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Ruta 66: Pequeña Miss Sunshine

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Sun, 05 Dec 2010 19:38:00 +0000

Ahora toca obra de ese relativamente nuevo cine indie que se abre paso al mercado mainstream. Lógico, como se explica a continuación.

Pequeña Miss Sunshine

Una familia "algo" desestructurada se echa a la carretera en pos de cumplir el inocente sueño de una niña pequeña. Un padre obsesionado con el triunfo y la superación por encima de los demás. Una mujer que se esfuerza todo lo posible en sus deberes como madre de familia. Un abuelete que es la imagen más vivaracha y despreocupada del dicho carpe diem, en contraposición a su nieto político, un adolescente alienado por las influencias y los tópicos de rebeldía propios de la edad del pavo. La carga de un hermano/cuñado que ha intentado suicidarse, completamente depresivo y patético. Y por último la pequeña la familia y su sueño: Ser parte del glamour y la elegancia de los tradicionales (y superficiales) concursos de belleza yanquis.

Comedia light, drama light, indie light

Análoga a la estela de figuras como Steven Soderbergh y Sofia Coppola, PMS supone otro salto de la escena indie más ignorada a los titulares de las novedades en la sección de entretenimiento de los telediarios de máxima audiencia. Ahí reciben su mención obras como Juno, compartiendo espacio con el blockbuster del momento. Un pequeño reconocimiento, el mínimo exigible para con el mercado alternativo.

Ahora bien, este paso adelante exige ciertas concesiones por parte de los autores marginales: no se puede ser tan bruto como Todd Solondz, ni lucir un sentido del humor tan "especialito" como el de John Waters, ni tampoco excederse en la narración egoísta de Gus Van Sant. Así sucede con PMS: Las bromas tienen comienzo y final muy definidos, el drama no llega a tocar verdades incómodas que el espectador yanqui prefiere ignorar, y el ritmo es el apropiado de una road movie sin anécdotas increíbles y salvajes.

Disfruté de la película acompañado de una persona totalmente ajena al mundillo del cine, una de esas personas que pican con las infra-producciones de cadenas privadas (muy dignas, pero creo que nos merecemos antes otras cosas). Esa persona no se rió nada en toda la película, salvo en la recta final, durante el concurso de belleza. Es evidente que la comicidad del film deriva en derroteros más sencillos momentos antes de comenzar el esperado concurso, más al estilo de las innumerables películas de Steve Martin (te lo puedes imaginar bailando y haciendo cucamonas en el escenario. Antes de ese momento alguien así no encaja en toda la película).

El drama familiar está también muy suavizado. Suicidio, ruina económica, presión y estrés familiar. Estos temas generalmente son my graves y duros de transmitir, pero en la película, pese a su presencia, la sensación que dejan es del tipo “bueno, al final no es para tanto”.

En estos aspectos el espectador más exigente puede quejarse y decir que flojea. Aunque no por ello la película no es disfrutable. La realización y la banda sonora cumplen su papel de forma muy digna.

Mensaje y pequeñas lagunas

Pese a todo, he disfrutado la película en justa medida, sobre todo por el mensaje que porta. Es el típico “la belleza está en el interior”, pero esta vez la cosa no es tan simple como en un episodio estúpido de Disney Channel, sino que ingredientes como el apoyo familiar, el cariño fraternal y el trabajo en equipo aderezan el mensaje, y su transmisión a través de las imágenes es magnífica (empujando juntos la furgoneta a través de la carretera… ¿hace falta explicarlo?).

Mis quejas se dirigen principalmente a los personajes de Steve Carell y de Paul Dano. El primero pese a su fama como cómico, en la película sabe controlar esos impulsos locos de los que hace gala en la edición versión estadounidense de The Office. ¡Faltaría más! El problema parte de su guión y su trozo del pastel dramático. Su pequeña batalla interior no llega ni a medio gas, apenas sufre, apenas aprende de los demás. Su conclusión feliz llega por arte del porquesí. En cuanto al personaje del emo recalcitrante, su parte cómica podría haber dado muchísimo más de sí, y habría sido de agradecer un poco más de chiste cebándose en esas contradictorias actitudes extremas que lo caracterizan. Aunque hubiera sido gótica, rapera o pija la estética para el muchacho, el resultado habría sido igual, apenas hay chistes.

Trivia (extraido y traducido de Imdb)

Completar el proyecto tomó 5 años debido a vericuetos económicos.

Fox Searchlight adquirió los derechos de distribución en Sundance 2006 al precio de diex millones y medio de dólares.

En sus orígenes, Focu Features estaba implicada, pero en 2004 se acabó su intervención.

Tras el suceso anterior, Marc Turtletaub y otros compañeros productores compraron el guión por 250.000 dólares. Marc anunció en su momento que él mismo se encargaría de cubrir el presupuesto.

En un principio se tuvo en mente a Bill Murray para el personaje de Frank. Como segunda opcion estaba Robin Williams.

En contra de lo que se dice, el apellido de Frank no es Greenberg, sino Ginsberg como se reveló en el guión final.

El nombre completo de Dwayne nunca es mencionado en toda la película.

Abigail Breslin wore a fat suit for the part of Olive.
Link this trivia.

Al interpretar a Olive, Abigail Breslin tuvo que utilizar un traje especial para que pareciera gorda.

La heorina que el abuelo esnifa en realidad son pastillitas de vitamina B mahacadas.

La matrícula de la furgoneta de la familia Hoover es "153 H8A".

En un principio fue concebida como una "road trip movie" de la Costa Este, un viaje desde Maryland a Florida. Pero por limitaciones en cuestión de rodaje se cambió a un viaje desde Nuevo México a California.

Durante el rodaje, se llegaron a utilizar cinco furgonetas Vokswagen Type2 idénticas.

Las escenas en Redondo Beach (la recta final de la película, el lugar donde se celebra el concurso Pequeña Miss Sunshine) en realidad se filmaron en Ventura, California. No hay autopistas en Redondo Beach que lleven a la playa.

Cuando escogierona Steve Carell tras el casting (ates de mediados de 2005), los productores estaban preocupados por no ser un actor de renombre y su posible falta de experiencia. Pero la situación cambió en el intervalo de tiempo que cubre la filmación de la película (verano de 2005) y su estreno encines en el verano del año siguiente. Debido a su trabajo en Vírgen a los 40 y la versión yanqui de The Office, su índice de popularidad alcanzó su cénit. En solo un año los productores pasaron de protestar y quejarse por él, a utilizarlo como orgulloso reclamo publicitario.

El 25 de julio del mencionado verano de 2006, Fox Searchlight Pictures organizó un pase en un "autocine" donde se invitaba a acudir a los poseedores de furgonetas Volkswagen. 65 furgonetas se presentaron a ver la película.

Los directores (Jonathan Dayton y Valerie Faris) habían dirigido previamente el video musical de "1979", canción de los The Smashing Pumpkins. Nótese que el coste de la compra de Frank en la gasolinera es de 19.79 dólares.

Dwayne y Olive no son hijos del mismo padre. Sheryl tuvo a Dwayne de un matrimonio anterior: En la película se dice "él ha visitado a su padre en Florida" y se ve una foto de Dwayne con su padre, aunque más joven.

Durante la escena de la comida en el restaurante de carretera, los cuatro clientes que están sentados detras de Sheryl y Richard son los padres de los directores.

Mientras grababan la escena en la tienda de la gasolinera (en Santa Clarita, California), una persona muy parecida a Paul Dano (que hace de Dwayne) entró en el establecimiento. Dano ese día llegaba tarde y como realmente no se le necesitaba, al ver al sosias todos pensaron que era el verdadero.

Todas las niñas del concurso al final de la película, salvo Abigail Breslin, son participantes veteranas de este tipo de concursos de bellez en la vida real. Usaron los mismos atuendos, peinados y maquillajes, y realizaron los mismos numeritos para la prueba de talento que alguna vez llegaran a realizar en sus carreras como niñas monas con certificado.

La película va dedicada a Rebecca Annitto, la sobrina del productor Peter Saraf, que murió en un accidente de tráfico a los 14 años, en 2005. Ella aparece como extra en las escenas del restaurante y la gasolinera.

El personaje de Dwayne en un principio iba a lucir un peniado Mohawk.

Thomas Haden Church rechazó el papel para Richard Hoover. Posteriormente, se arrepintió de tal decisión.

Michael Arndt tuvo que dejar su trabajo como asistente del actor Matthew Broderick para dedicarse a redactar el guión de Pequeña Miss Sunshine.

El equipo de rodaje se aseguró al 100% de que Abigail Breslin estuviera escuchando su Compact Disc de forma que no pudiera escuchar las líneas poco apropiadas para menores proferidas por el abuelete (Alan Arkin).

El presentador del concurso es una parodia de uno real, Tim Whitmer (conocido como "Mr Tim") que suele aparecer en bastantes documentales y programas sobre el tema.

Dwayne dice (escribe, más bien) que su edad es 15 años. En realidad, Paul Dano tenía 22 años cuando interpretó a Dwayne.

Aunque interpreten papeles de madre e hijo, Toni Collette y Paul Dano sólo se llevan 12 años de diferencia de edad.

Bryan Cranston ("Stan Grossman") and Dean Norris ("State Trooper McCleary") have supporting roles, and also star together in AMC's "Breaking Bad" (2008). "Breaking Bad" (2008) is also set in Albuquerque.
Link this trivia

Los secundarios Bryan Cranston y Dean Norris trabajan juntos en "Breaking Bad" (2008).

Una de las furgos VW que conduce Greg Kinnear está expuesta en el museo automovilísico "Petersen Automotive Museum" en Los Angeles.

SPOILER: El nombre de pila del abuelo sólo es revelado una única vez durante todo el film: despues de su muerte. Es Edwin Hoover.

En los audiocomentarios los directores cuentan que Greg Kinnear se avergüenza mucho de su forma de bailar porque su mujer se rió de sus pasos de baile durante su boda. Está tan avergonzado que llegó a pedir que eliminaran de la película la escena final con el baile familiar.

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Ruta 66: Kids

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Tue, 09 Nov 2010 15:42:00 +0000

Kids

Larry Clark (director) y Harmony Korine (guionista). Estas dos profesionales del cine independiente figuran en el especial Ruta 66 por lo crudo de sus films, que no son numerosos. Kids es una historia de adolescentes libre de cualquier edulcoramiento de los que se suele impregnar a esta etapa vital. No hay excesos basados en tópicos malintencionados ni censura sobreprotectora que en la cultura occidental se suele aplicar sobre los jóvenes. Kids llama poderosamente la atención por lo asombrosamente real y honesta que es.

El argumento está repartido entre un gran grupo de adolescentes, pero el hilo principal lo conducen dos personajes: Telly (Leo Fitzpatrick) y Casper (Justin Pierce), dos chavales sin oficio ni beneficio que lo único que persiguen en sus mundanas vidas es pasarselo bien con sus amigos practicando actividades tabú más propias de adultos. Su lema sería "Carpe Diem", pero no hay que confundirse y pensar que Kids es una pretenciosidad poética. "Vivir a tope" es un modo de vida para los personajes, que practican de forma natural, sin necesidad de posar y pensar sobre ello como una declaración e intenciones orgullosa. Y es precísamente el hecho de "no pensar" lo que provoca el nudo principal de Kids: temas como la promiscuidad, las drogas, el sexo con riesgo de embarazo, la irresponsabilidad, aparecen en su forma más conflictiva.

Más que un "retrato" de adolescencia descontrolada, a mí Kids me ha gustado mucho por la genial forma en la que funciona la "cámara" que realiza el ídem. Me ha parecido muy realista y creíble, sin entrar en un potente drama personal o caer en lo aburrido y neutral de los documentales psicológicos. Kids es una historia de jóvenes, interpretada por jóvenes siendo ellos mismos (circulan historias sobre niños drogadictos reales como falsos actores...).

Trivia (traducido desde Imdb por Aka y por Solondz)

-Peter Bici, Jeff Pang, Harold Hunter y otros muchos skaters que aparecen en la película son deportistas profesionales que perenecen al equipo Zoo York.

-Cameo: El guionisa y co-creador, Harmony Korine, aparece en la escena de la discoteca, junto al personaje de Jennie.

-Hubo ciertos problemas con la calificación por edades y la distribuidora. Ésta, Miramax Films, es una subdivisión que pertenece a Walt Disney Company, y esta última tiene por norma no lanzar películas prohibidas para menores de 17. Debido a la naturaleza adulta de Kids, Bob y Harvey Wenstein (jefazos de Miramax) optaron por la siguiente triquiñuela: crear de la nada una distribuidora indepediente, Shining Excalibur Pictures, que se encargaría de la distriución de Kids. Algo parecido ya les pasó años más tarde con el lanzamiento de Fahrenheit 9/11(2004).

-Harmony Korine escribió el guión a los 18 años en 1993 (nota de Aka: Esto debe de estar mal. Segun la propia Imdb, el señor Korine nació en el 73, por tanto, en el 93 él tendría 19/20 años.)
-Larry Clark ordenó a Harmony Korine que escribiera la película "de forma que surgiera del mundo interior de los chavales, de sus propios puntos de vista".

-La película se filmó en 4 semanas durante el verano de 1994.-Larry Clark aprendió a usar el monopatín durante la grabación.

-El film refleja de manera muy fiel el guión de Korine, pese a los aires de improvisación que aparenta.

-Pocos cambios se hicieron con respecto al guión original, excepto por la ausencia de la una escena. En ella Telly cuenta una tórrida anécdota de la infancia de Casper, en la que de pequeño sorprendió a sus padres practicando sexo sadomasoquista. Al confundir la situación con un caso de violencia real, el chico utilizaría un cuchillo de carnicero para acuchillar a su padre por la espalda.

-Leo Fitzpatrick, Larry Clark y Jim Lewis, se encargaron del primer bosquejo del guión, segú los títulos de crédito.

-Chloë Sevigny se gastó el dinero que ganó con su papel en viajar a Londres y a París.

-Durante su tiempo en la cartelera sucedió que muchas asociaciones de protesta intentaron boicotear los pases, construyendo piquetes frente a los cines. Sobre todo en Reino Unido.

-En un principio, Larry Clark había escogido a una actriz más joven para el personaje de Jennie, Mia Kirshner. Chloë Sevigny también estaba involucrada en el casting final pero poco después de empezar a rodar se optó por hacer el cambio (de hecho el personaje de Jennie está basadop en la propia Chloë Sevigny).

-La película presentó música original de Lou Barlow y John Davis.

-Fue el propio Korine el que acudió directamente al productor Cary Woods para invertir en su proyecto. Éste acababa de producir otra película sobre la adolescencia, Rudy.

-El casting se inició mucho antes de reunir la financiación necesaria. Muchos de los elegidos eran parte del grupo de amigos de Harmony Korine, quienes también eran la base de algunos de los personajes del guión. Pero tras más de un año en el se aseguraron los inversores, los miembros del reparto inicial, o habían crecido demasiado, o tras pensarlo dos veces habían sido reemplazados.

-Larry Clark y Harmony Korine desubrieron a Rosario Dawson de casualidad en East Village.

-Despues de hacer esta película, Leo Fitzpatrick decidió que no le gustaba interpretar. Cogió 300 dólares, su monopatín, algo de ropa y se mudó a Reino Unido. Pasaron tres años antes de que quedara convencido en retomar su carrera como actor.

-Oliver Stone, tras leer el guión, intentó convencer a Korine para que le escribiera algo parecido.

-Leo Fitzpatrick fue de los primeros en ser elegidos para el casting.-La paliza al chico negro está basado en una situación real que sucedió cerca del lugar donde se filmó esa misma escena.

-Por su interpretación, Justin Pierce ganó un premio Independent Spirit como mejor actor revelación. El guión estuvo nominado en su respectiva modalidad, pero perdió ante Paul Auster y su Smoke (1995). (nota de Aka:¡Nos ha jodido! :D)

-Según los créditos, parte de las ganancias se destinaron a organozaciones dedicadas a los problemas graves en la adolescencia.

-El presupuesto de la película alcanzó el millón y medio de dólares. La Miramax la descubrió en el festival de Sundance y adquirió los derechos por tres millones y medio de dólares.

-La discoteca es un emplazamiento real, el Club Tunnel de Nueva York, en Manhattan.

-En una entrevista, Jeff Pang afirmó que la mayor parte del film se filmó sin guión. En las fiestas, las cámaras simplemente grababan a los chavales fumando, emborrachándose y drogándose libremente. Hay cierto debate sobre si la marihuana en la escena del puro/porro es real.

-El video sobre skateboarding que estan viendo los chicos en el piso al comienzo de la película, es metraje de la siguiente película: Video Days (1991).

-La palabra "stoop" la inventaron en esta película. Se refiere a los portales de los edificios de pisos, como punto de encuentro para hacer el vago. Es jerga slang, para más info aquí:Urban Dictionary.

-Larry Clark decidió contratar a Leo Fritzpatrick tras verle hacer skateboard en directo. Y tras verle blasfemar cuando no le salía bien algún truco.

-Es la primera película en la que aparece Jon Abrahams.

-El British Board of Film Classification insistió mucho en que eliminaran una escena en la que un chaval encontraba a una chica violada. Esto se debe a que la ley en Reino Unido no permite que se muestren niños en escenarios sobre sexo, aunque sea simulado.

-Justin Pierce se hizo daño en la muñeca tras un altercado en una discoteca. Como no podía ponerse yeso hasta después de acabar el rodaje, podemos verle disimular el dolor en la escena de la piscina colocando su mano por encima de su cabeza.

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Ruta 66: Slacker

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Fri, 03 Sep 2010 20:11:00 +0000

Hace tiempo que no actualizamos. ¿Será que somos un par de Slackers, merodeando por ahí?

Slacker

La estructura de la colección de fichas subjetivas que forman Ruta 66, generalmente comienzan con una breve sinópsis de la película que se está analizando. Esta vez me excusaréis si esta vez decido eludir tal tarea, pues con este film de Richard Linklater, las proporciones de la misma serían titánicos. Slacker en su naturaleza de recopilación social, tiene en su haber un plantel de protagonistas innúmero, todos los cuales tienen la misma relevancia y recoger uno a uno su nombre, aparte de tedioso, sería algo difícil pues prácticamente todos estan grabados bajo una lente de anonimato.

Las microhistorias que se van sucediendo una tras otra están enlazadas por encuentros meramente circunstanciales: de un viandante a otro sin conexión alguna entre ellos, encuentros casuales entre desconocidos, visitas regulares de amigos cuyas complicadas relaciones apenas se nos muestran... Una gran parte de ellas se reducen a conversaciones trascendentales (pero de forma irónica), sobre temas que no van más allá del "hablar de cualquier cosa, con tal de charlar un rato" Simplemente un retrato colectivo de una típica ciudad suburbana de finales de los 80/principios de los 90, que atestigua el espíritu de la cultura pop del momento.

Y menuda selección. Desde la distribuidora clandestina de vello púbico de Madonna, hasta el anti-artista, pasando por los fumados clientes de un restaurante y al propio Linklater filosofando en un taxi. Un caldo de cultivo para etimología social urbana: Hipsters, Beatniks, Slackers, Anoraks, Geeks... Cada individuo retratado supondría una ficha propia de una hipotética (e inquietante) sociopsico-wikipedia.

Como comprobaréis en la sección de trivia más abajo, Kevin Smith quedó fascinado con esta peli, y motivado por ella decidió vender su inmensa y valiosa colección de cómics para su ópera prima Clerks (1994). Reconoceréis la influencia en las mencionadas conversaciones, sobre todo en las centradas en la cultura pop y los fenómenos de actualidad.

Slackers es gente de la calle, pero no a lo Callejeros para que nos sintamos superiores y dignos, sino como un reflejo sin pretensiones de "esto es lo que hay/hubo aquí".

Trivia (traducido de Imdb)

- (Curiosidad exclusiva de Other Films) La máquina arcade que aparece en la película, la que está jugando el guarda del supermercado, es el Vigilante.

- Esta película inspiró a Kevin Smith para que se hiciera director de cine, y creara Clerks.

- En general, una película normalmente tiene una media entre 500 y 1000 cortes. Slacker tiene 163 sólamente. Y la tercera parte de esta cifra corresponde a la secuencia final grabada en Super 8 de los chavales.

- Click aquí para saber qué son exactamente las "Cartas con estrategias oblicuas"

- El "Anti-artista" que aparece en un bar cerca del final de la película es un músico y poeta famoso en Austin llamado Wammo. Es uno de los miembros fundadores de la banda Asylum Street Spankers. El movimiento anti-arte es al que pertenece en la vida real.

- El "Tipo que tira la máquina de escribir" lee un pasaje del Ulises de James Joyce.

- Hay un fotograma de Eraserhead (1976) en la película.

- En un principio el título iba a ser "The Nobody Boy", pero el estudio lo cambió.

- EL "Tipo felíz como una perdíz" que no tiene cambio para comprar el periódico es miembro de la banda Poi Dog Pondering. La canción que va silbando antes de ese momento en concreto es una de sus canciones. La mujer que le niega el cambio cuando se lo pide, es ex-miembro de esa misma banda.

- La secuencia en blanco y negro de bar está grabada con una cámara PixelVission de Fisher Price. Este aparato grababa directamente a cinta VHS y la calidad resultante dejaba mucho que desear.

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Banksy's Exit Through The Gift Shop: 5 minutos gloriosos

noreply@blogger.com (scanners) — Wed, 07 Apr 2010 00:17:00 +0000

El documental sobre Banksi va a tener distribución, por lo menos en los USA, así que la promoción acaba de arrancar con estos interesantísimos primeros 5 minutos. De no perderselos oiga!!!

Espíritu Independiente

noreply@blogger.com (scanners) — Thu, 04 Mar 2010 13:15:00 +0000

Ruta 66: Palíndromos

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Thu, 25 Feb 2010 12:01:00 +0000

Completamos la filmografía de Todd Solondz incluida en el especial Ruta 66 de la biblioteca Torrente Ballester de Salamanca. Esperamos con impaciencia a que nos importen “Life During Wartime” para analizarla con el trato que se merece.

Palídromos – Palabras del derecho y del revés

Aviva es una chica que tiene un sueño algo peculiar: ser madre. La peculiaridad viene a cuento de la urgencia con la que quiere cumplir ese sueño. A pesar de tener apenas 12 años, ella quiere tener hijos, muchos hijos ya. Es irracional, pero ella los quiere ahora y cuanto antes. E intentará por todos los medios conseguir su meta, aunque ello le suponga vivir una tórrida aventura por el lado oscuro de la America conservadora.

Esta historia tiene una protagonista, pero curiosamente tiene a la vez muchas. Todd Solondz en su labor de guionista y director ha aunado un recurso de dirección, interpretación de diferentes actores un mismo personaje, con un recurso de guión, la metáfora principal de la película en forma de mensaje “las personas no cambian por dentro por mucho que lo hagan por fuera”. Así obtenemos una película dividida en fragmentos, cada uno protagonizado por las diferentes chicas de rostros desconocidos hasta para el espectador más experto.

Las películas de Todd Solondz entran sin ningún problema bajo el calificativo de extremas. Ya sea con una ironía muy bien hilada, o tratando sin apenas tapujos temas de puro tabú social, las historias de Solondz no dejan indiferente por el impacto que causa su estilo over the top. Con Palíndromos la cosa sigue ese cauce, pero a mí personalmente me ha dado una impresión de equilibrio muy satisfactoria. En Palíndromos encontramos todos los elementos típicos Solondzianos, pero al finalizar el film uno siente que la balanza está en perfecto equilibrio: humor negro, tabú social, drama, realidad en conjunto con el mensaje principal de la película, que se transmite de forma redonda, literalmente en cierto sentido de simetría visual. Podría criticarse este último recurso, la película finaliza muy como el comienzo, algo bastante gastado en la historia del cine, pero la forma de conseguir esa simetría argumental tiene algo de especial en el caso de este film de la mano de Solondz.

Trivia (traducciones de Imdb.com)

Solondz utilizó los ahorros de toda su vida para hacer esta película ya que ningún estudio quería financiarla.

Heather Matarazzo no quiso volver a participar en esta historia en el papel de Dawn Wiener (protagonista de Wellcome to the Dollhouse).

Los nombres de Aviva, Bob y Otto son palíndromos en sí.

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The People vs. George Lucas: Nuevo trailer y premiere en el SXSW 2010

noreply@blogger.com (scanners) — Thu, 04 Feb 2010 12:05:00 +0000

Por fin hay fecha de estreno para el tan traído y llevado por estos lares documental, acerca del los problemas pendientes de media humanidad con el señor de la papada imposible. The People vs. George Lucas tendrá su premiere en el 2010 SXSW Film Festival, compartiendo cartel con gente del tamaño de Steven Soderbergh, Michel Gondry y Jean-Pierre Jeunet. Desde Other Films le deseamos a Alexandre O. Philippe, con quien hablamos hace unos meses, toda la suerte del mundo con su nuevo trabajo y esperamos que de alguna manera podamos verlo estrenado en nuestro país. De momento, y hasta que sepamos si un servidor ha se ha quedado en el suelo de la sala de montaje, este es el nuevo teaser que nos hace adivinar por donde pueden ir los tiros.

Exit Through the Gift Shop: La primera película catastrófica de arte callejero.

noreply@blogger.com (scanners) — Wed, 27 Jan 2010 16:06:00 +0000

¿Un documental que intente mostrar a Banksy, Shephard Fairey o Invader? ¿A caso se puede filmar lo infilmable? Según Collider ha sido de lo mejor de este año en Sundance y recomiendan verla porque no quieren estropearle la película al público. Seguiremos informando.

Trivia de Mallrats

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Mon, 25 Jan 2010 13:11:00 +0000

Las curiosidades de la película Mallrats, traducidas de Imdb. Que las disfrutéis:

- El estudio estuvo a punto de utilizar a Seth Green en lugar de a Jason Mewes para hacer de Jay. Kevin Smith insistió en que Mewes interpretara a Jay, pero aun así, obligado por el estudio, Smith realizó un casting para el papel. Breckin Meyer también participó en ese casting. Al final, todos llegaron a la conclusión de que Mewes era el adecuado.

-En un principio, la primera elección de Kevin Smith para el papel de Jared Svenning fue William Atherton, pero este se negó debido a que la película estaba orientada a un público adolescente.

-En la escena-homenaje a Batman, cuando Jay y Bob escapan de LaFours, el arnés que sujetaba a Kevin Smith no estaba bien sujeto. El caso es que la grúa para bajarlos no funcionaba (alguien la había apagado) y no conseguían encontrar la llave para ponerla en marcha. La escena podría haber acabado en una caída mortal.

-Cuando Brodie está hablando con Stan Lee, podemos ver a este mirando de un lado para otro. De esa forma leía los carteles con su guión, ya que al no ser un actor profesional y sin entrenamiento, tenía dificultades para memorizar sus frases. Por otra parte, le ocurría lo mismo a Jeremy London, a pesar de ser un actor experimentado.

-El libro que Bob está leyendo en la librería es solamente un prototipo, así como el stand de muestra. El libro aún no había salido a la venta.

-El productor Scott Mosier dibujó los planos azules (los que son del estilo de la serie de dibujos “El Coyote y el Correcaminos”) que usan Jay y Bob.

-Fue rodada en el centro comercial “Eden Prairie Center”. Al tener disponibles muchos locales vacíos, fue el lugar perfecto para montar tiendas falsas donde rodar.

-Mientras está comprando, Rene Mosier (Shannen Doherty) acaba vistiendo al menos tres vestidos diferentes. La actriz podía quedarse con toda la ropa que vistiera en la película, tal y como estipulaba una cláusula de su contrato, así que planeó que su personaje se pusiera toda la ropa que comprase durante la película.

-Esta es la segunda película de Kevin Smith que está intrínsecamente conectada con la saga del “View Askewniverso” (compuesta por Clerks (1994), Mallrats (1995), Chasing Amy (1997), Dogma (1999), Jay and Silent Bob Strike Back (2001) y Clerks II (2006)). Las películas están relacionadas por los personajes, los temas y los eventos, y cada una contiene numerosas referencias a las demás. (View Askew es la productora de Kevin Smith y de Scott Mosier)

-Durante su producción, se rodaba una película para televisión basada en Clerks, de Kevin Smith. Se llama también Clerks y es del año 1995.

-[Sello personal del director] [El primo Walter]: Uno de los protagonistas tiene un primo llamado Walter, el cual tiene gustos sexuales bastante extravagantes. Brodie en esta película, Randal, en el caso de Clerks. Podría ser que Walter fuera la misma persona que mencionan en las películas, por lo tanto puede interpretarse una conexión familiar entre Randal y Brodie.

-Los nombres de los protagonistas son Brodie Bruce y T.S. Quint, referencias a Tiburón (1975) en la cual hay unos personajes llamados Brody y Quint. Además, el equipo de grabación llamaba “Bruce” al tiburón mecánico que utilizaron.

-La foto en la cual se estampa Bob mientras emula a Batman, es la imagen de la esposa (por aquella época) de Jason Lee: Carmen Llywelyn.

-En la escena en la cual Jay y Bob se ocultan en una librería, Bob está leyendo "Spike, Mike, Slackers and Dykes: A Guided Tour Across a Decade of American Independent Cinema" de John Pierson. Libro que contiene numerosas entrevistas y escritos realizados por Kevin Smith.

-T.S. coge una gorra de Clerks en el mercadillo ambulante.

-Kevin Smith es un fan declarado de John Landis, y así lo demuestra mencionándolo en la sección de “Agradecimientos” de los créditos. En la escena de sexo en el ascensor, se escucha la misma canción que en la escena del ascensor de The Blues Brothers (1980).

-Trisha Jones está escribiendo su libro “Borgasmo” (en inglés es “Boregasm”, mecla de “Boredom”, aburrimiento, y “Orgasm”, orgasmo) para la editorial Pendant Publishing. Pendant Publishing es la compañía para la cual trabaja Elaine Benes durante las primeras 5 temporadas de la serie Seinfeld.

-El personaje de Lafours es una referencia al líder de las fuerzas de persecución en Buth Cassidy and the Sundance Kid (1969). Ambos personajes llevan el mismo tipo de sombrero.

- El personaje de Ben Affleck se llama “Shannon Hamilton”. Shannen Doherty se había casado poco tiempo antes con Ashley Hamilton, aunque ella no adoptó el apellido de él.

-En realidad, el ascensor donde Brodie y Rene echan un polvo tiene las puertas de cristal, así que para la película tuvieron que taparlas.

-La imagen de la camiseta de Brodie es una cara deformada, fruto de mezclar las caras de los tres actores que no consiguieron el papel para el personaje.

-El nombre “Gwen Turner” es una referencia a la directora Guinevere Turner.

-Nunca se menciona el apellido de Rene en la película, pero en los créditos pone que es Mosier en posible referencia al productr Scott Mosier. Pero en realidad quizás se refiera a una ex-novia de Kevin Smith, Kristen Mosier (hermana del citado productor). Smith dice en el audiocomentario del DVD que ella fue su inspiración para el personaje de Rene.

-Cuando Rene (Doherty) se dirige a Jay y a Bob para avisarles de que van a arrestar a Brodie y a T.S., William (Ethan Suplee) dice: “¿Brenda?”. Esto es una broma en referencia al personaje de Doherty en la serie “Beverly Hills”(1990). No estaba planeado en el guión, pero Kevin Smith les dijo a ambos actores que siguieran la broma. Eso sí, Suplee no se esperaba que ella respondiera, así que su reacción es genuina.

-El pase de prensa que Svenning lleva colgado al cuello tiene el logo de View Askew, la compañía productora de la película.

-En un principio el personaje de Svenning no era calvo. Michael Rooker se tiñó el pelo de gris para mejorar el aspecto del personaje, pero acabó decidiendo que calvo quedaría mejor todavía.

-Los ejecutivos del estudio pidieron que se suavizase el lenguaje de la película. Un poco.

-Durante la grabación Seth Green estuvo a la espera, dispuesto en cualquier momento a volar desde Minnesota para reemplazar a Jason Mewes, en el caso de que hubiera sido necesario.

- El comienzo original de la película tuvo una pobre acogida durante los pases de prueba, así que lo cambiaron por el que filmaron en Los Ángeles. Ese comienzo muestra el incidente con el gobernador (lo que mencionan en la película los ejecutivos de televisión).

-El emplazamiento del mercadillo ambulante fue derribado a mediados de los 90. Actualmente es un multicine.

-La colección de Brodie es en realidad la de Kevin Smith. Muchas de esas obras las pudo recuperar Smith tras el éxito de Clerks. Tuvo que venderlas previamente para poder financiar esta última.

-En realidad, lo que se supone que está dibujado en el estereograma no es un barco, sino una serie de figuras geométricas.

-[Sello personal del director] [Star Wars]: La escena en la que Bob está colgado boca abajo es una referencia a El Imperio Contraataca (la escena en la cueva de hielo). Y la reacción de frustración de William (Ethan Suplee) al no poder descifrar el estereograma es una parodia de Chewbacca.

-[Sello personal del director][Comics]: Brodie es un coleccionista de cómics entusiasta; hay una tienda de cómics en el centro comercial; el creador de cómics Stan Lee aparece en la película; Brodie y T.S. debaten sobre la vida sexual del personaje de cómic Superman.

- En la portada de cómic ficticio en la que sale Brandi, hay dos referencias típicas de Kevin Smith: El fuego detrás de ella forma la palabra “Jaws”, título de “Tiburón” (1975) en inglés, y ella lleva puesto una chaqueta de un equipo de hockey (el deporte favorito de Smith).

- John Landis iba a hacer un cameo como cliente en la película, pero fue algo que se planeó en el último minuto y al final no pudo hacerse.

- Jennifer Love Hewitt intentó optar al papel de Tricia Jones.

- En el VHS en el que está grabado el encuentro sexual de Tricia, hacia el final de la película, se puede ver que el título tachado es “Woody Woodpecker” (“El pájaro loco” en España).

- Según los planos de Jay y Bob las fases de su plan se llaman “Operation: Drive-By” y “Operation: Dark Knight”.

- La única frase de Bob el Silencioso en toda la película es: “¿Riesgo? ¿Aventuras? Un Jedi no busca esas cosas”. En la versión extendida de la película decía otra frase: “No había nada bueno que decir hasta ahora”.

- Rodada en Minnesota, a la vez que Fargo (1996) y muy cerca del emplazamiento de rodaje de esta.

- El cameo de Stan Lee no estaba planeado en un principio. Kevin Smith creó un personaje con un rol de creador de cómics como el de Stan Lee, pero a través de ciertos contactos pidieron a Stan Lee que participara en la película, el cual aceptó.

- Heather Graham hizo una prueba para tener un papel en la película. Reese Witherspoon se reunió con el director de casting, con Kevin Smith y con Scott Mosier. Estos dos no quedaron muy contentos con el susodicho encuentro y le dijeron al director de casting que ni se molestara en hacerle una prueba a Reese. Los detalles de aquella reunión los cuenta Smith en su libro “Silent Bob Speaks”.

-[Sello personal del director][Una brazo aparece y arrastra a un personaje fuera de plano]: Al final de la sesión con Ivannah la vidente.

-[Sello personal del director][Referencia a Tiburón]: T.S. se quiere declarar a Brandi “cuando el Tiburón sale del agua” en los Universal Studios.

- Las escenas finales contando el futuro que les depara a los personajes es un homenaje a la película “Aquél excitante curso” (1982). De hecho la fuente de los subtítulos es la misma.

- Uno de los participantes del concurso de parejas es Gill Hicks interpretado por Brian O’Halloran, en referencia a Dante Hicks de Clerks, interpretado por el mismo actor.

- En inglés, cuando William se sobresalta dice “Poopie Trim”. Una referencia a una broma interna entre Kevin Smith y el supervisor del guión Carol Banker (Nota de AkaTsuko: Ni idea de lo que dice en español, pero igual lo dejaron como un elemento intraducible con poco sentido).

- Shawnee Smith realizó una prueba para la película. Cuenta Kevin Smith que ella fue muy maleducada y que se burló del guión. Don Philips, el director de casting pidió disculpas por su comportamiento.

- Todo el diálogo sobre Superman teniendo un hijo está extraido de un ensayo publicado en 1971, escrito por un autor de ciencia ficción llamado Larry Niven. El título del ensayo es “Man of Steel, Woman of Kleenex".

- Esla única película de Kevin Smith no ha editado él mismo, aunque él y Scott Mosier se encargaron de la edición extendida en DVD para el décimo aniversario.
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Dumbstruck: ¿Quien quiere ser ventrílocuo?

noreply@blogger.com (scanners) — Tue, 19 Jan 2010 23:24:00 +0000

En una época en la que la incertidumbre laboral esta tan al cabo de la calle, hasta hacerse ventrílocuo parece una buena idea. En Estados Unidos están organizados para casi todo, y el documental Dumbstruck comienza precisamente presentando a sus personajes en un certamen de ventriloquia. Como suele ser habitual los creadores del film encuentran a personajes más raros incluso que sus propios muñecos. Dumbstruck, título a tener en cuenta en el futuro.

The Dungeon Masters

noreply@blogger.com (scanners) — Mon, 11 Jan 2010 10:07:00 +0000

The Dungeon Masters es un documental centrado en tres jugadores del clásico Dragones y Mazmorras. Lejos de tratar a fondo el método de juego o las distintas versiones y ampliaciones del mismo, la película se centra en el lado humano de los protagonistas. No dejéis de leer la interesante entrevista al director Keven McAlester, en la que cuenta la génesis del proyecto y su proceso de producción, durante el cual se llegaron a acumular más de 200 horas de metraje.

Aunque la película es de 2008, el próximo febrero se pondrá a la venta en DVD.

Ruta 66: Mallrats

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Fri, 11 Dec 2009 19:09:00 +0000

Kevin Smith tiene un hueco destacado en la selección “Ruta 66” (que llevamos diseccionando poco a poco en este blog) realizada por la biblioteca salmantina Torrente Ballester. Pero por alguna razón, entre las películas escogidas figura primero Mallrats. ¿Acaso no posee más carácter indie su obra magna Clerks? ¿Dónde está pues? Quizá en Ruta 66 quede obviada por razones desconocidas, pero aquí en Other Films estamos preparando una entrada especial face-to-face de ella frente a su secuela, Clerks 2. Mientras tanto, respetaremos la cadena de análisis que aquí realizamos…

Slacker Movies

Métase usted, lector, en harina: Slacker. ¿Qué es un Slacker? Es un prototipo de persona/personaje, falto de voluntad, carente de ambiciones. En definitiva un “bueno para nada”. El término en español bien nos puede ser proporcionado por la película que tratamos en esta entrada: Pusilánime.

En las películas de corte Slacker vamos a encontrar protagonistas desganados sin objetivos a largo plazo. Los veremos deambular sin rumbo fijo por las aburridas aceras que son sus vidas. Su mayor problema consistirá en decidir en qué invertir (malgastar) su indigesta cantidad de tiempo libre. Tipos carismáticos al 100%.

Mallrats es una película de este curioso género, por tanto sus protagonistas no van tener problemas verdaderamente trascendentales, y cualquiera estará de acuerdo en que pasarse el día matando el tiempo en el centro comercial (Mall…) merodeando como ratas (…rats) de tienda en tienda, de planta en planta, no es un buen contexto para una trama trascendental al uso.

Las ratas de Askew

Jeremy London es TS, un universitario cualquiera de actitud insegura, que tiene un problemón con su chorba. Jason Lee es Brodie, coleccionista de cómics hardcore que vive en casa de su madre y que tiene un problemón similar. Juntos forman un dúo protagonista en el que TS sirve de personaje florero pasivo cuya función es darle coba a Brodie para deleitar los oídos del espectador con diálogos geeks, cínicos, irreverentes y con chispa. Este esquema no es que suene, es que atrona a Clerks. Pero esto no es negativo necesariamente.

Claire Forlani y Shannen Doherty son, respectivamente, los problemas con curvas de los dos individuos mentados. Y luego están Jay y Bob el Silencioso, Jason Mewes y Kevin Smith (que además dirige y escribe, por si no habéis pinchado en el vínculo de su nombre al inicio de la entrada). Como aparición friki estelar nos encontramos a Stan Lee, ídolo de oro entre los amantes del cómic de superhéroes. Ben Affleck también aparece probablemente por artes de presión de estudios, así que su mención bien puede acabar aquí.

Un momento… Personajes urbanos, unos escenarios costumbristas de los 90, trama amorosa sin pretensiones, comedia basada en los diálogos ingeniosos, esos dos mongolos de Jay y Bob… ¿Aquí hay gato encerrado? No, es simplemente la mitología creada por Kevin Smith bajo su productora View Askew. Las películas desarrolladas por Smith están unidas por numerosos, pero pequeños, detalles argumentales: personajes, situaciones, tramas, intérpretes, chistecillos…Todo el trasfondo referencial del que hacen gala Clerks, Mallrats, Persiguiendo a Amy, Dogma, Jay y Bob el Silencioso Contraatacan y Clerks 2, podría dar de sí para un extenso artículo analítico, o bien para un ciclo de cine en casa un fín de semana.

Lo güeno

Es una comedia ingeniosa con todas las letras. La velada se pasa volando, mientras acompañamos a esos cuatro caraduras haciendo el vándalo por el centro comercial. Brodie tiene el mismo carisma que puede tener el pionero Randall (de Clerks), el cuerpo es otro, pero el ánima despreocupada y cínica es clónica.

Kevin Smith sí que sabe elegir actrices atractivas. Tanto las novias de los protagonistas, como las secundarias que se pasean por el centro comercial provocarán derramamientos de baba a más de uno.

Los aportes cómicos de Jay y Bob a la trama son impagables, el salto cualitativo de Smith como Bob desde Clerks a Mallrats es bastante destacable.

Lo malo

Los más exigentes pueden exprimir a dos bandas: no es arriesgada y es más de lo mismo (más de Clerks). En una entrevista en los extras Smith afirma que pretendían desde un principio un Porky’s “inteligente”, una Clerks en un centro comercial. Pero si nos ponemos en plan “vi Clerks y me quedé con muuuuchas ganas de más”, este defecto se convierte en virtud.

Kevin Smith ya no sabe elegir actrices creíbles. La novia y la ex de Dante Hicks en Clerks daban una impresión más humilde y realista, cercana al espectador. En Mallrats, y por lo que se ve, de ella en adelante, los personajes femeninos son maniquíes de escaparate (metáfora muy apropiada para esta película, por otra parte).

Así como sucedió con Gimli en la segunda y tercera parte del Señor de los Anillos, Jay y Bob se convierten, arrastrados por el peso de su carisma, en… payasos de risa fácil.

Hora de cierre

Solondz me va a matar por esto: Mallrats es el comienzo de la carrera palomitera de Kevin Smith, en esta el espíritu humilde de Clerks se ha perdido ya completamente en mi opinión. Diversión para disfrutar entre amiguetes.

Trivia (traducido de Imdb y Wikipedia)

Brian O'Halloran, Dante Hicks en Clerks. Cameo interretando a un tal Gill Hicks...

Bastante extenso, así que se publicará en entrada aparte. ¡Gracias por su paciencia!

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Ruta 66: American Splendor

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Mon, 30 Nov 2009 21:42:00 +0000

El cine indie y el cómic underground. Un encuentro vital.

American Splendor

Harvey Pekar es un personaje de cómic. Y un personaje interpretado en esta película por Paul Giammati. Y una persona real, que también aparece en la película. Lo mismo se aplica para todos los personajes que aparecen en el film, bajo la dirección de Robert Pulcini y Shari Springer Berman.

La mezcla de formatos reunida no es precísamente a lo que estamos acostumbrados. ¿Crítica social? ¿Bio-pic? ¿Humor negro? ¿Documental sesgado? El mismo Harvey Pekar en persona con su esposa Joyce Brabner firman el guión de la película, más concretamente los cómics originales que adapta la película.

Un regalo para los fans del cómic... ¿no?

Reconozco mi falta de perspectiva para con esta película. Considero que hace falta cierto bagaje proveniente de la cultura de la viñeta americana para disfrutar plenamente de la historia de Harvey. Abundan las menciones a figuras del cómic, a títulos, a sucesos biográficos de otros dibujantes. Tambien ayudaría pertenecer a la época en la que se desarrolla la vida de Pekar, pues inevitablemente el contexto temporal ejerce su influencia mientras acompañamos a Pekar a lo largo de su trayectoria tanto vital como profesional.

La impresión que deja la película en un profano en la materia como yo, más amante de la ficción narrativa, está sesgada y desemboca en un sinsabor negativo. Es una experiencia bastante pesimista, el visionado del film. Harvey no es una fiesta con patas, y el hecho de que sea todo real no ayuda. El estilo narrativo me parece desequilibrado, con breves momentos pseudoartísticos, metraje real, behind the scenes?, narración en off a lo documental... un batiburrillo no muy cómodo. Al principio causó en mí una impresión de ver una comedia de humor negro, arrancándome algún bufido diversión. Pero esa sensación fue breve, pues a medida que pasaban los minutos el hastío y el aburrimiento se apoderaron de mí.

En definitiva, prefiero que defiendan la obra como debe ser los fans del cómic, pues arguyo que la película tiene un público target muy bien definido. Alienación para mí, pues estoy fuera de ese grupo.

Trivia (traducido de Imdb/Wikpedia)

Cameo: [Ted Hope] Es la voz que se escucha cuando llaman a Harvey del programa de David Letterman.

Paul Giamatti, durante la escena de la primera entrevista con David Letterman, viste la misma chaqueta que llevó el verdadero Harvey en su momento.

Jonathan Demme intentó adaptar el cómic en los 80, pero debido a que Demme no estaba establecido como director profesional, no llegó a buen puerto.

En un principio se pensó en Rob Schneider y en Leonardo DiCaprio para el papel de Harvey.

Las escenas de la “habitación blanca” se rodaron en tan sólo un día.

Cameo: [Gary Dumm] Dibujante durante mucho tiempo del cómic. Es el hombre de pelo canoso que le pide a Harvey un autógrafo de “Nuestro año del cáncer”.

Harvey comenta algo de una película sobre Robert Crumb. Es esta: Crumb (1994)

La NBC no dió permiso para que se utilizase el metraje real de cuando Pekar le cantó las cuarenta a Letterman en directo, así que ese fragmento está realizado por los actores.

Durante la escena de la primera entrevista a Harvey en el show de Letterman, vemos a Joyce de vez en cuando en la sala de espera, en compañía de un hombre que lleva un cocodrilo encima. En un principio este personaje iba ser John Waters en plan cameo.

"No te molestes ne dejar comentario, ¿para qué? Bah!"

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Berrinche Navideño

noreply@blogger.com (scanners) — Fri, 27 Nov 2009 15:27:00 +0000

Actualización:
Este vídeo ya no está disponible debido a una reclamación de copyright realizada por John Waters.

Se acercan las fechas más voraces (en todos los sentidos) del año, así que dejaros llevar por la furia consumista de Divine. La escena pertenece al clásico Female Trouble que el gran John Waters dirigió en 1974.

Ruta 66: Storytelling

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Sat, 14 Nov 2009 20:42:00 +0000

Todd Solondz y su humor incómodo.

Cosas que no se olvidan

Bajo esta traducción tan poco acertada, se esconde otra obra más del atormentado por la realidad Solondz, Todd Solondz. Lo más probable es que los nombres que más destaquen en el reparto sean los siguientes: John Goodman y Paul Giamatti. Pero comparten relevancia Selma Blair y Mark webber.

Afirmo lo que afirmo sobre la traducción ya que la película no toca temas relacionados con el pasado, los recuerdos, las memorias o las experiencias personales, al menos no desde un punto de vista cronológico que nos haga pensar en los “recuerdos” a los que alude el título castellano.

Primer tercio, y el resto

La película se divide en dos partes no simétricas. En primer lugar se encuentra la historia llamada “Ficción” que se centra exclusivamente en unos personajes inmersos en el mundillo de la ídem a través de su grupo/club de jóvenes alumnos escritores. La historia es significatívamente más breve que la que la sucede,“No Ficción”, pero eso no impide que su intensidad haga sombra a cualquier película anterior del director.

A falta de ver Life During Wartime me atrevo a decir que este relato de hipocresía existencialista es lo más fuerte que ha parido la escabrosa mente de Solondz. El humor irónicamente negro tan característico de su obra está ahí presente, pero al espectador le resultará muy, muy duro gesticular siquiera una leve sonrisa. Al menos a los espectadores con un mínimo de conciencia parecido al mío.

No sería adecuado describir los hechos de “Ficción”. La experiencia de ver a Solondz en acción debe ser pura, sin prejuicio alguno. Él solo ya se encarga de impregnar de mácula nuestra sensación al disfrutar de su película.

Si en Ficción la narrativa literaria es el instrumento de desarrollo, en el resto del film el storytelling protagonista es la narrativa visual, el formato documental concretamente. Es en este segundo capítulo en el que ya podemos reir tranquilos ante las sutiles bromas dialécticas y visuales de Solondz. El cambio de registro dentro del humor irónico es como una bofetada en la cara. Con No-Ficción uno puede reir agusto con lo variopinto de los personajes Solondzianos.

A Solondz le gusta reciclar biografías ficticias dentro de su obra, y es por ello por lo que un servidor espera que en próximas obras se rescate al “director” de documental protagonista de No-Ficción y a su compañera editora de vídeo, personajes cuya relación tiene un juego bastante potable a mi parecer.

Trivia (traducido de Imdb)

Actualizado el 15 de noviembre de 2009

En un principio había una tercera historia cuyo protagonista iba a ser James Van Der Beek. Su argumento cuenta cómo un estudiante univeritario va aceptando su sexualidad. Al final no se incluyó en la película. Act.: Concretamente, Van Der Beek interpretaría a un jugador de fútbol americano que "no ha salido del armario". La leyenda dice que por tocar un tema tan peliagudo (al menos en los USA) como es la homosexualidad, el material se eliminó tras unos pases en festivales de cine. Gracias a Solondz por la info.

Act.: La polémica del cuadrado rojo. En la brutal escena sexual de Ficción había un cuadro de un llamativo color rojo que tapaba las imágenes. Fue un recurso para evitar las restricciones del sistema de clasificación por edades impuestas por la MPAA (Asociación Cinematográfica de Estados Unidos). En un principo, en el cuadrado iba a estar escrita la palabra "CESURADO", pero la MPAA no lo permitió, pues ellos no se consideran "censores". Solondz describe lo del cuadrado como su postura política sobre la censura impuesta por la MPAA. En la versión internacional de la película no hay tal cuadrado, pero en los DVD's americanos sí que hay una opción para ponerlo. Gracias a Solondz por la info.

En la habitación de Toby Oxman puede verse un póster de la película “Celebración” (1998)

Emmanuelle Chiriqui, Adam Hann-Byrd, y Heather Matarazzo (Nota de Aka: esta última la “poecita” Dawnie Wiener de Welcome to the Dollhouse) grabaron escenas que al final tampoco se incluyeron en la película.

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Youth in Revolt

noreply@blogger.com (scanners) — Mon, 09 Nov 2009 18:18:00 +0000

Youth in Revolt

Ruta 66: Pink Flamingos

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Sun, 01 Nov 2009 13:22:00 +0000

Un ejercicio de mal gusto.

Pink Flamingos

John Waters es un tipo la mar de simpático y dicharachero. Suele dirigir, escribir y producir sus propias películas de forma totalmente independiente, como nos gusta aquí. Pero también le dá por utilizar a la misma troupe de interpretes chungos y horteras, lo cual no nos gusta tanto. Tanto en la película que toca tratar esta vez en Ruta 66, como en varias películas más de Waters de finales de los 60 y hasta los 80, toman parte los siguientes individuos: Divine, David Lochary, Mary Vivian Pearce, Mink Stole, Danny Mills, y Eddith Massey. Merece la pena mencionar que estos nombres son los principales por que tienen mucho diálogo en el film, porque a nivel interpretativo destaca todo el reparto al mismo nivel: uno muy profundo.

Divine, diva entre divos

La historia de Pink Flamingos no es surrealista ni imposible, así que con eso no hay problema. Es una trama perfectamente plausible, pero lo malo es eso, que uno no querría que así fuera. Divine, es un travelo con una personalidad inmunda que le acarrea una fama morbosa. Pasa sus días en un entorno idílico: Una caravana de color rosa uy hortera en mitad del bosque. Vive junto a su madre, que padece un trastorno mental grave que le lleva a obsesionarse con los huevos, junto a su hijo Rackers, otro que tal baila, pervertido sexual semi-zoofílico, y por último, Cotton, otra hortera que le dá al voyeurismo. Divine tiene una clara meta existencial: Ostentar el título a la persona más inmunda y asquerosa del mundo. Precioso.

Pero a Divine se le presentan dos rivales que no se quedan atrás en cuanto a moral podrida. Una pareja de freaks sin nada mejor que hacer que secuestrar mujeres para embarazarlas y vender sus hijos al mejor postor. Ah, y pervertidos sexuales en su tiempo libre. Al final de la película uno no sabe quién es más inmundo, de verdad. Me atrevería a señalar con el dedo al propio Waters.

Lo que pasa con Flamingos

Es incómodo ver esta película. Bastante. No me quiero imaginar qué pasaría si se diese la situación en la que una persona, ignorante del contenido de la película, la pusiese en un ambiente familiar o entre amiguetes para pasar la tarde.

La película es puro material amateur. Tú lector, puedes pillar una cámara y hacer lo mismo que ha hecho Waters, pero seguramente no te atreverías. Lo único que no está al alcance del cinefilo de a pié es tener los arrestos y los huevazos para rodar escatológicas escenas a la altura de las de Flamingos. Porque Pink Flamingos lleva la escatología visual a un nuevo nivel, uno muy raro y extraño. De hecho creo que al espectador le puede producir mareos el hecho de que Waters se pase toda la película con la cámara en la mano, pasando de pillar un trípode, o un cacho palo largo para que la imagen adquiera algo de estabilidad.

Atención a la cuerda blanca del tronco en las dos instantáneas...

Se supone que es una comedia. Yo no me he reído. Buscarle algo positivo a la película es difícil. Pero me doy cuenta de algo: Durante el visionado tenía, debía, verla hasta el final por lo impresionado y cautivado que estaba. Y ese mérito hay que concedérselo a Waters.

Lo mejor, algo que no es la película

Esto es realmente relativo. En la edición en DVD a la que tengo acceso, viene un extracto de vídeo a modo de extra/documental con Waters como protagonista, comentando y presentando metraje inédito que no se incluyó en la película por motivos desconocidos (no hay apenas diferencia con el producto final, ni cualitativa ni leches, ¡es la misma basura! De ahí la relatividad que comento). Es un regalito muy simpático por parte del señor Waters. Verle comentar su peculiar obra como si fuese la cosa más normal del mundo no tiene desperdicio

Trivia (traducido de Imdb)

Los excrementos del perro en la última escena son reales. John Waters cuenta que le dieron de comer chuletas los tres días antes.

Sello personal del director: [Referencias al asunto de la familia Manson]. En una escena en la que Divine va paseando por Baltimore, podemos leer “Liberad a Tex Watson” en un graffiti de una pared. Y en el apartamento de Connie y Raymond hay una foto de Susan Atkins. Ámbos implicados en los famosos asesinatos de la familia Manson.

Se rodó durante los fines de semana. Los días laborables John Waters recaudaba dinero.
La casa de los Marble estaba alquilada por John Waters y Mink Stole. Los interiores se filmaron en la parte de la casa que pertenecía a Stole. Para la grabación, apenas modificaron la decoración original.

David Lochary Mink Stole diseñaron y se tiñeron su propio vello para la película.

Había una subtrama sobre “vengarse de Cookie”, pero se eliminó del producto final.

Para la reedición de 1997 se cambiaron algunos temas musicales. Un ejemplo notable es el cambio de "Sixteen Candles" de The Crests, por "Happy, Happy Birthday, Baby" de The Tune Weavers, en la escena de la fiesta.

According to director John Waters, the film's budget was so tight, that he could not afford "A" and "B" reels. The work print was in effect the master copy. (Nota de Aka, solicito ayuda de los lectores para esta info.) Traducción por Solondz: "Cuenta Waters que el presupuesto era tan ajustado que no se podian permitir copias de trabajo. Las copias de trabajo eran de hecho, el master final"

Los créditos iniciales son de los más largos de la historia. En ellos aparecen todos y cada uno de los actores y los extras de la película.

Durante el rodaje, arrestaron a Divine por robo. En su defensa, dijo que era un actor de método interprentando a un criminal.

John Waters quería a un tipo llamado “Mr. Ray” para que fuera el narrador de Pink Flamingos. Mr. Ray era un famoso locutor de radio para anuncios sobre el cabello y era conocido por su marcado acento de Baltimore. Mr. Ray rechazó el papel, así que Waters grabó la voz en off imitándole bajo en seudónimo de “Mr. J”.

Al parecer, David Lochary se coloreó el pelo de azúl con un rotulador de punta gruesa.
Cuando Connie y Raymond llaman a la policía para denunciar la fiesta de cumpleaños de Divine, Raymond da la dirección real del emplazamiento.

En algunos cines, se repartieron bolsas para vomitar marca “Pink Phlegm-ingo”.

El “Cantante Anal” (Nota de Aka: dios...) no aparece en los créditos a petición suya. John Waters afirma que “permanecerá en el anonimato. Es su decisión”. Sin embargo, el fulano no tiene problemen revelar su relación con la película delante de sus amigos.

En la fiesta de cumpleaños Divine y sus invitados inhalan de verdad nitrato amílico. En aquella época, en USA era legal comprar “poppers” de esa sustancia en las farmacias. Si uno se fija en la cara de Divine en esa escena, ella estalla en carcajadas de repente. John Waters dice que ahí “le da el subidón”.

Elizabeth Coffrey (“La Pava con Pene”) era un hombre transexual preoperado que había estado bajo tratamiento hormonal para conseguir los rasgos femeninos que se ven en la película. Se operó para quitarse el pene justo una semana después de rodar la escena en la que aparece en Pink Flamingos. Vuelve a aparecer en la siguiente película de Waters, pero ya como mujer.

John Waters escribió una secuela llamada “Flamingos Forever”. La trama tendría lugar en Baltimore, con el regreso de la pandilla de Divine a la cual se uniría el nieto de Divine, un travesti de 8 años. Su némesis en esta película sería Vera Venninger, la hermana de Connie Marble, junto a su marido Wilbur, un necrófilo dueño de un tanatorio. Troma Films iba a financiar el proyecto con 600.000 dólares, pero no se llevó a cabo por culpa de las muertes de Edith Massey y de Divine. Además, Waters estaba MUY descontento con las instalaciones de Troma para la edición de las películas, las cuales eran Moviolas antiquísimas de los orígenes de la edición fílmica. El guión de esta obra está disponible junto a los de Pink Flamingos y Desperate Living en una colección llamada “Trash Trio”.

El coche del matrimonio Marble perteneció a un hombre de raza negra que John Waters conoció durante la fase de pre-producción en Batimore. A cambio de poder usar su coche, Waters prepararía la siguiente escena en la que aparecería: Connie sale hablando con un espejo mágico y dice “Espejito, espejito, dime, ¿quién es la más inmunda de todas?”. Entonces un negro vestido así aparecería de entre una nube de humo y diría “Es Divine”. Pero Waters no conseguía que los efectos especiales funcionasen correctamente, así que se eliminó la escena de la película.

En el documental MIDNIGHT MOVIES, John Waters dice “Estaba colgado cuando escribí Pink Flamingos. NO estaba colgado cuando la realicé”

Según el diseñador de producción Vincent Peranio, el departamento de arte sólo disponía de 200 dólares de presupuesto. Se gastaron la mitad en comprar la caravana, la otra mitad en decorarla. “Después de quedarnos sin dinero, lo que hacíamos era robar cosas”.

Lo único de lo que se arrepiente Waters es de la escena de la felación. Fue incómodo pues los actores eran amigos en la vida real. También siente que es la parte más “pasada de rosca” de la película: acababan de estrenar “Garganta Profunda” y la escena en cuestión era una crítica de Waters a la moda del “porno chic”.

En el guión original había una escena en la que se prendía fuego al pelo de Connie. La actriz que interpretaba a Connie, Mink Stole, en un principio estaba de acuerdo en hacerlo, pero cambió de idea más tarde. John Waters cuenta en el audiocomentario que estába contento con su decisión, pues sino ella habría acabado con quemaduras de tercer grado en la cabeza y él habría ido a la cárcel.

En la escena de sexo entre Crackers y Cookie una gallina muere de verdad. En una de las escenas restauradas en 1997 se ve cómo cocinan su cadáver para cenar.

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Ruta 66: Napoleon Dynamite

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Fri, 16 Oct 2009 12:47:00 +0000

Comedia ligera, pero muy consistente.

Napoleon Dynamite

Jared Hess dirige completamente y escribe parcialmente (junto a su esposa Jerusha Hess) esta curiosa epopeya. No es un héroe ese enjuto avatar que protagoniza la portada de este film, pero tampoco es un consabido antihéroe de sobrado cinismo. Responde al nombre de Napoleon, se apellida Dynamite, dibuja fatal, tiene un amigo de procedencia dudosa, un tío inaguantable y sus preocupaciones no van más allá de la vida escolar de instituto yanki. Arrancando sonrisa tras sonrisa, esa es la forma de funcionar de este simpático film, y lo consigue a través de sus personajes encarnados por Jon Heder, Aaron Ruell, Jon Gries, y Efren Ramirez.

Napoleon, you are my hero

Desde el primer suceso, con Napoleon subiendo al típico bus amarillo para ir al cole, hasta el final, con cierta escena post-créditos, somos testigos de las pequeñas aventuras cotidianas de Napoleon y en parte de sus amigos y familiares. Todas ellas envueltas en un manto costumbrista de colores azul, rojo y amarillo. Los gags o sketches, como se quieran llamar, se suceden a un ritmo realmente cómodo, no se producen estallidos de carcajadas o intermedios sosos de metraje. Al menos es lo que yo preveo para cualquier persona que vea esta película sin prejuicio alguno. Los toques de humor inocente y en cierta manera sarcásticos (en la portada del dvd una reseña periodística menciona una “fuerte ironía”, cosa con la que no ando yo muy de acuerdo) son difícilmente predecibles, quizá el úno estereotipo que sigue el film es el de “final feliz con todos contentos”.

Los personajes, sobre todo el tándem formado por el caprichoso Napoleon junto a su entrañable amigo Pedro, realmente se hacen querer. Me atrevería a realizar una analogía con Forest Gump, pero hay que destacar que Napolen Dynamite prescinde de las pretensiones moralistas a lo “cualquier persona puede llegar muy lejos” para dejar paso al humor simpático. Y en mi impresión de la película me niego a pensar en los personajes pringadillos, a estos losers, como deficientes psíquicos. Son simplemente peces pequeños en un acuario de tiburones enanos.

El estilo visual colorido

Ojeando algunas capturas de la filmografía de Jared Hess, echando un vistazo a los avcances de su inminente proyecto Gentlemen Broncos, uno se da cuenta de que el director tiene algo con la fotografía multicolor, sobre todo con el azúl a mi parecer. Esos planos de horizones limitados por un cálido cielo azúl despejado hacen pensar sobre una fijación caprichosa del director, es raro que en trivia de Imdb no se agregue una entradita con este detalle (al menos no se ha hecho con el trivia de Napoleon, el cual encontraréis traducido líneas más abajo para vuestro disfrute).

Para muestra unos botones:

En definitiva, bien puede uno susituir esos telefilms de mal rollo de mediodía de fín de semana por un tentempié de humor con buen gusto que es Napoleon Dynamite. Y si hace falta repetir se repite.

Trivia

Elvis Costello usó el seudónimo de “Napoleon Dynamite” en su álbum “Blood and Chocolate” (1986). El productor ejecutivo de la película, Jeremy Coon, asegura que el símil es pura coincidencia, que los pductores se enteraron de lo de Costello después de haber empezado la fase de producción.

En la fantástica introducción, todos los platos que salen, van apareciendo progresivamente en la película engullidos por los personajes. Esta intro es obra de tres personas diferentes.

Debido al impredecible éxito de la película en los festivales tras una distribución limitada, Fox Searchlight re-editó el film añadiendo 5 minutos a modo de epílogo en el final. La sorpresa consiste en la escena de la boda, que se filmó tras el estreno de la película y que costó la mitad de lo que costó hacer la película entera.

La lista de títulos de créditos de la película es de las más largas de toda la historia: abolutamente todos los nombres de los extras, 181 estudiantes, salen anotados en los créditos.

Se editó en el piso del productor Jeremy Coon, con un Macintosh de 6.000 dólares y con el programa Final Cut Pro.

Durante el festival de Sundance de 2004, Fox Searchight y la Warner Independent Pictures se enraizaron en una lucha por los derechos de distribución del film. En el último minuto, la Fox pujó por 3 millones de dólares y ganó. Más tarde se uniría con la Paramount Pictures y con MTV Films para distribuir la película justo a los 17 días antes de la salida oficial de la película.

El “ligre” es un animal que exste de verdad, fruto de la cópula entre un león macho y un tigre hembra. Eso sí, nada de poderes mágicos como cuenta Napoleon.

Solondz me ha rogado y ordenado y amenazado para que pusiera una foto del Ligre.

La escena en la que Rico le atiza a Napoleon en la cara se rodó 4 veces hasta el resultado final.

Rodada en 22 días.

La genial escena de baile de Jon Heder estaba planeada para el final del rodaje, y meintras la rodaban se quedaron sin rollo de cinta para grabar. La secuencia está editada a partir de menos de 10 minutos del baile.

La brutal escena del granjero cargándose a una vaca frente al autobús escolar es una anécdota real de la infancia del director.

Los “brackets” dentales de Aaron Ruell (Kip) son reales. En los créditos se agradece la labor a dos dentistas en concreto.

Se utilizaron dos casas distintas para grabar la casa de Napoleon: una para interiores, y otra para el exterior.

El estudio fotográfico de Deb es en realidad el sótano de la mencionada casa para interiores.

Poner los nombres en los platos de comida de la intro fue idea de Aaron Ruell. El resto de la secuencia la diseñó y realizó Pablo Ferro.

Napoleon lleva una camiseta del Ricks College en la escena en la que está hablando con Pedro sobre la fecha del baile. Jared y Jerusha Hess asistieron a ese colegio, pero ya cuando se llamaba BYU-Idaho (era u colegio de Idaho y estaba asociado a la Brigham Young University).

El estado de Idaho montó de forma anónima un cartel publicitario en el que sagradecía encarecidamente la labor de Jared y de Jerusha Hess. Gracias a la película la administración y la plantilla laboral de el Preston High School, y sobre todo el personal de cafetería, disrutaron de notoriedad y reconocimiento mundial. Los Tater Tots que salen en la película han promocionado el producto que más exporta Idaho.

En la realidad, la llama es propiedad de la madre de Jared Hess y su nombre es Dolly (el nombre de la llama :D).

La novia del tío Rico que aparece en bicibleta al final de la película es la esposa de Aaron Ruell.

Por su labor como Napoleon, Jon Heder cobró 1.000 dólares. La película se agenció 40 millones de dólares sólo en los Estados Unidos.

Todos los dibujos pertenecen a Jon Heder, salvo el del unicornio.

Para la coreografía del baile de Napoleon, Jared y Jon improvisaron a partir de tres canciones distintas.Hess recicló los mejores movimientos de cada una y los mezcló para una sóla canción.

Entre escena y escena, Jon Heder colaboró en hacer las pulseritas de cuentas de Swarovski (en inglés, "boondoggles keychains").

Tina Majorino (Deb) ayudó con la coegrafía del baile. Jon Heder confiesa que algunos movimietos son “prestados” de Michael Jackson, Backstreet Boys, John Travolta, “Soul Train” (1971) junto a algunos movimientos de producción propia.

Jon Heder “se hizo la permanente” para el film. (Nota de Aka: “XD”).

Cuando Kip está con el ordenador al prinipio de la película, todo lo que murmura es impvisación de Aaron Ruell.

En una escena eliminada, se ve como Napoleon gana 10 dólares con un “rasca y gana”, cosa que pasa en la película de Jared Hess “Peluca” (2003). Ello explicaba que Napoleon pudiera permitirse comprar el traje de 12 dólares para el baile. En la película, al final no sale ni el precio.
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Ruta 66: Las Vírgenes Suicidas

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Wed, 07 Oct 2009 14:50:00 +0000

Ruta 66 vuelve al redil con todo el cine indie con el que se pueda topar bajo el sol seco de los desiertos yanquis.

Las vírgenes suicidas

Basada en la novela homónima de Jeffrey Eugénides, es una película dirigida por Sofía Coppola (hija de Francis Ford Coppola) y estrenada a 7 años de diferencia de aquella. Del elenco de actores que la protagonizan destacan los siguientes nombres: Kathleen Turner, Kirsten Dunst, James Woods, Y Josh Hartnett.Me gustaría destacar las breves y humildes aportaciones de Danny DeVitto (como terapeuta en par de escenas) y de Giovanni Ribisi (como narrador).

Trágica historia de unas chicas inocentes en un sentido ambiguo

En un barrio acomodado típicamente americano cierto suceso ha supuesto un punto de inflexión en su aburrida intrahistoria: la muerte por suicidio de cinco hermanas adolescentes. Esta tragedia levanta todo tipo de rumores si fundamento, hipótesis interesadas y leña para quemar en las reuniones informales de amas de casa ociosas. Todo el mundo especula sobre la causa de la fatalidad, pero sólo un grupo de inocentes chicos conoce la verdad. O al menos eso creen ellos.

La principal trama de la película, y se podría decir que la única trama al comprobar su importancia en el trato que le da Coppola, carece de pretensiones. No nos encontramos ante un misterio cuyo suspense e incertidumbre alcance proporciones detectivescas. Es la simple narración en imágenes de un evento triste a la vez que realista.

De la interpretación de los personajes merece destacar la de un moderado James Woods que convence como padre pasivo, y más tarde como padre trastornado. El trabajo de Turner como madre autoritaria provoca un leve rechazo en el espectador. El personaje de Lux Libson (Dunst) no está exagerado en su nivel de sensualidad, es sugerente en el sentido inocente de la palabra. Con lo descrito en este parrafoquiero hacer hincapié en un aspecto: la moderación de Coppola a la hora de presentar al espectador todos lo elementos. Es lo que le confiere realismo al matiz costumbrista del film. Aquí no se hace una crítica directa al estilo de educación autoritario de la madre Libson, no se muestran escenas crudas de tiranía y represión psicológica. Más bien se nos sitúa al nivel de los testigos ajenos, curiosos por conocer los entresijos de una familia tan peculiar.

Las metáforas argumentales

Un punto negativo que se le puede achacar a la pelicula es que ciertas metáforas, mensajes visuales son demasiado predecibles. La mano de Cecilia (la primera chica en “caer”) en el árbol “marcado para su tala”, por ejemplo, o que la hija más provocadora se llame Lux(t). Salvo una. La escena de los convecinos del barrio celebrando una cena comunitaria con el tema de la “asfixia” es un boche metafórico excelente que encaja a la perfección con toda la historia que se cuenta previamente.

La belleza visual

La narración arriba mencionada es tan modesta como bella. Sobre todo interiores uno puede recrearse con los pequeños detalles: habitaciones llenas de objetos que por los que se puede conocer a sus personajes, todos colocados con sumo cuidado, no parece que estén distribuidos al azar por un perito de la industria para dar el pego. La belleza de esta película no reside en el factor “lolita” de las protagonistas, en caso de que lo hubiera sería de un nivel ínfimo a la par que sutil.

Trivia (traducido de Imdb)

- En la escena de las llamadas telefónicas musicales entre los chicos y las chicas, no se utiliza el típico recurso de los falsos números de teléfono “555-” tan recurrentes en el cine y la televisión.

- En esa misma escena se puede ver de fondo una proyección cartográfica de Gall-Peters, la cual es muy poco común. (más info aquí).

- Tras acabar el guión, Sofia Coppola se enteró con pesadumbre que ya había una compañia que estaba en proceso de producción de una adaptación del libro. Pero no estaban muy contentos con el guión, así que ella les mostró el suyo, el cual acabó usándose para la película.

- Sello personal de la directora: Plano del sol a través de las hojas de los árboles.

- "Les Cahiers du cinéma" (Revista francesa) la eligió como una de las 10 mejores películas del 2000, compartiendo el séptimo puesto con “Yi-Yi”.

- Sofia Coppola actuó de hermana pequeña de Kathleen Turner en Peggy Sue Got Married (1986) dirigida por Coppola senyor. En Las Vírgenes Suicidas Turner actúa bajo la dirección de Sofia.

- Le ofrecieron el papel de Sara Lisbon a Kim Basinger, pero tras el éxito de L.A. Confidential (1997) su caché se disparó. También consideraron a Alyssa Milano para ese papel, pero por conflictos de calendario con la serie de Embrujadas tuvieron que desechar la idea.

- Alicia Silverstone rechazó el papel de Mary Lisbon.
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Entrevista a Sandy Collora (II)

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Sat, 03 Oct 2009 12:25:00 +0000

Lo prometido es deuda. Segunda parte de la extensa entrevista a Sandy Collora. El rodaje de Hunter Prey, sus vicisitudes, indie en acción, crítica al Hollywood desbocado... ¡Disfrutad!

Hunter Prey es tu primer largometraje. ¿Por qué has tardado tanto tiempo en poner en marcha tu primera película? ¿Cuáles fueron los problemas que te surgieron?

Quién sabe lo que se decía de puertas para dentro cuando yo salía de las reuniones… No sé, quizá pensaron que estaba mal de la cabeza… Intenté convencerles de que, por decirlo de alguna manera, el “matrimonio” entre el arte y el mercado era algo que se podía construir, y que yo sabía cómo hacerlo. Pero como ya he dicho, a fin de cuentas, no sólo hace falta que uno d los ejecutivos te crea, sino que crea en ti. Y eso no pasó nunca, al menos con nadie que tuviera el poder para dar luz verde a aquellas películas. Decidí que ya era hora de dejar de ojear proyectos o hablar sobre ellos y empezar a HACER uno.

El mayor reto fue recaudar el dinero y todo lo necesario para hacer la película. La política y el negocio de esta industria son las cosas difíciles para mí, más que cualquier reto creativo. Es una pena que a menudo esas cosas sean contraproducentes para que las pelis salgan bien. No me refiero a limitaciones con el presupuesto, no tengo problemas con ello, me refiero más a los aspectos políticos sobre cómo se hacen las cosas a veces: cómo muchas personas no pueden evitar involucrarse en el proceso creativo y tomar decisiones que no deberían tratarse en comandita. Cooperar es algo que yo aprecio mucho como parte de la industria del cine, pero cuando se proponen ideas que pueden poner en peligro la integridad de la película, es difícil encontrar un punto de equilibrio. Es la par que menos me gusta del proceso. Provoca más estrés y tensiones que cualquier otra cosa que implique el trabajo. Es duro a veces, pero lo aguanto todo con una sonrisa en la cara como he dicho. Es todo parte de la gran aventura,
pero no es algo que me mole… No conozco a ningún creativo al que le mole.

Yo asistí al Monsterpalooza, donde contaste cosas sobre el proceso de rodaje de la película. En primer lugar recuerdo que dijiste que mucha gente dudaba de que pudieras sacar adelante esta película, sobre todo teniendo en cuenta la localización donde hicisteis la grabación. ¿Dónde rodaste la película exactamente?

Filmamos en Méjico. Todos pensaron que estaba loco… Incluso uno de los productores dudaba de que se pudiera hacer, hasta que lo llevé allí y le mostré las localizaciones y la casa donde viviríamos. Después de eso, él no quería rodar en ningún otro sitio. Vi en su cara que algo había hecho “click” en su interior. Gracias a que él se encargó de los asuntos logísticos y financieros fue posible.

Incluso en tal punto había indecisos. Tras leer el guión, algunas personas no lograban entender cómo podría llevar allí abajo un equipo pequeño y en 17 días, volver con algo que se pareciese remotamente a una película. Y mucho menos, a una película de ciencia ficción tan ambiciosa. La verdad, ¿qué puedo decir? Parecía que algunos sólo esperaban ver cómo fracasaba todo. Pensaron que no podría hacerlo. Creo que probado que se equivocaban. No hace falta decir más sobre eso.

Supongo que nunca he dejado que me afecte lo que los demás decían sobre mis habilidades o sobre lo que era o no era capaz de hacer. Si dejas que te afecte, te acabarán arrinconando y te dirán cosas como: “Es sólo otro tío e efectos especiales que quiere dirigir”, “Su trabajo es bueno, pero ¿puede trabajar con actores?” y mi favorita, “Sí, puede conseguir mucho con poco presupuesto, tiene talento, pero ¿puede encargarse de una película de gran presupuesto?”. Os juro que es real, alguien una vez dijo eso.

¿Cuánto tiempo estuvisteis allí?

Casi un mes. Nos llevó un día entero llegar allí, rodamos durante 17 días, 6 días a la semana. Volver a casa llevó otro día entero. Unos meses más tarde volvimos con el DP y dos actores principales sólo para mejorar algunas cosas durante dos días. ¿Estábamos muy lejos de la civilización?

Bueno, San Felipe era la ciudad con hospital y restaurantes con internet más cercana, y ella estaba a unos 120 kilómetros de Las Tunas, y a 300 kilómetros de cualquier otra localización, como las ciudades de Puertecitos and Gonzaga Bay, por el mar de Cortés. A muchas de las localizaciones sólo se podían acceder con vehículos de cuatro ruedas o por senderismo. Estaban en medio de la nada, por así decirlo. Echando un vistazo atrás, lo que mejor recuerdo de las localizaciones es lo escarpadas que eran. Al final del día, todos parecían haber salido de “The Sands of Iwo Jima” de John Wayne. Acabamos hechos polvo, magullados, con cortes por las rocas afiladas y siempre estábamos muy sucios. Era como estar en la guerra.

¿Dónde vivíais?

Cuando rodamos en el desierto, nos quedamos en San Felipe, en un pequeñito hotel que no estaba mal. Tocábamos a dos por habitación, que eran pequeñas, pero tenían aire acondicionado (o algo parecido) y al menos había camas. Mike Macfarlane, diseñador de vestuario, fue mi primer compañero de habitación la primera noche, y el tío roncaba que no veas. Clark fue mi compi otras noches y se tiraba muchos pedos. No había escapatoria. Fue una experiencia dura, pero nos lo pasamos muy bien.

Cuando rodamos cerca de Puertecitos y Gonzaga Bay, estuvimos en uno de mis lugares favoritos de este planeta. Era una casa que llamábamos “el castillo”, porque los tejados tenían pinta de castillo antiguo. Eran dos edificios muy sencillitos, cerca de la playa, construidos con piedras y cemento, pero tenían mucho encanto y personalidad. Me encantaba. Había en ella algo puro, algo sutil. No tenía las comodidades que tenemos aquí, pero tenía unas vitas cojonudas.

¿Cómo hicisteis los preparativos para los trajes y el maquillaje?

Todo estaba ya montado y pre-pintado antes de ir allí. El maquillaje y los tíos de vestuario lo hicieron genial. Antes de ir a Méjico lo teníamos todo muy planificado, de una forma tan detallada que ellos probablemente no lo podían soportar. Sabíamos exactamente qué teníamos que hacer tal día y con quién. Lo que esos chicos lograron, en esas condiciones, es realmente increíble. No podrían haberlo hecho sin llevar antes pre-pintados todos los aparejos y sin montarlo todo al nivel que lo hicieron. Hubo ciertos problemillas aquí y allá, pero esos chicos fueron impresionantes.

He oído hablar sobre las enormes tormentas de arena. ¡Cuéntanos algo sobre ellas!

Un día tras acabar de rodar, de camino a casa, me di cuenta de que el viento era más fuerte de lo normal. Hacía que la arena formase nubes en el aire. A la hora de irse a la cama, probablemente soplaba a una velocidad de 32 km por hora. Y a medianoche, yo diría que hubo ráfagas de hasta 65 km por hora. Todas las ventanas de la casa temblaban, y no sólo se oía el viento, sino también la arena retumbando contra las paredes. Yo dormía debajo de una ventana, y en cierto momento, la arena chocaba con tanta fuerza, que parecía que alguien estaba disparando con un rifle de aire comprimido al cristal. Alejé mi colchón de la ventana, porque estaba seguro de que iba a reventar.

No pasó nada, pero a la mañana siguiente había una capa de 3 pulgadas de arena que cubría a todos y a todo DENTRO de la casa. Afuera, los vehículos de producción estaban medio enterrados, y hubo que desenterrarlos antes de ponerlos en marcha. Merecía la pena estar allí para verlo. Yo crecí en Nueva York, y en invierno, tras una nevada intensa, todo acaba cubierto de nieve. Aquello era parecido, sólo que con arena en lugar de nieve. Era algo muy curioso de ver. Pero molaba.

Rodamos “Hunter Prey” hace un año, y todavía tengo arena en mi camioneta, en la ropa, en los zapatos, en las maletas… Se metía por todas partes. También me lleve una carpeta grande, verde, de cubierta suave, en la que guardaba los storyboards. Tenía sobres de plástico protectores y esas cosas. Esa cosa llegó a pesar un kilo y medio más de lo normal el último día de rodaje. Estaba llena de arena. Y todavía lo está.

Tuve la oportunidad de charlar con tu director de fotografía, que me contó una anécdota sobre abejas asesinas. ¿Qué os pasó con las abejas asesinas?

Bueno… en realidad no eran “asesinas”, al menos no como las de África. Al menos yo creo que no lo eran, pero en una de las localizaciones en uno de los cañones había enjambres de abejas que nos atacaban cuando nos acercábamos estábamos por allí. Había que tener cuidado y no dejar comida al aire libre o una botella abierta de Gatorade o cosas así. Aquellas abejas se te echarían encima en seguida. Supongo que no hay mucha comida o bebida por allí. Somos testigos de eso, pues teníamos los mismos problemas que ellas.

Tengo que preguntártelo… ¿Qué clase de comida teníais tú y tu equipo allí, en medio de la nada?

En realidad hay una entrevista sólo sobre ese tema, pero te haré un resumen. Se suponía que un chef vendría con nosotros allí abajo, para que cocinase para el equipo con productos traídos de USA. Bueno, por alguna razón, esa persona apareció cuando ya llevábamos bastantes días de rodaje, y la mayoría del quipo no disfrutó mucho el estilo culinario local. Cuando por fin llegó, él cocinó todo tipo de cosas ricas, lo que nos levantó a todos un poco la moral. Pero la mayor parte del tiempo que duró el rodaje, vivíamos de la comida de los restaurantes y los comercios de allí. Algunas personas se pusieron muy enfermas y le echaban la culpa a la comida, no sé… Es una pregunta cuya respuesta cambia según la persona que responda. Para algunos miembros del equipo la comida, o la falta de ella, era un gran problema. Para otros, no tanto. Recuerdo cierto día, en el que nuestro primer asistente de dirección, Mark Mathis, preparó sándwiches de mantequilla de cacahuete y mermelada. Fue lo único que comimos.

Yo estaba tan concentrado en la película que la comida no entraba en mi lista de prioridades. Yo me conformaba con huevos crudos, barras de proteínicas y alguna que otra pieza de fruta medio pocha. Para mí no era mucho problema. En los días de descanso pescaba frente a la casa, y cociné pescado fresco para los chicos que no dormían o que no se iban al pueblo. Estoy muy acostumbrado a estar en fuera de casa, especialmente en el océano, así que para mí era como estar en casa.

¿Qué otras experiencias recuerdas mientras rodabas Hunter Prey?

Cientos de grados a la sombra, bichos, serpientes, tarántulas, terreno escarpado mças 18 personas sudorosas, hambrientas cansadas y sedientas. Y un solo cuarto de baño en toda la casa. Figúrate.

Pese a lo duro que fue estoy seguro de que también hubo momentos divertidos. ¿Teníais alguna broma interna o cachondeo en particular?

Sí que hubo algo de cachondeo, sí… Quiero decir, lo necesitábamos para no volvernos locos. Fue un rodaje muy duro, pero sí que había ratos para relajarse. Yo diría que la coña más memorable era la competición continua de flatulencias entre Damion y Clark. Se pasaban el día pedorreándose y contando chistes guarros. Fue muy divertido… cuando montaba una toma, todo era muy silencioso, era un momento muy serio. Entonces, de repente, alguno de los dos se tiraba uno bien grande y todos nos partíamos de risa. En el set de rodaje, en los coches, en la casa… todo el rato con los pedos. Una mañana, vi a Clark tirándose un pedo en toda la cara de Damion, mientras este dormía. No recuerdo quién ganó al final, pero te lo juro: ese par son la peste.

Aun con todo… ¿Fue la peor, o la mejor experiencia por la que hayáis pasado?

Fue una gran experiencia en general, en serio. Una auténtica aventura Ir allí, por caminos infranqueables, a miles de kilómetros de la cotidianidad, era algo que me motivó mucho. Lo que pudiera llegar a ocurrir allí abajo, la incertidumbre, era increíble. Enfrentarse a lo desconocido en territorio comanche para descubrir lo mágico y lo maravilloso de hacer esta película en lo que básicamente era un planeta extraterrestre. Para mí el mayor de los retos era dirigir a un pequeño grupo, llevarlos en medio del desierto mejicano, luchar contra todos los obstáculos para rodar una película tan ambiciosa. Era como ser Indiana Jones, pero de verdad. Incluso casi pierdo mi fedora un par de veces (nota de Aka: el fedora es el tipo de sombrero característico de Indiana Jones ;)). Es lo más difícil que he hecho en la vida, pero fue increíble. No lo cambiaría por nada del mundo.

¿Tenéis algo de eso grabado? ¿Tendremos la oportunidad de ver algún documental en plan “detrás del escenario” como extra en el DVD o el Blu Ray?

Estoy seguro de que algo saldrá en el DVD o en lo que sea. No hay mucho de metraje sobre eso, pues todos estábamos siempre muy ocupados. No teníamos a nadie que se dedicase a hacer eso, pero en cuanto alguien tenía una mano libre le endosábamos una cámara y le poníamos a grabar. Para ser honesto, no he tenido la mínima oportunidad de echar un vistazo a lo que tengamos. Creo que debe haber un gran documental en alguna parte. La historia detrás de la creación de esta película tiene que ser tan interesante y dinámica como la propia película. Algo en plan “Lost in La Mancha”, pero con un final distinto. Pobre Terry Gilliam… De verdad espero que salga adelante su película de Don Quijote. Pienso que sería brillante. Es un tipo brillante.

¿Qué te inspiró para escribir Hunter Prey? ¿Películas, libros, arte…?

Pues un montón de cosas. Mi co-escritor, Nick Damon, y yo queríamos algo muy nostálgico, de la vieja escuela. Como un romántico homenaje a los 70, a las cosas que adoramos de aquella mágica década. Los programas de tv de los sábados por la mañana, tebeos, la revista Heavy Metal, y los juguetes de Mego y de Aurora que teníamos de críos. Es algo muy puro, una fiel representación de mi infancia durante los 70: Las primeras pelis de Spielberg los juguetes de The Micronauts, El Planeta de los Simios, y por supuesto, Star Wars. Para nosotr era algo muy natural. Escribimos un guión que reflejase todo lo que amamos sobre la ciencia ficción y las películas. Recuerdo sentirme muy satisfecho conmigo mismo cuando partimos hacia Méjico. Sentía que el guión era sólido, que si podíamos conseguir lo que había escrito en esas páginas, lo que tenía en mi cabeza, tendríamos algo especial.

¿Cuál es tu punto de vista sobre las películas que se hacen en el presente? Hollywoodno hace otra cosa que remake tras remake. Películas basadas en juguetes, en comics, y en videojuegos. Es como si ya pasaran de los guiones.

Mira, me encanta Depredador. Me encanta Alien. Me encanta Halloween de Carpenter, y amo Star Wars, pero esas pelis tienen 20 0 30 años… Sí, vale, son las pioneras del género y hay que rendirlas tributo como se merecen, pero… ¿Dónde están los NUEVOS monstruos? ¿Y las NUEVAS sagas espaciales? ¿Y la NUEVA ciencia ficción y los iconos del terror? Si los estudios no paran de sacar secuelas y remakes, ¿adónde van a llegar? ¿Cómo estará la industria en 20 años? ¿Van a seguir haciendo remakes de los remakes y de las secuelas? ¿Cuántas pelis de Depredador o de Alien puedes sacar? ¿Cuántas figuras de acción puedes vender de la misma criatura o personaje, cuántas veces los puedes pintar de otra forma? En algún momento alguien tiene que darse cuenta de que TODAS esas películas fueron ideas originales. Ideas que prendieron la mecha de la imaginación de una generación entera de cineastas, entre los que me incluyo. Queremos contribuir con nuestras propias ideas originales, con personaje que aumenten el lexicón del género. Todos los remakes que tienen planeado me demuestran que la situación está fuera de control… es como un tren descarrilado.

El tema me olía a chamusquina cuando iba a los estudios tras hacer el corto de Batman. Hablaba con los ejecutivos y todos me decían: “Queremos algo diferente, algo nuevo, algo fresco”. Entonces yo les ofrecía eso exactamente. Se lo daba todo hecho, exposiciones con las ideas, el artwork, las maquetas, el guión terminado, mundos completamente concebidos y diseñados… Pero por alguna razón, ninguno dio luz verde a esos proyectos. No sé por qué, y no me quejo, de verdad. Estaba feliz de estar allí, ofreciendo mis ideas y conociendo a toda esa gente. Créeme, yo siempre tenía una sonrisa en la cara, estoy siendo honesto.

Incluso me topé ejecutivos junior, tipos jóvenes que de verdad pillaron lo que yo intentaba demostrar y se mostraron muy entusiasmados conmigo. Uno en particular, incluso me ofrecía a un actor y a un guionista interesados en uno de mis proyectos originales. Estaban dispuestos a aprobar el guión, pero simplemente no pudieron conseguir el aprobado de “los de arriba” del estudio. Fue en esos días en los que tomé la decisión de prescindir de mi agente y dejar de esperar a la oportunidad a nivel de estudio. Cambié de dirección, salí adelante al estilo indie, escribí y desarrollé un proyecto de menos presupuesto. Recaudé los fondos y lo hice todo a mi manera. Tardó más tiempo del que esperaba, pero el hecho es que hice mi sueño realidad.

La película se encuentra ahora en la fase de post producción. ¿Cuánto os queda para acabarla?

Para cuando publiques esta entrevista, la película tendría que estar terminada. Estamos preparando algo especial para la Convención del Cómic de San Diego del mes que viene, así que, ¡asegúrate de asistir a la noche de disfraces del sábado para comprobar qué es!

Una vez que acabéis, ¿qué planes tienes para le película? ¿Festivales de cine? ¿Distribución?

Para ser honesto, esas cosas del negocio las llevan mejor los productores y demás. Yo procuro no entrometerme en esa clase de cosas. Pero diré que la película va a estar en bastantes festivales, Toronto y Fantastic Fest incluidos. Si somos lo bastante afortunados para ser elegidos, va a ser genial mostrar esta película en el ambiente de los festivales. Supngo que lo averiguaremos muy pronto.

En cuanto a la distribución, sé que está planeado mostrar la película a las empresas tan pronto como esté acabada. Los encargados de la pasta y los productores ejecutivos ya han hablado con los interesados. Cannes fue una gran oportunidad para darnos a conocer, y con suerte una vez que las empresas vean la película acabada, les encantará y ya veremos qué pasa. Estad atentos…

¿Cuáles son tus objetivos cuando acabes esta película? ¿Qué esperas que aporte a tu carrera?

Mi objetivo a corto plazo es empezar otro proyecto lo más pronto posible. Me encanta trabajar y quiero sr todo lo prolífico que pueda. Tengo mucho que decir, muchos mundos que construir, y muchas historias que contar. He pasado la mayor parte de los últimos 20 años escribiendo, desarrollando guiones, colaborando con personas de gran talento: dibujando, esculpiendo, creando universos y poblándolos con personajes interesantes. Sería estupendo que esta película proporcionase la oportunidad de empezar con alguna de las demás ideas, de llevarlas a la gran pantalla.

Tengo un sueño, un objetivo a largo plazo, que es reunir a un pequeño grupo de artistas, escritores, diseñadores, escultores, expertos en efectos especiales, y crear una productora. Un colectivo de creativos, que trabajarían en el diseño y desarrollo de propiedades intelectuales para televisión, cine, juguetes y videojuegos. Conozco a creativos con mucho talento, y tenerlos bajo el mismo techo, en una atmósfera de estudio relajada, abierta, libre, podría llegar a ser algo interesante. Básicamente, sería como una versión más grande de mi pequeño estudio de Huntington Beach. Montones de ventanas, plantas, lámparas de lava, sillones, una sala de proyección con pantalla gigante y montones de máquinas recreativas. Sí, he dicho RECREATIVAS… Y disfrazarse en Halloween sería obligatorio.

Sobre lo que espero que aporte a mi carrera… por supuesto que quiero que me consiga cosas buenas, pero lo cierto es que, no sé todas las respuestas. Una vez e en los cines se enciendan las luces y que los créditos finales aparezcan, a partir de ahí ya depende de la audiencia. No sé el futuro que me espera, ni cuál será mi próximo proyecto. Supongo que depende mucho de lo cómo se reciba Hunter Prey, ya veremos. Aunque sí te puedo decir que, pase lo que pase, seguiré haciendo lo que siempre hago: buscar a los más dedicados, a los mejores, reunirlos en un pequeño grupo y realizar una película lo mejor que pueda, con el dinero y los recursos de los que pueda disponer.

¿Estás ansioso por mostrar esta película a la audiencia? Como geek hardcore de la ciendia ficción que soy, tengo muchas ganas de ver Hunter Prey. ¿Qué reacciones esperas de la gente como yo y de la audiencia en general?

¡Por supuesto que estoy ansioso! He vivido al lado de esta película durante los últimos 19 meses de mi vida, y de verdad que tengo ganas de presentarla al público. Espero que la audiencia disfrute con la película y que capten su originalidad y su espíritu independiente: ese estilo de los 70, tan de la vieja escuela, tan vívido, lo que la hace tan orgánica. De verdad espero e la reacción a la película me permita hacer más películas, crear más mundos y contar más historias, a mayor escala con más presupuesto. Estoy ansioso por terminar por completo el lanzamiento y salir por ahí a promocionarla. Es todo parte de la aventura de ser cineasta. Algo que de verdad amo, y de lo que estoy muy orgulloso de formar parte.

FIN

Galería de imágenes

Bien, eso es todo. Ruta 66 vuelve muy pronto...

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Canciones de cine: The Meme Strikes Back

noreply@blogger.com (scanners) — Thu, 01 Oct 2009 22:20:00 +0000

Recojo el guante lanzado por Insanus y su compinche Lobreeze y recopilo algunas de las canciones de películas más representativas del indie que más nos gusta en Other Films.

5. Berserker (Clerks, 1995)
No podía faltar este descacharrante invento del clasico de Kevin Smith. El primo Olaf nos hace una demostración de lo que más molaba en los noventa en Moscu. La canción completa se incluyó en la banda sonora interpretada por Love among freaks.

4. Sweet Caroline (Beautiful Girls,1996)
Momento catártico, medio ridículo al principio, experiencia de grupo al final, que viene a recordarnos la historia de esos amigos que ya no son lo que eran, entre cervezas y algún gallo que otro. El original, lógicamente de Neil Diamond.

3. White Rabbit (Fear and Loathing in Las Vegas, 1997)
El clip de youtube se escucha fatal, pero no he querido poner alguno de los montajes que pululan por ahi para no spoilear toda la peli a los que no la hayan visto... por que hay que verla, no hay más explicación. Un clásico de Jefferson Airplane en plena explosión de ácido.

2. Wellcome to the dollhouse (Wellcome to the dollhouse, 1995)Rematando las influencias OtherFilmianas, no podía faltar una de Todd Solondz: Este tema, que da título a la película, compuesto para la banda sonora e interpretada por el actor Daniel Rey. Aquí tenéis un arreglo sin clarinete... entre otras.

1. Falling Slowly (Once, 2007)
Compuesta unos años antes por el mismo Glen Hansard para otra película y apañada para la imprescindible Once, terminó a ganando el Oscar a la mejor canción original a regañadientes, precisamente por esa triquiñuela. Para mi lo merece ¿que me decís? Interpretada originalmente por The Frames.

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Life During Wartime

noreply@blogger.com (scanners) — Sun, 20 Sep 2009 22:25:00 +0000

Entrevista a Sandy Collora

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Thu, 17 Sep 2009 09:51:00 +0000

Entrevista realizada en GeekTyrant al director del corto de culto Batman:Dead End y Hunter Prey, película de acción-Ciencia Ficción indie que saldrá a la luz próximamente, Sandy Collora.

La traducción corre a cargo de un servidor y la publico en dos partes. En esta primera parte Collora hace un repaso a su carrera desde la salida de Dead End hasta el comienzo del rodaje de su proyecto más personal y ambicioso, Hunter Prey.

Recuerdo la primera vez que vi tu corto, Batman Dead End. Me quedé con la boca abierta. En ese instante, pensé “quiero ver una peli de Batman o de Superman dirigida por este tío”. Se convirtió en una obra de culto y a día de hoy todavía luce espectacular.

Hay toda una historia, de oportunidades y de pérdidas, detrás de su realización. ¿Cuál es?

Vaya, ¿por dónde empiezo? Pasaron un montón de cosas durante el nacimiento de esa pequeña película… Fue una época muy difícil para mí. Lo primero fue la muerte de mi madre, el 26 de julio, tres días después del estreno de la película en la convención del cómic de San Diego. Estábamos muy, muy unidos, así que su muerte hizo que aquellos tiempos fueran muy agridulces. Por un lado, Dead End cosechaba un éxito arrollador, especialmente en ciertos círculos de Hollywood, y por otro, tenía que enfrentarme con la muerte del ser que más quería en mi vida. Mi madre era mi mejor amiga. Fue una época de emociones contradictorias.

Recuerdo días en los que, por la mañana, recibía llamadas de gente como Alex Ross o Guillermo Del Toro, que cubrían la película de elogios, y luego por la tarde, soportar una total tristeza y desesperanza por lo que le pasó a mi madre. Era realmente difícil compaginar las cosas tan geniales sucedieron esos días con el peor momento que he tenido que afrontar jamás. Era muy difícil concentrarse y tener las ideas claras.

A decir verdad, también me sentía algo culpable… Mi madre acababa de morir y allí estaba yo, con montones de entrevistas, promocionando mi película, almorzando con las estrellas y los ejecutivos de los estudios, charlando sobre trabajo. Psicológicamente, era algo muy gordo a lo que enfrentarse. Sabía que ella es lo que habría querido que hiciera, peo aun así me sentía fatal por ello. Incluso algunos compañeros y amigos estaban sorprendidos de cómo salí adelante, ocupándome de mi carrera, a pesar de lo que acababa de suceder.

Durante dos años, la situación no cambió mucho. Mucho ojear proyectos y muchas charlas sobre hacer esta o aquella película, con distintos estudios y productores. En aquél momento me sentía algo frustrado pues no entendía por qué ninguno de aquellos proyectos se ponía en marcha. Tengo que admitir que en aquellos tiempos era algo ingenuo, sobre cuánto puede tardar que una película se empiece a rodar en la industria. Hay películas “mainstream”, puros blockbusters, cuyos desarrollos toman años y años, quedándose en las estanterías durante mucho tiempo, es increíble. Todavía no entiendo del todo cómo y por qué ocurre eso. Pienso que la mayoría de las personas implicadas en el desarrollo de un proyecto, llevan a cabo las cosas dando muchos rodeos, complicando mucho las cosas, pero en el presente tengo mejor conocimiento de causa, de cómo funciona el proceso, aunque todavía no dejo de preguntarme a veces: ¿por qué?

Al verano siguiente tuve un accidente de coche muy grave. Un borracho chocó con mi coche por detrás, y mi coche dio cuatro vueltas de campana. Si un hubiese sido por el cinturón, probablemente no estaría aquí sentado haciendo esta entrevista. Pasó mucho tiempo hasta que me recuperé de todos los huesos rotos, las contusiones, desgarros, etcétera… El dolor de las costillas duró mucho, my hombro y mi brazo no recuperaron la movilidad en un tiempo, y tardaron meses en extraerme todos los fragmentos de cristal del cuerpo. Recuerdo que lo primero que hice al salir del hospital fue ir a ver mi camioneta. Era difícil de creer que hubiera sobrevivido, con toda la sangre seca que había.

El médico me dijo que aunque tenía suerte de estar vivo, el brazo izquierdo y mi hombro seguramente no recuperarían nunca el 100% de su movilidad, y que tendría problemas de espalda el resto de mi vida. Bueno, mi brazo y mi hombro aun no tienen buena pinta, pero nunca han estado mejor, y jamás he tenido problemas de espalda de ninguna clase. Yo interpreto aquél accidente como un “quitamiedos” en la carretera de la vida. Una aventura más. Me planteé la recuperación sin ninguna clase de dudas evitando que mi cabeza se llenase de pensamientos negativos sobre la discapacidad o sobre estar impedido de alguna manera. En mi corazón sabía que lo superaría y que continuaría persiguiendo mi sueño, y eso es exactamente lo que hice.

¿Qué ha supuesto esa película para tu carrera?

Pienso que me colocó en el punto de mira de mucha gente. Tenía dificultades para encontrar un proyecto que me ayudara a despegar pese a mi extensa experiencia en efectos especiales y diseño en spots televisivos y vídeos musicales antes de Dead End, antes de dirigir bastantes cortos. Ahí fuera hay directores de publicidad de gran talento, con más experiencia de la que yo tenía. Hasta para ellos fue difícil. Sabía que un tipo como yo, de poca experiencia, debía de hacer algo que estallase para llamar la atención de la gente. Batman compitiendo a la altura de Depredador. Y funcionó. Creo que tras las reacciones que provocó Dead End en internet, los estudios empezaron a verme como un serio candidato para dirigir una película del género.

También hice un montón de amigos y conseguí contactos en el negocio gracias a ello. Hice migas con personas increíbles, con guionistas, artistas y trabajadores de la industria de gran talento, cuyos trabajos admiraba. Gente como Simon Bisley, Neal Adams, Guillermo del Toro, Alex Ross, John Byrne… También conocí a gente de todas las ramas de la industria, amantes de lo añejo, del estilo clásico que yo quería para mis siguientes proyectos.

¿Cómo reaccionaron los estudios? ¿Por qué nadie te ayudó para que dirigieras alguna película de presupuesto decente?

A muchos les encantó. Parecían muy impresionados por el nivel de producción y el estilo visual de algo con un presupuesto tan ridículo. Todos estaban muy intrigados por cómo se habían hecho algunas cosas en la película. Por ejemplo, la escena en la que Batman se levanta en el charco de barro con su capa recogiéndose a su alrededor. Muchos pensaron que era una escena hecha por ordenador. Por alguna razón estaban perplejos por el material que logré conseguir con la cámara. No sé, para mí ni fue gran cosa, siempre me hace gracia el hecho de que mucha gente se olvide de que en los 60, 70 y 80, no existía el CGI. Y aun así se hicieron peliculones.

En cuanto a lo del proyecto importante y por qué no sucedió… Bueno, creo que hubo bastantes razones. Algunas las entiendo, otras no tanto. Es difícil explicar exactamente lo que pasó, ya que cada proyecto potencial y cada situación eran diferentes. Desafortunadamente, muy pocas cosas aquí son blancas o negras. Digamos que hay mucha zona “gris”. Algunos te dirán que no tienes al agente adecuado. Otros dirían que no era lo suficientemente abierto con el material que me ofrecían. Estoy seguro de que algunos reconocerían que albergaban dudas sobre si podía encargarme de un proyecto completo, con una historia consistente en un formato mucho más grande. Hasta cierto punto, hay algo de verdad en todo eso. Yo no tenía ninguna duda sobre si podría hacerlo, pero en última instancia ello no dependía de mí. Y eso era lo que más me fastidiaba. El hecho de que mi futuro como director de proyecto, en gran parte, estaba en manos de otras personas. Tenía que cambiar eso.

Mentiría si dijera que no me sentía frustrado. Pero seguí adelante durante aquellos años, sabiendo en mi corazón que la pregunta no era SI iba a dirigir un gran proyecto. La pregunta era cuándo. El momento adecuado y suerte son dos piezas importantes del puzle gigantesco que es la realización de una película. Hace falta el proyecto adecuado, en el momento adecuado, con las personas adecuadas, con el estudio o los inversores adecuados, y en aquella época, ninguna de esas cosas se me presentó como debe ser.

Si hubiese sido así, ¿tienes libertad para contarnos qué películas te ofrecieron para dirigir? ¿Y por qué no salieron adelante?

Oficialmente, nunca me “ofrecieron” dirigir una película, pero me mandaron guiones para que los leyera, como “Shazam” o “Creature From the Black Lagoon”. Por lo que yo sé, a eso se le llama técnicamente “estar considerado para dirigir”. Estuve muy interesado en ambos proyectos, y asistí a muchas euniones con New Line y Universal espectivamente, para hablar de mis ideas y de cómo llevaría a cabo esos proyectos. Era muy emocionante… Tenía un montón de ideas interesantes sobre cómo lograr en pantalla lo que había leído en aquellos guiones. El guión de William Goldman para “Shazam” era excelente. Sentía que la película saltaba de las páginas a mi mente. Estaba muy bien escrito y tocaba las notas correctas. Poseía algo de inocencia de Norman Rockwell en él. Muy “Americana”. Muy de Spielberg. De haberla hecho, me habría encantado ubicarla a finales de los 40, principios de los 50, en plan post-guerra mundial.

El guión de “Creature from the Black Lagoon” era un boceto muy temprano. El mismo Gary Ross iba a reescribirlo por aquellos días, cuando me consideraban para el proyecto. No sé si lo llegó a hacer, o si ya hay algún director para esa película. Lo que sí recuerdo perfectamente es que yo quería hacer a la criatura de forma muy tradicional. Básicamente, “un tío disfrazado”, como en la original, que en mi opinión, luce muy bien todavía. Aquél traje es una increíble obra de arte, por dentro y por fuera. Desafortunadamente, los tíos de Universal no parecían pensar lo mismo. Cuando les llevé unos dibujos y una maqueta que hice de la criatura no parecieron reaccionar ante ella. Creo que ellos querían algo grande hecho por ordenador, en plan monstruo del Lago Ness. Pensé que sería interesante, pero para una película de Nessie, no para CFTBL. Les propuse hacer una película sobre el monstruo del Lago Ness… un Parque Jurásico bajo el agua. Se me quedaron mirando durante un minuto, y entonces uno de los ejecutivos giró un poco su cabeza y dijo: “¿En serio?”.

También me reuní bastantes veces con el principal productor de Miramax y con Marvel cuando tenían planeado hacer “Werewolf by Night”, y trabajé en un montón de arte de producción para esa también, pero ese proyecto tampoco llegó a ninguna parte. Creo que es bastante iónico que ninguna de las tres películas que he mencionado se hayan hecho todavía.

Hubo otras oportunidades. En su mayoría, prototipos de slasher y pelis de terror de bajo presupuesto, o thrillers psicológicos que no me interesaban. Daba igual cuánto lo intentase, creativamente no me sentía identificado con el material. En mi opinión, ninguno era bueno, inteligente, fresco, bien concebido o bien escrito. Al parecer hay una opinión generalizada entre la mayoría de los productores y los ejecutivos de esos proyectos: para hacer una buena película de terror tienes que meter a jovenzuelos atractivos drogándose, follando, diciendo palabrotas, y después cargártelos brutalmente con un mutante deformado que lleve un hacha o algo así. Simplemente, desde el respeto, rechacé todo eso. No estoy interesado en hacer nada de ese palo.

Tenía mis propios guiones de terror ya desarrollados, pero también estaba abierto a dirigir algo que no hubiese escrito, ello supondría aplicarle mi estilo visual y mis sentimientos, pero desafortunadamente, nada del material que me enviaban me concedía esa posibilidad. No tenían chispa ni nada que molase, o algún elemento inherente con el que pudiese trabajar a fondo. Tampoco ayudaba el hecho de que los productores y los estudios no me dejaban incorporar esos elementos ni aplicar mis ideas al nivel que yo sugería. Habría acabado haciendo una película diferente a la que ellos querían.

Personalmente creo que el mayor problema era el tono y el estilo de esos guiones. Yo sugería un ambiente más dramático y tenso a través de cómo estuviera rodada la película. Concentrarme más en la atmósfera y en lo que no le enseñas al espectador, en contraposición a una violencia gráfica o a un gore exacerbado. Sentía que no era necesario excederse con la sangre o el gore sólo para impactar. Desafortunadamente eso era lo que buscaban con esas películas en particular.

Como director, pienso que es un verdadero reto conseguir un cierto nivel de casting, estilo visual, riqueza en el diseño y calidad textual en lo que, de otra forma, sería una simple película de serie B. Siempre he admirado y me han inspirado directores como Ridley Scott o Roman Polanski con “Alien” y “Rosemary’s Baby” (La Semilla del Diablo). En realidad, pienso que a ello les inspiró un poco Hitchcock… Ellos consiguieron un estilo increíblemente bello, pero también terrorífico, sin mostrárselo todo a la audiencia y sin machacarla con imágenes gore cada dos por tres. Lo mismo pasa con Kubrick. “The Shining” (El Resplandor) es otra obra maestra del suspense y del terror… Ya no se ven películas de ese tipo. Creo que el arte del género clásico se está perdiendo con las convulsiones de cámara, el ritmo atragantado, la rápida sucesión de imágenes, los cortes rápidos y los baños de sangre de las películas de terror modernas.

Uno de los productores de aquellos guiones nunca había visto “Rosemary’s Baby”. ¿Cómo es posible que ser un ejecutivo del género en un estudio grande y no haber visto está película? No tenía ni idea de lo que estaba hablando cuando me refería a alguna de las escenas de esa película, o a tomas específicas. Más tarde él admitió que no conocía nada de la obra de Polanski, aunque sabía que “era el tío que se acostó con una chica de 13 años y que huyó a Europa…” Pensé que ese era un ejemplo perfecto de la mentalidad a la que, por fuerza, tenías que enfrentarte a menudo en este negocio. Para cierto tipo de gente, es mucho más importante la farándula y los titulares de la prensa que lo relativo a la creatividad o e arte. Y eso desafortunadamente es la causa de mucha de la paranoia corporativa y de las malas decisiones que se acaban tomando en esta industria. Decisiones que deberían tomarse en base al talento individual, las habilidades, los sentimientos, la experiencia y la capacidad para hacer el trabajo.

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Especial Happiness

noreply@blogger.com (AkaTsuko) — Thu, 10 Sep 2009 08:18:00 +0000

En las críticas que forman parte de mi colaboración con Other Films figura una entrega dedicada a el segundo film principal de Todd Solondz, Happiness. En honor a la verdad, hay que decir que su contenido era bastante precario, pero sentía que esta película se merecía un análisis en profundidad y una dedicación mayor, más allá de la simple crítica descriptiva. Para mí Happiness es la confirmación absoluta de que el cine independiente americano tiene el mismo potencial que cualquier superproducción millonaria, que los prejuicios son sólo un obstáculo con los que se pierden magníficas oportunidades, que uno siempre puede abrirse a nuevas posibilidades (¡siempre!).

Happiness no sólo me ha gustado, sino que me ha sorprendido. Y en el presente análisis (repleto de “spoilers”, ¡cuidado!) expondré las razones por las que ya deberíais haber visto la película.

El comienzo de la búsqueda de la felicidad

Joy acaba de cortar, una vez más, con otra pareja. Es un momento típico en la vida, pero difícil para cualquier persona. Y más se puede complicar la situación si los personajes se deshacen de sus modales y no tienen reparo de decirse en la misma cara lo que de verdad piensan, como ocurre con esta escena. Lo jugoso de esta escena es el bis a bis entre la ingenuidad de Joy y el arrebato de sinceridad de el despechado Andy, un diálogo que tumba los muros de la hipocresía, el “quedar bien y guardar las formas”. Lo dramático da un paso hacia la realidad gracias al buen hacer de Solondz con las frases. En mi opinión es lo sorprendente del desarrollo durante el resto de la película, no hay nada exagerado, todo está un retratado de forma cómica pero a la vez muy real. Te lo crees.

Volvamos con Joy, la inocente solterona en busca de su felicidad. Al final de la cena de “ruptura formal” uno ya puede hacerse una idea de cómo es Joy: una mujer que no levanta la voz demasiado, no vaya a ser que tenga que enfrentarse a sus numerosos complejos de inferioridad. ¡Qué injusto es el mundo con ella, que lo hace todo con buenas intenciones!

Allen, la dura soledad

El siguiente personaje principal en aparecer, otro con un pésimo sentido de las relaciones sociales, muy Solondziano, es Allen (interpretado por el polifacético Philip Seymour Hoffman): hombre de mediana edad, con trabajo, soltero, muy soltero. Ello es debido no ya a su aspecto físico (recordad que esta película es realista, no es un feo exagerado prototípico), pues no es “antiestético” por naturaleza, sino por la imagen física y psicológica derivada de su falta de experiencia social. Esta vez la única injustica es la que él mismo comete consigo mismo. Esa espiral de autocrítica en la que está inmerso provoca una imagen deplorable, no le querríamos como amigo. Verle no provca rechazo, pero una vez que ves cómo es, comienza el rechazo. Da un poco de miedo y pena al miso tiempo.

El “sueño” de Bill Maplewood

Todos los personajes de esta película poseen algún tipo de conexión entre ellos, en general, bastante indirectas o circunstanciales. Las más fuertes son los lazos fraternales entre Joy y sus hermanas, mientras que las de los demás se reducen a encuentros circunstanciales o de pura formalidad. En el caso de Bill, es el cuñado de Joy (por lo tanto marido de una de sus hermanas, Trish), y durante un breve encuentro sabemos que se encarga de la psicoterapia de Allen (aunque no parece que le sirva de mucho al pobre).

Bill tiene un sueño recurrente: él, en medio de un parque repleto de idílicas parejas felices, todas ellas de mediana edad, heterosexuales ( y homosexuales, atención al detalle), disfrutando de su felicidad. Bill tiene un arma. Bill comienza a disparar, de forma selectiva, a uno de los miembros de cada pareja. Entre los lamentos por sus parejas perdidas, Bill ríe alegremente al margen de la masacre que acaba de provocar. ¿Qué significado hay detrás de este sueño? Cada uno puede interpretarlo de una manera distinta. Para mí, es así de simple: Bill está frustrado, siente envidia de la felicidad de los demás parejas, que pueden disfrutar de su amor libremente, mientras que él... Hasta los homosexuales ya han sido aceptados por la conservadora sociedad yanki, mientras lo suyo... ¿Qué es lo que tiene Bill? ¿Cuál es su problema, acaso no es feliz en su núcleo familar? Bill en verdad tiene un problema, una fijación enfermiza por los “niños”. Exacto, es un pedófilo. Pero no uno de esos monstruos de callejones oscuros de las películas de sobremesa de fín de semana (esas sobre violaciones, delitos, injusticias de urbanidad estadounidense, lo mejor para hacer la digestión un sábado). Es una persona enferma, pero persona al fín y al cabo, con un trabajo, una famiia, una vida.

Es la subtrama más delicada de Happiness en mi opinión. Es un tema difícil y controvertido, y más aún si se intenta que el especador sienta algo de empatía por un pederasta, mostrar a la persona detrás de la parafilia. Vamos, por muy emotiva y magnífica que sea la interpretación, una historia asó no se levaría un Oscar por “guardar las formas”. Pero es que es la historia de Bill la que proporciona los momentos más atrevidos e impactantes, a la par que emotivos, de Happiness.

La familia Jordan

La mujer de Bill, Trish, el monigote que es Joy y Chloe, son las tres hijas de los Jordan, matrimonio que ha llegado a la tercera edad. Con todo lo que ello conlleva.

Su vida conyugal ha llevado a un punto y aparte. ¿O puede que a un punto y final? La paranoia post-menopausia de Mona, ella, y el desencanto de Lenny, él, no son precisamente los pilares de una jubilación idílica de una pareja.

Y un suicidio. Y un asesinato. Y una violación.

¿Cómo se desarrolla de manera conjunta todo esto? Pues gracias a un genial guión firmado por el mismísimo Tod Solondz el espectador se balancea enre la comedia negra, el costumbrismo crudo y el drama profundo. Uno de los puntos fuertes de Happiness es lo equilibrado de todo el asunto. No hay ningún momento en toda la cinta en el que nos envuelva el aburrimiento. Siempre hay un dato a tener en cuenta, una frase cargada de cinismo, o un suceso que no nos gustaría mirar. Como el siguiente.

Tras la presentación de los personajes, con sus virtudes y sus puntos débiles (los cuales Solondz se preocupa mucho de taladrar con su peculiar sentido del humor), nos topamos con el primer suceso que le da un vuelco a nuestra perspectiva de uno de los personajes, Bill el padre de familia “perfecto”. Le vemos hacer “eso”, cómo lleva a cabo sus planes. Creemos que a partir de ahí le perdemos toda la simpatía, pero Solondz es un tramposo, y trasmostrarnos el lado mas enfermizo de una persona normal, nos obliga a ser testigos de cómo el personaje sigue sieno una persona, un humano, después de todo. No nos deja ni digerir el mal trago, Bill vuelve a ser un padre cariñoso y moderado apenas cinco minutos después de el atroz metraje. Y más tarde de nuevo vuelve a hacerlo...

Allen sigue con su particular frustración sexual y social. Hoffman es pura interpretación. Pero el personaje... bueno, aquí llega la primera crítica negativa, el personaje no es demasiado original, por decirlo de algún modo. Su desarrollo no sorprende tanto como el del resto del casting, pero, on the other hand, es de los más divertidos del film. El encuentro con Kristina, la autora del “crimen pasional” más chorra del año, es pura ironía cómica. Pero claro, si es divertido, es gracias a Kristina, más que al personaje de Hoffman. Y la escena más cachonda, la que corresponde a la cita en el sofá de Chloe (la hermana perfecta que se aburre en su altar de de fama y de éxito), es genial más por la reacción de ella, que por la contribución de Allen. Se lleva todo el peso de el humor morboso de Solondz (¡recuerdos de Dawnie, desde la casa de muñecas!), pero como subtrama individual no alcanza cotas magistrales.

Joy (“alegría” en inglés), pese a su nombre, es el personaje que más llora durante la película. Lloriquea, más bien. Su subtrama es otra de las más divertidas, a la vez que patética. Sentirse identificado es bastante difícil, a la vez que su personaje inspira poca pena. De alguna forma todas las penurias que tiene que soportar vienen un poco dadas por su conducta ingenua y egoitsa. Un poco como Dawnie en Welcome to the Dollhouse: se lo merece, aunque sólo sea un poquito.

Los clímax magistrales de la película

Escribo “los” debido a que hay varios en la película. El primer de ellos que quiero destacar es el clímax en cuanto a comedia irónica de la película. El encuentro pasional entre Allen y Chloe. Fruto del azar, se produce contacto entre la sofisticada, atractiva, y triunfadora hermana y el pervertido marginal perdedor, a través de una de las llamadas asquerosas de éste. Ella, hastiadad de su frívolo estilo de vida, decide que quiere experimentar nuevas sensaciones, pese a lo peligroso de la idea. Tras algunas evasivas de Allen, él decide afrontarlo y en cierta escena vemos cómo se dirije a casa de Chloe, en busca del “amor”.

Durante el encuentro, ella le invita a pasar a su apartamento.Ella acaba de enterarse de quién estaba tras las llamadas pervertidas, su vecino el “asocial”. Los dos se sientan en el sofá. Una fanfarria se escucha de fondo, in crescendo, mientras Allen va acercando su mano hacia el cuerpo de Chloe, muy lentamente. Ella lo desea, él también. Pero el peso de la realidad acaba por caer completamente: “Esto no funciona. No eres mi tipo”. Se corta la música triunfal. Puerta. Fín.

El siguiente clímax también lo protagoniza Allen, pero de forma mucho más pasiva. Es a mi juicio, el mejor momento en lo referido a “dark comedy”, humor negro. Durante la cita que tienen Allen y Kristina, ella le confiesa algo delicado, mientras engulle un postre enorme. Ella es la autora de un asesinato. La sucesión de escenas en ese momento narra el crímen de forma cruda y grave, pero la coña viene a cuento de los diálogos de Kristina. En especial el toque final: “Fue un crimen pasional.”

La película también puede presumir de poseer un momento dramático a la par que emotivo. Durante el desarrollo de el caso de Bill, el padre de familia pedófilo, uno no puede evitar sentir tristeza al saber el destino que le espera. Su problema y sus delitos salen a la luz, a nadie nos gustaría estar en su lugar. La escena con la, presumiblemente, última conversación padre-hijo que mantendrá Bill está cargada de drama. Chapeau por Solondz y por Dylan Baker.

Y finalmente la esena final, la ironía y el patetismo Solondzianos en todo su esplendor. La familia reunida alrededor de la mesa, cada uno intentando quitarle hierro a los delicados “asuntos”, para echárselo a los de los demás. Ninguno ha mejorado su existencia desde el inicio de la película (alguno hasta quiere acabar con la suya, a base de condimentos) y sus diálogos cargados de fina ironía sarcástica conducen a uno de los finales más patéticos de la historia del cine me atrevo a decir, con semen incluído.

Poco más queda decir de esta obra maestra. Que no sea una película “para todos los públicos” no le resta calidad. Tampoco hace falta una mente privilegiada, o un CI de +120 para disfrutar de ella. Esta película es la prueba de que el cine independiente puede ofrecer algo distinto, algo que merece la pena ver. El único requisito es estar dispuesto a disfrutar de ese algo.

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¡Despertamos a la Monstrua!

noreply@blogger.com (scanners) — Sun, 23 Aug 2009 12:29:00 +0000

ACTUALIZACIÓN: Gracias a todos los que os habeis apuntado. Se han desbordado nuestras expectativas, así que por temas de espacio no podrá venir nadie más. Eso si, esto es solo el principio. El sábado despertamos a la monstrua!!! Allí nos vemos.

Aunque este mes por temas vacacionales no hay nuevos programas de La Parada de los Monstruos, los que llevamos el programa de cine nos hemos sacado de la manga La Primera MONSTRUA de cine chungo. ¿Que que es una MONSTRUA de cine? Pues como una muestra, pero vista desde la óptica de La Parada de los Monstruos. Tendrá lugar en Madrid, en la sede de Onda Latina el proximo sábado día 29 de Agosto a partir de las 20 horas y se proyectaran tres títulos que comparten origen en la década de los ochenta, su bajo presupuesto y su escasa calidad fílmica. ¿Y por que las hemos elegido entonces? Por que sabemos que nos lo vamos a pasar de miedo. Toda la info que necesitéis sobre el evento la teneis en la página de La Parada de los Monstruos.