Nomada Q

Suso 33, contemplando el espacio publico desde lo común y lo creativo

2026-03-21T13:11:00.016+01:00

Cuando apenas han pasado tres meses de que su trayectoria como artista urbano fuera reconocida como merecedora de ser galardonada con la Medalla de Oro al Merito de las Bellas Artes, premios que otorga actualmente el minesterio de cultura del gobierno de España.

Suceso del que no se tienen antecendentes en la ya dilatada historia de estos premios, siendo la primera candidatura la del artista de Jesús Manuel Pinto García, la que finalmente se ha considerado que reunía los meritos como para formara parte del elenco de ganadores que estan incluidos dentro de su panteon.

Un reconocimiento que en el caso de Suso 33 quien comenzo a pintar a los once años como una forma de cubrir sus dificultades de comunicación debido a su tartamudez, estan sobradamente fundamentados tras varias decadas de intenso trabajo, cuyos resultados abarcan localizaciones de los cinco continentes. En las que su autor ha dejado aparte de su impronta, ha creado una narrativa propia.

Cuya identidad creativa ha redimensionado habiendose convertido su practica en una influencia notable. Que a posteriori en mayor o menor medida se ha observado tanto en artitas pertenecientes a su generación, como a otros referentes mas recientes los cuales citan su nombre.

Como parte de su practica a la hora de acometer y ejecutar una obra que tiene como lugar de emplazamiento y acción el paisaje urbano. Modus operandi que Suso 33 ya empezo ha concebir en su adolescencia cuando a pesar de ser zurdo fue obligado ha actuar como un diestro convirtiéndose en ambidiestro.

Condición singular que a pesar de que uno como espectador no percibe en sus intervenciones, si ha supuesto una trascendencia a la hora de diseñar y programar la realización de un mural o de lo que a el le gusta denominar "pintura escénica en accion.

En portada resultado de una de sus intervenciones en Francia, abajo mural titulado Curiosity que se puede visitar en Ámsterdam-Oeste

Concepto que ha venido desarrollando practicamente desde sus inicios, pero que se hizo mas patente en los primeros murales a gran escala como el triptico "iniciatico" que tuvo como lienzo tres fachadas de otros tantos edificios emplazados en la parte posterior de la Calle de Castilla, Avenida de Partenon y Calle de Argos todas ellas en Madrid.

Trabajos similares a los que se podrian añadir otros que guardan un mismo patron y que también tienen la capital como lienzo improvisados. Siendo murales que pese a su sencillez suponen un encuentro casi mistico que casi llegaba a conmocionar peses a su aparente sencillez compositiva, y que tuvo su replica tiempo después en obras como el titulado Curiosity, trabajo de 2015 y que se puede admirar en Amsterdam-Oeste.

Conjunto de murales a los que se le ha ido añadiendo muchos otros, los que sumados han permitido una serie de rasgos comunes, que han perfilando y perfilando un estilo, en el que el a pesar de que no perciben grande obstentaciones en su consecución, pues la paleta de colores se caracteriza por su economia recurriendo a tonos neutros.

Autor de una especie de "musa" que ha bautizado ironicamente como "La Plasta", y cuya historia se origina cuando con la letra 'o' de Suso hizo una plasta con boca que gritaba y unos ojos. Se trataba de representar gráficamente lo que el graffiti representaba socialmente en aquella epoca.

Siendo protagonizado un escuezo trazo negro con los que representa reuniones de individuos que carentes de rasgos perceptibles y definitorios parecen divagar en un espacio diáfano casi infinito e ilimitados guiados unicamente por su par. Como si estuvieran ausentes, iconografía que mejor define su lirica con la que refleja su preocupacion por un sujeto zombi que se camuflas tras otras sombras.

Y que estéticamente pueden a las pinturas del también artista español Juan Usle. Si suponen en su materialización un sutil refinamiento visual por el que Suso 33 logra capturar la atención ya sea del transeúnte que se encuentra de forma casual con su presencia como la de aquel que buscaba su trabajo en la calle.

Y que le ha supuesto que su obra sea incluida en centros de arte moderno como el Museo Nacional Reina Sofía, el Caixa Forum, el museo Thyssen-Bornemisza, Artium o el Museo de Arte Contemporáneo de Bucarest.

Influenciado por los grafiteros de Broklin y el Bronx añadio el 033 a su seudonimo SUS haciendo referencia al distrito postal del barrio de Madrid en el que residía en ese momento, terminación comprobo que no correspodia con la que le corresponde en el registro municipal. Con el tiempo lo redujo al mas corto con el que se ha obtenido el reconocimiento que obstenta hoy en dia.

Cartel conmemorativo de la filmación del corto documental Aerosol con el que fue candidato a un premio Goya

Habiéndole permitido ampliar sus facetas creativas explorando areas expresivas tan en principio ajenas al arte urbano como es la escenografía. Labor paralela que le ha validado para trabajar en múltiples producciones para instituciones como el Teatro Real, el Centro Dramático Nacional, La Compañía Nacional de Danza, el Ayuntamiento de Madrid, La Biblioteca Nacional o la Pasarela Cibeles.

A lo que hay que añadir su actividad como activista de la practica urbana en el espacio publico a traves de propuesta como el documental Aerosol, de 2003 en el que su conductor Miguel Ángel Rolland establece una conversación con Suso en la que te transmiten un discurso que desmitifica la historia del graffiti, sustituyendo su mitología guerrillera por otra en la que el contexto esta mas orientada hacia una lectura mas social y comprometida.

Diferentes versiones de la conocida como La Plasta

Aerosol que se puede ver AQUI se filmo en localizaciones tanto de Madrid com o Barcelona a lo largo del otoño, contando con la participación de Suso33, ademas de firmas emergentes como Sixe, Kapi e Isra. En lo que seria un planteamiento novedoso para la epoca.

Poco despues en 2005 ya habia artífice de una experiencia que tuvo como escenario ni mas ni menos que la Gran Via de Madrid, bautizada con el nombre de Telegraffiti, la palabra y la imagen. En cuyo transcurso reinvidicaba el espacio publico como lugar a traves del que manifestarse.

Cuando le expulsaron del colegio por pintar entendió que su forma de expresarse despertaría algo mas que suspicacia asi que en vez de desistir se empeño aun mas si cabe en cumplir con su sueño de transformar el paisaje urbano con su arte.

Si por algo se caracteriza Suso 33 es por su coherencia y principios por lo que sigue contemplando y demandando de forma militante que el espacio publico debe ser conceptuado como un lugar vivi, a traves del que se puedan aflorar una diverdidad de propuestas creativas. Es esta determinación lo que le ha permitido convertirse en un artista trandisciplinar.

Lo que le ha permitido participar en el documental de Carlos Saura titulado Las paredes hablan, un trabajo en el que el cineasta se habia volcado durante la ultima localidad de su vida, y que fue el resultado de la documentación que el director habia recopilado durante años y que tras montarlo lo convirtio en un alegato a favor de la libertad de expresión.

Otra muestra de esta vocación por la tolerancia artistica es su exposición titulada Ausencias, en la que Suso 33 nos describe algo tan presente en nuestro tejido social como es la soledad, y a la que el se aproxima desde su propio enfoque y sensibilidad. Transmitiendote la que experimenta un individuo en un contexto social rodeado de gente.

En primer plano balón para la campaña Puma VS. Racism, abajo la intervención realizada calle de Jesús y María, cerca de la plaza de Tirso de Molina

Es ese espiritu lo que le ha llevado ha interesarse por reinventarse estéticamente a traves de disciplinas mas contemporáneas si cabe como es el Light Painting, con la que aun sin abandonar el ambito urbano, si lo adapta a su ADN artistico introduciendo la luz como lenguaje expresivo.

Reunion de trabajos que en algunos casos efímeros como los mostrados en New York, o los destinados a galerias. Si mantienen la tensión entendida como un gesto e impronta del cuerpo, convirtiendose en el argumento normativo que marcan los límites entre la expresión urbana y las nuevas tecnologías como detonante a traves del que crear.

Uno de sus ultimos encargos y quizas el mas singular ha sido el diseño del balon de futbol destinado a la campaña contra el racismo Puma VS. Racism, realizado en colaboración de la marca deportiva PUMA y la federación de la liga profesional de futbol de España en 2025. Y cuyo propósito es denunciar el aumento de conductas de caracter racistas en las diferentes categorías del deporte con mas seguidores en el pais ibérico.

Su celebre trilogia en Light Painting realizada en New York

ACERCA DE SUSO 33:

Jesús Manuel Pinto García (Suso 33). que desde una practica urbana ha ido evolucionando incorporando una diversidad de disciplina artisticas. Por lo que aunque su identidad artistica se ha forjado en el espacio publico, cuyas posibilidades expresivas ha explorado no solamente desde un enfoque relacionado con las manifestaciones urbanas como el Graffiti o el arte urbano sino que su mirada a sabido liberarse de perjuicios y añadir otro de propuestas creativas. Con las que ha creado una universo en los que el movimiento asi como la composición dan como resultado obras a traves de las que se invita al espectador a reflexionar sobre lo comun como concepto a traves del que analizar diferentes situaciones y escenarios sociales desde una óptica contextualizada y contemporanea.

Unmute Gaza, a pesar de todo Gaza

2026-01-05T00:00:00.002+01:00

A pesar de los silencios, de la corrección politica, de los discursos exaltados, de que los responsables de la masacre se dan la mano mientras anuncian el cese de hostilidades, mientras los oportunistas bienaveturados cruzan el Mediterraneo completando su particular romería hasta que de manera abrupta empiezan a oler la sangre de decenas de miles de victimas y les entran nauseas...

A pesar de que nadie se le va a acusar de crimenes de lesa humanidad porque según la legislación internacional que defiende los derechos humanos, los episodios de barbarie que a día de hoy se suceden en la franga de Gaza no son constitutivos de genocidio.

A pesar de toda la sin razón, de que la melodía desafina, de las notas informativas que de forma torrencial nos saturan emocionalmente hasta desactivar o minimizar cualquier tipo de reacción coherente con los hechos a los que estamos asistiendo y nos conmociona debido fundamentalmente a una sucesión de secuencias y cifras grandiloncuentes.

Y que solo sirven para que se diluyan en un marasmo de desconcierto y conmoción todos y cada uno de los nombres y apellidos, de todas y cada una de las victimas que aterradas e indefensas ante los nefastos y arbitrarios acontecimientos orquestados por los psicópatas que en nombre de Dios profanan Tierra Santa.

Apropiándose no solamente de sus territorios y la diversidad de paisajes que los modelan, sino de su simbologia y mitolgia. Mientras predican el celibato presidido por una atmosfera en la que la demagogia construye un relato que nos paraliza ante el imparable rodillo de ecos y ruido en los que los flujos de información se nutren con párrafos a los que se incorporan de forma sutil pasajes mas o menos ficticios.

Con los que a pesar de la transcendencia de todos y cada uno de los atentados y tropelías asi como todo tipo de humillaciones que estan padeciendo los 2.000.000 millones de civiles. Y cuyo objetivo en esencia es ser sometidos en nombre no de Dios. Sino del fanatismo etnico y religioso del conjunto de sus clanes que cegados por el su poder y superioridad.

Como portada de la entrada la colaboración de Escif, a continuación el cartel expuesto en una marquesina realizado por Faith 47 y basdo en una fotografía de Belal Khaled

Acaban commetiendo practicamente los mismos y atroces actos que a lo largo de los ultimos 2000 años se llevan perpetrando en nombre de sus respectivas confesiones y credos, en un ritual que no se repite pero que rima. Y cuya ejecución se fundamenta en la superioridad que en un determinado proyectan unos sobre otros.

A pesar de que la sangre se sigue derramando y fluyendo como un río cuyo curso en principio cristalino se tiñe de un espeso color rojo, cuya presencia aparte de no vaticinar nada alagueño en relación a un futuro mas o menos inmediato. Nos Amputa lo mas esencial que compartimos como seres humanos, y que no es otra cosa que nuestra capacidad para empatizar con nuestros semejantes y solidarizarnos con su dolor.

Forzandonos a tomar partido en una sociedad cada vez mas polarizada y cuya opinión publica en resumen se muestra recelosa concediendo un escaso por no decir nulo credito a sus representantes, los cuales ya no transmiten en su monótono discurso la mas minima credibilidad. El cual se limita a la misma formula basada en desacreditar moralmente al contrario.

Unmure Gaza se presenta como una respuesta creativa a la desinformación, afirmando su apoyo a los fotoperiodistas que defienden valientemente los estándares éticos de información en un contexto de conflicto y de indefensión humanitaria.

Dinámica que se describe de forma elocuente en el ensayo titulado Los ingenieros del caos del pensador y sociólogo Giuliano Da Empoli, en cuyo reflexivo texto se hace un analisis de como se manipula a la opinión pública y al electorado. Con el objetivo de imponer un criterio sesgado y dinamitar cualquier posibilidad de desarrollar cualquier tipo de conciencia critica.

Ademas de generar el suficiente volumen de información con el que desplazar temas que por su transcendencia y gravedad humanitaria informativa resultan digamos "incomodos". Evitando que su presencia se prolongue en el tiempo todo lo que sea necesario, dejandolo finalmente en el olvido.

Vacio informativo deliberado que pese a todo trata de denunciar y en la medida de lo posible corregir organizaciones como Unmute Gaza, que pesar de todo, desde que comenzo la invasión de la franja mediante una sucesión de bombardeos indiscriminados, cuyos principales y casi unicos afectados fueron centenares de miles de personas inocentes.

Reproducción de Paola Delfín basada en una fotografia de Belal Khaled

Que instalados en la conmoción y aterrados huian de los miles de proyectiles que demolian sus viviendas y aniquilaban sus vidas. Masacres que a dia de hoy se siguen produciendo y que si no fuera por el nutrido colectivo de reporteros que siguen trabajando sobre el terreno, pese a la sensación de desprotección que experimentan.

Situación que se ha recrudecido debido al apagón mediatico y que ha supuesto que la lista de profesionales fallecidos, destinados a cubrir las continuas denuncias de operaciones contra la población civil, lamentablemente haya aumentado sin parar quedando en muchos casos en el anonimato.

Arriba fotografía de Mahmoud Bassam a continuación cartel de Jofre Oliveras

Pero cuya inestimable labor y sacrificio esta sirviendo para que un nutrido grupo de artistas pertenecientes a una diversidad de ambitos creativos, se inspiren y reproduzcan estas imagenes, muchas de ellas obtenidas en condiciones muy extremas. Con el objetivo de crear cientos de carteles que tras ser descargados se exponen en el espacio publico.

En una situación caracterizada por la polarización y la división global, la expresión artísticos se presenta como una alternativa que posee la capacidad para devolvernos la humanidad y la fe en nuestros valores colectivos.

Colaboraciones de artistas como Faith 47, Jofre Oliveras, Escif, Sainer, Eron, Mahmoud Bassam, Krime, Shepard Fairley, Borondo, Vlocke o Lavelet. Que entre otros han tomado conciencia mostrando su compromiso con una situación que nos cuestiona sobre nuestra indulgencia humanitaria y tolerancia frente al exterminio y expulsión de una cumunidad de la tierra que ha poblado durante miles de años.

Un proyecto colaborativo basado en el trabajo denodado de reporteros que ya sea de forma mas estrecha y profusa como Belal Khaled, Mahmoud Bassam, Majdi Fathi, Saher Alghorra, Sameh-Nidal Rahmi, Mariam Abu Dagga (que fue asesinada cuando hacia su trabajo en agosto de 2025) o puntual como Bashar Taleb, Doaa Albaz, Doaa J. Rouqa, Hamdan Dahdouh, Loay Ayyoub, Mahmud Hams, Mohammed Al Masri, Samar Abu Elouf, Suhail Nassar, Wissam Nassar, Motaz Azaiza.

Que en definitiva nos permite asistir desde la esfera publica a una visión de un genocidio de todo un pueblo, saqueo que se mantiene en el tiempo. Suponiendo una experiencia compartida que nos ofrece un relato del horror al que esta siendo sometido todo un pueblo que ha visto como destruían no solamente sus propiedades, sino algo mas esencial como es la dignidad como comunidad e individuos que se habian forjado una vida afectada y repleta de aspiraciones muy comunes como estudiar, abrir un negocio, viajar, rodar una pelicula como La voz de Hint de la directora tunecina Kaouther Ben Hania o desarrollar una vida profesional. Deseos truncados con los que debemos crear una empatía. Pues su cotidianidad no se diferencia (en este caso), de la nuestra.

Retrato aportado por Shepard Fairley desplegado en Madrid basado en una foto de Belal Khaled

ACERCA DE UNMUTE GAZA:

Unmutu Gaza es un movimiento creativo y activista que surge a principios de 2024 poco del inicio de los bombardeos el 7 de octubre, como una iniciativa en apoyo de los fotoperiodistas que pese a todos los inconvenientes tratan de mantener un rigor y una integridad en su ejercicio como periodistas.

Israel prohibió la entrada a periodistas en Gaza, creando un muro mediático que impide el equilibrio necesario en la construcción de la historia. El Comité para la Protección de los Periodistas (CPJ, por sus siglas en inglés) declaró la muerte de 64 periodistas y trabajadores de los medios de comunicación, 57 palestinos, 4 israelíes y 3 libaneses; lo que convierte a Gaza en uno de los conflictos más mortíferos para los periodistas en la memoria reciente.

Con su consentimiento una serie de artistas se han ido sumando, recreando los momentos mas desgarradores que están presenciando estos periodistas, creando pinturas y bocetos que se han podido en lugares como la sede del Museo Guggenheim en New York o el Museo Reina Sofia en cuya fachada principal se desplegó un retrato firmado por Obey.

Tim Norris, nos muestra el camino de retorno a nuestro origenes organicos tras finalizar la espiral de domesticación

2025-12-17T19:34:00.018+01:00

No es habitual encontrar creadores de Land Art. Que al componente estetico de su propuesta le añadan un valor funcional que modifique su significado.

Aunque ya podeis vislumbrar de que en algún momento, cuando se reunieran los requisitos y detonantes se empezarian a publicar contenidos de esta incipiente corriente como una manifestación de su evolución natural. Una practica que por otra parte y conceptualmente, quizas sea la primera y unica actividad humana que no ha contemplado la naturaleza asi como todas las criaturas que lo habitan.

Como un entorno que suponga una amanaza, o despierte algún temor o represente en todo caso alguna incertidumbre que suponga algún problema para los seres humanos. Sino que los artistas que actuan sobre el terreno, ya sea in-situ o elaborando piezas previamente en su estudio para posteriormente trasladarlas definitivamente al emplazamiento definitivo.

En el cual, ya sea de forma efimera (algo que sucede la menor de las veces). O como en la mayoria de ocasiones de manera definitiva opera interveniendo sobre paisaje, no solamente desde una optica visual sino reformulando el entorno o mas bien y de forma mas precisa incorporandose como un elemento mas a su metabolismo.

Sin que por ello suponga su presencia un impacto medio-ambiental que altere en alguna medida su frágil equilibrio ecológico, (al menos claro esta sustancialmente). Sino que mas bien tanto en el plano simbólico como ontológico se muestra como un gesto de comunión que obedece a algo mas que a una pauta orgánica.

Y que alguna forma restablece los vinculos seriamente degradados con la madre tierra, tras miles de años de maltrato por parte de la peor versión de la mayor parte de los seres humanos que han habitado hasta este momento este hermoso y singular planeta que de forma tan generosa o incauta (según se mire) nos alberga.

Arriba la obra titulada Hábitat en Darmstadt, Alemania. 2014, a continuación su autor posando en la pieza que lleva por nombre

Y que lamentablemente y hasta cierto punto de forma incomprensible, y casi obscena, se muestra en sus horas mas bajas y precarias. viendo como se consumen sus cuantiosos recursos hasta la extenuacion. Hecho que en síntesis no supondría el mayor problema, a no ser por un pequeño detalle.

Que esta acumulación de incoherencias por parte de una conducta irresponsable a la par que contraprudecente por parte de una buena parte de la población humana, que ha parasitado todos y cada uno de los continentes que se pueden estimar como habitables. Pone al borde de la extinción a su propia civilización.

Episodio desalentador y poco gratificante y que gracias a identidades creativas como la de Tim Norris, con cuyas intervenciones y esculturas al menos consigue atenuar la sensación de que a pesar de que se cuentan con las herramientas, el conocimiento y la experiencia que permitirían revertir las consecuencias de esta situación critica.

Tanto la forma, como el tamaño y los materiales seleccionados estan dictados por su entorno, por ejemplo, la elevación del terreno, las características de los árboles y la calidad de la luz. Aplicando estos criterios su autor nos invita a vivir una experiencia por la que tenemos la oportunidad de recuperar nuestro vinculo con la naturaleza y sus paisajes.

Parece que la inhaccion y la desidia por parte de las autoridades y de todas aquellas entidades ya sean pertenecientes al ambito administrativo o al tejido asociativo, con competencias e influencia real efectiva como para impedir el colapso de la diversidad de ecosistemas que configuran el planeta que compartimos.

Puedan hacerlo o simplemente debido a presiones e intereses principalmente economicos se hayan planteado siquiera intentarlo. Y nos sumergen en un conjunto de propuestas que conforman una trayectoria artistica, que desde sus inicios en los albores de este Siglo XXI.

Desarrolla una narrativa que sin renunciar a aquellos canones y rasgos que han forjado un estilo por otra parte aun se encuentra en sus primeras fases, tanto estilisticas, como formales e intelectuales como la de la practica del Land Art y su enorme potencial. No solamente desde un enfoque meramente artistico, sino social.

Pieza hospedadora e iniciatica titulada Coppice Seat

Sobretodo en el plano combativo creando foros en los que el debate, el compromiso y el activismo de sus participantes sean uno de los valores fundamentales a partir de los que se generen dialogos en los que nuestro respeto y concienciación respecto a los seres con los que convivimos sea la guia que nos permita hacer camino juntos.

Y que ya sean en las piezas que forman de su primera epoca como en Spiral Coppice Arch que está en Kent en UK. Diseñada con castaño dulce, comúnmente cultivado en Kent, en Coppice Seat, en Stour Valley Arts, Kings Wood, tambien Kent y que fue su primera obra completada mientras se formaba. Esta obra duró unos 10 años, se incluía como parte de un bosque gestionado con un programa de tala rotativa. Desafortunadamente, los silvicultores no fueron informados de que se trataba de una obra de arte, así que cuando llegó el momento de talar la zona, casi talaron el árbol por completo.

O Neural Nature estructura construida en bambú en Yu Lei Mountain en Chendu, China. Propuestas tempranas en las que la cosmovision en formacion de Tim aplica casi desde una posición que se podria apreciar como militante, sin fisuras. Algo que se observa en sus formaciones ya sean radiales o las tradicionales espirales. Trazadas a ras de suelo (como es de rigor,) se trata de formas sugestivas e intuitivas en las que los cantos rodados ya sean pulidos por las corrientes de algún curso de agua proximo o en sus nidos como en Willow House emplazada en Exmoor National Park en Somerset su version mas ruda y agreste.

Nos describen de forma explicita los argumentos y fundamentos sobre los que las obras de Tim nos quiere en un principio transmitir. Temas que les preocupan como la desconexión que según su autor de manera persistente se esta dando entre el ser humano y el resto de las criaturas que pueblan el bosque.

Muchas de sus obras están ubicadas estratégicamente para maximizar las vistas panorámicas, como las que creo en Gales del Sur, los visitantes pueden convivir con la escultura, tocar los materiales y sentirse conectados tanto con la parte estetica como con el paisaje.

Siendo en su opinión la causa fundamental a la que hay atender si se desea entender las razones de un problema mas o menos complejo que empieza por ser preformativos y por lo tanto de la necesidad de ser testigos de la catástrofe medio-ambiental cuya magnitud esta aun por constatar. Si se quiere tomar conciencia de las consecuencias sobre la naturaleza.

Pero por esta obstinación por permanecer cada vez mas distantes y ajenos a esta evolución de los acontecimientos que estan implicados en la destrucción de nuestro hábitat. Nos impide reflexionar acerca de los efectos que nos acabaran alcanzando a nosotros como principales interesados en el cese de esta agresión interrumpida a nuestro planeta tierra.

Lugar de reencuentro tras completar el recorrido. The Arise en Harold court woods, Thames Chase,Essex. UK

Es por esta serie de inquietudes por las que Tim en sus proyectos mas recientes, decide dotar a su discurso de aquellos elementos que digamos dinamicen y permitan a sus obras transitar de ser piezas que admirar a ser lugares de encuentro, reflexión e incluso meditación.

Convirtiéndose en autenticos desafios para unos sentidos educados por el mundanal ruido de las ciudades en la que por regla general languidecemos. Y que nos permiten acomodarnos y adoptar una actitud mas contempletiva experimentando como nuestros bio-ritmos se restauran adaptándose de forma casi espontánea adoptando una percepción del tiempo mas acorde con nuestra constitución orgánica.

En este contexto podemos mencionar piezas como Harlech Bench situada en el Parque Nacional de Snowdonia, Gales, Reino Unido, Forest Wave Shelter que se puede visitar en Monte Yonmi, Corea del Sur 2017 que está hecha de un lienzo de algodón muy tupido, que ha sido cosido a un marco de acero. El lienzo, cuando se trata con barnices, lo que le vuelve duradero obteniendo una calidad táctil agradable. O The Journey en I Park, Connecticut, Estados Unidos 2013, construida a partir de una armadura de acero revestida con una cáscara dura de corteza de roble rojo de 300 años de antiguedad. Esta superficie oculta un suave vientre de musgo. Este globo estratificado que recuerda a la Tierra, evoca ideas de protección o refugio que se distinguen por presentarse como mas acogedoras y por lo tanto receptivas energéticamente.

Ya no se comportan solamente como lugares de transito sino de destino, desde los cuales admirar el paisaje e interiorizar aquellas transformaciones que nos sanan como individuos y nos reconcilian con nuestros origenes cuyo rastro perdimos cuando nos ocultamos en bloques anodinos de hormigón.

ACERCA DE TIM NORRIS:

Tim Norris es un artista britanico que se graduó en 1995 en la Canterbury School of Art. Desde entonces ha realizado encargos para colecciones privadas y públicas en todo el país, como el Bosque Grizedale, The Irwell Sculpture Trail y Stour Valley Arts.

Tim siempre ha tenido una pasión por el aire libre y esto a menudo no solo le proporciona la inspiración, sino también el escenario para su obra de arte. Se especializa en la escultura al aire libre a gran escala, se inspira en el paisaje circundante y, cuando es posible, utiliza materiales naturales autóctonos. La escultura de Tim también tiene como objetivo fomentar una sensación de interacción.

Lady Pink, una artista pionera del arte urbano activista en el espacio publico

2025-09-16T12:56:00.037+02:00

En su estudio de trabajo todavia conserva una selección de miniaturas de las viejas unidadades de metro que ella, ya fuera sola o en compañia cubría con decenas de aerosales.

En interminables incursiones furtivas que principalmente programaban a horas intespestivas, cuando cerraban las cocheras y en la clandestinidad y silencio de la noche. Se apresuraban en pintar cubriendo lo maximo posible en intervalos de tiempo de no mas de unas decenas de minutos.

Antes de que uno de los guardias de seguridad notificará de su presencia a la autoridad competente. En este caso el cuerpo especializado en la comisión de actos vandálicos en el espacio publico de la ciudad de New York, que bajo el nombre de Vandal Squad, empezo por la misma epoca.

En la que nuestra protagonista, una ecuatoriana adopto su pseudonimo de Lady Pink. Apodo a traves del que aparte de forjarse un lugar en el panteon del arte urbano incorporándose al selecto club de figuras como Obey, Banksy, Roa, Blu, Escif o Faith 47. Ha desarrollado una prolífica trayectoria creativa.

La que le ha permitido transcender desde las pariferias del Grafitti hasta conseguir que su obra acabe formando de algunas de las colecciones privadas mas significativas de Occidente, como de un buen puñado de instituciones publicas.

Y es que esta mujer de origen ecuatoriano que a muy temprana emigro de su tierra natal, a lo que seria su residencia familiar en el popular distrito de Astoria. Todavía recuerda como consiguio atenuar una infancia no cuenta de dificultades a traves de sumarse al cada vez mas numeroso grupo de grafiteros.

Arriba cartel de la pelicula Wild Style, abajo el cuadro The Death of Graffiti pertenece a la colección permanente del Museum of the City of New York

Que a lo largo de la decada de los años 70's y sobretodo de los 80's convirtieron las calles de la gran manzana en un laboratorio expresivo, y en una plataforma reinvidicativa. La cual ejercía de potente altavoz politico-social, a traves del cual difundir las mas diversas ideas y de dejar testimonio de una serie de causas.

Que sin la presencia y actuación de la cada vez mas nutrida de artistas urbanos no hubiera conseguido el mismo grado de notoriedad. Y que ha Lady Pink le supuso una excelente oportunidad para refinar un estilo, el cual en un comienzo se caracterizaba por un trazo febril y nervioso a traves del que expresaba una variedad de inquietudes propias de la edad.

Pero al que con el paso del tiempo le fue añadiendo elementos y referentes de su cultura nativa. De la que a pesar de que fue breve si logro que los recuerdos producto de vivir en una comunidad perteneciente al Amazonas formaran parte simbólicamente de su practica artistica conformando finalmente su particular universo añadiendo catrinas y mascaras.

Decidio llamarse Lady Pink debido a su adicción por los romances históricos del período Victoriano ingles, iniciando su carrera como graffitera en 1979 tras la pérdida de un novio poco tiempo antes.

Sandra Fabara la que fue apodada First Lady of Grafitty, tras formar parte de la exhibición Graffiti Art Success que organizo arrancando la decada de los ochenta y cuya primera etapa finalizo con la invitación para interpretar un papel en la producción cinematografica Wild Style.

Film en el que interpretaba a una adolescente que recorría en compañia de sus compañeros las calles de los distritos periféricos de la ciudad localizando el mejor emplazamiento en el que poder dejar su impronta a traves de un "tag" o firma.

Actividades cuyas experiencias les servia como complemento a su formacion como artista plastico, periplo que estaba completando en instituciones como Moore College of Art and Design de la ciudad de Philadelphia. En cuyas aulas adquirió las habilidades y tecnicas necesarias.

Brick Woman en Bradock, Pennsylvania esta inspirada en la canción She's sexy and voluptuous

Que culminaron con su primera gran obra, una tela acrílica titulada The Death of Graffiti, en la que a traves de una mezcla de Pop Art y surrealismo la autura oriunda de una pequeña ciudad llamada Ambato. Perfila su discurso narrativo y activista, pues con este cuadro y su versión de 2018.

Denuncia la persecución a la que se ven sometidos los artistas que perciben el espacio publico, como lugar a traves del que manifestarse creativamente. Estableciendo un vinculo mas proximo con el publico y sus preocupaciones cotidianas.

Uno de los trabajos que se pueden incluir en este contexto activista es el titulado Pink de 2007 fue uno de los muchos murales destruidos en 5 Points o mas comumente conocido como Fun Factory en Queens, sin embargo, en febrero de 2018 la Corte Suprema de Brooklyn otorgó a cada uno de los 45 artistas por su trabajo destruido. Estaba conectada con su arte y aunque el antiguo propietario del edificio pintó las paredes, dijo que aún podía ver el fantasma de su mural.

Viejo edificio industrial del siglo XIX en el que se podia contemplar la obra de

Lady Pink

Entre los muchos proyectos e interesantes proyectos de caracter social podriamos citar When Women Pursue Justice, Brooklyn. Fue una colaboración mural concebida y organizada por el ArtMakers en 2005. Lady Pink fue una de más de 30 mujeres artistas que pintaron retratos en honor a las muchas mujeres en la historia que han ayudado a impulsar los derechos humanos. Este enorme mural fue pintado en el transcurso de 2 meses en la esquina de Bedford y Nostrand Ave en Brooklyn.

Volviendo en el tiempo a su epoca de clandestinidad entre los andenes de las cocheras en las que almacenaban las unidades de metro, citar uno de sus trabajos mas conmovedores. Titulado John Lennon de 1981 al que le sucedio uno similar dedicado a The Beatles y que fueron realizados con IZ the Wiz.

En el terreno de lo personal aunque se declara bisexual, esta formalmente casada con otro artista llamado Roger Smith, anteriormente miembro del dúo de graffiti Sane Smith con quien colabora a menudo en murales y trabajos comerciales.

Otra de las facetas de Lady Pink es su labor en el ambito de la enseñanza, trabajo que ha desarrollado a lo largo de buena parte de su carrera con pequeñas colaboraciones con una diversidad de colectivos. Pero quizas el mas conocido fue el que tuvo escenario las instalaciones del Frank Sinatra School of the Arts en New York en la que organizo varios cursillos con los alumnos que culminaron en la realizacion de una serie de murales que fueron expuestos en el hospital infantil Wickoff Hospital.

Berlin, desde Potsdamer Platz a Reichstag y su historia en 11, 20 o 6 minutos

2025-06-09T20:49:00.025+02:00

En poco más de 11 minutos si decides utilizar el vehículo privado, en alrededor de 20 si optas por completar el recorrido a pie o en alrededor de 6 minutos si alquilas una de las decenas de bicicletas que están puestas a tu disposición por parte del servicio de alquiler de la capital de Alemania.

Sera el tiempo que emplearas en conocer la practica totalidad de la historia sucedida en el espacio de tiempo que abarca alrededor de 150 años, y que afecta en mayor menor medida a ese espacio de convivencia que de forma más o confusa se denomina Occidente y que compartimos según las fuentes que consultes.

Entre los 500 y 2000 millones de ciudadan@s, cuyas raíces y herencia de alguna manera están vinculadas a los lugares que a continuación me dispongo a enumerar y describir. En unos casos de forma más pormenorizada y en otros poniendo más énfasis en los acontecimientos trágicos que simbolizan diferentes periodos de su historia.

Y que en algún sentido se vuelven a asomar a nuestras vidas últimamente como fantasmas cuyas sombras proliferan y se alargan acaparando toda nuestra atención e inundanos de temor e incertidumbre. Más de algun@ habrá ya intuido a la altura de este parrafo, que cuando menos nos hemos trasladado a Berlin.

Con todo lo que ello representa tanto desde una perspectiva histórica como desde un contexto mucho más próximo en el tiempo. Y es que en ese breve pero intenso recorrido que se inicia la Potsdamer Platz, uno de los lugares más cosmopolitas que se puedan visitar a día de hoy.

Y finaliza en el parcialmente derruido o reformado (según se contemple) monumento del Reichstag y cuya autoria es de Norman Foster. Una intervención que causó estupor entre la opinión publica, la cual se incremento cuando el artista Christo lo envolvió en 1971 convirtiéndolo en un "regalo". Un edificio institucional y de gran transcedencia histórica y política, no en vano en la actualidad es la sede del parlamento de la Alemania unificada tras el derrumbe del bloque del Este y la caída del muro de Berlín.

El Monumento del genocidio Judío invita a reflexionar sobre nuestros dilemas históricos y contradicciones que vivimos en la actualidad

Cuya presencia imponente y casi intimidatoria es fácilmente identificable gracias a su cúpula semitransparente, una de la más fotografiadas solo comparable a la del Panteón de Agripa o a la del Domo de Florencia en Italia o más recientemente a la de la Esfera en Las Vegas.

Y que nos servirá de guia actuando como un faro por lo que sera muy difícil que nos podamos desorientar, entre el maremágnum de turistas que invaden la ciudad en casi cualquier época del año. Algo que en otro tipo de entornos urbanísticos más reducidos puede molestar, pero que en un recorrido relativamente largo y con tantos susceptibles lugares de ser visitados como este se puede asumir.

En nuestro caso hemos alcanzado la superficie de una plaza majestuosa a la par que cosmopolita, saliendo por unos de los accesos del suburbano. Un enorme lugar de actividad en la que confluyen múltiples calles, y cuya composición urbanística en la actualidad. Flanqueada por el edificio Sony Center y por el proyectado por el arquitecto Renzo Piano.

Es asombroso como en un espacio relativamente reducido se puede contemplar buena parte de los hechos más determinantes de la historia de Europa de los últimos 150 años y sus heridas.

Ambos proyectados a finales de la última décadas del Siglo XX, eliminando la mayor parte del muro que dividío la ciudad a lo largo de su segundo periodo. Aunque todavía se conservan algunos tramos que sirven como lienzos de expresión urbana o como expositores de exhibición. Los cuales conparten espacio con obras de arte contemporaneo de artistas de Koontz, di Suvero o Haring.

Poco tiene que ver con la que a finales del Siglo XIX se construyó en las afueras de una ciudad, que se encontraba en plena expansión y que era producto de lo que sería conocido como el milagro aleman. Periodo de bonanza y prosperidad económica que desembocaria en la declaración de la Primera Guerra Mundial a mediados de la segunda decada del Siglo XX.

Un pasado del que apenas quedan restos, al menos perceptibles, a no ser que se cite que las bicicletas han vuelto a inundar sus calles, hábito muy común en aquella epoca. Cuando buena parte de la población sustituía el tiro de caballos por la bici o el incipiente tranvia.

El símbolo de la paz representado en una sección antigua del muro de Berlin

Ya de camino a nuestro primer alto en el camino situado en la Brandenburg Gate, repararemos en la presencia de lo que fue el Hotel Kaiserhof. Lugar emblemático aunque poco visitado, conocido por haber sido el lugar de encuentros de los oficiales nazis en el prólogo de la II Guerra Mundial.

Procurando a la vez mirar al suelo de vez en cuando para poder encontrar algunos de los nombres grabados en la acera, que hacen referencia fundamentalmente a luminarias del cine alemán como la Oscarizada Marlene Dietrich. Que aunque de forma modesta supone un homenaje a su singular cinematografia.

Paseo en el que ambos calles de la avenida tendremos la oportunidad algún de tomar refrigerio, a pesar del que el paseo hasta la Brandenburg Gate es relativamente corto. Por lo que es recomendable esperar a ver, los que quizás sean la serie de arcos mas simbólicos del mundo, para después sentarse a almorzar algo.

En tan sólo cuatro paradas y poco más de veinte minutos a pie puedes trasladarte y ser protagonista de diferentes épocas y eventos históricos acaecidos en el viejo continente.

Y es que este iconico monumento construido durante la regencia del monarca prusiano Federico Guillermo II en el Siglo XVIII. Se trata de una construcción Neoclasica que fue concebida con el noble propósito de representar la Paz. Por lo que fue bautizada con la Puerta de la Paz. Título que contrasta con los acontecimientos de los que ha sido testigo mudo.

Caracterizados por numerosas revueltas y algún paseo triunfal como consecuencia de la victoria sobre Napoleón, hecho por el que se modifico la cuadriga que preside el arco central. O Cuando el Los nazis subieron al poder, que usaron la puerta como símbolo de exaltación de sus "principios" arios.

La puerta sobrevivió a la WWII a pesar de la magnitud de los daños producidos, aún estaba en pie entre las ruinas de Pariser Platz en 1945. Una cabeza de caballo de la cuadriga original sobrevivió, y hoy se conserva en la colección de la Museo de Arte Moderno. Otra andecdota que merece la pena citar es la visita que recibió en plena guerra fría por parte de John Fitzgerald Kennedy en 1963.

A lo largo de buena parte del recorrido no dejaremos de tener presente la silueta del Reichstag

Se cuenta que tras acercarse a saludar a los soldados que estaban sirviendo en el Checkpoint, saltándose el protocolo consiguió llegar a la plaza. Al percatarse los soviéticos de su presencia procedieron a desplegar unas enormes lonas con el propósito de evitar que pudiera mirar al otro lado de los arcos.

Una efimeride que nos acompañará hasta nuestra penúltima parada, un lugar en principio anodino por su uniformidad estetica. Pero cuya percepción se modifica instantáneamente al conocer sus motivaciones, resultando cuando menos peturbador.

Y cuya atmósfera nos puede llegar a conmocionar. Curiosamente se trata de una obra que es fruto de la colaboración del arquitecto Peter Eisenman y el ingeniero Buro Happold, una obra racional que representa la sinrazón y que fue inaugurada en 2005. Sus 2711 bloques o losas situadas a diferentes alturas se proyectan en el espacio de forma monótona constituyendo un lugar de duelo y memoria. Cuya presencia nos recuerda la barbarie a la que fue sometida la comunidad Judia en los campos de extirminio.

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No estando exento de controversia debido a que una de las empresas concesionarios, Degussa, fue designada para proveer el material que evitará los actos vandalicos en el conjunto monumental. Resulta que albergaba antecedentes que vinculaba su actividad con las autoridades nazis. Más concretamente con la fabricación del Zyklon B, el gas que se filtraba en las cámaras de gas.

Ahora, quizas, si es el momento de distraer la atención reponiendo fuerzas antes de finalizar este "breve" pero intenso paseo. Dependiendo del horario puede tocar almorzar o merendar, en todo caso contamos con una amplia oferta con la que poder satisfacer nuestro apetito. Que va desde la tradicional salchicha con curry y guarnición de patatas conocida como currywurst hasta algo más ligero y dulce como los bretzels o los omnipresentes Berliner Pfannkuche (donuts rellenos de chocolate o caramelo).

Lo suficiente como para afrontar nuestro destino final que se situa en el Reichstag, un edificio de corte neorrenancista que se encuentra emplazado en la Königsplatz o (Plaza de la Republica). Finalizado en su primera versión en 1918 entre sus muchos alicientes cuenta con una biblioteca que alberga más de 260000 volúmenes entre ellos incunables de dramaturgos como Goethe.

Pero lo que más llama la atención es su entereza no habiendo sucumbido a la casi interminable sucesión de bombardeos aliados, los que redujo prácticamente a escombros el distrito de Mitte. Aunque unos años antes en 1933 ya sufrió un aparatoso siniestro, que aunque fue deliberado todavía a día de hoy esta sin esclarecer. Lo que si es un hecho constatado es que el emergente partido Nazi, logro utilizar este incidente para que se emitiera un decreto de urgencia por el que se restringia el régimen de libertades del que gozaba el ciudadano alemán hasta la fecha. Liberado en abril de 1945 todavía conservamos en la retina la polémica y casi mitológica foto de Evguéni Jaldéi, instantánea en la que aparece un soldado soviético alzando la bandera con la hoz y el martillo sobre el edificio del Reichstag.

Klaus Littmann - For Forest, la infinito tensión entre la naturaleza y el ser humano representada en un campo de futbol

2025-05-14T12:45:00.077+02:00

Instalados en plena controversia por la irrupción y proliferación de las denominadas herramientas realizadas a partir de inteligencia artificial. Una realidad que representa un paso evolutivo dentro de la cronología de la era digital.

Y cuya extension e incorporación de forma masiva y hasta cierta forma caotica esta afectando a una diversidad de ambitos productivos. Siendo quizas aquellas actividades que forman parte de las areas creativas, las que primero y de forma mas notable estan siendo metabolizadas por este ecosistema.

Cuyas consecuencias todavia resultan a dia de hoy imprevisibles, aunque mucho me temo que no pasara de ser una herramienta preformativa. Cuyo empleo se limitara, mas bien a un recurso, que pese a que pueda parecer mas sofisticada que las ya de si por abundantes bateria de aplicaciones existentes.

No supondrá mas que un atajo para agilizar la tarea que en una diversidad de ambitos (ya sean creativos o de otra indole). Contribuyendo a mejorar aquellos aspectos del proyecto en curso y su resultado final. No sirvan (casi en ningun caso para sustituir la presencia y actividad de un profesional).

Tengo la oportunidad de maravillarme con una de las mas representativas intervenciones del artista suizo Klaus Littmann. Una actuación que por su envergadura pueda parecer ser el resultado de emplear en su realización herramientas de naturaleza digital.

Con apenas diez años de uso el estadio Wörthersee Stadion se transformo en un bosque efimero

Pero cuyo planteamieto se remonta a treinta años atras, cuando Klaus descubrió un dibujo titulado "La atracción infinita de la naturaleza". Un boceto que a su vez esta datado de 1971 y en cuya lamina el artista y arquitecto austriaco Max Peintner.

Trasladaba un paisaje natural a un escenario en el que las gradas de un estadio de futbol a rebosar de publico, asistia a un "espectaculo" en el que el patrimonio medio-ambiental se muestra encapsulado. Dejando de representar una amenaza para las decenas de miles de espectadores que atonitos asisten a la subliminacion del lugar en el que se se reunen para apoyar a su equipo.

Ilustrando una extraña escena distópica en la que la naturaleza solo existirá como objeto de exposición. Mostrando hasta ultimas consecuencias un proceso de domesticación de la naturaleza.

Mezcla de Land Art e instalacion a gran escala, For Forest The Unending Attraction of Marine profana lo que se puede contemplar como el maximo exponente de lo que se puede considerar hoy un dia un "templo" en el que se veneran a poco mas o menos que semi-dioses.

De hecho a pesar de ser ejecutada en pre-pandemia, su planteamiento no estuvo exento de polemica. Pues el partido nacionalista FPÖ (Partido de la Libertad de Austria) criticó el transporte de los árboles al estadio. Se suponía que los árboles provenían de viveros austriacos, pero no se podían encontrar árboles apropiados allí, lo que significaba que tenían que ser transportados desde Italia, Bélgica y Alemania. En otro sentido una minima parte de la opinión publica se manifesto en contra argumentando que el proyecto estaba bloqueando injustamente el estadio durante la Europa League, lo que impidió que el equipo anfitrión Wolfsberg AC pudiera completar un tercio de la temporada.

En este contexto la intervención de Klaus se convierte en un foro a traves del que se denuncia el deterioro de la diversidad de ecosistemas que constituyen nuestro entorno natural. Realizada en 2019 tuvo como escenario Wörthersee Stadion que esta ubicado en la ciudad austriaca de Klagenfurt y cuyas instalaciones se construyeron para la celebración de la Eurocopa de 2008.

Dado que actualmente estamos perdiendo alrededor de setenta y cinco mil kilómetros cuadrados de bosque cada año, el dibujo de Max Peintner era profético. Y cuya contemplación provoco un efecto inmediato en Klaus Littmann.

Arriba dibujo original de Max Peintner, abajo el mismo dibujo parcialmente coloreado

Lo que le atrajo a Klaus del dibujo de Max fue que en su concepción trazaba un alegato o ficción, que estaba muy adelantada a su epoca. Ya que el problema de la perdida de extensas areas de bosque no se denuncio ampliamente hasta la década de 1980. Con los años, su dibujo se ha convertido en un icono desde el punto de vista de los activistas medio-ambientales.

Por ejemplo, su trabajo se puede encontrar en más de una veintena dd libros, así como en diversas publicaciones internacionales. Mientras tanto, la expresividad visionaria de la imagen ha sido citada en textos relacionados con para la filosofía, la biología, la ecología, la antropología y la literatura.

Con alrededor de 300 árboles, algunos de los cuales pesan hasta seis toneladas, el arquitecto paisajista Enzo Enea fue el encargado de diseñar un bosque mixto centroeuropeo en todo el campo de juego. Para abordar este colosal proyecto (el mas grande de Austria hasta la fecha) Enzo instalo paneles de distribución de carga cubriendo toda la superficie para proteger el césped del estadio.

RELACIÓN DE ESPECIES INCLUIDAS

Abeto blanco (Abies alba)

Acer campestre

Acer platanoide

Acer pseudoplatanus

Aliso de hojas de corazón (Alnus cordata)

Abedul colgante (Betula pendula)

Carpinus betulus

Fagus sylvatica

Fresno comun

Alerce (Larix kaempferi)

Pino negro (Pinus nigra)

Pino rojo (Pinus sylvestris)

Populus tremula

Roble pedunculado (Quercus robur)

Sauce de plata (Salix alba)

Silberlinde (Tilia tomentosa)

Klaus Littmann vive y trabaja en Basilea. estudió en la Academia de Bellas Artes de Düsseldorf, entre otros con Joseph Beuys y se estableció como creador concentrandose en la planificación y realización de exposiciones de arte temáticas, así como intervenciones artísticas en el espacio público. Cada uno de sus proyectos se basa en una tensión dicótica que resalta el compromiso del artista con la cultura cotidiana y la relación entre el arte contemporáneo y los espacios urbanos. Proyectos muchos de ellos producto de la colaboración con otros artistas como Christo y Jeanne-Claude, Tony Cragg, Peter Kogler o Subodh Gupta. Todos ellos ya mencionados en NQ a traves de sus respectivas entradas.

Cada arbol que formo parte de la muestra se obtuvo mediante una campaña de patrocinio, los participante recibieronn una copia del dibujo de Max Peintner The Unbroken Attractiveness of Nature coloreado a mano por Klaus Littmann, es decir, una pieza única firmada.

For Forest es una experiencia inmersiva del cual podeis ver un documental AQUI, editado por Ars Electronica, una pieza en la que su autor parece que nos invita a hacer un ejercicio de meditación que nos permite entrar en comunión con una naturaleza en este caso parasitaria.

Por ultimo mencionar que tras los dos meses que duro la muestra, el conjunto forestal se traslado a un terreno que reunía las condiciones óptimas y ubicado en las afueras de la ciudad.

Sanaa, tres proyectos iniciaticos que revolucionaron la arquitectura japonesa del siglo XXI

2025-04-10T03:36:00.050+02:00

Tuvieron que transcurrir más de cinco decadas hasta que Japón consiguiera renacer de sus cenizas y de alguna empezar a cerrar las heridas que supusieron participar en la Segunda Guerra Mundial en el bando de los derrotados. Un período que se caracterizó por una pérdida de identidad debido a que la sociedad en su conjunto se sentía profundamente humillada mostrándose apática y desorientada.

Lo que provocó que amplias capas de la sociedad japonesa cuestionaran muchos de los valores y estándares que hasta ese momento habían siendo modelos tradicionales que habían permanecido arraigados conformándo el carácter, de un país que se debatía entre seguir anclado en el pasado o abrazar la forma de vida Occidental.

Adoptando o más bien adaptando e incorporando muchos de sus patrones y dinámicas a otros muchos ámbitos productivos, entre ellos los que conciernen a los creativos. Donde se observaron una paulatina evolución hacia nuevas formas expresivas que de alguna reflejaban.

Los cambios que estaban experimentando como comunidad. Serie de cambios que propiciaron que Japón poco a poco logrará sortear el aislamiento al que se había sometido. Esta catarsis como no podía ser de otra manera acabó alcanzando a la casi artesanal práctica de la arquitectura.

En la que de un día para otro resurgió del anquilosamiento en la que había estado durante siglos. Aflorando una serie de jóvenes y emprendedor@s arquitect@s que sin renunciar a los parámetros arquitectónicos locales con los que habían crecido y se habían formado academicamente.

Si habían de forma habilidosa integrar en una nueva mirada de contemplar la forma arquitectónica y el tratamiento y el uso que se hacía del espacio. Ofreciendo una diversidad de propuestas que obedeciendo a las sensibilidades y demandas que se proyectaban desde su entorno y social.

Se materializaban en sugerentes proyectos resultado de la convivencia de la materia, la forma y la luz. Y que permitían renovar una disciplina cuyo canon funcional y estetico se nutria de movimientos foraneos, materializando en estructuras con las que los ciudadanos y consumidores podían llegar ha identificarse.

La Casa S cubierta con paneles de policarbonato permite iluminar el exterior de la vivienda desde su interior

A lo largo de todos estos años desde este espacio os hemos ofrecido uno cuantos y notables ejemplos de esta renovacion, a través de una selección de estudios y proyectos que bien sintetizaban esta transformación. Por citar unos cuantos remitirnos y hacer referencia a: Takaharu Tezuka, Yoshiaki Oyabu Architects o Ryue Nishizawa.

Estudios que simbolizan esta revolución en el ámbito arquitectónico pero cuyo repaso estaría cercenado sino se incluyera como uno de sus principales valedores. A los sugerentes trabajos aportados desde mediados de la década de los años sesenta del siglo pasado por los fundadores del estudio de arquitectura SANAA.

Y es que sería un ejercicio vanal omitir las propuestas encarnadas por el tandem de Arquitectos formados por Ryūe Nishizawa y Kazuyo Sejima. Que ya sean en conjunto o en etapas en las que por separado influyeron de forma determinante en como se contempla y se percibe la arquiectura contemporánea japonesa tanto en el interior como en el exterior del pais.

Mientras que tal vez estamos acostumbrados a ver la casa japonesa como algo que mira hacia adentro. En muchos sentidos la contingencia de la vegetación se suma a la naturaleza frágil convirtiendo los proyectos de SANAA en un paisaje habitable.

Y que desde aquí vamos a tratar de contextualizar describiendo tres proyectos de su primera etapa, en los que sin embargo se pueden ya constatar en que fundamentos se basarán la mayor parte de los encargos que acometerian en décadas sucesivas y los cuales se diferenciarian básicamente en la embergadura y el uso del edificio y su distribución espacial.

En el caso de las tres casas que se las conoce por el escueto nombre de Casa S, Casa M, y Casa Moriyama. Aunque se puedan conceptual como diseños iniciaticos y por lo tanto sean susceptibles de ser percibidos como ser al fin al cabo como intentos que no dejan de adolecer de cierta humildad, tanto por la magnitud de su ejecución.

Como por ser viviendas de carácter residencial y unifamiliares que destacan por su simplicidad en sus formas como por estar construidas priorizando el principal punto en el decálogo de la praxis que han aplicado este dúo de arquitectos con sede en Tokio. Y que básicamente se basa en la funcionalidad y polivalencia de los espacios susceptibles de ser habitados.

Vista de la fachada alargada de la Casa M marcando un fuerte contraste con las de su entorno mas proximo

Narrativa cuyo rendimiento se ha aplicado desde que en 1996 finalizarán las obras de la Casa S. Vivienda construida en poco más o menos de un año y en la que desafia al modelo tradicional envolviendo el único volumen de corte cuadricular con una cubierta de policarbonato.

Material inusual y que determina el comportamiento hacia una construcción que puede resultar ajena e incluso intimidante. Pero que en conjunto establece una comunicación con el exterior en la que destaca la discreción y el facilitar a sus residentes, un lugar intimo en el que poder relacionarse en un lugar intimo aislandose del mundanal ruido.

Emplazada en un distrito en expansión de la ciudad de Okayama. La vida dentro de la casa se vetebra alrededor de esta cubo situado en el centro actuando como nexo o hub, desde el que parte un corredor cuya amplitud y situación facilita la ventilación natural de las diferentes instancias que se reparten en dos alturas.

Merecedores del premio Pritzker otorgado a Kazuyo Sejima en 2010 por su contribución a la renovación de la ortodoxa arquitectura japonesa. El estudio SANAA comtempla el espacio habitable como un lugar común en el que la función crea paisajes interiores.

Su sucesora natural la Casa M aplican el mismo patrón salvo por alguna licencia estética que se evidencia en la fachada exterior cuyo planteamiento obedece a un intento, por integrar este encargo realizado por una pareja joven la cual se había afincado en un barrio de Tokio.

En una parcela longitudinal por lo que la figura que emplean es un rectángulo de aspecto sobrio, que se extiende a lo largo de la acera al borde de la calle, situada en el céntrico barrio Shibuya. Las motivaciones del diseño de la casa obedecen al deseo de crear un hogar en el que la luz en el interior conforme un paisaje propio y diferenciado del que hay en la calle.

Finalizada en 1997 su construcción planteaba la necesidad de ampliar la superficie habitable, a pesar de que contaban con una parcela de dimensiones reducidas, por lo que excavaron en el terreno. El reto para los arquitectos era incorporar el exterior al interior de la casa y al mismo tiempo, maximizar el espacio útil del sitio de acuerdo a los requisitos específicos del cliente mencionados anteriormente.

Es por eso que una de las estrategias más importantes del proyecto consiste en horadar en la superficie hasta sumar la altura que precisaban. Al estar la casa parcialmente soterrada se añadieron tres corredores cuya función era actuar como tragaluces proporcionando la iluminación natural suficiente en el interior.

Distribución fragmentada en el interior de los patios interconectados de la Casa Moriyama

Continuando con la percepción de espacios abiertos y agradables en un parcela relativamente pequeña, requisitos de área y volumen de vivienda. Es interesante notar la decisión de liberar el piso inferior de columnas u otros elementos estructurales verticales que soportan el piso superior, a través del uso de vigas de acero que recorren la profundidad de campo, para apoyar estructuralmente los volumenes compuestos por el dormitorio principal, el garaje y habitación de invitados, como si fueran puentes, cuyos soportes se encuentran en los extremos del edificio.

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En el caso de la Casa Moriyama estamos ante uno de los primeros encargos por uno de los artífices del estudio SANAA, el arquitecto Ryūe Nishizawa. Una construcción en el concepto estructural que resulta más elaborada que en la trayectoria observada en los trabajos compartidos con la arquitecta Kazuyo Sejima.

Entregada a sus promotores en 2005 se trataba de un edificio dividido en dos alturas y y cinco apartamentos destinado al alquiler en una zona madura urbanisticamente y densamente poblada como es el distrito Otha-Ku. Cuyo paisaje urbanistico está dominado por construcciones que no superan las dos alturas.

Lo que primero llama la atención es su fachada inmaculada y perforada por grandes aberturas rectangulares que aparte de fijar la luz del exterior en un gran patio central enmarca el entorno con el que se relaciona. Con casi trescientos metros de superficie los inquilinos disponen de patios y jardines compartidos, en los que desarrollan sus vidas convirtiéndolos en lugares casuales de encuentro y en los que visualmente las formas cúbicas se presentan como un elemento omnipresente configurando la naturaleza del espacio habitable.

Jeanne K. Simmons, vestir el paisaje de humanidad

2025-03-13T20:55:00.012+01:00

En buena parte de los autor@s o artistas adscritos al movimiento de Land Art se observa una constante que predomina como elemento no solamente estetico sino conceptual. Una constante que de forma no deliberada persiste en eludir la incorporación en sus proyectos, ya sean de factura interior.

O aquellos (los mas usuales), aquellos trabajos que tienen como ambito creativo el espacio publico o como suele ser mas natural y predominante, alguno de los muchos y diversos paisajes naturales o silvestres. Del cuerpo humano como elemento discursivo con el que articular un lenguaje expresivo.

Aunque de forma puntal se rompe esta norma (no escrita), incorporando algun elemento corporal en alguna actuación. Ya sea por coherencia o porque simplemente no se contempla la necesidad de que el cuerpo humano se hibride con los materiales de origen natural.

Que previamente han sido seleccionados por la autor@ para trasladar la síntesis de su obra al espectador. Que por otra parte lo que busca en una obra de Land Art es un reencuentro y comunión con su memoria y por lo tanto con su herencia natural y organica del paisaje y el medio natural.

Circunstancia que en esta sociedad hiperdigitalizada, tecnificada y artificial, provoca que como sujetos tengamos la oportunidad de abordar y recuperar el pulso de nuestro ethos mas trival a la vez que instintivo. Aquel que en esencia nos vincula a nuestro origen ancestral y mas animal.

Titulada Extensiones, una larga trenza hace de conexión y lo humano

Pero como en toda manifestación creativa hay excepciones y en el cada vez mas fecundo universo del Land Art, también existen figuras que sin salirse de los canones a los que obedece el genero. Si han logrado constituir una identidad artistica, en la que de forma mas o menos destacada la incorporación del cuerpo humano.

Como uno de los recursos semánticos mas identificativos en sus obras y que por lo tanto constituyen la medula espinal de su carrera. Representan un rasgo y detonante intelectual en el desarrollo de la practica totalidad de sus intervenciones.

En este sentido para mi uno de los referentes mas representativos es el de la artista Jeanne K. Simmons. En la que esta hibridación entre la naturaleza y el cuerpo humano esta mas omnipresente. Añadiendo a sus trabajos una sensación de movimiento.

El trabajo de Jeanne explora el rendimiento visual del paisaje expresando su mas profundo respeto por la tierra de la que considera que forma parte y con la que ha establecido algo que vas mas alla de un compromiso artistico y vital.

Y de encuentro entre el paraje y sus diferentes componentes naturales, y la espontaneidad del conjunto de los rasgos gestuales humanos a través de cuya mecanica y conducta nos relacionamos. Ya sea entre nosotros como individuos o con el resto de las criaturas, con las que queramos o no compartimos este maravilloso planeta, que tan generosamente nos alberga.

Declarada feminista y activista del movimiento LGTB, la artista nacida en la ciudad estadounidensd de New Hampshire, desde sus primeras obras coincidiendo con los ultimos coletazos de su formación en la Maine College of Art, donde obtuvo un BFA en escultura en 1991. Ha mostrado estas cualidades compartidas por la humanidad y la naturaleza.

Pero no es hasta que en el transcurso de la ultima de la esta segunda decada de este siglo cuando Jeanne se traslad con sus tres hijos a lo localidad del medio oeste Port Townsend. Cuando en sus primeras incursiones en la practica del Land Art, con titulos como Grass Cocoon o Ivy Dress, ambas facturadas en (2018).

Lace Skirt un vestido que surge de lo que emerge de la tierra

Donde Jeanne nos muestra ya su descarnada delicadeza a la hora de utillizar los residuos forestales que recoge en su entorno mas proximo. Y con los que confecciona patrones y un out-fit muy singular, con los que viste a sus modelos, creando paisajes liquidos y efervescencentes.

Que invitan a invitan a la reflexión acerca de lo ajeno que nos resulta la naturaleza. Fenomeno al que ha recurrido a lo largo de prácticamente toda su corta pero intensa carrera. En obras mas elaboradas a la vez que simbolicas como como Women o Extensions fechadas en plena pandemia.

Y en las que sin renunciar a la delicadeza poetica de la que ha hecho gala hasta ese momento, les añade un enfoque en las que las protagonistas son por una parte la plasticidad y en un sentido mas hormonal la raiz que penetra hasta lo mas profundo de la tierra.

Jeanne desarrolla una especie de intimidad, basando su práctica en este sentido de familiaridad. Incluso puede empezar a sentir que nosotros mismos nos hemos convertido en parte de ese lugar, y es este sentimiento lo que le inspira.

Buscando, quizas, una oscuridad luminosa que se convierte en un mensaje esperanzador. Siendo esta antitesis, una tónica que le ha acompañado en cada uno de los proyectos que ha emprendido desde entonces. Y con los que establece una fuerte conexión con su entorno.

Criterios con una postura concruente y casi militante con los que nos desafia a traves de una serie de obras como; Lichen Wedding, Mario with Quilt in Cedar Grove o Self-Portrait with Gloves (2024). Propuestas en las que emplea el paisaje como un vestido en las que el matiz elegante con un toque barroco se deja entrever. No solamente en sus obras realizadas en campo abierto, sino en aqullas mas modestas y en otros formatos destinadas a ser expuestas en galerias.

Lesley-Ann Jones ¿Quién mató a John Lennon?, como las ausencias forjaron un mito

2025-02-11T11:33:00.006+01:00

Todos hemos recurrido en alguna ocasión al ya viejo leo-motiv o modismo "cualquier tiempo pasado mejor". Una frase hecha que solemos emplear en casi cualquier tipo de contexto y situacion. Y con cuya pronunciación en el fondo se suele revelar algún aspecto de nosotros como sujetos que interpela a elementos que tienen que ver con la nostalgia.

Que nos remite a algún momento en concreto o alguna etapa que pertenece a nuestra biografía más personal e intima. Razones por las que está sentencia la observo como mucho esceptecismo, percibiendola más bien como un ejercicio o deseo de recuperar un pasaje de nuestro pasado privad o social que ya no volverá a representarse ante nuestros ojos.

Pero como en casi todo hay matices y si tu analizas o tienes que documentarte acerca de algún hecho histórico más o menos reciente, y el protagonista que lo encarna puedes llegar a la conclusión, de que si no cualquier tiempo pasado fue mejor. Si cuando menos fue diferente, al menos en lo sustancial, no pudiéndose reunir los factores (en todo caso) para que determinados perfiles vinculados a unas características de personalidad pueda volver a tener relevancia entre la opinión publica.

Por lo menos a un nivel mayoritario o popular. Esa sensación es al menos la que yo experimente mientras leía o mejor dicho devoraba paladeando cada página de la reveladora biografía escrita por Lesley-Ann Jones, sobre la vida y obra del mismísimo John Lennon, miembro fundador de The Beatles. Quizás no la primera referencia de la cultura Pop de nuestros tiempos, pero si sin duda una de las más sugerentes, imprevisible y polemica.

Siendo una formación cuya expresión creativa se convirtió en la guía, suponiendo su presencia y su corta pero vertiginosa y frenética trayectoria una referencia e influencia. No solamente en lo musical y artístico, sino en lo social, en lo económica (creando y asentando las bases o protocolos sobre como funcionaria una incipiente y anodina industria musical durante las siguientes decadas). Sino incluso en lo político y en lo espiritual.

Ámbitos en los que se involucraron más bien desde una perspectiva subjetiva todos y cada uno de sus miembros. Obteniendo como resultado una respuesta cuya trascendencia social y política, les acabo desbordando y pasando una factura cuya cifra supuso una fractura en la imagen juvenil que a lo largo de los primeros años de existencia habían logrado forjarse los cuatro de Liverpool, junto al inestimable trabajo de su manager Brian Eipstein. Sin cuya aparición en escena, influencia y contribución la historia sería sería otra radicalmente distinta y efimera.

Entrada principal de la casa de la tía Mimi en Liverpool en la que Lennon creció y pasó buena parte de su infancia y adolescencia

Ya que más allá de la mitología que pueda preceder a todos y cada uno de los acontecimientos de los que Lennon no fue solamente participe o testigo sino precursor y figura determinante. Si considero que una personalidad como la suya, la cual se definía básicamente por su acusado compromiso social y creativo o como declaro el mismísimo Mick Jagger en una ocasion.

Que para el las opiniones y pensamiento de John Lennon obedecía a la de alguien, que podía militar o sentirse próximo aquell@s que se sienten identificados con una sensibilidad o corriente Marxista Humanista, corriente etérea que se podría emparentar en términos intelectuales al movimiento filosófico de los Existencialistas de la primera mitad del Siglo XX.

No teniendo forma de encajar en un entorno social, el cual se define por como se afirma desde una diversidad de estamentos intelectuales y academicos, así como itsmos mediaticos. Cuyos anilisis más o menos coincidentes construyen una narrativa que nos transmite la idea general de que vivimos en un entorno en proceso de globalizacion o como propone el ensayista italiano Franco "bifo" Berardi de destorrilacion sobre todo de la actividad economica.

En ¿Quién mató a John Lennon? en su versión española exquisitamente traducida y publicada por la Cupula. Su autora Lesley Ann Jones profundiza en los antecedentes familiares y sociales que forjaron el carácter y la personalidad del miembro fundador de los Beatles, y de como condicionó su vida y en los acontecimientos de los que fue protagonista.

Por lo que paradojicamente se está produciendo paralelamente una sociedad cada vez más polarizada y liquida cuyo empacho de hiper o post-modernismo esta provocando una involución a un estadio precedente que nos devolvería al absolutismo y a la inquisición que se padeció durante el periodo conocido como el Barroco.

O como diría el ensayista y outsider tristemente desaparecido Mark Fisher, que nos transmitía la reflexión de que el observaba un fenómeno que el definió como cancelación del futuro. Por lo que el discurso progresista en términos socio-politicos se había agotado provocando una atmósfera de resignación y apatía generalizada.

Argumentos por lo que alguien del carisma y la pulsion de John Lennon cuyos antecedentes socio-familiares, nos describe a un sujeto que desde el punto de vista socio-afectivo se podría incluir en la piel de alguien impulsivo, constante, intenso y pasional. Proclive a experimentar episodios en los que las pulsiones más viscerales y los más básicos instintos se suelen imponer a su parte que estaría vinculada a las tomas de decisiones desde una posición en la que prevalecierá la cordura, la reflexión, la funcion, y el sentido comun.

De etiqueta Brian Epstein en el centro franqueado por los cuatros miembros de la banda

No encajaría en un tejido social y mediático en el que hemos pasado de descalificar aquel que no es políticamente correcto o cuestiona realidades hasta determinado momento consideradas tabus. Como cuando el mismísimo Lennon en su primer viaje a New York declaró de forma literal que The Beatles eran poco más o menos los nuevos totems que inmersos en plena boragine contracultural de la década de los 60's del siglo pasado compartirían su cetro sagrado con Dios.

A directamente a estigmatizar aquel o aquella que se expresa en términos parecidos como por ejemplo la cantante Sinead O´ Connor o más reciente el Rapero Kanye West que llegó a representarse como el nuevo mesias. Y que han visto como han sido tachados de desequilibrados, siendo diagnosticados y tratados como si padecieran una enfermedad mental.

Complejos estados emocionales y afectivos que se sugieren de manera implícita en un volumen que se publico coincidiendo con el cuarenta aniversario del asesinato perpetrado por Mark Chapman el 8 de diciembre de 1980 a la salida del edificio Dakota en Nueva York. Redactado por Leslie de forma muy sutil, una autora que mantuvo una estrecha relación con algunas de entidades mas creativas de los últimos 60 años.

A través de ecos, fantasmas y voces que emergen del pasado Lesley-Ann Jones nos interroga sobre la posibilidad de que las ausencias personales de Lennon contribuyeran a la construcción, tanto de su personalidad como de su mito.

Como Freddie Mercury o David Bowie sobre los que también ha publicado aclamadas biografias. En el caso de la de Lennon, nos traza un dibujo del músico que creció entre los muelles de Liverpool buscando sus ausencias que desde ya niño moldearon su carácter determinando buena parte de sus decisiones a lo largo de su vida.

Ausencias como la de su madre, la de su padre o la de su adorado tio, o ya en su adolescencia y madurez como la de su amigo Stu que murió repentinamente en Hamburgo finalizando el ciclo de The Beatles en la ciudad alemana. O la de enigmático Brian Epstein. Para muchos piedra angular en la consagración de la banda como una de las más importantes de la historia y con cuyo fallecimiento inesperado precipitó unos acontecimientos que dieron como resultado la disolución del cuarteto.

De estilo Tudor la fachada del edificio de apartamentos Dakota sedujo a Lennon recordándole su Inglaterra natal

O la ausencia más polémica de Yoko Ono que segun cuenta la leyenda se iba a producir aquella fatídica noche de diciembre, cuando le comunicara a Lennon que oficialmente finalizaba su relacion. Debido a que Yoko mantenía un idilio en secreto con su decorador el cual se acabó formalizandose en el transcurso de las dos décadas posteriores.

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Una constante en su vida que le marcó profundamente y que para Lennon funcionaba como un mecanismo por el que se retroalimentaba creativamente y personalmente, proporcionándole por un lado los argumentos a partir de los que crear su universo cretivo. Materia con las que compuso algunas de las melodias más brillantes y versionadas de la historia de la dilatada historia del Rock.

Y por otra parte provocaba que cuestionara algunos de los dogmas más asentados socialmente, criticando abiertamente instituciones como la de la familia. O posicionándose sin tapujos contra la guerra de Vietnam. Un celebre y profilactico episodio que supuso que sufriera el escrutinio de una parte de la sociedad que interpretó como un ataque directo a sus valores más puritanos. En unas manifestaciones, de un Lennon que ya formaba parte de la mitología de la cultura Pop.

Calle de Liverpool en la que se encontraba The Cavern original y donde está abierta la reproducción

El Árbol Sagrado de la Vida Celta y su mensaje ecologico

2025-01-04T16:39:00.021+01:00

Yo no se si será solo una tendencia que se habrá extendido por el resto del mundo (imagino que si), pero en España, donde resido actualmente. Desde hace ya bastantes años, al comienzo de forma muy esporádica y tan sólo en algunos establecimientos conocidos popularmente como bazares o utilizando un apelativo más informal de los chinos.

Para que transcurrido el paso del tiempo e imagino que el filtro de aceptación del consumidor se haya convertido la venta de los llamados "árboles de la suerte" o de "la vida", en un fenómeno global. Pudiendose encontrar encontrar en casi cualquier colmado, al menos en Occidente.

Lo que si es cierto es que una buena parte de los consumidores que adquieren un producto en el que sale representado un arbol. Piensa equivocadamente que el origen de subsodicho, tiene que tener su origen en algún relato de la rica y diversa mitología del gigante asiatico.

Y lo cierto es que aunque en algunos de los motivos pueda parecerse, muy poco o casi nada tiene que ver la representación del denominado Árbol de la Vida Chinos. En el que sus símbolos más destacados son un ave fénix y un dragón. Siendo el dragón el que tiene un vínculo con la inmortalidad, haciendo referencia a un relato extraído de la doctrina taoísta.

En el que el protagonista es un árbol que tan sólo produce melocotones pasado un intervalo de 3000 años, sentenciado que aquel privilegiado que tiene la fortuna de comer la delicada carne de uno de estos melocotones recibirá el don de la inmortalidad. El cual conservará siempre y cuando sea alguien virtuoso y por lo tanto merecedor de este milagro.

Un símbolo perteneciente a la cultura chiná y del cual hay constancia por escrito desde hace siglos, pero del cual apenas se habían conservado algún vestigio fisico. Hasta que en la década de 1990, fue descubierto junto a otras dos piezas en el fondo de un pozo de sacrificio en el yacimiento y museo arqueolocico de Sanxingdui en la la provincia de Sichuan en China.

Protegido por una urna de cristal el árbol de la vida chino se eleva a una altura de cuatro metros

Al cual tras examinarlo se le estimo que su origen databa de alrededor del año 1200 a. C. En concreto el que se idéntifico como el arbol de la vida chino alcanzaba la muy estimable altura de los cuatro metros. Presentando en su base la figura de un dragón y en la parte superior un ave fénix que se mostraba en un tono amenazador.

Un árbol que aunque lo razonable, fuera el que adquirirlo, adornando cada vez más casas en nuestras ciudades, no lo es. Siendo en su lugar un ejemplar que tiene su origen en una mitología más próxima tanto en términos geograficos como culturales como es la que se genera alrededor y paralelamente a la comunidad y cultura Celta.

Una representación mucho más sencilla y que es la que su utiliza para ser reproducida en todo tipo de productos, aunque principalmente se pueden comprar en forma de figura. Que ofrecida a diferentes escalas se pueden encontrar por miles en cualquier colmado junto a otros símbolos extraídos de otros imaginarios etnicos-culturales.

El Árbol Sagrado de la Vida Celta tiene su origen en creencias ancestrales que navegan entre lo exoterico y sus vínculos con la naturaleza y su contexto mitológico y sagrado.

En el caso de este árbol tan iconico como repleto de misterios de los cuales emanan multitud de historias y leyendas, de las cuales os voy a trasladar mis queridos seguidores algun que otro fragmento. Pero en primer lugar comenzaré por establecer su origen, para posteriormente y puestos en antecedentes sumergirnos entre sus ramas con el propósito de desentrañar algunas de sus alegorias.

Camino cuyo viaje comprenderemos que forma parte de un todo, un relato si se quiere tan cautivador como esclarecedor y que en todo caso, nos revelará por intuición, deduccion o simplemente congeturas a las que llegaremos por nosotros mismos. Algunas de las características más esenciales de esta seductora comunidad y su historia.

En primer lugar mencionar que como tal las de la primeras referencias del Árbol de la Vida Celta de las que se tienen constancia a día de hoy se encuentran en los primeros escritos de los Druidas, considerados los chamanes o los sacerdotes de la comunidad, también eran conocidos como sacerdote de las encinas o bien el que lee los robles.

El Árbol Sagrado de los Celtas se considera que debe regalarse aquel que está en consonancia con la naturaleza

Quizás sea por aunque se trataba de un civilización que se puede catalogar en términos espirituales como politeísta. Expresión que se diferencia de la practica monoteísta por venerar no a una única divinidad sino a un panteón de diferentes deidades como las protectoras o las guerreras. Aunque hay que matizar la mayoría de los miembros de la comunidad celta se distinguían por procesar una espiritualidad que más bien se podría equiparar a expresiones de carácter animista.

Por lo que ellos en el fondo procesaban devoción por todas y cada una de las criaturas que habitaban en el interior del bosque, siendo las que les proporcionaba la practica totalidad de los recursos que precisaban. En este contexto se asume que aunque la especie a la que se recurria para su representación eran principalmente el Roble y el Tejo, un árbol conífero perenne, el cual fue asociado con el renacer y la larga vida.

Elección nada gratuita pues se les atribuía por su naturaleza propiedades que les conferia una solidez y robustez. Que en situaciones de peligro otorgaba a sus fieles cierta garantía de proteccion, así como leña para el invierno y materiales de construccion.

En la mitología celta, el Rey Acebo gobernó durante la mitad del año desde el verano hasta el solsticio de invierno. En este momento el Rey Roble derrotó al Rey Acebo para gobernar hasta el solsticio de verano de nuevo.

Ademas se incluía en este elenco de divinidades naturales, a una diversidad de variedades de arboles pertenecientes al ámbito de por ejemplo los frutales como el Manzano. Incluso se puede consultar un calendario que vincula los diferentes meses del año con otros tantos árboles estableciendo el horóscopo Celta que podéis consultar AQUI.

Lo que indica el grado de relevancia e influencia que poseian estos arboles en diferentes ámbitos de la vida en la diversidad de comunidades Celtas que se extendieron por Europa durante el medievo. Otros de los rasgos a destacar era el que tiene que ver con los aspectos litúrgicos y ceremoniales, empleándose sus copas como lugar de celebración en el que sus feligreses se reunian para establecer una comunión con los que ellos denominaba los tres niveles del cosmos.

Creando un vínculo tanto con el submundo subterráneo al cual se accedía a través de sus raíces, como aquel que se desplegaba ante sus ojos en la superficie de la tierra al cual se accedía abrazándose al tronco del arbol. Y por último al que les conectaba con la bóveda celeste que estaba vinculado a las ramas más elevadas y próximas al cielo.

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El árbol se percibía de esta forma y en este contexto como un ágora o lugar de reuniones, en el que incluso se derimian asuntos políticos y administrativos que afectaban al conjunto de los miembros de la comunidad sellandose todo tipo de acuerdos, además de pactos comerciales. Así como se programabán coincidiendo con las festividades estivales actos lúdicos en los que participaban los diferentes clanes.

Se trata por lo tanto de un árbol que simboliza nuestra naturaleza como seres vivos que debemos respetar y venerar partiendo de la coherencia y armonía con nuestro entorno natural y su esencia. Así como la diversidad paisajistica que lo compone que es producto del tiempo y sus accidentes del azar siendo un regalo que lo entrega todo sin demandar nada a cambio.

Marie NDiaye - Tres mujeres fuertes, la odisea de la mujer en el África post-colonial

2024-12-13T10:16:00.041+01:00

Escrito cuatro años después de que se autoexiliara en Berlin, Tres mujeres fuertes es un fresco político social redactado en forma del triptico, a través del que su autora la escritora Marie NDiaye nos pone en contexto acerca de la realidad en la que estan instaladas tres mujeres.

Que nacidas y educadas en el continente africano tratan de adaptarse a una sociedad en la que la visión y el dogma de las relaciones que se establecen en la práctica totalidad de los países africanos. Son heredadas del colonialismo heteropatriarcal por el que fueron sometidas y relegadas.

A un papel ya no solamente secundario sino degradante para millones de mujeres que no solamente se vieron desaraigadas socio-culturalmente, al ser forzadas a renunciar a sus costumbres y rol como miembros pertenecientes a una estructutura social trival. Comunidades en las que las decisiones eran tomadas mayoritariamente por los hombres.

Estando sujeta sus vidas a los criterios que ellos consideraban. Sino que con el cambio en una mayoría de ocasiones contra su voluntad a un entorno colonizado, sus escasos "derechos". Se vieron derogados adquiriendo un papel que les relegaba a vivir en un régimen de semi-esclavitud siempre al servicio del cacique o patrón asignado por las fuerzas colonizadoras de la epoca.

"Cómo pretender ser bueno cuando se sufre como un perro?, le susurraba no obstante una vocecita desconsolada"

En cada uno de lo tres relatos se perciben que sus protagonistas que responden a los nombres de Norah, Fanta y Khady Demba. Te ofrecen un descripción por una parte en clave socio-politico muy generalista. Y en un segundo plano establecen un vínculo de este análisis general con un relato mucho más personal e intimista.

En cuyos párrafos exploran todas y cada una de las preocupaciones, inquietudes y aspiraciones de tres mujeres que comparten un nexo comun. Un nudo georgiano que las atenaza y que en un determinado momento exponiéndolas a las tres antes la disyuntiva de enfrentarse a sus fantasmas y salir de su particular caverna de Platon.

O continuar negando la realidad y permanecer instaladas tras un velo, negando que sin su participación activa, nunca evadiran las limitaciones de un marco jurídico muy conservador en el cual el dogma religioso acentúa esa sentimiento de culpa-redencion. Y emprender un camino a través del que de forma colectiva conquisten nuevas parcelas de poder.

Un texto que aunque anclado en la realidad y en las tensiones domésticas y afectivas de tres mujeres de origen africano, que recurren con firmeza y admirable obstinación una y otra vez a sus valores y principios. A través de los que con mayor o menor fortuna tratan de proteger su dignidad e integridad como personas.

Que aún sin ser enteramente conscientes de que no muy lejos de donde viven se están produciendo una serie de movimientos politico-sociales, los cuales están siendo protagonizados por organizaciones. Que principalmente adscritos a la esfera feminista están transformando el sustrato de un entorno muy desfavorable hasta ese momento alcanzando nuevas cotas de igualdad.

Si de alguna forma están conectadas pese a su aislamiento mediático a esta serie de acontecimientos y eventos cuyo transfondo y trascendencia histórica están aún por evaluar. Tres frescos que desde el ámbito de lo personal te ofrecen un análisis de un continente que lucha denododamente ya no solo por recuperar su identidad en la historia sino por encontrar un lugar cuyas condiciones le permita mirar al futuro con un minimo de confianza.

"Sin dejar de trabajar, caía en un estado de estupor mental que le impedía comprender lo que se decía a su alrededor. Entonces casi se sentía bien. Tenía la impresión de dormir con un sueño blanco, ligero, desprovisto tanto de alegría como de angustia. Cada mañana temprano dejaba la casa en compañía de sus dos cuñadas, llevando las tres sobre su cabeza unos barreños de plástico de diverso tamaño que iban a vender al mercado. Tenían ya allí su emplazamiento habitual"

En el primer relato su autora nos presenta a Nora que el hecho de ejercer de abogada, le otorga cierto estatus social que se extiende al ámbito familiar permitiéndole tomar ciertas decisiones que en principio sólo le compete al patriarca de la familia. Sombra alargada que interfiere en su vida, una figura paterna a la que recrimina el hecho de abandonar a su madre. En el segundo texto que está encarnado por una mujer insatisfecha que responde a nombre de Fanta, la cual desde su Senegal natal siguió a su marido renunciando a todo aquello a lo que aspiraba tanto en el terreno profesional como personal-afectivo.

Siendo quizás el más anodino de las tres historias que culminan con el pequeño caballo de Troya literario, que se va tejiendo a partir de sus predecesores. Una historia cuyo solo planteamiento y enfoque supone un mazazo de realidad, de cuya narración se pueden sacar muchas conclusiones y reflexiones acerca de la existencia humana y su naturaleza. Protagonizado por la inocente y cosificada Khady, una mujer que ha crecido siendo adoctrinada en unos fundamentos donde la práctica religiosa y el papel como exposa que le debe obediencia y lealtad a su marido.

Cuyo fallecimiento repentino la "libera" viéndose obligada a vivir un entorno familiar francamente desalentador. Desaparición que lejos de mejorar su vida provoca un giro inesperado con una sucesión de episodios, los cuales por una parte desembocarán en un final lamentable, pero que por otra parte y en cierto sentido le permite a Khady tomar las bridas de su destino a través de recobrar su propia conciencia como sujeto tanto en el plano individual como colectivo.

Ejercicio no premeditado que le supondrá un derroche de recursos ya no solamente fisicos sino afectivos, pues se verá involucrada en situaciones de extrema violencia para las que ella no está acostumabra. Pero que le ayudara a reforzar su autoestima y ha modificar la percepción acerca de las caractericas del paisaje humano y social y sus consecuencias sobre aquellos que lo comparten.

"Khady evitaba que la vieran en el patio, pues temía todavía las palabras sarcásticas sobre la nulidad, lo absurdo de su vida de viuda sin bienes ni hijos, y cuando se veía obligada a estar allí para pelar las verduras o preparar el pescado se acurrucaba tanto en un rincón, sin dejar asomar de su delgada silueta en cuclillas con su taparrabos, encogida, nada más que sus rápidos dedos y, de su rostro gacho, nada más que los altos pómulos de sus mejillas, en seguida dejaban de prestarle atención, se olvidaban de ella, como si ese muro de silencio y de desafección ya no valiera el esfuerzo de una increpación, de una pulla. Sin dejar de trabajar, caía en un estado de estupor mental que le impedía comprender lo que se decía a su alrededor.

Un drama cuya principal enseñanza estriba en que lo más importante para que una persona pueda prosperar con garantías de exito, es que no pierda bajo ninguna circunstancia la confianza en sí misma. De esta forma Khady Demba se cita su nombre una y otra vez en un hilo de voz, ejercicio algo que cobra más trancendencia, pues la novelista se propuso con este gesto sacar del anonimato a los cientos de miles de migrantes que perecen por arrivar a las costas de Europa.

Con la conmovedoras historias de Tres mujeres Fuertes la escritora franco-senegalesa Marie NDiaye fue galardonada cono el prestigioso galardón literario de las letras francesas Goncourt en su edición de 2009. Un premio que le fue concedido no solamente por la calidad y elocuencia de la prosa exhibida por Marie, entre cuyas propiedades se observan adoptando un tono susurrante de la violencia así como de los comportamientos altruistas de los que es capaz el ser humano.

Nördlingen, la ciudad construida sobre un anillo de diamantes

2024-11-15T01:30:00.001+01:00

Ser consciente de que vives encima de poco más o menos de uno los mayores tesoros de los que se tiene constancia hasta ahora y no poder gozar de ninguna de esas riquezas, tiene que ser ya bastante frustrante para para aquell@s vecin@s que se ven incapaces de acceder a tan valiosos recursos.

Con los que consiguieran solventar todos sus problemas materiales y de paso cumplir todos sueños pudiendo adquirir cualquier cosa que se les antojara. Ese es el dilema en el que viven los poco más de 20000 habitantes que residen en la actualidad en la localidad de Nordlingen, una ciudad de origen medieval amurallada excelentemente conservada.

De hecho estamos ante la única de las tres muestras que conservan su recinto amurallado prácticamente íntegro en toda Alemania. Las otras dos son Rothenburg y Dinkelsbühl. Que aún viviendo encima del mayor yacimiento de diamantes conocido hasta ahora en el mundo.

No pueden acceder a las piedras preciosas, no porque exista una ordenanza municipal que les prohíba a sus residentes organizarse y poder extraer el codiciado cristal. Sino porque debido al estado de refinado que presenta (prácticamente estamos ante unos restos que son casi imperceptibles al ojo humano.) Tamaño infimo que hace que sea practicamente imposible tratarlo en términos de rentabilidad con ninguna de las tecnologías que existen a nuestro alcance en la actualidad.

Por lo que desde hace una décadas está peculiar localidad situada en el sur de Alemania. Más concretamente en el centro del triangulo cuyos vértices lo forman las ciudades de Stuggart al oeste, Nuremberg al noreste y Múnich al sureste.

Siendo esta última la que por ostentar la capitalidad del lander de Baviera, y por presentar el aeropuerto con más tráfico y vuelos directos de la región. Desde la que se suele acceder al centro de Nordlingen y su principal núcleo poblacional. Aunque eso implique alargar el traslado desde la terminal aeroportuaria muniquesa hasta las casi tres de recorrido.

La mayor parte de los edificios están construidos con materiales que tienen millones de diminutos diamantes

Traslado que podria resultar algo engorroso y tedioso, sino fuera por los magníficos paisajes que te ofrece una comarca plaga de espacios protegidos formando un anillo de reservas conocido como Geopark Ries. Entre cuyos alicientes también cuenta con una serie de yacimientos arqueologicos.

Por lo que cuando el viajero llega al principal acceso de la ciudadela conocido como Reimliger Tor. No ha experimentado que haya perdido significativamente excesivo en el desplazamiento, que se suele realizar principalmente en vehículo privado. Aunque hay que precisar que existen servicios de autobus y tren.

En todo caso el visitante no podrá percibir que está recorriendo unos callejones que se construyeron sobre un cráter producto del impacto de un meteorito caído según estimaciones aproximadas hace alrededor de quince millones de años. Sin embargo se estima que los dos kilómetros de diametro que abarca la ciudad se empezaron a construir en el año 898.

Nordlingen es una ciudad en la que se percibe la atmósfera medieval que se ha logrado conservar gracias a su excelente recinto amurallado que se mantiene prácticamente intacto.

Estableciendose las primeras colonias cuyos miembros eran atraídos por cosas más peregrinas que las 72000 toneladas métricas de depósitos de diamantes que se encuentran en el subsuelo repartidos por toda la ciudad. Como las excelentes tierras de cultivo, las cuales se pueden divisar de lugares como la base de la torre del campanario de 90 metros de altura de la Iglesia de San Jorge.

Bautizada popularmente con el nombre de "Daniel", su estructura se sustenta sobre un lecho de suevita que contiene cuarzo sedimento que se produjo en el mismo instante que el meteorito colisionó con la superficie de la tierra, efecto producto de la presión y las altas temperaturas.

Que por aquel entonces presentaba un paisaje cuya textura distaba bastante de lo que se puede contemplar en nuestros dias. Entre los muchos edificios monumentales que nos asaltan según vamos abriendo nos paso por sus callejuelas y plazoletas. Son los que albergan las dependencias de la corporación municipal, un volumen notable que data del siglo XIII. Así como la pequeña pero resultona iglesia de San Salvador, que en el período de la guerra de los treinta años fue destinado a hospital medieval.

Uno de los corredores cubierto que permiten recorrer buena parte del recinto amurallado de la ciudad. Arriba mapa original de la época medieval

Pero sin duda es el palacio donde se encuentra el Museo del cráter de Ries, situado en el barrio medieval uno de los máximos atractivos arquitectónicos de Nördlingen. Se trata de una casa señorial bien conservada que en sus inicios servía para que los curtidores trabajarán las pieles.

Con las que como gremio comerciaban con otras mercaderes que se trasladaban expresamente desde otras comarcas aledañas. Pero si se quiere realizar una aproximación a la historia pre-moderna y geológica de la comunidad. No estaría de más que uno se acercará al enclave formado por las Cuevas de Ofnet.

Un lugar en el que se han hayado restos de presencia humana que datan de la era del Paleolítico. Un lugar descubierto a finales de la primera decada del siglo XX. En cuya sima más profunda se encontraron una colección de craneos los cuales estaban dispuestos concéntricamente con sus caras giradas hacia el sol poniente. Además presentaban otra propiedad que los convertían en material de interés para los paleontologos presentes. Y es que su superficie estaba cubierta con una gruesa capa de ocre rojo.

La ciudad de Nördlingen forma parte de un anillo de veinticinco kilómetros de diámetro, donde además se puede visitar numerosos espacios protegidos en los que se pueden identificar algunas de las señales producidas por el impacto del meteorito.

Antes de finalizar nuestra excursión por la villa de Nördlingen, indicar un par de efemerides que aunque no tengan reflejo en la ciudad pues no hay nada apenas que te lo revele. Si constata que es algo más que una ciudad turistica. La primera es de carácter cinematográfica, pues sus calles se convirtieron en el set en el que se rodaron las tomas de la secuencia final de la película de Tim Burton y protagonizada por el actor Johnny Deep titulada titulada Willy Wonka y la fábrica de chocolate.

Localizaciones que se encuentran en un lugar que tendrás que descubrir situado entre Gasthaus Roter Ochse (La taberna del toro rojo) y Brot- und Tanzhaus (Casa del Pan y la Danza). Una casa a dos aguas de estilo entramado que a mi me recordaba a las que contemple por decenas en muchas pedanias y ciudades en el departamento francés de Normandia.

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Otra de las curiosidades de cierta relevancia histórica, tiene que ver con la presencia de los astronautas de las misiones Apolo 14 y Apolo 16 lo cuales se acercaron a la ciudad poco antes de emprender el viaje a nuestro satélite lunar, con el pósito de conocer alguna de las composiciones geologicas que posteriormente estudiarán al descender a la superficie de la Luna.

Helga Stentzel, y su Surrealismo Doméstico transforma la realidad

2024-10-15T12:36:00.009+02:00

Una pared en blanco y una temporada trabajando en un sector tan creativo como el de la publicidad, periodo y actividad que transcurrido le causaba cierto hastio y no le satisfacia. Ademas del habito sano de contemplar algun objeto perteneciente al ambito domestico como puede ser un tenedor o un panecillo cuando sales a comer, entretenimientos "banales" que le bastaron a la artista Helga Stentzel.

Para que aflorara el ingenio, aunque habria que precisar que habria que haberse dado previamente y paradojicamente cierto grado de aburrimiento. Segun afirma esta mujer esbelta de treinta y pocos años nacida y criada en la remota ciudad de Omsk en la no menos remota region Siberia. De donde emigro tras la caidad del muro de Berlin cuando aun niña acompañada por sus padres. Odisea que un primer provoco que se trasladara a la capital alemana.

De donde tras un breve escala se mudo a Londres, donde actualmente esta ubicado su estudio el cual practicamente se reduce a un habitaculo muy espacioso en el que pasa la mayor parte del tiempo, y cuya decoracion brilla por su ausencia salvo los grandes ventanales desde los que puede practicar el noble arte de la observacion y el mobiliario de trabajo.

Pues lo primero que llama la atencion al visitante son las paredes blancas de un espacio que por otra parte transmite cierta intimidad a pesar del ambiente espartano donde aparte de los materiales que ha seleccionado para crear alguna de las series, y que de manera muy sesgada. Apenas pueden dejarte intuir que alli, entre esas cuatro paredes Helga ha desarrollado un estilo que ha denominado Surrealismo Domestico.

Y que en la praxis se sintetiza en la capacidad polivalente que posee un objeto con un diseño y una funcion concreta, que tras completar el proceso creativo, convertirse en un objeto con cualidades expresivas desde un punto de vista artistico. Resultado que tiene su genesis en la peculiar y pronunciada capacidad de abstraccion que posee Helga, un proceso que en sus primeros proiyectos arroja resultados que se pueden calificar de pueriles.

Pero que tras muchos años de trabajo ha depurado logrando cautivar con unos trabajos, que aunque mas minimalistas que los mas aparatosos e incluso infantiles de sus primeras intervenciones (casi todas en el espacio publico.) Como por ejemplo la bautizda con el nombre de Laundry Portraits Series, por la que retrata el espacio publico humanizandolo, añadiendole rasgos a partir de los elementos como ventanas y puertas que ella los convierte en ojos, bocas y narices.

En su serie tridimensional dedicada a la comida convierte objetos escolares como un lápiz en un plato de Sushi

Actuaciones que realiza de forma minimamente invasiva y utilizando materiales muy ligeros como pueden ser retales o prendas de ropa que tendidas y combinadas de forma muy sutil con el resto de los elementos, ya sean fachadas o lavadoras industriales atestadas de ropa. Dibujando sonrisas que modifican radicalmente la percepcion de algo que por otra parte de nuestra cotidianiadad por lo que en raras ocasiones reparamos en ello.

Es este efecto sorpresivo y magico fruto de Photoshop cuyos filtros emplea para perfilar todas y cada una de las fotos que se pueden adquirir a traves de su tienda virtual, ademas de una seleccion de productos originales. Pero mas alla de manipulaciones y de programas de tratamientos de imagenes. Helga cita sus influencias surrealistas tanto las que proviene de las artes plasticas como las de la fotografia mas actual.

Entre los primeros mencionar a Rene Magritte, cuya obra conocio a traves de catalogos y libros donde figuraba sus cuadros siendo este su principal referencia, aunque tambien habria que añadir a este panteon a Salvador Dali. Que aunque mas complejo en sus representaciones oniricas tambien se ha convertido en uno de sus referencias a la hora de abordar un tema sobre el que girara sus serie de fotografias conceptuales.

Creadora del sub-estilo denominado Surrealismo Domestico, la artista de origen siberiano Helga Stentzel crea un universo propio donde los objetos se reinventan adoptando nuevas identidades y funciones.

En las que a poco que te fijes puedes descubrir matices y ecos de fotografos como Chema Madoz, cuyas representaciones de una realidad fragmentada suposo un antes y un despues en su trabajo, influencia que de forma notable se puede observar en mayor o en menor medida a lo largo de toda su obra. O el tambien español Javier Jaen en cuyo trabajo tambien se ven referencias del diseñador Isidro Ferrer (aunque este ultimo no lo cita expreseamente).

En otras series como en Food For Thought Series utiliza alimentos o utinsilios de cocina desmitificando este lugar sagrado donde casi todos cumplimos con el ritual casi religioso de ingerir a lo largo de todo el dia en diversas tomas, los suficiente nutrientes con los que afrontar la sucesion de tareas que como seremos humanos automatizamos, y sin las cuales dificilmente podriamos sobrevivir. Actividad que Helga despoja de transcedencia dandole un tono ironico y ameno.

Es este margen en la aplicacion de criterios lo que le proporciona una dimension en la que lo visual puede canalizarse a traves de una amplia gama de medios, incluyendo ilustración, fotografía, video y animación stop motion. Alumna de St. Martins, Helga comenzó como Directora de Arte en la industria publicitaria, donde aprendió los conceptos básicos de la marca, el marketing y el pensamiento estratégico. Este conjunto de habilidades está presente en sus imágenes simples y poderosas.

Una lavadora industrial dotada de rasgos humanos es capaz de empatizar con quien habitualmente la utiliza como usuario, cambiando su percepción

En su ultima serie Clothes Line Animals Series explora la dualidad de dos páginas enfrentadas creando imágenes que son distintivas entre sí pero empáticas entre sí. Un primer plano de manos agarrando ligeramente las yemas de los dedos complementa una escena través de un plano abierto. Parte historia y parte instantánea, están abiertas a la interpretación. Incorporan el paisaje natural como elemento dinamizador con el que contextualiza la obra otorgandole nuevas exégesis.

Mas alla de un enfoque estetico el objeto que se convierte en candidato para ser un "transformer" mas. Lleva implicito un mensaje de esperanza y compromiso con su entorno natural, en el que el paisaje deja de estar huerfano, renaciendo e incorporando formas de vida (algunas de ellas ya extintas) Algo que no deja de ser en la mayoria de los casos casual y que tras un primer impacto suele quedar en el olvido permitiendote reflexionar sobre lo que se esta perdiendo.

La artista utiliza los objetos o el mobiliario para crear interpretaciones surrealistas de la realidad en la cual está inmersa.

Poso reflexivo suscitado por una narrativa visual muy sencilla pues Helga Stentzel solo recurre a unos trapos, unas pinzas y unos cordeles que de forma imaginaria se cuelgan, teniendo como una variedad de fondos "rupestres". Los trapos a modo de papiroplexia conforman las figuras cuyos contornos representan tanto animales salvajes vivos, como de otras especies que ya se extinguieron hace millones de años, pero que si embargo podrían haber habitado esos mismos prados, cascadas o desiertos en algún momento.

Segun su percepción del arte como representación surrealista de una realidad casi siempre absurda, no se tiene porque sólo ceñir a crear una simbologia plástica clásica conocida por todos, y a través de la que se pretende desentrañar el significado del maravilloso a la par que prácticamente desconocido mundo de los sueños. Sino que se puede incorporar elementos más actuales, y cercanos que solemos emplear en nuestro entorno doméstico, pudiendolos emplear en obras cuyo enfoque tiene en esencia un matiz surrealista pero que se escapan del tratamiento ortodoxo en término artisticos.

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Comparada con artistas como la coreana Lee Ji-hee que realiza modelos a escala de alimentos, muebles para el hogar y vehículos (entre una variedad de objetos), utilizando únicamente pliegos de papel coloreados. Difiere en que las obras de Helga no buscan la reproducción meticulosa del objeto, propiedad que si persigue los bodegones tridimensionales diseñados hasta el más mínimo detalle, o como el forro a rayas de un asiento de automóvil rosa y amarillo, o las motas de detritus que son arrastradas por un conjunto de aspiradoras. Sino que Helga pretende capturar lo inconsciente sin dramátismos de cada animal u objeto que reproduce.

Puebla en Mexico, el zocalo, la biblioteca más antigua de América y la noria más grande del mundo

2024-09-25T12:10:00.000+02:00

Aunque suele ser comtemplada como un destino secundario para los turoperadores, que prefieren ofertar destinos (en principio) y supuestamente más atractivos de cara al turista que aterrizan en tierras mexicanas como Cancun en la Rivera Maya con su increíble oferta de sól y playa por una parte y en un segundo termino sitios arqueológicos para los más aventureros.

O las ciudades de Monterey o Jalisco en el Norte, o San Cristóbal de la Casas en Chiapas o la mismísima México D.F., una ciudad sin límites que con más de 20.000.000 de habitantes que ha sabido aunar lo más cosmopolita de la globalización y su expresión popular mas tradicional.

Eso sin olvidar su prestigiosa Red de Pueblos Magicos que cubre prácticamente todo el pais, salvo la península de Baja California. Estado periferico volcado hacia el Océano Pacifico que se ha convertido en un paraíso para tod@s aquella@s, que sobretodo se acercan en su van, moto, bicicleta, camper o motorhome con el propósito de disfrutar de su excelente patrimonio natural y su diversidad medio-ambiental.

La ciudad de Puebla o Puebla de Zaragoza, la cual se encuentra yendo hacia el sur del país, se encuentra ubicada a medio camino entre la capital y los Estados más septentrionales del país azteca. Guardando algunos de los tesoros más desconocidos heredados tanto de la época prehispánica como de su ya periodo colonial, de la que ha tenido la virtud de conservar buena parte de la arquitectura.

La cual se puede contemplar no solamente en su sugerente casco antiguo, contando con un buen número de edificios monumentales que ubicados en la misma Plaza del Zócalo y en sus alrededores. Están destinados en la buena parte de los casos a albergar equipamientos administrativos o son propiedades de las familias más acaudaldas de Puebla.

Habiendo recibido en su conjunto la mención como patrimonio histórico y cultural por la Unesco, entre los edificios de carácter civil es recomendable visitar el Portal Hidalgo, ubicado junto a la Catedral, se trata del más conocido ya que alberga el Palacio Municipal de Puebla.

Zona arbolada en el zócalo de Puebla con los campanarios al fondo

En una época anterior recibía el nombre de "Portal de la Audiencia", por ser el lugar en donde se concentraba la administracion y las autoridades. Se trata de una construcción que data de 1602. Pero sin duda es el volumen majestuoso de la Catedral de Puebla el que domina la mayor parte del Zocalo.

También conocida como la Catedral de Nuestra Señora de la Inmaculada Concepción, en su diseño se combinaron elementos de los estilos herreriano, barroco y neoclásico. Inaugurada en 1640 por el Rey Felipe II. Se emplearon setenta y cuatro años en su construcción. La fachada principal es majestuosa y presenta detalles barrocos y neoclásicos.

En el resto de las cinco naves y dos cúpulas tambien se observan los acabados en arquitectura barroca española que se caracteriza por su ornato, rotundas formas y dramatismo. Que dan como resultado unos acabados pulcramente elaborados principalmente en los tratamientos de los frescos obras del autor Cristóbal de Villalpando, así como en el detalle de los relieves y los estucos dorados.

A pesar de ser una ciudad grande, Puebla todavía conserva su atmosfera colonial y casi provinciana. En comparación con la cercana México D.F., es un lugar tranquilo que invita a caminar contando con numerosas atracciones para una diversidad de gustos.

No muy lejos de allí nos espera lo que se puede considerar la joya de la corona, siendo motivo de orgullo para los residentes. Pues no en vano la Biblioteca Palafoxiana, es el equipamiento más antiguo en el ámbito cultural construido en el continente Americano, abriendo sus puertas en 1646, y desde las que se puede llegar a ver las dos torres de 70 metros de altura de la catedral.

Entre los más de cuarenta y cinco mil libros antiguos, se pueden consultar nueve incunables entre ellos uno del filosofo Seneca y la mistica Santa Teresa. Además cuenta con un fondo formado por más de cinco mil manuscritos. No muy lejos de allí nos detuvimos a la altura de la Casa de Deán situada en la Calle 16 de Septiembre.

Considerada la primera contrucción que se realizó en el asentamiento poco después de que se instalará la comunidad. Se trata de una vivienda que tras finalizar su etapa residencial se convirtió en un símbolo para la historia y la cultura de Puebla, reuniendo algunas de las mejores características de la riqueza artística y arquitectónica de la época colonial.

Vista nocturna del Barrio del Artista en la ciudad de Puebla

Antes de continúar hacia nuestro nuevo punto de interés situado en el mirador de La Estrella de Puebla nos relajamos degustando algunas de las exquiteces locales. Una gastronomía singular entre las que destacan platos como las Chalupas, un plato contundente elaborado con tortilla de maíz, acompañada de salsa roja y verde, y carne de cerdo deshebrada. O las omnipresentes Cemitas, un especie de emparedado que lleva carne, queso, aguacate y chipotle.

Si no se cuenta con mucho tiempo en casi cualquier esquina de las calles del centro tienes a tu disposición el popular Mole poblano, plato que consiste en una salsa a base de chiles secos, chocolate y especias, que se puede acompañar principalmente de pollo o que también existe la opción de servirse con pavo. Eso sin olvidar los omnipresentes tacos que se podran consumir en las innumerables tascas y establecimientos de comida que hay repartidos por toda la ciudad.

Un buen almuerzo que a mas de uno se le atragantó cuando se acomodo en una de las góndolas de una noria cuya altura máxima de los setenta metros de altura. Inaugurada en 2013 se trata de la noria más grande del mundo construida hasta la fecha. Ofreciéndote la posibilidad de contemplar buena parte de la ciudad, incluyendo la panoramica del volcán Popocatépetl, así como del Iztaccíhuatl e incluso la pirámide de Cholula.

El Barrio de las Artista es un lugar que desprende magia cerca del Mercado El Parián. Donde se encuentra la escuela de arte de Puebla estando ubicados los bares y restaurantes con su excelente oferta gastronomica.

De vuelta a tierra y tras comprobar que la integridad que presentan los miembros del equipo está prácticamente intacta, nos dirijimos al Barrio del Artista. Conjunto de calles en las que se respira una atmósfera presidida por la bohemia de sus cafes, confiterías y tascas engalanadas con decenas de jardineras con flores.

En las que ademas se concentran el grueso de la actividad cultural y artística de una ciudad que no nos deja de sorprender a cada paso que damos. Su centro neuralgico es un callejón cargado de mitología que se llama Plazuela del Torno o del Factor. Un lugar que en principio te puede decepcionar.

Pues se trata de un sencillo y angosto corredor, en el que los artistas trabajan y exponen sus obras a la vista de turistas que reparan en sus pinceladas o contratan algún autor para que les haga algún retrato casual. Que posteriormente empaquetaran como souvenir.

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En total hay cuarenta estudios, en los cuales trabajan y exponen otros tantos artistas. De los cuales buena parte son estudiantes en prácticas que aprenden con los titulares de los puestos. Aparte hay una pequeña plaza flanqueada por una fuente y monumentos de bronce.

Los cuales estan dedicados a figuras como José Márquez Figueroa, uno de los principales promotores del Barrio del Artista, así como algunos de los destacados artistas como Ángel Márquez Figueroa quien junto a su hermano sembraron en la década de los años 40´s del Siglo pasdo de lo que es hoy el barrio del artista. Que crearon una comuna de la que han salido nombres como Bernardo San Cristóbal, José Recek Saade y María Sánchez Robredo. Un espacio que lleva por nombre la Casa del Torno, que con el paso del tiempo ha incorporado áreas creativas como la danza, la música o el teatro.

Jon Foreman convierte el paisaje en un mensaje zen

2024-09-13T13:25:00.004+02:00

La forma de la espiral en la práctica artistica ha sido un elemento que se ha representado desde tiempos remotos, pudiéndose incluso encontrar muestras en algunas de los primeros antecedentes de arte rupestre.

Un símbolo realizado con pigmentos naturales. Cuyos trazos más o menos perceptibles han llegado hasta nuestros dias, y culturalmente tenían una interpretación relacionada con la infinitud del ciclo de la vida. Se ha descubierto restos de espirales en el arte megalítico, que formaban parte de lo que parecían ceremonias de duelo.

Con las que sus participantes invocaban el deseo del que difunto completara el ciclo de nacimiento-muerte-enacimiento. Además la presencia del símbolo de la espiral se ha vinculado con el Sol, como principal y casi único creador de vida al cual se le demandaba que fuera generoso con las cosechas.

Un símbolo cargado de misticismo que ha superado la prueba del tiempo perdurando a lo largo de la historia en sus diferentes versiones representadas en función de las características de la comunidad o clan que lo acogía como parte de su iconografia. Manifestación primigenia que fue evolucionando a lo largo de todo tiempo hasta llegar prácticamente hasta nuestros dias.

Quizás sea por su seductora e hipnótica forma que guarda una proporcion simétrica la cual llega a reflejar rasgos de la personalidad de aquel que la incorpora como motivo. Uno de los ejemplos más notables es el iconico pintor impresionista Vincent Van Gogh. Quien más o menos recurrente la incorpora dentro de sus cuadros.

Que abordo el concepto de espiral desde diferentes perspectivas, pudiéndose observar a pocos que te fijes en varias de sus obras. Quizás el ejemplo más notable sea el que se puede contemplar producto de las pinceladas que dan forma a los diferentes elementos narrativos de la composición titulada La Noche Estrellada.

En Fluidus su autor crea una Medusa con piedras en una playa de Gales

Ejecutado a partir de pinceladas violentas a la vez que luminosas que expresan a través de las sinuosas curvas espirales la transparencia espiritual de su autor. Formas ondulantes que crean una sensación de movimiento y misterio casi mágico que parece arrastrarte al interior del cuadro trasladandote a otra dimensión.

Pero aquí no es la intención profundizar en cómo abordo el genio holandés esta técnica y como la aplico a lo largo de su intensa y en ocasiones dramática trayactoria. Sino de comprobar cómo paradojicamente este símbolo aparentemente sencillo y curvo se ha convertido en una de las formas más recurrentes en una corriente relativamente reciente como es la del Land Art.

Y más concretamente como la ha contemplado y aplicado uno de los últimos referentes de este joven movimiento artistico. Una figura la del creador galés Jon Foreman. Que a pesar de no superar el par de décadas de trabajo ya ha dejado constancia, de que su estilo aunque se puede considerar ortodoxo dentro de las fronteras estéticas y conceptuales.

Jon Foreman, un artista galés que crea obras de Land Art en paisajes inesperados y casuales. Su técnica se basa en la creatividad que busca en elementos naturales que encuentra en su entorno y su rendimiento.

De lo que se podría valorar (salvo matices), como el Land Art más militante. Pudiendo recordar la mayor parte de sus obras, tanto las efimeras como aquellas que han perdurado hasta nuestros dias. A autores que mencionados o no como influencias por el propio Jon.

Si mantiene una constante en su diseño y materialización que de alguna manera las hace deudora de la espiral, como uno de los mecanismos espresivos y notorios en sus actuaciones. Actuando como detonante e inspiración en la consecución de sus intervenciones.

La mayoría teniendo por escenarios espacios abiertos localizados en paisajes naturales, como las que ha ejecutado en los alrededores de la localidad de Pembroke cuya herencia marínera sin duda ha moldeado la obra de Jon. El nombre de la ciudad, al igual que el del condado (Haverfordwest), proviene del Cantref de Penfro, que significa Fin de la Tierra o cabeza de tierra en galés.

Una de las versiones de Expedituo Dúo realizada en el borde de la playa parcialmente sumergida

Términos grandilocuentes que también son del gusto Foreman que los aplica en esculturas cuyas formas caprichosas y simétricas, estructuras de patrones minuciosamente elaborados que podrian haber sido diseñadas por la inteligencia mas sofisticada y refinada producto de la evolución natural.

Obras como Expletio Duo o Lúmenes que datan ambas del cercano de 2021 y que tuvieron como entorno propicio las playas de la cercana Freshwater West. Se trata de piezas que visualmente presentan características singulares, si en el primer caso la estructura consiste en un conjunto que se compone de tres partes que dibuja sobre la arena una sola espiral seleccionando piedras cuya paleta de colores se traducen en un fractal.

En la segunda versión unos pocos más allá, en otro punto de la misma playa presenta un patrón y escala muy similar, la única diferencia es que las piedras estaban previamente colocadas planas. Creando la sensación de movimiento proyectandose en el espacio hacia el exterior a medida que se dispersan.

Las esculturas espirales de Jon Foreman transmiten y crean un atmósfera contemplativa actuando sobre el territorio elaborando una narrativa en la que el paisaje recupera su aspecto mistico.

Hace un año nos anuncia el cierre de la trilogía con una pieza titulada Espiral Druida, la cual se creó en una de las playas de Druidston. Composición más austera que fue realizada con piezas de pizarra, siendo la que más similitudes guarda con una obra totemica y pionera en los inicios del Land Art.

Inspirada por la pieza titulada Spiral Jetty, de 1970, estamos por lo tanto ante una obra precursora y por lo tanto experimental firmada por Robert Smithson. Se trata de una espiral de grandes dimensiones en la que emplearon materiales encontrados en su entorno como rocas, grandes cantidades de tierra además de las algas que se encuentra en el fondo del Gran Lago Salado de Utah, siendo una pieza totemica que trasciende más allá de lo natural simbolizando la idea de infinito una del piedras angulares sobre la que se creó el movimiento.

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Admirador de creadores contemporáneos como James Brunt, Michael Grab, Richard Long, and Andy Goldsworthy. Cuya influencia podemos ver en trabajos de lo que se podría considerar su segunda época, en este contexto de madurez intelectual creativa se podrían mencionar obras más elaboradas.

Como las tituladas Creciente en la que el objeto de su inspiración es una de las fases de la Luna, que extendida sobre la arena cobra otro sentido cuando las aguas del mar inundan los recovecos entre las piedras. O Dissicio Quadratum escultura en la que rompe momentáneamente con la curva para tratar una figura geométrica cuyos lados rectos un rombo casi perfecto.

Ya en Fluidus de 2022 Jon se atreve a perfilar una figura en este caso de una especie marina. Empleando piedras de diferentes tamaños a las que tras pintarlas parcialmente, las transformo en los tentáculos de una juguetona medusa de las muchas que durante los días de calurosos de verano se que se acercan a la costa en busca de alguna presa incauta.

Maestrazgo la comarca con más cantidad de pueblos bellos de España

2024-08-19T13:13:00.000+02:00

En las innumerables crónicas que os hemos ofrecido en NQ sobre viajes realizados por España hemos tratado de cumplir con dos condiciones, una que se trataran de destinos no muy conocidos por lo menos a nivel popular. Y la segunda que se tratará de relatos que no acercará la oportunidad de descubrir algunos de los muchos espacios naturales o paisajes rurales.

Que tiene que ofrecer este gran país y que por las razones y motivos que sean han permanecido al margen de los circuitos mayoritarios de turismo masivo. Situación que por una parte se puede considerar relativamente positiva, porque se trata de áreas sensibles en términos medio-ambientales.

Pero que por otra parte cuentan con una serie de atractivos que los convierten en lugares únicos y singulares, por mencionar sólo unos cuantos recordar las entradas dedicadas a enclaves tas sorprendentes e incluso mágicos como La Comarca de los Ancares en el Norte de la provincia de Leon.

Las crestas recortadas por el efecto oxidativo provocado por el paso de millones de años de Las Murallas de Huesca, lugar casi surrealista que se encuentra en el alto Aragon. El ya hiperconocido Pasarelas de Montfalco frontera natural entre Aragon y Cataluña, cuya pasarela vertiginosa tras ser prácticamente desahuciada fue finalmente restaurada.

O la comarca de Soportujar perteneciente a la de Sierra Nevada en la cercana provincia de Granada también en Andalucia. Que destaca por presentar un recorrido por una serie de pueblos, que se caracterizan por el inmaculado blanco de sus casas encaladas y sus sugerentes historias y leyendas acerca de brujas y mitologias diversas.

Para finalizar este breve periplo en esta ocasión haremos escala en la comarca del Maestrazgo, un territorio cuya geografía está compartida entre las provincias de Teruel en Aragon y la provincia levantina de Castellón perteneciente a la Comunidad Atonoma Valenciana. Un lugar que ha conservado como uno de los tesoros más ricos y diversos entornos naturales.

Torreon mayor con arco peatonal que da acceso a la plaza mayor de Cantavieja en Teruel

Que se puedan visitar en esa zona del país y cuyo breve pero intenso recorrido se suele iniciar en la localidad de Morella, considerada capital del bajo Maestrazgo. Siendo, quizás el enclave poblado más conocido de toda la comarca. Se trata de uno de los poco municipios de origen medieval que se ha mantenido prácticamente intacto hasta nuestros dias.

Coronada por su inexpugnable castillo y sus intimidantes almenas además cuenta con la iglesia de Santa Maria la Mayor, lugares a los cuales se llegan tras ascender por sus coquetas calles estrechas como la de entre ellos estrechas y enlosadas callejuelas como la porticada de Blasco de Alagón. Las cuales están repletas de pequeños comercios en los que te venden principalmente artesanías y productos de origen como local mieles y embutidos.

Además de contar con un amplio abanico de restaurantes que hará las delicias de cualquier buen paladar principalmente carnes y platos de olla como los judiones. Tras dejar atrás su silueta casi palaciega nos dirigimos a nuestra primera escala que nos llevará a la pedania de Fredes.

En la comarca del Maestrazgo se percibe el paso del tiempo de una forma más contemplativa, habitados por gentes cuyo trato hospitalario y cercano representan su verdadera riqueza mostrándote que otro estilo de vida es posible.

Un minúsculo pueblo de apenas cuatro calles Sin duda un inicio acertado desde el que podemos maravillarnos con estampas como las que nos ofrece el Portell de l`Infern o el cercano salto de agua del Salt de Robert. Un pueblo con casas de piedra milenarias y una plaza presidida por una un de las mejores muestras del románico que se pueden admirar en la zona.

En la Pobla de Benifassà que posee uno de los centros históricos más sugestivos de la red de lugares habitados de la zona. Siendo la puerta de entrada al Parque Natural de Tinenca de Benifassa, espacio protegido muy poco visitado pese a la deslumbrante belleza de sus paisajes y sendas que te permiten trazar las más variopintas excursiones.

Como la que te acerca tras completar un breve sendero ante la fachada principal del Real Convento de Santa María de Benifassà, cuyo magnífico y monumental palacio navega entre estilos como el Gótico y Románico. Uno de los primeros que fue declarado como Monumento Histórico Nacional por la II República en 1931,

Catalogado como uno de los pueblos más bellos de España, Mirambel es en la actualidad la capital del Maestrazgo en la provincia de Teruel.

O como la que no permitió descubrir casi por casualidad el museo al aire libre de Jardí de Peter. Un lugar peculiar donde los haya que reune un conjunto de esculturas cuyas figuras amorfas están pintadas de luminosos colores y pequeñas construcciones realizadas con mosaicos expuestas en una finca propiedad de su autor.

Un sujeto de origen alemán que responde al nombre de Peter Norch que tras afincarse en la zona convirtió los acres de tierra que adquirió en un entorno creativo. Para dar por finalizado la primera parte de nuestra excursión por el Maestrazgo en tierras castellonenses y pasar a la región de Aragon, hicimos un alto en la localidad de Villa franca del Cid.

Que con más de 2100 habitantes data su fundación de la época de Bronce, una antigüedad que le posibilitado tener un cuantioso patrimonio tanto eclesiástico como civil destacando la Iglesia de Santa Magdalena, una de las primeras manifestaciones renacentistas del norte valenciano.

La comarca del Maestrazgo tras un periodo de letargo debido a la despoblación rural ha resurgido de sus cenizas, gracias a que puesto en valor su enorme y desconocido patrimonio cultural, histórico y sobretodo natural.

Y cuyas características se aprecian en las portadas, tanto exteriores como interiores, así como en la ordenación de las pilastras y columnas, e incluso en las claves y ménsulas. Siendo en la actualidad el edificio que alberga la casa consistorial que se estima que data del Siglo XV, de estilo Gotico cuenta con el aliciente de que alberga una apreciada colección de pinturas valencianas.

Tras volver sobre nuestros pasos y pasar de nuevo por Morella llegamos tras dar un largo rodeo por carreteras comarcales al pueblo de Mirambel, considerada la capital del Maestrazgo en tierras de Teruel, siendo el primero en ser merecedor de considerarse uno de los pueblos más bellos de España.

No en vano, pues desde que arrancamos nuestro recorrido en el conocido como el Portal de las Monjas hasta la Ermita de San Roque y en el centro el Castillo Templario de Mirambel desde el que se ve el Portal de la Fuente y el Lavadero. Fue una sucesión de postales a cada más bella. Indicar que su término municipal cuenta con un área de autocaravanas, así como el lugar desde el que parten numerosas escursiones de las que te puedes informar en su oficina de turismo.

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En nuestra segunda cita nos depara una grata sorpresa pues en Cantavieja encaramada orgullosa sobre un peñón calizo situado a más de mil trescientos de altitud. Rodeada por paisaje dominado por vegetación, un emplazamiento desde el se obtiene una estampa que se consigue ver en toda su plenitud la mayor parte de la comarca. Desde su Plaza Porticada en la que se puede visitar la Iglesia de la Asunción, también cuenta con una fortificación de la orden templaria.

Nuestra penúltima parada nos llevó a otros de las aldeas que ha sido merecedora de ser considerada como uno de los pueblos más bellos de España. En este caso está distinción ha sido otorgada a Puertomingalvo por su castillo también conocido como Puerto de Ben Galvon y su Torreón del Homenaje desde el que se divisa en los días claros buena parte del sur de la provincia de Teruel o una de las principales atracciones de la zona como son las Pasarelas de Vallore, un trekking artificial construido de madera que adherido a la roca que corre paralela al río y que te conduce a un mirador espectacular que no te puedes perder.

Limitando con Cantavieja nos encontramos La Iglesuela del Cid, el que se estima que es uno de los asentamientos más antiguos de la Península Ibérica. Habiendose encontrado restos de actividad humana en cavidades como Matutano, Bonifacia y el Puntal del Moros que datan de la Edad de los Metales. Conocido por ser uno de los muchos escondites en los que se ocultó el Cid Campeador, además de por sus Fuentes del Peiron y el Piojo. Se trata de un lugar pintoresco dominado por la silueta del Palacio de Matutano Daudén situado en la plaza Mayor del pueblo.

Las librerías Dublin, en una de las ciudades más literarias del mundo

2024-07-22T22:29:00.170+02:00

Rara es la gran ciudad que sobre todo en Occidente no cuente con una biblioteca que se pueda considerar emblematica. Un templo del saber en el cual se pueden consultar miles de documentos, cuya visita ofrece al viajero la oportunidad de conocer un poco más de la cultura del lugar que te acoge.

Lugares casi sagrados que nada más penetra en su interior te transmiten la sensación de casi traspasar la barrera del tiempo, traslandote en un instante o lo que es lo mismo, lo que tardas en ojear alguno de sus centenarios volumenes viajar a otra epoca. Cuya descripción te ofrezca una perpectiva hasta ese momento desconocida para ti.

Lecturas más o menos sugerentes que te permiten investigar en más detalle y profundidad sobre antecedentes o efemérides, relativos a los más variopintos temas o episodios que hayan tenido como escenario la ciudad que has elegido para pasar tus vacaciones. Por lo que siempre es recomendable dedicar un poco de tiempo a visitar alguna biblioteca.

Por qué no olvidemos que antes de que la era digital nos facilitará la posibilidad de acceder a cualquier tipo de dato a un golpe de click. La principal y casi única opción de acceder a información que te garantizara estar medianamente informada, era la que se te atesoraba en las biblliotecas.

Una de esas bibliotecas iconicas y que casi presentan un aura de leyenda es la que alberga el monumental edificio de Trinity College en Dublin y su archifamosa Long Room con 200000 ejemplares almacenados. Una majestuosa estructura cuya sola visión es un deleite para los ojos de cualquiera que neuralmente presente una amígdala que se pueda valorar como normal.

Pero en esta entrada no nos centraremos en la sucesión de marcos de estilo gótico en cuyos entrantes aguardan intermibles filas de libros, los cuales esperan pacientemente en estado de letargo a que sean abiertos. Instante casi mágico en el cual al lector ya sea casual o no se le otorga el poder y la exclusividad de leer e interpretar.

Lo que con más o menos empeño y dedicación alguien redacto producto de una determinada inquietud o preocupacion. Acto intimo y discreto por el que se establece un diálogo, casi una comunión entre la página escrita y el lector que persigue las letras tratando de formar parte de ese párrafo o relato.

Interior de la libreria de Marsh’s Library que cuenta en su colección privada con alrededor de 300 manuscritos

Sino de algunas de las librerías más antiguas o visitadas de la una ciudad que por otra parte alumbro algunas de las firmas literarias más iconicas de los últimos tres siglos. Figuras cuyo talento son tan incuestionables e influyentes como las de Jonathan Swift, Oscar Wilde, dramaturgos como Samuel Beckett o George Bernard Shaw además del autor de Drácula Bram Stroker. Y sin cuya presencia y aportación creativa.

Esta ciudad brumosa sería objeto de mucha menos atención por parte de los turoperadores. Y es que lo que es incuestionable es que sino fuera por las continuas referencias al universo de la literaratura y sus autores. Las calles de la zona antigua, en la que entre pintas de guinnes todavía se pueden percibir a poco que repares en algunas señales su larga tradición marinera.

No suscitarian el mismo interés entre una parte considerable de visitantes que por diferentes vías desembarcan en las proximidades de su principal curso fluvial, con el sano propósito de visitar librerias como la de Marsh’s Library que se encuentra en el número 36 de Blide Street al lado de la Catedral de San Patricio. Y que aparte de poseer el reconocimiento de ser una de las más longevas del mundo.

La mayoría, situadas en un espacio reducido teniendo como escenario el centro de Dublin, se trata de librerías cuyo recorrido se convierte en un tour por la historia misma de la ciudad.

Pues sus vetustos anaqueles (muchos de ellos renovados) datan de 1707, fecha en la que ya se podía contar con ilustres clientes que por una módica suma (casi siempre facturada en peniques). Se podían llevar a lo cálido de su hogar alguna edición en fascimil cuyas cuartillas fueron impresas, bajo patrones casi artesanales.

Otro de estos viejos establecimientos que nada más traspasar el dintel que sostiene una vieja puerta parcialmente acristalada, es la que se encuentra a la altura del número 58 de Dawson Street, fundada en 1768 la Hodges Figgis se considera que es la tercera librería en funcionamiento más antigua del mundo después de la Livraria Bertrand de Lisboa 1732 y la Moravian Book Shop en Pensilvania, Estados Unidos 1745.

Parcialmente soterrada en un sótano en el que alguna vez encontrado el mismísimo autor de Ulises James Joyce a altas horas de la madrugada. Se trata de una tienda que está al lado del Trinity College, contando con una un muestrario muy heterogeneo, que junto a las novedades de temporada conviven una cuidada selección de clásicos de referencias que se nutren de la producción local.

Aspecto actual de la fachada y escaparate de la libreria Hodges Figgis en el centro de Dublin

Conjunto de librerias que podríamos definir como de obligada visita para todo aquel lector que se precie y que comparte en un espacio relativamente pequeño de territorio, con otros locales que han entrado en funcionamiento de forma más o menos reciente. Enriqueciendo un sector cultural ya de por sí diverso.

Propuestas que te abordan con catálogos que tratan de diversificar su oferta. Como es el caso de las que os voy a nombrar a renglón seguido, para la que nos desplazaremos a la cercana localidad de Galway, que se ha especializado en ediciones juveniles y géneros como el de la fantasia siendo cada vez más frecuentadas por un público joven que busca ediciones de sus libros favoritos en inglés. Situada en pleno centro, en la libreria Charly Byrne´s Book además encontrarás una cuidada de volúmenes sobre personalidades e historia irlandesa.

O iniciativas como la de Books Upstairs en D’Olier Street, a escasos cien metros de Temple District cuyos gerentes se esmeran en servir una cuida selección que hacen alusión a títulos, que en muchos casos se encuentran prácticamente descatalogadas. Pudiendo adquirir cuidadas reediciones de una amplia gama de géneros y autores a un precio realmente asequible.

La ciudad de Dublín está fuertemente vinculada a su herencia literaria, influencia que puedes descubrir no solamente visitando alguna de sus muchas librerías sino otros muchos rincones de la capital irlandesa.

Siendo por lo tanto una excelente ocasión para hacerse con algún título con el que completar nuestra particular coleccion. Cuyo ejemplar revisaras una y otra vez sentado en alguno de los numerosos cafés que hay repartidos por la zona centro mientras a sorbitos muy pequeños degustas un te acompañado de pastas.

Tratando de no descuidar ningún nicho de mercado o sensesibilidad también hay ferias en las que el sólido gremio de libreros mayoritariamente dublineses sacan sus tenderetes a las calles, exponiendo sus tesoros. Ejercicio con el que establecencen un vínculo en el que la proximidad con el público revierte en un fomento de la lectura.

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Sobre todo en aquellas capas de la población que por pereza, desidia o desconocimiento, suelen prescindir de la lectura. Tendencia que se ha observado como se invierte gracias a este tipo de citas periódicas en las que también suelen hacer acto de presencia algun autor/a renombrado.

Quizás la más importante sea la conocida como Bloomsday, convocatoria de carácter anual que se celebra durante la segunda quincena de julio en un lugar muy cerca de The Widing Stair, un pintoresco sitio en el que además de vender libros cuentan con una terraza bar en su azotea en cuyo pequeño escenario se recita poesía en las noches calidas de verano.

Bruce Willen - Ghost Rivers, trazando los ríos que hay ocultos en la ciudad de Baltimore y su historia

2024-07-08T23:10:00.000+02:00

Casí todas las grandes ciudades por no decir todas cumplen con un patrón de crecimiento sino igual si definitivamente muy similar. Cuyo origen en la práctica totalidad de los casos se situa en el tiempo, cuando un pequeño grupo o clan decidió asentarse en un determinado emplazamiento.

Inducidos básicamente por qué tras completar un largo peregrinar. Debido a una serie de consideraciones que les indicaba que aquellas tierras que por primera vez tenían la fortuna de pisar, reunían las condiciones para ser trabajadas o poseían las suficientes reservas de caza que les proporcionarán los recursos alimenticios precisos.

Con los que cubrir sus necesidades básicas de nutrición. Fundamentos en definitiva que les garantizará la supervivencia en ese territorio que habían acabado de descubrir y que se disponían a colonizar con el propósito de sacar adelante a su prole y poder prosperar. Objetivo difícilmente realizable sino se tiene en cuenta que es imprescindible la presencia de otro elemento vital para la subsistencia del ser vivo.

Y que no deja de ser otro que el agua, fuente inagotable de vida y sin cuyas reservas sería imposible a día de hoy que cualquier proyecto, que se proponga sacar adelante una comunidad salga adelante. Esta variante en la ecuación ha sido desde los albores de los tiempos

Y desde que se tiene constancia un fundamento alrededor sobre el que había escaso margen para discutir. Un oxioma que ha sentado cátedra convirtiéndose en la prioridad para fundar y desarrollar cualquier asentamiento, poblado al menos por seres humanos.

Existiendo una numerosa bibliografía que muestra casi infinitos antecedentes, de los cuales, algunos de ellos, se remontan hace miles de años. Como por ejemplo las dataciónes que nos hablan de que las primeras concentraciones se localizaron en la cuenca del Eufrates la actual Siria.

Foto-montaje del cauce de un río en la actualidad subterraneo que cruzaba por lo que ahora es un parque

Primer episodio que se ha multiplicado de forma más o menos ordenada y siguiendo la misma secuencia desde hace miles de años hasta la edad contemporanea, replicandose una y otra vez de forma muy similar teniendo como escenarios lugares muy tan diversos como distantes geograficamente.

Y que en conjunto nos transmite la idea básica y que por lo tanto que debería ser relativamente fácil de aprender. De que este preciado recurso a pesar de poseer diferentes estados, no deja de ser en términos cuantitavos proporcionalmente hablando más o menos escaso.

Por lo que estamos obligados ha comprometernos con su gestión y uso. Comenzando por la lección de que buena de las concentraciones urbanas, hasta hace relativamente poco tiempo habían acabado por dar la espalda a sus afluentes. Aquellos cursos de agua que les había proporcionado un entorno en el que sentirse comodos y seguros.

Las intervenciones que dan cuerpo a Ghost Rivers obedecen a un enfoque que tiene como propósito recuperar la memoria de un paisaje primigenio que ha sido sepultado por miles de toneladas de cemento y alquitran.

Y que por una serie de circunstancias, en la mayoría de las ocasiones atribuible a la desidia y a la nula sensibilidad de sus autoridades y ciudadanos respecto a su paisaje, han sido parcialmente ocultados o directamente eliminados de la ciudad y el cauce por el que discurrian, así como los diferentes ecosistemas que abastecía de agua.

Ya fuera por más o menos sofisticados proyectos de ingenieros, estos afluentes han sido soterrados, desviados o en el caso más radical y violento han sido cercenados viendo limitada su longitud debido a la construcción de una intimidante presa en la que se han empleado millones de tonaladas de cemento.

Sepultando de un plumazo la historia de un lugar y su paisaje, cuya memoria es relegada en el mejor de los casos a algun archivo municipal. En cuyos ficheros se deja constancia ya sea escrita o gráfica de como en otras epocas la fisionomía de la ciudad estaba protagonizada por la presencia del rio.

Cruce de calles por el que cada día pasan miles de personas sin saber que por debajo discurre un rio

Documentación que puede permanecer en el anonimato durante largos años, hasta que individuos como el artista Bruce Wellen deciden consultarla un buen dia. Con el propósito de realizar una serie de intervenciones que tienen como marcó de ejecución algunos de los distritos de la ciudad norteamericana de Baltimore.

Ciudad que ya ha aparecido en varias ocasiones citada en NQ concretamente en el siguiente enlace AQUI, podéis recuperar El proyecto que publicamos en 2014 Baltimore Love Project que fruto de la colaboración con las entidades y comunidades locales, consistía en la creación de una tipografía especifica que tradujera los cuatro fonemas que hay contenido en el término love (amor).

En el caso de Ghost Rivers se trata de una serie de actuaciones que de forma más o menos comprensible pretendían realizar sobre el terreno un trazado fiel de los cauces de los diferentes afluentes que discurrian, por lo que ahora están cubiertos por un entramado urbanístico compuesto por sólidas calzadas de alquitrán.

En Ghost Rivers se trata de excavar en los pliegues de la ciudad para revelar el paisaje que se ha perdido a causa de la urbanización, estableciendo un vínculo entre sus ciudadanos y la historia del emplazamiento en el que se han levantado las urbanizaciónes donde residen y de como se ha modificado el territorio.

O jardines pertenecientes a propiedades privadas, cuyos dueños ignoran de que a escasos metros, en el subsuelo hasta hace no mucho tiempo había pasado una corriente de agua. La cual se había empleado para regar los numerosos campos de hortalizas, maíz y cebada que ya prácticamente han desaparecido.

Lo que no es óbice para que todavía discurran la nada desdeñable cifra de 50 cursos de agua que se extienden a lo largo de kilómetros por toda la ciudad, incluido un salto de agua conocido como Jones. Catarata que corre paralela a una de las principales arterias de la ciudad, hecho que nadie prácticamente conoce en la ciudad.

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Desarrollado a lo largo de todo el 2023, el enfoque que ha aplicado Bruce ha tenido como propósito recuperar una parte del legado que había ocultado la ciudad, reflotandolo de alguna manera a traves de pautas no solamente creativas. Sino en las que se han contemplado otros tipos de modelos comunicación urbana a través de los que hacer pedagogia.

Como paneles de información o visitas a puntos concretos en el subsuelo de la ciudad, conjunto de actividades en las que los ciudadanos a través de una participación activa. Han tenido la oportunidad de recuperar su memoria conociendo los antecedentes y las características naturales de un paisaje radicalmente transformado.

Bruce Willen residente en Baltimore es un diseñador multidisciplinar, artista, músico y fundador de Public Mechanic, un estudio de diseño que trabaja en espacios públicos colaborando con otros artístas y diseñadores en proyectos que exploran el rendimiento expresivo y creativo del espacio publico poniendo énfasis en el arte como experiencia.