NONSOLO PROGROCK

Koyo

2026-03-06T05:58:00.000+01:00

KOYO – Onism
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / lp – 2024

Spesso ci siamo chiesti quale potrebbe essere il suono del Rock Progressivo del futuro, ho provato nel mio piccolo a contribuire al quesito pubblicando per Arcana Edizioni un libro al riguardo intitolato “Post Prog Moderno”, cercando di analizzare le band che hanno nel proprio intento quello di spostare le coordinate del genere attraverso il rispetto del passato rivisitato con nuove idee e, giustamente, le sonorità moderne. Sicuramente il pubblico radicato al Prog Rock storico degli anni ’70 non gradisce il cambiamento, proprio per questo ho pensato di nominarlo Post Prog Moderno, con l’intento di tracciare una riga temporale e stilistica.
Si è detto altresì che oggi molto è stato già creato e che quindi è sempre più difficile cercare nuove soluzioni, ma malgrado ciò, esistono sempre gruppi che fanno della musica il piacere di ricercare.
L’Inghilterra è stata sempre la patria del Rock Progressive, e anche in quello moderno vogliono dimostrare di meritare lo scettro della non convenzionalità. Una band che tengo sotto osservazione dal tempo è quella dei Koyo (in italiano Cojote). Si forma nel 2015 a Leeds, da un’idea degli ex colleghi di conservatorio Huw Edwards (voce, chitarra), Jacob Price (campionamento, sintetizzatori), Seb Knee-Wright (chitarre), Dan Comlay (basso) e Tom Higham (batteria), amanti di gruppi come Ozric Tentacles, The Velvet Underground e My Bloody Valentine. Danno alla stampa solo due album in studio e un live, a dimostrazione di non voler pubblicare forzatamente un qualcosa d’incompleto, piuttosto di ponderato e curato. Come tutti i veri artisti si curano poco del parere dei propri fans, mutando nel tempo le proprie coordinate stilistiche. Attraverso questo terzo album intitolato “Onism” ne abbiamo un’ulteriore conferma.
Potremmo usare anche il termine Rock Alternativo e Psichedelico, ma questo si sa che è il problema di quando una band ha un carattere personale davvero marcato, che induce uno scribacchino come me a non inserirli in un contesto specifico.
Infatti “La Cucaracha”, in barba al titolo, si presenta con un riff forte e un andamento martellante da sembrare quasi un ossimoro. Il basso roboante di Complay apre “Mechanical Bull”, immaginate di ascoltare i Radiohead non eccessivamente tristi ma con quelle chitarre che negli assolo non si aprono a inutili elucubrazioni, bensì a brevi movimenti nervosi. Buona anche la cura per le coralità. Di base in questa musica c’è attenzione per le melodie, mai perse di vista in quest’andirivieni di suoni elettrici. “Hooked” prosegue il lavoro ai fianchi dell’ascoltatore proponendo un sound possentemente Rock che fa da contraltare al cantato elegante e pacato di Edwards. I riff procedono attraverso piccole influenze Grunge con “Electric Eel”, ma per ascoltare qualcosa di altamente ricercato, bisogna arrivare alla strumentale “Dark Horse”, qui i Koyo fanno seriamente, realizzando sei minuti di musica energica e non banale, grazie a interventi campionati e una ritmica possente. Qui sì che la chitarra elettrica mostra i propri muscoli.
Impossibile rimanere indifferenti avanti a “Into The Dirt”, un vero e proprio schiaffo sonoro. Molti di voi già si staranno chiedendo dove risiede allora il Rock Progressivo, la risposta è semplice, sta nei numerosi cambi di tempo, di umore e nella cura dei particolari. Certo non sono i Genesis! Il pezzo più lungo ha la durata di otto minuti e mezzo e s’intitola “Is This Real”. L’ascolto ci propone un nuovo approccio alla musica da parte della band, curato e per certi versi inatteso, con una maggiore attenzione per gli arrangiamenti. Persino il vocale è in falsetto. A proposito di stranezze entrate in “Stoneman” e allora vi accorgerete della vastità del mondo Koyo. Il brano conclusivo a mia disposizione è una bonus track sanguigna intitolata “Existential Crisis”, nomen omen. Concludendo, “Onism” è un disco che non passa di certo in sordina, un lavoro che ha picchi d’interesse molto alti, a tratti geniali. Questo è il bello della musica per chi fa di essa un credo di vita e non semplicemente una colonna sonora di sottofondo per le giornate spensierate. Che botta! MS

Versione Inglese:

KOYO - Onism
Self-production
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / lp - 2024

We have often wondered what could be the sound of Progressive Rock of the future, I have tried in my own small way to contribute to the question by publishing for Arcana Edizioni a book about it entitled “Post Prog Modern”, trying to analyze the bands that have in their intent to shift the coordinates of the genre through the respect of the past revisited with new ideas and, rightly, modern sounds. Certainly audiences rooted in the historical Prog Rock of the 1970s do not like the change, which is precisely why I thought of naming it Post Modern Prog, with the intention of drawing a line in time and style.
It has also been said that today much has already been created and therefore it is increasingly difficult to seek new solutions, but in spite of this, there are always groups that make music the pleasure of research.
England has always been the home of Progressive Rock, and even in the modern one they want to prove that they deserve the scepter of unconventionality. One band I have been keeping an eye on for some time is Koyo (Italian for Cojote). It was formed in 2015 in Leeds, the brainchild of former conservatory colleagues Huw Edwards (vocals, guitar), Jacob Price (sampling, synthesizers), Seb Knee-Wright (guitars), Dan Comlay (bass) and Tom Higham (drums), lovers of bands such as Ozric Tentacles, The Velvet Underground and My Bloody Valentine.
They give the press only two studio albums and one live album, demonstrating that they do not want to forcibly release something incomplete, rather something thoughtful and curated. Like all true artists they care little for the opinion of their fans, changing their stylistic coordinates over time. Through this third album entitled “Onism” we have further confirmation of this.
We could also use the term Alternative and Psychedelic Rock, but this is known to be the problem when a band has a really marked personal character, which induces a scribe like me not to put them in a specific context.
In fact, “La Cucaracha”, in defiance of its title, comes on with a strong riff and a pounding progression that almost sounds like an oxymoron. Complay's bombastic bass opens “Mechanical Bull”, imagine listening to Radiohead not overly sad but with those guitars that in the solos don't open up to unnecessary lucubration but rather to short, nervous movements. Good attention to the choruses as well. Basic in this music there is attention to melodies, never lost sight of in this coming and going of electric sounds. “Hooked” continues the work at the listener's sides by offering a powerfully Rock sound that counterbalances Edwards' elegant and calm singing.
The riffs proceed through small Grunge influences with “Electric Eel”, but to hear something highly researched, you have to get to the instrumental “Dark Horse”, here Koyo get serious, making six minutes of energetic and non-trivial music, thanks to sampled interventions and a mighty rhythm. Now that's where the electric guitar shows its muscles.
Impossible to remain indifferent ahead of “Into The Dirt”, a real sonic slap in the face. Many of you may already be wondering where Progressive Rock resides then, the answer is simple, it lies in the numerous changes of tempo, mood and attention to detail. Certainly it is not Genesis! The longest piece has a duration of eight and a half minutes and is entitled “Is This Real”. Listening to it offers us a new, polished and in some ways unexpected approach to music by the band, with more attention to arrangements. Even the vocals are in falsetto. Speaking of oddities enter “Stoneman” and then you will realize the vastness of the Koyo world. The final track available to me is a sanguine bonus track entitled “Existential Crisis”, nomen omen. In conclusion, “Onism” is a record that certainly does not go unnoticed, a work that has very high peaks of interest, brilliant at times. This is the beauty of music for those who make it a credo of life and not simply a background soundtrack for carefree days. What a bang! MS

Mai Più Inverno

2026-03-05T06:00:00.000+01:00

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli Ultimi
Autoproduzione
Genere: Progressive Folk / Cantautore
Supporto: Spotify / Bandcamp – 2026

Non nascondo il piacere che provo nell'imbattermi in nuove band di giovani musicisti che scelgono di approcciarsi a una musica distante dal banale. I Mai Più Inverno provengono da un territorio situato tra la Valchiavenna e il Lago di Como, cimentandosi in un Folk di stampo cantautorale caratterizzato da forti influenze anni ’70. Tra la strumentazione adoperata spiccano il bouzouki e il violino, ma sono soprattutto le chitarre a dominare la scena. L’acquerello in copertina, opera di Bruno Ritter, rappresenta perfettamente lo spirito del disco: durante l’ascolto si ha la costante sensazione di trovarsi di fronte a colori tenui e a un velo di malinconia. Le fotografie e il progetto grafico sono invece stati curati da Gabriella Sacco.
Hanno suonato nel disco: Domenico Vitali (chitarre, voci, basso), Francesco Via (chitarre, voci, basso, tastiere, flauto traverso), Samuele Rabbiosi (chitarre, bouzouki), Lorenzo "Bubi" Montani (percussioni), Stefano Spagnolatti (batteria), Elia Mazzoletti (voci, batteria e percussioni), Luca Peverelli (voci), Teresa Puglia (violino, voci) e Anna Bongianni (voci).
“Ad Astra” apre il percorso mettendo subito in evidenza l'anima mediterranea di un Folk cantato in modo sentito ed energico; sembra quasi di ascoltare un Francesco Guccini ritmato e risoluto. Molto efficace, in questo contesto, l'uso delle coralità. Con “Donna Di Sale” la metrica lirica viene utilizzata in modo non convenzionale, ricordando l'approccio dell'indimenticato Ivan Graziani in brani come “Scappo Di Casa”. I testi restano il fulcro del progetto e danno voce a un lamento per ciò che è destinato a scomparire; arpeggi di chitarra, percussioni e arrangiamenti essenziali rendono questo pezzo una piccola gemma e un vero grido di protesta.
Il ritmo cambia in “L’Oroscopo”, dove si nota un occhio di riguardo per i cori che fanno da controcanto a una voce incisiva, coerente con il contenuto dei testi. La ritmica spezzata dona giocosità all'ascolto, pur restando fedele alla formula della canzone colta degli anni ’70. A metà brano subentrano le chitarre elettriche a farla da padrone e l'insieme si accosta notevolmente allo stile dei Modena City Ramblers, specialmente con l'innesto del violino. Il finale sorprende con soavi armonie vocali maschili e femminili. Le parole crude di “Caterina È Morta Caterina Vola” si contrappongono al dolce arpeggio in stile Angelo Branduardi in una traccia ben strutturata, mentre “La Piazza In Festa” mostra il lato più gioviale della band, arricchito da sfumature Progressive Folk.
Gli Scemodiguerra (Elia Mazzoletti e Luca Peverelli) intervengono nella veloce “Icaromenippo”, una ballata trascinante. A seguire troviamo “Fuori Rotta / Minotauro”, introdotta dal pianoforte, in cui i Mai Più Inverno mostrano appieno la propria preparazione tecnica; la canzone è ricca di variazioni d'atmosfera e l’ingresso della chitarra acustica apre ampi respiri melodici che cedono successivamente il passo a una sezione più dura e diretta. L'intro di “Encelado”, affidato a più chitarre, richiama le sonorità dei Genesis, ma con l'ingresso della voce si torna allo stile cantautorale che ha saputo cullarci fino a questo momento. Allo stesso modo, “Ultimo Saturnale” prosegue coerentemente lungo questo binario espressivo. Chiude la bella ballata “Ritorno / Tutto È Compiuto” questo debutto che ci presenta una formazione dalle idee già chiare, capace di fare la gioia di chi è ancora legato a sonorità classiche e senza tempo. MS

Ascolto Bandcamp: https://maipiuinverno.bandcamp.com/album/lass-gli-ultimi

Versione Inglese:

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli Ultimi
Self-produced
Genre: Progressive Folk / Singer-songwriter
Available on: Spotify / Bandcamp – 2026

I won’t hide the pleasure I feel when encountering new bands of young musicians who choose to approach music that stays far from the mundane. Mai Più Inverno hail from a region nestled between Valchiavenna and Lake Como, venturing into a singer-songwriter style of Folk characterized by strong 1970s influences. Among the instrumentation used, the bouzouki and violin stand out, but it is primarily the guitars that dominate the scene. The watercolor on the cover, a work by Bruno Ritter, perfectly represents the spirit of the album: while listening, one has the constant sensation of facing soft colors and a veil of melancholy. The photographs and graphic design were curated by Gabriella Sacco.
Performed on the album by: Domenico Vitali (guitars, vocals, bass), Francesco Via (guitars, vocals, bass, keyboards, flute), Samuele Rabbiosi (guitars, bouzouki), Lorenzo "Bubi" Montani (percussion), Stefano Spagnolatti (drums), Elia Mazzoletti (vocals, drums, and percussion), Luca Peverelli (vocals), Teresa Puglia (violin, vocals), and Anna Bongianni (vocals).
“Ad Astra” opens the journey, immediately highlighting—in just two minutes—the Mediterranean soul of a Folk sung in a heartfelt and energetic manner; it feels almost like listening to a rhythmic and resolute Francesco Guccini. The use of choral harmonies is very effective in this context. In “Donna Di Sale”, the lyrical meter is used unconventionally, reminiscent of the approach used by the unforgettable Ivan Graziani in tracks like “Scappo Di Casa”. The lyrics remain the heart of the project, giving voice to a lament for things destined to disappear; guitar arpeggios, percussion, and essential arrangements make this piece a small gem and a true cry of protest.
The rhythm changes in “L’Oroscopo”, where a particular focus is placed on the choirs that act as a counterpoint to an incisive voice, consistent with the content of the lyrics. The broken rhythm lends a playfulness to the listen, while remaining faithful to the "cultured song" formula of the 1970s. Midway through the track, electric guitars take center stage, bringing the ensemble notably close to the style of Modena City Ramblers, especially with the introduction of the violin. The finale surprises with sweet male and female vocal harmonies. The raw words of “Caterina È Morta Caterina Vola” contrast with the sweet arpeggio in the style of Angelo Branduardi in a well-structured track, while “La Piazza In Festa” showcases the band's more jovial side, enriched by Progressive Folk nuances.
Scemodiguerra (Elia Mazzoletti and Luca Peverelli) contribute to the fast-paced “Icaromenippo”, a driving ballade. This is followed by “Fuori Rotta / Minotauro”, introduced by the piano, where Mai Più Inverno fully demonstrate their technical proficiency; the song is rich in atmospheric variations, and the entry of the acoustic guitar opens up wide melodic breaths that subsequently give way to a harder, more direct section. The intro of “Encelado”, featuring multiple guitars, evokes the sound of Genesis, but once the vocals arrive, we return to the singer-songwriter style that has cradled us thus far. Similarly, “Ultimo Saturnale” follows this expressive path without deviation. The beautiful ballad “Ritorno / Tutto È Compiuto” closes this debut, presenting a group with clear ideas that will surely delight those still attached to these classic, timeless sounds. MS

Psycho Praxis

2026-03-04T06:19:00.005+01:00

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: LP / CD - 2012

È doveroso ridare voce a questo lavoro della band bresciana Psycho Praxis: è inconcepibile che un disco simile resti nell'ombra. Sebbene nell'anno della sua uscita, il 2012, abbia ricevuto recensioni discrete, il suo reale valore qualitativo è superiore a quanto allora sostenuto dalla critica. Nonostante la partecipazione al Veruno 2Days Prog +1 nel 2013, “Echoes From The Deep” è scivolato troppo presto nel dimenticatoio, eppure, riascoltato oggi e confrontato con le produzioni attuali, si rivela un'opera straordinaria.
Siete amanti del Prog italiano anni '70 e di pilastri come Genesis, Camel, Jethro Tull, Pink Floyd, Van Der Graaf Generator o Osanna? Allora mettetevi comodi e avventuratevi in questo ascolto.
L'allora giovane formazione schierava Paolo Vacchelli (chitarre), Matteo Marini (basso e chitarra acustica), Paolo Tognazzi (tastiere e glockenspiel), Andrea Calzoni (voce e flauto) e Matteo Tognazzi (batteria). I musicisti non disdegnano passaggi vigorosi in territori Hard Prog, ma eccellono soprattutto nelle scorribande strumentali, capaci di regalare brividi agli appassionati. La voce di Calzoni è ottima, potente, misurata e a tratti accostabile al timbro di Bernardo Lanzetti.
Già “Privileged Station” è un brano che fugge e si rincorre, mettendo in risalto un amalgama invidiabile e una capacità compositiva fuori dal comune, sorprendente se si considera che parliamo di un debutto. In certi passaggi evocano gli Atomic Rooster in chiave Progressive Rock, con cambi di ritmo che richiamano i Pink Floyd di “Echoes”. Il flauto, invece, omaggia lo stile energico di Ian Anderson. Dominato dall'organo, questo è probabilmente l'episodio più potente del disco, con un finale chitarristico in pieno stile Genesis.
Segue “PSM”, un brano puramente Prog dall'atmosfera gotica e inquietante, enfatizzata dai sintetizzatori. L'outro d'organo suona sinistro per tutta la durata, inseguito da una chitarra elettrica in stato di grazia.
“Hoodlums” è una vera chicca: fonde venature Blues a una melodia coinvolgente, vicina al sound nordico di band come gli Änglagård. Il ritornello è trascinante, pur avendo un sapore familiare. Da sottolineare l'eccellente sezione ritmica e la prova vocale di Calzoni, oltre a un passaggio psichedelico di flauto di rara bellezza.
In “Black Crow”, le influenze dei Genesis anni '70 si mescolano a quelle del Banco Del Mutuo Soccorso, un connubio che parla da sé. Segue il potente strumentale “Awareness”, guidato dall'organo Hammond e caratterizzato da un incedere degno di una colonna sonora horror.
Chiude il disco la splendida “Noon”, un brano che non si vorrebbe veder finire mai, impreziosito da inserti Jazz e richiami agli olandesi Focus.
“Echoes From The Deep” merita giustizia. È inaccettabile che una gemma simile venga ignorata o sommersa da produzioni mediocri. Psycho Praxis, dove siete? Tornate: vi dobbiamo delle scuse. MS

Versione inglese:

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Label: Black Widow Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD (2012)

It is only right to give a voice back to this work by the Brescia-based band Psycho Praxis: it is inconceivable that such a record remains in the shadows. Although it received decent reviews upon its release in 2012, its true qualitative value far exceeds what the critics claimed at the time. Despite their appearance at the 2013 Veruno 2Days Prog +1, “Echoes From The Deep” slipped into obscurity far too soon. Yet, listened to today and compared with current productions, it reveals itself as an extraordinary work.
Are you a lover of 1970s Italian Prog and pillars such as Genesis, Camel, Jethro Tull, Pink Floyd, Van Der Graaf Generator, or Osanna? Then make yourself comfortable and venture into this listening experience.
The then-young lineup featured Paolo Vacchelli (guitars), Matteo Marini (bass and acoustic guitar), Paolo Tognazzi (keyboards and glockenspiel), Andrea Calzoni (vocals and flute), and Matteo Tognazzi (drums). The musicians do not shy away from vigorous passages into Hard Prog territories, but they especially excel in instrumental excursions capable of giving fans the chills. Calzoni’s vocals are excellent: powerful, measured, and at times reminiscent of Bernardo Lanzetti’s timbre.
Right from the start, “Privileged Station” is a track that flees and chases itself, highlighting an enviable chemistry and an extraordinary compositional skill—all the more surprising considering it is a debut. In certain passages, they evoke Atomic Rooster in a Progressive Rock key, with rhythm changes that recall Pink Floyd’s “Echoes.” The flute, meanwhile, pays homage to the energetic style of Ian Anderson. Dominated by the organ, this is likely the most powerful episode on the record, featuring a guitar finale in pure Genesis style.
Next is “PSM,” a purely Prog track with a gothic and haunting atmosphere emphasized by synthesizers. The organ outro sounds sinister throughout, pursued by an electric guitar in a state of grace.
“Hoodlums” is a true gem: it blends bluesy undertones with an engaging melody, close to the Nordic sound of bands like Änglagård. The chorus is infectious, despite having a familiar feel. The excellent rhythmic section and Calzoni’s vocal performance deserve mention, along with a psychedelic flute passage of rare beauty.
In “Black Crow,” 1970s Genesis influences mix with those of Banco Del Mutuo Soccorso—a combination that speaks for itself. This is followed by the powerful instrumental “Awareness,” led by the Hammond organ and characterized by a pace worthy of a horror movie soundtrack.
The record closes with the splendid “Noon,” a track you never want to end, embellished with Jazz inserts and nods to the Dutch band Focus.
“Echoes From The Deep” deserves justice. It is unacceptable for such a gem to be ignored or buried under a mountain of mediocre productions. Psycho Praxis, where are you? Come back: we owe you an apology. MS

Georgeanne Kalweit

2026-03-03T16:56:00.000+01:00

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Etichetta: NOS Records
Genere: Rock Psichedelico / Alternative Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Spesso, nella musica, non occorrono grandi sovrastrutture per colpire l’animo dell’ascoltatore, sono sufficienti eleganza e buone idee compositive. Su queste basi ha costruito la propria carriera Georgeanne Kalweit, cantautrice, artista visiva e performer. Originaria di Minneapolis ma residente in Italia da oltre trent’anni, ha dedicato la propria vita all’arte e alla sperimentazione sonora.
Dopo le esperienze con i Delta V (2000–2004), i Kalweit And The Spokes (2009–2015) e il The Kalweit Project (2016–2020), l’autrice ritorna con un’opera strettamente personale e intimista, in cui voce, scrittura ed estetica si fondono perfettamente. Il suo percorso vanta collaborazioni di prestigio con artisti del calibro di The Dining Rooms, Vinicio Capossela e Calibro 35.
Le fondamenta di “Tiny Space” vengono gettate nel 2022 al suo trasferimento a Milano. Reduce da un divorzio, Georgeanne inizia a comporre le bozze del nuovo album utilizzando un organo Bontempi e una tastiera Technics. Il risultato finale è un insieme di dieci tracce, racchiuse in una copertina a tecnica mista realizzata dalla stessa cantante, con la grafica curata da Stefano Siboni.
A livello sonoro emergono influenze riconducibili a PJ Harvey e ai Velvet Underground di Lou Reed, alternando momenti più ruvidi all’Indie Pop statunitense. Ad accompagnare Georgeanne (voce e tastiere) troviamo i musicisti Giovanni Ferrario (basso, tastiere, programmazione), Lorenzo Corti (chitarra, organo), Beppe Mondini (batteria) e Diego Sapignoli (batteria, vibrafono).
L’album è introdotto dalla title track, “Tiny Space”, il cui video anticipa un viaggio sonoro che esplora il dolore per una perdita affettiva e la volontà di guarire. In poco più di tre minuti, l’artista emerge come da una soffice nuvola psichedelica anni ’60, guidata da melodie sognanti e aggraziate. Segue “Egoverse”, un brano costruito su poche note e strumenti quasi sussurrati, dove la voce della Kalweit gioca con tonalità diverse senza mai eccedere. Il tema centrale è il desiderio di affermazione che si scontra con l'insicurezza, sfociando in una sorta di autocensura.
La voglia di rimettersi in gioco dopo una delusione amorosa e la necessità di riconquistare la fiducia in se stessi animano “Heavenly Thoughts”, una ballata malinconica sempre incline a venature psichedeliche. Proseguendo nell'ascolto il ritmo si alza, sfociando in un Post-Punk incalzante arricchito da effetti eco e inserti elettronici. Sulla stessa scia tematica si inserisce “Call An Ambulance”, dove il suono si fa minimale per dare massimo risalto alla parola.
I toni si accendono con “Ten Pins”, un brano in crescendo che utilizza il bowling come allegoria per descrivere il crollo di una relazione conflittuale. Le tastiere accompagnano poi la malinconica “Soft Shoulder”, esplorando fragilità che ricordano certe atmosfere dei Radiohead, mentre “Crystal Clear” celebra la rinascita post-rottura con un vigore vicino allo stile di PJ Harvey, impreziosito da cori e suoni distanti che donano profondità all’ascolto.
Il disco prepara poi l'ascoltatore a una nuova stagione della vita con “Fumbling Through February”: il mese di febbraio diventa metafora della primavera che si prepara sotto il gelo. La traccia è delicata e piacevole, pur mantenendo l'impronta psichedelica del lavoro. In “International Intrigue Time Zone”, l’autrice si affida all’istinto per tracciare un percorso sensuale in cui la perdita di controllo diventa piacere. È uno dei momenti più sperimentali dell’album, caratterizzato da soluzioni elettroniche e un ottimo gioco vocale.
La chiusura è affidata a “Bullet Holes”, due minuti minimali e dal piglio marziale. La bravura di Georgeanne Kalweit risiede nel saper coniugare tematiche forti e private a una musica che si fa perfetta narratrice dei sentimenti, messi a nudo senza troppi fronzoli. Si bada al sodo e ci si emoziona insieme a lei: in fondo, è proprio questo il senso della musica. MS

(Uscita 20 / 03 / 2026)

Versione Inglese:

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Label: NOS Records
Genre: Psychedelic Rock / Alternative Rock
Format: CD / Digital – 2026

Often, in music, grand structures aren't necessary to strike the listener's soul; elegance and strong compositional ideas are enough. It is on these foundations that Georgeanne Kalweit—singer-songwriter, visual artist, and performer—has built her career. Originally from Minneapolis but a resident of Italy for over thirty years, she has dedicated her life to art and sonic experimentation.
After her experiences with Delta V (2000–2004), Kalweit And The Spokes (2009–2015), and The Kalweit Project (2016–2020), the artist returns with a deeply personal and intimate work where voice, songwriting, and aesthetics merge perfectly. Her career boasts prestigious collaborations with the likes of The Dining Rooms, Vinicio Capossela, and Calibro 35.
The foundations of “Tiny Space” were laid in 2022 upon her move to Milan. Following a divorce, Georgeanne began composing the sketches for the new album using a Bontempi organ and a Technics keyboard. The final result is a collection of ten tracks, encased in mixed-media cover art created by the singer herself, with graphics by Stefano Siboni.
Sonically, influences traceable to PJ Harvey and Lou Reed’s Velvet Underground emerge, alternating between grittier moments and American Indie Pop. Accompanying Georgeanne (vocals and keyboards) are musicians Giovanni Ferrario (bass, keyboards, programming), Lorenzo Corti (guitar, organ), Beppe Mondini (drums), and Diego Sapignoli (drums, vibraphone).
The album is introduced by the title track, “Tiny Space,” whose video previews a sonic journey exploring the pain of emotional loss and the will to heal. In just over three minutes, the artist emerges as if from a soft 1960s psychedelic cloud, guided by dreamy, graceful melodies. This is followed by “Egoverse,” a song built on a few notes and nearly whispered instruments, where Kalweit’s voice plays with different registers without ever overreaching. The central theme is the desire for self-assertion clashing with insecurity, resulting in a kind of self-censorship.
The desire to get back into the game after a heartbreak and the need to regain self-confidence drive “Heavenly Thoughts,” a melancholy ballad always leaning toward psychedelic nuances. As the listening progresses, the tempo picks up, flowing into an urgent Post-Punk enriched by echo effects and electronic inserts. On the same thematic wave is “Call An Ambulance,” where the sound becomes minimal to give maximum prominence to the lyrics.
The tone shifts with “Ten Pins,” a building track that uses bowling as an allegory for the collapse of a conflicted relationship. Keyboards then accompany the melancholic “Soft Shoulder,” exploring fragilities reminiscent of certain Radiohead atmospheres, while “Crystal Clear” celebrates post-breakup rebirth with a vigor close to PJ Harvey's style, enhanced by backing vocals and distant sounds that provide depth.
The record then prepares the listener for a new season of life with “Fumbling Through February”: the month of February becomes a metaphor for spring preparing beneath the frost. The track is pleasant and delicate, yet maintains the album's psychedelic imprint. In “International Intrigue Time Zone,” the author relies on instinct to trace a sensual path where losing control becomes pleasurable. This is one of the most experimental moments of the album, characterized by electronic solutions and excellent vocal interplay.
The closing is entrusted to “Bullet Holes,” two minimal minutes with a martial feel. Georgeanne Kalweit’s talent lies in her ability to combine strong, private themes with music that serves as a perfect narrator of emotions, laid bare without unnecessary frills. She gets straight to the point, allowing us to feel the emotion alongside her—which, after all, is the very essence of music. MS

(Exit 20 / 03 / 2026)

Blondiefox

2026-03-03T05:19:00.000+01:00

BLONDIEFOX – Senza Universo
Eu Records / Defox Records
Genere: Rock Alternativo
Supporto: CD – 2024

Oggi siamo abituati a subire la musica.
No, non voglio fare un preambolo pessimistico o quantomeno nostalgico da vecchio boomer, ma è la cruda realtà delle cose. Le mode passano da sempre, gli artisti vengono imposti dai media e quant’altro conosciamo a menadito per un risultato impalpabile che non lascia segno del proprio passaggio negli anni. Se a questo si aggiunge che la musica oggi è liquida, allora siamo davvero consapevoli che la situazione sta sfuggendo di mano (per non parlare dell’IA). Per questo sono felice quando ancora mi imbatto in piccole etichette che, come salmoni contro corrente, si adoperano per far uscire musica sia in supporto ottico che vinilico.
In questo contesto, seppure soltanto in CD, si adopera anche il duo Blondiefox, formato da Mirko DeFox Galliazzo (voce) e Paul Blondie Gidoni (chitarra, basso, tastiere, cori), anche Axe Hero e successivamente X-Hero. Assieme a loro partecipano Roberto Benna e Aldo Menti alle chitarre.
Lo scenario è quello del Rock accattivante e a tratti ricercato, cantato in italiano e con testi interessanti. L’interno del disco cita: “Candele spente che io riaccenderò. Pietre nella memoria dei nomi inciderò. La terra stringo, sollevo avanti a te. Il ricordo, il rimorso, d’esser vivo, d’esser morto”.
Le undici canzoni sono state registrate a Valdagno nei White Studios nel 1997 e rimasterizzate da Pretty Master EQ in Alaska nel 2022.
“Save Your Life” inizia il percorso con caparbietà e intensità, a tratti adiacente al mondo dei Litfiba, dove la personalità vocale di Galliazzo, comunque distante da quella di Piero Pelù, gioca un ruolo di primo piano. La scena resta vigorosa con “Il Triste Canto Dell’Uomo Bianco”, dove le chitarre elettriche disegnano riff e assolo godibili. Momenti introspettivi giungono da “Unico Vero Peccato”, dai testi toccanti, dove la voce e le tastiere conducono verso un cantautorato elegante di facile fruizione. La title track è cadenzata nell’incedere, rispettosa della formula canzone supportata da interventi di cori. Il pezzo evidenzia la conoscenza del duo riguardo al mondo della musica italiana attraverso una classe decisamente spontanea.
Con “Close Your Eyes” s’intravedono momenti Prog a disposizione della melodia tipicamente mediterranea, un connubio interessante che fa del pezzo uno dei frangenti più interessanti dell’album. Sale il ritmo con “Domani O Forse Mai”, per poi tornare nel pacato con l’ottima “Mama”, altra composizione ricercata e ben interpretata dalla voce di Mirko DeFox Galliazzo.
“Che Te” ha schegge di anni ’70 e ’80, altra vetrina per voce e tastiere che sfociano in un crescendo dove la chitarra elettrica fa da splendido suggello. Una curiosa parentesi sonora strumentale giunge dall’elettronica e dal basso di “Burocratias”, che fa staffetta a “L’anima Gratuita Crudeltà”, pezzo Rock di facile memorizzazione.
Il disco si conclude con “Palenque”, altro strumentale in cui l’elettronica segna un passo costante.
Per diritto di cronaca, devo sottolineare che nel disco tutte le parti della batteria sono elettroniche.
“Senza Universo” è un lavoro variegato e scorrevole, fra passaggi tipici della nostra cultura italica e la voglia di sperimentare, di certo un approccio non del tutto scontato per quello che concerne il nostro intendere la formula canzone. Piacevole. MS

Versione Inglese:

BLONDIEFOX – Without Universe
Eu Records / Defox Records
Genre: Alternative Rock
Format: CD – 2024

Today we're used to being subjected to music.
No, I don't want to make a pessimistic or nostalgic preamble like an old boomer, but it's the harsh reality. Trends come and go, artists are imposed by the media and all that, and we know it all too well, resulting in an intangible outcome that leaves no mark over the years. If we add to this that music today is liquid, then we're really aware that the situation is getting out of hand (not to mention AI). That's why I'm happy when I still come across small labels that, like salmon swimming upstream, work hard to release music in both optical and vinyl formats.
In this context, albeit only on CD, the duo Blondiefox is also working hard, consisting of Mirko DeFox Galliazzo (vocals) and Paul Blondie Gidoni (guitar, bass, keyboards, backing vocals), also known from Axe Hero and later X-Hero. Joining them are Roberto Benna and Aldo Menti on guitars.
The scenario is that of catchy and sometimes sophisticated Rock, sung in Italian with interesting lyrics. The inside of the disc quotes: “Extinguished candles that I will relight. Stones in the memory of names I will etch. The earth I grasp, I lift up before you. The memory, the remorse, of being alive, of being dead.”
The eleven songs were recorded in Valdagno at White Studios in 1997 and remastered by Pretty Master EQ in Alaska in 2022.
“Save Your Life” starts the journey with determination and intensity, at times adjacent to the world of Litfiba, where Galliazzo's vocal personality, quite different from Piero Pelù's, plays a leading role. The scene remains vigorous with “Il Triste Canto Dell’Uomo Bianco”, where electric guitars draw enjoyable riffs and solos. Introspective moments come from “Unico Vero Peccato”, with touching lyrics where vocals and keyboards lead to an elegant songwriting style that's easy to appreciate. The title track is cadenced in its pace, respectful of the song formula supported by choir interventions. The piece highlights the duo's knowledge of the Italian music world through a decidedly spontaneous class.
With “Close Your Eyes”, Prog moments are glimpsed in the service of typically Mediterranean melody, an interesting combination that makes the piece one of the most interesting moments of the album. The rhythm picks up with “Domani O Forse Mai”, only to return to a calm pace with the excellent “Mama”, another sophisticated composition well-interpreted by Mirko DeFox Galliazzo's voice.
“Che Te” has shards of the '70s and '80s, another showcase for vocals and keyboards that culminate in a crescendo where electric guitar makes a splendid seal. A curious sonic instrumental parenthesis comes from the electronics and bass of “Burocratias”, which hands over to “L’anima Gratuita Crudeltà”, a Rock piece with easy memorability.
The disc concludes with “Palenque”, another instrumental where electronics mark a steady pace.
For the sake of accuracy, I must point out that in the disc, all drum parts are electronic.
“Without Universe” is a varied and smooth work, between passages typical of our Italic culture and the desire to experiment, certainly a not entirely predictable approach to what concerns our understanding of the song formula. Enjoyable. MS

Nosound

2026-03-02T05:03:00.000+01:00

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genere: Psichedelico – Post Rock
Supporto: ep / Bandcamp – 2025

Ne è passata di acqua sotto i ponti da quel 2005, quando “Sol29” ha stupito tutti i fans dei Porcupine Tree. Il chitarrista, tastierista, compositore e cantante Giancarlo Erra ha saputo miscelare con parsimonia la Psichedelia con il sound minimal del Post Rock e negli anni rilascia sei album in studio con svariati singoli ed ep. L’ultimo lavoro risale all’anno 2018 (senza considerare l’album di transizione solista del 2021) e porta il titolo di “Allow Yourself”. Con questo prodigarsi, Erra riscuote l’attenzione di moltissimo pubblico e della critica, i quali costantemente tessono lodi per ogni singolo disco. C’è chi li accosta ai Sigur Rós, chi a Brian Eno, tuttavia l’impronta di Steven Wilson è maggiormente marcata, anche quella del progetto parallelo No Man con Tim Bowness, che compare guarda caso alla voce.
Anche la copertina dell’album realizzata dallo stesso Giancarlo Erra è minimale per lasciare interamente spazio al messaggio che si vuole passare, quello di un bambino che cammina con le mani in tasca e lo sguardo rivolto al basso e sotto il corrispettivo adulto avente lo stesso atteggiamento. Un percorso di vita in cui si denota il passaggio del tempo rilasciante le stesse problematiche da affrontare, e noi ne siamo “al centro”.
Da sottolineare il ritorno alle strumentazioni fisiche come ad esempio quello della batteria che rende il tutto più caldo e sincero. “Nothing We Gave” denota da subito l’approccio primordiale dello stile Nosound, diretto, etereo e inconfondibile. Il velo malinconico è il punto di forza della musica prossima alle atmosfere delle band suddette, e aggiungo i Pink Floyd.
Il suono di un piano morigeratamente ponderato introduce la title track “To The Core”, traccia che risplende la creatività di Erra in un crescendo agnostico alla ricerca di passaggi strumentali inutilmente astrusi. E’ quindi la chitarra elettrica nel finale a rilasciare un dialogo con l’anima intimamente mirato a uno struggente epilogo.
Il singolo dell’ep porta il titolo di “Worn-Out Parts”, qui l’approccio vocale si accosta a quello di Tom Yorke nei Radiohead, tutto diventa onirico grazie anche agli effetti eco delle voci. Questi brani hanno tutti una breve durata per mirare direttamente allo scopo senza perdersi in inutili fraseggi che potrebbero distogliere l’ascoltatore dal messaggio che Erra e soci vogliono passare. Con lui suonano Orazio Fabbri (basso), Paolo Vigliarolo (chitarre), Marco Berni (tastiere), e Daniele Michelacci (batteria). Ospite anche Louise Pigott ai cori.
Ancor più malinconica la piano e voce “Interrupt”, una perla sonora su cui socchiudere gli occhi e lasciarsi trasportare in una sorta di ipnotica nenia.
“Closure” suggella questo ep con classe, dove la cura per i particolari mette ancor più in luce l’essenzialità di questa musica.
Ascoltare i Nosound è sempre una esperienza gradevole, un passaggio fuori dei canoni strutturali a cui la musica moderna ci ha abituati, e se in più vi dico che il 100% del ricavato sarà devoluto all'appello umanitario del DEC Ucraina, allora un motivo in più per acquistare questo piccolo gioiello sonoro. MS

Versione Inglese:

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genre: Psychedelic – Post Rock
Support: EP / Bandcamp – 2025

A lot of water has flowed under the bridge since 2005, when "Sol29" amazed all Porcupine Tree fans. The guitarist, keyboardist, composer, and singer Giancarlo Erra has known how to blend Psychedelia with the minimal sound of Post Rock with parsimony, and over the years, he releases six studio albums with various singles and EPs. The last work dates back to 2018 (not considering the 2021 solo transition album) and is titled "Allow Yourself". With this work, Erra gains the attention of a lot of audience and critics, who constantly praise every single disc. Some compare them to Sigur Rós, others to Brian Eno, however, the imprint of Steven Wilson is more marked, as well as that of the parallel project No Man with Tim Bowness, who appears as a guest vocalist.
The album cover, also realized by Giancarlo Erra, is minimal to leave entirely space to the message that wants to be passed, that of a child walking with hands in pockets and gaze directed downwards and under the corresponding adult having the same attitude. A life path where the passage of time denotes the same problems to face, and we are "at the core".
It's worth noting the return to physical instrumentation, such as drums, which makes everything warmer and sincere. "Nothing We Gave" immediately denotes the primordial approach of the Nosound style, direct, ethereal, and unmistakable. The melancholic veil is the strong point of the music, close to the atmospheres of the aforementioned bands, and I add Pink Floyd.
The sound of a moderately pondered piano introduces the title track "To The Core", a track that shines with Erra's creativity in an agnostic crescendo in search of instrumental passages that are not unnecessarily abstruse. It's the electric guitar in the finale that releases a dialogue with the soul, intimately aimed at a poignant epilogue.
The single of the EP bears the title "Worn-Out Parts", where the vocal approach is similar to that of Tom Yorke in Radiohead, everything becomes dreamy thanks also to the echo effects of the voices. These tracks all have a short duration to aim directly at the purpose without getting lost in useless phrasing that could distract the listener from the message that Erra and co. want to pass. With him play Orazio Fabbri (bass), Paolo Vigliarolo (guitars), Marco Berni (keyboards), and Daniele Michelacci (drums). Guest vocalist is also Louise Pigott.
Even more melancholic is the piano and voice "Interrupt", a sound pearl on which to close your eyes and let yourself be carried away in a sort of hypnotic lament.
"Closure" seals this EP with class, where the care for details highlights even more the essentiality of this music.
Listening to Nosound is always a pleasant experience, a passage outside the structural canons to which modern music has accustomed us, and if I tell you that 100% of the proceeds will be donated to the DEC Ukraine humanitarian appeal, then there's one more reason to buy this small sonic jewel. MS

Klee Orchestra

2026-02-27T05:00:00.000+01:00

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Sperimentale
Supporto: Bandcamp / CD – 2026

Non è certo la prima volta che sottolineo l'attuale direzione della musica, in particolare la proliferazione di one-man band nel sottobosco indipendente, complice l'evoluzione tecnologica. Questa tendenza offre la possibilità di esprimersi con facilità e costi ridotti, permettendo all'artista di canalizzare la propria creatività senza filtri. Sebbene l'approccio nasca quasi sempre dalla passione per uno strumento o un genere specifico, questo modello permette finalmente di aggirare l'ostacolo, un tempo insormontabile, delle Major.
Nascono così, con frequenza quasi spontanea, progetti più o meno pubblicizzati su piattaforme dedicate come Bandcamp. Proprio qui mi sono imbattuto nei Klee Orchestra, progetto ideato dal giovane casertano Gianluca Zannone (classe 1985), qui impegnato con kalimba, theremin, chitarra, lama musicale, noise box, synth, batteria e percussioni.
Dopo i primi passi come batterista in gruppi locali quali Il Malpertugio e The Black Garden Circus, Zannone approda a un'identità priva di confini: un viaggio onirico e libero, volto a esteriorizzare il proprio mondo interiore.
Nell’album “Esercizio Di Retorica”, Gianluca si avvale della collaborazione di Ivan Franzini al basso e di Antonio Zannone alla chitarra solista in “Eco”, “Carioca” e “Olzon”. L’artwork è opera di Franz Murtas, la grafica di Mario Antinucci, mentre le registrazioni sono state effettuate presso lo Studio12 di Falciano del Massico (CE) a cura di Giovanni di Fusco.
“Auster” apre l'ascolto dimostrando un approccio vicino allo stile dei King Crimson post-“Red”, sorretto da un efficace giro armonico di basso. Le vocalità e gli inserti elettronici sono utilizzati in chiave sperimentale; la traccia chiarisce subito la volontà dell'autore di sfuggire all'omologazione attraverso suoni in loop e una ricerca timbrica costante, supportata da un'ottima sezione ritmica.
Con i suoi sei minuti, “Insonnia” è l'episodio più lungo del disco. Lungi dal ricalcare strutture canoniche, la composizione si dipana tra anelli psichedelici e una voce di fondo lontana che crea un effetto onirico altamente coinvolgente. Il refrain resta ipnotico e iterativo, mentre a metà percorso il ritmo si spezza, lasciando spazio a vuoti mentali simili a quelli esplorati dai Radiohead. Si percepiscono vocalizzi (probabilmente campionati al contrario) che richiamano le sperimentazioni di Demetrio Stratos, risolvendosi in una forma catartica quasi sciamanica.
“Carioca” poggia invece su una nenia infantile dal sapore horror, impreziosita dalla chitarra Post-Rock di Antonio Zannone. Con l'ingresso del resto della strumentazione, il significato muta pur mantenendo un'intrinseca sensazione di angoscia. Suggestioni vicine ai Goblin arrivano poi da “Atmosfera”, brano che non si discosta troppo dall'intento atmosferico del precedente.
La batteria apre invece “Movimento”, breve saggio della padronanza tecnica di Gianluca sul suo strumento principale; era da moltissimo tempo che non mi imbattevo in un assolo di batteria inserito con tale senso critico in un album. Per il resto, lascio alla vostra curiosità l'approfondimento su Bandcamp o YouTube.
In conclusione, Klee Orchestra è un progetto stimolante e tutt'altro che banale, ideale come colonna sonora per una serata fuori dagli schemi dove voi diventerete i protagonisti. MS

Versione Inglese:

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Self-release
Genre: Post-Rock / Experimental
Format: Bandcamp / CD – 2026

It is certainly not the first time I have highlighted the current direction of music, specifically the proliferation of one-man bands within the independent underground, fueled by technological evolution. This trend offers the chance to express oneself with ease and at a lower cost, allowing artists to channel their unfiltered creativity. While this approach almost always stems from a passion for a specific instrument or genre, this model finally allows for bypassing the once-insurmountable obstacle of major labels.
As a result, projects—more or less publicized—are popping up almost spontaneously on dedicated platforms like Bandcamp. It was there that I came across Klee Orchestra, a project conceived by the young Caserta-born artist Gianluca Zannone (born 1985), who here plays kalimba, theremin, guitar, musical saw, noise box, synth, drums, and percussion. After his early steps as a drummer in local bands such as Il Malpertugio and The Black Garden Circus, Zannone has arrived at a borderless identity: a free, dreamlike journey aimed at externalizing his inner world.
In the album “Esercizio Di Retorica”, Gianluca enlists the collaboration of Ivan Franzini on bass and Antonio Zannone on lead guitar in “Eco”, “Carioca”, and “Olzon”. The artwork is by Franz Murtas, graphics by Mario Antinucci, while the recordings were held at Studio12 in Falciano del Massico (CE), curated by Giovanni di Fusco.
“Auster” opens the listen, demonstrating an approach close to the post-“Red” era of King Crimson, supported by an effective harmonic bass line. Vocals and electronic inserts are used experimentally; the track immediately clarifies the author's desire to escape standardization through looped sounds and constant tonal research, backed by an excellent rhythm section.
At six minutes long, “Insonnia” is the record's longest episode. Far from following canonical structures, the composition unfolds through psychedelic rings and a distant background voice that creates a highly engaging, dreamlike effect. The refrain remains hypnotic and iterative, while midway through, the rhythm breaks, giving way to mental voids similar to those explored by Radiohead. One can perceive vocalizations (likely sampled in reverse) that recall the experimentation of Demetrio Stratos, resolving into an almost shamanic catharsis.
“Carioca” instead rests on a childlike nursery rhyme with a horror-like flavor, embellished by Antonio Zannone's post-rock guitar. As the rest of the instrumentation enters, the meaning shifts while maintaining an intrinsic sense of anguish. Suggestions close to Goblin then emerge from “Atmosfera”, a piece that does not stray far from the atmospheric intent of its predecessor.
Conversely, the drums open “Movimento”, a brief essay on Gianluca’s technical mastery of his primary instrument; it had been a very long time since I encountered a drum solo integrated into an album with such critical purpose. For the rest, I leave it to your curiosity to explore further on Bandcamp or YouTube.
In conclusion, Klee Orchestra is a stimulating and far-from-trivial project, ideal as a soundtrack for an unconventional evening where you become the protagonists. MS

Carmine Capasso & Friends

2026-02-26T07:08:00.000+01:00

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock / Rock Progressivo
Supporto: Digital – 2025

Vi dico subito che generalmente non recensisco album di cover, tantomeno se escono in formato digitale, al quale non attribuisco molta importanza rispetto a quanto faccio per un CD o un vinile. La mia non vuole essere una critica nei confronti della musica liquida; sono consapevole che bisogna adeguarsi ai tempi, alla velocità e alla praticità delle cose. È solo che amo ancora stare seduto davanti al mio stereo... Tutto qui (c'è chi ha detto boomer, immagino).
Nel caso di Carmine Capasso, però, devo inevitabilmente fare un'eccezione, perché quando un lavoro è fatto con la testa e soprattutto con il cuore, non può essere ignorato.
Come nello stile del suo amico Marco Bernard, il chitarrista campano, per la realizzazione di questo album si supporta di un numero consistente di special guest.
"The Best Is Yet To Come" vede al proprio interno scorrere ben sedici canzoni che spaziano fra differenti stili sonori, dall'Hard Rock al Progressive Rock, passando per il cantautorato, il Rock e il Neo Prog. Sono canzoni che hanno fatto parte della formazione stilistica di Capasso, scelte non a caso, per questo "Il bello deve ancora venire".
Colui che siede spesso alla batteria vicino a Capasso è Ovidio Catanzano, così come alle tastiere Costantino Taglialatela.
L'apertura spetta a "Lady" di Beck, Bogert & Appice, dove un certo Jeff Beck con la sezione ritmica dei Vanilla Fudge disegna una piccola parte del Rock. Qui Antonio Colaruotolo suona il basso e il pezzo è da brividi! Carmine Capasso mette in mostra le sue doti tecniche.
"We All Need Some Light" è della super band Prog Rock Transatlantic, una ballata che solo un Neal Morse (ex Spock's Beard) ispirato può scrivere assieme a Roine Stolt (The Flower King, Kaipa), Mike Portnoy (Dream Theater) e Pete Trewavas (Marillion). Al basso Roberto De Rosa. L'assolo di Capasso è pressoché perfetto.
Con "White Room" dei Cream si fa un balzo nel tempo a quel "Wheels Of Fire" pubblicato nel 1968. Il basso qui viene suonato da Tony Alemanno. Il pezzo acquista freschezza elargita con grande rispetto dell'originale; il discorso è analogo per "Badge".
Un balzo nell'Hard Rock con "Bad Reputation" dei Thin Lizzy, un movimento dove la ritmica ricopre un ruolo primario. Tuttavia, è la chitarra eterna protagonista di questo intramontabile stile sonoro, qui con tanta materia dentro!
Uno dei maggiori punti di riferimento per Carmine è Ivan Graziani, la chitarra Rock italiana per eccellenza (non nascondo che è anche il mio). "Il Chitarrista" è nomen omen. Splendidamente eseguita, mi ha emozionato molto, perché Ivan è il poeta di provincia e Capasso ne ha assorbito bene la sua lezione stilistica.
Altro capolavoro è "Starless" dei King Crimson. Capite bene che andare a suonare certi mostri sacri può essere un'arma a doppio taglio, ma non per chi ha nelle mani la sapienza della materia. Questo è un ulteriore motivo per cui mi sono sentito di fare una recensione a questo disco di cover. Antonio Liccardi alla batteria, Dino Fiore al basso, Ivan Santovito alle tastiere mellotron e Marek Arnold al sax eseguono il brano come meglio non potrebbero. Brividi!
Si passa al tecnico con "Light Years" (Chick Corea Elektric Band), divertimento allo stato puro, per poi tornare all'Hard Rock dei Deep Purple, questa volta analizzati attraverso la ballata "Soldier Of Fortune", una coccola per il cuore.
Viene dato spazio anche al Rock più moderno ma con una base storica importante, quella dei Beatles. La band chiamata in causa è Oasis, ed il brano è "Don't Look Back In Anger", un classico senza tempo.
Un maestro della musica Heavy Metal mondiale è Ronnie James Dio; Capasso di lui va ad eseguire "Holy Driver", un pezzo che ogni metallaro degno di questo appellativo non deve disconoscere! Cantato alla perfezione e suonato come pochi sanno ripetere, il brano è uno dei migliori riusciti di tutto l'album, vuoi per intensità che per tecnica. Sep Sarno è alle tastiere, Ralf Reiche al basso e Many Stürner alla voce.
Successivamente si cambia genere, passando per il Neo Prog di "Kayleigh", tratto dal monumentale "Misplaced Childhood" dei Marillion. Impressionante l'interpretazione di Alessandro Corvaglia, pressoché perfetta, così come tutta l'esecuzione fedele al brano originale.
Ritorno all'Hard Rock mondiale attraverso uno dei brani più iconici, quell'"Hells Bells" che non solo ha dato successo agli AC/DC, ma anche a un genere intero. Many Stürner è al microfono e i brividi scorrono inevitabilmente sulla pelle! E rimanendo in tema, ci spostiamo dall'Australia all'America con i Kiss (R.I.P. Ace Frehley) e l'indimenticabile "Detroit Rock City" che tanti fan ha fatto sognare. Davide Schiavi ne è perfetto vocalist.
Ed è la volta di "Anthem" dei canadesi Rush, presente anche nel secondo disco del doppio album "Moby Dick" di Marco Bernard. Una performance qui cantata ancora una volta da Davide Schiavi, molto coerente all'originale.
Il disco si conclude con "Land Of Confusion" dei Genesis, non il solito brano Prog estrapolato dalla discografia immensa della band dei tempi che furono, piuttosto del periodo più recente. Ancora una volta Corvaglia mostra il meglio di se.
Concludendo, "The Best Is Yet To Come" documenta tutte le basi poliedriche con cui Carmine Capasso ha basato la sua passione per la musica e la chitarra. Oserei dire che sono più che solide, anche perché coincidono con le mie e spero anche con quelle di molti di voi. Dategli un ascolto perché merita! MS.

Versione Inglese:

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Rock / Progressive Rock
Format: Digital – 2025

I'll be honest, I don't usually review cover albums, especially not digital ones, which I don't attribute much importance to compared to CDs or vinyls. My stance isn't a criticism of digital music; I'm just aware that times are changing, and convenience is key. I still enjoy sitting in front of my stereo, that's all (I guess some might call me a boomer).
However, with Carmine Capasso, I have to make an exception. When work is done with passion and dedication, it can't be ignored. Like his friend Marco Bernard, the Campano-born guitarist has assembled a talented group of special guests for this album.
"The Best Is Yet To Come" features 16 tracks that span different styles, from Hard Rock to Progressive Rock, Cantautorato, Rock, and Neo Prog. These songs have shaped Capasso's musical style, and their selection is deliberate. Capasso's long-time drummer Ovidio Catanzano and keyboardist Costantino Taglialatela are part of the lineup.
The album opens with "Lady" by Beck, Bogert & Appice, where Jeff Beck's guitar work shines alongside the Vanilla Fudge rhythm section. Antonio Colaruotolo's bassline is thrilling, and Carmine Capasso's technical skills are on full display.
The Transatlantic superband's "We All Need Some Light" is a beautiful ballad that showcases Neal Morse's songwriting skills. Roberto De Rosa handles the bass, and Capasso's solo is nearly perfect.
The album takes a trip back to 1968 with Cream's "White Room" from "Wheels Of Fire". Tony Alemanno's bass adds freshness to the track, while still respecting the original. The same can be said for "Badge".
Thin Lizzy's "Bad Reputation" is a hard rock standout, with a strong emphasis on rhythm and Capasso's guitar work. Ivan Graziani, a pioneer of Italian rock guitar, is a significant influence on Capasso, and "Il Chitarrista" is a beautiful tribute.
King Crimson's "Starless" is a masterpiece that requires skill and respect to cover. The lineup for this track includes Antonio Liccardi on drums, Dino Fiore on bass, Ivan Santovito on keyboards and mellotron, and Marek Arnold on sax. The result is breathtaking.
The album continues with Chick Corea's "Light Years", a fun and upbeat track, followed by Deep Purple's "Soldier Of Fortune", a heartfelt ballad. Oasis's "Don't Look Back In Anger" is another highlight, showcasing the band's ability to interpret modern rock with a classic twist.
Ronnie James Dio's "Holy Driver" is a heavy metal standout, with Sep Sarno on keyboards, Ralf Reiche on bass, and Many Stürner on vocals. The track is intense and technically impressive.
The album's Neo Prog segment features Marillion's "Kayleigh", with Alessandro Corvaglia's impressive vocals and a faithful rendition of the original. AC/DC's "Hells Bells" and Kiss's "Detroit Rock City" are both high-energy tracks that showcase the band's versatility.
The album concludes with Rush's "Anthem" and Genesis's "Land Of Confusion", both of which demonstrate Capasso's ability to interpret complex music. Overall, "The Best Is Yet To Come" showcases Carmine Capasso's passion for music and guitar, and it's definitely worth a listen. MS.

Paolo Pagliari

2026-02-25T21:40:00.001+01:00

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

Siamo stati tutti bambini, capaci di guardare il mondo con una prospettiva ricca di meraviglia e desiderio di scoperta. Crescendo, tendiamo a smarrire la purezza di quelle sensazioni sincere; sarebbe invece prezioso poter recuperare quella capacità di stupirsi.
Paolo Pagliari (voce, chitarre, basso, percussioni, tastiere) esplora questo tema attraverso un concept album denso di emozioni. Sebbene “Through The Eyes Of A Child” sia il suo esordio solista, non siamo di fronte a un esordiente: Pagliari è infatti, insieme a Gabriel Kiss, l'anima della band marchigiana The Old Castle, con cui ha inciso “Working Travellers”, “Storie Nascoste” (2001) e “Wistful” (2022). Musicoterapeuta con alle spalle numerose esperienze tra progetti pubblicitari e tribute band (Rolling Stones, Led Zeppelin e Pink Floyd), l'artista riversa qui tutto il suo bagaglio culturale.
In questo scrigno emotivo, Pagliari si avvale della collaborazione dell'amico Alberto Quacquarini alla batteria (anch'egli nei The Old Castle) e di numerosi ospiti: Sandrine Derouet (cori in “In The Shelter Of Your Eyes”), Leandro Pagliari (tamburello in “Camel Escape”), Doryan Pagliari (cori in “Stars In Your Eyes”), Wilson Pagliari (voce narrante in “Lune De Mer”), Luca Vittori (cori in “Father's Words” e “Light In The Night”), Irene Vittori (cori in “Light In The Night”) e Silvia Marques (cori in “Stars In Your Eyes”).
A prevalere è l'amore viscerale per il Progressive Rock, con frequenti richiami ai Pink Floyd: lo si avverte sin dal vociare dei bambini in “So Begin”, dotata di un'intro che non sfigurerebbe in “The Division Bell”. La musica, soffice e curata, gode di un tocco di chitarra morbido e ponderato, colonna sonora perfetta per un viaggio immaginifico dalle melodie capaci di toccare l'anima.
Il Rock proposto affonda le radici nella tradizione, mettendo in mostra la preparazione dell'artista attraverso temi di facile memorizzazione; ne è un esempio “Stars In Your Eyes”, che resta fedele all'universo di Gilmour e soci senza scostarsene di un millimetro. Un lieve cambio di registro si avverte in “Father’s Words”, che vira con delicatezza verso il Neo Prog. Il cantato è convincente: mai invasivo, risulta coinvolgente grazie a un'interpretazione quasi sussurrata. La sezione strumentale nella seconda parte del brano trasmette una profonda serenità.
La chitarra acustica apre la strumentale “Watching Through The Window On A Melancholic Rainy Day”, traccia leggera che cattura lo sguardo di un bimbo rapito dalla pioggia. Segue “Hold On!”, un passaggio Pop-Prog ben strutturato nelle coralità, diretto e gradevole. Ci si lascia poi incantare dalle sonorità "Genesiane" di “Lune De Mer”, per poi tornare in orbita Pink Floyd con “In The Shelter Of Your Eyes”. C’è spazio anche per il Canterbury sound dei Camel nella strumentale “Camel Escape”, mentre “Memory Box” omaggia lo stile dei Marillion.
Chiude in bellezza “Light In The Night”, sintesi perfetta della scuola di Pagliari, che con questo debutto riesce a emozionare e convincere in ogni passaggio. È un disco privo di cali di tensione, testimonianza di una padronanza compositiva eccellente. Una bellissima sorpresa che non dovrebbe mancare nello scaffale di ogni collezionista di Prog italiano. MS

Versione Inglese:

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Self-released
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

We were all children once, capable of looking at the world with a perspective full of wonder and a desire for discovery. As we grow up, we tend to lose the purity of those sincere sensations; it would be precious, instead, to regain that capacity for awe.
Paolo Pagliari (vocals, guitars, dominance, percussion, keyboards) explores this theme through an emotionally dense concept album. Although “Through The Eyes Of A Child” is his solo debut, we are not dealing with a newcomer: Pagliari is, alongside Gabriel Kiss, the soul of the Marche-based band The Old Castle, with whom he recorded “Working Travellers”, “Storie Nascoste” (2001), and “Wistful” (2022). A music therapist with extensive experience in advertising projects and tribute bands (Rolling Stones, Led Zeppelin, and Pink Floyd), the artist pours his entire cultural background into this work.
In this emotional treasure chest, Pagliari enlists the collaboration of his friend Alberto Quacquarini on drums (also of The Old Castle) and numerous guests: Sandrine Derouet (backing vocals on “In The Shelter Of Your Eyes”), Leandro Pagliari (tambourine on “Camel Escape”), Doryan Pagliari (backing vocals on “Stars In Your Eyes”), Wilson Pagliari (narrator on “Lune De Mer”), Luca Vittori (backing vocals on “Father's Words” and “Light In The Night”), Irene Vittori (backing vocals on “Light In The Night”), and Silvia Marques (backing vocals on “Stars In Your Eyes”).
What prevails is a visceral love for Progressive Rock, with frequent nods to Pink Floyd: this is evident from the children's voices in “So Begin,” featuring an intro that wouldn't feel out of place on “The Division Bell.” The music, soft and polished, benefits from a smooth and thoughtful guitar touch—a perfect soundtrack for an imaginative journey with melodies capable of touching the soul.
The Rock presented here is rooted in tradition, showcasing the artist's expertise through easily memorable themes; “Stars In Your Eyes” is a prime example, remaining faithful to the universe of Gilmour and company without straying by a single millimeter. A slight change of pace is felt in “Father’s Words,” which delicately veers toward Neo-Prog. The vocals are convincing: never invasive, they remain engaging thanks to an almost whispered interpretation. The instrumental section in the second half of the track conveys a sense of profound serenity.
Acoustic guitar opens the instrumental “Watching Through The Window On A Melancholic Rainy Day,” a light track that captures the gaze of a child captivated by falling rain. This is followed by “Hold On!”, a Pop-Prog passage that is well-structured in its harmonies, direct, and pleasant. One is then enchanted by the "Genesis-esque" sounds of “Lune De Mer,” before returning to the Pink Floyd orbit with “In The Shelter Of Your Eyes.” There is also room for the Canterbury sound of Camel in the instrumental “Camel Escape,” while “Memory Box” pays homage to the style of Marillion.
“Light In The Night” closes the album beautifully—a perfect synthesis of Pagliari’s musical education. With this debut, he succeeds in moving and convincing the listener at every turn. It is a record without any lulls, a testament to truly excellent compositional mastery. A wonderful surprise that should not be missing from the shelf of any Italian Prog collector. MS

Lorenzo Cellupica Quartet

2026-02-25T05:40:00.000+01:00

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is Odd
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Jazz Prog
Supporto: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

Le eccellenze musicali nel territorio italico non finiscono mai di essere nominate. Siamo una nazione di artisti in tutti i campi, anche in quello musicale, malgrado i tempi possano suggerire il contrario.
Il Jazz è un movimento che ci ha saputo donare molte soddisfazioni, anche recenti, con musicisti notevoli come Paolo Fresu, Fabrizio Bosso, Massimo Manzi, Roberto Gatto e moltissimi altri. Se poi il Jazz si sposa con la ricerca sonora del Progressive Rock, allora il discorso si fa ancor più particolareggiato, adatto a un pubblico esigente e raffinato. In questo ambito, Lorenzo Cellupica si adopera avvalendosi della collaborazione di buoni artisti come Damiano Drogheo (sax tenore e alto), Gianfranco De Lisi (basso), e Massimo Ceci (batteria); ecco quindi nascere il Lorenzo Cellupica Quartet.
Cellupica è un pianista, tastierista, compositore e insegnante di musica originario di Isola del Liri (FR). Così possiamo leggere dalla scheda tecnica dell’autore: “La sua formazione poliedrica, che spazia in diversi generi come Jazz, Classica, Rock, Blues e Prog, gli ha permesso di costruire nel corso degli anni diverse formazioni di successo. Nel corso della sua carriera ha ricevuto numerosi riconoscimenti, sia come solista che all'interno dei gruppi da lui fondati, tra cui il premio Rotary Club Frosinone. “L'eccellenza della musica italiana, XXI edizione” per il Jazz. Ha all'attivo diverse uscite discografiche, sia come gruppo (Möbius Strip e Time Lag del gruppo Möbius Strip) che come solista (“In A Haunted House”).”
Numerose anche le date live che lo vedono protagonista in prestigiosi festival italiani, ma anche all’estero, come a Chicago e in Wisconsin.
“This Is Odd” è l’ultimo album a sua firma, dopo “In A Haunted House” (2023), fra elementi melodici e complessità strutturali.
Otto i movimenti in cui i generi affrontati spaziano dal Jazz al Prog, a iniziare da “Music For Four Musicians”, composizione calda supportata da suoni puliti in cui la ritmica Jazz fa da traino portante. Il sax è colui che detta la melodia, mentre il piano gioca con gli strumenti supportandoli.
Il movimento, seppur ricercato, ben si stampa nella memoria.
Questa è musica senza tempo, e “Whatever” lo dimostra a pieno, palesando tutte le caratteristiche che il Jazz ha saputo incontrare nel cammino della propria esistenza, anche quelle di un certo Frank Zappa.
“On The Tail Of A Rainbow” alza il ritmo e, come suggerisce il titolo, si dipana in un territorio prettamente solare. Il dialogo fra gli strumenti dimostra una perfetta amalgama fra i musicisti. Piccole schegge di Progressive Rock arricchiscono il tutto.
“No Strawberries” mi riporta a quel Jazz Rock caro a gruppi come Agorà e Perigeo, un tuffo negli anni ’70, ma con accorgimenti più moderni, dove il basso si esprime al meglio. La title track ha un andamento misterioso; entra quasi di soppiatto per poi dipanarsi in quello che strutturalmente ho descritto sino ad ora, per nove minuti di ottima musica. Colori e suoni si fondono in un unico abbraccio, proprio come rappresentato ottimamente nella cover del disco.
Il piano di Cellupica alza il ritmo in “Mah”, brano tipicamente Jazz molto sostenuto, mentre “I Wish To Climb Higher” riconduce l’ascolto in movimenti più ricercati e di classe. Il momento intimistico è affidato a “I Can’t Paint”, qui fuoriesce l’anima più raffinata dell’autore attraverso il pianoforte.
“This Is Odd” riporta quindi nuovamente alla luce le straordinarie capacità artistiche di noi italiani, che purtroppo spesso valorizziamo lavori esteri decisamente più scadenti. Spero che un giorno questa esterofilia trovi una giusta regolamentazione nelle nostre menti e che artisti del calibro di Lorenzo Cellupica Quartet trovino la giusta e degna collocazione. Iniziate voi a donargliela. MS.

Versione Inglese:

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is Odd
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Jazz Prog
Format: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

The musical excellences in the Italian territory never cease to be mentioned. We are a nation of artists in all fields, including music, despite the times suggesting otherwise.
Jazz is a movement that has given us many satisfactions, including recent ones, with notable musicians like Paolo Fresu, Fabrizio Bosso, Massimo Manzi, Roberto Gatto, and many others. If Jazz then marries the sound research of Progressive Rock, the discussion becomes even more detailed, suitable for a discerning and refined audience. In this context, Lorenzo Cellupica works with the collaboration of good artists like Damiano Drogheo (tenor and alto sax), Gianfranco De Lisi (bass), and Massimo Ceci (drums); hence the birth of the Lorenzo Cellupica Quartet.
Cellupica is a pianist, keyboardist, composer, and music teacher from Isola del Liri (FR). As we can read from the author's technical sheet: "His multifaceted training, which spans different genres like Jazz, Classical, Rock, Blues, and Prog, has allowed him to build several successful formations over the years. During his career, he has received numerous awards, both as a soloist and within the groups he founded, including the prize at the Rotary Club Frosinone 'L'eccellenza della musica italiana, XXI edition' award for Jazz. He has several discographic releases to his credit, both as a group (Möbius Strip and Time Lag with the Möbius Strip group) and as a soloist ('In A Haunted House')."
Numerous live dates also feature him as a protagonist in prestigious Italian festivals, as well as abroad, such as in Chicago and Wisconsin.
"This Is Odd" is his latest album, after "In A Haunted House" (2023), between melodic elements and structural complexity.
Eight movements in which the genres tackled range from Jazz to Prog, starting with "Music For Four Musicians", a warm composition supported by clean sounds in which the Jazz rhythm takes the lead. The saxophone dictates the melody, while the piano plays with the instruments, supporting them.
The movement, although researched, is well imprinted in the memory.
This is timeless music, and "Whatever" fully demonstrates it, revealing all the characteristics that Jazz has been able to encounter in its existence, including those of a certain Frank Zappa.
"On The Tail Of A Rainbow" raises the rhythm and, as the title suggests, unfolds in a predominantly sunny territory. The dialogue between the instruments demonstrates a perfect blend between the musicians. Small fragments of Progressive Rock enrich the whole.
"No Strawberries" takes me back to that Jazz Rock dear to groups like Agorà and Perigeo, a dive into the 1970s, but with more modern touches, where the bass expresses itself at its best. The title track has a mysterious pace; it enters almost stealthily and then unfolds into what I have structurally described so far, for nine minutes of excellent music. Colors and sounds merge into a single embrace, just like the cover art of the album.
Cellupica's piano raises the rhythm in "Mah", a typically Jazz track that is very sustained, while "I Wish To Climb Higher" leads the listening back to more researched and classy movements. The intimate moment is entrusted to "I Can’t Paint", where the author's most refined soul emerges through the piano.
"This Is Odd" thus brings to light once again the extraordinary artistic abilities of us Italians, which unfortunately we often value less than foreign works that are decidedly inferior. I hope that one day this Italophobia will find a just regulation in our minds and that artists of the caliber of Lorenzo Cellupica Quartet will find the right and worthy placement. Start by giving it to them. MS.

MAT2020 sta per tornare… Almeno per una volta!

2026-02-24T06:00:00.000+01:00

Un numero unico, per ritrovarci nella musica

MAT2020 - il web magazine - sta per tornare. Non per riaprire una stagione editoriale, non per guardare al passato con nostalgia, ma per dare vita a un episodio unico, pensato come un gesto creativo e collettivo per raccontare la musica di oggi con lo sguardo libero che ci ha sempre contraddistinti.

Sono trascorsi quasi cinque anni dall’ultimo numero. In questo tempo il mondo è… un po’ cambiato, la musica è… un po’ cambiata, e anche il nostro modo di ascoltare, scrivere e pensare si è trasformato. Da questa consapevolezza nasce il nuovo MAT2020, non una cronaca, ma una riflessione condivisa, non un archivio, ma un racconto vivo di ciò che ci ha attraversato dal 2021 a oggi.

Il progetto coinvolge ancora una volta i collaboratori storici, chiamati a contribuire con la stessa libertà di sempre. Il risultato sarà un’edizione di circa 100 pagine, costruita come un mosaico di idee, esperienze, ascolti, immagini e pensieri che dialogano tra loro senza retorica né giudizio.

Non è un revival, non è un addio, e non è un ritorno alle pubblicazioni periodiche. È un unicum, un gesto collettivo che esiste per il semplice piacere di creare e condividere.

L’uscita è imminente. Manca davvero poco.

Versione Inglese:

MAT2020 — the web magazine — is about to return.

Not to launch a new editorial season, nor to look back with nostalgia, but to bring to life a single, unique episode. It is conceived as a collective creative gesture, aimed at capturing today’s music with the same independent spirit that has always defined us.
Nearly five years have passed since our last issue. In that time, the world has… changed a bit; music has… changed a bit; and our own ways of listening, writing, and thinking have transformed as well. The new MAT2020 stems from this awareness. It is not a chronicle, but a shared reflection; not an archive, but a living narrative of everything that has moved us from 2021 to the present.
The project once again involves our longtime contributors, called upon to share their work with their signature freedom. The result will be an edition of approximately 100 pages—a mosaic of ideas, experiences, sounds, images, and thoughts in dialogue with one another, free from rhetoric or judgment.

It is not a revival, it is not a goodbye, and it is not a return to regular publication. It is a one-off, a collective act that exists for the simple pleasure of creating and sharing.
The release is imminent. We’re almost there.

Speciale Anekdoten

2026-02-23T06:00:00.000+01:00

ANEKDOTEN

Se i King Crimson avessero deciso di trasferirsi in una baita sperduta tra le nevi svedesi per nutrire la propria malinconia a pane e distorsione, il risultato sarebbero stati gli Anekdoten.
Nati all'inizio degli anni '90 a Borlänge, Svezia, (inizialmente come cover band dei King Crimson chiamata King Edward), gli Anekdoten sono emersi insieme ai Landberk e agli Anglagård, dando vita a quella che viene chiamata la "Svedish Prog Renaissance". Mentre altri cercavano di imitare la pulizia dei Genesis, loro hanno scelto la via del fango, del basso pulsante e delle atmosfere plumbee. Hanno saputo trasformare l'influenza dei maestri in un linguaggio autonomo, viscerale e profondamente svedese.
La discografia degli Anekdoten non è solo una serie di album, è un'evoluzione biologica del suono.
A differenza di molte band Prog che cambiano membri come camicie, gli Anekdoten sono rimasti un blocco granitico per decenni.
Nicklas Barker: Non è il classico guitar hero. Il suo stile è fatto di feedback controllati, arpeggi ossessivi e una voce sottile, quasi fragile, che contrasta perfettamente con la potenza della musica.
Anna Sofi Dahlberg: È la vera arma segreta. Il suo uso del violoncello aggiunge una texture organica e cameristica che poche band Rock possono vantare. Quando passa al Mellotron, crea muri di suono che sembrano provenire da un'altra dimensione.
Jan Erik Liljeström: Il suo basso Rickenbacker è il cuore pulsante. Non si limita a seguire la batteria, ma dialoga costantemente con la chitarra, spesso prendendo il ruolo di strumento solista.
Peter Nordins: Un batterista che sa quando essere tellurico e quando essere invisibile. La sua precisione sui tempi complessi (5/4, 7/8) è naturale, mai forzata.

DISCOGRAFIA

Vemod (1993) – L'Urlo del Nord

L'esordio che scosse le fondamenta del Neo-Prog. Mentre il mondo guardava ai suoni digitali, gli Anekdoten rispolverarono il Mellotron 400 e il violoncello, creando un'atmosfera funerea e potente. È l'album della "malinconia svedese". C'è un senso di isolamento geografico che si trasforma in musica. L'influenza dei King Crimson (periodo ”Red”) è evidente, ma filtrata da una sensibilità nordica originale.
Il Suono è grezzo, analogico, dominato dal basso distorto di Jan Erik Liljeström. Le dinamiche passano da sussurri acustici a esplosioni sonore violente.
Brani Chiave: “Karelia” (un'epopea strumentale che definisce il loro stile) e “Thoughts In Absence”.

Nucleus (1995) – L'Apocalisse Sonora

Se “Vemod “era triste, “Nucleus” è arrabbiato. È considerato l'album più "difficile" e aggressivo della band. La produzione è più densa, quasi cacofonica in certi punti. Il Mellotron viene usato in modo atonale, creando dissonanze inquietanti. C'è un uso massiccio del flauto e del sassofono che aggiunge un sapore Jazz-Core. Un disco coraggioso che sfida l'ascoltatore. Qui la band si distacca dal paragone costante con i maestri del passato per creare un muro di suono che anticipa certe sonorità del Post-Metal.
Brani Chiave: “Nucleus” (una marcia industriale-Prog) e “Harvest” (una ballata spettrale che esplode in un finale catartico).

From Within (1999) – L'Equilibrio Perfetto

Dopo la tempesta di “Nucleus”, la band trova una sintesi. È l'album che molti fan considerano il loro capolavoro assoluto. Un viaggio introspettivo. La band impara a gestire il "silenzio" e le pause, rendendo i momenti di piena ancora più d’impatto. È un album notturno, perfetto per essere ascoltato in cuffia.
Le composizioni si fanno più fluide. C'è meno aggressività gratuita e più ricerca melodica. Il basso Rickenbacker è sempre protagonista, ma si sposa con tastiere più sognanti.
Brani Chiave: “Kiss Of Life” (ipnotica e circolare) e “From Within”.

Gravity (2003) – La Svolta Psichedelica

Un cambio di rotta significativo. La band accorcia i brani e si apre a influenze Shoegaze e Rock alternativo (alla Radiohead/Porcupine Tree). Più spaziale e meno cupo. Le chitarre di Nicklas Barker usano più riverbero e delay. Il violoncello scompare quasi del tutto per lasciare spazio a texture sintetiche e pianoforti. È il disco della "leggerezza" (per i loro standard). Dimostra che gli Anekdoten non sono prigionieri del genere Prog e sanno scrivere canzoni più dirette senza perdere la loro identità.
Brani Chiave: “Monolith” (un ritorno alle radici pesanti) e “Gravity”.

A Time of Day (2007) – Il Consolidamento

Un album che riassume tutte le anime della band: la furia degli inizi e la Psichedelia di “Gravity”.
Altissima qualità produttiva. È un disco maturo, estremamente solido, dove la tecnica strumentale è al servizio dell'atmosfera. Non cerca di scioccare, ma di avvolgere l'ascoltatore in un flusso continuo.
Brani Chiave: “The Great Unknown” e “In For a Ride”.

Chapters (2009) – Antologia e Inediti

Non è un album di studio canonico, ma una raccolta in due CD che merita menzione per la presenza di rarità e del brano “When I Fell”, fondamentale per capire la loro evoluzione melodica.

Until All the Ghosts Are Gone (2015) – L'Apice della Maturità

Uscito dopo otto anni di silenzio, questo album è un trionfo. È il disco che mette d'accordo vecchi e nuovi fan.
Grazie a ospiti come Theo Travis (sax/flauto) e Per Wiberg (organo), il suono è più stratificato che mai. Torna la complessità dei tempi dispari ma con una grazia melodica superiore. Un disco che suona "senza tempo". Tratta temi come la perdita e il passare degli anni con una dignità quasi sacrale. È il coronamento di una carriera coerente e di altissimo livello.
Brani Chiave: “If It All Comes Down To You” e la mastodontica “Until All The Ghosts Are Gone”.

Una delle particolarità degli Anekdoten è quindi la loro fedeltà assoluta alla strumentazione vintage. In un'epoca in cui i plugin software simulano tutto, loro hanno continuato a trasportare pesanti macchine elettromeccaniche (il Mellotron 400 pesa circa 55 kg) in tour.

Lo fanno perchè il Mellotron non è perfetto. Ha dei "difetti" nel trascinamento dei nastri che creano quel tipico suono fluttuante e spettrale. Gli Anekdoten cavalcano quell'imperfezione per renderla poesia.
In un mondo musicale spesso troppo levigato, mantengono una ruvidità analogica che è pura onestà intellettuale. Non hanno mai inseguito le classifiche, mantenendo un'integrità che li ha resi dei "culti" assoluti. Se ami il rock che non ha paura di essere complesso ma che ti colpisce dritto allo stomaco, loro sono la risposta.

"Gli Anekdoten non suonano il Progressive: lo abitano, come se fosse una casa vecchia e scricchiolante piena di fantasmi bellissimi." MS

Versione inglese:

ANEKDOTEN

If King Crimson had decided to move to a remote cabin deep in the Swedish snow to feed their melancholy on nothing but bread and distortion, the result would have been Anekdoten.
Born in the early '90s in Borlänge, Sweden (initially as a King Crimson cover band called King Edward), Anekdoten emerged alongside Landberk and Änglagård, sparking what became known as the "Swedish Prog Renaissance." While others sought to mimic the polished sheen of Genesis, they chose the path of sludge, pulsing bass, and leaden atmospheres. They successfully transformed the influence of the masters into an autonomous, visceral, and profoundly Swedish musical language.
The Anekdoten discography is not just a series of albums; it is a biological evolution of sound. Unlike many Prog bands that change members like shirts, Anekdoten has remained a monolithic unit for decades:
Nicklas Barker: Not your classic guitar hero. His style is built on controlled feedback, obsessive arpeggios, and a thin, almost fragile voice that provides a perfect contrast to the power of the music.
Anna Sofi Dahlberg: The true secret weapon. Her use of the cello adds an organic, chamber-music texture that few rock bands can boast. When she switches to the Mellotron, she creates walls of sound that seem to emanate from another dimension.
Jan Erik Liljeström: His Rickenbacker bass is the beating heart. He doesn't just follow the drums; he constantly dialogues with the guitar, often stepping into a lead instrumental role.
Peter Nordins: A drummer who knows when to be tectonic and when to be invisible. His precision with complex time signatures (5/4, 7/8) feels natural, never forced.

DISCOGRAPHY

Vemod (1993) – The Northern Cry

The debut that shook the foundations of Neo-Prog. While the world looked toward digital sounds, Anekdoten dusted off the Mellotron 400 and the cello, creating a funereal and powerful atmosphere. This is the album of "Swedish melancholy"—a sense of geographic isolation transformed into music. The influence of King Crimson (specifically the Red era) is evident but filtered through an original Nordic sensibility.
The Sound: Raw, analog, dominated by Liljeström's distorted bass. Dynamics shift from acoustic whispers to violent sonic explosions.
Key Tracks: “Karelia” (an instrumental epic defining their style) and “Thoughts In Absence.”

Nucleus (1995) – The Sonic Apocalypse

If Vemod was sad, Nucleus is angry. It is considered the band's most "difficult" and aggressive album. The production is denser, bordering on cacophonous at points. The Mellotron is used atonally, creating haunting dissonances. Heavy use of flute and saxophone adds a Jazz-Core flavor. It is a brave record that challenges the listener, moving away from past comparisons to create a wall of sound that foreshadows Post-Metal.
Key Tracks: “Nucleus” (an industrial-Prog march) and “Harvest” (a ghostly ballad that explodes into a cathartic finale).

From Within (1999) – The Perfect Balance

After the storm of Nucleus, the band found a synthesis. Many fans consider this their absolute masterpiece—an introspective journey. The band learned to master silence and pauses, making the full-throttle moments even more impactful. It is a nocturnal album, perfect for headphone listening. The compositions are more fluid, with less gratuitous aggression and more melodic exploration.
Key Tracks: “Kiss Of Life” (hypnotic and circular) and “The Sun Absolute.”

Gravity (2003) – The Psychedelic Turning Point

A significant change in direction. The band shortened the songs and opened up to Shoegaze and alternative rock influences (reminiscent of Radiohead or Porcupine Tree). It feels more spatial and less bleak. Nicklas Barker’s guitars use more reverb and delay, while the cello almost entirely disappears to make room for synthetic textures and pianos. It is the record of "lightness" (by their standards), proving they aren't prisoners of the Prog genre.
Key Tracks: “Monolith” (a return to heavy roots) and “Gravity.”

A Time of Day (2007) – Consolidation

An album that summarizes all the band's souls: the fury of the early days mixed with the psychedelia of Gravity. It features extremely high production quality—a mature, solid record where instrumental technique serves the atmosphere. It doesn't try to shock, but rather to envelop the listener in a continuous flow.
Key Tracks: “The Great Unknown” and “In For a Ride.”

Chapters (2009) – Anthology and Rarities

Not a canonical studio album, but a 2-CD collection worth mentioning for its rarities and the track “When I Fell,” which is fundamental to understanding their melodic evolution.

Until All the Ghosts Are Gone (2015) – The Height of Maturity

Released after eight years of silence, this album is a triumph that unites old and new fans. Thanks to guests like Theo Travis (sax/flute) and Per Wiberg (organ), the sound is more layered than ever. The complexity of odd time signatures returns, but with superior melodic grace. It sounds "timeless," treating themes of loss and the passing years with sacred dignity.
Key Tracks: “If It All Comes Down To You” and the gargantuan “Until All The Ghosts Are Gone.”

One of Anekdoten’s defining traits is their absolute loyalty to vintage instrumentation. In an era where software plugins simulate everything, they have continued to haul heavy electromechanical machines (a Mellotron 400 weighs about 55 kg) on tour.
They do this because the Mellotron is imperfect. It has "flaws" in its tape-pulling mechanism that create that signature fluttering, ghostly sound. Anekdoten leans into that imperfection to turn it into poetry. In a musical world that is often too polished, they maintain an analog grittiness that represents pure intellectual honesty. They have never chased the charts, maintaining an integrity that has turned them into absolute cult icons.
If you love rock that isn't afraid to be complex but still hits you straight in the gut, they are the answer.
"Anekdoten don't just play Progressive rock: they inhabit it, as if it were a creaky old house full of beautiful ghosts."

Avkrvst

2026-02-22T06:00:00.000+01:00

AVKRVST - Waving At The Sky
InsideOut Music
Genere: Heavy Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2025

Gli Avkrvst (pronunciato "Aukrust") sono una delle rivelazioni più luminose del panorama Progressive moderno. Con il loro debutto "The Deep Unbound" avevano già scosso le fondamenta del genere, ma è con "Waving at the Sky" che la band norvegese ridefinisce il proprio spazio sonoro.
La loro storia non è quella di una band nata per caso, ma il coronamento di un'amicizia lunga vent'anni. Il nucleo pulsante è formato da Simon Bergseth e Martin Altemark. I due iniziarono a scrivere musica insieme a soli 7 anni. Questa sinergia quasi telepatica è il segreto della loro coesione sonora. Cresciuti tra le foreste e le atmosfere malinconiche della Norvegia, hanno assorbito l'eredità del Prog classico (Pink Floyd, King Crimson) fondendola con la durezza del metal moderno e l'eleganza dei Porcupine Tree e degli Opeth.
Dopo aver firmato con la prestigiosa InsideOut Music, la band ha dimostrato di non voler essere una semplice "copia" dei grandi maestri, ma una voce originale capace di alternare momenti di estrema delicatezza a esplosioni di pura potenza sonora.
Ma veniamo al disco in questione: se il primo album era un'immersione nell'oscurità e nell'abisso, “Waving At The Sky” sposta lo sguardo verso l'alto, ma non per questo risulta meno denso o complesso.
E’ un trionfo di dinamica, la produzione è cristallina, permettendo a ogni strumento di respirare, le chitarre passano da arpeggi acustici riverberati a riff distorti che sfiorano il Progressive Death Metal. Le tastiere non sono mai un semplice riempitivo, ma creano scenari cinematografici che ricordano le colonne sonore degli anni '70, mentre la voce di Bergseth offre una performance versatile, capace di passare da un falsetto etereo a un growl potente (seppur usato con estrema parsimonia), mantenendo sempre una forte carica emotiva.
L'album può essere letto come un'opera tripartita, le prime tracce stabiliscono il mood. Le strutture ritmiche sono dispari e complesse, tipiche del genere, ma sempre sorrette da una melodia memorabile, infatti Jonas Sjöblom utilizza tempi dispari (come il 7/8 o il 5/4) senza mai perdere il senso del ritmo. È tecnica al servizio del feeling.
Le tracce centrali sono maggiormente sperimentali, dove band osa di più. Il Timbro del basso è profondo, quasi "gommoso", fondamentale per reggere le strutture complesse. Troviamo suite che superano i 10 minuti dove il gruppo si lancia in improvvisazioni controllate e cambi di tempo repentini, mantenendo però una narrazione coerente. La terza parte gode di un finale è epico e catartico.
Molti testi riflettono sulla sensazione di essere piccoli di fronte all'universo, un tema tipicamente scandinavo. Il "salutare il cielo" (Waving At The Sky) può essere interpretato in due modi: come un atto di speranza (un saluto a ciò che verrà) o come un gesto di rassegnazione (un addio prima di sprofondare).
"Waving At The Sky" conferma che gli Avkrvst non sono una meteora. È un album maturo, stratificato e profondamente onesto. È un ascolto obbligato per chiunque ami il Progressive che sa essere sia cerebrale che viscerale. MS

Versione Inglese:

AVKRVST – Waving At The Sky
Label: InsideOut Music
Genre: Heavy Prog
Format: LP / CD / Digital – 2025

Avkrvst (pronounced "Aukrust") are one of the brightest revelations of the modern Progressive scene. With their debut, "The Deep Unbound", they had already shaken the foundations of the genre, but it is with "Waving At The Sky" that the Norwegian band truly redefines their sonic space.
Their story is not that of a band formed by chance, but the culmination of a twenty-year friendship. The beating heart of the project consists of Simon Bergseth and Martin Altemark, who began writing music together at just seven years old. This almost telepathic synergy is the secret behind their sonic cohesion. Raised amidst the forests and melancholic atmospheres of Norway, they have absorbed the heritage of classic Prog (Pink Floyd, King Crimson), blending it with the grit of modern Metal and the elegance of Porcupine Tree and Opeth.
After signing with the prestigious InsideOut Music, the band proved they are not merely a "copy" of the great masters, but an original voice capable of alternating moments of extreme delicacy with explosions of pure sonic power.
Turning to the album in question: if their first record was an immersion into darkness and the abyss, "Waving At The Sky" shifts the gaze upward, though it is no less dense or complex for it. It is a triumph of dynamics; the production is crystalline, allowing every instrument to breathe. The guitars transition from reverberated acoustic arpeggios to distorted riffs bordering on Progressive Death Metal. The keyboards are never mere filler, creating cinematic soundscapes reminiscent of 1970s soundtracks, while Bergseth’s vocals deliver a versatile performance—moving from ethereal falsettos to powerful growls (albeit used with extreme restraint), always maintaining a strong emotional charge.
The album can be read as a tripartite work. The opening tracks establish the mood; the rhythmic structures are odd and complex, typical of the genre, yet always supported by memorable melodies. Indeed, Jonas Sjöblom utilizes odd time signatures (such as $7/8$ or $5/4$) without ever losing the sense of rhythm. It is technique at the service of feeling.
The central tracks are more experimental, where the band dares to push further. The bass tone is deep, almost "rubbery," which is fundamental for anchoring the complex structures. We find suites exceeding 10 minutes where the group launches into controlled improvisations and sudden tempo changes, all while maintaining a coherent narrative. The third part culminates in an epic and cathartic finale.
Many lyrics reflect on the sensation of being small in the face of the universe—a typically Scandinavian theme. "Waving At The Sky" can be interpreted in two ways: as an act of hope (a wave to what is to come) or as a gesture of resignation (a goodbye before sinking)."Waving At The Sky" confirms that Avkrvst are no flash in the pan. It is a mature, layered, and deeply honest album. It is an essential listen for anyone who loves Progressive music that manages to be both cerebral and visceral. MS

Perchè ascoltare Progressive Rock

2026-02-21T06:00:00.000+01:00

PERCHE’ ASCOLTARE PROGRESSIVE ROCK
Di Massimo Salari

Nella musica e nell'editoria si è molto parlato del genere Progressive Rock, dato per morto da molti alla fine del 1978 ma successivamente risorto dalle proprie ceneri grazie al Neo Prog (sempre inglese).
Nel tempo è stato etichettato in molti modi, addirittura musica per dinosauri; ha diviso il pubblico sul proprio significato suddividendolo in sottogeneri, insomma molta confusione attorno al Progressive Rock e ettolitri d’inchiostro versati per parlarne, ma in pochi si sono chiesti il perché si ascolta questa musica, specialmente oggi.
Personalmente la vedo così:
Il Progressive Rock (o "Prog") non è solo un genere musicale; è quasi una sfida intellettuale e sensoriale. Se sei abituato alla struttura classica "strofa-ritornello" della radio, il Prog potrebbe sembrarti alieno all'inizio, ma è proprio qui che risiede il suo fascino.
È Musica "Senza Limiti" dove le regole non esistono. Una canzone può durare 2 minuti o 20 minuti (pensa a Echoes dei Pink Floyd o Supper's Ready dei Genesis).
I musicisti fondono insieme: Rock e Blues, Musica Classica (strutture sinfoniche), Jazz (improvvisazione e ritmi complessi), Heavy Metal, Folk e altri generi ancora.
Una prerogativa importante deriva dal fatto che allena l'orecchio e il Cervello. Il pop moderno è spesso prevedibile, il Prog, invece, usa tempi dispari (come il 5/4 o il 7/8) che spezzano il ritmo consueto. Ascoltarlo è come risolvere un puzzle sonoro, ti costringe a prestare attenzione e a non dare nulla per scontato.
In più racconta storie incredibili ed è anche teatrale. Molti album sono Concept Album, ovvero dischi che raccontano un'unica grande storia dall'inizio alla fine. È l'equivalente musicale di un romanzo fantasy o di un film di fantascienza. Esempio: “The Wall” dei Pink Floyd o “2112” dei Rush.
E’ facilmente riconoscibile soprattutto grazie al virtuosismo tecnico. Se ami vedere qualcuno che padroneggia il proprio strumento ai limiti dell'umano, il Prog è il tuo regno. Tastiere multistrato, assoli di chitarra epici e batterie che sembrano polipi in azione. Gruppi come gli Yes, i King Crimson, Gentle Giant o gli ELP hanno ridefinito cosa significa "saper suonare".

Ha senso ascoltarlo oggi?

Oggi ascoltare Prog ha più senso che mai. Se negli anni '70 era una rivoluzione contro la semplicità del Rock'N'Roll, oggi è l'antidoto perfetto alla "musica usa e getta" e all'attenzione frammentata tipica dell'era dei social.
È una forma di "Mindfulness" musicale, perché viviamo in un mondo di video da 15 secondi e playlist algoritmiche. Ascoltare un brano di 15 minuti è un atto di ribellione intellettuale. Ti costringe a rallentare, a concentrarti e a immergerti in un flusso narrativo. È l'equivalente del leggere un libro invece di scorrere i titoli su un feed.
Il Prog non è rimasto bloccato ai mantelli di velluto degli anni '70. Oggi vive in generi modernissimi: Metal Progressivo, band come i Tool o i Dream Theater hanno portato la complessità in territori pesanti.
Djent, gruppi come i Meshuggah o i Periphery usano la matematica ritmica del Prog per creare suoni futuristici.
Ma gli esempi potrebbero essere a centinaia.
Un altro fattore da non sottovalutare è la tecnologia che ha reso possibile l'impossibile.
Negli anni '70, registrare un album Prog richiedeva budget enormi e studi faraonici. Oggi, con un computer e il software giusto, un musicista può comporre orchestrazioni che avrebbero fatto impallidire i pionieri del genere. Questo ha portato a una nuova ondata di band indipendenti (come gli Haken o i Leprous) che stanno spingendo i confini ancora più in là.
Anche in Italia il genere è un patrimonio attivo, non è solo nostalgia. Mentre band storiche come la PFM, Orme o il Banco del Mutuo Soccorso continuano a produrre, c'è una scena underground italiana vivissima che è rispettata in tutto il mondo per la sua capacità di unire melodia mediterranea e strutture folli. Un esempio lampante lo avete proprio voi che ora avete visitato il mio blog con più di mille recensioni di gruppi italiani (e io sono da solo!).
Quindi, ascoltarlo oggi ha senso perché è una delle poche isole rimaste dove la complessità non è vista come un difetto, ma come un valore. In un'epoca che premia la semplicità estrema, il Prog celebra l'ambizione umana di fare qualcosa di difficile e straordinario.
In parole povere ascolti Progressive Rock quando vuoi che la musica smetta di essere un sottofondo e diventi un'esperienza.
Prog on! MS

Per approfondire gli argomenti, vi consiglio la mia bibliografia:

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013 (Arcana)

METAL PROGRESSIVE ITALIANO (Arcana)

NEO PROG (Arcana)

POST PROG MODERNO (Arcana)

IL MEGLIO DEL BLOG NONSOLO PROGROCK 2015 / 2024 (Amazon)

Versione Inglese:

WHY LISTEN TO PROGRESSIVE ROCK
By Massimo Salari

In both the music industry and publishing, much has been said about Progressive Rock. Many declared it dead by the end of 1978, only for it to rise from its own ashes thanks to Neo-Prog (again, hailing from England).
Over time, it has been labeled in many ways—even called "music for dinosaurs." It has divided audiences over its meaning and been splintered into countless subgenres. In short, there is much confusion surrounding Progressive Rock and hectoliters of ink have been spilled discussing it; yet, few have asked why people listen to this music, especially today.
Personally, I see it like this:
Progressive Rock (or "Prog") isn't just a musical genre; it is almost an intellectual and sensory challenge. If you are used to the classic "verse-chorus" structure of the radio, Prog might seem alien at first, but that is exactly where its charm lies.
It is "Limitless" Music where rules do not exist. A song can last 2 minutes or 20 minutes (think of Pink Floyd’s Echoes or Genesis’s Supper’s Ready). Musicians blend together: Rock and Blues, Classical music (symphonic structures), Jazz (improvisation and complex rhythms), Heavy Metal, Folk, and many other genres.
A major prerogative of the genre is that it trains the ear and the brain. Modern pop is often predictable; Prog, instead, utilizes odd time signatures (like $5/4$ or $7/8$ ) that break the usual rhythm. Listening to it is like solving a sonic puzzle; it forces you to pay attention and take nothing for granted.
Furthermore, it tells incredible stories and is inherently theatrical. Many albums are Concept Albums—records that tell a single grand story from beginning to end. It is the musical equivalent of a fantasy novel or a sci-fi film. Examples include Pink Floyd’s The Wall or Rush’s 2112.
It is easily recognizable, above all, thanks to technical virtuosity. If you love seeing someone master their instrument to the limits of human capability, Prog is your kingdom. Multi-layered keyboards, epic guitar solos, and drums that look like octopuses in action. Bands like Yes, King Crimson, Gentle Giant, or ELP redefined what it means to "know how to play."

Does it make sense to listen to it today?

Today, listening to Prog makes more sense than ever. If in the '70s it was a revolution against the simplicity of Rock 'N' Roll, today it is the perfect antidote to "disposable music" and the fragmented attention span typical of the social media era.
It is a form of musical "Mindfulness." Because we live in a world of 15-second videos and algorithmic playlists, listening to a 15-minute track is an act of intellectual rebellion. It forces you to slow down, to focus, and to immerse yourself in a narrative flow. It is the equivalent of reading a book instead of scrolling through headlines on a feed.
Prog didn't get stuck in the velvet capes of the 1970s. Today, it lives on in cutting-edge modern genres:
Progressive Metal: Bands like Tool or Dream Theater have brought complexity into "heavy" territories.
Djent: Groups like Meshuggah or Periphery use the rhythmic mathematics of Prog to create futuristic sounds.
(And there are hundreds of other examples.)
Another factor not to be underestimated is technology, which has made the impossible possible. In the '70s, recording a Prog album required enormous budgets and pharaonic studios. Today, with a computer and the right software, a musician can compose orchestrations that would have made the pioneers of the genre pale in comparison. This has led to a new wave of independent bands (like Haken or Leprous) who are pushing the boundaries even further.
Even in Italy, the genre is an active heritage, not just nostalgia. While historic bands like PFM, Le Orme, or Banco del Mutuo Soccorso continue to produce, there is a vibrant Italian underground scene respected worldwide for its ability to blend Mediterranean melody with insane structures. A clear example is right here: you have visited my blog, which features over a thousand reviews of Italian groups (and I do it all alone!).
So, listening to it today makes sense because it is one of the few remaining islands where complexity is not seen as a flaw, but as a value. In an era that rewards extreme simplicity, Prog celebrates the human ambition to create something difficult and extraordinary.
Simply put: you listen to Progressive Rock when you want music to stop being background noise and start being an experience.
Prog on! MS

To delve deeper into these topics, I recommend my bibliography:

ROCK PROGRESSIVO ITALIANO 1980 – 2013 (Arcana)

METAL PROGRESSIVE ITALIANO (Arcana)

NEO PROG (Arcana)

POST PROG MODERNO (Arcana)

IL MEGLIO DEL BLOG NONSOLO PROGROCK 2015 / 2024 (Amazon)

L'Ira Del Baccano

2026-02-20T06:00:00.001+01:00

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genere: Heavy Prog / Doom
Supporto: LP / CD / Bandcamp - 2026

Molti ascoltatori disdegnano il suono Hard o Metal perché ritenuto limitato e troppo “rumoroso”; non sono mie parole, ma un dato di fatto constatato nel tempo leggendo riviste e navigando nel web. Questo giudizio è superficiale perché, se vogliamo parlare di gusti personali, allora concordo sul fatto che possa non piacere il suono elettrico e spesso distorto; ma se parliamo di tecnica, allora c’è un errore di fondo. L’Hard non è mai rimasto fermo a crogiolarsi sugli allori, bensì si è aperto a contaminazioni che lo hanno avvicinato (soprattutto per l’uso delle tastiere) al Progressive Rock. Il discorso è analogo per il Metal, il Death Metal, il Doom e così via.
Proprio quest’ultimo stile è il territorio in cui navigano L’Ira Del Baccano, band che oggi con “The Praise Of Folly” giunge al quinto album ufficiale in studio. La scelta di comporre musica senza un cantato li relega in un settore ancor più di nicchia, lasciando voce soltanto agli strumenti.
Rispetto all’ultimo album del 2023, intitolato “Cosmic Evoked Potentials”, c’è un avvicendamento al basso: Gabriele Montemara prende il posto di Ivan Contini Bacchisio. Per il resto le basi rimangono le stesse: i leader Alessandro Santori (chitarre, loop, synth) e Roberto Maldera (chitarre, effetti, chitarra slide, synth), con Gianluca Giannasso (batteria).
Penetrare nel Doom Prog della band significa fare un vero e proprio trip sonoro; so bene che questo termine è alquanto inflazionato, però è la verità dei fatti.
Il disco è impreziosito dalla bellissima copertina di Michele Carnielli ed è stato masterizzato da Claudio Gruer presso il Pisi Studio. Da notare che gli strumenti principali sono stati registrati live in una sola ripresa.
Ma veniamo alla musica: il lato A dell’LP contiene un solo brano suddiviso in due parti, “The Praise Of Folly”, per una durata totale di ventuno minuti. Ciò che prevale è l’oscurità che grava spesso sopra il nostro immaginario, rapito dall’ascolto. Suoni profondi che si alternano a parti maggiormente elettriche, deformate in differenti stili e forme, rilasciano buoni riff che richiamano alla mente, nei tratti più Hard, i fasti dei grandi Black Sabbath. Se vogliamo parlare di influenze, aggiungerei i Pink Floyd per i tratti maggiormente spaziali assieme agli Hawkwind, e poi Rush e King Buffalo. Ottimo il lavoro della sezione ritmica, spesso ipnotica ma altamente raffinata e tecnica.
Il lato B contiene due brani: “Stigma” e “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. Quest’ultimo è un lamento doloroso, dove il mondo sembra sparire da sotto i piedi per sprofondare nel buio infinito: una sensazione che raramente si prova, se non negli incubi notturni. Tuttavia, trattandosi di Hard Prog, non mancano schiarite e cambi di tempo.
L’Ira Del Baccano, agli esordi, fu scoperta dal maestro del Doom Paolo Catena (ex Death SS), con il quale produssero un mini-LP con il nome primordiale di Loosin’ o’ Frequencies. Il bravo chitarrista ci vide lungo già allora, così come fece con l’altra band Prog, gli A Piedi Nudi, che vi consiglio di andare a scoprire.
Detto questo, “The Praise Of Folly” è l'ennesimo tassello importante non soltanto per la loro discografia, ma per tutto il panorama italico, il quale in questo 2026 sta già dando moltissime soddisfazioni. Un gran disco che sa rapirti la mente! MS

Versione Inglese:

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genre: Heavy Prog / Doom
Format: LP / CD / Bandcamp - 2026

Many listeners disdain Hard or Metal sounds because they consider them limited and too "noisy"; these are not my words, but a fact observed over time by reading magazines and browsing the web. This judgment is superficial because, while I agree that one might not personally like electric and often distorted sounds, there is a fundamental error when it comes to technique. Hard Rock has never sat idly by, resting on its laurels; instead, it has opened up to influences that have brought it closer to Progressive Rock (especially through the use of keyboards). The same applies to Metal, Death Metal, Doom, and so on.
This latter style is precisely the territory navigated by L’Ira Del Baccano, a band that now reaches its fifth official studio album with “The Praise Of Folly”. The choice to compose music without vocals relegates them to an even narrower niche, letting only the instruments speak.
Compared to their 2023 album, “Cosmic Evoked Potentials”, there is a change on bass: Gabriele Montemara takes over from Ivan Contini Bacchisio. Otherwise, the foundation remains the same: leaders Alessandro Santori (guitars, loops, synth) and Roberto Maldera (guitars, effects, slide guitar, synth), with Gianluca Giannasso (drums).
Delving into the band’s Doom Prog means taking a literal "sonic trip"; I am well aware that this term is somewhat overused, but it is the simple truth. The record is enhanced by Michele Carnielli's beautiful cover art and was mastered by Claudio Gruer at Pisi Studio. It is worth noting that the main instruments were recorded live in a single take.
But let’s get to the music: Side A of the LP contains a single track divided into two parts, “The Praise Of Folly”, with a total duration of twenty-one minutes. What prevails is a darkness that often looms over our imagination, captivated by the listening experience. Deep sounds alternating with more electric sections—deformed into different styles and shapes—release solid riffs that bring to mind the glory of the great Black Sabbath in the heavier passages. If we want to talk about influences, I would add Pink Floyd for the more "spacey" sections along with Hawkwind, followed by Rush and King Buffalo. The work of the rhythm section is excellent—often hypnotic, yet highly refined and technical.
Side B contains two tracks: “Stigma” and “Rosencrantz And Guildenstern Are Dead”. The latter is a sorrowful lament, where the world seems to disappear from under your feet only to sink into infinite darkness: a sensation rarely felt outside of nocturnal nightmares. However, since this is Hard Prog, there is no shortage of "clearings" and time signature changes.
In their early days, L’Ira Del Baccano was discovered by Doom master Paolo Catena (ex-Death SS), with whom they produced a mini-LP under the original name Loosin’ o’ Frequencies. The talented guitarist showed great foresight back then, just as he did with the other Prog band A Piedi Nudi, which I recommend you check out.
That said, “The Praise Of Folly” is yet another important piece—not just for their discography, but for the entire Italian scene, which is already proving to be highly rewarding in this year 2026. A great record that knows how to seize your mind! MS

Galasphere 347

2026-02-19T06:00:00.000+01:00

GALASPHERE 347 - The Syntax Of Things
Etichetta: Chaos Records
Genere: Progressive Rock
Formato: LP / CD / Digital – 2026

A otto anni di distanza dall'esordio omonimo, il supergruppo anglo-scandinavo Galasphere 347 torna con idee cristalline e una schiera di ospiti d'eccezione: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex "IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford e Pete Smith.
Il nucleo della band vede schierati Stephen James Bennett (voce, chitarre e tastiere analogiche, celebre per l'uso dell'ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flauto e programmazione) e Mattias Olsson (batteria ed "exotica" elettrica).
Se il debutto si presentava come una suite spaziale divisa in tre tracce, "The Syntax Of Things" sceglie una struttura più articolata ma altrettanto epica, composta da sette movimenti che richiamano la mitologia greca nei sottotitoli. I riferimenti a divinità come Eris, Nyx e Persefone non servono a narrare miti classici, bensì a personificare stati emotivi: la discordia interna in "Broken Bones (Eris)", l'oscurità del pensiero in "Nighthawks (Nyx)" e la rinascita ciclica in "Persephone (Kore)".
L'album è un trionfo di Mellotron, sintetizzatori Moog e Gizmotron, ma evita la trappola della semplice nostalgia. La produzione è limpida e spinge il sound verso territori Krautrock e Dark Wave, creando un'atmosfera densa e talvolta claustrofobica.
L'apertura di "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" suggerisce inizialmente un Prog moderno che vira repentinamente verso sonorità beatlesiane.
La vera sorpresa arriva però con "Life As An Architect (Hestia)", una mini-suite di dieci minuti caratterizzata da un finale pirotecnico, in cui il flauto di Einarsen dialoga con l'enfasi del Mellotron in modo micidiale.
Il livello qualitativo resta altissimo con "Broken Bones (Eris)", brano impreziosito dagli interventi di Riis alla chitarra, Jowitt al basso e Clifford al sax. Anche in questo caso è la chiusura a regalare le emozioni più forti, grazie a un’impronta chitarristica marcatamente "pinkfloydiana". Segue "Nighthawks (Nyx)", una ballata soave e introspettiva che punta tutto sull'ottimo dialogo tra piano e voce, mentre "Persephone (Kore)" recupera il ritmo con tastiere in stile "Genesis", rispettando i canoni più puri del genere.
La title track, "The Syntax Of Things", suggerisce che la vita non sia fatta solo di eventi, ma del modo in cui li colleghiamo tra loro (la "grammatica" dell'esistenza). Nonostante i toni cupi, il finale affidato alla chitarra di Bjørn Riis evoca una catarsi e la possibilità di un futuro oltre la perdita; il tutto sviluppato in oltre dieci minuti di musica ricercata ma accessibile.
Chiude il disco "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — termine gallese che indica la nostalgia per un luogo o un tempo mai esistiti — sigillando un lavoro capace di emozionare profondamente. Un ritorno in pompa magna, destinato a girare spesso nel mio stereo. MS

Versione Inglese:

GALASPHERE 347 - "The Syntax Of Things"
Label: Chaos Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

Eight years after their self-titled debut, the Anglo-Scandinavian supergroup Galasphere 347 returns with a crystal-clear vision and a stellar lineup of guest musicians: Jacob Holm-Lupo ("White Willow"), Bjørn Riis ("Airbag"), John Jowitt (ex-"IQ", "Jadis", "Arena"), Myke Clifford, and Pete Smith.
The core of the band features Stephen James Bennett (vocals, guitars, and analog keyboards, renowned for his use of the ARP Odyssey), Ketil Vestrum Einarsen (flute and programming), and Mattias Olsson (drums and electric "exotica"). While their debut was a spatial suite divided into three long tracks, "The Syntax Of Things" opts for a more complex yet equally epic structure, consisting of seven movements that invoke Greek mythology in their subtitles. These references to deities such as Eris, Nyx, and Persephone are not intended to recount classical myths, but rather to personify emotional states: internal discord in "Broken Bones (Eris)", the darkness of thought in "Nighthawks (Nyx)", and cyclic rebirth in "Persephone (Kore)".
The album is a triumph of Mellotron, Moog synthesizers, and the Gizmotron, yet it skillfully avoids the trap of mere nostalgia. The production is pristine, pushing the sound toward Krautrock and Dark Wave territories, creating an atmosphere that is dense and, at times, claustrophobic.
The opening of "Hiraeth Pt.1 (Cronus)" initially suggests a modern Prog style that suddenly pivots toward Beatlesque sonorities. However, the first real surprise arrives with "Life As An Architect (Hestia)", a ten-minute mini-suite characterized by a pyrotechnic finale where Einarsen’s flute dialogues fiercely with the emphasis of the Mellotron. Truly lethal.
The quality remains exceptionally high with "Broken Bones (Eris)", a track embellished by Riis’s guitar work, Jowitt’s bass, and Clifford’s saxophone. Once again, the finale provides the most powerful emotions, thanks to a markedly "Pink Floydian" guitar touch—unsurprising given Riis’s background with "Airbag". This is followed by "Nighthawks (Nyx)", a suave and introspective ballad that centers on an excellent dialogue between piano and vocals, while "Persephone (Kore)" picks up the pace with "Genesis-style" keyboards, honoring the purest canons of the genre.
The title track, "The Syntax Of Things", suggests that life is not merely a series of events, but the way in which we connect them (the "grammar" of existence). Despite the often somber tones, the finale—entrusted to Bjørn Riis’s guitar—evokes a sense of catharsis and the possibility of a future beyond loss; all developed across ten minutes of sophisticated yet accessible music.
The record closes with "Hiraeth Pt.2 (Aion)" — a Welsh term indicating a deep longing for a home or a time that perhaps never existed — sealing a work capable of profound emotion. A grand return, destined to spend a lot of time on my turntable. MS

Hällas

2026-02-18T06:00:00.001+01:00

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: LP / CD / Digital - 2026

Ho avuto il piacere di conoscere gli svedesi Hällas nel 2017 con l’album “Excerpts From A Future Past”... E che disco! Da allora li ho sempre seguiti, apprezzando anche i successivi “Conundrum” (2020) e “Isle Of Wisdom” (2022). La band ama definire la propria proposta “Adventure Rock” e non ha tutti i torti, specialmente in questo nuovo lavoro intitolato “Panorama”.
L'idea del concept album legato al personaggio del cavaliere è un elemento ricorrente nella loro storia (iniziata con l’EP omonimo), spesso approfondito nelle interviste e su portali come Prog Archives. Hällas, dunque, non è una semplice mascotte, ma il protagonista di una narrazione frammentata che trasforma i dischi in capitoli di una saga fantasy/sci-fi. Si tratta di un cavaliere errante, un eroe tragico che vive in un mondo dove il confine tra medioevo e fantascienza distopica è quasi inesistente. Lungi dall'essere il classico paladino senza macchia, è una figura malinconica, descritta come l'ultimo difensore di un ordine ormai decaduto.
Quale musica serve per tessere le lodi di un simile protagonista? Si potrebbe pensare a qualcosa di puramente epico; in effetti non mancano tratti solenni, ma qui siamo al cospetto soprattutto di Progressive Rock, Hard Rock anni ’70 e Space Rock. La voce di Tommy Alexandersson è acida e roca, molto simile a quella di Peter Gabriel (non a caso il cantante fa uso del face painting). La formazione è completata da Rickard Swahn (chitarra), Marcus Petersson (chitarra), Nicklas Malmqvist (tastiere) e Kasper Eriksson (batteria).
La suite iniziale, “Above The Continuum”, mette in tavola in ventuno minuti tutte le carte a disposizione del gruppo: dall’approccio a tratti recitativo di Alexandersson ai soli di chitarra tipicamente nordici, capaci di evocare atmosfere grevi. Le tastiere, d'altro canto, donano la sopraccitata epicità. Il brano è come un viaggio interstellare a bordo di un castello volante.
L’andamento muta con “Face Of An Angel”; scandito dal ritmo di un galoppo, il pezzo sfoggia chitarre gemelle e synth vintage. Secondo singolo estratto dall’album, risulta un movimento orecchiabile e facile da ricordare. A seguire troviamo il primo estratto, “The Emissary”, dove l’Hard Rock si palesa con decisione pur mantenendo un cantato prossimo allo stile di Gabriel. Ottima la fase strumentale, trascinante e ben congeniata nel dialogo tra tastiere e chitarre.
Un pianoforte malinconico apre invece “Bestiaus”, il momento più onirico e psichedelico dell'intero lavoro. Il titolo sembra richiamare una creatura mitologica, forse una distorsione del latino bestia o un riferimento a una lingua immaginaria.
“At The Summit” conclude il concept inizialmente con un intreccio di chitarre acustiche dai fasti medievali, per poi tramutare in una risoluzione trionfale: il protagonista raggiunge finalmente un punto di osservazione privilegiato. Dalla cima, le battaglie e le sofferenze del passato appaiono piccole e distanti, lasciando spazio a un senso di accettazione del destino, tema carissimo alla band. Il gruppo utilizza spesso questo pezzo in sede live verso la fine della scaletta, proprio per la sua capacità di trascinare il pubblico verso un finale epico.
“Panorama” è un ottimo disco analogico con i piedi in due staffe: il passato e il presente. Per molti potrebbe rappresentare una splendida sorpresa; dategli un ascolto. MS

Versione Inglese:

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genre: Crossover Prog
Format: LP / CD / Digital - 2026

I had the pleasure of discovering the Swedish band Hällas back in 2017 with the album “Excerpts From A Future Past”... and what a record it was! I have followed them ever since, appreciating their subsequent releases, “Conundrum” (2020) and “Isle Of Wisdom” (2022). The band likes to define their music as “Adventure Rock,” and they aren't wrong, especially regarding this new work titled “Panorama.”
The concept album idea centered on a knight character is a recurring element in their history (which began with their self-titled EP), often explored in interviews and on portals like Prog Archives. Hällas, therefore, is not a simple mascot but the protagonist of a fragmented narrative that transforms their records into chapters of a fantasy/sci-fi saga. He is a knight-errant, a tragic hero living in a world where the boundary between the Middle Ages and dystopian science fiction is almost non-existent. Far from being a classic, stainless paladin, he is a melancholic figure, described as the last defender of a now-decayed order.
What kind of music is needed to weave the deeds of such a protagonist? One might expect something purely epic; indeed, solemn passages are not lacking, but here we are primarily in the presence of Progressive Rock, '70s Hard Rock, and Space Rock. Tommy Alexandersson’s voice is acidic and raspy, very similar to Peter Gabriel’s (it is no coincidence that the singer also uses face painting). The lineup is completed by Rickard Swahn (guitar), Marcus Petersson (guitar), Nicklas Malmqvist (keyboards), and Kasper Eriksson (drums).
The opening suite, “Above The Continuum,” lays all the band's cards on the table across twenty-one minutes: from Alexandersson’s occasionally recitative approach to typically Nordic guitar solos that evoke heavy atmospheres. The keyboards, on the other hand, provide the aforementioned sense of epicness. The track feels like an interstellar journey aboard a flying castle.
The pace changes with “Face Of An Angel”; driven by a galloping rhythm, the piece features twin guitars and vintage synths. As the second single extracted from the album, it is a catchy and memorable movement. This is followed by the first lead single, “The Emissary,” where Hard Rock manifests decisively while maintaining a vocal style close to Gabriel's. The instrumental phase is excellent—engaging and well-crafted through a dialogue between keyboards and guitars.
A melancholic piano opens “Bestiaus,” the most dreamlike and psychedelic moment of the entire work. The title seems to recall a mythological creature, perhaps a distortion of the Latin bestia or a reference to an imaginary language.
“At The Summit” concludes the concept, initially with an interplay of acoustic guitars reminiscent of medieval splendor, before transforming into a triumphant resolution: the protagonist finally reaches a privileged vantage point. From the peak, the battles and sufferings of the past appear small and distant, giving way to a sense of accepting one's destiny—a theme very dear to the band. The group often uses this track in a live setting toward the end of the setlist, precisely for its ability to pull the audience into an epic finale.
“Panorama” is a great analog record with its feet in two worlds: the past and the present. For many, it could represent a wonderful surprise; give it a listen. MS

Soen

2026-02-17T06:00:00.000+01:00

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genere: Metal Progressive
Supporto: CD / LP / Digital - 2026

I Soen sono emersi nel 2010 come una sorta di "supergruppo" d'élite, inizialmente noti per la presenza del leggendario batterista Martin Lopez (ex-Opeth) e del bassista Steve Di Giorgio. La loro evoluzione storica è stata un viaggio affascinante: partiti con il debutto “Cognitive” (2012), sono stati spesso etichettati come cloni dei Tool, un paragone che hanno poi smantellato disco dopo disco. Con il passare degli anni e l'ingresso del chitarrista Cody Ford, la band ha raffinato un sound unico che fonde la potenza del Metal Progressivo con una sensibilità melodica quasi introspettiva, guidata dalla voce vellutata e intensa di Joel Ekelöf.
“Reliance” è il settimo sigillo dei Soen, uscito il 16 gennaio 2026, e rappresenta un punto di arrivo cruciale per la band svedese. Storicamente, il gruppo è passato attraverso una metamorfosi straordinaria, partendo dalle radici Prog-Metal intricate dei primi anni 2010 per approdare oggi a un suono che è pura "essenza": brani più compatti, quasi tutti sotto i cinque minuti, ma carichi di una tensione emotiva che pochi altri sanno gestire.
In questo lavoro, la formazione composta dal nucleo storico Martin Lopez e Joel Ekelöf, insieme a Cody Ford, Stefan Stenberg e Lars Enok Åhlund, perfeziona la formula già esplorata in “Memorial” (2023), spingendosi però verso una produzione ancora più nitida e dinamica curata da Alexander Backlund. L'album si apre con la potenza di "Primal", un pezzo che mette subito in chiaro l'intento del disco: riff pesanti e sincopati che si risolvono in ritornelli di una bellezza melodica disarmante, dove Ekelöf dimostra di essere una delle voci più mature del panorama Rock contemporaneo.
Brani come "Mercenary" e "Discordia" affrontano temi sociali e psicologici complessi, parlando di tradimento, corruzione e della lotta per restare umani in un mondo digitale che ci vorrebbe divisi, mentre pezzi come "Indifferent" mostrano il lato più vulnerabile e spogliato della band, affidandosi a pianoforte e interpretazioni quasi confessionali.
La sezione ritmica di Lopez resta il cuore pulsante, capace di rendere "facili" tempi dispari e incastri che altrove risulterebbero ostici, mentre Cody Ford regala assoli che non cercano mai la velocità fine a se stessa, ma preferiscono il feeling "gilmouriano", come si avverte chiaramente nella splendida chiusura di "Vellichor".
Sebbene alcuni fan della prima ora possano lamentare l'abbandono delle strutture lunghe e labirintiche di “Cognitive”, “Reliance” è la testimonianza di una band che ha trovato la fiducia (appunto, la "reliance") totale nei propri mezzi espressivi, scegliendo la qualità del messaggio e l'impatto emotivo diretto sopra ogni virtuosismo superfluo.
È un disco che non inventa nuovi generi, ma che nobilita l'Heavy Rock moderno portandolo a una dimensione poetica e catartica raramente raggiunta dai loro colleghi. MS

Versione Inglese:

SOEN – Reliance
Silver Lining Music
Genre: Progressive Metal
Format: CD / LP / Digital - 2026

Soen emerged in 2010 as a sort of elite "supergroup," initially known for the presence of legendary drummer Martin Lopez (ex-Opeth) and bassist Steve Di Giorgio. Their historical evolution has been a fascinating journey: starting with their debut “Cognitive” (2012), they were often labeled as Tool clones—a comparison they dismantled album after album. Over the years, and with the addition of guitarist Cody Ford, the band has refined a unique sound that blends the power of Progressive Metal with an almost introspective melodic sensitivity, guided by the velvety and intense vocals of Joel Ekelöf.
“Reliance” is Soen’s seventh seal, released on January 16, 2026, and represents a crucial milestone for the Swedish band. Historically, the group has undergone an extraordinary metamorphosis, moving from the intricate Prog-Metal roots of the early 2010s to arrive today at a sound that is pure "essence": more compact tracks, nearly all under five minutes, yet charged with an emotional tension that few others can manage.
In this work, the lineup consisting of the core duo Martin Lopez and Joel Ekelöf, alongside Cody Ford, Stefan Stenberg, and Lars Enok Åhlund, perfects the formula already explored in “Memorial” (2023), while pushing toward an even sharper and more dynamic production handled by Alexander Backlund. The album opens with the power of "Primal," a track that immediately clarifies the record's intent: heavy, syncopated riffs that resolve into choruses of disarming melodic beauty, where Ekelöf proves to be one of the most mature voices in the contemporary Rock scene.
Tracks like "Mercenary" and "Discordia" tackle complex social and psychological themes, speaking of betrayal, corruption, and the struggle to remain human in a digital world that seeks to divide us, while pieces like "Indifferent" showcase the band's most vulnerable and stripped-back side, relying on piano and almost confessional performances.
Lopez's rhythm section remains the beating heart, capable of making odd time signatures and patterns that would be daunting elsewhere seem "easy," while Cody Ford delivers solos that never chase speed for its own sake, preferring a "Gilmouresque" feeling, as clearly heard in the splendid closing of "Vellichor."
Although some early fans might lament the abandonment of the long, labyrinthine structures of “Cognitive,” “Reliance” is a testament to a band that has found total confidence (indeed, "reliance") in its expressive means, choosing message quality and direct emotional impact over any superfluous virtuosity. It is a record that doesn't reinvent genres but ennobles modern Heavy Rock, elevating it to a poetic and cathartic dimension rarely reached by their peers. MS

Dove Sta Andando Oggi La Musica?

2026-02-16T06:00:00.000+01:00

DOVE STA ANDANDO OGGI LA MUSICA?

Questa è una domanda che ci stiamo ponendo un poco tutti, sia per preoccupazione per un esercito di professionisti intenti nel proprio lavoro che vedono minato dall’avvento dell’IA, sia per la qualità delle uscite.
In effetti la musica oggi, nel 2026, si trova in un momento di trasformazione radicale che non riguarda solo "cosa" ascoltiamo, ma "come" lo creiamo e lo viviamo. Siamo nel pieno di una transizione dove la tecnologia è onnipresente, ma proprio per questo sta scatenando una reazione contraria verso l'autenticità. Sta andando verso una polarizzazione: da un lato avremo una produzione massiva, veloce e algoritmica per il consumo distratto; dall'altro, una scena "resistente" fatta di artigianato sonoro, partecipazione emotiva e ritorno al contatto umano.

Ecco i tre binari principali su cui si sta muovendo:

1 - La "Tsunami" dell'Intelligenza Artificiale
L'IA non è più una novità, ma un elemento strutturale. Circa un terzo dei brani pubblicati quotidianamente (che sono ormai oltre 120.000 al giorno) è generato interamente o parzialmente da algoritmi.
Per esempio, la "musica farmaceutica" per dormire, studiare o allenarsi è ormai dominata dall'IA, separandosi nettamente dalla musica "artistica".
Ma c’è una risposta umana come reazione, sta nascendo l'etichetta "Human Made". Gli ascoltatori cercano sempre di più il difetto, l'emozione imperfetta e il carisma che un software non può (ancora) replicare.

2 - Il Ritorno al "Fisico" e all'Esperienza
Mentre lo streaming diventa saturo di contenuti "spam" o di bassa qualità, il pubblico sta riscoprendo il valore del supporto fisico e dell'evento dal vivo.
Oltre il Vinile: Anche CD e cassette sono tornati a essere oggetti di culto, non per la qualità sonora in sé, ma come simbolo di appartenenza a una "tribù" musicale.
Anche i live non sono più solo esibizioni, ma esperienze immersive. Festival come il Primavera Sound o il Sziget puntano su line-up che mescolano leggende (come i The Cure, in tour proprio quest'anno) a icone della Gen Z.

3 - La Fine delle "Superstar Globali"?
Il mercato si sta frammentando. Il divario tra le pochissime superstar (alla Taylor Swift) e la miriade di artisti indipendenti si sta allargando, ma con una novità:
Gli artisti indipendenti stanno smettendo di inseguire l'algoritmo di Spotify per concentrarsi su comunità ristrette ma fedelissime (i "superfan") su piattaforme come Bandcamp o tramite canali diretti (D2C).

CURIOSITA’: Nel 2026 si parla molto di "Musica di Protesta 2.0", dove gli artisti tornano a usare testi impegnati per rispondere alle ansie sociali e climatiche, un po' come accadeva negli anni '70, ma con i suoni dell'elettronica moderna.

Versione Inglese:

WHERE IS MUSIC HEADING TODAY?

This is a question many of us are asking, driven both by concern for the "army" of professionals whose livelihoods are threatened by the rise of AI, and by the overall quality of new releases.
Indeed, in 2026, music is undergoing a radical transformation that affects not only what we listen to, but how we create and experience it. We are in the midst of a transition where technology is omnipresent; however, this very ubiquity is sparking a backlash in favor of authenticity. We are moving toward a polarization: on one hand, mass-produced, fast, and algorithmic content for distracted consumption; on the other, a "resistant" scene built on sonic craftsmanship, emotional engagement, and a return to human connection.

Here are the three main tracks on which the industry is moving:

1. The AI "Tsunami"

AI is no longer a novelty; it is a structural element. Approximately one-third of the tracks published daily (which have now surpassed 120,000 per day) are generated entirely or partially by algorithms.
For instance, "pharmaceutical music" for sleeping, studying, or working out is now dominated by AI, creating a clear divide from "artistic" music.
However, there is a human reaction: the "Human Made" label is emerging. Listeners are increasingly seeking out flaws, imperfect emotions, and the charisma that software cannot (yet) replicate.

2. The Return to the "Physical" and the Experience

As streaming becomes saturated with "spam" or low-quality content, the public is rediscovering the value of physical media and live events.
Beyond Vinyl: Even CDs and cassettes have returned as cult objects—not necessarily for the sound quality itself, but as a symbol of belonging to a musical "tribe."
Similarly, live shows are no longer just performances but immersive experiences. Festivals like Primavera Sound or Sziget focus on line-ups that blend legends (such as The Cure, touring this very year) with Gen Z icons.

3. The End of "Global Superstars"?

The market is fragmenting. The gap between a few mega-stars (the Taylor Swifts of the world) and the myriad of independent artists is widening, but with a twist:
Independent artists are stopping the chase after Spotify's algorithms to focus on small but fiercely loyal communities ("superfans") on platforms like Bandcamp or through direct-to-consumer (D2C) channels.

FUN FACT: In 2026, there is much talk about "Protest Music 2.0," where artists are returning to socially and climatically conscious lyrics to address modern anxieties—much like in the 1970s, but reimagined through the lens of modern electronic soundscapes.

Diaspro

2026-02-15T06:00:00.001+01:00

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Il 2026 per il Rock Progressivo italiano si è aperto con vigore e diverse sorprese. Molte le produzioni già edite, alcune delle quali firmate da giovani formazioni al debutto: un segnale che non può che stupire e far piacere agli appassionati.
Tra queste realtà spiccano i Diaspro. Il nome stesso (una pietra dura nota per le venature e la resistenza) riflette la natura della loro proposta: solida, stratificata e preziosa.
Il gruppo, composto da Dante Campora (voce), Marcello Chiaraluce (chitarra), Giovanni Giordano (chitarra), Andrea Manuelli (tastiere), Bruce Muirhead (basso) e Luca Grosso (batteria), narra attraverso undici tracce un sogno che funge da terapia dopo una delusione amorosa. Chiaraluce, leader del progetto, ha iniziato il percorso compositivo in autonomia, circondandosi successivamente degli altri musicisti per dare vita alla band, onorando il sound del "sacro trittico" del Prog nazionale: PFM, Banco del Mutuo Soccorso e Le Orme.
“Introduzione”, breve strumentale classicheggiante, proietta l’ascoltatore in questo mondo evocando atmosfere simili ad “Appena un po’” della PFM, conducendo poi a “Piccola Stazione”. Quest'ultima è una struttura sonora consapevole delle lezioni del passato (Genesis inclusi); il cantato in italiano sfoggia testi mai banali, ma è soprattutto l'architettura musicale, con i suoi cambi di tempo e i frangenti melodici tipicamente mediterranei, a colpire. Le chitarre si lanciano in assoli ispirati, mentre le tastiere arricchiscono il suono con enfasi, ingredienti essenziali per questo stile intramontabile.
Con i suoi abbondanti sette minuti, “Piccola Stazione” risulta il brano più esteso dell’album.
L'estetica degli anni ’70 aleggia costantemente, nonostante siano presenti intarsi più moderni incastonati di tanto in tanto, come in “Verso La Città Grande”. Ancora una volta, la Premiata Forneria Marconi resta il punto di riferimento principale.
La delicatezza pianistica di “Salto In Alto” è toccante, impreziosita dal violino; la cura per la melodia è fondamentale per i Diaspro, che puntano alla sostanza senza perdersi in sterili virtuosismi.
Si passa a ritmi bossa nova in “Per Salire Su”, ma il mutamento stilistico è sempre dietro l'angolo, sfociando in un Hard Prog sorprendente dove la prova vocale di Campora si attesta su alti livelli, lasciando intravedere l'influenza del Banco nel finale.
Divertente e giocosa è “Piano Rialzato”, un'altalena tra sonorità circensi e richiami ai Genesis, a testimonianza di una fantasia compositiva radicata.
Notevole l'efficacia narrativa di “Verso La Tana Del Gelso”, traccia strumentale tra le più riuscite, che presenta una band coesa e immersa in continui cambi d'umore e di stile.
L’album procede all'unisono come una lunga suite suddivisa in piccoli istanti: “Totem”, “Gelso”, “Inferno” e “Senza Di Me” appaiono collegati e maturi.
L’esperienza di Chiaraluce emerge in ogni nota di questo esordio, che ci presenta una realtà da seguire con estrema attenzione. Siamo al cospetto di un eccellente esempio di Progressive Rock italiano, ricco di idee e di una tecnica sempre al servizio di melodie di facile assimilazione. “Diaspro” scorre piacevolmente, lasciando nell’ascoltatore il desiderio di nuovi capitoli. Un abbondante "antipasto" di trenta minuti caldamente consigliato ai più famelici. MS

Versione Inglese:

DIASPRO – Diaspro
Guit-AL Records
Genre: Progressive Rock
Format: Bandcamp – 2026

For Italian Progressive Rock, 2026 has opened with great vigor and several surprises. Many productions have already been released, some of which are by young bands making their debut—a sign that can only astonish and delight fans of the genre. Among these emerging realities, Diaspro stands out. The name itself (a hard stone known for its veins and resistance) reflects the nature of their music: solid, layered, and precious.
The group—composed of Dante Campora (vocals), Marcello Chiaraluce (guitar), Giovanni Giordano (guitar), Andrea Manuelli (keyboards), Bruce Muirhead (bass), and Luca Grosso (drums)—narrates a dream across eleven tracks that serves as therapy following a romantic disappointment. Chiaraluce, the project’s leader, began the compositional journey independently before surrounding himself with other musicians to bring the band to life, honoring the sound of the "holy trinity" of Italian Prog: PFM, Banco del Mutuo Soccorso, and Le Orme.
“Introduzione,” a brief classical-style instrumental, projects the listener into this world by evoking atmospheres similar to PFM’s “Appena un po’,” leading into “Piccola Stazione.” The latter is a sonic structure well-aware of the lessons of the past (Genesis included); the Italian vocals showcase lyrics that are never trivial, but it is primarily the musical architecture—with its time signature changes and typically Mediterranean melodic passages—that hits the mark. The guitars launch into inspired solos while the keyboards enrich the sound with emphasis, both essential ingredients for this timeless style. At over seven minutes long, “Piccola Stazione” is the most extensive track on the album.
The 1970s aesthetic lingers constantly, despite the occasional presence of more modern flourishes, as heard in “Verso La Città Grande.” Once again, Premiata Forneria Marconi remains the primary point of reference. The pianistic delicacy of “Salto In Alto” is touching, embellished by the violin; a focus on melody is fundamental for Diaspro, who aim for substance without getting lost in sterile virtuosity.
The music shifts to bossa nova rhythms in “Per Salire Su,” but a stylistic change is always around the corner, flowing into a surprising Hard Prog where Campora’s vocal performance reaches high levels, revealing glimpses of Banco's influence in the finale. “Piano Rialzato” is fun and playful, a seesaw between circus-like sounds and echoes of Genesis, testifying to a deeply rooted compositional imagination.
The narrative effectiveness of “Verso La Tana Del Gelso” is remarkable; it is one of the most successful instrumental tracks, presenting a cohesive band immersed in continuous shifts of mood and style. The album proceeds in unison like a long suite divided into small moments: “Totem,” “Gelso,” “Inferno,” and “Senza Di Me” appear interconnected and mature.
Chiaraluce’s experience emerges in every note of this debut, which introduces us to a reality that should be followed with close attention. We are in the presence of an excellent example of Italian Progressive Rock, rich in ideas and technique always placed at the service of easily accessible melodies. “Diaspro” flows pleasantly, leaving the listener wishing for new chapters. A generous thirty-minute "appetizer" highly recommended for the most ravenous among you. MS

Primaluce

2026-02-14T06:00:00.000+01:00

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Autoproduzione
Genere: Progressive Metal
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Dopo il successo di “Dark Mirrors” (2025) e “Metamors” (2025), tornano immediatamente i Primaluce, formazione capitanata dal polistrumentista Stefano Primaluce, a testimonianza di un momento di grande ispirazione creativa.
Attraverso dinamiche mutevoli, “Way Of Perfection” si sviluppa come un concept album che esplora la tensione tra disciplina e istinto, controllo e liberazione, precisione ed emozione. Il lavoro affronta il superamento dei propri limiti e l’eterna lotta tra luce e ombra. La line-up che ha inciso il disco vede Stefano Primaluce (chitarre ritmiche, tastiere, cori, programmazione) affiancato da Andrea Rocchi (chitarra solista e acustica), Marco Adami (basso), Michele Avella (batteria) e Falco alla voce.
Come il genere impone, le dodici tracce variano da mid-tempo diretti a composizioni articolate; non stupisce, dunque, riscontrare sonorità care a icone come Dream Theater e Fates Warning. Nonostante l’uso di tempi dispari e la complessità tecnica, il gruppo non rinuncia mai alla "forma canzone" e a ritornelli piuttosto aperti. In questo contesto, l'uso delle tastiere risulta fondamentale per tessere tappeti sonori che conferiscono profondità ai riff di chitarra più serrati.
Gli oltre sette minuti di “The Wind Remains” mettono subito in mostra l’intera perizia tecnica a disposizione del quintetto, grazie a un sound pulito e ben prodotto. La prova vocale di Falco appare ispirata, chiara e ben modulata a seconda della circostanza, mentre l'inciso risulta decisamente accattivante.
Mitragliate di batteria introducono “Back Into The Blue”, che evolve poi verso scenari più solari: il titolo suggerisce un ritorno a una dimensione introspettiva, quasi malinconica ma rigenerante.
Coerentemente con il proprio nome, “The Turning Of The Circle” (giro del cerchio) non rappresenta solo una figura geometrica, ma una potente metafora sulla vita, il tempo e l'esperienza umana. Il brano funge da vero viaggio ciclico, sia nella struttura musicale che nel concetto filosofico, esplorando l'idea che nulla finisca davvero, ma si trasformi: ogni fine è il seme di un nuovo inizio.
L’importanza data dalla band alle melodie corali emerge chiaramente anche in “Countdown At Dawn”. Altra vetrina di notevoli capacità tecniche è “Running Out Of Yesterday”, mentre “Heart Of The Moment” attinge dalla scena americana, sfiorando territori quasi AOR. Per incontrare un episodio più marcatamente Prog (grazie all’uso sapiente di piano e tastiere), bisogna attendere la ballata “When The Light Returns”. Il testo affronta il tema della resilienza: se “Back Into The Blue” rappresentava l'immersione e “The Turning Of The Circle” la consapevolezza del ciclo, questo brano incarna il momento della rinascita. La "luce" citata non è solo l'alba, ma la comprensione che giunge dopo un periodo di sofferenza.
L’album prosegue fedele allo stile del progetto, fatta eccezione per “Echoes Of Tomorrow”, traccia più ricercata che narra la responsabilità del presente: il futuro non è un'entità astratta, ma il risultato delle azioni che compiamo oggi. Una menzione a parte merita la conclusiva “Where The Water Meets The Stone”, dove la voce e i cambi d'atmosfera raggiungono livelli eccellenti.
Con questo lavoro, i Primaluce regalano un piccolo gioiello, candidandosi tra le realtà più significative della nostra scena. Un disco che metterà d’accordo gli amanti di queste sonorità, offrendo al contempo un'ottima occasione ai neofiti per avvicinarsi a un genere capace di stupire.
MS

Versione Inglese:

PRIMALUCE – Way Of Perfection
Self-release
Genre: Progressive Metal
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Following the success of “Dark Mirrors” (2025) and “Metamors” (2025), Primaluce makes an immediate return. Led by multi-instrumentalist Stefano Primaluce, the band proves to be in a moment of great creative inspiration.
Through shifting dynamics, “Way Of Perfection” unfolds as a concept album exploring the tension between discipline and instinct, control and liberation, precision and emotion. The work tackles the overcoming of one's limits and the eternal struggle between light and shadow. The line-up featured on the record includes Stefano Primaluce (rhythm guitars, keyboards, backing vocals, programming), joined by Andrea Rocchi (lead and acoustic guitars), Marco Adami (bass), Michele Avella (drums), and Falco on vocals.
As the genre demands, the twelve tracks range from straightforward mid-tempos to intricate compositions; it is no surprise, then, to find echoes of icons such as Dream Theater and Fates Warning. Despite the use of odd time signatures and technical complexity, the group never abandons the "song form" or relatively open choruses. In this context, the keyboards are essential in weaving sonic textures that add depth to the tighter guitar riffs.
The seven-plus minutes of “The Wind Remains” immediately showcase the quintet’s full technical prowess, supported by a clean and well-produced sound. Falco’s vocal performance is inspired, clear, and well-modulated to suit the mood, while the hook is decidedly catchy. Drum volleys introduce “Back Into The Blue,” which then evolves into brighter soundscapes: the title suggests a return to an introspective dimension, almost melancholic yet regenerating.
Consistent with its name, “The Turning Of The Circle” represents more than just a geometric shape; it is a powerful metaphor for life, time, and the human experience. The song serves as a true cyclic journey, both in its musical structure and philosophical concept, exploring the idea that nothing truly ends, but rather transforms: every end is the seed of a new beginning.
The band’s emphasis on choral melodies clearly emerges in “Countdown At Dawn.” Another showcase of remarkable technical skill is “Running Out Of Yesterday,” while “Heart Of The Moment” draws from the American scene, almost touching upon AOR territory. For a more markedly Progressive moment (thanks to the skillful use of piano and keyboards), one must wait for the ballad “When The Light Returns.” The lyrics deal with the theme of resilience: if “Back Into The Blue” represented immersion and “The Turning Of The Circle” the awareness of the cycle, this track embodies the moment of rebirth. The "light" mentioned is not merely the dawn, but the clarity that arrives after a period of suffering.
The album continues faithful to the project's core style, with the exception of “Echoes Of Tomorrow,” a more sophisticated track narrating the responsibility of the present: the future is not an abstract entity, but the result of the actions we take today. A special mention goes to the closing track “Where The Water Meets The Stone,” where the vocals and atmospheric shifts reach excellent levels.
With this work, Primaluce delivers a small gem, establishing themselves among the most significant acts of our scene. It is a record that will satisfy fans of these sounds while offering a great opportunity for newcomers to discover a genre that still knows how to surprise. MS

Big Big Train

2026-02-13T06:00:00.000+01:00

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Inside Out Music
Genere: Rock Progressivo
Supporto: CD / LP / Digital – 2026

Parlare dei Big Big Train significa immergersi in una delle storie più resilienti e nobili del Progressive Rock moderno. Nati nel 1990 nel Dorset, la band ha attraversato decenni di cambiamenti, passando da un timido esordio influenzato dai Genesis a una consacrazione internazionale avvenuta negli anni 2010. La loro è una musica di paesaggi rurali, ingegneria vittoriana e narrazioni squisitamente britanniche. Dopo la tragica e improvvisa scomparsa dello storico frontman David Longdon nel 2021, il gruppo ha saputo onorare il suo lascito trovando in Alberto Bravin una nuova voce capace di traghettare il "Grande Treno" verso una nuova era di splendore, mantenendo intatta quella capacità di far piangere e sognare contemporaneamente.
Con l'album "Woodcut", i Big Big Train non si limitano a confermare la propria maestria, ma firmano un manifesto di pura bellezza pastorale e complessità emotiva.
Il disco si apre con la maestosità di "The Gorse Bush", un brano che funge da ponte tra la terra e il cielo, dove gli arrangiamenti di ottoni (ormai marchio di fabbrica del gruppo) si intrecciano con trame di chitarra acustica cristalline.
La voce di Bravin brilla per controllo e calore in "Skylark", un pezzo che sembra spiccare il volo grazie a una sezione ritmica solida ma agilissima, capace di mutare tempo senza mai spezzare l'incanto melodico.
La title track, "Woodcut", è il cuore pulsante dell'opera: una suite in miniatura che racchiude tutto ciò che amiamo del Prog: narrazione mitologica, assoli di synth mozzafiato e quel senso di meraviglia per le piccole storie della natura.
C'è una malinconia dolce che attraversa "Silver Moon", dove il violino di Clare Lindley danza con una grazia antica, portandoci in una dimensione fuori dal tempo.
Non mancano i momenti di potenza tecnica, come in "Iron and Rust", dove la band spinge sull'acceleratore mostrando i muscoli senza mai scadere nell'autocelebrazione, mentre la chiusura affidata a "The Last Beacon" è un commiato epico che lascia l'ascoltatore con un senso di pace profonda e la certezza che, finché ci saranno i Big Big Train, il Rock Progressivo continuerà a essere una casa sicura per chi cerca profondità e umanità.
"Woodcut" non è solo un album, è una conferma di vita, un'opera che profuma di boschi bagnati dalla pioggia e di un futuro tutto da scrivere. MS

Versione Inglese:

BIG BIG TRAIN – Woodcut
Label: InsideOut Music
Genre: Progressive Rock
Format: CD / LP / Digital – 2026

To speak of Big Big Train is to immerse oneself in one of the most resilient and noble stories of modern Progressive Rock. Founded in 1990 in Dorset, the band has navigated decades of evolution, moving from a modest debut influenced by Genesis to international acclaim in the 2010s. Theirs is a music of rural landscapes, Victorian engineering, and exquisitely British narratives. Following the tragic and sudden passing of longtime frontman David Longdon in 2021, the group has honored his legacy by finding in Alberto Bravin a new voice capable of steering the "Great Train" toward a new era of splendor, keeping intact that unique ability to move the listener to tears and dreams simultaneously.
With the album "Woodcut", Big Big Train do more than simply confirm their mastery; they deliver a manifesto of pure pastoral beauty and emotional complexity.
The record opens with the majesty of "The Gorse Bush", a track that acts as a bridge between earth and sky, where the brass arrangements—now a trademark of the group—intertwine with crystalline acoustic guitar textures. Bravin’s vocals shine with control and warmth in "Skylark", a piece that seems to take flight thanks to a solid yet incredibly agile rhythm section, capable of shifting time signatures without ever breaking the melodic spell.
The title track, "Woodcut", is the beating heart of the work: a miniature suite that encapsulates everything we love about Prog: mythological storytelling, breathtaking synth solos, and that sense of wonder for the small stories of nature. There is a sweet melancholy running through "Silver Moon", where Clare Lindley’s violin dances with an ancient grace, transporting us to a dimension outside of time.
Moments of technical prowess are not lacking, such as in "Iron and Rust", where the band pushes the accelerator and flexes their muscles without ever lapsing into self-indulgence. Meanwhile, the closing track, "The Last Beacon", is an epic farewell that leaves the listener with a profound sense of peace and the certainty that, as long as Big Big Train exists, Progressive Rock will remain a safe harbor for those seeking depth and humanity.
"Woodcut" is not just an album; it is a confirmation of life—a work that breathes the scent of rain-soaked woods and a future yet to be written. MS

Radiohead

2026-02-12T06:00:00.000+01:00

RADIOHEAD - A Moon Shaped Pool
XL Recordings
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / LP / Digital - 2016

Con questa disamina vado a trattare una delle band più iconiche e influenti degli ultimi decenni: Radiohead.
Recensire quest'album è come descrivere il suono del ghiaccio che si scioglie o di un cuore che impara a battere a un ritmo diverso dopo un trauma. È un disco di una bellezza devastante, dove l'elettronica spigolosa del passato lascia spazio a orchestrazioni cinematografiche e una vulnerabilità quasi insostenibile.
Se “Kid A” era l'alienazione e “In Rainbows” era il calore umano, “A Moon Shaped Pool” è il riverbero. È un album orchestrato magistralmente da Jonny Greenwood, dove i Radiohead sembrano finalmente in pace con la loro eredità, ripescando brani storici dal cassetto e rivestendoli di una patina di sogno e rassegnazione.
L’album si apre con “Burn The Witch” e un ritmo incalzante di archi suonati col legno (battendo le corde con il legno dell'archetto). È un brano paranoico, un monito contro il populismo e la caccia alle streghe moderna. Un inizio teso che però non riflette il resto dell'album, molto più etereo.
In “Daydreaming” il disco rivela la sua vera anima. Un loop di pianoforte ipnotico accompagna Thom Yorke in un viaggio attraverso la perdita.
"Dreamers, They Never Learn" è una gemma. Il finale, con la voce di Yorke distorta e rovesciata che sembra dire "Half of my life" (riferimento alla fine della sua relazione trentennale), è straziante.
“Decks Dark” è forse il pezzo più "Radiohead" nel senso classico. Una linea di basso avvolgente e un coro che sembra fluttuare nello spazio. Parla di un'astronave che copre il cielo: una metafora perfetta per un dolore che non si può evitare.
Ed è la volta di “Desert Island Disk”, un raro momento acustico, quasi folk. Sembra di sentire l'influenza di Nick Drake. È un brano che parla di rinascita e di "spalancare le porte", un respiro di sollievo dopo l'oscurità dei primi brani.
Ma il motore del disco è “Ful Stop”. Un basso sintetico cupo cresce per minuti fino a esplodere in una cavalcata Krautrock. "You Really Messed Up Everything" canta Yorke, con una rabbia che però suona stanca, esaurita.
“Glass Eyes”, un interludio di archi e pianoforte. Breve, delicato, come un vetro che sta per incrinarsi. Descrive la sensazione di scendere da un treno in un posto sconosciuto e sentirsi spaventati dal volto delle persone.
Spettacolare anche “Identikit”, famosa per il suo ritmo spezzato e il sintetizzatore "scordato" nel finale. Il coro "Broken hearts make it rain" è diventato immediatamente un inno per i fan. Jonny Greenwood regala qui uno dei suoi rari e spigolosi assoli di chitarra.
Non esulano richiami anni ’70 come nel caso di “The Numbers”, che ricorda quasi i Led Zeppelin più acustici o Serge Gainsbourg. È un inno politico e ambientale: "We are of the earth, to her we do return". Gli archi qui sono maestosi.
“Present Tense” è una bossa nova spettrale. Yorke canta della necessità di ballare per non soccombere al dolore. È un brano di una bellezza fragile, dove la chitarra elettrica crea un intreccio di echi infinito.
“Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, un titolo lunghissimo per un brano denso di elettronica scura e archi cinematografici che salgono di intensità fino a un finale dissonante e disturbante.
Infine “True Love Waits”, i fan hanno aspettato vent'anni per una versione in studio di questa canzone. I Radiohead decidono di spogliarla della chitarra acustica originale per trasformarla in una ballata di pianoforti sovrapposti. È la degna conclusione: una preghiera disperata ("Don't leave") che risuona nel vuoto.
“A Moon Shaped Pool” non è un disco da ascoltare distrattamente. È un'esperienza immersiva. È il suono di una band che non ha più nulla da dimostrare e si concede il lusso della pura emozione. MS

Versione Inglese:

RADIOHEAD - A Moon Shaped Pool
XL Recordings
Genre: Crossover Prog
Format: CD / LP / Digital - 2016

With this analysis, I will be discussing one of the most iconic and influential bands of recent decades: Radiohead.
Reviewing this album is like describing the sound of melting ice or a heart learning to beat at a different rhythm after a trauma. It is a record of devastating beauty, where the jagged electronics of the past give way to cinematic orchestrations and an almost unbearable vulnerability.
If “Kid A” was alienation and “In Rainbows” was human warmth, “A Moon Shaped Pool” is the reverberation. It is an album masterfully orchestrated by Jonny Greenwood, where Radiohead finally seem at peace with their legacy, pulling historic tracks from the archives and coating them in a patina of dreams and resignation.
The album opens with “Burn The Witch” and an urgent rhythm of strings played col legno (striking the strings with the wood of the bow). It is a paranoid track, a warning against populism and modern-day witch hunts. A tense start that, however, does not reflect the rest of the album, which is far more ethereal.
In “Daydreaming”, the record reveals its true soul. A hypnotic piano loop accompanies Thom Yorke on a journey through loss. "Dreamers, They Never Learn" is a gem. The finale, with Yorke’s voice distorted and reversed—seemingly saying "Half of my life" (a reference to the end of his thirty-year relationship)—is heartbreaking.
“Decks Dark” is perhaps the most "Radiohead" piece in the classic sense. An enveloping bassline and a choir that seems to float in space. It speaks of a spacecraft covering the sky: a perfect metaphor for a grief that cannot be avoided.
Next comes “Desert Island Disk”, a rare acoustic, almost folk moment. You can almost feel the influence of Nick Drake. It is a track that speaks of rebirth and "opening doors," a sigh of relief after the darkness of the first few songs.
But the engine of the record is “Ful Stop”. A dark synthetic bass grows for minutes until it explodes into a Krautrock gallop. "You Really Messed Up Everything," Yorke sings, with a rage that nevertheless sounds tired, exhausted.
“Glass Eyes” is a piano and string interlude. Brief, delicate, like glass about to crack. It describes the sensation of stepping off a train in an unknown place and feeling frightened by the faces of the people.
“Identikit” is also spectacular, famous for its broken rhythm and the "out of tune" synthesizer in the finale. The chorus "Broken hearts make it rain" immediately became an anthem for fans. Jonny Greenwood delivers one of his rare, jagged guitar solos here.
There is no lack of 1970s echoes, as in the case of “The Numbers”, which almost recalls the more acoustic side of Led Zeppelin or Serge Gainsbourg. It is a political and environmental hymn: "We are of the earth, to her we do return." The strings here are majestic.
“Present Tense” is a ghostly bossa nova. Yorke sings of the need to dance to avoid succumbing to pain. It is a song of fragile beauty, where the electric guitar creates an infinite tapestry of echoes.
“Tinker Tailor Soldier Sailor Rich Man Poor Man Beggar Man Thief”, an incredibly long title for a track dense with dark electronics and cinematic strings that rise in intensity toward a dissonant and disturbing finale.
Finally, “True Love Waits”; fans waited twenty years for a studio version of this song. Radiohead decided to strip away the original acoustic guitar to transform it into a ballad of layered pianos. It is a worthy conclusion: a desperate prayer ("Don't leave") resonating in the void.
“A Moon Shaped Pool” is not an album for distracted listening. It is an immersive experience. It is the sound of a band that has nothing left to prove and allows itself the luxury of pure emotion. MS

Francesco Tresca

2026-02-11T06:00:00.000+01:00

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Autoproduzione
Genere: Post prog Moderno / Strumentale
Supporto: Digital / Spotify – 2026

La musica sa adattarsi alla perfezione alle immagini, riuscendo spesso a enfatizzarne le emozioni. Su questo tema, il batterista e compositore veneto Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) vanta una profonda esperienza, occupandosene attivamente fin dal 2014. Nel corso della sua carriera ha realizzato colonne sonore per lungometraggi, cortometraggi e serie TV, collezionando ben 25 premi come miglior colonna sonora su 30 candidature. Oggi i tempi sono maturi per la pubblicazione di un album solista in cui l'autore spazia tra Progressive Rock, Art Pop e Ambient Music.
Ad accompagnarlo in questa avventura troviamo Dante Frisiello (Flyghtless) e Liam Tarquin alle chitarre, Vladimir Pocorschi alla chitarra e Nicklas Brannstrom al basso. Il risultato di questa collaborazione è il disco intitolato “The Unquiet Freedom”.
Tresca, spesso ispirato dallo stile di Nick Menza, propone otto brani in cui riversa tutto il proprio bagaglio tecnico e artistico, lasciando l'ascoltatore in equilibrio tra immaginazione e analisi, poiché ogni traccia nasconde un particolare approccio stilistico che merita attenzione.
“Negative Black” inizia con suoni elettronici ed effetti eco, seguiti dall'ingresso di una batteria dal timbro secco; da qui si intrecciano gli altri strumenti dando vita a una melodia di base semplice ma magnetica, inserita in un contesto ritmico di non facile catalogazione.
Attraverso “The Way To The Back Of The House” il sound vira verso sonorità tipiche di una colonna sonora naturalistica: ambientazioni vaste si schiudono all'orecchio di chi ascolta attraverso suoni leggiadri e ariosi.
Con le percussioni costantemente in primo piano, “Through Car Window” respira grazie a tastiere avvolgenti, approdando nei territori di un Progressive Rock raffinato e garbato, impreziosito dal valore aggiunto delle chitarre.
Più introspettiva appare “There's Something In The Corner”, dove l'indole sensibile di Tresca si esprime al meglio tra accordi dolci e atmosfere pacate; una composizione matura che mette a nudo lo spessore culturale dell'autore.
“Lost Siren” ha invece un approccio Post Rock e disegna scenari più cupi e densi, pur mantenendo viva una piacevole linea melodica. Tra i momenti più riusciti spicca “Tiptoe”, con la sua ritmica ponderata e sincopata su cui gli strumenti ricamano note di grande gusto, seguita da una non troppo dissimile “Crawling”, le cui sonorità richiamano i primi Porcupine Tree. Il viaggio si chiude con “Moving in Between”, un ideale volo in alta quota che offre uno sguardo panoramico e suggestivo.
Senza mai eccedere in virtuosismi fini a se stessi, Francesco Tresca firma un album in cui riesce a distinguersi grazie a incastri sonori essenziali ma efficaci.
È un lavoro che coccola l'animo e trasporta l'ascoltatore in scenari vasti, invitandolo a fermarsi e osservare con autentico piacere. MS

Versione Inglese:

FRANCESCO TRESCA – The Unquiet Freedom
Self-release
Genre: Modern Post-Prog / Instrumental
Format: Digital / Spotify – 2026

Music possesses the unique ability to adapt perfectly to imagery, often heightening the emotions within. Venetian drummer and composer Francesco Tresca (Power Quest, Arthemis) is deeply well-versed in this craft, having been actively involved in the field since 2014. Over the course of his career, he has composed soundtracks for feature films, shorts, and TV series, earning an impressive 25 awards for Best Soundtrack out of 30 nominations. Today, the time is right for the release of a solo album where the artist explores the intersections of Progressive Rock, Art Pop, and Ambient Music.
Joining him on this journey are Dante Frisiello (Flyghtless) and Liam Tarquin on guitars, Vladimir Pocorschi on guitar, and Nicklas Brannstrom on bass. The result of this collaboration is the album titled “The Unquiet Freedom”. Frequently inspired by the style of Nick Menza, Tresca presents eight tracks into which he pours his entire technical and artistic repertoire. He leaves the listener balanced between imagination and analysis, as each track hides a specific stylistic approach that demands attention.
“Negative Black” opens with electronic sounds and echo effects, followed by the entrance of a dry-timbred drum kit; from here, the other instruments intertwine to create a simple yet magnetic melody, set within a rhythmic context that defies easy categorization. Through “The Way To The Back Of The House”, the sound shifts toward tones typical of a nature documentary soundtrack: vast environments unfold to the listener’s ear through graceful, airy sounds. With percussion consistently in the foreground, “Through Car Window” breathes through sweeping keyboards, arriving in the territories of refined and elegant Progressive Rock, further enriched by the added value of the guitars.
“There's Something In The Corner” appears more introspective, allowing Tresca’s sensitive nature to shine through sweet chords and calm atmospheres—a mature composition that reveals the author's cultural depth. “Lost Siren”, on the other hand, takes a Post-Rock approach, sketching darker and denser scenarios while maintaining a pleasant melodic flame. Among the most successful moments is “Tiptoe”, featuring a deliberate and syncopated rhythm over which the instruments tastefully weave "drops" of notes. It is followed by the somewhat similar “Crawling”, whose sound recalls early-period Porcupine Tree. The journey concludes with “Moving in Between”, an ideal high-altitude flight offering a suggestive, panoramic view.
Without ever resorting to self-indulgent virtuosity, Francesco Tresca delivers an album where he stands out through simple yet effective sonic interlocking. It is a work that cradles the soul and transports the listener into vast landscapes, inviting them to pause and observe with genuine pleasure. MS

Arti & Mestieri

2026-02-10T06:00:00.000+01:00

ARTI & MESTIERI – D-Brane
King Records / Ma.Ra.Cash Records
Genere: Jazz Rock / Progressive Rock
Supporto: CD – 2025

Quando la storia della musica si manifesta con tale autorevolezza, il cast che le dà vita non può che essere stellare. La band guidata da Beppe Crovella rappresenta una delle realtà che hanno segnato indelebilmente il Jazz-Prog italiano, al pari di formazioni iconiche come Perigeo, Agorà e Bella Band. In occasione del cinquantesimo anniversario della nascita del gruppo — avvenuta con lo straordinario esordio di "Tilt" nel 1974 — gli Arti & Mestieri tornano in pompa magna. Questa celebrazione onora una carriera d'eccellenza che è stata, e continua a essere, un punto di riferimento stilistico per intere generazioni di musicisti.
"D-Brane" è un dono prezioso per gli ascoltatori: una raccolta di brani inediti che vede la partecipazione di quasi tutti i musicisti che hanno militato nella band, rendendo l'organico di questo progetto unico nella storia del genere. Hanno partecipato alle registrazioni: Furio Chirico (batteria, percussioni), Gigi Venegoni (chitarra, tastiere), Arturo Vitale (sax — registrazioni storiche effettuate prima della scomparsa nel 2024), Giovanni Vigliar (violino, tastiere), Marco Gallesi (basso), Beppe Crovella (piano, tastiere), Piero Mortara (piano, tastiere, fisarmonica), Roberto Puggioni (basso), Marco Cimino (piano, tastiere), Umberto Mari (basso), Toti Canzoneri (flauto), Alfredo Ponissi (sax), Iano Nicolo’ (voce, loops, samplers), Marco Roagna (chitarre), Diego Mascherpa (sax), Lautaro Acosta (violino), Gabriele Tommaso (chitarre) e Giuseppe Vitale (tastiere).
Il titolo dell'album funge da perfetta metafora della visione musicale del gruppo: quattro forze della natura che orbitano nell'universo, espandendosi e contraendosi attraverso molteplici dimensioni. È il risultato di una creatività senza confini, lanciata verso l'infinito. L'opera si compone di sedici tracce registrate in studio, frutto di una collaborazione corale che abbraccia l'intera storia della band, dal primo disco ai giorni nostri. Si tratta di "perle" rimaste a lungo nell'ombra che finalmente vedono la luce, sottraendosi all'oblio.
I quasi ottanta minuti di musica si aprono con "Salto Con L'Hashtag", dove il violino (marchio di fabbrica del sound Jazz Rock degli Arti & Mestieri) regala brividi immediati. Uno strumentale in pieno stile della band che si dimostra oggi ancor più matura e consapevole. Nota di merito per la sezione ritmica di Chirico, sorprendente per vigore e freschezza, e per il pregevole assolo di chitarra. L'energia di "Light Metal", caratterizzata da un incipit che richiama le sonorità della PFM, si sprigiona con forza pur mantenendo momenti di grande riflessione tipici del Progressive Rock.
Il Jazz Rock emerge in tutto il suo splendore in "Nostradamus", grazie a un sax libero ed espressivo. L'album alterna con sapienza passaggi delicati a strutture complesse: la dolcezza di "Elegia", il lirismo pianistico di "Too Soon Too Late" e il calore di "Algarve". La struggente "Un Giro Ancora" si contrappone alla ricercatezza di "Beach Dance", mentre le fughe elettriche de "L’Ultimo Giorno D’Inverno" e la sperimentazione di "Constante Cosmica Frammenti", brano corale dove le voci e una ritmica pirotecnica si inseguono incessantemente, sorprendono per originalità.
Un momento di profonda commozione è rappresentato da "A Uno Di Noi", dedicato alla memoria di Arturo Vitale; un passaggio in cui è davvero difficile trattenere le lacrime. Il disco tocca anche territori più moderni con "Understage", che rimanda alle fughe jazzistiche di "Mescalito", altra vetta qualitativa di "D-Brane". Se "Il Lungo Addio" offre aperture solari, la title track proietta l'ascoltatore direttamente nel cosmo. Come da tradizione per il mercato estero, l'edizione giapponese include la bonus track funky "Improvisation For Arturo".
In conclusione, "D-Brane" si candida autorevolmente a essere uno dei dischi dell'anno. Non solo per il valore storico della formazione, ma per l'altissima qualità delle composizioni. È un contenitore di emozioni che spazia veramente verso l'infinito: un'iniziativa artistica straordinaria che merita solo applausi. MS

Versione Inglese:

ARTI & MESTIERI – D-Brane
King Records / Ma.Ra.Cash Records
Genre: Jazz Rock / Progressive Rock
Format: CD – 2025

When music history speaks with such authority, the cast bringing it to life can only be stellar. The band led by Beppe Crovella represents one of the entities that have left an indelible mark on Italian Jazz-Prog, standing alongside iconic groups such as Perigeo, Agorà, and Bella Band. On the occasion of the fiftieth anniversary of the band's birth—marked by the extraordinary 1974 debut "Tilt"—Arti & Mestieri return in grand style. This celebration honors an excellent career that has been, and continues to be, a stylistic touchstone for generations of musicians.
"D-Brane" is a precious gift for listeners: a collection of unreleased tracks featuring nearly every musician who has ever been part of the band, making the lineup of this project unique in the history of the genre. The recording sessions included: Furio Chirico (drums, percussion), Gigi Venegoni (guitar, keyboards), Arturo Vitale (sax — historical recordings made prior to his passing in 2024), Giovanni Vigliar (violin, keyboards), Marco Gallesi (bass), Beppe Crovella (piano, keyboards), Piero Mortara (piano, keyboards, accordion), Roberto Puggioni (bass), Marco Cimino (piano, keyboards), Umberto Mari (bass), Toti Canzoneri (flute), Alfredo Ponissi (sax), Iano Nicolo’ (vocals, loops, samplers), Marco Roagna (guitars), Diego Mascherpa (sax), Lautaro Acosta (violin), Gabriele Tommaso (guitars), and Giuseppe Vitale (keyboards).
The album title serves as a perfect metaphor for the group's musical vision: four forces of nature orbiting the universe, expanding and contracting through multiple dimensions. It is the result of boundless creativity launched toward infinity. The work consists of sixteen studio tracks, the fruit of a choral collaboration spanning the band's entire history, from their first album to the present day. These are "gems" that remained in the shadows for a long time and have finally come to light, escaping oblivion.
The nearly eighty minutes of music open with "Salto Con L'Hashtag", where the violin—the trademark of the Arti & Mestieri Jazz Rock sound—delivers immediate chills. This instrumental, in the band's signature style, reveals a group that is even more mature and self-aware today. Special mention goes to Chirico’s rhythm section, which is surprisingly vigorous and fresh, and to the exquisite guitar solo. The energy of "Light Metal", featuring an intro reminiscent of PFM, unleashes its power while maintaining the moments of deep reflection typical of Progressive Rock.
Jazz Rock emerges in all its glory in "Nostradamus" through a free and expressive saxophone. The album skillfully alternates delicate passages with complex structures: the sweetness of "Elegia", the piano lyricism of "Too Soon Too Late", and the warmth of "Algarve". The poignant "Un Giro Ancora" contrasts with the sophistication of "Beach Dance", while the electric flights of "L’Ultimo Giorno D’Inverno" and the experimentation of "Constante Cosmica Frammenti"—a choral piece where voices and pyrotechnic rhythms chase each other incessantly—are strikingly original.
A moment of profound emotion is represented by "A Uno Di Noi", dedicated to the memory of Arturo Vitale; a passage where it is truly difficult to hold back tears. The record also explores more modern territories with "Understage", which recalls the jazz-inflected runs of "Mescalito", another high point of "D-Brane". While "Il Lungo Addio" offers bright, solar openings, the title track projects the listener directly into the cosmos. Following the tradition for international markets, the Japanese edition includes the funky bonus track "Improvisation For Arturo".
In conclusion, "D-Brane" is already a strong contender for album of the year. This is not only due to the band's historical significance but also to the exceptional quality of the compositions. It is a vessel of emotions that truly spans toward infinity: an extraordinary artistic initiative that deserves nothing but applause. MS

NONSOLO PROGROCK

Koyo

KOYO – OnismAutoproduzioneGenere: Post Prog ModernoSupporto: cd / lp – 2024

KOYO - OnismSelf-productionGenre: Modern Post ProgSupport: cd / lp - 2024

Mai Più Inverno

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli UltimiAutoproduzioneGenere: Progressive Folk / CantautoreSupporto: Spotify / Bandcamp – 2026

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli Ultimi Self-produced Genre: Progressive Folk / Singer-songwriter Available on: Spotify / Bandcamp – 2026

Psycho Praxis

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The DeepBlack Widow RecordsGenere: Progressive RockSupporto: LP / CD - 2012

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The DeepLabel: Black Widow RecordsGenre: Progressive RockFormat: LP / CD (2012)

Georgeanne Kalweit

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny SpaceEtichetta: NOS RecordsGenere: Rock Psichedelico / Alternative RockSupporto: CD / Digital – 2026

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny SpaceLabel: NOS RecordsGenre: Psychedelic Rock / Alternative RockFormat: CD / Digital – 2026

Blondiefox

BLONDIEFOX – Senza UniversoEu Records / Defox RecordsGenere: Rock AlternativoSupporto: CD – 2024

BLONDIEFOX – Without UniverseEu Records / Defox RecordsGenre: Alternative RockFormat: CD – 2024

Nosound

NOSOUND – To The CoreKscopeGenere: Psichedelico – Post RockSupporto: ep / Bandcamp – 2025

NOSOUND – To The CoreKscopeGenre: Psychedelic – Post RockSupport: EP / Bandcamp – 2025

Klee Orchestra

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di RetoricaAutoproduzione Genere: Post Rock / SperimentaleSupporto: Bandcamp / CD – 2026

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di RetoricaSelf-release Genre: Post-Rock / ExperimentalFormat: Bandcamp / CD – 2026

Carmine Capasso & Friends

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To ComeMa.Ra.Cash RecordsGenere: Rock / Rock ProgressivoSupporto: Digital – 2025

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To ComeMa.Ra.Cash RecordsGenre: Rock / Progressive RockFormat: Digital – 2025

Paolo Pagliari

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A ChildAutoproduzioneGenere: Progressive RockSupporto: CD / Digital – 2026

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A ChildSelf-releasedGenre: Progressive RockFormat: CD / Digital – 2026

Lorenzo Cellupica Quartet

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is OddMa.Ra.Cash RecordsGenere: Jazz ProgSupporto: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is OddMa.Ra.Cash RecordsGenre: Jazz ProgFormat: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

MAT2020 sta per tornare… Almeno per una volta!

MAT2020 — the web magazine — is about to return.

It is not a revival, it is not a goodbye, and it is not a return to regular publication. It is a one-off, a collective act that exists for the simple pleasure of creating and sharing.The release is imminent. We’re almost there.

Speciale Anekdoten

ANEKDOTEN

DISCOGRAFIA

Chapters (2009) – Antologia e IneditiNon è un album di studio canonico, ma una raccolta in due CD che merita menzione per la presenza di rarità e del brano “When I Fell”, fondamentale per capire la loro evoluzione melodica.

Avkrvst

AVKRVST - Waving At The SkyInsideOut MusicGenere: Heavy ProgSupporto: LP / CD / Digital – 2025

AVKRVST – Waving At The Sky Label: InsideOut MusicGenre: Heavy ProgFormat: LP / CD / Digital – 2025

Perchè ascoltare Progressive Rock

Does it make sense to listen to it today?

To delve deeper into these topics, I recommend my bibliography:

L'Ira Del Baccano

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of FollySubsound RecordsGenere: Heavy Prog / DoomSupporto: LP / CD / Bandcamp - 2026

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of FollySubsound RecordsGenre: Heavy Prog / DoomFormat: LP / CD / Bandcamp - 2026

Galasphere 347

GALASPHERE 347 - The Syntax Of ThingsEtichetta: Chaos RecordsGenere: Progressive RockFormato: LP / CD / Digital – 2026

GALASPHERE 347 - "The Syntax Of Things"Label: Chaos RecordsGenre: Progressive RockFormat: LP / CD / Digital – 2026

Hällas

HÄLLAS – PanoramaÄventyr RecordsGenere: Crossover ProgSupporto: LP / CD / Digital - 2026

HÄLLAS – PanoramaÄventyr Records Genre: Crossover ProgFormat: LP / CD / Digital - 2026

Soen

KOYO – Onism
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: cd / lp – 2024

KOYO - Onism
Self-production
Genre: Modern Post Prog
Support: cd / lp - 2024

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli Ultimi
Autoproduzione
Genere: Progressive Folk / Cantautore
Supporto: Spotify / Bandcamp – 2026

MAI PIÙ INVERNO – Lassù Gli Ultimi
Self-produced
Genre: Progressive Folk / Singer-songwriter
Available on: Spotify / Bandcamp – 2026

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Black Widow Records
Genere: Progressive Rock
Supporto: LP / CD - 2012

PSYCHO PRAXIS – Echoes From The Deep
Label: Black Widow Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD (2012)

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Etichetta: NOS Records
Genere: Rock Psichedelico / Alternative Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

GEORGEANNE KALWEIT – Tiny Space
Label: NOS Records
Genre: Psychedelic Rock / Alternative Rock
Format: CD / Digital – 2026

BLONDIEFOX – Senza Universo
Eu Records / Defox Records
Genere: Rock Alternativo
Supporto: CD – 2024

BLONDIEFOX – Without Universe
Eu Records / Defox Records
Genre: Alternative Rock
Format: CD – 2024

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genere: Psichedelico – Post Rock
Supporto: ep / Bandcamp – 2025

NOSOUND – To The Core
Kscope
Genre: Psychedelic – Post Rock
Support: EP / Bandcamp – 2025

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Sperimentale
Supporto: Bandcamp / CD – 2026

KLEE ORCHESTRA – Esercizio Di Retorica
Self-release
Genre: Post-Rock / Experimental
Format: Bandcamp / CD – 2026

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Rock / Rock Progressivo
Supporto: Digital – 2025

CARMINE CAPASSO & FRIENDS – The Best Is Yet To Come
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Rock / Progressive Rock
Format: Digital – 2025

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: CD / Digital – 2026

PAOLO PAGLIARI - Through The Eyes Of A Child
Self-released
Genre: Progressive Rock
Format: CD / Digital – 2026

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is Odd
Ma.Ra.Cash Records
Genere: Jazz Prog
Supporto: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

LORENZO CELLUPICA QUARTET – This Is Odd
Ma.Ra.Cash Records
Genre: Jazz Prog
Format: CD / Spotify / Bandcamp – 2025

It is not a revival, it is not a goodbye, and it is not a return to regular publication. It is a one-off, a collective act that exists for the simple pleasure of creating and sharing.
The release is imminent. We’re almost there.

Chapters (2009) – Antologia e Inediti

Non è un album di studio canonico, ma una raccolta in due CD che merita menzione per la presenza di rarità e del brano “When I Fell”, fondamentale per capire la loro evoluzione melodica.

AVKRVST - Waving At The Sky
InsideOut Music
Genere: Heavy Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2025

AVKRVST – Waving At The Sky
Label: InsideOut Music
Genre: Heavy Prog
Format: LP / CD / Digital – 2025

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genere: Heavy Prog / Doom
Supporto: LP / CD / Bandcamp - 2026

L’IRA DEL BACCANO – The Praise Of Folly
Subsound Records
Genre: Heavy Prog / Doom
Format: LP / CD / Bandcamp - 2026

GALASPHERE 347 - The Syntax Of Things
Etichetta: Chaos Records
Genere: Progressive Rock
Formato: LP / CD / Digital – 2026

GALASPHERE 347 - "The Syntax Of Things"
Label: Chaos Records
Genre: Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital – 2026

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genere: Crossover Prog
Supporto: LP / CD / Digital - 2026

HÄLLAS – Panorama
Äventyr Records
Genre: Crossover Prog
Format: LP / CD / Digital - 2026