El capitalismo como cimiento de la desigualdad, el consumismo como principal actividad de interacción social, la educación como mecanismo de adoctrinamiento, la religión como elemento de control. Ben Cash (Viggo Mortensen) quiere que sus hijos crezcan lo más lejos posible de la influencia de ese mundo corrompido al que no quiere pertenecer. Por ello viven en mitad de la naturaleza, en un pequeño paraíso sin televisión, sin móviles, sin ordenadores, sin videojuegos, sin ataduras, sin obedecer las reglas de una sociedad cuyos individuos se encierran en la esclavitud de querer encajar en roles que en realidad les son ajenos y que les someten bajo una falsa burbuja de satisfacción y protección, una sociedad cuyos individuos creen tan firmemente en el concepto de propiedad privada que ellos mismos se convierten en propiedad del sistema.

Aire limpio, árboles centenarios, montañas majestuosas, ríos bravos, noches estrelladas, la madre naturaleza en todo su esplendor. Allí, en el corazón del bosque, una familia de exiliados voluntarios ha construido un oasis dentro de otro oasis: deporte, literatura, música, la belleza fugaz del hombre entre lo infinito. Este admirable padre antisistema ha establecido su propio rincón en el mundo junto a sus hijos, un lugar donde les educa en cuerpo y mente a través de múltiples disciplinas para que aprendan a vivir según su propio yo, sin delegar la responsabilidad en nadie más, ni en los medios de comunicación, ni en el estado, ni en las empresas que gobiernan realmente los países. Sin ceder a la pretensión de convertirles en lo que la sociedad espera de ellos en lugar de lo que ellos desean para sí mismos. Ben Cash es un idealista que actúa, un optimista que busca hacer realidad sus sueños, un hombre que aún tiene esperanza en que se pueden hacer las cosas de otra forma, en que se puede vivir de otro modo.

«Todos somos animales de la Tierra»

La película del director y guionista Matt Ross busca convertirse así en un canto a la libertad, en una experiencia vital con la que el espectador pueda sentirse como un miembro más de esa comunidad donde cazaremos para alimentarnos, leeremos clásicos universales, bailaremos con canciones improvisadas y dormiremos bajo la inmensidad del cielo. Y lo consigue aunque sólo sea por breves momentos. Fue bonito mientras duró.

Se trate de un genio, un loco o simplemente un tipo tan carismático como excéntrico, el problema de «Captain Fantastic» es que traiciona el espíritu de su personaje central, ese admirador de la filosofía de Noam Chomsky cuyo mayor enemigo es un caprichoso guion que contradice sus principios sólo para servir de coartada a sus detractores en una paradójica road movie que le traslada del «salvajismo» a la «civilización» y que le aleja de la libertad para encaminarlo hacia las doctrinas de las que renegaba, evidenciando que películas como esta no son tan honestas como parecen y en el fondo sólo pretenden funcionar como un mero entretenimiento, una inocua dosis antisistema de fácil digestión y efecto pasajero, recetada por el propio sistema. Una vacuna nada dañina, para tener a todos contentos.

«El poder para el pueblo, resiste a la autoridad»

De hecho, no hay mucho que destacar en la inexperta realización de Matt Ross, ni en la corriente fotografía de Stéphane Fontaine, ni en la inexpresiva música de Alex Somers, ni en la liviana dirección artística de Russell Barnes y menos aún en el efectista vestuario de Courtney Hoffman. Al fin y la cabo, la intención era hacer simplemente una comedia simpática y agradable con aire hippie. Por el camino quedan sus divertidas blasfemias, porque aparte de algún momento hilarante a propósito de los contrastes culturales basados en el irrisorio sistema educativo de la sociedad moderna, las sucesivas burlas al cristianismo concentran las mejores escenas de la película. Y poco más, ya que su repetido lema «El poder para el pueblo, resiste a la autoridad» se queda prácticamente en nada, pues prácticamente todo sigue igual. Adiós, utopía. Así, para bien o para mal, «Captain Fantastic» se instala en un limbo entre sus virtudes y sus trampas, entre la (aparente) vocación reaccionaria y la aventura Disney, a pesar de tratarse de una producción de cine independiente.

Respecto al plano interpretativo, el completamente entregado Viggo Mortensen es todo un acierto de casting y Frank Langella borda su papel de suegro con la siempre intachable presencia de este enorme actor que convierte en verdad todo lo que dice. Mención especial para los seis niños, George MacKay (Bo), Samantha Isler (Kielyr), Annalise Basso (Vespyr), Nicholas Hamilton (Rellian), Shree Crooks (Zaja) y Charlie Shotwell (Nai), que encarnan como pueden a unos peculiares personajes cuyos nombres fueron inventados para ser únicos en el mundo y cuyos espíritus son educados para resplandecer, para que sus vidas no sean materia de olvido y para ser dueños de su propia tierra, la que se extiende bajo su piel habitada por pequeños reyes filósofos.

Calificación: 6/10

• Ficha de la película «Captain Fantastic»

Imágenes de «Captain Fantastic», película distribuida en España por eOne Films Spain © 2016 Electric City Entertainment y ShivHans Pictures. Todos los derechos reservados.

Érase una vez una niña de nueve años que comenzaba a dejar atrás su infancia, un principito que necesitaba un amigo y un anciano aviador que les unió a ambos a través de un cielo de nubes de papel…

La alegría y la tristeza, la esencia de la vida, la belleza de lo invisible, el encanto de las pequeñas cosas, el asombro del descubrimiento, el calor de la amistad, lo emocionante y contradictorio del amor, lo frágil y efímero de cuanto realmente importa. A partir de la más hermosa historia jamás contada sobre el niño que todos llevamos dentro, el director Mark Osborne crea una trama de aventuras que logra envolver la sublime novela de Antoine de Saint-Exupéry para hacernos volar con la imaginación a lo largo de esta sencilla pero entrañable producción de animación francesa cuyo acabado técnico puede no estar a la altura de Disney, Pixar, Dreamworks y otras compañías, pero cuyas ideas de fondo resultan aún más educativas e inspiradoras.

Una casa de gris hormigón, unas calles de gris asfalto, un sinfín de grises obligaciones y la vida entendida como una ciencia exacta que es necesario calcular, encasillar y controlar, porque las personas mayores aman las cifras. Ése es el desolador futuro que le espera a la niña protagonista de esta historia que es la suya pero un poco también la de todos nosotros, es decir, una estresante acumulación de tareas programadas que se repiten una y otra vez para llenar de vacío nuestra existencia, alejándonos así de todo aquello que es importante, pues la rutina significa hacer constantemente algo que no se quiere. Sin embargo, frente a la imposición de ese gris y esclavo destino, emerge a todo color la figura del principito —y su rosa, siempre su rosa— con el propósito de invitarnos a soñar y experimentar la aventura de la vida. La libertad.

«Me pregunto si las estrellas están encendidas a fin de que cada uno pueda encontrar la suya algún día»

Y lo que cuenta consigue calar gracias, sobre todo, a la emotiva y poética presencia de ese principito que convierte en mágico todo lo que toca, haciendo de esta película una recomendable propuesta que inculca en los niños el inconformismo y la rebeldía contra las innumerables reglas que buscan convertirles en piezas de un engranaje que ahoga en la frustración y en la apatía a los autómatas habitantes de una sociedad cada vez más mecanizada. Al fin y al cabo, ellos son la última esperanza de la humanidad, porque los adultos ya estamos perdidos: nos hemos olvidado de jugar. O tal vez no. Quizá aún exista alguna posibilidad para ese niño que llevamos dentro; como volver a recordar que, hace mucho tiempo atrás, nosotros también fuimos aquel pequeño príncipe. Es triste olvidar a un amigo.

La mayor parte del metraje del film, donde conocemos a esa niña que descubre una nueva forma de relacionarse con el mundo gracias a la lectura de «El principito», está desarrollada con animación CGI y se trata de una nueva historia aparte de la obra de Saint-Exupéry. Su forma de abordarlo es ingeniosa y acertada a partir de ese aviador ya anciano que rememora los días en los que conoció a un pequeño príncipe en el desierto del Sahara. Que en algunos aspectos nos recuerde a «Up» no es casualidad, detrás de su creación se encuentra Lou Romano, uno de los diseñadores de la conocida joya de Pixar. Pero lo más fascinante de todo es ver cómo los dibujos del escritor francés cobran vida: el mayor tesoro que guarda en su interior esta película son las breves pero bellísimas escenas que adaptan literalmente la novela original mediante la técnica de animación stop-motion. La blanca y resplandeciente luz de sus cielos, las doradas y exquisitas texturas de sus figuras de papel y arcilla, la tierna y delicada gracilidad de sus movimientos. Una verdadera obra de arte que hace tangibles la curiosidad de un niño, el amor por una flor y la risa entre las estrellas. Es díficil no emocionarse ante tal derroche de cuidada artesanía con los personajes y las palabras de Saint-Exupéry como protagonistas.

«Lo que embellece al desierto es que esconde un pozo en cualquier parte»

En cuanto a la narrativa del resto del conjunto, es cierto que el guion de Irena Brignull y Bob Persichetti, basado en el argumento del propio Mark Osborne, es lo más flojo de la propuesta en tanto que no escapa demasiado de la dinámica habitual que encontramos en otros productos similares, principalmente debido a la clara vocación internacional y comercial de la cinta (de ahí que los productores franceses de On Animation Studios hayan fichado para este proyecto a numerosos artistas estadounidenses que habitualmente trabajan en grandes producciones). De hecho, el tramo final es un correcalles típico de cualquier película de aventuras al uso, con algún que otro puntual momento de brillantez como el de la liberación de la infinidad de estrellas atrapadas por el avaro hombre de negocios, convertido aquí en el villano de la función. Pero, afortunadamente, para entonces el mensaje de fondo ya ha calado: juega, sueña, vive y, sobre todo, mira con el corazón, porque lo esencial es invisible a los ojos.

La música del renombrado compositor Hans Zimmer habría ayudado más a elevar el vuelo de esta película si su banda sonora «original» no recordara reiteradamente a la de anteriores trabajos suyos. Aun así, «El principito» es una más que digna producción de animación europea y habría merecido mejor suerte en la taquilla a pesar de no venir respaldada por un gran estudio de Hollywood, porque resulta muy recomendable para el público infantil. Y las personas mayores, ya se sabe, siempre necesitamos explicaciones, de modo que nunca está de más darse otra vuelta por el asteroide B 612. Conviene recordar que todos fuimos al principio niños; sí, conviene recordar de dónde venimos y quiénes somos. Quizá así algún día sepamos hacia dónde queremos ir. Buen viaje.

Calificación: 7/10

• Ficha de la película «El principito»

Imágenes de «El principito», película distribuida en España por Wanda Visión © 2015 On Animation Studios. Todos los derechos reservados.

Jericho (Kevin Costner) no está bien de la azotea. Y que le incrusten forzosamente los recuerdos y conocimientos de un tipo que podría considerarse prácticamente una de tantas némesis de personas como él (Ryan Reynolds) no va a ayudar. Pero tampoco puede decidir. Los amigos del thriller de toques scifi sin mayores complicaciones tienen una agradable cita con «Criminal», que con Ariel Vromen a los mandos y un elenco amplio y solvente -en estos tiempos se apelotonan los buenos intérpretes en productos mil, en propuestas mil, en un catálogo hollywoodiense tan inextricable como arriesgado estando el bolsillo del espectador de por medio- entretiene y nos cita en formato televisivo dentro de equis años.

«No controla sus impulsos». El libreto de Douglas Cook y David Weisberg no aporta nada nuevo, simplemente remezcla y apelotona con suficiente inteligencia y ligereza un montón de elementos ya vistos, catados e infinitas veces propuestos por el género. No es que no sea interesante, más aún desde el buen trabajo tras las cámaras de Vromen, pero es inevitable que, según transcurre y cede en sus intenciones y discursos -camino de un final tan extrañamente perturbador como cuestionable-, «Criminal» vaya perdiendo su mordiente a pesar de los fogonazos de violencia y cinismo moderno y pre-apocalíptico -el mundo que vivimos- que la salpican, ayudando a sostener la atención del espectador.

Eso sí, la película se beneficia del Costner más divertido, seco y carismático en bastante tiempo, un refrito de muchos de sus personajes anteriores que quiere bailar en la difusa línea moral del antihéroe a sabiendas -no cuela en ningún momento- de que aquí poco futuro va a tener ganándose la antipatía del espectador. Menos esfuerzo -porque sus roles están claros, prístinos en esencia desde la misma presentación de cada cual- tiene que hacer Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Gal Gadot, Michael Pitt o Jordi Mollà para adornar/complementar/seducir esta propuesta de aspiraciones globales -no hay una planificación cien por cien hollywoodiense aquí, al menos por fuera- y resultados medidamente satisfactorios. Vale.

Calificación: 6/10

• Ficha de “Criminal”

‘Criminal’ © 2016 Lionsgate, Millennium Films y Campbell Grobman Films. Todos los derechos reservados.

Lydia (Erin Moriarty) ha desaparecido. Lydia ha aparecido. Cuánto tiempo, papi… Mel Gibson, el Caído En Desgracia, el azotado a lo largo y ancho del difuso rasero moral de Hollywood, sigue jugando bien sus bazas con «Blood father», nuevo thriller de acción con tintes cómico-sarnoso-delirantes que resulta perfectamente perfecto para una sesión doble con la palomitera y más asalvajada «Vacaciones en el infierno», o incluso con una triple si se incluye «Al límite», por aquello de la esencia paterno filial con despliegue de plomo y sangre al fondo… y en primer plano. Sigue trabajando, Mel. Y que no te engañen, eslabón perdido: todos queremos ver «Hacksaw Ridge».

«¿Dónde coño estás?». Menos socarrona y brutalmente metafórica que el tebeo carcelario de hace cuatro años, este nuevo western pulp también resulta considerablemente menos redentora, con un Gibson que hace lo que sabe hacer -parece cansado, pero se mantiene como un armario empotrado a sus sesenta años y no pierde un ápice de presencia y carisma-, desplegando su repertorio de rostros que cabalga entre lo enternecedor y lo psicótico con la facilidad de siempre y volcado en repartir leña sin prisa pero sin pausa, bien encajado en lo interpretativo con la jovenzuela y turulata Erin Moriarty. Una buddy movie inmersiva y divertida, obligadamente abstemia pero capaz de volar pedo durante casi todo su recorrido.

Al director Jean-François Richet, especialista en adrenalinas escasas de presupuesto, se le va un poco la cabeza con la parte más técnicamente narrativa del asunto, pero sostiene el conjunto lo suficiente como para conseguir poner un lazo a lo que propone: una película solvente, una serie B consciente de sí misma y sin más pretensiones que hacer pasar el rato al tiempo que sirve de nuevo bálsamo que aplicar a una industria que va recogiendo los pedazos de uno de sus hijos pródigos adoptados. Todos somos el papá sangriento, todos protegemos nuestro corral al precio que sea; y si nos entretenemos con una sonrisa viendo a un icono barbudo haciendo el burro para proteger el suyo… algo tendrá el agua cuando la bendicen.

Calificación: 6/10

• Ficha de «Blood father»

“Blood father”, película distribuida en España por Vértigo Films © 2016 Why Not Productions. Todos los derechos reservados.

Desde una perspectiva incansablemente provista de necesario sentido del humor, las luces y las sombras de la condición humana quedan plasmadas en el cine de este fabuloso retratista de la alta sociedad americana. Las películas de Woody Allen son modernos cuentos urbanos que nos hablan de la existencia y del amor a través de retazos de vidas dispares narradas con aromas y sabores propios del particularísimo e inimitable estilo del cineasta neoyorquino, convertidos en deliciosas degustaciones de las que, afortunadamente, siempre nos queda huella en el paladar.

Esta díptica visión de la Café Society de los años 30 —a caballo entre la alta sociedad de Nueva York y el star system de la Edad de Oro de Hollywood— reincide en una de las principales obsesiones de Allen, la de ser víctimas de la incertidumbre, piezas de un puzle cuya existencia está sometida a los caprichosos azares de la vida y donde sólo el amor nos sirve de guía para encontrar a alguien con quien compartir un norte, aunque la brújula y las circunstancias jueguen a desorientarnos a cada paso que damos en este mundo absurdo que nos zarandea de un lugar a otro sin que nuestro camino acabe nunca de despejarse y donde a la vuelta de cada esquina se esconde un nuevo giro inesperado que cambiará nuestro rumbo. «La ausencia de respuesta es en sí misma una respuesta», recita en una escena la veterana actriz Jeannie Berlin, un argumento que justifica por sí solo la hedonista filosofía del director de «Delitos y faltas» a propósito de la eterna pregunta sobre cuál es el sentido de la vida: el placer.

«La vida es una comedia escrita por un humorista sádico»

Lo cierto es que nos encanta que Allen nos venda dramas existenciales disfrazados de comedias románticas, pero, por desgracia, sugerentes intenciones de fondo no son suficientes para gestar una buena película. Un anodino Jesse Eisenberg y una mustia Kristen Stewart caracterizan unos personajes tan desdibujados como fatalmente combinados en esta obra menor de un realizador que, por mucho que le queramos, ya nos tiene acostumbrados a una de cal y otra de arena en su inagotable filmografía. También como un pez fuera del agua les acompaña en esta aventura una Blake Lively que en todo momento parece perdida, en contraste con la encomiable entrega de un impecable Steve Carell, único actor principal que, junto a la siempre efectiva Parker Posey, demuestra estar a la altura de las expectativas incluso a pesar de que su papel padece igualmente la debilidad de un guion demasiado escaso de escenas y diálogos no ya ingeniosos y chispeantes, sino ni tan siquiera interesantes.

Aun sabiendo lo brillante y prolífico que es el autor de «Manhattan», no es de extrañar que este insustancial libreto haya coincidido en el tiempo con la elaboración de «Crisis en seis escenas», la serie de televisión que acaba de escribir y dirigir para Amazon Studios y que precisamente tiene previsto su estreno a finales de este mes de septiembre. Digámoslo sin tapujos: «Café Society» es poco más que un mediocre estreno de relleno para acudir fiel a su cita anual en los cines. Nada que reprochar, suficiente mérito tiene que haya sido capaz de rodar un largometraje en este 2016 en el que ha debido multiplicar sus esfuerzos creativos, más aún teniendo en cuenta que ya suma 80 años, edad a la cual la mayoría de mortales están medio acabados o directamente criando malvas. Larga vida, Woody.

«Vive cada día como si fuera el último y un día acertarás»

No sabemos si para su próximo proyecto volverá a contar con el gran director de fotografía Vittorio Storaro, habitual colaborador de gigantes de la Historia del Cine como Francis Ford Coppola (con quien rodó «Apocalypse now», «Corazonada» y «Tucker, un hombre y su sueño») y Bernardo Bertolucci («El último emperador», «El cielo protector», «Novecento», «El último tango en París» y «Pequeño Buda»), pero de lo que sí estamos seguros es de que una de las pocas grandes bazas de «Café Society» es su exquisito trabajo, capaz de hechizarnos y de lograr que el visionado de esta película sea todo un gustazo para nuestros agradecidos ojos.

El mundo sigue teniendo hoy tan poco sentido o menos que cuando el año pasado hablamos de «Irrational man», pero seguimos enganchados al cine de Woody Allen, a visitar su fascinante universo para disfrutar con su tragicómica manera de contarnos lo frágil, voluble y circunstancial que es la vida. Para sobrellevarla mejor, nos podemos aferrar a sus películas con aroma a clásico y, sobre todo, al amor. ¿Qué más nos hace falta? Tócala otra vez, Woody, te esperamos el año que viene, no nos faltes a la cita… y a ser posible, recupera de nuevo ese brillante ingenio tuyo.

Calificación: 5/10

• Ficha completa de «Café Society»
• Reportaje sobre la filmografía de Woody Allen

Imágenes de «Café Society», película distribuida en España por eOne Films Spain © 2016 Gravier Productions y Perdido Productions. Todos los derechos reservados.

Judah (Jack Huston), Messala (Toby Kebbell), Poncio Pilatos (Pilou Asbæk), Esther (Nazanin Boniadi)… ¡Jesús de Nazaret! (Rodrigo Santoro). La verdad es que en estos tiempos, en los que remake es más bien síntoma, símbolo y sinónimo de desesperación industrial que de sanas apetencias de refrescar el catálogo clásico para las nuevas generaciones, poco o nada puede o debe sorprender al respetable el desembarco de «Ben-Hur (2016)». Esto es así. El error es descargar la nueva aventura (post)peplum sobre las ineptas manos artísticas de Timur Bekmambetov. Esto también es así. Porque su currículo -que asusta-, no es secreto, ni hablamos de un debutante, ni nada. Hollywood, conscientemente irresponsable.

«¿Amar a tu enemigo? Qué progresista». El peso de la versión dirigida por William Wyler en 1959 es demasiado grande en el imaginario colectivo, es inevitable. Imposible no repasarla mentalmente mientras avanza este churrete que, sorprendentemente, no es especialmente hiriente ni doloroso en su acartonada materialización, como pasa con la práctica totalidad de la filmografía de Bekmambetov. Pero bueno, como película en sí misma tampoco es que tenga mucha chicha: es floja, sosa, aburrida incluso, falta de vida, con un espectro técnico muy irregular -el montaje es feo, la narrativa pastosa, el trabajo digital entre bueno-vale y pero-qué-es-esto…-. Tiempos de revolución bajo el yugo de Roma, tiempos de bostezo bajo el yugo más o menos mainstream de la soleada California.

A ver, la parte humana. Hay buenos intérpretes aquí, claro, aunque el comandante del barco no sea un gran director de actores, ni mucho menos. Huston y Kebbell, los grandes marcos de tensión, amor y odio fraternal, sostienen sin más sus icónicos papeles en un conjunto en el que nadie destaca sobre el resto; eso sí, hemos de quitarnos el sombrero por el excepcional trabajo de maquillaje realizado sobre Whoopi Goldberg, irreconocible en su caracterización como Morgan Freeman. Bravo. «Ben-Hur (2016)», inane, mala copia en color de uno de los mayores ejemplos de colosalismo cinematográfico de todos los tiempos, es una nueva amenaza para los espectadores televisivos de la parrilla de Semana Santa dentro de unos años. Porque, no lo olvidemos, irá acompañada de «Noé». Argh.

Calificación: 3/10

• Ficha de «Ben-Hur»

Todo el mundo se ha ido de Detroit. Rocky, Alex y Money (Jane Levy, Dylan Minnette y  Daniel Zovatto) esperan hacerlo en breve: un último golpe, todo listo. Claro que sí. Tras las buenas sensaciones dejadas a los mandos de algo tan complicado como el remake de la clásica «Posesión infernal», Fede Alvarez se constata como lo mejor que ha dado Ghost House Pictures hasta el momento con «No respires» -título ochentero hasta lo epatante-, contundente terror de interior que hace lo más complicado: dar vueltas sobre lo mismo de siempre -casa, noche, jóvenes, peligro- pero consiguiendo atrapar igualmente, tanto a la base fan -quien comercialmente sostiene estas propuestas por naturaleza- como al espectador general.

«Va a ser pan comido». Simple y llanamente: Alvarez dirige bien. Se mueve muy bien con la cámara, juega con el espectador de un modo muy natural, y se agradece en tanto que garantiza una fluidez que incluso en ocasiones impide apartar la mirada durante los momentos cumbres de este festín de tensión adulta. Porque, y aquí está la cosa en realidad, el maratoniano guion del cineasta y Rodo Sayagues se materializa en una orgía escasa de humor -al uso en estas lides, al menos- y amiga de la violencia seca, el cazurrismo no por evidente menos efectivo y el drama… raro. Todo con efectismos y tópicos, claro, pero la sensación de crispación es deliciosamente constante.

Una chica, dos chicos. El chico más chungo tiene a la chica; el chico menos chungo ama a la chica. Y ella sabe. Barreras difuminadas, un entorno decadente y la posibilidad de un mañana mejor. El clásico. Y Levy, Minnette y Zovatto cumplen bien, desde el inicio hasta la progresiva inmersión en esta pesadilla en dos alutras + sótano rematada por Stephen Lang, divertido e imponente inquilino de esta casa-tren de la bruja envuelta, una vez más, en una sinfonía imposible de Roque Baños, tan cercana a un survival horror consolero que potencia, prácticamente por inercia, la inmersión del espectador en la historia. Las cosas, bien hechas, bien parecen. Para un pack con alguna salvajada francesa de los últimos años, perfecto. Más palomitas atragantadas.

Calificación: 7/10

• Ficha de «No respires»

A mamá (Maria Bello) se le va un poco la cabeza. Tiene una amiga invisible, Diana, con la que habla sin parar. Bueno, a veces es visible, pero a mamá se le va la cabeza igual. Casa + chavales + espectro + clichés: el subgénero James Wan, que aquí regresa desde la producción de «Nunca apagues la luz», debut en Hollywood y en el formato largometraje de David F. Sandberg a partir de su propio corto homónimo –«Lights out» en inglés- y que queda como una carta de presentación correcta-sin-más. Ahora está a los mandos de «Annabelle 2», poco apetecible secuela de la castaña de hace un par de años que incrusta al cineasta definitivamente en el Universo Cinematográfico Wan, WCU.

«Yo también la veo». De corto de tres minutos a largo de ochenta. Pues, efectivamente, no da para tanto; de hecho, las lecturas sociales son casi más interesantes que la trama fantaterrorífica, con una familia ultra desestructurada, perdida en sus propios temores y fantasmas pasados y presentes -al margen de la presencia maléfica del ex-hogar común- y con pocos visos de alcanzar la felicidad en un futuro inmediato o a medio plazo, acosos del más allá aparte. Tópicos a granel, puesta en escena apurada pero consciente y coherente de sus limitadas posibilidades globales y sensaciones generales cercanas a la pequeña pantalla. Fin, a otra cosa, una nueva carrera perdida contra el crono inmaterial.

Chica ruda -que no engaña a nadie- forzosamente independiente, poco amiga del compromiso: Teresa Palmer. Novio enamorado capaz de aguantar carros y carretas con tal de no perder a la chica ruda: Alexander DiPersia. Nene con cara de buen/mal/buen/mal rollo permanente, entre lo protegible y lo rechazable: Gabriel Bateman. Efectivamente, tres corsés de base, mil veces vistos, mil veces disfrutados, mil veces sufridos. Y que veremos, disfrutaremos y sufriremos en otras tantas ocasiones, tal es el fervor fan en lo que a las maravillas del miedito se refiere. Ahí estaremos, pero siempre conscientes: «Nunca apagues la luz» sólo es una nueva candidata a coger polvo en las estanterías de los coleccionistas.

Calificación: 5/10

• Ficha de «Nunca apagues la luz»

Sí, el USS Enterprise sigue viajando por los confines de la galaxia ayudando en lo que haga falta, buscando acuerdos y buen rollo impulsado por la Federación de Planetas Unidos. Mientras el público lo sostenga industrialmente y se siga rascando el bolsillo, así será. Aquí tenemos «Star Trek: Más allá», tercera entrega de la nueva saga de precuelas de la muy popular creación de Gene Roddenberry que ahora tiene en la butaca de director al rápido y furioso Justin Lin, ya que J.J. Abrams debe considerar que ya ha exprimido bastante este sello y puede dedicarse a obtener otros jugos en otros lares. Es una película amena pero normalita, inferior a sus amenas pero normalitas hermanas previas. El de 2016 no está siendo un verano especialmente apetitoso, la verdad.

«Algo nos ha superado». La propuesta cumple en algunos aspectos, pero patina en otros enormemente. Lo más a lamentar: el flojo guion de Simon Pegg y Doug Jung, una historia que no aporta nada en absoluto -es lo mismo de siempre, una y otra vez, lo que estará bien para los incondicionales pero resulta demasiado sedante para el público no fan fatal- y que se abre a un humor que en ocasiones casi acerca esta semi-nueva aventura a una comedia de situación televisiva. Más allá de los simpáticos problemas de estos oficinistas cósmicos, técnicamente la cosa baila entre el súper espectáculo inabarcable y la digitalización ramplona hasta lo sorprendente. Las dos horas de metraje no se hacen pesadas, pero Lin no es un maestro sosteniendo el ritmo narrativo cuando abandona la velocidad y el pim pam pum. Esto es así.

Cuando no son muñecotes digitales en mundos fabulados por exigencias del mainstream, los protagonistas corretean arriba y abajo por escenarios voluntariosamente retro en su materialización corchopanera, amenazados por cromas diversos y/o criaturas mil veces vistas -esto ya no es culpa de nadie, es sobresaturación industrial, sin más- pero también esforzadamente creadas a base de trabajo prostético y maquillaje, que se agradece. Relaja, incluso. En global, «Star Trek: Más allá» se desdibuja a sí misma y hace peligrar su futuro porque los personajes parecen bastante atascados e imposibles de evolucionar de modo interesante de cara al espectador universal. Y ser lo mismo de siempre, malamente, es chungo. Pero para otra da, de momento.

Calificación: 5/10

• Ficha de “Star Trek: Más allá»

“Star Trek: Más allá”, película distribuida en España por Paramount Pictures Spain © 2016 Paramount Pictures y Bad robot. Todos los derechos reservados.

Está pasando algo raro en la mansión Aldridge. ¿A quién vas a llamar? Pues a Erin (Kristen Wiig), Abby (Melissa McCarthy), Holtzmann (Kate McKinnon) y Patty (Leslie Jones), ni más ni menos, que treinta años después vuelven a agarrar las herramientas, calentarlas y ponerlas enhiestas tras una larga campaña de acoso y derribo motivada, básicamente, porque… son mujeres. Bravo, mundo real. La cuestión es que «Cazafantasmas», reboot a cargo del brillante/irregular Paul Feig, supera perfectamente las expectativas creadas no ya por la base fan, sino por la propia industria: es una muy divertida película. Obviamente llega con ánimo franquiciador, pero eso ya dependerá de su rendimiento en caja. Veremos; por nosotros, estupendo. Y por ellas, qué vamos a decir. Lo que les echen.

«La palabra correcta es Apocalipsis». Lo mejor de la propuesta es su propia personalidad: desde el guion, Feig y Katie Dippold consiguen una aventura divertida y para todos, con inevitables -saludables, necesarias- vetas de cinismo y metacachondeo que sitúan la iconografía de la saga en nuestra realidad, pero manteniendo un respeto incluso inocente por el espíritu -aquí más que nunca- no ya de la obra, sino del contexto original. Una sencillez estructural digna de otros tiempos y otros mimbres, anclada desde una puesta en escena espectacular -un poco desparramada desde el montaje- y cuyo principal problema es una narrativa un tanto caótica y algún tropezón de ritmo debido a un metraje innecesariamente hinchado. Sí, dos horitas.

Las chicas están fantásticas, se nota que se conocen, se nota que conocen a Feig -por otro lado, un gran director de actrices-, se nota que son profesionales del stand up. Es un placer ver semejante naturalidad -McKinnon, enorme, es el gran descubrimiento- y tanto talento cómico junto encabezando un reparto genial en sus detalles secundarios (Zach Woods, Charles Dance, Ed Begley Jr., Karan Soni, Steve Higgins… y fabulosos cameos que no desvelaremos aquí) y que da bastante más de lo que ofrece, que no es sino un rato de catarsis quizá ruidosa pero no invasiva, libre dentro de sus convencionalismos -ojo al totémico material que aquí se maneja- y ajena, incluso, a obsesiones mainstream. ¿Sorpresa? No tanta, en realidad.

Calificación: 7/10

• Ficha de «Cazafantasmas»

“Cazafantasmas” (Ghostbusters), película distribuida por Sony Pictures Releasing de España © 2016 Sony Pictures Entertainment. Todos los derechos reservados.