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Estamos em Obras

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Tue, 10 Apr 2012 11:20:00 +0000

Viajando pelo mundo - 37ª edição

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Fri, 30 Mar 2012 13:29:00 +0000

O primeiro filme português data de 1896, através dos investimentos do empresário Aurélio Paz dos Reis. A Saída do Pessoal Operário da Fábrica Confiança foi um mini-documenário de apenas 1 minuto, mudo e preto e branco, inspirado em obra semelhante dos famosos irmãos Lumiere – onde se acompanhava a saída de um grupo de trabalhadores de uma empresa pela porta da frente na hora do almoço, salientando a força da classe operária da época.
A jornada da cinematografia de nossos compatriotas sempre foi marcada por mudanças tênues ou não, que foram se promovendo à medida que novos movimentos artísticos se impunham na Europa e despertavam o interesse de seus realizadores por explorar temas mais ousados. De adaptações de clássicos literários a produções com um cunho mais crítico à política vigente, a indústria de cinema de Portugal já serviu de cenário para que inúmeras histórias fossem contadas e com o refinamento da produção, vários artistas foram se consagrando e se tornaram verdadeiros símbolos daquele país que outrora trouxe ao mundo Eça de Queiroz e Fernando Pessoa. Falaremos hoje sobre uma de suas maiores atrizes.

Maria de Medeiros

Com uma carreira bastante prolífera, a atriz Maria de Medeiros, filha de um maestro com uma jornalista, é reconhecida mundialmente como a artista mais internacional das nascidas em terras lusitanas. De partipações em produções locais premiadas mundialmente como A Divina Comédia de Manoel de Oliveira a papéis em longas hollywoodianos como Pulp Fiction de Quentin Tarantino e o posto de co-protagonista do brasileiro O Contador de Histórias de Luiz Vilaça – Medeiros é um dos expoentes da indústria cinematográfica de Portugal, tendo também paralelamente investido na música e por vezes atrás das câmeras – de onde comandou seis filmes desde 1987. Ela adentrou no mundo das artes pelos palcos portugueses nas mãos da encenadora Brigitte Jacques em espetáculos como A Morte de Pompeu, baseado na obra de Pierre Corneille, e foi João César Monteiro, um dos figurões do Cinema Novo, que lhe concedeu sua primeira oportunidade na telona em Silvestre. O filme se passa na Portugal do século XV, narrando a história de um poderoso que combina casar uma de suas filhas com um jovem rico, apenas para aumentar seu poderio na região.

Maria de Medeiros em O Contador de Histórias

Jogos Vorazes

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sun, 25 Mar 2012 20:19:00 +0000

Grande parcela do público que tem sustentado as bilheterias dos cinemas nos últimos anos, os adolescentes se tornaram dos principais alvos de importantes estúdios, que investem fortemente em adaptações literárias romanceadas e com doses homeopáticas de ação suficientes para transformar em sagas produções como Crepúsculo ou Harry Porter, que uma vez arrastando milhões de espectadores, renderam continuações sem atenuantes riscos de fracasso. Em tempos de crise, financeira e criativa, apostar no garantido continua a ser o mais sensato. Projetado muito provavelmente com esta filosofia, o longa Jogos Vorazes (The Hunger Games) , adaptado do livro homônimo da escritora Suzanne Collins, tem todos os ingredientes para agradar em cheio o público para o qual foi direcionado, bem como os que já deixaram a adolescência há um bom tempo.

A história se passa em Panen, uma nação pós-apocalipse formada pela poderosa Capital, que governa, e por 12 distritos, nos quais todos os anos são recrutados através de sorteio casais de jovens, de 12 a 18 anos, para participarem de um torneio onde apenas o jogador mais habilidoso sobreviverá. Os escolhidos (denominados tributos) representam a força de sua localidade perante as demais e são protagonistas de uma espécie de No Limite, onde as ações dos participantes são monitoradas 24 horas por dia. Sacrificando-se por sua irmã, selecionada no sorteio, Katniss Everdeen (Jennifer Lawrence) e um antigo conhecido, Peeta Mellark (Josh Hutcherson), são os representantes do Distrito 12 e, acompanhados da hostess da competição — Effie Trinket (Elizabeth Banks, irreconhecível), são levados para a nave mãe, na qual se concentra toda a produção, e se juntam aos outros 22 competidores. Como parte dos preparativos para a estreia, todos são incumbidos de conseguir patrocínio (suprimentos, remédios e armas), sempre assessorados por um mentor, no caso de Katniss e Peeta este papel cabe a Haymitch Abernathy (Woody Harrelson) que zela pelas imagens de seus pupilos, tentando transformá-los em figuras carismáticas a ponto de ganharem a torcida dos espectadores e não serem eliminados, literalmente, do jogo. Manipulando todas as peças do xadrez, está Seneca Crane (Wes Bentley), o diretor do programa, que pressionado a manter os bons índices de audiência, apela para artifícios tão comuns ao que já estamos acostumados a ver neste tipo de atração que domina a TV mundial. Se o ritmo cai, investe-se na ação desenfreada entregando todo o protagonismo à figura que mais demonstra potencial e providencia um romance instantâneo para que o público não perca o interesse. Em tempo, para completar a receita — coloque como âncora uma figura propositalmente over para dominar as atenções, o Caesar Flickerman de Stanley Tucci é — digamos — um Pedro Bial afetado.

Apostando em uma linguagem provinda dos games somada ao cada vez mais gritante interesse do público pela vida alheia, o caráter premonitório visto em O Show de Truman, em Jogos Vorazes o cineasta Gary Ross, responsável pelos ótimos Pleasantville e Seabiscuit — tem inúmeros trunfos a seu favor, que coloca sua produção a frente da maior parte do que é feito atualmente para a geração teen, inclusive da trilogia de Bela e Cia. A propósito, o texto da escritora Suzanne Collins é mais atual e possui personagens melhor delineados pelo enredo do que o de Stephenie Meyer. Enquanto, por exemplo, a protagonista dos livros de Meyer se mantém atuante apenas por sua relação amorosa e aflitiva com um vampiro, Katniss Everdeen toma a frente da ação, apresentando uma independência emocional de se admirar. Exímia no arco e flecha, a personagem de Lawrence é intensamente proativa – busca por seu próprio alimento, dá conselhos a mãe e salva o mocinho da morte e não foi a toa que se tornou o centro do fascínio do reality show, que a vende como destemida, deixando os outros à sua sombra. Ao adaptar a obra de Collins para a telona, Ross foi fiel à idéia da autora, estabelecendo eficientemente a dualidade entre o que é real e o que é produzido pela mídia, portanto mesmo que alguns personagens se mantenham durante todo o tempo num determinado tom caricato, eles conseguem fazer sentido para a trama, sendo vistos como delírios do entretenimento marcados pela grandiloqüência, ilustrada pelo universo psicodélico onde estão inseridos Crane, Flickerman e Effie. Na contramão vem o lado sóbrio e realista dos jogadores, a maioria de origem muito pobre, maquiado por um tipo de imagem que o programa quer passar deles. Tal qual em Pleasantville, que narrava as tramas de um seriado de TV dos anos cinquenta, onde os protagonistas eram inseridos num ambiente com o American way of life latente, nos Jogos Vorazes a preocupação com a reputação do canal e de seus castos envolvidos é de suma importância.

Gabaritando-se para se tornar estrela, Jennifer Lawrence — outro dos principais acertos do longa, constrói Katniss como um misto de fragilidade, bem característica da idade, e ousadia que em certos pontos lembra a Ree Dolly, interpretada por Lawrence em Inverno da Alma. Entendendo as regras do jogo e o que este objetiva, ela consegue promover uma interessante reviravolta, dando espaços a mudanças de nuances que atenuam seu talento dramático.

Tendo uma trilogia praticamente garantida, a obra de Suzanne Colins é uma consistente fonte de exploração, também estruturada por temas complexos que podem gerar reflexões pertinentes, como da luta pela auto-preservação, a limítrofe fronteira entre o certo e o errado e a dominação do aparentemente mais forte sobre o mais fraco.

Numa época onde se investe pouco em produções que entretenham, mas que de igual modo tenham um caráter persuasivo consistente, Jogos Vorazes merece ter vida longa e próspera. Sem dúvida é cinema dos bons!

A Chave de Sarah

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Mon, 19 Mar 2012 00:28:00 +0000

Aliada da Inglaterra, contra a Alemanha, na Segunda Guerra Mundial, a França foi um dos principais cenários de investidas do movimento nazista de Hitler, e tendo a capital Paris ocupada quase em sua totalidade no início da década de quarenta, encontrou-se cercada de militares alemães que capturaram artistas, intelectuais e civis — judeus e não franceses de variadas faixas etárias, incluindo mulheres e crianças. O exército e o Serviço Secreto Francês, atuando como cúmplices em muitas das ações nazistas, brutalmente arrancaram famílias inteiras de suas casas, determinando seus destinos em campos de detenção, separando maridos, esposas e filhos. O impacto desses eventos ficou na memória de muitos sobreviventes, que ainda hoje, décadas depois do término do conflito, lidam com os traumas causados pela brutalidade do regime alemão.

Dirigido e roteirizado pelo cineasta francês Gilles Paquet-Brenner, o drama A Chave de Sarah trata dos fantasmas pessoais que durante anos acompanharam uma menina judia, estrangulada pela culpa por um ato que cometeu no passado, a fim de proteger o irmão caçula. Tais fatos se tornaram peça para uma matéria jornalística de uma importante publicação local em 2009, depois que o governo deu ganho de causa a uma ação movida pela menina deportada.

Veterana e renomada jornalista, a americana Julia Jarmond (Kristin Scott Thomas) numa reunião de pauta decide investigar a vida da garota judia , que nos anos quarenta foi levada junto com a família para um velódromo (uma espécie de estádio onde eram mantidos os prisioneiros antes de serem enviados para os campos). Antes disso, distraindo a atenção da polícia, a jovem Sarah Starzynski consegue esconder o irmão menor em um armário dentro de uma parede falsa e guarda a chave como um talismã, pois acredita que estará de volta a tempo de soltá-lo do aposento. A partir daí, ela e seus pais passam a fazer companhia a milhares de pessoas, em um ambiente com condições extremamente precárias (o que Paquet-Brenner em determinado momento competentemente ilustra ao utilizar a câmera em panorâmica horizontal e em lento movimento). Enviados para o norte do país num inverno cruciante, a família Starzynsk é dividida e a primogênita encaminhada para um cercado apenas de crianças. Ajudada por um oficial, consegue escapar com uma amiga e encontra refugio no lar de um casal, que a principio as rejeita, mas as acolhe quando percebe que uma das garotas está doente. Tempos depois — Sarah, Jules (o ótimo Niels Arestrup de Cavalo de Guerra ) e Geneviève Dufare (Dominique Frot) retornam para o prédio onde a personagem morava com os pais, para conseguirem resgatar o irmão preso no armário. O apartamento naquela fase já estava ocupado, sendo que o filho dos atuais donos, Édouard, então criança — se tornaria mais de cinquenta anos depois o sogro da personagem de Scott Thomas, e de quem esta herdaria com o marido o imóvel onde aquele morou com a família, logo depois dos Starzynskis serem deportados. O paradeiro de Sarah acaba se transformando na obsessão de Julia, que nesta altura também tem que lidar com as intempéries de uma gravidez não desejada pelo cônjuge, que a sugere fazer um aborto.

Alternando passado e presente, promovendo uma quase perfeita conexão de tramas, a produção francesa A Chave de Sarah se apóia principalmente no talento da inglesa Kristin Scott Thomas que, poliglota, utiliza o inglês materno (com sotaque americano) e fala fluentemente o francês. Minuciosa, a atriz consegue fazer a diferença, apesar dos evidentes desníveis do texto. Quando gira em torno da personagem misteriosa protagonista da matéria de Julia, o roteiro atinge inúmeros picos, que ainda salientam o excelente trabalho de reconstituição de época, recuperando o clima sombrio que rodeava milhares de civis, que sem reais perspectivas, tinham a convicção de que estavam indo em direção à iminente morte, nas terríveis condições em que estavam. Em contrapartida, no momento que a trama se desloca para os dias atuais, se concentrando nos dramas vividos por Julia, como sua gravidez tardia, os conflitos matrimoniais, a sogra enferma, há uma perda gradual do brilho da narrativa, retomado apenas quando a personagem novamente se fixa na busca por Sarah.

A segura direção de Gilles Paquet-Brenner de certo modo também compensa esta desarmonia de histórias, oferecendo algumas cenas antológicas, como quando nos deparamos com uma personagem fingindo estar ferida para escapar do velódromo, e após conseguir, só é possível ouvir seus solitários passos rumo à saída, em detrimento aos muitos que não terão a mesma sorte. Outro ponto alto do filme se dá pela contundente critica à falta de conhecimento e ao desinteresse de uma juventude pelo passado, captado pelos jovens com certa superficialidade.

Longe de ser brilhante, mas muito sincera, a produção A Chave de Sarah funciona como um preciso retrato de uma época histórica, que levou ao óbito milhares de nativos franceses e de outras origens, derrubados pela violentamente impositora filosofia nazista, que perseguiu seus alvos pelos quatros cantos de Paris. Cerca de 13.150 pessoas foram colocadas nos trens em direção a Auschwitz, e grande parte nunca mais foi vista.

Hollywood em Caricaturas - Tom Hanks

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Thu, 15 Mar 2012 12:27:00 +0000

Filho de um chef de cozinha e de uma empregada de um hospital, Thomas Jeffrey Hanks começou a carreira em peças teatrais nos palcos de uma Universidade em Sacramento. Quando se mudou para Nova York para tentar a sorte, só lhe apareciam pontas em produções de baixo orçamento ou participações em séries de TV pouco vistas. Porém, foi através de um personagem secundário em Family Ties, seriado de grande sucesso co-estrelado por Michael J. Fox, que o ator chamou a atenção de Ron Howard, que estava prestes a dirigir o grande sucesso Splash, Uma Sereia em Minha Vida. Desbancando Jonh Travolta e Bill Murray, Hanks conquistou o papel de um executivo que tem o destino cruzado com o de uma sereira (interpretada por Daryl Hannah). O filme foi um enorme sucesso de bilheteria e elevou bastante a popularidade de Tom Hanks em Hollywood. Com a comédia Quero Ser Grande, faturou sua primeira indicação ao Oscar — prêmio esse que veio anos mais tarde com o homem soropositivo no drama Filadélfia e no ano seguinte interpretando o deficiente mental Forrest Gump, no filme homônimo. Na proporção que aumentava o prestígio do astro na indústria, mais oportunidades surgiam também atrás das câmeras, hora dirigindo — The Wonders - O sonho não acabou e o recente, e péssimo, Larry Crowne — hora assumindo apenas a produção de minisséries, Jonh Adams é uma delas. Respeitado por seus colegas, atualmente Tom Hanks é o vice-presidente da Academia de Artes e Ciências Cinematográficas, responsável pela entrega dos Oscar. Em 2012 ele retorna à telona com O Simbolo perdido, o terceiro filme da cinesserie O Cógido da Vinci.

Darfur - Deserto de Sangue

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sun, 11 Mar 2012 21:52:00 +0000

Há poucos anos, Uwe Boll foi considerado pela crítica americana como o pior diretor da história do cinema contemporâneo. Suas produções, a maioria adaptações de games, frequentemente eram mal recebidas por público e imprensa, pela precariedade e pela falta de tino de seu idealizador na concepção de uma obra cinematográfica. Assim sendo, ao depararmos com Darfur - Deserto de Sangue com toda sua crueza e sinceridade percebe-se que algo pode ter mudado, e que talvez estejamos diante da melhor produção da carreira controversa do cineasta, que desta vez , deixando de lado as ocas tramas que habitualmente também roteiriza, expõe com uma abordagem documental uma das maiores crises humanitárias da história.

Região Oeste do Sudão, Darfur é palco desde 2003 de violentos conflitos armados promovidos pela população árabe contra os não-árabes, a maioria composta por negros. Neste cenário, milícias – camufladamente apoiadas pelo governo – espalham o terror por onde passam , assassinando, cometendo estupros e sequestrando crianças, numa disputa etnico-cultural gritante e que meio mundo não imagina a dimensão. São esses acontecimentos que motivam um grupo de jornalistas americanos, liderados por Malin Lausberg (Kristanna Loke) e Bob Jones (Billy Zane), a produzirem uma matéria denúncia sobre as atrocidades ocorridas em terras sudanesas, que revela, mesmo que indiretamente, que as Nações Unidas sim assume apenas um papel figurativo em várias desordens com vínculos políticos, mantendo-se na retaguarda quando lhe convém. Apoiados por soldados da União Africana, Malin e sua equipe se adentram em um dos muitos vilarejos de refugiados não-árabes, entrevistando homens e mulheres que ali permanecem acuados, temerosos pela chegada dos Janjawid - milicianos africanos de religião muçulmana e língua árabe.

Filmado com a câmera na mão, focalizando as reações adversas de seu elenco principal para com cada acontecimento, da expectativa para chegar ao vilarejo à consternação por serem incapazes de evitar um eminente genocídio - Boll foi eficiente ao abrir a narrativa pelo desfecho final, através das lamentações de parte da equipe de americanos, entregues ao impacto dos recentes acontecimentos dos quais foram testemunhas. Deste ponto, acompanhamos os eventos ocorridos até ali e em determinado momento os olhares dos personagens acabam sendo os do espectador. Investigam-se os costumes, as tragédias pessoais (é cada vez mais crescente o número de mulheres contaminadas pelo vírus da AIDS depois de estupradas), a alta taxa de mortalidade. Estima-se que mais de 400.000 pessoas tenham perdido a vida nesta guerra travada no país africano movida pelo racismo e a convicta superioridade que alguns acreditam ter. Invadida por um bando de Janjawids a aldeia que serve de cenário para a reportagem de Malin se torna um campo de pura carnificina, não poupando o espectador de nenhum detalhe, mesmo o mais sórdido, reforçado ainda pela tensa trilha-sonora de Jessica de Rooij. O que foi visto em Diamantes de Sangue ou O Jardineiro Fiel, por exemplo, chega a ser um passeio no parque perto do que é exibido aqui. Uwe Boll utiliza este nada agradável clímax com um tom agressivo, o que pode soar apelativo, mas que historicamente é o que de fato acontece em terras darfurianas.

Mesmo não contando com grandes atuações ou um brilhante roteiro, deve-se destacar a ousadia e coragem do diretor alemão em trazer à tela um retrato cruel das muitas tragédias sociais cometidas em diversas nações, e a incapacidade do restante do mundo de se voltar para elas. Apesar de amplamente divulgado pela imprensa, as desavenças em Darfur continuam a resultar na morte de milhares de civis, e inacreditavelmente alguns países como a China, se recusam a classificar o ocorrido no Sudão como genocídio puramente por interesses comerciais.

Difícil dizer se Darfur - Deserto de Sangue é uma produção com calibre suficiente para tirar do limbo um dos cineastas mais perseguidos de Hollywood, entretanto na fronteira limítrofe entre o céu e o inferno, Uwe Boll conseguiu pelo menos alguma redenção.

Viajando pelo mundo - 36ª edição

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Fri, 09 Mar 2012 11:45:00 +0000

Diferentemente de outros países, como o vizinho Brasil, na Colômbia fazer cinema nunca foi objeto de rentabilidade, vide os percalços e a perda do apoio estatal com a eliminação da FOCINE. Tal situação de certa forma impossibilitava o surgimento de mão de obra especializada e recursos tecnológicos mais apurados. Só foi a partir de 2003, com a aprovação da Lei do Cinema pelo plenário, que houve um renascer e com a injeção de capital privado nas co-produções colombianas, algumas delas alcançaram visibilidade fora de casa e tornaram consagrados os nomes de seus idealizadores. Entre os mais prestigiados está Sergio Cabrera.

Sergio Cabrera

Nascido em Medellin, pouco tempo depois dos pais espanhóis se exilarem na Colômbia devido ao regime franquista, Sergio Cabrera é um dos poucos cineastas colombianos a ter projeção em uma indústria de cinema local que durante quase toda sua existência caminhou a trancos e barrancos. Ex-soldado da Guarda Vermelha da China, onde viveu na adolescência, se aventurou no mundo da Sétima Arte na década de setenta, dirigindo seus primeiros curtas-metragens e pequenos documentários. Com uma carreira bastante ampla, além de diretor é roteirista; ator; diretor de fotografia e produtor – alcançou o auge com La estrategia del caracol, premiado no Festival de Berlim. Filmado em zonas precárias de Bogotá, o longa retratava a luta de um grupo de moradores de um bairro periférico da cidade para manter sua dignidade depois que o inescrupuloso proprietário do imóvel onde moram decide por demolí-lo. Ao todo esta produção faturou 30 prêmios ao redor do mundo, tamanha a repercussão que teve por onde foi exibida.

Cena de La estrategia del caracol

As impressões deixadas pelo Oscar 2012

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sat, 03 Mar 2012 21:48:00 +0000

Classificar a última edição do Oscar, ocorrida no domingo passado, de chata ou monótona não é de todo um exagero. Com a volta de um dos melhores mestres de cerimônia de todos os tempos, mesmo que Billy Crystal não estivesse lá bem inspirado, a Academia tentou apagar todos os vestígios deixados pelo evento de 2011, um desastre estratosférico, ao investir no clima de saudosismo de uma época onde a simplicidade e a magia do cinema não eram maiores que o senso comercial e voraz que paira na indústria hoje. Porém, em certos aspectos o que se viu foi um pouco mais do mesmo, as piadas velhas e ultrapassadas não poderiam faltar, sem grandes arroubos de criatividade e um formalismo explicitamente arcaico. Coisas de Hollywood.
Talvez a vitória de O Artista, que levou cinco estatuetas para a casa, incluindo melhor filme, a boa repercussão de A Invenção de Hugo Cabrett, também cinco troféus, e o triunfo da grande Meryl Streep, acumulando mais um Oscar em sua carreira, vieram a selar este pontual momento retrógrado.

Veja abaixo os vitoriosos da 84ª edição do Oscar:

Melhor Filme – O Artista

Melhor Diretor – Michel Hazavinicius (O Artista)

Melhor Ator – Jean Dujardin (O Artista)

Melhor Atriz – Meryl Streep (A Dama de Ferro)

Melhor Ator Coadjuvante – Christopher Plummer (Toda Forma de Amor)

Melhor Atriz Coadjuvante – Octavia Spencer (Histórias Cruzadas)

Melhor Roteiro Original – Meia-Noite em Paris, Woody Allen

Melhor Roteiro Adaptado – Os Descendentes, Alexander Payne

Melhor Filme de Animação – Rango

Melhor Curta de Animação – The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore

Melhor Direção de Arte – A Invenção de Hugo Cabret

Melhor Fotografia – A Invenção de Hugo Cabret

Melhor Figurino – O Artista

Melhor Documentário – Undefeated

Melhor Documentário Curta-Metragem – Saving Face

Melhor Edição/Montagem – Milleniun: Os Homens que Não Amavam as Mulheres

Melhor Filme Estrangeiro – Separação

Melhor Curta-Metragem – The Shore

Melhor Maquiagem – A Dama de Ferro

Melhor Trilha Sonora – O Artista

Melhor Canção – Man or Muppet

Melhor Edição de Som – A Invenção de Hugo Cabret

Melhor Mixagem – A Invenção de Hugo Cabret

Melhores Efeitos Visuais – A Invenção de Hugo Cabret

Melhores Momentos:

* Apesar da vitória de Christopher Plummer ser prevista, foi muito bacana ver o octogenário ator ser consagrado depois de anos de carreira.

* Por mais que torcêssemos por Viola Davis, ver Meryl Streep se sobressair na Academia mais uma vez é muito bom. Uma grande atriz, que é um referencial para muitos na indústria.

* Sem ser um sucesso de bilheteria, O Artista confirmou seu favoritismo, conquistando o prêmio maior da noite. Tem todos os méritos.

Piores Momentos:

* Já está ficando manjada a participação do Cirque du Soleil em grandes eventos. Não tão impecável como outrora, o grupo de artistas apresentou erros crassos e não foi nada brilhante numa homenagem meio sem sentido à Sétima Arte.

* O time de atrizes coadjuvantes no ano não foi dos melhores, mas entregar o prêmio para Octavia Spencer é um atentado a credibilidade da categoria.

* Gosto não se discute, mas a sem sal Man or Muppet vencer como a melhor canção do ano é uma prova que a categoria não é levada a sério há muito tempo. A propósito: a reclamação nada tem haver com patriotismo (a música de Rio também não era grande coisa).

Oscar 2012 - Previsão dos Vencedores

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Mon, 20 Feb 2012 17:36:00 +0000

Há poucos dias da 84ª edição do Oscar, postamos aqui nossas apostas com os possíveis vencedores da cobiçada estatueta dourada, que apesar de não atestar exatamente qualidade é ainda o prêmio mais cobiçado da indústria. Ganhar um Oscar pode gerar tendências, aumentar cachês, além é claro de incluir o nome do vencedor no hall de premiados com um Academy Awards.

Num ano em que o cinema mergulhou no saudosismo, de um lado homenageando a era de ouro da Sétima Arte, do outro investindo em produções que em áureos tempos estariam na pole positon da temporada por apostarem em uma estrutura convencional que toca em cheio o público e a Academia – desta vez um clima de incertezas paira sobre a premiação. Será que o longa O Artista se sagrará o campeão da noite e Meryl Streep ganhará o seu tão esperado terceiro Oscar? Quais serão os maiores duelos do evento no próximo domingo?Abaixo o que esperamos que aconteça:

Melhor Filme:

Quem vai ganhar: Sucesso entre os críticos e nem tanto com o público, que o ignorou, O Artista é uma verdadeira homenagem a era do cinema mudo, com um protagonista interpretando uma figura a lá Rodolfo Valentino e com inúmeras cenas de efeito. Dirigido por Michel Hazanavicius o longa francês é o franco favorito, talvez a principal investida do ano do voraz produtor Harvey Weinstein.

Quem poderia ganhar: Hugo de Martin Scorsese é a outra produção a se aventurar no processo da metalinguagem. Tal qual O Artista esta primeira produção do veterano Scorsese com teor infantil também não foi bem nas bilheterias, apesar de ser um deslumbre na telona e utilizar o cada vez mais recorrente recurso 3D.

Quem seria a zebra da competição: Tão forte e tão Perto. Grande parte dos críticos torceu o nariz para este mais recente filme do cineasta Stephen Daldry, que – amado pela Academia – conseguiu com que os quatro filmes que comandou na carreira arrebatassem uma vaga na principal categoria do Oscar. Apesar de contar com as presenças de Tom Hanks e Sandra Bullock e abordar os atentados do 11 de Setembro como pano de fundo , foi considerado pela imprensa como o pior já dirigido pelo responsável por As Horas e O Leitor.

Melhor Ator:

Quem vai ganhar: Desconhecido em cenário mundial, Jean Dujardin desbancou os astros George Clooney e Brad Pitt no SAG Awards, premiação concedida pelo Sindicato dos Atores aos melhores do ano, além de ter ganho o Globo de Ouro e o BAFTA. Estas considerações já o tornam o ator a ser batido. Interpretando um astro que sofre na pele a transição do cinema mudo para o sonorizado, Dujardin esbanja irreverência e talento em O Artista. A estatueta com certeza o credenciará a dar vôos maiores em Hollywood.

Quem poderia ganhar: Ganhador de um Oscar de ator coadjuvante por Syriana, George Clooney é um dos atores mais queridos da indústria. Em sua quarta indicação, a terceira na categoria principal, Clooney entrega sua melhor atuação da carreira com o drama Os Descendentes. No longa ele interpreta Matt King, um advogado que fica responsável pela criação das filhas , depois que a esposa sofre um acidente e se mantem em estado vegetativo no hospital. Só esta premissa garantiria a estatueta, não fosse O Artista e Jean Dujardin as grandes atrações de 2011.

Quem seria a zebra da competição: Ex-ator de telenovelas mexicanas, Demián Bichir foi uma das inclusões que mais causaram surpresa na lista do Oscar este ano, pois se esperava a presença de Leonardo DiCaprio ou Michael Fassbender. De origem libanesa, o ator chamou a atenção da indústria ao dar vida ao ditador cubano Fidel Castro no longa Che e na sua sequência e com A Better Life ganha sua primeira indicação ao Oscar pelo papel de um jardineiro que tenta sustentar o filho e protegê-lo da imigração nos EUA.

Melhor Atriz:

Quem vai ganhar: Em um discurso de agradecimento por um prêmio ganho por Dúvida em 2009, Meryl Streep – com sua cordialidade de sempre – pediu aos produtores de cinema presentes que dessem mais oportunidades a Viola Davis, que era na opinião da veterana uma atriz incrível. Pedido feito, pedido atendido, em 2011 Viola e grande elenco estrelaram Histórias Cruzadas, um dos filmes de maior sucesso nas bilheterias no ano passado. Já indicada por Dúvida, Davis é ,coincidentemente, com Streep a favorita e com o Oscar se tornaria a segunda intérprete negra a vencer na categoria principal (a primeira foi Halle Berry em 2002). Desde já aguardamos ansiosos para que o nome da atriz seja o chamado por Colin Firth na noite do dia 26.

Quem poderia ganhar: Chegar à 17ª indicação não é para qualquer uma. Com A Dama de Ferro Meryl Streep mais uma vez confirma ser a melhor atriz viva em atividade. Interpretando a ex-primeira ministra britânica Margareth Tatcher, Meryl entrega um desempenho quase icônico, que infelizmente é atrapalhado pela falta de manejo da cineasta Philippa Lloyd de Mamma Mia. Não fosse o soberbo desempenho de Viola Davis em Histórias Cruzadas, creio que o seu tão aguardado terceiro Oscar viria neste ano.

Quem seria a zebra da competição: Escolhida para viver Lisbeth Salander, a hacker punk da versão americana de Os homens que não amavam as mulheres de David Fincher, Rooney Mara desbancou Tilda Swinton e conquistou sua primeira nomeação ao Oscar. De candidata a rainha do grito pelo recente A Hora do Pesadelo até aqui , podemos dizer que Mara deu um salto ligeiro e preciso, fazendo até mesmo com que alguns se esqueçam da interpretação de Noomi Rapace no original sueco.

Melhor Diretor:

Quem vai ganhar: Tendo iniciado a carreira na TV francesa onde dirigiu vários comerciais, Michel Hazanavicius ganhou projeção ao comandar OSS 117: Cairo, Nest of Spies, com Jean Dujardin, produção de espionagem com toques de humor que parodia os longas da série OO7. Com O Artista retoma sua parceria com o amigo Dujardin, e tem a chance de sair vitorioso ao abordar com uma linguagem divertida a Sétima Arte quando a tecnologia ainda não permitia que o som atuasse sincronicamente com a imagem. Um trabalho competente que merece ser reconhecido.

Quem poderia ganhar: Sete vezes indicado na categoria de direção, faturando o prêmio por Os Infiltrados, Martin Scorsese entende de cinema como ninguém. O responsável por longas marcantes como Touro Indomável e Os Bons Companheiros deixa de lado a temática da violência, presente em boa parte de seus filmes, para comandar a aventura Hugo – produção onde acompanhamos a peripécia de um garoto que vive em uma estação de trem na Paris dos anos vinte e que tenha desvendar um enigmático mistério. Utilizando o 3D, o cineasta prova que sabendo usar apropriadamente certos recursos que a tecnologia oferece o resultado final pode ser surpreendente.

Quem seria a zebra da competição: Seria até injusto dizer que Alexander Payne é a zebra na corrida pelo Oscar de melhor diretor, mas competindo com os veteranos Martin Scorsese e Woody Allen (em boa forma) e com a revelação Michel Hazanavicius, suas chances de vitória são poucas. Há sete anos sem comandar um longa, o último foi Sideways (2004), conquistou a crítica no ano passado por Os Descendentes, abordando com toques de humor negro, o que é uma marca em seus filmes, os dramas vividos pela família King, logo após a matriarca sofrer um grave acidente. Payne ganhou a melhor performance da carreira de George Clooney e revelou para o mundo a talentosa Shailene Woodley. Uma história simples, mas muito bem conduzida pelo cineasta.

Nossas apostas para as outras categorias:

ATOR COADJ.: Christopher Plummer, Toda Forma de Amor

ATRIZ COADJ : Octavia Spencer, Histórias Cruzadas

ROTEIRO original: Meia Noite em Paris

ROTEIRO adaptado: Os Descendentes

EDIÇÃO: Hugo

FOTOGRAFIA: A Árvore da Vida

DIREÇÃO DE ARTE: Hugo

FIGURINO: Hugo

MAQUIAGEM: A Dama de Ferro

TRILHA SONORA: O Artista

CANÇÃOl: Man or Muppet, Os Muppets

EDIÇÃO DE SOM: Cavalo de Guerra

MIXAGEM: Cavalo de Guerra

EFEITOS VISUAIS: Planeta dos Macacos: A Origem

ANIMAÇÃO: Rango

DOCUMENTÁRIO: Paradise Lost 3: Purgatory

FILME ESTRANGEIRO: A Separação

Hollywood em Caricaturas - Marion Cotillard

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Thu, 16 Feb 2012 10:37:00 +0000

A francesa Marion Cotillard nasceu em um berço predominantemente artístico. O pai — ator, ex-mímico e produtor teatral, foi quem deu a primeira oportunidade à filha ao produzir uma peça tendo a primogênita como uma das personagens. Já a mãe, atriz e professora de artes dramáticas, sempre a incentivou a correr atrás de seus objetivos, inclusive quando a atriz estudava no Conservatório de Artes Dramáticas em Orléans, onde nasceu.

De pequenas participações em séries de TV a papéis sem êxito, como a namorada de Daniel Morales em Táxi ou o interesse romântico de Russel Crowe em Um Bom Ano, Marion sinalizava ser mais uma promessa que não chegaria a vingar, apesar de ter ganho alguns prêmios de revelação do ano em sua terra natal. Foi pelas mãos de seu compatriota Olivier Dahan que sua carreira teve um divisor de águas. Escolhida para viver o ícone Edith Piaf, a marcante cantora conhecida também como o Pequeno Pardal, a atriz se entregou tanto, físico e emocionalmente, à personagem, que é difícil crer que a princípio os produtores não a queriam, por não ser exatamente rentável. Em contrapartida, Dahan só topou fazer o projeto se Marion Cotillard estivesse nele. Na época o diretor disse que mal a conhecia, mas enxergava Piaf em seu olhar.

Resultado da insistência: La Vi en Rose foi celebrado mundo a fora. Dos 15 minutos de ovação de pé para o desempenho de sua intérprete — na estreia do filme no Festival de Berlim, aos prêmios mais cobiçados pelo mundo da Sétima Arte. Em 2008 a Academia de Hollywood consagrou Marion Cotillard com um Oscar na categoria Melhor Atriz. Pra completar, a cinebiografia transformou a francesa na garota do momento , sendo requisitada por nomes como Woody Allen, Rob Marshall e Christopher Nolan e dividindo as telas com astros de porte como Johnny Depp, Daniel Day Lewis e Leonardo DiCaprio. Em 2012, ela volta às telonas, desta vez na última e decisiva aventura do Homem Morcego, novamente dirigida por Nolan, com quem já havia trabalhado em A Origem. Não será surpresa se roubar as cenas do mal-humorado Christian Bale ou deixar a Mulher-Gato Anne Hathaway na sua sombra.

O Artista

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sun, 12 Feb 2012 12:02:00 +0000

Visionários desbravadores, Auguste e Louis Lumière talvez não tivessem em mente que após aquele evento no subterrâneo do Grand Café em Paris, quando foram exibidos os primeiros filmes/testes após a criação do cinematógrafo pelas mãos dos irmãos franceses, a arte cinematográfica fosse maturando a ponto de se tornar uma máquina de se fazer dinheiro, e que de tempos em tempos oferecesse um novo menu de recursos para o espectador. Tal qual a tecnologia 3D ou mesmo o uso do Motion Capture atualmente (respeitadas as proporções), a sonorização na Sétima Arte provocou um impacto atrativo tão grande que acabou colocando um ponto final na era do Cinema Mudo e consequentemente levou ao declínio as carreiras de vários profissionais que não conseguiram se adaptar aos novos tempos. Neste cenário desolador é onde se encontra o astro George Valentin (Jean Dujardin), protagonista do longa O Artista, dirigido pelo francês Michel Hazanavicius.

Na década de 20, época em que o cinema americano tinha Charles Chaplin e Buster Keaton como principais astros da comédia sem som, George Valentin era respeitado pelos homens e amado pelas mulheres por encabeçar produções que eram um misto de romance, comédia e aventura. Todos queriam trabalhar com ele e a imprensa disputava a tapas uma entrevista sua. Ao comparecer a estreia de seu último filme, acidentalmente acaba conhecendo uma fã, Peppy Miller (Bérénice Bejo), que posando para fotos com o ator ganha seus 15 minutos de fama nas manchetes dos jornais (naquela época já existia a cultura das subcelebridades, mesmo que no caso o "querer aparecer" não tenha sido a real intenção de Peppy). Pouco mais tarde, a garota se inscreve para uma seleção que procura por jovens dançarinas para um novo filme, e com a ajuda de Valentin ganha sua primeira oportunidade. De degrau a degrau a pretensa atriz vai se projetando (bastante engenhoso como Hazanavicius pontua o crescimento da carreira da personagem através dos créditos dos filmes em que participa, de pontas à posição de co-estrela). Anos depois, o poderoso executivo Al Zimmer (John Goodman) anuncia o fim da produção de filmes mudos por sua produtora. Indiferente para com isso, achando que a sonorização era uma moda passageira, o galã de Hollywood se desliga da Kinograph, a empresa de Zimmer, para produzir e estrelar seu próprio filme, que ,coincidência do destino, tem estreia marcada para o mesmo dia do lançamento do longa que credencia sua pupila como a protagonista, e que a transforma em musa do cinema sonorizado. Com a iminente decadência, reforçada pela separação da mulher (Penelope An Miller), ele enfrenta o fracasso profissional e uma culminante depressão, tendo a companhia apenas do fiel motorista Clifton (James Cromwell) e do cão Jack.

Mais conhecido em sua terra natal, Michel Hazanavicius antes só havia comandado produções modestas, sempre vinculadas ao humor. Sua experiência no gênero contribuiu para que O Artista resultasse em um projeto ambicioso, divertido e com um Q de inventividade. Há mais de oitenta anos desde a sua completa extinção, o Cinema Mudo tinha seu charme garantido pela irreverência de seus astros e estrelas que se seguravam nas expressões e movimentos e que – com o auxílio instrumental ao vivo (por meio de um piano ou uma orquestra completa), ajudavam os espectadores a emergirem na trama contada na tela, guiada a plateia também pelo auxílio das legendas. Com tantos recursos de fácil acesso e com as possibilidades que temos hoje, a expectativa por um filme sem áudio e preto e branco (historicamente as cores só chegariam em 1935) não era das melhores – até os mais otimistas enxergavam com certas ressalvas para o longa francês, produzido em estúdios americanos, acreditando que tudo se passava de um truque para seduzir o público, por sua distinção para com tudo o que foi feito nos últimos anos. Na contramão, todos os prognósticos foram frustrados e a opinião de muitos críticos mudou após conferirem o filme. Com vários trunfos O Artista é de longe uma das melhores produções do ano.

Apesar das limitações, algo que os personagens da era muda conseguiam singularmente estabelecer era o perfeito entrosamento com o espectador, algumas vezes apostando num tom irônico e satírico, outras no meramente pueril. De certo que ao depararmos com uma placa na coxia de um palco pedindo silêncio aos presentes para que nenhum barulho atrapalhe uma encenação, é impossível evitar o riso mesmo com algo tão sutil. A propósito, a direção de arte de Laurence Bennett e Robert Gould é de inigualável primor. Da majestosa mansão de Valentin, numa amostra do quanto eram abastados os atores da época – ao escuro casebre para onde se muda quando decreta falência – salientando seu estado de espírito – e a suntuosidade dos estúdios, de detalhe a detalhe a plateia é transportada para o celebre mundo de um artista do passado. Se Scorsese adotou um tom mais lúdico em A Invenção de Hugo Cabret, outro longa atual que investe no processo metalinguistico, Michel Hanazivicius por sua vez aposta nos efeitos de imagem, deixando claro qual mensagem quer passar em tal ou qual momento, com diálogos diretos ou metaforicamente. Assim sendo , quando o personagem de Dujardin esta filmando uma cena onde é tragado pela areia movediça, apropriadamente se faz uma alusão à situação cadente da carreira do protagonista.

Com versatilidade, Jean Dujardin constrói George Valentin com a arrogância e o tipo meio canastra presentes em diversos astros com pinta de galã daquele tempo. Atormentado pelos fantasmas da modernidade, a qual ele se recusa a aceitar, a fase de opressão do personagem revela que tanto na comédia quanto para o drama o ator é capaz de segurar como protagonista. Sua química com Bérénice Bejo é espetacular. Em tempo, a atriz argentina faz um ótimo contraponto com Dujardin, ilustrado pela decadência dele e a ascensão dela. Peppy Miller é ingênua e impetuosa, mas nem por isso unidimensional. A heroína do filme de Hazanavicius é a figura mais ativa do longa, a força que movimenta a trama. Já John Goodman faz uma espécie de Harvey Weinsten (o famigerado produtor de Hollywood) do passado, com seu tipo bonachão e sisudo.

Atingido por uma perigosa pretensão ao chegar a Hollywood, O Artista mesmo assim conquista o espectador pelo carisma da história e por seus personagens.Vendido como uma bela homenagem a uma época importante da Sétima Arte, onde se emocionava, divertia e espantava sem nenhuma palavra audível, mas era um bom entretenimento.

Viajando pelo mundo - 35ª edição

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sun, 05 Feb 2012 11:59:00 +0000

A origem do cinema nigeriano data de 1960, pelas mãos de cineastas como Balogun Ola e Ogunde Hubert, mas o alto custo de produção impediu que fossem adiante. O quadro começou a mudar mesmo na década de noventa e hoje a Nigéria é um dos maiores pólos cinematográficos do mundo, podendo ser comparado a Hollywood e seu equivalente indiano Bollywood. Por ano cerca de mil filmes são produzidos, detalhe importante: todos direto para Homevideo. Salas de cinema no país são quase inexistentes, de 1979 a 2006 apenas um filme foi exibido na telona, em detrimento ao extenso número de videoclubes e locadoras. Com temas que variam entre corrupção, prostituição e ocultismo, a indústria cinematográfica da Nigéria como nos EUA também é constituída por seus astros e estrelas, entre os mais celebrados está Genevieve Nnaji.

Genevieve Nnaji

Filha de um engenheiro e de uma professora, Genevieve Nnaji começou a atuar bem cedo, aos oito anos de idade, numa telenovela. Apelidada por alguns órgãos de imprensa como A Julia Roberts da Nigéria, a atriz é uma das personalidades de maior êxito no continente africano, além de ser um símbolo de ascensão para grande parte das mulheres africanas – fama que lhe rende constantes convites para peças publicitárias. Apesar de jovem, Nnaji tem cerca de oitenta filmes em seu currículo, iniciado com o longa Most Wanted, e conseguiu se projetar de tal forma que em Nollywood, a "Hollywood nigeriana”, passou a ser freqüentemente requisitada por renomados cineastas. Com Ijé conquistou crítica e público, interpretando a protagonista Chioma, uma mulher que viaja da Nigéria para os EUA para ajudar a irmã presa, suspeita de assassinato do marido. O filme foi sucedido por Tango with me, produção pela qual foi indicada ao África Movie Adacemy Awards, o Oscar da África, no ano passado na categoria melhor atriz.

Cena de Tango with me

Os Descendentes

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Fri, 27 Jan 2012 23:04:00 +0000

Sem dirigir desde que comandou o drama Sideways (2004), apenas produzindo ou roteirizando longas com alguma visibilidade como A Família Savage, o cineasta Alexander Payne retorna as telas com Os Descendentes, produção pela qual também assina o texto e que conquistou grande parcela dos críticos americanos e a Academia, que o selecionou como um dos nove filmes concorrentes a estatueta mais importante do Oscar — a de melhor filme.

Com vasta experiência em tramas que se centram em relacionamentos conflituosos, gerados e desenvolvidos em um seio familiar, no qual os componentes deste universo se direcionam a um único ponto, Payne mais uma vez aposta com certo tom satírico nas irônicas dimensões onde seus personagens estão inseridos, fazendo com eles desviem-se das convenções formulaicas, recheadas por dramas exacerbados e o questionável politicamente correto. Isso já fica claro quando o protagonista Matt King (George Clooney) vai sarcasticamente (através de narração em off) desabafando sobre como o senso geral acredita que seja a vida de um habitante do Havaí, com suas praias e paisagens, enquanto zela por sua esposa — em coma depois de um grave acidente com um barco. Responsável pelas duas filhas, o advogado King ainda assume às vezes de curador de uma região de 25.000 hectares de terra, herdada de seus antepassados por ele e por uma série de primos (uma das explicações para o título do filme), que não disfarçam a ansiedade de receberem os milhões que a venda da área pode trazer-lhes. Nunca tendo antes que dividir as funções de articulador com as de pai, o personagem se sente acuado pelas pressões dos parentes nos negócios e as cobranças das filhas, Alex (Shailene Woodley) e Scottie (Amara Miller), batendo sempre de frente principalmente com a primogênita, que lhe revela que a mãe o traía com outro homem.

Se a premissa do novo longa de Alexander Payne não chega exatamente a surpreender (é pontualmente parecida com a do já citado A Família Savage, no qual Laura Linney e Philip Seymour Hoffman interpretavam irmãos sempre divergentes um do outro, que precisavam se unir para cuidar do pai doente), sua execução não decepciona por dois motivos. Em primeiro lugar por conferir legitimidade aos protagonistas, que apesar dos lapsos de fragilidade, não demonstram em momento algum que irão se entregar a um ambiente de drama letárgico, que os tornaria unidimensionais. O acidente ocorrido com Elizabeth serviu para uma espécie de autoconhecimento, aonde cada personagem vai se surpreendendo com seus próprios atos, caminhando junto ao espectador na descoberta de suas emoções. Desde Matt se entregando a uma busca incessante pelo amante da mulher, a fim de avisá-lo que a esposa irá falecer a qualquer momento, ou Alex — pouco a pouco maturando uma cumplicidade com o pai, capaz de envolvê-la em seus planos mais maquiavélicos. Outro ponto alto é o teor cheio de ironia abordado competentemente pelo cineasta quanto às relações de parentesco na sua parceria (ou será duelo?) com o mundo dos negócios. A cena onde King encontra-se com seus primos em uma reunião em seu escritório para decidir qual será o futuro das terras da família é uma ilustração do crescente cinismo de uma sociedade preocupada apenas com seus interesses, provando que para alguns — laços de sangue são convenientes apenas quando há benefício, mais uma crítica não velada ao decadente American Way of life. A propósito — a passagem de cada ato em Os Descendentes reforça que Alexander Payne talvez seja melhor como roteirista do que diretor, os diálogos inspirados sempre foram sua marca, e neste novo longa isso não foge a regra, reservando para Clooney e Woodley os melhores momentos e as mais marcantes tiradas.

Confesso que nunca fui dos maiores admiradores de George Clooney, que em um filme ou outro parece se repetir, mas em Os Descendentes o astro se mostra seguro no papel, demonstrando uma variedade de nuances que talvez nunca tenha exibido em anos de carreira. Credencia-se que o desempenho do ator foi um dos fatores que evitaram que o filme se resvalasse para o dramalhão sentimentalista, o que é um grande risco para produções do gênero. Já a desconhecida Shailene Woddley não se intimida e faz um ótimo contraponto. Se Matt tem certas inseguranças para agir, Alex é destemida e articulada. Destacam-se também Matthew Lillard (com um papel bem diferente do habitual) e Judy Greer, protagonista de uma das melhores cenas do longa.

Longe de ser brilhante, mas bem acima da média — Os Descendentes é uma produção competente, ancorada pelo excelente elenco — sem sombra de dúvidas a melhor qualidade deste bom filme de Alexander Payne, e pelo texto — muito superior ao de seus concorrentes ao Oscar, o que não pode ser ignorado.

Oscar 2012 - Os indicados

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Tue, 24 Jan 2012 11:31:00 +0000

Divulgada nesta manhã de terça-feira pelo presidente da Academia, Tom Sherak, e pela atriz Jennifer Lawrence, candidata ao Oscar do ano passado por Inverno da Alma , a lista com os indicados ao Oscar 2012 certificou que a disputa pelo prêmio principal da noite será entre a aventura Hugo (11 indicações), de Martin Scorsese – e o mudo O Artista – de Michel Hazanavicius (10). Dentre as surpresas, sem dúvidas a que mais chocou foi a ausência de As Aventuras de Tin Tin, de Steven Spielberg, da categoria animação, abrindo terreno para que Rango possivelmente possa conquistar a estatueta. Os atores Demián Bichir, Gary Oldman e Rooney Mara são as outras presenças que conseguiram superar outrora grandes apostas como Leonardo DiCaprio e Tilda Swinton e conquistaram um espaço. Os vencedores serão revelados no dia 26 de fevereiro no Kodak Theatre tendo Billy Crystal novamente como o Mestre de Cerimônia.

Abaixo os indicados para o Oscar 2012:

Actor in a Leading Role

Demián Bichir in "A Better Life"
George Clooney in "The Descendants"
Jean Dujardin in "The Artist"
Gary Oldman in "Tinker Tailor Soldier Spy"
Brad Pitt in "Moneyball"

Actor in a Supporting Role

Kenneth Branagh in "My Week with Marilyn"
Jonah Hill in "Moneyball"
Nick Nolte in "Warrior"
Christopher Plummer in "Beginners"
Max von Sydow in "Extremely Loud & Incredibly Close"

Actress in a Leading Role

Glenn Close in "Albert Nobbs"
Viola Davis in "The Help"
Rooney Mara in "The Girl with the Dragon Tattoo"
Meryl Streep in "The Iron Lady"
Michelle Williams in "My Week with Marilyn"

Actress in a Supporting Role

Bérénice Bejo in "The Artist"
Jessica Chastain in "The Help"
Melissa McCarthy in "Bridesmaids"
Janet McTeer in "Albert Nobbs"
Octavia Spencer in "The Help"

Animated Feature Film

"A Cat in Paris" Alain Gagnol and Jean-Loup Felicioli
"Chico & Rita" Fernando Trueba and Javier Mariscal
"Kung Fu Panda 2" Jennifer Yuh Nelson
"Puss in Boots" Chris Miller
"Rango" Gore Verbinski

Art Direction

"The Artist"
Production Design: Laurence Bennett; Set Decoration: Robert Gould
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
Production Design: Stuart Craig; Set Decoration: Stephenie McMillan
"Hugo"
Production Design: Dante Ferretti; Set Decoration: Francesca Lo Schiavo
"Midnight in Paris"
Production Design: Anne Seibel; Set Decoration: Hélène Dubreuil
"War Horse"
Production Design: Rick Carter; Set Decoration: Lee Sandales

Cinematography

"The Artist" Guillaume Schiffman
"The Girl with the Dragon Tattoo" Jeff Cronenweth
"Hugo" Robert Richardson
"The Tree of Life" Emmanuel Lubezki
"War Horse" Janusz Kaminski

Costume Design

"Anonymous" Lisy Christl
"The Artist" Mark Bridges
"Hugo" Sandy Powell
"Jane Eyre" Michael O'Connor
"W.E." Arianne Phillips

Directing

"The Artist" Michel Hazanavicius
"The Descendants" Alexander Payne
"Hugo" Martin Scorsese
"Midnight in Paris" Woody Allen
"The Tree of Life" Terrence Malick

Documentary (Feature)

"Hell and Back Again"
Danfung Dennis and Mike Lerner
"If a Tree Falls: A Story of the Earth Liberation Front"
Marshall Curry and Sam Cullman
"Paradise Lost 3: Purgatory"
Charles Ferguson and Audrey Marrs
"Pina"
Wim Wenders and Gian-Piero Ringel
"Undefeated"
TJ Martin, Dan Lindsay and Richard Middlemas

Documentary (Short Subject)

"The Barber of Birmingham: Foot Soldier of the Civil Rights Movement"
Robin Fryday and Gail Dolgin
"God Is the Bigger Elvis"
Rebecca Cammisa and Julie Anderson
"Incident in New Baghdad"
James Spione
"Saving Face"
Daniel Junge and Sharmeen Obaid-Chinoy
"The Tsunami and the Cherry Blossom"
Lucy Walker and Kira Carstensen

Film Editing

"The Artist" Anne-Sophie Bion and Michel Hazanavicius
"The Descendants" Kevin Tent
"The Girl with the Dragon Tattoo" Kirk Baxter and Angus Wall
"Hugo" Thelma Schoonmaker
"Moneyball" Christopher Tellefsen

Foreign Language Film

"Bullhead" Belgium
"Footnote" Israel
"In Darkness" Poland
"Monsieur Lazhar" Canada
"A Separation" Iran

Makeup

"Albert Nobbs"
Martial Corneville, Lynn Johnston and Matthew W. Mungle
"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
Edouard F. Henriques, Gregory Funk and Yolanda Toussieng
"The Iron Lady"
Mark Coulier and J. Roy Helland

Music (Original Score)

"The Adventures of Tintin" John Williams
"The Artist" Ludovic Bource
"Hugo" Howard Shore
"Tinker Tailor Soldier Spy" Alberto Iglesias
"War Horse" John Williams

Music (Original Song)

"Man or Muppet" from "The Muppets" Music and Lyric by Bret McKenzie
"Real in Rio" from "Rio" Music by Sergio Mendes and Carlinhos Brown Lyric by Siedah Garrett

Best Picture

"The Artist" Thomas Langmann, Producer
"The Descendants" Jim Burke, Alexander Payne and Jim Taylor, Producers
"Extremely Loud & Incredibly Close" Scott Rudin, Producer
"The Help" Brunson Green, Chris Columbus and Michael Barnathan, Producers
"Hugo" Graham King and Martin Scorsese, Producers
"Midnight in Paris" Letty Aronson and Stephen Tenenbaum, Producers
"Moneyball" Michael De Luca, Rachael Horovitz and Brad Pitt, Producers
"The Tree of Life" Nominees to be determined
"War Horse" Steven Spielberg and Kathleen Kennedy, Producers

Short Film (Animated)

"Dimanche/Sunday" Patrick Doyon
"The Fantastic Flying Books of Mr. Morris Lessmore" William Joyce and Brandon Oldenburg
"La Luna" Enrico Casarosa
"A Morning Stroll" Grant Orchard and Sue Goffe
"Wild Life" Amanda Forbis and Wendy Tilby

Short Film (Live Action)

"Pentecost" Peter McDonald and Eimear O'Kane
"Raju" Max Zähle and Stefan Gieren
"The Shore" Terry George and Oorlagh George
"Time Freak" Andrew Bowler and Gigi Causey
"Tuba Atlantic" Hallvar Witzø

Sound Editing

"Drive" Lon Bender and Victor Ray Ennis
"The Girl with the Dragon Tattoo" Ren Klyce
"Hugo" Philip Stockton and Eugene Gearty
"Transformers: Dark of the Moon" Ethan Van der Ryn and Erik Aadahl
"War Horse" Richard Hymns and Gary Rydstrom

Sound Mixing

"The Girl with the Dragon Tattoo"
David Parker, Michael Semanick, Ren Klyce and Bo Persson
"Hugo"
Tom Fleischman and John Midgley
"Moneyball"
Deb Adair, Ron Bochar, Dave Giammarco and Ed Novick
"Transformers: Dark of the Moon"
Greg P. Russell, Gary Summers, Jeffrey J. Haboush and Peter J. Devlin
"War Horse"
Gary Rydstrom, Andy Nelson, Tom Johnson and Stuart Wilson

Visual Effects

"Harry Potter and the Deathly Hallows Part 2"
Tim Burke, David Vickery, Greg Butler and John Richardson
"Hugo"
Rob Legato, Joss Williams, Ben Grossman and Alex Henning
"Real Steel"
Erik Nash, John Rosengrant, Dan Taylor and Swen Gillberg
"Rise of the Planet of the Apes"
Joe Letteri, Dan Lemmon, R. Christopher White and Daniel Barrett
"Transformers: Dark of the Moon"
Scott Farrar, Scott Benza, Matthew Butler and John Frazier

Writing (Adapted Screenplay)

"The Descendants" Screenplay by Alexander Payne and Nat Faxon & Jim Rash
"Hugo" Screenplay by John Logan
"The Ides of March" Screenplay by George Clooney & Grant Heslov and Beau Willimon
"Moneyball" Screenplay by Steven Zaillian and Aaron Sorkin Story by Stan Chervin
"Tinker Tailor Soldier Spy" Screenplay by Bridget O'Connor & Peter Straughan

Writing (Original Screenplay)

"The Artist" Written by Michel Hazanavicius
"Bridesmaids" Written by Annie Mumolo & Kristen Wiig
"Margin Call" Written by J.C. Chandor
"Midnight in Paris" Written by Woody Allen
"A Separation" Written by Asghar Farhadi

Hollywood em Caricaturas - Brad Pitt

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sun, 22 Jan 2012 19:13:00 +0000

Abandonando o curso de publicidade e propaganda, duas semanas antes da formatura, para se aventurar no mundo das artes, Brad Pitt suou bastante até conseguir despontar no cinema. No começo alguns críticos achavam que o ator seria mais um a figurar no elenco de séries televisivas como Barrados no Baile e que desapareceria com o tempo. Sua primeira grande oportunidade veio com Thelma e Louise — onde dividindo as cenas com Genna Davis e Susan Sarandon chamou a atenção da mídia e principalmente da plateia feminina. Foi Robert Redford que elevou Pitt ao posto de revelação com o drama Nada é para Sempre e pelo papel de um louco em Os Doze Macacos veio o reconhecimento, o personagem lhe conferiu o Globo de Ouro de melhor ator coadjuvante e sua primeira indicação ao Oscar. Apos unir-se a Angelina Jolie sua vida é vigiada a todo tempo pelos paparazzis, que seguem seus passos severamente em busca de algum novo flash. Conquistando público e a crítica com O Curioso Caso de Benjamin Button, Brad Pitt aparece novamente na bolsa de apostas da atual temporada de premiações, desta vez por sua performance de um astuto estrategista que gerencia um time de baseball no filme Moneyball. Seu maior concorrente é seu amigo de longa data George Clooney, que faz sempre questão de manifestar seu companheirismo e admiração pelo também astro de produções como Encontro Marcado, Seven e Clube da Luta.

Viajando pelo mundo - 34ª edição

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Fri, 20 Jan 2012 10:22:00 +0000

O nascimento do cinema cingalês data de 1947 com Kadawunu Poronduwa – de Jyotish Sinha, a primeira produção cinematográfica do Sri Lanka. Nos primeiros anos como a maioria dos filmes era produzida no sul da Índia, as produções adotaram grante parte das convenções indianas, ganhando certa identidade nas décadas seguintes. Do auge ao declínio – a cinematografia cingalesa que já conquistou inúmeros prêmios mundo a fora, como o Caméra d'Or no Festival de Cannes, hoje atravessa um período desolador devido à queda dos investimentos culturais por parte do governo local. Inúmeros profissionais têm nadado contra a maré, tentando evitar a todo custo a total dissolução. Dentre eles está Jackson Anthony.

Jackson Anthony

Batizado Konganige Joseph Jackson Malsi Anthony , o ator cingalês Jackson Anthony é considerado um dos artistas mais populares do Sri Lanka, onde desempenha também as funções de diretor, produtor; cantor; roteirista e romancista. Antes de ir para o cinema, Anthony participou de inúmeras peças de teatro, geralmente com muito êxito, o que foi suficiente para que fosse notado pelos profissionais da Sétima Arte e conseguisse sua primeira oportunidade na telona em Guru Gedara. Bastante lembrado por suas personificações de líderes poderosos e arrogantes, conquistou a crítica por seu papel em Sooriya Arana, de Somaratne Dissanayanke, como um caçador impedido pela tradição butista de concretizar seus inescrupulosos planos. O filme ganhou 10 Presidential Film Awards , o "Oscar do Sri Lanka" – e rendeu para Jackson Anthony o prêmio de melhor ator, mais um somado aos mais de vinte que o ator conquistou em sua brilhante carreira, além disso seu prestígio contribuiu para sua incursão para atrás das câmeras como cineasta , estreando com Aba – o filme mais caro da história do país.

Cena de Sooriya Arana

Sentidos do Amor

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Mon, 16 Jan 2012 22:25:00 +0000

Certa vez disse Charles Chaplin: "A vida é uma peça de teatro que não permite ensaios. Por isso, cante, chore; dance; ria e viva intensamente, antes que a cortina se feche e a peça termine sem aplausos".

Nosso medo de perder o autocontrole ou a capacidade de vivenciar a independência de nossos atos transita pelo vale de uma descortinada expectativa pelo o que está por vir. Seremos capazes de suportar?Vivenciamos tudo?Não há nada mais a se fazer?Dentre estas pontuadas questões está a premissa do drama Sentidos do Amor (Perfect Sense). Dirigido pelo escocês David Mackenzie, no filme acompanhamos a rotina de dois personagens. O primeiro deles é Susan (a bela Eva Green), uma epidemiologista desiludida afetivamente após ser abandonada pelo amante, e que se entrega ainda mais a seu melancólico mundo — que a oferece liberdade, mas que ironicamente a aprisiona em seus pensamentos. Pra completar, um novo vírus parece se alastrar de nação a nação, afetando de modo geral o sentido olfativo dos contaminados. Bem próximo ao apartamento de Susan trabalha o chef de cozinha Michael (Ewan McGregor, em bom desempenho) — que tem a profissão também como distração, além de manter uma vida boêmia para ajudar passar o tempo. Como não era nada difícil de prever, o destino faz com que os dois se cruzem e se envolvam tão intensamente quanto a epidemia vai se espalhando. Depois da capacidade de sentir cheiro, o paladar é o próximo sentido privado aos que adquiriram a doença - que de igual modo faz com que apresentem desordens psicossomáticas. Somados ao extenso número dos afetados , Michael e Susan tentam — a mercê das impossibilidades, manter o relacionamento, mesmo sabendo que manifestações mais críticas ainda estarão por vir.

Com um enfoque bem diferente do abordado em Contágio de Steven Soderbergh, produção lançada em 2011, que auto-explicativa expôs como ficcional epidemia pode apresentar crônico caráter nômade, no longa de Mackenzie, roteirizado por Kim Fupz Aakeson — o ponto chave se concentra na conexão ação/reação. A prioridade é investigar o comportamento dos personagens neste obscuro universo onde seus cinco sentidos são retirados em etapas por um inimigo sem face, cujo remetente varia de fundamentalistas islâmicos ao enloquente sistema capitalista, dentre as n teorias conspiratórias. Se em Melancolia de Lars Von Trier a proximidade do apocalipse terreste gera transformações inversas nas irmãs Claire e Justine, que se centralizam naquele evento, vivendo em função da falta de projeção produzida por ele, aqui a sobrevivência não é exatamente física, mas contemplativa, e movimenta cada ato em direção a naturalidade. É como um poema de amor sobre uma vida repleta de mazelas, de imperfeições, que estrangula nossos desejos — mas que desejamos ferozmente, em detrimento às peças que ela nos prega.

Trabalhando em um restaurante no subúrbio, Michael além de ter que aprender a lidar com a limitação de sentir os aromas de seus pratos, procura se adaptar às novas exigências de seus clientes, também privados do olfato — mas nesta altura ainda guiados pelo paladar. Susan por sua vez está perseverante na busca pela cura (mesmo que no filme isso não tenha tanto destaque), e resignada por ter aproveitado e desfrutado tão pouco desta nova relação. O interessante no filme de David Mackenzie é o modo como o cineasta vai acompanhando as transições concomitantes ao desenvolvimento dos protagonistas, conforme eles vão sendo limitados de suas capacidades inerentes. Como casal, Michael e Susan se entregam um ao outro, puxados pela forte atração que sentem e são impulsionados pelo cataclisma que se aproxima a desfrutarem da relação que criaram e se desnudarem emocionalmente. Se o olfato se vai, os outros sentidos se tornam mais aguçados — se o próximo é a audição, desenvolve-se nova forma para se estabelecer comunicação para garantir a subsistência. O texto de Aakeson eficientemente se divide em três estágios: um fato consumado, a sobrevivência perante a este fato e por fim uma celebração genuína à vida. Neste último ponto Sentidos do Amor assemelha-se, guardadas as proporções, com a perspectiva entusiástica de A Árvore da Vida de Terrence Malick, reforçado pela bela trilha composta pelo alemão Max Richter.

Correndo o risco de parecer exagerado, sem maiores ressalvas classifico Sentidos do Amor como um dos romances mais originais lançados recentemente. Uma prazeiroza golfada de ar fresco, contendo forte apelo dramático, onde as verdadeiras emoções não são nada fugazes.

E o Globo de Ouro foi para...

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Mon, 16 Jan 2012 10:00:00 +0000

Realizada neste 15 de Janeiro, sem grandes surpresas a 69ª edição do Globo de Ouro consagrou os filmes O Artista e Os Descendentes como os melhores da noite e selou o duelo que ambos travarão pela estatueta mais importante do Oscar, a de melhor filme. Christopher Plummer e Octavia Spencer seguem seguros, confirmando o favoritismo como os melhores ator e atriz coadjuvante respectivamente, enquanto isso George Clooney e Meryl Streep saem na frente na categoria principal, tendo Brad Pitt, Michelle Williams e Viola Davis como os principais opositores. Em uma Cerimônia sem nenhum discurso exatamente memorável e que contou com um Rick Gervais mais comportado, depois de seu controverso comportamento no ano passado, escolhemos o momento quando Morgam Freeman foi homenageado com o Cecil B. DeMille, entregue pelos ilustres Helen Mirren e Sidney Poitier, como o mais emocionante da noite.

Seguem abaixo os resultados do Golden Globe 2012:

Filme Comédia ou Musical
The Artist

Filme Drama
Os Descendentes/The Descendants

Filme Estrangeiro
A Separation/A Separação (Irã)

Filme de Animação
The Adventures of Tintin/ As Aventuras de Tintin

Atriz de Comédia
Michelle Williams por My Week With Marilyn/Uma Semana com Marilyn

Ator de Comédia
Jean Dujardin por The Artist

Atriz de Drama
Meryl Streep por The Iron Lady

Ator de Drama
George Clooney por The Descendants

Atriz Coadjuvante
Octavia Spencer por The Help/ Histórias Cruzadas

Ator Coadjuvante
Christopher Plummer por Toda Forma de Amor/Beginners

Diretor
Martin Scorsese por Hugo

Roteirista
Woody Allen por Midnight in Paris/ Meia-Noite em Paris

Música Original
Ludovic Bource por The Artist

Canção Original
Masterpiece de W.E.

Helen Mirren, Morgan Freeman com o Cecil B. deMille e Sidney Poitier

Globo de Ouro 2012

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sat, 14 Jan 2012 19:40:00 +0000

Apesar de variavelmente seus resultados concordarem com os do Oscar, o Globo de Ouro continua sendo uma boa prévia para o Academy Awards, pois ele aponta quais profissionais e trabalhos estarão na disputa por uma estatueta dourada. Criado a mais de sessenta anos, seu corpo de votantes é formado por cerca de noventa jornalistas estrangeiros que residem nos EUA, e que atuam na imprensa mundial.

Abaixo postamos nossas apostas para o prêmio que será entregue neste domingo 15:

Best Motion Picture - Drama
Descendents

Best Motion Picture - Musical or Comedy
The Artist

Best Actor - Motion Picture Drama
George Clooney - The Descendants

Best Actress - Motion Picture Drama
Viola Davis - The Help

Best Actor - Motion Picture Musical or Comedy
Jean Dujardin - The Artist

Best Actress - Motion Picture Musical or Comedy
Michelle Williams - My Week with Marilyn

Best Supporting Actor - Motion Picture
Christopher Plummer - Beginners

Best Supporting Actress - Motion Picture
Octavia Spencer - The Help

Best Director
Martin Scorsese - Hugo

Best Screenplay
The Descendants - Alexander Payne, Nat Faxon & Jim Rash

Best Animated Feature Film
Rango

Best Foreign Language Film
A Separation

Best Original Score
The Artist - Ludovic Bource

Best Original Song
The Help - "The Living Proof"

Histórias Cruzadas

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Tue, 10 Jan 2012 12:52:00 +0000

Tendo feito parte durante muito tempo do grupo de estados mais ricos dos EUA, o Mississipi já foi um cenário onde os interesses políticos e o pensamento separatista da população, que em determinado período apoiava abertamente o uso do trabalho escravo, promoveram a secessão da localidade que se juntou a outras e constituíram uma nova federação – tendo sido reintegrada anos mais tarde. Até a metade dos anos cinquenta o segregacionismo no estado era gritante em escolas, comércios e meios de transporte – e delimitava até onde as chamadas pessoas de cor poderiam ir e de quais direitos usufruir. Com a interferência da Suprema Corte a dessegregacão foi autorizada, mas nem por isso a convivência entre as raças foi tratada com normalidade, muito pelo contrário, centenas de negros perderam suas vidas em conflitos violentos.

Baseado no best-seller escrito pela autora Kathryn Stockett – o longa Histórias Cruzadas narra os dramas e a postura frente a eles de empregadas domésticas negras nos anos sessenta em Jackson, capital do Mississipi – nas relações interpessoais com seus empregadores brancos. É justamente esta premissa que se torna o centro de interesse de Eugenia "Skeeter" Phelan (Emma Stone), uma jovem jornalista que é apresentada como um contraponto à maioria de suas amigas, por ter uma visão bem diferenciada dos relacionamentos inter-raciais e assumir uma postura independente diante das outras – treinadas para serem "caçadoras" de maridos. Criada com a ajuda de Constantine (Cicely Tyson) , uma velha empregada da família, Skeeter após terminar os estudos retorna para sua cidade, onde consegue trabalho no jornal local – tendo como primeira tarefa responder as cartas dos leitores de uma famosa colunista, mas seu estilo impetuoso a desvia para algo maior – produzir um artigo enfatizando as impressões das criadas dos abastados membros da classe média sobre seus patrões, no auge da luta pelos direitos civis. Sua principal aliada é Aibileen Clark (Viola Davis) – governanta de uma das conhecidas de Skeeter – que se divide entre os afazeres domésticos e os cuidados da única filha da dona da casa, sumariamente desprezada pela mãe. A partir do depoimento de Clark, outras mulheres se sentem estimuladas a contribuir – entre elas Minny Jackson (Octavia Spencer) – durante anos a serviço de Mrs. Walters (Sissy Spacey) e de sua opressora filha Hilly Holbrook (Bryce Dallas Howard), mas dispensada depois que utilizou o banheiro principal da casa. Entretanto, a vida de Jackson acaba tomando outro rumo depois que começa a trabalhar na residência de Célia Foote (Jessica Chastain) – uma rica emergente rivalizada por Holbrook e sua liga.

Dirigido e roteirizado pelo desconhecido Tate Taylor, amigo pessoal da autora Kathryn Stockett – Histórias Cruzadas é uma produção, digamos, controversa – principalmente quanto ao esquematizado formato onde suas personagens foram inseridas e identificadas. Protagonistas e antagonistas têm posições explicitamente marcadas. Sem qualquer meio termo os vilões (a maioria brancos) são sempre péssimos e os heróis cândidos, tal qual a dramaturgia mexicana. A insistência em querer apresentar esta linha divisória para o espectador acaba por subestimá-lo – como se, por exemplo, a ação de uma figura que obriga sua doméstica a enfrentar uma tempestade para ir ao banheiro destinado a empregados já não fosse um evento que identificasse o caráter da primeira. Na tentativa de deixá-la ainda mais vilanesca (outra vez remetendo aos folhetins lacrimejantes) é necessário lhe atribuir à responsabilidade de ter colocado a mãe no asilo, mandado alguém para a cadeia e até destinado a ela uma brotoeja como bônus. A falta de tato do diretor também abriu brechas que fizeram com que a produção fosse taxada como hipócrita, por condenar o racismo, mas veladamente o defender – creditando sempre aos brancos as principais bem aventuranças ocorridas na vida de suas protagonistas negras, dedicando a apenas uma destas a atribuição de ter contribuído diretamente com a patroa – consequentemente encarado aqui como fator compensatório.

Se os elementos históricos foram muito bem retratados, através de registros televisionados ou radiofonados com pregações de líderes religiosos da época sobre os conflitos civis em voga, bem como o racismo imperante em situações cotidianas como os negros sendo obrigados a descer de um ônibus devido a uma eventualidade – a execução ficou comprometida devido à inexperiência de Taylor, que optou por seguir um caminho menos arriscado, porém previsível.Em contrapartida, tudo estaria perdido não fosse o magnífico desempenho de grande parte do elenco, a começar pela incrível Viola Davis, que mais uma vez rouba a cena – através de gestos, olhares resignados e respirações ofegantes. Difícil não se emocionar quando Aibileen fala sobre o filho assassinado ou quando confronta Hilly – talvez o momento mais esperado do filme. Octavia Spencer e Jéssica Chastain trazem o alívio cômico, garantindo certa leveza para a história, muito embora suas tramas individuais igualmente contenham dramaticidade. Da mesma forma merece destaque o trabalho da figurinista Sharen Davis, que faz algo tão bom ou até mesmo superior ao que fez em Dreamgirls. Interessante como ela diferencia a personagem de Emma Stone das demais. Enquanto Hilly, Elizabeth e Jolene utilizam estilizados vestidos floridos, combinando com os cabelos cheios de laquê, Skeeter tem um visual mais sóbrio – refletindo que a moda é a última de suas preocupações.

Uma das principais apostas para o Oscar 2012, Histórias Cruzadas é uma produção de altos e baixos, pessimamente conduzido – mas belissimamente interpretado. A matéria-prima é muito boa, mas o produto final soou maniqueísta e o acabamento prejudicado.

A Invenção de Hugo Cabret

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sat, 07 Jan 2012 18:31:00 +0000

Um dos maiores mitos vivos do cinema, Martin Scorsese é a versatilidade em pessoa. De suspenses policiais ao violento mundo da máfia norte americana, passando pelos longas de época sobre a aristrocracia do século XIX até aqui, na bucólica Paris dos anos trinta. Em sua nova produção, o cineasta americano insere-se no hall de diretores que encontraram na literatura infanto-juvenil e teen um filão para ser explorado na telona, às vezes com muito êxito – a exemplo da super potência Harry Potter, outras agradando apenas o público alvo como é o caso da saga Crepúsculo.

Baseado no conto escrito por Brian Selznick e adaptado pelo roteirista John Logan, de O Último Samurai, O Aviador e Rango – em A Invenção de Hugo Cabret logo na abertura, através de um eficiente plano sequência, já somos ambientados ao cenário principal – um terminal ferroviário na capital francesa com toda sua magnitude (em mais um belo trabalho do italiano Danti Ferretti), e que nos conduz até os relógios da estação – onde secretamente vive Hugo Cabret (Asa Butterfield), um jovem órfão de doze anos que foi levado pra lá pelo tio, depois que o pai morre. Solitário (o tio posteriormente o abandona), Cabret se torna o novo responsável pela manutenção das máquinas – sobrevivendo por meio de pequenos furtos ao comércio da estação durante o dia, sempre se resguardando para manter o anonimato e da possível ação do guarda local (Sacha Baron Cohen, em desempenho mais contido, mas ainda impagável). Seus únicos companheiros são um esquisito robô e um caderno de anotações, escondendo algumas instruções secretas deixadas pelo pai. Num golpe do destino, seu caminho acaba se cruzando com o do velho proprietário de uma oficina de brinquedos, Papa Georges (Ben Kingsley, ótimo) – e o de sua neta Isabelle (Chloë Grace Moretz). Surpreendido por Georges em uma tentativa de roubo, o protagonista acaba estabelecendo uma relação (ainda que distante) com o sisudo personagem – que , digamos, é a chave de todo o mistério. A partir daí, dá-se início a todo um processo metalinguistico, envolvendo um dos mais importantes precursores da arte cinematográfica.

Utilizando um simples gancho narrativo – capaz de atrair a atenção do grande público, em A Invenção de Hugo Cabret Scorsese deixa de lado suas perspectivas cruas e pessimistas de mundo ao comandar esta produção com um inesperado toque lírico bem ao estilo Tim Burton. Porém, não há figuras bizarras; construções góticas ou tiradas de humor negro. Preciso e inteligente, mexendo com a plateia – mas fugindo do sentimentalismo puro e gratuito – o diretor desvia-se dos excessos e como em toda produção demonstra certa preocupação estética, mesmo que aqui seja um tanto forçada (uma estação de trem na Paris dos anos trinta sem ratos perambulando pelas passagens que dão acesso ao local onde vive Cabret é bem estranho). De igual modo, a inocência de uma paixão platônica representada no filme pelo guarda da estação por uma florista (interpretada por Emily Mortimer) não é muito usual em sua cinematografia. São esses singelos elementos que despertam uma sensação que pode levar o espectador a se questionar: que Scorsese é esse que ainda não conhecia?

Apesar de ser facilmente associado a Oliver Twist, o menino órfão do romance de Charles Dickens, há uma certa originalidade no protagonista de A Invenção de Hugo Cabret. No filme não se discute questões sociais, nem os intempéries ocorridos na vida do personagem – na verdade os olhares do garoto – que em determinado momento também são os do espectador, estão fixos no desconhecido que abrirá as portas para outra atmosfera, resultando em uma das mais perfeitas homenagens ao mundo da Sétima Arte. É exatamente neste momento que fica claro o diferencial do realizador de obras como Touro Indomável e Os Bons Companheiros para seus colegas que também tentaram caminhar pelos trilhos da metalinguagem. Sua sutileza e simplicidade quase resultam em um Obrigado meus antecessores por existirem!

Com mais de quarenta anos de carreira é de se admirar que Martin Scorsese ainda possua uma capacidade singular de se reinventar, quando achávamos que sua marca já estava impressa na história , o que não é inverdade – há uma novo percurso que ele toma e que explicita que há ainda inúmeras possibilidades. Esta produção é mais uma prova disso.

Um Conto Chinês

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Wed, 04 Jan 2012 17:50:00 +0000

Atraindo mais de 1 milhão de espectadores aos cinemas argentinos, o longa Um Conto Chinês , dirigido por Sebastián Borensztein -- antes um prestigiado roteirista e diretor da televisão daquele país, é sem sombra de dúvida uma magnífica viagem por um estilo de humor um tanto sarcástico -- não econômico, mas nem tão pouco com viés de pastelão.

Sem rodeios somos logo levados a Fucheng, China - onde Jun (Ignacio Huang) e sua noiva estão em um barco dentro de um grande lago. Pouco tempo depois os dois são alvos de um episódio um tanto bizarro, que muda o cursor da vida de Jun, fazendo com o que o mesmo vá atrás do tio que mora em Buenos Aires.

Do outro lado, na terra de nossos vizinhos -- conhecemos Roberto (o grande Ricardo Darín) -- dono de uma loja de ferragens e com o maior número de manias e obsessões desde o Monk de Tony Shalhoub na série de TV. Sendo capaz de contar um por um o número de parafusos entregues pelo fornecedor, comprar pequenas iguarias pela Internet como uma homenagem póstuma a falecida mãe e guardar recortes de jornais com notícias excêntricas, o personagem - que herdou o empreendimento do pai, ainda mantém o hábito de sempre dormir exatamente às 23h00. Conservando uma postura anti-social, Roberto também desperdiça a atenção afetiva de Mari (Muriel Santa Ana), um antigo relacionamento não concluído, que sempre nutriu por ele uma paixão incontida.

A vida do protagonista entra em polvorosa quando num golpe do destino ele acaba conhecendo Jun e meio a contragosto ajuda o rapaz a encontrar seus parentes que moram no país, mantendo-o como hóspede provisório. O entrave da convivência já começa pela barreira do idioma -- sem falarem a língua um do outro, o argentino e o chinês se comunicam através de gestos -- despertando a fúria do primeiro por ter que lidar com algo inédito em sua vida.

O choque cultural entre os dois protagonistas acaba sendo uma das melhores peças abordadas pelo roteiro, também de autoria de Borensztein, em Um Conto Chinês. O contraste entre o estilo pacato de Jun e o gênio forte de Roberto remete às mais competentes produções onde o manjado recurso de colocar figuras opostas no centro da trama, mais comuns em filmes policiais ou de ação, foi recorrente. Construído por Sebastián Borensztein como um indivíduo extremamente controlador e perfeccionista, o personagem de Darín é um misto de realidade e folclore, uma perfeita referência daquele público que faz com que programas televisivos como Tabu ou outrora Acredite se quiser se tornem Cult -- até mesmo como forma de escapar um pouco do cruel mundo real. Jun é o elemento inesperado -- o fator absurdo de um universo distinto que se choca com a linha divisória criada por Roberto, que separa o lógico do surreal. Constatar que estes dois mundos estão sobrepostos, bem ao estilo das teorias psicanalíticas de Sigmund Freud, se torna um momento regado de catarse. Assim sendo, vale destacar aqui a montagem de Fernando Pardo, que imprime com primor três pontos que se sequenciam harmonicamente: o estranho, o comum e o possível. Ricardo Darín mais uma vez demonstra versatilidade, enaltecendo ainda mais sua fama como o astro de vez na Argentina. É um ator com várias facetas, que constrói uma identidade diferente para cada novo personagem. Em tempo, Ignácio Huang e Muriel Santa Ana não servem apenas de escada para Darín, mas como também brilham em seus respectivos papéis.

Ainda acho que esta nova década não começou muito bem para as comédias, mas para cada dez Se eu beber não Case lançados, existe um Um Conto Chinês exalando originalidade e humor da melhor qualidade.

Especial 2011...

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Sat, 31 Dec 2011 02:25:00 +0000

Neste primeiro ano em que divulgamos quais foram os melhores do cinema na opinião do Blog, foi feita uma seleção entre todos os filmes lançados em 2011 e prontamente conferidos por este blogueiro. De blockbusters americanos a as classificadas produções de arte, de tudo um pouco se constituiu a cinematografia mundial este ano. Embora tenha certo caráter subjetivo -- foi separado para você, caro leitor, uma mostra daqueles que se destacaram em 2011 - bem como as produções que, sem restrições - podem levar esta consideração. Como dizia o bom e velho jornalista Goulart de Andrade: Vem comigo!

Melhor ator:

Mikael Persbrandt - Em um mundo melhor

2. Colin Firth - O Discurso do Rei
3. Adrien Brody - Armadilha do Destino
4. Christian Bale - O Vencedor
5. Brad Pitt - A Árvore da Vida

Melhor atriz:

Charlotte Gainsbourg - Melancolia

2. Natalie Portman - Cisne Negro
3. Kirsten Dunst - Melancolia
4. Jeong-hee Yoon - Poesia
5. Wunmi Mosaku - Sou uma escrava para você

Melhor diretor:

Woody Allen - Meia-noite em Paris

2.Terrence Malick - A Árvore da Vida
3.Lars Von Trier - Melancolia
4.Peter Weir - Caminho da Liberdade
5.Gabriel Range - Sou uma escrava para você

Melhor filme:

10. Sou uma escrava para você

Contrariando a impressão de recentes produções inglesas de terem aspecto de telefilmes, este longa produzido pelo britânico Channel 4 é conduzido de forma competente, ancorado pelo crível e sempre consistente trabalho de sua protagonista, no centro de uma história real repleta de dor e preconceito.

9. Hanna

Deixando um pouco os dramas de época de lado, Joe Wright de Desejo e Reparação -- conduziu este eletrizante trilher de suspense lançando mão de cenários multinacionais e apostando no talento da jovem Saorsie Ronan e no ótimo desempenho de Cate Blanchett como sua antagonista.

8. Poesia

Uma sexagenária tendo o neto envolvido num crime marcado por segredos, lidando ainda com os sintomas do Alzheimer; comprometendo seu lado racional, encontrando na poesia uma válvula de escape. Foi com sensibilidade e certo lirismo que o cineasta Lee Chang-dong dirigiu este longa sul coreano que levou um dos principais prêmios em Cannes nesta última edição.

7. Rango

Um faroeste com um camaleão como protagonista. A animação Rango foi sem dúvida o maior destaque do ano no segmento. Tido como o provável vencedor do Oscar -- foi uma das grandes bilheterias e angariou também o reconhecimento dos temidos críticos.

6. X-MEN: Primeira Classe

O que seria a Hollywood dos novos tempos sem os famosos filmes de heróis? Esta versão jovem dos mutantes da Marvel, sob o comando de Matthew Vaughn de Kick Kass -- foi uma marcante jornada às origens do Professor X, Magneto e companhia ilimitada. Sem reservas, o melhor blockbuster de 2011.

5. Meia-noite em Paris

Uma viagem ao tempo pela capital francesa nos anos vinte, com direito a encontros com Salvador Dali e Pablo Picasso. Woody Allen novamente em boa forma, neste filme que foi a maior bilheteria do cineasta em terras americanas mais recentemente.

4. Cisne Negro

O balé através de seu lado mais cruel. Em Cisne Negro - de Darren Aronofski -- acompanhamos a saga da jovem bailarina Nina Sayers lutando contra si própria na tentativa de incorporar o papel que é o ponto chave de O Lago dos Cisnes. O exasperante conflito psicológico compromete sua sanidade -- reforçado ainda pela opressão da mãe e das investidas do diretor artístico de sua companhia. Como disse outrora o crítico Rubens Ewald Filho: Deparamos aqui com a figura da bailarina não apenas como artista, mas também como atleta.

3. Em Um Mundo Melhor

Um homem dedicado a causas humanitárias, mas incapaz de zelar pela própria família; um filho culpando o mundo pela morte da mãe ; um adolescente cansado dos maus tratos na escola. A diretora Suzanne Bier fez uma aparente colcha de retalhos render numa brilhante produção -- onde seus protagonistas direta ou indiretamente buscam por uma redenção.

2. A Árvore da Vida

Dando fim a um hiato de seis anos, o cineasta Terrence Malick voltou em 2011 com este drama, repleto de metáforas -- sobre uma família americana nos anos cinquenta -- liderada por um severo pai, embora afetuoso -- e os efeitos de seus atos sobre um dos filhos. Paralelamente há um viés ligado à teoria da evolução -- contrastando ou não com uma mensagem de fundo teológico. Uma bela produção -- injustamente incompreendida pela plateia.

1. Melancolia

Duas irmãs com personalidades opostas -- e suas expectativas mediante a chegada de um iminente evento. Em 2011, Lars Von Trier ofereceu ao público este maravilhoso longa que -- não fosse as polêmicas declarações do diretor em Cannes -- teria mais êxito na temporada de prêmios. Um filme que imprime os desajustes psicológicos causados pela aproximação do Apocalipse terrestre de modo impressionante.

Hollywood em Caricaturas - Tilda Swinton

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Tue, 27 Dec 2011 20:07:00 +0000

Batizada Katherine Mathilda Swinton, a atriz britânica Tilda Swinton começou nos palcos ingleses antes de investir no cinema. Filha de um major-general escocês e de uma dona de casa australiana - Swinton embarcou no mundo da Sétima Arte na década de oitenta em diversos filmes do falecido cineasta Derek Jarman, como Caravaggio -- sobre a vida do famoso pintor Michelangelo. Foi sua interpretação de uma figura andrógina em Orlando (1992) que projetou seu nome em Hollywood - que até então desconhecia seu trabalho, e a partir daí esteve envolvida em projetos mais audaciosos, como o blockbuster Crônicas de Nárnia: o leão, a feiticeira e o guarda da roupa e o suspense Conduta de Risco - que lhe conferiu o Oscar de melhor atriz coadjuvante. Em 2011, Tilda Swinton aparece novamente na bolsa de apostas das premiações, por seu elogiado desempenho em Nós precisamos falar sobre Kevin - no qual interpreta a mãe de um adolescente responsável por um massacre na escola.

Viajando pelo mundo - 33ª edição

noreply@blogger.com (Flávio Junio) — Mon, 26 Dec 2011 11:22:00 +0000

Como país independente da Iugoslávia - a Bósnia Herzegovina só se abriu efetivamente para a Sétima Arte em 1992, antes disso todos os filmes produzidos na região eram creditados como sendo iugoslavos. Hoje , ainda marcado pelos efeitos da guerra, promove um dos mais importantes festivais de cinema da Europa, o Sarajevo Film Festival - que já contou com as presenças no júri de Jeremy Irons, Mike Leigh e de Jasmila Žbanić - a quem dedicamos essa coluna nesta semana.

Jasmila Žbanić

Uma das mais jovens diretoras de cinema da Bósnia Herzegovina, a cineasta Jasmila Žbanić - 37 anos- é considerada um talento promissor, tendo seus trabalhos reconhecidos e festejados em diversos festivais de cinema pelo mundo. Graduada em Belas Artes, em Saravejo, Žbanić mudou-se em 1995 para os EUA para trabalhar como manipuladora de bonecos e com teatro de marionetes - pouco tempo depois voltou para sua terra natal para criar uma produtora de cinema - produzindo pequenos filmes e documentários. Por seu longa de estreia - Grbavica, recebeu inúmeros prêmios - entre eles o cobiçado Urso de Ouro em Berlim e indicações para o European Film Awards e o Sundance Film Festival. Retratando os efeitos da guerra iugoslava dos anos noventa sobre a Saravejo contemporânea, através do olhar de uma mãe solteira e sua filha - a produção foi sequenciada por outro longa com pano de fundo semelhante. On the Path é protagonizado por um jovem casal que tem que lidar com os traumas causados pelo conflito na Bósnia que levou a morte milhares de pessoas - e tal como o antecessor conseguiu obter grande êxito por onde foi exibido.

Cena de Grbavica