obvious

A evolução do rosto de Michael Jackson

2009-07-03T12:30:42Z

Até há bem pouco tempo Michael Jackson era considerado um excêntrico, um demente, um decrépito e até um pedófilo. Agora que morreu devolveram-lhe o título de "rei da Pop Music". Considerações à parte, o certo é que o cantor americano sempre andou nas bocas do mundo e, aparentemente, gostava disso. Cultivava a excentricidade e alimentava obsessões. Uma das mais incompreensíveis e evidentes foi a transformação que impôs ao seu rosto ano após ano.

Este processo acabou por lhe trazer problemas sérios de saúde e resultou não num "embelezamento" (o que quer que isso signifique) mas numa deformação grosseira e caricata do seu rosto. É possível acompanhar a evolução dos seus traços faciais comparando as fotografias ano após ano. Essa evolução serviu de inspiração ao artista - desconhecemos quem - que reuniu num único painel as várias fases por que passou o rosto de Jackson. Para o fazer escolheu a forma de espiral, evocando ironicamente a caminhada do rei da Pop em direcção ao abismo que haveria de ser o seu fim...

Artigos relacionados:

- Let Me Be
- Caricaturas de Paddy Boehm
- Uma outra batuta
- Sons do silêncio

House (e outros) versão Simpsons

2009-07-02T12:30:13Z

Dr. House e Indiana Jones

O Dean é um canadense fanzaço de Simpsons e de várias outras coisas ligadas a cultura pop, como HQs e seriados. Só que, além disso, ele é um cara talentoso que decidiu criar um blog onde ele transporta seu astros e heróis prediletos para personagens ilustrados no estilo Homer. Pele amarela, olhões e mãos com quatro dedos!

Aqui, embaixo, você pode conferir alguns desenhos do cara, mas vale dar uma passada no site dele e conferir a galeria completa. Se vocês, assim como eu, quiserem estampar umas camisetas com o Dr. House, me avisem.

Guilherme M. Martinelli, do Herói

Ray Stanz e Peter Venkman, dos Ghostbusters

James "Sawyer" Ford, Kate Austen e John Locke, de LOST

Artigos relacionados:

- Mayday: televisão para vegetais
- As novas salas de tv
- Da universalidade dos ecrãs
- A coragem do actor e as luzes da ribalta

Os automóveis de Raymond Loewy

2009-07-01T11:27:44Z

Studebaker Commander Starliner - 1953

Não é exagero afirmar que Raymond Loewy se encontra entre os dois ou três designers mais importantes do século XX. De origem francesa, desenvolveu a maior parte da sua actividade nos EUA onde estabeleceu uma relação privilegiada com a maior indústria do mundo. Em todos os seus projectos e obras revelou uma capacidade notável para entender as máquinas e os sistemas e para ver mais além. Foi sensato e arrojado ao mesmo tempo e definiu novos standards para o design moderno. O famoso estilo streamline, por exemplo, tão característico do design dos anos 50', teve origem na sua prancheta de desenho. Entre os equipamentos e objectos que desenhou - e foram muitos - não podia faltar um dos produtos mais queridos da indústria americana: o automóvel.

A colaboração de Loewy com a indústria automóvel iniciou-se bem cedo, em 1936, ao ser contratado pela empresa Studebaker como consultor. Mais tarde passou a executar diversas tarefas de design, entre as quais a reformulação do logótipo da marca. Somente em 1953 surgiu a oportunidade de conceber um novo modelo destinado a um segmento de clientes jovens. Loewy desenvolveu o projecto com o designer Robert E. Bourke. Nasceu assim o Starliner, conhecido como o primeiro automóvel desportivo americano. Novos padrões foram estabelecidos com este modelo que são ainda hoje atributos de qualquer automóvel desportivo, como o perfil longo e baixo e uma frente em cunha com o radiador oculto atrás da grelha. Com este projecto também inverteu o gosto exagerado pelos cromados - chamava aos carros americanos da época "jukeboxes sobre rodas".

Pouco depois Loewy deixou a Studebaker e desenhou uma série de outros automóveis desportivos para diversas marcas. Em 1956 foi convidado pela Jaguar para conceber um novo coupé. Pouco se sabe do destino deste protótipo, excepto que não passou disso mesmo. As fotografias são raras mas revelam os tradicionais princípios estilísticos do designer, aos quais se acrescentavam algumas inovações: uma traseira curta e rebaixada e o tejadilho inclinado. Quem olhar para o famoso Jaguar XK-E, desenhado por Malcolm Sayer em 1961, não consegue deixar de ver ali influências do anterior projecto de Loewy.

Jaguar coupé - 1956

Em 1957 foi a vez do BMW 507, apresentado no Paris Auto Show desse ano. As mesmas características estilísticas estão presentes neste protótipo que, tal como o Jaguar, não chegou a ser produzido. Em vez deste foi escolhido o projecto de Albrecht Graf Goertz. Depois, em 1960, Loewy projectou o Lancia Loraymo, palavra que foi composta com três sílabas do seu próprio nome. Neste projecto o design modificou-se um pouco. Podemos ver uma frente agressiva com uma enorme grelha ladeada por dois faróis que, como alguém disse então, lembram a cabeça de um tubarão-martelo.

BMW 507 - 1957

Lancia Flaminia Loraymo - 1960

O projecto derradeiro de um automóvel e o culminar da carreira de Loewy ocorreu em 1961, com o regresso à Studebaker para desenhar o Avanti. As grandes linhas do automóvel ficaram prontas num tempo recorde, cerca de quinze dias, graças à experiência e confiança do designer nos seus princípios. Desta vez o projecto passou à produção e os primeiros exemplares saíram da linha de montagem ainda em 1962. Era um dos carros mais avançados e mais bem equipados do seu tempo. Possuía travões de disco à frente, elementos da carroçaria em fibra de vidro e um painel de instrumentos invulgarmente ergonómico. Pouco tempo depois a Studebaker encerrou e a produção cessou, não sem que antes o Avanti se tornasse um sucesso e entrasse para a galeria dos automóveis míticos.

Studebaker Avanti - 1962

Fonte: The Avanti

Artigos relacionados:

- As fantásticas locomotivas de Raymond Loewy
- Escultura cinética no museu BMW
- As limousines
- Concurso de design Peugeot 2008

Quero matar Hitler

2009-06-30T12:30:14Z

Na longa biografia escrita por Joachim C. Fest, a história de Adolf Hitler pode ser detalhada, mas mesmo assim, as coisas não ficam claras o suficiente para entender o fenômeno de devoção que ele era capaz de despertar em uma nação toda – e, mais além, em outras que endossaram todo o seu discurso. Uma das figuras mais marcantes do século XX e também da curta história da Humanidade, Adolf Hitler vem ganhando, cada vez mais, análises um pouco mais esclarecedoras, menos passionais. E, por mais horripilante que seja a História, ela tem de ser dissecada em detalhes.

No gancho do filme Operação Valkyria, começam a surgir livros tentando desvendar o por quê da baixa resistência a Adolf Hitler, os motivos do povo alemão em fechar com seu führer sem questionamentos. "Quero matar Hitler", do historiador britânico Roger Moorhouse, lançado no Brasil pela Ediouro, tenta fazer um guia completo das tentativas de assassinatos do líder nazista por seus inimigos. E o que deveria ser algo novo se perde no desejo do autor em ser iconoclasta.

Hitler acreditava piamente que era protegido pela providência, algo como um super-homem nascido para cumprir uma missão: limpar o mundo e criar a superpotência ariana. Nas histórias apresentadas no livro, de fato, apenas a Operação Valkyria, liderada por membros do Exército alemão, na época em que todos eles já sabiam que a guerra estava perdida, é apresentada como uma real tentativa de eliminação de Hitler. As demais histórias servem de uma suculenta entrada de argumentações – como detalhar o plano que o exército Aliado desenvolvia para tirar o tirano do poder.

O problema maior do livro nem é em sua temática, algo que desperta o interesse de quem é gosta do assunto. O problema é que Moorhouse se confunde relato histórico com relato literário ficcional. É nítido o interesse do historiador em se esforçar para criar um “thriller” cinematográfico, que acaba por desabar com a credibilidade do livro. Algo completamente desnecessário. Tivesse se mantido nos trilhos da História, teria entregue um livro necessário para se debater motivações. Ficou na água com açúcar e serve apenas como uma boa sessão da tarde histórica.

Artigo da autoria de Danilo Corci

Artigos relacionados:

- Um artista quase desconhecido
- Foi há sessenta anos
- A Valsa com Bashir: desenhar as memórias de guerra
- imagens futuristas retro

Spaceport America - porto espacial

2009-06-29T12:30:08Z

Uma nova era espacial está a nascer no meio do deserto do estado norte-americano de Novo México com o início da construção do primeiro porto espacial privado . E o Spaceport America poderá ser apenas o primeiro de uma série de outras infraestruturas idênticas se o investimento na indústria espacial comercial se revelar certo. Por trás desta iniciativa encontra-se a Virgin Galactic, propriedade do multimilionário Richard Branson, que investiu 300 milhões de dólares no projecto.

O concurso para o edifício do Spaceport America foi ganho pela conceituada firma inglesa Foster+partners que se tem distinguido na criação de projectos arrojados e tecnologicamente avançados, nomeadamente de aeroportos. Todo o conjunto possui mais de 10000 m2 e tem incorporada tecnologia de eficiência energética, desde painéis solares a sistemas de refrigeração através de tubos enterrados no solo, que o tornam auto-suficiente e um novo paradigma de arquitectura sustentável.

Além disto tudo, o novo porto espacial apresenta as condições necessárias para ser um novo ícone em termos de imagem e integração ambiental. Segundo os seus autores, a forma sinuosa e dinâmica tenta captar "o drama e o mistério das viagens espaciais", evocando algumas imagens retro-futuristas dos primeiros tempos da conquista espacial. Mas desta vez não é ficção científica: o Spaceport America deverá entrar em actividade já no próximo ano de 2011.

O envolvimento da Virgin Galactic neste projecto não surgiu por acaso. A empresa possui já as aeronaves que ali irão operar, nomeadamente a nave de transporte o White Knight Two, e o recentemente apresentado vaivém Space Ship Two, capaz de transportar 6 passageiros e viajar a mais de 100 Km de altitude. Se tem 200 000 dólares para pagar por uma viagem que inclui três dias de treino no Spaceport America, alguns minutos em gravidade zero, serviço de bar e uma descida com forças de 6 G, então faça já a sua reserva porque os candidatos são muitos. E se acha caro, saiba que as primeiras viagens aéreas transatlânticas - só ida - custavam pouco menos que isso na altura.

Mais pormenores no site do Spaceport America.

Artigos relacionados:

- Um avião anfíbio ao alcance dos mortais
- Novos aeroportos do Japão
- Moonstream
- William Shatner a cantar

super carro ecológico - Citroen GT

2009-06-28T12:25:34Z

Recentemente o construtor francês Citroen apresentou um Super Carro que teve a sua génese numa parceria com uma empresa de simulação de corridas, a Polyphony Digital, detentora do famoso jogo Gran Turismo, para a Playstation da Sony. Takumi Yamamoto, responsável pelo design virtual do automóvel, moveu influências para que a Citroen aceitasse construir o que estava já idealizado para o Gran Turismo. A presença num jogo que já vendeu mais de 50 milhões de cópias para fanáticos do automóvel foi motivo suficiente para produzir o protótipo apresentado, do qual poderão vir a ser construídos até 20 exemplares.

Quando revelado no Auto Show de Paris, os visitantes tiveram a possibilidade de ver o automóvel mas também de o pilotar virtualmente numa consola Playstation. Juntando pela primeira vez o mundo virtual e real, todos os parâmetros e comportamento do carro podem ser experimentados com exactidão no simulador, onde teremos as mesmas sensações da vida real.

A aerodinâmica é impressionante, com um ar muito futurista, mas é ao nível do propulsor que a Citroen impressiona. Com um motor híbrido de baterias fuel cell, possui uma potência total de 784 hp. Com 1.400kg - que incluem as baterias e o tanque de hidrogénio - o GT acelera até aos 100km/h em 3.6s e atinge uma velocidade máxima de 330km/h.

Artigos relacionados:

- Lamborghini Reventon, o super carro
- Ao volante do Ford GT40
- Ford GT40 - o eterno desportivo
- Citroen C-Metisse Concept

Grelhador para almôndegas

2009-06-27T12:30:22Z

Este pequeno acessório de cozinha permite uma nova abordagem na confecção das almôndegas, tradicionalmente cozinhadas em molho. Graças a este grelhador poderá experimentar confeccioná-las em carvão, ao ar livre. É uma outra dimensão gastronómica, até então vedada às deliciosas bolas de carne.

O utensílio é muito simples. É composto por duas chapas em aço inox que se fecham como um livro e que possuem 12 cavidades esféricas onde se colocam as almôndegas. Uma vez fechado é pousado a pequena distância das brasas. O segredo reside numa série de pequenos orifícios rasgados na superfície destas cavidades, por onde escorre a gordura em excesso e por onde penetra o fumo do carvão que dá à comida o gosto peculiar. É comercializado em exclusivo pela empresa Williams-Sonoma por 49.95 USD.

Artigos relacionados:

- Como separar a clara da gema do ovo
- Vida ao ar livre
- Hydrosphere - uma estufa na cozinha
- Torradeira derretida

Georges Méliès - o mestre dos efeitos especiais

2009-06-26T12:30:02Z

Na história da cinema poucos indivíduos deve haver tão importantes e tão injustamente esquecidos como Georges Méliès. À excepção do equipamento de filmar e projectar, não será exagero dizer que Méliès inventou tudo no cinema, mas tudo mesmo: os estúdios de filmagem, os géneros cinematográficos, os guiões, as técnicas mecânicas e químicas, os efeitos especiais. Em tudo foi pioneiro e fê-lo com tal imaginação e mestria que grandes cineastas como Chaplin ou Griffith reconheceram a sua influência e inspiração. É justo que se recorde o mestre e o seu trabalho.

Méliès merece um lugar de destaque na História, ao lado dos grandes criadores e visionários de todos os tempos que levaram a humanidade mais longe. Possuía um espírito inquieto e sonhador e uma enorme versatilidade. Na sua vida desempenhou uma série de actividades e profissões tão diversa e tão rica como desenhador, caricaturista, decorador, ilusionista, prestidigitador, actor, dramaturgo, realizador, produtor e vendedor de brinquedos. Nunca se conformou com as contrariedades e com os desaires que sofreu e não foram poucos. Soube mudar e adaptar-se. Foi brilhante. Foi deslumbrante.

Se tivesse seguido a tradição familiar Méliès poderia ter sido um bem sucedido fabricante de calçado de luxo em Paris. Mas o mundo do espectáculo e da magia atraía-o e, com o dinheiro que recebeu da empresa familiar, tornou-se actor e prestidigitador e comprou o famoso teatro de Robert-Houdin, o grande mágico francês. Pouco depois, em 1895, assistiu à primeira apresentação pública do Cinematógrafo dos irmãos Lumière. Este acontecimento mudou o rumo da sua vida.

Fundou uma companhia cinematográfica, a Star-Films, e montou estúdios de gravação equipados com uma série de funcionalidades, como iluminação (natural e artificial), cenários amovíveis, camarins e instalações para os actores, zona técnica, etc. Foi aqui que desenvolveu tudo aquilo que se viria a tornar a sua imagem de marca e futura linguagem do cinema, combinando artes teatrais, tecnologia e efeitos especiais. Alguns dos modernos processos de montagem nasceram nestes estúdios, como o corte, a paragem da câmara, o stop-motion, a sobreposição de imagens, as transições por dissolução (fade-in, fade-out), a manipulação gráfica da imagem, a utilização de ilusões de óptica e muitos mais.

Desta sua actividade prolífica resultaram mais de 500 filmes, curtas metragens de uma bobine no início e médias metragens mais sofisticadas posteriormente. Muitos deles se perderam, uns simplesmente desaparecidos, outros vendidos a peso para serem transformados em tacões de sapatos (autêntico). Conta-se que o próprio Méliès destruiu muitos deles num acesso de fúria, num momento difícil da sua vida.

O filme que o celebrizou foi uma obra excepcionalmente longa para a época, com 14 minutos: Viagem à Lua (Le voyage dans la Lune), de 1902, baseado num romance de outro visionário seu conterrâneo, Jules Verne. A imagem fantástica do foguetão a atingir um olho da lua viria a tornar-se um dos grandes ícones visuais do século XX. Todos os seus filmes possuíam uma enorme dose de magia, fantasia e deslumbramento que Méliès tinha aprendido na sua primeira profissão de ilusionista e prestidigitador e os complexos efeitos especiais, que tão bem sabia usar, eram o meio de que se servia para nos encantar. O fantástico e a magia, essências da obra de Méliès, são afinal as coisas essenciais de que é feito o cinema.

Stonehenge - celebração do nascimento do sol

2009-06-25T12:30:24Z

Fotografia de Matt Cardy

Todos os anos no Solstício do Verão Stonehenge é visitado por milhares de pessoas. Este ano falou-se em mais de 35000 aglomeradas em torno do famoso círculo de pedras, disputando literalmente um lugar ao sol. Têm razão para o fazer: o espectáculo do nascimento do astro-rei em perfeito alinhamento com os colossais megalitos no dia mais longo do ano é - diz quem já assistiu - místico e perturbante, mas invariavelmente belo. Os fãs do ocultismo e do paganismo sentem-se transportados com o apelo do momento, vestem-se com trajos rituais e simulam até as supostas práticas dos antigos druidas; celebram-se casamentos; toca-se nas pedras; tiram-se fotografias. Stonehenge é espectáculo para além do nascimento do Sol.

Durante muito tempo o monumento e o seu significado estiveram envoltos em mistério e deram origem a numerosas lendas. Uma teoria afirmava que tinha sido edificado por gigantes; outra pelos druidas celtas que o usavam para algum tipo de ritual religioso. No entanto a explicação era bem mais simples: Stonehenge era um colossal observatório astronómico destinado a registar com precisão certos acontecimentos importantes, como era o caso do Solstício do Verão. Não esqueçamos que foi edificado em pleno apogeu das civilizações agrícolas, para quem este tipo de informação era vital para as sementeiras e colheitas, ou seja, para a sobrevivência.

Fotografia de Matt Cardy

Mas este ano, como em muitos outros, a multidão expectante teve uma desilusão. O Sol nasceu pontualmente às 4h58 da madrugada (hora local) mas ninguém o viu, escondido que estava sob um espesso manto de nuvens. São as vicissitudes do clima inglês.

Fotografia de Matt Cardy

Fotografia de Akira Suemori

Fotografia de Matt Cardy

Fonte: Sacramento Bee - The Frame

Artigos relacionados:

- Saturnalia, a origem do Natal
- Casa rotativa - Villa Girasole
- Poema de um dia
- A Bíblia em LEGO

Lobo e Odyr: Copacabana de sombras e sombras

2009-06-24T12:26:15Z

A gente podia tomar uns chopps e ir dançar. Você já foi na Help?. Não, responde ele; Quer dizer... não pra dançar. A Discoteca Help já foi famosa por sua festa de réveillon de frente para a praia de Copacabana, com toda a queima de fogos em plena areia. Hoje pouco restou dos anos 90; a boate parece fora do lugar com aquela fachada aquadradada de tinta descascando, não lembrando em nada as modernas casas noturnas que se espalham em outras orlas da mesma Zona Sul. Ninguém parece se importar. As noites na Help hoje são tanto quanto ao mais quentes do que naquele tempo. Saem as mocinhas de mentido fino trato e entram os estrangeiros escoltados por mulheres que gravitam ao redor dos dólares, que voam das carteiras. Pasteurizados no meio deles, os chamados corajosos, aqueles que pagam para assistir ao espetáculo. A despeito do objetivo, todos dançam, há delírios, sexo, drogas e muito suor diluído enquanto a Avenida Atlântica segue até o amanhecer. Para os quadrinistas Odyr e Lobo, nada mais é que um jogo de sombras e sombras: Copacabana é sempre como a pista da Discoteca Help, o sol é que atrapalha a vista.

O álbum, publicado pela Desiderata, começou a ser concebido quando o declínio do legendário nightclub já gozava de muitas saúdes; dez anos atrás, Sandro Lobo chegava ao Rio de Janeiro vindo do Rio Grande do Sul e acabara se instalando no bairro, vagando pelas ruas durante as noites insones . Foi se alimentando das pessoas dali, das suas histórias, dos seus bons e maus modos. Os personagens iam aparecendo e as histórias se confundindo umas nas outras; os personagens iam se formando e as histórias se inventando a partir umas das outras. Depois de dois anos, das anotações e fictiones saiu o roteiro de Copacabana.

Os desenhos passaram por diversas mãos ao longo de sete anos até irem parar nas mãos de Odyr Bernardi, também egresso do Rio Grande do Sul, que, pelo serviço, acabou largando o bucólico bairro de Santa Teresa para ir ter com as agruras de Copacabana. Com Lobo a tira-colo, teve seus primeiros contatos com o calçadão, com as arquiteturas, viaturas e chopps ladeados por aqueles canteirinhos verdes. Fotografou tudo até começar a surgir a alma do álbum, àquela espécie de SinCity tropical.

Conheci os dois artistas num dia de azar e extrema sorte em que fui barrada na abertura da exposição de quadrinhos no Centro Cultural dos Correios, no Centro da cidade. Eles eu não sei se também tinham sido recusados ou se simplesmente estavam, como o Jaguar, mais a vontade com a brisa do que com o concorrido coquetel que rolava lá em cima. Orgulhosamente, no fim da noite, recolhi os desenhos de mim que Odyr tinha feito nuns guardanapos, os que ainda não tinham se afogado na cerveja da mesa. Eles se despediram convidando para uma esticada... na Help. Agradeci, recusei e fiquei coçando pela falta de coragem.

Era por lá que a preta Diana deles trabalha, ou melhor, batalha. Um ambiente nitidamente borrocado, com meninas no queijo, meninas nas cabines de strip, meninas na calçada com a bunda em meia-lua do lado de fora (destaque para a marca de biquini), bonecas para todo canto: os travestis estão reinando e precisam se alimentar, e precisam pagar o pó da noite. Nesse ínterim, bares, poodles com seus velhinhos na janela, cantadas baratas, cantadas caras e estupros, levam a protagonista, de cliente em cliente, para uma trama onde alguns golpes podem dar muito errado e quem é que vai ter de esconder os corpos? A despeito de tudo ela continua.

Diana transita por esse caos feito essas pessoas com luz própria; ela não precisa de cartões postais porque sozinha consegue colorir as ruas e vidas monocromáticas entre um Sílvio Santos na TV e outro. Copacabana é uma história sensível exposta a todo tipo de selvageria sexo, tiros e drogas. Trás o B side de um bairro invadido por contrastes, deslocado entre a beleza gloriosa e a fome de tudo.

Artigos relacionados:

- Sempé e a grandiloquência de um sorriso leve
- As cidades desenhadas
- Porque Os Ratos Também Choram
- Tecnologia de ponta

Barbie Foot: futebol de mesa feminino

2009-06-23T12:30:52Z

O festival internacional de design DMY é um evento que se destina a promover novos talentos na área do design. A 7ª edição, que ocorreu no início deste mês em Berlim, trouxe como sempre propostas interessantíssimas, arrojadas e surpreendentes. Não é dessas que falaremos aqui, porque já suficientemente divulgadas, e sim de um objecto comum reinventado com muita criatividade e humor: os matraquilhos. A proposta veio de uma jovem designer francesa que teve a ideia de substituir os grosseiros bonecos presos nos varões metálicos da mesa por elegantes Barbies.

A autora, a jovem Chloé Ruchon, apresentou o seu projecto no festival e, apesar de não ter sido premiada, desde logo chamou as atenções. No fundo, tratou-se da personalização de um brinquedo tradicional que combina com inteligência dois universos opostos: a virilidade de um desporto tradicionalmente masculino e a fragilidade e a sedução do mundo cor de rosa das Barbies, tipicamente feminino.

Barbie Foot, assim se chama o brinquedo, é um jogo de palavras derivado de babyfoot, nome pelo qual são conhecidos os matraquilhos em França. Foi concebido em colaboração com as duas empresas detentoras dos direitos, a Mattel e a Bonzini, o que significa que provavelmente irá ser produzido e comercializado. Mas o que é interessante e talvez a chave do sucesso deste brinquedo é não pretender ser feminista. Barbie Foot é sobretudo um exercício de design que reflecte sobre os nossos preconceitos e códigos de conduta.

Artigos relacionados:

- Estádio de futebol de mesa
- Mundial 2006 - Alemanha
- do design à delicadeza do essencial
- Campanha da Adidas para o Euro 2008

A revolução do Irã não será televisionada

2009-06-21T12:25:35Z

O filme “A revolução não será televisionada” é considerado por muitos uma das melhores obras já feitas sobre a ascensão do regime chavista na Venezuela, se não por sua imparcialidade, sem dúvidas pela contundente forma como o documentário fala do outro lado da chegada de Hugo Chaves ao poder, sobre processos que nem a própria população venezuelana conseguiu acompanhar, muito menos o restante do mundo.

Golpes de estado que acontecem da noite para o dia, ajuda humanitária impedida de chegar ao destino, torturas e execuções, contestadores desaparecidos entre outras tantas obscuridades políticas multiplicaram-se extraordinariamente durante o século XX; governos da Argentina à China, passando por Cuba, Libéria e Myamar, valeram-se constantemente da facilidade de controle dos meios de comunicação como rádios, jornais e televisão para preservarem seus governos de intervenções externas e suprimir descontentamentos internos.

A fragilidade do que hoje chamamos meios de comunicação tradicionais reside nas mesmas bases que os fizeram canais confiáveis de informação. A centralização de notícias e opiniões nas mãos de profissionais sempre nos garantiu, ou nos fez pensar em garantias de que as informações recebidas eram fruto de um trabalho de coleta, seleção e reportagem, feito por pessoas cujo único comprometimento era com a verdade.

Continuamos relativamente seguros da integridade e confiabilidade da imprensa, mas hoje nossa postura se mostra bem mais consciente das distorções que uma notícia pode sofrer até chegar ao papel e das grandes manobras políticas que podem se esconder entre nas omissões e anúncios excessivos.

Esta semana, suspeitas de fraude nas eleições levaram milhares de jovens iranianos para às ruas em protesto contra a reeleição de Mahmoud Ahmadinejad, quem governa o país desde 2005 sob o apoio do sistema islâmico que governa o país desde 1979. Se até a última segunda-feira o Irã podia ser considerado aos olhos do mundo um país a caminho da democracia, a denúncia, seguida da violenta reação contra os manifestantes, nos desengana. Ou as violências.

Diplomatas vêm sendo advertidos sobre não abrirem muito a boca em seus países, correspondentes internacionais trabalham sob constante vigilância, os Basij, a milícia islãmica, distribuem fogo aberto entre as pessoas e levam embora os hospitalizados, levam para ninguém sabe direito aonde. Estimam-se mais de 100 feridos em meio à impossibilidade de serem contabilizados. Enquanto esse artigo era fechado, uma jovem fora baleada, a décima pessoa morta nos conflitos; acabo de assistir aos últimos segundos de vida dela no You Tube.

Os primeiros rumores sobre o que acontecia no Irã não estavam em nenhum canal de TV, nem nas rádios. Horas depois, 1 milhão de pessoas estavam nas ruas exigindo a recontagem dos votos impulsionados pelas declarações de Mir Houssen Mousavi sobre a suposta fraude na eleição. Enquanto a imprensa tradicional se decidia entre transmitir ou não as notícias na segunda-feira, por falta de material ou por negligência mesmo, o Twitter exibia atualizações sobre o assunto em uma média indeterminada de mensagens por minuto.

No momento, o Twitter é o principal canal de comunicação e divulgação (em diversos idiomas) dos acontecimentos. Hashtags (palavras antecedidas por “#” usadas para etiquetar os assuntos e facilitar sua busca) foram rapidamente definidas e organizadas para convergir notícias e avisos sobre o assunto (a principal delas é #iranelection, que funciona também no You Tube, Flickr e Facebook) e, embora o acesso à internet tenha sido cortado pelo governo, proxies burlam os filtros de segurança. A própria imprensa presente no conflito tem se valido dessas ferramentas quando possível, já que foram proibidos de fazer reportagens no local.

Todos estão apreensivos sobre os rumos desses conflitos, o maior desde a revolução iraniana de 79 que levou Ayatollah Khomeini ao poder. Eles já tem sido chamado de nova revolução, a verdade é que já extrapolou mesmo a revolta contra a eleição; tem dado vazão a diversos outros descontentamentos da população como os direitos da mulher e os abusos do governo teocrático, ou seja, nada sinaliza para pacificações, nem mesmo o anúncio da recontagem aleatória de 10% dos votos.

O furor do povo iraniano, o modo como nos fazem perceber que lutam por algo que não é o desejo somente daquela nação. Temos sido convidados ao engajamento. Cyberwar e cyberativismo podem soar como coisas bem tolas, até desrespeitosas, mas significam que, não importa a distância ou se estamos usando véus ou cruzes ou nada, liberdade é uma palavra que todos compreendemos mesmo sem saber exatamente o que é. Isso move as republicações, traduções e re-twitts, isso me move a escrever esse artigo e partilhar uma opinião de que só as múltiplas vozes podem dizer a verdade.

Artigos relacionados:

- Twitter e imprensa
- persépolis, uma animação demasiado bela para ser verdade...
- Twitter mania, um raio-x da blogosfera
- Ponte Khaju

fotografia de espíritos - contactos do além

2009-06-19T17:21:50Z

A Guerra Civil Norte Americana deixou em 1865 mais de 600 mil mortos por todo território, vitimas do próprio combate e de doenças como cólera e disenteria que mataram mais do que as trincheiras. Nesse quadro desolado de tantas famílias, negócios e sonhos desfeitos, muitos foram os que encontraram consolo nas crenças espíritas, que ganhavam cada vez mais adeptos desde as manifestações mediúnicas documentadas pelas irmãs Fox vinte anos antes. A possibilidade de fazer contato com um ente querido aparecia como uma esperança bem concreta; ouviam-se centenas de histórias sobre manifestações de soldados, de mensagens, cartas e, a despeito do enraizado protestantismo daquele país, muitos recorreram a quem fizesse essas ligações entre o mundo dos vivos e o além.

Willian H. Humler era um dos homens mais indicados para fazer essas ligações. Sua especialidade? Fotografias de espíritos.

Foi na juventude que Wiliam descobriu sua paixão pela fotografia, uma incrível e cara tecnologia que se desenvolvia ali nos meados do século XIX. Trabalhando como joalheiro em Boston, usava todo seu tempo praticando capturas amadoras e foi num desses testes que descobriu a técnica da dupla exposição, quando uma fotografia é tirada sobre um filme já batido. Com o achado, fizera um auto-retrato seu tendo aos ombros um fantasma de si mesmo, que ele dizia ser uma prima falecida, mais tarde, a imagem passou a estampar seu cartão de visitas.

As famílias abastadas, ou o que ainda restava delas, solicitava com freqüência os serviços de H. Humler. O negócio que se sustentava nas baixas da guerra mostrava-se lucrativo e logo a joalheria fora substituída pelo seu próprio estúdio fotográfico. Foi nesse lugar que recebeu num dia sem aviso a visita de uma senhora, uma viúva muito conhecida pela freqüência nas sessões espíritas da época. Mary Ann Todd perdera três filhos para diferentes doenças e o marido assassinado, ela era viúva de Abraham Lincoln, o sucesso de Humler depois desse evento foi incomensurável.

Em 1869, acusado de diversas práticas ilegais como invasão de domicílio, roubo de fotografias e fraude, Willian H. Humler foi levado a julgamento no que se tornou um famoso caso na história jurídica Norte-Americana. Foi inocentado, mas, a partir dali, sua carreia entrou em declínio tendo terminado seus dias na completa miséria.
William Hope compartilhava mais do que o nome do seu antecessor, interessava-se também por fotografias de espíritos, mas o local agora era a Inglaterra pós-Primeira Guerra. Seu perfil também era outro, Hope gozava de prestígio como médium em sua cidade natal, Crewe onde começara a vida como carpinteiro.

No desenvolvimento de suas atividades, e com a grande procura de seus serviços por parte daqueles que haviam perdido amigos e parentes na guerra, mudou-se para Londres. Lá se tornaria não somente fotógrafo profissional, mas médium profissional enquanto em Crew seu grupo espiritualista era investigado pela Sociedade de Pesquisa da Física. Entre as acusações, constava que Hope utilizava chapas de vidro com imagens de espectros para produzir o efeito de espíritos nas fotos. A Sociedade provou suas denúncias mas, a despeito disso, Willian Hope prosseguiu com suas atividades, encontrando apoio de figuras iminentes como Sir Arthur Conan Doyle, um entusiasta de seus trabalhos. Ele morreu em Londres no início dos anos 30, a saúde financeira ia muito bem.

Artigos relacionados:

- Edifício funerário em León
- Os cemitérios de Sagada
- Habitará Deus no nosso cérebro?
- vitrais geeks

as extraordinárias grutas de ajanta - India

2009-06-16T11:21:13Z

Espalhadas pela India existem milhares de cavernas budistas chinesas que foram utilizadas durante o império do Primeiro Imperador, para abrigar eremitas de Dalai Lama de todas as partes do oriente.

Quando o budismo começou a desaparecer, essas cavernas foram abandonadas, sendo descobertas muitos anos depois por britânicos que procuravam por ouro e especiarias que, desprezando tão fantásticos símbolos de valor histórico cultural, chegaram até a explodir algumas delas.

Como símbolo e testemunho sem interrupção da história religiosa do budismo por um período de setecentos anos, a pouco mais de duas horas da antiga cidade indiana de
Aurangabad, hoje um dos principais destinos turísticos da Índia, podemos visitar as famosas Cavernas de Ajanta, conjunto arquitetônico composto de trinta e duas grutas talhadas nas colinas por trabalhadores que apenas utilizaram cinzéis e martelos.

Meticulosamente, cinzelando pouco a pouco a rocha, os artesãos esculpiram e criaram fantásticas obras de arte não só na rocha vulcânica de basalto, como também nas paredes e tetos.

Através de Ajanta, declarada Patrimônio Mundial da Unesco em 1983 podemos aprender sobre as várias facetas da vida antiga na Índia, desde as crenças religiosas daquela época, o trabalho artístico dos artesãos, o traje do povo e até à posição política e econômica dos governantes.

Em penhascos quase verticais, vê-se uma série de colunas ostentando gravuras maravilhosas, talhadas no granito, indicando as portas de entrada para os Caityas - templos budistas - e os Viharas - mosteiros ou locais de habitação.

Impressionam ao ponto de emocionar, as pinturas que cobrem quase todas as paredes . As que se encontram próximas aos santuários representam Buda, enquanto as mais terrenas, nos vestíbulos principais, descrevem Jakata - contos populares - das vidas passadas. É maravilhoso perceber através do realismo nas expressões e emoções capturadas nos rostos, como esses artistas desconhecidos, utilizando apenas ferramentas rudimentares, já sabiam como descrever a perspectiva e a profundidade, em seus trabalhos.

Uma curiosidade bastante divulgada é que “esses milenares Chaityas, são muito similares às catedrais cristãs, com pilares de pedras decorados, tetos em forma de abobadas, vigas de madeira que se cruzam em nervuras, destacando no centro - onde a igreja cristã tem seu altar - uma grande estátua de Buda”, gerando a dúvida se não foram estas cavernas a fonte de inspiração dos grandes arquitetos da Idade Média.

Não importa, o importante é que hoje podermos viajar nesta monumental nave do tempo onde os séculos parecem pequenos grãos de areia.

Artigos relacionados:

- Taj Mahal - Uma história de amor
- “Água” - um filme sobre crianças viúvas na Índia de Ghandi
- Os vibrantes vermelhos da Índia
- Os estábulos reais de Hampi

24h de Le Mans

2009-06-12T12:30:06Z

Não é impunemente que as 24h de Le Mans ostentam o título da mais famosa corrida de automóveis do mundo. Por este circuito francês, cujo traçado é uma estrada comum no resto do ano, já passaram os bólides mais fabulosos conduzidos pelos melhores pilotos, alguns encontrando nele a morte; nesta pista tiveram lugar os duelos mais aguerridos e mais emocionantes, os recordes mais improváveis e os avanços técnicos mais arrojados. Le Mans merece bem o seu estatuto mítico.

Todos os anos, no mês de Junho, data em que se realiza a corrida, as estradas são fechadas ao trânsito e transformadas em pista. O seu extenso traçado tem sofrido várias alterações ao longo do tempo desde a sua primeira edição, no longínquo ano de 1923, devido à evolução dos regulamentos e das medidas de segurança mas ainda se lhe reconhecem algumas características iniciais, como a longa recta de Hunaudières seguida da curva em gancho de Mulsane.

Uma reportagem fotográfica realizada em 1953 por Frank Schersche para a revista LIFE registou imagens que se alojaram no nosso imaginário colectivo e que ajudaram a formar o mito. São imagens de uma época em que os carros eram mais belos que nunca e parecidos com os que se viam nas estradas. Nessa altura ainda se corria por verdadeiro desportivismo e amadorismo, não obstante os perigos serem enormes. A partida era fantástica (os pilotos corriam para os seus carros atravessando a pista), a actividade nas boxes era frenética e não muito diferente de uma vulgar oficina, a corrida nocturna era emocionante e não raras vezes definia os vencedores, deitando por terra grandes esperanças e operando reviravoltas inesperadas.

Pouco tempo depois, em 1955, um terrível acidente matou dezenas de pessoas e a corrida sofreu profundas alterações a partir daí. Hoje em dia tudo é aparentemente mais seguro e a emoção talvez tenha diminuído mas Le Mans conserva ainda muitos dos ingredientes que fizeram o seu sucesso. Quem será o vencedor este ano? Enquanto se aceitam apostas, fiquemos com estas imagens magníficas...

Artigos relacionados:

- Ao volante do Ford GT40
- Ford GT40 - o eterno desportivo
- Alfa Romeu 33 Stradale
- Posters Bugatti

Telhados Brancos

2009-06-09T13:28:37Z

O pesquisador Akbari Hashem, do Lawrence Berkley National Laboratory, dos Estados Unidos, afirmou em recente estudo, que pintar os telhados de branco pode ajudar a combater o aquecimento global, diminuindo a temperatura das ilhas de calor nos grandes centros urbanos, vez que enquanto as coberturas escuras absorvem 80% do calor externo, as claras refletem até 90% da luz solar.

O fato é que se nada for feito para reverter o quadro de emissões de gases de efeito estufa, o custo do aquecimento global para a economia mundial hoje de US$ 125 bilhões por ano – maior que o Produto Interno Bruto de 73% dos países do mundo – poderá aumentar para US$ 340 bilhões em 2030, sendo esta naturalmente, a razão maior para se buscar soluções a médio prazo para amenizar o problema, sejam elas curiosas e estranhas no primeiro momento, como a sugestão dos telhados “verdes” e agora dos “brancos”.

A segunda idéia tem mais chances porque já ganhou a simpatia do “guru do clima” do governo Obama, o Secretário de Energia Steven Chu, que empolgado, está sugerindo que pintemos o mundo de branco.

Com base no estudo de Akbari, o Nobel Steven acredita que ao refletirem os raios solares de volta para o espaço, os telhados, calçamentos e estradas, pintados de branco, podem gerar uma economia equivalente a tirar de circulação todos os carros do mundo por onze anos, diminuindo também o uso do ar condicionado nas edificações, já que um telhado branco de 100 m2 compensa cerca de 10 toneladas de gás carbônico, o equivalente à emissão anual de uma típica casa residencial seja americana ou européia.

A solução terá um efeito ainda maior se incluírmos nessa “caiação” geral os imóveis inteiros, como já se faz na costa do Mediterrâneo há séculos.

Com base no estudo de Akbari, Steven quer ainda que - a exemplo da Califórnia onde já existe uma lei que exige que os prédios comerciais tenham o telhado branco - as comunidades, autoridades e famílias usem mais materiais refletores em eventuais manutenções e reparos, defendendo até mesmo grandes campos de culturas agrícolas que brilham à luz do sol, como soja, cevada, trigo, etc.

Sem mencionar o quanto seria emitido de CO2 para produzir e aplicar tinta branca em todas as edificações do mundo, Akbari e Steven querem que os Estados Unidos passem das palavras às ações, para que países grandes emissores de CO2 – como a China - sigam-lhe o exemplo.

Polêmicas e resultados práticos à parte, a idéia é muito interessante para fortalecer o turismo da cidade onde nasci, Salvador no estado da Bahia, Brasil, América do Sul, onde sob influência de um forte misticismo, a maioria das pessoas se veste de branco à sextas feiras e na segunda quinta feira de cada ano, acompanhando as baianas em trajes típicos, um milhão de fiéis sobe a colina sagrada para lavar com água de cheiro, as escadarias da Igreja de Nosso Senhor do Bomfim.

Artigos relacionados:

- Telhados Verdes
- Bloom - pedalada ecológica
- O jardim da escultura
- Quintas de focas brancas

Entre Les Murs: escola francesa, conflitos universais

2009-06-07T13:25:28Z

Jovens com seus telefones celulares, aparelhos de som, distraídos, conversando entre si, arrogantes, divertidos, ingênuos e mordazes ao mesmo tempo. Eventualmente fazem algumas anotações, eventualmente olham com curiosa atenção para quem está ali à frente; o foco é um professor, talvez também algum desespero.

Um dos exemplos mais contundentes do estilo Documentário Ficcional, “Entre os muros da escola” (Entre les Murs”) nos leva para o micromundo de uma escola nos subúrbios franceses, apresentando a tênue relação orquestrada quando o choque de gerações e o cultural passam a integrar o mesmo metro quadrado.

Ganhador da Palma Dor e indicado ao Oscar desse ano, o filme de Laurence Cantet conta um pouco do cotidiano de uma sala de aula e seus arredores durante todo um ano letivo. Há a apresentação dos novos professores, alguns conselhos dos que estão em vias de se aposentarem, a coordenação docente, as reuniões, as leituras... Mas trata-se de uma escola especial: formada por filhos de imigrantes e franceses pobres, a classe de “Entre les murs” é colorida, multiétnica e multilíngüe, com africanos, asiáticos, europeus e latinos vindos das mais diversas partes de sua região (os meninos africanos, por exemplo, nada têm de brothers). Tudo acontece ao mesmo tempo e é capturado por uma incômoda câmera que nos coloca por ali, onipresente.

“Entre les murs” é o mundo de François Bégaudeau, professor de Literatura e romancista quem escreveu protagoniza o filme. Certamente o maior mérito da história está na abertura de Bégaudeau, que e propõe a expor suas visões da sala de aula e suas reações diante dela de um modo terrivelmente humano, cheio de falhas e desnudado de hipocrisias. Mas o escopo é maior do que as observações recolhidas por ele. O filme traz, para além da pedagogia, questões relativas à imigração as dificuldades enfrentadas pelo país na tentativa de conter os choques inevitáveis.

Aliás, é nesse ângulo que Entre os Muros se torna universal. Se a França sofre para digerir comunidades tão diferentes, em diferentes níveis, esse é um problema que assola escolas de todo o mundo, mesmo as abastadas. As diversas identidades e comunidades contemporâneas, inevitavelmente, se reproduzem nas escolas e os conflitos que nascem daí são os mesmos no Brasil, nos Estados Unidos, Canadá ou Itália. Alunos e professores de todo mundo se aproximam pela sala de aula do professor François Marins.

O resultado é um filme sensível e incômodo que nada se parece com seus semelhantes de vinte anos atrás, aqueles onde impera a fórmula do professor inspirado que salva seus alunos rebeldes. Seguindo as atuais reflexões do cinema, Entre les Murs escancara a falta de perspectivas e esperanças, ou, ao menos, de soluções imediatas para problemas que parecem nos ultrapassar. Seu gosto final está mais para No Country for old Man do que para “Dangerous Minds”. Mas o amargor vale a pena.

Artigos relacionados:

- O que é a Geração Y?
- Cartilha do estudante
- Jovens
- as seiscentas e setenta e seis aparições de Killoffer

Telhados Verdes

2009-06-05T12:00:55Z

Já bastante populares em países escandinavos, os "telhados verdes" com uma longa história também na Alemanha, aos poucos estão conquistando adeptos na América Latina, a exemplo do Mexico, onde a implantação de jardins nos telhados das edificações têm despertado interesse e aceitação.

Além do México, onde o governo estuda a criação de leis que regulamentam a “naturação” em grande escala" “os telhados verdes” começam a surgir também na Bolívia e em Cuba, onde pesquisadores buscam soluções para as condições tropicais que lhe são inerentes, em espaços urbanos densamente habitados.

Na Universidade Humboldt de Berlim, com financiamento da União Européia, foi criada uma rede de cooperação entre instituições acadêmicas envolvendo pesquisadores de universidades da Alemanha, Brasil, Espanha, Grécia, Bolívia, Cuba, México e Equador.
voltada para a pesquisa sobre o melhor tipo de vegetação a ser utilizado em cada "telhado verde" onde através de experimentos práticos os especialistas dessas universidades trocam informações constantes.

A idéia é transformar os "telhados verdes" em pequenos pulmões das grandes cidades criando corredores que facilitem a circulação atmosférica, melhore o microclima, reduza o consumo de energia, provoque um decréscimo no uso do ar condicionado em regiões quentes e isolem o frio em regiões com invernos rigorosos, já que sob um telhado coberto de vegetação, as baixas temperaturas demoram mais para chegar aos espaços internos, um problema de pouca importância para o Brasil, mas essencial para países europeus e regiões montanhosas do México e Bolívia.

Outro aspecto interessante é que nas regiões de chuva intensa, as áreas naturadas podem reter de 15% a 70% do volume de águas pluviais, prevenindo a ocorrência de enchentes.
Estudos demonstram que para uma cobertura verde leve de 100m2, cerca de 1400 litros de água de chuva deixam de ser enviados para a rede pública. Multiplique este valor pela soma de todas as coberturas de uma grande cidade e veja a contribuição para a redução desse problema.

Os telhados verdes reduzem também os efeitos danosos dos raios ultravioletas, os extremos de temperatura e os efeitos do vento, vez que nesses telhados.a temperatura não passa de 25º C contra 60º C dos telhados convencionais.

Em termos de custos os dos telhados verdes variam entre 80 e 150 dólares o m2, ou seja de um terço à metade do custo das estruturas convencionais.
Existem dois tipos de telhados verdes: os intensivos basicamente parques elevados que conseguem sustentar arbustos, árvores, passagens, bancos, etc., e os extensivos que são criados por seus benefícios ambientais mas não funcionam como jardins de cobertura acessíveis.

O telhado verde mais famoso dos EUA é o do City Hall de Chicago que reúne sistemas intensivos, extensivos e intermediários e os mais antigos e conhecidos do mundo são os famosos Jardins Suspensos da Babilônia.

City Hall de Chicago

Artigos relacionados:

- Telhados Brancos
- Bloom - pedalada ecológica
- O jardim da escultura
- Quintas de focas brancas

Pinturas, almas urbanas solitárias e tempo: a ultrarealidade de Max Ferguson

2009-06-03T12:23:36Z

A pintura à óleo de retratos e cenas cotidianas, mitológicas ou imaginárias, que firmou sua técnica durante a Renascença, são ainda hoje uma das mais apreciadas e populares formas de arte, nos arrancando sempre algum encantamento. Mesmo hoje, quando tudo pode ser capturado com um leve toque na câmera digital, a Monalisa de Da Vince, a Moça com Brinco de Pérola de Vermeer ou as cenas bíblicas de Rebrandt ainda impressiona o mundo possa ser reproduzidos usando somente pincel, tinta, olhar apurado e técnica.

O artista Max Ferguson resgata essa arte secular que embelezou monarcas desfavorecidos e fez casamentos ultramarinos na época em que as webcams não eram nem um sonho, mas o que surpreende em suas obras é o inesperado grau de ultra-realismo que elas nos trazem, algo que nem mesmo o conceito de retrato estaria pronto para digerir: com sua tinta a óleo Ferguson extrai cenas do cotidiano extremamente fiéis ao que realmente se vê. Tão fiéis que mais parecem algum truque pregado pelo Photoshop.

Mas Max Ferguson é um estudioso da técnica dedicado a reproduzir com fidelidade o mundo ao seu redor. O artista holandês graduou-se nas universidades de Amsterdan e Nova York há quase trinta anos e durante esse tempo tem realizado, além de seus trabalhos, estudos sobre técnicas de realidade em pinturas, luminosidades e principalmente sobre as cidades e seus habitantes , sua grande paixão. Destacam-se os artigos e quadros que tratam da população judaica de Nova Iorque. Para mim, um dos elementos chave do meu trabalho é a relação entre as cidades e os cidadãos. Apesar de muitas das minhas pinturas funcionarem mesmo sem que haja uma pessoa retratada, mas quando elas se fazem presentes, sinto que é dado à elas qualidades humanas (versus as meramente urbanas).

Outro tema que costuma explorar com freqüência é o da figura solitária, a pessoa que vagueia em sua própria companhia mesmo quando dentro das massas urbanas; sua tranqüilidade e segurança à despeito da multidão frenética; essas pessoas, explica Fergson, dão um grau de imortalidade às pinturas que não pertence a elas. Como as pinturas no relógio mostradas no quadro da casa de conserto de relógio. Ali, o tempo permanece. E é esse fascínio obsessivo pela captura de algo que deveria eternamente permanecer que conduz o pintor a lançar-se em imagens tão nítidas que acabam por fazer cada detalhe imprescindível, inesquecível e hipnótico. Real.

Artigos relacionados:

- Russia - Arte Urbana #2
- Russia - Arte Urbana #1
- Peter Max - pop art
- Max Ackermann

Refúgio à beira-rio - leonard cohen

2009-06-01T12:26:42Z

A fauna populacional no concerto de Leonard Cohen abrangia várias gerações, que ali se uniam com diferentes olhares e estímulos para o ver. Havia quem ali estivesse para ver um cantor de charme, estando prontos a entoar declarações de amor (totalmente subservientes) como "I'm your man", recordando momentos de sedução. Em relação a eles resta-nos a compaixão, pois dessas e outras canções, e dos momentos que estávamos prestes a assistir, havia tanto mais a retirar do que essa banalidade. Outros entravam agora, ainda de olhos meios fechados, na caverna de onde ecoavam as suas histórias.

O palco era imponente e negro, e no espírito luminoso daquele fim de tarde todos esperávamos a sua chegada. Cohen entrou palco adentro com a energia de um juvenil septuagenário, em trote. A energia que vinha de dentro dificilmente se traduzia em agilidade mas, para quem viveu atormentado, Cohen parecia ter finalmente encontrado o seu lugar. Tal como era o palco, vinha de negro, mas transbordava fulgor.

Depois da abertura com "Dance me till the end of Love" seguiram-se relatos de um mundo em declive: "I´ve seen the future, brother: It is murder". Ele fez futurismo para lá das portas trancadas. E nós orámos em reverência.

Fez-se acompanhar, derretido, por três jovens meninas, com vozes angelicais, que se ouviam suavemente por detrás da voz funda de Cohen, em quase todas as canções. Segundo Cohen eram elas quem entoava o mote da salvação: du ram dam dam du ram dam. Ele não se cansava de as incensar, tal como aos restantes membros da banda. Até na apresentação dos seus colaboradores a sua poesia se revelava. Um baterista, no mundo de Leonard Cohen, nunca poderia ser apenas isso, mas sim: um time keeper. Encontrou o refúgio nos pequenos deleites.

Apesar da grandeza do momento, por vezes, era difícil abstrair-me dos saxofones e guitarras exóticas que pareciam estragar a harmonia. E ficou a vontade de ouvir mais, e principalmente de o ouvir nos momentos em que foi mais genial. Ficaram de fora canções de amor e ódio. Restaram outras.

A generosidade revelada perante o público e os seus músicos fez conhecer um gigante cavalheiro, empunhando um chapéu que educadamente ia retirando a cada pausa, agradecendo infinitamente aos amigos que o tinham ido ver. Rendemo-nos. Para quem bastava vê-lo por breves momentos, e ouvi-lo proferir um verso sagrado, ficou uma missa inteira para recordar.

Agora podemos ouvir este mesmo espectáculo no CD/DVD ao vivo lançado pela Sony "Leonard Cohen - Live in London". Sem a magia proporcionada pela presença de Cohen as, por vezes incómodas, escolhas instrumentais pesam um pouco mais.

Inesperadamente, temos uma nova data para um concerto em Lisboa, desta vez no pavilhão atlântico, a 30 de Julho. À partida não será surpreendente, mas para quem não teve a oportunidade de estar no passeio marítimo de Algés o ano passado é com certeza a última oportunidade para ver Leonard Cohen.

Rita Cabral, Atol Magazine.

Artigos relacionados:

- A história de Suzanne
- Pegasus - um piano diferente
- À procura da America
- Concerto para piano