Opinião do Véio

BRUCE "THE BOSS" SPRINGSTEEN - PARTE 2 - FINAL

2020-03-20T23:12:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio. É um prazer poder estar de volta e fazer as postagens como era de costume. Estou agora com a segunda e última parte da biografia de Bruce Springsteen, dando continuidade aos trabalhos realizados pelo músico/cantor/compositor, que entre fases diferenciadas conseguiu atingir as paradas e superar seus próprios problemas. Sabemos que quem enfrenta depressão tem dificuldade para trabalhar, uma vez que o cérebro atrapalha a concentração, cria ansiedade e crises de pânico. Mas entre altos e baixos, vemos que mesmo assim Bruce consegue continuar com sua carreira e como dizem os terapeutas, enfrentando um dia de cada vez.

Após o pico comercial, Bruce lançou Tunnel Of Love, em 1987. A subsequente turnê Tunnel Of Love Express não teve algumas músicas que o público gostava e apresentou mudanças no arranjos de algumas outras.

Capa do oitavo álbum, de 1987.

Em 1988, a relação de Bruce com a cantora da sua banda de apoio Patti Scialfa se tornou pública e ele se divorciou oficialmente de Julianne. Após liderar a turnê mundial Human Rights Now! (cujos lucros foram revertidos para a Anistia Internacional em 1988), Springsteen dissolveu a E Street Band e se mudou com Patti para a California, onde eles se casaram em 1991.

1992–1998: Irregularidade profissional

Capa do nono álbum, de 1992.

Em 1992, Bruce lançou dois álbuns de uma vez só. Human Touch e Lucky Town apresentam uma sonoridade mais introspectiva do que qualquer um dos trabalhos anteriores de Springsteen. Os álbuns alcançaram boas posições na América do Norte e na Europa.

Capa do décimo álbum, também de 1992.

Em 1994, Bruce ganhou um Oscar pela trilha sonora do filme Filadélfia, "Streets of Philadelphia". Tanto a canção quanto o filme fazem um retrato simpático de um homossexual morrendo com AIDS.

Capa da Trilha Sonora, de 1994.

Em 1995, após reunir temporariamente a E Street Band para a gravação de algumas músicas para seu primeiro "Greatest Hits" (essas gravações foram filmadas e saíram no documentário Blood Brothers), Bruce lançou o álbum The Ghost of Tom Joad, inspirado nos livros clássicos The Grapes of Wrath, de John Steinbeck, e Journey to Nowhere: The Saga of the New Underclass, de Dale Maharidge e Michael Williamson. Esse álbum não teve a mesma boa recepção do seu similar Nebraska, devido às fracas melodias e ao alto conteúdo político das canções, apesar do destaque dado a imigrantes e outras minorias. A subsequente Ghost of Tom Joad Tour, que trouxe versões acústicas e drasticamente alteradas dos velhos clássicos, passou apenas por pequenas casas de shows e Bruce teve que pedir para a plateia não aplaudir e ficar silenciosa durante o show.

Capa do décimo primeiro álbum, de 1995.

Após o término da turnê, Springsteen se mudou novamente para Nova Jérsei. Em 1998, foi lançado um box com quatro discos apenas com canções previamente gravadas e que haviam ficado de fora dos álbuns anteriores, Tracks. Posteriormente, Springsteen declararia que os anos 90 foram "anos perdidos" para sua carreira devido a escassez e a má recepção de seus trabalhos.

1999–2007: Retorno ao sucesso

Springsteen foi introduzido no Rock and Roll Hall of Fame em 1999, pelo amigo Bono do U2. Nesse mesmo ano, ele e a E Street Band fizeram uma turnê de reunião, que foi muito bem sucedida.

Em 2002, o álbum The Rising foi lançado e acabou sendo um sucesso de público e crítica.

Capa do décimo segundo álbum, de 2002.

Em abril de 2005, foi lançado o disco Devils & Dust, que vendeu mais de 650 mil cópias nos Estados Unidos.

Capa do décimo terceiro álbum, de 2005.

O décimo quarto álbum de estúdio, We Shall Overcome: The Seeger Sessions, estreou em terceiro lugar nos mais vendidos.

Capa do décimo quarto álbum, de 2006.

O próximo álbum, Magic, também lançado com a E Street Band, acabou sendo um dos álbuns mais bem sucedidos do artista naquela década. Bruce então saiu, novamente, em uma grande turnê pelo mundo.

Capa do décimo quinto álbum, de 2007.

2008–presente: Atividades recentes

Democrata ativo, Bruce foi uma das primeiras celebridades a manifestar apoio ao candidato Barack Obama na corrida para a presidência dos Estados Unidos em 2008. Durante a campanha, ele apareceu por diversas vezes ao lado do então senador e fez alguns shows em comícios para angariar fundos e apoio a campanha. Em um comício em Cleveland, ele tocou pela primeira vez o single "Working on a Dream". Em janeiro de 2009, em um show feito para comemorar a vitória de Obama, Bruce foi um dos principais artistas a se apresentar.

Bruce com o Presidente Barack Obama e a Primeira Dama Michelle.

Em 11 de janeiro de 2009, Springsteen venceu o Globo de Ouro de melhor canção original por "The Wrestler", que havia sido lançada para trilha sonora de um filme de mesmo nome da canção.

Capa da Trilha Sonora de 2008.

Bruce então se apresentou no aclamado show do intervalo do Super Bowl XLIII em 01 de fevereiro de 2009, aceitando a oferta depois de várias recusas em anos anteriores. Ele mais tarde chamaria esse pequeno show de "uma festa de 12 minutos" e o aclamou como uma de suas melhores performances.

Bruce no Super Bowl em 2009.

Em janeiro de 2009, ele e sua banda lançaram oficialmente o álbum Working on a Dream. O lançamento foi seguido por uma longa turnê mundial.

Capa do décimo sexto álbum, de 2009.

O 17º álbum lançado por Bruce Springsteen, Wrecking Ball, foi lançado em 06 de março de 2012. Em 13 de janeiro, o jornal Hollywood Reporter já havia elogiado as amostras das canções feitas para o disco. De acordo com o artigo, este álbum se tornou o "mais agressivo de Springsteen e fala sobre as dificuldades econômicas do país". As influências e a sonoridade do disco também foi muito elogiado pela crítica. O primeiro single, a canção "We Take Care of Our Own", foi lançado em 19 de janeiro de 2012. Wrecking Ball se tornou o décimo álbum de Bruce a alcançar o topo das paradas dos mais vendidos nos Estados Unidos. Apenas The Beatles (19) e o rapper Jay-Z (12) tem mais discos nos topos das paradas. Wrecking Ball derrubou o álbum 21, da cantora Adele, do topo das paradas após 23 semanas consecutivas em número um.

Capa do décimo sétimo álbum, de 2012.

Wrecking Ball, junto com o single "We Take Care of Our Own", foram nomeado a três Grammy Awards, incluindo por Melhor Performance de Rock e Melhor Canção de Rock por "We Take Care of Our Own" e também recebeu uma nomeação de Melhor Álbum de Rock.

Em outubro de 2012, apesar de ter declarado que não faria nada politico, Springsteen acabou participando da campanha a reeleição do presidente Barack Obama, tocando em Ohio, Iowa, Virginia, Pittsburgh e Wisconsin com o objetivo de angariar fundos para a campanha de Obama. Ele inclusive escreveu a canção "Forward" especialmente para a ocasião da eleição. A campanha de Obama também usou a canção "We Take Care of Our Own" nas propagandas e esta canção também foi tocada na festa da vitória do candidato.

Em 2012, a revista Rolling Stone nomeou o CD Wrecking Ball o álbum número um do ano no seu Top 50.

Em setembro de 2013, Bruce fez um show histórico no festival Rock in Rio, realizado no Rio de Janeiro, na cidade do rock. O show teve mais de 2 horas e 40 minutos de duração e Springsteen surpreendeu os fãs, tocando todas as músicas do álbum Born In the U.S.A.

Em janeiro de 2014, Springsteen lançou seu décimo oitavo álbum, High Hopes. A maioria das canções eram covers de canções já gravadas por Bruce, incluindo o primeiro single. A E Street Band então saiu em turnê, apoiados pelo guitarrista Tom Morello.

Capa do décimo oitavo álbum, de 2014.

High Hopes se tornou o décimo primeiro álbum de Bruce Springsteen a estrear em primeiro lugar nas paradas dos mais vendidos nos Estados Unidos. Ele também estreou no topo das paradas na Austrália, Alemanha, Nova Zelândia e Reino Unido.

Em abril de 2014, a E Street Band entrou no Rock and Roll Hall of Fame. Springsteen já havia entrado neste seleto grupo como artista solo em 1999.

Bruce, em suas letras, deixa evidenciado seu patriotismo, e é uma espécie de porta-voz dos trabalhadores, muitas vezes mencionados em suas canções. O álbum Born to Run está na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame.

Em 14 de junho de 2019, Bruce lançou Western Stars, seu décimo nono álbum de estúdio. O álbum marca o primeiro álbum de estúdio de Bruce com material solo desde Devils and Dust.

Bruce declarou em abril de 2019 que o álbum foi influenciado pela "música pop do sul da Califórnia" dos anos 1970, incluindo artistas como Glen Campbell e Burt Bacharach. Ao anunciar o álbum naquele mês, ele o chamou de "um retorno às minhas gravações solo com canções dirigidas por personagens e arranjos orquestrais radicais e cinematográficos". Western Stars foi bem recebido pela crítica musical.

Capa do décimo nono álbum, de 2019.

"Hello Sunshine" foi lançado em 26 de abril como o primeiro single, junto com um videoclipe. "There Goes My Miracle" foi lançado como o segundo single do álbum em 17 de maio de 2019. O terceiro single, "Tucson Train", foi lançado em 30 de maio de 2019, juntamente com um vídeo dirigido por Thom Zimny. Um videoclipe para o quarto single do álbum, "Western Stars", também dirigido por Zimny, foi lançado em 14 de junho de 2019.

Até os dias atuais, Bruce Springsteen já vendeu mais de 120 milhões de discos.

Vida pessoal

Bruce Springsteen está casado desde 08 de junho de 1991 com a cantora e guitarrista Patti Scialfa, mãe dos seus três filhos: Evan James (nascido em 25 de julho de 1990 (29 anos)), Jessica Ray (nascida em 30 de dezembro de 1991 (28 anos)) e Sam Ryan (nascido em 05 de janeiro de 1994 (26 anos)).

Em 2018 revelou que luta contra a depressão desde 1982 e que ainda não se sente completamente bem, tomando vários medicamentos para se manter equilibrado.

Bem pessoal, por aqui encerro a biografia deste cara que, como todo e qualquer ser humano tem suas guerras particulares (sempre digo que ninguém sabe o que se passa na vida particular de uma pessoa, seja ela pública ou não) e que nos presenteou com grandes pérolas musicais que estão aí para o nosso deleite, pois são obras fantásticas que estão eternizadas pelo tempo e que não deixaremos morrer, porque passaremos adiante para nossos filhos, amigos e parceiros. Até a próxima postagem, galera!

Fiquem com mais de Bruce Springsteen:

BRUCE "THE BOSS" SPRINGSTEEN - PARTE 1

2020-03-19T19:35:00.002-03:00

BRUCE “THE BOSS” SPRINGSTEEN

Salve galera que curte o Blog do Véio. Estive afastado por dois anos, motivos alheios à minha vontade, uma vez que nesse período acabei perdendo (HD externo deu perda total!) todas minhas postagens que não havia ainda publicado. Passada essa fase, acompanhada com o desânimo em ter que refazer tudo, aqui estou de volta para comentar sobre artistas que foram e ainda são importantes para o mundo musical, sem falar na importância que possui em nossas vidas. Quem não possui uma ou mais músicas de cada artista ao qual eu posto e que faz referência a um período, uma fase ao qual vivemos?

Pois neste retorno começo com “The Boss” Bruce Springsteen, ícone do rock não só norte-americano, mas mundial, pois sua música transcende toda e qualquer fronteira, seja ela cultural, social ou até musical (quem curte um estilo, pode curtir vários). E viva o gosto eclético!

Biografia

Bruce Frederick Joseph Springsteen nasceu em Long Branch, Nova Jérsei, em 23 de setembro de 1949 e passou a sua infância e juventude em Freehold Borough, também no estado de Nova Jérsei. O pai dele, Douglas, era de origem holandesa e irlandesa, e, entre outros empregos, trabalhava como motorista de ônibus. A mãe dele, Adele Ann, tinha ascendência italiana e trabalhava como secretária.

1962–1974: Começo da carreira

Aos 13 anos, Bruce ganhou de sua mãe seu primeiro violão. Quando ele fez 16 anos, sua mãe o presenteou com uma guitarra da marca Kent, sobre a qual ele escreveu a canção "The Wish".

Em 1965, Bruce começou a frequentar a casa de Tex e Marion Vinyard, que auxiliavam jovens músicos da cidade. Eles o ajudaram a ingressar na banda The Castiles, primeiramente como guitarrista, depois como vocalista também. O The Castiles gravou duas músicas originais e fez shows em diversos bares e cafés. Marion Vinyard disse que acreditou no jovem Springsteen quando ele prometeu que seria famoso.

No final dos anos 60, Bruce entrou em um trio chamado Earth, que fez vários shows em clubes nos arredores de Nova Jérsei. Durante esse período, ele ganhou o apelido de The Boss ("O Chefe"). Entre 1969 e 1971, Bruce tocou em uma banda chamada Steel Mill, cujos demais integrantes eram Danny Federici, Vini Lopez, Vinnie Roslin e posteriormente Steven Van Zandt e Robbin Thompson. Depois de 71, ele tocou em diversas bandas, sempre em lugares pequenos como bares, clubes e escolas: Dr. Zoom & the Sonic Boom (1971), Sundance Blues Band (1971), e The Bruce Springsteen Band (1971-1972).

1972–1983: Ascensão

Em 1972, Springsteen assinou um contrato com a Columbia Records, através de John Hammond, que dez anos antes intermediara o primeiro contrato entre Bob Dylan e a gravadora. Bruce trouxe, então, diversos de seus colegas músicos de Nova Jérsei para tocar com ele, formando a E Street Band (ainda que demorasse alguns anos para que eles fossem chamados assim). Seu primeiro álbum, Greetings from Asbury Park, N.J., lançado em janeiro de 1973, teve uma boa recepção da crítica, ainda que não tenha vendido bem na época.

Capa do primeiro álbum, de 1973.

Em setembro de 73, The Wild, the Innocent & the E Street Shuffle, segundo álbum de Bruce, foi lançado, recebendo o mesmo aval por parte da crítica e mantendo o pouco apelo comercial do trabalho anterior. Esse álbum demonstra uma musicalidade mais R&B, diferentemente do primeiro álbum, que tendia mais para o folk (influência de Bob Dylan). A canção "Rosalita (Come Out Tonight)" continua uma das favoritas dos fãs, bastante presente nos concertos de Bruce até hoje.

Capa do segundo álbum, também de 1973.

No dia 22 de maio de 1974, o jornalista Jon Landau escreveu uma resenha sobre um show de Bruce em Boston para a revista The Real Paper que dizia o seguinte: "Eu vi o futuro do rock n' roll e seu nome é Bruce Springsteen. Em uma noite na qual eu precisei me sentir jovem, ele me fez sentir como se escutasse música pela primeira vez." Landau posteriormente se tornaria empresário e produtor de Bruce, o ajudando a finalizar o álbum Born to Run.

1984–1991: Auge

O álbum Born to Run, lançado no dia 25 de agosto de 1975, alcançou o sucesso comercial tanto almejado por Springsteen. O disco ficou em 3° lugar nos Estados Unidos e, embora não tenha nenhuma música considerada hit, "Born to Run", "Thunder Road", "Tenth Avenue Freeze-Out", e "Jungleland" são presenças obrigatórias nos concertos de Bruce até hoje e são constantemente tocadas em rádios de rock mundo a fora. A gravação desse álbum foi feita num período tumultuado, pois demorou 14 meses para ser gravado, sendo 6 meses dedicados apenas a canção "Born to Run", fator que causou grande frustração e tristeza em Bruce.

Capa do terceiro álbum, de 1975.

Após o lançamento de Born to Run, Bruce se envolveu em um processo judicial contra Mike Appel, que produziu seus dois primeiros álbuns e coproduziu, ao lado de Jon Landau, o terceiro. O processo, que acabou por meio de um acordo entre ambas as partes, se estendeu por aproximadamente um ano, período no qual Bruce aproveitou para fazer outra extensa turnê pela América do Norte.

Em junho de 1978, saiu o quarto álbum de estúdio de Bruce Springsteen, intitulado Darkness on the Edge of Town, que alcançou o 5° lugar nos Estados Unidos, onde já vendeu mais de 3 milhões de cópias.

Capa do quarto álbum, de 1978.

No final dos anos 70, Springsteen começou a compor músicas para outros músicos/bandas. No começo de 1977, a banda Manfred Mann's Earth Band alcançou o 1° lugar da parada estadunidense de músicas pop com o cover de "Blinded by the Light", presente no álbum Greetings from Asbury Park, N.J. Em 1978, Patti Smith alcançou o 13° lugar nos Estados Unidos com a música "Because the Night", e em 1979, The Pointer Sisters emplacaram "Fire", no 2° lugar dos Estados Unidos.

Em setembro de 1979, Bruce e a E Street Band se juntaram a vários artistas, como James Taylor, Carly Simon e Chaka Khan, para duas apresentações no Madison Square Garden, em protesto contra o uso da energia nuclear. As apresentações foram lançadas como álbum ao vivo e documentário, intitulado "No Nukes", que marcaram o primeiro lançamento oficial de material gravado ao vivo da carreira de Bruce.

O álbum seguinte de Bruce, The River, consolidou o estilo de suas canções focadas na classe operária. As canções desse álbum apresentam um paradoxo intencional entre canções alegres, mais voltadas para o pop-rock, e baladas emocionalmente intensas. Essa mudança de sonoridade antecipou o estilo escolhido durante os anos 1980, mantendo Bruce nas paradas de sucesso. Com esse trabalho, Bruce conseguiu emplacar seu primeiro single no Top 10, a canção "Hungry Heart". O álbum vendeu muito bem, e sua turnê de promoção contou com a primeira longa excursão pela Europa e terminou após uma série de apresentações nas principais arenas norte-americanas.

Capa do quinto álbum, de 1980.

The River foi sucedido pelo disco Nebraska, lançado em 1982. As gravações desse álbum, que conta com várias músicas em formato acústico, serviram apenas para reparar alguns poucos erros nos demos, gravados na casa de Bruce com um simples e antiquado gravador. Canções compostas durante esse período de gravações e que não foram inclusas no álbum, como "Glory Days" e "Born in the U.S.A.", foram lançadas no álbum seguinte. Segundo o jornalista Dave Marsh, Bruce estava com depressão quando escreveu o material para o álbum, causada pela decepção com a brutal queda do padrão de vida estadunidense. Apesar desse álbum não ter vendido tanto quanto seus dois antecessores, recebeu excelentes críticas, recebendo o título de "Álbum do Ano", concedido pela revista Rolling Stone, e influenciando outros artistas, como o U2.

Capa do sexto ábum, de 1982.

O disco Born in the U.S.A. foi lançado em 1984, vendeu 15 milhões de unidades só nos Estados Unidos e se tornou um dos álbuns mais bem sucedidos de todos os tempos, emplacando sete singles no Top 10 estadunidense. O título se refere ao tratamento recebido pelos veteranos da Guerra do Vietnã, alguns dos quais amigos e colegas de banda de Bruce. Os videoclipes das canções do álbum foram feitos pelos prestigiados diretores Brian De Palma e John Sayles. As letras das músicas são muito diretas, mas várias pessoas não entenderam a da faixa-título, que foi acusada de nacionalista e ufanista, apesar de conter críticas à posição do país na Guerra do Vietnã. Alguns anos depois, para acabar com qualquer mal entendido e reforçar o sentido original da canção, Bruce passou a tocar "Born in the U.S.A." apenas com o acompanhamento do violão (essa versão aparece no álbum Tracks). "Dancing In The Dark" foi o single de maior destaque do álbum, alcançando o 2° lugar nos Estados Unidos. No clipe dessa música, a jovem atriz Courtney Cox aparece dançando com Bruce (essa participação alavancou a carreira dela). A canção "Cover Me" foi escrita originalmente para Donna Summer, mas Bruce foi convencido a gravar a música. Grande fã do trabalho de Donna, ele escreveu outra música para ela, "Protection". Durante a turnê de "Born In The U.S.A.", Bruce conheceu a atriz Julianne Phillips, com quem se casaria em 1985.

Capa do sétimo álbum, de 1984.

Em 1985, Bruce aceitou o convite para ser, ao lado de Michael Jackson, Lionel Richie e muitos outros, um dos intérpretes da música "We Are The World", uma parceria de 45 cantores que tinha o objetivo de arrecadar fundos para o combate da fome na África. “We Are The World” foi escrita por Michael Jackson e Lionel Richie.

Bruce no U.S.A.for Africa, em 1985.

Lançado no final de 1986, o box Live/1975–85 se tornou o primeiro box a assumir o 1° lugar nos Estados Unidos. Esse álbum contém 3 cds ou cassetes, e se tornou um dos álbuns "ao vivo" mais vendidos de todos os tempos, superando os 13 milhões de unidades vendidas só na América do Norte.

Durante a década de 1980, diversas revistas e fanzines dedicadas a Bruce foram criadas, inclusive a Backstreet, criada em 1980 em Seattle e que funciona até hoje.

Bem pessoal, essa foi a primeira parte sobre a biografia de Bruce Springsteen, que após alguns álbuns lançados sem sucesso, mas com avaliação positiva dos críticos musicais, atingiu o topo da parada musical, ficando várias semanas na lista da Billboard, a bíblia musical norte-americana.

Fiquem com mais de Bruce Springsteen:

AQUI ESTÃO AS COVERS MAIS CONHECIDAS:

E AQUI A PARTICIPAÇÃO NO PROJETO U.S.A. FOR AFRICA:

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DEEP PURPLE, OUÇA NO VOLUME MÁXIMO - PARTE TRÊS DE TRÊS

2018-03-29T23:41:00.003-03:00

Salve galera que está curtindo a história da carreira dessa banda que fez muito sucesso em toda sua existência, especialmente por causa de seus concertos, uma vez que nem todos os álbuns que o grupo produziu foram grandes êxitos.

Agora comentarei sobre um assunto discordante: o fim e o recomeço. O fim, porque pareceu que tudo naquele momento acabaria, mas o tempo provou que não era exatamente daquela forma que esta grande banda deveria terminar.

O fim

Ao final do show de 15 de março de 1976, em Liverpool, David Coverdale desabafa com Lord: não havia mais clima para continuar com o Deep Purple. Lord desabafa de volta: não havia mais um Deep Purple para continuar. Acabou assim, em clima de confidência, a banda criada oito anos antes e que chegou a figurar no Guinness dos recordes como a mais barulhenta do mundo. Oito meses depois, Bolin morreria de overdose no Resort Hotel de Miami, após uma apresentação. E durante oito anos o Deep Purple permaneceria fora do ar.

Os integrantes do Deep Purple, em 1984.

Nesse período, os membros da banda fariam suas próprias carreiras e plantariam as bases para os futuros desenvolvimentos do Deep Purple. Por ordem de saída:

Ian Gillan - Depois de um breve período de reclusão em que vendeu motos e tentou ter um hotel, foi resgatado para os palcos por Roger Glover e sentiu-se animado o suficiente para criar sua própria banda, a Ian Gillan Band. Numa espécie de jazz-rock, seguiu até o início dos anos 80. Em 1982, dissolveu a banda, para no ano seguinte gravar um disco com o Black Sabbath: Born Again.

Roger Glover - Inicialmente, permaneceu próximo à Purple Records e foi quem mais teve contato com todos os galhos da gigantesca árvore genealógica do Deep Purple. Dois anos depois, conseguiu juntar no mesmo palco os melhores músicos da Inglaterra (muitos deles membros ou ex-membros do Deep Purple, ou seus colegas em outras bandas), no musical Butterfly Ball. Foi a primeira aparição pública de Ian Gillan após o fim do Deep Purple, substituindo Ronnie James Dio (que cantava no Rainbow de Blackmore e passaria depois pelo Black Sabbath). Produziu outras bandas, gravou dois discos solo e voltou a tocar baixo no Rainbow de Blackmore.

Ritchie Blackmore - Com o Rainbow, teve uma das bandas de hard rock de maior sucesso do final dos anos 70 e início dos anos 80, apontando os holofotes para músicos como Joe Lynn Turner e Don Airey, que anos mais tarde participariam do Deep Purple. Roger Glover chegou a tocar com ele.

David Coverdale - Após dois discos solo, formou o Whitesnake e invadiu as paradas de FM dos anos 80. Na banda, tocou com Jon Lord e Ian Paice. De quando em quando, reúne o Whitesnake para turnês.

Jon Lord - Teve uma carreira solo interessante, misturando suas várias influências musicais (clássico, rock e jazz). Compôs trilhas sonoras de filmes com Tony Ashton e os dois se juntaram a Paice para o projeto Paice, Ashton e Lord. Mais tarde, uniu-se a Coverdale no Whitesnake. Depois de lutar contra um câncer, Lord veio a falecer em 16 de julho de 2012.

Ian Paice - Tocou com diversos músicos, inclusive com Gary Moore, além de Paice, Ashton e Lord e Whitesnake.

Glenn Hughes - Reuniu o Trapeze, gravou vários discos solo, tocou com Gary Moore e Pat Thrall, lutou consigo mesmo para se livrar das drogas, cantou no Black Sabbath e mais recentemente gravou dois discos com o também ex-Deep Purple Joe Lynn Turner, o Hughes-Turner Project (HTP).

O recomeço

Capa do décimo - primeiro álbum de estúdio da banda, lançado em 1984.

Em 1984, é anunciada a volta do Deep Purple com a sua formação de maior sucesso (fase II), com Gillan, Blackmore, Paice, Glover e Lord. É lançado o primeiro disco de inéditas desde 1975, chamado Perfect Strangers, que foi seguido por The House Of Blue Light, de 1987. Das turnês destes dois discos, sai o ao vivo Nobody's Perfect, lançado em 1988. Em 1989, Gillan decide sair novamente da banda, e em seu lugar entra o vocalista Joe Lynn Turner, (ex-Rainbow).

Capa do décimo segundo álbum de estúdio da banda, lançado em 1987.

Com esta nova formação, a banda saiu em uma bem-sucedida turnê que foi muito bem elogiada pelos fãs. Embora o novo álbum com Turner, Slaves And Masters, tenha sido comercialmente fraco, a sua turnê não foi. Os shows foram marcados por performances impecáveis da banda e pela excelente presença de palco do vocalista Joe Lynn Turner. Vale lembrar que nessa turnê, o Deep Purple veio ao Brasil pela primeira vez. O set-list continha clássicos da época de Coverdale, e muitos que a banda não tocava há algum tempo.

Capa do décimo terceiro álbum de estúdio da banda, lançado em 1990.

A banda termina a turnê no fim de 1991, e em abril de 1992, começa a gravar o que se tornaria o álbum The Battle Rages On.... Este álbum foi inicialmente gravado e escrito com Joe Lynn Turner ainda na banda, mas no meio de setembro de 1992, Joe é despedido do grupo e em seu lugar entra novamente Ian Gillan, que termina o que restou do The Battle Rages On..., regravando-o com sua voz. O álbum foi lançado em 1993.

Capa do décimo quarto álbum de estúdio da banda, lançado em 1993.

Em dezembro de 1993, após a saída de Ritchie Blackmore devido a conflitos constantes sobre o estilo musical a ser seguido, o guitar-hero Joe Satriani foi convidado a integrar a banda e juntou-se ao Purple para participar da turnê internacional pelo Japão. Com o sucesso dos shows, Satriani foi convidado pelos demais integrantes para permanecer como membro efetivo dela, mas ele não aceitou, mais preocupado com sua carreira solo e com o contrato para um álbum assinado com a Sony.

Antes disso, entretanto, ainda chegou a participar da turnê europeia como guitarrista da banda em 1994, fazendo seu último show com a banda em julho, na Áustria. Após este concerto, Satriani deixou o Purple e cedeu o lugar para o guitarrista Steve Morse, que já havia integrado as bandas Dixie Dregs e Kansas. Steve Morse é o guitarrista do Deep Purple até os dias de hoje.

Capa do décimo quinto álbum de estúdio da banda, lançado em 1996.

A banda se revitaliza e volta com o Purpendicular, de 1996, trazendo novos elementos, porém valorizando os desafios entre guitarras e órgão que fizeram a base musical do estilo do Deep Purple. Segue o razoável Abandon em 1998.

Capa do décimo sexto álbum de estúdio da banda, lançado em 1998.

Em 2002, o tecladista Jon Lord decide abandonar a estrada, e em seu lugar entra Don Airey, um tecladista que passou por diversas bandas de hard rock, entre elas, o Rainbow, de Ritchie Blackmore e o Whitesnake, de David Coverdale, além de Ozzy Osbourne. Com Airey, Gillan, Morse, Glover e Paice são lançados os discos Bananas, em 2003, e Rapture Of The Deep, em 2005.

Capa do décimo sétimo álbum da banda, lançado em 2003.

Em novembro de 2005, chegava às lojas o álbum do Purple, chamado de Rapture Of The Deep, produzido durante o período de março à junho de 2005.

Capa do décimo oitavo álbum de estúdio da banda, lançado em 2005.

Em 2012, o Deep Purple anunciou que iria entrar em processo de produção de um novo disco de estúdio, o primeiro desde 2005. Em abril de 2013 chegava às lojas o álbum Now What?, gravado em Nashville, no ano anterior.

Capa do décimo nono álbum de estúdio da banda, lançado em 2013.

Em abril de 2017, o Deep Purple lançou o álbum Infinite, seu vigésimo álbum de estúdio.

Capa do álbum de 2017.

Em 16 de julho de 2012, o tecladista Jon Lord falece. Ele lutava há quase um ano contra um câncer no pâncreas. Vários músicos de renome expressaram sua tristeza acerca do ocorrido, tais como Geezer Butler, David Coverdale, Lars Ulrich, Tony Iommi, Mike Portnoy, Axl Rose, Slash, Bill Ward, Jordan Rudess, além de sua antiga banda, o próprio Deep Purple.

Todas as formações do Deep Purple

* Fase I "MK I" (1968 - 1969) =˃ Rod Evans – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Nick Simper – baixo / Ian Paice – bateria;

* Fase II "MK II" (1969 - 1973) =˃ Ian Gillan – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

* Fase III "MK III" (1973 - 1975) =˃ David Coverdale – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Glenn Hughes – baixo, vocais / Ian Paice – bacteria;

* Fase IV "MK IV" (1975 - 1976) =˃ David Coverdale – vocais / Tommy Bolin – guitarra / Jon Lord – teclado / Glenn Hughes – baixo, vocais / Ian Paice – bacteria;

*** (1976 - 1984) =˃ O grupo esteve separado. ***

Fase II "MK II", Reunião (1984 - 1989) =˃ Ian Gillan – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

Fase V "MK V" (1989 - 1991) =˃ Joe Lynn Turner – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

Fase II "MK II", Nova Reunião (1992 - 1994) =˃ Ian Gillan – vocais / Ritchie Blackmore – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

Fase VI "MK VI" (alguns meses em 1994) =˃ Ian Gillan – vocais / Joe Satriani – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

Fase VII "MK VII" (1994 - 2002) =˃ Ian Gillan – vocais / Steve Morse – guitarra / Jon Lord – teclado / Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria;

Fase VIII "MK VIII" (2002 - atualmente) =˃ Ian Gillan – vocais / Steve Morse – guitarra / Don Airey – teclado Roger Glover – baixo / Ian Paice – bateria.

O melhor riff da história do rock

Em abril de 2008, os alunos da London Tech Music School, uma das mais conceituadas escolas de música da Grã-Bretanha e de onde saíram integrantes de bandas como o Radiohead, The Kinks e The Cure, elegeram o clássico "Smoke On The Water", um dos maiores sucessos da banda, como o maior riff de todos os tempos na história do rock, na frente de outros clássicos como "Whole Lotta Love" do Led Zeppelin, "My Generation" do The Who, "Born To Be Wild" do Steppenwolf e "Iron Man" do Black Sabbath.

Integrantes

Membros atuais

Ian Paice – bateria, percussão (1968 – 1976, 1984 – presente);

Roger Glover – baixo (1969 – 1973, 1984 – presente);

Ian Gillan – vocal, harmônica, percussão (1969 – 1973, 1984 – 1989, 1992 – presente);

Steve Morse – guitarra (1994 – presente);

Don Airey – órgão, teclado (2002 – presente).

Membros antigos

Jon Lord – órgão, teclado, vocal de apoio, arranjos de cordas (Março de 1968 – Março de 1976, Abril de 1984 – Fevereiro de 2002);

Ritchie Blackmore – guitarra (Março de 1968 – Junho de 1975, Abril de 1984 – Novembro de 1993);

Rod Evans – vocal (Março de 1968 – Julho de 1969);

Nick Simper – baixo, vocal (Março de 1968 – Julho de 1969);

Glenn Hughes – baixo, vocal (Julho de 1973 – Março de 1976);

David Coverdale – vocal, guitarra base (Agosto de 1973 – Março de 1976);

Tommy Bolin – guitarra solo, vocal, baixo (Junho de 1975 – Março de 1976);

Joe Lynn Turner – vocal (Dezembro de 1989 – Agosto de 1992);

Joe Satriani – guitarra (Dezembro de 1993 – Julho de 1994).

Bem pessoal que estava curtindo a história dessa maravilhosa banda, aqui encerro a terceira e última parte dessa que é a realidade de um grupo que decidiu dividir suas paixões e formou uma banda para mostrar suas criações.

Não é fácil manter um sonho quando vários egos estão disputando o mesmo espaço, em cima dos palcos da vida. Entre discórdias e acertos, intrigas e reconciliações, a banda quase sucumbiu ao fim.

Mas o que acontece é que a banda permanece na atividade até hoje, entre mudanças de integrantes e problemas pessoais. Porém, o que a banda criou e deixou de legado fala mais alto do que quaisquer rusgas. E a vida segue.

OBS.: Alguns vídeos não são oficiais, são apenas montagens, mas são músicas que não podem ser esquecidas e como não encontrei uma versão ao vivo que tivesse uma qualidade digna de estar aqui, preferi deixar esses mesmos.

Fiquem com mais de Deep Purple em:

DEEP PURPLE, OUÇA NO VOLUME MÁXIMO - SEGUNDA PARTE DE TRÊS

2018-03-27T02:17:00.003-03:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! A história dessa banda que se segue abaixo mudou o mundo musical, seu jeito de ver a música, sua forma de criar e inovar através da experimentação e da audácia de seus integrantes. Nessa parte, comentarei sobre a criação daquela que seria a marca registrada na vida dos integrantes do Deep Purple e a música que marcaria a trajetória da banda em seus concertos e uma música que não pode deixar de ser tocada em nenhum show.

Conquistando o mundo

O passo seguinte na experimentação do Deep Purple seria gravar um disco de estúdio feito nas mesmas condições de uma apresentação ao vivo. Todos juntos, num mesmo ambiente, criando e gravando juntos como nas longas jams instrumentais que eles faziam no palco. Eles já tinham algumas músicas quase prontas: "Highway Star" começou a ser criada dentro de um ônibus, quando um jornalista perguntou como eles criavam suas músicas. Blackmore disse: "Assim", e começou a tocar um riff agitado. Gillan entrou na farra e começou a improvisar uma letra: "We're on the road, we're on the road, we're a rock'n'roll ba-and!". Em setembro, a primeira versão do que seria "Highway Star" já estava começando a ser experimentada no palco e no programa de TV alemão Beat Club. É dessa apresentação que vem o clipe de "Highway Star" em que Blackmore usa um chapéu de bruxo e Gillan balbucia palavras sobre Mickey Mouse e Steve McQueen. "Lazy" é outra canção que começou a ser testada no palco antes de ir ao estúdio.

Em dezembro de 1971, eles haviam achado o local certo para criar e gravar esse disco: Montreux, na Suíça, onde até hoje ocorre um famoso festival de jazz. O melhor lugar para gravar seria o grande cassino da cidade, onde tradicionalmente havia apresentações musicais. O cassino ainda não estava liberado para o Deep Purple quando eles chegaram. Faltava uma última apresentação, de Frank Zappa, para encerrar a temporada. O grupo, então, foi assistir ao show. Zappa sempre foi um inovador do rock, e naquela apresentação em especial ele usava um sintetizador de última geração. No meio do show, alguém põe fogo no cassino. A música pára. Zappa grita: "FOGO! Arthur Brown, em pessoa!" e orienta os presentes a deixar o cassino calmamente. Em entrevistas, Roger Glover conta que todos realmente estavam calmos, o suficiente para que ele próprio ainda pudesse dar uma olhada no sintetizador antes de sair do prédio. Enquanto isso, Claude Nobs, que até hoje organiza o Festival de Jazz de Montreux, corria de um lado para o outro para tirar alguns espectadores de dentro do cassino.

O grupo foi transferido para o Grande Hotel de Montreux. No inverno, ele estava vazio, era frio e todos os móveis estavam guardados. Eles estacionaram do lado de fora a unidade móvel de gravação dos Rolling Stones, puxaram alguns fios, instalaram confortavelmente seus instrumentos nos corredores do hotel e começaram a ensaiar. O resultado é que até hoje todos os shows do Deep Purple contêm ao menos quatro das sete músicas do disco Machine Head, lançado em 1972.

Capa do sexto álbum de estúdio, lançado em 1972.

Curiosidades sobre o álbum Machine Head:

• A canção “Never Before” foi concebida para ser o single principal do álbum, porém não teve êxito comercial e continua sendo uma das mais esquecidas.

• Curiosamente, os integrantes da banda não esperavam que “Smoke On The Water” seria a canção mais famosa do álbum e que se tornaria uma das músicas mais conhecidas do rock até hoje.

• “When a Blind Man Cries”, canção aclamada pelos fãs e muito presente nas apresentações ao vivo, acabou não sendo lançada no álbum original, simplesmente porque Ritchie Blackmore não gostava da música.

• Todo o material do disco foi feito ao vivo, sem o uso de overdubs e o que foi ouvido depois não foi retocado.

A famosa foto da ''fumaça sobre a água", no incêndio do cassino em Montreaux.

A história inteira da gravação é contada em poucas palavras na música "Smoke On The Water", a última a ser gravada no disco. Blackmore havia criado um riff que não fora usado, apelidado então de "durrh-durrh". Não havia letra. Então veio a ideia de escrever sobre o que acontecera na gravação do disco. Gillan afirma que eles estavam num bar quando Roger Glover escreveu num guardanapo o título da música (que significava "fumaça sobre a água", uma boa descrição da fotografia que um jornal publicou no dia seguinte ao incêndio). Glover diz que a expressão lhe surgiu em um sonho e que Gillan lhe respondeu: "não vai rolar; parece nome de música sobre drogas, mas nós somos uma banda que bebe". Nenhum deles apostava que passaria mais de trinta anos tocando "durrh-durrh" toda noite, tamanho o sucesso que a música alcançou. Apesar de ter sido gravada em dezembro, ela só entrou no setlist em 09 de março, num show na BBC. Essa primeira apresentação consta de In Concert 1970 – 1972.

Capa do sétimo álbum de estúdio da banda, produzido em 1972.

O ano de 1972 é movimentadíssimo, e nele o Deep Purple chegou pela primeira vez ao Japão, onde foi gravado seu mais famoso disco ao vivo, Made In Japan. Na Itália, o grupo também preparava a gravação de Who Do We Think We Are. O ritmo de trabalho da banda, porém, custou caro a eles. Por diversas vezes, membros do grupo ficaram doentes. O guitarrista Randy California chegou a substituir Blackmore em um show, e Roger Glover substituiu Gillan em outro. Os relacionamentos entre os membros, especialmente entre Gillan e Blackmore, também não iam bem. Em dezembro, Gillan entregou seu pedido de demissão, avisando que deixaria o grupo no final de junho de 1973, dando aos empresários e aos colegas seis meses para decidir o que fazer do grupo.

O álbum ao vivo, de 1972.

Tempo de mudanças

Em 29 de junho de 1973, na segunda viagem do grupo ao Japão e após um show impecável, em que Jon Lord incluiu o "Parabéns a Você" para Paice em seu solo de teclado (era o aniversário do baterista), Ian Gillan volta ao palco e avisa que seria o último show do Deep Purple com aquela formação. Durante o show, não havia nenhum outro sinal de desgaste. Em retrospecto, o silêncio de Gillan na hora de cantar o verso "no matter what we get out of this" ("não importa o que possamos tirar disso") em "Smoke On The Water" podia indicar que tudo o que ele poderia tirar daquilo já havia acabado. Glover também deixou o grupo, passando a se dedicar à produção, no departamento artístico da Purple Records, a gravadora do grupo.

O primeiro novo integrante recrutado para o Deep Purple, logo após o fim da fase II, foi o baixista Glenn Hughes, que cantava e tocava baixo no grupo Trapeze. A dupla habilidade empolgou Blackmore e Lord, mas ele não seria deixado sozinho nos vocais. O plano do Deep Purple era buscar a voz de Paul Rodgers (ex-Free, ex-Bad Company). Após um primeiro contato, ele pediu um tempo para pensar e decidiu continuar com sua banda na época, o então Free. Enquanto seguia a busca pelo novo vocalista, Blackmore e Hughes iam se conhecendo e tocando juntos. O que se tornaria o blues "Mistreated", sem a letra, foi composto nessa época.

A hipótese de tocar o grupo com apenas quatro membros foi cogitada, mas a ideia de ter dois vocalistas falou mais alto. Com essa ideia nas ruas, os empresários do Deep Purple não paravam de receber fitas de novos artistas. Uma delas fora enviada por um rapaz de vinte e um anos, que cantava desde os quinze anos: David Coverdale. Sua banda e o Deep Purple já haviam cruzado caminhos em novembro de 1969, num show na Universidade de Bradford, quando Gillan e Glover haviam acabado de entrar para o Deep Purple. O teste de Coverdale ocorreu em agosto de 1973. Durante seis horas, eles tocaram material do Deep Purple e canções mais conhecidas, como "Long Tall Sally" e "Yesterday". Quando Coverdale foi para casa, o restante do Deep Purple saiu para beber e decidiu: era o gordinho mesmo (nos meses seguintes, os empresários da banda lhe dariam alguns remédios para afinar a aparência).

Em 09 de setembro, o novo grupo se trancou por duas semanas no Castelo de Clearwell para compor. Empolgadíssimo, Coverdale (cuja experiência de palco era apenas com a gravação de demos) escreveu quatro letras diferentes para a música que seria "Burn". Uma delas se chamava "The Road". No dia 23, um dia depois de Coverdale completar vinte e dois anos, a fase III foi apresentada à imprensa inglesa. Em novembro, foi gravado o disco Burn, novamente em Montreux, com a mesma unidade móvel dos Rolling Stones com que foi gravado Machine Head. A nova equipe estrearia no palco em 08 de dezembro, na Dinamarca. Era a estreia da fase III do Deep Purple. O disco só sairia em 1974.

Capa do oitavo álbum de estúdio da banda, produzido em 1973.

O som da nova formação era marcado pela maior velocidade e técnica de Blackmore na guitarra e pela tensão entre os dois cantores. No estúdio, os duetos eram perfeitos. No palco, Hughes punha a trabalhar toda a potência de seus pulmões sempre que podia, muitas vezes chegando a intimidar Coverdale. O baixista e cantor também acrescentou à receita do Deep Purple uma boa pitada de tempero de soul e funk (que Blackmore aceitou inicialmente a contragosto) por entender que apesar de este estilo estar nas paradas de sucesso da época, não fazia parte, até então, dos elementos constitutivos do som do Deep Purple.

Em 06 de abril de 1974, o grupo se apresentou na Califórnia, Estados Unidos, para uma plateia de duzentos mil pessoas. Era o festival California Jam, que duraria doze horas e seria liderado pelo Deep Purple. O show, e particularmente o mau humor de Blackmore com o fato de ter de começar a tocar antes do anoitecer com câmeras em cima do palco, ficou famoso por ser explosivo: o guitarrista destruiu uma câmera em funcionamento com sua guitarra e, não contente, explodiu um amplificador. A silhueta do guitarrista em frente às chamas do amplificador é uma das cenas mais poderosas de toda a iconografia do rock.

Ritchie Blackmore explode seu amplificador no festival California Jam, em 1974.

Trinta anos depois, Josh White, diretor de filmagens do evento, lembrou de como ele pode tê-lo induzido a isso: "Eu falei com ele na noite anterior. O Deep Purple fez um ensaio técnico, e eu perguntei se ele ia quebrar a guitarra dele. E Richie disse: 'sim, talvez. Sei lá, que merda'. Ele estava meio puto com várias coisas que não tinham nada a ver comigo. E eu disse: 'Veja, se você for quebrar a guitarra, privilegie a câmera. Vou fazer uma bela filmagem e vai ficar genial'. E ele privilegiou bem a câmera, gerando US$ 8 mil de prejuízo."

Capa do nono álbum de estúdio da banda, produzido em 1974.

A terceira formação do Deep Purple acabaria um ano depois de California Jam, em 07 de abril de 1975, uma semana antes de Blackmore completar trinta anos de idade. Era a turnê de lançamento do disco Stormbringer na Europa. Com ainda mais balanço soul/funk, o disco desagradou bastante a Blackmore. Ele já tinha algumas ideias na cabeça, e ao sair já tinha uma nova banda formada: o Rainbow. Restava ao grupo o dilema entre continuar sem Blackmore, o criador de todos os riffs que tornaram o Deep Purple famoso, ou partir para outra, aproveitando que o grupo era um dos mais lucrativos de toda a história do rock.

Capa do décimo álbum da banda, produzido em 1975.

Decidiram continuar, convidando o guitarrista Tommy Bolin, o primeiro norte-americano a fazer parte do grupo. Com essa formação (fase IV), gravam o disco Come Taste The Band, ainda mais suingado. A turnê é complicada, um tanto devido aos problemas de Bolin e Hughes com drogas. Em vários shows, como o registrado em Last Concert In Japan, Bolin não conseguia tocar porque seu braço estava anestesiado de drogas. Garotos talentosos, de vinte e poucos anos, ao entrar em uma máquina de fazer dinheiro na indústria do entretenimento, correm o sério risco de perderem o senso de proporção. Foi o que ocorreu na época.

Capa do álbum ao vivo na Ásia, produzido em 1977.

Bolin tinha dois agravantes: insegurança e baixa auto-estima. Tudo isso apesar de ter gravado belíssimos discos solo, ser considerado um gênio da guitarra e ter tocado com magos do jazz como o baterista Billy Cobham. Bolin não suportava ser comparado pelos fãs aos carismáticos antecessores que teve em grandes grupos de rock. O Deep Purple era a segunda vez em que ele substituía um grande guitarrista. Anteriormente, havia tocado na James Gang. No Deep Purple, ele chegou a discutir com a plateia por algumas vezes, durante apresentações.

Bem galera que está curtindo a história do Deep Purple. Como sempre comento em carreiras que são sucesso, “nem tudo são rosas e perfumes”, ou seja, o sucesso é apenas um lado da moeda. Existe a parte tensa da convivência dos integrantes, as discórdias, as desavenças, as doenças. E garanto a vocês, eles são apenas seres humanos tentando conviver em um mundo que cobra um preço alto para quem está sobre os holofotes.

Fiquem com mais de Deep Purple em:

DEEP PURPLE, OUÇA NO VOLUME MÁXIMO - PRIMEIRA PARTE DE TRÊS

2018-03-25T02:01:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! É uma satisfação estar de volta nesse ano de 2018, comentando sobre uma banda que é um marco no cenário musical.

Embora eu tenha praticamente nascido na época em que os caras formaram a banda, eu só vim a conhecê-los graças ao famoso riff de guitarra de “Smoke On The Water”, um som caracteristicamente grudento, no sentido de ficar em nossa memória, grudado como se fosse um chiclete. Chiclete às vezes doce, às vezes amargo, devido a violência com que a música vibra em nossas cabeças.

Então vamos curtir a história dessa banda que deixou sua marca registrada na história do rock para toda a eternidade.

Deep Purple é uma banda britânica de rock formada em Hertford, Hertfordshire, em 1968. Juntamente com as bandas Black Sabbath e Led Zeppelin, o Deep Purple é considerado um dos pioneiros do heavy metal e do hard rock moderno, embora alguns de seus integrantes tenham tentado não se categorizar como apenas um destes gêneros. A banda também incorporou elementos do barroco, da psicodelia, do blues e do rock progressivo ao seu som. Foram listados pelo Livro Guiness dos Recordes "como a banda com o som mais alto ao vivo no mundo", e venderam mais de 100 milhões de álbuns ao redor do mundo.

A banda passou por diversas mudanças de formação, além de um período de oito anos (1976 – 1984) parados. As formações do período 1968 – 1976 foram comumente chamadas de fases (MK) I, II, III e IV. A marca da banda sempre foi a mistura de guitarra e teclado, com riffs simples e fortes e solos vigorosos. O Deep Purple ficou na 22ª posição na lista dos "Maiores Artistas de Hard Rock" do canal de TV VH1, recebeu o título de "Lenda da Música" na premiação World Music Awards de 2008 e entrou no Hall da Fama do Rock and Roll em 2016.

HISTÓRIA

O início (1967 – 1968)

Em 1967, Chris Curtis, ex-baterista do The Searchers, contatou o empresário de Londres Tony Edwards, na esperança de que ele conseguiria um novo grupo que estava montando, para se chamar Roundabout. Eles se revezariam em torno do baterista, como num carrossel. Depois de a ideia ter sido comprada pelo produtor Tony Edwards, o primeiro músico a descobrí-la foi o tecladista Jon Lord, colega de Curtis nos The Flowerpot Men, onde também tocava o baixista Nick Simper.

Era o final dos anos 60, e Curtis estava metido até o pescoço no espírito da época. Certa vez, Lord entrou no apartamento e encontrou as paredes cobertas de papel-alumínio. Seu colega havia redecorado a casa para mudar o astral. Liga, desliga, cai na estrada: Curtis desapareceu.

O grupo achou um guitarrista (Ritchie Blackmore, conhecia um baterista), Ian Paice, que trouxe um colega da The Maze, o vocalista Rod Evans. Com a saída de Curtis, acabou a ideia do rodízio e a banda precisava trocar de nome. Em fevereiro de 1968, depois de queimar pestana em uma lista de nomes que incluía o pomposo Orpheus, acabou vencendo o título da música favorita da avó de Blackmore: Deep Purple.

Capa do primeiro álbum, lançado em setembro de 1968.

O primeiro disco, Shades Of Deep Purple, foi lançado em setembro de 1968. Recheado de regravações (incluindo versões progressivas de "Help!", dos Beatles, e "Hey Joe", de Jimi Hendrix), o disco estourou nas paradas de sucesso dos Estados Unidos com uma música de Joe South: "Hush", o primeiro single da banda. Em dezembro daquele ano, quando o segundo disco The Book Of Taliesyn já havia sido lançado, eles fizeram sua primeira turnê na América, acompanhando o Cream.

Capa do segundo álbum, lançado em dezembro de 1968.

Nessa turnê, além de visitar a mansão de Hugh Hefner, criador da revista Playboy, o grupo também descobriu que outro motivo de seu sucesso no Novo Mundo vinha do nome da banda, o mesmo de uma droga então muito popular na Califórnia. O segundo disco também trazia regravações, como "River Deep, Mountain High" (sucesso na voz de Tina Turner), "We Can Work It Out" (Beatles) e "Kentucky Woman" (Neil Diamond). A composição "Wring That Neck" (chamada de "Hard Road" nos Estados Unidos, pela violência do nome) sobreviveu, no setlist do grupo, à extinção da primeira formação no ano seguinte. Foi o veículo de algumas das mais inspiradas trocas de solos entre Blackmore e Lord.

Em 1969, Blackmore e Lord estavam descontentes com a sonoridade do grupo. Ambos queriam experimentar mais com volume e eletricidade, mas consideravam que a voz de Evans não acompanharia as mudanças. O terceiro disco do grupo, chamado Deep Purple, reflete a tensão de uma banda que tinha os pés no rock inglês dos anos 60 e a cabeça em algo que ainda estava por ser criado. Sob convite do baterista Mick Underwood, em 24 de junho, Blackmore e Lord foram conferir uma apresentação do grupo Episode Six, de cujo vocalista (Ian Gillan) o ex-colega de Blackmore havia falado muito bem. Os dois membros do Deep Purple chegaram a subir ao palco para uma jam. Começou aí o mês mais tenso e criativamente decisivo em toda a carreira do Deep Purple.

Capa do terceiro álbum, de 1969.

Blackmore, Lord e Paice combinaram um teste com Ian Gillan. Ele levou seu amigo Roger Glover, baixista também do Episode Six. Juntos, os cinco gravaram o single "Hallellujah", no dia 7 de junho. Aprovados os dois, o Deep Purple passou a ter vida dupla. Durante o dia, a segunda formação ensaiava no Hanwell Community Centre. À noite, a primeira formação continuava se apresentando como se nada estivesse ocorrendo. Evans e Simper não sabiam o que estava por acontecer até a véspera da estreia da fase II nos palcos, em 10 de julho. A situação era tão maluca que, em 10 de junho de 1969, Episode Six e Deep Purple se apresentaram em bailes de Cambridge. O Deep Purple fez onze apresentações entre a escolha dos novos membros e a estreia da nova fase; o Episode Six, oito. Mas Gillan e Glover ainda fizeram outros quatro shows para cumprir contrato com o E6 até o dia 26 de julho, intercalando com os três primeiros shows da fase II.

Capa do primeiro álbum ao vivo, de 1969.

Os projetos que já vinham ocorrendo, porém, continuaram. O terceiro disco tinha acabado de ser lançado na Inglaterra quando a nova formação, com sua proposta sonora mais ousada, estreou. Jon Lord também estava finalizando seu Concerto For Group & Orchestra, que seria apresentado no Royal Albert Hall, com a Royal Philharmonic Orchestra, no dia 24 de setembro. Nesse dia, além de mostrarem o novo tipo de composição idealizado por Lord (unindo as linguagens da música erudita e do rock), os ingleses de todas as classes sociais conheceram "Child In Time", composta ainda em Hanwell.

Capa do quarto álbum, lançado em 1970.

A composição mostra tudo o que a nova formação trazia de novo em relação à anterior: mudanças de ritmo, solos poderosos, gritos de banshee. O novo Deep Purple era elétrico e explosivo, e isso ficaria muito claro no primeiro disco da nova formação, In Rock, lançado em junho de 1970. Os ingleses puderam conhecer faixa por faixa do novo disco via BBC durante os vários meses que levaram ao lançamento. Conheceram inclusive faixas inéditas, como "Jam Stew", e uma versão primitiva de "Speed King" chamada "Kneel And Pray", com uma letra completamente diferente e muito mais maliciosa do que a conhecida e cantada até hoje.

Capa do quinto álbum, lançado em 1971.

O segundo disco da fase II foi Fireball, que mantém a eletricidade mas envereda por um caminho mais experimental. Até um country ("Anyone's Daughter") o disco inclui, ao lado de longos instrumentais como os de "Fools" e canções mais próximas das que havia no disco anterior, como "Strange Kind Of Woman". Os shows da turnê de 1971, disponíveis apenas em gravações piratas, mostram uma banda mais madura e mais ousada. É nessa turnê que Ian Gillan começa a fazer duelos de sua voz com a guitarra de Blackmore, por exemplo.

Bem galera que está curtindo a história da banda Deep Purple, esse é o fim da primeira parte da carreira dessa que foi um ícone no mundo musical mundial devido à sua técnica e inovação criada no início de sua jornada, que veio para permanecer em nossa memória e nossos corações.

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NENHUM DE NÓS - POP ROCK DO SUL

2017-10-21T02:17:00.003-02:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Eu relembro muita coisa boa comentando sobre essas bandas do meu estado. Esta, por exemplo, deveria estar na coletânea Rock Grande do Sul, afinal, um disco com doze faixas não seria demais. O Nenhum de Nós foi contratado, coincidentemente, pela mesma gravadora, que deveria estar procurando por banda novas, com potencial para o sucesso.

Eu disse que relembro de coisas boas porque, como disse anteriormente, trabalhava em uma rádio FM em minha cidade e após terminar meu horário, lá pela uma hora da manhã, eu pegava minha maleta com os 70 LPs (contadinhos) e ia para onde a sonorização da qual eu fazia parte estava, para fazer o que eu conhecia muito bem: tocar música.

Vocês podem perceber que sou eclético nas minhas postagens e nas minhas preferências musicais. Como éramos oito pessoas para embalar estas festas de clubes ou ginásios, cada um escolhia um estilo de música. Sempre fui muito “antenado” no que tocava de sucesso em rádio, tanto AM quanto FM. Na nossa região, no ano de 1988/89, tínhamos AMs que tinham um repertório muito melhor que algumas FMs.

Então, o que escolhi? O dance pop que tocava na época. Modestamente, lancei muitas tendências da época como Roxette, Modern Talking, Desireless (“Voyage, Voyage”), O.M.D., Depeche Mode, Kon Kan, Erasure e outras grandes preciosidades.

Bem, voltando ao assunto pertinente, em um final de semana maravilhoso do ano de 1989, o meu colega me avisou que eu estava em um belo dilema: a sonorização estava realizando duas festas. Em uma cidade vizinha estávamos sonorizando outra vez Os Engenheiros do Hawaii e em minha cidade natal, o Nenhum de Nós.

Pensei muito pouco tempo, pois havia assistido ao show dos Engenheiros não fazia quatro meses e não conhecia o Nenhum de Nós ao vivo, somente tocava os LPs que tínhamos deles (o primeiro disco deles era da sonorização e eu tinha o Cardume).

No começo era um trio de amigos.

História

Nenhum de Nós é uma banda de rock brasileira, formada em 1986 na cidade de Porto Alegre, no estado do Rio Grande do Sul, a banda foi formada pelos músicos Thedy Corrêa, Carlos Stein, Sady Homrich, Veco Marques e João Vicenti.

Sady Homrich e Carlos Stein se conheceram nos tempos da primeira série escolar, mais tarde, na 5º série, conhecem Thedy Corrêa. Na faculdade, Stein foi um dos fundadores do grupo Engenheiros do Hawaii. Depois de dois shows, saiu para formar uma banda com os amigos Thedy e Sady que, por sua vez, tinha um grupo de samba na faculdade, onde tocava percussão, chamado Grupo do Fadinho.

Depois virou um quarteto.

O início (1986 - 1987)

Após decidirem formar a banda, Sady começou a ter aulas de bateria. O local dos ensaios era a garagem da namorada de Thedy, e o grupo contava com uma bateria improvisada, uma caixa emprestada, um violão convertido fazendo a vez de contrabaixo e uma guitarra. Também ensaiavam quase todas as tardes no bar Bangalô, onde Sady trabalhava como músico.

O espetáculo de lançamento do trio com o nome Nenhum de Nós foi no mesmo bar, com um público de umas 80 pessoas entre amigos e parentes. Precisavam de um nome para a apresentação. Eles buscavam um nome que provocasse curiosidade e que denotasse algo em comum entre os três: nenhum de nós enxerga direito, nenhum de nós repetiu o ano na escola, nenhum de nós foi para o quartel... e o nome da banda acabou sendo este: Nenhum de Nós.

Após algum tempo, foram chamados para abrir um espetáculo do DeFalla na Sociedade de Amigos da Praia do Imbé (SAPI). Antônio Meira, produtor, gostou da música dos jovens e eles, então, assinaram com a BMG Ariola e gravaram seu primeiro álbum. O disco, homônimo, foi lançado em 1987 e vendeu 30.000 cópias.

Sucesso nacional (1988 - 1993)

O 1º disco do Nenhum de Nós, com o mesmo nome, foi lançado em 1987. A música que se destacou e consagrou a banda foi “Camila, Camila”, seu clássico absoluto, chegando ao 3° lugar na parada brasileira. Acredito que até hoje, algumas pessoas não entenderam direito a história da garota Camila, cantada repetidamente, pois foi a mais executada em rádios no ano de 1988/89.

Capa do primeiro disco, de 1987.

Na música, Camila é uma menina de 17 anos que sofre nas mãos de um “namorido” cruel. “E eu que tenho medo até de suas mãos, mas o ódio cega e você não percebe / E eu que tenho medo até do seu olhar, mas o ódio cega e você não percebe” ....”da vergonha do espelho, daquelas marcas / Havia algo de insano naqueles olhos / Os olhos que passavam o dia à me vigiar”. Mais tarde volto a falar de Camila.

Nesse disco vê-se claramente a influência da banda inglesa New Order, embalada pelo seu caldeirão de inspirações. Com sonoridade desde sempre original, o grupo já assumia a característica de compor músicas extensas e letras lógicas, onde tratavam temas sociais, relacionamento, viagem interior.

A última faixa do lado B, "Frio", traz uma participação especial bem interessante: Vitor Ramil por telefone. Esse disco não foi lançado em CD até hoje tornando-se uma raridade e objeto de desejo dos fãs mais novos. Vendeu mais de 30.000 cópias na época, mas não repercutiu na mídia antes do single ''Camila, Camila'' se tornar um sucesso.

O sucesso promoveu novos shows no Rio de Janeiro e em São Paulo e o lançamento do 2° álbum, Cardume, produzido por Reinaldo Barriga que foi lançado em março de 1989 e vendeu 250.000 cópias, garantindo à banda seu primeiro disco de ouro. Uma das participações especiais do disco é Renato Borghetti, com sua gaita-ponto na faixa “Fuga”. Coisa que uma banda de rock não havia feito até então.

Capa do álbum de 1989.

Lembram da Camila? Pois ela está de volta neste álbum. A música é a citada acima: “Fuga”. Pois é, a Camila conseguiu se livrar do crápula que a espancava e atormentava psicologicamente. “A garota se mandou’’ [...] “então adeus é mais que um pensamento...”. E no finalzinho da música, após o solo de Renato Borghetti, Thedy Corrêa sussurra: “A vergonha do espelho, daquelas marcas / Havia algo de insano naqueles olhos, a me vigiar”.

As guitarras pesam nesse disco, que tem ainda uma faixa em inglês. No álbum está incluída “Astronauta de Mármore”, versão da música “Starman” de David Bowie, que foi a música nacional mais tocada naquele ano. Por minha conta, indico também, a bela “Eu Caminhava” (a original, com dois finais), com sua energia, ritmo contagiante e crítica, assim como a faixa-título.

O ano de 1990 é marcado pela entrada do guitarrista Veco Marques. O 3° álbum da banda é lançado nesse mesmo ano, Extraño, com fortes influências da música gaúcha, com a participação de Luís Carlos Borges A canção “Extraño” ganha clipe de grande repercussão para época.

Capa do álbum de 1990.

A música “Sobre o Tempo” é incluída na trilha sonora da telenovela Barriga de Aluguel, da Rede Globo e ganha clipe especial do Fantástico (assim como “O Astronauta de Mármore”), alavancando as vendas do álbum, que chegou à 50.000 cópias vendidas. Em 1991, se apresentam no Rock in Rio II, no penúltimo dia do festival, marcando a entrada de João Vicenti como músico convidado.

Em junho do ano seguinte, é lançado o quarto álbum de estúdio da banda, também homônimo, com influências do pop da década de '70. O videoclipe de um dos singles do álbum, “Ao Meu Redor”, é eleito o melhor do Brasil pela votação do público na MTV e a banda vai para Los Angeles, representar o Brasil no MTV Video Music Awards 1992. Ainda neste álbum, está incluída uma versão da música “Sangue Latino” (do grupo Secos e Molhados) que ganhou uma versão dance que tocou nas rádios do país inteiro, outra versão para “Tente Outra Vez” de Raul Seixas e também “Jornais”, que teve um clipe de muito sucesso no Top 20 Brasil, da MTV.

Capa do álbum de 1992.

Rescindido o contrato com a BMG, a banda começa um novo projeto e passa o ano de 1993 entre os shows da turnê do quarto álbum e a composição de um novo trabalho.

Fase independente (1994 - Presente)

Em 1994, é lançado o primeiro álbum ao vivo do Nenhum de Nós, Acústico ao Vivo, gravado no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, em março de 94. Garantiu à banda seu segundo disco de ouro. Esse álbum foi relançado em CD, em 2012. A música “Diga à Ela” foi lançada como single do álbum e ganhou um videoclipe ao vivo de alta rotação na MTV. Foi um dos precursores do formato acústico para bandas de rock, que faria muito sucesso no Brasil nos anos seguintes.

Capa do álbum acústico, de 1994.

Em 1996, é lançado pela Velas o 5° disco da carreira da banda. É o primeiro em que João Vicenti é reconhecido como membro oficial da banda. Mundo Diablo conta com parcerias com Edgard Scandurra (Ira!), Herbert Vianna (Paralamas do Sucesso), Flavio Venturini (14 Bis) e Fito Paez. Em 1997, a banda se apresenta, dia 1º de fevereiro, no festival Planeta Atlântida, que naquele mesmo dia contou também com Skank. Enquanto isso, o clipe de “Vou Deixar Que Você Se Vá” fica em 1° lugar no Disk MTV.

Capa do álbum de 1996.

Em dezembro de 1998 sai Paz e Amor, produzido por Sacha Amback. O álbum tem influência do novo rock inglês e tem elementos de música eletrônica. As músicas, "Você Vai Lembrar de Mim" e "Paz e Amor" são as principais músicas desse álbum, atualmente as músicas possuem milhões de acesso no Youtube apesar de na época o álbum não tenha atingido o disco de ouro.

Capa do álbum de 1998.

No início de 2000, sai o álbum Onde Você Estava em 93?, que foi gravado em 1993, mas só foi lançado pela ACIT em 2000, pois a BMG havia rejeitado-o por ser 'não-comercial'.

Capa do álbum de 2000, gravado em 1993.

No dia 05 de Janeiro de 2001 é lançado Histórias Reais, Seres Imaginários, álbum muito bem recebido pelo público e que ainda garantiu um clipe para “Amanhã ou Depois”, música que ficou semanas nas paradas do Brasil inteiro e a música “Julho de 83” também fez bastante sucesso e marcou a volta da banda para palcos não-sulistas..

Capa do álbum de 2001.

Em 2003, é lançado o segundo álbum ao vivo da carreira da banda. Acústico ao Vivo 2 é o registro dos sucessos da banda, pela segunda vez, no Theatro São Pedro. Assim como o primeiro, vendeu 100.000 cópias, garantindo à banda seu terceiro disco de ouro.

Capa do álbum de 2003, ao vivo.

Em 2005, é lançado Pequeno Universo, com 11 músicas originais inéditas e 2 releituras, “Eu e Você Sempre” de autoria de Jorge Aragão e “Raquel” de Jorge Drexler. Produzido por Sacha Amback, o disco chegou às lojas no Inverno de 2005 e recebeu rapidamente a alcunha de "o melhor disco do Nenhum de Nós".

Capa do álbum de 2005.

Pequeno Universo flagra o Nenhum de Nós no auge da sua popularidade. Com o respaldo do disco de ouro alcançado no ano anterior, a banda teve liberdade total para produzir o seu primeiro disco de inéditas desde Histórias Reais, Seres Imaginários, de 2001.

Desta vez longe do circuito das grandes gravadoras e livre da responsabilidade de produzir hits lucrativos, Thedy Correa e companhia misturaram todas as suas influências, dos Beatles ao tango argentino, e produziram o disco que venceria naquele ano o Prêmio Açorianos de melhor disco pop.

Neste disco, o Nenhum de Nós se lançou como pioneiro na inclusão de faixas interativas em discos musicais. Como tentativa de burlar a pirataria, que havia impedido o disco anterior da banda de alcançar números ainda mais expressivos, o grupo inseriu imagens de making off e fotos exclusivas que só poderiam ser conferidas nas cópias originais do CD.

Capa do álbum de 2007, lançado pela Universal Music.

Em 2007 o Nenhum de Nós lançou A Céu Aberto, o terceiro álbum ao vivo e segundo DVD da banda que foi gravado e originalmente lançado pela Universal Music, e relançado pela Radar Records, em 2014 com Nova Capa.

Capa do álbum de 2014, relançado pela Radar Records.

Paz e Amor Acústico é o quarto álbum ao vivo do Nenhum de Nós. Foi lançado em 2009. O show registrado nesse álbum foi realizado no final do ano 2000, no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, durante a turnê de divulgação do álbum Paz e Amor. Portanto, traz o repertório baseado naquele disco além de alguns clássicos da banda e mais três faixas bônus, gravadas no estúdio.

Capa do álbum acústico de 2009.

O Nenhum de Nós sai de um hiato de seis anos sem novas composições para lançar Contos de Água e Fogo em 2011, álbum que conta a participação de Duca Leindecker e Leoni. O primeiro single foi “Outono Outubro”, lançado digitalmente pelo site da banda e o segundo (e principal) single foi “Último Beijo”, que ganhou um videoclipe. Destaco também a bela “Primavera no Coração”.

Capa do álbum de 2011.

Em 2012 o Nenhum de Nós lançou uma coletânea intitulada Outros com gravações de outros compositores, já que estas músicas estiveram presentes sempre em seus álbuns.

Capa da coletânea de 2012.

Em 2013, lançaram o CD e DVD Contos Acústicos de Água e Fogo durante a turnê que divulga o álbum Contos de Água e Fogo e que recebeu o “Prêmio Açorianos” 2013 pela Prefeitura de Porto Alegre.

Capa do álbum acústico de 2013.

Em 2015 a banda lançou o álbum Sempre é Hoje com 10 faixas novas que compõem o repertório e o que ouvimos aqui é tipicamente o som do Nenhum de Nós. A ótima “Milagres” abre o disco e esta é, sem dúvida, a melhor faixa do álbum, além de ter aquele som típico do grupo. “Descompasso” mantem o mesmo clima e parece trazer um pouco mais do som produzido na Inglaterra no início dos anos 80 e que certamente influenciou muito o grupo.

Capa do álbum de 2015.

A balada “Foi Amor” traz a colaboração da cantora Roberta Campos que divide a composição e os vocais. Instrumental delicado, baseado no piano e com orquestrações bem-vindas. Sempre é Hoje é um disco com arranjos bonitos e nada simplistas. A produção permite que os instrumentos sejam identificados individualmente e assim podemos perceber as nuances das composições.

Em 2017 o Nenhum de Nós lançou o 18º álbum na sua já extensa discografia, entre discos de estúdio, acústicos, ao vivo e um trabalho de covers. Após demonstrar a força autoral no álbum de músicas inéditas em Sempre é Hoje, lançado há dois anos, o Nenhum de Nós lança disco ao vivo com o registro de show gravado no Theatro São Pedro, em Porto Alegre, RS, em 2014, um ano antes da edição do álbum com repertório novo. A julgar pelo título, parece que o CD As + Pedidas Ao Vivo é coletânea de sucessos. Mas as 11 gravações ao vivo do disco são inéditas.

O álbum lançado em 2017, gravado ao vivo em 2014.

O título As + Pedidas Ao Vivo se refere ao concurso virtual feito pela banda na web. Escolhido através de enquete, o repertório do CD apresenta as 11 músicas mais votadas dentre as cerca de 80 sugeridas por admiradores do Nenhum de Nós. O resultado da votação foge da obviedade dos hits.

A novidade é que entre músicas pedidas como “Eu Caminhava” (1989), “Compaixão” (1992) e “Flores de Guadalajara” (1996), o grupo apresenta a música inédita, “Porto Alegre”, composta em tributo à cidade natal dos três integrantes fundadores do Nenhum de Nós. A música “Porto Alegre” está separada no disco As + Pedidas Ao Vivo como duas faixas-bônus. Uma traz o registro integral da música, já a outra toca versão editada para as rádios.

Com quase 31 anos de carreira, a banda já fez mais de 2000 shows e vendeu mais de 3,5 milhões de discos.

OBSERVAÇÃO & ADENDO: Esta postagem era para ser curta, mas me empolgo e vou pesquisando, de forma que o que era para ser em duas partes está em uma única. Obrigado e aproveitem!

Mais sobre Camila: “Essa canção foi inspirada em fatos reais, envolvendo uma jovem que nós conhecíamos na época, em 1985. Era uma colega de escola bastante bonita com um namorado violento. Ficávamos intrigados com os motivos que levavam uma garota assim a se submeter e ser maltratada por um rapaz tão estúpido.

Ouvimos algumas histórias de situações constrangedoras que ela sofreu e essa foi nossa “faísca criadora” para uma canção que falasse da violência contra a mulher. Por isso os “olhos insanos”, a “vergonha do espelho naquelas marcas”, além da tristeza e indignação na melodia. Hoje, ela vive super bem, tem uma linda família e está bem longe desse antigo namorado… Ainda bem!

Quando escrevemos Camila, jamais esperávamos que fosse fazer tamanho sucesso – até mesmo pela temática complicada. Quando ela estourou, a questão se tornou uma constante em nossas entrevistas, e isso foi fantástico para que se abordasse o tema entre o público jovem. […]

De resto, assistimos estarrecidos ao avanço de estilos e temáticas que pouco têm ajudado na conscientização do problema. Basta ver gente achando graça quando algum funk se refere às garotas como cachorras, ou algum sertanejo fala em um amor que beira à violência. Isso é um retrocesso. Triste, mas é verdade…” (Thedy Corrêa)

Integrantes

Thedy Corrêa - Vocal, Violão, Baixo, Harmônica

Veco Marques - Guitarra Solo

Carlos Stein - Guitarra Base

Sady Homrich - Bateria

João Vicenti - Teclados, Gaita ,backing vocals

Hoje é um quinteto, com uma carreira sólida e sucesso.

Bem pessoal, por aqui encerro a história dessa banda, que contribuiu e sei que continuará contribuindo com grandes sucessos e fará a trilha sonora de muita gente.

Vocês podem dizer que gaúcho é muito convencido, muito “mala”. Nós mesmos, depois que saímos de nosso Estado natal, acabamos por admitir o quanto somos bairristas.

Mas não se trata de nos acharmos melhor que os outros, o que acontece é que temos orgulho de dizer que tradicionalmente temos músicas de raiz, torcemos ou para o Internacional ou para o Grêmio e que temos bandas muito legais por lá. Simples assim.

Ter orgulho de possuir algo que se torna sucesso no Brasil inteiro todo mundo pode ter. O pessoal do Norte têm seus sucessos, do Nordeste nem se fala, do Centro-Oeste já saiu muita coisa boa e o Sudeste é o eixo principal, com bandas excelentes na casa,

Então, nada mais justo do que celebrarmos o que temos de bom, saber que podemos contribuir para a cultura pop brasileira, mostrar nossos talentos e deixá-los invadir a cena musical que infelizmente, hoje, está tão pobre e massacrada. E VIVA A BOA MÚSICA!!!

Fiquem com mais de Nenhum de Nós em:

ROCK GRANDE DO SUL - ENGENHEIROS DO HAWAII - TERCEIRA PARTE

2017-10-18T12:24:00.000-02:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Estou aqui para comentar a terceira e última parte da carreira desta banda gaúcha por natureza, brasileira de nascimento.

Todo mundo passa por uma fase em que tem que mudar, sejam os planos, seja de local ou mudanças internas (pessoal ou profissional). E não foi diferente para os Engenheiros, pois tiveram que se adaptar, ou com a saída de um integrante, ou com um novo tipo de sonoridade, uma nova visão comercial.

Nova fase (2000 – 2003)

Da turnê de ¡Tchau Radar!, surgiu o terceiro disco ao vivo da banda, e o décimo segundo de sua carreira: 10.000 Destinos. Novamente, Gessinger repassa o repertório consagrado da banda em novas versões divididas em um set acústico e um elétrico e conta com a participação de Paulo Ricardo, cantando "Rádio Pirata" do RPM, e do gaiteiro Renato Borghetti nas canções "Refrão de um Bolero" e "Toda Forma de Poder". Como faixas-bônus, gravadas em estúdio, acompanham as inéditas "Números" e "Novos Horizontes", além da regravação de "Quando o Carnaval Chegar", de Chico Buarque.

Capa do álbum ao vivo de 2000.

Alguns meses após a apresentação no Rock in Rio III (2001), Lúcio, Adal e Luciano saem da banda e montam outro grupo, Massa Crítica, mudando novamente a formação dos Engenheiros. Lúcio, Adal e Luciano são substituídos por Paulinho Galvão (guitarra), Bernardo Fonseca (baixo) e Gláucio Ayala (bateria). Gessinger volta a tocar guitarra, após 14 anos responsável pelo contrabaixo dos Engenheiros.

Com essa nova formação eles regravam algumas músicas da banda e lançam uma re-edição de seu último disco, agora intitulado 10.001 Destinos. Duplo, traz as mesmas faixas do disco precursor, e novas versões de estúdio das canções "Novos Horizontes", "Freud Flinstone", "Nunca Se Sabe", "Eu Que Não Amo Você", "A Perigo", "Concreto e Asfalto" e "Sem você".

Capa do álbum de 2001, também ao vivo.

Começava com esta formação, seguindo novamente o mercado musical (quando bandas mais pesadas começaram a ter mais espaço), de som mais limpo e pesado. Isso se confirma em 2002, com o lançamento do disco Surfando Karmas & DNA, disco que consolida a nova fase da banda, e que tem a participação especial do ex-Engenheiros Carlos Maltz na faixa "E-stória" (música feita com e-mails que ele trocou com Maltz depois de anos sem se falar).

São destaques do disco a faixa título e as canções "Terceira do Plural", "Esportes Radicais", "Ritos de Passagem" e "Nunca Mais". Há influência do punk rock e pop rock nas novas canções.

Capa do Álbum de 2002.

O disco seguinte, Dançando no Campo Minado, de 2003, mantém a regra: sonoridade muito similar ao seu antecessor com músicas curtas, guitarras pesadas e poesia crítica de Gessinger denunciando os males da globalização, da desilusão política e ideológica e da guerra, nas canções "Fusão a Frio", "Dançando no Campo Minado", "Dom Quixote" e "Segunda Feira Blues" (partes I e II, esta última novamente com a participação de Carlos Maltz), porém, convivendo com um certo otimismo na parte mais emotiva da vida. Emplaca nas rádios a faixa “Até o Fim”.

Capa do álbum de 2003.

Acústico MTV e Acústico II: Novos Horizontes (Turnês Acústicas) (2004 – 2008)

Para comemorar os vinte anos de banda, completados em 2005, os Engenheiros do Hawaii lançaram o CD e DVD Acústico MTV. O acústico tem as participações especiais dos músicos Humberto Barros (órgão Hammond) e Fernando Aranha (violões). Este último já havia feito uma participação especial no disco anterior.

Capa do álbum acústico comemorando 20 anos, de 2005.

O disco se diferencia dos demais por não trazer participações especiais, apenas "fraternais": Clara Gessinger, filha de Humberto, divide os vocais com o pai em “Pose” (executada com parte da letra cortada) e Carlos Maltz, co-fundador e ex-baterista dos Engenheiros, que canta junto com Gessinger em “Depois de Nós”, de sua autoria.

Além dos grandes sucessos, como “Infinita Highway”, “Somos Quem Podemos Ser” e “O Papa é Pop” e das composições recentes, como “Surfando Karmas & DNA” e “Até o Fim”, o disco traz as músicas “O Preço” e “Vida Real”, ambas do álbum Humberto Gessinger Trio.

Por fim, acrescentam-se ainda as músicas inéditas "Armas Químicas e Poemas" e "Outras Frequências". Durante a turnê do Acústico, Paulinho Galvão deixa a banda e seu posto é assumido por Fernando Aranha. Nos teclados, por sua vez, o jovem Pedro Augusto assume o lugar de Humberto Barros, que já fazia parte da banda de apoio do Kid Abelha.

O novo disco, Acústico II: Novos Horizontes, foi gravado nos dias 30 e 31 de maio de 2007, em São Paulo, no Citibank Hall, e foi lançado em agosto de 2007 com nove faixas inéditas, além de nove regravações. O disco quebrou a seqüencia de a cada 3 discos em estúdio, ser gravado um "ao vivo".

Capa do álbum acústico de 2007.

Também foi palco de novas experiências para Gessinger, como a viola caipira que usa em algumas músicas do álbum. Segundo ele, se tivesse que rever todas as obras dos Engenheiros do Hawaii, 'Novos Horizontes' é o que não mexeria em nada. Destaque maior para as faixas inéditas "Guantánamo", "Coração Blindado", "No Meio de Tudo, Você" e "Quebra-Cabeça".

No fim de 2007, o então baixista Bernardo Fonseca sai da banda e Humberto Gessinger assume o baixo. Desde então a banda voltou a utilizar guitarras em seus shows. No ano de 2008, após shows pelo Brasil inteiro, a banda termina a turnê acústica, começada em 23 de julho de 2004 com o lançamento do Acústico MTV.

ATIVIDADES INTERROMPIDAS

Junto com a turnê terminam, pelo menos temporariamente, as atividades d'os Engenheiros do Hawaii. O vocalista e líder da banda, Humberto Gessinger, declarou no site oficial da banda que os planos de retorno da banda são somente no ano de 2017.

Lembrando que já é a quinta vez que Gessinger adiou o retorno dos Engenheiros. Entre 2008 e 2012 Gessinger se dedicou ao Pouca Vogal, parceria com Duca Leindecker, vocalista do Cidadão Quem. Juntos eles cantavam novas baladas e grandes sucessos de suas bandas.

Capa de Insular, álbum solo de Humberto Gessinger.

Gessinger atualmente se dedica em sua carreira solo que começou em 2013 com o lançamento do CD Insular (com destaque para a parceria com Jota Quest "Tudo Está Parado"), e continuou com o CD/DVD Insular Ao Vivo em 2014.

No ano de 2016 ele começou uma nova turnê denominada "Louco Pra Ficar Legal" trecho da música: "Pra ficar legal" de 2002. Também lançou 5 livros: Meu Pequeno Gremista, Pra Ser Sincero - 123 Variações Sobre Um Mesmo Tema no final de 2009, Mapas do Acaso - 45 Variações Sobre Um Mesmo Tema em fevereiro de 2011, o livro Nas Entrelinhas do Horizonte em abril de 2012 e o livro Seis Segundos de Atenção em agosto de 2013.

Capa do DVD Insular ao Vivo, de 2014,

2017, 30 ANOS: A REVOLTA DOS DÂNDIS

No fim do ano de 2016 pairou no ar uma expectativa de uma reunião da tão aclamada formação clássica G,L&M, afinal, o disco mais cultuado pelos fãs e até mesmo pelo Humberto Gessinger, Augusto Licks e Carlos Maltz.

Licks é totalmente avesso a aparições públicas, mas desde 2015 criou um workshop intitulado "Do Quarto Para o Mundo", onde já visitou algumas capitais, mas a grande surpresa foi subir no palco da cantora Tsubasa Imamura para uma participação em "Pra Ser Sincero, Gessinger / Licks" mais de 20 anos depois do último show com os Engenheiros.

Augusto Licks, ex-integrante.

Já Carlos Maltz passou por um momento difícil no final de 2016, passou por um procedimento para tratar aneurisma na aorta, Gessinger ficou mantendo os fãs de Carlos atualizados com notas em seu perfil do Facebook e Twitter, um fato que quase passou despercebido. foi que Licks entrou em contato com o ex-companheiro de banda, até onde se sabe, foi a primeira vez que os dois se falaram desde a saída turbulenta de Licks dos Engenheiros, segundo o próprio Maltz foi uma das melhores coisas que lhe aconteceu neste momento tão difícil.

Carlos Maltz, ex-integrante.

Juntando tudo isso, rumores estariam levando para a tão aguardada reunião? Infelizmente não, é pouco provável que a marca Engenheiros do Hawaii volte a estar novamente em um show, seja com GL&M ou até mesmo com outra formação, até mesmo porque a carreira solo de Humberto Gessinger é super bem sucedida, sucesso de público e crítica, um dos poucos artistas que consegue se manter com um público fiel, e longe dos grandes holofotes da industria de hoje em dia.

INSPIRAÇÃO

Cabe aqui salientar que os Engenheiros do Hawaii também foram influenciados pelo filósofo existencialista francês Jean-Paul Sartre nas canções como “Infinita highway”. Por exemplo, essa música que mudou definitivamente a trajetória dos Engenheiros explicita trechos como “a dúvida é o preço da pureza”, uma frase da obra O Muro, de Sartre.

A “Infinita highway” permite induzir a presença de uma temática existencial. Além da citação de O Muro em “Infinita highway”, Sartre é mencionado em “Guardas da Fronteira” (“Acontece que eu não tenho escolha / Por isso mesmo é que eu sou livre / Não sou eu o mentiroso / Foi Sartre quem escreveu o livro”). O próprio Humberto Gessinger, líder da banda Engenheiros do Hawaii, afirma que "Infinita Highway" coloca sobre uma base musical progressiva reflexões existencialistas inspiradas por Sartre.

A formação clássica: Maltz, Guessinger & Licks.

O segundo disco da banda, A Revolta dos Dândis, um dos mais aclamados pela crítica nacional, também é o que mais deixa transparecer as preferências de Humberto por Sartre. Ao mesmo tempo, o grupo foi acusado de elitista e fascista devido ao conteúdo de suas letras. Em resposta, Gessinger afirmou que o povo brasileiro entende tanto de existencialismo como de boxe, sendo os dois produtos de consumo. Entre as faixas que mais nitidamente evidenciam a filosofia existencial estão: Infinita Highway, Terra de Gigantes, Refrão de Bolero e a faixa que dá nome ao álbum, A Revolta dos Dândis.

Assim, do mesmo modo estão presentes no trabalho dos Engenheiros do Hawaii a filosofia de Camus, Nietzsche e Sartre, a linguagem social dos livros de Ferreira Gullar, John Fante, Arthur Rimbaud e George Orwell, bem como os aspectos regionais e nacionais, característicos das obras de Moacyr Scliar, Carlos Drummond de Andrade e Josué Guimarães.

Quando surgiu a banda Engenheiros do Hawaii, Gessinger utilizou-se de um experimentalismo de sons herdados da Bossa-Nova, Jovem Guarda, Tropicalismo e do Rock Progressivo, do qual ainda traz como marca em suas composições o conceitualismo, isto é, um engajamento em torno de um tema.

FORMAÇÕES

Humberto Gessinger é o único integrante da fundação do grupo que conseguiu sobreviver a todas as mudanças de formação ocorridas durante toda a trajetória da banda.

ÚLTIMA FORMAÇÃO

Humberto Gessinger - voz, bandolim, viola caipira, baixo, guitarra 6 e XII, acordeon, midi pedalboard, talk box, harmônica, acordeón, violão e piano (1984-2008)

Gláucio Ayala - bateria, percussão e vocais (2001-2008)

Fernando Aranha - guitarra (2004-2008)

Pedro Augusto - teclados (2005-2008)

EX-INTEGRANTES

Carlos Stein - guitarra (1984-1985)

Marcelo Pitz - baixo e vocais (1984-1987)

Augusto Licks - guitarra, harmônica, violão, teclados e midi-pedalboard (1987-1994)

Carlos Maltz - bateria, percussão e vocais (1984-1996)

Ricardo Horn - guitarra e violão (1994-1996)

Fernando Deluqui - guitarra, violão e vocais (1995-1996)

Paolo Casarin - teclados e acordeom (1995-1996)

Luciano Granja - guitarra e violão (1996-2001)

Adal Fonseca - bateria e percussão (1996-1997 e 1998-2001)

Lúcio Dorfman - teclados e vocais (1997-2001)

Paulinho Galvão - guitarra e violão (2001-2005)

Bernardo Fonseca - baixo (2001-2008)

Bem pessoal, por aqui encerro a história dessa banda que, está em atividade suspensa, mas não há, ainda, uma remota possibilidade de retorno. Não como banda, mas Humberto Gessinger continua na ativa e podemos, quem sabe, ter uma esperança, por menor que seja, de que um dia teremos de volta a banda, seja com qual formação for.

Esperança de que nos tragam novidades e nos façam sentir aquela vibração com a qual nos deparávamos quando ouvíamos seus sucessos, suas melodias. Felizmente, sonhar não custa nada.

Continuem com mais dos Engenheiros do Hawaii em:

ROCK GRANDE DO SUL - ENGENHEIROS DO HAWAII - SEGUNDA PARTE

2017-10-15T19:43:00.000-02:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Sejam bem - vindos à segunda parte de minha postagem sobre os Engenheiros do Hawaii. Como eles mesmos disseram com o título do primeiro LP, estavam longe demais das capitais, ou seja, o eixo Rio - São Paulo, onde estão as grandes gravadoras, as melhores oportunidades de se fazer grandes apresentações, shows em estádios e grandes ginásios.

E foi o que eles fizeram, Como se diz no Rio Grande do Sul, se mudaram “de mala e cuia”. Foram conquistar o Brasil, pois é isso que uma banda com carreira em ascendência deve fazer.

MUDANÇA PARA O RIO DE JANEIRO (1990 – 1993)

O disco seguinte, O Papa é Pop, de 1990 consolida a mudança de sonoridade da banda. Puxados pelo sucesso "Era um Garoto Que Como Eu, Amava os Beatles e os Rolling Stones", regravação de uma velha canção do grupo Os Incríveis (por sua vez versão da canção "C'era un ragazzo che come me amava i Beatles e i Rolling Stones" de Gianni Morandi), e a faixa-título, o quinto disco dos Engenheiros investe no som progressivo, calçado nos solos de guitarra de Licks e em uma base mais eletrônica de teclados e bateria.

Capa do álbum de 1990.

Gessinger passa a assumir também o piano elétrico e começam a surgir as baladas de piano e voz da banda. São dele as canções "Anoiteceu em Porto Alegre", "O Exército de um Homem Só" (dividida em duas partes), "Pra Ser Sincero" e "Perfeita Simetria" (versão alternativa da canção "O Papa é Pop"). Em meio aos novos sucessos, uma antiga canção, "Refrão de Bolero", oriunda do segundo disco, A Revolta dos Dândis, também era bastante executada pelas rádios. Aclamados pelo público e massacrados pela crítica, os Engenheiros do Hawaii consagram-se no Rock in Rio II, arrancando elogios do jornal americano New York Times, apesar de ignorados pela Folha de S. Paulo.

O Papa é Pop é considerado o álbum mais vendido da banda, com mais de 400 mil cópias nos primeiros anos. Com ele, os Engenheiros do Hawaii foram considerados a maior banda de rock do Brasil de 1990 em votação promovida pela revista Bizz, em reportagem da mesma revista meses depois e pela revista Veja.

O ano de 1991 marca o lançamento do sexto disco, Várias Variáveis, que completa a trilogia iniciada no segundo e terceiro discos da banda. Há redução dos efeitos eletrônicos e a retomada de um som mais rock 'n' roll, mas não repete o mesmo sucesso do anterior, mesmo tendo a canção "Herdeiro da Pampa Pobre", regravação de um antigo sucesso de Gaúcho da Fronteira, bastante executada nas rádios. Este é um dos discos que contém as melhores letras do grupo, porém, o som não é o forte do álbum, sendo o mesmo questionado hoje até pelo próprio Gessinger.

Capa do álbum de 1991.

Pode-se dizer que foi um disco seminal, pois canções como "Piano Bar", "Muros & Grades" e "Ando Só", em regravações em outros discos, estabeleceram-se como algumas das melhores da banda. No ano seguinte, 1992, é lançado o sétimo disco, Gessinger, Licks & Maltz, ou GLM, inspirado no famoso logotipo ELP de Emerson, Lake & Palmer. O som continua mesclando elementos de MPB e rock progressivo, com destaque para as canções "Ninguém = Ninguém", "A Conquista do Espaço", "Pose (Anos 90)" e "Parabólica", canção que Gessinger fez em homenagem a sua filha Clara, nascida em fevereiro do mesmo ano.

Capa do álbum de 1992.

O oitavo disco dos Engenheiros é o semi-acústico Filmes de Guerra, Canções de Amor, de 1993, gravado ao vivo na Sala Cecília Meireles, no Rio de Janeiro. A banda considerava este disco como acústico, pois condicionava tal formato à ausência de bateria e às guitarras semi-acústicas. Na época não existia a febre de acústicos gravados pelos grandes nomes nacionais, o que denota o caráter visionário da banda.

Capa do álbum acústico de 1993.

O disco foi gravado ao vivo por uma decisão da banda de gravar um álbum ao vivo a cada três álbuns, uma ideia da banda Rush, que faz o mesmo. Com guitarras acústicas, percussão, piano, acordeão e participação da Orquestra Sinfônica Brasileira em três faixas, regida por Wagner Tiso, as velhas canções – como "Muros e Grades", "O Exército de um Homem Só" e "Crônica", e novas composições como "Mapas do Acaso" e "Quanto Vale a Vida?", ganharam arranjos que apontavam para o blues, a música tradicionalista e a erudita, ressaltando a excelente qualidade das letras dos Engenheiros do Hawaii.

A banda chegou a participar, ainda no mesmo ano, do festival Hollywood Rock Brasil, junto com os brasileiros do Biquini Cavadão, De Falla, Dr. Sin e Midnight Blues Band. Entretanto não foram bem recepcionados e receberam muitas vaias. Eles se apresentaram no mesmo dia de L7 e Nirvana.

O ano de 1993 marca também a primeira excursão dos Engenheiros pelo Japão e Estados Unidos. Porém, no final deste mesmo ano, discussões e rixas internas acabaram por resultar na saída do guitarrista Augusto Licks. Inicia-se uma longa disputa jurídica pela marca "Engenheiros do Hawaii", tendo Gessinger e Maltz finalmente ficado com o nome da banda.

TEMPOS DETEMPESTADE E GESSINGER TRIO (1994 – 2000)

O passo seguinte foi remontar os Engenheiros, com a entrada do guitarrista Ricardo Horn. Posteriormente, também ingressam na banda: Paolo Casarin (acordeom e teclados) e o guitarrista Fernando Deluqui (ex-RPM). Após dois anos sem gravar, os Engenheiros lançam em 1995 o álbum Simples de Coração.

Capa do álbum de 1995.

O som é mais pesado, com climas regionais gaúchos dados pelo acordeão de Casarin. Destaque para as canções "A Promessa", "A Perigo", "Lance de Dados", "Ilex Paraguariensis" e "Simples de Coração". Havia ainda a canção "O Castelo dos Destinos Cruzados", em que o baterista Maltz assume os vocais. O disco Simples de Coração também teve uma versão em inglês, que não chegou às vendas. Os fãs mais assíduos têm apenas as MP3s.

Paralelamente às gravações do Simples de Coração, Gessinger monta o trio “33 de Espadas”, para tocar música instrumental. Ao fim da turnê de Simples de Coração, a banda passou por uma grave crise, pois a formação "quinteto" era temporária.

O trio 33 de Espadas.

Longe do sucesso de outros tempos, os Engenheiros começam a pensar em seguir outros caminhos. O "33 de Espadas" faz sua estréia já com a formação que viria se chamar "Humberto Gessinger Trio", tendo Luciano Granja na guitarra e Adal Fonseca na bateria.

O grupo lançou o disco, também intitulado Humberto Gessinger Trio (HG3), em 1996. O clima enxuto do disco, basicamente com bateria, baixo e guitarra, lembra os primeiros trabalhos de Gessinger, como exemplificam as canções "Vida Real", "Freud Flintstone", "De Fé" e "O Preço". Paralelo a esse fato, Carlos Maltz envolve-se numa trilha mística e resolve abandonar os Engenheiros. A partir daí, o baterista monta o grupo A Irmandade. Durante a turnê do Humberto Gessinger Trio, há uma constante troca de nome das bandas. Os shows que deveriam ser anunciados como HG3 ainda eram apresentados como Engenheiros do Hawaii.

Capa ampliada do álbum de 1996.

A verdade é que para um produtor anunciar um show dos Engenheiros do Hawaii, banda nacionalmente conhecida era muito mais fácil e rentável que apresentar como Humberto Gessinger Trio, nome absolutamente desconhecido. Reconhecendo que era inviável seguir com o nome da nova banda, Gessinger volta a admitir-se como um Engenheiro do Hawaii. Para que haja alguma diferença entre o HG3 e o "novo" Engenheiros do Hawaii, ele convida Lúcio Dorfmann a assumir os teclados do grupo, configurando um novo som ao grupo, bem próximo ao pop que predominava no mercado musical da época.

O disco Minuano, de 1997, marca a volta dos Engenheiros do Hawaii com este nome. O álbum mescla influências regionalistas, tecnologia e que conta com arranjos de violino que lembram o folk, tornam este o disco mais leve e com a sonoridade mais vaga da banda. Emplaca o sucesso "A Montanha", além de outras belas canções como "Nuvem", "Faz Parte" e "Alucinação", uma cover para uma antiga canção de Belchior.

Capa do álbum de 1997, com a estátua do Laçador.

O disco ainda marcou a saída dos Engenheiros do Hawaii da BMG. A saída se deu com o lançamento de um box em formato de lata, intitulado Infinita Highway, contendo o relançamento de todos os dez discos da banda até então. Todos foram remasterizados, com exceção dos dois últimos (Simples de Coração e Minuano foram gravados já para o formato CD).

¡Tchau Radar!, de 1999, marca a entrada dos Engenheiros para a Universal Music Group e exibe uma maior maturidade do grupo, onde as influências musicais da banda ficam mais evidentes (folk rock, rock 'n roll dos anos 60, rock progressivo e MPB) com belas composições de Gessinger, como "Eu Que Não Amo Você", "Seguir Viagem" e "3 X 4" além de duas covers: "Negro Amor" ("It's All Over Now Baby Blue", de Bob Dylan) e "Cruzada" (de Tavinho Moura e Marcio Borges), esta contando com arranjos de orquestra, como é comum em várias faixas do álbum.

Capa do álbum de 1999.

Bem galera, por aqui encerro esta segunda parte da história dos Engenheiros do Hawaii. Quando uma banda é amada pelo seu público e odiada pelos críticos, o que acontece é o seguinte: muito falatório, tentando explicar o inexplicável, ladainhas que não acabam mais por parte de críticos que gostariam de elaborar uma obra musical, mas nem sempre conseguem. Eu cito uma frase da música do primeiro LP dos Engenheiros, “Toda Forma de Poder”, direcionada diretamente aos críticos de plantão (Não me odeiem por isso!): “Eu presto atenção no que eles dizem, mas eles não dizem nada...”

Por outro lado, os apreciadores e consumidores que gostam da banda, se fartam comprando os produtos que adoram e curtem com prazer. Agora lembrei de um amigo que era (sim, ele já fez a passagem!) um grande admirador dos Engenheiros do Hawaii. Para ele, muito do que está nas letras dos Engenheiros, tem sentido sim, e quem tem experiência, sabe que muito do que ali está escrito, faz sim, parte da vida do ser humano. Ouçam sem moderação!!

Fiquem com mais dos Engenheiros do Hawaii em:

ROCK GRANDE DO SUL - ENGENHEIROS DO HAWAII - PRIMEIRA PARTE

2017-10-15T16:11:00.001-02:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Muita satisfação em ter vocês aqui para apreciarem os meus comentários. Nesta onda de bandas do sul que resolvi postar, vem a terceira participante do projeto Rock Grande do Sul, uma vez que já falei dos Garotos da Rua e da TNT.

Tive o prazer de conhecer Os Engenheiros do Hawaii em sua primeira formação, quando Humberto ainda tinha os cabelos curtos. No ano de 1988, eu trabalhava em uma rádio FM em minha cidade natal, no Rio Grande do Sul.

Fiquei sabendo que iríamos sonorizar uma banda que estava ficando bastante popular. Saí do meu trabalho, por volta de uma hora da manhã e ganhei carona, pois tinha que levar junto, uma maleta com 70 LPs de minha propriedade, que eu tinha a liberdade de usar em meu horário de trabalho.

Chegando lá, atrasou um pouco a apresentação, para minha sorte. Quando começou o show, era Os Engenheiros do primeiro LP, Longe Demais das Capitais, que eu já conhecia muito bem, pois tocava as músicas deles em meu horário.

Naquele tempo, Humberto quase não falava entre uma música e outra, era muito, muito tímido. Mas o grupo mostrou à que veio e tocou divinamente bem cada música que embalou a noite.

HISTÓRIA

Engenheiros do Hawaii é uma banda brasileira de rock, formada em 1984 na cidade de Porto Alegre por Humberto Gessinger (vocal e guitarra), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria) , que alcançou grande popularidade com suas canções líricas e críticas.

Antes de chegarem à sua formação atual, a banda passou por algumas mudanças de formação, sendo Gessinger o último integrante da formação original a permanecer na banda até a "pausa" ocorrida em 2008, por motivos particulares da banda.

TRAJETÓRIA

OS PRIMEIROS ANOS (1984 – 1989)

Quatro estudantes da Faculdade de Arquitetura da UFRGS: Humberto Gessinger (vocal e guitarra), Carlos Stein (guitarra), Marcelo Pitz (baixo) e Carlos Maltz (bateria), resolveram formar uma banda apenas para uma apresentação em um festival da faculdade, que aconteceria por protesto à paralisação de aulas.

O primeiro show da banda foi em 11 de janeiro de 1985. Escolheram o nome Engenheiros do Hawaii para satirizar os estudantes de engenharia que andavam com bermudas de surfista, com quem tinham uma certa rixa. Começaram a surgir propostas para novos shows e, após, algumas apresentações em palcos alternativos de Porto Alegre juntamente com uma série de shows pelo interior do Rio Grande do Sul.

A banda, em menos de quatro meses de carreira já consegue gravar duas músicas na coletânea Rock Grande do Sul (1985) com diversas bandas gaúchas, em razão de uma das bandas vencedoras do concurso adicionador à coletânea ter desistido da participação do álbum na última hora. Quando a banda seguiu com seus ensaios, durante a greve da faculdade, Carlos Stein realizou uma viagem, o que acabou inviabilizando sua permanência no grupo, e, tempos depois, ele passa a integrar a banda Nenhum de Nós. Meses passaram, e os Engenheiros do Hawaii gravam o seu primeiro álbum: Longe Demais das Capitais, em 1986.

A capa do álbum (LP) de 1986.

O norte musical do disco apontava para um som voltado à música pop, muito próximo ao ska de bandas como o The Police e Os Paralamas do Sucesso. Destacam-se as canções "Toda Forma de Poder", que foi tema das novelas Hipertensão da Rede Globo e Vitória da Rede Record. "Segurança", além de "Sopa de Letrinhas" e "Longe Demais das Capitais".

Antes de começarem as gravações do segundo disco, Marcelo Pitz deixa a banda por motivos pessoais. Com Gessinger assumindo o baixo, entra o guitarrista Augusto Licks, que havia trabalhado com Nei Lisboa, conhecido músico gaúcho. Os Engenheiros lançam o disco A Revolta dos Dândis, em 1987. A banda muda o direcionamento temático, iniciando uma trilogia baseada no rock progressivo, com discos com repetições de temas gráficos e musicais e letras em que ocorre a auto-citação.

A capa do álbum de 1987.

Os arranjos musicais são influenciados pelo rock dos anos 60, as letras são críticas, com ocorrência de várias antíteses e paradoxos e aparecem citações literárias de filósofos, como Albert Camus e Jean-Paul Sartre. Destaque para os hits "Infinita Highway", "Terra de Gigantes", "Refrão de Bolero" e a faixa título, dividida em duas partes.

Começam os shows para grandes plateias nos centros urbanos do país, como o festival Alternativa Nativa, realizado entre 14 e 17 de junho de 1987. A partir desta data, os Engenheiros encheriam ginásios e estádios pelo Brasil afora. Porém, houve polêmicas e a banda chegou mesmo a ser acusada de elitista e fascista pelo conteúdo de suas letras. As polêmicas se intensificaram quando membros da banda se apresentaram com camisetas estampadas com a Estrela de Davi e a Suástica.

O disco seguinte, Ouça o que Eu Digo: Não Ouça Ninguém, de 1988, pode ser visto como uma continuidade do anterior, tanto pelo trabalho da capa do álbum como pelo tema e estilo de suas canções. Destaque para as músicas "Somos Quem Podemos Ser", "Cidade em Chamas", "Tribos & Tribunais", a faixa-título e "Variações Sobre o Mesmo Tema", esta última uma homenagem à banda Pink Floyd, com sua estética progressiva e dividida em três partes.

A capa do álbum de 1988.

O álbum também marca a saída dos Engenheiros da cidade de Porto Alegre, indo morar no Rio de Janeiro. Consolidada a nova formação, os Engenheiros lançam Alívio Imediato, de 1989, quarto disco da banda e o primeiro registro ao vivo. Suas canções mostram uma retrospectiva de suas principais canções e as novas perspectivas a serem incorporadas, em especial o som mais eletrônico, presente na faixa título e na música "Nau à Deriva", ambas gravadas em estúdio e as demais gravadas ao vivo no Canecão, no Rio de Janeiro.

A capa do álbum de 1989.

Bem galera, por aqui encerro a primeira parte da história dos Engenheiros do Hawaii. Talvez a inteligência das letras da banda tenha trazido um pouco de desconforto aos “limitados cabeça”. Saber apreciar uma boa música e tentar entender seu conteúdo parece não ter sido muito fácil para os “entendidos de plantão”.

Engenheiros não é uma banda de letras simples, pode-se dizer, ao contrário são músicas “cabeça”, para curtir, “viajar” num mundo musical onde as interpretações por parte de quem as ouvem, é a parte fundamental.

Engenheiros, juntamente com Legião Urbana, formam aqueles tipos de bandas que ou os ouvintes têm uma boa cultura literária, artística, de pensamento, ou acabam não entendendo boa parte do que os cantores quiseram dizer. E viva a música boa, com qualidade!!

Fiquem com mais de Engenheiros do HawaII em:

DA TNT AO OS CASCAVELLETES - ROCK GAÚCHO

2017-10-14T22:12:00.001-03:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Estou aqui, mais uma vez, para dar continuidade à uma postagem que fiz anteriormente sobre a banda gaúcha TNT.

Contando a breve história deles, comentei que dois de seus integrantes saíram da banda quando a gravadora RCA os contratou e ... o que se segue conta a trajetória destes dois músicos.

A Banda

Os Cascavelletes foi uma banda brasileira de rock and roll, formada em Porto Alegre, RS e que teve um tempo muito curto de duração, mas continua sendo muito influente até os dias atuais pelo seu som irreverente e com letras polêmicas.

Foi uma das seminais bandas da época, quando houve uma ascensão no Rock gaúcho, junto à TNT, Graforréia Xilarmônica, DeFalla, Garotos da Rua, Engenheiros do Hawaii e Os Replicantes.

Tinha influências de bandas inglesas como Rolling Stones e The Beatles, além do rockabilly dos anos 50. A banda caracterizava-se por temas geralmente ligados a sexo, drogas e rock 'n' roll. Ficou muito conhecida por criar um estilo musical próprio, chamado porno rock.

História

Os Cascavelletes surgiram em 1987, quando Flávio Basso (contrabaixo e voz) e Nei Van Soria (guitarra e voz), ambos ex-TNT, juntaram-se a Frank Jorge, ex-Prisão de Ventre e atual Graforréia Xilarmônica (guitarra e backing vocal) e Alexandre Barea (bateria). Existem várias teorias sobre o motivo referente a saída de Nei Van Soria e Flávio Basso do TNT. Uma delas seria pela divergência referente à sonoridade e aos temas abordados nas composições, que por algumas vezes poderiam conflitar com os tabus vigentes na época.

Em 1986 gravam a primeira demo, em oito canais, em um dos estúdios da Fundação ISAEC, posteriormente lançada pelo selo Vórtex, de propriedade de integrantes da banda de punk rock Os Replicantes na cidade de Porto Alegre, sendo conhecida como a Vórtex Demo.

Através desta gravação, várias músicas memoráveis, como por exemplo: "Morte Por Tesão", "Pombo Surfista", "O Dotadão Deve Morrer" (que ganhou cover dos Ratos de Porão!), "Minissaia Sem Calcinha", "A Última Virgem", "Banana Split" entre outras, passaram imediatamente a ser executadas pela rádio Ipanema FM, a maior responsável pela disseminação e divulgação do rock na região sul do Brasil, durante aquele período.

Em 1987, junto com Júlio Reny e Expresso Oriente, Apartaid, Justa Causa e Prize, participaram de uma coletânea intitulada Rio Grande do Rock, na forma de LP em vinil, lançada no Brasil no inicio de 1988 pela gravadora holandesa SBK, que posteriormente foi incorporada pelo selo EMI, proporcionando a entrada dos Cascavelletes no mesmo.

Ainda em 1988, lançam o LP, chamado Os Cascavelletes gravado em 1987, por Fernando Faciolli em dezesseis canais no estúdio Castelnuovo em Caxias do Sul, contendo algumas regravações da primeira demo e tendo já duas de suas faixas incluídas na coletânea Rio Grande do Rock. Além de uma versão ao vivo da musica “Jessica Rose”, gravada no cineteatro Presidente em quatro canais. Músicas como "Estou Amando uma Mulher" e "Jessica Rose" fizeram a banda alcançar uma maior visibilidade, e a música "Menstruada" foi proibida de ser executada nas rádios.

O álbum de 1988.

Em 1989 lançam outra demo, com músicas inéditas. A demo não tem um nome, mas é chamada de Pré-Rock'a'ula, pois saiu meses antes do lançamento do primeiro disco oficial da banda. Foi gravada no Farm Estúdio no Rio de Janeiro e entre a gravação e o lançamento do disco, Frank Jorge deixa a banda, por estar bastante envolvido com a Graforréia Xilarmônica, banda que havia criado, o que faz com que ele desentenda com Basso, Van Soria e Barea.

Rock'a'ula saiu pela gravadora EMI-Odeon e trouxe à banda um reconhecimento nacional, com a música "Nega Bombom" fazendo parte da trilha da novela Top Model, da Rede Globo. Nele aparece o baixista Luciano Albo, que já havia tocado com Basso e Van Soria na TNT. Com isso Frank Jorge deixa a banda, rumo a Graforréia Xilarmônica, que na época era o seu projeto paralelo e ao que viria a ser outro ícone do rock gaúcho.

O álbum de 1989.

A partir do lançamento do disco, a banda lança mais duas demos, em 1990 e 1991, com músicas inéditas, mas não alcançam o sucesso de antes. Em 1992, ainda lançam um compacto, chamado "Homosexual / Sob um Céu de Blues" que conta com participação de Humberto Petinelli, o "Cokeyne Bluesman", nos teclados. Vindo assim a retornar ao cenário musical sulista como a principal banda gaúcha.

O compacto / single com duas músicas, de 1992.

Flávio Basso adota o pseudônimo de Júpiter Maçã e consegue fazer um sucesso ainda maior com o lançamento de seu álbum de estreia A Sétima Efervescência, que foi muito aclamado pela crítica. Nei Van Soria fica pouco tempo na banda Colarinhos Caóticos, mas logo em seguida entra em carreira solo, alcançando relativo sucesso nas rádios gaúchas. Frank Jorge continua na Graforréia Xilarmônica e, depois do fim desta, segue carreira solo. Alexandre Barea participa em diversas bandas paralelamente, mas dedica-se mais a uma escola de música em Porto Alegre.

Em 2007 Os Cascavelletes se reuniram novamente com sua formação clássica para um show memorável de comemoração dos 10 anos da Pop Rock FM de Porto Alegre, tocando todos os sucessos, que são a influência direta no Rock gaúcho e que os tornaram discografia básica do rock nacional.

Single com duas músicas.

Em 2008, há a formação da banda TeNenTe Cascavel, que reúne alguns integrantes dos Cascavelletes e do TNT, a qual desde então faz shows relembrando os maiores sucessos das duas bandas. Sem Charles Master e Flávio Basso, dois dos principais músicos, a banda perde em 2010 Frank Jorge, que retira-se da banda sem maiores justificativas à mídia. A TeNenTe Cascavel acaba sendo muito criticada por alguns dos fãs mais ferrenhos das duas bandas como "projeto caça-níquel", onde não querem fazer música por prazer, mas sim juntar dinheiro a custa dos saudosos fãs. Apesar disso, fazem ótimos shows, com boa presença de palco, garantindo notável visibilidade no estado do Rio Grande do Sul.

Em 2016, Nei Van Soria, Frank Jorge, Alexandre Barea e Humberto "Cokeyne Bluesman" Petinelli, reúnem-se em estúdio para gravar uma canção em homenagem à Flávio Basso (morto por um infarto do miocardio, no dia 21 de dezembro de 2015). Intitulada “Balada Para Flávio”, a canção foi composta por Nei, logo após o último encontro com Flávio, em dezembro de 2015.

A canção ganhou um vídeo clipe. Na descrição do vídeo, que também foi divulgado em seu perfil oficial no Facebook, Nei Van Sória conta sua trajetória ao lado de Basso: "O Flávio foi meu parceiro e amigo por mais de 30 anos! Nossa convivência ao longo desse tempo e a admiração que nutríamos um pelo outro mantinha-nos próximos, mesmo quando estávamos longe".

Flávio Basso, eterno integrante das bandas TNT e Os Cascavelletes.

O clipe começa com imagens de arquivo de Basso se apresentando com Os Cascavelletes e em carreira solo, para logo depois mostrar o músico contando sobre um possível filme sobre a história da banda: "Os Cascavelletes é uma banda revolucionária. O filme vai começar com Nei Van Sória tocando piano com uma cortina vermelha ao fundo". Em seguida, Nei aparece tocando.

Formação

Integrantes

Flávio Basso (Júpiter Maçã) - vocal e guitarra

Nei Van Soria - guitarra e vocal

Luciano Albo - baixo

Alexandre Barea – bateria

Ex-integrantes

Frank Jorge - baixo, guitarra e teclado

Humberto Petinelli (Cokeyne Bluesman) – teclado

E como disse um jornal gaúcho após sua morte: "Flávio Basso /
Jupiter Maçã, agora entrou para a história".

Bem pessoal, por aqui encerro este pequeno histórico sobre Os Cascavelletes, originado da saída de Flávio Basso e Nei Van Soria da banda TNT e que, para surpresa de muitos, tornaram-se rivais na cena musical portoalegrense.

O mais interessante que ocorreu, foi que Os Cascavelletes fizeram sucesso suficiente até chegar à trilha sonora de uma novela da Rede Globo de Televisão, um marco para os artistas na época.

E o mais surpreendente, é o fato de que dessas duas bandas, foram se ramificando outras tantas que se torna muito interessante a carreira desses músicos, pois têm um sólido curriculum em criações de estilos baseados em pop rock, rockabilly e rhythm and blues que enriquecem o cenário musical portoalegrense, gaúcho e por que não dizer, brasileiro.

E trago uma curiosidade, um álbum gravado ao vivo em minha cidade natal, que eu, claro, desconhecia porque estou fora de lá desde 2001.

Album ao Vivo, de 2006.

Fiquem com mais de Os Cascavelletes em:

Rock Grande do Sul - TNT

2017-10-13T20:42:00.001-03:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Hoje, na onda do Rock Grande do Sul, irei comentar sobre a TNT, uma banda brasileira de rock and roll, que foi muito influente na década de 1980.

Influente porque marcou uma geração e suas músicas tocaram no Brasil todo, incluindo sucessos que foram executados exaustivamente nas rádios brasileiras.

Sua dissolução gerou outra banda, Os Cascavelletes, que também tocou muito Brasil afora, sendo inclusive tema de novela. Comentarei isso na história deles, na próxima postagem.

História

A primeira formação da banda contava com Flávio Basso (guitarra), Márcio Petracco (baixo), Charles Master (guitarra) e Felipe Jotz (bateria).

Mais tarde Nei Van Soria entrou para o grupo como guitarrista e Flávio deixou a guitarra e ficou exclusivamente no vocal, mas o quinteto fez uma única apresentação. Márcio deixou o grupo e Charles assumiu o baixo.

Em 1985 participaram com duas faixas do LP Rock Grande do Sul, uma coletânea com cinco bandas gaúchas lançada pelo selo Plug da gravadora RCA: Além do TNT, também faziam parte da coletânea, DeFalla, Engenheiros do Hawaii, Garotos da Rua e Os Replicantes. As músicas eram "Estou na mão" e "Entra Nessa".

Descontente com o rumo imposto ao trabalho pela RCA, Flávio decide deixar a banda. Nei o acompanha na formação de uma nova banda chamada Os Cascavelletes, que viriam a ser rivais locais.

Charles e Jotz chamam Márcio Petracco e Tchê Gomes pra assumirem as guitarras.

Em 1987 foi lançado o primeiro disco, chamado TNT, que destacou as musicas “Ana Banana”, “Cachorro Louco”, “Desse Jeito”, “Entra Nessa”, “Estou na Mão”, “Febem”, “Identidade Zero”, “Me Dá o Cigarro”, “Oh! Deby” e “Não Quero Mais Te Ver”.

Capa do primeiro disco (LP) de 1987.

Em 1988 foi lançado o segundo álbum, intitulado TNT Vol. II, que destacou as músicas “A Irmã do Doctor Robert”, “Gata Maluca”, “Ela Me Deu o Bolo”, “ “Charles Master”, “Não Sei”, “Alazão”, “Baby (Eu Vou Morar Noutro Planeta)”, “Dentro do Meu Carro” e “Não Vai Mais Sorrir (Pra Mim)”. Felipe sai da banda após o TNT Vol. II e entra Paulo Arcari no seu lugar.

Capa do segundo álbum, de 1988;

Em 1991 com a entrada de João Maldonado nos teclados gravam Noite Vem, Noite Vai, disco que já aponta as tendências mais pop de Master. Deste álbum destacam-se a faixa-título, um rhythm and blues, “Quem Procura Acha” e “Nunca Mais Voltar”.

Capa do terceiro álbum, de 1991.

Tchê sai da banda depois de desentendimento com Charles. Com o fim d'Os Cascavelletes, Flávio Basso volta à sua banda de origem. Em 1994 Flávio desentende-se com Charles e deixa a banda em definitivo. Nesse mesmo ano a banda encerra oficialmente as atividades, devido aos desentendimentos entre os músicos por conta de divergências musicais.

Chegado 2003 a banda volta a fazer shows com Fábio Ly na bateria e em 2004 é lançado o TNT ao Vivo em CD e DVD, gravado em 2003. Esse disco não faz justiça ao passado da banda, apesar de contar com Petracco e Tchê nas guitarras.

Capa do álbum ao vivo, de 2004.

Em 2005 Márcio Petracco também deixa a banda em definitivo, após outro desentendimento com Charles. Em 2005 lançam o derradeiro disco de estúdio: Um por Todos ou Todos Por Um, em que Tchê Gomes e Charles Master dividem vocais.

Capa do álbum de 2005.

Em 2008, formou-se o supergrupo Tenente Cascavel, reunindo ex-integrantes dos Cascavelletes e do TNT, com o intuito de fazer shows relembrando os maiores sucessos das duas bandas.

Formação

Integrantes

Tchê Gomes - Vocal, Guitarra, Violão

Gabriel Bernardes - Vocal, guitarra e baixo

Charles Master - Vocal, guitarra e violão

Márcio Petracco - guitarra

Luciano Albo - baixo

Felipe Jotz – bateria

Ex-integrantes

Flávio Basso - vocal e guitarra

Nei Van Soria - guitarra e vocal

Fábio Ly - bateria

Paulo Arcari - bateria

João Santos - teclado

Eduardo Elsner - bateria

Armandinho – baixo

A formação atual do TeNenTe Cascavel.

Bem pessoal, por aqui encerro esse breve histórico de uma das bandas gaúchas da década de 80 que tiveram grande expressividade no cenário musical brasileiro, mesmo com a distância do Rio Grande do Sul com o eixo Rio-São Paulo, soube ser reconhecida pela mídia e pelo público, que reverenciou suas músicas com letras quase adolescentes, até ingênuas, mas divertidas e alegre, românticas e sensuais.

Apesar da guerra de egos existentes em qualquer banda musical, teve seus momentos de glória e acabou sendo dissolvida, mas para alegria dos fãs e seguidores da banda, retornaram mais tarde, para continuarem fazendo apresentações e saciando a vontade de ouvir o repertório para aqueles apreciadores mais ardorosos.

Fiquem com mais de TNT em:

Rock Grande do Sul - GAROTOS DA RUA

2017-10-12T02:05:00.000-03:00

Salve galera que acompanha as postagens aqui do Blog Opinião do Véio! É um prazer poder levar informação para alguns ou relembrar àqueles que já conheciam um cantor/cantora ou uma banda.

Como sou de origem gaúcha, não posso deixar de fala de algumas bandas de meu estado, principalmente aquelas que se destacaram no mercado nacional.

Começo comentando, primeiro, sobre a banda gaúcha Garotos da Rua, que foi uma das cinco bandas escolhidas pela gravadora RCA na época (hoje BMG/Sony), para participar da coletânea Rock Grande do Sul, juntamente com Engenheiros do Hawaii, TNT, DeFalla e Os Replicantes, cada uma com duas faixas.

Capa do álbum que lançou cinco bandas gaúchas ao Brasil todo.

Garotos da Rua, nome inspirado numa música de Carlos Caramez e Sérgio Mello, foi criado em julho de 1983, em Porto Alegre por Bebeco Garcia, o baterista Edinho Galhardi, o saxofonista King Jim e o baixista Mitch Marini. Iniciaram tocando como banda da casa no bar Rocket 88, reduto do Rock'n'Roll na cidade.

Seis meses mais tarde, com a entrada do Geraldo Freitas (baixo) e do Justin Vasconcelos (guitarra), o grupo faz sua primeira demo, Sabe o Que Acontece Comigo?, e inicia uma série de shows em Porto Alegre e em mais de 50 cidades do Rio Grande do Sul.

Em 1985, é lançado o primeiro compacto da banda: Programa, pela Gravadora ACIT. No mesmo ano, participam do LP Rock Garagem e apresentam-se no festival MPG, que reúne 40.000 pessoas no Parque Marinha do Brasil, em Porto Alegre.

Ainda em 1985, são contratados pela gravadora RCA e tornam-se nacionalmente conhecidos através do hit "Tô de Saco Cheio", cujo sucesso os convence a se transferirem para o Rio de Janeiro.

O primeiro álbum, de 1985.

Empolgados, lançam seu primeiro álbum pela RCA, Garotos da Rua, que também inclui as músicas "Você é Tudo que Eu Quero", "Sabe o Que Acontece Comigo?", "Babilina", "Não é Você" (com a guitarra de Celso Blues Boy) e "Gurizada Medonha".

O álbum de 1986.

No ano seguinte, gravam o disco Dr. em Rock 'n' Roll, e a música "Eu Já Sei" vira hit em todo o país, ao figurar na trilha da novela Mandala, da Rede Globo.

O álbum de 1988.

Em 1988, com um repertório mesclando o blues e o rhythm and blues com o rock, os Garotos gravam o LP Não Basta Dizer Não, consolidando-se ainda mais no mercado brasileiro. Os destaques do disco são "Meu Coração Não Suporta Mais", "Harley Davidson Blues" e "Só Pra Te Dar Prazer". Apesar disso, integrantes dissolvem a banda e decidem partir para projetos individuais.

Em 1996, Justin Vasconcelos, que estava morando em Los Angeles, retorna ao Brasil. Juntamente com Ricardo Cordeiro, o "King Jim", que assume definitivamente os vocais, Edinho Galhardi (bateria) e Cristiano Crochemore (guitarra), os Garotos resolvem reorganizar-se e seguir em frente.

A banda passa por algumas formações, que incluíram Gabriel Guedes (guitarra), Alexandre Loureiro (bateria), que permanece até 1999, cedendo o posto para Diego Silveira, e também o baixista Marcelo Granja.

A coletânea Hot 20 , de 1999.

Em 1999, pela gravadora BMG, a coletânea de sucessos Hot 20 que vende, apenas no sul do país, mais de 35.000 cópias. No ano seguinte, entram Edu Meirelles (baixo) e Cláudio Mattos (bateria) completando definitivamente a equipe.

O álbum de 2004.

Em 2004 os Garotos da Rua lançaram o CD Caminho da Estrada, fiel ao estilo que consagrou o grupo, mas com espírito de renovação. O álbum é composto de 11 faixas inéditas, mais a versão de "Canos Silenciosos", do Lobão. Destacam-se "Não Posso Mais", "Boneco de Mola", "A Portas Fechadas" e "Não Dá Mais Pra Ficar" (com participação de Rafael Malenotti, do Acústicos & Valvulados).

No ano de 2015, os integrantes Justin Vasconcelos e King Jim anunciam que deixam de utilizar-se do já consagrado nome Garotos da Rua por questões de marca, alegando que não renovaram o registro da mesma e que, portando, não possuem mais os direitos de uso.

O álbum de 2016.

Em 2016, o baterista fundador dos Garotos da Rua, Edinho Galhardi, reúne seus músicos de confiança, os quais já vinham trabalhando com Bebeco Garcia e remonta os Garotos da Rua, e decide que tocarão todos os sucessos dos carreira musical, bem como as canções de Bebeco Garcia, uma tour para emocionar, empolgar e matar saudade. Nessa tour que começou em 2016 os Garotos lançam seu trabalho inédito, entitulado Volt que trouxe canções inéditas escritas por Bebeco Garcia, Carlos Caramez e Edinho Galhardi, e também releitura do material gravado nos anos 80.

Formação

Primeira Formação:

Bebeco Garcia - vocal e guitarra

King Jim (Ricardo Cordeiro) - vocal e saxofone

Mitch Marini - Baixo

Edinho Galhardi - Bateria

Ex-integrantes:

Evandro Demari - Guitarra

Cristiano Crochemore - Guitarra

Justin Vasconcelos - Guitarra e Vocal de apoio

Gabriel Guedes - Guitarra

Pedro Marini - Baixo

Geraldo Freitas - Baixo

Marcelo Granja - Baixo

Sérgio Mello - Baixo

Edu Meireles - Baixo

Cláudio Mattos - Bateria

Alexandre Loureiro - Bateria

Diego Silveira - Bateria

Formação Atual:

Zebu Knight Rider (Rodrigo Teles): vocal e Guitarra

Paulo Franzmann: Baixo e vocais

Clayton Chiesa: Teclado e vocais

Edinho Galhardi: Bateria e vocal de apoio

Eric Peixoto: Guitarra e Lap Steel

Bem pessoal, aqui encerro este curto comentário sobre a história da banda Garotos da Rua, que mesmo após a morte de um de seus fundadores (Bebeco Garcia), continuou adiante aquilo que seus integrantes mais gostam de fazer, que é tocar rock n’ roll e rhythm and blues.

Particularmente devo admitir que gosto do estilo e da simplicidade de suas letras e o ritmo que embala dores de amor, desilusões, paqueras e curtição com a galera.

Fiquem com mais de Garotos da Rua em:

DO ELETRÔNICO AO ROCK - DEPECHE MODE - TERCEIRA PARTE

2017-10-07T21:51:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Bom saber que estão acompanhando meus comentários sobre o Depeche Mode. Esta é a terceira e última parte da história da banda, começando agora na década de 2000.

Anos 2000: Uma grande ascensão mundial

Exciter veio em 2001, com quatro singles: "Dream On", misturando os opostos (acústico e eletrônico), "I Feel Loved", cumprindo bem o papel de faixa comercial, sendo um grande sucesso nos clubes do mundo todo, "Freelove" com a sua batida bonita, seu clima sério e seu belíssimo final e, por último, já em 2002, é lançado "Goodnight Lovers", uma baladinha de boa letra, que nem chegou a ser executada na Exciter Tour, o que surpreendeu os fãs, que esperavam que "The Dead Of Night" ou "The Sweetest Condition" se tornasse o quarto single.

A capa do álbum de 2001.

Anton Corbijn, que já havia filmado o Devotional em 1993, filmou duas grandes noites da banda em Paris, tendo como resultado o mais ao vivo dos DVDs e um dos melhores da banda, o Depeche Mode: One Night In Paris, lançado em meados de 2002, também contando com a presença de Peter Gordeno e Christian Eigner no palco. A banda aproveita para descansar e trabalhar em projetos paralelos. Ainda em 2002, uma nova edição de The Videos 86-98 é lançada numa edição em DVD duplo, que incluía clipes raros como a versão original de "Strangelove", os vídeoclipes de "One Caress", "But Not Tonight" e "Condemnation (Paris Mix)".

Carreiras Paralelas

No início de 2003, Dave Gahan lança o primeiro trabalho solo, Paper Monsters, mais rock que tudo que já se viu no Depeche Mode, com influências até mesmo de blues (onde Gahan toca até gaita). "Dirty Sticky Floors", faixa principal do disco, foi bem executada nas rádios. O álbum teve uma turnê muito bem sucedida, contando com mais quatro excelentes músicos no palco. Com composições próprias, Dave Gahan começa a reclamar o seu espaço no Depeche Mode como compositor, o que gerou muitos comentários em público.

Nesse interim, é lançado um álbum de covers (que também continha um DVD) Counterfeit II, projeto paralelo de Martin Gore, que tinha o single "Loverman". Mais eletrônico que Dave Gahan, e mais depressivo também, o disco contou com o apoio de uma curta turnê pela Europa e Estados Unidos. No palco, dois músicos, além de Martin Gore, incluindo o tecladista Peter Gordeno.

Ao final de 2003, o Depeche Mode relança uma edição especial do 101 em DVD, com dois discos, e algumas faixas que não tinham no VHS original e entrevistas recentes com Martin Gore, Dave Gahan e Andrew Fletcher.

Em 2004, Dave Gahan lança o DVD Paper Monsters Live que incluía todas as faixas do álbum ao vivo e algumas do Depeche Mode, como: "A Question of Time", "Never Let Me Down Again" entre outras. Todas as músicas foram também lançadas e um álbum que só foi vendido pela Internet no formato MP3. Martin Gore também lança uma versão do álbum Counterfeit II com músicas ao vivo desse projeto. É lançada também nesse ano a edição especial em DVD duplo de Devotional, incluindo algum material extra, entre eles as projeções de palco e as versões ao vivo de "Halo" e "Policy Of Truth", sem falar de um documentário feito pela MTV Europa na época. Também nesse ano, é lançado o álbum duplo Remixes 81-04, com uma edição limitada contendo um terceiro disco. Mike Shinoda do Linkin Park participou de uma nova versão de "Enjoy The Silence", que teve até um single e um videoclipe novo.

A capa do álbum de remixes de 2004.

Um Novo Retorno

Playing The Angel, lançado em 17 de Outubro de 2005, foi precedido pelo single "Precious". Gravado em Santa Barbara, Nova York e Londres. Playing The Angel foi criado mais rápido que os dois últimos álbuns da banda e, pela primeira vez, incluiu três faixas escritas por Dave Gahan, sendo co-produzido por Ben Hillier (Some Cities, do Doves, e Think Tank, do Blur). O álbum teve um bom desempenho apesar de alguns fãs alegarem estar mal mixado. Playing The Angel representa um retorno criativo e atualizado à sonoridade dos anos oitenta, sendo um dos melhores trabalhos do grupo em toda a sua carreira.

A capa do álbum de 2005.

A banda resolve dar uma pausa, depois de uma das suas melhores turnês, a Touring The Angel, que teve uma média de 40 mil pessoas por show. Em setembro de 2006, foi lançado o DVD duplo (com uma rara edição tripla) Touring The Angel: Live In Milan, com duas noites da banda e um grande show na cidade de Milão na Itália.

Em 2007 Dave Gahan lança Hourglass, seu segundo trabalho solo. Mais eletrônico e mais Depeche Mode, singles como "Kingdom" e "Saw Something" chegaram a entrar nas paradas inglesas e americanas. No mesmo ano, Gahan faz uma pequena turnê, tendo lançado também um álbum virtual do material ao vivo do novo trabalho, Live In SoHo, pelo iTunes. No mesmo ano, Dave Gahan anuncia um novo álbum com o Depeche Mode, a ser lançado em 2009.

2009-2011: Sounds Of The Universe

No dia 15 de janeiro de 2009, o site oficial anuncia o nome do álbum, e no dia 20 de abril o álbum Sounds Of The Universe é lançado, ficando em 1º lugar em 21 países e ficando durante semanas na lista dos mais vendidos na Europa, ultrapassando nomes de peso como Green Day e U2, "Wrong" foi lançado no dia 21 de fevereiro e "Peace", seu segundo single foi lançado no mercado europeu no dia 15 de julho, e fez grande sucesso na MTV Brasil. Mais tarde lançaram apenas para os Estados Unidos o single promocional "Perfect".

Como anunciado no dia 6 de outubro de 2008 na Alemanha, uma turnê mundial iria começar para a promoção do álbum, e iria incluir países que não foram agraciados com turnês nos últimos anos como os da América Latina principalmente, fazendo shows no Chile, Peru, Colômbia, Argentina e Brasil.

Para a decepção de milhares de fãs, a Tour Of The Universe não iria mais tocar no Brasil, no dia 22 de julho de 2009, os dois shows da turnê que seriam realizados no Rio de Janeiro e São Paulo foram cancelados. Os fãs fizeram um grande protesto no site depeche mode no brasil.net, composto por um abaixo assinado e um vídeo.

Em 30 de setembro de 2009, "Wrong" foi nomeado em ambos "Melhor Vídeo de Rock" e "Melhor Efeitos Visuais Em Um Vídeo" no UK MVA Award (uma premiação britânica).

Em 03 de dezembro de 2009, Sounds Of The Universe foi indicado como "Melhor Álbum Alternativo" no Grammy Awards. Eles receberam uma segunda nomeação para o vídeoclipe "Wrong" de "Melhor Videoclipe Musical de Forma Curta".

A capa do álbum de 2009.

A banda anunciou que faria um concerto beneficente para o Teenage Cancer Trust no Royal Albert Hall em 17 de fevereiro de 2010. O concerto teve a participação de Alan Wilder, que tocou piano na apresentação da canção "Somebody" com Martin Gore nos vocais.

"Fragile Tension/Hole to Feed", um single lado A duplo, foi lançado como terceiro single em 07 de dezembro de 2009.

Conforme relatado pela revista Billboard, a Tour Of The Universe se tornou um dos 25 mais rentáveis em 2009. A lista liderada por U2 e Madonna compara faturamento duplo faturado pelos artistas que estavam em turnê entre 06 de dezembro de 2008 e 21 de novembro de 2009. Depeche Mode fica no vigésimo lugar na lista, com uma receita bruta total de U$ 45.658.648,00 em 31 shows, gerando uma audiência estimada de 690.000 espectadores. Esses números são apenas para os shows realizados na América, o faturamento da Tour Of The Universe em solo europeu foi muito maior.

Ainda em 2009, foi estimado que a banda já havia vendido mais de 110 milhões de cópias em todo o mundo. A banda teve 44 canções nas paradas britânicas e já esteve mais vezes que qualquer outro artista entre os 40 mais ouvidos no Reino Unido a alcançar o primeiro lugar.

Em Março de 2010, o Depeche Mode ganhou o prêmio de "Melhor Grupo Internacional - Rock/Pop" no ECHO Awards na Alemanha.

O DVD Tour Of The Universe - Live In Barcelona foi lançado em 8 de novembro de 2010. O show em Barcelona na Espanha foi gravado entre 20 e 21 de novembro de 2009. O vídeo de Tour Of The Universe é o primeiro que foi lançado em formato Blu-Ray.

A capa do DVD de 2010.

Como uma conclusão da relação de três anos trabalhando com a EMI, em 06 de junho de 2011, a banda lançou uma coletânea de remixes, intitulado Remixes 2: 81-11 que apresenta remixes dos ex-membros Vince Clarke e Alan Wilder. Outros envolvidos com o projeto foram Nick Rhodes do Duran Duran, Röyksopp, Karlsson e Winnberg de Miike Snow, Eric Prydz, Clark e muito mais. Uma novo remix de "Personal Jesus", de Stargate, intitulado "Personal Jesus 2011", foi lançada como single em 30 de Maio de 2011, em apoio da compilação.

Depeche Mode também contribuiu com uma cover de "So Cruel" (uma canção do U2) para o álbum de tributo AHK-Toong BAY-bi Covered para o 20º aniversário de Achtung Baby, um álbum de 1991 da banda de rock irlandesa U2. O CD de compilação foi lançado pela Q Magazine no final de 2011.

2012-2015: Delta Machine

Em dezembro de 2012, a banda havia confirmado que estava trabalhando em um novo álbum. O disco, intitulado Delta Machine, foi oficialmente lançado em 22 de março de 2013. O álbum estreou em segundo lugar na lista dos mais vendidos no Reino Unido e em sexto nos Estados Unidos. O grupo saiu então em turnê mundial para divulgar o trabalho.

A capa do álbum de 2013.

Em março de 2014, Depeche Mode ganhou o prêmio de "Melhor Grupo Internacional – Rock / Pop" do ECHO Awards na Alemanha. Também foi indicado ao prêmio "Álbum do Ano" por Delta Machine, mas acabou perdendo.

Em 08 de outubro de 2014, a banda anunciou o lançamento do álbum de vídeo Depeche Mode Live in Berlin, filmado durante um show no O2 World em Berlim, Alemanha, em novembro de 2013, durante a turnê do Delta Machine. Este trabalho foi lançado em 17 de novembro de 2014 e foi um sucesso de vendas.

2016 - Presente: Spirit

Em uma entrevista feita em 25 de janeiro de 2016, Martin Gore anunciou que a banda retornaria ao estúdio em abril de 2016, com Gore e Gahan escrevendo e compondo novas canções.

A capa da coletânea de vídeos lançada em 2016.

Em setembro de 2016, a página oficial do Depeche Mode no Facebook fez posts insinuando uma nova versão, que foi mais tarde confirmada pela banda como uma compilação de vídeo musical, Video Singles Collection, que foi lançada em 11 de novembro de 2016 pela Sony.

Em 11 de outubro de 2016, a banda anunciou que seu décimo quarto álbum, intitulado Spirit e produzido por James Ford, seria lançado na primavera de 2017. Quatro dias mais tarde, a banda anunciou o 1º calendário europeu da turnê Global Spirit Tour, que começaria na Friends Arena de Estocolmo em 05 de maio de 2017. Uma semana depois, o grupo recebeu uma indicação para o Hall Of Fame de Rock And Roll em 2017.

A capa do álbum lançado também em 2016.

Em 03 de fevereiro de 2017 saiu o primeiro single do novo álbum, "Where's The Revolution". Spirit foi lançado em 17 de março de 2017 e foi mais um sucesso de público e crítica.

Grande Influência e Fonte de Inspiração

A influência do Depeche Mode pode ser notada por bandas tão diferentes que fizeram um álbum de tributo ao grupo em 1998. O potencial da banda dentro do cenário musical é enorme, principalmente na música eletrônica, rock industrial e pop. Abaixo, uma lista de bandas que foram influenciadas, muito ou pouco, por Depeche Mode.

Hoje é considerado uma enorme influência para diversos músicos e bandas de pop e rock atuais como Pet Shop Boys, Camouflage, Linkin Park, Red Flag, Paradise Lost, Coldplay, The Killers, Franz Ferdinand, HIM, Keane, The Bravery, Information Society. Smashing Pumpkins (que regravou "Never Let Me Down Again"), Rammstein (regravou "Stripped"), Lacuna Coil (regravou "Enjoy The Silence"), Placebo (regravou "I Feel You"), Deftones (regravou "Sweetest Perfection" e "To Have And To Hold"), e Marilyn Manson (regravou "Personal Jesus").

Além de ser bastante notória a sua grande quantidade de fãs ilustres, como os próprios Marilyn Manson e Trent Reznor (Nine Inch Nails), Johnny Cash (regravou "Personal Jesus"), Robert Smith (regravou "World In My Eyes"), Tori Amos (regravou "Enjoy The Silence" e "Personal Jesus"), Scott Weiland, Amy Lee, Shakira, Lady GaGa e The Ting Tings. Outras menores também, como Anno Zero, The Junior Boys, Gus Gus, Veruca Salt, God Lives Underwater, Hooverphonic, Failure, Apollo Four Forty e Monster Magnet.

Existem bandas também que são fãs de Depeche Mode e acredita-se que já trocaram influências com a banda, como é o caso do The Cure, Foo Fighters e Queens Of The Stone Age, ou artistas como Marilyn Manson, Tori Amos, Shakira e Johnny Cash. Existem também bandas e artistas brasileiros que foram influenciadas pelo trabalho do Depeche, como Jay Vaquer, Alex Góes, o Skulk ou a banda cover Strange Mode. Os Pet Shop Boys ouviam muito o álbum Violator e o usaram como inspiração para o seu aclamado álbum Behaviour. Neil Tennant disse que "Nós estávamos ouvindo o álbum Violator, que era realmente um bom álbum. Ficamos com muita inveja"; enquanto Chris Lowe disse "Eles realmente aumentaram de nível".

Chester Bennington, principal vocalista do Linkin Park foi bastante inspirado pela banda, como pode ser visto pelos seus trajes no vídeoclipe de "What I've Done". Outro membro da banda, Mike Shinoda, recentemente afirmou: "Depeche Mode é uma das bandas mais influentes de todos os tempos, e são uma grande inspiração para mim".

Entretanto, a maior e mais criticamente reconhecida participação da banda foi definitivamente ser peça-chave na "explosão dance music" de Chicago e de Detroit, onde vários DJ's e produtores como Derrick May, Kevin Saunderson e Juan Atkins aclamavam a banda como maior influência, principalmente depois do lançamento do Music For The Masses.

As bandas que influenciaram o Depeche Mode são principalmente o Kraftwerk, Velvet Underground e David Bowie. Ao vivo, admiram a banda punk The Clash.

Existem muitas coisas que o Depeche Mode fez que nenhuma outra banda do mesmo gênero faz, como por exemplo ser a única banda de música eletrônica a se apresentar em estádios, ter uma base enorme de fãs dedicados por todo o mundo e sempre ter álbuns estreando no Top 10 da Billboard 200, mesmo com mais de 25 anos de carreira.

Seus álbuns vendem em média mais de 3 milhões de cópias, tem 18 singles na US Hot 100, 4 singles em primeiro lugar na US Modern Rock e 7 singles na US Hot Dance/Club Play, e mais de 20 singles no total a chegar em paradas de sucesso, de um modo geral.

Em 1997, o Rammstein fez uma cover da música "Stripped". Disponível na versão australiana, como uma faixa bônus, do segundo álbum da banda, o Sehnsucht. "But Not Tonight" ganhou uma cover feita por Scott Weiland (Stone Temple Pilots, Velvet Revolver) para o filme Não É Mais Um Besteirol Americano.

Em Maio de 2007, após cálculos e contagens das gravadoras, chegou-se ao resultado de 16 milhões de cópias vendidas nos EUA sozinhos, não incluindo singles. O Depeche Mode é considerado "a banda de música eletrônica mais popular de todos os tempos" pela grande maioria da crítica e do público mundial, sendo mais famosa que grandes concorrentes, como New Order e os Pet Shop Boys.

Em Agosto de 2008, o Coldplay lançou uma versão cover do vídeoclipe de "Enjoy the Silence", como um vídeo alternativo de Viva La Vida. O vídeo foi dirigido por Anton Corbijn nos Países Baixos.

Em Novembro de 2013, a banda sueca Ghost lançou o EP de covers "If You Have Ghost", que contou com a produção de Dave Grohl. A quarta faixa do disco foi uma cover de "Waiting For The Night".

A formação original do Depeche Mode.

Integrantes

Atuais

David Gahan - vocal (1980-presente)

Martin Gore - teclado, guitarra e vocal (1980-presente)

Andrew Fletcher - teclado, baixo (1980-presente)

Ex-integrantes

Vince Clarke - teclado, guitarrra, backing vocals (1980–1981)

Alan Wilder - teclado, piano, bateria, percussão, backing vocals (1982–1995)

Bem pessoal que esteve curtindo a história do Depeche Mode, esta foi a parte final de uma carreira que ainda não se encerrou, pois como disse no início, a banda ainda continua em atividade, fazendo a alegria de fãs e apreciadores de boa música. Cabe-nos esperar e ouvir o que a banda nos apresentará em um breve futuro. Espero que nos surpreenda novamente, pois o que eles mais sabem fazer é se reinventar.

Fiquem com mais de Depeche Mode em:

DO ELETRÔNICO AO ROCK - DEPECHE MODE - SEGUNDA PARTE

2017-09-30T04:21:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Que bom saber que vocês estão aqui curtindo a segunda parte da história da banda Depeche Mode.

Após um "pequeno" intervalo de dois meses entre a primeira parte e a segunda, estou eu aqui, lidando com as "birras" de meu notebook!

Agora comentarei sobre o período que se inicia em 1985, com uma mudança significativa no estilo, com músicas mais pesadas e sombrias, um álbum que não emplacou na Inglaterra, mas em compensação nos Estados Unidos...

1985-1988: Celebrações negras, amores

estranhos e a consagração mundial

A coletânea The Singles 81-85, lançado no mercado europeu,
chegou também ao Brasil ...

Em 1985, após o lançamento de quatro álbuns (dois por ano), Depeche Mode dá uma pausa e lança duas coletâneas. The Singles 81-85 para o mercado europeu e Catching Up With Depeche Mode para o americano. Das duas, somente a coletânea européia foi lançada no Brasil, com a faixa inédita "Shake The Disease", que foi sucesso de público e crítica e é faixa obrigatória na coleção dos fãs da banda.

... já a coletânea Catching Up With Depeche Mode,
foi lançada exclusivamente para o mercado norte-americano,
com diferença de duas ou três músicas.

Em julho de 1985, a banda tocou pela primeira vez do outro lado da Cortina de Ferro, com concertos em Budapeste e Varsóvia.

A maior transformação do Depeche Mode aconteceu em 1986, com o lançamento do 15º single "Stripped" e o quinto álbum Black Celebration. As letras se tornaram mais reflexivas e a sonoridade mais complexa e mais afastada do "industrial-pop" dos dois álbuns anteriores, porém sem perder a característica do uso de samplers.

O álbum de 1986.

O resultado foi um som sinistro, altamente atmosférico e texturizado. Os destaques ficam por conta de "Black Celebration" e "Fly On The Windscreen". Neste álbum, uma música cantada por Martin L. Gore se tornou um grande sucesso nos Estados Unidos: "A Question Of Lust". Na edição americana foi incluída uma faixa bônus chamada "But Not Tonight".

O videoclipe de "A Question of Time" foi o primeiro dirigido por Anton Corbijn, diretor responsável pelos vídeos da banda e que, até hoje, já dirigiu mais de 20 de seus vídeos. Além das gravações ao vivo, ele também assina as capas de álbuns e singles.

Alan aproveitou o momento para trabalhar em duas demos, lançado o material como primeira realização de seu projeto paralelo que atendia pela alcunha de Recoil, o álbum recebe o título de 1+2, de 1986.

Em 1987, o álbum Music For The Masses reforça as mudanças no estilo da banda. O produtor Dave Bascombe (que produziu Tears for Fears) participou da produção e "aparentemente” a banda havia abandonado os samplers por mais experimentação musical. Embora o desempenho de "Strangelove", "Never Let Me Down Again" e "Behind The Wheel" nas paradas tenha sido decepcionante no Reino Unido, o álbum teve uma ótima aceitação em países como Canadá, Brasil (particularmente com "Strangelove"), Alemanha Ocidental, África do Sul, Suécia e na Suíça, muitas vezes atingindo o top 10 das paradas desses países.

O álbum de 1987.

Seguindo o Music For The Masses, o grupo fez a turnê mundial de 1987 a 1988, a Concert For The Masses Tour. Praticamente todos os ingressos disponíveis para os shows desta turnê se esgotaram e foi encerrada em um show com um público de 80 mil pessoas. Esta turnê foi documentada no vídeo 101 (agora em DVD duplo com extras).

O álbum duplo, ao vivo de 1988.

No Brasil, o álbum também foi um sucesso de vendas com excelente divulgação nas rádios, principalmente para o grande hit "Strangelove", música indispensável em qualquer referência aos anos 80 e até hoje pode ser ouvida em casas noturnas e eventos em todo o mundo.

A revista especializada Record Mirror descreveu Music For The Masses como "o álbum mais completo e sexy do Depeche Mode até agora". Apesar do fracasso inicial no seu país de origem, o álbum fez um gigantesco sucesso no mercado americano, algo que a banda não tinha conseguido alcançar com os álbuns anteriores.

A turnê Music For The Masses Tour começou logo após o lançamento do álbum. Em 07 de março de 1988, a banda fez um show extra-oficial (uma vez que nada havia sido oficialmente anunciado anteriormente) na arena esportiva Werner-Seelenbinder-Halle, em Berlim Oriental. Naquela época, o regime comunista ainda estava em vigor e o Depeche Mode seria uma das únicas bandas a conseguir tocar no lado oriental da Alemanha. Por volta da mesma época, também fizeram concertos em Budapeste e Praga (1988). A turnê mundial terminou em 18 de Junho 1988, com um concerto no estádio Rose Bowl em Pasadena, Califórnia, EUA, com a presença de 60.453 pagantes (o maior público em oito anos no local).

1990-1994: Fé e devoção a uma das bandas mais bem-sucedidas da história

Em 1989 é a vez de Martin Gore mostrar seu trabalho solo em Counterfeit, com músicas cover de The Durutti Column, Tuxedomoon, Sparks, entre outros.

No meio de 1989, a banda começou a gravar em Milão com o produtor Flood. O resultado dessa sessão foi o single "Personal Jesus", completamente diferente das gravações anteriores. Antes deste lançamento, foram colocadas mensagens publicitárias nos jornais do Reino Unido com a frase "Your own personal Jesus" (ao pé da letra, “Seu próprio Jesus pessoal, individual”.

Em seguida, os anúncios incluíam um número de telefone que era discado, ouvia-se a canção. Existem regravações dessa faixa por inúmeros artistas, entre eles Johnny Cash e Marilyn Manson. Em 2006, ela foi escolhida com umas das melhores canções de todos os tempos através de votação pela Revista Q.

Em 1990, é a vez do lançamento do single "Enjoy The Silence", que seria um dos mais bem-sucedidos singles da banda até o momento (chegou ao número 6 nas paradas britânicas, sendo o primeiro da banda a atingir o top 10 depois de "Master And Servant") e posteriormente viria a se tornar um dos maiores hits de toda a história da banda. Nos Estados Unidos, o single alcançou a oitava colocação nas paradas daquele país, recebendo certificação de ouro.

O álbum de 1990.

O álbum Violator veio alguns meses depois, também sob a assinatura do produtor Flood (U2, Erasure). Para promover o novo lançamento, a banda realizou uma sessão de autógrafos no interior da loja Wherehouse Entertainment em Los Angeles. O evento acabou atraindo um número muito elevado de fãs e terminou em uma confusão generalizada entre as 20 mil pessoas presentes. Algumas pessoas acabaram ficando feridas após serem pressionadas sobre o vidro da loja pela multidão e na confusão que se formou.

Como um pedido de desculpas aos fãs que ficaram feridos, a banda lançou uma fita cassete de edição limitada especialmente para os fãs de Los Angeles, distribuído através de estação de rádio KROQ (o patrocinador do evento na Wherehouse).

Violator chegou no Top 10 das paradas tanto dos EUA quanto do Reino Unido. O álbum foi o primeiro da banda a chegar ao Top 10 da Billboard 200. Ficou em sétimo lugar por 74 semanas (Isso mesmo, quase um ano e meio!!). A banda também recebeu certificação de platina tripla nos EUA pelas 4,5 milhões de vendas do álbum por lá. Violator continua a ser o álbum mais vendido da história da banda. Mais dois singles do álbum, "Policy Of Truth" e "World In My Eyes", também atingiram as paradas dos EUA e Reino Unido. No Brasil, "Policy Of Truth" foi a faixa de maior sucesso do álbum, sendo executada em diversas rádios voltadas ao público jovem.

A World Violation Tour marcou o ponto mais alto da popularidade da banda. Nos Estados Unidos, 42 mil ingressos foram vendidos em quatro horas para o show no Giants Stadium em Nova Jérsei e 48 mil foram vendidos em meia hora para o show no Dodger Stadium em Los Angeles. Estima-se que a soma de todas as pessoas presentes nos show da turnê seja de cerca de hum milhão e duzentas mil pessoas.

Alan aproveita o intervalo para, em 1991, lançar mais um EP do Recoil, o Bloodline, que contava com a participação especial de Douglas McCarthy do Nitzer Ebb no vocal em uma das músicas.

Songs Of Faith And Devotion é lançado em 1993 e rendeu umas das maiores turnês da história da banda, a Devotional Tour. O álbum, mais uma vez produzido por Flood, abusava das guitarras distorcidas de Martin L. Gore e da bateria acústica de Alan Wilder, e assim que chegou ao mercado, atingiu o primeiro lugar de assalto, tanto no Reino Unido como nos Estados Unidos.

O álbum de 1993.

Com um estilo mais rock que os álbuns anteriores, o Songs Of Faith And Devotion também contou com influências da musicalidade gospel na presença de duas backing vocals de vozes marcantes em "Condemnation", "In Your Room" e "Get Right With Me". A turnê durou cerca de um ano e meio e, em 1994, chegou ao Brasil para duas apresentações em São Paulo.

A Devotional Tour também foi documentada e lançada em vídeo (agora em DVD duplo com extras) junto com uma nova versão do álbum ao vivo, chamada Songs of Faith and Devotion Live. Apesar da indicação ao Grammy de "Melhor Vídeo Longo de Show" e a sua aclamação, o álbum ao vivo foi muito mal em vendas e tomado como um dos maiores erros comerciais da banda. Em 1994, o Depeche Mode tinha atingido o patamar da elite das bandas “de estádio” do mundo, ao lado de U2, R.E.M., INXS e The Rolling Stones.

David Gahan

A longa duração da turnê, o abuso de drogas, as instáveis mudanças de comportamento de David Gahan devido seu vício em heroína e as constantes convulsões de Martin L. Gore geraram desgastes no relacionamento interno.

Martin L. Gore

No meio da turnê Andrew Fletcher voltou para casa com uma crise nervosa (fontes afirmam que foi também por causa do nascimento de seu filho, na época) e foi substituído nos shows por Daryl Balmonte, assistente da banda e que também trabalhava com o The Cure, inclusive nos shows de São Paulo. Por fim, Flood disse que devido ao inferno moral pelo qual passou dentro da banda, nunca mais trabalharia com ela. Mudou de opinião depois e produziu um remix de "Freelove" em 2001.

Andrew Fletcher

1995-1999: A terrível queda, o doloroso

ressurgimento e o reconhecimento definitivo

Em junho de 1995, Alan Wilder anunciou que estava deixando o Depeche Mode, dizendo que estava “insatisfeito com as relações internas do grupo e métodos de trabalho”. Ele continuou trabalhando com seu projeto individual Recoil.

Alan Wilder

Ainda segundo algumas informações, Alan disse que tinha contribuído significativamente com os últimos trabalhos e que sua participação nunca recebeu o respeito e reconhecimento que merecia. Após a saída de Alan Wilder, houve inúmeras especulações se o Depeche Mode continuaria a carreira e se gravaria mais.

Os problemas do grupo eram inúmeros. Notícias que David Gahan havia tentado suicídio correram mesmo sob a negação do cantor. Outra polêmica foi uma overdose quase fatal que Gahan sofreu em sua casa em Los Angeles. Nos meados de 1996, finalmente o cantor se internou em um centro de reabilitação para combater seu vício em heroína e, atualmente, ele se declara completamente livre do vício.

Apesar dos problemas pessoais de David, Martin Gore tentou várias vezes entre 1995 e 1996 fazer a banda voltar aos estúdios. Entretanto, David não aparecia e quando ia, levava semanas para conseguir gravar qualquer linha vocal. Apesar das dúvidas sobre a continuidade da banda, inclusive por parte de Martin, após a reabilitação de David Gahan, o Depeche Mode voltou a gravar.

Em abril de 1997, a banda lança o single "It's No Good", maior sucesso desta nova fase. A música ficou muito bem colocada, inclusive no Brasil. Então o álbum Ultra é lançado, dessa vez produzido por Tim Simenon, que já usara a alcunha de Bomb The Bass (conjunto musical eletrônico que fez sucesso no Brasil e no mundo nos anos 80) e leva disco de ouro no Brasil.

O álbum de 1997.

Ultra é o álbum mais pesado e "úmido" da história da banda. Outro single de grande sucesso no mundo foi "Barrel Of a Gun", a mais pesada do álbum e uma das mais fortes da banda. Apesar do sucesso dos seus singles e a estreia em primeiro lugar no Reino Unido, o álbum não foi tão bem recebido pela crítica e pela maioria dos fãs, considerando um trabalho "pobre e hermético". Em função dos tratamentos do Dave Gahan para se livrar das drogas e dos próprios problemas da banda na turnê anterior, não houve nada além de duas pequenas apresentações, uma na Europa e outra nos Estados Unidos.

Neste mesmo ano Recoil lança o seu quarto álbum (o primeiro depois que saiu do Depeche Mode), chamado Unsound Methods. Ele contou com muitos artistas convidados, entre eles a cantora Maggie Estep, novamente o vocalista Douglas McCarthy do Nitzer Ebb e a backing vocal da turnê Devotional, a saber, Hildia Cambell.

1998 foi o ano em que o Depeche Mode lança a compilação The Singles 86 - 98 em CD e VHS (The Videos 86 - 98), que incluía um novo single, "Only When I Lose Myself" (gravada durante a produção de Ultra), de bela letra. Neste mesmo ano, a banda faz uma curta turnê chamada The Singles Tour de apenas quatro meses pela Europa, EUA e Canadá. Nos teclados, assumindo o lugar de Alan, estava Peter Gordeno. Na bateria, o austriaco Christian Eigner.

Mesmo se recuperando ainda dos problemas internos e com uma curta turnê, ela atraiu um grande público, deu disco de platina à coletânea (era uma coletânea dupla!!) e estabeleceu o Depeche Mode como uma banda que não importa se vende bem ou não, sempre tem turnês muito bem-sucedidas.

Outras bandas nesse patamar são R.E.M., The Rolling Stones e U2. Também nesse ano foi relançada a edição remasterizada de The Singles 81-85. Ainda em 1998, chegou ao mercado um álbum tributo chamado For The Masses que continha versões de canções do Depeche Mode gravadas por bandas como Smashing Pumpkins, The Cure, Rammstein e Deftones.

Bem pessoal, esta foi a segunda parte da história dessa banda inglesa, que como outras, teve seus altos e baixos, dependência de drogas e desentendimentos por causa do tamanho dos egos. Mas para alegria dos fãs (e nossa também), soube dar a volta por cima e se reciclar, voltando ainda mais rock, mais pesada e continuando a entreter seus admiradores e consumidores.

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DO ELETRÔNICO AO ROCK - DEPECHE MODE - PRIMEIRA PARTE

2017-07-06T23:16:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Veio! Sejam bem-vindos! Já fazia um tempo que eu não postava nenhum comentário sobre algum artista ou banda, mas aqui estou para comentar sobre a banda inglesa Depeche Mode.

Esta é a primeira banda pop que estou comentando, mais precisamente de synthpop, aquelas que usam sintetizadores e muitos teclados, e é claro, uma levada menos rock. Mais tarde eles investiram também no rock, gradativamente.

E é impossível não se lembrar de alguma música deles, mesmo que você não se lembre do nome da música. Essa banda começou no início da década de 80 e está na ativa até hoje, e teve muitos sucessos nas paradas musicais no mundo todo.

Formação original, com Vince Clarke (à esquerda).

História

Depeche Mode é uma banda inglesa de música eletrônica e rock formada em 1980 em Essex, na Inglaterra. Formada inicialmente por David Gahan (vocalista), Martin L. Gore (tecladista, guitarrista, vocalista e principal compositor a partir de 1981), Andrew Fletcher (tecladista) e Vince Clarke (tecladista e principal compositor de 1980 a 1981).

A origem do Depeche Mode inclui diversas bandas e músicos. O primeiro passo foi em 1977, quando os colegas de classe Vince Clarke e Andrew Fletcher fãs de The Cure formaram juntos a banda chamada No Romance In China, com Vince nos vocais e guitarra e Andrew Fletcher no baixo. Em 1978, Vince Clarke era guitarrista no The Plan, com o amigo de escola Robert Marlow nos vocais.

Entre 1978 e 1979, Martin L. Gore era parte de uma dupla acústica chamada Norman And The Worms, com o também amigo de escola Philip Burdett (atualmente, um cantor de música folk) nos vocais e Martin responsável pelo violão. Em 1979, com Robert Marlow nos vocais e teclados, Martin L. Gore na guitarra, Vince Clarke e Paul Redmond nos teclados, o grupo formou a banda The French Look. Já em março de 1980, Vince, Martin e Andrew montaram a banda chamada Composition Of Sound, na qual Vince era o vocalista. Em junho do mesmo ano, o The French Look e Composition Of Sound chegaram a tocar juntos em uma escola chamada St. Nicholas School Youth Club, em Essex.

Logo após a formação da Composition Of Sound, Vince e Andrew passaram a usar sintetizadores (faziam todo tipo de "bico" possível para conseguir dinheiro para comprá-los ou conseguiam emprestados com amigos). A entrada de David Gahan no grupo em 1980 só aconteceu depois que Vince o ouviu cantando em uma jam session fazendo uma versão da canção "Heroes" do David Bowie. A partir da presença de Gahan, o Depeche Mode passou a existir.

O nome da banda foi tirado da capa de uma revista francesa de moda. Depeche vem do francês dépêche, que significa "despachar" (do francês antigo despesche/despeche) mas também pode significar "reportagem", "noticiário"; já mode significa "moda". De acordo com Gore, o significado seria algo como "moda apressada" ou "despache de moda". No entanto, faz mais sentido em francês que a expressão contida na revista significasse algo entre "notícias de moda", "atualizações da moda" ou "última moda", dependendo do contexto.

A primeira apresentação da banda ocorreu em um festival escolar em maio de 1980. Já a primeira gravação da banda foi para um álbum chamado Some Bizzare Album, da gravadora independente Some Bizzare Records. O álbum, que continha canções de várias bandas em início da carreira, contava com "Photographic" do Depeche Mode na segunda faixa do lado A. Posteriormente, ela seria regravada no primeiro álbum da banda, Speak & Spell.

Nessa época, a banda fez uma fita demo. Gahan conta que eles não simplesmente enviavam a fita para as gravadoras, mas exigiam entrar e entregá-la pessoalmente ao responsável, o que muitas vezes causava desentendimentos. Mesmo assim, de acordo com Gahan, muitas grandes gravadoras fizeram ofertas antes deles se decidirem com qual assinar: a Phonogram Records, por exemplo, ofereceu uma grande quantia de dinheiro "e todos os tipos de coisas loucas, como roupas de abono."

1981-1984: Do sucesso inesperado ao industrial obscuro

Durante uma apresentação em uma casa de shows de Londres, a banda foi abordada por Daniel Miller, um músico do gênero eletrônico e fundador da renomada Mute Records, que estava interessado em gravar um single pelo seu emergente selo. O resultado deste contato foi "Dreaming Of Me", lançado em 1981, que alcançou a posição nº 57 nas paradas inglesas. Encorajados pelo surpreendente sucesso, a banda gravou um segundo single chamado "New Life", atingindo a posição nº 11 e aparecendo no Top Of The Pops.

Três meses depois, a banda lançou "Just Can't Get Enough", o primeiro single que entrou nos 10 mais da parada britânica, ficando em 8º lugar. A canção título do single também fez grande sucesso no Brasil, inclusive como trilha da novela Louco Amor, da Rede Globo. Este disco foi de várias formas um marco para a banda e seu sucesso abriu o caminho para o primeiro álbum, Speak & Spell, de novembro de 1981, que também chegou ao Top 10. Segundo uma crítica no Melody Maker (jornal britânico especializado em música), era um ótimo álbum, um que teve de ser feito para conquistar novos públicos e satisfazer os que são “just can't get enough”- simplesmente insaciável(is).

Já a Rolling Stone foi mais crítica, chamando o álbum de "baboseira com classificação PG" (PG é a sigla de "Parental Guidance Suggested" que faz parte da classificação indicativa de filmes usada nos EUA e significa que o conteúdo pode ser assistido por crianças, mas é sugerida uma certa orientação por parte dos pais).

Durante a turnê e divulgação do Speak & Spell, Vince Clarke passou a declarar um desconforto com o rumo que a banda estava tomando, “não há tempo de fazer nada”. No fim de 1981, Clarke anunciou publicamente que estava deixando o Depeche Mode e, em seguida, se juntou a Alison Moyet para formar o Yazoo (depois, em 1985, formou o Erasure com Andy Bell).

Os dois duos fundado por Vince Clarke com sua saída foram grandes sucessos, sendo o Erasure mais bem sucedido que o Depeche Mode nos anos 80, mas perdeu popularidade a partir dos anos 90 em comparação ao Depeche Mode. Com a saída do principal compositor, o Depeche Mode precisava de uma nova direção. Martin L. Gore, que já havia escrito "Tora! Tora! Tora!" e "Big Muff", assumiu a função.

Em janeiro de 1982, a banda lançou "See You", primeiro single sem Clarke, e que, contra todas as expectativas, ultrapassou os sucessos anteriores atingindo a 6ª posição nas paradas do Reino Unido. No mesmo ano, dois outros singles foram lançados, "The Meaning Of Love" e "Leave In Silence", e a banda embarcou em sua primeira turnê mundial, a See You Tour. Em setembro, o segundo álbum foi lançado, A Broken Frame, com resquícios da passagem de Clarke pela banda, mas já apresentando um pouco do que a banda se tornaria nos anos seguintes.

Durante o início das gravações de A Broken Frame, a banda percebeu que precisaria de um quarto membro para a turnê e outros compromissos, portanto, no fim de 1981, eles colocaram um anúncio no Melody Maker que dizia: Precisa-se de tecladista para banda bem colocada. Não queremos “perder tempo”. Alan Wilder, aos 22 anos, respondeu ao anúncio e, após dois testes com Daniel Miller, foi aceito como o quarto membro do Depeche Mode. Apesar disso, Alan foi informado que não seria necessário para a gravação do álbum propriamente dita, já que a banda queria provar que poderia obter sucesso sem Vince Clarke. A primeira contribuição musical de Alan foi em 1983, no single "Get The Balance Right!".

No terceiro álbum, Construction Time Again (1983), o Depeche Mode decidiu trabalhar com o produtor Gareth Jones, no John Foxx’s Garden Studios. O álbum foi uma mudança radical no som do grupo, principalmente pela combinação de Synclavier e Emulator com os sintetizadores analógicos usados previamente. Um bom exemplo do novo som é o primeiro single do álbum, "Everything Counts", com letra crítica sobre a intransigência de corporações multinacionais, que chegou a 6º lugar nas paradas britânicas e também entrou nos maiores sucessos na África do Sul, Suíça, Suécia e Alemanha Ocidental. Essa música mostra o que seria o padrão da banda no futuro: a relação entre as "habilidades de composição de Gore combinadas com uma crescente ambição da banda como um todo".

Alan Wilder contribuiu nas faixas "The Landscape Is Changing" e "Two Minute Warning". Mais tarde, Alan seria responsável por desenvolver muitos clássicos da banda, como o álbum Violator em 1990 e era o membro mais empenhado na produção, enquanto a vasta maioria das músicas era composta por Martin. Ele refinou os demos de "Enjoy The Silence" (composta por Martin) e Songs Of Faith And Devotion em 1993, sendo esses trabalhos com maior riqueza em termos de produção.

Em 1983, a banda saiu em uma turnê chamada Construction Time Again Tour que percorreu a Europa.

Durante os primeiros anos de carreira, o Depeche Mode havia conquistado grande sucesso no Reino Unido, Europa e Austrália, entretanto, em março de 1984 o sucesso foi ampliado para os Estados Unidos com o lançamento de "People Are People", considerada um hino antipreconceito. Aproveitando o sucesso, a gravadora americana Sire Records (muito famosa pelo seu apoio ao movimento punk e as bandas pós-punk) lançou uma coletânea com o mesmo título.

Um mês depois, o álbum Some Great Reward foi lançado com ótimas críticas e um material mais obscuro do que os trabalhos anteriores. O Melody Maker classificou o álbum como um chamado para "prestar atenção no que está acontecendo por aqui, bem embaixo dos nossos narizes". Em contraste com os temas essencialmente políticos e ambientais abordados no álbum anterior, as letras de Some Great Reward tratam de temas mais pessoais, como sexo e política ("Master And Servant"), relações adúlteras ("Lie To Me") e a arbitrariedade da justiça divina ("Blasphemous Rumours"). Também foi incluída a primeira balada com Martin Gore nos vocais ("Somebody"). Canções desse tipo se tornariam uma característica de todos os álbuns seguintes.

The World We Live In And Live In Hamburg foi o primeiro material em vídeo lançado pela banda, gravado na Alemanha durante o Some Great Reward Tour em 1984. Nessa época, a banda começou a fazer sucesso no circuito underground jovem norte-americano, sendo frequente associada à cultura gótica que surgiu no início da década de 1980. Era comum as músicas da banda tocarem em rádios universitárias e de rock moderno com viés mais alternativo. Essa recepção entre os americanos era completamente diferente da europeia, onde a banda figurava revistas adolescentes mainstream e era considerada ícone pop, mesmo com composições cada vez mais sérias e melancólicas.

Bem pessoal, por aqui encerro a primeira parte da história dessa banda inglesa que através do seu trabalho conquistou uma legião de fãs, no início de sua carreira. Banda essa que prometia ser sucesso com seu estilo e suas letras variantes entre o sério (política e meio ambiente) e mais leves (temas pessoais, amor e sexo).

Fiquem com mais de Depeche Mode em:

RAUL SEIXAS: DE RAULZITO A MALUCO BELEZA - QUARTA PARTE - FINAL

2017-05-01T00:34:00.000-03:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Aqui encerro a quarta e última parte da história deste que foi um ícone para o rock brasileiro.

Raul teve muitos casamentos, mas deve ter tido momentos felizes enquanto seus problemas não afetaram seus relacionamentos. Por ter abusado do álcool e das drogas, o Maluco Beleza pagou um preço alto por seus exageros.

Além de ter retirado metade de seu pâncreas em 1979, Raul era diabético, usava insulina injetável, ou seja, não poderia consumir bebidas alcoólicas de maneira nenhuma, principalmente destiladas, que segundo os médicos, são as que vão matando aos poucos.

Mas cada um tem seus “infernos particulares”, não podemos julgar ninguém (até porque não queremos ser julgados). A trajetória de Raul chegou ao fim e seus últimos anos não foram nada fáceis.

Em 1985, separou-se de Kika Seixas. Fez um show em 01 de dezembro 1985, no Estádio Lauro Gomes, na cidade de São Caetano do Sul. Só voltaria a pisar no palco no ano de 1988, ao lado de Marcelo Nova. Conseguindo um contrato com uma gravadora pequena, a Copacabana, em 1986 (de propriedade da EMI), gravou um disco que foi lançado somente no ano seguinte, devido ao seu alcoolismo.

O disco Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum! foi lançado em março de 1987 pela gravadora Copacabana e gravado entre 24 de fevereiro e 29 de dezembro de 1986 no estúdio independente São Paulo, em São Paulo, e nos estúdios da gravadora Copacabana, em São Bernardo do Campo. Este disco significou a volta ao mercado fonográfico do cantor baiano após quase 3 anos do lançamento de Metrô Linha 743, pela Som Livre.

A gravação transcorreu-se de forma demorada devido aos problemas de saúde do cantor, que passou boa parte do ano internado na Clínica Tobias, em São Paulo. Assim, os trabalhos encerraram-se apenas no dia 29 de dezembro e a mixagem deu-se em 05 e 06 de janeiro de 1987. O disco foi gravado praticamente ao vivo em estúdio, com apenas a voz sendo adicionada posteriormente.

Raul teve a presença de seu guitarrista Rick Ferreira na produção, já que as gravações das bases transcorriam enquanto o cantor estava internado, e de apenas Rick e o engenheiro de som na mixagem, com quase nenhuma interferência da gravadora. Sua quinta e última mulher, Lena Coutinho, aparece em diversas parcerias, além de ter ficado responsável pela parte gráfica da capa.

Capa do disco de 1987.

O disco começa com uma abertura jazzística e o grito primal do rock, imortalizado por Little Richard em “Tutti Frutti”, juntamente com "Quando Acabar o Maluco Sou Eu", com guitarras a lá Chuck Berry, um violão 12 cordas estilo The Byrds e uma letra divertidíssima. Segue-se o country rock de banjo e violão de aço "Cowboy Fora da Lei", grande sucesso do disco, com sua mistura de política e medo da idolatria.

"Paranóia II (Baby Baby Baby)" é um rock meio surreal, meio jazzístico, mais para o rock dos anos 60. "I Am (Gîtâ)" é uma versão em língua inglesa para o seu maior sucesso, cantada em um inglês shakespeariano e sem orquestras no arranjo, na qual Raul aproveita para dizer coisas que seriam censuradas em português.

"Cambalache" é a segunda versão do disco, de um tango de Enrique Santos Discépolo, e com um arranjo "louco, superintuitivo, em três ritmos: a bateria fica no tango, o baixo em blues e a guitarra em rock; todo quebrado". Continua com "Loba", uma valsa rock que tem um tema característico do rock dos anos 50: letra maliciosa e música ingênua.

"Canceriano sem Lar (Clínica Tobias Blues)" é um blues típico com rock and roll, rhythm and blues e gospel, composta sobre a rotina de Raul na clínica em que esteve internado para tratar do alcoolismo. "Gente" é bem mais próxima do rock estilo anos 80. "Cantar" é uma balada mais ou menos no estilo Cliff Richard.

O álbum foi lançado em março de 1987 e, devido principalmente ao sucesso de "Cowboy Fora da Lei" e de "Quando Acabar o Maluco Sou Eu", vendeu mais de 100 mil das 250 mil cópias que foram editadas, rendendo ao cantor baiano o seu terceiro Disco de Ouro e consolidando-se como o terceiro disco mais vendido da carreira de Raul.

O disco teve três de suas canções vetadas pela censura federal ("Não Quero mais Andar na Contramão", "Check-up" e "Como o Diabo Gosta"), o que fez com que Raul e a gravadora decidissem excluí-las do álbum. Elas seriam lançadas no ano seguinte em um novo disco pela mesma gravadora, A Pedra do Gênesis. "Cowboy Fora da Lei" fez parte da trilha sonora da novela Brega & Chique e contou com a filmagem de um videoclipe para o programa dominical da Rede Globo, o Fantástico.

O álbum foi bem recebido pela crítica, com uma aclamação unânime aos seus esforços. As críticas elogiavam a concisa parte musical, gravada, praticamente, ao vivo em estúdio, e a simplicidade e beleza dos arranjos, assim como no disco anterior, sem grandes orquestrações e apostando em uma banda básica (guitarra, baixo e bateria) e em letras que falavam dos problemas diários do cantor, internações, remédios e problemas de saúde, ao invés de grandes problemas metafísicos. Continuava apostando na imagem do "roqueiro clássico", em oposição a "essa moçada de guitarra na mão, meio perdida" que formava o BRock dos anos oitenta.

A partir desse ano, estreitou relações com Marcelo Nova, fazendo uma participação no disco Duplo Sentido, da banda Camisa de Vênus. Um ano mais tarde, 1988, já separado de Lena, fez seu último álbum solo, A Pedra do Gênesis.

Lançado em 22 de agosto de 1988 pela gravadora Copacabana e gravado entre 24 de fevereiro e agosto de 1988 no estúdio independente São Paulo, em São Paulo, e nos estúdios da gravadora Copacabana, em São Bernardo do Campo. Este foi o último álbum solo do cantor e o último pela pequena gravadora paulista. Representou uma última tentativa de retornar ao personagem do místico e do profeta que marcaram a fase de maior sucesso de público e crítica de sua carreira.

Capa do disco de 1988.

Já bastante doente, Raul Seixas lançou seu penúltimo disco, marcado por canções que soam como presságio de uma despedida, como "Cavalos Calados", "Senhora Dona Persona" e "Areia da Ampulheta".

O disco ainda traz "Check Up" (uma nova versão para a música "Bruxa Amarela" que foi lançada nos anos 70 por Rita Lee e sua banda no álbum Entradas e Bandeiras), "A Lei" (onde Raul Seixas faz um discurso novamente evocando a Sociedade Alternativa, enquanto o coro canta o refrão da música homônima) e "Não Quero Mais Andar Na Contramão" (música em que Raul afirma estar cansado de usar drogas, e mais conhecida na sua versão original, gravada pelo ex-Beatle, Ringo Starr).

Algumas músicas, Raul fez em parceria com sua última companheira, Lena Coutinho. Esse disco não obteve o mesmo sucesso do anterior, Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum! de 1987.

Marcelo Nova e Raul

A convite de Marcelo Nova, fez alguns shows em Salvador, após três anos sem pisar num palco. No ano de 1989, fez uma turnê com Marcelo Nova, agora parceiro musical, totalizando 50 apresentações pelo Brasil. Durante os shows, Raul mostra-se debilitado. Tanto que só participou de metade do show, a primeira metade é feita somente por Marcelo Nova.

Último Disco e Morte

As 50 apresentações pelo Brasil resultaram naquele que seria o último disco lançado em vida por Raul Seixas. O disco foi intitulado de A Panela do Diabo, que foi lançado pela Warner Music Brasil no dia 22 de agosto de 1989, um dia depois da morte de Raul.

A Panela do Diabo é o décimo quinto e último álbum de estúdio de Raul Seixas e o segundo do cantor e compositor Marcelo Nova, lançado em 19 de agosto de 1989 pela gravadora WEA, com gravações realizadas em maio de 1989 no Estúdio Vice Versa e distribuição pela BMG Ariola.

O disco foi possível pela aproximação progressiva entre Raul e Marcelo que começou a se intensificar a partir de 1984 e viria a culminar em duas turnês conjuntas (Anestesia, de novembro de 1988 até maio de 1989, e A Panela do Diabo, de 02 de junho até 13 de agosto de 1989) e este álbum.

Marcelo Nova e Raul, antes do lançamento do disco.

Apesar do relativo sucesso discográfico, Raul continuou afastado dos palcos após o fracasso de seu último disco, Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum!, de 1987. Isso só mudou quando Raul teve uma nova crise de saúde e, durante um jantar com Marcelo em Salvador, queixou-se da sua situação financeira que dificultava tratar de seus problemas de saúde. Nova ofereceu a Raul a oportunidade de dividirem o palco, e o cachê, do show que ele faria com sua banda no dia seguinte, na capital baiana.

Assim, em 18 de setembro de 1988, na Concha Acústica do Teatro Castro Alves, Raul voltava aos palcos, acompanhado de seu amigo Marcelo Nova. O show foi um sucesso que se repetiu nas outras duas apresentações de Marcelo no teatro naquele fim de semana. Assim, Marcelo e Raul embarcaram em uma turnê celebratória da volta de Raul aos palcos, batizada de Anestesia, que durou de novembro de 1988 até maio de 1989, quando receberam convite de André Midani para gravarem um álbum juntos e lançá-lo pela sua gravadora, a WEA.

As canções que viriam a fazer parte do disco começaram a ser compostas por Marcelo e Raul ainda durante a turnê Anestesia, já que, segundo Marcelo, inconscientemente, eles acreditavam que fariam um disco mais cedo ou mais tarde. Assim, quando o contrato de Raul com a Copacabana encerrou-se e veio o convite de Midani, eles puderam "trancar-se em casa" e produzir a maioria das músicas.

Então, as gravações transcorreram, de certo modo, rapidamente, no curso do mês de maio de 1989, no Estúdio Vice Versa, em São Paulo. Após o disco estar gravado, veio o lançamento do primeiro single, "Carpinteiro do Universo", e o início da turnê de divulgação, com shows no Olympia, em São Paulo, entrevista no Jô Soares Onze e Meia, e apresentação no Domingão do Faustão, tudo em junho de 1989. Os músicos prometiam que o disco teria muito rock e rhythm and blues.

Durante esta turnê, antes de um show em Santa Bárbara d'Oeste, os músicos descobriram que um grupo de religiosos evangélicos distribuía panfletos associando os dois ao diabo: aquela foi a dica para a escolha do nome do disco. O álbum foi mixado no Estúdio nas Nuvens, de Liminha, no Rio de Janeiro. A turnê acabou no dia 13 de agosto com um último show em Brasília, no Ginásio Nilson Nelson. Seis dias depois, o álbum chegaria às lojas em todo o Brasil.

Capa do disco de 1989, com Marcelo Nova.

O álbum começa com uma versão à cappella, e embriagada, de "Be-Bop-A-Lula", de Gene Vincent, um clássico rockabilly dos anos 50. Em seguida, o álbum traz o "rockão" autobiográfico "Rock 'n' Roll" que explora histórias da vida de Raul e Marcelo e cita diversos artistas de rock and roll, como Little Richard e Chuck Berry, além de comparar o artista nordestino de forró Genival Lacerda com os pioneiros do rock Elvis Presley e Jerry Lee Lewis.

Depois, temos o single e grande sucesso do disco, "Carpinteiro do Universo", uma balada "country-caipira", mistura de música country com música sertaneja de raiz, que tem como temática a impossibilidade de "arrumar o mundo" e de "tudo consertar" e que foi considerada, por Luís Antônio Giron, como "uma das melhores canções já realizadas no rock nacional", com sua melodia lenta e fácil e sua letra lírica.

"Quando Eu Morri" é um blues que tem a morte e o abuso de substâncias como temática: interessante notar que esta temática aparece de modo manifesto apenas nesta composição de Marcelo e em outra estrofe sua no rock de abertura ("Por aí os sinos dobram e isso não é tão ruim / Pois se são sinos da morte, eles ainda não bateram para mim / E até chegar a minha hora, Eu vou com ele até o fim"). "Banquete de Lixo" é outra que também fala sobre abuso de substâncias.

O lado B (estou falando de LP de vinil, com dois lados) abre com o outro "rockão", "Pastor João e a Igreja Invisível", que critica o "exercício da fé". "Século XXI" é um amargo raio x "da depressão de fim de século sem perspectiva". "Nuit" é a canção mais pesada do disco, a única somente de Raul (e sua então esposa, Kika Seixas), e é uma espécie de resumo de sua filosofia setentista, com um gosto amargo de derrota. Seu nome é derivado de uma deusa egípcia e traz em um de seus versos uma referência velada à morte através de uma citação de um trecho do capítulo "Morte", de As Dores do Mundo, de Schopenhauer. "Best Seller" e "Cãibra no Pé" seguem a fórmula bem sucedida dos country rocks do restante do disco. "Você Roubou meu Videocassete" foi destacada nas resenhas pela sua melodia considerada "feia".

O álbum foi lançado no dia 19 de agosto de 1989 em LP, Fita cassete e CD, pela gravadora WEA (distribuído pela BMG Ariola) e, dois dias depois, viria a falecer, vítima de um ataque cardíaco, de madrugada, em seu apartamento, Raul Seixas, aos 44 anos. Não se sabe se apenas por suas qualidades, ou se houve alguma influência da morte de Seixas, mas o álbum vendeu mais de 150 mil cópias em seu ano de lançamento, rendendo um disco de ouro a Raul e Marcelo, sendo que o de Raul foi entregue a sua família.

De qualquer modo, o lançamento acabou sendo ofuscado pelo trágico fim de um de seus autores e, ao mesmo tempo, beneficiou-se da exposição massiva que Raul Seixas passou a ter em toda a mídia nacional. Suas músicas voltaram a tocar no rádio e especiais sobre sua carreira apareceram em jornais, revistas e na televisão.

A turnê de promoção do disco (batizada, também, de A Panela do Diabo), que começou em junho com show no Olympia, em São Paulo, e terminou com a última apresentação da carreira de Raul no dia 13 de agosto no Ginásio Nilson Nelson, em Brasília, foi um absoluto sucesso de público, apesar da “performance non sense” de Seixas em cima do palco, e funcionou como uma espécie de turnê de despedida para o músico veterano. A divulgação do álbum foi intensa em rádios, jornais e televisão, além do lançamento de dois compactos: "Carpinteiro do Universo" e "Pastor João e a Igreja Invisível".

Na manhã do dia 21 de agosto, Raul Seixas foi encontrado morto sobre a cama, por volta das oito horas da manhã em seu apartamento em São Paulo, vítima de uma parada cardíaca: seu alcoolismo, agravado pelo fato de ser diabético, e por não ter tomado insulina na noite anterior, causaram-lhe uma pancreatite aguda fulminante.

Raul foi velado pelo resto do dia no Palácio das Convenções do Anhembi. No dia seguinte seu corpo foi levado por via aérea até Salvador e sepultado às 17 horas, no Cemitério Jardim da Saudade.

O álbum foi extremamente bem recebido pela crítica especializada na época de seu lançamento. De fato, assim como em relação às vendagens, não se sabe o quanto a morte de Raul Seixas influenciou na crítica do disco. Entretanto, é de notar-se que as críticas foram unanimemente favoráveis e, com o passar dos anos, quase ninguém resolveu reavaliar o álbum.

Assim, o crítico Ayrton Mugnaini Júnior, escrevendo para a revista Bizz, avaliou favoravelmente o disco, elogiando o seu rock direto e comparando-o ao supergrupo Traveling Wilburys. Também, considera que Raul canta melhor que Marcelo no álbum, embora não deixe de notar a desafinação geral da dupla, dizendo que ela se "encaixa perfeitamente no espírito country rock de todo o LP".

Todos os críticos são uníssonos nos elogios à simplicidade dos arranjos e à qualidade das letras que combinam lirismo e críticas mordazes. Escrevendo para a Folha, Neufville avalia que o disco une a tradição à modernidade para reafirmar uma ideia de rock brasileiro: uma ideia que, simples e antiga, "associa o country norte-americano ao sertanejo, o blues à música caipira, tudo cimentado pelas raízes do rock 'n' roll".

Lauro Lisboa Garcia, escrevendo para o Estadão, elogiou a acidez e ironia do álbum, dizendo que o disco era uma bordoada dos "feios, sujos e malvados" Raul e Marcelo "na fuça dos pequineses do biônico popinho brasileiro". Luís Antônio Giron, também para o Estado, elogiou a acidez, a ironia e o rock bem-humorado do disco. Ressaltou que o disco tinha um gosto amargo de derrota e que vinha daí a sua grandeza: ele "é o ataque que já se sabe derrotado pelos dobbermans do sistema" [...]

O álbum tornou-se cult com o passar dos anos, com "Carpinteiro do Universo" e "Pastor João e a Igreja Invisível" tornando-se clássicos do cancioneiro de Raul Seixas e, também, de Marcelo Nova. Ainda hoje, Marcelo Nova toca canções do disco e, até, o álbum completo em turnês comemorativas.

Por outro lado, o grande legado do álbum foi o estabelecimento definitivo do lugar único de Raul Seixas no panorama da música popular brasileira, em especial no rock brasileiro. Assim, o álbum e a sua turnê de divulgação, permitiu a apresentação de Raul a uma nova geração, abrindo espaço para a condição de ídolo que o músico baiano passaria a ostentar após a sua morte, com a edição de diversas coletâneas e a reedição de seus discos clássicos.

A morte de Raul Para os Fãs

O que vou postar aqui, é o artigo de Gláucia Padilha, escrito para a Revista Contigo!:

“Há muito não se via uma manifestação popular igual. Desesperados, os fãs de Raulzito mostraram toda a dor no velório.

Contorcidos de dor e desespero, milhares de fãs do "maluco" Raul Seixas prestaram sua última homenagem ao rei do rock brasileiro. Cantando os grandes sucessos do ídolo, uma multidão completamente transtornada beirou as raias da loucura. Lágrimas, desmaios e gestos tresloucados: houve invasão do necrotério de Vila Alpina (em São Paulo) e até tentativa de impedir que o corpo fosse sepultado em Salvador.

A tragédia se abateu sobre os fãs quando as rádios começaram a noticiar que Raul havia deixado de criar às 05 horas da madrugada de segunda-feira por causa de uma parada cardíaca. Sem acreditar na história, uma legião de jovens tomou as dependências do Hotel Aliança — onde Raul vivia há dois anos — na esperança de encontrar Raulzito com vida e, como sempre, rindo da situação.

Infelizmente o sonho dos fãs não se concretizou. Seu corpo jazia numa das câmaras mortuárias do Crematório de Vila Alpina. Quando a informação se espalhou, outra multidão se aglomerou na frente do crematório e, num momento de desespero, invadiu o necrotério. Mas o caixão do ídolo já tinha partido para o Palácio das Convenções do Anhembi, onde encontrou milhares de "seguidores" do autor de "Metamorfose Ambulante".

A noite foi longa e triste. Mas ninguém arredou pé um instante do local onde descansava o baiano que ousou e revolucionou o rock. Muitos — vestidos com camisetas de fãs-clubes do cantor — sacaram o violão e entoaram as músicas de Raul. Essa multidão acompanhou o carro do Corpo de Bombeiros que levou o caixão ao aeroporto para embarcá-lo num jatinho em direção a Salvador. Na Bahia, as manifestações se repetiram com a mesma intensidade. Só pararam quando os funcionários do Cemitério Jardim da Saudade despejaram a última pá de terra sobre o caixão.”

Legado Que Raul Deixou

Depois de sua morte, Raul permaneceu entre as paradas de sucesso. Foram produzidos vários álbuns póstumos, como O Baú do Raul (1992), Raul Vivo (1993 - Eldorado), Se o Rádio não Toca... (1994 - Eldorado) e Documento (1998). Inúmeras coletâneas também foram lançadas, como Os Grandes Sucessos de Raul Seixas de (1993), a grande maioria sem novidades, mas algumas com músicas inéditas como As Profecias, com uma versão ao vivo de "Rock das ‘Aranha’ " de 1991 e Anarkilópolis, com "Cowboy Fora da Lei Nº2", de 2003.

Sua penúltima mulher, Kika, já produziu um livro do cantor, O Baú do Raul, baseado em escritos dos diários de Raul Seixas desde os seis anos de idade até a sua morte. Em 2002, o cantor paraibano Zé Ramalho lançou o DVD Zé Ramalho Canta Raul Seixas: Ao Vivo contando com algumas canções de Raul no repertório.

Em 2004, o canal a cabo Multishow promoveu um show especial de tributo a Raul, intitulado O Baú do Raul: Uma Homenagem a Raul Seixas. O show, gravado na Fundição Progresso (Rio de Janeiro) e lançado em CD e DVD, contou com artistas como Toni Garrido, CPM 22, Marcelo D2, Gabriel o Pensador, Arnaldo Brandão, Raimundos, Nasi, Caetano Veloso, Pitty e Marcelo Nova (os três últimos baianos, como Raul).

Mesmo depois de sua morte, Raul Seixas continua fazendo sucesso entre novas gerações. Vinte anos depois de sua morte, o produtor musical Mazzola, amigo pessoal de Raul, divulgou a canção inédita "Gospel", censurada na década de 1970. A canção foi incluída na trilha sonora da telenovela Viver a Vida, da Rede Globo.

Em 2013, o cantor americano Bruce Springsteen cantou "Sociedade Alternativa" na abertura de seu show no Rock in Rio 2013. Em junho de 2014, a Rede Record definiu a música "Tente outra vez", como tema de abertura da novela Vitória. Em 2015, a gravadora Som Livre lançou o DVD e em formato CD O Baú do Raul – 25 Anos Sem Raul Seixas, gravado em agosto de 2014 na Fundição Progresso no mês em que se completaram exatos 25 anos da morte do cantor e que contou com a participação dos seus sucessos nas vozes de Jerry Adriani, Nação Zumbi, Baía, Ana Cañas, Zeca Baleiro, Marcelo Nova, Marcelo Jeneci, Digão, Tico Santa Cruz, Cachorro Grande, entre outros, além da presença da banda original do músico, Os Panteras.

Curiosidade: Vivian, sua filha do casamento com Kika, ou Vivi como é conhecida no meio musical, hoje é DJ. e lançou vários remixes de seu pai em estilo eletrônico. Raul toca até nas pistas eletrônicas desse planeta que insiste em não parar.

Bem galera, aqui encerro a história desse que foi o “pai do rock”, o criativo e carimbador maluco da música contemporânea brasileira. Não querendo comparar, mas fazendo um paralelo com artistas bem diferentes: Raul Seixas e Vincent van Gogh.

Cada um em, sua área, buscava a perfeição. Quando não satisfeitos com o rumo tomado por suas carreiras, Raul entrou em depressão e enveredou para o caminho do álcool e das drogas, Vincent enlouqueceu e cortou sua orelha.

Porque a comparação: Raul fez sucesso enquanto estava vivo, mas muito mais sucesso depois que morreu. Vincent van Gogh não vendeu quadro algum enquanto estava vivo. Depois que morreu, virou uma referência, e seus quadros hipervalorizaram.

Ambos eram mestres naquilo que faziam, mas só foram verdadeiramente reconhecidos depois que não estavam mais aqui para desfrutar do sucesso estrondoso que suas obras alcançaram depois de suas mortes. Justiça à parte, comparei os dois porque gosto do trabalho de ambos, cada um a seu estilo, cada um com seus problemas.

E VIVA A SOCIEDADE ALTERNATIVA, VIVA! VIVAAA!!!

Fiquem com mais de Raul Seixas em:

RAUL SEIXAS: DE RAUZITO A MALUCO BELEZA - TERCEIRA PARTE

2017-04-28T03:13:00.000-03:00

Olá galera que curte o Blog Opinião do Véio! É uma satisfação tê-los aqui novamente, acompanhando a terceira parte da história deste que é uma das figuras mais importantes do rock brasileiro.

Eu estava pesquisando para o Blog e fiquei surpreso com a notícia que está no último parágrafo antes de minha despedida, na segunda parte. Como a censura não permitia que soubéssemos de tudo, alguma coisa passou em branco.

Embora eu já fosse adolescente nessa época, e já fazia papel de “DJ”. com o toca discos de meu futuro cunhado nas festas da empresa em que ele conheceu minha irmã, eu jamais lembraria de ter ouvido essa notícia, por isso separei o final da segunda parte, para explicar melhor agora.

Época Conturbada

“Quando o Raul saiu da Philips, estava mal. O contratei para a Warner e todo mundo foi contra”, diz o produtor Marco Mazzola, que comprou um apartamento para Raul na época. “Vi que não podia fazer mais nada quando o levei para mostrar a casa nova e ele estava mais interessado em fazer carreiras de cocaína. O Raul era um cara careta, mas se deixou levar por essa coisa de ver disco voador. Ele confiou demais no Paulo Coelho. Eu falava para ele pôr o pé no chão.”

Mazzola se esmerou no LP, convidando o guitarrista americano de jazz Lee Ritenour para solar em ‘Maluco Beleza’ e Gilberto Gil para arranjar ‘Que Luz É Essa?’. “O Raul achava que Caetano Veloso e Gilberto Gil não gostavam dele. E hoje a gente vê Caetano falando bem dele, mas na época não era assim!”, lembra o produtor.

Kika Seixas, que viria a ser mulher de Raul, trabalhava no departamento de imprensa da Warner, disse: “O Elvis Presley andava com a ‘máfia de Memphis’, uma rapaziada estranha. E Raul cismou que era como ele, e fazia o mesmo. Quem cuidava das contas dele, inclusive Imposto de Renda, era um motorista!”, espanta-se Kika.

Raul e Kika.

“Mata Virgem (1978), no qual retomava a parceria com Paulo Coelho, teve um quase-hit, ‘Judas’. “Por causa da retirada de parte do pâncreas, Raul precisou parar de beber. Isso o deixou deprimido e ele passou a faltar a compromissos”, relata Kika. “Um dia, precisei ligar para o Raul para chamá-lo para o estúdio, e a pessoa que atendeu, que morava com ele, disse que não o via há dias nem sabia se ia poder dar o recado”, recorda ela.

“Naquela época, a Warner foi para terceiro lugar nas paradas e eu comecei a ter outras funções lá dentro”, lembra Mazzola. “Me vi completamente sem forças para ajudar o Raul, um grande talento. Mas ele não queria ser ajudado.”

Por Quem Os Sinos Dobram, último álbum da fase, saiu em 1979 e trazia Raul compondo ao lado do amigo argentino Oscar Rasmussen, com quem dividia apartamento. É tido por fãs como seu álbum mais fraco. Raul costumava agregar a seu redor os tipos mais estranhos e sombrios, numa versão tropical da “máfia de Memphis” que acompanhava Elvis Presley.

Em 1979, ele teve a inacreditável ideia de contratar uma equipe de caratecas argentinos como seguranças. Tanto ele e Oscar quanto os seguranças varavam as noites em festas regadas a álcool e drogas das mais variadas. Numa transação obscura entre os caratecas e traficantes, o faixa preta Hugo Amorrotu foi assassinado a tiros, dentro do apartamento de Raul, num evento que demonstra o grau de descontrole que sua vida havia tomado. “Foi o ápice de uma fase de total desligamento do amor à vida”, lamenta Mazzola.

Anos 1980: Altos e Baixos

Em 1980, assina novamente contrato com a CBS (desta vez como cantor) lançando mais um álbum, Abre-te Sésamo, que contém alguns sucessos.

O disco fez algum sucesso na época, com as músicas "Aluga-se" e 'Rock das Aranha" e vendeu razoavelmente bem. Contudo, ambas as músicas foram censuradas. "Aluga-se" era uma forte crítica sobre a relação do governo brasileiro com outros países, principalmente Estados Unidos. Já "Rock das 'Aranha’", foi censurada devido à sua letra, sexualmente explícita.

Capa do disco de 1980.

Raul chegou a declarar anos mais tarde que a canção é um plágio de "Killer Diller" do cantor Jimmy Breedlove. A música "Angela" foi feita em homenagem à companheira de Raul, Kika Seixas. O disco também inclui uma música de seu pai, Raul Varella Seixas, "Minha Viola".

Em 1981, nasce a terceira filha, Vivian, fruto de seu casamento com Kika.

Logo após o lançamento de Abre-te Sésamo, em 1980, a Discos CBS passaria por uma mudança em sua diretoria o que ocasionou em uma piora nas relações com o músico. Assim, o novo disco seria muito mal divulgado e pessimamente distribuído, o que incomodou o cantor baiano. A gota d'água veio em meados do ano seguinte, com a proposta da diretoria para que Raul gravasse um disco em homenagem ao casamento do príncipe Charles com a princesa Diana: o cantor pediu demissão.

Com isso, Raul enfrentou grandes problemas para a continuidade de sua carreira, como a dificuldade para marcar shows. Esses problemas levavam o cantor a abusar do álcool e das drogas, levando a um círculo vicioso de abusos e dificuldades para trabalhar. Assim, apesar de conseguir alguns públicos significativos, como as 180 mil pessoas no Festival de Verão de Santos, na praia do Gonzaga, em fevereiro de 1982, em bons shows, às vezes o cantor passava por situações difíceis.

Um episódio que ilustra bem esse período é o show na cidade de Caieiras, em 15 de maio de 1982. Raul se dirigiu à cidade acompanhado de seu empresário e sete músicos, para encerrar uma Feira de Folclore local. Entretanto, chegando lá, o responsável pela programação impediu o início do show alegando que havia poucas pessoas no local (cerca de 300) e que os músicos deveriam aguardar a chegada de mais gente. Com isso, o show só iniciou-se após a meia-noite. Apesar de uma duração programada de 50 minutos, a apresentação durou apenas meia hora devido à animosidade do público.

Após o fim do show, policiais entraram no camarim e levaram o cantor sob a acusação de ser um impostor. Raul sofreu maus tratos e ficou detido na delegacia até às 5 horas do domingo, quando seu empresário conseguiu providenciar os seus documentos. As versões conflitantes sobre o fato não permitem saber, até hoje, se o cantor estava drogado ou alcoolizado.

Neste período, Raul tentou vender para diversas gravadoras o projeto de um disco chamado Nuit, uma opereta-rock que versaria sobre a deusa da noite na religião Thelema, composto em parceria com sua companheira na época, Kika Seixas, sem sucesso.

Apenas em janeiro de 1983, Raul recebeu um telefonema de João Lara Mesquita, diretor de uma pequena gravadora, a Eldorado, pertencente ao mesmo grupo que controlava o jornal O Estado de São Paulo, convidando-o para gravar um disco pela sua gravadora. Como Raul já havia sido recusado por todas as grandes gravadoras multinacionais que atuavam no Brasil, tendo até ouvido de um executivo que ele estava "vacinado contra Raul Seixas", a proposta foi aceita na hora.

As canções do disco foram compostas durante o período de dois anos em que Raul esteve sem gravadora, diversas delas fazendo parte do projeto inacabado de um disco independente, Nuit. Com o contrato da Eldorado, Raul separou diversas canções que tinha composto (algumas parte do projeto não terminado e outras com temática distinta) e entrou nos estúdios da gravadora, em São Paulo, já em janeiro, para gravar o disco, com produção de seu pianista e maestro, Miguel Cidras.

Em fevereiro, o trabalho em estúdio foi finalizado, juntou-se um cover de Arthur Crudup gravado ao vivo em 26 de fevereiro de 1983, em show na Sociedade Esportiva Palmeiras, e o disco passou os meses seguintes em pós-produção. Próximo da data de lançamento, Raul foi convidado por Augusto César Vannucci, diretor da Rede Globo, para interpretar um personagem no especial infantil Plunct, Plact, Zuuum. O cantor compôs uma canção inspirado por sua filha com Kika, Vivian, que tinha dois anos.

Raul como o Carimbador Maluco.

Ao ficar sabendo da participação de Raul no especial, que seria exibido em 03 de junho de 1983, a Eldorado quis incluir aquela música no disco. Como a primeira tiragem já estava pronta, foi feito um compacto às pressas para ser distribuído (em forma de encarte) juntamente com o disco. Nas tiragens seguintes, bem como no relançamento em CD, a canção já figuraria como a sétima faixa no disco.

O álbum começa com "D.D.I. (Discagem Direta Interestelar)", um "puro Raul Seixas de boa safra" em que Deus reclama com os homens pelas besteiras que estão fazendo e estariam comprometendo a Sua "reputação". "Não Fosse o Cabral" é uma versão para "Slippin' and Slidin'" de Little Richard que quase foi censurada. Wanderléa divide os vocais com Raul na faixa "Quero Mais", uma mistura de reggae, baião e xaxado. "Segredo da Luz" (remanescente de Nuit) foi considerada a balada mais bonita do disco, na qual homens e mulheres brilham como estrelas.

"Eu Sou Eu, Nicuri É o Diabo" é uma canção defendida pelos Os Lobos no VII Festival Internacional da Canção e que "conserva uma deliciosa ingenuidade em suas brincadeiras com sílabas". "Capim Guiné" é uma moda sertaneja composta por Raul em parceria com Wilson Aragão. "Babilina" é uma versão de "Bop-a-Lena", de Ronnie Self, com letra "pornô-kitsch". A última canção é um belo tributo à Arthur "Big Boy" Crudup gravada ao vivo em um show no ginásio da Sociedade Esportiva Palmeiras em 26 de fevereiro de 1983, que Raul canta com a "energia de um adolescente".

Raul Seixas, também conhecido como Carimbador Maluco, foi o décimo primeiro álbum de estúdio de Raul, lançado em 26 de abril de 1983 pela gravadora Eldorado (distribuído nacionalmente pela EMI-Odeon) e, bem divulgado e distribuído, vendeu mais de 100 mil cópias, rendendo o segundo disco de ouro da carreira de Raul. O disco teve três canções inicialmente vetadas pela censura ("Quero Mais", "Babilina" e "Não Fosse o Cabral"), mas, após explicações, elas acabaram sendo liberadas.

A divulgação acabou se beneficiando do lançamento do musical infantil da Globo que trazia "Carimbador Maluco" como uma das principais faixas e a participação de Raul cantando a música caracterizado como o personagem título. Em dezembro, Raul apresentou-se, inclusive, no especial de Natal da emissora, no estádio do Maracanã, em companhia da Turma do Balão Mágico e dos Trapalhões, cantando esta canção. Além disso, a canção “Coração Noturno” fez parte da trilha sonora da novela Louco Amor.

Capa do disco de 1983.

O álbum foi bem recebido pela crítica na época de seu lançamento, especialmente por significar a volta de Raul Seixas após quase três anos sem lançamentos discográficos e poucos shows realizados no período. As apresentações de Raul vinham recebendo bons públicos e seu "marketing pessoal" de uma nova fase mais família, longe do álcool e das drogas, com Kika Seixas e sua filha pequena sempre presentes nas entrevistas concedidas, parecia surtir efeito em gerar mídia positiva.

Essa mudança na carreira foi bem sucedida, inicialmente, com a mudança de cidade (Rio de Janeiro para São Paulo) e uma nova postura: não mais a imagem de profeta, mas uma tentativa progressiva de apresentar-se como um roqueiro clássico e, ao mesmo tempo, como uma espécie de antagonista em relação aos artistas que começavam a ficar famosos pelo "novo rock" que se fazia no Brasil. Assim, Raul respaldava-se cada vez mais no nome "Raul Seixas" e na postura de representante do "verdadeiro rock", do qual os novos grupos seriam mero "pastiche".

O disco representa o início da última fase da carreira de Raul, com a mudança pra São Paulo, as dificuldades para manter a carreira, a luta contra os seus demônios internos (álcool e drogas) e os problemas de saúde (especialmente, a pancreatite crônica causada pelo alcoolismo) e a mudança na autoimagem. O cantor tentava se estabelecer como um representante do "verdadeiro rock", em oposição ao "BRock" que surgia naquela época.

Ao mesmo tempo, buscava desvincular-se da imagem de "profeta" que tanto sucesso tinha trazido para ele na década anterior. Entretanto, a sua "fase família" não duraria muito: a volta do álcool e das drogas levaria Raul a se separar de sua mulher, Kika Seixas, e, eventualmente, a parar de apresentar-se ao vivo por um longo período. Hoje, o disco é visto como um dos últimos lampejos da carreira de Raul Seixas.

Em 1984, grava o LP Metrô Linha 743 pela gravadora Som Livre, com a maior parte das composições em parceria com sua companheira Kika Seixas e uma das faixas, “Mas I Love You (Pra Ser Feliz)”, em parceria com seu guitarrista Rick Ferreira, que teve participação em todos os discos de Raul, a partir de Gita.

Lançado em julho de 1984, Metrô Linha 743, pela gravadora Som Livre, com gravações realizadas entre janeiro e abril de 1984 nos Estúdios Sigla, em São Paulo e no Rio de Janeiro. O disco representou a volta do cantor baiano a uma grande gravadora, após ter lançado Raul Seixas, no ano anterior, com grande sucesso de público e crítica, pelo pequeno selo paulista Gravadora Eldorado.

Capa do disco de 1984.

As canções tinham começado a ser compostas logo após a finalização do trabalho anterior e estavam praticamente prontas quando os trabalhos em estúdio começaram. A demora de quatro meses para realizar o disco foi motivo de cobranças da gravadora, bem como o custo total do álbum (muito caro para a época).

O cantor justificou o valor e a demora dizendo que foi difícil conseguir a simplicidade que ele queria nos arranjos e no disco. Assim, paradoxalmente, o álbum ficou simples e caro. Outro problema que o cantor experimentou e que impactou na demora da produção foi a não liberação da canção "Mamãe Eu Não Queria", vetada pela censura para execução pública (shows e reprodução no rádio ou na TV), mesmo após recurso da gravadora.

Raul assumiu não só a concepção musical, como também a visual. Em entrevistas, o cantor dizia que buscou um álbum conceitual, não só nas faixas musicais, mas também no projeto gráfico do disco (todo em preto e branco), o que remeteria não só a Alfred Hitchcock, como também aos anos 50. Por isso, a escolha de fotos em preto e branco de diversos momentos da carreira de Raul (cedidas pelo seu fã-clube Raul Rock Club) para adornar o encarte. Além do mais, o título remetia ao ano em que Raul sofreu com a censura e foi convidado a sair do país, 1974. E o próprio ano de lançamento do álbum, bem como a letra da canção título, fazia referência à obra de George Orwell, Nineteen Eighty-Four.

Novamente, assim, participou do musical infantil da Rede Globo que ocorreu em março daquele ano, com a música "A Geração da Luz", que fez parte da trilha sonora de Plunct, Plact, Zuuum... 2, sequência do musical de sucesso do ano anterior (que também contava com uma canção de Raul Seixas) sem, entretanto, repetir o sucesso.

Continuava, também, a apresentar-se como um "roqueiro clássico" em oposição aos artistas do novo rock brasileiro, o BRock. Assim, fazia gozações com o que via como a falsidade de tais grupos e a sua natureza midiática, negando a existência de um verdadeiro "movimento de rock". Raul seria, assim, um representante do "verdadeiro rock" que não se deixava dobrar pelas novas modas, como a new wave.

O disco foi lançado em julho de 1984 pela Som Livre, mas, apesar da quantidade de dinheiro investida e da qualidade do trabalho, as vendas decepcionaram o cantor e a gravadora. O cantor atribui as dificuldades à falta de divulgação por parte da gravadora e ao lançamento concomitante de Ao Vivo - Único e Exclusivo por sua antiga gravadora, a Gravadora Eldorado. O artista alegava que a sua gravadora não lançou nenhum compacto para promover o disco e que não quis gravar um clipe musical, segundo as suas intenções. Também, responsabilizava a Eldorado por ter lançado um disco ao vivo no mesmo mês em que saiu o seu álbum de estúdio pela gravadora carioca.

A capa do disco que a Eldorado lançou junto com o da Som Livre.

O disco foi bem recebido pela crítica especializada, mas as suas vendagens (por diversas razões) ficaram aquém das expectativas do artista e da gravadora, levando ao término do seu contrato. Com as dificuldades para agenciar shows que Raul passou a experimentar com o agravamento de sua doença e dos seus problemas com álcool e drogas, ele pararia completamente de fazer shows em dezembro de 1985, ficando em uma espécie de ostracismo.

Uma curiosidade comentada por um youtuber, ao observar recentemente sobre o lançamento em inglês de “Gita”, “I Am”, de 1984: " Quando Raul ganhou seu primeiro Disco de Ouro com "Gita", em 1974, as pessoas imaginavam que com a afirmação "eu sou", contida na música, Raul referia-se a ele mesmo e acorriam a seus shows esperando que ele pudesse fazer milagres, como um verdadeiro Messias. Na verdade, a música se refere ao princípio criador do universo, que a tudo comanda”.

Bem galera, por aqui encerro esta que é a terceira parte sobre a história do Carimbador Maluco, Raul Seixas.

De maluco beleza a consumidor de drogas, de pai de família a caso de polícia, Raul realmente teve muitos altos e baixos e seu estado de saúde só agravou sua situação, pois nem fazer shows estava conseguindo fazer mais, o que deveria ser seu “ganha pão”.

Falar de Raul Seixas sem falar em muitas esposas, drogas e rock and roll, seria clichê demais. Sua vida foi uma mistura explosiva de misticismo, muito álcool e muita insensatez. Não tenho minha vida certinha, mas não faço nada parecido com meus ídolos. Sou careta por natureza, não condeno ninguém, mas sei ser feliz sem precisar de subterfúgios. A música é a minha droga, e basta!!

Fiquem com mais de Raul “Maluco Beleza” Seixas em:

RAUL SEIXAS: DE RAULZITO A MALUCO BELEZA - SEGUNDA PARTE

2017-04-26T02:09:00.000-03:00

Salve galera que está curtindo o blog Opinião do Véio! Esta é a segunda parte da história do Maluco Beleza, Raul Seixas.

Roqueiro por paixão, místico por natureza, Raul escreveu letras que incomodaram muito durante o tempo da Ditadura Militar. Sofreu por causa dela, mas não se abalou e tocou seus projetos adiante, driblando sutilmente, aquela que seria sua mais forte oponente: a censura.

Outro projeto mal sucedido foi o LP Sociedade da Grã-Ordem Kavernista Apresenta Sessão das 10, lançado em 1971, com a parceria de Sérgio Sampaio, Miriam Batucada e Edy Star, onde Raul Seixas deu inicio a produção de um projeto de ópera-rock, tendo as letras mutiladas pela censura do Regime Militar.

O Sociedade Grã Ordem Kavernista era um disco anárquico, inspirado em Frank Zappa e o então cultuado disco Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band dos Beatles misturado a elementos brasileiros, como samba, chorinho, baião. Quando lançado, o disco não obteve sucesso de público e nem de crítica. Foi abandonado à própria sorte até mesmo pela gravadora, cujos executivos tanto no Brasil como na matriz, nos Estados Unidos não gostaram do resultado final. Com isso, não houve investimento em divulgação do trabalho nas rádios e programas musicais da época.

Capa do disco de 1971, do grupo que não vingou.

Muitas lendas cercam esse disco que traz 11 faixas intercaladas por vinhetas. A principal delas diz que Raul, Sérgio, Edy e Míriam gravaram as músicas às escondidas, à noite, sem que ninguém na CBS soubesse e que por esse motivo, Raul Seixas, então um bem-sucedido produtor da gravadora, teria sido demitido. No entanto, segundo Edy Star, único sobrevivente dos quatro artistas, o trabalho foi profissional e feito com o conhecimento da gravadora. E Raul não foi demitido. Tanto que no ano seguinte, em 1972, produziu o compacto Diabo no Corpo, de Míriam Batucada, e o LP de estreia da cantora Diana, na própria CBS. Raul só saiu da gravadora meses depois desse último trabalho, sendo contratado pela RCA Victor.

Anos 1970: Auge e Repercussão Nacional

Em 1972, Raul Seixas decidiu participar do Festival Internacional da Canção, onde foi convencido por Sérgio Sampaio. O cantor compôs duas músicas, "Let Me Sing, Let Me Sing", defendida pelo próprio Raul e "Eu Sou Eu e Nicuri é o Diabo", defendida por Lena Rios & Os Lobos. Ambas chegaram à final, obtendo sucesso de critica e de público. Rapidamente, Raul foi contratado pela gravadora Philips. Na época, ele também se interessou por um artigo sobre extraterrestres publicado na revista A Pomba e tem o seu primeiro contato com o escritor Paulo Coelho, que mais tarde, se tornaria seu parceiro musical.

No ano de 1973, Raul consegue um grande sucesso com a música "Ouro de Tolo" no álbum Krig-ha, Bandolo!, o primeiro álbum solo do cantor e compositor, gravado e lançado pela Philips (atual Universal Music) em 21 de julho de 1973. A música possui uma letra quase autobiográfica, mas que também debocha da Ditadura e do "Milagre Econômico". O título Krig-ha, Bandolo! faz referência a um grito de guerra do personagem Tarzan, conhecido à época nas revistas em quadrinhos.

Capa do disco de 1973.

O mesmo LP, continha outras músicas que se tornaram grandes sucessos, como: "Metamorfose Ambulante", "Mosca na Sopa" e "Al Capone". Raul Seixas finalmente alcança grande repercussão nacional, graças a divulgação da imagem do cantor como ícone popular. Porém, logo a imprensa e os fãs da época, foram aos poucos percebendo que Raul não era apenas um cantor e compositor.

O álbum inicia com uma gravação de Raul cantando "Good Rockin' Tonight" aos nove anos de idade, e também foi o primeiro de Raul, em parceria com o escritor Paulo Coelho.

Ainda em 1973, Raul resolveu homenagear algumas músicas clássicas do rock americano e brasileiro no disco Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock.

Raul sustentava que o real rock 'n' roll tinha acabado em 1959, com a ida de Elvis Presley para o exército. Em 1973, resolveu homenagear o que julgava ser o "rock verdadeiro" e dispôs-se a regravar uma seleção de sucessos do gênero, pinçados entre clássicos americanos de Little Richard, Carl Perkins, Ronnie Self, The Platters, Neil Sedaka, e brasileiros como Eduardo Araújo, Celly Campello, Roberto e Erasmo Carlos

Capa original do disco, também de 1973.

Raul foi, no entanto, proibido pela gravadora de assinar seu nome no disco de covers, pois ela achou que o álbum poderia prejudicar as vendas de Krig-ha, Bandolo!. A solução foi creditar o álbum a uma certa banda chamada Rock Generation, com o nome de Raul presente apenas na contracapa, como diretor de produção.

O álbum não teve qualquer tipo de divulgação e acabou inicialmente sendo esquecido nas lojas, porém com os sucessos posteriores de Raul, alcançando grandes vendagens, a gravadora Philips acabou por divulgar melhor o trabalho.

Capa do mesmo disco acima, de 1975, que Raul não gostou.

Em 1975, o álbum reapareceu no mercado em nova versão: tinha uma nova capa (um retrato de Raul assinado por Luiz Trimano), um novo título (20 Anos de Rock), uma ordem de faixas diferente e alguns aplausos e assobios entre as faixas para dar a impressão de que o disco era ao vivo. As alterações não agradaram Raul.

Houve outro relançamento em 1985, desta vez intitulado 30 Anos de Rock. No release que acompanha este novo relançamento, o jornalista Ayrton Mugnaini brinca: "Aguardem a edição intitulada 10 Mil Anos de Rock."

A MZA Music relançou o álbum em 2001, sob a direção de Mazzola. Segundo ele, essa reedição foi a forma exata que Raul Seixas concebera em 1973.

No ano de 1974, Raul Seixas e Paulo Coelho criaram a Sociedade Alternativa, uma sociedade baseada nos preceitos do bruxo inglês Aleister Crowley, praticamente repetindo o chamado Livro da Lei. O cantor foi levado pelo escritor a conhecer uma ordem filosófica baseada na Lei de Thelema, desenvolvida por Crowley.

A Sociedade Alternativa, com sede alugada, papel timbrado e relatórios mensais, chegou a anunciar a aquisição de um terreno em Minas Gerais, para a construção da Cidade das Estrelas, uma comunidade onde a única lei era: “Faz o que tu queres, há de ser tudo da lei.” Em todos os seus shows, Raul divulgava a Sociedade Alternativa com a música de mesmo nome.

Paulo Coelho e Raul, na Sociedade Alternativa.

A obsessão de Raul Seixas e Paulo Coelho em construir “uma verdadeira civilização thelêmica”, evidentemente, trouxe problemas com a Censura. A letra da música "Como Vovó já Dizia" composta pelos dois, teve de ser mudada. Logo no show de lançamento, a polícia apreendeu o gibi/manifesto "A Fundação de Krig-Ha" e o queimou como material subversivo. A Ditadura, então, através do DOPS (Departamento de Ordem Política e Social) prendeu Raul e Paulo, pensando que a Sociedade Alternativa fosse um movimento armado contra o governo.

"Veio uma ordem de prisão do Exército e me detiveram no Aterro do Flamengo. Me levaram para um lugar que não sei onde era. Imagine a situação: estava nu, com uma carapuça preta. E veio de lá mil barbaridades”. (Eu li essa entrevista. Segundo o próprio Raul, em entrevista nos anos 80 para a revista abaixo, ele recebeu choque elétrico nos testículos, para confessar algo que não fez). “Tudo para eu dizer os nomes de quem fazia parte da Sociedade Alternativa, que, segundo eles, era um movimento revolucionário contra o governo. O que não era. Era uma coisa mais espiritual. Preferiria dizer que tinha pacto com o demônio a dizer que tinha parte com a revolução. Então foi isso, me escoltaram até o aeroporto." — Raul Seixas sobre o exílio ocorrido em 1974, em uma entrevista publicada na revista Bizz, em março de 1987.

Depois de torturados, Raul e Paulo foram exilados para os Estados Unidos, com suas respectivas esposas, Edith Wisner e Adalgisa Rios. Muitas histórias são contadas sobre a estadia de Raul Seixas nos Estados Unidos, como seu encontro com John Lennon, mas ninguém sabe ao certo se são verdadeiras.

No entanto, o LP Gita gravado poucos meses antes faz tanto sucesso, que forçou a Ditadura a trazê-los de volta para o Brasil. Gita é o álbum de maior sucesso da carreira de Raul Seixas, com 600 mil cópias vendidas, rendendo ao cantor seu primeiro Disco de Ouro. Recém-chegado do exílio, Raul posa para a capa do disco vestido de guerrilheiro com uma guitarra vermelha, numa provocação a Ditadura Militar, que o forçou a viver nos Estados Unidos.

Capa do disco de 1974.

Acompanhado de Paulo Coelho, Raul compôs no álbum alguns de seus grandes sucessos, como "Gita" (inspirada num livro sagrado hindu com mais de 6.000 anos, o Bhagavad Gita), "Sociedade Alternativa" (inspirada na obra de Aleister Crowley) e "Medo da Chuva", além de canções que contam apenas com sua autoria, como "O Trem das 7" e "S.O.S.".

Em meio à gravação de Gita, Raul Seixas e Paulo Coelho foram convidados a compor a trilha sonora da novela da Rede Globo de televisão O Rebu, também lançada em álbum de mesmo nome. Ainda neste ano, Raul separa-se de Edith, que vai para os Estados Unidos com a filha do casal, Simone.

Em 1975, Raul Seixas casa-se com Glória Vaquer, e grava o LP Novo Aeon, onde compôs junto com Paulo Coelho, uma de suas músicas mais conhecidas, "Tente Outra Vez", que seria creditada juntamente com Marcelo Motta, por quem eram discipulados na Astrum Argentum (AA).

Este álbum não alcançou o mesmo sucesso de Gita, sendo considerado um fracasso comercial, pois vendeu menos de 60 mil cópias. Apesar disso, canções como "Tente Outra Vez", "A Maçã", "Tú És o MDC da Minha Vida" e "Eu Sou Egoísta" fazem de Novo Aeon, um dos discos mais célebres de Raul, e atualmente, um dos mais queridos pelos fãs.

Capa do disco de 1975.

Neste disco, surgem outros parceiros nas composições das músicas além de Paulo Coelho, como Cláudio Roberto e Marcelo Motta. Glória Vaquer, sua segunda esposa, assina a música em inglês "Sunseed", sob o pseudônimo de Spacey Glow.

Novo Aeon está incluído na lista da revista especializada Rolling Stone entre os 100 melhores discos da música brasileira ocupando a 53ª posição.

Ainda em 1975, Raul lê um manifesto e canta a Sociedade Alternativa no documentário Ritmo Alucinante, que foi um festival de rock realizado no Rio de Janeiro, gravado no álbum Hollywood Rock, lançado no mesmo ano. Em 1976, Raul supera a má-vendagem do disco Novo Aeon com o álbum Há 10 Mil Anos Atrás.

Raul Seixas lançou em Há 10 Mil Anos Atrás, algumas canções de temática mística como "Canto Para Minha Morte" e "Ave Maria da Rua". O disco traz alguns dos sucessos do cantor como "Meu Amigo Pedro", "Eu Também Vou Reclamar", além da faixa-título que dá nome ao disco. Também traz uma segunda versão da música "As Minas do Rei Salomão", que aparece no álbum Krig-ha, Bandolo!.

Capa do disco de 1976.

Jay Vaquer, amigo e músico de Raul, além de irmão de sua segunda mulher, Glória Vaquer, assina duas faixas do disco, que é quase todo creditado a Raul e Paulo Coelho. Neste mesmo ano, nasce sua segunda filha, Scarlet. Chega então ao fim, o seu contrato com a gravadora Philips e sua parceria com Paulo Coelho, que seria retomada em Mata Virgem, embora continuassem amigos (ou inimigos íntimos).

Jay Vaquer, ainda coletou material para fazer um novo disco, Raul Rock Seixas, que diziam ser um álbum feito de resto de gravações, mas na verdade a história era outra. Raul escolheu as músicas, e Jay começou a fazer os arranjos. Porém, antes de Raul Seixas e Jay terminarem de mixá-lo devido à suas ausências por causa dos shows, a Philips lançou o disco sem avisá-los, sob o selo da Fontana/Phonogram, mixando-o por conta própria. Segundo Jay, isso prejudicou o trabalho que ambos haviam planejado anteriormente, destruindo o LP, porque finalmente seu nome estava num LP de Raul como produtor, arranjador, e guitarrista, e seu trabalho foi muito mal representado.

Capa do disco de 1977.

Este álbum mantém a mesma fórmula do álbum Os 24 Maiores Sucessos da Era do Rock, lançado quatro anos antes, contendo interpretações de grandes sucessos do rock, com músicas de Chuck Berry, Paul Anka, Gene Vincent, Elvis Presley, Eddie Cochran e Little Richard. No final do álbum Raul fez um inusitado medley de “Asa Branca” com “Blue Moon Of Kentucky”.

Em 1977, nasce no Brasil uma nova gravadora, a WEA, subsidiária da Warner Bros., que se interessou em contratar Raul Seixas. Por volta deste período, intensificou-se a parceria com o amigo Cláudio Roberto, com quem Raul compôs várias de suas canções mais conhecidas. Juntos, realizaram o LP O Dia Em Que A Terra Parou. O disco traz um de seus maiores sucessos, "Maluco Beleza", além de outros, como "Sapato 36", "No Fundo do Quintal da Escola", "Que Luz É Essa?" (com participação de Gilberto Gil) e a canção que dá nome ao álbum.

Capa do disco, em gravadora nova, também de 1977.

No disco, há duas incursões pelo funk nas faixas "De Cabeça-pra-Baixo" e "Tapanacara" (acompanhado pela Banda Black Rio). O álbum fez sucesso de público, mas a crítica não gostou. Foi dito que não mantinha o mesmo nível dos trabalhos anteriores.

Naquele final de década as coisas começaram a ficar ruins para Raul. A partir do ano de 1978, começou a ter problemas de saúde devido ao alcoolismo lhe causando a perda de 1/3 do pâncreas. Raul passou alguns meses numa fazenda na Bahia, para se recuperar da pancreatite. Ele separou-se de Glória, que, assim como Edith, também voltou aos Estados Unidos, levando a filha Scarlet.

Neste ano, conheceu Tania Menna Barreto, com quem passou a viver. Lançou o LP Mata Virgem que contou com a volta de Paulo Coelho, porém, ambos chegaram a conclusão, de que essa parceria já não tinha mais como dar certo.

Capa do disco menos rock que Raul produziu, de 1978.

O disco foge um pouco do rock and roll característico do cantor, contando com ritmos como baião, forró e música caipira. Além disso, a má divulgação atrapalhou as vendas do disco e a crítica também não ajudou.

No ano de 1979, Raul separou-se de Tania. Começa então, a depressão de Raul Seixas junto com uma internação para tratar do alcoolismo. Conhece Angela Affonso Costa, a Kika Seixas, sua quarta companheira. Lançou seu último LP com a WEA, Por Quem Os Sinos Dobram, cujo título foi inspirado no filme homônimo baseado em livro de Ernest Hemingway, que trouxe alguns clássicos da obra de Raul Seixas, como "O Segredo do Universo", e a faixa título, "Por Quem Os Sinos Dobram". Raul assinou todas as músicas com um novo parceiro, o amigo argentino Oscar Rasmussen.

Capa do disco de 1979.

O álbum foi composto numa época conturbada da vida do cantor, depois do fim de seu segundo casamento, e após um episódio que lhe rendeu aparições nas páginas policiais, depois que um homem foi encontrado assassinado em seu apartamento. Este álbum, assim como o anterior, não fez muito sucesso na época. Por conta disso, Raul Seixas deixa a gravadora WEA e parte para a Discos CBS.

Bem galera que está acompanhando minhas postagens, por aqui encerro a segunda parte da história de Raul “Maluco Beleza” Seixas.

Maluco, místico, visionário, seja qual for o rótulo a ser dado a esse que foi o precursor do rock no Brasil, Raulzito foi pioneiro em sua jornada. Surpreendeu muitos com suas letras revolucionárias. Para os militares eram músicas malditas, para seus fãs, perfeitas obras-primas.

Fiquem com mais de Raul “Raulzito” Seixas em:

RAUL SEIXAS: DE RAULZITO A MALUCO BELEZA - PRIMEIRA PARTE

2017-04-21T23:53:00.001-03:00

Salve galera que está curtindo o blog Opinião do Véio! Fico muito feliz em saber que estão aqui para ler os conteúdos de minhas postagens. Principalmente porque vocês são os incentivadores para que meu blog tenha sempre um conteúdo sério e focado naquilo que conheço um pouco: a música.

Nesta postagem, trago o Mestre Maluco, o Senhor da Nova Sociedade, o baiano Raul Seixas, uma das mentes pensantes mais loucas e brilhantes que nosso país já possuiu. Admirado por muitos e criticado por outros tantos, esse Mestre da Nova Ordem nos trouxe pérolas musicais que encantaram, encantam e encantarão muitas gerações por sua crítica ferrenha e atual, mesmo depois de quase 28 anos de sua morte.

Raul Santos Seixas , nasceu em Salvador, Bahia, em 28 de junho de 1945 e faleceu em São Paulo, em 21 de agosto de 1989. Cantor e compositor brasileiro, frequentemente considerado um dos pioneiros do rock brasileiro, também conhecido como Raulzito, Maluco Beleza ou o Pai do Rock.

Também foi produtor musical da CBS durante sua estada no Rio de Janeiro, e sua obra musical é composta por 17 discos lançados em seus 26 anos de carreira e seu estilo musical é tradicionalmente classificado como rock e baião, e de fato conseguiu unir ambos os gêneros em músicas como "Let Me Sing, Let Me Sing".

Teve como influências declaradas, Luiz Gonzaga, Elvis Presley, Little Richard, Chuck Berry, The Beatles, John Lennon, Frank Zappa, Led Zeppelin, Bob Dylan e Jerry Lee Lewis.

Seu álbum de estreia, Raulzito e os Panteras (1968), foi produzido quando ele integrava o grupo Raulzito e os Panteras, mas só ganhou notoriedade crítica e de público com as músicas de Krig-ha, Bandolo! (1973), com "Ouro de Tolo", "Mosca na Sopa" e "Metamorfose Ambulante".

Raul Seixas adquiriu um estilo musical que o creditou de "contestador e místico", e isso se deve aos ideais que reivindicou, como a Sociedade Alternativa apresentada em Gita (1974), influenciado por figuras como o ocultista britânico Aleister Crowley.

Cético e agnóstico (não acreditava em Deus), Raul se interessava por filosofia (principalmente metafísica e ontologia), psicologia, história, literatura e latim e algumas ideias dessas correntes foram muito aproveitadas em sua obra, que possuía uma recepção boa ou de curiosidade por conta disso.

Ele conseguiu gozar de uma audiência relativamente alta durante sua vida, e mesmo nos anos 80 continuou produzindo álbuns que venderam bem, como Abre-te Sésamo (1980), Raul Seixas (1983), Uah-Bap-Lu-Bap-Lah-Béin-Bum! (1987) e A Panela do Diabo (1989), esse último em parceria com o também baiano e amigo Marcelo Nova.

Sua obra musical tem aumentado continuamente de tamanho, na medida em que seus discos (principalmente álbuns póstumos) continuam a ser vendidos, tornando-o um símbolo do rock do país e um dos artistas mais cultuados e queridos entre os fãs nos últimos anos.

Em outubro de 2008, a revista Rolling Stone promoveu a Lista dos 100 Maiores Artistas da Música Brasileira, cujo resultado colocou Raul Seixas figurando na 19ª posição, encabeçando nomes como Milton Nascimento, Maria Bethânia, Heitor Villa-Lobos e outros.

No ano anterior, a mesma revista promoveu a Lista dos 100 Maiores Discos da Música Brasileira, onde dois de seus álbuns apareceram Krig-ha, Bandolo! de 1973 atingiu a 12ª posição e Novo Aeon ficou em 53º lugar, demonstrando que o vigor musical de Raul Seixas continua a ser considerado importante hoje em dia.

Biografia

Infância

"Quando eu era guri, lá na Bahia, música para mim era uma coisa secundária. O que me preocupava mesmo eram os problemas da vida e da morte, o problema do homem, de onde vim, para onde vou (...)" — Raul Seixas

Raul Santos Seixas nasceu às 8 horas da manhã em 28 de junho de 1945 numa família de classe média baiana que vivia na Avenida Sete de Setembro, Salvador.

Seu pai, Raul Varella Seixas, era engenheiro da estrada de ferro e sua mãe, Maria Eugênia Santos Seixas, se dedicava às atividades domésticas. No mês seguinte ele foi registrado no Cartório de Registro Civil de Salvador com o nome do pai e do avô paterno. Em 16 de setembro do mesmo ano, batizaram-no na Igreja Matriz da Boa Viagem.

Em 04 de dezembro de 1948, Raul Seixas ganhou um irmão, o único, Plínio Santos Seixas, com quem teria um bom relacionamento durante sua infância. Os estudos de Raul Seixas começaram em 1952, onde frequentou o curso primário estudando com a professora Sônia Bahia.

Raul, na Primeira Comunhão.

Concluído o curso em 1956, fundou o Club dos Cigarros com alguns amigos. O trágico percurso escolar de Raul Seixas se iniciaria em 1957, quando ele ingressou no ginásio Colégio São Bento, onde foi reprovado na 2ª série por três anos.

Um dos motivos da reprovação, segundo alguns biógrafos, é que ele, em vez de ir assistir as aulas, ouvia rock and roll, em seu início, na loja Cantinho da Música. No mesmo ano, em 13 de Julho, Raul Seixas fundou o Elvis Rock Club com o amigo Waldir Serrão.

Clube com direito à carteirinha.

Segundo a jornalista Ana Maria Bahiana, é através de Serrão que Raul Seixas começou a sair de casa e a manter uma vida social mais ampla. Segundo Raul, o encontro com Waldir foi fantástico: "me preparei todo, botei a gola pra cima, botei o topete, engomei o cabelo, e fiquei esperando ele, mascando chiclete".

O Elvis Rock Club era como uma gangue, que procurava brigas na rua, fazia arruaça, roubava bugigangas e quebrava vidraças. Embora Raul não gostasse muito disso, "ia na onda, pois o rock (pelo menos a meu ver) tinha toda uma maneira de ser".

Então, a família resolveu matricular Raul num colégio de padres, o Colégio Interno Marista, onde ele alcançou a 3ª série em 1960, mas acabou repetindo o estágio em 1961. Ao que tudo indica, nessa época Raul Seixas começou a se interessar pela leitura.

O pai de Raul Seixas amava os livros e possuía uma vasta biblioteca em casa. Logo que decifrou o mistério das letras, o garoto pôs-se a ler os volumes que encontrava na biblioteca do pai.

Sendo assim, as histórias que lia na biblioteca fermentavam sua imaginação e, com os cadernos do colégio, fazia desenhos, criava personagens, enredos, para depois vender ao irmão quatro anos mais novo, que acabava ficando interessado e comprava os esboços.

Segundo Raul, um dos personagens principais dessas histórias era um cientista maluco chamado "Mêlo" (algo como "amalucado"), que viajava para diversos lugares imaginários como o Nada, o Tudo, Vírgula Xis Ao Cubo, Oceanos de Cores. Segundo Raul, Melô era sua "outra parte, a que buscava as respostas, o eu fantástico, viajando fora da lógica em uma maquinazinha em que só cabia um só passageiro... Melô-eu."

Raul na adolescência.

Plínio ficava horas ouvindo o irmão contar suas histórias, dentro do quarto dos dois, e Raul frequentemente encenava os personagens como um ator. Ambos os irmãos tinham algo em comum: adoravam literatura, mas odiavam a escola.

Mais tarde, já maduro, Raul Seixas diria: "Eu era um fracasso na escola. A escola não me dizia nada do que eu queria saber. Tudo o que aprendia era nos livros, em casa ou na rua. Repeti cinco vezes a segunda série do ginásio. Nunca aprendi nada na escola. Minto. Aprendi a odiá-la."

De um modo ou de outro, Raul Seixas precisava frequentar a escola vez ou outra. Em uma determinada ocasião, o pai perguntou a Raul como ele ia na escola e pediu seu boletim. Raul mostrou um boletim falsificado, com todas as matérias resultando em um 10. O pai questionava se ele havia estudado, mas Maria Eugênia interrompia, dizendo algo como "Estudou nada, ficou aí ouvindo rock o tempo inteiro, essa porcaria desse béngue-béngue, de élvis préji, de líri ríchi e gritando essas maluquices."

Os pais de Raul, como toda a geração da época, estranhavam o rock e ele não era muito bem-vindo entre as famílias.

Anos 1960: Os Panteras

Embora Raul mantivesse um gosto muito sincero pela música, seu sonho maior era ser escritor como Jorge Amado. Na sua cidade, escutavam Luiz Gonzaga todos os dias, nas praças, nas casas, em todos os estabelecimentos.

Enquanto isso, Raul junta-se a cena do rock que se formava em Salvador. "Em 54/55, ninguém sabia o que era rock. Eu tocava e me atirava no chão imitando Little Richard."

Com o passar do tempo, a banda que chegou a ter diversos nomes, como Relâmpagos do Rock, formadas então pelos irmãos Délcio e Thildo Gama, passa por várias formações e em 1963, passa a se chamar The Panters, banda que agora já se tornara sensação de Salvador.

A fama se espalha, e a banda é rebatizada pelo nome Os Panteras, tendo em sua formação definitiva além de Raulzito, os integrantes Mariano Lanat, Eládio Gilbraz e Carleba.

Raulzito, no centro, e os Panteras.

Em 1967, Raul Seixas começa um relacionamento com Edith Wisner, filha de um pastor protestante americano. O pai de Edith não aceita o namoro da filha. Em seis meses, completa o segundo grau, faz cursinho pré-vestibular e passa em Direito, Psicologia e Filosofia. Com isso, casa-se com Edith. Logo em seguida, abandona os estudos, volta a reunir os Panteras e aceita o convite de Jerry Adriani para ir para o Rio de Janeiro.

Em 1968, Raulzito e os Panteras gravam seu primeiro e único disco, Raulzito e os Panteras. Assinando contrato com a gravadora EMI-Odeon, após encontrarem Chico Anysio e Roberto Carlos, que os reconheceu nos corredores de uma grande gravadora.

Capa do único disco de Raulzito e os Panteras.

As gravações ocorreram no final do ano de 1967 e seu lançamento, no início de 1968, pela gravadora EMI-Odeon. Raul Seixas, ainda conhecido apenas por "Raulzito", assina oito das 12 canções do disco. As vendas do disco foram consideradas baixas, o que resultou no fim do grupo. A capa do álbum faz uma alusão ao disco With The Beatles dos Beatles.

Era um disco um tanto romântico, sua capa e suas músicas visivelmente influenciada pelos Beatles, com dedilhados românticos, tons de psicodelismo e uma ousada versão de "Lucy in the Sky with Diamonds" ("Você Ainda Pode Sonhar"). As faixas "Me Deixa Em Paz", "Trem 103" e "Dorminhoco", no entanto, se aproximam mais do estilo que caracterizou os lançamentos posteriores de Raul.

O disco, no entanto, não teve sucesso de critica nem de público. Eládio Gilbraz, um dos panteras, disse: "De um lado havia a inexperiência de quatro rapazes, recém-chegados da Bahia, falando em qualidade musical, agnosticismo, mudança de conceitos e sonhos. Do outro lado, uma multinacional que só falava em "comercial".

“Talvez não tenha sido o disco que o grupo imaginara, mas nosso sonho era gravar um disco”. A partir daí, Raulzito e os Panteras passariam sérias dificuldades no Rio de Janeiro. Raul morava em Ipanema, e ia a pé até o centro da cidade para tentar divulgar suas músicas, não obtendo sucesso.

Algumas vezes os Panteras recebiam ajuda de Jerry Adriani, tocando como banda de apoio, o que, segundo o próprio Raul, lhe deu muita experiência e lhe ajudou a descobrir como se comunicar, pois suas "músicas eram muito herméticas". Raulzito passaria então fome no Rio de Janeiro, como escreveria mais tarde em “Ouro de Tolo”.

Transição: Produtor musical

Raul Seixas estava totalmente abalado pelo fracasso com Os Panteras, e a sua volta a Salvador. Ele escreveu: "Passava o dia inteiro trancado no quarto lendo filosofia, só com uma luz bem fraquinha, o que acabou me estragando a vista [...] Eu comprei uma motocicleta e fazia loucuras pela rua."

No entanto a sorte começou a mudar, um dia, quando conheceu, na Bahia, um diretor da CBS Discos. Mais tarde ele convidaria Raul para ser produtor da gravadora. Sem pensar duas vezes, ele faz as malas, junto a Edith, e voltou para o Rio.

Raul voltou ao Rio para usar seus enciclopédicos conhecimentos de música como produtor fonográfico. Nos cadernos de composições de Raul começaria a ser alimentada uma revolução. Esta foi a segunda chance de Raul, apostou no talento do amigo, Jerry Adriani convenceu o então presidente da CBS, Evandro Ribeiro, a dar a Raulzito um emprego de produtor. Raulzito trabalhou anonimamente por um bom tempo.

Raul após ter entrado na CBS, fez grandes aliados e amigos. Ainda em 1968, a dupla Os Jovens e a banda The Sunshines apostaram em suas letras. No entanto, Raul faria um grande amigo e parceiro: Leno, da dupla Leno e Lilian. "Raulzito sempre esteve 20 anos adiante de seu tempo” e Leno o compreendia. “Na verdade, sempre houve uma grande admiração mútua", disse Arlindo Coutinho, da relações públicas da CBS.

Em seu compacto duplo Papel Picado, lançado em 1969, Leno registrou “Um Minuto Mais”, versão de Raulzito para “I Will” (nada a ver com a canção de Paul McCartney).

Raul e Leno, na contracapa do disco de Leno.

Também não se pode esquecer de Mauro Motta, outro grande parceiro de Raul nesta fase. Jerry Adriani decidiu convocar Raulzito para ser o produtor de seus discos. No álbum de 1969, aproveitou para gravar uma de suas músicas, “Tudo Que É Bom Dura Pouco”.

Naquela mesma época, outros ídolos da Jovem Guarda também apadrinharam Raulzito gravando suas letras como Ed Wilson, Renato e seus Blue Caps, Jerry Adriani, Odair José.

O ano de 1970 marcou o início de uma fase muito ativa na carreira de Raulzito, como produtor da CBS. Primeiramente, suas composições passaram a ser gravadas pelos artistas do elenco da gravadora. Passou o ano produzindo discos para Tony & Frankye, Osvaldo Nunes, Jerry Adriani, Edy Star e Diana, além de escrever uma quantidade enorme de músicas para os colegas da gravadora.

Raul (á esquerda), com Jerry Adriani (sentado, com o violão).

Algumas de muito sucesso, como “Doce, Doce Amor”, interpretada por Jerry Adriani, “Ainda Queima a Esperança”, por Diana e “Se Ainda Existe Amor”, por Balthazar. Raulzito nessa época passa a ter um bom emprego de respeitado produtor, que conseguira lançar suas composições como hits na voz de outros cantores e produzir grandes artistas.

Mas, Raulzito não se conformava apenas com isso, ainda mais quando conheceu o amigo e parceiro Sérgio Sampaio, passando cada vez mais a realimentar os sonhos de quando ainda morava em Salvador, que era ser um cantor.

Ao lado de Leno, Raulzito participa do disco Vida e Obra de Johnny McCartney, disco solo de Leno, em que ambos buscam novos caminhos e experimentações. Juntos assinam letras e composições em parcerias. Foi o primeiro LP gravado em oito canais no Brasil. As letras do disco foram censuradas e acabou não sendo lançado na época.

Capa do disco de Leno, Vida e Obra de Johnny MacCartney.

Bem galera, por aqui encerro a primeira parte da história deste que foi um dos maiores ícones da música brasileira.

Mal sucedido com o disco de estreia de seu grupo, Raul passou de cantor para produtor musical, algo que talvez não estivesse em seus planos, mas que o deu liberdade para sugerir algumas de suas composições, que foram sucesso nas vozes de terceiros, e que o impulsionou à que seria sua futura carreira no mundo da música.

Como nessa primeira parte só tem o primeiro disco do Raulzito e os Panteras, acabei garimpando no Youtube os sucessos de Raul nas vozes de outros cantores, quando ele era produtor musical, e posso dizer pela minha idade, muitas delas foram sucesso na época e fiquei espantado/emocionado, por Raul ter escrito essas músicas. Jamais em minha vida saberia disso, se não estivesse pesquisando para comentar com vocês.

Por isso fico muito feliz em aumentar meu conhecimento musical, fazendo meu blog e contando com a visita de vocês, porque são as razões pelas quais eu procuro ser o mais sério possível nos dados que passo para vocês e me aprofundar cada vez mais na história de ídolos nacionais/internacionais que fazem nossa alegria e enchem nossas vidas com boa música.

Fiquem com mais de Raulzito e os Panteras em:

E estas são composições de Raul Seixas que fizeram sucessos com outros cantores:

AS PEDRAS ROLANTES DO ROCK - TERCEIRA PARTE

2017-04-14T21:10:00.001-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio e está acompanhando a história dos Rolling Stones! Esta é a terceira e última parte da carreira desta banda, sucesso em vendas de discos e campeã em bilheteria de concertos realizados nas últimas décadas.

Independente dos problemas enfrentados, esses “vovôs” do rock estão mostrando que têm fôlego e estão na estrada há cinco décadas para mostrar que quem ama o que faz, enfrenta quaisquer obstáculos para manter o sonho vivo.

Os problemas pessoais foram colocados de lado e a banda se apresentou como nos velhos tempos, auxiliada pela habitual parafernália de palco tendo participação durante a turne, do Guns N' Roses que estava explodindo no cenário musical, como banda de abertura. Reflexo disso é o álbum Flashpoint de 1990 que traz os Stones de volta aos palcos depois de sete anos.

Flashpoint é o quinto álbum ao vivo da banda e foi lançado em 8 de abril de 1991, trazendo registros de canções executadas durante as turnês mundiais Steel Wheels Tour e Urban Jungle Tour, que aconteceram nos anos de 1989 e 1990, respectivamente.

Capa do álbum de 1990.

O álbum recebeu críticas positivas do público e mídia especializada, atingindo meio milhão de cópias vendidas só nos Estados Unidos e chegando à 6ª posição entre os álbuns mais vendidos no Reino Unido, e 16ª posição nos Estados Unidos.

Foi também a partir dessa turnê que os Stones tornaram-se experts nos negócios, transformando-se em uma banda multimilionária, com administração autônoma e profissional, alcançando espaços na mídia até então nunca vistos, tendência que permitiu as sucessivas bem-sucedidas turnês seguintes e um exemplo de exposição e fixação da "marca" The Rolling Stones.

1991 – 1999

O outro membro original, Bill Wyman, baixista que deixa o grupo em 1993 foi substituído por Ron Wood que assumiu temporariamente o baixo. Bill ainda mantém fortes ligações com a banda, a exemplo de seu pub em Londres, o Sticky Fingers, totalmente decorado com inúmeras fotos, instrumentos e discos de ouro, entre outras lembranças dos Stones, e montou sua própria banda de blues-rock, a Bill Wyman's Rhythm Kings. Para o seu lugar é escalado o baixista Darryl Jones, que é apenas músico contratado, não sendo considerado membro oficial.

Em 1994, após um longo período de inatividade, é lançado com grande estardalhaço o álbum Voodoo Lounge, seguido pela turnê de mesmo nome, que passou pelo Brasil. A turnê que se iniciou em 19 de julho de 1994 em Toronto, Canadá, e foi encerrada em 30 de agosto de 1995 em Rotterdam, Holanda, arrecadou em torno de US$ 400 milhões.

Capa do álbum de 1994.

Lançado em julho de 1994, Voodoo Lounge recebeu críticas fortes e estreou em número 1 em vendas no Reino Unido (o primeiro da banda a liderar as vendas por lá desde Emotional Rescue de 1980), e número 2 nos Estados Unidos, onde ele foi dupla platina.

O àlbum ainda alcançou o primeiro lugar ente os álbuns mais vendidos na Alemanha, na Austrália, no Canadá, na Áustria, nos Países Baixos, na Suíça e na Nova Zelândia.

Aproveitando a repercussão, todas as gravações da banda são relançadas em CD.

O álbum de 1995, Stripped, foi mais intimista, com versões acústicas de vários de seus maiores sucessos e uma regravação gloriosa para "Like a Rolling Stone", clássico de Bob Dylan.

Capa do álbum de 1995.

Stripped é, até agora, o único álbum acústico da longa discografia dos Stones, lançado em 14 de novembro de 1995 durante a Voodoo Lounge Tour, pela gravadora Virgin Records.

O disco teve um bom desempenho nas tabelas musicais, entrou no top 10 de dez países diferentes e alcançou a primeira posição na Noruega e Suécia. O álbum foi certificado nos Estados Unidos, recebendo o disco de platina.

Capa do álbum da trilha sonora do filme
de 1968, lançado em 1996.

Em 14 de outubro de 1996, lançaram The Rock And Roll Circus, trilha sonora de um filme arquivado desde 1968. O CD inclui uma apresentação de diversos artistas, como Jethro Tull, The Who, Marianne Faithfull, então esposa de Jagger e The Dirty Mac que nada mais é que uma pré-versão da Plastic Ono Band. Essa formação incluiu, além de John Lennon e Yoko Ono, Eric Clapton, Keith Richards (no baixo) e Mitch Mitchell, baterista do The Jimi Hendrix Experience.

Em 1997 saiu Bridges Of Babylon, com uma capa luxuosa, lançado em 29 de setembro deste ano, o álbum recebeu críticas mistas da imprensa especializada. Porém vendeu muito, como de costume, chegando a ser o terceiro álbum mais vendido nos EstadosUnidos, sexto mais vendido no Reino Unido, e segundo mais vendido na França. Seu principal hit foi “Anybody Seen My Baby?”, sendo que “Saint Of Me” e “Out of Control” foram sucessos menores tocados nas rádios.

Capa do álbum de 1997.

Com uma excursão mundial muito cara, completa, com dois palcos, um maior e outro menor instalado no meio do público, incluindo também uma ponte para a banda atravessar do palco principal para o menor. Neste palco de menor tamanho executam basicamente clássicos sem o acompanhamento de metais e backing vocals voltando às raízes da banda nos anos 60 e, assim, inauguram um novo estilo de apresentações que se seguiram nas turnês seguintes.

Nessa turnê, os Stones fizeram dois shows no Brasil, um em São Paulo e o outro no Rio de Janeiro, com participação mais que especial de Bob Dylan, inclusive abrindo os shows para a banda, confirmaram o país com status de rota obrigatória. Retrato dessa turnê foi o lançamento do álbum ao vivo No Security, em 1998.

Capa do álbum ao vivo de 1998.

O álbum traz músicas executadas durante a Bridges To Babylon Tour, que durou de setembro de 1997 a setembro de 1998. Esta turnê se tornou, à época, a segunda mais lucrativa de todos os tempos, para qualquer artista musical (o primeiro lugar também era dos Stones, com sua Voodoo Lounge Tour).

Suas Majestades Satânicas se apresentaram tanto em países tradicionais em seu roteiro, como, por exemplo, Estados Unidos, França, Japão, Alemanha e Canadá, quanto em países unusuais no seu roteiro de apresentações, como Brasil, Argentina, Rússia, Croácia, Estônia, Finlândia, Grécia e Turquia. A Inglaterra, o país de origem da banda, acabou não recebendo shows, fato raríssimo.

Para abrir os mega-shows, entre outros, tocaram Bob Dylan, Pearl Jam, Foo Fighters, Simple Minds, Carlos Santana, Smashing Pumpkins e Sheryl Crow, entre outros. Nas apresentações, além da tradicional grandiosidade do palco, o vigor físico excepcional dos músicos quase sessentões, na época.

Para a escolha do repertório a compor o álbum, os Stones não quiseram repetir canções já mostradas em Still Life (American Concert 1981), nem em Flashpoint. Assim, entre as canções apresentadas durante seus shows, foram escolhidas apenas canções que só haviam entrado em álbuns ao vivo muito antigos, ou, que jamais haviam tido versões ao vivo em nenhum disco lançado oficialmente.

2000 – HOJE

Para comemorar os 40 anos do grupo, em 2002 lançam o álbum duplo Forty Licks (1962 - 2002) que trouxe, além de 36 sucessos da banda, 4 novos hits (“Don't Stop”, “Keys To Your Love”, “Stealing My Heart” e “Losing My Touch”), sendo o primeiro uma espécie de resumo da perseverança característica da banda, atingindo bastante sucesso.

Capa do álbum duplo de 2002.

Em 16 de agosto do mesmo ano com um show em Toronto (Canadá) os Stones lançam uma de suas maiores turnês, a Licks Tour (detalhe para a música “Heart Of Stone”, não tocada ao vivo desde 5 de dezembro de 1965).

Esta longa turnê passou por todos os continentes do planeta, tendo sido encerrada em 09 de novembro de 2003, em Hong Kong. Mantendo o status de maior banda de rock and roll do mundo e a tradição de suas espetaculares apresentações, montam estruturas distintas e específicas para shows em arenas, estádios e teatros, além de shows privados. Ao final do mesmo ano lançam o esplêndido DVD quádruplo Four Flicks, mostrando cada um dos formatos de suas apresentações e toda a vitalidade dos músicos sessentões.

Quando todos imaginavam o fim da banda, devido a um câncer na garganta do baterista Charlie Watts diagnosticado em junho de 2004 e curado em fevereiro de 2005, o vigor incansável do quarteto com ênfase às belas letras de Jagger e Richards (conhecidos como ‘The Glimmer Twins’ desde os anos 70, pela ligação existente entre eles, além das lendárias histórias que protagonizaram) produz um de seus melhores álbuns de estúdio de todos os tempos.

Lançado em 2005 A Bigger Bang traz uma sonoridade crua e voltada às raízes da banda: rock and roll, blues e rhythm and blues, além das pegadas das guitarras da dupla Richards/Wood, bem como para a harmônica melodiosa de Jagger, as 16 fortes canções do álbum mostram a excelência e competência de Jagger/Richards/Watts/Wood.

Este álbum apresenta uma sonoridade que lembra o estilo despojado de Some Girls, no entanto com estilo mais contemporâneo e pesado. Alguns interpretam que os Stones “voltaram às suas raízes”, usando instrumentação mínima, tocando blues de difícil execução ao lado de rock de garagem. Outros, porém, percebem uma busca pelo rock contemporâneo, com um estilo de som parecido com The White Stripes e The Black Keys.

Capa do álbum de 2005.

O primeiro single, ‘’Streets Of Love / Rough Justice’’, chegou à 15º posição na parada de singles do Reino Unido, enquanto o álbum A Bigger Bang chegou a ser o 2 º álbum mais vendido no país europeu. A Bigger Bang ganhou disco de platina nos Estados Unidos e na Alemanha, e foi disco de ouro no Japão.

Para a divulgação do álbum, mais uma vez iniciando em Toronto (em 10 de agosto de 2005), a banda se lança na estrada com a turnê do mesmo nome.

Em 18 de fevereiro de 2006, os Rolling Stones voltaram ao Brasil para o show da turnê A Bigger Bang. O show, gratuito, foi realizado nas areias da praia de Copacabana, no Rio de Janeiro, para um público estimado em 1,5 milhão de pessoas, entrando para a história como o maior show da banda e um dos maiores concertos de rock de todos os tempos.

Após dois anos do lançamento da turnê A Bigger Bang, que passou pela América do Norte, em duas oportunidades (2005 e 2006), América do Sul (2006) e Europa (2006), os músicos dos Stones arrecadaram, até novembro de 2006, em torno de US$ 437 milhões (recorde na história da música), os Stones anunciaram, em 22 de março de 2007, uma lista de novos shows pelo velho continente, que se iniciou em 05 de junho de 2007, com uma apresentação em Werchter, Bélgica e se encerrou em 26 de agosto de 2007 em Londres, apesar de rumores de que novos shows seriam realizados em 2008.

Com seu encerramento, os Stones realizaram a mais longa de suas turnês mundiais, com arrecadação de US$ 560 milhões (novo recorde), e, apresentando-se para quase 6 milhões de espectadores, mostraram a inesgotável energia que os move por mais de 45 anos de estrada.

Ainda em 2006 a banda teve sua música "Can't You Hear Me Knockin'" presente no game Guitar Hero 2, em versão cover, o que desapontou muitos fãs pois a voz do cantor que faz esse cover no GH2 não é nada parecida com a de Mick Jagger.

Capa do DVD de 2007.

Em 12 de junho de 2007 foi lançado o DVD The Biggest Bang, que contém 4 discos com mais de sete horas de shows, incluindo a integra do realizado no Rio de Janeiro, no ano anterior, bem como em Austin, Texas, e materiais dos shows de Japão, Buenos Aires e Xangai, além de entrevistas exclusivas e reveladoras com os membros da banda.

Nesse mesmo ano, os Stones voltariam a ter outra música de sucesso na série Guitar Hero, desta vez a música era "Paint It Black", presente no Guitar Hero 3 Legends Of Rock.

Em 04 de abril de 2008 estreou nos cinemais mundiais o filme The Rolling Stones Shine a Light (distribuído no Brasil pela Imagem Filmes), concebido e dirigido pelo premiado diretor Martin Scorsese, um declarado fã da banda, que, em duas apresentações no Beacon Theatre de Nova York, em novembro de 2006, com dezesseis câmeras focadas diretamente nos músicos, registrou com profundidade a bela performance da banda em um repertório levemente diferenciado das apresentações normais.

Conta, ainda, com a presença de Jack White, do grupo White Stripes, da cantora Christina Aguilera e do bluesman Buddy Guy. Ainda, de forma genial mescla imagens de arquivo desde o início da banda, na década de 1960, confrontando com declarações atuais, como a pretensão de Mick Jagger em manter-se ativo aos sessenta.

Em 2012 os The Rolling Stones completaram 50 anos de trabalho, e são considerados uma das bandas mais velhas em atividade. Como parte das comemorações, lançaram em junho de 2012 o livro The Rolling Stones: 50 e organizaram um retorno aos palcos em novembro e dezembro de 2012.

Logo dos Stones, celebrando os 50 anos da banda.

Após o lançamento do álbum de estúdio A Bigger Bang, em 2005, os já idosos músicos ingleses mantiveram uma carreira bem movimentada, com várias turnês internacionais pra estádios lotados, além de lançamentos pontuais de músicas inéditas. Mas, não obstante o lançamento de álbuns retratando shows ao vivo antigos e recentes, assim como coletâneas, o quarteto passou anos sem mencionar a ideia de lançar um novo álbum de estúdio.

Por fim, em abril de 2016, pouco depois do histórico show para um milhão e duzentos mil espectadores em Havana, Cuba, vazou na imprensa mundial que os músicos já haviam estrado em estúdio pra gravar um novo álbum, e que, ainda por cima, o lendário guitarrista Eric Clapton, que estava coincidentemente gravando em um estúdio ao lado, foi até a banda cumprimentá-los. Acabou rolando uma jam session por pura diversão, e por fim, Clapton participou da gravação definitiva de duas faixas do álbum.

Blue & Lonesome é o vigésimo-terceiro (na cronologia britânica) e vigésimo-quinto (na cronologia americana) álbum de estúdio e, até o momento, último álbum dos Stones, lançado pela Polydor Records em 02 de dezembro de 2016.

O nome do álbum é com “&” e não “and”, ao contrário da música que o inspira. Foi lançado onze anos após A Bigger Bang (2005), a mais longa lacuna entre álbuns de estúdio da carreira musical da banda. É o primeiro e único álbum da banda composto exclusivamente por covers.

Capa do álbum lançado em 2016.

“Cinco décadas para fazer e apenas três dias para gravar”. É assim que os Rolling Stones anunciaram seu primeiro álbum de estúdio em uma década.

A volta ao passado ficou marcada até mesmo na hora do estúdio. O álbum foi gravado em apenas três dias, em novembro do ano passado no British Grove Studios, no distrito londrino de Chiswick, na mesma região onde a banda começou a carreira.

No início dos anos 1960, os Stones eram conhecidos pelas covers de clássicos de Jimmy Reed, Willie Dixon, Eddie Taylor e Howlin' Wolf (canções que voltam a figurar no novo trabalho). Em anúncio, publicado em dezembro de 2016, a banda disse que a ideia era captar a espontaneidade ao vivo no estúdio, sem overdubs, como nos velhos tempos.

O velho amigo da trupe, o guitarrista Eric Clapton, que gravava em um estúdio ao lado, participa em duas faixas. Os detalhes do álbum foram divulgados junto com um trecho de "Just Your Fool", gravada originalmente pelo grupo Buddy Johnson and His Orchestra. A capa do álbum traz os icônicos lábios, que segue a banda desde 1971, em uma arte especial para o Facebook em 360°.

Segundo o produtor Don Was, o álbum atesta "a pureza do amor deles por fazer música, e o blues é, para os Stones, a fonte de tudo que eles fazem".

O anúncio coincidiu com a chegada dos Stones às salas de cinema com a exibição do documentário "Havana Moon", sobre o histórico show que fizeram em Cuba, em março de 2016.

Em março de 2016 a banda atuou em Cuba para uma audiência de meio milhão de espetadores. Mick Jagger disse aos cubanos, em espanhol, que "os tempos estão mudando".

INTEGRANTES

OFICIAIS

Atuais

Mick Jagger - vocais, guitarra de apoio (ocasional), desde 1962.

Keith Richards - guitarra principal e vocais de apoio, desde 1962.

Charlie Watts - bateria, desde 1966.

Ron Wood - guitarra de apoio, baixo e backing vocals, desde 1975.

Antigos

Brian Jones - guitarra principal, vários instrumentos e backing vocals, de 1962 a 1969.

Mick Taylor - guitarra de apoio, vocais de apoio, de 1969 a 1975.

Bill Wyman - baixo e backing vocals, de 1965 a 1993.

Ian Stewart – teclado, de 1962 a 1963, em 1969, de 1975 a 1976 e de 1981 a 1982.

Dick Taylor – baixo, em 1962.

Mick Avory – bacteria, em 1962.

Ricky Fenson – baixo, em 1963.

Colin Goldin – baixo, em 1964.

Tony Chapman – bateria, de 1963 a 1964.

Carlo Little – bateria, em 1965.

Os Stones em Cuba, em março de 2016.

Bem pessoal, esta foi a história de uma banda que dispensa apresentações, isso porque estão na estrada há 55 longos anos, tempo esse que além da experiência, trouxe-lhes uma bagagem musical intensa e variada.

Acredito que esta é uma das bandas mais importantes do cenário musical contemporâneo, que não deva faltar algumas de suas músicas no seu playlist, independente do estilo que você curta.

Eu já falei que tenho um gosto musical eclético, por isso tenho várias músicas digitais em minha seleção e um The Best Of da banda, em CD original, porque como disse, também, para aqueles que apreciam uma boa música, essa banda é obrigatória no seu acervo musical. Até a próxima postagem!

Fiquem com mais dos Rolling Stones em:

AS PEDRAS ROLANTES DO ROCK - SEGUNDA PARTE

2017-04-09T04:37:00.001-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Fico muito feliz em saber que vocês estão aqui para acompanhar a segunda parte da história dessa banda que está na atividade desde o ano de 1962, sem perder a vitalidade, apesar de muitos altos e baixos durante sua carreira.

Apesar de inúmeros acerto e desacertos, a banda engrenou turnês gigantescas e monumentais, onde demonstrou tudo o que sabia fazer de melhor: tocar rock and roll!!

1974 - 1980

Com a saída repentina de Mick Taylor para seguir carreira solo, Ronnie Wood (que tocava com a banda inglesa The Faces, liderada por Rod Stewart), assume a segunda guitarra, embora só será oficialmente um membro efetivo dos Stones a partir da turnê de 1975, cuja primeira apresentação com a banda ocorre em 1º de junho do mesmo ano em Baton Rouge, Lousiana, Estados Unidos, através dos acordes de “Honky Tonk Women”.

Capa do álbum de 1974.

Em 1974 os Rolling Stones gravam o clássico It's Only Rock'n'Roll no estúdio do guitarrista Ronnie Wood, um conhecido de longa data da banda.

Este foi o último álbum dos Stones com o guitarrista Mick Taylor e a composição e gravação da faixa título do álbum foi a conexão para eventual substituição do insatisfeito Taylor por Ronnie Wood.

O álbum tem um som mais rock do que seu álbum anterior Goats Head Soup (1973), mas também tem funk e soul, inspirado no mesmo Goats Head Soup. O álbum alcançou a posição de número 1 nas paradas dos Estados Unidos e número 2 no Reino Unido.

Embora a turnê de 1975 tenha sido batizada de Tour Of The Americas pois previa, além dos Estados Unidos e Canadá, shows no Brasil, no Rio de Janeiro e São Paulo , México e Venezuela, estes não ocorreram por restrições políticas dos governantes desses países, preocupados com a imagem de desordeiros e drogados que a banda poderia passar além de desagradar os respectivos regimes de governo.

Lançam, então, Black And Blue, um disco mais intimista com forte participações de convidados como Billy Preston, que já havia gravado “Let It Be”, dos Beatles e vinha participando de todos os álbuns dos Stones desde Sticky Fingers de 1971, e Ron Wood confirmado no comando da segunda guitarra, que obtém razoável sucesso.

Capa do álbum de 1976.

Lançado em abril de 1976, com o hit Top 10 "Fool to Cry" como seu primeiro single, Black And Blue alcançou a posição de número 2 no Reino Unido e passou um período de quatro semanas como número 1 nos Estados Unidos, recebendo o disco de platina.

O álbum foi promovido com um cartaz controverso na Sunset Boulevard em Hollywood, que mostrava a modelo Anita Russell, ferida e amarrada sobre um pôster com os Stones sob a frase "I'm Black and Blue from the Rolling Stones – and I love it!" (Eu estou preta e azul pelos Rolling Stones – e amei isso! ). O cartaz foi retirado após protestos de grupos feministas, embora a banda tenha ganho ampla cobertura da imprensa.

O álbum seguinte é Love You Live, de 1977, um duplo ao vivo gravado na turnê europeia de 1976, bastante heterogêneo e com a formação básica da banda no palco.

Capa do álbum ao vivo, de 1977.

É o terceiro álbum ao vivo oficial da carreira do grupo e é dedicado à memória do engenheiro de áudio Keith Harwood, que morreu em um acidente de carro causado por uso de drogas, pouco antes do lançamento do trabalho.

Nesse período, aconteceu o famoso incidente de Keith Richards em Toronto. Sua esposa, Anita Pallenberg, foi presa por posse de drogas ilícitas na sua chegada ao aeroporto, e libertada logo após. Em 27 de fevereiro, a polícia foi cumprir o mandado de prisão contra Anita e encontrou grande quantidade de drogas no quarto do casal, especialmente heroína.

Keith foi acusado nos tribunais de ser traficante internacional, devido a grande quantidade de entorpecentes em sua posse, ficando pelos meses seguintes impossibilitado de deixar o Canadá e sob o risco de ser condenado a anos de prisão. A situação fez com chegasse tarde para os ensaios programados.

As apresentações aconteceram no El Mocambo, onde os Stones fizeram dois shows secretos. Não foi anunciado que os Rolling Stones tocariam ali naquelas noites, mas sim April Wine e uma banda desconhecida, "The Cockroaches", de modo que a maioria dos fãs achava que estavam participando de um concerto de April Wine como atração principal.

O concerto em si teve abertura do April Wine, que também gravou seu álbum ao vivo Live At The El Mocambo, na ocasião. Os Stones apareceram de surpresa, então com o nome de banda falso The Cockroaches (As Baratas).

Stones no El Mocambo, em 1977.

Os shows em si foram executados e gravados sob o pesado clima que envolvia Keith, sua possível condenação à cadeia, e claro, seu vício em heroína, que poderia levá-lo, a qualquer momento, ao mesmo fim repentino e trágico que ceifou Janis Joplin, Jimi Hendrix e várias outras vítimas do vício.

A capa do álbum foi produzida por Andy Warhol, porém os contornos de lápis na foto de capa foram adicionados por Mick Jagger, para desespero de Warhol.

Lançado em 23 de setembro de 1977, o álbum foi bem recebido e conseguiu chegar a posição de número 3 nas paradas musicais do Reino Unido e número 5 nos Estados Unidos, onde foi disco de ouro.

Em 1978 lançam Some Girls que é bem mais pesado do que os últimos trabalhos. Este disco é fortemente influenciado pelo movimento punk surgido nos Estados Unidos em 1974, com temas rápidos e agressivos como “Respectable” e “When The Whip Comes Down”, embora o disco seja mais lembrado pelo seu hit a la discoteque “Miss You”.

Capa do álbum de 1978.

Este álbum alcançou a primeira posição entre os álbuns mais vendidos nos Estados Unidos, e até hoje já vendeu mais de seis milhões de cópias, sendo o álbum mais vendido de toda a discografia da banda.

O álbum trouxe ainda a última música da banda a atingir o primeiro lugar na Billboard entre os singles mais vendidos nos EstadosUnidos: “Miss You”. Some Girls foi um grande sucesso de crítica e público, um marco no retorno dos Stones ao auge, após os medianos Black And Blue e Love You Live, com muitos críticos especializados chamando-o de um "retorno ao estilo clássico", ou ainda "seu melhor álbum desde Exile On Main Street, de 1972".

Este bom momento se deveu à recuperação de Keith Richards após uma fase de vício profundo nas drogas, que quase o matou e ainda abalou a banda (como se percebe no ritmo desorientado e desanimado do álbum anterior, o ao vivo Love You Live).

O álbum foi o primeiro de uma trilogia monumental de álbuns do rock, composta por este, por Emotional Rescue de 1980 e por Tattoo You de 1981.

Mostrando a vitalidade característica até os dias de hoje, ainda no mesmo ano saem, novamente, em turnê pelos Estados Unidos e já dão mostras da tendência que por eles será magistralmente explorada nos próximos anos: enormes palcos e infraestrutura dos shows, jamais vistas até então.

Em 1980 lançam um disco mais linear, com um hit de mesmo nome (este disco foi gravado praticamente junto com o Tattoo You em 1979, que seria lançado no ano seguinte, em 1981).

A capa do álbum, desenhada por Peter Corriston, apresenta uma seleção de fotos termográficas tomadas pela artista Roy Adzak usando uma câmera térmica, um dispositivo que mede as emissões de calor. A versão original do álbum, em vinil, vinha com um enorme poster com mais fotos da banda com a câmera termo-sensível, tudo envolto em um saco plástico. O vídeo da música "Emotional Rescue" também utilizou o mesmo tipo de fotos da banda tocando, fazendo sucesso.

Capa do álbum de 1980.

Lançado em junho, com a faixa-título como o primeiro single, Emotional Rescue foi um sucesso imediato. A faixa-título atingiu a posição de número 3 na Billboard Hot 100.

Todos os álbuns que os Stones lançaram nos Estados Unidos desde Stick Fingers, isto é, todos de estúdio não-coletânea lançados na década de 1970, atingiram o 1º lugar no país, inclusive este, que ficou sete semanas no topo da lista dos mais vendidos.

Porém, com Emotional Rescue, os Stones voltaram a atingir o 1º lugar no Reino Unido, feito que nenhum álbum deles conseguia desde Goats Heads Soap de 1973. O single seguinte "She So Cold" foi um sucesso top 30, enquanto "Dance Pt 1." Alcançou a posição de número 9 na parada da Billboard Dance.

1981 – 1990

Em 1981 a banda larga a Atlantic Records e assina com a EMI. O álbum de estreia é Tattoo You, tido por muitos como o melhor álbum da banda de todos os tempos e talvez o seu único grande triunfo para esta gravadora, visto ser o de maior sucesso comercial da banda até os dias de hoje.

O álbum é basicamente composto por sobras de estúdio gravadas durante a década de 1970, e contém uma das mais conhecidas canções da banda, "Start Me Up", que atingiu o segundo lugar nas paradas de singles da Billboard.

Capa do álbum de 1981.

O álbum provou ser um sucesso comercial e de crítica após o lançamento, alcançando o topo das paradas da Billboard, vendendo mais de quatro milhões de cópias nos Estados Unidos. Foi também o último álbum dos Rolling Stones a alcançar a primeira posição das paradas dos Estados Unidos até o momento, concluindo assim a seqüência iniciada em 1971 com Sticky Fingers, na qual todos os álbuns de estúdio não-coletâneas lançados pela banda atingiram a primeira posição de vendas no país.

O título do álbum foi originalmente planejado para se chamar simplesmente "Tattoo". Jagger afirma até hoje que não tem idéia de como o "You" foi incluído no título. Essa mudança causou atrito entre ele e Richards, pois Keith suspeitava que Mick tinha mudado o título sem consultá-lo.

Destacam-se inúmeros hits da banda, como a explosiva “Start Me Up”, obrigatória em todos os shows, e a balada “Waiting On a Friend”, composta inicialmente em 1973 e não lançada no disco do mesmo ano.

Com “Start Me Up” considerado uma de suas canções mais clássicas e contagiantes , foi o suficiente para levar Tattoo You para o 1º lugar entre os álbuns mais vendidos nos Estados Unidos por nove semanas, enquanto alcançava a posição de número 2 no Reino Unido.

A reação da crítica foi positiva, com muitos conceituando Tattoo You como uma melhoria sobre Emotional Rescue, ou uma versão de mais alta qualidade. Irônico, sabendo que o álbum foi montado com pouca participação e atenção dos Stones, a partir de sobras e takes menosprezados, principalmente sobras do próprio Emotional Rescue.

Com a excursão americana no mesmo ano, os Rolling Stones definitivamente inauguraram a moda de shows gigantescos de duração de três horas, palcos móveis e desmontáveis e toneladas de equipamentos de som e luz.

Resumindo a turnê em solo americano lançaram, em 1982, o álbum ao vivo Still Life (American Concert 1981) e o filme Let's Spend the Night Together, que, sob a direção do renomado Hal Ashby, mostra o vigor juvenil de Jagger e a reabilitação de Richards das drogas, além do novo formato de apresentações ao vivo.

A banda havia atingido o auge novamente, após o enorme sucesso de crítica e público dos recentes álbuns Some Girls, Emotional Rescue e Tattoo You, compostos por sucessos como “Miss You”, “She So Cold” e “Start Me Up”.

Nessa enorme turnê, os Stones fizeram dezenas de shows por várias cidades americanas, lotando estádios e arenas, com uma arrecadação milionária, e atingindo novo ápice de prestígio tanto entre os velhos roqueiros como quanto com a nova geração.

Em meio a especulações da mídia de possível separação da banda, no final de 1983 os Stones lançam o álbum Under Cover, e, alimentando ainda mais estes rumores, a banda não sai em turnê e tampouco os músicos se pronunciam a respeito, cada um elaborando trabalhos individuais e não sendo vistos juntos em nenhuma ocasião.

Capa do álbum de 1983.

Com o advento da geração MTV, os Rolling Stones tentaram reinventar-se para uma nova era. Under Cover foi lançado no dia 7 de novembro de 1983, com uma crítica entusiástica por parte da revista Rolling Stone, e atingiu a posição de número 3 no Reino Unido e número 4 nos Estados Unidos.

Foi uma decepção, no entanto, quebrando uma sequência de oito álbuns número 1 (excluindo coletâneas e discos ao vivo) nos Estados Unidos e por não gerar qualquer single de enorme sucesso.

Ian Stewart, pianista, gerente de palco e um dos fundadores da banda, acompanhando em todos os álbuns e shows, morre em 1985 em virtude de um ataque cardíaco. Tido como o sexto Stone, é homenageado com uma faixa no álbum da banda de 1986, Dirty Work, cujo álbum também não é acompanhado de turnê.

Capa do álbum de 1986.

Em março de 1986, o Single "Harlem Shuffle" foi lançado alcançando a posição de número 13 no Reino Unido e 5º single mais vendido nos Estados Unidos, isso tudo sem ter recebido a mesma quantidade de exposição e promoção dada a singles anteriores. Foi a única música do álbum a fazer sucesso nas rádios.

O álbum Dirty Work foi lançado uma semana depois de "Harlem Shuffle," atingindo em seu auge, a 4ª posição entre os discos mais vendidos, tanto no Reino Unido quanto nos Estados Unidos (se tornando Disco de Platina lá), mas a reação da crítica foi menos entusiasta, com alguns pensando que Jagger estava guardando o melhor material para seus discos.

O relacionamento entre os membros restantes da banda não era dos melhores, com desentendimentos frequentes entre Jagger e Richards. Mick Jagger enveredou em uma carreira solo gravando músicas dentro do estilo Rolling Stones e causa um desentendimento sério entre ele e seu sócio Keith Richards.

Especulações sobre o fim da banda duraram por seis anos, embora o clima ruim não impedisse que continuassem sendo lançados álbuns de repercussão cada vez maior. Jagger, Richards, Wood, Wyman e Watts lançaram vários álbuns solo durante a década de 1980 e 1990.

Os Stones entraram a década de 1990 com uma nova gravadora, a CBS, selo da Sony Music, em meio a rumores de que Mick Jagger e Keith Richards não podiam nem mesmo dividir uma mesma sala sem se engalfinharem.

Os constantes boatos sobre a dissolução da banda ajudaram a catapultar o interesse e a expectativa da turnê e as vendas do álbum Steel Wheels, de 1989, tornando-a a maior da banda em todos os tempos até então.

Anunciado como ‘um grande retorno’ em seu lançamento, o projeto é notável por mostrar uma reconciliação entre Mick Jagger e Keith Richards.

Capa do álbum de 1989.

Uma campanha de propaganda massiva a nível mundial foi feita para o lançamento e divulgação de Steel Wheels, em simultâneo com o lançamento do single "Mixed Emotions", música que fazia uma referência parcialmente biográfica da relação de Jagger e Richards.

"Mixed Emotions’’ foi o último single dos Stones a atingir grande sucesso na mídia chegando ao 5º lugar entre os mais vendidos .

Quanto ao álbum, ele vendeu muito bem, como de costume, chegando à segunda posição no Reino Unido e à terceira posição entre os mais vendidos nos Estados Unidos, onde foi dupla platina.

O álbum também ficou marcado pelo lançamento de sua turnê de divulgação, simplesmente a maior turnê mundial entre qualquer banda na época. Foi também o último álbum de canções inéditas com o baixista Bill Wyman, que anunciou sua saída da banda em janeiro de 1993.

Primeiramente com a Steel Wheels Tour (nos Estados Unidos, no fim de 1989 e no Japão, no começo de 1990), e depois com a Urban Jungle Tour, (na Europa, ao longo de 1990), a divulgação do álbum com o auxílio de uma turnê (no caso, de duas turnês), foi a maior do mundo na época sendo um enorme sucesso financeiro.

Durando praticamente um ano, com 115 shows, tocou em países como Japão, França, Alemanha e Canadá, além, é claro de Reino Unido e Estados Unidos. Chegou ao luxo de ter shows dos Stones sendo “abertos” por Living Colour e pelo Guns N' Roses, isso no auge da banda de Los Angeles.

Em 1990, a Fox transmitiu um especial 3-D da turnê para a televisão. O último show da Urban Jungle Tour, em 25 de agosto de 1990, no Estádio Wembley em Londres, foi a última apresentação ao vivo da banda com Bill Wyman, o único baixista oficial da história da banda.

Bem galera, por aqui encerro essa fase dos Rolling Stones e a segunda parte da história desta banda que, entre turnês gigantescas e caríssimas, problemas com drogas e a quase prisão de Keith Richards, boatos de fim do grupo e outros detalhes que valem a pena ser lidos para termos um melhor conhecimento sobre os integrantes e a convivência entre eles.

Fiquem com mais dos Rolling Stones em:

AS PEDRAS ROLANTES DO ROCK - PRIMEIRA PARTE

2017-04-02T23:41:00.001-03:00

The Rolling Stones é uma banda de rock inglesa formada em Londres em 1962 e considerada um dos maiores e mais bem sucedidos grupos musicais de todos os tempos. Ao lado dos Beatles, é considerada a banda mais importante da chamada Invasão Britânica ocorrida nos anos 60. A banda e seus membros ocuparam posição de destaque nas mudanças musicais e comportamentais dos anos 60 e são frequentemente relacionados com a contracultura, rebeldia e juventude.

Os Rolling Stones é um dos grupos musicais mais bem sucedidos da história e já vendeu mais de 240 milhões de álbuns no mundo inteiro.

Até o ano de 2007, quatro das cinco turnês musicais de maior lucro e bilheteria em todos os tempos, eram dos Rolling Stones. A turnê mais lucrativa da banda é "A Bigger Bang Tour", que durou de 2005 até 2007 e arrecadou o valor incrível de U$558.255.524 (isso mesmo!!! Quinhentos e cinquenta e oito milhões, duzentos e cinquenta e cinco mil, quinhentos e vinte e quatro dólares!!! Quase seiscentos milhões de dólares!!!).

Durante esta turnê, a banda fez um show gratuito na praia de Copacabana, no dia 18 de fevereiro de 2006 no Rio de Janeiro. Mais de 2 milhões de pessoas compareceram ao show, que está listado no Livro dos Recordes como o show gratuito de maior público realizado por uma única banda em todos os tempos.

HISTÓRIA

1962 – 1969

Tudo começou em 1960, quando os dois amigos de infância, Mick Jagger e Keith Richards, se reencontraram em um trem na estação de Dartford, Inglaterra, e descobriram um interesse em comum por rock and roll. Foram convidados pelo guitarrista Brian Jones em 1962 a montar a definitiva banda de R&B branca, que se chamaria The Rolling Stones, inspirado no nome de uma canção de Muddy Waters, “Rollin' Stone”, cujo nome foi utilizado oficialmente, pela primeira vez, em sua apresentação no Marquee Club de Londres em 12 de julho de 1962.

O pianista Ian Stewart, amigo de Brian, seria o co-fundador da banda, mas porque sua imagem pessoal não tinha o devido sex-appeal, ele seria rebaixado a gerente de palco, com direito a gravar com a banda mas não de posar como membro. Bill Wyman, que embora já vivesse da noite há muito mais tempo que os demais, seria acrescentado à banda por um motivo fútil: possuía mais de um amplificador.

Em janeiro de 1963, Charlie Watts assumiria definitivamente a bateria. A boa repercussão nas apresentações ao vivo somadas à habilidade promocional de seu empresário, levou a banda a um contrato com a Decca Records (então a piada do ano por ter recusado um contrato com os Beatles). Seu empresário promove a banda com uma imagem de rebeldes e cria a pergunta: Você deixaria sua filha se casar com um Rolling Stone?

Os primeiros singles, covers de canções de Chuck Berry e Muddy Waters de cada lado, “Come On”/”I Want To Be Loved”, e uma gravação para uma composição da dupla John Lennon e Paul McCartney, “I Wanna Be Your Man”, foram bem aceitos.

O primeiro álbum, de 1964, lançado no Reino Unido.

O primeiro álbum, chamado simplesmente The Rolling Stones, saiu em abril de 1964, contendo apenas uma composição de Jagger e Richards. Apenas com “Tell Me (You're Coming Back)”, lançado em junho de 1964, é que uma composição da dupla seria lançada como lado A de um compacto.

(Uma pausa para uma curiosidade!!).

Enquanto a Decca Records era a distribuidora das músicas gravadas pela banda no Reino Unido, o que incluía a escolha dos formatos de álbum e as gravações que os compunham, nos Estados Unidos, a distribuição das músicas, com as mesmas prerrogativas sobre a compilação e formato dos álbuns, ficou a cargo da London Records. Essa distinção entre as distribuidoras em cada país ocasionou diferenças entre a discografia da banda nos Estados Unidos e no Reino Unido.

No Reino Unido, por exemplo, os Extended Play's, álbum de formato médio, faziam sucesso e várias músicas foram vendidas assim, enquanto a London Records não utilizava esse formato pra vendas. E havia os singles, pequenos álbuns onde cabiam de duas a quatro canções apenas, e onde eram compiladas músicas na qual se via grande possibilidade de sucesso individual, um provável hit.

Acontece que, no Reino Unido, músicas que eram vendidas em Single ficavam de fora dos LP's, enquanto nos Estados Unidos, músicas escolhidas pra singles geralmente eram mantidas nos LP's. Uma terceira diferença ocasionada pela diversidade de distribuidoras e a independência no trabalho entre elas gerou discografias diferentes pra cada país, com uma quantidade diferente de álbuns, títulos diferentes com fotos de capa diferentes e, mesmo quando se tratava do mesmo álbum, o repertório podia variar de uma país para outro.

Por isso que o álbum The Rolling Stones foi lançado nos Estados Unidos com o nome de England's Newest Hit Makers, o qual foi escrito na capa, modificando o conceito idealizado originalmente por Andrew Oldham, e ainda com a faixa "Not Fade Away" (lado A, terceiro single do Reino Unido), substituindo "Mona (I Need You Baby)".

A capa do primeiro álbum, de 1964, na versão americana.

England's Newest Hit Makers alcançou a posição de número 11 nos Estados Unidos, sendo disco de ouro. Em agosto de 2002, England's Newest Hit Makers foi relançado em CD remasterizado, enquanto o seu homólogo britânico mantém-se fora de catálogo desde 1987.

(Continuando com a pausa...)!!

12 X 5 é o segundo álbum de estúdio na discografia estadunidense da banda de rock britânica The Rolling Stones, lançado em 1964, após o enorme sucesso de seu álbum estréia The Rolling Stones no Reino Unido e das vendas promissores de sua versão americana, England's Newest Hit Makers.

O álbum, manteve a receita de seu antecessor, tendo o repertório de covers de clássicos do rhythm and blues americano. No entanto, ele contém três composições da ainda principiante dupla Mick Jagger / Keith Richards, os 'Glimmer Twins', bem como duas composições do grupo sob o pseudônimo de "Nanker Phelge".

A capa do segundo álbum americano, de 1964.

O resto das músicas foram os singles "It's All Over Now" e "Time Is On My Side", com seus lados-B, além de três canções que foram posteriormente incluídos no segundo álbum da discografia britânica, The Rolling Stones Nº. 2. A Decca, por sinal, para montar o segundo álbum britânico da banda, usaria a mesma capa (menos as letras), deste álbum.

12 X 5 foi lançado em 17 de outubro de 1964, tendo sucesso ainda maior que seu antecessor The Rolling Stones, atingindo o 3º lugar entre os discos mais vendidos nos Estados Unidos e virando Disco de Ouro rapidamente.

The Rolling Stones Nº. 2 é o segundo álbum de estúdio na discografia britânica da banda de rock inglesa The Rolling Stones e foi lançado pela Decca Records no Reino Unido no dia 16 de janeiro de 1965.

A capa do segundo disco, versão britânica, de 1965.

Usando a capa de 12 X 5, o segundo álbum americano dos Stones, lançado em outubro de 1964, The Rolling Stones Nº. 2 tem apenas quatro faixas em comum com este ("Time Is On My Side", "Grown Up Wrong", "Under The Boardwalk" e "Susie Q"), mas iria ser largamente imitado no próximo lançamento americano dos Stones: The Rolling Stones, Now!, considerado um dos melhores álbuns da discografia do grupo.

Um grande sucesso no Reino Unido após seu lançamento, The Rolling Stones Nº. 2 passou 10 semanas em número 1 no início de 1965, tornando-se um dos maiores vendedores do ano no Reino Unido.

The Rolling Stones, Now! é o terceiro álbum de estúdio na discografia americana da banda de rock inglesa The Rolling Stones e foi lançado em 1965 pelo seu distribuidor inicial americano, a London Records.

O álbum contêm sete faixas de seu segundo álbum do Reino Unido, The Rolling Stones Nº. 2 e algumas músicas que aparecem na edição britânica do próximo álbum dos Stones, Out Of Our Heads, também de 1965. "Little Red Rooster" foi um síngle nº 1 no Reino Unido e "Surprise, Surprise", não apareceu em nenhum álbum britânico dos Rolling Stones até 1989.

A capa do terceiro disco dos Stones, nos Estados Unidos.

Quatro das músicas do The Rolling Stones, Now! foram escritas por Mick Jagger e Keith Richards, que cresciam como compositores e no ano seguinte assinariam todas as faixas do disco Aftermath.

Após seu lançamento em fevereiro, The Rolling Stones, Now! atingiu a posição de nº 5 nas paradas nos Estados Unidos e tornou-se em outro disco de ouro para o Stones.

The Rolling Stones, Now! é geralmente considerado um álbum muito forte e o maior destaque de seus primeiros lançamentos americanos, sendo considerado por muitos como um dos melhores discos da banda.

Out Of Our Heads é o terceiro álbum de estúdio na discografia britânica e o quarto na discografia norte-americana da banda The Rolling Stones, lançado em 1965. Foi lançado nos Estados Unidos em 30 de julho pela London Records, e no Reino Unido em 24 de setembro pela Decca Records.

A versão americana do álbum foi o primeiro disco dos Stones a alcançar um milhão de cópias vendidas e a alcançar o primeiro lugar entre os mais vendidos nos Estados Unidos, muito graças ao sucesso de "(I Can't Get No) Satisfaction".

A capa do álbum de 1965.

O sucesso deste álbum nos Estados Unidos, e, principalmente, o estrondoso sucesso obtido pela canção, foram decisivos para alçar os Rolling Stones, até então apenas uma das grandes bandas de Rock da Invasão Britânica, em A Grande Banda de Rock do mundo, ao lado e rivalizando a partir daí, com os Beatles.

A versão americana do álbum é uma mistura de músicas gravadas ao longo de seis meses, incluindo o hit Top 10 “The Last Time” e a canção número 1 em todo o mundo, que mais tarde se tornaria impensado não ter em shows, "(I Can't Get No) Satisfaction".

Seis músicas foram depois incluídas na versão britânica do álbum. Aproveitando a onda do sucesso de "Satisfaction", Out Of Our Heads tornou-se o primeiro álbum dos Rolling Stones número 1 nos Estados Unidos, atingindo o disco de platina.

A partir daí, pouco a pouco o material próprio começou a ser valorizado, tendo em Out Of Our Heads, de 1965, o primeiro de uma série de discos basicamente de composições da dupla Jagger-Richards. É nesse ano que a banda lança seu maior hit em todos os tempos, “(I Can't Get No) Satisfaction”.

December's Children (And Everybody's) é o quinto álbum de estúdio na discografia americana da banda The Rolling Stones, lançado no final de 1965.

A maioria das músicas foi gravada em apenas dois dias, em sessões realizadas em 5 e 6 de setembro, objetivando terminar a edição britânica Out of Our Heads, além de gravar o seu novo single "Get Off Of My Cloud". O álbum foi completado com faixas gravadas no início de 1963.

Capa do álbum americano de 1969.

Metade das canções que aparecem no álbum foram escritas por Mick Jagger e Keith Richards. Os 'Glimmer Twins' escreveram músicas marcantes, como "I'm Free" e "The Singer Not The Song", bem como grandes sucessos como: "As Tears Go By" e "Get Off Of My Cloud".

O baixista Bill Wyman falou sobre o disco December's Children (And Everybody's) em 1968, afirmando que "não é um álbum, é apenas uma coleção de canções".

Com o álbum Aftermath, de 1966, a banda começaria uma fase de músicas mais longas e de arranjos mais elaborados.

O álbum provou ser um grande avanço artístico do The Rolling Stones, sendo o primeiro álbum da banda a ser constituído exclusivamente por composições de Mick Jagger/Keith Richards.

Aftermath foi também o primeiro álbum dos Rolling Stones a ser gravado inteiramente nos Estados Unidos, no lendário RCA Studios, em Hollywood, Califórnia, 6363 Sunset Boulevard, e o primeiro álbum da banda a ser lançado em estéreo. Foi o segundo álbum dos Stones a atingir um milhão de cópias vendidas apenas nos Estados Unidos.

Como afirmou Bill Wyman em 2002: "O álbum era pra ser a trilha sonora do filme Back, Behind And In Front, que nunca foi lançado. Nicholas Ray, diretor de Rebel Without a Cause, iria dirigir o filme, mas tudo melou quando Mick o conheceu e não gostou dele."

A capa do álbum britânico, de 1966.

Tal como aconteceu com todos os discos dos Stones pré-Their Satanic Majesties Request, edições diferentes foram lançadas no Reino Unido e nos Estados Unidos. Esta era uma característica comum dos álbuns pop britânicos naquela época, a mesma prática foi aplicada a todos os álbuns do The Beatles antes de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band, porque os álbuns pop britânicos não incluíam faixas que haviam sido lançadas como singles e porque os álbuns britânicos geralmente tinham 13 ou 14 faixas e os americanos 11 ou 12.

A versão original britânica de Aftermath foi lançada em abril de 1966 com catorze faixas. Lançado entre os singles "19th Nervous Breakdown" e "Paint It, Black", não lançados em LP, Aftermath foi um grande sucesso no Reino Unido, passando oito semanas em número 1 na parada de álbuns do Reino Unido.

A capa da versão americana.

A versão americana tem capa diferente e eliminou "Out Of Time", "Take It Or Leave It", "What To Do" e "Mother's Little Helper". Todas as quatro faixas foram posteriormente lançadas nos Estados Unidos em outras compilações, e "Mother's Little Helper" foi também lançada como single, em 1966, atingindo número 8 nas paradas da Billboard.

Em seu lugar, o álbum tem o hit número 1 "Paint It, Black". Aftermath chegou a número 2 nos Estados Unidos, recebendo o disco de platina.

Between The Buttons é o quinto álbum de estúdio britânico dos Rolling Stones e foi lançado em 20 de Janeiro de 1967, no Reino Unido. O álbum foi lançado em 11 de fevereiro de 1967, nos Estados Unidos, sendo seu sétimo álbum americano. É tido como a continuação do ambicioso Aftermath, de 1966.

Com "Ruby Tuesday", alcançando a primeira posição, Between The Buttons foi o segundo colocado nos Estados Unidos, sendo disco de ouro e chegando a terceira posição no Reino Unido.

Gravado em dois estúdios, em Los Angeles, agosto de 1966, e Londres em novembro do mesmo ano, Between the Buttons captura o período em que o The Rolling Stones estavam se movendo mais para o território do art rock e para longe de suas raízes do R&B.

A capa do álbum de 1967.

Bem como Aftermath e todos os outros discos dos Stones pré-Their Satanic Majesties Request, Between The Buttons tem algumas diferenças nas versões do Reino Unido e Estados Unidos. A edição do Reino Unido (que tem como produtores Andrew Loog Oldham e The Rolling Stones) foi lançada em janeiro de 1967 pela Decca Records, simultaneamente com o single, "Let's Spend The Night Together" / "Ruby Tuesday".

Devido à prática comum na indústria fonográfica britânica, ao contrário do que acontece nos Estados Unidos, o single não aparece no álbum. O álbum foi bem recebido pela crítica e pelo público, alcançando a terceira posição no Reino Unido.

Nos Estados Unidos, "Let's Spend The Night Together" e "Ruby Tuesday" foram colocados no álbum no lugar de "Back Street Girl" e "Please Go Home", que seriam incluídas no lançamento americano seguinte, a coletânea Flowers.

Com "Ruby Tuesday", alcançando a primeira posição, Between The Buttons ficou em segundo lugar nos Estados Unidos, sendo disco de ouro.

Além disso, o disco foi o último álbum produzido por Andrew Loog Oldham, com quem The Rolling Stones teriam uma queda criativa, em meados de 1967. Na verdade, a influência de Oldham é mais evidente aqui do que em álbuns anteriores, ele emprega técnicas de Phil Spector, em "Yesterday's Papers", "My Obsession", e "Complicated".

O flerte com o rock psicodélico e experimental teria seu ápice em Their Satanic Majesties Request, de 1967.

Their Satanic Majesties Request é o oitavo álbum de estúdio na discografia americana e o sexto na discografia inglesa dos Rolling Stones, lançado pela Gravadora Decca em 08 de novembro de 1967 no Reino Unido e no dia seguinte nos EUA.

* A partir deste, todos os álbuns de estúdio da banda viriam a ter uma única versão para o mundo todo.*

A capa do álbum de 1967.

Seu título é uma brincadeira com o texto que aparece dentro dos passaportes britânicos: "Her Britannic Majesty requests and requires...", e também em algumas caixas de uísque produzido no Reino Unido.

O álbum foi lançado na África do Sul e Filipinas como The Stones Are Rolling por causa da palavra "satanic" no título.

Lançado em dezembro de 1967, Their Satanic Majesties Request alcançou a 3ª posição entre os discos mais vendidos no Reino Unido e 2º lugar nos EUA (disco de ouro), mas seu desempenho comercial declinou rapidamente.

Logo foi visto como uma tentativa, pretensiosa e mal concebida, para superar os Beatles e seu aclamado álbum de Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band (lançado em junho de 1967), muitas vezes explicada pela experimentação de drogas e excessos da moda musical da época.

Contra essa acusação, lembra-se que John Lennon e Paul McCartney fizeram backing vocals nas faixas "Sing This All Together" e "She's A Rainbow".

Em uma entrevista de 1970 , John Lennon comentou sobre o álbum:... "Satanic Majesties é Sgt. Pepper. ‘We Love You’ ... é ‘All You Need Is Love’.”

A capa do álbum de 1968.

Com Beggar's Banquet (1968) haveria a volta ao estilo mais próximo ao R&B que os fizeram famosos.

São desta época dois dos maiores hits da banda, “Jumpin' Jack Flash”, que só saiu como compacto e a controversa “Sympathy For The Devil”, que Mick disse ter se inspirado em uma visita a um centro de candomblé na Bahia. A música foi responsável pela maior parte das acusações de satanismo que a banda iria sofrer desde então.

Beggars Banquet foi um grande sucesso comercial, alcançando número 3 no Reino Unido e número 5 nos Estados Unidos (disco de platina). Foi o terceiro álbum de Suas Majestades Satânicas a alcançar um milhão de cópias vendidas apenas nos Estados Unidos.

A partir deste álbum, todos os álbuns posteriores de músicas inéditas em estúdio da banda, sempre alcançaram, no mínimo, um milhão de cópias vendidas entre os norte-americanos.

Embora houvesse sido planejado muito tempo antes, dias depois a banda realizou um concerto memorável no Hyde Park, em Londres, diante de um público de 300 mil pessoas, que acabou tendo um significado especial além da apresentação do pouco conhecido novo guitarrista, Mick Taylor.

O show aconteceu num palco decorado com uma enorme foto colorida e estourada de Jones. Jagger, vestido de branco, interrompeu a apresentação para ler uma passagem do poema Adonais de Percy Bysshe Shelley, em memória do amigo problemático.

Enquanto mais de 3.000 borboletas brancas eram soltas do palco para a plateia emocionada. Os Stones pareciam ter chegado ao fim de uma era, sem imaginar que a próxima tragédia estava bem próxima.

Em 06 de dezembro de 1969, o grupo chegou a Altamont, na Califórnia, para uma grande apresentação ao ar livre, com uma plateia pelo menos duas vezes maior do que a do Hyde Park.

Bem antes dos Stones subirem no palco já havia problemas. A segurança do espetáculo estava sob a responsabilidade de um bando de Hell’s Angels de São Francisco, uma gangue de motoqueiros grossos e arrogantes que não sentiam nada a não ser desprezo pela multidão de mais de 500 mil hippies. Qualquer um que tentasse subir no palco era agredido e escorraçado de volta para a plateia pelos Angels que portavam tacos de sinuca.

Durante a apresentação da banda Jefferson Airplane, que antecedeu a atração principal, fãs estavam sendo carregados para as cabanas da Cruz Vermelha em maior quantidade do que os médicos de plantão podiam dar conta. Quando os Rolling Stones finalmente foram se apresentar, a multidão ficou histérica, e os Hell’s Angels reagiram ficando ainda mais selvagens.

Os Hell's Angels durante show dos Stones.

Durante a execução de “Under My Thumb” no momento em que Mick finalizava a canção, um jovem hippie, Meredith Hunter, negro,ataca os seguranças (Hell’s Angels) que desde muito antes tratavam o público com hostilidade e violência, em contrapartida, um Hell Angel apunhala o jovem pelas costas, matando-o .

Os Stones tinham noção de que alguma coisa havia acontecido, embora do palco fosse difícil dizer exatamente o quê. No dia seguinte é que os Rolling Stones descobriram que quatro pessoas (incluindo Meredith Hunter) haviam morrido naquele dia.

Há versões de que Meredith foi agredido pelos Hell’s Angels por estar acompanhado de uma linda loira, mas ele estava armado com um revolver e o assassino, Alan Passaro, foi julgado alguns anos depois e inocentado por legítima defesa.

O que aconteceu naquele dia fatídico está registrado no filme Gimme Shelter, de 1970. Ainda em 1969 os Stones lançaram Let It Bleed (título geralmente visto como sátira a Let It Be, dos Beatles, disco que de fato só seria lançado seis meses depois).

Let It Bleed é o décimo álbum de estúdio na discografia americana, e o oitavo na discografia britânica dos Rolling Stones, lançado em 29 de dezembro de 1969 pela Decca Records / ABKCO Records no Reino Unido e pela London Records / ABKCO nos Estados Unidos. É o último álbum da banda a ter a participação de Brian Jones (harpa em "You Got the Silver" e percussão em "Midnight Rambler").

Let It Bleed alcançou a posição de número 1 no Reino Unido (batendo Abbey Road dos Beatles) e a terceira posição no Top Pop Álbuns da Billboard nos Estados Unidos, onde foi platina duplo. Foi o primeiro álbum dos Stones a ultrapassar a marca de dois milhões de cópias vendidas nos Estados Unidos.

Foi durante a gravação de Let it Bleed que a situação de Brian Jones tornou-se insustentável. Sua namorada de anos, Anita Pallenberg o trocou pelo amigo Keith Richards.

Capa do álbum de 1969.

Brian não produzia praticamente mais nada. Um diagnóastico do médico de Brian pede a sua retirada imediata dos palcos. Em junho, o próprio Brian pediu pra sair da banda. O substituto de Brian, por sugestão do guitarrista e bluesman inglês John Mayall é um garoto talentoso de 21 anos, Mick Taylor.

Na noite de 3 de julho os Stones estão no estúdio gravando a primeira música com Taylor, quando,à meia-noite, o telefone toca: uma voz de mulher avisa que Brian Jones morreu.

Em 1969 Brian Jones oficialmente é demitido dos Stones, sendo substituído por Mick Taylor (que havia tocado com o John Mayall's Bluesbreakers). Poucos dias depois de sua saída, Brian Jones seria encontrado morto afogado na piscina de sua casa em Sussex, em circunstâncias até hoje pouco esclarecidas.

Existem duas versões: que ele se afogou sob influência de drogas e álcool, ou que ele foi afogado propositadamente por um dos empreiteiros contratados para fazer obras na propriedade. Entretanto, em 1993, um empreiteiro conhecido como Frank, assumiu em seu leito de morte ter assassinado Brian Jones através de afogamento.

1971 – 1980

Sticky Fingers é o décimo-primeiro álbum de estúdio na discografia americana, e o nono na discografia britânica dos Rolling Stones, lançado no Reino Unido no dia 23 de abril e nos Estados Unidos no dia 30 de abril de 1971. Este álbum está na lista dos 200 álbuns definitivos no Rock and Roll Hall of Fame.

A capa do álbum de 1971.

Foi o primeiro álbum do quinteto inglês a alcançar três milhões de cópias vendidas apenas nos Estados Unidos. É o primeiro lançamento da banda em seu recém-criado rótulo Rolling Stones Records, depois de terem sido contratados desde 1963 da Decca Records no Reino Unido e da London Records nos Estados Unidos.

É o primeiro álbum dos Rolling Stones em que o guitarrista Mick Taylor, substituto de Brian Jones, morto em 1969, toca do começo ao fim. É também o primeiro disco dos Stones onde aparece o conhecido logotipo da língua.

Em 1971 a banda passa para a Atlantic Records, que lhes permite estrear o selo próprio, Rolling Stones Records. Nesse ano a banda lança um dos seus álbuns mais curiosos, Sticky Fingers, cuja capa foi idealizada por Andy Warhol com uma foto de uma pélvis atribuída a Jagger e cujo LP original possuía um zíper que podia ser aberto e mostrava uma figura de uma cueca (a despeito da banana do álbum Velvet Underground And Nico).

Sticky Fingers é o terceiro de quatro LPs de estúdio dos Stones que são geralmente considerados suas maiores realizações artísticas e uma das maiores obras-primas do rock. Os outros três álbuns são Beggars Banquet (1968), Let It Bleed (1969), e Exile on Main Street (1972). Sticky Fingers sempre é citado quando são feitas listas dos melhores álbuns

Esse álbum também foi o primeiro a mostrar o famoso logotipo da boca que apesar de ter sido sempre atribuído a Andy Warhol na verdade foi produzido por John Pasche.

Keith Richards encontra-se no sul da França, na mansão utilizada pelos nazistas Villa Nellecote, pelo fato de todos os Stones estarem devendo uma fortuna de imposto de renda na Inglaterra. Esse período foi considerado como o exílio dos Rolling Stones. A intenção da banda, era compor todo o novo álbum (que viria a ser Exile On Main Street) para, na sequência, promover uma grande turnê pelos Estados Unidos.

O faturamento da tour serviria para quitar os impostos dos Stones na terra da Rainha. Entretanto, os problemas de Keith e sua esposa, Anita Pallemberg, com as drogas acaba por atravancar os trabalhos de composição. Após várias semanas pontuadas por incidentes e trabalhos infrutíferos, Keith e Anita são acusados de tráfico de drogas e obrigados a fugir da França às pressas. A maior parte do disco é composta e gravada em Los Angeles (EUA). Antes da conclusão do trabalho, no entanto, Keith Ricards passa por um severo programa de desintoxicação na Suíça.

Após a mixagem lançam, em 1972, o álbum duplo Exile On Main Street, considerado por muitos, e pelo próprio Jagger, como o melhor álbum da banda pela sua consistência, plasticidade e versatilidade dos músicos, o qual produz, entre outras, a música “Tumbling Dice”, obrigatória em qualquer show dos Stones até os dias de hoje.

A capa do álbum de 1972.

Exile on Main Street é o décimo álbum de estúdio dos Rolling Stones, lançado como um LP duplo em 1972. Trata-se do único álbum duplo de inéditas da discografia da banda.

Apesar de ter chegado a 1ª posição entre os mais vendidos nos Estados Unidos, o álbum foi recebido com críticas mornas. Mas, anos mais tarde, passou a ser considerado o melhor álbum da banda por grande parte da crítica especializada e fãs , e, para muitos, como um dos melhores discos de rock de todos os tempos, concluindo grandiosamente a sequência de quatro álbuns definitivos dos Stones compostas por Beggars Banquet, Let It Bleed e Sticky Fingers.

Com a excelente repercusão do disco anterior e embalados pela sua turnê de 1972/1973, os Stones entram mais uma vez no estúdio e lançam em 1973 o álbum Goats Head Soup, amplamente conhecido pelo hit “Angie” e pela polêmica “Star Star”, concebida originalmente como "Starfucker".

Interessante que a balada “Waiting On a Friend” foi composta e gravada durante as sessões deste álbum e lançada apenas oito anos depois no álbum Tattoo You de 1981, a qual, devidamente remixada tornou-se um hit da banda, assim como a música “Tops”.

A capa do álbum de 1973.

Goats Head Soup é o décimo terceiro álbum de estúdio na discografia americana e o décimo primeiro na discografia britânica dos Rolling Stones, lançado em 1973.

Este foi o primeiro disco dos Stones após o aclamado Exile On Main Street. Goats Head Soup, embora irregular e menos inspirado que os anteriores, foi uma produção mais polida do que Exile e reflete o ressurgimento da soul-pop e a ascensão do funk e do glam rock, mantendo o som dos Stones um rock distinto.

Ele gerou o single "Angie", possivelmente a música mais conhecida do disco, e que liderou as paradas em ambos Estados Unidos e Reino Unido. Repetiu as altas vendas de Sticky Fingers, atingindo três milhões de cópias no mercado americano, recorde da banda até então.

Bem pessoal, por aqui encerro a primeira parte da história dessa banda que, sem dúvida, é um ícone no cenário musical mundial, pois tem uma carreira longa, que mostra a vitalidade do grupo e, ao mesmo tempo, os abusos que alguns fizeram em suas vidas, seja de álcool, drogas, e outros não menos prejudiciais.

O diferencial em sua discografia ficou por parte de ter duas distribuidoras, uma no Reino Unido, onde normalmente singles e lados B de compactos ficavam fora do álbum lançado após isso (não sei se acontece até hoje, mas comprei algumas coletâneas com os chamados B-Sides!!).

Enquanto nos Estados Unidos, os singles e lados B de compactos são utilizados para confeccionar o álbum seguinte, criando uma discografia paralela e diferenciada, tornando o fã da banda em um aficionado colecionador.

The Rolling Stones é uma banda que, se alguém nunca ouviu pelo menos um de seus sucessos, como se diz popularmente, estava fora desse planeta, ou coisa do gênero.

Fiquem com mais de Rolling Stones em:

UMA BANDA QUE É UM ULTRAJE! A RIGOR

2017-03-18T16:53:00.000-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Estou aqui para comentar sobre uma das bandas mais alegres e criativas que surgiu no início dos anos 80, auge do pop rock Brasil.

Ultraje a Rigor se firmou no cenário musical brasileiro, graças a sua bem humorada visão sobre assuntos sérios e recorrentes. Também se destacou por sua linguagem descontraída, com seu jeito moleque de ser e retratar assuntos tão comuns à adolescência/juventude.

Ultraje a Rigor

Ultraje a Rigor, banda brasileira de rock, criada no início da década de 1980 em São Paulo. Idealizada por Roger Moreira (voz e guitarra base), obteve sucesso em 1983 no Brasil, devido as canções "Inútil" e "Mim Quer Tocar". Em 1985 a banda ficou nacionalmente conhecida pelo álbum Nós Vamos Invadir Sua Praia que trouxe o primeiro disco de ouro e platina para o rock nacional. O mesmo álbum, mais tarde, acabou sendo consagrado como o "melhor álbum de rock nacional" pela Revista MTV, em dezembro de 2008.

A banda é um grande marco no cenário do rock nacional. Sua formação inicial era Roger, Leonardo Galasso (bateria, mais conhecido como Leôspa), Sílvio (baixo) e Edgard Scandurra (guitarra solo). Mal o nome foi adotado, Sílvio saiu para dar lugar a Maurício Defendi. Hoje, apenas Roger, idealizador da banda, continua desde a formação original.

Formação original da banda.

História

Princípio: 1980 - 1988

O grupo Ultraje a Rigor começou como uma banda de covers, principalmente de Beatles, punk rock e new wave. A primeira formação, composta por Roger, Leôspa, Sílvio e Edgard Scandurra, começou fazendo pequenos shows em bares. Em 1982, decidiram que o nome da banda seria Ultraje a Rigor, um trocadilho com a expressão "traje a rigor". Roger, inicialmente, havia pensado em batizar a banda apenas como "Ultraje", mas Edgard, quando perguntado a respeito do nome, ouviu errado e perguntou: "Hã? Como é? Que traje, o traje a rigor?". O trocadilho fez sucesso e o nome Ultraje a Rigor foi adotado.

Em pouco tempo, Silvio deixou a banda e foi substituído por Maurício Defendi. Em abril de 1983, a nova formação participa do primeiro show da banda apenas com composições próprias. Após alguns shows, a banda assina um contrato de gravação com o produtor Pena Schmidt, que fazia parte da WEA e trabalhou também com artistas como o Ira! (do qual Edgard fazia parte) e os Titãs. O Ultraje então grava seu primeiro single, “Inútil”/”Mim Quer Tocar”, que, por problemas com a censura, não foi liberado até outubro daquele ano.

Edgard, já membro do Ira!, encontrou-se impossibilitado de continuar a dividir seu tempo entre duas bandas e optou pela segunda. Carlo Bartolini, conhecido como Carlinhos, foi chamado para seu lugar. Em 1984, com a nova formação, o Ultraje grava seu segundo single, “Eu Me Amo”/”Rebelde Sem Causa”. A primeira canção teve relativo sucesso, incentivado pela coincidência de seu refrão com o de “Egotrip”, da Blitz. A segunda música, porém, foi determinante para o sucesso da banda desde que começou a ser executada, em janeiro de 1985.

Capa do álbum de 1985.

O primeiro LP da banda, Nós Vamos Invadir Sua Praia, lançado alguns meses mais tarde, fez grande sucesso. Foi o primeiro LP de rock no Brasil a ganhar Disco de Ouro e Disco de Platina. Nove das músicas tocaram muito na rádios e tiveram grande sucesso e a faixa-título contou com a participação dos cantores Selvagem Big Abreu, membro do grupo João Penca e Seus Miquinhos Amestrados, Lobão, Leo Jaime e Ritchie, e a banda quebrou recordes de público em diferentes locais em todo o país, como o Canecão, no Rio de Janeiro.

Capa do Mini LP de 1986.

No início de 1986, o Ultraje grava um mini LP chamado Liberdade Para Marylou, com uma versão remixada de “Nós Vamos Invadir Sua Praia”, a canção inédita “Hino dos Cafajestes” e uma versão de “Marylou” em ritmo de carnaval, que foi bastante tocada nos bailes de carnaval da época. Em 1987, durante as gravações do novo LP, Sexo!, Carlinhos (com a possibilidade de uma mudança para Los Angeles para formar sua própria banda) deixou a banda e Sérgio Serra o substituiu. O segundo álbum foi tão bem sucedido quanto o primeiro, com a canção “Eu Gosto de Mulher” atingindo um máximo de #96 no Hot100Brasil.

Capa do álbum de 1986.

Maturidade e mudanças: 1989 - 1998

Em 1989, mais maduros e um pouco cansados pelas constantes turnês, os integrantes gravam o terceiro disco, Crescendo. O álbum vendeu bem, mas os meios de comunicação social começam a perder o interesse no Ultraje após quatro anos de sucesso. Mesmo assim, o grupo ainda provocou polêmica, ao fazer uma provocação ao anúncio do fim da censura oficial, com a canção “Filha da Puta”. A canção foi censurada extra-oficialmente, em muitas estações de rádio e programas de TV, o que dificultou a promoção do álbum (mas a gravadora lançou uma versão onde o refrão era trocado por um naipe de metais).

Capa do álbum de 1989.

Outras canções picantes com temas como "O Chiclete" e "Volta Comigo", uma música que trata de adultério, tiveram suas execuções comprometidas. Em 1990, o Ultraje voltou às suas raízes lançando o Por Quê Ultraje a Rigor?, um álbum de covers que faziam parte do seu repertório do início da carreira, além de “Mauro Bundinha”, uma canção inédita da mesma fase.

Capa do álbum de covers, de 1990.

Mauricio, após ter se casado com uma americana, mudou-se para Miami. Sua vaga foi provisoriamente preenchida por Andria Busic, baixista do Dr. Sin, que entregou seu lugar um mês depois para Osvaldo Fagnani. Após quase mais um ano de turnê, Roger percebe que o Ultraje a Rigor já não era a mesma banda. Leôspa, depois de ter casado, já não podia manter o seu entusiasmo para viajar e ensaiar; Sergio aspirava sair para formar a sua própria banda, e Osvaldo preferia trabalhar em seu estúdio profissional. Depois de uma conversa com Leôspa, Roger decidiu procurar novos membros para tentar continuar o Ultraje.

Pesquisando em bares e através de mostras de bandas principiantes, encontrou Flávio Suete, baterista que tocava covers de Frank Zappa. Flávio recomendou Serginho Petroni, baixista que também tocava covers. Juntos, começaram as audições para novos guitarristas. Depois de meses de teste, descobriram Heraldo Paarmann através de um anúncio da Rádio Brasil 2000 FM.

Capa da coletânea não desejada, de 1992.

Eles continuaram ensaiando e fizeram alguns shows para reforçar os respectivos sons. Em 1992, contra a vontade da banda, a WEA lançou uma coletânea chamada O Mundo Encantado de Ultraje a Rigor (a palavra "Encantado" era uma ironia de Roger com relação ao encanto dos primeiros anos e as dificuldades com a gravadora, em relação a novos projetos). Embora essencialmente uma coletânea do material lançado anteriormente, o álbum continha duas novas faixas da nova formação (“Vamos Virar Japonês”, com a dupla caipira Tonico e Tinoco e uma versão de “Rock das Aranha”, de Raul Seixas) juntamente com reedições dos hits lançados anteriormente.

Em 1992, ainda em rebelião contra a indiferença da sua empresa discográfica, o grupo grava independentemente "Ah, Se Eu Fosse Homem", uma reflexão sobre as dificuldades enfrentadas pelos homens no que diz respeito ao novo pós-feminismo. A fita desta música, distribuída para estações de rádio pela própria banda, produziu os resultados esperados.

Em 1993, em meio a uma situação já tensa com a gravadora, lançam Ó!, seu sexto LP, o quarto composto apenas por novos materiais. O disco foi gravado às pressas (dois meses de estúdio) e com orçamento pequeno, condição que foi imposta pela WEA, que mesmo assim, praticamente ignorou o álbum, fazendo com que o contrato fosse rompido em 1994.

Capa do álbum de 1993.

O clipe de "Acontece Toda Vez Que Eu Fico (Apaixonado)" fez sucesso na MTV, mas a canção era apenas um modesto sucesso na mídia e nas lojas. Em 1995, uma nova coleção de hits, desta vez sem o conhecimento da banda, foi lançado, parte de uma série chamada "Geração Pop". Em 1996, a empresa lança ainda outra coleção-surpresa, um registro denominado O Melhor do Ultraje a Rigor/2 É Demais!, fusão dos dois primeiros álbuns sem as faixas bônus.

Ainda sem notificar a banda, a Warner libera mais dois relançamentos: em 1997, Pop Brasil, (na verdade, uma reedição de Geração Pop com menos músicas), e, em 1998, Ultraje a Rigor Vol. 2/2 É Demais!, outra coletânea-fusão de dois álbuns, sem as faixa-bônus, da banda com o terceiro e quarto discos do grupo.

Recomeço: 1999 - 2007

No início de 1999, depois que Serginho deixou a banda e foi substituído por Rinaldo Amaral (conhecido como Mingau), o Ultraje lança 18 Anos Sem Tirar!, um disco ao vivo gravado em 1996, de maneira independente, que ganhou quatro faixas inéditas em estúdio. Agora tendo trocado a WEA pela a Deckdisc/Abril Music e tendo como carro-chefe a faixa "Nada a Declarar", alcançam o Disco de Ouro. Em Janeiro de 2001, o Ultraje a Rigor participou da terceira edição do Rock in Rio, numa apresentação conjunta ao lado do Ira! e com direito a “Should I Stay Or Should I Go?”, cover do The Clash.

Capa do álbum de 1999.

Em 2002, outra alteração na formação: Flávio e Heraldo distanciam-se das intenções musicais do resto da banda e resolvem deixá-la. Foram substituídos por Marco Aurélio Mendes, o Bacalhau, ex-baterista do Rumbora, e Sérgio Serra, ex-guitarrista do Ultraje, que voltou de Los Angeles para reintegrar o grupo e participar da gravação de Os Invisíveis.

Capa do álbum de 2002.

Em 2005, a banda gravou e lançou, em CD e DVD (o primeiro da carreira), o seu Acústico MTV. O álbum inclui grandes sucessos como "Inútil", "Mim Quer Tocar", "Independente Futebol Clube" e "Eu Gosto de Mulher" e faixas inéditas, como "Cada Um Por Si". Destaques também para “Eu Não Sei”, versão de “Can't Explain”, do The Who, feita por Roger a pedido do Ira!. A música “Ciúme” foi gravada numa versão originalmente prevista para o disco Nós Vamos Invadir Sua Praia, com uma parte calma e “Nós Vamos Invadir Sua Praia”, com cordas e metais.

Capa do álbum acústico, de 2005.

Fase independente: 2008 - 2010

No final de 2008, Roger anunciou que o Ultraje estava abandonando a gravadora Deckdisc para lançar um álbum independente disponível para download. Esse projeto recebe o nome de Música Esquisita a Troco de Nada!, não sendo necessário pagar para ter as músicas em seu computador. No início de 2009, após a gravação de algumas demos, Sérgio Serra abandona novamente a banda. Lançado em 05 de abril de 2009, o novo trabalho foi gravado com as participações especiais de Edgard Scandurra nas guitarras, e a cantora Klébi Nori, dividindo os vocais com Roger na música “Amor”.

Capa do projeto de 2008.

O projeto, além de ser totalmente independente, está disponível para download no site ReverbNation e no MySpace da banda. Depois de três meses tocando como um power-trio acompanhados pela banda de apoio, através de uma conta no Facebook, Roger anuncia a entrada do novo guitarrista Marcos Kleine. Com esta formação, a banda continua realizando shows pelas proximidades da região sudeste do Brasil, devido ao medo de avião de Roger, o que leva a banda conseguir agenda em shows que são possíveis a locomoção por ônibus.

Biografia, 30 Anos de Carreira, Agora é Tarde e The Noite: 2010 - Atualmente

Em 2010, houve o anúncio do lançamento da biografia Nós Vamos Invadir Sua Praia, que mostra a história da banda. O livro, escrito pela jovem jornalista Andréa Ascenção, autora do agente literário Andrey do Amaral, vem recheado com histórias, fotos, letras de músicas, depoimentos, etc.

O livro foi lançado em abril de 2011 pela Editora Belas Letras. Na época, Roger pretendia gravar um CD e DVD ao vivo, comemorando 30 anos de carreira.

Em junho de 2011, a banda passou a fazer parte do elenco do talk show Agora É Tarde, como banda fixa. Com isso, a banda voltou a ter um maior destaque na grande mídia, se apresentando em grandes festivais, como o SWU, onde tiveram problemas com a produção do cantor britânico Peter Gabriel, e no Reveillon na Paulista.

Capa do álbum de 2012.

Em 2012, a banda lançou pela Deckdisc um álbum em parceria com os Raimundos, intitulado O Embate do Século: Ultraje a Rigor vs. Raimundos. A ideia do projeto é de que uma banda regrave da outra, e vice-versa.

No final de 2013, a banda anunciou a saída da Rede Bandeirantes e do Agora É Tarde, se juntando, assim, a Danilo Gentili, Léo Lins, Murilo Couto e Juliana Oliveira no novo late-night talk show brasileiro, The Noite no SBT.

Capa do álbum de 2015.

Em 2015, a banda grava o álbum instrumental Por que Ultraje a Rigor?, Vol. 2, sendo uma continuação do álbum de versões, lançado pelo grupo em 1990. O registro, gravado ao vivo no estúdio, conta com 20 regravações e tem a distribuição da EF, selo pertencente à Sony Music. O projeto foi lançado em agosto. No mesmo ano se apresentaram no Palco Sunset da sexta edição do Rock in Rio, ao lado de Erasmo Carlos. Em 2016, abriram o show dos Rolling Stones no Estádio do Maracanã pela turnê América Latina Olé Tour 2016.

Bem galera, essa é a história do Ultraje a Rigor, que se não fosse a forma mercenária em que as gravadoras querem transformar álbuns em sucesso imediato e a ignorância por parte de “ouvintes” em querer novidades (diga-se que nem sempre de qualidade), teria tido um merecido e maior destaque por parte da mídia e tocaria mais em rádios e afins.

Como vocês podem ter lido, quando uma banda não faz sucesso, ela é descartada, mas há também grandes interesses por detrás, nos bastidores. Sei de histórias em que certo cantor de grande sucesso, certa vez, exigiu que sua gravadora não desse publicidade à uma jovem promessa que estava vendendo mais discos que ele.

Essas e outras histórias, serão contadas uma a uma, no decorrer de minhas postagens. Aguardem, que num futuro próximo darei nomes aos envolvidos em alguns “acertos”.

Fiquem com mais de Ultraje a Rigor, em:

THE DOORS - AS PORTAS ABERTAS PARA A PERCEPÇÃO - SEGUNDA PARTE

2017-03-12T18:06:00.000-03:00

Salve galera que está curtindo o Blog Opinião do Véio! Fico muito feliz em saber que estão aqui, acompanhando a segunda parte da trajetória de uma banda que fez muito sucesso quando unida, mas talvez esteja fazendo tanto sucesso (ou mais!) hoje, do que no período em que estava em atividade.

THE SOFT PARADE (1969)

O seu quarto álbum, The Soft Parade, lançado em julho de 1969, afastou mais o grupo de seus fãs originais, pois continha arranjos mais pop e seções de trompetes. O primeiro single, "Touch Me", teve colaboração do saxofonista Curtis Amy.

Capa do álbum de 1969.

Enquanto a banda tentava manter o seu ímpeto, as tentativas para expandir o seu som deram, ao álbum, um sentido experimental, originando críticas à sua integridade musical.

Os problemas de bebida de Morrison tornavam-no imprevisível, e as sessões de gravação estenderam-se por várias semanas. Os custos de gravação dispararam, o que levou quase à dissolução dos Doors.

Durante a gravação do seu álbum seguinte, em novembro de 1969, Morrison teve problemas com as autoridades após ter agido com agressividade contra o pessoal do avião enquanto se dirigia para Phoenix, no Arizona, para assistir a um concerto dos Rolling Stones. Foi libertado em abril de 1970 após um guarda ter erradamente identificado Morrison como seu companheiro de viagem, o ator norte-americano Tom Baker.

O grupo iniciou o ano em Nova Iorque com duas bem recebidas noites no The Felt Forum.

MORRISON HOTEL (1970)

Os Doors voltaram a fazer sucesso em 1970 com o seu quinto LP, Morrison Hotel. Com um som hard rock consistente, o primeiro single do álbum foi "Roadhouse Blues", tendo este atingido o 4º lugar nos Estados Unidos.

Capa do álbum de 1970.

A banda continuou a fazer concertos em arenas durante o verão. Morrison enfrentou um julgamento em Miami em agosto, mas o grupo ainda conseguiu fazer a sua única participação num grande festival, o Festival da Ilha de Wight, em 29 de agosto. Tocaram juntamente com artistas como Jimi Hendrix, The Who, Joni Mitchell e Miles Davis. Duas canções desse concerto, "The End" e "When The Music Is Over", foram inseridas no documentário de 1995, Message To Love.

Em 16 de Setembro, Morrison voltou ao tribunal. O júri considerou-o culpado por falar palavra de baixo calão e por exposição indecente de partes íntimas em 20 de setembro. Morrison foi condenado a oito meses de prisão, mas foi permitido que ele saísse em liberdade, pendente de recurso e após pagar fiança.

Em 08 de Dezembro de 1970, no seu 27º aniversário, Morrison gravou outra sessão de poesia.

L.A. WOMAN E OS ÚLTIMOS DIAS (1971 - 1972)

Durante a última performance pública dos Doors com a formação original, na Warehouse em Nova Orleans, na Louisiana, em 12 de dezembro de 1970, Morrison aparentemente teve um colapso nervoso, tendo deixado cair por várias vezes o microfone no chão.

De qualquer forma, os Doors recuperaram definitivamente, nesta altura, o prestigio que haviam perdido nos álbuns anteriores (exceto Morrison Hotel) com L.A. Woman, lançado em abril de 1971. Apesar da saída de Rothchild da produção, este álbum regressava às origens R&B da banda. Rothchild recusou-se a produzir o novo reportório por o considerar "música cocktail", tendo entregue o trabalho a Botnick.

Como resultado desta mudança, os Doors produziram aquele que é considerado um dos seus registros mais históricos. Os singles "Love Her Madly" e "Riders On The Storm" tiveram sucesso nas rádios e nos tops norte-americanos, e ainda hoje em dia tocam com regularidade nas programações de rádio.

Capa do álbum de 1971.

Em 1971, após a gravação de L.A. Woman, Morrison decidiu parar algum tempo para descansar e partiu para Paris com a namorada, Pamela Courson, em 11 de março. Ele havia visitado a cidade no verão anterior e sentia-se confiante em escrever e explorar aquele local.

Em junho, voltaria a ter problemas com álcool. Em 16 de junho, a última gravação conhecida de Morrison foi feita quando ele fez amizade com dois músicos de rua num bar e convidou-os para ir a um estúdio. Os resultados foram lançados em 1994 num "bootleg CD" (bootleg se designa quando não é oficial) chamado The Lost Paris Tapes.

Jim Morrison e Pamela Courson.

Morrison morreu em circunstâncias misteriosas em 03 de julho de 1971. O seu corpo foi encontrado na banheira do seu apartamento. Foi concluído que morreu de ataque cardíaco, embora tenha sido revelado mais tarde que não foi realizada qualquer autópsia antes do corpo de Morrison ter sido enterrado no Cemitério de Père Lachaise em 07 de julho.

Ainda existem rumores persistentes de que Morrison simulou a sua morte para escapar à fama ou que morreu num clube noturno e o seu corpo foi então levado secretamente para o seu apartamento. Contudo, no seu livro Wonderland Avenue, Danny Sugerman, antigo manager de Morrison, afirma que, durante o seu último encontro com Courson, que ocorreu pouco tempo antes de ela morrer de overdose de heroína, esta confessou ter feito Morrison entrar na droga e, por causa dele ter medo de agulhas, foi ela que lhe injetou a dose que o matou.

PÓS-MORRISON (1972 - 2000)

Os membros restantes dos Doors continuaram a tocar durante mais algum tempo, considerando inicialmente em substituir Morrison com novo vocalista. Chegou-se a afirmar que Iggy Pop era um dos cantores considerados para a possível entrada. No entanto, Krieger e Manzarek ficaram com os vocais, lançando mais dois álbuns, Other Voices e Full Circle, e partiram em mais uma turnê.

Capa do álbum de 1971, o primeiro sem Jim Morrison.

Ambos os álbuns venderam menos que os registros da era Morrison, e por isso os Doors pararam com concertos e gravações no final de 1972. O último álbum entrou no território do jazz. Os álbuns só foram relançados em CD na Alemanha e Rússia, num pacote 2 em 1.

Capa do álbum de 1972.

O terceiro álbum lançado após a morte de Morrison, An American Prayer, surgiu em 1978. Este consistiu na adição de música às recentes gravações descobertas de recitação de poesia por parte de Morrison, constituindo assim os primeiros registros a serem lançados postumamente. O álbum foi um sucesso comercial e foi sucedido pelo lançamento de um E.P. com material ao vivo inédito.

Capa do álbum de 1978, com poesias de Morrison.

Em 1979, Francis Ford Coppola, que estudou com Morrison na U.C.L.A., lançou o filme Apocalypse Now, com "The End" se destacando na trilha sonora. Quatro anos depois, foi lançada uma apresentação ao vivo sob o título de Alive, She Cried.

Em 1991, o diretor Oliver Stone lançou o filme The Doors, com Val Kilmer no papel de Morrison e presenças especiais de Krieger e Densmore. A interpretação de Kilmer e o próprio filme foram bem acolhidos pela crítica, apesar de não ser muito fiel. Os membros do grupo, no entanto, criticaram o retrato feito por Stone sobre Morrison, que o fazia passar por um sociopata descontrolado.

O cantor Billy Idol fez uma aparição no filme e gravou uma cover de "L.A. Woman". Em janeiro de 1993, o grupo foi introduzido no Rock And Roll Hall Of Fame. Durante a apresentação, contaram com a presença de Eddie Vedder, vocalista do Pearl Jam, cantando "Light My Fire" e "Break On Through (To The Other Side)".

REUNIÃO (2001 - PRESENTE)

Em 2001, Ray Manzarek, John Densmore e Robby Krieger reuniram-se pela primeira vez em mais de vinte e cinco anos para tocar canções dos The Doors como parte da série VH1 Storytellers. Cantando com a banda estiveram vários vocalistas convidados, incluindo Ian Astbury do The Cult, Scott Stapp do Creed, Scott Weiland do Stone Temple Pilots, Perry Farrell do Jane's Addiction e Travis Meeks do Days Of The New. O espetáculo foi mais tarde lançado no DVD VH1 Storytellers - The Doors (A Celebration).

The Doors, em foto mais recente.

Em 2002, Manzarek e Krieger voltaram a juntar-se e criaram uma nova versão dos Doors, designada The Doors Of The 21st Century. A formação era liderada por Astbury, com Angelo Barbera da Krieger's Band no baixo. No seu primeiro concerto, o grupo anunciou que o baterista John Densmore não participaria, e mais tarde foi reportado que não podia tocar devido a um problema de tinnitus (um zumbido na cabeça, o qual não está relacionado a nenhum problema psíquico. O ruído pode ser experimentado na cabeça, em um ou nos dois ouvidos).

John Paul Densmore, baterista, em foto antiga.

Densmore foi inicialmente substituído por Stewart Copeland do The Police, mas após Copeland quebrar o braço numa queda de bicicleta, a parceria acabou por mútuo acordo, e entrou Ty Dennis, da Krieger's Band.

John Densmore, em foto mais recente.

Densmore afirmou mais tarde que não tinha sido afinal convidado para fazer parte da reunião. Em fevereiro de 2003, ele entrou com uma ação judicial contra os seus antigos companheiros de banda, para evitar que estes usassem o nome The Doors Of The 21st Century. A sua moção foi recusada em tribunal em maio. Manzarek afirmou publicamente que o convite para Densmore regressar ao grupo mantinha-se firme.

Nesta altura, a família de Morrison juntou-se a Densmore na tentativa de evitar que Manzarek e Krieger usassem o nome The Doors. Em julho de 2005, Densmore e os representantes de Morrison ganharam uma ação judicial permanente, obrigando a nova banda a mudar o nome para D21C. Atualmente tocam sob a designação Riders On The Storm, em referência à canção da banda com o mesmo nome. Também foram autorizados a atuarem como "antigos membros do Doors" ou até "membros do The Doors."

Ray Manzarek, em foto recente.

Ray Manzarek afirmou uma vez: "Estamos todos ficando velhos. Nós devíamos, os três, tocar essas canções porque o fim está sempre próximo. Morrison era um poeta e, acima de tudo, um poeta quer que as suas palavras sejam ouvidas". No entanto, em 2007, Densmore afirmou que só entraria no grupo caso o vocalista escolhido fosse "desse nível" de Jim Morrison, como Eddie Vedder do Pearl Jam.

Quando Jim Morrison foi questionado pelo que é que ele gostava que fosse mais lembrado, respondeu: "As minhas palavras, meu, as minhas palavras." Morrison disse, ainda: "Eu gosto de qualquer reação que se possa ter com a minha música. Qualquer coisa que ponha as pessoas a pensar. Eu quero dizer que, se conseguires pôr uma sala cheia de gente pedrada e bêbada a refletir e a pensar, então estás a fazer algo."

Em 2004, a Rolling Stone colocou o Doors no 41º posto na sua lista dos 100 Maiores Artistas de Todos os Tempos. No ano anterior, já havia considerado os álbuns The Doors, L.A. Woman e Strange Days os 42º, 362º e 407º melhores álbuns de sempre, respectivamente. Já as canções "Light My Fire" e "The End", ambas do primeiro álbum do grupo, foram consideradas, respectivamente, as 35ª e 328ª melhores canções de sempre.

Bastante atividade foi anunciada em 2006 por ocasião do 40º aniversário do álbum homónimo de estreia da banda. Para comemorar o aniversário, saiu mais um box-set com os seis primeiros álbuns de estúdio, o livro The Doors By The Doors e foi anunciado o início da produção de um documentário oficial sobre o grupo.

Em 2007, o The Doors foram agraciados, juntamente com o Grateful Dead e Joan Baez, com o Grammy Lifetime Achievement Award nos Grammy Awards de 2007 e, em 28 de fevereiro, receberam uma estrela na Calçada da Fama de Hollywood. Na metade, em 16 de fevereiro, Ian Astbury abandonou o Riders On The Storm para relançar a sua antiga banda The Cult, sendo substituído por Brett Scallions, antigo vocalista do Fuel. Em 24 de julho, foi lançado um álbum triplo com registros ao vivo de uma atuação dos Doors na Boston Arena em 10 de abril de 1970.

Em abril de 2010, foi lançado o documentário When You're Strange, de Tom DiCillo, que conta a história da banda narrada pelo ator Johnny Depp.

Em 20 de maio de 2013, morre Manzarek.

THE DOORS E AS TRILHAS SONORAS E PROPAGANDAS

Canções da banda foram usadas em filmes como "The End" em Apocalypse Now e Knoflíkári, "Soul Kitchen" e "Love Her Madly" em Forrest Gump, assim como "Break On Through (To The Other Side)", que aparece também em Soldado Anônimo, Gardens Of Stone e Os Que Me Amam Tomarão O Trem, "People Are Strange", que também aparece em Os Garotos Perdidos e American Pop, e "Hello, I Love You", que consta na trilha sonora de Neighbors, "Touch Me" em Escola de Rock, "The Changeling" em Sans Toit Ni Loi, "Riders On The Storm" em Rail Kings e Diário de um Adolescente, "Peace Frog" em The Waterboy, "Moonlight Drive" em Abaixo de Zero e Two-Lane Blacktop, "Strange Days" em Strange Days, "Light My Fire" em More American Graffiti e Altered States,"The Spy" e "Maggie M'Gill" em Os Sonhadores, "Roadhouse Blues" em Garota Interrompida e O Sonho Já Era?, "Over The River And Through The Woods" em I'll Be Home For Christmas, e "The Crystal Ship" em Arquivo X, Doidas Demais e True Believer.

Val Kilmer, na capa da trilha sonora de The Doors.

No entanto, grande parte da sua contribuição em trilhas sonoras foi no filme sobre o grupo, The Doors, onde grande parte das canções são da sua autoria.

Também já protagonizou uma única vez, um comercial, da Pirelli na Inglaterra, já que é política da banda, particularmente de Densmore, não ceder as canções da banda para campanhas publicitárias, tendo já inclusive recusado ofertas milionárias da Apple Inc. e Cadillac com a justificativa de ser antiético para o legado do grupo e para a memória de Jim Morrison.

Várias séries consagradas já usaram canções dos The Doors, entre as quais se destaca Os Sopranos, Alias, Cold Case, Charmed, Os Simpsons e My Name Is Earl.

Além disso, um trecho de "Soul Kitchen" foi adaptado em uma canção de Imani Coppola intitulada "I'm a Tree", presente na trilha sonora de Alguém Como Você e Virtual Sexuality.

ESTILO E INFLUÊNCIAS

O estilo musical dos The Doors baseia-se essencialmente numa mistura entre Rockabilly e o Psicodélico. Ray Manzarek fornece elementos de música clássica e country, Robby Krieger insere ritmos de flamenco, enquanto que Densmore usa os seus conhecimentos de Western na bateria.

As letras negras do grupo, compostas na sua maioria por Jim Morrison, afastam-se em boa medida das convencionadas pela pop da época. Nos primeiros discos (The Doors e Strange Days), os elementos visionários próprios da música psicodélica surgem expressos em imagens inspiradas na tradição romântica e simbolista, atualizando-a com referências ao existencialismo e à psicanálise. Destaca-se, também, a influência dos simbolistas franceses, como Arthur Rimbaud ou Charles Baudelaire, na poesia de Morrison. Nos últimos discos, em especial L.A. Woman, as letras de Morrison tornaram-se mais simples e imediatas, evoluindo assim com o som da banda em direção ao country.

Em 2007, Manzarek descreveu o som da banda como:

“Música Bauhaus. É limpa, é pura. De um lado há o piano, do outro uma guitarra, a bateria no meio, um tom de baixo no fundo e o vocalista à frente e tu consegues ouvir as letras. Essa é uma das razões porque o som dos The Doors continua a ser importante hoje em dia. É claramente moderno. E era isso o que pretendíamos.”

LEGADO

O trabalho dos The Doors serviu de inspiração para muitos artistas, entre eles Iggy Pop, Trent Reznor,Julian Casablancas, Eddie Vedder, Bruce Springsteen, Ian Curtis, Scott Weiland, Patti Smith, Glenn Danzig e Billy Idol.

Jim Morrison, com a sua atitude e presença em palco, influenciou vocalistas de vários estilos que surgiram depois dele, permanecendo um dos mais populares e influentes vocalistas e compositores da história do rock, enquanto que o catálogo dos Doors tornou-se presença habitual nos programas de rock clássico das rádios.

Hoje em dia, Morrison é apresentado como o protótipo da estrela rock: arrogante, sexy, escandaloso e misterioso. As calças de ganga que usava seja em palco ou fora dele, tornaram-se estereotipadas como parte do perfil de um roqueiro. Serviu de inspiração para outros vocalistas de rock da época, como Roger Daltrey (The Who) e Robert Plant (Led Zeppelin).

Sugerido pelo jogador Robin Ventura, a equipe americana de basebol New York Mets adoptou a canção "L.A. Woman" como tema tocado nos alto-falantes durante os jogos, com o público cantando a letra "Mr. Mojo Risin'" (anagrama de "Jim Morrison"). Em 2007, foi anunciado que uma campanha de caridade, a Global Cool, com vista a combater o aquecimento global, tinha encomendado uma canção a ser feita com um poema escrito por Morrison, "Woman In The Window", para ser lançada no álbum de estreia dos Satellite Party, Ultra Payloaded.

OBS: Após a dissolução da banda no início da década de 1970, e especialmente desde a morte de Morrison em 1971, o interesse nas músicas dos Doors se manteve elevado, ultrapassando mesmo, por vezes, o que o grupo teve enquanto esteve ativo. Em todo o mundo, os seus discos já venderam mais de 80 milhões de cópias e de seus DVD's 5 milhões, e continuam a vender cerca de 2,5 milhões anualmente.

Bem galera, por aqui encerro a história dessa banda que foi e é muito cultuada, não só pela legião de fãs que adquiriu nesse período, como por parte da indústria cinematográfica, que de tempos em tempos, escolhe um de seus sucessos para inserir na trilha sonora de um filme.

Vemos aqui que, quando o trabalho de uma banda é bem feito, ele se torna imortal, pois a música é imortal. Pode-se passar 10, 50 ou 100 anos, se a música é boa, torna-se uma referência paras as gerações seguintes, que não tiveram a oportunidade de apreciar tal obra em seu tempo, mas têm a oportunidade de transferir esse conhecimento, através da posteridade, para aqueles que estão dispostos a ouvir e entender o que essa música significou em seu tempo e nos outros que se seguirão.

Fiquem com mais de The Doors em:

THE DOORS - AS PORTAS ABERTAS PARA A PERCEPÇÃO - PRIMEIRA PARTE

2017-03-12T15:55:00.004-03:00

Salve galera que curte o Blog Opinião do Véio! Sejam bem-vindos mais uma vez, para acompanharem a trajetória de uma banda que, embora muitos de nós não tenhamos visto e ouvido ao vivo, até por sermos mais novos que ela (ou não!), confesso que ouvi muito em emissoras de rádio.

Confesso, também, que no início, eu achava estranho o som da banda, mas com o amadurecimento, comecei a ver que muitas bandas que iniciaram suas trajetórias nos anos 60, início dos 70, tinham uma instrumentação diferente, psicodélica, viajandão ou algo do gênero.

A banda da qual irei comentar agora, foi um fenômeno, na época, e mudou a forma de se pensar em música, no que ela tinha de tradicional, para apresentar um som mais poético e conceitual, na sua visão de estabelecer parâmetros para o estilo musical.

Também, citarei que foi muito polêmica, em se tratando de seu vocalista, que, mesmo hoje, apesar de estar morto, recebe milhares de visitas ao seu túmulo, em Paris.

THE DOORS

The Doors foi uma banda de rock psicodélico norte-americana formada em 1965 em Los Angeles, na Califórnia. O grupo era composto por Jim Morrison (voz), Ray Manzarek (teclados), Robby Krieger (guitarra) e John Densmore (bateria).

Canções como "Break On Through (To The Other Side)", "Light My Fire", "People Are Strange" ou "Riders On The Storm", aliadas à personalidade e escândalos grandiosos protagonizados por Jim Morrison, contribuíram muito para o aumento da fama do grupo.

HISTÓRIA

ORIGENS

As origens dos The Doors surgem de um encontro ao acaso entre dois estudantes da escola cinematográfica UCLA, Jim Morrison e Ray Manzarek, em Venice Beach, na Califórnia em julho de 1965. Morrison disse, então, a Manzarek, que estava escrevendo canções e, a pedido de Manzarek, cantou "Moonlight Drive". Impressionado pelas letras de Morrison, Manzarek sugeriu que formassem uma banda.

O tecladista Ray Manzarek estava numa banda chamada Rick And The Ravens com o seu irmão Rick Manzarek, enquanto Robby Krieger e John Densmore tocavam com os The Psychedelic Rangers e conheciam Manzarek das aulas de ioga e meditação. Em agosto, Densmore juntou-se ao grupo e, juntamente com os membros dos Ravens e o baixista Patty Sullivan, gravaram uma demo de seis canções em setembro de 1965. A demo foi bastante pirateada e acabou por surgir completa mais tarde, em 1997, em uma coletânea dos Doors.

Nesse mesmo mês, o grupo recrutou o guitarrista Robby Krieger e a formação final estava pronta: Morrison, Manzarek, Krieger e Densmore. A banda retirou o seu nome do título de um livro de Aldous Huxley, The Doors Of Perception, que, por seu turno, havia sido "emprestado" do verso de um poema do artista e poeta do século XIX, William Blake: "If the doors of perception were cleansed, every thing would appear to man as it is: infinite" (traduzido: "Se as portas da percepção fossem abertas, tudo apareceria como realmente é: infinito").

Os Doors não tinham uma formação comum à maioria dos grupos de rock porque não possuíam qualquer baixo quando atuavam ao vivo. Deste modo, Manzarek tocava as seções de baixo com a sua mão esquerda no recentemente inventado Fender Rhodes bass keyboard, uma variação do conhecido piano eléctrico Fender Rhodes, enquanto tocava as partes de teclado com a sua mão direita.

Já nos álbuns de estúdio, os Doors usaram diversos baixistas, tais como Jerry Scheff, Doug Lubahn, Harvey Brooks, Kerry Magness, Lonnie Mack, Larry Knechtel, Leroy Vinegar e Ray Neapolitan.

Muitas das canções originais dos Doors eram compostas pelo grupo, com Morrison ou Krieger contribuindo com a letra e melodia inicial, e os restantes com as sugestões rítmicas e harmônicas ou até seções inteiras (por exemplo, a introdução de Manzarek em "Light My Fire").

Em 1966, o grupo tocava no clube The London Fog, tendo, pouco tempo depois, passado para o Whisky a Go Go. Em 10 de agosto, foram vistos pelo presidente da Elektra Records, Jac Holzman, que se encontrava presente sob recomendação de Arthur Lee, vocalista do Love, que estava ligado à Elektra. Após Holzman e o produtor Paul A. Rothchild verem duas performances da banda no Whisky a Go Go, os Doors assinaram contrato com a Elektra Records em 18 de agosto, tendo iniciado aí a longa e bem-sucedida parceria com Rothchild e o engenheiro de som Bruce Botnick.

Como se diz: foi bem na hora, pois, em 21 de agosto, o clube despediu a banda após tocarem a canção "The End". Num incidente que serviu de presságio para a polêmica que seguiria o grupo, um Morrison sob o efeito de drogas recitou a sua própria interpretação do drama grego "Oedipus Rex", no qual o protagonista Oedipus mata o seu pai e faz sexo com a sua mãe. A versão de Morrison consistia em "Father? Yes son? I want to kill you. Mother? I want to fuck you" (em pt: "Pai? Sim, filho? Eu quero te matar. Mãe? Eu quero te foder").

THE DOORS (1967)

The Doors, o álbum de estreia da banda, foi gravado em agosto de 1966 e lançado na primeira semana de janeiro de 1967. Incluía a maioria das principais canções dos seus concertos, incluindo o drama musical de 11 minutos "The End". A banda gravou o disco em poucos dias entre finais de agosto e início de setembro, com várias canções capturadas num único take (sem parar para intervalos).

Morrison e Manzarek dirigiram um filme promocional para o primeiro single, "Break On Through (To The Other Side)", o que constituiu um importante avanço para o desenvolvimento dos vídeos musicais.

Capa do primeiro álbum, de 1967.

O segundo single, "Light My Fire", tornou-se um grande sucesso no verão de 1967, e colocou o grupo, juntamente com Jefferson Airplane e The Grateful Dead, como uma das principais bandas da contracultura da América. Para a rádio AM, os solos de órgão e piano foram retirados da canção.

Em maio do mesmo ano, os Doors fizeram a sua estreia televisiva ao gravarem uma versão de "The End" para a CBC nos estúdios de Yorkville, em Toronto. Permaneceu inacessível desde a sua transmissão original até ao lançamento do DVD The Doors Soundstage Performances, em 2002.

Os Doors ganharam reputação de artistas polêmicos com performances ao vivo. Com a sua presença em palco e as calças de ganga (tecido vulgar, geralmente azul ou amarelo, que antigamente se fabricava na Índia) justas, Morrison tornou-se um sex symbol, embora depressa se tenha cansado desta condição de estrela. Uma das mais míticas polêmicas ocorreu quando os censores da rede de TV Columbia Broadcasting System (CBS) exigiram que Morrison mudasse a letra de "Light My Fire" através da alteração do verso "Girl, we couldn't get much higher", antes de a banda tocá-la ao vivo em 17 de setembro de 1967, no Ed Sullivan Show. O verso foi trocado para "Girl, we couldn't get much better". Contudo, Morrison cantou o verso original, e, pelo fato de ter sido transmitido em direto sem atraso, a CBS não pôde fazer nada para o travar. Furioso, Ed Sullivan recusou-se a cumprimentar os membros da banda, e nunca mais voltaram a ser convidados para se apresentar no programa.

De acordo com Manzarek, a banda foi informada que nunca mais tocaria no Ed Sullivan Show novamente. Sobre o assunto, Morrison disse, "E daí? Nós já tocamos no Ed Sullivan Show". Na época, uma aparição nesse programa era considerada um grande impulso para o sucesso. Manzarek afirma que a banda concordou com o produtor de antemão, mas não tinha qualquer intenção em mudar o verso. Nesta altura, também tocaram um novo single, "People Are Strange", para o DJ. Murray The K's TV Show em 22 de setembro.

Morrison cimentou o seu estatuto de rebelde em 10 de dezembro quando foi preso em New Haven, Connecticut, por insultar a polícia perante a audiência. Morrison afirmou que havia sido atacado com spray por um agente após ter sido apanhado nos bastidores com uma jovem.

Em 24 de dezembro, os Doors gravaram "Light My Fire" e "Moonlight Drive" ao vivo para o "Jonathan Winters". Entre 26 e 28 de dezembro, o grupo se apresentou no Winterland Ballroom em San Francisco.

Num parágrafo retirado do livro de Stephen Davis sobre Jim Morrison, pode-se ler:

“Na noite seguinte em Winterland, uma TV foi colocada no palco durante a atuação dos Doors para que estes pudessem ver a sua própria performance no Jonathan Winters Show. Eles pararam de executar "Back Door Man" quando a sua canção começou a tocar. O público assistiu aos Doors se vendo na TV. Continuaram o concerto quando a sua parte no programa tinha acabado, após Ray ter desligado a TV. A noite seguinte seria a última de sempre em Winterland.”

Após isto, se apresentaram em Denver em 30 e 31 de dezembro, e terminaram quase um ano no ostracismo.

Capa do segundo álbum, Strange Days, também de 1967.

STRANGE DAYS (1967)

Em Outubro de 1967, foi lançado o segundo trabalho dos Doors, intitulado Strange Days e considerado menos espontâneo que seu antecessor, ainda que tenha também ficado creditado pela sua atmosfera e letras. A faixa final, "When The Music's Over", era, tal como "The End", longa e dramática, e contribuiu para aumentar a reputação de Morrison como figura do rock. O álbum incluiu canções clássicas dos Doors como "People Are Strange" e "Love Me Two Times".

Como resultado do seu sucesso, os Doors deixaram o seu estatuto de heróis do underground. Permitiram que a revista Sixteen os usasse como ídolos de adolescentes e as suas "espontâneas" performances em palco deixaram de ser tão espontâneas.

Um artigo de Jerry Hopkins da edição de 10 de fevereiro de 1968 da Rolling Stone tipificou o fim do estado de graça:

“Uma rotina, ou parte do negócio, não realizada no Shrine foi a cuidadosamente executada queda 'acidental' de Morrison do palco para o público. Durante meses, fez parte dos espetáculos e gerava muitos gritos por parte das adolescentes. No entanto, surgiu uma análise num jornal no qual a queda era considerada um dos atos mais falsos de sempre. Morrison, em resposta a uma pergunta sobre se ele tinha lido o artigo, disse 'Sim, e penso que está correto.' Morrison não fez a queda nessa noite em Shrine.”

Capa do terceiro álbum, de 1968.

WAITING FOR THE SUN E O INCIDENTE DE MIAMI

(1968-1969)

Em abril, a gravação do terceiro álbum ficou marcada pela tensão resultante da crescente dependência de Morrison pelo álcool. Em aproximação do seu pico de popularidade, os Doors realizaram uma série de espetáculos ao ar livre que levaram a várias situações descontroladas entre fãs e polícia, particularmente no Chicago Coliseum em 10 de maio.

A banda começou a sair do seu som original no terceiro LP, Waiting For The Sun, principalmente pelo fato de terem esgotado o seu reportório original e começado a escrever novo material. Tornou-se o seu primeiro e único LP a chegar ao primeiro lugar da Billboard 200 e o single "Hello, I Love You" foi o seu segundo e último a atingir o primeiro lugar no Billboard Hot 100.

Este novo álbum reforçou o afastamento dos Doors do panorama underground. Em 1969, na Rock Encyclopedia, Lilian Roxon escreveu que o álbum "fortaleceu as suspeitas de que os The Doors apenas estavam lá pelo dinheiro".

O LP incluiu "The Unknown Soldier", que foi banida das rádios pelas sua controversa letra. Nesta fase, o grupo realizou outro vídeo musical. "Not To Touch The Earth" foi retirada da peça conceitual de 30 minutos "Celebration Of The Lizard", embora não tenham conseguido gravar uma versão satisfatória da peça completa para o LP. Foi eventualmente lançada, mais tarde, numa compilação de maiores êxitos, em CD.

Houve uma controvérsia nesta altura por causa do lançamento do single "Hello, I Love You", com a imprensa musical a apontar semelhanças musicais da canção com o sucesso de 1965 dos The Kinks, "All Day And All Of The Night". Os membros desse grupo concordaram com os críticos e, de forma sarcástica, o guitarrista Dave Davies costumava tocar partes de "Hello, I Love You" durante os solos em performance ao vivo de "All Day And All Of The Night". Nos concertos, Morrison, por vezes, não cantava a canção, deixando para Manzarek essa tarefa.

Um mês após as tumultuosas cenas de "Singer Bowl" em Nova Iorque, o grupo viajou para o Reino Unido para as suas primeiras atuações fora da América do Norte. Realizaram uma conferência de imprensa no Instituto de Artes Contemporâneas em Londres e atuaram no The Roundhouse Theatre. Os resultados da turnê foram gravados pela Granada TV com o título The Doors Are Open, que foi mais tarde lançado em vídeo. Também fizeram espetáculos em outros locais da Europa, incluindo um show em Amsterdam sem Morrison, após este ter perdido os sentidos devido a abuso de drogas. Morrison regressou a Londres em 20 de setembro e permaneceu lá durante um mês.

O grupo realizou mais nove concertos nos Estados Unidos antes de começarem a trabalhar, em novembro, no seu quarto LP. O ano de 1969 começou com um espetáculo completamente esgotado no Madison Square Garden em Nova Iorque a 24 de Janeiro e com novo single bem sucedido, "Touch Me", lançado em Dezembro de 1968, que chegou ao terceiro lugar nos EUA.

Em janeiro de 1969, Morrison participou numa produção de teatro que mudou o curso da banda. No auditório da Universidade do Sul da Califórnia, ele fez uma atuação que apelava à sua busca pela liberdade pessoal. Isto resultou numa "jam" em estúdio em 25 de fevereiro, que se tornou na lendária sessão Rock Is Dead, mais tarde lançada no box-set dos Doors de 1997. Serviu também de base para um episódio controverso e muito badalado.

O incidente de Miami ocorreu em 01 de março de 1969, num concerto no Dinner Key Auditorium, em Miami, Flórida. Morrison estava bebendo desde que o seu voo para o concerto atrasou. Os 6900 lugares do auditório estavam completamente lotados, havendo a estimativa de se encontrarem 13000 pessoas. Então Morrison vociferou para o microfone: "O que quer que tu queiras, vamos fazê-lo". Dito isto, alegadamente, expôs as suas partes íntimas. Na sua autobiografia, Manzarek afirma que tal fato nunca aconteceu.

“Essa é a minha opinião. Havia uma hipnose geral. Ele (Morrison) disse-lhes que o ia mostrar e, meu Deus, eles acreditaram. Ele estava segurando a sua camisa à sua frente, puxando-a rapidamente para a frente e para trás, para a frente e para trás, como um toureiro, enquanto dizia, "Vocês viram? Vocês viram? Eu mostrei para vocês! Ele saiu! Eu não vou deixar ele de fora. Agora vejam, vou fazer de novo." E ele voltaria a mexer para a frente e para trás a camisa. Estava calor e havia demasiada gente no local, e as pessoas estavam ficando loucas, gritando, rodando e puxando o frágil palco temporário. Pensámos que ia desabar e parte dele caiu. Foi uma insanidade total.”

O incidente indignou as autoridades locais e Morrison foi preso por obscenidade. Concertos por todo o país foram cancelados. "Nós tínhamos a nossa primeira grande turnê em vinte cidades programada, e estávamos todos apreensivos por isso," escreveu Manzarek. "Vinte cidades? Meu Deus, nós vamos fazer uma turnê de um mês? Até então, nós não tínhamos estado na estrada por mais de quatro ou cinco dias. Mas todas as cidades cancelaram, por todo o país."

A banda confrontou nesta altura Morrison por causa do seu alcoolismo. O incidente permanece sem conclusão.

Morrison gravou algumas de suas poesias nessa época e em abril começou as filmagens para HWY, um filme experimental sobre um viajante de carona, interpretado por ele próprio. Os Doors transformaram a sessão de poesia em música para o álbum de 1978 An American Prayer.

Embora Morrison recebesse grande parte da atenção, tendo uma maior imagem na capa do álbum de estreia do grupo, ele mantinha-se inflexível de que todos os membros da banda deviam ser igualmente reconhecidos. Antes de um concerto, quando o apresentador introduziu o grupo como Jim Morrison And The Doors, Morrison recusou-se a entrar em palco enquanto o grupo não fosse anunciado novamente como The Doors.

Nos últimos dois anos da sua vida, Morrison reduziu o seu consumo de drogas e começou a beber bastante, o que afetou as suas performances em palco e no estúdio. Ganhou peso e deixou crescer a barba, levando a Elektra a usar fotos mais antigas para a capa do LP Absolutely Live, lançado em 1970. O álbum inclui atuações gravadas durante a turnê norte-americana dos Doors em 1970 e em 1969, e inclui uma versão completa ao vivo da canção "The Celebration Of The Lizard".

A única aparição em público foi numa gravação especial para a PBS feita em finais de Abril e transmitida no mês seguinte. O grupo tocou apenas canções do seu álbum seguinte, Soft Parade.

Os Doors continuaram os concertos no auditório de Chicago em 14 de junho e em 21 e 22 de julho no Aquarius Theatre em Hollywood, tendo sido mais tarde lançado em CD. Morrison, com barba, vestiu roupas mais largas e dirigiu o grupo, através de canções como "Build Me A Woman", "I Will Never Be Untrue" e "Who Do You Love".

Bem galera, encerro por aqui a primeira parte da história sobra a banda The Doors, que inclui sucesso, drogas e muita polêmica, por causa de atitudes tomadas por seu vocalista, Jim Morrison.

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