Johann Baptist Lampi el Viejo y el Joven en el Belvedere

La exposición «Overpainted and Uncovered», que puede visitarse en el Belvedere del 13 de mayo al 11 de octubre de 2026, analiza cómo las intervenciones alteraron el significado de las obras de Johann Baptist Lampi el Viejo y el Joven

Fuente: Belvedere · Imagen: Johann Baptist Lampi el Joven, Venus durmiendo con Cupido frente a un espejo, 1826 (estado tras la eliminación de la repintura, 2024)

¿Qué tienen en común un retrato familiar neoclásico y un cuadro biedermeier de Venus? Tanto el retrato de Caroline y Viktor von Tomatis, obra de Johann Baptist Lampi el Viejo, como el cuadro Venus durmiendo frente a un espejo con Cupido, de su hijo homónimo, fueron repintados de forma significativa. Esta exposición de IN-SIGHT analiza cómo estas importantes intervenciones alteraron el significado de ambas obras.

Durante su estancia en Varsovia en 1788/89, Johann Baptist Lampi el Viejo pintó varios retratos de la familia Tomatis. La bailarina milanesa Catarina, de soltera Filipazzi, se había trasladado a Varsovia con el empresario Carlo Tomatis en 1765. Uno de los tres retratos de la familia realizados por Lampi muestra a dos de sus hijos, Caroline y Viktor, de pie a ambos lados de un busto. Las imágenes de rayos X e infrarrojos de 2016 revelaron que este busto era una repintura: oculto bajo las capas de pintura hay un retrato de su madre, Catarina, abrazando a sus hijos. Esta exposición cuenta la historia de la familia Tomatis basándose en esta obra, otros retratos y material de archivo.

Cupido emergió, oculto bajo una superficie negra. Al borrar al dios del amor, el contenido mitológico de esta obra había pasado a un segundo plano. Esto ayuda a explicar por qué el cuadro se interpretó posteriormente como un retrato de Emilie Victoria Kraus, una de las amantes de Napoléon, en dos novelas del siglo XX ambientadas en Salzburgo. Fue precisamente esta interpretación errónea la que allanó el camino hacia la popularidad del cuadro, llegando incluso hasta Paraguay. Ahora, por primera vez desde la revelación de Cupido en 2024, el cuadro se mostrará al público con su título original.

Esta exposición descubre las capas de significado contenidas en dos pinturas, que habían quedado ocultas por la repintura. Demuestra que el significado de las obras de arte puede alterarse significativamente una vez que salen del estudio del artista: un retrato familiar que expresaba el amor de una madre por sus hijos se transformó en un memorial, y una Venus idealizada se convirtió en el retrato de una celebridad local de Salzburgo.

La National Gallery presenta la primera gran exposición en el Reino Unido dedicada a Francisco de Zurbarán

La primera gran exposición monográfica en el Reino Unido dedicada a Francisco de Zurbarán (1598-1664) se puede visitar en la National Gallery del 2 de mayo al 23 de agosto de 2026.

Fuente: National Gallery · Imagen: Francisco de Zurbarán, «Agnus Dei», Museo del Prado.

Junto con Diego Velázquez (1599-1660) y Bartolomé Esteban Murillo (1617-1682), Zurbarán fue uno de los pintores más destacados de la España del siglo XVII. Sus pinturas, que incluyen impresionantes representaciones de santos a tamaño natural, retablos de gran envergadura y bodegones contemplativos, son célebres por su naturalismo, su franqueza y su profundo poder emocional.

Esta exposición es la primera muestra dedicada a las pinturas del artista en la National Gallery desde 1994, cuando se exhibió en la Sala Sunley la serie «Jacob y sus doce hijos», procedente del castillo de Auckland. Varias obras de Zurbarán también formaron parte de «The Sacred Made Real», una exposición celebrada en 2009-2010.

Esta exposición, compuesta por casi 50 pinturas, abarcará toda la trayectoria cronológica e iconográfica de la carrera del artista. Reunirá obras excepcionales de la colección de la National Gallery (entre ellas Santa Margarita de Antioquía, Una copa de agua y una rosa y el Bodegón con limones en una cesta de mimbre de Juan de Zurbarán) con pinturas del Museo del Louvre (San Buenaventura en su féretro y Santa Apolonia) y del Art Institute of Chicago (La crucifixión, «San Romano de Antioquía» y «San Barulas», así como «Flores y frutas en un cuenco chino», de Juan de Zurbarán), los dos museos asociados a los que viajará la exposición entre octubre de 2026 y junio de 2027. Otros préstamos importantes procedentes de Francia («San Francisco de Asís», Musée des Beaux-Arts de Lyon), España («Agnus Dei», Museo Nacional del Prado; «La Inmaculada Concepción», Museu Nacional d’Art de Catalunya) y Estados Unidos («Cristo y la Virgen en la casa de Nazaret», Museo de Arte de Cleveland) completarán este exhaustivo recorrido por la trayectoria de Zurbarán, que pretende evocar el misterio, la visión y la fuerza de su arte.

Cataratas del Niágara: Niebla y majestuosidad en la NGA de Washington

La exposición «Cataratas del Niágara: Niebla y majestuosidad», que se podrá visitar en la Galería Nacional de Arte del 2 de mayo al 20 de septiembre de 2026, explora las múltiples historias de las cataratas del Niágara desde principios del siglo XIX hasta la actualidad.

Fuente: Galería Nacional de Arte, Washington · Imagen: Frederic Edwin Church, «Niágara», 1857, óleo sobre lienzo

Esta exposición conmemora el bicentenario del nacimiento del célebre pintor paisajista Frederic Edwin Church en 1826. Su icónico panorama Niágara (1857) es el eje central de una presentación de aproximadamente 20 obras que revelan la evolución de las perspectivas sobre las cataratas. «Niagara Falls: Mist and Majesty» incluye grabados, dibujos y fotografías del siglo XIX de artistas como Régis François Gignoux y Platt D. Babbitt que capturaron la experiencia de visitar el lugar. Algunas de estas imágenes, como una fotografía de 1880 de George Barker, también desempeñaron un papel en el movimiento de preservación liderado por Church y el arquitecto paisajista Frederick Law Olmsted. Otras obras enfatizan la importancia de la cascada para las personas esclavizadas que buscaban su libertad.

Una obra en vídeo de Shelley Niro (Mohawk [Seis Naciones del Gran Río, Brantford, Ontario]) y una pintura recientemente adquirida de Kay WalkingStick (Nación Cherokee de Oklahoma) destacan la importancia de las cataratas del Niágara para los pueblos indígenas. Aprovechando la popularidad de las cataratas del Niágara como atracción turística, un autorretrato tomado por Tseng Kwong Chi juega sutilmente con las convenciones de la fotografía turística para explorar la identidad nacional y las percepciones de la diferencia cultural, mientras que las fotografías contemporáneas de Alec Soth revelan a las personas, tanto residentes como visitantes, que ahora pueblan un lugar radicalmente alterado con respecto a la belleza salvaje del cuadro de Church.

La exposición está organizada por la Galería Nacional de Arte de Washington. La exposición está comisariada por Sarah Cash, conservadora adjunta del departamento de pintura americana y británica, y Diane Waggoner, conservadora de fotografía del departamento de fotografía, ambas de la Galería Nacional de Arte.

Monet y Venecia en los Museos de Bellas Artes de San Francisco

La exposición «Monet y Venecia», que se puede visitar en San Francisco del 21 de marzo al 26 de julio de 2026, reúne más de veinte vistas venecianas de Monet procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo.

Fuente: Museos de Bellas Artes de San Francisco · Imagen: Claude Monet, El Gran Canal, Venecia, 1908. Óleo sobre lienzo. Museos de Bellas Artes de San Francisco, donación de Osgood Hooker, 1960.29

Comisariada conjuntamente por Lisa Small, conservadora jefe de arte europeo del Museo de Brooklyn, y Melissa Buron, antigua directora de asuntos curatoriales de los Museos de Bellas Artes de San Francisco y actual directora de colecciones y conservadora jefe del Victoria & Albert Museum de Londres, la exposición ofrece a los visitantes una oportunidad única de experimentar la visión singular que Monet tenía de la legendaria ciudad.

«En diez semanas, en 1908, Monet capturó el etéreo paisaje urbano de Venecia en lienzos resplandecientes, creando obras diferentes a todas las producidas por los artistas que pintaron la ciudad antes que él durante siglos», afirmó Thomas P. Campbell, director y consejero delegado de los Museos de Bellas Artes de San Francisco. «Explorar las pinturas de Monet junto con las de otros artistas sobre Venecia nos permite profundizar en nuestra comprensión de sus innovaciones a la hora de capturar los efectos atmosféricos en el lienzo y la inspiración perdurable de la laguna veneciana. Agradecemos al Museo de Brooklyn su colaboración para hacer realidad esta exposición».

El propio Monet comentó en una ocasión que Venecia era «demasiado bella para ser pintada», y quizá sea precisamente esa belleza, junto con la fama de la ciudad, lo que ha eclipsado la importancia y la audacia de las obras que allí creó. A menudo eclipsadas por sus icónicas representaciones del paisaje francés, las obras venecianas de Monet se encuentran entre las más luminosas y, sin embargo, menos exploradas de su carrera.

Rafael: Poesía sublime en el Museo Metropolitano de Arte

«Rafael: Poesía sublime», que se podrá ver del 29 de marzo al 28 de junio de 2026 en el Museo Metropolitano de Arte, es la primera exposición internacional completa en Estados Unidos sobre Rafael (Raffaello di Giovanni Santi; 1483-1520), considerado uno de los artistas más grandes de todos los tiempos.

Fuente: Museo Metropolitano de Arte · Imagen: Rafael: «Madonna Alba», c. 1511 (detalle)

Esta exposición histórica explorará toda su vida y su carrera, desde sus orígenes en Urbino hasta sus prolíficos años en Florencia, donde comenzó a destacar como igual de Leonardo da Vinci y Miguel Ángel, hasta su última década en la corte papal de Roma. La exposición, que reúne más de 200 de los dibujos, pinturas, tapices y artes decorativas más importantes de Rafael, procedentes de colecciones públicas y privadas de todo el mundo, ofrecerá una nueva perspectiva sobre esta figura definitoria del Renacimiento italiano, presentando sus famosas obras maestras junto con tesoros poco conocidos para revelar una mente extraordinariamente creativa.

«Esta exposición sin precedentes ofrecerá una visión innovadora de la brillantez y el legado de Rafael, un auténtico titán del Renacimiento italiano», afirmó Max Hollein, director ejecutivo y director general de Marina Kellen French del Met. «Los visitantes tendrán la oportunidad excepcional de contemplar la impresionante variedad de su genio creativo a través de algunas de las obras más emblemáticas y menos prestadas del artista, procedentes de todo el mundo, muchas de las cuales nunca antes se habían expuesto juntas».

Entre las obras más destacadas se encuentra La Virgen y el Niño con San Juan Bautista en un paisaje (La Virgen de Alba), de la Galería Nacional de Arte, uno de los ejemplos más emblemáticos del dominio de Rafael sobre los ideales de armonía y belleza clásica del Alto Renacimiento, que se unirá a sus dibujos preparatorios del Museo de Bellas Artes de de Lille, y el Retrato de Baldassarre Castiglione, actualmente en el Louvre, considerado por muchos como uno de los mejores retratos del Alto Renacimiento.

Stubbs: Retrato de un caballo en la Galería Nacional

Del 12 de marzo al 31 de mayo de 2026, la Galería Nacional presenta una nueva exposición dedicada a George Stubbs (1724-1806). 

Fuente: Galería Nacional · Imagen: George Stubbs, “Scrub, un caballo bayo perteneciente al marqués de Rockingham”, hacia 1762. Colección privada

El único retrato de un caballo a tamaño real de Stubbs que aún se conserva en una colección privada, y que solo se ha expuesto al público en una ocasión, «Scrub, un caballo bayo perteneciente al marqués de Rockingham» (hacia 1762), se exhibirá en la exposición junto con otras pinturas y obras sobre papel de Stubbs.

Los visitantes también podrán compararlo con la obra maestra del artista Whistlejacket (hacia 1762), perteneciente a la colección de la National Gallery, que se expondrá cerca, en la sala 34. Los dos retratos ecuestres fueron pintados el mismo año para el marqués de Rockingham (1730-1782), propietario de ambos antiguos caballos de carreras. Posteriormente, decidió no comprar el cuadro de Scrub.

Estas dos pinturas son dos de los primeros retratos de caballos a tamaño real representados sin presencia humana en el arte británico y muestran cómo, en la segunda mitad del siglo XVIII, Stubbs cambiaría la pintura ecuestre para las generaciones futuras gracias a su aguda observación y sus estudios anatómicos. La exposición se centrará en la creación de Scrub y contextualizará el encargo a través de dos importantes proyectos realizados por el artista en los que el caballo es el tema principal.

Ferdinand Georg Waldmüller: «Fiel a la naturaleza» en el Belvedere

Del 27 de febrero al 14 de junio de 2026, el Belvedere presenta la exposición «Ferdinand Georg Waldmüller: Fiel a la naturaleza».

Fuente: Ferdinand Georg Waldmüller. Imagen: Ferdinand Georg Waldmüller: «Las ruinas del castillo de Liechtenstein cerca de Mödling», 1848.

La pintura de paisaje vivió su apogeo en toda Europa durante el siglo XIX. Ferdinand Georg Waldmüller formó parte de este desarrollo, captando el anhelo de las personas por el mundo natural en sus íntimos retratos de árboles, amplios paisajes del Bosque de Viena y vistas icónicas del Salzkammergut. Esta exposición arroja luz sobre los paisajes de Waldmüller en el contexto de su tiempo. Contemporáneos pioneros, como John Constable y Jean-Baptiste Camille Corot, nos inspiran a explorar las representaciones de la naturaleza de Waldmüller en el marco de desarrollos europeos más amplios.

La exposición

En la primera mitad del siglo XIX, muchos artistas progresistas de toda Europa lanzaron un llamamiento rotundo para que el arte fuera fiel a la vida. Los artistas dirigieron cada vez más su atención a los paisajes de su entorno natal porque, en la era de la industrialización, las personas deseaban pasar más tiempo en el mundo natural, aprender sobre él y llevar la naturaleza a sus hogares en forma de imágenes.

Ferdinand Georg Waldmüller (1793–1865), un pintor austríaco fundamental del periodo Biedermeier, se propuso pintar «la naturaleza que nos rodea, nuestro tiempo, nuestras costumbres». Sus retratos, escenas de género y paisajes fieles a la realidad polarizaron la opinión pública. El paisaje fue clave en su obra: como fondo, como tema en sí mismo y como expresión de la conexión entre la humanidad y la naturaleza. Fue un interés que perduró hasta el final de su vida.

La Galería Courtauld presenta “Seurat y el mar”

Del 13 de febrero al 17 de mayo de 2026, la Galería Courtauld presenta la exposición «Seurat y el mar».

Fuente: Galería Courtauld. Imagen: Georges Seurat: Paisaje marino en Port-en-Bessin, Normandía, 1888.

La Courtauld presentará la primera exposición dedicada a los paisajes marinos del artista francés Georges Seurat (1859-1891). Esta importante exposición, que se inaugurará el 13 de febrero de 2026, será la primera dedicada a Seurat en el Reino Unido en casi 30 años. En ella se trazará la evolución de su estilo radical y distintivo a través del motivo recurrente del mar.

La exposición Griffin Catalyst: Seurat y el mar sigue a otras importantes exposiciones impresionistas del Courtauld, como Los jugadores de cartas de Cézanne, Van Gogh. Autorretratos y, más recientemente, la aclamada exposición Griffin Catalyst: Monet y Londres. Vistas del Támesis, que recibió una cifra récord de 120 000 visitantes y agotó todas las entradas, incluyendo la ampliación del horario de apertura para satisfacer la demanda.

La Courtauld posee la mayor colección de obras de Seurat del Reino Unido. El artista es conocido principalmente por ser el creador de la técnica neoimpresionista, en la que las formas y la luz se representan mediante la yuxtaposición de pequeños puntos de color puro. Debido a su prematura muerte a los 31 años, Seurat tiene un número muy reducido de obras y las exposiciones dedicadas a él son poco frecuentes.

La exposición Griffin Catalyst: Seurat and the Sea reunirá alrededor de 23 pinturas, bocetos al óleo y dibujos realizados por Seurat durante los cinco veranos que pasó en la costa norte de Francia, entre 1885 y 1890. Trabajando en ciudades portuarias a lo largo del Canal de la Mancha, como Honfleur, Port-en-Bessin y Gravelines, Seurat capturó sus paisajes marinos, regatas y actividad portuaria con su distintiva técnica neoimpresionista. Buscaba, en sus propias palabras, «lavar sus ojos de los días pasados en el estudio [en París] y traducir de la manera más fiel posible la brillante claridad, en todos sus matices».

Divino Color: Grabados hindúes de la Bengala moderna en el MFA de Boston

Del 31 de enero al 31 de mayo de 2026, el Museo de Bellas Artes de Boston presenta la exposición «Divine Color: Grabados hindúes de la Bengala moderna».

Fuente: Museo de Bellas Artes de Boston. Imagen: Madana-Bhasma, publicado por Calcutta Art Studio, alrededor de 1885-95

Los vivos grabados de divinidades forman parte de la vida cotidiana de los hindúes en la India y en todo el mundo, y se utilizan para el culto en hogares, fábricas y oficinas, así como para adornar coches, calendarios, ordenadores y mostradores de tiendas. El mundo del arte ha pasado por alto históricamente estas imágenes, a menudo denominadas «arte de calendario», porque son baratas y se producen en masa. Sin embargo, tienen una historia rica y fascinante y una gran influencia en el arte, la religión y la sociedad indios.

Divine Color: Hindu Prints from Modern Bengal (Color divino: grabados hindúes de la Bengala moderna) explora los orígenes y el poderoso impacto de estos populares grabados. Cuando los artistas indios descubrieron la nueva tecnología de grabado de la litografía en la Calcuta del siglo XIX (hoy Kolkata), entonces capital de la India británica, la utilizaron para reinventar el arte devocional. Las representaciones de los dioses hindúes se volvieron más realistas, coloridas y accesibles que nunca. Los santuarios de los hogares de todos los estratos económicos pasaron a albergar estas imágenes, mezcladas y combinadas según el gusto de cada familia. Aunque las litografías de dioses hindúes creadas por artistas bengalíes no eran caras, tenían un gran valor en otros sentidos. Vendidas en los bulliciosos bazares de Calcuta, donde las imprentas competían por atraer a los clientes, las litografías desempeñaron un papel importante en el culto doméstico, satisfacían la sensibilidad artística de una sociedad bengalí que había absorbido los valores artísticos europeos y contribuían a difundir nuevas ideas políticas. La exposición analiza cómo la litografía proporcionó a estos artistas, que produjeron miles de litografías que se difundieron rápidamente por todo el país, un medio para cambiar no solo la vida devocional, sino también la artística, política y social.

Uno de los aspectos más destacados de la exposición es la colección del MFA de 38 vibrantes litografías del Calcuta del siglo XIX. El MFA es uno de los dos únicos museos estadounidenses que colecciona este material. Esta exposición, la primera de este tipo en Estados Unidos, cuenta con más de 100 objetos, entre los que se incluyen otros grabados, pinturas, esculturas y textiles de la colección del museo sobre el sur de Asia y préstamos selectos.

Una vista propia: paisajes de artistas británicas en el Courtauld

Del 28 de enero al 20 de mayo de 2026, la Courtauld Gallery presenta la exposición «Una vista propia: paisajes de artistas británicas, 1760-1860».

Fuente: The Courtauld. Imagen: Fanny Blake: «Un arcoíris sobre la iglesia de Patterdale, Cumbria», 1849. Foto @ The Courtauld.

Una vista propia muestra dibujos y acuarelas de paisajes de artistas británicas que trabajaron entre 1760 y 1860, cuyas obras representan un área en crecimiento de la colección del Courtauld.

Estas artistas van desde aficionadas muy competentes hasta aquellas ambiciosas que buscaban un reconocimiento más formal. En su mayoría han permanecido en el anonimato y sus obras, en gran parte inéditas.

Cuando se fundó la Royal Academy en 1768, entre sus miembros había dos mujeres, pero no habría otra académica hasta que Dame Laura Knight fue elegida en 1936. A pesar de esta exclusión institucional, las artistas británicas continuaron formándose, practicando y exponiendo durante este periodo, especialmente en el campo de las acuarelas paisajísticas.

Esta exposición y su catálogo acompañante arrojan nueva luz sobre estas artistas, que trabajaron en una época en la que las artes estaban fuertemente dominadas por los hombres. Algunas de ellas alcanzaron el reconocimiento durante su vida, mientras que otras permanecieron en el anonimato hasta que sus obras fueron descubiertas más tarde.

En la exposición se presentan diez artistas. Entre ellas se encuentran Harriet Lister y Lady Mary Lowther, que fueron de las primeras en representar el Distrito de los Lagos; Amelia Long, Lady Farnborough, una de las primeras artistas británicas en viajar a Francia tras las guerras napoleónicas, y Elizabeth Batty, cuyas obras expuestas en la muestra fueron redescubiertas hace solo unos años.