Notas Dissonantes

Lucidez

2018-10-27T21:34:00.000-03:00

O vídeo que trago nesta postagem é uma entrevista concedida pelo músico Renato Russo à MTV em 1994, por ocasião do lançamento de seu primeiro álbum solo, The Stonewall Celebration Concert, uma homenagem aos 25 anos dos protestos conhecidos como Rebelião de Stonewall, em 1969, nos Estados Unidos. Parte da renda obtida com as vendas foi doada à Ação da Cidadania.

Na entrevista, Renato fala sobre diversos assuntos, como a diferença desse trabalho em relação ao que fazia na Legião Urbana, a escolha do repertório e os motivos pessoais que o levaram a pensar no disco - uma história de amor que viveu com uma rapaz norte-americano, mas que não deu certo, e a surpreende coincidência de que quando era criança ele e sua família estavam em Nova York na época dos protestos Stonewall. Na parte final do vídeo, o músico tece considerações sobre a vida no mundo rock, sobre ter abandonado as drogas e chega a falar sobre como Kurt Cobain teria uma vida curta se não mudasse seus hábitos (o que, de fato, aconteceu, pouco tempo depois dessa gravação).

Mas o que me pareceu mais surpreende na entrevista, que já tem 24 anos (!), é a "atualidade", por assim dizer, dos problemas apontados por Renato, como a ascensão de movimentos de ideologia fascista em diversas partes do mundo, a ditadura militar no Brasil e o cerceamento de direitos e a omissão por parte da grande imprensa sobre essas questões. Para o músico, dar acesso à informação é uma forma de combater o preconceito e, como artista, poderia, de alguma forma, contribuir para isso com sua obra.

Para quem quiser conhecer o encarte do álbum, no qual, conforme comentado por Renato, constam os telefones e endereços de diversas entidades que atuam em defesa dos direitos das crianças e jovens, mulheres, LGBTs, negros, meio ambiente, entre outros, basta acessar a página Encartes Pop.

Apesar de o horizonte não ser tão favorável atualmente, espero, sinceramente, que possamos avançar mais nessas questões nos próximos anos. E não dar mais passos para trás.

Desempoeirando o blog

2018-08-11T22:47:00.000-03:00

Sim, este abandonado blog tem poeira por todos os lados. Passou-se mais de um ano sem que recebesse uma mísera postagem sequer! Culpa da dona, é claro, que, em geral, mal tem tempo de dormir. 😥

Mas prometo (eu e minhas promessas!) para breve novas postagens. E, assim, começar a desempoeirar o blog.

O impressionante trailer de Thor: Ragnarok

2017-04-14T18:01:00.001-03:00

Desde a Comic-Con de San Diego de julho do ano passado, Thor: Ragnarok, terceiro filme da franquia do deus nórdico, já vinha chamando bastante a atenção dos fãs da Marvel com suas imagens e artes conceituais divulgadas. Agora, o estúdio liberou o primeiro trailer do filme, que só chegará aos cinemas em novembro.

O vídeo, muito bem montado, causou burburinho na rede e se tornou o trailer da Disney mais visto no YouTube em suas primeiras 24 horas de divulgação, com mais de 136 milhões de visualizações, de acordo com informações do Globo.com. Quem detinha o recorde até o momento era o recente A Bela e a Fera (127,6, de visualizações).

O trailer impressiona, principalmente pela escolha da canção tema, "Immigrant Song", do Led Zeppelin (faixa de abertura do álbum Led Zeppelin III, de 1970). A música, que faz referências à mitologia nórdica e às conquistas dos vikings, encaixa-se perfeitamente ao universo do herói:

The hammer of the gods (O martelo dos deuses vai guiar)
Will drive our ships to new lands (Nossos barcos para novas terras)
To fight the horde, singing and crying (Para combater a horda, cantar e chorar)
Valhalla, I am coming (Valhalla, eu estou indo)

Além de "Immigrant Song", a vibe setentista é sentida em outros momentos do vídeo, como as fontes utilizadas nos títulos, que chegam a se movimentar de forma a lembrar a famosa sequência de créditos de Superman (1978). Como a maior parte da ação não ocorre na Terra, os personagens alienígenas, figurinos e cenários mostrados remetem bastante aos de filmes como os da franquia Star Wars e O Quinto Elemento e, é claro, aos de uma das produções de maior sucesso dos estúdios Marvel nos últimos anos, Guardiões da Galáxia.

Mas, acima de tudo, a principal referência do diretor Taika Waititi e da direção de arte para o visual colorido de Thor: Ragnarok é o cultuado quadrinista Jack Kirby, responsável pela criação, junto com o roteirista e editor Stan Lee, de alguns dos principais heróis da Marvel, entre eles, O Quarteto Fantástico, Hulk, Doutor Estranho e o próprio Thor. Kirby e Lee idealizaram e começaram a estabelecer o Universo Marvel nas HQs a partir dos anos 1960.

O que é uma bela homenagem do filme de Waititi, já que, enquanto Lee colhe até hoje todos os louros, Kirby, que nem sempre foi creditado em suas criações, morreu sem o devido reconhecimento e em disputa judicial com a Marvel. O jornalista André Forastieri, por ocasião do lançamento do primeiro filme dos Vingadores, chegou a comentar o caso.

Outros aspectos interessantes mostrados no trailer são a destruição do martelo Mjolnir, o embate entre Thor e Hulk (Mark Ruffalo) em uma luta de gladiadores, Heimdall (Idris Elba) cabeludo lutando na floresta, a vilã Hela (a maravilhosa Cate Blanchett), a aparição do Grão Mestre (Jeff Goldblum, um dos meus "galãs feios" favoritos) e, é claro, de Tom Hiddleston de volta como Loki, sempre um "colírio".

E Waititi parece aproveitar bastante uma faceta já mostrada em outros filmes da Marvel, que é o lado cômico do Thor de Chris Hemswhort - o musculoso ator tem um bom timing de comédia. Assim, Thor: Ragnarok, ao contrário do que poderíamos pensar inicialmente, não deverá ter uma atmosfera muito sombria e séria.

Pode ser que o filme não cumpra tudo o que o trailer promete - como aconteceu com Esquadrão Suicida. Mas só de ter Led Zeppelin na trilha, já vale a espera.

"Undiscovered First", de Feist, em Legion

2017-03-19T22:52:00.002-03:00

Legion tem sido uma das boas surpresas televisivas do ano. A série do canal norte-americano FX, que estreou em fevereiro e contará com oito episódios nesta temporada, tem a assinatura do showrunner Noah Hawley (da premiada Fargo) e apresenta uma trilha sonora impecável.

Trazendo à telinha uma leitura bastante original do universo mutante dos X-Men, Legion tem chamado a atenção da crítica, mas não tem conseguido agradar a um público mais amplo. Afinal, os dilemas vivenciados por seu personagem central, David Haller (o Legião, interpretado por Dan Stevens), e sua construção narrativa, que por vezes mistura temporalidades, pontos de vista e níveis de consciência dos personagens, fogem totalmente da linearidade que vemos comumente nos filmes e séries sobre super-heróis.

Além disso, a série consegue estabelecer intertextualidade com diversas obras do cinema e da cultura pop, principalmente com os filmes de Stanley Kubrick. Todos esses elementos, que exigem um público com um pouco mais de "bagagem" para pescar as referências e aproveitar satisfatoriamente a experiência, explicam a resistência que o programa tem encontrado.

Um dos pontos altos de Legion, sem dúvida, é a sua trilha sonora - que, aliás, merece uma postagem especial neste blog. De Rolling Stones a Nina Simone, passando por The Who, Radiohead, Robert Plant, Serge Gainsbourg, entre vários outros, série de Hawley tem nos brindado com ótimas canções.

O vídeo abaixo traz a sequência do quarto episódio de Legion em que é apresentada a música "Undiscovered First", que faz parte do álbum Metals (2011) da cantora canadense Feist. Repare que há uma perfeita integração entre música e ações dos personagens. Oliver Bird, aprisionado em seu "plano astral" (seu subconsciente), põe seu toca-discos para funcionar e, nesse momento, a música executada, que era um elemento sonoro do espaço da cena, converte-se também trilha que embala os acontecimentos do episódio.

"Undiscovered First". Eis uma bela canção para ouvir durante a semana.

O Problema Final: um fim frustrante para Sherlock

2017-01-29T23:46:00.000-02:00

O "retorno" de Moriarty, tendo Queen como trilha sonora, talvez tenha sido a melhor cena do insosso terceiro episódio da quarta (e provavelmente última) temporada de Sherlock, "The Final Problem". Uma pena que não passou de um "truque" para fisgar a atenção do espectador - quem assistir ao episódio entenderá o porquê.

* O comentário abaixo contém spoilers. Recomendo assistir à série antes de ler.

Adoro muitas das inovações que Steven Moffat e Mark Gatiss propuseram em Sherlock, que é livremente baseada na obra de Sir Arthur Conan Doyle. A própria construção de Jim Moriarty, que fisicamente em nada lembra o personagem descrito nos livros, um professor de Matemática aposentado, foi um ponto bastante positivo da série, já que Andrew Scott interpretou com maestria o papel. O Moriarty de Scott, mais franzino, jovial e sem aquele vozeirão do Sherlock de Benedict Cumberbatch, funcionava como um excelente contraponto a este, já que suas ações criminosas independiam de seu porte físico (em muitas obras os vilões são retratados como maiores ou mais "feios" que os heróis).

E criar uma personagem nova, a partir da uma frase dita por Holmes no último parágrafo do conto "O último adeus de Sherlock Holmes", de Conan Doyle, foi mesmo um passo ousado. Uma ideia bem interessante, mas, infelizmente, mal executada. O desfecho proposto pelo roteiro de Gattis desperdiçou e minimizou Moriarty na trama, fazendo-o ser apenas uma peça no jogo de Eurus (Sian Brooke) e não o maior adversário de Sherlock.

Já que Andrew Scott era um sucesso e dada a importância de Moriarty enquanto personagem no universo sherlockiano de maneira geral (na literatura e em outras mídias), os roteiristas da série não deveriam tê-lo matado tão cedo. Ou, já que estava morto, que assim ficasse e que não fosse chamado a todo momento na série, como se realmente fosse retornar. Embora Moffat e Gattis nunca tenham buscado fidelidade à obra de Conan Doyle na releitura que realizaram, essa solução da criação de uma antagonista que suplanta Moriarty não funcionou, na minha opinião.

Assim, a aparição de Moriarty, embora maravilhosa, foi desnecessária e forçada, em termos de construção de roteiro. Parece que foi algo para agradar os fãs (como eu). E a história das gravações? Acho pouco plausível que Moriarty tivesse se prestado a isso.

Confesso que esse final de temporada foi frustrante para mim. Após um início morno, com "The Six Thatchers", o segundo episódio, "The Lying Detective", trouxe de volta a Sherlock que gostamos de ver. Mas em "The Final Problem", várias coisas soaram incoerentes e inverossímeis. Sabe a ideia da "suspensão voluntária da descrença", o "pacto" que fazemos com uma obra ficcional, aceitando como plausíveis as situações que a narrativa nos apresenta, mesmo que pouco realistas? Pois é, essa noção me ficou bastante abalada nesse episódio. Fiquei me perguntando várias vezes sobre como Euros mobilizou todo aquele aparato nos casos que propôs a Sherlock na prisão (o telefonema para Molly e os três Garridebs, por exemplo). Porém, considerando sua genialidade (maior que a de Newton?), as explicações oferecidas pelo roteiro ainda puderam ser mais ou menos digeridas.

Mas os seus "poderes", como o de "reprogramar" as pessoas com as quais tinha contato e prever datas de desastres analisando o Twitter, é que foram extremamente forçados. Como assim? Isso não é aceitável em Sherlock, um mundo ficcional em que a cientificidade é o ponto alto - afinal, Sherlock Holmes é um "perito na ciência da análise e da dedução". Os casos de "The Hounds of Baskerville" e "The Abominable Bride" são grandes provas disso. Por mais insólita que uma situação pareça, acenando com o terror, como nesses dois casos, no fim, há uma explicação lógica e racional para os eventos. Por isso, se considerarmos a proposta de Todorov, em uma narrativa policial o que deve imperar é muito mais o estranho do que o maravilhoso e o fantástico. Sherlock, por mais inovadora que seja, é uma série que se enquadra na gênero policial, não se desprendeu das amarras desse gênero.

Eurus me lembrou a personagem central de Lucy, de Luc Besson. Porém, a narrativa do filme tinha uma explicação razoavelmente aceitável para os poderes de Lucy (Scarlett Johansson) - embora o final tenha sido também um tanto problemático. Em Sherlock, isso não acontece com Eurus. O modo como suas habilidades são abordadas é incoerente com a proposta da série.

A grande sacada da construção de Sherlock Holmes como personagem é a de que ele não é necessariamente um homem genial. Na verdade, Holmes filtra as informações, só retém o conhecimento daquilo que julga útil para as suas atividades enquanto detetive, como a Química, a Anatomia, o Direito, etc. Em outros campos do saber, por exemplo, a Astronomia, tem parcas noções, simplesmente porque considera um conhecimento irrelevante para si. Além disso, utiliza um método para desvendar seus casos, baseado na observação e na dedução. Por isso, tem habilidades surpreendentes para a resolução de crimes - mas são habilidades, algo que adquiriu e aperfeiçoou com o tempo, por meio de estudo e experimentação, e não poderes ou alguma outra dádiva mágica. Assim é o Sherlock Holmes de Conan Doyle e assim também é o de Gatiss e Moffat.

Mas Eurus não foi desenvolvida dessa forma. A personagem, com suas capacidades "inatas", parece ter sido jogada na história, porque a trama do conto de "O problema final" já havia sido explorada nos episódios "The Reichenbach Fall" e "The Abominable Bride" e então os roteiristas se viram na complicada situação de criar um novo grande vilão. Mas isso era realmente necessário? Não foi para a literatura e mesmo na série vilões como Magnussen (Lars Mikkelsen) e Culverton Smith (Toby Jones) foram excelentes. Magnussen, personagem baseado em Charles Augustus Milverton (do conto de mesmo nome) e no espião alemão Von Bork (do conto "O último adeus de Sherlock Holmes"), tinha potencial para ser utilizado por mais tempo em Sherlock. Sinceramente, eu também esperava a aparição na série do Coronel Sebastian Moran, comparsa de Moriarty na literatura, outro criminoso bastante perspicaz.

Outra coisa que me incomodou bastante nos últimos tempos foi a exagerada importância de Mycroft (Mark Gatiss) e Mary (Amanda Abbington) na série. Adorei a releitura proposta para a personagem e também o novo significado dado a Agra (não mais um tesouro de uma cidade indiana, mas a sigla do grupo de espiões ao qual Mary pertencia). Mas depois de uma morte um tanto novelesca no fim de "The Six Thatchers", Mary continuou de forma desnecessária na série, nos delírios de um John Watson (Martin Freeman) depressivo e que se sentia culpado ao longo do segundo episódio e em gravações. Que mania de ficar trazendo os mortos pra tapar buracos no roteiro e encher linguiça, primeiro Moriarty, depois Mary!

E um ponto que tem causado bastante controvérsia entre fãs da série é a não abordagem do relacionamento entre Sherlock e John como uma relação homoafetiva. Particularmente, achei satisfatório, do ponto de vista narrativo, que Moffat e Gatiss tenham deixado isso em aberto, tal como Billy Wilder fez em seu filme (A vida secreta de Sherlock Holmes, de 1970). No entanto, conforme texto do site Scream Spy, é inegável que essa representatividade seria importante, já que a série é vista por milhares de pessoas em todo o mundo e ainda falta ao cinema à tevê mostrarem relacionamentos gays maduros entre personagens centrais das histórias, sem cair em estereótipos.

Mas ao menos Sherlock conseguiu amarrar as pontas soltas de temporadas anteriores. Se voltar um dia para uma outra temporada - o que acho difícil, considerando as carreiras de Cumberbatch e Freeman no cinema -, será quase que um recomeço do zero.

Apesar de todos os problemas dessa quarta temporada (aliás, há coisas que já não funcionaram bem na terceira), Sherlock é uma série muito boa. Sua segunda temporada e o especial "A noiva abominável" são excelentes! Recomendo fortemente a série! (E prometo textos mais elaborados sobre as temporadas).

Espelho, espelho meu: um ranking pessoal dos episódios de Black Mirror

2016-11-27T11:29:00.003-02:00

A aclamada série Black Mirror, produzida originalmente pelo Channel 4 no Reino Unido (duas temporadas, em 2011 e 2013, mais um especial de Natal no ano passado) integra agora o time de produções originais da Netflix. A terceira temporada da série estreou no serviço de streaming no final de outubro, causando furor entre os fãs e novos espectadores e motivando inúmeras discussões na internet.

Sendo uma série de antologia, isto é, cada episódio conta uma história diferente e independente, mas todos abordando como a tecnologia pode afetar a vida humana, é normal que alguns nos agradem mais e outros menos.

Você, certamente, já viu outros rankings como esse por aí. E poderá reparar que Black Mirror é tão complexa e capaz de despertar as mais diferentes sensações em que a assiste, que cada pessoa lista de forma de inteiramente diferente os episódios que mais gosta ou acha melhores.

E eu também tenho os meus preferidos.

Eis minha listinha pessoal dos episódios de Black Mirror, ordenados do mais interessante ao menos:

1. "Shut up and dance" ("Manda quem pode", 3ª temporada, episódio 3);

2. "Fifteen Million Merits" ("Quinze milhões de méritos", 1ª temporada, episódio 2);

3. "The National Anthem" ("Hino nacional", 1ª temporada, episódio 1);

4. "The entire story of you" ("Toda a sua história", 1ª temporada, episódio 3);

5. Hated in the Nation ("Odiados pela nação", 3ª temporada, episódio 6);

6. "Be right back" ("Volto já", 2ª temporada, episódio 1);

7. "Nosedive" ("Queda livre", 3ª temporada, episódio 1);

8. "White bear" ("Urso branco", 2ª temporada, episódio 2)

9. "San Junipero" (3ª temporada, episódio 4);

10. "White Christmas" (especial de Natal, 2015);

11. The Waldo moment "Momento Waldo", 2ª temporada, episódio 3);

12. Men against fire ("Engenharia reversa", 3ª temporada, episódio 5);

13. "Playtest" ("Versão de testes"; 3ª temporada, episódio 2).

E por que "Shut up and dance" é o meu favorito? Na minha opinião, esse é o episódio mais chocante e perturbador de Black Mirror, talvez porque seja o mais próximo da nossa realidade. Além disso, o roteiro traz uma reviravolta impressionante nos instantes finais da exibição, uma descoberta que nos faz sentir desconfortáveis enquanto espectadores e rever vários aspectos do episódio que, em um primeiro momento, nos passam despercebidos.

Temas (atualíssimos, por sinal) como hackers invadindo a intimidade de usuários da rede e os chantageando e o fácil acesso a conteúdos pornográficos na internet são abordados. Ao acabar de assistir a "Shut up and dance", garanto que suas noções de certo/errado e crime/justiça estarão abaladas.

Os episódios da série merecem, é claro, comentários mais detalhados. Coisas para postagens futuras.

E aí, qual o seu episódio favorito de Black Mirror?

Saudosismo oitentista: 50 canções de rock dos anos 1980

2016-11-22T22:09:00.001-02:00

Desses três, estou mais para Lucy...

Eu quase nada vivi dos anos 1980 - nasci em dezembro de 1988 -, mas é incrível como a música do período é uma referência marcante para mim. Como construí essa memória afetiva dos anos 1980, a ponto de ter saudade de uma época que não cheguei a experienciar, de fato?

Creio que os filmes, os videoclipes e o rádio foram os principais responsáveis pela formação dessa memória. Foram incontáveis Sessões da Tarde com filmes de John Hughes e Spielberg, clipes e mais clipes vistos (sempre fiquei impressionadíssima com os clipes do The Cure), horas e horas ouvindo os clássicos nas manhãs da Rádio Cidade...

"Save Ferris!". Nessa cena, é tocada uma versão instrumental de "Please, Please, Please, Let Me Get What I Want", dos Smiths

Mas há mais. Por influência paterna, cresci ouvindo Queen, Tears for Fears, Os Paralamas do Sucesso, entre outros (ainda temos alguns vinis da época). Tenho tios fissurados em Legião Urbana... Com o tempo e, principalmente, com o auxílio da internet fui ampliando referências e descobrindo minhas próprias bandas - só pra falar da galera relevante nos anos 1980, U2, The Cure, David Bowie, Titãs, INXS e nem posso descrever o que foi conhecer o Clash!

Muita gente diz que foi uma década perdida para o rock. Muitos mais, aliás, dizem que foi uma década perdida de maneira geral, por conta do avanço neoliberalismo e do conservadorismo político nas democracias liberais, da crise econômica nas economias periféricas e porque o sonho socialista começou a ruir com o desmantelamento da URSS e a queda do muro de Berlim.

E o muro veio abaixo...

No cenário musical, foi o momento em que o pop ganhou força e os vinis e cassetes de nomes como Michael Jackson, Madonna e Prince vendiam feito água. Além disso, foi nos anos 1980 que a MTV surgiu, mudando radicalmente a forma como consumimos música e a chamada "estética do videoclipe" passou imperar também em outros domínios artísticos, como o cinema.

O hard rock nessa década, dos caras cabeludos e dos clipes com supermodelos (que eu chamo de "farofa", e que foi pejorativamente apelidado pela imprensa de "hair rock"), passou a ser o estilo de rock mais ouvido, especialmente no lado de cá do Atlântico. Na Europa, sobretudo no Reino Unido, a New Wave, o Synthpop, os New Romantics e vários outros gêneros e estilos em geral englobados no balaio de gatos que é a designação Post-Punk, dominavam a cena.

Assim, de maneira geral, a simplicidade, a ferocidade e o protesto do punk davam lugar ao virtuosismo de guitarristas que faziam inúmeras firulas, sintetizadores, teclados e a temas cada vez mais intimistas.

Os coloridos anos 80 de nosso imaginário

Já em Terra Brasilis, os anos 1980 são considerados a "era de ouro" do rock. Vivíamos já duas décadas de ditadura e as desigualdades sociais eram gritantes. E os jovens de nossas bandas, a maioria de classe média e que tinha acesso ao que se produzia no exterior, (felizmente) ainda bastante influenciados pelo punk, mas já receptivos às inovações do chamado post-punk, produziram álbuns excepcionais - o que dizer de discos como Cabeça Dinossauro (Titãs), Selvagem? (Os Paralamas do Sucesso) e O concreto já rachou (Plebe Rude)?

É certo que a década de 1980 representa o consumo massivo do pop e a "morte" da música radiofônica, para parafrasear a música do The Buggles, já que o poder de seduzir e chocar da imagem muitas vezes suplantou a qualidade do conteúdo sonoro. Pra que letras elaboradas se você poder ter um refrão chiclete e um clipe bem bolado, usar roupas e penteados diferentes, que farão seu single ser um sucesso nas paradas, muito mais por seu estilo do que pelo que você realmente canta? Isso não é uma novidade dos anos 1980, mas é inegável que foi uma tendência que se acentuou muito no período.

Ainda assim, é preciso reconhecer que muita coisa boa foi produzida. E falo somente do âmbito do rock, que é o que conheço e gosto mais. Certamente, outros gêneros produziram coisas boas no período, mas não tenho muita familiaridade para comentar.

Bem, já que vou na contramão de quem considera os anos 80 como a "década perdida" do rock, para provar meu ponto de vista, resolvi montar e compartilhar uma playlist no Spotify.

E as mixtapes em cassetes, hein? O hábito continua, agora em outros suportes e sob outras formas, como as playlists no Spotify

Os principais critérios para a composição da lista foram a escolha de canções que pudessem ser enquadradas no gênero rock (embora alguns nomes sejam discutíveis, reconheço, como Duran Duran e Tears for Fears) e que tenham sido lançadas durante a década de 1980. A única exceção é a música do The Buggles, que foi lançada como single ainda no segundo semestre de 1979. Mas como entrou no álbum lançado em 1980 pela banda (The Plastic Age) e tem uma enorme importância histórica, por ter sido o primeiro videoclipe a ser exibido pela MTV, na fundação do canal, em agosto de 1981, pareceu-me justo que figurasse na lista.

Foi selecionada apenas uma canção de cada banda ou artista. Mas a escolha de qual seria essa canção específica foi totalmente subjetiva, pois nem sempre a música que incluí é a mais "representativa" daqueles músicos, e sim a que mais gosto - é o caso, por exemplo, de "Meninos e meninas", do Legião Urbana.

A playlist tem um total de 50 canções, dispostas de forma aleatória - não estão ordenadas por nome, ano ou por qualquer outro critério. Foi difícil fechar nesse número e gente boa acabou ficando de fora.

Sem mais papo, aí está a minha playlist.

Playlist Rock Anos 1980 - 50 canções

Será que Stranger Things e "San Junipero", episódio de Black Mirror, têm algo a ver com esse momento nostalgia? É bem provável.

Aguardem a listagem dos anos 1990. Essa, sim, vai ser matadora.

Enquanto isso, aproveitemos essa onda oitentista.

The Clash na época do Combat Rock (1982)

"Heroes", por Peter Gabriel

2016-09-04T23:10:00.000-03:00

Lançada no último mês pela Netflix, Stranger Things rapidamente se tornou um fenômeno de popularidade. Mas, além das inúmeras referências ao cinema, às HQs e aos RPGs, outro ponto alto da série é a sua trilha sonora.

* O comentário abaixo contém alguns spoilers. Recomendo assistir à série antes de ler.

Entre as músicas que figuram na série estão faixas de Joy Division, Echo & The Bunnymen. New Order, Jefferson Airplane, entre outros. A trilha sonora fez tanto sucesso entre os espectadores da série que a própria Netflix divulgou uma playlist no Spotify com a maior parte das músicas executadas.

Mas a canção que mais me chamou a atenção ao assistir a série foi a versão de "'Heroes'" feita por Peter Gabriel, que aparece na sequência final do terceiro episódio (e que curiosamente não está na playlist da Netflix). A canção de David Bowie, composta em parceria com Brian Eno, foi lançada no álbum homônimo de 1977, o segundo disco da chamada "Fase de Berlim" de Bowie. Gabriel regravou a canção em 2010 em seu álbum de covers Scratch My Back.

A releitura promovida por Peter Gabriel da canção de Bowie, com seus arranjos de corda e ritmo que se desenvolve em um crescente, é simplesmente comovente - a voz do primeiro frontman do Genesis continua maravilhosa! Trata-se de um cover que traz algo de novo, mas sem deixar de prestar sua reverência ao icônico registro de Bowie. Confira:

Se Stranger Things me ganhou, digamos assim, no segundo episódio, na cena em flashback em que Jonathan lembra de quando apresentou "Should I Stay or Should I Go?" para o irmão, posso dizer que me senti completamente arrebatada na cena final do terceiro episódio, quando o xerife e as crianças acham que Will foi encontrado. É uma sequência muito forte e triste, que dificilmente podemos assistir sem sentir um nó na garganta e ficar com os olhos cheios d'água. E a versão de 'Heroes' de Peter Gabriel tornou esse momento do episódio ainda mais emocionante.

Segunda temporada de Poldark em setembro!

2016-08-28T20:06:00.000-03:00

Está chegando a hora! Exatamente daqui a uma semana, em 4 de setembro, vai ao ar na BBC One o primeiro episódio da segunda temporada de Poldark.

Pelos trailers divulgados pela emissora britânica até o momento, teremos os desdobramentos do problema de Ross (Aidan Turner) com a justiça e vemos que George Warleggan (Jack Farthing) continuará sendo uma pedra em seu sapato. Além disso, nosso herói parece que ficará novamente indeciso entre Demelza (Eleanor Tomlinson) e Elizabeth (Heida Reed) nessa segunda temporada...

E, para o bem de todos e felicidade geral do Reino Unido (e do resto do mundo também, é claro) Aidan Turner aparece sem camisa.

Confira abaixo os vídeos:

19 de agosto: Dia Nacional do Historiador

2016-08-19T21:11:00.000-03:00

Instituído pela Lei n. 12.130, de 17 de dezembro de 2009, o Dia Nacional do Historiador é comemorado no Brasil no dia 19 de agosto. A data homenageia o nascimento de Joaquim Nabuco (19/08/1849), diplomata, historiador e conhecido militante abolicionista do Brasil Imperial.

Outro projeto (PL 4699/2012), que visa à regulamentação da profissão de historiador no país, tramita há alguns anos na Câmara, e desde o ano passado, aguarda apreciação do Senado. Diante do quadro político atual do país, acho difícil que tão cedo a matéria seja apreciada...

Mas será que o historiador tem algo em comum com algum herói das HQs? De acordo com a charge abaixo, sim!

Fonte: Blog Brasil: História e ensino, de Natania Nogueira

Tirando a parte do "trabalho sem sabor", realmente me parece que há muitas similaridades entre o historiador e o Homem-Morcego. O que você acha?

Conheça a história da criação da data nas páginas da ANPUH-SC e da Revista de História da Biblioteca Nacional.

T2: Trainspotting 2 vem aí!

2016-07-30T23:03:00.000-03:00

Com direção de Danny Boyle e mantendo o elenco original, Trainspotting ganhará uma sequência, pouco mais de 20 anos após o lançamento do primeiro filme. Trata-se de uma adaptação cinematográfica de outra obra do escritor escocês Irvine Welsh, desta vez, Porno, romance lançado em 2002, que retrata o envolvimento de Sick Boy, Renton, Spud e Begbie com o ramo da pornografia.

Um trailer foi divulgado essa semana, tendo como trilha a música "Lust for Life", de Iggy Pop, eternizada no filme de 1996. O vídeo, que mostra os personagens em uma plataforma de trem, é uma referência a uma cena de Trainspotting, quando os então jovens amigos, tentando abandonar o vício em heroína, viajam para o campo, por sugestão de Tommy - é claro que essa viagem não dura nada.

Um teaser já havia sido divulgado anteriormente, com a promessa de que o novo longa chegue aos cinemas em 27 de janeiro de 2017. Aguardemos, então, T2: Trainspotting 2!

Para conhecer o Britpop: 20 bandas e músicas essenciais do movimento

2016-07-17T23:49:00.000-03:00

A famosa guitarra de Noel Gallagher com a bandeira do Reino Unido

Considero que o Britpop, movimento musical sobre o qual já falei algumas vezes aqui no blog, é um dos mais importantes do rock mundial. Como julho tem sido considerado o "mês do rock" (ao menos no Brasil, em que se comemora o Dia Mundial do Rock em 13 de julho), eu ouço várias bandas Britpop e adoro listas, pensei: por que não unir o útil ao agradável e montar um Top 20 com bandas do Britpop? É uma oportunidade para quem não está familiarizado conhecer um pouco dessa vertente do rock dos anos 1990.

Mas falar sobre Britpop é enveredar por um caminho tortuoso, já que é difícil encontrar consenso entre críticos e músicos sobre características e origens do movimento. Muita gente utiliza o termo de maneira mais genérica e ampla, de forma a considerar toda a produção musical pop britânica - nesse caso, as Spice Girls e o Take That, por exemplo, poderiam ser considerados Britpop. E, temporalmente, das bandas dos anos 1960, como The Beatles e The Kinks, até as atuais, como Arctic Monkeys e Coldplay, seriam também representantes do Britpop. Há pessoas que o consideram, ainda, como um subgênero do rock.

Pessoalmente, creio tais visões são errôneas. A classificação como subgênero não é satisfatória, pois as bandas comumente associadas ao Britpop têm influências e sonoridades bastante variadas. A ideia de movimento musical me parece mais adequada. E, como movimento, o Britpop está circunscrito a um dado contexto histórico e cultural, não se refere a toda a música pop do Reino Unido produzida desde os anos 1960. O Britpop, conforme pensado por Damon Albarn (que, de acordo com o documentário No Distance Left to Run, teria idealizado o movimento) refere-se às bandas de rock britânicas que começaram a reagir à dominação dos Estados Unidos no panorama musical inglês, em especial o grunge.

A imagem acima, que reúne vocalistas de algumas das principais bandas do Britpop, brinca com o cartaz do filme Trainspotting, de 1996

Tentar definir marcos temporais é complicado. Mas, pelo que já li e assisti em documentários, pode-se dizer que as origens do Britpop remontam aos anos de 1992 e 1993, quando Blur e Suede lançaram os singles "Popscene" e "The Drowners" e os álbuns Modern Life Is Rubbish e Suede. Mas o chamado Madchester, na virada da década de 1980 para a de 1990, também teve uma influência decisiva para o movimento, principalmente por conta do som dos Stones Roses, que apontava novos caminhos.

O período áureo do Britpop se situa entre os anos de 1994 e 1995, quando uma série de álbuns fantásticos foi lançada - Parklife, Dog Man Star, (Wha'ts the Story) Morning Glory?, Different Class, I Should Coco, Elastica, etc. - e se deu a famosa "Batalha do Britpop" entre Blur e Oasis. No documentário Live Forever: the rise and fall of Britpop, atribui-se o sucesso mundial do Oasis ao vácuo deixado pelo Nirvana após a morte de Kurt Cobain em 1994.

A partir de 1997 o movimento começa a se desgastar e álbuns lançados nesse ano, como Blur, Urban Hymns e, principalmente, OK Computer, sinalizaram novos rumos musicais. A imprensa torceu o nariz para Be Here Now, do Oasis, e o crítico Jon Savage apontou esse disco como o fim do era do Britpop.

A "Batalha do Britpop" estampando as capas de revistas

Polêmicas à parte, o certo é que no Pós-Segunda Guerra este foi um dos principais momentos em que a música popular britânica conseguiu se contrapor à hegemonia cultural estadunidense - talvez o maior desde a "British Invasion". A juventude, desiludida com a política neoliberal e com vários anos de governo conservador, ansiava por uma mudança política - daí porque muitos depositaram suas fichas no trabalhista Tony Blair (mal sabiam eles a decepção que logo teriam...).

E, além da heroína, bastante usada por músicos na época ("Beetlebum", do Blur, é uma canção sobre a experiência com a droga), o ecstasy se tornou o vício da vez. Surge a ideia de uma "Cool Britannia" nos anos 1990, que é comparável à efervescência da "Swinging London" dos anos 1960. Fora a música, a moda e o cinema britânicos também tiveram grande destaque no período (mas isso já é assunto para outra postagem).

Enfim, o tema é bastante rico e poderia ser discutido por horas. Mas, vamos ao que interessa. Para a composição da lista foram elencadas 20 bandas que costumam ser apontadas como integrantes do movimento Britpop (acredite, há muitas outras mais) e foi selecionada uma canção de cada uma. Os critérios de escolha levaram em conta a representatividade das bandas para o movimento e também a minha própria familiaridade - afinal, há muita coisa que não conheço ainda, só posso falar do que já ouvi.

Eis a lista...

Top 20 - Bandas Britpop:

1. Blur – "Parklife"

2. Oasis – "Wonderwall"

3. The Verve – "Bitter Sweet Symphony"

4. Suede – "Beautiful Ones"

5. Supergrass – "Alright"

6. Pulp – "Common People"

7. Elastica – "Connection"

8. Manic Street Preachers – "Motorcycle Emptiness"

9. Embrace – "All You Good Good People"

10. Super Furry Animals – "The Man Don't Give a Fuck"

11. The La’s – "There She Goes"

12. The Charlatans - "The Only One I Know"

13. Ash – "Girl from Mars"

14. Menswear - "Daydreamer"

15. Kula Shaker - "Tattva"

16. Sleeper – "Inbetweener"

17. Gene – "Hauntend by You"

18. Shed Seven – "Getting Better"

19. Ocean Colour Scene – "The Day We Caught The Train"

20. Stereophonics – "A Thousand Trees"

Ouça a playlist no Spotify.

Capas de alguns álbuns

Algumas observações sobre a formação da lista: as músicas mais antigas são "There She Goes" (de 1988) e "The Only One I Know" (1990), enquanto as mais recentes são "Bitter Sweet Symphony", "All You Good Good People" e "A Thousand Trees" (todas de 1997). A ideia foi traçar aqui um panorama do movimento, desde suas origens.

The La's, assim como The Stone Roses, representam mais um "pré-Britpop", já que são bandas que tiveram seu auge na virada dos anos 1980 e 1990, momento em que ainda não se falava em Britpop, mas ambas são referências importantes para as bandas que se seguiram. Porém, o primeiro grupo foi incluído na lista e o segundo não, pois o Stone Roses é mais associado à cena do Madchester - outro movimento, que surgiu no fim da década de 1980 na cidade de Manchester, a partir das bandas que se apresentavam no clube Haçienda ou eram ligadas à Factory Records (quem sabe falo dele um dia?).

The Charlatans também surgiram no seio do Madchester, porém se tornaram bastante populares no contexto do Britpop e têm uma carreira bem mais regular que os Stone Roses, que, apesar de toda a sua relevância, não foram capazes de resistir ao "boom" do Britpop em meados da década de 1990.

O Stereophonics, que fecha a lista, é mais adequadamente um grupo pós-Britpop. Mas a banda liderada por Kelly Jones se formou em meados dos anos 1990 e, mesmo que tenha alcançado maior reconhecimento nos anos 2000, é bastante tributária do Britpop. Seu álbum de estreia, Word Gets Around, no qual se encontra a faixa "A Thousand Trees", foi lançado em 1997, o ano em que o Britpop começa a entrar em declínio.

Situação parecida se dá com o Embrace, que se forma em 1993, mas só vem a lançar um álbum (The Good Will Out) em 1998. Porém o single "All You Good Good People", lançado em 1997, é inegavelmente uma canção Britpop - a melodia ecoa Oasis e The Verve.

O Britpop em imagens

Já Manic Street Preachers não é bem uma banda típica do Britpop. Os galeses construíram uma das mais sólidas, exitosas e ecléticas carreiras entre as bandas de sua geração, com vários álbuns excelentes ao longo dos anos (Generation Terrorists, The Holy Bible, Everything Must Go, This Is My Truth Tell Me Yours, Send Away the Tigers, Journal for Plague Lovers). Em sua fase inicial, dominada pela figura de Richey Edwards (que desapareceu misteriosamente em 1995), o grupo teve forte influência do glam rock, assim como o Suede, além do punk e do hard rock. Os Manics herdaram do The Clash a predileção por temas políticos. É uma das minhas bandas favoritas e só não ocupa um lugar mais elevado nessa lista, justamente por não se enquadrar muito no Britpop. Em 1994, quando o movimento estava em seu ápice, eles já buscavam uma nova sonoridade em The Holy Bible. Mas "Motorcycle Emptiness", do disco de 1992, é um retrato dessa geração consumista que se perde nas luzes de neon das cidades.

E por que o Blur está no topo da lista? Bom, o povo do Oasis que me desculpe (é a banda da qual eu tenho mais CDs, aliás), mas eu realmente considero o Blur como o grupo que melhor representou o espírito do Britpop. A "Life Trilogy", composta pelos álbuns Modern Life Is Rubbish, Parklife e The Great Escape, conseguiu captar a essência daquela juventude que chegou aos anos 1990 aprisionada aos moldes do Tatcherismo, mas que, ao mesmo tempo, desejava se rebelar, diante dos inúmeros problemas sociais resultantes da política econômica neoliberal mantida por mais de uma década de governo conservador e dos efeitos da globalização, que, entre outras coisas, impunha os padrões culturais norte-americanos. E, como disse o jornalista e historiador Carlos Eduardo Lima (com quem eu concordo totalmente), "a Inglaterra tem cheiro de Blur".

Blur: crítica à sociedade britânica, mas buscando afirmar uma identidade musical própria do Reino Unido

Alguns links interessantes:
- NME: "The Ultimate Britpop Playlist"
- Paste Magazine: "The 50 Best Britpop Songs"
- Scream & Yell: "A Inglaterra tem cheiro de Blur", por Carlos Eduardo Lima
- Scream & Yell: "Discografia comentada: Suede", por Eduardo Palandi
- Público: "A vida moderna deles é ótima - a nossa continua rubbish"
- Clube do Vinil - UFF: "10 álbuns para entender o Britpop"
- Miojo Indie: "10 discos para gostar de Britpop"
- Altamont: "Especial Britpop: uma análise política e social"
- MIP: "Britpop - a história"
- Folha de São Paulo: "Era Tony Blair simboliza auge e queda do Britpop"
- Independent: "Beyond Britpop: Whatever happened to the class of '95?"

Suede: "Beautiful Ones"

2016-07-04T23:33:00.000-03:00

Das bandas que podemos elencar como pertencentes ao chamado Britpop, movimento surgido no Reino Unido a partir do fim dos anos 1980 e que teve seu ápice em meados dos anos 1990, o Suede certamente ocupa lugar de destaque.

De maneira geral, pode-se dizer que negar a imposição do modelo norte-americano e buscar uma identidade musical própria, abordando assuntos pertinentes à juventude e ao modo de vida britânico - e creio que ninguém foi tão crítico e irônico ao fazer isso quanto o Blur - estão entre as principais características dessa geração de músicos.

Mas o grupo liderado por Brett Anderson, sobre o qual falo aqui hoje, diferencia-se de outros do mesmo cenário por ter uma grande influência do glam rock (David Bowie e T. Rex, por exemplo), além do pós-punk dos Smiths e Morrissey (o próprio nome da banda vem de uma música deste último, "Suedehead"). Assim, o Suede explora em suas composições os dilemas dos jovens das cidades, a vida agitada por raves e drogas e aberta a múltiplas experiências afetivas. São canções que exalam uma forte sensualidade, ambiguidade e acidez. A própria postura dos músicos, como ocorria no glam rock setentista, reflete uma acentuada ideia de bissexualidade.

Uma música que gosto muito do Suede é "Beautiful Ones", do álbum Coming Up, de 1996. É um verdadeiro hit, que gruda na cabeça. A letra, apesar de parecer, a princípio, um tanto desconexa, como se fosse uma junção de aleatoriedades, na verdade, se pensada como um todo, é um retrato dos jovens descolados da então em voga "Cool Britannia" - os "beautiful ones", lindos, maravilhosos. E o videoclipe, que pode ser conferido no player abaixo, é excelente, destacando as palavras que a letra da música utiliza para traçar esse perfil dos "bonitões" - curiosamente, são mais substantivos do que adjetivos.

Nunca prestei tanta atenção ao Suede. Mas, nos últimos dias, cheguei à conclusão de que devo ouvir um pouco mais suas músicas. Acho que hoje me fazem mais sentido do que há alguns anos, quando conheci a banda.

Enfim, "Beautiful Ones" é a Música da Semana do blog. A primeira dentre muitas outras - assim espero.

Um vale nada feliz: a primeira temporada de Happy Valley

2016-07-01T21:53:00.000-03:00

Em uma pequena cidade da Inglaterra, um contador insatisfeito com sua colocação na empresa onde trabalha arma o sequestro da filha de seu chefe. Mas várias situações que não faziam parte do plano original começam a ocorrer e o que deveria ser uma forma rápida de obter dinheiro acaba se transformando em um série de crimes brutais. E no meio disso tudo há uma policial com sede de justiça.

Com uma premissa parecida com a do filme Fargo (1996), a primeira temporada de Happy Valley foi ao ar em 2014 pela rede BBC1. Apesar das similaridades com a obra dos irmãos Ethan e Joel Coen, a série inglesa trilha caminhos próprios. Uma trama coesa, com personagens de grande complexidade e atuações excelentes, especialmente as de Sarah Lancashire e James Norton, fazem com que assistamos aos episódios quase sem respirar. Não se deixe enganar pelo título da série e pela música animadinha da abertura ("Trouble Town", de Jake Bugg). Happy Valley é dureza!

* O comentário abaixo contém spoilers. Recomendo assistir aos episódios antes de ler.

"Vale Feliz"?

Criada por Sally Wainwright, que assina o roteiro de todos os episódios, além de dirigir alguns, Happy Valley acompanha o cotidiano da sargento da polícia Catherine Cawood (Sarah Lancashire, de Last Tango in Halifax), que, trabalhando em uma cidade pequena, tem como maior parte das ocorrências perturbações à ordem pública, em geral, ocasionadas por jovens usuários de drogas.

Aliás, o tráfico de drogas é provavelmente o maior problema da localidade, já que o uso indiscriminado de entorpecentes parece ser algo relativamente comum entre os jovens, muitos deles desempregados e sem grandes perspectivas. O que a série procura abordar - e sem cair em um discurso careta ou de falso moralismo - são os problemas familiares e sociais que a dependência química pode causar e a frequente associação do tráfico de drogas com outros crimes.

Em um dos episódios, por exemplo, Catherine é chamada para resolver uma ocorrência de trânsito envolvendo um político da cidade, que tenta dar uma "carteirada" na policial - em seu carro, há um pacotinho com cocaína. Catherine dá voz de prisão ao figurão, que a ameaça, e manda o pacote para análise, porém seus superiores exigem que ela alivie a barra do vereador. A sargento se nega, mas, para sua surpresa, o material enviado para análise acaba sendo adulterado, o que impede a comprovação de que o político portava drogas. Catherine fica irada, mas pouco pode fazer. Um tipo de situação que demonstra a corrupção institucionalizada na polícia e na política.

Há ainda o caso de Ashley Cought (Joe Armstrong, de The Village e Henry IV), que mantém um negócio de aluguel de trailers para famílias como fachada para sua real atividade, o tráfico de drogas. E Ashley terá ainda participação fundamental no crime no qual se centra a temporada da série.

A rotina do pequeno Vale de Calder (o tal "Vale Feliz" do título) se vê, então, alterada com o sequestro da filha de Nevison Gallagher (George Costigan), grande empresário da região, e por uma série de crimes violentos que se seguem, como a morte da policial Kirsten.

Ou um vale de lágrimas?

Na sequência inicial da série, a própria Catherine, enquanto tenta evitar que um rapaz ateie fogo em seu próprio corpo, faz a sua apresentação, mostrando desde já ao espectador um pouco de sua problemática vida familiar: "Sou Catherine, a propósito. Tenho 47 anos, estou divorciada, moro com minha irmã, que é uma viciada em heroína em recuperação. Tenho dois filhos crescidos. Uma morta, um que não fala comigo e um neto. Então... É complicado. Falemos sobre você".

E, logo descobrimos, de certa forma, o problema com drogas está também na raiz do grande drama pessoal enfrentado por Catherine. Oito anos atrás, sua filha Rebecca (Becky) foi estuprada e acabou engravidando. Como não contou nada aos pais logo após sofrer o abuso, a gravidez não pode ser interrompida. Mas Becky não suportou o trauma, e acabou se matando pouco tempo depois de dar à luz.

Com a morte precoce da filha e decidindo criar o neto contra a vontade do marido e de seu outro filho, Catherine vê seu casamento e sua vida familiar ruírem, encontrando apenas o apoio da irmã Clare (Siobhan Finneran, de Downtown Abbey). O responsável pelo estupro, Tommy Lee Royce (James Norton, de Grantchester e War & Peace), foi preso logo em seguida, mas não por este crime, e sim por tráfico de drogas, pegando uma pena de oito anos de reclusão.

É difícil precisar o tipo de relacionamento entre Becky e Tommy, já que a série não utiliza flashbacks para mostrar o que ocorreu em 2006 e tudo o que sabemos sobre a filha de Catherine é o que os outros personagens contam. Mas, pelo que podemos apreender do que diz o outro filho da policial, Daniel (Karl Davies, de Kingdon e Game of Thrones), a jovem também chegou a se envolver com drogas ou não tinha um comportamento dos melhores, tendo então conhecido o desordeiro Tommy Lee Royce, por quem Becky, de acordo com Daniel, realmente era apaixonada. Obviamente, por mais rebelde que fosse Becky, nada justifica a violência cometida por Tommy.

O grande problema para Catherine agora é que Tommy Lee Royce cumpriu sua pena e está em liberdade novamente, o que ela vê como um risco à segurança do neto Ryan.

"A ocasião faz o ladrão"

Uma das perspectivas exploradas por Happy Valley diz respeito ao fato de que crimes terríveis não são cometidos apenas por sociopatas (e a série tem um), mas também por pessoas comuns, acima de qualquer suspeita. O que está em jogo são as motivações e oportunidades. Às vezes, um encontro casual pode levar uma pessoa a cometer um ato criminoso, se já existiam interesses e motivos que poderiam levá-la a tal. Assim, se, conforme o ditado, "a ocasião faz o ladrão", uma outra expressão popular não parece menos verdadeira na série: "o ser humano é capaz de qualquer coisa". Tal é o que ocorre com Kevin Weatherill (Steve Pemberton, ator famoso por participar de sitcoms).

Kevin é um homem comum, de quarenta e poucos anos. Bom empregado, pai dedicado e marido exemplar, que cuida com todo zelo da esposa com esclerose múltipla, leva uma vida pacata de classe média. As coisas começam a mudar quando sua filha mais velha tem a oportunidade de ingressar em uma escola conceituada, mas cujo valor das mensalidades está muito além de seu orçamento. Kevin, então, pede um aumento de salário a seu chefe, Nevison Gallagher, que, em um primeiro momento, diz não ser possível.

Porém, mais do que a frustração de receber um não do patrão, Kevin, no fundo, alimenta um grande ressentimento em relação a Gallagher, pois acredita que seu pai deveria ter sido sócio do empresário no passado e que ele próprio agora, em vez de apenas um empregado, deveria ter uma parte do negócio.

Ao ir passar um fim de semana com a família em um trailer que aluga na fazenda de Ashley Cowgill, Kevin acaba acidentalmente descobrindo que ele está envolvido com tráfico de drogas. Temendo ser denunciado, Ashley ameaça Kevin. É então que o contador percebe que seu locador é também uma pessoa ambiciosa e sem muitos escrúpulos.

Assim, Kevin expõe seu descontentamento a Ashley e propõe que este sequestre a filha de Nevison, Ann (Charlie Murphy), em troca de um resgate milionário, que poderia ser dividido entre os dois. Ashley topa e, bom vigarista que é, consegue ainda reverter a situação, para ficar com a maior parte da bolada. Para executar o plano, Ashley convoca dois de seus empregados, Lewis Whippey (Adam Long) e Tommy Lee Royce.

Quando percebe a burrada que cometeu, Kevin tenta voltar atrás e até procura a polícia, mas já é tarde demais. E aí tudo só vai se complicando, fugindo do controle. Catherine, por sua vez, desconfia que em seu retorno Tommy não estaria envolvido com boas coisas e fica em seu encalço.

Aqui os fracos não têm vez

Com uma trama que se desenvolve em um ritmo ágil e excelentes atuações, Happy Valley em muitos momentos tira nosso fôlego, tal é nível de tensão em que os episódios se desenrolam. É uma série forte, com temas duríssimos de serem abordados em televisão e sequências violentas. Contudo, não é uma série apelativa, pois mesmo as cenas mais pesadas nunca estão lá de forma gratuita.

E mesmo um personagem como Tommy, capaz de monstruosidades, não é retratado de forma plana ou caricata. Apesar de possuir um sério desvio de caráter e de comportamento, ele também demonstra humanidade. Em uma cena em que está escondido da polícia, por exemplo, ferido e acuado, ele chora. Catherine, por sua vez, também não é uma heroína perfeita. Em sua sede de vingança, ela também acaba tendo atitudes por vezes condenáveis. Acredito que essa construção dos personagens, que se apresentam ao espectador sob muitos ângulos, é o melhor da série.

Uma segunda temporada de Happy Valley foi ao ar esse ano e a série tem conquistado importantes prêmios, como BAFTAs. E, provavelmente, teremos uma terceira em 2017.

Recomendadíssima!

Mais informações:

BBC
Imdb
Wikipedia

A música mais dolorida do Blur

2016-06-26T01:10:00.000-03:00

Imagem: Rolling Stone

Blur, certamente, é uma das minhas bandas favoritas. "Coffee & TV", por exemplo, é uma das músicas que mais gosto e uma espécie de "hino" pessoal para mim.

Nos últimos dias tenho escutado bastante os álbuns do Blur novamente. E tem sido uma prazerosa redescoberta.

As pessoas, em geral, ao se referirem ao Blur comentam muito sobre os álbuns da "Life Trilogy" (Modern Life Is Rubbish, Parklife, The Great Escape) e Parklife, de 1994, costuma ser considerado o melhor disco do quarteto. De fato, com esses três discos - os dois últimos, grandes sucessos comerciais -, com canções cujas letras são profundamente irônicas e debochadas, o Blur reivindicava uma música de identidade britânica em um momento em que o cenário do rock era dominado pelo grunge dos Estados Unidos, além de, ao mesmo tempo, tecer uma forte crítica ao modo de vida do Reino Unido.

Gosto muito de Parklife e The Great Escape (1995) e reconheço que há músicas sensacionais neles. Mas, na minha opinião, os melhores discos do Blur são o álbum homônimo de 1997 e 13 (1999). Penso que nesses dois registros foi que a banda atingiu maturidade, deixando de se importar com atingir o topo das paradas e com a rivalidade com o Oasis. O Blur se tornou mais sombrio, o som mais pesado e experimental e os temas das canções passaram a refletir mais o que os integrantes sentiam.

E uma das canções que mais tem me emocionado nessa minha reaproximação com o Blur é "No distance left to run", de 13. Uma das mais belas letras já escritas por Damon Albarn. E, provavelmente, a música mais triste do Blur. Como mostra o documentário No Distance Left to Run (de 2009), esse álbum foi realizado em um momento difícil da banda, em que as relações entre os integrantes estavam bem desgastadas, principalmente entre Damon e o guitarrista Graham Coxon, que depois viria a deixar o grupo.

Além disso, Albarn estava terminando um relacionamento de vários anos com Justine Frischmann, vocalista do Elastica - os dois eram conhecidos como o "casal do Britpop". A letra de "No distance left to run" é uma clara referência à separação. No filme, o baixista Alex James diz algo interessante sobre o modo de compor de Albarn: "Cantar sobre personagens era uma espécie de mecanismo, mas parecia que havia uma espécie de desvio desse tipo de artifício, no 13. E ele estava realmente cantando do fundo do coração".

Graham Coxon, por sua vez, conta no documentário como se sentiu ao ouvir a música: "Não fazia a menor ideia de que as coisas estavam terminando entre o Damon e a Justine, apesar de ser fácil de adivinhar. 'No Distance'... Tornou-se muito claro quando estávamos ouvindo a letra. E, mais uma vez, foi um aviso, na época, para mim, de que o Damon não era apenas um maníaco da carreira sem quaisquer sentimentos. Ele era realmente de carne e osso e estava sofrendo muito e, sim... Eu... Isso... entendem... Isso fez com que me apaixonasse por ele outra vez, de certa forma. Isso foi: 'Meu Deus! Ele é realmente como eu, só age de um jeito diferente'."

No vídeo abaixo, é possível conferir a banda tocando "No distance left run" em seu show de 2012 no Hyde Park, em Londres. Quem em algum momento da vida nunca sentiu o que expressa essa música?

A atualidade de "Desordem", dos Titãs

2016-05-28T00:37:00.001-03:00

Dia desses, fazendo minha "viagem" diária para o trabalho, ouvi pelo rádio (sim, eu ainda ouço rádio!) a música "Desordem", dos Titãs, algo que não ocorria há muito tempo, até porque essa música hoje não é das mais executadas da banda. Foi então que me dei conta da surpreendente atualidade de "Desordem".

A faixa, que integra o álbum Jesus não tem dentes no país dos banguelas, de 1987, revela problemas sociais do Brasil que são absurdamente comuns ainda hoje, quase trinta anos após o lançamento do disco dos paulistas - fugas de prisões, brigas de torcidas, preços nas alturas, população em conflito com a polícia, etc. A canção segue ainda questionando a própria ideia de justiça (mas também a quem tenta fazer justiça com as próprias mãos), além de criticar aqueles que acreditam em um "país do futuro":

"O que mais pode acontecer
Num país pobre e miserável?
E ainda pode se encontrar
Quem acredite no futuro"

E, considerando a parte final da letra, é impossível ouvir os seguintes versos e não pensar no nosso atual momento político:

"É seu dever manter a ordem,
É seu dever de cidadão,
Mas o que é criar desordem,
Quem é que diz o que é ou não?
São sempre os mesmos governantes,
Os mesmos que lucraram antes,
Os sindicatos fazem greve
Porque ninguém é consultado
Pois tudo tem que virar óleo
Pra por na máquina do estado.

Quem quer manter a ordem?
Quem quer criar desordem?"

Em um país em que o PMDB consegue emplacar o terceiro presidente sem eleições somente no período da chamada Nova República, como com apropriado sarcasmo observou o pessoal do Sensacionalista, e em que o positivismo (paradigma do final do século XIX, início do XX, e que foi uma das bases teóricas dos proclamadores da República, como Benjamin Constant) parece tentar ser retomado (?!) pelo presidente interino, através da logomarca a ser utilizada em seu governo, o questionamento dos Titãs faz todo o sentido. Afinal, no Brasil de hoje (ou de sempre?) "Quem quer manter a ordem?/ Quem quer criar desordem?".

Nesse feriadão, em que tenho tanta coisa pra estudar, não pude resistir e tive de ouvir uns discos dos Titãs - principalmente este Jesus não tem dentes no país dos banguelas e seu antecessor, Cabeça dinossauro, de 1986, que revelam uma forte influência punk, que muito me agrada. Dois álbuns que considero, aliás, extremamente necessários àqueles que gostam de música e aos historiadores.

Dez anos de Life on Mars!

2016-05-22T11:20:00.001-03:00

É incrível, mas Life on Mars está completando dez anos em 2016! Sem dúvida, essa é a minha série favorita. Um drama policial que foge dos lugares-comuns ao misturar aos casos investigados um enredo de ficção científica/especulativa e uma boa dose de comédia. E este foi o seriado que me fez abrir os olhos para a produção televisiva do Reino Unido - hoje, praticamente todas as séries que vejo são britânicas.

A série, que tem apenas duas temporadas com oito episódios cada, foi exibida pela BBC One entre 2006 e 2007. No Brasil, chegou a figurar na grade de canais como o Film&Arts e o Multishow e até o ano passado parece que constava no catálogo da Netflix, mas acabou sendo retirada. Mas é possível encontrá-la à venda em DVD e Blu-ray (além, é claro, de torrents e sites de download).

Em Life on Mars, acompanhamos o drama do detetive Sam Tyler, que sofre um atropelamento e, ao recobrar os sentidos, descobre que foi parar misteriosamente no ano de 1973. Na abertura dos episódios, que você pode conferir no player abaixo, temos uma espécie de monólogo, em que Sam nos fornece as primeiras chaves interpretativas da trama: "Meu nome é Sam Tyler. Eu sofri um acidente e acordei em 1973. Estou louco, em coma ou voltei no tempo? Seja lá o que tenha acontecido, é como se eu tivesse pousado em um outro planeta. Talvez se eu descobrir a razão de estar aqui possa voltar para casa."

A trilha sonora de Life on Mars é ótima - afinal a trama tem como cenário a Manchester de 1973. Há uma forte presença do glam rock, estilo que tinha grande força nesse período, com músicas de T. Rex, Roxy Music, Sweet, do próprio Bowie, entre outros. Mas Wings, The Who, Pink Floyd, Elton John, Nina Simone, Uriah Heep, Thin Lizzy, Electric Light Orchestra (ELO), entre vários outros nomes, têm canções suas na série.

E os episódios são cheios de referências à obra David Bowie - do título do programa e das canções executadas ("Life on Mars?", "Starman", "The Jean Genie", "Changes", etc.), a elementos mais pontuais, por exemplo, o apelido de Gene Hunt, "Gene Genie", que brinca com a música "The Jean Genie". Mas a série mantém intertextualidade com outras obras, sobretudo com o filme O mágico de Oz.

Gene Hunt, interpretado por Philip Glenister, é um daqueles personagens inesquecíveis das séries. É impossível pensar em Life on Mars e não se lembrar das loucuras de Hunt. Desbocado, preconceituoso, mandão, beberrão, dirigindo feito louco, com métodos um tanto duvidosos e um senso bastante "próprio" de justiça ("eu sou a lei", ele chega a dizer), o chefe de polícia de Manchester é uma figuraça! Os atores Philip Glenister e John Simm, amigos fora das telas, têm uma longa pareceria em séries da tv britânica (State of Play, Mad Dogs, Prey, etc.) e é notável o entrosamento dos dois em Life on Mars.

A série é tão interessante que chegou a ganhar remakes nos Estados Unidos, Espanha e até na Rússia! Além disso, gerou uma série derivada, Ashes to Ashes, na própria BBC.

Enfim, recomendo Life on Mars a todxs!

O caso dos dez negrinhos ou E não sobrou nenhum, de Agatha Christie

2016-04-22T02:07:00.001-03:00

Como disse anteriormente, apesar de gostar do gênero policial, nunca tive muita familiaridade com a obra de Agatha Christie. Porém, ao saber da adaptação televisiva de O caso dos dez negrinhos (ou E não sobrou nenhum) exibida pelo canal BBC One no fim de 2015, fiquei bastante empolgada pelos trailers e imagens divulgados. Por isso, decidi ler o livro de Christie antes de assistir à minissérie. Uma boa escolha, que me permitiu aproveitar bastante das duas obras.

Dez estranhos confinados em uma ilha

Em O caso dos dez negrinhos, somos apresentados a um grupo de dez pessoas, que não se conhecem e aparentemente não têm nenhuma ligação entre si (com exceção dos empregados, o casal Thomas e Ethel Rogers), que recebem convites de um casal de sobrenome Owen para passarem alguns dias em sua luxuosa casa em uma ilha na costa de Devon, no Reino Unido. Como a tal Ilha do Negro era alvo de especulação por parte dos jornais, que chegavam a cogitar que pertencia a uma estrela de cinema ou a outra pessoa muito rica, os convidados (a não ser Blore e Lombard), apesar de não conhecerem pessoalmente os Owen, não apenas não desconfiam de nenhuma intenção sinistra como ficam até lisonjeados e aceitam ir para o passeio.

É no caminho para a ilha que conhecemos os personagens e notamos alguns elementos de suas personalidades. Em um trem em direção da estação de Oakbridge viaja o velho juiz Wargrave, em um vagão de fumar da primeira classe; em um mesmo vagão na terceira classe, iam a professora Vera Claytorne, que fora contratada pelos Owen como secretária, e o capitão Philip Lombard (que, logo descobriremos, não era exatamente um militar); em um outro vagão de terceira classe, para não fumantes, estava a religiosa de meia-idade Emily Brent. Em outro trem, do qual teria de descer para fazer baldeação em Exeter, ia o general do Exército McArthur. Estes, ao se encontrarem na estação de Oakbridge, foram levados em carros de aluguel para Sticklehaven, a localidade onde tomariam o barco que os levaria à Ilha do Negro. O Dr. Armstrong e o jovem rico Anthony Marston iam para o porto em seus carros.

Outro convidado, o Sr. Blore, viajava em outro trem, vindo de Plymouth. Curiosamente, Blore tinha informações sobre todos os convidados em seu caderno de notas. Mas o leitor atento logo perceberá não é como Blore que se apresenta para o pessoal em Sticklehaven, mas sim como Sr. Davis - o que será explicado mais tarde. Philip Lombard também não havia recebido exatamente um convite como os outros. Na verdade, fora contrato por Isaac Morris, em nome do tal Sr. Owen, pela considerável quantia de cem guinéus, para estar à disposição do anfitrião na ilha. "O meu cliente conhece a sua reputação como homem prestante em situações perigosas", diz Morris a Lombard, e o tom da conversa nos deixa perceber que poderia haver complicações na estadia na Ilha do Negro.

Os convidados são levados à ilha. Imagem da recente adaptação feita pela BBC.

O marinheiro Fred Narracot leva de lancha os oito convidados para a ilha. Lá chegando, contudo, eles não encontram seus anfitriões, o casal Owen, mas apenas o casal Rogers, que também ainda não tivera a oportunidade de conhecer seus patrões. Narracot, que também fora contratado por Isaac Morris, não pode deixar de estranhar a situação:

O tal Sr. Owen devia ser um cavalheiro de tipo muito diferente. Era engraçado, pensou Fred, que ainda não tivesse posto os olhos em Owen... ou em sua senhora, tampouco. O homem ainda não viera nem uma só vez à aldeia. Tudo fora encomendado e pago por aquele Sr. Morris. As instruções eram sempre muito claras e o pagamento pronto, mas, assim mesmo, aquilo era esquisito. Os jornais descreviam Owen como um homem algo misterioso. Narracott concordava com os jornais. (Cap. II, parte III).*

Algumas peculiaridades chamam a atenção na mansão: no quarto de cada hóspede, há um quadro que contém uma cantiga infantil que conta a história dos "dez negrinhos" ("Dez negrinhos vão jantar enquanto não chove...") e no centro da mesa de jantar estão dispostas dez pequenas estátuas que também representariam os tais "dez negrinhos" - há que se notar os elementos de racismo presentes na narrativa, conforme discutirei mais adiante. Inicialmente, os convidados acreditam que a cantiga e as estatuetas seriam uma brincadeira dos Owen com o próprio nome da Ilha.

Apesar do caráter insólito da situação, tudo parece correr muito bem. Porém, após o jantar da primeira noite, as coisas tomam um rumo inesperado: de repente, para espanto geral, uma misteriosa gravação é tocada e todos os presentes são acusados de terem cometido assassinatos - o disco tem o sugestivo título de "O canto do cisne". Após um momento de grande indignação e confusão, um dos convidados morre.

A partir daí, um clima de enorme tensão se instala na mansão e todos não tardarão a perceber que estão aprisionados na ilha. Com o passar dos dias, as mortes vão se sucedendo, conforme o que dizem os versos do poema, e as estatuetas vão sumindo, também uma a uma. E o mistério só aumenta. O assassino está ilha, mas quem será? Será que algum dos convidados sobreviverá? Quem são os Owen? As acusações da gravação são verdadeiras? Essas e várias outras perguntas se instalam na mente leitor.

Um romance policial diferente

Publicado originalmente em 1939, quando se iniciava a Segunda Guerra Mundial, O caso dos dez negrinhos é considerado o maior sucesso comercial de Agatha Christie. Já ganhou inúmeras adaptações para o cinema e teatro, creio que até por conta do fato de ser uma narrativa com poucos personagens e locações e do caráter dos diálogos travados, que se prestam à representação. Curiosamente, o livro possui elementos narrativos bastante diferenciados do romance policial típico e de outros romances escritos pela própria autora, principalmente porque os crimes vão ocorrendo à medida em que a trama se desenrola e não temos aqui a figura do detetive. No epílogo do romance, até vemos dois policiais investigando os elementos encontrados na cena do crime, mas estes estão longe de encarnarem detetives típicos da literatura policial, até por não chegarem a uma conclusão sobre o que houve na Ilha do Negro.

Valendo-nos da tipologia do romance policial proposta por Tzvetan Todorov, podemos notar em O caso dos dez negrinhos características do romance de enigma, do romance negro e do romance de suspense, de forma que este livro de Agatha Christie não se encaixa perfeitamente em nenhum dos tipos descritos pelo teórico da literatura.

Em geral, no romance policial clássico (o romance de enigma), quando a narrativa se inicia o crime já ocorreu e o que acompanhamos é a investigação. Para Todorov, há nesse tipo de narrativa duas histórias, a do crime (a primeira história) e a da investigação (a segunda história), de forma que a segunda acaba sendo a história contada no livro, de fato, enquanto a primeira não pode estar diretamente presente. Já no romance noir ou negro, de acordo com Todorov, essas duas histórias se fundem, uma vez que o crime não acontece antes da ação do romance, mas sim coincide com ela. Não há mais espaço para o mistério do romance de enigma, mas a curiosidade e o suspense surgem como formas de prender a atenção do leitor, e a violência se faz mais presente (o próprio detetive não é mais imune aos perigos).

Uma terceira forma de romance policial é a que Todorov chama de romance de suspense e que, segundo o autor, une características do romance de enigma e do romance negro - mantém o mistério do primeiro, mas apenas como ponto de partida para a ação que se desenvolve no presente e que ocupa espaço central no livro, como no noir. Existiriam dois subtipos dessa forma de romance policial, o do "detetive vulnerável" e a "história do suspeito-detetive".

O caso dos dez negrinhos possui uma estrutura simétrica (as mortes que ocorrem conforme os versos da cantiga), comum no romance de enigma, além do mistério, do suspense e da violência, que ocorrem nos romances negros e de suspense. Mas possui certas características que não permitem enquadrá-lo em nenhum dos três subgêneros descritos por Todorov. Além de não possuir um detetive, a narrativa de Christie apresenta a separação entre as duas histórias, mas não da forma típica do romance de enigma: é a história do crime a principal do livro, enquanto a da investigação ocupa um espaço pequeno e subalterno, no epílogo.

Aliás, tal investigação não apresenta a solução para o mistério. E mais: o epílogo é duplo, além da parte da investigação feita pela Scotland Yard, traz em sua segunda parte uma carta, essa sim com a resolução do caso. A inserção desse manuscrito ao final da narrativa é um recurso interessante, não só pela presença do gênero epistolar dentro de um romance, mas por seu próprio conteúdo, que subverte as "regras" do gênero policial.

Agatha Christie e a polêmica em torno do politicamente correto

O caso dos dez negrinhos tem como base uma popular canção infantil britânica, com notório caráter racista e de violência. Ao que parece, havia algumas outras versões dessa cantiga e ela chegou também a ser utilizada em livros infantis, no século XIX e no início do século XX. Seja como for, ainda que o objetivo aparentemente seja o de ensinar as crianças a contarem até 10, o que essas diferentes versões da canção revelam é que os "negrinhos" são sempre "eliminados" um a um, em geral, de forma agressiva. Acredito que assim como nossas cantigas infantis, que nos últimos anos têm sido revistas, essa canção também não tenha resistido ao tempo. Provavelmente, foi fruto da mentalidade colonialista e escravista e, considerando essa passagem do século XIX para o XX, das teorias raciais e do imperialismo.

Mas o conteúdo de caráter racista é perceptível também na própria narrativa de Agatha Christie. É assim que na percepção sobre a Ilha do Negro que têm Blore e Vera, conforme os trechos abaixo:

Ilha do Negro. Lembrava-se de tê-la visitado em menino... Um rochedo malcheiroso, coberto de gaivotas, a cerca de uma milha da costa. Recebera esse nome por causa da semelhança com uma cabeça de homem — um homem de lábios negróides. (Cap. I, parte VIII).

Fizera dela uma idéia diferente, próxima da costa e coroada por uma bela casa branca. Mas não se via casa alguma: apenas a silhueta abrupta do rochedo, que lembrava vagamente uma gigantesca cabeça de negro. Seu aspecto era um tanto sinistro. Vera teve um leve estremecimento. (Cap. II, parte II).

Nos Estados Unidos, o título do livro causou desde sempre mal-estar, por conta da conotação negativa do termo niggers, e foi por um tempo substituído por Ten Little Indians (como se isso fosse menos preconceituoso...) e mais tarde por And Then There Were None, título que tem sido adotado até hoje. No Brasil, o livro teve várias edições e traduções e é possível encontrá-lo com nomes como Convite para a morte, O vingador invisível e, mais recentemente, E não sobrou nenhum (que é um grande spoiler, por sinal). A tradução que li foi a feita por Leonel Vallandro, publicada pela editora Globo, em uma versão que encontrei digitalizada na internet. Nas novas edições da obra, a Ilha do Negro passou a ser Ilha do Soldado e os negrinhos agora são soldadinhos.

Mas, de acordo com Alfredo Monte, a patrulha do politicamente correto não foi totalmente eficaz. Na nova tradução brasileira, feita por Renato Marques, com o título de E não sobrou nenhum, segundo o crítico literário, o tratamento preconceituoso dispensado a Isaac Morris, personagem de origem judaica, permanece. Na edição que li, por exemplo, é possível ver Morris descrito como "judeuzinho", "tipinho oleoso", "sujeitinho", de "espessos lábios semíticos". O estereótipo do judeu envolvido em negociatas também aparece em vários trechos do livro, como nas impressões de Lombard citadas abaixo:

Desconfiava, porém, que o judeuzinho não se deixara enganar. Isso é o que há de pior quando se trata com judeus... Impossível enganá-los em questões de dinheiro: eles sempre sabem. (Cap. I, parte III, grifo da autora).

Por outro lado, não pode passar despercebida a descrição positivada de Anthony Marston como um "deus escandinavo", em um momento histórico de ascensão do nazismo.

Outro ponto que chama a atenção é a questão de gênero. Monte lembra que em determinado ponto da narrativa, quando os criados morrem, são as mulheres restantes, Emily Brent e Vera Claythorne, que assumem as atividades domésticas da casa. Observo ainda dois outros pontos: a forma depreciativa como Emily Brent se refere à jovem que cuidava, Beatrice Taylor, que, ao que tudo indica, engravidou; o Dr. Armstrong, como famoso médico de senhoras que sofrem "dos nervos" (há indícios de que praticava cirurgias ginecológicas em mulheres "histéricas", o que teria vitimado uma de suas pacientes) e o fato de este dar tapas no rosto de Vera para "acalmá-la", o que todos consideram uma atitude normal.

E um dos aspectos que mais me impressionou (negativamente, é claro) na leitura do livro - e que não sei como ficou após as alterações das últimas edições, já que não tive a oportunidade ainda de confrontar as diferentes versões - é a forma como as populações africanas são descritas. Os africanos não tratados como pessoas, de fato, são considerados inferiores, sub-humanos - são tidos como "apenas nativos", como diz Vera.

Após ouvirem as acusações do disco, todos os presentes negam terem cometido tais crimes, menos Philip Lombard, acusado de ser responsável pela morte de vinte e um homens, pertencentes a uma etnia da África Oriental, em 1932. O modo como Lombard - que, provavelmente, atuou como mercenário na África - e depois Vera se referem a essas pessoas revela novamente uma visão racista e imperialista:

Lombard tomou a palavra. Seus olhos brilhavam maliciosamente.
— A respeito desses nativos...
— Sim, que diz sobre eles? — atalhou Marston. Philip Lombard sorriu.
— A história é perfeitamente verdadeira. Abandonei os pobres diabos. Instinto de conservação. Estávamos perdidos no mato. Eu e mais um par de sujeitos apanhamos todos os alimentos que havia e nos raspamos.
O Gen. Macarthur interpelou-o severamente:
— O senhor abandonou os seus homens?... Deixou-os morrer de fome?
— Receio que não seja um gesto muito nobre — disse Lombard —, mas a autoconservação é o primeiro dever de um homem. E, como sabe, os nativos não se importam de morrer. Eles não pensam como os europeus a esse respeito.
Vera retirou as mãos do rosto e disse, encarando-o:
— O senhor deixou que eles... morressem? Lombard respondeu:
— Deixei que morressem.
Seus olhos irônicos fitavam os olhos horrorizados da moça. [...] (Cap. IV, parte II, grifo da autora).

— Ah! agora entendo. Bem, há esse tal Sr. Lombard. Ele admite que abandonou vinte homens à morte.
— Eram apenas nativos... — disse Vera.
— Brancos ou pretos, ele são nossos irmãos — retrucou duramente Emily Brent.
"Nossos irmãos pretos... nossos irmãos pretos", pensou Vera. "Oh! que vontade de rir! Estou ficando histérica. Não sou mais a mesma..." (Cap. VII, parte I).

Por conta de todas essas questões devemos deixar de lado esse livro de Agatha Christie? Claro que não! Pessoalmente, não concordo com nenhum tipo de censura a uma obra literária ou de qualquer outro tipo. Creio devemos considerar livros e autores dentro de seu contexto histórico. Agatha Christie foi uma mulher de seu tempo e devemos encará-la como tal, para não corrermos o risco de cometer anacronismos. Além disso, como bem observa Alfredo Monte, o "vingador" do romance não se importa com gênero, classe social ou raça/etnia - é implacável com todos os que atravessam o seu caminho.

Em vez de cortes ou substituições, sou a favor de que o texto original seja preservado, conforme a vontade do autor, mas que seja acompanhado de notas explicativas, prefácios, posfácios e outros recursos, elaborados por estudiosos da obra do autor, críticos literários, historiadores, entre outros, esclarecendo pontos como esses, a respeito da visão de mundo da época em que a narrativa foi composta. A Companhia das Letras adotou esta postura ao editar no Brasil as obras do belga Hergé - é famosa a controvérsia envolvendo a aventura de Tintim na antiga colônia do Congo Belga, hoje República Democrática do Congo, entre outras situações.

Em termos de construção da narrativa, O caso dos dez negrinhos é uma obra interessantíssima e que tem influenciado diversos autores na literatura, teatro e cinema. Na minha opinião, crime mesmo é alterar algo sem a concordância do escritor ou impedir o acesso à dada obra.

REFERÊNCIAS:

CHRISTIE, Agatha. O caso dos dez negrinhos. Tradução de Leonel Vallandro. 15. ed. Porto Alegre: Globo, 1983.
MONTE, Alfredo. O grotesco e o arabesco do politicamente correto: o assassinato dos dez negrinhos. In: Monte de Leituras: blog do Alfredo Monte. Disponível em: <https://armonte.wordpress.com/2011/05/31/o-grotesco-e-o-arabesco-do-politicamente-correto-o-assassinato-dos-dez-negrinhos/>. Acesso em: 21 abr. 2016.
TODOROV, Tzvetan. Tipologia do romance policial. In: As estruturas narrativas. 5. ed. São Paulo: Perspectiva, 2008. (Série Debates).

* Obs.: Optei por não adicionar os números das páginas nas referências aos trechos citados, pois a versão do livro que li foi digitalizada e, provavelmente, a organização das páginas não coincide com o original impresso. Por isso, indico os capítulos e as partes em que se localizam os trechos.

A segunda temporada de Being Human: tensão em dobro

2016-03-31T11:52:00.001-03:00

Após uma primeira temporada bem cativante, que nos apresentou o trio de protagonistas Mitchell (Aidan Turner), Annie (Lenora Crichlow) e George (Russell Tovey), Being Human retornou com um maior número de episódios (agora oito) e elevando a tensão e o drama a pontos até então não vistos na série.

Nessa segunda temporada, que considero a melhor entre todas, Being Human dá uma maior ênfase aos elementos sobrenaturais e também à crítica social. A série criada por Toby Withouse conseguiu assumir contornos mais épicos e adquiriu um tom mais sombrio, sem perder, contudo, a qualidade demonstrada em seu primeiro ano.

Menos risos, mas mais reviravoltas, sustos e... sangue!

* O comentário abaixo contém spoilers. Recomendo assistir aos episódios antes de ler.

Ao final da primeira temporada de Being Human alguns fatos importantes ocorreram e eles terão desdobramentos nessa nova temporada: Annie se recusou atravessar a sua porta (isto é, sua passagem para o Além), ao ver Mitchell em perigo; Mitchell, decepcionado com a humanidade, decide se reintegrar à sociedade vampiresca, mas seu reencontro com Josie o faz repensar sua decisão; George, na transformação em que estraçalhou Herrick, acabou ferindo Nina; e Owen, surtado com tudo o que viu/ouviu, procurou a polícia e contou sua história a um homem misterioso.

Com a morte de Herrick, os vampiros de Bristol ficam descontrolados, atacando aleatoriamente, e o pessoal que ajudava a encobrir os crimes, como o médico legista do hospital da cidade e o chefe de polícia, agora sem a contrapartida de um líder dos vampiros, também estão desorientados, sem saber como proceder. O problema é que as mortes cometidas pelos vampiros, que agora não são mais escondidas, começam a chamar a atenção da imprensa e da opinião pública, colocando o segredo da vampirada em perigo. Para piorar, no hospital, uma nova médica, Lucy, também desconfia que há algo errado com algumas mortes e o legista vislumbra a possibilidade de abandonar o esquema, agora que Herrick não está no comando.

Diante dessa situação caótica, após muito relutar, John Mitchell decide tomar para si a missão de botar ordem no coreto. Entra em contato com autoridades de Bristol, a fim de continuar o esquema, mas não quer levar adiante o plano de Herrick de recrutar o máximo de vampiros possível e dominar o mundo.

Na verdade, Mitchell pretende seguir o caminho inverso: monta uma espécie de "A. A." dos vampiros, um grupo de ajuda para os que, como ele, estão largando o vício em sangue, querem ficar "limpos". Para apoiá-lo em sua tarefa, Mitchell conta com a ajuda de Ivan, um dos "Old Ones" (os lendários vampiros mais antigos), o que legitimaria mais o seu intento, dado o respeito que todos têm por Ivan - embora tudo seja de fachada.

No fundo, todas as ações de Mitchell à frente da sociedade de vampiros não passam de jogadas políticas. Afinal, nem tudo são flores: para ser um líder, Mitchell, por mais que tenha boas intenções, será obrigado a fazer coisas desagradáveis e cruéis. Trata-se do questionamento feito por Maquiavel em O Príncipe: para um líder, é melhor ser temido ou ser amado? Bem, para o pensador italiano, "A resposta é de que seria necessário ser uma coisa e outra; mas, como é difícil reuni-las, em tendo que faltar uma das duas é muito mais seguro ser temido do que amado". No decorrer dos episódios, Mitchell não tardará a perceber isso.

Depois de acabar com Herrick, George torna-se uma "celebridade" entre as criaturas sobrenaturais locais, atraindo especialmente a atenção do casal de vampiros Ivan e Daisy (sobretudo desta, que fica encantada com o lobo). Mas ele ainda tem outros problemas. Nina realmente foi infectada pela maldição da licantropia e se transforma em lobisomem. Mas ela não consegue lidar bem com sua nova condição e George acaba se sentindo culpado. A relação amorosa dos dois fica abalada e eles decidem se afastar por um tempo.

Nina, bastante fragilizada, acaba sendo comprada pelo discurso salvacionista de Kemp e Jaggat, que prometem "curá-la". George, por sua vez, decide reconstruir sua vida como uma pessoa comum, procurando conter o lobo, arrumando um emprego melhor e indo morar com sua nova namorada, Sam.

Já Annie começa a temporada com problemas "mais normais" que os companheiros. Como agora pode ser vista por todos, ela decide arrumar um emprego no pub da rua onde moram. Aos poucos, as coisas se complicam, já que o pessoal do Purgatório ficou irado com ela por não ter atravessado sua porta no momento apropriado. Assim, algumas mortes bizarras ocorrem perto de Annie, para que ela seja arrastada à força para o Purgatório. Felizmente, Sykes, um fantasma velho de guerra (literalmente), mostra à nossa heroína que é possível ficar na Terra, fugindo das portas, ajudando-a com dicas valiosas.

Nessa temporada, as sequências iniciais são menos filosóficas que as da primeira. Agora, os prólogos são utilizados para explicar acontecimentos do passado, como o histórico dos vampiros de Bristol, o trauma sofrido por Kemp, o encontro de Ivan e Daisy na Segunda Guerra ou Mitchell e Herrick em ação nos anos 1960. Aliás, o quinto episódio é o mais interessante do ponto de vista de recursos narrativos, já que intercala duas temporalidades (1969 e 2010). E a trilha sonora continua sendo um ponto positivo da série - tocar “Lullaby”, do The Cure, logo no primeiro episódio, é até covardia.

Ciência e religião

As relações entre ciência e religião ou o modo como estes dois campos do conhecimento humano lidam com o sobrenatural são temáticas que dominam toda esta temporada. Kemp, que havia aparecido no fim da temporada anterior, configura-se como o grande "vilão" do segundo ano da série. O grupo religioso que comanda auxilia as pesquisas desenvolvidas pelo misterioso Professor Jaggat (cuja identidade só será revelada na segunda metade da temporada, uma das mais importantes reviravoltas da série, por sinal). Em sua teoria, Jaggat descreve a existência de um gene responsável pela maldade humana. Tal posicionamento foi, é claro, refutado pelo meio científico, mas foi muito bem recebido por um fundamentalista religioso como Kemp.

Assim, as experiências bizarras comandadas por Kemp e Jaggat no CenSSA (The Centre for the Study of Supernatural Activity) chamam bastante a atenção nesses episódios. As cenas da câmara em que os lobisomens são aprisionados durante sua transformação são dignas de um filme de horror tipo A Mosca (The Fly, de 1986), de David Cronenberg - fiquei lembrando da cena do babuíno "invertido" na cabine de Brundle. Jaggat acredita que, aprisionados em uma câmara pressurizada, na qual estivessem isolados das condições naturais que os levariam às transformações (lua e marés), os participantes da pesquisa poderiam enfrentar o fenômeno da lua cheia sem virarem lobisomens. Porém, os experimentos nunca dão certo e vários lobisomens acabam morrendo.

Kemp e Jaggat adotam uma classificação, que continuará sendo utilizada na série nas próximas temporadas, para as criaturas "malignas" que estudam: os vampiros são o chamado "Tipo 1", os fantasmas o "Tipo 2" e os lobisomens o "Tipo 3". Os experimentos do CenSSA delineiam uma importante reflexão sobre a ética na ciência - já que Jaggat sobrepõe os objetivos de sua pesquisa à dignidade e à vida humana. E os dilemas de Jaggat sobre a fé e sobre a maldade lembram os questionamentos da Dra. Shaw em Prometheus.

De quebra, no sexto episódio, ainda ouvimos da boca do reverendo Kemp possíveis fundamentos bíblicos para a existência dos vampiros. Entre eles, Mateus 26,27-28 ("27. Tomou depois o cálice, rendeu graças e deu-lho, dizendo: Bebei dele todos, / 28. porque isto é meu sangue, o sangue da Nova Aliança, derramado por muitos homens em remissão dos pecados.") e João 6,50-58 (mais especificamente no versículo 54: "Quem come a minha carne e bebe o meu sangue tem a vida eterna; e eu o ressuscitarei no último dia.").

Não sou tão conhecedora assim da Bíblia, mas sei que em outras passagens do livro sagrado dos cristãos, especialmente no Gênesis, existe uma condenação àqueles que se alimentam de sangue e que essas passagens do Novo Testamento referenciadas na série expressam, na verdade, o pacto de Jesus firma com a humanidade no episódio da Santa Ceia. Mas que os roteiristas da série pegaram trechos que apresentam bastante similaridade com o vampirismo, isso é inegável. Uma boa sacada, na minha opinião.

Relações perigosas

Being Human tem como ponto forte os relacionamentos entre seus personagens. Nessa segunda temporada, o casal fofo Nina e George ficou estremecido, mas, ao final, conseguiu se reconciliar. Nesse meio tempo, George deu uma “escapada” com Daisy e se envolveu com a colega de trabalho Sam. Infelizmente para Sam as coisas não terminaram muito bem...

Annie, por sua vez, despertou o interesse do patrão Hugh e ficou encantada pelo bonitão Saul, mas isso quase a leva de vez para o Purgatório. De maneira geral, achei algumas situações nas quais Annie se envolveu na temporada mais bobinhas, se comparadas aos problemas enfrentados George e Mitchell. Mas o reencontro com a mãe e a cena em que enfrenta a própria morte foram boas.

Devido ao seu envolvimento com a sociedade dos vampiros, Mitchell se afastou bastante dos amigos Annie e George nesse segundo ano. Acho que essa é a grande diferença em relação à primeira temporada, que tinha bem mais humor, até por conta das situações inusitadas resultantes da convivência em uma mesma casa de um vampiro, um lobisomem e uma fantasma.

Mitchell se apaixona por Lucy, de maneira tão intensa quanto amou Josie no passado - a mesma que salvou a vida do vampiro na primeira temporada e que aqui vemos em um flashback, em que percebemos que ela é a peça-chave na opção de Mitchell pela humanidade. Porém, com Lucy as coisas terão um rumo bastante diferente...

O casal Ivan e Daisy, ele com seu charme de lorde inglês e ela com sua sexualidade aflorada, são um destaque na temporada. Ivan será o braço direito de Mitchell em sua liderança junto aos vampiros e Daisy também terá importante papel em sua vingança contra a humanidade.

A ira de Mitchell

Mitchell é, disparado, meu personagem favorito de toda a série (juro que o fato de ter sido interpretado por Aidan Turner não tem nada a ver com isso, rs). Falando sério, ele é o personagem mais complexo, com mais dilemas morais, o que ama mais furiosamente e também o que é capaz dos atos mais perversos – seria o mais humano? Mitchell é mais um anti-herói que um herói propriamente. Exerce sobre nós aquele mesmo fascínio que Heathcliff, de O morro dos ventos uivantes, ou, ainda, Darth Vader, de Star Wars, pois, mesmo quando percebemos as atrocidades que pode cometer, tendemos a procurar alguma virtude em suas ações.

Ele personifica a luta entre o bem e o mal, entre o que nos torna mais humanos e o que nos torna monstruosos. A morte de Ivan e de vários outros vampiros na B. Edwards e, principalmente, a traição de Lucy, o fazem agir cegamente, deixando-se levar pelo impulso da vingança, sem pensar nas consequências de seus atos. Esse não é um tema novo na literatura ocidental, está presente em uma das grandes epopeias clássicas, A Ilíada, de Homero. Como não enxergar um paralelo entre a retaliação sanguinária de Mitchell e a cólera de Aquiles?

A sequência do massacre no trem é impressionante e, junto com cenas como as dos experimentos de Jaggat e Kemp e das jovens mortas em Londres em 1969, é uma referência aos filmes de terror e horror dos anos 1980. Realmente, os episódios do segundo ano de Being Human conseguem despertar medo, aflição e até mesmo repulsa no espectador, como não acontecia antes - o que é ótimo, na minha opinião.

O que vem por aí?

Como ganchos para a temporada seguinte ficam o destino de Annie, as consequências dos crimes de Mitchell, Nina e George como um casal de lobisomens e, principalmente, a volta de alguém que pensamos que estava bem enterrado. Mas isso é assunto para postagens futuras.

Mais informações sobre Being Human:

Website
BBC
Imdb
Wikipedia

Chris Rock no Oscar 2016: lacrou!

2016-03-06T23:58:00.002-03:00

Muito bom o discurso de Chris Rock na abertura do Oscar 2016! Em sua fala na 88ª edição do evento, que ocorreu no último dia 28 de fevereiro, o ator abordou várias situações em que o racismo se faz presente, não apenas em Hollywood, mas cotidianamente.

Para mim, Chris foi preciso em suas colocações. Irônico e mordaz, utilizou com maestria o espaço da cerimônia do Oscar para se posicionar sobre a ausência de indicações de atores negros, defendendo a necessidade oportunidades iguais para todos.

O comediante aproveitou a deixa para alfinetar o casal Jada e Will Smith, que optou por boicotar o evento. Rock disse entender que Will estivesse chateado por não ter sido indicado por sua atuação em Um homem entre gigantes. Isso não foi justo, prosseguiu o apresentador, mas também não se pode dizer que foi justo Will receber milhões de dólares por ter feito uma bomba como As loucas aventuras de James West. Com Jada, Chris Rock pegou ainda mais pesado, ao dizer que você não pode boicotar algo para o qual não foi convidado, referindo-se à pouca expressividade da carreira da atriz no cinema. Pessoalmente, até acho que esse ataque à Jada Pinkett Smith foi um tanto desnecessário, mas entendo que o objetivo de Chris foi o de ironizar o estrelismo do casal Smith e relativizar o quão representativos dos atores negros eles são.

Li pessoas comentando em blogs e sites que Chris minimizou a luta do movimento negro, que estava lá para divertir brancos. Mas não enxerguei isso. O que vi foi um público majoritariamente branco que em muitas partes do discurso não sabia como se portar, se ria ou não dos comentários ácidos de Chris Rock. Isso ficou muito claro quando o mestre de cerimônia disse: "Este ano as coisas vão ser um pouco diferentes no Oscar. Na parte do In Memoriam vão mostrar pessoas negras que foram baleadas por policiais a caminho do cinema".

Como bem observou Cidinha da Silva, Chris arrancou "risinhos amarelos" de uma plateia visivelmente desconfortável, "não houve ali um negro divertindo os brancos". Creio que há tanto sarcasmo no humor do comediante (quem já o viu fazendo stand up sabe), que muitas vezes as pessoas não percebem a crítica que existe em suas colocações. É o caso do trecho em que falou sobre as categorias para atuação: já que existem categorias para homens e mulheres, por que não serem criadas categorias para atores negros, questionou, ironizando os papeis abordam o negro de forma estereotipada (como "melhor amigo negro"). Assim, Chris Rock também pontuou em seu discurso a questão de gênero e o sexismo.

O momento que considerei mais certeiro de sua fala foi o seguinte: "A grande questão é: por que estamos protestando? Por que nesse Oscar? É a 88ª edição do prêmio. Quer dizer que essa coisa toda de não indicarem negros aconteceu pelo menos outras 71 vezes. Você imagina que poderia ter acontecido nos anos 50, nos 60... e tenho certeza de que não houve indicações. Sabe por quê? Porque nós tínhamos coisas de verdade para protestar contra naquela época. Estávamos ocupados demais sendo estuprados e linchados para se importar com quem venceu [na categoria] melhor direção de fotografia. Quando a sua avó está enforcada em uma árvore, é realmente difícil pensar em quem venceu o melhor curta-metragem de documentário estrangeiro."

Rock concluiu a abertura do Oscar de forma brilhante: "Bem-vindos ao 88º Oscar! Vocês querem diversidade? Nós temos diversidade. Por favor deem as boas vindas para Emily Blunt e alguém mais branca ainda, Charlize Theron."

No player de vídeo abaixo, é possível conferir o discurso de abertura de Chris Rock, legendado pelo grupo do Facebook Fã Depressão BR. Outros momentos importantes do Oscar 2016 foram a premiação de melhor figurino para Jenny Beavan (por Mad Max: Estrada da Fúria) e a homenagem de Lady Gaga às mulheres vítimas de estupro.

Para ler algumas interessantes análises sobre acontecimentos dessa 88ª edição do Oscar, confira os textos abaixo:

- Diário do Centro do Mundo: Chris Rock e o riso amarelo da plateia branca do Oscar - por Cidinha da Silva;

- El País: Tolerância de ficção. A alarmante hipocrisia do Oscar - por Enrique Alpañés;

- Brasil Post: Lady Gaga homenageou todas as mulheres estupradas - por Nathalí Macedo;
- Brasil Post: Quando uma jaqueta de couro fala mais alto que um Oscar - por Nadia Schmidt;

- UOL: "O que a gente quer é oportunidade"; leia o monólogo de Chris Rock no Oscar.

Das nossas escolhas e afinidades literárias: algumas considerações sobre o romance policial

2016-02-14T23:28:00.000-02:00

Eu gosto de romances policiais, mas, curiosamente, não li tantos assim. É que os autores deste gênero costumam escrever séries de livros, com um mesmo detetive aparecendo em várias histórias, e realmente nunca tive disposição para acompanhar essas publicações seriadas. Porém, percebo que a literatura policial é muito presente em minhas escolhas literárias (além das cinematográficas e televisivas).

C. Auguste Dupin, de Edgar Allan Poe, é, disparado, meu detetive favorito. Os três contos em que aparece - "Assassinatos na Rua Morgue", "O Mistério de Marie Rogêt" e "A carta roubada" - são ótimos. E, a bem da verdade, eu gosto muito de Poe, adoro ler suas narrativas. O que dizer de contos como "O gato preto", "A queda da casa de Usher" e "O coração delator", senão que são esplêndidos? Adoro esse recurso ao elemento sobrenatural, o caráter "fantástico-estranho" de seus textos, conforme sublinhou Tzvetan Todorov sobre a história de Roderick Usher. Enfim, a obra de Poe me fascina.

Também gosto de Sherlock Holmes, de Arthur Conan Doyle, mas só li Um estudo em vermelho e alguns contos do detetive. E existem dois livros de "detetives" não tão conhecidos assim que eu gostei bastante de ler na adolescência: Mr. Moto pede desculpas, de John P. Marquand e O escudo de Gideon, de J. J. Marric (pseudônimo do escritor inglês John Creasey). Na verdade, Mr. Moto é mais que um detetive, é também um espião ou agente secreto japonês muito perspicaz, um personagem misterioso típico do período entre guerras. Já George Gideon (ou, para os íntimos, G. G.), é um investigador da Scotland Yard. Gosto tanto desse livro com Gideon que lembro de já o ter lido outras vezes depois - toda aquela ambientação da Londres dos anos 1960 é muito convidativa.

O norte-americano Mark Twain também flertou com o gênero. Uma novela sua, descoberta tardiamente, Um assassinato, um mistério e um casamento, apesar de não trazer a figura do detetive, tem várias características da literatura policial - no Brasil, foi traduzida por Ana Maria Machado, publicada pela editora Objetiva em 2001 e chegou a integrar a coleção Literatura em minha casa, distribuída nas escolas públicas brasileiras há alguns anos (foi assim, aliás, que consegui meu exemplar, devidamente guardado até hoje).

Há, é claro, A sangue frio, de Truman Capote, que é um dos meus livros favoritos, que não se enquadra bem no gênero policial conforme descrito por Todorov - diz-se que é um "romance de não ficção" -, mas trata de um crime brutal, seu planejamento, execução, a prisão dos responsáveis. Enfim, inegavelmente tem em si um forte componente policial.

Tzvetan Todorov, no clássico ensaio "Tipologia do romance policial", demonstra as diferenças entre o que seria a "grande arte", a literatura de fato, que não se encaixa perfeitamente em gêneros literários, e a literatura "popular", em que uma obra é melhor construída tanto mais esteja adequada às "regras" de seu gênero. Segundo o teórico, "O romance policial tem suas normas; fazer 'melhor' do que elas pedem é, ao mesmo tempo fazer 'pior': quem quer 'embelezar' o romance policial faz 'literatura', não romance policial" (TODOROV, 2008, p. 95).

Assim, considerado literatura de massa, o romance policial não é o tipo de livro muito apreciado na universidade. No entanto, autores como Rubem Fonseca e Dalton Trevisan, que se filiam à literatura policial, dada a qualidade de sua obra, são referências incontornáveis da literatura brasileira do século XX. E foi no primeiro período de Letras, na disciplina de Teoria Literária I, que conheci Dupin, ao ler "A carta roubada". Desta forma, ainda que a contribuição de Todorov seja fundamental para compreendermos a literatura policial, penso que hoje podemos relativizar um pouco essa questão da "literatura de massa x literatura". Acho que é o caso, ainda, de refletirmos sobre a "reprodutibilidade técnica", abordada por Benjamin, na atualidade, com essa forte presença da internet em nossas vidas.

Voltando à literatura policial, da "Rainha" ou "Dama do Crime", Agatha Christie, eu só havia lido O assassinato no Expresso Oriente, há alguns anos. É interessante, mas não considerei nada especial na altura. Já tentei ler Um corpo na biblioteca, mas acabei abandonando, achei chatinho na época... Talvez eu volte a lê-lo um dia. Mas O caso dos dez negrinhos, livro da autora que li recentemente, realmente é diferente. Embora seja dos anos 1930, auge do chamado romance de enigma, esse livro me parece um ponto fora da curva na obra da própria Agatha (para começar, não tem um detetive) e não se encaixa nos tipos propostos por Todorov (na verdade, tem características do romance de enigma, do romance negro, do romance de suspense e talvez ainda mais). Pretendo postar em breve um comentário sobre essa obra de Christie aqui no blog.

Posso dizer que as histórias policiais sempre, de alguma forma, fizeram parte do meu percurso literário. Talvez me interesse o mistério e a investigação, a busca pela "verdade". Mas também me encanta perceber por meio dessas narrativas do que o ser humano é capaz (sejam coisas tidas como boas ou como ruins): George Gideon e sua harmoniosa vida em família, os dilemas de Perry Smith em A sangue frio ou Vera Claythorne e sua desmesurada paixão por Hugo em O caso dos dez negrinhos.

Meu próximo passo é conhecer o Abílio Quaresma de Fernando Pessoa. Sim, descobri que Pessoa, não bastasse todas as coisas maravilhosas que escreveu, também criou seu detetive e essas narrativas têm sido reunidas e publicadas nos últimos anos em Portugal. Aí está, minha nova busca literária.

Gente como a gente: os dilemas dos personagens de Being Human

2016-02-09T19:42:00.001-02:00

Um vampiro, uma fantasma e um lobisomem são amigos e moram juntos em uma casa na cidade de Bristol, tentando levar uma "vida" normal. Sei que esse resumo em uma única frase pode parecer um tanto absurdo, mas é precisamente disso que trata a série britânica Being Human.

Unindo de forma bastante peculiar o drama e a comédia aos elementos sobrenaturais, a série criada por Toby Whithouse oferece uma abordagem original de temas já bastante explorados pela literatura, pelo cinema e pela televisão. Exibida entre os anos de 2008 e 2013 pelo canal BBC Three, Being Human tem como grande mérito conseguir falar ao público jovem sem soar infantilizada e sem cair na chatice do politicamente correto. Através das desventuras de Mitchell (Aidan Turner), Annie (Lenora Crichlow) e George (Russell Tovey) podemos refletir sobre o que nos torna humanos.

* O comentário abaixo contém spoilers. Recomendo assistir aos episódios antes de ler.

Recentemente, quando fiz minha assinatura do Netflix, a ideia inicial era acabar de ver Narcos e assistir às outras séries exclusivas do serviço, especialmente Demolidor e Orange Is The New Black. Mas eu tenho uma queda por séries britânicas - que, uma pena, não são tantas no Netflix - e estas foram as que eu fui buscar primeiro. Foi então que me apareceu Being Human, sobre a qual já tinha ouvido falar, mas nunca tinha conseguido assistir - obviamente, após ver Poldark, saber da presença de Aidan Turner na série, ainda mais interpretando um vampiro, foi uma grande motivação.

Como nos últimos anos as coisas andam meio estranhas para vampiros, lobisomens e outros seres sobrenaturais na cultura pop, comecei a ver Being Human temendo ser mais um produto para fisgar adolescentes e subestimar nossa inteligência com um discurso moralista e antissexual. Porém, logo percebi que a pegada da série, felizmente, era outra. Basicamente, pode-se dizer que Being Human acerta em tudo o que a saga Crepúsculo erra.

A história começa in medias res, isto é, com os três personagens principais já morando juntos há certo tempo, dada a sua intimidade - até vemos rapidamente a chegada de Mitchell e George na casa na sequência inicial do primeiro episódio, mas como chegaram ali só é explicado no fim da temporada. John Mitchell, o vampiro, e George Sands, o lobisomem, trabalham em um hospital, como faxineiro e maqueiro, respectivamente. Ao se mudarem para Bristol, eles alugaram a casa de Owen (Gregg Chillin). O que descobriram ao chegar lá é que o imóvel não estava vazio: a noiva de Owen, Annie Sawyer, que havia morrido na casa, continuava a habitar o lugar, agora como fantasma. Como também são criaturas sobrenaturais, Mitchell e George conseguem ver Annie.

E as coisas vão se complicando. Em sua convivência com Mitchell e George, Annie parece ganhar um sentido para a sua permanência na Terra e vai se fortalecendo, tornando-se visível para pessoas comuns e podendo destruir objetos (uma poltergeist). George acredita que como seu "problema" é esporádico conseguiria conciliar seu lado humano e seu lado lobo e, então, tentando seguir a vida, começa a namorar Nina (Sinead Keenan), uma enfermeira do hospital. Mitchell, por sua vez, faz a opção de se manter "limpo" e deixar de morder pessoas (ok, nem sempre ele consegue, mas resiste bravamente). Isso, aliado ao fato de viver com um lobisomem, causa a ira da vampirada local.

Se já é difícil conceber como seria para um ser de características fantásticas tentar viver como uma pessoa comum na Inglaterra contemporânea, imagine-se três dessas criaturas convivendo diariamente. Como qualquer pessoa de vinte e poucos anos (certo, Mitchell tem centenas de anos, mas aparenta isso), eles tentam sobreviver na cidade, trabalhando para pagar as contas e dividindo suas angústias. A diferença é que, muitas vezes, nossos heróis se veem obrigados a enfrentar seus semelhantes em prol de sua escolha pela humanidade.

Entre a vida e morte

Being Human em sua primeira temporada, que é a que tomo como referência nesse texto, não apresenta uma abertura. O início de cada um dos seis episódios, porém, traz um recurso narrativo interessante, que é uma espécie de prólogo. Narrado por um dos três personagens principais, o prólogo indica as principais linhas de força do episódio e traz uma reflexão sobre temas que se ligam ao que seria próprio do ser humano, como o amor, o medo da morte, a dor, o desejo de aceitação.

O prólogo do primeiro episódio, narrado por Annie, apresenta os personagens e aborda sua relação com a morte, temática explorada ao longo de toda a série, sob diferentes aspectos. Assim, Annie, que deveria morrer idosa, acabou tendo sua vida interrompida precocemente e, por isso, não conseguiu "partir" de vez, ficando com algo não resolvido que a prende na Terra. Já para Mitchell, que deveria ter falecido como um herói no campo de batalha, mas foi mordido por um vampiro, a morte foi apenas o início de uma vida eterna. George, por sua vez, ao ser atacado por uma fera, deveria ter morrido, mas, sobrevivendo, foi "infectado" pela maldição da licantropia.

Se a condição de Annie e Mitchell é constante em suas existências, é presente em tempo integral (Annie é fantasma todo o tempo, assim como Mitchell não pode deixar de ser vampiro), a de George se manifesta a intervalos (a cada lua cheia) e o faz perder a consciência de seus atos. Por outro lado, Annie e Mitchell estão no plano da eternidade, não envelhecem, enquanto para George o tempo continua a passar. Daí porque George sente uma maior dificuldade em aceitar sua condição - no início, quase que como Dr. Jekyll, ele se refere ao lobisomem como um outro, como se não fosse ele próprio.

Buscando conexões

Outro prólogo bem interessante é o do quarto episódio, narrado por Mitchell e centrado na necessidade de pertencermos a um grupo e de conhecermos a nós mesmos. Mitchell escolheu os humanos, deixou de ser leal aos vampiros, mas ele percebe que em nenhum dos lados há perfeição, pois os humanos também podem ser muito cruéis e destrutivos, julgando e condenando o próximo sem procurar compreendê-lo.

Essa ideia de pertencimento, de estar conectado a algo maior, a uma "tribo", permeia toda a série. É assim que, no segundo episódio, George encontra em Tully, que também é lobisomem, alguém com quem possa partilhar a dor de sua terrível dádiva, e chega a jogar um pouco pra escanteio Annie e Mitchell. Annie também encontra um amigo fantasma, Gilbert (Alex Price), que lhe é apresentado por Mitchell, e passa a sair de casa. Gilbert, morto desde 1985, é um fã de The Smiths, Echo & The Bunnymen e várias outras boas bandas oitentistas e Annie o ajuda a fazer a "passagem" para o outro plano.

Já com Mitchell, a situação parece ser ainda mais complexa. Em sua inserção na comunidade, Mitchell se aproxima do garoto Bernie, o que se desdobrará em um grande mal-entendido e o fará se questionar se vale mesmo a pena se preocupar com as pessoas. Há ainda seu relacionamento conturbado com Lauren (Annabel Scholey), que ele transformou em vampira, e com o grupo de vampiros, liderado por Herrick (Jason Watkins).

Herrick, que vampirizou Mitchell séculos atrás, parece ter com este uma relação quase paternal. Mitchell não compactua com Herrick e os outros vampiros na tentativa de dominar o mundo e o chefe dos vampiros tenta a todo custo levá-lo de volta ao lado negro da força (e quase consegue). É curioso como mesmo sendo um outsider e preferindo o lobisomem e a fantasma em lugar dos seus, Mitchell é respeitado pelos vampiros, que mantêm uma espécie de sociedade secreta, estando infiltrados em diversas instituições, como a polícia.

A necessidade de amar

Na música "How Soon Is Now?", dos Smiths, Morrissey canta "I am human and I need to be loved./ Just like everybody else does". A necessidade humana de amar é um dos principais pontos abordados em Being Human. Como quaisquer outros humanos, nossos entes sobrenaturais favoritos são movidos pelas paixões.

George se apaixona por Nina, mas precisa esconder dela seu segredo. Annie, mesmo morta, continua amando o noivo Owen, até descobrir que ele não é exatamente da forma como se lembrava. E Mitchell se sente culpado pelo que fez a Lauren, mas não consegue amá-la. Uma antiga paixão sua, Josie, reaparece ao final da temporada e o faz refletir sobre o que realmente é importante para ele.

O que virá por aí?

Being Human é tão envolvente que temos vontade de assistir a um episódio atrás do outro. O último episódio deixou vários ganchos para a segunda temporada: como ficará a sociedade dos vampiros? O que acontecerá com Nina e George? O que prende Annie ao plano terreno, mesmo após descobrir a causa de sua morte? Quem é o doutor misterioso que aparece para Owen? E o que mais me intrigou no season finale foi: o que Annie contou a Owen sobre a morte?

Espero que as próximas temporadas mantenham a qualidade dessa primeira. A série inglesa fez tanto sucesso, que logo ganhou um remake nos Estados Unidos, pelo canal SyFy. O detalhe: nos EUA, o nome do vampiro é Aidan, uma clara referência ao ator Aidan Turner. Confira no player abaixo o trailer da primeira temporada de Being Human (UK).

Mais informações:

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BBC
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A primeira temporada de Poldark em 2 minutos e meio

2016-02-07T23:52:00.001-02:00

Em um vídeo divulgado em seu canal no YouTube, a BBC mostra um resumão da primeira temporada de Poldark, tendo como trilha sonora a música "What The Water Gave Me", de Florence + The Machine. É claro que quem não assistiu à série não vai entender os detalhes, mas as cenas selecionadas permitem ter uma ideia geral do que aconteceu na temporada.

E o mais legal é que a canção de Florence, que faz parte do álbum Ceremonials (de 2011), tem muita ligação com a história de Ross Poldark. Confira no player abaixo:

Poldark: uma grata surpresa nestas férias

2016-01-29T22:11:00.000-02:00

O período de férias da faculdade é um ótimo momento para pôr as séries em dia e começar a acompanhar séries novas. Procurando na internet episódios de Emma (série de 2009 da BCC), acabei me deparando com o nome Poldark, que despertou a minha curiosidade. A sinopse da série, cuja primeira temporada foi exibida entre março e abril de 2015 pela BBC One, pareceu-me interessante e resolvi baixar o primeiro episódio. Logo fiquei encantada pela história do capitão Ross Poldark (Aidan Turner, trilogia O Hobbit e Being Human), em seu complicado retorno à Inglaterra após lutar na Guerra de Independência dos Estados Unidos.

A primeira temporada da série tem oito episódios e retrata a década 1780 - uma década crucial para o mundo contemporâneo, por assinalar o início da Revolução Industrial e o fim do Antigo Regime. Baseada na série de romances históricos conhecida como Poldark Novels (são doze livros!) do escritor inglês Winston Graham, Poldark é uma série que vai agradar a quem gosta de aventura, romance e, é claro, história!

* O comentário abaixo contém spoilers. Recomendo assistir aos episódios antes de ler.

A sequência inicial da série nos apresenta Ross Poldark e seu regimento em uma floresta na Virgínia, em 1781, quando são surpreendidos por tropas americanas - ao que tudo indica, essa é uma representação dos conflitos em Yorktown, batalha em que os soldados comandados por George Washington saíram vitoriosos e culminou com a rendição inglesa e, posteriormente, o reconhecimento da independência dos Estados Unidos com o Tratado de Paris (1783).

Apesar de não ser longa, essa cena apresenta elementos interessantes. Enquanto joga cartas com um companheiro e recebe uma reprimenda de seu superior, Ross lembra que só se alistou para fugir da prisão, dadas as confusões em que se envolvia. Para o comandante, era vergonhoso que as tropas fossem compostas de homens como Poldark, vagabundos e ladrões, mas lutar pela nação e pelo rei, ao menos, poderia redimi-los. Ross dá um sorriso sarcástico ao ouvir essa opinião, o que deixa o seu superior furioso. Este questiona se Poldark estava duvidando do quão justa era a causa pela qual a Inglaterra lutava. Como resposta, Ross indaga ao seu comandante sobre que causa afinal seria essa: liberdade ou tirania?

Mas não há tempo para uma nova bronca, já que o grupo é atacado por norte-americanos. Após a luta, vemos Ross Poldark desacordado no campo de batalha. Há, então, um corte e já o vemos dois anos depois, retornando a sua terra natal, Cornwall (Cornualha). Como havia ficado na América por três anos e notícias suas não chegavam à Inglaterra, todos em Cornwall acreditavam que o rapaz estivesse morto.

Seu retorno, então, causa espanto a todos. E logo Ross percebe que as coisas na Inglaterra estão bem diferentes. Descobre que seu pai morreu e o que lhe sobrou de herança é uma propriedade com uma casa praticamente em ruínas, um solo estéril e duas minas abandonadas. Para piorar, Elizabeth (Heida Reed), por quem sempre foi apaixonado e que esperava reencontrar quando retornasse da guerra, estava agora prestes a se casar com seu primo, Francis Poldark (Kyle Soller).

Com seu ressurgimento inesperado, Ross acaba se tornando um estorvo para a família Poldark, já que representa uma ameaça ao casamento de Francis e Elizabeth e também um rival do primo nos negócios e na liderança, digamos assim, do clã. Apenas a prima Verity (Ruby Bentall) fica realmente feliz com a sua volta. Elizabeth, presa às convenções sociais, não consegue desfazer seu noivado com Francis. Sozinho e desamparado, Ross precisará arregaçar as mangas para se reerguer. O que não será fácil, já que suas atitudes, como seu bom relacionamento com os mineiros, desagradam bastante à sociedade de Cornwall.

Embora a guerra não seja muito explorada na série, percebe-se que ela deixou marcas em Ross, que vão além da cicatriz em seu rosto. E as surpresas desagradáveis que teve ao retornar à Inglaterra o tornam um homem mais sério e preocupado com aqueles que o rodeiam. Apesar de desejar Elizabeth, ele não interfere em seu casamento com Francis. E, ainda que tudo conspirasse contra Ross e que sua ruína estivesse a um passo, nosso herói encontra alguém que muda completamente seu destino e será sua grande companheira em seus empreendimentos, a jovem Demelza (Eleanor Tomlinson). Podemos notar ao longo dos episódios que a ruiva, mais do apoiar Ross, faz com que ele consiga amar novamente.

Nobres, burgueses e mineiros: uma sociedade em transformação

O historiador inglês Eric Hobsbawm, em sua análise sobre a Revolução Industrial, considera a década de 1780 como o seu real início, embora inovações técnicas fossem percebidas anteriormente, principalmente desde os anos 1760. O autor observa que a Inglaterra no final do XVIII não tinha um campesinato de fato, como em outras partes da Europa. A maioria dos trabalhadores das áreas rurais já era assalariada. E esse é um aspecto abordado pela série. A classe mais empobrecida na Cornwall de Poldark é a dos mineiros - há agricultores e pescadores também, mas os mineiros surgem como o grupo mais representativo.

No entanto, a mineração, principal atividade econômica da região, dominada pelas famílias tradicionais, tem nesse período muitos altos e baixos - o preço do cobre não estava dos melhores e o investimento em uma mina é alto e arriscado. A Coroa, por vezes, intervém, fechando algumas minas e outras deixam de produzir, o que leva muitos membros dessa nobreza rural à falência. Outros, por outro lado, aproveitam o momento para enriquecer: são os burgueses que fornecem empréstimos aos donos das minas - caso dos Warleggan. E, ainda, de forma paralela, a luta por melhores salários e as revoltas dos mineiros tornam-se constantes.

Não chegamos a ver pequenas manufaturas, fábricas de tecido e nem minas de carvão, pois o cobre é o minério mais cobiçado em Cornwall. Mas ele seria fundamental para uma fase posterior da Revolução Industrial, já que é um ótimo condutor de eletricidade. Além disso, Ross tem a ideia de se associar a outros donos de minas para montarem sua própria fundição e poderem conseguir melhores preços no mercado.

Uma família que acaba se sobrepondo em Cornwall é a dos Warleggan. Antigos ferreiros e comerciantes, eles enriquecem rapidamente com o oferecimento de empréstimos à nobreza falida da região - o que será a ruína dos Poldark de Trenwith. Não se trata ainda do capitalismo financeiro do século XIX, mas os Warleggan são burgueses que ascendem rapidamente, incorporando o patrimônio que as famílias tradicionais vão perdendo. Curiosa é a necessidade aprovação por parte da sociedade que George Warleggan (Jack Farthing) tem - ele sente que os Warleggan, ainda que tenham mais dinheiro, não desfrutam de todos os privilégios que o tradicional nome dos Poldark oferece, ainda que estes estivessem em decadência.

O fato de considerar que não havia mais espaço para o trabalho servil e que todos deveriam receber uma boa remuneração por seus serviços causa atritos entre Ross e os outros donos de minas, inclusive seu primo Francis. Afinal, um salário maior atraía muitos mineiros para a mina de Ross.

E Poldark trabalha junto com seus contratados na extração do minério. Considera-os como amigos e procura sempre ajudá-los, como no caso do jovem casal James e Jinny. Isso, é claro, não é visto com bons olhos pelos mais abastados de Cornwall. Há uma cena interessante em que o tio Charles Poldark observa ao filho Francis que a presença de Ross na mina fazia toda a diferença, explicava por que o sobrinho conseguia prosperar, apesar das dificuldades - afinal, conforme o nosso ditado popular, "é o olho do dono que engorda o boi"...

Ross não é perfeito, tem consciência das diferenças sociais e sabe que muitas vezes ele próprio "não consegue enxergar o que está diante de seu nariz", como diz certa vez a Demelza. Mantém por muito tempo uma relação estritamente de patrão e empregada com Demelza, sendo tratado como o senhor da casa. É claro que com o tempo as coisas vão mudando, mas Ross se esforça por manter essa distância e hierarquia - talvez até para proteger a reputação da moça. O que se percebe é que Ross ocupa uma posição ambígua, pois carrega o nome da importante família Poldark, mas não se identifica com sua classe. E cada vez mais Ross sofre com esses conflitos de classe, especialmente ao ver o tratamento que a justiça de Cornwall dispensa a James e a forma como gente como a desagradável Ruth Teague se refere a Demelza.

O casamento de Ross e Demelza, aliás, é um grande escândalo para a sociedade de Cornwall - como poderia um Poldark casar-se com sua cozinheira? Ou, antes mesmo disso, a acolhida que Ross dá à jovem em sua propriedade gera muitos mexericos, pois a moça tinha família e foi trabalhar para um homem solteiro e se recusou a voltar para a casa do pai - um homem bruto, que a espancava constantemente e sabe-se lá que outro tipo de abusos cometia. Esperta e atenta aos passos do patrão, Demelza passa a acompanhar Ross em suas idas à cidade para fazer negócios e se torna seu braço direito em Nampara, além de sua confidente.

Valente

Demelza com seus revoltos cabelos vermelhos é quase que a versão em carne e osso da Merida de Valente. Ela é tão impulsiva e corajosa quanto a heroína do filme da Pixar. Não está nem aí para os comentários maldosos que a cidade fazia sobre ela e Ross. É espontânea e luta por seu amor - o oposto de Elizabeth. E sua transformação ao longo da temporada é impressionante, mas crível: de moleca espevitada a uma dama da sociedade.

Seu amadurecimento se dá no convívio com Ross, à medida em que sua admiração pelo homem que a salvou vai se transformando em amor. Quando Poldark a defende na cidade e os dois se conhecem, ela está com roupas masculinas; quando Ross finalmente a enxerga como mulher desejável, Demelza está usando o vestido verde que fora de sua mãe.

O cavaleiro andante da Cornualha

As tomadas das paisagens da região de Cornwall - a pontinha sudoeste da Ilha da Grã-Bretanha, mais voltada para o Atlântico - são um dos pontos altos da série, na minha opinião. São lindas as sequências em que vemos Ross cavalgando à beira-mar e Demelza andando nos campos floridos.

Há várias cenas importantes em que Ross "resgata" Demelza em seu cavalo: quando e ajuda na cidade e, a princípio, pretende levá-la para o pai em Luggan, mas acaba por convidá-la para trabalhar com ele; quando vai procurá-la nos campos após brigar com o pai da moça (que se esconde para não ser levada); quando a impede de ir embora e a pede em casamento, entre outras.

E o que é Aidan Turner, não? Encantador e ótimo no papel. Um "incentivo" para que eu continue acompanhando a série.

Concluindo (por ora)...

Assistir aos cinco primeiros episódios de Poldark, sobre os quais me centrei neste texto, foi uma experiência bem interessante, pois eles me lembraram bastante de aulas de História da América, Moderna e Contemporânea que tive na nos últimos semestres na UFRRJ.

Poldark foi realmente um achado. Curioso é que poucos blogs sobre séries no Brasil comentaram algo sobre a série. Espero que a segunda temporada mantenha a qualidade e conquiste mais fãs por aqui. Pretendo acabar de ver a primeira temporada e comentar mais sobre a série em postagens futuras.

Pelo que andei lendo, Poldark é a aposta da BBC para conseguir captar os órfãos de Downtown Abbey, da rival ITV, que está em sua última temporada. Quarenta anos antes, em 1975, a BBC adaptou pela primeira vez a obra de Graham, produzindo uma série de muito sucesso. A escolha por fazer essa nova adaptação de Poldark em 2015 foi também uma homenagem da rede de tv britânica a sua própria história.

Veja abaixo o trailer da série:

Mais informações:
BBC
Imdb
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Meu top 20 musical em 2015

2016-01-17T23:55:00.001-02:00

Em comparação ao seu antecessor, o meu ano de 2015 foi um pouco mais musical. Acho que isso se deve principalmente à minha longa viagem diária (casa - trabalho - faculdade), que me obriga a ficar várias horas dentro de ônibus. Assim, entre os momentos em que admiro a paisagem da Baía de Guanabara (que, sim, tem seus encantos) e me irrito com os engarrafamentos da Avenida Brasil, eu leio, estudo, durmo e, é claro, escuto música.

Pois bem, analisando as faixas que mais ouvi no último ano, de acordo com meu perfil do Last.fm, foi possível notar que quem reinou soberano no campo das minhas escolhas musicais em 2015 foi, surpreendentemente, o INXS.

Mas como isso foi possível? De fato, nunca havia dado muita importância para os australianos, embora gostasse muito de duas de suas músicas: "Never Tear Us Apart" e "Devil Inside". "Disappear" eu conhecia por ouvir pelo rádio e, por algum motivo, essa música me remete à infância, sempre gostei de escutá-la, mas não sabia de quem era até bem recentemente. E tem "New Sensation" e "Suicide Blonde", que são bastante conhecidas.

Após assistir à ótima minissérie INXS: Never Tear Us Apart, que conta a história da banda, tive curiosidade de ouvir mais coisas deles. Então, comecei a assistir alguns vídeos e baixei a coletânea Definitive INXS. Descobri pequenas joias - "Beautiful Girl", "Don't Change", "The One Thing", entre outras - e que um baladão que ouvi algumas vezes pertencia a eles: "By My Side". Fiquei surpresa com a quantidade de músicas boas lançadas pelo grupo. Elas têm um tom pop na medida certa, na minha opinião. E o vozeirão de Michael Hutchance é realmente encantador.

Kick, de 1987, seu álbum mais conhecido, é um discão. E ainda há outros muito bons, como Shabooh Shoobah (1982), X (1990) e Welcome to Wherever You Are (1992). Mas não vejo as pessoas falando muito do INXS em blogs de música. A banda ficou meio esquecida mesmo. Parece também rolar um certo preconceito, talvez porque foram sempre mais pop e fizeram muito sucesso nas paradas e na MTV. Engraçado é que as músicas me soam interessantes e, em geral, não têm aquele aspecto de que ficaram "datadas", como ocorreu com as de outras bandas dos anos 80.

Além do INXS, outro fenômeno que pude notar na minha parada musical pessoal de 2015 foi a forte presença da trilha sonora da série True Detective - The Handsome Family, The Black Angels, Bosnian Rainbows e Leonard Cohen. Entre os nomes nacionais, destacaram-se Titãs e Raul Seixas, além dos mais recentes Maglore e Stellabella.

Enfim, sem mais papo, aí estão as tabelas com as 20 faixas mais executadas e os 20 artistas mais ouvidos por mim em 2015.

O que nos reservará 2016?