Y ahí se ha quedado el blog, esperando que el corto acabe de salir de la sala de montaje.

No le falta razón a Gonzalo Martín cuando me insiste en que no entiende el corto, en cuanto producto, en el panorama audiovisual presente. Y sin embargo yo acabo de dirigir uno. Con 2oo euros, un guión de tres folios y sin más remedio que pedirlo todo prestado, no podía arriesgarme a crear un universo serial y dejarlo colgado a los dos capítulos y medio. Mi historia empieza y termina en cuatro minutos y 28 segundos.

Hace cinco años la estrategia de distribución de los cortometrajes pasaba por los festivales, Canal Plus y algún bar. Tras la aparición de Youtube, muchos productores empezaron a difundir directamente. Algunos hablan del efecto Notodo: cortos más cortos, más sencillos pero más contundentes dramáticamente, y de fácil viralización. Yo no me atrevo a definir todo el panorama (ni siquiera todo el archivo Notodo cumple el efecto), pero en todo caso los cortos ya no son “películas en pequeñito” sino el reflejo de un paradigima audiovisual más amplio. Y puede que hoy, la estrategia de difusión de un corto suponga convertir el corto en otra cosa.

En el caso de este último, la estrategia es pasar por la desvirtualización antes que por Internet. Tampoco es del todo mía: el equipo empezó a bromear con la idea de una secuela a la vez que empezábamos la (todavía casi inevitable) ruta de festivales. Surgió la posibilidad de buscar el argumento de forma colaboraitva, algo que no es nuevo ni de lejos. Pero no hemos utilizado Internet como plataforma, sino esta postal. Va incluida en los DVD que distribuimos, y la hemos repartido entre los asistentes de los tres festivales que llevamos.

En ese momento, les estamos llenando los bocadillos

Es precisamente el carácter artesano y casi familiar de este juego lo que me atraí: buscar el fenómeno, la viralización, puede funcionar (o no) pero petarlo no estuvo nunca en el plan. Siempre hemos sido conscientes de nuestras expectativas: sencillez, brevedad y resolución.

No queremos miles de propuestas argumentales sino  crear una comunidad pequeña, de la que recibir un feedback rápido, plantear una propuesta a nuestra vez, y, tan importante o más, consolidar una red de colaboradores. Personas con una visión similar, ganas de rodar y tan escasos de medios como nosotros hace cuatro meses. Como objetivo secundario, la posibilidad de convertir el trabajo de partida en algo mayor. Pero de cumplirse éste, cada etapa del proceso creativo tendría que incluir nuevos elementos cruzados: no tendría sentido crear el producto y luego “buscarle algo transmedia”.

Transmedia como retribución

Por otra parte, en un contexto como este, siempre se deja en el aire la cuestión remuneratoria, cuando no se da por hecho el trabajo gratis. Y no es verdad: trabajar sin sueldo no significa trabajar por nada.

Prolongar así la vida del proyecto puede suponer una forma de compensación para un equipo que madruga, no come o come bocatas de mortadela, gata coche y como mínimo invierte en nosotros varios fines de semana. Todo lo que lleve su esfuerzo más allá de una bobina o el catálogo de un festiv al es una muestra de respeto. Un refuerzo del carácter colectivo (y por ende, de comunidad) de cualquier obra.

Del mismo modo, antes de llevar a cabo cualquier actividad colaborativa, conviene tener clara la compensación. Juego significa recompensas: no darlas al buen jugador es no saber jugar.

En realidad esta simulación se basa en un sólo concepto: familia. Trabajar en pequeña escala sin buscar el hype, pero permitiéndonos explorar diferentes formas de desarrollo. Para que, incluso en el peor de los casos, el espíritu de “muestrario” quede manifiesto de forma integral y no sólo en un DVD.

In the framework of CineMart during the International Film Festival Rotterdam (IFFR), from 29 January – 3 March 2012, MEDIA Desk Netherlands and MEDIA Desk Belgium – Flemish Community invite you to the session TRANSMEDIA EUROPE and the launch of two transmedia inititatives: mediaZoo.eu (NL) & iDROPS (BE).


Topics: What’s the status now? what are the lessons learned so far? how to/what not to do? Less preaching more doing.


We have presentations from Robert Pratten (CEO Transmedia Storyteller) about the richness of transmedia; Montecarlo (Quimica Visual) focusing on the role of transmedia in understanding our own society, and Michael Gubbins who asks himself questions around these new developments. We will also share the outcome of a closed panel earlier that day on the set up of TEN (Transmedia Europe Network).


The moderation is in hands of Alok Nandi (Architempo)


Of course there will also be the opportunity for sharing knowledge and ideas. Last but not least we will present two European initiatives: mediaZoo transmedia hub and iDROPS, each with their own specific competences.


For registration: info@mediadesknederland.eu
Rotterdam Lab participants don’t have to register
Where: de Doelen, van Capellen zaal, ground floor
When: Monday 30 January, 14.30 – 16.30 hr.
Dominique van Ratingen – MEDIA Desk Netherlands
Nathalie Goethals – MEDIA Desk Belgium – Flemish Community

Es evidente que deberíamos explicar qué es la realidad virtual, diferenciarla del concepto de mundo virtual y/o mundo ficcional, precisar en torno al concepto de realidad y, cómo no, ante el de virtual.

Para ello podríamos citar a Pierre Levy y sus conceptos de inteligencia colectiva y de sociedad del conocimiento; a Baudrillard y el simulacro; a Roman Gubern con su libro “Del Bisonte a la Realidad Virtual”; tendría cabida el existencialismo de Heidegger, Sherry Turkle y sus obras “Second Self”, “Life on the Screen” o “Alone Together”; Antonio Rodríguez de las Heras y su Espacio Digital/Espacio Virtual; el libro “Realidad Virtual” de Luis Manuel del Pino González, Hugo Pardo Kuklinski y “Planeta Web 2.0”; Jean-François Noubel; la historia de los debates sobre el concepto de realidad, de representación, de ficción, tanto en lo narrativo como en lo filosófico, etc. ¿Dudas?

A todo lo anterior hemos de sumarle la propia historia del concepto de realidad virtual, tal y como se ha entendido y trabajado mayoritariamente. El término de RV se originó en los Estados Unidos de manos de Ivan Southerland, quien publicó un artículo titulado “The Ultimate Display”, en el cual describía el concepto básico de la Realidad Virtual y donde afirmaba que “la pantalla es una ventana a través de la cual uno ve un mundo virtual. El desafío es hacer que ese mundo se vea real, actúe real, suene real, se sienta real”.

Los primeros usos fueron dirigidos a crear simuladores para los pilotos, así, hacia la mitad de los años 60s, Sutherland, lanzaba un casco pantalla que permitía que un piloto viese simultáneamente el paisaje real e imágenes gráficas sobredimensionadas. Luego vinieron guantes para el sentido del tacto y toda una carrera por conseguir, mediante la tecnología, aquella realidad virtual que Ivan Southerland pretendía que se viera normal, oyera normal, sintiera normal… (¿normal?) Y ahí está el error, error que ha llevado a que todos hayamos confundido el sujeto de dicha realidad virtual y cómo ésta se construye.

Si comparamos las características generales de la realidad virtual y de la narrativa transmedia, observamos que:

• En ambos se da la inmersión. Sin inmersión no podríamos hablar de realidad virtual, lo siento por quienes afirman lo contrario, pero sólo serían mundos virtuales, aunque la diferencia entre un concepto y otro parezca difuminarse, existe; de lo contrario, deberíamos hablar de realidad virtual en el teatro griego, en la pintura, en el cine…, pues mundos virtuales y ficcionales existen siempre que haya canales semióticos, como afirmaba Lubomir Dolezel.
• Los dos son experienciales. Con un sujeto activo y participante, y con distintos grados de interacción. Y con ello desaparece la figura de público unificado y varía el rol del narrador.
• Tanto la narrativa transmedia como la realidad virtual parten de un mundo, de una ilusión, de la que participa el usuario.
• En los dos casos es necesario el uso de la tecnología.
• En la realidad virtual hay un programador, en la narrativa transmedia un guionista y/o productor.
• La realidad virtual hablaba de software, mientras la narrativa transmedia parte de la biblia de ese mundo transmediático, de un guión, ya sea literario o programático.
• En ambos casos el juego es la mejor opción para construir historias y buscar la participación del usuario (recordemos Existenz de David Cronenberg, y sus posibles lecturas -simplifico, soy consciente-, y pongamos el Geocatching o los juegos de rol en la balanza por parte del transmedia). No la única, la mejor. Un ejemplo es el concepto de gamización, como dice Gabe Zichermann, “jugar es el futuro”.
• La realidad virtual crea un mundo, un espacio tridimensional; la narrativa transmedia, como vimos en su momento, es necesariamente tridimensional, luego también deberían lo serán sus narraciones y los mundos que creamos.
• Tanto en una como en otra, si bien el usuario puede representar cualquier personaje o papel, siempre será el sujeto que percibe y construye la ilusión de realidad, siempre somos el sujeto de la experiencia. Si partimos de que la realidad es una percepción de realidad, una construcción, el sujeto de la experiencia siempre es el usuario, el individuo.

¿Qué deducimos?

• Que el mundo en el que vivimos es una ventana más, una plataforma más, una construcción más, y a veces nos olvidamos de ella.
• Que así como la convergencia de medios lleva a una convergencia de todos los actores implicados en la construcción social, también reafirma la convergencia entre el ser humano y las herramientas con las que produce, que son su producción al mismo tiempo.
• Que la única barrera inevitable hacia la ilusión total de realidad propia de la realidad virtual, la inexistencia de la ley de impenetrabilidad de los sólidos (Ej.: Prueben a sentarse en un silla del espacio virtual generado por una representación informática), queda superada con la construcción de la realidad virtual dentro del espacio material, tangible. El espacio virtual y el espacio material o “real” son convergentes (Ej.: Así como las revoluciones del mundo árabe comenzaron en la plaza de Internet, sino se hubieran trasladado/manifestado/materializado/concretado en las plazas de Egipto, Túnez…no habrían tenido lugar).

Un último ejemplo, en el cine de los efectos mecánicos y ópticos se utilizaba la pintura sobre cristal como efecto especial; de hecho, el mayor especialista era un español, Emilio Ruiz del Río. Se pintaba el cristal con un foco determinado para, colocando la cámara en una posición específica, todo medido, claro, construir espacios que no existían. Así, podíamos coger un plaza de Madrid en 2009, y mediante esta técnica, sumarle a los edificios las dos plantas extras que tuvieron en 1940 y que habían desaparecido.

Pues bien, partiendo de esa técnica como base, podríamos construir nuestra futura realidad virtual, la que Ivan Southerland pretendía que se viera normal, oyera normal, sintiera normal…. Imaginaos, dentro de cinco años, la realidad aumentada en unas gafas en vez del móvil, más la geolocalización, y el hecho de que todo o casi todo está mapeado, la visualización de datos, un Ipad como guía (Internet), y el móvil para contactar con el resto de compañeros…si le damos una historia y pensamos en los videojuegos o en los juegos de rol, ¿qué tenemos? Que la narrativa transmedia es la narrativa de la realidad virtual. Y puede ser una gozada. ¿Por qué?

Porque, como decíamos antes, el mundo en el que vivimos es una ventana más, una plataforma más, una artefacto más, representaciones y percepción. No hay separación entre mi avatar y yo, como no la hay entre la ”realidad” y la realidad virtual, sólo nuevos espacios en la construcción de la identidad.

¿Se ha perdido alguien?

* Foto del teclado: Extraído de Teclado.

* Fotomontaje de la obra de Emilio Ruiz del Río: Atomic Donkey.

El geocatching

Hace meses que comentaba con Gonzalo Martín la existencia de Geocatching.com, una página web, una comunidad, global, un juego de búsqueda de tesoros al aire libre, un videojuego en el mundo real. Los jugadores intentan encontrar contenedores ocultos, llamados geocachés, utilizando dispositivos GPS y, al mismo tiempo, comparten sus experiencias online. En cifras, podemos decir que hay 1,488,800 geocachés activos y más de 5 millones de geocachers o usuarios en todo el mundo. Traduciéndolo al transmedia, tenemos:

• Una comunidad de más de 5 millones de usuarios, fans, existente on y offline. Un mundo, al que pertenecer, un mundo donde sumergirnos, que nos rodea.
• Un juego, muchos juegos posibles, básico si queremos incentivar la acción de nuestros prosumidores. La acción no surge sola, hay que motivarla.
• Un premio, un cache, experiencias, una para cada usuarios, pero siempre compartibles y generadoras de comunidad.
• Un escenario tan grande y diversificado como es el globo entero. Allí donde llega una persona, llega un cache. Desde una cima inaccesible hasta el portal de tu casa, o la parte antigua de Cáceres, por ejemplo.
• Insights que construyen en positivo, que rodean-envuelven nuestra experiencia y beneficiarían a las marcas que se implicasen: la experiencia, el medio ambiente, la naturaleza, lo compartido, lo tangible, la vida sana, el viaje, lo cultural e intercultural…
• Y, cómo no, la interacción entre online y offline, entre virtual y real (si es que alguien sigue encontrando separación), entre la tecnología y nosotros, entre nuestras herramientas (GPS; móvil…) y juegos tan tradicionales como es la simple búsqueda, búsqueda de tesoros más por ser buscados y encontrados, que por su valor propio.

La duda

¿Por qué no aprovechamos las comunidades ya existentes en lugar de intentar crear nuestras propias comunidades? Claro, nos hemos emocionado con el concepto de comunidad y todos queremos crear la nuestra; pero, ¿qué es más fácil? ¿Crear una comunidad o aprovechar aquellas construidas por los propios prosumidores? ¿Cuál será más rentable y fidelizadora (sí, término denostado, ¿y qué?)? ¿Aquella construida por el propio usuario o la que nosotros le imponemos en función de ciertos rasgos integradores? ¿Una que proyecta experiencias -la nuestra- u otra, construida desde las propias experiencias de los usuarios? ¿Realmente somos tan ilusos como para no haber entendido que el usuario activo, productor de contenidos, es también productor de realidad? Decir o hacer lo que hay que decir o hacer no significa entender lo que se está haciendo o diciendo. Seguimos siendo unidireccionales, y el mundo ya no es unidireccional. Reclamo respeto hacia el usuario, hacia el prosumidor, hacia nosotros, no hay diferencia, casi.

Los Ejemplos

Como podéis observar en los siguientes enlaces no soy el primero en vislumbrar las posibilidades del geocatching, distintas iniciativas transmedia lo han tenido en cuenta; pero, ¿profundizan? ¿cuántas capas hay en su narrativa? ¿Aprovechan todas las dimensiones del mundo geocatching? Tengo la sensación de que en el mundo transmedia, ahora que estamos en los inicios, ni cerca de la pubertad narrativa, la metáfora del Iceberg resulta más que idónea.

• Tokitan.TV, productora donostiarra de contenidos transmedia.
• Pac-Manhattan & Geocatching, una iniciativa sugerente.
• Project A.P.E., proyecto de 2001 relacionado con el estreno de “El Planeta de los Simios”.
• Groundspeak, el origen de todo, y proyectos relacionados: Geocatching, Wherigo, Waymarking.
• Earthcache, proyecto relacionado con el respeto al medio ambiente.

La Idea

Decir idea es un decir pobre. Mejor, lluvia de ideas, ideas mil, posibilidades, por donde van los tiros…Y, sin precisar en exceso, planteo preguntas que, bien respondidas, son negocio, un gran negocio.

• ¿Alguien tiene dudas de que el geocatching es un mundo ya existente online y offline que reúne todas las características para la creación de un proyecto transmedia?
• ¿Podríamos explotar el geocatching desde el respeto a su propia esencia?
• ¿La explotación sería global, o local, o regional o…? ¿Acaso hay límites para la creación de formatos específicos para los distintos niveles de geográficos?
• Y, en cuanto a las plataformas y los formatos, ¿podríamos crear distintos tipos de productos para los diferentes tipos de usuarios/consumidores/públicos, adaptados en cada caso y que se complementasen y no peleasen entre sí? Eso sí, no olvidemos, por favor, que cada plataforma tiene su público, y el producto ha de especificarse en cada caso. Internet será siempre más participativo que la TV, por ejemplo.
• Y la financiación, ¿tiene nuestra comunidad valores específicos que pudieran interesar a empresas, perdón, marcas? ¿De qué sectores estaríamos hablando? ¿El viaje, la tecnología, el senderismo, la promoción cultural…? ¿Hace falta dar nombres?
• ¿Y el sector público? ¿Las instituciones? ¿Podríamos implicarlas y que se beneficiasen ellas y sus ciudadanos?

¿Acaso hay límites? ¡Qué de capas, madre mía, qué de capas y posibilidades! ¿Y qué mejor que un abanico de posibilidades para un proyecto transmedia? Aquí hay negocio, si alguien quiere más pistas, que me pregunten, haré de GPS para encontrar nuestro cache, para construir el proyecto.

Que lo medios actuales tienen una parte orgánica no es nada nuevo, lo sé. Existen muchos teóricos que explican los medios actuales mediante metáforas que tienen su origen en la naturaleza.

Por ejemplo, tenemos a Nicholas Negroponte, fundador y antiguo director del MIT Media Lab, que ya en 1995 afirmaba en su libro Being Digital que “un bit no tiene color, tamaño ni peso y viaja a la velocidad de la luz. Es el elemento más pequeño en el ADN de la información”.

También está el clásico, aceptado y trabajado concepto de la “Ecología de los Medios”. Ha sido utilizado por Neil Postman, Robert Logan, Marshall McLuhan… podríamos seguir enumerando, pero mejor lo dejamos en que la Escuela de Toronto tuvo mucho que ver. Como dice Milagro Cornejo en “El Hipertexto: El Medio Frío”, artículo publicado en el Nº68 de la revista Razón y Palabra:

De la relación que surge entre el hombre y las distintas tecnologías, se conforma un ambiente mediático, un complejo sistema de mensajes que impone al individuo ciertas formas de pensar, de sentir y de comportarse. La manera en que los medios afectan la percepción, el entendimiento, los sentimientos, los comportamientos y los valores es el objeto de estudio de la Ecología de Medios o Ecología Mediática (Media Ecology), una metadisciplina que explica la manera en que los símbolos, los medios y la cultura se corresponden entre sí y cuál es el contenido, estructura e impacto social que deriva de la interacción del hombre con los medios.

Es evidente que tampoco nos podemos olvidar del etnógrafo digital y fundador de la revista Wired, Kevin Kelly, y de su concepto de Vivisistema, publicado en su libro “Out of Control: The New Biology of Machines” de 1994, donde utilizaba el símil del enjambre de abejas o la comparación con las conexiones neuronales de nuestro cerebro.

Vídeo: Entrevista de Carlos Scolari a Kevin Kelly

Dicho lo dicho, expongo mi concepto de la organicidad de los medios. Como ya por todos es sabido -más vale-, dos son las cualidades que han producido el cambio en el ecosistema mediático: el digital y la reticularidad de Internet. Y yo me pregunto, ¿qué hay en la naturaleza que sea digital y reticular? De repente vienen a mi cabeza las clases de biología y el ADN, los cromosomas, los nucleótidos y las bases nitrogenadas. ¿Qué semejanzas podríamos encontrar?

• El ADN es el portador de la información genética para la vida, podríamos decir que es un medio de comunicación, pues almacena y transfiere información.
• El ADN está compuesto por nucleótidos, y éstos por bases nitrogenadas: Adenina, Citosina, Guanina, Timina (A,C,G,T). La sucesión y el orden de las bases nitrogenadas es uno de los primeros pasos para la transmisión de la información genética. ¿No os recuerda a algo? Casi lo mismo que el digital y su sistema binario.
• Las bases nitrogenadas están unidas entre sí por puentes de hidrógeno, esto es, parecido a los nodos y aristas de los que hablamos en Teorizando Transmedia: La Tridimensionalidad.
  
• La información genética se halla codificada en las secuencias de nucleótidos del ADN y debe traducirse para poder funcionar. ¿No ha de ser transcrito el código binario? ¿No interpretamos?
• Los cromosomas se construyen en forma de doble hélice. Así mismo, los pliegues en la cadena de nucleótidos son básicos para la construcción del ADN. Por otro lado, el superenrollamiento permite que puntos lejanos en la cadena se aproximen. ¿No os recuerda esto a la explicación que Antonio Rodríguez de Las Heras daba sobre el hipertexto, sobre el hipertexto tridimensional? Estos pliegues, estas capas ¿No os recuerdan al concepto de inmersión de Frank Rose?
• La última, por el momento, pero la última. En el ADN, puede ser levógiro o dextrógiro. Lo normal, en nuestro caso, es que sea dextrógiro (gira a la derecha); esto es, es tridimensional, y un pequeño matiz varía su estabilidad.

¿Y qué podemos concluir de todo esto? Pues podíamos afirmar como dice Kevin Kelly que “Los vivisistemas, como las economías, las ecologías y la cultura humana a duras penas pueden controlarse desde cualquier posición… En la tierra no hay una plataforma externa desde la cual se pueda echar una mano inteligente al vivisistema, ni hay un punto en su interior con un dispositivo aguardando a que se le active”.

O como digo yo, ¿cuántas formas de vida diferentes surgen del ADN? Se nos escapa, aunque lo sepamos, se nos escapa, es inabarcable, como la cultura. Luego el ecosistema mediático actual nos lleva a una situación que no puede ser controlada. ¿Y qué significa esto para los creativos? Que si antes teníamos X elevado a 3 incógnitas, ahora X elevado a N; esto es, las posibilidades de creación son inabarcables, tenemos un mundo nuevo de casi infinitas posibilidades ante nosotros.

Otra cosa es el papel de los mediadores en ese proceso, pero eso lo dejamos para otra entrada.

Tiene gracia, estamos tan acostumbrados a mirar con el catalejo del conocimiento, allí, lejos, donde nadie más llega, lo que casi no se ve; que muchas veces no vemos lo que tenemos delante, justo ahí, mirándonos. Hemos repicado la estructura de funcionamiento del ADN como medio de comunicación.

Las lecturas, las consecuencias, son muchas, no queremos simplificar, por ello las iremos viendo en las sucesivas entradas.

• La primera imagen es un archivo de KES47, Wikimedia Commons, un depósito de contenido libre hospedado por la Fundación Wikimedia.

• La imagen giratoria es un archivo de Richard Wheeler (Zephyris), Wikimedia Commons, un depósito de contenido libre hospedado por la Fundación Wikimedia.

Pues bien, ahora soy yo el que pregunta, ¿quién, de los que están leyendo esta entrada, se dedica a comunicación? (No levantéis la mano que quedará raro).

Supongo, espero y deseo que la comparación haya servido para explicar por qué el transmedia ha de ser estudiado desde la comunicación, y no sólo como un nuevo modelo publicitario. Como comentábamos en la entrada “Teorizando Transmedia: Introducción”, el transmedia fue primero asumido por el mundo de la empresa y la publicidad y, tras superar los recelos que presenta todo aquello ligado a la economía, empezó a ser estudiado por los teóricos de la comunicación, de la lingüística, de… Pasemos al ejemplo.

Este último fin de semana – del 30 de junio al 2 de julio de 2011 – se ha celebrado en la Johannes Gutenberg-University Mainz (Alemania) la Conferencia Internacional “Storyworlds across media: Mediality, Multimodality, Transmediality”. Las jornadas han sido organizadas por el grupo de investigación Media Kovergenz. En la página Web de la conferencia podréis encontrar el listado de ponencias y, si hay suerte, puede que cuelguen todos los vídeos de las presentaciones online (se emitieron en streaming, ¿las dejarán a disposición de todos los usuarios? No sé).

La presentación de las jornadas era la siguiente (traducido por un servidor):

“A pesar de que la narratología se concibió como una empresa transmediática desde sus inicios en el formalismo ruso y el estructuralismo francés, la mayoría de sus modelos más influyentes han sido – y siguen siendo – desarrollado en el contexto de la crítica literaria y los estudios de cine.

En la cultura mediática contemporánea, sin embargo, la creación de storyworlds no se limita a la literatura y el cine tradicional. Más bien, las nuevas formas de narración multimodales e interactivas, los ensayos en la distinción entre la narrativa de ficción y no ficción, las distintas formas de adaptación crossmedia, y los intentos de “narración transmedia” de crear nuevas formas de presentar el contenido narrativo, nos llaman la atención acerca de las posibilidades y limitaciones de la narrativa de los distintos medios de comunicación, así como sobre su potencial uso para la cooperación.

El creciente interés por la relación entre los medios y las narrativas fruto del desarrollo de la tecnología digital, así como la proliferación de nuevas técnicas de administración en el contexto de la convergencia de los medios de comunicación, han reforzado la necesidad de una narratología interdisciplinaria y transmediática que estudie los storyworlds a través de los medios”.

Y ahora yo vuelvo a preguntar, ¿quién de los que están leyendo este mensaje se dedica a la comunicación? ¿Es necesario y conveniente teorizar el transmedia?

Más o menos el mismo día  supe, a través de Javi de Ríos, de la existencia de Pompas de Papel. Aquí tienen su presentación, y aquí una selección de sus camisetas:

No son los primeros que venden camisetas literarias. Lo que me ha llevado a dedicarles este post es que, en este momento en que la narración multiplataforma se utiliza, fundamentalmente, para colocar un producto tradicional en mercado, ellos también han hecho el camino al revés.

Pompas de papel no hace camisetas para vender libros (lo cual estaría muy bien), ni tampoco para vender su propia marca de diseño (lo cual también estaría muy bien). Pompas de Papel quiere hacer literatura. Difundir literatura, concretamente, y literatura hiperbreve siendo específicos. Y han pasado (casi) de la convergencia digital para imprimir, y vender, las obras que seleccionan en camisetas. Es cierto que no sólo venden camisetas con hiperbreves, y que además diseñan para otros. Pero su colección principal, en torno a la cual están desarrollando, además, un minucioso trabajo de comunidad, es esta que ven.

¿Y qué ventajas le veo yo a esto? Fundamentalmente que han conseguido algo que yo, que llevo unos meses queriendo converger productora transmedia, todavía no he cuadrado: un producto controlable. La originalidad es importante, sobre todo si quieres presentar tu producto en la Red, pero si no eres Sony más te vale concentrarte en algo que puedas sacar adelante tú solo y en un plazo de tiempo que no te coma la moral además del presupuesto. Las camisetas son suyas, el diseño gráfico también: los relatos no todos, pero también han conseguido otro logro con ello, el contacto directo con los escritores.

Trabajo con un compañero, ilustrador, con el que quiero sacar adelante un proyecto personal. Hemos hablado de crear una versión camisetera de sus dibujos, pero fue una idea a posteriori, como casi siempre que pensamos en este producto. Esto lo habrá dicho más de uno: “además podemos sacar camisetas” (y quien dice camisetas dice calendarios o todo el catálogo de Café Press).

Me preocupa la creciente identificación de transmedia con marca, en el sentido de que muchos parecen utilizarlo para vestir un producto audiovisual (spot, película, serie) o alargar su vida útil; y no como elemento del producto. Algunas obras transmedia que intento analizar aquí adolecen de esto, y resultan, como poco, inconsistentes. A eso me refería cuando decía que Pompas de Papel hace un recorrido al revés. La camiseta no es para luego, para el marketing (esta también es un clásico). Es un soporte más desde el que parir una obra. Y además, crea modelo de negocio. Lo demás no es transmedia. Es humo. O garabatos.

Si se fijan un poco, aquí hay mucha información sobre mí

Mi wall de Facebook se parece mucho a la pared de mi despacho, donde ahora mismo estoy viendo una foto de mi perro, un calendario del maestro Hokusai, un poster de Star Wars, un corcho con recibos, otro poster de Star Wars, un template de Gary Hayes, otro poster de Star Wars, citas de Billy Wilder y volantes del médico. La palabra muro nunca se usó con más precisión.

Así que una vez nos hemos cansado de localizar a antiguos contactos, aplaudir memes y comprobar que nuestro ex comparte hipoteca con una más fea que tú, más aburrida que tú y muchísimo más tonta que tú; y que todavía somos más los que queremos quedarnos que los que se van de Facebook, ¿qué hacer con él?

Lo primero que deberíamos preguntarnos es qué no hacer: FB no es Twitter, no es una red de blogs, ni es un foro, aunque comparta aplicaciones y rasgos con los tres. Por eso nos molesta tanto cuando aparece un “amigo” que responde a una marca (aunque tenga una perfil personal en vez de una página) y nos planta en el muro su última ocurrencia. Pero nos encanta que nos dejen un mensaje pocho o un vídeoclip con canciones sobre la lluvia. La acción es la misma, pero el de antes se olvidó de que Facebook es, por encima de todo, un patio de vecindad. Y que la clave para ser amigos, hasta amigos-del-Facebook, está en construir relaciones.

Se llama Luca

Eso es lo que hace en su muro Luca el zombi. Es una novela que se publica por entregas en su muro, como muchos otros experimentos literarios y series web. La diferencia es que los autores de Luca son conscientes de que ser social significa algo más que felicitar a tus fans por su cumpleaños (aunque no esté nada mal). Ser social es regalarles cameos en tus capítulos, por ejemplo. O lo que más nos gusta de Facebook, hacer concursos.  Que el premio de este último sea que no tú, sino tu idea salga en la novela.  Ya tiene mil seguidores.

Javier “Crudo” Gallego utiliza Facebook para crear comunidad con los oyentes de su programa en Radio 3, Carne Cruda.  Directamente, su perfil está en el área de Comunidades de FB, no de medios. El funcionamiento del FB de Carne Cruda es muy parecido al de cualquier perfil personal: vídeos, podcasts, sin importar el medio de procedencia ni las deudas con el grupo empresarial o la cadena madre que todavía aquejan a muchos informativos en TV. Y si se tercia enlaza a un blog que no podría ponerse a leer en sus dos horas de radio diarias.

Personalmente, sólo he utilizado Facebook como herramienta una vez: el cortometraje de animación (malogrado) La Estación de Las Voces, para el cual me pidieron el guión y desarrollé una estrategia social basada en FB. Durante el tiempo que duró la preproducción, y hasta que el proyecto se paró por iniciativa propia del director, fui publicando fragmentos del relato que había dado origen al guión, un diario de la escritura de este, anuncios, y las colaboraciones de amigos y conocidos que nos grababan sus voces para, en el futuro, integrarlas en el paisaje sonoro de la película. Lo que aprendí de la experiencia fue precisamente eso: si quieres que tu proyecto llame la atención, tiene que pasar a ser también algo propio de los amigos a los que has dado la brasa para que se hagan fans. Otra cosa es spam.

De hecho, este es el mismo motivo por el que me he enganchado al Zombie Lane. ¿Por su jugabilidad, por su sentido del humor? Podría ser, pero no (lean esta excelente review). ¿Porque es más social que Cityville, Farmville, Frontierville, Petsville o Fishville? Tampoco: es porque este es el que juegan mis amigos.

(gracias por la información de partida a Javier de Ríos: en el muro de su  Guía de concursos literarios hemos podido participar directamente en uno de estos, el Beso de Rechenna. De Ríos publica un seguimiento de los concursos que difunde (igual que en su web), actualiza los fallos y, si puede, publica los ganadores. Soy una de sus más de 7000 fans).

Perder el control [de la obra terminada] y perder el miedo a perder el control: lo más importante es la conversación. Lo dijo Haritz Rodríguez.

The thin blue line, documental de creación. Me lo recomienda Dani, de Producciones en Tren.

Construir universo, frente a la creación alrededor de personaje. Mencionó estas cosas Jordi Salvat, hablando sobre MON3XL (y a esto le pongo algunas pegas…). Y fue el primero de la mesa en presentar la participación del usuario vinculada a la experiencia del juego: eso que la gente de ARSGAMES me ha enseñado que se llama gamificación, y de lo cual tuve ocasión de charlar con Jesús Fabre, uno de sus miembros.

Transmedia es un suceso: algo que está pasando. Pero al final, a todos nos suenan algunas caras… porque salen en la tele. Dijo Gonzalo Martín mientras analizaba El Plan B, el proyecto musical de Carlos Jean. Lo cual conlleva un riesgo de generación de expectativas muy peligroso para los independientes, los lowcost, los que como yo no tienen plataforma donde caerse muertos (esto último lo charlamos, otra vez, Mercedes Ramírez y yo en uno de los cafés). Pero no me hagan caso y vean su presentación aquí mismo.

Allison Norrington comenzó a hablar de novela transmedia citando a Mad Men, por la noticia de sus cameos en L.A. Noire (pero podría haberlo hecho por casi todo su contenido extra: portfolio de SCDP y coctelería incluidos). Su concepto generation C corresponde tanto a collaboration como a content, pero incluye otra C: control. Me prometo leer, sí o sí, su novela Cathy’s book: Norrington pasó de consumir transmedia a hacer transmedia. Y aconseja tener a mano esto.

Participación. Pero también narrativa (unlocking storytelling): el eje del producto es la historia, no el medio. Gestar un mundo, conocer a tus personajes, desarr0llar una estrategia que permita crecer a tu historia, y al mismo tiempo, conocer a tus consumidores. Conquistar la sencillez. Ser auténtico. Esperar la sorpresa… y no ofender la inteligencia del público. Total nada.

Mercedes Ramírez, presentando un proyecto transmedia a coste cero, aconsejaba integrar plataformas para ahorrar costes. Porque no todo es gratis: ni el tiempo ni el dinero, continuó Montecarlo en su presentación, que también tiene post propio. Él también insiste en dejar escoger al usuario: la inmersión es elección suya. Él decide cuándo, y cuánto, meterse. Y nos recuerda que no todo relato transmedia tiene que tenerlo TODO. “Como si fuera una gymkana [...]. Movernos en el terreno del juego”. De nuevo, gamificación. Y comunidad.

Crowfunding es también comunidad. Pero no es una tienda. Por si acaso, nos lo recordó Jonàs Salas presentando Verkami.

Evolucionando de serie a marca; y buscando, mientras, compañeros de viaje. Nos lo explicó Antonio L. Sánchez, coordinador de guión de Jelly Jam. Buscando compañeros, José Feito y su equipo de Xperimenta Planet han acabado en Canadá. Jelly Jam encontró su marca en el sonido: The Crows en los social games. Y se abre un debate: ampliar universo ¿es necesariamente transmedia? Apunto que sí lo es, en la medida que es puerta de entrada a una historia y, frente a la mercadotecnia tradicional, implica la identificación.

A los niños no les gustan las imitaciones. Y conocen el poder del juego, y el poder de las relaciones. Rebecca Denton nos recuerda todo eso y más: que los niños son narradores natos, que ponen nombre a sus juguetes y cuentan su biografía.

Are you ready?

Equipo pistacho mostrando sus cartas

Dejo para el final las dos sesiones de campo. Karinne Halpern nos presentaba su taller TransmediaReady partiendo de su propia experiencia creativa: “quería romper el muro [...] así que me compré un iPhone y me fui al extranjero”. El taller explora las etapas de creación de un proycto transmedia como si fuera una baraja del juego de Las Siete Familias.

Los tres proyectos que surgieron teníamos en común un enfoque de implicación directa del usuario (¿qué harás tú?), historias gamificadas, y la catalización de experiencias desvirtualizadas. Dos eran proyectos educativos, y el mío, partiendo de una serie de ficción, abría una rama en las escuelas.

De hecho, el Lab, como experiencia formativa, ha sido en sí mismo todas estas cosas: una experiencia desvirtualizada, una inmersión en la red social (hemos pasado de la tarjeta a agregarnos), un ejercicio narrativo (muchos, en realidad), y un juego. La historia continúa mientras preparamos el segundo.