NeuralMagazineIt

edited by Sabine Himmelsbach -  produced@

2012-08-29T10:14:54+00:00

Revolver Berlin,  ISBN: 978-3868951950 256 pages, German, English, 2012
Pensando per un minuto a tutti i libri che celebrano le storie di diverse singole istituzioni messe insieme, possiamo allora immaginare una sorta di enciclopedia eterogenea, che descrive in modo completo una grande porzione di una scena culturale specifica (in questo caso la media art). Tracciare indietro quello che un unico soggetto attivo ha fatto nel corso degli anni non è auto-celebrazione, ma piuttosto un atto

importante di documentazione. Qui la Edith-Russ-Haus, una piccola istituzione, ma molto attiva a Oldenburg (Germania) ha celebrato il primo decennio del suo "programma di borsa di studio" che ha assegnato a trenta artisti o gruppi l'opportunità di sviluppare le loro opere d'arte. Ci sono alcuni testi dei due (ex) direttori artistici Rosanne Altstatt e Sabine Himmelsbach, che parlano dei processi che qui si sono attivati, e poi tre saggi di Andreas Broeckmann, Steve Dietz e Annette Schindler / Rheinhard Storz, che contestualizzano questo tipo di attività istituzionali in un più ampio contesto internazionale. La sezione principale è su tutte le opere realizzate e dei loro autori, e sembra abbastanza evidente dando un'occhiata ai curriculum aggiornati che il progetto ha funzionato abbastanza bene come incentivo. Inoltre scorrendo cronologicamente i vari progetti, appare chiaro come gli artisti abbiano fatto evolvere le loro strategie nel corso del 2000 e di come alcune delle opere d'arte hanno raggiunto uno status che va ben oltre il tempo in cui sono stati sviluppate, diventando molto note o addirittura dei "classici". C'è inoltre la storia dei membri della giuria coinvolti nei progetti e un riassunto del materiale vario prodotto- che contribuiscono alla documentazione di un altro capitolo della storia della media art.

Mikhail Karikis + Uriel Orlow - Sounds From Beneath

2012-08-27T11:15:15+00:00

Sub Rosa, Book+DVD, ISBN: 978095 5736117, SR314, 2011
Trattando il suono come memoria e coinvolgendo un certo numero di differenti professionisti si possono ottenere risultati molto interessanti. "Sounds From Beneath" è il risultato della collaborazione tra il compositore Mikhail Karikis e l'artista visivo Uriel Orlow su un progetto che esplora i suoni di miniere di carbone e la loro memoria nella comunità britannica. Questo volume include il video che I due hanno

prodotto insieme e un opuscolo con quattro saggi e alcune notevoli fotografie. Il video è assolutamente centrale e la sua realizzazione è iniziato con il lavoro di Karikis per sei mesi su un pezzo corale. Il pezzo è stato creato con coro un ex-minatori (Snowdown Welfare Colliery Maschio Choir Voice) ai quale ha chiesto di "ricordare e cantare i suoni sotterranei che hanno usato per comunicare all'interno delle miniere di carbone." Invece di rappresentare un normale scenario post-industriale, gli autori hanno messo il coro all'aria aperta, nei pressi di una miniera di carbone abbandonata con gli edifici circostanti. I suoni cantati (esplosioni, tagli, graffi) sono prodotti da questi uomini ormai anziani, che si impegnano nel riprodurre le risonanze del loro mondo sotterraneo perduto. Non ci sono filmati storici - tutto è lasciato all'immaginazione dello spettatore - ma le persone reali, i cambiamenti improvvisi di prospettive, e soprattutto i suoni raffigurano suggestivamente la scena, senza ulteriori elementi necessari. Qui l'azione delle forme vocali e della politica del passato e la comunità si rappresentano in un paesaggio che sta perdendo la sua memoria, così come succederà a loro, alla fine.

Timothy C. Campbell - Improper Life: Technology and Biopolitics from Heidegger to Agamben

2012-08-25T17:50:44+00:00

Univ Of Minnesota Press, ISBN: 9780816674657, 232 pages, English, 2011
In "Improper Life" Campbell sviluppa il suo provocatorio pensiero in una scrittura filosofica sul contrasto tra la biopolitica e la sua attuale degenerazione, che egli definisce "tanatopolitica" (politica ossessionata dalla morte.) L'autore esamina le istanze di questa idea nel lavoro di recenti famosi filosofi come Agamben, Esposito e Sloterdijk, soffermandosi soprattutto sul concetto di "apparato", così come

analizzato da Heidegger e la sua emblematica teoria della "scrittura impropria". La critica heideggeriana alla tecnologia formalizzata, per esempio, è al primo piano nella discussione su dattilografia vs scrittura a mano, dove Campbell afferma che i mezzi meccanici per l'iscrizione e la comunicazione sono tra "le ragioni principali della crescente distruzione della parola." La tipizzazione delle parole (che facciamo tutto il tempo, con la produzione di testi tramite macchine digitali) è vista come "conservazione", ma in realtà corrompe il vero atto della scrittura. Agamben rafforza questa posizione, affermando che la tecnologia de-soggettivizza le persone, rendendole inerti. L'autore si concentra sull'uso di "techne", per la formazione del "bios", spingendo per una biopolitica positiva, ma non ciecamente. Egli respinge il giudizio positivo di Sloterdijk relativo alla bioingegneria (che lui chiama "anthropotechnical techniques"), stimandola invece come un prodotto pericoloso del mercato. Al contrario, egli sostiene la posizione di Foucault in cui la “techne” apre verso il relazionale, essendo in grado di contrastare lo smantellamento della comunità a causa della pervasività delle tecnologie di comunicazione. Il libro è un saggio ben argomentato, che vivacizza il dibattito filosofico sulla biopolitica in maniera sensibile e aggiornata.

Luis Tabuenca, Wade Matthews - Punto Cero Aragón

2012-08-23T06:49:04+00:00

CD - Aural Terrains
Nelle forme d'una riflessione sulle implicazioni emozionali, psicologiche e fisiologiche, incentrata sulle parole "casa" e "territorio", i suoni alla base di questo progetto includono parole, storie raccontate, crepitii, grida, gracidare di rane, risucchi e trasalimenti delle più svariate specie . Sono field recording, percussioni, raffinate e crude elaborazioni elettroniche, quelle che fra i solchi distinguiamo, in una sorta di ambientazione inquieta, risultato d'un approccio multiforme e assai sperimentale, ricco di più influenze ed elaborazioni ambient. L'intero progetto è stato coordinato dall'etnomusicologo Ana Maria Jimenez-Alarcón e finanziato dalla regione di Aragona, nella Spagna dei Pirenei, terra di grandi contrasti e magnifici paesaggi, corrispondenze che poi si ritrovano nelle catture auditive, ricche di una palette molto ampia di frequenze e coordinate. Insetti, fruscii, suoni appena riconoscibili, emergenze che s'incastrano in più texture, sempre scure per dinamiche e consistenza, nella diversità e nella varietà delle sorgenti agite che s'incrociano in maniera davvero originale e sensibile, frutto anche della maestria di Luis Tabuenca, percussionista, improvvisatore, performer dalle molte abilità, che ben s'integra con le modulazioni più elettroniche di Wade Matthews, un sound-artist che ha ripensato i suoi percorsi ed il suoi linguaggi musicali adattandoli a dimensioni orientate anche alla creazione real-time. In maniera efficace, ai momenti più dilatati e insistiti, alle note intervallate da lunghi silenzi, succedono risonanze estese e armoniose, assai caratteristiche per timbro e struttura, felicemente aliene da qualsiasi normale consuetudine e scala armonica.
Aurelio Cianciotta

Atomic Guitar, contaminazioni sonore

2012-08-22T18:45:00+00:00

Il disastro di Fukushima Daiichi, causato dal terremoto del Tōhoku nonostante i sofisticati sistemi di prevenzione attivi in Giappone e la solida reputazione del paese nella gestione delle calamità naturali, ha riacceso un immaginario apocalittico da guerra fredda che era dormiente sotto l’incantesimo della propaganda pro-nucleare. Essendo stata esposta l’incapacità delle aziende private di garantire

l’incolumità pubblica, la paura dell’energia atomica si è diffusa nuovamente a livello globale, arrestando un settore industriale in rinascita. A Tokyo, quattro mesi dopo il disastro, la mostra “Atomic Site” ha dato voce ai sentimenti diffusi. Slogan come “Nessun posto per nascondersi” e “Cosa fare in caso di un disastro nucleare: non fidarti del governo”, riportarti sui manifesti della mostra, ricordano il rimedio placebo “abbassati e trova un riparo” insegnato a generazioni di cittadini americani durante le esercitazioni della protezione civile. Per “Atomic Site” Fuyuki Yamakawa ha prodotto un’installazione nella quale due contatori Geiger misurano campioni di suolo raccolti a oltre 100 km di distanza dal sito della centrale disastrata. Il lavoro prende ispirazione dalla pratica fai da te diffusasi in Giappone, in seguito al disastro di Fukushima, di misurare il livello della radioattività autonomamente per verificare le statistiche ufficiali. Il ticchettio incessante emesso dai misuratori posizionati in prossimità dei campioni contaminati è trasmesso meccanicamente a due chitarre Stratocaster, " Atomic Guitar Mark I" & "Atomic Guitar Mark II" mettendone in vibrazione le corde. Le due chitarre con l’emblema atomico suggeriscono che un modello culturale iniettato di testosterone e alimentato da consumi crescenti di energia sta ponendo una minaccia alla sopravvivenza. Forse quando queste chitarre smetteranno di suonare, il suolo del Giappone sarà nuovamente libero da contaminanti.

Matteo Marangoni

Roberto Simanowski, Jörgen Schäfer, Peter Gendolla - Reading Moving Letters: Digital Literature in Research and Teaching. A Handbook

2012-08-20T14:58:27+00:00

Transcript Verlag, ISBN: 9783837611304, 350 pages, 2011, English
Dopo aver messo il più possibile a distanza e fortemente differenziato se stessa dalla letteratura tradizionale, la letteratura digitale ha ora conquistato uno stabile status accademico e un numero sufficiente di dipartimenti sono attualmente dedicati a questi studi. Tuttavia l’impressione generale è che essa rimanga ancora un territorio liquido e sperimentale, con molte direzioni diverse ma ancora

mancante di un’identità consistente per essere propriamente riconosciuta. Questo libro rappresenta un ulteriore contributo verso questo obbiettivo, nello specifico si tratta di un manuale, che include al suo interno sia testi di natura teorica sia testi indirizzati ad insegnanti che lavorano nell’ambito. È diviso in due parti: la prima si chiama “Leggere la letteratura digitale” e tratta dei concetti, delle definizioni, dell’estetica e dell’interfaccia, mentre la seconda, “Insegnare la letteratura digitale” discute ciò che questo implica. Nove studiosi ed insegnanti sono stati incaricati di realizzare i contributi, con una particolare attenzione verso le metodologie, dando vita così ad una differenziazione molto positiva al confronto con le classiche antologie su questo argomento. Ad ogni partecipante al volume è stato chiesto di scrivere un saggio per ognuna delle due sezioni. Fra i tanti temi affrontati ce ne sono alcuni fondamentali, come per esempio la necessità di una critica letteraria digitale propria, definita in base ai suoi propri termini e non in opposizione alle critiche letterarie già esistenti, e l’importanza essenziale del codice. Come precisa Wardrip-Fruin, “dobbiamo leggere sia il processo sia i dati”, andando oltre la solita corrispondenza tra codice e letteratura. Il libro inoltre copre diversi aspetti, spaziando dalle molteplici mediazioni di testo fatte dal computer alle nuove tempistiche di produzione influenzate dai network, risultando così alla fine uno studio ampio e degno di nota.

VV.AA. - Störung: Sound & Visual Art

2012-08-10T09:24:57+00:00

Störung/Cameo, Book+DVD, str009, 2012

Per diverso tempo, la natura effimera dei festival (eventi nei quali è possibile rapportarsi ad opere d’arte, conferenze e live acts che terminano appena la manifestazione si conclude) è stata messa in discussione. Sono stati portati avanti diversi tentativi di fornire esperienze più durature attraverso YouTube e Vimeo Channel, i live streaming, i set fotografici su Flickr e le pagine Facebook, ma

questo non ha fatto altro che legare la natura effimera dei festival alla natura effimera di internet. “Sound & Visual Art” consiste invece in una produzione di natura più stabile (un libro progettato per essere inserito all’interno di una custodia per dvd, accanto al dvd stesso), inteso come elemento accompagnatore di un festival. Funziona infatti come un’introduzione sia per coloro i quali non si sono mai rapportati prima con i contenuti di Störung sia per coloro i quali lo frequentano regolarmente, ma il suo vero fascino risiede nell’essere una stabile appendice al programma. Le opere incluse spaziano dal cinema sperimentale alle virtuosità della grafica sincronizzata alle manipolazioni scientifiche, e tutte insieme esse formano una riuscita sintesi dei trend audiovisivi contemporanei. D-Fuse, Dextro, Kim Cascone, Francisco López, Paul Prudence e molti artisti meno famosi si relazionano a immagini digitali esplicite, con i suoni che agiscono come bussola che li interpreta, stabilendo così nuove relazioni fra i due. La selezione è forse un po’ ridondante, ma la qualità delle opere selezionate è indubbiamente alta. Il libro include testi di ogni artista (essenziali per una completo apprezzamento delle opere d’arte), le loro biografie e un serie di fotografie estrapolate dai live set del festival.

Mark McGuire - Get Lost

2012-08-09T08:55:53+00:00

CD - Editions Mego
Le sequenze acustiche ed elettriche di questa nuova produzione a firma Mark McGuire sono subito sognanti, circolari ed iterate. Suoni ed elaborazioni prevalentemente chitarristiche che vengono dipanate in droni gentili, in bilico fra new-age e sperimentalismo post-rock, abilmente decostruite fra delay e riverberi, in guisa d'una tenue psichedelia bucolica. Mark McGuire non è nuovo a queste ambientazioni ma nella title track, "Get Lost", le sovrapposizioni si moltiplicano, lasciando spazio a raffinati fraseggi di gusto anche sintetico e ipnotico. Un lirismo quasi religioso trapela nelle combinazioni, congegnato in maniera freaky e suadente, spesso insistito nelle trame ma mai oppressivo, sempre temperato nei flussi divaganti, espressione d'una natura assai conciliante ed empatica. Dopo le prime tracce - tipicamente in forma-canzone - è "Constellations Firefly" a chiudere questa proposta della Mego Editions, partitura di ben 20 minuti, gorgogliante, beatifica e sobria, dagli intrecci liquidi ed estatici, placidamente glitch e pulsanti. Atmosfere che indulgono lievemente e in maniera malinconica verso un ascolto davvero confortevole, ricco d'una energia che trabocca sentimentalismo, memoria e nostalgia, eppure mai banale o piattamente "buonista". Intrecci ora più flemmatici oppure appassionati, comunque mai vacui nella sostanza, sempre lirica ed essenziale, commovente e avvolgente. Una produzione che forse non si distingue per innovazione e "concettualismo" ma è onesta negli esiti, gradevole e ricca di sfumature, con un mood sacrale e melanconico a fare da colonna portante e ispirazione.
Aurelio Cianciotta

Unnamed soundsculpture, danzando tra dati e tempo

2012-08-08T08:52:35+00:00

Unnamed soundsculpture e' un video prodotto da onformative e chopchop, realizzato da Daniel Franke and Cedric Kiefer. Una nube di 22000 punti, generata in corrispondenza dei movimenti di una ballerina che da' la sua libera interpretazione del brano Kreukeltape di Machinenfabriek, crea l'illusione di una

statua di sabbia che si evolve in uno spazio virtuale. La trasfigurazione della figura della ballerina in granelli di sabbia e' stata ottenuta combinando i dati ottenuti da 3 "depth cameras" Kinect in un unico volume 3D, successivamente elaborato utilizzando 3D Studio Max. Nel corso di questa metamorfosi la fisicita' della figura umana assume una connotazione che permette di cogliere sia il rapporto tra la materia e la sua unita' fondamentale, sia il contrasto tra la sostanza stessa e lo spazio in cui essa e' inserita. Il significato di questo progetto viene arricchito ulteriormente attraverso altri dettagli introdotti nella sua realizzazione. Le figure mantenute dalla ballerina durante i suoi movimenti, per loro natura effimere e transitorie, vengono riscoperte attraverso la nuova densità' del corpo ora formato dai granelli di sabbia, che si accumulano al suolo solo dopo essere rimasti sospesi nel vuoto, come cristallizzati, per alcuni istanti. In questo modo l'alterazione della materia che costituisce il corpo modifica anche il tempo percepito, dando un effetto di slow motion ad una scena ripresa e riprodotta a tempo normale. La sabbia, l'illuminazione, il pavimento a specchio su cui l'immagine si riflette, e il vuoto che circonda la figura ricordano l'estetica dei nonsite di Robert Smithson, nei quali gioca un ruolo essenziale la dialettica tra punto e spazio circostante. La post-produzione e' minimo, in quanto tutti i dati di posizione, le luci e la posizione della videocamera nello spazio virtuale sono tratti dal movimento della ballerina e dal suono stesso. Anche se il processing non avviene in real-time ma è frutto di una paziente assemblaggio, questo progetto é un ottimo esempio di come queste depth cameras possano essere utilizzate per dotare di un espressività più reale ed umana i software di modeling 3D tradizionali.

Alessandro Saccoia

Francisco Lopez - Untitled # 275

2012-08-07T09:43:08+00:00

CD - Unsounds
Seconda release su Unsounds per Francisco Lopez, sound-artista che nelle enclave internazionali della sperimentazione digitale-elettroacustica certo non ha bisogno di troppe presentazioni. Sono due le tracce predisposte, rispettivamente di 22 e 35 minuti, registrate nei MuzyQ Studios ad Amsterdam, esattamente fra il 2009 e il 2011. Nel Movement 1 la composizione è stata concepita per il pianista Reinier van Houdt, musicista che spesso utilizza particolari "preparazioni" del suo strumento, qui indotto nell'essere partecipe di sequenze meccaniche dalle forti connotazioni percussive e timbriche. Ancora sul Movement 2 è il piano a farla da padrone, ma ci sono consistenti e strabordanti modifiche strutturali degli originari intrecci, nuove forme sonore e ambientazioni che elaborate in studio ricombinano i materiali ed evolvono le cesure in una dimensione ancora più immersiva e fascinosa. Entrambe le partiture risultano molto eleganti e astratte - tuttavia - non cedendo d'una sola virgola in coerenza e qualità stilistiche. L'elaborazioni sonore dello sperimentatore portoghese sono sempre rigorose nelle procedure, illuminate da un forte approccio concettuale ma anche da una raffinata intrinseca bellezza e da un'intensità non comune. Diventano del tutto secondarie però le teorie, se ci si concentra esclusivamente sull'efficacia e sulla qualità dei suoni, prassi che sembra ispirare anche questa collaborazione con van Houdt, a sua volta talentuoso interprete, musicista che ha condiviso auditori con John Cage, Alvin Lucier, Luc Ferrari, Olivier Messiaen e che può vantare una preparazione specialistica in performance siffatte.
Aurelio Cianciotta

Tape Recorders, misurazione di sè in tempo reale

2012-08-03T15:37:15+00:00

Tape Recorders è il quattordicesimo elemento della serie Subsculpture di Rafael Lozano-Hemmer, che non si smentisce e ancora una volta elegge il pubblico ad elemento cruciale nella narrativa delle sue opere. Nella serie di installazioni urbane interattive "Relational Architecture" (che ad oggi conta sedici interventi) per

esempio, il pubblico è l'essenziale protagonista di mastodontiche illuminazioni di piazza. Tape Recorders è invece un'istallazione da galleria, commissionata dal Museum of Contemporary Art di Sydney. L'opera consiste in due file di metri avvolgibili e motorizzati, posizionati su due pareti opposte che si srotolano verso l'alto, parallelamente al muro su cui sono installati. Un sistema di sensori Kinect posizionati in alto rileva la presenza dei visitatori nell'installazione, per cui il metro più vicino e in corrispondenza del visitatore si srotola verso l'alto, rigido ed impettito. Quando poi il nastro raggiunge circa 3m di altezza si ferma e cade in direzione dell'utente (ovviamente ad una distanza di sicurezza tale da non colpirlo) per poi riavvolgersi su se stesso chiudendo il loop narrativo, ma solo apparentemente. Infatti i dati di permanenza del visitatore tracciati dal sensore vengono inviati anche ad un altro dispositivo che calcola e stampa i tempi di permanenza degli spettatori per ogni visita. Forse non è un caso che le righe diseguali dei metri più o meno srotolati ed allungati sulle pareti ricordino esattamente un istogramma, come se misurassero in tempo reale l'entità della nostra presenza nel mondo. Il movimento dei nastri invita lo spettatore nell'opera: consapevole di essere la causa dell'azione egli si specchia nel movimento che innesca, trovando traccia della sua importanza nella immediata reazione che l'opera, trasformandosi, gli riserva.

Chiara Ciociola

Merzouga - Mekong Mornin Glory

2012-08-02T09:32:27+00:00

CD - Gruenrekorder
Il fiume Mekong è uno dei corsi d'acqua più lunghi dell’Asia. Nasce in Tibet ed attraversa la Tailandia, la provincia cinese dello Yunnan, il Myanmar, il Laos, il Vietnam ed infine la Cambogia. Sia in lingua lao che in lingua tailandese nel significato etimologico del nome Maè Nam Khong il riferimento è alla "madre" ancestrale, l'origine d'ogni sentimento e cosa. Eva Pöpplein e Janko Hanushevsky proprio lungo questo fiume intraprendono un avventuroso pellegrinaggio, sviluppando le registrazioni sul campo in relazione alle specifiche qualità musicali delle occasioni che incontrano, salvo poi mischiare il tutto con suoni elaborati in fase di post-produzione. Sono molte le parti aggiunte unitamente ad un basso elettronico suonato in maniera non convenzionale da Janko Hanushevsky: particolari bacchette, palline da golf, ferri da maglia e tappi. Quello che conta sembra essere all'ascolto il mutevole passaggio dei suoni, la metamorfosi degli ambienti, la capacità di suscitare intense suggestioni, approccio per il quale entrambe le parti strutturate, siano esse field-recordings o materiale aggiunto, sono trattate infine alla stessa maniera, come apporti grezzi da combinare in virtù d'una forma nuova. Siamo avvolti allora in droni oscuri, solo tangenzialmente post-blues, ricchi d'emergenze auditive fitte di scampanellii, bleep e riverberi assonanti oppure tonfi e sordi. Il "viaggio" immaginifico non può che far pensare - anche solo per un attimo - a "Cuore di Tenebra" di Joseph Conrad, testo ispiratore di "Apocalypse Now", anche quest'ultima narrazione infarcita d'ambientali risonanze, voci ed elegiaci sussulti.
Aurelio Cianciotta

Maria Chatzichristodoulou, Janis Jefferies, Rachel Zerihan - Interfaces of Performance

2012-08-01T14:37:09+00:00

Ashgate, ISBN: 9780754675761, 232 pages, 2009, English
Il concetto di "spazio della performance" è stato definitivamente messo in discussione con l'uso delle tecnologie multimediali, moltiplicandone le possibili dimensioni e i confini. Ancora più importante, forse, è il ruolo dell'"interfaccia" nel campo delle performance. In questo libro il termine "interfaccia" è molto ben definito come "spazio condiviso di scambio e di dialogo, nonché luogo di contestazione e

tensione". L'obiettivo degli autori di questo libro sembra essere l'apertura dei confini delle performance in generale, qualcosa che sia un'analisi (sia teorica o pratica) e una discussione (attraverso interviste) con un ben nutrito numero di artisti che descrivono le loro pratiche, qualità specifiche e metodi (tra i quali Blast Theory, Gob Squad, igloo, ORLAN, Guillermo Gómez-Peña, e Critical Art Ensemble.) Le idee ed i processi di questi emblematici artisti facilita una discussione sulla gamma di tecnologie utilizzate e delle loro finalità, ridefinendo tutto radicalmente, come ad esempio il nuovo ruolo del pubblico (presente o remoto), o esprimendo nuovi concetti politici espliciti. Le cinque aree esplorate nei rispettivi capitoli (Environments, Bodies, Audiences, Politics, and Affect) esplicitano un cambiamento fondamentale della performance, come sottolinea Chris Salter: da una visione antropocentrica a quella di "enunciazione non-umana", basata sulle nuove forme di "umano ibrido e soggettività della macchina". A questo punto nuove drammaturgie possono essere create, e nuove "interfacce" possono essere concepite per l'incontro tra il performer e il pubblico.

Party Catani - Lowfistication

2012-07-31T14:36:18+00:00

CD - Cock Rock Disco
Sotto il moniker di Party Catani si nascondono in realtà Patric Cremer, Candle Hank, The Very Impossible Person e Toytone. I membri di questa crew sono tutti dediti a strambe elaborazioni soniche di marca oltranzista e Patric può vantare anche militanza "chiptune" (genere di musica nel quale i suoni sono sintetizzati in tempo reale dal chip di un computer o da una console, termine che oggi si riferisce anche a composizioni contemporanee che ricreano quel genere di sonorità). In "Lowfistication" tuttavia l'approccio sembra essere più divertito, la "familia Catani" appronta per il pubblico un efficace siparietto disco d'antan, forgiato in guisa di più attuali elaborazioni jumpstyle rave, roba insomma del quale non hanno le coordinate precise nemmeno loro che sono gli "autori" di cosiddetta accozzaglia irriverente e tagliata per dancefloor metropolitani e anticonformisti. Assolute fiammate d'energia e sprazzi anarchici fanno capolino nella raccolta, voluta dalla Cock Rock Disco di Jason Forrest (aka Donna Summer), etichetta indipendente già avvezza al breakcore ma a suo agio con tutte le nuove (e vecchie) contaminazioni stilistiche, soprattutto se eccentriche ed assai pestone. Sonorità che dall'hardcore alla fidget, passando per l'acid e la gabber non possono essere ricondotte in alcun modo ad ascolti "concettualizzati": qui siamo all'audio-abuso più diretto e tossico e non sono ammesse mediazioni di sorta. Rispetto alle produzioni passate della label - tuttavia - si perde un poco in ruvidezza e si guadagna in buone vibrazioni, cosa che a nostro parere non è affatto da giudicare in maniera negativa.
Aurelio Cianciotta

0h!m1gas, sorveglianza biomimetica per lo 'scratch'

2012-07-30T18:51:24+00:00

Il rapporto fra arte e natura è consolidato da tempo - anche se perlopiù a livello estetico - ma quello che fa Kuai Auson, va ben oltre la classica osservazione. La sua installazione “0h!m1gas”, infatti, compie un lungo passo verso la scienza, ricreando un ambiente chiuso, un ecosistema artificiale, definito di "stridulazione biomimetica", dove vive una colonia di formiche sottoposta a sorveglianza

visiva e sonora. Il motore vivo del progetto è la biomimetica, strumento conoscitivo già proprio della scienza ma che si sta affermando anche in ambito artistico e che si basa sull'osservazione della natura per riprodurre strutture ad essa ispirate. Il movimento delle formiche, interpretato da una matrice digitale, fa girare due dischi in vinile che a loro volta generano suoni sorprendentemente simili a quelli prodotti dagli stessi insetti. Formiche che come Dj inconsapevoli scratchano all'interno di un sistema a reazione sonora che raccoglie le attività dei singoli insetti per dare vita ad un panorama sonoro più complesso e comunque imprevedibile. Il micromondo delle formiche è assoggettato alla sorveglianza dell'uomo preso dalla sua ricerca di risposte e infatti, come dice lo stesso Auson "Mi aspetto che le mie formiche mi sorprendano sempre". Questa installazione si colloca al centro dell'indagine rivolta a quei processi socio-artistici che mettono in luce similitudini e differenze tra gli uomini e gli animali. La ricerca di una base comune per la comunicazione tra le specie che ci possa condurre ad interpretare fenomeni ancora emergenti in natura gettando nuova luce, da una prospettiva diversa, all'importanza biologica delle reti sociali.
Benedetta Sabatini

Quadrat:sch - Stubenmusic

2012-07-26T13:25:12+00:00

2CD - Col Legno
I Quadratsc:sch sono un ensemble cameristico che comprende Barbara Romen, Christof Dienz, Gunter Schneider, Alexandra Dienz, Zeena Parkins, Herbert Pirker e Kassian Erhart. Molti sono gli strumenti suonati nel gruppo, strumenti alcuni certo non convenzionali come il dulcimer cromatico e lo zither, insieme a chitarre varie, un contrabbasso, un arpa elettrica e percussioni jazz. Il titolo dell'album "Stubenmusic" si riferisce alla sala in legno, o meglio, più frequentemente una stanza all'interno di una casa colonica, dove le persone possono riposare, festeggiare o fare musica. Il combo prende ispirazione dalla tradizionale strumentazione dei gruppi alpini da camera del diciottesimo secolo ma le improvvisazioni però spaziano in differenti ambiti più contemporanei, a partire dal folk tradizionale, al jazz e al ragtime, lambendo territori che sono propri anche della tradizione classica e della musica free form. Interessante è l'apporto di Kassian Erhart, creatore di vere e proprie sound sculptures utilizzate in un'iterazione discreta e sempre calibrata. Sul primo dei due cd le partiture sono maggiormente melodiche, con ritmi costanti e veloci che riportano a stilemi honkatonk, altre volte i ritmi sono ancora più sostenuti, percussivi, tuttavia sempre mantenuti nell'alveo di un'interpretazione corale e misurata. Passando al secondo cd gli intrecci diventano alquanto più complessi e liberi e la sensazione è che l'enfasi tuttavia passi dalle strutture alla qualità dei suoni, agiti ancora con maggior cura, innestati e diffusi con una sensibilità e una dedizione estreme.
Aurelio Cianciotta

Edited by Caleb Kelly - Sound

2012-07-25T19:37:20+00:00

Whitechapel Gallery, ISBN-13: 9780854881871, 240 pages, 2011, English
Sembra che ci sia una sorta di sottogenere tra i libri sulla sound art: l'antologia di testi storici. Forse perché l'arte del suono è ancora un ibrido e manca di un'identità ben definita e riconosciuta, questo atteggiamento verso la compilazione di selezioni di testi importanti da parte di noti artisti e musicisti sembra abbastanza singolare. In qualche modo si percepisce l'enorme sforzo di essere esaustivo e

coerente, come con una raccolta completa di CD che cerca riassumere l'intero concetto di un genere o periodo di tempo in uno spazio limitato. Detto questo, la scelta operata dal famoso critico di sound art Caleb Kelly è assolutamente notevole ed include contributi di filosofi, curatori e studiosi. L'inevitabilità e la fisicità del suono emerge prepotentemente attraverso i testi, così come l'abbondanza di affascinanti prospettive sull'atto semplice ma multiforme dell'ascolto. La produzione esponenziale dei suoni e dei rumori e la nostra capacità di definire il nostro personale ambiente sonoro indipendentemente da dove ci troviamo personali e tecnologica sonore indipendentemente, ci ha portato a una diversa consapevolezza. Questa consapevolezza ha anche prodotto a sua volta un attacco contro la preponderanza sensoriale delle immagini, generando un interesse più ampio e crescente per le opere d'arte basate sul suono. E i popolari "black cubes" nelle sale espositive, o le sale oscurate, che hanno lo scopo di raffinare la fruizione delle opere d'arte sonore, aumentando la percezione escludendo elementi visivi che distraggono, sono probabilmente le conseguenze di questa tendenza. Infine c'è una sezione specifica del libro, una sorta di "discografia" della sound art, dove vengono analizzate e discusse opere sonore, completando una davvero piacevole lettura.

Toad Blinker - Sculpture

2012-07-24T11:08:06+00:00

12" - Dekorder
È un'edizione sicuramente sontuosa questa scaturita dalle elaborazioni del combo dei Toad Blinker (il musicista Dan Hauhurst e l'illustratore-animatore Reuben Sutherland), a partire dal pesante 12" in vinile, picture disc "zoetropico" e in puro stile psichedelico, di quelli che in redazione non vedevamo da tempo immemore. Hanno pensato bene alla Dekorder che fosse questa la giusta maniera per testimoniare dell'intreccio fra ambientazioni oniriche di foggia seventy ed elettronica contemporanea, drone music ed improvvisazione free form. Qualcuno parla di avant-techno: l'impressione che noi abbiamo avuto al primo ascolto è piuttosto quella di più interventi di decostruzione lo-fi (forse un po' freaky ma autentici) operati sugli stilemi dell'epopea prog-rock. Una sorta di riscrittura operata per frammenti e intuizioni, poi organizzata in vere e proprie ambientazioni, assai avvolgenti negli elementi linguistici messi in gioco, mutazioni fra analogico e digitale, riecheggianti nei loop e in un complessivo aplomb informale che ben si presta all'integrazione di più fonti musicali. Come in un caleidoscopio, con un piccolo movimento tutto cambia e sotto una luce diversa può assumere una nuova forma: sono questi passaggi di stato ad essere svagati e al tempo stesso fatali, nell'ariosità delle congiunzioni, nello sfarfallio degli effetti, coesi nella narrazione immaginifica ma distratta, un po' indolente e stranita. Un progetto insomma che pur non pervaso da concettualismi estremi risponde comunque di intrecci fecondi, presagio di un'evoluzione e di potenziale espressivo che potrebbe sbocciare ancora più decisamente.
Aurelio Cianciotta

The Composites, letteratura e software di riconoscimento per le forze dell'ordine

2012-07-23T17:32:29+00:00

The Composites apre un nuovo spazio tra linguaggio e software, sfruttando alcuni dei capolavori della narrativa letteraria (in termini di nomi dei personaggi e descrizioni dell'aspetto fisico – come fossero foto segnaletiche) e mettendole in un programma di analisi di identikit di quelli utilizzati dalle forze dell'ordine. Online da metà febbraio 2012, il progetto è già un 'cult'. Gli utenti del sito sono prodighi

di idee e suggerimenti; ('Molti lettori credevano che Ignazio pesasse molto più dell'originale'; vedi 'Ignatius O'Reilly', in 'A Confederacy of Dunces' di John Kennedy Toole). In 'Beyond Good and Evil' Nietzsche descrive come il desiderio cresce quando si è a digiuno e forse il creatore di Composites sta cercando di incoraggiare l'apprezzamento della buona letteratura, mostrando a noi quello che il software realizzato per la scienza forense fa delle colorite descrizioni di personalità – per esempio smussando tutte le espressioni, e annichilendo ogni carattere in un nero ombroso e candore. Uno dei primi positivisti scientifici, Francis Galton, fondatore dell'eugenetica, disse: "Un ritratto composito rappresenta l'immagine che si erge dinanzi agli occhi della mente, di una mente che ha il dono della fantasia pittorica ad un livello elevato. Ma il potere immaginativo, anche del più eccelso artista è ben lungi dall'essere preciso, ed è quindi portato ad essere di parte ..... il merito della composizione fotografica è la sua meccanica di precisione, il suo non essere soggetto a nessun errore ". Ora, in un'epoca di tecniche di imaging neuro-biologiche abbiamo bisogno di ridefinire questi termini. Davis ha sottolineato in un'intervista che 'la combinazione di un software come quelli usati dalle forze dell'ordine con la letteratura è uno spaccato di una situazione reale, della dichiarazione del diritto di uno spazio in un momento in cui la letteratura sta vivendo una crisi ontologica'. Non si può fare a meno di chiedersi: cosa ne penserebbe Madame Bovary?
Bronac Ferran

James Gleick - The Information: A History, a Theory, a Flood

2012-07-20T12:11:58+00:00

Pantheon, 2011, English, ISBN-13: 978-0375423727, Hardcover: 544 pages
Questo libro è un'eccellente storia della teoria dell'informazione e della scienza. La quantificazione e la qualificazione delle informazioni è un processo chiave qui indagato attraverso momenti storici e figure, contestualizzati attraverso fatti biografici e racconti, a partire dai sorprendenti meccanismi come i "Tamburi parlanti dell'Africa", che hanno inviato informazioni su centinaia di chilometri, per poi

passare ad astrazioni occidentali più recenti. Il lettore diventa spettatore prossimo dei momenti cardine professionali e personali di Charles Babbage, Ada Lovelace Byron, Alan Turing, Norbert Weiner e Claude Shannon, solo per citarne alcuni. Le ricostruzioni sono lontane da aneddoti e i concetti scientifici sono storicizzati nel loro sviluppo con una chiarezza cristallina e leggibilità. Questo affascinante viaggio nel passato è pieno di scoperte, citazioni illuminanti e visionarie, e fatti sulla "conservazione, manipolazione e comunicazione della conoscenza." La minimizzazione dello spazio e del tempo in questo processo è un cambiamento cruciale, insieme alla natura sempre più virale della diffusione delle informazioni: "l'alfabeto diffuso per contagio." Le attività di elaborazione di simboli, significati, e la loro circolazione in tutto il mondo trovano qui una cronaca coerente e convincente. Accuratamente studiato e scritto per essere popolare (anche se non per tutti), questo libro può diventare una fonte primaria per questo argomento, che riflette una delle frasi più ambiziosi che contiene: "nel lungo periodo, la storia è la storia dell'informazione che conosce se stessa".

Seth Horvitz - Eight Studies For Automatic Piano

2012-07-19T16:36:40+00:00

CD - Line
Ispirati dal lavoro di James Tenney, György Ligeti, Charlemagne Palestine, e Conlon Nancarrow, gli otto studi per piano di Seth Horvitz fanno uso di semplici processi compositivi computer-assistiti. Lo scopo è quello di testare i limiti della percezione umana e la precisione della macchina, anche se i mezzi tecnici per esplorare le nozioni di distorsione temporale sono in definitiva minimi nel processo iterativo, innestato su una complessità elegante ma in fin dei conti essenziale. L'esecuzione, coerentemente al concetto di "piano automatico", è stata presentata in concerto senza la presenza d'alcun "attore" umano, andando a focalizzare proprio il rapporto tra fruizione personale, processo iterativo e comportamento idiosincratico della macchina, ambiti di sperimentazioni assai specifici per Seth Horvitz, autore avvezzo a queste ricerche, forte anche dei suoi studi in Scienze Cognitive all'Università di Berkeley in California. Il pianoforte utilizzato è stato un Yamaha Disklavier C7, strumento assolutamente testato per una modalità d'uso di questo tipo, dotato di servocontrollo per assicurare una riproduzione perfetta e con un'enorme capacità di memorizzazione interna dei brani. In qualche maniera, anche la nozione stessa di tradizionale performance è messa in discussione, pur se oggi in più ambiti fra live elettronici e dj-set si è investiti da "automazioni" differenti, alcune "concettualizzate" altre di difficile assimilazione anche dagli addetti ai lavori (ci si indigna spesso per una funzione "synth" utilizzata in un dj-set ma non della stessa funzione utilizzata in un programma di editing, così come - naturalmente - non destano controversia alcuna le automatizzazioni nelle scene "experimental" sia audio che video).
Aurelio Cianciotta

CorruptArt a Praga: occupare il parlamento e le ville!

2012-07-18T12:07:14+00:00

Mentre i vari movimenti di Occupy del pianeta stanno conducendo realizzando eventi nelle strade e di fronte alle istituzioni politiche e finanziarie, nella Repubblica Ceca i siti preferiti per l'attivismo si sono alla fine rivelati il Parlamento e varie ville controverse implicate in casi di corruzione. Gli artisti hanno recentemente organizzato la prima performance in assoluto nel Parlmaneto attraverso un SMS gate per

telefoni cellulari manipolato, sfocando la distinzione fra il classico reportage da telegiornale, il teatro e la performance politica. La performance è stata condotta da Ztohoven.com, un celebre movimento di Guerrilla Art ceco. Il 5 Giugno fra le 2 di pomeriggio e le 7 di sera, 585 SMS sono stati mandati a diversi politici durante il quarantesimo meeting del parlamento Ceco. I politici di vari partiti politici si stavano inavvertitamente "mandando" SMS a vicenda sulla necessità di una misteriosa "Riforma Morale", scusandosi l'un l'altro. I messaggi premevano per comportamenti migliori, decenza politica e negoziazioni con meno enfasi su risentimenti passati e pregiudizi. Il reportage televisivo del meeting mostrava i politici confusi e sorpresi controllare i loro telefoni cellulari e le dichiarazioni successive esprimevano il loro shock derivante da ciò che era successo. L'azione aveva coinvolto i politici facendoli funzionare come burattini manipolati dagli artisti e la tempistica di questi messaggi era stata semplicemente brillante, avvenendo durante la presenza pubblica di un noto politico corrotto, David Rath, che teneva il suo ultimo discorso in parlamento prima di essere arrestato a causa di un episodio particolarmente grave in cui era stato scoperto mentre prendeva una tangente e segretamente registrato mentre proclamava quanto egli amasse il "suono dei soldi". Le spiegazioni fornite successivamente avevano rasentato il ridicolo, suggerendo che le frasi registrate erano un tentativo di impersonare Gollum de "Il signore degli anelli". I ministri Cechi non avevano prestato molta attenzione alla vicenda, ma comunque, essendo inondati dai misteriosi messaggi della "riforma morale" erano stati capaci solo di guardarsi rispettivamente in faccia scioccati. In un certo senso essi esprimevano una sorta di fantasia inconscia nazionale che forse, un giorno, potrebbe accadere e trasformare in meglio le cose. I tipici messaggi, che possono essere trovati nelle pagine di Ztohoven erano del tipo: Presidente della Repubblica, Prof. Ing. Vaclav Klaus, CSc., manda un SMS a JUDr. Vojtûch Filip, presidente del Partito Comunista della repubblica Ceca della Moravia: "La vostra storia come la mia è piena di atti di cui vergognarsi. Vi prego di accettare il mio invito all'urgente incontro odierno sulla Riforma Morale." I messaggi erano visualizzati più tardi nei termini di chi mandava cosa e a chi. Anche i tour creativi in autobus sono diventati molto popolari recentemente. Qui ai visitatori è stata offerta l'opportunità di esplorare le stramberie architetturali locali del capitalismo corporativo, facendo sosta nelle ville dei politici implicati in ben noti casi di corruzione. Mentre gli spettatori del servizio televisivo dal parlamento diventavano testimoni involontari di un dramma dei telefoni cellulari, questi tour in autobus hanno portato incoscienti turisti a "protestare" di fronte alle ville dei corrotti, dove essi hanno potuto osservare ciò che era stato costruito con i loro soldi. Il progetto CorruptTour.com, con il suo slogan "Goditi il Meglio del Peggio", usa un legittimo modello di business di agenzia turistica che offre una visione unica nei siti "annidati" delle cricche Ceche, descritte come uccelli predatori, i cui "talenti" sociali sono sotto osservazione. Questa favola e satira politica si è propagata da un business plan che cercava di unire corruzione e turismo. I turisti di "Occupy Villas" stanno creando un significativo nervosismo nella scena politica locale, in parte perché non sono i tipici attivisti ma più che altro cittadini curiosi, che vanno in giro a divertirsi e a soddisfare la propria curiosità. La connessione molto particolare fra la politica e la performance teatrale nella Repubblica Ceca ha una lunga storia che comincia con il suo strano inno nazionale che evolve dalla domanda - "Dov'è la mia casa?" - presa da una commedia musicale del 19esimo secolo. Continua con i famosi e sovversivi drammi di Vaclav Havel del ventesimo secolo e la sua più recente manifestazione può essere trovata in queste performance al parlamento e negli autobus. Mentre il CorruptTour ci permette di avere un'esperienza del peggiore lato del "solito business" di corruzione e nepotismo (con la rete di suoi adepti, la mancanza di buon gusto e la spocchiosa arroganza) nella mecca del turismo di Praga, rivelando un universo parallelo di cui la gente è inconsapevole, lo spettacolo delle marionette del Ztohoven Parliament esplora la nozione del futuro alternativo essendo influenzato da una qualche forza morale sconosciuta. In entrambi i casi, comunque, si rivela una nuova forma di attivismo e arte "rivoluzionaria", che è sovversivamente opportunistica più che apertamente conflittuale. Usa business plan e discorsi morali e religiosi estremi piuttosto che critica, riflessione o visionarietà. Esso "riforma" la realtà generando eventi inaspettati che sono vicini agli esperimenti della fisica quantistica e alla teoria del caos con le ali delle farfalle piuttosto che essere semplici provocazioni.

The impressive effects of such actions can be partly attributed to the fact that they often leave a lot of room for individual interpretation and turn passive citizens into active actors by just physically witnessing and visiting certain sites. Art is turning politics into a type of liminal experience with parallel and alternative universes and futures, almost extra-terrestrial interventions that resemble a TV show like Fringe.

Gli effetti impressionanti di tali azioni possono essere in parte attribuito al fatto che lasciano spesso un sacco di spazio per l'interpretazione individuale e trasformano i cittadini passivi in attori attivi solo attraverso una testimonianza fisica e una visita ad alcuni particolari siti. L'arte sta trasformando la politica in un tipo di esperienza liminale con universi paralleli e futuri alternativi, ed interventi quasi extra-terrestri che assomigliano a uno show televisivo come Fringe.

Il CorruptTour ed il suo turismo politico ci ha aiutato a sperimentare la "bellezza" del nostro paese da una nuova prospettiva, e l'SMS novel che ha trasformato il parlamento ceco in una performance in tempo reale potrebbe essere l'inizio di una vera riforma morale. Dopo tutto, siamo nel paese del buon soldato Svejk, della Rivoluzione di Velluto - e la nostra nazione moderna è stato fondata in un teatro, quindi la speranza è che il nostro futuro politico sarà forse sempre parte di performance che mescolano ironia con entusiasmo, kitsch con cinismo. Queste opere sono, tuttavia, senza catarsi – e lasciano aperto il futuro e la scena politica incerta su quello che verrà dopo.
Forse è giunto il momento per una versione originale ceca di Anonymous?

Denisa Kera

The Futureplaces Impromptu All-Stars Orchestra - Poststop

2012-07-17T12:32:18+00:00

CD - Cronica Electronica
Questa uscita davvero godibilissima e originale è stata prodotta da Heitor Alvelos, Anselmo Canha e Marc Behrens, masterizzata da quest'ultimo insieme a Miguel Carvalhais, al termine di un workshop di due giorni e del successivo live, eventi tenutisi nell'ottobre 2010 nella città di Oporto , frutto delle feconde confluenze di Futureplaces, un digital media festival, spazio di approfondimento focalizzato sui temi delle tecnologie e della creatività. Il workshop è stato realizzato grazie anche alla partnership del MediaLab Prado “Neighborhood Science Network" e si è tenuto presso il CCStop, un centro commerciale dismesso trasformato in una comunità musicale. Durante questo periodo si sono alternati ai controlli sound-artisti, videomaker, manipolatori di vario tipo e sembianze, in una moltitudine di linguaggi musicali - insomma - che ottimamente faceva da substrato per le registrazioni. La performance finale, evento di chiusura dell'edizione, esplorava proprio l'idea che i nuovi mezzi di comunicazione diventano ancora più decisivi quando sono alimentati da una creatività contestuale, ricca di convergenze estetiche e aperta alla pluralità degli influssi e dei meticciamenti culturali. La selezione presente sul cd offre una panoramica realistica degli interventi, seppure abbondantemente arricchita rispetto al materiale audio originale. Oltre agli autori già citati scorgiamo tra i partecipanti l'ex Tuxedomoon Blaine L. Reininger (direttore artistico della manifestazione), @c, João Martins e Filipe Silva. Tutti valenti esponenti delle scene experimental ed elettroniche, una crew certamente da non sottovalutare.
Aurelio Cianciotta

Subpixel, poster pubblicitari 'de-pixelati'

2012-07-17T10:39:10+00:00

Non c'è più alcun dubbio che ogni centimetro di spazio pubblico diventi sempre di più oggetto di analisi per scrutare nei più microscopici dettagli il massimo potenziale per attirare attenzione e quindi guadagno. In preda ad un amorfo modello di domanda e offerta, che può inavvertitamente condurre ad uno sterile cosmopolitismo visivo, lo spazio pubblico rimane una zona grigia dove si combattono

battaglie visive in lungo e in largo ogni minuto. Mentre la pubblicità è tutta troppo spesso un corridoio visivo a senso unico, un'efficace e condizionata imposizione di immagini, emerge tuttavia una serie di percepibili spazi vuoti in questa economia visiva, nella periferia di questo scambio visivo tra immagine e spazio. Lo strumento Subpixel del F.A.T. (Free Art and Technology) facilita la manipolazione di materiali stampati come per esempio le pubblicità nelle gallerie della metropolitana. Come affermano i suoi ideatori, Subpixel è "uno strumento realizzato a mano con acrilico tagliato al laser, elastici e nove lamette da barba", che possono trasformare "un piccolo spazio di una pubblicità metropolitana 'unidirezionale flusso incessante di merda' in un griglia di pixel adesivi otto per otto, per un'interazione bidirezionale con il pubblico". Con i nove rasoi paralleli, partendo da due tagli perpendicolari su una stampa si crea una griglia all'interno della quale gli utenti possono tirare via quadratini creando un trucco visivo - una nuova interfaccia visuale e interattiva - che gli originali autori del manifesto non avrebbe potuto immaginare (lo faranno, a questo punto?). Creando crepe in tutta l'economia dello spazio pubblico, Subpixel non è solo un occasione per riflettere sulla pubblicità e l'autonomia dello spazio pubblico, ma presenta anche opportunità di allerta per i passanti che possono ora interpretare un manifesto de-pixelato come un invito all'(inter)azione. Che il visual hacking abbia inizio.
Vicente Gutierrez

Belbury Poly - The Belbury Tales

2012-07-12T11:18:16+00:00

CD - Ghost Box
Sotto il moniker di Belbury Poly si cela lo sperimentatore e musicista Jim Jupp, head honcho della Ghost Box Music, etichetta della quale è stato anche co-fondatore. Il suono del britannico s'imprime piuttosto soavemente nelle forme di più influenze, ispirate dalla psychedelia, dal folk e dal progressive rock, anche se non mancano durante l'ascolto rimandi alla musica mediovale, a un elettronica eccentrica, agli anni sessanta e alle colonne sonore, in partiture a volte disorientanti, incerte ma molto suggestive e sci-fi. Sono synth analogici e fuzzy quelli che distinguiamo, chitarre elettriche dalle evoluzioni acidiche, cetre, ocarine e batterie autenticamente vintage. Il tempo sembra essersi fermato e un certo gusto exotic ed agreste fa ancora capolino fra i solchi, in maniera certo poco convenzionale. L'incedere è si nostalgico a volte, altre letterario, con armonie sovrapposte e voci, dove si mescolano electro-folk e pastorali soundscape, annunci in stile radiofonico d'antan e più intricati arpeggi. Occorrerebbe forse rispolverare come categoria quella degli "eccentrici inglesi", sempre buona quando ci si ritrova con opere che vengono da quella cultura ma risultano difficilmente classificabili, categoria assai utile anche quando s'indugia nel freaky e nell'illogicamente brillante. L'effetto complessivo tuttavia è sicuramente gradevole ed ammaliante, ad arte lacunoso e piacevolmente aperto ad ogni interpretazione, non chiaramente definito nelle intenzioni ma in fin dei conti assai creativo e "impastato". Se Belbury Poly voleva sorprenderci ci è riuscito perché la tensione delle melodie ci ha infine conquistato e non serve in questo caso analizzare se l'approccio sia rigoroso oppure il contrario.
Aurelio Cianciotta

Tom Johnson - Orgelpark For Chart: For Four Organs

2012-07-10T15:15:17+00:00

CD - Mazagran
È una composizione questa di Tom Johnson che per 50 minuti modula - utilizzando quattro organi - una singola nota, la chiave tonale "C", giocata fra varie ottave. L'effetto è decisamente ipnotico, cristallino e coinvolgente, perché nel minimalismo estremo la proposta è giocata su iterazioni sottili ma insinuanti, forti d'una cacofonia poetica che ci riporta ai pionieri della grande tradizione americana di musica ripetitiva e tonale. Cacofonia per Stravinkij significava "suono sgradevole, merce illegale, musica non ordinata" che in definitiva - secondo lui - non poteva resistere ad una critica seria. Il maestro russo - forte della sua autorità - si lamentava "degli snob che si vantano di avere una familiarità con il mondo dell'incomprensibile", "che non cercano la musica ma l'effetto sorprendente, la sensazione che sovrasta la comprensione". Tom Johnson probabilmente non sarebbe d'accordo e con lui tutta una schiera di musicisti moderni, avvezzi all'utilizzo di processi matematici e logici nella elaborazione di un'opera. Non a caso l'autore - che nasce stilisticamente alla scuola di Morton Feldman - conosce bene il potere dell'indeterminatezza nella musica. "Ho due buoni amici, compositori minimalisti che hanno scritto musica drone per molti anni: Phill Niblock e Radigue Eliane. Quando ho detto loro che avevo finalmente lasciato le mie melodie e le armonie metriche e stavo scrivendo un pezzo di una sola nota, erano molto sorpresi e compiaciuti. Come me del resto". Così s'esprime Johnson e siamo certi che il suo compiacersi sia autentico, un'operazione dettata dalla voglia di dar vita ad un blocco solido di suono, vibrante e maestoso.
Aurelio Cianciotta

Valentina Vuksic - Harddisko

2012-06-21T11:57:00+00:00

12" - Artkillart
Ad Artkillart - label experimental focalizzata in progetti che hanno come tema l'analisi e il detournamento di tecniche e procedure proprie dell'industria discografica - sono intenzionalmente avvezzi nel collaborare con sound-artisti "sedotti" dall'idea di esplorare i limiti dei supporti fisici tradizionali (cd, vinili, nastri…). Ricerca che non è nuova per Valentina Vuksic, concettuale manipolatrice il cui approccio alla tecnologia digitale viene modulato in Harddisko, apparecchiando crude e ritmiche concatenazioni auditive, sequenze variabili - essenzialmente - ottenute da sedici differenti hard disk, tutti menzionati nelle note illustrando esattamente le singole marche e i modelli. Amplificando le caratteristiche sonore peculiari di ciascuna unità, decisamente differenti per tipo ed esemplare, il risultato prodotto è un coacervo di gliccerie, bleep, click music e pattern fuzzy, la cui cattura è precipuamente effetto dei meccanismi stessi e delle emissioni elettromagnetiche raccolte in forma di sostanza ancora "musicale", quindi con una valenza anche estetica, senza forzare tuttavia i dispositivi, che sono lasciati a una grezza trasposizione dei meccanismi, avulsi oramai da una qualsiasi funzionalità. Anche la splendida confezione - una custodia di plastica nera e antistatica, sigillata con un adesivo e singolarmente numerata - riecheggia della singolarità delle propagazioni. Può capitare di non distinguere, come è successo al sottoscritto, riattivando il vecchio giradischi, quali fossero le effettive sonorità registrate e quali i disturbi dovuti ad una massa erroneamente scollegata, oppure di non accorgersi che la puntina sia finita già da qualche decina di secondi sul centrino del vinile (anche questo nero), quello che è da escludere - tuttavia - è che ci si annoi all'ascolto o che non si rimanga coinvolti dalle trame dipanate.
Aurelio Cianciotta

Vitor Joaquim - Filament

2012-06-19T11:12:45+00:00

CD - Knivitu
Iterate s’imprimono le sequenze, ibride nel connubio di melodiosi inviluppi e droni più sintetici, ambientali nelle tessiture dalle maglie dilatatissime e ipnotiche. Un senso di sospensione pervade l’intero progetto. “La nostra vita quotidiana sembra essere sempre più inquinata da messaggi d’ogni tipo”, dice l’autore Vitor Joaquim e “quello che non è intenso e tagliente non ha efficacia”. L’energia allora è riposta in forma rafferma, ancora sensibile di microvariazioni e respiri sommessi, famelica nei borbottamenti inquieti, attanagliante nel ricorrere ellittico delle scansioni, modulate nelle molte evoluzioni d’una sonificazione immanente. Come se una corrente elettrica attraversasse l’aria, la tensione di momenti brutalmente intensi pervade la narrazione. Sembra innaturale - allora - sottrarsi al continuum di una percezione costantemente attiva, sia in guisa di quello che è maggiormente convenzionale oppure oggetto di devozione. Marcando efficacemente spazi non-lineari, pregni di trasalimenti auditivi e dalle molte sfumature e pulsioni, “Filament” s’imprime all’attenzione con un sofisticato e inquieto appeal sperimentalista, mai convenzionale o povero di suggestioni. Nella predisposizione degli elementi assai rarefatta, intensa e spettrale, sono bene integrate le microemergenze auditive e le successioni ricorrenti, così come le astrazioni sembrano prevalentemente percorse da sottili disturbi macchinici. "Abbiamo ancora i nostri cuori a sentire ciò che batte e che cosa significa. Non abbiamo bisogno di spingere al confine di noi stessi ad ogni momento", ascoltare più attentamente può rivelarsi allora la giusta risposta.
Aurelio Cianciotta

Yannis Kyriakides - Airfields

2012-06-14T15:54:14+00:00

CD - Mazagran
Immedesimandosi nella suggestione che si possa tradurre un'immagine aerea in suono Yannis Kyriakides utilizza a questo scopo immagini satellitari provenienti da varie fonti. "Ho spesso pensato alle mie composizioni come ad un ambiente musicale dove si possa vagare in un lasso di tempo relativamente aperto, quindi l'idea d'utilizzare una mappa di uno spazio fisico come diretta analogia di una partitura musicale è diventato il punto di partenza per il lavoro". L'idea è quella di di tracciare una sorta di movimento con velocità variabili, in maniera tale che le armonie si dissolvano una nell'altra, assecondando orbite ellittiche, assai oscillanti ed eteree. In "Airfields" il compositore greco è abilissimo nello spazializzare i differenti apporti, ben distribuiti fra gli strumenti tradizionalmente solisti (violino, clarinetto basso, pianoforte, violoncello, flauto) e i calibratissimi apporti elettronici. Kyriakides - del resto - non è nuovo nel fondere più tecniche, utilizzando svariati media digitali e fonti sonore, esplorando strutture narrative composite e assai ibride. Implicitamente anche adesso, nel continuum delle dodici brevi composizioni, si rincorrono le voci elettroniche, in maniera non uniforme, sospesa, vedute d'ipotetiche istantanee siderali e immaginifiche. Il delicato equilibrio tra acustica ed elettronica sembra in qualche modo dettato dagli interventi pianistici, a questi si sovrappongono droni molto immateriali e d'ambiente, sparuti echi e feedback, profondità orchestrali e suoni anche ritmici. L'effetto complessivo è avvincente e gli intrecci ci raccontano veramente di luoghi immaginari colti dallo spazio aereo.
Aurelio Cianciotta

Attilio Novellino - Through Glass

2012-06-12T18:04:29+00:00

CD - Valeot
Attilio Novellino è un musicista-sperimentatore originario di Catanzaro il cui suono è fortemente intriso adesso di un oscuro e intenso appeal cinematico, elaborazioni che riecheggiano nenie post-rock, dissonanze e melodie ambientali, unitamente a liquide ed intense sequenze, a droni e sensibili vortici auditivi. Soundscape melanconici, lussureggianti texture, toni cupi e fascinosi, frequenze statiche e più mobili riverberi. L'insieme sembra evolvere con cipiglio anche orchestrale, progressivamente nel corso delle 10 tracce in scaletta, annettendo alle elaborazioni chitarristiche, ai bassi profondi, ai confortevoli suoni di piano, anche field recording e pattern fluttuanti. Atmosfere che inducono l'ascoltatore ad una fruizione contemplativa ed emozionalmente partecipe, cristallina nel godere le ambientazioni, molto vivide e coerenti per resa stilistica. Da segnalare in questo progetto anche la collaborazione di Enrico Coniglio, proprio nella prima traccia "A footpath for night dancers", una delle più emozionanti dell'intero album. Guardando attraverso un vetro la realtà ci può offrire un più sottile gioco di trasparenze, può deformare o rendere più intensa una percezione. La somma dei dettagli di un ambiente è data allora dalla nostra capacità nel renderci disponibili al racconto, anche se questo a volte può assumere i connotati tipici d'una scelta stilistica precisamente determinata, fuorviandoci nel rapporto diretto con l'opera. Comunque il risultato è splendido e gli intrecci elettronici infine non possono che coinvolgere, trasportandoci in uno spazio astratto e idilliaco, ancora melanconico ma decisamente confortevole.
Aurelio Cianciotta