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AirBoard - hovercraft individual

2009-11-07T13:30:45Z

Na cerimónia de abertura dos Jogos Olímpicos de 2000 em Sidney, na Austrália, surgiu um aparelho que suscitou grande curiosidade. Ainda se lembram? Muitos o recordam ainda como um pequeno disco voador. Na verdade era apenas um hovercraft, um veículo que, por definição, se move em cima de um colchão de ar e o que tinha de extraordinário para ser retido na memória era precisamente o facto de ser pequeno, muito pequeno mesmo. Decorridos quase dez anos sobre este evento, eis que esse aparelho se encontra comercializado. Para ser dono de um AirBoard bastará pagar uns escassos 14 000 dólares.

É verdade que o preço nos parece exagerado, mesmo atendendo a que a produção se encontra ainda no início. Talvez com o tempo se torne mais acessível. No entanto, o pequeno veículo possui qualidades quer seja usado como transporte, quer para o lazer. Os controles são básicos, quase intuitivos. Com as mãos fixas nas duas hastes metálicas que se erguem da plataforma, o utilizador pode operar os botões de aceleração e travagem que aí se situam. Para curvar é simples: basta inclinar o corpo na direcção que se deseja e a máquina obedecerá suavemente.

O AirBoard não é perigoso. Possui um motor a gasolina que lhe permite alcançar uma velocidade máxima de 32 Km/hora, ou seja, é menos veloz do que uma bicicleta. E se, porventura, o utilizador cair abaixo da plataforma, um dispositivo de segurança detecta a ausência de peso e pára imediatamente o motor, evitando que seja atropelado. Mesmo assim, não convém que crianças e adolescentes com menos de 14 anos o utilizem mas fabricante anuncia para breve uma versão destinada a crianças.

Com este aparelho poderá deslocar-se sobre vários tipos de terreno desde que seja duro e não possua objectos ou partículas soltas. Superfícies com areia, pedras ou água estão, por isso, desaconselhadas. Poderá ser um excelente companheiro de lazer e contribuir para a prática de um novo desporto, radical, situado a meio caminho entre o surf e o skate. Como lhe iremos chamar? Air Surf?

Airboard-Europa

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O Museu Guggenheim faz 50 anos

2009-11-06T13:30:44Z

guggenheim em 1959 - foto:George Heye/getty

Guggenheim é sinónimo de arte. Quando o dono deste nome se reformou da sua própria empresa em 1919, estava longe de pensar que o seu hobby de coleccionador de arte viria a transformá-lo no criador de uma das maiores fundações de arte do mundo e de um dos mais importantes museus de arte contemporânea: o Museu Soloman R. Guggenheim.

Frank Lloyd Wright foi encarregado de desenhar este edifício e, depois de 700 esboços, entregou o projecto final, que acabaria por ser uma das suas últimas obras, mas também uma das mais populares. O arquitecto viria a falecer seis meses antes, sem ver a inauguração do edifício, tal como o criador da fundação, falecido 10 anos antes do evento.

Como muitas das criações de Wright, o Museu Guggenheim prima pelo seu vanguardismo e pela arquitectura orgânica que valoriza os espaços abertos, iluminados naturalmente. Nas suas próprias palavras “comparado com Guggenheim, o Museu Metropolitano de Arte parece um celeiro protestante”.

Frank Lloyd Wright - um home à parte (foto:alfred eisenstaedt/life)

Apesar das censuras, incluindo o New York Times que o considerou uma mutilação da arquitectura e da pintura, o museu tornou-se um marco da arte contemporânea, tendo sido alargado em 1992. Hoje, a fundação cresceu e existem museus Guggenheim também em Veneza, Berlim e Bilbao que consagram o culto da arte não-objectiva. Existem ainda planos para a construção de mais museus no Abu Dhabi (Emigrados Árabes Unidos), Guadalajara (México) e Vilnius (Lituânia).

O museu celebrou as bodas de ouro com duas exposições especiais ao longo do ano: aquisições para a inauguração de 1959 e Kansinsky, esta última ainda a decorrer. O dia foi também assinalado com a entrada gratuita no museu a 21 de Outubro e o primeiro evento musical no espaço, intitulado “It Came From Brooklyn”.

fotos: 1, 2, 3, 4, 5, 6. autoria: Diana Guerra.

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A garagem-avião de Anthony Toth

2009-11-05T13:26:35Z

Dizem que os piores segredos estão escondidos na cave; que remetemos muito educadamente os monstros e pesadelos para esse piso inferior da nossa casa, cheio de pó e esquecido na maior parte dos dias. Para os comuns mortais, é apenas aquela parte da casa onde estacionamos o carro, guardamos as ferramentas e aquelas coisas que nunca utilizamos, mas não conseguimos deitar fora. Mas não para Anthony Toth. Director da United Airlines, decidiu criar na garagem da sua casa em Redondo Beach, Califórnia, uma réplica quase perfeita de uma cabine de primeira classe de um avião da PanAm com peças dos anos 70 e 80.

A obsessão começou quando Toth era criança e todos os Verões viajava para a Europa na companhia PanAm. Já nessa altura guardava artigos que os outros passageiros costumam deitar fora: bilhetes de avião e guardanapos das refeições. Documentava toda a viagem, filmava os interiores e gravava a música da rádio que escutava durante toda a viagem. No décimo aniversário pediu aos pais que lhe subscrevessem a “Official Airline Guide”, uma revista especializada para companhias aéreas.

Há cerca de 20 anos decidiu começar a construir na própria garagem uma cabine de avião. O projecto já o levou a fazer diversas viagens a Death Valley, um cemitério de aviões, e a vários pontos no mundo: já foi à Tailândia buscar uns phones iguaizinhos aos que usava quando era criança. Entretanto, a PanAm já faliu e a garagem de Toth é a melhor forma de conhecer o interior de uma destas máquinas extintas.

O investimento do projecto já vai em 50 000 dólares, mas parece que não vai terminar por aqui. Por agora, utiliza a cabine para reuniões e encontros com amigos, mas o objectivo final é abri-la como museu a todo o público.

fonte: wsj , autoria: Diana Guerra

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eRingo EV - um automóvel numa roda

2009-11-04T13:30:55Z

Nos dias que correm a tecnologia atingiu um nível tal que permite aos designers e projectistas idealizarem as propostas mais loucas, pois estas terão grandes probabilidades de serem construídas e produzidas. Mas se isso não for possível, a mesma tecnologia dispõe de meios para, ao menos, produzir um modelo virtual 3D. No caso dos automóveis, os designers têm sabido tirar partido da tecnologia para nos brindar com alguns exercícios conceptuais fabulosamente radicais que nos lembram que, afinal, as linhas dos seus modelos não são todas iguais. Há pouco tempo falámos aqui do ATNMBL, um conceito inovador. Hoje é a vez do eRingo EV.

E o que tem de especial este veículo conceptual para ser tão inovador? Essencialmente o facto de apenas ter uma roda. Ou melhor dizendo: o veículo é a própria roda. Consiste num tambor oco onde se podem acomodar confortavelmente dois passageiros que no exterior possui três anéis que correspondem aos pneus convencionais. O anel do meio tem um diâmetro ligeiramente maior, o que faz com que nas curvas o veículo se incline como uma moto e assente os anéis laterais no chão. Em linha recta um giroscópio assegura a verticalidade e a estabilidade.

O mesmo dispositivo garante que o movimento dos anéis, gerado por um motor eléctrico, seja independente da posição do tambor. Um pormenor interessante é que a condução pode ser feita indiscriminadamente por qualquer dos ocupantes. Para isso existem dois volantes e sempre que um deles é utilizado o outro bloqueia automaticamente. Eis uma característica que poderia ser apreciada em viagens longas, apesar do veículo estar vocacionado para uma utilização predominantemente urbana.

A ideia surgiu da prancheta do designer iraniano Mohammad Ghezel, já distinguido no seu país em duas competições de design automóvel, que agora começa a ser conhecido internacionalmente. Registe-se o facto curioso de as propostas mais inovadoras no campo do automóvel começarem a surgir não no seio das sociedades ocidentais, mas em locais mais remotos e improváveis, como a Índia ou, neste caso o Irão. Isto parece provar que tudo está por reinventar se as coisas forem olhadas por uma perspectiva menos convencional. Ghezel acha que o seu conceito tem lacunas e necessita de aperfeiçoamento mas acredita que, com o estado actual da tecnologia, pode perfeitamente ser produzido. Esperemos que esse desejo se concretize.

Mohammad Ghezel

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Ponte metálica em Roche-sur-Yon

2009-11-03T13:30:20Z

Roche-sur-Yon é uma cidade histórica situada na região oriental de França, perto de Nantes. Recentemente, a ampliação da rede ferroviária do TGV colocou-a na rota deste trem de alta velocidade e fez com que fosse atravessada pela sua linha. A cidade, dividida em duas partes, iniciou então a construção de diversas infraestruturas para se adaptar à nova realidade, incluindo um novo interface de transportes, um pólo empresarial e diversas vias de atravessamento da linha. Uma dessas obras é a nova ponte pedonal e velocípede prestes a ser inaugurada.

O projecto, da autoria do arquitecto francês Bernard Tschumi em parceria com a HDA-Paris, vem substituir a velha ponte existente construída em 1890 e tem todos os ingredientes para se tornar uma referência pela sua concepção estrutural e pela originalidade da sua forma. Baseou-se nos estudos teóricos sobre membranas e estruturas em treliça desenvolvidas por Robert le Ricolais, um engenheiro, arquitecto, pintor e poeta que nasceu e viveu em Roche-sur-Yon em meados do século XX.

A estrutura escolhida para esta ponte é no fundo uma rede de perfis de aço em forma cilíndrica que se contrai ou distende em vários pontos de acordo com as forças a que está sujeita. Para se ter uma ideia aproximada de como funciona este tipo de estrutura imagine-se uma ligadura de rede que se adapta a um braço ou a uma perna e que mantém ossos e músculos no seu lugar sem perder a flexibilidade. Mas, além da rigidez e flexibilidade, este tipo de estrutura apresenta outras vantagens, como a leveza e economia de material, pois os perfis de aço utilizados são muito mais finos do que numa construção tradicional realizada no mesmo material.

Este é um bom exemplo de como a forma arquitectural pode resultar da expressão das forças estruturais, sendo funcional e bela. Em pleno século XXI o projecto desta estrutura estabelece literalmente uma ponte com a tradição da arquitectura e engenharia industrial do século XIX, recuperando o génio, a capacidade de inovação e a beleza que fizeram as grandes obras de Gustave Eiffel e de outros grandes construtores.

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WHY: a arte de bem viver em alto mar

2009-11-02T13:28:01Z

Liberdade. Auto-suficiência. Espaço. Estabilidade. Movimento. Sustentabilidade. Juntando duas marcas de renome, Luca Bassani Antivari, da Hermès de Paris, e Pierre-Alexis Dumas, da Wally do Mónaco, conseguiram juntar todos estes atributos e transformá-los num iate de topo: o luxuoso WHY 58x38 (Wally Hermès Yatchs).

A concepção do WHY baseia-se em dois elementos que criam uma autêntica ilha flutuante: sustentabilidade e espaço. Em primeiro lugar, foi idealizado recorrendo às melhores tecnologias de ponta para reduzir a pegada ecológica ao mínimo. Para isso, conta com painéis fotovoltaicos com armazenamento de energia, baterias de última geração e um sistema de recuperação de energia termal. Em números, dá qualquer coisa como uma produção de energia renovável de 500kW/h/dia e poupa cerca de 160 000 litros de combustível ao ano.

Por outro lado, o espaço é fundamental para os criadores do WHY: jogando com o volume e as formas amplas sem nunca serem desproporcionadas, seguiram o mote “a forma segue a função”, desenhando largas janelas que iluminam os interiores e utilizando o casco para painéis fotovoltaicos.

As duas marcas já tinham namoro assumido desde Outono de 2007, quando Antivari e Dumas se conheceram e relacionaram instantaneamente. A partir de Junho de 2008 assumiram o compromisso e começaram a trabalhar neste iate que eleva a arte de viver no mar e o luxo a um nível superior.

Wally Hermès Yachts

Artigo da autoria de Diana Guerra

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Máscaras para H1N1 - gripe suína

2009-11-01T13:30:11Z

A época da gripe, juntamente com a potencial ameaça de sermos contagiados pelo vírus H1N1, tem lançado o medo pela população. Apesar da Organização Mundial de Saúde dizer que a eficiência das máscaras é questionável, pois depende da forma como são utilizadas, em muitos países tem sido vistas pessoas a utilizá-las na tentativa de passarem imunes à pandemia. Independentemente dos motivos que levem à sua utilização e sua eficiência, alguns designers decidiram criar máscaras mais chiques. Nada impede que se tenha um pouco de bom gosto, nem mesmo a maior das pandemias...

O Estúdio Samira Boon criou uma proposta prática com um fecho que permite abrir para ingestão de comida. SamiraBoon.com

Esta segunda proposta, também desenhada pelo estúdio Samira Boon, apela ao amado símbolo de graça do Japão, através da representação dos lábios de uma geisha.

Digo Brands propõe uma máscara anti-porco pelo módico preço de US$100.

Já esta opção, também da DIGO, possui um toque distinto através da inclusão de um elegante bigode frisado.

Desenhado pelo Japonês Yoriko Yoshida, esta máscara usa as cores tradicionais do Japão e uma ilustração de um polvo, talvez na esperança que os vírus se assustem quando virem o desenho.

Sherry Sirof apostou na elegância do padrão e no design feminino.

A designer Irina Blok, levou um pouco mais longe o bigode da DIGO e propõe uma generosa máscara-barba.

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Pestanas postiças iluminadas com LEDs

2009-10-31T13:30:01Z

Os olhos são o espelho da alma, diz o adágio popular. Por este motivo muitas pessoas os escondam e evitem olhar os outros de frente, talvez receosas de mostrar a sua natureza interior. Mas os olhos possuem também uma grande expressividade ao nível estético que fez com que ao longo dos tempos fossem alvo de um tratamento requintado, que inclui pinturas, pestanas postiças, jóias e até cirurgia plástica. Na cultura oriental, uma mulher bonita deve ter olhos grandes, nem que para isso tenha de recorrer a todo o tipo de ilusões para disfarçar a falta de generosidade ocular com que a Mãe natureza dotou as raças deste lado do mundo. E, se as pinturas e os postiços já não são suficientes, a tecnologia traz novas soluções. Que tal incorporar uns LEDs luminosos nas pestanas?

A ideia veio de Soomi Park, na Coreia, e é bastante simples. Um conjunto de cinco LEDs montado sobre uma armação metálica muito fina é colocado debaixo de cada olho. Um pequeno cabo conecta os dois conjuntos a um auricular que contém as baterias. O resto é electrónica: sensores de movimento detectam não só os movimentos das pálpebras e das pupilas como também a inclinação da cabeça. Abanar a cabeça é, aliás, o modo de ligar e desligar o sistema.

Fotografias de Minsoo Kang

Talvez não seja muito prático, mas nenhuma maquilhagem o é na verdade. De uma coisa podemos, porém, ter a certeza: com este dispositivo, um piscar de olhos passa a ser fulgurante, sobretudo se for à noite. Nunca como neste caso os olhos mereceram tanto a alcunha de "faróis".

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Petar Pavlov - uma imagem vale mais do que mil palavras

2009-10-30T13:28:00Z

E se, de repente, olhassem para a palavra Sweet e vos apetecesse comê-la, de tão doce que vos parece? E se se inclinassem para cima e não conseguissem alcançar o topo da palavra High, de tão altas que as letras se tornaram? Deve ter sido quase a mesma coisa que pensou Petar Pavlov, um designer gráfico da Macedónia que desenvolveu a colecção de tipografia experimental “Type as Image”. Neste trabalho, as palavras são tratadas como imagens que falam por elas próprias, transmitindo visualmente o seu significado: um caso para dizer uma imagem vale mais do que mil palavras.

Pavlov é um caso de sucesso e polivalência: depois de ter sido um jogador de ténis profissional, decidiu estudar Design e Comunicação Visual na Accademia italiana. Encontra-se hoje a trabalhar na McCann Erickson, a famosa agência internacional de publicidade, estando também a desenvolver uma nova embalagem para a Doritos que segue um conceito completamente novo que assenta na reutilização.

Quanto a “Type As Image”, foi praticamente feito numa noite e, segundo Pavlov, é “um grande exercício para qualquer designer, já que o força a pensar através das imagens e desenvolve ligações entre conteúdo e contexto”. A palavra Fall já foi escolhida para a exposição MTV Swatch Playground, a decorrer na Europa e na Ásia. Mais informações na página pessoal de Petar Pavlov.

Artigo da autoria de Diana Guerra

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Lexus LFA - um automóvel transparente

2009-10-29T13:30:12Z

Apresentado anteriormente na Semana do Design de Milão, no passado mês de Abril, o reluzente Lexus LFA esteve de novo em exibição no Tokyo Motor Show captando grande parte das atenções. Mas o que distingue este automóvel no meio de tantas outros novos lançamentos, protótipos e concept cars é o facto de a sua carroçaria ser totalmente transparente. Não é uma escultura nem um brinquedo. Debaixo da sua surpreendente carroçaria em vidro acrílico polido está uma réplica exacta em tamanho natural da mecânica e dos equipamentos do automóvel real...

O autor desta extraordinária obra de minúcia e paciência é um japonês, obviamente. Sou Fujimoto é arquitecto e este projecto não terá sido um dos mais fáceis da sua carreira. Com ele a Lexus pretende publicitar a nova versão do seu modelo LFA a ser comercializada em 2011 por um preço que irá rondar os 375 000 dólares. Enquanto esse momento não chega, admiremos toda a beleza desta obra de arte que, além do mais, constitui uma excelente lição de engenharia mecânica. É possível que, se estiver à venda, custe bem mais do que o verdadeiro automóvel...

E, já agora, vale a pena conferir o modelo original e comparar.

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Fabio Viale - escultura em mármore

2009-10-28T13:30:18Z

O que faz este homem empurrando este enorme rodado pelas ruas? Chama-se Fabio Viale, é italiano, escultor, e na verdade aquilo que o vemos a empurrar não é um pneu de camião - antes fosse, pois seria bem mais leve! Trata-se de um dos seus trabalhos, denominado Opera Rotas, e tem como característica principal ser constituído inteiramente por mármore. Esta matéria-prima é, de resto, a única que o artista utiliza e com grande mestria técnica, diga-se, pois consegue servir-se dela para recriar objectos que são específicos de outros materiais, como é o caso de um pneu de borracha.

Fabio Viale pode considerar-se um dos herdeiros nos tempos modernos da tradição escultural italiana. Tal como ele, os grandes mestres do Renascimento e do Barroco, de Michellangelo a Bernini, elegeram o mármore como material de trabalho único e exclusivo e dele conseguiram tirar tudo o que queriam, fazendo-o parecer metal polido, cabelo ou ramos de árvores. E, nesta simulação de outros materiais, Viale é mestre, não tenhamos dúvidas, bem como na arte da ironia.

A ligação aos antigos mestres torna-se clara quando recria as suas obras ou parte delas: a Pietá do Vaticano ou bocados de membros de David, de Michellangelo, ou ainda a espantosa versão de Mona Lisa esculpida em bolas esferovite mas em mármore, é claro.

Bernini levou o trabalho do mármore além daquilo que parecia possível na sua época e deu-lhe formas que até então só eram conseguidas com metais e processos de fundição. Mais de 300 anos depois, com as modernas tecnologias, até onde vão os limites de um material e a sua capacidade de ilusão e utilização? A resposta a estas perguntas, que parecem ser o fulcro da actividade artística de Fabio Viale, está numa das suas obras mais emblemáticas, o Ahgalla I, um barco integralmente feito em mármore que, parafraseando outro italiano, "no entanto move-se".

Fabio Viale

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Concurso fotográfico Nikon Small World 2009

2009-10-27T13:30:53Z

O Small World é um concurso internacional de microfotografia promovido desde 1977 pela empresa de equipamentos fotográficos Nikon. Com uma reputação firmada ao longo de mais de 30 edições, o concurso representa neste momento um dos eventos mais importantes para exibição de trabalhos fotográficos no microscópio. Pretende-se premiar todos aqueles que, com as suas fotos do mundo infinitamente pequeno, contribuem para o desenvolvimento das Ciências, e em especial na área da Biologia.

Os premiados da edição deste ano foram já revelados. O primeiro prémio foi para a fotografia que vemos acima, obtida pelo Dr. Heiti Paves, da Universidade de Tecnologia de Tallin, na Estónia, representando uma antera de Arabidopsis thaliana, uma planta que teve a particularidade de ser a primeira a ver o seu genoma sequenciado. O espécime da antera foi previamente tratado com substâncias fluorescentes e colocado num microscópio confocal, geralmente utilizado para este tipo de microfotografias.

O júri deste ano, constituído pelo Dr. Gary G. Borisy, director do Marine Biological Laboratory, pelo fotógrafo Charles Krebs, pelo editor de ciência da National Geographic Jamie Shreeve e pelo jornalista Clive Thompson, analisou mais de 2000 fotografias e decidiu considerar esta a melhor. Os critérios foram a originalidade, o conteúdo informativo, a qualidade técnica e o impacto visual. A decisão não deve ter sido fácil.

Para além da fotografia vencedora, fiquemos com uma pequena amostra dos trabalhos distinguidos. A nossa escolha também foi difícil.

Dominik Paquet (Alemanha) - Peixe-zebra

Pascal Ballester (Alemanha) - Salicornia

Norm Barker (EUA) - Osso de Dinossauro do período Jurássico

Lawrence Bowler (Inglaterra) - Pele de Linguado

Doug Craft - (EUA) - Vidro derretido por ácido benzóico

Karl E. Deckart - (Alemanha) - Película de bola de sabão

Eric Huang (China) - Células neuronais

Gregory Richter (EUA) - Ureia e açúcar manitol

Fabrice Parais (França) - Larva aquática de Simulídeo

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Salar de Uyuni - o maior deserto salgado do mundo

2009-10-26T13:30:06Z

Perto da cidade de Uyuni, que lhe deu o nome, fica situado o maior deserto salgado do mundo: cerca de 10500 Km2 de paisagem agreste a mais de 3500 metros de altitude. No entanto, este ambiente inóspito não é desprovido de vida. Existem diversas espécies animais que ali habitam, algumas delas raras, como coelhos vizcacha, flamingos cor de rosa, culpeos (raposa dos Andes) e vários tipos de aves. Mas também é comum a presença de seres humanos devido à actividade de extracção de sal e, sobretudo, às características ambientais do lugar. O Salar de Uyuni parece outro planeta.

Este vasto planalto salgado formou-se há dezenas milhares de anos a partir de vários lagos que foram secando. Actualmente é composto por um lençol de água saturada de sal com uma profundidade entre 2 e 20 metros em que apenas a superfície contém uma crosta sólida de espessura variável que se estende a perder de vista. Nos meses de chuva a água dissolve a crosta superficial e transforma a paisagem num imenso e límpido espelho que reflecte o céu e o faz confundir-se com a terra.

Calcula-se que existam mais de 10 milhões de toneladas de sal no local. O que é extraído, além de ser comercializado para fins culinários, serve também como material de construção. Existem diversos edifícios feitos com blocos de sal, nomeadamente alguns hotéis, em que paredes, tectos e até as mobílias são placas de sal cortadas à medida. O mais famoso destes edifícios foi o Palácio de Sal, situado na margem Leste do lago salgado, que empregou mais de um milhão de blocos de sal de 35 cm.

Cactos gigantes que chegam a atingir 12 metros de altura, ilhas rochosas que emergem no meio da superfície branca e que são o que resta de picos de antigos vulcões, estruturas de coral de formas bizarras e outras raridades naturais são elementos que dão ao Salar de Uyuni um aspecto irreal e a sensação de estarmos noutro planeta. Mas não, é apenas a nossa boa e velha Terra no seu estado selvagem.

Fotografia de Luca Galuzzi

Fotografia de Thomas Wilken

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Nomes infelizes de carros

2009-10-25T13:30:31Z

Os magos do marketing automóvel usam todos os argumentos para nos vender os seus produtos. Embora o indivíduo comum não tenha noção disso, há pequenos pormenores que podem fazer a diferença e levar o consumidor a optar por uma marca ou modelo em vez de outro. Sabia, por exemplo, que a opinião dos filhos é determinante na altura da compra? Mas há outros factores importantes na decisão e os publicitários sabem-no bem. O nome do modelo é um deles. O nome do modelo deve transmitir subliminarmente um conceito, um ideal, uma imagem que deverá cativar a preferência do público-alvo. Querem um bom exemplo? Porsche Carrera. Não necessita de explicações. Mas há também os maus exemplos, nomes tão infelizes que tiveram de ser alterados em alguns países porque significam obscenidades. Nada disto aconteceria, porém, se os publicitários soubessem um pouco mais de línguas.

Link

Os famosos Opel Ascona, que tanto sucesso obtiveram em provas de rally, embaraçaram frequentemente os seus proprietários portugueses e espanhóis na hora de dizerem o nome do modelo do seu automóvel. Supomos que na Alemanha os responsáveis pelo baptismo deviam ignorar as conotações genitais da palavra e se tenham sentido orgulhosos, uma vez que o nome prevaleceu durante várias gerações.

É de salientar que os alemães têm uma especial tendência para escolher nomes infelizes. Essa precaução evitaria que aparecessem modelos como o Mercedes Vito, que em sueco se refere aos órgãos genitais femininos. Tal como este modelo e o da Opel, também o Honda Fitta foi baptizado com a mesma palavra que é usada na Noruega para indicar a genitália feminina. É definitivamente uma obsessão. Mas os astutos japoneses não caíram no mesmo erro dos fabricantes alemães e o automóvel na Europa é comercializado com o pacífico nome de Jazz.

Sem fugir das zonas genitais mas, desta vez, no masculino, passamos ao Toyota Carina. Desta vez a tradicional astúcia oriental foi fintada, uma vez que karina em croata significa à letra um pénis enorme. E que diria o respeitável proprietário de um Buick LaCrosse se soubesse que o nome do modelo significa em francês "masturbação"? O que vale é que os americanos são fracos em línguas... mas também os japoneses. Pajero, um dos modelos mais célebres da Mitsubishi, significa "masturbação", mas em espanhol, o que fez com que naquele país o nome fosse mudado para Montero, o que também não é grande coisa.

Para o fim ficou o mais infeliz de todos, o campeão do mau gosto: o Mazda LaPuta. Sabe-se que o nome deriva, na verdade, do livro As viagens de Gulliver, de Jonathan Swift, mas vão lá explicar isso a um latino...

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Woodstock - o que aconteceu com os principais nomes do festival

2009-10-24T12:26:33Z

A 17 de Agosto último, há exatos 40 anos atrás, o “Woodstock Music & Art Fair”, o festival de música mais emblemático da história, chegava ao fim. A data trouxe dezenas de lançamentos em aúdio e vídeo, matérias especiais em todas as mídias, livros, filmes…o pacote completo. Eis o que aconteceu com os principais nomes que tocaram nesses míticos 3 dias. Quem eram na época e o que aconteceu após o evento.

Richie Havens
Chamado às pressas para abrir o festival diante dos atrasos (era a atração disponível com menor número de equipamento, um violão), Havens entrou para cantar 20 minutos e improvisou durante 3 horas. No fim, com “Motherless Child”, a palavra “freedom” foi incorporada no refrão, tornando-se posteriormente o nome da música e uma das marcas do festival.

Após Woodstock, Havens alcançou fama mundial, tendo o pico da carreira na década de 70. Decaiu nos anos 80 e 90, lançando apenas álbuns esporádicos. Seu último disco é “Nobody Left To Crown”, do ano passado.

Album Essencial: Mixed Bag (1967)

Ravi Shankar
Mentor de George Harrison, Shankar sempre foi muito mais do que um simples músico. Nascido em 1920, o indiano começou sua carreira nos anos 50 e permece na ativa até hoje. Sua cítara é uma das grandes responsáveis por levar a música indiana ao redor do mundo.

Album essencial: The Sounds Of India (1968)

Arlo Guthrie
Filho de Woody Guthrie, um dos nomes mais lendários da história do folk e largamente conhecido por ser uma das maiores influências de Bob Dylan, Arlo teve alguns hits na década de 60, incluindo “Coming Into Los Angeles”. De extensa carreira, foi referência na cena folk. Seu útimo lançamento é o ao vivo “In Times Like These”, de 2007.

Album essencial: Alice’s Restaurant (1967)

Santana
Ainda desconhecido na America, Santana teve um grande empurrão com o show incendiário que fez em Woodstock. Um dos pontos altos do festival, a carreira do mexicano firmou-se a partir dali. Com vários clássicos na década de 70, experimentou um longo declínio até explodir novamente no mix de “Supernatural”, de 1999, com vários convidados da música pop e o que levou a um novo público. O álbum vendeu simplesmente mais de 25 milhões de cópias, fazendo de Santana um dos maiores ídolos pop na época.

Album essencial: Abraxas (1970)

Janis Joplin
Uma das maiores estrelas do festival, Janis tocou em Woodstock com seu novo grupo na época, Kozmic Blues Band. Morreu um ano depois e tornou-se um dos maiores nomes da história do rock, mesmo com a brevíssima carreira.

Album essencial: Pearl (1971)

The Who
Sinônimo de rock, o The Who já era um ícone em Woodstock. Lançando a ópera rock “Tommy”, fizeram um dos melhores shows do festival. Continuam na ativa até hoje e o último álbum inédito é “Endless Wire”, de 2006.

Album essencial: Live At Leeds (1970)

Jefferson Airplane
Os primeiros da geração psicodélica de San Francisco a ganhar reconhecimento mundial. Muito dessa fama deve-se ao clássico “White Habbit”. Terminaram em 1973.

Album essencial: Surrealistic Pillow (1967)

Joe Cocker
Cocker é um dos que deve sua carreira a Woodstock. Sua versão de “With A Little Help From My Friends”, dos Beatles, foi a grande responsável por isto, sendo inclusive o nome do seu primeiro álbum. O britânico segue lançando discos. O último foi “Hymn For My Soul”, de 2007.

Album essencial: With A Little Help From My Friends (1969)

Jimi Hendrix
Hendrix era um dos maiores nomes do festival. Foi o responsável por encerrar Woodstock, na manhã de segunda feira, já com um público bem reduzido em comparação à média dos dois dias anteriores. Sua versão do hino dos EUA, “Star Splanged Banner”, foi o momento mais marcante. É uma lenda da guitarra, principalmente pelo modo peculiar como tocava sua Fender, o desenvolvimento do uso da alavanca e do wha-wha, os solos e riffs clássicos e por colocar os guitarristas no centro das bandas de rock. Morreu um ano depois, em Londres, sufocado pelo próprio vômito, provavelmente vítima de uma overdose de pílulas tranquilizantes.

Álbum essencial: Are You Experienced? (1967)

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cozinha ultra compacta

2009-10-23T12:26:35Z

Helena queria viver perto do mar, num pequeno apartamento comprado com ajuda dos seus pais. Queria um lugar confortável, luminoso e aconchegante. Quando começou a idealizá-lo, as suas prioridades centraram-se num quarto espaçoso, um banheiro amplo e o restante espaço para uma área de convívio onde iria partilhar alguns momentos com os seus amigos.

O seu estilo de vida deixou bem claro que haveria muito pouco espaço para uma cozinha e, na concretização da ideia, esse espaço surge escondido atrás de belas e amplas portas cor de laranja. Assim, o enquadramento na atmosfera da casa surge com harmonia e um toque moderno. A proposta é arrojada, mas elegante.

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Bad Lieutenant - continuação de New Order

2009-10-22T12:27:43Z

É impossível ouvir a banda Bad Lieutenant, novo projeto de Bernard Sumner e não compará-lo ao New Order, afinal é a voz de Sumner que chama atenção desde o primeiro momento. Para ajudar, o último trabalho do New Order seguiu por uma linha muito parecida com a que temos em Never Cry Another Tear, nome do álbum de estréia do Bad Lieutenant.

Ou seja, é possível até mesmo fazer uma analogia, claro, guardando muito bem as proporções, entre o fim do Joy Division e o nascimento do New Order. Como o New Order morreu há poucos meses, nada mais natural considerar o Bad Lieutenant como seu filho direto.

Se lembrarmos do bom último disco da banda de Manchester, Waiting for the Sirens’ Call, perceberemos que essa estréia nada mais que é que uma continuação do que eles estavam fazendo em 2005. As viúvas do New Order torcerão o nariz, como fizeram há quatro anos, mas quem curtiu a guinada “roqueira” feita pela banda, sairá bem feliz com o novo projeto.

O disco abre com a já conhecida “Sink or Swin”, com seu riff simples e direto, com direito a um belo trabalho vocal de Sumner, e da ótima linha de baixo, criada por Alex James, do Blur – um dos convidados especiais deste disco. Em “Twist of Fate” e “Summer Days On Holliday”, o grupo embarca no oitentismo e acaba soando como uma cópia pálida do Tears For Fears

O clima mezzo 80, mezzo 90 predomina durante todo o trabalho e isso implica em todas as virtudes e defeitos do pop inglês nestas duas décadas. Então é fácil encontrarmos semelhanças com bandas como o Oasis e Blur – principalmente na voz de Jake Evans, que divide os vocais com Sumner.

E esse talvez seja o maior pecado deste Never Cry Another Tear. Se tivesse sido lançado há dez anos poderia ser considerado revolucionário, mas agora, em 2009, pode ser apenas considerado como um resgate de boas lembranças musicais, ainda assim traz boas canções, como a balada “Runaway” e “Runnig Out Of the Luck”, cantadas respectivamente por Evans e Sumner.

Agora, deixando o lado “critico chato” de lado, o disco é bom, e se transforma em um bom passatempo para aquelas horas que você vai ficar preso no trânsito sob a chuva. Resta agora aguardarmos o primeiro trabalho do Freebass, nova banda de Peter Hook, para sabermos quem vai largar o osso do New Order primeiro.

Artigo da autoria de Valdir Antonelli

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Bang & Olufsen - design e tecnologia

2009-10-21T12:30:28Z

Perante um monitor de plasma com 2,46 m de largura, 1,52 m de altura e 265 quilos que podemos nós fazer senão ficar boquiabertos? E se o seu tamanho impressiona, não menos impressionantes são a sua excelência tecnológica e a sua qualidade audiovisual, literalmente surreais, e um design sofisticado que não deixa ninguém indiferente. A todos aqueles que pensam que os monitores de plasma têm os dias contados, a firma dinamarquesa Bang & Olufsen demonstra o contrário com este colossal e primoroso Beovision 4, a nata das natas dos monitores planos: a perfeição por apenas $50000.

A simples menção do nome Bang & Olufsen evoca imediatamente o paradigma da excelência tecnológica e do design no mundo do áudio e do vídeo. Esta imagem acompanha a companhia praticamente desde a sua fundação, em 1925. Os seus criadores, Peter Bang e Svend Olufsen, aventuraram-se numa actividade relativamente nova naquela época, produzindo equipamentos de gravação e reprodução áudio. A filosofia que então presidiu ao seu negócio mantém-se nos dias de hoje: fidelidade sonora acima de tudo. Para isso, a tecnologia deve estar a um nível tão elevado que não deixe a sua marca, permitindo uma percepção sonora "real", um desígnio que a firma dinamarquesa persegue constantemente mesmo quando parece não poder ir mais além.

Mas também o design se tornou inconfundível e, a par com a tecnologia, foi responsável com o passar dos anos por forjar a imagem da marca. As linhas escorreitas, geométricas e minimalistas dos equipamentos B&O exibem não apenas uma elegância peculiar, como possuem uma funcionalidade e uma ergonomia notáveis. Comunicações sem fios, sistemas de comando digitais, sincronização, que agora são soluções tecnológicas comuns, já se encontram presentes há anos na gama de produtos B&O.

Esta gama de produtos, que inicialmente estava circunscrita aos equipamentos áudio, tem vindo a alargar-se progressivamente. Neste momento, a firma oferece soluções muito diversificadas no domínio do audiovisual. Os seus produtos ostentam o inconfundível prefixo "beo": Beovox para linhas de colunas e altifalantes, Beovision para televisões, Beomaster para aparelhos de rádio, Beolab para amplificadores, etc., sem esquecer a amplificação de automóveis topo de gama (Audi R8, Aston-Martin DBS, Mercedes AMG).

Colunas activas BeoLab 5

Uma característica verdadeiramente extraordinária nos produtos B&O é a sua capacidade de integração. Todos os equipamentos interagem entre si de uma forma transparente e natural para o utilizador e, no entanto, albergam uma série de funcionalidades complexas. Mesmo os sistemas mais antigos podem ser integrados com outros recentes sem qualquer tipo de incompatibilidade ou perda de funções. Isto é extraordinário tendo em conta a prática comum de cada nova tecnologia de, por razões comerciais, renegar as anteriores.

Mas não se julgue que tudo isto se pode possuir a troco de nada. A excelência tecnológica B&O faz-se pagar bem caro e apenas alguns seres humanos privilegiados têm a possibilidade de adquirir estas jóias tecnológicas para deleite dos seus sentidos. Nós, comuns mortais, limitamo-nos a olhar para elas ou, quando muito, a ir a um agente revendedor autorizado e solicitar uma audição. Para já ainda é gratuito.

Leitor de CDs BeoSound 9000

Relógio despertador BeoTime

Auscultadores

Site oficial Bang & Olufsen

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crianças da guerra - as fileiras de estaline

2009-10-19T12:39:08Z

Em qualquer conflito armado somos surpreendidos por fotografias de crianças a empunhar armas. Essa visão provoca a nossa indignação perante a exploração a que são sujeitas pelos senhores da guerra. E, no entanto, isto sempre sucedeu independentemente do local, da época ou da cultura em particular, em qualquer conflito do presente ou do passado. Há apenas algumas décadas atrás, durante a Segunda Guerra Mundial, foi comum ver crianças entre as fileiras do exército russo que se defendia com todos os seus recursos dos invasores nazis.

Eram tempos diferentes e vivia-se ainda sob o jugo do ditador Estaline. Muitas crianças tentaram fugir das suas casas para ir combater na Grande Guerra Patriótica, como lhe chamou a propaganda do regime. Não obstante, algumas foram capturadas pela polícia militar e devolvidas às suas famílias mas outras acabaram por se conseguir juntar às tropas e lutar. Eram muito novas, algumas com 9 anos apenas, e combateram na frente. As que sobreviveram deixaram o exército após o fim da guerra com 14 ou 16 anos, muitas vezes recompensadas com medalhas de honra.

Os fotógrafos da guerra e da propaganda registaram as imagens destas crianças da guerra, meninos sem infância desprovidos do seu bem mais precioso: a inocência.

fonte: englishrussia

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Sapatos high-tech

2009-10-16T12:30:39Z

A tecnologia está ao serviço do Homem para tornar a sua vida mais simples e mais confortável. No entanto estamos apenas habituados a que ela seja aplicada a máquinas e outros engenhos mais ou menos utilitários. Mas ela está por todo o lado, até mesmo nos sapatos que calçamos. Engenheiros e designers trabalham em conjunto para conceber calçado tecnologicamente sofisticado e não nos referimos apenas a ergonomia e outras coisas do género. As propostas que aqui vos apresentamos são definitivamente high-tech. É o caso dos chinelos BrightFeet, que possuem LEDs incorporados com autonomia para 25 minutos. Basta calçá-los para que se acendam. Com estes chinelos as nossas incursões nocturnas ao Wc, ao quarto das crianças ou mesmo ao frigorífico passarão a ser muito mais simples e não incomodarão mais ninguém. À venda aqui.

Os chinelos surgiram para não sujar o chão. Mas estes chinelos de microfibras fazem melhor: limpam sem riscar. Podem ser encomendados aqui em várias cores.

Mas o novo paradigma da limpeza vem do fabricante de electrodomésticos Electrolux, com o espantoso conceito "sapato-aspirador". A característica sola de grande espessura que lhe confere um ar futurista esconde na verdade um pequeno motor eléctrico e um reservatório para o pó. Os projectistas não revelaram ainda mais pormenores sobre o seu funcionamento, uma vez que se encontra numa fase de desenvolvimento precoce.

A VectraSense Technologies propõe-nos nada mais nada menos do que um sapato computorizado. O sapato possui diversas almofadas de ar controladas por um microprocessador que detecta a actividade do utilizador e ajusta a pressão para os níveis mais adequados. Este processador pode ser ligado via wireless a qualquer computador para personalizar os vários padrões de conforto desejados. Para activar a conexão ao computador basta fazer pressão com a biqueira do sapato no chão durante cinco segundos. A tecnologia utilizada e o facto de serem feitos à mão fizeram com que um par deste calçado custasse a módica quantia de 699,99 dólares.

Haverá tecnologia mais sofisticada do que a tecnologia espacial? Esta ideia levou a que o designer inglês Rupert Sanderson criasse uma bota de senhora inspirada em Star Wars.

Se tem problemas nos pés poderá adquirir estes chinelos com massajador. Com vários programas e intensidade variável, são garantia de descontracção e alívio de dores. Podem ser encontrados aqui. Não recomendados a quem tem cócegas.

E, por último, um verdadeiro símbolo de tecnologia. Estes sapatos de tacão alto, concebidos por Tim Cooper, em cabedal branco e fibra de carbono, são baseados no famoso Lamborghini Gallardo. Ultra-finos, ultra-ligeiros e, sobretudo, ultra-elegantes.

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