Todo refugio es una fantasía

Fabian Casas y los 107 Fulanos

2012-01-26T05:56:00.000-08:00

La segunda noche del encuentro “Poesía & Música” en el anfiteatro de Parque Centenario, hoy a partir de las 20.30 hs., presenta la interesante combinación entre las palabras del poeta, ensayista y periodista Fabián Casas —figura clave en la literatura contemporánea de Buenos Aires—, y el pop rock rústico y confesional de la banda platense 107 Faunos (foto) El encuentro de estos dos mundos, para nada separados ni distantes, resulta el eje central de atractivo de estos recitales, en un clima intimista y relajado, ideal para una noche de verano.

La semana próxima, en mismo día, horario y lugar, serán protagonistas el escritor platense Leopoldo Brizuela y la cantante y actriz Rosario Blefari, quién acaba de editar un flamante disco solista titulado Privilegio.

Fuente: airesbuenosaires.gob.ar

Los mundos posibles, lectura de cuentos breves

2012-01-26T05:46:00.000-08:00

El martes 31 de enero a las 19.30 hs en Mendel, Paraguay 5163, Capital Federal. Entrada gratuita.

Leerán:

Hernán Dardes
Giselle Aronson
Gabriela Cancellaro
Maximiliano Provenzani
Nicolás Ferraiolo
José Antonio Parisi
Saurio
Esteban Moscarda
Fabián César Casas
Gilda Manso

III Premio de Nanorrelato - Bases de la convocatoria

2012-01-10T19:48:00.001-08:00

1. OBJETIVOS
Taller de Escritores convoca su III Premio de Nanorrelato, con el objetivo de impulsar la creación de relatos literarios de longitud mínima.

2. ENVÍO DE NANORRELATOS
Todos los escritores que lo deseen pueden presentar uno o varios nanorrelatos, que enviarán exclusivamente a través de la sección PARTICIPA del portal www.tallerdeescritores.com. Para ello completarán sus datos personales y adjuntarán un único fichero Word con sus nanorrelatos, que deberán estar escritos en castellano y tener entre 1 y 10 palabras de longitud, incluidas las correspondientes al título. Los nanorrelatos deberán ser originales e inéditos, y no haber sido enviados a las anteriores ediciones del premio. El tema es libre. Las únicas comunicaciones personales que se llevarán a cabo con los participantes serán para informar al ganador del fallo del premio.

3. PLAZO
El plazo para el envío de nanorrelatos comenzará el 1 de enero de 2012 y acabará el 29 de febrero de 2012.

4. JURADO
El jurado estará compuesto por los profesores de Taller de Escritores, y tendrá la facultad de declarar desierto el premio si considera que ninguna de las obras presentadas posee la calidad suficiente como para obtenerlo. El fallo del jurado se hará público a través de la página web de la escuela.

5. PREMIOS
Se otorgará un único premio, de 300 euros, al mejor nanorrelato. Cualquier coste de envío del premio al ganador correrá a cuenta de éste. Todos los nanorrelatos finalistas serán publicados en la página web de la escuela.

6. CESIÓN DE DERECHOS DE AUTOR
Los participantes aceptan ceder los derechos de publicación y comunicación, no exclusivos, a Taller de Escritores, en cualquier tipo de soporte y medio.

7. ACEPTACIÓN DE ESTAS BASES
La participación en el concurso supone la plena y total aceptación de estas bases.

8. DIFUSIÓN DE ESTAS BASES
Taller de Escritores autoriza la difusión de estas bases a todo aquel que desee comunicarlas, siempre que respete la forma en la que aparecen.

Washington Cucurto: “Somos frágiles pero independientes” - Ezequiel Alemian

2011-12-18T05:11:00.000-08:00

Fuente: Revista Ñ

La editorial Eloísa Cartonera, con sus libros en tapas de cartón comprado a los cartoneros y pintadas a mano, fue un ícono de la crisis. “Damos un beneficio a la sociedad, libros buenos a $ 6”, afirma Cucurto, uno de sus fundadores.

La editorial Eloísa Cartonera surgió en uno de los momentos más movilizadores de la crisis, cuando las asambleas estaban en auge, se multiplicaban los clubes del trueque y la irrupción de los cartoneros sensibilizaba a los porteños. La particularidad de la confección de sus libros (fotocopiados y pegados a mano en tapas de cartón comprado en la calle) y su venta, en la calle, la convirtió en una suerte de ícono estético de la época. Con el paso de los años, Eloísa Cartonera ha venido construyendo uno de los mejores catálogos de literatura latinoamericana contemporánea, con un nutridísimo abanico de autores, donde se mezclan ya consagrados con muy jóvenes y con clásicos redescubiertos: Hugo Vizcarra, Martín Adán, Glauco Mattoso, Dani Umpi, Pedro Lemebel, César Aira, Mario Bellatin, Jorge Mautner, Gonzalo Millán, Luis Luchi, Alan Pauls… Y el emprendimiento se ha ido formalizando, convirtiéndose en cooperativa. A partir de Eloísa Cartonera, experiencias similares se han multiplicado por todas partes, y hoy en el mundo existen casi cincuenta editoriales cartoneras.
El proyecto Eloísa Cartonera tiene casi diez años de vida. ¿Qué queda hoy de toda esa década?
Antes que nada, en lo personal, la enorme felicidad de que en ese momento haya aparecido algo así en mi vida. Es un proyecto en el que aprendí muchísimas cosas: me transformó, cambió mi filosofía de vida. Le estoy muy agradecido a Eloísa Cartonera, al cartón, a la literatura. También queda el desarrollo del cooperativismo, que en los años ‘90 estaba completamente relegado, y a partir de la crisis empezó a darse en el marco de una reactivación de economías alternativas, precarias, siempre muy frágiles. El cooperativismo no va a salvar al mundo pero es muy útil para mucha gente que necesita aprender a organizarse, a autogestionarse. Para nosotros, el proceso que hicimos de convertirnos en cooperativa ha sido muy valioso. Nacimos con la crisis, y ahora que la cosa parece estar cambiando, seguimos. Somos una suerte de sobrevivientes.

¿Con qué idea surgió Eloísa Cartonera?

Surgió en octubre de 2002, como Eloísa latinoamericana. Era una editorial que tenía la intención de difundir escritores de la región. Todavía no usábamos cartón, pero ya estaba la impronta de lo que un año después sería Eloísa Cartonera: editar rápido, por propia cuenta, relacionándose con los autores a través de vínculos de amistad, vender uno mismo. Estas eran todas características que ya estaban en Ediciones del Diego y en Belleza y Felicidad. Eloísa Cartonera sería impensable sin esas editoriales, nace de ese movimiento alternativo. Al comienzo hacíamos libros breves, sencillos, pero en un momento el papel y la imprenta empezaron a costarnos cada vez más caros, y decidimos hacer los libros con el cartón de la calle y con lo que tuviéramos a mano. Javier Barilaro fue el creador de la imagen de Eloísa Cartonera. Fotocopiábamos el original en hojas que doblábamos al medio, de no más de un cuadernillo, y les poníamos una tapa de cartón que pintábamos a mano. Al poco tiempo se nos sumó Fernanda Laguna, muy importante por el empujón de inspiración que nos dio con Belleza y Felicidad, y porque nos ayudó económicamente a alquilar un local y a poner una pequeña galería. Los libros que hacíamos los vendíamos en la calle, en el local, en Belleza y Felicidad, en el Centro Konex, y en cualquier lugar donde hubiese un evento cultural.

Cuando los libros empezaron a circular, se habló de una “estética cartonera”. ¿Reconocés la existencia de tal cosa?

A mí me parece que el libro es el contenido, ¿no? Me parece. Siempre hemos hecho hincapié en los libros por su contenido. El soporte de cartón, la época histórica en que surgió el proyecto, el trabajo con los cartoneros, puede ser que todo eso agregue un plus. En el precio, en el tema de pintar los libros, de recortarlos, en las formas de confección, de distribución, también puedo reconocer algo “cartonero”.

Y en el “contenido” de algún libro: ¿hay una “estética cartonera”?

No. No creo que exista una cosa así. Pienso que cada texto del catálogo tiene su estética, y muchos incluso son anteriores a la crisis.

El proyecto recibió críticas en el sentido de que estetizaba la pobreza…

Sí. Pero nosotros no estetizamos nada, simplemente re utilizamos el cartón de las calles y hacemos libros. Nos vinculamos con personas como nosotros; nos reunimos para hacer algo. Nos hemos agrupado, estamos legalizados. Acabamos de comprar una hectárea en Florencio Varela, donde pensamos aprender tareas vinculadas con la agricultura y levantar una sede para la cooperativa. Algunos editores han dicho que nuestros libros son feos, pero a la gente le encantan. Hay muchas formas de hacer las cosas. Hacer las cosas bien no sólo significa ser prolijo. También significa ser económico. Yo me pongo muy contento cuando compro un libro que me gusta a tres pesos, en una librería de saldos o de usados. Me siento agradecido con esa librería.

¿El proyecto se sostiene con las ventas?

Crear una economía alternativa es algo complejo. Pero los libros siempre se vendieron bien, así que toda nuestra inoperancia, y nuestra falta de experiencia, quedaban cubiertas por eso. La venta de los libros fue lo que nos empujó todo este tiempo. Al principio nos sorprendió la manera en que se vendían. Ya tenemos más de 200 títulos. Hemos hecho cosas en conjunto con instituciones. Un par de libros con Alemania, otros con la Embajada de Brasil, con la de Noruega. Coediciones. Nunca hemos recibido nada del área de cultura; sí tuvimos apoyo oficial como cooperativa, en la misma medida que lo reciben otras. Nos han dado papel, por ejemplo. Y hacemos talleres que nos pagan, en ferias de libros provinciales. Somos diez personas que vivimos de esto, con sueldos bajos. Siempre trabajamos sobre el límite, pero una cooperativa tiene que brindarle un beneficio a la sociedad. Nuestro beneficio son nuestros libros: con Eloísa Cartonera cualquiera puede leer un muy buen libro por seis pesos. Nuestra economía sigue siendo muy frágil pero seguimos manteniendo la independencia.

Fuente: Revista Ñ

Jesus - Enrique Rivas

2011-12-16T18:19:00.000-08:00

Enrique Rivas nació en Capital Federal un 1 de abril de 1979. Vivió toda su vida en la ciudad de Temperley. Actualmente intenta estudiar la carrera de Letras en la Universidad de Lomas de Zamora. Escribe poemas, cuentos y novelas.

Jesus integra el libro de cuentos Los nietos del carnicero es su primer libro publicado por Editorial Funesiena. El libro puede comparse o ser descargado en formato .pdf

Pasen y lean.

Joaquín dibuja a Jesus desnudo y con los huevos y la verga colgándole hasta las rodillas. Y yo le digo: está copado. Porque es cierto, Joaquín dibuja muy bien. Debería haber sido artista. Pero no. Ahora es Contador Público, egresado de la Facultad de Ciencias Económicas de la Universidad de Lomas de Zamora. A todo esto, Joaquín tiene tetas. Subdesarrolladas hinchazones como las de mis compañeras de séptimo grado. Por supuesto que nunca se las vi, ni a Joaquín ni a mis compañeras de séptimo grado. Joaquín nunca se pone en cueros adelante mío. Adelante mío ni de nadie. Mis compañeras tampoco. Aunque en las vacaciones de verano, que las pasamos callejeando el barrio desierto y derretido desde las dos de la tarde hasta la hora de cenar, Joaquín transpira tanto que la remera se le empapa de agua y se le adhiere a la piel rojiza tipo matambre, entonces se la despega con las puntas de los dedos y la sacude como cuando sacudís una servilleta para deshacerte de las migas de pan. Son dos protuberancias del tamaño de una pelotita de golf. Son sus tetas. Joaquín es mi amigo, así que no me río. Hubo otros pibes, que no eran sus amigos, que sí se rieron y Joaquín los tuvo que cagar a trompadas. Uno por uno. De Joaquín aprendo que hay momento de tu vida que la única salida es la violencia. Que la violencia es el único medio que tenés para hacerte respetar. Por supuesto que esto sólo funciona con pibes del tamaño de Joaquín. Joaquín es gordo y grandote como la heladera Siam de mi abuela. Me leva una cabeza, Joaquín y la heladera Siam de mi abuela. La piel de Joaquín es blanca y tiende a enrojecerse al menor esfuerzo, ya sea caminar o correr. Además sufre de asma. Por eso las tetas y su tendencia a engordar. Por culpa de las corticoides me dijo una vez y nunca más lo volvió a decir, Joaquín toma corticoides. En realidad se las inyectan.

Joaquín vive en la esquina, a una casa de distancia de la mía. Y nos vemos casi todos los días, luego del colegio. A la hora del almuerzo. Joaquín no es mi compañero de séptimo grado, vamos a distintas escuelas. Es mi amigo. Mi primer amigo del barrio. Y aunque siempre hay otros pibes con nosotros, no todos son amigos como Joaquín y yo. Cuando llamás a Joaquín también me estás llamando a mí. Y cuando me invitás a mí sabés que caigo con Joaquín. Así es la cosa. Nacimos en el mismo año pero no somos del mismo signo zodiacal. Es más, cuando nací yo, la madre de Joaquín vino con Joaquín en brazos a visitar a mi vieja luego de que le dieran el alta. Así que Joaquín es unos meses más grande. Nuestros viejos se conocían desde mucho antes de que alguno de nosotros naciéramos. De hecho, el terreno adonde los abuelos de Joaquín construyeron la casa se lo vendió mi abuela, que antes de ser abandonada por mi abuelo le remató los tres terrenos y se quedó con toda la plata. Que, para colmo, se la gastó enseguida. Mi abuela representa al pie de la letra ese refrán qeu dice que no hay peor cosa que una mujer despechada. O por lo menos eso decía mi viejo que decía mi abuelo.

Joaquín dibuja un Jesús desnudo y con los huevos y la verga colgándole hasta las rodillas. Y yo le pregunto:

—¿Me lo regalás?

Y Joaquín me dice que no.

Joaquín tiene once años y su hermanito Felipe murió de pulmonía apenas cumplidos los cinco. Felipe también era gordito, de piel colorada, y tomaba corticoides y un montón de cosas peores. Encima, a Felipe lo vivían internando en la Clínica Temperley, a seis cuadras de casa. La Clínica Temperley ahora no existe, al igual que Felipe. Felipe nunca salía ni siquiera a la vereda. Por su enfermedad y porque era más chico que nosotros. Felipe murió en el invierno de 1987. Tres años antes de que Joaquín tuviera once años y dibujara un Jesucristo crucificado, completamente desnudo, y chorreando más sangre de la que un ser humano normal puede chorrear. Aunque se supone que Jesucristo no es un ser humano normal. Por lo menos eso es lo que tratan de enseñarnos en las clases de catecismo, los sábados por la mañana, bien temprano. Demasiado temprano para un sábado a la mañana. Con Joaquín compartimos las clases de catequésis y vamos a tomar la comunión el mismo día; un sábado de Noviembre de 1990. A la tarde, por suerte.De lo único que hablamos cuando lo paso a buscar y caminamos esos cincuenta metros hasta la iglesia, es de lo que nos vamos a comprar con la plata de las estampitas. De Joaquín aprendo que está bueno esto de que te paguen por enseñarte algo. Aunque sea un cuento.

—Unos guantes —le digo.

—Yo una camiseta de Independiente —me dice.

Además de huevos y vergas colgando hasta las rodillas, Joaquín dibuja casas arrasadas por el fuego, huracanes, terremotos, catástrofes, gente descuartizada, bombas cayendo desde el cielo, esqueletos jugando al fútbol con una cabeza humana y un montón de cosas así. Cosas que si las hiciera alguien como Dalí tendrían otro significado.

Pero no, las hace mi amigo Joaquín, entonces el único significado que le podés encontrar es el que tiene. Por mi parte, dibujo un arquero debajo de los tres palos preparado para que le pateen un penal. Nada del otro mundo, por eso nunca voy a prosperar en el campo de las Bellas Artes. Lo sé porque años más tarde incurso en el campo de las Bellas Artes y abandono a los pocos meses. Más allá de un arquero preparado para que le pateen un penal no se me ocurre dibujar otra cosa. Con Joaquín dibujamos en el cuadernito verde de veinte hojas que nos dieron para las clases de catecismo, en la Parroquia Sagrado Corazón de Jesús. Dibujamos los sábados a la mañana, bien temprano, demasiado temprano, mientras la maestra de catequesis, una muchacha que se parece a una vieja bruja machona, se para delante de un pizarrón y nos habla sobre cosas que, por más esfuerzo que haga, no puedo retener. Entonces no puedo contarlas. Pero no son muy distintas a cielo, dios, paraíso, pecados, etc. El cuadernito de tapa verde tiene una frase en cada página, o una cita bíblica, que no ocupa más de tres líneas, el resto de la hoja está en blanco. Supuestamente para que lo completemos con lo que nos dicta la catequista. Es en ese espacio vacío donde Joaquín dibuja a Jesús desnudo y con los huevos y la verga colgándole hasta las rodillas y yo dibujo mi arquero, que bien podría ser un tipo sentado sobre un inodoro pero sin inodoro. Nos ubicamos en el fondo de un pequeño cuarto que funciona como aula y Joaquín a cada rato me muestra sus dibujos. Sus obras de arte. Y me dice que le muestre el mío, pero yo le digo que todavía no está, que le faltan unos retoques. Y es cierto. Tardo tres clases, tres sábados, en terminar mi arquero. En la semana ni por asomo abro el cuaderno, de otro modo lo habría terminado antes.

Al cuarto sábado Joaquín ya se acabó todas las hojas del cuaderno. Cuando la catequista lo ve sin nada sobre la mesa le pregunta adónde está tu cuaderno, y Joaquín, haciéndose el santo, le dice que se lo robaron los chicos de Acción Católica. Que le pegaron y le robaron la mochila. Mentira. Joaquín no usa mochila. Pero odiamos tanto a los nenitos de mamá de Acción Católica que mentir sobre ellos es algo que bien vale la pena. La catequista, que no puede creer que los chicos de Acción Católica sean capaces de semejante cosa, le dice que más tarde le consigue otro cuaderno, que por ahora se limite a escuchar. Y Joaquín le dice que sí. Pero no se limita a escuchar, me pide el dibujo. Mi dibujo. Y me dice que hace cuatro sábados que estoy con el mismo dibujo, que debe ser malísimo, que me dedique a otra cosa. Así que le doy el trazo final a mi arquero de dos metros (más de metro y medio representan sus piernas) y le paso el cuaderno. Joaquín lo mira, sonríe y agarra un lápiz. O agarra el lápiz, lo mira y sonríe. Es todo tan rápido que no sabría decir. Y no más de un minuto después me devuelve mi arquero: ahora tiene el pelo largo como Jesús, un par de cuernos de toro y los huevos y la verga colgándole hasta las rodillas.

—Así está mejor —me dice y se dedica a mirar el pizarrón. Y es cierto.

Cinco días antes de tomar la comunión, Joaquín va a estar a punto de que yo le patee un penal y a él también algo le va a colgar, pero no hasta las rodillas.

Fue así.

Si de algo somos fanáticos, Joaquín y yo, ese algo es el fútbol. Pero hay dos problemas, dos problemas que te pueden arruinar la infancia. El primero; ninguno de los dos sabe jugar. Joaquín tiene mala puntería, es demasiado bruto y además se agita enseguida. Por consiguiente, lo único que hace es dar órdenes. Pero nadie lo escucha. Joaquín lleva la pelota, una Tango 86 de cuero y del color de la luna, pero eso no te autoriza a darle órdenes a nadie. Aunque eso Joaquín no lo sabe. A mí me tocó la parte menos cansadora: soy arquero. Siempre quise jugar de 9, pero como conozco mis limitaciones me autoboicotié y me refugié en el arco. Tiene su lado positivo: no transpirás y sos el más solicitado. Como ningún pibe quiere atajar, siempre te eligen a vos. Tengas o no tengas refejos. Tengas o no tengas manos. Para colmo, y como maldición, de las decenas de pibes que conocemos y que nos conocen, todos saben jugar perfectamente al fútbol. Menos Joaquín y yo, claro está. Quizá por ese motivo preferimos jugar solos. Y he aquí el segundo problema: dónde patear. Los tres lugares más concurridos son el Club ECA, el campito y la Parroquia Sagrado Corazón de Jesús.

El Club ECA es un club para militares, que aunque nunca vimos ninguno, dicen que fue fundado por militares. Tiene tres canchas de fútbol; una de once y dos de papi. Además hay cuatro de tenis, un enorme buffet, una piscina y todo el resto es un parque donde preparar picnics. Para entrar tenés que ser socio. Joaquín y yo no somos socios. Muchos de los que entramos saltando los alambrados no somos socios. Entrar no es el problema. El problema es poder terminar un partido en paz. Porque si encontrás una cancha vacía y te ponés a patear, al rato aparecen los nenes vestidos de blanco y te hacen echar o te desafían a un partido. Los nenes vestidos de blanco son los nenes socios que visten como los tenistas: zapatillas, medias, shorts y chombas blancas. Los nenes socios de blanco, además de jugar muy bien (y de nunca manchar sus ropas), son unas mantequitas, así que a la primera patada fuera de tiempo empiezan a gritar como nenas malcriadas. Y tras sus gritos no sólo vienen sus padres (también vestidos de blanco) sino que aparece el seguridad (Joselo) y nos raja con el dedo índice señalando la puerta. La patada fuera de tiempo mayormente la da Joaquín.

El campito ya es otra cosa. Otro mundo. Queda a tres cuadras al fondo y en realidad no es un campito, nada tiene de campo, pero lo llaman así. Desde tiempos remotos que lo llaman así, todo porque esa calle no está asfaltada. Es un terreno abandonado, angosto y largo, sin césped, de tierra seca y tiene dos arcos de distintos tamaños fabricados con palos de luz. Palos de luz con astillas. De eso te das cuenta cuando sos arquero. El único problema del campito es que la cancha siempre está ocupada por vagos con barba y bigotes. Y por más que les supliques, no le hacen partidos a los nenes como nosotros.

La Parroquia Sagrado Corazón de Jesús, la que está a cincuenta metros de casa, en la que hacemos catecismo y en la que vamos a tomar la comunión, además de un templo tiene una canchita de fútbol. De lija. De eso te enterás cuando te hacen ful y tus rodillas quedan como dos semáforos en rojo. Y su problema es que para jugar (los fnes de semana, que es cuando uno realmente quiere jugar), tenés que ser miembro de Acción Católica. La gente de Acción Católica ocupa la cancha durante todo el santo sábado y todo el domingo. Podés entremezclarte con la gente de Acción Católica y simular ser uno de ellos, pero si no entendés de lo que se habla en catequesis, los sábados a la mañana, temprano, demasiado temprano, menos vas a entender de lo que se habla y se canta acá. Es como saltar de la primaria a la Universidad.

Así que con Joaquín terminamos pateando en la calle. Pero a cada rato estás gritando, ¡auto!, y tenés que parar el partido. Y el público deja de cantar, de agitar las banderas, y el locutor se va a hacer algo mejor. No se puede jugar así.

Fue mi idea. Nunca fui muy brillante que digamos, y la única vez que lo fui, Joaquín casi se queda sordo. No fue mi culpa, en todo caso, fue culpa de Dios. Me pasa a buscar un lunes a las dos de la tarde. Cinco días antes de que tomemos la comunión. Cae con la Tango 86 y debatimos, como todos los días de nuestra corta existencia, sobre dónde ir a patear. Que al ECA no porque nos echaron ayer. Que en el campito te fajan. Que en la calle es imposible porque los vecinos quieren dormir la siesta y te golpean la persiana para que dejes de festejar. Le digo de ir a la iglesia. Joaquín me recuerda que está cerrada. Que los lunes la Iglesia cierra, al igual que las panaderías y las peluquerías y que no queda ni el tipo que vive ahí. Al tipo que vive ahí lo llaman Párroco, aunque en realidad se llama Mario. Ya sé, le digo. Y le explico que la gracia es esa. Entrar a la parroquia y tener la cancha para nosotros dos durante todo el día. Podemos hacer el arco-arco más interminable de la historia. Joaquín se entusiasma. Y cuando Joaquín se entusiasma el mundo y todo lo que hay adentro es tuyo. Así que el lunes a las dos de la tarde enfilamos para la iglesia, con la pelota bajo el brazo.

La iglesia tiene el templo en el medio y a sus costados hay dos rejas de distintas medidas. La más grande, y la que siempre está abierta, salvo los lunes, es por dónde ingresa el párroco Mario en su Ford Falcon verde. La otra es una reja del tamaño de una puerta común y corriente que nunca se abre y que linda con la pared de la casa vecina. El portón no linda con ninguna pared sino con una alambrada recubierta por arbustos que pinchan. Por eso preferimos la puerta pequeña. Joaquín manda la pelota por encima de la reja, pero como nunca puede contener su fuerza la pelota da dos piques y se va para el fondo, bien lejos. Así que ahora no hay marcha atrás. Yo entro primero. Joaquín me hace pata y me trepo al paredón vecino, de ahí gateo unos metros por la cornisa y en vez de bajar usando la reja de escalera, no, me tiro como quien se tira del trampolín de una piscina. Caigo de culo y pego un grito inconsciente. Caigo sobre el pasto, pero el pasto duele tanto como el cemento. Joaquín primero me dice que me calle, callate, que nos va a escuchar la Tana (la Tana es la vecina, que siempre escucha todo). Luego se empieza a reír burlonamente al mismo tiempo que me levanto y me aprieto el culo con las dos manos como cuando te estás cagando encima. Por supuesto que nunca me cagué encima, pero estuve apunto. Todos estuvimos apunto en algún momento de nuestras vidas.

—Apurate —le digo.

Joaquín no puede. No puede subir al paredón y tampoco puede trepar a las rejas. Para colmo, cuando se agarra de los barrotes, el portoncito se le mueve hacia adentro y hacia afuera y hace un ruido a caño de escape rasguñando el asfalto. Luego de varios intentos Joaquín consigue la cima. Ahora sólo falta que salte. Lo que le va a llevar varios intentos más. No lo voy a ver saltar porque salgo corriendo hacia el fondo, agarro la pelota y me pongo a patear al arco vacío. Estoy emocionadísimo y no me importa que el sol brille tanto que pateás la pelota al cielo y no la ves ni subir ni bajar porque los rayos se la devoran y luego la escupen y recién te das cuenta donde cayó por el sonido que hace al picar en el cemento de lija.

—Pateame un penal —me ordena Joaquín cuando aparece corriendo. Está en shorts y tiene dos raspones verdes-rojos-tierra en ambas rodillas. Pero no le duele. Nada te duele cuando hay emoción. A mí tampoco me duele el culo. Y según Joaquín, perder media oreja tampoco duele. Por lo menos no al principio.

—No, vamos a jugar un arco-arco —le digo.

Y no sé por qué (nunca sabremos por qué), pero Joaquín se acomoda debajo del arco que le da el sol. En el otro hay sombra, porque detrás hay una pared, pero vino corriendo y se acomodó en este. A mí me da igual. Lo veo que hace visera con la mano derecha y no veo nada más. Pongo la Tango 86 en lo que alguna vez fue un puntito pintado con pintura amarilla y tomo distancia. La distancia más larga que podés tomar así que pateo el penal más fuerte que podés patear. Le di tan fuerte que apenas la pelota despegó del suelo perdí el equilibrio y me caí de culo y quedé mirando el cielo celeste y despejado como de dibujo animado. Al mismo tiempo que mi culo reventaba contra el cemento escuché un sonido a alambre sacudirse y luego silencio. Antes de reincorporarme, Joaquín me dice:

—La colgaste.

Pero lo dice con un tono débil, casi afónico. En un momento lo desconocí. ¿Es Joaquín? Cuando me levanto veo que está de espaldas, mirando el alambre que da a la otra casa vecina, como si el alambre le estuviera hablando. Hipnotizándolo. Con la mano izquierda se tapa la oreja. Y mientras me acerco descubro que por entre los dedos le chorrea sangre. Litros de sangre que forman una especie de río desde sus dedos hasta el codo, y desde ahí hacia el piso. Me enganché, dice, y se mira la palma de la mano ensangrentada. El pabellón de la oreja izquierda le está colgando como si fuera un arito extraño. O un audífono de carne. Y sangra. ¿Duele?, le pregunto, porque es lo único que me sale preguntarle.

Joaquín vuelve a taparse la oreja y me dice que no con la cabeza. Pero al mismo tiempo enfila hacia la salida. Yo lo sigo detrás y veo que en el recorrido va dejando gotitas de sangre. Su mano izquierda es roja. Cuando me le pongo al lado veo que tiene lágrimas en los ojos, aunque no llora. Por suerte salta el enrejado en el primer intento y sale corriendo. Yo tardo un poco más, y cuando estoy del lado de afuera, gritándole esperá, esperá, ya no lo encuentro. Sólo están las gotitas; en la tierra, en el pasto, en la vereda y en el medio de la calle. Parecen las líneas limítrofes de los mapas geográficos.

En su casa Joaquín se desmaya. Sus viejos lo suben al Renault 9 y lo llevan al Gandulfo, donde le suturan la oreja. Después le preguntan, tanto los médicos como sus padres, cómo se hizo eso. Casi perdés la oreja, qué pasó. Joaquín les dice que lo mordió Polo. Polo es un perro policía de la otra cuadra que de vez en cuando salta el paredón y muerde al primero que tiene cerca. A mí y a Maxi (uno de los tantos pibes que se juntaba con nosotros) nos mordió una vez. Nos clavó los dientes como si fuéramos un churrasco. A mí en el brazo. A Maxi en los talones. Polo era más rápido que cualquiera. Por lo menos fue más rápido que Maxi y que yo. Dos días después, el padre de Joaquín lo envenena. Pasa por la puerta de la casa de esta familia que nunca sale a la calle y tira un pedazo de carne por encima del paredón. El pedazo de carne con vidrio molido adentro. Pero antes de que el padre de Joaquín despida a Polo, a Joaquín le dan la antirrábica.

De todo esto me entero al otro día del accidente. Joaquín tiene la oreja recubierta por un vendaje blanco. Dice que escucha bien, que lo único que siente es una pinza enganchada a su oreja. Algo así como un broche electrificado. Y me dice que vayamos a buscar la pelota. Así que vamos a la casa vecina de la iglesia y recuperamos la Tango 86, pinchada. Y no sabemos si se pinchó porque dio contra una rama de los tantos árboles del jardín o si la pinchó el viejo con un tenedor. A la noche siguiente Polo va estar revolcándose de dolor durante largas horas. El sábado tomamos la comunión, pero antes, por la mañana, tenemos que ir a confesarnos. Va a ser la primera y única vez en mi vida que me confiese. De Joaquín no tengo idea. Dos o tres años después ya no nos vamos a juntar más simplemente porque la gente suele no juntarse más.

Paso a buscar a Joaquín y vamos a confesarnos, cláusula ineludible para que tomes la comunión y recibas un pago por meterte un pedacito de pan y un traguito de vino en el estómago. Joaquín sigue teniendo el vendaje, siempre bien limpio porque su madre se lo cambia cada dos días. Dice que le queda para una semana más. Joaquín me cuenta cómo es una oreja cosida porque se la vio al espejo. Yo no puedo imaginar cómo es una oreja cosida, pero sí puedo contar cómo luce una oreja colgando. Porque la vi.

Entramos en la parroquia. El padre Mario ya está adentro. Cuando ves el Ford Falcon estacionado cerca de la canchita de fútbol es porque el padre Mario ya vino y está rezando o haciendo rezar a la gente. Esperamos en la puerta de la casita. Si a los once años fumara, me estaría encendiendo un cigarrillo mientras me apoyo en la pared y espero como el galán que espera a su chica. Pero no, para empezar a fumar me faltan dos años, todavía. El padre Mario no nos toma la confesión en el templo, que está adelante, sino en la casita del fondo, que tiene habitaciones por todos lados y que un par de años después va a tener dos pisos. Tampoco nos hace pasar a ningún confesionario de madera típico de las películas sino que nos hace tomar asiento en un cacharro cualquiera y él se sienta enfrente, en una silla con respaldo de felpa.

Y te pregunta:

—¿Cómo te anduviste portando?

Cuando salgo, entra Joaquín. Lo espero. Y como tarda bastante me pongo a mirar a los chicos de Acción Católica que están sentados formando un círculo en medio de la canchita. Una de las chicas, la más grande, toca una guitarra criolla y los otros y otras aplauden y cantan algo sobre un niño. Que el niño esto y que el niño lo otro. Cantan, cantan y cantan. Encima afinan.

Al ratito aparece Joaquín al lado mío.

Y le pregunto:

—¿Cuánto te dio?

—¿A vos? —me repregunta.

—Un Padrenuestro y un Avemaría. ¿A vos?

—Nueve Padrenuestros y siete Avemaría. ¿Cuál era el Avemaría?

—Ave María, llena eres de gracia, el señor es contigo...

—Ah, ése.

—¿Y por qué tantos? ¿Qué le dijiste?

—La verdad. Que le rayé el auto.

Mucho no le creo, porque Joaquín, en el fondo, es medio mentiroso, pero cuando enflamos para irnos a probar el pantalón de vestir, la camisa, la corbata y todo eso que debemos ponernos al atardecer, Joaquín me hace pasar junto al Falcon Verde y me señala una cruz que le hizo a la puerta del conductor con una piedrita. Un par de horas después ya somos oficialmente cristianos.

Hermandad - Gilda Manso

2011-12-14T13:17:00.000-08:00

No era un perro, eran cientos. Llegaban de golpe, con pasos tranquilos, y se instalaban en la calle como si alguien les hubiera avisado que ahí serían bienvenidos, aunque en realidad no fueran bienvenidos en ningún sitio. Falta espacio o sobran perros callejeros, nunca nadie supo bien.

Había perros de los más variados tamaños, colores, pelajes y temperamentos, pero todos coincidían en tres cosas: la mirada honda, como de muy atrás, mezcla de resignación y cemento; la costra de mugre que les cubría el cuerpo hasta formar rastas rígidas y eternas; y un extraño porte, un extraño andar que imponía respeto a quien se detuviera a observarlos, como si de adentro de ese combo de miseria, hambre y apaleamientos que era la vida hubieran logrado rescatar, vaya uno a saber cómo, una dignidad que estaba más allá de todo.

El barrio era demasiado básico; no había belleza en ningún rincón. Todo tierra, madera vencida y enfermedades. Los chicos jugaban en la vereda hora tras hora, y seguramente ése sería el mejor recuerdo que habrían de tener años más tarde, cuando la adultez los sorprendiera por siempre pobres, todo tierra, todo madera vencida, todo jirones. Los perros se tiraban al sol con actitud de nada, como esos viejos que sacan la silla a la puerta sólo porque no hay mucho más para hacer, o seguían a los chicos del barrio en sus juegos interminables, pelota, escondida, rayuela, mancha estatua, como espíritus guardianes, como compañeros de lo que no hay. Y cuando el Cocho Requena salía a la calle, los niños huían hacia sus casas y los perros se quedaban donde estaban, porque no tenían dónde ir.

El Cocho Requena había sido comisario mucho tiempo atrás, en épocas más férreas, y lo fue hasta que alguien le puso punto final a su manía de derrochar balas sobre cuanto cuerpo vivo se le cruzara; el Cocho Requena era un cocorito que llamaba la atención, y eso no es bueno en un círculo en donde lo que vale es la sutileza con la que se atropella a los menos afortunados. El Cocho Requena era un peligro de soberbia, gritos y vanidad fálica, y en un parpadeo lo dejaron sin comisaría y con una villa a su disposición, para que descargara allí (allí y en ningún otro lugar) su furia de erróneo ex dios descendido a mortal.

El entretenimiento preferido del Cocho Requena eran los perros. Alguna que otra vez se dio el gusto de pegarle a los pibes que jugaban en su vereda hasta, en ocasiones, dejarlos inconscientes, incluso un viernes de marzo le disparó a uno, pero a la gente no le gustaba eso, y cada vez que un pibe llegaba a su rancho llorando porque el Cocho le había pegado un botellazo en la cabeza o una piña en el estómago, todo el barrio se rebelaba y le arrojaba llantas prendidas fuego por la ventana de su casa. Entonces decidió jugar con los perros, ya que no eran de nadie y nadie se atrevería a dar la cara por ellos, porque la gente pone su vida en peligro con tal de defender a sus hijos, pero nadie se va a arriesgar a interponerse entre el Cocho Requena y un perro callejero.

Los perros sabían que si el Cocho Requena aparecía, alguno iba a ligar algo malo: patadas, palazos, botellazos; el que más caro la había pagado había sido el marroncito, un perro que era rengo desde que el Cocho Requena le había baleado una pata. Los perros se escondían uno detrás de otro, ladraban, a veces uno se animaba e intentaba morder el tobillo del ex comisario hasta que entendía que eso sólo le haría ganar un golpe extra, y no podían hacer nada más. La gente miraba desde adentro de sus casas, los pibes lloraban, y ahí terminaba el juego. Así era dos o tres veces por semana.

Se ve que ese día el Cocho Requena estaba especialmente rabioso por algún motivo desconocido, porque cuando salió a la calle, llevaba en sus manos un bidón de gasolina. Los perros se escondieron donde pudieron, pero uno viejo, blanco con manchas negras, uno de los perros más antiguos del barrio, no se despertó a tiempo de su siesta de anciano al sol, y sólo abrió los ojos cuando sintió el líquido en su cuerpo, y nadie sabe qué horrores vivió cuando el Cocho Requena tiró el fósforo encendido sobre la gasolina que lo empapaba. Cuando llega la muerte uno ya debería estar muerto; pero el perro estaba vivo y tardó demasiados minutos en morir quemado.

El barrio quedó inmovilizado. La cara de los pibes era puro terror, y la cara de los grandes era impotencia, dolor, angustia e indefensión. Como siempre pero peor, porque esta vez hubo fuego, y aullidos, y mucho olor a gasolina, a pelo chamuscado, a perro quemado vivo.

Y esta vez y como si alguien les hubiera dado la orden de ataque que estuvo dormida toda la vida, los perros, los muchísimos perros, se abalanzaron sobre el Cocho Requena con la furia de todos los animales del mundo y no le dejaron espacio para la huida; eran perros pero también fueron leones, tigres, jabalíes, hienas, elefantes, buitres y toros, y voltearon al Cocho Requena y le arrancaron la piel y le arrancaron los ojos y le desfiguraron la cara y le masticaron las piernas y le masticaron los brazos y le hicieron todo lo que se le puede hacer a un hombre hasta que éste muere. Y no descansaron hasta que no quedó nada entero en el cuerpo del Cocho Requena, y no descansaron hasta que no quedó nada vivo en el cuerpo del Cocho Requena.

Luego, agotados, se tiraron al sol. Estaban exhaustos.

Entonces la gente salió de sus casas, de a poco, con tachos de agua y restos de comida.

Había que alimentar a los perros.

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Gilda Manso (23 de abril de 1983) es escritora y periodista. Se desempeñó como redactora, correctora y cronista en medios gráficos y digitales. Publicó los libros de cuentos Primitivo ramo de orquídeas (Libros En Red, 2008) y Matrioska (Malas Plabras BUks, 2010). "Hermandad" obtuvo el 2º puesto en el XVII Concurso de Cuentos Leopoldo Marechal (Argentina, 2010), e integra Matrioska.

Caníbales y exploradores - Ana María Shua

2011-12-14T12:25:00.001-08:00

Los caníbales bailan alrededor de los exploradores. Los caníbales encienden el fuego. Los caníbales tiene la cara pintada de tres colores. Los caníbales están interesados en el corazón y el cerebro, desprecian la carne tierna de los muslos, el resto de las vísceras. Los caníbales ingieren aquellas partes del cuerpo que consideran capaces de fundir en ellos las virtudes que admiran de sus víctimas. Los caníbales se ensañan sin goce en su banquete ritual. Los caníbales visten las prendas de los exploradores. Los caníbales, una vez en Londres, pronuncian documentadas conferencias sobre los caníbales.

Los sonidos del silencio - Daniel Freidemberg

2011-12-14T08:53:00.000-08:00

Fuente: Suplemente Literario Télam

No fue un vate romántico ni un cultor del misterio el que lo dijo, sino el mayor desmitificador que ha tenido la poesía argentina, Leónidas Lamborghini: “El poeta es el Prometeo que arrebata la palabra al silencio”. Como el titán que en el mito griego robó el fuego a los dioses para traérselo a los humanos, el trabajo poético tiene que ver, para el autor de “Las patas en las fuentes”, con el riesgo: meterse en zonas extrañas para trasladar algo candente y vivo a otro lugar, donarlo. Pero no es a la lengua a donde va a buscar las palabras sino al silencio, a lo que yace sin forma reconocible ni lugar en la sociedad. No son las palabras ya conformadas y con un sentido aceptado las que importan, sino las que vienen de la ausencia de palabras. No vienen tanto a instalar algo entre los discursos sino en el terreno de lo que no está dicho y que necesita hacerse presente de algún modo.

Como si las del poema fueran palabras recién nacidas, como si surgieran de una imposibilidad de decir o fueran un intento de dar palabra a aquello que no tiene palabra para ser dicho. Entre las muchas funciones que poetas y teóricos asignan a la poesía, me importa esa: decir algo que percibimos y no sabemos bien qué es, extraer de las palabras su capacidad de decir otra cosa que lo que dicen siempre. Avanzar sin resguardo: la experiencia del místico que, como San Juan de la Cruz, entra al silencio y la oscuridad para llegar a Dios, fue muchas veces comparada a la de quien hace poesía, y hasta la de quien la lee. No se trata en este caso de una experiencia completa en sí misma, como la del místico, ni aquello que buscan las palabras es Dios, pero la propia realidad del mundo y de la vida es lo suficientemente esquiva y huidiza para quien no se resigna a resolverla en fórmulas tranquilizadoras. Juan Gelman, que leyó mucho a los místicos, me dijo hace casi veinte años: “Lo que pasa es que hay, creo yo, una cualidad del lenguaje, de la poesía en particular, por la cual las palabras dejan más cosas en silencio que dichas. Cuando las palabras logran decir lo que dicen y además decir lo que no dicen, y de esa manera logran callar lo que dicen. Bueno, San Juan de la Cruz es un tipo así... para mí sería un ideal llegar ahí.”
Me quedó muy grabado ese modo de ver la cuestión, que permite apreciar mejor cuál es la apuesta a la que responden escrituras tan jugadas como las de Mundar o Atrásalante en su porfía, y que Gelman tomó de su amigo, el gallego José Ángel Valente. Gran poeta, autor de deslumbrantes estudios sobre la poesía mística, Valente escribió: “esa palabra [poética] que pone en tensión máxima al lenguaje entre el decir y el callar. La palabra dice así lo que dice, a la vez que dice lo que calla”. A lo que Gelman agregó: “también calla lo que dice”. Algo hay que no está dicho atrás de lo que aparece dicho, o alrededor, o en los modos de trabajar la palabra más que en sus significados, o en las evocaciones que vienen con las palabras, y en la posibilidad de “decir” eso que no se dice está lo bueno de la poesía. Y en lo que se calla, lo que la poesía se niega a decir para que brille por su ausencia: bien puede un poema decir con claridad y sin dudas muchas cosas, a veces muy interesantes o valiosas, pero habría, además, otra cosa, callada pero presente, y es lo que más debería importarnos. Tal vez ahí esté la diferencia entre la poesía que se asume como tal, y como tal se juega, con el discurso versificado que circula como “poesía” para pasar el rato.

Fuente: Suplemento Literario Télam

Un blog que nuclea el imaginario literario de Buenos Aires 2011 - Leticia Pogoriles

2011-12-13T18:41:00.000-08:00

Fuente: La ciudad captada
Foto: Ricardo Watson

El proyecto "La ciudad captada" se perfila como un blog colectivo que consolida la Buenos Aires literaria versión 2011 donde más de cincuenta jóvenes escritores se largaron al ruedo para escribir textos a partir de fotos actuales de la ciudad, con la heterogeneidad porteña como signo de los tiempos que corren.

La idea es simple: a cada imagen se le sumaron algo menos que mil palabras. "Es un proyecto social que involucra a mucha gente para hablar de la Buenos Aires de hoy. Se ha escrito muchísimo pero lo que más nos entusiasma es ver qué pasa ahora, cómo se ve, cómo la ven.", cuenta a Télam su ideólogo, Ricardo Watson, director de Eternautas, un grupo de historiadores que realizan tours por la ciudad.

Tras una convocatoria abierta, Eternautas recibió cientos de fotografías de la ciudad, en blanco y negro, en color, del archivo personal y del familiar. "Son fotos que no tienen lo obvio con lo que enseguida identificas a Buenos Aires, salen de lo turístico", aclara Watson, quien se encargó de la edición.

El paso siguiente lo dieron los escritores contemporáneos que -entre una selección previa- eligieron para escribir "sobre lo que les disparó la foto", explica Watson, que desde hace doce años pilotea recorridos porteños, contando historias sobre sus personajes, su arquitectura y cómo los procesos políticos, socioculturales y económicos se traducen en la ciudad.

Escritores contemporáneos como Rafael Spregelburd, Fernanda García Lao, Natalí Tentori, Laura Escudero Tobler, Jimena Repetto, Juan Marcos Almada, Juan Guinot, Victoria Bayona, Hernán Ronsino, Alejandra Zina, Ricardo Romero, Daniel Link, Oliverio Coelho, Ariel Magnus, Santiago Llach, Agustín Mendilaharzu, Esther Cross son algunos de los que sumaron sus textos breves a una imagen.

Y así se gestó algo así como una versión 2.0 condensada en un blog (laciudadcaptada.blogspot.com) retratando nuevas voces, personajes e historias de la ciudad que en otras épocas sirvieron de inspiración y marco a obras de escritores canónicos como Jorge Luis Borges, Ernesto Sabato, Roberto Arlt, Baldomero Fernández Moreno, David Viñas, Silvina Ocampo, Andrés Rivera y Juan Gelman.

Alrededor de 55 textos ya fueron posteados en este mar virtual. "Lo que más me impactó es la devolución, que no tiene nada que ver con lo que imaginaste con la foto. Aparece una variedad de personajes en las mil Buenos Aires, gente de la city y de la villa en todo tipo de situación: violentas, idílicas y súper románticas.

Es un panorama variado", ilustra el historiador.

"Ese punto de vista congelado siempre nos pareció uno de los documentos más ricos para trabajar. El pasado de Buenos Aires. Ante la ciudad así captada necesitábamos valientes, no historiadores", presentan en el prólogo del blog.

Entre esos "valientes" aparece el texto "Fuera" de García Lao, inspirado en una fotografía Walter Canteruccio.

"Subimos al primer vagón y nuestra vida se aleja corriendo. El deseo de fugar nos inflama el apetito. Destrozamos las salchichas y vemos pasar el mundo. La ciudad es una hernia. Mi cuerpo se abrocha a Frida, víctima de una fiebre de felicidad. El ruido de las vías fluye por nosotros como una tenia sucia", escribe la autora de "Vagabundas".

El emblemático bar Británico fue la excusa para Franco Vaccarini que narra una breve historia sobre uno de sus habitúes, un hombre algo resentido e hincha de Racing. "Era un viejo alegre y lleno de vida, lleno de odio. Su odio no era venenoso. Me odiaba porque era joven, aunque un día me guiñó un ojo, me palmeó y me dijo: -Pibe, un día vos también vas a sufrir. Por eso te quiero".

Otro texto contemporáneo es el creado por Llach. En "Estani" recrea una serie descontrolada de mensajes de textos, que reproducen voces villeras. Y empieza así "19:30 hola estani guachi,, turro todo bien mi amol???; 19:35 mamor, miamorcito, vite el seme ese k te mande?; 19:41 ey guachin contestáááá!!!!", para luego explotar en una catarata de celos y odios pasionales.

Romero, un entrerriano nostálgico compara su Paraná natal con una Buenos Aires "de espaldas al río", apelando a ese frase casi mítica de cómo la geografía impacta en la gente. "Pero también arriesgo que, tal vez, el Río de la Plata está de espaldas a la ciudad. No por desprecio o rencor. No por indiferencia. Es su naturaleza", analiza paciente.

En "El Nudo", Ronsino se pone en la piel de un custodio de garita solitario y aburrido, algo obsesionado con una de las ventanas que tiene enfrente. "A la semana entendí lo que significaba esa frase: lo único malo es el tiempo. Porque no me dejaban tener ni radio ni televisión. El tiempo, entonces, era un animal desesperado. Me acechaba, incesante".

Zina compone en "En el medio de la ruta" una ruptura a partir de una instantánea de una pareja que se da la espalda en una situación cotidiana en la cocina. "No me imagino viviendo sin vos y sin los chicos. Tampoco sé cómo seguir con vos y con los chicos", escribe la autora de "Barajas".

En "El Puente", Nielsen utilizó la imagen de Ayelén Amorín para escribir una historia en un neuropsiquiátrico. "Los seres humanos formamos grupos. Los humanos sanos -remarca la palabra-.

En esos grupos podemos sobrevivir o triunfar. O, simplemente, existir, que es lo que hacemos casi todas las personas: ver pasar la vida desde un puente", contesta la doctora creada por este autor.

"La ciudad captada", donde la palabra escrita y las imágenes se unen para construir colectivamente un imaginario literario contemporáneo es un proyecto abierto y participativo, "sin fecha de vencimiento", aclara Watson, y con la posibilidad de recrear una y mil veces la vida de la Buenos Aires actual.

Fuente: Télam

La saga de Biorn - The Animation Workshop

2011-12-13T14:02:00.000-08:00

The Saga Of Biorn from The Animation Workshop on Vimeo.

Biorn, un viejo Viking, está decidido a llegar a Valhalla, el más allá de los guerreros lleno de consumo excesivo de alcohol y el libertinaje. Para acceder se tiene que morir con honor en la batalla, pero descubre que la muerte correcta no es tan fácil.

Vienen Bajando. Primera antología argentina de cuento zombie.

2011-12-12T21:00:00.000-08:00

Vienen bajando se autodefine como la primera antología argentina de cuento zombie. ¿Qué nos quieren decir los autores con esta nueva categoría propuesta? Son, seguro, cuentos que vienen a comernos el cerebro. Lo pueden descargar en la página del Centro de Estudios Contemporáneos en formato pdf, epub o mobi. Pasen y lean.

La realidad de la poesía - Diana Bellesi

2011-12-11T18:46:00.000-08:00

Fuente: Página 12
Imagen por: Pablo Donadio

¿Cuál es el miedo a la poesía? La hija subversiva y díscola de la lengua, con una pirueta de exceso y una demanda de pureza. Su acción es regenerativa, “naciendo, nacida siempre”, diría Eckhart. El poema nace en la violenta y amorosa acción que reclama a la lengua volver a hablar. Es por eso la poesía su hija pródiga. Revisa las leyes ordenadoras estancadas por la costumbre o por la hábil manipulación que intenta volverla un instrumento de domesticación, una cueva del mentir, una herramienta de poder para la explotación y la muerte. La emoción personal, herida, amordazada por vastos procesos de socialización non sanctos, se expresa aquí, y se desliga de condiciones como suelen hacerlo los versitos en la cancha o en las marchas cuando la ideología retrocede y el significante avanza, y este movimiento produce un temblor, una sensación de pérdida de la tranquilidad o de estar extraviados en la producción de un acto creativo sobre el que nadie tiene un control total. Ritmo y significado apelan al temblor del otro, a su inalienable poder creador.

Comunicación entendida como comunión. Cómo no habría de temérsele a algo tan deseado y tan prohibido. Le temen los poetas mientras lo buscan y escriben; le teme el lector, a quien han intentado masacrar con aquello de la letra con sangre entra; le temen las clases que dominan y sus instituciones de control; y las empresas del dinero, las que regulan y administran qué libros, qué voces llegan al lector, los que optaron largamente por la marginación de la poesía y aún lo hacen, aunque escucho aquel murmullo nuevo, aquella atención hacia el bocadito que se les escapa y molesta, capaz de resistir al autoritarismo y la masacre, al nuevo orden económico y a la tentación de ser bocado digerido porque de hacerlo perdería el género, es decir, la razón de ser, la realidad de la poesía.

Si devoran revoluciones y devoran vidas, ¿por qué no hacerlo con la hija díscola? Siempre lo han intentado con el arte, volverlo objeto de consumo, volverlo mudo. Sin embargo, lo salva su rechazo a la mediación, su reclamo por la cosa, aceptando sólo los artificios mínimos de representación y aun poniéndolos en duda constantemente. La cosa es el alma humana que reclama independencia y derecho de sentir, a expresar su relación con otros seres humanos y con el mundo entero. Donde algo se entiende y algo se escapa, donde algo se universaliza y algo es recinto misterioso de la propia interpretación. La poesía vuelve a vivir en la lectura siempre nueva de cada lector que se arriesga a mirar en las profundidades de su propia intimidad.

Este fragmento pertenece a La pequeña voz del mundo (Taurus), el libro de Diana Bellesi que reúne breves ensayos, apuntes y notas sobre la poesía escritos entre 1998 y 2010.

Fuente: Página 12

Un pasaje literario al Conurbano bonaerense - Elisabeth Contrera

2011-12-11T18:12:00.000-08:00

Fuente: Diario El tiempo argentino.

¿Existe realmente una literatura propia de la periferia de la ciudad? Contestan los autores Leonardo Oyola, Juan Diego Incardona, Luis Mey y Mariana Enriquez.

Una nueva generación de escritores nacidos y criados entre barro y asfalto, en el corazón del Conurbano, se asoma en las librerías. Autores que se corren de los caminos habituales de la literatura argentina para capturar historias más genuinas de aquello que sucede en los bordes. No más una literatura donde las localidades bonaerenses son terreno del visitante furtivo o paisaje eterno y triste.
+ De elecciones y recorridos comunes - Vanesa Guerra

+ La década del ’90 - Vanesa Guerra

Tiempo Argentino convocó a un grupo de escritores que eligieron esa senda de producción. Al momento de llegar la cronista, Leonardo Oyola compartía una cerveza fría con Juan Diego Incardona, mientras Luis Mey amortiguaba una tarde calurosa con un cortado. Sólo faltaba Mariana Enriquez que arribó minutos más tarde. Aunque algunos no se conocían entre sí, se tenían presentes por de haberse encontrado en las páginas del otro.
La consigna era reflexionar en torno a la literatura del Conurbano. Aunque al principio dudaron sobre la existencia de esa categoría, luego se convirtió en el motor de las reflexiones. Juan Diego Incardona (40 años) fue el primero en opinar. Ingresó al visor de la crítica literaria con su primer libro, Villa Celina, punto del partido populoso de La Matanza que lo vio caer y levantarse. Son 20 relatos donde tiene como personajes a La Chola, la curandera del barrio o Tino, el vecino eternamente vestido con los colores de Boca. “Si me muriera hoy, me quedarían muchas cosas por resolver, pero no la escritura, porque pude escribir sobre la Juanita, la Porota, mis hermanas”, dice satisfecho.
A Incardona no les gustan las etiquetas a la hora de analizar su trabajo, pero es consciente de esta línea literaria que nació 15 años atrás, con libros esporádicos, y que en el último tiempo derivó en un fenómeno “multitudinario”. “Generalmente, el Conurbano brillaba por su ausencia o aparecía como fruto de un viaje de alguien de la ciudad. Ese narrador tenía una mirada fascinada y temerosa sobre lo que se iban a encontrar”, analiza. “Hoy existen relatos de comunidad iluminados con distintas estéticas, mezclados con los intereses de cada uno, que dan cuenta de este universo mayor que es el Conurbano, tiene mayor autenticidad en la literatura y teniendo en cuenta que es la zona de mayor densidad demográfica de todo el país, era inevitable que surgieran”, describe.
Leonardo Oyola (38 años) arriesga una posible respuesta. “Por una cuestión generacional, es lógico que se empiece a dar importancia a este tipo de historias y más aun después de lo que pasó en 2001. Me fascina el delay entre el momento que lo llevás a la ficción y el momento en que pasó. Muchas de esas cosas estaban soslayadas, en nuestro imaginario, queriendo salir y el 2001 fue la mecha, lo que hizo explosión”, sostiene.
Oyola creció también en el oeste del Conurbano bonaerense, en la localidad de Laferrere. Su lenguaje literario es el policial y el género fantástico, su escenario es el Conurbano y su fuente, la cultura popular. Publicó varios libros, entre ellos, Siete & El Tigre Harapiento, y Chamamé, que recibió el premio Dashiell Hammett al mejor policial en la XXI Semana Negra de Gijón, un festival especializado en literatura policial y de género que desborda las calles y salas de la ciudad española.
Hoy es lectura segura también del mundillo comiquero. Su último libro, Kriptonita (por Random House Mondadori), imagina la vida de Superman si hubiera caído con su cápsula en Isidro Casanova. En este “universo alternativo”, a Clark Kent lo llaman “Pini” y no es un héroe solitario que lucha contra el Mal, sino que es el líder de una banda criminal integrada por versiones autóctonas de otros “superhéroes” clásicos como la Mujer Maravilla, Flash o Linterna Verde.
“El Conurbano es punta de lanza. Leerlo a Pablo Ramos, a Ariel Bermani, que son un poco más grandes que nosotros, leer al jefe (en referencia a Incardona), las leyendas de Mariana (Enriquez), el descubrimiento de Luis (Mey) genera una sensación de déjà vu. Retratamos desde zonas diferentes, pero todos tienen puntos de contacto con lo vivido, con lo que uno quiere contar”, define.
Luis Mey no proviene de los distritos populosos del conurbano profundo, sino que vivió en la zona norte del Gran Buenos Aires, en un barrio de clase media baja de San Isidro. Ese escenario determinó su producción literaria tanto como haber vivido la década del 90, que marcó el ritmo y el tono de sus historias. En Los abandonados primero y luego en Las garras del niño inútil, muestra a través del humor y la tragedia el efecto del menemismo en la vida social y la desintegración que genera.
“Escribir desde el Conurbano es un reaprendizaje de donde uno viene, esa vida intensa, donde hay que navegar río adentro. Lo que aprendí (en la universidad) venía de otro lado, de un lugar que no era el propio, pero el mío estaba lleno de historias”, resalta. “Tuve la suerte de haber crecido a 50 metros de La Cava y a diez cuadras de las Lomas de San Isidro”, agrega.
“El desafío de nuestra generación es reconocer esas historias, tomarlas e imponerlas. Sabemos que hay textos que históricamente se imponen y por ello, nosotros tenemos que ser muchos más sutiles y pulidos y encontrar el tono para que llegue a los demás, derribar esas fronteras que a veces creamos nosotros y a veces, los otros”, analiza. “Estamos reaprendiendo la forma de crear cultura, la forma de enseñarla, nosotros sabemos que la esquina en nuestros relatos es importantísima, es la famosa encrucijada donde puede pasar cualquier cosa”, remarca.
Mariana Enriquez (38 años) nació en la Ciudad de Buenos Aires, pero creció en Lanús, al sur del Conurbano bonaerense. En su novela Cómo desaparecer completamente, cuenta en forma cruda y áspera la historia de un joven que quiere escapar de una familia integrada por un cuñado dealer, una hermana con la cara desfigurada por un tiro, una madre empastillada y un padre que abusó de él durante años.
Por éste y otros tantos trabajos, fue invitada junto a Incardona a la 63º Feria del Libro de Frankfurt para debatir sobre este tema. “No sé si hay una literatura del Conurbano, pero sí hay obviamente escritores nacidos y criados en el Conurbano que están siendo honestos con dos cuestiones: la experiencia y la imaginación. A mi nunca se me hubiera ocurrido escribir sobre otro lado, es lo que conocí”, afirma. “No hay necesidad de camuflaje, de no escribir sobre nuestros lugares porque no son literalizables”, asegura.
Ella prefiere una literatura que devele los matices de un conurbano heterogéneo. “El otro día estaba leyendo Sangre Salada, que es una crónica de la Feria La Salada, de Sebastián Hacher y lo notable es que no está mostrando al Conurbano como un territorio de pobreza y de marginación, sino como un lugar floreciente. Lo que es interesante es que al ser tan diverso y tener tanta gente, es una literatura que me interesa leer. El Conurbano no es homogéneo, pese a que hay deseo del otro de homegeneizarlo, de mostrarlo como un territorio que está después del Riachuelo y que quiere tomar por asalto la Capital.

La década del ’90 - Elisabeth Contrera

2011-12-11T18:05:00.001-08:00

“La literatura del Conurbano no sólo focaliza otros escenarios y voces, sino que además muestra –y en algunos casos con un tono fuertemente autobiográfico– los efectos de la década del ’90 y el estallido de la crisis en 2001, que se convirtió en motor para la escritura. Vivir todo eso nos despertó. Fangio tenía una frase muy buena: ‘Lo que se pierde en la subida, no se recupera en la bajada.’ Podés tener un momento como este, de desarrollo social, pero es el momento de acelerar igual”, remarca Mey. “Creo que estamos más atentos, la gente no invierte en la bolsa según lo que dice el diario y los que se consideraban estadistas en tiempos de crisis, pueden volver con otros nombres”, advierte.
“Estamos atravesados por una cuestión generacional, es lo que nos tocó vivir, después sale de manera inconsciente. Allá, los pibes tienen un dicho que me gusta: ‘No lo pensás, lo hacés’”, suelta Oyola. “Hay una marca de como unos pasamos los años noventa y otros no”, ensaya Enríquez. “Yo la pasé mal. Mi familia nunca tuvo mucha plata y en los ’90 no la tuvo. Me parece que hay una cosa en común entre los libros, cero nostalgia de los años ’90. Hay una estética de nostalgia a la que tengo un rechazo totalmente epidérmico y que no está presente en estos libros. En 2001 hay un momento de que todos los demás cayeron en la realidad que yo vivía y allí surge la necesidad de contarlo”, remarca la escritora.
“Fue el peor momento de la post dictadura, se produjo el cementerio de fábricas, creció mucho la inmigración sobre el conurbano en el primer cordón en la búsqueda de trabajo y el suelo desapareció”, enumera Incardona. “La Villa Celina que aparece en mi relato hoy no existe. Los potreros no están, me tengo que meter más en el Conurbano profundo para encontrar el imaginario del campo y ciudad. Ahora ya es todo monoblock, no hay espacio, no es que todos nos conocemos con todos. Siempre se conservan las cuestiones culturales, pero cambió la cantidad de gente que vive en el lugar, eso empezó a ocurrir en los ’90. También hubo un proceso de marginación, cambiaron los códigos, las drogas, la violencia. No me gusta el estigma permanente del delito y el drama de la inseguridad, no le hace justicia, pero tampoco puedo negar que cambiaron las cosas”, reconoce.

Viene de: Un pasaje literario al Conurbano bonaerense

De elecciones y recorridos comunes - Elisabeth Contrera

2011-12-11T18:03:00.000-08:00

Todos coinciden en que escribir sobre el Conurbano fue un proceso natural, pero también hay una decisión al elegir el camino. Por ejemplo, Incardona arrancó con historias al estilo borgeano, pero luego volvió a sus orígenes.

Incardona: –Quizás tuve como un período más amateur, lo primero que empecé a escribir sí estaba ubicado en el barrio. No eran cuentos ni poemas, eran canciones. Había muchas bandas y yo tenía la mía y escribía las canciones, los temas eran del lugar. Cuando empecé a estudiar Letras, entré en un período de imitación de la alta literatura y no me di cuenta de que estaba desaprovechando la mejor biblioteca que uno tiene, la experiencia vital. Qué mejor manera que encontrar la verosimilitud, haciéndose fuerte en la capacidad de observación del mundo a través de los sentidos, la sensibilidad de cada uno y las experiencias. También hay una mirada prejuiciosa cuando atacan a la literatura del Conurbano pensando que uno se pone en un lugar de victimización, porque el Conurbano es pobre. Muchas de las representaciones en los libros son historias felices, la pobreza o la marginalidad puede estar filtrada por la mirada del niño. Ir a jugar al río Matanza entre los basurales era ser Tom Sawyer y Huckleberry Finn, era un lugar que no había peligro, no estaba la sensación del miedo. Ese sentimiento de mirar desde el drama y la inseguridad el borde no es del habitante del Conurbano, es la mirada del visitante. No llama la atención que en estos libros no aparezca tan fuerte el peligro, no es lo único que predomina, hay otras emociones que se combinan.

Oyola: –Si escribimos del Conurbano es porque estamos viviendo en la ciudad. Cuando vivía allá, las primeras novelas que escribí fueron policiales históricos ambientados en la ciudad. Estando allá es más cuesta arriba tratar de escribir sobre lo que pasa en el barrio, porque tenés que vivir allí. Cuando estás en la ciudad te vas juntando con gente que hace lo mismo y que puede entender que un problema tuyo sea no encontrarle la voz a tu narrador. Si vos estás allá y le decís a un tipo: “Mirá ando mal porque no le encuentro la voz al narrador”, el tipo te caga a puteadas, porque su problema es que no llega a fin de mes. Todos los que estamos acá estamos muy en paz con nuestra historia y orígenes, fuimos muy felices y somos honestos con nosotros mismos.

Mey: –La palabra clave es honestidad y el amor por el trabajo. Nos gusta ver esto como un laburo. Podemos no vivir de esto, pero hay cosas que contar, pero que se encuentran cuando te sentás a laburar. Además son historias muy dinámicas, entendemos que el tiempo vuela y la mayoría de la gente trabaja. No es literatura hecha para sillón, sino para leer en el tren, para la gente nuestra, con el reggeatón sonando de fondo.

Enríquez: –Yo me considero anfibia como escritora y sujeto social. Me gustan los bordes, ese borde es más profundo, penetra más y aparece con más frecuencia. En Lanús, vivía en el límite entre Valentín Alsina y Gerli, mi mamá es médica y mi papá es ingeniero, pero los dos nunca tuvieron plata. Eran los profesionales de un barrio de clase media baja, pero que estaban más arruinados que el kiosquero. Mi papá escuchaba ópera, pero yo jugaba con el hijo del verdulero. Eso me permitía tener muchos lenguajes simultáneos. Creo esa cuestión anfibia se produce en muchos lugares del Conurbano más que en capital, donde la mezcla es menos evidente.

Viene de: Un pasaje literario al Conurbano bonaerense

Feria del Libro Independiente y Alternativa

2011-12-10T02:02:00.001-08:00

Este 10 y 11 de diciembre se llevará a cabo la Feria del Libro Independiente y Alternativa 2011. El encuentro será en el Espacio Bompland (Bompland 1660, Ciudad Autónoma de Buenos Aires).
La FLIA es un espacio abierto y participativo donde escritores, editoriales independientes, artistas, organizaciones sociales, medios alternativos, artesanos y todo tipo de creadores se reúnen para compartir y difundir sus trabajos y esfuerzos. Es una feria sin ningún tipo de patrocinio, absolutamente gratis y abierta a toda la gente que quiera participar, no sólo compartiendo sus creaciones sino también ayudando en la organización de la misma.
Más información: info.flia@gmail.com

Precisión y asimetría - Entrevista a Rafael Spregelburd por Marina Locatelli

2011-12-07T20:41:00.001-08:00

Precisión y asimetría

Entrevista a Rafael Spregelburd

por Marina Locatelli

Referente ineludible de la dramaturgia actual, Rafael Spregelburd, como un verdadero hombre renacentista, es el autor de un universo único, tan extenso como lúdico. La suya es una cosmovisión en la que se conjugan el teatro y el mundo, el cine y la filosofía, la actuación y la dirección, las letras y la música, el humor y la crítica mordaz. El actor, quien actualmente está presentando su obra Apátrida… en el teatro El Extranjero, no escatima en generosidad a la hora de permitir el acceso a su mágico mundo.

La “Heptalogía de Hieronymus Bosch” es un proyecto sorprendente dentro del teatro argentino, ¿cómo surgió la idea de esta mega narración?

Siempre cuento que la idea no fue tal, sino más bien un vago impulso de reacción ante una situación extraña. Yo acababa de estrenar una obra bastante extraña, Raspando la cruz, y pese a que venía funcionando muy bien en un pequeño teatro, cuando se terminó nuestro brevísimo contrato no encontrábamos otra sala donde seguir haciendo funciones. Esta parece ser una constante en el teatro off de Buenos Aires. Las salas están más dispuestas a alojarte con un estreno incierto, aún no probado, que alojarte con una obra ya transitada, más macerada y que ya ha dado muestras de su eficacia y de sus posibilidades de llegar a más público. Las salas con las que hablaba miraban con desconfianza mis ganas de reestrenar, y en cambio me preguntaban si no tenía otra cosa nueva entre manos. Allí me di cuenta de que a los teatros, o al menos a quienes los programan, no les interesan los proyectos “posibles”, y que aquí sólo son factibles los proyectos imposibles.

¿Cómo encaraste el proyecto?

Decidí hacer la prueba con unos bocetos que venía trabajando, y diseñé una serie de siete piezas teatrales con intertextualidades varias, basadas en los siete pecados capitales y la pintura de El Bosco. Inmediatamente las salas empezaron a mostrar su interés en esto tan escandaloso y que ni siquiera existía. Las dos primeras obras, La inapetencia y La extravagancia, son breves y posibles; pero luego siguieron los peso-pesados, obras que me llevaron entre dos y tres años de escritura y ensayos cada una: La modestia, La estupidez, El pánico, La paranoia y La terquedad. Así es que nunca pude verificar si las siete obras en simultáneo aportaban realmente algo más al proyecto, que se extendió a lo largo de una docena de años. Tampoco es relevante saber si la totalidad en bloque es más “verdadera” que sus partes sueltas. Lo que sí se puede decir es que el medio y sus caprichos naturalmente condicionan las respuestas artísticas que uno cree estar dando con total libertad. Nunca es del todo así.

¿Aplicaste el mismo proceso creativo en cada obra?

No, pero sí hay leyes comunes, afinidades y repeticiones que hacen que el ciclo sea diferente de otras escrituras que fui haciendo en paralelo en esos años: la pérdida de un centro, la pasión por lo irrelevante y el infinito detalle, la reversibilidad de figura y fondo, la pérdida del diccionario simbólico de la modernidad… Éstas son algunas constantes de las siete piezas.

¿Cuál es la conexión que se establece entre ellas?

No es argumental, sino más bien lúdica. El juego consiste precisamente en descubrir cuál es el juego. Los espectadores atentos pueden detectar que lo que es irrelevante en una de las piezas, es retomado como relevante en otra de ellas. Y el orden en el que uno las leyera determinaría el paseo por ese laberinto hipernarrativo.

En muchas de tus obras, sino en todas, parecen conjugarse dos tendencias: una, si se quiere, más intelectual, relacionada con cuestiones filosóficas, de gran envergadura; y otra cercana a una estética más popular.

Sí, así es. Toda dramaturgia, y me atrevo a decir toda creación, implica un acto que une dos aspectos aparentemente distanciados de nuestra experiencia vital. El creador es quien tiene la pauta caprichosa, libérrima, que determina que en su obra dos elementos que pertenecen a marcos referenciales diferentes van a aparecer conjugados. Es la experiencia elemental de toda poesía. Cuando más distantes y más contradictorios sean esos elementos a combinar, mayor será la sensación de paradoja, que está en la base de toda búsqueda teatral. Las altas cuestiones filosóficas por sí solas no garantizan teatralidad; tampoco lo hacen la banalidad del mundo pop en el que vivimos sumergidos hasta las narices. Es la rara relación de lo uno con lo otro lo que me genera curiosidad.

¿Te interesa la hibridación de géneros, de lenguajes?

No sé si tenemos derecho a llamar hibridación a esto; yo más bien tiendo a pensar que es poesía.

Bizarra marcó un hito importante en la escena teatral porteña, tanto por la originalidad de la propuesta como por el éxito de público, ¿cómo surgió el proyecto?

Era la crisis del 2001. Muchos actores amigos de mi compañía o que habían tomado talleres conmigo compartían una marcada sensación de tristeza y de fin de los tiempos. Decidimos medio en broma organizar nuestra desesperación, ensayar sin mesura, diseñar por encima de nuestras posibilidades reales, y hacer de nuestro paso por esa época una fiesta, que es lo único que sabemos hacer en realidad. La obra empezó con 28 actores, y terminó con casi 50, sin contar a los invitados esporádicos. Fue un espacio de reunión espontáneo, signado por la tragedia que se vivía alrededor. No fue la única expresión de este tipo en aquellos años, en los que el público se lanzó curiosamente hacia los teatros alternativos de manera descocada. Estos teatros le ofrecían a la gente miradas no mediatizadas por intereses corporativos, por productores o por el estado, transmisor de sus propios mensajes propagandísticos. Así que de alguna manera involuntaria, Bizarra pareció reproducir un espíritu de suave anarquía que parecía imperar en el paisaje de entonces. Pero nosotros no teníamos, desde adentro, esta sensación de durabilidad. Pensábamos –como todos– que este país se disolvería rápidamente en nada, y que había que bailar sobre las ruinas, y seguir pensando en los escombros. Para el proyecto, y al igual que en muchas de mis obras, busqué elementos opuestos e inconciliables: lucha de clases y telenovela berreta; melodrama y pornografía; nacionalismo y anarquía; Lacan y figuritas coleccionables.

¿Cómo fue esta experiencia?

Superó todas nuestras intenciones; el público que se daba cita una vez por semana a ver la obra creó una suerte de tribu, de aldea suburbana, mezcla de psicoanalistas, rectores de universidades, tías abuelas, jóvenes actores, celebridades de la tele… La persistencia de la obra en texto y su continua lectura en diversos ámbitos, populares y académicos, así como su insólita proyección internacional se debe –creo yo– a que pese a haber funcionado como una antena coyuntural de una época rarísima, la obra es fiel a su mundo creado y lo sostiene con gracia autónoma. Pero creo que es definitivamente un país (unos espectadores, bah) lo que afirman este tipo de experiencias comunes. Para mi sorpresa, o no, una frase de Bizarra es hoy en día el slogan con el que marchan los artistas romanos que han tomado el Teatro Valle y que están a la cabeza de una profunda reforma teatral italiana, mientras su país atraviesa una crisis sin precedentes. O miento: tal vez la Argentina del 2001 sea su precedente. He visto fotos de Roma empapelada con esténciles que rezan: “Com’è triste la prudenza!” y me he puesto a llorar como un niño travieso.

La complejidad de las obras sugiere que en tu dramaturgia no hay nada librado al azar, que está todo diseñado milimétricamente. ¿Es esto así? ¿Disfrutas el proceso creativo?

Lo disfruto y lo padezco, claro. Supongo que igual que todos. La creación no se toma vacaciones, y esto a veces es un poco enloquecedor. Pero tampoco me veo trabajando de otra cosa que no implique entrar en procesos creativos complejos, inciertos y milimétricos. Hace poco, viendo esa maravilla de película que es la “Pina” de Wim Wenders, me di cuenta del funcionamiento contradictorio que más me convoca: quiero que mis procesos tengan una enorme precisión, y al mismo tiempo una evidente asimetría. Precisión y asimetría son –a mi entender- las claves del trabajo de Pina Bausch, y la de muchos creadores que me sirven de inspiración.

El lenguaje como mecanismo de construcción de ficciones y de realidades es un punto central en tus obras, al igual que la cuestión de la representación, ¿te parece que actualmente son temas insoslayables?

Lo son para mí. Sólo me interesa el teatro que produce lenguaje; que problematiza sobre las gramáticas con las cuales estamos acostumbrados a aceptar mansamente lo que nos imponen como real. Pero no siempre la historia del arte tuvo ese predicamento. Por eso hay modelos diverso, sobre todo en los clásicos, que es necesario revisitar si uno no quiere perder de vista que lo que estamos queriendo hacer lleva ya miles de años.

Sin ser un teatro eminentemente político, en tus obras se trasluce una visión crítica de la sociedad y del estado de cosas actual. ¿Es algo que buscas intencionalmente al momento de empezar a escribir tus obras?

Yo pienso que la política es la modificación de lo real, y no simplemente la charla sobre los temas de la actualidad. Por eso he tratado siempre de no abordar un teatro de “temas políticos”, salvo que estos aparezcan diluidos en las imágenes necesarias del mundo creado. Todo ejercicio extremo de lenguaje, de construcción de “texto”, debería hacer dos cosas a la vez: contar lo que narra –mi teatro es abrumadoramente narrativo, lo sé– y al mismo tiempo reflexionar sobre el lenguaje que arma esa narración. Porque así, con suerte, tendremos nuevas herramientas para entender que las narraciones del mal llamado mundo real, una construcción lingüística de los poderosos, son tan mentirosas, falibles o especulativas como las que puede ensayar un dramaturgo. “La realidad es la resistencia de las cosas a lo que se dice de ellas”, escribe Eduardo del Estal, y es por ello que en todo teatro que se asuma como político, la verdadera modificación que ejerzamos sobre lo real debe pasar por una zona de ejercicio de ampliación de lo pensable. Lo pensable a veces no es “correcto”, no es “moral”, no es “sano”. Pero es ineludible. Y todo teatro que, más allá de la forma elegida, no dialogue con su presente, con su futuro, está un poco destinado a generar banalidad.

¿De qué manera tu dramaturgia se vincula y de qué manera se aleja de la dramaturgia de la generación anterior a la tuya?

Me parece que la dramaturgia de las generaciones anteriores fue una dramaturgia muy fuerte basada en dos pilares fundamentales: lo político comprendido sólo como tema, como anécdota del relato, y lo simbólico como única forma de construcción poética. El teatro que debió pasar el filtro de la censura se volvió fuertemente metafórico, y reemplazaba una cosa (el poder espurio ejercido por la dictadura) por otra (una metáfora que lo simbolizara con claridad para el gran público, que era –afortunadamente– grande). Yo tiendo a pensar que el teatro de mi generación, en cambio no asume sólo lo metafórico como eje de construcción de teatralidad: a veces prefiere hablar de la cosa directamente, y no de un símbolo que la sustituya. Ninguno de estos dos teatros es mejor que el otro, sólo responden a maneras colectivas diferentes de dialogar con el presente.

¿Por qué elegís el humor como un recurso estructurante de la mayoría de tus obras?

No lo elijo. Es lo que hay. Depende de qué sea lo que observes como singular en la condición humana. A mí Hamlet me parece una obra muy cómica. No sé si es una tragedia. Más bien parece un relato ridículo, propio de ese paradigma beckettiano según el cual el destino del hombre ya no es el del trágico griego, sino el del ridículo moderno. Toda conexión de cabos sueltos que nunca antes habíamos visto unidos genera algo parecido a la risa. La risa es un reflejo exclusivamente humano. Los animales no ríen, ya que tienen una capacidad simbólica nula. Y, como sostiene Koestler, es un reflejo de lujo, tendiente a disolver las tensiones producidas en la razón por la aparición de una paradoja insoluble para el conocimiento. Humor y creación son –para mí- la misma cosa. Claro que no todos nos reímos de lo mismo. Yo, por ejemplo, nunca logro reírme de los chistes. Si alguien viene y me dice que me va a contar un chiste, ya la gracia se ha perdido. Me alerta sobre la incompatibilidad con la Razón de aquello que está a punto de contarme. Y allí desaparecen mis ganas de reír, ya que no tengo que resolver, por acto reflejo, casi nada.

Muchas veces te has definido principalmente como un actor, pero ¿disfrutas de igual manera escribir, dirigir y actuar tus obras?

No, claro que no. Lo que más disfruto es actuar. Allí es donde comprendo por qué me dedico al teatro. La escritura se me da como una necesidad para poder actuar con eficacia, suelo actuar sólo en obras mías, y la dirección es algo que padezco como una condena, dura pero necesaria. Cuando actúo, casi todo es placentero y razonable. De hecho, es por eso que últimamente acepto con una facilidad sospechosa actuar en cuanto film se me cruza en el destino: actuar en cine, para otros, con otras estructuras poéticas, es como estar de vacaciones de mí mismo. Y lo disfruto muchísimo, tanto en lo técnico como en lo creativo.

Después de La ronda, Música en espera, Historias extraordinarias, entre otras, ya sos un referente como actor cinematográfico, ¿cómo fue la transición entre el actor de teatro y el actor de cine?

Como soy el director de mi propia compañía, cuando hago teatro padezco el horrible destino de tener que dirigirme a mí mismo. Instinto, capricho y autosimilitud. En cambio, en cine soy muy dócil a los requisitos de otros creadores y siento que ese paso técnico por la pantalla me da elementos para crecer como actor, elementos que a veces no encontraría yo solo en mi propio teatro. La actuación en cine es técnicamente muy distinta de la que se da en teatro. Algunos actores de teatro formidables no logran jamás amigarse con la idea de la fragmentación, de la edición, de la mentira que ocurre en el cine. Yo, que soy muy metódico, me hallo con comodidad en ese disparate que implica cirujear un guión y empezar a construir tu presencia poética a partir de fragmentos muy incómodos, muy mentirosos. El cine me ha enseñado, sobre todo, a expandir mi registro actoral. En mis propias obras de teatro suelo actuar de neurótico con problemas; en el cine, en cambio, me han llamado para roles fabulosos, sobre todo por lo alejados de mi propia percepción de cómo debo actuar para ser verosímil.

Fuente: Revista Arte Críticas

Si yo pudiera morder la tierra toda... - Fernando Pessoa

2011-12-07T06:28:00.001-08:00

Si yo pudiera morder la tierra toda
y sentirle el sabor sería más feliz por un momento...
Pero no siempre quiero ser feliz
es necesario ser de vez en cuando infeliz para poder ser natural...
No todo es días de sol
y la lluvia cuando falta mucho, se pide.
Por eso tomo la infelicidad con la felicidad.
Naturalmente como quien no se extraña
con que existan montañas y planicies y que haya rocas y hierbas...
Lo que es necesario es ser natural y calmado en la felicidad o en la
infelicidad.
Sentir como quien mira. Pensar como quien anda,
y cuando se ha de morir,
Recordar que el día muere y que el poniente
es bello y es bella la noche que queda.
Así es y así sea.

Versión de Teodoro Llorente

en A media voz

Ocho segundos de Nicanor Parra - Roberto Bolaños

2011-12-06T10:13:00.001-08:00

Nicanor Parra - Página 12

Sólo estoy seguro de una cosa con respecto a la poesía de Nicanor Parra en este nuevo siglo: pervivirá. Esto, por supuesto, significa muy poco y Parra es el primero en saberlo. No obstante, pervivirá, junto con la poesía de Borges, de Vallejo, de Cernuda y algunos otros. Pero esto, es necesario decirlo, no importa demasiado.

La apuesta de Parra, la sonda que proyecta Parra hacia el futuro, es demasiado compleja para ser tratada aquí. También es demasiado oscura. Posee la oscuridad del movimiento. El actor que habla o que gesticula, sin embargo, es perfectamente visible. Sus atributos, sus ropajes, los símbolos que lo acompañan como tumores son corrientes: es el poeta que duerme sentado en una silla, el galán que se pierde en un cementerio, el conferenciante que se mesa los cabellos hasta arrancárselos, el valiente que se atreve a orinar de rodillas, el eremita que ve pasar los años, el estadístico atribulado. No estaría de más que para leer a Parra uno contestara la pregunta que se hace y nos hace Wittgenstein: “¿Esta mano es una mano o no es una mano?”. (La pregunta debe uno hacérsela mirando su propia mano.)

Me pregunto quién escribirá ese libro que Parra tenía pensado y que nunca escribió: una historia de la Segunda Guerra Mundial contada o cantada batalla tras batalla, campo de concentración tras campo de concentración, exhaustivamente, un poema que de alguna forma se convertía en el reverso instantáneo del “Canto general” de Neruda y del que Parra sólo conserva un texto, el “Manifiesto”, en donde expone su ideario poético, un ideario que el mismo Parra ha ignorado cuantas veces ha creído necesario, entre otras cosas porque para eso, precisamente, están los idearios: para dar una vaga idea del territorio inexplorado en el que se internan, y no muy a menudo, los escritores verdaderos, pero que a la hora de los riesgos y peligros concretos sirve de muy poco.
El que sea valiente que siga a Parra. Sólo los jóvenes son valientes, sólo los jóvenes tienen el espíritu puro entre los puros. Pero Parra no escribe una poesía juvenil. Parra no escribe sobre la pureza. Sobre el dolor y la soledad sí que escribe; sobre los desafíos inútiles y necesarios; sobre las palabras condenadas a disgregarse así como también la tribu está condenada a disgregarse. Parra escribe como si al día siguiente fuera a ser electrocutado. El poeta mexicano Mario Santiago, hasta donde sé, fue el único que hizo una lectura lúcida de su obra. Los demás sólo hemos visto un meteorito oscuro. Primer requisito de una obra maestra: pasar inadvertida.
Hay momentos en la travesía de un poeta en la que a éste no le queda más remedio que improvisar. Aunque el poeta sea capaz de recitar de memoria a Gonzalo de Berceo o conozca como nadie los heptasílabos y endecasílabos de Garcilaso, hay momentos en que lo único que puede hacer es arrojarse al abismo o enfrentarse desnudo ante un clan de chilenos aparentemente educados. Por supuesto, hay que saber atenerse a las consecuencias. Primer requisito de una obra maestra: pasar inadvertida.
Un apunte político: Parra ha conseguido sobrevivir. No es gran cosa, pero algo es. No han podido con él ni la izquierda chilena de convicciones profundamente derechistas ni la derecha chilena neonazi y ahora desmemoriada. No han podido con él la izquierda latinoamericana neostalinista ni la derecha latinoamericana ahora globalizada y hasta hace poco cómplice silenciosa de la represión y el genocidio. No han podido con él ni los mediocres profesores latinoamericanos que pululan por los campus de las universidades norteamericanas ni los zombis que pasean por la aldea de Santiago. Ni siquiera los seguidores de Parra han podido con Parra. Es más, yo diría, llevado seguramente por el entusiasmo, que no sólo Parra, sino también sus hermanos, con Violeta a la cabeza, y sus rabelesianos padres, han llevado a la práctica una de las máximas ambiciones de la poesía de todos los tiempos: joderle la paciencia al público.
Versos tomados al azar. Es un error creer que las estrellas puedan servir para curar el cáncer, dijo Parra. Tiene más razón que un santo. A propósito de escopeta, les recuerdo que el alma es inmortal, dijo Parra. Tiene más razón que un santo. Y así podríamos seguir hasta que no quedara nadie. Les recuerdo, de todas maneras, que Parra también es escultor. O artista visual. Estas puntualizaciones son perfectamente inútiles. Parra también es crítico literario. Una vez resumió en tres versos toda la historia de la literatura chilena. Son éstos: “Los cuatro grandes poetas de Chile/ Son tres/ Alonso de Ercilla y Rubén Darío”.
La poesía de las primeras décadas del siglo XXI será una poesía híbrida, como ya lo está siendo la narrativa. Posiblemente nos encaminamos, con una lentitud espantosa, hacia nuevos temblores formales. En ese futuro incierto nuestros hijos contemplarán el encuentro sobre una mesa de operaciones del poeta que duerme en una silla con el pájaro negro del desierto, aquel que se alimenta de los parásitos de los camellos. En cierta ocasión, en los últimos años de su vida, Breton habló de la necesidad de que el surrealismo pasara a la clandestinidad, se sumergiera en las cloacas de las ciudades y de las bibliotecas. Luego no volvió a tocar nunca más el tema. No importa quién lo dijo: La hora de sentar cabeza no llegará jamás.
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El “antipoeta” chileno Nicanor Parra fue anunciado como ganador del Premio Cervantes la semana pasada. Este texto de Bolaño fue prólogo del catálogo de la exposición de Parra en Madrid en 2001 y fue recopilado en el libro Entre paréntesis (Anagrama, 2004).

Fuente: Página 12

EDICIONES OUTSIDER ORGANIZA UN CONCURSO DE MICRORRELATO POR TWITTER

2011-10-15T07:08:00.000-07:00

Claudia Piñeiro, Eugenia Zicavo y Santiago Llach son los elegidos para formar el jurado del concurso que Editorial Outsider realizará en la red social Twitter durante la noche del 20 de octubre y que entregará un premio de $500 pesos al ganador. El mismo estará abierto para todos los seguidores de @ed_outsider.

Jueves 20 de octubre, entre las 20 y las 22hs
Twitter: @ed_outsider
Web: www.eloutsider.com.ar

Bases del Concurso
Pueden participar todos aquellos que tengan una cuenta en Twitter y que sigan a @ed_outsider en Twitter.

El desarrollo de este concurso se hará de la siguiente forma:

• Los participantes tendrán que escribir un microrrelato de temática libre que incluya el hashtag #desdeafuera.
• No valdrán aquellas respuestas generadas automáticamente con un Retweet (RT).
• Sólo se tendrán en cuenta las respuestas que se hayan subido con el hashtag #desdeafuera
• Todos los participantes, por el simple hecho de participar, aceptan las bases de este concurso y las normas que rigen su participación. Nos contactaremos con los ganadores vía Mensaje Directo en Twitter para pedir los datos de contacto necesarios.
• Este concurso se desarrollará en el territorio argentino y tendrá carácter voluntario y gratuito.
• El concurso se llevará a cabo el día jueves 20 de octubre entre las 20 y las 22hs. Y el resultado será informado el día viernes 21 a partir de las 20hs.

JURADO
• Claudia Piñeiro
• Eugenia Zicavo
• Santiago Llach

PREMIO
• El primer premio será de $500 en efectivo más tres libros de nuestra colección. Segundo y tercer premio: tres libros de nuestra colección.
• Ganarán el concurso los tweets elegidos por el jurado.
• Sólo podrán resultar premiados concursantes con residencia en Argentina.

CONDICIONES Y DERECHOS
El concurso no podrá declararse desierto.
Ediciones Outsider no será responsable del funcionamiento de www.twitter.com. Tampoco será responsable de su política de privacidad ni de los términos y condiciones de su política de protección de datos personales.
Ediciones Outsider se reserva el derecho de modificar las condiciones del presente concurso previas las oportunas autorizaciones o comunicaciones administrativas que correspondan. Ediciones Outsider se reserva el derecho de modificar la mecánica del concurso en caso de detectar fraudes reiterados por parte de los usuarios, y elegir el ganador por un método distinto.
Ediciones Outsider se reserva el derecho de efectuar cualquier cambio, suspender o ampliar este concurso siempre que exista una causa que lo justifique, incluido el incumplimiento de los niveles de participación previstos en el momento de elaborar el concurso, sin que ello suponga un deber de indemnización de ningún tipo.
La participación en el presente concurso de Ediciones Outsider supone la aceptación íntegra de estas bases así como la sumisión a las posibles decisiones interpretativas que pueda tener que hacer Ediciones Outsider en algún momento.

Biografía de la editorial
Outsider nace en 2010 con el objetivo de convertirse en un vehículo que permita que personas ajenas al mercado logren acceder a la publicación de su primera obra sin tener que pagar los gastos de edición, pretendiendo, de este modo, que el trabajo artístico sea revalorizado. Con este fin, hemos convocado a autores reconocidos que actuarán como “padrinos” de los escritores inéditos, aportando no sólo su punto de vista respecto de los autores aún no incorporados al sistema cultural y editorial contemporáneo, sino también cediendo los derechos de un libro de su autoría, para permitir que, con sus ventas, sea posible financiar la publicación de esos autores y otorgarle prestigio a la editorial, valor que se hará extensivo a los nuevos narradores.
Ediciones Outsider se presenta como una alternativa para estos escritores inéditos que, acompañados por escritores ya reconocidos, se aseguran una mayor presencia en los medios de comunicación. Además, al ser recomendados y apadrinados por un autor ya consagrado, crece el interés de lectores, editores y periodismo especializado, que tendrán la posibilidad de descubrir a un nuevo escritor de la mano de un autor consagrado.
El primer título de la colección Doble Mano fue El silencio del río/Los zumitas de Juan Martín Guastavino y Federico Jeanmaire, publicado en diciembre de 2010. Ese mismo año se editó la Antología Outsider 1, con cuentos y poemas de los participantes del ciclo que le dio origen a la editorial. Durante 2011 se publicará la Antología Outsider 2, que reúne escritores del mainstream, emergentes e inéditos.

Valeria Iglesias
Escritora, actriz y Licenciada en Lengua Inglesa. Publicó Papel Reciclado (poemas), Hilvanar la Angustia y Notas en el Refrigerador (plaquetas Color Pastel) y Oniria (Plaqueta PDD). Restos de Jukebox (Tocadesata, finalista iRojo 2007) y está escribiendo dos novelas. Colabora o colaboró en revistas Para Ti, Lea, LMDMV, Pistilo, Árbol, La Luciérnaga, Plebella y No Retornable. Coordina talleres de escritura creativa y es guía espiritual de emprendedores independientes. Compone y conduce Outsider (www.eloutsider.com.ar), show literario, con un montón de colaboradores logísticos y emocionales. Más info en su espacio virtual: www.absurdayefimera.com.ar.

Enzo Maqueira
Nació en Buenos Aires, Argentina, en 1977. Es licenciado en Comunicación Social, docente y escritor. Fue secretario de redacción de la revista cultural LEA y colaboró en diversos medios gráficos, como las revistas BePé (publicación oficial de la Comisión Nacional de Bibliotecas Públicas) y El Pasajero. Publicó El impostor (2011), Ruda macho (2010), Historias de Putas (2008), El Perseguidor de la Libertad (2004) y Cortázar, de cronopios y compromisos (2003). Es docente adjunto de la Universidad Argentina de la Empresa (UADE) y docente instructor de la Universidad CAECE, en donde dicta materias vinculadas a la comunicación social y la redacción. Además, se desempeña como co-editor de la colección de literatura y ensayo “Filo & Contrafilo”, y editor a cargo de la colección “Pensamiento y Espiritualidad”, ambas en ediciones Lea.

Festival de Teatro de Bolsillo - 26 de noviembre

2011-10-02T01:52:00.000-07:00

Los invitamos a participar de este primer encuentro de obras de teatro cortas que realizaremos el sábado 26 de noviembre. Gracias a su sencillez de producción, el formato de teatro breve es una de las herramientas más utilizadas por los artistas teatrales. Tanto para artistas experimentados como para quienes realizan sus primeras experiencias, el teatro breve puede ser un espacio para ejercer la creatividad sin las dificultades que implica una producción mayor. Es por eso que decidimos arrancar con esta iniciativa, con la idea de potenciar las mejores producciones del género y aportar nuestro granito de arena a la movida teatral de la ciudad. Más allá de esto, esperamos también que el evento sea una fiesta, un punto de encuentro y una herramienta más para la complicidad entre artistas. ¡Los esperamos!

Convocamos a compañías, grupos y directores teatrales a sumarse al Festival de Teatro de Bolsillo.
El Festival se desarrollará el día 26 de noviembre durante toda la jornada en la librería La libre, Bolívar 646, donde desde hace un año tiene lugar un ciclo de teatro breve, Teatro Enmarcado en La libre.
Características del espacio:
-          Se trata de un espacio no convencional. Las dimensiones de la sala son de 5 x 4,20 de ancho (el sector del escenario es de 2 x 4,20, y 2,50 de altura). La sala va a estar acondicionada para teatro pero las obras deben poder amoldarse al espacio.
Si te interesa sumarte, podes mandarnos tu material:
-          Texto de la obra
-          Sinopsis
-          Fotos o video
-          Ficha técnica

Escribinos a festivaldeteatrodebolsillo@gmail.com. (Tel.: 43435328).

Duración máxima de la obra: 20 min.
No se aceptarán fragmentos de obras o semi-montados o work in progress.
Plazo de recepción del material: hasta el 14 de Octubre.

María Fernanda Catullo, Darío Semino, Sol Heffesse y Emma Yorio.

Fuente: festival de teatro de bolsillo

Jaime Roos toca gratis en la Universidad de Lomas

2011-08-17T11:01:00.000-07:00

Fuente: corrientecnp

El recital será este sábado 20 de agosto a las 18 en el playón de estacionamiento de la Facultad de Ciencias Sociales.

El popular músico uruguayo, Jaime Roos, ofrecerá un recital con entrada libre y gratuita el próximo sábado 20 de agosto a las 18 en el playón de estacionamiento de la Facultad de Ciencias Sociales de la Universidad Nacional de Lomas de Zamora (UNLZ), ubicada en Camino de Cintura y Juan XXIII.

El evento es organizado por el Centro Cultural Padre Mugica y la Facultad de Ciencias Sociales, que desarrollan en conjunto actividades académicas, culturales y sociales de vinculación con la comunidad.
El autor de “Candombe del 31”, “Los olímpicos”, “Amándote”, “Los futuros murguistas”, “Adiós juventud”, “Colombina”, “Amor profundo”, y los más recientes “Por amor al arte” y “Postales para Mario”, se presentará por primera vez en Lomas de Zamora en una jornada que promete ser inolvidable.
De padre francés y madre uruguaya Jaime Roos nació el 12 de noviembre de 1953 en el barrio Sur de Montevideo. Su música adquirió identidad propia y trascendió como una fusión del rock, el candombe, la milonga y la murga.
Roos es un reconocido hincha del club Defensor Sporting, a cuyo primer campeonato dedicó uno de sus temas más conocidos: “Cometa de la Farola”. Su carrera profesional comenzó a fines de los ‘60 y a mediados de los ’70 viajó a Europa. En París se presentó en bares y teatros, y grabó sus primeros cuatro temas, incluido Milonga del 31, que terminó de grabar en 1977 en Uruguay.
Su producción se distribuye en 34 discos que recorren su historia personal y artística desde 1977 hasta 2009, cuando se conoció su última obra “Hermano te estoy hablando”. Este sábado el músico y poeta charrúa desparramará su talento en un escenario ubicado en el Cruce de Lomas para la alegría de su público.
Los organizadores anunciaron que la jornada no se suspenderá por mal tiempo ya que se realizará sobre espacio cubierto.

Fuente: corrientecnp

Jornadas Internacionales Borges lector - 24, 25 y 26 de agosto de 2011

2011-08-12T03:03:00.000-07:00

La Biblioteca Nacional dedicará el mes de agosto a celebrar la figura de Jorge Luis Borges.

Jueves 25 de agosto

9 a 10:30 hs. | Sala “Augusto Raúl Cortazar”
Museo y antologías
Participan María Teresa Lima, Elisa Rodríguez Moreira y Matías Chiappe.

9 a 10:30 hs. | Aula de la Escuela de BibliotecariosArs poética
Participan Lucas Scavino, Jorge Oviedo y Alejandra Crespín.

9 a 10:30 hs. | Aula de la Escuela de Bibliotecarios
Meditaciones Nietzscheanas
Participan Jazmín Acosta, César Juárez Enrique y Sergio Sánchez.

10:30 a 12 hs. | Sala “Juan L. Ortiz”Lecturas ejemplares
Participan Lisandro Parodi, Elisa Molina y Damián Alvarado.

10:30 a 12 hs. | Sala “Augusto Raúl Cortazar”
Lecturas filosóficas
Participan Noelia Billi, Jorge Luis Martín y Santo Gabriel Vaccaro.

10:30 a 12 hs. | Aula de la Escuela de Bibliotecarios
Poetas y lectores
Participan Nicolás Magaril, Leticia Monetta y Linares González.

12 a 13 hs. | Auditorio “Jorge Luis Borges”
Borges y los anglosajones
Conferencia plenaria a cargo de Carlos Gamerro.

14:15 a 15:45 hs. | Sala “Juan L. Ortiz”
Extraños y malditos
Participan Jerónimo Ledesma, Rafael Olea Franco y Emron Esplin.

14:15 a 16:00 hs. | Sala “Augusto Raúl Cortazar”
Saber y creencia
Participan Leonardo Moledo, Oscar Di Marco, Lucila Pagliai y Horacio Eduardo Ruiz.

16:30 a 17:30 hs. | Sala “Augusto Raúl Cortazar”
La cuarta dimensión
Conferencia a cargo de Alberto Rojo

18:00 a 19:00 hs. | Auditorio “Jorge Luis Borges”
Series lógicas y crímenes en serie
Conferencia plenaria a cargo de Guillermo Martínez.

19:30 hs. | Auditorio “Jorge Luis Borges”Presentación del libro Innumerables relaciones, cómo leer con Borges de Daniel Balderston, con la participación de Gonzalo Aguilar.

Fuente: Biblioteca Nacional

Alfredo Carlino - Poemas

2011-08-11T23:12:00.001-07:00

Fuente: TELAM

Alfredo Carlino (Buenos Aires, 1932), poeta, agitador cultural, titiritero, boxeador, periodista y hacedor de innumerables programas de radio, Alfredo Vicente Carlino -declarado ciudadano de Buenos Aires en el año 2004- siempre entendió la poesía como una forma de militancia. Sus poemas recuerdan pinturas, fotos, imágenes imborrables de viejas y nuevas gestas populares. Carlino bien podría suscribir la famosa frase de Pete Townshend (el guitarrista de la banda de rock británica The Who, también aficionado a la poesía): “Si grita pidiendo verdad en lugar de auxilio, si se compromete con un coraje que no está seguro de poseer, si se pone de pie para señalar algo que está mal pero no pide sangre para redimirlo, entonces es rock and roll”. Toda su poética se ocupa de disolver el yo poético en las aguas turbulentas de un sujeto colectivo, sometido a los vaivenes de la historia. Las palabras le salen a borbotones, como de un geiser estallando en Callao y Corrientes, se atropellan unas a otras, urgentes, necesarias como el pan de cada día. Carlino asume la materialidad de la poesía, su valor de uso y entonces ejerce su mester de juglaría predicando en medio de la calle, en bares diurnos y nocturnos, en la tribuna política y en la intimidad amorosa. “Carlino busca un lenguaje múltiple donde la poesía no tiene un género determinado. Este lenguaje se manifiesta en los clubes de barrio, en los cafés de la ciudad, en las fábricas y en la manifestación popular. Como también lo encuentra en el deporte y en la fiestas”, observó acertadamente Germán García. Así los poemas se transforman en caballos desbocados, se dejan inundar por pedazos sociales, son interferidos por proclamas, denuncias y diatribas: “Es el descamisado/y viene a sudar la historia/Se han vuelto locos/se les ha antojado que ahora son los protagonistas/la creatividad/La confluencia de un mismo destino/y cantan como la cigarra bajo el sol”, dice en el poema “Los grasas”. Las vicisitudes del movimiento peronista vertebran la obra de Carlino. Las figuras consulares de Perón y Evita, los ídolos populares del arte y el deporte (el boxeador José María Gatica, el violinista tanguero Alfredo Gobbi), las luchas obreras y estudiantes, los duros años de la resistencia transcurridos entre 1955 y 1973, desde el golpe militar que derrocara al gobierno peronista hasta su regreso al poder, son sumergidos en un tiempo mítico, suspendido en la memoria popular en eterno presente, como si todo volviese a empezar otra vez en la voz aguardentosa de Carlino, poeta épico, plural, reconocible como un árbol en la vereda. Por todo esto Julián Centeya lo definió así: “Y usted tenga en cuenta que aquí, además de las virtudes que conforman la belleza de un canto, está una verdad que sólo está reservada a los buenos, a los nobles, a los que viven enteros y son capaces de darse a pedazos.

MUCHACHA

Aún en la memoria está tus ojos

amplios de luna como la eternidad.

Quiero decir,

cuando todo se derrumba, algo va quedando.

Hoy nada menos que tus ojos

y también el fervor de tus pechos,

y el silencio en la pausa de los dos

y tu piel de rocío,

de frescuras y albas instaladas.

Se huelen en los recovecos del miedo tus vivencias,

cuando en la soledad de nuestros rincones

me tiembla el incendio

en la vastedad trigal de tu cuerpo

y ardes lentamente

como un viejo madero

para cantar la noche y el día,

con ese encantamiento de tu voz

cuando permaneces frutal

en la calle del amor.

Ahora que nos quieren seguir envolviendo

en la metáfora argentina

de irse o no,

preguntémonos

si aún nos quedan sueños,

si la utopía es una deidad a alcanzarse,

si podemos descubrir que a pesar de todo

no nos trituraron

y podemos soñar con tantos

que todo es modificable,

que la tración es efímera aunque se repita.

El problema es saber si todavía queda algo

y con ese poco,

salir juntos a cambiar la infamia.

Saber que desde el sueño

se puede revertir todo.

A mí, muchacha, aún me quedan tus ojos.

MAIPÚ Y RIVADAVIA (a las cuatro de la tarde)

Invadiendo como flechas

el trajín de la tarde,

con su acento mágico de grandes titulares

los minúsculos canillitas,

parten,

desatan sus voces

en el pregón diario de historias mayores,

tendiendo en cada hoja,

los ojos del mundo,

los labios de una bala

que pronunció una muerte,

ayer mismo, con las primeras señales de la aurora.

O nos dice simplemente, con las otras noticias,

que la manifestación embanderó de gritos nuestras calles,

o que el África o América arde,

porque maduran sus amaneceres retaceados.

Y todo por unas monedas

que hará menos ausente el vino de la mesa nocturna…

Fuente: TELAM

Homenajean a Jorge Luis Borges, en Almirante Brown

2011-08-11T21:40:00.000-07:00

Los escritores Claudia Piñeiro, Guillermo Martínez y Hugo Salas, disertarán mañana sobre la vida de Jorge Luis Borges, con entrada libre y gratuita, en un nuevo homenaje al autor de El Aleph que durante un mes tiene lugar en el Municipio de Almirante Brown.

El encuentro esta previsto a partir de las 19:00, en la sala Raúl Soldi, Casa de la Cultura, ubicada en Esteban Adrogué 1224, en la localidad bonaerense de Adrogué.

"Borges fue un enamorado de la ciudad de Adrogué, donde pasó muchos veranos de su infancia, y a la que le dedicó un libro de poemas que lleva su nombre. Por eso, desde Brown diseñamos este mes de homenaje, abierto a todos aquellos que se interesen por la vida y obra de este genial escritor argentino", afirmó el intendente de Almirante Brown, Darío Giustozzi.

Este será el primero, de una serie de encuentros en los que participarán también el escritor Ricardo Piglia, el viernes 19 de agosto, y María Kodama el viernes 2 de septiembre.

Fuente: Noticias Terra