O Ficcionauta

STREETS OF RAGE 2 - PORRADARIA E MÚSICA DE QUALIDADE

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 27 Jun 2023 20:17:00 +0000

Streets Of Rage 2
Sega Mega Drive
EUA 1992
JP e EU 1993

Streets of Rage, ou SOR, surgiu na onda de beat’em ups do início dos anos 90 seguindo o sucesso de franquias como Double Dragon, Final Fight e tantos outros. A diferença é que a série já nasceu nos consoles, se tornando uma das primeiras do gênero que não foi portada dos fliperamas. Com o sucesso do primeiro game, era inevitável uma sequência. Ainda mais com a guerra aberta da Sega com a Nintendo pelo mercado de videogames. Então, no natal de 92 era lançado nos Estados Unidos Streets of Rage 2.

Continuação direta do game anterior, o jogo se passa cerca de um ano após os eventos mostrados em SOR. Axel, Blaze e Adam seguiram suas vidas, os dois primeiros abandonaram a polícia um se tornado guarda-costas e a outra passando a ensinar dança enquanto Adam continuou na força policial. É nesse momento que surge um novo Sindicato do Crime na cidade e na sequência Adam é dado como desaparecido. Procurado por “Skate” irmão mais novo do policial, Axel reúne Blaze, Skate e Max para enfrentar a nova ameaça e encontrar o amigo desaparecido.

Nessa nova aventura o game oferece quatro personagens em vez de três para o jogador escolher, sendo Axel e Blaze os mais equilibrados. O game recebeu um carinho especial dos desenvolvedores. Os gráficos melhoraram 100% e relação ao game anterior. Sprites mais detalhados e bem mais animados também. A jogabilidade está bem apurada. As fases ficaram mais longas recebendo vários cenários diferentes e até mais de um sub-chefe. Notei uma dificuldade bem honesta, não tão difícil nem muito fácil, mas as fases finais ela aumenta bastante, mas nada que desanime o jogador. Embora o especial com o carro de polícia tenha sido retirado, os personagens ganharam uma maior variedade de golpes sendo dois deles especiais que quando acionados consomem certa quantidade de energia. Impossível não lembrar do Shoryuken quando vemos um dos especiais de Axel.

Agora, mais de 50% do que torna SOR2 o que ele é, na minha humilde opinião, é a trilha sonora matadora de Yuzo Koshiro. Compositor de várias trilhas icônicas da SEGA como Sonic The Hedgehog, The Revenge of Shinobi e Shenmue. Totalmente composta num computador NEC-PC8801, que já era antigo para a época, e um aplicativo desenvolvido pelo próprio compositor, a trilha sonora de Streets of Rage 2 é um banho de pop, tecno, e dance que mostra como Koshiro sabia usar com maestria o chip de som do console da SEGA. De tão atemporal, as trilhas de todos os games, receberam uma edição especial remasterizada no velho formato vinil pela Data-Disc. Para delírio dos saudosistas do velho formato analógico. Entre tantas faixas excepcionais, destaco a da primeira fase e o remix primoroso da música que toca na tela de apresentação do primeiro game e que é a trilha da última fase.

Na época de seu lançamento, SOR2 recebeu ótimas críticas e avaliações da maioria das revistas da época. E mesmo depois de tantos anos, o game ainda oferece ótima diversão e desafio. O que mostra a qualidade do time de desenvolvimento da SEGA na época da Guerra dos Consoles. Ele conseguiu entregar um jogo que prevalece até em tempos de jogos super-realistas e é presença obrigatória no cartel de todo gamer, não só dos retrogamers.

Eu, autista.

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 27 Jun 2023 20:16:00 +0000

Sabe qual o maior problema de se possuir algum grau dentro do espectro autista?

É o que chamam de hiperfoco.

Isso realmente é um saco. E para um não diagnosticado, a coisa é um pouco pior. Digo isso porque só fui "diagnosticado" depois dos 40 anos e como ouvi de vários profissionais, "não há muito ou quase nada o que fazer".

O hiperfoco me prejudica muito. No meu trabalho, no meu casamento, na família. É uma luta constante. Socialmente é muito difícil, fazer amizades chega a ser doloroso. Os assuntos que gosto de falar são muito específicos e não consigo, por mais que me esforce, criar interesse em conversas casuais de assuntos aleatórios. Me sinto excluído, não que as pessoas com quem convivo me excluam, mas porque excluo a mim mesmo, me afasto porque acredito que o que tenho para compartilhar não é do interesse geral.

Afinal, quem vai se interessar em conversar sobre um livro de ficção obscuro que só 0,25% dos 52% da população brasileira que lê livros saberia do que estou falando? Ou daquela série de TV que só umas 4 pessoas no planeta assistem?

E por mais que as pessoas pensem que eu vivo isolado no meu mundinho e estou bem com isso, elas estão erradas. a falta de orientação nos anos de formação, a primeira infância, cobra um preço alto de mim hoje. Não entendo os sentimentos das pessoas, não enxergo o mal que meu isolamento causa em minha esposa e filhos. Muitas crises tiveram isso como causa.

No meu caso, isso aconteceu puramente por falta de informação. Não havia acesso a profissionais ou terapias. Lembro que ouvi falar de autismo pela primeira vez quando assisti Rain Man.

Esse texto é meio que um desabafo mas também um apelo que faço a você, leitor. Se vc tem alguém por perto que acredita estar em algum grau do espectro autista saiba que ele não te ignora porque quer, as vezes ele só quer que alguém demonstre algum interesse em conversar com ele. Aposto que você vai se surpreender com o que ele pode oferecer.

Mas se vc é pai ou mãe, e vê que seu filho não se comporta como a maioria das crianças. É difícil conversar com ele ou ele simplesmente parece não se importar com os outros membros da família. Não desista dele. Leve para uma avaliação séria, quanto mais cedo na vida melhor!

O autismo moderado e grave recebem mais atenção pois são condições com características bem chamativas. O grau leve meio que voa abaixo do radar e é confundido com rebeldia, teimosia, comportamento anti-social, manha, mimo, mal criação, TDAH. Não estou dizendo que todas as crianças que apresentam tal comportamento estão no grau leve do espectro autista, mas é sempre bom averiguar, não é mesmo?

O diagnóstico precoce ajuda na evolução social e mental da criança, digo isso poque tenho dois filhos diagnosticados na infância graças à minha maravilhosa esposa que, não sei como, teve a luz de alerta acionada. e a ela agradeço muito pelo que está fazendo por eles. Hoje sei que eles serão adultos muito mais aptos socialmente do que o pai deles é.

O Amigão da Vizinhança Arrebenta no PSOne

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 21 Jul 2021 12:27:00 +0000

Spider-Man
Neversoft/Activision
PSone – 2000

A relação entre quadrinhos e videogames sempre foi bem estreita. Games com temática basada em quadrinhos de super-heróis vem sendo desenvolvidos desde o jurássico Atari 2600. Sendo que o personagem que mais marcou presença nos consoles foi o amigão da vizinhança, O Espetacular Homem-Aranha. De longe o herói mais popular da Marvel, o cabeça de teia protagonizou muitas aventuras nos games sendo uma das primeiras no já citado Atari. Passando pelo NES, Mega, SNES até chegar ao console SONY PlayStation em 2000.

Com o título de Spider-Man (simples assim, sem subtítulo) o game desenvolvido pela Neversoft na engine do game Tony Hawk’s Pro Skater foi a primeira aventura do teioso em 3D. Pela primeira vez os jogadores poderiam controlar o Aranha balançando por Nova Iorque num ambiente em três dimensões.

O Game retrata o cenário dos quadrinhos do herói do final dos anos 90, Peter ainda está casado com Mary Jane, embora ele ainda se relacione com a Gata Negra. Vários dos inimigos clássicos estão no game, mas Venon e Carnificina tem mais relevância para o enredo do jogo.

Na trama, Doutor Octopus tem uma de suas apresentações científicas invadida pelo Homem-Aranha que rouba seu novo invento. O detalhe é que Peter Parker está no meio do público fazendo um reportagem pro Clarim Diário. Nesse mesmo evento Eddie Brock, contraparte humana do Venon testemunha o crime cometido pelo Aranha e resolver persegui-lo. É bom lembrar que nessa época o Venon passava por uma transição de vilão para anti-herói nos quadrinhos. Em seguida a ilha de Manhattan tem as ruas inundadas por um gás venenoso cuja autoria também é atribuída ao Homem-Aranha.

Vendo que seu alter ego estava sendo incriminado, Peter resolve investigar para limpar seu bom nome. No caminho ele enfrenta boa parte de seu panteão de vilões como, Rhino, Mysterio e Escorpíão. Além de encontrar aliados como o Tocha Humana, Gata Negra e Demolidor.

O plot do gás foi uma ideia esperta da desenvolvedora para “apagar” boa parte do cenário urbano, facilitando assim a vida dos programadores e designers que só precisavam criar as fases mostrando a parte de cima dos prédios, sem se preocupar com ruas, veículos e população. Claro que isso também era necessário devido às limitações do hardware do console. Mas o jogo não fica só na parte aérea da cidade, há fases em ambientes fechados, como em escritórios, metrô e os esgotos da cidade. A jogabilidade é bem fluída, com o personagem tendo uma grande gama de golpes e movimentos. Há vários itens espalhados pelas fases como energia e fluído de teia além de capas da revista do Aranha da época. Durante o game pode-se destravar outros uniformes do Aranha como a Spider-Armour Mk1 e o uniforme negro.

É lógico que não podia faltar o tradicional humor e irreverência do personagem, com diálogos espirituosos e piadas infames com seus inimigos. Aliás isso me faz lembrar de um dos pontos fracos do game, a falta de uma legenda, mesmo em inglês, faz com que um jogador que não domine a língua, falada ou escrita, perca vários desses momentos que lembram o bom e velho Aranha.

Outro ponto fraco são as cut scenes feitas na própria engine do jogo, que já era datada para a época. Embora os gráficos do jogo seja OK para alguns hoje e eu me incluo nisso. Existem vários exemplos de jogos contemporâneos que possuíam cut scenes muito mais elaboradas. Mas esses problemas não tiram a diversão que é explorar os cenários, lutar com os inimigos ou pegá-los de surpresa além de balançar na teia.

Dito isso, Spider-Man para PlayStation é um grande avanço em jogabilidade e ambientação. Traz uma história divertida e cheia de ação bastante calcada nos quadrinhos do Aranha que eram publicados na época. Isso pode causar um certo estranhamento em leitores e jogadores mais novos, mas pra quem já acompanhava as revistas do teioso, pode trazer boas lembranças. Game recomendadíssimo para quem não acompanha os quadrinhos e obrigatório para os fãs do herói mais “gente como a gente” das HQs.

Back to The Future - The Game - Uma Sequencia Digna dos Filmes

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 14 Apr 2021 12:55:00 +0000

Back To The Future – The Game
Tell Tale – 2009
PC

A Trilogia De Volta Para o Futuro é, sem sombra de dúvida, um dos produtos do cinema dos anos 80 mais amado pelos fãs. Mesmo que ainda existam outras franquias como Star Wars e Indiana Jones, a trilogia idealizada pela dupla Bob Gale e Robert Zemeckis é uma rara unanimidade. Embora por anos seus realizadores recebessem pedidos para que novos capítulos da história fossem produzidos, eles nunca se concretizaram. Ainda mais depois que Michael J. Fox, o Marty McFly, passou a enfrentar problemas de saúde.

O tempo passou e quase 25 anos após a estreia do primeiro filme a Tell Tale anunciou o lançamento de Back To The Future – The Game. A proposta era lançar um jogo point and click, com gráficos 3D dividido em capítulos. E o melhor! Seria uma história original que daria continuidade aos filmes!

Desde o início da produção nota-se o carinho e respeito que os produtores da Tell Tale tiveram com a franquia. Além de buscarem contribuições da fan base para o enredo eles conseguiram que o próprio Bob Gale, corroteirista dos filmes originais prestasse consultoria. Isso fez com que várias ideias que não foram aproveitadas para a parte dois dos filmes pudessem ser usadas agora. Isso levou a um aprofundamento maior da história de Doc Brown, pra mim o melhor personagem, mostrando sua adolescência e o que o levou a querer ser um cientista.

Bem, mas vamos ao enredo. Seis meses depois dos eventos em BTTF – Parte III, Marty tenta se adaptar à nova realidade que ele e Doutor Brown criaram quando fica sabendo que o banco vai leiloar os bens do agora desaparecido inventor. Não bastasse isso o DeLorean aparece na sua frente apenas com Einstein, o cão do Doutor e uma mensagem deste dizendo que ele havia instalado na máquina do tempo um sistema de retorno automático caso ele entrasse em alguma encrenca. Como Marty não tem muitas informações de para que época seu amigo viajou, ele precisa fazer uma investigação para saber para onde e quando ir. E é aí que começam as confusões.

Por ser um point and click, a história é 60% do jogo. A Tell Tale acertou em cheio ao escolher dar mais atenção ao personagem do Doc Brown, que é dublado pelo próprio Christopher Loyd. Os três filmes focaram em Marty e a história de sua família aqui vemos as ações girarem em volta do jovem Emet L. Brown filho do juiz da cidade que, ao contrário dos desejos do pai, quer ser cientista e inventor. Como antes, as ações da dupla causam mudanças significativas na linha do tempo o que os obriga a realizar um vai e vem temporal para colocar tudo em ordem.

Por ser dividido em capítulos, temos várias subtramas e ganchos que ligam um ao outro. Essa característica funciona muito bem no formato original. Porém, quando se joga as partes em sequência esse efeito se perde um pouco. Além disso há algumas piadas recorrentes que podem aborrecer o jogador. Em termos de jogo a produção apresenta alguns puzzles que causam alguma confusão, providencialmente os produtores implementaram um sistema de dicas para ajudar os jogadores. Tudo isso faz com que o game apresente alguns probleminhas, mas nada que não se consiga superar.

Além do já citado Christopher Loyd, o elenco de dublagem conta com ótimos dubladores. Destaco aqui o trabalho de AJ Locascio que consegue emular muito bem o tom de voz original de Marty McFly. E me vejo aqui obrigado a citar a participação especial do próprio Michel J. Fox como um dos ancestrais dos McFly. Isso seria um spoiler mas acho que essa participação passaria batido pela maioria já que poucos assistiram os filmes com áudio original.

A história é bem fechada, mas, ainda assim, termina de um modo que se poderia ter mais “temporadas” o que até hoje não aconteceu e agora com a falência do estúdio ficou ainda mais difícil. Mas espere bastante surpresas e reviravoltas em todos os capítulos.

Com isso, Back To The Future – The Game é um jogo que foi feito com o coração, quase de fãs para fãs, mas que não exclui quem não assistiu ou não ouviu falar dos filmes, se é que tal indivíduo existe. Para os que conhecem, um saboroso encontro com velhos amigos, cheio de recordações e referências. Para quem não conhece, uma boa história de viagem no tempo com muita ação e reviravolta que pode levar o jogador a quer dar uma olhadinha nos filmes originais.

I-Ninja - Lá e de Volta Outra Vez pra ir Lá de Novo

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 31 Mar 2021 02:37:00 +0000

I-Ninja (2003)
Namco
Nintendo Game cube

Se tem uma coisa que não suporto é a repetição. Não consigo entender como alguém pode achar divertido ter de repetir uma tarefa vez após vez. Me sinto preso num loop onde tudo se repete e parece não encontrar uma saída dele.

É assim que me senti jogando I-Ninja, da Namco. Um hack’n slash muito promissor onde o jogador controla um ninja que ao tocar em uma pedra mística é tomado de uma fúria incontrolável e mata seu sensei. Então uma jornada para impedir o mal que criou a pedra se inicia.

Até ai tudo bem, o enredo não é lá essas coisas mas serve para um jogo que se propõe ser uma diversão leve. O design de produção adotado, bem cartunesco, a trilha sonora techno-pop e o estilo plataforma apontavam para isso. Mas os produtores caíram numa armadinha comum nesse tipo de jogo, a repetição. Todas as fases consiste em superar obstáculos e adquirir moedas, o que não é nada diferente de um Super Mário, o problema começa quando, para avançar de um mundo para outro é necessário um determinado número de moedas o que invariavelmente leva o jogador a repetir fases já completadas para chegar ao número de moedas necessárias, o tal do track back.

Não que eu ache o track back ruim. Quando usado de maneira criativa é uma boa ferramenta narrativa. Basta ver Jogos da série The Legend Of Zelda ou Castlevania. Mas o recurso pode facilmente se tornar uma arapuca e foi exatamente o que aconteceu em I-Ninja. Apesar de apresentar mecânicas interessantes e fases divertidas o excesso de track back forçado para avançar no jogo tira bastante da diversão. Por várias vezes tive de voltar um ou dois mundos para refazer algumas fases para avançar no game. E isso torna a jogatina numa tarefa enfadonha e burocrática.

Mas nem tudo são pedras. Os chefes mostram um diferencial no que se refere a criatividade. Só pra ilustrar, o primeiro Boss é uma batalha de Mechas em primeira pessoa, bem ao estilo Pacific Rim. Além disso o game possui falas cheias de humor, seja por um comentário debochado do personagem ou o sarcasmo do fantasma do sensei que guia seu pupilo na aventura, mas isso pode não contar muito se o jogador não souber muito de inglês já que o game não possui legendas. Outros pontos altos do game ficam com o estilo cartoon dos gráficos, jogabilidade apurada, mecânicas variadas e uma trilha sonora que por várias vezes me lembrou o estilo da banda Information Society, que misturava sintetizadores, Tecno, Rock e New Wave. O puro suco do Pop dos anos 80.

I-Ninja é um game com temática promissora,
jogabilidade divertida e humor ácido com muita possibilidade de ser um sucesso dos jogos de ação e plataforma, mas que derrapa na curva quando obriga o jogador a realizar um back track safado com a única intenção de prolongar o tempo de jogatina.

Ninja Gaiden II - Sombras Ninjas e Caos!

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Thu, 18 Feb 2021 14:08:00 +0000

Ninja Gaiden II
TECMO 1990 - NES

Depois de passar o inferno em Ninja Gaiden, Ryu Hayabusa está de volta. Cerca de um ano depois dos eventos do primeiro jogo, um novo inimigo, Asthar, surge com a intenção de liberar as forças do mal no nosso planeta. Para isso ele conta com a Espada Negra do Caos que lhe permitirá abrir um portal para o mundo da escuridão.

Roteiro clássico dos games da era 8 e 16 bits. Ninja Gaiden II – The Dark Sword of Chaos, sequência direta do primeiro game, continua a saga de Ryu e Irene contra as forças do mal. De cara, nota-se uma melhora nos gráficos e no som do jogo, a jogabilidade melhorou bastante, os controles e hitbox estão mais precisos que no primeiro jogo tornando a experiência menos frustrante. Mas a dificuldade continua elevada, o que se espera de um jogo do nintendinho.

O diferencial dessa série era a narrativa, com suas cutscenes entre as fases contando a história do games. Tá, sei que os RPG's também faziam isso, mas em jogos de ação/plataforma isso era raro na época. E acredito que essa característica do game contribuiu bastante para o sucesso da franquia. E a história contada aqui aprofunda mais os personagens, o relacionamento entre Ryu e Irene, uma dose de drama que o arco do novo personagem Robert acrescenta, além de reviravoltas na trama lá pra parte final do game.

Na jogabilidade acrescentaram as sombras que seguem o personagem e replicam seus movimentos o que permite ao jogador criar estratégias para atingir inimigos ou mesmo facilitar na batalha com os chefes, deixando a jogatina mais divertida. Como disse antes, as melhorias na precisão dos golpes ajudou a deixar a jogabilidade mais fluida. No game anterior quando você errava um golpe ou era atingido o jogador entrava num loop de dano que era difícil de sair. Isso acontecia devido ao modo como os inimigos brotavam no cenário. Isso ainda acontece nesse capitulo, mas é mais fácil sair dele o que torna o jogo menos punitivo.

Joguei a versão que faz parte da trilogia lançada para Super Nintendo, em 1995. Mas dei uma passada rápida no original para ver se havia muita diferença entre eles. E basicamente, as mudanças estão nos gráficos e áudio do jogo. Não senti diferença nas mecânicas e jogabilidade o que deixa as experiências parecidas. Apesar de eu preferir as músicas no som do NES, mas aí é a nostalgia falando alto, mesmo.

Ninja Gaiden II – the Dark Sword of Chaos é uma continuação que melhora o que já era bom no seu antecessor e conserta o que não era tão bom assim. Aprofunda história e personagens e oferece ação do começo ao fim. O que torna o jogo uma boa experiência tanto para os jogadores que gostam de acompanhar uma boa história como para aqueles que se focam em ação e jogabilidade.

Halo - A redefinição do FPS

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 23 Nov 2020 15:49:00 +0000

Halo, com certeza, foi um dos games que redefiniram os jogos FPS no início dos anos 2000, seja pela temática Scifi ou pelas inovações no level design e jogabilidade inseridas no gênero. Desenvolvido pela Bungie e publicado pela Microsoft Game Studios, Halo – Combat Evolved foi lançado em 2001 para o primeiro Xbox e em 2003 para PC e Mac. De cara, se tornou um sucesso imediato, tanto de crítica como de público, lançando os alicerces de uma das mais famosas e rentáveis franquias dos games.

O jogo começa com a nave Pilar of Autumn chegando a uma estação em forma de anel (o Halo do título) enquanto foge dos Covenants, alienígenas de várias raças unidas por uma religião em comum. Devido aos danos sofridos e a consequente invasão da nave, seu capitão ativa seu principal soldado, Masterchief, um dos poucos remanescentes da classe de super soldados Spartan II. Para evitar que os invasores obtenham dados críticos sobre a frota terrestre e até mesmo a localização da Terra, o capitão decide derrubar a nave em Halo. Durante o game descobrimos que o local é considerado sagrado pelos covenants e a presença dos humanos nele é vista como um sacrilégio. O que faz com que eles sejam perseguidos e exterminados pelo inimigo.

O título começa inovando pela ambientação, invés de calabouços e corredores fechados temos um ambiente a céu aberto com relevo variado, montanhas e rios. Há ainda construções que podem ser exploradas durante o jogo. Embora pareça, o ambiente não é de mundo aberto. O que temos são grandes áreas onde se pode andar livremente ligadas por corredores, isso faz com que o jogo seja bem linear, mas permite que o jogador possa criar estratégias de como vencer os obstáculos e inimigos nas áreas maiores.

Outra diferença dos FPS existentes na época é a quantidade de armas e itens que Marterchief pode carregar. São apenas duas e 4 granadas de fragmentação ou de plasma. As armas são recolhidas dos inimigos caídos. Há uma boa variedade de armas humanas e alienígenas porém as alienígenas não possuem recarga, quando a energia delas acaba precisam ser descartadas. Kits médicos, que não são muitos e estão escondidos no cenário, repõe a energia. Ainda há um campo de força suplementar e uma camuflagem igual ao dos inimigos.

Toda a história se desenrola enquanto o personagem principal realiza missões determinada por Cortana, a IA da nave que está alojada numa conexão neural na armadura de combate de Masterchief. Toda a rotina de ir a determinado ponto realizar uma tarefa e voltar para outra pode deixar o game um pouco repetitivo. Mas a dificuldade crescente e as áreas cheias de inimigos deixa a ação num nível bem elevado. Junte se a isso uma trilha sonora que não está sempre presente nas fases. Ela só aparece quando estamos para concluir a missão, o que faz a adrenalina subir por que ao jogador sabe que está terminado aquela missão.

Me diverti bastante jogando Halo. A versão que usei foi a original de PC, lá de 2003. Os gráficos não ficaram tão datados e pode agradar um jogador menos exigente nesse quesito. Veja bem, não é lá um Playstation 3 mas é bem melhor do que o Nintendo 64. Claro que se você ainda não conhece o game e não gosta de jogos com gráficos antigos, pode optar pela edição de aniversário, com gráficos e som melhorados.

Halo – Combat Evolved, é um game que deu vida nova aos FPS com bastante personalidade, focando numa história Scifi bem elaborada, e com uma dupla de protagonistas carismática. A Bungie foi muito feliz ao criar uma franquia que está bem viva vinte anos depois, muito embora ela tenha deixado o desenvolvimento depois de Halo 3, mas seu legado está presente até hoje.

Meus Papercrafts Estão de Casa Nova!!!

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 10 Nov 2020 10:42:00 +0000

Isso é... Meus e de uma galera. Já que pretendo postar templates grátis de outros criadores. Mais ou menos como o papercraftsquare faz.

Minha produção é bastante errática, mas pretendo tornar a atividade de criar novos modelos mais periódica. Por isso, para preencher as lacunas entre um modelo e outro vou publicar modelos grátis que eu achar na net. Claro que dicas e indicações são sempre bem vindas.

No futuro, quero implementar outras modalidades como origami e scratchbuilding, atividades das quais gosto bastante. Eventualmente os modelos que postei aqui serão postados lá também.

Então, clica na imagem e conheça a Forja de Papel! 😁😁😁😁

D2 - Horror Cósmico e LSD

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 02 Nov 2020 12:06:00 +0000

D2, 1999
Warp
SEGA DreamCast

Quando o assunto é videogame, sou aquele tipo de pessoa que gosta de escavar e procurar jogos que estão abaixo da camada dos sucessos da geração ou do console. As chamadas “hidden gems” ou joias ocultas no bom e velho português. Existem várias listas desse tipo pela internet, mas como sou chato, prefiro eu mesmo fazer minhas buscas.

Foi numa dessas garimpadas que me deparei com D2 para DreamCast. Numa primeira olhada, parecia mais um Survival Horror que tentava acompanhar a onda iniciada com Resident Evil, da CAPCOM. Mas depois de algum tempo jogando vi que as semelhanças paravam por aí. É importante dizer que nunca tinha ouvido falar desse título mesmo porque o DreamCast é um console bem obscuro pra mim. Tive muito pouco, ou nenhum, contato com ele. Lá pelo meio da jogatina descobri que esse era o segundo jogo da franquia. Sério, nem me toquei que o “2” do título indicava que o jogo era uma continuação e que “D” era o nome dele.

O jogo começa com Laura, a protagonista, a bordo de um voo comercial que está sobre o Canadá, na véspera de natal do ano 2000. Nesse momento dois passageiros sacam metralhadoras e anunciam a chegada do “Grande Destruidor”. Em meio a confusão e tiroteio o avião é atingido por um meteoro e cai numa região isolada e coberta de neve. Após o acidente, Laura acorda numa cabana, no meio do nada, em companhia de uma outra passageira, Kimberly, dizendo que a encontrou desmaiada na neve e que ficou desacordada por vários dias. E ainda que outros passageiros sobreviventes se transformaram em criaturas parecidas com plantas depois que algum tipo de parasita se instalou em seus corpos e deixou seu sangue verde.

Isso tudo é mostrado durante uma longa cut-scene e quando você acha que vai finalmente pegar no controle e jogar de fato, vem um tutorial. O jogador só vai começar a jogar mesmo, cerca de 15 ou 20 minutos depois de o jogo ter começado. Nas áreas externas, a movimentação da personagem é igual a Resident Evil, o chamado controle tanque, o jogador pode andar por toda a área livremente e pode encontrar itens como spray de primeiro socorro e munição. Nas áreas internas a visão muda para primeira pessoa e o jogador pode explorar o ambiente direcionando o olhar da personagem. Ela está equipada com uma submetralhadora, mas vai encontrando outras armas durante o game.

As batalhas acontecem nas áreas externas de forma aleatória, como nos JRPG’s de 16 bits. As criaturas brotam da neve e atacam a protagonista. As lutas também são em primeira pessoa, porém a personagem não se move. O jogador usa o direcional para movimentar a mira e os botões X e B para virar para a direita ou esquerda para atingir inimigos que estão ao seu redor. Isso é um problema por que dificulta muito ao tentar evitar ser atingido, já que para impedir um ataque é necessário atingir o inimigo antes dele chegar perto o suficiente. Há um sistema de pontos de experiência, mas ele só serve para aumentar os hit points da personagem.

Bom, o que falar desse jogo? Confesso que iniciei o jogo achando que era uma coisa e encontrei outra. O enredo é bem arrastado, se valendo de longas cut-scenes. Arrisco até a dizer que o tempo das cenas é maior do que o de game play. E o fato de não haver legendas, mesmo em inglês, dificultaram bastante a compreensão da história que envolve o motivo da extinção dos dinossauros e uma eminente extinção da raça humana provocada pelo tal Grande Destruidor.

Aliás, que história viajada! Profecias, Grande Destruidor, Grande Mãe Terra, bichos-plantas e uma protagonista desmemoriada, é tem isso também. Durante o game eu ficava imaginado a quantidade de LSD e psicotrópicos que o roteirista consumiu para escrever esse enredo.

No final, entendi que todo o jogo foi uma alegoria que usa o horror cósmico para alertar sobre os males que a humanidade tem causado ao nosso planeta. Tanto que no final são exibidos dados, da época do lançamento, como população mundial, previsão dessa população em 2100, espécies extintas e ameaçadas de extinção, quantidade de pessoas passando fome e etc.

Pesquisando um pouco mais descobri que o produtor e roteirista, Kenji Eno, era um artista conceitual e músico que trabalhou em vários games do gênero FMV para o 3DO, todos eles “fora da caixa” ou tratando de temas indigestos, como o primeiro D, que aborda o canibalismo. Lendo a biografia dele dá pra entender porque esse jogo gerou um desconforto em mim. Além disso parece que ele teve uma ajudinha de um tal Hideo Kojima, já que o nome dele está nos agradecimentos especiais, nos créditos. Esquisitice é pouco pra esses dois.

D2 é um survival horror que apresenta uma história confusa para os padrões ocidentais e que pode afastar jogadores mais acostumados a jogos com essa temática, mas mais focados no game play do que nas cut-scenes. Porém, pode levar o jogador a uma reflexão sobre o impacto que nossas ações podem causar no nosso belo e frágil planeta. Nos fazendo questionar se já não era hora de uma nova extinção em massa. Ou não.

LinK, Zelda e o Capúz Falante

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Thu, 22 Oct 2020 18:16:00 +0000

The Legend of Zelda – The Minish Cap
Game Boy Advance
CAPCOM licenciada pela Nintendo

The Legend of Zelda – The Minish Cap é o game da franquia lançado para o Game Boy Advance em 2004, curiosamente esse título foi desenvolvido pela CAPCOM sob supervisão da Nintendo. Não sei se esse foi o primeiro ou se houve outros games Zelda desenvolvidos por outras empresas antes ou depois desse.

No game, os habitantes de Hyrule estão se preparando para uma festividade que ocorre a cada cem anos. Eles celebram o povo picori, minúsculos seres que só aparecem para crianças de coração puro. Durante a festividade, Link vê sua amiga, a princesa Zelda, ser transformada em pedra por Vaati, um ser poderoso que surgiu não se sabe de onde. Então cai nas costas de Link a tarefa de reforjar uma espada que foi quebrada pelo vilão e que pode tirar sua amiga da condição em que se encontra. Em sua jornada, Link contará com a ajuda de um capuz vivo, chamado Ezlo, que o orientará com dicas e conselhos. Do mesmo jeito que Navi fez em Ocarina of Time.

Visualmente o jogo é muito bonito, com cenários bem detalhados e coloridos. Cada ambiente do mapa possui características próprias. A visão de cima, como a maioria dos jogos da franquia em 2D, funciona muito bem mesmo na tela reduzida do GBA. A paleta de cores do portátil também foi muito bem utilizada. A trilha sonora também não fica atrás, cada área ganhou um tema que completa muito bem a atmosfera de cada ambiente. Destaque para o tema clássico que toca na área próxima ao castelo e à vila.

A equipe do jogo optou por um resgate do primeiro TLOZ, do NES. Durante a aventura encontramos inimigos que nos foram apresentados no jogo original e outros, como os cavaleiros de armadura de Adventure of Link. Mas o game não se prende a isso, apresentando personagens novos e outros que foram inseridos no decorrer dos anos como o pessoal do Rancho Lon Lon, apenas senti falta dos Zoras.

A mecânica de alternar entre o mundo dos hylians e dos picori é muito divertida. E apesar de o que pode parecer, não enjoa. Sem falar das sidequests que surgem devido ao sistema de fusionar as Kinstones. Outra coisa que gostei bastante foi o modo como os itens escondidos foram camuflados. O jogador não precisa perder tempo cavando ou explodindo cada milímetro do mapa atrás de itens. Isso agiliza bastante o avanço do game, fora que é muito satisfatório você achar um pedaço de coração sem ter que ficar vendo um detonado ou vídeo de YouTube. Outro ponto positivo é o sistema de fast travel implementado, muito útil principalmente para aquele jogador que gosta de “platinar” o game.

Todos os chefes são muito legais e criativos. Gostei muito daqueles em que o jogador precisa encolher e destruir de dentro pra fora. Bastante inventivo. Eles não são muito fáceis e nem muito difíceis. A mesma coisa se pode dizer do chefe final. Com três estágios, ele exige um bom domínio das habilidades adquiridas durante o jogo. De todas as quests principais acho que a da biblioteca foi a que demandou mais tempo.

The Legendo of Zelda – The Minish Cap é um game que revisita as origens da franquia sem deixar de lado personagens e cenários que se tornaram recontes ao longo dos anos e apresenta uma história interessante e mecânicas criativas. Com certeza agrada a fãs antigos assim como tem a capacidade de atrair novos jogadores. Com certeza, um belo trabalho da CAPCOM. O que me deixa um pouco triste já que ela abandonou Breath of Fire e esse Zelda mostra o talento da empresa no gênero.

– – – – –

Confesso que fiquei em dúvida se escrevia esse texto. A franquia Zelda é de longe uma das mais conhecidas da História dos games. Acho que maior que ela na Nintendo, só o Mário. Então, por que escrever um review de um jogo tão conhecido, de uma franquia tão amada como The Legend of Zelda?

Daí me lembrei do porquê comecei a escrever meus reviews. Não era para divulgar games ou agir como um crítico, dizendo se o game é bom ou não. Comecei a escrever porque queria compartilhar minha experiência com outros jogadores. Trocar ideias, dicas e assim por diante. Esse também foi o motivo pelo qual parei de dar notas aos games. Não sou crítico, sou só um cara que gosta de falar de jogos e nada mais. E se um desses reviews levarem alguém. que nunca jogou o jogo em questão. a se interessar por ele eu já fico feliz.

Rygar e Sua Aventura Lendária

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 12 Oct 2020 12:56:00 +0000

   Rygar – The Legendary Adventure
   TECMO 2002
   Play Station 2

Rygar foi o primeiro jogo de fliperama que joguei. Foi num bar, um ambiente bem insalubre para crianças, mas eram os anos 80, naquela época muita coisa que hoje é questionável era tolerada. Como a presença de menores desacompanhados em um ambiente que serve bebidas alcoólicas, por exemplo. Já falei sobre isso neste post então, se quiser dá uma olhada!

Rygar é uma franquia da TECMO, mesma desenvolvedora dos jogos da série Ninja Gaiden. Depois da referida máquina de fliper, o game foi portado para o Lynx, o obscuro portátil da Atari além de uma versão bem diferente para o NES. Sinceramente, não me lembro de outras versões ou continuações do game naquela época. Depois disso não se ouviu mais falar do Guerreiro Lendário.

Com o sucesso de God of War no Play Station 2, a concorrência viu uma oportunidade de ganhar algum na esteira do sucesso de Kratos. Então a TECMO lembrou que tinha uma franquia que podia se encaixar num jogo hack´n slash. E foi em 2002 que a desenvolvedora japonesa lançou Rygar – The Legendary Adventure para o console da SONY.

Numa primeira olhada, fica evidente a influência do que estava em alta no que se refere a mecânicas e gameplay. God of War e Devil May Cray são só algumas delas. Não chega a ser uma cópia mas também não se afasta o suficiente para parecer original. Isso não me incomodou muito, por isso não acho isso muito depreciativo. O game é cheio de puzzles e itens escondidos. Lembra um pouco os metroidvania com locais que só podem ser acessados depois de adquirir certa habilidade. O que lembra o DMC são as salas das quais o jogador só pode ir adiante depois de derrotar todos os inimigos nela.

Como no game de árcade, o personagem usa o Diskarmour, cujo uso aqui lembra muito as Chaos Blades de GOW, para abrir caminho pelo cenário. O jogador conta com três Diskarmour’s diferentes, que são adquiridos conforme se avança no jogo. Cada um relacionado a um deus da Mitologia greco-romana e através deles podem ser invocadas criaturas para efetuar um ataque especial. Além disso há uma árvore de habilidades e upgrades para a arma que aumentam o poder e melhora as características dos discos.

Um destaque especial deve ser dado à trilha sonora do jogo. Usando de temas épicos, a trilha dá um gostinho dos filmes antigos que retratavam as lendas gregas, principalmente aqueles onde as criaturas eram feitas em stop-motion. Em determinado momento, é apresentado um clipe musical cantado por um dos personagens do game e, por mais que eu torça o nariz para números musicais no meio de um filme, a música é boa e não quebra o ritmo.

A história gira em torno de um ataque dos Titãs, sob o comando de Cronos, a cidade de Argus. Durante o ataque, a princesa Harmonia é capturada por Icarus e cabe ao gladiador sem memória que recebeu o nome de Rygar efetuar o resgate. Sei que, para os dias de hoje, o enredo da mocinha em perigo pode não ser visto com bons olhos, mas lembre-se, é um game de 2002. Através dessa premissa o game apresenta sua própria visão dos mitos gregos e romanos. Não espere fidelidade às lendas. Entendi que os desenvolvedores quiseram fazer algo parecido com o que fizeram em God of War.

É claro que o fato do personagem principal ter uma origem incerta seria um dos fios condutores da trama. Há algumas reviravoltas e revelações durante o game. Mas nada muito bombástico ou que um jogador mais atento não visse chegando de longe. Há basicamente três arcos: o de Icarus, a origem de Rygar e a luta contra Cronos e os Titãs. Não é um roteiro acima da média mas agrada. Para incrementar a história, durante o jogo são encontradas placas que dão um background ao que está acontecendo o que enriquece um pouco mais o enredo. Só basta o jogador ter paciência e determinação de ler os textos em inglês.

Não vou negar que me diverti durante a jogatina. Rygar – The Legendary Adveture é um bom jogo, mas se ele tivesse recebido um melhor polimento no game play e um pouco mais de capricho no roteiro teria se tornado um game memorável. Mesmo ele não sendo uma obra-prima dos games, ele cumpre bem a sua proposta de ser um jogo dinâmico que oferece boa dificuldade e bastante ação. Com um sistema de combate fluído e cut scenes sem muita enrolação que apresenta uma história digna dos antigos filmes de Simbad ou de Fúria de Titãs. Contudo, as semelhanças com outros jogos já citados e uma câmera um tanto quanto estática pode afastar jogadores mais novos.

GRANCREST SENKI - UM ANIME CHEIO JOGO POLÍTICO, GUERRAS, INTRIGAS E ROMANCE

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 21 Sep 2020 17:54:00 +0000

Grancrest Senki ou Crônicas da Guerra Crancrest é um anime de fantasia produzido pelo estúdio A-1 e lançado em 2018. Baseado em uma série de Light Novel e um RPG de mesa, a série gira em torno das disputas entre os nobres de um continente dividido. Cada nobre possui um brasão que quando seu detentor vence outro, este absorve o brasão do derrotado aumentando seu poder político e mágico. A crença geral é que, aquele que juntar todos os brasões em um só, criará o Grancrest, o brasão do Imperador, que unirá todo o continente em uma só nação.

É nesse cenário de disputas que conhecemos Siluca Meledes, maga recém-formada que está a caminho de assumir seu posto junto a um nobre, ao qual ela não quer servir. Nessas coincidências que só acontecem em animes, durante a viagem ela esbarra em Theo, um cavaleiro errante que está em busca de justiça para seu povo. E está formado um dos mais simpáticos casais de protagonistas que conheço. Juntos, eles influenciarão a guerra entre duas facções que buscam controlar todo o continente.

Por ser um anime de uma única temporada, não temos as enrolações típicas de animes longos como One Piece ou Dragon Ball. Tudo se resolve em um ou dois episódios e a trama segue em frente. Para alguns o anime ficou muito corrido. Para mim, que não li a novel e nem o mangá, lançado pouco antes do anime, não achei tão corrido assim. Além disso, por ser curto, o roteiro foca apenas no que é essencial para o desenvolvimento da história, sem flashback’s ou barrigas de roteiro.

Dá pra notar uma forte influência de Game Of Thrones no anime. Já que ele é bastante focado no jogo político do seu universo. Ligações familiares, jogo de poder e uma organização manipulando tudo nos bastidores. Há várias batalhas durante a série, mas se percebe que estão ali apenas para compor a narrativa, não são o foco da história, mas não são mal retratadas, estão cheias de ação e muito bem animadas. Contudo, achei que a violência gráfica mostrada destoou do resto do anime. Achei um pouco desnecessário tanto sangue. Além disso há uma sequência em particular que pode causar certo desconforto num espectador mais sensível. Porém ela não é gratuita, ou fanservice, como costuma ser chamado.

Basicamente temos dois romances que vão se desenvolvendo durante todo o anime. O do casal protagonista e o mal resolvido relacionamento dos dois principais líderes das facções rivais. Mas tudo se desenrola de forma muito menos caricata do que é comum nos romances de animes. Aliás, não espere uma série com as costumeiras piadas e situações absurdas que vemos em muitas produções do gênero. Isso não quer dizer que não há humor, o alívio cômico é necessário para não deixar tudo muito pesado. E ele está lá nos momentos certos, para dar uma aliviada na trama.

Outra coisa que me agradou foi o final. É notório que animes não tem uma tradição de finais fechados. Acho que isso vem muito da cultura japonesa. Mas nós, ocidentais, não lidamos muito bem com finais abertos. Queremos ver como tudo acaba, os arcos fechadinhos e como ficaram os personagens. E nisso, Grancrest Senki é muito competente. Dando um destino a cada personagem relevante. Confesso que achei o final dos protagonistas bem novela da Globo, mas isso não me incomodou.

Crônicas da Guerra Crancrest é um anime que conta uma história madura, em um universo rico que pode e deve ser melhor explorado em novas séries ou em outras mídias. Vai agradar ao espectador que não gosta ou não tem tempo para produções mais longas. Um anime que não se apega aos clichês do gênero, oferece bons personagens, boa trama e um final que vai deixar um sorriso de satisfação em seus lábios.

Está disponível no Crunchyroll com áudio original em japonês, dublagem em inglês e legendas em português.

T-Rex? - Nã-Não, Gex!

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 31 Aug 2020 12:50:00 +0000

Nos anos 90, quase todos os consoles ou desenvolvedoras (chamadas na época de “soft houses”) queriam ter uma mascote. Um personagem que seria a “cara” da companhia. Assim como o Mario é para a Nintendo.

Creio que a prática teve início com o tremendo sucesso de Super Mario World e com a SEGA trocando Alex Kid pelo Sonic. A consequência foi uma avalanche de personagens: Bubsy, Aero e Gex são alguns deles. Como a maioria desses personagens, Gex é um animal com características humanas que protagoniza um game de plataforma.

Lançado em 1995, para a plataforma 3DO, Gex é um jogo de plataforma 2D que usa gráficos pré renderizados para criar os sprites do personagem e alguns elementos dos cenários. Essa maneira de criar os gráficos do jogo é a mesma utilizada pela Rare na trilogia Donkey Kong Country, para Super Nintendo. Só que aqui, temos a vantagem de um hardware mais robusto, junto com o uso da mídia óptica (CD) o que impactou bastante na qualidade dos cenários, sons e animação dos elementos em tela, já que se podia usar mais quadros nos sprites.

O game lembra bastante outros jogos do estilo plataforma lançados na época. Quem já jogou Donkey Kong, Mário e Bubsy não vão achar muitas novidades. O diferencial da produção está no carisma do protagonista.

Gex é uma lagartixa viciada em programas de televisão. No início do jogo, ele está confortavelmente acomodado em sua poltrona, em frente a uma enorme TV de tubo quando é abduzido para dentro dela pelo vilão Rez. Dentro da dimensão dos programas de TV, nosso herói tem que encontrar um caminho entres os vários canais até enfrentar o vilão e poder voltar para sua querida poltrona.

O game todo é uma viagem maluca pelo universo dos programas de TV. Dos filmes clássicos de terror até o universo dos cartoons. Como era costume nos games de plataforma da época, cada fase, ou mundo, tem seu próprio tema, recheado de referências a produtos da cultura pop. Star Wars, Indiana Jones e Star Trek são apenas alguns exemplos. É claro que muitas dessas referências só farão sentido aos, hoje, jogadores velhotes, mas não deixa de divertir.

Lembra que falei do carisma do personagem? Então, Gex é uma metralhadora de frases que remetem a filmes e séries populares para a molecada, e até adultos dos anos 90. Só os mais velhos mesmo vão pegar citações a Chinatown, a série Flipper e até mesmo ao Mágico de OZ. Dá a impressão que Dana Gould, comediante dublador de Gex ficou disparando essas frases enquanto jogava ou assistia a um game play, de tão espontâneas que elas são! sem dúvida foi uma das mascotes mais simpáticas que surgiram na época.

O level design do game é muito bom! Ele explora de uma forma muito divertida uma das habilidades mais conhecidas das lagartixas, a capacidade de aderirem em quase todo tipo de superfície. Isso permite ao jogador explorar melhor o cenário em busca de câmaras secretas e fases bônus. A trilha sonora exala anos 90. É bem produzida e combina perfeitamente com as fases. Destaque para a trilha do mundo que retrata os filmes e séries de artes marciais. Ela ainda contém muitas faixas com as populares batidas de Rap, Hip-Hop e música eletrônica que infestavam os programas e rádios da época..

Gex do 3DO é um game de plataforma que pode parecer datado quando vemos os gráficos e a trila sonora típica da MTV, mas oferece boa jogabilidade e dificuldade balanceada. Vai agradar em cheio os saudosistas. Mas, com certeza, os mais novos vão se divertir com o simpático personagem.

Rondo Of Blood - Um Castlevania Raiz

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 11 Aug 2020 14:10:00 +0000

Castlevania – Rondo of Blood
Konami (1993)
NEC TurboGafiX16 SuperCD

A série Castlevania tem seus altos e baixos. Mas quando tem seus altos, é alto mesmo. Exemplo disso é o game que é tema desse texto. Lançado em 1993 para o obscuro TurbografX16, da japonesa NEC, Castlevania – Rondo of Blood é um daqueles casos que não dá pra entender por que um jogo tão bom ficou restrito por anos a um sistema que tinha como principal alvo o público japonês. Mesmo sendo um sucesso com a crítica e com os jogadores, parece que a Konami não teve o menor interesse de publicar o game para um sistema com maior abrangência, inclusive fora do território japonês. E a coisa fica ainda mais estranha quando vemos que sua continuação direta, Simphony of the Night, de 97, saiu para o Playstation da Sony e a publisher não se deu ao trabalho de portar o game anterior para o novo console. Com certeza ganharia mais alguns trocados nessa jogada.

O game se passa no Século 18, quando Richter Belmont, então com 19 anos, tem de enfrentar mais uma vez o inimigo juramentado da sua família, o Conde Drácula. Creio que esse seja o último título da franquia que apresenta uma jogabilidade linear, onde as fases se sucedem sem oferecer muita escolha de caminhos a seguir. Claro que ele apresenta alguns desvios no caminho, assim como em Dracula’s Curse, no NES, mas nada como o que encontramos nos jogos a partir do SON, game que redefiniu a série e que, junto com Metroid da Nintendo, ajudou a cunhar o termo “Metroidvania”.

Diferente do título anterior para consoles, Super Castlevania IV de SNES, os desenvolvedores optaram por uma volta ao básico, nos controles. Usando apenas dois botões do controle para salto, golpe com o chicote e uso da arma, que se aciona segurando o direcional pra cima e apertando o botão de golpe. Quem já jogou os Castlevania do NES, ou seja, 99,999999% das pessoas que já tiveram um controle de videogame nas mãos, não terá problemas em jogar Rondo Of Blood. Está tudo lá junto com o delay no golpe como chicote e a física esquisita do pulo.

O desafio do game está na medida certa. Nem muito fácil e nem muito difícil, o dano causado pelos inimigos é considerável, mas depois que o jogador pega o padrão de movimentos deles, a tarefa se torna menos penosa. Os chefes dão trabalho e tiram bastante energia nos golpes o que obriga o jogador a enfrentá-los pelo menos umas duas ou três vezes. Há algumas cutscenes dubladas, novidade na época por causa do uso do CD, e mesmo as cenas é uma coisa que não tinha visto na série até então

Outra vantagem da mídia óptica é o upgrade na trilha sonora. Saem os chip tunes, entram os sintetizadores. E que trilha sonora! Usaram todo o repertório da série desde o primeiro game. Além de um ótimo tema da primeira fase que já empolga, colocando o jogador no clima. Os gráficos estão muito bons, abusando da paleta de cores do console da NEC que aliás lembra bastante a paleta escura do Mega Drive, o que não é ruim. Os sprites estão muito bem animados e detalhados, deixando de lado animação engessada do título do Super Nintendo.

A história não foge muito do básico dos games da época. Apesar de introduzir as cutscenes, o enredo é bem parecido com muitos Castlevania’s, coisa que vai mudar bastante nos títulos subsequentes. Mas não posso deixar de destacar a cena final com um diálogo entre o herói e o vilão derrotado deveras interessante.

Castlevania – Rondo of Blood, é um game feito com primor pelos desenvolvedores que se mostra uma bela despedida da jogabilidade linear e abre caminho para um estilo de jogo que se tornaria um novo subgênero juntando fãs até mesmo nos dias de hoje.

Depos de conhecer esse game, dá muita raiva de ver como a Konami tem tratado mal suas IP’s nos últimos anos.

Shame on you, Konami!

Review: Rygar - The Legendary Warrior (Arcade)

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 28 Jul 2020 18:28:00 +0000

Foi num bar, ambiente pouco saudável para um adolescente, que conheci os arcades ou fliperamas. Como era comum nos anos 80, muitos desses estabelecimentos, inclusive alguns de fama duvidosa, tinham uma máquina de fliperama ou arcade para entreter seus frequentadores. Só que o público atraído pelas máquinas foi a molecada que ia no bar comprar doces, pão e leite, ou até mesmo um maço de cigarros pro pai ou pra mãe e usavam o troco pra jogar umas fichas.

E foi num lugar desses que joguei meu primeiro vídeo game, Rygar - The Legendary Warrior. Jogo de ação com plataforma que hoje é um clássico da japonesa TECMO. Como de costume, o jogo tinha a principal função de ganhar dinheiro pra o dono do estabelecimento, então por padrão, tinha uma dificuldade alta. Apesar de não apresentar um Boss ao final de cada fase como de costume, elas eram abarrotadas de inimigos que vinham por todos os lados literalmente. isso fazia com que o jogador prestasse atenção em todos os cantos da tela, além disso, ainda tinha o escasso tempo de 100 segundos para chegar até o próximo nível.

Os inimigos são um show à parte. Há uma grande variedade deles, de guerreiros carregados por dragões que caem em cima de você até monstros de lava que brotam do chão. Ao contrário do que acontece em vários jogos do gênero, que usam os mesmos sprites com cores diferentes para criar um novo inimigo, ao longo das 27 fases (isso mesmo, 27) sempre tem novas criaturas com habilidades diferentes para atrapalhar o progresso do jogador. O que torna o game meio que imprevisível. O jogador não sabe o que vai enfrentar no nível seguinte, enquanto experimenta o alívio de ouvir os primeiros acordes da música que sinaliza o final da fase.

O game não tem uma trilha sonora diversificada. A música que toca nas fases é sempre a mesma, o que não é ruim, já que ela imprime o clima certo para o game, já que o enredo é basicamente o personagem correndo em direção ao castelo onde o inimigo final espera pelo confronto.

Outro ponto forte é a direção de arte. Os gráficos do jogo são um diferencial, se compararmos com outros games contemporâneos, nota-se o primor e criatividade dos desenvolvedores. Paisagens cheias de cores e tons enchem os olhos. Destaque para as fases em que ao fundo se vê um pôr do sol majestoso. Acrescente a isso um efeito paralaxe que era coisa rara nos games da época.

Não tem muito que falar da história do game. Tanto pelo fato se ser um arcade como pelas limitações técnicas da época. ela serve para dar motivo à ação. Rygar é um guerreiro lendário que foi ressuscitado para enfrentar um ser que está oprimindo o povo. Armado com o Diskarmor uma espécie de escudo preso a uma corrente que pode ser arremessado para atacar os inimigos, o personagem precisa superar os obstáculos e derrotar o inimigos através das fases do game, para enfrentar o tal governante mau.

Durante o game são encontrados cinco escudos, cada um atribui uma habilidade ao personagem: maior alcance do disco, mais força, poder direcionar o tiro e até um campo de força que dá invencibilidade temporária. Apesar de difícil, o game não é frustrante, ele tem uma dificuldade na medida certa para incentivar o jogador a comprar mais fichas, para felicidade do dono do estabelecimento. Não espere um final trabalhado com CG e textos, esse não é o tipo de game que te oferece um final como os finais de Street Fighter II. Esse é um tipo de jogo onde a viagem é mais interessante do que o destino.

O game requer bastante agilidade do jogador, por isso jogar no emulador usando um controle analógico pode dificultar as coisa mais um pouco devido ao tempo de resposta do controle ser maior do que o tradicional direcional do arcade. Mas não deixa de ser um experiência satisfatória.

Rygar - The Legendary Warrior é um game old school, que junta muita ação com plataforma e se mostra um desafio instigante. Tanto pela dificuldade quanto pela direção de arte primorosa e criativa. Se você já conhece o título, vale apena relembrar se você nunca nem viu ou ouviu falar dê uma chance, não vai se arrepender.

PS: Cadê a nota?

Ouvindo o Reloading, podcast sobre notícias dos games, numa conversa entre os hosts sobre reviews um deles comentou que não coloca mais notas para os games abordados em seus posts. Seu argumento é que, uma simples nota não representa todas as considerações que ele fez sobre o game. Sua intensão é que o leitor leia a matéria e se sinta impelido a conhecer o jogo. Confesso que esse argumento me ganhou, não vou mais colocar uma numeração para representar minha avaliação. quer saber o que achei do game? Então, leia a matéria! ;)

PS2: Ah! Se ainda não conhece o Reloading, recomendo dar um chance. É muito bom!

Review Retrô: Robocop vs Terminator - Mega Drive

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Fri, 03 Jul 2020 23:37:00 +0000

Crosovers sempre habitaram o imaginário dos fãs. Principalmente dos fãs de cultura pop. Quem ganharia uma luta entre Thanos e Darkseid? Quem é mais forte? Goku ou Naruto? É claro que as empresas que alimentam a cultura pop perceberam um filão que poderia render uns bons trocados.

Começou nos quadrinhos, quando as duas gigantes do mercado americano laçou alguns crossovers como Superman e Homem-Aranha, os dois personagens mais populares na época. Houveram outros, durante os anos 80, mas de forma bem esporádica. Mas a moda pegou mesmo nos anos 90, com Marvel vs DC.

Mas por que diabos estou falando de quadrinhos?

Bem, nessa mesma época uma editora coadjuvante no mercado americano que vivia de publicar HQs ambientadas em franquias famosas do cinema, a Dark Horse Comics, começou a realizar seus próprios crossovers. Talvez estimulada pelo famoso easter egg do xenomorfo no final de Predador 2, a editora passou a promover encontros entre esses personagens em suas revistas. Claro que ela alcançou algum sucesso, já que os fãs ficaram enlouquecidos com a possibilidade de um embate entre os dois alienígenas mais badass do cinema.

Vendo o resultado alcançado com as franquias da Fox, os editores da Dark Horse resolveram expandir os planos e os próximos alvos foram as máquinas mais mortais da sétima arte até então, Robocop vs Exterminador do Futuro. O resultado foi uma mini série que logo logo vai ser tema de post por aqui.

Embora a ideia não tenha migrado para o cinema, como Alien vs Predador, ela acabou gerando dois games, um para o Super Nintendo e outra versão para o Mega Drive. E é sobre essa ultima que vamos falar agora.

HISTÓRIA

Publicado pela Virgin Games para o console de 16bits da Sega, Robocop vs Terminator é um side scroller com um toque de exploração de cenários. Os desenvolvedores optaram por uma paleta de cores escura, o que deixou o jogo com uma cara dos primeiros filmes do Exterminador, principalmente o primeiro que se passou quase todo a noite.

O jogador assume o controle de Robocop que tem de enfrentar uma invasão de exterminadores vindos do futuro para se certificarem que a Skynet não seja destruída. Na verdade o jogo arranha beeeem de leve a história da HQ mencionada no começo desse texto. E no que se refere a história fica por isso mesmo. O game não tem cut scenes ou painéis que mostram uma evolução de enredo. É só uma sequencia de fases, uma atras da outra.

O JOGO

Robocop tem uma boa mobilidade, melhor do que outros games do cyborg policial de Detroit. Uma coisa que me surpreendeu foi a variedade de armas que podemos usar durante o game. O personagem ainda pode carregar duas armas diferentes que o jogador pode alternar quando quiser. Só que a arma que ele estiver usando quando morrer se perde. Ficando a de reserva.

A Trilha sonora, nem de longe, lembra a dos filmes. Composta de música eletrônica, trance genérica que não consegue marcar o game em nenhum momento. Uma pena porque seria o máximo jogar algumas sequências ao som dos temas dos dois personagens.

A dificuldade do jogo é um pouco alta devido a certos subterfúgios (vou falar sobre eles mais pra frente) usados pelos desenvolvedores para dar mais tempo de jogo. Um jogador experiente termina ele em cerca de 40 ou 50 minutos. mas por causa da dificuldade, tem que morrer e recomeçar o jogo muito para alcançar esse tempo. As fases têm um fator exploratório, onde podemos encontrar itens escondidos pelos cenários além fases secretas cheias de vidas e armas para serem encontradas.

Agora vamos falar dos tais subterfúgios. Apesar de o personagem ter uma barra de energia. Quando “tocamos” num inimigo, ela é drenada quase que instantaneamente. Não dando muita chance nos recuperarmos do erro. Os exterminadores encontrados pelo caminho não são derrotados facilmente. O que não é problema nenhum! Mas tem momentos que a tela fica tão cheia de inimigos menores que chega a ser irritante tentar alguma estratégia para passar a tela com o meno dano possível.

Os chefes de fase é outra coisa que decepciona. A maioria deles não requer estratégia para vencê-los, basta ter vidas suficientes, o que não é muito difícil de conseguir, para vencê-los. Inclusive tem um ou dois alí que basta ficar parado num ponto da tela e ficar atirando até ele explodir. Além disso o game tem chefe de fase repetido, Dois chefes são enfrentados em quatro fases diferentes.

Outra tramóia para aumentar o tempo de jogo é elevar a resistência dos inimigos. Em determinado momento são apresentados os Exterminadores Vermelhos, que tem o dobro da resistência dos anteriores. O jogo continua o mesmo, a diferença é que precisa ficar mais tempo atirando para derrotar os inimigos. Os chefes têm uma resistência absurda o que, em alguns casos, pode deixar o jogo enfadonho.

Agora, a batalha com o chefe final, que se resume simplesmente a uma cabeçorra de Exterminador soltando drones que atiram pra todo lado. É simplesmente irritante. A resistência dele é insana ou, no mínimo, desproporcional. Cheguei até a pensar que o jogo tinha bugado e não estava registrando o dano que eu causava nele! Já que ele, e nenhum dos chefes, tinha barra de energia. Mais uma artimanha safada para quê? Aumentar o tempo de gameplay.

Depois de todo a dificuldade que é chegar no chefe final e vencer. O mínimo que se espera é um final decente. Certo? Eu sei que os antigos cartuchos não tinham muita memória. E que por isso os finais dos games da época não era lá essas coisas. Mas dava pra pelo menos mostrar uma imagem legal com um pequeno texto. Isso nos dava uma sensação de dever cumprido.

Só que aqui, nesse jogo. Os desenvolvedores não tiveram a capacidade de fazer isso! O final não passa de uma tela, que já aparecia na apresentação do game, com o letreiro subindo dando parabéns por vencer a Skynet! Decepcionante. Agora, se você é um jogador que não liga muito pra história e o fator diversão é o mais importante, pode até se divertir com esse jogo.

Robocop vs Terminator, do Mega Drive, tem algumas ideias legais que se perdem em meio a um gameplay desequilibrado, mecânicas ruins e trilha sonora genérica. O encontro dessas duas franquias tinha enorme potencial, mas o estúdio responsável preferiu fazer um jogo bem mediano, pra tirar alguns trocados de fãs desavisados.

Nota 4/10

PS: Eventualmente vou fazer o review da versão do Super Nintendo. Quando o fizer. Certamente vai ter um comparativo entre as duas versões para ver qual é a melhor… Ou menos ruim, vai saber….

Review: Onimusha Tactics - GBA

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Thu, 18 Jun 2020 13:22:00 +0000

A série Onimusha teve sua origem no Play Station 2. Ambientada no período Sengoku (1232-1603), da história japonesa, narra a luta dos humanos contra o exército sobrenatural Genma. O jogo surgiu da parceria entre Yoshiki Okamoto, criador Street Fighter II e ter participado do desenvolvimento do primeiro Resident Evil e Keiji Inafune, criador das séries Mega Man e Mega Man X.

No console da Sony, o jogo se assemelhava mais a um Rack'n Slash misturado com Resident Evil. Na verdade, o game era para ser um Resdent Evil com samurais, mas no final ele acabou ganhando uma enfase maior de ação em contraste com a franquia de zumbis da CAPCOM. Com o sucesso do primeiro jogo, Onimusha Warlords, sequencias foram inevitáveis e outras versões também. O Game Boy Advance ganhou este RPG tático, estilo Shinning Force, ambientado na franquia.

No game, Onimaru e seus parceiros lutam contra os planos de dominação de Nobunaga Oda, o comandante do exército genma. O game não traz muitas inovações no modo de jogo. A Capcom preferiu usar mecânicas mais simples, talvez para atrair jogadores novos para o estilo RPG tático. Entre as simplificações está a não implementação de promoções das unidades, coisa comum nesse estilo de jogo. Você também não vai encontrar muita dificuldade de "upar" o nível das unidades.

Outra coisa comum nos RPG's que um jogador mais experiente não vai encontrar aqui são as lojas de itens e armas. Ao invés disso, o jogador encontra pedras que podem ser combinadas para criar novas armas, itens de cura e armaduras. Fora os itens que são dropados pelos inimigos mortos.

Os produtores preferiram criar gráficos com visão isométrica, bem parecido com Final Fantasy Tactics. Os cenários são bem trabalhados, com obstáculos que fazer com que o jogador possa criar suas estratégias. além de ser bastante cheios de detalhes e bem coloridos.

Mas o ponto forte, ao meu ver, é a história. O game tem uma narrativa bem conduzida, personagens interessantes, e cut scenes que utilizam o próprio cenário do jogo. Há algumas reviravoltas na história que até me surpreenderam. Interessante notar o humor nos diálogos, coisa não muito comum de se ver num RPG.

Período Histórico

O período Sengoku abranje a era do Japão feudal, uma época onde o misticismo era forte em sua cultura. Foi uma época muito conturbada da História do Japão, já que o país estava dividido entre vários Xogunatos que lutavam entre si pela supremacia. Gerras entre os clãs eram contantes e não haviam muitos períodos de paz. Os conflitos ocorreram num período de cerca de 300 anos até o país ser unificado pelo Xogun Ieyasu Tokugawa.

Não é raro encontrar animes, mangás e jogos ambientados nessa era. O game retrata personagens históricos como Nobunaga Oda e Toiotomi Hideyoshi num contexto místico. Já que Nobunaga Oda era conhecido pelo desrespeito às tradições e costumes japoneses. E como teve uma rápida ascenção ao poder, o povo atribuía seu sucesso à forças sobrenaturais.

Onimusha Tactics é um RPG de mecânicas simplificadas, com história bem contada e personagens interessantes. Onde o cenário retratado pode agradar aos fãs da cultura e História japonesas. Porém, a simplificação pode desagradar um jogador mais hardcore, mas pode ajudar a iniciar novos gamers ao estilo.

Onimusha Tactics - CAPCOM

Game Boy Advence - 2003

7/10

Outlaws, o Estiloso FPS da Lucas Arts.

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 20 May 2020 03:53:00 +0000

Intro do Game Outlaws, FPS da Lucas Arts(!), Lançado em 1997 ousou por misturar personagens em sprites 2D e cenário em 3D. Esta é a versão dublada em português, coisa rara numa época em que nem se falava e localização de games. Fortemente inspirado nos Western Spaguetti, gênero de filmes de faroeste produzido na Itália entre os anos 60 e 70 que consagrou nomes como o do diretor Sergio Leone, e de astros como Lee Van Cliff, Clint Eastwood e Eli Wallach. Sem falar das trilhas Sonoras memoráveis do maestro Ennio Morricone.

Debaixo do Sol Vol. 1 - O boiadeiro e a Prefessora

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 28 Jan 2020 14:53:00 +0000

Um ex jagunço tenta construir vida nova longe de seu passado em uma pequeno vilarejo do sertão nordestino. Mas a chegada de um homem misterioso e suas consequências o farão deixar sua aposentadoria para buscar justiça. Esse é o início de uma série de livros que resgatam a cultura da literatura pulp para o público de hoje..

Sempre vi o sertão brasileiro como um universo muito rico. Suas lendas, História, pessoas e cultura são um terreno fértil. Um exemplo disso é o recente sucesso de Bacurau, que prova que o sertão não serve apenas como cenário de tramas que giram em torno das dificuldades do agreste e a tribulação do povo carente na mão dos poderosos.

Claro que a crítica social deve ser feita sempre. Mas não devemos nos esquecer do entretenimento. Porque, se a obra não entretém, a crítica não alcança o seu alvo.

A série "Debaixo do Sol" foi imaginada como um western onde o protagonista tenta deixar seu passado para trás, mas um acontecimento traumático faz com que ele saia do vilarejo que escolheu viver e viaje pelo interior do Brasil, do começo do Século XX, em busca de justiça.

A ideia surgiu de uma revolta minha com um filme nacional, Reza a Lenda, depois de ver o filme fiquei pensando.

"Será que o sertão só serve para histórias assim?"

Foi então que decidi ver se conseguia fazer algo diferente, mesmo sem nunca ter escrito nada mais longo do que as redações das aulas de português do Professor Luiz Vitor Martinello.

Espero que gostem!

O ebook pode ser encontrado nos links abaixo.

LovrOh! - Google Books

Uma Galeria de Posters de Cinema Sem Texto em Alta Resolução Para Você Fazer o Que Quiser.

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 18 Dec 2019 12:31:00 +0000

O site Moviemania oferece uma grande coleção de cartazes de filmes, sem texto, em alta resolução. As imagens ão ótimas para você colocar de papel de parede no seu Smart Phone. Inclusive, a página oferece várias opções de tamanho para download,

Abaixo selecionei alguns cartazes que separei numa busca rápida. A resolução das imagens é de 2400x4000 pixels em formato JPEG.

Godzilla - Rei dos Monstros

John Wick 3 - Parabellum

Jurassik World - O Reino Ameaçado

Mad Max - Estrada da Fúria

Detetive Pikachu

Homem-Aranha - Longe de Casa

Homem-Aranha no Aranhaverso

Star Wars Ep VIII - The Last Jedi

Star Wars Ep IX - A Acensão Skywalker

Vingadores - Ultimato

Quando Decidi Abandonar os Quadrinhos...

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Wed, 11 Dec 2019 17:13:00 +0000

Leio quadrinhos desde bem cedo.

Quando tinha cerca 7 ou 8 anos fiquei doente e precisei ficar em casa, de repouso por uns 30 dias. Me lembro bem daquele dia. Fomos ao médico e, na saída, eu e minha mãe paramos em uma banca de jornais e ela disse algo como:

“Já que você vai ficar 30 dias em casa, vou comprar uns gibis pra você ler. Qual você quer?”

Para desespero dela, o primeiro que eu peguei foi uma Super Aventuras Marvel cuja capa mostrava em destaque o Noturno, dos X-Men. Naquele momento eu nem sabia quem era o personagem, nem sabia quem eram os X-Men!

Não é necessário dizer que ela vetou instantaneamente. E acabei ficando com Turma da Mônica, quadrinhos Disney e alguns da Hanna Barbera, mas quela imagem de um ser de pele escura e orelhas pontudas ficou na minha mente. Minha mãe não sabia, mas ela tinha acabado de acender a fagulha que deu início à minha paixão pela 9ª Arte. Depois disso, lia todo tipo de quadrinhos que conseguia ter acesso. Como não recebia mesada, desenvolvi o péssimo hábito de folhear as revistas nas bancas, para desespero do dono.

Já um pouco mais velho, fiz amizade com uma galera que era bem eclética em termos de gosto, e entre eles haviam dois leitores fanáticos de quadrinhos, o Serjão, que já mencionei aqui e o Alessandro. Os dois eram donos de uma coleção respeitável. A partir dali, me tornei um leitor regular de quadrinhos, especialmente Marvel. E assim foi pelo resto dos anos 80 e início dos anos 90, e foi aí que as coisas começaram a mudar….

Na verdade a mudança já havia começado lá em 85 quando a DC, vendo a zona que era seu universo, ou melhor, seu multiverso de quadrinhos resolver botar ordem na bagunça. A Solução foi criar uma mega-saga, coisa inédita até então, envolvendo reboots, mortes e reformulações de seus personagens. A Crise nas Infinitas Terras instaurou um novo paradigma na indústria, os eventos anuais.

As editoras perceberam que esses eventos vendiam revistas como água no deserto, então todo ano tinha que haver um crossover que juntasse um exército de heróis ou uma saga que mudasse drasticamente o Status Quo de algum personagem. Então tivemos obras como Guerras Secretas, Millennium, Atos de Vingança, a Morte e o Retorno do Superman e vários outros. Só que não dá pra tirar um coelho da cartola uma vez após a outra e ainda assim surpreender o publico da mesma maneira como a primeira vez. E com a banalização desses eventos o impacto foi ficando cada vez menor.

Qual era a solução? Melhorar os roteiros? Investir em novos temas?

"Não! Vamos criar retcons!" - Foi a resposta dos editores.

Retcon, ou Continuidade Retroativa, é quando se pega determinado momento da vida de um personagem, contado anos atrás, e se altera algo ali que muda o status atual do personagem. Por exemplo, Goku descobre que seu avô de criação, Gohan, na verdade era o mestre Kame disfarçado e fingiu sua morte para correr atrás de garotas. E muitas vezes esse recurso foi usado mal e porcamente pelos roteiristas.

E foi um retcon que fez com que começasse a me afastar dos quadrinhos de heróis. Embora quem fosse mais novo nos anos 90 não vejam isso, talvez pela memória afetiva, essa década marcou uma queda abismal na qualidade dos argumentos e até da arte das HQs da época.

Saga do Clone: Lamentável

Então, me chega algum arrombado e lança uma ideia que depois ficou conhecida como uma das piores fases do Homem-Aranha. O leitor mais familiarizado já sabe do que estou falando. A infame Saga do Clone.

Aquilo era de um mau gosto, de uma falta de criatividade que ficou difícil acompanhar. Mas a cereja do bolo estava por vir. No final jogam na nossa cara a ressurreição do Duende Verde com uma desculpa mais esfarrapada do que desculpa de marido pego pela mulher flertando no Zap.

Aquilo foi demais. Vi que ali era meu ponto e desci do ônibus dos heróis.

Desisti dos quadrinhos? Que nada!

A Saga do Clone foi um ponto de mudança. Percebi que os quadrinhos de heróis não tinha muito mais a oferecer para mim que havia crescido. Ao abandonar esse filão conheci as HQs Europeias, os Mangas, os Fumetti e os quadrinhos underground. Nomes como Moebius, Uderzo, Ryoichi Ikegami e Gilbert Shelton se tornaram familiares a mim, o que deixou minha experiência em quadrinhos muito mais rica.

Isso não quer dizer que vez ou outra eu não dê uma olhada no que rola no universo dos heróis, mas só pra confirmar que, salvo algumas exceções, não perdi muita coisa.

Pelo Amor do Pai

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 29 Oct 2019 13:03:00 +0000

Em 2015 a cultura pop deu adeus a Leonard Nimoy, vitima de complicações resultantes de três décadas de uso do cigarro. Mesmo que você não seja um trekie você sabe de quem estou falando. Sua contribuição para a ficção científica não se limita apenas a Jornada nas Estrelas, embora ele sempre será lembrado por seu icônico personagem, Sr. Spock.

Idealizado por seu filho, Adam Nimoy, Pelo Amor de Spock (For the Love of Spock, 2016) é um relato emotivo sobre a convivência com seu pai famoso. A criação do personagem, onde ele usou sua inadequação para criar algo único. Como ele se dividia entre vida familiar e os fãs da famosa série.

Mas o documentário não abrange apenas a série clássica, ele relata a jornada profissional de Nimoy, seus projetos pós ST. E vemos que Leonard não era um ator de um personagem só, aliás ele não era apenas ator, era pintor, escritor e até cantor!

O fato dele ter ficado marcado como Spock, nos dá a falsa impressão que ele nunca conseguiu se livrar do personagem. O filme mostra como essa impressão está errada. Ele fazia Spock por que gostava. Ele amava interpretar o mestiço, que não conseguia se ver nem como humano, nem como vulcano. O que de certa forma era uma alegoria de sua própria psiqué.

Para se ter uma ideia disso, seu filho relata o arrependimento de ele ter aceitado que Spock morresse em “A Ira de Khan”. E o prazer que teve em participar dos novos filmes produzidos por JJ Abrahams.

Adam entrevista vários colegas de elenco da série clássica, além de várias personalidades do meio artístico e acadêmico. Você consegue perceber o carinho com que eles falam sobre o amigo. Até mesmo seu filho relata de forma bem honesta seu relacionamento conturbado com seu pai e como eles deixaram as diferenças de lado nos últimos anos.

Pelo Amor de Spock, apesar de emotivo, não é piegas. É um relato cândido de um filho que amava seu pai e quis compartilhar a pessoa fantástica que ele era na intimidade.

O documentário está disponível na Netflix.

10/10

Indicação: Kanata Lost in Space

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Mon, 14 Oct 2019 14:52:00 +0000

Assisto animes desde sempre. Pelo que me lembro, o primeiro que acompanhei mesmo, foi Fantomas, nas tardes da Record nos anos 80. As enormes diferenças entre as produções japonesas e os cartoons americanos foram o que me chamou mais atenção. Histórias cheias de ação e drama e com um enredo que permeava toda a série deixava os clássicos da Disney e Hanna Barbera no chinelo.

Mas, de uns anos pra cá, algo começou a me incomodar no gênero, enredos repetitivos, clichês aos montes e o, controverso para alguns e glorificado por muitos, fan service. Estamos em uma época que o mercado é inundado por muitos animes a cada temporada o que obriga o expectador ocasional, como eu, a ter de garimpar num mar de produções, muitas delas de qualidade duvidosa.

Dei toda essa volta só para chegar ao tema desse post. O anime Kanata no Astra, ou Astra Lost in Space (já tinha falado dele aqui). Produção de 2019, baseada no mangá de Kenta Shinorhara, publicado entre 2016 e 2017.

Sou fã de ficção científica, principalmente da estética japonesa, e me ressentia da abundância de animes com temas místicos e de fantasia que temos hoje. Por isso, as primeiras imagens desse anime me chamaram a atenção logo de cara, então resolvi dar uma chance a ele.

E foi uma grata surpresa!

Esperava ver mais do mesmo, personagens femininas em situações sensuais, garotos que travam na presença delas, situações absurdas, lutas intermináveis contra inimigos cada vez mais poderosos enfim, tudo aquilo que vemos em nove de dez animes atuais. Não é preciso dizer que quebrei a cara bonito.

Com um enredo bem construído, o programa nos mostra as aventuras (Ou seria desventuras?) de um grupo de adolescentes que partem de seu planeta, Astra, para um outro, próximo, onde participariam de uma espécie de expedição escolar, no ano de 2063. Ao chegarem no destino o grupo de jovens é lançado no espaço, em órbita de um planeta congelado por um fenômeno físico desconhecido. À deriva, no frio do espaço, a morte do grupo parece certa até eles perceberem uma nave próxima a eles.

Bem, esse é um resumão do primeiro episódio. No resto da série, a trama cuida de aprofundar cada personagem do grupo, cada um deles tem um passado triste, duas irmãs cuja criação fora relegada aos empregados da casa, uma jovem que é oprimida pela mãe, outro que parece ser rejeitado pelo pai e por aí vai. Na primeira parte do anime, cada episódio é dedicado a um ou dois personagens e seu background enquanto o grupo pula de planeta em planeta para chegar em casa. Mas o melhor estava guardado para o final.

A partir do sétimo episódio, a história toma contornos mais abrangentes, é mostrado que aqueles jovens podem ter uma ligação que eles mesmos desconhecem e que tudo que aconteceu com eles pode não ser um mero acidente. A trama vai crescendo de tal maneira que você não consegue ficar apenas em um único episódio. E fica mais interessante na parte final, porque cada episódio apresenta um ou até dois plot twist! Destaque para os episódios 9, 10 e 11.

A série não deixou nenhum personagem de lado mas, o trio Kanata, Zack e Charce, acompanhados da fofa da Aries são os meus preferidos.

Kanata, Zack, Charce e Aries

Kanata no Astra é uma joia. Enredo enxuto, fugiu da maioria dos clichês dos animes e mostrou que o gênero Sci-fi pode oferecer ótimas histórias. O final é bem fechado e satisfatório, o que achei ótimo, já que finais abertos não me agradam. Tem fan service? Só um pouquinho, não vai incomodar os mais sensíveis.

9/10

Necessidade...

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Tue, 01 Oct 2019 11:34:00 +0000

CRÉDITOS NA IMAGEM

....cada um tem a sua.

Emulatronia : Syphon Filter PSX - Um Clássico Esquecido

tulio_roberto@yahoo.com (Tulio Roberto) — Fri, 20 Sep 2019 18:38:00 +0000

No final dos anos 90 e início do Século XXI, tramas de espionagem ganharam um novo fôlego. Com a acensão do terrorismo e gerras no leste europeu o tema voltou a tona depois de ter sido deixado de lado com o fim da Guerra Fria.

Syphon Filter é um game lançado em 1999, para o Sony Play Station, que bebia na mesma fonte de filmes como Missão Impossível, O Pacificador e True Lies. Sua trama segue a receita de bolo para roteiros de filmes de espionagem da época. Ameaça terrorista, armas biológicas, envolvimentos de agências governamentais clandestinas, o pacote completo. Clichê, eu sei, mas….

Em perseguição a um terrorista, o agente Gabriel Logan e sua parceira, se deparam com um plano para liberar na atmosfera um agente biológico que podeira acabar com a maior parte da população do planeta, o Syphon Filter do título.

O jogador controla Logan enquanto sua parceira, Lyan, dá suporte por rádio. As missões são variadas. Vão desde impedir um ataque terrorista em Washington DC a até invadir catacumbas atrás de amostras do vírus. Todas recheadas de inimigos e puzzles característicos de games da época.

Há ainda algumas missões furtivas e são as que eu mais gostei, mas o foco do game é a ação. O jogador dispõe de um arsenal variado e o cenário é todo carregado no início de cada missão, o que pode explicar a baixa qualidade gráfica até para a época. A vantagem disso é que não temos telas de loading durante a missão e, se for o caso, o jogador pode voltar até o início do cenário para realizar algum item da missão que ficou para trás sem problemas.

O que me incomodou foi a falta de legendas nas cutscenes, inclusive nos momentos em que Lyan entra em contato com Logan “in game”, pelo rádio. O que dificulta a vida do jogador que não domina muito bem a língua inglesa em compreender a história do game, como eu. Achei o sistema de seleção de armas e itens burocrático e, em vários momentos, me enrolei tentando selecionar a arma desejada.

Syphon Filter é um produto de sua época, tanto cultural como tecnologicamente falando. Para quem viveu a época é pura nostalgia, mas seus gráficos simples e jogabilidade datada pode ser uma barreira para as novas gerações.

8/10

P.S. : Coincidentemente enquanto jogava, o pessoal do 99Vidas publicou um episódio de seu podcast dedicado à toda a franquia. Vale a pena conferir.