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2011-08-18T16:20:00.000-07:00

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Charlie Chaplin

2011-08-17T19:54:00.000-07:00

Charlie Chaplin

Charlie Chaplin caracterizado como O Vagabundo.
Nome completo   Charles Spencer Chaplin
Outros nomes   Charles Chaplin
Nascimento   16 de Abril de 1889
Londres, Inglaterra
Reino Unido
Morte   25 de dezembro de 1977 (88 anos)
Corsier-sur-Vevey,[1] Suíça
Ocupação   Ator, director, produtor, roteirista, compositor e mímico
Cônjuge   Mildred Harris (1918-1920)
Lita Grey (1924-1928)
Paulette Goddard (1936-1942)
Oona O'Neill (1943-1977)
Atividade   1895-1976[2]
Página oficial
IMDb: (inglês) (português)
Sir Charles Spencer Chaplin, KBE, mais conhecido como Charlie Chaplin (Londres, 16 de abril de 1889 — Corsier-sur-Vevey[1], 25 de dezembro de 1977), foi um ator, diretor, produtor, comediante, dançarino, roteirista e músico britânico. Chaplin foi um dos atores mais famosos da era do cinema mudo, notabilizado pelo uso de mímica e da comédia pastelão.

Charlie Chaplin atuou, dirigiu, escreveu, produziu e financiou seus próprios filmes, sendo fortemente influenciado por um antecessor, o comediante francês Max Linder, a quem ele dedicou um de seus filmes. Sua carreira no ramo do entretenimento durou mais de 75 anos, desde suas primeiras atuações quando ainda era criança nos teatros do Reino Unido durante a Era Vitoriana quase até sua morte aos 88 anos de idade. Sua vida pública e privada abrangia adulação e controvérsia. Juntamente com Mary Pickford, Douglas Fairbanks e D. W. Griffith, Chaplin co-fundou a United Artists em 1919.
Seu principal e mais famoso personagem foi The Tramp, conhecido como Charlot na França e no mundo francófono, na Itália, Espanha, Portugal, Grécia, Romênia e Turquia, e como Carlitos ou também "O Vagabundo" no Brasil. Consiste em um andarilho pobretão que possui todas as maneiras refinadas e a dignidade de um cavalheiro (gentleman), usando um fraque preto esgarçado, calças e sapatos desgastados e mais largos que o seu número, um chapéu-coco ou cartola, uma bengala de bambu e - sua marca pessoal - um pequeno bigode-de-broxa.
Foi também um talentoso jogador de xadrez e chegou a enfrentar o campeão estadunidense Samuel Reshevsky.
Em 2008, em uma resenha do livro Chaplin: A Life, Martin Sieff escreve: "Chaplin não foi apenas 'grande', ele foi gigantesco. Em 1915, ele estourou um mundo dilacerado pela guerra trazendo o dom da comédia, risos e alívio enquanto ele próprio estava se dividindo ao meio pela Primeira Guerra Mundial. Durante os próximos 25 anos, através da Grande Depressão e da ascensão de Hitler, ele permaneceu no emprego. Ele foi maior do que qualquer um. É duvidoso que algum outro indivíduo tenha dado mais entretenimento, prazer e alívio para tantos seres humanos quando eles mais precisavam."[3]
Por sua inigualável contribuição ao desenvolvimento da sétima arte, Chaplin é o mais homenageado cineasta de todos os tempos, sendo ainda em vida condecorado pelos governos britânico (Cavaleiro do Império Britânico) e francês (Légion d 'Honneur), pela Universidade de Oxford (Doutor Honoris Causa) e pela Academia de Artes e Ciências Cinematográficas dos Estados Unidos (Oscar especial pelo conjunto da obra, em 1972).

Infância e juventude

Chaplin na década de 1910.
Charles Spencer Chaplin, que era canhoto,[4] nasceu no dia 16 de abril de 1889, na East Street, Walworth, Londres, Inglaterra. Seus pais eram artistas de music-hall; seu pai, Charles Spencer Chaplin Sr., era vocalista e ator, e sua mãe, Hannah Chaplin, era cantora e atriz. Chaplin aprendeu a cantar com seus pais, os quais se separaram antes dele completar três anos de idade. Após a separação, Chaplin foi deixado aos cuidados de sua mãe, que estava cada vez mais instável emocionalmente. O censo de 1891 mostra que sua mãe morava com Charlie e seu meio-irmão mais velho Sydney na Barlow Street, Walworth.
Um problema de laringe acabou com a carreira de cantora da mãe de Chaplin. A primeira crise de Hannah ocorreu em 1894 quando ela estava cantando no "The Canteen", um teatro em Aldershot, geralmente frequentado por manifestantes e soldados. Além de ser vaiada, Hannah foi gravemente ferida pelos objetos atirados pela platéia. Nos bastidores, ela chorava e argumentava com o seu gerente. Enquanto isso, com apenas cinco anos de idade, o pequeno Chaplin subiu sozinho ao palco e cantou uma música popular da época, "Jack Jones".
O pai de Chaplin, Charles Chaplin Sr., era alcoólatra e tinha pouco contato com seu filho, apesar de Chaplin e seu meio-irmão morarem durante um curto período de tempo com seu pai e sua amante, Louise, na 287 Kennington Road, onde atualmente há uma placa em homenagem ao fato. Os meio-irmãos viviam ali, enquanto sua mãe, mentalmente doente, residia no Asilo Cane Hill em Coulsdon. A amante do pai de Chaplin enviou o menino para a Archbishop Temples Boys School. Seu pai morreu de cirrose no fígado quando Chaplin tinha doze anos, em 1901.[5] De acordo com o censo de 1901, Chaplin residia na 94 Ferndale Road, Lambeth.
Após a mãe de Chaplin ter sido novamente admitida no Asilo Cane Hill, seu filho foi deixado em uma casa de trabalho em Lambeth, no sul de Londres, mudando-se após várias semanas para o Central London District School, uma escola para pobres em Hanwell. Os jovens irmãos Chaplin começaram um íntimo relacionamento, a fim de sobreviverem. Ainda jovens, foram atraídos para o music hall, e ambos provaram ter grande talento. A mãe de Chaplin morreu em 1928, em Hollywood, sete anos após ter sido levada para os Estados Unidos por seus filhos.

América

Charlie Chaplin e Paulette Goddard.

Making a Living (1914), o primeiro filme de Chaplin.
A primeira turnê de Chaplin aos Estados Unidos com o trupe de Fred Karno ocorreu durante 1910 até 1912. Após cinco meses de volta na Inglaterra, ele retorna aos EUA em uma segunda turnê com o trupe de Karno, chegando novamente na América em 2 de outubro de 1912. Na Companhia de Karno estava Arthur Stanley Jefferson, que posteriormente ficaria conhecido como Stan Laurel. Chaplin e Laurel dividiam um quarto em uma pensão. Stan Laurel retornou à Inglaterra, mas Chaplin manteve-se nos Estados Unidos. No final de 1913, a atuação de Chaplin foi eventualmente vista por Mack Sennett, Mabel Normand, Minta Durfee e Fatty Arbuckle. Sennett o contratou para seu estúdio, a Keystone Film Company, pois precisavam de um substituto para Ford Sterling.[6] Inicialmente, Chaplin teve grande dificuldade em se adaptar ao estilo de atuação cinematográfica da Keystone. Após a estréia de Chaplin no cinema, no filme Making a Living, Sennett sentiu que cometera um grande erro.[7] Muitos alegam que foi Normand quem o convenceu a dar a Chaplin uma segunda chance.[8]
Chaplin começou a trabalhar junto com Normand, que dirigiu e escreveu vários de seus primeiros filmes.[9] Chaplin não gostou de ser dirigido por uma mulher, e os dois discutiam frequentemente.[9] Ele acreditava que Sennett pretendia demití-lo caso houvesse um desentendimento com Normand.[9] No entanto, os filmes de Chaplin fizeram tanto sucesso que ele se tornou uma das maiores estrelas da Keystone.[9][10]

Artista pioneiro de cinema

Kid Auto Races at Venice (1914), o segundo filme de Chaplin e a primeira aparição d'O Vagabundo.
Foi no estúdio Keystone onde Chaplin desenvolveu seu principal e mais conhecido personagem: O Vagabundo (conhecido como Charlot na França e no mundo francófono, na Itália, Espanha, Portugal, Grécia, Romênia e Turquia, Carlitos no Brasil e na Argentina, e Der Vagabund na Alemanha). O Vagabundo é um andarilho pobretão que possui todas as maneiras refinadas e a dignidade de um cavalheiro; aparece sempre vestindo um paletó apertado, calças e sapatos desgastados e mais largos que o seu número, e um chapéu-coco; carrega uma bengala de bambu; e possui um pequeno bigode-de-broxa. O público viu o personagem pela primeira vez no segundo filme de Chaplin, Kid Auto Races at Venice, lançado em 7 de fevereiro de 1914. No entanto, ele já havia criado o visual do personagem para o filme Mabel's Strange Predicament, produzido alguns dias antes, porém lançado mais tarde, em 9 de fevereiro de 1914.
Os primeiros filmes de Chaplin no estúdio Keystone usavam a fórmula padrão de Mack Sennett, que consistia em extrema comédia pastelão e gestos exagerados. A pantomima de Chaplin foi mais sutil, sendo mais adequada para comédias românticas e farsas domésticas. As piadas visuais, no entanto, seguiam exatamente o padrão de comédia da Keystone; Em seus filmes, O Vagabundo atacava agressivamente seus inimigos com chutes e tijolos. O público da época amou este novo comediante, apesar dos críticos alertarem que as travessuras do personagem beiravam a vulgaridade. Logo depois, Chaplin se ofereceu para dirigir e editar seus próprios filmes. Durante seu primeiro ano no ramo do cinema, ele fez 34 curta-metragens para Sennett, assim como o longa-metragem Tillie's Punctured Romance.

Chaplin em 1920.
Em 1915, Chaplin assinou um contrato muito mais favorável com a Essanay Studios, e desenvolveu suas habilidades cinematográficas, adicionando novos níveis de sentimentalismo e pathos em seus filmes. A maioria dos filmes produzidos na Essanay foram mais ambiciosos, com uma duração duas vezes maior do que os curtas da Keystone. Chaplin também desenvolveu o seu próprio elenco estático, no qual estava incluído a heroína Edna Purviance e os vilões cômicos Leo White e Bud Jamison.
Visto que grupos de imigrantes chegavam constantemente na América, os filmes mudos foram capazes de atravessar todas as barreiras de linguagem, sendo compreendidos por todos os níveis da Torre de Babel americana, simplesmente devido ao fato de serem mudos. Nesse contexto, Chaplin foi emergindo e tornando-se o exponente máximo do cinema mudo.
Em 1916, a Mutual Film Corporation pagou a Chaplin US$670.000,00 para produzir uma dúzia de comédias com duração de duas bobinas. Foi dado a ele controle artístico quase total, produzindo doze filmes durante um período de dezoito meses, notando que estes estão entre os filmes de comédia mais influentes da história do cinema. Praticamente todos os filmes de Chaplin produzidos na Mutual são clássicos: Easy Street, One A.M., The Pawnshop e The Adventurer são provavelmente os mais conhecidos. Edna Purviance continuou sendo a protagonista, e Chaplin adicionou Eric Campbell, Henry Bergman e Albert Austin ao seu elenco estático; Campbell, um veterano nas óperas de Gilbert e Sullivan, interpretou vilões soberbos, e os atores coadjuvantes Bergman e Austin permaneceram no elenco de Chaplin durante décadas. Chaplin considera o período em que esteve na Mutual como o mais feliz de sua carreira. Após a entrada dos Estados Unidos na Primeira Guerra Mundial, Chaplin tornou-se um garoto-propaganda para a venda de "bônus da liberdade" junto com Mary Pickford e seu grande amigo Douglas Fairbanks.[10]

Controle criativo

Charlie Chaplin Studios, 1922.
Com o fim do contrato com a Mutual em 1917, Chaplin assinou um contrato com a First National para produzir oito filmes com duração de duas bobinas. Além de ter financiado e distribuído estes filmes, a First National deu-lhe total controle criativo sobre a produção, para que ele pudesse trabalhar em um ritmo mais relaxado e se concentrar na qualidade. Chaplin construiu seu próprio estúdio em Hollywood, o qual simbolizava a sua independência. Embora a First National esperava receber comédias de curta-metragem, Chaplin foi mais ambicioso e expandiu alguns de seus projetos em longa-metragens, como Shoulder Arms (1918), The Pilgrim (1923) e o clássico The Kid (1921).
Em 1919, Chaplin co-fundou a distribuidora United Artists junto com Mary Pickford, Douglas Fairbanks e D. W. Griffith, todos eles tentando escapar da crescente consolidação do poder dos distribuidores e financiadores de filmes durante o desenvolvimento de Hollywood. Este movimento, junto com o controle total da produção de seus filmes no seu próprio estúdio, assegurou a independência de Chaplin como um cineasta. Ele trabalhou na administração da UA, até o início da década de 1950. Todos os filmes de Chaplin distribuídos pela United Artists foram de longa-metragem, começando com o drama atípico A Woman of Paris (1923), em que Chaplin fez uma pequena ponta. A Woman of Paris foi seguido pelas clássicas comédias The Gold Rush (1925) e O Circo (1928).
Apesar dos filmes "falados" tornarem-se o modelo dominante logo após serem introduzidos em 1927, Chaplin resistiu a fazer um filme assim durante toda a década de 1930. Ele considerava o cinema uma arte essencialmente pantomímica.
Ele disse:
"A ação é geralmente mais entendida do que palavras. Assim como o simbolismo chinês, isto vai significar coisas diferentes de acordo com a sua conotação cênica. Ouça uma descrição de algum objeto estranho — um javali-africano, por exemplo; depois olhe para uma foto do animal e veja como você fica surpreso".[11]

Chaplin interpretando Adenoid Hynkel em O Grande Ditador (1940), numa cena em que satiriza o estilo de oratória de Adolf Hitler.
Durante o avanço dos filmes sonoros, Chaplin produziu Luzes da Cidade (1931) e Tempos Modernos antes de se converter ao cinema "falado". Esses filmes foram essencialmente mudos, porém possuiam música sincronizada e efeitos sonoros. Indiscutivelmente, Luzes da Cidade contém o mais perfeito equilíbrio entre comédia e sentimentalismo. Em relação à última cena, o crítico James Agee escreveu na revista Life em 1949 que foi a "melhor atuação já registrada em celulóide". Apesar de Tempos Modernos ser um filme mudo, ele contém falas — geralmente provenientes de objetos inanimados, como rádios ou monitores de TV. Isto foi feito para ajudar o público da década de 1930, que já estava fora do hábito de assistir a filmes mudos. Além disso, Tempos Modernos foi o primeiro filme em que a voz de Chaplin é ouvida (no final do filme, a canção "Smile", composta e cantada pelo próprio Chaplin num dueto com Paulette Goddard). No entanto, para a maioria dos espectadores, este ainda é considerado um filme mudo — e o fim de uma era.
O primeiro filme falado de Chaplin, O Grande Ditador (1940), foi um ato de rebeldia contra o ditador alemão Adolf Hitler e o nazismo, e foi lançado nos Estados Unidos um ano antes do país abandonar sua política de neutralidade e entrar na Segunda Guerra Mundial. Chaplin interpretou o papel de Adenoid Hynkel, ditador da "Tomânia", claramente baseado em Hitler e, atuando em um papel duplo, também interpretou um barbeiro judeu perseguido frequentemente por nazistas, o qual é fisicamente semelhante a'O Vagabundo. O filme também contou com a participação do comediante Jack Oakie no papel de Benzino Napaloni, ditador da "Bactéria", uma sátira do ditador italiano Benito Mussolini e do fascismo; e de Paulette Goddard, no papel de uma mulher no gueto. O filme foi visto como um ato de coragem no ambiente político da época, tanto pela sua ridicularização do nazismo quanto pela representação de personagens judeus ostensivos e de sua perseguição. Adicionalmente, O Grande Ditador foi indicado ao Oscar de Melhor Filme, Melhor Ator (Chaplin), Melhor Ator Coadjuvante (Oakie), Melhor Trilha Sonora (Meredith Willson) e Melhor Roteiro Original (Chaplin).

Técnicas de filmagem

Chaplin nunca explicou detalhadamente seus métodos de filmagem, alegando que tal coisa seria o mesmo que um mágico revelar seus truques. Na verdade, antes dele produzir filmes falados, começando com O Grande Ditador em 1940, Chaplin nunca começou a filmar a partir de um roteiro completo. O método que ele desenvolveu, visto que seu contrato com o Essanay Studios deu-lhe a liberdade de roteirizar e dirigir seus filmes, foi a partir de uma vaga premissa - por exemplo, "Carlitos entra em um spa" ou "Carlitos trabalha em uma loja de penhores". Chaplin tinha cenários já construídos e trabalhava com seu elenco estático para improvisar piadas em torno das premissas, quase sempre pondo as idéias em prática na hora das filmagens. Enquanto algumas idéias eram aceitas e outras rejeitadas, uma estrutura narrativa começava a emergir, muitas vezes exigindo que Chaplin refilmasse uma cena já concluída que poderia ir contra o enredo.[12]
Esta é uma razão pela qual Chaplin levou muito mais tempo para concluir seus filmes do que seus rivais. Além disso, Chaplin era um diretor extremamente exigente, mostrando a seus atores exatamente como eles deveriam atuar e filmando dezenas de tomadas até conseguir a cena que ele queria. O animador Chuck Jones, que morava perto do estúdio de Chaplin quando era garoto, lembra de seu pai dizendo que viu Chaplin filmar uma cena mais de cem vezes até ficar satisfeito.[13] Esta combinação de improvisação do enredo e perfeccionismo—que resultou em vários dias de esforço e milhares de metros de filme desperdiçados, tudo a um enorme custo—quase sempre revelou-se muito oneroso para Chaplin, que muitas vezes descarregava sua raiva e frustração em seus atores e sua equipe, mantendo-os esperando parados durante horas ou, em casos extremos, cancelando completamente a produção.[12] As técnicas de Chaplin foram descobertas somente após sua morte, quando as raras tomadas de pré-produção e cenas cortadas de seus filmes foram cuidadosamente analisadas no documentário britânico Unknown Chaplin, de 1983.

Era McCarthy

O posicionamento político de Chaplin sempre foi esquerdista. Durante a era de macarthismo, Chaplin foi acusado de "atividades anti-americanas" como um suposto comunista, e J. Edgar Hoover, que instruíra o FBI a manter extensos arquivos secretos sobre ele, tentou acabar com sua residência nos EUA. A pressão do FBI sobre Chaplin cresceu após sua campanha para uma segunda frente europeia na Segunda Guerra Mundial em 1942, e alcançou um nível crítico no final da década de 1940, quando ele lançou o filme de humor negro Monsieur Verdoux (1947), considerado uma crítica ao capitalismo. O filme foi mal recebido e boicotado em várias cidades dos EUA, obtendo, no entanto, um êxito maior na Europa, especialmente na França. Naquela época, o Congresso ameaçou chamá-lo para um interrogatório público. Isso nunca foi feito, provavelmente devido à possibilidade de Chaplin satirizar os investigadores.[14] Por seu posicionamento político, Chaplin foi incluído na Lista Negra de Hollywood.
Em 1952, Chaplin deixou os EUA para o que orginalmente pretendia ser uma breve viagem ao Reino Unido para a estréia do filme Luzes da Ribalta em Londres. Hoover soube da viagem e negociou com o Serviço de Imigração para revogar o visto de Chaplin, exilando-o do país. Chaplin decidiu não voltar a entrar nos Estados Unidos, escrevendo:
"(...) Desde o fim da última guerra mundial, eu tenho sido alvo de mentiras e propagandas por poderosos grupos reacionários que, por sua influência e com a ajuda da imprensa marrom, criaram um ambiente doentio no qual indivíduos de mente liberal possam ser apontados e perseguidos. Nestas condições, acho que é praticamente impossível continuar meu trabalho do ramo do cinema e, portanto, me desfiz de minha residência nos Estados Unidos".[15]
Chaplin decidiu então permanecer na Europa, escolhendo morar em Vevey, Suíça.

Últimos trabalhos

Chaplin em 1965.
Os últimos dois filmes de Chaplin foram produzidos em Londres: A King in New York (1957) no qual ele atuou, escreveu, dirigiu e produziu; e A Countess from Hong Kong (1967), que ele dirigiu, produziu e escreveu. O último filme foi estrelado por Sophia Loren e Marlon Brando, e Chaplin fez uma pequena ponta no papel de mordomo, sendo esta a sua última aparição nas telas. Ele também compôs a trilha sonora de ambos os filmes, assim como a canção-tema de A Countess from Hong Kong, "This is My Song", cantada por Petula Clark, chegando a ser a canção mais popular do Reino Unido na época do lançamento do filme. Chaplin também produziu The Chaplin Revue, uma compilação de três filmes feitos durante seu período de parceria com a First National: A Dog's Life (1918), Shoulder Arms (1918) e The Pilgrim (1923), para os quais ele compôs a trilha sonora e gravou uma narração introdutória. Adicionalmente, Chaplin escreveu sua autobiografia entre 1959 e 1963, intitulada Minha Vida, sendo publicada em 1964.
Chaplin planejara um filme intitulado The Freak, que seria estrelado por sua filha, Victoria, no papel de um anjo. Segundo Chaplin, ele havia concluído o roteiro em 1969 e foram feitos alguns ensaios de pré-produção, mas foram interrompidos quando Victoria se casou. Além disso, sua saúde declinou constantemente na década de 1970, prejudicando todas as esperanças do filme ser produzido.
De 1969 até 1976, juntamente com James Eric, Chaplin compôs músicas originais para seus filmes mudos e depois os relançou. Compôs a música de seus outros curta-metragens da First National: The Idle Class em 1971, Pay Day em 1972, A Day's Pleasure em 1973, Sunnyside em 1974, e dos longa-metragens The Circus em 1969 e The Kid em 1971. O último trabalho de Chaplin foi a trilha sonora para o filme A Woman of Paris (1923), concluída em 1976, época em que Chaplin estava extremamente frágil, encontrando até mesmo dificuldades de comunicação.

Oscars

Chaplin e Jackie Coogan em The Kid (1921).

Prêmios competitivos

Em 1972, Chaplin ganhou o Oscar de Melhor Trilha Sonora pelo filme Luzes da Ribalta, de 1952, que também foi um grande sucesso. O filme foi co-estrelado por Claire Bloom e também conta com a participação de Buster Keaton, sendo esta a única vez em que os dois grandes comediantes apareceram juntos. Devido as perseguições políticas contra Chaplin, o filme não chegou a ser exibido durante uma única semana em Los Angeles quando foi originalmente lançado. Este critério de nomeação era desconsiderado até 1972.
Chaplin também foi indicado ao Oscar de Melhor Roteiro Original e Melhor Ator em O Grande Ditador em 1940, e novamente por Melhor Roteiro Original em Monsieur Verdoux em 1948. Durante seus anos ativos como cineasta, Chaplin expressava desprezo pelos Oscars; seu filho descreve que ele provocou a ira da Academia ao deixar seu Oscar de 1929 ao lado da porta, para não deixá-la bater. Isto talvez explique porque Luzes da Cidade e Tempos Modernos, considerados por várias enquetes como dois dos melhores filmes de todos os tempos,[16][17] nunca foram indicados a um único Oscar.

Prêmios honorários

Na 1ª Entrega dos Prêmios da Academia em 16 de maio de 1929, os procedimentos de votação da auditoria ainda não tinham sido postos em prática, e as categorias eram ainda muito fluidas. Chaplin havia sido originalmente indicado ao Oscar de Melhor Ator e de Melhor Diretor de um Filme de Comédia pelo seu filme O Circo, mas seu nome foi retirado quando a Academia decidiu dar-lhe um prêmio especial "pela versatilidade e genialidade em atuar, escrever, dirigir e produzir O Circo". O outro filme que recebeu um prêmio especial naquele ano foi The Jazz Singer.
O segundo Oscar Honorário de Chaplin veio quarenta e quatro anos mais tarde, em 1972, e foi pelo "efeito incalculável que ele teve em tornar os filmes a forma de arte deste século". Ele saiu de seu exílio para receber esse prêmio, e recebeu a mais longa ovação em pé da história do Oscar, com uma duração total de dez minutos. Chaplin também aproveitou seu breve e triunfante retorno aos Estados Unidos para discutir como seus filmes seriam relançados e comercializados.

Relacionamentos amorosos e casamentos

Em 23 de outubro de 1918, Chaplin casou-se aos 28 anos de idade com Mildred Harris, que tinha então 16 anos. Tiveram um filho nascido deformado, que morreu três dias após o nascimento. Divorciaram-se em 1920 por conta de tudo que sofreram pelo filho.
Mais tarde, Chaplin namorou por anos Peggy Hopkins Joyce. O relacionamento que teve com Joyce inspirou Chaplin a fazer o filme Uma mulher de Paris.[18]
Aos 35 e sozinho, apaixonou-se por Lita Grey, que tinha apenas 16 anos, durante as preparações de The Gold Rush. Mesmo ela sendo muito jovem, casaram-se em 26 de Novembro de 1924, no México, quando ela ficou grávida. Tiveram dois filhos, Charles Chaplin Júnior e Sydney. Divorciaram-se em 1926, por causa de brigas. Nessa época a fortuna de Chaplin chegou a incríveis US$ 825 000.
Passado os anos, Chaplin casou-se secretamente aos 47 anos com Paulette Goddard, de 25 anos, em Junho de 1936. Depois de alguns anos felizes, este casamento também terminou em divórcio, em 1942, devido a problemas conjugais.
Após a separação, Chaplin namorou Joan Barry, atriz de 22 anos. Esta relação durou anos e terminou quando Barry começou a perturbá-lo, pois ele não a quis mais e ela constantemente perseguia-o com ciúmes. Em Maio de 1943, ela informou a Chaplin que estava grávida e exigiu que ele assumisse a paternidade. Ele tinha certeza que não era o pai, pois ela teve outros homens durante a separação. Então, exames comprovaram que Chaplin não era o pai, porém na época, os exames não eram muito válidos e a lei exigia que, por ele ter sido o último parceiro com quem ela apareceu em público, a lei entendia que mesmo ele não sendo o pai biológico, ele teria que assumir a criança, mesmo sem ser no cartório, e ele foi obrigado a custear as despesas da criança e ele se viu forçado a pagar US$ 75 por semana até que o filho de sua ex fizesse 21 anos.[19]
Tempos depois, conheceu Oona O'Neill, filha do dramaturgo Eugene O'Neill. Se apaixonaram rapidamente e casaram-se em 16 de Junho de 1943. Ele tinha 54 anos enquanto ela somente 17, mas a enorme diferença de idade não diferenciou em nada. Este casamento foi longo e feliz. Oona, mesmo sendo ainda muito jovem, deu oito filhos a Charlie, o que o deixou em completa felicidade. O amor era tão grande que Charlie ficou com ela até sua morte, e Oona cuidou dele no fim de sua vida.

Filhos

Nome   Nascimento   Morte   Mãe
Norman Spencer Chaplin   7 de julho de 1919   10 de julho de 1919   Mildred Harris
Charles Spencer Chaplin Jr.   5 de maio de 1925   20 de março de 1968   Lita Grey
Sydney Earle Chaplin   31 de março de 1926   3 de março de 2009
Geraldine Leigh Chaplin   1° de agosto de 1944       Oona O'Neill
Michael John Chaplin   7 de março de 1946
Josephine Hannah Chaplin   28 de março de 1949
Victoria Chaplin   19 de maio de 1951
Eugene Anthony Chaplin   23 de agosto de 1953
Jane Cecil Chaplin   23 de maio de 1957
Annette Emily Chaplin   3 de dezembro de 1959
Christopher James Chaplin   6 de julho de 1962

Cavalaria

Chaplin foi incluído na Lista de Honras do Ano Novo em 1975.[20] No dia 4 de março, com oitenta e cinco anos de idade, foi nomeado Cavaleiro Comandante do Império Britânico (KBE) pela Rainha Elizabeth II. A honra foi proposta originalmente em 1931, mas não foi realizada devido à controvérsia de Chaplin não ter servido na Primeira Guerra Mundial. O título de cavaleiro foi proposto novamente em 1956, mas foi vetado pelo então governo conservador com receio de prejudicar sua relação com os Estados Unidos no auge da Guerra Fria e na invasão de Suez planejada para aquele ano.

Morte

Túmulos de Chaplin (à direita) e Oona O'Neill no Cemitério de Coursier-Sur-Vevey, em Vaud, Suíça.
A saúde de Chaplin começou a declinar lentamente no final da década de 1960, após a conclusão do filme A Countess from Hong Kong, e mais rapidamente após receber seu Oscar Honorário em 1972. Por volta de 1977, já tinha dificuldade para falar, e começou a usar uma cadeira de rodas. Chaplin morreu dormindo aos 88 anos de idade em consequência de um derrame cerebral, no Dia de Natal de 1977 em Corsier-sur-Vevey, Vaud, Suíça,[21] e foi enterrado no cemitério comunal.
No dia 1 de março de 1978, seu cadáver foi roubado da sepultura por um pequeno grupo de mecânicos suíços, na tentativa de extorquir dinheiro de sua família.[22] O plano falhou, os ladrões foram capturados e condenados, o corpo foi recuperado onze semanas depois, perto do Lago Léman, e novamente enterrado em Corsier-sur-Vevey, mas desta vez a família mandou fazer um tampão de concreto de 6 pés (1,80 metro) de espessura protegendo o caixão do cineasta, para evitar novos problemas. No mesmo cemitério, há uma estátua de Chaplin em sua homenagem.
Em 1991, Oona O'Neill, sua quarta e última esposa, faleceu e foi sepultada ao lado do cineasta.

Outras controvérsias

Durante a Primeira Guerra Mundial, Chaplin foi criticado pela imprensa britânica por não ter se alistado ao Exército. Na verdade, ele se apresentou ao serviço militar, mas foi recusado por estar abaixo da altura e peso exigidos para alistamento. Chaplin levantou fundos substanciais durante a época de venda de bônus de guerra, não só discursando publicamente em comícios, mas também ao produzir, com seu próprio orçamento, The Bond, um filme-propaganda de comédia usado em 1918. A persistente controvérsia provavelmente impediu Chaplin de receber o título de cavaleiro em 1930.
Durante toda a carreira de Chaplin, alguns níveis de controvérsia existiram a respeito de sua suposta ascendência judaica. Propagandas nazistas das décadas de 1930 e 40 o retratavam como judeu (chamado-o de "Karl Tonstein[23]" ou "Israel Thonstein[24]"), com base em artigos publicados pela imprensa dos EUA,[25] e as investigações do FBI no final da década de 1940 também se concentraram nas origens étnicas de Chaplin. Não há documentos que comprovam a ascendência judaica de Chaplin. Durante sua vida pública, ele recusou-se ferozmente em contestar ou negar as afirmações de que ele era judeu, dizendo que sempre iria "jogar diretamente nas mãos dos anti-semitas."[26] Embora tenha sido batizado na Igreja da Inglaterra, Chaplin creditava-se como sendo agnóstico durante a maior parte de sua vida.[27]
O fato de Chaplin sentir atração por mulheres mais jovens continua a ser outra fonte de interesse para alguns. Seus biógrafos atribuem isto a uma paixão adolescente com Hetty Kelly, que conhecera no Reino Unido durante suas apresentações no music hall, e que possivelmente definiu o seu ideal feminino. Chaplin gostava de descobrir jovens atrizes e orientá-las de perto; com exceção de Mildred Harris, todos os seus casamentos e a maioria dos seus principais relacionamentos amorosos começaram desta maneira.

Comparação com outros comediantes da época

Desde a década de 1960, os filmes de Chaplin têm sido comparados com os de Buster Keaton e Harold Lloyd, os outros dois grandes comediantes do cinema mudo. Os três tinham estilos diferentes: Chaplin tinha uma forte afinidade com sentimentalismo e pathos; Lloyd era conhecido pelo seu "personagem comum" e seu otimismo típico da década de 1920; e Keaton sempre demonstrava estoicismo com um tom cínico. Historicamente, Chaplin foi pioneiro na comédia cinematográfica, e ambos os jovens Keaton e Lloyd inspiraram-se em seu trabalho. Na verdade, os primeiros personagens de Lloyd, "Willie Work" e "Lonesome Luke", eram óbvias imitações de Chaplin, algo que Lloyd reconhecia e se esforçou para afastar-se. O período de experimentação de Chaplin terminou após sua estadia na Mutual, pouco antes de Keaton ingressar no ramo do cinema.
Comercialmente, Chaplin produziu alguns dos filmes de maior bilheteria da era do cinema mudo; The Gold Rush é o quinto com US$4,25 milhões, e O Circo é o sétimo com US$3,8 milhões. No entanto, os filmes de Chaplin juntos arrecadaram aproximadamente US$10,5 milhões, enquanto Harold Lloyd arrecadou US$15,7 milhões, visto que Lloyd foi muito mais prolífico, lançando doze longa-metragens na década de 1920, enquanto Chaplin lançou apenas três. Os filmes de Buster Keaton não foram tão bem sucedidos comercialmente como os de Chaplin ou Lloyd, mesmo no auge de sua popularidade, e só começou a receber elogios da crítica no final das décadas de 1950 e 1960.
Além de uma saudável rivalidade profissional, Chaplin e Keaton pensavam muito um no outro. Keaton afirmou em sua autobiografia que Chaplin foi o maior comediante que já viveu, e o maior diretor de filmes de comédia. Chaplin também admirava Keaton, tanto que o recebeu de braços abertos na United Artists em 1925, aconselhou-o contra sua mudança desastrosa para a Metro-Goldwyn-Mayer em 1928 e, em seu último filme estadunidense, Limelight, escreveu uma parte especialmente para Keaton como seu primeiro parceiro de comédia desde 1915.

Legado

Estátua de bronze em Waterville, Condado de Kerry.
O Vagabundo é provavelmente o personagem mais imitado em todos os níveis de entretenimento. Há rumores de que o próprio Chaplin participou uma vez de um concurso de imitadores de Charlie Chaplin, e acabou ficando em 3º lugar.
De 1917 a 1918, o ator de cinema mudo Billy West fez mais de 20 filmes imitando meticulosamente O Vagabundo, com maquiagem e figurino.[28]
No filme indiano Punnagai Mannan, Kamal Haasan inspirou-se em Chaplin para construir o personagem "Chaplin Chellappa".[29]
Em 1978, uma canção intitulada "Charlie Chaplin representou a Grécia no Festival Eurovisão da Canção 1978 e na qual a cantora Tania Tsanaklidou fala-nos sobre Chaplin[30]
Em 1985, Chaplin foi homenageado com sua imagem em um selo postal do Reino Unido, e em 1994 ele apareceu em um selo dos Estados Unidos, desenhado por caricaturista Al Hirschfeld.
Na década de 1980, a IBM produziu uma série de comerciais com um imitador de Chaplin para divulgação de seus computadores.
John Woo dirigiu uma paródia do filme The Kid, intitulado Hua ji shi dai (1981), também conhecido como Laughing Times.
O asteróide 3623 Chaplin, descoberto pela astrônoma soviética Lyudmila Georgievna Karachkina em 1981, foi batizado em homenagem a Chaplin.[31]
Em 1992, foi feito um filme sobre a vida de Charlie Chaplin, intitulado Chaplin, dirigido por Richard Attenborough e estrelado por Robert Downey Jr. e Geraldine Chaplin, a filha de Chaplin na vida real, interpretando sua própria avó. O filme foi indicado ao Oscar de Melhor Ator (Downey Jr.), Melhor Direção de Arte e Melhor Trilha Sonora.
Em 2001, o comediante britânico Eddie Izzard interpretou Chaplin no filme The Cat's Meow, de Peter Bogdanovich, que especula sobre o caso ainda não resolvido da morte do produtor cinematográfico Thomas Ince durante uma festa em um iate bancada por William Randolph Hearst, na qual Chaplin era um dos convidados.

Filmes oficiais

Em 1965, Chaplin detalhou sua filmografia oficial em seu livro, My Autobiography. Sua filmografia consiste em 80 filmes lançados desde 1914, mas no livro de David Robinson de 1985, Chaplin: His Life and Art, está incluído o seu último filme, A Countess from Hong Kong de 1967, como o 81º.

A maioria dos filmes de Chaplin, até precisamente The Circus, são filmes mudos, mesmo que anos depois foram remasterizados e compostos por trilha sonora feita pelo próprio. City Lights e Modern Times são praticamente classificados como filmes mudos, mas City Lights foi oficialmente o último. Em Modern Times, há cenas de diálogos, aliás que Chaplin "fez seu personagem falar" em inúmeros ensaios, mas deixou passar. Seus últimos cinco filmes são completamente falados. Tirando A Countess from Hong Kong, todos os seus filmes são em preto e branco.

Exceto o que tem de referência, os lançamentos, personagens, e anotações apresentadas aqui, são derivados da autobiografia de Chaplin, escrita por Robinson, e do livro The Films of Charlie Chaplin, de 1965 escrito por Gerald D. McDonald, Michael Conway e Mark Ricci.

]Keystone

Chaplin fez 35 filmes na Keystone Studios, todos produzidos por Mack Sennett. Exceto o que há escrito nas notas, todos os filmes são de um rolo.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
2 de Fevereiro de 1914	Making a Living					Slicker	—
7 de Fevereiro de 1914	Kid Auto Races at Venice					Vagabundo	Lançado junto com o filme Olives and Trees.
9 de Fevereiro de 1914	Mabel's Strange Predicament					Vagabundo	—
28 de Fevereiro de 1914	Between Showers					Masher	—
2 de Março de 1914	A Film Johnnie					Vagabundo	—
9 de Março de 1914	Tango Tangles					Dançarino	—
16 de Março de 1914	His Favourite Pastime					Bêbado	—
26 de Março de 1914	Cruel, Cruel Love					Lorde Helpus	—
4 de Abril de 1914	The Star Boarder					O Star boarder	—
18 de Abril de 1914	Mabel at the Wheel					Vilão	Dois rolos.
20 de Abril de 1914	Twenty Minutes of Love			Sim	Sim	Pickpocket	—
27 de Abril de 1914	Caught in a Cabaret			Sim	Sim	Garçom	Dois rolos. Co-roteirista: Mabel Normand.
4 de Maio de 1914	Caught in the Rain			Sim	Sim	Convidado	—
7 de Maio de 1914	A Busy Day			Sim	Sim	Esposa	Lançado junto com o curta, The Morning Papers.
1 de Junho de 1914	The Fatal Mallet					Galã	—
4 de Junho de 1914	Her Friend the Bandit				Sim	Bandido	Filme perdido.^[9] Co-diretor: Mabel Normand.
11 de Junho de 1914	The Knockout					Juíz	Dois rolos.
13 de Junho de 1914	Mabel's Busy Day					Bêbado	—
20 de Junho de 1914	Mabel's Married Life			Sim	Sim	Marido de Mabel	Co-roteirista: Mabel Normand.
9 de Julho de 1914	Laughing Gas			Sim	Sim	Assistante do Dentista	—
1 de Agosto de 1914	The Property Man			Sim	Sim	The Property Man	Dois rolos.
10 de Agosto de 1914	The Face on the Bar Room Floor			Sim	Sim	Artista	Baseado no poema The Face on the Barroom Floorde Hugh Antoine d'Arcy.
13 de Agosto de 1914	Recreation			Sim	Sim	Vagabundo	Lançado junto com o curta, The Yosemite.
27 de Agosto de 1914	The Masquerader			Sim	Sim	Ator	—
31 de Agosto de 1914	His New Profession			Sim	Sim	Charlie	—
7 de Setembro de 1914	The Rounders			Sim	Sim	Vagabundo	—
14 de Setembro de 1914	The New Janitor			Sim	Sim	Empregado	—
10 de Outubro de 1914	Those Love Pangs			Sim	Sim	Vagabundo	—
26 de Outubro de 1914	Dough and Dynamite			Sim	Sim	Garçom	Dois rolos. Co-roteirista: Mack Sennett.
29 de Outubro de 1914	Gentlemen of Nerve			Sim	Sim	Sr. Woe-Woe	—
7 de Novembro de 1914	His Musical Career			Sim	Sim	Carregador de piano	—
9 de Novembro de 1914	His Trysting Place			Sim	Sim	Marido	Dois rolos.
14 de Novembro de 1914	Tillie's Punctured Romance					Charlie	Seis rolos. Da peça, Tille's Nightmare, de A. Baldwin Sloane e Edgar Smith.
5 de Dezembro de 1914	Getting Acquainted			Sim	Sim	Marido	—
7 de Dezembro de 1914	His Prehistoric Past			Sim	Sim	Weakchin	Dois rolos.

]Essanay

Chaplin escreveu, dirigiu e estrelou 15 filmes na Essanay, todos tendo sido produzidos por Jesse T. Robbins. Exceto que estão escritos nas notas, todos os filmes são de dois rolos.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
1 de Fevereiro de 1915	His New Job			Sim	Sim	Dublê	—
15 de Fevereiro de 1915	A Night Out			Sim	Sim	Farreador	—
11 de Abril de 1915	The Champion			Sim	Sim	Aspirante a Boxeador	—
18 de Novembro de 1915	In the Park			Sim	Sim	Charlie	Um rolo.
1 de Abril de 1915	A Jitney Elopement			Sim	Sim	O Falso Conde	—
11 de Abril de 1915	The Tramp			Sim	Sim	Vagabundo	—
29 de Abril de 1915	By the Sea			Sim	Sim	Cidadão	Um rolo.
21 de Junho de 1915	Work			Sim	Sim	Assistente	—
12 de Julho de 1915	A Woman			Sim	Sim	Charlie/ "A Mulher"	—
9 de Agosto de 1915	The Bank			Sim	Sim	Empregado	—
4 de Outubro de 1915	Shanghaied			Sim	Sim	Charlie	—
20 de Novembro de 1915	A Night in the Show			Sim	Sim	Sr. Pest e Sr. Rowdy	—
18 de Dezembro de 1915	Burlesque on Carmen			Sim	Sim	Darn Hosiery	Relançado sem autorização em 22 de Abril de 1916, combinando outras cenas por Leo White.
27 de Maio de 1916	Police			Sim	Sim	Ex-Detento	—
11 de Agosto de 1918	Triple Trouble			Sim	Sim	Empregado	Coletânia feita por Leo White com cenas do curtaPolice e de um curta incompleto chamado Life, junto com outras cenas gravadas por White. Chaplin inclui essa produção em sua filmografia no livro My Autobiography.

]Mutual

Chaplin escreveu, produziu, dirigiu e estrelou 12 filmes na Mutual, o que passaram a serem filmados no Lone Star. Todos os filmes são de dois rolos.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
15 de Maio de 1916	The Floorwalker		Sim	Sim	Sim	Cliente	Co-roteirista: Vincent Bryan.
12 de Junho de 1916	The Fireman		Sim	Sim	Sim	Bombeiro	Co-roteirista: Vincent Bryan.
10 de Julho de 1916	The Vagabond		Sim	Sim	Sim	Músico	Co-roteirista: Vincent Bryan.
7 de Agosto de 1916	One A.M.		Sim	Sim	Sim	Bêbado	—
4 de Setembro de 1916	The Count		Sim	Sim	Sim	Aprendiz de Alfaiate	—
2 de Outubro de 1916	The Pawnshop		Sim	Sim	Sim	Assistente	—
13 de Novembro de 1916	Behind the Screen		Sim	Sim	Sim	Assistente	—
4 de Dezembro de 1916	The Rink		Sim	Sim	Sim	Garçom e patinador	—
22 de Janeiro de 1917	Easy Street		Sim	Sim	Sim	Vagabundo recrutado a Força Policial	—
16 de Abril de 1917	The Cure		Sim	Sim	Sim	Moço bêbado no Spa	—
17 de Junho de 1917	The Immigrant		Sim	Sim	Sim	Imigrante	Incluído na Biblioteca do Congresso em 1998.^[10]
22 de Outubro de 1917	The Adventurer		Sim	Sim	Sim	Foragido	—

]First National

Chaplin escreveu, produziu, dirigiu e estrelou nove filmes da produtora entre 1918 e 1923. Esses filmes foram distribuídos pela First National.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
14 de Abril de 1918	A Dog's Life	Sim	Sim	Sim	Sim	Vagabundo	Três rolos. Trilha sonora feita para a coletânia, The Chaplin Revue.
29 de Setembro de 1918	The Bond		Sim	Sim	Sim	Ele mesmo	Meio-rolo.
20 de Outubro de 1918	Shoulder Arms	Sim	Sim	Sim	Sim	Recruta	Três rolos. Trilha sonora feita para a coletânia, The Chaplin Revue.
15 de Maio de 1919	Sunnyside		Sim	Sim	Sim	Ajudante	Três rolos.
15 de Dezembro de 1919	A Day's Pleasure		Sim	Sim	Sim	Pai	Dois rolos.
6 de Fevereiro de 1921	The Kid	Sim	Sim	Sim	Sim	Vagabundo	Seis rolos. Trilha sonora feita para o seu relançamento em 1972.
25 de Setembro de 1921	The Idle Class		Sim	Sim	Sim	Vagabundo/ Marido	Dois rolos.
2 de Abril de 1922	Pay Day		Sim	Sim	Sim	Operário	Dois rolos.
26 de Fevereiro de 1923	The Pilgrim	Sim	Sim	Sim	Sim	Foragido	Quatro rolos. Trilha sonora feita para a coletânia, The Chaplin Revue.

]United Artists

Chaplin começou a lançar seus filmes através da United Artists em 1923. A partir daí, todos os filmes são de longas-metragens. Ele produziu, escreveu, dirigiu e estrelou todos os filmes, exceto o primeiro. City Lights foi o primeiro filme em que Chaplin compôs trilha sonora.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
26 de Setembro de 1923	A Woman of Paris	Sim	Sim	Sim	Sim	Carregador	Trilha sonora feita para o seu relançamento em 1976. Chaplin faz uma participação especial.
26 de Junho de 1925	The Gold Rush	Sim	Sim	Sim	Sim	Garimpeiro solitário	Trilha sonora feita para o seu relançamento em 1942. Incluído na Biblioteca do Congresso em 1992.^[11]
6 de Janeiro de 1928	The Circus	Sim	Sim	Sim	Sim	Vagabundo	Trilha sonora feita para o seu relançamento em 1970. Oscar Honorário (por escrever, produzir, dirigir e atuar neste filme).
6 de Fevereiro de 1931	City Lights	Sim	Sim	Sim	Sim	Vagabundo	Incluído na Biblioteca do Congresso em 1991.^[12]
5 de Fevereiro de 1936	Modern Times	Sim	Sim	Sim	Sim	Operário	Incluído na Biblioteca do Congresso em 1989.^[13]
15 de Outubro de 1940	The Great Dictator	Sim	Sim	Sim	Sim	Adenoid Hynkel/ Barbeiro	Incluído na Biblioteca do Congresso em 1997.^[14] Indicado – Academy Award de Melhor Ator. Indicado – Academy Award de Melhor Roteiro Original.
11 de Abril de 1947	Monsieur Verdoux	Sim	Sim	Sim	Sim	Monsieur Henri Verdoux	Baseado em uma idéia de Orson Welles.^[15] Indicado – Academy Award de Melhor Roteiro Original.
16 de Outubro de 1952	Limelight	Sim	Sim	Sim	Sim	Calvero	Boicotado nos EUA um pouco depois de Chaplin ter seu visto anulado em voltar para lá quando ia a Londres para lançar o filme.^[16] Academy Award de Melhor Trilha Sonora (premiado em 1973 quando o filme chegou a ser lançado nos EUA em 1972)

]British Productions

Em 1952, enquanto Chaplin tinha ido a Londres estreiar Limelight, ele viu seu visto para voltar aos EUA anulado. Durante seu exílio, ele somente realizou dois filmes que foram feitos na Inglaterra.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
12 de Setembro de 1957	A King in New York	Sim	Sim	Sim	Sim	Rei Shahdov	Uma produção Attica-Archway. Não foi lançado nos EUA até 1973.
5 de Janeiro de 1967	A Countess from Hong Kong	Sim		Sim	Sim	Comissário de bordo	Uma produção da Universal em Panavision eTechnicolor. Produzido por Jerome Epstein. Chaplin faz uma participação especial.

[editar]Outros filmes

Além de seus 81 filmes, Chaplin também tem inúmeros filmes inacabados. Nesses, ele fez inúmeras aparições como ele mesmo e apareceu em muitas compilações.]Filmes inacabados ou não lançados

Ano(s)	Título	Creditado como					Notas
Ano(s)	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
1915–1916	Life		Sim	Sim	Sim		Incompleto, exceto que algumas cenas foram usadas em The Essanay-Chaplin Revue.
1918	How to Make Movies		Sim	Sim	Sim	Ele mesmo	Nunca foi lançado, exceto que algumas cenas foram usadas em The Chaplin Revue. Re-utilizado em 1981 por Kevin Brownlow e David Gill.^[17]
1918	(sem título)		Sim	Sim	Sim	Ele mesmo	Um filme beficente co-estrelando Harry Lauder.
1919	The Professor		Sim	Sim	Sim	Professor Bosco	Foi gravado somente a primeira cena e por razões desconhecidas, Chaplin abandonou o projeto e nunca chegou lançar o filme.
1922	Nice and Friendly		Sim	Sim	Sim	Vilão	Curta caseiro com cenas improvisadas.
1926	A Woman of the Sea		Sim				Foi completado mas nunca lançado. Chaplin queimou os negativos em 24 de Junho de 1933.
1933	All at Sea					Ele mesmo	Curta caseiro de 11 minutos feito por Alistair Cooke, com presenças de Chaplin, Paulette Goddard e do próprio Cooke. Foi gravado quando todos estavam dentro do Panacea, barco de Chaplin.^[18]
1966–1975	The Freak			Sim			Uma produção que foi feita para a filha de Chaplin, Victoria

]Coletânias

Essanay produziu três coletânias de Chaplin sem a sua própria autorização (depois ele tinha comprado os direitos). Chaplin somente produziu a sua própria coletânia em 1959 e posteriormente em 1975.

Lançamento	Título	Creditado como					Notas
Lançamento	Título	Compositor	Produtor	Roteirista	Diretor	Personagem	Notas
31 de Março de 1915	Introducing Charlie Chaplin						Propaganda feita para mostrar como um prólogo os filmes de Chaplin.
23 de Setembro de 1916	The Essanay-Chaplin Revue			Sim	Sim	Ex-detento	Feita por Leo White com cenas de Police e Life com novas cenas dirigidas por White. Feita sem autorização de Chaplin.
1916	Zepped						Um propaganda de sete minutos que foi descoberta em 2009.^[19]
Maio de 1918	Chase Me Charlie			Sim	Sim		Montagem da Essanay, feita por Langford Reed. Lançado na Inglaterra. Feita sem autorização de Chaplin.
25 de Setembro de 1959	The Chaplin Revue	Sim	Sim	Sim	Sim	Vagabundo/ Recruta/ Foragido/ Ele mesmo	Cenas de A Dog's Life, Shoulder Arms, The Pilgrim, e How to Make Movies.
1975	The Gentleman Tramp						Um documentário com novas cenas de Chaplin em sua casa na Suíça

Participações especiais

Além de seus próprios filmes como A Woman of Paris e A Countess from Hong Kong, Chaplin também fez algumas pontas nos filmes a seguir:

Ano	Título	Notas
1915	His Regeneration	—
1921	The Nut	A cena em que Chaplin realmente aparece se perdeu com o tempo, mas ainda existe uma cena em que aparece um ator desconhecido vestido como The Tramp.^[20]
1923	Souls for Sale	—
1923	Hollywood	Filme perdido.^[21]
1926	Camille	Chaplin aparece em algumas cenas do filme como um moço chamado Mike, e inclusive, faz uma amostra da "dança dos pãezinhos", em que ele como o Vagabundo fez no filme The Gold Rush.
1928	Show People	Incluído na Biblioteca do Congresso em 2003.^[22]

Desenhos

Chaplin "apareceu" como ele mesmo em desenhos como:

Ano	Título	Desenho
1923	"Felix in Hollywood"	Felix the Cat
1930	"Hot for Hollywood"	Oswald the Lucky Rabbit
1933	"Mickey's Gala Premiere"	Mickey Mouse
1933	"The Merry Old Soul"	Oswald the Lucky Rabbit
1936	"Mickey's Polo Team"	Mickey Mous

Filmes biográficos

A vida de Chaplin foi contada nos filmes a seguir:

Ano	Título	Ator que interpreta Chaplin
1989	Young Charlie Chaplin Mini-série da BBC	Joe Geary
1992	Chaplin	Robert Downey, Jr.
2001	The Cat's Meow	Eddie Izzard

MIDIA

Um trecho do filme mudoThe Bond (1918).

Um trecho do filme mudoThe Bond (1918).

Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

Os Trapalhões

2011-08-15T20:23:00.000-07:00

Os Trapalhões

Os Trapalhões foi um grupo humorístico brasileiro que obteve sucesso na televisão e no cinema desde meados da década de 1960 até por volta de 1990. O grupo era composto por Didi Mocó (Renato Aragão), Dedé Santana, Mussum e Zacarias; cada um desenvolveu uma persona cênica distinta.
O quarteto tinha um programa de televisão homônimo criado por Wilton Franco,[1] que estreou em março de 1977, antes do Fantástico. Exibido aos domingos, o programa apresentava uma sucessão de esquetes entremeados sem aparente conexão, exceto a presença d'Os Trapalhões. Um dos maiores fenômenos de popularidade e audiência no Brasil em toda a história, Os Trapalhões entrou para o Livro Guinness de Recordes Mundiais como o programa humorístico de maior duração da televisão, com trinta anos de exibição.
O primeiro filme d'Os Trapalhões, Na Onda do Iê-Iê-Iê (1965), contava apenas com a dupla Didi e Dedé. Com o quarteto clássico, foram produzidos vinte e um filmes, começando com Os Trapalhões na Guerra dos Planetas (1978) até Uma Escola Atrapalhada (1990). Mais de cento e vinte milhões de pessoas já assistiram aos filmes d'Os Trapalhões, sendo que sete destes filmes estão na lista das dez maiores bilheterias do cinema brasileiro.
O nome trapalhão é derivado do verbo atrapalhar, que significa o oposto de ajudar ou fazer alguma coisa da maneira errada. O nome trapalhão tornou-se tão famoso que acabou sendo usado, no Brasil, em títulos de vários filmes estrangeiros de comédia, na tentativa de atrair mais público. Isso ocorreu com alguns filmes de Jerry Lewis, Woody Allen e Peter Sellers.

O show
O programa era formulado por várias cenas de alguns minutos, em que tomavam parte situações cômicas dos protagonistas, às vezes com um deles, dois, três e mesmo com os quatro Trapalhões. Os assuntos das cenas eram, por exemplo, os Trapalhões se opondo a inimigos ou a si mesmos em disputas (nas quais Didi e qualquer um dos três Trapalhões que estivessem do lado dele saíam vitoriosos em quase todas as vezes), eles pregando peças em outras pessoas e até em si mesmos e os quatro unindo forças para chegar a um objetivo comum. Houve também, ao longo dos anos do programa, várias paródias de super-heróis tradicionais, como Super-Homem (frequentemente interpretado por Didi por causa de seu papel de líder), Batman (este mais interpretado por Dedé, devido ao seu papel de segundo em comando e também por existirem suspeitas quanto a Dedé (personagem) e Batman serem homossexuais), Homem-Aranha, Fantasma, Hulk, etc.
Personagens
Didi (Renato Aragão): Um esperto cearense com linguajar e aparência bastante cômicos, e que poucas vezes terminava as cenas com má sorte ou como perdedor, tanto enfrentando inimigos como seus próprios três companheiros. Apesar de ser o líder do grupo, em certas cenas é considerado pelos seus três companheiros como o membro de menor importância. Era apelidado de "cardeal", "cearense", "cabecinha" ou "cabeça-chata", referindo-se à sua condição de retirante nordestino.
Dedé (Dedé Santana): Era o que agia com mais seriedade e considerado o cérebro do grupo, sendo uma espécie de "segundo no comando". Sua masculinidade era sempre ironizada por Didi, que criava apelidos como "Divino".
Mussum: Um bem-humorado carioca negro que tinha orgulho de dizer que era natural do Morro da Mangueira, uma comunidade do Rio de Janeiro. Possuía um linguajar bastante peculiar, sempre empregando o "is" no final de quase todas as palavras, criando assim os bordões "cacildis" e "forévis". Sua maior paixão é a cachaça, a qual ele chama de "mé" (ou "mel"). Devido ao fato de ser negro, era sempre alvo de piadas e apelidos, como ser chamado ironicamente de Maizena por Didi, ou mesmo "azulão", "Mumu da Mangueira" ou "cromado".
Zacarias: Um tímido e baixinho mineiro com personalidade infantil e voz bastante fina, como a de uma criança. Por ser calvo, sempre usava uma peruca.

Coadjuvantes
O principal elenco de coadjuvantes, devido aos vários anos nos quais participaram do programa, era.
Carlos Kurt: um homem louro, às vezes barbudo, intimidador, alto e com olhos enormes, que frequentemente representava vilões, valentões e outros personagens inimigos dos Trapalhões. Era frequentemente apelidado por Didi como "bode louro", "alumão" (alemão) e "macarrão de hospital". Teve grande participação no programa durante a década de 80, ao contrário da década de 90. Faleceu em 2003.
Roberto Guilherme: um homem grande, obeso e calvo que, assim como Carlos Kurt, também se destacou no programa interpretando papéis antagonistas. Seu principal trabalho foi dar vida ao seu mais famoso personagem, o Sargento Pincel.
Dino Santana: irmão de Dedé Santana. Representava personagens anônimos e sem destaque, o que talvez torne difícil saber quem e como ele é. Foi coadjuvante não só no programa dos Trapalhões até o ano final (1993), mas também em alguns filmes do quarteto, como Os Trapalhões e o Mágico de Oróz, no qual representou o personagem Beato do deserto. Faleceu em 2010
Ted Boy Marino: um lutador de luta-livre com um cabelo bem similar ao do personagem He-Man e sotaque espanhol.
Tião Macalé: um dos mais famosos coadjuvantes. Um homem negro com um sorriso sem-dentes, que quase sempre encerrava suas participações nas cenas com a frase "Nojento!", frase que o fez famoso no Brasil. Faleceu em 1993
Felipe Levy: outro homem obeso e calvo, frequentemente escolhido para interpretar papéis de chefia, não só nas cenas comuns mas também no quadro do quartel dos Trapalhões, onde atuava como coronel. Por ter pele muito branca e ter cavanhaque, era às vezes chamado de "queijo-com-barba" . Faleceu em 2008.

Outros
Outros coadjuvantes e convidados (participantes de alguns quadros), alguns com muitas participações, alguns deles foram:
Isaac Bardavid (dublador brasileiro)
Older Cazarré
João Pinto
Philipe Levy
Maurício do Valle
Ivan Setta
João Carlos Barroso
Jorge Cherques
Dary Reis
Alfredo Murphy
Augusto Olímpio
Terezinha Elisa
Zilda Cardoso (a famosa Catifunda)
Arnaud Rodrigues
Armando Bógus
Carlos Alberto de Nóbrega
Marcelo de Nóbrega
Elizângela
Chico Anysio
Pelé
Otávio Augusto
Nizo Neto
Lúcio Mauro
Zezé Macedo
Athayde Arcoverde
Luiz Armando Queiroz
Alberto Perez
Colé Santana
Rogério Cardoso, dentre muitos outros.
Houve também diversas homenagens à cantores no programa dos Trapalhões; alguns deles foram: Ritchie, cantando sua música Transas; Joanna, com a sua Sonho a Dois; e Marcos Valle com sua Estrelar.

A direção
Vários profissionais passaram a ser diretores do programa dos trapalhões, alguns deles foram:
Adriano Stuart (geral) 1981-1982
Augusto César Vannucci (geral) 1977-1980
Carlos Manga (geral) 1986-1987
Fernando Gueiros 1994-1995
Gracindo Junior (geral) 1983-1984
José Lavigne (geral) 1993-1994
Márcio Trigo e Paulo Aragão (assistentes) 1993-1994
Maurício Sherman 1991-1992
Maurício Tavares (geral) 1987-1988
Osvaldo Loureiro (geral) 1982-1983
Paulo Aragão 1995
Paulo Araújo (geral) 1984-1985
Walter Lacet (geral) 1986-1987
Wilton Franco (também esteve na redação, na redação final e geral) 1988-1992

A supervisão de criação
Só um profissional passou a ser supervisor de criação do programa dos trapalhões, esse foi:
Chico Anysio

A supervisão artística
Só um profissional passou a ser supervisor artístico do programa dos trapalhões, esse foi:
Maurício Sherman

A redação
Vários profissionais passaram a ser redatores do programa dos trapalhões, alguns deles foram:
Arnaud Rodrigues
Bráulio Tavares
Carlos Alberto de Nóbrega
Celso Magno
Emanuel Rodrigues
Expedito Faggioni
Geraldo Alves
Gilberto Fernandes
Gugu Olimecha
Humberto Ribeiro
José Sampaio
Lipe
Marcos César
Mário Alimari
Mário Wilson
Mauro Wilson
Nelson Batinga
Paulo de Andrade
Paulo Duarte
Renato Aragão
Roberto Silveira
Sérgio Valezin
Walter Stuart
Wilson Vaz
Wilton Franco, dentre muitos outros

As redações finais
Vários profissionais passaram a ser redatores finais do programa dos trapalhões, alguns deles foram:
Carlos Alberto de Nóbrega
João Motta
Renato Aragão
Roberto Silveira
Wilton Franco, dentre muitos outros

Primórdios

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Estreou em 1966, na TV Excelsior de São Paulo com o nome Adoráveis Trapalhões. Reunia na sua fórmula quatro tipos: o galã Wanderley Cardoso, o diplomata Ivon Cury, o estourado Ted Boy Marino e o palhaço Renato Aragão, o "Didi Mocó", além de Manfried Sant'anna, o "Dedé Santana". Com a saída de alguns desses integrantes, e a entrada do sambista participante de Os Originais do Samba Antônio Carlos Bernardes Gomes, o "Mussum", e de Mauro Faccio Gonçalves, o "Zacarias", consolidou-se o grupo que iria mais tarde tornar-se um dos quadros mais famosos da TV brasileira.
Na TV Record, o programa foi chamado "Os Insociáveis", o que desagradava Renato Aragão. Ao passar para a TV Tupi, ele fez com que o nome de "Os Trapalhões" se fixasse como sendo o do grupo (também incluiu Zacarias, no lugar de Roberto Guilherme, que antes completava o quarteto como "Beto"). Ali, Os Trapalhões conseguiram maior audiência em seu horário do que o quase sempre líder de audiência Fantástico, na cidade de São Paulo. Mas a antiga emissora já apresentava muitas dificuldades financeiras, o que trouxe inúmeros problemas aos artistas. Finalmente, o programa foi para a Rede Globo em 1977, onde conseguiu um sucesso duradouro.

Estreia na TV Globo
Em 1977, o diretor de operações da TV Globo, José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o Boni, convidou os Trapalhões para levar seu programa para a emissora. Renato Aragão conta que temia aceitar a proposta. Afinal, na Tupi, ele tinha toda a liberdade para ser irreverente o quanto quisesse. A Globo era conhecida pelo seu padrão de qualidade, e o humorista não tinha certeza se os Trapalhões se encaixariam nele. Para não ter que recusar formalmente a proposta, ele chegou a fazer uma lista de exigências de três páginas na qual determinava quais seriam o diretor, redator e o horário do programa. Para sua surpresa, Boni aceitou sem questionamentos as exigências. Os Trapalhões mudaram, então, de emissora.Depois de dois especiais exibidos dentro da faixa de programação Sexta super, às 21h, em janeiro e fevereiro, Os Trapalhões estreou em 13 de março de 1977, aos domingos, antes do Fantástico. O programa apresentava uma sucessão de esquetes entremeados com números musicais, exibidos sem aparente conexão, exceto a presença dos próprios Trapalhões.
Um quadro mais longo, cheio de ação e diálogos, podia ser seguido por uma sucessão de gags visuais curtas e um quadro fixo como o Trapaswat, uma paródia do seriado americano SWAT. O diretor Augusto César Vannucci citava as chanchadas e a comédia pastelão como principais referências, mas não havia um formato pré-estabelecido. Segundo Renato Aragão, qualquer ideia podia virar um esquete a qualquer momento. Ele conta que, certa vez, a caminho do estúdio, ouviu no rádio a canção Teresinha, de Chico Buarque. Achou que a letra – a história de vários amores do ponto-de-vista de uma mulher – daria um quadro para Os Trapalhões. Ao chegar ao Teatro Fênix, onde era gravado o programa, escreveu ele próprio o esquete e, no mesmo dia, gravou uma espécie de videoclipe satírico no qual o quarteto interpretava os personagens da música.Foi a primeira de uma série de paródias de musicais que marcaram o humorístico. Os Trapalhões também costumavam participar dos números dos cantores convidados. Quando Ney Matogrosso foi ao programa, Didi estava trajando figurinos e maquiagem idênticos aos dele, por exemplo. Situação parecida aconteceu em outras ocasiões com outros artistas, como Elba Ramalho e Tony Tornado. o
O programa também tinha outros atores fixos que não faziam parte do quarteto principal: o hilariante Tião Macalé (que imortalizou o bordão "Ih! Nojento!"), Jorge Lafond (que satirizava os homossexuais), Emil Rached (o gigante atrapalhado de 2,23 m), Carlos Kurt (o "alemão" de olhos esbugalhados e sempre mal-humorado), Felipe Levy (frequentemente no papel de "chefe" ou "comandante"), Roberto Guilherme (o eterno "Sargento Pincel", quase o quinto trapalhão, uma vez que acompanhou o grupo em toda sua trajetória), Dino Santanna (irmão de Dedé Santana), o anão Quinzinho entre muitos outros.

Quinze anos dos Trapalhões
Foi nesse contexto de ampla aceitação que o grupo comemorou 15 anos de existência, com o especial Os Trapalhões – 15 anos, exibido em julho de 1981, no primeiro domingo do mês, durante oito horas, com a participação de quase todo o elenco da TV Globo, jornalistas e músicos convidados. O especial também serviu para divulgar a campanha em favor dos portadores de deficiência visual, promovendo a doação de córneas e de bolsas de emprego em todo o país.Nesse ano, sob direção de Adriano Stuart e redação de Gilberto Garcia, Os Trapalhões já tinha um público notoriamente infantil e foi nessa época que o quarteto alcançou grande repercussão, principalmente depois dos sucessos que fizeram no Festival de Berlim. Tanto o público quanto os críticos passaram a ver os quatro integrantes do grupo como os principais representantes nacionais da comédia infanto-juvenil. No mesmo ano, o programa exibiu um especial de quinze anos que ficou quase oito horas no ar, com onze quadros e uma campanha em favor dos deficientes físicos.

1982 e 1983
Em 1982, o programa ganhava a direção de Osvaldo Loureiro, o público passou a assistir a gravação de alguns quadros no Teatro Fênix (Rio de Janeiro). Em maio de 1983, o programa iniciou uma nova fase com Gracindo Júnior (direção) e Carlos Alberto de Nóbrega (redação). Além dos tradicionais esquetes isolados, as comédias teatrais bastante conhecidas foram adaptadas para o humor do programa. Shows eram gravados mensalmente com a participação do público. Passaram também a ser incluídas gravações externas.Ainda em 1983, foi exibida a campanha Nordeste Urgente até 1985.

1984,1985 e 1986
Sob direção de Paulo Araújo, em 1984, o quarteto teve uma renovação na linguagem visual para dar uma maior unidade, com a base do cenário sendo branca, mudando a cor apenas dos elementos de cena. Passaram a ser usados pela primeira vez bordões pelo grupo (Acredite, mas não é; Dez, nota dez). Em 1985, os humoristas gravaram uma série de catorze episódios em Los Angeles. A partir de 1986, Com direção geral de Walter Lacet,o programa começou a focar mais o público infantil, com quadros direcionados para essa faixa etária e uso dos efeitos especiais. Em agosto do mesmo ano, Carlos Manga passa a dirigir o programa, fazendo quadros mais curtos e interligados uns aos outros.

Plateia
Os Trapalhões passou a contar com uma plateia presente às gravações no Teatro Fênix, a partir de 1982, quando o programa era dirigido por Oswaldo Loureiro. Os esquetes eram encenados como se fosse um programa ao vivo, com o mínimo de pausa para a mudança de cenários e figurinos. As constantes improvisações do grupo se tornaram ainda mais frequentes diante de um público que parecia adorar o espírito anárquico dos comediantes. Mais tarde, os “cacos” que resultavam em erros e forçavam a equipe a ter que refazer as cenas – em boa parte das vezes porque o elenco se perdia em gargalhadas descontroladas – passaram a ser exibidos em edições especiais do programa no final do ano, tamanho sucesso faziam aos olhos da plateia.
Em 1983, o programa passou a ser dirigido por Gracindo Júnior e redigido por Carlos Alberto da Nóbrega. Gracindo Júnior. imprimiu um formato diferente a cada semana, sem fugir do humor característico dos Trapalhões. Assim, em um domingo o programa podia adaptar comédias teatrais; em outro, se transformar num show circense e, no seguinte, apresentar os tradicionais esquetes isolados.

Separação
O programa passou por um período delicado quando os Trapalhões decidiram se separar. Dedé, Mussum e Zacarias romperam com a Renato Aragão Produções, empresa que cuidava dos negócios do grupo, formaram sua própria empresa e optaram por seguir sozinhos na carreira cinematográfica e deixar o programa. A separação durou cerca de seis meses, período em que Renato Aragão estrelou sozinho o programa.

Retorno
No final de 1983, por iniciativa própria, os humoristas decidiram voltar com o quarteto. Depois do período de afastamento, que Renato Aragão passou a chamar de “férias conjugais”, Os Trapalhões voltaram em grande estilo no domingo, dia 25 de março de 1984, num programa que contou com a participação de Chico Anysio. Em um cenário todo branco, exceto por alguns esparsos elementos de cena – uma árvore e alguns soldadinhos de chumbo, vivamente coloridos –, o comediante contou a história dos Trapalhões para uma pequena plateia formada por Simony, a apresentadora da Turma do Balão Mágico; Isabela Bicalho, a Narizinho do Sítio do pica-pau amarelo; e Gabriela Bicalho, atriz mirim do elenco da novela Champagne (telenovela).Ilustrando a fala de Chico Anysio, imagens de arquivo relembraram o início da carreira do grupo, seus sucessos no cinema e momentos marcantes na televisão. Em seguida, Renato Aragão, Dedé Santana, Mussum e Zacarias entraram em cena, trajando smokings e, emocionados, se reapresentaram para o seu público.

Os Trapalhões nas ruas
Em 1984, Os Trapalhões passou a ser dirigido por Paulo Araújo. Na equipe de redação estavam, além do próprio Renato Aragão, Carlos Alberto de Nóbrega, Emanuel Rodrigues, Expedito Faggioni, Arnaud Rodrigues, Humberto Ribeiro, Mário Alimari, Nelson Batinga e Bráulio Tavares. O número de quadros do programa aumentou consideravelmente – agora eram cerca de 20 por semana – assim como as cenas externas. Um dos quadros, Jabagnum – sátira ao seriado policial Magnum, exibido pela TV Globo – tinha várias sequências em que Didi corria pelas ruas do Rio de Janeiro envergando camisa havaiana e bigode iguais aos de Tom Selleck, astro do seriado.Em 1985, Didi, Dedé, Mussum e Zacarias foram gravar nos Estados Unidos uma série de 14 episódios que foi exibida a partir de abril, no bloco final do programa. A série mostrava os Trapalhões envolvidos em confusões e perseguições pelas ruas de Los Angeles.

Novas mudanças
Os Trapalhões passou por uma reformulação em março de 1986, quando Walter Lacet assumiu a direção do programa. A principal novidade foi a criação de quadros dirigidos especificamente para crianças. Embora fosse um humorístico bastante abrangente, o programa sempre teve grande apelo junto ao público infantil, com uso freqüente de efeitos especiais. Renato Aragão classifica seu humor como primordialmente simples e de fácil assimilação. Outra mudança foi a diminuição do número de esquetes independentes em favor de quadros que reuniam Didi, Dedé, Mussum e Zacarias. Atores do elenco da TV Globo que, em geral não costumavam aparecer em humorísticos, foram convidados especiais do programa. Em agosto, Carlos Manga assumiu a direção. O número de gravações externas aumentou e os esquetes, agora mais curtos e rápidos, passaram a ser interligados. Dedé Santana passou a ser também co-diretor.A equipe de redação nessa época contava com Geraldo Alves, Gugu Olimecha, Expedito Faggioni, Humberto Ribeiro, Emanoel Rodrigues, Além do próprio Renato Aragão e Celso Magno, o baiaco, que era também o dublê de Renato Aragão nas cenas perigosas. Carlos Alberto da Nóbrega e Roberto Silveira assinavam a redação final.

Vinte anos de gargalhadas e alegrias
No Domingo, dia 28 de dezembro de 1986, os Trapalhões comemoraram 20 anos de carreira com um programa especial dedicado à Campanha do Menor Carente, que marcava o início de uma série de campanhas que levaria ao ar pela TV Globo no decorrer do ano seguinte. Transmitido ao vivo do Teatro Fênix, O Especial 20 Anos Trapalhões – Criança Esperança foi ao ar às 11 da manhã e se estendeu por nove horas. Em cada um dos seus 28 blocos, fazia-se um balanço das doações da campanha e eram exibidas vinhetas sobre os direitos das crianças, entrevistas com convidados e documentários sobre experiências de apoio e recuperação de menores de rua. A partir de então, a TV Globo passou a exibir anualmente o especial Criança Esperança. O Especial do 1º Show do Criança Esperança foi dirigido por Victor Paranhos e supervisionado geralmente por Walter Lacet.

Reformulações
Em 1987, ocorreram novas mudanças: Maurício Tavares assumiu a direção e inseriu quadros inéditos, além de humorísticos musicais (com a presença de cantores convidados). Em 1988, Wilton Franco assumiu a redação final e direção geral do programa, que ganhou shows ao vivo com a participação do público e o público infantil passou a ganhar mais atenção, com brincadeiras, atrações e quadros voltados para esse público. O quarteto ainda se tornou parte integrante do elenco do extinto programa de rádio A Turma da Maré Mansa, transmitido pela Rádio Globo. Nesse ano o novo quadro fixo, Quartel Trapalhão foi criado e tornou-se um grande sucesso. Os soldados eram o quarteto, além de atores que participavam e provocavam o Sargento Pincel, interpretado por Roberto Guilherme.

Sem Zacarias (1990 - 1993)
No dia 18 de março de 1990, Zacarias veio a falecer vítima de insuficiência respiratória, antes mesmo de se iniciar a temporada do programa daquele ano. Segundo Renato Aragão, o impacto da morte do companheiro por pouco não representou o fim do grupo. Ele conta que, uma vez decidido que eles continuariam a trabalhar como forma de homenagear a memória de Zacarias, a estrutura d'Os Trapalhões precisou ser reinventada de forma a suprir a ausência do amigo. De fato, o programa que foi ao ar naquele ano, com direção geral de Wilton Franco e supervisão de criação de Chico Anysio, trouxe mudanças significativas. O humorístico passou a ser dividido em duas partes. A primeira apresentava shows musicais e esquetes de humor em que Didi, Dedé e Mussum contracenavam com vários comediantes convidados. No mesmo ano, fazia a sua estreia no programa o cantor Conrado, que era o galã do grupo e ficou por três anos e 9 meses no programa, além da sua atual mulher, a ex-Paquita Andréia Sorvetão.
A segunda parte trazia sempre uma aventura passada no Trapa Hotel. Um estabelecimento meio decadente que tenta a todo custo se manter apesar das confusões do gerente Didi; do secretário de esportes e lazer Dedé e do segurança Mussum. Os demais funcionários eram Divino (Jorge Lafond), Sorriso (Tião Macalé) e o diretor Batatinha (Roberto Guilherme). A atriz mirim Duda Little tinha participação no quadro como filha adotiva e melhor amiga de Didi. Criado pela cenógrafa Leila Moreira, o cenário do Trapa Hotel - construído no Teatro Fênix – tinha dois andares, elevador panorâmico e porta de entrada giratória. O Trapa Hotel continuou a ser exibido em 1991, mas a primeira parte do programa sofreu mudanças. O palco do Teatro Fênix se transformou em um bairro típico de uma grande metrópole, com prédios altos, letreiros em néon, becos escuros, carros passando e muita fumaça. Nesse cenário, cantores convidados se apresentavam e novos quadros fixos - como a Oficina dos Picaretas e O Filho do Computador, e eram encenados enquetes com alguns personagens que haviam aparecido no ano anterior, como o anão Ananias, feito por Renato Aragão. A redação final do programa ficava a cargo de Renato Aragão e do diretor Wilton Franco. Chico Anysio continuava supervisor de criação.
Em 1991, o programa passa por outra reformulação: o rap tomou conta do grupo, que mostrava um bairro típico de qualquer cidade grande, onde aconteciam shows de cantores convidados e novos quadros, como a Oficina dos Picaretas e O Filho do Computador. Maurício Sherman Passou a dirigir o programa, junto com Wilton Franco.

25 anos de trapalhadas
Em julho, para celebrar os 25 anos dos Trapalhões, a TV Globo apresentou uma programação especial, com 25 horas de duração, durante a qual foram lançadas campanhas de conscientização sobre os direitos da criança, com arrecadação de donativos para as obras da Unicef. O 6º Show Especial do programa Criança Esperança teve apenas 6 horas de duração.
As comemorações tiveram início no sábado, dia 27, a partir de uma matéria do Jornal Nacional, seguida de flashes ao vivo do Teatro Fênix. No dia 28, a programação teve início às 7 horas com a missa celebrada ao vivo pelo cardeal D. Eugênio Salles e terminou no fim da noite, no Teatro Fênix, com a despedida e o agradecimento dos Trapalhões ao público. O Especial Festa da Amizade -25 Anos Trapalhões teve direção de Wilton Franco e Maurício Sherman e direção geral de Aloysio Legey e Walter Lacet.

Vila Vintém
Em março de 1992, foi estreada a A Vila Vintém, que mostrava histórias passadas em uma rua de subúrbio, além da Agência Trapa Tudo. Didi era o vagabundo "Bonga", personagem que já havia interpretado em filme dos anos 1970, e acolhia a menina "Tininha" (Alessandra Aguiar), fugida de um orfanato – o primeiro quadro da dupla fez clara referência ao O garoto, de Charles Chaplin; Dedé era o dono de uma oficina; Mussum o mordomo de uma casa rica.

Inovações
Com a missão de renovar a linguagem d'Os Trapalhões, José Lavigne assumiu a direção geral em 1993 e promoveu modificações radicais no programa. A plateia foi abolida e os esquetes deixaram de ser pontuados pelas risadas da claque. A primeira parte do programa trazia esquetes variados em que Didi, Dedé e Mussum contracenavam com o elenco do ano anterior. Alguns desses esquetes eram fixos, como Os piratas, em que os Trapalhões, caracterizados como os próprios piratas, apareciam nas situações mais inusitadas, e também bastava Didi mencioná-la para aparecerem repentinamente uma multidão de piratas para atacar todos os presentes na cena. A origem do quadro deu-se devido à frase OOS PIRATAAA!, que Didi repetia várias vezes durante as cenas da temporada de 1993, e que acabou dando origem ao quadro fixo, assim como criou outros quadros, como O Mestre (pronunciado do mesmo jeito de OOS PIRATA: OOO MESTRE!), que se passava em um templo onde Mussum era um velho mestre chinês e Didi era Bruce Lindo, seu aprendiz. A redação final era de João Motta, a colaboração foi de Casseta & Planeta, Urgente!, os diretores assistentes eram Márcio Trigo e Paulo Aragão e a direção geral cabeu a José Lavigne.
A segunda parte do programa, em 1993 era dedicada à comédia Nos cafundós do brejo, escrita pelos humoristas do Casseta & Planeta e pelo dramaturgo Carlos Lombardi. Com uma linguagem entre o sitcom e as histórias em quadrinhos, o quadro mostrava o cotidiano de Zé do Brejo, personagem de Renato Aragão, e sua vida numa fazenda caindo aos pedaços. No elenco também estavam Alessandra Aguiar, Sérgio Mamberti, Chico Diaz, Letícia Spiller e Roberto Bomtempo.

Morte de Mussum
Em 29 de julho de 1994, quando Mussum morreu, em decorrência de problemas no coração, Renato Aragão conta que achou que sua carreira havia chegado ao fim. Depois de prosseguir durante um tempo, o humorista decidiu parar de gravar o programa. Nesse ano, o programa deixou de gravar quadros para exibir apenas reprises, que continuaram até a reestreia do programa, em 1995.
Versões compactas de 25 minutos com os melhores momentos dos Trapalhões desde a estreia em 1977 passaram a ser exibidos de segunda à sexta, às 17h. A direção era de Fernando Gueiros, com supervisão geral de Maurício Sherman.

Tudo novo em 1995
Os Trapalhões só voltou ao ar em 1995, exibido nas tardes de domingo e dirigido por Paulo Aragão Neto, filho de Renato Aragão. Nessa fase, as reprises dos melhores momentos continuaram a ser apresentadas no programa. Em um cenário idealizado por Leila Moreira – um palco fixo de 360°, cercado pela platéia e com um fundo composto por um telão com nove telas planas e mais 25 monitores, que faziam uma moldura em torno das telas –, Didi e Dedé organizavam brincadeiras com a plateia e recebiam artistas convidados, com quem comentavam os esquetes e relembravam suas participações no programa. A função de recepcionar os convidados também cabia às Didicas, duas assistentes de palco vividas por Terezinha Elisa e Roberto Guilherme. As Didicas também participavam das gags com os Trapalhões e apresentavam coreografias entre um quadro e outro. O figurino da dupla era temático, idealizado por Lulu Areal de acordo com os convidados do programa. Já Renato Aragão e Dedé Santana trajavam um figurino sóbrio, diferente de todos os que já usaram no programa. No encerramento, manteve-se a tradição de se mencionar as campanhas da Unicef em prol das crianças carentes. Em julho, o programa estreou o quadro Plantão Trapalhão, no qual Alessandra Aguiar apresentava entrevistas curtas feitas com personalidades, transmitidas através do telão, e contracenava com Renato Aragão no palco. Em agosto, o programa ainda apresentou novas mudanças: Didi e Dedé estrelavam versões bem-humoradas de clássicos infantis e esquetes com a participação de humoristas como Tom Cavalcante e Eliezer Motta, entre outros. Mas nesse mesmo mês, Os Trapalhões deixou de ser transmitido.

Trinta anos de grandes alegrias e emoções
Em 1996, os comediantes e humoristas Renato Aragão e Dedé Santana foram os apresentadores do 11º Show especial do programa Criança Esperança, Os Trapalhões 30 Anos. Esse especial reuniu parte de todo o grande elenco da Globo e artistas diversos. O especial Criança Esperança, Os Trapalhões 30 Anos foi criado por Aloysio Legey, Paulo Netto e Mauro Monteiro, teve direção de Aloysio Legey e Paulo Netto e direção geral e direção de núcleo de Aloysio Legey. O especial também homenageou os 30 Anos do Programa e do Grupo Humorístico Os Trapalhões, representados pela dupla humorística Didi e Dedé (Renato Aragão e Dedé Santana). O humorístico Os Trapalhões seria extinto definitivamente em 1997.

Atualmente
Após várias discussões e debates na Rede Globo, Santana reergueu sua parceria com Aragão no programa de televisão A Turma do Didi, dirigido por Guto Franco. O episódio foi transmitido no domingo,dia 22 de junho de 2008 e contou com a participação dos amigos juntos.Após os momentos de nostalgia e brincadeiras entre a equipe técnica, que confirma que Didi ficou à vontade ao trabalhar com Dedé, o elenco surpreendeu-os com bolo e festa pela presença do humorista novamente na trupe. Foram quase quinze anos de distância profissional, mas a amizade, dizem eles, continua a mesma. Apesar de toda a alegria do reencontro, nenhuma menção ao extinto Os Trapalhões foi feita. "Reviver o passado é muito duro para nós dois. Não podemos fazer nenhuma referência; foi uma época de ouro, agora é outro trabalho, novos tempos", explica Aragão, o Didi[carece de fontes].
Comenta-se que a Globo resistiu mas sem nunca recusar a possibilidade dos últimos integrantes trabalharem juntos novamente[carece de fontes]. Para os antigos fãs da série, este acontecimento marcou um real acordo entre os dois "trapalhões" remanescentes.

Reprises

Desde 1994,quando Mussum faleceu,a Rede Globo reprisava os trapalhões. Em 1998, por exemplo,as reprises eram diárias as 11h30 da manhã. Em agosto de 2000,as reprises foram extintas,só voltando em 2010 dentro do Aventuras do Didi,comemorando 50 anos do didi.[carece de fontes]Abertura

A abertura original d'Os Trapalhões foi concebida por Hans Donner em 1977. Era um desenho animado que mostrava Didi, Dedé, Mussum e Zacarias numa sequência de situações absurdas. Entre outras aventuras, os quatro escapavam de ser atropelados por uma locomotiva, fugiam da perseguição de um tubarão, atravessavam o sertão vestidos como cangaceiros e subiam a bordo de um navio pirata no qual Didi aparecia como capitão, usando uma perna-de-pau. Tudo isso ao som do tema instrumental que acompanharia o grupo ao longo dos anos, composto pelo diretor musical do programa José Menezes França.O programa ganhou nova abertura de Hans Donner em 1987. Dessa vez, os quatro comediantes gravaram todas as cenas em película, como se estivessem contracenando com outros atores.
Depois, suas imagens foram coloridas por computador e foram inseridos desenhos animados. Como na primeira abertura, os Trapalhões eram mostrados em diversas situações cômicas, mas, dessa vez, os traços realistas ressaltavam o absurdo das gags: Dedé era um frentista de posto de gasolina que, distraído com a passagem de uma mulher de biquíni, quase afogava um cliente com combustível; Mussum era um pescador que secava um rio quando acidentalmente arrancava a tampa de um ralo imaginário gigante; Zacarias era um caçador embrenhado na mata que levava um ovo na cara quando tentava atirar num passarinho; e Didi, um presidiário que fazia embaixadas com a bola de ferro presa ao seu tornozelo, dava um belo chute de bicicleta e era catapultado para fora dos muros da prisão. Renato Aragão lembra que teve que repetir a cena da bicicleta diversas vezes, sem dublê, até que o diretor se desse por satisfeito com o resultado. Para começar, pela primeira vez, desde a estreia, os humoristas não apareciam na vinheta de abertura. Dessa vez, uma animação mostrava as letras da logomarca do programa executando um balé no vídeo até que, por fim, se uniam para formar as palavras “Os Trapalhões”. em 1992 eles três voltaram com uma nova abertura: Mussum-o guarda de trânsito atrapalhado, Dedé um tocador de flauta ilusionista e Didi um domador de elefante. Em 1993, uma última abertura foi criada por Hans Donner, dessa vez, os três protagonistas eram marionetes manipulado pelos próprios.
Em 31 de Julho de 1994, com a morte de Mussum, foi intitulado como "os melhores momentos de todos os tempos"… a abertura ficou similar com a anterior, e contava com diversas montagens de todas as aberturas.

Os Trapalhões em Portugal

O programa em Portugal contava apenas com Dedé Santana e Renato Aragão, também conhecido como "Didi Mocó". Na versão produzida pela SIC a série não contava com Zacarias e Mussum, que já tinham falecido à altura.
Convidados pela SIC para repetirem a proeza que fizeram no Brasil, fizeram então "Os Trapalhões em Portugal". A série durou dois anos, de 1995 a 1997.
Para além de Didi e Dedé, o show também contava com alguns atores portugueses, como José Boavida, Carlos Sebastião, João Didelet, Raquel Almeida, Rita Blanco, Ana Luís e João Vaz.

Filmes

Década de 1960

Ano	Título	Formação				Diretor	Companhia	Notas
Ano	Título	Didi	Dedé	Mussum	Zacarias	Diretor	Companhia	Notas
1965	Na Onda do Iê-Iê-Iê					Aurélio Teixeira	Jarbas Barbosa Produções Cinematográficas
1966	Adorável Trapalhão					J. B. Tanko	J.B. Tanko Filmes
1967	Dois na Lona					Carlos Alberto de Souza Barros	Herbert Richers Produções Cinematográficas
1968	A Ilha dos Paqueras					Fauzi Mansur	Indústria Nacional de Filmes (I.N.F.) e Titanus Filmes
1969	Bonga, o Vagabundo					Victor Lima	Herbert Richers Produções Cinematográficas

]Década de 1970

Ano	Título	Formação				Diretor	Companhia	Notas
Ano	Título	Didi	Dedé	Mussum	Zacarias	Diretor	Companhia	Notas
1972	Ali Babá e os Quarenta Ladrões					Victor Lima	Jarbas Barbosa Produções Cinematográficas
1973	Aladim e a Lâmpada Maravilhosa					J. B. Tanko	Embrafilme,Jarbas Barbosa Produções Cinematográficas e Produções Cinematográficas R.F. Farias
1973	Robin Hood, o Trapalhão da Floresta					J. B. Tanko	Embrafilme, J.B.Tanko Filmes, Atlântida Cinematográfica e Jarbas Barbosa Produções Cinematográficas
1974	O Trapalhão na Ilha do Tesouro					J. B. Tanko	Embrafilme, J.B.Tanko Filmes e Renato Aragão Produções
1975	Simbad, o Marujo Trapalhão					J. B. Tanko	J.B.Tanko Filmes e Embrafilme
1976	O Trapalhão no Planalto dos Macacos					J. B. Tanko	J.B.Tanko Filmes e Embrafilme
1977	O Trapalhão nas Minas do Rei Salomão					J. B. Tanko	J.B.Tanko Filmes
1978	Os Trapalhões na Guerra dos Planetas					Adriano Stuart	Central Globo de Produção e Renato Aragão Produções Artísticas
1979	O Cinderelo Trapalhão					Adriano Stuart	Renato Aragão Produções Artísticas
1979	O Rei e os Trapalhões					Adriano Stuart	Renato Aragão Produções Artísticas

]Década de 1980

Ano	Título	Formação				Diretor	Companhia	Notas
Ano	Título	Didi	Dedé	Mussum	Zacarias	Diretor	Companhia	Notas
1980	Os Três Mosqueteiros Trapalhões					Adriano Stuart	Renato Aragão Produções Artísticas
1980	O Incrível Monstro Trapalhão					Adriano Stuart	Renato Aragão Produções Artísticas
1981	O Mundo Mágico dos Trapalhões					Silvio Tendler	Renato Aragão Produções Artísticas
1981	Os Saltimbancos Trapalhões					J. B. Tanko	Renato Aragão Produções Artísticas e Embrafilme
1982	Os Vagabundos Trapalhões					J. B. Tanko	Renato Aragão Produções Artísticas
1982	Os Trapalhões na Serra Pelada					J. B. Tanko	Renato Aragão Produções Artísticas e Embrafilme
1983	O Cangaceiro Trapalhão					Daniel Filho	Renato Aragão Produções Artísticas
	Atrapalhando a Suate					Dedé Santana	DeMuZa Cinema	Produzido durante a separação d'Os Trapalhões
	O Trapalhão na Arca de Noé					Del Rangel	Renato Aragão Produções Artísticas	Produzido durante a separação d'Os Trapalhões
1984	Os Trapalhões e o Mágico de Oróz					Dedé Santana	Renato Aragão Produções Artísticas e DeMuZa Cinema
1984	A Filha dos Trapalhões					Dedé Santana	Renato Aragão Produções Artísticas e DeMuZa Cinema
1985	Os Trapalhões no Reino da Fantasia					Dedé Santana	Renato Aragão Produções Artísticas e Mauricio de Sousa Produções
1985	Os Trapalhões no Rabo do Cometa					Dedé Santana	Renato Aragão Produções Artísticas e Mauricio de Sousa Produções
1986	Os Trapalhões e o Rei do Futebol					Carlos Manga	Embrafilme,Renato Aragão Produções Artísticas e Pelé-Saad Comunicações e Empreendimentos
1987	Os Trapalhões no Auto da Compadecida					Roberto Farias	Renato Aragão Produções Artísticas e Produções Cinematográficas R.Farias
1987	Os Fantasmas Trapalhões					J.B. Tanko	Renato Aragão Produções Artísticas e DeMuZa Cinema
1988	Os Heróis Trapalhões - Uma Aventura na Selva					José Alvarenga Jr.	Renato Aragão Produções Artísticas,DeMuZa Cinema,Art Filmes,Cinematográfica Sul e Ponto Filmes
1988	O Casamento dos Trapalhões					José Alvarenga Jr.	Renato Aragão Produções Artísticas,ZDM Produções,Art Filmes e Columbia Pictures
1989	A Princesa Xuxa e os Trapalhões					José Alvarenga Jr.	Renato Aragão Produções Artísticas,ZDM Produções,Xuxa Produções,Art Filmes e Columbia Pictures
1989	Os Trapalhões na Terra dos Monstros					Flávio Migliaccio	Renato Aragão Produções Artísticas e ZDM Produções

]Década de 1990

Ano	Título	Formação				Diretor	Companhia	Notas
Ano	Título	Didi	Dedé	Mussum	Zacarias	Diretor	Companhia	Notas
1990	Uma Escola Atrapalhada					Antonio Rangel	Renato Aragão Produções Artísticas,ZDM Produções Artísticas,Embrafilme,Columbia Pictures e Art Films
1990	O Mistério de Robin Hood					José Alvarenga Jr.	Renato Aragão Produções Artísticas,ZDM Produções Artísticas,Xuxa Produções,DreamVision,Art Films e Columbia Pictures
1991	Os Trapalhões e a Árvore da Juventude					José Alvarenga Jr.	Renato Aragão Produções Artísticas,ZDM Produções Artísticas,Art Films e Columbia Pictures

]Período pós-Retomada

Filmes de Renato Aragão após a Retomada do cinema brasileiro:

Ano	Título	Formação				Diretor(es)	Companhia	Notas
Ano	Título	Didi	Dedé	Mussum	Zacarias	Diretor(es)	Companhia	Notas
1997	O Noviço Rebelde					Tizuka Yamazaki	Renato Aragão Produções Artísticas,Art Filmes e Columbia Pictures
1998	Simão, o Fantasma Trapalhão					Paulo Aragão	Renato Aragão Produções Artísticas,Globo Filmes e Columbia Pictures
1999	O Trapalhão e a Luz Azul					Paulo Aragão, Alexandre Boury	Renato Aragão Produções Artísticas,Globo Filmes e Lumiére Filmes
2000	Um Anjo Trapalhão					Alexandre Boury, Marcelo Travesso	Renato Aragão Produções Artísticas,Globo Filmes,Megacolor,Tibet Film e Curt e Alex Associados
2003	Didi, o Cupido Trapalhão					Paulo Aragão, Alexandre Boury	Renato Aragão Produções Artísticas e Diler & Associados
2004	Didi Quer Ser Criança					Alexandre Boury e Fernando Boury	Renato Aragão Produções Artísticas,Xuxa Produções,Globo Filmes,Columbia Tristar do Brasil e Diler & Associados
2006	Didi, o Caçador de Tesouros					Marcus Figueiredo	Renato Aragão Produções Artísticas,Buena Vista International Pictures,Globo Filmes,Miravista e Diler & Associados
2006	O Cavaleiro Didi e a Princesa Lili					Marcus Figueiredo	Renato Aragão Produções Artísticas
2008	O Guerreiro Didi e a Ninja Lili					Marcus Figueiredo	Renato Aragão Produções Artísticas,Buena Vista International Pictures,Globo Filmes,Miravista e Diler & Associados

Livros
Os Trapalhões possuem dois livros que retratam seu trabalho. O primeiro, lançado em 1996, tem o nome Ô Psit, o Cinema Popular dos Trapalhões, da gaúcha Fatimarley Lunardelli. A obra, com tom acadêmico, desvenda as fórmulas usadas pelo quarteto para fazer sucesso também nas salas de cinema. O segundo livro, Os Adoráveis Trapalhões, é de 2007, e foi escrito por Luís Joly, o mesmo autor de Chaves: Foi sem Querer Querendo?. A obra de Joly conta o nascimento, o auge e a separação do grupo, desde a formação original até a última fase, em Portugal.

Homenagem
Em 1988 a escola de samba Unidos do Cabuçu prestou homenagem aos Trapalhões com o samba-enredo O mundo mágico dos Trapalhões[3]

Elenco

Ao longo de todos esses anos, fizeram parte do elenco de Os Trapalhões, entre muitos outros: Álvaro Aguiar, Andrea Veiga, Andréia Faria, Angelito Mello, Augusto Olímpio, Aurimar Rocha, Bia Seidl, Carlos Eduardo Dolabella, Carlos Koppa, Carlos Kroeber, Carlos Kurt, Carlos Leite, Catalano, Catita Soares, Celso Magno, Cláudio Lisboa, Colé Santana, Conrado, Cristina Mullins, Cristina Nunes, Darcy de Souza, Dary Reis, Dayse Benvolff, Denny Perrier, Dilma Lóes, Dino Santana, Duda Little, Eduardo Conde, Eliana Ovalle, Érica Nunes, Esmeralda Barros, Felipe Levy, Fernando Multedo, Fernando Reski, Glória Costa, Gilliane, Humberto Freddy, Iran Lima, Isaac Bardavid, Ivan Mesquita, Ivan Setta, Ivon Cury, Jandir Motta, Jece Valadão, João Carlos Barroso, Jorge Cherques, Jorge Lafond, José Augusto Branco, Lady Francisco, Lúcio Mauro, Luiz Armando Queiróz, Marcelo Barauna, Mariette, Marilu Bueno, Marli Mendes, Marta Bianchi, Marta Pietro, Maurício do Valle, Monique Evans, Nelson Caruso, Oberdan Junior, Olney Cazarré, Osmar Prado, Paulo Figueiredo, Paulo Nolasco, Paulo Rodrigues, Pepita Rodrigues, Roberto Guilherme, Roberto Lee, Rossane Campos, Sandoval Motta, Sandra Barsotti, Selma Lopes, Silvia Massari, Silvino Neto, Sônia Maria, Sônia Marmeide, Ted Boy Marino, Terezinha Elisa, Tião Macalé, Waldemar Rocha, Walter Santos, Walter Stuart e Wanderley Cardoso.

Jô Soares

2011-08-15T18:46:00.000-07:00

                            Jô Soares

Jô Soares apresentando o Programa do Jô
Nome completo   José Eugênio Soares
Outros nomes   Jô Soares
Jô
Nascimento   16 de janeiro de 1938 (73 anos)
Rio de Janeiro, RJ
Brasil
Nacionalidade   Brasileiro(a)
Ocupação   humorista
apresentador de televisão
escritor
artista plástico
diretor teatral
ator
músico
Altura   1,68 m
Trabalhos notáveis   Família Trapo
Faça Humor, Não Faça Guerra
Satiricom
Viva o Gordo
Veja o Gordo
Jô Soares Onze e Meia
Programa do Jô
Atividade   1966 - até hoje
Página oficial do Programa do Jô Página oficial
IMDb: (inglês) (português)
José Eugênio Soares (Rio de Janeiro, 16 de janeiro de 1938), mais conhecido como Jô Soares ou simplesmente Jô, é um humorista, apresentador de televisão, escritor, artista plástico, dramaturgo, diretor teatral, músico e ator brasileiro.

Biografia

Filho do casal paraibano Orlando Soares, empresário, e Mercedes Leal, dona-de-casa, Jô queria ser diplomata quando criança. Estudou no Colégio São Bento do Rio de Janeiro e em Lausanne na Suíça, no Lycée Jaccard, com este objetivo. Porém, percebeu que o senso de humor apurado e a criatividade inatas apontavam-no para outra direção.[1]
Dono de um talento versátil, além de atuar, dirigir, escrever roteiros, livros e peças de teatro, Jô Soares também é apreciador de jazz e chegou a apresentar um programa de rádio na extinta Jornal do Brasil AM, no Rio de Janeiro, além de uma experiência na também extinta Antena 1 Rio de Janeiro.
[editar]Vida pessoal
Entre 1959 e 1979, Jô Soares foi casado com a atriz Teresa Austregésilo. Com ela teve um filho: Rafael Soares (nascido em 1964). De 1980 a 1983, a atriz Sílvia Bandeira, doze anos mais nova, foi sua esposa. Já namorou a atriz Mika Lins. Em 1987, casou-se com a designer gráfica Flávia Junqueira Pedras Soares, de quem se separou em 1998. Atualmente os dois tem sido vistos juntos novamente.[2] O apresentador admitiu sofrer de TOC. Em sua casa os quadros precisam estar tombados levemente para a direita.[3] É sobrinho de Kanela, ex-técnico da seleção brasileira de basquete.

Poliglota

O apresentador fala, com diferentes níveis de desenvoltura, cinco idiomas (português, inglês, francês, italiano e espanhol). Ele até mesmo traduziu edições de Barbarella do francês.

Filmografia

1954 - Rei do Movimento, de Victor Lima e Hélio Barroso
1956 - De Pernas pro Ar, de Victor Lima
1957 - Pé na Tábua, de Victor Lima com roteiro de Chico Anysio
1959 - Aí Vêm os Cadetes, de Luiz de Barros
1959 - O Homem do Sputnik, de Carlos Manga
1960 - Vai que É Mole, de J. B. Tanko
1960 - Tudo Legal, de Victor Lima
1965 - Pluft, o Fantasminha, de Romain Lesage a partir do texto teatral de Maria Clara Machado
1965 - Ceará contra 007, de Marcos Cesar
1968 - Hitler III Mundo, de José Agrippino di Paula
1968 - Papai Trapalhão, de Victor Lima
1969 - Agnaldo, Perigo à Vista (participação), de Reynaldo Paes de Barros
1969 - A Mulher de Todos, de Rogério Sganzerla
1971 - Nenê Bandalho, de Emílio Fontana a partir de uma curta história de Plínio Marcos
1973 - Amante muito Louca, de Denoy de Oliveira
1979 - Tangarela, a Tanga de Cristal, de Lula Campelo Torres
1976 - O Pai do Povo, com roteiro e direção de Jô Soares
1986 - Cidade Oculta, de Chico Botelho, com participação de Arrigo Barnabé
1995 - Sábado, roteiro e direção de Ugo Giorgetti
2001 - O Xangô de Baker Street, produção cinematográfica a partir do romance homônimo dele mesmo Jô Soares, com direção de Miguel Faria Júnior. O filme contou com as participações internacionais de Maria de Medeiros e Joaquim de Almeida.
2003 - Person, documentário de Marina Person
2004 - A Dona da História, a partir da peça teatral homônima de João Falcão com direção de Daniel Filho

Carreira como ator de televisão

1967 - Em "Família Trapo", roteirizava ao lado de Carlos Alberto de Nóbrega e atuava como Gordon, o mordomo - TV Record-SP.
1970 - "Faça Humor, Não Faça Guerra" foi primeiro humorístico da TV Globo a contar a com a participação do comediante. O programa em meio à Guerra Fria e ao conflito do Vietnã brincava com o slogan pacifista hippie "Make love, don't make war" (Faça amor, não faça a guerra).
1973 - "Satiricom", novo humorístico da TV Globo, com direção de Augusto César Vanucci, realizava roteiros com Max Nunes e Haroldo Barbosa. A atração satirizava o título do filme homônimo de Federico Fellini - "Satyricon". Na promoção do programa, todavia, diziam que era a "sátira da comunicação" num mundo que tinha virado uma "aldeia global", expressão que esteve na moda depois dos primeiros anos da TV via satélite.
1976 - "Planeta dos Homens", nova sátira com o cinema - desta vez, a série cinematográfica "O Planeta dos Macacos", atuava com roteiros de Haroldo Barbosa.
1981 - "Viva o Gordo", com direção de Walter Lacet e Francisco Milani, foi o primeiro programa solo dele. Tinha roteiros de Armando Costa. Deu origem ao espetáculo do gênero "one man show" de Jô chamado "Viva o Gordo, Abaixo o Regime" (sátira explícita ao Golpe Militar de 1964 ainda vigente àquela época). As aberturas do programa brincavam com efeitos especiais usando técnica de inserção de imagens de Jô entre cenas famosas do cinema (como em "Cliente Morto Não Paga" e "Zelig") ou "contracenando" com políticos nacionais e internacionais, como Orestes Quércia, Jânio Quadros, Ronald Reagan etc.
1982 - Participação no "Chico Anysio Show".
1983
Participação no musical infantil "Plunct, Plact, Zuuum".
Comentários no Jornal da Globo até 1987.
1988 - "Veja o Gordo", estreia no SBT com o mesmo estilo do "Viva o Gordo" da Rede Globo.
2000 - Participação no especial de Natal do programa "Sai de Baixo" - episódio "No Natal a Gente Vem Te Mudar" (sátira ao título da peça de Naum Alves de Souza, "No Natal a Gente Vem Te Buscar". Também neste ano estréia o talk-show Programa do Jô, na Rede Globo, onde entrevista diversas personalidades das mais variadas áreas, seguindo até hoje no ar.

Publicações

O astronauta sem regime, L&PM - 1985;
O Xangô de Baker Street, Cia. das Letras - 1995;
O Homem que Matou Getúlio Vargas, Cia. das Letras - 1998;
Assassinatos na Academia Brasileira de Letras, Cia. das Letras - 2005.

Ronald Golias

2011-08-14T18:46:00.001-07:00

                           Ronald Golias

Ronald Golias
Nome completo     Ronald Golias
Nascimento     4 de Maio de 1929
São Carlos, SP
Brasil
Morte     27 de setembro de 2005 (76 anos)
São Paulo, Brasil
Ocupação     Ator e humorista
Cônjuge     Lúcia Melo Machado
Trabalhos notáveis     Carlos Bronco (Família Trapo)
Pacífico (Escolinha do Golias e A Praça É Nossa)
IMDb: (inglês) (português)

Ronald Golias (São Carlos, 4 de maio de 1929 — São Paulo, 27 de setembro de 2005) foi um humorista brasileiro, considerado um dos pioneiros da televisão no país.

Índice

1 Juventude e começo de carreira
    2 Cinema e consagração na TV
    3 Trabalhos posteriores
    4 Doença e morte
    5 Homenagens
    6 Filmografia
    7 Notas e referências
    8 Ligações externas

Juventude e começo de carreira

Nascido em família humilde, era filho de Conceição D'Aparecida Golias e Arlindo Golias. O pai, fã do artista Ronald Colman, resolveu chamar o filho de Ronald. Sua estréia nos palcos foi aos 8 anos de idade, como artista amador, na Escola Dante Alighieri em São Carlos.[1]

Mudou-se para São Paulo em 1940. Trabalhando como alfaiate e funileiro, começou a praticar natação no Clube Regatas Tietê, onde posteriormente entraria para o grupo Acqua Loucos, um dos precursores em espetáculos aquáticos no Brasil. Por sugestão de Golias, as apresentações passaram a ter uma parte com diálogos; suas performances com a trupe acabaram por levá-lo a participar do programa Calouros em Cena, da Rádio Cultura.[1][2]

Nos anos 50, com o fim dos programas produzidos pela emissora, Golias passou a integrar a equipe de artistas da Rádio Nacional. Foi então que conheceu Manuel de Nóbrega, que em 1957 o convidou a participar do humorístico A Praça da Alegria, que estreara naquele mesmo ano pela TV Paulista.[1][2][3]

Cinema e consagração na TV

Golias despontou para a fama a partir de seu trabalho na Praça. Interpretando o inquieto Pacífico (do bordão "Ô Cride, fala pra mãe..."), ele acabou tornando-se uma das estrelas da ainda incipiente televisão brasileira.[2]

Com o sucesso na TV, ele foi convencido por Herbert Richers a entrar para o cinema. A iniciativa a princípio foi complicada; com agenda ocupada na televisão, o humorista enfrentou dificuldades em conciliar as gravações. Seu primeiro filme foi a comédia Um Marido Barra Limpa (1957), de Luís Sérgio Person. Participou também de Os Três Cangaceiros (1961), de Victor Lima, quando contracenou com Ankito e Grande Otelo. Entre seus últimos trabalhos cinematográficos estão O Dono da Bola (1961) e Golias contra o Homem das Bolinhas (1969).[4]

Não alcançando grande impacto no cinema, a atenção de Golias voltou-se novamente para a televisão. Trouxe consigo das telas o personagem Carlos Bronco Dinossauro, que acabaria tornando-se um dos destaques da Família Trapo, programa exibido pela TV Record entre 1967 e 1971. Contracenando com Jô Soares, Ricardo Corte-Real, Cidinha Campos, Renata Fronzi e Otelo Zeloni, Golias consagrou-se definitivamente como um dos mais célebres humoristas do Brasil.[5]
[editar] Trabalhos posteriores
"Pacífico", um dos mais marcantes personagens de Golias

Em 1979, Golias protagonizou na Globo o seriado Superbronco. Criado por Boni, o programa foi considerado um fracasso, durando apenas 29 episódios. Nos anos 80 foi para a Bandeirantes, onde estrelou o humorístico Bronco.[6]

Em junho de 1990, passou a integrar o elenco fixo da Praça é Nossa, no SBT, onde permaneceu até 2005 interpretando personagens como O Profeta, Bronco, Pacífico e Professor Bartolomeu. Nesse meio tempo, foi protagonista na mesma emissora dos humorísticos Escolinha do Golias (com Nair Bello) e Meu Cunhado (com Moacyr Franco).[2]

Doença e morte

Na época da estréia de Meu Cunhado, em abril de 2004, Golias sofreu uma cirurgia para a implantação de um marcapasso. No mês seguinte voltou a ser internado em razão de um coágulo no cérebro. Seu estado de saúde a partir de então passou a se agravar.[7]

Em 8 de setembro de 2005, Golias foi internado no Hospital São Luiz, em São Paulo. Com quadro de infecção pulmonar, ele viria a morrer no final do mesmo mês em decorrência de uma infecção generalizada. Foi sepultado no Cemitério do Morumbi.[7]

Homenagens

Em 16 de setembro de 2007 a prefeitura de São Carlos inaugurou a praça Ronald Golias em homenagem ao humorista no bairro de cidade Aracy, e também está criando o Museu Ronald Golias na rua Geminiano Costa, 401 (na casa onde Golias residiu).

A cidade paulista de Serra Negra o homenageia com uma estátua em bronze,em tamanho real, onde está sentado em um banco da praça em frente à prefeitura da mesma cidade, com um olhar contagiante.

A partir de 2007, o SBT passou a retransmitir a Escolinha do Golias com muito sucesso. Apoiado nesse sucesso do programa, a TV Bandeirantes também decidiu repassar o programa Bronco no mesmo ano.

Recentemente, foi produzido um documentário sem fins lucrativos em sua homenagem.

Filmografia

    1969 - Golias Contra o Homem das Bolinhas (de Victor Lima)
    1968 - Agnaldo, Perigo à Vista (participação) (de Reynaldo Paes de Barros)
    1967 - Marido Barra-Limpa
    1963 - O Homem Que Roubou a Copa do Mundo (de Victor Lima)
    1962 - Os Cosmonautas (de Victor Lima)
    1961 - O Dono da Bola (de J.B. Tanko)
    1961 - Os Três Cangaceiros (de Victor Lima)
    1960 - Tudo Legal (de Victor Lima)
    1958 - Vou Te Contá (de Alfredo Palácios)
    1957 - Um Marido Barra-Limpa (de Renato Grechi)

Oscarito

2011-08-14T18:43:00.000-07:00

Oscarito

Oscarito e sua esposa Margot Louro em 1938
Nome completo   Oscar Lorenzo Jacinto de la Imaculada Concepción Teresa Diaz
Nascimento   16 de agosto de 1906
Málaga, Espanha
Nacionalidade   brasileira
Morte   4 de junho de 1970 (63 anos)
Rio de Janeiro
Ocupação   ator
Oscarito, pseudônimo de Oscar Lorenzo Jacinto de la Imaculada Concepción Teresa Diaz (Málaga, 16 de agosto de 1906 — Rio de Janeiro, 4 de agosto de 1970) foi um ator hispano-brasileiro, considerado um dos mais populares cômicos do Brasil. Ficou famoso pela dupla que fez com Grande Otelo, em comédias dirigidas por Carlos Manga e Watson Macedo.

Biografia

Nasceu em família circense, vindo para o Brasil com um ano de idade, mas somente naturalizou-se em 1949. Seu pai era alemão e a mãe portuguesa.
Estreou no circo aos cinco anos de idade, ali aprendeu a tocar violino, sendo ainda palhaço, trapezista, acrobata e ator.
Estreou no Teatro de revista em 1932, na peça Calma, Gegê, que satirizava o ditador Getúlio Vargas, de quem tornou-se amigo. No cinema estreou em Noites Cariocas, de 1935, embora tenha figurado num filme anterior, e foi nesta arte que ganhou enorme popularidade no país. Fez parceria com Grande Otelo em diversos filmes de chanchada.
Seu nome, no Brasil, era paralelo para os maiores humoristas do cinema, como Charles Chaplin ou Cantinflas.
Foi casado com Margot Louro, com quem teve dois filhos. Já aposentado, tentou imitar em casa seu pulo característico, tendo o acidente vascular que o matou, a 4 de agosto de 1970.[1]

Trabalhos

Assim era a Atlântida (1975)
Jovens Para Frente (1968)
A Espiã que Entrou em Fria (1967)
Crônica da Cidade Amada (1965)
Os Apavorados (1962)
Entre Mulheres e Espiões (1962)
Dois Ladrões (1960)
Duas Histórias (1960)
O Cupim (1959)
Pintando o Sete (1959)
O Homem do Sputnik (1959)
Esse Milhão é Meu 1958
De Vento em Popa (1957)
Treze Cadeiras (1957)
Vamos com Calma (1956)
Colégio de Brotos (1956)
Papai Fanfarrão (1956)
O Golpe (1955)
Guerra ao Samba (1955)
Matar ou Correr (1954)
Nem Sansão nem Dalila (1954)
Dupla do Barulho (1953)
Três Vagabundos (1952)
Carnaval Atlântida (1952)
Barnabé, tu és meu (1952)
Aí Vem o Barão (1951)
Aviso aos Navegantes (1950)
Carnaval no Fogo (1949)
Caçula do Barulho (1949)
É com Este que Eu Vou (1948)
Falta Alguém no Manicômio (1948)
E o Mundo se Diverte (1948)
Asas do Brasil (1947)
Este Mundo é um Pandeiro (1947)
Fantasma por Acaso (1946)
Não Adianta Chorar (1945)
Gente Honesta (1944)
Tristezas não Pagam Dívidas (1944)
O Dia é Nosso (1941)
Vinte e Quatro Horas de Sonho (1941)
Céu Azul (1940)
Banana da Terra (1938)
Bombonzinho (1938)
Está Tudo Aí! (1938)
Alô, Alô Carnaval (1936)
Noites Cariocas (1935)
A Voz do Carnaval (1933)

Amácio Mazzaropi

2011-08-14T18:42:00.000-07:00

Amácio Mazzaropi

Nome completo   Amacio Mazzaropi
Nascimento   9 de abril de 1912
São Paulo
Nacionalidade   Brasileiro
Morte   13 de junho de 1981 (69 anos)
Taubaté, São Paulo
Ocupação   ator, produtor, cantor,
Cônjuge   Geny Prado
Trabalhos notáveis   Jeca Tatu
IMDb: (inglês) (português)
Amácio Mazzaropi (São Paulo, 9 de abril de 1912 — Taubaté, 13 de junho de 1981) foi um ator e cineasta brasileiro.

Biografia

Filho de Bernardo Mazzaroppi, imigrante italiano e Clara Ferreira, portuguesa, com apenas dois anos de idade sua família muda-se para Taubaté, no interior de São Paulo. O pequeno Amácio passa longas temporadas no município vizinho de Tremembé, na casa do avô materno, o português João José Ferreira, exímio tocador de viola e dançarino de cana verde. Seu avô também era animador das festas do bairro onde morava, às quais levava seus netos que, já desde cedo, entram em contato com a vida cultural do caipira, que tanto inspirou Mazzaropi[1] .
Em 1919, sua família volta à capital e Mazzaropi ingressa no curso primário do Colégio Amadeu Amaral, no bairro do Belém. Bom aluno, era reconhecido por sua facilidade em decorar poesias e declamá-las, tornando-se o centro das atenções nas festas escolares. Em 1922 morre o avô paterno e a família muda-se novamente para Taubaté, onde abrem um pequeno bar. Mazzaropi continua a interpretar tipos nas atividades escolares e começa a frequentar o mundo circense. Preocupados com o envolvimento do filho com o circo, os pais mandam Amácio aos cuidados do tio Domenico Mazzaroppi em Curitiba, onde trabalha na loja de tecidos da família[1] .
Já com quatorze anos, regressa à capital paulista ainda com o sonho de participar em espetáculos de circo e, finalmente, entra na caravana do Circo La Paz. Nos intervalos do número do faquir, Mazzaropi conta anedotas e causos, ganhando uma pequena gratificação. Sem poder se manter sozinho, em 1929 Mazzaropi volta a Taubaté com os pais, onde começa a trabalhar como tecelão, mas não consegue se manter longe dos palcos e atua numa escola do bairro[1] .

O teatro, o rádio e a televisão

Com a Revolução Constitucionalista de 1932 segue-se uma grande agitação cultural e Mazzaropi estreia em sua primeira peça de teatro, chamada A herança do Padre João. Já em 1935, consegue convencer seus pais a seguir turnê com sua companhia e a atuarem como atores. Até 1945, a Troupe Mazzoropi percorre muitos municípios do interior de São Paulo, mas não há dinheiro para melhorar a estrutura da companhia[1] .
Com a morte da avó materna, Dona Maria Pita Ferreira, Mazzaropi recebe uma herança suficiente para comprar um telhado de zinco para seu pavilhão, podendo assim estrear na capital, com atuações elogiadas por jornais paulistanos. Depois, parte com a companhia em turnê pelo Vale do Paraíba. A grave situação de saúde de seu pai complica a situação financeira da companhia de teatro e, em 8 de novembro de 1944, falece Bernardo Mazzaroppi[1] .
Dias após a morte de seu pai, estreia no Teatro Oberdan ao lado de Nino Nello, sendo ator e diretor da peça Filho de sapateiro, sapateiro deve ser, acolhida com entusiasmo pelo público[1] .
Em 1946, convidado por Dermival Costa Lima da Rádio Tupi, estreia o programa dominical Rancho Alegre, encenado ao vivo no auditório da rádio no bairro do Sumaré e dirigido por Cassiano Gabus Mendes. Em 1950, este mesmo programa estreou na TV Tupi, mas agora contava com a coadjuvação dos atores João Restiffe e Geny Prado. Mazzaropi tinha um hobby, gostava de cantar Valsa, MPB e Seresta com os seus amigos[1] .

O cinema

Convidado por Abílio Pereira de Almeida e Franco Zampari, Mazzaropi estreia seu primeiro filme, intitulado Sai da Frente, em 1952, rodado pela Companhia Cinematográfica Vera Cruz, onde filmaria mais duas películas. Com as dificuldades financeiras da Vera Cruz, Mazzaropi faz, até 1958, mais cinco filmes por diversas produtoras[1] .
Naquele mesmo ano, vende sua casa e cria a PAM Filmes (Produções Amácio Mazzaropi). O primeiro filme da nova produtora é Chofer de Praça, que agora passa não só a produzir, mas distribuir as películas em todo o Brasil. Em 1959 é convidado por José Bonifácio de Oliveira Sobrinho, o famoso Boni, na época da TV Excelsior de São Paulo, a fazer um programa de variedades que fica no ar até 1962. Neste mesmo ano começa a produzir um de seus filmes mais famosos, o Jeca Tatu, que vai aos cinemas no ano seguinte[1] .
Em 1961, Mazzaropi adquire uma fazenda onde inicia a construção de seu primeiro estúdio de gravação, que produzirá seu primeiro filme em cores, Tristeza do Jeca, que também será o primeiro filme veiculado na televisão pela Excelsior e a ganhar prêmios para melhor ator coadjuvante, Genésio Arruda, e melhor canção[1] .
Cinco anos mais tarde, lança o filme O Corintiano, recorde de bilheteria do cinema nacional. Em 1972 é recebido pelo então presidente da República, o general Emílio Garrastazu Médici, ao qual pede mais apoio ao cinema brasileiro. Em 1974, roda Portugal, minha saudade, com cenas gravadas no Brasil e em Portugal[1] .
No ano seguinte, começa a construir em Taubaté um grande estúdio cinematográfico, oficina de cenografia e um hotel para os atores e técnicos. A partir de então produz e distribui mais cinco filmes até 1979[1] .
Seu 33º filme, Maria Tomba Homem, nunca seria terminado. Depois de 26 dias internado, Mazzaropi morre vítima de um câncer na medula óssea aos 69 anos de idade no hospital Albert Einstein de São Paulo. É enterrado na cidade de Pindamonhangaba, no mesmo cemitério onde seu pai já repousava. Nunca se casou, mas deixou um filho adotivo, Péricles Mazzaropi[1] .
Em 1994 é inaugurado o Museu Mazzaropi, localizado na mesma propriedade dos antigos estúdios, recolhendo a história da carreira de um dos maiores nomes do cinema, do teatro e da televisão brasileiros. Foi somente na década de 1990 que a cultura brasileira começou a ver de uma outra óptica a obra de Mazzaropi, que durante sua vida sempre foi duramente atacado (ou ignorado) pela crítica e pela intelectualidade[1] .

Filmografia

Sai da frente (1951)
Nadando em dinheiro (1952)
Candinho (1953)
O gato da madame (1954)
A carrocinha (1955)
Fuzileiro do Amor (1956)
O Noivo da Girafa (1957)
Chico Fumaça (1958)
Chofer de Praça (1958)
Jeca Tatu (1959)
As Aventuras de Pedro Malazartes (1959)
Zé do Periquito (1960)
Tristeza do Jeca (1961)
O Vendedor de Linguiça (1961)
Casinha Pequenina (1962)
O Lamparina (1963)
Meu Japão Brasileiro (1964)
O Puritano da Rua Augusta (1965)
O Corintiano (1966)
O Jeca e a Freira (1967)
No Paraíso das Solteironas (1969)
Uma pistola para Djeca (1969)
Betão Ronca Ferro (1971)
O Grande Xerife (1972)
Um Caipira em Bariloche (1973)
Portugal... Minha Saudade (1974)
O Jeca Macumbeiro (1975)
Jeca contra o Capeta (1976)
Jecão, um Fofoqueiro no Céu (1977)
O Jeca e seu filho preto (1978)
A Banda das Velhas Virgens (1979)
O Jeca e a égua milagrosa (1980)
Maria Tomba Homem (não concluído)
A partir de Chofer de Praça, em 1959, além de ser o protagonista, Mazzaropi também acumula as funções de produtor e roteirista, colaborando frequentemente com os diretores. Recentemente, foi lançada em DVD uma coleção de 22 de seus filmes em sete volumes. Alguns dos filmes tinham no título o nome "Jeca" mesmo ele nunca tendo interpretado esse personagem (com exceção do filme Jeca Tatu)[1] .

Homenagens

Desde a década de 80 a cidade de São Paulo possui equipamentos culturais com filosofia descentralizada com o objetivo de formar profissionais da arte e da cultura (ou reforçar a sua formação). A Oficina Cultural que homenageia Amácio Mazzaropi foi criada em agosto de 1990 e está instalada num edifício quase centenário (1912), construído especialmente para abrigar a segunda mais antiga Escola Normal de São Paulo, a Escola Padre Anchieta. O Condephaat tombou o prédio em 1988. Trata-se de um centro fomentador da cultura brasileira, responsável em trabalhar o resgate da cultura popular e o intercâmbio entre artistas com atividades nas diversas expressões artísticas. O objetivo é integrar artistas amadores e profissionais, formar públicos e ampliar sua atuação para bairros como o Brás, o Pari, o Belém e a Mooca[1]
Outra homenagem significativa é o filme longa-metragem Tapete Vermelho. Trata-se de um caipira (vivido por Matheus Nachtergaele) que resolve mostrar ao filho quem era Mazzaropi. No caminho até o cinema que exibe um filme do comediante, pai e filho se envolvem com violeiros que venderam a alma ao diabo, mandingas, o Movimento dos Sem-Terra, vigaristas que lhes roubam a mula, caminhoneiros e um milagre em Aparecida. Experiências que vão render a ambos uma grande lição sobre direitos humanos. A homenagem não pára no argumento do filme (que tem direção de Luiz Alberto Pereira): o ator Matheus Nachtergaele compõe um tipo com o mesmo andar e a mesma voz do ídolo[1] .
Origem: Wikipédia, a enciclopédia livre.

PIADAS EM AÚDIO DO COSTINHA E ARY TOLEDO

2011-08-14T18:19:00.000-07:00

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Grande Otelo

2011-06-13T20:24:00.000-07:00

Grande Otelo

Grande Otelo, c. 1940
Nome completo   Sebastião Bernardes de Souza Prata
Outros nomes   Grande Othelo
Nascimento   18 de outubro de 1915
Uberlândia, MG
Brasil
Morte   26 de novembro de 1993 (78 anos)
Paris, Ile-de-France
França
Cônjuge   Josephine Helena (1974-1987)
IMDb: (inglês) (português)
Grande Otelo, pseudônimo de Sebastião Bernardes de Souza Prata (Uberlândia, 18 de outubro de 1915 — Paris, 26 de novembro de 1993) foi um ator, cantor e compositor brasileiro. Grande artista de cassinos cariocas e do chamado teatro de revista, participou de diversos filmes brasileiros de sucesso, entre os quais as famosas comédias nas décadas de 1940 e 1950, que estrelou em parceria com o cômico Oscarito, e a versão cinematográfica de Macunaíma, realizada em 1969.

Biografia

Sua vida teve várias tragédias. Seu pai morreu esfaqueado e a mãe era alcoólatra. Quando já era um ator consagrado, sua mulher se suicidou logo após matar com veneno seu filho de seis anos de idade, que era enteado do ator.
Grande Otelo vivia em Uberlândia quando conheceu uma companhia de teatro mambembe e foi embora com eles, com o consentimento da diretora do grupo, Abigail Parecis, que o levou para São Paulo. Ele voltou a fugir, foi para o Juizado de Menores, onde foi adotado pela família do político Antonio de Queiroz. Otelo estudou então no Liceu Coração de Jesus até a terceira série ginasial.
Participou na década de 1920 da Companhia Negra de Revistas, que tinha Pixinguinha como maestro.
Foi em 1932 que entrou para a Companhia Jardel Jércolis, um dos pioneiros do teatro de revista. Foi nessa época que ganhou o apelido de Grande Otelo, como ficou conhecido.
No cinema, participou em 1942 do filme It's All True, de Orson Welles. O intérprete e diretor estadunidense considerava Grande Otelo o maior ator brasileiro.[1]
Otelo fez inúmeras parcerias no cinema, sendo a mais conhecida a com Oscarito. Depois os produtores formariam uma nova dupla dele com o cômico paulista Ankito. No final dos anos 50, Grande Otelo apareceria em dupla em vários espetáculos musicais e também no cinema com Vera Regina, uma negra alta com semelhanças com a famosa dançarina americana Josephine Baker. Com o fim da dupla com Vera Regina, Otelo passaria por um período de crise até que voltaria ao sucesso no cinema com sua grande atuação do personagens título de Macunaíma (1969), filme baseadao na obra de Mário de Andrade. Participou também do filme de Werner Herzog, Fitzcarraldo, de 1982, filmado na floresta amazônica.
Teve cinco filhos, um deles o também ator José Prata.
A partir dos anos 1960 Otelo passou a ser contratado da TV Globo, onde atuou em diversas telenovelas de grande sucesso, como Uma Rosa com Amor, entre várias outras. Também trabalhou no humorístico Escolinha do Professor Raimundo, no início dos anos 1990. Seu último trabalho foi uma participação na telenovela Renascer, pouco antes de morrer.
Grande Otelo morreu em 1993 de um ataque do coração fulminante, quando viajava para Paris para uma homenagem que receberia no Festival de Nantes.
Acervo Grande Otelo
Já está disponível para acesso pela web grande parte do Acervo Grande Otelo,[2] recebido oficialmente pela Fundação Nacional da Arte (FUNARTE) em dezembro de 2007. O acervo de Grande Otelo encontrava-se há vários anos em um apartamento da Tijuca, guardado em caixas de papelão, nas quais foram descobertos manuscritos, livros de autoria do ator, e outros com dedicatórias de amigos e personalidades reconhecidas da cultura brasileira; letras de música compostas por ele e parcerias, discos em vinil, fitas-cassete com os mais variados conteúdos (entrevistas, músicas e programas apresentados pelo artista); prêmios e homenagens (troféus, placas, diplomas e certificados) recebidos durante a sua carreira, roteiros de cinema, TV, teatro, rádio, shows, partituras, correspondências, livros, monografias, poemas, fotos, obras de arte, recortes de jornais e revistas.
O trabalho de restauração e catalogação do material se iniciou em 2004. O material catalogado foi fundamental para o conteúdo do Projeto 90 anos de Grande Otelo, fornecendo informações inéditas sobre o ator para a biografia feita pelo escritor Sérgio Cabral, um site, um documentário e um espetáculo teatral. Após o término do projeto, o acervo restaurado, higienizado e digitalizado foi entregue à Funarte oficialmente no dia 17 de dezembro. O público terá acesso físico ao material a partir de fevereiro de 2008.

No cinema

1997 - Tudo é Brasil
1990 - Boca de Ouro
1989 - Jardim de Alah
1988 - Fronteiras
1988 - Natal da Portela
1987 - Running Out of Luck
1987 - Jubiabá
1986 - Brasa Adormecida
1986 - Nem Tudo É Verdade
1984 - Quilombo
1984 - Exu-Piá, Coração de Macunaíma
1983 - Parahyba, Mulher Macho
1982 - Fitzcarraldo
1981 - O Homem do Pau-Brasil
1980 - Asa Branca
1978 - A Noite dos Duros
1978 - As Aventuras de Robinson Crusoé
1978 - Agonia
1978 - A Noiva da Cidade
1977 - Ladrões de Cinema
1977 - Lúcio Flávio, o Passageiro da Agonia
1977 - A Força de Xangô
1977 - Ouro Sangrento
1976 - Carioca tigre
1976 - Ladrão de Bagdá
1976 - Tem Alguém na Minha Cama
1976 - Os Pastores da Noite
1976 - A Fera Carioca
1976 - As Aventuras d'Um Detetive Português
1975 - Deixa Amorzinho… Deixa
1975 - Assim Era a Atlântida
1975 - O Flagrante
1975 - Ladrão de Bagdá, o Magnífico
1974 - A Estrela Sobe
1974 - A Transa do Turf
1973 - O Negrinho do Pastoreio
1973 - O Rei do Baralho
1972 - Cassy Jones, o Magnífico Sedutor
1971 - O Barão Otelo no Barato dos Bilhões
1970 - O Donzelo
1970 - Família do Barulho
1970 - Se Meu Dólar Falasse
1970 - Os Herdeiros
1969 - Macunaíma
1969 - Não Aperta, Aparício
1969 - L'alibi
1969 - A Doce Mulher Amada
1969 - Em Ritmo Jovem
1969 - Por Um Amor Distante
1968 - Enfim Sós.... Com o Outro
1968 - Massacre no Supermercado
1968 - Os Marginais
1967 - Una rosa per tutti
1966 - Samba
1965 - Arrastão
1965 - Crônica da Cidade Amada
1963 - O Homem que Roubou a Copa do Mundo
1962 - Assalto ao Trem Pagador
1962 - Os Cosmonautas
1962 - Quero essa Mulher Assim Mesmo
1961 - O Dono da Bola
1961 - Os Três Cangaceiros
1960 - Pistoleiro Bossa-Nova
1960 - Vai que É Mole
1960 - Um Candango na Belacap
1960 - Entrei de Gaiato
1959 - Mulheres à Vista
1959 - Pé na Tábua
1959 - Garota Enxuta
1958 - E o Bicho Não Deu
1958 - É de Chuá!
1958 - Mulher de Fogo
1957 - A Baronesa Transviada
1957 - Metido a Bacana
1957 - De Pernas pro Ar
1957 - Com Jeito Vai
1957 - Rio Zona Norte
1957 - Brasiliana
1956 - Depois Eu Conto
1955 - Paixão nas Selvas
1954 - Malandros em Quarta Dimensão
1954 - Matar ou Correr
1953 - Dupla do Barulho
1953 - Amei um Bicheiro
1952 - Três Vagabundos
1952 - Carnaval Atlântida
1952 - Barnabé, Tu És Meu
1950 - Aviso aos Navegantes
1950 - Não É Nada Disso
1949 - Caçula do Barulho
1949 - Também Somos Irmãos
1949 - Carnaval no Fogo
1948 - Terra Violenta
1948 - É com Este que Eu Vou
1948 - E o Mundo se Diverte
1947 - Luz dos Meus Olhos
1947 - Este Mundo É um Pandeiro
1946 - Segura Esta Mulher
1946 - Um Fantasma por Acaso
1945 - Gol da Vitória
1945 - Não Adianta Chorar
1944 - Tristezas não Pagam Dívidas
1944 - Romance Proibido
1944 - Berlim da Batucada
1943 - Caminho do Céu
1943 - Moleque Tião
1943 - Samba em Berlim
1943 - Astros em Desfile
1942 - It's All True (inacabado)
1941 - Sedução do Garimpo
1941 - Entra na Farra
1940 - Céu Azul
1940 - Laranja da China
1939 - Pega Ladrão
1939 - Onde Estás, Felicidade?
1938 - Futebol em Família
1937 - João Ninguém
1935 - Noites Cariocas

Na televisão

1965 - Bairro Feliz
1966/1967 - Riso Sinal Aberto
1968 - Porque Hoje é Sábado - Apresentador
1971 - Linguinha .... Cassius Ali
1971 - Caso Especial (Meus Filhos)....
1971 - Bandeira 2 .... Zé Catimba
1972 - Uma Rosa com Amor .... Pipinoni
1972 - Shazan, Xerife & Cia.
1974 - Caso Especial (O Professor Vai Embora)....
1975 - Bravo! .... Malaquias
1978 - Maria, Maria .... Preto Maravilha
1979 - Feijão Maravilha .... Benevides
1980 - Água Viva .... Canivete
1982 - Chico Anysio Show....Eustáquio
1985 - A Gata Comeu .... como ele mesmo
1986 - Sinhá Moça .... Justo
1987 - Mandala .... Jonas Caetano
1989 - República .... Patápio dos Prazeres
1990/93 - Escolinha do Professor Raimundo .... Seu Eustáquio
1991 - Estados Anysios de Chico City
1993 - Renascer .... Seu Francisco (pai de Ritinha)
Principais prêmios e indicações
Festival de Brasília
Recebeu o Troféu Candango em 1969, na categoria de melhor ator, por Macunaíma.
Festival de Gramado
Recebeu o Troféu Oscarito em 1990.

VESTIBULAR PARA LOIRAS

2011-05-13T20:20:00.000-07:00

As universidades federais, reconhecendo que o vestibular tem sido anti-democrático e injusto para com determinados setores da população, estão fazendo uma proposta pioneira de reforma nos critérios de avaliação. Está sendo implantado um novo padrão de prova, elaborado especialmente para conceder às loiras uma chance de sucesso igual ao dos demais. Segue adiante a prova do próximo vestibular, liberada com antecedência para que as loiras já possam começar a pensar nas questões... Favor passar para todas as loiras que você conhece.

VESTIBULAR PARA LOIRAS

NOME (o seu nome):

Você deve responder corretamente a 3 (três)* ou mais questões para se classificar.

* Três é aquele número inteiro maior que o dois e menor que o quatro.

QUESTÕES:

1. Qual a língua mais falada na França?

2. Disserte acerca do Antigo Império da Babilônia, fazendo referências especiais à arquitetura, literatura, direito e condições sociais ou diga o primeiro nome de Pierre Trudeau.

3. Você poderia pedir a William Shakespeare para:

(a) construir uma ponte

(b) navegar num oceano

(c) chefiar um exército

(d) redigir uma peça teatral

(e) projetar um metrô

4. Qual a religião do Papa? (Atenção: Marque apenas uma opção...)

(a) Judeu

(b) Católico

(c) Budista

(d) Ateu

(e) Messiânico

5. Conversão métrica: a quantos pés correspondem 0,0 metros?

6. Que horas são quando o ponteiro grande está no 12 e o ponteiro pequeno está no 5?

7. Aproximadamente, quantos mandamentos foram entregues a Moisés, sabendo que numa das tábuas havia cinco e na outra mais cinco mandamentos?

8. Soletre: Bush, Carter e Clinton

Bush:

Carter:

Clinton:

9. Uma morena tinha doze tangerinas, ganhou mais dez, ficou com:

(a) ficou contente (b) a tal morena é que deve saber

(c) não ficou, ela comeu todas

(d) não sei exatamente, mas deve ser entre 20 e 99

(e) tangerinas não podem ser somadas

10. Seis reis da Inglaterra se chamaram George, sendo o último deles chamado de George VI (sexto). Diga o nome dos cinco anteriores.

11. De onde a chuva vem?

(a) Mappin

(b) Barra Shopping

(c) Aruba e Cancun

(d) das nuvens no céu

(e) se a chuva não foi a lugar nenhum, como ela "vem"?

12. Você pode explicar em detalhes a Teoria da Relatividade de Albert

Einstein?

(a) sim

(b) não

13. Qual a utilidade dos cabides de pendurar roupas?

14. De que país é o hino que começa com "Ouviram do Ipiranga as margens plácidas"?

15. Explique o Princípio do Equilíbrio Dinâmico de Le Chatelier ou soletre seu nome em LETRAS MAIÚSCULAS.

16. Onde fica situado o térreo em um prédio de três andares?

17. Onde, nos EUA, são produzidas mais laranjas?

(a) Em Medellin, na Colômbia

(b) Na Flórida

(c) Em Montreal, no Canadá

(d) Em Roma, na Itália

(e) Na Cidade do México

18. Matemática avançada: se você tem três maçãs, quantas maçãs você possui?

19. O que quer dizer a sigla SBT (Sistema Brasileiro de Televisão)?

20. Quando foi fundada a Universidade de São Paulo (aproximadamente)?

(a) A.C. (Antes de Cristo)

(b) D.C. (Depois de Cristo)

Cantinflas

2011-04-13T18:44:00.000-07:00

Nome completo    Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes
Nascimento    12 de Agosto de 1911
Cidade do México, México
Morte    20 de abril de 1993 (81 anos)
Cidade do México, México
Nacionalidade    Mexicano
Ocupação    ator e humorista

Cantinflas, nome artístico de Fortino Mario Alfonso Moreno Reyes, (Cidade do México, 12 de agosto de 1911 — 20 de abril de 1993) foi um premiado ator e humorista mexicano.

Biografia

Nasceu em uma família muito humilde e tinha 12 irmãos. Teve uma adolescência marcada pela pobreza o que o levou a começar a trabalhar muito cedo, primeiro como engraxate e depois como aprendiz de toureiro, motorista de táxi e pugilista.
A sua vida mudou quando aos vinte anos, trabalhando como empregado em um teatro popular, teve a oportunidade de substituir o apresentador do espetáculo que adoeceu. Ao inverter frases, trocar palavras e abusar do improviso, Cantinflas, conquistou o público hispânico.
As suas origens inspiraram várias personagens, entre eles o famoso "El Peladito". A sua maneira de falar acabou por prejudicar a sua carreira internacional. Dos mais de 40 filmes que fez, a maior parte foi produzida pela sua própria companhia.
Em Hollywood ele teve apenas dois filmes: A Volta ao Mundo em 80 Dias, um sucesso de bilheteria e vencedor do Óscar de Melhor Filme em 1956, e Pepe, um fracasso de público e crítica. A sua carreira durou até a década de 80. A crítica, porém, destaca que os melhores filmes do comediante foram feitos nos anos 40 e 50. Entre os seus trabalhos mais elogiados deste período estão, Os Três Mosqueteiros (1942), O Circo (1943), El Supersabio, O Mágico (1948), O Bombeiro Atômico (1950) e Se Eu Fosse Deputado. Todos escritos para ele pelo seu amigo Jaime Salvador.
Recebeu o Golden Globe Award para Melhor Ator (comédia ou musical) em cinema por A Volta ao Mundo em 80 Dias em 1957.

PAU NO NOME

2011-03-14T20:22:00.000-07:00

VIDEOS DO CHICO ANYSIO

2011-02-13T18:13:00.000-08:00

VIDEOS DO MAZZAROPI

2011-01-13T18:15:00.000-08:00

PIADA DA ESTUDANTE

2010-12-18T19:58:00.000-08:00

Uma garota tinha que entregar o boletim escolar para os pais dela e as notas ali não eram as notas do sonho de nenhuma mãe muito menos do pai. Ela usou a criatividade para contar a maravilhosa notícia.

Oi papai! Oi mamãe!

È com o coração partido, mas feliz da vida. Que eu digo para vocês que eu sai fora com o Dudu, ele é o homem da minha vida.

Estou absolutamente fascinada com as suas tatuagens, com aquele cabelo moicano, com aqueles ferros e piercings que ele coloca naquele corpinho maravilhoso. Entretanto. Tenho que lhes contar que não é só isso. O Douglas, aquele menino que vocês não gostam dele, ele está com a gente.

Portanto não se preocupem comigo. Já tenho 15 anos e sei me virar sozinha tá.

Com amor e carinho da sua querida filhinha.

Ah! Pai, mãe, isso é só uma brincadeirinha viu! Estou na casa da Mariana, só queria mostrar que há coisas bem piores na vida que estas notas que estão aí no boletim. Não se estressem não. No ano que vem eu me recupero.
Resposta dos pais:

Querida filhinha,

"Quando a sua mãe leu a sua carinhosa cartinha, ela passou muito mal e foi parar no pronto socorro. Você foi retirada do testamento e toda a herança será do seu irmão. Todas as coisas do seu quarto foram doadas para o pessoal do orfanato, cancelamos o seu celular e o seu cartão de crédito. Todos os seus Cd’s do NX0, do Justin Bieber, do Restart, do Cine, do Jonas Brothers, do Fiuk e do Luan Santana nós doamos para a Karina do segundo andar, aquela garota que você acha insuportável. Aquela mesma que no ano passado roubou o Rafinha, aquele seu namorado gatinho que até hoje você não esqueçe. Pode ir arrumando um bom emprego porque dinheiro daqui de casa já era.

Enfim, espero que você seja muito feliz na sua nova vida.
Nota! Filha querida, claro que tudo isso não passa de uma brincadeira. A sua mãe está aqui comigo assistindo Eu a Patroa e as Crianças e tudo está bem.

Só queríamos lhe mostrar que há coisa bem piores do que passar as próximas cinco semanas sem sair de casa, sem celular, sem Internet, sem vídeo game, sem televisão e, principalmente, sem ir à casa da camila. Tudo isso por causa dessas notas ridículas e, dessa brincadeira idiota que você fez com agente.

Edilson Rodrigues Silva

PLACAS ENGRAÇADAS

2010-11-18T19:57:00.000-08:00

PLACAS ENGRAÇADAS

Piada do Casamento

2010-07-18T20:01:00.000-07:00

Amor: Quando seus olhares se encontram numa sala lotada.

Tesão: Quando as línguas se encontram numa sala lotada.

Casamento: Quando vocês perdem a criança numa sala lotada.

Amor: Não importa se um dos parceiros não chegou ao orgasmo.

Tesão: A relação acaba se um dos dois não chegou ao orgasmo.

Casamento: O que quer dizer orgasmo?

Amor: Os dois se telefonam só pra ouvir um alô.

Tesão: Os dois se telefonam para escolher o motel.

Casamento: Um liga para o outro para avisar que vai chegar tarde.

Amor: Você esta interessado em fazer tudo "para" ela.

Tesão: Você esta interessado em fazer tudo "com" ela.

Casamento: Você só esta interessado no resultado do jogo de futebol.

Amor: Você escreve poemas de amor para o outro.

Tesão: Você escreve bilhetinhos de sacanagens para o outro.

Casamento: Você só escreve cheques de pagamento.

Sobre o Casamento:

ANTES - Duas vezes (ou mais) por noite...

DEPOIS - Duas vezes (ou uma) por mês...

ANTES - Minha Gatinha, meu Ursinho, minha Coelhinha (bichinhos pequenos e fofinhos).

DEPOIS - Os bichos crescem: Sua Vaca, Seu Cachorro, Sua Galinha, Seu Veado.

ANTES - Você me tira o fôlego...

DEPOIS - Você está me sufocando...

ANTES - Os embalos de Sábado a noite...

DEPOIS - O futebol de Domingo a noite...

ANTES - Não Para!

DEPOIS - Nem Vem!

ANTES - Cueca preta de seda.

DEPOIS - Samba-canção (aquela do pacote com 3).

ANTES - Não acredito que tenhamos nos encontrado...

DEPOIS - Não acredito que acabei ficando com você...

ANTES - Adoro suas curvas.

DEPOIS - Eu nunca disse que você esta gorda?

ANTES - Vem para cama que eu estou te esperando...

DEPOIS - Levanta seu molenga, que tá na hora...

ANTES - Croissant e capuccino.

DEPOIS - Café com margarina.

ANTES - Você fica tão sexy de preto...

DEPOIS - Suas roupas são tão deprimentes...

ANTES - Camarão.

DEPOIS - Sardinha em lata.

ANTES - Biquíni "Asa delta"...

DEPOIS - Maiô tipo americano...

ANTES - Garrafa de vinho.

DEPOIS - TANG sabor de uva.

ANTES - Camisa dentro da calça...

DEPOIS - Barriga fora da calça...

ANTES - Família Mancini.

DEPOIS - Disque Pizza.

ANTES - Vem cá benzinho que eu esquento seu pezinho...

DEPOIS - Sai com esse pé frio pra lá...

ANTES - Perfume francês.

DEPOIS - Avanço.

PAPO DE BÊBADO

2010-04-18T20:02:00.000-07:00

VIDEOS DO ARY TOLEDO

2010-03-13T18:19:00.000-08:00

VIDEOS DE PIADAS DO ARY TOLEDO E COSTINHA

2010-02-13T18:22:00.000-08:00

ARY TOLEDO SHOW COMPLETO

VIDEOS DO RONALD GOLIAS

2010-01-13T18:17:00.000-08:00

***-O Gozador-***

VIDEOS DE HUMOR

Charlie Chaplin

Filmes oficiais

]Keystone

]Essanay

]Mutual

]First National

]United Artists

]British Productions

[editar]Outros filmes

]Coletânias

Participações especiais

Desenhos

Filmes biográficos

Os Trapalhões

Década de 1960

]Década de 1970

]Década de 1980

]Década de 1990

]Período pós-Retomada

Jô Soares

Ronald Golias

Oscarito

Amácio Mazzaropi

PIADAS EM AÚDIO DO COSTINHA E ARY TOLEDO

Grande Otelo

VESTIBULAR PARA LOIRAS

Cantinflas

PAU NO NOME

VIDEOS DO CHICO ANYSIO

VIDEOS DO MAZZAROPI

PIADA DA ESTUDANTE

PLACAS ENGRAÇADAS

Piada do Casamento

PAPO DE BÊBADO

VIDEOS DO ARY TOLEDO

VIDEOS DE PIADAS DO ARY TOLEDO E COSTINHA

VIDEOS DO RONALD GOLIAS

-O Gozador-