Other Films

Trivia de las pelis de Ruta 66

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Wed, 01 Jul 2009 21:24:00 +0000

Tal y como prometí, he traducido el Trivia de Imdb correspondiente a las películas aquí anaizadas por un servidor, en caso de que hubiese Trivia para traducir (Solondz nos tiene prometidos un trivia exclusivo para Other Films de Welcome To The Dollhouse, cuando tenga tiempo libre se encargará de ello).

Las voy a añadir a las entradas correspondientes aquí publicadas, pero también las recopilo aquí, para los más vaguetes ;)

Click abajo para seguir leyendo.

Smoke

- El nombre de Paul Benjamin (William Hurt) es una referencia al escritr Paul Auster, cuyo nombre de pila es Benjamin: Paul Benjamin Auster.

- Forrest Whitaker, aunque interpreta al padre del personaje de Harold Perrineau, es sólo dos años mayor que éste.

- El personaje de William Hurt cuenta una historia sobre un hijo que encuentra el cuerpo inerte y congelado de su padre en las montañas. Esta misma historia la utilizá Paul Auster en su novela, “The New York Trilogy” (“La trilogía de Nueva York”).

Shadows

- John Cassavetes rodó la película en 1957 y 1958, pero debido a la pobre acogida volvió a rodar más o menos la mitad del film en 1959. Se dice que esa primera versión estuvo extraviada durante casi 50 años. A mitad de los años 80, el profesor Ray Carney comenzó su búsqueda tras hablar con Cassavetes sobre ella. Carney investigó por todas partes pero sólo obtenía información que le llevaba a callejones sin salida durante 20 años. Finalmente, en 2002, contactó con una mujer que le contó que su padre, vendedor de objetos usados, tenía una caja de cartón con una película llama “Shadows”. Resultó ser la primera versión de la película y no la segunda. Estaba en prístinas condiciones.

- Es el debut como director de John Cassavetes.

- Jean Shepherd, personaje iconoclasta del mundo radiofónico, ayudó a Cassavetes a recaudar el dinero para película, haciendo que éste interviniera en su programa en calidad de invitado excepcional en febrero de 1957. Shepherd incluso le prestó a su asistente Ellen Paulos para que ayudase en la película. Cassavetes, agradecido por la ayuda, expresó su gratitud en los créditos iniciales. Puede leerse: “Presentado por los Nocturnos de Jean Shepherd” (Los Nocturnos es el “culto” formado por algunos miembros, oyentes del programa de Shepherd, denominados así por el New York Times). Shepherd aparece fumando un cigarro entre la multitud de la secuencia inicial. Paulos también hace una aparición en la película.

- Debut de Tom Reese (anunciado en cartelera bajo su verdadero nombre: Tom Allen).

- John Cassaves estuvo en un programa de radio de Manhattan, promocionando “Johnny Staccato” (1959) (Nota de AkaTsuko - Serie de televisión en la que participó actuando y dirigiendo). El tema de la conversación derivó hacia derroteros que tocaban la realización de un largometraje, y Cassavetes dijo que si él fuera a hacer algo así, los oyentes deberían donar un dólar o dos mandándolo el dinero por correo a la emisora. Unos días después, un estupefacto Cassavetes había recibido miles de dólares, que invirtió en “Shadows”.

- Gena Rowlands, viuda de Cassavetes y propietaria de la herencia intelectual de éste, ha negado categóricamente que la versión alternativa descubierta por Carney sea real, a pesar de que Carney ha subido a su web varios clips de vídeo.

- El crítico Leonard Maltin describe “Shadows” como “el caldo de cultivo para el nacimiento del cine independiente americano”.

- Se rodó en las calles de Nueva York con una cámara de mano de 16 mm. La mayor parte del diálogo fué improvisado, y todo el equipo de rodaje estaba formado por alumnos de Cassavetes o voluntarios.

- La película fué seleccionada para su preservación en el Regitstro Nacional de Films de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso (Nota de AkaTsuko - Importantísima biblioteca de Washington D.C.) en 1993.

- Durante la fase inicial de la grabación, las huelgas eran algo recurrente debido a lo poca costumbre de los trabajadores a la “improvisada” naturaleza del proyecto.

- Durante uno de sus sesiones regulares en los talleres de interpretación, John Cassavetes se percató del potencial de una premisa fílmica en uno de los ejercicios improviados, en particular uno humorístico. Con el paso de los años desarrolló el argumento en sus talleres, y acabó utilizando a sus jóvenes alumnos en esta película.

- Presupuesto total: 40.000 dólares.

- El transeunte que salva a Leila del baboso en la calle es Cassavetes. Gena Rowlands (recordemos, su mujer) aparece brevemente en una escena del club nocturno.

- La película causo revuelo por que mostraba de manera explícita a una pareja no-matrimonial en una posición post-coito y además se sugería que una mujer había ido en busca de sexo intencionadamente. (Recordemos que eran finales de los 50, la revolución sexual y moral de los hippies estadounidenses llegaría un poco más tarde).

- Tras ser premiada por la crítica en el Fesival Fílmico de Venecia, fué seleccionada para su distribución por British Lion, y entonces se exhibiría en Estados Unidos.

- Cuando la primera versión del film (la primigenia, la de Carney) fue proyectada en el Festival de Cine de Rotterdam en 2004, fué la primera vez en 45 años.

- La polémica escena de amor se rodó en el apartamente del hermano de Katherine Hepburn.

Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo

- En un principio el paperl de Ann fue escrito para Elizabeth McGovern.

- En una escena se puede ver una confesión grabada por una de las ex-amantes del personaje de James Spader. El director le dió el guión y la cámara a la actriz Jennifer Jason Leigh para que grabase la escena en su casa con la ayuda de su novio, pero nunca tenían tiempo para ello, así que, una vez comenzada la grabación del film, un miembro del equipo de rodaje acabó haciendolo.

- David Duchovny y David Hyde Pierce hicieron una audición para los papeles de Graham y John. (Nota de AkaTsuko: Por cierto, Duchovny acabaría haciendo de “pervertido” en la serie Californication muchos años más tarde. La de cosas que podrían haber cambiado si le hubiesen cogido xD)

- El primer día de producción, los productores le mandaron un telegrama a Steven Soderbergh. Le picaron de forma amistosa diciéndole que “habían oido por ahí que él no sería capaz ni de dirigir el tráfico”. Doce años más tarde, Soderbergh ganó el Oscar... “por dirigir Traffic”(2000).

- El guión fue escrito en unas dos semanas.

- Steven Soderbergh le dió a los productores una lista de posibles títulos para la película, que incluía: 46:02, Retención Retinal (“Retinal Retention” ¿?), Dispositivo de Emparejamiento Cargado (“Charged Coupling Device” ¿?), Modo: Visual,
Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo, e Intenciones Encubiertas (Nota de AkaTsuko - “Hidden Agendas” con esta creo que he acertado). Soderberh defendía fervientemente 46:02 (la supuesta duración de la cinta que Ann graba para Graham. En el guión se menciona pero en la versión final de la película no aparece el dato). Pero los productores escogieron de forma inmediata Sexo, Mentiras y Cintas de Video.

- Se le ofreció el papel de Ann a Brooke Shields, pero lo rechazó.

Elephant

- La mayor parte de la película fue improvisada.

- La mayoría de los chavales no eran actores, y utilizaban sus nombres reales.

- Los personajes que aparecen en el videojuego que está usando Eric estan sacados de Gerry (2002).

- Gus Van Sant cogió prestado el título de la homónima pel´cula de Alan Clarke, creyendo que se refería a un proverbio chino sobre cinco invidentes que, al preguntarles por el animal que están tocando (mientras tocaban a un elefante), dan una respuesta diferente a la cuestión. Lo que en realidad quería decir Clarke con el título es el concepto de “un elefante en una habitación”. Es una expresión idiomática sobre una verdad muy obvia que se ignora, como un elefante que pasando desapercibido en una habitación llena de gente que no se da cuenta de su inmensa presencia.

- El borrador original del guión lo escribió J. T. LeRoy.

- Basado en un relato escrito por Harmony Korine, escritora y directora, amiga de Gus Van Sant.

- Cuando Elias le dá las gracias a la pareja de punkis, los llama por sus nombres reales “Wolfgang y Caroline).

- En el plano en el que se ve a Alex y a Eric durmiendo, se puede ver la portada del libro que Eric ha estado leyendo:” US Army Technical Manual #31-201-1”, sobre creación y uso de aparatos inflamables.

-El arma de Alex es un rifle semiautomático “Bushmaster Carbon 15 Type 21”, y el arma de Eric es una pistola de asalto “Interdynamic KG-9”.

- La mayoría de las tomas en la película son larguísimas y están grabadas con Steadicam (“cámara al hombro” para planos en primera persona, cercanos y subjetivos). La toma de las tres chicas caminando por la cafetería dura 5 minutos y 19 segundos.

- El instituto en el que se rodó (Whitaker Middle School, antes conocido como el Adams High School en Portland, Oregón) fue derribado en 2007 por el deterioro estructural. El instituto ya estaba clausurado antes de comenzar el rodaje.

- La película está muy influenciada por el drama televisivo de Alan Clarke de 1989 del mismo nombre, Elephant. Ambas películas tratan el tema de las muertes sin sentido y contienen tomas muy largas de los personajes paseando por ahí.

- [SPOILER] Esta película, Gerry (2002) y Last Days (2005) forman “La Trilogía de la Muerte” de Van Sant, películas editadas por él mismo. La películas se centran en el tema de la muerte a manos de un extraño.

Happiness

- Cameo del Director: [Todd Solondz] Es el portero durante el turno de día en el edificio donde residen Allen, Hellen y Kristina.

- La revista premiere la incluyó en una lista de “Las 25 Películas más Peligrosas”.

Buffalo '66

- La escena de la cena en casa de los padres de Billy es un homenaje visual al estilo del director japonés Yasujiro Ozu. También se le referencia en la matrícula del cuche de Leila, en la que pone “OZU”.

- El personaje de Scott Woods es una referencia al “pateador” (posición de jugador, en el fútbol americano) de los Buffalo Bills, que cometió un fallo en la final de la vigesimoquincuagésima edición de la Super Bowl, lo que le costó la victoria al equipo.

- Del millón y medio de dólares de presupuesto, la peluca de Anjelica Huston costó 20.000 dólares.

- El aspecto de la casa de los padres de Billy Brown, es prácticamente el mismo que tenía la casa donde se crió Vncent Gallo.

Gallo decided to shoot on reversal stock (the equivalent of color transparency film - expensive both to buy and process), without even knowing if it was going to be developed.

- Gallo decidió filmar en “reversal stock” (el equivalente a la color transparency film (¿?) - ámbas técnicas caras para comprarlas y para procesarlas), sin saber siquiera si su película iba a ser realizada.

- Ben Gazzara improvisó las lineas que pronuncia mientras se zarandea entre los pechos de Christina Ricci, durante la cena en casa de los padres de Billy.

- La canción que el padre de Billy le canta a Leila, “Fools Rush In Where Angels Fear To Tread”, la grabó en realidad el padre Vincent Gallo, Vincent Gallo sénior.

- Las líneas: “¿No sabes dar las gracias?”, “¿Qué?”, “¿No sabes dar gracias?”, “¿Qué?”, se pueden escuchar al final de la canción “Neo Violence” de The Tough Alliance.

- Christina Ricci coregrafió su infame danza de claqué durante la escena en la bolera.

- - -

Eso es todo por ahora, en las próximas entregas de Ruta 66 el trivia vendrá incluido por defecto.

Os recuerdo que podéis aportar vuestra ayuda con mis deslices traductológicos (las interrogciones, y los apuntes en negrita). ¡De hecho os lo ruego!
[+/-] Seguir Leyendo...

Promises Written in the Water: Lo Nuevo de Vincent Gallo,

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Sun, 28 Jun 2009 18:50:00 +0000

Buffalo '66 fue un soplo de aire fresco en el ya casi hastiado mundo del cine indie a finales de los años noventa. Cinco años despues presentó en Cannes 2004 Brown Bunny, que le propinó una mortal paliza por parte de la crítica, con el consiguiente anuncio de retirada del mundo de la dirección por parte de Gallo. Vendió por eBay todo el material que había acumulado durante la filmación de ambas películas: La Cámara de super 16 mm, los micrófonos, el set de iluminación. Absolutamente todo. Dicen los rumores que el pack fue adquirido por el hijo de Silvester Stallone.

Pero como no hay herida que no cierre el tiempo, durante la presentación en Cannes 2009 del film Tetro del maestro Coppola (actualmente en nuestras salas) Gallo anunció que habia dirigido una nueva pelicula en blanco y negro y en 16 mm titulada Promises Written in the Water y que actualmente se encuentra en fase de postproducción. Es factible pensar que el año que viene, si no antes, tengamos un nuevo producto del Hombre Orquesta de Buffalo.

Fuente: The Playlist

¿Qué sabes de Clerks? (¡Updated!)

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Sun, 21 Jun 2009 22:25:00 +0000

Para dar una pincelada de variedad a mis aportes a este blog, aprovecho que se ha estrenado hace poco Zack and Miri Make a Porno para publicar esta entrada, muy relacionada con los primeros trabajos de Kevin Smith, su director. Concretamente, su película primigenia, Clerks.

En la conocidísma base de datos online cinéfila, Imdb.com, en las fichas de los films hay una subsección llamada "Trivia", que bien en español podría denominarse "Curiosidades/chorradas/datos/paridas" por su contenido. Como tengo mucho tiempo libre, y al no estar conforme con ciertas páginas que presumen de compilar curiosidades cinéfilas (a veces sacadas de la misma Imdb, pero mal traducidas e incompletas), me decidí a traducir todo el trivia de Clerks esta tarde.

Se me ha ocurrido también que puedo agregar trivia a mis reviews de Ruta 66 (aunque para que no se hicieran muy extensos, tendría que ser más sectivo con las curiosidades), pero ya veremos, me atendré a lo que me diga el Big Boss de Other Films, Lord Solondz_fan.

Por último quiero añadir que mi traducción no es perfecta, que estoy abierto a críticas, correcciones, ayudas (que de hecho pido. Los puntos con "¿?" significan que me resultan difíciles, ya sean por léxico, por falta de conocimiento de otras películas, etc), a ver si a los lectores os animamos a participar más. He intentado redactar las traducciones manteniendo plenamente el sentido, hasta el más mínimo detalle que cualquier cinéfilo puede degustar, pero con un estilo más ameno para su lectura. ¡Dejo de enrollarme!

Act: Como se pidió

Una somera descripción de los personajes citados en el Trivia, para los que tienen borroso el recuerdo de Clerks. Me dejo algunos, e importantes en el tintero, pero preferimos guardarnos de estropear el visionado a aquellos que no la hayan visto aún.

Dante Hicks

Uno de los clerks (“dependientes” para el que no lo sepa) protagonistas. Trabaja en un Quick Stop, un ultramarinos a la americana, y en la película sale trabajando a pesar de que es su día libre. Tiene novia, pero parece estar obsesionado con una ex que lo maltrató mucho en el pasado.

Randal Graves

Trabaja en el videoclub que hay frente al Quick Stop. En este caso entiéndase “trabajar” como “escaquearse a las primeras de cambio” para ir a darle la murga a su amigo Dante a la tienda. Mordaz, independiente, sarcástico, un filósofo chuleta de finales de siglo XX. “El azote de los clientes” como dicen en la propia película.

Jay y Bob el Silencioso

Me encanta asociar la expresión “estar todo el día apalancado” a esta pareja. Vendedores de marihuana de profesión, este par de individuos son los dependientes pero sin mostrador y a pié de calle. Al final de los créditos de Clerks puede leerse “Jay y Bob volverán en Dogma”. Se ve que desde el primer momento Kevin Smith ya se olía que estos personajes eran diamantes en bruto en carisma e imagen popular.

Willem Black

Espero haber acertado con la captura de este secundario, pues en el trivia da poca info y en la peli la tra,a se centra en quien se tiene que centrar. Por esa manera que tiene tan idiotizada de hablar, se deduce que es uno de los clientes habituales de Jay y Bob.

Curiosidades de Clerks (1994)

- Se financió en gran parte con tarjetas de crédito y con dinero prestado de amigos y familiares.

- Rodada en la misma tienda en la que el director Kevin Smith estaba trabajando durante aquella época. Sólo tenían permiso para grabar fuera del horario de trabajo, y debido a que no podían permitirse luces lo suficientemente brillantes, la trama incluye la explicación de por qué las persianas metálicas están siempre echadas.

- El coste de los derechos para la banda sonora (27.000 dólares aprox.) sobrepasó los costes totales de la producción del film (26.800 dólares aprox.). Fue la primera vez que ocurre algo así en la historia del cine.

- La barba de Dante cambia porque Kevin Smith le pidió a Brian O'Halloran que se afeitara la perilla antes de que se empezase a filmar, durante los ensayos previos. Al ver el resultado de su aspecto sin ella, le dijo que volviese a dejársela crecer. En las primeras escenas que se rodaron se le ve una barba más fina, mientras que en las posteriores es más densa, pues tardaba en crecerle.

- Randal y la mujer que pide la película del perrito “Happy Scrappy” en realidad no se encontraban en el escenrio al mismo tiempo. Jeff Anderson se negó a leer la lista de las películas porno delante de ella, principalmente en presencia de la niña (aunque las reacciones de la mujer se obtuvieron al leer la lista delante suya).

- Willem Black iba a ser universitario, pero el actor original para el papel, Dan Hapstak, cambió de idea y decidió abandonar el papel. Entonces Scott Mosier optó al papel, pero al no tener pinta de estudiante universitario, reescribieron al personaje para que fuese un idiota inmaduro.

- Walter Flanagan, que interpreta al tío que compra tabaco aun tras el discursito del representante de los chicles Chewlie's, lleva una de las barbas de pega de Brian O'Halloran como si fuera una peluca.

- Clerks se rodó con una cámara Arri SR-2 de 16 milímetros y con cinta Kodak Plus-X.

- El “pulmón de fumador” que el representante de los chicles Chewlie's pone sobre el mostrador es en realidad un hígado de un ternero sucio y quemado a base de colillas.

- Jason Mewes (Jay) no aparece en la portada ni en el poster porque los ejecutivos creían que tenía una apariencia demasiado rara para la promoción publicitaria.

- Aunque apenas hay contenido violento en la película (lo único, la pelea entre Randal y Dante), en un principio fue calificada para mayores de 17 años por la MPAA (Motion Picture Association of America, Asociación de productores cinematográficos americana) basándose en los diálogos explícitos. La distribuidora, Miramax, contrató al abogado Alan M. Dershowitz (formó parte de la defensa de O. J. Simpson) que consiguó con éxito que la MPAA redujera la calificación a R (“restringida” a menores de 17 sin compañía de un adulto) y sin cortes.

- El logo de “Clerks” está hecho con letras recortadas de distintas revistas y envases de comida. La C es de la Cosmopolitan, la L es de la revista Life, la E sacada de la Rolling Stone, la R de unas patatas Ruffles, la K es de Clark Bar y la S viene de una caja de Goobers.

- En la gorra de Bob el Silencioso sale Felix el Gato.

- El cliente molesto por el diálogo sobre los “limpiapajas” está comprando toallas de papel y limpiacristales.

- El mismo personaje iba a ser una mujer, según estaba escrito originalmente.

- Dante viste un jersey de los Penguins de Pittsburgh durante el partido de hockey. Sus contrincantes llevan jerseys de los Devils de New Jersey. Randal lleva un jersey de la USSR(CCCP), pero con una gorra de los Devils.

- El primer borrador del guión tenía 168 páginas.

- El mensaje anti-tabaco del film representa el punto de vista personal de Kevin Smith cuando escribió el guión. Por eso, Bob el Silencioso no inhala cuando se pone el cigarrillo en la boca. Tras rodar Clerks, Kevin se convirtió en un fumador habitual.

- [SPOILER] Bob, el Silencioso, no lo es tanto. En Clerks y en Mallrats (1995) habla una sóla vez, pero en Dogma (1999) lo hace dos veces. En Persiguiendo a Amy (1997) tiene un discurso bastante largo y en Jay y Bob el Silencioso Contraatacan (2001) habla bastante.

- Esta es la primera película de Kevin Smith que está intrínsecamente conectada con la saga del “View Askewniverso” (el resto son Dogma (1999), Mallrats (1995), Chasing Amy (1997), Jay and Silent Bob Strike Back (2001) y Clerks II (2006)). Las películas están relacionadas por los personajes, los temas y los eventos, y cada una contiene numerosas referencias a las demás. (View Askew es la productora de Kevin Smith y de Scott Mosier)

- Hay al menos dos versiones diferentes de la escena en la que Randal está pidiendo la película para la mujer y su niña pequeña. Ámbas versiones tienen dos voces claramente distintas de la niña cuando dice “Happy Scrappy”.

- La gorra que lleva Jay cuando está robando donuts (mientras el perito relata su historia con la mafia) es de los Sharks de San Jose, un equipo de la NHL (Liga Nacional de Hockey).

- Clerks está muy libremente basada en “La Divina Comedia” de Dante Alighieri, por ello lo del nombre del protagonista. Asímismo, está dividida en nueve capítulos en representación de los nueve círculos del infierno.

- Cuando Dante le pregunta Randal si se ha dado cuenta de que todos los precios acaban en nueve, muchos productos detrás de ellos tienen el precio acabado en 95.

- Kevin Smith originalmente iba a interpretar a Randal. Por ello, Randal tiene muchas de las mejores frases.

- No se menciona ninguna marca de tabaco en toda la película. Principalmente, para evitar litigios legales con los royalties, pero también para que no se asociara la imagen de alguna empresa con la analogía de los nazis y los “vendedores de cáncer”.

- When Jeff Anderson (Randal) auditioned, he read Jay's lines because he had nothing else to use (the actors were allowed to bring in a separate dialogue to read instead of the script).

- Cuando Jeff Anderson hizo el casting leyó las líneas de Jay porque no tenía otra cosa a mano (se permitía a los actores realizar un diálogo suelto en lugar de usar el guión). ¿?

- Jeff Anderson (Randal) hizo el casting para el papel de Jay (lo que acabamos de mencionar).

- [SPOILER] El final original de la película mostraba a Dante herido de un disparo durante un atraco. Esto se eliminó de la versión del estreno, pero puede verse en una sección adicional de la versión en Laserdisc y en DVD.

- La versión en VHS es la cinta más robada en las tiendas a lo largo de EEUU.

- Grace Smith, que interpreta a la “señora de la leche” en la película, es la madre de Kevin Smith.

- Director Trademark: [Kevin Smith] [star wars] Dante and Randal argue over which is the better film, Star Wars: Episode V - The Empire Strikes Back (1980) or Star Wars: Episode VI - Return of the Jedi (1983).
¿?(Tengo dudas para traducir esta recurrente nomenclatura a las curiosidades relacionadas con otras películas "Director Trademark") Marca Registrada: [Star Wars] Dante y Randal discuten sobre cuál es mejor película, si El Imperio Contraataca (1980) o El Retorno del Jedi (1983).

- [SPOILER] Marca Registrada: [Tiburón] Tras la escena del tío muerto en el water, se ve a Randal enredando con un nacho en un tarro de salsa y diciendo “vamos a necesitar un barco más grande...” en alusión a Tiburón (1975), una de las películas favoritas de Smith.

- Mientras Jay está apalancado delante del videoclub, él grita: “¡Me f*ll*r** a cualquier cosa que se moviese!”. Esto es una referencia a la misma frase que dice Dennis Hopper en Terciopelo Azúl (1986).

- Walter Flanagan, amigo de la infancia de Kevin Smith, aparece en bastantes papeles. Debido a esoto, Smith diría más tarde que Flanagan fue el Lon Chaney de los noventa.
El tío que, cuando Dante dice “Mi novia ha chupado 37 pollas”, responde “¿De un tirón?”, iba a hacr de Bob el Silencioso.

- Sello personal del director: [Kevin Smith] [37] El número en cuestión es bastante recurrente en las películas de Kevin Smith.

- Según en una entrevista a Kevin Smith en el libro “My First Movie”, parte de la finación provenía del pago por un seguro de accidentes. El seguro era de un coche que tenían él y Jason Mewes, el cual acabó destrozado durante una inundación. Jason previnió a Kevin sobre la inundación y le pidió que pusiera el coche en un lugar más elevado, pero Smith no le creyó.

- [SPOILER] La escena del atraco antes mencionada está incluida en la edición del décimo aniversario, en DVD. (En Imdb a veces se repiten las cosas...)

- Kevin Smith y Scott Mosier fueron a la Vancouver Film School, en Vancouver, en la provincia de British Columbia (Canada) e hicieron el siguiente pacto: el primero que empezase a dirigir una película ería producido por el otro. Smith comenzó antes, así que Mosier se encargó de la producción, tal y como ha hecho con todas las películas de aquél.

- En el documental “The Snowball Effect”, en la edición especial en DVD, Kevin smith dice que la película iba a llamarse “Inconvenience”. Cambiaría a “Rude Clerks”, antes de ser finalmente acortado a “Clerks”.

- Kevin Smith ha dicho en los tours promocionales que la razón por la que se metió en el reparto fue que si película fallaba y él acababa endeudado el resto de su vida, al menos tendría una prueba de lo que hizo, al verse en la película.

- Kevin Smith y Scott Mosier editaron la pelíula en el videoclub cerca de la tienda donde se rodó la película.

- [SPOILER] En un principio, Dante (Brian O'Halloran) iba a morir porque Kevin Smith no sabía cómo acabar la película.

- Jason Mewes (Jay) era tan tímido ante la cámara, que durante el rodaje de la escena en la que él y Bob el Sliencioso bailan, todo el equipo tuvo que irse y meterse en el videoclub, y dejar la cámara filmando, para que Mewes no se pusiera tan nervioso.

- La escena en la que Dante le echa en cara a Caitlinlo de su boda con el diseñador asiático en el videoclub está rodada en una toma, y dura unos cinco minutos. Se rodó en la primera noche de la grabación.

- Según una escena inédita, que acabó animada e incluída en la edición del décimo aniversario, Clerks ocurre en un sábado. En Mallrats, se hace referencia a lo que dice Randal: "Julie Dwyer murió ayer". La trama de Mallrats ocurre en un viernes. Gracias a José Miguel por la ayuda.

- Kevin Smith dice que su inspiración para hacer películas y para hacer Clerks le vino tras ver Slacker, de Richard Linklater's (1991). (En el ciclo Ruta 66 aparecerá esta película revisada ;)

- Kevin Smith, entusiasta lector de comics, vendió gran parte de su colección para financiar la película. Desde entonces, ha podido recuperar la mayoría de lo que vendió.

- Tras la presentación de Randal, cuando vuelve al videoclub, se topa con el tipo que acaba de perder las llaves en la tienda de Dante. En la versión original, cuando este último le pregunta si ha visto s llaves, Randal dice “No time for love, Dr. Jones!”, citando Indiana Jones y el Templo Maldito. En español dice “Estarán en el fondo del mar”. (Si alguien sabe a qué se refiere que por favor, aporte ;) )

- La película que Randal acaba alquilando, “Lo Mejor de los Dos Mundos”, su título, está basdo en una serie de pelis porno reales. Sin embargo, las películas reales tratan de bisexualidad, no del hermafroditismo. (Solondz hizo una crítica para Cinemaniablog relacionada con esto de "Lo Mejor de los Dos Mundos"... o puede que no XD)

- Kevin Smith no aparece como actor en los créditos iniciales.

- Jeff Anderson tuvo que comerse ocho lonchas de carne de cecina (carne reseca) para hacer la escena en la que escupe al cliente comentarista de titulares, pese a que no le gustan.

- El papel de Dante estaba escrito para Ernest O'Donnell, pero Kevin Smith no se sentía muy agusto y ello unido al hecho de que no se aprendió sus líneas para la audición, hizo que el papel acabara en manos de Rick Derris.

- Los “Dave's Fruit Pies” que se venden en la tienda son en realidad Hostess Fruit Pies con la palabra Hostess tapada por el “Dave's” en la etiqueta.
“RST” de RST Video quiere decir “Rajiv, Sarla, Tarlochen”. Son los primeros nombres del hijo, la madre, y el padre de la familia propietaria del videoclub y de la tienda Quick Stop. (Cuando redactaron esto en Imdb supuestamente seguían siéndolo).

- [SPOILER] En la escena final Dante está apoyado en un mueble mostrador de periódicos. El titular del periódico reza “El hombre más gordo del mundo se casa con la mujer más pequeñita del mundo”.

- Vincent Pereira originalmente aparecía en una escena en la que Randal (Jeff
Anderson) sale hablando con un dependiente en el videoclub Big Choice, un dependiente perfecto, pero el aparato de grabación del sonido se estropeó en mitad de la toma y tuvieron que desechar la escena. El sonido sobrevivió hasta ese momento.

- El nombre de Caitlin Bree proviene de un personaje de una serie de tv, “Degrassi Junior High”, uno de los shows favoritos de Kevin Smith cuando trabajaba en el Quick Stop de su ciudad. Caitlin Ryan era su personaje preferido.

- El coche de Dante es un Buick Century de 1976.

- La revista Premiere incluyó el film en un top de “Las 20 Película Más Sobrevaloradas de Todos los Tiempos”.

- El videoclub RST ya no está en activo, pero los propietarios de Quick Stop mantienen el aspecto que tiene la tienda en la película para los turistas que van a verla.

- La palabra “fuck” y sus derivaciones se dicen 91 veces durante el film, la mayor parte de ellas por Dante y Jay.

- Jason Reitman dice que esta película le inspiró para convertirse en director de cine. Se lo dijo a Kevin Smith una vez, el cual bromeó sobre ello: “Eres el hijo de Ivan Reitman. Creciste en los rodajes de “Cazafantasmas” (1984) y “Stripers” (1981). ¿Y fuí YO el que te animó a ser director?”

- Kevin Smith acumuló el precario presupuesto de 27.000 dólares vendiendo su colección de cómics, pidiendo prestados 3.000 dólares a sus padres y exprimiendo al máximo sus tarjetas de crédito.

- Smith trabajaba en la tienda donde se rodó la película. Rodaron durante 21 noches seguidas. Él comenzaba a trabajar a las 6 de la mañana y acababa a las 11 de la noche. Entonces empezarían a grabar hasta las 4 de la madrugada. Por ello, a Smith le quedaban una o dos horas para descansar y dormir antes de ponerse a trabajar en la tienda de nuevo.

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Ruta 66: Buffalo 66

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Thu, 18 Jun 2009 22:19:00 +0000

Buffalo '66

Vincent Gallo escribió, dirigió y protagonizó esta película en 1998. Christina Ricci acompaña a Gallo durante toda la película, y por ahí aparece el (por etiqueta) resucitado Mickey Rourke. Billy Brown nace en 1966, el día de la final de la superbowl, partido en el que juegan los búfalos, equipo que parecerá ser la estrella que marcará el destino del chico durante toda su vida. Billy Brown nace en Buffalo, y lo hace con mala estrella.

Billy

El personaje de Billy es un hueso duro de roer. Como cabría esperar de un recién ex-convicto, sus maneras no son precisamente cívicas y sus acciones son moralmente reprochables. Impondrá su autoridad si lo cree necesario, hará lo necesario con tal de conseguir sus objetivos, aunque ello signifique marginar a las personas que le rodean, pese a que estas le perdonen continuamente. Pero este cascarón de lobo solitario tiene agujeros, los cuales se van agrandando a lo largo de la película. No se nos acaba mostrando a un buenazo o a un ser sensible con una fachada de tough guy. Vemos que Billy es una persona normal, con sus virtudes y sus defectos, pero muy insegura de sí misma. Apenas un roce con su ropa puede provocar en él una gran desconfianza y rechazo.

Vincent Gallo, con esa apariencia de flacucho siciliano, interpreta con gran maestría su personaje a la vez que consigue un gran acabado fílmico como director. Apuesto para argumentar esto con la escena de la reunión familiar, el “bajón” de Billy en los baños (estremecedor para el que conozca la sensación), los pequeños toques tragicomédicos del guión y el impresionante clímax de la escena final.

Leila

Este personaje es de lo más interesante y misterioso. Poco se acaba sabiendo de ella al final de la película. De hecho, apenas Billy se drije a ella si no es a base de órdenes y empujones. No recuerdo ningún momento en el que él la llamase por su nombre. Es un personaje totalmente pasivo, da una apariencia de muñeca de trapo, cosa que resulta bastante sencilla con el peculiar atuendo que se ve obligada a llevar durante toda la película. Es bailarina. Es ingenua y fantasiosa. Poco más, que no quiero revelar, se puede decir sobre ella, aunque su papel en la trama sea de coprotagonismo.

Christina Ricci está adorable en este papel. En mi opinión, puede que esté un poco pintarrajeada de más, y el rubio de bote nunca ha sido santo de mi devoción. Pero la chica cumple con su papel. Su físico me parece perfecto para la película, muy modesto y humilde. Puede que para la Vanity Fair tenga unos kilos de más, pero para mí no.

La historia de Billy

El ritmo del film es bueno, con algunos momentos lentos, pero estos vienen acompasados de grandes situaciones como las arriba mencionadas. Los dos pequeños cortes musicales (como el de Ricci bailarina) ayudan a conocer a sus personajes desde un punto de vista diferente y especial, pero la historia de la película es la historia de Billy principalmente. El resto de personajes y sus subtramas forman parte del contexto que rodea a la narración sobre Billy, y me atrevo a meter en este saco hasta a Leila. Conocer la personalidad y lo que siente Billy es lo que prima en Buffalo '66. Para ello están los pequeños destalles que se van sirviendo a lo largo de la película, su familia, su amigo de la infancia, sus decisiones. Están retratados de una forma no muy sutil, pero tampoco en plan pasadas por pasapuré.

Quiero recalcar la maestría de la escena final. No quiero destriparla, pero sí alabar la banda sonora utilizada y la edición de la misma, elementos que me han parecido dignos de genialidad cineasta (la cual me mencionó mi compañero Solondz hace tiempo) por parte de Gallo. Películas como esta son las que demuestran que el drama vá más allá de lagrimones e idílicos amoríos. Qué envidiable felicidad debe disfrutar aquél que no se sienta un poco retratado en Billy.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- La escena de la cena en casa de los padres de Billy es un homenaje visual al estilo del director japonés Yasujiro Ozu. También se le referencia en la matrícula del cuche de Leila, en la que pone “OZU”.

- El personaje de Scott Woods es una referencia al “pateador” (posición de jugador, en el fútbol americano) de los Buffalo Bills, que cometió un fallo en la final de la vigesimoquincuagésima edición de la Super Bowl, lo que le costó la victoria al equipo.

- Del millón y medio de dólares de presupuesto, la peluca de Anjelica Huston costó 20.000 dólares.

- El aspecto de la casa de los padres de Billy Brown, es prácticamente el mismo que tenía la casa donde se crió Vncent Gallo.

Gallo decided to shoot on reversal stock (the equivalent of color transparency film - expensive both to buy and process), without even knowing if it was going to be developed.

- Gallo decidió filmar en “reversal stock” (el equivalente a la color transparency film (¿?) - ámbas técnicas caras para comprarlas y para procesarlas), sin saber siquiera si su película iba a ser realizada.

- Ben Gazzara improvisó las lineas que pronuncia mientras se zarandea entre los pechos de Christina Ricci, durante la cena en casa de los padres de Billy.

- La canción que el padre de Billy le canta a Leila, “Fools Rush In Where Angels Fear To Tread”, la grabó en realidad el padre Vincent Gallo, Vincent Gallo sénior.

- Las líneas: “¿No sabes dar las gracias?”, “¿Qué?”, “¿No sabes dar gracias?”, “¿Qué?”, se pueden escuchar al final de la canción “Neo Violence” de The Tough Alliance.

- Christina Ricci coregrafió su infame danza de claqué durante la escena en la bolera.

[+/-] Seguir Leyendo...

David Carradine (1936-2009)

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Fri, 05 Jun 2009 12:54:00 +0000

77...por fin!

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Wed, 27 May 2009 16:08:00 +0000

Hace la friolera de casi dos años y medio, nos preguntábamos ¿Y si solo tu hubieras visto StarWars? Pues bien, estos días se ha hecho publico un nuevo trailer de 77, suponemos que será con el fin de estrenarla... aunque de momento no tiene fecha.

Un nuevo titulo, un nuevo trailer.

Más Claro que el Agua

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Thu, 14 May 2009 09:35:00 +0000

Chasing Amy: Momento crucial en la que es considerada por muchos la mejor película de Kevin Smith. Banky lo puede decir más alto pero no más claro.

Ruta 66: Happiness

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Tue, 12 May 2009 21:27:00 +0000

La historia de esta película gira en torno a las vivencias de una familia made in USA, 3 hermanas (dos de ellas solteras y la restante poseedora de un núcleo familiar ideal) cuyos padres han tenido un matrimonio ejemplar y longevo. Participan en el juego argumental algunas personas allegadas a las hermanas, ejemplares ciudadanos americanos rebosantes de madurez. Hasta aquí todo parece normal. Pero no es así. Porque alguien ha escrito esta historia, y ese alguien, por suerte para nosotros, por desgracia para sus portagonistas, no es otro que Todd Solondz. El mismísmo Todd Solondz.

Todd Solondz tiene un diccionario que no incluye la palabra “Tabú”

No quiero entrar en detalles con éste comentario, pues Happiness es una película que se merece a mi juicio un análisis pormenorizado sobre su trama y sus consecuentes subtramas, sobre el equilibrio entre el binomio de la TragiComedia, la dirección de Solondz, las caracterización de los profesionales, o la ausencia total de límites para con lo moral. Happiness no es una comedia al uso, ni siquiera si la etiquetamos de comedia negra o transgresora. Su profundidad va más allá del chiste fácil o de la descacharrería visual. La dimensión global que provoca en el espectador bufidos de risa o emocionales encogimientos de las tripas es la impredicibilidad.

Impredecible. Mucho.

Me quito el sombrero ante aquél que adivine o sepa capaz de predecir los diálogos, las reacciones, siquiera los eventos que se suceden durante la película (con un ritmo que se digiere muy bien, todo hay que decirlo). Pero ante una persona que afirme esto me reservo para mis adentros mi incredulidad ante tal aseveración. Dudo que ni el mismo Solondz cuando reactaba el guión esperase de sí mismo lo que ha parido con Happiness. Y es que pese a que en las comedias el factor sorpresa es que el que consigue el objetivo primordial del género, ello se consigue a través de deformar la realidad de la manera más original posible. El mérito de Todd Solondz es que no ha tenido que recurrir a esto, el realismo de Happiness es tan nítido como mirarse en un espejo. Los dramas del cine mainstream están empañados de moral y clichés gastadísimos, pero Solondz se ha arremangado la camisa y le ha dado un buen repaso a la superficie del cristal que es la adultez cotidiana estadounidense.

Happiness es un film del cual no puede faltar mención en esta serie bloggera, ni en esta web. Happiness representa, en mi opinión, perfectamente la declaración de intenciones que puede leerse en el margen derecho de la página: es Otro Cine. Próximamente habrá un análisis más desarrollado de todos y cada uno de los elementos antes mencionados. La película se lo merece. Os pido un poco de paciencia, pues, nunca se sabe cuándo vas a encontrar la felicidad.

Sección Extra: Triviade Imdb Traducido

- Cameo del Director: [Todd Solondz] Es el portero durante el turno de día en el edificio donde residen Allen, Hellen y Kristina.

- La revista premiere la incluyó en una lista de “Las 25 Películas más Peligrosas”.

Ruta 66: Elephant

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Fri, 08 May 2009 15:08:00 +0000

En la Ruta 66, como en cualquier otra carretera, también hay baches.

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Algunas películas te dejan una sensación de hormigueo en el estómago, producto de la emoción, los nervios, la sorpresa, el miedo, el entusiasmo, en definitiva, las sensaciones que hacen del séptimo arte un medio de expresión más que válido en el mundo de la expresión artística. También hay películas que por su baja calidad, por ser tediosas, o simplemente por no hacer que los subjetivos engranajes de los espectadores comiencen a moverse, no producen esta sensación de tripas encogidas. Y aquí está Elephant, una película que me a dejado afectado el estómago por lo repugnante que es.

Dirección, edición, improvisación

El señor Gus Van Sant se ríe del espectador con la dirección y la edición de esta película. Escenas largas que resultan de un tedioso extremo, apenas tienen justificación, largas, sosas, y completamente insulsas. Si Gus pretendía que el espectador se parase a “pensar” con esta peli, lo hace de maravilla, pues anda que no hay planos interminables en los cuales da tiempo a pensar en las cosas que tiene que hacer uno el resto de la semana. Es que ni en los documentales geográficos las escenas son tan aburridas.

Si la película pretende presumir de que sus jóvenes integrantes apenas tienen currículo artístico y de su “magnífica” improvisación, va que descarrila. Yo también sé improvisar andando sin pronunciar palabra por pasillos y halls con esa parsimonia. El abuso que se hace de eso en esta película es ridículo. Seguir con la cámara a los actores es magistral cuando hay simbolismo, elegancia en la realización. Pero cuando no hay nada de eso, es simplemente interminable metraje de puro aburrimiento.

Repugnancia ¿basada? en hechos reales

Pasando por alto la carencia de ritmo cineasta del film, centrémonos en cómo están construidas las figuras de los asesinos escolares. Mediante pequeñas escenas se nos decribe a los dos muchachos con las siguientes características: marginados, garrulos, introvertidos, amantes de las armas, de los videojuegos violentos, interesados en el nazismo, ateos/satánicos, y de tendencias homosexuales. Bien, lejos de entrometernos en discusiones sobre el caso real de Columbine, o en el perfil psicológico de los sociópatas, aquí en la película se muestra un retrato bastante significativo de los asesinos: los personajes están empapuzados de los elementos que cualquier americano demagogo y conservador demonizaría. Si esto no es una ironía subterfugia que no he sabido captar, Gus Van Sant se ha chutado una dosis de oportunismo demagogo para ganarse el corazón de la América de mentalidad más reducida.

Qué pasillos más largos, cáspita.

Es difícil buscarle un punto positivo a Elephant. La narración no me ha convencido, la escasez de diálogos tampoco, y mucho menos la vacua interpretación de los actores (por mucha improvisación que sea, no hay excusas que valgan para ver al negro inmutarse frente a la masacre o a John y a su padre hablar como quien habla del precio del pan frente al tumulto en el instituto). El asunto es que ahí está, una buena idea pero con intenciones estropeadas. Puede que si se eliminase lo mencionado en el anterior párrafo y ya de paso bastante metraje, daría para un corto magistral sobre problemas reales como el acceso a las armas o el bullying en los institutos (si hubiesen sido los crisoles argumentales de la película, a lo mejor merecería alguna digna alabanza, pese a ser temas muy manidos y poco originales). Akatsuko os afirma: prescindible en muchos sentidos.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- La mayor parte de la película fue improvisada.

- La mayoría de los chavales no eran actores, y utilizaban sus nombres reales.

- Los personajes que aparecen en el videojuego que está usando Eric estan sacados de Gerry (2002).

- Gus Van Sant cogió prestado el título de la homónima pel´cula de Alan Clarke, creyendo que se refería a un proverbio chino sobre cinco invidentes que, al preguntarles por el animal que están tocando (mientras tocaban a un elefante), dan una respuesta diferente a la cuestión. Lo que en realidad quería decir Clarke con el título es el concepto de “un elefante en una habitación”. Es una expresión idiomática sobre una verdad muy obvia que se ignora, como un elefante que pasando desapercibido en una habitación llena de gente que no se da cuenta de su inmensa presencia.

- El borrador original del guión lo escribió J. T. LeRoy.

- Basado en un relato escrito por Harmony Korine, escritora y directora, amiga de Gus Van Sant.

- Cuando Elias le dá las gracias a la pareja de punkis, los llama por sus nombres reales “Wolfgang y Caroline).

- En el plano en el que se ve a Alex y a Eric durmiendo, se puede ver la portada del libro que Eric ha estado leyendo:” US Army Technical Manual #31-201-1”, sobre creación y uso de aparatos inflamables.

-El arma de Alex es un rifle semiautomático “Bushmaster Carbon 15 Type 21”, y el arma de Eric es una pistola de asalto “Interdynamic KG-9”.

- La mayoría de las tomas en la película son larguísimas y están grabadas con Steadicam (“cámara al hombro” para planos en primera persona, cercanos y subjetivos). La toma de las tres chicas caminando por la cafetería dura 5 minutos y 19 segundos.

- El instituto en el que se rodó (Whitaker Middle School, antes conocido como el Adams High School en Portland, Oregón) fue derribado en 2007 por el deterioro estructural. El instituto ya estaba clausurado antes de comenzar el rodaje.

- La película está muy influenciada por el drama televisivo de Alan Clarke de 1989 del mismo nombre, Elephant. Ambas películas tratan el tema de las muertes sin sentido y contienen tomas muy largas de los personajes paseando por ahí.

- [SPOILER] Esta película, Gerry (2002) y Last Days (2005) forman “La Trilogía de la Muerte” de Van Sant, películas editadas por él mismo. La películas se centran en el tema de la muerte a manos de un extraño.

Ruta 66: Sexo, mentiras y cintas de vídeo

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Sun, 26 Apr 2009 19:43:00 +0000

Trama de Drama

Steven Soderbergh urde una trama en apariencia típica en esta película. Pero nada más lejos de la realidad (y de a verdad). En el escenario tenemos a un matrimonio sin amor, una infidelidad de manual, y la llegada de un nuevo galán que podría cambiar la vida de la portadora de los cuernos. ¿Típico de una tarde de fínde semana, verdad? ¡Mentira! Pues estos elementos van más allá de lo que parecen, y sus apariencias no son más que muros cimentados con innumerables ladrillos de falsedades.

Sex

El primer ítem que conforma la trinidad titular de la película. Las relaciones más intimas, así como las patologías más clásicas son tratadas con elegancia (ya podría aprender cierta nación que o me sé) y realismo por el bolígrafo de Soderbergh. Freud se frotaría las manos (o puede que otra cosa según malas lenguas) con la psicosexualidad del film. Pues en la película son tratados diversos temas clásicos en el psicoanálisis, en su vertiente más tabú. La neurótica clásica, el fetichista reprimido, la infidelidad desparramada. El espectador que desconozca la literatura teórica relacionada, no debe preocuparse, pues la complejidad con la que son tratados estos temas, también lo son con claridad palpable.

Lies

Es la vil y tradicional mentira la encargada de conferir al film la profundidad que lo aleja del producto de sobremesa televisiva. El comportamiento de los personajes, sus acciones y su evolución, son líneas borrosas, empañadas por las mentiras que el guión cuela al espectador sin descanso.

Videotapes

El fetiche principal, alrededor del cual giran las trastocadas vidas de los protagonistas. James Spader es Graham, un enigmático fantasma del pasado que aparece para ofrecer una salida alternativa a la espiral de frustración que es el matrimonio de Ann (Andie MacDowell). Con una interpretación absolutamente impecable, James Spader juega ofreciendo tés helados (marca personal del personaje) mientras indaga en sus vidas privadas, emitiendo juicios gracias al libre albedrío conferido por su idología de ¿total? sinceridad.

Sexo, mentiras, y un dvd

Motivos de sobra hay para visionar la película: fuerte guión, temática repleta de madurez, el trabajo de Spader, Laura San Giacomo en su mejor momento (físico e interpretativo), la sutil dirección de Steven Soderbergh. Los aspectos negativos que achacaría este servidor, serían la banda sonora (la canción de los créditos es impresionante... pero en una space opera encajaría más) y las ganas de saber más sobre la vida de Graham pre y post encuentro con Ann, pues hay cierta licencia argumental que mosquea bastante (¿cómo sustentas esa vida bohemia Graham?).

Sinceramente, agradecería un remake adaptado a los tiempos actuales, sería interesante ver lo que podría ofrecer Soderberh a nivel de guión con una: Sexo, Mentiras y Blogs.

Sección Extra: Trivia Traducido de Imdb

- En un principio el paperl de Ann fue escrito para Elizabeth McGovern.

- En una escena se puede ver una confesión grabada por una de las ex-amantes del personaje de James Spader. El director le dió el guión y la cámara a la actriz Jennifer Jason Leigh para que grabase la escena en su casa con la ayuda de su novio, pero nunca tenían tiempo para ello, así que, una vez comenzada la grabación del film, un miembro del equipo de rodaje acabó haciendolo.

- David Duchovny y David Hyde Pierce hicieron una audición para los papeles de Graham y John. (Nota de AkaTsuko: Por cierto, Duchovny acabaría haciendo de “pervertido” en la serie Californication muchos años más tarde. La de cosas que podrían haber cambiado si le hubiesen cogido xD)

- El primer día de producción, los productores le mandaron un telegrama a Steven Soderbergh. Le picaron de forma amistosa diciéndole que “habían oido por ahí que él no sería capaz ni de dirigir el tráfico”. Doce años más tarde, Soderbergh ganó el Oscar... “por dirigir Traffic”(2000).

- El guión fue escrito en unas dos semanas.

- Steven Soderbergh le dió a los productores una lista de posibles títulos para la película, que incluía: 46:02, Retención Retinal (“Retinal Retention” ¿?), Dispositivo de Emparejamiento Cargado (“Charged Coupling Device” ¿?), Modo: Visual,
Sexo, Mentiras y Cintas de Vídeo, e Intenciones Encubiertas (Nota de AkaTsuko - “Hidden Agendas” con esta creo que he acertado). Soderberh defendía fervientemente 46:02 (la supuesta duración de la cinta que Ann graba para Graham. En el guión se menciona pero en la versión final de la película no aparece el dato). Pero los productores escogieron de forma inmediata Sexo, Mentiras y Cintas de Video.

- Se le ofreció el papel de Ann a Brooke Shields, pero lo rechazó.

Ruta 66: Shadows

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Sun, 19 Apr 2009 16:43:00 +0000

La carretera de la Ruta 66 va asfaltándose por Other Films, quién sabe si llegaremos a formar un sólido itinerario para que se quede en el haber de la página, al alcance de cualquier interesado en el Otro Cine. Este conductor no lo sabe, pero no por ello vamos a aparcar.

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*Esta review no contiene spoilers graves sobre la trama, pero sí sobre cierto aspecto que se debería ignorar para disfrutar al 100% de la obra. Así que a partir del párrafo con asterisco, si no has visto la película deja de leer, y NO LEAS SINÓPSIS O INFO DE NINGUNA CLASE SOBRE EL FILM. También recomiendo la versión original subtitulada, por los mismos motivos.

Shadows (A la sombra de Manhattan)

Nos encontramos ante una historia corta y breve. John Cassavetes nos cuenta las vicisitudes de una familia de buscavidas unidos por la miseria y la vida callejera, con un corte no tanto oscuro y deprimente, sino más cercano a la realidad y a la costumbre de finales de los 50. La ciudad brilla con electricidad clásica, mientras los personajes ya están embarcados en sus propias vidas, y apenas se esfuerzan por conseguir algo más allá de salir a flote.

3 hermanos

Destacaría por encima de las tres relatos, así como entre sus interpretaciones, el trabajo de Ben Carruthers. Su figura fantasmal en el film podría extrapolarse a su carrera artística. Su ficha en imdb parece reducida a la de un simple extra, sin fotos, ni comentarios rememorando su magnífico trabajo en Shadows. Dando tumbos con sus amigotes por la ciudad, ya sea de día o de noche, Ben, personaje y actor, ofrece unas escenas de complicidad y cierta reflexión en algunos casos.

La evolución de Leila Goldoni a derroteros de mujer fatal y caradura me parece muy acertada y bien conseguida por su parte. La inicial Leila sensible y cortada no pega para nada con la actriz, y no convence durante la primera parte de película.

El trabajo de Hugh Hurd cumple sin más, puede que una película hecha más a su medida, con la historia del cantante negro intentando buscar su hueco por tema principal, hubiera sido más apropiado.

*La definición de Amateur, según Cassavetes

En un principio, la edición del film resulta desconcertante. Cambios de plano frenéticos, en los cuales los personajes quedan algo descolocados para la perspectiva del espectador. Y la cortísima duración de algunos planos insinúa que algo anda mal, así como el toma y daca en el guión . Y es que a poco que busquemos en la red, nos encontraremos con que Shadows, en opinión de muchos, supone una obra indepediente de antaño. Presupuesto de fuente anónima, actores en plena formación, John Cassavetes por vez primera se pone al mando de la dirección. Los interiores que aparecen en la película, no son nada menos que escenarios construidos dentro de un local de ensayos. El (confuso) juego de planos permite un efecto realista sobre esos escenarios made in home. Y para más inri, la totalidad del guión (o eso dicen) es pura improvisación.

¿Por qué considero spoiler esta información? Porque creo fervientemente que ignorar detalles como su orígen amateur podría suponer un reto así como una sorpresa para el espectador abierto de mente, que sepa comprender que esta película hay que situarla en su contexto temporal. Puede que esto suene a típico, pero creo que 50 años de edad disculpan con creces a esta obra.

Yo perdí la oportunidad de la buena impresión que podría causar este excepcional producto de su época al leer la sinópsis de la contraportada del DVD. Espero que haya gente con más suerte que yo, y hayan accedido a la película sin ningún tipo de prejucio. Sería una experiencia interesante, lo aseguro.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- John Cassavetes rodó la película en 1957 y 1958, pero debido a la pobre acogida volvió a rodar más o menos la mitad del film en 1959. Se dice que esa primera versión estuvo extraviada durante casi 50 años. A mitad de los años 80, el profesor Ray Carney comenzó su búsqueda tras hablar con Cassavetes sobre ella. Carney investigó por todas partes pero sólo obtenía información que le llevaba a callejones sin salida durante 20 años. Finalmente, en 2002, contactó con una mujer que le contó que su padre, vendedor de objetos usados, tenía una caja de cartón con una película llama “Shadows”. Resultó ser la primera versión de la película y no la segunda. Estaba en prístinas condiciones.

- Es el debut como director de John Cassavetes.

- Jean Shepherd, personaje iconoclasta del mundo radiofónico, ayudó a Cassavetes a recaudar el dinero para película, haciendo que éste interviniera en su programa en calidad de invitado excepcional en febrero de 1957. Shepherd incluso le prestó a su asistente Ellen Paulos para que ayudase en la película. Cassavetes, agradecido por la ayuda, expresó su gratitud en los créditos iniciales. Puede leerse: “Presentado por los Nocturnos de Jean Shepherd” (Los Nocturnos es el “culto” formado por algunos miembros, oyentes del programa de Shepherd, denominados así por el New York Times). Shepherd aparece fumando un cigarro entre la multitud de la secuencia inicial. Paulos también hace una aparición en la película.

- Debut de Tom Reese (anunciado en cartelera bajo su verdadero nombre: Tom Allen).

- John Cassaves estuvo en un programa de radio de Manhattan, promocionando “Johnny Staccato” (1959) (Nota de AkaTsuko - Serie de televisión en la que participó actuando y dirigiendo). El tema de la conversación derivó hacia derroteros que tocaban la realización de un largometraje, y Cassavetes dijo que si él fuera a hacer algo así, los oyentes deberían donar un dólar o dos mandándolo el dinero por correo a la emisora. Unos días después, un estupefacto Cassavetes había recibido miles de dólares, que invirtió en “Shadows”.

- Gena Rowlands, viuda de Cassavetes y propietaria de la herencia intelectual de éste, ha negado categóricamente que la versión alternativa descubierta por Carney sea real, a pesar de que Carney ha subido a su web varios clips de vídeo.

- El crítico Leonard Maltin describe “Shadows” como “el caldo de cultivo para el nacimiento del cine independiente americano”.

- Se rodó en las calles de Nueva York con una cámara de mano de 16 mm. La mayor parte del diálogo fué improvisado, y todo el equipo de rodaje estaba formado por alumnos de Cassavetes o voluntarios.

- La película fué seleccionada para su preservación en el Regitstro Nacional de Films de los Estados Unidos por la Biblioteca del Congreso (Nota de AkaTsuko - Importantísima biblioteca de Washington D.C.) en 1993.

- Durante la fase inicial de la grabación, las huelgas eran algo recurrente debido a lo poca costumbre de los trabajadores a la “improvisada” naturaleza del proyecto.

- Durante uno de sus sesiones regulares en los talleres de interpretación, John Cassavetes se percató del potencial de una premisa fílmica en uno de los ejercicios improviados, en particular uno humorístico. Con el paso de los años desarrolló el argumento en sus talleres, y acabó utilizando a sus jóvenes alumnos en esta película.

- Presupuesto total: 40.000 dólares.

- El transeunte que salva a Leila del baboso en la calle es Cassavetes. Gena Rowlands (recordemos, su mujer) aparece brevemente en una escena del club nocturno.

- La película causo revuelo por que mostraba de manera explícita a una pareja no-matrimonial en una posición post-coito y además se sugería que una mujer había ido en busca de sexo intencionadamente. (Recordemos que eran finales de los 50, la revolución sexual y moral de los hippies estadounidenses llegaría un poco más tarde).

- Tras ser premiada por la crítica en el Fesival Fílmico de Venecia, fué seleccionada para su distribución por British Lion, y entonces se exhibiría en Estados Unidos.

- Cuando la primera versión del film (la primigenia, la de Carney) fue proyectada en el Festival de Cine de Rotterdam en 2004, fué la primera vez en 45 años.

- La polémica escena de amor se rodó en el apartamente del hermano de Katherine Hepburn.

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Melancolia en la Filmoteca.

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Sun, 12 Apr 2009 12:39:00 +0000

La Filmoteca de Madrid ha preparado un ciclo centrado en la Melancolia(pdf) como leit motiv. Entre los títulos que se han seleccionado, me permito destacar dos que tienen cabida en la temática de esta web. No dejéis de pasaros por la web de la Filmoteca de vez en cuando para estar al día de la programación, que es sin duda de lo más variado.

Jueves 16 Abril 2009 (se repite el día 28 de Abril)

17.30 La melancolía en el cine
Sala 1 Smoke (Smoke, Paul Auster y Wayne Wang, 1995).
Int.: Harvey Keitel, William Hurt, Stockard Channing. EE UU. VOSE. 112'

Brooklyn, verano de 1987. Un grupo de personas frecuenta el estanco del barrio. Auggie Wren, el estanquero, es el gran confidente de todos ellos.

Viernes 24 Abril 2009

21.30 La melancolía en el cine
Sala 1 Gerry (Gerry, Gus van Sant, 2002).
Int.: Matt Damon, Cassey Affleck. EE UU. VOSE. 103'

Rodada un año antes que Elephant, Gerry se abre con dos jóvenes en un coche y una carretera que la cámara sigue, flotante, al ritmo trágico de la música de Arvo Part. Con esta sola imagen el trayecto queda definido: Gerry es un camino cuyo retorno, si existe, no puede desvincularse de la tragedia.

The Meme´s Aftermath.

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Sun, 12 Apr 2009 11:12:00 +0000

Pues no me puedo quejar, por que ha habido respuestas al meme de posters de cine que planteábamos hace unos días, así que hago aquí una mención al resultado del evento para que quede constancia.

La nueva incorporación a Other Films, el incansable AkaTsuko, repasó con ganas las estanterías de videos VHS de su casa y nos dejo un magnifico recorrido por su infancia. Priceless.

Lynnot tambien tiró de nostalgia, aunque en este caso con más años de ventaja. Las sesiones de cine de barrio (*) aderezadas con azúcar al por mayor, nos dejan una colección de posters y recuerdos que el tiempo no borrará.

Y el meme sigue expandiendose. Por parte de Lynnot, su propuesta ha generado interés en los blogs de sus amigos Samu y La Pequeña Delirio. AkaTsuko tambien a embaucado al incauto de su amigo Ronin. Y por su parte, Homo Insanus, con el que sin su ayuda este meme no habría tenido lugar, obtuvo reacciones de Mr. Lombreeze, Javi y Kelembor. Y si seguís investigando el meme se extiende más allá de las fronteras de lo racional... o bueno, casi.

Sin duda una buena ración de arte gráfico acompañado de grandes descubrimientos que se quedaran por siempre en favoritos... hasta el próximo formateo por lo menos.

(*) Hacer aqui un chiste con ESE Parada y el nombre del programa de radio de Lynnot sería cuanto menos chusco e impropio de esta web :D

Ruta 66: Smoke

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Fri, 03 Apr 2009 10:33:00 +0000

Ruta 66 sigue en marcha.

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¿Cine de tiendas o cine de historias cruzadas?

Aunque el tabaco es uno de los protagonistas de esta película, no me ha quedado mal sabor de boca tras su visionado. En su lugar, he disfrutado plenamente de esta historia poco fácil de definir, pues aunque supuestamente el estanco en el que se desarrolla la trama y se entrelazan las subtramas es un escenario donde las escenas han sido rodadas magistralemente, no se puede decir que aparezca el suficiente tiempo de metraje para afirmar que esta película pertenece a ese género que mencionaba en un podcast uno de los usuales comentaristas de este blog, amigo de solondz_fan. Las escenas de gran carga dramática no suceden precisamente en ese lugar, sino en otros emplazamientos.Y tampoco estamos ante un nivel profundo de historias solapadas de forma muy compleja, cosa que encontramos en Crash o Pulp Fiction. Al ver cómo entablan relaciones los personajes no nos llevamos las manos a la cabeza de la impresión ni nos quedamos boquiabiertos con ninguna revolución narrativa.

Con Smoke, disfrutamos de historias bien perfiladas por un guión creíble y convencional, dentro de lo que ofrece el entorno americano de clase barriobajera, un entorno en este caso libre de violaciones, mafias, cárteles y atentados de gran injusticia contra los derechos humanos. Un respiro, por suerte, aunque sea con nicotina.

El arquetipo de escritor maduro decadente aparece retratado por William Hurt de forma bastante modesta y correcta. Los escarceos con sustancias no le han hecho tanta mella como es en el caso de Mickey Rourke, al menos en esta película no choca en este sentido. La relación que establece con Rashid surge un poco a trompicones, pero una vez madura se muestra muy natural. Siento predilección por escenarios humildes, pero sin llegar a ser ruinas, y el menguado piso testigo de las vivencias de este personaje se gana varos puntos.

Me ha sido complicado hacerme una idea de cuales son las principales motivaciones que llevan a este personaje a embarcarse en su búsqueda personal. En el film, Rashid se caracteriza por simbólicos silencios, mutis cargados de significado que es difícil precisar debido a elementos incoherentes del guión. En conjunto, forma un arquetipo de joven buscandose a sí mismo poco convencional en el género.

Fotograma de un Brooklyn pasivo y de clase media

La subtrama más debil, la peor perfilada del equipo. El parche en el ojo, la desfachatez al pedir auxilio, la plana relación con Ashley Judd (intervención breve y poco significativa, estoy seguro que en otras películas Judd puede y ha dado más de sí), nada parece encajar del todo en la maquinaria argumental. El punto positivo lo pone Harvey Keitel con sus líneas de diálogo, y puede que la conclusión final con esa imagen de caradura de Ruby sea lo mejor.

Ah, Forest Whitaker. Se ganó mi cariño con Ghost Dog, su aportación al cine de acción experimental. En este papel, pese a que sólo saca dos años a Harold Perrineau, consigue con su imponente físico dar una imagen paternal ruda. Su participación, aunque peque de escasa, consigue situarse a la altura de Harvey Keitel, ayudado por un diálogo suficiente en cantidad.

Who wants to live forever? Muchos desearían que Clint Eastwood así lo hiciese, pero seamos realistas, algún día quedará vacío el hueco de actor respetable, dramático y duro. Y tengo mis dudas sobre quién ocuparía bien el puesto: si Harvey Keitel, o Tommy Lee Jones. Con el carismático papel de dependiente de estanco (magnífico escenario), la interpretación de Keitel no sufre bajones ni pierde ápices de personalidad y calidad. Cualquier espectador (al menos cualquiera que se parezca a mí) goza de cada minuto en el cual Harvey se encuentra detrás del mostrador de su humilde establecimiento. Y no digamos ya el colofón con esos créditos en forma de cuento. En él, el arrugado rostro de Harvey es un poema sin voz que, si cortásemos y editásemos, resultaría en un corto de excelente calidad por sí sólo.

Foto de la portada del Dvd al que tengo acceso. Me hubiera gustado encontrar una de más reslución.

El film en unos pocos momentos puede que se haga largo, y adolece de ciertos mecanismos argumentales algo tramposillos que al más atento harán fruncir el ceño. Pero bueno, Harvey tambien frunce bastante su veterana cara, y por verle a él, y a Forest Whitaker, uno puede quitar el cartel de “Zona de No Fumadores” en el salón donde disfruta de las películas por una vez.

Sección Extra: Trivia de Imdb Traducido

- El nombre de Paul Benjamin (William Hurt) es una referencia al escritr Paul Auster, cuyo nombre de pila es Benjamin: Paul Benjamin Auster.

- Forrest Whitaker, aunque interpreta al padre del personaje de Harold Perrineau, es sólo dos años mayor que éste.

- El personaje de William Hurt cuenta una historia sobre un hijo que encuentra el cuerpo inerte y congelado de su padre en las montañas. Esta misma historia la utilizá Paul Auster en su novela, “The New York Trilogy” (“La trilogía de Nueva York”).

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Próximamente, tras el descanso dominical: Slacker, Elephant, Happiness entre otras.

Ruta 66: Welcome To The Dollhouse

sr.ozzito@gmail.com (AkaTsuko) — Thu, 02 Apr 2009 18:06:00 +0000

Muy buenas, lectores y lectoras de Other Films. Mi nombre en clave de blog es AkaTsuko y he sido recientemente invitado a colaborar en este apartado lugar por el Creador de este lugar. Conocido como solondz_fan aquí y en Cinemaníablog, conocido como MAt! en otros variopintos lares, el hombre "que sólo habla de cine" me propone publicar aquí periódicamente mis reviews cinéfilas más personales, al menos aquellas relacionadas con la temática minoritaria que aquí se trata. Yo personalmente voy a disfrutar como nadie de esta honorable oportunidad. Veremos cuánto dura la broma.

Mis primeras aportaciones vienen en formato de especial Ruta 66: Cine Independiente Norteamericano, aprovechando el evento homónimo que se celebra con más pena que gloria en la biblioteca de mi lugar de residencia. El primer título escogido, Bienvenido a la Casa de Muñecas, film por obra y gracia de Todd Solondz, autor predilecto del Creador MAt.

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Wellcome to the Dollhouse

Acabo de ver una de las películas más patéticas de mi vida. Pero no era patética en su realización, su interpretación. El patetismo, a mi parecer, iba incluido en la intención de la película. Todos los elementos, animados o inanimados del film rezumaban tristeza vergonzosa por los cuatro costados. Desde la protagonista, hasta la expresión facial del más secundario de los extras. Y claro, esto genera una impresión tan fuerte y palpable que te acaba por agarrar por dentro. Si Todd Solondz pretendía hacerme “sentir” cosas con esta película, lo ha conseguido.

Dawn Wiener, patetismo hasta en el DNI

Y nada de coñas, hasta el apellido de la ¿pobre? chica es un elemento a tener en cuenta en el desarrollo de su compleja historia. La experiencias de Dawn sólo tienen una dirección: cuesta abajo. Pero esta mala pata que la persigue es tal, que rebasa los límites de la misericordia. El personaje ¿inocente? de Dawn me ha hecho experimentar una mezcolanza de vergüenza, asco, pena, magnanimidad y alegría vergonzosa. No tengo una opinión clara sobre cómo acaba su historia, ya que tengo serias dudas sobre si se le puede achacar final alguno.

All is sad

Quiero insistir: todo es patético. Hasta los personajes más en apariencia “normales” tienen un lado despreciable, ya sea por egoismo (el hermano de Dawn), ya sea por inmoralidad (Steve), ya sea por ceguera (los funcionarios del colegio). Es increíble como no se salva nadie si nos ponemos a repartir defectos que darían paravarias películas por sí solos. Todos tienen las manos a rebosar de papeletas.

¿De qué no me quiero reir?

Ha habido momentos durante el visionado en los que se me ha escapado una risilla floja. Y es curioso y habría que hacer incapié en esta afirmación. “Se me ha escapado”. ¿Es que acaso pretendía no reirme de lo que veía? ¿Debería sentir vergüenza por algún motivo? ¿Culpabilidad, resultado del entretenimiento con la humillación y la injusticia? Al ver “Bienvenido a la Casa de Muñecas”, uno no puede sino rendirse a la evidencia de que hay más retrato global cómico y realista de lo que parece. Y uno no puede evitar reirse. Pero se es libre de intentarlo, huir del shadenfreude...

(Click para agrandar)

Prêt-à-pathét

Detalle irónico: Dignity + La ropa

Aspectos (pa)técnicos

Me ha llamado especialmente la atención el vestuario escogido para la protagonista. Menudo desfile de horrores para la dignidad estética. Sobre estas líneas, he decidido demostrar con hechos en forma de capturas (a las que se suma el bochornoso conjunto de la portada, en el momento álgido de crueldad argumental: la fiesta en el jardín) lo que me atrevo aquí a afirmar sobre su vestimenta, cual esteta empedernido. ¿También era necesario que la humillaran los que están detrás de las cámaras? Sí, por supuesto, todo está maquiavélicamente planeado para que sea así. Dawn no sería tan Down sin ese aspecto mísero que le han proporcionado. Hasta su pequeño hilo musical que le acompaña de vez en cuando está cuidado. Sin esos elementos, puede que estuviesemos delante de cualquier película sobre “las injusticias del High School, que todo el mundo condena, que nadie en el mundo soluciona”. La banda sonora acompaña esta oda al suburbano con gran maestría, si bien quizás las elecciones de música más clásica sean un poco chocantes y obscenas en el sentido de ab scene, fuera de escenario. Seguro que me dejo más, que mi ojo inexperto no ha sabido captar, elementos de fotografía, realización, cámara, edición, etc, elementos que portaban algo de marca indie, pero ya se aprenderá, mejor para Solondz, cuya obra se merecerá en el futuro más visionados.

Comprobaré si el director puede superarse “por abajo” en sus siguientes obras, que no me pienso perder. Ni por todas las proyecciones optimistas del mundo.

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Más material de interés sobre Dollhouse y Solondz bajo esta etiqueta, con especial recomendación a aquí.

Muy pronto, Ruta 66: Smoke.

Meme Poster Indie

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Thu, 02 Apr 2009 00:29:00 +0000

La que le he montado al amigo Homo Insanus. Se me ocurrió sugerirle que en vez de revolcarnos en la ponzoña y reírnos de los posters de cine más feos (el hizo una selección descacharrante) podríamos elegir los que más nos molen. Pues el tío se ha liado la manta a la cabeza y ya ha elegido su top five y le ha endilgado la tarea a cuatro compinches y a un servidor.

Y yo no voy a ser menos. Desde aquí le lanzo el reto a estos futuros ex amigos :D

-Goonie de Radio Gunners.
-Patch de la celeberrima A Patch´s Life.
-Lynnot desde La Parada de los Monstruos.
-Montse en El Rincón de Montse Akane.
-AkaTsuko de su blog homónimo.

Pero por favor, todo el que pase por aquí y se anime, que no se corte y nos lo cuente en comentarios para que podamos ir a ver su selección ¿ok? Quiero ver más top cinco!!!

En mi caso, la selección que he hecho esta basada principalmente en el sesgo de esta web, es decir, que se trata de posters de cine americano independiente. Más o menos, por que financiación de alguna no la tengo muy clara, pero en esencia todas son lo que sus autores quisieron que fueran y en principio todas provienen de los USA. And the all star five are:

5.- Haz Lo que Debas (Do the Right Thing [1989] - Spike Lee)

Me gusta empezar con un cartel compuesto por fotos, por que me encantan los posters dibujados, pero este es un ejemplo muy bueno de un gran cartel de cine indie, con un buen diseño pero a la vez barato y muy efectivo. Es imposible no fijarse en el.

Sobre la peli, que no se habrá dicho ya. Rompió moldes, llego como un elefante en una cacharreria llamando la atención de todo el mundo. Ahí llegaba Lee para quedarse y seguir armando bronca, y de regalo nos presentaba a Samuel L. Jackson ¿Algo más?

4.- Fargo (Fargo [1996] - Joel Coen)

Este no es el cartel con el que nos la vendieron, pero no se me ocurre mejor manera de presentar la pelicula que con un trabajo de petipuá a medio acabar, retratando el crimen del film y anticipando el blanco como fondo de la trama. No hay nada mas que añadir.

Fargo supuso para mi el tener en cuenta a los Coen más allá de los movimientos de cámara imposibles y los personajes de cartoon. A parte de que el casting es brutal y Frances McDormand no volverá a tener un papel como este en su vida, para mi es la más redonda de los hermanos... ojo, no he dicho ni la más divertida ;)

3.- Miedo y Asco en las Vegas (Fear and Loathing Las Vegas [1998] - Terry Gilliam)

Tanto las caratulas del dvd de criterion colecction como los dibujos que adornaban algunos libros de Thompson me parecen brutales, pero esto sin duda es todo un logro. Hacer un poster con la cabeza de una estrella de hollywood como Johnny Depp y que no le conozca ni su madre. Ole los huevos del diseñador. No me canso de mirar esa expresión empastillada, ese cuello retorcido, esos reflejos infinitos de las gafas... We´re in bat country!

El Gilliam más onírico suele abrumar, confundir y a veces sobrepasar, pero esta es tan divertida que supera esas barreras y te sumerge de lleno en el viaje químico junto con el Dr. Gonzo y su abogado. Tiene momentos hilarantes y momentos aterradores y no precisamente en escenas distintas...

2.- El Ejército de las Tinieblas (Army of Darkness [1992] - Sam Raimi)

Al más puro estilo Frank Frazetta, tenemos a Ash, más chulo que un ocho con la jamelga a sus pies y los cabrones de los ashes enanos dando por culo. Este poster es genial, no se quien lo diseño pero es la repera y no hay más vuelta de hoja.

Si los dos primeros Evil Dead son buenos, aquí los hermanos Raimi echaron el resto. Luego un pifostio con Universal y la puñetera MPAA se encargaron de engendrar no se cuantas versiones distintas de la película. Aquí nos llego la buena al cine, pero de eso hace mucho ya ¿Sabe alguien si la edición en blu ray merece la pena?

1.- Kill Bill vol.1 (Kill Bill vol. 1 [2003] - Quentin Tarantino)

No podía faltarme Tarantino, un tio que debe tener la colección de posters de serie b más grande del globo terráqueo. He elegido este por que es buenísimo, pero toda la imagineria KillBilliana me parece brillante. Identificar a los personajes de la película de una manera icónica es algo que no se hace siempre (y no siempre queda bien) pero en algunos casos funciona como una bomba.

No voy ahora a hablaros de las bondades de Kill Bill, por que entre otras cosas no son horas. Solo diré que los trajes de Elle Driver no son lo que parecen (guiñó-guiño) y que quiero ver The Whole Bloody Affair de una puñetera vez ya... Quentin, que nos tienes fritos!

Eligiendo sitio en el comedor.

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Tue, 31 Mar 2009 12:38:00 +0000

Welcome to the Dollhouse: Esta es la escena inicial de la primer película de Todd Solondz que llego a España. En Welcome to the dollhouse, Solondz hace uso de toda su mala leche en un momento que ya hemos visto hasta la saciedad en multitud de películas y series americanas. En este caso le toca a Dawn Wiener elegir sitio en el comedor.

Proximos Estrenos: 13 de Marzo de 2009

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Wed, 11 Mar 2009 21:53:00 +0000

Otro viernes 13 que recomendamos un par de estrenos, y hacemos una mención especial para A Ciegas de Meirelles, que pese a no contar con financiación americana, creo que por su calidad merece formar parte de esta entrada. Si tenéis que elegir una de las tres, A Ciegas es la recomendada por Other Films. Podéis escuchar una pequeña reseña de la pelicula en el programa de radio La Parada de los Monstruos del pasado día 28 de Febrero.

The Visitor:Walter Vale, de sesenta y dos años, camina como sonámbulo por su propia vida. Perdida su pasión por enseñar y escribir, llena su vacío existencial intentando infructuosamente aprender a tocar el piano clásico. Cuando su universidad le envía a Manhattan para asistir a una conferencia, Walter queda sorprendido al descubrir que una joven pareja se ha instalado en su apartamento. Víctimas de una estafa inmobiliaria, Tarek, de nacionalidad siria, y Zainab, su novia senegalesa, no tienen adónde ir. En la primera de una serie de pruebas para su corazón, Walter permite de mala gana que la pareja se quede con él.

Lejos de la Tierra Quemada:La oscarizada Charlize Theron encarna a Sylvia, una bella gerente de un restaurante cuyo comportamiento profesional y sereno enmascara la tormenta sexual que hierve en su interior. Cuando un extranjero procedente de Méjico la enfrenta a su misterioso pasado, Sylvia se ve lanzada a un viaje a través del espacio y del tiempo inexplicablemente poniéndola en contacto con personajes dispares que forcejean con sus propios destinos románticos.

A Ciegas: Comienza con un flash. Un hombre se queda ciego repentinamente cuando conduce del trabajo a casa. De repente, todo su mundo se convierte en una neblina lechosa e inquietante. Una tras otra, cada persona que se cruza – su mujer, su médico, incluso el aparentemente buen samaritano que le lleva a su casa – correrá la misma suerte en un momento dado. A medida que se extiende el contagio y el pánico y la paranoia se apoderan de la ciudad, las víctimas de la ceguera repentina, de “La enfermedad blanca”, son confinados y sometidos a cuarentena en un psiquiátrico abandonado en donde cualquier parecido con la vida normal empieza a desvanecerse.

Explicit Ills. La rueda continua girando...

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Tue, 10 Mar 2009 17:14:00 +0000

Para cerrar el circulo abierto con el post sobre los oscars y mi posterior reflexión sobre el estado de cine independiente, que mejor que acabar con lo que ha alimentado esta web durante toda su existencia: Una opera prima independiente, rodada en 25 días y hecha con la ayuda de los amigos. Claro, quien tuviera los amigos de Mark Webber! Mark Webber al que recordareis de Storytelling o de Broken Flowers, lleva participando como actor en films de corte independiente desde el incio de su carrera a finales de los prolíficos años 90. De ahi que haya contado con Jim Jarmusch como productor ejecutivo o con Rosario Dawson liderando el cartel de actores.

Explicit Ills esta narrada a partir de cuatro historias independientes pero entrelazadas sobre temas que el también guionista sentía muy cercanos. Amor, Adicciones, Pobreza y Esperanza enmarcadas en la suburbana Philadelphia. El trailer lo deja claro.

El futuro sigue brillando, a pesar de...

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Tue, 03 Mar 2009 18:15:00 +0000

Pues si tras los oscars andábamos emocionados en Other Films por el buen resultado del cine indie bajo el auspicio de la industria americana, ahora nos toca quizá compungirnos ante esta noticia que he encontrado en el periódico digital Público.

El articulo, que lleva por título Hollywood Cierra el Grifo, es de verdad excelente y os recomiendo su lectura de pe a pa, pero en resumen lo que viene a decir, es que ‘debido a la crisis’ o vete tu a saber, los grandes estudios están echando le cierre a sus filiales de productos independientes. De esta manera Paramount Vantage cierra su catalogo con dos peliculones como No es país para Viejos y Pozos de Ambición, asi como Warner Independent hizo lo propio el año pasado y a punto estuvo de arruinar el futuro de Slumdog Millionaire. ¿Esto que quiere decir? Esta claro que las productoras norteamericanas están buscando maximizar el beneficio, concentrándose en sus productos estrella, sus películas comerciales, y desestimando aquellos que les deja una ganancia anecdótica. Aunque han sido varias las flautas que han sonado bajo la etiqueta de independiente para el gran público (Little Miss Sunshine o Juno me vienen ahora a la cabeza) el resto de estas producciones, no dejan de ser meros estorbos para los tiempos que corren, ya que si su presupuesto de producción es ajustado, no lo es tanto el destinado a publicidad. De esta manera se encarece un producto que tendría que tener ya abiertas sus vías en los circuitos independientes, al intentar hacer un éxito de masas de cada peliculita indie que sale a la calle.

Tal y como yo lo veo, esto no es negativo. Se volverá al cine indie de verdad, el que es realmente difícil encontrar (más trabajo para Other Films) y el que se produce a base de hipotecas y de créditos. Va a suponer un esfuerzo para muchos cineastas pero esta claro que nos va a llegar (si nos llega) una selección mas depurada y más real. Menos cine indie de buenos sentimientos y más cine de guerrilla al borde de la bancarrota. Más narices y menos ‘ir a tiro hecho con la comedieta simpática’.

Oscars 2008: Buenos tiempos

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Mon, 23 Feb 2009 16:43:00 +0000

No creo que merezca la pena dar a los premios más importancia de la que tienen. Aquí hemos utilizado alguna vez la excusa para echar la vista atrás al año que ha pasado y recordar algunas películas reseñables.

En el apartado interpretativo, este año ha destacado por momentos magníficos. En general The Reader no ha terminado de ser bien recibida, pero el trabajo de Kate Winslett ha sido reconocido merecidamente, no solo en los Oscars, si no con multitud de premios desde su estreno. Aunque mi corazon estaba al lado de Mickey Rourke, el trabajo de Sean Penn bien ha merecido el reconocimiento de la academia. Su interpretación, alejada de manierismos exagerados es sutil y rica en matices. Es toda una lección de contención y estilo.

Pero sin duda la gran triunfadora de la temporada a sido Slumdog Millonaire. Danny Boyle es un director que siempre ha sabido manejarse como nadie con presupuestos ajustados y el reto de contar la historia de Jamal y trabajar en un entorno ajeno, con las limitaciones derivadas del choque cultural, bien ha merecido el reconocimiento, no solo obtenido en estados unidos, si no tambien en su Gran Bretaña natal.

Solo cabe esperar que el año en curso, el año de la recesión, nos sea tan propicio en buenas historias como el pasado, y que tengamos la suerte de que los distribuidores elijan tan acertadamente como lo han hecho este año, aunque se guarden los mejores titulos para el final.

The Wrestler: Más de una resurrección.

noreply@blogger.com (solondz_fan) — Thu, 19 Feb 2009 11:36:00 +0000

Cuando se habla de esta película, siempre se añade, ya casi como coletilla obligada, el tópico de que The Wrestler supone la resurrección de Mickey Rourke. Yo personalmente lo pongo en duda. Mickey Rourke llevaba en el limbo muchos años, pero ya quisieran otros actores menos afortunados (o con menos oficio) vivir en el limbo profesional en el que ha estado Rourke. Ha trabajado (en la sombra) con Terrence Malick, Robert Rodriguez se acuerda de el cada vez que puede, y salvo en 2007, ha encontrado trabajos destacables durante todos los años de la presente década. Hay muchos otros que tras pasar por los mismos problemas que Rourke con las drogas y el Alcohol se han queado relegados a la televisión o a producciónes de muy baja estofa. Por citar algunos, se me ocurren Michael Paré o Michael Biehn... y no cito a Michael Madsen por que le veo más cercano a Mickey Rourke, y le va bien con Tarantino. (si alguien empieza a notar un patrón en todo esto que estoy escribiendo, que no dude que es por que ya tocaba el copazo de las doce!) Por eso, más que una resurrección profesional, creo que se trata de una resurrección en su vida personal, que no nos debería afectar a la hora de juzgar su trabajo. A posteriori, y con la recolección de premios que lleva, es más que probable que su carrera se vea relanzada, pero eso no lo veremos hasta dentro de algún tiempo.

Sin que se me entienda mal, la resurrección más esperada en The Wrestler era la de su director, Darren Aronofsky. Se que solo tiene cuatro películas en su haber, pero muchos, tras las cotas alcanzadas con un estreno como Pi, y un segundo titulo como Requiem for a Dream, no esperábamos el jarro de agua fría que supuso The Fountain. Fue un titulo que se hizo esperar más de lo normal y cuando por fin accedimos a el, envuelto en un halo de película de culto antes de su estreno, la realidad se antepuso ante nosotros, haciéndonos ver lo que no era más que el tercer titulo de un director joven y sin el freno que suponen los, por otro lado, lógicos fracasos. Es por ello que hablo de resurrección, ya que Arnofsky abandona todo el artificio visual del que se había envuelto, y nos presenta una historia sencilla pero muy dificil de contar, con el pulso narrativo de sus primeros títulos, y sin renunciar a la proximidad de los personajes.

The Wrestler es la historia de un perdedor, y para un actor que ya ha adaptado a Bukowski, no se trata más que de volver a aguas conocidas. Rourke se aprovecha de su experiencia pujilística y de su pasado en el arroyo, para mostrarnos un personaje acabado pero en lucha continua. Su lucha fuera del ring es la más humana y la que más tiempo en pantalla acapara, aunque las escenas deportivas se utilizan de manera que acentúan y complementan todo lo que hemos vivido junto a Randy. Por eso no puedes evitar que se te ponga la piel de gallina al verle subir al cuadrilátero con Sweet Child O'Mine de fondo, por que sabes todo lo que hay detrás y lo que esta apunto de ser ganado y perdido. Se trata de una historia, que partiendo de un personaje desposeído de todo (en lo material y en lo espiritual) es capaz de ofrecer también todo... Pasas por todas las emociones posibles durante el metraje, y terminas totalmente estremecido. Sin artificios, sin cgi, sin trucos, The Wrestler es humana y real, y eso se lo debemos a Rourke, pero mayormente el resultado es obra de Aronofsky (vale, y de su apretado presupuesto).

The Wrestler se cuenta entre los estrenos en nuestro país del 20 de Febrero.