O L O s B L O G

Kurzreview - DAME, KÖNIG, AS, SPION (Kritik)

2012-01-30T22:58:00.001+01:00

Kurzreview: Dame, König, As, Spion (Tinker, Tailor, Soldier, Spy)
Völlig unbedarft, ohne das Buch von John le Carré noch die BBC-Verfilmung zu kennen, eröffnete sich mir ein Film, dessen entschleunigte Oberfläche wie Balsam auf der gereizten Cineastenhaut wirkt. Alte Männer spielen Kalter Krieg fernab von Agentenklischees und Actionszenen. Darunter offenbart sich eine der verschachtelsten und forderndsten Erzählungen seit langem. Man wird von Informationen nahezu erschlagen, reiht im Kopf A an B und versucht mit dem Film Schritt zu halten. Wie in seinem Meisterwerk "So finster die Nacht" beweist Regisseur Alfredson auch in "Dame, King, As, Spion", dass er den eisigsten Szenarien einen Funken zwischenmenschliche Wärme und Romantik abringen kann, selbst dem Kalten Krieg. "Drei Tage des Condor" trifft auf "Die üblichen Verdächtigen" mit einem Starensemble, dass mit Blicken statt mit Worten dem Zuschauer zusetzt und die Suspense greifbar werden lässt. 9/10
> T r a i l e r

Filmvorschau - THE SURROGATE (Sundance 2012)

2012-01-24T05:25:00.000+01:00

Vorschau: The Surrogate
24 Stunden krank und ohne Schlaf vor sich hin zu vegetieren hat auch seine Vorteile. Man findet endlich die Zeit, sich ausgiebig mit dem Sundance Filmfestival 2012 auseinanderzusetzen. Beim auswendig lernen des Festivalprogramms bin ich auf folgenden, sehr vielversprechenden Film gestoßen über einen 36-jährigen Künstler (John Hawkes), der sein Leben in einer eisernen Lunge fristet und davon träumt, seine Jungfräulichkeit zu verlieren. Eine Therapeutin (Helen Hunt) und ein Priester (William H. Macy) wollen ihm dabei helfen. Aus einer Geschichte, die schnell ins Lächerliche abdriften könnte, scheint jedoch ein überaus feinfühliger und emotionaler Film mit dramaturgischer "King's Speech"-Anleihen geworden zu sein. Mit einem herausragenden Hauptdarsteller, der gute Chancen zu haben scheint, nach "Winter's Bone" und seinem aktuellen "Martha Marcy May Marlene", sich erneut in den Fokus diverser Filmpreise zu rücken. Ohne Verleiher gibt es leider noch keinen Trailer, aber man darf gespannt sein, der Hollywood Reporter zeigt sich zumindest sehr angetan von "The Surrogate".

Kurzreview - THE DESCENDANTS (Kritik)

2012-01-24T00:05:00.001+01:00

Kurzreview: The Descendants
Die Prämisse von "The Descendants" erscheint so einfach und doch so kraftvoll. Hawaii erscheint so traumhaft und doch verloren. Der Film erinnert uns daran, dass auch im vermeintlichen Paradies Krebs tötet und Liebeskummer schmerzt. Nur wenige Regisseure bringen dem Zuschauer ihre Charaktere mit sowenig künstlicher Beeinflussung so nahe wie Alexander Payne. Wem "Kleine wahre Lügen" zu sentimental war, findet hier eine subtilere Auseinandersetzung mit den täglichen kleinen Tragödien, die uns zeichnen und dem einen großen Schicksalsschlag, der unser Leben verändert. 8/10
> T r a i l e r

Kurzreview - DRIVE (Kritik)

2012-01-23T02:27:00.001+01:00

Kurzreview: Drive
Eine bemerkenswerte Variation von "Léon der Profi", die von einem beinahe poetischen Minimalismus geprägt ist. Nur Carey Mulligan wird leider zur rehäugigen Statistin degradiert. Regisseur Refn blieb sich in puncto Härtegrad treu und beweist Mut, dem gefassten und ruhigen Grundton des Films solch explizite Darstellungen entgegenzustellen. 9/10
> T r a i l e r

Kurzreview - HUGO CABRET (Kritik)

2012-01-23T02:18:00.002+01:00

Kurzreview: Hugo Cabret (Hugo)
Man wünscht sich, man wäre wieder Kind. Dann wäre Hugo einer dieser Filme, die einem bis ins Erwachsenenalter prägen. Doch verstünde man auf diese Weise wohl kaum Scorseses leidenschaftliche Hymne auf die frühen Anfänge des Films und die Faszination, die das Medium bis heute auf uns ausübt. Allein die wundervolle Schlusssequenz macht aus der unspektakulären Stereoskopie eine Pflicht, bei der Scorsese Méliès zaghafte Räumlichkeit verleiht und damit eine noch nie dagewesene Symbiose schafft. Aber Achtung, oberflächlich gesehen ist und bleibt Hugo ein naiver, langsam und schnörkellos erzählter Kinderfilm. Der Anspruch liegt dahinter, wie ein feines Uhrwerk hinter einem einfachen Zifferblatt. 8/10
> T r a i l e r

Kurzreview - In guten Händen (Hysterie - Kritik)

2012-01-21T22:04:00.003+01:00

Kurzreview: In guten Händen (Hysteria)
"In guten Händen" darf als koketter Appell für Feminismus und sexuelle Selbstbestimmung verstanden werden, bleibt dafür aber letztendlich hinter seinen Möglichkeiten. Stattdessen macht er aus einer (wirklich...) wahren Geschichte einen süffigen, höchst vergnüglichen aber letztendlich harmlosen Blick durch das Schlüsselloch der damaligen Prüderie. 7/10
> T r a i l e r (Der englische Trailer spoilert gnadenlos den gesamten Film, darum ausnahmsweise die gekürzte, deutsche Version. Die Briten mögen es mir verzeihen...)

Kurzreview - MAD CIRCUS (Kritik)

2012-01-15T20:28:00.001+01:00

Kurzreview: Mad Circus - Eine Ballade von Liebe und Tod (Balada triste de trompeta)
Durch seine anarchistische Clownerie inmitten des Franco-Regimes dürfte dem Film sein Kultstatus sicher sein. Aber trotz Vergleichen mit Inglourious Basterds oder Pans Labyrinth fehlt es Mad Circus an Sinn und Stringenz. Zu wirr stürzt er sich ins Elend seiner Historie und zu schablonenhaft wirken seine Charaktere. Man ergötzt sich an seiner visuellen Kraft, stößt sich aber an seiner völligen Humorlosigkeit, was am Ende nicht nur dem Film das Rückgrat bricht. 6/10
> T r a i l e r

Kurzreview - ZIEMLICH BESTE FREUNDE (Kritik)

2012-01-14T20:11:00.001+01:00

Kurzreview: Ziemlich beste Freunde (Intouchables)
Was kann zu diesem Film überhaupt noch alles gesagt werden, was noch nicht gesagt wurde? Schlicht ein "gottverdammt" großartiger Film, der einer uralten Geschichte mit Ehrlichkeit und Charme neues Leben einhaucht. Der Senegaler Driss ist das Herz, die Seele und Turbolader dieses Films. Der Zuschauer möchte sich gerne in ihm wiederkennen, als ein unvoreingenommener, direkter Mensch, der mit Witz, Charme und Temperament alle verblüfft und sein Leben ohne Scheuklappen lebt. Doch tatsächlich sind wir als Zuschauer wie Philippe in unseren Sitzen und in uns selbst gefangen, brauchen Driss, um aus uns herauszukommen. Kein Spruch ist zu "schwarz", kein Fettnäpfchen zu tief, denn mit Driss Unverblümtheit und Philippes Dankbarkeit werden solche Szenen zum Lachgas und Sauerstoff für den Zuschauer zu gleich. 9/10
> T r a i l e r

Kinoreview - ANNE LIEBT PHILIPP (Kritik)

2012-01-12T00:39:00.001+01:00

Kino: Anne liebt Philipp (Jørgen + Anne = sant)
Ein bezaubernder Kinderfilm irgendwo zwischen französischer Leichtigkeit, norwegischer Schwermut und einer großen Portion betörender Schauspielführung. Und viel Fantasie! 8/10
> T r a i l e r
> Meine ganze Kritik zum Film

Anne liebt Philipp

“Warum müssen Mädchen stets Prinzessinnen sein, Jungs dagegen dürfen immer Wikinger spielen?” fragt sich die zehnjährige Anne am Anfang des Films, während eine Schar von Kindern als Wikinger verkleidet in brachialster Schnitt- und Kameraästhetik durchs Bild marschiert. Alles wirkt, als hätte Ridley Scott einen archaisches Monumentalepos zur Zeit der Wikinger gedreht, garniert mit einem Score, der dem in Nichts nach steht. Am Ende dieser Sequenz sieht der Zuschauer eine kleine Anne, wie sie als einziges Mädchen im Wikingerkostüm von den anderen “Wikingern” ausgelacht wird.
Jørgen + Anne = Sant – so der norwegische Originaltitel von Anne liebt Phiipp – nimmt sich die Freiheit und wirft alle Genres in einen Topf wie diese Eröffnung sehr gut beweist. Im Kern ist der Film eine einfache Coming-of-Age Geschichte, die sich der Liebe zwischen Zehnjährigen widmet. Das macht er mit einer solchen Unaufdringlichkeit und auch einem Verständnis für seine Charaktere, dass der Zuschauer sehr schnell vergisst, dass er das Liebesspiel von Kinder beobachtet. Die Regisseurin Anne Sewitsky macht sich nie über ihre Figuren lustig. Nicht “ob”, sondern “wie” Zehnjährige Liebe empfinden wird hinterfragt und das auf eine Weise, die einem dahinschmelzen lässt.

Es geht um die erste große Liebe, die das Innerstes – wie Anne so schön ausdrückte – zum Zucken bringt. Im Laufe des Films konfrontiert die Geschichte den Zuschauer mit einigen Kindheitsfantastereien, Spukgeschichten und Flashbacks, die allesamt andere Filmgenres auf genüssliche Art und Weise zitieren. Besonders lässt sich der Einfluss von Jean-Pierre Jeunet erkennen. Der ganze Charakter von Anne und auch wie sie dem Zuschauer ihre Welt beschreibt, erinnert häufig an den Franzosen, sei es sein Kurzfilm Foutaises oder auch Die fabelhafte Welt der Amélie.

Anne erklärt einfach und unverblümt, was sie mag, was sie nicht mag und wenn sie sich schließlich in ihren Tagträumen verliert, ist der Brückenschlag zu Amélie Poulain komplett. Ein bezaubernder Film irgendwo zwischen französischer Leichtigkeit, norwegischer Schwermut und einer großen Portion betörender Schauspielführung. Wie die Regisseurin ihren kleinen Darstellern Glaubwürdigkeit entlockt, verdient eine eigene Preiskategorie. Wer es schafft, sich auf die Gefühlsebene einer Zehnjährigen einzulassen, fand mit "Anne liebt Philipp" seine erste uneingeschränkte Empfehlung der Berlinale 2011. (Originalkritik für Moviepilot.de)

8/10

Kinoreview - ANONYMOUS (Kritik)

2011-11-11T18:21:00.002+01:00

Kino: Anonymous (Kritik)
Eine brauchbare, elisabethanische Instanttragödie, neben der "Tudors" zwar wie ein dramatisches Meisterstück wirkt, wohingegen Emmerichs hölzernes Puppentheater unfreiwillig theatralische Momente bietet. Aber nach Filmen wie "10.000 B.C" und "2012" nimmt man solche Mängel mit Handkuss in Kauf. 7/10
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Anonymous

Verkehrte Welt. Zehn Jahre lang kämpfte Weltuntergangsspezialist Roland Emmerich darum, sein Herzensprojekt umsetzen zu dürfen. Ein Verschwörungsdrama rund um den berühmten englischen Dramatiker William Shakespeare in opulenter Historienfilmpracht schwebte ihm vor, das keine 50 Millionen kosten und das ihn von einer anderen Seite zeigen sollte. Peanuts im Vergleich zu seinen früheren Zerstörungsorgien wie "Independence Day" oder "The Day After Tomorrow". Aber so paradox es auch klingen mag, das Projekt scheiterte stets an der Finanzierung. Die 200 Millionen Dollar für seinen letzten Film "2012" sammelte er innerhalb weniger Wochen, denn Hollywood liebt vergoldetes Schubladendenken. Emmerich und Blockbusterkino, diese Kombination bringt sämtliche Dollarzeichen Hollywoods zum Leuchten. Aber für ein kleines Drama wie "Anonymous" es werden sollte, waren den potentiellen Investoren selbst 30 Millionen zuviel. Erst als sich Emmerich in seiner deutschen Heimat umsah und in der hiesigen Förderanstalten und dem Studio Babelsberg Verbündete fand, sollte sein Shakespearetraum in Erfüllung gehen.

Und der Regisseur sollte sein Wort halten, aus "Anonymus" wurde tatsächlich ein Film, den man auf diese Weise nicht vom "schwäbischen Spielbergle" erwartet hätte. Der Film glänzt nicht nur durch ein völliges Defizit des Emmerich-typischen Hollywoodbombasts, er fordert mit seiner verschachtelten Plotstruktur auch die Konzentration des Zuschauers. Die Zahl der Hauptfiguren bleibt überschaubar, aber durch die multiplen Zeitebenen zwischen den die Handlung umher springt, werden die zentralen Figuren vervielfacht, die in scheinbarem chronologischen Chaos zu stecken scheinen und die der Zuschauer zunächst anhand der subtilen Charakteristika zuordnen muss - auf erklärende Texttafeln wurde konsequent verzichtet. Sollten Shakespearianer darauf hoffen, neue Fakten in schön bebilderte Form zu erfahren, so werden diese enttäuscht. Stattdessen werden Hypothesen und wildeste Gerüchte gepflanzt, die auf wahren Indizien und Vermutungen beruhen, aber deren Wahrheitsgehalt mehr als nur bezweifelt werden darf. Nichtsdestotrotz spinnt der Regisseur ein einnehmendes Netz aus Intrigen, falscher Moral, Politik und Poesie. Was nicht zuletzt auch dem Drehbuchautoren John Orloff gedankt werden muss, der es verstand, dem Genre des elisabethanischen Historienfilms gerecht zu werden, ohne aber zu sehr ins Triviale abgleiten zu lassen. Dass "Anonymous" dennoch an einigen Stellen massiv schwächelt, verschuldete die Unerfahrenheit von Roland Emmerich. Nicht als Herr der linearen Filmelemente, sondern als Führer von organischer Schauspielkunst, fern ab der üblichen Blockbusterschemata. Diesmal wurde mehr von ihm abverlangt als den Darstellern die Richtung von herannahenden Wassermassen zu veranschaulichen oder Oneliner richtig zu takten. Die Leistungen von Rhys Ifans, Vanessa Redgrave, David Thewlis und Kompanie sind bemerkenswert, gleichzeitig aber auch bemerkenswert unpräzise. An manchen stellen unfreiwillig theatralisch, an anderen zu gespielt, nur selten wahrhaftig. Als Zuschauer bleibt man der Geschichte dennoch treu, aber anstelle von feingeschliffener Dramatik wird einem grobe Handwerkskunst gereicht. Auf eine Art, die aber erkennen lässt, dass Emmerich nicht nur ein Mann fürs grobe Blockbusterkino wäre. Die verhältnismäßig zurückhaltend eingesetzten Effekte, die komplett in Deutschland entstanden, ordnen sich dem dramatischen Kern des Films unter, aber Emmerich kam nicht umhin an einigen Stellen etwas dicker aufzutragen, als es einem Film dieses Genres zustehen würde.

Letztendlich wurde aus "Anonymous" eine brauchbare, elisabethanische Instanttragödie. Zwar wirkt der Film teilweise wie ein hölzernes Puppentheater, das zudem unfreiwillig theatralische Momente bietet. Aber nach Filmen wie "10.000 B.C" und "2012" nimmt man als leidgeprüfter Zuschauer die Mängel mit Handkuss in Kauf. Bleibt nur zu hoffen, dass Emmerich die wohlwollende Presse zu Herzen nimmt und fortan das Schreiben seiner Drehbücher wieder erfahrenen Autoren überlässt. (Originalkritik für KultHit.de)

7/10

Kinoreview - REAL STEEL (Kritik)

2011-11-04T18:30:00.004+01:00

Kino: Real Steel (Kritik)
"Over the Top" und "Rocky" treffen auf jugendfreie Brachialoptik aufbereitet für die Transformers-Generation. 6/10
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Real Steel

Es ist kein Geheimnis, dass Drehbuchautoren nur in zweiter Linie als Künstler wahrgenommen werden. Wenn überhaupt. Zu sehr prägen Adaptions-, Fortsetzungs- und Remakewahnsinn ihren Alltag und Ruf. Doch was hat das mit einem Film wie „Real Steel“ zu tun - mag man sich fragen - der weder das eine noch das andere zu sein scheint?

„Real Steel“ repräsentiert nach außen hin das Bild eines modernen Sportlerdramas, angesiedelt in einer nicht all zu fernen Zukunft, wo die brutale Welt des Boxkampfsportes nicht mehr von Blut und Schweiß, sondern von Motorenöl und Batteriesäure geprägt wird. Eine nach wie vor unbarmherzige und brutale Showwelt, die die Masse euphorisch bejubelt. Inmitten dieses hart umkämpften Geschäfts befindet sich der von Hugh Jackman dargestellte Charlie Kenton, ein ehemaliger Boxstar, dessen Karriere schneller verglühte als seine Kopfwunden verheilten. Aus einer finanziellen Not heraus, muss sich dieser mit seinem verschmähten Sohn arrangieren und während der gemeinsamen Zeit merken die beiden, wie ähnlich sie sich doch sind und dass sie zusammen es von ganz unten nach ganz oben schaffen können. Klingt nach einer Geschichte, die den Zuschauer auf eine noch nie dagewesene Weise zu Tränen rühren vermag. Oder auch nicht. Denn betrachtet man das Storykonstrukt etwas distanzierter und blendet die Sci-Fi-Elemente aus, wirkt die Vater-Sohn-Beziehung plötzlich ungewöhnlich vertraut. Auch das Setting erscheint ohne die Roboter weniger frisch. Was ist passiert?

In erster Linie ist Sylvester Stallone ist passiert. Assoziationen an „Over the Top“ und seiner „Rocky“-Reihe drängen sich einem ins Gedächtnis. Rostige LKW-Trucks und Armdrückermeisterschaften wurden durch Hightech-Trucks und High-End-Boxkämpfe ersetzt. Rinderhälften durch Schrottteile, Philadelphias graue Tristesse durch ein goldenes Americana-Folkloregefühl. Sylvester Stallone durch Hugh Jackman. Echte Schweißperlen durch CG-Funken. Die Oberfläche wurde ausgetauscht, aber im Kern schlägt ein altes Sportlerherz. Es fand ein Generationswechsel im Publikum statt und dem wollten die Filmemacher Rechnung tragen. So verwundert es nicht, dass sich „Real Steel“ gezielt an die unbedarfte, film- und sportbegeisterte Jugend von heute richtet. Als klassische Underdogstory mit Vater-Sohn-Kern funktioniert der Film auf breiter Front und entfaltet eine universelle Kompatibilität. Überraschungen werden vergebens gesucht, stattdessen wird komplett auf die Stimmung gesetzt. Nur der Moment zählt, was durch Montagen, Zeitlupen und pathetischem Filmmusik aus der Feder von Danny Elfman exzessiv ausgeschlachtet wird. Mit jeder verstreichenden Minute stimmt der Film ein immer glorifizierenderes Lied auf alte Tugenden wie Integrität, Zusammenhalt, Teamgeist und Familie an. „Real Steel“ sieht sich als direkter Nachfahre eines alten Sportfilmgenres und vermischt dieses Erbe mit einer modernen, aber völlig jugendfreien Sportästhetik. Ganz im Sinne der überholten Vorfahren, sind auch die Frauenrollen entweder nur tot von Bedeutung oder völlig austauschbare Dekoration.

Funken sprühen in „Real Steel“ genug, aber keine vor Originalität. Doch warum Ambitionen suchen, wo nie welche beabsichtigt waren? Der Film ist ein als Original verkauftes Remake eines ganzen Genres. Dieses durfte zwar auch dank der Hilfe von Mister Stallone einige Revivals erleben und verschwand nie wirklich von der Bildfläche, aber verschließt sich letztendlich dem heutigen Zeitgeist, wie es seit jeher Rockys alte Schweißbänder taten. (Originalkritik für KultHit.de)

6/10

Kinoreview - DIE ABENTEUER VON TIM UND STRUPPI: DAS GEHEIMNIS DER EINHORN (Kritik)

2011-10-28T19:04:00.001+02:00

Kino: Die Abenteuer von Tim und Struppi: Das Geheimnis der Einhorn (Kritik) (The Adventures of Tintin)
Die Herren Spielberg und Jackson beweisen überraschendes Fingerspitzengefühl mit ihrer Vorlage. Ironisch und ehrfurchtsvoll wird mit Hergés einzigartigem aber ruppigem Stil umgegangen. Was den Film aber nicht davor bewahrt, einige offensichtliche Schwächen an den Tag zu legen 7/10
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Die Abenteuer von Tim und Struppi: Das Geheimnis der Einhorn

Wer genau hinhört, kann seit Bekanntgabe der „Tim und Struppi“-Verfilmungen aus den Händen der beiden Hollywoodkönige Steven Spielberg und Peter Jackson ein gewisses Zähneknirschen und Gezeter wahrnehmen. Die berühmten Comicbände des belgischen Comiczeichners und Autors Hergé rund um den jungen Reporter Tim und seinen treuen Gefährten gehören in Europa zu den bis heute beliebtesten Comics überhaupt und besitzen bis heute eine beachtliche Anhängerschaft, von der die anfangs erwähnten, sorgenvollen Geräusche ausgehen. Zumindest auf dem europäischen Kontinent. In den USA fristet die Reihe bestenfalls ein Nischendasein, inspirierte während ihrer über 80- jährigen Geschichte aber so manchen Filmschaffenden Hollywoods von klein auf. So auch Steven Spielberg, der sich mit der Verfilmung einen lange gehegten Traum erfüllte. Zusammen mit Peter Jackson und modernsten Performance Capture- und Animationsverfahren, nahmen die beiden Filmemacher gleich eine ganze Filmtrilogie in Angriff. Beim ersten Streich „Die Abenteuer von Tim und Struppi - Das Geheimnis der Einhorn“ erarbeiteten die beiden Regisseure die Vorproduktion und Stilfestlegung Hand in Hand. Die Inszenierung übernahm anschließend Spielberg und Jackson die Funktion des ausführenden Produzent. Bei Teil 2 werden die Plätze getauscht und - sollten die Zuschauer Erbarmen haben - wird für den Abschluss der Trilogie die Regiekräfte gebündelt.

Die angesprochene Angst der Hergéianer rührt nicht von ungefähr. Die Skepsis ist groß, ob ausgerechnet zwei von Hollywoods erfolgreichsten Regisseuren das nötige Verständnis für eine solch durch und durch europäisch geprägte Vorlage aufbringen können. Außerdem ertönten sein Bekanntwerden der verwendeten Technologie sämtliche Alarmglocken. Komplett am Computer sollten die Filme entstehen, von echten Schauspielern gespielt, aber per modernstem Performance Capture auf Animationsfiguren übertragen werden. Natürlich komplett in stereoskopischen 3D. Eine Menge Fortschritt, der auf die traditionsbewusste, über 80 Jahre alte Fangemeinde zu kommt. Einzig eine Inkarnation von Hergé persönlich, vorzugsweise mit einem Meisterregisseur wie Billy Wilder oder Alfred Hitchcock im Schlepptau, hätte wohl die Zustimmung der eingefleischten „Tim und Struppi“ Anhänger bekommen. Doch so müssen selbst die Herren Spielberg und Jackson Federn lassen. Wobei ein objektives Auge, das weder zu sehr im Film noch in den Comics verhaftet ist, schnell von der liebevollen Detailbesessenheit dieses ersten Teils bezirzt wird und nicht umhin kommt, an die schönen Stunden, die man als Kind (oder Erwachsener) mit den Comics verbracht hat, zurück zu denken. Was zusätzlich dadurch geschürt wird, dass sich die Handlung des ersten Teils aus zwei der beliebtesten "Tim und Struppi" Alben "Die Krabbe mit den goldenen Scheren" und "Das Geheimnis der Einhorn", zusammensetzt. Losgelöst von seiner Vorlage und als reiner Spielfilm betrachtet, reicht es aber trotz allen digitalen Fortschritts, Wagemuts und Ehrbezeugungen nicht zum cineastischen Meisterstück. Zu fraktal und löchrig ist seine Dramaturgie und zu ausgedehnt und zum reinen Selbstzweck verkommen seine Actionszenen. Hektizismus in seiner reinsten Form, ohne Struktur und nur mit wenigen Akzenten, was auf Dauer die Sinne des Zuschauers überstrapaziert. Dagegen stemmt sich mit aller Gewalt die klassische Abenteuerromantik, die Spielberg seit jeher verstand auf die - mittlerweile stereoskopische - Leinwand zu bannen. John Williams' beschwingt-jazzige Filmmusik nach seiner ureigensten Art trägt zusätzlich dazu bei, dass man sich schnell im vertrauten Spielberg-Universum wiederfindet und nicht mit wenigen Assoziationen an einige vergangene Klassiker des Regisseurs konfrontiert wird.

Als eigenständiger Spielfilm nach dramaturgischen Maßstäben beurteilt, haben sich die Macher einige grobe Schnitzer erlaubt, was den Film wertvolle Sympathiepunkte kostet. Nichtsdestotrotz darf dieses neuerschaffene Hybriduniversum aus typischen Hergé- und Spielbergelementen als geglückt bezeichnet werden - ein Mix aus modernsten Technologien, klassischer Abenteuerlust mit einem Comic typischen, ruppigen Charakter. Am Ende bleibt der Eindruck einer ambitionierten, unterhaltsamen Kinoadaption von einer der großen europäischen Comicikonen, gewissen Vorbehalten gegenüber der Technik und Stilistik zum Trotz. (Originalkritik für KultHit.de)

7/10

Kinoreview - MARGIN CALL - DER GROßE CRASH

2011-09-29T19:52:00.002+02:00

Kino: Margin Call - Der große Crash
Damals war der Film ein spannender Wettbewerbsauftakt der Berlinale 2011. Mittleweile wurde er von der Realität wieder eingeholt, was dem Film eine neue Dynamik verleiht, die dazu prädestiniert ist, Kehlen noch trockener zu legen. 8/10
> T r a i l e r
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Margin Call - Der große Crash

Das Timing von „Der große Crash - Margin Call“ ist gar erschreckend. Ein Film, der die 36 Stunden vor dem großen Knall der Finanzkrise 2008 beleuchtet und der ganzen wirtschaftlichen Lawine ein menschliches Gesicht verleiht, kommt exakt an dem Tag in die deutschen Kinos, an dem im Bundestag über die Vergrößerung des Euro-Rettungsschirms abgestimmt wird - ein Kraftakt, der aus den Spätfolgen der globalen Finanzkrise resultierte, um die überschuldeten EU-Staaten vor dem Bankrott und vor den aggressiven Finanzmärkten zu schützen.

Bei einer solch heiklen und auch komplexen Thematik ist Skepsis angebracht. Besonders, da der Film wie ein einziges, überkandideltes Starvehikel erscheint. Immerhin teilen sich in „Margin Call“ Kevin Spacey, Paul Bettany und Zachary Quinto die Hauptrollen und werden zusätzlich von Schauspielern wie Demi Moore, Jeremy Irons und Stanley Tucci flankiert. Nicht selten ein Indiz, dass sich ein Film auf dem roten Teppich besser zu behaupten weiß, als auf der Leinwand. Zudem muss sich das Projekt den Vorwurf der Vetternwirtschaft gefallen lassen. Schließlich handelt es sich um das Kinodebüt von Regisseur J.C. Chandor, ein Busenfreund aus Kindheitstagen von Zachary Quinto und von einem der ausführenden Produzenten.

Doch es darf Entwarnung gegeben werden. „Margin Call“ weiß zu überzeugen, was seinen Dialoglastigkeit und auch seinen menschlichen Fassetten zuzuschreiben ist. Der Film – ein Independentfilm, der trotz seiner Starbesetzung keine vier Millionen Dollar kostete – versucht der Finanzkrise, die in den USA ihren Anfang nahm und globale Auswirkungen nach sich zog, eine greifbare Form zu verleihen. Er macht es sich nicht zu leicht, in dem er den schwarzen Peter auf korrupte Unternehmen, Banken oder Trader abschiebt. Nicht die abnorme Gier einiger Weniger, sondern die tägliche, unscheinbare Schwäche Aller nährte das System, das schlussendlich durch Ignoranz und Automatismus zusätzlich geschürt wurde. Es entfaltet sich eine beklemmende Endzeitstimmung, die durch Zeitraffermontagen von Manhattans Skyline zusätzlich unterstrichen wird. Nur steht die Welt hier nicht kurz vor der Zerstörung, sondern vor dem Bankrott.

„Margin Call“ ist ein Film ohne wirklichen Bösewicht, aber immens vielen Opfern. Ein Film über die Frage, wem man Loyalität schuldet: dem eigenen Geld, dem eigenen Unternehmen oder dem eigenen Volk? Regisseur Chandor verwendete eine Vielzahl von Metaphern und Analogien, um die komplexen Vorgänge und abstrakten Zahlen begreifbar zu machen. In seiner Machart und seinen Charaktere ähnelt der Film der Handschrift von „The Social Network“-Autor Aaron Sorkin. Auch er reduziert komplexe Sachverhalte auf menschliche Aspekte und lässt seine Charaktere im Dauerfeuer und während endlosen Walk'n Talks ihre Dialoge rausschmettern. „Der große Crash - Margin Call“ war an der Berlinale 2011 ein spannender Wettbewerbsauftakt, aber die nun wieder aufgeflammte Brisanz verleiht dem Film eine neue Dynamik, die dazu prädestiniert ist, Kehlen noch trockener zu legen. (Originalkritik für KultHit.de)

8/10

Kurzfilmreview - KLEINES PÜPPCHEN, TEDDYBÄR (Kritik)

2011-09-24T20:27:00.001+02:00

Kleine Filme ganz groß, unter diesem Motto hatte ich das Vergnügen, den Kurzfilm "Kleines Püppchen, Teddybär" von der Regisseurin Manuela Schuster vorab sichten zu dürfen - an dieser Stelle nochmals herzlichen Dank an Hauptdarsteller Nikolai Will und die Filmemacherin. Wie es in der Natur eines cineastischen Schreiberlings liegt, kommen auch kleine Filme nicht darum herum, analysiert zu werden.

Wobei "Kleines Püppchen, Teddybär" sich nicht zu genieren braucht. Der kleine Film begeht zwar kein Neuland im Umgang mit dem heiklen Thema der Pädophilie, aber setzt interessante Akzente. Der innere Kampf des Protagonisten Johannes im Umgang mit seiner Nichte ist dabei besonders bemerkenswert. Eine unscheinbare Telefonatszene wird dadurch zum Mittelpunkt und Highlight des Films. Zum ersten Mal gewinnt der Zwang in Johannes die Oberhand und wird zur aktiven Kraft. Dank dieser Szene bleibt der Charakter beim Zuschauer, man fühlt mit und nicht gegen ihn. Auch umschifft der Film damit gekonnt das stets gefürchtete "Der Pädophile, das Monster"-Klischee. Die Szenen auf dem Spielplatz und Julias Geburtstag bilden die konsequente Zuspitzung von Johannes innerem Kampf. Bis zum Geburtstag hängt man als Zuschauer dem Film förmlich an den Lippen.

Aber wo Licht ist, fällt auch Schatten: Mit einer einzigen Holzhammer-Rückblende zerfällt das filigran gestrickte Netz. Diese Szene - so interessant sie auch umgesetzt sein mag - wirkt wie ein Fremdkörper, weil es die einzige im Film ist, die nicht aus der direkten Wahrnehmung von Johannes entspringt. Zudem erklärt sie zuviel, die zerstört den Mythos um seine eigene Person. Vermutlich wurde das Ziel verfolgt, ihn menschlicher und glaubwürdiger darzustellen, aber stattdessen wird der Charakter dadurch in die befürchtete Klischeeecke gedrängt und zum Psychopathen mit kaputter Vergangenheit degradiert. Das Ende lässt Raum für Interpretationen. Es erscheint, als ob Johannes in der Lage wäre, mit seiner Vergangenheit abzuschließen. Ob nun zum Guten oder zum Schlechten bleibt ungewiss. Was jedoch sauer aufstößt, ist der abschließende Kommentar. Der Film behielt stets die Balance Pädophile als Krankheit und als Unverzeihlichkeit darzustellen. Doch mit der finalen Texteinblendung kommentiert der Film direkt und nimmt Stellung. Die von vielen so verhasste Moralkeule treibt wieder ihr Unwesen. Warum lässt man den (scheinbar dummen) Zuschauer nicht allein mit seinen Gedanken? Der ganze Film spricht eine klare, unmissverständliche Sprache, warum diese also dem Zuschauer noch einprügeln wollen?

Schauspielerisch ist der gesamte Film eine One-Man-Show, die selbst über das hölzerne Spiel einiger Nebendarsteller hinweghilft. Nikolai Wills Darstellung ist mutig, wenn auch teilweise etwas stereotyp, was aber in der Rolle selbst begründet liegt. Der Schauspieler meistert die Gratwanderung zwischen monströsem Triebtäter und in sich gefangenem Opfer souverän, dank ihm wird Johannes lebendig und der Film fühlbar. "Kleines Püppchen, Teddybär" wird durch ihn nochmals aufgewertet - aber bliebe auch sonst, trotz einiger Schwächen, als bemerkenswerter Film in Erinnerung, der zum Nachdenken anregt.

Kinoreview - HELL (Kritik)

2011-09-22T18:52:00.003+02:00

Kino: Hell
Endlich wieder ein deutscher Genrefilm im Kino: Sehr auf seine Vorbilder bedacht, mit souveräner Besetzung und einer cleveren Inszenierung. Die Raffinesse, die "Hell"mit dem Titel beweist, löst er zwar nicht ein, aber ein solider Endzeitthriller mit starkem Survivalhorror-Einschlag ist garantiert. 7/10
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Hell

In kaum einem anderen europäischen Land steht der eigene Film so sehr in Verruf wie in Deutschland - trotz bessernder Tendenzen und trotz seiner exzellenter Reputation im Ausland. Filmemacher wie Til Schweiger oder diverse, sich auf die Leinwand verirrten Comedians polarisieren und zwingen der hiesigen Filmlandschaft einen weniger charmanten Ruf auf, der nicht selten zu einem allgemeingültigen Vorurteil verkommt. Da scheinen Genrefilme wie „Hell“ nur Tropfen auf den heißen Stein zu sein. Doch wie letztes Jahr der deutsche Zombiethriller „Rammbock“ bewies, werden selbst kleine Kinovorstöße von Festivalfilmen mit Handkuss honoriert und vermögen zumindest in kleinen Maßen das vorurteilsbelastete Bild des deutschen Films zurecht zu rücken.

Dass es der Zuschauer bei „Hell“ mit keiner geradlinigen Genrekost zu tun bekommt, wird bereits anhand des Filmtitels ersichtlich. Der Titel bezieht sich zum einen auf die künstlich stark überbelichtete Bildsprache, die die sonnenbestrahlte, lebensfeindliche Endzeitstimmung vermitteln soll. Auf diese Weise wird die apokalyptische Welt zur wahrhaftigen, Licht und Hitze durchfluteten Hölle. Spätestens gegen Ende wird auch der übertragene, psychologische Aspekt der Hölle unmissverständlich. „Hell“ kann als eine exakte Symbiose aus den beiden Endzeitthrillern „Carriers“ und „The Road“ bezeichnet werden, was darauf hindeutet, dass Regisseur und Kinodebütant Tim Fehlbaum seine Hausaufgaben gemacht hatte und dazu sein Werk mit typisch-deutschen Lokalkolorit kombinierte. Dieses ist Schauspielern wie Angela Winkler und Stipe Erceg zu verdanken, aber auch Hannah Herzsprung bleibt in Erinnerung. Insbesondere, weil ihre Figur als einzige eine echte Entwicklung vollzieht, während alle anderen in ihren zu kurz angebundenen Rollen feststecken. Fehlbaums Interpretation einer germanischen Apokalypse braucht einige Zeit, um in die Gänge zu kommen. Den Charakteren fehlt es anfangs an Motivation und vegetieren nur vor sich hin, anstatt dass sie erzählerisch in eine erkennbare Richtung geführt werden, weshalb man als Zuschauer bis auf die oberflächlichen Aspekte der stimmigen Inszenierung und der erdrückenden Atmosphäre relativ orientierungslos bleibt. In seiner zweiten Hälfte entreißt sich „Hell“ jedoch seines stilistischen Selbstzwecks und serviert echte, kompromisslose und blutige Genrekost. Die Figuren bleiben innerhalb ihrer Genrekonventionen verhaftet, aber stellen sich einer zunehmend psychologisch geprägten Umwelt. Der kleine Stolperstein beim Übergang von einem klassischen Endzeitthriller in ein existenzielleren, vom nackten Überleben seiner Figuren geprägten Horrorfilm fungiert somit als unfreiwillige aber passende Trennungslinie zwischen zwei unter verschiedenen Einflüssen stehenden Filmhälften.

„Hell“ wird kaum zum Genreklassiker avancieren. Aber der Film bleibt eine lobenswerte, deutsche Variation einiger alten, aber stets gern angenommenen Genreklischees und ein beachtliches Kinodebüt eines vielversprechenden Nachwuchsregisseurs. Dass Fehlbaums Erstlingswerk am Fantasy Filmfest 2011 den Publikumspreis gewann, darf als logische Konsequenz und als Beweis angesehen werden, dass alternative, deutsche Filme zu Unrecht ein Nischendasein fristen müssen. Jedes Jahr schafft es eine überschaubare Zahl an Festivalfilmen - wie „Rammbock“ oder „Hell“ - zu größeren (Kino-)Ehren. Und Nachahmungstäter sind in diesem Fall immer gerne gesehen! (Originalkritik für KultHit.de)

7/10

Kinoreview - ATTACK THE BLOCK (Kritik)

2011-09-22T01:43:00.004+02:00

Kino: Attack the Block
Ein Film mit dem Charme von „American Werewolf“, der Kraft von „Stirb langsam“, dem Schrecken von "Alien", dem Subtext von „Assault – Anschlag bei Nacht“ und nicht zuletzt mit dem Spaßfaktor von „Shaun of the Dead“. Und das beste, diese millionste und erste Alieninvasion wirkt dazu wie ein blutrünstiges Muppettheater! 8/10
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Attack the Block

Regisseur Joe Cornish mag bei uns trotz seiner Comedywurzeln noch ein unbeschriebenes Blatt sein. Doch was ihm an Ruhm fehlt, machen die Schirmherren seines Kinodebüts „Attack the Block“ mit ihren Namen mehr was nur wett. Edgar Wright und Nick Frost - Zweidrittel des Chaotentrios, das hinter den beiden modernen Spoofklassikern „Shaun of the Dead“ und „Hot Fuzz“ stecken - leisteten dem Projekt als Produzent und reichlich zugedröhnter Nebendarsteller Starthilfe. Was die Herren an dem Projekt reizte, muss nicht lange gesucht werden, denn der Regisseur macht um seine großen Vorbilder keinen Geheimnis. Nach eigener Aussage sollte sich sein Film anfühlen wie „American Werewolf“, sich dem selben kinematografischen Spielplatzes wie „Stirb langsam“ bedienen, sozialpolitisch ähnlich subtile Fragen stellen wie „Assault – Anschlag bei Nacht“ und nicht zuletzt den Spieltrieb und selbstreflexiven Humor eines „Shaun of the Dead“ besitzen. Was als Größenwahnsinn aufgefasst werden könnte, stellt sich letzten Endes als nüchterne Tatsachenbeschreibung heraus. Nur hatte Cornish mit seiner Aufzählung zwei wichtige Assoziationen vergessen. Nicht nur rezitiert „Attack the Block“ Sci-Fi-Klassiker wie „Alien“ am laufenden Band, mit seiner frischen Inszenierung der millionsten und ersten Alieninvasion gelingt ihm das Kunststück, Außerirdische aus dem Hut zu zaubern, die wirklich neu wirken - in Form eines extraterrestrischen und blutrünstigen Muppettheaters!

Feindliche Aliens landen in einem Londoner Stadtviertel, dem sich kein Tourist freiwillig aussetzen würde und der von Sozialbauten, Kleinkriminellen und herumstreifenden Gangsterbanden nur so wimmelt. Ein Ort, an dem die menschlichen Bewohner genau so unerwünscht sind, wie die später dazustoßenden Alienhorden. Mit einem Handstreich gelingt dem Film, die britische Sozialpolitik in Frage zu stellen, die Bewohner dieses Mikrokosmos zu empathischen Siegern zu erklären und den klassischen Heldenarchetyp zu verkehren. Wenn die Menschheit sich außerirdischer Invasoren gegenübersieht, bildete das Militär seit jeher die vorderste Verteidigungslinie. Bei „Attack the Block“ gehört die Polizei zur Bedrohung - ob Aliens, Polizisten oder Politiker, das Feindbild verschiebt sich für die im Mittelpunkt stehende Gesellschaftsschicht nur um Nuancen. Die Aussichtslosigkeit, aus ihren Blocks und aus ihren sozial benachteiligten Leben auszubrechen bleibt dieselbe. Aber trotz des soziologischen Subtexts verfolgten die Filmemacher mit ihrem Film ein Ziel, das der Regisseur kurz und knapp umriss: „Hauptsächlich geht es um eine irre Alien-Jagd, mutige Kids, Samuraischwerter und Mopeds.“

So banal sie klingen, so treffend sind seine Worte. Wer „Shaun of the Dead“ mochte, kommt um „Attack the Block“ nicht herum. Anstatt über Horrorklischees und blutige Zombies darf nun über das Sci-Fi-Genre und noch blutigere Aliens gelacht werden. Lasst euch nicht von den einfallsreichen, aber billig wirkenden Tricks nicht täuschen. Im Film entfalten diese ein äußerst wirkungsvolles Potential mit inspirierendem Nebeneffekt. Dem Zuschauer offenbart sich das reinste Muppetmassaker inklusive eines Actionfeuerwerks, wie es von Bruce Willis nicht hätte eindrucksvoller entzündet werden können. Es ist somit nicht verwunderlich, dass Joe Cornish als heißer Kandidat für den fünften „Stirb langsam“-Ableger gehandelt wird. Doch ganz ehrlich, der Mann und sein Team sind selbst für John McClane zu gut! (Originalkritik für KultHit.de)

8/10

Kurzreview - LE HAVRE (Kritik)

2011-09-13T23:38:00.000+02:00

Kurzreview: Le Havre
Lieber Aki, ich verehre "Lichter der Vorstadt" und liebe "Der Mann ohne Vergangenheit", aber was ging dir bei "Le Havre" durch den Kopf? Die Immigrationsthematik ist durchaus interessant aber warum sind sämtliche Charaktere dumm? Warum reden sie nur in Form von hohlen Glückskeksphrasen miteinander? Und warum stilisierst du den Film zu einem liberalen Manifest, dass man am liebsten den Republikanern beitreten möchte? Bei aller Liebe zu urbanen Märchen, zu empathischen, zwischenmenschlichen Verbindungen und zu dir, lieber Aki, erschloss sich mir dein "Le Havre" leider auf keine Weise. Vielleicht bin in diesem Fall auch einfach ich der Dumme. 6/10
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In Gedenken - 9/11 und der Man on Wire

2011-09-11T23:58:00.002+02:00

In Gedenken: Man on Wire
Zehn Jahre 9/11 - und die Welt hat sich weiter gedreht, wenn auch in einem merklich verschobenen Takt als vor dem 11. September 2001. Auch ich möchte diesem tragischen Jubiläum den gebührenden Respekt zollen, indem ich einen Film zum Thema mache, der die Terroranschläge mit keinem Wort und mit keiner Silbe erwähnt - und gerade deswegen eine immense symbolische Kraft erlangte. Dazu möchte ich allen diesen Artikel der britischen Sunday Times ans Herz legen. Ein beeindruckender Text über "Man on Wire" und den Einfluss von 9/11 auf das heutige Kino.
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Man on Wire

Schwer zu sagen, was den Reiz von "Man on Wire" ausmacht. Sind es seine narrativen Feinheiten, die die Spannung eines raffinierten Heistfilms mit der Faszination einer gut recherchierten Dokumentation verbindet? Oder die unbehagliche Spannung, die aus den Archivaufnahmen der Twin Towers entspringt und der Dokumentation unterschwellig eine völlig neue, nachdenkliche Dynamik verleiht, die an unserer Post-9/11-Generation nicht spurlos vorbeizieht? Oder ist es doch Protagonist Petit als leidenschaftlicher, charismatischer Künstler und egozentrischer, abgehobener Entertainer - dessen wahren Wesenszüge am Ende dem ganzen Film bitter-ironische Züge verleihen?

Die dargestellten Ereignisse sind von sprühender Situationskomik und tief verwurzelten Sehnsüchten geprägt. Wäre es eine fiktive Geschichte, man würde vor dem Autor den Hut ziehen. Aber so bleibt nur festzustellen, dass das Leben selbst wie so oft die besten Geschichten schreibt.

Kurzreview - FREUNDE MIT GEWISSEN VORZÜGEN (Kritik)

2011-09-11T18:47:00.000+02:00

Kurzreview: Freunde mit gewissen Vorzügen (Friends with Benefits)
Die Einsamkeit großstädtischer Twenty/Thirtysomethings und emotionaler Eskapismus sind Themen, die Hollywood aktuell wohl besonders bewegen. Dieser RomCom-Goldfisch aus Hollywoods Massentierhaltung ist zumindest weniger glitschig-kitschig-goldig als andere Artgenossen und seine imponierende Nebendarstellerriege machen ihn gar charmant - trotz seines hinter einer hippen 2.0-Oberfläche versteckten, altmodischen und biederen Charakters. 6/10
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Heimkinoreview - ROCKY BALBOA (Kritik)

2011-09-10T08:51:00.003+02:00

DVD: Rocky Balboa‎ (Rocky VI)
Nach John Rambo musste natürlich auch Rocky Balboa nachgeholt werden. Ein Film, der weniger von seiner Hauptfigur handelt, als davon, Sly beim Prozess des Älterwerdens beizustehen. Dass dabei einer Filmikone wieder Bedeutung verliehen und einen verdienten Abschied bereitet wurde, darf als Glück und Segen betrachtet werden. 8/10
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Rocky Balboa (Rocky VI)

Nach John Rambo musste natürlich auch Rocky Balboa nachgeholt werden. Und im Gegensatz zum Vietnamveteranen, hat Rocky die Erwartungen souverän eingehalten. Hier wurde der Charakter wirklich zu seinem Kern zurück geführt. Tatsächlich empfinde ich die Darstellung von Rockys späten Jahren mit all ihrer Reumütigkeit als den eigentlichen Höhepunkt des Films. Das obligatorische Finale im Ring war nur der nostalgische i-Punkt, dessen Verlauf aber keine Überraschung bot, sondern nur guten alten Rocky-Spirit. Es war bewegend auf Rockys Tour durch Philadelphia in seinen eigenen Erinnerungen an Adrian zu schwelgen und in der letzten Runde nochmals Mickeys Durchhalteparolen zu lauschen. Auch wenn es eigentlich nie um Rocky ging, sondern darum, Sly beim Prozess des Älterwerdens beizustehen. Dass dabei einer Filmikone wieder Bedeutung verliehen und einen verdienten Abschied bereitet wurde, darf als Glück und Segen betrachtet werden.

8/10

Heimkinoreview - JOHN RAMBO (Kritik)

2011-09-04T21:29:00.001+02:00

DVD: John Rambo‎
Selten lag ich so daneben wie bei John Rambo. Ein einziger (zweifelsfrei fragwürdiger) stilisierter Gewaltexzess, der nur zum reinen Selbstzweck inszeniert wurde. Ein Actionfeuerwerk der einfältigsten und extrovertiertesten Art, aber ein Fest! 7/10
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John Rambo

Selten lag ich so daneben wie im Falle von John Rambo. Ich dachte ehrlich, Sly wollte mit dem vierten Teil zu den Anfängen von Rambo zurückkehren. Wieder verstärkt ins psychologisch motivierte Actionfach wie im originalen Film und weg von der Gewalt verherrlichenden Propaganda-Pappfigur zu der Rambo über die Jahre verkam. Zumindest glaubte ich, mich an solche Kinokritiken zu erinnern. Aber große Güte, was lag ich falsch. Sly versuchte erst gar nicht Rambo zurück zu altem Glanz zu verhelfen, sondern ballert in die exakt selbe, ethisch verwerfliche Kerbe wie die Vorgänger. Nur mit dem Unterschied, dass es nun plötzlich funktioniert. Den Dominostein-Bodycount und den Dutzenden explodierenden Gliedmaßen sei dank. Das hat nicht mehr mit realistischem Kriegsanspruch zu tun, sondern mit (zweifelsfrei fragwürdiger) stilisierter Gewaltexzessen, die nur zum reinen Selbstzweck inszeniert wurde. Ein Actionfeuerwerk der einfältigsten und extrovertiertesten Art, aber wahrlich ein Fest! Wer sich damit schwer tut, stelle sich einfach vor, Rambo schwänge in einem Low-Fantasy-Setting ein Langschwert und verarbeite damit Orcs zu Brei. Es wäre derselbe Film nur ohne den Blei schweren, moralischen Ballast, den man sich selbst aufzwingt.

aufgerundete 7/10

Kinoreview - DIE DREI MUSKETIERE (Kritik)

2011-09-01T20:49:00.008+02:00

Kino: The Three Musketeers 3D (Die drei Musketiere 3D)
Mantel & Degen Charme trifft auf Paul W.S. Andersons übliches brachiales Banalitätentheater. Man darf es sich aussuchen, was dem Film am meisten zu schaffen macht. Ist es die aufgesetzte Steam Punk-Verjüngungskur? Die Schauspieler, die wie durch Sedative benebelt in einem dicken Schleier der Apathie spielen? Oder doch Andersons Drang, mit jedem neuen Film seinem Bedürfnis nach Spannung, Spiel und Schokolade nachzukommen. Nur leider ohne die Schokolade, die den Film temporär versüßt hätte. Er nimmt sich eine Vorlage, stopft sie mit Knallkörpern voll, klebt einen FSK12 Stempel drauf und zündet sie an. Das Resultat ist laut, schrill und verpufft in einer kleinen, bunten Gaswolke, deren klebriger Gestank man einige Tage nicht mehr los wird. 4/10
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Die drei Musketiere 3D

Literarische Klassiker versetzen Filmemacher nicht selten in einen wahren Goldrausch. So mancher fühlt sich dazu veranlasst, sein eigenes Glück zu versuchen, in der Hoffnung, dass vielleicht die eigene Adaption den Stoff in ein völlig neues Licht tauchen könnte. Ungeachtet dessen, dass der Claim womöglich von anderen bereits Jahrzehnte zuvor zum Versiegen gebracht wurde. „Robin Hood“, „Der Graf von Monte Christo“ und auch „Die drei Musketiere“ gehören zu den Stoffen, die alle Jahre wieder für Film und Fernsehen neuinterpretiert werden. Nun hat es auch Popkorn-Ästhet Paul W.S. Anderson ins Mantel und Degen-Genre verschlagen und versucht, mit seiner angetrauten Stammschauspielerin Milla Jovovich Alexandre Dumas Klassiker neue Seiten zu entlocken.

Dass der Regisseur große Ambitionen hegt, lässt er bereits mit seinem epischen, an High Fantasy-Verfilmungen erinnernden Prolog erkennen. Trotz der etwas unfreiwillig komischen Eröffnung und den holprigen Dialogen in der Exposition, sollte man nicht vorschnell urteilen. Denn dem Film gelingt es, einen besonderen Musketiermoment einzufangen, der bislang noch in jeder Verfilmung vorhanden war. D'Artagnans Kunststück, sich mit allen der drei berühmten Musketieren gleichzeitig anzulegen. Das weckt leise Hoffnungen auf eine moderne Umsetzung mit dem nötigen Gespür für die Essenz der Vorlage. Aber die Realität holt den Zuschauer leider allzu schnell wieder ein. Trotz des anfänglichen Mantel und Degen-Charmes, rückt Andersons brachiales Banalitätentheater erneut in den Mittelpunkt. Man darf es sich aussuchen, was dem Film am meisten zu schaffen macht. Ist es die aufgesetzte Steam Punk-Verjüngungskur von Dumas Original? Die Schauspieler, die wie durch Sedative benebelt in einem dicken Schleier der Apathie spielen? Oder doch Paul Andersons Drang, mit jedem neuen Film seinem prepubertären Bedürfnis nach Spannung, Spiel und Schokolade nachzukommen. Nur leider ohne die Schokolade, die den Film temporär versüßt hätte.

Das große Vorbild von „Die drei Musketiere 3D“ ist spätestens mit dem Eintreffen der Flugschiffe kein Geheimnis mehr. Der Regisseur möchte sein eigenes kleines „Fluch der Karibik“-Abenteuer vom Stapel lassen und ließ es sich auch nicht nehmen, Komponist Paul Haslinger ins Fahrwasser von Hans Zimmer und dessen Synthiebombastklängen zu werfen - inklusive ausufernden Piraten- und Sherlock Holmes Zitaten. Doch was wie ein bonbonfarbiger Abenteuerfilm aussieht, fehlt die eigentliche Komponente: Einen Helden mit Charakter. Generell lebendige Charaktere. Es wurde schon erwähnt, die Darstellerriege gibt sich ausnahmslos blass. So blass, dass man fast dazu geneigt ist, Til Schweigers kurzes Auf- und schnelles Abtreten als den schauspielerischen Höhepunkt zu erwähnen.

Der Film bleibt, was er von Anfang an zu sein schien: Ein typisches Paul W.S. Anderson-Werk. Der Filmemacher nahm sich erneut eine Vorlage vor, stopfte sie mit Knallkörpern voll, klebte einen FSK12-Stempel drauf und zündete sie an. Das Resultat ist laut, schrill und verpufft in einer kleinen, bunten Gaswolke, deren klebriger Gestank man einige Tage nicht mehr los wird. (Originalkritik für KultHit.de)

4/10

Kinoreview - MEIN BESTER FEIND (Kritik)

2011-09-01T06:37:00.001+02:00

KINO: Mein bester Feind‎
Eine Holocaustkomödie mit dem Rhythmus und dem Tempo eines beschwingten Wiener Blues. Ein gewagtes, aber gelungenes Unterfangen, das irgendwo zwischen „Der Dritte Mann“, „Arsen und Spitzenhäubchen“, „Thomas Crown ist nicht zu fassen“ und unter einer großen Portion Schlagobers zu finden ist. 8/10
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Mein bester Feind

Moritz Bleibtreu in einer Tragikomödie ist heutzutage keine wirkliche Schlagzeile mehr wert. Selbst wenn es sich um eine österreichisch-luxemburgische Koproduktion handelt und ein Regiekaliber wie Wolfgang Murnberger das Zepter schwingt. Aber wenn sich der Film einem der dunkelsten Kapitel der österreichischen Geschichte widmet, auf Grundlage eines Romans mit dem Titel „Wie es Victor Kaufmann gelang, Adolf Hitler doch noch zu überleben“ und das Ganze zur beschwingten Wiener Holocaust-Verwechslungskomödie avanciert, dürfte der Köder am Haken hängen.

Somit war die Neugierde auf diese Holocaustkomödie groß - und tatsächlich: „Mein bester Feind“ sollte sich entgegen des ernsthaften und heiklen Settings als eine der amüsanteren Überraschungen der diesjährigen Berlinale entpuppen. Wolfgang Murnberger („Der Knochenmann“) schaffte es ähnlich wie Roberto Benigni mit „Das Leben ist schön“, dem Holocaust eine Leichtigkeit zu verleihen, die scheinbar mühelos mit der erdrückenden, geschichtsträchtigen Grundstimmung balanciert. Es war ein riskantes Unterfangen, den Film als Holocaustdrama zu beginnen, in der Mitte als klassische Verwechslungskomödie weiter zu führen und im letzten Akt einen süffisanten Heistplot zu konstruieren, den der Zuschauer mit diabolischer Freude verfolgt. Doch der eigentliche Clou besteht darin, dass Murnberger den Nazis und dem Holocaust den Rhythmus und das Tempo eines beschwingten Wiener Blues verpasste. Dazu der typische Wiener Dialekt und man konnte fast den Wiener Kaffee durch die Leinwand riechen. Um diese Leichtigkeit nicht zu gefährden, nahm sich der Film einige Freiheiten und reduzierte das Grauen des zweiten Weltkriegs. So wurde beispielsweise auf die Darstellung der Vernichtungslager, Exekutionen oder Wiens Bombardierung verzichtet. Doch der Regisseur machte nicht den Fehler, den Krieg zu verharmlosen. Der Schrecken ist ständig präsent und es gilt der alte Grundsatz: Nur weil es nicht gezeigt wurde, bedeutet es nicht, dass es nicht passiert ist.

Natürlich muss sich der Film eine der ältesten aller Filmfragen gefallen lassen: Geht das nicht zu weit? Dürfen Filmemacher den Holocaust zwar als drohender Schatten erwähnen, ihn aber bewusst ausklammern? Dürfen sie ihn und den zweiten Weltkrieg als Schauplatz für eine Verwechslungskomödie missbrauchen? Dürfen sie so schonungslos durch den Krieg zappen als wäre es bloß eine fiktive Filmmontage? Selbst wenn es so gekonnt und ausgewogen passiert wie in „Mein bester Feind“? Die Frage muss sich jeder selbst beantworten, denn im Endeffekt bietet der Film nicht mehr als Unterhaltung. Keine Vergangenheitsbewältigung, keine neuen Ansätze oder Sichtweisen. Nur reine Unterhaltung. Dafür eine von der Art, die mit offenen Armen zum Schmunzeln und zum Lachen einlädt. Nicht auf Kosten der Opfer, sondern der karikierten Besatzer, des Faschismus, der Uniform und des blinden Eifers. Nur so konnte eine solche Gratwanderung funktionieren. Ein gewagtes, aber gelungenes Unterfangen, das irgendwo zwischen „Der Dritte Mann“, „Arsen und Spitzenhäubchen“, „Thomas Crown ist nicht zu fassen“ und unter einer großen Portion Schlagobers zu finden ist. (Originalkritik für KultHit.de)

8/10

Kinoreview - CONAN THE BARBARIAN 3D (Kritik)

2011-08-30T22:45:00.004+02:00

KINO: Conan the Barbarian 3D (Conan 3D)
Ein Film wie Knäckebrot. Hart, staubig, kratzig, Ohren betäubend beim Verzehr und liegt schwer im Magen. 3/10
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Conan the Barbarian 3D (Conan 3D)

Es verhält sich im Grunde wie mit Mathematik. Jede Multiplikation mit Nullen endet zwangsläufig in einem Produkt bestehend aus Null. Bei „Conan 3D“ haben wir es gleich mit vier Nullen zu tun - Regisseur Marcus Nispel und die drei Autoren von Filmmeilensteinen wie „Sound of Thunder“, „The Crow: Wicked Prayer“ oder „Cube 2“ - was das ganze Projekt bereits vorab zur Nullnummer abstempelt. Den Conanfans gehört unser aufrichtiges Mitleid, diese werden am meisten unter diesem „Film“ zu leiden haben. Fantasyfans dürften zumindest relativ schmerzfrei, dafür umso gelangweilter aus dem Film kommen. Selbst Freunde von Marcus Nispel - es soll Menschen geben, die selbst „Pathfinder“ etwas Gutes abgewinnen konnten - dürftet bei diesem Remake nur den einen oder anderen Goreeffekt positiv in Erinnerung behalten können.

Die Action ist laut, blutig und sterbenslangweilig. Spannung ist nicht vorhanden, nur schreiende Hünen, dümmliche Gesichtsentgleisungen und Jason Momoa, der einen bartlosen Khal Drogo wiedergibt. Momoa mag zumindest der ursprünglichen Version optisch näher kommen als Arnold Schwarzenegger es je tat. Doch ehrte John Milius mit seiner 1982er Filmversion das von Robert E. Howards gegründete Fantasy-Subgenre „Sword und Sorcery“, während Nispel aus eigener Unfähigkeit es zum bemitleidenswerten „Hack and Slay“-Getöse degradiert. Doch machen wir uns nichts vor, Arnies „Conan der Barbar“ wird heutzutage dank der Jahrzehnte langen Kultverklärung so wohlwollend wahrgenommen, nicht weil er qualitativ neue Maßstäbe setzte. Ron Perlman und Stephen Lang sind Leid geplagte Schauspieler, die sich solche „Rollen“ gewohnt sind - auf rollenbeschreibende Adjektive soll aus Respekt vor den Schauspielern verzichtet werden - was jedoch nichts an ihrem traurigen Anblick ändert. Eine Spannungskurve ist nicht vorhanden, der dramaturgische Faden so flach wie das konvertierte 3D des Films. Wer ist eigentlich diese Rachel Nichols und wie schafft sie es, so völlig beliebig zu wirken? Ein Lächeln wie Milla Jovovich, ein Blick wie Olivia Wilde, ein Stirnrunzeln wie Anna Kendricks und Gang wie Eva Green. Eine solch profillose Darstellung dürfte selbst in Hollywood für Aufsehen sorgen. Aber dadurch passt sie zumindest zum Regisseur, den Autoren und dem ganzen Projekt.

Der Trick ist, dem Film und allen Beteiligten mit Gleichgültigkeit zu begegnen. Wegen „Conan 3D“ an die Decke gehen, wie es vielleicht bei „Sucker Punch“ oder „Tron Legacy“ der Fall war, wäre vergebliche Cineastenmühe. Scorepuristen müssen sich auch nicht genötigt fühlen, auf die Barrikaden zu steigen, Basil Poledouris originale Partitur aus den Schwarzeneggerfilmen wurde nicht verwendet und somit auch nicht geschändet. Sollte sich jemand je gefragt haben, wie sich ein Magengeschwür anhören könnte, der findet in Tyler Bates brachial-synthetischem Krachgewitter die Antwort.

Doch trotz der vielen Worte gibt es über „Conan 3D“ eigentlich nur eines zu sagen: Knäckebrot... (Originalkritik für KultHit.de)

3/10

Kinoreview - COWBOYS AND ALIENS (Kritik)

2011-08-30T06:20:00.005+02:00

KINO: Cowboys and Aliens
Ein Film, wie eine Kinderparty mit kleinen, verkleideten Cowboys, Indianern und Aliens, die herumhüpfen, Lärm machen und Krieg spielen. Den Fehler, den lieben Kleinen zuzuhören, begeht man als Erwachsener nur einmal, danach genießt man einfach das bunte Treiben. 7/10
> T r a i l e r
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Cowboys and Aliens

Nennen wir den Gaul beim Namen: „Cowboys & Aliens“ ist genau die Art von Film, wie es uns sein Name weiß machen möchte. Auf der einen Seite stinkende Revolvermänner, auf der anderen stinkende Außerirdische und mitten drin Daniel Craig. Der Film ist wie eine turbulente Kinderparty, auf der kleine, verkleidete Cowboys, Indianer und Aliens herumhüpfen, Lärm machen und Krieg spielen. Den Fehler, den lieben Kleinen zuzuhören, begeht man als Erwachsener nur einmal, danach genießt man einfach das bunte Treiben. Nur die kleine Olivia steht in ihrem Prinzessinnen-Kleidchen mitten im Raum und realisiert, wie deplatziert sie mit ihrer Rolle doch wirkt und eigentlich alle Jungen nur nervt. Wie gut, dass der Zuschauer durch „Tron Legacy“ bereits Leid geprüft ist, wodurch sich der Schaden in Grenzen hält.

Die Genremischung aus Western und Science Fiction entfaltet im Falle von „Cowboys & Aliens“ den erhofften Charme. Im Grunde hat der Film bei einer gewissen Nerdfraktion schon allein durch seine simple Genremixtur und Reduzierung auf das Wesentliche beider Welten gewonnen. Denjenigen, die Serien oder Filme wie „Galaxy Rangers“, „Saber Rider“, „Cowboy Bebop“, „Firefly“, „Serenity“ oder „Westworld“ verehren, kann auch dieser Genrehybrid blindlings ans Herz gelegt werden. Alle Anderen sollten sich zunächst die Frage stellen, was sie von einem solchen Film, dessen Name wie kaum ein anderer Programm ist, erwarten: Harte Männer? Duelle? Indianer? UFOs? Schleimige Aliens? Blei- und Lasergewitter? Eine Story, die alles möglichst schmerzfrei und unterhaltend zusammenhält? Wenn ein simples „ja“ alle Fragen beantwortet, dann fühlt euch zu dieser Kinderparty eingeladen.

Besonders der Härtegrad des Films überrascht in Anbetracht der FSK12 Einstufung. Aber bei Western befolgte die Freiwillige Selbstkontrolle ohnehin schon immer eigene Regeln, man denke beispielsweise an „True Grit“. Die Effekte sind dankenswerterweise endlich wieder durchwegs überzeugend, ohne dass sich der Zuschauer zwischendrin fragen muss, welche Outsourcing-Maßnahmen sich wieder für den rapiden Qualitätsverlust verantwortlich zeichnete. Doch die heimlichen Stars des Films sind trotz der Effekte, Daniel Craig oder Harrison Ford die Nebendarsteller wie Keith Carradine („Deadwood“), Clancy Brown („Earth 2“, „Carnivàle“), Walton Goggins (The Shield), Sam Rockwell und Paul Dano. Da verzeiht man selbst die dümmlichen Dialoge.

Nach dem sehr mäßigen Trailer zu „Cowboys & Aliens“ konnte der finale Filme eigentlich nur gewinnen. Olivia Wilde bekam zwar die undankbarste Rolle aufgedrückt - ein unschönes Westernklischee, wofür die Autoren zwischen zwei Pferde gespannt gehören - und Harrison Ford wirkt als alter, kläffender Stadtpatriarch so glaubwürdig wie es ein Cameoauftritt von Chewbacca als Alieninvasor tun würde. Dennoch, „Serentiy“ liegt bereits viel zu lange zurück und die Aussichten auf eine vernünftige „Cowboy Bebop“-Verfilmung stehen alles andere als gut. Darum soll „Cowboys & Aliens“ als Lückenfüller mit offenen Armen empfangen werden, so fehlerbehaftet er auch sein möge. (Originalkritik für KultHit.de)

7/10