O Poderoso Netão

O resgate do soldado Ryan

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 01 Jun 2015 22:20:00 +0000

Filme do dia – O resgate do soldado Ryan

Nota: 9

Ano: 1998

Ator 1: Tom Hanks

Ator 2: Matt Damon

Diretor: Steven Spielberg

Oscar: Concorreu a onze e ganhou 5!

Se enquadra nas seguintes categorias: Relacionado à história; Ação sem fôlego; Guerra.

Comentário: Falar sobre um de seus filmes favoritos é sempre uma fonte de sentimentos antagônicos. Por um lado é evidente o prazer de relembrar uma obra que te tira o fôlego. Em compensação, é um desafio mental tentar evidenciar todos os motivos que fazem o filme ser recomendável.

Sem sombra de dúvidas, “O resgate do soldado Ryan” é o meu filme de guerra favorito (e TOP 5 geral!). Me perdoem os fãs de “Platoon” e “Apocalipse Now”, mas vou fundamentar a minha escolha. Este gênero, que tanto agrada o público masculino, possui alguns elementos que devem ser tratados com muito cuidado, sob pena de prejudicar o seu resultado final:

(I) É claro que um filme de guerra tem tiro e ação pra todo lado, mas o público deve entender o que se passa. Muitos filmes de guerra tentam passar a real sensação da guerra (que nada mais é do que um fuzuê bélico), mas acabam simplesmente retratando uns 20 ou 30 minutos seguidos de barulheira em que o espectador não consegue saber o que se passa. “Falcão Negro em perigo” é um filme que em diversas cenas peca neste tocante. “O resgate do soldado Ryan”, por sua vez, é perfeito neste tocante. A ação é frenética e o tiroteio é constante, mas sempre é possível saber o que se passa com cada um dos atores do filme (os primeiros 20 minutos do filme, que representa o desembarque na Normandia, é considerado a cena mais sangrenta e agitada de todos os tempos, mas é de uma beleza apaixonante. Dá pra se ver unas 5 vezes seguidas este começo e em cada uma delas ficar impressionado por algo.

(II) O filme tem que ser dramático e o sofrimento tem que ser “poético”, mas não abuse senão fica piegas e retira a proximidade de quem assiste. Pra mim tanto “Platoon” quando “Apocalipse Now” pecam demais nesse ponto. O assassinato de um dos mocinhos em Platoon (na cena mais clássica do filme) não me pegou... achei tosco, me afastou da obra como um todo e deixou tudo muito forçado logo em seu clímax. Já “O resgate do soldado Ryan” é excelente neste ponto. É até difícil eleger um clímax dramático para o filme. O drama de cada soldado na obra, do principal ao primeiro do grupo a morrer, é colocado na pitada certa. Uma receita que saiu exatamente no ponto!

(III) Embora todos os soldados fiquem parecidos de uniforme, você tem que distinguir quem é quem. Em “Falcão Negro em perigo” e “Platoon” você é incapaz de distinguir quem é o ator que participa de diversas cenas. Você fica em dúvida quem foi que morreu em determinado momento e só pode concluir quem foi quando o ator não aparece mais no decorrer da obra. Isso quando você consegue saber qual era o nome do personagem que morreu. Em “Resgate do Soldado Ryan” tudo é feito de uma forma que você tem total domínio dos personagens e de suas ações. Cada morte de um dos atores é sentida por quem assiste o filme.

(IV) O roteiro não pode se limitar a “Isto é uma guerra, sobrevive aí!”. Ao mesmo tempo, não pode esquecer que a batalha campal é essencial. Aqui muitos filmes se perdem. “Platton” não possui uma linha muito clara de qual seria a intenção do roteiro. “Apocalipse Now” e “Tigerland” quase esquece que são filmes sobre guerra, tudo fica em segundo plano pra uma enrolação sem explicação. Já “O resgate do Matt Damon”(:P) é o roteiro mais espetacular que já vi de guerra. Basicamente, 4 irmãos vão paraa guerra (Família Ryan) e 3 deles morrem logo no comecinho. Então o relações públicas do exército decide que é uma ótima propaganda levar o último irmão são e salvo paraa família. Só que ele tá lá no olho do furacão da guerra. Desta forma, escolhem um capitão experiente (Tom Hanks) pra selecionar seus melhores soldados e ir resgatar o Ryan sobrevivente. Fica a questão? Vale tanto a pena sacrificar vários bons soldados apenas para resgatar um? Este drama sofrido de foma inconformada por todos os personagens vale ouro, e mantém o nível do filme até o seu final.

Ademais, não se pode deixar de aplaudir a atuação de todo o elenco. Tom Hanks está sensacional, Matt Damon está em seus dias bons, Tom Sizemore é o tempero certo para a obra, mas todos os demais membros do pelotão merecem um agradecimento especial por esta raridade de película, que mantém qualquer platéia vidrada no que ocorre. A fotografia é sublime, a trilha sonora é demais... enfim, não tem como elogiar menos.

Outro ponto divertido em filmes de guerra é que em alguns anos depois você sempre pode se divertir descobrindo que estrelas da atualidade eram figurantes na época da obra. Em “Platoon” temos Jhonny Deep, por exemplo! O novato da vez é “Vin Diesel”! É bem engraçado ver ele bem menos forte e com pouco destaque ao longo da obra tentado colaborar no resgate do menino Ryan.

Por fim, se é que não ficou claro, recomendo para todo desleixado que não viu este filme que não perca mais tempo e assista agora! Será uma rara exceçãopara aqueles que não gostam de filme de guerra (pois vão adorar) e será a cereja do bolo para qualquer um que goste de uma ação sem fôlego.

A queda - As últimas horas de Hitler

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Tue, 05 May 2015 21:42:00 +0000

Nota: 6

Ano: 2004

Ator 1: Bruno Ganz

Ator 2: Alexandra Maria Lara

Diretor: Oliver Hirschbiegel

Oscar: Concorreu a um oscar, mas não ganhou.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Baseado em fatos reais; Relacionado à história.

Comentário: “A queda” é um filme que gerou muita polêmica e muita discussão no ano de seu lançamento. Não foi pequeno o número de exaltados que desaprovavam aos brados o teor e o conteúdo deste filme. Tudo isso pelo fato de que, inspirado em algumas obras biográficas, o filme visa relatar os últimos dias da vida de Adolf Hitler e o desfecho da segunda guerra mundial em território europeu.

A história sempre foi escrita pelos vencedores. Como Hitler foi o perdedor que mais chegou perto de ser vencedor em nossa era contemporânea, ele foi erguido ao posto de Voldemort da história da humanidade. Aquele-que-não-deve-ser-nomeado inspira um ódio coletivo e uma reprovação quase unânime! O gosto amargo e ruim surge de forma reflexa em nossa boca ao falarmos de Hitler e seus nazistas. A repugnância é tão grande que associar alguma conduta ou opinião como sendo algo compartilhado por Hitler é, por si só, uma ofensa natural, mesmo que ilógica. Quer um exemplo? Sabe quem era racista? Hitler! (fundamento lógico); Sabe quem defendia a esterilização de grupos indesejados? Hitler (fundamento quase lógico); Sabe quem defendia a prevenção positiva utilizando-se penas graves para infratores? Hitler (fundamento não tão lógico); Sabe quem era vegetariano? Hitler! (fundamento ilógico).

Não estou aqui tentando defender o Fuhrer alemão. Obviamente ele liderou uma série de práticas hediondas e matou uma galera de forma cruel e repugnante. Só fico admirado que diversos outros líderes fizeram um monte de coisas semelhantes, com um número de vitimas até mesmo maior, mas não são tão odiados pelo inconsciente popular. No entanto, vejo como positiva a lembrança geracional de que um mal deve ser coibido e que qualquer justificativa para o extermínio é equivocada; se para isso escolhemos como símbolo um ódio extremo a Hitler, que seja!

Voltando ao filme, o roteiro possui como ponto de partida a visão e narração de Traudi Junge (Alexandra Maria Lara) desde o seu primeiro dia como secretária pessoal de Hitler. Conforme esta vai ganhando uma relação de proximidade e familiaridade com Hitler, o filme suavemente vai ganhando um novo protagonista e, ao final, passamos a ver os fatos com a perspectiva pessoal do próprio Adolf e seu bigodinho. Pela quase ausência de trilha sonora e pela tentativa de se ater ao máximo aos fatos descritos nos livros paradigmas, o filme ganha um ar de documentário, e o espectador possui a sensação de que cada cena corresponde à estrita veracidade da história real.

Além de uma fotografia brilhante (deixando tudo mais nu e cru, como se verdade fosse), deve-se destacar a atuação de Bruno Ganz como Hitler. Aliás, esta atuação é a essencia e o carro-chefe da obra. É quase impossível não acreditar que o próprio Hitler esteja estrelando o filme; e a ausência de uma premiação de Oscar para o ator principal é digno de lamentação (ele sequer foi indicado ao prêmio).

Por ser muito extenso, não tenho como não admitir que o filme se torna cansativo. A tentativa de aproximar o ocorrido com a realidade impede que apareçam muitos clímax e anti-clímax na obra, tudo fica mais parado, e a sonolência é inevitável. Todavia, aos interessados pelo tema, temos um prato cheio! Digno de ser exibido em aulas de história ou objeto de análise pelos amantes do passado.

Quem não viu o filme e lê esta resenha se pergunta: E por que raios esse filme gerou tanta polêmica? O motivo principal se encontra na tentativa de humanizar Hitler. O protagonista é colocado na obra quase de forma esquizofrênica, capaz de ser tomado por um furor de ódio, mas ao mesmo tempo demonstrar uma bondade, uma humildade e uma benevolência para seus subordinados e companheiros.

Afinal, qual de nós, diante de uma derrota quando quase se conseguiu ter o mundo em mãos, não alternaria entre a compaixão com seus seguidores e a fúria diante de seus revéses? Humanizar Hitler gera pavor e desaprovação, por nos aproximar dele. A lembrança de que Hitler era um simples ser humano nos amedronta, por gerar a idéia de que poderíamos ser como ele, ou melhor, que poderíamos ser ele! É muito mais fácil pensarmos que os nazistas eram um bando de loucos sem noção que possuíam um coração negro no meio do peito. Um conto de fadas faz com que todos possam dormir felizes.

No entanto, a lembrança de que a fúria e o ódio são naturezas humanas nos tornam mais senhores de nós mesmos! E muito mais capazes de impedir que um novo Voldemort surja! Agradeço ao filme por isso, e espero que outros nessa linha sejam produzidos.

Precisamos falar sobre o Kevin

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 27 Apr 2015 20:57:00 +0000

Nota: 8

Ano: 2011

Ator 1: Tilda Swinton

Ator 2: Ezra Miller

Diretor: Lynne Ramsay

Oscar: Não concorreu a nenhum.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Mão na consciência; Suspense psicológico; Manual de como virar um psicopata; O objetivo é chocar.

Comentário: Um cinéfilo sempre gosta de ter na manga alguns filmes absolutamente sensacionais, mas ao mesmo tempo desconhecidos, para recomendar aos colegas e depois receber o agradecimento pelo mapa do tesouro fornecido. “Precisamos falar sobre o Kevin” é exatamente isso! Quase ninguém viu, mas todo mundo deveria ter visto!

Ele é brilhantemente estrelado pela Tilda Swinton (quem? Pois é, ela é o elemento perfeito para os filmes desse molde. Genial, impactante, sensacional, estupenda! Mas você vai esquecer o nome dela assim que terminar de ver o filme) e ainda possui a notável revelação do Ezra Miller.

O roteiro, baseado em um livro, conta a história de uma mulher (Tilda Swinton) que casa jovem, engravida em momento indesejado e se vê compelida a abdicar de seus planos para a vinda de seu filhote. Parece batido né? A conclusão natural disso seria: E ela se descobre encantada com a experiência de ser mãe e começa a amar seu filho com todas as forças, e ele, por fim, se torna a alegria de viver da mamãe.

Pois é... eis o modelo Doriana imposto e requentado para todo modelo familiar. Mas aqui a história narrada acontece ao contrário: A protagonista detesta sua gravidez e não consegue criar um vínculo de amor natural com seu filho (embora ela tente); e quando acontece o nascimento, tudo leva a crer que seu filho, Kevin (Ezra) também não gosta nem um pouco dela! Conforme o tempo vai passando, a relação vai ficando cada vez mais doentia e os conflitos crescem de forma exponencial e com consequências alarmantes.

Embora a mãe naturalmente perceba que sua história esteja destoando do natural, ela se sente incapaz de compartilhar esta situação com os demais: Médicos e especialistas afirmam que seu filho é normal, as sensações que ela está sentindo são normais, passageiras e que tudo está controlado; seu marido também entende que tudo está normal e, como ele aparentemente tem uma relação saudável com seu filho, não admite qualquer cogitação de que possa existir alguma disfunção comportamental que exija uma intervenção externa ou ajuda profissional. Por fim, resta a todos os envolvidos simplesmente fingir que suas vidas e relações são superficialmente adequadas, trocando todas as suas dúvidas e amarguras pelo silêncio. E aqui a trama começa a se desenvolver...

O filme possui uma profundidade tão grande, um tema tão complexo, que não é raro vê-lo sendo discutido nas rodas de psicanálise, psicologia, psiquiatria e etc. Ao mesmo tempo, podemos simplificar tudo falando que se trata de um puta filme de suspense, capaz de prender sua atenção do começo ao fim, com uma trilha sonora no ponto certo e com fotografias geniais (mesmo! Obra de arte!).

A aparente ausência de amor imediato com sua prole é um desconforto que acompanha todas as mães novatas desse mundo. É por isso que o filme causa um incômodo tão grande em mulheres jovens. A situação narrada no filme não é a dela, mas potencialmente poderia ser, e isso gera um pavor completamente justificável.

Peço agora para quem ainda não viu o filme que pule para o último parágrafo do texto, ficando aqui o resumo de que ele deve ser visto por qualquer um, independente dos seus gostos cinematográficos.

A partir de agora quero deixar algumas reflexões para quem já viu o filme (contém Spoilers):

Em um primeiro momento, tive a tendência de concordar com as pessoas que afirmavam que o roteiro deixa claro a conclusão de que o comportamento de rejeição da mãe foi fundamental para o desenvolvimento da psicopatia do filho (e neste ponto as pessoas se dividem entre aquelas que concordam com esta conclusão e as que dela discordam, falando que o filme é tendencioso e se trata de mais um exemplo de filme que culpa a mulher por tudo).

No entanto, refletindo um pouco melhor, penso que o filme sequer conclui neste sentido. Não há qualquer conclusão categórica nele acerca de quem seria o culpado; podemos pensar que a culpa está na inaptidão da mãe, na necessidade do pai de enxergar sua família como perfeita ou até mesmo no próprio Kevin por ser uma espécie de mal encarnado. Aliás, é preciso mesmo ter um culpado? Estamos tão perfeitamente enquadrados neste molde, que procuramos um culpado dentro dele para o desencaixe da realidade com o padrão geral: uma mãe deve amar seu filho incondicionalmente, um pai deve ser zeloso com os problemas de sua família e o filho deve ser amável e doce com seus genitores. Será que o problema não seria o quadro? Quais são as reais causas e consequências para uma fuga do padrão imposto?

Posso ir além, na minha opinião, o grande culpado da história é o silêncio! E por isso o título desse filme é sensacional. Estamos tão preocupados com o molde que qualquer questionamento sobre a possibilidade de outro encaixe igualmente correto gera uma anomalia. Ser fora do quadro, por si só, já é um problema, independente da existência de qualquer consequência negativa. É possível uma mãe falar que não gosta de um filho, ou vice-versa, sem que isso seja um problema? Se o fato, por si só, já é um defeito, as pessoas envergonhadas o empurra para debaixo do tapete e fingem que estão dentro do quadro. Talvez, e aqui sou eu especulando, se fosse aceitável que a protagonista discutisse a falta de amor recíproca, seria possível perceber que além da falta de carinho, e talvez até de forma desconexa a ela, haveria uma psicopatia natural de seu filho que deveria ser adequadamente tratada.

Enfim, minha irmã, ao assistir o filme em 2011, se traumatizou de tal forma que concluiu que nunca seria mãe. Alguns anos depois, ela se revela a mais empolgada e apaixonada mãe de gêmeas que já vi em minha vida. Mas se você perguntar se ela quer ver de novo este filme, é possível que com um imponente arrepio na espinha ela emita um sonoro “Não” de forma reflexa... mas ela sabe que o silêncio não é a resposta, ela sabe que precisamos falar sobre o Kevin!

8 e 1/2

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Thu, 16 Apr 2015 22:27:00 +0000

Nota: 1

Ano: 1963

Ator 1: Marcello Mastroianni

Ator 2: Anuk Aimée

Diretor: Federico Fellini

Oscar: Concorreu a 5 e ganhou 2.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; ????; Frases de efeito; Escapista; Alternativo; Antropologia poética.

Comentário: Confesso que sempre tive uma vontade curiosa de ver um filme do Fellini, tão elogiado pelos entendedores da sétima arte. Ainda maior era minha curiosidade em conhecer o filme “8 e ½”, intitulado por muitos conhecidos como sua película favorita de toda vida.

Todavia, sempre tive a real sensação de que iria desaprová-lo, uma vez que seus declarados admiradores possuíam um aspecto em comum: A qualidade de admirar obras abstratas, densas e “cult” demais para o padrão ordinário (me considero um legítimo cinéfilo de gosto comum). Sabe essas pessoas que tem a visão além do alcance? Uma espécie de terceiro olho, que consegue distinguir uma arte abstrata ímpar de um rabisco de uma criança de três anos? Pois é, sou do time que geralmente acha essas coisas abstratas uma coisa mal feita disfarçada de sublime. Pombas, quer desenhar uma mulher sofrendo? Desenha uma mulher sofrendo! Não desenha uma bola com três pingos coloridos no meio e fala que isso representa a “sofrência”! No filme é a mesma lógica: Quer fazer uma história sobre uma mulher que sofre? Coloca uma atriz chorando! Não me filma uma bola girando e depois virando uma girafa e fala que isso representa a dor sofrida.

Enfim, compreendendo esta minha visão de arte (limitada, admito), é razoável pensar que eu não gostaria de um filme “cult”... Mas não é que “8 e ½” me supreendeu?? Conseguiu ser pior ainda!!! Ganhou o título do filme que mais me deu desprazer em assistir! Juro! Foi um desprazer tão assustador que eu tenho até a vontade sádica de incentivar pessoas a assistirem só pra testar se eu sou normal! No nível pular na piscina gelada e fingir que tá quentinho pra outras pessoas pularem também! Pra voces verem: Eu e meus pais fizemos o desafio de tentar sobreviver até o fim da obra, apontada no encarte como tendo duração de 90 minutos. Quando chegou ao minuto 91 e descobrimos que a indicação estava errada, meu pai saiu bufando da sala como um desertor de uma guerra (o filme tem longos 138 minutos), minha mãe dormiu e eu banquei o espanhol teimoso que foi até o fim.

A história relata um momento da vida de um fictício cineasta famoso, de nome Guido Anselmi (Marcello Mastroianni), o qual se encontra “travado” e incapaz de escrever um roteiro para sua próximo obra (os especialistas dizem que Fellini estava fazendo uma auto-biografia neste roteiro). Ele esconde essa incapacidade de todo mundo e finge que o roteiro está pronto, com todo elenco e produção esperando apenas o texto para começar a gravação. Pra tentar desenpacar, o protagonista faz uma busca introspectiva sobre a sua vida e a influência de todas as mulheres que marcaram o decorrer de seus anos.

Pois bem, até parece que poderia sair um roteiro decente disso né? Mas isso é explicado em cinco minutos e a partir de então é como se todo espectador tomasse dez litros de chá de cogumelo e ficasse o resto do filme tendo alucinações. Nenhum diálogo terá mais do que cinco minutos de lógica concatenada, nenhum trecho do filme é essencial para se chegar a conclusão final (na verdade sequer há uma história linear.. não vi começo, não vi meio e não vi algo que possa ser chamado de fim) e poucas são as cenas que você consegue identificar exatamente o que está acontecendo.

O nível de desorientação foi tamanho que sequer sei avaliar a qualidade da atuação, da fotografia e demais elementos do filme (a trilha sonora me parecia bacana)..enfim, foi uma sensação constante de incapacidade, como um analfabeto com o texto na mão.

Desafio qualquer um a ver este filme! E conto com a benevolência de alguns em explicar um pouco dele! Não é possível que um filme tão premiado, tão renomado e tão apreciado por muitos possa permanecer por toda minha vida com o título de “o pior filme já visto”! (pra quem quiser uma experiência mais light, existe uma releitura da obra feita por um elenco recheado de estrelas e que ouvi dizer ser um pouco menos densa e mais realista. Confesso que não tive coragem de enfrentar uma experiência semelhante à anterior e, por isso, não assisti. Esta releitura possui o nome de “nine”).

Num lago dourado

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 14 Oct 2013 02:45:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1981

Ator 1: Henry Fonda

Ator 2: Jane Fonda

Diretor: Mark Rydell

Oscar: Concorreu a 10 e ganhou 3.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é lindo; mão na consciência; Escapista; Antropologia poética.

Comentário: Todo ser humano, de início, desgosta de uma marmelada. Isto é, ninguém aqui tem prazer em descobrir que acontecimentos supostamente verídicos e espontâneos se originaram de uma pré-combinação. Até mesmo quando assistíamos “Gigantes do ringue”, preferíamos nos enganar acreditando que aquela luta era de verdade. Pois bem, é com grande pesar que ouvimos severos boatos de que este filme foi produzido por Jane Fonda para que seu pai, Henry Fonda, fosse finalmente agraciado com um Oscar de melhor ator. De fato, foi uma excelente oportunidade para que uma grande injustiça fosse corrigida e este excelente ator pôde ser incluído no hall seleto dos premiados (por pouco isso não aconteceu, Henry Fonda faleceu pouco tempo depois, sendo este o seu último filme).

Mas o contexto acima citado diminui o valor deste filme? Deveria, mas não consegue! Isso porque a obra é de uma singeleza, uma beleza simples, uma profundidade simultaneamente leve, que, no fim das contas, faz a película merecer suas palmas, seus créditos e, porque não, suas premiações (embora dez indicações ao Oscar me pareça um certo exagero).

No filme, Henry Fonda e Katharine Hepburn (que dupla!) interpretam um casal de idosos passando suas férias de verão em uma casa de campo. Embora felizes, é possível observar que algo impede que um sentimento de plenitude reine sobre a morada, e o motivo não tarda a ser revelado: A relação estremecida entre o velho Norman (Henry Fonda) e a filha do casal (Jane Fonda), que sempre se amaram mas nunca conseguiram demonstrar seus sentimentos. A vida e as brigas sem valor afastaram pai e filha e o vazio entre eles não parece que será um dia preenchido. Entretanto, por uma necessidade pessoal, a personagem de Jane se vê obrigada a deixar seu filho, neto de Norman, sobre os cuidados do velho casal durante uma temporada de verão. Avô e neto nunca conviveram juntos e a má vontade para este início tardio de um relacionamento afetivo é patente. O filme, então, é uma bela narrativa sobre o desenvolvimento natural dos laços afetivos entre os envolvidos, na qual os sentimentos positivos naturalmente vão se sobrepondo aos negativos, não sendo difícil retirar da cativante história elementos de reflexão para que possamos valorizar e cuidar melhor dos nossos próprios relacionamentos abandonados diante de uma rotina insana.

Embora com uma fotografia minimalista e poucos diálogos de efeito, não faltam elementos para garantir os aplausos do público: o roteiro é forte suficiente para, juntamente com a competente atuação de Henry Fonda, fazer o filme valer os seus minutos de duração.

O filme então é extraordinário? Ficará marcado na história? É indispensável? Sinceramente, acredito que não! No final das contas, ele não supera a categoria de “obra bonitinha”, mas isso não desvaloriza a merecida homenagem à Henry, e não é uma má despedida deste grande artista. Jane Fonda quis dar um presente ao seu pai, mas quem agradeceu foi o público.

Menina de ouro

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 23 Sep 2013 13:26:00 +0000

Nota: 9

Ano: 2004

Ator 1: Clint Eastwood

Ator 2: Hilary Swank

Diretor: Clint Eastwood

Oscar: Concorreu a 7 e ganhou 4.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Esporte.

Comentário: No mundo cinematográfico sempre existirá grande polêmica sobre a qualidade de filmes. Não é raro encontrar uma discussão em um bar acerca da genialidade, ou não, de “Star Wars”, se seu tempo passou, ou até (opiniões polêmicas) se o filme é meio bobo. Também é discutido se “Clube da Luta” é genial ou violência vomitada, se “Pontes de Madison” é uma jóia rara ou uma chatice sem fim. No entanto, existem poucos filmes que entram em um rol indiscutível, sendo muito difícil encontrar alguma pessoa que retire esta película do nível “Ótimo” e a despromova para o nível “Bom”. “Menina de ouro” é um filme de 2004 que entrou neste rol para, provavelmente, nunca mais sair.

O filme contém a fórmula mágica de seu diretor: Clint Eastwood é um cara com péssimo humor, parece que já sofreu bastante e é apurrinhado por alguém carismático e pentelho que tenta usufruir do lado bom do velho rabugento (no caso, este alguém é Hilary Swank). Pra arrematar tudo, o filme tem uma fotografia fria e bela e possui a sempre soberba narração de Morgan Freeman, que faz o seu eterno e espetacular papel de coadjuvante sábio. A fórmula é velha e já rendeu inúmeros filmes dignos de aplausos, como “Gran Torino”, “Os imperdoáveis” entre outros, que inexplicavelmente não cansamos de assistir. Mas qual o motivo deste filme se destacar entre todos e se tornar uma lenda? A resposta: O roteiro! Não se trata de apenas um roteiro extraordinário. É simplesmente um dos melhores roteiros que já vi; que pega aquele elemento especial de cada gênero do cinema que conhecemos (a superação dos filmes de esporte, o sofrimento dos filmes de drama, as lições de um filme poético, a felicidade de um filme simples, a paixão dos filmes de amor e a raiva dos filmes de ação) e é capaz de fazer uma história firme, sem falhas, digna de produzir inúmeras lições ao telespectador; uma obra que diverte, acrescenta, emociona e homenageia, tudo em uma só! Eu pareço um vendedor de Polishop falando sobre ele... mas não consigo parar de babar-ovo quando falo desta obra-prima.

A história é divida em duas partes. Em sua primeira metade o filme é uma espécie de readaptação de “Rocky” para os dias atuais, com um pouco mais de humor e dinamicidade., no qual Hilary é uma boxeadora pobre que quer virar uma profissional, e, tendo enorme potencial e teimosia, consegue superar a resistência de Clint, um sparring em decadência, que não deseja treinar uma mulher,e quase o obriga a ser seu treinador e amigo. Nesta parte, o grande destaque para mim é Morgan Freeman, que brilha em cada mínima participação de seu personagem. No seu “segundo ato”, o filme vira uma melhoria de “Mar Adentro”, no qual a atuação de Hilary Swank supera qualquer prévia expectativa sobre a atriz (é incrível como a atriz, com tão poucos filmes de peso em sua carreira, conseguiu ter surpreendido o mundo por duas vezes, rendendo suas duas estatuetas do Oscar – em “Menina de Ouro” e “Meninos não choram”. Qual o motivo dela não ser ainda cotada como uma das melhores de sua geração?).

Enfim, são tantas as qualidades técnicas que podem ser detalhadas (fotografia impecável, trilha sonora contida, atuação individual de cada um e etc) e tantas reflexões pertinentes sobre a vida (simplicidade e competência da protagonista, compaixão e cuidado do personagem de Clint, ingratidão e falta de alteridade da família da boxeadora, o companheirismo silencioso entre Clint e Freeman), que a melhor coisa a se fazer é simplesmente guardar os comentários para si próprio e se limitar a recomendar fortemente para toda a população mundial que se encante com esta história magnífica.

Vale a pena ver e rever toda vez que encontrá-lo passando na televisão. Mo cuishle!

O leitor

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 29 Jul 2013 13:39:00 +0000

Nota: 7

Ano: 2008

Ator 1: David Kross

Ator 2: Kate Winslet

Diretor: Stephen Daldry

Oscar: Concorreu a 5 e ganhou um.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Relacionado à história; Escapista; Antropologia poética; Te vejo no tribunal.

Comentário: Os filmes de Stephen Daldry, entre eles o consagrado “As horas” e o recente “Tão forte e tão perto” estão provavelmente entre os maiores desafios dos atores de Hollywood. São filmes em que os artistas devem interpretar pessoas que possuem poucos estímulos exteriores para esboçarem reações e interagirem com o meio, mas que silenciosamente devem lidar com uma eclosão de sentimentos geradores de angústia em níveis kafkanianos. Interpretar algo parecido deve ser um grande desafio para qualquer gênio da atuação.

No presente caso, a brilhante, e futura substituta de Meryl Streep, Kate Winslet cumpre este papel com perfeição! O filme é, do começo ao fim, um verdadeiro show de atuação da protagonista de Titanic (qual o motivo dela ter ficado marcada como Rose em meio a tantos outros personagens de excelente qualidade?). Não bastando, o capaz Ralph Fiennes e o promissor David Kross completam a missão de tornar este filme um verdadeiro sucesso.

É certo que os filmes deste diretor não são movimentados, chamativos e, por isso, são chamados de cansativos e “parados” por muitas pessoas (que não deixam de ter razão), mas são filmes com profundidade assustadora, que resultarão em reflexões posteriores pertinentes e um sentimento inquietante difícil de se explicar; talvez pelo fato do filme falar com o seu estômago, e não com o seu coração. De qualquer modo, é certo que, ao final da obra, você será uma pessoa diferente daquela que começou a vê-la, uma vez que, mesmo que de forma mínima, sua visão do mundo ganhará uma nova perspectiva.

Em “O leitor”, o roteiro conta a história de Michael Berg (David Kross), um relativamente abastado adolescente alemão do período pós-2ª guerra mundial, que conhece uma mulher mais velha, Hanna (Kate Winslet), pobre e inculta. Os dois começam a ter relações sexuais que resultam em diferentes experiências para cada um dos envolvidos. Para o garoto, sua tentativa de racionalizar estas relações resultam em uma tentativa de romantizar tudo e tentar fazer a relação se tornar algo amoroso. Para a mulher, a tentativa de tornar aquilo algo frio, distante e simplesmente mais um acontecimento de sua triste vida sem significado é patente. Em um primeiro momento somos levados a acreditar que o filme se limitará a este tema (o que faria tudo ficar menos elogiável e mais parnasiano), quando somos subitamente arrancados para outra temática: A mulher desaparece sem aviso prévio; 8 anos se passam; e o jovem Michael, agora estudante de direito e integrante do grupo de estudos dos julgamentos dos acusados dos crimes nazistas acontecidos durante a guerra, é surpreendido ao revê-la sentada no banco dos réus, sendo responsabilizada pela morte de centenas de judeus.

É nesse momento que o filme alcança sua verdadeira pretensão: Tentar relatar, racionalizar e entender todos os sentimentos e condutas dos dois durante e após este julgamento, tendo em vista a inevitável ligação do passado entre ambos. O garoto é simplesmente arrebatado pelas memórias de seu primeiro amor ligadas à alguém acusada de tantas atrocidades e o sentimento de culpa passa a ser a temática da película. Mas culpa do quê? A culpa do menino por ter tanto carinho por alguém responsável por fatos tão lamentáveis? A culpa da mulher por ter feito o que fez? A culpa do jovem por abandonar uma pobre mulher que o ajudou em um passado próximo nos momentos de linchação pública? A culpa do homem por ajudar esta mulher que lhe fez tão bem, mas fez tão mal à sociedade?

Como lidar com tais sentimentos complexos maximizando a alteridade que sentimos por cada um dos envolvidos? O ser humano só sabe lidar com a culpa de uma forma: Buscando o perdão! E é isso que o protagonista tenta fazer nesta trama tão profunda, mas a pergunta que mais me incomodou durante toda a obra: Perdão de quem?

Garanto para quem leu até aqui que o filme não é tão chato como ficou parecendo nessas linhas. Ele é provocador, instigante e meio parado, embora extremamente belo. Não é um filme dispensável, e muito menos descartável! Fica, então, a recomendação para o sábado à noite.

Kung-Pow - O mestre da kung-fu-são

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Wed, 03 Jul 2013 23:09:00 +0000

Nota: 5

Ano: 2002

Ator 1: Steve Oedekerk

Ator 2: Fei Lung

Diretor: Steve Oedekerk

Oscar: Por Deus!!! Nenhum!!

Se enquadra nas seguintes categorias: Sessão da tarde; O principal é imbatível; Desculpinhas para criar cenas de luta; Vendetta; Besteirol.

Comentário: Assim como é necessário estômago para se ver um filme de terror, não sendo recomendável filmes aterrorizantes para quem não gosta do gênero, temos que o estilo “besteirol” também não é recomendado para qualquer tipo de pessoa. Quando eu digo “besteirol”, eu não estou me referindo àquele filme com enredo recheado de piadinhas que garantem a diversão da família. Estou falando daquela película que não tem qualquer objetivo de fazer uma história decente, tendo como único objetivo acumular o maior tipo de baboseiras possíveis em um pseudo-roteiro, desprovido de qualquer sentido relevante. De fato, não é qualquer um que suporta babaquices contínuas por mais de uma hora. Entretanto, há aqueles seres de espírito mais elevado e uma leveza em seu interior que simplesmente não conseguem parar de rir com as constantes idiotices esfregadas na tela (não são poucos e eu, vergonhosamente, me incluo nesta vibe), de modo que este gênero sempre tem seu público cativo para o contemplar.

“Kung-Pow” é a definição precisa de um filme besteirol. Basicamente, o diretor/ator principal/produtor do filme é um lunático que decidiu pegar um dos clássicos filmes de kung-fu (Savage Killers, de 1977) e resolveu literalmente apagar o personagem principal e incluir a si próprio como protagonista do filme. Na obra, o diretor resolve redublar todos os personagens e modifica toda a história original para fazer uma grande comédia escrachada por cima. É algo parecido com as famosas dublagens feitas por Hermes e Renato no programa da MTV ou do “Bateman e a feira da fruta”, famoso vídeo da internet, com o acréscimo de elementos de uma produção cinematográfica.

Não são poucas as boas sacadas do filme, o qual satiriza os notórios erros dos filmes de kung-fu produzidos nos anos 70, especialmente quanto aos erros de continuidade, e a singular bizarrice dos filmes deste gênero.

Entretanto, se a ideia é “genial” em um primeiro momento, extremamente divertida e garantia certa de risadas, deve-se admitir que 90 minutos desta besteira torna-se cansativo (ou até mesmo um martírio para os menos espirituosos). É evidente que o diretor tenta inovar no meio do filme, incluindo novos elementos para tentar variar o estilo das piadas, mas, no fim, fica tudo muito preso ao conceito inicial. Portanto, 10 minutos da obra, 20 minutos ou o filme inteiro, tem a mesma validade para o público, ainda mais quando o filme não tem a menor pretensão de ser um roteiro sério.

É, portanto, o pano de fundo ideal para um encontro de jovens amigos com cerveja, muito papo, e pouca atenção para o que acontece na TV; gerará algumas risadas em determinados momentos, mas não limitará o evento (isto se o seu grupo for extrovertido... será realmente vergonhoso colocar este filme para um pessoal mais retraído).

Por fim, assistí-lo sozinho é uma opção não recomendável para muitos, pois, gostando ou não da obra, não há como negar o elevado grau de paspalhice de quem está sozinho, na frente da TV, assistindo a um bobalhão lutar kung-fu com uma vaca (sim, ele faz isso no filme).

Julgamento de Nuremberg

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 10 Jun 2013 22:42:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1961

Ator 1: Spencer Tracy

Ator 2: Burt Lancaster

Diretor: Stanley Kramer

Oscar: Concorreu a 8 e ganhou 2.

Se enquadra nas seguintes categorias: Mão na consciência; Baseado em fatos reais; Relacionado à história; Frases de efeito; Te vejo no tribunal.

Comentário: O julgamento de Nuremberg é um dos fatos históricos mais relevantes para o mundo jurídico (talvez o mais relevante do mundo contemporâneo). O chamado “julgamento de Nuremberg”, na verdade, refere-se a uma série de julgamentos ocorridos logo após o fim da segunda guerra mundial, onde 24 agentes do mais alto escalão do partido nazista foram julgados pelos seus crimes contra a humanidade por um tribunal internacional. A importância destes julgamentos para o mundo jurídico não se limita à relevância da segunda guerra e do próprio partido nazista, mas ganhou maiores proporções por se tratar de um fato inédito para a sociedade.

Simplificando para quem não é estudante de direito: Estamos acostumados a ver pessoas sendo julgadas por cometerem atos previamente descritos pela lei como criminosos (você é punido por matar alguém por existir uma lei anterior que manda não matar). No caso, entretanto, os réus do julgamento de Nuremberg obedeceram estritamente ao ordenamento jurídico vigente na Alemanha durante a segunda guerra e os crimes que lhes eram imputados não estavam previstos em nenhuma lei a qual os alemães tivessem obrigação legal de obedecer. Entretanto, os líderes mundiais entenderam que os genocídios e demais atos do alto escalão do partido nazista resultaram em relevante ofensa aos direitos mais naturais do homem, que prescindiam de leis escritas e vigentes para serem obedecidos, de modo que todos poderiam ser julgados pelo mundo em face das atrocidades cometidas. Na verdade, foi um verdadeiro julgamento de toda a Alemanha pelo ocorrido na segunda guerra, uma forma do resto do mundo atribuir à Alemanha a culpa por todas as atrocidades que a humanidade fora vítima entre os anos de 1939-1945.

O filme em exame, por sua vez, retrata um destes muito julgamentos ocorridos: O julgamento de 4 juízes alemães que aplicavam as sentenças com base nas leis alemãs previstas para a época, como, por exemplo, a esterilização de quem se relacionava com judeus, a pena de morte, entre outros. Dentre os réus, estava a autoridade máxima do poder judiciário alemãoda época: Ernst Janning (interpretado por Burt Lancaster).

Para presidir o julgamento, fora nomeado o juiz aposentado Dan Haywood (Spencer Tracy), que se mostrava relutante com a condenação dos réus. Afinal, é difícil para um juiz, ou para qualquer outra pessoa, aceitar de pronto a idéia de que um juiz comete um crime simplesmente por aplicar a lei vigente em seu país. O simples fato dessa lei ser contrária ao que o restante do mundo acredita ser o correto faz com que o juiz deva ser responsabilizado? Um juiz que aplica a sentença de morte prevista em lei, em seu país, não estaria cometendo o mesmo crime que Janning e os outros? O restante do mundo possui ingerência sobre a soberania alemã ou de outro país a ponto de determinar quais são as leis que o juiz deve utilizar e quais não deve? A resposta não é simples, e só poderia ser em favor da condenação com base na reprovação ideológica dos atos cometidos pelos nazistas.

O filme em si é muito bem produzido, merecendo cada oscar que recebeu. Afinal, a ambientação é ótima, o roteiro é bem escrito e a apresentação de toda a problemática jurídica é de fácil acesso e esclarecedora para qualquer pessoa que desconheça o mundo judiciário. Além disso, as interpretações são de qualidade impressionante, fugindo da interpretação teatral típica dos filmes mais antigos e sendo capaz de atrair até mesmo o público contemporâneo para a situação apresentada. Spencer Tracy atende todos os requisitos para interpretar o juiz Dan, como um homem cordial, justo e atento a cada influência jurídica, filosófica e antropológica ao caso. Burt Lancaster, por sua vez, apresenta toda a altivez e erudição que se espera de alguém outrora tão influente e poderoso como Janning.

Além da trilha sonora (que é fraca), o principal ponto negativo do filme é a sua extensa duração. De fato, deve-se admitir que um filme sobre tema tão denso seja algo naturalmente cansativo, existindo uma tênue linha entre o que é interessante e o que é maçante. Portanto, o desafio de manter tal obra em uma ambientação cativante e digna de entretenimento (que é sempre um requisito inexorável do cinema) está diretamente interligado com a necessidade de que a peça seja dinâmica, com diálogos provocantes e acontecimentos reveladores. Contudo, mesmo que o filme conseguisse atingir este grau de dinamicidade por boa parte da obra (e não consegue em muitas partes), não seria possível manter esta qualidade pelas 3 longas horas de duração da película. Afinal, nem o filme de ação mais legal do mundo deixa de cansar seu público após a segunda hora de filme, imagina então um filme parado sobre um julgamento histórico recheado de discussões ideológicas... Assim, assistir a obra inteira sem bocejar, por melhor que ela seja, se revela um verdadeiro desafio.

Por fim, não gosto do deslinde final da trama. Embora a problemática seja apresentada com qualidade adequada, detesto a saída fácil e covarde que foi apresentada ao final (se não assistiu o filme, pule este parágrafo imediatamente!). A “confissão” de Janning (que admite ser criminosa sua conduta e de seus colegas) não se revela plausível, não faz jus a toda a caracterização do personagem anterior e retira do julgador a árdua decisão de reconhecer um terceiro como culpado. Há quem entenda que o filme soluciona de forma poética: Só o próprio homem, com a consciência pesada e com instutentável sentimento de culpa, pode, em face da ausência de lei que o incrimine, reconhecer a atrocidade de seus próprios atos e exigir punição. No entanto, acredito que esta versão da história aumente o seu caráter panfletário e diminua seu valor, pois dá aquela velha sensação de que é simplesmente uma história escrita por seus vencedores e não a retratação fiel de um acontecimento. Na minha opinião, o dram apresentado é enaltecido quando se ressalta que aqueles alemães tinham plena confiança de que não faziam nada errado ao obedecer as regras de seu Estado (é o que o filme “O leitor”, extremamente recomendável, mostra com uma excelência ímpar).

Assim, trata-se de um filme denso, sobre uma das questões mais tortuosas do direito internacional: Como julgar a conduta de um ser humano sem que este tenha transgredido seu próprio ordenamento jurídico? A ética é o suficiente? A soberania nacional é uma falácia? Embora o tema seja interessante, talvez seja desencorajador apresentá-lo por meio de um filme antigo de 3 horas de duração. Conhecer o evento e sua importância para a humanidade é imprescindível, mas assistir ao filme é uma escolha (traduzindo: Não vou te falar que o filme é imperdível ou altamente recomendável). Só posso afirmar que se trata de uma ótima discussão antropológica, que me entreteve e proporcionou positivas reflexões, mas não posso garantir que alguém não tão interessado pelo tema não fique enfadado rapidamente quando assistir.

Irmão urso

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Tue, 07 May 2013 22:58:00 +0000

Nota: 7

Ano: 2003

Ator 1: Joaquin Phoenix

Ator 2: Jeremy Suarez

Diretor: Bob Walker/ Aaron Blaise

Oscar: Concorreu a 1, não ganhou.

Se enquadra nas seguintes categoria: Sessão da tarde; Mão na consciência; Vale pela trilha sonora; Infantojuvenil; Escapista; Um dos protagonistas é um animal.

Comentário: Existem dois tipos de pessoas: Aquelas que assistem todos os filmes da Disney que saem em cartaz (com exceção das continuações que saem apenas em Dvd, que ninguém assiste) e aquelas que apenas assistem os filmes da Disney que fazem muito sucesso e são classificados como imperdíveis pelo público e crítica (não consigo incluir uma categoria para pessoas que não assistem filmes da Disney...pra mim isso não é humano). Tenho que admitir que sou da segunda espécie descrita, de modo que não assisti muitos filmes conceituados como “médios” pelo público geral, como Pocahontas, Mulan e cia. Eis o motivo de eu não ter assistido “Irmão Urso” até ele completar 10 anos de existência.

Contudo, eis que tive uma grata surpresa! Não conseguia entender por qual motivo esta obra não alcançou o mesmo sucesso de Aladdin e cia. Afinal, todos os velhos e adorados elementos que caracterizam um filme épico da Disney são encontrados nesta obra com uma qualidade extraordinária: Personagens carismáticos e engraçadinhos, piadas de ótimo gosto; final emocionante e com ótima lição de formação de caráter para os pequenos; retratação de belezas naturais do mundo; trilha sonora genial (genial mesmo! Phil Collins meu amigo!); todo aquele ambiente místico e cativante; e tudo mais que se espera de um filme da turma do Mickey.

Peraí...tudo que se espera? Então é isso! Irmão urso não sai do padrão já visto anteriormente por todos, não inova, não apresenta nada de diferente para ser comentado posteriormente por seus espectadores. É, portanto, aquele filme que dificilmente tem algo para ser criticado, mas é plenamente compreensível o fato de não ser memorável. E isso é um problema? De maneira nenhuma! O padrão Disney é altíssimo e, por isso, mais uma obra neste patamar de qualidade será sempre bem-vinda, merecendo cada aplauso recebido no cinema e fazendo jus ao DVD na prateleira de cada marmanjo esperando para ser exibido para sua prole no momento correto.

A história se passa nas regiões congeladas onde habitam os esquimós e conta a história de Kenai (Joaquin Phoenix. Selton Mello na dublagem) e seus dois irmãos. Kenai, como todos os esquimós, recebe no seu rito de passagem para a vida adulta um totem, que representará sua função no círculo da vida. Este totem assume a forma de um animal e é revelado para o líder espiritual dos esquimós, representando características importantes de seu proprietário. Cada menino sonha então em ser agraciado com a representação da força ou coragem, com animais imponentes como tigres e leões. Kenai, entretanto, recebe o totem do amor, representado por um urso; e sua frustração é imediata. Apenas posteriormente, os motivos da escolha deste totem lhe será revelado.

Com a morte de um de seus irmãos por um urso (isto acontece nos primeiros minutos do filme, não pensem que estou estragando a história), Kenai se perde no sentimento de vingança e resolve aniquilar o animal que lhe causou tanta dor. É neste momento que os deuses lhe castigam e o transformam em um urso, incapaz de se comunicar com os demais humanos. O filme, assim, irá mostrar a jornada de Kenai para se tornar novamente um humano, e quem sabe compreender, no meio do caminho, um pouco melhor o sentido e o valor da vida.

O grande destaque do filme fica para o ursinho Koda (Jeremy Suarez), um filhote que resolve acompanhar o protagonista em sua jornada. Como sempre, a Disney consegue fazer um acompanhante fofinho e engraçadinho que arrancará suspiros das meninas, risadas dos meninos e certamente fará você ter vontade de assistir novamente a obra quando alguma de suas cenas magicamente voltar a sua memória.

Trata-se de uma obra não muito conhecida e, por isso, uma ótima opção para quem quer uma novidade para se ver com a família ou um grupo de amigos (afinal, é raro conseguir achar um filme que ninguém do bando assistiu). No entanto, deve-se sempre ter em mente que se trata de um típico filme Disney (mais típico impossível), o que pode tornar a sugestão inadequada quando se espera algo menos meloso ou mais descontraído (isso nem precisava ser dito. Afinal, quem quer assistir um filme mais hardcore e cogita assistir um filme que tem dois ursinhos na capa??).

Harry Potter e a pedra filosofal

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Thu, 25 Apr 2013 13:35:00 +0000

Nota: 6

Ano: 2001

Ator 1: Daniel Radcliffe

Ator 2: Robbie Coltrane

Diretor: Chris Columbus

Oscar: Concorreu a 3 e não ganhou nenhum.

Se enquadra nas seguintes categorias: Sessão da tarde; O principal é imbatível; O quêêê????; Infantojuvenil; Escapista.

Comentário: Os livros da série Harry Potter são, provavelmente, os melhores livros para o público infantojuvenil já feitos e, não à toa, renderam 8 filmes de sucesso. Desta forma, sendo raro encontrar livros desta qualidade para o público jovem, recomendo seriamente que os pais apresentem primeiro as obras literárias à prole para depois mostrarem os filmes feitos, tendo em vista que é uma ótima forma de introduzir a leitura nos hábitos dos pequenos (aproveite e leia você também estes livros, são sensacionais!).

Entretanto, ler os livros antes de assistir os filmes tem um grande efeito negativo: O impacto sobre a obra cinematográfica é bem menor, e é capaz de você mais criticar a película do que elogiar, muito embora seja inquestionável que os filmes são super bem feitinhos.

Não se pode discordar que alguém que viu toda a riqueza de detalhes do livro sente falta de alguns eventos no filme, simplesmente por uma paixão forte por cada página lida. Contudo, é racionalmente compreensível concluir que o filme não poderia ter 9 horas de duração (eu sei que você ilustre fã não se conforma com o fato de não ter a descrição das aulas com o professor Flitwick, por exemplo, mas convenhamos que elas são bem desnecessárias para a trama principal).

Mas vamos focar no primeiro filme neste momento: Para você que ainda resistiu arduamente a não ler ou ver os filmes, por achar que é visado para o público infantil (tá bobeando), saiba que a primeira obra conta a história de Harry Potter (Daniel Radcliffe), um menino que teve seus pais mortos por um bruxo (eu sei que no começo o termo “bruxo parece tosco”...você vai se acostumando e depois acha tudo muito legal) muito malvado chamado Voldemort (Ralph Fiennes...puta ator!), que tocava o terror na terra. No entando, o Harry, ainda um bebê, por algum motivo sobrevive ao ataque e, ainda por cima, faz com que Voldemort seja derrotado. Instantaneamente, o bruxinho vira um ídolo mundial! Para fazer com que ele evite tanta babação de ovo e para ser protegido de seguidores de Voltemort sedentos por vingança, o sábio bruxo Dumbledore (Richard Harris no primeiro filme e no segundo, depois ele morreu e foi substituído) o envia para morar com seus tios, que não são magos e desconhecem o valor do menino. Eles passam então 11 anos o maltratando, por medo de seus poderes escondidos, até que então ele é convidado para ingressar na lendária escola de bruxos “Hogwards”. Este filme, assim, conta o primeiro ano de Harry na escola, que culminará em muitas aventuras e dará base a longa e impressionante história narrada nos próximos filmes.

A primeira coisa que se pede com o primeiro filme é paciência! Isso porque naprimeira obra Harry e seus amigos ainda são criancinhas, de modo que naturalmente a história possui um tom infantilizado, com interpretações limitadas e com uma tendência a um roteiro meio bobinho. Prometo que a história ficará cada vez mais interessante e terá o fim adulto e emocionante que você espera. Até o fato de existirem bruxinhos, vassouras voadoras e magias se tornará algo aceitável e prazeiroso para os adultos não muito fã desse tipo de fantasia.

Realmente, a grande limitação do primeiro filme é a interpretação dos pequenos (que não é ruim para crianças de 12 anos, são super elogiáveis, mas sempre dão um tom pastelão que tira um pouco o interesse do público mais adulto). Entretanto, a produção, a trilha sonora e a fotografia são de um nível tão alto que o filme seria elogiável mesmo que tivesse um roteiro ruim (e olha que seu roteiro é demais!).

Infelizmente, como eu disse anteriormente, ler o livro tira um pouco do impacto da primeira obra, de modo que não consegui me impressionar tanto com o filme a ponto de lhe dar uma nota maior. Mas não se deve olvidar de que a trama evolui a cada filme, e a qualidade geral (atuação, roteiro e produção) cresce a nível exponencial. Perder a oportunidade de conhecer a saga de Harry Potter é algo genuinamente trouxa! (não estou te xingando leitor, este é um termo usado por bruxos.....ah, leia que você vai entender!).

Gran Torino

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Wed, 17 Apr 2013 13:55:00 +0000

Nota: 7

Ano: 2008

Ator 1: Clint Eastwood

Ator 2: Ahney Her

Diretor: Clint Eastwood

Oscar: Não concorreu

Se enquadra nas seguintes categorias: Mão na consciência; Escapista; Antropologia poética (nossa, não consegui encaixar este filme em muitas categorias).

Comentário: “Gran Torino” é aquele filme que sempre será uma boa recomendação para se dar em uma mesa de bar entre amigos. Afinal, ele não é conhecido pelo público em geral e só foi visto por aqueles que, sem opções definidas do que ver na televisão, encontraram alguma informação sobre este filme e pensaram: “Os filmes com direção e atuação do velho Clint são sempre divertidos; neste ele aparece com sua velha cara de nervosão, com uma espingarda na mão e um carrão atrás...ok, vamos lá!”.

E a confiança em Eastwood novamente não falhou, o filme é de uma qualidade surpreendentemente boa, fazendo com que as pessoas se perguntem o porquê dele não ser mais conhecido. Ele ainda pode ser facilmente recomendável por ser um filme “coringa”, isto é, ele agrada tanto quem gosta de violência como quem desgosta, pode ser encarado como mais uma exaltação ao “american way of life” ou outra séria crítica a este sistema. De um jeito ou de outro, é uma bela história, com garantia de que prenderá a atenção de seu público e emocionará os mais sensíveis.

O filme conta a história do veterano de guerra Walt Kowalski (Clint Eastwood), um veterano da guerra da Coréia (ou do Vietnã? Ou da segunda guerra? Não me lembro! O importante é saber que ele enfrentou orientais em um campo de batalha), que guarda grande rancor dos “japas” que mataram seus companheiros. Para seu azar, todos seus amigos morreram ou se mudaram de seu bairro, que agora está sendo amplamente habitado por orientais (tipo a liberdade), especificamente o povo Hwong. Então o protagonista passa os dias espalhando seu mau humor pela vizinhança e reforçando que não é ele que deve se retirar, mas os japas é que devem sair do “seu bairro”. Contudo, alguns incidentes envolvendo seu carro (um Gran Torino, eis o nome da peça) faz com que ele passe a conviver com alguns de seus vizinhos, quebrando pouco a pouco os preconceitos fossilizados tipicamente americanos, e, ainda, que ele passe a ser visto como uma espécie de protetor deste povo perante uma máfia oriental.

O filme passa sua primeira parte em uma espécie de comédiazinha leve, mostrando a rotina e a aproximação dos personagens, tudo muito divertido e capaz de atrair o telespectador para a trama. Depois, a história passa a ter um tom mais sério e, por fim, coincide o final com seu clímax, de forma a fazer com que o público queira ver mais. É um roteiro redondo, amarrado e muito bem feito, que dificilmente desagradará quem o assista ou quebrará expectativas anteriores.

A atuação de Clint é a mesma de sempre: Um velho carrancudo que é tão chato e ranhento que é impossível não gostar dele. Ahney Her, que interpreta uma das vizinhas de Clint, é uma grata surpresa e poderia ter mais chances no cinema Hollywoodiano. A fotografia é excepcionalmente boa para um filme desconhecido (aliás, como este filme pode ser desconhecido? Não consigo entender o motivo dele não galgar outros patamares...será que o simples fato de não ter sido indicado ao Oscar justifica?). A trilha sonora não compromete e a produção não necessitou de muitos desafios. É, repetindo, um filme com execução cirúrgica, sem a pretensão de se tornar o maior clássico dos cinemas.

Trata-se, assim, de um ótimo passatempo, um filme-pipoca com algum conteúdo e certa reflexão, mas que será esquecido pela maioria das pessoas uma semana depois de ser assistido, voltando à tona apenas quando for pedida uma recomendação em uma mesa de bar. Geralmente, estes “filmes descartáveis” ganham uma nota 6 pelos meus critérios, mas este foi tão bem feito e é tão gostoso de se assistir, que mereceu galgar a sua nota 7, assistam!

Filadélfia

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 08 Apr 2013 22:57:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1993

Ator 1: Tom Hanks

Ator 2: Denzel Washington

Diretor: Jonathan Demme

Oscar: Concorreu a cinco oscars e ganhou dois.

Se enquadra nas seguintes categorias: Mão na consciência; Persevere que tudo vai dar certo; Te vejo no tribunal; Vale pela trilha sonora.

Comentário: Nenhum vício coletivo é tão perigoso quanto o preconceito. O filme Filadélfia é mais um do rol de películas que versam sobre este tema. Embora esta temática realmente seja frequente em obras, nunca podemos dizer que se trata de algo desnecessariamente repetitivo, uma vez que a iteração do tema é fundamental para curar as mazelas geradas por uma sociedade preconceituosa. No caso, os principais preconceitos retratados são contra homossexuais, aidéticos e, de pano de fundo, o preconceito racial.

O filme conta a história de Andrew Breckett (Tom Hanks), um advogado promissor que é demitido de uma firma sob a alegação de ser incompetente. Andrew, contudo, tem plena consciência de que é um ótimo advogado e busca provar que o único motivo para ter sido demitido seria o fato de ser gay e, principalmente, portador do vírus HIV. Para defender sua causa no judiciário, na qual ele postula uma indenização, o protagonista contrata um advogado negro (Denzel Washington), que, embora saiba as agruras que um negro sofre e já sofreu por preconceito, possui os mesmos preconceitos contra aidéticos e homossexuais que os ex-empregadores de Breckett.

O grande mérito da obra é, ao mesmo tempo, sua grande crítica: O filme busca evidenciar pequenos preconceitos em diálogos e atitudes dos personagens (como quando Denzel limpa a mão com um lenço após cumprimentar Tom Hanks), acompanhados de uma série de conversas inteligentíssimas, na qual muitos paradigmas são postos em dúvida por meio de falas sensatas e amigáveis. Não há, assim, apelações para imagens que poderiam chocar um público conservador ou discussões apelativas em que normalmente o preconceituoso se revela um grande bobalhão. O filme é tão comedido acerca do tema, que sequer é retratado na obra um beijo entre o protagonista e seu namorado (Antonio Bandeiras). Assim, é criticado por parte do público gay por se revelar quase como uma obra “medrosa”, que ainda não trata as vítimas deste preconceito como pessoas comuns, escondendo partes de sua rotina que não deveriam ser escondidas.

Contudo,entendo que a grande vitória do filme está justamente no outro lado desta moeda: O filme dialoga com quem efetivamente ele deveria alcançar, que é o público que rejeitaria de imediato um filme como “O segredo de Brokeback Mountain” ou “Milk”. São estas pessoas que poderão refletir sobre os bons argumentos trazidos pelos protagonistas no filme e, se identificando com os homens minimamente inteligentes da obra que perpetuam uma conduta preconceituosa, talvez conseguirão refletir sobre uma nova forma de lidar e compreender o próximo vítima de opressão. Se o filme não se revela tão simbólico para os oprimidos, ele possui um alcance muito maior entre opressores. A cena em que Denzel se emociona com o carinho e o amor entre Bandeiras e Hanks durante uma valsa é contidamente emocionante, é a primeira visão de um cego, um oxigênio para quem não tem ar.

Não se olvide de que é interessantíssima a forma que foram retratados os comportamentos da sociedade perante aidéticos nos anos 80 e início dos anos 90. Muitas vezes por ignorância, a sociedade não estava pronta para lidar com o vírus e, sem saber as formas que o contágio poderia se dar, optavam por um isolamento dos seus portadores. Um preconceito quiçá justificável perante o desconhecido, em um genuíno movimento de auto-preservação. A solução, como sempre, é a informação, que permite que cada vez mais estes portadores convivam normalmente nesta sociedade anormal.

A atuação de Hanks é fantástica; o seu comportamento contido perante o público geral e livre e divertido em seu ambiente privado apresenta toda uma carga emocional imprescindível para a qualidade da obra, não sem motivo, seu trabalho lhe rendeu um de seus primeiros oscars (acredito até que seja o primeiro). Denzel, como sempre, possui a sua atuação nota 7: impossível de se criticar, mas sem qualquer destaque memorável (tirando a cena em que ele chora vendo Hanks dançar...de tirar o fôlego). A fotografia não é ruim e a trilha sonora é elogiável, especialmente pela música "Streets of Philadelphia").

É um filme bonito, eficaz e completo. Talvez possua uma importância muito maior para aqueles que são alvos de preconceitos semelhantes; para os demais, apenas uma boa obra que, inconscientemente, poderá lhe render reflexões comportamentais, mas que não será elevada a uma das melhores do cinema. Talvez a não exploração de todo o potencial para o drama seja acertada, já que este tipo de película é muito mais eficaz quando tenta não ser panfletária (embora sempre seja).

Entrevista com o vampiro

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Thu, 21 Mar 2013 13:47:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1994

Ator 1: Brad Pitt

Ator 2: Tom Cruise

Diretor: Neil Jordan

Oscar: Concorreu a 2 estatuetas e não ganhou nenhuma.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Escapista; Manual de como virar um psicopata; O quêêê????.

Comentário: O filme é baseado no livro de Anne Rice de mesmo título, escrito nos anos 70 e aplaudido por todos os seus leitores. Justamente por ser oriundo de uma obra literária, acredito que fica palpável algumas limitações da película em relação à obra original.

O roteiro conta a história de Louis (Brad Pitt), um homem do século XVIII que é mordido por um vampiro, de nome Lestat (Tom Cruise), e, tornando-se um novo bebedor de sangue, passa a conviver com o mesmo. O filme conta, em um primeiro momento, o drama de uma pessoa consciente tendo que se acostumar com sua nova vida vampiresca (matar pessoas para sobreviver, odiar a luz e etc.) e, posteriormente, passa a contar a dor de viver eternamente (imagina que você tem um amigo por 100 anos, briga com ele por 200 e tem que conviver com ele por mais uma eternidade...é mais ou menos isso). Durante esta literal imortalidade, os dois vampiros ainda entram em contato com outros vampiros da sociedade, como a menina Claudia (Kristen Dunst) e o “pimp” Armand (Antonio Banderas).

É interessante a visão “eterna” trazida pelo filme, que possui efeitos, fotografias e maquiagem de ótima qualidade, mas penso que o roteiro ficou um pouco aquém em relação à obra literária. Primeiro pelo fato de a sensação de tempo ser um pouco prejudicada, já que um filme de poucas horas não passa a mesma sensação de um longo decurso de tempo como um livro pode fazer (e sendo este o grande drama da história, tudo fica prejudicado); e segundo porque, na tentativa de consertar o primeiro defeito, o sofrimento do protagonista é extremamente exacerbado, com ele deixando de ser um homem comum para se tornar alguém depressivo, sensível demais (Mais emo do que crepúsculo! Se esse filme fosse feito hoje em dia ele seria considerado tão miguxo quanto a nova saga de vampiros). No entanto, deve-se admitir que a obra é interessantíssima e consegue prender a atenção do espectador por grande parte do tempo e ainda satisfazer a grande maioria do seu público.

Há ainda quem diga que a relação entre Louis e Lestat é um romance disfarçado, sendo os dois condenados ao papel de eternos namorados que brigam e retornam a relação ao longo de gerações (Isto não fica claro na obra, acho que é mais imaginação de parcela do público do que qualquer outra coisa. Assim como fazem com Timão e Pumba no “O rei leão”).

A atuação de Tom Cruise neste filme está memorável! O frio e impiedoso Lestat não poderia ser interpretado de melhor forma. Aliás, penso que Tom Cruise possui um dom de atuação capaz de igualá-lo a muitos outros artistas endeusados por aí, como Jack Nicholson, Anthony Hopkins e o próprio Brad Pitt, mas sua insistência em fazer muitos filmes água-com-açucar lhe garantiram um “status” de artista pop de escalão inferior (inferior a deus da arte, mas ainda ator de primeira linha).

Brad Pitt, na minha opinião, faz uma atuação adequada, mas está longe dos melhores papéis por ele interpretado.

Kirsten, ainda uma jovem de 13 anos na época, está muito bem em seu papel (aliás, ela era uma atriz mirim de qualidade absurda, que não desabrochou totalmente quando virou adulta), mas penso que sua escolha para o filme foi errada; isto porque a sua personagem, Claudia, é na história original uma garota de 5 anos condenada a ter eternamente um corpo de uma criança de 5 anos e seu sofrimento decorre do fato de que ela, com mentalidade amadurecida, é condenada a viver eternamente com as limitações de uma garotinha, que mal consegue correr, andar e ser independente como um adulto normal. Como a atriz já está nos seus 13 anos, o filme foi adaptado para esta idade e, convenhamos, tendo 13 anos o drama da personagem diminui (embora ele ainda exista).

Por fim, não consigo analisar muito a atuação de Bandeiras; embora afirmem que ele está bem no papel, não consigo me desprender do fato de que, no filme (no livro deve ser diferente), ele é completamente dispensável! O filme não é curto, e os 40 minutos em que Bandeiras aparece não há nada (literalmente nada) que seja acrescido à história; na minha opinião quiseram acrescentar algo essencial do roteiro original e não conseguiram; a presença de Bandeiras não altera o drama vivido entre os personagens principais e não representa nada que diretamente influencie nos destinos dos demais personagens. Se os 40 minutos do filme em que ele aparece são dispensáveis, não vejo porque elogiar sua atuação.

A obra, portanto,é muito interessante, trás uma boa produção e boas atuações, mas não alcança o nível esperado por um elenco mostruoso e uma proposta cinematográfia colossal. São horas de um bom filme, que não chega a um nível extraordinário (repita-se, com exceção de Tom Cruise).

Dirty dancing - Ritmo quente

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Sat, 09 Mar 2013 13:47:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1987

Ator 1: Jennifer Grey

Ator 2: Patrick Swayze

Diretor: Emile Ardolino

Oscar: Concorreu a 1 e ganhou.

Se enquadra nas seguintes categorias: Sessão da tarde; Mela cueca; Vale pela trilha sonora; Desculpa para mostrar o quanto o/a principal é sarado/a.

Comentário: Dirty dancing é um filme para poucos homens e para todas as mulheres. De fato, este clássico é o paradigma de como se fazer um filme voltado para o público feminino! Sabe aquele filme água com açucar que toda mulher ama encontrar passando em uma sessão da tarde na televisão e assistir pela vigésima vez até o fim? Então, qualquer que seja este filme, pode acreditar que ele tem um mínimo de inspiração em Dirty Dancing (O público masculino, por sua vez, prefere aquele filme em que um homem com cara de malvadão e coração de ouro se vinga de um monte de bandidos matando todos como se fosse um exército de um homem só, em cenas altamente improváveis, cheio de pose e pouca realidade).

Afinal, o filme tem como protagonista uma garota doce e pura de estirpe, que se apaixona por aquele príncipe malandro de classe social baixa que vai lhe ensinar sobre a “realidade do mundo” (é engraçado que esta suposta realidade nua e crua, que tenta ser tão impactante, é geralmente tão ingênua quanto a personagem principal. Todo telespectador sabe disso, e acredita que é assim que tem que ser feito! Filme água com açucar é pra ser tranquilo, romântico e divertido! Nada além disso), eles se apaixonam com uma música de fundo emocionante, brigam por algum motivo que efetivamente magoa um deles e o outro fica com sentimento de culpa, mas no final o príncipe chega em seu cavalo branco, mais lindo do que nunca, toma a garota em seus braços e tem aquele momento kodak que todo mundo espera! (qualquer alteração neste roteiro é um pecado capital! É quase tão criminoso quanto não ter casamento no último capítulo de novela). Pois bem, todos estes elementos serão apresentados com maestria pelo filme aqui analisado.

No filme, Baby (Jennifer Grey) é uma jovem de 17 anos que sente que algo está faltando em sua vida. Em um clube de campo ela acaba conhecendo Johnny Castle (Patrick Swayze em seu melhor momento como ator), um professor de dança disposto a ensinar para a menina tudo sobre a dança e sobre o amor (tá..essa frase brega eu tirei da sinopse escrita no encarte do DVD). A parceira de dança de Johnny se machuca e Baby se voluntaria para ser a parceira dele em sua apresentação mais importante do ano. Eis o palco para toda a paixão suspirante da obra.

Embora seja possível observar todo o tom de desdém besta que eu coloquei até agora na resenha, não posso deixar de admitir que o filme possui uma qualidade impressionante, sendo o melhor no seu gênero. Jennifer Grey faz o papel de garota ingênua de modo irretocável, do nível de Natalie Portman em “Cisne Negro”, Patrick Swayze possui uma intensidade que arranca suspiros com muito mérito, a fotografia é excepcionalmente boa (para um filme água com açucar, é a melhor fotografia que já vi), a trilha sonora é sensacional (prepare-se para ficar cantando a música tema do filme por umas 3 semanas), o roteiro está longe de ser ruim e o final é realmente bacana (ele passando o dedo no suvaco dela no começo da dança é muito bonito! Isto é, a cena é realmente bonita, mas obviamente fica tosca quando eu uso o termo suvaco para descrevê-la).

Qual o motivo da nota 6 então? Ora, um filme que se propõe a ser uma obra ideal para a sessão da tarde não pode possuir uma nota maior! É um filme pipoca, para alegrar e esvaziar sua mente de todo o peso do mundo. A película, portanto, deve ser algo leve, pouco impactante, muito mais um placebo do que uma lição de vida. Para este intuito, não há filme melhor! Não escolha este filme para assistir em uma noite que você quer assistir um filmaço, mas ele é a opção certa para ficar fazendo preguiça em uma tarde.

Clube da luta

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 04 Mar 2013 13:52:00 +0000

Nota: 9

Ano: 1999

Ator 1: Edward Norton

Ator 2: Brad Pitt

Diretor: David Fincher

Oscar: Concorreu a 1 e não ganhou nenhum.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Mão na consciência; O quê????; Frases de efeito; ????; Escapista; Desculpinhas para criar cenas de luta; Critica à religião; Manual de como virar um psicopata; O objetivo é chocar; Vale pela trilha sonora.

Comentário: Como diz o filme, a primeira regra do clube da luta é: Você não fala sobre o clube da luta! Afinal, tanto quem odeia como quem ama este filme tem sérias dificuldades em verbalizar alguns pensamentos sobre ele. Tal dificuldade decorre do simples fato de que “Clube da luta” é um filme irracional, animalesco, oriundo não do cérebro ou do coração do ser humano, mas de seu fígado (ou do fígado do Jack, segundo o protagonista). Portanto, racionalizar algo que vem do campo irracional humano é um exercício deveras cansativo para qualquer pessoa.

Há quem diga que o filme retrata uma forte crítica a sociedade atual, consumista e vazia de propósito, mas eu não consigo concordar com isso. Não acho que o filme seriamente objetiva criticar a sociedade, sua estrutura ou a opressão ao cidadão. Na verdade, acho que o filme é um grito psicológico natural de todo ser humano, justificável independentemente de qual sociedade ele habita. O verdadeiro conflito da obra está no misto de dor e prazer que assola as pessoas que se submetem a regras de convivência. O ser humano é um ser social que, para desfrutar de todas as vantagens de uma vida em sociedade, reprime grande parcela de sua agressividade e seus instintos destrutivos em prol de sua eterna necessidade de segurança, conforto e medo da solidão. A consequência da gigantesca extravasada desta parcela reprimida de de nossa mente pode ter dois possíveis resultados antagônicos: Ou você detesta a película e acha tudo uma grande baboseira, ou você ama o filme sem saber justificar, ganhando ainda um pouco de culpa por descobrir o quão troglodita você é capaz de ser.

O roteiro retrata o desvirtuamento de Jack (Edward Norton), um homem supostamente comum que se encontra amargurado e angustiado em face das regras de sua vida e não sabe explicar o motivo. Ele (já mostrando toda sua perturbação) tenta apaziguar sua mente observando a dor de terceiros, frequentando grupos de apoio como os alcoólicos anônimos e outros como os compostos por pessoas que possuem doenças terminais. Quando o ato de testemunhar a dor dos outros se torna insuficiente, Jack conhece Tyler (Brad Pitt), um ser completamente distoante da sociedade, que mostra para ele que muito mais efetivo do que aliviar sua tensão com a dor dos outros é sentido a sua própria dor. Ambos, então, fundam o clube da luta, local onde eles poderão irracionalmente lutar entre si, sentido e causando dor nos seus membros por meio de lutas sem sentido. O prazer momentâneo desta verdadeira expiação é aos poucos esvaziado pela mente humana, que começa a perceber a idiotice de seus atos sem sentido. O que faz o ser humano então? Ele busca racionalizar e justificar sua conduta prazerosa, seja tornando o clube um ato de fé, como se seita religiosa fosse, seja transformando-o em um movimento de protesto contra a sociedade capitalista. É neste momento que o clube da luta se torna o “Projeto Caos”. Quando a racionalização surge, o protagonista retoma a sua dor inicial: pensar e justificar sua conduta automaticamente faz com que o protagonista tenha que suprimir qualquer impulso primitivo em prol dos objetivos de seu grupo, é o paradoxo entre a necessidade do homem em racionalizar e o seu desgosto por não ser irracional.

Nos aspectos técnicos, o filme é impecável! A atuação de Edward Norton, Brad Pitt e Marla Singer são divinas, dando o tom essencial de neurose que o filme exige (Brad e Marla seguirão com este talento na grande maioria de suas atuações. Edward ganha a fama de ator genial por este filme, mas suas inconstâncias e péssimo gosto para filmes faz com que ele esteja em um limbo neste momento: Não sei se ele foi gênio em um filme só, ou se ele ainda é capaz de produzir mais com a mesma qualidade. O tempo dirá!). A fotografia é excelente, provocante, sendo impressionante como as cores de cada cena foram cuidadosamente escolhidas para alterar todos os instintos do telespectador; é quase um alucinógeno visual. Por fim, a trilha sonora chega a ser sublime, sendo impactante a forma como ela consegue acompanhar todos os distúrbios sugestivos apresentados pela película.

Para concluir: Este filme é o típico filme que racionalmente deveria ser odiado por todos, sendo perfeitamente compreensível a rejeição de uma minoria pela obra, afinal, ele é repulsivo, panfletário, apelativo, cheio de alegorias mórbidas e de um gosto efetivamente duvidável. Mas, irracionalmente, ele é ovacionado por uma coletividade gigante. Não é difícil localizar em nossa sociedade uma massa sedenta por ver violência em filmes mas que reage com horror perante a violência real. Que adora mostrar sua infelicidade pelo mundo em que vive, mas que ficaria aterrorizada se sua rotina confortável lhe fosse arrancada. “Clube da luta” é a irracionalidade de amar algo que odiamos. Fora das telas seria uma realidade catastrófica e reprovável, no cinema é um lúdico prazer sem fim. Não deixe de experimentar!

Batman, o retorno

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Fri, 22 Feb 2013 02:53:00 +0000

Nota: 4

Ano: 1992

Ator 1: Michael Keaton

Ator 2: Danny DeVito

Diretor: Tim Burton

Oscar: Concorreu a 2 e não ganhou nenhum.

Se enquadra nas seguintes categorias: Sessão da tarde; O principal é imbatível; O mundo é uma merda; Vale pela trilha sonora; Frases de efeito; Alternativo; Desculpinhas para criar cenas de luta; Origem em vídeo-games/quadrinhos; Vendetta; Máfia; Manual de como virar um psicopata; Ação sem fôlego; O objetivo é chocar.

Comentário: “Batman, o retorno” é o segundo filme da saga do homem-morcego feita nas décadas de 80 e 90, seguindo o sucesso do filme “Batman” de 1989. Primeiramente, antes de você ler esta resenha, sugiro que você leia meus comentários sobre o primeiro filme da saga, que se encontra neste link: http://poderosonetao.blogspot.com.br/2012/08/batman.html.

Quando falei sobre “Batman”, já demonstrei meu desapreço com o modo como o super-herói dos quadrinhos é retratado nestes filmes, pois ele não segue o lado intimista, psicológico e sombrio dos tempos áureos do personagem no mundo dos quadrinhos (e muito bem representado na trilogia moderna que tem Cristian Bale como Bruce Wayne), mas também não adota o pastelão e divertido Batman da série antiga da TV, sendo um meio termo bizarro e sem sal. Aliás, trata-se do típico filme “a la Tim Burton”, um roteiro bem fraquinho, com um ar sombrio alternativo e várias supostas alegorias que fazem com que a maioira ache o filme “Super cult” e crítico com a sociedade e o ser humano, mas que na minha bruta opinião só deixa o filme tosco e desconexo. Minha eterna analogia sobre Tim Burton: Me sinto discutindo arte abstrata, todo mundo diz que é genial aquele quadro que possui um borrão que não faz sentido algum e que parece que qualquer criança pode fazer.

A presente obra mantém a qualidade dos acertos do filme anterior e piora (e muito) os pontos fracos da obra antecessora. De fato, o filme mantém sua fotografia bem elaborada e bem finalizada, com detalhes mínimos, que é ainda acompanhada de uma trilha sonora com qualidade fora do comum (embora eu ache o cenário muito teatral e prefira algo mais “pé no chão” para filmes do homem-morcego, não posso negar que ficou bonita esta reprodução sombria do Sr. Burton – embora este cenário vá ser repetido incansavelmente em diversas futuras obras do diretor. Aliás, este diretor possui fetiche com neve?). Ainda, novamente elogiável a intepretação do antagonista! Danny DeVito tem uma de suas melhores atuações neste filme (tão boa apenas quanto sua interpretação em “Um estranho no ninho”). Deve-se admitir que dificlmente aparecerá uma interpretação tão perfeitamente visceral do Pinguim, que consiga realmente representar o que o vilão apresenta na obra dos quadrinhos, isto é, sua raiva mal-contida oriunda do binômio entre o ódio e o amor pela podridão do ser humano. Um ser que ao mesmo tempo que é implacável e temido, é digno de dó e chacota. Ainda, Michelle Pfeiffer não está mal como Mulher-Gato (embora seja muita sensualidade para pouca atuação). Mas este filme mantém a marca registrada do alto nível de interpretação dos vilões de Gotham em todas as obras (geralmente consertando as atuações apáticas dos mocinhos. Alias, Michale Keaton repte sua pífia atuação do filme anterior. Parece que ele passou quilos de botox antes de entrar em cena).

Contudo, não há como aprovar o roteiro desta película! (A maioria das pessoas acha exatamente o contrário do que falo aqui, afirmando até que este é o melhor filme da saga antiga!) O filme revela o surgimento do Pinguim dos esgotos após ter sido abandonado por seus pais e criado no meio dos dejetos da sociedade. Este ser deturpado, por meio de chantagem, consegue fazer um influente e mafioso empresário de Gotham (Christopher Walken), apoiá-lo para uma inusitada e surpreendente candidatura para prefeito da cidade. No meio disso tudo, uma das funcionárias demitidas deste empresário sofre um acidente e fica enloquecida (Michelle Pfeiffer), resolvendo se tornar a mulher-gato. Por motivos bizarros e forçados, tanto a gata, quanto o pinguim, adquirem uma obsessão pela morte do Batman, que até então não tinha nada que ver com a história. Bom, se o resumo do início já parece tosco e sem sentido, você não perde por esperar pelo desfecho! A conclusão da trama apresentada é tão bizarramente incompreensível que ao tentar refletir sobre as motivações das pessoas envolvidas na cena, não há como acreditar que o filme tenta ser minimamente sério. Juro! Esqueça o Pinguim, que é tão bizarro e alheio à sociedade que possui a licença para agir de forma irracional e surpreendente, mas pense nos demais: se você fosse um empresário poderoso e altamente bem sucedido como o Walken, seria esperto da sua parte descer na cena final para aquele bueiro? Aliás, qual o motivo de você ter ido parar lá praticamente desamparado? Qual a vantagem nisso? Nenhuma! Quiseram fazer um fim teatral e ele tinha que aparecer, é só isso. O roteiro começa intragável, parece que vai assumir um contorno mais aceitável só para retornar ao final de forma mais insuportável ainda.

Não são poucas as pessoas que tentam me explicar que há todo um sentido poético no filme, que deve ser visto de uma forma figurada, que a obra é um grande ballet sobre a aberração humana, lotado de críticas comportamentais geniais (são tantas pessoas que dizem isso que provavelmente eles estão certos e eu sou um cabeça-dura), mas não consigo assistir este filme e não repetir a seguinte conclusão: Que merda de história! Ao contrário do que a maioria diz, acho, de longe, o pior filme já feito sobre este querido herói da DC. Não vejam! Mas se forem assistir, assistam apenas para destilar um pouco o veneno.

Advogado do diabo

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 18 Feb 2013 03:43:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1997

Ator 1: Keanu Reeves

Ator 2: Al Pacino

Diretor: Taylor Hackford

Oscar: Não concorreu.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; mão na consciência; O quê????; Traição conjugal; Frases de efeito; Alegoria de religião; O objetivo é chocar; Te vejo no tribunal.

Comentário: “Advogado do diabo” é um filme que, desde o seu início, objetiva criticar um comportamento humano: A busca incessante do homem em satisfazer sua própria ambição e vaidade. Esta crítica não é feita de forma sutil; ao contrário, é escancarada, impetuosa e até mesmo apelativa. Desta forma, a aprovação do público em relação à obra está diretamente interligada com a concordância ou não com a crítica elaborada. Gostou da forma que a crítica foi feita? Gostou do filme. Achou tosca? As demais qualidades do filme não serão devidamente apreciadas.

Não são poucos que vibram com a lição de moral exposta na obra. Eu (e muitos outros também), no entanto, me irrito profundamente com a forma que ela é feita, com um moralismo superficial e uma argumentação recheada de retórica. Isso porque a ambição inesgotável do homem, fruto de sua perdição, é exposta na pele de um advogado (Keanu Reeves), e eu, formado em direito, não consigo engolir a forma apelativamente maniqueísta que a prática jurídica é exposta na película.

Com efeito, o filme conta a história do Dr. Lomax (Keanu Reeves), um talentoso advogado do júri que consegue ganhar todas as causas e inocentar seus clientes. Este homem é então contratado para trabalhar em uma grande firma e o poderoso proprietário desta (Al Pacino), cativado pela eficiência de seu empregado, começa a tentar ser o tutor deste prodígio. Fissurado pela ideia de seu sucesso, o protagonista passa a se importar apenas com o trabalho, abandonando sua mulher (Charlize Teron) e todos os seus princípios em busca da vitória. Por fim, toda a discussão moral alcança patamares religiosos, e, acredite se quiser, a dicotomia Bem X Mal chega ao ponto de envolver Deus e o diabo (literalmente).

Meu primeiro desconforto com a obra ocorre logo nos primeiros minutos: Odeio esta falsa representação de que existe o advogado mágico, que irá tirar da cartola todas as soluções para “ganhar” um embate no tribunal de júri. De fato, esta narração costumeira nos cinemas da prática jurídica faz com que as pessoas tenham a falsa expectativa de que o processo jurídico é um grande teatro e que, para ser bem sucedido no mundo, basta ter um destes “advogados-mágicos”. Esta compreensão falaciosa faz com que as pessoas percam a fé na importância e na utilidade do Direito, pois esta versão ignora que a maior arma para se “ganhar” uma ação judicial é simplesmente estar do lado do justo, do legalmente permitido. É claro que um bom advogado será vital para garantia de seus direitos, mas deve-se entender que são pouquíssimos casos em que a realidade pode ser torcida e retorcida pelo advogado, com provas aparecendo aos 45 minutos do segundo tempo, garantindo o sucesso de seu cliente. O que fará a diferença nos casos será sempre a boa exposição dos fatos (com muito mais importância na palavra “fatos” do que na palavra “exposição). Vale sempre frisar: O Júri não é uma partida de futebol! O advogado, em 99,5% dos casos apenas conseguirá, com muitos méritos, que seu cliente tenha a correta lei aplicada ao caso em exame, com todos os seus reais direitos resguardados. A fama “Nunca perdi um caso” é uma falácia besta do cinema que eu não engulo. Ter um cliente que é culpado de um crime sendo condenado com uma pena justa pelo devido procedimento previsto em lei, sem excessos ou abusos, sempre será uma vitória para um bom aplicador do direito.

Mas o segundo desconforto é aquele que mais consegue me tirar do sério: A famosa certeza de que “advogado de bandido é bandido também”. Bom, sem querer cansar todo mundo com discussões jurídicas, devo lembrar a todos que um dos maiores méritos a serem buscados por uma sociedade é a construção de um procedimento justo para seus pares. Este julgamento justo só será alcançado com a imprescindível participação de um advogado que defenda os interesses de um réu. Criticar, portanto, a árdua tarefa de defender alguém culpado é criticar o próprio sistema, inconscientemente desejando que suspeitos sejam condenados sem qualquer chance de real defesa. Insta ressaltar que a defesa não se limita a tentar inocentar uma pessoa, mas buscar uma justa pena, evitar a prática de abusos por autoridades, entre muitas outras lutas diariamente travadas pelo advogado. É claro que a conduta maliciosa de criar mentiras, gerar entraves e impedir a busca pela verdade real dos fatos deve ser reprovada e coibida. Mas reforçar o famoso preconceito geral com réus e seus respectivos advogados não é, na minha opinião, um filme denuncista adequado, sendo, na verdade, um desserviço para a sociedade contemporânea.

A lição de moral de pano de fundo, entretanto, é valida e positiva. As reflexões sobre os sacrifícios pessoais que fazemos apenas para suprir a sede de sucesso de nosso ego é válida, e mostra o quão difícil é afastar o homem de seus pecados capitais. Embora a tese seja muito bem construída, não gosto do seu desfecho (acho desnecessária a introdução da religião na discussão, porque afasta da controvérsia aqueles que não são crentes em Deus, Diabo e etc., mas que também encontram-se perdidos nas lutas dos seus valores morais contra seus egoísmos ambiciosos. Não bastando, o fim é extremamente forçado e apelativo, fazendo tudo parecer uma novela mexicana diabólica).

Entretanto, não há como negar que a película possui uma execução irretocável. A fotografia é extremamente competente. A trilha sonora está perfeitamente adequada. E a atuação de Al Pacino é de tirar o fôlego (a de Keanu Reeves é a mesma de sempre, mediana com pouca expressão, exatamente o contrário de Pacino). É uma pena que o filme tenta tanto ser uma denúncia e esquece tanto que é um filme, se lembrasse, seu potencial de entretenimento seria muito maior.

Portanto, embora minha reprovação pela tese defendida pela obra me impulsione a dar notas mais baixas, a boa execução do conjuto faz com que eu me atenha a uma nota mediana. Um ótimo filme sobre concepções que eu detesto.

X-men - O confronto final

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Wed, 13 Feb 2013 14:26:00 +0000

Nota: 6

Ano: 2006

Ator 1: Famke Janssen

Ator 2: Hugh Jackman

Diretor: Brett Ratner

Oscar: Não concorreu.

Se enquadra nas seguintes categorias: O principal é imbatível; Desculpa para mostrar o quanto a/o principal é sarado/a; Desculpinhas para criar cenas de luta; Origem em video-games/quadrinhos; Ação sem fôlego.

Comentário: Este é o terceiro filme da trilogia dos mutantes. Após esta obra, os produtores abandonaram a linha temporal da saga e fizeram filmes voltados ao passado destes super-heróis da Marvel, com os filmes “Primeira classe” e “Origens: Wolverine”. Toda obra que põe fim a uma trilogia de sucesso tenta surpreender seus fãs, com mortes repentinas de personagens consagrados e quebra dos parâmetros estabelecidos pelos filmes anteriores, esta película não tenta fazer diferente.

A mudança começa desde o seu comandante, já que Bryan Singer, diretor das duas edições anteriores, é substituído por Brett Ratner (diretor da série “Prison Break”). Mas não para por aí! Alguns personagens de destaque são deixados um pouco de lado neste roteiro e, ainda, o filme tenta introduzir o maior número de personagens esquecidos anteriormente (como os X-men originais Fera e Anjo, Madrox, Fanático, Lince Negra, entre outros).

O novo filme apresenta o dilema dos humanos e mutantes em face da descoberta de uma “cura” para o gene X. Esta “cura”, em forma de vacina, é capaz de suprimir o gene e transformar mutantes em humanos comuns. As polêmicas decorrentes dela podem ser resumidas em dois questionamentos: Do lado dos humanos, cabe perguntar se a vacina será obrigatória ou apenas uma alternativa para os portadores do gene X; do lado dos mutantes, fica a pergunta se a vacina é realmente uma “cura” ou uma simples fuga do dom especial que cada um possui (já que os poderes podem ser encarados como uma dádiva e, ao mesmo tempo, um fardo). Não bastando, obviamente os mutantes mais radicais, liderados por Magneto, possuem a certeza de que esta vacina é uma séria ameaça à existência dos mutantes, e vão a todo custo tentar destruí-la. No meio disso tudo, temos, ainda, o surgimento da entidade Fênix, uma entidade prematura, raivosa e destrutiva que toma a personalidade de Jean Grey (Famke Janssen), a telepáta e telecinética mais poderosa do mundo, que, de forma impetuosa e irracional, sai destruindo tudo a sua frente.

O filme, em primeiro momento, parece ser a consagração da saga, com ótimos conflitos, ótimos efeitos e batalhas muito bem feitas (a fuga da Lince Negra do Fanático é muito bacana, o homem-de-gelo surgindo com todos os seus poderes é algo divertido, as mortes de personagens importantes são instigantes e o conflito em forma de batalha campal entre todos os mutunas parece ser um clímax adequado). Contudo, não é preciso muito esforço para identificar sérias críticas à obra (Wolverine, um personagem visceral, cada vez mais se torna um pseudo-galã comportado; o personagem Ciclope é simplesmente ignorado! Como o líder dos X-mens pode ter sua ausência encarada com tanta indiferença?; os novos vilões não possuem personalidade alguma, são simplesmente poderes sem qualquer cabeça pensante, o que é uma pena, já que nos quadrinhos são ótimos personagens, dignos de roteiros próprios e com grande potencial para cativar o público em geral; duas grandes histórias juntas em um mesmo filme, Fênix e a cura, transformou tudo em uma grande massaroca, achei que a Fênix como trama secundária foi um desperdício! O assunto merecia um filme próprio; e, por fim, lamento que não tenham feito um filme final tendo como vilão Apocalipse, o maior vilão dos X-mens, capaz de unir Magneto e a turma de Xavier, não terem contado esta história foi uma frustração para todos os fãs de Wolverine e cia.)

A fotografia não é ruim, os efeitos especiais é a locomotiva do filme, mas o roteiro, as interpretações e os diálogos são incapazes de emocionar o público (mesmo havendo mortes e conflitos que possuíam um grande potencial para cenas dramáticas). Eis, portanto, a fórmula célebre para um filme pipoca, capaz de divertir um público ansioso por algumas cenas de ação, mas com características que podem produzir caretas nos amantes de filmes mais profundos.

Entre tantos erros e acertos, o filme ganha sua nota 6, uma conclusão não ofensiva à saga de sucesso, mas completamente dispensável para quem já não vibrou com as obras anteriores.

A vida é bela

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Thu, 07 Feb 2013 23:06:00 +0000

Nota: 9

Ano: 1997

Ator 1: Roberto Benigni

Ator 2: Giorgio Cantarini

Diretor: Roberto Benigni

Oscar: Concorreu a sete e ganhou três.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; O mundo é lindo; Mela cueca; Romance com piadinhas; Relacionado à história; Escapista; Antropologia poética.

Comentário: “A vida é bela” é uma lição de vida, que resulta em um sentimento de conforto e uma paz interna indescritível. De fato, passamos muitas horas de nossos dias reclamando de nossa rotina, de nossos sofrimentos e das cruzes que carregamos, sem saber que a diferença entre entre a felicidade e o desânimo encontra-se apenas em uma questão de perspectiva. Quem lê estas primeiras linhas, sem conhecer o filme, pensá que verá mais uma daquelas obras moralistas, mais parecidas com uma fábula de Esopo do que com uma diversão cinematográfica. Completo engano! Não só se trata de um filme completo, com um roteiro envolvente, mas a película lhe dará um raro sentimento de completude.

Não sei como é possível um filme tão triste passar um sentimento de felicidade tão grande! Talvez o segredo desta façanha seja o grande foco do filme, que consiste no amor incondicional do protagonista à vida e aos seus entes queridos. Aliás, o amor é algo tão pulsante na conduta do diretor e ator Roberto Benigni que seria impossível não compartilhar naturalmente este sentimento.

A obra, na verdade, poderia ser dividida em dois filmes: Na primeira temos uma comédia romântica de alto nível, cheia de gracejos e sacadas inteligentes que, por si só, valeriam o ingresso. Nela, o judeu Guido (Roberto Benigni), em um período pouco anterior à segunda guerra, tenta conquistar o coração da professorinha Dora (Nicoletta Braschi). Como pano de fundo, temos o crescente antisemitismo que tomava as ruas e amedrontava os amigos e familiares do protagonista. Guido, porém, aparentemente não possuia nenhuma destas aflições em seu coração, o qual estava simplesmente inundado pela paixão e vontade de se envolver com sua amada. Embora esta narrativa desanime aqueles que não são tão chegados em uma comédia romântica (como eu), deve-se falar que se trata de parte imprescindível para a qualidade final da obra, já que revela toda a beleza e simplicidade de uma vida feliz, a qual será bravamente defendida e sustentada pelo protagonista, mesmo nos piores pesadelos que mais tarde acontecerão.

Na segunda parte, em meio a segunda guerra, Guido é aprisionado em um campo de concentração com seu adorável filho Josué (Giorgio Cantarini), fruto da relação com Dora. Quem pensa que a partir de então teremos aquele drama escandaloso e apelativo (estilo Marley e Eu, Menina de ouro, e outras grandes obras) está redondamente enganado! Em meio a tanta tragédia e sofrimento, Guido consegue fantasiar para seu filho que tudo aquilo não passa de uma grande diversão em uma espécie de acampamento de verão, e que pai e filho ganharão um grande prêmio se obedecerem às divertidas regras impostas. Somente o amor incomensurável de um pai seria capaz de tornar, na memória de um filho, os sofrimentos do campo de concentração em uma das fases mais divertidas da vida do menino.

A lição de vida, o amor colossal e a dedicação paterna só não conseguem tornar o filme pesado pela constante alegria de Roberto Benigni, que transforma os momentos mais tristes em uma piada simples e ingênua, digna de gênios como Charles Chaplin ou Chaves.

As cores e a fotografia são típicas do cinema italiano, com detalhes campestres e a simplicidade de quem não precisa de artifícios para contar uma grande história. A atuação é impecável, parecendo que Roberto Benigni doou cada célula de seu corpo para elaborar uma obra-prima. E que sucesso nesta missão! Qualquer elemento do filme converge para a simples constatação de que, desde o primeiro momento de sua produção, “A vida é bela” tivesse o potencional de se tornar uma obra digna para se firmar entre as melhores do cinema.

A mescla de alegria e sofrimento faz com que todo o público se identifique com o esforço do pai e a ingenuidade do filho, restando apenas ao público escolher se o título da obra está correto ou se deveríamos chamá-la de “A vida é dura”. Conforme já dito, é tudo uma questão de perspectiva!

Ps. Este filme faz você ter vontade de agradecer aos seus pais por cada sorriso já dado por fruto de muito suor. Você já agradeceu os seus genitores hoje? Nós, Josués, sempre devemos agradecer aos nossos heróis Guidos!

Ultimo tango em Paris

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Fri, 01 Feb 2013 23:24:00 +0000

Nota: 3

Ano: 1972

Ator 1: Marlon Brando

Ator 2: Maria Schneider

Diretor: Bernardo Bertolucci

Oscar: Concorreu a dois e não levou nenhum.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Escapista; Alternativo; Antropologia poética; O objetivo é chocar.

Comentário: O filme causou fervor na sociedade nos anos 70, ficando conhecido como “o filme mais sensual já feito até então”. Aposto que já na época muitas pessoas ficaram decepcionados com o que viram. Muitos, ao longo dos anos, devem ter se perguntado qual era o real motivo do sucesso desta obra. Talvez seja um fenômeno parecido com o que passamos atualmente com o livro “50 tons de cinza”. Não se deve negar que o filme contém cenas “picantes”, especialmente para um período em que o cinema tradicional insistia em se fingir de pudico. Mas, vamos lá, isso é suficiente para se fazer um filme? Não consigo apreciar um filme que possua um roteiro com uma qualidade tão ruim como este.

Com o objetivo de ser profunda e intimista, a película conta a história de um recém-viúvo (Marlon Brando) que lamenta o suicídio de sua mulher e todas as demais angústias de sua vida. Este homem solitário e desesperado conhece uma jovem perdida (Maria Schneider) em um apartamento vazio e, sem possuírem qualquer informação um do outro (nem mesmo o nome), resolvem começar uma relação sexual frenética, desprovida de qualquer contato com suas memórias anteriores, angústias presentes, ou planejamento futuros.

Até aí o filme parece ser razoável não? Bom, acontece que tudo é, desculpe minha ousadia, extremamente mal feito (Shame on you Bertolucci!). Não há nenhuma aproximação do público com a situação narrada. Não há qualquer diálogo ou situação plausível que justifique a conduta dos personagens. Aliás, vamos escrachar os diálogos um pouco mais: Como o diálogo deste filme pode ser tão ruim? Alguém consegue me explicar? Juro! As construções das profundas filosofias e devaneios dos personagens são tão desconexas, tão estranhas, tão desprovidas de sentido, que a vontade constante é de desligar logo a televisão. E você acha que acabou? Espere pelo final, será uma aula de como ser coerente e lógico na construção de um filme (só que ao contrário).

Como destaques positivos temos a fotografia (taciturna, quase mórbida, extremamente bem feita! Só não consigo entender qual é a estranha relação que as pessoas têm do mórbido com o sensual, acho tudo muito incompatível) e a sempre competente interpretação de Brando (que chega ao nível de excelência em um monólogo feito por seu personagem na frente do corpo de sua mulher, mas que fica apagada diante das bizarres apresentadas pelo filme).

Enfim, não acho que o sensualismo do filme seja suficiente para torná-lo atrativo para qualquer pessoa. Afinal, caso alguém precise de estímulo cinematográfico neste sentido e não faça questão de receber conjuntamente um roteiro que preste, muito mais indicado seria um filme assumidamente pornográfico, que não guarda nenhuma pretensão de ser brilhante em seus diálogos. Na minha opinião, é o típico filme que só seria indicado para aquela pessoa que possui a necessidade de assistir algo erótico, mas, por alguma pressão social externa ou interna, não consegue se sujeitar a um filme proibido para menores. Não é seu caso? Não assista!

Tropa de elite

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Fri, 25 Jan 2013 15:20:00 +0000

Nota: 9

Ano: 2007

Ator 1: Wagner Moura

Ator 2: André Ramiro

Diretor: José Padilha

Oscar: Não concorreu.

Se enquadra nas seguintes categorias: O principal é imbatível; O mundo é uma merda; Mão na consciência; Vale pela trilha sonora; Baseado em fatos reais; Frases de efeito; Vendetta; Máfia; Manual de como virar um psicopata; Ação sem fôlego; O objetivo é chocar; Policial.

Comentário: O filme “Tropa de elite”, baseado no livro “Elite da tropa”, é um dos filmes mais repletos de sentimentos antagônicos que já vi. Não é que alguém questione sua qualidade! Ao contrário, é unanimidade que a obra é de uma qualidade impressionante, sendo considerado por muitos a melhor película já feita pelo cinema brasileiro. Contudo, nunca vi um filme ser apreciado por todas as tribos da sociedade por motivos tão diferentes: De um lado, os vangloriadores dos serviços do Bope, “que dão aos bandidos o que eles merecem”, e do outro, os defensores dos direitos humanos, “que finalmente encontram o filme-denúncia que revela os grandes abusos geralmente praticados pelos policiais brasileiros”. No meio disso tudo, encontra-se a maioria das pessoas, que, como eu, não conseguem racionalizar totalmente o filme, mas sabem que amaram o que viram.

Tento explicar essa falta de racionalidade supracitada: É impossível não gostar do capitão Nascimento (Wagner Moura) e sua turma! A repugnância à corrupção, seu tortuoso senso de justiça, sua calma, coragem e hombridade perante o perigo fazem brilhar os olhos de qualquer ser humano (e ainda, não podemos esquecer de sua agressividade, ao mesmo tempo contida e explosiva, a qual infelizmente atrai o ser humano de forma irracional, já que somos tão inconscientemente inclinados a gostar de violência). No entanto, não podemos deixar de observar que estes policiais representam o produto defeituoso de nossa sociedade doentia. O desprezo aos procedimentos legais, a impetuosidade e a violência desregrada destes supostos defensores da lei os transformam em outra coisa diferente de simples protetores da sociedade, muito mais próximo a um esquadrão de extermínio. Trata-se da solução informalmente encontrada para responder à impunidade gerada por um sistema que faticamente premia a impunidade. A conduta de violência destes homens não deve ser admitida como aceitável por aqueles que buscam a paz e a justiça com base nos direitos fundamentais de nossa Constituição. Portanto, a famosa tropa de elite se revela um verdadeiro batalhão de anticorpos de nosso corpo doente, mas repleto de células cancerígenas que podem nos matar.

Nesse contexto, o cidadão comum não sabe como lidar com a violência explicitada pela obra; acabamos, surpreendentemente, achando engraçado, surreal demais, muito longe da nossa realidade, e acabamos nos divertindo. Difícil, contudo, é refletir que o filme é baseado em uma enorme quantidade de fatos reais; preferimos ver o filme apenas como uma colossal e divertida obra cinematográfica, já que ver aquilo como uma denúncia da realidade é desgostoso demais.

Enfim, desde o filme “Cidade de Deus”, o cinema brasileiro descobriu um novo gênero de linguagem muito poderoso: o da violência miserável. Até então nossas obras eram sempre focadas em pornochanchadas (que são horríveis), no gênero miséria-poética-brasileira (que é ótimo) e em comédias leves (que são médias). A violência acrescida da pobreza brasileira deu o verdadeiro tom de qualidade do nosso cinema dos primeiros anos do novo milênio. Em primeiro momento isto pode parecer algo ruim, mas observe que é um acontecimento natural, passível de ser encontrado em todos os lugares do mundo: como nos EUA na época dos faroestes, no oriente nos filmes de luta e na Europa em seu período denuncista. “Tropa de elite” é a obra-prima deste período, que infelizmente não teve o alcance o reconhecimento mundial que merecia. Acredito que ele não teve o mesmo sucesso fora do Brasil por retratar uma linguagem muito típica deste país, mas mesmo assim acho um absurdo a opinião mundial de que se trata apenas de “mais um bom filme”. Pra mim é um filme extraordinário!

O roteiro é simplesmente estupendo: conta a história do Batalhão de Operações Especiais do Rio de Janeiro nos dias em que o papa veio visitar o Brasil. Este batalhão ficou encarregado de apaziguar os morros, tomados por traficantes, que seriam visitados pelo pontífice (traduzindo: deveriam matar ou prender todos os integrantes do poder paralelo que ali se encontravam). Esta missão ingrata coincide com os últimos dias do Capitão Nascimento no batalhão, já que ele pretende se aposentar e encontrar alguém para assumir seu posto. Ao mesmo tempo, o filme narra o processo seletivo dos novatos do batalhão e os primeiros dias destes novos integrantes da tropa. Entre eles, Neto (Caio Junqueira) e Matias (André Ramiro), dois amigos e potenciais sucessores do competente capitão (é curioso que no Brasil, o grande protagonista é visto como sendo o capitão Nascimento, enquanto no exterior os dois aspirantes são apresentados como os grandes protagonistas da obra).

Com uma fotografia nivelada pela excelência (muito acima do nível normalmente encontrado no Brasil), uma trilha sonora ousada (marcante e tipicamente brasileira), atuações de tirar o fôlego (Wagner Moura, um ator com reputação mediana no país, tornou-se um dos grandes ícones da atuação. Com mérito! que interpretação absolutamente fantástica!), e um roteiro cativante (com falas que serão eternizadas nas gírias do povo), Tropa de Elite alcançou o status de uma das maiores obras da sétima arte, não devendo perder tal condição nas próximas gerações. Ele pode não transmitir a mensagem que você gostaria que representasse a realidade de nosso país, mas possui o máximo de qualidade que um espectator de cinema pode querer.

Star Wars - Episódio IV - Uma nova esperança

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Mon, 21 Jan 2013 22:04:00 +0000

Nota: 6

Ano: 1977

Ator 1: Mark Hamill

Ator 2: Alec Guiness

Diretor: George Lucas

Oscar: Disputou 11 estatuetas e ganhou 7!

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é uma merda; Vale pela trilha sonora; Persevere que tudo vai dar certo; Ação sem fôlego.

Comentário: A lendária série de filmes de Star Wars possui uma vasta gama de fãs espalhada por todo o mundo. Trata-se, ainda, de um grupo de fãs diferenciado dos demais. São pessoas que colocam o filme em um grau de infinita superioridade em relação ao restante do cinema, que simplesmente descartam qualquer crítica feita à obra, desprezando ainda mais quem possui o topete de dizer que não gostou do filme. Não é incomum, ainda, ver fãs deste filme se encontrando fantasiados em locais públicos como os personagens da trama ou pagando os olhos da cara por uma pequena estatueta de um personagem. Por esta situação peculiar, a obra é capaz de, no mínimo, instigar a curiosidade de todas as pessoas, até mesmo as que sabem que detestam filmes de ficção cinetífica, que são quase compelidas a assistir esta película para descobrir quais os motivos de tamanho frisson.

E os motivos não são poucos! Os filmes de George Lucas revolucionaram o mundo do cinema no final dos anos 70 com o aprimoramento de dois recursos que, depois do sucesso de Star Wars, tornaram-se imprescindíveis para garantir a qualidade de um filme de ação ou ficção cinetífica: Os efeitos especiais e a trilha sonora. De fato, os filmes até o ano de 1977 possuíam efeitos especiais limitados, que necessitavam sempre da imaginação de seu público para que as evidentes técnicas utilizadas não fossem enxergadas (como cordinhas carregando alguém que voa, fogos de artifício simulando explosões, zíperes em fantasias, maquetes que fingiam ser cidades de verdade, entre outras). A saga de Star Wars apresenta, neste tocante, uma qualidade impressionante para o período: As batalhas de naves no espaço, os tiros de raio laser, o sabre de luz, as fantasias dos alieníngenas, os cenários de fundo, possuem uma qualidade e uma tecnologia jamais vista, qualificada entre as melhores até o início dos anos 90. Ainda, a trilha sonora completamente inovadora garantia a atenção de qualquer espectador que tentasse desprender os olhos da telinha, com músicas que até hoje são cantaroladas pelo público e, não bastando, com sons e ruídos que são reconhecidos instintivamente até por quem nunca viu a trama (como o grunhido do Chewbacca, o som do sabre de luz ou da arma de raio laser. Vocês já pararam para pensar que o som do sabre de luz não existe? Que a pessoa que criou isso não apenas copiou um som, mas inventou ele do zero? Parece uma coisa óbvia, mas é uma criação impressionante!). Enfim, esta revolução no mundo do cinema, especialmente em elementos tão cativantes como a trilha sonora e os efeitos especiais, foi suficiente para conquistar a legião de jovens dos anos 70 para sempre, e estes jovens fizeram questão de reproduzir este fanatismo para a próxima geração. Star Wars é uma marca que não cairá tão cedo em desuso.

Aliás, esta saga possui outra técnica utilizada por seu diretor que é completamente inovadora: Ela é dividida em 9 filmes, mas o diretor optou por não começar do início, sendo que o primeiro filme produzido é o quarto da continuação, depois passando para o quinto e o sexto. Só muitos anos depois é que decidiram produzir os três primeiros filmes da história (os demais ainda não foram produzidos. Serão feitos em poucos anos, já que a Disney comprou a série de George Lucas com o claro objetivo de dar continuidade à trama). Não se trata de mais uma história alinear, que simplesmente começa no fim e depois retorna para o começo: o filme realmente deveria ter sido contado pelo primeiro, nos moldes que seu roteiro foi originalmente escrito! Muitos elementos da obra que não fazem sentido inicialmente, personagens que não parecem ser importantes e muitos outros “buracos” da história só poderão ser compreendidos depois que os primeiros filmes forem assistidos. Uma manobra ousada do diretor, que, por seu sucesso, merece muitos aplausos.

No entanto, na minha ousada opinião, penso que Star Wars é uma das raras sagas em que o conjunto dos filmes é muito melhor do que cada uma das peças individuais (da mesma forma que Harry Potter). Em verdade, nas demais tramas, sempre temos um filme de grande destaque, de qualidade muito superior aos demais, que serve de locomotiva para as suas continuações de qualidade inferior. Em Star Wars, contudo, separando individualmente os filmes, não consigo dar grande destaque para qualquer deles. São obras razoáveis que, juntas, formam uma saga histórica. Não bastando, ouso dizer que esta imensa saga é elogiadíssima em grande parte levando-se em conta as limitações de sua época, mas que, relevando-se o período que foi feito (quando realmente era um dos melhores), o filme não é hoje um dos melhores já feito na história. Infelizmente, o gigante do passado torna-se um divertido filme comum se comparado à muitos de seus sucessores (muita, mas muita gente mesmo, discorda do que eu acabo de escrever).

Passamos agora a falar unicamente sobre a primeira peça produzida (a quarta da continuação), realizada no ano de 1977. O filme conta a história de Luke Skywalker (Mark Hamill), um jovem que vive em um planeta simples com seus tios, já que seus pais estão mortos. O universo é dominado por um grande império que possui como comandante militar o temido Darth Vader (David Prowse). Luke descobre, por meio de seu vizinho: o idoso Obi-Wan Kenobi (Alec Guiness) que seu pai era um dos lendários cavaleiros Jedi, defensores da paz e da justiça que existiram em um período de democracia anterior à tomada de poder pelos imperialistas). Obi-Wan reconhece os antigos poderes dos Jedis em Luke, e resolve levá-lo em uma missão visando ajudar os rebeldes a lutar pela destituição dos imperialistas. Assim, esse grupo de rebeldes, sob a liderança da Princesa Léia (Carrie Fisher), com a ajuda do mercenário Han Solo (Harrison Ford) e muitos outros personagens lendários, formam o grupo de mocinhos que receberão a imensa responsabilidade de mudar o mundo.

A ingenuidade do primeiro filme é patente, com diálogos simplistas e sentimentos primários. A distinção entre mocinho e bandido é evidente, trazendo a saudosa dicotomia bem X mau do cinema daquele período (é interessante que, com a evolução dos anos e a produção dos próximos filmes da saga, o bem e mau, tão preto e branco, vai se tornando cinza). No entanto, deve-se repetir os elogios à trilha sonora e aos efeitos especiais já suscitados (com excessão da morte de um dos personagens principais, que, me desculpem os fãs, é uma cena ridícula. A cena, que deveria ser uma das mais marcantes de toda a saga, é tão tosca que é praticamente ignorada por sua horda de fãs). Ainda, cabe grande destaque à fotografia, que será admirada e copiada até os dias de hoje.

Resumindo: É um mundo fantástico, uma invenção maravilhosa, que se tornou um dos maiores signos da história do cinema, capaz de gerar suspiros e aplausos em toda a população do ano de 1977. Com o passar dos tempos e a evolução natural do cinema, passou a ser um filme que só será aplaudido de pé pelos fãs de filmes de ficção científica, embora não deixe de ser apreciado contidamente pelos demais.

Por fim, fica o conselho para aqueles que ignoram o valor histórico do filme e não se sentiram muito contentes com esta primeira obra: Vale a pena insistir e assistir suas continuações; a história melhora e o conjunto da obra é bastante aprazível.

O rei leão

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Tue, 15 Jan 2013 12:50:00 +0000

Nota: 9

Ano: 1994

Ator 1: Matthew Broderick

Ator 2: Jonathan Taylor Thomas

Diretor: Roger Allers/ Rob Minkoff

Oscar: Concorreu a 4 e ganhou 2.

Se enquadra nas seguintes categorias: O mundo é lindo; Vale pela trilha sonora; Infantojuvenil; Frases de efeito; Escapista; Vendetta; Um dos protagonistas é um animal.

Comentário: O rei leão, na minha opinião, é o melhor filme já feito pela Disney! Esta qualificação já é suficiente para demonstrar a magnitude e a qualidade da obra. E não pense que este efeito paira apenas sobre mim; em 2012 este filme foi relançado nos cinemas em sua versão 3d e, 18 anos depois da sua primeira aparição (mesmo com 98% do público já tendo assistido à película), liderou a lista dos filmes mais vistos no mundo por 4 semanas. Afinal, ninguém cansa de assistir Simba, Timão, Pumba e companhia. Aliás, se eu ligasse a TV e o filme estivesse passando neste momento eu pararia de escrever agora e começaria a ver o filme novamente; aposto que grande parte dos leitores fariam a mesma coisa.

Muitos são os pontos positivos do filme que o tornam merecedor de sua nota 9, vamos tentar elencá-los nos próximos parágrafos:

- Roteiro impressionante: A história é uma maravilhosa adaptação de Hamlet ao público infantil (você nunca tinha percebido isso? É só comparar! O “ser ou não ser” é a simples reticência de Simba em largar o Hakuna Matata e ir se vingar de seu tio para se tornar rei). A Disney acerta em retomar sua antiga fórmula, inexplicavelmente abandonada, de utilizar animais com condutas humanas para prender e transmitir ensinamentos para as crianças. Simba (Jonathan Taylor Thomas) é um filhote de leão e futuro herdeiro do reinado dos animais na savana africana, que hoje pertence ao seu pai, o imponente Mufasa (com a retumbante e eterna voz de James Earl Jones, que também faz a voz de Darth Vader, acredita?). Simba, como qualquer criança, sonha em se tornar adulto e poder se livrar das “garras controladoras de seus pais”, para finalmente poder fazer o que quiser. Como todo desejo de criança, ele não tinha refletido profundamente sobre as responsabilidades e os desafios que surgiriam acompanhados dessa ambição. Tanto que, com a morte de seu pai (o momento mais impressionante e mercante de toda a história da Disney), Simba se vê aterrorizado com a perspectiva de se ver sozinho no mundo, tendo que disputar poderes com usurpadores, como seu tio Scar (a voz de Scar na versão em português, de Jorge José Ramos, é muito melhor do que a versão americana, de Jeremy Irons), e resolve fugir de seu próprio reinado. O filme, portanto, conta história de Simba enfrentando seus medos e reencontrando sua identidade como rei.

Fotografia: Provavelmente os profissionais do cinema devem rir deste meu parágrafo. Afinal, nem imagino se é tecnicamente correto falar em “fotografia” nos filmes de desenho animado. O que tento expor aqui é que “O rei leão” inova completamente ao fazer sequências de imagens através de ângulos nunca vistos em um desenho, acrescidos ainda das cenas mais belas e emblemáticas que a Disney poderia produzir (e a savana africana só ajuda neste tocante). Com efeito, o grande motivo da fotografia ter se tornado de tamanha importância para o cinema advém do fato de que é o melhor instrumento para suprir as defasagens criativas de nossa limitação física para reproduzir aquilo que imaginamos em uma cena concreta. No desenho animado, a busca por uma imagem com maior proximidade ao que imaginamos é mais fácil, e, por isso, geralmente nos deparamos com cenas estáticas e não muito inovadoras, deixando apenas para a animação passar a mensagem e a ambientação desejada. Mas “O rei leão” é a prova viva de que uma boa adoção de ângulos inusitados, repletos de uma combinação de cores previamente escolhidas é a receita para transportar um filme para outro nível de qualidade (a sequência inicial do filme, do nascimento de simba, é talvez os 5 minutos mais bonitos de uma animação no cinema). Quanto às cores, cabe ainda destacar a valorosa manobra feita pelos técnicos do filme, que mudam completamente a aquarela anteriormente utilizada para retratar o período de vida de Simba com Timão e Pumba; neste trecho as cores são muito mais vivas e cômicas, justamente para retratar um refúgio psicológico dos problemas deixados para trás (isso é viveeeeeer, é aprendeeeeer).

Trilha sonora: Outro ponto fortíssimo da obra, ou melhor, ponto fortíssimo da história do cinema. Sob o talento de Elton John, o filme é recheado de músicas brilhantes, que garantiram as indicações ao Oscar supracitadas e resultaram na sedimentação do filme em nossa mente para toda vida. É impressionante, mas conhecemos TODAS as músicas do filme, que vira e mexe assombram nossa mente e não saem de jeito nenhum da nossa rádio mental. Vou apenas citá-las aqui para relembrarmos a grandiosidade do filme: “O que eu quero mais é ser rei”; “The circle of life”; “Hakuna Matata”; “The lion sleeps tonight”. Pronto! Escolha uma e fique cantarolando incontrolavelmente até o fim do dia.

Outro destaque para o filme é o misticismo apresentado durante toda obra, representado no guia espiritual Rafiki e nos momentos de reencontro de Simba com o espírito de seu pai. Embora normalmente parte do público seja aversa a eventos místicos nos filmes, principalmente quando se referem a religiões diversas da sua própria, tal elemento é sempre bem aceito quando se procura retratar a velha áfrica e sua origem. No filme, tal misticismo é adotado com grande naturalidade e sem grandes propagandeios, o que faz ser impossível não achar lindo o ritual de batismo do pequeno leão.

Enfim, poderíamos passar dias suspirando por cada ponto positivo desta obra-prima, mas acredito que racionalizar todos os elementos identificados poderia resultar em um efeito prejudicial que tornaria a obra menos mágica. Resta apenas colocarmos a obra em sua regular posição de destaque, torcendo para que algum dia seja feito outro filme que consiga rivalizar com sua qualidade; o público agradecerá!

Queime depois de ler

noreply@blogger.com (Aranda Neto) — Sat, 12 Jan 2013 20:14:00 +0000

Nota: 5

Ano: 2008

Ator 1: Frances McDormand

Ator 2: George Clooney

Diretor: Ethan Cohen/ Joel Cohen

Oscar: Não foi indicado

Se enquadra nas seguintes categorias: Humor britânico; Traição conjugal; Alternativo; CIA.

Comentário: O filme “Queime depois de ler” não é um filme que agrada facilmente. Afinal, os desavisados que vão assistir à obra podem acreditar se tratar de um ótimo thriller de ação/drama, e ele está longe disso. Os que pesquisaram sobre o filme antes podem ter a franca expectativa de assistir um filme de comédia recheado de humor negro, e saem decepcionados por não terem dado nem uma risada ao final (qual o motivo de tantos críticos de cinema falarem que este filme é uma comédia de humor negro? Ou é uma bizarrice coletiva ou eu estou longe de saber o que é humor negro). Ainda, o filme aparece no auge do sucesso da trilogia “X homes e um segredo”, de modo que os fãs de Clooney e Pitt também esperavam ver uma nova atuação da dupla dinâmica; todavia, eles atuam apenas em uma cena rapidíssima juntos, sendo mais um grupo que saiu decepcionado dos cinemas. O filme, na verdade, não busca ser uma comédia, mas apenas visa ser cômico, no maior estilo Gil Vicente (isto é, ele não busca criar piadas para o público rir, mas apenas visa mostrar uma história totalmente esdrúxula com personagens caricatos para fazer críticas sobre a sociedade). Portanto, acho que todos devem concordar que não é um filme que agradaria ao público em geral (se a crítica fosse mais enfática ou extremamente bem elaborada, ela até ganharia maiores adeptos, mas como ela é simples em todas as suas perspectivas, o desagrado é comum).

A história começa com um agente da CIA, Osborne Cox (John Malkovich), sendo demitido de seu trabalho e, em crise, decidindo começar um diário sobre suas experiências. A angústia de Cox não se limita ao emprego perdido, ele está infeliz por estar envelhecendo e seu corpo estar enfraquecendo e, ainda, existe o fato de que sua mulher está o traindo com um funcionário do departamento do tesouro (George Clooney). Durante suas sessões de academia para melhorar sua estima, o agente deixa cair seu diário, que é recuperado por Linda (Frances McDormand, atriz desconhecida que vira e mexe é indicada ao oscar. Dizem as más línguas que devido ao fato de ser casada com famoso diretor de cinema) e por Chad (Brad Pitt), dois funcionários da academia caricatos que representam toda a imbecilidade da cultura fútil que inunda nossa rotina. Quando estes funcionários resolvem ler o diário, ambos pensam que acabam de encontrar um documento altamente secreto da agência nacional (típico pensamento de quem viu televisão demais). Linda está ansiosa para fazer uma cirurgia plástica para ficar mais atraente e ambos decidem tentar arrumar um dinheiro com este achado, seja extorquindo o proprietário, seja tentando vender as informações para os países adversários (no maior estilo “guerra fria” de filme b). Pronto! Como diria a vinheta da Globo, esta história vai resultar em altas confusões.

O ingediente cômico da trama é que os dois funcionários da academia, toscos por natureza, pegam este simples documentos e fantasiam sobre sua importância no maior estilo cinematográfico, começando a se comportarem como agentes secretos e sonhando em vivenciarem uma aventura inesquecível. Não consigo deixar de associar com aquela história do rapaz que roubou o enem e tentou vendê-lo para o jornal como informação top-secret do governo. Esta aí a primeira crítica que pauta o filme: O vazio de nossas vidas e o excesso de televisão e cinema fazem com que sejamos carentes por uma aventura igual a que vemos nas telinhas.

A segunda crítica evidente é a limitação de nossa felicidade básica ao narcisismo e à satisfação de nossos desejos sexuais. De fato, todos os personagens do filme possuem como força motriz de suas condutas a insatisfação com o próprio corpo: John Malkovich está inseguro por estar ficando flácido, Linda só quer uma cirurgia para ficar atraente, Chad é obcecado por malhação e atletismo, Clooney se comporta como se fosse um garoto embora esteja longe de seus tempos áureos e etc. Ademais, todos os personagens são claramente divididos entre o time que possui vida sexual satisfatória e o time que não possui.

As interpretações de destaque ficam para John Malkovich (perfeito em ser um cidadão completamente cansado da imbecilidade que o rodeia) e para Brad Pitt (este filme é a prova real da grande versatilidade deste ator. Seu personagem caricato é extremamente bem realizado e poderia ter sido melhor aproveitado em uma trama mais complexa, ou pelo menos mais engraçada). Clooney oscila com cenas muito bem feitas e outras em que ele não parece muito interessado. O grande destaque negativo vai para Frances, que faz uma personagem tão desagradavelmente caricata (literalmente, cheia de caretas forçadas) que apenas reforça a velha fama de ser uma mera sombra bajulada em razão da fama do seu marido.

Enfim, o filme obteve sucesso na sua missão de criticar a sociedade, e foi também um sucesso de bilheterias. Entretanto, foi extremamente criticado pelo público técnico (sabe aquele filme que gera tanta crítica que você fica com vontade de ver só pra criticar? Até nisso esse filme pode decepcionar. Fui assistir crente que ia detestar e destilar o veneno, mas acabei não achando ele tão ruim assim). Portanto, é possível que uma pessoa que tente assistir o filme de mente aberta consiga ter prazer com seu roteiro, mas ele dificilmente será aplaudido de pé por alguém. Mesmo assim, deve-se admitir que é uma película sui generis, não se encaixando em nenhum dos padrões aos quais estamos acostumados.