Notas y Conciertos

La canción llegó hasta el sol...

2012-02-09T00:11:00.001+01:00

Luis Alberto Spinetta (1950 - 2012)

Psicodelia Congelada

2011-11-30T19:43:00.002+01:00

"La arquitectura es música congelada", famosa frase que el filósofo Arthur Schopenhauer creó para unir a dos de las artes más geniales. Desde siempre se trató de comparar a la arquitectura con la música, debatiendo acerca de sus influencias mutuas, ya que ambas tienen una cantidad considerable de puntos en común. Las dos requieren de la inspiración y del aprendizaje constante en su búsqueda infinita, y entre sus elementos comunes podemos citar las partituras y los planos como su soporte técnico. Su total percepción se experimenta a través de su ejecución. Las dos poseen virtudes y cualidades como fuerza, armonía, belleza y expresión, diferentes estilos, y son el reflejo de una época. Se pueden estudiar y analizar diferentes pautas como la técnica, la estructura, el ritmo, el movimiento, los llenos y vacíos, la repetición, etc.
Tanto las grandes obras de la música como de la arquitectura ofrecen clásicos que cumplen con el postulado de Jürgen Habbermas, cuando dice que "una obra vanguardista llega a ser clásica porque una vez fue auténticamente vanguardista", refiriéndose a obras que trascienden las generaciones y el plano de su época.
Pero hubo una época en que la música y la arquitectura fueron psicodélicas...

Los años sesenta se caracterizaron entre otras cosas por el avance tecnológico expresado por una atracción por la imaginería de la era espacial, la influencia de las comunicaciones, los satélites artificiales, la expansión de la televisión, el consumismo de productos y cultura. La llegada del Hombre a la luna provocó una conciencia general y un nuevo concepto del universo. Por otra parte las posibilidades que permitía la tecnología y la creencia del uso sin límites de los recursos energéticos generó una euforia por el consumo masivo dentro de un mundo convulsionado y optimista. En aquella época de ebullición creativa surgieron simultáneamente en Tokyo y en Londres dos movimientos arquitectónicos que proponían una idea de cambio, de movilidad y flexibilidad. Con un concepto de lo eterno en lo cambiante que representaba a la sociedad en movimiento. El primero de ellos, el Metabolismo, proponía ideas de mutación, transformación y crecimiento orgánico; el segundo, Archigram, proponía ideas de flujos que generaban formas mediante imágenes futuristas, conjugando la gráfica del cómic, la psicodelia y la publicidad como un collage pop. Ambas tendencias partían de la necesidad de romper con los modelos establecidos creando una arquitectura radical, totalmente utópica, ya que pensaban en una sociedad con un futuro organizado como ficción, dando como resultado una futurística imposible expresada en proyectos, que conectaban utopía con alta tecnología a través de megaestructuras. Un concepto de la sociedad de consumo tecnificada contraria a la arquitectura funcionalista.

Promediando esa década Los Beatles habían dejado de dar conciertos y se habían refugiado en los estudios Abbey Road para crear las obras que iban a cambiar la música para siempre. El uso de LSD para experimentar les permitió una apertura mental hasta entonces desconocida para ellos y les abrió la puerta a una creatividad infinita, ya nada era real...el mundo estaba cambiando, la música también.
Mientras la filosofía oriental recuperaba al Hombre a través de la transformación espiritual y el crecimiento orgánico, Yoko Ono "recuperaba" a John, una alegoría de la integración entre la cultura oriental y la occidental. Tokyo y Londres estaban en la misma onda...
La música de Los Beatles resume todo el espíritu experimental y de búsqueda de esos años, combinando banda de rock, sinfonismo, música de la cultura oriental y experimentaciones sónicas varias.
Se estaba inventando el futuro de lo que vendría en las décadas siguientes, mediante múltiples trucos que aplicaban en el estudio para tanta abundancia creativa, la tecnología que necesitaban para expresar los sonidos que ellos imaginaban.
El sonido de la música de Los Beatles se expande en "Revolver", disco que combina la electrificación absoluta con la orquesta de cámara. Aquí tenemos algo totalmente innovador, en el tema "Tomorrow Never Knows", un sonido nuevo y psicodélico que aún consiguen llevar mucho más allá en "Strawberry Fields Forever" y en su obra caleidoscópica "Sgt Pepper´s Lonely Hearts Club Band". Esa travesía psicodélica continuó con el surrealismo de "Magical Mistery Tour" y el collage imaginario del mundo fantástico e inocente de "Yellow Submarine", un claro experimento musical y audiovisual de LSD.

Este comentario puede sufrir modificaciones, llenarse de imágenes futuristas, mutar, transformarse y crecer orgánicamente a través del tiempo....

Fernando Gonzalez

Bohemian Rhapsody por Marcelo Arce

2011-11-22T13:11:00.002+01:00

Este análisis de la obra maestra de Freddie Mercury, "Bohemian Rhapsody", a cargo del profesor Marcelo Arce en un programa de radio me pareció estupendo para compartirlo en este blog. Solamente escuchen...

Existen muchas opiniones e interpretaciones acerca del significado de "Bohemian Rhapsody" con las que se podrá estar de acuerdo o no, pero éste es uno de los más profundos análisis en lo que respecta a la relación entre la música y el contenido de la letra. Alguna vez se dijo que el "hombre muerto" de la canción no significaba un asesinato ni un suicidio, sino que era al mismo Freddie Mercury al momento de asumir su homosexualidad enterrando al viejo hombre. Lo mismo ocurre con la parte más heavy de la canción, que puede ser interpretada como el enojo de la madre a causa de la confesión del hijo que ha matado a un hombre, o como su propia rebelión contra el diablo, o como la que relata Marcelo Arce en este programa de radio. Las opiniones pueden ser aún muchas más, pero en lo que seguramente todos coincidimos es en que "Bohemia Rhapsody" es una de las más grandiosas creaciones de nuestro tiempo....Any way the wind blows...

Fernando Gonzalez

Spinetta Jade allá lejos y hace tiempo...

2011-11-21T22:25:00.000+01:00

Un entrañable recuerdo de un momento inolvidable. Una vieja foto del encuentro con un grande de la música, Luis Alberto Spinetta, en uno de sus mejores momentos de su carrera, cuando con su banda Spinetta Jade presentaba "Los niños que escriben en el cielo". Era en febrero del año 1982, en Necochea...
Comparto una letra y un comentario:

No te busques ya en el umbral (Umbral)

Estás perdiendo el tiempo pensando, pensando
estás fuera de la vida jugando y perdiendo.
Comes tu conciencia, manzano en la nada,
y qué dirán las sombras de todo tu regreso.
Tu ser sin querer se abrirá de la luz
se irá sin saber que lo amaban.
Deambulan los perros en busca de agua,
y como pasa el tiempo sin fuego, sin fuego.
Ángel de los pobres pequeña armonía
algo tiene un ensueño en este insomnio.
Tu ser sin querer se abrirá de la luz,
se irá sin saber que lo amaban.
Ya dejaste tu día buscando las moras,
hablando de los niños que escriben en el cielo.
Apocalipsis de aire, de aire,
termina todo ese oro en tus bolsillos.
Perdido en el mundo, tu ser te dolerá al fin,
ombligo de piedra marcado.
No te busques más en el umbral
para que sepan la forma de tu alma.
Y que siga la melodía...

El umbral
Lo primero que llama la atención es el título de la canción, considerado en extenso. Si bien es conocida como "Umbral", se llama "No te busques ya en el umbral (umbral)”. Igual que Manon Lescaut, que en realidad es " Historia del Caballero Des Grieux y Manon Lescaut" y que todos conocen simplemente por “Manon”. Imposible considerar que esta extrañeza no tenga un profundo sentido, ya que en la exégesis spinettiana, nada es producto del azar. Como en un texto sagrado es necesario descubrir el significado de cada palabra. Propugno, sin dilaciones, la publicación de las letras del Flaco en papel biblia. Quiero sentir entre los dedos el fino papel, que el texto, a través del tacto, imponga el respeto de las cosas sagradas.
Vayamos al asunto. La repetición de la palabra umbral, sumada al paréntesis, señala con toda seguridad que aquí se encuentra la llave de toda la canción. Umbral. El sutil límite que divide la casa del jardín, el adentro del afuera, el interior del exterior, lo público de lo privado, el Paraíso de la Tierra. El umbral es un no lugar, una línea que define dos espacios. Nada es igual dentro o fuera del umbral. Umbrales, físicos, culturales, psicológicos, morales. Universo del umbral. O mejor, como diría, Ortega: multiverso. A todos esos hace referencia la letra. A todos y a ninguno en particular. Al hecho de que existan y a cómo actúan sobre alguien indeterminado. A vos, a mí, e él, a nosotros, a ellos. La experiencia de quedar fuera. Fuera de la vida, del Amor, de la Luz, de Dios, si queremos leerlo en clave mística. O del Primer Mundo, si le buscamos el perfil político. ¿Por qué no? La lectura queda abierta para que cada uno cargue la historia que quiera. ¿Quién acaso nunca tuvo la experiencia del "umbral"? ¿Quién nunca se quedó fuera, "jugando y perdiendo"? "El que este libre de pecado que arroje la primera piedra".
El hijo pródigo
A mí, para no esquivarle el bulto a alguna referencia más encarnada, esta letra siempre me hizo pensar en la parábola del hijo pródigo. El umbral de la casa del Padre, el umbral del Amor del Padre. El pecado. Desde allí afuera observa lo que dejó, evalúa lo que se perdió, se "come" la conciencia. Piensa en los que quedaron del otro lado, en la casa. Cómo juzgarán la decisión de cruzar. Quizás con dureza, o con envidia. "Qué dirán las sombras" sobre tu regreso. Mientras "deambulan los perros" y el tiempo pasa inútil "sin fuego, sin fuego", sin Amor. Un tiempo de "ensueño" y de "insomnio". El recuerdo de lo que se perdió por buscar "las moras" del placer. Habitar el pecado, en el pecado. El dolor de estar "perdido en el mundo" (¿Habrá el Flaco leído a Heidegger?). Decepcionado de sus promesas, moras que resultaron amargas. El dolor de ser sin Ser, fuera del Ser.
Terminar, pues, el "oro de los bolsillos" y volver, cruzar de nuevo el umbral. Observándolo no encontrarás jamás la "forma de tu alma". El umbral existe para ser cruzado, no observado. No te busques más ahí. ¡Cruza! Y que siga la melodía.

Extraído del Blog: La herida de París.

Fly From Here Tour - Yes en Barcelona

2011-11-13T22:55:00.005+01:00

Yes "Fly Fron Here Tour"- Sant Jordi Club, Barcelona - 5-noviembre-2011.

Es la quinta vez que veo a Yes, una de mis bandas favoritas. Siempre la ví con diferentes integrantes por los muchos cambios a los que nos tienen acostumbrados a lo largo de su historia. Pero esta vez, las notables ausencias de Jon Anderson y Rick Wakeman, dos de los integrantes históricos más importantes que hicieron de Yes la mejor banda de rock sinfónico, hacían de la actual formación la menos impresionante, la menos legendaria...Había una gran curiosidad por ver al nuevo vocalista, el canadiense David Benoit, cumpliendo la difícil tarea de reemplazar a Jon, además de la presentación del nuevo trabajo "Fly From Here", y de algunos temas de "Drama", que casualmente grabaron sin Anderson ni Wakeman, y justamente con Geoff Downes, el actual tecladista de la banda.
Lo cierto es que un concierto de Yes siempre será un placer para los oídos progresivos, y por ser una banda mítica, es suficiente para volver a verla.
El Concierto:
Ante una ovación luego de la atmósfera creada por el clásico "Pájaro de Fuego", el concierto comenzó con "Yours is no Disgrace", y "Tempus Fugit" en versión ralentizada. Mientras nos acomodábamos a los nuevos integrantes, y sobre todo al nuevo cantante, tuvimos la sensación de que la banda no arrancó con la energía esperada.
Liderados mucho más que antes por Chris Squire, que por cierto se lo notaba muy feliz, el show continuó con dos de sus máximas obras, los clásicos "I´ve seen all Good People" y "And you and I", composiciones que rozan la más absoluta perfección, destacándose el maestro Steve Howe, quien estuvo brillante desde el principio. Howe fue el coloso de la noche, y durante todo el concierto brindó una clase magistral con sus guitarras, su estilo (y sus poses) y sus sonidos tan característicos. Como siempre lo suyo fue una maravillosa exhibición. Estas buenas versiones levantaron al público en general. Benoit David se esfuerza, canta bien, es simpático, pero no es Jon Anderson, por ejemplo en "And you and I" no llega a los exigentes agudos de Jon en el coro, limitándose a cantar la línea del contralto. Creo que sin Anderson, Yes no es lo mismo...
Por otra parte, el sonido de los teclados de Geoff Downes no convenció, ya que por momentos se perdía y muchas veces los teclados no sonaban por igual, problema que se fue corrigiendo a medida que avanzaba el show.
Como en todos los conciertos de Yes, nos ofrecen un set acústico a cargo del maestro Steve Howe, quien presentó "Solitarie" la nueva pieza en solitario de "Fly From Here", a la que enganchó la infaltable "The Clap", clásico que siempre interpreta acompañado por las palmas y la complicidad de la gente.
Los músicos regresan para presentar el nuevo trabajo a través de una excelente ejecución de la canción épica del disco "Fly From Here". La suite completa de casi media hora fue uno de los mejores momentos de la noche. Si bien el álbum tuvo críticas de ser poco consistente, es en esta parte del show cuando Benoit David se siente más cómodo cantando con energía los temas que él grabó, sin tener que clonar la voz de Jon Anderson. Además de participar activamente en la parte instrumental tocando guitarra acústica y haciendo percusión. En esta parte del show la banda suena mucho más ajustada, sobre todo en los teclados.
A continuación tocaron "Wonderous Stories"...aquí se echó de menos como nunca la figura casi sagrada y el carisma angelical de Jon Anderson, es una canción sublime, mística, y que está completamente identificada con su voz y con su ángel...
Luego con "Life on a Film Set" dieron por concluída la presentación de los nuevos temas, para levantar a todo el estadio con el hit mundial "Owner of a Lonely Heart". El dato curioso es que fue presentada por Steve Howe, que siempre la detestó y además tocó el solo, que jamás ejecutó, ya que siempre estaba a cargo de otro guitarrista (Rabin o Sherwood, por ejemplo) y por supuesto lo cambió completamente...
La recta final fue una demostración del gran sonido complejo y sinfónico del grupo y las virtudes de cada integrante de la banda. "Machine Messiah", del disco "Drama", que según tengo entendido nunca tocaron en vivo, fue el momento máximo del concierto con una excelente interpretación de Geoff Downes, que casi todo el show estuvo de espaldas al público, y que aquí por fin se luce haciendo maravillas con los teclados, luego saliendo al medio del escenario para demostrar sus habilidades con su teclado portátil. Con la banda a full, en pleno clímax y a pura emoción, una gran versión de "Starship Trooper" finalizaron el set list mientras que el único bis que tocaron al volver a escena fue "Roundabout", uno de los grandes clásicos que nos dejaron para el cierre con la correspondiente y merecida ovación de todo el estadio.
Siempre es un placer ver tocar a Yes, y aunque los hemos podido ver en tiempos mejores y mucho más jóvenes, nos brindaron un show espectacular. Se les nota el paso del tiempo, y como siempre digo, ya no son los mismos...nosotros tampoco...

Fernando Gonzalez

Cuando la vida es una Larga Canción (del bosque)

2011-07-22T02:14:00.002+02:00

Ian Anderson. IX Convención de Tullianos - Auditori Marc Grau, Gavá, Barcelona. 9-julio-2011.

Todos los años la Asociación de Tullianos organiza este singular evento, en el que se homenajea a la banda Jethro Tull, contando con la participación de grupos junto a algunos de los tantos músicos que alguna vez integraron la legendaria banda. Pero en esta oportunidad hubo un invitado de lujo, el más tulliano de todos, un mito, el flautista escocés Ian Anderson.
El lugar del encuentro es un anfiteatro natural en medio de un parque con enormes árboles, en Gavá, a las afueras de Barcelona, sitio ideal para escuchar y disfrutar de canciones del bosque al aire libre. Durante toda la tarde se sucedieron las actuaciones de bandas tributo a Jethro Tull, dentro de un ambiente muy variado en el que se podía ver gente de varias generaciones y de distintos países, despertando nuestra curiosidad los viejos hippies que seguramente son seguidores de la banda desde sus comienzos. Se notaba en el aire algo importante (no lo digo por el humo de marihuana), se notaba que Jethro Tull es una banda de culto, por lo que también se hace difícil hacer una crítica imparcial cuando un artista significa tanto para la música como para quien escribe esta crónica, pero creo que todos los que estuvimos allí presentes esa noche salimos con la sensación de haber vivido una experiencia inolvidable.
Esta vez en formato de trío acústico, acompañado por los notables John O´Hara en piano y Florian Opahle en guitarra, Ian Anderson brindó un grandioso concierto de folk inglés con delicados toques medievales y barrocos. El repertorio elegido, la perfecta ejecución y complementación de estos talentosos músicos, sumada a la calidez del genial trovador con la que se comunica con su público, hicieron de esta tarde noche un momento mágico.
El Concierto:
Como en "A little light music" comenzaron con un blues del año ´68 con Ian Anderson tocando magistralmente su armónica, aún era de día y el clima festivo se notaba en todos los rincones del anfiteatro del parque. Aparece la flauta mágica en "Life is a long song", y en ese tono intimista el trío siguió con "Jack in the green" y "Hair in the wine cup" con acordeón, guitarras acústicas y flauta, y luego "Wond´ring again". Es notable el buen gusto y el cuidado que ponen estos músicos a los finos arreglos en estos temas, un deleite para los oídos exigentes. Entre canción y canción, Ian Anderson se da el lujo de hacer bromas y presentar con su característico tono de voz a la cantante local Eva Basteiro, con la que tocaron "Ladies in black", un fragmento de "Thick as a brick", "The poet and the painter", y "Mother goose". La cantante dió la nota de color sobre el escenario, por ser una mujer cantando temas de Jethro Tull, pero fue la parte menos trascendente del concierto. Lo que siguió a continuación fue lo mejor de la noche, una sucesión de grandes y emotivas canciones, que empezó con John O´Hara en el piano tocando la bellísima "Bach´s Prelude in C major" sirviendo de introducción del clásico "Bouree", con una notable ejecución de Ian Anderson, tocando la flauta con su característico "fluttertonguing". Ese instrumento que por momentos parece cobrar vida propia y que se expresa cual animal salvaje. Ian Anderson también se transforma y enloquece a sus fans mientras hace su típica pose tocando sobre una pierna. El gran músico en todo su esplendor, todo un ícono de la cultura rock. A continuación vino otro momento sublime con "Budapest", uno de los mejores temas de toda la discografía de Jethro Tull. Aquí hay de todo, belleza, misterio, cambios de ritmo, virtuosismo.... todo junto y mucho más en "una noche en Budapest". No fue necesario el solo de guitarra de Florian Ophale haciendo una versión heavy de "Toccata and fugue in D minor" de J.S. Bach con guitarra eléctrica, para demostrar lo grande que es como músico, pero tuvo su ratito de lucimiento personal. Otro gran punto del concierto fue el cierre con dos de sus mejores clásicos: "Locomotive breath" y "Living in the past". El primero en versión acústica se fue transformando a partir del solo de piano en una gran improvisación blusera, y finalmente el cierre con un bellísimo solo de guitarra de Florian Opahle, con aire español al principio, luego clásico, y fiesta flamenca total, con todos los músicos y el público haciendo palmas, y muchos "oles" incluídos.
No creo que Ian Anderson viva en el pasado, ni que sea demasiado viejo para el rock, para mí su vida es una larga canción...pero del bosque.

Fernando Gonzalez

NyC con Plácido Domingo (amigos para siempre...)

2011-07-13T02:55:00.001+02:00

Plácido Domingo - Teatro Liceu, Barcelona. 9-julio-2011.

Este post es simplemente para dejar un testimonio del encuentro con un grande de la música, el señor Plácido Domingo, uno de los cantantes líricos más grandes de todos los tiempos.

Pendragon pasión nueva

2011-05-31T01:39:00.003+02:00

Pendragon - Sala Bikini, Barcelona - 29-abril-2011.

La visita de Pendragon, legendaria banda de rock "neo-prog", nos hacía gran ilusión, ya que pasaron varios años de la última vez que tuve la suerte de verlos, sumado a la curiosidad del cambio musical que la banda ha experimentado en sus dos últimos trabajos. Aclaro que Pendragon no abandonó su particular estilo progresivo melódico, sino que, a lo que habitualmente conocemos le ha incorporado elementos orientados hacia el metal progresivo, logrando un sonido más directo y pesado. En palabras de uno de sus integrantes, el hiperactivo tecladista Clive Nolan, la presencia del nuevo sonido en los dos últimos discos se debe a que -"En el 2003 estábamos buscando algo excitante de nuevo en la música y muchas bandas de metal estaban haciendo cosas interesantes, como Rammstein, Opeth, Foo Fighters, un tipo de metal mezclado con otros sonidos y con grandes canciones. Todo eso me interesó muchísimo..."

El concierto:
La noche comenzó con una breve actuación intimista de Andy Sears, cantante de Twelfth Night, banda de culto neo progresiva de los 80´s, quien nos cautivó con su gran voz y su buena ejecución de todos sus temas al piano. Como cada vez que toca por estos lugares, se ganó al público con su simpatía y hablando en perfecto castellano. Enseguida subieron los músicos de la legendaria banda Pendragon ante la ovación de las doscientas personas que los estábamos esperando. El show arrancó con el característico sampler que abre el nuevo trabajo "Passion". A partir de ese momento se sucedieron mágicas pinceladas de casi todos sus discos, con un set list integrado por solo doce temas o himnos propios, que en realidad fueron doce largas suites con extensos pasajes instrumentales. Continuaron yendo de un extremo al otro, "Back in the Spotlight", un tema que se remonta al año 1990. Para seguir con "Ghosts" y con una de las canciones más interesantes de su discografía "Not of this world", incluída en el disco del mismo nombre, una pequeña obra maestra. Es bueno ver a Pendragon transmitiendo esa energía renovada, ya que hace un tiempo los problemas financieros estuvieron a punto de disolver la banda, pero gracias a la aceptación de los dos últimos trabajos la banda pudo salir adelante. Su líder y fundador, Nick Barret, en guitarras y voz, como siempre se mantuvo muy comunicativo con la gente durante todo el show. La imagen actual de Barret es el reflejo de los cambios que experimentó su banda, muy excedido de peso pero feliz. Siguieron con "If I were the wind (and you were the rain)", "The freak show", para continuar con dos temas largos del nuevo disco "Passion", primero "Empathy", una preciosa suite, que es el tema principal. y luego "This green and pleasant land", tema que nos atrapa con el coro del estribillo muy pegadizo y que gana gran intensidad al final. Los interesantes cambios de ritmo y los intensos pasajes de guitarra nos indican que será un clásico de la banda a medida que el grupo continúe haciendo giras. Históricamente para los más metaleros, Pendragon siempre fue un grupo un poco blando, y para los progresivos es demasiado melódico. Actualmente el sonido nuevo tiene en vivo una frescura sorprendente. Luego siguió "Nostrodamus" (Stargazing) del disco "Windows of life", y finalizaron con otro temazo, "Indigo" de la nueva etapa, lleno de energía y de una calidad excepcional, tema que para todos es el nuevo clásico, ovacionado por el público es el abanderado del nuevo Pendragon. Para remarcar el brillante trabajo de Clive Nolan en teclados, y los excelentes el solos de guitarra de Nick Barret, limpios y perfectos! Completan la formación, el bajista Peter Gee, quien realiza un trabajo brillante y sólido, además toca en algunas partes el sintetizador. Y para destacar el nuevo integrante de la banda el baterista-estrella Scott Higham. Su performance fue una gran demostración de técnica y contundencia, haciendo también coros, participando activamente del show y conectando muy bien con el público. Para cerrar, los bises que tocaron fueron dos grandes temas de su gran obra "The masquerade overture" (1996). El primero, "Paintbox", el gran clásico de la banda, y finalmente la emocionante "The last man on earth", fueron el broche de oro del final.

Fernando Gonzalez

Nota para "La Salamandra" (otro programa de rock`n`roll).

El discreto encanto de Roger Hogdson

2011-05-06T01:27:00.005+02:00

Roger Hogdson - Palau de la música catalana, Barcelona - 31-marzo-2011.
XII Festival del Mil.leni

Hace unos meses vimos a Supertramp sin Roger Hogdson ofrecer un concierto con mucho virtuosismo instrumental muy elaborado,pero un poco frío en todo lo demás. Anoche vimos a Roger Hogdson sin Supertramp ofrecer un concierto con el que logró emocionar a todo el público con un repertorio de canciones simples pero preciosas y por demás conmovedor. Roger nos brindó un show totalmente intimista y cálido, dejándonos una profunda sensación de armonía y belleza.
Solamente dos personas en el escenario, Roger tocando piano, guitarra acústica y teclados, y su único músico acompañante, el genial Aaron mac Donald, tocando saxos, flautas, teclados, piano, percusión y coros. Ellos dos transmitieron más emociones que la actual formación de Supertramp liderada por Rick Davies. El concierto fue prácticamente un repaso de los clásicos que Hogdson compuso cuando lideraba a su ex banda. La primera parte del espectáculo se abrió con "Take the long way home", un tema que provocó emociones varias y una ovación. Luego el breve "Surely", del primer disco de Supertramp, y el clásico de clásicos "School", otro momento sublime.
Durante la noche, Roger Hogdson, fue alternando pasajes con guitarras acústicas y su piano de cola. Con guitarra acústica hizo un viaje a los tiempos de "Crisis, what crisis?" tocando "Easy does it", mientras el público acompañaba el particular silbido, y luego "Sister moonshine", y también la nostálgica y folk "C’est le bon". Los momentos más tranquilos se vivieron con Roger frente al piano o en el sintetizador ínterpretando sus geniales baladas con su voz de ángel, entre las que se destacó la preciosa "Lovers in the wind", una canción de profunda belleza. Seguidamente presentó como una canción "muy especial" para él a "Hide in you shell", con una gran interpretación de saxo a cargo de Aaron mac Donald. Luego vino, según mi criterio, la mejor parte del show con el maravilloso sinfonismo de "A soapbox opera", una pequeña obra maestra. Siguió con la balada celta "Along came Mary", de su último disco solista "Open the door", para cerrar la primera parte con un viaje a los tiempos más gloriosos de Supertramp, con los hits mundialmente famosos "Breakfast in America" y "The logical song" ante el delirio total del público.
Hogdson conserva aún su buena voz y mantiene su alto registro tan particular para cantar. Su calidez personal y su permanente contacto con la gente contagia emociones, y se le nota feliz por eso.
La segunda parte arrancó con una de las mejores obras de la mítica banda británica: "Child of vision", a la que siguieron otras famosas baladas como la inolvidable "Lord is it Mine", "Know who you are", "Don't leave now", y la inédita "The awakening" compuesta en 1979. "Dreamer" levantó de las butacas a casi todos para hacer palmas, y finalmente la sinfónica "Fool’s overture" (a la que creo le faltó una banda de apoyo).
Con un público bastante maduro y completamente entregado, el concierto finalizó con los bises "Two of us", la fantástica "Give a little bit" y la pegadiza "It’s raining again", con todo el mundo cantando.
Roger Hogdson nos regaló una gran noche de buena música, algo normal en este recinto, el grandioso Palau de la música catalana.

Fernando Gonzalez

Nota para "La Salamandra" (otro programa de rock`n`roll).

La Pared Infinita de Roger Waters

2011-04-27T23:07:00.001+02:00

Roger Waters "The Wall Live"- Palau Sant Jordi, Barcelona - 29-marzo-2011.

"The Wall" es el disco más vendido de la década del ´70, fue editado en 1979 y llevado al cine por Alan Parker en 1983. En su día Pink Floyd lo presentó en una gira de 31 conciertos, que debido al altísimo costo de producción sólo se pudieron realizar en cuatro ciudades: Los Angeles, Nueva York, Londres y Dortmund. Años más tarde, en 1990, Roger Waters ya alejado de Pink Floyd, realizó el megaconcierto con artistas invitados llamado "The Wall en Berlín", para conmemorar la caída del muro que dividía la ciudad. Hoy a más de treinta años de su aparición, Roger Waters reivindica "The Wall" como su gran obra maestra, aprovechando los últimos adelantos tecnológicos para sorprender con un show multimedia increíble y actualizando el mensaje original para hacer una crítica sobre los problemas mundiales actuales.
"The Wall", esta fantasía megalómana de Roger Waters, ya no es solamente la historia de un hombre asustado que construía un muro a su alrededor. Aquella metáfora del aislamiento individual hoy se convierte en un alegato antibelicista. En palabras de su creador: "The Wall ahora tiene una lectura más amplia, esta vez el espectáculo tiene más que ver con la manera en que construímos muros alrededor de fronteras nacionales, políticas e ideológicas, y cómo necesitamos ayudarnos para derribarlos".

El show:

Desde el comienzo percibimos que esta nueva versión de "The Wall " es mucho más que un concierto, es un espectáculo audiovisual de rock apabullante que llega más allá de lo que cualquier ser humano ha visto. Por momentos me quedé sin palabras ante tan impresionante despliegue de talento musical y visual.
El principio con "In the flesh?" no pudo ser más impactante. La presencia de Roger Waters vestido de negro domina el escenario adornado por banderas, hasta que todo es totalmente invadido por pirotecnia, sonidos envolventes y explosiones de guerra, pero lo más increíble es el avión Spitfire que cruza por encima de las cabezas de la gente para estrellarse contra un extremo del escenario. Tremendo! Todos quedamos alucinados. Después de tanta adrenalina pasamos a la calma intimista de "The thin ice", con imágenes proyectadas de fichas de víctimas de la guerra omnipresente durante todo el concierto, también hace su presentación el vocalista Robin Wykoff , quien se encarga de cantar las partes de David Gilmour. La pared incipiente comienza a tomar forma a medida que los operarios van colocando grandes bloques mientras la banda toca el hit mundial "Another brick in the wall Part 2". Aquí aparece un gran muñeco gigante del profesor tirano, quien es increpado por un grupo de niños que corean el famoso estribillo, y aunque cantaron en playback el resultado final fue genial. Los guitarristas Dave Kilminster y Snowy White se reparten los solos en este tema. Roger Waters con su guitarra acústica canta "Mother", y nos sorprende con un truco tecnológico haciendo un dúo consigo mismo proyectado en la pantalla gigante circular, extraído de una grabación del concierto de Earls Court de 1980. Mientras Roger cantaba, un muñeco gigante de la posesiva madre lo observaba, y en la pared se podía leer "The big mother is watching you". Snowy White, guitarrista que ya colaborara con Pink Floyd, ejecuta el inolvidable solo de guitarra. Imágenes de blancas palomas que dejan paso a bombarderos B52, quienes arrojan una lluvia de símbolos religiosos y de empresas multinacionales nos conmueven en la preciosa "Goodbye blue sky" que se engancha con "Empty spaces" y con el tema puente "What shall we do now?", temas que muestran los impresionantes dibujos de Gerald Scarfe, utilizados en la película de Alan Parker y en el concierto de Berlín. Era un placer disfrutar de la perfección del sonido envolvente, los efectos especiales e imágenes proyectadas muy cuidadas en esta parte del show. Luego la rockerísima “Young lust” y “One of my turns” nos conducen a la desgarradora “Don’t leave me now". Aquí aparece el muñeco que representa a la mujer que destrozó sentimentalmente a nuestro protagonista. Podemos destacar que Roger Waters se ha esforzado enormemente en clases de canto para cantar en buen nivel y hasta superar lo hecho en giras anteriores, y en ciertas ocasiones abandona el bajo para dedicarse sólo a cantar y a la interpretación teatral en algunos momentos. Con la pared casi levantada “Another brick in the wall Part 3” y "The last few bricks", no incluída en el disco original, se prepara el mágico final de la primera parte, y con la última nota de “Goodbye cruel world” el muro se cierra.

En el comienzo de la segunda parte nos enfrentamos al inmenso muro que cubre todo el escenario con sus 70 metros de largo y más de 10 de alto. Pero detrás de la pared que recién se ha levantado, la banda está tocando "Hey you" y se crea un momento mágico porque sólo vemos un muro frío, amenazante, que gracias a los efectos especiales parece cobrar vida y será el gran protagonista de la noche.

Se abre una pequeña ventana para que Roger cante la desoladora "Is there anybody out there?", y aparece Snowy White para tocar el magnífico solo de guitarra. Luego se abre otra ventana en donde vemos un living con Roger Waters sentado en un sillón mirando televisión, y canta la conmovedora “Nobody Home". Waters continúa solo para cantar "Vera" y “Bring the boys back home” en donde se proyectan emotivas imágenes de niños norteamericanos abrazándose con sus padres cuando regresaron de la guerra de Irak. A continuación llega el momento sublime de la noche, el más esperado por todos, "Confortably Numb", el pasaje memorable de esta ópera rock, que nos muestra a Roger haciendo de frontman solitario ante la inmensidad del muro, mientras la banda aún permanece detrás. Aparece sobre el muro Robbie Wicoff que interpreta con su estilo el emotivo estribillo que cantara David Gilmour, pero la gran performance de la noche es la de Dave Kilminster, excepcional guitarrista que ya trabajó para Waters, quien se luce tocando de manera impecable en lo alto de la pared, el solo de guitarra fiel al espíritu del tema. El realismo de los efectos sobre el muro hacen que cobre profundidad y movimiento, y tras un golpe de Roger, éste estalla y se abre interiormente despojándose de la pesada piel de ladrillos grises, para emitir maravillosas imágenes de luces y colores. Finalmente vuelve a cerrarse...

La banda aparece por delante de la pared para tocar "The show must go on", con todos los músicos vestidos con uniformes. En esta parte todo cambia. La estética totalitarista se apodera del escenario, y se suceden las conocidas imágenes que hacen guiños al la simbología nazi o soviética, mientras se une Waters luciendo un abrigo largo y anteojos negros, listo para cantar la segunda parte "In the flesh". Un jabalí negro (que sustituye al famoso cerdo volador de Pink Floyd) surca el espacio, y luego Roger en un acto de locura finaliza la canción disparando al público con una ametralladora. "Run like hell" muestra inscripciones de Kafka y George Orwell sobre la pared que ahora luce una arquitectura monumentalista, aunque constantemente va cambiando de forma que nos asombran. La pared nos habla, nos inquieta, nos incomoda y nos aplasta. Luego “Waiting for the worms” con Roger cantando con un altavoz, muestra las imágenes de la película de Alan Parker, con el particular ejército apocalíptico de martillos marchando imponente. "Stop" da el paso justo para el delirio teatral en el que Waters interpreta las voces de todos los personajes de "The trial", que llega al clímax con la demolición final del muro, una escena escalofriante. La euforia y la emoción nos desbordan por todas partes. Unos minutos después, la banda aparece entre los escombros para tocar la acústica "Outside the wall" y despedirse del público. El resultado final es tan apabullante que es imposible no sentirse tocado, es una experiencia total, musical y emocional. "The Wall" es uno de los espectáculos más impresionantes jamás ideados en nuestra cultura popular del rock, donde el virtuosismo técnico y el perfeccionismo visual alcanzan un nivel superlativo. Creo que el Roger Waters que vimos hoy dista mucho de aquel hombre cínico, angustiado y desesperado de hace más de 30 años. Este es un hombre sesentón amable que disfruta y celebra la grandeza de su obra maestra, la más ambiciosa del rock de todos los tiempos.

Fernando Gonzalez

Nota para "La Salamandra", (otro programa de Rock´n´roll).

Herbie Hancock en Barcelona

2010-12-21T21:16:00.000+01:00

Herbie Hancock "The Imagine Project Tour"- L´Auditori, Barcelona - 15-diciembre-2010.
XII Festival del Mil.leni

El pianista, tecladista y compositor estadounidense Herbie Hancock, leyenda viva del jazz, se presentó en L´Auditori de la "Ciudad Condal", Barcelona, finalizando su gira europea "The Imagine Project Tour".
Este proyecto busca expresar a través de la música temas como la paz, la tolerancia, la humanidad y la responsabilidad mundial, y en él recorre la música y los ritmos del mundo.
El show:
Todo comenzó con el ritmo poderoso de su actual banda tocando "Actual proof", mientras el sonriente Hancock hacía su entrada al escenario para sentarse frente al piano de cola.
Tendríamos que aclarar antes de comenzar el concierto, que nadie espere jazz puro, tal vez que nadie espere ni siquiera jazz, ya que durante la noche, el recinto se iría tiñendo poco a poco de un color étnico...
Con los primeros aplausos, Herbie presenta la banda y se detiene a explicar largamente algunos conceptos de su último trabajo, para contarnos, como quien le habla a un niño pequeño, que "estamos en el siglo de la globalización"...
"Este es el siglo XXI y debemos dejar de pensar en términos nacionalistas, debemos empezar a pensar en términos globales. Por eso se me ocurrió incluir canciones en otros idiomas, o canciones estadounidenses con versos en otras lenguas"....
Del título del álbum (The imagine project), Hancock explica que tiene que ver con dos conceptos: la idea de "imaginar" y la de "canción". "Ése fue realmente el punto de partida. Incluso sólo la palabra imagina ya abre tu mente y tus pensamientos. Digamos que el espíritu del álbum es el de unión y el de fraternidad"...
Y de esa manera comenzaron a tocar los temas del nuevo disco haciendo una particular versión del clásico de clásicos de John Lennon "Imagine". La simpática cantante Kristina Train junto al tecladista Greg Phillinganes son quienes la cantan, pero la versión toma un giro instrumental africano un poco extraño...
El espectáculo continúa con el ritmo funk de "Watermelon man", con la banda a full. Luego siguen con el tema de Peter Gabriel "Don´t give up", canción que hizo emocionar a más de uno.
El ritmo contagioso de "Tamitant tilay" con el estribillo de "Exodus" de Bob Marley contagió a toda la sala de buena onda. La voz del eximio guitarrista Lionel Loueke con un efecto especial fue el toque particular de la canción, y la banda demuestra energía, talento y virtuosismo. Cuando cinco negros se juntan para hacer música suceden estas cosas...
Luego los músicos de la banda abandonan el escenario, y el maestro se queda solo para ejecutar en el piano de cola un medley de antiguas joyas musicales propias, creando un momento intimista de misteriosa abstracción y de intensa emoción. Entre las piezas tocadas figuraron "Mayden voyage", "Dolphin dance" y la genial y esperada "Cantaloupe island".
En la recta final continuaron con tres canciones de "The Imagine Project":
La primera, "The times, they are a´changing" de Bob Dylan, con ritmo celta, y Kristina Train tocando el violín. La segunda, "A change is gonna come", con la espectacular participación del talentoso Greg Phillinganes, actual tecladista de la banda Toto, quien se hizo cargo de la primera voz.
El final con "Space captain" una espectacular versión que fue de lo mejor de la noche. Con ese estribillo que te eleva y te deja allá arriba y no te suelta: "Until we die, until we die - We're just learning to live together - Learning to live together - Learning to live together till we die"...Y por supuesto: una ovación impresionante, merecida.
Regresa la banda interpretando los primeros acordes del clásico "Chameleon", mientras Herbie entra tocando su teclado portátil y se bate a duelo primero con el bajista James Genus y luego con el guitarrista Lionel Loueke, dando una clase magistral de improvisaciones, y a su vez divirtiéndose como locos arriba del escenario. Hancock se depide saludando al público junto a su banda, y todos bailando al ritmo de una grabación de su gran hit tecno "Rockit", aquella canción que se bailó hace algunos años en todo el mundo.
Herbie Hancock no sólo es un referente del jazz, sino de la música en general, por su versatilidad estilística, que lo llevó desde el funk hasta el tecno, y está considerado como uno de los músicos más influyentes de la actualidad.

Fernando Gonzalez

Sting Sinfónico en Barcelona

2010-11-04T02:42:00.001+01:00

Sting "Symphonicity Tour"- Palau Sant Jordi, Barcelona - 29-octubre-2010.

Sting se presentó en Barcelona con su gira "Symphonicity" en el Palau Sant Jordi ante 7000 espectadores sentados, y acompañado de la Royal Philarmonic Orchestra de Londres, compuesta por 45 músicos y dirigida por Steven Mercurio.

El concierto fue un paseo por toda su discografía durante 3 hs, incluyendo muchos de sus grandes éxitos y temas de The Police en formato sinfónico.
Con un sonido impecable y una puesta en escena sobria y elegante Sting demostró una vez más su versatilidad como músico y compositor, a través de la relectura en clave orquestal de esos grandes éxitos compuestos inicialmente con un vocabulario rockero. De esta manera el show comenzó con "If I ever lose my faith in you", "Every little thing she does is magic" y 25 canciones más, aunque sin arriesgar demasiado en las nuevas versiones orquestales y siempre pisando sobre seguro en lo que respecta a los nuevos arreglos.
"Englishman in New York", "Roxanne" y "When we dance" fueron de las más aclamadas por el público.
La perfección del sonido permitió el lucimiento personal de algunos de los músicos de la orquesta, sobre todo los brillantes solos de clarinete y violines, así también de Jo Lawdry, la muy linda cantante que apoyaba (y a veces superaba) a Sting en segunda voz y coros.
"Fields of gold" y "Shape of my heart", fueron grandes momentos de la noche, finalizando con la esperada "Every breath you take", la arabesca "Desert rose" (con bailecito incluído), y por último "Fragile".
Rockero, sinfónico, medieval y camaleónico, Sting, sigue siendo uno de los más grandes íconos de nuestro tiempo.

Fernando Gonzalez

Radiohead, Ok Computer

2010-08-29T03:23:00.000+02:00

Ok Computer es un hito discográfico de la década del noventa. Su sonido y originalidad lo hacen un referente, y su infuencia fue decisiva para su época y los años siguientes (menos para ellos).
En breve la nota...

Magnolia cruzando vidas

2010-08-04T18:49:00.007+02:00

Magnolia, el film de Paul Thomas Anderson, cuenta la historia de varias vidas que tienen mucho en común, y en donde la música juega un papel muy importante, tanto la banda de sonido compuesta por Jon Brion, como las excelentes canciones de Aimee Mann.
Estas vidas cuyas historias confluyen en San Francisco Valley, al sur de California, son historias paralelas que hablan sobre el azar, pero que esencialmente tratan sobre la incomprensión, el perdón y la redención.
Los protagonistas son un anciano agonizante, un presentador de televisión, un niño prodigio, un atormentado hombre ex-niño prodigio, un policía justo, una esposa arrepentida (Julianne Moore), un enfermero bondadoso, una mujer vacía y drogadicta, un hijo perdido, rencoroso y machista (Tom Cruise)...seres que necesitan y desean ser salvados de su dolor por alguien o por algún giro afortunado del destino.
Aquí no hay ningún papel estelar, todos los personajes son iguales, son historias aparentemente independientes con un extraño sentido conjunto. Cada uno de ellos componen esta obra aportando su talento y la hacen especial, sumado a los asombrosos recursos técnicos, una banda de sonido perfecta y un desenlace sorprendente.
En la película se dice que "podemos acabar con el pasado, pero el pasado no ha acabado con nosotros", y en realidad es cierto.
Las diferentes secuencias de la película son introducidas por partes meteorológicos que pronostican el clima dramático de las mismas.
Una espectacular lluvia de ranas anticipa el clímax final. Es el momento de la revelación, el arrepentimiento y el perdón.
"Hablamos pues de hechos que son una simple cuestion de azar? ésto no fue una simple cuestion de azar, estas cosas extrañas ocurren a todas horas".
Anderson se arriesga en todo momento e intenta ofrecer algo diferente y lo consigue con escenas sorprendentes.
El resultado es una obra maestra.

La Música.

La música de la película está compuesta por la banda sonora orquestal de Jon Brion, y acompañada por las canciones de Aimee Mann, autora y compositora estadounidense, que fue nominada al Oscar por el tema "Save me". La música acompaña a las historias casi permanentemente y cobra vital importancia a lo largo de todo el film.
La combinación de estos compositores resulta fundamental en Magnolia. Por un lado la poesía de Aimee Mann nos habla de los personajes y sus sentimientos, elevándolos de una manera casi espiritual, y por el otro lado, Jon Brion con su fantástico sinfonismo, logra darle ritmo y continuidad a cada historia.
Hay que destacar el novedoso concepto que P.T. Anderson aplica para utilizar la música de Jon Brion: aquí tenemos treinta minutos impactantes de música ininterrumpida, una melodía repetitiva (comparable al estilo de Phillip Glass) que se vuelve parte importantísima del film y hace que las escenas adquieran un enérgico y rítmico dinamismo dramático.

La música de Aimee Mann comienza con "Momentum", que aparece en el primer encuentro del policía Jim con Claudia. "Momentum" junto a "Save Me" y "Wise Up" son las canciones más importantes y de hecho no se limitan a ser simplemente la música de fondo. El tema "One", compuesto por Harry Nilsson, aparece en la escena de la presentación de los protagonistas, y el tema "Deathly", que figura en el disco pero que no aparece en la película, es importante en el contenido de ésta:
"En mi guión original, Claudia (interpretada por Melora Walters, con un verdadero sentido de locura a lo Aimee Mann) dice: "Ahora que te he conocido, ¿te importaría no volver a verme nunca más?". Debo aclararlo: No escribí esa línea. Aimee Mann lo hizo para el comienzo de su canción "Deathly", y yo escribí el resto hacia atrás, partiendo de esa línea. Esa línea equivale a la historia de Claudia, equivale al corazón y es el alma de Magnolia". (P.T. Anderson).
El personaje de Claudia aparece en dos escenas escuchando el disco de Aimee Mann, en la primera escucha a todo volúmen el tema "Momentum", y en la segunda comienza a cantar "Wise up"...
El tema "Wise up" tiene una magia especial, de un modo casi operístico, la escena pasa por cada uno de los protagonistas, que de alguna manera están escuchando esa canción, y absolutamente todos cantan "It's not going to stop 'Til you wise up". Es el momento cumbre de "Magnolia", en parte porque la letra parece reflejar el pensamiento de todos los personajes, que ahora aparecen unidos por el hilo invisible de la angustia y la soledad, que en algunos casos nunca va a desaparecer.
Al finalizar la canción, la lluvia que constantemente acompaña a las escenas, y que contiene un simbolismo muy importante, deja de caer.
En el final de la película, cuando suena "Save me", la escena nos muestra la cara sonriente de Claudia, porque sabe que hay una esperanza, pero lo que aquí nos importa es que la letra de la canción refleja su voz interior.

Perdonado (Niño Condenado)

2010-07-26T13:28:00.190+02:00

La obra del grupo Invisible fue espectacular, magistral, sublime...
En su tercer y último trabajo llamado "El jardín de los presentes", brillante disco de rock progresivo, se encuentra una de las mejores canciones de toda la historia del rock argentino escrita por Luis Alberto Spinetta: "Perdonado (niño condenado).
Tal vez sea el tema más conectado con el sonido tradicional de Invisible, ya que todo el disco está empapado de aires tangueros progresivos.
El tema es una gran idea compositiva, en donde se intercalan dos partes diferentes, la primera es la dulce calma del principio, la segunda, muy rockera es agresiva y furiosa con un poderoso riff hasta el final.
La banda despliega todo su sentimiento fusionando lo letárgico con lo intenso dentro de una densa carga emotiva.
La letra se refiere a un perro blanco, con mirada de niño. Luis lo describió en un reportaje de la siguiente manera: “Es la temática de "Hermano Perro" llevada a Invisible. Mirando a una perrita que tenía en casa, y que se llamaba Amapola, sentí que era casi un ser humano pero que ciertos designios la habían conminado a ser un can. Allí nació la idea de un niño condenado a ser perro por el diablo de febrero, pero a la vez perdonado. Perdonado de la angustia existencial de ser un humano o de ser un niño que pide limosna bajo la lluvia".

Perdonado (Niño Condenado) - Invisible.

Habla conmigo viejo perro blanco
habla conmigo ladra tu quebranto.
Cuando quieras olvidarlo
tu quebranto
Habla conmigo... perro de la lluvia
habla conmigo solo tú conoces
la vendimia, de la calle
la delicia!
Habla conmigo viejo perro blanco
busca descanso, con tu molinete.
Que los amos ya descansan
ya no existen.
Habla conmigo... perro de la lluvia
habla conmigo niño condenado
por el diablo de febrero.
Perdonado!
Perdonado!
Perdonado!

Otra historia.
Numerosas letras escritas por la fina pluma de Luis Alberto Spinetta están inspiradas en la obra de autores como el filósofo francés Michel Foucault, el poeta francés Jung, o el antropólogo peruano Carlos Castaneda.
Para Spinetta la literatura latinoamericana se divide en un antes y un después de Castaneda: "Es la única literatura de este continente, capaz de responder a tanta obra de arte y tanta magia de la cultura precolombina. Creo que existió una época donde había muchos tipos como Don Juan Matus, miles de ellos, y cada uno intentaba hacer su propio viaje de poder".
En el libro "Las enseñanzas de Don Juan", Castaneda narra su iniciación en el chamanismo en manos de un brujo yaqui llamado Don Juan Matus, quien para acceder al conocimiento, lo introduce en el mundo del consumo de plantas alucinógenas como el peyote:
"...Alcé ligeramente la cabeza y vi acercarse un perro negro de tamaño mediano. Lo vi venir hacia el agua. El perro empezó a beber. Alcé la mano para apartarlo de mi agua; enfoqué en él mi visión concentrada para llevar a cabo el movimiento de empujarlo, y de pronto lo vi transparentarse. El agua era un líquido reluciente, viscoso. La vi bajar por la garganta del perro al interior de su cuerpo. La vi correr pareja a todo lo largo del animal y luego brotar por cada uno de los pelos. Vi el fluido iridiscente viajar a lo largo de cada pelo individual y proyectarse más allá de la pelambre para formar una melena larga, blanca, sedosa...
...Me volví en busca de don Juan, pero no pude distinguir nada ni a nadie. Todo cuanto podía ver era al perro, que se volvía iridiscente; una luz intensa irradiaba de su cuerpo. Vi otra vez el flujo del agua atravesarlo, encenderlo como una hoguera. Me llegué al agua, hundí el rostro en la cacerola y bebí con él. Tenía yo las manos en el suelo frente a mí, y al beber veía el fluido correr por mis venas produciendo matices de rojo y amarillo y verde. Bebí más y más. Bebí hasta hallarme todo en llamas; resplandecía de pies a cabeza. Bebí hasta que el fluido salió de mi cuerpo a través de cada poro y se proyectó al exterior en fibras como de seda, y también yo adquirí una melena larga, lustrosa, iridiscente. Miré al perro y su melena era como la mía. Una felicidad suprema llenó mi cuerpo, y corrimos juntos hacia una especie de tibieza amarilla procedente de algún lugar indefinido. Y allí jugamos. Jugamos y forcejeamos hasta que yo supe sus deseos y él supo los míos..."
Fernando Gonzalez

Lasse Hoile, la imagen de Porcupine Tree

2010-05-26T01:13:00.009+02:00

Lasse Hoile es un artista gráfico, fotógrafo y director cinematográfico, creador de imágenes con estilo propio que ha colaborado con bandas de rock progresivo tales como Opeth, Dream Theater y sobre todo con Porcupine Tree. En breve la nota...

Transatlantic, la eterna gloria.

2010-05-22T00:44:00.009+02:00

Transatlantic "Whirld Tour"- Sala Razzmatazz 2, Barcelona - 14-mayo-2010.

“Is it really happening?”
Está pasando esto realmente? o es un sueño el concierto que estamos viendo? Nos preguntábamos mientras en el escenario cinco enormes músicos desplegaban lo que mejor saben hacer: música enorme.
Confieso que el concierto de Transatlantic es uno de los espectáculos más increíbles que he visto en mi vida. Es una extraordinaria experiencia musical que nos lleva por lo mejor del rock progresivo actual. Este auténtico seleccionado de músicos proviene de grandes bandas de diferentes estilos: The Flower Kings, Dream Theater, Spock´s Beard y Marillion, liderados por el talentoso y carismático Neal Morse logran una notable unidad musical y humana.
Después de siete años de su separación, estos músicos se volvieron a reunir para grabar “The Whirlwind”, y por suerte, esta vez la nueva gira europea los trajo a Barcelona.
El set list de “The Whirl Tour 2010” contiene solamente seis canciones, pero su duración es de tres horas y media!
Una estruendosa ovación recibió a estos colosos. Las cuatro estrellas de Transatlantic todos frente al público, con dos tarimas en los extremos se ubicaban de izquierda a derecha: Neil Morse en teclados, Roine Stolt en guitarras, Pete Trewavas en bajo, y el increíble Mike Portnoy en batería (esa posición cerca del público y de costado, permite ver su espectacular manera de tocar). Detrás de ellos estaba el músico acompañante de la gira y líder de Pain of Salvation, Daniel Gildenlöw, con su set de percusión, teclados y guitarras, quien cumple un rol vital como instrumentista, pero fundamentalmente aportando unas voces increíbles.
El concierto arrancó con “The Whirlwind”, el tema estrella de la noche. Una apuesta arriesgada, ya que se trata de una obra conceptual dividida en 12 partes, de casi 78 minutos de duración sin interrupciones. Desde el comienzo con “Whirlwind Overture” la banda brindó una muestra de lo que fue el show: una espectacular demostración de rock progresivo inteligente y melódico. El comienzo fue arrollador. La banda sorprende con su virtuosismo instrumental, voces majestuosas, y transmitiendo confianza, buen humor y diversión. La intensidad de los primeros minutos se detiene y la calma llega con la conmovedora “The Wind Blew Them All Away”, con Neal Morse cantando como nunca, y un solo de guitarra precioso de Roine Stolt. Luego nos cautiva el ritmo predominante de “On The powl”, con el bajo de Pete Trewavas haciendo lo mejor del tema, mientras tanto, tocaban entre gestos y miradas cómplices (sobre todo entre Morse y Portnoy que se hacían señas desde un extremo a otro). Luego el tema cambia a una cadencia con reminiscente tanguera en el comienzo de “A Man Can Feel”, con Roine Stolt en primera voz, que es el tema más “Flower Kings” del disco. Entre risas, comenzaron a tocar “Geting Better” de Los Beatles como broma para la introducción de “Out Of The Night”. Luego, el primer momento intimista de la noche cuando Neal Morse visiblemente emocionado cantaba con la voz quebrada la balada “Red Rose Color Glasses” (canción que Neal escribió cuando murió su padre). El tema llega al clímax con el desgarrador punteo de Roine Stolt. Seguidamente Pete Trewavas va hacia una guitarra acústica que estaba puesta en un atril y toca (con pifie incluído y risas) la intro de “And you and I” de Yes antes de comenzar con “Evermore” y a continuación tocaron “Set Us Free”. Luego la oscura “Lay Down Your Life” con Morse cantando genial, y el grupo haciendo unos contrapuntos instrumentales muy ingeniosos. La banda demuestra más virtuosismo en la instrumental “Pieces Of Heaven”, luego “Is It Really Happening” comienza muy suave y va creciendo gradualmente hasta lograr una tremenda intensidad musical sinfónica en un final muy genesiano y espectacular!
El epílogo de esta magnífica obra es una larga balada de Morse, “Dancing With Eternal Glory”, que retoma el leit motiv de la melodía principal, para terminar con un final épico y una ovación que duró varios minutos.
Luego de esa maratón se tomaron 15 minutos de descanso, que el público aprovechó para dirigirse hacia el stand de merchandising y arrasar con todo.
La segunda parte fue un paseo por su discografía, y comenzó a toda máquina con “All Of The Above” de su primer disco. Con una calidad de sonido notablemente superior, esta parte del concierto fue una exhibición alucinante, una demostración de capacidad técnica de gran nivel, y un trabajo grupal muy sólido. Así se fueron sucediendo las partes que componen esta suite: “Full Moon Rising” a todo ritmo, “October Winds”, “Camouflaged in Blue” con un excelente trabajo de Pete Trewavas poniendo el ritmo jazzero a la canción con su bajo. “Half Alive”, “Undying Love” con un espectacular juego de voces y finalmente “Full Moon Reprise”.
Otro momento cálido se vivió con la hermosa balada de Morse “We All Need Some Light”, esta vez con Roine Stolt en primera voz y Neal haciendo un gran punteo de guitarra acústica.
Continuaron con “Duel With The Devil” la suite que abre el segundo disco. Aquí Roine Stolt brilla por sus punteos de buen gusto y alta calidad, y Mike Portnoy hace uso de toda su artillería de múltiples recursos, haciendo una demostración de su técnica avasallante y sacando conejos de la galera por doquier. Para destacar, los coros espectaculares de Daniel Gildenlöw, quien además es un músico completo, ya que toca guitarras, teclados, percusión y además canta mejor que ninguno. En medio de una extraordinaria jam improvisaron un fragmento de “Highway Star” de Deep Purple y volvieron al tema en la parte final.
El público enloquecido de placer los despidió otra vez con otra ovación de estruendo.
Los bises comenzaron con otra balada, la conmovedora “Bridge Across Forever”, con Neal al piano y Roine Stolt en guitarra eléctrica. La anécdota ocurrió cuando al comenzar el tema algo no funcionaba, entonces Morse y Stolt improvisaron, nada más y nada menos, que la primera parte de “Supper Ready”, de Genesis, cantando con la gente.
Para el final, la obra maestra de Neal Morse, “Stranger In Your Soul”, un auténtico torbellino de energía mediante una demostración de sincronicidad, virtuosismo y cambios continuos de melodías y ritmos. Sin la intro original de cuerdas, comenzaron con el intenso in crescendo de la batería de Mike y los teclados de Neal, la belleza de la primera estrofa de “Sleeping Wide Away”. Luego el clima intenso de “Hanging in the Balance”, una parte heavy compleja en donde se destacan los juegos de voces y cantan todos. Este impresionante delirio musical fue de lo más excitante de toda la noche. El punteo de Stolt lleva todo al comienzo y se engancha el pop de “Lost And Found Pt 2”. Cuando el ritmo se hace más intenso, Morse corre hacia la batería de Mike y la comparten hasta quedar él solo, mientras tanto Trewavas se dirige hacia los teclados con Gildenlöw detrás, y Mike, todo un showman vestido con un mono de Dharma, tiene su momento máximo de gloria cuando se tira al público para darse un baño de multitudes o “crowd surfing” por encima de las cabezas de la gente. Luego de regreso al escenario dijo que era la primera vez que daba toda la vuelta completa a una sala, y amagó con tirarse otra vez….
La calma regresa en “Awakening The Stranger”, luego en “Slide” se lucen todos con las partes instrumentales, cortes, coros y cambios de ritmo, para llegar a uno de los mejores finales de la historia del rock progresivo con “Stranger in Your Soul”, con Neal y toda la gente cantando las últimas frases del tema a pura emoción. El final fue apoteósico. El concierto increíble, intenso, divertido…Algo difícil de repetir.
Un show que hemos disfrutado con todos los sentidos, porque la música de Transatlantic (al igual que la de Los Beatles) te llena de felicidad, y en este caso, en vivo se multiplica por la energía que ganan todos los temas.

Fernando Gonzalez

El concierto de Madrid, sala La Riviera, 13-mayo-2010

Video gentileza de Carlos Perrinó

Misplaced Childhood

2010-04-26T23:27:00.007+02:00

MARILLION - MISPLACED CHILDHOOD - 1985.

Misplaced Childhood, grabado en 1985, es uno de los mejores discos de la década del ochenta, es el mejor disco de Marillion y significó un antes y un después dentro del rock progresivo.
En aquellos años Marillion ya había grabado: “Scrip of a Jester´s Tear” y “Fugazzi”, y era un grupo más dentro de la escena neo prog. Liderados por el carismático frontman, cantante y letrista, Fish, por muchos motivos nunca les faltaron las comparaciones con Genesis de la época de Peter Gabriel, o con Peter Hammil. Pero con “Misplaced Childhood” los músicos de Marillion no sólo demostraron no ser meros imitadores de Genesis, sino que en pleno auge del pop y cuando parecía que el rock progresivo iba a desaparecer (ya que los trabajos de los grandes grupos de los ´70 estaban lejos de ser grandes obras) apareció este disco que logró dejar una huella importante en la historia de la música, y hoy es considerado un clásico y pieza esencial dentro del rock progresivo.
“Misplaced Childhood” es una gran historia unida a una gran interpretación musical. Su mayor logro es poder combinar lo elaborado del rock sinfónico con el lado más pop de las melodías. Los temas están enlazados magistralmente a modo de obra conceptual. La perfecta integración de las partes instrumentales con las letras está lograda mediante un delicado equilibrio entre belleza y dolor y por la natural fluidez con la que se unen las canciones para lograr un todo estructural perfecto. Las letras excelentes, son un pura poesía, el tono es totalmente melancólico y triste, haciendo siempre un guiño al pasado, ya que tratan sobre la pérdida de la niñez, la inocencia y el amor, la fama y la bajada a los infiernos, y la nostalgia de ver pasar la juventud.
Para destacar la portada de Mark Wilkinson cargada de símbología de la que se hace referencia en las letras (el niño descalzo, la urraca, el arco-iris, la flor).
A partir de este disco se les considera auténticos precursores del movimiento conocido como neo-prog, y con este trabajo, Marillion alcanzó su plenitud en los años ochenta.
Niñez Extraviada.
El disco da comienzo a partir de una suite conformada por cinco canciones. En “Pseudo Silk Kimono” una lejana introducción de teclados, misteriosa y solemne, y la intensa voz de Fish nos llevan directamente a la historia de esta obra. Es el espíritu de la infancia extraviada que le habla a su mente…
El brillante riff de guitarra del siguiente tema se une a continuación: "Kayleigh", el único tema con formato de canción, fue el hit single que sonó en todas las F.M. y permitió que Marillion fuera un éxito en todo el mundo. Se trata de una canción autobiográfica de Fish que cuenta una historia sobre un amor no correspondido. Su melodía es muy pegadiza y el solo de guitarra de Steve Rothery, memorable al mejor estilo David Gilmour, es simplemente espectacular. Sin interrupción se pega un pianito simple pero precioso, para dar paso a la balada “Lavender”, una canción llena de belleza y sentimiento.
Luego “Bittter Suite”, canción dividida en cinco partes. Esta suite nos lleva desde una oscura narración a un final de carácter épico que repite la melodía de “Lavender”, para cerrar con la maravillosa “Heart of Lothian”, tema compuesto de dos partes, que hace alusión a las tradiciones escocesas. la primera parte, o sea el lado A del disco de vinilo original se cerraba con este tema, y el lado B comenzaba a toda percusión con “Waterhole (Expresso Bongo)”, el tema menos trascendente de la obra. “Lords of the Backstage” se engancha a continuación con un ritmo pegadizo que da paso a otro momento de gran intensidad musical, la suite de cinco partes llamada “Blind Curve”. Aquí Fish nos cautiva con melodías brillantes que fluyen por encima de las geniales texturas que parten de los teclados y se mezclan con climas acústicos oscuros. Mark Kelly es el creador de esas atmósfera sutiles y ligeras, perfectamente acopladas a las guitarras de Steve Rothery (genial a lo largo de todo el disco) quien es el mayormente responsable de las partes instrumentales más impresionantes de este suite y de todo el álbum en general.
La siguiente canción tiene nombre en forma de pregunta “Childhood End?”. Sobre un ligero punteo de guitarra y un pegadizo riff de bajo, base de esta canción, se desarrolla una parte de la revelación del relato
El último tema, “White Feather”, cierra con fuerza y optimismo esta obra maestra que ha conseguido a través de los años dejar su selo de atemporalidad.

“Y era ya de día, y me encontré lamentándome por una infancia que creí perdida.
Miré por la ventana y vi una urraca en el arco iris, había dejado de llover.
No estoy solo, me giré hacia el espejo, y te vi, al niño que una vez amé,
el niño de antes de que le rompieran su corazón, nuestro corazón, el corazón que creí perdido.
¿Oye tú, te has sorprendido?, sí, más que sorprendido de saber que las respuestas a las preguntas
estuvieron siempre a simple vista....Entonces veo que soy yo, que puedo hacer lo que sea y que todavía soy el niño, porque lo único perdido fue el rumbo y lo reencontré.
No hay final para la infancia, porque eres mi amigo de la infancia, condúceme".

Voz: (Derek William Dick) Fish
Bajo: Peter Trewavas
Batería: Ian Mosley
Teclados: Mark Kelly
Guitarras: Steve Rothery

Fernando Gonzalez

Mentes sopechosas

2010-04-18T13:06:00.006+02:00

ELVIS Y NIXON

Richard Nixon y Elvis Presley se reunieron sorpresivamente el 21 de diciembre de 1970, el encuentro, que tuvo lugar en la Casa Blanca, es una de las anécdotas más raras protagonizada por el Rey del rock and roll con uno de los presidentes más conservadores de la historia.
La desclasificación de los documentos secretos en 1986 permitió conocer los detalles oficiales de este encuentro de características surrealistas.
En aquella época Estados Unidos libraba una guerra dentro y fuera de su territorio. Los conflictos racistas habían creado una profunda división en la sociedad norteamericana. En plena Guerra Fría, Washington intentaba guiar al mundo hacia la libertad contra el fantasma del comunismo, y en la guerra de Vietnam todo era un desastre.
Por su parte el rock se manisfestaba a través de diferentes expresiones artísticas, a veces rebeldes y transgresoras, utópicas e ingenuas en otros casos, pero siempre comprometido contra la guerra y a favor de la paz.
En una reunión breve y fuera de agenda, Elvis y Nixon demostraron tener varios puntos en común: a los dos los preocupaba la sociedad violenta, la juventud y el uso de drogas, la amenaza del comunismo y los conflictos raciales generados por las demandas de igualdad de derechos de los negros. Los dos eran personas sumamente egocéntricas que estaban pasando por una mala época en lo personal y en lo profesional. Por el lado de Elvis, había dejado de ser el número uno, desplazado por Los Beatles durante la década del sesenta. Por el lado de Nixon, estaba a punto de ser el primer presidente de Estados Unidos en perder una guerra, la de Vietnam.
La idea de Elvis era convertirse en agente federal para combatir el consumo de drogas en el mundo del espectáculo y la música. Para cumplir con su objetivo se había encaprichado con tener una insignia, y por ese motivo debía hablar con el presidente Nixon. Esta decisión de ofrecerse al servicio de un gobierno ultra conservador, justamente opuesta al espíritu del rock, rebelde y transgresor, no hace más que alimentar las contradicciones de alguien que había perdido el rumbo, y que paradójicamente, siete años más tarde aparecía muerto en su mansión de Menphis por una sobredosis de drogas…
El Presidente y el Rey.
El 21 de diciembre por la mañana, a las 9.30, Elvis, con una carta escrita por él, se presentó en la Casa Blanca y pidió una audiencia con el presidente Nixon. Los agentes del Servicio Secreto alertaron al consejero presidencial Egil Krogh. "Ha llegado el Rey", le comunicaron por teléfono. El asesor de Nixon miró la agenda del día y dijo: "Pero si hoy no esperamos a ningún monarca." "No, no. El Rey del Rock. Está aquí en la puerta", le aclararon los agentes del servicio secreto de la Casa Blanca...
Elvis entregó la carta para Nixon. Krogh le dijo que aquella visita los tomaba por sorpresa y que tuviera a bien regresar al hote, y que le llamarían a lo largo del día. Entonces Elvis se marchó.
La carta de Elvis estaba redactada con la mejor intención aunque de manera simple casi infantil, las cinco páginas estaban escritas a mano con renglones torcidos y tachaduras en papel con membrete de American Airlines. Entre palabras de admiración por Nixon y su preocupación por la sociedad decía "puedo ayudar a este país al que amo", y que para eso necesita una credencial de agente federal para tener autoridad. Le da el teléfono de su hotel y le dice que, si finalmente se reúnen, tiene un regalo para él. A las 12:30 Richard Nixon recibió a Elvis, quien le mostró al presidente su total apoyo y le dijo repetidas veces que estaba de su lado y que quería serle de utilidad. Quería restaurar el respeto por la bandera americana que había perdido la juventud. Luego siguió hablando sobre sus estudios en lavado de cerebro que hacían los comunistas, sobre el peligro de las drogas, y reiteró su incondicional apoyo al presidente: "Yo estoy de su lado", repetía, y le dio un sorpresivo abrazo. Luego Elvis defenestró a los Beatles (sus máximos admiradores) diciendo que “han sido una verdadera fuerza contra el espíritu americano, vinieron a este país, hicieron dinero, y luego regresaron a Inglaterra donde promovieron un pensamiento antinorteamericano". Luego entregó al presidente Nixon un regalo que simbolizaba a la perfección su espíritu pacificador y sus deseos de trabajar en aras de la reconciliación social: una pistola Colt 45 con siete balas de plata en el cargador…
El presidente Nixon le agradeció su visita diez días después a través de una carta breve, que no estaba firmada y que llevaba estampado simplemente un sello: "Richard Nixon".
Por pedido de Elvis, la reunión en la Casa Blanca se mantuvo en secreto por más de un año, hasta que el diario “The Washington Post” la publicó el 27 de enero de 1972.
No se sabe con certeza si Elvis se convirtió o no en agente, aunque algunos investigadores estiman que Elvis llegó a ser un informante del FBI.
Lamentablemente a Elvis se le había escapado la tortuga...

Fernando Gonzalez

Un Encuentro Inolvidable

2010-04-10T12:08:00.005+02:00

En el año 1998 The Rolling Stones y Bob Dylan salieron de gira por Sudamérica, coincidiendo la misma semana en la ciudad de Buenos Aires. La noche del 5 de abril de 1998 en el cuarto concierto de los Rolling Stones en el estadio Monumental de la ciudad de Buenos Aires, y ante setenta mil personas como testigos, se produjo el mágico encuentro de dos leyendas vivientes: Bob Dylan y The Rolling Stones.
Esta fue la segunda vez que Mick Jagger, Keith Richards, Charlie Watts, Ron Wood y Bob Dylan compartieron un escenario, ya que la primera fue el 27 de julio de 1995 en el teatro Grammont de la ciudad de Montpellier en Francia, y en ambas oportunidades se unieron para interpretar el clásico de Bob Dylan "Like a Rolling Stone".
La noche del encuentro de dos grandes.
Bob Dylan, el mayor exponente de folk rock americano de todos los tiempos, fue el principal telonero de la noche, y ante un público atento que le brindó un respetuoso silencio, interpretó durante una hora, once temas con su acostumbrado bajo perfil, mostrando su incorruptible imagen de genio huraño, sin juegos de luces ni pantalla gigante, pero acompañado de músicos expertos. Su set list se basó en temas de su último disco por aquel entonces "Time of Mind," y por supuesto en algunos clásicos de su extensa carrera como "Mr Tambourine Man" y "Highway 61".
El concierto de los Stones pertenecía al "Bridge to Babylon Tour", y como en la gira anterior llenaron cinco veces el estadio Monumental de Buenos Aires, igualando el récord de tres años atrás. Debo confesar que en la Argentina hay una exagerada pasión por los Stones que va más allá del bien y del mal, y por ese motivo convocan a varias generaciones en sus shows. Fueron sólo cinco recitales porque la gira debía continuar por otros países, sino creo que hubieran hecho cinco más...para la historia.
Promediando el concierto, que ya era una fiesta total de rock, Mick Jagger simplemente dijo: "Bob", y en ese momento el invitado especial Bob Dylan hizo su aparición en el escenario ante una impresionante ovación. Entre risas y miradas cómplices Dylan y Jagger cantaron a dos voces "Like a Rolling Stone", e hicieron vibrar de emoción a todo el estadio. Fueron alrededor de cinco minutos lo que duró ese momento en el que pudimos ver a estos dos mitos vivientes compartir el escenario, pero en realidad significó el encuentro de una banda que es sinónimo de rock and roll inalterable con el líder espiritual más influyente de la cultura rock.

Fernando Gonzalez.

The Dark side of Rainbow

2010-04-09T03:06:00.020+02:00

THE DARK SIDE OF RAINBOW

Si ponemos el disco “The Dark Side of the Moon” (1973) y el film “The Wizard of Oz” (1939) es decir, “El Mago de Oz”, justo cuando el león de la Metro Goldwyn Mayer ruge por tercera vez, veremos una película con una banda de sonido muy especial conocida como “The Dark Side of Rainbow”, título que surge de combinar el nombre de la obra maestra de Pink Floyd con “Somewhere Over the Rainbow”, el nombre del tema principal de la película. El resultado es realmente increíble y viviremos una experiencia alucinante.
Si la sincronización entre música y película está creada a propósito como banda sonora alternativa, podemos decir que el film sirvió de inspiración para crear el mejor disco de Pink Floyd, pero si el resultado se debe a la casualidad, podemos hablar de una “relación cósmica” entre estas dos obras clásicas en sus respectivos géneros, y eso la hace aún más misteriosa, mística y mágica. Creer o no a todo lo que aquí sucede corre por cuenta de la imaginación de cada uno, pero lo que no se puede negar son las innumerables coincidencias que en algunos pasajes existen en perfecta coordinación. Como ejemplos podemos citar la exactitud de algunos comienzos y finales entre canciones y escenas; algunos movimientos y bailes con el ritmo de la música; es notable cuando partes de las letras tienen que ver con la acción del momento; y si analizamos más finamente también existen guiños simbólicos.
Los miembros de Pink Floyd han dicho repetidamente que el fenómeno es pura casualidad, y en una entrevista dijeron: "Algún sujeto con demasiado tiempo en sus manos tuvo esta idea de combinar el film con The Dark Side Of The Moon”.
A pesar de lo dicho por los músicos, existen más de cien coincidencias.
Enumeraremos sólo algunas de las más curiosas y en orden de aparación, ya que no alcanzaría el espacio del blog para todas. El disco de Pink Floyd cabe dos veces y cuarto dentro de la película. La primera de las pasadas es la mejor en calidad y cantidad de detalles, pero llama la atención que en la segunda y tercera sigue habiendo coincidencias, algunas notables.

El Arco Iris de Pink Floyd.

Dorothy, la protagonista interpretada por Judy Garland, se balancea al comienzo cuando la letra de “Breathe” dice: “But only if you ride the tide, and balance on the biggest wave”. Luego ella se cae justamente cuando comienza “On the Run”. Luego llega el momento cuando Judy Garland canta “Somewhere Over the Rainbow” junto a su perrito Toto, aquí se pueden observar detalles muy curiosos. En “Time”, aparece la bruja en su bicicleta justo en el momento de los estridentes sonidos de campanas y timbres de relojes (el comienzo de algo malo…), luego el solo de guitarra de “Time” comienza justo cuando cambia la escena, y durante el mismo, las palabras que se ven en el anuncio del Profesor Marvel son "Pasado, Presente y Futuro", o sea el tiempo…Luego cuando Dorothy decide volver a casa, al haber consultado al profesor, la letra de “Breathe Reprise” canta: “Home, home again, I like to be there when I can”.
Llega el momento más espectacular de este hermoso delirio creativo. Una de las sincronicidades más maravillosas que he visto, la que sucede con “The Great Gig in the Sky”.
La canción comienza justo con el cambio de escena en la que se acerca un terrible tornado.
La voz dice "And I am not frightened of dying" ("Y no me asusta morir") cuando el tornado se dirige hacia la casa. La batería entra al mismo tiempo que un árbol es arrancado desde sus raíces por la fuerza del viento, y comienza a cantar la espectacular voz de Clare Torry. Sus gritos impresionantes son el reflejo del sentir de Dorothy pidiendo ayuda desesperadamente. La intensidad de la canción se detiene cuando Dorothy se golpea la cabeza y entra en un profundo sueño. La casa vuela por el cielo como bailando dentro del tornado...cómo se llamaba el tema?...ah! “El Gran Baile en el Cielo”… (Alcoyana-Alcoyana!).
Aún siguen las sorpresas. La casa aterriza en la tierra de “Oz”, Dorothy se despierta, se levanta y camina lentamente (la música se desvanece) y al abrir una puerta se da cuenta que ha entrado en otro mundo. Justo en ese momento suena la caja registradora de "Money" mientras se ve el color de Oz (o del dinero), porque la película cambia del blanco y negro al technicolor.
Una observación importante es la imagen del prisma de la portada del disco relacionada con el tema, como un símbolo para el paso blanco y negro al color.
En la siguiente canción “Us and Them” ocurren algunos detalles menores sutiles pero numerosos, los más notables: las bailarinas Munchkins entran en la línea "nosotros, nosotros, nosotros", mientras que los simpáticos Munchkins del gremio de Lollypop entran cuando la canción dice: "yo, yo, yo" bailando al compás de la canción. Luego la bruja, vestida de negro, aparece detrás de una cortina de humo justo cuando la letra canta “black”, mientras que cuando dice “blue” la cámara enfoca a Dorothy, que está vestida de color… (miren la película por si necesitan saberlo). La siguiente canción "Any Colour You Like" comienza cuando cambia la escena. Durante el tema "Brain Damage" el espantapájaros canta "Si sólo tuviera un cerebro”, además está bailando como un loco cuando la canción dice “the lunatic is on the grass”.
El final de la primera pasada del disco es alucinante cuando los latidos de “Eclipse” se producen mientras Dorothy intenta encontrar los latidos del inexistente corazón del Hombre de lata.
En la segunda y tercera pasada del cd, aunque parezca increíble las coincidencias siguen, aunque si bien son numerosas, son más sutiles y están mayormente vinculadas al contenido de las letras.La más notable se produce en el final de la película cuando la canción canta la letra "To hear the softly spoken magic spell" ("Escuchar el hechizo mágico suavemente pronunciado") mientras Dorothy pronuncia las palabras mágicas que la devolvieron a su casa: "No hay ningún lugar como el hogar."

Para terminar, un último dato: existe una relación directa entre la canción “Somewhere Over the Rainbow” y el arco iris de la portada del disco.
Después de leer todo esto, ahora compruébelo usted mismo. Vale la pena disfrutar de esta experiencia.

Fernando Gonzalez

El Desayuno del Siglo (un momento tranquilo)

2010-03-10T15:12:00.010+01:00

Supertramp fue una gran banda británica de pop sofisticado o progresivo melódico, con delicados arreglos sinfónicos y jazzeros, liderada por dos genios, Roger Hodgson (teclados, bajo, guitarra, voz) y Rick Davies (teclados, voz). El primero aportaba su imaginación y el optimismo con irresistibles melodías; El segundo aportaba la nostalgia blusera, sombría y melancólica de sus composiciones. Los dos lograron un perfecto ensamble, un equilibrio compositivo de altísimo nivel. Esa combinación de talentos dio como resultado una música de alto vuelo, un sonido único que supo anticiparse a su tiempo.
Rick Davies forma el grupo gracias al apoyo económico del excéntrico millonario holandés Stanley August Miesegaes. En el comienzo (1969) tuvieron algunos tropiezos, y a pesar de haber grabado dos discos, que si bien eran aceptablemente buenos, sufrieron la indiferencia del público, y el grupo se disolvió parcialmente.
Hodgson y Davies tuvieron que reinventar el concepto del conjunto y empezar nuevamente desde cero.
La etapa más ambiciosa y creativa de Supertramp comienza con la incorporación de los nuevos miembros: Bob C. Bemberg (batería), Dougie Thomson (bajo), y el genial John Helliwell (vientos y coros). Estos integrantes de la banda fueron fundamentales para el desarrollo del nuevo rumbo musical de Supertramp, aunque el factor más incidente y que marcó el aura del grupo fue cuando Roger Hodgson comenzó a usar el piano (sin abandonar su rol de guitarrista). El uso de dos teclados en la banda fue el sello característico del sonido de Supertramp. De esa manera, el grupo consiguió su definitiva formación y vivió su época gloriosa entre los años 1974 y 1979, con las obras "Crime of the Century”, “Even in the Quiet Moments”, y “Breakfast in America”. La trilogía dorada.
"Crime of the Century", es uno de los grandes discos de la historia del rock, es el primero de la trilogía, el más sinfónico, el más majestuoso. El disco que los haría mundialmente famosos.
La producción estuvo a cargo de Ken Scott, quien anteriormente había trabajado con Elton John, The Beatles, David Bowie, entre otros.
Fue un trabajo que originó un gran éxito de ventas (canciones como “School”, o “Dreamer” lograron alcanzar los primeros puestos tanto en las listas inglesas como en las norteamericanas), así como una crítica positiva por parte de los conocedores, ya que es casi una obra perfecta. Sus canciones, de gran calidad armónica y melódica, estructura elaborada y fastuosos arreglos orquestales, también contienen cierta conciencia social en sus letras.
El comienzo de este disco es un hito de la música, “School”, resultado de la fluída combinación de diferentes pasajes musicales que emocionan desde la misteriosa armónica del comienzo, el brillante solo de piano de la parte central del tema, las líneas irónicas de la letra, y el épico final.
“Bloody Well Right” nos ofrece una intro de piano muy blusera y espectacular de Davies, y una fuerza mágica de toda la banda.
“Hide in your Shell” es una bella y pegadiza melodía de Hodgson, una canción de cuento en donde se destacan los juegos de voces. Lluego la emocionante y expresiva “Asylum”, una de las mejores canciones del disco, con un Davies brillantemente inspirado.
“Dreamer” es el hit single radial de difusión típico de la fórmula del éxito de Supertramp.
“Rudy”, una suite con altas dosis de jazz que nos lleva por varios cambios de ritmo, también alcanza uno de los momentos más intensos del disco con un final de orquesta.
Con "If everyone was listening" regresa la calma. Una hermosa balada de Roger Hodgson llena de nostalgia y sutilezas.
Por último, la desgarradora “Crime of the Century” cierra el disco con un final conmovedor en donde queda flotando una misteriosa y sombría orquestación que nos envuelve y nos lleva con ella lentamente.
No nos vamos a detener en el siguiente disco “Crisis?, What Crisis?”, ya que si bien contiene alguna joyas de la discografía de la banda como “A Soapbox Opera” o “Ain´t Nobody But Me”, es prácticamente la segunda parte de “Crime”. Es un disco que no incluiremos en esta selección porque creemos que no está a la altura de esta trilogía, ya que se elaboró con material sobrante de “Crime of the Century”, y el resultado es algo desparejo.
Luego de una gira mundial que duró casi un año, deciden cambiar de productor, y para el siguiente trabajo Dougie Thompson se hace cargo de la producción musical. El resultado es “Even in the Quiet Moments”, el trabajo más introspectivo, el más íntimo en la carrera de la banda. Desde su portada, con un piano lleno de nieve, se nota el protagonismo de lo sutil, y obviamente del piano.El disco contiene los hits radiales “Give a Little Bit” y “Babaji” de Roger Hodgson, además de joyas sinfónicas y sutiles climas cargados de belleza como “Lover Boy” e “Even in the Quiet Moments”. Por supuesto que no faltan los etéreos adornos jazzísticos característicos de siempre, por ejemplo en “Downstream”, aunque hay dos temas que se destacan por sus matices orquestales, la mágica "From now on", y por supuesto la épica "Fools Overture".
Aquí comienzan los enfrentamientos por diferencias musicales entre los dos líderes compositivos, Hodgson y Davies. Por ese motivo componen casi todo el material por separado, pero con la intención de darle lo mejor a la banda, y a pesar de ello lograron un excelente disco.
El siguiente trabajo, “Breakfast in America” significó el triunfo absoluto del pop sofisticado, es una obra con clara tendencia comercial, mucho más accesible al oído que los anteriores y conceptualmente muy bien lograda en lo que se refiere a la perfección del sonido y al estilo propio, pero lo que hay que destacar es que cada tema es una joya perfectamente trabajada y convertida en hit.
Con este disco Supertramp consigue un éxito total. Desde entonces han vendido millones de copias en todo el mundo, pese a todo, los enfrentamientos contínuos entre Hodgson y Davies ya no tendrían marcha atrás.
Este álbum cuenta con los hit mundiales: “The Logical Song”, ”Take the Long Way Home”, “Goodbye Stranger” y “Breakfast in America”. Temas que se han emitido por todos los medios.
Pero también hay mucho material para destacar como la genial “Just Another Nervous Wreck” de Davies y "Lord is it mine?", preciosa balada nostálgica de Roger Hodgson con cautivantes sonidos de piano y saxo.
Pero lo más interesante del disco son los temas del principio y el final, las enigmáticas “Gone Hollywood” y “Child of Vision”, temas que se destacan por su estructura progresiva.
El hipnótico fade out de “Child of Vision” suena como una lenta despedida de la mejor etapa de la banda, aquella que comenzó como un amanecer con aquel lejano llamado de armónica de “School”.
La historia continuó con un álbum doble en vivo grabado en París en 1980. Dos años más tarde vino el disco “Famous Last Words“, y luego Hogdson abandona el grupo tras la última gira para continuar caminos diferentes hasta el día de hoy.

Fernando Gonzalez

Carnival of Light

2010-02-10T02:26:00.006+01:00

CARNIVAL OF LIGHT

No se guardó ningún registro sobre quién tocó cada instrumento, nunca fue editada oficialmente, aunque se sabe que su grabación fue después de las sesiones de voces de “Penny Lane”, el 5 de enero de 1967 en Abbey Road 2.
Esta experimentación musical compuesta por Paul Mc Cartney, fue grabada 18 meses antes de “Revolution 9”, de John Lennon, es decir que fue su antecesora…

Antecedentes, conceptos y entorno.
La “Musique concrète” era conceptualmente un collage de grabaciones empalmadas y luego procesadas que inventó Pierre Schaeffer (técnico de sonido de Radio France) en 1948.
En la década siguiente el maestro Karlheinz Stockhausen exploró con sonidos electrónicos y llevó aún mucho más lejos las fronteras de la experimentación, creando un nuevo idioma musical que más tarde influyó en grandes músicos como Frank Zappa, Pink Floyd, Faust y muchos más.
Paul admirada la obra maestra de Stockhausen “Gesang der Jünglinge”. A diferencia de John, cuyo interés por el “Avant-garde” comenzó cuando conoció a Yoko Ono, Paul estaba muy interesado en la vanguardia contracultural de Londres, el free jazz, la música clásica y en la experimentación con “loops” caseros, que le permitieran encontrar nuevos sonidos buscando activamente el “azar accidental”.
El evento multimedia especializado en música electrónica “Million Volt Light and Sound Rave”, fue organizado por el trío de artistas underground del momento, los diseñadores Douglas Binder, Dudley Edwards y Dave Vaughan.
Paul Mc Cartney fue invitado para crear un tema para estrenar en ese happening celebrado el 28 de enero y el 4 de febrero de 1967 en el teatro Roundhouse de Camden Town, en Londres.
Durante las dos noches que duró este evento hippie, sonó varias veces la cinta que Los Beatles grabaron, mientras reinaba un espíritu antibélico que invocaba al amor y a la paz, y celebraba las drogas alucinógenas.

Carnaval de luz.
El tema resultante de la alucinógena sesión del 5 de enero de 1967, en la que los cuatro beatles improvisaron a la vez, y según McCartney tuvo como pauta ser completamente libres, es un viaje que dura trece minutos y cuarenta y ocho segundos.
“Es oficialmente mia. Yo la impulse. No hay letra, es musica “avant-garde”. La catalogarías como… bueno, realmente no podrías catalogarla, pero sería parecida al trabajo de Stockhausen/John Cage... John Cage sería el más cercano.
Me sugirió hacerla, en el 67, Barry Miles, el que hizo mi libro "Many Years From Now", me la pidió para su actuación en "The Roundhouse" llamada "Carnival Of Light", así fue como se creó su título. Me pidió que escribiese una pieza de quince a veinte minutos, y me metí en esa cosa sobre todo para no grabar con The Beatles, solo por eso. Entré en el estudio y les dije a los chicos: Miren, tenemos media hora antes de que la sesión comience: ¿Les importaría mucho si hacemos esta cosa?
“Les dije: todo lo que quiero es que se pongan a deambular entre los instrumentos, golpéenlos, griten, tóquenlos, no tiene que tener ningún sentido. Péguenle a un tambor y luego vayan al piano, golpeen unas teclas, simplemente deambulen por ahí’”, recuerda McCartney. Y eso fue lo que hicieron. “Luego le pusimos un poco de eco. Fue algo muy libre”.
“Esto es un disco Beatle. Y todos ellos conectaron con el espíritu del tema…”
Una vez grabada la música, John y Paul comenzaron a gritar en los micrófonos lo primero que se les ocurría. John Lennon, gritaba como un loco: ¡Barcelona, Barcelona, Barcelona!
El resultado fue una pieza, que según los expertos, es un claro tributo al músico alemán Karlheinz Stockhausen, aunque cuando el productor George Martin la escuchó, simplemente sentenció: “Esto es una mierda”.

“Actualmente tengo un proyecto en el que estoy envuelto… Entre las muchas cosas hice una, llamada "The Grateful Dead Photo Film", usando fotos de Linda y haciéndolas moverse creando un cortometraje artístico que presenté en festivales y eventos. Actualmente estoy en el proceso, pero tengo un foto-film de The Beatles en la recámara y me gustaria usar "Carnival Of Light" como parte de la banda sonora…
“Carnival of Light” estuvo considerada para introducirla en "Anthology" pero George la vetó. No le gustaba. Quizás su momento no ha llegado todavía”.

Fernando Gonzalez

Una noche con Rick Wakeman

2010-01-26T20:50:00.009+01:00

Rick Wakeman- 13 Septiembre 2000 - Teatro Gran Rex, Buenos Aires - Argentina

La noche del 13 de septiembre del año 2000 fue muy especial para mí por varios motivos.
Actuaba en Argentina por tercera vez en su trayectoria, el virtuoso tecladista y compositor Rick Wakeman. Esta vez junto a The English Rock Ensemble, presentaba su último disco “Return to the Centre of the Earth” en el teatro Gran Rex de Buenos Aires. En 1982 y 1993, años de sus visitas anteriores, no lo pude ver, motivo suficiente para aprovechar esta oportunidad de ver a este genio por primera vez.
Pero la causa principal por la cual yo estuve allí esa noche fue para acompañar a mi amigo Sergio Alvarez, otro gran tecladista sinfónico, que tocaba como número de apertura de Rick Wakeman.
Era emocionante participar del backstage, ante el misticismo de las tribunas vacías del imponente Gran Rex, y estar allí presente mientras los asistentes de Wakeman dejaban todo listo y en óptimas condiciones, junto a la docena de teclados que esa noche el enorme Rick iba a tocar.
Sergio Alvarez entró en escena ante más de la mitad de la sala llena, y mientras la gente seguía entrando, nos deleitó con los temas de su gran disco “Pasaje a la Revelación”, y se lució dejando boquiabiertos a más de uno que solamente pensaba disfrutar con el show de Wakeman. Al finalizar el set de Sergio, bastante corto por cierto, tuvimos que desarmar rápidamente y nos quedamos a esperar junto a la entrada del escenario al gran Rick.
Fue una gran emoción ver la aparición del gigante desde el pasillo de los camarines, viniendo hacia nosotros con su enorme figura envuelta en una capa blanca rodeado de asistentes y cámaras que filmaban el show. Y junto al maestro entraron sus músicos, el cantante Damian Wilson, el guitarrista Ant Glynne, el bajista Lee Pomeroy, el inseparable baterista Tony Fernandez, y el tecladista Adan Wakeman (su hijo).
Mientras la banda a pleno comenzaba a tocar el repertorio elegido por los fans (a través de internet) para que tocaran en esta gira y que el propio Wakeman definió como “The Show of the People”, comenzó a desfilar una selección de temas de los inmortales cásicos de “The Myths and Legends of King Arthur and the Knights of the Round Table”, “The Six Wives of Henry VIII” y “Journey to the Centre of the Earth”, sus obras cumbres.
Era un privilegio presenciar esa actuación desde el mismo escenario (a la derecha de Rick) y disfrutar de la interpretación y virtuosismo de Rick Wakeman como nunca.
The English Rock Ensemble nos ofrecía una demostración de solidez, equilibrio y magnificencia, y en medio de ese ensueño, en una de sus rápidas salidas del escenario, el inquieto carismático cantante Damian Wilson, me dejó en la mano el micrófono cuando las partes instrumentales eran muy largas y él salía de escena. Cuando Wilson regresó, yo se lo devolví, entonces ya me sentí parte del show!
Pero la mejor anécdota llegó cuando finalizó la primera parte. Mientras los músicos se retiraban y algunos distraídos del público también, alguien del staff desesperadamente dijo que había que anunciar la segunda parte del show. Pero nadie se hacía cargo, entonces tomé coraje y fui hacia el micro que antes había tenido en mis manos, y con voz de locutor en off anuncié: “Damas y caballeros, por favor no se retiren porque en 15 minutos comienza la segunda parte del show de Rick Wakeman”. Por supuesto que me aplaudieron, y ese fue mi humilde momento de gloria, la noche que Rick Wakeman llenó de magia progresiva el teatro Gran Rex de Buenos Aires. Mi experiencia al borde del escenario terminó en ese momento ya que para la segunda mitad me fui con mis amigos a disfrutar desde la platea baja, y a reírnos porque me reconocieron la voz en off.
La segunda parte tuvo un set list más variado que incluyó algunos clásicos, temas de su última obra, una versión sinfónica de “Eleonor Rigby” de The Beatles, y “Starship Trooper” de Yes. Pero lo más destacable tuvo como protagonistas a padre e hijo, Rick y Adam Wakeman batiéndose a duelo de teclados portátiles en el tema “Merlin the Magician”, dando una espectacular demostración de talento, que el público respondió con una ovación impresionante.
Al finalizar el concierto estuvimos con Rick quien nos atendió muy amablemente, con la humildad que tienen los grandes.
El concierto se editó en dvd poco tiempo después, pero los momentos y las anécdotas que vivimos esa noche nos provocan una sonrisa cada vez que los recordamos.

Fernando Gonzalez

Queen II, la reina blanca y negra

2010-01-17T12:42:00.013+01:00

QUEEN II - 1974

El segundo disco de Queen, un trabajo soberbio y virtuoso, mostró los dos lados de una banda muy compleja y fue el paso inicial hacia su cumbre creativa "Bohemian Rhapsody".
Grabado en los "Trident Studios", en Londres, Inglaterra en el mes de agosto de 1973, su edición se retrasó hasta marzo de 1974 debido a la crisis del petróleo.
Sin dudas es el disco menos comercial de la banda, es una obra en donde todos los temas están elaborados al máximo. A pesar de todo, este álbum, al igual que el primero, pasó injustamente desapercibido en su momento.
En Queen II, el grupo juega constantemente con el concepto artístico del contraste entre el blanco y el negro. La famosa foto de la portada, utilizada luego en el video de “Bohemian Rhapsody”, es predominantemente negra, y es opuesta a la interior, que es blanca. Además los dos lados del LP original fueron nombrados como “lado blanco” y “lado negro”. El primero está dominado por composiciones de Brian May, y allí se destaca la canción “White Queen”, en cambio en el “lado negro”, íntegramente compuesto por Freddie Mercury, obviamente está…”The March of the Black Queen”, y en cada uno su correspondiente foto de la banda vestida de blanco o de negro. A pesar de que existen esas dos caras distintas, el disco es una unidad homogénea, manteniendo su particular estilo. Las combinaciones de hard rock con arreglos sinfónicos y la mágica explosión de coros operísticos junto a pasajes más oscuros nos muestran que “Queen II” es un gran disco, pero lo más audaz de este trabajo es que une tal vez por primera vez en la historia, la ópera y el rock.
Queen demuestra toda su capacidad de hacer una música increíble y sin recurrir al uso de sintetizadores en el estudio de grabación, como en todos los discos que grabó en la década del setenta, sin dudas la mejor época del cuarteto de Londres cuando sólo hacían música virtuosa y compleja, la que abandonaron en los años ochenta.

El disco comienza con "Procession" un solemne himno instrumental de Brian May con el que a veces comenzaban sus shows. Luego una misteriosa introducción nos lleva a la primera gran canción, "Father to son", tema de hermosa melodía sobre una predominante base pesada en donde los cuatro músicos se lucen, y Freddie nos deleita con su dulce y aguda voz. El protagonismo constante de las guitarras de May nos introduce en una canción llena de magia, "White queen (As it Began)", una impresionante composición. Luego la electroacústica “Some Day One Day”, cantada por May con su característico toque de nostalgia, para cerrar el lado blanco con la más heavy de todas “The Loser in the End” compuesta y cantada por Roger Taylor con su voz áspera.
El lado negro, una obra enigmática enteramente compuesta por Freddie, es virtuosismo en estado puro. Aquí hay de todo: ritmos vertiginosos, climas épicos, coros increíbles, cambios de ritmos, melodías preciosas, todo eso llevado al límite, creando una pared de sonido contínua y consiguiendo llevar al oyente por un viaje a través de una atmósfera sonora envolvente y de latente oscuridad...
El éxtasis vertiginoso de "Ogre Battle", nos remonta a otras épocas. Los fantásticos coros a tres voces en donde impactan los tremendos agudos de Roger Taylor se enganchan con la exótica "The Fairy Fellers Master Stroke", una canción delirante en donde Freddie se explaya a placer con sus múltiples juegos de voces imaginativos. Sin interrupciones todo cambia de repente, y ese delirio operístico se transforma en una balada nostálgica, "Nevermore", en donde Freddie canta como nunca una melodía increíble…piano, sentimiento, coros…todos sublimes…
A continuación la canción que marcó el antecedente de "Bohemian Rhapsody": "The March Of The Black Queen", seguramente la mejor del disco. Es una canción muy compleja, que muestra lo mejor de la banda a través de sus barroquismos instrumentales y constantes cambios de ritmo con habilidad y destreza. El "horror al vacío" que se percibe entre tanto virtuosismo instrumental es extraordinario ya que no nos da un solo respiro.
A continuación "Funny Love Is", el tema más simple y pegadizo entre tanto derroche de talento, es el puente hacia la canción que cierra el disco "Seven Seas Of Rhye", tema que se editó como el único single del álbum.
“Queen II” es una obra conceptual, el trabajo más complejo de la banda en cuanto a interpretación y creación se refiere, y también el primer paso para lo que vendría poco tiempo después: "Bohemian Rhapsody". Pero eso ya es otra historia…

Fernando Gonzalez