Ashita No Tame Ni).

2º Encerramento com tema original (Lonely Baby).

Cover do cantor Ricardo Cruz da canção Kaze Fuiteru.

A chamada de Street Fighter II V divulgada na programação do SBT.

------------------------------------

Meus caros leitores, este foi mais artigo da seção Tirou do Baú.

E aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito por escrever textos muito longos? Se a resposta para alguma das perguntas acima é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada.

Como estamos a poucas horas de 2022, aproveito para desejar um feliz ano novo a todos vocês que insistem em acompanhar este humilde blog. Que este novo ciclo que se inicia traga muitas coisas boas a todos.

Um grande abraço a todos e até a próxima.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Penso, Logo Digito] Skypiea: O Pior Arco de One Piece?

2021-09-03T18:15:00.014-04:00

[Vitrine: Divulgação/Toei]

Com a estreia de One Piece no Netflix em outubro de 2020 (também conhecido como ano passado), o hype gerado pela novidade me motivou a voltar a acompanhar a obra após ficar afastado por quase dez anos. Como não tinha pressa em alcançar o ponto atual da história, optei por continuar pelo anime. E sim, o ritmo enrolado da animação em certos momentos ~~– cof cof, Dressrosa, cof cof –~~ fez com que eu me questionasse se havia sido uma boa ideia...

Recomeçando a partir da passagem de tempo (timeskip) de dois anos pós-Guerra de Marineford (trecho onde havia parado anos atrás), iniciei a minha jornada assistindo entre dois e três episódios por dia. Durante os primeiros três meses, mantive esta rotina sozinho, passando pelos arcos da Ilha dos Homens Peixes e de Punk ~~chata demais~~ Hazard. Em Dressrosa, porém, a minha patroa – que tentou assistir os episódios iniciais da série no Netflix, mas não se animou – começou a me acompanhar ao ver todo o conjunto de bizarrices que aquele ponto da história podia oferecer. E assim fomos juntos até chegar aos episódios atuais em Wano.

Agora, motivada após assistir os arcos mais recentes dos Chapéus de Palha ~~e de criar um crush pelo Zoro~~, a minha digníssima decidiu recomeçar a animação pelo seu início e eu prontamente me prontifiquei a acompanhá-la nesta nova jornada. Mais do que assistir a mais episódios ao lado da pessoa que amo – sou um romântico, eu sei –, esta experiência seria uma oportunidade de assistir o início do anime, uma vez que comecei a acompanhar a obra através do mangá licenciado pela Conrad, lá no início da década de 2000.

Sendo bem justo, esta não seria a primeira vez que tentaria ver os episódios iniciais. Na realidade, era a minha 3ª tentativa. A 1ª aconteceu quando o Cartoon Network exibiu a animação em sua grade de programação, mas meu interesse foi logo sepultado graças às censuras presentes na versão (muito obrigado por nada 4Kids! ~~vá a merda!~~) e ao horroroso Rap de Abertura. A 2ª aconteceu na mesma época, quando “importei alguns episódios do Japão” para assistir no computador, mas acabei não animando em seguir adiante, até porque a trama inicial estava bem fresca na memória graças ao mangá.

Mas dessa vez, meus caros leitores, era uma situação completamente diferente. Além de contar com a minha parceira ao meu lado, os momentos iniciais da história já não estavam tão frescos na mente. Logo, finalmente consegui assistir os episódios iniciais da série animada. E apesar da qualidade da animação não ser das melhores (acho que a Toei não botava muita fé no negócio...), a experiência foi muito bacana. Rever grandes momentos como o pedido de ajuda da Nami ao Luffy, a batalha no Arlong Park, o passado e a entrada do ~~guaxinim mais querido de todos~~ Tony Tony Chopper no bando, o conflito em Alubarna e a despedida de Vivi valeram a pena demais.

Eles continuavam tão incríveis e emocionantes quanto eu me recordava.

"Ei Usopp, será que os Ursinhos Carinhosos moram aqui?"
[Imagem 1: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Quando finalizamos Alabasta – que na minha opinião é uma das melhores sagas do anime/mangá – comentei com a minha esposa que Water 7/Enies Lobby seria algo tão incrível quanto o que tínhamos acabado de presenciar.

Só que antes, era preciso passar por Skypiea.

Como devem ter notado, este enredo está longe de ser algo benquisto entre os fãs do trabalho de Eiichiro Oda. Inclusive, quando o assunto envolve os piores arcos da obra, ele normalmente figura entre os citados pelo fandom. Pessoalmente, não tinha boas lembranças dele quando o acompanhei pelo mangá. Porém, a minha cabeça de hoje é muito diferente de anos atrás – era apenas um adolescente na época em que comprava os quadrinhos - e talvez hoje o revendo, minha opinião mudasse de forma positiva.

....

Ééééé... mais ou menos.

Rever a aventura de Luffy & Cia pelo mar branco-branco com a bagagem que tenho hoje me fez enxergar muitos pontos positivos que estão ali presentes. Por outro lado, revisitá-la ressaltou ainda mais alguns aspectos que não me agradaram desde a primeira vez. Mas vamos por partes, pois este artigo está apenas no começo ~~ainda nem digitei 10 páginas de texto~~ e tenho muito o que comentar sobre tudo isso.

Inicialmente, é preciso ressaltar que o enredo é mais uma demonstração da inventividade do Oda no quesito construção de cenários. Nas tramas anteriores, o mangaká já havia mostrado o quão bom era nesta questão, mas aqui ele certamente não poupou ~~despesas~~ criatividade na sua versão flutuante de El Dourado. Não satisfeito em elaborar uma aventura que se passa em uma Ilha no Céu, ele fez questão de enriquecer o “universo” que cerca este lugar. Partindo do princípio de uma lenda de uma cidade cheia de ouro que desapareceu sem deixar vestígios, somos apresentados posteriormente a um fenômeno marítimo que permite embarcações alcançarem os céus; os tipos de nuvens que permitem a existência daquela localidade; a forma como a navegação nelas funciona; as civilizações que habitam ali (os Skypieanos e os Shandianos) e a forma como vivem; os gadgets (na forma das Dials, conchas especiais com múltiplas funcionalidades) que oferecem comodidade aos habitantes; as estruturas de governo vigentes e o conflito entre os dois povos que dura mais de 400 anos.

Aliás, duas civilizações distintas brigando pelo controle de uma região que ambos consideram como solo sagrado, hum... acho que já vimos isso em algum lugar!

Um pégaso rosa com pintinhas roxas, o tipo de bizarrice que espero ver em One Piece.
[Imagem 2: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Na humilde opinião deste que vos escreve, a melhor contribuição de Skypiea é a história do explorador Mont Blanc Noland, figura que desempenha um papel fundamental no passado e no presente desta aventura. De início, o personagem é apresentado através de um livro infantil chamado “Noland, o Mentiroso”, onde ele é caracterizado como um mentiroso com aspecto bufão que acaba sentenciado à morte após enganar um rei sobre a existência de uma cidade repleta de ouro. Mas quando somos apresentados ao seu flashback, o verdadeiro Mont Blanc é mais um daqueles coadjuvantes que poderia tranquilamente render uma série spin-off.

E digo mais, a amizade de Noland e o guerreiro Calgara – que na versão original do anime é dublado por Hidekatsu Shibata, o mesmo dublador (seiyuu) do Monkey D. Dragon –, retratada no passado, é uma história muito mais interessante que a aventura que se desenrola com os Chapéus de Palha no presente (um abraço, Horizon Zero Dawn!). Sei que ainda não era o momento para apontar os defeitos, mas isto precisava ser dito.

A introdução do arco é um momento em que o Eiichiro Oda aproveita para apresentar várias caras novas que serão recorrentes em todo o anime/mangá. Durante a conferência em Marineford para a escolha de um novo Shichibukai (lembrando que Crocodile foi destituído após as suas tramoias em Alabasta virem a público), temos o primeiro contato com Bartholomew Kuma, ~~o grandíssimo filho da puta mor~~ Donquixote Doflamingo e o chefão da Marinha, o Almirante Sengoku. Em Jaya somos apresentados ao pirata Bellamy (personagem que o autor adora provocar um traumatismo craniano básico) e ao grande vilão da obra e o seu bando, Marshall D. Teach, também conhecido como Barba Negra.

Vale destacar que é aqui que temos a primeira aparição de um dos personagens mais badass da bagaça, Edward Newgate, aka Barba Branca. E na mesma sequência, temos também o primeiro vislumbre de Marco,“A ~~Ikki de~~ Fênix” que, assim como como Silvers Rayleigh no flashback do Buggy, ainda não contava com um character design beeem definido pelo autor. :P

Falando em estreias, esta é a primeira aventura de Nico Robin ~~Robin-chan S2 S2~~ como membra do bando (sim a primeira, fillers não contam na minha cronologia pessoal :P). E meus caros leitores, não me recordava o quão distante ela era dos demais nos primeiros momentos a bordo do Going Merry. Além de ficar na dela durante quase todo o primeiro ato da aventura, em nenhum momento ela se refere aos companheiros pelo nome, mas sim por suas funções (navegadora, espadachim, cozinheiro, doutor, capitão) ou por apelidos (narigudo).

Considerando o background da arqueóloga (algo brevemente mencionado durante a sua “entrevista de emprego” para Usopp), esse comportamento faz todo sentido. Por conta das várias traições que sofreu por carregar o peso de Ohara, a ex-Miss All Sunday teve que aprender a não se apegar às pessoas. Ao ingressar no grupo (mais por não ter para onde ir do que por escolha), Robin mantém uma grande distância dos demais. Só que aos poucos, veremos que ela não conseguirá não se importar com seus novos companheiros, não hesitando em se sacrificar em prol deles.

Ok, mas aqui o assunto não é Water 7/Enies Lobby. Se um dia tiver oportunidade de escrever sobre esta saga, comentarei sobre uma certa sequência em uma torre que sempre me deixa emocionado.

A melhor personagem feminina de One Piece. Sim ou com certeza?
[Imagem 3: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Skypiea foi o berço para vários conceitos do anime/mangá. E olha, não foi pouca coisa não: o Mantra, técnica dominada pelos antagonistas da saga, nada mais é do que o Haki da Observação (Kenbunshoku Haki); o ataque a distância do Zoro, o Canhão da Fênix de 108 Libras (Hyakuhachi Pound Ho), é criado durante o jogo de sobrevivência do vilão principal; o Klabautermann, um espírito da água que acaba habitando os navios, faz a primeira aparição enquanto conserta o mastro principal do Going Merry (em Enies Lobby, ele será decisivo para a fuga dos Chapéus de Palha da instalação da Marinha); no começo da saga é revelado que Sanji nasceu no North Blue (esta questão será mais detalhada durante o arco Whole Cake); em Dressrosa, descobriremos que Noland foi um grande herói para a tribo Tontatta, com direito até a uma estátua no povoado.

Até mesmo em Wano, o ponto atual da obra no momento deste artigo, temos conceitos apresentados neste arco. - ATENÇÃO!!! Como o trecho a seguir é um spoiler de algo muito recente, coloquei a fonte em branco. Selecione e leia por sua conta e risco. – No flashback de Kozuki Oden, descobrimos como ~~Rogério Dourado~~ Gol D. Roger deixou aquela mensagem encontrada pela Robin ao lado do poneglifo (foi o próprio Oden que a escreveu a pedido do Pirata). E durante a luta entre Jinbe e Who’s Who’s em Onigashima, o Tobiroppo a serviço de Kaido faz uma citação a Nika, Deus do Sol que era cultuado pelo povo de Shandora.

Por fim, não podemos nos esquecer que é na Ilha do Céu que Monkey D. Luffy demonstra pela primeira vez os seus “dotes” musicais. Inclusive, estou muito curioso para ver como será a interpretação da Carol Valença na versão dublada. :D

Como podem observar, a aventura tem muitos pontos interessantes em sua estrutura. De fato, é inegável o grande potencial que ela possui. Só que infelizmente, a partir do momento que os protagonistas adentram o mar branco-branco, todo este potencial vai se esvaindo episódio após episódio, tornando-se algo bem NHÉ. Sim meus caros leitores, reassistir esta trama foi uma experiência tão chata e cansativa quanto foi no mangá. Inclusive, o ritmo de episódios que eu e a minha digníssima assistíamos por dia diminuiu consideravelmente uma vez que ela normalmente dormia durante o segundo episódio, para vocês verem o QUÃO empolgante foi este segmento do anime.

A raiz dos meus problemas com a saga está atrelada a seus personagens. Com exceção de Gan Fall, Pierre e da Aisa ~~a proto Otama~~, os demais simplesmente não funcionam, variando entre sem-sal a insuportáveis. Por mais que a trama tente desenvolver conceitos interessantes (conflito pela posse de território e o uso da crença de um povo como forma de manipulação), tudo vai por água abaixo quando a qualidade dos personagens não faz jus ao que o enredo pede. Bons personagens potencializam a mensagem de suas histórias enquanto os fracos diluem o seu impacto.

A questão do conflito entre os povos, por exemplo, funciona quando é protagonizada por Gan Fall. Além de demonstrar uma grande frustração por não conseguir resolver a rusga entre as duas civilizações, o Dom Quixote Wannabe realmente sente o pesar pela forma horrível que seus ancestrais agiram contra os Shandianos. O problema acontece quando a questão é apresentada pela ótica do Wyper. Como principal referência do outro lado do conflito, era através dele que deveríamos criar empatia pela situação de seus semelhantes, só que o sujeito é simplesmente insuportável e acabamos criando antipatia por ele.

Sério, ele é ~~cuzão~~ babaca com os aliados, com os inimigos, com os estranhos e se pudesse quebrar a quarta parede, seria um ~~cuzão~~ babaca conosco. Por mais que a trama enfatize o drama vivido pelos habitantes de Shandora, ele sempre rouba a atenção da situação por conta da sua forma ~~escrota~~ babaca de agir. E para piorar, isso acaba contaminando todos os seus companheiros, tornando-os tão antipáticos quanto ele. Se não fosse pela pequena Aisa, não teríamos um único representante deste lado da moeda pela qual pudéssemos nos simpatizar..

Aliás, gostaria de mencionar que criei um ranking dos personagens que mais me irritaram durante Skypiea. Apesar dos seus esforços, ~~o desgraçado do~~ Wyper ficou apenas com a medalha de prata.

Os Incríveis ~~Guerreiros~~ Surfistas de Shandora
[Imagem 4: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Sendo justo, com exceção da Laki, o enredo não oferece muito espaço para o desenvolvimento dos outros guerreiros, cuja única utilidade é ser sparring para os protagonistas e os antagonistas. Por ser uma das únicas personagens a se portar como oposição com a forma suicida de pensar ~~chata para cacete~~ de Wyper, a guerreira acaba se salvando do vírus da antipatia de seu líder. Por outro lado, ela é uma das principais representantes dos “personagens sem-sal” uma vez que a sua importância na história é quase que inexpressiva. É o tipo de personagem que você esquece da existência facilmente (admita, você acabou de jogar o nome dela em um buscador).

Quem também ocupa o posto de coadjuvantes “sem graça” são Connie e Pagaya, dois dos principais aliados do Bando do "Piratinha que Estica". Por serem os principais representantes do subplot do “domínio pelo credo e medo”, pai e filha estão longe de serem esquecíveis como a Laki, mas também não chegam a ser memoráveis. Connie até demonstra uma boa evolução frente aos acontecimentos e, pensando bem, ela é talvez a mais notável entre os “sem sal” do elenco. Mas a falta de um “algo a mais” impede que a jovem seja uma figura ainda maior.

Quanto ao seu pai (Pagaya), ele se tornou uma vítima da falta de culhões do nosso querido mangaká em matar personagens. Se o seu sacrifício tivesse sido para valer, certamente seria um personagem que ninguém esqueceria (até porque dá para contar nas mãos os que morreram fora das histórias do passado).

Se os Skypieanos e os Shandianos sofrem com a falta de bons representantes, eles ao menos estão em um patamar de qualidade acima dos vilões, núcleo que considero o mais crônico de todos. Após acompanharmos a Baroque Works do Sir Crocodile, ter Enel e seus seguidores como os principais inimigos representa um grande retrocesso para a obra. Enquanto a organização criminosa do ex-Shishibukai transborda carisma e charme vilanesco, o déspota de Ilha do Céu e seus comandados são um “grande deserto” nestes quesitos. Entre os antagonistas canônicos da obra, eles só não ocupam o último lugar em minha preferência por conta dos Piratas de Foxy (que em ruindade são imbatíveis).

Mas vamos por partes.

Os quatro sacerdotes (Satori, Shura ~~de Capricórnio~~, Gedatsu e Ohm) até contam com designs bacanas. Porém, não se pode dizer o mesmo das demais características do quarteto. Embora todos possuam o Mantra como habilidade padrão, com exceção de Ohm que conta com Holy – um cachorro gigante pugilista (não chega ao nível do Lassoo, mas ainda é algo bizarramente divertido) –, as técnicas de combate dos demais não me fisgaram. Admito que algumas são até criativas, mas nenhuma fez com que meus olhos brilhassem como os do Chopper... com exceção do cão que luta boxe, claro!

Com relação a personalidade, apenas Gedatsu e Satori possuem algo digno de nota. Sendo o mais estranho da turma, Gedatsu poderia muito bem ser aquele o camarada bizarro que conquista o fandom por conta de seu potencial cômico. Contudo, além de ter pouquíssimo tempo de exposição, as suas habilidades de batalha não possuem nada de especial (ele usa as dials para atacar, mas sinceramente, o Usopp fará um uso mais impressionante destas conchas no futuro).

Quanto a Satori, ~~os seus Kinder Ovos DO MAL~~ as suas “Bolas Surpresas” são armas até bem criativas em combate (não consegui pensar em algo sem que ficasse com duplo sentido), mas sua personalidade ~~debiloide~~ infantiloide é simplesmente IRRITANTE. Como o Sanji e o Luffy não demoraram muito para causar um belo traumatismo craniano no infeliz, ele ficou com a medalha de bronze do meu ranking de personagens xaropes.

E não bastando termos um exemplar deste sujeito, o Oda fez questão de incluir seus irmãos gêmeos mais novos, Hotori e Kotori, como adversários para Nami e Gan Fall. Embora apresentem um potencial de irritabilidade beeeem grande, felizmente a trama dedica pouquíssimo tempo a eles (UFA!!!).

Connie, muito mais badass com uma bazuca do que um certo personagem.
[Imagem 5: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Acredito que a esta altura do artigo, não deve ser nenhuma surpresa que o dono da medalha de ouro da modalidade “personagem mais pé-no-saco de Skypiea” vai, de forma merecida, para o grande antagonista da história, o Eminem DO MAL do universo One Piece, o Falso Deus Enel (porque o único verdadeiro é God Usopp!!). A propósito, preciso confessar que fiquei bastante surpreso ao descobrir que tem muita gente que gosta do dito cujo. Quando li o mangá na minha adolescência, a minha principal decepção com a saga foi justamente ele. Por conta disso, durante essa minha segunda visão da história, decidi que tentaria vê-lo com outros olhos, a fim de enxergar as mesmas qualidades que estes fãs enxergaram.

Meus caros leitores, eu juro que tentei, mas não rolou!

O conceito por trás do vilão não é ruim. Enel é um cara que claramente pirou na batatinha após adquirir os poderes da sua Fruta do Diabo (Akuma no Mi), a Fruta do Relâmpago (Goro Goro no Mi), a ponto de destruir a sua própria terra natal. Ao usurpar o título de “Deus” de Gan Fall, ele simplesmente levou o significado do título ao pé-da-letra e ficou ainda mais insano, chegando a condenar duas civilizações inteiras à destruição por achar que seres humanos não deveriam viver sobre as nuvens.

O autor usou aqui o mesmo “template” do antagonista usuário de Akuma no Mi do tipo Logia (o grande terror da primeira fase da obra) que vimos em Crocodile, só que com muito mais esteroides ~~e orelhas~~. Em comparação com ao “Rei do Deserto”, o Falso Deus é muito mais arrogante e poderoso... só que tem o carisma de um pote de maionese. Ele não conta com 10% do “magnetismo vilanesco” que o seu antecessor fodão possuía.

Aí que está o meu problema com o vilão. Conforme ele vai aparecendo na história, o excesso de arrogância sem qualquer contraponto a esta característica logo o torna uma figura extremamente intragável. Como a partir do segundo ato ele começa a ter presença constante na aventura, chegou um momento em que eu torci para que o Luffy o arrebentasse na porrada o quanto antes porque eu NÃO AGUENTAVA MAIS ESSE CARA. Se a intenção era criar um vilão detestável, o Oda conseguiu porque eu o ODIEI. Para vocês terem uma ideia do tamanho da minha birra com este personagem, o único momento que tive alguma simpatia pelo Wyper (sim, o próprio) foi quando ele dá um belo susto na “divindade”.

Quando insisto que o Enel é péssimo, o maior exemplo que me vem à mente para embasar esse argumento é o Donquixote Doflamingo. Vejam bem, o regente de Dressrosa é mais arrogante que o Falso Deus, é mais apelão em combate do que ele, é tão participativo em sua trama quanto ele e, ainda, é muito mais cruel e impiedoso. Doflamingo conta com as mesmas características do déspota de Skypiea (e em um tom ainda mais elevado), só que ele apresenta o tal “magnetismo vilanesco” que mencionei. Resultado? Um dos maiores vilões da obra.

Ou seja, mais um sinal, a meu ver, de que o Eminem Orelhudo não funcionou.

♪ Everybody Hates Enel ♪
[Imagem 6: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Outra questão que me desagrada no déspota é a sua incompetência em acabar com seus adversários. Durante a sua participação, ele torrou inimigos com choques de 10.000 volts, disparou relâmpagos contra cabeça de adversários e ainda conjurou um ataque de área que mais parece um tiro de laser disparado pelo satélite do mal de 007: Um Novo dia Para Morrer (Die Another Day, 2002). Tirando dois figurantes, todo mundo que é atingido pelos seus ataques “devastadores” retorna inteiro alguns episódios depois. Se isso acontecesse apenas com os aventureiros, dava até para engolir. Mas quando Pagaya, que é um mero engenheiro, reaparece no final como se nada tivesse acontecido, mesmo após ter sido acertado EM CHEIO POR UM KAMEHAMEHA ELÉTRICO, aí não dá minha gente! ...

Ou ele é incompetente demais no uso de seus poderes ou ele comeu a versão de baixa corrente da Goro Goro no Mi.

Embora o elenco do arco seja a minha principal queixa, ela não é a única. Skypiea é um grande desserviço a One Piece na pancadaria. O enredo até apresenta situações de combate que envolvem todos os Chapéus de Palha, mas com exceção da primeira luta entre Luffy e Enel (que por mim não teria uma segunda), as demais são fraquíssimas. Os péssimos antagonistas, as técnicas de combate sem muita inspiração e falta emoção tornam as batalhas em algo bastante burocrático ~~uma forma bonita de dizer chatas demais~~.

O maior exemplo disso é Zoro vs Ohm. Na primeira aparição do sacerdote, o fato de carregar uma espada automaticamente faz com que esperemos por uma treta entre ele e o Solador favorito da galera. Quando ambos finalmente ficam frente-a-frente ~~enquanto a noite cai~~, em vez de um belo duelo entre espadachins, presenciamos a um rápido esconde-esconde que termina com a vitória Caçador de Piratas após acertar um único golpe em seu adversário (e nem vou comentar sobre o mantra não ter funcionado). A única coisa que se salva aqui são as participações sempre bem-vindas do Holy.

Sério, este cão merecia mais espaço.

A grande verdade é que as batalhas desta trama são esquecíveis, o que é um grande pecado para um “shounen de lutinha”. E veja bem, mesmo estando a muito tempo afastado da obra, ainda me recordava de grandes embates como os que aconteceram em Arlong Park, Alabasta, Enies Lobby e até mesmo em Thriller Bark (adoro a luta contra o Oz). Só que aqui, por exemplo, não tinha memória alguma da luta da Robin e nem do seu adversário. Sendo bem franco, eu mal lembrava do grande confronto decisivo da saga.

Por fim, outra questão que compromete muito é a falta de apelo emocional durante boa parte do enredo. Apesar do Battle Royale criado por Enel (que poderia funcionar se o elenco fosse bom), este apelo só começa a ser efetivo justamente nos finalmentes, quando o Falso Deus resolve destruir a Ilha do Céu, criando assim uma situação de extrema urgência. E quando o flashback do Noland liga os eventos do passado com o presente, o drama fica ainda mais intensificado.

Dito isso, o final da história é sim muito legal e emocionante. O problema é chegar até lá.

Quando vejo a fatura do cartão do mês passado.
[Imagem 7: Reprodução/Crunchyroll/Toei]

Dito tudo isso, confesso que rever o arco foi uma experiência interessante. Mesmo não gostando do vilão principal (foi mal pessoal, mas ele é um saco) e torcendo nariz para algumas questões, passei a valorizar muitos aspectos apresentados pela aventura. E sim, o meu conhecimento das tramas posteriores foi fundamental para perceber as “joias” que ali se encontravam. Por sinal, méritos do Oda que soube agregar valor a uma história antiga ao desenvolver os ganchos oportunos que estavam ali presentes. Fazendo uma comparação com cinema, o mangaká fez a mesma coisa que os filmes da série Creed fizeram com Rocky IV (1985).

Sei que fui exigente em algumas críticas (minha patroa mesmo não concordou com a minha posição sobre a Laki), mas existe um motivo claro para isso: este arco acontece justamente após Alabasta, que é simplesmente uma das melhores histórias do anime/mangá. Os épicos eventos na terra dos Nerfetari elevam o nível de tal forma que convenhamos, é difícil não comparar um com o outro. Reconheço que o autor se empenhou bastante em elaborar algo tão legal quanto o seu trabalho anterior, mas aqui ele não conseguiu. Felizmente, ele acertará (e bem) em outras oportunidades.

Respondendo à pergunta do título, NÃO. Skypiea não é o pior arco de One Piece, mas também está longe de ser a grande aventura que se propõe. Ela está longe do padrão de qualidade dos grandes enredos da obra, mas apesar disso, acredito que é uma história que necessita ser vista/lida. Pulá-la é perder uma base muito importante para compreender muita coisa que virá a seguir. Além disso, dá sim para se divertir com algumas coisas, se você ~~desconsiderar a existência de alguns personagens como como Satori, Wyper e o Eminem de Quinta Categoria~~ não for chato como este que vos escreve.

E na moral, se for para pular um arco canônico, façam isso com a Davy Back Fight. Ela pode ser curtinha, mas é tão ruim, MAS TÃO RUIM que fará com que vocês olhem a Saga da Ilha do Céu com outros olhos.

Será que isso foi de propósito, Eiichiro Oda?

----------------------------------------

Pois bem pessoal, este foi mais um artigo da coluna "Penso, Logo Digito".

Quem acompanha o blog a mais tempo, sabe que não costumo repetir as colunas. Mas dessa vez, resolvi abrir uma exceção à própria regra que criei pois queria muito falar sobre esta saga. E esta era a melhor coluna para o tipo de argumento que eu desejava escrever. Já digo de antemão que o próximo artigo será de um tipo diferente (estou com saudades de escrever um “Tirou do Baú”).

Mas e aí, gostaram do texto? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito por achar o Enel um ~~bosta completo~~ vilão ruim? Se a resposta para alguma das perguntas acima é sim, a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada.

Além de comentar, sintam-se à vontade para compartilhar o link deste texto com seus amigos, familiares, colegas de trabalho, enfim...com gente que vai se interessar pelo conteúdo. Acreditem meus caros leitores, a participação de vocês é o que move a existência da Nerdologia Alternativa. ;)

Um grande abraço a todos e até a próxima.

OBS: Sei que isso é repetitivo, mas ainda estamos enfrentando uma situação de pandemia no mundo. Caso necessitem sair de casa, usem máscara, lavem bem as mãos e fiquem atentos ao distanciamento social. E claro, não deixem de se vacinar quando a oportunidade surgir. Cuidar da gente é também um ato de amor ao próximo. ;)

OBS2: A última imagem do artigo está em uma qualidade superior pois foi retirada do Episódio de Skypiea (Episōdo obu Sorajima, 2018), um especial de 105 minutos que resume o arco. Ele foi ao ar no dia 25 de agosto de 2018.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Penso, Logo Digito] O Efeito Snyder

2021-06-19T15:20:00.015-04:00

[Vitrine: Warner Bros./Divulgação]

Pois é meus caros leitores, para comemorar o lançamento do nosso novo layout ~~sim, estou datando esta postagem~~ nada melhor que um artigo novinho em folha para acompanhar. E nada mais temático do que inaugurar o novo visual do Nerdologia Alternativa com um texto sobre alguém que manja muito do assunto.

No artigo de hoje - o segundo da coluna "Penso, Logo Digito" - discutiremos sobre Zack Snyder, um dos cineastas mais populares da atualidade e dono de uma façanha que raríssimos profissionais de sua área podem ostentar.

E não, não me refiro ao título de "visionário"!

Durante as filmagens de Superman II: A Aventura Continua (Superman II, 1980) – que aconteceram de forma simultânea a do primeiro filme –, Richard Donner teve divergências com o estúdio e acabou sendo demitido dos sets e substituído por ~~pelo galhofeiro~~ Richard Lester. Vinte e seis anos depois deste episódio, Donner vivenciou uma oportunidade bastante única: o lançamento da segunda aventura do Homem de Aço, Supeman II: O Corte de Richard Donner (Superman II: The Richard Donner Cut, 2006).

Não estava exagerando quando disse que o veterano diretor vivenciou algo único. Retornar a um projeto ao qual foi desligado e ter novamente a oportunidade de levar a frente a sua visão sobre uma obra já lançada era algo impensável na indústria cinematográfica. Por conta disso, o lançamento de Liga da Justiça de Zack Snyder (Zack Snyder's Justice League, 2021) é um feito bastante louvável dadas as circunstâncias.

Dois fatores foram fundamentais para este acontecimento. O primeiro foi a escassez de grandes novidades para o HBO Max, a plataforma de streaming da Warner Bros. O segundo, e com toda certeza o mais determinante, foi o movimento #ReleaseSnyderCut que se iniciou após o desempenho decepcionante do filme Liga da Justiça (Justice League, 2017) nos cinemas. Esta manifestação exigia que a versão de Zack Snyder, que se afastou da direção do projeto meses antes do seu lançamento, fosse lançada pelo estúdio. Num momento inicial, tudo levava a crer que todo este clamor era apenas “fogo de palha”, mas conforme o tempo foi passando os pedidos continuaram e se intensificaram, contando com o engajamento de mais e mais pessoas, dia após dia.

Se, há 10 anos, me contassem que o Snyder se tornaria um dos diretores mais populares da atualidade, certamente não acreditaria. Naquela época, ele já contava em sua filmografia com obras que despertaram a atenção do espectador como Madrugada dos Mortos (Dawn of the Dead, 2004) e 300 (2007)...e trabalhos que despertavam o sentimento de amor e ódio do público como a “visionária” adaptação de Watchmen: O Filme (Watchmen, 2009). Só que nada tão grandioso a ponto de imaginar esta ascensão. Para efeitos de comparação, Christopher Nolan no mesmo período já havia dirigido filmaços como O Grande Truque (The Prestige, 2006), Batman: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008) e A Origem (Inception, 2010). Atualmente, Nolan é um cineasta muito popular e bem reconhecido pelo seu talento ~~e pelo seu ego enorme~~, mas em questão de apelo popular, não “lustra a claquete” do seu colega de profissão.

E isso era outra coisa que o meu “eu” do passado jamais imaginaria.

O homem, a lenda, o slow motion.
[Imagem 1: "Zack Snyder" by Gage Skidmore is licensed under CC BY-SA 2.0]

Mas afinal de contas, como um cineasta até então mediano transformou-se nesse fenômeno de popularidade a ponto de ter a permissão para retornar a um projeto até então resolvido? E qual a razão para que ele desperte tantas reações de amor e ódio por parte do público?

Esses foram os questionamentos que vieram à minha mente após assistir ao famigerado Liga da Justiça de 2021. E bem... acredito que sejam questões muito mais pertinentes de se discutir do que o motivo do Caçador de Marte (Harry Lennix) se preocupar muito mais com a Lois Lane (Amy Addams) cabulando serviço do que com o caos causado pelo Lobo do Estepe (Ciarán Hinds); ou, também, o motivo do Darkseid (Ray Porter) nunca ter retornado à Terra para recuperar as Caixas Maternas; ou, até mesmo, o motivo dos humanos acreditarem que esconder um artefato cósmico em um buraco de DOIS METROS seria suficiente para protegê-lo!

(E olha que achei esta versão melhor que a de 2017...).

Para responder meus questionamentos sobre o diretor (afinal este é o foco do artigo), é preciso contextualizar algumas coisas. Curiosamente, Christopher Nolan foi peça fundamental nesta história. Quando a Warner percebeu o que a Marvel e a Disney pretendiam fazer com os seus filmes de heróis, ela resolveu correr atrás do prejuízo. Com um novo filme do Superman como ponto de partida para a criação de seu universo cinematográfico, o estúdio foi atrás de Nolan para lhe oferecer o projeto. Ocupado com a produção de Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge (The Dark Knight Rises, 2012) e ~~sem saco algum~~ muita vontade de permanecer no gênero de Super-Heróis, ele acabou indicando Zack Snyder para a direção do longa-metragem.

Com desafio de colocar a Warner/DC no páreo, em 2013, Snyder lançou nos cinemas O Homem de Aço (Man of Steel, 2013), o primeiro filme do herói a se desprender da imagem criada por Christopher Reeve. Apesar das críticas mistas, os 668 milhões de dólares de bilheteria no mundo foram o suficiente para convencer os executivos de que o cineasta era o nome certo para assumir o comando do DC Extended Universe. Sem muito tempo a perder – afinal o filme dos Vingadores havia sido lançado no ano anterior –, a Casa do Pernalonga definiu o seu planejamento. A “fase inicial” do DCEU contaria com mais quatro produções e o diretor seria responsável pelas duas mais importantes: a sequência do Azulão e o tão esperado filme da Liga da Justiça.

Superman pronto para enfrentar os ~~apanhar dos~~ Kryptonianos em Smallville.
[Imagem 2: Warner Bros./Divulgação]

Três anos depois, o mundo presenciava o lançamento de Batman v Superman: A Origem da Justiça (Batman v Superman: Dawn of the Justice, 2016), obra que colocava os dois principais heróis da cultura pop para sair na porrada e de quebra ainda apresentava a Mulher Maravilha (Gal Gadot). Entretanto, nem a presença da Trindade Suprema da DC foi capaz de salvar o filme de ser uma decepção. “Batman v Superman” recebeu notas baixíssimas da imprensa especializada e Zack Snyder apanhou tanto da crítica que mais parecia o Seiya de Pégaso enfrentando o Aiolia de Leão. E para piorar, o longa fez “apenas” 872.7 milhões de dólares. Se considerarmos que a treta entre Capitão América e Homem de Ferro rendeu 1.153 bilhão de dólares, é uma diferença e tanto.

A performance de BvS desgastou a imagem do diretor. Mesmo permanecendo à frente do filme da Liga da Justiça, ele enfrentou uma série de atritos com a alta cúpula do estúdio. Primeiro ele passou a ser supervisionado de perto por Geoff Johns (chefe criativo da DC Entertainment) e Jon Berg (chefe de produções do estúdio). Com o primeiro corte do filme pronto, teve que escutar de Kevin Tsujihara (o chefão da parada) que o longa não deveria passar de DUAS HORAS de duração. E detalhe: são 120 minutos para apresentar novos heróis (Flash, Aquaman e Cyborg), um novo vilão (Lobo do Estepe) e todo o contexto da trama do filme. Claro, isso seria possível se o planejamento tivesse contemplado filmes solos para os três personagens, o que não ocorreu. O plano não incluiu filmes para trio e ainda “gastou” um dos poucos filmes “pré-Liga” para apresentar o Esquadrão Suicida.

Pois é...

O golpe final veio com a contratação do agora queimado Joss Whedon. Inicialmente contratado para reescrever trechos da obra, Whedon passou a ter mais e mais controle criativo sobre o projeto, chegando a realizar refilmagens de cenas. Para piorar a situação, Snyder ainda teve que passar por um grande drama pessoal. Em março de 2017, a sua filha mais velha (Autumn) cometeu suicídio. Com uma perda devastadora e um péssimo ambiente de trabalho, o cineasta pediu seu afastamento do projeto em maio daquele ano.

Mesmo que não seja um consenso em termos de qualidade, ‘O Homem de Aço’ e ‘Batman v Superman’ deram à carreira de Zack Snyder uma visibilidade que nenhum projeto anterior havia proporcionado. Lógico que muito se deve ao fato de serem filmes estrelados pelo Último Filho de Krypton e pelo Homem Morcego, mas não se deve desprezar que o seu estilo teve muita participação nisso. Com visual mais sombrio, personagens mais sisudos, cenas em slow motion ~~a atacado~~ e pouquíssimas gags, os longas são quase que uma antítese ao estilo das obras da Marvel, o que certamente chamou muita atenção.

Em contrapartida, a visão dos heróis apresentada se mostrou também um contraste à essência dos personagens, o que desagradou a muitos fãs. E somado às decisões polêmicas - e outras bem erradas - o diretor conseguiu com seus dois filmes uma polarização de opiniões ainda maior que as geradas por ‘Watchmen’. Se por um lado, essa situação colaborou para aumentar o ranço que muitos tem por ele, por outro lado, as polêmicas ajudam a manter viva as discussões sobre esses filmes. Prova disso, é que mesmo em 2021 ~~sim estou datando este artigo~~, ainda fazemos piada sobre o infame efeito Martha.

Não que seja a maneira ideal, mas isso também contribuiu para que o nome do cineasta ficasse na boca do povo.

Visualmente, Batman v Superman é fantástico. Mas o roteiro...
[Imagem 3: Empire/Warner Bros./Divulgação]

Particularmente, não considero Zack Snyder um profissional horroroso e muito menos um visionário (como aquele marketing safado da Warner queria nos vender). Como disse logo no início do texto, ele é um diretor mediano (um Michael Bay melhorado, eu diria). Julgo-o muito competente na parte visual, na elaboração de sequências de ação e na inserção de músicas nas cenas (com exceção daquela cena de sexo ao som de ‘Hallelujah’), mas ele é extremamente limitado no restante. Quando é preciso dirigir uma obra mais visual e com um roteiro mais linear (como foi o caso de ‘300’), ele manda super bem. Porém, quando necessita trabalhar com algo que exija “um pouco mais de entendimento”, ele demonstra ter a visão de um adolescente de 13 anos.

Um exemplo emblemático desta afirmação é o combate entre Superman e o General Zod (Michael Shannon), em ‘O Homem de Aço’. Visualmente a batalha entre os dois, enquanto ~~terraplanam~~ avançam por Metrópolis, é espetacular. Contudo, quando percebemos que o filho de ~~Jorel~~ Jor-El tem como princípio fundamental proteger os inocentes, toda a destruição que ele causa durante o confronto contradiz aquilo que ele acredita. Quando me refiro a “visão de um adolescente” é porque esta porradaria sem freios é algo que agradará os mais jovens. E não se engane, o fã do herói também quer assistir uma pancadaria de respeito, mas aí cabe ao profissional da direção ter a criatividade necessária para unir o útil ao agradável. Neste caso, a solução seria o Super levar a batalha para longe dos civis, mas o cineasta preferiu colocar ambos demolindo prédios pois é algo muito mais “daora”.

Apesar disso, meus caros leitores, não acho que a escolha de Snyder como diretor das produções da DC seja um completo equívoco. Porém, deixar as principais decisões do universo cinematográfico em suas mãos foi sim um grande deslize. Se desde o início a Warner colocasse um profissional ao seu lado capaz de suprir suas deficiências, os resultados poderiam ser melhores. Mas parece que a alta cúpula do estúdio acreditou naquela propaganda que o seu próprio departamento de marketing criou.

E por mais que o resultado entregue tenha ficado abaixo do esperado, a maneira como os executivos agiram durante a produção do filme da Liga foi completamente errada. Claro, Snyder tem sim sua parcela de culpa – ele conseguiu fazer um filme de Batman e Superman ser uma decepção e ainda escalou ~~Jesse Eisenberg como Lex Luthor~~ –, mas foram os engravatados que o escolheram para a direção e foram os mesmos que aprovaram aquele planejamento equivocado. A impressão que tive é que eles associaram todos os resultados ruins dos filmes do DCEU ao cineasta, o que é bastante injusto. Convenhamos!

Se o estúdio não estava feliz com o diretor, o mais prudente seria encerrar o vínculo e refazer a sua estratégia. Mas eles preferiram trocar o pneu do carro em movimento, mantendo Snyder na direção e diminuindo aos poucos o seu controle sobre o projeto - algo que ficou extremamente evidente quando incluíram o criador de Buffy: A Caça-Vampiros (Buffy the Vampire Slayer, 1997 - 2003) na jogada. Quando Zack se afasta do trabalho alegando motivos familiares e o estúdio resolve continuar o desenvolvimento do produto com Whedon no lugar, essa decisão pegou muito mal...

Ok, todos sabemos que Hollywood é uma indústria de entretenimento e a “roda precisa continuar” girando, mas a maneira como tudo foi resolvido foi muito longe do ideal.

Esse filtro vermelho na versão do Whedon ficou bem esquisito. Ponto para o corte do Snyder.
[Imagem 4: Warner Bros./Divulgação]

A dramática saída do cineasta, o PÍFIO desempenho de Liga da Justiça nas bilheterias - faturou APENAS 657.9 milhões de dólares - e as morna recepção da crítica ao longa motivaram os fãs do diretor a iniciar uma campanha nas redes sociais pela liberação da sua versão da obra, carinhosamente apelidada como SnyderCut. Apesar de se manter constante nas reivindicações pelo corte do filme durante um bom tempo, o movimento começou a encorpar quando passou a contar com auxílio do próprio Zack Snyder.

Snyder sempre foi um marketeiro de mão cheia. Ele adora compartilhar seus projetos e suas ideias, seja em entrevistas, eventos ou mídias sociais. Um belo exemplo desta sua faceta que sempre me vem à mente é o anúncio de ‘Batman v Superman’ durante San Diego Comic-Con de 2013, onde ele fez o ator Harry Lennix declamar um diálogo icônico do Batman retirado da graphic novel O Cavaleiro das Trevas. Naquele dia, tanto o Hall onde aconteceu o painel quanto a internet foram tomados por um grande sentimento de empolgação e de euforia.

Quando ele percebeu que a manifestação de seus fãs nas redes não era um mero “fogo de palha”, passou a atiçar a curiosidade deles compartilhando imagens de bastidores de seus filmes do DCEU e as ideias que tinha para a sua versão do longa, como a presença do Caçador de Marte e do Darkseid. E convenhamos, meus caros leitores, Zack foi muito esperto. O cara sabia que a probabilidade de lançar o seu corte seria baixíssima, tanto que quando era questionado sobre o assunto, sempre afirmava que era muito improvável de acontecer. Ao perceber que as pessoas não paravam de pedir pela sua versão, simplesmente apostou nisso. E de fato, a partir do momento que ele começou a “colaborar”, o engajamento das pessoas aumentaram, chegando a contar inclusive com apoio de membros do elenco como Jason Momoa, Gal Gadot, Ben Affleck, Ray Fisher e Joe Manganiello.

É inegável a importância da mobilização popular, mas este projeto não veria a luz do dia se não fosse pela criação da HBO Max. Com um mercado cheio de fortes concorrentes como a Netflix, Amazon Prime Video e Disney+, a Warner não só viu no SnyderCut um forte chamariz para o seu catálogo como também viu no movimento uma alta possibilidade de conversão de assinaturas. Sim, foi uma decisão guiada pelo lado financeiro, mas sejamos sinceros, a empresa não se arriscaria em lançar nos cinemas ou em Blu-Ray uma nova versão de um filme que fracassou (é um investimento sem certeza de um bom retorno). E neste caso, o lançamento via streaming é muito mais vantajoso.

Além de uma vitória dos fãs, a existência deste “novo” Liga da Justiça foi uma grande vitória para Zack Snyder. Com um novo status, ele não só voltou a trabalhar com o estúdio com quem tivera problemas como também recebeu um orçamento extra para finalizar o seu corte – cerca de 70 milhões de dólares – e a liberdade de lançar o seu projeto da forma que desejasse. Claro que o fato do longa ser um projeto para o HBO Max ajudou muito nessa questão do controle sobre a obra. E que diretor não gostaria de ter essa liberdade?

"Conseguimos amigos, nós salvamos o mundo...e sem a ajuda daquele folgado do Caçador de Marte!"
[Imagem 5: HBO Max/Divulgação]

A única repercussão negativa que essa manifestação popular gerou foi ~~explodir~~ aumentar o EGO do diretor. Sendo bastante justo, vez ou outra ele dava declarações que soavam arrogantes. Mas após conseguir recuperar o controle criativo do seu filme, o que se viu foi um verdadeiro "Release the Kraken" de sua egolatria. Nesse meio tempo, fez uma declaração dizendo que a sua versão do longa era feita para adultos, liberou um pôster oficial dedicado ao rolo de filme do seu próprio trabalho, o segundo trailer divulgado do projeto acabou sendo O MESMO trailer divulgado anteriormente... só que em PRETO-E-BRANCO, e claro, algumas decisões a respeito do formato da sua obra (como o famigerado formato 4:3). Nem preciso dizer que essas atitudes fez o ranço da turma ficar ainda mais forte.

E antes que perguntem o motivo de eu não ter citado o uso de ‘Hallelujah’ do Leonard Cohen nos dois primeiros trailers, inicialmente também achei que era uma jogada de ego (“Aleluia, o meu corte vai sair.”). Mas descobri que a canção era a favorita de sua filha falecida. Inclusive, a versão que aparece nos créditos finais do SnyderCut é de Allison Crowe, cantora e compositora canadense que cantou a música durante o funeral de Autumn. Ou seja, o uso do tema nos trailers e no filme nada mais era do que uma homenagem de um pai para a sua filha.

Podemos criticar o diretor por várias coisas, mas não nesse ponto.

Após o lançamento de seu corte no HBO Max, Snyder fez questão de ressaltar que seu filme não terá uma continuação e que aquele seria o ponto final de sua visão dos personagens da DC. Entretanto, o filme não só termina com um baita gancho para uma continuação ~~com direito a um Ben Affleck com muita má vontade em cena~~, como o próprio diretor tem divulgado imagens de uma participação de um Lanterna Verde (que não foi ao ar) e várias ideias de como seriam as sequências.

Suspeito que essa não será a última vez que veremos Superman e cia sob os olhos do “visionário” Zack Snyder.

----------------------------------------

Muito bem meus caros leitores e amigos, este foi mais um texto da coluna "Penso, Logo Digito".

E aí, curtiram? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar muito?

A área de comentários é o lugar onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. E acreditem, a participação de vocês é o que move a existência do Nerdologia Alternativa. ;)

Gostaria de aproveitar a oportunidade de fazer um agradecimento especial ao casal de amigos Yasmine e Gustavo Felipe. A mudança de layout do blog é algo que venho planejando a pelo menos uns três anos. E dessa vez, ela finalmente foi colocada em prática graças a ajuda de ambos que me auxiliaram bastante no processo e foram responsáveis pela criação da nova logo e da nova identidade visual que estará presente em nossas redes sociais.

Se vocês precisarem de designers para seus projetos, os dois são excelentes.

Espero também que vocês gostem do nosso novo visual. Mais do que uma simples tapa na aparência, a minha intenção foi melhorar a interação dos usuários com a página, especialmente os que usam dispositivos móveis para acessar os artigos. Vários ajustes ainda serão feitos nos próximos dias, mas creio que muitos já notaram a melhora na experiência com o que temos no momento.

Bem meus caros leitores, vou ficando por aqui.

Até o próximo artigo!

OBS: Estamos em um período de alta (de novo) na pandemia de Covid-19 em nosso país. Caso necessitem sair de casa, usem máscara, lavem bem as mãos e fiquem atentos ao distanciamento social. Cuidar da gente é também um ato de cuidado ao próximo. ;)

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[NerdFacts] Grandes Injustiças do Oscar

2021-02-20T17:56:00.017-04:00

Vitrine: Photo by Karen Zhao on Unsplash

Pois é meus caros leitores e amigos, após mais um hiato de publicações, estamos de volta com mais um artigo neste blog que muito estimo.

Dessa vez, trago a vocês algo que penso em escrever desde os primórdios do Nerdologia Alternativa, um ~~Tirou do Baú sobre o desenho da Liga da Justiça~~ texto sobre as Grandes Injustiças do Oscar. E apesar da piadinha na vitrine, comentarei absolutamente nada sobre Cidadão Kane (Citizen Kane, 1941).

Fica para a próxima, Orson Welles.

Antes de começarmos, é bom deixar claro que a minha intenção aqui não é fazer um compilado das maiores injustiças cometidas pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas. A minha ideia é expor alguns casos que considero injustos (alguns sendo reconhecidos pela comunidade e outros não). Em outras palavras, irei ~~cagar regra~~ expor algumas opiniões pessoais sobre situações relacionadas a premiação.

E como meus últimos artigos foram enormes (o último sobre Persona deu 25 páginas de Word), este será um texto muito mais modesto, contendo somente seis tópicos, digitados em modestas 8 páginas. Sim, eu me contive, admito. :P

Sem mais delongas, vamos a eles!

Julia Roberts vencer a categoria de Melhor Atriz por Erin Brockovich

"E ai eu disse para ele - George, não é biscoito, é bolacha!"

Atualmente muitos devem conhecer a Julia Roberts como a tia legal da Emma Roberts. Mas, quem tem os seus 30 e poucos anos, conheceu a atriz como o grande sinônimo de estrela hollywoodiana. Durante os anos 90, Roberts era conhecida como a Namoradinha da América, título que recebeu após estrelar o filme que catapultou a sua carreira ao estrelato, Uma Linda Mulher (Pretty Woman, 1990).

Ler o nome original deste filme sempre me traz a música do Roy Orbison na cabeça. :P

Mais do que colocar o seu nome no imaginário do grande público (Inception?!), a comédia romântica também lhe garantiu a sua segunda indicação ao Oscar e a primeira na categoria de Melhor Atriz. Isso mesmo, a atriz já havia feito sua estreia na cerimônia um ano antes com a indicação de Melhor Atriz Coadjuvante por Flores de Aço (Steel Magnolias, 1989). Logo, tudo indicava que ela seria figurinha carimbada nas próximas premiações.

Não foi o que aconteceu.

Mesmo com a popularidade em alta, Julia Roberts passou o restante da década sem qualquer indicação por parte da Academia. Ela só voltaria a figurar entre os indicados em 2001, graças a sua atuação em Erin Brockovich: Uma Mulher de Talento (Erin Brockovich, 2000). Munida de uma interpretação sólida e de uma personagem real (algo que os membros do Oscar costumam valorizar muito), a Namoradinha da América finalmente conquistou a sua estatueta

Pena que ela não tenha merecido.

Sim, sei que a minha opinião irá contra o resultado das principais premiações da época (Roberts venceu a grande maioria), mas dessa vez não estarei alinhado com estes resultados por um simples e claro motivo: quem merecia o prêmio era ~~a mamãe da Regan~~ Ellen Burstyn por sua performance em Réquiem para um Sonho (Requiem for a Dream, 2000).

Dirigido por Darren Aronofsky, 'Réquiem' não é um filme fácil. A forma como o longa retrata os vícios humanos é tão crua e devastadora que é quase impossível terminá-lo sem se sentir destruído por dentro. E grande parte desse sentimento vem por conta da personagem de Burstyn, uma dona de casa que acaba se viciando em remédios para emagrecimento devido ao sonho de usar um vestido antigo em um programa de TV. A inesquecível atuação da veterana é tão visceral e impressionante que a minha vontade durante os créditos finais era ligar para atriz para saber se ela estava bem.

E digo mais, embora Jared Leto, Jennifer Connelly e até o próprio Marlon Wayans estejam muito bem em seus papéis, 'Réquiem para um Sonho' sem a Ellen perderia uma grande parte da sua carga dramática e essência. Sério mesmo, o que ela faz no longa-metragem do Aronofsky foi algo extremamente surreal.

“Se a atuação dela foi tão memorável, por que ela ~~ficou no cheirinho~~ perdeu?” – alguns de vocês devem estar se questionando.

Ellen Burstyn já havia vencido uma estatueta em 1975 na categoria Melhor Atriz pelo drama Alice Não Mora Mais Aqui (Alice Doesn't Live Here Anymore, 1974). Além disso, naquela fatídica noite de 25 de março de 2001, a veterana estava concorrendo contra uma das atrizes mais populares DO MUNDO. Acredito que esses dois motivos foram decisivos para que ela não ficasse com o prêmio.

Apesar do reconhecimento das grandes premiações da época, o fato de Burstyn não ter levado um prêmio sequer por conta deste papel é algo tão difícil de aceitar quanto o destino da sua personagem no filme.

‘A Bússola de Ouro’ vencer a categoria de Melhores Efeitos Visuais

Creio que membros da Academia nunca assistiram um comercial natalino da Coca-Cola.

Graças a trilogia ‘O Senhor dos Anéis’ (The Lord of the Rings) de Peter Jackson, os estúdios de cinema passaram a enxergar o mês de dezembro como um período propício para grandes lançamentos que antes estavam restritos ao verão norte-americano (também conhecido como época dos blockbusters). Nos anos seguintes, o último mês do ano se viu como referência para a chegada de superproduções como As Crônicas de Nárnia: O Leão, a Feiticeira e o Guarda-Roupa (The Chronicles of Narnia: The Lion, the Witch and the Wardrobe, 2005), King Kong (2005), Eragon (2006) e A Bússola de Ouro (The Golden Compass, 2007), que como vocês perceberam pelo título ~~e pela piadinha infame na imagem acima~~, é um dos nossos principais assuntos do tópico.

Adaptação do primeiro livro da série ‘Fronteiras do Universo’ (His Dark Materials) de Philip Pullman ~~que não é parente do Bill~~, o filme do diretor Chris Weitz contava com elenco mega estrelado (Nicole Kidman, Daniel Craig, Ian McKellen, Eva Green, Ian McShane, Sam Elliott, Christopher Lee e Kathy Bates) e um orçamento capaz de recriar todo o universo pensado por Pullman (180 milhões de doletas). Com tamanho investimento e dedicação por parte da New Line Cinema, o filme tinha tudo para dar certo...só não contavam que nem a crítica, nem o público e muito menos os fãs do livro ficariam muito satisfeitos com o que assistiram.

Esta insatisfação com a obra acabou se refletindo nas bilheterias. Embora tenha conseguido expressivos 302 milhões no mercado externo, nos Estados Unidos a produção ficou muito longe de se pagar, faturando apenas 70 milhões de doletas. Ou seja, um baita FRACASSO.

Mesmo com o resultado decepcionante, o prêmio de consolação para o longa dos Ursos Polares ~~da Coca-Cola~~ veio meses depois. Indicado na categoria de Melhores Efeitos Visuais, o filme superou o grande favorito – o Transformers (2007) de Michael Bay – e levou para casa a estatueta dourada. Particularmente, NUNCA consegui engolir a vitória de ‘A Bússola de Ouro’. Passaram quase treze anos desta fatídica premiação e continuo com o mesmo pensamento, que ‘Transformers’ foi GARFADO na cara dura.

Imagino que muitos de vocês estejam pensando “não posso acreditar que ele vai defender ~~essa bosta~~ esse filmeco”. E veja bem meus caros leitores, entendo perfeitamente que tenham este pensamento. Afinal de contas, Michael Bay causou um belo estrago na imagem da franquia. Contudo, é preciso lembrar que, ao contrário das sequências, o filme original é bem legal. Embora Bay esteja na direção, a presença de Steven Spielberg – que é produtor executivo – ajudou a segurar os maneirismos do diretor, resultando em uma adaptação competente e com grandes cenas de ação.

Quanto aos efeitos visuais, em ano em que tivemos Piratas do Caribe: No Fim do Mundo (Pirates of the Caribbean: At World's End, 2007), Homem-Aranha 3 (Spider-Man 3, 2007), Harry Potter e a Ordem da Fênix (Harry Potter and the Order of the Phoenix, 2007) e A Lenda de Beowulf (Beowulf, 2007), ‘Transformers’ foi a produção que mais me surpreendeu neste quesito. Os efeitos visuais não só adaptaram de forma eficaz as transformações dos Autobots e dos Decepticons como também tornaram os sobreviventes de Cybertron em personagens bastante críveis em tela. E graças a direção “mais controlada” do diretor ~~que adora explodir as coisas e fazer planos em 360º~~, quando dois robôs entravam em combate, era possível sentir o peso de cada golpe trocado entre eles.

Lembram que eu mencionei que o filme era o grande favorito ao Oscar? Esse favoritismo se construiu graças ao seu desempenho durante a época de premiações, onde ele levou quase todos os prêmios relacionados a efeitos visuais. Os mais importantes foram recebidos durante a 6º Premiação da Sociedade de Efeitos Visuais (6th Visual Effects Society Awards), onde se sagrou o grande vitorioso da edição. O longa-metragem conquistou 4 dos 6 prêmios que foi indicado. Os outros dois acabaram sendo vencidos pela 3º aventura de Jack Sparrow e seus amigos.

E quanto a ‘A Bússola de Ouro’?

Apenas uma indicação e nenhum prêmio.

Sério, o que esse pessoal da Academia bebeu quando escolheu este filme

Acredito que ~~foi tequila~~ o fato do longa de Chris Weitz ter sido lançado no período dos filmes destinados a premiação (ele chegou aos cinemas em 7 de dezembro de 2007) acabou ajudando a fixá-lo na memória dos votantes. Há também quem defenda que os membros da Academia tenham aversão aos filmes do Michael Bay (convenhamos, dá para entender o motivo :P).

Seja qual for o motivo, a derrota de Optimus Prime e cia foi uma das maiores injustiças que já presenciei na categoria de Melhores Efeitos Visuais. Ok, também não engulo o fato de Tron: O Legado (Tron Legacy, 2010) não ter recebido uma indicação pelos seus efeitos, mas isso fica para outro artigo...

‘Operação Big Hero’ vencer a categoria de Melhor Animação

Baymax é incrível, mas não o suficiente para merecer um Oscar.

Embora longas-metragens em animação existam desde o início do século passado – com o primeiro sendo El Apóstol (1917) do argentino Quirino Cristiani – a categoria de Melhor Animação só passou a existir a partir da edição de 2002, com Shrek (2001) como o primeiro vencedor do prêmio. Apesar da vitória do Ogro da Dreamworks, o que se viu nos anos seguintes foi uma completa dominância por parte da Disney (em especial da Pixar). Para vocês terem uma ideia, das dezenove edições da premiação, a Casa do Mickey Mouse só perdeu em SEIS oportunidades.

Sendo bastante justo, a grande maioria dessas vitórias foram merecidas. Produções como Procurando Nemo (Finding Nemo, 2003), Wall-E (2008), Toy Story 3 (2010) e Zootopia (2016) - só citando algumas - foram amplamente superiores a seus concorrentes pelo prêmio. Entretanto, é claro que entre esses treze prêmios houve casos em que a marca Disney teve muito mais peso do que a qualidade do filme. O Oscar de Operação Big Hero (Big Hero 6, 2014) na edição 2015 foi um grande exemplo disso.

Vejam bem, não acho que a animação seja um filme ruim, muito longe disso. A qualidade da animação é muito competente, a trama é bem construída, Baymax é um personagem cativante e ainda temos Stan Lee fazendo uma ponta como o pai do Marcos Mion...ops digo...como o pai do personagem dublado pelo Mion. 'Operação Big Hero' é uma grande animação e merecia, sem sombra de dúvidas, estar entre os indicados. Mas ele não era o melhor entre os selecionados.

Como Treinar o Seu Dragão 2 (How To Train Your Dragon 2, 2014) seria uma escolha muito mais justa da Academia. Segundo capítulo da melhor série de filmes de animação criada pela Dreamworks ~~chupa Shrek~~, a sequência das aventuras de Soluço e Banguela não é apenas uma animação melhor que a concorrente, mas também é uma aula de como se produzir uma sequência. A obra apresenta um amadurecimento em vários aspectos em relação a sua antecessora: a qualidade da animação é superior, os personagens evoluíram muito de uma película a outra (no primeiro eram crianças e agora são adolescentes), a aventura da trama é muito maior e a perda que protagonista precisa enfrentar é ainda mais devastadora.

Durante a temporada de premiações, tudo indicava que a “empresa do pescador lunar” finalmente levaria o seu segundo Oscar. Após levar para casa um Globo de Ouro, a animação ainda se sagrou a grande vencedora do Annie Award 2015 – aka Oscar das Animações – conquistando seis das oito categorias que concorreu. Claro, é preciso citar que uma das que perdeu (Realização Notável em Efeitos Animados) foi para 'Operação Big Hero'. Contudo, tudo leva a crer que naquele ano o lugar da Disney seria na plateia.

Mesmo merecendo muito mais, 'Como Treinar Seu Dragão 2' não seria a minha escolha para o prêmio. Se dependesse deste que vos escreve, o grande vencedor seria O Conto da Princesa Kaguya (Kaguyahime no Monogatari, 2013). Sério meus caros leitores, esta animação é uma verdadeira OBRA PRIMA. O que o Studio Ghibli nos entrega aqui é algo próximo de assistirmos a um quadro pintado a tinta óleo em movimento.

Não tem como não ficar maravilhado com este filme.

‘Princesa Kaguya’ também esteve presente nas principais premiações da época, mas não obteve o mesmo destaque que seus concorrentes. Acredito que o fato de ser baseado em uma lenda japonesa sem final feliz acabou prejudicando a animação durante as votações. Claro, ser uma produção estrangeira em meio a várias produções locais também é algo que não deve ser descartado como motivo. Mas de qualquer maneira, com ou sem prêmios, este é um filme é um filme que necessita ser apreciado por qualquer pessoa que se diz amante de cinema e de animações.

Assistam e comprovem.

‘Spotlight: Segredos Revelados’ vencer como Melhor Filme

A expressão Mark Ruffalo foi a mesma que tive ao presenciar a vitória de 'Spotlight'

Na última década (2011 – 2020), as edições do Oscar década foram marcadas por escolhas pra lá de questionáveis ao prêmio da categoria de Melhor Filme. Discurso do Rei (The King's Speech, 2010) em 2011, Argo (2012) em 2013, Birdman ou (A Inesperada Virtude da Ignorância) (Birdman or (The Unexpected Virtue of Ignorance), 2014) em 2015 e Green Book: O Guia (Green Book, 2018) em 2019 são exemplos de vitórias que não deixaram público e crítica inteiramente satisfeitos. Alguns inclusive ~~cof cof Green Book cof cof~~, serão presenças garantidas em edições futuras deste artigo.

Certamente, a vitória mais questionável – e injusta – da década passada aconteceu durante a edição de 2016, onde Spotlight: Segredos Revelados (Spotlight, 2015) se sagrou o grande vencedor do prêmio mais disputado da noite. O longa de Tom McCarthy superou produções como O Regresso (The Revenant, 2015), Perdido em Marte (The Martian, 2015), A Grande Aposta (The Big Short, 2015) e Mad Max: Estrada da Fúria (Mad Max: Fury Road, 2015).

Antes de mais nada, é preciso ressaltar que ‘Spotlight’ é um ótimo filme. Além de trazer para tela a história por trás da investigação do jornal Boston Globe nos casos de abuso sexual infantil envolvendo a Arquidiocese Católica da cidade, o elenco se mostra muito afiado frente a um tema bastante pesado (Mark Ruffalo está sensacional). É o tipo de obra que toda faculdade de jornalismo deveria exibir para os seus estudantes.

Só que a escolha do longa como Melhor Filme foi algo bastante incoerente para os padrões da premiação. Veja bem meus caros leitores, é verdade que o vencedor do prêmio principal nem sempre será aquele que acumulou a maior quantidade de vitórias na noite, mas normalmente, o grande vencedor termina levando no mínimo quatro troféus para casa. E sabem quantos o longa de Tom McCarthy levou ao final?

Somente dois.

Como que o melhor filme conta apenas dois prêmios? Isso não faz sentido. Se 'O Regresso' tivesse levado a categoria principal, seria algo totalmente aceitável já que contava com três vitórias, sendo que duas delas em categorias de peso (Melhor Ator e Melhor Diretor). Roteiro Original é um prêmio incrível, mas sozinho ele não é o suficiente para sustentar o merecimento do Oscar Principal.

E sendo bastante sincero...este prêmio era de ‘Mad Max: Estrada da Fúria’

Ok ok, sei que ‘Estrada da Fúria’ não possui um roteiro tão rico quanto de ‘Spotlight’ e que não conta com atuações dignas de premiação (embora sejam todas muito boas). No entanto, o longa-metragem de George Miller foi um dos maiores ESPETÁCULOS AUDIOVISUAIS que presenciei no cinema nos últimos anos. Foi um dos pouquíssimos filmes que me deixaram eufórico do começo ao fim.

O longa é uma verdadeira ópera do caos pós apocalíptico. :D

Isso é mérito total do Miller (o George, não o Frank). O diretor poderia muito bem ter juntado todo o elenco, gravado suas cenas em um estúdio e deixado todo o trabalho pesado para o departamento de efeitos visuais. Não foi o que ele fez. Para rodar o longa, ele levou a sua equipe para o deserto da Namíbia onde filmou as cenas de perseguição usando dublês e muitos efeitos práticos. E isso, meus caros leitores, é o que garante grande parte do realismo e da adrenalina nas sequências de perseguição.

E claro, somado a isso a trilha sonora espetacular de Junkie XL (que não recebeu indicação pelo trabalho), uma edição que não faz o espectador perder nenhum detalhe em meio ao caos e personagens incríveis – Max Rockatansky, Immortan Joe e claro, a Imperatriz Furiosa - temos um dos filmes mais marcantes dos últimos anos. Na boa, se cada pessoa, seja um espectador comum, cinéfilo ou crítico, elaborar a sua lista de longas-metragens dos últimos dez anos, a chance do quarto ‘Mad Max’ estar presente é muito superior a ‘Spotlight’.

A Academia teve a chance de premiar um dos filmes da década e optou em não o fazer. A falta de tato dos membros desta instituição é algo impressionante.

‘Esquadrão Suicida’ levar o prêmio de Melhor Maquiagem

Suas definições para "péssima adaptação de quadrinhos" foram atualizadas.

Embora seja o mais controverso dos longas-metragens do DCEU - isto porque estamos a dias do lançamento do famigerado ‘Zack Snyder’s Justice League’ (aka SnyderCut do filme da Liga) - Batman v Superman: A Origem da Justiça (Batman v Superman: Dawn of Justice, 2016) não é o pior filme deste universo cinematográfico. Decepcionante? Com toda certeza. Mas não dá para dizer que é a maior porcaria que a Warner/DC produziu, especialmente quando se tem um Esquadrão Suicida (Suicide Squad, 2016) no mesmo balaio.;

A obra do diretor David Ayer não é apenas a pior coisa já produzida neste universo cinematográfico da DC, é uma das adaptações de quadrinhos mais DESASTROSAS que tivemos na última década. Graças a uma série de refilmagens visando transformá-lo em algo mais próximo de um Guardiões da Galáxia (Guardians of the Galaxy, 2014), o projeto se transformou em um verdadeiro Monstro de Frankenstein. São tantas cenas com tons diferentes nesta colcha de retalhos que o resultado é um filme totalmente sem tom e sem alma.

Poderia também citar o roteiro queijo suíço, os personagens insossos (Oi Capitão Bumerangue), os péssimos antagonistas (Magia destaque de Escola de Samba), o deslocado (e descolado :P) Coringa do Jared Leto e o Batman que ataca, sem qualquer pudor, um vilão no momento em que ele está passeando com a sua filha menor...mas o meu objetivo aqui não é apontar os inúmeros defeitos desta bomba nuclear...ao menos desta vez.

Apesar do grande desastre homérico que descrevi, ‘Esquadrão Suicida’ não só garantiu números bastantes expressivos na bilheteria – garantiu mundialmente 746,8 milhões de doletas – como também conseguiu a façanha de receber uma indicação na categoria de Melhor Maquiagem e Penteado....E AINDA CONSEGUIU VENCÊ-LA!!!

Deixando a minha raiva ~~por ter gastado o meu dinheiro e o meu tempo para ver esta bosta nos cinemas~~ de lado e (tentando) sendo bem racional, por mais bizarro que seja ver um filme tão ruim concorrer a uma estatueta no Oscar, a sua indicação faz sentido. Personagens como o Crocodilo, Arlequina, Magia e o próprio Coringa são frutos de um trabalho competente de maquiagem realizado pela equipe do trio Alessandro Bertolazzi, Giorgio Gregorini e Christopher Allen Nelson. Só que mesmo merecendo a indicação, a vitória do longa é algo inaceitável, ainda mais considerando que Star Trek: Sem Fronteiras (Star Trek Beyond, 2016) estava na disputa.

Sério, aqui era o tipo de situação que não tinha comparação. Sim, a recriação do Crocodilo como um personagem em live-action foi bastante impressionante, só que ele parece fato comum dentro da diversidade de novas espécies de alienígenas apresentada em ‘Sem Fronteiras’. Vencedor do Oscar de Maquiagem pelo reboot cinematográfico de Star Trek (2009), Joel Harlow (que aqui faz parceria com Richard Alonzo) conseguiu entregar um trabalho ainda mais impressionado do que aquele que garantiu o prêmio.

Querem ver só? O vilão de Idris Elba é um belo exemplo do que Harlow e Alonzo foram capazes. Krall era um oficial humano da Frota Estelar que perdeu a sua aparência humana após utilizar uma tecnologia alienígena (ela prolonga a sua vida do usuário ao retirar a força vital de outros seres vivos). A partir do terceiro ato, o antagonista passa aos poucos a regredir para a sua forma humana. E cada passo dessa metamorfose é apresentado no filme usando apenas maquiagem.

Outro personagem que vale destacar é uma tripulante alien da Enterprise que escondia um artefato do vilão Krall em sua nuca. E como ela fazia isso? A parte posterior da sua cabeça era uma espécie de caixa que se abre como se fosse várias patas de um caranguejo. E meus caros leitores, que coisa espetacular. Esta foi uma das personagens que mais me impressionaram quando assisti o longa no cinema.

Agora, se as minhas palavras não estão sendo o suficiente para convencer vocês, basta observarem a imagem abaixo:

Só digo uma palavra: UAU!

Saquem só a complexidade e a riqueza de detalhes desta alienígena. Tudo isso feito usando apenas maquiagem e sem um único pixel de computação gráfica. Um trabalho simplesmente espetacular. Mas na opinião dos votantes do Oscar, o “Coringa MC Guimê” é muito mais impressionante.

Parabéns campeões!

Peter O’Toole: Múltiplas Indicações e Nenhum Prêmio

Academia, não cometa com a Glenn Close a mesma injustiça que vocês fizeram com Peter O'Toole.

Quem aqui não se lembra da jornada de Leonardo DiCaprio em busca de seu primeiro Oscar?

Cercada de bastante expectativa ~~e de memes~~, a cruzada do ator terminou em 2016, quando venceu o prêmio de melhor ator pelo seu papel em 'O Regresso'. Não há dúvidas que DiCaprio é um profissional talentosíssimo, mas mesmo com este reconhecimento, ele só conseguiu a sua estatueta em sua quinta indicação a premiação. E olha que ele já merecia ter vencido pelas suas performances em O Aviador (The Aviator, 2004) e O Lobo de Wall Street (The Wolf of Wall Street, 2013).

Costumamos acreditar que grandes atores de Hollywood são como Jack Nicholson e Daniel Day-Lewis, que possuem tantas estatuetas que podem se dar ao luxo de usar algumas como peso de papel, mas a realidade está mais próxima do caso do DiCaprio, onde atores e atrizes levam alguns anos para serem premiados e, quase sempre, não pelos papéis de suas vidas. Mas há casos ainda piores, como o de Peter O’Toole.

Britânico de ascendência irlandesa, O’Toole foi um ator que despontou para o mundo durante a última década da famosa Era de Ouro Cinema. Reconhecido como um ator Shakespeariano durante o período que atuou no teatro, ele trouxe toda experiência dos palcos para os sets de filmagem. Para vocês terem ideia, ele colecionou em sua filmografia grandes obras como Lawrence da Arábia (Lawrence of Arabia, 1962), O Leão no Inverno (The Lion in Winter, 1968), A Classe Governante (The Ruling Class, 1972), O Substituto (The Stunt Man, 1980) e O Último Imperador (The Last Emperor, 1987).

Participou também de algumas produções ~~bem safadas de ruim~~ questionáveis como Supergirl (1984), mas isso não vem ao caso. :P

Desde que despontou para o mundo no papel T.E. Lawrence, a maioria das grandes atuações do britânico foram reconhecidas com indicações ao Oscar, só que elas nunca foram o suficiente para lhe render uma estatueta. Veja bem, seria uma situação completamente aceitável...se não fosse pelo fato dele ter sido indicado OITO VEZES!!!

Isso mesmo que vocês leram, OITO indicações e nenhum prêmio.

Um ator do quilate de Peter O’Toole não ter vencido um Oscar por si só já é um escândalo. Dar a esperança em oito indicações e fazê-lo retornar de mãos abanando em todas é uma PUTA SACANAGEM com o profissional. A má-vontade dos membros da Academia com o ator acabou o transformando no maior perdedor da história do Oscar, título que o próprio lhe conferiu após a sua última participação na premiação.

Quando digo que existia um desinteresse pelo ator é porque houve oportunidades em que ele merecia levar o prêmio para casa, mas os votantes acabaram optando por outras pessoas. Em 1963, não seria nenhum absurdo se tivesse vencido por seu papel em Lawrence da Arábia, mas acabou perdendo para ~~o papai do Damian~~ Gregory Peck de O Sol é para Todos (To Kill a Mockingbird, 1962), que na época passava por uma fila de indicações sem prêmios. Entretanto, o absurdo aconteceu em 1969, quando o ator – que fora indicado pelo trabalho em O Leão no Inverno - perdeu o prêmio para ~~o Tio Ben do Peter Parker~~ Cliff Robertson de Os Dois Mundos de Charly (Charly, 1968).

E detalhe: a vitória de Roberton veio da ÚNICA indicação que ele teve em sua carreira.

Percebendo a injustiça que estava cometendo com o britânico, a Academia resolveu em 2003 entregar a ele um Oscar Honorário pelas suas contribuições com a história do cinema. Embora soasse como um grande prêmio de consolação - o que na verdade é - ao menos foi a oportunidade do astro finalmente subir ao palco principal e receber os aplausos do público após sete tentativas frustradas.

“Sete?! Mas você não disse que ele teve oito indicações?”

Isso mesmo. Acontece que quatro anos depois, O’Toole teve a sua última chance de concorrer ao Oscar (até porque ele faleceu em 2013) graças a sua interpretação no longa-metragem Venus (2006). Seria a chance perfeita para Oscar reparar a forma como tratou o ator em suas premiações passadas. O problema é que havia um Forest Whitaker com o seu O Último Rei da Escócia (The Last King of Scotland, 2006) pelo caminho.

Até o universo conspirou para que Peter O’Toole não vencesse o seu Oscar. :(

-----------------------------------

E aí? Gostaram dele? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação ou simplesmente me xingar por ter defendido o 'Transformers' do Michael Bay?

A área de comentários é o lugar onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Além disso, temos também as nossas Redes Sociais no Twitter e no Facebook, onde podemos trocar uma ideia sobre os artigos do blog e até mesmo sobre outros assuntos. Acreditem, a participação de vocês, meus queridos leitores, é o que move a existência ~~deste blog xexelento~~ do Nerdologia Alternativa. :)

Um grande abraço a todos e até a próxima.

OBS: Se vocês ficaram com um gostinho de "quero mais", recomendo o excelente texto escrito pela Giovanna Pini.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[NerdTop] 10 Grandes Social Links da Série Persona

2020-08-17T20:21:00.004-04:00

Pois é, meus caros leitores, depois de passar cerca de seis meses me aventurando nos jogos da série de JRPG Persona – quem segue o o nosso twitter acompanhou esta jornada –, era praticamente certo de que, cedo ou tarde, sairia um artigo sobre o tema.

Após divagar bastante sobre o que escrever, decidi elaborar um NerdTop sobre um dos pontos mais incríveis da franquia, as waifus os Social Links. Portanto meus amigos, no artigo de hoje conheceremos 10 Grandes Social Links da Série Persona.

Se preparem, pois o texto está gigante!

Antes de mais nada, gostaria de ressaltar duas coisas:

Primeiramente, a lista foi montada com base nos Personas que joguei, isto é, Persona 3 FES, Persona 4 e Persona 5. Sei que há Social Links em Persona 3 Portable e Persona 4 Golden que poderiam facilmente integrar o artigo, mas como optei por incluir apenas os S. Links presentes nas versões que tive acesso, esses outros acabaram ficando de fora.

É...não foi dessa vez, Shinjiro Aragaki e Tohru Adachi!

Por fim, ressalto que teremos spoilers de cada Social Link que compõe o texto. Caso você, meu nobre leitor, ainda não jogou algum dos games citados (ou nenhum deles ~~o que mostra que você gosta mesmo do meu texto...ou provavelmente chegou aqui por acaso~~), já fique de sobreaviso

Chega de enrolação e vamos ao que interessa!

10. Tae Takemi (Death/Persona 5)

"Twenty, twenty, twenty, four hours to go...I wanna be sedated!"

Uma das coisas mais legais que os Social Links trouxeram para a série foi a possibilidade de iniciar romances. E no quesito interesses amorosos, Persona 5 é certamente o jogo com as opções mais variadas. Além das amigas do colégio, ainda é possível se envolver com uma professora que trabalha como maid à noite ~~cof cof fetiche duplo cof cof~~, uma jornalista com problemas etílicos ~~e de rejeição por parte do fandom~~, uma cartomante que te obrigará gastar 100 MIL IENES POR UMA PEDRA DE SAL, e, uma médica que parece uma vocalista de banda de Punk Rock.

Siiiim meus amigos... uma das opções de romance é uma médica com visual e atitude Rock n’ Roll. E ela ainda conta com um dos melhores Links do jogo.

FUCK YEAH!!!

Proprietária de uma Clínica Médica (que fica escondida em um beco) em Yongen-Jaya, Tae Takemi é a responsável pelo fornecimento dos principais acessórios e itens de cura no jogo. Sendo uma das primeiras coadjuvantes introduzidas na história, a doutora é apresentada como uma pessoa de reputação duvidosa, com rumores indicando que ela realiza exames poucos ortodoxos e que receita remédios caseiros bem estranhos. Para completar, em seu meio de trabalho, ela é conhecida pela alcunha “a Praga” (The Plague).

Na trama, sabendo da importância de remédios para a invasão do 1º Palácio do jogo (Castle of Lust), Morgana convence o protagonista Ren Amamiya a ir atrás de Takemi, na tentativa de obter alguns. Na clínica médica, ela se mostra bastante cética com os motivos apresentados pelo estudante, pois ele diz que são para ajudar nos estudos (mas convenhamos que é um motivo bem bosta). Em um primeiro momento, Tae chega a recusar o pedido. Mas, devido a insistência do rapaz, ela impõe um acordo: fornecerá os remédios que ele precisa, mas em troca ele deverá se tornar seu assistente, participando de seus testes para a elaboração de um novo medicamento.

E assim temos início do Confidant (em Persona 5, esse é o nome dado aos S. Links) do Arcana Death. Inicialmente, Ren serve de porquinho da índia (guinea pig) – uma forma carinhosa da doutora de chamá-lo de cobaia – para testar os efeitos colaterais do seu fármaco. Os testes iniciais sempre terminam com o jovem desmaiando por um motivo diferente, que é detalhado sempre com muito entusiasmo pela médica.

Com o avanço da trama, Tae revela ao protagonista a sua motivação com o desenvolvimento do remédio. Ela pretende finalizá-lo para salvar a vida de uma garotinha que sofre de uma rara doença. E esta doença é o grande motivo de sua má-fama.

Entre os fãs de Persona 5, Tae Takemi é uma das waifus mais queridas.

Além de ser uma mulher de atitude e super estilosa, é quase impossível não comprar a personagem após a sua história. Embora a sua fama como “a Praga” tenha a transformado em uma pessoa cínica a até mesmo insegura do seu potencial, em seu íntimo ela sabe que é capaz de salvar a vida daquela garotinha. Concluir o remédio é o que a motiva a suportar todas as consequências que a sua reputação lhe traz.

A partir do momento que o protagonista incentiva Tae a tratar uma outra garotinha doente (nível 4 do seu Link), passamos a conhecer o lado mais atencioso e doce dela. O sucesso no tratamento da criança acaba fazendo com que mais e mais pessoas passem a frequentar a sua clínica. Em um primeiro momento, ela acha isso muito irritante porque está atrasando o desenvolvimento do medicamento. Mas, por outro lado, volta a ter satisfação no exercício da sua profissão.

Tudo parecia caminhar bem na vida da doutora, até o momento que entra em cena o grande vilão de seu Confidant, o seu ex-chefe Shoichi Oyamada.

Sinceramente, não sei como este verme não ganhou um Palácio. O sujeito é tão escroto e sem escrúpulos quanto os principais antagonistas do jogo. Para começar, ele é o grande culpado pela péssima reputação da personagem. Ela integrava um grupo de pesquisa de um hospital universitário que buscava a cura para uma doença chamada Crawford-Ende. Visando sua autopromoção, Oyamada a retira da equipe e acelera a conclusão do medicamento a fim de usar em uma paciente, a pequena Miya. A criança acaba sofrendo uma grave reação ao remédio e para livrar a sua pele, ele jogou a culpa em Takemi.

Não satisfeito em destruir a reputação da médica, ao saber que ela tratou uma ex-paciente sua (a garotinha que Ren encorajou Tae a tratar), como represália ele faz uma visita ao consultório de Takemi e revela que Miya havia falecido e que isso era CULPA DELA. Essa revelação a deixa totalmente desolada, a ponto de fazê-la cogitar desistir de sua carreira.

Mas que desgraçado ~~filho da puta~~, veja só você!

É lógico que o Joker dos Phantom Thieves of Hearts não ia deixar barato afinal ninguém mexe com a sua waifu, tanto que após aplicar uma surra pra lá de satisfatória na Shadow de Oyamada, não só descobrimos que o sujeito alimentava uma grande inveja pelo talento de Takemi como também Miya estava viva. Sim, era tudo mentira!

Ao descobrir que a menina ainda estava viva, Takemi recupera seu ânimo e foca suas forças na finalização do remédio. No final da história, ela não só consegue completar o fármaco como também recebe um convite para encabeçar um grupo de pesquisa no hospital onde Miya estava. E claro, ela conciliaria esse trabalho com a sua “clínica de beco”.

Este Confidant é uma história de uma pessoa que reencontra o prazer em sua profissão. E como disse a pouco, não tem como não comprar a personagem após acompanhar a sua jornada. Durante a trama, você torce para que ela consiga salvar a menina e para que seja reconhecida como a grande profissional que é. Não é à toa inclusive que muitos jogadores a escolham como o par romântico para Ren Amamiya - exceto por mim, que optei pela amizade nos dois gameplays que fiz.

É... quem sabe no Persona 5 Royal, Takemi.

9. Futaba Sakura (The Hermit/Persona 5)

Futaba pinta seu cabelo de laranja. E não é fake news!!!

Imagine alguém com as habilidades de programação de Lisbeth Salander de Millennium: Os Homens que Não Amavam as Mulheres (The Girl with the Dragon Tattoo, 2011) e de ~~Freedie Mercury Falsificado~~ Elliot Alderson de Mr. Robot (2015-2019). Muito bem, agora imagine esta mesma pessoa como um retro gamer, fã de animes e tokusatsus. Por fim, imagine uma adolescente “fofolete” com todas estas características.

Está é Futaba Sakura.

Filha adotiva de Sojiro Sakura, Futaba é uma das integrantes dos Phantom Thieves of Hearts. Sob o codinome Oracle (Navi na versão japonesa), ela exerce a função de navegadora durante as incursões da equipe ao Metaverso e de hacker no mundo real.

Embora conte com uma inteligência bem acima do normal e habilidades de infiltração de sistemas capazes de invadir o Pentágono usando um Pense Bem, seu filtro social é quase inexistente. Isso acaba gerando situações engraçadas, como dizer na lata que não sente “charme algum” vindo de Ryuji e seus constantes atritos com Yusuke, a quem “carinhosamente” apelidou de Inari. E isso, só porque ele ousou colocar seus action figures dos Phoenix Ranger Featherman R na pose das Forças Especiais Ginyu!!!

O passado da hacker é um grande contraste a este lado cômico que ela traz para a dinâmica do grupo. Dois anos antes dos acontecimentos de Persona 5, a garota viu sua mãe, cientista cognitiva Wakaba Isshiki, cometer suicido diante dos seus olhos ao se lançar na frente de um carro. Não bastando este trauma, ela ainda acabou SENDO CULPADA pelo suicídio da mãe graças a uma carta de despedida da pesquisadora encontrada pouco depois do trágico evento. Mentalmente destruída, Futaba abandonou o colégio e, após ser acolhida por Sojiro, passou a se manter trancada em seu próprio quarto. A culpa pela morte da mãe e o desejo de ser punida se tornaram tão grandes que ela acabou gerando o seu PRÓPRIO palácio no Metaverso.

Graças aos Phantom Thieves, Futaba - que havia os convocado justamente para puni-la - acaba enfrentando os seus próprios demônios. Ao perceber que a morte da sua mãe não havia sido algo natural e que a carta de suicídio foi forjada, a raiva de ter sido iludida faz com que ela desperte o seu Persona. Com o desaparecimento do seu palácio, ela decide se juntar ao grupo em busca de respostas para o incidente envolvendo Wakaba.

O Confidant do Arcana Hermit começa pouco tempo após a garota ingressar na equipe. Ela conta a Ren Amamiya que sente vontade de retornar ao colégio, mas sabe que não conseguirá enquanto não superar a agorafobia que acabou desenvolvendo graças a situação traumática que enfrentou. Inclusive, presenciamos uma crise de pânico da personagem em Akihabara por conta deste problema, no nível 1 do seu Link.

Baseado nas experiências com sua mãe, Futaba tem a ideia de montar uma lista de tarefas, onde cada item representa um obstáculo que ela deve superar para conseguir a sua reabilitação. Sabendo que a sua presença irá ajudá-la no processo, Ren resolve acompanhá-la em sua “quest”.

Tenho opiniões bastante divergentes sobre este arco.

Vejam bem, gosto muito da primeira parte deste Confidant, onde o foco está no transtorno de ansiedade da personagem. Quem já passou pelo problema (ou presenciou alguém passando) sabe o quão difícil é lidar com isso. O transtorno acaba impondo certos limites que, dependendo do grau da doença, acaba impedindo a pessoa de fazer coisas simples, como ir a uma loja ou até mesmo sair da cama.

O grande barato na forma como o assunto é abordado, é que ele mostra como a ajuda de terceiros é importante para lidar com esta condição. Quando está sozinha frente as situações desconfortáveis, Futaba simplesmente trava. Contudo, quando o protagonista está ao seu lado, isso não só deixa a situação mais leve como também permite que ela se solte um pouco mais, algo que não conseguiria sozinha.

Além disso, a trama é conduzida de maneira leve e divertida. Quando se sente mais à vontade, Futaba mostra o todo seu nerd power, sempre mandando referências bem humoradas de jogos e de filmes, que deixariam o Capitão América orgulhoso. E falando em humor, é necessário destacar o nível 4 do Confidant, onde ela e Ren se encontram com Yuuki Mishima no Diner em Shibuya. Na moral meus caros leitores, este é um dos momentos MAIS HILÁRIOS do jogo!!!

Na segunda parte da história, o foco acaba se voltando para o passado escolar da navegadora. Ali não só temos a confirmação de que ela era vítima de bullying - algo que é pincelado durante a visita ao Colégio Shujin (nível 3) – como também a introdução do drama envolvendo Kana, a sua única amiga durante o ensino fundamental, cujos pais a obrigam vestir “fantasias estranhas” para vender as fotos...

Particularmente, tenho alguns problemas com esta segunda etapa. Até acredito que explorar a época escolar de Futaba seja de grande ajuda para compreendermos o seu comportamento atual. O que me incomoda é que o clima da história muda radicalmente e a questão do transtorno de ansiedade é jogado para o terceiro plano, especialmente quando a trama da amiga entra em cena.

E assim, aplicar uma punição aos pais abusadores é algo bem satisfatório, mas seria MUITO melhor se tudo isso fosse uma sidequest a parte. Não acho que o subplot seja ruim, mas a minha preferência era que o foco continuasse sendo o mesmo da primeira parte do arco, onde tínhamos a hacker lidando com a sua fobia.

Na conclusão da trama, Futaba não só consegue superar os seus medos (tanto que consegue ir sozinha até Akihabara) como também faz as pazes com a sua amiga Kana e com o seu passado. Apesar dos meus problemas com a metade final, este é o melhor Confidant de um membro dos Ladrões Fantasmas. Não tem como não terminar com um sorriso no rosto após acompanhar esta história de superação.

No final o jogador tem a escolha de engatar ou não um relacionamento amoroso com Futaba Sakura. Antes de chegar ao momento da escolha, eu não pretendia me envolver com a garota por conta de dois motivos: primeiro, me agradava a percepção que Ren a via como a sua irmã mais nova (a condução da trama colaborou muito com esta visão); segundo, eu já havia escolhido alguém antes (Hifumi Togo). Entretanto, quando chega o momento decisivo, o jogo te coloca em uma posição TÃO desconfortável que eu me sentiria um escroto se não abraçasse os sentimentos da garota.

E bem...foi assim que comecei um “harém” ~~de três garotas~~ em meu segundo gameplay.

8. Mitsuru Kirijo (The Empress/Persona 3)

Best Girl de Persona 3. Sim ou com certeza? :D

Se vocês ~~três leitores fiéis que me acompanham~~ estavam curiosos para saber quais são as minhas Best Girls na franquia (ao menos nos jogos que contam com Social Links), temos aqui Mitsuru Kirijo. A minha garota favorita de Persona 3.

Aliás, abrindo um rápido parênteses, eleger a minha preferência em P3 foi algo decidido próximo ao final do jogo. Inicialmente, estava mais inclinado para o lado da Yukari Takeba que, apesar de não ter gostado tanto do seu arco pessoal, eu gostava da química que compartilhava com o protagonista, ~~o grande salvador do mundo do universo Persona~~ Makoto Yuki. Entretanto, quando finalmente tive a oportunidade de acompanhar o Link de Mitsuru, o seu drama pessoal acabou pesando na minha escolha por ela.

E de fato, gostei tanto do seu S. Link que quando tive a ideia do artigo, ele foi um dos primeiros que selecionei para compor a lista. Inclusive, ela será a única das minhas waifus de Persona a ocupar um espaço por aqui (as outras duas acabaram batendo na trave).

Herdeira do Grupo Kirijo - uma das empresas mais poderosas do Japão –, Mitsuru é o exemplo da estudante modelo: inteligente, confiante, responsável e determinada. Mas certamente, a característica que melhor a define é a sua capacidade de liderança. Além de liderar a S.E.E.S (Specialized Extracurricular Execution Squad) no combate contra as Shadows da Dark Hour, a garota ainda exerce o cargo de presidente do Conselho Estudantil do Colégio Gekkoukan. Embora consiga conciliar muito bem todas essas funções, isso acaba tendo um custo. Devido ao seu forte senso de responsabilidade, ela não só passa uma imagem de uma pessoa autoritária e fria como também é extremamente reservada em relação aos seus próprios problemas.

O mundo da estudante sofre um grande abalo durante os atos finais da trama, quando seu pai (Takeharu Kirijo) acaba se sacrificando para salvá-la, junto com os demais membros da S.E.E.S, da traição cometida por Shuji Ikutsuki ~~(X-9 traíra maldito)~~. Após ficar dias afastada para lidar com questões familiares e burocráticas da companhia, ela retorna ao dormitório e ao colégio. É a partir deste retorno que temos o início do Social Link do Arcana The Empress.

Os primeiros níveis consistem essencialmente em Mitsuru convidando Makoto para comer em restaurantes populares, pois ela nunca tinha frequentado estes lugares ~~porque ela é RICAAAA!!!~~. Com o avançar da história e se sentindo mais à vontade com o protagonista, a líder da S.E.E.S resolve compartilhar os seus problemas.

Com a morte de seu pai, toda a responsabilidade sobre o destino do Grupo Kirijo acabou caindo sob as suas costas. E para piorar, uma das formas que os executivos encontraram para manter a empresa forte e estabilizada é através de um casamento arranjado entre ela e um membro de um dos grupos afiliados.

Confesso que a virada na história me trouxe um grande alívio.

Se o Social Link da grande líder da ~~porra toda~~ equipe se resumisse “a uma garota rica querendo experimentar a normalidade de uma vida cotidiana”, seria algo muito decepcionante. Felizmente, os primeiros níveis visavam estabelecer uma relação de confiança entre os dois personagens. E quando isso acontece, nos vemos em meio de um conflito sobre a liberdade de escolhas, tanto profissional quanto amorosa.

Em um primeiro momento, Mitsuru demonstra um certo conformismo com o destino traçado para ela, dizendo que a mesma situação havia acontecido com seus pais. (Ainda pontua que os dois tiveram a sorte de se apaixonar um pelo outro). Mas não demora para que essa falsa conformidade caia por terra, pois a estudante acaba se mostrando bastante inconformada e infeliz com estas imposições. Tanto que cogita até mesmo em fugir para escapar de tudo isso.

Acho muito bacana como este S. Link se aproveita bem do momento em que a trama principal está situada. Em praticamente 80% da história, Mitsuru Kirijo é uma verdadeira fortaleza. Decidida a expiar os crimes cometidos por sua família, ela enfrenta os perigos da Dark Hour mostrando uma grande determinação e uma coragem inabalável. E quando o Link começa, estamos frente ao momento de maior fragilidade da personagem, o que permite a desconstrução da imagem que ela montou ao longo do jogo.

É muito interessante ver que até mesmo a líder mais destemida pode ficar à mercê de situações que ela prefira não enfrentar. Os obstáculos da vida acabam sendo muito mais assustadores que as criaturas do Tartarus.

Com a ajuda do Makoto, Mitsuru compreende que não precisa aceitar que terceiros decidam sobre a sua vida (como fizeram seus pais). Na conclusão da história, ela não só se recusa a se casar com o noivo ~~almofadinha~~ indicado pelos parceiros da empresa como também se compromete a nunca mais fugir de seus problemas. E durante o epílogo de seu Link (que acontece no último dia do jogo), vemos que ela assumiu o seu papel dentro do Grupo Kirijo. Só que dessa vez, temos a certeza de que ela seguirá as suas próprias convicções (o que se confirma alguns jogos depois).

Embora seja o arco de uma das minhas waifus na série, ele só não ocupa uma posição melhor nesta lista por conta do seu enredo que, convenhamos, não é o mais original do mundo. Essa questão da “mocinha/mocinho com futuro já determinado por terceiros” não só já foi explorada várias vezes na cultura popular, como também aparece uma segunda vez em Persona. No entanto, o texto é bastante competente na forma que trabalha com os clichês. Tanto que a Mitsuru Badass que vemos em Persona 4 Arena é um perfeito reflexo das experiências que vivenciou neste arco.

Por fim, é válido ressaltar que a segunda vez que este tipo de enredo aparece na série é no Confidant de Haru Okumura (The Empress), a minha Best "Fluffy" Girl de Persona 5. Mesmo encarando dilemas bem semelhantes, o que favoreceu a presença da líder da S.E.E.S foi justamente o que faltou no enredo da Noir dos Phantom Thieves, enfrentar o seu noivo ~~cuzão~~ babaca.

Durante o nível 8 do seu Social Link, além de colocar o seu ex-pretendente para CORRER, Mitsuru ainda faz uma bela declaração de amor para Makoto Yuki em público.

Foi nesse momento que eu escolhi a minha Best Girl de P3.

7. Kanji Tatsumi (Emperor/Persona 4)

Kanji com uma cadeira de metal de boteco brasileiro. Está ai um mod que precisamos. :D

Não importa qual seja o estilo de jogo, um personagem que combate seus inimigos dando cadeiradas certamente chamará atenção... até porque, convenhamos, é uma arma um tanto quanto inusitada. Em Persona, temos como representante desta “nobre arte de combate” ninguém menos que Kanji Tatsumi.

Filho único dos proprietários da Tatsumi Textiles em Inaba, Kanji faz as vezes do Tough Guy do Investigation Team. Apesar de normalmente passar a imagem um tanto quanto intimidadora para desconhecidos, ele é uma pessoa com um grande coração, sempre disposto a ajudar o próximo e ficando totalmente “sem jeito” quando mostra este seu lado. Aliás, por conta dessas situações e de seus momentos de “raciocínio lento”, ele é um dos alívios cômicos mais recorrentes do grupo.

Assim como a maioria dos membros da equipe, ele é um estudante do Colégio Yasogami, onde cursa o 1º ano do ensino médio. Por conta de sua aparência embora não tenha um topete estilo Kazuma Kuwabara e de suas atitudes, acabou sustentando a fama de delinquente juvenil entre seus vizinhos e colegas de escola. Sua primeira aparição na história inclusive reforça este rótulo: através de uma reportagem da TV local, vemos que ele – completamente SOZINHO - deu cabo de uma gangue de motoqueiros que zanzavam pela região.

Ok. Até havia uma “justificativa” para ele encarar os motoqueiros - eles faziam muito barulho durante a noite e não deixavam a sua mãe dormir -, só que isso acabou piorando ainda mais a sua reputação na cidade. E para piorar, esta situação foi o gatilho que resultou no seu sequestro.

O encrenqueiro é a segunda pessoa a ser resgatada do Midnight Channel pelo Investigation Team. Durante o confronto com a sua Shadow, é revelado que ele sente muita vergonha pelos seus interesses por costura e pintura, o que o levou a ser ridicularizado por garotas por gostar de hobbies considerados femininos. Logo, suas atitudes hiper masculinizadas foram a maneira que encontrou para evitar situações de rejeição e constrangimento.

O Social Link de Kanji (que representa aqui o Arcana Emperor) se inicia logo após o seu retorno ao colégio. Com a ajuda do protagonista Yu ~~Chad~~ Narukami, além de enfrentar as consequências de suas atitudes como delinquente, ele confrontará a sua própria definição de homem a fim de vencer de vez a vergonha de seus hobbies.

Antes de mais nada, é preciso retirar “o elefante da sala”.

A sexualidade do personagem não é um tópico bem abordado em Persona 4. A impressão que tive foi de que os responsáveis pelo roteiro (Yuichiro Tanaka e Akira Kawasaki) queriam trazer a discussão para a trama do jogo, só que eles claramente não tinham a menor ideia de como tratá-la. Tanto que a questão é abordada ou na forma de gag’s ou em menções soltas em diálogos sem qualquer continuidade. É lógico que a falha nesta abordagem não torna Kanji Tatsumi um personagem menos interessante que os demais, mas que poderia ter recebido um cuidado a mais, isso não tenho dúvidas.

Dito isso, voltemos para a nossa programação normal.

A trama do Social Link gira em torno entorno de um ensinamento que o pai de Kanji lhe deixou antes de falecer. Nas palavras do Sr. Tatsumi ~~não o mordomo da Saori Kido~~: “Se você é um homem, você tem que se tornar forte!”. Obviamente que o seu filho (uma criança na época) não entendeu o que isso significava. E quando começou a se sentir rejeitado pelos outros por conta de seus talentos, ele simplesmente seguiu o sentido literal daquelas palavras.

Se por um lado a faceta que construiu (com base em seu entendimento) serviu como escudo para novas situações de rejeição e constrangimento; por outro, ela lhe trouxe consequências ainda piores. Além dos olhares tortos vindos dos habitantes da cidade, o estudante passou a ser visado por policiais (nível 2) e ainda se transformou no Ruivo Hering local; isto é, ele sempre era o suspeito principal quando algo de ruim acontecia. No caso do seu S. Link, quando surge um grupo Bullies ameaçando as crianças do colégio, seu nome já é ventilado como um dos culpados pela situação.

Chega a ser irônico observar que a solução que o personagem encontrou para fugir da rejeição (virar o protótipo do macho alfa) e do constrangimento acabou criando justamente outras situações de rejeição e constrangimento (se tornando suspeito nº 1 de tudo de ruim que ocorre na cidade). Embora em sua cabeça essas circunstâncias fossem mais fáceis de lidar do que as anteriores, dessa vez elas respingavam em sua mãe (o seu grande porto seguro) que sempre tinha que o defender. O que tem deixado-o muito ressentido. Ele sabe que precisa mudar o seu comportamento, mas como o fará sem desprezar o último ensinamento de seu velho?

A resposta começa a surgir quando Kanji se dispõe a ajudar um garotinho que havia perdido o boneco de uma amiguinha. Depois de tentar encontrar o brinquedo sem sucesso, o estudante decide colocar em prática os seus dotes artísticos e acaba fazendo um substituto. O guri fica impressionado com a qualidade e o nível de detalhes do boneco e acaba pedindo para que ele fizesse mais. E com isso, nos níveis seguintes acompanhamos o jovem Tatsumi na elaboração de novos brinquedos, onde recebe vários elogios vindos do garoto, das pessoas que ganhavam seus brinquedos, de Narukami, de Nanako Dojima e, até mesmo, de Rise Kujikawa (que embora estranhe em um primeiro momento, acaba aprovando o trabalho do amigo).

O reconhecimento pelo trabalho e o prazer na fabricação dos brinquedos começa a esboçar a solução para a grande questão do Link, porém ela só fica nítida no grande clímax da história (nível 8), quando uma dupla de policiais confronta Kanji sobre a questão dos Bullies, vez que ele fora visto andando com uma criança há dias. De início, ele se mostra com muita vergonha de admitir seus hobbies frente ~~ao Fucker e Sucker de Inaba~~ aos tiras, mas quando percebe que Yu e a criança seriam arrastados para um problemão, ele assume que estava fazendo bonecos para o garoto e solta a seguinte frase: “And lemme warn you... They're so cute, they'll give you diabetes--the instantly fatal kind!” (E deixe-me avisá-lo... Eles são tão fofos que dão diabetes, do tipo instantaneamente fatal!)

Que frase foda, meus amigos!

Não só foi uma baita frase de efeito, mas a coragem que exigiu para que fosse dita era o estalo que o personagem precisava para entender as palavras do seu velho. Ser forte não significava espancar uma gangue inteira de motoqueiros, mas sim enfrentar os percalços da vida sem esmorecer. Quando alguém tirava onda de seus talentos, ele jogava a toalha sem pestanejar. Como um homem, ele tinha que mostrar sua força e lutar para ser aceito pelo o que ele era.

Era isso que seu pai queria dizer.

Sem sombra de dúvidas, uma bela história sobre aceitação vindo de um mestre na arte das cadeiradas e, por que não, do corte e costura. Na minha modesta opinião, este é o melhor Social Link vindo de um membro do time de investigação.

6. Ryotaro Dojima (The Hierophant/Persona 4)

"Escute Narukami, por que as pessoas na internet te chamam de Chadão?"

Dentre os três títulos abordados neste artigo, Persona 4 é talvez o mais curioso. Afinal de contas, é um jogo com o clima de um anime Slice of Life, cuja trama envolve um grupo de adolescente investigando uma série de assassinatos sobrenaturais em uma cidadezinha do interior.

Scooby-Doo feito no Japão seria uma boa analogia.

Como a história de P4 gira em torno desses homicídios, um dos principais Social Links do jogo é justamente o policial responsável pela investigação desses crimes. Que por uma grande coincidência do ~~roteiro~~ destino, é o tio do protagonista.

Ryotaro Dojima, um dos principais coadjuvantes da trama, é guardião legal de Yu Narukami durante a estadia do adolescente na pequena Inaba e pai da adorável Nanako. Ele é um dedicado detetive do departamento de polícia da cidade, o que faz com ele seja extremamente exigente com os colegas de trabalho. Como pode ser observado em suas interações com o seu “atrapalhado” parceiro Tohru Adachi.

Quando a série de assassinatos começa assolar a cidade, outra característica do detetive fica bastante evidente: o seu vício em trabalho. Durante as primeiras semanas dos acontecimentos, ele praticamente não parava em casa. E quando finalmente o consegue, ou está cansado demais para interagir com a sua filha (para tristeza dela) ou não fica muito tempo na residência, já que normalmente é requisitado pelo departamento.

O detetive só terá alguns momentos de folga do caso a partir do resgate de Yukiko Amagi, a terceira pessoa a desaparecer misteriosamente durante a onda de crimes. A partir daí, ele não só passa a se relacionar mais com Narukami como também abre ao jogador a possibilidade de estabelecer o seu S. Link (Arcana ~~Elefante~~ Hierophant). Conforme a história vai progredindo, embora trate o protagonista super bem, ele passa a desconfiar que seu sobrinho saiba de algo vez que todos os desaparecidos passam a ter alguma conexão com o rapaz.

Nos primeiros níveis do Link, Ryotaro demonstra uma total inabilidade em conversar com pessoas mais jovens. Tanto que mesmo Yu conseguindo trazer tópicos comuns, como colégio ou amigos, seu tio sempre transforma a conversa em um sermão ou um interrogatório, o que faz sua prima Nanako intervir pedindo para que ele pare de “brigar” com seu Big Bro.

Com avanço do arco, somos introduzidos a um outro caso que vem perturbando a vida do experiente detetive: a morte de sua esposa Chisato.

Não é a primeira que vez o assunto é mencionado, pois no início do Social Link de Nanako (que acontece alguns dias antes deste), o gamer já fica sabendo sobre o falecimento da sua esposa, mas é através do seu Link que conhecemos o motivo.

Em um dia de neve, sua filha estava na enfermaria da escola e ele estava muito ocupado com os afazeres na delegacia. Por conta disso, Chisato resolve ir até o colégio para buscá-la, mas no caminho ela acaba sendo vítima de um atropelamento. E como estava nevando, não havia pessoas no local nem para identificar o culpado e nem para socorrê-la. Assim, ela morre no local.

Ryotaro se sente extremamente culpado pela morte de sua amada. Em sua cabeça, isso só aconteceu porque ele não pode se ausentar de seu trabalho. A partir de então, ele tem se dedicado a procurar por pistas que o conduzam ao assassino. Entretanto, todas acabam o levando a becos sem saída.

Isso lhe gera um grande sentimento de frustração, tanto que até aquele momento ele não conseguiu contar para Nanako o motivo da morte de sua mãe, pois ele, como policial, deveria ser capaz de pegar os bandidos.

O foco deste Link concentra-se na angústia de Dojima frente a morte de esposa e suas ações frente ao luto. A culpa fez com que ele se comprometesse a apanhar o assassino, custe o que custar. Contudo, a sua busca por justiça compromete todo o seu tempo livre e não lhe permite dar atenção a sua filha.

O detetive repete para si que todo esse tempo sacrificado é para o bem de sua filha; porém, inconscientemente, é perceptível que ele está evitando algo. Com ajuda de seu sobrinho, o policial percebe que está usando sua busca pelo assassino como uma desculpa para não confrontar Nanako sobre a morte da sua mãe.

E com a garotinha ficando cada vez mais parecida com a sua falecida esposa, todo o sentimento de culpa acaba voltando a sua cabeça.

Gosto muito da resolução deste arco, pois ela segue justamente uma das premissas principais do jogo, o de “encarar seus medos e sentimentos mais sombrios para que possa atingir a sua própria verdade”. No momento em que Dojima encarou a dura verdade da qual estava fugindo, a culpa e angústia que lhe serviam como âncoras ficam muito mais leves.

Ao final do Link, ele ainda não desistiu de pegar o culpado, porém não irá mais sacrificar todo o tempo que tem com sua filha para isso. E claro, ele agradece a Yu por ajudá-lo a chegar a essa conclusão, e, ainda, se diz feliz pelo protagonista fazer parte da família.

Certamente, uma das coisas mais legais do Social Link de do policial é o fato de estar interligado com o de Nanako. Em outras palavras, um S. Link acaba servindo como complemento para o outro. Além de ambos orbitarem sob a mesma questão, a falta que Chisato faz para as suas vidas, a negligência de Dojima no seu papel como pai, impacta diretamente no Link da garota.

Acredito que Persona 5 até tentou repetir esta fórmula através dos Confidants de Futaba e de Sojiro. Todavia, apesar de serem boas histórias, a estrutura narrativa não consegue repetir o texto interligado que temos aqui.

Bem... quem sabe eles não consigam novamente em Persona 6.

5. Sojiro Sakura (The Hierophant/Persona 5)

HOO BOY! Best Bro Ever!

Uma questão em Persona que também gera debates ~~nada construtivos~~ entre os fãs é sobre quem seria o “Grande Parça” (Best Bro) da série, com Junpei Iori, Yosuke Hanamura e Ryuji Sadamoto sendo os nomes mais lembrados.

Embora Yosuke seja o meu favorito dos três, a grande verdade é que nenhum deles é páreo para ~~Brojiro~~ Sojiro Sakura no quesito parça.

Especialmente depois de um certo dia dos namorados...

Dono do Café LeBlanc em Yongen-Jaya, Sojiro é o guardião de Ren Amamiya durante seu período de liberdade condicional em Tóquio. Assim como grande parte das pessoas no começo da história, ele se demonstra bem cauteloso com o protagonista por conta de seu registro criminal. Na real, inicialmente ele é bem ~~cuzão~~ frio com Ren, chegando a dizer que ele só o aceitou por conta de um favor a um amigo e que ele não moveria um dedo caso o adolescente se metesse em problemas.

É claro que conforme o tempo vai passando e ele vai conhecendo o estudante, lentamente começa a demonstrar sinais de confiança. Inicialmente permitindo que ele possa circular à noite pelo bairro e, pouco tempo depois, pela cidade de Tóquio. Não demora muito para que ele faça um acordo com o rapaz: ele se prontifica a ensiná-lo a fazer o seu café e o seu curry especial em troca de uma ajuda no Leblanc. E assim, temos o pontapé inicial para o Confidant do Arcana ~~Olifante~~ Hierophant.

Nos primeiros níveis, enquanto ensina os princípios básicos para se fazer bom café, Sojiro é continuamente assediado por um homem de meia idade. Ele explica que o sujeito é um velho conhecido seu, endividado e que espera extorquir dinheiro dele. Em alguns momentos também, ele acaba recebendo ligações que o faziam retornar mais cedo para a sua casa, que posteriormente descobrimos que eram de Futaba.

Além de ser um Confidant bem chato de alcançar os níveis iniciais – sério, demora DEMAIS para atingir o nível 3 e 4 –, a partir do quarto nível ele exige que o jogador finalize o 4º Palácio (Pyramid of Wrath) para dar prosseguimento. Com a dungeon finalizada e a Futaba fora de seu auto enclausuramento, temos a continuação da trama, onde Sojiro resolve contar como a adolescente entrou em sua vida.

Não precisa ser um detetive para imaginar que a grande parte da graça deste Social Link é justamente ser um complemento para a história da hacker fofolete. E convenhamos, a trama fica muito mais interessante a partir do momento que passa a contar com a presença dela.

É impressionante o volume de informações sobre o background dos Sakura que este arco traz. Para se ter ideia, Sojiro conheceu a Wakaba Isshiki através de seu antigo trabalho no governo. Ele tentou conquistá-la, mas a única vez que ele conseguiu surpreendê-la foi quando ele preparou o seu curry. Tempos depois, para a sua surpresa, a cientista aperfeiçoou a sua receita de tal forma que acabou se tornando o prato favorito de sua filha. E quando a pesquisadora faleceu, ele fez questão de aprender a receita pois seria uma forma de manter o legado da Wakaba vivo para Futaba, tanto que este é o curry que ele serve no LeBlanc.

O homem que assedia o dono da cafeteria desde o início da história é Youji Isshiki, o irmão de Wakaba. Sojiro assumiu a custódia da garota quando descobriu que ele, o único dos parentes disposto a abrigá-la, estava a maltratando (que família horrível, ein?). Youji só concordou em cedê-la após o dono da cafetaria lhe repassar uma grande quantidade de dinheiro. Entretanto, agora ele quer mais e pretende retirar Futaba de seu pai adotivo através de meios legais, caso ele não colabore.

Mais que jogar uma luz sobre o passado de dois personagens importantes para o jogo, este Confidant é uma história sobre como uma relação entre pai e filha pode ser poderosa mesmo que eles não compartilhem laços sanguíneos. Isto é bem ilustrado em dois momentos chave da narrativa.

O primeiro ocorre no nível 7, quando Sojiro se sente culpado por não ter sido capaz de ajudar Futaba durante seu isolamento. Por conta disso, ele chega a pensar que ela poderia estar em melhores mãos em outro lugar. Ao comentar isso com a garota, ela fica indignada e acaba brigando com ele. Quando Ren vai conversar com a programadora, ela menciona não só o quanto a sua mãe gostava de Sakura, como também o fato de que ele não é culpado por nada com o que aconteceu com ela. A adolescente sabe o quanto ele está se esforçando para cuidar dela. Posteriormente, os dois acabam se entendendo, com o dono do Leblanc mencionando que ela pode ficar ali para sempre, se quiser, e com a garota agradecendo por ele ter acolhido alguém “horrível” como ela.

O segundo acontece no nível 9, após Joker e Oracle (sem ajuda dos demais) darem uma surra na Shadow ~~do tio bostão~~ de Youji, em uma tentativa de impedi-lo de registrar uma queixa contra Sojiro. Contudo, a mudança em seu coração acaba acontecendo momentos após o registro da queixa e a cafetaria acaba recebendo a visita de dois agentes do Serviço Social. Os adolescentes acabam convencendo a dupla que são muito bem tratados pelo dono do LeBlanc e Futaba, de forma totalmente espontânea, chama Sojiro de pai.

E aí, meus caros leitores, é como se um ninja estivesse cortando cebolas próximo de nós.

É curioso ver que tanto pai quanto filha acreditavam que um estavam fazendo mal um ao outro, quando era justamente o oposto. É claro que salvar Futaba custou boa parte dos investimentos de Sojiro, mas essa ação não só garantiu a preservação do bem mais precioso de sua amada Wakaba como também fez a sua vida deixar de ser solitária. Em contrapartida, ele não conseguiu retirá-la de seu auto-confinamento, mas se ele não tivesse a resgatado das mãos do seu tio, ela jamais teria uma chance de se recuperar.

Mesmo não compartilhando laços sanguíneos, a forma como enfrentaram o tio oportunista e agiram frente aos oficiais do serviço social mostrou que eles eram mais do que duas pessoas unidas por uma tragédia. Eles eram uma família!

No fim da trama, Sojiro leva os dois adolescentes a igreja com a intenção de apresentar a sua família para a alma de Wakaba (como ele mesmo disse, agora ele finalmente era capaz de encará-la). Além de imaginar o dia que Futaba se vestirá como noiva (e de pedir a Ren que ele não seja o noivo), ele agradece o protagonista por ter entrado na vida deles e jura que irá protegê-lo, custe o que custar.

Quem diria que um sujeito tão babaca se transformaria nesse grande paizão, estando ao lado de Amamiya durante o momento mais difícil de sua jornada em Tóquio, ~~a sua prisão durante natal~~ pós-dia dos namorados.

Sojirão é o cara!

4. Nanako Dojima (Justice/Persona 4)

Nanako-chan deve ser protegida de todo mal, custe o que custar!!!

Existem três consensos que o fandom de Persona possui a respeito do quarto jogo:

O primeiro é de que o Investigation Team é a equipe mais divertida. O segundo é de que Naoto Shirogame é a Best Girl do jogo (essa na verdade é a minha opinião :P). E por fim, é praticamente impossível não se apegar a Nanako Dojima.

Digo por experiência própria. Durante o meu gameplay, tal qual o protagonista, fiquei muito preocupado com a personagem. Tanto o S. Link da garotinha quanto a história principal de P4 dão bons motivos para isso.

Filha única de Ryotaro Dojima, Nanako é uma garota gentil, altruísta e extremamente responsável para alguém da sua idade (6 anos). Por conta do serviço do seu pai, ela não só aprendeu a se cuidar como também a se virar nos serviços domésticos. Embora esses comportamentos demonstrem um grande amadurecimento, o seu lado infantil está sempre presente, seja questionando a garota do tempo da TV ou demonstrando o seu amor pelo Junes, o shopping center da cidade ~~que está destruindo comércio local~~.

De fato, não tem como se deparar com o slogan ♪ Every day's great at your Junes! ♪ e não se lembrar da menina. Ela consegue ser uma garota propaganda muito mais eficiente que Yosuke (filho do dono) e Teddy (o mascote do local).

Quando Yu Narukami chega à casa dos Dojima, Nanako se demonstra bastante tímida com relação a ele. Mas conforme vão se conhecendo, aos poucos ela vai se sentindo mais à vontade com a sua presença. A grande virada no relacionamento de ambos vem quando Narukami a leva para passear no Junes junto de Chie e os demais. Durante o passeio, ela conta a todos sobre o falecimento de sua mãe, mas logo emenda que agora ela estava bem, especialmente porque seu primo está em casa. Nesse ponto, temos a primeira vez que ela chamará Yu de “Big Bro” e o início de seu Social Link.

Os níveis preliminares do Arcana Justice servem como introdução aos dois elementos essenciais para a trama: a saudade que a menina tem de sua falecida mãe e o distanciamento na relação entre ela o seu pai. A história principal começa a partir do 5º nível, com Nanako encontrando dificuldades em pedir para o seu pai comparecer a um evento escolar.

Conforme já mencionado anteriormente, os enredos dos Social Links de Nanako e de seu pai são interligados. Em ambos, acompanhamos o processo de luto dos Dojimas com o falecimento de Chisato e observamos como isso tem afetado a relação entre os dois.

Nanako sente bastante a morte da mãe, tenta demonstrar para os outros que ela está seguindo em frente, mas em seu íntimo ainda não consegue aceitar a perda. E sejamos justos, se até mesmo os adultos têm dificuldade de entender e de aceitar a morte, imagine uma criança pequena?

Para piorar, o Sr. Dojima, que poderia ajudar a sua filha neste processo, está sendo um pai ausente. O que pode ser visto tanto no Link de Dojima, de Nanako e até mesmo na história do jogo, ela sente MUITO a falta dele.

Este S. Link tem como núcleo a relação entre pai e filha e como o distanciamento nesta relação é prejudicial para criança. Durante os níveis, o que presenciamos é a consequência da falta de diálogo do pai com a filha. Em um momento, Nanako chega a duvidar se Dojima é o seu pai verdadeiro. Em outro, ela questiona o amor dele por ela e por sua mãe.

E quando chega o esperado momento em que ela fala sobre o evento no colégio (nível 7), a hesitação de Ryotaro com o convite era a fagulha que faltava para esta grande confusão de sentimentos explodir. A garota solta toda a sua frustração contida contra ele e logo em seguida foge de casa, para o desespero de seu pai e de seu primo.

Narukami inesperadamente acaba encontrando a sua prima em Samegawa (sentada no banco de um pergolado) e Dojima se dá conta do problema que estava criando. Nos níveis seguintes, temos a resolução do conflito com o policial se comprometendo a participar do evento e com o protagonista encontrando uma foto de toda família nos pertences de seu pai, fazendo a garota perceber que ele também sentia muito a falta da sua esposa.

Na conclusão do arco, enquanto preparam o jantar em família, a garota agora entende que tanto ela quanto seu pai estavam se sentindo muito sozinhos desde que a sua mãe se foi. Ela se compromete a fazer o seu melhor para não deixar seu pai se sentir só novamente e demonstra gratidão pelo o que o seu Big Bro fez por eles. Com isso, a tensão entre os Dojima é finalmente resolvida, graças a ~~Chadão~~ Narukami.

Mesmo gostando bastante deste Link, ele não figura uma posição ainda melhor por conta do seu clímax, que mesmo sendo bem impactante, acontece cedo demais na trama. E como o enredo praticamente se resolve no nível seguinte, a impressão é de que a história não precisaria alcançar os 10 níveis para terminar.

Aliás, é válido lembrar que dentro da série, o S. Link de Maiko Oohashi ~~a proto-Nanako~~ (The Hanged Man) de Persona 3 é outra história de uma criança com problema de relacionamento com os seus pais, só que nesse caso o problema envolve um divórcio. Da mesma forma como acontece aqui, Maiko também questiona o amor de seus pais por ela e chega a fugir de casa.

É um Link muito bom também, mas que acabou ficando de fora já que apresenta esses pontos em comum com a trama da Little Sis de Yu Narukami. E sejamos bastantes sinceros, quem é Maiko Oohashi perto da nossa irmãzinha Nanako Dojima? :P

3. Toranosuke Yoshida (The Sun/Persona 5)

Um dos grandes politicos do games, ao lado de Mike Haggar...e Princesa Peach? :P

“O que?! Você colocou um político no Top 3 da sua lista?”

Sim, meu caro leitor ~~imaginário~~. Não só o coloquei em uma posição alta como também o considero o MELHOR Confidant de Persona 5.

Mas calma, irei explicar (ou ao menos tentar) o porquê vocês deveriam dar uma chance para a história deste grande personagem.

Toranosuke Yoshida é ex-membro da National Diet (órgão que concentra o poder legislativo japonês) que protagonizou um grande escândalo político, o qual resultou na sua expulsão do cargo e manchou de forma profunda a sua reputação. Desde então, ele tentou retornar ao posto em sete eleições, mas acabou fracassando em todas. Sem popularidade para um palanque, ele realiza os seus discursos ao lado da entrada da estação de Shibuya. Embora poucas pessoas deem ouvidos para suas palavras, a qualidade dos discursos chama a atenção de Morgana, que convence Ren Amamiya a conversar com o político.

Após alguns eventos (que inclui ser explorado no emprego de meio período no Beef Bowl Shop), Yoshida percebe o interesse do estudante em seus discursos e o convida a ajudá-lo nos seguintes. Entretanto, nas duas noites em que o acompanhava, o protagonista assiste de camarote o político sendo hostilizado por transeuntes que passavam no local, sendo em alguns momentos chamado de No-Good Tora, o que o faz ele perder totalmente a sua concentração.

No fim do segundo dia, Toranosuke explica o motivo de tanta hostilidade. Há 20 anos atrás, ele havia sido eleito durante a ascensão das "Crianças de Kuramoto", mas por conta de sua inexperiência, acabou se envolvendo em três grandes escândalos (perda de uma importante reunião por motivos pessoais, desvio de verba do partido e hostilização de um eleitor durante um fórum aberto) que custaram o seu cargo. Ele pergunta a Ren se deseja mesmo continuar o acompanhando mesmo depois de tudo que lhe contou. Após o protagonista aceitar, temos o pontapé inicial para o seu Confidant, que representa o Arcana The Sun.

Com auxílio de Amamiya, o candidato não só desenvolve os seus discursos com mais tranquilidade como também é capaz de responder de forma elegante aos seus detratores. Aos poucos, ele começa a cativar mais e mais pessoas, que vão se reunindo frente à a estação só para escutá-lo. Isso acaba chamando atenção de pessoas do meio político, como Benzo Kuramoto (neto do seu antigo mentor político) e Matsushita (seu antigo colega da ~~Coca~~ Diet).

Vejam bem, entendo muito bem quem torceu o nariz para esta história em um momento inicial. Sendo bastante sincero, eu mesmo a ignorei completamente em meu primeiro gameplay.

No meu caso, com a necessidade de aumentar os cinco status sociais (Knowledge, Guts, Proficiency, Kindness e Charm) e com os Confidants com possibilidade de romance no mesmo período do dia (Sadayo Kawakami e Hifumi Togo), gastar tempo com um político fracassado não parecia algo muito atrativo à primeira vista. Mas quando me vi na obrigação de fazê-lo no segundo gameplay – afinal, eu queria platinar o jogo – acabei me deparando com um grande personagem e uma trama muito interessante.

Toranosuke reconhece que cometeu erros gravíssimos durante a sua gestão. E mesmo que não faça questão de esconder seus escândalos, a simples menção a eles vinda das provocações de desconhecidos faz com que ele perca totalmente a linha. Os erros do seu passado são claramente uma trava para o seu verdadeiro potencial, tanto que quando Ren passa ajudá-lo a lidar com as hostilidades, ele finalmente começa a crescer e a chamar atenção.

Não é à toa, seus discursos são realmente muito bons!

Com a sua popularidade crescendo, somos então apresentados a trama principal do Link, onde percebemos que nem mesmo o Japão está livre de articulações políticas pra lá de questionáveis. Tanto Benzo quanto Matsushita oferecem uma série de vantagens para que Yoshida os ajude em suas campanhas, só que ambas exigem a desistência de sua candidatura. Por conta de suas convicções, ele recusa categoricamente os dois convites.

Mas o pior ainda estava por vir. Matsushita retorna com uma grande revelação: a acusação de desvio de fundo partidário havia sido plantada por ninguém menos que o seu antigo mentor, Kuramoto. E mesmo com a nova recusa de Toranosuke em fazer parte de sua campanha, o político da ~~Sprite~~ Diet pede que ele ajude a desmascarar o seu ex-mentor em seu próximo discurso.

Apesar de inicialmente parecer uma história de superação, este Confidant é uma história sobre crenças/convicções. Yoshida é confrontado com ofertas extremamente vantajosas, mas todas tinham o mesmo preço: as suas próprias crenças. Mesmo sendo uma oportunidade única de se livrar do indesejado No-Good Tora, passar por cima de suas convicções não seria apenas uma traição consigo, mas também a todas as pessoas que acreditaram nele até então.

No grande clímax (nível 9), Yoshida não acusa Kuramoto e faz um discurso reiterando as suas crenças, mesmo que isso o leve a nunca mais vencer uma eleição. Embora não fosse o que Matsushita quisesse escutar, ele acaba sendo cativado pelas palavras de seu ex-colega e se compromete ajudá-lo em sua campanha.

Esta história é algo bastante único em P5. Através da sua convicção, expressa em sua oratória, Toranosuke Yoshida não só conseguiu mudar o coração das pessoas que antes o hostilizavam nas ruas como também mudou o de alguém que só queria explorá-lo para seus próprios fins. E o mais legal é que ele não precisou da ajuda dos Phantom Thieves para “embolachar” as Shadows alheias, já que conseguiu resolveu o seu próprio problema através de suas próprias habilidades (e com um belo suporte de Ren, claro!).

Infelizmente não ficamos sabendo nem em seu arco e nem na trama principal se ele foi ou não eleito, mas por aqui ele vence, com todos os méritos, o posto de melhor S. Link do quinto jogo.

E tenho dito!

2. Hisano Kuroda (Death/Persona 4)

"Dona Hisano, você não tem outra roupa que não te faça parecer um fantasma de filme de terror japonês?"

Antes de mais nada, gostaria de compartilhar uma curiosidade. Durante a elaboração do artigo, ainda restava dúvida sobre qual seria o último Social Link que integraria a lista. Embora as opções pré-selecionadas fossem realmente muito boas, não conseguia me decidir qual delas seria a melhor escolha.

No fim das contas, acabei optando pelo Link de Hisano Kuroda, a representante do Arcana Death em Persona 4. O que motivou a sua escolha não foi o seu roteiro - até porque no próprio jogo há opções com um enredo muito mais elaborado –, mas sim a grande porrada que o desenrolar da trama traz.

Hisano é uma idosa que vive em Inaba desde que se entende por gente. A primeira vez que se encontrou com Yu Narakumi aconteceu quando ele estava trabalhando como zelador no hospital, durante o turno da noite. Aliás, é bom lembrar que isso só acontecerá após atingir o 2º nível do S. Link da ~~proto Tae Takemi~~ de Sayoko Uehara (Arcana Devil).

Por conta da sua repentina aparição em um corredor, que estava vazio segundos antes, e de seu vestido de luto, acompanhada do tema Who’s There, a primeira impressão é de que a velhinha é ~~um espírito zombeteiro~~ uma assombração. Quando ela percebe Narukami, ela se demonstra muito surpresa, mas prefere seguir pela direção contrária à do personagem.

No segundo encontro, a idosa aborda o estudante e pede desculpas pelo outro dia. Ela explica que estava no hospital por conta de sua neta e aparência do garoto lhe chamou a atenção, já que ele a lembrava de uma pessoa conhecida. Inclusive, a semelhança de Yu foi o que a motivou retornar naquela noite. Antes de se despedir, ela menciona que nos dias de folga ela costuma tomar sol às margens do rio da planície de Samegawa. É a deixa que o jogador precisava para iniciar o seu Social Link.

Indo até o local no domingo ou em um feriado, o protagonista encontrará a idosa admirando o rio. Ao conversar com ela, temos então o começo de seu arco. Após fazer apresentação formal e uma breve explicação sobre motivo de estar na cidade, chega o momento de Hisano se apresentar. Ela diz o seu nome... e depois afirma que ela era a Morte.

Por um momento, achei que a música Who's There voltaria a tocar...

Imagino o que vocês devem estar pensando.

Fazer uma história do Arcana Death onde a personagem principal diz ser a própria Morte é uma ideia bem preguiçosa. E realmente, eu mesmo não dei muita moral para este Social Link por conta deste 1º nível.

Mas a história melhora... e muito.

Nos próximos encontros em Samegawa, Hisano conta que Yu era muito parecido com seu falecido esposo quando jovem, motivo que a intrigou na primeira vez que ela o viu. Ela então conta que quando o conheceu, ele fazia parte de uma companhia de atores itinerantes que visitavam Inaba uma vez por ano. Os dois acabaram se apaixonando e tempos depois ele desistiu da carreira como ator para poder viver com ela na cidade. Ela também enfatiza que, por conta da distância, eles passaram muito tempo se comunicando através de cartas. Entretanto, ela acabou perdendo todas com o passar do tempo.

É interessante observar que durante essas conversas, Hisano alterna constantemente de humor. Quando está contando sobre seu passado, a nostalgia de suas histórias a traz muita alegria. Mas quando retorna ao presente, ela transparece um sentimento de tristeza e culpa. E apesar de aos poucos, nós entendermos que há uma relação com a morte do seu marido, ela se demonstra bastante evasiva em dar mais explicações.

Quando Narukami consegue recuperar as cartas enviadas pelo seu esposo, a idosa finalmente resolve se abrir (nível 7). Ela conta que pouco depois do seu casamento, seu marido contraiu uma doença que o deixou de cama. No começo, ele se sentia muito mal pela situação, chegando a mencionar que havia falhado como “marido”. A sua doença começou a piorar, fazendo com que ele se tornasse mais agressivo com ela... até o momento que ele se esqueceu de tudo
.
Ele havia desenvolvido Alzheimer.

Sabendo da sua responsabilidade como esposa, Hisano continuou cuidando do amado. Só que com passar do tempo, a tristeza e a dor pela situação iam crescendo conforme a doença se agravava. Era muito difícil para ela aceitar que o homem que havia jurado amor eterno era o mesmo que todos os dias perguntava quem ela era. A frustração se tornou tão grande que ela passou a desejar que ele partisse logo, o que acabou acontecendo pouco tempo depois. Embora inicialmente isso tenha lhe trazido um alívio, ela logo percebeu que estava desejando a morte ao homem que amava. E quando este desejo foi atendido, ela havia se tornado a morte em pessoa.

O momento da revelação é um verdadeiro soco no estômago. Mesmo sabendo a todo momento que é uma ficção, a crueza nas palavras da personagem poderia facilmente se passar por um relato real. Alzheimer é uma doença cruel, não só com o portador como para seus amigos e familiares, uma vez que eles não só acompanham o definhamento do doente como também a “morte” das suas lembranças. É muito doloroso, algo que este Social Link mostra muito bem.

Na conclusão da história, Yu consegue recuperar as cartas que Hisano havia escrito para o seu marido. Ao ler as cartas e ver o quanto o amava, ela finalmente consegue confrontar seus sentimentos. Ela não queria aceitar que o homem que tanto amou havia desaparecido e o fato dele não se recordar dela era algo que a magoava. Agora que ele se foi, ela viu que não era a “morte”, mas sim uma pessoa egoísta que perdeu aquilo que mais amou em sua vida. Em contrapartida, embora a doença tenha o feito esquecer de sua esposa, tanto as cartas que ele escreveu quanto a sua dedicação a sua amada eram provas de seu amor.

É interessante como um jogo com clima Slice of Life ~~com assassinatos~~ consiga apresentar dramas tão pesados como o de Hisano Kuroda. E conforme dito anteriormente, esta certamente não é a história com o melhor roteiro de P4, mas é praticamente impossível ficar indiferente frente aos acontecimentos apresentados por aqui.

1. Aigis (Aeon/Persona 3)

"2B, eu sou sua mãe!"

Sem sombra de dúvidas, se hoje estou aqui escrevendo este artigo elegendo os melhores Social Links da série, tudo isso só foi possível graças ao Persona 3. Porque embora a franquia exista desde os tempos do primeiro Playstation, a mecânica de simulação social só veio existir a partir de P3, já na geração do Playstation 2.

Uma tradição que nasceu nesta nova geração do Persona foi a party contar com a presença de membros não-humano. Em Persona 5, por exemplo, temos Morgana, um gato falante (que pelo nome achamos que é uma “gata”) que adora colocar o protagonista para dormir. Em Persona 4, temos Teddy (Kuma na versão japonesa), um urso de pelúcia (oco) que adora fazer trocadilhos com a palavra “Bear” que deixariam Carlos Alberto de Nóbrega orgulhoso. E de volta ao terceiro jogo, temos Koromaru (que é um cachorro normal... que luta com uma kunai na boca) e a grande estrela desta posição, a robô, com jeito de adolescente, Aigis.

Considerada um dos grandes símbolos de terceiro game (ao lado, claro, do protagonista Makoto Yuki), a personagem não contava com um S. Link na primeira versão do jogo, lançada em 2006. Com o lançamento da versão atualizada do jogo (Persona 3 FES) dois anos depois, ela não só recebeu o seu Link (que começa no último mês da história) como também ganhou um epílogo (The Answer) onde passou a ser a protagonista.

Algo me diz que a Atlus enxergou (e com razão) o potencial da coadjuvante neste intervalo de tempo.

Aigis faz parte da 7º Geração de Armas de Supressão Anti-Shadows, desenvolvido pelo Grupo Kirijo. Mesmo capaz de conjurar e usar um Persona (que é a manifestação da personalidade do usuário) o seu ego não é desenvolvido. Por conta disso, seu comportamento e as suas decisões são guiados pela lógica, embora a sua relação com Makoto (a quem quer proteger a todo custo) resulte em ações que parecem não seguir qualquer padrão lógico.

Durante o terceiro ato da história, ela tem um confronto com o Arauto de Nyx (Deus da Morte e grande antagonista do jogo), onde acaba facilmente derrotada por ele. As consequências desta batalha, no entanto, não só despertam as suas memórias adormecidas sobre um confronto anterior contra o Arauto e de sua relação com Makoto, como também servem como um impulso para a evolução de seu ego. Tanto que, ao retornar para a S.E.E.S após um período de reparos, ela percebe que desenvolveu emoções humanas.

É a partir desta premissa que gira o Social Link da representante do Arcana Aeon (de onde a Atlus tirou isso?). Nele acompanhamos Aigis confrontando este novo (e assustador) mundo de possibilidades.

O conceito de inteligências lógicas buscando compreender o abstrato mundo das emoções humanas é algo muito presente na cultura pop. Obras como o livro Androides Sonham com Ovelhas Elétricas? (Do Androids Dream of Electric Sheep?, 1968) de Philip K. Dick, o longa-metragem Ela (Her, 2013) de Spike Jonze e o jogo Nier: Automata (2017) da PlatinumGames são alguns exemplos de histórias que abordam este tipo de trama.

A jornada de Aigis em P3 também é um belo exemplo desta temática. Dentro de suas limitações como máquina, a personagem durante boa parte do jogo tenta entender mais sobre o comportamento humano. Para isso, chega a frequentar o mesmo colégio dos membros da S.E.E.S e a até a participar de eventos sociais (como o festival de ano novo). Apesar das tentativas, ela não só falha em agir como uma “humana” como também não consegue chegar à resposta que procurava. Contudo, a partir do momento que temos a evolução de seu ego (impulsionada pela batalha contra o Arauto), ela finalmente adquire as “habilidades” necessárias para encontrar a sua resposta.

Particularmente, este Social Link faz uso de uma abordagem que gosto bastante em histórias deste gênero: o de uma Inteligência Artificial desenvolvendo emoções. Embora existam obras que trabalhem com isso (o próprio Nier: Automata o faz), grande parte das histórias (ao menos as que acompanhei) se resumem as máquinas buscando entendimento da complexidade humana através da lógica. O passo seguinte (elas adquirindo a capacidade para entender o conceito de humanidade) nem sempre é trabalhado.

Como podemos acompanhar na evolução de seu Link, Aigis agora finalmente é capaz de compreender as nuances da complexidade humanidade. Em cada um dos dez níveis, ela vai adquirindo uma nova visão do mundo ao redor e de si própria. Seja em uma visita a um Templo Budista, em uma conversa na cobertura do colégio ou acompanhando o relacionamento de uma idosa com sua gata e o seu neto ~~escrotão~~, cada experiência nova a conduz a um novo entendimento que antes não era capaz de processar.

É incrível como a personagem evolui durante este arco. Apesar dos seus lapsos em sua programação que envolviam proteger Makoto (que eventualmente evolui para os demais membros do time), a robô tinha uma personalidade bastante fria, a ponto de o próprio protagonista destacar isso. Ao final deste arco, a frieza robótica dá lugar a uma persona doce e extremamente gentil (algo que persiste em sua participação em Persona 4 Arena).

Certamente, este é um dos motivos que a transformou na Best Girl de vários jogadores.

Embora inicialmente os sentimentos tragam bastante alegria para Aigis, logo ela começa a entender aquela máxima de “viver é sofrer”. Em certo momento do S. Link, a “robô adolescente” percebe que mesmo que seu coração esteja ficando mais humano, ela jamais será um. Ao se deparar com esta dura realidade, acaba mergulhando em uma verdadeira crise de identidade.

Posteriormente, descobrimos que o que desencadeou este conflito nela foi o fato dela perceber que estava se apaixonando pelo protagonista. E como ela era uma máquina, ela eventualmente o veria perecer enquanto ela continuaria a existir.

Curioso notar que quando ela tem a oportunidade de conhecer o sentimento humano mais nobre (o amor), a sua condição existencial a faça conhecer a emoção mais dolorosa (a tristeza). E mesmo com seu Link terminando com um final feliz – onde ela consegue ter um entendimento sobre a existência dos seres vivos e com Yuki a aceitando como sua namorada – sabemos que esta felicidade será apenas passageira.

Por fim, vale ressaltar que o arco pessoal de Aigis acaba sendo um complemento para a história principal do jogo, mais especificamente o final. Sinceramente, tudo que presenciamos neste Social Link tornam os momentos finais de Persona 3 ainda mais melancólicos.

E a posição Hour Concur vai para...

"Você quer que eu escreva uma história sobre Stupei: Ace Defective?"

...Akinari Kamiki (The Sun/Persona 3)

Tal qual o primeiro lugar, o Hour Concur do nosso artigo será representado por uma história vinda de Persona 3.

Como puderam observar ao longo ~~desta tese de 25 páginas~~ deste texto, a morte é um conceito bastante recorrente nos Social Links que escolhi. Entretanto, em todos em que o tema esteve presente, ele esteve associado a um ente querido do protagonista da trama em questão. A minha escolha para esta posição será um ponto fora da curva dentro desta temática, uma vez que acompanhamos a jornada de um rapaz que precisa lidar com a sua própria finitude.

Akinari Kamiki é um jovem portador de uma doença degenerativa rara que não possui cura. Estando bem debilitado por conta do estágio avançado de sua enfermidade, ele está ciente de que não lhe resta muito tempo. E para piorar, está enfrentando tudo isso sozinho, vez que não suporta o sentimento de pena vindo dos outros. Por conta disso, o rapaz é uma pessoa extremamente melancólica e com uma visão bem sombria da vida.

A vida do jovem tem uma virada quando conhece Makoto Yuki em uma de suas visitas ao Templo de Tatsumi Port Island, onde o protagonista fazia companhia para a pequena Maiko Oohashi. Sendo tratado como uma pessoa normal pela primeira vez em muito tempo, Akinari vê em Yuki um amigo com quem pode ter uma conversa normal e até mesmo desabafar sobre a sua condição.

Durante as conversas com o jovem, em certo momento (nível 4) ele revela que tem nos livros um consolo para sua condição. Contudo, ele não consegue terminá-los porque o fim daquelas jornadas o levava de volta a sua própria realidade. Após essa confissão, temos o início do principal enredo do S. Link, onde o jovem decide escrever o seu próprio livro como forma de encontrar um significado para a sua própria existência.

O Social Link do Arcana The Sun de P3 é uma história que pode facilmente passar despercebida pelo jogador, uma vez que exige vários pré-requisitos para iniciar. Como vocês podem notar, primeiro é necessário habilitar o Link de Maiko Oohashi e chegar até o 3º nível, onde o primeiro encontro como Kamiki acontecerá. Além disso, é preciso também alcançar o 4º nível de Knowledge e ainda precisa do item Red Fountain Pen que pode ser encontrado passeando com Koromaru a partir do dia 9 de agosto. Seguindo todos esses requisitos, você finalmente pode começar o arco do personagem.

Acredito que este seja o Link da franquia com a maior quantidade de exigências para se acessar. Mas acreditem, a sua história VALE todo o esforço investido.

Nos níveis que se seguem, assistimos uma verdadeira transformação por parte de Akinari. Com o foco em concluir o seu livro, o rapaz se empenha o quanto pode para escrever a sua obra. A sua dedicação em escrever acaba servindo com uma válvula de escape para todo o sofrimento que a sua doença vem lhe trazendo e aos poucos isso vem adicionando tons mais claros a sua visão de mundo.

A fábula do personagem – a improvável amizade entre um jacaré cor-de-rosa e um pássaro que não sabe voar – é praticamente um espelho de sua personalidade. Assim como ele, o jacaré e o pássaro nasceram com anomalias que fazem com que eles não consigam se encaixar entre os seus semelhantes, tendo uma vida bastante solitária. E tal qual a vida do escritor, a amizade entre os dois é a luz na vida que ambos precisavam.

Quando escreve o que parecia o grande final, onde o jacaré devora acidentalmente o seu único amigo, Kamiki se demonstra insatisfeito com o desfecho. Embora a história seja um reflexo da sua vida, esse final se encaixaria melhor no seu antigo eu, cuja visão de mundo era pessimista e obscura, e não com o atual. Ele sabia que precisava incluir algo a mais ao texto.

E é o que acontece na conclusão do seu Link (nível 10). Ele entrega o seu livro pronto para Makoto e revela como concluiu a sua história. Inconsolável, o jacaré acabou chorando tanto que acabou se afogando nas suas próprias lágrimas. Das suas lágrimas, no entanto, acabou surgindo um belo lago, de onde brotaram árvores com frutos e muitas flores, tornando um lugar ideal para os animais que procuram por paz e tranquilidade.

Akinari explica que este final reflete o entendimento sobre a vida que ele havia encontrado: todos estamos conectados durante essa passagem pelo mundo, de forma que as nossas ações na vida dos outros é o que nos define. E essa definição é algo que nem sempre veremos em vida (tal qual o jacaré cor-de-rosa).

Ele, então, entrega o livro a Makoto, o agradece por ajudá-lo a encontrar a sua resposta, se diz grato por ter nascido e, momentos depois desaparece, dando a entender que já não estava mais naquele mundo.

Que Social Link FODA, meus caros leitores!

À primeira vista, o tema parece ser a aceitação da morte, só que o Link de Akinari é uma história sobre como as nossas ações podem mudar a vida dos outros. Por não conseguir se relacionar, ele teve que encarar sozinho o fato de que não viveria por muito tempo, um fardo tão pesado que acabou lhe tirando a vontade de aproveitar justamente o pouco tempo que lhe restava.

As visitas de Makoto eram justamente o que ele precisava para sair do estado de melancolia que estava mergulhado. Aos poucos, todos aqueles sentimentos ruins que se alojaram em seu coração foram saindo e aquele profundo pesar em sua alma deu lugar a uma busca pelo sentido da vida, algo que se mostrou extremamente prazeroso para ele. No final, o rapaz que lamentava existir estava grato por ter vivido, mesmo que por pouco tempo.

Não é à toa que selecionei este para a posição Hour Concur. A história do Arcana The Sun de P3 é singela, tocante e dona de uma mensagem poderosa. Assim como o protagonista, nós podemos fazer a diferença na vida das pessoas. E não é necessário enfrentar nenhum Deus da Morte para isso. Pequenas ações de gentileza como desejar um “Bom Dia”, elogiar o trabalho de um colega, emprestar um ombro amigo e até mesmo pagar um café a alguém são simples atos que podem mudar para a melhor o dia de qualquer um.

E digo isso por experiência própria.

Por fim, é válido que ressaltar o epílogo deste S. Link, onde Yuki conhece a mãe de Kamiki durante uma visita ao Templo Budista. E meus amigos, é quase impossível não se emocionar com essa conversa.

E a posição Meia Boca vai para...

Nem o moonwalk de Nozomi é capaz de salvar este desastre.

...Nozomi Suemitsu (The Moon/Persona 3)

Pois é, meus caros leitores.

O mesmo jogo responsável pelos Social Links de Aigis e de Akinari também é responsável pela nossa posição “meh” de hoje.

Assim como a posição Hour Concur, o arco do Arcana The Moon exige algumas condições de acesso que podem fazer com que o jogador facilmente passe batido. Primeiramente, é necessário chegar até o nível 3 do S. Link de Kenji Tomochika (The Magician), onde ~~o moleque chato para caralho~~ o rapaz contará sobre o rumor de um grande sommelier ~~conhecedor fresco~~ de comida que costuma frequentar Paulownia Mall.

Indo ao local durante praticamente toda a semana (com exceção do domingo), Nozumi Suemitsu (a tal pessoa do rumor) estará sentado ao lado da fonte desfrutando de um sanduba limited edition gourmet ~~essa porra é um action figure?~~. Caso o status Charm do protagonista esteja no nível 2 (unpolished), Nozumi notará a sua presença e lhe passará um pequeno quiz culinário. Respondendo corretamente todas as perguntas, será necessário lhe oferecer algo que ele nunca comeu na vida (no caso, uma Odd Morsel que é obtida no Tartatus).

Cumprindo todas essas condições, temos FINALMENTE o início de seu Social Link.

Nozumi Suemitsu – que se auto intitula Gourmet King – é um estudante do 3º ano do ensino médio do Colégio Gekkoukan cujo passatempo favorito é comer. E meus amigos, a dinâmica deste Link pode ser resumida da seguinte maneira: os dois saem para comer, Nozumi elogia o metabolismo de Makoto; os dois saem para comer, Nozumi fala que suas colegas de classe estão interessadas em Makoto; os dois saem para comer, Nozumi fala que tem um irmão falecido; os dois saem para comer, Nozumi convida Makoto a fazer parte de um culto secreto de pessoas que acreditam que o mundo vai acabar.

É... vocês não leram errado.

Calma que tem mais. Entre essas idas e vindas a restaurantes, ainda temos o sub-plot de um pai extremamente furioso com o Gourmet King pois ele engabelou o seu filho, uma criança do ensino fundamental, a investir o dinheiro nisso (um total de 132.000 ienes).

É...

Confesso que cheguei até cogitar outras possibilidades para a posição ~~cof cof Yuuki Mishima cof cof,~~ mas não dá pessoal... este arco é uma verdadeira aula de como se fazer uma HISTÓRIA BOSTA.

Sério, este Link falha miseravelmente em praticamente tudo que tenta.

A começar pela estrutura narrativa, que com toda certeza deve ter sido pautada no princípio do lenga-lenga. Durante os níveis iniciais, a história simplesmente não vai a lugar algum. Nozumi só fala de comida, comida, comida, faz algum comentário sobre Makoto e volta ao ciclo de comida, comida, comida. Quando o pai do garoto enganado surge para confrontar o estudante e ele simplesmente surta (nível 5). Temos a sensação de que a história finalmente irá começar, só que no nível seguinte retornamos ao ciclo comida, comida, comida.

A história principal só começa a partir do 7º nível. E quando nos deparamos com ela... era melhor ter ficado só na comida. Veja bem meus caros leitores, o problema não é a presença de um culto ligado ao fim do mundo – afinal de contas, na trama principal temos o culto de Nyx, que é praticamente a mesma coisa –, mas sim a grande sensação de que isso foi algo extremamente jogado no enredo. Embora o Gourmet King faça uma ou outra menção a isso, a execução é terrível. Tanto que na conclusão do S. Link, nem ficamos sabendo o que ele fez a respeito do culto.

Outro ponto bastante problemático é o próprio Nozumi Suemitsu. Passar o tempo com ele, passa longe de ser um evento interessante. A falta de desenvolvimento e a insistência em falar apenas em comida torna suas interações em experiências bem chatas, tanto que aumentar o nível dos Personas do tipo Moon acaba sendo o único atrativo para acompanhar a sua história. Contudo, quando finalmente temos algum desenvolvimento, passei a compartilhar a mesma raiva que aquele pai do moleque enganado tinha.

Simpatizar com o protagonista do Social Link não é uma regra em Persona. No mesmo jogo, por exemplo, temos o Link do Presidente Tanaka (The Devil), onde em cada nível o apresentador do Tanaka's Amazing Commodities demonstra ser um tremendo de um canalha ~~filho da puta~~. Entretanto, apesar da ojeriza que a figura do personagem traz, o roteiro foi bom o suficiente para me manter curioso aos próximos absurdos que o empresário compartilharia.

E isso é algo que falta na trama do Arcana The Moon.

Com toda certeza, a maior falha deste S. Link foi ter deixado o plot do falecido irmão gêmeo de Nozuri para o ÚLTIMO NÍVEL. Na moral, se isso tivesse explorado desde o início – do irmão gêmeo que ficava à sombra do outro – não só teríamos uma história muito mais decente e centrada como também teríamos algum interesse pelo destino do personagem. Demonstrar algo com tanto potencial APENAS no final só mostra o quanto os níveis anteriores foram uma grande PERCA DE TEMPO.

“Mas Marcel, você ainda não disse qual é o tema desta história?”

O tema é paciência, pois é disso que você precisa para terminar esta desgraça.

E tenho dito!

---------------------------------------------------------------------------------

Pois bem meus caros leitores, este foi mais um NerdTop.

E aí? Gostaram da lista? Teve algum Social Link que vocês sentiram falta?

Como cada jogo tem em média 20 S. Links (afinal, os arcanas são inspirados nas cartas do tarot), é óbvio que muita coisa ficou de fora. Mas dependendo da repercussão deste artigo, uma segunda parte dele pode muito bem pintar no futuro. Se vocês querem, deixem seus comentários ao final e não deixem de compartilhar para seus amigos, especialmente se eles gostam bastante da série Persona. :D

Como vocês perceberam, os vídeos que ilustram o artigo são do canal do JohneAwesome. Além dos vídeos sobre Persona, ele conta também com material sobre Shin Megami Tensei, Xenoblade, Fire Emblem, Danganronpa e muito mais. Vale muito a pena conferir o trampo do sujeito.

Nos agradecimentos, gostaria de agradecer ao meu amigo Geovani e ao meu irmão André cujos pitacos foram importantes para definir coisas importantes sobre o texto. E finalmente, gostaria de agradecer a minha noiva Ariane por me ajudar no processo de revisão do artigo. Sério, o dedo dela melhorou e MUITO o texto final.

Bem meus caros leitores, vou ficando por aqui.

Até o próximo artigo e prometo que ele será bem menor do que este aqui.

---------------------------------------------------
Quer ter uma imagem associada a seu comentário?
Clique aqui e veja como \o/

Sugestões, críticas, elogios?
Envie para nerdologialternativa@gmail.com

Acompanhe nossas postagens via twitter: @NerdAlt
Ou através de nossa página no Facebook

[Penso, Logo Digito] Trilogia Star Wars da Disney: Uma Oportunidade Desperdiçada

2020-04-07T22:33:00.009-04:00

Pois é meus caros leitores e amigos, demorou mas finalmente estamos de volta.

E desta vez, com uma grande novidade: a estreia da nova coluna "Penso, Logo Digito", um espaço onde dedicarei escrever opiniões diversas da nossa amada cultura pop sem a necessidade de seguir um padrão de artigo.

Como ponto de partida para esta nova seção e para a temporada de artigos do ano 2020, trago a vocês a minha humilde visão sobre o que deu errado com a Trilogia Star Wars da Disney. Sem mais delongas, vamos ao que interessa. ;)

Quando saí da sessão de Star Wars: Episódio III - A Vingança dos Sith (Star Wars: Episode III - Revenge of the Sith, 2005), acreditava que aquela seria a última vez que assistiria um filme de Star Wars nos cinemas. Afinal de contas, além daquele ser o filme que fechava a trilogia que contava a queda de Anakin Skywalker para o lado sombrio, George Lucas já havia deixado claro que estava satisfeito com as histórias que apresentou em seus filmes.

Mesmo sem novos episódios cinematográficos, a franquia se manteve bastante ativa nos anos seguintes. A série em CGI Star Wars: A Guerra dos Clones (Star Wars: The Clone Wars, 2008-2020) – que chegou a ter o episódio piloto exibido nos cinemas – e os jogos da finada série The Force Unleashed e da série Battlefront (os da Pandemic Studios) foram fundamentais para manter a marca em relevância. E claro, não podemos nos esquecer também de outros produtos derivados, como livros do universo expandido, quadrinhos, action figures, camisetas, cereais, ~~paródias pornô~~ etc.

Embora as novidades nunca tivessem parado de aparecer, nada se comparava ao anúncio de um novo longa-metragem. E de fato, os filmes de Guerra nas Estrelas são verdadeiros eventos dentro da cultura pop. Afinal de contas, estamos falando de uma marca que foi responsável por solidificar o conceito dos blockbusters nos cinemas. E com o advento da internet, os estágios de produção passaram também a integrar o evento.

Bem...mesmo tendo os meus problemas com os trabalhos mais recentes do Tio George, devo confessar que acompanhar a produção de A Vingança dos Sith – o primeiro longa que fui aos cinemas realmente como um fã – foi uma experiência incrível. Aliás, o teaser trailer do Episódio III, que eu baixei no finado Kazaa ~~e sem qualquer vírus embutido~~, foi certamente um dos trailers que mais assisti na vida.

Enfim, com o próprio Lucas decretando que não voltaria a trabalhar em um novo longa, tudo leva crer que não vivenciaremos tal evento tão cedo.

Ao menos, era o que acreditávamos.

"Sorria George, sua franquia estará em boas mãos...hô hô!"

Em 30 de Outubro de 2012, veio a bomba que ninguém esperava. De uma só vez, a Disney anuncia a compra da LucasFilm pela “bagatela” de US$ 4 bilhões de dólares – o mesmo valor que pagou pela Marvel anos antes – e de quebra ainda confirma a produção de Star Wars: Episódio VII, o primeiro de uma nova trilogia de filmes que continuaria a história de Luke & cia.

Não sei quanto a vocês, mas quando soube da notícia, fiquei maluco. E não era para menos, afinal era Star Wars novamente nos cinemas. Além de poder vivenciar novamente o grande evento que girava em torno dos filmes da saga, seria a oportunidade de rever Luke Skywalker, Leia Skywalker, Han Solo, Chewie, Lando Calrissian, R2-D2 e até o mala sem alça do C3PO.

Claro, houve uma pequena parcela do fandom que ficou com um pé atrás por conta da Casa do Mickey. Entretanto, o trabalho da empresa com o Marvel Cinematic Universe (MCU), que na época havia encerrado a sua Fase 1 com Os Vingadores (The Avengers, 2012), gerava uma boa expectativa de que ela seria capaz de desenvolver um trabalho tão bom quanto o que estava fazendo com as super produções da Marvel.

Outro ponto deixou uma parte dos fãs receosos era o não envolvimento de George Lucas no projeto. Contudo, a grande maioria (como este que vos escreve inclusive) estava satisfeita com a notícia. Vejam bem, meus caros leitores, é óbvio que ele merece todo o nosso respeito e reconhecimento pela obra fantástica que criou...mas os seus últimos trabalhos ~~cof cof Indiana Jones e o Reino da Caveira de Cristal cof cof~~ conseguiram ter muito MAIS ERROS do que acertos.

Portanto, sangue novo era algo que poderia fazer muito bem a franquia.

Essa cena fez até o fã mais ~~chatão~~ exigentes ficar com os olhos marejados. :)

Três anos se passaram e, em dezembro de 2015, a franquia retornava oficialmente aos cinemas com Star Wars: O Despertar da Força (Star Wars: Episode VII - The Force Awakens, 2015). Com um elenco de novatos (Daisy Ridley, John Boyega, Oscar Isaac e Adam Driver), o retorno dos veteranos (Harrison Ford, Carrie Fisher, Mark Hamill, Anthony Daniels e Peter Mayhew), um diretor com bons filmes no currículo (J.J. Abrams) e trailers que emocionaram a todo o fandom, a produção chegou como uma das grandes promessas do ano.

O Despertar da Força foi um sucesso colossal. Além de conquistar excelentes críticas – algo quase que ausente na trilogia anterior – conseguiu a façanha de faturar mundialmente a quantia de US$ 2,066 bilhões, tornando-se o terceiro longa-metragem a ultrapassar a barreira dos 2 bilhões em faturamento. Mais do que fazer a alegria dos executivos da Disney, a produção era “uma nova esperança” dos fãs contarem finalmente com filmes cuja qualidade fosse próxima dos originais.

Mas nem os engravatados e muito menos os fãs imaginaram os distúrbios na força que viriam a seguir. Star Wars: Os Últimos Jedi (Star Wars: Episode VIII - The Last Jedi, 2017) conseguiu ter críticas ainda mais positivas que o seu antecessor, entretanto, ele acabou provocando uma enorme polarização entre o fandom. Financeiramente, o longa faturou US$ 1,321 bilhão e, embora seja uma senhora bilheteria, é um resultado BEM ABAIXO dos 2 bilhões obtidos pelo Episódio VII.

O desempenho abaixo do esperado e a cisão entre os fãs ligou o alerta amarelo na LucasFilm. Tanto que para o último filme eles jogaram pesado: além de trazer dos mortos um grande vilão dos filmes anteriores, eles tentaram de todas as maneiras atender os desejos do público com relação ao andamento da história. Resultado, Star Wars: A Ascensão Skywalker (Star Wars: Episode IX - The Rise of Skywalker, 2019) recebeu críticas mornas dos especialistas, desagradou a quase todos os lados da polarização e até o momento faturou “apenas” US$ 1,074 bilhão, um valor ainda mais baixo que o seu antecessor.

Sério, meus caros amigos e leitores, como é que uma trilogia tão esperada e que começou tão bem conseguiu terminar com as pessoas usando hashtags como “VoltaGeorgeLucas”? O que faz de Os Últimos Jedi o grande ponto de virada nessa história? Por que mesmo tentando agradar a todos, A Ascensão Skywalker conseguiu deixar os fãs ainda mais irritados? E por fim, por que Persona 5 é um jogo tão bom?

Creio que a última pergunta terá que ser respondida em um outro momento...

"Sinto um distúrbio poderoso na força, Rey. Sinto muita raiva, tristeza e ressentimento logo abaixo."

Quando uma história precisa ser apresentada ao longo de múltiplos filmes, é necessário garantir que eles "se conversem" e "se respeitem" a fim de manter a coerência e a fluidez da trama como um todo. Em outras palavras, embora cada episódio cinematográfico se foque em um ponto específico da narrativa, eles também precisam lidar com as consequências e elementos introduzidos anteriormente para garantir a continuidade do enredo.

E é aqui onde temos uma das grandes falhas Trilogia Disney/LucasFilm. Tanto Os Últimos Jedi quanto A Ascensão Skywalker não se importam em dar andamento ao que foi apresentado por seus antecessores.

Querem ver só?

Em O Despertar da Força, J.J. Abrams inseriu o mistério dos pais da Rey (Daisy Ridley), um novo vilão com máscara negra (o Kylo Ren de Adam Driver), um novo Sith Lord na figura do Líder Supremo Snoke (Andy Serkis), a estilosa stormtrooper prateada ~~Brienne de Tarth~~ Phasma (Gwendoline Christie), mencionou a existência dos Cavaleiros de Ren e deixou subentendido que Finn (John Boyega) também teria despertado para a Força.

No episódio seguinte, temos uma troca na direção e nos roteiros da obra, cabendo agora a Rian Johnson a responsabilidade de ambos. E bem...é aqui onde os problemas começam. Em Os Últimos Jedi, o mistério dos pais da agora padawan é solucionado de forma simples (eles eram ninguém), Kylo destrói o seu capacete logo nos primeiros minutos de projeção, Snoke e Phasma são eliminados de maneira patética e sem qualquer aprofundamento de seus backgrounds, os Cavaleiros de Ren e o despertar de Finn são completamente ignorados.

Retornando a cadeira de diretor e aos roteiros em A Ascensão Skywalker, Abrams não deixou barato. O plot sobre os pais da Jedi é retomado (ignorando a resolução anterior) e agora é revelado que ela é neta de Palpatine (Ian McDiarmid), Kylo Ren refaz o seu capacete e retorna ao posto de capacho principal de um Sith Lord (Darth Sidious), os Cavaleiros de Ren finalmente são revelados ~~para depois serem brutalmente chacinados~~, a sensitividade a força de Finn retorna a trama e Rose Tico (Kelly Marie Tran) - personagem introduzida no longa anterior - é jogada para escanteio sem dó e sem piedade.

Olha, não a faço ideia se J.J. Abrams e Rian Johnson tinham um péssimo relacionamento nos bastidores ou se a LucasFilm/Disney deu total carta branca para a direção e roteiro de cada filme. Mas uma coisa é bastante certa, ambos não estavam alinhados quanto os rumos da história. Tanto que um acabou cagando em cima sabotando as ideias do outro. E o que me deixa mais intrigado é que a Kathleen Kennedy (a chefona da LucasFilm) PERMITIU que isso ocorresse.

Será que o estúdio não tinha grana para bancar um “Kevin Feige” da vida? Ou simplesmente acreditavam que não seria necessário alguém para cuidar da continuidade da trama? De qualquer maneira, é muito bizarro notar que a Disney com a Marvel Studios conseguiu contar uma história bastante coesa ao longo de 19 FILMES e não conseguiu fazer o mesmo com a LucasFilm em APENAS 3.

Os Cavaleiros de Ren, a versão Star Wars ~~e inútil~~ dos Cavaleiros que dizem Ni!

Além de preservar a integridade dos arcos narrativos, a presença de um coordenador certamente melhoraria a maneira como certos assuntos foram desenvolvidos. Por exemplo, embora goste muito de O Despertar da Força, não consigo engolir a apresentação da Primeira Ordem. Mesmo sendo a grande antagonista dos heróis, a sua introdução se resume a DUAS LINHAS de texto pré-créditos. E mais, em nenhum momento o filme ao menos tenta explicar como a situação retornou a um status quo parecido com o de Star Wars: Episódio IV - Uma Nova Esperança (Star Wars: Episode IV - A New Hope, 1977).

“Ahh, mas o Episódio IV fez a mesma coisa com o Império.” - alguns de vocês podem argumentar. Sim, verdade. Só que é bom lembrar que quando a obra original foi feita, não havia expectativa alguma que geraria continuações. Logo, era mais do que natural que o roteiro focasse em outros aspectos. No caso do Episódio VII, mesmo sendo o primeiro passo de uma nova série de filmes, ele também é uma continuação direta de Star Wars: Episódio VI - O Retorno de Jedi (Star Wars: Episode VI - The Return of Jedi, 1983), onde temos a vitória da Aliança Rebelde sob o Império.

Lógico que não esperava por uma mega explicação contextualizada – algo desse tipo a Disney deverá fazer em algum seriado ou uma nova série de filmes – mas ao menos um monólogo ao estilo Obi-Wan Kenobi sobre o passado de Darth Vader já serviria para alimentar a imaginação dos fãs. Certamente, seria algo muito mais rico do que um texto dizendo “a Primeira Ordem surgir das cinzas do Império devido o desaparecimento de Luke Skywalker”.

Assim como muitos assuntos desta trilogia, o Império Galáctico Wannabe só receberá um pouco mais de contexto no último filme, através de uma explicação beeeeem meia-boca e extremamente preguiçosa.

Mas calma, ainda chegaremos lá.

Outro ponto onde certamente a presença de um "Kevin Feige da vida" faria a diferença seria na exploração dos personagens. Sério, embora a fase Disney tenha montado um elenco extremamente talentoso - destaque para o Adam Driver que vem se destacando nas premiações nos últimos anos - ela peca na forma de usá-los. Particularmente, o caso que me vem sempre à cabeça é o de Poe Dameron (Oscar Isaac). Ao lado de Rey e Finn, ele integra o trio de protagonistas da trilogia. Mesmo contando com bons momentos nos filmes, o seu tempo de tela e a sua importância para a trama é a mesma de um coadjuvante de segundo escalão.

Para se ter uma ideia, enquanto no Episódio VII ele aparece nos vinte minutos iniciais e depois só vai retornar nos finalmentes, no Episódio VIII ele passa grande da projeção confinado em um dos arcos MAIS INÚTEIS de Star Wars (sim, não estou exagerando). Poe só teve a chance de dividir a tela com seus companheiros em uma aventura e ter seu background elaborado – de forma bem preguiçosa, já que o transformaram no Han Solo da nova geração – no ÚLTIMO episódio.

Ok ok, uma catadora de sucata com poderes Jedi (e um passado misterioso) e um Stormtrooper que se rebelou contra um sistema opressor são personagens bem mais interessantes que um mero piloto de X-Wing. Entretanto, se na pré-produção do primeiro longa-metragem foi decidido que o Poe Dameron seria um dos membros da "trindade", cabe aos diretores e roteiristas dar o seu espaço no enredo e torná-lo tão interessante quanto os demais.

E considerando o trabalho de Oscar Isaac no papel e a química que demonstrou com o Finn de John Boyega, não era algo difícil de se fazer.

Após sobreviver a explosão de uma Estrela da Morte, Palpatine montou sua própria montadora de Star Destroyers.
Um exemplo de perseverança. :P

Como muitos já devem imaginar pelo artigo, eu não sou um grande "apreciador" de Os Últimos Jedi. Embora não seja o pior Star Wars produzido pela Disney, esse foi certamente o que mais me frustrou ao término da sessão.

Reconheço que em seus 152 minutos duração, há um curta-metragem espetacular. A batalha espacial do início, a grande maioria das cenas de treinamento de Rey com Luke, a participação especial de Yoda (Frank Oz) - um momento de autoajuda tão sensacional quanto a conversa entre pai e filho em Rocky Balboa (2016) - e o confronto final são realmente de tirar o chapéu. Entretanto, tudo isso é apenas uma pequena fração dentro de um todo que, ao menos para mim, não conseguiu salvar a minha experiência com a obra.

O meu problema com o filme é justamente com alguns arcos do segundo ato. Logo de início, o roteiro escrito por Rian Johnson já propõe ao espectador uma suspensão de descrença enorme ao mostrar que durante a perseguição aos Rebeldes - que estavam agrupados em poucas naves, praticamente sem armas e com as reservas de combustíveis chegando ao fim - as forças da Primeira Ordem preferem manter uma distância segura do que restou da rebelião em vez de partir para o ataque final.

Certo...acredito que a ideia nesse caso era mostrar o quanto os vilões estavam subestimando os heróis, a ponto de preferir assistir a falência das forças inimigas a acabar logo com tudo. Só que é preciso ter muita boa vontade para aceitar que os mesmos que chacinaram vilarejos sem piedade e destruíram planetas sem pestanejar iriam ficar só assistindo o fim de seus inimigos.

Mas beleza, isso me deixa contrariado, mas consigo deixar passar.

Agora, a "brilhante estratégia" de evacuação da Vice Almirante Holdo (Laura Dern)...desculpa, mas aí nem com muita força de vontade, meus caros leitores. Sério, você elabora um plano (onde se aproveita da burrice do seu inimigo) que irá salvar a todos os tripulantes da sua nave, mas esse plano exige TOTAL colaboração dos presentes. Logo, se você precisa da colaboração de todos, por que RAIOS você vai esconder o seu plano do seu PRINCIPAL PILOTO? “Não irei compartilhar meu plano e irei fingir que estou nem aí para situação porque ele é um cara impulsivo".

ISSO NÃO FAZ SENTIDO ALGUM!!

Não bastando a inexplicável atitude da Holdo, ela acaba sendo o ponto de partida para dois sub-arcos extremamente INSOSSOS e INÚTEIS: o motim de Poe Dameron e a busca de Finn e Rose Tico por ajuda. Como mencionado anteriormente, o primeiro só serve para manter o piloto dentro da Nave. Além da mais completa inexistência de aprofundamento do personagem, todo o esforço para o motim acaba acrescentando em nada, parecendo mais um grande FILLER dentro da trama.

Quanto ao segundo, pareceu-me que Johnson quis referenciar o arco de Leia e Han Solo em o Star Wars: Episódio V - Império Contra Ataca (Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back, 1980), onde eles buscam refúgio na Cidade das Nuvens de Lando Calrissian (Billy Dee Williams) e são traídos pelo próprio. Aqui, Finn e Rose buscam ajuda de um mestre decodificador em Canto Bight – uma cidade tão exótica quanto a de Lando – com a finalidade de desligar o dispositivo de rastreamento das Naves da Primeira Ordem, permitindo assim a fuga dos rebeldes.

Sendo bem justo, é uma boa premissa baseada de um grande arco.

Só que não rolou.

E aqui temos um registro da reunião dos personagens que mereciam um arco melhor em Os Últimos Jedi.

A sidequest da dupla é arrastada, chata e dura muito mais tempo que precisava, especialmente nas sequências na Cidade Casino. Embora o plot consiga apresentar a Rose Tico de Kelly Marie Tran, ele não ajuda em nada o arco pessoal de Finn, que fica em stand-by durante o filme inteiro. E para piorar, faltou entrosamento à dupla. Finn e Rose parecem a todo momento estarem em sintonias bem diferentes. Inclusive, por conta disso é que fica difícil de engolir que ela se apaixonou pelo ex-stormtrooper.

Sei que é uma covardia (das grandes) a comparação, mas basta ver o caso do casal do arco original. No final, você compra o romance entre Han e Leia com muito mais naturalidade do que aqui. E sim, o fato de Harrison Ford e Carrie Fisher estarem BEM entrosados (até demais) também ajuda. :P

Como já cometi uma injustiça de trazer o maior casal de Star Wars para a comparação, os coadjuvantes que movimentam a trama também não colaboram. Enquanto no original temos um Billy Dee Williams inspirado como Lando e próprio Darth Vader como o grande antagonista, aqui temos um Benício Del Toro no piloto automático e uma Capitã Phasma pronta para ser descartada sem fazer nada de memorável.

É, a Phasma se transformou no Boba Fett dessa geração. :P

Bem meus caros leitores, já que estamos falando de injustiças, esse é o melhor momento para comentar sobre uma. Assim como eu, houve muitos fãs também que não gostaram dessas tramas do segundo ato. No entanto, houve uma parcela que atribuiu a culpa pela qualidade dos arcos para as personagens de Laura Dern e da Kelly Marie Tran. Inclusive, a intérprete de Rose precisou se desfazer de suas redes sociais por conta de "fãs" que resolveram tirar satisfações ou simplesmente ofendê-la.

Conforme vocês puderam acompanhar ~~acima no texto cheio de raiva e rancor~~, a qualidade dessas tramas é culpa de um roteiro falho e de uma direção ineficiente, não das atrizes. Tanto Dern quanto Tran mostraram muita vontade em suas atuações, entregando o melhor que poderiam fazer dadas as circunstâncias. Sinceramente, as duas merecem muito mais reconhecimento pelo trabalho que realizaram que o Rian Johnson.

De qualquer forma, mesmo se ambas tivessem atuado mal, isso não é justificativa para linchamento virtual ou perseguição. Aliás, nada justifica esse tipo de comportamento. Podemos criticar sim os péssimos trabalhos, mas sabendo que do outro lado existe um ser humano que merece respeito.

E falando em Johnson, não satisfeito com os arcos modorrentos que fez, ele ainda deu um jeito de atrapalhar o andamento do plot que de longe era o seu melhor trabalho na obra, o treinamento de Rey com Luke Skywalker. Na boa, curto muito esse Mestre Skywalker amargurado pelo seu fracasso. Claro, acredito que a cena inicial do sabre poderia ter sido feita de uma outra forma (talvez ele devolvendo a arma para ela) e ele bebendo leite verde diretamente da fonte é....bizarro.... mas o seu comportamento faz todo sentido com o que foi apresentado no longa anterior. Mesmo se tornando um Mestre Jedi poderoso, todo esse poder não o torna imune ao sentimento de culpa e tristeza.

Contudo, a partir do momento em que o longa-metragem mostra o Jedi levantando o seu lightsaber (mesmo que por uma fração de segundos) contra Ben Solo (seu sobrinho) no momento que sente nele a presença do lado sombrio...sinto muito, aí não dá para aceitar isso. Vejam bem, meus caros leitores, estamos falando de Luke Skywalker, a pessoa que foi capaz de trazer Darth Vader - o grande demônio do Império - de volta ao caminho da luz. E não só isso, ele resistiu à influência do próprio Darth Sidious, que fez de tudo para que ele matasse o seu pai.

O Luke que conhecemos jamais levantaria sua arma contra alguém sem ao menos tentar ajudá-lo. E mais, não faria isso contra alguém totalmente indefeso. Acredito que a melhor saída teria sido mostrar o Jedi tentando de tudo para salvar o seu sobrinho das tentações do lado sombrio. E mesmo com todos os seus esforços, ele falharia e isso conduziria à destruição de tudo que ele construiu. Além de ser extremamente condizente com a construção do personagem durante todos esses anos, colocaria um peso ainda maior em sua amargura.

Luke não atacaria Ben Solo. Luke não atacaria Ben Solo. Luke não atacaria Ben Solo.

E claro, não posso terminar minhas considerações sobre o Episódio VIII sem comentar a decepção chamada Supremo Líder Snoke. Olha, até compreendo o motivo de sua morte para a história. O objetivo era deixar o caminho livre para que Kylo Ren se transformasse no principal vilão da trilogia. É ideia interessante e que poderia acrescentar muito ao Solo renegado, só que a maneira como isso foi colocada em prática foi extremamente broxante.

Para começo de papo, o espectador termina o filme da mesma forma que começou: sem conhecer NADA a respeito do antagonista. Isso é algo muito decepcionante após presenciar a sua introdução no longa anterior, com todo ar de mistério sobre a sua persona. Em segundo lugar, como é que o Snoke me consegue ser derrotado daquele jeito? E sério mesmo que usaram novamente a "Manobra Kenobi" para eliminar um FUCKING SITH LORD?!

Definitivamente, não se fazem mais Sith's como antigamente. :P

Além de não cumprir com as expectativas criadas, o vilão acabou gerando um grande problema para o roteiro do último filme...ao menos para J.J. Abrams. Na cabeça do criador de Lost (2004-2010), ele teria papel fundamental como o grande nêmesis ~~STARRSSS~~ da história enquanto Ben Solo teria a sua redenção. Sem Snoke e com o filho da "Dona Leia e do Seu Han" como único grande vilão - o pateta do General Hux (Domhnall Gleeson) não conta - o cineasta precisava alguém que pudesse assumir o lugar vago do Supremo Líder.

E foi assim que tivemos o retorno de Sheev Palpatine no Episódio IX.

Para este que vos escreve, A Ascensão Skywalker não foi uma experiência tão decepcionante quanto Os Últimos Jedi. É claro que o fato da minha expectativa estar baixíssima – especialmente depois de assistir ao medíocre Han Solo: Uma História Star Wars (Solo: A Star Wars Story, 2018) – colaborou para que o sentimento não fosse tão ruim. Sendo bem honesto, como entretenimento o longa é até eficiente neste aspecto. Entretanto, o mesmo não pode dizer sobre o seu roteiro.

Com a grande cisão no fandom gerada pelo episódio anterior, J.J. e Chris Terrio - que só se meteu em roubada depois de ganhar o Oscar por Argo (2012) - resolveram escrever uma história que fosse capaz de resolver as pontas soltas restantes e agradar aos dois lados da polarização. O roteiro resultante acabou sendo um emaranhado de soluções preguiçosas, atitudes covardes e momentos que beiram a de fanfics.

Embora tenha sido um dos grandes atrativos para os fãs velhacos (eu inclusive), a presença de Darth Sidious foi o “pilar” para grande parte das resoluções fáceis da obra. A começar pela própria introdução do vilão que, assim como a Primeira Ordem, foi realizada através do texto pré-créditos. Ok, eles dispunham apenas de único filme para introduzir o grande antagonista responsável por todo mal da galáxia, mas custava gastar um tempinho de tela para fazer algo minimamente decente?

Curiosamente, ao mesmo tempo que a presença do ex-Imperador foi a maneira que Abrams encontrou para resolver os seus problemas, isso acabou gerando dois novos problemas para o cânone da saga. Para começar, apesar de mostrar que o Sith Lord está vivo com o auxílio de aparelhos, em momento algum é explicado como ele conseguiu sobreviver após ser arremessado em um fosso da Estrela da Morte momentos antes de explodir (e nem vou entrar no mérito de que ele conseguiu sobreviver NO ESPAÇO). E claro, a sua sobrevivência acabou tornando o sacrifício de Anakin Skywalker em algo totalmente em vão.

Mas espera, que ainda tem mais. Ao perceberem esses problemas, a LucasFilm tentou reparar essas questões no livro que conta a história do longa. E qual foi a solução?

Aquele Palpatine era NA VERDADE UM CLONE.

...

Éramos felizes com o George Lucas e nem sabíamos.

"E foi assim que a sua avó conheceu meu UNLIMITED POWER..."

Mas retornemos as soluções pra lá de safadas que o antagonista de Ian McDiarmid proporcionou. Lembram de minha reclamação com a introdução da Primeira Ordem em O Despertar da Força? Com o Sith de volta ao jogo, a questão foi resolvida com um “Palpatine era a grande mente por trás da Primeira Ordem e de Snoke. Ele coordenava tudo pelas sombras.”.

Considerando que o próprio foi capaz de armar um esquema nas sombras para dissolver a República e destruir os Jedis nos prequels ~~que nunca critiquei~~, até dá para aceitar que ele seria capaz de repetir o feito. Mesmo assim, não deixa de ser uma solução preguiçosa.

Outra questão onde a sua presença serviu como solução foi para origem de Rey, que na trama acabou descobrindo ser sua neta. Além de resolver uma questão que já havia sido resolvida em Os Últimos Jedi, transformar a discípula de Leia em uma Palpatine foi uma maneira fácil de se explicar os seus grandes feitos durante os filmes e de contornar uma crítica bem polêmica: de que a protagonista é uma representação de uma Mary Sue. Para quem não está familiarizado, o termo é uma forma de designar personagens femininas que são perfeitas. Elas sempre tomam a melhor decisão, são infalíveis em suas ações e não costumam apresentar defeitos.

Bem, vamos por partes.

Com exceção da vitória contra Kylo Ren em Episódio VII - aquilo achei uma forçada de barra nível "MAIS DE 8000", afinal ela não possuía experiência alguma com sabre de luz - não me incomodo com o fato dela ser apelona. Inclusive, se levarmos em consideração os protagonistas das fases anteriores, eles também eram pessoas com talentos muito acima dos demais. Ou vocês acham que outras pessoas seriam capazes dos feitos de Luke e de Anakin?

É óbvio que personagens dotados de fraquezas, defeitos de personalidade ou dramas pessoais tendem a ser mais interessantes, mas nem todo herói ou vilão necessariamente precisa de uma porção de camadas para nos afeiçoarmos a eles. Por exemplo, o James Bond de Sean Connery era um personagem que normalmente tomava a melhor decisão, era praticamente infalível em suas ações e não apresentava nenhum defeito notável. Sim, características de um perfeito Gary Stu, mas isso não faz dele um personagem menos gostável ou seus filmes piores.

E convenhamos, todos temos as Mary Sue's e os Gary Stu's que nós nos amarramos. E as obras na qual eles estão inseridos não deixam de ser menos interessantes por conta disso. ;)

“Mas você não acha que poderiam ter desenvolvido a Rey de uma forma melhor?” – algum de vocês deve questionar. Sim, claro que poderia ser melhor...assim como a grande maioria do elenco desta trilogia. Particularmente, prefiro muito mais ela como sendo uma filha de “ninguém” - sim, estou elogiando uma decisão do Rian Johnson - do que toda essa baboseira de descendente do Sr. Poder Ilimitado. Ficaria muito mais satisfeito se o mesmo conceito usado para o Anakin fosse utilizado para ela (a criança escolhida pela Força). Isso faria muito mais sentido com a historiografia da franquia do que simplesmente atribuir um parentesco qualquer.

Ainda sobre a protagonista, também senti que faltou em sua jornada vê-la lidando com consequências negativas de suas ações. Assim como os membros da família Skywalker tiverem que lidar com fracassos pessoais (uns mais e outros menos), seria interessante ver como isso afetaria a Jedi e como ela superaria (ou não) este revés. A Ascensão Skywalker até ensaiou uma tentativa disso quando ela acaba acreditando que matou Chewbacca acidentalmente na explosão da nave de transporte. Só que o roteiro não teve CULHÕES para manter Chewie morto e a situação foi rapidamente resolvida.

"Huurh awwgggghhh huuguughghg uugggh!!!" - Tradução: Pegadinha do Wookie!!!

A falsa morte do Wookie favorita da galera é apenas um dos momentos de total falta de coragem do roteiro de Abrams e Terrio. Outro momento extremamente covarde aconteceu com relação às memórias de C3PO. Ok, era bem provável que o R2-D2 tivesse mesmo consigo um backup das memórias do Droid Tagarela...mas custava revelar isso no fim do filme?

Poxa vida, o filme entrega uma cena extremamente emocional com ele se despedindo de “seus amigos” – embora estivesse falando Rey e os outros, a mensagem era também uma despedida direcionada a nós, fãs de Star Wars – para tudo ser resolvido em MENOS de 20 minutos?! O que adiantou criar um momento de emoção se você destrói todo esse peso logo em seguida? E detalhe, esse momento acontece próximo a morte fake do Chewie, ou seja, em menos de uma hora a obra faz questão de te enganar não uma, mas DUAS vezes.

Considerando que esperávamos que esse longa-metragem fosse bom, diria que fomos enganados TRÊS vezes.

Certamente, a maior prova da falta de coragem da dupla de roteiristas foi com relação a Rose Tico. Após tudo que a Kelly Marie Tran passou, a maior justiça que J. J. Abrams e Chris Terrio poderiam fazer para a atriz era lhe entregar um bom material para ela trabalhar, um texto em que ela pudesse mostrar todo o seu potencial. Só que ao ofereceram apenas uma meia dúzia de palavras que lhe renderam APENAS 76 segundos de tempo de tela, pareceu mais que a atriz estava sendo punida.

E pior, por algo que não cometeu.

Não faço ideia se eles ficaram com medo da reação negativa das pessoas que criticaram a atriz ou se eles realmente não curtiram a personagem. De qualquer jeito, a forma como trataram a questão foi de uma covardia gigantesca.

Por fim, não posso deixar de comentar o quanto essa produção nos presenteou com momentos típicos de uma fanfic. Tivemos desde coisas mais leves como Chewie recebendo a medalha de Uma Nova Esperança com 42 anos de atraso, Han Solo (que não tem qualquer ligação com a Força) aparecendo como Fantasma da Força para seu filho, Rey se registrando como mais nova membra da família Skywalker...e coisas absurdas como "Reylo" agora fazendo parte do cânone da série.

Rey e Kylo Ren se beijando apaixonadamente...sério J.J. que você achou que isso iria agradar aos fãs? SÉRIO MESMO?! O sujeito a tortura no primeiro filme, machuca vários de seus amigos, é responsável direto pela morte de dois de seus mentores (Han e Luke) e ainda quase mata a sua mentora (Leia)...e você acha que o fato dos dois compartilharem um link pela força os tornam um belo casal?!

Não sei o que é pior, J. J. Abrams acreditar inserir esse ship seria uma grande ideia ou fazer o Capitão Kirk (Chris Pine) e o Spock (Zachary Quinto) invertessem os papéis de Star Trek II: A Ira de Khan (Star Trek II: The Wrath of Khan, 1982) em Além da Escuridão: Star Trek (Star Trek Into Darkness, 2013).

Epa...acabei de citar Star Trek em um texto sobre Star Wars....é....acho que está mesmo na hora de finalizar este artigo, antes que diga que Star Trek: Sem Fronteiras (Star Trek Beyond, 2016) é muito melhor que A Ascensão Skywalker.

E não deixa de ser verdade. :P

Rian Johnson, aqui você mandou bem. Que sequência fantástica.

Pois bem meus caros leitores e amigos, essas são as minhas considerações sobre a trilogia Star Wars da Disney. Acredito que muitos de vocês que tentaram ler este artigo - sei que não vai ser fácil, afinal são 11 folhas de Word - discordaram de várias coisas que apresentei e até defenderam Os Últimos Jedi ou até mesmo A Ascensão Skywalker ~~o que duvido~~. Sinceramente, como fã dessa saga, gostaria de ter aproveitado esses dois filmes da mesma maneira que aproveitei o primeiro, de verdade.

Felizmente, depois de assistir a série do Baby Yoda e seu amigo Pedro Pascal, fiquei mais esperançoso de que a LucasFilm/Disney poderá voltar a acertar a mão nas próximas produções. Até porque, no fim das contas, tudo o que nós queremos é nos divertir com bons produtos, não é?

Este foi o primeiro artigo da coluna Penso, Logo Digito (agradecimentos à minha amiga Yasmine pela ajuda com o nome), um espaço onde pretendo divagar sobre assuntos diversos sem ter que seguir um formato específico, como faço nas outras colunas do blog. Espero que nos próximos artigos eu possa refinar melhor minhas ideias.

Então é isso pessoal. Depois de um artigo onde eu desabafei minhas frustrações com essa série de filmes, no próximo tentarei escrever sobre algo bem mais alto astral...quem sabe eu não escreva algum artigo sobre Persona onde poderei dizer o porquê de Haru Okumura e Naoto Shirogane serem waifus de respeito. ;)

Vejamos o que a minha criatividade e (principalmente) a minha vontade irá permitir até lá.

OBS: Um agradecimento ao meu amigo/irmão Gustavo pela grande ajuda com este artigo. Muitos assuntos discutidos por aqui vieram de inúmeras conversas que tivemos a respeito dos filmes.

OBS2: No início do texto, no momento que citei os astros veteranos, não citei Kenny Baker - o intérprete de R2-D2 na trilogia clássica e prequel - porque ele não atuou em O Despertar da Força, mas ele participou da produção como consultor.

OBS3: Em tempos de pandemia de Covid-19, não deixem de tomar todas as medidas de higiene possíveis e de evitar aglomerações. E para quem tiver a possibilidade, fique em casa. Para que esse período turbulento passe o mais rápido possível, devemos também fazer a nossa parte. ;)

----------------------------------------

Gostaram do artigo? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação ou simplesmente me xingar?

A área de comentários é o lugar onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. E acreditem, a participação de vocês é o que move o Nerdologia Alternativa continuar existindo. ;)

[NerdTop] 10 Momentos Embaraçosos em Filmes de Super-Heróis

2019-09-18T18:52:00.001-04:00

Pois é meus caros leitores, hoje estou conseguindo um feito que fazia já algum tempo que não conseguia, lançar três artigos novos seguidos. De fato, nos últimos tempos eu normalmente intercalava um texto novo com outro requentado, mas esse ano estou conseguindo cumprir uma das minhas promessas de ano novo.

E bem, essa na verdade é a única que estou conseguindo cumprir...mas isso não vem ao caso.

No artigo de hoje, trago a vocês um NerdTop que a muito tempo eu queria escrever. Sim, o texto a seguir irá abordar 10 Momentos Embaraçosos em Filmes de Super-Heróis. Inclusive, na elaboração da lista, estabeleci a regra de citar apenas um momento por longa-metragem.

Então, vamos ao que interessa!

10. A Morte de Talia Al Ghul (Batman: O Cavaleiro Das Trevas Ressurge)

Pelo tipo de assunto que trataremos por aqui, será bem comum que a maioria dos momentos listados venham de filmes ruins. Afinal de contas, é muito mais fácil você deixar o público desconcertado com uma produção de qualidade duvidosa tipo os filmes do Adam Sandler do que o contrário. Contudo, haverá casos – poucos, na verdade – em que o momento apresentado neste artigo pertencerá a um bom filme.

E bem...creio que este seja um desses casos.

Ok ok, sei que muitos não devem gostar de Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge (The Dark Knight Rises, 2012), o que é totalmente compreensível. Além de apresentar vários problemas (especialmente em seu roteiro ~~e em seu um vilão que fala com um ovo enfiado na boca~~), a obra falhou em suprir a expectativa deixada pelo o seu antecessor, o inigualável Batman: O Cavaleiro das Trevas (The Dark Knight, 2008). E de fato, é o pior filme da trilogia de Christopher Nolan.

Só não é o pior de sua carreira pois este posto será eternamente de Insônia (Insomnia, 2002).

Mas mesmo com todos os defeitos, ainda acho O Cavaleiro das Trevas Ressurge um bom filme. Obviamente que atualmente não concederia a mesma nota que apliquei em minha crítica escrita na época do lançamento, entretanto, reconheço que é uma obra muito bem produzida e que possui os seus (poucos) momentos memoráveis.

Só que ao contrário dos longas anteriores, os momentos ruins são muito mais aparentes, como é o caso da fatídica cena da morte de Talia Al Ghul (Marion Cotillard).

Que atuação BOSTA!!!

Uma interpretação ruim como essa eu espero de mim, do Joey Tribbiani e do Tommy Wiseau, mas não de uma atriz conceituada e respeitada como a Marion Cotillard. Com um Oscar em duas indicações ao prêmio de melhor atriz, ela muito mais do que ninguém tinha a capacidade para entregar algo MUITO melhor.

E não essa atuação nível Cinderela Baiana (1998).

Agora, o mais impressionante é perceber que o Sr. Christopher Nolan, um sujeito tão perfeccionista que chega a ser um chato, permitiu que um momento tão constrangedor estivesse no corte final. Sério, a impressão que passa é que ele estava totalmente ~~de saco cheio~~ desinteressado com Cavaleiro das Trevas Ressurge. Pela quantidade de detalhes que deixou passar, parece que ele estava mais interessado em encerrar o quanto antes a sua pendência com a Warner/DC do que concluir a história que o próprio iniciou.

Se ele realmente estava desinteressado com o projeto, não o culpo já que a produção deste terceiro longa não deve ter sido fácil. Mas na moral, desanimado ou não, custava ele pedir para a Marion repetir aquela cena?

9. O Poderoso Emblema de Celofane (Superman II: A Aventura Continua)

Quando o assunto é cinema, é seguro dizer que Superman foi o pioneiro em muitos aspectos. Ele foi o primeiro herói da DC Comics a estrelar uma superprodução cinematográfica, o primeiro filme de super-herói da DC a ter indicações para o Oscar (Melhor Som, Melhor Trilha Sonora e Melhor Edição), o primeiro longa-metragem de super-herói a ter uma continuação...e o primeiro a passar vergonha na tela grande.

Pioneirismo tem os seus riscos.

Embora o longa original contasse com a controversa sequência em que o Homem de Aço reverte a rotação da Terra, o personagem só passou a protagonizar momentos de pura vergonha alheia – ao menos na minha modesta opinião - a partir de Superman II: A Aventura Continua (Superman II, 1980).

Há um motivo bastante claro para essas situações terem iniciado a partir da continuação. Com 75% das cenas filmadas, o diretor Richard Donner, responsável pelo primeiro Superman, acabou demitido pela Warner Bros. ~~fazendo cagadas desde sempre~~ que desejava ter uma produção muito mais barata e um tom muito mais leve para o filme. No lugar de Donner, o estúdio optou por Richard Lester, conhecido por ter dirigido os dois filmes dos Beatles.

Devido ao regulamento Directors Guild of America (DGA), Lester teve que filmar mais de 51% do longa para ter direito a seu nome nos créditos. Além de incluir várias sequências de humor pastelão (seguindo as intenções da Warner em deixar o tom mais leve), as filmagens do xará de ~~Hans~~ Donner foram responsáveis em trazer um dos momentos mais infames da carreira cinematográfica do Azulão, o Super Emblema de Celofane.

Todas as vezes que assisto esta sequência, o único pensamento que vem à mente é “Por quê?”.

Considerando a quantidade de material extra que Richard Lester precisou filmar para ser creditado, é bem provável que esse momento só existe por conta da necessidade de cumprir a meta estipulada pela DGA. E assim, a grande questão é que existia maneiras muito mais eficazes de se resolver essa cena do que colocar o Superman usando um gadget produzido pelo Batman do Adam West.

Caso quisessem uma solução mais prática, o Superman podia revidar a investida ~~do Kryptoniano tapado~~ de Non (Jack O'Halloran) com um socão ~~ou com uma bicuda ou até mesmo um peteleco~~ na cara. Caso fosse necessário o uso de efeitos visuais, o super sopro ou a visão de calor poderia muito bem dar conta do recado. Em outras palavras, não era preciso criar um poder novo para o herói.

E se a ideia de um emblema de celofane paralisador em si já é bem estúpida, a sua execução foi constrangedora. Além do efeito visual do “S” sendo arremessado ser beeeem safado, a cena traz mais uma sensação de “Mas que porra é essa?!” do que de empolgação. E pela expressão de Christopher Reeve, eu diria que nem mesmo ele achou isso uma boa ideia.

Bem...ao menos este momento gerou uma esquete bem bacaninha em Family Guy.

8. Arame-Fu do Amor no Playground (Demolidor: O Homem Sem Medo)

Eis um caso em que a famosa regra dos quinze anos se aplica a este que vos escreve.

Sim, eu adorei o Demolidor de Ben Affleck quando assisti no cinema. Na época, o meu “eu adolescente” nem se importou com a cara de ~~Tonho da Lua~~ bobo de Affleck. Sai daquela sessão tendo gostado muito das cenas de ação, da Elektra da Jennifer Garner e principalmente do imponente Rei do Crime do Michael Clarke Duncan. Alguns anos depois, tive a oportunidade de revê-lo na televisão... e meus caros leitores, que filminho safado.

Não o achei intragável como alguns exemplares presentes neste artigo, mas ele claramente não dispôs do mesmo tratamento que produções contemporâneas como X-Men: O Filme (X-Men, 2000) e Homem-Aranha (Spider-Man, 2002) receberam. De fato, ainda acho muito bacana a versão do Wilson Fisk feita pelo Michael Clarke Duncan, mas isso é mero ponto positivo em meio a um mar de mediocridade.

Na segunda vez em que o assisti, o momento exato em que a regra dos quinze anos foi acionada aconteceu quando Matt Murdock e Elektra ~~Nachos~~ Natchios decidem apresentar suas habilidades em artes marciais...em meio a um playground repleto de crianças.

Em uma única cena, o Matt Murdock de Ben Affleck não só falhou em agir como um cego comum como também apresentou a todos presentes um grande número de habilidades que poderiam ligá-lo a sua identidade heroica.

Deviam mudar o subtítulo do filme de “O Homem Sem Medo” para o “O Homem Sem Noção”.

Se a falta de noção de Murdock em agir como um civil já é algo um tanto quanto bizarro, a qualidade da pancadaria entre o casal é bem vergonhosa. As coreográficas de luta são tão evidentes que transformam o combate em algo totalmente artificial. A dupla mais parece que está fazendo um número de dança do Circo Chinês ao ar livre do que partindo para as vias de fato.

Está certo que existe uma lei não escrita dos quadrinhos que dois heróis quando se conhecem precisam sair no braço antes de se tornarem amigos (ou amantes como é o caso dos dois). Mas na moral, precisavam fazer isso EM PLENA LUZ DO DIA, em um playground CHEIO de crianças e sem qualquer meio para proteger suas identidades?!

A sorte de ambos é que em 2003 ainda não existia smartphones e muito menos o Youtube.

7. A Nuvem Devoradora de Mundos (Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado)

O Quarteto Fantástico é um dos grupos mais importantes das histórias em quadrinhos. Além de ser o primeiro supergrupo da Marvel Comics, o Quarteto tem uma importância fundamental na historiografia da editora. Personagens como Doutor Destino, Surfista Prateado, Pantera Negra, os Skrulls e os Krees tiveram origem justamente nas páginas das revistas da equipe.

Apesar de toda a importância e relevância nas HQs, nos cinemas – ao menos até a data de publicação deste artigo – os quatro fantásticos ~~só protagonizaram filme bosta~~ ainda não tiveram a sorte de estrelar uma produção que fizesse jus ao grupo. Nas quatro tentativas, tivemos o longa do Roger Corman (o Rei do Cinema Trash) que nunca foi lançado; os dois dirigidos por Tim Story, que hoje são mais conhecidos por ter o Chris Evans como Tocha Humana do que pela sua qualidade; e o desastroso reboot que queimou a carreira de Josh Trank em Hollywood.

Agora que os direitos que os direitos dos heróis são da Marvel Studios, quem sabe finalmente a equipe não protagonize um longa-metragem decente. Se chamarem a Emily Blunt e John Krasinski para fazerem a Sue Storm e o Reed Richards, eles já têm o meu ingresso.

Embora o pior dos quatro filmes seja o dirigido por Trank (e olha que o filme até começa bem) ~~e o melhor seja o do Corman~~, são nos longas de Tim Story que o público é sujeito a situações completamente embaraçosas. A maior certamente ocorreu em Quarteto Fantástico e o Surfista Prateado (4: Rise of the Silver Surfer, 2007), quando finalmente chega o momento da grande aparição do vilão Galactus.

Lembro-me como se fosse ontem o dia que fui assistir a este longa-metragem nos cinemas. Em todos os trailers disponibilizados, o Devorador de Mundos é mencionado, mas em nenhum momento é mostrado. Isso parecia ser uma boa estratégia da 20th Century Fox, pois ao guardar a aparição do vilão para o filme, acabou atiçando a curiosidade do público em saber como o vilão seria retratado em um live-action.

Após cerca de mais de uma hora de filme – e com até direito a silhuetas de seu capacete sobre os planetas - finalmente o grande momento havia chegado: Galactus faz a sua chegada triunfal a Terra...na forma de um amontoado de nuvens.

Pois é...

Já não bastasse a grande de decepção em “esconderem” um dos maiores vilões da Marvel sobre uma “cortina de nuvens” de CGI, ainda somos “presenteados” com um dos combates mais ANTICLIMÁTICOS dos filmes de super-herói, onde o Surfista Prateado espanta o vilão logo de cara com uma auto explosão que faria o Vegeta sentir vergonha.

Confesso a vocês que cheguei a pesquisar o motivo para esta representação do vilão, mas não encontrei uma resposta satisfatória. De qualquer forma, não importa se foi por questões orçamentárias ou por dificuldade em adaptar o visual dos quadrinhos, a versão Comulonimbus Espacial do Devorador de Mundos foi um balde de água fria tão grande que seria melhor tê-lo mostrado no trailer.

Isso ao menos evitaria o misto de surpresa, vergonha alheia e decepção na sala do cinema (e quiçá, pouparia meu dinheiro com ingresso).

6. Sensualizando no Basquete ao Ar Livre (Mulher-Gato)

Batman: O Retorno (Batman Returns, 1992) pode até não ser uma obra a altura de seu antecessor, mas é inegável as suas contribuições ao cinema e a cultura pop. E sem sombra de dúvidas, a maior de todas foi ~~o jogo para Super Nintendo~~ a Mulher-Gato de Michelle Pfeiffer. Além de roubar a cena em praticamente todos os momentos que está em tela, a versão de Pfeiffer é a melhor representação da personagem nos cinemas.

Sinto muito, Anne Hathaway.

O sucesso da anti-heroína acabou abrindo os olhos dos engravatados da Warner, tanto que nos anos seguintes eles tentaram esquematizar um spin-off estrelado por ela. Entretanto, nos anos que se passaram após a segunda aventura do Homem-Morcego, o filme solo de Mulher-Gato não avançou. Inicialmente, a ideia era contar com o retorno de Michelle Pfeiffer para o papel, mas a estagnação do projeto acabou impedindo isso.

No fim das contas, após quase uma década sendo levado banho-maria, o longa finalmente iniciou sua produção com Halle Berry (que havia acabado de vencer o Oscar) como protagonista e o desconhecido Pitof como diretor. E assim, no verão norte-americano de 2004, o filme enfimchegou aos cinemas.

Só que ele tinha um pequeno probleminha: era um COMPLETO DESASTRE. Mulher-Gato (Catwoman, 2004) não foi apenas um dos piores filmes daquele ano, já que para alguns especialistas ele é um dos piores filmes já feitos pela humanidade.

E convenhamos meus caros leitores, o longa-metragem é uma coleção de momentos vexatórios organizados em 84 minutos de duração. E na minha opinião, o maior desses momentos acontece quando Patience Phillips (Halle Berry) e Tom Lone (Benjamin Bratt) resolvem se engraçar em um disputa de basquete.

E sim, nada de Selina Kyle por aqui.

Mulher-Gato conseguiu a proeza de fazer uma versão AINDA MAIS vergonhosa da sequência do playground do Demolidor do Ben Affleck.

E sabem o que é mais impressionante?

Considerando o espaço de lançamento entre as duas produções – Demolidor foi lançado nos cinemas em fevereiro de 2003 enquanto Mulher-Gato em julho de 2004 – é bem possível que alguém do filme da anti-heroína tenha assistido nos cinemas a sequência do Arame-Fu no playground e achou tudo aquilo o máximo, o que por si só já demonstra uma total falta de noção.

Ou simplesmente aquele papo de “grandes mentes pensam igual” também serve para os produtores de obras de qualidade duvidosa. :P

Embora horrorosa, a cena no longa-metragem do Homem Sem Medo possui suas funções na trama. Além de estabelecer o elo romântico entre os protagonistas ~~que depois se casaram de verdade no mundo real, o que mostrar que essa cena realmente funcionou~~, ela apresenta as habilidades de Elektra ao espectador. Se a intenção da cena do basquete era exercer essas mesmas funções, ela falhou miseravelmente em ambas.

Para começar, ela não estabelece um elo romântico já que isso acontece momentos antes na trama. O que temos ali é mais um casal que está em uma tensão sexual a ponto de explodir do que o início bizarro de um romance. Com relação às habilidades de Patience, a cena até ensaia em apresentar alguma coisa, mas ela acaba se perdendo em meio as manjadas de bunda e barriga tanquinho. E para piorar, a quantidade de cortes de edição é tão exagerada que faria o anime original de Speed Racer (Mahha GoGoGo, 1967-1969) corar de vergonha.

É... e pensar que só assisti este filme para poder escrever sobre este momento.

5. Emo Parker na pista de dança (Homem Aranha 3)

Sei que vocês estavam esperando por esse momento.

E realmente, não tem como escrever um texto sobre momentos embaraçosos em filmes de herói sem mencionar Homem-Aranha 3 (Spider-Man 3, 2007). Ele é um exemplar bastante memorável nesse quesito já que os seus momentos vexatórios possuem uma parcela muito grande no desapontamento do público com a obra. Inclusive, tenho um conhecido que na época foi embora do cinema quando o momento selecionado desta posição foi exibido.

Sam Raimi, diretor responsável pela trilogia original do Aranha, desejava que o terceiro longa contasse apenas com dois antagonistas: Harry Osborn - que assumiria o manto de Duende Verde - e o Homem-Areia. Só que Avi Arad, o produtor dos filmes do amigão da vizinhança na Sony, tinha apenas uma coisa em mente: Venom. Desejando que o simbionte fizesse parte da trama, Arad forçou a barra para que Raimi o encaixasse na obra. Totalmente a contragosto, Raimi cedeu a vontade do produtor e arrumou uma maneira de incluir o vilão.

E todos sabemos muito bem no que isso deu.

A introdução do vilão seguiu o conceito apresentado nos quadrinhos, onde ~~a amoeba preta~~ o alienígena inicialmente se funde a Peter Parker antes de chegar até Eddie Brock. A fusão com o simbionte amplifica as habilidades de Peter, o tornando mais ágil e forte. Contudo, graças a influência do hospedeiro, ele também acaba sofrendo uma brusca alteração em sua personalidade.

E para apresentar os efeitos colaterais dessa mudança, o filme nos brinda com a "maravilhosa" sequência no clube de jazz, onde o nosso protagonista mostra a Gene Kelly, John Travolta, e Carlinhos de Jesus como é que se dança de verdade.

Sabe o que acho realmente incrível nesta cena?

As reações de Mary Jane (Kirsten Dunst) e de Gwen Stacy (Bryce Dallas Howard).

Enquanto MJ se sente constrangida com o espetáculo dado por Peter, Gwen se sente decepcionada ao ver que ele estava a usando para fazer ciúmes a ruiva. Constrangimento e decepção são justamente os dois sentimentos que o espectador tem ao assistir esta apresentação.

Se o Sam Raimi planejou isso, ao menos podemos dizer que ele acertou na metalinguagem. :P

Vejam bem, entendo o que Raimi tentou fazer nesta sequência e até mesmo naquela montagem nas ruas de Nova York (que poderia muito bem marcar presença estar aqui). Ele queria mostrar um Peter Parker mais confiante, livre de suas amarras sociais e morais, agindo como verdadeiro um babaca.

A questão é que tanto ele quanto o próprio Tobey Maguire erraram a mão. Peter mais parece um bobão sem noção que um douchebag. Eles miraram no Flash Thompson mas acertaram o Joselito. A apresentação no clube de jazz é o ápice de quão errado eles estavam nessa abordagem.

Este momento também marca o ponto de virada no longa-metragem. Antes do surgimento do Emo Parker – e, diga-se de passagem, demonstrar que um personagem está confiante através do visual Emo é um tanto quanto contraditório – Homem-Aranha 3 estava longe de ser brilhante como seu antecessor, mas estava aceitável. Contudo, quando Peter finaliza seu número de dança, é só ladeira abaixo.

Definitivamente, aquele meu conhecido realmente tomou decisão correta.

4. Bat-Cartão de Crédito (Batman & Robin)

Com o “Efeito Martha”, Zack Snyder foi o responsável pelo momento mais embaraçoso da história cinematográfica do Homem Morcego nos últimos 20 anos. Mas convenhamos meus caros leitores, isso ainda é fichinha perto do que Joel Schumacher conseguiu com a sua obra prima da vergonha alheia, o famigerado Batman & Robin (1997).

Definitivamente, este é o pior longa-metragem protagonizado pelo Cavaleiro das Trevas. Ele é um equívoco em quase todos aspectos. Em um período em que os fãs do personagem tinham como referência os filmes do Tim Burton, o desenho animado de Bruce Timm e as HQs de Frank Miller, o retorno ao clima camp da série de Adam West não só se mostrou um erro estratégico como também acabou extrapolando os limites da própria série sessentista.

Entretanto, sendo bem justo com Schumacher, o seu filme não é o pior exemplar de super-heróis nos cinemas como muitos gostam atribuir. Perto de produções como os já citados Mulher-Gato e o reboot do Quarteto Fantástico, Batman & Robin é apenas um filme extremamente bobo. Inclusive, o fato de não se levar a sério faz com que ele seja um atrativo para os amantes do cinema trash.

E claro, nunca podemos nos esquecer que o próprio diretor já pediu desculpas publicamente pelo filme.

Em uma produção cinematográfica com uma grande variedade de momentos vergonhosamente infames – sério, listar essas situações já renderia um belo artigo para o blog – optei pelo mais icônico entre eles, ~~os Bat-Mamilos~~ o famigerado Bat-Cartão de Crédito.

Embora o momento chave seja o mais lembrado por todos nós, a sequência completa onde ele ocorre é tão medonha quanto o próprio cartão.

A começar pelo contexto da cena, um leilão para arrecadar dinheiro para o Jardim Botânico de Gotham, que mais parece estar sendo organizado pela Estação Primeira de Mangueira do que as Indústrias Wayne. Para colaborar, os convidados – que consistem na alta sociedade da cidade - fazem lances para arrematar...as modelos presentes no palco.

Isso é muuuuito errado!

Em meio a esse ~~bacanal~~ carnaval, temos a introdução oficial da vilã Hera Venenosa (Uma Thurman), embalada ao som Poison Ivy ~~da Rita Lee~~ dos The Coasters. Apesar do cospobre, Thurman até se sai bem em sua apresentação. Só não entendi por que ela tinha que surgir em cena fantasiada como um GORILA ALBINO do filme Congo (1995).

Por fim, aí sim temos o momento que praticamente todos lembramos, o duelo monetário entre a dupla dinâmica. E meus caros leitores, que diálogos cretinos. Enquanto Robin (Chris O'Donnell) usa de tiradas super descoladas para fazer os seus lances, Batman (George Clooney) apenas espera o momento certo para sacar a sua arma secreta, o Bat-Cartão de Crédito com direito ao slogan “Não saia da sua caverna sem ele”.

Mas que ~~filha da puta~~ audacioso, veja só vocês. Até mesmo em um filme bosta, ele demonstra que tem preparo.

Leilão de modelos para ricaços ~~metidos a sugar daddy~~, Uma Thurmam com cosplay de Gorila Albino e Bat-Cartão de Crédito. Não faço ideia o que Joel Schumacher e Akiva Goldsman estavam pensando (ou bebendo) quando conceberam esse momento. Mas falta de noção, aliada com uma grande cara-de-pau, faz desse momento algo único.

Totalmente vergonhoso, mas único.

3. Amorzinho Gostoso ao som de Aleluia (Watchmen)

Não sou um profundo conhecedor de quadrinhos.

Apesar de ter lido muita coisa nos últimos anos, existem ainda HQs essenciais que não tive a oportunidade de ler e outras que estou enrolando para iniciar, como é o caso de Reino do Amanhã ~~por favor, não me julguem~~. Em contrapartida, posso dizer com muito orgulho que já li Watchmen.

Na minha opinião, é uma das melhores histórias em quadrinhos que já tive a oportunidade de ler. Ela é o casamento perfeito entre o gênio máximo da narrativa em quadrinhos, Alan Moore, com um dos grandes ilustradores do ramo, Dave Gibbons. Watchmen é uma aula de como se contar uma grande história.

Entretanto, os mesmos elogios não podem ser feitos para a sua adaptação para a tela grande, dirigida pelo “visionário” Zack Snyder. Embora na maior parte do tempo o longa-metragem seja um copiar/colar das páginas da graphic novel, ele derrapa (E FEIO) nos momentos em que Snyder insere suas pontuações artísticas sobre a obra.

A sequência de sexo entre Daniel Dreiberg/Coruja II (Patrick Wilson) e Laurie Juspeczyk/Espectral II (Malin Akerman) na Archie - a nave do Coruja - é um “belo” exemplo dessas inserções por parte do diretor.

Os leitores fãs de Zack Snyder que me desculpem, mas que PORRA foi essa?

O que ele tinha em mente quando decidiu incluir Hallelujah nesta cena? “Olha, ele finalmente não broxou. Vou incluir a versão de Aleluia do Leonard Cohen para celebrar este momento. Tenho certeza que até o Alan Moore vai adorar quando assistir.”

Se ele pensou isso, eu não sei. Mas considerando o que fizeram com a adaptação de A Liga Extraordinária (The League of Extraordinary Gentlemen, 2003), acho que o Moore não se empolgou em assistir a outra adaptação de seu trabalho.

Seja lá qual tenha sido a intenção de Snyder, a escolha da canção por si só demonstra que ele não captou ~~porra nenhuma do~~ o contexto da situação. Este momento na trama é muito mais do que um ato sexual bem-sucedido. Ele demonstra muito da persona de Daniel Dreiberg. Em sua identidade civil ele é um homem bem inseguro de si, tanto que isso acabou atrapalhando na primeira vez que tenta fazer sexo com Laurie. Contudo, quando ele veste o seu uniforme do Coruja essa insegurança desaparece. Prova disso é que ele e a Espectral, após ambos agirem sob suas identidades heróicas, finalmente conseguem transar.

Ou seja, temos aqui o clássico arquétipo do herói com duas personalidades sendo abordado de uma outra maneira.

Ao embalar os finalmentes do casal com Hallelujah, toda a construção do personagem foi jogada no lixo. Se a ideia era comemorar o sucesso do Coruja, o tiro saiu pela culatra pois ficou parecendo mais um deboche da situação do que qualquer outra coisa. É bem constrangedor assistir essa cena com os “Hallelujah, Hallelujah” de fundo.

Se o Alan Moore tivesse visto isso, certamente teria se aposentado mais cedo ~~de desgosto~~! :P

2. Eddie Brock no Restaurante (Venom)

Com o "empréstimo" do Homem-Aranha ao MCU (Marvel Cinematic Universe) após duas tentativas fracassadas com o reboot estrelado ~~pelo Girafa Aranha~~ por Andrew Garfield, a Sony decidiu que continuaria aproveitando o universo do aracnídeo, só que de uma maneira um pouco diferente. Já que a estrela principal estava ausente, por que não investir em filmes estrelados pelos seus arqui-inimigos?

E por um momento, imaginei um filme estrelado pelo Morsa.

Avi Arad, aquele produtor que Sam Raimi adora, nunca escondeu o seu desejo em trazer Venom novamente para os cinemas. A decisão do estúdio em investir nos vilões do amigo da vizinhança era justamente a oportunidade que Arad tanto precisava. Ele não só engatilhou o seu simbionte favorito como o primeiro longa-metragem desta iniciativa como também descolou astros do calibre de Tom Hardy e Michelle Williams para a superprodução.

Para felicidade de Arad, Venom (2018) faturou mundialmente a quantia de 856,1 milhões de dólares em bilheteria (algo que nenhum filme solo de Garfield conseguiu), garantindo uma continuação com direito a Andy Serkins na direção. Para a tristeza do público, aventura solo do vilão é o pior longa-metragem do universo do Aranha que a Sony já lançou.

Chega ser irônico que o mesmo estúdio responsável por essa bomba lançou, pouco tempos depois, uma das melhores produções do universo do herói, a animação Homem-Aranha: No Aranhaverso (Spider-Man: Into the Spider-Verse, 2018).

Acredito que o momento que melhor representa a ruindade e a vergonha alheia que esta “coisa” transmite ao espectador seja a cena do restaurante.

É inacreditável como a situação desta sequência fica cada vez mais desconfortável conforme vai se desenrolando.

No primeiro momento temos Eddie Brock (Hardy) “trincadaço” entrando em um restaurante chique e chamando a atenção de todos por conta de seu estado. No segundo, temos o desconforto de sua ex-namorada (Williams), que estava almoçando com seu namorado atual, tendo que lidar com o ex loucaço. No terceiro, Brock pega uma lagosta de uma bandeja, dá uma mordida com gosto e depois a devolve dizendo que “ela estava morta”. No quarto, o jornalista parte para as mesas dos clientes e começa a roubar a comida de seus pratos. No quinto e último momento, presenciamos o ÁPICE do desconforto. Com muito calor, Eddie mergulha EM UM AQUÁRIO e começa a saborear lagostas AINDA VIVAS.

E tudo isso passou pelo crivo de cinco...CINCO ROTEIRISTAS!!!

Apesar de possuir até uma função na história – apresentar os efeitos colaterais da fusão entre Eddie Brock e Venom – a sequência em questão é algo tão vexatório, mas tão vexatório, que se eu fosse o agente do Tom Hardy, imploraria para o George Miller começar logo a gravação do novo Mad Max. Chega a dar pena ver atores tão bons quanto Hardy e Williams tendo que se submeter a isso.

Enfim, se tem algo que podemos tirar com o esse artigo é de que Venom é o maior vilão da Marvel nos cinemas. Afinal de contas, não satisfeito em ~~cagar~~ estragar Homem-Aranha 3, ele retornou para fazer o mesmo com o seu próprio filme.

E vocês achando que Thanos era perigoso.

1. Spirit vs Octopus (The Spirit: O Filme)

Apesar de termos uma clara predominância de produções estreladas por personagens da DC e da Marvel, situações embaraçosas em filmes não são algo exclusivo dos heróis dessas editoras. The Spirit: O Filme (The Spirit, 2008) está aí para provar que existe SIM vergonha alheia fora do mainstream.

Depois participar da direção de Sin City: A Cidade do Pecado (Sin City, 2005) ao lado de Robert Rodriguez e Quentin Tarantino (que dirigiu apenas uma cena do longa), Frank Miller, um dos maiores roteiristas de histórias em quadrinhos do nosso tempo, acreditou que poderia tentar a sorte como diretor de cinema. Tanto que três anos após sua primeira experiência, Miller retornou aos cinemas com a adaptação de The Spirit, personagem criado pelo lendário quadrinista Will Eisner. Além de contar com astros como Samuel L. Jackson e Scarlett Johansson, este era o primeiro trabalho solo do Frankito na direção de um longa-metragem.

Primeiro e único, já que obra é tão boa quanto os seus desenhos em Cavaleiro das Trevas 2.

Sem a supervisão de um profissional mais experiente, o quadrinista erra a mão em praticamente todas as funções que executa. Ele erra no visual estilizado, na direção de atores e de cenas, na adaptação ~~e no respeito~~ do material original e até mesmo no roteiro, a única competência em que ele realmente entende.

Para vocês terem uma ideia de quão errado foi ter confiado a direção a Frank Miller, basta observarem a sequência de gifs logo abaixo contendo “os melhores momentos” da pancadaria entre o detetive Denny Colt/Spirit (Gabriel Macht) e seu arqui-inimigo Octopus (Samuel L. Jackson), que acontece logo nos primeiros minutos de projeção.

Parece piada, mas o cidadão que dirigiu este show de horrores foi o responsável pelas melhores histórias do Batman e do Demolidor.

Pois é.

A julgar pelo cenário, a impressão que tive era que ele queria reproduzir algo que lembrasse o combate no lamaçal entre Batman e o Líder dos Mutantes em Cavaleiro das Trevas, graphic novel que o próprio escreveu e desenhou. Porém, em vez de termos uma luta franca e cerebral, acabamos com essa mistura de American Gladiators, Os Três Patetas e os Looney Tunes. Só faltou uma bigorna despencar na cabeça de um dos dois.

De fato, faz anos que Frank Miller não vive um bom momento em sua carreira. Nos anos 90, embora ainda possua bons trabalhos, ele já demonstrava sinais de que a sua criatividade já não era mais a mesma. Contudo, os atentados de 11 de setembro de 2001 afetaram e muito a sua vida, tornando-o uma pessoa muito mais amargurada e cheio de ódio. E isso infelizmente acabou se refletindo em todos os seus quadrinhos desde então.

O sucesso na codireção de Sin City parecia ser um sinal de esperança que ainda poderíamos esperar bons trabalhos do velho Frank. Entretanto, ao adaptar a obra de Eisner para os cinemas, ele não consegue replicar o espírito presente na obra de seu grande amigo e muito menos replicar o seu próprio estilo. Para quem foi considerado um dos grandes escritores de histórias de temática adulta nos quadrinhos, vê-lo entregando uma cena de luta vergonhosa e patética como aquela, é algo muito triste.

Infelizmente, o Frank Miller de hoje é apenas uma caricatura do grande artista que já foi.

E a posição Hour Concur vai para...

...o Clímax no Inferno (Spawn: O Soldado do Inferno)

A posição Hour Concur vai para o momento de um longa-metragem que, embora já tenha mais de 20 anos, só ~~o interesse~~ a oportunidade de assisti-lo a cerca de dois meses atrás graças a Netflix.

E bem...teria sido melhor ter deixado essa oportunidade passar.

Baseado no personagem criado por Todd McFarlane – que hoje é mais conhecido pela marca de Action Figures do que pelos quadrinhos – Spawn: O Soldado do Inferno (Spawn, 1997) é uma produção cinematográfica de 96 minutos do mais puro amadorismo cinematográfico com atuações canastríssimas. Chega a ser piada o fato do longa ter sido vendido como uma superprodução hollywoodiana, com a famosa sequência da capa sendo repetida à exaustão pelos comerciais da TV da época.

O momento selecionado para esta “honrosa posição” foi o clímax do filme, onde temos a batalha decisiva entre ~~o Batman da Image~~ Spawn (Michael Jai White) e o ~~Coringa Obeso~~ Violador (John Leguizamo) nas profundezas do inferno. E como vocês podem conferir, todo o orçamento da produção foi gasto...na cena da capa.

Aqui não temos apenas efeitos de CGI que envelheceram mal, temos PÉSSIMOS EFEITOS DE CGI que ficaram AINDA PIORES com o tempo. O cenário com os “cometas flamejantes” é tosco, as texturas são porcas, a interação dos atores com os efeitos é bisonha e as criaturas infernais, como o próprio demônio Malebolgia, parecem ter saído do comercial do Dollynho

Não bastando a computação gráfica de qualidade duvidosa, a batalha no inferno é beeeem broxante. Primeiro porque os próprios efeitos visuais e a direção extremamente incompetente de Mark A. Z. Dippé tornam a luta extremamente confusa. E quando Spawn finalmente fica cara-a-cara com Malebolgia e seu exército, a maneira como o herói lida com seus adversários é totalmente anticlimática.

Sério meus amigos, este não é apenas o momento mais embaraçoso já filmado para os filmes de super-heróis. É facilmente também um dos PIORES MOMENTOS já criados na história deste gênero. E olha que estamos falando de um filme que tem John Leguizamo como um palhaço obeso das trevas vestido como uma CHEERLEADER...

E pelo bem da sanidade mental de todos, não linkarei esse momento por aqui.

E a posição Meia Boca vai para...

...na cama com ~~Madonna~~ Howard the Duck (Howard: O Super-Herói)

Embora atualmente seja mais conhecido como um easter egg dos filmes cósmicos do MCU, Howard the Duck é um personagem muito relevante para a história cinematográfica da Marvel. Essa relevância vem pelo fato do pato ter sido o primeiro personagem da editora a estrelar uma superprodução para os cinemas, muito antes de figurões como o Homem-Aranha e os X-mens.

No entanto, mesmo contando com grandes nomes da época no elenco - Lea Thompson, Tim Robbins e ~~Jeffrey Jones~~ o diretor Rooney - e um produtor executivo do tamanho de George Lucas, o resultado foi algo tão abominável e enfadonho que ninguém na "Casa de Ideias" gosta muito de lembrar.

“Tá bom Marcel, para de enrolar e desembucha: por que diabos esse momento ficou fora da sua lista?”

Deixa-me tentar explicar.

A escolha desse momento para a posição “marro menos” se deve pelo fato desta sequência, ao menos na minha opinião, ser algo muito mais bizarro do que propriamente embaraçoso. Acredito que vocês possam achar constrangedor ver a Mamãe do Marty McFly com vontade de ter uma noite de amor com um “protótipo de fantasia de Pato Donald rejeitado pela Disney”, mas eu só consigo ficar com um enorme “Mas que porra foi essa?!” em minha cabeça.

Vejam bem, romances entre humanos e não-humanos são muito comuns na história do cinema. Recentemente mesmo, tivemos dois casos bem-sucedidos: A Bela e a Fera (Beauty and the Beast, 1991) - estrelada ~~pela Hermione Granger~~ por Emma Watson – e A Forma da Água (The Shape of Water, 2017), produção que deu a Guilhermo Del Toro o seu 1º Oscar da carreira. Ou seja, é possível sim criar histórias de amor entre seres de diferentes espécies que sejam críveis.

O problema é que o filme é extremamente incompetente em criar essa naturalidade entre o casal. E convenhamos, a julgar pela qualidade do material, seria realmente surpreendente se eles conseguissem.

Portanto, na opinião deste que vos escreve, este é um momento muito mais tosco/bizarro do que propriamente vergonhoso.

Vergonhoso mesmo é saber que o George Lucas investiu grana nessa porcaria.

PORRA GEORGE!!!

--------------------------------------------------

Bem galera, esse foi mais artigo da coluna NerdTop.

Embora os deveres da vida adulta tenham diminuído o meu tempo e, consequentemente, a frequência de atualizações no blog, esse ano eu venho caprichando bem no tamanho dos meus artigos (como vocês já devem ter percebido). É uma forma de poder compensar vocês dos hiatos de novidades que o Nerdologia Alternativa passa entre cada postagem.

Espero que gostem do texto, pois me obriguei a ver Mulher-Gato para poder redigi-lo com mais propriedade. Por favor, não permitam que esse ~~nobre~~ sacrifício tenha sido em vão!!!

E claro, não deixem de participar da discussão do artigo deixando seus comentários logo abaixo. Se vocês concordam ou discordam de alguma coisa que escrevi, querem compartilhar alguma coisa que deixei de fora ou desejam apenas discutir sobre o Violador vestido de Cheerleader, os comentários estão abertos para isso. A participação de vocês é algo que aprecio muito. :)

Até a próxima, espero que ainda em 2019.

[NerdFacts] Van Damme, Predador e um Hóspede do Barulho

2019-04-19T16:26:00.005-04:00

Tom Selleck como Indiana Jones, uma geladeira como máquina do tempo em De Volta para o Futuro (Back to the Future, 1985), dinossauros feitos stop motion em Parque dos Dinossauros (Jurassic Park, 1993), Jackie Chan tomando porrada de Bruce Lee em Operação Dragão (Enter the Dragon, 1973). Os bastidores das produções cinematográficas são carregados de histórias curiosas e interessantes. E em alguns casos, conseguem ser mais interessantes que os próprios filmes.

No artigo de hoje iremos tratar de uma das histórias mais famosas e curiosas dos bastidores do cinema de ação oitentista: a contratação de Jean-Claude Van Damme para interpretar o Predador no longa-metragem de 1987. E veremos também qual a relação de Harry de Um Hóspede do Barulho (Harry and the Hendersons, 1987) com esta história.

Antes de mais nada meus caros leitores, gostaria de compartilhar um pequeno testemunho sobre o tema. A primeira vez que escutei sobre a participação do astro de ação em O Predador (Predator, 1987) foi durante o colégio (ou seja, na primeira metade da década passada). Contudo, a falta de mais detalhes a respeito do caso acabou passando a sensação de que isso era mais um daqueles rumores do nível “o elenco do Chaves morreu em um acidente aéreo”.

Com o passar dos anos, o que parecia ser um mero boato acabou se transformando em fato graças a várias informações que passaram a vir à tona. Pessoas ligadas à produção do longa passaram a dar os seus relatos, fotos e cenas das filmagens de Jean-Claude como o caçador espacial passaram a "circular" pela rede e, recentemente, até o próprio ator já contou sobre o episódio em algumas entrevistas.

Portanto, a existência deste artigo só foi possível graças a nossa amada internet ~~e a minha vontade de discutir sobre o assunto em vez de escrever um texto só para xingar Os Últimos Jedi.~~ Se não fosse por ela, jamais saberíamos sobre a participação de Van Damme em Predador e ainda acreditaríamos que o Roberto Bolaños & cia morreram em um desastre aéreo.

Vamos ao que interessa!

JCVD Begins

Como todo ator europeu em Hollywood nos anos 80, Van Damme interpretou um soviético.

Com a ambição de se tornar um astro do cinema de ação (gênero que viveria a sua época dourada naquele período), o belga Jean-Claude Camille François Van Varen migrou em 1981 para os Estados Unidos em busca de seu “sonho americano”. Em sua bagagem, ele trazia consigo o domínio de artes como Karatê Shotokan (no qual é faixa preta), Kickboxing, Ballet e Fisiculturismo, que lhe rendeu o título de Mr. Bélgica.

Em comparação com suas habilidades físicas, a sua filmografia era muito (mais muito) mais modesta. Ela consistia unicamente de uma participação não creditada no drama belga-francês Woman Between Wolf and Dog (Een vrouw tussen hond en Wolf, 1979), estrelado por Marie-Christine Barrault e Rutger Rauer.

Em seus primeiros anos em solo norte-americano, enquanto aprimorava o seu inglês, Van Damme foi ganhando a vida em diversos empregos como entregador de pizza, motorista de limusine e segurança de boate, sendo este último arranjado por ninguém menos do que Chuck Norris. Além do trampo, Norris também arranjou para o belga uma ponta em Braddock: O Super Comando (Missing in Action, 1984), mas que no fim acabou não lhe rendendo seu nome nos créditos. No mesmo período, JCVD ainda conseguiria mais duas pontas em produções de baixo orçamento, uma não creditada em Breakin' (1984) e sua primeira participação creditada em Monaco Forever (1984).

Em 1986, Jean-Claude enfim conseguiria o seu primeiro papel de destaque, o vilão do cult (e trash) Retroceder Nunca, Render-se Jamais (No Retreat, No Surrender, 1986). Embora pela primeira vez tivesse espaço para mostrar todas as suas habilidades como artista marcial, o longa ainda não era o hit que alavancaria a carreira do ator ao estrelato.

Mas nesse mesmo ano, Van Damme receberia a oportunidade que poderia mudar a sua vida para sempre: o papel de vilão principal do sci-fi de ação O Predador, uma superprodução estrelada pelo ícone do cinema de ação, Arnold Schwarzenegger.

Como Van Damme conseguiu o papel?

Se fosse o Van Damme, Arnold seria finalizado dessa maneira.

Quando decidi escrever sobre o assunto, essa foi a primeira questão que pesquisei. Afinal de contas, mesmo para quem nunca assistiu ao filme sabe que o Predador é enorme, tanto que o próprio Schwarza parecia um tampinha perto do monstro. E sendo bem mais baixo que o austríaco, como é que o Mr. Bélgica conseguiu ser escolhido para o papel? Os produtores teriam ficado impressionados com seus movimentos de artes marciais?

A resposta é SIM.

Imagino que muitos de vocês devem estar imaginando o Predador atacando seus oponentes com um spinning kick ou fazendo espacate.

Mas existe uma boa razão para essa escolha, meus caros leitores. Acontece que a aparência original do alienígena era muito diferente da icônica que todos conhecemos. O primeiro design era de uma criatura bípede curvada e insectóide (Kamen Rider?), que usaria sua furtividade e agilidade para caçar e aniquilar seus oponentes.

E claro, esta versão da criatura era bem menor que atual.

Considerando a questão de agilidade, a escalação do ator faz sentido. Tanto que Jackie Burch, a diretora de casting responsável pelo filme, ressaltou essa questão em uma entrevista ao site The Hollywood Reporter:

"Jean-Claude Van Damme era uma pessoa que costumava aparecer constantemente em meu escritório, saltando no ar, mostrando seus golpes, implorando a mim por trabalho. Então finalmente eu disse para Joel (Silver) que ele seria um ótimo Predador pois ninguém se move como ele. Ele é realmente incrível.”

O próprio Van Damme em uma entrevista confirmou que foram as suas habilidades físicas que lhe garantiram o papel. Segundo as palavras do ator, ao visitar a Fox para conhecer o diretor John McTiernan, ele teve que “correr pelo estúdio e pular como um dançarino”. Os produtores ficaram bastante impressionados com o tamanho dos saltos que ele era capaz de fazer e isso acabou selando a sua contratação.

O ator saiu bastante entusiasmado desse encontro, pois atuando como vilão em um filme protagonizado por um dos grandes astros da época poderia ser o empurrão necessário para sua carreira decolar em Hollywood. Entretanto, nessa mesma reunião, ele saiu com a ideia que precisaria apenas de maquiagem para se transformar na criatura espacial.

E não era bem assim.

"Que bonita sua roupa...vermelha?!"

"Pô Jean-Claude, ao menos você ainda tem os seus dois braços."

Apesar dos bastidores terem rendido histórias sensacionais – como Schwarzenegger desafiando os colegas de elenco (Carl Weathers, Jesse Ventura, Bill Duke, Sonny Landham e Richard Chaves) na academia para ver quem estaria com o corpo mais trincado em frente às câmeras – a verdade é que as filmagens não foram nada fáceis. Realizadas nas florestas de Palenque no México, a primeira grande dificuldade era a logística, uma vez que transportar equipamentos e suprimentos não era uma tarefa das mais fáceis.

Somados a essa questão, a equipe do longa teve que lidar com as altas temperaturas da mata mexicana, as doenças locais que acabaram atingindo membros do grupo, a dificuldade de locomoção da mata (o terreno era bastante irregular) e até mesmo a comida. O diretor John McTiernan, por exemplo, se recusou a comer a comida local. Não sei qual foi a real razão dessa recusa, mas isso fez com que ele perdesse em torno de 11 kgs durante todo processo de filmagens.

Entretanto, os maiores perrengues enfrentados pela equipe de McTiernan foram causados justamente pelo Predador. Elaborado pela Boss Films, a entrega do traje acabou atrasando, obrigando o cineasta a rodar todas as sequências em que o monstro não estava presente. Eventualmente, o traje chegaria até as locações das filmagens e Jean-Claude Van Damme enfim teria a sua chance de filmar as primeiras cenas.

Só que tinha um pequeno problema...

Muito antes do Sad Affleck, havia o Sad Van Damme.

...o traje original era ~~UMA MERDA~~ HORROROSO!!!

Como vocês podem observar nas fotos deste tópico, JCVD não parece nada feliz com a situação. E de fato, ele estava muito frustrado.

Acreditando que apenas um mero processo de maquiagem seria o suficiente para o papel, as expectativas do ator levaram um grande banho de água fria em sua primeira visita ao escritório da Boss Filmes. Além de descobrir que precisaria usar um traje de um monstro (bem ~~bosta por sinal~~ xexelento) que cobriria o seu corpo por completo (ou seja, ninguém veria o seu rosto), a sua mobilidade com a roupa era extremamente limitada.

Em sua entrevista para o THR (como podem perceber, as entrevistas deles serão bem recorrente por aqui), o astro descreveu a sua experiência com a elaboração da roupa da seguinte forma:

“Então eu tive que ir para este lugar [escritório da Boss Films] e eles me colocam entre varetas e pedaços de madeira e começaram a derreter todo o molde sob mim, sabe? E estava muito quente, eu gosto de respirar – eles iam cobrir todo o meu corpo com aquilo! Colocaram um tubo em minha boca para que eu pudesse respirar. E fiquei coberto pelo molde por pelo menos 20 minutos. E estava muito quente. Um amigo me disse, ‘Se você não conseguir respirar, apenas mexa o seu dedo e eu tirarei essa coisa de você.’ E eu fiz isso. Eu entrei em pânico. E eles disseram, ‘Não, só mais cinco minutos!’”

E sobre o traje, ele ainda disse o seguinte:

"Minha cabeça ficava no pescoço. Minhas mãos estavam nos antebraços, e havia cabos presos aos meus dedos para mover a cabeça e mandíbulas da criatura. Meus pés estavam em suas panturrilhas, então eu estava em pernas de pau. Era uma roupa repugnante."

A primeira versão do Predador não funcionou. Não bastando a péssima mobilidade, diante das câmeras a criatura era simplesmente patética. Para um representante de uma civilização de caçadores espaciais extremamente mortal, ele não transmitia imponência e muito menos medo. Em certo momento, Schwarza chegou a comentar que o monstro parecia “um cara em uma roupa de lagarto com uma cabeça de pato”.

Mas faltava a cereja do bolo, a versão vermelha do traje para as sequências de invisibilidade.

Predador original tinha o canhão do Megaman. :P

Ela conseguia ser ainda mais bizarra que o traje normal.

McTiernan até tentou extrair algo com eles, filmando algumas cenas com ambos. Mas não tinha jeito, o grande vilão do filme era um desastre completo. O resultado das filmagens estava muito longe de transmitir medo ou tensão. Ok, não era nada do nível de um Giant Claw da vida, só que mesmo assim era algo vergonhoso, especialmente para uma superprodução da época. Tanto que ao apresentar as imagens para a Fox, os executivos do estúdio decidiram que não tinha como continuar com os trajes.

Para vocês terem ideia de como era o monstro em tela, confira o vídeo abaixo:

Esse trecho faz parte do 1º episódio de uma série de entrevistas chamada The Monster Show, realizada pela Stan Winston School. O entrevistado em questão era Steve Johnson – especialista em efeitos práticos e maquiagem - que era um dos supervisores da Boss Films na época. Segundo Johnson, a primeira versão do Predador foi um conceito criado por McTiernan e por um Designer de Produção, que embora tenha achado impraticável, ele e sua equipe fizeram o melhor que podiam.

E claro, não podemos deixar de destacar Jean-Claude Van Damme em ação com o famigerado traje vermelho, extremamente puto com a toda a situação. Mas eis aqui uma pergunta que não quer calar: Van Damme odiou o traje pois ele acreditava que parecia um super-herói? Que diabo de histórias em quadrinhos esse cara andava lendo, ein?

Crise das Infinitas Versões de Dispensa

"Pessoal, o Van Damme não está se mexendo de novo!"

Com um baita abacaxi em mãos, a Fox optou por paralisar a produção do longa enquanto buscava por uma alternativa. A solução não demorou para aparecer: o produtor Lawrence Gordon conseguiu uma grana extra do estúdio e, aconselhado por Arnold Schwarzenegger, John McTiernan entrou em contato com o lendário Stan Winston para que ele redesenhasse a criatura.

E com isso finalmente teríamos o Predador que todos conhecemos e gostamos. Inclusive, existem rumores que James Cameron teria sugerido as mandíbulas características do alienígena a Winston, durante uma viagem de avião.

Com um monstro novo em mãos, como ficou a situação de Jean-Claude Van Damme?

Então, versões para a saída do ator do longa-metragem não faltam. Acredito que devam existir mais versões para a sua saída do que finais secretos de Chrono Trigger ~~mentira, Chrono tem mais finais~~. :P

Comecemos então com a versão sustentada pelo próprio Van Damme.

Conforme acompanhamos no tópico anterior, além de não intimidar ninguém, o 1º traje do Predador tinha uma péssima mobilidade, o que impedia o belga de usar toda a agilidade que se esperava dele. Em sua entrevista para o THR, ele explica que essas condições não eram ideais para fazer o seu trabalho e isso teria levado a seu desligamento da produção. Ele ainda recorda de um episódio que aconteceu durante as filmagens, quando Joel Silver perguntou se ele poderia realizar um salto com o traje:

"Quando Joel me pediu para saltar, eu sabia que isso não daria certo. Falei para ele que isso era impossível e eu acreditava que teríamos um problema. Então eu fui substituído pelo meu dublê e algo muito ruim aconteceu com ele. E então, eles tiveram que parar o filme e eles fizeram um novo e mais seguro traje."

Além do depoimento do astro de Street Fighter ~~que merda de referência~~, o pessoal do The Hollywood Report foi atrás do depoimento de outras pessoas envolvidas com o filme. E o resultado? Não só não tivemos um único relato que bateu com o apresentado por Van Damme como todos apresentam versões bem distintas do episódio, com alguns relatos parecendo mais críveis enquanto outros completamente bizarros.

Comecemos com os mais plausíveis, como o do produtor John Davis:

“Ele [Van Damme] era o Predador original até percebermos que o alienígena não poderia ter 1,84m de altura. Ele realmente precisava que ser maior.”

Considerando que a versão final do caçador espacial possuía mais de 2 metros de altura, acredito que essa seja uma versão totalmente plausível. O depoimento dado por Richard Chaves – que interpretou Poncho – vai bem de acordo com as palavras do produtor:

“Lembro-me de ter recebido um telefonema no meu quarto de Joel [Silver] pois Jean-Claude, ele e eu nos demos muito bem imediatamente, e eu pensei que ele teria sido incrível como Predador, mas ele queria que seu rosto fosse visto. E eu lembro [Joel dizendo], ‘Você vai até lá e fala com ele e o convence de que ele é o alienígena e ele tem que entrar no traje!’ Então eu desci e passei algumas horas tentando convencê-lo de que, você sabe, ele tinha que estar nessa roupa, ‘Mas todo mundo vai saber que é você, Jean-Claude, porque ninguém pode se mover como [você]!’ Eu tentei o meu melhor para convencê-lo, mas não funcionou. E então eu acho que alguma coisa aconteceu, e ele capitulou, para entrar naquele traje e tentar. E quando eles enviaram algumas das primeiros cenas dele com a roupa original, as pessoas da Fox odiaram, odiaram, e acharam que parecia um rato - e acabou! Assim que Joel foi informado dessa notícia, ele o liberou.”

É, a maneira como Chaves explicou foi tão enrolada quanto a do seu xará mexicano, mas o seu lado da história não só contempla que a decisão de desligamento foi executiva (algo levantado por Davis) como também demonstra o descontentamento de Van Damme com o traje da criatura (algo que já comentado no artigo). Inclusive, o curto relato Jackie Burch vai bem nesse ponto:

“E ouvi dizer que ele estava reclamando o tempo todo e eles o demitiram.”

Convenhamos, a insatisfação dele nas fotos é visível. E considerando também a entrevista de Steve Johnson, dá para acreditar que ele estava tão descontente da situação ao ponto de estar insuportável. Inclusive, no depoimento de Craig Baxley, diretor da segunda unidade e coordenador de dublês, um certo ~~ataque de pelanca~~ chilique do ator teria causado um prejuízo material à produção:

“Ele [Van Damme] estava lá para interpretar a criatura e uma empresa chamada Boss [Films] projetou-a. Tinha a cabeça de uma formiga. E eles gastaram uma fortuna absoluta nisso. E então eles trouxeram Jean-Claude para fora e eles colocaram a cabeça nele, e ele se levantou e surtou, e tirou essa cabeça de US$ 20.000 e jogou no chão e a quebrou. E Joel disse: "O que você está fazendo!" E ele disse a JCVD: “Você nunca mais vai trabalhar em Hollywood! Saia do meu set!" Então foi isso.”

Eis aqui o ponto onde os relatos começam a ser tornar um tanto quanto bizarros.

Olha, até dá para acreditar que o ator possa ter dado chiliques enquanto vestia a roupa, mas este detalhe da cabeça quebrada é algo sustentado apenas por Baxley. Nenhum dos entrevistados comentou sobre qualquer prejuízo material causado por Jean-Claude. Baxley também fez questão em desmentir o ator sobre o caso de um dublê ter se machucado durante as filmagens, dizendo categoricamente que “Ninguém se machucou”.

Algo me diz que ele não ficou feliz com o relato dado por JCVD...

Outro depoimento que acabou fugindo do padrão foi o do ator Bill Duke, que interpretou o soldado Mac. Duke relatou o seguinte:

“Eles iriam, penso eu, sobrepor todos os efeitos especiais no corpo na pós-produção. Mas para fazer isso, o ator teve que usar um traje de feltro que cobria todo o seu corpo, e com as altas temperaturas, [Jean-Claude] havia desmaiado duas vezes por desidratação. E Joel se aproximou e disse: ‘Jean, eu sei que está quente, mas estamos perdendo tempo, cara. Se você desmaiar mais uma vez, teremos que te demitir’. Então Jean diz: ‘Eu não estou fazendo isso de propósito!’ Joel diz: ‘Cara, isso é produção. Não leve para o lado pessoal’. Então, duas semanas se passaram, e ele está saltando sobre esses arames em árvores e tudo e ele desmaia, e Joel vem e diz a ele: ‘Você está demitido’.”

Se considerarmos que ninguém ficou satisfeito com os trajes e que antes mesmo do envio das cenas para o estúdio a equipe já estava ciente que o resultado havia ficado ~~uma merda~~ péssimo, o fato de Van Damme desmaiar por conta do calor deveria ser apenas mais um sinal de que os trajes não funcionavam. Não sei, se essa história for verdadeira, acho que o Silver vacilou na decisão.

Por fim, temos o depoimento do supervisor de efeitos visuais Joel Hynek. E esse, meus caros leitores, é a relato mais bizarro de todos:

“Eu estava no trailer de Joel Silver e ele havia pedido que Jean-Claude viesse vê-lo. E ele vem até o trailer e Joel começa dizendo: ‘Você tem que parar de kickboxing!’ - porque [Jean-Claude] queria utilizar artes marciais - e ele estava dizendo, ‘Olha, o Predator não é um kickboxer’. E Van Damme disse algo como (imitando a voz de Van Damme), "eu devo fazer isso; é assim que vejo o Predador". E Joel disse: "Bem, você está demitido. Saia daqui". E Van Damme diz: "Beije minhas bolas!" e sai, e esse foi o fim disso.”

HAHAHAHAHAHAHA...sério, o que foi isso?! Van Damme realmente queria um Predador que aplicasse voadoras de pernas abertas e fizesse espacate? Esse depoimento é tão absurdo, mas tão absurdo que eu gostaria que essa história fosse real.

Considerando todos os depoimentos e tudo o que aconteceu durante as filmagens, podemos concluir algumas coisas: i) as primeiras versões dos trajes eram impraticáveis, o que levou a necessidade da produção de um novo modelo e que precisaria de alguém maior para vesti-lo; ii) o misto de frustração com a ânsia de aparecer deve ter tornado Van Damme uma pessoa insuportável durante as filmagens; iii) Van Damme e Joel Silver tiveram atritos durante as filmagens, tanto que nenhum dos dois voltaram a trabalhar juntos desde então.

No fim das contas, Jean-Claude Van Damme retornou aos Estados Unidos e seguiu seu caminho. Pouco tempo depois, estrelaria O Grande Dragão Branco (Bloodsport, 1988), produção da Cannon que catapultaria a sua carreira ao estrelato.

Um Predador do Barulho

Stan Winston + Kevin Peter Hall = Monstro Icônico do Cinema

Muito bem pessoal, com a saga de Jean-Claude Van Damme nos sets de O Predador enfim detalhada, vocês devem estar esperando explicar o motivo de ter incluído uma referência ao Pé Grande Harry de Um Hóspede do Barulho no título deste artigo, certo?

A razão é muito simples, Harry e o Predador foram interpretados pela mesma pessoa, o ator Kevin Peter Hall.

O conceito elaborado por Stan Winston exigia que um ator muito mais alto fosse escalado para vestir o traje do vilão. O escolhido pela equipe de produção foi justamente Peter Hall, que com seus 2,2 metros de altura, conferiu ainda mais imponência ao monstro criado por Winston. Logo abaixo vocês podem acompanhar algumas cenas dos bastidores com o ator vestindo a roupa do Predador.

Como podem perceber pelo vídeo, Kevin era um cara muito gente boa e muito querido pelos colegas de elenco. Aliás, a sua performance diante das câmeras acabou lhe garantindo um segundo papel no filme: o do piloto do helicóptero que resgata Dutch (Arnold Schwarzenegger) e Anna (Elpidia Carrillo) da floresta.

O ator voltaria a interpretar o monstro em sua sequência, O Predador 2: A Caçada Continua (Predador 2, 1990). Esse inclusive seria o seu último grande filme, já que no ano seguinte ele viria a falecer em decorrência de uma pneumonia, agravada pelo vírus HIV (adquirido em uma transfusão de sangue).

-----------------------------------

Enfim meus caros leitores, este foi mais artigo da seção NerdFacts.

Gostaram do artigo? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação ou simplesmente me xingar?

A área de comentários é o lugar onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. E acreditem, a participação de vocês é o que move o Nerdologia Alternativa continuar existindo. ;)

Para finalizar, gostaria de compartilhar dois textos que foram muito importantes para elaboração deste artigo. O primeiro é "Why Did Jean-Claude Van Damme Get Replaced in 'Predator'?" do The Hollywood Report, onde tive acesso aos depoimentos de vários membros da equipe sobre a saída de Jean-Claude Van Damme (no fim da postagem inclusive tem um vídeo com a entrevista do ator). A segunda e última é o texto "When Jean-Claude Van Damme played Predator" do Den of Geek!, cujo modelo do artigo foi a minha inspiração para eu elaborar a minha própria versão.

[Tirou do Baú] Mobile Suit Gundam

2019-01-24T10:27:00.014-03:00

Feliz ano novo, meus caros leitores.

Depois de ~~mais~~ um hiato de seis meses sem postagens no blog (mas com atualizações diárias em nossa página do Facebook e do Twitter), estamos de volta com grandes novidades. A primeira novidade é que hoje teremos enfim um artigo inédito (e não "requentado") da coluna Tirou do Baú. E a segunda e mais relevante é que, ao contrário de todas as outras edições, a obra em questão NUNCA foi exibida no Brasil.

Pois bem meus caros leitores, em comemoração aos 40 anos dessa franquia (que serão comemorados agora em 2019), hoje trago a vocês um artigo sobre um dos grandes clássicos da animação japonesa, Mobile Suit Gundam.

Ficha Técnica

Mobile Suit Gundam (Kidou Senshi Gundamu, 1979-1980)
Ação | Guerra | Ficção Científica
Produção: Sunrise.
Temporadas: 1.
Episódios: 43.
Exibição original: Nagoya Broadcasting Network.
Exibição nacional: Inédito no Brasil.

Que o Japão adora robôs gigantes, isso não é nenhuma novidade. Esses gigantescos autômatos estão presentes em praticamente todas as vertentes do entretenimento nipônico, nas mais variadas temáticas. Podemos encontra-los em produções de super-herói (O Fantástico Jaspion), fantasia (Guerreiras Mágicas de Rayearth), distopia apocalíptica (Neon Genesis Evangelion), policial (Patlabor), espionagem (Metal Gear Solid) e até mesmo comédia (Full Metal Panic!).

No entanto, é no gênero guerra onde se encaixa grande parcela das obras e onde reside o maior expoente sobre o assunto, a franquia Mobile Suit Gundam (Kidou Senshin Gundamu). Com quatro décadas de existência, os Gundans se encontram espalhados em praticamente todos os meios do entretenimento japonês, chegando até mesmo em Hollywood com a participação do modelo RX-78-2 em Jogador N°1 (Ready Player One, 2018), de Steven Spielberg.

Em 1979, o roteirista e animador Yoshiyuki Tomino elaborava a sua próxima obra com mechas*. Com a pretensão de produzir algo totalmente novo e, principalmente, que não fosse mais um anime genérico de robôs feito apenas para vender produtos licenciados, Tomino usou toda a sua bagagem cinematográfica para construir um drama sobre a guerra com elementos de ficção científica. E foi assim, meus caros leitores, que nasceu o primeiro anime da série Gundam.

Universal Century 0079

Char Aznable e Amuro Ray, a maior rivalidade dos animes ~~depois Goku e Vegeta, Light e L, Spike vs Vincent...~~

"Meio século se passou desde que o homem começou a habitar o espaço sideral. Colônias espaciais gigantescas na órbita da Terra se tornaram a segunda casa da humanidade, onde as pessoas nascem, crescem e morrem. Ano Universal Century 0079, o grupo de colônias mais distante da Terra, Side 3, declararam a si mesmo como o Principado de Zeon, e começam uma guerra clamando independência do governo da Federação da Terra. Tanto Zeon como a Terra perderam metade de suas respectivas populações apenas no primeiro mês do conflito. As pessoas começaram a temer suas próprias ações. Oito meses se passaram e os dois lados ainda não chegaram a um acordo."

Com o Zeon ganhando vantagem no conflito através do uso de seus revolucionários Mobile Suits (grandes robôs de estrutura humanoide), a Federação da Terra resolve desenvolver os seus próprios mechas, visando assim "equilibrar o jogo". Com três protótipos desenvolvidos através do Projeto V, a Federação resolve esconde-los em Side 7, uma colônia espacial fora da zona de guerra, onde as novas armas poderiam ser testadas. Os Suits são transportados para a colônia através da mais nova e moderna nave de combate das forças terrestres, a SCV-70 White Base.

As informações sobre o transporte acabam vazando para Principado de Zeon, que coloca uma força chefiada pelo Char Aznable, um talentoso piloto de Mobile Suit que esconde seu rosto por trás de uma máscara. para coletar informações sobre as novas armas da Federação. Ao se aproximar de Side 7, Char envia três pilotos a bordo de MS-06F Zaku II para uma missão de reconhecimento. Contudo, o plano sofre uma inesperada mudança quando um dos pilotos resolve destruir os protótipos com as próprias mãos, iniciando um violento ataque na área urbana da colônia.

Em meio ao caos e destruição causados pelos Zakus, o jovem Amuro Ray resolve sair do abrigo de emergência para ir atrás de seu pai. Quando o encontra (juntamente com o novo robô da Federação), ele presencia uma multidão inteira de civis, incluindo a família de sua amiga Fraw Bow, ser morta no fogo cruzado contra os soldados de Zeon. Sem pensar, o jovem resolve enfrentar os invasores usando o Mobile Suit que ele havia encontrado, o Gundam RX-78-2. Mesmo sem experiência como piloto, o jovem é capaz de vencer os inimigos graças a força do Gundam, entretanto, o confronto acabou gerando danos bastante severos a Side 7, obrigando os sobreviventes a evacuar a colônia a bordo da White Base.

Tragados para o centro do conflito, Amuro e um grupo de civis precisarão se transformar em verdadeiros soldados se quiserem sobreviver. E mais do que enfrentar os melhores pilotos do Principado de Zeon, eles terão que encarar os horrores que uma guerra pode proporcionar.

AVANTE! AVANTE! AVANTE, GUNDAM!

A tripulação da White Base, jovens forjados no campo de batalha.

Embora atualmente seja reconhecida como um dos marcos do gênero, Mobile Suit Gundam não obteve o mesmo prestigio quando foi ao ar. Acostumado com séries de robôs gigantes voltadas para o lado fantástico/heroico como Mazinger Z (Majingā Zetto, 1972-1974) e Getter Robot (Gettā Robo, 1974-1975), o público não recebeu com entusiasmo o drama de guerra com mechas. Por conta desta fria recepção, os 50 episódios inicialmente planejados para o anime foram reduzidos para 39. Contudo, graças a uma reunião entre Tomino e os patrocinadores, a série pode contar com a produção de mais quatro episódios, possibilitando um desfecho satisfatório (mas apressado) para a história.

O interesse pelo anime só surgiu após o seu término (alguém disse Star Trek?). Interessada na comercialização dos produtos licenciados, a Bandai adquire a licença de MSG e passa a vender no mercado os model kits ~~nome bonito para bonecos~~ dos robôs e veículos da série animada, as famosas Gunplas (uma abreviatura para Gundam Plastic Model Kits). O sucesso na venda dos produtos atiçou a curiosidade das pessoas, que passaram a acompanhar as das reprises da animação. Esse crescente interesse animou a Sunrise (estúdio responsável pelo desenho) a investir na produção de três longas metragens para cinema recontando a história da obra, incluindo novas cenas e alterando alguns detalhes na trama.

Com o sucesso dos três filmes, Tomino e a Sunrise se unem mais uma vez para a produção da primeira continuação direta da série original, a também aclamada Mobile Suit Zeta Gundam (Kidou Senshi Zeta Gundam, 1985-1986). E a partir desse ponto meus caros leitores, foi só alegria. A marca Gundam virou uma potência do entretenimento nipônico, a Sunrise se transformou em um dos grandes estúdios da animação no Japão e Yoshiyuki Tomino estabeleceu o seu nome no mundo das animações.

Bright Noa Slap, transformando garotos em homens desde 0079.

Mobile Suit Gundam não só estabeleceu um novo paradigma para as produções animadas de robôs gigantes como também representou o amadurecimento de Tomino frente a temática. Em seus trabalhos anteriores, ele já demonstrava vontade de "desconstrução de gênero" em Invincible Super Man Zambot 3 (Muteki Chōjin Zanbotto 3, 1977-1978). Apesar da premissa ser similar a vários animes da época (jovem que pilota um super robô para combater as forças do mal), ela inovou ao mostrar os efeitos colaterais das batalhas em uma narrativa com maior maturidade e uma atmosfera muito mais sombria.

Com MSG, ele vai mais além. Sai de cena o eterno embate entre bem e o mal e entra o conflito com raízes políticas. Outra mudança significativa fica por conta da abordagem do confronto. A série abre mão de uma visão mais romanceada por uma mais crua, mostrando o quão vil, cruel e devastadora uma guerra pode ser. Imerso nesse cenário, o espectador não fica restrito apenas ao ponto de vista de Amuro e seus companheiros sobre o evento. Ele tem acesso também a ótica dos soldados da Federação, dos soldados de Zeon e dos civis, tanto da Terra quanto das Colônias.

Por meio desses pontos de vistas distintos, observamos que os espaçonóides (spacenoids) e os terráqueos não são tão diferentes assim. É lógico que cada indivíduo reagirá a guerra de uma forma bastante pessoal (com facetas de sua natureza sendo aflorada ou até mesmo transformada), mas no fim das contas, o que a grande maioria dos envolvidos deseja é proteger seus entes e queridos e poder retornar para a sua vida normal.

Juntamente da parte dramática, a ficção científica desempenha papel fundamental no enredo. Além de apresentar conceitos clássicos do sci-fi como viagem especial, colônias espaciais e robôs (claro), Tomino e sua equipe criaram os seus próprios elementos científicos para série. As Partículas Minovsky, por exemplo, surgiram da necessidade de encaixar duas forças militares rivais em um mesmo frame de animação. No Universal Century, elas são usadas nos propulsores de naves espaciais e de mobile suits, permitindo a locomoção no espaço. Contudo, ao serem liberadas, elas interferem fortemente nos canais de comunicação e sistemas de mira inteligente, obrigando os dois lados do conflito a se aproximar para lutar (e consequentemente, resolvendo o problema na produção dos frames).

Introduzido aos 45 minutos do segundo tempo, o conceito dos Newtypes foi outra grande adição ao enredo da série, embora seja melhor explorado (e até mesmo contextualizada) nas sequências do anime. Eles representavam um novo estágio da evolução humana, atingida quando o corpo se adapta a vida no espaço. Um Newtype apresenta um nível sobre-humano de consciência espacial, podendo inclusive sentir as emoções dos outros (que é regularmente usado para detectar e reagir aos ataques inimigos). Em alguns casos, eles são capazes de desenvolver habilidades telepáticas ou de psicocinese.

Nem preciso mencionar que a combinação Newtype + Gundam é algo extremamente apelativo.

"- Comandante Char, o que faremos hoje?
- A mesma coisa que fazemos todos os dias soldado, tentar destruir a Trojan Horse."

Em sua galeria de personagens, Gundam conta com várias representações típicas de figuras presentes em obras de guerra. Temos, por exemplo, o oficial de baixa patente que herda a responsabilidade de comando (Bright Noa), o oficial de alta patente que quer mostrar o seu valor (Garma Zabi), o oficial que perde a própria sanidade (Tem Ray), os órfãos do conflito (Katz, Letz e Kikka), os jovens forçados a amadurecer (Amuro Ray, Fraw Bow, Hayato Kobayashi, Kai Shiden), o déspota (Degwin Sodo Zabi), os que se sacrificam para um bem maior (a lista é longa) e claro, os soldados rivais (Amuro Ray e Char Aznable).

A rivalidade entre Amuro e Char não representa apenas um dos grandes pontos fortes da série original. Ela é tão icônica dentro da franquia quanto os próprios personagens. Além de resultar em grandes embates, ela é um “tempero a mais” no desenvolvimento dos dois personagens. Surgindo como uma rixa entre pilotos de Mobile Suits de lados opostos, ela evolui para um grande ressentimento pessoal após resultar em uma grande tragédia na vida de ambos. Essas cicatrizes irão reverberar nas sequências da história, gerando gravíssimas consequências para o futuro.

Ao entrar no cockpit do Gundam, Amuro Ray mal imaginava que estava mergulhando de cabeça na guerra. Com o seu lar destruído e abordo de uma nave com falta de contingente, ele se vê obrigado pilotar o RX-78-2 em prol de sua sobrevivência e dos demais tripulantes. Inicialmente, a sua imaturidade e o fardo de suas ações causarem mortes no campo de batalha lhe acarretam momentos de extrema fragilidade. Contudo, ao perceber que sua omissão resultaria em algo ainda pior, ele se entrega de corpo e alma a função de piloto

Conforme as batalhas vão passando, o protagonista não só aprimora as suas habilidades como piloto como também se desperta como um newtype. Entretanto, ao mesmo tempo em que evolui como um guerreiro, ele progressivamente vai se tornando uma pessoa mais reclusa. O aparecimento da newtype Lalah Sune até reacende a chama da sua humanidade, mas a morte acidental da garota pelas suas mãos cria uma ferida na alma que o acompanhará para sempre.

Particularmente, gosto bastante desse arco protagonizado por Amuro. Ao mesmo tempo que o conflito faz com que ele atinja um novo estágio na evolução humana, isso acaba lhe custando a sua própria humanidade. Com o surgimento de Lalah, cheguei acreditar que ele poderia se recuperar. Mas aí o roteiro de Yoshiyuki Tomino nos lembra (mais uma vez) que não existe conto de fadas em uma guerra.

THIS IS ZEON!!!

Se o lado da Federação da Terra conta com o melhor piloto de Mobile Suit, o Principado de Zeon conta com o melhor personagem da série (e quiça, o melhor personagem criado por Tomino). Em uma época onde os antagonistas de animes de mechas eram figuras caricatas e unidimensionais, Char Aznable representava a antítese a esse paradigma. Enigmático, carismático, orgulhoso, o mascarado era muito mais do que um mero empecilho aos heróis. Ele conta com a sua própria jornada na trama, motivada por um elaborado background.

Filho de Zeon Zum Deikun, filosofo e fundador da República de Zeon, Casval Rem Deikun (seu nome verdadeiro) e sua irmã Artesia (a verdadeira identidade de Sayla Mass) são obrigados a fugir de seu lar (a colônia Side 3) após seu pai ser assassinado por Degwin Zabi. Alimentado por um grande desejo de vingança contra o clã Zabi, Casval assume a identidade (e o elmo ~~de Darth Vader~~) de Char Aznable e se alista na escola militar do (agora) Principado de Zeon, visando assim se aproximar dos responsáveis por destruir a sua vida e a de sua família. Graças ao seu talento como piloto de MS, ele rapidamente avança na hierarquia militar. Seus feitos não só passaram a ser reconhecidos por aliados e inimigos como também lhe renderam o apelido de Cometa Vermelho (Red Comet).

Char é uma figura complexa e intrigante. Suas ações ora são dignas de um nobre líder, ora denotam traços de um grande sociopata. Embora passe a imagem de uma pessoa benevolente e paciente a seus companheiros, em seu âmago ele não nutre qualquer empatia por eles, os enxergando apenas como meros peões no cumprimento de seus objetivos. Apenas três pessoas foram capazes de "romper essa casca" criada pelo antagonista: Sayla Mass (uma parte do seu passado no qual ele tenta proteger), Lalah Sune (a newtype que roubou o seu coração) e Amuro Ray (o homem que feriu o seu orgulho como piloto). E curiosamente, são as ações desse trio que resultam em um novo episódio trágico em sua vida

É válido ressaltar que a série também conta com grandes coadjuvantes (como Kai Shiden, Ryu Jose, Ramba Ral), mas gostaria apenas de comentar rapidamente sobre Sayla Mass e Bright Noa. Sayla é a melhor representante feminina do anime. Além de compartilhar o mesmo background trágico de seu irmão, Artesia é um dos personagens que mais evoluem na trama, começando como uma estudante de medicina e terminando como um dos principais pilotos da White Base, sendo essencial em diversas batalhas. E falando em evolução, temos claro Bright ~~FUCKING~~ Noa, o oficial júnior que se transformou no capitão da nave que mudou o curso da guerra. Com seu contingente formado especialmente por civis, ele não só mostrou aptidão em extrair o melhor de seus comandados ~~nem que seja no tapa~~ como também mostrou uma incrível capacidade de contornar situações difíceis (e que não foram poucas).

E mesmo não possuindo o “quilate” de um Amuro e de um Char, Noa é uma figura extremamente relevante dentro do Universal Century, contando com participações em vários eventos decisivos ao longo desta linha cronológica.

Uma bela história de amizade.

Obviamente que possuir uma boa história, com grandes personagens e uma abordagem mais complexa sobre a guerra são aspectos muito importantes...mas convenhamos, o que todos nós procuramos em um anime com robôs gigantes é uma pancadaria de responsa. E nesse quesito, meus caros leitores, o Gundam original não faz feio.

Com algumas raras exceções - como o episódio onde bombas relógio são plantadas no Gundam - há batalhas em quase todos os capítulos. Os combates acontecem nos mais variados cenários, indo desde desertos, ar, florestas, fundo do mar, galerias subterrâneas e claro, o espaço ~~a fronteira final~~. Cada ambiente apresenta as suas próprias peculiaridades, sendo normalmente exploradas pelos inimigos da White Base (para o desespero de Amuro & cia). Além dos Mobile Suits, as batalhas do desenho ainda contavam – dependendo do ambiente – com naves de batalha (espaciais e terrestres), caças, aviões cargueiros, tanques de guerra e Mobile Armors (gigantescos robôs de aparência não humanoide), sendo esses últimos armas exclusivas do Principado de Zeon.

Em Mobile Suit Gundam são exploradas duas situações de combate: a primeira são as forças de Zeon perseguindo a Trojan Horse (termo utilizado por eles para se referir a White Base) para tentar abate-la e a segunda são as batalhas capitais do conflito. No primeiro caso, os grandes combates normalmente envolvem Amuro e seus companheiros contra um ás do exército inimigo, como o próprio Char Aznable, Ramba Ral, os Black Tri-Stars e M'quve. Já no segundo caso, a White Base se junta ao exército da Federação para medir forças contra o Principado. São as três grandes batalhas apresentadas pelo desenho: a Batalha de Odessa, a Batalha de Solomon e o derradeiro (e melhor) confronto da guerra, a Batalha de Baoa Qu.

Como o próprio título faz questão de ressaltar, a grande estrela do anime é o Gundam. Para quem já assistiu a outras séries da franquia, ele pode parecer um modelo bastante simplório (especialmente quando comparado a um Strike Freedom da vida), mas não se deixem enganar pelas aparências, pois esse Mobile Suit não recebeu o apelido de White Devil (Demônio Branco) à toa. O RX-78-2 é uma arma tão poderosa que permitiu um civil sem experiência alguma encarar verdadeiros ases das forças inimigas. Além disso, com uma tripulação totalmente inexperiente, Bright Noa e seus comandados só conseguiram sobreviver as primeiras batalhas graças a força deste mecha.

E o que faz esse Suit tão poderoso? Além de um poderio defensivo (sua estrutura foi construída com base em Luna Titanium Alloy, uma liga leve e super resistente) e ofensivo (seu arsenal conta com duas metralhadoras vulcânicas na cabeça, dois sabres de energia que podiam se converter em lanças, um rifle de feixe com força equivalente à de uma nave de batalha, um lança foguetes...e um mangual o_O) muito acima dos rivais, ele ainda contava com uma sofisticada IA que armazenava os dados dos inimigos durante as batalhas, permitindo o Gundam operar com ainda mais eficiência.

Posteriormente, ele ainda receberia duas unidades de suporte – os G-Fighters, capazes de se acoplarem ao Mobile Suit ou serem usadas de forma totalmente independente - e um aprimoramento estrutural (Magnetic Coating) para melhorar o tempo de reação da máquina uma vez que, após o despertar de Amuro como um newtype, não estava acompanhando com precisão os comandados dados pelo piloto.

O Gundam RX-78-2 come Zakus no café da manhã.

Sinceramente, o RX-78-2 é o único robô realmente interessante da Federação. Todos os outros modelos ou são extremamente genéricos (RX-77-2 Guncannon, RX-75-4 Guntank e o RGM-79 GM) ou são extremamente bizarros (RB-79 Ball). Dos citados, os que mais se destacam são o Guncannon e o Guntank justamente por serem parte do arsenal da "Base Branca". Em combate, enquanto o primeiro já se mostrou útil em alguns momentos, o segundo é o grande saco de pancadas da turma. E para ajudar, ele ainda é pilotado pelo membro mais incompetente ~~bucha~~ da tripulação, Hayato Kobayashi.

Por serem protótipos do mesmo projeto (Project V), os três MS das White Base contavam com o Core Block System, um sistema que os permitia serem separados em módulos. O módulo principal (onde ficava a cabine de piloto) consistia de um caça FF-X7 Core Fighter, capaz de se desacoplar e agir de forma autônoma. Dos três modelos, o Gundam era o único com a capacidade de realizar o processo de conversão de seus módulos de forma independente, podendo fazer esse processo inclusive durante as batalhas, mas sempre com o risco de ser atingido pelas forças inimigos (ou vocês achavam que eles esperariam pela transformação? :P).

Em questão de preferência, devo confessar que tenho uma preferência pelos modelos produzidos por Zeon. Não faço ideia se houve a intenção por parte de Kunio Okawara (o Mechanical Designer do anime), mas a impressão que tive é que por possuir mais experiência na fabricação de Mobile Suits, o Principado foi capaz de elaborar robôs como muito mais “personalidade”. E de fato, o MS-06 Zaku II, MS-07B Gouf, MS-09B Dom e MSN-02 Zeong contam com um visual muito mais ameaçador do que qualquer máquina elaborada pela Federação.

Um aspecto muito interessante sobre o Suits do Principado é a existência de múltiplas versões para seus modelos. MS-06S Zaku II Commander Type, MS-07B Gouf M'Quve Custom e o MS-09R Rick Dom são algumas das versões customizadas que aparecem no desenho animado. Inclusive, Char pilota vários modelos de Commander Types durante a história, onde todos obviamente apresentavam a cor vermelha. Aposto que se ele tivesse algum tempo antes de Baoa Qu, ele pintaria o Zeong de vermelho também. :P

Aquele ship que nunca aconteceu.

Além dos Mobile Suits, o Principado de Zeon também foi pioneiro na produção dos Mobile Armors. Mesmo não contando com o mesmo “charme” dos Zakus e afins, os Armors contavam com um grande diferencial sobre os Suits convencionais: o seu grande poder de destruição. Os mais memoráveis certamente foram o MA-08 Big Zam (pilotado por Dozle Zabi durante a Batalha de Solomon) e o MAN-08 Elmeth (pilotado por Lalah Sune).

Embora seja um dos grandes clássicos do gênero, Mobile Suit Gundam apresenta certas características de sua época de produção que possivelmente não sejam atraentes ao público atual. Certamente, o maior entrave ao espectador moderno será a qualidade da animação. Afinal de contas, estamos falando de um desenho animado para televisão, realizado com recursos e técnicas de animação de QUARENTA ANOS atrás. Yoshiyuki Tomino e sua equipe conseguiram tirar leite de pedra com um orçamento apertadíssimo, porém isso não impediu que o resultado final ficasse com uma série de problemas como quadros mal-acabados, erros de continuidade e de consistência (em cada episódio, o Gundam tinha uma aparência diferente O_O).

Outro aspecto de animação que pode causar estranhamento - mas que não é exatamente um problema - é a aparência dos robôs e dos personagens. Enquanto as máquinas apresentam um design bem mais simplificado (até porque era muito mais fácil de se animar), a identidade visual do elenco escolhida por Yoshikazu Yasuhiko (o Character Design da produção) seguia um estilo muito presente na década de 70. Em certos momentos, parecia que a inspiração para o traço vinha do lendário Leiji Matsumoto,

Pessoalmente, o maior problema que tive com a série animada foi com o seu ritmo narrativo. Além do enredo principal caminhar a passos curtos, ainda há a presença dos temíveis fillers que, embora apresentarem situações criadas pela guerra, colaboravam com a lentidão da trama. Nos treze últimos episódios, o ritmo fica mais acelerado graças a possibilidade de cancelamento da série (o que fez Tomino correr com a história). E de fato, a parte final é muito mais agradável de se acompanhar. Mas por outro lado, esse aceleramento fez com certos detalhes da história que mereciam um pouco mais de desenvolvimento fossem rapidamente explorados (como o conceito dos newtypes).

Sendo um fã de alguns exemplares da franquia, confesso que senti falta de uma trilha sonora mais marcante no desenho. A obra até conta com boas músicas incidentais (como é o caso da bacaníssima Gallant Char), mas o repertório é extremamente limitado. Com relação as canções, a produção apresenta apenas duas: a bacana canção de abertura Fly! Gundam (Tobe! Gundamu) e a insossa canção de encerramento Amuro Forever (Eien ni Amuro), ambas intepretadas por Koh Ikeda.

No espaço, as explosões são cor-de-rosa.

Se esses últimos detalhes não acabaram com a sua curiosidade, meu caro leitor, recomendo que vá atrás do anime. Além de apresentar uma grande história sobre guerra com robôs gigantes, a obra é o marco zero para compreender melhor todas as outras que se passam na cronologia da Universal Century. Digo por experiência própria, pois séries dessa linha temporal que assisti anteriormente como Mobile Suit Gundam: The 08th MS Team (Kidou Senshi Gundamu: Dai 08 MS Shoutai, 1996-1999) e Mobile Suit Gundam Unicorn (Kidou Senshi Gundamu Unicorn, 2010-2014) passaram a fazer muito mais sentido.

Agora...se você quer conhecer a história da animação, mas não tem coragem de encarar 43 episódios produzidos a quarenta anos atrás, recomendo que vá atrás dos três de longas metragens produzidos após o final da série. Além de resumirem a história (cortando todos os fillers), os filmes contam com uma animação levemente superior além de novos detalhes inseridos na trama.

A escolha fica por conta de vocês. ;)

* abreviatura de mechanical, é um termo usado para designar um robô gigante.

Algumas Curiosidades

Dentro da cronologia Universal Century, a guerra que se passa na série original ficou conhecida como One Year War.

Em seu time de dubladores, a série contou com nomes como Tōru Furuya (Amuro Ray), Shūichi Ikeda (Char Aznable), Hirotaka Suzuoki (Bright Noa), Yō Inoue (Sayla Mass), Toshio Furukawa (Kai Shiden), Fuyumi Shiraishi (Mirai Yarashima), Rumiko Ukai (Fraw Bow), Kiyonobu Suzuki (Hayato Kobayashi), Shōzō Iizuka (Ryu Jose), Masashi Hirose (Ramba Ral), Keiko Han (Lalah Sune), Katsuji Mori (Garma Zabi).

Mobile Suit Gundam I (Kidou Senshi Gandamu, 1981), Mobile Suit Gundam II: Soldiers of Sorrow (Kidou Senshi Gandamu II: Ai Senshihen, 1981) e Mobile Suit Gundam III: Encounters in Space (Kidou Senshi Gandamu III: Meguriai Sorahen, 1982) foram os longas metragens que recontaram a história do anime.

A ideia original que Yoshiyuki Tomino tinha em mente era muito mais pesada: Amuro morreria na metade da série, a tripulação da White Base se veria obrigada a se aliar com Char (que receberia um Gundam Vermelho, claro) para posteriormente ter que enfrenta-lo novamente após ele tomar o controle do Principado de Zeon. Esse conceito acabou sendo utilizado em uma série de novels escritos por Tomino logo após a conclusão do anime. Alguns elementos inclusive acabaram sendo aproveitados em Mobile Suit Zeta Gundam ~~e não, o protagonista de Zeta Gundam não morre na metade da história~~.

As batalhas de Solomon e Baoa Qu foram originalmente planejados para serem muito mais elaboradas, com direito até a um modelo exótico de Mobile Suit para defender as duas fortalezas de Zeon.

Originalmente, o design do Gundam idealizado por Tomino e Okawara apresentava o Mobile Suit com um tom leve de cinza. Entretanto, buscando uma linha de brinquedos comercializável, os patrocinadores acabaram prevalecendo sobre a dupla e decidiram que o astro robótico do show deveria apresentar as cores branco, vermelho, azul e dourado. Anos mais tarde, um retcon seria criado para explicar que esse padrão de cores era utilizado para demonstração de protótipos (o que mostra que a Federação tem um gosto um tanto quanto exótico).

Para criação dos Mobile Suits. Tomino se inspirou nos Power Suits do livro de ficção científica Tropas Estelares (Starship Troopers, 1959).

Em uma das novels, o RX-78-2 era branco com alguns tons de vermelho, lembrando o esquema de cores da X-Wing de Star Wars. Além disso, no lugar Magnetic Coating, Amuro acabou recebendo um novo Gundam (o G3) que possuía justamente o primeiro esquema de cores imaginado por Tomino e Okawara.

Mobile Suit Gundam foi vencedor por duas vezes consecutivas (1979, 1980) da Anime Grand Prix, organizado pela revista Animage. No primeiro ano da premiação (1979), a série venceu apenas a categoria Melhor Anime. No segundo ano (1980), venceu novamente a categoria de Melhor Anime e ainda conquistou os prêmios de Melhor Episódio (pelo episódio "S01E43 Escape") e Melhor Personagem (Char Aznable).

Richie Kotzen, ex-guitarrista do Poison e Mr. Big, lançou em 2006 o álbum Ai Senshi ZxR, que consistia de vários covers (em inglês) de canções da franquia Gundam. Da série original, temos as seguintes versões: Fly! Gundam; Soldiers Of Sorrow e Alone Against The Wind (vindas do segundo longa metragem); e Encounter (vinda do terceiro longa metragem).

Em comemoração aos 30 anos da franquia Gundam, a Bandai Namco construiu uma estátua de escala 1:1 (18 metros) do Gundam RX-78-2. Construida a partir de fibra de vidro reforçada (a liga Luna Titanium Alloy ainda não foi descoberta :P), a replica foi montada na região de Odaiba. Em 2011, ela foi desmontada para ser reconstruida em Shiozuka. Em 2012, ela retornou para Odaiba com uma gift shop a tiracolo chamada Gundam Front Tokyo. Em 2017, a estátua enfim foi desmontada em definitivo, dando lugar a uma réplica 1:1 do Gundam RX-0 Unicorn.

Seguindo as comemorações dos 30 anos da série, o músico Andrew W.K lançou em 2009 o álbum Gundam Rock, somente com covers das canções e músicas do anime original (e de seus filmes).

Durante a turnê de lançamento de Círculo de Fogo (Pacific Rim, 2013), Guilhermo Del Toro fez uma viagem ao Japão para promover o seu trabalho. Em uma reportagem para uma TV japonesa, acompanhado das atrizes Rinko Kikuchi e Mana Ashida, o cineasta visita a Gundam Front Tokyo e a estátua do RX-78-2 (onde fica empolgadaço) Durante a entrevista, ele revela que os jaegers Cherno Alpha e Coyote Tango foram inspirados no MS-06 Zaku II e RX-77-2 Guncannon respectivamente.

Dentro da própria franquia, Char Aznable conta com vários personagens inspirados em sua persona. Entre os seus clones mais famosos, temos Zechs Merquise (Gundam Wing), Rau Le Creuset (Gundam Seed), Neo Roanoke (Gundam Seed Destiny), Graham Aker (Gundam OO), McGillis Fareed (Gundam: Iron-Blooded Orphans) e Full Frontal (Gundam Unicorn).

Amuro Ray foi certamente a inspiração para criação dos personagens Kira Yamato (Gundam Seed) e Banagher Links (Gundam Unicorn).

O relacionamento entre irmãos de Sayla Mass com Char Aznable é semelhante ao de Relena Darlian e Zechs Merquise (Gundam Wing).

Gundam RX-78-2 serviu de mote para outros modelos como o RX-178 Gundam Mk-II (Zeta Gundam), o ZGMF-X56S Impulse Gundam (Gundam Seed Destiny) e o GN-000 0 Gundam (Gundam OO).

O sistema de módulos do Impulse é bem semelhante ao do RX-78-2, com um caça (o YFX-M56S Core Splendor) servindo de cabine para o piloto e núcleo do Gundam.

Em 2017, Yoshiyuki Tomino deu uma entrevista ao repórter Ollie Barder da Forbes. Além de falar sobre o inicio de sua carreira, Tomino falou sobre a criação da série clássica e demonstrou que não é muito fã dos filmes da Marvel Studios.

Vídeos

Abertura Original (Fly! Gundam)

Encerramento Original (Amuro Forever)

Participação do Gundam RX-78-2 em Jogador Nº 1.

Estátua do Gundam RX-78-2 na Gundam Front Tokyo em Odaiba.

Estátua do Gundam RX-78-2 com movimentos em Yokohama.

------------------------------------

Enfim meus caros leitores, este foi mais artigo da seção Tirou do Baú.

Gostaram do artigo? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação ou simplesmente me xingar?

Obs: um agradecimento especial a minha amiga Yasmine, que me ajudou com uma breve consultoria sobre designs de personagens de animes antigos.

---------------------------------------------------
Sugestões, críticas ou elogios?
Envie para o e-mail nerdologialternativa@gmail.com

[Crítica] Fullmetal Alchemist (2017)

2018-07-13T19:00:00.001-04:00

Este artigo contem spoilers!

Pois é meus caros leitores que ainda insistem em acompanhar este blog ~~mequetrefe~~, tentando cumprir uma média de um artigo a cada três meses (ao menos é o que a minha vida me permite no momento), hoje trago um artigo totalmente inédito para vocês.

Embora o tema já venha com alguns meses de atraso, o texto de hoje será ~~uma tentativa~~ crítica a adaptação em Live Action de Fullmetal Alchemist, lançada no ano passado nos cinemas japoneses e disponibilizada para o público ocidental pelo Netflix em Fevereiro deste ano. Sem mais delongas, vamos ao que interessa. ;)

Idealizado pela mangaká Hiromu Arakawa, Fullmetall Alchemist nasceu nas páginas da Monthly Shonen Gangan, uma espécie de “Shonen Jump” da Square-Enix. E como todo acontece com quase todo manga de sucesso no Japão, não tardou para que a obra invadisse outras mídias como a TV, cinema e videogames. Ao todo, o mangá recebeu duas adaptações em série animada – Fullmetal Alchemist (2003 - 2004) e Fullmetal Alchemist: Brotherhood (2009 - 2010) - dois longas animados exibidos em cinema - Fullmetal Alchemist the Movie: Conqueror of Shamballa (Gekijōban Hagane no Renkinjutsushi: Shanbara o Yuku Mono, 2005) Fullmetal Alchemist: The Sacred Star of Milos (Renkinjutsushi: Mirosu no Sei-naru Hoshi, 2011) - cinco jogos para videogames (sendo três RPGs produzidos pela própria Square-Enix) e mais uma porção de produtos licenciados (como CDs de música, action figures, cereais~~...mangas hentai~~ e por ai vai).

Com a finalização do mangá em 2010 e a exibição do segundo longa animado no ano seguinte, tudo levava a crer que não veríamos tão cedo algo de novo com a franquia. Eis que após um hiato de quase cinco anos, a divisão japonesa da Warner Bros. anunciou que a Fullmetal Alchemist estrelaria um novo longa-metragem, só que dessa vez em Live Action. Além disso, a produção contaria com Fumihiko Sori na direção, Ryosuke Yamada no papel de Edward Elric e um Alphonse Elric criado totalmente em CGI.

Como fã da saga dos irmãos Elric, obviamente fiquei muito empolgado com a ideia inicialmente. Entretanto, conforme o tempo foi passando e novas informações foram chegando (como a de que o filme iria recontar a história do mangá), a empolgação deu lugar a uma série de questionamentos. Fumihiko Sori conseguirá equilibrar humor e o drama presente na história original em sua adaptação? Os efeitos visuais conseguiram fazer uma versão totalmente crível de Alphonse? Ryosuke convencerá como Edward Elric?

E claro, a mais importante de todas: teremos uma adaptação no nível de Samurai X: O Filme (Rurouni Kenshin: Meiji kenkaku Roman Tan, 2012)...ou de Death Note (2017) ~~que fiz questão de não assistir~~ feito pelo Netflix?

"Não fique decepcionado,irmão. Nosso filme conseguiu ser melhor que Dragonball Evolution."

Seguindo os passos da obra original, a adaptação apresenta ao espectador um mundo onde a alquimia está presente na vida das pessoas. Através de um Círculo de Transmutação (desenhado no chão ou até mesmo em uma luva de pano) e da Lei da Troca Equivalente (para se ganhar alguma coisa, é necessário sacrificar alguma outra coisa do mesmo valor), um alquimista é capaz de realizar grandes feitos. Entretanto, dentro da alquimia há apenas uma única proibição: a Transmutação Humana. E é aqui que entra os protagonistas da história.

Quando crianças, Edward e Alphonse executaram uma transmutação humana com a finalidade de ressuscitar a mãe falecida. O procedimento não só falha miseravelmente como acaba custando o corpo de Alphonse e a perna esquerda de Edward. Em um momento de desespero, Ed executa uma nova transmutação humana para salvar a alma de seu irmão. Ele consegue fixar a alma de Al em uma armadura, mas isso acaba lhe custando o seu braço direito.

Na busca para recuperar os seus corpos, os irmãos Elric iniciam uma jornada em busca pela Pedra Filosofal ~~do Harry Potter~~, um artefato que permitiria uma transmutação sem as restrições da Lei da Troca Equivalente. Com a finalidade de ter mais recursos em sua busca, Ed se transforma em um alquimista do exército. Com próteses mecânicas (automails) no braço direito e perna esquerda e com a capacidade de realizar alquimia sem círculos de transmutação (dom que acabou recebendo durante a fatídica transmutação humana), Ed agora é conhecido pelas pessoas como o Alquimista de Aço (Fullmetal Alchemist).

Visualmente, o trabalho de adaptação é extremamente competente. Filmado no interior da Itália, a ambientação consegue retratar com fidelidade o clima europeu do início do século XIX da obra de Arakawa. A caracterização e figurino dos personagens de uma maneira geral é bastante fiel o que se vê no anime/manga (Capitão Hughes e Lust, por exemplo, parecem ter saído diretamente das páginas dos quadrinhos). As únicas exceções são Winry Rockbell (que aqui não possui as suas madeixas loiras) e Shou Tucker (que aqui possui cabelo demais :P), mas nada que comprometa.

"Vejo que a minha peruca ficou mais convincente que a sua, Edward Elric."

Se a parte visual é um exemplo de trabalho bem feito, o mesmo não se pode dizer da adaptação do roteiro. Ok, o script até apresenta boas ideias em sua elaboração. Além de limitar o escopo do filme entre o início da história e a invasão do Quinto Laboratório (que corresponde a 13 capítulos do manga), os roteiristas optaram em eliminar uma série de personagens presentes neste espaço da trama como Scar, Major Armstrong, Vovô Rockbell, Sheska entre outros. Em teoria, essas adaptações deveriam permitir ao longa-metragem um fluxo narrativo tranquilo e espaço para desenvolver os personagens que restaram.

A questão é que na prática não foi que aconteceu.

Durante os dois primeiros atos, o ritmo em vários momentos é extremamente acelerado. A condução do enredo é tão apressada que muitos detalhes importantes acabam sendo explicados através de diálogos expositivos. Esse ritmo maluco seria totalmente compreensível se a produção contasse com pouco tempo de exposição (1 hora e 20 minutos), o que não é o caso já que o longa conta 135 minutos de duração (2 horas e 15 minutos).

A impressão que passa é que filme não sabe como usar o seu tempo de projeção nas tramas que deseja abordar. Um grande exemplo disso é o arco do Alquimista de Quimeras Shou Tucker (Yô Ôizumi). Embora seja uma grande ideia adaptar um dos momentos mais emblemáticas de FMA, o impacto aqui é extremamente diluído uma vez que é investido pouquíssimo tempo tanto no arco quanto em Nina (a filha de Tucker e PEÇA CHAVE desse subplot).

Mesmo com uma quantidade reduzida de personagens para trabalhar, o roteiro consegue a façanha de negligenciar boa parte dos que restaram. Riza Hawkeye (Misako Renbutsu) só tem a primeira de suas pouquíssimas falas a partir do terceiro ato. O Doutor Marco (Jun Kunimura) – que poderia ter um papel fundamental em futuras continuações – é morto momentos após aparecer. Já o trio de Homúnculos (Lust, Envy e Gluttony), bem...alguém sabe qual era a motivação deles no filme?

Entretanto, o caso mais gritante certamente é o de Winry (Tsubasa Honda). Apesar de ser a coadjuvante principal da história, o seu papel é ser APENAS uma companheira para os heróis. Além de não possuir um arco dentro do filme, a adaptação faz pouquíssimo uso do background da garota com os irmãos Elric (já que os três cresceram juntos e sofreram grandes perdas quase que simultaneamente). E, diga-se de passagem, nem o fato dela ser uma eximia mecânica é bem explorado.

E o que dizer desse casalsão, ein? S2

Apesar de todos os problemas, a história bem ou mal segue uma certa coerência...isso claro até chegar ao terceiro e derradeiro ato. Acontece que no terço final da trama, o roteiro deixa de se apoiar no texto original de Hiromu Arakawa e tenta caminhar com as “próprias pernas”.

E meus caros leitores, é aqui que a coisa desanda vez!

Para se ter ideia, no último ato há pérolas como Shou Tucker – cujo arco já havia sido encerrado - deixando de ser um personagem trágico para se transformar um vilão unidimensional SEM QUALQUER justificativa; o General Haruko (Fumiyo Kohinata), que era o tiozão legal do exercício, se revela como grande vilão ~~da bagaça~~ e o principal motivo dos homúnculos estarem atacando os mocinhos (um artifício do roteiro para explicar a presença dos vilões, mas novamente sem justificar as motivações do trio); a apresentação dos minions dos vilões: um exército de soldados homúnculos/zumbis criados através ~~péssima computação gráfica~~ da pedra filosofal; e o diálogo expositivo mais patético do filme, onde Lust (Yasuko Matsuyuki) explica para Edward e Roy (Dean Fujioka) o que eles precisam fazer para matá-la.

“Poxa, mas não há nada que se salve no filme?”

Embora infelizmente os defeitos acabem se destacando mais, a adaptação conta sim com acertos. E digo mais, acertos importantíssimos.

O maior deles certamente é a maneira como a relação fraternal entre Edward e Alphonse é apresentada. Além de apresentar os fantasmas de cada um - enquanto Ed tem uma obsessão em recuperar o corpo de seu irmão por ser sentir culpado por tudo, Al sofre por não poder não se sentir como um ser humano – o filme faz questão de mostrar o forte laço de união existente entre eles. Alias, uma grande sacada do roteiro foi trazer para a sua estrutura a questão das “memórias implantadas”. Esse pequeno plot não só serve para mostrar a união entre os dois como também gera melhor e mais dramática sequência da produção.

"Bom dia Sr. Edward, você conhece as vantagens do nosso novo plano de internet?"

Vale destacar que as atuações de Ryosuke Yamada e Atomu Mizuichi colaboram muito para que o público compre essa relação entre os irmãos. Yamada até deixa a desejar em alguns momentos do filme (especialmente quando abusa do overacting), mas quando precisa demonstrar preocupação com Alphonse ou interagir com ele, ele dá conta do recado. Quanto a Mizuichi, ainda que possua um tom de voz “mais adulto” que o de Rie Kugimiya (que fez o personagem nos animes e nos jogos), ele consegue ser tão expressivo em seu trabalho vocal quanto a atriz.

E já que estamos falando de atuações, é preciso dedicar um espaço para comentar sobre os grandes trabalhos feitos pelo trio Ryuta Sato, Yô Ôizumi e Yasuko Matsuyuki. Além de ter ficado assustadoramente parecido com o Maes Hughes original, Sato conseguiu imprimir em sua interpretação um carisma muito semelhante ao do militar. Em minha opinião, o melhor personagem do filme. Com relação a Ôizumi, embora não se pareça com o Tucker original e conte com menos tempo em tela que seus companheiros, o ator entregou uma interpretação sólida para o seu trágico Alquimista. E nem mesmo a forçada mudança de postura do seu papel no terceiro ato comprometeu o seu trabalho. Por fim, é valido ressaltar o esforço de Matsuyuki em transformar a sua Lust uma personagem relevante, mesmo com o roteiro praticamente trabalhando contra a atriz. Com uma vilã totalmente unidimensional em mãos, ela tirou leite de pedra ao oferecer algumas facetas para a homúnculo.

Nesse quesito, o grande destaque negativo é ~~Captain~~ Tsubasa Honda. A sua atuação até lembra a Winry dos animes, só que o excesso de overacting acaba tornando a personagem extremamente caricata. Ok, justiça seja feita, esse exagero na atuação é algo bastante comum na escola de atuação oriental. Possivelmente, a intenção tenha sido se aproximar do anime/manga, especialmente nos momentos de comédia (onde o exagero é mais frequente). A questão é que aqui faltou a mão do diretor Fumihiko Sori para dosar as caras e bocas, especialmente com Honda e Yamada.

Falando no diretor, todo o cuidado que ele teve com as atuações de Yamada e Mizuichi não se refletiu os garotos que fizeram as versões juvenis de Edward e Alphonse. Sério, como é que ele permitiu aquelas atuações robóticas dos garotos? Olha, já vi interpretações melhores em teatrinhos na minha época de colégio. :P

Além de talentosa, Yasuko Matsuyuki ficou linda de Lust.

Mesmo com alguns deslizes na direção de elenco, o trabalho de Fumihiko tem alguns pontos interessantes a se destacar. Tanto a sequência de ação em Liore quanto a discussão de Ed e Al no galpão são dois bons momentos que saíram através de sua coordenação. Outro ponto a se destacar são as tomadas áreas do interior da Itália, especialmente nos momentos onde há viagens de trem. Nesse caso, é preciso destacar também o trabalho de fotografia de Keiji Hashimoto, que aqui ressalta ainda mais a beleza das paisagens italianas.

Uma característica bem presente na narrativa do longa-metragem é o uso de flashbacks. Esse recurso é utilizado ora para explicar a origem dos irmãos Elric ora para amarrar pontas soltas pelo roteiro. Particularmente, só tenho uma coisa questão a reclamar disso: no primeiro flashback, acompanhamos as versões crianças de Ed e Al iniciando a sua tentativa fracassada de transmutação humana. Quando a trama retorna para mostrar as consequências do ato proibido em um novo flashback, a versão criança de Ed é substituída por Ryosuke Yamada. O filme até tenta contornar esse erro de continuidade absurdo colocando esse segundo como sendo um sonho de Edward..., mas convenhamos, ficou bizarro demais.

Considerando que não estamos falando de uma superprodução Hollywoodiana, os efeitos visuais da obra são até...digamos... competentes. Antes de escrever o artigo, cheguei a ler em algum lugar que a Warner investiu um bom dinheiro para aprimorar o CGI da produção. Se houve ou não esse investimento, o resultado aqui é de efeitos de vários níveis de qualidades.

Os efeitos CGI do longa ora parecem excelentes (a transmutação da lança de Edward, as chamas transmutadas por Mustang), ora são bem medianos (as quimeras de Tucker, as muralhas de rocha erguidas por transmutação) e ora são extremamente toscos (os monstros de pedra do Padre Cornello, os soldados homúnculos zumbis de pedra filosofal ~~do Harry Potter~~). O Alphonse totalmente digital acaba variando muito entre a qualidade de efeitos excelentes e medianos. Mas de uma forma geral não compromete, mas também não impressiona.

"Winry: TRUUUUUCOOOO!!! // Alphonse: SEEEEEISSSSSS!!"

Para quem acompanhou a primeira versão do anime que foi exibido no finado Animax e na RedeTV! ~~a Rede de T|V mais trash do Brasil~~, certamente ficará satisfeito com a presença de praticamente 80% do elenco do anime no Live Action. Marcelo Campos (Edward), Rodrigo Andreatto (Alphonse), Andressa Andreatto (Winry), Letícia Quinto (Riza), Vanessa Alves (Lust), Silvio Giraldi (Envy), César Marchetti (Glutony), Sílvia Suzy (Maria Ross) são algumas das vozes que estão presentes na versão dublada. As grandes ausências ficaram por conta de Hermes Baroli (Roy Mustang) e Luiz Laffey (Maes Hughes), sendo substituídos por Diego Lima e Glauco Marques. O filme foi dublado pelo Grupo Macias e contou com a direção da Úrsula Bezerra (que faz a voz do Goku criança).

Respondendo à pergunta do início do artigo, Fullmetal Alchemist não é um desastre de proporções bíblicas, mas também está muito longe da qualidade de uma grande adaptação. A produção até conta com acertos importantíssimos (como a relacionamento dos irmãos Elric), mas ela peca pelo excesso de falhas, especialmente em seu terceiro ato. Como uma continuação já foi confirmada, nos resta torcer para que a segunda parte não repita os erros dessa primeira.

Nota: 4,5

OBS: O filme conta com uma cena pós-créditos.

Ficha Técnica

Fullmetal Alchemist (Hagane no Renkinjutsushi, 2017)
Ação | Aventura | Fantasia

Diretor: Fumihiko Sori.

Roteristas: Fumihiko Sori, Hiromu Arakawa e Takeshi Miyamoto.

Elenco: Ryosuke Yamada, Atomu Mizuichi, Tsubasa Honda, Dean Fujioka, Ryuta Sato, Yasuko Matsuyuki, Yô Ôizumi, Misako Renbutsu, Shinji Uchiyama, Kanata Hongô, Fumiyo Kohinata, Jun Kunimura, Natsuki Harada e Natsuna.

[Tirou do Baú] Os Herculóides

2018-05-23T11:44:00.002-04:00

Postado em: 17/04/2011
Atualizado em: 23/05/2018

Pois é meus caros leitores, estamos de volta com mais um artigo atualizado (mas com cheirinho de novidade) no Nerdologia Alternativa.

Após atualizar vários textos ~~bem mequetrefes que fiz~~ sobre animes e tokusatsus, chegou o momento de apresentar um artigo decente sobre uma produção norte americana que fez parte da infância de muitos que já passaram da casa dos 30. Neste artigo da seção Tirou do Baú, iremos relembrar de Os Herculóides, um dos desenhos de ação/aventura mais batutas já produzidos pelo estúdio de William Hanna e Joseph Barbera.

Ficha Técnica

Os Herculoídes (The Herculoids, 1967-1969 e 1981)
Ação | Aventura

Produção: Hanna-Barbera.
Temporadas: 3.
Episódios: 47.
Exibição original: CBS.
Exibição nacional: TV Globo, TV Record, TV Bandeirantes, Rede Manchete, Cartoon Network, Boomerang e Tooncast.

Em seus primeiros anos no mercado, a Hanna-Barbera mostrou ao mundo que não estava de brincadeira. Mesmo dispondo técnicas de animação muito mais baratas e modestas que a concorrência, isso não impediu o estúdio de criar verdadeiros hits. Entre 1957 (ano de sua criação) até 1964, a HB lançou com grande êxito desenhos como Dom Quixote (Huckleberry Hound), Zé Colmeia (Yogi Bear), Os Flintstone, Manda-Chuva (Top Cat) e Os Jetsons. Com sucesso em dois gêneros de animação (o de animais antropomórficos e os "sitcons de família”), em 1965 o estúdio deu um novo e ousado passo, o lançamento de uma animação de aventura com toques de ficção científica. Essa animação era nada menos que Jonny Quest.

O sucesso das aventuras da família ~~Jota~~ Quest acabou estimulando o estúdio a produzir novas produções do gênero. Foi então que nos anos seguintes, o estúdio contratou Alex Toth, quadrinista/cartunista que tinha em seu currículo uma experiência de cinco anos na DC Comics. Em seu período como funcionário do estúdio, Toth foi responsável pela criação de séries animadas como Space Ghost, Homem-Pássaro (Birdman), Laboratório Submarino 2020 (Sealab 2020), e claro, o assunto principal de nosso artigo, Os Herculóides.

O Primitivo e Estranho Planeta Quasar

E esse olhar de desconfiança do Zok?

Extremamente distante de nosso sistema solar, Quasar é um planeta primitivo habitado por criaturas monstruosas e medonhas. Mesmo não sendo o melhor lugar para se viver, o corpo celeste é frequentemente visado por entidades malignas, vindas de todos os cantos do universo.

Entretanto, esses invasores acabam sempre deparando com um mesmo empecilho em seus planos: Zandor, o Rei de Quasar, e sua armada de poderosas bestas, conhecida como Herculoídes. O grupo é formado por cinco criaturas: Zok, um dragão alado capaz de disparar raios laser dos olhos e ~~do rabo~~ da cauda; Tundro, um rinoceronte encouraçado de oito patas capaz de esticar suas pernas e disparar pedras de energia de seu chifre; Igoo, um enorme gorila de pedra dotado de grande resistência e força física; Gloop e Gleep, duas criaturas gelatinosas capazes de alterar a forma de seus corpos.

Além dos Herculoídes, Zandor ainda conta com o apoio de sua família, Tara (a sua bela esposa) e Dorno (o seu filho ~~aborrecente~~ adolescente). Juntos, eles enfrentaram qualquer ameaça afim de proteger o seu planeta natal.

HERCULOÍDEESS!!!

"Bem, aquele Titã louco nunca mais irá nos perturbar."

Os Herculoídes foram lançados em um ano de grande produtividade para a Hanna-Barbera. Para se ter ideia, nesse mesmo período Zandor e seus amigos dividiram as atenções do público com novidades como Homem-Pássaro (Birdman), Galaxy Trio, Shazam (o gênio, não o personagem da DC), O Poderoso ~~Thor~~ Mightor (Mighty Mightor), Quarteto Fantástico (Fantastic Four), O Jovem Sansão (Samson & Goliath), Abbott e Costello (The Abbott and Costello Cartoon Show) e Moby Dick.

Sim caros leitores, vocês não leram errado. O estúdio lançou 9 desenhos em 1967, isso sem contar os episódios da segunda temporada de Space Ghost. Naquela época, a HB estava tão pilhada para lançar novos produtos que se alguém chegasse com a ideia de colocar Josie e as Gatinhas (Josie and the Pussycats) no espaço sideral, eles produziriam esse desenho.

E digo isso com ~~tranquilidade~~ convicção, pois esse desenho realmente existe!

Mesmo com a grande concorrência pela atenção do espectador, Os Herculoídes cativaram o seu espaço no coração do público. E prova disso é que além de durar duas temporadas (o que para os padrões da época ERA MUITA COISA), o desenho ainda recebeu uma nova temporada em 1981, quando fez parte do bloco Space Stars. Embora a série não tenha um novo desenho animado ou temporada desde então, os seus personagens hora ou outra surgem estrelando HQs ou sendo referenciados mundo a fora (conheçam mais no tópico “Algumas Curiosidades”)

"Igoo, já chegou o disco voador!"

Por aqui, a série animada passou a fazer parte no imaginário dos brasileiros no final da década de 60, quando foi adquirido pela Rede Globo. De lá para cá, a animação migrou por vários canais abertos (Record, Bandeirantes e Manchete) até a década de 90, quando chegou na TV Paga pelo Cartoon Network. A partir de 2000, a série passou a se restringir apenas aos canais pagos, como o Boomerang e o Tooncast. Atualmente, a única maneira de se assistir o desenho é através da internet.

Para quem nasceu na segunda metade dos anos 80 (como esse que vos escreve), conheceu a produção na época em que era exibido pela Manchete. Conforme expliquei no meu artigo sobre Corrida Maluca, a emissora costumava a recorrer aos desenhos da Hanna-Barbera para preencher pequenas lacunas em sua grade de programação. Era bastante comum, por exemplo, assistirmos a um episódio Bacamarte e Chumbinho (Punkin' Puss & Mushmouse) entre um anime ou outro.

E convenhamos, para uma criança que mal podia esperar para ver o Yusuke Urameshi descer a porrada no Toguro, era muito mais negócio colocar um episódio de Herculoídes antes do anime do que enfiar 10 minutos ininterruptos do comercial do Sonic 2000.

Sim, essa piada é a versão atualizada de uma que fiz no texto de Corrida Maluca. E eu não me arrependo disso

Seria Igoo a evolução perdida do pokémon Golem?

Em Herculoídes, não havia um vilão principal ou um grande arco dramático. A animação apresentava uma estrutura narrativa bastante simplória, o que era de praxe para as produções de aventura daquele período. A série seguia o tradicional formato de episódios fechados, ou seja, histórias que se resolviam no mesmo episódio em que eram apresentadas. Além disso, os acontecimentos de um capitulo não reverberavam nas tramas seguintes, o que garantia aos personagens o mesmo status quo durante todo o desenho.

Embora para os dias de hoje pareça um formato um tanto quanto ultrapassado, ele apresentava algumas vantagens. Para acompanhar o desenho, um novo espectador não precisava começar a assisti-lo desde o primeiro episódio. Em qualquer episódio que ele iniciasse, ele entenderia o "espírito da coisa". Inclusive, a abertura do desenho já apresentava tudo o que o espectador precisava saber sobre a produção.

Com relação aos roteiros, as aventuras normalmente seguiam a uma mesma formula: uma ameaça (interna ou externa do planeta) surgia perturbando a paz de Zandor e seus amigos; há um primeiro confronto entre heróis e vilões; o confronto é interrompido e os vilões fogem, normalmente sequestrando um dos mocinhos (normalmente um dos membros humanos do time); os Herculoídes se reagrupam e ~~moem os inimigos na porrada~~ vencem a batalha (ora expulsando os invasores ora os destruindo); e claro, ao final tudo voltava ao normal. Episódios como Os Homens-Aranha (The Spider Men), Malak e os Gorilas de Aço (Malak and the Metal Apes) e Os Homens Sem Rosto (Attack of the Faceless People) são exemplos perfeitos a esta ideia de roteiro.

Quando o desenho recebeu novos episódios na década 80, os roteiristas até introduziram algumas mudanças ao modelo de narrativa. Por exemplo, em A Criatura Energia (The Energy Creature) e O Intelecto (Mindbender), os heróis se mostram incapazes de vencer os inimigos em combate e isso os obriga a elaborar estratégias alternativas para neutralizar as ameaças. Mas certamente, O Pássaro de Fogo (The Firebird) é a trama que mais "foge" da formula clássica de roteiros do desenho uma vez que não apresenta um vilão maligno como antagonista. O pássaro do titulo nada mais era que uma mãe enfurecida que precisava de ajuda para encontrar o seu filhote.

Zandor é um cara de sorte.

Sejamos justos meus caros leitores, quem assistiu ao desenho quando era pivete não estava preocupado com profundidade de trama ou formato narrativo. A única preocupação era ver Igoo, Zok, Tundro e ~~até mesmo~~ Gloop e Gleep em ação. Embora o núcleo humano seja legal, as cinco bestas de Quasar são a alma e o coração da animação. A série animada não teria a mesma força com o público sem os seus “Herculoídes” principais.

Mais do que o grande ponto forte da produção, o carisma do quinteto é mais uma prova da capacidade da Hanna-Barbera em criar grandes personagens. Embora essa capacidade tenha se diluído com o passar do tempo, em seus anos dourados o estúdio dos pais de Tom & Jerry dominavam essa arte como poucos. E claro, não podemos deixar de citar que nada disso teria funcionado sem o talento de Alex Toth. O conceito das criaturas é algo tão fascinante e cativante que, mesmo meio século após sua criação, ele ainda funciona tanto para adultos quanto para crianças.

Poxa vida, estamos falando de um dragão que dispara raios laser, um rinoceronte blindado que dispara pedras de energia pelo chifre e de um gorila de pedra porradeiro. Como isso não pode ser legal? :D

Embora não percebamos quando crianças, o conceito dos protagonistas humanos também é muito legal. Zandor é o perfeito arquétipo de um herói de quadrinhos: possui ótimo preparo físico e reflexos ~~de dar inveja a Bruce Wayne~~; conta com excelente mira para disparar pedras de energia em seu estilingue ~~de dar inveja a Oliver Queen~~ e um grande domínio no uso de escudo ~~de dar inveja a Steve Rogers~~. Além de suas habilidades para ação, o líder dos Herculoídes ainda dispõem de um grande conhecimento sobre os povos de Quasar e de outros planetas, além de manejar tecnologia alienígena com facilidade. Ou seja, ele é muito mais do que um mero Tarzan genérico de uma galáxia perdida.

Sério se a Hanna-Barbera tivesse o seu próprio grupo de heróis, aos moldes da Liga da Justiça e dos ~~Avengeiros~~ Vingadores, Zandor com toda certeza seria um membro da equipe.

E não, a Arca do Zé Colmeia não conta como supergrupo. :P

"Infinity War is the most ambitious crossover event in history". Bitch, please!

Mesmo não possuindo a mesma relevância que os demais personagens, Tara e Dorno são personagens vitais ao desenho...e não digo isso porque ambos são as principais vítimas de sequestro por parte dos vilões. Tara, por exemplo, dentro do que a mentalidade da sociedade nos anos 60 permitia, era uma mulher de ação. Na ausência de Zandor (que de vez em quando também sofria com sequestros), era ela que liderava os Herculoídes contra as ameaças do planeta. Em combate, ela também contava uma grande habilidade com o estilingue de pedras de energia.

Quanto a Dorno, apesar de seus esforços em ajudar muitas vezes resultarem em seu sequestro, o garoto sempre mostra disposição em lutar ao lado de seus pais. Inclusive, no episódio O Monstro Glacial (The Ice Monster) dos anos 80, fica bem claro que o pivete tem o seu pai como espelho do que quer para o seu futuro. Aliás, não sei quanto a vocês, mas sempre achei engraçado (para não dizer curioso) o fato de Dorno chamar seus pais pelo nome. Inicialmente acreditava que isso era uma característica da dublagem brasileira, mas ela também está presente na original. Seria isso uma estratégia do estúdio para ajudar o público a aprender o nome do casal de protagonistas? Ou apenas algo que foi feito sem qualquer intenção?

Com a propriedade intelectual da Hanna-Barbera de posse do Cartoon Network, seria muito legal o canal um dia resolvesse ressuscitar Os Herculoídes para uma nova série. Obviamente que uma nova animação não contaria com os clássicos efeitos sonoros que a HB ~~safadamente~~ reaproveitava em todos as suas produções, mas ao menos seria uma nova oportunidade de ver mais aventuras protagonizadas pelos personagens. E não só isso. Seria uma ótima oportunidade de desenvolver e até expandir vários dos conceitos criados por Toth.

Mas considerando o histórico do canal, se isso um dia visse acontecesse, seria bem provável que tivéssemos uma nova série de comédia...o que não é ruim. Afinal de contas, Space Ghost Costa a Costa (Space Ghost Coast to Coast, 1993 - 2008) e Harvey: O Advogado (Harvey Birdman: Attorney at Law, 2000 - 2007) são geniais. Mas sinceramente, preferiria ver Zandor, Tara, Igoo & cia naquilo que fazem de melhor: descendo o sarrafo nos vilões.

OBS: Recomendo a todos que veja um episódio produzido nos anos 60 e depois assistam a um produzido em 1981. Sério, a evolução na qualidade de animação que vocês presenciaram será gigante. ;)

Algumas Curiosidades

Os episódios produzidos na década de 60 foram dublados pelo estúdio Cine Castro, contando com as vozes de Ary de Toledo (Narração), Milton Rangel (Zandor), Ruth Schelsk (Tara) e Rodney Gomes (Dorno).

Os episódios produzidos na década de 80 foram dublados pelo estúdio Herbert Richers, contando com as vozes de Ricardo Marianno (Narração), Domício Costa (Zandor), Carmen Sheila (Tara) e Luis Manuel (Dorno).

Nos episódios da década de 60, o planeta dos Herculoídes chamava-se Amzot. Quando a animação retornou na década de 80, a terra natal de Zandor & cia foi rebatizado como Quasar (nome que usamos durante o artigo).

Como puderam notar nas artes deste artigo, os Herculoídes já protagonizaram um crossover com Space Ghost. O encontro aconteceu em duas oportunidades na série do Fantasma do Espaço. A primeira aconteceu no episódio Os Monstros de Moltar (The Council Of Doom Part Four: The Molten Monsters Of Moltar), exibido em 16 de setembro de 1967. A segunda e última reunião ocorreu no episódio Cubo Espacial (Spacecube Of Doom), exibido em 21 de novembro de 1981.

No final dos anos 90 e começo dos anos 2000, Zandor esteve presente em dois curtinhas que eram exibidos durante os comerciais do Cartoon Network. Acompanhado de Mulher-Maravilha, Homem-Pássaro, Zan (dos Supergêmeos) e Falcão Azul, os curtas mostravam os heróis em situações mundanas. O primeiro mostrava o grupo se acomodando em acentos de um avião enquanto o segundo o cenário era uma sala de cinema.

Tundro e Gloop fizeram uma participação especial no episódio "8 Simple Rules for Buying My Teenage Daughter" (S04E08) de Family Guy.

Os Herculoídes também fizeram algumas aparições no mundo dos quadrinhos. Entre 1968 à 1969, eles apareceram nas edições #1, #2, #4, #5 e #6 da série Hanna-Barbera Super TV Heroes. Em 1978, eles apareceram na edição #3 de Marvel Comics Book TV Stars. A última aparição nas HQS ocorreu entre os anos de 1997 à 1999, onde apareceram nas edições #5, #9, #13 e #17 da série do Cartoon Network Presents, da DC Comics.

Ainda nos quadrinhos, a DC Comics reuniu os desenhos animados de aventura espacial e ficção científica da Hanna-Barbera (Os Herculoídes, Space Ghost, Jonny Quest, Galaxy Trio, Os Impossíveis) em um grande crossover, o Future Quest. O título teve um total de 12 edições e foi publicado entre 2016 e 2017.

O ilustrador Daniel HDR (em parceira com a artista Úrsula Dorada) produziu uma arte com os heróis da Hanna-Barbera inspirada uma famosa capa da primeira edição de Justice League International (popularmente conhecida por aqui como a "Liga Cômica"). Na arte de HDR, temos a presença três membros dos Herculoídes: Zandor, Tara e Igoo.

Aberturas e Episódios

Abertura

Episódio 1: Os Piratas

Episódio 2: A Vingança de Sarko

Episódio 3: As Estranhas Criaturas

------------------------------------

Enfim, este foi mais artigo da seção Tirou do Baú.

Gostaram do artigo? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar?

A resposta para essas perguntas é simples: deixem um comentário nesta postagem.

Acredite, sua participação é o que move o Nerdologia Alternativa continuar existindo. ;)

---------------------------------------------------
Quer ter uma imagem associada a seu comentário ?
Clique aqui e veja como \o/

Sugestões, críticas, elogios ?
Envie para nerdologialternativa@gmail.com

Acompanhe nossas postagens via twitter: @NerdAlt
Ou através de nossa página no Facebook

[Especial] Séries Renovadas e Canceladas | Temporada 2018 - 2019

2018-03-21T21:40:00.003-04:00

Postado em: 21/03/2018.
Atualizado em: 23/06/2018.

Achou que esse ano não teríamos a nossa postagem sobre as Séries Renovadas e Canceladas da Temporada 2018 - 2019?

~~Achou errado, otário!~~

Em virtude do primeiro artigo do ano, decidi postergar a publicação desta postagem. Mas cá estamos, seguindo uma tradição iniciada em 2012, com mais uma post com as principais novidades para a Temporada 2018-2019.

É sempre bom lembrar que está publicação será atualizado conforme o surjam novas noticias envolvendo a renovação ou o cancelamento de alguma outra série não listada por aqui. ;)

Atualizações:
The Terror (AMC);
The Man in the High Castle (Amazon);
Shadowhunters (Freeform);
Atlanta e Legion (FX);
Succession (HBO);
13 Reasons Why, Dear White People, Lucifer e The Rain (Netflix);

Séries Renovadas

ABC

Agents of SHIELD - 6ª Temporada
American Housewife - 3ª Temporada
Black-ish - 5ª Temporada
Grey’s Anatomy - 15ª Temporada**
How To Get Away With Murder - 5ª Temporada
Modern Family - 10ª Temporada
Speechless - 3ª Temporada
Station 19 - 2ª Temporada
The Goldbergs - 6ª Temporada
The Good Doctor - 2ª Temporada

Adult Swim

Rick and Morty - 4ª Temporada

Amazon Prime Video

Absentia - 2ª Temporada**
Bosch - 5ª Temporada
Jack Ryan - 2ª Temporada
Just Add Magic - 4ª Temporada
Lore - 2ª Temporada
The Marvelous Mrs. Maisel - 3ª Temporada
Red Oaks - 3ª Temporada*
The Grand Tour - 4ª Temporada
The Man in the High Castle - 4ª Temporada
The Tick - 2ª Temporada
Tom Clancy’s Jack Ryan - 2ª Temporada
Transparent - 5ª Temporada

AMC

Preacher - 3ª Temporada
Ride with Norman Reedus - 3ª Temporada
The Terror - 2ª Temporada
The Walking Dead - 9ª Temporada

AT&T’s Audience Network

Mr. Mercedes - 2ª Temporada

BBC

Cormoran Strike - 3ª Temporada
Doctor Who - 11ª Temporada
Fleabag - 2ª Temporada
Luther - 5ª Temporada
Peaky Blinders - 5ª Temporada
The Last Kingdom - 4ª Temporada

CBS

Blue Bloods - 9ª Temporada
Bull - 3ª Temporada
Hawaii Five-0 - 9ª Temporada
Life in Pieces - 4ª Temporada
MacGyver - 3ª Temporada
Madam Secretary - 5ª Temporada
Mom - 6ª Temporada
NCIS - 16ª Temporada
NCIS: Los Angeles - 10ª Temporada
NCIS: New Orleans - 5ª Temporada
No Activity - 2ª Temporada
Salvation - 2ª Temporada
Scorpion - 5ª Temporada
SEAL Team - 2ª Temporada
Star Trek: Discovery - 2ª Temporada
S.W.A.T. - 2ª Temporada
The Big Bang Theory - 12ª Temporada
The Good Fight - 3ª Temporada
Young Sheldon - 2ª Temporada

Crackle

StartUp - 3ª Temporada
The Oath - 2ª Temporada

Arrow - 7ª Temporada
Black Lightning - 2ª Temporada
Crazy Ex-Girlfriend - 4ª Temporada*
Dynasty - 2ª Temporada
iZombie - 5ª Temporada
Jane The Virgin - 5ª Temporada*
Legends of Tomorrow - 4ª Temporada
Riverdale - 3ª Temporada
Supergirl - 4ª Temporada
Supernatural - 14ª Temporada
The 100 - 6ª Temporada
The Flash - 5ª Temporada

Disney Channel

Raven's Home - 2ª Temporada

FOX

9-1-1 - 2ª Temporada
Bob’s Burgers - 9ª Temporada
Empire - 5ª Temporada
Family Guy - 17ª Temporada
Gotham - 5ª Temporada*
Lethal Weapon - 3ª Temporada
Prison Break - 6ª Temporada
Star - 3ª Temporada
The Simpsons - 30ª Temporada
The Gifted - 2ª Temporada
The Orville - 2ª Temporada

Freeform

Alone Together - 2ª Temporada**
grown-ish - 2ª Temporada**
Siren - 2ª Temporada
The Bold Type - 2ª Temporada**

FX/FXX

American Crime Story - 4ª Temporada
American Horror Story - 9ª Temporada
Archer - 10ª Temporada
Atlanta - 3ª Temporada
Baskets - 4ª Temporada
Better Things - 3ª Temporada
Fargo - 4ª Temporada
It’s Always Sunny in Philadelphia - 14ª Temporada
Legion - 3ª Temporada

HBO

Barry - 2ª Temporada
Big Little Lies - 2ª Temporada
Crashing - 3ª Temporada
Curb Your Enthusiasm - 10ª Temporada
Game of Thrones - 8ª Temporada*
High Maintenance - 3ª Temporada
Room 104 - 2ª Temporada
Sesame Street - 50ª Temporada
Silicon Valley - 5ª Temporada*
Succession - 2ª Temporada
True Detective - 3ª Temporada*
The Deuce - 2ª Temporada
Westworld - 3ª Temporada
Vice - 7ª Temporada
Vice Principles - 2ª Temporada*

History

Vikings - 6ª Temporada

HULU

Future Man - 2ª Temporada
Marvel’s Runaways - 2ª Temporada
The Handmaid's Tale - 3ª Temporada

NBC

Blindspot - 4ª Temporada
Brooklyn Nine-Nine - 6ª Temporada****
Chicago Fire - 7ª Temporada
Chicago P.D. - 6ª Temporada
Chicago Med - 4ª Temporada
Law & Order: SVU - 20ª Temporada
Midnight Texas - 2ª Temporada
Superstore - 4ª Temporada
The Good Place - 3ª Temporada
This Is Us - 3ª Temporada
The Wall - 4ª Temporada
Will & Grace - 10ª Temporada**

Netflix

13 Reasons Why - 3ª Temporada
Alexa & Katie - 2ª Temporada
Altered Carbon - 2ª Temporada
American Vandal - 2ª Temporada
Atypical - 2ª Temporada
Black Mirror - 5ª Temporada
BoJack Horseman - 5ª Temporada
Big Mouth - 2ª Temporada
Chasing Cameron - 2ª Temporada
Dark - 2ª Temporada
Dear White People - 3ª Temporada
Degrassi: Next Class - 6ª Temporada
Desventuras em Série - 3ª Temporada*
Frontier - 3ª Temporada
Fuller House - 4ª Temporada
Grace and Frankie - 5ª Temporada
Glitch - 3ª Temporada
Jessica Jones - 3ª Temporada
Kulipari: An Army of Frogs - 2ª Temporada
La Casa de Papel - 3ª Temporada
Longmire - 6ª Temporada*
Lost in Space - 2ª Temporada
Lucifer - 4ª Temporada
Mindhunter - 2ª Temporada
Mystery Science Theater 3000: The Return - 2ª Temporada
Nailed It! - 2ª Temporada
O Mecanismo - 2ª Temporada
On My Block - 2ª Temporada
One Day at a Time - 3ª Temporada
Orange is the New Black - 7ª Temporada
Santa Clarita Diet - 3ª Temporada
She’s Gotta Have It - 2ª Temporada
Skylanders Academy - 3ª Temporada
Stranger Things - 3ª Temporada
Suburra - 2ª Temporada
The Crown - 3ª Temporada**
The End of the F**king World - 2ª Temporada
The Rain - 2ª Temporada
The Toys That Made Us - 2ª Temporada
Travelers - 3ª Temporada
Trollhunters - 3ª Temporada*
Ultimate Beastmaster - 3ª Temporada

Showtime

Billions - 4ª Temporada
Homeland - 8ª Temporada
Ray Donovan - 6ª Temporada
Shameless - 9ª Temporada
SMILF - 2ª Temporada
The Affair - 5ª Temporada*
The Chi - 2ª Temporada

Starz

Power - 6ª Temporada
Outlander - 4ª Temporada***
Vida - 2ª Temporada

SyFy

Channel Zero - 3ª Temporada**
Happy! - 2ª Temporada
Killjoys - 5ª Temporada*
Krypton - 2ª Temporada
The Magicians - 4ª Temporada
Van Helsing - 3ª Temporada
Z Nation - 5ª Temporada

TBS

American Dad - 14ª Temporada**
Drop The Mic - 2ª Temporada
Snoop Dogg presents the Joker's Wild - 2ª Temporada**
The Last O.G - 2ª Temporada

USA Network

Suits - 8ª Temporada
Mr. Robot - 4ª Temporada
Shooter - 3ª Temporada
The Sinner - 2ª Temporada

Youtube Red

Cobra Kai - 2ª Temporada

Séries Canceladas

ABC

Boston EMS - 2ª Temporada
Designated Survivor - 2ª Temporada
Kevin (Probably) Saves The World - 1ª Temporada
Inumanos - 1ª Temporada
Once Upon a Time - 7ª Temporada
Quantico - 3ª Temporada
Roseanne - 11ª Temporada
Scandal - 7ª Temporada
Somewhere Between - 1ª Temporada
Ten Days In The Valley - 1ª Temporada
The Mayor - 1ª Temporada
The Middle - 9ª Temporada

Amazon Prime Video

Dirk Gently’s Holistic Detective Agency - 4ª Temporada
Gortimer Gibbon’s Life on Normal Street - 2ª Temporada
I Love Dick - 1ª Temporada
Jean-Claude Van Johnson - 1ª Temporada
Mozart in the Jungle - 4ª Temporada
One Mississippi - 2ª Temporada

BBC

Catastrophe - 4ª Temporada
Sherlock - 4ª Temporada

CBS

9JKL - 1ª Temporada
Code Black - 3ª Temporada
Living Biblically - 1ª Temporada
Me, Myself & I - 1ª Temporada
Wisdom of the Crowd - 1ª Temporada
Zoo - 3ª Temporada

CMT

Nashville - 6ª Temporada
Still The King - 2ª Temporada

Crackle

The Art of More - 2ª Temporada

Life Sentence - 1ª Temporada
Mad TV - 15ª Temporada
My Last Days - 1ª Temporada
The Originals - 6ª Temporada
Valor - 1ª Temporada

FOX

Home Free - 2ª Temporada
The Exorcist - 2ª Temporada
The Last Man on Earth - 4ª Temporada
The Mick - 2ª Temporada
The X-Files - 11ª Temporada

Freeform

Shadowhunters - 3ª Temporada
The Fosters - 5ª Temporada
Young & Hungry - 5ª Temporada

HBO

Here and Now - 1ª Temporada
Veep - 7ª Temporada

HULU

Chance - 2ª Temporada
Difficult People - 3ª Temporada
Shut Eye - 2ª Temporada
The Path - 3ª Temporada

NBC

Great News - 2ª Temporada
Law & Order True Crime - 1ª Temporada
Taken - 3ª Temporada
The Brave - 1ª Temporada
The Night Shift - 4ª Temporada

Netflix

Buddy Thunderstruck - 1ª Temporada
Chasing Cameron - 1ª Temporada
Chelsea - 2ª Temporada
Chelsea Does - 1ª Temporada
Disjointed - 1ª Temporada
DreamWorks Dragons - 6ª Temporada
Everything Sucks! - 1ª Temporada
Fearless - 1ª Temporada
Haters Back Off! - 2ª Temporada
Lady Dynamite - 2ª Temporada
Love - 3ª Temporada
Seven Seconds - 1ª Temporada
White Rabbit Project - 1ª Temporada

Showtime

Dice - 2ª Temporada
Episodes - 5ª Temporada
White Famous - 1ª Temporada

Starz

Ash vs Evil Dead - 3ª Temporada

SyFy

Superstition - 1ª Temporada
The Expanse - 3ª Temporada

TNT

The Last Ship - 5ª Temporada
The Librarians - 4ª Temporada
Major Crimes - 6ª Temporada

USA Network

American Rust - 1ª Temporada
Damnation - 1ª Temporada
Playing House - 3ª Temporada

* Última temporada
** Também renovada para a temporada 2019 - 2020.
*** Também renovada para a temporada 2019 - 2020 e temporada 2020 - 2021.
**** Resgatada da FOX pela NBC.
***** Resgatada da FOX pela Netflix.

---------------------------------------------------
Quer ter uma imagem associada a seu comentário?
Clique aqui e veja como \o/

Sugestões, críticas, elogios?
Envie para nerdologialternativa@gmail.com

Acompanhe nossas postagens via twitter: @NerdAlt
Ou através de nossa página no Facebook

[NerdTop] Os 10 fatos mais DESAGRADÁVEIS em Dragon Ball Super

2018-02-08T00:02:00.886-03:00

Pois é meus caros leitores e amigos, após passar por um período complicado de muito serviço e de problemas com epicondilite, estou de volta ao nosso querido e amado (?!) blog.

E para comemorar este retorno, que tal um NerdTop sobre Dragon Ball?

Aproveitando que o quarto anime da franquia está chegando ao fim (essa notícia inclusive surgiu enquanto eu preparava este texto), este artigo listará os 10 fatos mais DESAGRADÁVEIS em Dragon Ball Super.

Sem mais enrolações, vamos a lista.

10. Paradoxo com Material Original

"Bulma, você sabia que essa nossa conversa pode ferrar com a cronologia?"

Dentro da linha do tempo de Dragon Ball, a fase “Super” acontece durante o intervalo de dez anos compreendido entre a derrota de Majin Boo (8 de maio do ano 774) e o 28° Torneio de Artes Marciais (7 de maio do ano 784), onde Goku conhece Uub.

Explorar este período é uma ideia bem promissora. Afinal de contas, estamos falando de uma década não aproveitada pelo Akira Toriyama, um espaço de tempo onde é possível criar personagens e histórias sem comprometer a integridade da obra original, certo?

Bem...mais ou menos.

Acontece que no arco do último Torneio, o próprio Toriyama estabeleceu alguns pontos que ocorreram durante este intervalo de tempo. Um dia antes da competição (6 de maio do ano 784), temos um diálogo entre Goku, Bulma e Vegeta onde é revelado que os personagens não se encontravam há CINCO ANOS (vejam o capítulo 518 do mangá e o episódio 289 de Dragon Ball Z).

Além disso, somos apresentados a duas novas personagens: Pan (a filha de Gohan e Videl) e Bra (a filha caçula de Bulma e Vegeta). Segundo a cronologia de Dragon Ball, a neta de Goku nasceu em 779 e a filha de Vegeta em 780. Em Dragon Ball Super, o nascimento de Pan aconteceu durante o início do segundo arco (Renascimento de Freeza) enquanto o de Bra no quinto arco (Torneio do Poder). Logo, todos os arcos compreendidos entre essas duas tramas ocorreram entre os anos 779-780.

Se considerarmos os cinco anos em que Goku ficou sem visitar seus amigos - 6 de maio de 779 à 6 de maio de 784 – grande parte das tramas de “Super” acontecem justamente durante este período. Ou seja, temos aí uma GRANDE INCONGRUÊNCIA com o material original.

Esse tipo de paradoxo pode muito bem ser “consertado” através de um retcon no arco do 28º Torneio de Artes Marciais. Mas não veremos isso no anime atual já que ele será encerrado após a conclusão do Torneio do Poder.

O jeito é esperar pelos próximos planos da Toei Animation.

9. Os Inexistentes Efeitos do Tempo

"O tempo não para..." a não ser para Trunks e Goten.

Enquanto nas séries originais (DB e DBZ) havia uma preocupação com a passagem de tempo entre os arcos principais, DBS simplesmente ~~está cagando com isso~~ parece não se importar com isso. O anime em momento informa quanto tempo se passa entre as suas histórias. Se não fosse por conta de eventos já estabelecidos na cronologia (os nascimentos de Pan e Bra) não faríamos ideia do exato período em que ele se passa.

Porém, informar a passagem de tempo ao espectador não foi a única coisa que a série deixou de se preocupar.

“Super” ignora os efeitos do tempo em seus personagens, algo que é mais notório nos mais jovens. Goten e Trunks, por exemplo, continuam com a mesma aparência de moleques de 7/8 anos que possuíam Fase Boo. Aliás, não só possuem a mesma aparência como continuam agindo como se fossem crianças desta faixa de idade. Detalhe: quando Bills veio para a Terra, passaram-se pelo menos uns 4 anos desde a derrota de Majin Boo.

Quem também sofre desta síndrome de Peter Pan é Marron, a filha de Kuririn ~~não estamos falando de sua ex-namorada gostosona~~. Quem olha a garota, imagina que ela tenha uns 3 anos. Só que essa era a idade que ela tinha durante a batalha contra Boo. Em "Super", a menina tem entre 7-9 anos, mas continua sendo retratada como uma CRIANÇA DE COLO!!!

Não sei se é descuido de character design ou uma mera decisão da Toei, mas isso não me agrada. Para quem acompanhou o crescimento de Goku ao longo de suas aventuras, é desanimador ver uma das características mais legais de Dragon Ball ser deixada de lado.

Os únicos personagens que realmente envelheceram foram Videl e Gohan. Curiosamente, são os personagens mais maltratados pelo anime. Enquanto Videl foi relegada ao time dos coadjuvantes de terceiro escalão, Gohan...bem, falaremos sobre ele mais tarde.

8. A Capenga Adaptação de “A Batalha dos Deuses”

Goku vs Bills, uma aula de artes marciais.

Eu adoro Dragon Ball Z: A Batalha dos Deuses (Doragon Bōru Zetto: Kami to Kami, 2013). Acho que o filme equilibra muito bem os momentos de humor com os de pancadaria. E de quebra ainda nos brinda com dois novos personagens: o Deus da Destruição Bills e o seu Assistente/Mestre Whis.

Admito que tenho ressalvas com o famigerado Deus Super Saiyajin, mas nada que estrague a experiência.

Com o projeto de DBS engatilhado, a Toei Animation decidiu que o seu primeiro arco seria uma adaptação deste longa-metragem. Apesar de uma solução BEM PREGUIÇOSA, ao menos era uma garantia de que o anime iniciaria com uma boa história.

Mas não foi o que aconteceu.

O estúdio errou a mão em sua adaptação. Ele deu uma esticada desnecessária na trama, distribuindo o conteúdo contido nos 85 minutos do longa em 14 episódios (ou seja, 280 minutos). Quem sofre com isso é a batalha final entre Goku e Bills, que se arrastou por quase SEIS episódios (a luta original só durava 15 minutos).

Apesar do alongamento da história, a adaptação limou várias sequências presentes no original. A cena em que a Gangue Pilaf explica seu rejuvenescimento foi cortada (gerando uma ponta solta na versão do anime). A referência a Tarble, o irmão mais novo de Vegeta que apareceu no especial Dragon Ball: O Retorno de Goku e seus Amigos (Doragon Bōru: Ossu! Kaette Kita Son Gokū to Nakama-tachi!!, 2008), também sumiu sem qualquer explicação.

Sinceramente, o pior corte foi do momento em que Goku demonstra insatisfação com a sua transformação divina. Em “A Batalha dos Deuses”, quando Bills pergunta se ele estava gostando de “ser um Deus”, o protagonista explica que não estava feliz pois precisou da ajuda de seus amigos para atingir aquele nível de poder.

“Poxa, mas o que essa cena tem de tão especial?”

Acontece, meus caros leitores, que esta é uma das poucas vezes que vemos o personagem demonstrando o seu Orgulho Saiyajin. Esta é uma característica que já vimos várias vezes sendo personificada por Vegeta, mas em pouquíssimas ocasiões pelo próprio Son Goku. De cabeça, só me recordo da vez em que ambos se recusam a usar os Potaras contra o Kid Boo pois queriam enfrentá-lo com as suas próprias forças.

No fim eles precisaram de todo mundo para a Genki Dama, mas isso não vem ao caso...

Este momento ainda gerou um diálogo muito bacana entre o Saiyajin e o Deus da Destruição, onde ele afirma respeitar Vegeta por deixar o seu grande orgulho de lado em prol dos outros. A sequência completa não deve durar mais que 3 minutos, mas continha um peso enorme para o personagem.

No lugar disso, temos um Goku (todo pimpão) destruindo planetas enquanto troca socos com Bills.

Ahhh Toei...

7. Everybody Hates Majin Boo

"Pobre Majin Boo, não tem amigos, não tem ninguém."

Que Majin Boo é poderoso, isso ninguém tem dúvida. Antes do surgimento de sua contraparte maligna, ele tocou o terror na Terra e derrotou sem muitas dificuldades adversários como Dabura, o ~~fracote~~ Supremo Senhor Kaioh, Gotenks (antes de atingir o SSJ3), Gohan e Vegeta (em sua forma Majin). O único capaz de fazer frente ao vilão foi Goku com sua transformação de SSJ3.

No fim, ele passa a integrar o time dos mocinhos graças ao Mr. Satan. E naquele ponto da história, o poder de luta do Sr. Boo (alcunha que passou a adotar) só ficava atrás de Goku, Vegeta, Gotenks (como SSJ3) e Gohan. Ou seja, se tirarmos os Saiyajins, ele é o mais poderoso entre os heróis.

Se ele é tão poderoso, por que “Super” insiste em criar desculpas para deixá-lo de fora?

Quando Freeza invadiu o planeta, Boo estava dormindo. Quando Bills e Champa organizaram um torneio entre seus universos, Boo é eliminado antes dos combates pois dormiu na prova escrita. Quando Goku selecionou todos os companheiros para participar do Torneio do Poder, ele é obrigado a encontrar um novo lutador aos “45 minutos do 2º tempo” porque... BOO ESTAVA DORMINDO DE NOVO!!!

Pô, nem para ter criatividade nas desculpas?

O único momento em que o personagem teve a sua chance de brilhar (e por algum milagre não estava dormindo) foi em uma preliminar que antecedeu o Torneio do Poder, onde ele "brinca" com Basil do Universo 9. Esta fase preliminar só existe na anime já que o mangá preferiu fazer um free-for-all entre os Deuses da Destruição (que acabou sendo muito melhor, diga-se de passagem).

Embora pareça que haja um boicote com o amigo de Mr. Satan, a verdade é que os responsáveis pelo anime não fazem ideia de como usá-lo. Aliás, essa dificuldade vem desde os tempos de Dragon Ball GT, onde arrumaram um jeito de se livrar do demônio cor-de-rosa logo na primeira oportunidade que tiveram (Boo se fundiu com Uub em definitivo para que o garoto pudesse enfrentar Baby Vegeta ~~e não adiantou porra nenhuma~~).

Se considerarmos que os roteiros dos filmes mais recentes e os rascunhos iniciais de DBS (a partir do terceiro arco) são do próprio Toriyama, é provável que nem ele saiba como explorá-lo.

Por conta de tudo isso, o personagem é relegado a exercer apenas o papel de alívio cômico, o que convenhamos, é um grande desperdício de potencial.

6. "Essa luta é perigosa para Goten e Trunks, mas você pode vir Mestre Kame!"

Quem precisa de um SSJ3 quando se tem o Mestre Kame? :D

Após ressuscitar graças ~~à vontade do Toriyama~~ as Esferas do Dragão, Freeza retorna a Terra mais uma vez em busca de vingança. Assim que a sua nave inicia o pouso no planeta, pouco a pouco os Guerreiros Z vão se encontrando enquanto partem para a batalha.

Tenshinhan comenta que pediu para Chaos e Yamcha não aparecerem pois era muito perigoso. Gohan comenta que Bulma pediu para que ele não contasse nada para Trunks e Goten pelo mesmo motivo. Já Kuririn deixou a Nº 18 em casa...mas fez questão de trazer o Mestre Kame!!!

Sério, onde está a lógica nisso?!

Você deixa de trazer lutadores mais poderosos com o argumento de que será perigoso, mas traz um personagem que não é relevante em combate desde os tempos do Piccolo Daimao. Se a situação era perigosa para Trunks, Goten e a Nº 18, imagina o quão ameaçadora seria para alguém do nível do Kame.

Digo mais: considerando que Goku e Vegeta estavam treinando com Whis, Gohan estava “enferrujado” e o Majin Boo estava dormindo ~~por imposição do roteiro~~, o personagem mais poderoso disponível era justamente o Gotenks SSJ3. Como é que eles abrem mão de um recurso tão poderoso em um momento de crise?

Entendo que uma das características mais legais do “Super” é oferecer um lugar ao sol aos personagens que perderam espaço na história. É muito legal vermos Kuririn, Tenshinhan, Piccolo, Nº 17, Nº 18, Freeza e até mesmo o Mestre Kame terem chance de se mostrarem relevantes mais uma vez. Mas é necessário que haja o mínimo de coerência, caso contrário, cria-se situações bizarras como a descrita anteriormente.

Confesso que quando tive a ideia de escrever este artigo, pretendia criticar a escolha do personagem entre os dez escolhidos do Universo 7 para o Torneio do Poder. Entretanto, quando notei que a maioria dos Universos não reuniu guerreiros de nível tão absurdo assim (tinha muito lutador bucha naquele ringue), a participação dele ficou muito mais aceitável.

E convenhamos, ela foi muito mais digna do que a de certos personagens presentes naquele Torneio.

5. Trunks do Futuro, o menino prodígio

Trunks e a sua nova ~~e inútil~~ mais nova transformação: o Super Saiyajin Brilhoso. :P

Um dos pontos altos – e nostálgicos – de DBS foi o retorno do Trunks do Futuro Alternativo (Mirai Trunks). A primeira parte do seu arco, onde acompanhamos os percalços que ele enfrentou nos últimos anos (como Babidi e Dabura) e o reencontro com seus antigos companheiros (12 anos após a Saga Cell), é bem legal.

Mas como nem tudo na vida são flores, os problemas surgiram logo na segunda metade quando temos os combates contra os vilões. Embora Trunks tenha ficado muito mais forte, ele não tinha o mesmo nível de Goku e Vegeta para encarar a dupla Goku Black e Zamasu ~~personagem mala dos infernos~~. Mas para os responsáveis pelo anime, ele precisava ser uma peça importante na pancadaria.

A solução encontrada foi fazer com que o rapaz despertasse novas habilidades durante os combates. Inicialmente, a ideia até parecia promissora quando o fizeram despertar uma nova variação de SSJ2, o Super Saiyajin Rage. Só que o surgimento do Super Saiyajin Rose (uma variação do Blue de Goku Black) logo tornou a transformação totalmente inútil. Com isso, o roteiro recorreu mais uma vez ao truque da nova habilidade.

E foi aí que começaram a perder a mão.

Enquanto a nova transformação surgiu de maneira natural, fazê-lo aprender o Mafuba (a técnica do Mestre Kame para selar inimigos) logo após assistir uma “videoaula do Piccolo” foi muito forçado. E antes que lembrem do caso do Goku com o Kamehameha, preciso lembrar que ele é um prodígio em artes marciais, algo que o filho do Vegeta não é. E o próprio protagonista precisou de um dia inteiro de treinamento para dominar o Mafuba.

Se o arco acabasse ali, talvez esta questão nem incomodasse tanto. O problema é que a luta continuou e o roteiro conseguiu fazer com que Trunks ganhasse uma habilidade ainda mais absurda: uma GENKI DAMA com a energia dos sobreviventes da Terra, canalizando-a na forma de uma espada...

Ok, retiro o que disse. O Mafuba, ao menos, ele viu pelo tutorial no celular. A Genki Dama ele NUNCA VIU. Não há nenhuma razão a não ser uma tentativa maluca de DEUS EX MACHINA dos responsáveis pelo anime.

Aliás, nem dá para chamar isso de Deus Ex Machina já que ZAMASU SOBREVIVEU!!!!

Trunks aprendeu três novas habilidades e NENHUMA funcionou. Se era para fazer essa lambança, era melhor ter deixado o personagem como suporte, algo que foi feito – e com muito mais competência – na adaptação deste arco no mangá.

4. Freeza e seu treinamento supletivo

Freeza em seu treinamento Rocky Balboa. (by @dragongarowLEE)

Trazer Freeza de volta não é algo novo em Dragon Ball. Antes mesmo de seu regresso em Dragon Ball Z: O Renascimento de F (Dragon Ball Z: Fukkatsu no F, 2015), o vilão retornou em pelo menos quatro oportunidades.

A mais célebre, na minha humilde opinião, aconteceu em Dragon Ball Z: O Renascimento da Fusão - Goku e Vegeta (Dragon Ball Z: Fukkatsu no Fusion!! Gokuu to Vegeta, 1995), onde ele é derrotado por Gohan com APENAS UM SOCO. Além de humilhante (e engraçada), esta derrota é bem significativa. Se no passado o Ditador Galáctico era um inimigo terrível, agora ele não era mais uma ameaça aos heróis.

Considerando que o seu novo retorno aconteceria cinco anos após a derrota de Majin Boo, como fazer com que ele se transforme novamente em um grande tormento na vida dos mocinhos?

Simples, é só colocá-lo para treinar durante quatro meses e está tudo certo.

Pois é, essa foi a solução do próprio Akira Toriyama.

Segundo o próprio autor, Freeza era um prodígio pois possuía um grande poder mesmo sem nunca ter treinado um dia sequer na vida. Logo, o que aconteceria se ele resolvesse treinar a sério?

O roteiro de Toriyama faz questão de mostrar que o vilão esteve parado nos últimos quinze anos. Ao contrário do que nos foi mostrado em Dragon Ball Z, ele não ficou aprontando altas confusões no inferno com o Cell e muito menos assistiu o derradeiro confronto entre Goku e Kid Boo. Durante todo esse tempo, ele esteve preso em um casulo (parecendo uma Kakuna) sendo “torturado” por fadinhas e outros seres felizes.

Veja bem galera, não acho ruim que Freeza seja um prodígio, afinal o próprio Goku é. Contudo, mesmo sendo um, o Saiyajin ralou durante anos para atingir o seu nível de poder. Se o vilão atingisse o mesmo nível do protagonista com um quarto do tempo de treinamento, seria algo bem aceitável.

Agora, querer convencer que em QUATRO MESES ele saiu do nível que estava Namekuzei para um onde seria capaz de dar tapa na cara em um Deus da Destruição...pô meus amigos, aí é forçar a amizade.

A ideia desse treinamento foi tão cretina, mas tão cretina, que arrumaram uma nova solução para fortalecer o personagem para o Torneio do Poder. A explicação foi que mesmo preso novamente em um casulo, o vilão realizou um treinamento mental (através de meditação e concentração) que ajudou a fortalecê-lo e a suportar as "torturas" dos seres felizes ~~DO MAL~~.

Isso é muito mais fácil de engolir do que o seu treinamento supletivo.

Agora imaginem se o Cell, que tem células do Freeza e dos Saiyajins, resolvesse treinar durante uma semana?

Se cuida Bills.

3. Gohan, o Guerreiro Enferrujado

Crescimento profissional em um shounen de lutinha não parece ser um grande negócio.

Gohan viveu uma grande transformação em sua vida após a batalha contra Boo. Ele terminou os estudos, tornou-se um pesquisador, casou-se com Videl e virou papai. Neste curto espaço de tempo, ninguém do elenco principal de Dragon Ball cresceu tanto na vida quanto ele. Se no lado pessoal e profissional o primogênito de Goku e Chi-Chi evoluiu, não podemos dizer o mesmo de suas habilidades em artes marciais.

A primeira grande participação do personagem em combate em DBS aconteceu durante o retorno de Freeza. Enquanto na versão do filme ele foi nocauteado pelo vilão com APENAS UM SOCO ~~karma is a bitch~~, no anime ele só não foi morto pelo antagonista porque ~~seu pai~~ Piccolo se sacrificou (DE NOVO) para protegê-lo.

Detalhe: nas duas versões, o vilão estava em sua PRIMEIRA FORMA.

Não acho nenhum absurdo Gohan sair derrotado neste combate. A sua derrota é um recurso de roteiro importante para justificar a ameaça que o vilão representava. O meu problema é mais com a forma como foi conduzido. Tanto no filme quanto no anime, o personagem foi jogado na lama ~~merda~~ sem qualquer cerimônia. Pode ser birra da minha parte, mas ficaria menos incomodado se ao menos ele mostrasse um pouco mais de resiliência (em Namekuzei, ele demonstrou isso quando a diferença de níveis era abissal).

Para justificar o patético desempenho do jovem, “Super” recorreu à mesma explicação usada na luta contra Dabura: como ele não treinou um dia sequer desde que a Terra passou pela sua última crise, suas habilidades de combate estavam enferrujadas. Bem ou mal, este foi o gatilho para que ele voltasse a treinar, algo que encheu de esperanças o coração de seus fãs.

Treinando com Piccolo, Gohan eventualmente consegue acessar os seus poderes ocultos mais uma vez...só que o seu desempenho nas lutas continuou sofrível. No Torneio do Poder, não brilhou em nenhuma das lutas que participou, mesmo diante de adversários claramente inferiores. No fim, ele foi eliminado levando Dypso do Universo 11 consigo.

Para quem alimentava esperanças em ver o "nobre bacharel" ajudando Goku e Vegeta a enfrentar os pesos pesados Toppo e Jiren, vê-lo ser eliminado antes do Nº 17 foi algo bem frustrante. Aliás, frustração é o termo que resume a sua participação em Dragon Ball Super.

2. O “Poderoso” Super Saiyajin Blue

Super Saiyajin Blue e o chão, uma história de amor.

Apresentado durante "O Renascimento de F", o Super Saiyajin Blue (o primeiro nível de SSJ no modo Deus) seguiu exatamente a cartilha de toda nova transformação de Super Saiyajin, com o inimigo da vez tomando uma bela de uma surra. Mesmo com o poder adquirido de seu treinamento supletivo, Freeza não foi páreo para Goku e Vegeta no modo Blue.

Embora a aparência seja nada criativa, a primeira impressão deixada pela nova transformação foi positiva. Tanto que durante algum tempo, o principal debate entre os fãs era “qual a transformação mais forte, SSJ4 ou SSB?”.

Isso claro até o surgimento de Dragon Ball Super.

Quem acompanhou a adaptação do filme na série animada, viu algo totalmente diferente. Mesmo com a nova transformação, Goku sofreu nas mãos do vilão. Se fosse um combate por pontos, o protagonista teria perdido de LAVADA.

E não para por aí.

Nos arcos seguintes, o Blue não foi o suficiente para que os heróis encarassem oponentes como Hit, Black e Zamasu. Mas é durante o Torneio do Poder em que o Blue viveu os seus momentos mais bizarros. A luta teste com o Nº 17 (onde o androide em momento algum se sentiu acuado); os apertos de Caulifla e Kale (duas Saiyajins do Universo 6 que mal alcançaram o SSJ2); e uma disputa de Kamehamehas com Kuririn (onde o careca botou uma pressãozinha em Goku) são situações claras onde o SSB não parece grandes coisas.

Sério Toei, mas o que é que vocês estão fazendo?

Em Dragon Ball GT, Goku como Super Sayajin 4 levou um aperto de vários inimigos. Só que em momento algum o “GT” sabotou a sua transformação principal como o “Super” insiste em fazer com a sua. Prova disso é que as situações descritas anteriormente são inimagináveis para o SSJ4.

Portanto, se hoje me perguntarem "qual a transformação mais forte?", respondo sem hesitar: SSJ4 >>> abismo >>> SSB.

1. A Maior Humilhação de Goku

"Kakarotto, eu sou seu pior pesadelo!"

(Creio que já deu para notar que não suporto este arco da "Ressurreição do Freeza", né?)

Durante o treinamento no Planeta Sagrado, Goku é repreendido por Whis (com um cutucão sneak-attack na costela) por conta de seu hábito em deixar a guarda aberta. O péssimo costume do Sayajin não foi algo criado para a trama. Quem aqui não se lembra da final do 23° Torneio de Artes Marciais, onde ele é gravemente ferido pelo Piccolo após acreditar que venceu a luta?

Sendo bem honesto, não me lembro do personagem cometendo esse erro após esse combate, mas vamos dar uma colher de chá para o roteiro.

Quando o ponto fraco é apontado pelo mestre de Bills, é um claro aviso ao espectador de que em algum momento o protagonista cometerá ~~uma cagada~~ um erro em um momento crucial. E como o antagonista da vez era o Freeza, fazia todo sentido que ele fosse o filho da puta canalha que tiraria proveito disso.

Pois bem, no clímax do arco ele é gravemente ferido após baixar a sua guarda...por um tiro de laser de Sorbet, um CAPACHO ~~fracote~~ do vilão.

Isso mesmo, o homem mais poderoso do Universo 6, capaz de trocar socos com um Deus da Destruição, foi derrotado por um MERO CAPANGA!!!

Céus, que coisa broxante. :(

As duas versões deste momento são terríveis. No filme, ele foi atingido enquanto estava transformado em Super Saiyajin Blue (se ele estava com um poder de um Deus, como é que uma arminha laser conseguiu feri-lo?). No anime, ele estava em sua forma normal quando foi atingido. Contudo, há uma rápida cena em que Freeza combina com Sorbet para que ele atacasse o Saiyajin. Se considerarmos tudo o que conhecemos do vilão, isso não faz o menor sentido. Pedir ajuda a um subalterno que ele considera um verme seria algo contra o seu próprio orgulho.

A verdade é que a única forma que esta sequência ficaria aceitável seria se o tiro servisse como uma distração para Goku e o próprio antagonista aproveitasse a oportunidade para feri-lo. Sorbet ainda teria um grande papel na cena e Freeza mostraria mais uma vez o quão ~~filho da puta~~ ardiloso ele é.

Saber que isso foi escrito pelo Toriyama é desapontador.

E o posição Hour Concur vai para...

"Por que não fazemos o Vegeta usar uma chupeta? Isso vai ser engraçadíssimo."

...Toei precisa de roteiristas melhores

Akira Toriyama teve uma participação muito mais ativa em DBS do que em DBGT. Enquanto no “GT” ele exerceu o papel de “supervisor”, em “Super” ele foi responsável pelos roteiros dos filmes que deram origem aos primeiros arcos da animação e elaborou os rascunhos iniciais das histórias seguintes (contendo os momentos chaves de cada trama). Embora a presença do autor fosse maior, no fim o anime sofreu com o mesmo problema de seu irmão mais velho: a dependência criativa do time de roteiristas da Toei Animation.

E meus caros leitores, este é o "calcanhar de Aquiles" de Dragon Ball Super.

Como vocês observaram ao longo do artigo, as adaptações de “A Batalha dos Deuses” e “A Ressurreição de F” foram desastrosas. Enquanto a divertida trama do primeiro perdeu grande parte da sua graça, a horrorosa trama do segundo conseguiu ficar ainda pior. Em termos de adaptação, foi um dos piores trabalhos que já presenciei do estúdio do Gato de Botas.

No caso dos rascunhos do Toriyama, cabia aos roteiristas da Toei preencher as lacunas, conectando um ponto chave a outro. Sendo bem justo, houve sim boas ideias vindas do estúdio (eu adoro o episódio filler de baseball), mas o trabalho entregue foi no máximo mediano. A mediocridade do texto fica ainda mais evidente quando comparamos os mesmos acontecimentos do anime com o mangá. Mesmo com uma narrativa que chega a ser mais direta em vários momentos, o resultado é INFINITAMENTE superior ao que acompanhamos na animação.

Um bom exemplo é o momento em que Goku vai recrutar o Androide 17 para o Torneio do Poder. Para convencê-lo a participar, o Sayajin diz que a Nº 18 e Kuririn também participarão. Ao saber da presença do cunhado, o guarda florestal decide participar já que tinha uma dívida com ele (na Saga Cell, Kuririn retirou a bomba do Dr. Maki Gero do corpo do Nº 17 com um dos desejos das Esferas do Dragão).

Uma solução simples, mas muito eficiente.

O anime até dá uma leve pincelada na questão da dívida, mas fica só nisso. A série enrolou por dois episódios até que o personagem aceitasse o convite. E o Androide só aceitou após o protagonista ajudá-lo a deter um grupo de aliens que planejava roubar os animais da ilha que ele protegia.

Sei que os capítulos do mangá saíram após a versão da série animada e entendo que animação precisa fazer a história render para termos um episódio, mas a questão que quero mostrar é que dava para entregar algo melhor. Se a Toei Animation pretende continuar investindo em Dragon Ball nesses moldes, ela precisa investir em roteiristas mais qualificados e que saibam explorar o cânone do negócio.

Até porque piadinhas do Vegeta usando chupeta e Goku "boca virgem" ninguém merece.

E a posição Meia Boca vai para...

Freeza e Goku disputando quem irá cruzar primeiro a linha de chegada.

...o estilo de animação de Dragon Ball Super

Simplesmente um dos pontos de maior controvérsia entre os fãs. E entrou em nossa posição “marromenos” porque isso não me incomoda tanto quanto os itens presentes na lista principal.

Antes de começar este artigo, perguntei para uma amiga que é designer (formada pela UTFPR) o motivo do estilo de animação de DBS destoar muito das três séries anteriores (DB, DBZ e DBGT). A explicação que ela me deu foi muito simples: enquanto os artistas de 30 anos atrás contavam com técnicas e ferramentas muito mais artesanais, os da atualidade contam com uma gama de possibilidades e recursos que nasceram com o advento dos computadores. Dragon Ball Super é animado através de técnicas de animação digital e isso lhe confere um acabamento diferente de seus antecessores.

É bem provável que esse estranhamento fosse amenizado se a Toei optasse por uma paleta de cores mais próxima das séries clássicas. Alguns artistas inclusive já fizeram isso, pegando algumas imagens do anime e inserindo as cores das paletas da fase Z. Particularmente, acho os personagens do “Super” meio “plastificados”.

Outro ponto bastante criticado foi a péssima qualidade de animação de alguns episódios, sendo o 5º o caso mais emblemático. Acho justo que os fãs exijam um produto com mais qualidade, mas ao contrário do que muitos acreditam, isso não é um problema exclusivo do “Super”. Dragon Ball Z possui vários episódios cuja animação parece produzida nas coxas.

Goku Super Saiyajin Cachopa

Os guerreiros Z impressionados com a luta entre Cell e Goku.

Estou até agora tentando qual é a pose do Goku.

Isso acontece porque a Toei Animation tem a política de terceirizar os episódios de suas séries mais longas. Dependendo do orçamento investido, uma leva de episódios pode ser produzida pelos melhores animadores do Japão ou por profissionais menos gabaritados. O 5º episódio, por exemplo, foi feito por uma subsidiária do estúdio nas Filipinas, o que diz MUITO sobre a verba investida no episódio.

Por fim, existe ainda a questão da amenização da violência. Isso é claramente uma decisão de cunho comercial. Atualmente, a Toei não produz Dragon Ball pensando apenas no mercado interno. Ela sabe que tem em mãos um produto que é adorado fora do Japão, logo ela faz algo que seja muito mais fácil de vender para os outros países.

Além de permitir que o produto possa ser exibido pela TV em mais faixas de horário, isso evita que uma distribuidora ~~que não seja a 4Kids!~~ realize cortes mais grosseiros no produto, como aconteceu com os episódios finais de Inuyasha exibidos pelo Cartoon Network.

Óbvio que adoraria uma animação mais retrô (ou até mesmo mais parecida com o estilo da abertura do Dragon Ball Z Budokai 3) e com um pouquinho mais de violência, mas isso para mim não é o mais importante em Dragon Ball. Além de algo minimamente coerente, eu prezo principalmente pela diversão.

E bem, o “GT” tinha violência e uma animação acima da média, mas era um porre.

--------------------------------------------------

Muito bem meus caros leitores, este foi mais artigo da coluna NerdTop.

Gostaram do artigo? Desejam ajudar com alguma referência não citada, corrigir alguma informação equivocada ou simplesmente me xingar por achar o “O Renascimento de F” uma grande porcaria?

Lembro a todos que a nossa área de comentários é o local onde vocês podem participar da discussão apresentada no texto. Não só gosto de lê-los como também costumo sempre respondê-los.

Bora lá trocar uma ideia?!

Um grande abraço e até a próxima!