Muchos pensaban que el evento entre Vengadores y mutantes podía llevar a un relanzamiento del Universo Marvel. Sobre todo, teniendo en cuenta que DC relanzó todo su universo tras Flashpoint con éxito de ventas. Axel Alonso niega que sea así y tan solo será un evento que haga crecer a los personajes y el propio Universo Marvel y lo cambie. No en vano, lo que se inició en Vengadores Desunidos llega hasta aquí, comenta Alonso.

Habrá que esperar para saber que pasa, pero lo que está claro es que no habrá relanzamiento.

Impresionante, interesante y casi imprescindible.

Fuente:comicbookmovie

Con los ecos del record de recaudación de Los Vengadores, en cuanto a adaptaciones de cómics, todavía resonando, llegan mas videos del arácnido.

Spiderman…¿Solo ante el peligro?

Parece que en Agosto, y gracias a la miniserie de cinco números guionizada por Cage y dibujo de Neal Adams, viajaramos hasta el pasado, bendita/maldita retrocontinuidad, para ver como Logan reunió a un grupo de mutantes. ¿El título de la serie?; The First X-Men.

(La primera parte, aquí)

INSTINTO ANIMAL

Para asignar el papel del malo –y Boris el animal es un tío muy malo- los cineastas tomaron impulso y seleccionaron a Jermaine Clement, más conocido por su papel como parte del dúo de HBO en Los Conchord. Walter F. Parkes, quien ya había trabajado con Clement en la comedia La cena, dice que Clement cuenta con el físico imponente y los matices que el papel requiere. “Lo que más me sorprende sobre su actuación en esta película es que es temible, erudito, malvado, gracioso, encantador –todo unido en una sola interpretación como Boris,” dice Sonnenfeld.

¿Cómo lo hizo? Bueno, Sonnenfeld dice que hay evidencia de que Clement no es de este planeta. “Jermaine debe ser un alienígena, porque nadie es capaz de soportar las cuatro horas de maquillaje como él cada mañana y aún así conservar un humor tan encantador como el suyo,” dice el director.

¿Cómo fue interpretar a Boris el animal? “Es simplemente Boris,” dice Clement, canalizando su personaje. “Realmente le agrada que le llamen ‘El animal’.”

Para interpretar el papel, Clement adopta un inglés rebuscado (inspirado en cintas de audio de enseñanza de inglés) y una risa que toma protagonismo. “Su risa está descrita en el guión como un sonido horrible y gutural, así que intenté hacerla como la describen,” dice. “Uno de los primeros humanos que encuentra a su paso al llegar a la Tierra se ríe de él. Es un sonido que no había escuchado antes –los bogloditas no ríen, supongo- así que para encajar entre los humanos la adopta, aunque no precisamente bien.”

En un momento del filme, el Boris de 2012 se topa con el Boris de 1969. “Es complicado,” dice Clement. “Puede ser bastante difícil recordar una serie de frases. Al desdoblarme, no sólo es necesario recordar ambos guiones, sino que además la escena tiene un ritmo bastante acelerado –la segunda vez tuve que decir mi frase antes que mi propia grabación dijera la siguiente. Tuve que reaccionar a mí mismo todo el tiempo.”

Michael Stuhlbarg también tiene su momento de gloria interpretando a Griffin, un alienígena nervioso con una debilidad por los perdedores de la historia humana. Es un tipo que ve el lado positivo, el negativo y el neutro de cada situación ya que vive en un reino de múltiples realidades posibles tratando de averiguar cuál de todas las posibilidades está experimentando en ese momento. “Desaparece, más o menos como el Conejo Blanco, con J y K tras su pista,” dice Stuhlbarg. “Es a través de lo que Griffin les dice que ellos saben dónde encontrarle luego. Así que siempre está un paso adelante, lo cual es maravilloso de interpretar.”

Griffin habla rápido –tanto que J y K no puedan captarlo todo. “Barry fue muy específico sobre lo que deseaba,” explica Stuhlbarg. “Griffin es curioso y ansioso por la situación en la que se encuentra. Habla tan rápido como puede porque está atravesando una cantidad de realidades distintas, y siempre trata de recordar cómo transcurrió todo para que no vuelva a ocurrir.”

Emma Thompson completa el reparto como O, la nueva cabeza al mando de los Hombres de negro, sustituyendo al recientemente desaparecido Zed. “Casi el único aspecto del liderazgo de Zed que ha heredado es su irritabilidad.”

“Pienso que es impresionante que una mujer pueda ser la cabeza de esta impresionante organización, aunque pone en duda el nombre de dicha organización,” confiesa la actriz. Aún así, admite que: “No creo que ‘Gente de negro’ funcione igual de bien.”

Thompson dice que conseguir el tono adecuado para su interpretación fue muy exigente y complicado. “Debe ser absolutamente seria pero también muy graciosa; o a veces muy emocional y luego tenía que cambiar de inmediato,” apunta. “Afortunadamente toda mi formación ha sido en la comedia así que fue muy divertido para mí aún cuando, técnicamente, fuera muy exigente.”

El elenco también está aderezado con impresionantes actuaciones estelares, que incluyen a Bill Hader, quien aparece en una memorable escena como Andy Warhol cuando J y K destruyen La Fábrica en 1969. Él recuerda “Estábamos rodando una escena, Barry dijo “¡Corte! Y no pude evitarlo –me volteé hacia Will Smith y le dije, ‘¡Tío, estoy en una película de Hombres de negro!’ dice, riendo. “Will dijo, ‘¡Lo sé!’.”

Alice Eve también se une al elenco como la joven O, quien en 1969 es una joven colega de los Hombres de negro, pero destinada a un papel mayor. Además, la que fuera integrante de Pussycat Dolls Nicole Scherzinger abre la película de manera extravagante al traerle un regalo especial a Boris en prisión.

ACERCA DE LA PRODUCCIÓN

El cuatro veces nominado al Oscar Bo Welch, director de producción de las entregas previas de Men in Black, regresa también para la tercera. “El filme está ambientado en Nueva York, la cual siempre se ha considerado como el centro del universo tal como lo conocemos,” dice guiñando el ojo. “La ironía es que Nueva York resulta ser el centro de un universo más grande donde los alienígenas vienen y van, migrando a través de varias galaxias.”

¿Y por qué no? Nueva York tiene un ambiente que permitiría a los alienígenas sentirse como en casa.,” dice Sonnenfeld. “Hasta el día de hoy, cuando camino por Times Square y veo a algunas personas, pienso ‘Mmmm… No es humano. Es un alienígena.”

Los filmes de los Hombres de negro son siempre un reto para el diseño de producción, estirando los límites de la realidad y al mismo tiempo permaneciendo en el reino de lo posible, pero Welch tuvo un reto adicional esta vez ya que tendría que diseñar dos mundos –uno en 2012 y el otro en 1969.

Como lo que se da por hecho es que los Hombres de negro han permanecido en el mismo espacio por 40 años –y ese espacio se ha ido actualizado con los tiempos – Welch creó el plató del cuartel general de Los hombres de negro para las escenas del primer acto y, luego, durante la interrupción por vacaciones de la película, rediseñó el plató para 1969. “Cambiamos cada centímetro cuadrado,” dice.

En su primer día de vuelta al rodaje, los actores se encontraron con una agradable sorpresa. “Entré al cuartel general de 1969 y fue algo mágico,” dice Smith. “Bo ha sido capaz de crear y recrear el aspecto por excelencia de Men in Black –estoy encantado de estar en su equipo.”

Entre las adiciones al cuartel general de 1969 están un par de enormes habitaciones que contienen unos 4.000 m2 de ordenadores Univac y el neuralizador de los Hombres de negro.

Para mantener el tono acorde con el resto del filme, Welch dice que nunca fue a por las risas fáciles. “No estoy diseñando las cosas para que sean graciosas. Simplemente resultan serlo,” dice. “Traté de trasladarme a 1969 y me pregunté ‘¿Cómo sería en realidad? Si te quedas muy adelante, no has aprovechado la alegría y diversión de viajar en el tiempo. Aprendo del propio material y, en este caso, el año 1969 te brinda una vasta e inmensa fuente de inspiración para generar la utilería, los platós, las armas, los vehículos.”

Una de las principales piezas del plató para las cuales Welch requirió una estrecha interacción con el supervisor de efectos especiales Ken Ralston fue el lanzamiento del Apollo 11 a la luna el 16 de julio de 1969. “Veo muchos filmes en los que las explosiones y los efectos se sienten muy digitales, como en un videojuego,” dice Sonnenfeld. “Para mí los mejores efectos son aquellos en los que ni siquiera te das cuenta que son efectos. Para eso es muy bueno Ken -sus efectos se centran en la realidad. El observa la manera en que dirijo las escenas y trabaja con Bill Pope, el director de fotografía y Bo, y todos trabajamos juntos como equipo con un punto de vista singular y unificado.”

Welch y el jefe de utilería Doug Harlocker también investigaron sobre La Fábrica de Andy Warhol. “Algo que Bo descubrió fue que Andy colocaba papel de aluminio en su casa, así que también lo hicimos,” comenta Harlocker. El jefe de utilería también creó piezas que reflejaban la estética pop-art de ese período. “Tenían interesantes bufetes que eran más artísticos que culinarios, así que esculpimos un gran cerdo y lo colocamos sobre una cama de manzanas, como si estuviera sangrando fruta,” asegura.

Recrear Nueva York en 1969 también exigió de la pericia de Welch y Ralston. “Nueva York ha cambiado muchísimo en los últimos 40 años,” dice Welch. “Escogimos nuestros exteriores cuidadosamente, y luego los aumentamos con ambientación y señales.”

Los cineastas también fueron responsables de la reconstrucción del Shea Stadium presentándolo en sus días de gloria en 1969 y Harlocker fue el encargado de ayudar a dar al estadio su autenticidad: “Banderillas o botones del Shea Stadium, cajas de petardos de la época, los vasos de cartón específicos en que se servía la cerveza- todo eso tuvimos que generarlo o conseguirlo a través de coleccionistas.”

ACERCA DE LOS ALIENÍGENAS

Los ingeniosos (y también ganadores de Oscar®) alienígenas de Rick Baker son una parte vital de Men in Black, así que no es de extrañar que el legendario artista regrese para Men in Black 3. Para Baker es especialmente satisfactorio trabajar en los filmes de Men in Black porque inevitablemente le exigen diseñar de muchas maneras distintas: “Algunos filmes son estrictamente maquillaje –por ejemplo, para la edad. Otros requieren cabezas o cuerpos falsos. En otros hacemos personajes en animatronic y marionetas. Las películas de Men in Black incluyen todas esas cosas. Acabamos haciendo unos cien alienígenas para esta película y se podría haber escrito una historia entera acerca de cada uno de ellos.”

Sonnenfeld dice que la sensibilidad de Barker se amalgama perfectamente con el tono “directo y realista” que tiene el resto de la película. “No queremos diseñar alienígenas locos y extraños,” dice.” Si son graciosos, queremos que sea producto de un cierto humor en la observación, de su actitud o de los propios espectadores pesando, ‘Oh, que interesante’.”

El director de producción Bo Welch dice que antes de terminar sus decorados mira las creaciones de Baker para asegurarse que todo está armonizado. “Él diseña alienígenas fabulosos y yo diseño un ambiente que los resalta,” dice. “Usamos una paleta muy rigurosamente controlada, para que las texturas, formas y colores de los alienígenas puedan respirar y ser vistos y disfrutados en toda su gloria y esplendor.”

Para la secuencia de 1969 Baker sugirió la idea de que los alienígenas fueran “retro” –inspirados en los alienígenas vistos en la ciencia-ficción de los 60. “El reto en la primera Men in Black , que sigue siendo el mismo, es hacer que los alienígenas se vean como ningún otro visto antes,” dice Baker. Esta vez, Baker le ofreció una solución única a los cineastas: “Hagamos alienígenas parecidos a los que ya hemos visto antes, sólo que una versión mejor. Imaginemos que los tíos que hicieron las películas de alienígenas allá en los 50 y 60 realmente vieron alienígenas y basaron sus diseños en eso. Realmente les gustó la idea. Ahí fue donde realmente me divertí con esta película- haciendo mi versión de los alienígenas clásicos de ciencia-ficción.”

¿Cómo diseña uno un alienígena “retro”? “Mucho cerebro y venas, cosas así,” dice. “Tuvimos uno basado en un pez, definitivamente de un mundo acuático. Hago un cameo en el filme, haciendo del alienígena con el cerebro expuesto. En comparación, nuestros alienígenas del 2012 son mucho más estilizados y pulidos.”

Por supuesto, Baker diseñó el alienígena principal: el villano, Boris el Animal, interpretado por Jermaine Clement. Baker diseñó un disfraz de motorista malote, completado con gafas que parecen estar profundamente incrustadas en las cavidades oculares de Boris. “Tuve la oportunidad de transformar a Jermaine en algo que realmente no es,” dice Baker. “Él es en realidad un hombre muy gentil pero, en el disfraz, es mucho más amenazador –y, según me han dicho las mujeres en el plató, sexy.”

“Cuando recién llegué, Rick Baker me sentó y me dijo, ‘¿Eres claustrofóbico?’” Clement recuerda entre risas. “”Me hizo todas estas preguntas –no estoy seguro si pretendía asustarme, pero si me asusté un poco. También mencionó que muchas de las personas que hacen personajes con efectos de maquillaje lo hacen sólo una vez en sus carreras.” Y por una buena razón: en su primer día en plató, Clement se pasó ocho horas en maquillaje (un total que se pudo reducir a tres o cuatro horas una vez cogieron el ritmo).

Claro que no es todo alienígenas y monstruos. El artista de maquillaje Christian Tinsley fue encomendado con la tarea de hacer que Josh Brolin se pareciera más a Tommy Lee Jones: al actor se le colocó un molde de la nariz de Tommy Lee Jones que fue hallada en los archivos del estudio de hace 20 años.

Adicionalmente, Baker transformó a Bill Hader en Andy Warhol. “Realmente disfruté el par de días que pasé con Bill haciendo su maquillaje, porque nos gustan el mismo tipo de películas. Nos divertimos mucho hablando mientras realizábamos el maquillaje,” dice Baker. “Y resultó ser admirador de mi trabajo, así que sabía qué esperar –fue bueno en la silla.”

Al final, parece que cuando Baker está trabajando en los filmes de Men in Black, es como un niño ideando una gran broma que piensa gastarle a alguien. “Emma Thompson me dijo que una de las cosas que le gustaban de las primeras entregas de Men in Black es que los alienígenas no estaban siempre en tus narices, pero estaban ahí. Sabes, puede que un alienígena aparezca sólo en unos pocos cuadros frente a alguien en el cuartel de los Hombres de Negro, pero es divertido hacerlo. Creo que es guay poner alienígenas que la gente no notará sino hasta la cuarta o quinta vez que aparecen. Por ejemplo, en esta película, en la secuencia de Coney Island, hay un alienígena loco en el fondo jugando pinball. Tienes que buscarlo.”

LOS VEHÍCULOS Y LAS ARMAS

“Los coches de Men in Black siempre han sido chulos,” dice Sonnenfeld, sugiriendo que debían conseguir un coche apto para los Hombres de negro de 1969. Su respuesta: el Ford Galaxy. “No sólo tiene el aspecto iconoclasta, sino que además cualquier cosa llamada Galaxy parece pertenecer a nuestra película,” explica Sonnenfeld.

Welch dice que el coche destaca por su belleza sobredimensionada. “Nos quedamos con la versión de dos puertas, la cual me parece más guapa que la de cuatro. Tiene una gran cola –todo en ese coche evoca el viaje en el tiempo para mí.”

Claro que ese no es el único medio de transporte de J y K en la Nueva York de 1969: También tienen monociclos, vehículos de una sola rueda con un asiento central giroscópico.

El monociclo es la única manera de mantenerse a la par de Boris, quien tiene su propio vehículo amenazador. “Queríamos una moto que combinara con la cultura motorista de 1969 y que a la vez se acoplara al diseño de Boris, que debía incorporar piezas orgánicas e inorgánicas en hermosa armonía,” dice Welch.

La moto de 2,9 metros pesaba 362 kilogramos y alcanzaba 118 km. “Es mitad criatura, mitad motor de avión,” dice Harlocker. “Es una amalgama de todo tipo de tecnologías.”

Otro elemento integral del universo de los Hombres de negro son los miles de artefactos y armas usadas por los agentes –sólo ahora es cuando podemos ver algunas de las primeras versiones y prototipos de las escenas de 1969.

Por ejemplo, el neuralizador que borra los recuerdos es, para el 2012, elegante. En contraste, en 1969, el neuralizador ocupa una habitación entera del cuartel general. “En 1969 tiene la misma forma, pero cien veces más grande y alimentado por válvulas de vacío,” dice Welch. “Como siempre, nuestra tecnología se volvió más pequeña y más limpia para el 2012. Allá en 1969 era aún grande y torpe –y aún así hermosa.”

“La inspiración vino de las resonancias magnéticas,” dice Welch. “Te meten en la máquina por un lado y sales por el otro. Es ruidoso y violento y horriblemente peligroso porque es una nueva tecnología que aún no ha sido perfeccionada.”

El equipo de Harlocker construyó una nave que pesó 2721 kg., midió 5,49 m de largo y 4,27 m de alto, en el cual sólo se podía neuralizar una persona a la vez. “Una de las cosas que intentamos con las escenas de 1969 es que las cosas fueran grandes e imprácticas. Eso me parece gracioso,” dice.

Tal vez las armas más letales de la película pertenezcan a Boris. Clement explica: “dentro de las manos de Boris vive su secuaz, al que llamamos su ‘comadreja’. Es una espantosa y viciosa criatura que dispara afiladas y mortales plumas como de puercoespín, generalmente a la frente de las personas.” La comadreja fue una colaboración entre Ralston y Baker, y las espinas se realizaron a partir del diseño de Baker y el equipo de Harlocker las construyó. Fabricaron, pintaron y añadieron pelo a 125 plumas basadas en el diseño de Baker.

ACERCA DEL VESTUARIO

No serían los Hombres de negro sin sus icónicos trajes, así que para vestirles contaron con la diseñadora de vestuario Mary Vogt.

Uno podría pensar que un traje negro es sólo un traje negro, pero el vestuario no es moda: cada uno de los actores necesitó cierta cantidad de trajes, cada uno diseñado para una tarea específica. “Will y Josh tienen cerca de 25 trajes cada uno,” dice Vogt. “Hacen cosas distintas –hay trajes para arneses, para acrobacias, para tomas heroicas.”

Si 25 trajes para cada actor parece mucho, tomad nota del número de cabezas de Boris. “Tiene un atuendo diferente para cada acrobacia,” dice Vogt. Recordando los días de los Easy Riders, dice Vogt, “le dimos una chaqueta clara con flecos, pañuelo y gafas –queríamos que los espectadores fueran capaces de distinguir entre el Boris de 1969 y el de 2012,” explica la diseñadora.

Por supuesto, también recayó en la diseñadora de vestuario la tarea de vestir a las mujeres en el filme. Vogt había planeado originalmente vestir al personaje de Emma Thompson, O, en traje pantalón pero, después de ver las impresionantes piernas de la actriz, acabó por vestirla con un traje de falda.

De igual manera, cuando llegó Nicole Scherzinger para interpretar a la amante de Boris, la idea de darle el aspecto de bibliotecaria sexy se descartó a favor de la sensualidad directa. “Es Nicole Scherzinger. Se ve fantástica en un minúsculo, ajustado y sexy vestido negro con botas. Es obvio. “Se la ve espectacular con su peinado estilo Bettie Paige, y puede caminar con tacones de 13 cm como si fueran zapatillas de andar por casa.”

ACERCA DE LOS EFECTOS VISUALES

La leyenda de efectos visuales en Sony Pictures Imageworks, Ken Ralston, ganador de cinco Oscars® por su trabajo, asume el papel de director de efectos visuales con Jay Redd, cuya experiencia previa incluye la supervisión de efectos visuales en la película de animación generada por ordenador Monster House, de Imageworks.

Ralston explica que aunque varias secuencias del filme representaron emocionantes retos de efectos visuales –desde la construcción de una prisión en la luna hasta recrear el lanzamiento del Apollo 11- el mayor reto fue conseguir una apariencia que encajara con el film dirigido por Sonnenfeld. “Barry tiene un estilo muy particular,” dice Ralston. “Es muy gráfico, muy propio de sus películas. Nuestro diseños debían ser estilizados, debían existir dentro de su mundo pero, al mismo tiempo, debían ser creíbles –aun cuando algo increíble estuviera sucediendo.”

“La sensibilidad de Barry y su caprichosa aproximación al material nos permitió jugar un poco más con lo que se esperaría fuera real,” dice Redd.

Un buen ejemplo es el salto en el tiempo. Para regresar a 1969, el agente J salta desde el piso 61 del Edificio Chrysler (no intenten esto en casa niños –el agente J es un profesional.) “Ken y yo estuvimos de pie en lo alto del edificio para tomar fotos de referencia,” dice Redd. Al mirar desde la planta 61 hasta la calle, empezaron a preguntarse, ¿Cuánto tardaría el agente J en caer en la vida real? Resulta que son sólo unos segundos. Para alargar la caída del agente J a una secuencia de dos minutos, Ralston no sólo tendría que jugar con la física sino también transmitir la idea de que J está viajando en el tiempo. “Es un gran reto mostrar a los espectadores cómo se ve el viaje en el tiempo,” dice Redd. “Los dinosaurios de seguro significan prehistoria, pero ¿cómo mostrar la Gran Depresión en la segunda Guerra Mundial? Buscamos íconos, y empezamos a planear en qué punto de la caída, en qué punto sobre el edificio deberíamos ubicarnos para cada sección. Creo que nuestro edificio es de alrededor de 800 plantas, pero nadie se dará cuenta –es nuestra labor como artistas y cineastas crear la ilusión de que lo que sucede podría realmente ocurrir en la vida real.”

Ralston fue una de la primeras personas en unirse a Sonnenfeld para trabajar en la película, y acabó colaborando estrechamente con cada uno de los jefes y directores de los departamentos, desde producción hasta vestuario hasta los efectos mecánicos, para ayudar a cada uno a beneficiarse de los efectos visuales cuando fuese necesario. Por ejemplo, el director de producción Bo Welch diseñó los monociclos que J y K emplearon para perseguir a Boris a través de Queens en 1969 –luego pasaron el testigo a los artistas de generación por ordenador del equipo de Ralston y Redd, quienes crearon los monociclos en el ordenador –algunas secuencias fueron completamente generadas por ordenador- y recrearon Nueva York en los 60 como telón de fondo para la elaborada secuencia de la persecución.

Pero quizá ninguna colaboración fue más estrecha que la de Baker con el equipo de efectos de maquillaje. “Rick y yo nos conocimos cuando teníamos 17 años, haciendo anuncios –lo conozco desde siempre, pero nunca habíamos trabajado juntos,” dice Ralston. “Fue muy divertido estar cerca de él y trabajar juntos.”

La colaboración varió desde lo más sencillo hasta lo más extenso. “Nunca sabes cuál de los alienígenas tomará Barry para un primer plano,” dice Ralston. “Podríamos tomar algunos de los alienígenas y añadir pequeños detalles –algo de animación adicional alrededor de los ojos, algunos guiños, movimientos de antenas, un miembro extra.” Pero Baker y Ralstón también trabajaron juntos para crear a Boris el Animal. “Rick diseñó una idea muy guay, donde la cabeza y muchos de los rasgos faciales parecen dedos cerrados o garras,” Ralston explica. “Cuando se le va la olla o se enfada mucho, todos esos dedos se abren y puedes ver todas esas cosas extrañas dentro de su cabeza. Rick creó la criatura, y hablamos todo el rato sobre qué podríamos hacer con él, porque llegaría un punto en el que tomaríamos el control y amplificaríamos su trabajo.”

Los equipos de Ralston y Redd también crearon varios platós digitales, desde la prisión en la luna que (al final) no pudo retener a Boris, hasta el estadio Shea en 1969 (el cual al final tampoco pudo contener a los Mets –el estadio fue demolido en 2009 cuando el equipo se mudó a Citi Field): “La fuga de la prisión es una muy buena manera de empezar el filme,” dice Ralston.

El plató digital más elaborado de la película aparece en el clímax, cuando J y el joven K persiguen no a uno, sino a dos Borises a través de la estructura que sostenía los cohetes que lanzarían la misión del Apollo 11 a la luna. El truco para esta secuencia fue hacer una fiel recreación digital de un evento icónico que todos han visto cientos de veces, a la vez que se creó todo lo que el director necesitaba para contar la historia. “La realidad es grandiosa pero, a veces, la realidad puede ser aburrida. Las películas de Men in Black van de la creación de una realidad amplificada, una realidad fantasiosa. Hemos empezado con la realidad, luego intentamos ir más allá pero aún manteniendo la sensación de estar en el mundo real,” dice Redd. “Tuvimos que mantener la imagen icónica del lanzamiento del Apollo 11 pero, por motivos dramáticos o por el ritmo, puede que hayamos cambiado cosas –el número de plantas que hay en una torre, la cantidad de humo que hay en un momento dado, a qué distancia está la playa del cohete.”

“Intentamos hacerte creer que hay dos agentes y dos Borises corriendo por ahí peleando entre sí,” dice Ralston. “Todos tenemos el humo a nuestro alrededor, el vapor, las ventilaciones, los ángulos chulos del cohete. La iluminación debe tener cierta calidad. Todo está estilizado para que se sienta como parte de la película, pero también sentimos que ellos están realmente allí.”

Redd añade que el modo en que el director –un exitoso director de fotografía por mérito propio antes de su transición a la dirección- ayudó a dar a la secuencia una sensación única con sabor a Men in Black . “El estilo de rodaje de Barry –objetivos amplios y mucha luz- añade un sentido de comedia a la vez que retiene la sensación de tensión y ritmo,” dice Redd.

ACERCA DEL REPARTO

El dos veces nominado al Oscar WILL SMITH (Agente J) ha disfrutado de un éxito sin precedentes en una carrera que abarca cine, televisión y discos de platino múltiples. Por su memorable interpretación de Muhammad Ali en Ali de Michael Mann, recibió su primera nominación al Oscar, la cual fue seguida por su segunda nominación por el drama de la vida real En busca de la felicidad.

Smith está actualmente rodando y produciendo After Earth bajo el sello de su productora Overbrook Entertainment, coprotagonizada por Jaden Smith y dirigida por M. Night Shyamalan.

Su extraordinaria lista de éxitos de taquilla incluye Soy leyenda y Hancock. También estremeció a las audiencias con grandes éxitos tales como Yo, robot; Independence Day, Hombres de negro y Hombres de negro II. Su trabajo no se limita a la interpretación y, junto con su socio James Lassiter de Overbrook Entertainment produjo, entre otras, Hitch: especialista en ligues, En busca de la felicidad, La vida secreta de las abejas, Siete almas, Protegidos por su enemigo y Bajo la piel, marcada por el debut como directora de Jada Pinkett Smith. El más reciente éxito de Overbrook fue The Karate Kid de Columbia Pictures, estrenada el 11 de junio de 2010 y la cual recaudó más de 343 millones de dólares a nivel mundial.

Smith ganó cuatro valiosos premios en los 11º World Music Awards en Monte Carlo y el NAACP Image Award como Mejor Actor por su papel en Siete almas en 2009. Smith también ha ganado varios Kids’ Choice Awards por películas como Independence Day, Wild Wild West, El espantatiburones, Hitch: especialista en ligues y Hancock. Smith también recibió su primer Grammy como mejor interprete de rap en 1989 por “Parents Just Don’t Understand” y también ganó otros tres Grammys por “Summertime”, “Men in Black” y “Getting Jiggy with It”.

Smith ha convertido el ayudar a los demás en su misión a través de sus esfuerzos humanitarios. Entre los temas más importantes para Smith están la educación infantil y, de muchas y muy variadas maneras, Smith ha apoyado a escuelas en todo su país. Smith ha centrado sus esfuerzos por lograr un cambio a través de la fundación Will and Jada Family Foundation, la cual fundó junto a su esposa en 1997.

También mediante la Family Foundation, Smith forma parte de la Kanimambo Foundation, una organización sin ánimo de lucro que implementa programas vanguardistas en Mozambique para mejorar el estado de la educación,el cuidado a huérfanos y la educación y asistencia médica para VIH/ SIDA.

Entre sus muchos logros, Smith fue honrado por el Museum of Moving Image en 2006 y recibió el Simon Wiesenthal Humanitarian Award en 2009, premio que le fue entregado en base a su “compromiso con la educación, la diversidad cultural y la responsabilidad social.”

Smith es además embajador para la fundación 46664 de Nelson Mandela, la respuesta africana a la epidemia global de VIH/ SIDA. En 2008, Smith se convirtió en Miembro Nacional de la Junta de Malaria No More, una fundación con una meta sencilla: eliminar las muertes por malaria en todas partes. Smith también ha participado activamente en la campaña Make a Wish, concediendo deseos y apoyando los esfuerzos de la fundación para mejorar las vidas de los niños en condiciones adversas por más de una década y media.

Uno de los más aclamados y consumados actores de Hollywood, ganador del Oscar®, TOMMY LEE JONES (Agente K) aporta un carácter distinto a cada uno de sus filmes.

Jones hizo su primera aparición en Love Story y, en una carrera de 40 años, ha participado en filmes como Ojos, Quiero ser libre – por la cual recibió su primera nominación al Globo de Oro – Lunes tormentoso, A la caza del lobo rojo, JFK (Caso abierto), Alerta máxima, El fugitivo, El cielo y la tierra, El cliente, Asesinos natos, Las cosas que nunca mueren, Ty Cobb, Batman Forever, Hombres de negro, U.S. Marshalls, Doble traición, Reglas de compromiso, Space Cowboys, Hombres de negro 2, The Hunted (La presa), Desapariciones, Los tres entierros de Melquiades Estrada, El último show, En el centro de la tormenta, The Company Men y Capitán America: El primer vengador.

Le fue otorgado el Oscar® a Mejor Actor de Reparto por su interpretación del inflexible agente federal de los EEUU Sam Gerard en el éxito de taquilla El fugitivo en 1994. Por esta actuación también recibió un Globo de Oro como Mejor Actor de Reparto. Tres años antes, Jones recibió su primera nominación al Oscar® por su interpretación de Clay Shaw en JFK (Caso Abierto) de Oliver Stone.

En 2007 Jones participó en la aclamada En el valle de Elah, por la cual recibió una nominación al Oscar® como Mejor Actor y ese mismo año participó en la ganadora No es país para viejos, escrita y dirigida por Joel y Ethan Cohen, basada en la novela de Cormac McCarthy.

Este año, además de su papel en Men in Black 3, Jones participará junto a Meryl Streep en Hope Springs a estrenarse el 10 de agosto y, en diciembre, como Thaddeus Stevens en Lincoln, de Steve Spielberg.

Más recientemente completó el rodaje en exteriores de The Emperor en Nueva Zelanda para el director Peter Webber donde interpreta al General Douglas MacArthur.

En 1995 Jones hizo su debut como director con el aclamado filme adaptado para televisión de la novela de Elmer Kelton “Viejos muchachos” para TNT. Jones también participó en el telefilme con Sissy Spacek, Sam Shepard, Frances McDormand y Matt Damon. Por su interpretación de Hewey Calloway, recibió una nominación al Screen Actors Guild Award y otra al CableACE.

En 2005, Jones participó en el filme aclamado por la crítica Los tres entierros de Melquiades Estrada, el cual también dirigió y produjo. El film debutó en el festival de Cannes de 2005 y le mereció a Jones el premio a Mejor Actor y al guionista Guillermo Arriaga por Mejor Guión en este filme acerca de la amistad y el asesinato en la frontera Texano- americana.

Más recientemente Jones dirigió The Sunset Limited, para HBO. Este telefilme, estrenado en febrero de 2011, se basa en la obra del mismo nombre por Cormac McCarthy y contó con la participación de Jones y de Samuel L. Jackson.

Jones también ha tenido éxito en la pequeña pantalla. En 1983, ganó un Emmy al Mejor Actor Principal en una Serie limitada o Especial por su actuación como Gray Gilmore en “La canción del verdugo” y, en 1989, fue nominado a un Emmy y un Globo de Oro como Mejor Actor Principal en una Miniserie o Especial por “Paloma Solitaria”.

Sus numerosos créditos en TV y cable incluyen su papel en “The Amazing Howard Hughes”, la producción de American Playhouse de ”La gata sobre el tejado de zinc”, “Legítima defensa” para HBO y la producción de HBO/ BBC “Yuri Noshenko, KGB” y “April morning”.

En 1969 Jones hizo su primera aparición en Broadway en la obra de John Osborne “Un patriota para mí”. Sus otras apariciones en Broadway incluyen “Four on a Garden” con Carol Channing y Sid Caesar y “Ulysses in Nighttown” con el fallecido Zero Mostel.

Nacido en San Sabas, Texas, trabajó por un tiempo con su padre en los campos petroleros antes de asistir a la St. Mark’s School of Texas, y luego a la universidad de Harvard, de la cual se graduó cum laude con un licenciatura en Filología inglesa.

El actor nominado al Oscar® JOSH BROLIN (joven Agente K) ha emergido como uno de los principales nombres masculinos de Hollywood. Un poderoso y solicitado actor de cine, Brolin sigue destacando en papeles desafiantes, tanto en producciones comerciales de estudio como en provocativas películas independientes.

Este año, además de Men in Black 3, también aparecerá en el drama Gangster Squad junto a un elenco digno de mencionar que incluye a Ryan Gosling, Emma Stone y Sean Penn. El filme recuerda los esfuerzos de la Policía de Los Ángeles para recuperar su ciudad de uno de los más poderosos jefes de la mafia de los años 40; se estrena en EE.UU. el 12 de octubre de la mano de Warner Bros. Este verano Brolin comenzará el rodaje de Labor Day coprotagonizada por Kate Winslet. El filme, dirigido por Jason Reitman, lo estrenará Paramount Pictures en 2013. Adicionalmente, el actor comenzará a rodar con Spike Lee una nueva versión de la película de culto coreana de acción y suspenso Oldboy, producida por Mandate Pictures.

Tal vez Brolin sea más conocido por sus fascinantes actuaciones durante los últimos años. En 2008 Brolin fue nominado un Oscar®, un Screen Actors Guild Award y recibió premios del New York Film Critics Circle y de la National Board of Review por su interpretación de Dan White en la aclamada Mi nombre es Harvey Milk de Gus Van Sant. Recientemente apareció en Valor de ley de los hermanos Coen, la cual fue nominada a 10 Oscars® incluyendo el de mejor película; Wall Street 2: el dinero nunca duerme de Oliver Stone junto con Shia LeBoeuf y Michael Douglas; y en Conocerás al hombre de tus sueños, de Woody Allen, junto con Anthony Hopkins y Naomi Watts. Recibió excelentes críticas por su representación de George W. Bush en la película biográfica W de Oliver Stone. Previo a eso, Brolin ganó un Actors Guild Award como parte del reparto por su trabajo con los hermanos Coen en No es país para viejos, la cual también ganó cuatro Oscars®, incluidos el de Mejor Película y Mejor Director. Además, Brolin participó en American Gangster de Ridley Scott como parte de su elenco.

Otros créditos cinematográficos incluyen Planet Terror, parte de una aclamada doble producción de Quentin Tarantino y Robert Rodríguez, Grindhouse coprotagonizada por Rose McGowan y Freddy Rodríguez; En el valle de Elah para el director Paul Haggis, coprotagonizada por Tommy Lee Jones y Susan Sarandon; Inmersión letal, de John Stockwell junto con Jessica Alba; Coastlines de Victor Núnez junto con Timothy Olyphant; el éxito de Paul Verhoeven El hombre sin sombra, con Kevin Bacon; Escuadrón oculto de Scott Silver, con Claire Danes; el filme de suspenso psicológico de Ole Bornedal La sombra de la noche, con Nick Nolte, Patricia Arquette y Ewan McGregor; Un plan perfecto con Reese Witherspoon, producida por Mike Newell; Destinos cruzados, con la aparición de un elenco estelar incluyendo a Gary Sinise, Joan Allen y Anna Paquin; y el filme de suspenso y ciencia-ficción de Guillermo Del Toro, Mimic, con Mira Sorvino, Jeremy Northam, y Charles Dutton. Brolin también recibió el reconocimiento de críticos y espectadores en Flirteando con el desastre de David O. Russell interpretando a un agente federal bisexual con un elenco sobresaliente encabezado por Ben Stiller. Brolin hizo su primera aparición en la comedia clásica de acción Los Goonies, dirigida por Richard Donner para el productor Steven Spielberg.

En televisión, Brolin dejó su marca como personaje recurrente en la popular serie de ABC “Jóvenes jinetes” al igual que en “Detective privado” para NBC y “Una calle cualquiera” para CBS. Brolin también recibió elogios de la crítica en la miniserie épica de TNT “Into the West” junto con Beau Bridges, Gary Busey y Jessica Capshaw. Además, Brolin participó en el papel titular del aclamado drama policial de NBC “Mr. Sterling”. La serie seguía los esfuerzos de un joven político idealista mientras intentaba aprender y trabajar dentro de un sistema generalmente corrupto. También apareció en la película de la semana de HBO “Prison for Children” y en el original de Showtime “Corrupción policial” con Mario Van Peebles, J. T. Walsh y Stephen Lang. Bolin coprotagonizó junto con Mary Steenburgen, Gretchen Mol y Mollie Bedelia la adaptación para televisión de la obra ganadora del Pulitzer “Picnic” de William Inge.

Como productor, Brolin se unió a Matt Damon, Chris Moore, Anthony Arnove y Howard Zinn en un documental titulado The People Speak, basado en el influyente libro de Zinn de 1980 A People´s Story of the United States. La producción, que se emitió en The History Channel en 2009, observó las luchas de América contra las guerras, el clasismo, el racismo y los derechos de las mujeres y contó con lecturas por Viggo Mortensen, Sean Penn y David Stratham, entre otros. Brolin se estrenó como director en 2008 con un corto titulado X, el cual también escribió y produjo. Se estrenó en el Festival Internacional de Cine de Santa Bárbara antes de proyectarse en festivales como el South by Southwest y el AFI Dallas Film Festival.

Brolin pasó cinco años con Anthony Zerbe en el Reflections Festival en el GeVa Theatre en Rochester, Nueva York. Estando allí, actuó y dirigió varias obras del festival, incluyendo “Pitz & Joe,” “Life in the Trees,” “Forgiving Typhoid Mary,” “Oh, The Innocents,” “Peep Hole,” “Ellen Universe Joins the Band,” “Lincoln Park Zoo,” y “Hard Hearts.” Brolin también protagonizó junto a Elias Kosteas la aclamada producción de Broadway de “True West”. En 2004 Brolin actuó en la premiada obra off Broadway “The Exonerated”, basada en las historias reales de media docena de prisioneros condenados a muerte. Otros créditos teatrales incluyen “Skin of the Teeth”, “El Crisol- Las brujas de Salem” y “Un tranvía llamado deseo” en el Lebrero Theater; “Sueño de una noche de verano” en el Lebrero Theatre y “Dark of the Moon” en el Ann Capa Ensemble Theatre.

JERMAINE CLEMENT (Boris) es músico, humorista y actor acostumbrado a personajes poco convencionales.

El nativo neozelandés ha estado involucrado en una amplia variedad de proyectos en teatro, radio, televisión y cine. Es una de las mitades del dúo ganador del Grammy® Los Conchords. Etiquetados como el ”número cuatro en popularidad de parodias típicas en Nueva Zelanda,” el grupo usa una combinación de aguda observación, caracterización y guitarras acústicas. Su extravagante acto se convirtió más adelante en una serie radiofónica de la BBC, seguida por la serie Americana con siete nominaciones al Emmy®, “Los Conchords” estrenada en HBO en el 2007. Clement también ha ganado tres nominaciones compartidas a los WGA® por su participación en los guiones de la serie.

Clement también protagonizó Eagle vs. Shark, escrita y dirigida por Taika Waititi.

Más recientemente los créditos del actor incluyen su voz en los filmes animados Gru- Mi villano favorito y Rio; el papel protagónico en la comedia criminal Predicament; y la comedia coral La cena. Previamente, interpretó al excéntrico autor de ciencia-ficción, el Dr. Ronald Chevalier, en Gentlemen Broncos, dirigida por Jarren Hess. Su actuación en este filme le mereció una nominación al Independent Spirit como Mejor Actor de Reparto.

MICHAEL STUHLBARG (Griffin) Cine: : Lincoln, La invención de Hugo, Un tipo serio (nominación al Globo de Oro; Independent Spirit Award – Robert Altman Award), After School, Cold Souls, Red de mentiras, La zona gris, A Price Above Rubies. TV: “Boardwalk Empire” (2011 y 2012 SAG Award – Mejor Interpretación Conjunta en Serie Dramática), “Betty,” “Daños y perjuicios,” “Studio 60,” “La leyenda del Hunley,” “Alexander Hamilton” (PBS). Broadway: “The Pillowman” (Nominada un Tony Award y un Drama Desk Award), “The Invention of Love,” “Cabaret,” “Taking Sides,” “Saint Joan,” “Timon of Athens,” “The Government Inspector,” “Three Men on a Horse.” Off Broadway: “Hamlet,” “The Voysey Inheritance” (Obie Award, Callaway Award, nominación al Lucille Lortel Award), “Measure for Pleasure” (nominación al Lucille Lortel Award), “Belle Epoque,” “The Persians,” “The Mysteries,” “Twelfth Night,” “The Winter’s Tale,” “A Dybbuk,” “Richard II,” “Henry VIII,” “All’s Well That Ends Well,” “Woyzeck,” “As You Like It,” “Cymbeline,” “The Grey Zone,” “Old Wicked Songs,” “Mad Forest.” Stuhlbarg es Licenciado en Bellas Artes de Juilliard School, y es miembro de LAByrinth Theater Company.

EMMA THOMPSON (Agente O) es uno de los talentos más respetados del mundo por su versatilidad actoral y como guionista. En 1992, Thompson causó revuelo con su representación de Magaret Schlegel en la adaptación de Merchant-Ivory de El regreso a Howards End de E. M. Foster. Arrasando con la categoría de Mejor Actriz en donde fuera considerara, su actuación le hizo merecedora de los premios BAFTA, premios del círculo de críticos de cine de Los Ángeles y Nueva York, Globo de Oro y Oscar®. Recibió dos nominaciones al Oscar® al año siguiente por su trabajo en Lo que queda del día y En el nombre del padre. En 1995 su adaptación de Sentido y sensibilidad de Jane Austen, dirigida por Ang Lee, ganó el Oscar® al Mejor Guión Adaptado al igual que en los Globos de Oro, Writers Guild of America, Writers Guild of Great Britain, entre otros. Por su actuación en el filme fue nominada a los premios BAFTA, Globo de Oro y Oscar® como Mejor actriz.

En 2008 Thompson protagonizó, junto a Dustin Hoffman el encantador romance de Joel Hopkins Nunca es tarde para enamorarse y fue nominada al Globo de Oro como Mejor actriz. En 2006 Thompson coprotagonizó, junto a Will Ferrel, Dustin Hoffman y Maggie Gyllenhaal Más extraño que la ficción, dirigida por Marc Forster y producida por un colaborador habitual de Thompson, Lindsay Doran. En 2004 llevó a la pantalla el personaje de Sybil Trelawney en Harry Potter y el prisionero de Azkaban para el director Alfonso Cuaron y, en 2007, repitió el papel en Harry Potter y la Orden del Fénix, para el director David Yates. En 2004 Thompson apareció en su propia adaptación de La niñera mágica, dirigida por Kirk Jones y nuevamente en La niñera mágica y el Big Bang, para la cual también escribió el guión y ejerció como Productora Ejecutiva.

Thompson está actualmente escribiendo una nueva versión de Annie para Columbia Pictures.

Thompson nació en Londres, hija de Eric Thompson, director teatral y dramaturgo, y de Phyllida Law, actriz. Estudió filología inglesa en Cambridge y fue invitada a unirse al conjunto de comedia Footlights, el cual la eligió como su Vicepresidente (Hugh Laurie era el presidente). Mientras aun era estudiante, codirigió la primera revista exclusiva para mujeres de Cambridge “Women’s Hour”, hizo su debut televisivo en “Friday Night, Saturday Morning” de la BBC-TV y también su debut en la radio en “Injury Time” de BBC Radio.

A lo largo de los años 80 Thompson apareció frecuentemente en la TV británica, incluyendo papeles ampliamente elogiados en la serie de TV Granada “Alfresco”, en “Election Night Special” de la BBC y “The Crystal Cube” (esta última escrita por sus compañeros de Cambridge Stephen Fry y Hugh Laurie), y un hilarante papel como la insoportable dama de clase alta Miss Money Sterling en “Los jóvenes”. En 1985, Channel 4 le ofreció su propio especial de TV “Up for Grabs” y en 1988 escribió y participó en su propia serie de BBC llamada “Thompson.” Trabajó como humorista en vivo cuando la oportunidad se presentó, y ganó £60 en efectivo en su 25º cumpleaños en un dúo cómico con Bill Elton en la Coydon Warehouse. Dice que es el mejor dinero que ha ganado.

Siguió compaginando su actividad teatral con su trabajo en radio y TV, apareciendo en “A Sense of Nonsense” de gira por Inglaterra en 1982, “Short Vehicle” escrita por ella misma en el Festival de Edimburgo en 1983, “Me and My Girl,” primero en Leicester y luego en el West End de Londres en 1985 y “Look Back in Anger” en el Lyric Theatre de Shaftesbury Avenue en 1989.

La primera aparición cinematográfica de Thompson llegó en 1988, protagonizando junto a Jeff Goldblum la comedia Un tipo de altura. Luego interpretó a Katherine en el debut en la dirección de cine de Kenneth Branagh, Enrique V y continuó participando junto a Branagh en tres de sus trabajos como director, Morir todavía (1991), Los amigos de Peter (1992) y Mucho ruido y pocas nueces (1993).

Otros créditos de Thompson incluyen Junior (1994), Carrington (1995) y El invitado de invierno (1997). Ha participado en tres proyectos de Mike Nichols: Primary Colors (1998) y los filmes para TV Amar la vida (2001, en una actuación nominada a los Globos de Oro) y Angels in America (2002, nominada a los Screen Actors Guild Award y los EMMY).  También en 2002, apareció en Imagining Argentina para el director Christopher Hampton y Love, Actually con el director Richard Curtis. Este último filme le mereció a Thompson una gran cantidad de galardones, incluyendo Mejor Actriz en un Papel Secundario en los Evening Standard Film Awards de 2004, una nominación como Mejor Actriz de Reparto en los BAFTA de 2004, Mejor Actriz de Reparto en los London Film Critics Circle Awards y Mejor Actriz Británica en los Empire Film Awards de 2004.

Thompson preside la Helen Bamber Foundation, una organización de derechos humanos establecida en el Reino Unido, fundada en abril de 2005 para ayudar a reconstruir vidas e inspirar la autoestima de los supervivientes de violaciones brutales de los derechos humanos. En favor de la fundación, Thompson ayudó a fundar “Journey,” una instalación interactiva de arte, la cual usa siete contenedores de transporte para ilustrar las brutales y terribles experiencias de mujeres vendidas al tráfico sexual. Hasta ahora, Thompson y “Journey” han viajado a cuatro ciudades internacionales (Londres, Viena, Madrid y Nueva York), y tienen previsto visitar Holanda este otoño.

Thompson es también Embajadora para la agencia internacional de desarrollo, Action Aid, y ha hablado públicamente sobre su apoyo al trabajo realizado por esta ONG, particularmente en lo que se refiere a la epidemia de HIV/ SIDA que sigue arrasando en África. Está afiliada a la organización desde el 2000 y hasta ahora ha visitado proyectos de Action Aid en Uganda, Etiopía, Mozambique y Sudáfrica.

Thompson es también Presidente desde 2010 de los Teaching Awards. Fundada en 1998, estos premios están abiertos a todos los establecimientos educativos en Inglaterra, Gales e Irlanda del Norte que eduquen a estudiantes entre 3 y 18 años, para nominar y premiar a los profesores y colegios que transforman las vidas y ayudan a los jóvenes a alcanzar su potencial.

ACERCA DE LOS REALIZADORES

BARRY SONNENFELD (Director) ha logrado el éxito comercial y artístico con filmes como La familia Addams, La familia Addams: la tradición continúa, Hombres de negro I & II, Cómo conquistar Hollywood, Wild Wild West, El gran lío, y ¡Vaya vacaciones! Ha sido productor o productor ejecutivo de las películas Ladykillers, Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket, Out Of Sight, Encantada: la historia de Giselle la película animada Space Chimps. Misión espacial.

Sonnenfeld inició su carrera como cineasta colaborando con los hermanos Coen en su primera película Sangre fácil (Blood Simple), continuando con Arizona Baby y Muerte entre las flores. Adicionalmente, Sonnenfeld fue Director de fotografía en el filme de Penny Marshall Big, con Danny de Vito en Tira a mamá del tren y dos filmes para Rob Reiner, Cuando Harry encontró a Sally y Misery.

Más recientemente, Sonnenfeld ha recibido un Emmy® por Mejor Dirección de una serie de comedia y el premio DGA por sus logros como director en “Criando malvas”, “Pie- lette”. Ha dirigido numerosos anuncios ganadores de premios Clio para Nike, Reebok e Isuzu.

En televisión, ha sido productor ejecutivo de “Karen Sisco” y fue director y productor ejecutivo de “Maximum Bob,” “The Tick,””Notes from the Underbelly” y “Criando malvas”.

Hasta hace poco, Sonnenfeld fue Editor Colaborador para la revista Esquire y desde septiembre de 2003 escribe su columna mensual en “The Digital Man”. Es también un miembro electo de la junta del Eastern Directors Council del Directors Guild of America.

Vive en East Hampton, Nueva York y Telluride, Colorado con su hermosa esposa Susan.

ETAN COHEN (Guión) es una de las más solicitadas mentes cómicas en la industria. Catalogado como “Escritor de comedia del año” en el festival Just for Laughs en Montreal, Cohen ha probado ser uno de los escritores más prolíficos de los últimos años. En 2008, Cohen se unió a Ben Stiller y a Justin Theroux para escribir juntos el filme Tropic Thunder: ¡Una guerra muy perra! Ben Stiller protagonizó y dirigió el filme, en el cual también aparecieron Jack Black, Robert Downey Jr. y Tom Cruise. El filme recaudó 185 millones de dólares en taquillas de todo el mundo. Ese mismo año Cohen también escribió el filme animado Madagascar 2: escape África, el cual recaudó 594 millones de dólares a nivel mundial y lo reunió nuevamente con Ben Stiller.

Cohen comenzó su carrera a los 19 años mientras estudiaba en un seminario judío de la Orilla Oeste en Israel cuando escribió un episodio especulativo de Beavis & Butthead y envió una propuesta en frío al equipo del programa. Mike Judge, quien creó y manejaba el programa lo leyó y le pidió a Cohen que empezara a escribir para Beavis & Butthead de inmediato. Su penúltimo año en Harvard coincidió con el principio de lo que luego sería una temporada de tres años para la popular serie. Entre los episodios escritos por él hubo uno que presentó a Beavis y a Butthead falsificando dinero simplemente fotocopiándolo y, poco después, un grupo de estudiantes de la Universidad de Columbia fue hallado imitando el proceso de falsificación que vieron en el episodio.

Cohen se graduó de Harvard con un título en Yiddish y se mudó a Los Ángeles. Una vez allí, entró en tratos con Disney Television Animation. A continuación, fue escritor en el equipo de “Matando el tiempo.” Cohen fue reclutado por Judge para trabajar en Fox en “El rey de la colina” como editor de historia y terminó su temporada allí como coproductor ejecutivo. Durante ese periodo Cohen comenzó a escribir guiones para cine. El primero fue dirigido por Mike Judge, la comedia Idiocracia, con la aparición de Luke Wilson y Maya Rudolph. Desde entonces Cohen pasó a escribir exclusivamente para películas.

Los próximos proyectos de Cohen incluyen una versión humorística de Sherlock Holmes de Arthur Conan Doyle, en la que se prevé que Sacha Baron Cohen haga de Sherlock Holmes y Will Ferrel como su compañero, el Doctor Watson.

Cohen debutará como director cuando presente la comedia de terror Boy Scouts vs. Zombies, la cual está actualmente en desarrollo en Paramount Pictures.

Cohen actualmente vive en Los Ángeles con su esposa y sus tres hijos.

LOWELL CUNNINGHAM (basado en el Malibu Comic del cual es escritor) reside en Knoxville, Tennessee, donde se dedica a su carrera como escritor freelance. El cómic de Los hombres de negro fue su primera venta profesional. Actualmente está creando nuevos proyectos para comics, cine y televisión.

Cunningham siempre se ha interesado por los cómics, la ciencia-ficción y los fenómenos inusuales . Fue la combinación de estos intereses lo que lo llevó a crear el cómic de Los hombres de negro, conectado en cierta manera con leyendas urbanas de OVNIs.

Cunningham es Licenciado en Filosofía por la Universidad de Tennessee. Su hobby actual es viajar y hace poco cumplió su sueño de visitar los siete continentes.

WALTER F. PARKES (Productor) y LAURIE MacDONALD (Productora) son el equipo de marido y mujer que tienen la particular distinción de haber ayudado a crear DreamWorks, el primer estudio nuevo en cinco décadas, al igual que ser dos de los productores más activos trabajando actualmente.

Entre las películas producidas o producidas ejecutivamente por Parkes & MacDonald están Gladiator, Amistad, Hombres de negro I & II, Minority Report, La máscara del Zorro, Atrápame si puedes, Una serie de catastróficas desdichas de Lemony Snicket, La terminal, Camino a la perdición y The Ring (La señal). En 2007 crearon su propia productora y produjeron las adaptaciones a la pantalla de la aclamada novela Cometas en el cielo de Khaled Hosseini y del musical de suspenso de Stephen Sondheim Sweeney Todd: el barbero diabólico de la Calle Fleet, con la actuación de Johnny Depp y dirigida por Tim Burton. En total los filmes producidos o producidos ejecutivamente por Parkes y MacDonald han ganado más de 6 mil millones de dólares en todo el mundo.

Como jefes de estudio, Parkes y MacDonald fueron responsables del desarrollo y producción de la variada pizarra de filmes de DreamWorks, la cual alcanzó tanto éxito en taquilla como elogios de la crítica, incluyendo –por tan sólo la segunda vez en la historia de la academia de cine norteamericana- tres Oscars® consecutivos a Mejor Película: American Beauty, Gladiator y Una mente maravillosa, la última producida en colaboración con Universal Pictures. Otros éxitos comerciales y de crítica producidos durante su ejercicio incluyen: Casi famosos de Cameron Crowe, de Robert Zemeckis Lo que la verdad esconde, de Adam McKay El reportero, Collateral de Michael Mann, y la ganadora de Oscar® y del Globo de Oro®, el drama Salvar al soldado Ryan de Steven Spielberg, que fue la película con mayor recaudación doméstica en 1998.

En 2009, Parke y MacDonald hicieron equipo con la Abu Dhabi Media Company para formar “Parkes+MacDonald Image Nation,” una sociedad que financiaría futuros desarrollos cinematográficos para los proyectos de la pareja en DreamWorks y en otros estudios y proveería financiación conjunta en la producción de filmes seleccionados.

El mismo Parkes ha sido nominado tres veces al Oscar®, mereciendo la primera nominación como director/productor del documental de 1978 The California Reich, la cual exponía actividades neo-nazis en California. Obtuvo su segunda nominación al Oscar® por escribir (con Lawrence Lasker) el guión original para Juegos de guerra y la tercera por su trabajo como productor en la nominada a mejor película Despertares. Parkes y Lasker también escribieron y produjeron el filme de suspenso Los fisgones con las actuaciones de Robert Redford y Sidney Poitier.

MacDonald comenzó su carrera como productora de documentales y noticias en KRON, la filial de NBC en San Francisco. Más tarde se unió a Columbia Pictures donde ejerció como Vicepresidente de Producción. Pasados cuatro años comenzó una productora con Walter Parkes. Inmediatamente antes de unirse a DreamWorks, MacDonald supervisó las áreas de desarrollo y producción en Amblin Entertainment.

STEVEN SPIELBERG (Productor ejecutivo), uno de los cineastas más influyentes y exitosos de la industria, es uno de los principales socios de DreamWorks Studios. Formada en 2009, Spielberg y Stacey Snider encabezan la productora en asociación con The Reliance Anil Dhirubhai Group.

Spielberg es también, en conjunto, el director con más recaudación de la historia, habiendo esgrimido éxitos de taquilla como Tiburón, E.T. El extraterrestre, la franquicia de Indiana Jones y Parque Jurásico. Como productor ejecutivo sus filmes incluyen la trilogía de Regreso al futuro, Men in Black y sus dos secuelas y la trilogía de Transformers.

Entre sus miles de honores, ha sido tres veces ganador del Oscar@, ganando dos Oscars@ como Mejor Director y Mejor Película por La lista de Schindler y un tercer Oscar® como Mejor Director por Salvar al soldado Ryan. Sus más recientes estrenos como director son Las aventuras de Tintín: El secreto del unicornio, que ganó el Globo de Oro al Mejor Filme Animado y War horse (Caballo de batalla), nominada a Mejor Película por la Academy of Motion Pictures Arts and Sciences. Entre sus otros filmes recientes, fue productor en Super 8, dirigida por J. J. Abrams y productor ejecutivo en Transformers 3: El lado oscuro de la luna, dirigida por Michael Bay.

Spielberg comenzó su carrera en televisión dirigiendo episodios de programas como “Columbo”, “Marcus Welby” y “Night Gallery,” entre otros. Su película “Duel” fue luego publicada internacionalmente, como un filme teatral, lanzando su carrera y llevándole a sus primeros filmes, Loca evasión y Tiburón.

Las más exitosas series de televisión de Spielberg fueron la ganadora del Emmy “Urgencias”, de la cual fue Productor Ejecutivo con Amblin Enertainment y Warner Bros. TV.; la miniserie “Hermanos de sangre” y “The Pacific”, de las cuales fue el Productor Ejecutivo y ganaron Emmys como Mejor Miniserie. Actualmente es productor ejecutivo para los programas de DreamWorks “Falling Skies,” “The River” y “Smash”.

Spielberg también ha dedicado parte de su tiempo y sus recursos a muchas causas filantrópicas. Estableció la fundación The Righteous Persons Foundation utilizando todos los ingresos de “La lista de Schindler” para ella. También fundó Survivors of the Shoah Visual History Foundation, la cual en 2005 se convirtió en la USC Shoah Foundation Institute for Visual History and Education. Esta fundación ha grabado más de 52.000 testimonios de sobrevivientes del Holocausto y está dedicada a la investigación y becas en humanidades y ciencias sociales.

G. MAC BROWN (Productor ejecutivo) ha tenido una larga y distinguida carrera en la producción cinematográfica. Con base desde hace tiempo en la ciudad de Nueva York, ha trabajado por más de 30 años produciendo o como productor ejecutivo de algunas de las mejores películas de la ciudad, como Última salida Brooklyn (Uli Edel), Posibilidad de escape (Paul Schrader), Esencia de mujer (Martin Brest), Tienes un e-m@il (Nora Ephron), Infiel (Adrian Lyne), La intérprete (Sydney Pollack) y la premiada Infiltrados (Martin Scorcese).

En su trayectoria también ha producido o ha sido productor ejecutivo de filmes con Warren Beatty, James Toback, Steve Kloves, Beeban Kidron, Susan Seidelman, Sydney Lumet, Lasse Hallstrom y Frank Oz.

En los últimos años, Brown se ha mudado de Nueva York y continúa formando equipo con algunos de los mejores directores de nuestro tiempo. Primero viajó a Australia a producir la épica de Baz Luhrmann Australia. De ahí viajó a Chicago y se unió a Michael Mann en Enemigos públicos y luego a Los Ángeles a producir la premiada Somewhere de Sofía Coppola.

BILL POPE, ASC (Director de fotografía) está acostumbrado ya a las franquicias taquilleras, siendo él quien hizo Spider-Man™ 2 y Spider-Man 3 para Sam Raimi, y la trilogía de Matrix dirigida por los hermanos Wachowski, por la cual fue nominado a un premio BAFTA en el 2000 (por el primer filme). Sus demás créditos incluyen Scott Pilgrim contra el mundo, Clueless (Fuera de onda), dirigida por Amy Heckerling y Team America: La policía del mundo con Matt Stone y Trey Parker. También fue el director de fotografía para el proyecto de tesis de Barry Sonnenfeld en la escuela de cine en NYU.

BO WELCH (Director de producción) es uno de los diseñadores de producción más talentosos y versátiles del cine actual. Ha forjado importantes colaboraciones con los mejores directores, siendo galardonado con cuatro nominaciones al Oscar® y también ganándose sus propias oportunidades tras las cámaras.

Graduado de la escuela de arquitectura de la Universidad de Arizona, Welch comenzó una prometedora carrera como arquitecto en Los Ángeles. Emocionado por intentar algo nuevo, luego consiguió trabajo en Universal Studios como diseñador de platós. Welch ganó sus primeros créditos de pantalla por sus esfuerzos en Frenos rotos, coches locos de Robert Zemeckis y el western de época de Walter Hill Forajidos de leyenda.

Tras conseguir más trabajo como diseñador de platós en filmes como Queridísima mamá y La loca historia del mundo de Mel Brooks, Welch se graduó como director de arte en Chicas en pie de guerra de Jonathan Demme.

Welch fue nominado al Oscar® en 1986 por su trabajo como director de arte en El color púrpura de Steven Spielberg. Fue director de producción en el elegante cuento de vampiros de Joel Schumacher Jóvenes ocultos y muy pronto comenzó una fructífera colaboración diseñando para Tim Burton en Bitelchus, Eduardo Manostijeras (que le mereció el BAFTA) y Batman vuelve.

El hermoso diseño de Welch para La princesita ocasionó su segunda nominación al Oscar® en 1996. La Academia lo nominó al Oscar® nuevamente en 1997 por Una jaula de grillos de Mike Nichols y en 1998 por la comedia de ciencia-ficción Hombres de negro. Sus otros créditos incluyen El turista accidental, Cazafantasmas II, Grand Canyon (El alma de la ciudad), Hombres de negro II, Primary Colors, Wild Wild West y ¿De qué planeta vienes?, entre muchas otras.

Welch se aventuró en una segunda carrera como director, haciendo su debut como director en televisión en el año 2000 en un episodio de la serie de espionaje “Secret Agent Man” de Barry Sonnenfeld/Barry Josephson, seguida de episodios para otro proyecto de Sonnenfeld/Josephson, el cómic satírico “the Tick” en 2001. Welch también dirigió la producción del piloto.

Su debut como director de cine llegó con la adaptación de El gato en 2003.

Antes de diseñar Hombres de negro 3, Welch fue el director de producción de Thor el año pasado.

DON ZIMMERMAN, A. C. E. (Editor) recientemente editó para Shawn Levy las dos entregas de Noche en el museo además de Recién casados. Tiene una larga lista de créditos que incluye Pequeños invasores Dick y Jane- Ladrones de risa, El vuelo del Fénix, El gato, Un paseo por las nubes (compartido), The Nutty Professor: el profesor chiflado, Mentiroso compulsivo, Medio flipado, Patch Adams, Dragonfly: la sombra de la libélula, Friends para Norman Jewison, Roxanne para Fred Schepisi, El príncipe de las mareas para Barbra Streisand, Cuando me enamoro, Fatal Beauty, Acto de valor, El golpe perfecto, Una proposición indecente, Ace Ventura: Un detective diferente, El cazatalentos, Rocky III y Rocky IV (compartido).

En 1978 Zimmerman fue nominado al Oscar® por su primer filme como editor, El regreso de Hal Ashby, con la actuación de Jane Fonda y Jon Voight. Prosiguió a editar Bienvenido, Mr. Chance para Ashby, con la actuación de Peter Sellers. Antes de volverse director, Ashby fue un editor con quien Zimmerman colaboró por trece años.

DANNY ELFMAN (Compositor) ha ganado numerosos honores, incluyendo un Grammy, un Emmy, tres nominaciones a los Globos de Oro y cuatro nominaciones al Oscar®. En 1998 fue honrado con dos nominaciones al Oscar® a la Mejor Música por su trabajo en Hombres de negro de Barry Sonnenfeld y El indomable Will Hunting de Gus Van Sant. Recibió su tercera nominación al Oscar® por la música para la aclamada The Big Fish de Tim Burton. Elfman ganó su más reciente nominación para el filme biográfico Mi nombre es Harvey Milk, dirigida por Gus Van Sant y su más reciente nominación musical llegó de la mano de Alicia en el país de las maravillas de Tim Burton.

En total, Elfman ha compuesto la música para más de 60 películas y una variedad de directores, incluidos Tim Burton, Gus Van Sant, Sam Raimi, Shawn Levy, Ang Lee, Taylor Hackford, Paul Haggis, Errol Morris, Rob Marshall, Brett Ratner, Guillermo del Toro, Wayne Wang, Timur Bekmambetov, Barry Sonnenfeld, Brian De Palma, Peter Jackson, los Hughes Brothers, Richard Donner, Jon Amiel, Martin Brest y Warren Beatty.

Elfman ha trabajado en filmes de todos los géneros, incluyendo Spider-Man™ (1 y 2), Batman y Batman vuelve, Hombres de negro (1 y 2), Eduardo Manostijeras, Bitelchus, Todo por un sueño, Un plan sencillo, Misión: Imposible, Pesadilla antes de Navivad, Family Man, Wanted- Se busca, Destino: Woodstock, Dick Tracy, Darkman y Chicago.

En televisión, Elfman ganó un Emmy por su tema para la exitosa serie “Mujeres desesperadas” y también fue nominado al Emmy por su tema para “Los Simpson,” la serie con más duración en horario de máxima audiencia.

Nativo de Los Ángeles, Elfman obtuvo su primera experiencia en interpretación y composición a los 18 años para el conjunto teatral francés Le Grand Magic Circus. El siguiente año, colaboró con su hermano Richard, interpretando teatro musical en las calles de California. En ese entonces Elfman trabajó con un “cabaret musical surrealista” durante seis años, utilizando esa salida para explorar múltiples géneros musicales.

Por 17 años compuso y tocó con la banda de rock Oingo Boingo, y produjo éxitos tales como “Weird Science” y “Dead Man’s Party”. Su primera comisión orquestal de larga duración, “Serenada Schyzophrana,” se estrenó en el Carnegie Hall. Su primera composición para Ballet, “Rabbit and Rogue” tuvo su estreno mundial para el American Ballet Theatre (ABT) en la Metropolitan Opera House en el Lincoln Center de Nueva York en Junio de 2008. El ballet fue coreografiado por Twyla Tharp.

Los créditos más recientes de Elfman incluyen el éxito Alicia en el país de las maravillas, Acero Puro de Shawn Levy, Restless de Gus Van Sant, y los próximos estrenos Frankenweenie y Sombras tenebrosas. Su show “Iris” con el Cirque du Soleil abrió este año como acto permanente en el Kodak Theater de Hollywood.

MARY VOGT (Diseñadora de vestuario) es una veterana de Hombres de negro, habiendo colaborado también en las primeras dos entregas. Recientemente trabajó en la comedia de DreamWorks A Thousand Words, con Eddie Murphy y La cena de los idiotas para el director David Roach, luego de haber trabajado con él en el filme de televisión para HBO “El recuento” en 2008. Ese mismo año trabajó en Los cuatro fantásticos y Silver Surfer. Otros créditos fílmicos incluyen ¡Vaya vacaciones!, La máscara 2, Unconditional Men e Inspector Gadget. La Science Fiction Academy le otorgó el premio Saturn por su trabajo en El retorno de las brujas y la nominó al premio Saturn por Batman vuelve.

Vogt ha diseñado varios programas de televisión, el más reciente de ellos la película de NBC “Boldly Going Nowhere” en 2009. También trabajó en la serie “Criando malvas,” por la cual recibió una nominación al Emmy® y la serie de TV “Night Stalker”.

Vogt también disfruta trabajando en teatro. En 2005 diseñó el vestuario para “Private Lives” en el Pasadena Playhouse y sus diseños para este espectáculo le valieron una nominación al LA Theater Critics Award.

Nativa de Long Beach, Long Island, Vogt se graduó del Fashion Institute of Technology en Nueva York. Su primer trabajo profesional fue como ilustradora de moda en Lord & Taylor, una de las principales tiendas en Nueva York. Luego estudió en The Pasadena Art College of Design. Su primer trabajo para Hollywood fue como dibujante. Tras perseguir su meta soñada de convertirse en diseñadora de vestuario de cine, trabajó en varias cargos artesanales y eventualmente fue ayudante de varios diseñadores principales. Su trasfondo ecléctico no sólo la convierte en una de las pocas que hacen sus propias ilustraciones, sino también tiene la experiencia práctica de armar una pieza desde el corte de patrones, plegado y corte hasta la pieza terminada.

RICK BAKER (Efectos de maquillaje alienígena) ha sido una fuerza influyente en la creación de criaturas y maquillaje prostético por más de 40 años. Discípulo en los inicios de su carrera del pionero e innovador del maquillaje de cine Dick Smith, Baker perfeccionó su arte al colaborar en filmes como El exorcista, Vive y deja morir y The Autobiography of Miss Jane Pittman, por la cual Baker recibió un Emmy. A medida que su reputación se extendió en Hollywood, estiró los límites del maquillaje tradicional al transformar a David Naughton en un feroz y cuadrúpedo hombre lobo en Un hombre lobo americano en Londres. Su ingenioso uso de prótesis y efectos de marionetas le merecieron un Oscar® al Logro Sobresaliente en Maquillaje en el primer año de la categoría.

Habiendo cosechado una reputación por su excelencia y versatilidad, los encargos de Rick se tornaron en una diversa e icónica colección de criaturas incluyendo a Harry y los Henderson, Thriller de Michael Jackson, Greystoke: La leyenda de Trazán, el rey de los monos, Gorilas en la niebla, El príncipe de Zamunda, Gremlins 2: La nueva generación, Hombres de negro, The Nutty Professor: el profesor chiflado, Mi gran amigo Joe, y El Grinch por nombrar sólo algunas.

En el año 2011, Baker ganó su séptimo Oscar® por su aportación en transformar a Benicio Del Toro y a Sir Anthony Hopkins en hombres lobos para El hombre lobo. A través de todas sus aventuras creando monstruos y personajes, Baker sigue siendo detallista, dedicado artista y un dedicado padre de familia.

KEN RALSTON (Supervisor de efectos visuales) es pionero en los efectos visuales, Supervisor de Efectos Visuales y Líder Creativo en el estudio galardonado con el Oscar®, Sony Pictures Imageworks.

Por más de cuatro décadas Ralston ha llevado a los espectadores a mundos inimaginables con su visión intuitiva y dominio sin igual de los efectos visuales.

Ralston fue honrado recientemente con una nominación al Oscar® por su trabajo en la supervisión de efectos visuales en Alicia en el país de las maravillas.

Muchos de los proyectos innovadores en Sony Pictures Imageworks se han beneficiado de la visión artística de Ralston, incluidas sus muchas colaboraciones con el ganador del Oscar® Robert Zemeckis en la épica Beowulf, Polar Express y Náufrago.

Previa a su unión con Imageworks, Ralston puso su sello artístico y técnico en los filmes de Industrial Light & Magic. Rompiendo paradigmas tecnológicos, Ralston jugó un papel fundamental en el reconocimiento de la compañía.

Ralston ha ganado unos impresionantes cinco Oscars® incluyendo un Oscar® al Logro Especial por los efectos visuales en el fenómeno de 1984 El retorno del Jedi. Adicionalmente, recibió Oscars® a Mejores Efectos Visuales por su trabajo como supervisor de efectos visuales en Forrest Gump (también ganadora como mejor película) La muerte os sienta tan bien, ¿Quién engañó a Roger Rabbit?, y Cocoon de Ron Howard.

Otros créditos cinematográficos notables de Ralston incluyen la supervisión de efectos visuales en Rocketeer, Jumanji, Misión: salvar la tierra, Star Trek III: En busca de Spock, Star Trek II: La ira de Khan, El dragón del lago de fuego, -por la cual recibió una nominación al Oscar®-, y los tres filmes de la trilogía de Regreso al futuro, ganando una nominación al Oscar® a los Mejores Efectos Visuales en De regreso al futuro II.

La carrera de Ralston comenzó en la incipiente compañía de animación comercial y efectos visuales Cascade Pictures en Hollywood, donde trabajó en más de 150 campañas publicitarias memorables a principio de los 70. Construyó platós, esculpió modelos, animó marionetas, creó efectos ópticos y animación cuadro a cuadro para personajes icónicos de comerciales como Poppy Fresco -el Pillsbury Dough Boy- y el Jolly Green Giant.

JAY REDD (Supervisor de efectos visuales) es supervisor de efectos visuales en Sony Pictures Imageworks. Redd recientemente acabó la supervisión de efectos visuales en tres cortos generados por ordenador de Looney Tunes: “Rabid Rider,” “Fur of Flying,” y “Coyote Falls.”

Redd se pasó más de una década en Sony Pictures Imageworks, durante la cual ha trabajado como supervisor de efectos visuales en la película nominada a los Oscars® Monster House y en La mansión encantada de Walt Disney Pictures.

Previamente Redd fue director de efectos visuales en Stuart Little 2 y fue honrado con el premio VES (Visual Effect Society) por la mejor animación de un personaje en un filme animado.

Redd también tiene el crédito de colaboración en la creación del personaje principal del primer filme de Stuart Little. Stuart fue el primer personaje generado por ordenador en un filme de acción real y, como resultado de este esfuerzo, Stuart Little recibió una nominación al Oscar® a los Mejores Efectos Visuales.

Se unió a Sony Imageworks en agosto de 1996 para trabajar con Robert Zemeckis en el filme Contacto. Astrónomo aficionado, Redd fue el candidato perfecto para crear la primera escena de la película, un viaje de 4710 cuadros, 3 minutos y 19 segundos, desde la Tierra hasta los confines del universo conocido. Esta secuencia inicial fue la primera animación digital en ser nominada para un premio Annie.

Antes de su llegada a Imageworks, Redd se pasó cuatro años en Rhythm & Hues, donde trabajó como Supervisor de generación por ordenador para varios anuncios, atracciones en parques temáticos y películas como Waterworld y la ganadora del Oscar® Babe.

Redd comenzó su carrera en efectos visuales en su Salt Lake City natal, donde trabajó en unas instalaciones de postproducción haciendo retoques fotográficos, tipografía y diseño gráfico.

Redd ha viajado por Estados Unidos y alrededor del mundo como orador en conferencias y lecturas para la Visual Effects Society, UCLA, 3D Festival, 3December, London Effects and Animation Festival, FMX, Australian Effects and Animation Festival, SIGGRAPH y muchos otros. También ha escrito mucho material y libros para estos cursos y ha sido entrevistado para numerosos artículos en varias revistas. En SIGGRAPH 2002, Redd, el supervisor de efectos visuales Jerome Chen, y otros, presentaron “Let the Feathers Fly,” un curso de un día de duración sobre la magia en Stuart Little 2. Las entradas para dicha jornada se agotaron.

Redd asistió a la Universidad de Utah, donde estudió fotografía y técnicas de iluminación fotográficas y digitales.

OSCARS® Y OSCAR® son marcas registradas y marcas de servicio de Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

en Londres, hija de Eric Thompson versihompson aparecije de Sybil Trelawney en nork Film Critics Award, Golden Globe y Academy

Tras los acontecimientos de los últimos números, aquí tenemos al nuevo Masacre:

Por supuesto, sigue siendo Wade Wilson, aunque ya curado de cancer y sin poderes de regeneración.

Las realidades alternativas, además de la historia en sí, tienen como principal atractivo ver a los personajes tradicionales en ese nuevo universo. Y Flashpoint, al igual que ocurrió en Marvel y su Era de Apocalipsis, nos daba la oportunidad de ver como serían superhéroes y villanos en la nueva realidad. De todos ellos, y después de estar curados de espanto tras Elseworlds y las distintas tierras que conforman el Universo DC, Batman y Superman siguen siendo objetivo de la gran mayoría de los lectores. Si el segundo se nos mostraba como nunca hubiéramos pensado, en el caso de El Caballero Oscuro no se quedaba a la zaga del Hombre de Acero. En el universo Flashpoint, El Callejón del Crimen nos dejó víctimas, pero no podíamos ni imaginar sus consecuencias.

El Batman que nos presentan Brian Azzarello y Eduardo Risso, es una mezcla del héroe descarnado de “El Regreso del Caballero Oscuro” de Miller y el héroe atormentado que tan bien describió Miller en Daredevil. Si unimos a eso una ambientación digna del género negro, tenemos una de las sorpresas de Flashpoint, en la que el lector se tiene que dejar llevar y disfrutar del regusto amargo que tiene el plato preparado por Azzarello.

Este Caballero de la Veganza, hay que leerlo mas allá de las claves de Batman. Lo importante en este caso es conocer cuál fue el hecho diferenciador entre el universo tradicional y el que vemos en Flashpoint y en como alteró la vida de los personajes. No es tanto la historia de Batman, si no la  historia sin el Batman que todos conocemos. Azzarello toca las teclas necesarias para que estemos ante una novela negra antes que en una historia de villanos y héroes. Con tintes de tragedia griega incluidos, iremos conociendo a través del hilo conductor del secuestro de dos niños, quien es el nuevo Batman y la posición de Dent, Gordon o Selina en el nuevo universo. Pero, sin duda, el plato fuerte se encuentra en el Joker.

Los que busquen el evento en las páginas de esta miniserie, apenas encontrarán nada de ella. Pero si te gusta el personaje y ver una vuelta de tuerca al universo de Batman, disfrutarás de los tres números. Seguramente, una de las mejores miniseries de Flashpoint.

Valoración:7,5

FICHA TÉCNICA

EDICIÓN ORIGINAL: Flashpoint: Batman Knight of Vengeance || FECHA PUBLICACIÓN: Abril de 2012 ||GUIÓN: Brian Azzarello || DIBUJO: Eduardo Risso || FORMATO: Grapa, 64 págs. a color. 4,5€

The Walt Disney Studios ha anunciado que “Marvel Los Vengadores” cruza el umbral de los mil millones dólares en la taquilla mundial el 13 de mayo, 19 días después de su estreno.

Esta es la primera película de Marvel Studios y la quinta de Walt Disney Studios que alcanzar este importante hito. La noticia llega una semana después de que Marvel Los Vengadores hiciera historia recaudando en Estados Unidos 207,4 millones de dólares el primer fin de semana, el mayor estreno de todos los tiempos. La película ha recaudado 373,2 millones de dólares en Estados Unidos y 628,9 millones de dólares a nivel internacional.

Tan solo 12 películas en la historia han conseguido recaudar más de 1000 millones de dólares y “Marvel Los Vengadores” se une a la lista de películas de Disney en superar esta cifra junto a “Piratas del Caribe: El Cofre del Hombre Muerto”, “Alicia en el País de las Maravillas”, “Disney•Pixar Toy Story 3” y “Piratas del Caribe: En Mareas Misteriosas”. “Obviamente estamos encantados con el éxito mundial de Los Vengadores”, dijo Robert A. Iger, Presidente y CEO de Disney. “Es una película fantástica y una franquicia extraordinaria que continuará contando grandes historias y reuniendo personajes de peso en los próximos años.” En España “Marvel Los Vengadores” lleva recaudados más de 12,8 millones de euros y la han visto más de 1,8 millones de espectadores desde su estreno el 27 de abril.

El 8 de mayo, Disney anunció que la secuela de “Marvel Los Vengadores” estaba en desarrollo, tras anunciar el mes pasado que la continuación de “Capitán América” será estrenada el 04 de abril de 2014. Una secuela de “Thor” tiene previsto su lanzamiento el 15 de noviembre de 2013, y la tercera entrega de la exitosa saga de “Iron Man”, que ha ganado más de 1.2 millones de dólares a nivel mundial, llegará a los cines el 3 de mayo de 2013. Marvel Los Vengadores es la primera película de Marvel Studios comercializada y distribuida por The Walt Disney Studios.

De todos los miedos primigenios que nos acompañan en nuestra existencia, el miedo a perderse o ser raptado se repite en leyendas y cuentos a lo largo y ancho del planeta. Puede ser que sean hadas o duendes que rapten a los recién nacidos o la espesura de un bosque quien se trague a los infantes, la cuestión es que padres e hijos comparten el terror a la desaparición. Y podían ser tan solo leyendas o historias para no dormir, pero encierran una verdad que se repite, desgraciadamente, en la actualidad. No hay mas que leer el periódico para conocer la desaparición o abusos a un niño/a.

Severed, miniserie escrita por Synder (American Vampire, Batman) y editada por Image, nos refleja ese terror que acecha tras cada esquina, que amenaza a los mas inocentes y que esconde una verdad que nos repiten una y otra vez desde pequeños: No vayas con desconocidos.

Ambientada en los Estados Unidos de los primeros años del s.XX, Severed aparece como una apuesta poderosa para el género del terror, digna de elogios y a la que poco se le puede reprochar. Snyder acepta el reto de plasmar en cómic el mensaje de los cuentos de siempre, donde mensajes como no alejarse de los mayores o no ir con desconocidos buscan proteger a los mas pequeños. Para ello, nos cuenta un capítulo de la historia de Jack Garron, quien siendo tan solo apenas un adolescente decidió escapar de casa. El sueño de libertad y conocer a su padre se torna en pesadilla al cruzarse con un verdadero monstruo, un depredador al que iremos conociendo a lo largo de las páginas. Tomando como referencias a Stephen King y Alfred Hitchcock, Snyder demuestra que el miedo no es tan solo el sobresalto, si no que el lector sepa lo que va a pasar y no pueda hacer nada para cambiarlo. Y ese es el verdadero desasosiego, la sensación de estar atrapado al igual que Garron.

Sin duda, un cómic imprescindible. No es de extrañar que se convirtiera en uno de los cómics mas vendidos en el stand de Planeta en el último Salón del Cómic de Barcelona.

Valoración:8

La literatura y el cine han demostrado a lo largo de la historia el atractivo de los mundos y realidades paralelas. Desde Alicia a través del Espejo o las truculentas pesadillas que acechaban detrás de cualquier esquina del imaginario de Lovecraft, el ser humano ha querido saber de seres que viven ocultos a nuestros ojos. El Gran Muerto, es otra estupenda forma de alimentar la imaginación y la fantasía de esos mundos que no vemos pero que queremos se hagan realidad.

Régis Loisel y Jean-Blaise Djian, junto al primoroso trazo de  Vincent Mallié, nos adentran en la fantasía de una realidad mágica y repleta de seres extraordinarios, donde la existencia de un ¿Gigantesco esqueleto?; Da pie al inicio de una leyenda y tradición que un elegido del lado humano debe cumplir. Aquí entran en juego los dos protagonistas principales, al menos hasta el momento, de la historia, Erwan  y Pauline, cuyo casual encuentro hará que emprendan juntos la travesía a ese mundo feérico donde dará comienzo la aventura. Cuidado porque es la entrada a ese universo secreto el punto de inicio de una trama que regresa al mundo real, donde Pauline y Erwan volverán a encontrarse y enfrentarse a algo inesperado y que cambiará, todavía mas, sus vidas.

Como si de una digestión lenta se tratase, aunque no pesada, en el primer tomo tomamos los nutrientes que deberán dar forma al resto; Conoceremos el por qué del título de la obra, El Gran Muerto, visitaremos por primera vez ese mundo oculto a nuestros ojos y seremos testigos de la transformación sufrida por Erwan y Pauline. Lo mejor es ese ritmo suave y sin prisa, que nos permite degustar los detalles y diálogos de una historia que promete grandes momentos.

Visualmente atractivo, personajes corrientes y cercanos ante una aventura extraordinaria y la sensación de estar ante un mundo oculto en el que se esconde mucho mas que lo que solo atisbamos a ver en los tres álbumes recopilados.

Valoración:7

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Una semana ha pasado desde el último día del Salón del Cómic de Barcelona, un evento cargado de polémica, ya desde antes del inicio del mismo. Aunque se ha hablado mucho al respecto, posiblemente lo que voy a decir yo a continuación no sea nada nuevo, pero aun así quiero dar mi opinión como amante del mundo del cómic.

 Debo decir que mi presencia en el Salón se limito a un solo día, puesto que el cansancio que genera emplear mi fin de semana a la caza de sketches, se ha puesto en duda en mi cabeza, sobre si merece la pena. De esta manera, solo fui el viernes, sin siquiera madrugar pero desde la mañana para aprovechar el día.

Como siempre, lo mejor del Salón es poder pasar mi tiempo libre de preocupaciones junto a un montón de amigos con la misma pasión que yo, que no puedo ver durante el año. Un problema que esto genera es que la masiva presencia de gente conozco y el poco tiempo del que disponía, entorpece el proceso, puesto que casi paso mas tiempo saludando a la gente, sin poder pasar todo el tiempo que me gustaría charlando con ellos.

Bueno y os estaréis preguntando donde esta la polémica, porque hasta ahora solo he hablado de cosas personales y particulares. Pues bien, camino a Barcelona recibo mensajes de un amigo: “¿Qué tal por el Salón del videojuego?”. Ignorando el origen de la pregunta y confiando en que se había equivocado le dije que todavía no había llegado. Poco después veo carteles por la ciudad anunciando que ese fin de semana se celebraba el “Salón del Videojuego”, refiriéndose al “Salón del Cómic”, pero haciendo hincapié en los videojuegos para atraer a un mayor numero de gente.
Personalmente no considero que sea un fallo muy acentuado, el querer atraer a un mayor publico con falsas expectativas, pero si considero desacertado el hecho de convertir el evento en un Salón multicultural, con promociones de varias películas y presencia de grandes centros como la Fnac y El Corte Ingles.  El problema que se observa es que convierten el noveno arte en una mera excusa, reduciendo las actividades relacionadas con el mismo y mercantilizado el mundo del cómic hasta el punto de vender “Converses” con dibujitos de Batman. Además, se atrae a un publico mas friki, con la presencia de actores imitando las convenciones norteamericanas; pero claro, los actores que han invitado además de seguir modelos americanos cobrando por firma, son de tercera categoría, meros secundarios en películas como “Star Wars”, cubriendo su cara con una mascara en algunos casos, por lo que no tenían nada de gente.

 A nivel de encuentro con los autores, nos encontramos con el mismo problema de todos los años, la ausencia de una organización que coordine las sesiones de firmas, provoca que cada stand coordine sus propias sesiones como ellos quieran, y aunque hasta donde yo se, no ha habido ningún problema este año, sigue pareciéndome un poco caótico.
Como los encuentros con los autores no se limitan a las firmas, lo que me apetecía realmente era asistir a una charla del autor Greg Rucka, desilusionándome mucho al descubrir que el autor no daría ninguna charla solo, sino que estaría en una mesa con Craig Thompson y otros autores. Es un gran fallo no poder oír a tus autores favoritos por si solos y la escasez de charlas que había. En el Stand de la editorial “ECC” justo antes de cada sesión de firmas los autores daban una breve charla, lo que habría estado genial, de no haber sido por ser un pasillo multitudinario de pie y con un montón de gente ansiosa por conseguir su firma.

Por ultimo quiero hablar de lo que son los stand de tiendas que había en el Saló. En todo salón español que se precie siempre hay dos stands que no fallan que son el de Otakuland y el de las chucherías francesas, y como este Salón es el (supuestamente) más importante, no podían faltar. A parte de eso, nos encontramos con un par de tiendas con cómics nuevos, puesto que se evidencia que las tiendas no tienen interés en asistir con novedades a un salón en el que están las grandes editoriales vendiendo su material a un precio inferior y grandes superficies con material para el gran público. Las tiendas de material clásico tampoco tenían gran presencia en el Salón, habiendo una escasez del mismo respecto a otros eventos como Expocómic.

Aunque mis impresiones solo fueron de un día, creo que fue tiempo suficiente como para darnos cuenta de que el Salón de Barcelona ya no es un lugar para los amantes del mundo del cómic, sino un expositor para promocionar películas y videojuegos, en el que puedes comprar cómics de las películas que has visto en el cine y comprar merchandising y hacerte fotos con fondos de películas. A pesar de todo, un aspecto sobresaliente del encuentro fueron las exposiciones donde nos encontramos con originales muy variados y maravillosos, pero aun así, no justifica una “mercantilización” de un evento que debería suponer un encuentro para los aficionados al cómic.

El hecho de que antes de inaugurar el Salón se prevea que vaya a ser el más multitudinario de su historia y que los resultados del mismo, sean un incremento del 8% de la asistencia, nos indica que el evento se mide en entradas vendidas y no en promoción y divulgación del mundillo.

WELCOME TO THE SUCK: Choose Life

En Men in Black 3, los agentes J (Will Smith) y K (Tommy Lee Jones) han regresado… en el tiempo. En sus 15 años con los Hombres de Negro J ha presenciado cosas inexplicables pero nada, ni siquiera los propios alienígenas, lo han desconcertado tanto como su irónico y reservado compañero. Pero cuando la vida de K y el destino del planeta peligran, el agente J deberá viajar en el tiempo para arreglar las cosas. J descubre que hay secretos del universo que K nunca le mencionó –secretos que se irán desvelando al formar equipo con un joven agente K (Josh Brolin) para rescatar a su compañero, la agencia y el futuro de la humanidad.

Columbia Pictures presenta, en asociación con Hemisphere Media Capital, una producción de Amblin Entertainment en asociación con Parkes MacDonald Image Nation, un filme de Barry Sonnenfeld, Men in Black 3. La película está protagonizada por Will Smith, Tommy Lee Jones, Josh Brolin, Jermaine Clement, Michael Stuhlbarg y Emma Thompson. Dirigida por Barry Sonnenfeld. Producida por Walter F. Parkes y Laurie MacDonald. Escrita por Ethan Cohen. Basada en el Malibu Comic de Lowell Cunningham. Los productores ejecutivos son Steven Spielberg y G. Mac Brown. El director de fotografía es Bill Pope, ASC. El director de producción es Bo Welch. El editor es Bob Zimmerman, A. C. E. La música es de Danny Elfman. El diseño de vestuario es de Mary Vogt. Los efectos de maquillaje alienígena son de Rick Baker. Los supervisores de efectos visuales son Ken Ralston y Jay Redd. Los efectos visuales especiales son de Sony Pictures Imageworks Inc. Incluye el nuevo sencillo “Back in Time,” interpretado por Pitbull.

ACERCA DEL FILME

“Las películas de Men in Black tratan sobre la relación entre J y K,” dice Will Smith, quien vuelve a uno de sus papeles favoritos y más emblemáticos, el Agente J en Men in Black 3, de Columbia Pictures. “Esta película lo subraya –trata sobre el origen y el poder de la relación entre J y K. De hecho es una idea que hemos tenido desde hace años – se nos ocurrió antes de la segunda película – pero que ha tenido que madurar con el tiempo. Teníamos que elevar la historia y la única manera de lograrlo era profundizando más y más en los personajes y en las revelaciones que la película desvelaría.”

“La relación entre J y K ha sido a la vez polémica y afectuosa a lo largo de las películas,” dice Tommy Lee Jones, quien nuevamente viste el traje y luce las gafas oscuras características del agente K.

Diez años han transcurrido desde que los Hombres de Negro fueron vistos por última vez protegiendo a la Tierra de la escoria del universo y, desde entonces, se ha producido una especulación continua sobre la existencia de una tercera entrega. “Llegamos a un punto en el que todos sentimos que teníamos una historia nueva y convincente que llevaría a la gente a un lugar desconocido en esta franquicia,” asegura Smith.

Por su parte, Will Smith se sintió emocionado por enfundarse nuevamente el traje negro y llevar gafas oscuras. El agente J es uno de sus personajes preferidos y, tras su tan esperado regreso, no hubo nada mejor que ponerse el traje. “No se puede superar el traje negro,” dice el actor. “Es un icono poderoso. Te pones el traje y las gafas y te lanzan al espacio mental de Los hombres de negro. Es como una fantasía de la infancia –sabes cosas que los demás no saben y tienes el trabajo más importante del mundo. El niño de siete años que llevo dentro se desata cuando me pongo el traje negro.”

Tommy Lee Jones también se sintió entusiasmado al interpretar nuevamente al

gruñón Agente K. Asegura que: “siempre que trabajas con Will Smith sabes que será un día feliz y Will y Barry juntos hacen que sea aún más feliz. Son personas maravillosas y es estupendo trabajar con ellos.“

La historia de Men in Black 3 lleva a los realizadores a los orígenes de los personajes, regresando a aquellos momentos claves de su relación, para centrarse en los elementos esenciales que les han mantenido un tanto distanciados estos últimos 15 años – y buscan la forma de resolver el conflicto. La respuesta era que el Agente J regresara en el tiempo.

Quisimos que la película fuera tanto familiar como diferente,” dice Barry Sonnenfeld, director de los tres filmes de Men in black. “Lo familiar son los personajes, la premisa de los Hombres de negro y quiénes son ellos. Quisimos reunir nuevamente a Will Smith y a Tommy Lee Jones. Pero también queríamos algo nuevo e imaginativo, y eso lo aportó el elemento del viaje en el tiempo.”

“Al principio de la película, J y K siguen siendo compañeros –pero no han conocido mucho el uno acerca del otro en todo el tiempo que llevan juntos,” dice el productor Walter F. Parkes. “De hecho, al principio de la historia, el personaje de Zed acaba de morir y K dirige un discurso en su funeral sin ofrecer información alguna sobre él a pesar que Zed fue supuestamente su mejor amigo por 45 años. Esto hace reflexionar a K, quien después de tantos años se pregunta ¿qué tanto conozco sobre el tío sentado junto mí? Ese es el fundamento de nuestra historia, el cual coincide con la huida de un alienígena, Boris el Animal, a quién K había encerrado 40 años antes, en 1969 – y que ha vuelto para saldar cuentas con K.”

Menuda forma de saldar cuentas: Boris regresa en el tiempo a 1969 y asesina a K. Nadie en 2012 tiene recuerdos de que K no fuera asesinado hace 40 años – nadie excepto J, quién se pregunta qué le ocurrió a su compañero. Para salvar a K, J sigue a Boris de vuelta al pasado- y mientras tanto, ve la oportunidad de aprender más acerca de su compañero. “J ve el rescate de K como una gran oportunidad para conocer secretos sobre él –cree que descubrirá por qué K es tan gruñón y reservado,” dice Sonnenfeld. “Pero resulta que el joven agente K es abierto, amistoso y curioso.”

En 1969 el agente K es interpretado por Josh Brolin, quien hace una astuta e inteligente interpretación como el joven K, canalizando las peculiaridades y caracterizaciones de Jones a la vez que se apropia del personaje.

“Rodamos las escenas de manera secuencial –tuvimos a Tommy interpretando a K en el primer acto, luego vino Josh a interpretar a K para el segundo acto y después, en la última semana de rodaje, trajimos de vuelta a Tommy,” dice Sonnenfeld. “Lo impresionante fue que pensé que dirigía a un solo actor; las actuaciones fueron tan coherentes que me resultó difícil distinguir hasta dónde llegaba Tommy Lee y dónde comenzaba Josh Brolin. Para mí no fue Tommy interpretando a K o Josh interpretando a K. Era simplemente K.”

“He visto el primer filme 45 o 50 veces –no exagero,” dice Brolin. “Soy un gran admirador de la química entre Tommy y Will. La voz de Tommy tiene una cadencia que es muy propia de Hombres de negro -es muy distinta a su voz en la vida real. Sencillamente la escuché y la escuché y la escuché hasta que empecé a soñar con ella. No sé si acerté, pero mis amigos me dicen que sonaba como él. Cuando salía a cenar me decían, ‘Estás ordenando como Tommy.’

Por supuesto, aún cuando la película explora las relaciones entre los personajes, no es un drama intenso. Es Hombres de negro, y eso significó mostrar alienígenas psicodélicos al estilo Rick Baker, aparatos chulos y grandes risas. A todo eso se suma un tono irresistible que no es como el de cualquier otro filme. Sonnenfeld dice que la clave para el tono –la única manera de hacer que la película sea realmente divertida- es que todos interpreten con seriedad, como si fuera real. “Quiero que las situaciones sean graciosas, pero que las actuaciones sean reales, así que no quiero que los actores intenten ser graciosos,” explica. “No quiero que el compositor piense en ‘comedia’ porque entonces la música será de comedia. Ni siquiera que el director de fotografía o el laboratorio que revele la película piensen que es una comedia porque cuando quieras darte cuenta tendrá demasiada luz. Si puedo rodear lo absurdo de la situación con algo real, será una gran comedia.”

El equipo tras las cámaras incluye al siete veces ganador del Oscar® (uno de los cuales lo recibió por su trabajo en Men in Black) Rick Baker en el diseño de los alienígenas; el cinco veces ganador del Oscar® Ken Ralston, y Jay Redd supervisando los efectos visuales; el director de fotografía Bill Pope, quien fotografió las películas Matrix y Spider-Man™ 2 y 3, el director de producción Bo Welch, quien no sólo crea el futurístico mundo de los Hombres de negro en 2012, sino también el mundo futurístico de 1969; el editor Don Zimmerman; la música es de Danny Elfman, compositor de la película, y la diseñadora de vestuario es Mary Vogt, quién también vistió a Smith y Jones en sus icónicos trajes negros en la primera y la segunda entrega.

Según Parkes, fue idea de Baker añadir un poco de diversión a sus diseños alienígenas. “Llegó un día diciendo, ‘Qué tal si los alienígenas de 1969 fueran alienígenas retro-futuristas de los años 1960 que reflejen nuestra memoria colectiva sobre esos años y una aproximación más inocente a la ciencia-ficción?’ Fue sencillamente una idea encantadora, y todos apostamos por ella.”

“Los alienígenas captan una textura, un maravilloso sentido del humor y una inteligente imaginación que se presta a este mundo,” dice Smith.

Las exigencias del filme requirieron una estrecha coordinación entre Baker y Ralston –cada uno es una leyenda en sus respectivos campos de maquillaje y efectos visuales y se conocen desde su adolescencia. “Me emocionó trabajar con Ken,” dice Baker. “Pensé ‘Ahora podemos hacer un bello matrimonio de nuestras técnicas.’” Al conocerse el uno al otro tan bien, Baker y Ralston pudieron decidir si el maquillaje, los animatronics o la generación por ordenador brindaban la mejor solución para cada reto en cada caso particular.

Y el que lo coloca todo en elconjunto es el director Barry Sonnenfeld. Asegura Josh Brolin que: “No existiría Men in Black sin Barry. Él aporta un estilo y una energía que hacen de esta franquicia lo que es. No se puede pedir una apuesta más perfecta para dirigir estas películas. Lo ves dirigiendo una escena y está realmente inmerso en ella, visceralmente inmerso.”

“Barry tiene un muy, muy buen sentido visual –creo que porque solía ser Director de Producción,” dice Rick Baker. “Pero tal vez su mayor habilidad como director es estar abierto a las ideas de aquellos que lo rodean. Contrata a gente en quien cree y sabe que son buenos y talentosos- y genuinamente quiere saber sus opiniones sobre el trabajo que están realizando.”

Llega al mundo del cómic, una nueva editorial que pretende apostar por el cómic digital, teniendo como estandarte la salida a la venta de una revista digital que servirá de muestrario de sus obras, la primera entrega (número 0) es gratuita y sus posteriores números saldrán a la venta por 1,50€ cada número.

La editorial confirma que las obras que tengan más éxito en su serialización digital, tendrán una posterior salida a la venta en formato físico.

A los que nos apasiona el mundo de los videojuegos celebramos que salgan títulos que nos sorprendan y demuestren un poco de frescura en un catálogo sobrecargado por clones de Call Of Duty y juegos deportivos. Por ello, cuando empecé a jugar aBioshock en mi recién adquirida XBOX360 (por aquella época no tenía un PC potente, que si no lo habría jugado en él) rápidamente se convirtió en uno de esos juegos que te dejan marcado y que hacen resurgir la esperanza de que todavía hay gente interesada en contar buenas historias. Una ambientación sobrecogedora y una historia que nos deja con el culo torcido hicieron de Bioshock un claro ejemplo de que algunas desarrolladoras comoIrrational Games pueden innovar y sorprender todavía en el mundo de los videojuegos.

Ni corto ni perezoso, y dado que ya se ha anunciado la tercera entrega de la saga (por desgracia retrasada hasta el año que viene hace poquito), me dispuse a volver a la ciudad de Rapture y enfrentarme a sus peligros jugando a unos de esos juegos que tengo esperando pacientemente en la estantería: Bioshock 2. Lo tenía guardado desde hace mucho tiempo, con algo de miedo por si me iba a aguar el buen sabor de boca que me dejó su primera parte debido al cambio de desarrolladora (esta vez se encargó 2K Marin), pero parece que hicieron un buen trabajo.

La historia que se nos plantea en esta secuela transcurre ocho años después de los acontecimientos vividos en Bioshock. Esta vez, en lugar de un simple humano, tomaremos el papel de un Big Daddy que inicia la búsqueda de su Little Sister llamada Eleanor. Según se puede ver en la cinemática con la que empieza el juego, durante una de las majestuosas fiestas en la época de apogeo de la ciudad de Rapture, la Little Sister de la que nos hacemos cargo nos es robada por un grupo de Splicers. Durante la lucha por recuperarla seremos ejecutados y dados por muertos. Sin embargo, al cabo de los años seremos revividos gracias a las vita-cámaras y comenzaremos nuestra particular odisea para recuperar a Eleanor.

Pero mejor que lo veáis vosotros mismos, porque el vídeo es una delicia:

En un primer vistazo lo primero que llama la atención de Bioshock 2 es que esta vez controlaremos uno de los Big Daddy que tantos quebraderos nos dieron en la primera parte. Como ocurría en ésta, comenzaremos el juego sin tener ningún tipo de información, aunque seremos ayudados, vía radio, por algunos personajes que se irán desvelando en la historia. Si habéis jugado a la primera parte no tendréis ningún tipo de problema para haceros con este juego, dado que se ha usado el mismo interfaz  que se usó anteriormente.

Quizás su tremendo parecido con la primera parte representa uno de los aspectos más negativos del juego. Si bien es cierto que como Big Daddy podremos usar armas que antes no teníamos (como la remachadora y el taladro), según vayamos avanzando encontraremos casi los mismos plásmidos y tónicos que en la primera parte. Esto hace que el combate y las estrategias en el uso de plásmidos sean muy parecidos a la primera parte del juego. No es de extrañar que tengamos la sensación de que estamos ante una expansión en lugar de un juego nuevo. Tampoco ayuda que el juego se sitúe en una ciudad ya conocida y por tanto se pierda el encanto y la sorpresa que producía el descubrirla, que cualquiera que haya jugado a Bioshock sabrá que es uno de sus puntos fuertes.

Otra similitud que tendremos respecto a su predecesor será que durante el transcurso del juego se nos plantearán decisiones morales que determinarán el final del mismo. Aunque es de recibo decir que esta vez habrá más de dos finales, por lo que tendremos que tener muy en cuenta qué opciones tomaremos y si nos merecerá la pena cosechar o cuidar de las pequeñas para conseguir su preciado Adam.

Aún cuando el aspecto del juego es muy similar, se han introducido varias novedades destacables: ahora podremos elegir entre cosechar a las Little Sister que encontremos o adoptarlas. Si elegimos esta última opción podremos absorber el Adam de algunos cadáveres esparcidos por Rapture, lo cual nos generará más cantidad de sustancia a cambio de una mayor dificultad debido a que este proceso atrae a todos los splicers de la zona. Además de esto último se ha incluido un nuevo tipo de Splicer, el Splicer Bruto, y otro tipo de Big Daddy llamado Rumbler que lanzar misilacos.

En definitiva, un juego que deberías jugar si te gustó la primera parte, dada que te dará más ración de lo mismo y una historia igual o incluso más potente que la de su predecesor.

Kikogolk

Contiene Ant-Man & Wasp 1-3 y Tales To Astonish 27, 35 y 44 USA 

Los dos héroes más diminutos de Marvel unen fuerzas para escapar de una enorme… ¿Habitación? Hace años, Eric O’Grady robó el traje de Hombre Hormiga a Hank Pym. Ahora, Eric es la única persona que conoce los planes de IMA para hacerse con el mayor invento de Pym. ¿Conseguirán ambos salvar el alma de Bill Foster, fallecido durante “Civil War”? Tim Seeley, uno de los más interesantes autores de la actualidad, nos ofrece esta pequeña gran historia. Además, las grandes historias clásicas que definieron al Hombre Hormiga y La Avispa originales.

Guión: Tim Seeley y Stan Lee
Dibujo: Tim Seeley y Jack Kirby

Panini sigue deleitándonos con miniseries discretas sin ningún tipo de interés para el lector, pero a las que une historias imprescindibles para el lector marvelita. En este caso, tenemos a la Avipsa y el Hombre Hormiga como protagonistas, aunque con distintos personajes bajo el manto de cada nombre. Por un lado, tenemos al nuevo Hombre Hormiga, Eric O´Grady junto a la nueva Avispa, Hank Pym, quienes bajo la batuta de Tim Seeley (guionista y dibujante de la miniserie) nos mostrarán que el viejo tópico del dúo incompatible que hacen equipo también vale para los superhéroes. Bajo la sombra del legado de la Avispa y el Hombre Hormiga originales, nuestros dos protagonistas no solo deberán demostrar que son dignos de sus identidades superheróicas, si no que pueden trabajar unidos en una misión que tiene a I.M.A. como enemigo.

Lleno de tópicos y con un Tim Seeley empeñando en comparar el legado de los dos héros originales con las versiones actuales, la historia no tiene nada que aportar a los personajes ni al propio Universo Marvel. No solo une a O’Grady y Pym en la aventura, si no que retoma una muerte ocurrida en Civil War para, en teoría, darle mas empaque al asunto. Ni una cosa ni la otra se consigue, consiguiendo que la miniserie sea tan solo una excusa para intentar aprovechar el morbo de ver unidos de nuevo a la pareja.

Pero, siempre hay un pero, Panini une a la miniserie principal, uno de esos momentos importantes de la historia del Universo Marvel: La primera aparición de El Hombre Hormiga y La Avispa. Con ese aire de serie B, solo hay que ver el título de la serie original Tales To Astonish, tenemos una de esas historias que ahora podríamos ver como ingénuas pero con un sabor e intensidad que pocas veces vemos ahora. Hubiera sido todo un acierto recoger la primera aparición de Los Vengadores originales en un único tomo, pero en cambio se empeñan en unir una historia intrascendente con otra que tiene suficiente interés para los seguidores de la editorial, de forma que al final muchos acabarán comprándolo. Como marketing y tirón de ventas, nada que objetar, pero teniendo Marvel Gold y demás formatos, podrían haberle dado un uso mejor a esa primera aparición de La Avispa y El Hombre Hormiga.

Valoración:4,5

Título original: 21 Jump street. Directores: P. Lord y C. Miller. Guión: M. Bacall. Protagonistas: J. Hill y C. Tatum. Fotografía: B. Peterson. Montaje: J. Negron. Música: M. Mothersbaugh. EE.UU. 2012.

Infiltrados en clase pertenece al subgénero de comedia juvenil masculina con la salvedad de que su target no es el público joven masculino sino el treintañero, como la nueva de American Pie, pues es un film que trata de explotar la nostalgia de la gente en esa franja de edad (por eso su eslogan es totalmente ochentero). Algo que en España no funciona pues la película está basada en un serie de tv de los 80 protagonizada por J. Depp que nunca se ha estrenado aquí. Una serie en la que policías con aspecto adolescente se infiltraban en los institutos, como Sensación de vivir pero justificado.

Este tipo de películas siempre son malas porque están destinadas a un público poco exigente y prima el humor incorrecto (desde la óptica yanki claro) e infantil. Esta película cumple eso pero es mejor que la media pues es entretenida y tiene cierta gracia. En ella todo es ramplón, vulgar, previsible, sigue demasiado la fórmula jolibudiense para este subgénero, dura demasiado (casi 2 horas y se nota que cortaron bastantes cosas, sobre todo de la línea argumental del personaje de C. Tatum) y los actores están flojos, pero la pareja protagonista funciona y la ironía y la sátira a veces es risible. Como siempre la cosa hubiera estado mucho mejor si la película no fuese tan industrial, al final Infiltrados en clase prima lo espectacular y la acción por lo que abandona las ideas buenas que tenía -reírse del absurdo que es hacer pasar treintañeros por adolescentes (parodiando la serie), el radical cambio en los valores adolescentes en los últimos 20 años (ya nadie se burla del diferente, se desprecia la violencia, se llevan los chicos sensibles…), la posibilidad de reescribir el pasado (nos quedamos en la cita culterana a Peter Pan y poco más) y el viaje a la madurez- por un espectáculo de fuegos artificiales cutre y vacuo. Es que al final la película, quizás una maniobra de los productores por hacerla más atractiva después de ver un bruto soso, decide dejar de parodiar la serie y ser una comedia juvenil masculina para homenajear la época dorada del Cine de Acción (de Jungla de Cristal a Amor a quemarropa) que, es cierto, mola más.

El resultado final de Infiltrados en clase, por tanto, es demasiado mediocre como para pasar por taquilla. Pero esta vez no por falta de ideas sino por un conservadurismo que impide la innovación y que el humor sea realmente transgresor, si bien es cierto que adultos en un insituto limita mucho (no puede haber muchas bromas sobre el sexo por ejemplo). Por eso la película avanza una segunda parte en la universidad. Si se hace al final esperemos que la cosa, en contra de lo habitual, mejore.

Valoración: 4,5.

Hace veinte años apareció Dragon Ball en cómic en España. Y Planeta de Agostini, que publicará una edición limitada a finales de año, lo ha celebrado con un facsimil de aquel número uno, donde todavía podemos ver el precio en las olvidadas (quien sabe si añoradas) pesetas. Los afortunados que pasaron por el pasado Salón del Cómic de Barcelona, tuvieron oportunidad de hacerse con dicho ejemplar. En sus páginas, además de aquellos primeros pasos de Son Goku, encontraremos artículos de Jesus Pecé, Alejandro M.Virtutia y Pere Olivé, entre otros.

Pero, ¿Qué ocurre con los que no visitaron Ficomic’12?; Nosotros no nos hemos olvidado y sortearemos uno de ellos (que no viajó hasta el Salón pero si hasta nuestras manos) entre todos aquellos que nos envíen un mail (prensa@nuestroscomics.com) con sus datos personales. También se podrá participar dejando un comentario en el que nos dejéis vuestra impresión de Dragon Ball y ¡donde os encontrábais hace veinte años!.

El sorteo se cerrará el próximo 21 de Mayo, dándose a conocer el ganador el 28 de Mayo.

¡Suerte a todos!.