NONSOLO PROGROCK

Khatsaturjan

2026-10-13T05:00:00.000+02:00

KHATSATURJAN – Monologue Of Chronos
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: Digital / Spotify – 2026

Più ascolto band Progressive Rock provenienti da tutto il mondo e più capisco come l’avvento di internet abbia globalizzato la musica. Non è un fatto negativo se usato con la giusta personalità, perché il poter ascoltare tutto arricchisce culturalmente e si possono trarre molti vantaggi.
La band Khatsaturjan nasce nel 2000 a Vantaa, in Finlandia. Il nome si ispira apertamente al celebre compositore armeno Aram Khachaturian (autore della celebre “Danza Delle Sciabole”). In origine il gruppo nacque come progetto estemporaneo per rielaborare in chiave Rock brani di musica classica sulla scia di formazioni storiche quali Emerson, Lake & Palmer o Ekseption, inclusi arrangiamenti di opere di Mussorgsky. Nel corso del tempo la formazione si è evoluta verso la composizione di materiale originale, sviluppando una forma di Symphonic/Eclectic Prog complessa e teatrale, caratterizzata da intricate strutture tastieristiche (organo, sintetizzatori, clavicembalo), presenza del violoncello, arrangiamenti polifonici e armonie vocali stratificate.
I membri fondatori e polistrumentisti che ne costituiscono il nucleo in studio sono: Atte Kurri (voce, chitarre, basso, tastiere), Ilkka Piispala (voce, batteria, tastiere, chitarra, basso) e Ilkka Saarikivi (voce, tastiere, basso, violoncello). Nelle prime fasi e nei primi album era presente anche il cantante/bassista Jaakko Koikkalainen.
“Monologue Of Chronos” è il quarto lavoro in studio, pubblicato a distanza di un decennio dal precedente “Beast, Machine And Man” (2015, Musea Records). Quarantasette minuti di musica distribuiti in sette brani, a partire da “Lessons (On Human Obsolescence)” in cui l'arrangiamento varia continuamente con un dinamismo spinto, passando da passaggi operistici e vocali a trame più moderne e drammatiche. Le tastiere cambiano registro con frequenza (sintetizzatori vintage e moderni), intrecciandosi con riff di chitarra più aggressivi ed elementi ritmici in continuo mutamento. Buone le coralità con l'aggiunta di voce femminile oltre ai controcanti in equilibrio fra Queen e Gentle Giant. Ecco la globalizzazione, una volta ricordavo il Prog Finnico maggiormente oscuro (non che fossero mancati ampi frangenti vivaci, intendiamoci), qui c’è tanto materiale accostabile sia al Prog USA che UK. Il testo affronta la sensazione di superamento dell'essere umano di fronte alla robotizzazione e all'intelligenza artificiale, mettendo in discussione il valore dell'individuo in una società guidata dall'automazione.
“What Was True” ha un inizio decisamente Neo Prog in stile anni ‘80/90; tutto l’andamento mette in evidenza la cultura musicale dei Khatsaturjan, miscelando stili e idee. Le coralità mi riportano alla mente gli americani Echolyn. Ottimo il solo di chitarra elettrica. Il tema lirico ruota attorno al confine tra realtà tangibile e simulazione digitale (con un forte parallelismo visivo e concettuale con la realtà virtuale alla Matrix), ponendosi la domanda cruciale sul valore della percezione: "Cosa è stato reale?"
Un pianoforte inizia “The Dystopian Spirit Of Club Energy”, gettando l’ascoltatore nel mondo della musica classica, tuttavia dietro l’angolo c’è sempre la sorpresa, altrimenti non saremmo qui a parlare di Progressive Rock, così che la struttura muta passando a sonorità moderne e perfino elettroniche. Qui si parla della perdita di identità e dell'alienazione all'interno di uno spazio sociale "meccanizzato", dove l'energia umana viene canalizzata e spenta da una routine distopica.
Ed è la volta di “Song Of Days”, uno dei picchi più alti dell’intero album, in cui la band non traccia soltanto linee sinfoniche, bensì anche teatrali, basando ancora una volta la forza dell’impatto nella voce. I silenzi sono importanti quanto la musica, creando istanti di attesa che non vengono mai traditi dalle tastiere. Intercalari di crescendo e calando rendono tutto molto fruibile ed enfatico. Il brano è una riflessione sullo scorrere inesorabile dei giorni (il "Cronos" del titolo dell'album) e sul bilancio esistenziale dell'uomo nel corso delle diverse fasi della vita.
Altri sette minuti abbondanti di musica giungono da “DID Memoir”, con un'intro di chitarra elettrica a dir poco toccante. A metà del percorso il pezzo entra in una fase inaspettatamente giocosa e raffinata, con una chitarra in modalità Genesis. Il titolo fa riferimento all'ipotesi della memoria frammentata o del disturbo dissociativo d'identità (Dissociative Identity Disorder), ponendo l'accento sulla percezione interiore del tempo e sulla molteplicità dei ricordi.
“The Keepers Of Philosopher's Stone” ha tempi classici ed enormi coralità, tanto ben di Dio per chi ama crogiolarsi in questi magnifici fasti.
L’album si conclude con “Mundus Meus (This World Of Mine)”, una mini suite di otto minuti a dir poco gloriosa dove le tastiere ricoprono nuovamente il ruolo maestro. È la chiusura concettuale del "monologo". L'individuo rivendica il proprio micromondo interiore ("Questo mondo mio") come unico rifugio possibile di fronte alla vastità e all'indifferenza del tempo e dell'universo.
In un’epoca in cui il Progressive Rock tende spesso a rifugiarsi nel citazionismo di maniera o in un’esibizione di tecnica fine a se stessa, “Monologue Of Chronos” dimostra come il genere possa ancora essere materia viva, filosofica e profondamente concettuale. Ascoltatelo e non ve ne pentirete. MS

Versione Inglese:

KHATSATURJAN – Monologue Of Chronos
Self-released
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: Digital / Spotify – 2026

The more I listen to Progressive Rock bands from all over the world, the more I realize how the advent of the internet has globalized music. This is not a negative thing if used with the right personality, because being able to listen to everything enriches us culturally and offers many benefits.
The band Khatsaturjan was formed in 2000 in Vantaa, Finland. The name is openly inspired by the famous Armenian composer Aram Khachaturian (author of the celebrated “Sabre Dance”). Originally, the group started as an impromptu project to rework classical music pieces in a Rock key, following in the footsteps of historical bands such as Emerson, Lake & Palmer or Ekseption, including arrangements of works by Mussorgsky. Over time, the lineup evolved toward composing original material, developing a complex and theatrical form of Symphonic/Eclectic Prog characterized by intricate keyboard structures (organ, synthesizers, harpsichord), the presence of the cello, polyphonic arrangements, and layered vocal harmonies.
The founding members and multi-instrumentalists who form the studio core are: Atte Kurri (lead vocals, guitars, bass, keyboards), Ilkka Piispala (vocals, drums, keyboards, guitar, bass), and Ilkka Saarikivi (vocals, keyboards, bass, cello). In the early stages and on the first albums, singer/bassist Jaakko Koikkalainen was also present.
“Monologue Of Chronos” is their fourth studio album, released a decade after its predecessor, “Beast, Machine And Man” (2015, Musea Records). Forty-seven minutes of music spread across seven tracks, starting with “Lessons (On Human Obsolescence)”, in which the arrangement continually shifts with high dynamism, moving from operatic and vocal passages to more modern and dramatic textures. The keyboards change registers frequently (vintage and modern synths), intertwining with more aggressive guitar riffs and constantly evolving rhythmic elements. The vocal harmonies are strong, complemented by the addition of female vocals alongside counter-melodies balanced between Queen and Gentle Giant. Here lies globalization: I used to remember Finnish Prog as darker (not that lively moments were lacking, mind you), but here there is plenty of material reminiscent of both US and UK Prog. The lyrics address the feeling of human obsolescence in the face of robotization and artificial intelligence, questioning the value of the individual in an automation-driven society.
“What Was True” opens with a distinctly 80s/90s-style Neo Prog intro; the entire track highlights Khatsaturjan’s musical culture by blending styles and ideas. The vocal arrangements bring to mind the American band Echolyn. Excellent electric guitar solo. The lyrical theme revolves around the boundary between tangible reality and digital simulation (with a strong visual and conceptual parallel to Matrix-like virtual reality), asking the crucial question about the value of perception: "What was true?"
A piano opens “The Dystopian Spirit Of Club Energy”, plunging the listener into the world of classical music. However, a surprise is always around the corner—otherwise we wouldn't be talking about Progressive Rock—so the structure shifts toward modern, even electronic sounds. Here, the lyrics deal with the loss of identity and alienation within a "mechanized" social space, where human energy is channeled and extinguished by a dystopian routine.
Next comes “Song Of Days”, one of the absolute peaks of the entire album, where the band traces not only symphonic but also theatrical lines, once again grounding the impact in the vocals. The silences are as important as the music, creating moments of anticipation that are never betrayed by the keyboards. Alternating crescendos and decrescendos make everything engaging and emphatic. The track is a reflection on the relentless passage of days (the "Chronos" of the album's title) and man's existential balance sheet across the different stages of life.
Another solid seven minutes of music come with “DID Memoir”, featuring a deeply touching electric guitar intro. Midway through, the piece enters an unexpectedly playful and refined phase, with a guitar in true Genesis mode. The title refers to the hypothesis of fragmented memory or Dissociative Identity Disorder (DID), emphasizing the inner perception of time and the multiplicity of memories.
“The Keepers Of Philosopher's Stone” boasts classical time signatures and sweeping vocal arrangements—a real treat for those who love to bask in such magnificent splendor.
The album concludes with “Mundus Meus (This World Of Mine)”, an eight-minute mini-suite that is nothing short of glorious, where the keyboards once again take center stage. It serves as the conceptual closure of the "monologue." The individual reclaims their inner micromorld ("This world of mine") as the only possible refuge against the vastness and indifference of time and the universe.
In an era where Progressive Rock often tends to retreat into formulaic homage or technical display for its own sake, “Monologue Of Chronos” proves that the genre can still be a living, philosophical, and deeply conceptual medium. Give it a listen and you won't regret it. MS

ViaMedia

2026-10-12T05:00:00.000+02:00

Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genere: Crossover Prog
Supporto: Bandcamp – 2026

Si può fare musica per lo spirito anche se non si toccano tematiche religiose, con quelle sonorità che ti toccano l’anima e ti isolano da ciò che ti circonda. I ViaMedia escono con il secondo album in studio intitolato “Lullabies For The Marooned”, dove si approfondisce il tema dell'isolamento, dell'abbandono, del naufragio esistenziale e della ricerca di un porto sicuro nelle tempeste della vita.
ViaMedia è un progetto multinazionale che incarna la quintessenza del Rock Progressivo moderno e contaminato, muovendosi con disinvoltura tra sonorità Art Rock, venature Jazz Rock ed echi Neo Prog, arricchiti da un'attenta cura per le atmosfere e le narrazioni liriche. Nascono dall'unione di musicisti provenienti da diverse estrazioni e aree geografiche, accomunati dal desiderio di fondere strutture musicali complesse con una spiccata sensibilità melodica. Il gruppo trae il proprio nome dalla ricerca di una "via di mezzo" espressiva, un equilibrio sapiente tra virtuosismo tecnico e immediatezza emozionale, tra sperimentazione e forma canzone.
Provenienti dal Regno Unito e dalla Norvegia, i ViaMedia sono formati da Karl Yngvar Dale (voce, basso, contrabbasso, tastiere, chitarra acustica) e Tore Dimmestøl (voce, chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, concertina, effetti). Per la riuscita di questo concept si avvalgono della collaborazione di musicisti del calibro di Gunnar Halle (tromba), Tore Ljøkelsøy (batteria), Hugh Midford (violino), Chris Forrest (clarinetto) e Henley String Quartet & Aberystwyth String Quartet (archi).
Dieci le canzoni, a partire da “Everything Is Quiet Now”, composizione d'impostazione delicata e sognante. Chitarre acustiche e soffusi tappeti di tastiera creano un'atmosfera sospesa, che cresce gradualmente con l'ingresso di una sezione ritmica discreta ma dinamica. Il testo esplora la calma apparente che segue una grande tempesta emotiva. Il "silenzio" del titolo non è solo pace, ma anche quel senso di vuoto e smarrimento che si prova subito dopo la fine di una crisi.
Anche “Commodore Anson” possiede quelle arie sognanti arricchite dagli archi capaci di catapultarci negli anni ’70. Una ballata che vuole essere un omaggio figurato alla storicità del viaggio di esplorazione navale. La figura del Commodore Anson diventa la metafora del navigatore solitario che sfida l'ignoto, affrontando le avversità del mare e il peso delle decisioni estreme.
“Weight Of The World” alza il ritmo spostando l’epicentro negli anni ’80, un brano dal respiro drammatico e dall'incedere maestoso. Le linee di basso ben definite sorreggono un intreccio di tastiere orchestrali e assoli di chitarra carichi di pathos. Qui emerge la sensazione di oppressione e la responsabilità emotiva che spesso gravano sull'individuo moderno. È il racconto del fardello interiore che trasforma ogni decisione in una potenziale ancora di fondo.
Ci si cala nel Neo Prog di matrice White Willow con “Dead Man's Chest”, un Dark Prog con linee vocali espressive e dissonanze controllate che mantengono alta la tensione espressiva.
Fra le composizioni più interessanti del disco c’è “Oyster”, una canzone dal ritmo ballabile e quindi ancor più immersa negli anni ’80. La struttura è fluida, con sezioni strumentali ampie che consentono a ciascun elemento della band di mettere in luce la propria sensibilità eclettica. L'ostrica è utilizzata come allegoria della protezione interiore: una scorza dura sviluppata per difendere la propria vulnerabilità (la perla), nata ed evoluta attraverso il dolore e l'isolamento.
La ninna nanna sognante “Lullaby” oscilla costantemente tra calma apparente e improvvise aperture dinamiche. L'arrangiamento dei sintetizzatori crea un panorama sonoro avvolgente e nostalgico, mentre il testo si sviluppa come un canto consolatorio rivolto a chi si sente tagliato fuori dal mondo, offrendo una dolce quanto malinconica via di fuga attraverso la dimensione del sogno e dell'immaginazione.
“4Ever Gone” sembra un mix fra i Jethro Tull acustici e i primi Pink Floyd di Syd Barrett, mentre una tromba apre “Losing Paradise”, altro movimento contemplativo e ben arrangiato in cui il paradiso sognato o cercato si rivela fragile o illusorio, costringendo il protagonista a fare i conti con la cruda realtà della propria condizione di naufrago.
Altra perla scura ed affascinante è “Eyes Of Fate”, mentre la conclusione spetta a “Marooned”, la quale si apre melodicamente per poi crescere elettricamente.
In definitiva, “Lullabies For The Marooned” si rivela molto più di un semplice racconto su un naufragio d'altri tempi: è un porto sicuro per l'ascoltatore. I ViaMedia hanno saputo tessere un arazzo sonoro dove la malinconia dell'isolamento trova conforto in melodie avvolgenti e arrangiamenti cameristici di rara eleganza. Un'opera che chiede la giusta predisposizione d'animo e il tempo necessario per essere assimilata, ma che ripaga svelando, ascolto dopo ascolto, il fascino intimo di una tempesta interiore placata soltanto dalla musica. MS

ASCOLTO: https://viamedia.bandcamp.com/album/lullabies-for-the-marooned

Versione Inglese:

Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genre: Crossover Prog
Format: Bandcamp – 2026

Music can resonate deeply with the human spirit even without tackling religious themes, especially when built on soundscapes that touch the soul and detach you from the world around you. ViaMedia return with their second studio album, Lullabies For The Marooned, an exploration of isolation, abandonment, existential shipwreck, and the search for a safe harbor amid life's storms.
ViaMedia is a multinational project embodying the essence of modern, eclectic progressive rock, moving seamlessly between art rock sonorities, jazz-rock nuances, and neo-prog echoes, all enhanced by a meticulous care for atmospheric textures and lyrical storytelling. Hailing from diverse backgrounds and geographical origins, the band members are united by a desire to blend complex musical structures with a strong melodic sensibility. The group derives its name from the pursuit of an expressive "middle way"—a thoughtful balance between technical virtuosity and emotional immediacy, between experimentation and songcraft.
Based in the UK and Norway, ViaMedia consists of Karl Yngvar Dale (vocals, bass, double bass, keyboards, acoustic guitar) and Tore Dimmestøl (vocals, electric and acoustic guitars, keyboards, concertina, effects). To bring this concept to life, they enlisted high-caliber guest musicians including Gunnar Halle (trumpet), Tore Ljøkelsøy (drums), Hugh Midford (violin), Chris Forrest (clarinet), and the Henley String Quartet alongside the Aberystwyth String Quartet (strings).
The album features ten tracks, beginning with “Everything Is Quiet Now”, a delicate and dreamlike opening composition. Acoustic guitars and soft keyboard layers weave a suspended atmosphere that gradually expands with the entrance of a subtle yet dynamic rhythm section. The lyrics explore the deceptive calm following a major emotional upheaval; the "silence" of the title represents not merely peace, but also the sense of void and disorientation felt right after a crisis subsides.
“Commodore Anson” retains those dreamlike airs, enriched by string arrangements capable of catapulting the listener back to the 1970s. This ballad serves as a figurative homage to historical naval exploration, where the figure of Commodore Anson becomes a metaphor for the solitary navigator defying the unknown, facing maritime adversity and the weight of grave decisions.
“Weight Of The World” picks up the pace, shifting its stylistic epicenter into the 1980s with a dramatic sweep and majestic stride. Well-defined basslines support an intricate web of orchestral keyboards and pathos-filled guitar solos. Here, the feeling of oppression and emotional burden that so often weighs upon the modern individual takes center stage—a tale of internal struggle that turns every choice into a potential heavy anchor.
The record delves into White Willow-esque neo-prog with “Dead Man's Chest”, a dark prog track featuring expressive vocal lines and controlled dissonances that maintain a high level of dramatic tension.
Among the album's most intriguing moments is “Oyster”, driven by a danceable rhythm that immerses it even further in 80s aesthetics. Its fluid structure features expansive instrumental passages that allow each member to showcase their eclectic musicality. The oyster acts as an allegory for internal defense: a tough shell developed to shield one's vulnerability (the pearl), born and forged through pain and solitude.
The dreamlike lullaby “Lullaby” constantly sways between apparent serenity and sudden dynamic swells. Ambient synthesizer arrangements create an enveloping, nostalgic soundscape, while the lyrics unfold as a consoling chant for those who feel alienated from the world, offering a sweet yet melancholic escape into dreams and imagination.
“4Ever Gone” feels like a cross between acoustic Jethro Tull and Syd Barrett-era Pink Floyd, whereas a trumpet introduces “Losing Paradise”—another contemplative, finely arranged movement where the sought-after paradise proves fragile or illusory, forcing the protagonist to confront the stark reality of their stranded condition.
Another dark and captivating gem arrives with “Eyes Of Fate”, leading into the closing track “Marooned”, which opens melodically before building into an electric crescendo.
Ultimately, Lullabies For The Marooned proves to be far more than a simple tale of an ancient shipwreck: it is a safe harbor for the listener. ViaMedia have woven a sonic tapestry where the melancholy of isolation finds comfort in sweeping melodies and chamber arrangements of rare elegance. It is a work that demands the right mindset and time to be fully digested, but one that rewards the listener by revealing, spin after spin, the intimate beauty of an inner storm calmed only by music. MS

FOR LISTENING: https://viamedia.bandcamp.com/album/lullabies-for-the-marooned

Storia E Volti Del Jazz Prog Italiano

2026-10-11T06:00:00.000+02:00

STORIA E VOLTI DEL JAZZ PROG ITALIANO: LA DIAGONALE IMPROVVISATA

Di Massimo Salari

Perigeo

Questo breve speciale è ovviamente incompleto di tutte le band che hanno reso famoso il genere per motivi di lunghezza, tuttavia ecco un buon sunto dell'accaduto per chi volesse iniziare il percorso:

Tra la fine degli anni ’60 e la metà degli anni ’70, l’Italia fu teatro di uno dei movimenti musicali più vivaci d’Europa. Mentre il Rock Progressivo di matrice sinfonica guadagnava le vette delle classifiche, parallela e sotterranea si sviluppava una corrente diversa, contaminata e altamente tecnica: il Jazz Rock.
Il Prog classico guardava alla musica classica europea, al romanticismo e al Folk, il Jazz Prog attingeva a piene mani dalla rivoluzione elettrica di Miles Davis (Bitches Brew), dalle esplosioni timbriche della Mahavishnu Orchestra e dalla libertà espressiva della Canterbury Scene, innestandole nel fermento sociale e culturale del nostro Paese.
Il fenomeno non nacque per caso, e si sviluppò dall'incontro tra due mondi distinti, i virtuosi del Conservatorio e del Jazz di sala con musicisti dalla formazione solida, stanchi degli schemi rigidi del Jazz tradizionale o delle orchestre d'accompagnamento pop, e i festival all'aperto (da Parco Lambro a Villa Pamphili). Erano i circoli del proletariato giovanile e le etichette indipendenti (Cramps, Numero Uno, IT) che cercavano sonorità di rottura. Il risultato fu un suono viscerale, tecnico e spesso politico, capace di spaziare dalla Fusion più raffinata all'avanguardia pura.
Potremmo catalogarli così:

1. L'Anima Fusion e Mediterranea (Il virtuosismo strutturato)
2. L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)

L'Anima Fusion e Mediterranea

Questo filone prediligeva la precisione esecutiva, l'interlocking ritmico e la ricerca del groove, arricchendo la lezione americana con sensibilità melodica latina e mediterranea.
Alcuni esempi noti giungono da I PERGIGEO, guidati dal contrabbassista Giovanni Tommaso, con musicisti del calibro di Franco D'Andrea e Bruno Biriaco. Questi rappresentano il punto più alto del Jazz Rock italiano strutturato. Album come “Azimut” (1972) e “Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere” (1973) coniugano una perizia tecnica impeccabile a strutture Prog complesse ma fruibili.
Oppure dai NAPOLI CENTRALE,

che sono la risposta partenopea guidata da James Senese e Franco Del Prete. Qui il Jazz Rock si tinge di anima popolare, veracità urbana e impegno sociale, fondendo sax viscerale, ritmiche Funk-Prog e dialetto napoletano.

Da sottolineare gli AGORA’

band della regione Marche fondata nel 1974 a Serra San Quirico, che rappresentano una delle parabole più affascinanti e atipiche della scena. Sostenuti da una padronanza tecnica fuori dal comune, fondono un Jazz Rock intimista, meditativo e mediterraneo, privo dell'aggressività tipica dell'Hard Fusion dell'epoca. Debuttarono con un album registrato dal vivo al celebre Festival di Montreux nel luglio del 1975, un caso rarissimo per un gruppo italiano agli esordi. Brani come “Penetrazione” e la suite “Serra S. Quirico” mostrano un interplay raffinato guidato dal sassofono soprano di Ovidio Urbani, dalle tastiere elettriche di Roberto Bacchiocchi e dalla chitarra di Renato Gasparini. Il secondo lavoro in studio “Agorà 2” (1976) confermò la classe del quintetto, arricchendo le sonorità con elementi etnici e strutture compositive ancora più liriche e flautate. Proseguiranno la carriera sino ad oggi in attesa del nuovo album del cinquantenario.

Non da meno i fiorentini BELLA BAND

seppure rilascino un solo album dal titolo omonimo nel 1978 per l’etichetta Cramps. Vedeva tra le sue file il tastierista Riccardo Cioni e il batterista Mauro Sarti, già nei Campo di Marte e rappresentavano il momento in cui il Jazz Rock incontrava la complessità del Prog d'avanguardia.
L'album omonimo “Bella Band” è un lavoro dal virtuosismo travolgente ma mai fine a se stesso. Brani come “Porotopostrippa Sul Pero” e “Faidadiesis” evidenziano tempi dispari frenetici, interventi di fiati (sax, flauto, clarinetto) e sintetizzatori spinti al limite, unendo l'impostazione stilistica della Cramps (Area, Arti e Mestieri) con un'agilità ritmica quasi zappaiana.

L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)

In questo versante, il Jazz diventa sinonimo di scomposizione, improvvisazione radicale e rottura degli schemi formali. Due gli esempi più eclatanti e di successo: AREA e ARTI E MESTIERI.

Gli AREA (International POP Group)

sono una vera e propria anomalia nel panorama mondiale. Con la voce sbalorditiva di Demetrio Stratos (polifonie), il pianoforte di Patrizio Fariselli e la chitarra di Paolo Tofani, fusero Free Jazz, etno-musica balcanica, elettronica sperimentale e ideologia di sinistra (“Arbeit Macht Frei”, “Crac!”). Moltissima sperimentazione strutturale e di risveglio per le coscienze, un connubio per “svegliare” le masse anche in maniera provocatoria, specialmente in sede live.

Gli ARTI E MESTIERI

sono invece diretti dalla formidabile batteria di Furio Chirico e dalle tastiere di Beppe Crovella. I torinesi produssero un Jazz Rock fulmineo, iper-tecnico e altamente sinfonico, documentato in capolavori come “Tilt” (1974) e “Giro Di Valzer Per Domani” (1975).

La continuità del Jazz Prog: Le band post-anni '70 e contemporanee

Verso la fine degli anni '70, col mutare del clima politico e l'avvento della Disco Music e della New Wave, la stagione d'oro del Jazz Prog si avviò al tramonto. Tuttavia, la sua eredità ha continuato a irrorare la musica italiana, dalla scena Canterbury piemontese e milanese degli anni '80 fino ai gruppi indipendenti contemporanei che continuano a recuperare la lezione degli Area e del Perigeo. Il cordone ombelicale tra Jazz e Rock Progressivo non si è mai spezzato, grazie a etichette dedicate come Lizard Records, Black Widow, Mellow Records, Moonjune, Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music ed altre ancora.

Qui solo alcune delle band che hanno reso possibile il proseguimento del genere:

CALLIOPE: Anni '80 / '90 (Piemonte). Nati con una matrice Neo Prog sinfonica, hanno inserito ritmiche e soluzioni fiatistiche di stampo chiaramente Jazz Rock grazie alla presenza di ex membri di Arti e Mestieri. Consigliato: “La Terra Dei Gioielli” (1995)

DEUS EX MACHINA: Anni '90 - oggi (Bologna) Una delle band più travolgenti e tecnicamente mostruose del panorama mondiale. Fondono il Jazz Rock degli Area, il Prog sinfonico, e l'Hard Rock con la voce pirotecnica di Alberto Piras (cantata in latino e italiano). Consigliati: “De Republica” (1995), “Cinque” (2002)

ACCORDO DEI CONTRARI: Anni 2000 - oggi (Bologna). Quartetto/quintetto strumentale di altissimo livello. Uniscono Canterbury scene, Jazz Rock moderno, Soft Machine e Mahavishnu con una visione compositiva rigorosa e organica. Consigliati: “Koinè” (2007), “Kublai” (2014).

BAROCK PROJECT: Anni 2000 - oggi (Emilia-Romagna). Pur collocandosi prevalentemente nel sinfonico moderno, la loro matrice pianistica ed esecutiva incorpora continui strappi e digressioni fusion e Jazz Rock di notevole perizia tecnica. Consigliati: “Skyline” (2015), “Seven Hands” (2017)

YUGEN: Anni 2000 - oggi (Milano). Progetto guidato dal chitarrista e compositore Francesco Zago. Collocati nell'area Avant-Prog / RIO (Rock in Opposition), integrano una forte componente chamber-Jazz, avanguardia contemporanea e scomposizioni ritmiche. Consigliati: “Labirinto D'Acqua” (2006), “Iridule” (2010)

PROCOSMICO: Recenti (Italia). Progetto contemporaneo che riprende il testimone della Canterbury scene e del Jazz Rock strumentale con un taglio fresco, timbri vintage e strutture fluide. Consigliato: “Procosmico” (2020)

MOGADOR: Anni 2000 - oggi (Toscana). Progetto legato ad atmosfere calde e contaminati tra Canterbury, Jazz Prog mediterraneo ed elementi sinfonici, dove flauto, sax e tastiere dialogano costantemente. Consigliati: “Mogador” (2009), “Chapter 4” (2018)

Versione Inglese:

HISTORY AND FACES OF ITALIAN JAZZ PROG: THE IMPROVISED DIAGONAL

By Massimo Salari

This short special feature is obviously incomplete regarding all the bands that made the genre famous due to length constraints; however, here is a good summary of what took place:

Between the late 1960s and the mid-1970s, Italy was the stage for one of Europe's most vibrant musical movements. While symphonic-inspired Progressive Rock was reaching the top of the charts, a different, highly technical, and cross-pollinated movement was developing in parallel underground: Jazz Rock.
While classic Prog drew from European classical music, Romanticism, and Folk, Jazz Prog pulled heavily from the electric revolution of Miles Davis (Bitches Brew), the timbral explosions of the Mahavishnu Orchestra, and the expressive freedom of the Canterbury Scene, embedding them into the social and cultural ferment of Italy.
This phenomenon did not happen by chance; it grew from the meeting of two distinct worlds: Conservatory-trained virtuosos and lounge jazz musicians with solid technical backgrounds, tired of the rigid patterns of traditional Jazz or pop backing orchestras, alongside outdoor festivals (from Parco Lambro to Villa Pamphili). These were the youth proletariat clubs and independent record labels (Cramps, Numero Uno, IT) seeking groundbreaking sounds. The result was a visceral, technical, and often political sound, capable of ranging from the most refined Fusion to pure avant-garde.
We could categorize them as follows:

The Fusion and Mediterranean Soul (Structured Virtuosity)
The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

The Fusion and Mediterranean Soul

This stream favored executive precision, rhythmic interlocking, and the pursuit of groove, enriching the American influence with a Latin and Mediterranean melodic sensibility.

Notable examples come from PERIGEO, led by double bassist Giovanni Tommaso, featuring musicians of the caliber of Franco D'Andrea and Bruno Biriaco. They represent the high-water mark of structured Italian Jazz Rock. Albums like Azimut (1972) and Abbiamo Tutti Un Blues Da Piangere (1973) combine flawless technical mastery with complex yet accessible Prog structures.

Another prime example is NAPOLI CENTRALE, the Neapolitan response led by James Senese and Franco Del Prete. Here, Jazz Rock takes on a popular soul, urban authenticity, and social engagement, fusing visceral saxophone, Funk-Prog rhythms, and Neapolitan dialect.

Special mention goes to AGORÀ, a band from the Marche region formed in 1974 in Serra San Quirico, representing one of the most fascinating and atypical trajectories of the scene. Supported by extraordinary technical command, they blended an intimate, meditative, and Mediterranean Jazz Rock, free from the typical aggressiveness of the hard fusion of that era. They debuted with an album recorded live at the famous Montreux Festival in July 1975—an extremely rare occurrence for a debut Italian band. Tracks like "Penetrazione" and the "Serra S. Quirico" suite showcase a refined interplay led by Ovidio Urbani's soprano saxophone, Roberto Bacchiocchi's electric keyboards, and Renato Gasparini's guitar. Their second studio effort, Agorà 2 (1976), confirmed the quintet's class, enriching their sound with ethnic elements and even more lyrical, flute-driven compositional structures. Their career continues to this day as they await their upcoming 50th-anniversary album.

Equally noteworthy are Florence's BELLA BAND, despite releasing only a single self-titled album in 1978 on the Cramps label. Featuring keyboardist Riccardo Cioni and drummer Mauro Sarti (formerly of Campo di Marte), they represented the moment where Jazz Rock met the complexity of avant-garde Prog.

The self-titled album Bella Band is a work of dazzling virtuosity that is never self-serving. Tracks like "Porotopostrippa Sul Pero" and "Faidadiesis" highlight frantic odd time signatures, wind instrument interventions (sax, flute, clarinet), and synthesizers pushed to the limit, combining the stylistic approach of Cramps (Area, Arti e Mestieri) with an almost Zappa-esque rhythmic agility.

The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

On this side of the spectrum, Jazz becomes synonymous with deconstruction, radical improvisation, and breaking away from formal structures. The two most striking and successful examples are AREA and ARTI E MESTIERI.

AREA (International POP Group) are a true anomaly on the global stage. Featuring Demetrio Stratos's astonishing vocal work (polyphonics), Patrizio Fariselli's piano, and Paolo Tofani's guitar, they fused Free Jazz, Balkan ethno-music, experimental electronics, and leftist ideology (Arbeit Macht Frei, Crac!). Packed with structural experimentation and a drive for conscious awakening, it was a union designed to "wake up" the masses, often in provocative ways, especially during live performances.

ARTI E MESTIERI, on the other hand, were driven by Furio Chirico's formidable drumming and Beppe Crovella's keyboards. The Turin-based group produced lightning-fast, hyper-technical, and highly symphonic Jazz Rock, documented in masterpieces like Tilt (1974) and Giro Di Valzer Per Domani (1975).

The Continuity of Jazz Prog: Post-1970s and Contemporary Bands

Towards the end of the 1970s, as the political climate shifted and Disco Music and New Wave emerged, the golden era of Jazz Prog began to sunset. However, its legacy continued to nourish Italian music, from the Piedmontese and Milanese Canterbury scene of the 1980s to contemporary independent groups that continue to draw from the lessons of Area and Perigeo. The umbilical cord between Jazz and Progressive Rock was never severed, thanks to dedicated labels such as Lizard Records, Black Widow, Mellow Records, Moonjune, Cuneiform, Ma.Ra.Cash Records, G.T. Music, and others.

Here are just a few of the bands that made the genre's continuation possible:

CALLIOPE: 1980s / 1990s (Piedmont). Emerging from a symphonic Neo-Prog root, they incorporated Jazz Rock-style rhythms and horn arrangements thanks to the presence of former members of Arti e Mestieri. Recommended: La Terra Dei Gioielli (1995)

DEUS EX MACHINA: 1990s – present (Bologna). One of the most overwhelming and technically monstrous bands on the global scene. They fuse Area's Jazz Rock, symphonic Prog, and Hard Rock with Alberto Piras's pyrotechnic vocals (sung in Latin and Italian). Recommended: De Republica (1995), Cinque (2002)

ACCORDO DEI CONTRARI: 2000s – present (Bologna). An instrumental quartet/quintet of the highest order. They merge the Canterbury scene, modern Jazz Rock, Soft Machine, and Mahavishnu with a rigorous and organic compositional vision. Recommended: Koinè (2007), Kublai (2014)

BAROCK PROJECT: 2000s – present (Emilia-Romagna). While primarily rooted in modern symphonic Prog, their piano-driven execution constantly incorporates fusion and Jazz Rock breaks and digressions of remarkable technical skill. Recommended: Skyline (2015), Seven Hands (2017)

YUGEN: 2000s – present (Milan). A project led by guitarist and composer Francesco Zago. Positioned within Avant-Prog / RIO (Rock in Opposition), they integrate a strong chamber-jazz component, contemporary avant-garde, and rhythmic deconstructions. Recommended: Labirinto D'Acqua (2006), Iridule (2010)

PROCOSMICO: Recent (Italy). A contemporary project picking up the torch of the Canterbury scene and instrumental Jazz Rock with a fresh approach, vintage tones, and fluid structures. Recommended: Procosmico (2020)

MOGADOR: 2000s – present (Tuscany). A project tied to warm atmospheres and cross-pollinations between Canterbury, Mediterranean Jazz Prog, and symphonic elements, where flute, sax, and keyboards maintain a constant dialogue. Recommended: Mogador (2009), Chapter 4 (2018)

Arctic Plant

2026-10-10T06:00:00.000+02:00

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog / Metal Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Questa volta è la Germania (Bayreuth) a proporci un album di Progressive Rock infarcito di classicismi con richiami ai King Crimson, Yes e Camel. Una bella sorpresa per tutti coloro che cercano nella musica qualcosa di più articolato in cui crogiolarsi.
Arctic Plant è il progetto di Philipp Rexilius giunto con “Absolute Power” al suo quarto capitolo, un disco complesso con fughe che possono far tornare in mente i primi Spock’s Beard. Dopo un passato giovanile come batterista in formazioni e band locali, si è affermato come polistrumentista e compositore autodidatta orientato verso il Crossover Prog e il Progressive Rock sinfonico e concettuale. Nel 2013/2014 ha dato vita ad Arctic Plant, la sua one-man band e solido progetto solista. Nel contesto di Arctic Plant, Rexilius cura in prima persona ogni fase della creazione musicale: compone le musiche, scrive i testi, suona tutti gli strumenti (chitarre elettriche ed acustiche, tastiere, synth, basso e batteria/programmazioni), registra le voci e si occupa dell'intero processo di mixing e produzione. Solo alcune voci sono affidate agli ospiti Andreas Ludwig (voce in “The Priest”), Ewa Wieczorek (voce in “The Rebel”) e Michael Kuchenbrod (voce in “Men's Choir”).
“Absolute Power” è un imponente concept album di critica sociale e distopica. L'ispirazione concettuale dell'opera nasce da una riflessione sulle reti neurali, sui Large Language Models, sull'impatto dei social network e sulla progressiva delega del pensiero critico alle tecnologie d'intelligenza artificiale e di controllo di massa. Il disco vuole essere un monito a non rinunciare all'indipendenza di pensiero di fronte ai meccanismi di manipolazione, propaganda, morale di facciata e tecnocrazia.
Come il genere generalmente richiede, si apre con una suite di venti minuti abbondanti intitolata “Brave New World”. Un tuffo immediato nella musica classica moderna, come quella ispirata dai Pink Floyd con “Atom Heart Mother”, per poi lanciarsi irrefrenabilmente in intricati tempi dispari, riff di chitarra d'impronta Heavy, assoli melodici e maestose aperture di tastiera. Belle anche le coralità. Un pezzo che scorre via in un attimo, a testimonianza che l’attenzione dell’ascoltatore non viene mai meno. Il testo è un chiaro riferimento all'opera huxleyana e alla letteratura distopica: una società apparentemente pacifica e automatizzata, ma del tutto asservita al controllo dell'algoritmo e della tecnologia, dove la libertà individuale viene anestetizzata in cambio di un falso senso di sicurezza.
Piacevole la ballata successiva “Moral Highground”, soffice, gentile e dalle aperture vocali ariose. Il testo affronta il tema dell'ipocrisia politica e sociale, analizzando come chi detiene il potere (tecnologico o istituzionale) utilizzi la superiorità morale di facciata per reprimere il dissenso ed esigere conformismo.
Tuona la chitarra elettrica in un andamento Metal Prog virtuosistico in “Manifesto”, brano rigoroso con ritmi marziali, stacchi di tastiera dal sapore Neo Prog e un uso stratificato di synth e cori che creano un'atmosfera fredda e solenne, come a tratti la voce robotica che enuncia i dogmi e le verità ufficiali imposte alla massa, in cui l'obbedienza viene presentata come l'unica virtù possibile.
Fra i momenti più drammatici e intimistici c’è “Who Are You?”, in cui un lamento si allaccia alle tastiere di fondo che descrivono un ambiente oscuro dove l’individuo si guarda allo specchio e si interroga sulla propria identità residua, chiedendosi cosa sia rimasto della propria umanità autentica dopo l'omologazione al sistema.
A questo punto giunge la seconda suite “Insurgency”, con il classicismo sinfonico e le scorribande sonore associabili alla colonna sonora di un film ad alta intensità, caratterizzata da fughe di chitarra epica e cambi repentini ancora una volta prossimi agli Spock’s Beard. Il testo descrive l'atto di ribellione attiva da parte di chi rifiuta di conformarsi, la lotta materiale e psicologica per spezzare il controllo. Per chi vi scrive questo è uno dei momenti più alti dell’intera opera.
Cori epici aprono “Superbia And Plunge”, traccia chiaramente divisa in due momenti dinamici. La prima sezione (Superbia) è caratterizzata da sonorità pompose, accordi maestosi e riff imponenti; la seconda (Plunge) vira verso tonalità caotiche, dissonanti e discendenti, con tanto di interventi in growl. Il finale si apre alla solarità con un solo di chitarra che scalda il cuore. Il brano affronta la tracotanza dei tiranni e delle strutture di potere, raccontando l'arroganza dell'autorità che, convinta del proprio controllo totale, non si accorge del proprio inevitabile ed imminente crollo.
Adiacente è “The Final Kneeling”, altra cavalcata Metal Prog epica, cupa e profonda dove le chitarre pesanti e i synth oscuri avanzano a ritmo cadenzato, trasmettendo un senso di oppressione e resa imminente. Analizza le conseguenze devastanti dello scontro, è il momento in cui si contano i danni, evidenziando il prezzo umano e le ferite inflitte dalla lotta contro un potere sovrastante.
Infine ecco l’epilogo sinfonico di ampio respiro intitolato “Ascend Thy Throne”, costruito con aperture melodiche, crescendo d'organo e synth. Abbattuto un sistema autoritario, si pone l'eterno interrogativo su chi occuperà il nuovo trono e se la storia sia destinata inesorabilmente a ripetersi.
In ultima analisi, la quarta prova in studio di Arctic Plant si rivela come un affresco sonoro di rara coerenza e ambizione. Tra suite fiume da oltre venti minuti, passaggi acustici di toccante introspezione ed esplosioni heavy di grande impatto, “Absolute Power” mette a nudo i paradossi dell'era digitale e le sottili tirannie del nostro presente. Phil Rexilius gestisce ogni singolo dettaglio produttivo con una visione lucida e priva di compiacimenti, regalandoci un’opera che richiede tempo e attenzione, ma che ripaga l'ascoltatore con una profondità emotiva e concettuale non comune. Un disco potente, ammonitore e necessario. MS

Versione Inglese:

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Self-released
Genre: Crossover Prog / Prog Metal
Format: CD / Bandcamp – 2026

This time it is Germany (Bayreuth) bringing us a Progressive Rock album packed with classicism, echoing the likes of King Crimson, Yes, and Camel. A delightful surprise for anyone seeking something more intricate to immerse themselves in.
Arctic Plant is the project of Philipp Rexilius, now reaching its fourth chapter with “Absolute Power”—a complex record with instrumental runs reminiscent of early Spock’s Beard. Following a youth spent as a drummer in local bands and line-ups, he established himself as a self-taught multi-instrumentalist and composer focused on Crossover Prog as well as symphonic and conceptual Progressive Rock. In 2013/2014, he gave life to Arctic Plant, his one-man band and solid solo project. Within Arctic Plant, Rexilius personally oversees every stage of musical creation: he composes the music, writes the lyrics, plays all instruments (electric and acoustic guitars, keyboards, synths, bass, and drums/programming), records the vocals, and handles the entire mixing and production process. Only a few vocal parts are entrusted to guests: Andreas Ludwig (vocals on “The Priest”), Ewa Wieczorek (vocals on “The Rebel”), and Michael Kuchenbrod (vocals on “Men's Choir”).
“Absolute Power” is an imposing concept album centered on social and dystopian critique. The work's conceptual inspiration stems from reflections on neural networks, Large Language Models, the impact of social media, and the gradual delegation of critical thinking to artificial intelligence technologies and mass control mechanisms. The record serves as a warning against surrendering independent thought to mechanisms of manipulation, propaganda, superficial morality, and technocracy.
As the genre typically demands, it opens with an epic suite lasting over twenty minutes titled “Brave New World.” An immediate plunge into modern classical music—reminiscent of Pink Floyd’s approach on “Atom Heart Mother”—before launching uncontrollably into intricate odd time signatures, heavy-tinged guitar riffs, melodic solos, and majestic keyboard sweeps. The vocal harmonies are equally impressive. It is a track that flies by, proving that the listener’s attention never wanes. The lyrics are a clear nod to Huxley’s work and dystopian literature: an apparently peaceful, automated society that is entirely subservient to algorithmic and technological control, where individual freedom is numbed in exchange for a false sense of security.
The following ballad, “Moral Highground,” is pleasant, soft, gentle, and features airy vocal openings. The lyrics tackle the theme of political and social hypocrisy, analyzing how those in power (whether technological or institutional) use a facade of moral superiority to suppress dissent and demand conformity.
Electric guitars thunder with a virtuosic Prog Metal momentum in “Manifesto,” a rigorous track featuring martial rhythms, Neo-Prog keyboard breaks, and a layered use of synths and choirs that create a cold, solemn atmosphere—much like the robotic voice that intermittently proclaims the official dogmas and truths imposed on the masses, where obedience is presented as the sole virtue.
Among the most dramatic and intimate moments is “Who Are You?”, where a vocal lament intertwines with background keyboards to portray a dark setting in which the individual gazes into the mirror and questions their remaining identity, asking what authentic humanity is left after conforming to the system.
At this point arrives the second suite, “Insurgency,” bringing symphonic classicism and sonic escapades akin to a high-intensity film soundtrack, driven by epic guitar runs and sudden shifts that once again bring early Spock’s Beard to mind. The lyrics describe the act of active rebellion by those who refuse to conform, detailing the physical and psychological struggle to break free from control. For this reviewer, it stands as one of the highest points of the entire work.
Epic choirs open “Superbia And Plunge,” a track distinctly split into two dynamic movements. The first section (Superbia) is defined by pompous soundscapes, majestic chords, and imposing riffs; the second (Plunge) shifts toward chaotic, dissonant, and descending tones, complete with growling vocals. The ending opens up to brightness with a heart-warming guitar solo. The song addresses the arrogance of tyrants and power structures, depicting the hubris of authority that, convinced of its total control, fails to notice its inevitable and impending collapse.
Adjacent is “The Final Kneeling,” another epic, dark, and deep Prog Metal ride where heavy guitars and dark synths advance at a measured cadence, conveying a sense of oppression and imminent surrender. It examines the devastating consequences of the conflict—the moment of counting the cost, highlighting the human toll and the wounds inflicted by battling an overwhelming force.
Finally comes the broad symphonic epilogue titled “Ascend Thy Throne,” built on melodic openings, organ crescendos, and synth layers. With an authoritarian system overthrown, it poses the eternal question of who will occupy the new throne and whether history is inevitably destined to repeat itself.
Ultimately, the fourth studio effort from Arctic Plant proves to be a sonic canvas of rare coherence and ambition. Spanning twenty-minute epic suites, touchingly introspective acoustic passages, and high-impact heavy outbursts, “Absolute Power” exposes the paradoxes of the digital age and the subtle tyrannies of our present day. Phil Rexilius manages every single production detail with a lucid, uncompromised vision, delivering a work that requires time and attention, but rewards the listener with uncommon emotional and conceptual depth. A powerful, cautionary, and necessary record. MS

Kamelot

2026-10-09T06:00:00.000+02:00

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genere: Metal Progressive
Supporto: LP / CD – 2026

Sì, personalmente, malgrado la mia veneranda età, ho ancora la voglia e la capacità di sedermi davanti a un buon impianto stereo e ascoltare la musica. Fin qui nulla di speciale, lo fanno in molti; quello che invece sto notando nel tempo è che sono sempre di meno le persone che ascoltano Metal Progressive, soprattutto se una band intraprende il cammino del concept album. Non si ha più la pazienza di stare lì seduti (salvo alzarsi per voltare il vinile al lato B) per la durata di un intero disco. In realtà c’è Metal Prog e Metal Prog, anche dentro il genere stesso si hanno sottogeneri, come coloro che suonano ricercando nuove sonorità e innesti stilistici, i classici derivativi di Dream Theater, Queensrÿche & company, e le Epic band intente a perlustrare un mondo fatto di sinfonie e magniloquenze.
I Kamelot sono di quest’ultima categoria e sono in auge dal lontano 1991, non a caso sono famosissimi e hanno alle spalle un'incredibile discografia di quattordici album in studio, compreso questo nuovo “Dark Asylum”.
Nascono a Tampa, in Florida, per iniziativa di Thomas Youngblood e del batterista Richard Warner. Dopo due dischi d'esordio grezzi ma promettenti (“Eternity” nel 1995 e “Dominion” nel 1997), la svolta epocale avviene nel 1998 con l'ingresso del cantante norvegese Roy Khan (ex Conception). Con Khan alla voce, la band vive una vera e propria "Età d'Oro", definendo uno stile inconfondibile basato su lirismo drammatico, orchestrazioni maestose e strutture Progressive raffinatamente incastonate nel Power Symphonic Metal. Nel 2011 Roy Khan lascia il gruppo per motivi personali. L'eredità viene raccolta nel 2012 dal frontman svedese Tommy Karevik (Seventh Wonder), il cui talento vocale ed espressivo permette ai Kamelot di proseguire senza battute d'arresto. Con dischi come “Silverthorn” (2012), “Haven” (2015), “The Shadow Theory” (2018) e “The Awakening” (2023), la band ha ulteriormente arricchito il proprio marchio di fabbrica con innesti moderni, industriali e progressivi.
“Dark Asylum” vede la riconferma della formazione guidata dal chitarrista e fondatore Thomas Youngblood, affiancato dal tastierista e arrangiatore Oliver Palotai, dal bassista Sean Tibbetts, dal batterista Alex Landenburg e dalla voce di Tommy Karevik. Con loro i cantanti ospiti: Clémentine Delauney, Tobias Sammet, Ignacia Fernández, Rannveig Sif Sigurðardóttir, Sólveig Sara Leupold e Lea-Sophie Fischer.
La produzione è curata dallo storico collaboratore Sascha Paeth con un mix dal sapore moderno gestito da Jacob Hansen. Liricamente si presenta come una riflessione concettuale sui rifugi della mente, la vulnerabilità psicologica, la dualità tra sanità e follia e la ricerca di redenzione.
Non può mancare l’intro, qui dal titolo “Sanctorium”, che spalanca simbolicamente le porte dell'"Asylum". Non un manicomio fisico, ma la struttura protettiva (e al contempo carceraria) eretta dall'intelletto per difendersi dal trauma. I riff taglienti di Youngblood e la sezione ritmica serrata guidata da Landenburg si fanno apprezzare nell’energico brano “Ashen World”. Il contrasto tra la voce pulita e drammatica di Karevik e i growl/vocals estremi di Ignacia Fernández crea un dinamismo aggressivo e moderno.
La title track incarna la quintessenza del "Kamelot-sound", tempo medio-veloce, sinfonismo avvolgente, inserti di cori tragici e linee di basso pulsanti di Sean Tibbetts. Il ritornello è maestoso, sorretto dalle armonizzazioni aggiuntive di Kiara Huber. L'"Asilo Oscuro" è inteso come luogo di isolamento volontario. Quando la realtà esterna diventa insopportabile, la mente si ritira in un santuario d'ombra dove dolore e sicurezza finiscono per coincidere.
Uno dei momenti più complessi dal punto di vista dell'arrangiamento vocale è “Sanctuary”; maestoso e roboante, il brano rappresenta un dialogo interiore a tre vie: la ragione (Karevik), l'empatia/speranza (Delauney) e il conflitto/rabbia primaria (Fernández), che lottano per definire cosa sia davvero la salvezza.
Dopo l’interludio “Nocte Veritas” giunge “One Last Masquerade” con la voce di Tobias Sammet, un mid-tempo intrigante e sinuoso nell’incedere che entra a pieno titolo nel Power Metal. Non può mancare la ballata, qui rappresentata da “Ivy, My Dear”, e il dramma ci assale. Contraddistinta da un ottimo lavoro orchestrale firmato da Michael Rodenberg (Miro) e dagli interventi vocali di Kobra Paige (Kobra and the Lotus), è toccante e di classe. L'edera ("Ivy") viene usata come simbolo di un attaccamento affettivo tossico o irrisolto: un abbraccio che protegge, ma che col tempo soffoca la pianta a cui si arrampica.
“Godlike Alchemy” riprende la potenza seppure sempre con melodia, con un impianto moderno dove le tastiere di Palotai guidano il brano con marcate sfumature cyber/industrial affiancate a riff di chitarra ritmici ed essenziali.
Uno dei brani più marcatamente Progressive Metal dell'album, caratterizzato da cambi di tempo, tempi dispari nella batteria di Landenburg e un'atmosfera misteriosa e rarefatta, è “The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)”. Richiamando il paradigma orfico e il mito della discesa negli inferi, il testo esplora lo stato di trance o di mente addormentata, dove il confine tra il mondo dei sogni e la realtà si assottiglia.
E poi, nomen omen, “Kaleidoscope”, brano brillante e sfaccettato. Le tastiere creano trame frammentate che ricordano proprio le figure geometriche di un caleidoscopio, mentre la chitarra alterna stoppati ritmici ad aperture melodiche sinfoniche. Seguono altre cinque splendide canzoni: “Enigma (Think of Me)”, “Cassandra's Disease”, “Beneath the Moon (Tunglið)”, “The Puppet King” e “Sanctum Requiem”, di cui lascio a voi il piacere della scoperta, in fin dei conti avete già messo a fuoco questo magistrale lavoro.
“Dark Asylum” è un viaggio teatrale e affascinante all'interno delle fragilità umane, confezionato con la consueta perizia tecnica e una produzione sontuosa. Tra ritornelli memorabili, spunti progressivi e un ventaglio di ospiti perfettamente integrati, i Kamelot mettono a segno un album maturo e profondo. Dategli un ascolto. MS

Versione Inglese:

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genre: Progressive Metal
Format: LP / CD – 2026

Yes, personally, despite my venerable age, I still have the desire and the ability to sit in front of a good stereo system and listen to music. Nothing special so far—many people do that; what I am noticing over time, however, is that fewer and fewer people listen to Progressive Metal, especially when a band undertakes the journey of a concept album. People no longer have the patience to sit there (except to get up to flip the vinyl to side B) for the duration of an entire record. In truth, there is Prog Metal and then there is Prog Metal; even within the genre itself there are subgenres: those who play in search of new sounds and stylistic blends, the classic derivatives of Dream Theater, Queensrÿche & company, and the Epic bands intent on exploring a world made of symphonies and grandeur.
Kamelot belong to this latter category and have been thriving since back in 1991; it is no coincidence that they are world-famous and boast an incredible discography of fourteen studio albums behind them, including this new release, “Dark Asylum”.
Formed in Tampa, Florida, on the initiative of Thomas Youngblood and drummer Richard Warner, following two raw yet promising debut albums (“Eternity” in 1995 and “Dominion” in 1997), the landmark turning point came in 1998 with the arrival of Norwegian vocalist Roy Khan (ex-Conception). With Khan on vocals, the band experienced a true "Golden Age", defining an unmistakable style based on dramatic lyricism, majestic orchestrations, and Progressive structures elegantly embedded within Symphonic Power Metal. In 2011, Roy Khan left the band for personal reasons. The mantle was picked up in 2012 by Swedish frontman Tommy Karevik (Seventh Wonder), whose vocal and expressive talent allowed Kamelot to forge ahead without missing a beat. With records like “Silverthorn” (2012), “Haven” (2015), “The Shadow Theory” (2018), and “The Awakening” (2023), the band has further enriched its signature sound with modern, industrial, and progressive elements.
“Dark Asylum” sees the re-confirmation of the lineup led by guitarist and founder Thomas Youngblood, joined by keyboardist and arranger Oliver Palotai, bassist Sean Tibbetts, drummer Alex Landenburg, and vocalist Tommy Karevik. Joining them are guest singers Clémentine Delauney, Tobias Sammet, Ignacia Fernández, Rannveig Sif Sigurðardóttir, Sólveig Sara Leupold, and Lea-Sophie Fischer.
Production is handled by longtime collaborator Sascha Paeth, with a modern-flavored mix managed by Jacob Hansen. Lyrically, it presents itself as a conceptual reflection on the sanctuaries of the mind, psychological vulnerability, the duality between sanity and madness, and the search for redemption.
An intro is a must, here titled “Sanctorium”, which symbolically opens wide the doors of the "Asylum". Not a physical madhouse, but the protective (and at the same time imprisoning) structure built by the intellect to defend itself from trauma. Youngblood's razor-sharp riffs and the tight rhythm section led by Landenburg stand out in the energetic track “Ashen World”. The contrast between Karevik's clean, dramatic voice and Ignacia Fernández's extreme growls/vocals creates an aggressive, modern dynamism.
The title track embodies the quintessence of the "Kamelot sound": mid-fast tempo, enveloping symphonism, tragic choral passages, and pulsing basslines from Sean Tibbetts. The chorus is majestic, sustained by additional vocal harmonies from Kiara Huber. The "Dark Asylum" is intended as a place of voluntary isolation: when external reality becomes unbearable, the mind retreats into a sanctuary of shadow where pain and safety ultimately coincide.
One of the most complex moments from a vocal arrangement standpoint is “Sanctuary”; majestic and thunderous, the track represents a three-way internal dialogue: reason (Karevik), empathy/hope (Delauney), and primary conflict/rage (Fernández), all struggling to define what salvation truly means.
Following the interlude “Nocte Veritas” comes “One Last Masquerade” featuring the vocals of Tobias Sammet, an intriguing mid-tempo track with a sinuous stride that fully qualifies as Power Metal. The ballad cannot be missing either, here represented by “Ivy, My Dear”, and drama takes hold of us. Marked by an excellent orchestral arrangement by Michael Rodenberg (Miro) and vocal contributions from Kobra Paige (Kobra and the Lotus), it is touching and classy. The ivy ("Ivy") is used as a symbol of a toxic or unresolved emotional attachment: an embrace that protects, but over time smothers the plant it clings to.
“Godlike Alchemy” brings back the power, albeit always balanced with melody, featuring a modern framework where Palotai's keyboards drive the song with strong cyber/industrial nuances alongside essential, rhythmic guitar riffs.
One of the most markedly Progressive Metal tracks on the album, characterized by time signature changes, odd tempos in Landenburg's drumming, and a mysterious, ethereal atmosphere, is “The Sleeping Mind (Orphic Paradigm)”. Evoking the Orphic paradigm and the myth of the descent into the underworld, the lyrics explore a state of trance or a sleeping mind where the boundary between the dream world and reality blurs.
And then, nomen omen, “Kaleidoscope”, a brilliant and multifaceted piece. The keyboards construct fragmented textures that closely recall the geometric patterns of a kaleidoscope, while the guitar alternates tight staccato riffs with symphonic melodic openings. Five more splendid tracks follow: “Enigma (Think of Me)”, “Cassandra's Disease”, “Beneath the Moon (Tunglið)”, “The Puppet King”, and “Sanctum Requiem”, which I leave to you the pleasure of discovering—after all, you have already brought this masterful work into focus.
“Dark Asylum” is a theatrical, fascinating journey into human fragility, crafted with trademark technical mastery and sumptuous production. Between memorable choruses, progressive touches, and a roster of seamlessly integrated guests, Kamelot have delivered a mature, profound album. Give it a listen. MS

Pure Reason Revolution

2026-10-08T05:00:00.000+02:00

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying Angels
InsideOut Music
Genere: Crossover Prog / Heavy Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Oramai si possono considerare i Pure Reason Revolution come un nome storico del Crossover Prog a tutti gli effetti.
Nascono a Londra nei primi anni 2000 per iniziativa del frontman e polistrumentista Jon Courtney e del chitarrista Greg Jong, uniti successivamente dalla bassista e cantante Chloë Alper. Famosi fin dal capolavoro d'esordio “The Dark Third” (2006) per la loro miscela di Progressive Rock, Shoegaze, Alternative Rock ed Elettronica, si sono distinti nel panorama Crossover Prog per le celebri armonie vocali polifoniche maschili/femminili e per un uso dinamico di riff chitarristici pesanti abbinati a synth e beat moderni. Dopo una pausa durata quasi un decennio (dal 2011 al 2019), il gruppo si è riformato pubblicando una serie di dischi acclamati per l'etichetta InsideOut Music (“Eupnea”, “Above Cirrus”, “Coming Up To Consciousness”).
Questo settimo album in studio è mixato da Bruce Soord dei The Pineapple Thief e, a differenza del predecessore “Coming Up To Consciousness”, segna un ritorno a sonorità nettamente più pesanti, oscure e aggressive. Jon Courtney descrive l'ispirazione concettuale legata alla figura biblica/mitologica dell'angelo: non innocui cherubini, ma entità sopraffacenti e spaventose. Alla lavorazione hanno partecipato, oltre a Jon Courtney, Greg Jong e alla cantante Annicke Shireen, ospiti d'eccezione come Mariusz Duda (Riverside / Lunatic Soul) e Kristoffer Gildenlöw al basso, Paul Mullen alla chitarra e Ravi Kesavaram alla batteria.
Il disco affronta il paradosso della trasformazione, le stesse forze che ci salvano o ci trasformano sono spesso quelle che ci feriscono e ci distruggono.
“Spin Like Fire” è subito ritmato e diretto ed unisce riff di chitarra aggressivi a una pulsione elettronica incalzante. La tensione cresce costantemente attraverso il contrasto tra le voci eteree e una sezione ritmica pesante. Si esplora il senso di frenesia e perdita di controllo. La metafora del girare come fuoco evoca la sensazione di consumarsi rapidamente in situazioni di alta pressione o tumulto emotivo.
Altamente progressivo per struttura giunge “Black-Arrow Acrobats”, che alterna momenti sognanti e sospesi a esplosioni pesanti quasi Stoner/Alternative Metal. Ciò oramai fa parte del DNA della band, così come i ritornelli orecchiabili e gradevoli. Il testo riflette sulla precarietà dell'equilibrio mentale e relazionale ("acrobati"), dove un singolo errore o una "freccia nera" può far crollare la struttura emotiva costruita.
“Haywire Heart”, breve e ritmato, fa da interludio alla suite title track “Terrifying Angels”, un'epica traccia Prog che fonde dinamiche dilatate, riff maestosi e vocalizzi intrecciati. La struttura sposta l'ascoltatore da paesaggi sonori delicati a crescendo seppur sempre misurati. Qui i PRR esplorano il confine tra salvezza e distruzione, e come le cose che percepiamo come protettive possano rivelarsi schiaccianti.
“Rumination Ruin” ritorna in territori cupi e sincopati, sorretto da una linea di basso incalzante e chitarre distorte che esplodono nel ritornello. La "ruminazione" fa riferimento al ciclo ossessivo di pensieri negativi. Il testo analizza come il riflettere costantemente sugli stessi errori possa condurre alla rovina psicologica ed emotiva.
A questo punto l’album vira la rotta verso un crescendo emotivo piacevolissimo con due brani a dir poco ottimi: il primo, “Below Radiance”, è una traccia atmosferica che fa da ponte verso la conclusione dell'opera, concentrandosi su tessiture vocali e tastiere avvolgenti. Essa introduce la suite di quasi quindici minuti intitolata “Hold Your Wrath”, una lunga progressione drammatica con assoli emotivi e un finale imponente. Il brano esplora il perdono, la gestione della rabbia e il tentativo di contenere la distruttività prima che sia troppo tardi.
“Terrifying Angels” non è un ascolto semplice o consolatorio, né intende esserlo. Con questo lavoro, i Pure Reason Revolution firmano uno dei capitoli più cupi, complessi ed emotivamente densi della loro carriera, dimostrando come la loro ricetta, fatta di contrasti violenti tra estetica eterea e riff spietati, non solo non si sia esaurita, ma abbia trovato una nuova e più consapevole maturità. Jon Courtney e soci abbandonano le rassicuranti geometrie del Synth Prog recente per addentrarsi in un territorio impervio, dove la bellezza ferisce e la redenzione passa inevitabilmente attraverso il tumulto. Un album imponente, a tratti viscerale, che riconferma la band ai vertici del Rock Progressivo contemporaneo. MS

Versione Inglese:

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying Angels
InsideOut Music
Genre: Crossover Prog / Heavy Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

At this point, Pure Reason Revolution can truly be considered a historic name in Crossover Prog in every respect.
Formed in London in the early 2000s on the initiative of frontman and multi-instrumentalist Jon Courtney and guitarist Greg Jong, later joined by bassist and vocalist Chloë Alper, they became famous right from their debut masterpiece “The Dark Third” (2006) for their blend of Progressive Rock, Shoegaze, Alternative Rock, and Electronica. They have distinguished themselves in the Crossover Prog scene through their celebrated male/female polyphonic vocal harmonies and a dynamic use of heavy guitar riffs combined with modern synths and beats. After a hiatus lasting nearly a decade (from 2011 to 2019), the group reformed, releasing a series of acclaimed albums for the InsideOut Music label (“Eupnea”, “Above Cirrus”, “Coming Up To Consciousness”).
This seventh studio album was mixed by Bruce Soord of The Pineapple Thief and, unlike its predecessor “Coming Up To Consciousness”, marks a return to distinctly heavier, darker, and more aggressive sounds. Jon Courtney describes the conceptual inspiration linked to the biblical/mythological figure of the angel: not harmless cherubs, but overwhelming and fearsome entities. Joining Jon Courtney, Greg Jong, and vocalist Annicke Shireen on the record are exceptional guests such as Mariusz Duda (Riverside / Lunatic Soul) and Kristoffer Gildenlöw on bass, Paul Mullen on guitar, and Ravi Kesavaram on drums.
The album addresses the paradox of transformation: the very forces that save or transform us are often those that hurt and destroy us.
“Spin Like Fire” is immediately uptempo and direct, joining aggressive guitar riffs with a driving electronic pulse. The tension grows constantly through the contrast between ethereal vocals and a heavy rhythm section. It explores a sense of frenzy and loss of control. The metaphor of spinning like fire evokes the feeling of consuming oneself rapidly in high-pressure situations or emotional turmoil.
Highly progressive in structure comes “Black-Arrow Acrobats”, which alternates dreamy, suspended moments with heavy, almost Stoner/Alternative Metal explosions. This has now become part of the band's DNA, as have their catchy and engaging choruses. The lyrics reflect on the fragility of mental and relational balance ("acrobats"), where a single mistake or a "black arrow" can bring down the emotional structure that has been built.
“Haywire Heart”, short and rhythmic, serves as an interlude to the suite title track “Terrifying Angels”, an epic Prog piece fusing sprawling dynamics, majestic riffs, and interwoven vocals. The structure shifts the listener from delicate soundscapes to crescendos that remain carefully measured throughout. Here PRR explore the boundary between salvation and destruction, and how the things we perceive as protective can turn out to be overwhelming.
“Rumination Ruin” returns to dark, syncopated territory, anchored by a driving bassline and distorted guitars that explode in the chorus. "Rumination" refers to the obsessive cycle of negative thoughts. The lyrics analyze how constantly dwelling on the same mistakes can lead to psychological and emotional ruin.
At this point, the album shifts course toward a delightful emotional crescendo with two outstanding tracks to say the least: the first, “Below Radiance”, is an atmospheric piece that bridges the gap toward the work's conclusion, focusing on vocal textures and enveloping keyboards. It introduces the nearly fifteen-minute suite entitled “Hold Your Wrath”, a long, dramatic progression featuring emotional solos and an imposing finale. The track explores forgiveness, anger management, and the attempt to restrain destructiveness before it is too late.
“Terrifying Angels” is not an easy or comforting listen, nor does it intend to be. With this work, Pure Reason Revolution deliver one of the darkest, most complex, and emotionally dense chapters of their career, proving that their signature formula—built on violent contrasts between ethereal aesthetics and relentless riffs—has far from exhausted itself, finding instead a new and more conscious maturity. Jon Courtney and company abandon the reassuring geometries of recent Synth Prog to venture into rugged territory, where beauty wounds and redemption inevitably passes through turmoil. An imposing, at times visceral album that reconfirms the band at the absolute pinnacle of contemporary Progressive Rock. MS

Tony Carnevale - Beyond Notes

2026-10-07T05:00:00.000+02:00

TONY CARNEVALE - Beyond Notes: Unlocking the Creative and Emotional Power Through Music - The ANORA Method, entra nella Berklee Library

Laboratori, ricerca, metodo Anora: il poliedrico artista, musicista, compositore e scrittore TONY CARNEVALE entra nella Berklee Library e ci spiega cosa è “Beyond Notes”, una ricerca iniziata in Italia oltre quarant’anni fa. La parola all’autore:

TONY CARNEVALE

Una nuova avventura internazionale per una ricerca sulla Musica, sulla Creatività e sui Processi Formativi

Beyond Notes: Unlocking the Creative and Emotional Power Through Music, con il sottotitolo The ANORA Method: Psychodynamic Exploration for Music Education and Creative Development, è stato ufficialmente catalogato nella Stan Getz Library del Berklee College of Music di Boston.

La presenza di questo libro nella biblioteca di Berklee rappresenta un passaggio importante nel percorso internazionale di una ricerca che nasce in Italia molti anni fa e che, attraverso pubblicazioni, attività formative e divulgative, ha progressivamente fatto emergere, oltre alle innumerevoli altre, una domanda particolare: che cosa succede nell’essere umano prima che il movimento del pensiero non cosciente e l’esperienza psichica ad esso legata diventi suono, nota, forma, composizione, improvvisazione, interpretazione ed eventualmente produzione?

Da questa domanda si è messa in movimento una ricerca che ha portato a Beyond Notes, che oggi entra a far parte di una collezione accademica internazionale dedicata alla musica e diventa disponibile per essere letto, studiato, confrontato, discusso e criticato all'interno di uno dei contesti musicali più conosciuti e considerati al mondo.
Particolarmente significativi, rispetto ai contenuti del volume, sono anche i Subject Headings con i quali il libro è stato indicizzato nel catalogo:
Music - Psychological aspects
Music - Instruction and study

Due indicazioni bibliografiche che intercettano aspetti centrali della ricerca sviluppata nel libro: la dimensione psicologica e psicodinamica dell'esperienza musicale e quella relativa alla formazione, all'apprendimento e allo sviluppo della persona attraverso la musica.

Una Ricerca Che Viene Da Lontano

Il percorso comincia intorno al 1985, con alcuni miei articoli dedicati alla reazione umana al suono, pubblicati su una rivista di psichiatria, ai quali fecero seguito nel tempo altri articoli, interviste e contributi attraverso i quali la ricerca iniziale cominciò progressivamente ad ampliarsi.
Un passaggio importante avvenne nel 2003, con un articolo pubblicato sulla rivista di psichiatria Il sogno della farfalla: dalla domanda sulla reazione dell'essere umano al suono, la ricerca portava inevitabilmente verso una questione ancora più radicale: che cos'è la musica?
Una domanda apparentemente elementare che andava oltre la definizione della musica come semplice organizzazione di suoni o sistema codificato di azioni: che cosa rappresenta la musica per l'essere umano? Da dove nasce un'idea musicale? Quale filo lega percezione, reazione emotiva, immaginazione ed espressione? Perché un'esperienza interna dell’essere umano cerca una propria rappresentazione attraverso il suono?
Cominciava così ad emergere sempre più chiaramente una dimensione antropologica della ricerca: la musica considerata come esperienza psichica, espressiva e rappresentativa dell’essere umano.
Queste domande non sono però nate da un'osservazione teorica esterna al fare musica, ma si sono invece sviluppate parallelamente alla mia esperienza di ascoltatore, studente di musica, musicista e artista professionista, compositore, ricercatore e formatore, che continua ancora oggi.
La riflessione sui processi creativi si confronta quindi continuamente con l'esperienza diretta del creare e rappresentare, con il momento in cui un'idea ancora indefinita comincia a trasformarsi in esigenza espressiva per poi assumere una forma, con le difficoltà che incontra, con le trasformazioni che subisce e con gli strumenti tecnici che diventano necessari per poterla realizzare.

Dalla Ricerca Alla Pratica Dei Laboratori

Nel 2000, presso il Conservatorio Licinio Refice di Frosinone, iniziarono le prime esperienze laboratoriali attraverso le quali questi interrogativi poterono essere affrontati direttamente nella pratica formativa, ed è importante, anche storicamente, fare una distinzione: nel 2000 il Metodo ANORA (Approccio NOn RAzionale), come formulazione compiuta e come metodo denominato in questo modo, non esisteva ancora, ma erano già presenti diversi princìpi che sarebbero successivamente diventati Metodo.
Proprio il confronto diretto con le persone, con i loro processi ideativi e creativi, con le difficoltà, le resistenze, le immagini e le possibilità espressive che emergevano durante il lavoro laboratoriale ha consentito a quei principi di essere progressivamente verificati, modificati, approfonditi e organizzati.
I laboratori hanno assunto denominazioni differenti nel corso degli anni; ciò che li collega non è quindi un nome rimasto immutato, ma la continuità di una ricerca e di una pratica formativa che si sono evolute nel tempo: oggi, infatti, questa linea prosegue presso lo stesso Conservatorio Licinio Refice attraverso il Laboratorio di Direzione Artistica della Produzione Musicale.

Un Percorso Di Ricerca E Di Interlocuzione Istituzionale

Nel corso degli anni questa esperienza ha incontrato anche differenti forme di attenzione e sostegno istituzionale: infatti, nel 2005 i laboratori hanno ottenuto il patrocinio della SIAE e sono stati sostenuti per diversi anni con il contributo dell'IMAIE.
In anni più recenti il Metodo ANORA è stato inoltre oggetto di un webinar organizzato da INDIRE, con la partecipazione del Ministero dell'Istruzione e del Merito, nel quale sono stato intervistato da Annalisa Spadolini, Presidente del Comitato nazionale per l'apprendimento pratico della musica per tutti gli studenti, sui principi e sulle prospettive del Metodo: nel commento conclusivo, la stessa Spadolini auspicava che una metodologia di questo tipo potesse trovare applicazione anche a livello istituzionale.
Sono passaggi diversi tra loro, che non costituiscono naturalmente un'unica forma di riconoscimento, ma documentano nel tempo occasioni concrete di confronto tra questa ricerca e differenti realtà della formazione e della cultura musicale.

Dai Laboratori Ai Libri

A partire dal 2010, la ricerca ha trovato un'ulteriore forma di elaborazione e sistematizzazione attraverso una serie di pubblicazioni: Il pensiero e il suono (2010) ha raccolto e sviluppato alcuni dei nuclei emersi negli anni precedenti; nel 2014 è seguito Il suono ritrovato, successivamente pubblicato in altre tre edizioni; sono arrivati poi Poetica, Ricerca e Formazione Musicale (2019), Formazione Musicale Psicodinamica (2020) e Oltre le note - Un approccio non razionale alla musica (2022).
Beyond Notes affonda esplicitamente le proprie radici in quest’ultimo, ma non si limita a trasferirne il contenuto in un'altra lingua: ne sviluppa ulteriormente la ricerca, inserendola in una prospettiva capace di dialogare con un pubblico internazionale e portando in primo piano, già nel sottotitolo, due dei concetti centrali: Psychodynamic Exploration e Creative Development.

Prima Delle Note

Il titolo Beyond Notes potrebbe far pensare soprattutto a qualcosa che si trovi “oltre” le note, ma una parte fondamentale della ricerca riguarda, in realtà, ciò che viene prima delle note: non si tratta, quindi, di negare la tecnica, la conoscenza o il linguaggio musicale, ma di interrogarsi su ciò che li rende necessari.
Prima della nota composta, scritta, suonata o cantata deve potersi formare un'idea/immagine, un'esigenza espressiva, qualcosa che possa poi essere trasformato in una forma musicale; è proprio in questa dimensione che entrano in gioco creatività, fantasia, immagini, emozioni e capacità espressive e rappresentative della persona.
La tecnica acquista allora il suo significato più profondo: diventa, cioè, una necessità legata a un'esigenza espressiva, lo strumento attraverso il quale ciò che nasce dall'esperienza umana può essere organizzato, rappresentato e trasformato in forma artistica.
Possiamo immaginare questo processo come una continuità:
esperienza umana → reazione e formazione dell'idea/immagine → esigenza espressiva → trasformazione in idea musicale/suono → organizzazione musicale → competenze tecniche → forma artistica.
La tecnica rimane, quindi, qualcosa di non eludibile. Cambia però il punto dal quale la osserviamo, soprattutto in questo momento storico nel quale non possiamo evitare una integrazione dell'intelligenza artificiale come strumento di supporto nei percorsi formativi: non più soltanto qualcosa da acquisire preventivamente e accumulare come conoscenza astratta, ma anche uno strumento che diventa necessario nel momento in cui esiste qualcosa che chiede di essere espresso in modo coerente e adeguato.

Ideazione E Composizione

Da questa prospettiva nasce uno dei problemi centrali affrontati dal Metodo ANORA: quello dell'ideazione.
Nella formazione musicale, infatti, impariamo a scrivere, eseguire, interpretare, analizzare e organizzare il materiale musicale, ma esiste un momento precedente, quello nel quale qualcosa deve ancora essere “pensato”.
Nel Metodo ANORA l'ideazione viene assunta esplicitamente come oggetto autonomo del processo formativo, distinto ma connesso alla successiva elaborazione compositiva e tecnica.
Questo conduce a una domanda che considero sempre più importante:
Quando si insegna a comporre, si sta formando il processo creativo oppure si insegna a organizzare tecnicamente il risultato di un processo creativo che si presume già esistente?
La domanda non intende contrapporre ANORA all'insegnamento della composizione, né mettere in discussione il valore del lavoro svolto dai docenti della materia: un esercizio di composizione può infatti sollecitare implicitamente processi creativi senza per questo costituire di per sè una formazione specifica dei processi ideativi.
E la distinzione è importante: significa domandarsi se la capacità di creare idee/immagini, intenzioni più o meno coscienti, necessità espressive, debba essere semplicemente presupposta oppure possa diventare essa stessa oggetto di attenzione formativa.

La Ricerca Dell'Identità Artistica Originale

Il lavoro sui processi creativi ha progressivamente posto al centro un altro tema fondamentale: la ricerca, la formazione e lo sviluppo dell'identità artistica originale.
L'obiettivo non è trasmettere un modello o indicare alla persona che cosa debba creare ma, al contrario, il problema è costruire le condizioni perché possa riconoscere ciò che le appartiene, sviluppare una propria intenzione espressiva e trovare gli strumenti necessari per darle forma, con il supporto del formatore e del gruppo creativo che si forma, conseguentemente alla metodologia ANORA, all’interno dei laboratori.
Da questo punto di vista, il Metodo ANORA non vuole formare persone che creino secondo un modello e, tanto meno, persone che creino come il suo autore; la mia esperienza personale sui processi creativi rappresenta inevitabilmente una delle origini della ricerca, ma il passaggio decisivo consiste proprio nell'uscire dall'esperienza personale per entrare in risonanza con le idee/immagini dei partecipanti ai laboratori.
Non si tratta, cioè, di mostrare agli altri come sono riuscito io a creare, o sovrapporre il mio pensiero creativo a quello di qualcun altro, ma di cercare di comprendere quali condizioni possano permettere a un'altra persona di trovare la propria possibilità creativa, anche quando pensa di non possederla; è questa differenza a rendere centrale la questione dell'identità artistica: non invitare a riprodurre o imitare, ma creare le condizioni perché una risposta personale possa emergere.

La Dimensione Psicodinamica Dei Processi Creativi

La parola Psychodynamic, presente nel sottotitolo di Beyond Notes, non è quindi accessoria.
Nel corso della ricerca è diventato sempre più evidente che il processo creativo non può essere osservato soltanto attraverso il suo risultato; creare significa confrontarsi anche con immagini interne, aspettative, resistenze, timori, esposizione personale, capacità di ascolto, relazione con gli altri e rappresentazione di sé. Quindi parlare di una dimensione psicodinamica nella formazione musicale non significa trasformare la formazione in psicoterapia, ma riconoscere che, quando una persona crea, non mette in movimento soltanto conoscenze e competenze tecniche, ma mette inevitabilmente in gioco anche la propria esperienza psichica e relazionale.
In questo percorso ha contribuito anche la mia esperienza, di oltre trent'anni, all’interno della ricerca sul non cosciente dell’essere umano che si è svolta nei seminari di analisi collettiva, condotti dallo psichiatra Massimo Fagioli, che ha fornito ulteriori strumenti di attenzione alle dinamiche non razionali, emotive e relazionali.
Il Metodo nasce, quindi, dalla convergenza di esperienze differenti: il rapporto con la musica fin dalle prime esperienze d’ascolto, la formazione musicale come autodidatta, la successiva formazione accademica e la concreta pratica artistica e professionale, la composizione, la produzione, la ricerca, il lavoro laboratoriale e la relazione formativa.
È all'interno di questa convergenza che si è andata sviluppando la definizione di Psicodinamica dei Processi Creativi.

Si Può Formare La Creatività?

Dietro tutto questo rimane una questione ancora più ampia, cioè se la creatività sia una qualità “innata” che dobbiamo semplicemente aspettare di trovare e riconoscere in alcune persone, oppure una possibilità umana della quale la formazione può prendersi cura.
Affermare che la creatività possa essere sviluppata non significa sostenere che tutti possano diventare grandi compositori o artisti, né negare differenze individuali, sensibilità o capacità soggettive; significa però non identificare automaticamente la possibilità creativa con un dono riservato a pochi, ma riconoscerlo come diritto all’espressione attraverso i suoni che riguarda tutti gli esseri umani indistintamente e a qualsiasi livello di conoscenza e cultura.
Se la creatività è anche capacità di immaginare, trasformare, scegliere, collegare elementi, produrre “senso” e rappresentare un'esperienza attraverso una forma, allora esistono condizioni che possono favorirne oppure ostacolarne lo sviluppo.
La questione torna quindi ad essere anche una responsabilità formativa:
La creatività è qualcosa che aspettiamo di trovare nelle persone, oppure qualcosa di cui la formazione deve imparare responsabilmente a prendersi cura?

Creatività E Cittadinanza Attiva

Questa domanda non riguarda soltanto, ovviamente, la formazione dei musicisti, ma possiede anche una dimensione sociale: sviluppare la creatività significa anche educare alla cittadinanza attiva, perché significa formare persone capaci non soltanto di eseguire ciò che è già stato pensato da altri, ma di produrre idee, compiere scelte, assumersene la responsabilità e trasformarle in forme condivisibili.
La musica rappresenta, da questo punto di vista, un territorio straordinariamente concreto nel quale esercitare questa possibilità; una persona può imparare a riprodurre con grande competenza ciò che altri hanno scritto e pensato, e questa capacità ha un valore enorme e non deve essere svalutata.
Ma esiste un'altra domanda formativa: siamo capaci anche di costruire condizioni nelle quali quella persona possa produrre un pensiero proprio?
Non si tratta di scegliere tra interpretazione e creazione, tra tecnica e immaginazione, tra tradizione e ricerca, ma di evitare che una sola di queste dimensioni venga fatta coincidere con l'intera esperienza musicale.

Un Metodo, Un Progetto, I Laboratori, Un'Associazione

Nel tempo, intorno a questa ricerca, sono nate realtà con funzioni differenti che è utile distinguere:
• Il Metodo ANORA costituisce la formalizzazione metodologica della ricerca e della prassi formativa.
• ANORA Project rappresenta una dimensione progettuale più ampia, nella quale ricerca, pratica creativa, collaborazioni, sperimentazione e divulgazione possono incontrarsi.
• I Laboratori ANORA costituiscono uno dei principali luoghi di applicazione, sperimentazione e sviluppo del Metodo: infatti le singole attività possono assumere una denominazione specifica, mantenendo questa appartenenza comune.
• L’Associazione Culturale ANORA svolge invece una funzione collettiva e istituzionale di promozione, diffusione e confronto intorno alla ricerca e alle sue applicazioni.

La dimensione necessariamente collettiva di queste attività non modifica però la genealogia del Metodo, che può essere studiato, utilizzato, sperimentato, discusso e sviluppato attraverso il contributo di persone e istituzioni differenti pur avendo la sua origine in una esperienza individuale.
Distinguere l'autorialità del Metodo dalla pluralità delle persone che possono incontrarlo e applicarlo non serve a chiuderlo intorno al suo autore ma, al contrario, permette di renderne chiara l'origine proprio mentre comincia a vivere anche attraverso esperienze differenti.

Un Dialogo Con Berklee Già Iniziato

In questo percorso si inserisce anche il rapporto con Simone Scazzocchio, docente al Berklee College of Music di Boston, che ha scritto anche la presentazione di Beyond Notes e si è formato, nei primi anni 2000, nei miei laboratori attraverso i princìpi del metodo ANORA.
Nel tempo abbiamo mantenuto un dialogo sui temi della musica, della creatività e della formazione, documentato anche nella conversazione in inglese ANORA Meets Berklee.

La conversazione ANORA Meets Berklee, realizzata quando il libro era ancora nel processo di acquisizione da parte della biblioteca, assume oggi anche un significato ulteriore alla luce dell'avvenuta catalogazione di Beyond Notes.

Da Oltre Le Note A Beyond Notes

La presenza di Beyond Notes nella Stan Getz Library assume per me un significato particolare anche per la storia editoriale dalla quale il libro proviene; infatti la sua radice italiana è Oltre le note - Un approccio non razionale alla musica: già quel titolo indicava la necessità di non identificare la musica esclusivamente con ciò che può essere scritto, analizzato o tecnicamente organizzato.
Beyond Notes sviluppa quella prospettiva e la porta in una dimensione internazionale, ponendo esplicitamente il Metodo ANORA, la dimensione psicodinamica e lo sviluppo creativo all'interno della propria identità editoriale; ecco perché la catalogazione a Berklee rappresenta non soltanto la presenza di un nuovo libro in una biblioteca, ma un ulteriore passaggio nella circolazione di una ricerca che ha attraversato più di quarant'anni di esperienza musicale, riflessione, pratica artistica e formazione.
Naturalmente un libro non acquista valore perché si trova su uno scaffale prestigioso: il valore di una ricerca si misura anche nella capacità di esporsi al confronto.
Essere, cioè, presente in una biblioteca significa poter essere trovato da qualcuno che non conosce l'autore, letto senza mediazioni, utilizzato, contestato, approfondito, messo in relazione con altre ricerche, ed è soprattutto questo il significato che attribuisco alla presenza di Beyond Notes nella Stan Getz Library del Berklee College of Music: una ricerca nata in Italia e sviluppata attraverso decenni di esperienza artistica e formativa dispone oggi di un ulteriore luogo nel quale può essere incontrata.
Il libro è inoltre disponibile internazionalmente su Amazon, edito da SOUNDTRACK, consentendo a musicisti, studenti, docenti, ricercatori e persone interessate ai processi creativi di accedere direttamente al lavoro.
Per l’Associazione Culturale ANORA, nata anche per favorire la diffusione e il confronto intorno a questo pensiero, questa nuova possibilità di circolazione rappresenta quindi un passaggio coerente con la propria funzione; ma un libro che entra in una biblioteca non conclude un percorso, può, se mai, aprirne un altro: una ricerca acquista infatti senso quando può essere letta, utilizzata, verificata, discussa, criticata e confrontata con esperienze e prospettive differenti.
La presenza di Beyond Notes nella Stan Getz Library del Berklee College of Music rappresenta, quindi, un nuovo punto di passaggio di una ricerca iniziata molti anni fa e ancora in evoluzione, una ricerca nata interrogandosi sulla reazione umana al suono e arrivata progressivamente a interrogarsi sulla creatività, l'ideazione, la formazione e l'identità artistica.
E forse, dopo tanti anni, la domanda rimane ancora quella più semplice e più difficile:
prima di insegnare a organizzare le note, quanto spazio viene dedicato alla formazione di ciò che rende quelle note/suoni necessarie/i?

Abstract (EN)

Beyond Notes: Unlocking the Creative and Emotional Power Through Music, subtitled The ANORA Method: Psychodynamic Exploration for Music Education and Creative Development, has been officially cataloged in the Stan Getz Library at Berklee College of Music in Boston. This new international step provides an opportunity to retrace more than forty years of research into music as a human, psychic, expressive, and representational experience. Beginning with studies on the human response to sound in the mid-1980s, the research progressively developed through artistic practice, educational workshops, publications, and the formulation of the ANORA Method. At its core lies a fundamental question: what happens before notes become composition, performance, or production? The article explores the distinction between ideation and composition, the psychodynamic dimension of creative processes, the development of an original artistic identity, and the possibility of approaching creativity as a human capacity that education can actively foster. It also examines the relationship between creative development and active citizenship, while tracing the historical path from the early workshops to Beyond Notes and its inclusion in Berklee's academic library collection.

CONTATTI: https://tonycarnevale.world/il-metodo-anora-di-tony-carnevale-al-berklee-college-of-music/

M° Tony Carnevale

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Nicola Lori

2026-10-06T05:00:00.000+02:00

NICOLA LORI - Around The Earth
NL Music / Burning Shed
Genere: Art Rock / Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Nel 2009 rimasi felicemente folgorato da uno dei debutti discografici italiani di Neo Prog più interessanti che mi siano mai capitati: l’album era “Endless” e la band portava il nome di Fjieri. La line-up era stellare, con Elio Lori (basso), Nicola Lori (chitarra), Stefano Panunzi (tastiere), Angelo Strizzi (batteria, percussioni), Haco (voce), Mick Karn (basso), Tim Bowness (voce), Gavin Harrison (batteria), Richard Barbieri (tastiere), Andrea Chimenti, Peter Chilvers, Nicola Alesini… In definitiva, una superband!
La chitarra era affidata a Nicola Lori, l’artista che oggi ci propone il nuovo album “Around The Earth”. Anche in questo caso ci sono straordinari musicisti, da John Mitchell (Kino, Frost*, Arena, It Bites, Asia & Lonely Robot) a Craig Blundell (Steven Wilson, Steve Hackett, Lonely Robot), Colin Edwin (ex Porcupine Tree, O.R.k.), Michael Bearpark (No-Man, Peter Chilvers, Tim Bowness), Paolo Fresu (Paolo Fresu Quintet, Trio P.A.F.), Luca Calabrese (Richard Barbieri, Grice), Nicola Alesini (David Sylvian, Claudio Lolli), Danilo Cherni (Antonello Venditti, Goblin Rebirth), Fabio Anile (Agostino Marangolo, Keith Lowe e Stephan Thelen), Luca Fareri e Angelo Strizzi (Fjieri).
Nicola Lori dal 2004 lavora come bassista-chitarrista-tastierista agli album solisti di Stefano Panunzi, mentre nel 2024 esordisce da solista con “Urban Vision” (NL Music).
In questo album, Lori espande la propria estetica musicale portando al centro un Progressive Rock atmosferico, crepuscolare ed ermetico, viscerale e intimista. Dal punto di vista stilistico, l'opera intreccia il Neo Prog ed eleganti trame Art Rock con delicate parentesi ambient, venature Jazz Fusion e trame chitarristiche liquide e fortemente evocative (con evidenti richiami alle lezioni di David Gilmour, Robert Fripp e Steven Wilson).
Lo strumentale “Beyond The Borders” apre il disco fungendo da vera e propria soglia sonica. Una traccia prevalentemente strumentale e introduttiva, caratterizzata da synth analogici soffusi, arpeggi di chitarra pulita carichi di delay e un crescendo ritmico cangiante. La chitarra solista di Lori traccia linee melodiche malinconiche ed espanse, creando un senso di spazio infinito. L’ascoltatore è subito rapito dalla classe del movimento, variegato e impreziosito dagli interventi del sax.
“Last Evening” rappresenta uno dei pilastri dell'album, strutturato su un passo cadenzato e avvolgente. Troviamo una sezione ritmica liquida su cui si innestano tappeti di tastiere calde e un lavoro di chitarra elettrica dal fraseggio elegante, con assoli intensi che richiamano la scuola Neoprogressiva britannica più raffinata. Come suggerisce il titolo, la narrazione si colloca nel momento del crepuscolo o nella consapevolezza della fine di una fase della vita. Il testo dipinge l'immagine di un'ultima sera vissuta nella riflessione nostalgica, sospesa tra il rimpianto di ciò che è stato e la quieta accettazione dell'imminente oscurità o del cambiamento.
Il tono del disco si fa più scuro e teso con “Dangerous Night”; qui la composizione fa leva su riff di chitarra più spigolosi, un basso profondo e pulsante e dinamiche d'impatto chiaroscurali, in stile Porcupine Tree. Le tastiere aggiungono un'atmosfera quasi da suspense-thriller, spezzando la linearità melodica con cambi di tempo improvvisi e sovrapposizioni timbriche. La "notte pericolosa" è una metafora delle ombre dell'anima, delle paure irrazionali e dei dubbi che riaffiorano quando il mondo esterno tace. Il testo esplora la sensazione di vulnerabilità, il senso di minaccia interiore e la lotta per non farsi inghiottire dal buio della mente.
Giunge ora una parentesi di luce ed equilibrio melodico all'interno dell'opera grazie a “My Happiness”, una ballad Art Rock ricca di pathos. Notevole la sensibilità nell'uso delle armonie, dove la chitarra ed il sax cantano con toni caldi ed espressivi.
Ed è la volta della title track, “Around The Earth”, composizione ad ampio respiro dove Progressive Rock, dilatazioni ambient e passaggi sinfonici si fondono perfettamente. I cambi di tempo, le sovrapposizioni di chitarra e synth e il crescendo sonoro dimostrano tutta la maturità compositiva ed esecutiva di Nicola Lori. Una vera e propria chicca. Il testo osserva il pianeta Terra da una prospettiva rialzata e distaccata, quasi cosmica. Abbraccia una visione olistica e filosofica, quella dell’'essere umano è solo una minima parte di un ciclo universale. Ruotare "attorno alla Terra" diventa il simbolo del viaggio della vita, della rotazione perenne delle emozioni e della ricerca di un senso di appartenenza globale.
Un inizio introspettivo e psichedelico ci accoglie in “Fly Now”, una delicata composizione supportata dal caldo suono del basso e del sax, un connubio che sfocia nel Jazz moderno e intimistico.
“Only Words” riflette sull'inadeguatezza e sul limite del linguaggio umano attraverso una musica spaziale e un cantato sentito e sostenuto, tutto molto fluttuante… Space Prog!
“The Moon Rise” vede il tocco della chitarra misurato, sognante e ricco di riverberi, mentre la chiusura dell’album è in mano a “Where Frost Remains”, avvolgente struttura dalle tinte fortemente malinconiche ed evocative. Il "gelo che rimane" simboleggia le cicatrici indelebili dell'anima, i ricordi o i dolori che nemmeno il tempo riesce del tutto a cancellare.
Oggi più che mai c’è bisogno di aria nuova nel mondo del Progressive Rock, e “Around The Earth” è un bilanciato insieme di stili che va a percorrere un nuovo sentiero collocato al confine tra passato e presente. Grazie Nicola Lori, ci voleva proprio! MS

Versione Inglese:

NICOLA LORI - Around The Earth
NL Music / Burning Shed
Genre: Art Rock / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Back in 2009, I was happily blown away by one of the most interesting Italian Neo-Prog debuts I have ever encountered: the album was “Endless” and the band went by the name of Fjieri. The line-up was stellar, featuring Elio Lori (bass), Nicola Lori (guitar), Stefano Panunzi (keyboards), Angelo Strizzi (drums, percussion), Haco (vocals), Mick Karn (bass), Tim Bowness (vocals), Gavin Harrison (drums), Richard Barbieri (keyboards), Andrea Chimenti, Peter Chilvers, Nicola Alesini… In short, a true supergroup!
Guitar duties were entrusted to Nicola Lori, the very artist who today presents his new album “Around The Earth”. Here again, we find an extraordinary cast of musicians, ranging from John Mitchell (Kino, Frost*, Arena, It Bites, Asia & Lonely Robot) to Craig Blundell (Steven Wilson, Steve Hackett, Lonely Robot), Colin Edwin (ex-Porcupine Tree, O.R.k.), Michael Bearpark (No-Man, Peter Chilvers, Tim Bowness), Paolo Fresu (Paolo Fresu Quintet, Trio P.A.F.), Luca Calabrese (Richard Barbieri, Grice), Nicola Alesini (David Sylvian, Claudio Lolli), Danilo Cherni (Antonello Venditti, Goblin Rebirth), Fabio Anile (Agostino Marangolo, Keith Lowe, Stephan Thelen), Luca Fareri, and Angelo Strizzi (Fjieri).
Since 2004, Nicola Lori has worked as a bassist, guitarist, and keyboardist on Stefano Panunzi’s solo albums, making his own solo debut in 2024 with “Urban Vision” (NL Music).
On this album, Lori expands his musical aesthetic, bringing to the forefront an atmospheric, twilight, and hermetic Progressive Rock that is both visceral and intimate. Stylistically, the work weaves Neo-Prog and elegant Art Rock textures with delicate ambient passages, hints of Jazz Fusion, and fluid, deeply evocative guitar work (with clear nods to the lineage of David Gilmour, Robert Fripp, and Steven Wilson).
The instrumental track “Beyond The Borders” opens the album, acting as a genuine sonic doorway. A predominantly instrumental and introductory piece, it is characterized by soft analog synths, clean guitar arpeggios drenched in delay, and a shifting rhythmic crescendo. Lori’s lead guitar traces expansive, melancholy melodic lines, creating a sense of infinite space. The listener is immediately captivated by the elegance of its movement, which is varied and enriched by saxophone touches.
“Last Evening” stands as one of the pillars of the record, built upon a mid-tempo, enveloping groove. We find a fluid rhythm section supporting layers of warm keyboards and elegant electric guitar phrasing, featuring intense solos that recall the finest British Neo-Progressive school. True to its title, the narrative is set at twilight or within the awareness of a life phase drawing to a close. The lyrics paint the picture of a final evening spent in nostalgic reflection, suspended between regret for what was and a quiet acceptance of the impending darkness or change.
The tone turns darker and more tense with “Dangerous Night”; here, the composition relies on sharper guitar riffs, a deep, pulsating bass, and stark chiaroscuro dynamics reminiscent of Porcupine Tree. The keyboards lend an almost suspense-thriller atmosphere, breaking up melodic linearity with sudden time signature changes and overlapping timbres. The "dangerous night" serves as a metaphor for the shadows of the soul, irrational fears, and doubts that resurface when the outside world falls silent. The text explores feelings of vulnerability, an inner sense of threat, and the struggle against being consumed by the mind's darkness.
A moment of light and melodic balance arrives with “My Happiness”, an Art Rock ballad rich in pathos. Notable for its delicate harmonic sensitivity, both the guitar and saxophone sing with warm, expressive tones.
Then comes the title track, “Around The Earth”, a sweeping composition where Progressive Rock, ambient expansions, and symphonic passages blend seamlessly. Time signature shifts, layered guitars and synths, and a building sonic peak demonstrate the full compositional and performance maturity of Nicola Lori. A genuine gem. The text views planet Earth from a raised, detached, almost cosmic vantage point, embracing a holistic and philosophical vision where humanity is but a tiny fraction of a universal cycle. Orbiting "around the Earth" becomes a symbol for life's journey, the endless rotation of emotions, and the search for a sense of global belonging.
An introspective, psychedelic opening greets us in “Fly Now”, a delicate piece supported by the warm tones of the bass and saxophone—a combination that flows into intimate modern jazz.
“Only Words” reflects on the inadequacy and limits of human language through spacey music and heartfelt, soaring vocals, creating a floating atmosphere… Space Prog at its finest!
“The Moon Rise” features a measured, dreamlike guitar touch rich in reverb, while the album's closing rests in the hands of “Where Frost Remains”, an enveloping piece with deeply melancholic and evocative hues. The "frost that remains" symbolizes the indelible scars of the soul—memories or pains that not even time can fully erase.
Today, more than ever, the world of Progressive Rock needs fresh air, and “Around The Earth” delivers a balanced blend of styles, paving a new path right on the frontier between past and present. Thank you, Nicola Lori—this was just what we needed! MS

BANDCAMP: https://nicolalori.bandcamp.com/album/around-the-earth

The Tangent

2026-10-05T06:00:00.000+02:00

THE TANGENT – Was
White Knight Records
Genere: Eclectic Prog
Supporto: 2CD / Bandcamp 2026

Andy Tillison è sempre stato, nel circuito del Rock Progressivo, una mente illuminata. Ha saputo ritagliarsi un posto d’onore fra le band più importanti del filone grazie al suo progetto The Tangent sin dal 2002, facendo così parte della scena più moderna e comunque attenta al passato, con tutti gli ingredienti del caso che variano dai maestri degli anni ’70 (Emerson, Lake & Palmer, Yes, Genesis, Gentle Giant, Pink Floyd, King Crimson) al sound più moderno del Neo Prog, comprese le lunghe suite.
Si è sempre saputo circondare di artisti di grande valore e popolarità, rendendo la sua proposta sempre fresca nel corso degli anni. Tuttavia non ha mai raccolto quanto seminato, pur con album di enorme valenza compositiva, si è limitato a far parte di un gruppo al confine fra il grande successo e la nicchia; questo è accaduto soprattutto in Italia, dove il Rock ha sempre stentato a entrare nelle classifiche. Con quattordici lunghi album alle spalle, compreso questo nuovo doppio album “Was”, ha fatto sempre la gioia dei cultori più raffinati.
“Was” è un'altra perla che si contraddistingue dal piattume odierno oramai conquistato dall’IA, un lavoro professionale e ricco di grandi spunti melodici misti alla tecnica strumentale apportata dalla nuova band di cui si è saputo circondare, formata da Luke Machin (già It Bites ed altri alla chitarra, cori), John Jowitt (già IQ, Frost, Arena e molti altri al basso e cori), Theo Travis (già Soft Machine, Gong, Tangent e molti altri al sax, flauto), Steve Roberts (batteria, percussioni) e Rob Groucutt (già Rain, Freedom to Glide alle tastiere e cori). Il primo CD è formato da tre brani, mentre il secondo da sei.
E proprio per dimostrare che anche oggi Tillison non si cura delle mode, apre il doppio album con la title track di oltre ventidue minuti. Essa è classicamente caratterizzata da dinamiche mutevoli: partenze ritmiche incalzanti guidate dalle tastiere di Tillison, assoli di synth e organo Hammond, passaggi di sax e flauto jazzati e stacchi sinfonici di grande respiro. Una sinfonia moderna che potremmo oramai definire anche “New Classic”. Si riflette sul significato del tempo trascorso e su come il mondo e le persone cambino. "Was" (ciò che era) guarda a un'epoca passata con una combinazione di nostalgia e disincanto, analizzando come gli ideali della giovinezza si scontrino spesso con la realtà del presente. A seguire “Follow The River”, ballabile e dal sentore anni ’70. Il fiume è una metafora classica del corso della vita e invita a lasciarsi scorrere, ad accettare l'inevitabile flusso degli eventi e la direzione che il destino prende, trovando un momento di quiete e riflessione a metà dell'opera.
La seconda suite di venti minuti che conclude il primo CD è l’ennesima perla sonora elegante e mutevole, ricca di buoni assoli strumentali ed eclettici. Alterna momenti cupi e pesanti a passaggi funk fusion inattesi, cambi di tempo complessi e intermezzi tastieristici virtuosi. “Was Not” affronta ciò che non si è mai realizzato o ciò che è andato perduto. Il testo ha un taglio più critico, sarcastico e politicizzato: analizza le promesse non mantenute della società moderna, i fallimenti collettivi e le illusioni del progresso umano.
Si cambia registro nel secondo CD, a testimonianza del pozzo infinito d’idee che è Tillison, “Ce Qu'était” è un'unica suite di quasi un'ora suddivisa in sei movimenti, ad iniziare da “L'Aperitif”, aperta dolcemente dal pianoforte e dall’intervento del flauto per poi mutare in sonorità Canterbury. Rappresenta la preparazione e l'inizio del viaggio. Inquadra l'atmosfera conviviale di un incontro, introducendo i temi della riflessione e del ricordo attorno a un tavolo. Sale la tensione con “SteakDe Chevreuil Et Le Fermier”, e siamo sempre nel classicismo ma stravagante, ritmato e pieno dell'ironia tipica dello stile di Tillison. Presenta intrecci serrati tra basso e batteria, con assoli pungenti di organo e synth in modalità EL&P.
“Danse” attinge ancora nella Scuola di Canterbury ed è raffinata oltre che introspettiva, con un solo Jazz di chitarra elettrica assolutamente travolgente.
“La Route Côtière” ritorna a guardarsi alle spalle, in quei suoni che negli anni ’70 hanno saputo emozionare, compresi ottimi interventi di sax e fiati. L’andamento è mutevole pur preservando un binario sonoro di pacatezza e serenità.
“Multi Partisanisme”, in oltre quindici minuti, mette ancora una volta in evidenza le qualità compositive di Tillison, iniziando in maniera classica con tastiere che evocano archi e oboe al seguito per poi voltare completamente pagina in arrangiamenti Funky/Jazz e, ancora una volta, Canterbury sound.
La conclusione è affidata a “Laisses Moi Chanter” in The Flower Kings style, una dichiarazione d'amore finale per la musica e per la libertà d'espressione. È il riscatto dell'artista di fronte alle amarezze e alle trasformazioni del mondo; la musica resta l'unico mezzo autentico per preservare la propria identità ed esprimere ciò che è stato.
Cosa sa darci la vita per stare bene? Molte cose, tra le quali la musica, che se saputa assimilare con il cuore e con la mente può farci stare molto meglio di come stiamo. Ritagliatevi il tempo necessario per godere di questo mega-lavoro, perché è terapeutico! Altro colossale tassello per il Prog moderno, grazie The Tangent. MS

Versione Inglese:

THE TANGENT – Was
White Knight Records
Genre: Eclectic Prog
Format: 2CD / Bandcamp 2026

Andy Tillison has always been an enlightened mind within the Progressive Rock circuit. He has managed to carve out a place of honor among the most important bands in the genre thanks to his project The Tangent since 2002, becoming part of the more modern scene that remains attentive to the past, with all the necessary ingredients ranging from the masters of the '70s (Emerson, Lake & Palmer, Yes, Genesis, Gentle Giant, Pink Floyd, King Crimson) to the more modern Neo-Prog sound, including lengthy epics.
He has always known how to surround himself with artists of great value and popularity, keeping his musical proposition fresh over the years. However, he has never reaped what he sowed; despite albums of immense compositional value, he has remained part of a group on the borderline between big success and niche appeal. This has been especially true in Italy, where rock has always struggled to break into the charts. With fourteen full-length albums behind him, including this new double album “Was”, he has consistently brought joy to the most refined listeners.
“Was” is another gem that stands out from today's flatness, which has now been conquered by AI. It is a professional work, rich in great melodic ideas mixed with the instrumental technique brought by the new band he has surrounded himself with, featuring Luke Machin (ex-It Bites and others on guitar, backing vocals), John Jowitt (ex-IQ, Frost*, Arena, and many others on bass, backing vocals), Theo Travis (ex-Soft Machine, Gong, Tangent, and many others on sax, flute), Steve Roberts (drums, percussion), and Rob Groucutt (ex-Rain, Freedom to Glide on keyboards, backing vocals). The first CD consists of three tracks, while the second comprises six.
And precisely to demonstrate that Tillison still doesn't care about trends today, he opens the double album with the title track, lasting over twenty-two minutes. It is classically characterized by shifting dynamics: driving rhythmic starts led by Tillison's keyboards, synth and Hammond organ solos, jazzy sax and flute passages, and expansive symphonic breaks. A modern symphony that we could by now define as "New Classic." It reflects on the meaning of passed time and on how the world and people change. "Was" looks back at a bygone era with a combination of nostalgia and disenchantment, analyzing how the ideals of youth often collide with the reality of the present. Next up is “Follow The River”, danceable and with a 70s feel. The river is a classic metaphor for the course of life, inviting us to flow with it, to accept the inevitable turn of events and the direction destiny takes, finding a moment of quiet reflection halfway through the work.
The second twenty-minute suite closing the first CD is yet another elegant and ever-shifting sonic gem, packed with great, eclectic instrumental solos. It alternates dark, heavy moments with unexpected funk-fusion passages, complex time signature changes, and virtuous keyboard interludes. “Was Not” addresses what was never realized or what has been lost. The lyrics have a more critical, sarcastic, and politicized edge: analyzing the unfulfilled promises of modern society, collective failures, and the illusions of human progress.
The tone shifts on the second CD, testifying to the infinite well of ideas that is Tillison. “Ce Qu'était” is a single suite lasting nearly an hour, divided into six movements, starting with “L'Aperitif”, gently opened by piano and flute before shifting into Canterbury-style textures. It represents the preparation and the start of the journey, setting the convivial atmosphere of a gathering and introducing themes of reflection and memory around a table. Tension rises with “Steak De Chevreuil Et Le Fermier”, still within classicism but whimsical, rhythmic, and full of the irony typical of Tillison's style. It features tight interactions between bass and drums, alongside biting organ and synth solos in ELP mode.
“Danse” draws once again from the Canterbury School and is refined as well as introspective, featuring an absolutely overwhelming jazz electric guitar solo.
“La Route Côtière” returns to looking back at those sounds that thrilled listeners in the 1970s, including excellent sax and brass contributions. The pace is fluid and changing, while remaining on a track of calm and serenity.
“Multi Partisanisme”, at over fifteen minutes, highlights Tillison's compositional prowess once again, starting in a classical fashion with keyboards evoking strings and oboe, before completely turning the page into funky/jazz arrangements and, once again, the Canterbury sound.
The conclusion is entrusted to “Laisses Moi Chanter” in The Flower Kings style, a final declaration of love for music and freedom of expression. It represents the artist's redemption in the face of the bitterness and transformations of the world; music remains the only authentic means to preserve one's identity and express what once was.
What can life give us to make us feel good? Many things, including music—which, if absorbed with heart and mind, can make us feel much better than we do. Take the time you need to enjoy this mega-work, because it is therapeutic! Another colossal milestone for modern Prog. Thank you, The Tangent. MS

Clive Nolan

2026-10-04T06:00:00.000+02:00

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter Throne
Låve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion
Genere: Opera Rock / Progressive Rock Sinfonico
Supporto: LP / CD / Digital / DVD – 2026

Clive Nolan è il tastierista Neo Prog per eccellenza, con una carriera alle spalle davvero annosa iniziata negli anni ’80 con i Pendragon e tuttora in auge, a cui sono seguiti moltissimi altri progetti come Shadowland, Arena, Strangers On A Train, Casino, Caamora, Imaginaerium e molti altri ancora. Il suo stile inconfondibile ha fatto scuola per altri tastieristi ed è considerato dalla critica uno dei più ispirati compositori di opere Rock che nel tempo sono state anche rappresentate in teatro e in costume.
Questo 2026 per lui è un anno di grande ispirazione, dopo il mastodontico quadruplo CD “The Mortal Light” che vi consiglio di ascoltare, è la volta di “Song Of The Winter Throne (The Saga Of Hakon Hakonsson)”. L’album, suddiviso in quattordici tracce (nel vinile ci sono quattro canzoni in più: “Strings And Necks”, “In The Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial Mix)” e “The Narration - Fireside Mix”), riprende le atmosfere orchestrali caratteristiche del Rock opera di Nolan, fondendo Progressive Rock, orchestrazioni sinfoniche e narrazione epico-storica ispirata alle saghe nordiche del Medioevo norvegese (in particolare alla storia delle guerre civili norvegesi e alle gesta dei Birkebeiner). Il cast partecipante è davvero spaziale e ci suonano: Clive Nolan (tastiere, programming), Mirko Sangrigoil (batteria, chitarre), Stig André Clason (chitarre), Morten L Clason (flauto), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa), Karl Groom (chitarra) e Arnfinn Isaksen (basso). Al microfono cantano: Gemma Ashley (Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie Barnett (Freja) e Ross Andrews (narratore); in più c’è un coro di trentasette elementi chiamato The Winter Warriors.
Di quest'opera esistono differenti versioni per collezionisti, dal CD al doppio CD con bonus track, DVD e 2LP in versione normale e anche limitata di colore blu. Essendo una Rock opera, ovviamente si ha la sensazione durante l’ascolto di trovarsi davanti a un film vero e proprio, di questo oramai Nolan è un maestro indiscusso.
Il narrato di “Born In Shadow” introduce la leggenda su tastiere oscure, arpeggi cupi e sovrapposizioni orchestrali lente che creano un senso di presagio e gelo nordico.
“The Woman From Varteig” è incentrato sulla figura di Inga di Varteig (madre del futuro re Håkon Håkonsson). Il testo descrive il suo dolore, la sua determinazione e la devozione materna nel proteggere il figlio illegittimo ed erede al trono dalle fazioni rivali. Musicalmente si presenta altamente melodico e struggente, focalizzato su un'orchestrazione di archi e sintetizzatori dolci ma malinconici, con una potente linea vocale solista femminile e drammatica per opera di Christina Both (Magenta).
Si entra nel vivo con “Wolves Gather”, dall’incedere marziale. I “lupi che si radunano” rappresentano le fazioni nemiche (i Bagler) che danno la caccia al piccolo erede. La metafora dei lupi incarna la spietatezza dei pretendenti al trono rivali. Buono il duetto vocale fra Natalie Barnett e Gemma Ashley, così come le melodie ancora una volta epiche e di facile presa emotiva.
Folate di Progressive Rock in “Flight Of The Birkebeiners”, in un incedere travolgente che ricorda la cavalcata e il movimento di uno sciatore nella tempesta. È il leggendario viaggio dei guerrieri Birkebeiner nel 1206, che portarono in salvo il piccolo erede re a bordo degli sci attraverso le montagne innevate.
“The Hidden Prince”, interpretata da Ryan Morgan, è cadenzata e coralmente affascinante, mentre il testo riflette sulla vera identità del bambino che deve crescere in segreto, protetto e celato al mondo fino a quando non sarà pronto a rivendicare la corona. Ed è la volta di “Ritual Of Faith”, traccia corale dal forte sapore rinascimentale/gregoriano mescolato con tastiere Neo Prog. Un'atmosfera solenne e sacra che riflette sul calvario della prova del ferro infuocato (Jernbyrd) a cui la madre Inga si sottopone per dimostrare la legittimità del sangue reale del figlio davanti alla Chiesa e ai nobili.
“The Puppet Crown” è la denuncia degli intrighi di corte dove i reggenti e i nobili tentano di manovrare il regno utilizzando un re fantoccio prima dell'ascesa del vero sovrano. Strumentazioni medievali si alternano alla chitarra elettrica che richiama il sound della band Arena.
Un movimento drammatico giunge con “Fractured Throne”, fra lente ritmiche e coralità struggenti, il tutto per descrivere al meglio il regno spaccato in due dalla guerra civile, il caos politico e il prezzo di sangue pagato dalla popolazione per le ambizioni dei potenti.
A questo punto giunge uno dei movimenti più incisivi dell’album, “The Sword And The Fire”, il quale rappresenta lo scontro aperto e la battaglia decisiva. Il fuoco e la spada diventano gli unici strumenti per purificare il regno e forgiare la pace. Finita la battaglia, un raggio di sole e la conta dei morti per “A Kingdom Rejoices”, un'apertura in tonalità maggiore con cornamuse, flauti sintetici e un coro maestoso che dona una sensazione di trionfo e sollievo. Ottimo il finale delle chitarre elettriche su cui poter ballare in una veste tipicamente folkloristica di quei tempi.
Il re ormai insediato deve proiettare il suo potere sui mari, consolidando i confini del regno e la flotta reale nel gelido Nord: “Storms And Wrecks” è quindi tempestosa, ricca di dissonanze controllate, cambi improvvisi di dinamica, tamburi rullanti e synth aggressivi.
Altro frangente ricco di coralità epiche e duetti vocali giunge dall’ottima “The King In The Mist”, un momento di introspezione del sovrano che guarda al passato, ai sacrifici fatti per la corona e al peso della solitudine che il potere porta con sé.
Grandioso il finale (e non poteva essere altrimenti): “The Winter Throne” è un'esplosione di suoni, con tutto l’armamentario in possesso di Nolan che viene esibito in una traccia che non fa prigionieri. È il coronamento definitivo del "Trono d'Inverno". La storia si chiude con il compimento del destino, lasciando una legacy duratura nella storia e nel mito.
In definitiva, “Song Of The Winter Throne” è un lavoro maestoso, denso di pathos e tecnicamente ineccepibile. Clive Nolan firma un concept album epico e avvincente, dove narrazione storica e Neo Prog sinfonico si fondono in un equilibrio impeccabile. Assolutamente da godere, anche per il CD2 di bonus track che lascio a voi scoprire se siete curiosi. Magistrale! MS

Versione Inglese:

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter Throne
Låve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion
Genre: Rock Opera / Symphonic Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital / DVD – 2026

Clive Nolan is the quintessential Neo-Prog keyboardist, with a long and distinguished career that began in the 1980s with Pendragon and continues to thrive today, followed by numerous other projects such as Shadowland, Arena, Strangers On A Train, Casino, Caamora, Imaginaerium, and many more. His unmistakable style has influenced countless other keyboard players, and critics regard him as one of the most inspired composers of Rock operas—several of which have also been staged in theaters with full period costumes.
2026 is turning out to be a year of great inspiration for him: after the monumental four-CD set “The Mortal Light” (which I highly recommend listening to), comes “Song Of The Winter Throne (The Saga Of Hakon Hakonsson)”. Divided into fourteen tracks (the vinyl edition includes four additional songs: “Strings And Necks”, “In The Mist”, “Ritual Of Faith (Ceremonial Mix)”, and “The Narration - Fireside Mix”), the album revisits the orchestral atmospheres characteristic of Nolan’s Rock operas, blending Progressive Rock, symphonic orchestrations, and epic-historical storytelling inspired by the Norse sagas of medieval Norway—specifically the story of the Norwegian civil wars and the deeds of the Birkebeiners. The line-up is truly stellar: Clive Nolan (keyboards, programming), Mirko Sangrigoil (drums, guitars), Stig André Clason (guitars), Morten L Clason (flute), Hennie Hagen Johnsen (nyckelharpa), Karl Groom (guitar), and Arnfinn Isaksen (bass). On vocals, we find Gemma Ashley (Solveig), Ryan Morgan (Håkon Håkonsson), Christina Both (Tyra), Natalie Barnett (Freja), and Ross Andrews (narrator), joined by a 37-piece choir named The Winter Warriors.
Collector editions abound, ranging from the standard CD to a double CD with bonus tracks, DVD, and 2LP in both standard black and a limited blue vinyl release. Being a Rock opera, listening to it naturally feels like watching a movie unfold before your eyes—a craft in which Nolan is now an undisputed master.
The spoken narration on “Born In Shadow” introduces the legend over dark keyboards, somber arpeggios, and slow orchestral layers that evoke a sense of foreboding and Nordic chill.
“The Woman From Varteig” focuses on the figure of Inga of Varteig (mother of the future king Håkon Håkonsson). The lyrics describe her grief, determination, and maternal devotion in protecting her illegitimate son and heir to the throne from rival factions. Musically, it is highly melodic and poignant, built around string orchestrations and sweet yet melancholic synthesizers, featuring a powerful and dramatic female lead vocal performance by Christina Both (Magenta).
Things get underway in earnest with “Wolves Gather” and its martial pace. The “gathering wolves” represent the enemy factions (the Baglers) hunting down the young heir, serving as a metaphor for the ruthlessness of rival claimants to the throne. The vocal duet between Natalie Barnett and Gemma Ashley works very well, as do the melodies—once again epic and emotionally engaging.
Gusts of Progressive Rock sweep through “Flight Of The Birkebeiners”, driven by a thrilling momentum that brings to mind horseback riders and a skier navigating a blizzard. It tells the story of the legendary 1206 journey of the Birkebeiner warriors, who carried the young royal heir to safety on skis across snow-covered mountains.
“The Hidden Prince”, sung by Ryan Morgan, is mid-tempo and chorally captivating, with lyrics reflecting on the true identity of the child growing up in secret—protected and hidden from the world until he is ready to claim the crown. Next comes “Ritual Of Faith”, a choral track with a strong Renaissance/Gregorian flavor blended with Neo-Prog keyboards. Its solemn, sacred atmosphere mirrors the ordeal of the iron trial (Jernbyrd) that mother Inga undergoes to prove her son's royal lineage before the Church and the nobility.
“The Puppet Crown” exposes the court intrigues where regents and nobles attempt to manipulate the realm using a puppet king before the rightful sovereign ascends. Medieval instrumentation alternates with electric guitar work reminiscent of Arena's sound.
A dramatic turn arrives with “Fractured Throne”, featuring slow rhythms and poignant choral arrangements to portray a kingdom torn apart by civil war, political chaos, and the bloody toll exacted on the populace by the ambitions of the powerful.
At this point comes one of the most striking moments on the album, “The Sword And The Fire”, representing open conflict and the decisive battle. Fire and sword become the sole instruments to cleanse the kingdom and forge peace. Once the battle subsides, a ray of sunlight shines through the body count on “A Kingdom Rejoices”, opening in a major key with bagpipes, synthetic flutes, and a majestic choir that brings a sense of triumph and relief. The electric guitar finale is excellent, inviting you to dance in a style typical of folk celebrations of that era.
With the king now established, he must project his power across the seas, consolidating the kingdom's borders and royal fleet in the frozen North: “Storms And Wrecks” is appropriately tempestuous, packed with controlled dissonances, sudden dynamic shifts, rolling drums, and aggressive synths.
Another highlight rich in epic choral arrangements and vocal duets comes with the excellent “The King In The Mist”, an introspective moment for the sovereign as he reflects on the past, the sacrifices made for the crown, and the burden of loneliness that power entails.
The finale is grand (as it could only be): “The Winter Throne” is an explosion of sound, showcasing the full range of Nolan’s musical arsenal in a track that takes no prisoners. It is the ultimate culmination of the "Winter Throne". The story draws to a close with destiny fulfilled, leaving behind a lasting legacy in history and myth.
Ultimately, “Song Of The Winter Throne” is a majestic work, dense with pathos and technically flawless. Clive Nolan delivers an epic, captivating concept album where historical storytelling and symphonic Neo-Prog merge in flawless balance. An absolute joy to listen to, including the bonus CD2 that I'll leave for you to explore if you're curious. Masterful! MS

Alex Mari

2026-10-03T06:00:00.000+02:00

ALEX MARI – Origins
Lethal Song / Atomic Stuff Promotion
Genere: Melodic Metal / Prog Metal
Supporto: Digital – 2026

Un altro genere musicale che nel tempo non vede mai la parola fine è il Metal melodico. Spesso a braccetto con l’AOR, oppure con il Metal Prog, ha sempre saputo emozionare soprattutto durante i ritornelli di facile memorizzazione. Serve anche la tecnica per esporre al meglio le composizioni, una prerogativa che contraddistingue il Metal Prog.
Alex Mari è un vocalist e polistrumentista originario di Ferrara ed è attivo da anni nella scena Rock, Hard Rock e Progressive italiana e internazionale. È il frontman e cantante della band Progressive Rock Barock Project e co-fondatore della formazione AOR/Melodic Rock, Night Pleasure Hotel. Ha lavorato a lungo come corista e collaboratore al fianco di Michele Luppi (Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). Nella sua attività live e di studio vanta esibizioni e partecipazioni con fornamzioni come Secret Sphere, Markonee e Ophiura.
Con Origins, Alex firma un'opera in cui cura personalmente voce, chitarre, basso, tastiere, programmazioni e arrangiamenti. Alla batteria figurano Paolo Caridi (Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) e Gianluca "Mr. Pisu" Pisana (Night Pleasure Hotel), oltre ad ospiti come Igor Gallerani (Ophiura) alle tastiere in “Resurrection”, Valentina Piccinini alla voce in “Visions”, Leonardo “Big Leo” alla voce in “Ancestral Whispers” e Lisa Cavalieri D’Oro alla voce in “Forgotten”. L'album è stato mixato e masterizzato da Roberto Priori presso il Pri Studio di Bologna.
In realtà questo debutto discografico nasce dalla decisione di Alex di rivisitare e trasformare i primi brani che aveva scritto tra la fine degli anni ’90 e l’inizio degli anni 2000, mentre suonava nelle band O.D.U. e Ophiura. Non è una semplice riedizione, bensì una vera e propria trasformazione. I brani sono stati completamente riarrangiati, registrati ex novo e reinterpretati attraverso un suono più maturo. Un ritorno alle origini ma senza nostalgia.
Fatte le dovute presentazioni, passiamo alla musica anticipata da tre singoli: “Resurrection”, “Aenigma” e “Ancestral Whispers”.
Si inizia con “Back To The Origins Pt. 1”, un'intro atmosferica ed evocativa dove le tastiere preparano l'ascoltatore all'ingresso nel disco che prosegue con “Letters From Hell”, dall'impatto Hard & Heavy deciso, guidato da ritmiche serrate e riff di chitarra aggressivi. La voce di Alex è quella già nota agli amanti delle band citate, ossia pulita, malleabile e recitativa. Il brano vuole essere un viaggio interiore nei momenti più bui dell'anima, rappresentati simbolicamente come "lettere dall'inferno", da cui emerge la volontà di spezzare le catene delle proprie angosce.
Ed è la volta del primo singolo “Resurrection”, melodico e dalla struttura Metal Prog, dove la ritmica si sbizzarrisce in varianti apprezzabili. Il testo è incentrato sul concetto di riscatto e rinascita personale: cadere, toccare il fondo e ritrovare la forza per rialzarsi più forti di prima.
Il secondo singolo estratto “Aenigma” è caratterizzato a sua volta da cambi di tempo, intrecci di tastiere e un lavoro di chitarra articolato. Il punto di forza risiede nel ritornello, aperto e arioso. È una riflessione sul mistero dell'esistenza e sulle risposte che l'uomo cerca costantemente senza mai trovare una verità assoluta, vivendo sospeso nel dubbio.
Il terzo singolo “Ancestral Whispers” è una bellissima ballata atmosferica e profonda, costruita su arrangiamenti di tastiere e chitarre arpeggiate, impreziosita dal duetto vocale con Leonardo Big Leo. Ispirato al libro “Molte Vite, Un Solo Amore” di Brian Weiss, esplora l'idea metafisica delle anime gemelle che continuano a cercarsi e a rincontrarsi attraverso differenti epoche ed esistenze.
A questo punto ci si catapulta dentro al mondo AOR con “Let Our Dreams Be Free”, dove i synth sono ben presenti e richiamano le sonorità classiche degli anni '80. Un inno alla libertà di espressione, all'importanza di inseguire le proprie aspirazioni e di non lasciarsi imbrigliare dai condizionamenti sociali.
“True Illusion” ha un inizio introspettivo attraverso arpeggi di chitarra, tastiere e la voce cristallina di Alex, ma a metà il ritmo parte serrato ed entra a pieno titolo nel Metal melodico trascinante e ben arrangiato con tastiere sinfoniche. Qui si analizza il confine ambiguo tra realtà e percezione digitale o illusoria, ponendo l'accento su quanto spesso ci si innamori di maschere o apparenze ingannevoli.
Uno dei pezzi che ho maggiormente apprezzato è “Visions”; curato in ogni particolare, è complesso e sinfonico, dove la matrice Progressive dei Barock Project emerge in modo evidente negli arrangiamenti e nei cambi di atmosfera. La voce di Valentina Piccinini è la ciliegina sulla torta. Trattasi dell'esperienza del sogno e della visione come chiave di lettura della realtà, un momento in cui l'inconscio rivela desideri e paure taciute durante il giorno.
Traccia intimista e struggente è “Forgotten”. La canzone è impostata prevalentemente su pianoforte e voce nella prima parte, per poi emergere in un crescendo Rock emotivo guidato da un assolo di chitarra malinconico. Dettato dalla nostalgia e dal dolore dell'abbandono, racconta la sensazione di essere stati dimenticati dalle persone o dai luoghi che un tempo rappresentavano "casa".
Ed è la volta di “I Am”, grintosa quanto basta e ritmata con bassi in evidenza e un'impronta Hard Rock pura e diretta. Il testo è una dichiarazione d'identità forte e senza filtri: l'accettazione completa di se stessi, dei propri difetti e della propria storia, senza bisogno di scuse o approvazioni esterne.
Con “Apocalypse” si entra nel momento più epico e cupo dell'album, caratterizzato da riff pesanti, orchestrazioni maestose e linee vocali drammatiche e teatrali. Una metafora sul declino della società moderna, sull'isolamento emotivo e sulla necessità di una distruzione "catartica" per poter ricostruire qualcosa di autentico.
“Back To The Origins Pt. 2” chiude concettualmente il disco riprendendo i temi musicali dell'introduzione, sviluppandoli in una suite strumentale di sapore Prog Rock che riassume la palette sonora dell'opera.
Ottima anche la bonus track “Sospiri Ancestrali”, ripresa acustica di “Ancestral Whispers” ricantata in italiano, con la partecipazione vocale di Gianluca "Mr. Pisu" Pisana. Mantiene il tema delle vite passate e del legame indissolubile tra le anime, trasposto nella musicalità della lingua italiana. Bellissima.
In conclusione, “Origins” non è soltanto una prova di forza tecnica o una semplice vetrina per le eccellenti qualità vocali di Alex Mari, ma un debutto solista maturo, viscerale e profondamente sincero. È un lavoro organico che non si limita a citare i grandi maestri del genere, ma che rivendica con orgoglio la propria identità, confermando Mari come una delle voci e delle menti più poliedriche e interessanti del panorama Rock e Metal contemporaneo. Un ascolto raccomandato non solo agli estimatori dei Barock Project e delle sue tante collaborazioni, ma a chiunque sia ancora alla ricerca di musica suonata con il cuore, la pancia e un'indiscussa classe cristallina. MS

Versione Inglese:

ALEX MARI – Origins
Lethal Song / Atomic Stuff Promotion
Genre: Melodic Metal / Prog Metal
Format: Digital – 2026

Another musical genre that never sees the end of the line over time is Melodic Metal. Often walking hand in hand with AOR, or with Prog Metal, it has always known how to evoke strong emotions, especially through its catchy, memorable choruses. Excellent technical proficiency is also required to best present these compositions—a hallmark that defines Prog Metal.
Alex Mari is a vocalist and multi-instrumentalist from Ferrara, Italy, who has been active for years in the Italian and international Rock, Hard Rock, and Progressive scenes. He is the lead singer and frontman of the Progressive Rock band Barock Project and co-founder of the AOR/Melodic Rock outfit Night Pleasure Hotel. He has worked extensively as a backing vocalist and collaborator alongside Michele Luppi (Whitesnake, Vision Divine, Secret Sphere). In his live and studio work, he boasts performances and guest appearances with acts such as Secret Sphere, Markonee, and Ophiura.
With Origins, Alex delivers a work in which he personally handled vocals, guitars, bass, keyboards, programming, and arrangements. Drums are played by Paolo Caridi (Michele Luppi, Reb Beach, Ellefson-Soto) and Gianluca "Mr. Pisu" Pisana (Night Pleasure Hotel), alongside guest appearances such as Igor Gallerani (Ophiura) on keyboards in “Resurrection”, Valentina Piccinini on vocals in “Visions”, Leonardo “Big Leo” on vocals in “Ancestral Whispers”, and Lisa Cavalieri D’Oro on vocals in “Forgotten”. The album was mixed and mastered by Roberto Priori at Pri Studio in Bologna.
In truth, this debut album stems from Alex's decision to revisit and transform the very first songs he wrote between the late '90s and early 2000s while playing in the bands O.D.U. and Ophiura. It is no mere reissue, but a full-fledged transformation. The tracks have been completely rearranged, re-recorded from scratch, and reinterpreted through a more mature sound—a return to origins, but without nostalgia.
With the introductions out of the way, let's move on to the music, which was preceded by three singles: “Resurrection”, “Aenigma”, and “Ancestral Whispers”.
It kicks off with “Back To The Origins Pt. 1”, an atmospheric and evocative intro where keyboards prepare the listener for the journey into the record. It continues with “Letters From Hell”, featuring a decisive Hard & Heavy punch driven by tight rhythms and aggressive guitar riffs. Alex's voice is the one already familiar to fans of the aforementioned bands—clean, versatile, and theatrical. The track is intended as an inner journey through the darkest moments of the soul, symbolically represented as "letters from hell," from which the desire to break the chains of one's own anxieties emerges.
Then comes the first single, “Resurrection”, melodic and built upon a Prog Metal structure, where the rhythm section delights in engaging variations. The lyrics center on the concept of redemption and personal rebirth: falling, hitting rock bottom, and finding the strength to rise again stronger than before.
The second single, “Aenigma”, is characterized by time signature changes, intricate keyboard layers, and articulate guitar work. Its strong point lies in the open, soaring chorus. It is a reflection on the mystery of existence and the answers humanity constantly seeks without ever finding an absolute truth, living suspended in doubt.
The third single, “Ancestral Whispers”, is a gorgeous, atmospheric, and deep ballad built around keyboard arrangements and arpeggiated guitars, enriched by a vocal duet with Leonardo Big Leo. Inspired by Brian Weiss's book Only Love Is Real (published in Italian as Molte Vite, Un Solo Amore), it explores the metaphysical concept of soulmates who continue to seek and find each other across different eras and lifetimes.
At this point, we plunge straight into the world of AOR with “Let Our Dreams Be Free”, where synths feature prominently and recall the classic '80s sound—an anthem to freedom of expression, the importance of pursuing one's aspirations, and refusing to be bound by social constraints.
“True Illusion” opens introspectively with guitar arpeggios, keyboards, and Alex's crystal-clear vocals, before the tempo picks up mid-track, diving full force into driving, well-arranged Melodic Metal topped with symphonic keyboards. Here, the ambiguous line between reality and digital or illusory perception is analyzed, highlighting how often we fall in love with masks or deceptive appearances.
One of the tracks I appreciated most is “Visions”; meticulous in every detail, it is complex and symphonic, where the Progressive DNA of Barock Project clearly shines through the arrangements and atmospheric shifts. Valentina Piccinini's guest vocals are the icing on the cake. It deals with the experience of dreams and visions as a key to interpreting reality—a moment when the subconscious reveals desires and fears kept quiet during the day.
An intimate and poignant track is “Forgotten”. The song is primarily built around piano and vocals in the first half, before rising into an emotional Rock crescendo led by a melancholy guitar solo. Driven by nostalgia and the pain of abandonment, it tells the story of feeling forgotten by the people or places that once felt like "home."
Then comes “I Am”, punchy enough and rhythmic, with prominent basslines and a pure, direct Hard Rock stamp. The lyrics are a bold, unfiltered declaration of identity: full acceptance of oneself, one's flaws, and one's story, without the need for excuses or external approval.
With “Apocalypse”, we reach the most epic and dark moment of the record, characterized by heavy riffs, majestic orchestrations, and dramatic, theatrical vocal lines. It serves as a metaphor for the decline of modern society, emotional isolation, and the necessity of a "cathartic" destruction in order to rebuild something genuine.
“Back To The Origins Pt. 2” conceptually closes the album by reprising the musical themes of the intro, expanding them into a Prog Rock-flavored instrumental suite that summarizes the album's tonal palette.
Also excellent is the bonus track “Sospiri Ancestrali”, an acoustic rendition of “Ancestral Whispers” re-sung in Italian, featuring guest vocals by Gianluca "Mr. Pisu" Pisana. It retains the theme of past lives and the unbreakable bond between souls, transposed into the musicality of the Italian language. Beautiful.
In conclusion, Origins is not merely a display of technical prowess or a simple showcase for Alex Mari's stellar vocal abilities, but a mature, visceral, and deeply sincere solo debut. It is a cohesive work that does not settle for merely quoting the great masters of the genre, but proudly claims its own identity, confirming Mari as one of the most versatile and interesting voices and minds in the contemporary Rock and Metal scene. A highly recommended listen not only for fans of Barock Project and his many collaborations, but for anyone still searching for music played with heart, gut, and undeniable, crystal-clear class. MS

Brass Camel

2026-10-02T05:00:00.000+02:00

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genere: Heavy Prog / Eclectic Prog
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

Come dicevano i mitici Monty Python negli anni ’70: “Ed ora qualcosa di completamente diverso…” e da dove se non dal Canada?
Qui avviso subito tutti gli amanti del genio Frank Zappa, i Brass Camel sono per voi! Ma c’è anche di più e lo scopriremo analizzando il loro terzo album “Brass Camel”.
Intanto loro sono originari di Vancouver (British Columbia) e sono capitanati dal polistrumentista, cantante e chitarrista Daniel Sveinson. Sveinson, attivo fin da giovanissimo sulla scena rock locale (spesso definito un vero e proprio enfant prodige della sei corde), ha fondato il progetto con la precisa intenzione di unire la complessità formale e l'ambizione del Progressive Rock anni '70 a ritmiche Funk, Heavy Blues e una spiccata teatralità Art Rock.
La formazione comprende Daniel Sveinson (chitarre, voce), Curtis Arsenault (basso, voce), Aubrey Ellefson (tastiere, voce) e Wyatt Gilson (batteria e percussioni), con gli ospiti Dylan Lammie (chitarra leslie) e Cat Madden (voce in “What Are You Going To Do”).
Non solo Frank Zappa, il sound dei Brass Camel cita maestri del Prog come Gentle Giant, Yes, Rush, ma anche Queen e i primi Spock’s Beard, innestando queste strutture ritmiche complesse e i cori polifonici su intelaiature Funk e grooves sincopati che ammiccano al Rock d'autore e alla Fusion moderna. L'intensa attività dal vivo, con oltre 100 date all'attivo prima della pubblicazione del disco, ha permesso al quintetto di sviluppare un'intesa dinamica e un sound d'impronta analogica e "live in studio".
Siamo al cospetto di un concept album incentrato su un unico brano di quarantacinque minuti suddiviso in dieci tracce a partire da “You’ve Got Time”, una riflessione sulla percezione del tempo nella quotidianità moderna. Il testo evidenzia il paradosso tra l'ossessione per le scadenze e lo spreco del tempo in distrazioni superficiali, invitando a riappropriarsi del proprio tempo prima che scada. Daniel Sveinson guida l'incipit con un riff di chitarra in tempo dispari, supportato dal lavoro di basso di Curtis Arsenault. Le tastiere di Aubrey Ellefson forniscono tessiture vintage, mentre l'arrangiamento vocale sfoggia stratificazioni di controcanti e armonie polifoniche di chiarissima estrazione Gentle Giant-iana. Uno dei punti di forza della band sono proprio le coralità, oltre che l’interpretazione variegata e sentita, a tratti teatrale.
Attaccata prosegue il groove “What Are You Going To Do?”: qui Zappa è saccheggiato alla grande a partire dai ritmi Funk Rock. La sezione centrale devia in tempi dispari sincopati e incastri virtuosistici tra synth e chitarra solista prima di esplodere nel ritornello. Una bomba sonora.
Sopraggiunge “Why Bother?”, con riferimenti ai Queen e alcuni passaggi alla Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” è elaborata, ma la band riesce a far passare il tutto come se fosse facile come bere un bicchiere d’acqua, e questo grazie alle doti tecnico-strumentali a loro disposizione. Il testo tratta il resoconto di un fallimento condiviso (una relazione, una partnership o un'impresa). Il tono non è solo d'amarezza, ma rimarca la dignità di aver provato fino in fondo senza risparmiare energie.
In “Ice Cold” si entra nell’Hard Prog di matrice Led Zeppelin e si affrontano il distacco emotivo, la calcolata freddezza e l'opportunismo di certi individui nelle dinamiche interpersonali e professionali. Il personaggio "Ice Cold" viene ritratto con spiccata teatralità.
Il concept si spezza ed è la volta di “Careful What You Wish For”, un altro mix di generi che in alcuni frangenti incontra le ritmiche del piano dei Supertramp. Il pezzo è una rilettura del classico ammonimento morale sulle ambizioni sfrenate, la conquista di ciò che si desiderava a tutti i costi spesso rivela risvolti inattesi, problematici o distruttivi.
“Everybody Loves A Scandal” ha il profumo degli anni ’70 più ricercati ed è ancora una volta prossima alle scelte corali e vocali in stile Zappa. Il testo vuole essere una satira pungente nei confronti della voyeuristica attrazione della società per i pettegolezzi, i drammi privati e il declino delle figure pubbliche nei media e sui social network.
La band sale in cattedra strumentalmente in “Catch Us If You Can”, un'esplosione di sonorità e scelte che a tratti riescono a spiazzare l’ascoltatore. Inno alla libertà.
In pieno stile Brass Camel è “Last Call”, mentre la conclusiva “This Is Goodbye” ha negli arrangiamenti di tastiera e nei tempi dilatati l’asso nella manica e saluta l'ascoltatore, lasciando aperta la strada ai futuri sviluppi stilistici.
Avete capito bene: è un disco ricolmo di storia, strumenti, voci, melodie e virtuosismi. Soltanto attenzione per chi non è avvezzo ai raggi di questa musica, perché si rischia l’insolazione. MS

Versione Inglese:

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genre: Heavy Prog / Eclectic Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

As the legendary Monty Python used to say back in the ’70s: “And now for something completely different…” and where else could it come from if not Canada?
Right off the bat, a heads-up to all lovers of Frank Zappa's genius: Brass Camel are for you! But there is even more to it, as we will discover by analyzing their third album, “Brass Camel”.
Hailing from Vancouver (British Columbia), the band is led by multi-instrumentalist, lead vocalist, and guitarist Daniel Sveinson. Active on the local rock scene from a very young age (and often defined as a true six-string child prodigy), Sveinson founded the project with the clear intention of blending the formal complexity and ambition of ’70s Progressive Rock with Funk rhythms, Heavy Blues, and a distinct Art Rock theatricality.
The lineup features Daniel Sveinson (guitars, vocals), Curtis Arsenault (bass, vocals), Aubrey Ellefson (keyboards, vocals), and Wyatt Gilson (drums and percussion), along with guests Dylan Lammie (Leslie guitar) and Cat Madden (vocals on “What Are You Going To Do”).
It's not just Frank Zappa: Brass Camel's sound quotes Prog masters like Gentle Giant, Yes, and Rush, but also Queen and early Spock’s Beard, grafting these complex rhythmic structures and polyphonic vocal harmonies onto Funk frameworks and syncopated grooves that nod to refined songwriting and modern Fusion. Their intense live activity—with over 100 shows under their belt prior to releasing the record—has allowed the quintet to develop a dynamic chemistry and an analog, "live-in-the-studio" sound.
We find ourselves before a concept album centered on a single forty-five-minute piece divided into ten tracks, starting with “You’ve Got Time”, a reflection on the perception of time in modern daily life. The lyrics highlight the paradox between an obsession with deadlines and wasting time on superficial distractions, urging us to reclaim our time before it runs out. Daniel Sveinson leads the opening with an odd-meter guitar riff, backed by Curtis Arsenault's basswork. Aubrey Ellefson's keyboards provide vintage textures, while the vocal arrangement showcases layers of counterpoints and polyphonic harmonies of clear Gentle Giant descent. Indeed, one of the band's greatest strengths lies in its vocal harmonies, as well as its varied, heartfelt, and at times theatrical delivery.
Flowing seamlessly, the groove of “What Are You Going To Do?” takes over: here Zappa is heavily pillaged, starting right from the Funk Rock rhythms. The midsection veers into syncopated odd time signatures and virtuosic interchanges between synth and lead guitar before exploding into the chorus. A sonic powerhouse.
Then comes “Why Bother?”, featuring nods to Queen and a few passages reminiscent of Spock’s Beard. “Can't Say We Didn't Try” is elaborate, yet the band manages to make it all sound effortless, thanks to the technical and instrumental chops at their disposal. The lyrics chronicle a shared failure (a relationship, a partnership, or an endeavor). The tone isn't merely bitter; it highlights the dignity of having tried all the way without holding anything back.
In “Ice Cold”, we step into Led Zeppelin-esque Hard Prog, dealing with emotional detachment, calculated coldness, and the opportunism of certain individuals in interpersonal and professional dynamics. The "Ice Cold" character is portrayed with striking theatrical flair.
The concept breaks, giving way to “Careful What You Wish For”, another genre blend that in certain moments crosses paths with Supertramp-style piano rhythms. The track is a reinterpretation of the classic moral warning about unchecked ambitions: achieving what was desired at all costs often reveals unexpected, problematic, or destructive consequences.
“Everybody Loves A Scandal” carries the scent of the most refined ’70s rock and once again stays close to Zappa-style vocal and choral arrangements. The lyrics serve as a biting satire aimed at society's voyeuristic fascination with gossip, private drama, and the downfall of public figures across media and social networks.
Instrumentally, the band puts on a masterclass in “Catch Us If You Can”, an explosion of sound and stylistic choices that occasionally manage to catch the listener off guard. An anthem to freedom.
“Last Call” is delivered in full Brass Camel fashion, while the closing track, “This Is Goodbye”, holds its ace in the hole with its keyboard arrangements and spacious time signatures, bidding farewell to the listener and leaving the door open for future stylistic developments.
You heard it right: this is a record packed with history, instruments, vocals, melodies, and virtuosity. Just a word of caution for those unaccustomed to the rays of this music, as you might risk a sunburn. MS

Confusion Field

2026-10-01T05:00:00.000+02:00

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Autoproduzione / Rockshots Records
Genere: Heavy Prog / Post Prog Moderno
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Amanti di Steven Wilson e company, ecco a voi il ritorno del progetto finlandese Confusion Field intitolato “Resilience Remains”.
Confusion Field è guidato dal polistrumentista, compositore e cantante finlandese Tomi Kankeinen. Originario di Oulu, Kankeinen vanta un lungo percorso nella scena musicale finnica, con trascorsi che abbracciano Heavy Metal, Hard Rock e Synth-Pop, sfociati poi nella naturale inclinazione verso il Post Prog Moderno.
Affiancato dal batterista Jani "Inkeri" Aho e dal tastierista/produttore Petteri Claesson, il progetto nasce con l'intento di fondere l'impatto ritmico e le sonorità chitarristiche del New Prog/Prog Metal (sulla scia di Porcupine Tree, Riverside e Steven Wilson) con trame di sintetizzatori moderne, sintetizzando melodia ed energia d'impatto.
“Resilience Remains” è il terzo album in studio dopo gli ottimi “Disconnection Complete” (2021) e “Future Impact Of Past Diversions” (2023), molto apprezzati sia dalla critica che dal pubblico (una prova l’avete su Prog Archives). L'album esplora tematiche esistenziali e psicologiche come la resistenza interiore, l'alienazione moderna, il sovraccarico informativo e la ricerca di identità di fronte al caos collettivo.
Rimango piacevolmente colpito in positivo dall’apertura dell’album “Maintain The Uncertainty”, che oltre ad essere il primo singolo, è un insieme di sonorità rapite dal passato e approfondite nel presente, con un condimento sonoro tipico di Wilson. La struttura alterna momenti rarefatti, guidati dalla voce pulita ed espressiva di Kankeinen, a fiammate d'impatto con assoli di chitarra fluidi e ben bilanciati. Nel testo si affronta l'incertezza come stato necessario dell'esistenza. Piuttosto che cercare certezze dogmatiche o facili risposte, il testo invita ad "abbracciare il dubbio", inteso come unico strumento reale per mantenere la mente aperta ed evitare il controllo sociale.
Curato negli arrangiamenti, il secondo singolo “Conjuring Conflict” gode di un ritornello davvero accattivante e di un incedere arioso oltre che energico. Vuole essere una riflessione sulla polarizzazione dei rapporti umani e sulla tendenza dei media e della società contemporanea a "evocare il conflitto" per profitto o controllo. Il testo descrive l'attrito costante generato dalle incomprensioni pilotate.
Il Post Prog Moderno vive anche di arie malinconiche (e ad esempio i Riverside ci hanno costruito sopra una carriera) ed è anche il caso di “Sea Of Irrelevance”, che parte con una chitarra pulita ed effetti di tastiera spaziali per poi sviluppare un crescendo emozionale supportato da un basso profondo e pulsante. È l'inquietudine di sentirsi sommersi da un "mare di irrilevanza", dove il rumore di fondo della quotidianità e del mondo digitale rischia di cancellare il valore e la memoria delle singole azioni umane. E a proposito del nominato Steven Wilson, provate ad ascoltare “Blame Gravity”.
Ci sono brani che si avvicinano di più alla formula canzone diretta come “Is That All?”, una domanda aperta sul senso del compimento. Raggiunti determinati scopi o superati determinati ostacoli, ci si chiede se la vita si riduca solo a questo o se esista un livello ulteriore di consapevolezza.
Repentino cambio di rotta con tinte quasi Cyberpunk/Industrial Progressive in “A New Code”: la necessità di riscrivere il proprio "codice" morale ed emotivo per sopravvivere in un mondo in rapida trasformazione. Un tema di rinascita e riprogrammazione interiore per spezzare vecchi schemi nocivi.
Immaginate ora di unire la New Wave al Metal, il risultato è “The Echo Collector”, a cui non mancano neppure incursioni nel Neo Prog!
“Restricted Area” e la conclusiva “Graceful Deceit” chiudono al meglio l’album, dove l'inganno aggraziato ("Graceful Deceit") è la costante illusione di controllo che ci costruiamo attorno. Il testo sottolinea che, nonostante le illusioni e le cadute, ciò che rimane alla fine è proprio la resilienza (Resilience Remains).
Con “Resilience Remains”, i Confusion Field non cercano di rivoluzionare i canoni del Progressive Rock moderno, ma dimostrano una straordinaria maturità nel maneggiare la materia. Io ho apprezzato numerose arie che mi hanno fatto volare alto con la fantasia, e ciò mi basta. MS

Versione Inglese:

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Self-Released / Rockshots Records
Genre: Heavy Prog / Modern Post Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

To all fans of Steven Wilson and company, here is the return of the Finnish project Confusion Field titled “Resilience Remains”.
Confusion Field is led by Finnish multi-instrumentalist, composer, and singer Tomi Kankeinen. Hailing from Oulu, Kankeinen boasts a long journey in the Finnish music scene, with a background spanning Heavy Metal, Hard Rock, and Synth-Pop, which eventually merged into his natural inclination towards Modern Post Prog.
Joined by drummer Jani "Inkeri" Aho and keyboardist/producer Petteri Claesson, the project was born with the intention of blending the rhythmic impact and guitar textures of New Prog/Prog Metal (in the vein of Porcupine Tree, Riverside, and Steven Wilson) with modern synthesizer arrangements, synthesizing melody and punchy energy.
“Resilience Remains” is their third studio album following the excellent “Disconnection Complete” (2021) and “Future Impact Of Past Diversions” (2023), both highly praised by critics and fans alike (you can find proof on Prog Archives). The album explores existential and psychological themes such as inner resilience, modern alienation, information overload, and the search for identity in the face of collective chaos.
I am pleasantly impressed by the album's opening track, “Maintain The Uncertainty”, which, besides being the first single, is a fusion of sounds borrowed from the past and expanded in the present, infused with a flavor typical of Wilson. The structure alternates between atmospheric, subtle moments—guided by Kankeinen's clean and expressive vocals—and impactful bursts featuring fluid, well-balanced guitar solos. The lyrics address uncertainty as a necessary state of existence. Rather than seeking dogmatic certainties or easy answers, the song invites us to "embrace doubt", seen as the only real tool to keep an open mind and avoid social control.
Meticulously arranged, the second single “Conjuring Conflict” features a genuinely catchy chorus alongside an airy yet energetic drive. It serves as a reflection on the polarization of human relationships and the tendency of modern media and society to "conjure conflict" for profit or control. The text describes the constant friction generated by engineered misunderstandings.
Modern Post Prog also thrives on melancholic moods (Riverside, for instance, built a career on them), and that is certainly the case with “Sea Of Irrelevance”. Starting with clean guitar and spacey keyboard effects, it builds into an emotional crescendo supported by a deep, pulsing bassline. It captures the anxiety of feeling submerged in a "sea of irrelevance", where the background noise of daily life and the digital world threatens to erase the value and memory of individual human actions. And speaking of Steven Wilson, give “Blame Gravity” a listen.
Some tracks lean closer to a direct song format, such as “Is That All?”, an open question about the sense of fulfillment. Once certain goals are achieved or specific obstacles overcome, one wonders if life is reduced to just this or if a higher level of awareness exists.
A sudden shift in direction brings almost Cyberpunk/Industrial Progressive shades in “A New Code”: the need to rewrite one's own moral and emotional "code" to survive in a rapidly changing world. A theme of rebirth and inner reprogramming to break harmful old patterns.
Now imagine combining New Wave with Metal: the result is “The Echo Collector”, which even features touches of Neo Prog!
“Restricted Area” and the closing track “Graceful Deceit” wrap up the album at its best. Here, the graceful deceit ("Graceful Deceit") represents the constant illusion of control we build around ourselves. The lyrics emphasize that, despite illusions and falls, what ultimately endures is resilience itself (Resilience Remains).
With “Resilience Remains”, Confusion Field do not attempt to revolutionize the standards of modern Progressive Rock, but they demonstrate extraordinary maturity in handling the genre. I personally enjoyed numerous passages that allowed my imagination to soar, and for me, that is more than enough. MS

Ilamb

2026-09-30T05:00:00.000+02:00

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digital – 2026

La vita è fatta di sogni, specialmente quando si è giovani, e il pensare al futuro per volersi realizzare è un obiettivo dell’esistenza. È splendido quando si ha al proprio fianco un genitore che avalla la tua volontà e che ti sostiene in questo percorso fatto comunque di insidie, una mano tesa che dà fiducia, perché la felicità rende l’uomo libero.
Questo è anche il concept dell’album “Trip To Heaven – Redux”, che rappresenta la rilettura completa e la ri-attualizzazione sonora dell'opera uscita come album di esordio nel 2016 del duo ILAMB. Il lavoro sfoggia un nuovo missaggio e mastering per valorizzare la dinamica audio digitale, inserti di chitarra riregistrati, sezioni acustiche arricchite e un bilanciamento delle frequenze concepito per enfatizzare il contrasto tra parti intime e aperture sinfonico-Rock.
ILAMB è guidato dal polistrumentista, compositore e arrangiatore palermitano Davide Agnello, che cura chitarre, tastiere, programmazioni, arrangiamenti e gran parte del songwriting, avvalendosi di collaborazioni vocali e di sezione ritmica nei singoli brani.
L’introduzione al percorso è affidata alla strumentale “Start”, con tastiere eteree e suoni d'ambiente che preparano il terreno all'ascolto, creando un'atmosfera sospesa. I richiami ai Pink Floyd sono evidenti soprattutto nello slide della chitarra e negli effetti eco che la circondano. Essa conduce a “Son To Father”, altro movimento etereo in cui il cantato esprime la consapevolezza del ragazzo protagonista di non essere più una semplice ombra o un pensiero, ma un'anima viva nel mondo grazie al padre.
Così “Father To Son” è complementare al precedente, mostrando una struttura più solida e matura, sostenuta da una sezione ritmica maggiormente incisiva e prossima nelle chitarre a “Dogs” sempre dei Pink Floyd, tanto per darvi un punto di riferimento. Il testo riflette la responsabilità, la protezione, le speranze e il timore di trasmettere le proprie fragilità alla generazione successiva. A dir poco bellissimo il lungo solo finale, che farà la gioia di chi ama questo sound sostenuto e sognante (me compreso).
“King Of The World”, nei suoi otto minuti abbondanti, si affaccia anche nel mondo dei Porcupine Tree. Racconta l'onnipotenza illusoria della giovinezza e dell'egocentrismo ("I want to run all day and see every place..."), riflettendo l'ambizione smisurata e la sensazione di invincibilità che caratterizzano una specifica fase della vita. Nella fase centrale il brano si spezza e diventa psichedelico e avvolgente. È proprio qui che parte una fuga in stile “Metanoia”, visto che ho nominato la band di Steven Wilson, ma con tastiere Neo Prog a supporto, a testimonianza che comunque Agnello ha una personalità ben definita. Un altro interludio psichedelico porta il titolo “Encounter” e conduce a “Deep Inside”, introdotto da un solo di batteria. Il basso si fa più presente mentre la chitarra rilascia riff elettrici drammatici che potrebbero risiedere anche in “Deadwing” (Porcupine Tree). Se siete amanti dei solo di chitarra adrenalinici, il brano fa al caso vostro; personalmente è uno dei movimenti che ho maggiormente apprezzato, ottimo anche l'intervento dei synth.
“My Imagination” emotivamente alza il tiro e riconduce ancora una volta il sound nel mondo dei Pink Floyd più toccanti, in cui la chitarra elettrica rilascia un altro lungo assolo da pelle d’oca. Il finale è affidato alla chitarra acustica… E ho detto tutto.
Il terzo interludio s’intitola “Spring” ed è una ballata acustica a sua volta toccante che mette in evidenza (se ancora ce ne fosse il bisogno) la sensibilità melodica di Davide Agnello. Segue “Spring (Reprise)”, brano Rock in modalità “The Division Bell” (Pink Floyd).
Altro brano dal forte impatto è “The Boy Becomes The Man”, ovviamente in crescendo sonoro, che tratta il passaggio definitivo dall'innocenza della giovinezza alla consapevolezza adulta, con l'accettazione dei propri limiti e delle responsabilità.
Dopo il breve sound da carillon di “Toys”, è la volta di “It's The Life”, altra perla melodica e sognante su cui lasciarsi trasportare.
“Heaven” rappresenta la catarsi, la pace ritrovata e la meta del viaggio (il "cielo" inteso come stato di quiete spirituale e piena riconciliazione con se stessi). Altamente Prog, il brano ha interventi sonori che richiamano il flauto e quanto di sinfonico gli anni ’70 ci hanno donato. Segue l’immancabile crescendo.
La chiusura è affidata a “End Of Stars”, bucolica e straziante, con l’immancabile chitarra elettrica che strizza l’occhio a “Marooned” (Pink Floyd).
L'operazione Redux di “Trip To Heaven” non è un semplice maquillage sonoro, ma una vera e propria rifocalizzazione emotiva, il suono ne esce rinvigorito, le dinamiche respirano e ogni traccia trova la giusta collocazione all'interno dell'architettura dell'opera. È un disco che richiede un ascolto attento, intimo, preferibilmente a luci soffuse e senza interruzioni, per lasciarsi trasportare lungo le tappe di questo viaggio di crescita e riconciliazione. Vorresti non finisse mai. MS

Versione Inglese:

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Self-released
Genre: Modern Post-Prog
Format: Digital – 2026

Life is made of dreams, especially when you are young, and thinking about the future to fulfill yourself is a core goal of existence. It is wonderful to have a parent by your side who endorses your vision and supports you along this path—a journey filled with pitfalls nonetheless—offering a helping hand that inspires confidence, because happiness sets humankind free.
This is also the concept behind the album “Trip To Heaven – Redux”, which represents a complete reinterpretation and sonic updating of the duo ILAMB’s 2016 debut release. The work features a fresh mix and master designed to enhance digital audio dynamics, re-recorded guitar parts, enriched acoustic sections, and a frequency balance crafted to emphasize the contrast between intimate passages and sweeping symphonic-rock openings.
ILAMB is led by Palermitan multi-instrumentalist, composer, and arranger Davide Agnello, who handles guitars, keyboards, programming, arrangements, and most of the songwriting, while featuring guest vocalists and rhythm sections across individual tracks.
The introduction to this journey is entrusted to the instrumental track “Start”, featuring ethereal keyboards and ambient sounds that pave the way for the listening experience, creating a suspended atmosphere. Pink Floyd influences are clear, particularly in the slide guitar work and the surrounding delay effects. It leads into “Son To Father”, another ethereal movement where the vocals convey the young protagonist's realization that he is no longer just a shadow or a thought, but a living soul in the world thanks to his father.
Thus, “Father To Son” serves as a natural counterpart, displaying a sturdier, more mature structure anchored by a punchier rhythm section and guitars reminiscent of Pink Floyd's “Dogs”, just to give you a point of reference. The lyrics reflect responsibility, protection, hopes, and the fear of passing one's own vulnerabilities down to the next generation. The long closing solo is simply sublime and will delight anyone who loves this sustained, dreamlike sound (myself included).
“King Of The World”, spanning over eight generous minutes, also ventures into Porcupine Tree territory. It chronicles the illusory omnipotence of youth and egocentrism ("I want to run all day and see every place..."), reflecting the boundless ambition and feeling of invincibility that define a specific stage of life. In its middle section, the track breaks down, becoming psychedelic and atmospheric. It is precisely here that a run in the vein of “Metanoia” kicks off—since I mentioned Steven Wilson’s band—supported by Neo-Prog keyboards, proving that Agnello possesses a well-defined artistic identity. Another psychedelic interlude titled “Encounter” leads into “Deep Inside”, introduced by a drum solo. The bass takes center stage while the guitar delivers dramatic electric riffs that wouldn't feel out of place on Porcupine Tree's “Deadwing”. If you are a fan of adrenaline-fueled guitar solos, this track is right up your alley; personally, it is one of the movements I enjoyed the most, complemented by excellent synth work.
“My Imagination” raises the emotional stakes and once again steers the sound toward the most touching side of Pink Floyd, featuring another goosebump-inducing, extended guitar solo. The ending is left to the acoustic guitar… Enough said.
The third interlude is titled “Spring”, a deeply moving acoustic ballad that highlights—if there were still any doubt—Davide Agnello’s melodic sensitivity. This is followed by “Spring (Reprise)”, a rock track leaning into “The Division Bell” territory.
Another high-impact track is “The Boy Becomes The Man”, building up through a dramatic musical crescendo to address the definitive transition from youthful innocence to adult awareness, embracing personal limits and responsibilities.
After the brief, music-box-like soundscape of “Toys”, it is time for “It's The Life”, another melodic, dreamlike gem to get lost in.
“Heaven” represents catharsis, peace rediscovered, and the destination of the journey (the "heaven" understood as a state of spiritual tranquility and complete reconciliation with oneself). Highly progressive in nature, the track features sonic textures echoing flutes and the classic symphonic flourishes that the 1970s bestowed upon us, followed by an inevitable crescendo.
The closing is entrusted to “End Of Stars”, bucolic and heartbreaking, with an ever-present electric guitar that tips its hat to Pink Floyd's “Marooned”.
The Redux treatment of “Trip To Heaven” is no mere sonic facelift; it is a genuine emotional refocusing. The sound comes out invigorated, the dynamics breathe, and every track finds its rightful place within the work's overall architecture. It is an album that demands attentive, intimate listening—preferably under dim lights and without interruptions—to let yourself be carried away along the milestones of this journey of growth and reconciliation. You'll wish it would never end. MS

Last Knight

2026-09-29T05:00:00.000+02:00

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

La musica classica è sempre stata un fulcro centrale in moltissima della proposta sonora moderna, tanto che il Progressive Rock ne fa sinfonia e ne arricchisce il linguaggio che nel Rock stesso non sarà più chitarrocentrico.
Fa piacere imbattersi in progetti nei quali anche la storia medievale si va ad allacciare a questo contesto, apportando un'ulteriore crescita creativa.
I Last Knight sono un progetto multinazionale di José Manuel Medina fondato nel 1997 e nel corso degli anni moltissimi musicisti si sono alternati all’interno della line-up, tra cui Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp) o Maggie Reilly. La discografia si concentra solitamente su concept storici, ad iniziare da “Lord Of The Time” del 2001, a cui seguono altri cinque album compreso questo “The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias” che inizia una nuova trilogia di racconti. Ambientato durante la Reconquista nella penisola iberica (711–1492 d.C.), tratta della nascita del Regno delle Asturie ad opera di Don Pelayo dopo la battaglia di Covadonga (722 d.C.), primo nucleo della resistenza cristiana contro l'espansione del Califfato e punto di partenza della formazione dei futuri regni di León, Galizia e Navarra (Pamplona).
Il progetto dunque è alquanto ambizioso e ricco di musicisti che vado in ordine ad elencare: Jose Manuel Medina (voce, tutti gli strumenti), Marc Atkinson (voce e cori), Mariano Gardella (voce e cori), Deibys Artigas (voce e cori), Rafael Pacha (chitarre, violino, percussioni, mandolino, flauto), Pablo Lato (basso), Nelson Pombal (chitarre), Kheiro Lamri (chitarre), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violino), Ian Palmer (batteria) e la The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
Il minutaggio è alquanto esteso: 71 minuti di musica suddivisa in 15 brani.
Ovviamente si parte con un'overture, anzi, “The Grand Overture”, un brano interamente strumentale sinfonico. Utilizza strati di tastiere, orchestrazioni synth, chitarre elettriche e ritmi dinamici per presentare i temi musicali ricorrenti dell'album.
“In The Middle Ages” è invece un brano di Rock Progressivo classico dove le chitarre acustiche ed elettriche si intrecciano con synth e organo. Sviluppa una melodia vocale principale fluida con cambi di tempo centrali e narra la vita quotidiana, le incertezze e la dura realtà della penisola iberica all'inizio del Medioevo, introducendo il clima di scontro imminente tra diverse culture e fedi. Tuttavia credetemi che non è assolutamente il caso di fare un'analisi per ogni singolo movimento sonoro in quanto il contesto lo avete compreso e vi annoiereste nel leggere, siamo sempre fra grandi melodie e tanta sinfonia; ma devo sottolineare la bellezza di almeno tre brani che fanno di questo concept un grande disco: “War”, decisamente Hard Rock dal sapore vintage, e la suite “The Kingdom Of Leon”, fulcro dell’album assieme alla seconda “The Kingdom Of Galicia”. Essa alterna sezioni sinfoniche, assoli di tastiera in pieno stile prog settantiano, momenti acustici e imponenti crescendo orchestrali. Narra l'espansione delle Asturie verso sud, la traslazione della capitale e la nascita del potente Regno di León, cuore politico della Reconquista.
I Last Knight dimostrano ancora una volta come il Prog Rock sinfonico sappia farsi eccellente veicolo di narrazione storica. Tra fughe orchestrali, ricami folk celtico-iberici e repentine vette elettrificate, il disco restituisce tutta l'epicità e la drammaticità della nascita dei regni di Spagna. Un ascolto denso, colto e profondamente immersivo, consigliato a tutti gli amanti delle grandi architetture concettuali. Quando la musica diventa film per la mente, i Last Knight ne sono ottimi registi. MS

Versione Inglese:

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

Classical music has always been a central core in much of modern musical output, so much so that Progressive Rock turns it into symphony, enriching a language that within Rock itself is no longer strictly guitar-centric.
It is a pleasure to come across projects in which medieval history ties into this context as well, bringing further creative growth.
Last Knight is an international project led by José Manuel Medina, founded in 1997. Over the years, many musicians have rotated through the lineup, including Mike Oldfield, John Helliwell (Supertramp), and Maggie Reilly. Their discography typically focuses on historical concept albums, starting with "Lord Of The Time" in 2001, followed by five other albums including this "The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias," which begins a new trilogy of stories. Set during the Reconquista in the Iberian Peninsula (711–1492 AD), it deals with the birth of the Kingdom of Asturias led by Don Pelayo after the Battle of Covadonga (722 AD)—the initial core of Christian resistance against the expansion of the Caliphate and the starting point for the formation of the future kingdoms of León, Galicia, and Navarre (Pamplona).
The project is therefore quite ambitious and rich in musicians, whom I will list in order: Jose Manuel Medina (vocals, all instruments), Marc Atkinson (lead and backing vocals), Mariano Gardella (lead and backing vocals), Deibys Artigas (lead and backing vocals), Rafael Pacha (guitars, violin, percussion, mandolin, flute), Pablo Lato (bass), Nelson Pombal (guitars), Kheiro Lamri (guitars), Troy Donockley (whistles), Victor Adebisi (violin), Ian Palmer (drums), and The Somnus Symphony Orchestra & Choir.
The running time is fairly extensive: 71 minutes of music divided into 15 tracks.
Naturally, it begins with an overture—or rather, “The Grand Overture”—an entirely instrumental symphonic track. It uses layers of keyboards, synth orchestrations, electric guitars, and dynamic rhythms to introduce the recurring musical themes of the album.
“In The Middle Ages” is instead a classic Progressive Rock track where acoustic and electric guitars intertwine with synths and organ. It develops a fluid lead vocal melody with mid-track time changes and narrates daily life, the uncertainties, and the harsh reality of the Iberian
Peninsula at the beginning of the Middle Ages, introducing the atmosphere of impending conflict between different cultures and faiths. However, believe me, there is no need to analyze every single musical movement, as you have already grasped the context and would get bored reading it—we are consistently surrounded by great melodies and rich symphonies. Still, I must highlight the beauty of at least three tracks that make this concept a great album: “War,” which is decidedly vintage-flavored Hard Rock, and the suite “The Kingdom Of Leon,” the centerpiece of the album alongside the second suite, “The Kingdom Of Galicia.” It alternates symphonic sections, 70s-style prog keyboard solos, acoustic passages, and majestic orchestrations in a building crescendo. It tells the story of the southward expansion of Asturias, the relocation of the capital, and the birth of the powerful Kingdom of León, the political heart of the Reconquista.
Last Knight prove once again how symphonic Prog Rock can serve as an excellent vehicle for historical storytelling. Between orchestrations, Celtic-Iberian folk flourishes, and sudden electrified peaks, the record conveys all the epic scale and drama surrounding the birth of the kingdoms of Spain. A dense, cultured, and deeply immersive listen, recommended to all lovers of grand conceptual structures. When music turns into a film for the mind, Last Knight serve as excellent directors. MS

Pallas

2026-09-28T05:00:00.000+02:00

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

I Pallas fanno parte della scena storica degli anni ’80 in ambito Neo Prog assieme a Marillion, IQ, Pendragon ecc. Mi ricordo che fu devastante l’ascolto dell’album “The Sentinel” nel 1984, con quella splendida copertina gatefold in stile Roger Dean (Yes): una ventata di aria fresca per chi in quel periodo era in astinenza di Rock Progressivo. Tante tastiere epiche e un senso spiccato della drammaticità, elevato all’ennesima potenza dalla voce recitativa di Euan Lowson.
Ne sono passati di anni e, dopo stop e ripartenze, la band ha saputo mantenere uno standard qualitativo costante malgrado i vari cambi di lineup. Altro gioiellino fu il ritorno negli anni ’90 con “Beat The Drum” (1998) e anche l’ottimo “The Cross & The Crucible”, album che vi consiglio vivamente di andare a riscoprire, in essi c'è l’essenza stessa del Neo Prog.
Nove gli album in studio compreso questo “A Song For Tomorrow”, da cui ripongo alte aspettative visto che al microfono si vede il ritorno dello storico Alan Reed.
Il senso di drammaticità è ancora intatto (anche troppo) nelle dieci canzoni contenute nell’album, mentre la formazione è composta da Alan Reed (voce), Niall Mathewson (chitarra, percussioni, voce), Graeme Murray (basso, voce) e Ronnie Brown (tastiere, percussioni, voce), con l’ospite nella title track della cantante Natasha O'Neal.
Ve la faccio breve e non ci giro molto intorno: lo stile cambia, anche se si denotano sempre le qualità classiche della band. I suoni diventano più futuristici, i brani più semplici, la voce (maledizione) in alcuni casi è filtrata e non raggiunge più quelle vette a cui ci aveva abituati, salvo alcuni rarissimi casi.
Tanto cuore affossato però da un poco di stanca compositiva, dove mi mancano quelle poderose sinfonie e quei solo di chitarra che contraddistinguono sia la band sia il Neo Prog stesso. Anche il concept non è nuovo nell’ambito, la classica devastazione e la rinascita di una nuova civiltà.
Ho apprezzato “Aspiration”, ballata Prog guidata da chitarra acustica e aperture atmosferiche di grande respiro.
Esistono brani Heavy Prog come “Rushing Headlong”, che descrive la corsa folle dell'umanità verso la propria autodistruzione, l'inseguimento cieco del progresso tecnologico e del guadagno economico senza fermarsi a considerarne le conseguenze, ma non bastano ad alzare l’attenzione dell’ascoltatore, generalmente assopita in altri movimenti stanchi e già sentiti.
Sento altresì di salvare la conclusiva “Inside Outside”, una riflessione sulla dualità della mente umana, la contrapposizione tra il mondo interiore (i pensieri, i sentimenti, i valori) e il mondo esterno (la realtà sociale, le apparenze, le pressioni della vita).
Probabilmente questa della pacatezza generale (che poi diventa lagna) e della ricerca vocale modificata è stata proprio una scelta dettata da quello che oggi i Pallas si sentono di essere (giustamente), ma personalmente mi ha deluso, perché mancano i crescendo a cui la band nel tempo ci ha abituati (dove sono finite le chitarre?) e capite voi che quando si mangia bene, passare al panino non è gran cosa. Non un album brutto, assolutamente, ma loro sono i Pallas… diavolo! MS

Versione Inglese:

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Digital – 2026

Pallas are part of the historic 1980s Neo Prog scene alongside Marillion, IQ, Pendragon, etc. I remember listening to the album “The Sentinel” back in 1984 as a mind-blowing experience, with that splendid Roger Dean-style gatefold cover (Yes): a breath of fresh air for anyone starving for Progressive Rock at the time. Plenty of epic keyboards and a keen sense of drama, elevated to the extreme by Alan Reed's theatrical vocals.
Years have passed and, after stops and restarts, the band has managed to maintain a consistent standard of quality despite various line-up changes. Another little gem was their '90s comeback with “Beat The Drum” (1998), as well as the excellent “The Cross & The Crucible”—albums I highly recommend you go back and rediscover, as the very essence of Neo Prog lies within them.
Nine studio albums in total, including this “A Song For Tomorrow”, for which I had high expectations given the return of historic frontman Euan Lowson on vocals.
The sense of drama is still intact (perhaps even too much so) across the ten tracks on the album, with a line-up featuring Alan Reed (vocals), Niall Mathewson (guitar, percussion, vocals), Graeme Murray (bass, vocals), and Ronnie Brown (keyboards, percussion, vocals), alongside guest singer Natasha O'Neal on the title track.
To cut a long story short and get straight to the point: the style changes, even though the band's classic qualities are still noticeable. The sounds become more futuristic, the songs simpler, and the vocals (damn it!) are filtered in some cases, no longer reaching the heights we were used to, except on a few rare occasions.
Plenty of heart, unfortunately weighed down by a bit of compositional fatigue, where I miss those powerful symphonies and guitar solos that define both the band and Neo Prog itself. Even the concept isn't new to the genre: the classic destruction and rebirth of a new civilization.
I appreciated “Aspiration”, a Prog ballad driven by acoustic guitar and wide, atmospheric openings.
There are Heavy Prog tracks like “Rushing Headlong”, which describes humanity's mad rush toward self-destruction—the blind pursuit of technological progress and economic gain without stopping to consider the consequences—but they aren't enough to revive the listener's attention, which remains mostly lulled by other tired, overly familiar passages.
I also feel like saving the closing track, “Inside Outside”, a reflection on the duality of the human mind: the contrast between the inner world (thoughts, feelings, values) and the outer world (social reality, appearances, life's pressures).
This overall calmness (which borders on a whine) and the search for modified vocals was probably a deliberate choice based on what Pallas feel like being today (and rightly so), but personally it disappointed me. It lacks the crescendos the band has accustomed us to over time (where have the guitars gone?), and you'll understand that when you're used to fine dining, settling for a sandwich isn't great. Not a bad album, absolutely not, but they are Pallas… damn it! MS

Lunear

2026-09-27T06:00:00.000+02:00

LUNEAR - There Is Always Next Time
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Cambio di rotta per la band francese Lunear nel quinto album in studio “There Is Always Next Time”, che conduce il Prog Rock verso la più memorizzabile formula canzone. I Lunear sono formati da Paul J. No (voce solista, tastiere), Seb Bournier (batteria, voce) e JP Benadjer (chitarre, basso, voce). Pur vivendo in diverse città europee (Barcellona, Avignone e Digione), i tre musicisti hanno creato una band collaborativa unica, scrivendo e registrando quasi interamente a distanza tramite Internet.
Il debutto del 2018 intitolato “Many Miles Away” ci ha presentato una band con forti influenze Genesis, Marillion, Steven Wilson e Pink Floyd, abbracciando al contempo influenze Pop melodiche di artisti come Keane, Muse, Depeche Mode e Prince. Nel tempo hanno quindi affinato lo stile e la personalità, giungendo oggi ad un esatto equilibrio melodico.
Ecco dunque abbandonate in parte le suite concettuali e le influenze marcatamente anni '70 del lavoro precedente (“From Above”). Otto i brani contenuti per oltre cinquanta minuti di musica che si aprono con “Tom & Colin”, canzone dal ritornello piacevole e dall’andamento progressivo nell’intento, fra cambi di suoni e ritmi tuttavia relegati a certa storia del passato. Semplice e funzionale l’impatto vocale di Paul J. No senza mai fare il passo più lungo della gamba. Il pezzo esplora il tema dell'amicizia, non la solita storia d'amore, ma il lento consumarsi e il dissolversi del legame viscerale tra due persone (Tom e Colin) con il passare degli anni.
Il singolo “One Day” ha una spiccata sensibilità Pop Prog e naviga in atmosfere morbide su un letto di tastiere e pianoforte. È un inno alla speranza e alla contemplazione. Attraverso l'immagine metaforica di strade aperte e orizzonti solitari, il testo analizza il bisogno umano di credere che "un giorno" le cose troveranno la loro giusta collocazione.
Per ascoltare un pezzo marcatamente Rock bisogna giungere a “I'll Remember This”, una deviazione energica e quasi inattesa. Il brano costruisce la sua impalcatura su un riff incisivo ed elettrico che strizza l'occhio anche alla Disco Music anni '80, sostenuto da una sezione ritmica incalzante. Qui la band riflette sull'impatto istantaneo di certi ricordi: momenti apparentemente insignificanti del passato che rimangono scolpiti nella memoria in modo indelebile, plasmandoci a nostra insaputa.
E a proposito di anni ’80, “Pool Balls” non si distanzia molto dal periodo, con atmosfere dal sapore Neo Prog e Synth Pop raffinato. Qui si utilizza una metafora letteraria originale, quella del biliardo e della fisica newtoniana applicati al concetto di libero arbitrio e determinismo. Le persone sono come palle da biliardo, colpite dalle decisioni altrui e destinate a scontrarsi in traiettorie imprevedibili.
La malinconica “Rain” tuttavia ci ricorda che i Lunear hanno una base Prog Rock ancora solida ed evidente. Si parte con toni soffusi per poi cambiare passo a metà traccia, lasciando spazio a un'espansione instrumental dove chitarra e tastiere dialogano in un crescendo drammatico. La pioggia diventa il simbolo catartico del lavaggio delle colpe e della malinconia. Le liriche affrontano il peso emotivo dell'isolamento e la necessità di lasciar fluire il dolore per poter ripartire.
Sale il ritmo con “The Wilderness Within”, momento Indie Prog più tirato e guidato dalle chitarre di Benadjer. Con le sue tensioni ritmiche e un'impronta Rock più diretta, spezza la sognante e complessa atmosfera lasciata da “Rain”.
Ed ecco a questo punto giungere la suite di quattordici minuti “Christmas Flowers”, il vertice compositivo ed emotivo dell'album. Gli assoli di chitarra e organo nascono in modo organico e la struttura si sviluppa con naturalezza, senza mai risultare un mero esercizio di stile. Qui sì che il Prog sale in cattedra. Si narra il lento declino e la dissoluzione di una comunità rurale e di una famiglia, vista attraverso il rituale del ritorno a casa per le feste natalizie e la malinconica assenza dei fiori sulle tavole. Un racconto verista e toccante sugli affetti familiari e il passare del tempo.
La chiusura acustica ed essenziale è nelle mani di “Next Time”; strumentata semplicemente con chitarra acustica, voce, basso e tamburello, riprende la melodia che era stata accennata a cappella nell'introduzione di “Tom & Colin”. Un'accettazione finale con un velo di rimpianto ("Riflettiamo sui rimpianti e su tutto ciò che abbiamo lasciato incompiuto"). Il messaggio chiave dell'intero lavoro: c'è sempre una "prossima volta" per perdonarsi e ricominciare.
Con “There Is Always Next Time”, i Lunear riescono nell'impresa di bilanciare le ambizioni del Rock Progressivo con la sensibilità di una scrittura Pop Art raffinata e accessibile e credetemi che non è cosa semplice. Album gradevole e scorrevole. MS

Versione Inglese:

LUNEAR - There Is Always Next Time
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

A change of course for the French band Lunear on their fifth studio album “There Is Always Next Time”, guiding Prog Rock toward a more memorable song-oriented format. Lunear consists of Paul J. No (lead vocals, keyboards), Seb Bournier (drums, vocals), and JP Benadjer (guitars, bass, vocals). Despite living in different European cities (Barcelona, Avignon, and Dijon), the three musicians have created a uniquely collaborative band, writing and recording almost entirely remotely via the Internet.
Their 2018 debut, titled “Many Miles Away”, introduced us to a band with strong Genesis, Marillion, Steven Wilson, and Pink Floyd influences, while simultaneously embracing melodic Pop accents from artists like Keane, Muse, Depeche Mode, and Prince. Over time, they have refined their style and personality, arriving today at a precise melodic balance.
Thus, the conceptual suites and markedly '70s influences of their previous work (“From Above”) are partly set aside. The eight tracks contained within offer over fifty minutes of music, opening with “Tom & Colin”—a song with a catchy chorus and a progressive intention in its approach, featuring shifts in sound and rhythm that nevertheless pay homage to past traditions. Paul J. No’s vocal delivery is simple and effective, never overreaching. The track explores the theme of friendship: not the typical love story, but the slow wearing away and dissolving of a deep bond between two people (Tom and Colin) as the years go by.
The single “One Day” features a distinct Pop Prog sensibility and navigates smooth atmospheres built upon a bed of keyboards and piano. It is a hymn to hope and contemplation. Through the metaphorical imagery of open roads and lonely horizons, the lyrics analyze the human need to believe that "one day" things will fall into place.
To hear a distinctly Rock track, one must reach “I'll Remember This”, an energetic and almost unexpected departure. The song builds its structure around an incisive, electric riff that winks at '80s Disco Music, backed by a driving rhythm section. Here the band reflects on the instantaneous impact of certain memories: seemingly insignificant moments from the past that remain indelibly carved in our minds, shaping us without our knowing.
And speaking of the '80s, “Pool Balls” doesn't stray far from that era, showcasing refined Neo Prog and Synth Pop vibes. Here, an original literary metaphor is employed—that of billiards and Newtonian physics applied to the concepts of free will and determinism. People are like pool balls, struck by the decisions of others and destined to collide along unpredictable trajectories.
The melancholic “Rain”, however, reminds us that Lunear still retains a solid and evident Prog Rock foundation. It begins with muted tones before shifting gears halfway through, opening up into an instrumental expansion where guitar and keyboards engage in a dramatic dialogue. The rain becomes a cathartic symbol for washing away guilt and melancholy. The lyrics confront the emotional weight of isolation and the need to let pain flow in order to move forward again.
The tempo picks up with “The Wilderness Within”, a punchier Indie Prog moment driven by Benadjer's guitars. With its rhythmic tensions and a more direct Rock imprint, it breaks the dreamy, complex atmosphere left behind by “Rain”.
And at this point comes the fourteen-minute suite “Christmas Flowers”, the album's compositional and emotional peak. The guitar and organ solos emerge organically, and the structure develops naturally without ever feeling like a mere exercise in technical skill. Here, Prog truly takes center stage. It narrates the slow decline and dissolution of a rural community and a family, seen through the ritual of returning home for the Christmas holidays and the melancholic absence of flowers on the tables. A touching, realist tale about family bonds and the passage of time.
The essential, acoustic closure is left to “Next Time”; arranged simply with acoustic guitar, vocals, bass, and tambourine, it reprises the melody hinted at a cappella in the introduction to “Tom & Colin”. A final acceptance touched by a veil of regret ("We reflect on regrets and everything we left unfinished"). The key message of the entire work: there is always a "next time" to forgive oneself and start anew.
With “There Is Always Next Time”, Lunear succeeds in balancing the ambitions of Progressive Rock with the accessibility of refined Pop Art songwriting—and believe me, that is no easy feat. An enjoyable and smooth-flowing album. MS

Mr.Bison

2026-09-26T06:00:00.000+02:00

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genere: Heavy Rock/Psichedelico/Prog Stoner
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Noi italiani negli ultimi anni siamo diventati molto bravi a suonare lo Stoner, se poi ci andiamo ad intrecciare altri generi come l’Hard Rock, la Psichedelia e il Prog, allora il risultato finale diventa davvero dotato di grande personalità.
I toscani Mr. Bison si formano nel 2009 a Cecina (Livorno) ed esordiscono nel 2012 con “We'll Be Brief”, ma si impongono all'attenzione con “Asteroid” (2016), iniziando ad allargare l'orizzonte verso strutture più narrative. Solo con “Holy Oak” (2018) e soprattutto con il concept marittimo “Seaward” (2020) affinano l'elemento psichedelico e la componente Progressive.
Con l'ingresso dei synth e l'arricchimento della formazione (tra cui l'apporto dei fratelli Salvadori), la band incide “Echoes From The Universe” (2024), virando con decisione verso lo Space Rock, il Prog moderno e il Post-Rock lisergico. La line-up attuale è composta da Matteo Barsacchi (chitarra, synth), Matteo Sciocchetto (voc, basso, chitarra), Davide Salvadori (chitarra, synth) e Lorenzo Salvadori (batteria).
Questo nuovo “The Garden Of Forgotten Dreams” lavora attorno al concetto del "Giardino" come rifugio metaforico dell'anima, un luogo magico dove le aspirazioni accantonate, i sogni dimenticati e le luci/ombre interiori non appassiscono, ma rimangono custoditi in attesa di essere riscoperti. Il lavoro è curato e registrato da Matteo Barsacchi presso il Blotch Recording Studio in Toscana, con missaggio a cura di Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlino) e masterizzazione gestita da Carl Saff a Chicago.
L’apertura di “Cosmic Tide” è di grande impatto e parte da riff cadenzati di chiara matrice Stoner/Space Rock per poi spalancarsi su dinamiche epiche e psichedeliche. L'intreccio tra sintetizzatori e chitarre sature crea la sensazione di collisione con un'onda cosmica. Il testo rappresenta la mareggiata iniziale, la forza esterna (o interiore) che sradica l'individuo dal rumore quotidiano e lo trascina verso la soglia del "Giardino". Il tema è il flusso dell'esistenza e la spinta a non opporre resistenza al cambiamento.
Le architetture sonore della title track si fanno cinematografiche, con trame di synth atmosferici e arpeggi avvolgenti che esplodono in maestosi muri di chitarra. È il cuore concettuale dell'opera, l'ingresso nel luogo dove ogni desiderio inespresso vegeta come un fiore silenzioso. La lirica invita a riscoprire parti di sé ritenute perdute e ad accettare il proprio vissuto senza rimpianti. Buona la prova vocale, così come appare ben oliata e funzionale la coppia ritmica di basso e batteria.
Negli oltre sette minuti del brano “Bright Shadow” si gioca sull'equilibrio tra oscurità e luminosità. L'approccio attinge a piene mani dal Prog e dal Post Rock, alternando sezioni ipnotiche/ambient ad accelerate ritmiche dal grande respiro melodico. Qualche scheggia di Tool si infilza con efficacia nel pezzo.
Più serrato e diretto nei tempi, “Astray” che riprende l'energia graffiante del periodo Stoner/Heavy Rock della band, pur mantenendo un ricamo di tastiere che ne amplia la spazialità. Nel testo si tratta lo smarrimento, il momento in cui si perde la rotta (letteralmente "fuori strada"). È la rappresentazione lirica del dubbio, passaggio obbligato prima di poter davvero ritrovare la propria verità interiore.
Ed è la volta di “Turn To Stone”, movimento altamente psichedelico ricco di echi di chitarra e di grande spazialità. Qui si evoca la sensazione di pietrificazione e blocco di fronte al dolore o ai giudizi del mondo esterno, ma anche il rifugio nella stasi per proteggere la propria fragilità.
Fra i momenti più Prog dell’album si trova “The Sunrise”, caratterizzato da un lavoro di synth e chitarra dal carattere sognante che simula l'aumentare graduale della luce. È il risveglio all'interno del Giardino dove la notte cede il passo al mattino e si avverte un forte senso di speranza, di conciliazione e di chiarezza sul proprio percorso.
I Mr. Bison alzano i decibel in “River Moan”, canzone che pone lo sguardo anche verso il passato Hard Rock, dove il "lamento del fiume" diventa il simbolo del tempo che scorre inesorabile, portando via le scorie del passato ma lavando anche le ferite. L'acqua si trasforma così in un elemento di purificazione morale.
Il brano di chiusura “Old Hue” riassume perfettamente tutte le anime del disco, la potenza Stoner, la ricercatezza Prog e gli scenari ambient-space. Il finale si sviluppa in un crescendo orchestrato con grande maturità compositiva. Si esce dal Giardino non cambiati radicalmente, ma finalmente riappacificati con le sfumature della propria storia.
Tra muri di chitarre, architetture sinfoniche di tastiere e una sezione ritmica impeccabile, “The Garden Of Forgotten Dreams” consacra definitivamente i Mr. Bison nell'élite del Rock Psichedelico contemporaneo. Un album ricco di sfumature, coraggioso negli arrangiamenti e liricamente profondo, da assaporare tutto d'un fiato. MS

Versione Inglese:

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genre: Heavy Rock/Psychedelic/Prog Stoner
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

In recent years, we Italians have become very skilled at playing Stoner rock; if we then interweave other genres like Hard Rock, Psychedelia, and Prog, the final result becomes truly endowed with great personality.
The Tuscan band Mr. Bison formed in 2009 in Cecina (Livorno) and made their debut in 2012 with “We'll Be Brief”, but caught wider attention with “Asteroid” (2016), beginning to expand their horizons toward more narrative structures. Only with “Holy Oak” (2018) and especially with the maritime concept album “Seaward” (2020) did they refine their psychedelic elements and Progressive component.
With the introduction of synths and an expanded line-up (including the contribution of the Salvadori brothers), the band recorded “Echoes From The Universe” (2024), shifting decisively toward Space Rock, modern Prog, and lysergic Post-Rock. The current line-up consists of Matteo Barsacchi (guitar, synth), Matteo Sciocchetto (lead vocals, bass, guitar), Davide Salvadori (guitar, synth), and Lorenzo Salvadori (drums).
This new album, “The Garden Of Forgotten Dreams”, revolves around the concept of the "Garden" as a metaphorical refuge for the soul: a magical place where set-aside aspirations, forgotten dreams, and inner lights and shadows do not wither, but remain preserved waiting to be rediscovered. The work was produced and recorded by Matteo Barsacchi at Blotch Recording Studio in Tuscany, mixed by Richard Behrens (Big Snuff Studio, Berlin), and mastered by Carl Saff in Chicago.
The opening track, “Cosmic Tide”, makes a huge impact, starting from mid-tempo, rhythmic riffs of clear Stoner/Space Rock origin before opening up into epic and psychedelic dynamics. The interplay between synthesizers and saturated guitars creates the sensation of colliding with a cosmic wave. The lyrics represent the initial storm surge—the external (or internal) force that uproots the individual from daily noise and drags them to the threshold of the "Garden." The theme is the flow of existence and the impulse not to resist change.
The sonic architecture of the title track turns cinematic, with atmospheric synth textures and enveloping arpeggios exploding into majestic walls of guitar. It is the conceptual heart of the album: the entry into the place where every unexpressed desire vegetates like a silent flower. The lyrics invite us to rediscover parts of ourselves thought to be lost and to accept our past without regret. The vocal performance is strong, and the bass-and-drums rhythm section proves to be well-oiled and effective.
Clocking in at over seven minutes, “Bright Shadow” plays on the balance between darkness and luminosity. The approach draws heavily from Prog and Post-Rock, alternating hypnotic/ambient sections with rhythmic accelerations of great melodic breath. A few splinters of Tool effectively slice through the track.
Tighter and more direct in tempo, “Astray” revives the gritty energy of the band's Stoner/Heavy Rock period while retaining a delicate weave of keyboards that broadens its spatiality. The text deals with disorientation—the moment when one loses their way (literally "astray"). It is the lyrical representation of doubt, a necessary passage before truly finding one's inner truth.
Next comes “Turn To Stone”, a highly psychedelic movement rich in guitar echoes and vast spatiality. Here, it evokes the feeling of petrification and paralysis in the face of pain or the judgments of the outside world, as well as taking refuge in stillness to protect one's fragility.
Among the album's most Prog moments is “The Sunrise”, characterized by dreamy synth and guitar work that simulates the gradual increase of light. It is the awakening within the Garden, where night gives way to morning and a strong sense of hope, reconciliation, and clarity regarding one's journey is felt.
Mr. Bison turn up the decibels in “River Moan”, a track that also looks back toward their Hard Rock past, where the "moan of the river" becomes a symbol of time flowing inexorably—carrying away the debris of the past while also cleansing wounds. Water thus transforms into an element of moral purification.
The closing track, “Old Hue”, perfectly synthesizes all the album's distinct souls: Stoner power, Prog sophistication, and ambient-space scenery. The finale unfolds in a crescendo orchestrated with great compositional maturity. One emerges from the Garden not radically changed, but finally reconciled with the nuances of their own history.
Amid walls of guitars, symphonic keyboard architectures, and an impeccable rhythm section, “The Garden Of Forgotten Dreams” definitively consecrates Mr. Bison among the elite of contemporary Psychedelic Rock. An album rich in nuances, courageous in its arrangements, and lyrically profound—to be savored all in one breath. MS

Russian Circles

2026-09-25T05:00:00.000+02:00

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Math Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

Tre, il numero perfetto: almeno così si dice, e spesso questa “regola” è valida anche nel Rock.
Basso, chitarra e batteria bastano per creare atmosfere e sonorità, se vogliamo, anche non scontate. E quale territorio del Rock è più adatto a ipnotizzare e destabilizzare l’ascoltatore? Ultimamente si può dire che sia il Post Rock, e quando questo si innesta con il Math Rock, allora le sorprese sono assicurate.
Ovviamente serve una preparazione all’ascolto differente da quella del comune amante della musica, perché in questo settore si può essere più duri del Metal anche semplicemente con riff martellanti e claustrofobici. In parole povere, con i Russian Circles siamo oltre il Rock!
I Russian Circles si formano a Chicago (Illinois) nel 2004 su iniziativa del chitarrista Mike Sullivan e del batterista Dave Turncrantz, ai quali si unisce inizialmente il bassista Colin DeKuiper. Fin dagli esordi, il gruppo definisce una cifra stilistica basata sull'intreccio tra l'ampiezza atmosferica del Post Rock, le complesse strutture metriche del Math Rock e l'impatto sonoro del Post Metal, optando per un linguaggio esclusivamente instrumental.
Dopo l'esordio “Enter” (2006), DeKuiper lascia la formazione. Nel 2007 subentra stabilmente al basso e ai sintetizzatori Brian Cook (già membro di Botch e These Arms Are Snakes). La line-up Sullivan-Turncrantz-Cook si consolida così come nucleo inamovibile della band per i successivi vent'anni.
“Nine” è appunto il nono album in studio e sprigiona energia e rabbia da ogni singolo brano. Già “Borehole” traccia la tematica su cui si innestano i pattern ritmici di Dave Turncrantz. Il brano procede con una struttura a crescendo, dove la chitarra di Mike Sullivan sovrappone riff ansiogeni e linee in tapping, trasformando l'introduzione in un'esplosione sonica di stampo Post Metal.
Un altro devastante botto giunge con “Empath”: introdotto da frequenze e ronzii elettronici, si sviluppa su un riffing serrato e aggressivo. Rispetto all'apertura, “Empath” punta su tempi più stringenti e su una sezione ritmica estremamente martellante, dove la sinergia tra basso e batteria assume un carattere quasi rituale e monolitico.
Serve un attimo di respiro e a questo ci pensa “Eluvial”, che in otto minuti presenta un'incursione marcata nell'uso di sintetizzatori analogici intenti a disegnare sequenze ripetitive di stampo kosmische/motorik. La matrice metallica cede temporaneamente il passo a trame più ariose e fantascientifiche, consentendo alle chitarre di stratificarsi progressivamente fino alla deflagrazione del finale.
In “E2” proseguono le esplorazioni timbriche, proponendo un incastro ritmico armonico complesso. Le linee di chitarra adottano soluzioni articolate vicine al Progressive Rock d'annata, sorrette da una trama ritmica sfaccettata che combina la potenza del Math Rock con una spessa muraglia di distorsioni.
“Meridian” gioca sul contrasto tra tensione accumulata e rilascio dinamico. Costruita su arpeggi dilatati e sfondi ambientali, si sviluppa attraverso lunghi fraseggi di chitarra ed ebollizioni ritmiche, mettendo in evidenza il tipico bilanciamento del trio tra momenti di stasi e strappi rumoristici.
A questo punto le orecchie tirano un sospiro di sollievo con il malinconico e breve intermezzo strumentale “Arletta”, dal carattere prevalentemente acustico, che conduce alla devastante “Seventh Seal”, chiaramente accostabile a coordinate Doom e Sludge Metal. Si salvi chi può.
“Nine” è un album di musica roboante, ma se siete amanti di queste sonorità allora griderete al capolavoro, ne sono certo. Comunque siete avvisati. Dimenticavo…
Non ci crederete, ma mi è piaciuto! MS

Versione Inglese:

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Self-released
Genre: Post Rock / Math Rock
Format: Bandcamp – 2026

Three is the magic number: or so they say, and this “rule” often holds true in Rock music as well.
Bass, guitar, and drums are all it takes to build atmospheres and soundscapes that are anything but predictable. And which realm of Rock is best suited to hypnotize and unbalance the listener? Lately, one could argue it’s Post Rock—and when it merges with Math Rock, unexpected twists are guaranteed.
Naturally, this music demands a different kind of active listening compared to what the casual music lover is used to, because in this realm you can be heavier than Metal simply through relentless, claustrophobic riffs. Simply put, with Russian Circles we are beyond Rock!
Russian Circles formed in Chicago, Illinois, in 2004, founded by guitarist Mike Sullivan and drummer Dave Turncrantz, who were initially joined by bassist Colin DeKuiper. Right from the start, the group established a signature sound built on the interplay between the sweeping atmosphere of Post Rock, the complex metric structures of Math Rock, and the sonic impact of Post Metal, opting for a purely instrumental approach.
Following their debut “Enter” (2006), DeKuiper departed from the lineup. In 2007, Brian Cook (formerly of Botch and These Arms Are Snakes) stepped in permanently on bass and synthesizers. The Sullivan-Turncrantz-Cook trio thus solidified as the immovable core of the band for the next twenty years.
“Nine” is indeed their ninth studio album, raw energy and fury bursting from every single track. Right off the bat, “Borehole” lays down the main thematic line over which Dave Turncrantz’s rhythmic patterns interlock. The track moves in a steady crescendo, with Mike Sullivan’s guitar layering anxiety-inducing riffs and tapping lines, turning the intro into a full-blown Post Metal sonic explosion.
Another crushing blow arrives with “Empath”: ushered in by electronic hums and frequencies, the track develops around tight, aggressive riffing. Compared to the opener, “Empath” leans into tighter tempos and an intensely pounding rhythm section, where the synergy between bass and drums takes on an almost ritualistic, monolithic character.
A moment to catch one's breath is needed, and “Eluvial” delivers just that. Across its eight minutes, it features a pronounced dive into analog synthesizers shaping repetitive, kosmische/motorik-style sequences. The heavy metallic foundation temporarily yields to airier, sci-fi textures, allowing the guitars to layer progressively until the final deflagration.
In “E2”, the timbral explorations continue with a complex, interlocking harmonic-rhythmic framework. The guitar lines adopt intricate solutions reminiscent of vintage Progressive Rock, backed by a multifaceted rhythmic texture that marries the firepower of Math Rock with a dense wall of distortion.
“Meridian” plays on the contrast between built-up tension and dynamic release. Constructed around expanded arpeggios and ambient backdrops, it unfolds through long guitar phrasing and rhythmic swells, highlighting the trio’s knack for balancing moments of stillness with noisy outbursts.
At this point, your ears get a sigh of relief with the melancholic, brief instrumental interlude “Arletta”. Its predominantly acoustic nature leads smoothly into the devastating “Seventh Seal”, a track clearly leaning toward Doom and Sludge Metal coordinates. Every man for himself.
“Nine” is an album of thunderous music, but if you are a fan of these sonorities, you’ll be calling it a masterpiece—I’m sure of it. Consider yourselves warned, though. I almost forgot…
You won't believe it, but I loved it! MS

Red Sand

2026-09-24T05:00:00.000+02:00

RED SAND - A World Without War
OSKAR Records
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Come sarebbe bello un mondo senza guerre, ma finché l’uomo penserà soltanto ai soldi ed al potere, non ne verremo mai fuori. Il titolo del nuovo album (il tredicesimo) dei canadesi Red Sand è un buon auspicio e un augurio a tutti noi.
I Red Sand, guidati dal chitarrista e compositore Simon Caron, rappresentano una delle realtà più solide e coerenti della scena Neo Prog canadese (e in particolare del Québec). Nati nei primi anni 2000, la loro musica affonda le radici nella tradizione del Progressive Rock classico degli anni '70 e del Neo Prog britannico degli anni '80 (Marillion dell'era Fish, Pendragon, IQ etc.).
Il progetto prende ufficialmente forma con l'album d'esordio “Mirror Of Insanity” (2005), caratterizzato dal timbro vocale ed espressivo del cantante originale Hëmel e dalle melodie liriche della chitarra di Caron. Nel corso degli anni la formazione ha vissuto diversi avvicendamenti, ma Simon Caron ha mantenuto fermo il timbro stilistico della band attraverso assoli di chitarra fortemente emotivi e prolungati (spesso in stile David Gilmour), trame di tastiera avvolgenti e strutture narrative estese.
L'album “A World Without War” si inserisce perfettamente in questa linea evolutiva, portando al centro un tema concettuale cupo e purtroppo sempre attuale: il conflitto umano, le sue cause morali, il peso dell'isolamento e la fragile speranza di un mondo libero dalle guerre.
So già cosa attendermi dalla loro musica nei sei brani dell’album, li ho sempre seguiti perché ligi alle regole, anche le copertine degli album sono in pieno stile dettagliato (quasi Naïf) del Neo Prog, quindi sicuramente non mi deluderanno, ma andiamo a vedere se sarà così.
Il brano “Stories Of Liars” apre l'album puntando l'indice contro l'ipocrisia dei leader politici e dei manipolatori della verità. Le "storie dei bugiardi" rappresentano la propaganda che precede e giustifica ogni conflitto armato. Un inizio drammatico di tastiere fa da intro per poi lasciare entrare gli strumenti con energia. Ed è subito la chitarra elettrica a salire in cattedra, sopra una ritmica perfetta e movimentata fra cambi di tempo e di stile. Il ritornello musicale si stampa inesorabilmente nella mente, il Neo Prog in effetti è così.
Finita questa cavalcata è la volta di “I'll Be Alone”, qui la progressione armonica si fa più malinconica e rarefatta, fra Pink Floyd (grazie anche alla slide) e Marillion. Il brano cresce con dinamica costante fino a sfociare in un passaggio centrale drammatico, coronato da un assolo di chitarra dai toni elegiaci che richiama lo stile espressivo di Steve Rothery e Andy Latimer. Semplicemente splendido!
La prima suite dell’album porta il titolo “The Ballad Of Edgar And Chelsea”, in quasi 12 minuti i Red Sand mettono in mostra l'intero campionario del Neo Prog più classico. L'inizio è pacato, quasi acustico, per poi sviluppare continui cambi di tempo e di atmosfere. Si alternano sezioni sinfoniche dominate dalle tastiere e da parti cantate dense di pathos. I testi narrano la storia personale spezzata dalla guerra. Edgar e Chelsea incarnano la tragedia degli affetti troncati: l'innocenza dell'amore giovanile distrutta dalla brutalità degli eventi e dalla chiamata alle armi.
Ma ecco il fulcro dell’intero album, “A World Without War”, una mostruosa suite di oltre 20 minuti che affronta la desolazione del presente e la ricerca utopica di una pace duratura. Il testo riflette sulla follia ciclica della storia e sul bisogno di riscatto spirituale dell'umanità. Ci sono richiami ai Genesis, Pink Floyd epoca “Wish You Were Here”, Pendragon e Camel, il tutto legato dalla personalità dei tre musicisti che in realtà ne hanno da vendere.
Segue “A World Of Change”, malinconica ballata acustica che mi rimanda a Clive Nolan (Pendragon), toccante e sentita dagli artisti stessi, specialmente nel cantato. E si finisce con “Torpille”: il brano funge da epilogo e da amara riflessione conclusiva. Il titolo richiama il senso di abbattimento e la sensazione di essere colpiti al cuore ("torpillé") dall'impossibilità di cambiare la natura distruttiva dell'uomo, un poco come la mia considerazione iniziale che ha fatto da preambolo alla recensione. Un assolo di chitarra struggente mi trafigge l’anima, non riesco più ad aprire gli occhi durante l’ascolto, e questa amici miei è la magia del Neo Prog.
Sì, i Red Sand non mi hanno deluso ancora una volta, ma in fondo già lo sapevo, perché la classe non è acqua. Peccato per chi non li capisce. MS

BANDCAMP: https://redsand2.bandcamp.com/album/a-world-without-war

Versione Inglese:

RED SAND - A World Without War
OSKAR Records
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

How wonderful a world without war would be, but as long as man thinks only of money and power, we will never get out of it. The title of the new album (their thirteenth) by Canadian band Red Sand is a good omen and a wish for all of us.
Red Sand, led by guitarist and composer Simon Caron, represent one of the most solid and consistent acts on the Canadian Neo Prog scene (and particularly in Québec). Formed in the early 2000s, their music is deeply rooted in the classic 70s Progressive Rock tradition and 80s British Neo Prog (Fish-era Marillion, Pendragon, IQ, etc.).
The project officially took shape with their debut album “Mirror Of Insanity” (2005), featuring the expressive vocal tone of original singer Hëmel and the lyrical melodies of Caron's guitar. Over the years, the line-up has undergone several changes, but Simon Caron has maintained the band's distinctive stylistic hallmark through deeply emotional and extended guitar solos (often in the style of David Gilmour), enveloping keyboard textures, and expansive narrative structures.
The album “A World Without War” fits perfectly into this evolutionary path, focusing on a dark and sadly ever-timely conceptual theme: human conflict, its moral causes, the weight of isolation, and the fragile hope for a world free of war.
I already know what to expect from their music across the album's six tracks; I've always followed them because they stick to the rules—even their album artwork is in the fully detailed (almost Naïve) Neo Prog style. So they certainly won't disappoint me, but let's see if that holds true.
The track “Stories Of Liars” opens the album by pointing the finger at the hypocrisy of political leaders and truth-manipulators. The "stories of liars" represent the propaganda that precedes and justifies every armed conflict. A dramatic keyboard opening serves as an introduction before bringing the rest of the instruments in with energy. Immediately, the electric guitar takes center stage over a flawless, dynamic rhythm section featuring shifts in time signature and style. The musical chorus sticks relentlessly in your mind—that's Neo Prog for you.
Once this ride is over, it’s time for “I'll Be Alone”. Here, the harmonic progression becomes more melancholic and sparse, hovering between Pink Floyd (thanks in part to the slide guitar) and Marillion. The track builds with steady dynamics until it culminates in a dramatic central passage, crowned by an elegiac guitar solo reminiscent of the expressive style of Steve Rothery and Andy Latimer. Simply splendid!
The album's first suite bears the title “The Ballad Of Edgar And Chelsea”. In nearly 12 minutes, Red Sand showcase the full showcase of classic Neo Prog. The beginning is gentle, almost acoustic, before developing continuous shifts in tempo and atmosphere. Symphonic sections dominated by keyboards alternate with vocal passages rich in pathos. The lyrics tell a personal story shattered by war: Edgar and Chelsea embody the tragedy of severed affection—the innocence of young love destroyed by the brutality of events and the call to arms.
And then comes the centerpiece of the entire album, “A World Without War”, a monstrous suite of over 20 minutes addressing the desolation of the present and the utopian search for lasting peace. The lyrics reflect on history's cyclical folly and humanity's need for spiritual redemption. There are nods to Genesis, Pink Floyd during the “Wish You Were Here” era, Pendragon, and Camel, all held together by the distinct personality of the three musicians, who truly have skill to spare.
Next is “A World Of Change”, a melancholic acoustic ballad that brings to mind Clive Nolan (Pendragon), touching and deeply felt by the artists themselves, especially in the vocals. And it closes with “Torpille”: the track serves as an epilogue and a bitter final reflection. The title evokes a sense of being struck down and the feeling of being hit right in the heart ("torpillé") by the impossibility of changing man's destructive nature—much like my opening thoughts that served as a preamble to this review. A poignant guitar solo pierces my soul; I can no longer open my eyes as I listen, and this, my friends, is the magic of Neo Prog.
Yes, Red Sand haven't disappointed me once again, but deep down I already knew that, because true class never fades. A pity for those who don't get them. MS

BANDCAMP: https://redsand2.bandcamp.com/album/a-world-without-war

Ok Goodnight

2026-09-23T05:00:00.000+02:00

OK GOODNIGHT – Stop/Go
Autoproduzione / Kscope
Genere: Progressive Metal
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

Questo è quello che mi piace ascoltare oggi nel Progressive Metal, non più i soliti copia-incolla nei confronti dei maestri (anche se qualche richiamo ci sta sempre bene), bensì un'evoluzione di innesti con materiale e sonorità giustamente moderne. Poi, finalmente, anche una voce femminile (e che voce)!
Sto parlando della band americana (Boston) Ok Goodnight, formata da Casey Lee Williams (testi, voce, cori), Martín De Lima (tastiere, chitarre, orchestrazioni, cori), Augusto Bussio (batteria, chitarre, cori) e Peter De Reyna (basso, cori), con la partecipazione straordinaria di Eve (solo chitarra), Ella Wilhelmina (sax, sax soprano, clarinetto, flauto) e Rodolfo Moreno (sax).
Musicalmente parlando, gli Ok Goodnight combinano il virtuosismo Prog Metal a sonorità Djent moderne e grandi linee melodiche. Ogni singolo brano ha una ricerca strutturale davvero articolata e curata in ogni minimo particolare; il tutto viene ulteriormente esaltato da una tecnica strumentale di certo superiore alla media di queste uscite, soprattutto per ciò che riguarda la ritmica.
Dieci i mondi sonori contenuti, tutti differenti fra di loro, di certo in quarantasette minuti di musica non ci si annoia.
I testi lavorano sul concetto di dualità emotiva e dinamica, sulla continua oscillazione tra momenti di stasi contemplativa (Stop) e accelerazioni di energia e virtuosismo (Go). Le liriche, curate da Casey Lee Williams, esplorano il senso di vulnerabilità, la pressione sociale, la ricerca di identità e l'ansia quotidiana della vita moderna.
L’apertura di “No Sound” è affidata ad atmosfere eteree prima di esplodere in groove di basso infettivi suonati da Peter De Reyna e riff sincopati. La voce di Casey Lee Williams spazia con disinvoltura da registri vulnerabili ad acuti graffianti. E lo stupore già ci ghermisce. Il "nessun suono" descrive l'incapacità di comunicare il proprio dolore e il silenzio interiore che precede una crisi personale.
Il primo singolo estratto dall’album s’intitola “22” ed è caratterizzato da metriche dispari tipiche del Prog Metal. Esso unisce la raffinatezza tecnica delle tastiere e delle chitarre di De Lima e Bussio a un ritornello Pop Alternative di grande impatto. Vi ritroverete come sulle montagne russe.
Il Djent ci sorprende in “Top Of The Bottom”, assieme a un lavoro ritmico serrato di batteria. Si alternano strofe tese ad aperture armoniche spalancate dove si riflette sul paradosso di accontentarsi di piccoli successi superficiali pur rimanendo in una condizione di disagio emotivo.
Si cambia registro con “The Game”, inizialmente delicata per poi sfociare in una performance vocale teatrale ed espressiva fra cambi di tempo improvvisi e interventi elettronici a supporto. Il testo usa la metafora del gioco per criticare le regole sociali e lavorative imposte. Racconta la frustrazione del doversi conformare per compiacere le aspettative altrui.
Ma le sorprese continuano imperterrite con “Spiral”, un crescendo drammatico che inizia con toni intimisti per poi avvitarsi in un vortice di arrangiamenti complessi. La spirale è quella mentale, quando il flusso di pensieri negativi ricade in un circolo vizioso. Il pezzo è a tratti di alta classe.
“Call Me Away” è un breve interludio etereo centrato su arrangiamenti delicati e sulla sola voce di Casey Lee, che esprime un disperato desiderio di fuga e di ricerca di serenità al di fuori del caos quotidiano. Ammaliante come una Jessica Rabbit di turno.
C’è anche un movimento altamente intricato e “progressivo” dal titolo “The Show”, Rock teatrale e Prog contemporaneo con dinamiche marcate ed eccentriche, tanto per non farsi mancare niente.
Ancora ritmiche in grande evidenza in “Humpty Dumpty ("Some Body!")”, caratterizzato da continui stop-and-go che richiamano direttamente il titolo dell'album. Altra bella sorpresa è “The People”, godetene sia il cantato che le coralità. In conclusione giunge “Where I'm From”, inizialmente raffinato e quasi World per poi mutare progressivamente come oramai la band ci ha abituati.
Questo terzo album della band è un disco fresco, viscerale, tecnicamente impeccabile ma sempre al servizio dell'emozione e del racconto umano. Ascolto obbligato. MS

Versione Inglese:

OK GOODNIGHT – Stop/Go
Self-released / Kscope
Genre: Progressive Metal
Format: CD / Bandcamp – 2026

This is what I love listening to in Progressive Metal today: no more of the usual copy-pasting from the masters (even if a few nods are always welcome), but rather an evolution of influences blended with rightly modern sounds and material. And finally, a female lead voice too (and what a voice)!
I am talking about the American band (from Boston) Ok Goodnight, formed by Casey Lee Williams (lyrics, lead vocals, backing vocals), Martín De Lima (keyboards, guitars, orchestrations, backing vocals), Augusto Bussio (drums, guitars, backing vocals), and Peter De Reyna (bass, backing vocals), with special guest appearances by Eve (lead guitar solo), Ella Wilhelmina (sax, soprano sax, clarinet, flute), and Rodolfo Moreno (sax).
Musically speaking, Ok Goodnight combine Prog Metal virtuosity with modern Djent textures and great melodic lines. Every single track features a truly articulate structural arrangement, crafted down to the finest detail; all of this is further elevated by an instrumental technique that is certainly well above the average for such releases, particularly when it comes to the rhythm section.
Ten distinct soundscapes are packed into this release, each different from the next, ensuring that over the course of its forty-seven minutes of music, there is never a dull moment.
The lyrics revolve around the concept of emotional and dynamic duality, oscillating constantly between moments of contemplative stillness (Stop) and bursts of energy and virtuosity (Go). The lyrics, penned by Casey Lee Williams, explore themes of vulnerability, social pressure, the search for identity, and the daily anxiety of modern life.
The opening track, “No Sound”, begins with ethereal atmospheres before exploding into infectious bass grooves played by Peter De Reyna and syncopated riffs. Casey Lee Williams' vocals range effortlessly from vulnerable registers to rasping high notes. And amazement grips us right away. The "no sound" describes the inability to communicate one's pain and the inner silence that precedes a personal crisis.
The first single taken from the album is titled “22”, featuring odd time signatures typical of Prog Metal. It blends the technical sophistication of De Lima's and Bussio's keyboards and guitars with a high-impact Pop-Alternative chorus. You will find yourself on a rollercoaster ride.
Djent catches us by surprise in “Top Of The Bottom”, alongside tight, driving drum work. Tense verses alternate with wide-open harmonic sections, reflecting on the paradox of settling for superficial, minor successes while remaining trapped in emotional distress.
The mood shifts with “The Game”, initially delicate before blossoming into a theatrical and expressive vocal performance amidst sudden time changes and supporting electronic elements. The lyrics use the metaphor of the game to critique imposed social and work rules, telling of the frustration of having to conform to please others' expectations.
Yet the surprises continue unabated with “Spiral”, a dramatic crescendo that begins with intimate tones before spiraling into a vortex of complex arrangements. The spiral is a mental one, where the flow of negative thoughts falls back into a vicious cycle. The track is, at times, sheer high class.
“Call Me Away” is a brief, ethereal interlude centered on delicate arrangements and Casey Lee’s solo vocals, expressing a desperate desire for escape and a search for serenity away from daily chaos. As alluring as a Jessica Rabbit of sorts.
There is also a highly intricate and "progressive" movement titled “The Show”, combining theatrical Rock and contemporary Prog with marked and eccentric dynamics, just so nothing is left out.
Rhythms take center stage once again in “Humpty Dumpty ("Some Body!")”, characterized by continuous stop-and-go patterns that directly echo the album's title. Another delightful surprise is “The People”—enjoy both the lead vocals and the backing harmonies. Finally comes “Where I'm From”, initially refined and almost World-inflected, before evolving progressively in the way the band has now accustomed us to.
This album by the band is a fresh, visceral, technically flawless record that always remains at the service of emotion and human storytelling. Essential listening. MS

Floating Weeds Music

2026-09-22T06:00:00.000+02:00

FLOATING WEEDS MUSIC - Beyond, Within
Autoproduzione
Genere: Psichedelia Ambient
Supporto: Bandcamp – 2026

Sempre più persone singole si avvicinano alla musica come one-man band, grazie anche all’uso della tecnologia che permette di realizzare oggi un disco a basso costo. Non sempre ciò è sinonimo di bassa qualità, perchè quando si ha qualcosa da dire, le idee scaturiscono con vigore e spesso i risultati sono interessanti.
In questo caso, dietro al moniker Floating Weeds Music si trova il musicista e compositore italiano Federico Fabrizi, attivo nell'ambito della ricerca sonora indipendente. Il suo percorso musicale si caratterizza per un approccio fortemente eclettico, che spazia dal Prog Rock d'avanguardia alla World Music futuristica, passando per la Psichedelia e l'Ambient meditativa.
Floating Weeds Music è pensato come un laboratorio aperto in cui esplorare la contaminazione tra strumenti classici ed elettrici, sintetizzatori ed elementi etnici o rituali. La sua ricerca artistica si fonda su un profondo interesse per le filosofie orientali, la spiritualità (Kundalini) e la sperimentazione strutturale, creando paesaggi sonori immersivi dedicati al concetto di viaggio interiore e dissoluzione dell'ego. Generalmente, fra le note scaturiscono sintetizzatori atmosferici, ritmiche dub lente e profonde, linee di basso avvolgenti, campionamenti etnici e strumenti tradizionali asiatici, creando un viaggio sonoro immersivo.
In “Beyond, Within” ci sono otto tracce per oltre cinquanta minuti di musica. Fra le strumentazioni utilizzate per la riuscita dell’album spiccano, oltre alle classiche chitarre e via dicendo, anche tabla, sitar e bansuri.
L’artista si pone le domande: “Perché noi umani (almeno alcuni di noi) sentiamo il bisogno di riconnetterci con uno stato di coscienza superiore?”, “Cos'è la coscienza?”, “Esiste una realtà superiore? Questo mondo materiale è solo un'illusione?”, tutto ciò fa da traino all’intero percorso.
“She Who Flows” è dedicata all'energia femminile della creazione (Shakti) e rappresenta il flusso ininterrotto della vita. La figura femminile che scorre è il simbolo del cambiamento e del fluire della coscienza che si abbandona al divenire. Un basso dub calmo ed essenziale sostiene la traccia, mentre synth morbidi ed echi dilatati ricreano l'incedere fluido di un fiume. La chitarra elettrica rafforza il tutto, immergendo l’ascoltatore in un contesto psichedelico.
In “Not Two” sembra di trovarsi in panorami estesi dove la struttura musicale lavora per sottrazione, lasciando ampi spazi di silenzio e riverberazione. Il titolo richiama direttamente l'esperienza della Non-Dualità (in sanscrito Advaita, traducibile appunto con "Non Due"). Il testo e i campionamenti vocali esplorano l'illusione della separazione tra l'osservatore e il mondo esterno, dove non vi è divisione tra il sé e il tutto.
La title track crea una sensazione di espansione spaziale, mentre un groove dub ipnotico guida l'ascolto verso una dimensione contemplativa e meditativa. Un ascolto per l’anima. Il paradosso del titolo esplora il principio secondo cui ciò che è "oltre" (il cosmo, il divino) si trova esattamente all'interno della propria consapevolezza. È un invito a volgere lo sguardo dall'esterno all'interno per scoprire la natura infinita della mente.
Sonoramente non distante giunge “The Coiled Snake”, fra misticismo e visceralità. Le ritmiche suggeriscono un movimento lento, a spirale e ascendente. Il riferimento diretto è alla Kundalini, l'energia primordiale rappresentata come un serpente arrotolato alla base della spina dorsale. La musica descrive simbolicamente la risalita di questa forza spirituale attraverso i centri energetici (chakra). C’è anche un breve intermezzo strumentale dal titolo “Naga”, in cui ci si immerge nella mitologia induista e buddista. Il brano funge da ponte contemplativo e rituale per la seconda metà dell'album, che riprende con “Naja Naja”, nome scientifico del cobra indiano. Non mutano le atmosfere, sempre sostenute dal basso onnipresente, dalla tabla e dal sitar. La voce emette un canto ipnotico che avvolge l’ascoltatore.
Altro viaggio profondo nell’io giunge dalla psichedelica (soprattutto nella chitarra) “Together We Flow”, mentre la rarefatta “Samudra” chiude l’album senza togliere o aggiungere altro all’insieme.
“Beyond, Within” possiede senza dubbio un fascino concettuale e una cura timbrica indiscutibile, ma soffre di un'immobilità di fondo che trasforma il viaggio interiore in una lunga attesa del primo evento dinamico. Un lavoro ideale da mettere in sottofondo durante sessioni di yoga. Comunque interessante. MS

Versione Inglese:

FLOATING WEEDS MUSIC - Beyond, Within
Self-released
Genre: Ambient Psychedelia
Format: Bandcamp – 2026

More and more individuals are approaching music as a one-man band, thanks in part to technologies that allow for low-cost album production today. This is not always synonymous with low quality, because when one has something to say, ideas spring forth with vigor and the results are often intriguing.
In this case, behind the moniker Floating Weeds Music is Italian musician and composer Federico Fabrizi, who is active in independent sound research. His musical path is characterized by a strongly eclectic approach, ranging from avant-garde Prog Rock to futuristic World Music, by way of Psychedelia and meditative Ambient.
Floating Weeds Music is conceived as an open laboratory in which to explore the fusion of classic and electric instruments, synthesizers, and ethnic or ritualistic elements. His artistic research is rooted in a deep interest in Eastern philosophies, spirituality (Kundalini), and structural experimentation, creating immersive soundscapes dedicated to the concepts of inner journeys and ego dissolution. Atmospheric synthesizers, slow and deep dub rhythms, enveloping basslines, ethnic sampling, and traditional Asian instruments generally flow between the notes, creating an immersive sonic journey.
In “Beyond, Within” there are eight tracks spanning over fifty minutes of music. Among the instrumentation used to achieve the album's sound, alongside classic guitars and so forth, tabla, sitar, and bansuri stand out.
The artist poses questions such as: “Why do we humans (or at least some of us) feel the need to reconnect with a higher state of consciousness?”, “What is consciousness?”, “Does a higher reality exist? Is this material world just an illusion?”, all of which serve as driving forces behind the entire journey.
“She Who Flows” is dedicated to the feminine energy of creation (Shakti) and represents the uninterrupted flow of life. The flowing female figure symbolizes change and the stream of consciousness surrendering to becoming. A calm, essential dub bassline anchors the track, while soft synths and expanded echoes recreate the fluid progression of a river. The electric guitar reinforces the whole, immersing the listener in a psychedelic context.
In “Not Two,” one feels placed within vast panoramas where the musical structure works by subtraction, leaving wide open spaces of silence and reverberation. The title directly recalls the experience of Non-Duality (in Sanskrit Advaita, which translates to "Not Two"). The lyrics and vocal samples explore the illusion of separation between the observer and the external world, where there is no division between the self and the whole.
The title track creates a sense of spatial expansion, while a hypnotic dub groove guides the listener toward a contemplative, meditative dimension. A listen for the soul. The paradox of the title explores the principle that what lies "beyond" (the cosmos, the divine) is found precisely "within" one's own awareness. It is an invitation to turn one's gaze from the outside in to discover the infinite nature of the mind.
Sonically not far off comes “The Coiled Snake,” hovering between mysticism and visceral intensity. The rhythms suggest a slow, spiraling, ascending movement. The direct reference is to Kundalini, the primordial energy represented as a coiled snake at the base of the spine. The music symbolically describes the awakening of this spiritual force through the energy centers (chakras). There is also a brief instrumental interlude titled “Naga,” which immerses the listener in Hindu and Buddhist mythology. The track acts as a contemplative, ritualistic bridge to the second half of the album, which resumes with “Naja Naja,” the scientific name of the Indian cobra. The atmosphere remains consistent, continuously sustained by the omnipresent bassline, tabla, and sitar. The vocals deliver a hypnotic chant that enfolds the listener.
Another deep journey into the self comes from the psychedelic (especially in the guitar work) “Together We Flow,” while the rarefied “Samudra” closes the album without adding or subtracting anything further from the whole.
“Beyond, Within” undoubtedly possesses a conceptual charm and indisputable timbral care, but it suffers from an underlying stillness that turns the inner journey into a long wait for the first dynamic event. An ideal work to put on in the background during yoga sessions. Still, interesting. MS

Moby Dick

2026-09-21T06:00:00.000+02:00

MOBY DICK – Moby Dick
Akarma Records
Genere: Hard Rock
Supporto: LP / Bandcamp – 1973 / 2001

Anche noi in Italia abbiamo avuto nei primi anni ’70 i nostri Led Zeppelin partenopei, anche se non ce ne siamo neppure accorti! È una storia strana che tenterò di raccontarvi.
Innanzi tutto vi dico che l'album “Moby Dick” non è stato pubblicato negli anni '70 al momento della sua registrazione, ma recuperato e distribuito decenni dopo tramite varie etichette discografiche specializzate nel collezionismo e nelle ristampe underground. La prima e più celebre pubblicazione ufficiale del materiale d'archivio risale al 2001 ad opera della storica etichetta italiana Akarma (sotto-etichetta della Comet Records), pubblicata sia in formato LP/vinile (cat. AK 1028) sia in CD Digibook. Successivamente è stato ristampato da Bull's-Eye (2009 / 2016) per il mercato americano ed europeo, e infine da Sommor Records / Guerssen (2024–2026), etichetta spagnola specializzata in Psichedelia, Hard Rock e Prog anni '60/'70.
Per quanto riguarda l'epoca originale (1973), gli unici due brani pubblicati in formato 45 giri (“Free Wheelin Cat” e “Provisional Baby Hip”) uscirono per la piccolissima etichetta indipendente campana A.B. Record (cat. AB 01).
I Moby Dick dunque rappresentano una delle gemme più affascinanti, elusive e contorte del panorama dell'Hard Rock e Prog Blues italiano. Attivi nella fervida e vulcanica scena partenopea, la stessa che vedeva germogliare e fiorire realtà celebri come Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli Centrale e Uno, i Moby Dick scelsero una via stilistica diretta, energetica e fortemente ancorata al sound anglo-americano, orientata verso l'Hard Rock chitarristico con forti sfumature Funk, Soul e Blues.
La band si forma a Napoli a cavallo tra la fine degli anni '60 e l'inizio dei '70. La formazione storica vedeva figurare musicisti dotati di una tecnica formidabile e di un tiro ritmico eccezionale: Enzo Granato (chitarra solista e voce guida, mente creatrice e autore principale), Tonino Esposito (basso), Lino Muoio (batteria e percussioni) e Piero Framond (tastiere, presente nelle fasi successive e nelle registrazioni estese).
Inseriti nel vivacissimo circuito live campano del periodo, parteciparono ad alcuni dei più importanti festival Pop e Avant-Garde dell'epoca, facendosi notare per l'impatto dirompente dal vivo. Nonostante la qualità formidabile del loro repertorio, la band non riuscì a pubblicare un LP ufficiale all'epoca.
La stampa Akarma comprende dieci canzoni e basta ascoltare la prima, “Two Timing Girl”, per comprendere quanto la band sia ispirata da Plant, Page e soci. Il brano si apre con un riff d'impatto affilato ed energico, fortemente debitore dell'Hard Rock britannico di marca Free, Humble Pie e appunto, primi Led Zeppelin. La sezione ritmica di Esposito (non il famoso di “Kalimba De Luna”) e Muoio macina un groove serrato in 4/4, mentre la chitarra di Granato stacca accordi aggressivi e si lancia in un assolo acido e distorto. Il testo narra la classica vicenda del tradimento e del doppio gioco affettivo ("two-timing"). Il registro lirico è quello tipico del Rock'n'Roll viscerale con tanto di rabbia, delusione ed emancipazione da una relazione tossica con una donna infedele.
“Free Wheelin Cat”, pubblicato originariamente come lato A del 45 giri del 1973, è un pezzo sorretto da una linea di basso pulsante e rotonda. Il sapore è spiccatamente Funk Rock, con un uso ritmico della chitarra wah-wah che richiama le atmosfere americane alla Grand Funk Railroad o James Gang.
Per il resto l’album si aggira attorno a quanto descritto con buone soluzioni e ritmiche elevate.
In definitiva, l'album omonimo dei Moby Dick è la fotografia nitida e potente di quello che avrebbe potuto essere e non è stato. Un disco che non pecca di alcun complesso d'inferiorità verso i mostri sacri dell'Hard Blues anglosassone dell'epoca e che dimostra quanto la Napoli dei primi anni '70 fosse un calderone creativo ben più ampio del solo prog sinfonico o del Napoli Centrale style. Un recupero interessante per chiunque voglia comprendere fino in fondo le diramazioni più viscerali, polverose e autentiche del Rock italiano d'archivio. Sorprendente! MS

Versione Inglese:

MOBY DICK – Moby Dick
Akarma Records
Genre: Hard Rock
Format: LP / Bandcamp – 1973 / 2001

Even here in Italy, back in the early '70s, we had our very own Neapolitan Led Zeppelin, even if we didn't even notice! It's a strange story that I will try to tell you.
First of all, let me tell you that the album “Moby Dick” was not released in the '70s at the time of its recording, but was retrieved and distributed decades later through various record labels specializing in collecting and underground reissues. The first and most famous official release of this archival material dates back to 2001 by the historic Italian label Akarma (a sub-label of Comet Records), issued both in LP/vinyl format (cat. AK 1028) and as a CD Digibook. Subsequently, it was reissued by Bull's-Eye (2009 / 2016) for the American and European markets, and finally by Sommor Records / Guerssen (2024–2026), a Spanish label specialized in '60s/'70s Psychedelia, Hard Rock, and Prog.
As for the original era (1973), the only two tracks released as a 7" single (“Free Wheelin Cat” and “Provisional Baby Hip”) came out on the tiny independent label A.B. Record (cat. AB 01) from Campania.
Moby Dick therefore represent one of the most fascinating, elusive, and intricate gems of the Italian Hard Rock and Prog Blues scene. Active in the fervent and volcanic Neapolitan scene—the very same that saw famous acts like Osanna, Cervello, Il Balletto di Bronzo, Napoli Centrale, and Uno sprout and flourish—Moby Dick chose a direct, energetic stylistic path strongly anchored in the Anglo-American sound, oriented toward guitar-driven Hard Rock with heavy Funk, Soul, and Blues overtones.
The band formed in Naples between the late '60s and early '70s. The historic lineup featured musicians endowed with formidable technique and exceptional rhythmic drive: Enzo Granato (lead guitar and lead vocals, mastermind and main songwriter), Tonino Esposito (bass), Lino Muoio (drums and percussion), and Piero Framond (keyboards, present in later phases and extended recordings).
Embedded in the vibrant local live circuit of the period, they took part in some of the most important Pop and Avant-Garde festivals of the time, making a name for themselves through their explosive live impact. Despite the formidable quality of their repertoire, the band failed to release an official LP back then.
The Akarma pressing includes ten tracks, and listening to the first one, “Two Timing Girl”, is enough to understand how deeply the band was inspired by Plant, Page, and company. The track opens with a sharp, high-impact, energetic riff, heavily indebted to British Hard Rock in the vein of Free, Humble Pie, and indeed, early Led Zeppelin. The rhythm section of Esposito (not the famous one of “Kalimba De Luna” fame) and Muoio grinds out a tight 4/4 groove, while Granato's guitar chops aggressive chords and launches into an acidic, distorted solo. The lyrics tell the classic tale of betrayal and emotional double-dealing ("two-timing"). The lyrical tone is typical of visceral Rock'n'Roll, complete with anger, disappointment, and empowerment from a toxic relationship with an unfaithful woman.
“Free Wheelin Cat”, originally released as the A-side of the 1973 7" single, is a track driven by a pulsing, round bassline. The flavor is distinctly Funk Rock, featuring a rhythmic use of the wah-wah guitar that recalls American vibes akin to Grand Funk Railroad or James Gang.
For the rest, the album revolves around what has been described, offering good musical solutions and high-octane rhythms.
Ultimately, Moby Dick's self-titled album is a sharp, powerful snapshot of what could have been and never was. A record that suffers from no inferiority complex whatsoever toward the sacred monsters of Anglo-Saxon Hard Blues of that era, proving how early '70s Naples was a creative cauldron far broader than just symphonic prog or the Napoli Centrale style. An interesting retrieval for anyone wishing to fully grasp the most visceral, dusty, and authentic offshoots of archival Italian Rock. Surprising! MS

Castanarc

2026-09-20T05:00:00.000+02:00

CASTANARC - Forged By The Sun
Khepra Records
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Solo chi ha vissuto di persona gli anni ’80 del Neo Prog può capire a pieno l’emozione che ha provato un fan del Prog nel vedere tornare in auge il moribondo Progressive Rock, interrottosi verso la fine degli anni ’70. Ci sono stati dischi e band che hanno fatto la storia, anche se ovviamente non proprio come i maestri e capisaldi dei tempi che furono (vedi Genesis, King Crimson, Gentle Giant, Yes, ELP, ecc.). Tuttavia si sono comportati benissimo e, come al sottoscritto, hanno saputo emozionare oltremodo riportando in auge le sonorità di gruppi come Genesis, Pink Floyd e Camel, solo per fare tre nomi. Sto parlando di Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night, Haze e Castanarc su tutte.
Ho sempre creduto che il filone potesse avere vita breve, vista l’evoluzione musicale che si è avuta negli anni ’90 nel Prog; eppure, fra tante fragorose uscite differenti dettate dalle mode, il Neo Prog ha resistito e anche oggi ben si comporta, con band come Arena, Magenta e molte altre ancora. Che lo stato di salute sia buono lo si evince dal fatto che i capostipiti già nominati ancora oggi suonano e hanno un numeroso seguito. Anche i Castanarc si sono saputi sempre barcamenare con quella musica che ti entra dentro grazie all’uso di tastiere magniloquenti, assoli di chitarra pinkfloydiani e tanta buona melodia.
Per chi non li conoscesse, i Castanarc sono inglesi (come tutti gli altri) e la leadership della band è da sempre incardinata sul nucleo storico composto dal tastierista David Powell (autore dei delicati ed elaborati intrecci armonici) e dal cantante Mark Holiday, la cui vocalità timbrica ed espressiva richiama da vicino le sfumature di Phil Collins, Dave Cousins degli Strawbs e Peter Nicholls (IQ). Cinque gli album in studio dal 1984 sino al sopraggiungere di questo nuovo “Forged By The Sun” dove, per la realizzazione, la formazione vede il ritorno dello storico chitarrista Neil Duty e la presenza della sezione ritmica composta da Charlie Morgan alla batteria e da Peter Robinson al basso (purtroppo scomparso poco prima dell'uscita del disco, dopo aver completato le sue parti). L'album beneficia inoltre della produzione e del mixaggio curati da John Spence, che restituisce un suono moderno, pulito ma dalle dinamiche nettamente analogiche e trasparenti. Tre i brani contenuti, di cui due suite; la prima è la title track “Forged By The Sun”, di oltre diciotto minuti. Vi dico subito che all’ascolto ho avuto personalmente più di un brivido, ma questo fa capo a quanto anticipato in precedenza, ossia al fatto che ho vissuto gli anni ’80 e quindi questo genere immutato sa colpirmi al cuore.
Il brano parte con intrecci di tastiera neoclassica che impostano un ritmo incalzante, per poi evolversi in un alternarsi di sezioni orchestrali, stacchi sinfonici e momenti di sospensione atmosferica. Verso il sesto minuto si apre un segmento di rara delicatezza, dominato da sonorità ambient e tastiere d'ispirazione Camel e Vangelis. I sintetizzatori di Powell fraseggiano con la chitarra elettrica di Neil Duty, supportati da un basso melodico e mai invasivo.
Il lirismo di Mark Holiday esplora il tema della rigenerazione, del tempo e dell'elemento solare inteso come fucinatrice di vita e di coscienza. Le parole richiamano immagini cosmiche e naturali, dove la figura umana cerca un punto d'equilibrio e di purificazione attraverso la forgia del sole, superando le oscurità della modernità.
La seconda suite è “Ceasefire For The Innocent”, con dentro tanti primi Pendragon e Marillion. Ottime le coralità e i cambi umorali che ti immergono in quell’universo leggermente malinconico prossimo allo stile di “A Trick Of The Tail” e “Wind & Wuthering” dei Genesis, tanto per rendervi l’idea. Una gemma che da sola vale il prezzo del disco. Il testo è un'invocazione alla pace e una riflessione accorata sulle vittime predate dai conflitti e dalle ingiustizie. La "tregua per gli innocenti" non è solo un auspicio geopolitico, ma una necessità spirituale e un rifugio poetico dalla negatività della società contemporanea.
“Cue Rain” funge da epilogo intimo e sognante. Dominato da un pianoforte etereo, organo soft e vocals quasi sussurrate, si sviluppa come una ballata dal sapore bucolico e vagamente Procol Harum / Folk Prog inglese. Vede la partecipazione straordinaria di Dave Holley alla chitarra ospite, il cui tocco intriso di sfumature Blues-Jazz impreziosisce la coda finale del pezzo. Il tema della pioggia viene trattato non come elemento nostalgico o cupo, ma come benedizione catartica. Il testo usa la metafora della pioggia per lavare via le tensioni e "invocare" un senso di rinascita e sollievo, chiudendo l'album con una nota di serena speranza.
Non ho altro da aggiungere, solo che mi sto asciugando qualche lacrima e non so se sia soltanto per la musica o perché sono consapevole che sono passati più di quarant’anni…. Vabbè, comunque i Castanarc li portano benissimo! Chi ascolta il Neo Prog non deve mancare questo album, assolutamente! MS

Versione Inglese:

CASTANARC - Forged By The Sun
Khepra Records
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

Only those who personally experienced the 80s Neo Prog scene can fully understand the emotion a Prog fan felt seeing the dying Progressive Rock—which had ground to a halt near the end of the 70s—come back into favor. There were albums and bands that made history, even if obviously not quite like the masters and cornerstones of times gone by (such as Genesis, King Crimson, Gentle Giant, Yes, ELP, etc.). Nevertheless, they delivered brilliantly and, just like for yours truly, managed to thrill beyond measure by bringing back the sound of groups like Genesis, Pink Floyd, and Camel, just to name three. I’m talking about Marillion, IQ, Pendragon, Pallas, Twelfth Night, Haze, and Castanarc above all.
I always believed the movement might be short-lived, given the musical evolution Prog underwent in the 90s; yet, amid so many loud and varied releases driven by trends, Neo Prog held its ground and still performs well today, with bands like Arena, Magenta, and many others. That its health remains strong is evident from the fact that the aforementioned pioneers are still playing today and command a large following. Castanarc, too, have always known how to navigate these waters with music that gets right under your skin thanks to the use of magniloquent keyboards, Pink Floyd-esque guitar solos, and plenty of great melody.
For those unfamiliar with them, Castanarc are British (like all the rest) and the band's leadership has always been anchored by its historic core: keyboardist David Powell (creator of delicate, intricate harmonic textures) and vocalist Mark Holiday, whose expressive and timbral vocal style closely echoes the nuances of Phil Collins, Dave Cousins of The Strawbs, and Peter Nicholls (IQ). Five studio albums have been released since 1984 up to the arrival of this new “Forged By The Sun” where, for its creation, the lineup features the return of original guitarist Neil Duty and a rhythm section made up of Charlie Morgan on drums and Peter Robinson on bass (who sadly passed away shortly before the album's release, after completing his parts). The album also benefits from production and mixing by John Spence, delivering a modern, clean sound with distinctly analog and transparent dynamics. It contains three tracks, two of which are epics; the first is the title track, “Forged By The Sun”, spanning over eighteen minutes. I’ll tell you right now that listening to it gave me more than a few chills, but that ties back to what I mentioned earlier—having lived through the 80s, this timeless genre knows how to hit me straight in the heart.
The piece opens with intricate neoclassical keyboard motifs that set an engaging pace, before evolving into alternating orchestral sections, symphonic shifts, and moments of atmospheric suspension. Around the six-minute mark, a segment of rare delicacy unfolds, dominated by ambient textures and keyboards reminiscent of Camel and Vangelis. Powell’s synthesizers interplay with Neil Duty’s electric guitar, supported by a melodic, never intrusive bassline.
Mark Holiday’s lyricism explores themes of regeneration, time, and the solar element seen as a forge of life and consciousness. The words evoke cosmic and natural imagery, where the human figure seeks balance and purification through the sun's forge, rising above the darkness of modernity.
The second epic is “Ceasefire For The Innocent”, packed with early Pendragon and Marillion vibes. Excellent vocal harmonies and emotional shifts immerse you in a slightly melancholic universe close to the style of Genesis’s “A Trick Of The Tail” and “Wind & Wuthering”, just to give you an idea. A gem that alone is worth the price of admission. The lyrics are an invocation for peace and a heartfelt reflection on the innocent victims claimed by conflicts and injustice. The "ceasefire for the innocent" is not merely a geopolitical wish, but a spiritual necessity and a poetic refuge from the negativity of contemporary society.
“Cue Rain” serves as an intimate, dreamlike epilogue. Dominated by ethereal piano, soft organ, and near-whispered vocals, it unfolds as a pastoral ballad with a touch of Procol Harum and British Folk Prog. It features a special guest appearance by Dave Holley on lead guitar, whose touch—steeped in Blues-Jazz nuances—embellishes the track's closing section. The theme of rain is treated not as something gloomy or nostalgic, but as a cathartic blessing. The lyrics use rain as a metaphor to wash away tension and "summon" a sense of relief and rebirth, closing the album on a note of serene hope.
I have nothing left to add, except that I’m wiping away a few tears and I’m not sure if it’s just because of the music or because I’m acutely aware that over forty years have passed…. Ah well, Castanarc wear them exceptionally well anyway! Anyone who listens to Neo Prog simply cannot miss this album! MS

Davinport

2026-09-19T06:00:00.000+02:00

DAVINPORT – The Great Awakening
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock
Supporto: Digital / Bandcamp – 2026

Prendono sempre più piede nella musica Prog le autoproduzioni e le one-man band: questo è il risultato della tecnologia che avanza e permette a tutti, a basso costo, di avere uno studio in casa, oltre che del supporto dell’IA.
I risultati non sono sempre ottimali, perché in fin dei conti quello che conta nella musica è l’emozione, oltre alle buone idee. Fare arte non è per tutti, servono talento e studio, senza i quali non si arriva da nessuna parte. Tuttavia, con questo sistema aumentano esponenzialmente le uscite discografiche e, per la legge dei numeri, qualcuno riesce a produrre un buon lavoro.
È anche il caso di Davinport, progetto musicale synthwave/electronic/retrowave ideato dal musicista e produttore britannico Dave Johnson (polistrumentista noto anche per i suoi lavori in ambito elettronica/ambient). Il progetto Davinport nasce come un'esplorazione sonora che unisce sonorità retrowave, synth-pop, cinematiche e sfumature Progressive, caratterizzato dall'uso esteso di sintetizzatori analogici e digitali, arpeggiatori e ritmiche martellanti di matrice anni '80.
Johnson muove i primi passi nell'ambiente underground britannico, spaziando tra la produzione di colonne sonore e la musica elettronica d'atmosfera. Con il moniker Davinport sceglie di concentrarsi su una visione ben precisa, quella di coniugare la nostalgia della synthwave anni '80 (richiamando influenze come Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre e la scena modern retrowave stile Synth Collective / NRW) con strutture composite e concettuali tipiche dell'elettronica narrativa.
L'album, composto da 10 tracce, è costruito su un concept distopico-fantascientifico e spirituale: la storia di una presa di coscienza collettiva e individuale dell'umanità (il "Grande Risveglio") di fronte al declino tecnologico e all'oppressione del tempo, fino alla ricerca di una trascendenza personale.
“When Giants Awake” apre con enfasi e magniloquenza attraverso uno strumentale ricco di suoni, dove i "giganti" sono le grandi forze sopite della coscienza umana o le antiche strutture del mondo che iniziano a tremare. Gli anni ’80 sono davanti a noi con melodie di synth luminose ed energiche. Ciò accade anche in “A New Dawning”, brano piacevolmente orecchiabile accompagnato anche da parti vocali. Qui la presa di coscienza segna la prima alba di una nuova era post-crisi. Il brano descrive la sensazione di uscire dall'oscurità e vedere la realtà sotto una nuova luce, e la musica ne è un'ottima colonna sonora grazie a quell’aria di positività.
Più articolata nella composizione è “Future Perfect”, fra arpeggi di genesiana memoria e cambi d'umore. Questa suite elettronica esplora l'utopia futurista. Il titolo gioca con la grammatica e con l'idea di un "futuro perfetto" promesso dalla tecnologia, evidenziando tuttavia la sottile linea tra utopia e controllo totalitario. Le tastiere, ancora una volta, sono in evidenza.
“Victorius” rappresenta la vittoria dello spirito umano sulle catene dell'omologazione e della manipolazione, e lo fa attraverso un movimento arioso e ricco di sonorità, quasi in modalità The Flower Kings, dove la chitarra riesce a ritagliarsi un posto in vetrina.
A questo punto giunge “New Beginnings”, un momento di pausa e ripartenza con una traccia più breve e atmosferica, quasi un interludio riflessivo. Racconta la ricostruzione interiore: l'accettazione del passato per poter gettare le basi di una nuova vita. Essa conduce al brano più lungo dell’album con i suoi quasi nove minuti, dal titolo “Time Slips Away”. Siamo nel Prog ricercato, a tratti delicato, dove la consapevolezza della mortalità e di come la vita scorra via mentre si è presi dalle illusioni del mondo materiale è dettagliatamente rappresentata dal suono.
Ancora tracce di Genesis in “Monuments”: Johnson dimostra di conoscere la storia di questa musica e di saperla plasmare a proprio piacimento. Concludono l’album “I Walk Alone”, “Telepathic Frequencies” e “Night Runner”, altre composizioni curate e nuovamente ricche di sonorità gradevoli.
Nonostante l'impalcatura retrowave potesse far pensare all'ennesimo esercizio di stile guidato dalla solita nostalgia per gli anni '80, “The Great Awakening” dimostra di avere un'anima ben più complessa e strutturata, e Davinport firma un lavoro maturo, capace di far convivere l'impatto cinematografico dei sintetizzatori con un'architettura concettuale profonda e mai banale. Non ci troviamo di fronte a un semplice ascolto da sottofondo per una corsa notturna, ma a un vero e proprio viaggio narrativo brano per brano, dove l'elettronica torna a farsi materia concettuale e sognante. Un disco lucido, avvolgente ed estremamente consigliato a chi cerca nella synthwave una terza dimensione di ascolto. MS

Versione Inglese:

DAVINPORT – The Great Awakening
Self-released
Genre: Progressive Rock
Format: Digital / Bandcamp – 2026

Self-releases and one-man bands are gaining more and more ground in Prog music: this is the result of advancing technology that allows everyone to have a low-cost home studio, alongside the support of AI.
The results are not always optimal, because at the end of the day, what truly matters in music is emotion, in addition to good ideas. Making art is not for everyone: it takes talent and study, without which you get nowhere. However, with this system, record releases are increasing exponentially, and by the law of numbers, someone manages to produce a good piece of work.
This is also the case with Davinport, a synthwave/electronic/retrowave musical project created by British musician and producer Dave Johnson (a multi-instrumentalist also known for his work in the electronic/ambient field). The Davinport project was born as a sonic exploration combining retrowave, synth-pop, cinematic atmospheres, and Progressive nuances, characterized by the extensive use of analog and digital synthesizers, arpeggiators, and driving 80s-style rhythms.
Johnson took his first steps in the British underground scene, ranging from soundtrack production to atmospheric electronic music. Under the moniker Davinport, he chooses to focus on a very precise vision: combining 80s synthwave nostalgia (drawing influence from Tangerine Dream, Jean-Michel Jarre, and the modern retrowave scene in the style of Synth Collective / NRW) with complex, conceptual structures typical of narrative electronics.
The album, consisting of 10 tracks, is built around a dystopian, sci-fi, and spiritual concept: the story of a collective and individual awakening of humanity (the "Great Awakening") in the face of technological decline and the oppression of time, leading up to the search for personal transcendence.
“When Giants Awake” opens with emphasis and grandeur through a sound-rich instrumental, where the "giants" represent the dormant forces of human consciousness or the ancient structures of the world beginning to shake. The 80s lie straight ahead with bright, energetic synth melodies. This also occurs in “A New Dawning”, an agreeably catchy track accompanied by vocal parts. Here, the awakening marks the first dawn of a new post-crisis era. The song describes the sensation of emerging from darkness and seeing reality in a new light, with the music serving as a fine soundtrack thanks to its sense of positivity.
More intricate in its composition is “Future Perfect”, featuring arpeggios reminiscent of Genesis alongside shifting moods. This electronic suite explores futuristic utopia. The title plays on grammar and the concept of a "future perfect" promised by technology, while highlighting the fine line between utopia and total control. Keyboards, once again, take center stage.
“Victorius” represents the victory of the human spirit over the chains of homogenization and manipulation, doing so through an airy, sonically rich movement—almost in the vein of The Flower Kings—where the guitar manages to carve out a spotlight for itself.
At this point comes “New Beginnings”, a moment of pause and restart with a shorter, atmospheric track, serving almost as a reflective interlude. It recounts inner reconstruction: accepting the past in order to lay the foundations for a new life. This leads into the album’s longest track at nearly nine minutes, titled “Time Slips Away”. Here we are in refined, at times delicate Prog, where the awareness of mortality—and how life slips away while we are consumed by the illusions of the material world—is vividly portrayed through sound.
More traces of Genesis appear in “Monuments”: Johnson proves he knows the history of this music and knows how to shape it to his liking. Closing the album are “I Walk Alone”, “Telepathic Frequencies”, and “Night Runner”, further well-crafted compositions rich in pleasant sonorities.
Even though the retrowave framework might suggest just another stylistic exercise driven by typical 80s nostalgia, “The Great Awakening” reveals a far more complex and structured soul. Davinport delivers a mature work capable of combining the cinematic impact of synthesizers with a deep, never cliché conceptual architecture. We are not dealing with simple background listening for a late-night drive, but with a genuine track-by-track narrative journey, where electronic music returns to being conceptual, dreamlike matter. A lucid, enveloping album, highly recommended for anyone seeking a third dimension of listening within synthwave. MS

NONSOLO PROGROCK

Khatsaturjan

KHATSATURJAN – Monologue Of ChronosAutoproduzioneGenere: Progressive Rock SinfonicoSupporto: Digital / Spotify – 2026

KHATSATURJAN – Monologue Of ChronosSelf-releasedGenre: Symphonic Progressive RockFormat: Digital / Spotify – 2026

ViaMedia

Lullabies For The MaroonedSeacrest OutpostGenere: Crossover ProgSupporto: Bandcamp – 2026

Lullabies For The MaroonedSeacrest OutpostGenre: Crossover ProgFormat: Bandcamp – 2026

Storia E Volti Del Jazz Prog Italiano

1. L'Anima Fusion e Mediterranea (Il virtuosismo strutturato)2. L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)

che sono la risposta partenopea guidata da James Senese e Franco Del Prete. Qui il Jazz Rock si tinge di anima popolare, veracità urbana e impegno sociale, fondendo sax viscerale, ritmiche Funk-Prog e dialetto napoletano.

Da sottolineare gli AGORA’

Non da meno i fiorentini BELLA BAND

In questo versante, il Jazz diventa sinonimo di scomposizione, improvvisazione radicale e rottura degli schemi formali. Due gli esempi più eclatanti e di successo: AREA e ARTI E MESTIERI.

Gli AREA (International POP Group)

Gli ARTI E MESTIERI

sono invece diretti dalla formidabile batteria di Furio Chirico e dalle tastiere di Beppe Crovella. I torinesi produssero un Jazz Rock fulmineo, iper-tecnico e altamente sinfonico, documentato in capolavori come “Tilt” (1974) e “Giro Di Valzer Per Domani” (1975).

The Fusion and Mediterranean Soul (Structured Virtuosity)The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

Arctic Plant

ARCTIC PLANT – Absolute PowerAutoproduzioneGenere: Crossover Prog / Metal ProgSupporto: CD / Bandcamp – 2026

ARCTIC PLANT – Absolute PowerSelf-releasedGenre: Crossover Prog / Prog MetalFormat: CD / Bandcamp – 2026

Kamelot

KAMELOT - Dark AsylumNapalm RecordsGenere: Metal ProgressiveSupporto: LP / CD – 2026

KAMELOT - Dark AsylumNapalm RecordsGenre: Progressive MetalFormat: LP / CD – 2026

Pure Reason Revolution

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying AngelsInsideOut MusicGenere: Crossover Prog / Heavy ProgSupporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying AngelsInsideOut MusicGenre: Crossover Prog / Heavy ProgFormat: LP / CD / Bandcamp – 2026

Tony Carnevale - Beyond Notes

Nicola Lori

NICOLA LORI - Around The EarthNL Music / Burning ShedGenere: Art Rock / Progressive RockSupporto: CD / Bandcamp – 2026

NICOLA LORI - Around The EarthNL Music / Burning ShedGenre: Art Rock / Progressive RockFormat: CD / Bandcamp – 2026

The Tangent

THE TANGENT – WasWhite Knight RecordsGenere: Eclectic ProgSupporto: 2CD / Bandcamp 2026

THE TANGENT – WasWhite Knight RecordsGenre: Eclectic ProgFormat: 2CD / Bandcamp 2026

Clive Nolan

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter ThroneLåve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog PromotionGenere: Opera Rock / Progressive Rock SinfonicoSupporto: LP / CD / Digital / DVD – 2026

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter ThroneLåve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog PromotionGenre: Rock Opera / Symphonic Progressive RockFormat: LP / CD / Digital / DVD – 2026

Alex Mari

ALEX MARI – OriginsLethal Song / Atomic Stuff PromotionGenere: Melodic Metal / Prog MetalSupporto: Digital – 2026

ALEX MARI – OriginsLethal Song / Atomic Stuff PromotionGenre: Melodic Metal / Prog MetalFormat: Digital – 2026

Brass Camel

BRASS CAMEL – Brass CamelDromedary RecordingsGenere: Heavy Prog / Eclectic ProgSupporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

BRASS CAMEL – Brass CamelDromedary RecordingsGenre: Heavy Prog / Eclectic ProgFormat: CD / LP / Bandcamp – 2026

Confusion Field

CONFUSION FIELD - Resilience RemainsAutoproduzione / Rockshots RecordsGenere: Heavy Prog / Post Prog ModernoSupporto: CD / Bandcamp – 2026

CONFUSION FIELD - Resilience RemainsSelf-Released / Rockshots RecordsGenre: Heavy Prog / Modern Post ProgFormat: CD / Bandcamp – 2026

Ilamb

ILAMB - Trip To Heaven – ReduxAutoproduzioneGenere: Post Prog ModernoSupporto: Digital – 2026

ILAMB - Trip To Heaven – ReduxSelf-releasedGenre: Modern Post-ProgFormat: Digital – 2026

Last Knight

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista AsturiasSomnus MediaGenere: Progressive Rock SinfonicoSupporto: CD / Bandcamp – 2026

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias Somnus MediaGenre: Symphonic Progressive RockFormat: CD / Bandcamp – 2026

Pallas

PALLAS - A Song For TomorrowEsoteric AntennaGenere: Neo ProgSupporto: LP / CD / Digital – 2026

PALLAS - A Song For TomorrowEsoteric AntennaGenre: Neo ProgFormat: LP / CD / Digital – 2026

Lunear

LUNEAR - There Is Always Next TimeAutoproduzioneGenere: Crossover ProgSupporto: CD / Bandcamp – 2026

LUNEAR - There Is Always Next TimeSelf-releasedGenre: Crossover ProgFormat: CD / Bandcamp – 2026

Mr.Bison

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten DreamsHeavy Psych SoundsGenere: Heavy Rock/Psichedelico/Prog StonerSupporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten DreamsHeavy Psych SoundsGenre: Heavy Rock/Psychedelic/Prog StonerFormat: LP / CD / Bandcamp – 2026

Russian Circles

RUSSIAN CIRCLES – NineAutoproduzioneGenere: Post Rock / Math RockSupporto: Bandcamp – 2026

RUSSIAN CIRCLES – NineSelf-releasedGenre: Post Rock / Math RockFormat: Bandcamp – 2026

KHATSATURJAN – Monologue Of Chronos
Autoproduzione
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: Digital / Spotify – 2026

KHATSATURJAN – Monologue Of Chronos
Self-released
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: Digital / Spotify – 2026

Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genere: Crossover Prog
Supporto: Bandcamp – 2026

Lullabies For The Marooned
Seacrest Outpost
Genre: Crossover Prog
Format: Bandcamp – 2026

1. L'Anima Fusion e Mediterranea (Il virtuosismo strutturato)
2. L'Anima Sperimentale e Politica (L'Avanguardia radicale)

The Fusion and Mediterranean Soul (Structured Virtuosity)
The Experimental and Political Soul (Radical Avant-Garde)

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog / Metal Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

ARCTIC PLANT – Absolute Power
Self-released
Genre: Crossover Prog / Prog Metal
Format: CD / Bandcamp – 2026

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genere: Metal Progressive
Supporto: LP / CD – 2026

KAMELOT - Dark Asylum
Napalm Records
Genre: Progressive Metal
Format: LP / CD – 2026

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying Angels
InsideOut Music
Genere: Crossover Prog / Heavy Prog
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

PURE REASON REVOLUTION - Terrifying Angels
InsideOut Music
Genre: Crossover Prog / Heavy Prog
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

NICOLA LORI - Around The Earth
NL Music / Burning Shed
Genere: Art Rock / Progressive Rock
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

NICOLA LORI - Around The Earth
NL Music / Burning Shed
Genre: Art Rock / Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

THE TANGENT – Was
White Knight Records
Genere: Eclectic Prog
Supporto: 2CD / Bandcamp 2026

THE TANGENT – Was
White Knight Records
Genre: Eclectic Prog
Format: 2CD / Bandcamp 2026

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter Throne
Låve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion
Genere: Opera Rock / Progressive Rock Sinfonico
Supporto: LP / CD / Digital / DVD – 2026

CLIVE NOLAN - Song Of The Winter Throne
Låve Rock Music / OSKAR Records / Bad Dog Promotion
Genre: Rock Opera / Symphonic Progressive Rock
Format: LP / CD / Digital / DVD – 2026

ALEX MARI – Origins
Lethal Song / Atomic Stuff Promotion
Genere: Melodic Metal / Prog Metal
Supporto: Digital – 2026

ALEX MARI – Origins
Lethal Song / Atomic Stuff Promotion
Genre: Melodic Metal / Prog Metal
Format: Digital – 2026

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genere: Heavy Prog / Eclectic Prog
Supporto: CD / LP / Bandcamp – 2026

BRASS CAMEL – Brass Camel
Dromedary Recordings
Genre: Heavy Prog / Eclectic Prog
Format: CD / LP / Bandcamp – 2026

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Autoproduzione / Rockshots Records
Genere: Heavy Prog / Post Prog Moderno
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

CONFUSION FIELD - Resilience Remains
Self-Released / Rockshots Records
Genre: Heavy Prog / Modern Post Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Autoproduzione
Genere: Post Prog Moderno
Supporto: Digital – 2026

ILAMB - Trip To Heaven – Redux
Self-released
Genre: Modern Post-Prog
Format: Digital – 2026

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genere: Progressive Rock Sinfonico
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

LAST KNIGHT - The Lords Of Wisdom Season 1 Episode I: Reconquista Asturias
Somnus Media
Genre: Symphonic Progressive Rock
Format: CD / Bandcamp – 2026

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genere: Neo Prog
Supporto: LP / CD / Digital – 2026

PALLAS - A Song For Tomorrow
Esoteric Antenna
Genre: Neo Prog
Format: LP / CD / Digital – 2026

LUNEAR - There Is Always Next Time
Autoproduzione
Genere: Crossover Prog
Supporto: CD / Bandcamp – 2026

LUNEAR - There Is Always Next Time
Self-released
Genre: Crossover Prog
Format: CD / Bandcamp – 2026

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genere: Heavy Rock/Psichedelico/Prog Stoner
Supporto: LP / CD / Bandcamp – 2026

Mr. Bison - The Garden Of Forgotten Dreams
Heavy Psych Sounds
Genre: Heavy Rock/Psychedelic/Prog Stoner
Format: LP / CD / Bandcamp – 2026

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Autoproduzione
Genere: Post Rock / Math Rock
Supporto: Bandcamp – 2026

RUSSIAN CIRCLES – Nine
Self-released
Genre: Post Rock / Math Rock
Format: Bandcamp – 2026