O Crítico

Cão Danado/Nora Inu (1949)

2012-01-27T23:07:00.000-02:00

"Cão Danado/Nora Inu" é um filme de mistério noir dirigido por Akira Kurosawa em 1949, e como todos os filmes do gênero, é um mergulho no submundo e no lado escuro do ser humano.

No devastado Japão pós-guerra, assistimos ao desespero do policial novato Murakami (Toshirô Mifune), da divisão de homicídios, que tem sua pistola roubada dentro do ônibus. Apavorado pelas consequências disto, tanto pelo perigo de sua arma acabar causando alguma vítima quanto de ser repreendido por seus superiores, Murakami empreende uma jornada pelas vielas de Tóquio em busca do ladrão.

Para quem está habituado a ver toda a opulência e sofisticação do Japão contemporâneo, este vislumbre por um país arrasado pela guerra e por duas bombas atômicas é assustador, em parte pelos horrores da guerra, e em parte por ver a capacidade deste povo de se reerguer e se tornar, em pouquíssimo tempo, uma potência econômica, cultural e tecnológica.

"Cão Danado" é um filme fraco, lento e com longas cenas sem propósito evidente. A trilha sonora é tão deslocada e inconveniente que chega até a irritar, simplesmente é como se não fizesse parte do filme e fosse a interferência de alguma rádio pirata. Este é o terceiro filme da parceria Kurosawa/Mifune e o ator está quase irreconhecível, com uma atuação morna e inexpressiva.

E assim como em vários filmes do pós-guerra, tanto na Europa quanto na Ásia, há uma tendência em justificar o crime e a imoralidade a partir dos traumas ou da necessidade, em estreitar os limites do que é ser honesto ou criminoso.

Esta obra vale como um registro daqueles tempos turbulentos, mas é uma narrativa frouxa, sem grande apelo e que não faz jus às obras-primas posteriores de Kurosawa.

Harakiri (1962)

2012-01-24T15:32:00.000-02:00

No Japão feudal, durante o shogunato dos Tokugawa em 1630, o ronin Hanshiro Tsugumo apresenta-se diante de um senhor, procurando um local apropriado para cometer seppuku, o ritual samurai de suicídio mais conhecido como harakiri no Ocidente.

Antes de tudo, "Harakiri" é um filme sobre a perda da honra. Através de vários flashbacks, primeiro de um harakiri realizado por um outro samurai, Motome Chijiiwa, depois quando Tsugumo conta sua própria história de miséria, acompanhamos uma crise da classe dos samurais quando o Japão foi pacificado, e muitos guerreiros acabaram se tornando ronins, vagando pelo país, sem senhor e sem sustento.

A primeira cena de seppuku, de Chijiiwa, é simplesmente impressionante, pois, por causa de sua pobreza, ele havia vendido suas espadas, consideradas a alma de um samurai, e subsituído-as por outras de bambu. O senhor do palácio, sabendo que muitos ronins batiam de porta em porta dos senhores, pedindo um local para realizarem seppuku, mas, no fundo, apenas esperando que alguém lhes dessem alguns trocados, resolve fazer o caso de Chijiiwa um exemplo, e obriga-o a se matar com sua espada de bambu.

Este mesmo senhor pensa que Tsugumo também é um destes ronins sem honra e sem verdadeira intenção de se matar, contando-lhe a história de Chijiiwa para tentar dissuadi-lo. No entanto, Tsugumo tem suas convicções e, como saberemos posteriormente, ele tem uma razão muito específica para cometer seppuku no interior daquele palácio.

A história de "Harakiri" é brilhante, que me fez recordar "Ladrões de Bicicleta" de Vittorio de Sicca. Tanto no filme japonês quanto naquele italiano, vislumbramos quão baixo um ser humano pode cair, e como neste desamparo estão dispostos a fazer qualquer coisa. Contudo, é também uma catártica trama de vingança e, eu lhe garanto, sentimo-nos vingados com o ato de Tsugumo!

A fotografia e a iluminação são perfeitas, às vezes até trazendo à mente a do teatro japonês, e os planos-sequências são uma competência que raras vezes se vê em nossos dias.

Posso dizer, sem hesitação, que foi o melhor filme de samurais que já assisti, daqueles que lhe prende na cadeira desde o primeiro segundo, e que continua reverberando em sua mente muitas horas depois.

À Prova de Morte (2007)

2012-01-22T22:49:00.000-02:00

Podem falar o que quiser do diretor Quentin Tarantino, que ele abusa de cenas de violência gratuita, que seus filmes são repletos de humor negro, que é racista (como sugeriu Spike Lee), ou o que for, mas não se pode tirar o mérito dele, nem deixar de reconhecer que ele é um dos maiores fenômenos cinematográficos das últimas duas décadas.

São bem poucos os que conseguem trazer à tona temáticas e estilos de filmes C, revesti-los de uma carga conceitual contemporânea e torná-los cult. Além de que passar por um filme do Tarantino pode ressuscitar a carreira de quase qualquer ator.

Em "À Prova de Morte", um filme que faz parte de Grindhouse, uma sessão dupla de Tarantino em parceria com Robert Rodriguez, temos um revival dos filmes de perseguição de carros da década de 70, como aqueles com Burt Reynolds, e do psicopata assassino em série que persegue com seu automóvel turbinado as vítimas.

Outro grande mérito deste diretor é conseguir trazer para a tela do cinema longos diálogos, alguns aparentemente sem sentido, e ainda assim prender o espectador na cadeira. "À Prova de Morte" é uma fusão entre cenas de ação e diálogos tão próximos da realidade que soam inverossímeis.

O psicopata é interpretado por Kurt Russel, que se identifica como um dublê de cinema e séries televisivas e conduz um carrão que, segundo ele, é à prova de morte, reforçado para aguentar qualquer tranco. Este carro é a arma que ele utiliza para assassinar mulheres indefesas, isto até ele encontrar algumas amigas, também dublês de cinema, que estão longe de ser indefesas.

Tudo, desde a filmagem até a atuação um tanto artificial, remete-nos aos filmes C e talvez seja o mais fascinante de "À Prova de Morte", num intertexto entre outros filmes do Tarantino e de outros diretores. Assim como outras obras deste cineasta, esta é uma prova do profundo amor e respeito que ele tem pelo cinema, muito além da indústria, muito além do intelectualismo barato, muito além de reducionismos.

É diversão, pura e simples, e bem realizada.

A Tale of Two Sisters (2003)

2012-01-21T21:57:00.000-02:00

Sou fã do cinema de terror oriental, pois, mesmo quando o filme não é tão bom, ainda assim consegue ser mais assustador do que a maioria dos filmes de terror americano. Talvez isto se deva ao viés psicológico do horror asiático, quase sempre com crianças ou pré-adolescentes, o que ressalta ainda mais a tensão.

"A Tale of Two Sisters" (traduzido no Brasil pelo título simples e pouco explicativo de "Medo") é uma produção coreana, que se tornou um remake Hollywoodiano em 2009, "The Uninvited", ou também "O Mistério das duas irmãs".

O original e o remake são relativamente diferentes. Na verdade, primeiro assisti à versão americana e confesso que não me impressionou muito, nem me assustou. Já o original coreano é muito mais eficaz e aterrador, apesar de possuir praticamente o mesmo storyline.

Trata-se da história de duas irmãs inseparáveis, Su-mi e Su-yeon, que, por causa do pai, são obrigadas a morar com a madrasta. Logo percebemos o conflito clássico da madrasta contra as filhas, que atinge limites inimagináveis, ainda mais se somarmos aparições fantasmagóricas na história.

No entanto, é impossível discernir muito bem o que são aparições reais, pesadelo ou delírio, principalmente da metade do filme até o fim. Acompanhamos uma desintegração progressiva da psiqué da protagonista, Su-mi, até um ponto insustentável.

"A Tale of Two Sisters" possui algumas cenas bastante assustadoras, possivelmente inspiradas em sucessos japoneses, como Ringu. O desfecho aberto e um tanto frouxo dá margem a várias interpretações, o que, na minha opinião, funciona muito melhor do que o final mastigadinho do remake americano. Definitivamente, os americanos não gostam muito de sair coçando a cabeça, tentando decifrar o que o filme queria dizer.

Para quem gosta do gênero, vale assistir a este filme, que figura em várias listagens de melhores filmes de terror dos últimos tempos, mesmo que não seja tão extraordinário assim, mas vale pelo clima geral e por algumas cenas bastante amedrontadoras.

Trono de Sangue (1957)

2012-01-20T23:29:00.000-02:00

O enredo de "Trono de Sangue", dirigido por Akira Kurosawa, é de uma típica tragédia grega, ou melhor, de uma típica tragédia shakesperiana, pois é inspirado na peça "Macbeth".

O filme começa após uma insurreição em alguma região do Japão feudal, que é subjugada graças a dois generais, Washizu (interpretado por Toshirô Mifune, ator presente em vários filmes de Kurosawa) e Miki.

Para recompensá-los, Tzusuki, o governante do Castelo da Teia de Aranha, convida-os para visitar sua fortaleza. Os dois generais perdem-se numa floresta próxima ao castelo e encontram-se com um espírito maligno, que faz duas profecias: primeiro, que Washizu se tornaria o novo governante, e depois, o filho de Miki ocuparia o lugar de Washizu.

Assim como nas tragédias gregas, não há como fugir do destino, por isto, ao evitar que ele se cumpra, tanto Washizu quanto Miki apenas conduzem à realização das profecias.

"Trono de Sangue" é Kurosawa em sua melhor forma, com muitas batalhas, sangue e um ambiente bastante masculino. No entanto, talvez o mais interessante deste filme seja perceber o papel feminino, na figura da esposa de Washizu, que de certo modo é quem todo o controle sobre as decisões do marido, um vislumbre das sutilezas femininas numa sociedade brutalmente patriarcal.

Já disseram que Kurosawa é o mais ocidental dos diretores japoneses e, ao assistirmos um filme claramente estruturado a partir de paradigmas narrativos ocidentais, tão próximos do que estamos habituados, somos obrigados a concordar.

Histórias Cruzadas (2011)

2011-12-05T17:49:00.001-02:00

Os EUA foi uma das primeiras nações das Américas a abolirem a escravidão em 1865, no entanto, a segregação racial vigorou oficialmente no país até 1968, quando foi assinado o Civil Rights Act.

Mesmo assim, ainda hoje, os EUA é um país segregado, onde minorias étnicas são empurradas para guetos e crimes raciais são constantes. Há uma tensão racial imanente nos Estados Unidos e que não desaparecerá com filmes ingênuos como "Histórias Cruzadas".

O maior sonho dos americanos brancos é que o mundo fosse tão cor de rosa como eles pintam. Na imaginação dos americanos de descendência européia, o preconceito terminou com a abolição da escravatura, todos são iguais e felizes, mas a realidade da maioria das cidades americanas é dura e os subempregos ainda dependem do trabalho dos negros e dos imigrantes latinos.

Em "Histórias Cruzadas", temos um vislumbre desta hierarquia racial, com os americanos brancos no topo, sendo servido pelos negros. A ambientação natural para reforçar esta hierarquia é uma cidadezinha do sul dos EUA, Jackson, Mississipi, uma região agrícola e, por isto, que mais foi afetada pela abolição da escravatura e onde o preconceito vingou, e ainda persiste, por várias gerações.

Sob a ótica de uma jovem jornalista branca, que como uma outsider, reflete e se indigna com a situação das empregadas negras, que cuidam de crianças brancas por vários anos até que, um dia, são despedidas e devem partir para uma nova família, numa sucessão sem fim, e que não tem sequer o direito de usar o banheiro das casas nas quais trabalham, apresenta-nos uma história típica dos anos 60, quando muitos teóricos ansiavam por ter acesso à ótica do "outro", do oprimido, daqueles sem voz.

A protagonista, conhecida como "Skeeter" (Emma Stone), decide escrever um livro baseado nos dramas destas babás e empregadas, talvez numa tentativa de mudar o mundo, aliás, um mundo que já parecia estar mudando.

O ritmo do filme é lento ao limite da sonolência e há poucas ou nenhuma reviravolta. Todo o percurso da narrativa é tão óbvio que incomoda, nada surpreende e quase nada ocorre. O mundo muda, inevitavelmente, mas não por causa do livro de Skeeter ou por causa das histórias das babás, mas apenas porque os negros com alguma consciência social estavam quebrando o pau em várias cidades americanas e boicotando os comerciantes que proibiam a entrada de negros.

"Histórias Cruzadas" presta um desfavor à causa negra, indicando que eles necessitavam da mãozinha amiga de uma branca para guiá-los para a luz, e também num fugidio intuito de apaziguar a tensão racial atual. Afinal de contas, a hierarquia social permanece intocada, ainda são os brancos regendo o mundo, ainda são os negros e imigrantes na base, e o ódio e o medo de ambas as partes ainda é alimentado de pais para filhos.

A História recente dos EUA é da segregação e de como as diferentes etnias tentam coexistir, juntos mas separados.

X-Men: Primeira Classe (2011)

2011-07-10T19:36:00.000-03:00

A leitura dos quadrinhos do X-Men fez parte da minha adolescência.
Mais do que qualquer outro grupo de super-heróis, a turma de mutantes de Charles Xavier aborda temas complexos, como preconceito, discriminação, o medo de mudanças, a manipulação governamental das massas, e questões filosóficas, como eugenia, opressão e igualdade.

No universo Marvel, os mutantes representam uma nova etapa na evolução dos seres humanos, através de seus poderes sobrenaturais, os mutantes são um passo além. Justamente por isto, alguns deles sentem-se superiores e desejam erradicar os demais humanos, enquantro outros, representados pela figura sapiencial do Professor Xavier, desejam uma convivência pacífica entre mutantes e seres humanos.

Como a História nos ensina, a convivência entre os diferentes grupos quase nunca é pacífica, se os conflitos étnicos, sociais e econômicos já são constantes e causam milhares de vítimas ao redor do mundo, a hipotética existência de mutantes apresentaria um problema ainda maior.

Em 2000, foi lançado o primeiro filme sobre os X-Men, uma franquia que já arrecadou uma fortuna e levou milhões de espectadores às salas de cinema. Ainda se espera que outros filmes venham na cola desta série, principalmente após um acerto tão grande quanto "X-Men: Primeira Classe", o quinto filme, e provavelmente o melhor, progatonizando os mutantes.

Em "X-Men: Primeira Classe", acompanhamos a origem de dois personagens fundamentais no universo X-Men, Charles Xavier e Magneto.
O filme começa durante a Segunda Guerra Mundial, quando Erik Lehnsherr (Michael Faassbender) vê sua família ser presa e morta num campo de concentração. Sua trajetória posterior narra sua busca por vingança, para encontrar o nazista responsável pelo assassinato de sua mãe, o mesmo homem que o forçou a desenvolver seus poderes mutantes de controlar os metais.
Logo neste início, também conhecemos Charles Xavier (James McAvoy), herdeiro de uma rica família americana e dotado de uma mente brilhante, além de ser um telepata poderosíssimo.

Durante a crise nuclear entre EUA e União Soviética em 1962, Charles Xavier e Erik se encontram e unem forças para tentarem deter o que poderia ter sido o fim da civilização, uma guerra nuclear em escala global causada pela tática soviética de instalação de mísseis nucleares em Cuba. No entanto, estes dois personagens são movidos por intenções completamente diferentes: Erik deseja vingança, Charles pretende mostrar ao mundo que os mutantes não são ameaças.
No decorrer da trama, por causa de suas convições, estes dois personagens se afastarão, até se tornarem os arqui-inimigos de hoje.

O filme é muito bem elaborado, dentro de seus limites narrativos. Não podemos esperar uma adaptação fiel aos quadrinhos, já que não é possível encaixar num filme de duas horas 40 anos de quadrinhos do X-Men, no entanto, para um espectador que não seja leitor dos gibis, acredito que a mensagem seja clara e autosuficiente.
Não é necessário ser fã dos X-Men para compreender e apreciar a mensagem de tolerância implícita neste conflito evolutivo.
"Somos diferentes, mas somos iguais", esta poderia ser a grande defesa de tese de Charles Xavier.

O destaque é para Michael Fassbender, no papel de Magneto, mandando bem em inglês, alemão, francês e tentando falar um pouco de espanhol.

"X-Men: Primeira Classe" possui um ótimo ritmo e, apesar da grande quantidade de personagens, consegue dar-lhes individualidade e voz. Talvez uma das adaptações de quadrinhos mais inteligentes dos últimos tempos.

Nosso amor do passado/Conversation(s) with other women (2005)

2011-04-17T22:52:00.001-03:00

Imagine que você tenha encontrado o amor de sua vida e que se case com ele. Depois, imagine que, sem você saber porque, esta pessoa simplesmente desaparece, sem deixar nenhum indício para onde foi. Por fim, imagine que você reencontre esta mesma pessoa, vários anos depois, transformada e casada com uma outra pessoa.
Como você reagiria?

No filme "Nosso amor do passado", assistimos a dois desconhecidos que se encontram numa festa de casamento. Eles conversam e, aos poucos, revelam-se como amantes do passado. A trama é simples e complexa ao mesmo tempo. Simples em seu desenvolvimento, são duas pessoas conversando e relembrando fatos de seu passado juntos; complexa porque ela ultrapassa os limites do próprio filmes, suscitando questões filosóficas sobre o amor e sobre a memória.
Os dois personagens, interpretados por Aaron Eckhart e Helena Bonham Carter, são adultos amargurados, que provavelmente jamais superaram a separação traumática da juventude. A mulher tenta se mostrar forte em sua solidão, o homem se revela fraco e carente, também em sua solidão.

Numa estrutura bergsoniana de rememoração, homem e mulher reconstroem um passado compartilhado e fragmentado, tentando compreender e assimilar o que pode ter dado errado. Ambos gostariam que aquele encontro pudesse moldar um novo futuro para eles, mas aparentemente nenhum dos dois tem a coragem necessária para dar este passo.

Com uma edição perfeita, com flashbacks ocasionais interpolados à narrativa principal, "Nosso amor do passado" é o tipo de filme que esfacela os corações de quem já amou ou ama. "É tão difícil ser feliz" é uma frase dita no filme, e percebemos que boa parte desta dificuldade é criada por nós mesmos, com nossas complicações cotidianas, por causa de decisões equivocadas, ou por não agir no momento apropriado.

Filmes como este, fundados em diálogos inteligentes e longe de serem triviais, que transcendem a mera narrativa cinematográfica e refletem a profundidade da existência humana, são fenômenos raros. São filmes que trazemos conosco em nossas mentes por horas e dias, atormentando-nos com questões que nem sempre queremos encarar.

Norwegian Wood, de Haruki Murakami

2011-04-07T18:42:00.002-03:00

Dois estereótipos básicos que povoam a imaginação do Ocidente quando se fala em Japão são: os samurais, e de um povo sistemático e extremamente bem comportado.

Justamente por isto que os livros de Haruki Murakami representam um divisor de águas nesta nossa compreensão equivocada da "Terra do Sol Nascente". Seus personagens são muito mais próximos da gente do que imaginávamos, com os mesmos conflitos, mesmos dramas, mesmas esperanças, até os mesmos gostos, só que com olhinhos puxados. Talvez Murakami seja o mais ocidental dos autores japoneses, mas o mais provável é que ele apenas tematize a condição humana, o que imediatamente nos une, brasileiros, americanos, japoneses ou indianos.

"Norwegian Wood" foi o romance que trouxe notoriedade a Murakami em 1987. O título, inspirado na canção homônima dos Beatles, já antecipa muito do clima do final dos anos 60, da rebeldia e do rock-and-roll.
O protagonista é Toru Watanabe e acompanhamos sua juventude através de alguns flashbacks. O universo de Murakami pertence ao domínio da memória, daquelas recordações indeléveis que nos tornam as pessoas que somos hoje.
Watanabe é um jovem em busca de um rumo. A universidade não o agrada, não tem muita ideia de como será seu futuro, sabe que gosta de música e de literatura, mas, de resto, é como um Holden Caulfield (de "O Apanhador no Campo de Centeio") à procura da própria identidade. Watanabe pertence a uma geração movida à sexo, música e bebida, e o acompanhamos através de seus amores e decepções, por todo o turbulento processo de passagem da adolescência pela idade adulta.

O grande mérito de Haruki Murakami, além de retratar o Japão com um novo olhar, é o de representar as inquietações de todos os jovens neste processo de transição, dos medos e da aquisição de responsabilidades. Os diálogos entre os personagens são brilhantes e de um realismo impressionante, possivelmente extraídos da própria história pessoal do autor.

"Norwegian Wood" é uma leitura agradável e rápida, porém de uma profundidade existencial que distoa de sua aparente acessibilidade. Murakami consegue a proeza de propôr profundas questões sobre a vida, sem ser tedioso ou complexo.

É simples e belo, como a vida deveria ser.

Cisne Negro (2010)

2011-04-05T14:44:00.002-03:00

(imagem: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/en/6/68/Black_Swan_poster.jpg)

Já fui mais fã dos filmes de Darren Aronofsky, daqueles de começo de carreira, quando não se tem de provar nada para ninguém, como em Pi ou Réquiem por um Sonho.

Em "Cisne Negro", este diretor investe no que melhor sabe, num thriller psicológico que deixa o espectador pasmo, sem discernir entre realidade e delírio. São poucos os momentos de "Cisne Negro" em que realmente temos certeza do que está ocorrendo de fato.

A trama é instigante e deve ocorrer todos os dias nas grandes companhias de balé. Nina (Natalie Portman) é uma bailarinha que sonha em representar o papel mais importante em "O Lago dos Cisnes" - uma das obra-primas do compositor russo Tchaikosvky -, o Cisne Branco e, seu alter-ego, o Cisne Negro.

Com a aposentadoria forçada da bailarina principal, interpretada por Winona Ryder, Nina vê a possibilidade de seu sonho tornar-se real.

Por ser a dançarina com a técnica mais perfeita da companhia, Nina facilmente consegue o papel para o Cisne Branco, porém carece de paixão para interpretar a vilã do balé, o Cisne Negro, é então que o filme começa a descambar num delírio e frenesi interminável.

A chegada de uma concorrente, Lily (Mila Kunis), que possui as características que Nina não tem, é uma grande ameaça, e numa trama envolvendo repressão, sexo, rivalidade e loucura, tudo pode acontecer.

Por mais desconfortável que seja assistir "Cisne Negro", e por mais que o filme tenha causado mais furor do que o necessário, esta é uma crítica a um universo de perfeição e beleza, às custas de muitos sacrifícios.

É interessante e ousado tematizarem o balé, um arte apreciada por poucos em nossos tempos, mas esta mesma trama poderia ser utilizada para o esporte, para o mundo da moda, para o mundo da música ou do próprio cinema, onde cada um quer devorar o outro, pisar nas pessoas para chegar ao topo, oprimidos por um ideal de perfeição inatingível.

Antes de tudo, "Cisne Negro" é a história da nossa civilização, insana e impiedosa, capaz de esmagar os demais para atingir seus objetivos.

É a história das nossas obsessões.

Concurso "Sou Mão-de-Vaca porque..." - ganhe um MP3 Player

2010-01-13T22:39:00.000-02:00

Em março, o blog "Nova York para Mãos-de-Vaca" completará 3 anos de existência e, para comemorar, daremos um MP3 da Sony, com memória de 8 gigas, para o leitor que nos enviar a melhor frase começando com

Sou Mão-de-Vaca porque...

O concurso estará aberto a todos, sem a necessidade de comprar produto algum.

Haverá duas etapas:
1 - o recebimento das frases será feito até meia-noite do dia 14 de fevereiro;

2 - do dia 15 de fevereiro até 5 de março, as 20 (vinte) melhores frases serão divulgadas e abertas para a votação pública.

O ganhador será o candidato que receber mais votos durante este período e será divulgado na manhã do dia 6 de março, aniversário do "Nova York para Mãos-de-Vaca".

Importante, leia com atenção o regulamento do concurso:

1 - as frases deverão ser enviadas obrigatoriamente através do formulário de mensagem abaixo. Qualquer outra forma de envio será fator de desclassificação.

2 - os participantes podem enviar quantas frases desejarem.

3 - as frases serão selecionadas de acordo com os seguintes critérios: 1) originalidade; 2) correção ortográfica; 3) adequação ao tema.

4 - a votação será aberta a todos os leitores do blog, sendo que cada um poderá votar mais de uma vez.

5 - o prêmio poderá ser entregue pessoalmente em Nova York (Manhattan) ou através do correio, dependendo da preferência do ganhador. As despesas do envio serão por nossa conta, porém não nos responsabilizamos por qualquer tipo de tributação feita sobre o produto pelas autoridades aduaneiras no Brasil. Caso o prêmio retorne por não pagamento das tarifas, ele não será reenviado.

6 - O nome do ganhador e a frase mais votada serão divulgados no blog "Nova York para Mãos-de-Vaca", no dia 6 de março de 2010, às 11 horas da manhã da Costa Leste (EUA).

7 - O ganhador terá até 30 dias para nos contatar reclamando o prêmio.

Participe e ajude espalhando a notícia para seus amigos, comunidades do orkut e seguidores do twitter.

Boa sorte a todos,

Henry e Denise.

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Acesse este link para enviar a sua frase

Concorra a uma câmera fotográfica na compra do guia "Nova York para Mãos-de-Vaca"

2009-10-29T21:45:00.001-02:00

Vocês sabem como é: o Natal está chegando e todo mundo gosta de um presentinho, por isto, nós do "Nova York para Mãos-de-Vaca" vamos dar uma de Papai Noel.

A partir do dia 1 de novembro, todos que comprarem o guia eletrônico "Nova York para Mãos-de-Vaca" através de depósito bancário estarão concorrendo a uma (1) câmera fotográfica digital de 10 megapixels, com um cartão de memória de 2 gigas.

O sorteio será realizado no dia 25 de dezembro de 2009 e o ganhador poderá receber o prêmio pessoalmente, caso esteja em NY nesta época, ou através dos Correios.

Importante, leia com atenção o regulamento do concurso:

1 - só serão válidos os depósitos efetuados entre 1 de novembro e 24 de dezembro;

2 - apenas os depósitos bancários na conta corrente abaixo poderão participar.

Transferência bancária – no valor de R$ 12,00 (doze reais)

Banco do Brasil
Denise R. Nappi
Agencia: 1537-7
conta corrente: 9481-1

Depois é só mandar a cópia do comprovante de depósito (pode ser foto ou imagem escanerizada) para o e-mail:

maosdevaca@hotmail.com

que a inscrição será automaticamente feita e o número de sua inscrição, bem como o guia eletrônico "Nova York para Mãos-de-Vaca", serão enviados para o seu e-mail, assim que confirmarmos o crédito em conta.
Guarde bem este número, pois será através dele que identificaremos o vencedor.
Paciência, porque transferências interbancárias (DOC) costumam demorar mais para apareceram na conta.

3 - cada comprovante de depósito vale para uma única inscrição. Em caso de duplicidade de comprovantes, valerá somente a primeira inscrição.

4 - o prêmio poderá ser entregue pessoalmente em Nova York (Manhattan) ou através do correio, dependendo da preferência do ganhador. As despesas do envio serão por nossa conta, porém não nos responsabilizamos por qualquer tipo de tributação feita sobre o produto pelas autoridades aduaneiras no Brasil. Caso a câmera retorne por não pagamento das tarifas, ela não será reenviada.

5 - o sorteio será feito através de um software que selecionará aleatoriamente o número do ganhador.

6 - O nome e número do ganhador serão divulgados no blog "Nova York para Mãos-de-Vaca", no dia 25 de dezembro de 2009, às 11 horas da manhã da Costa Leste (EUA).

7 - É proibida a participação de parentes dos organizadores do sorteio.

Participe, boa sorte e espalhe a notícia para seus amigos.

Abraços,

Henry e Denise.

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- Guia Nova York para Mãos-de-Vaca (depósito bancário) -- R$ 12,00
Importante: Quem quiser adquirir o e-book do Guia Nova York para Mãos-de-Vaca através de depósito bancário, favor ler as Perguntas Frequentes - FAQ

- Guia Nova York para Mãos-de-Vaca e-book (.PDF) -- U$ 4,99

O Homem Pós-Histórico

2009-07-26T21:27:00.001-03:00

O mundo, tal qual conhecemos, não mais existe.
Há apenas um homem diante de uma assombrosa descoberta, enveredando-se na intrigante busca pelo conhecimento. Um sujeito solitário, desenraigado e oprimido por sua condição humana: este é o Homem Pós-Histórico.

(...) Sem dificuldades, ele deduz que coisas inanimadas não lhe podem dizer como se chamam, então, ele seria obrigado a dar-lhe nomes convenientes. Dá um nome às pedras, mas são tantas espalhadas pelo caminho que ele percebe que não pode dar nome diferente a cada uma delas, precisava de um título genérico, que servisse para designar todas, independentemente do formato, posição espacial e tamanho. Estabelece a primeira regra de aposição de nomes: para objetos, ele pode conceber um nome coletivo, como para pedras, árvores, montes, rios, flores, nuvens, animais, etc. Porém, ele não pode chamar a Mulher de qualquer coisa, pois ela é especial, individual, ela tem de ter um nome só dela, pelo qual nenhuma outra mulher no mundo, caso haja outra, possa ser chamada. (...)

Ficha Técnica:

Autor:
Henry Alfred Bugalho

Ano:
2009
Edição:
1
Número de páginas:
113

Download Gratuito - Oficina Editora

O Rei dos Judeus - e-book grátis

2009-03-21T21:28:00.002-03:00

Acabei de disponibilizar o meu romance "O Rei dos Judeus" para download e leitura gratuita, quem quiser dar uma olhada.

Sinopse
Jesus, um camponês da Galiléia, tem diante de si a mais difícil de todas as missões: cumprir os desígnios de Deus. Para isto, ele desafiará a cultura de seu tempo, a Religião, os homens santos e até o poderoso Impédio Romano.
“O Rei dos Judeus” lança uma nova visão, acompanhando de perto as principais descobertas historiográficas, sobre esta controversa figura que mudou os rumos da civilização ocidental.

Links para leitura:

Calaméo - http://en.calameo.com/books/000002238570b2ecbb5f3

Recanto das Letras - http://recantodasletras.uol.com.br/e-livros/1498862

Scribd - http://www.scribd.com/doc/13499695/O-Rei-dos-Judeus

Publicado por: Oficina Editora

Aqualung - e-book gratuito (mojobook)

2008-12-19T23:08:00.000-02:00

Acredito que a maioria de vocês que freqüenta o blog "O Crítico" não conhece o meu trabalho literário.
Agora há uma grande oportunidade para baixar gratuitamente o e-book que escrevi para a Editora Mojo Books, inspirado no álbum Aqualung, da banda britânica Jethro Tull.

O enredo é a história da filha de um banqueiro em busca de sua própria liberdade e descobertas.

O e-book pode ser baixado gratuitamente no site da editora. Para isto, é necessário apenas realizar um rápido cadastro.

Aqualung
Baixe aqui

Sex and the City (2008)

2008-06-02T21:56:00.005-03:00

O grande dilema do fim-de-semana, entre mim e minha esposa, foi se deveríamos assistir a "Indiana Jones" ou a "Sex and the City".
Cedi, e ganhou a segunda opção.

Minha primeira preocupação foi se eu, que nunca fui um espectador da série televisiva, entenderia o enredo do filme, ou melhor, se os produtores do filme honrariam apenas aos fãs (quer dizer, às fãs) e ou se também pensariam nos perdidos, como eu, que acabariam acidentalmente na sala de cinema.
A surpresa foi que, em poucos segundos de introdução, o filme de "Sex and the City" realiza um belo resumão de 6 anos de série e adentra no que é mais importante: o assunto do filme.

Carrie Bradshaw (Sarah Jessica Parker) finalmente se casará com Sr. Big, com quem manteve um turbulento relacionamento por anos.
É óbvio que nenhum casamento no cinema ou nas novelas pode ser bem-sucedido de cara e todos estes desencontros, paralelamente às tramas das outras três amigas - Samantha, Charlotte e Miranda -, comporão os dramas necessários a um bom enredo.

O filme agrada, mas muito mais pelas tramas secundárias, mais humanas, ou mais engraçadas, do que por causa do enredo principal. As piadas são espontâneas e o filme é engraçado sem precisar de muitos malabarismos.

Por outro lado, é um filme explicitamente feminino, tanto nos temas, quanto em sua própria estrutura. Os homens são personagens acessórios, geralmente apresentados numa posição quase antagônica, um objetivo a ser conquistado, criaturas a serem dominadas. Fato que por si só não significa nada demeritório, já que comumente a ótica é a inversa, com protagonistas masculinos absortos numa luta ególatra por poder.

As mulheres de "Sex and the City" são, ou se tornaram, os símbolos da feminilidade do século XXI, independentes - financeira e emocionalmente -, que valorizam o relacionamento interpessoal desde que este não prejudique suas próprias individualidades. Só vale a pena uma amizade ou um amor se este não se interpuser aos objetivos de vida; felicidade não combina com auto-anulamento.
Um aspecto curioso foi que boa parte das espectadoras do filme não pertence à geração que acompanhou a série - entre 1998 e 2004. Há muitas jovens, provavelmente espectadoras de reprises, mas que demonstraram sua admiração a esta série que se tornou um mito da TV contemporânea.
Não podemos nos iludir, no entanto, que as quatro amigas representam a totalidade das mulheres americanas, nem sequer das nova-iorquinas. Elas são espelhos dum mundo movido a marcas famosas e a homens sexualmente ativos, mas que relegam às sombras toda a outra sorte de mulheres - intelectuais, undergrounds, despojadas, solteironas amargas, ou prisioneiras de éticas religiosas... -, que fogem ao escopo do que a série pretende, ou do que o mundo quer ver.

Para nós, homens, o filme vale quase como um estudo antropológico, como um mergulho num universo tão distinto, tão avesso, mas ao mesmo tempo tão indissociável do nosso.

Desejo e Reparação (2007)

2008-05-18T21:42:00.004-03:00

O enredo de "Desejo e Reparação" tem todos os elementos duma tragédia. Robbie, o protagonista, possui uma falha trágica: filho da criadagem duma rica família, mas que recebeu uma ótima educação, ele comete o grave erro de se apaixonar por Cecilia (Keira Knightley), a filha dos patrões.
No entanto, ao contrário do que poderia se esperar, a grande oposição, o grande conflito não surge a partir dos pais de Cecilia, mas sim da irmã mais nova dela, Briony, que, aos 13 anos, cria sérios obstáculos ao romance.

Os Limites da Interpretação

A edição do filme é extraordinária. Primeiro, vemos as situações pelos olhos de Briony, a partir da interpretação dela dos eventos, para, posteriomente, sabermos o que realmente aconteceu.
"Desejo e Reparação" apresenta uma crítica aos limites da interpretação, às meias verdades, ao conhecimento parcial dum assunto.
Brinoy pressupõe muita coisa e isto a leva a realizar julgamentos prévios. Um destes juízos equivocados de Briony causa da desgraça de Robbie e compromete o amor dele e Cecilia.
Neste jogo de presente e flashbacks, vamos compreendendo como funciona as relações de ciúmes, inveja, hipocrisia e esperança. Toda a trama transita ao redor destes elementos, a busca pela retratação pública e pela conquista dum amor não realizado. Uma história muito bela, triste e com uma produção impecável.
Destaque para o retrato feito do recuo britânico, durante a Segunda Guerra Mundial, para Dunquerque, um dos maiores fiascos do Exército Britânico durante o conflito.

E nota 10 para a trilha sonora, simplesmente brilhante.

Festa de Família (1998)

2008-02-01T01:27:00.001-02:00

"Hoje, um temporal tecnológico foi deflagrado, o resultado será a definitiva democratização do cinema. Pela primeira vez, qualquer um pode fazer filmes".

Inspirados nesta idéia, Thomas Vinterberg e Lars Von Trier idealizaram o movimento Dogma 95, que visava romper com o cinema comercial, com a alienação da arte cinematográfica e a idiotização dos espectadores. Para tanto, o cinema não deveria ser uma simulação do real, mas sim o real sendo filmado. Obter este resultado exigiria a extinção do cineasta, a submissão dele ao improviso dos atores ou à força do roteiro. A trama acontece aqui e agora, filmada em baratas câmeras digitais, com som ambiente, sem maquiagem, sem tiros, sem mortes, iluminação natural.

Todas estas características poderiam significar a produção de obras toscas, "inassistíveis", amadoras, caseiras. No entanto, basta assistir ao primeiro filme do movimento Dogma 95, dirigido pelo próprio Vinterberg, para perceber que este projeto está longe de ser amador, frívolo ou mal-sucedido.

A história se passa num hotel-fazenda na Dinamarca, quando uma família se reúne para comemorar o aniversário de 60 anos do patriarca. Contudo, durante os brindes, o filho mais velho dele se ergue e revela ter sido molestado sexualmente pelo pai em sua infância. Disto, decorre uma série de conflitos que afloram, na medida em que a festa avança pela noite.

"Festa de Família" é uma crítica visceral aos valores burgueses, à hipocrisia social, ao preconceito, aos estereótipos. Vinterberg põe o dedo em todas as feridas, em expostas e naquelas que todos querem ocultar.

Se os diretores deste movimento conseguiram transcender o mercandejamento do cinema, talvez esta seja uma tarefa para a História decidir, mas que eles atingiram um patamar de autencididade e uma cota de genialidade, disto não há como duvidar.

Hairspray - Em Busca da Fama (2007)

2007-12-23T18:09:00.002-02:00

Sempre houve uma troca entre Hollywood e a Broadway, musicais que se tornaram filmes, como "Dreamgirls", "Chicago", "Rent", ou filmes que se tornaram musicais, como "A Cor Púrpura", "Jovem Frankenstein", "Mary Poppins".

"Hairspray" é sui generis, primeiro foi lançado como filme, sob direção do porra-louca John Waters, tornou-se um musical de sucesso para, por fim, deixar o palco de volta ao cinema. A adaptação é boa, as canções são cativantes e o elenco é de primeira, desde a estreante, Nikki Blonsky, até John Travolta, Cristopher Walken e Michelle Pfeifer.

Mesmo neste remake, há a cara de John Waters. O fato de ser ambientado em Baltimore e a escolha dum homem travestido de mulher para o papel materno

A trama parece ser despretensiosa, Tracy Turnblad quer se tornar dançarina dum programa de TV, porém, como ela está um pouco acima do peso, imediatamente ela é descartada, por pura discriminação. Da discriminação estética, "Hairspray" avança para discriminação racial, abordando temas como tolerãncia, respeito às diferenças e igualdade.

Os EUA é um país racista, onde a integração foi e ainda é complicada, e por isto, a todo instante, através do cinema, é preciso repetir tais mensagens. O interessante é que, geralmente, Hollywood consegue ultrapassar o nível dum mero panfleto humanitário e produzir filmes divertidos e envolventes.

A trilha sonora é gostosa, com canções em estilo anos 50, mas não há nenhuma música específica que fique na memória.

"Hairspray" é um filme engraçado e que talvez até faça o espectador refletir.

***

Pós-escrito de 26 de novembro

Após ter assistido ao musical da Broadway, devo me retrarar pelo meu comentário de que não há nenhuma música marcante: há meses que "Good morning, Baltimore", "You can't stop the beat" e "Welcome to the sixties" não saem da minha cabeça.

A versão da Broadway é um pouco diferente, principalmente por causa das exigências e limitações do palco, no entanto, ainda é melhor do que o filme.

Ninguém Pode Saber (2004)

2007-12-11T21:34:00.001-02:00

A razão de ser do título é óbvia: uma mãe solteira tem quatro filhos, mas por medo de ser expulsa pelos locadores do apartamento que acabou de se mudar, ela se vê forçada a esconder três das crianças, deixando apresentando apenas o mais velho como seu filho. Ninguém pode saber que 5 pessoas habitam aquele pequeno apartamento.
No entanto, esta mãe não pode ser considerada como um exemplo de dedicação. Durante longas horas, talvez a maior parte do dia, as crianças são obrigadas a permanecer trancadas em casa, realizando tarefas domésticas.
Se este cenário já não fosse opressivo e angustiante o bastante, a mãe arranja um novo namorado e desaparece com ele por meses, deixando as crianças sozinhas, à própria mercê.

Apesar de responsáveis, o desfecho é quase inevitável: a total desintegração da família.

No entanto, "Ninguém Pode Saber" choca apenas pelo fato de ser um filme japonês, ideal de civilidade e avanço. Se transportarmos o tema para um contexto brasileiro, imediatamente constatamos o contraste que há entre um mundo onde histórias como esta são exceções, e um mundo onde é quase um regra, onde crianças vagam pelas ruas mendigando comida e cheirando cola. "Ninguém Pode Saber" é pessismista e desconsolador - foi inspirado numa história real -, mas nem se aproxima ao terror cotidiano de países em desenvolvimento.

Assistir a este filme é quase um desafio. O ritmo é lento, as cenas são longas, há excessos, há silêncio. Todas as expectativas são frustradas, nada e tudo ocorre ao mesmo tempo; na ausência, as lacunas se preenchem e se anulam.

Um filme constrangedor.

Lady Vingança (2005)

2007-12-11T21:12:00.002-02:00

Depois de assistir a "Old Boy", virei fã do diretor Chan Wook Park; quando um cara é fera, é preciso dar o braço a torcer.
Park parece ter recebido influência de Hollywood, por isto seu fascínio por cenas de ação e um senso nato para realização de magníficos planos-seqüências. No entanto, ele é genial o bastante para se inspirar nas qualidades, e não nos vícios. E o grande vício do cinema americano atualmente são os roteiros fracos.

As tramas de Park estão bem longe de serem fracas ou superficiais, tudo nos filmes dele é até as últimas conseqüências, é um mergulho no absurdo e no visceral; após haverem tomado uma resolução, os personagens de Chan Wook Park vão até o fim.

"Lady Vingança" é o terceiro filme da "trilogia da Vingança", que começa com "Mr. Vingança" e continua em "Old Boy". Os enredos são independentes, porém o espírito que perpassa os dois últimos, que foram os que assisti até o momento, é o mesmo: personagens injustiçados que resolvem tomar a justiça em suas mãos e se vingar de quem os fez mal.

No caso de Lady Vingança, Geum-Ja passa 13 anos na cadeia acusada de ter assassinado uma criança durante um seqüestro. Neste período, ela prepara o modo como se vingará do sujeito que a obrigou a assumir a culpa pelo crime.
O filme é repleto de flashbacks, alternando entre o momento atual, quando Geum-Ja foi libertada da cadeia, e recortes do período na prisão, quando ela angariou a amizade das detentas que a ajudarão na vingança.

O panorama apresentado por Park é brutal, onde a violência é banal e corriqueira; temos diante de nós o animal homem em sua plenitude, buscando paga à base do "olho por olho, dente por dente"
O ritmo de "Lady Vingança" não é tão dinâmico e envolvente como o de "Old Boy", mas mesmo assim torcemos (e nos desesperamos) para que Geum-Ja alcance seu objetivo. E quando menos esperamos, ao sermos levados a acreditar que o filme está acabando, tudo se modifica e uma nova etapa da vingança, surpreendente e ainda mais brutal, se manifesta.

"Lady Vingança" é um filme brilhante, complexo e coroa a genialidade de Chan Wook Park.

O Gângster (2007)

2007-11-22T00:06:00.000-02:00

"O Gângster" faz com a máfia negra do Harlem o que "Os Intocáveis" fez com Al Capone e "O Poderoso Chefão" com a cosa nostra: mostra as várias facetas do crime organizado, tanto do ponto-de-vista dos criminosos quanto dos que os combatem.

Denzel Washington é um ator afortunado e raras vezes se mete em arapucas - tarefa difícil no complicado mundo de Hollywood (Nicole Kidman e Jack Nicholson que o digam) -, por isto, qualquer filme em que ele aparece nos créditos merece o mínimo de atenção.

Em "O Gângster", Denzel interpreta Frank Lucas, o chefão da venda de heroína no Harlem, porém, mais do que isto, Frank é um homem de negócios. Ao ver a oportunidade de passar a perna na concorrência e tomar a liderança, ele rompe com a ordem estabelecida, que consistia em comprar a droga das mãos da máfia italiana, ou da polícia, que botava as drogas nas ruas após apreendê-las dos traficantes, e começa a comprar heroína direto do produtor, no Vietnam, trazendo-a clandestinamente em aviões do exército.

Frank Lucas é o tipo de "empresário" que, se não fosse por causa das condições sociais - negro, de bairro pobre, num país preconceituoso, numa época complicada -, poderia ter sido bem sucedido no que decidisse fazer.
Talvez o mais interessante na proposta de "O Gângster" seja justamente esta abordagem de tratar o tráfico de drogas como um negócio qualquer, gerido racionalmente como uma megacorporação.
E o grande problema de Lucas não é o ramo de atuação de sua "empresa", mas sim a sua raça, de onde ele vem. Uma sociedade racista não está acostumada a aceitar este tipo de indivíduos; enquanto eles estão por baixo, tudo bem, mas que não saiam de seu lugar!

É claro que o personagem de Russell Crowe, Richie, um policial incorruptível, não compartilha desta mentalidade. Ele combate o crime pelo próprio desejo e obrigação de fazer o que é certo. Porém, por detrás da queda de Frank Lucas, nos bastidores do poder e da concorrência, preconceito é a força-motriz.

Outro aspecto notável é que, apesar da humanização de Frank Lucas, afinal de contas ele é um homem como qualquer outro, só quer botar comida na mesa da sua família, nós torcemos para que ele seja pego. Ele é, ao mesmo tempo, o mocinho e o vilão. Queremos que ele seja punido, mas queremos que seja uma punição justa, não mero acerto de contas.

Sem dúvida, veremos "O Gângster" no tapete vermelho do Oscar 2008.

Listagem dos filmes resenhados

2007-11-04T21:08:00.001-02:00

À Procura da Felicidade
Adaptação
Adeus, Lênin!
Água Negra
Antes do Pôr-do-Sol
Atrás da Verdade
Avalon
O Aviador

Babel
Balzac e a Costureirinha Chineza
Batman Begins
Beleza Americana
Bicicletas de Belleville
Bloom
Bob Esponja, O Filme
Borat
Brilho Eterno de uma Mente sem Lembranças

Caçadores de Mentes
Capote
Cazuza
O Chamado (Ringu)
Cinema Paradiso
Cisne Negro
O Clã das Adagas Voadoras
Closer, Perto Demais
O Código Da Vinci
Como Matar o Cachorro do Vizinho?
Como se fosse a Primeira Vez
A Cor do Paraíso
Crash, No Limite

Dança Comigo ?
Depois da Reconciliação
Desejo e Reparação
Desmundo
O Diabo Veste Prada
Disque M para Matar
Dogville
2 Filhos de Francisco
Dois Perdidos Numa Noite Suja
Dolls
Dreamgirls - Em Busca de um Sonho
Dr. Fantástico

Efeito Borboleta
Elefante
Em Busca da Terra do Nunca
Em Nome de Deus
Encontros e Desencontros
O Encouraçado Potemkin
Entrando Numa Fria Maior Ainda
Escorregando para a Glória
O Espanta Tubarões
Eterno Amor
Eu, Robô
Exorcista, O Início
A Experiência - Das Experiment

O Fabuloso Destino de Amélie Poulain
Factotum - Sem Destino
Fahrenheit 11 de setembro
A Fantástica Fábrica de Chocolate
Fellini 8 e 1/2
Festa de Família
49 UP

O Gabinete de Dr. Caligari

O Gângster

Geração Roubada

O Grito

Guerra nas Estrelas: A Vingança dos Sith

Hairspray - Em Busca da Fama

O Homem que Sabia Demais (1956)

Hotel Ruanda

Os Incríveis
Os Infiltrados
Os Intocáveis
Irreversível

Janela Secreta
O Jardineiro Fiel
Jogos, Deuses e LSD
Jogos Mortais
Ju On: The Grudge

Kill Bill, volumes 1 e 2
Kinsey, Vamos Falar de Sexo

Ladrão de Diamantes
Lady Vingança
Louca Obsessão

Má Educação
Machuca
Madagascar
Mais Estranho que a Ficção
Mar Adentro
A Marcha dos Pinguins
Menina de Ouro
Minha Vida Sem Mim
Moça com Brinco de Pérola
Monster - Desejo Assassino
Mulheres Perfeitas

Ninguém Pode Saber
Norbit
Nosferatu (1922)
Nosso Amor do Passado/Conversations with other women
Notas sobre um Escândalo

Old Boy
Olga
One Missed Call
Ônibus 174

Pearl Harbor
Pequena Miss Sunshine
Pi
O Plano Perfeito
Pleasantville - A Vida em Preto e Branco
O Poderoso Chefão
Ponto Final - Match Point
Procurando Nemo
A Professora de Piano

A Queda - As Últimas Horas de Hitler
Quero Ser John Malkovich

Ray
Réquiem para um Sonho
Rocky 1, 2, 3, 4 e 5
Rocky Balboa

O Segredo de Brokeback Mountain
O Segredo de Vera Drake
O Senhor das Moscas
Os Sete Samurais
Sex and the City
Shrek Terceiro
Os Simpsons - O Filme
Sin City, A Cidade do Pecado
Sob o Olhar do Mar
Suicide Club
Super Size Me - A Dieta do Palhaço

Taxi Driver
A Tale of Two Sisters
O Terminal
Tiros em Columbine
Toda Nudez Será Castigada
Tommy
As Torres Gêmeas
Traffic
300
Trono de Sangue
Tropa de Elite

O Último Matador
A Última Noite

21 Gramas
Uma Verdade Inconveniente
Volver
Vôo United 93
Vozes Inocentes

X-Men: Primeira Classe

Y

Z

O Gabinete do Dr. Caligari (1921)

2007-11-04T01:04:00.001-02:00

Poucos filmes representam tão de perto o que foi o "Expressionismo Alemão", movimento artístico que predominou em terras germanas no pós-Primeira Guerra Mundial quanto "O Gabinete do Dr. Caligari". O Expressionismo Alemão se caracteriza pelos traços diagonais, pela caricatura, pelo pessimismo e desamparo.
O enredo é instigante: o personagem Francis narra uma série de assassinatos que ocorrem num povoado alemão após a instalação duma feira popular. Logo somos induzidos a suspeitar do misterioso Dr. Caligari, que apresenta Cesare, um sonâmbulo imerso no mundo do sono há anos, numa tenda na feira.

Tudo, desde o cenário até a atuação exagerada, quase grotesca, ressalta o tom pessimista do Expressionismo. Uma rápida comparação com o realismo russo já nos situa nas diferenças existentes no cinema daquela época, o primeiro se aproxima da arte, do conceito, o segundo é mais próximo de nós, com uma linguagem mais objetiva e clara.

Outro fator surpreendente em "O Gabinete de Dr. Caligari" é a reviravolta final, bastante inusitada para uma produção da década de 20, mas que pode ser considerada um clichê em nossos dias.

O filme de Robert Wiene é uma prova de que ainda podemos nos divertir com os bebês do cinema: filmes mudos, em preto e branco, com recursos limitados, mas com grande criatividade e ousadia.

Escorregando para a Glória (2007)

2007-11-03T16:17:00.001-02:00

Will Ferrell não é dos piores quando se trata de comédia. Ele possui um senso humorístico peculiar, um timing interessante.
Na verdade, fazer comédia é muito, mas muito mais complicado mesmo do que drama, por duas razões simples: 1 - não é tão simples criar humor inteligente, e pastelão já não é engraçado como antes; 2 - os humoristas não recebem o mesmo reconhecimento que seus pares dramáticos.
Aliás, no Oscar 2007, Will Ferrell, Jack Black e John C. Reilly brincaram com isto, ao cantarem uma música criticando o ostracismo de atores cômicos para a premiação da Academia.

Mas o fato não é que o Oscar ignore os humoristas, ele ignora os filmes de comédia, os quais, geralmente, são muito ruins.
"Escorregando para a Glória" não é dos piores. O enredo é um pouco bisonho, dois patinadores campeões mundiais brigam durante o recebimento da medalha de ouro e são expulsos da categoria. Porém, há uma brecha no regulamento, permitindo que eles retornem para outra categoria, a de duplas. Apesar de serem rivais, eles se unem para realizar algo que nunca ninguém jamais conseguiu.
Há cenas engraçadas, mas o grande mérito é mesmo de Ferrell. O personagem dele é um bad boy, anarquista, grosseirão e viciado em sexo. Os diálogos do personagem, muitas vezes resultado de improvisos de Ferrell, são ótimos, porém, o filme é insosso. Não acrescenta muito ao espectador, nem mesmo boas risadas.

Acho que está na hora de parar um pouco e aprender as lições de Chaplin, Jerry Lewis e Mr. Bean, às vezes, o mais simples é o mais engraçado.