Caros (antigos leitores ou desavisados procedentes do google):

Os novos textos e todos os antigos publicados por mim (André) estarão em um novo blog pessoal:

http://revisto.net

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E o Bruno publica as coisas dele aqui:

http://misquilinas.com/

atualizem aí seus favoritos que logo logo este aqui vai morrer :)

abraços e nos vemos lá

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ÉPICO. um single matador. Pesado, sombrio e muito, muito intenso. Além de ter um dos mais belos clipes do ano.

Arpejo de harpas, batidas eletrônicas e um incrível trabalho vocal de uma música que já seria uma linda e triste balada no violão.

Um single alegre numa lista de músicas densas. :)
Me pegou logo de primeira. Um absurdo de canção pop bem-feita (que tem, provavelmente, os meus arranjos favoritos do ano). Soa como uma mistura bem-sucedida de St.Vincent com Lauryn Hill e Lily Allen.  Pop totalmente mainstream e ainda assim refinadíssimo.

Insano. Apenas…insano. E irritantemente brilhante. Quantas bandas hoje em dia podem se gabar de que apenas ELES fazem esse tipo de som?

Climas soturnos numa melodia simples e inesquecível. A maneira como tudo soa soterrado até a explosão do segundo refrão é uma coisa assim…divina. E ainda é “apenas” R&B. Música do ano, fácil.

Pra não deixar dúvidas de que o metal ainda pode ser relevante. “Curl in the Bowl”, “The Hunter” e “Dry Bone Valley” sozinhas são melhores do que qualquer álbum que as bandinhas de indie-rock hypadas lançaram. Não existe adjetivo melhor e mais imparcial para descrevê-lo: é simplesmente FODA.

R&B instigante, criativo e belissimamente produzido.

Bom ver que ainda tem gente – desenvolvedores e gamers – que se importa com criatividade e inventividade.

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FILMES

7 – X-Men: Origins
6 – Bravura Indômita
5 – O Mágico
4 – Drive
3 – Black Swan
2 – Blue Valentine
1 – Melancolia

Lars Von Trier, ao realizar um fascinante ensaio/fábula sobre a depressão, acabou com o mundo e com Terrence Malick junto.

 

Decepções (esse vai ter 4):  

4 – Se Beber Não Case 2
Porque auto-remake escondido de continuação não convence.

3 – Um Lugar Qualquer
idem filme acima.

2  - Além da Vida
Um problema que sempre achei recorrente na filmografia do Clint Eastwood: pesar a mão demais no drama. Não basta que um personagem sofra, é preciso que VEJAMOS esse sofrimento, que ele nos coloque diante de cada lágrima que preenche o quadro em câmera lenta, que a música suba e que sintamos uma pena tremenda daquele personagem. Mas ok, o cara tem estilo, é terceira idade e ainda faz filmes a todo vigor, então engolimos o melodrama às vezes. Mas nesse Além da Vida, a trama meio espírita (e nem adianta falar que o filme é “imparcial” porque pessoas claramente conversam com espíritos e fantasmas empurram bonés) não cola. Tudo é de uma cafonice novelesca e irritante. Só faltava alguém perder uma perna. Mas isso é outro filme…

1 – Árvore da Vida
Pra encerrar os fracassos “da vida” com chave de ouro. Não, meu problema com o filme não está no ritmo nem na linguagem, mas no discurso. Malick é único no que faz e geralmente o faz muito bem (e a Palma de Ouro em Cannes me parece mais louvar a resistência dos que ainda fazem cinema de autor nos dias de hoje do que o filme em si). Mas a filosofia de botequim, o tom “documentário-Discovery narrado em sussurros”, a cafonice emotiva e os simbolismos que tentam ser profundos mas que sempre empacam na falta de sutileza e nas lições de vida à moda power-point afundam o filme completamente. Poucos filmes tentam dizer tanto e acabam dizendo tão pouco. E ainda termina com uma paródia do final de Lost.
Se isso é para servir como uma reflexão sobre a vida, então eu passei a odiar a minha.

dói mais do que o teste do pezinho

 

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“Super 8” acaba sendo, para todos os efeitos, a investigação do próprio J.J Abrams para a razão da perda dessa inocência. Não por acaso, o roteiro se passa em 1979, época em que a tecnologia não havia invadido a rotina das pessoas como hoje (um dos personagens até tira sarro de um adolescente que recém-descobriu o walkman) e a verdadeira diversão ainda estava nas ruas, no trajeto de bicicleta rumo à casa do amigo ou aprontando pela vizinhança de madrugada.

Mesmo que o clichê mandante do filme catástrofe também vale aqui (a tragédia épica como apaziguadora dos conflitos e dos traumas familiares), é a forma sensível como é construída por Abrams que faz a diferença. Seu elenco parece realmente se divertir em cena e a química entre Joe (Joel Courtney, uma grande revelação) e Alice (numa performance assustadoramente fabulosa de Elle Fanning) é tão intensa, mesmo numa mínima troca de olhares, que nos faz questionar não só qual foi a última vez que vimos um relacionamento ser construído de forma tão pura e sincera num casal adulto de um filme, mas também na nossa própria vida adulta. A sensibilidade que transborda daquele relacionamento é cativante não apenas por ser executada de forma tão eficiente, mas especialmente por nos fazer entender como apenas naquela idade pode acontecer daquela forma.

É esse forte sentimento nostálgico de uma época apaixonante que se foi que Abrams tenta propagar por todo o filme, e ele não mede esforços nem pudor para investir na mesmíssima veia temática de “E.T”, ao mostrar adultos intolerantes, insensíveis e estúpidos. Para Abrams, de alma garoto-pueril que é, apenas a pureza da infância pode salvar o mundo, e seu alienígena, no final das contas, não deixa de ser uma personificação desse desejo, de fazer ruir o mundo adulto e trazer de volta – à força – a fantasia e a imaginação. Tanto que apenas os adultos são punidos, e o monstro, quando diante do jovem protagonista pela primeira vez, abre os olhos diante de um coração aberto. Cafona e tocante ao mesmo tempo.

Ainda que tenha lá sua perda de ritmo e de seu poder inebriante na segunda metade (principalmente depois que Elle Fanning sai de cena por um tempo e a correria começa), um certo exagero no melodrama em alguns momentos (especialmente nas relações pais e filhos, jamais tão eficientes quanto as relações entre as crianças) e ceder a certas incongruências (porque alguns eram trucidados imediatamente e outros apenas capturados?) “Super 8” implora pelo sentimento acima da razão e…fazer o quê, consegue. É um filme que funciona de forma similar à “Scott Pilgrim Contra o Mundo”, reativando memórias afetivas do universo lúdico masculino (que me desculpem as meninas, mas é mais provável que os meninos se identifiquem e se apaixonem de verdade por esse tipo de filme, já que diz respeito a um universo imaginativo muito particular, questão que já levantei na crítica de “Toy Story 3”) e sua falta de personalidade e a reconfiguração de velhos clichês do gênero – que supostamente o colocariam numa potencial insipidez – são facilmente supridas pelo discurso que, não importa quantas vezes o ouvimos, quando proferido com amor e honestidade, é inevitalmente emocionante.

Mas “Super 8” não é apenas mais um ode à nostalgia, e ganha uma parcela de autenticidade se considerarmos que articula sua temática colocando a magia da fantasia infantil lado a lado com a própria magia do cinema. O “production value”, que o gordinho Charles, como diretor, busca incessantemente, nada mais é do que a vontade de ver alguma magia no mundo ao seu redor. Ao se aproveitar de situações “verdadeiras” do cotidiano para adequá-las à fantasia que filma, o menino Charles expõe a grande chave da busca de J.J. Abrams: a fantasia está em todo lugar, e tudo o que precisamos é abrirmos os olhos – ou a lente – para ela. Nem que para isso precisemos voltar ao nosso passado.

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Super 8 (EUA, 2011)

dir. J.J. Abrams

avaliação:

“Melancolia” não foge à regra das temáticas pesadas do diretor: é deprimente, sombrio e desconfortável (apesar de longe de ser explícito como “Anticristo”), mas mostra um Von Trier maduro, que se permite à contemplação sensível e cenas de sutilezas poéticas, mesmo construídas com o seu usual cinismo. Kristen Durnst é a sua “musa desmitificada ao sofrimento” da vez, e aceita o desafio de retratar uma mulher com depressão com uma surpreendente e admirável entrega.

A depressão já foi retratada por outros cineastas de forma marcante , como John Cassavetes no arrebatador “Uma Mulher Sob Influência”, onde a doença leva a personagem a uma brutal e irreversível ruptura com a realidade; ou até mesmo – nas devidas proporções – “Clube da Luta”, onde a busca por um sentido de vida numa sociedade consumista é falido e apenas a auto-destruição se mostra a saída genuína. Mas sob o olhar de Von Trier, a depressão é um estado de compreensão. Justine começa o filme como a mais fraca e deslocada, mas na segunda metade, quando isolada de compromissos e obrigações sociais, seu pessimismo a coloca em vantagem em relação aos outros e ela se torna o centro catalisador da ausência de sentido, alcançando a serenidade plena, em contraste com sua sempre meticulosa irmã Claire (e, curiosamente, acaba se aproximando cada vez mais da postura rancorosa de sua mãe. Alguém que, possivelmente, já enfrentou a doença da filha e encontrou no rancor e na renúncia dos valores sociais a saída para tolerar a existência). Para Justine, portanto, a aproximação do fim é também a sua libertação.

O planeta em rota de colisão com a Terra, ingenuamente chamado “melancolia” (que até deixa óbvio demais a metáfora), como um tumor, cresce irremediavelmente rumo ao apocalipse – engolindo qualquer forma racional de lidar com a tragédia – e a maneira como afeta os personagens acentua o crescente tom de fábula (Justine é a primeira a enxergar o planeta no céu e a única que vê nele a concretização de seu niilismo, como se ela própria o evocasse). Tanto que jamais vemos a dimensão do que representa o fim eminente para o resto do mundo. O planeta está prestes a ruir, mas apenas o mundo daqueles personagens importa. É a mais pura exposição da idéia quântica da realidade: o “estado” da realidade inexiste sem considerar uma percepção subjetiva. O exterior é o que está em colapso, mas é o efeito no interior que interessa.

É ainda mais fascinante quando, diante do destino inevitável, os personagens recorrem ao ritual quase religioso (através de uma cabana feita com galhos de árvores, evocando uma capela improvisada). O ritual para a aceitação do fim é o mais honesto contraponto ao falso e falido ritual de início  - o casamento. Von Trier, em um dos momentos mais brilhantes de sua carreira, acentua o tom mítico e sagrado do plano final através da provocação máxima dos sentidos: A imagem se expande, o som aumenta de maneira ensurdecedora. Num mundo em que nada mais vale a pena, apenas o sofrimento é transcendental.

Presenciar tal discurso é uma experiência cruel, deprimente e, inevitavelmente, necessária e inesquecível.

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Melancolia (Melancholia, 2011 – Alemanha/ Dinamarca/ França/ Itália/ Suécia)

dir. Lars Von Trier

Avaliação:

Ironicamente, o que poderia ser seu aspecto mais interessante acaba sendo também sua maior fraqueza. Não há super-vilão ou arma super-poderosa que ofereça uma real ameaça à equipe de Rogers. Todas as vezes que o Capitão América e seu time entram em ação, tudo transcorre com grande facilidade e sem grandes percalços. Tanto que há apenas duas mortes importantes do “lado do bem” em todo o filme, e elas vêm claramente como uma convenção narrativa, para germinar uma motivação de vingança no herói. Em essência, o roteiro é quem os mata, não os vilões.

Acaba sendo frustrante, portanto, que “Capitão América” seja um filme de super-herói desequilibrado emocionalmente. Não apenas pela idéia de que, com seu sucesso ininterrupto, o Capitão acaba soando poderoso demais (sempre o grande problema do Super-Homem), mas porque não há uma grande ameaça a enfrentar. O Caveira Vermelha (Hugo Weaving se especializando em vilões de fala lenta e sombrancelha arqueada), ainda que de aparência demoníaca e de poderes similares ao herói, nunca soa ameaçador de verdade. De motivações confusas e frágeis, o vilão passa o filme inteiro arquitetando um grande plano do qual desconhecemos por completo, sempre motivado pela velha ambição cega e burra (e ainda com cenas constrangedoras, como o grito “hail, hidra”, que soa forçada e deslocada ao tentar fazer referência a Hitler).

Piora ainda mais para nosso envolvimento no conflito “bem x mal“ as cenas de ação pouco inspiradas, seja pela direção preguiçosa ou pela montagem apressada, que falham em tentar oferecer qualquer excitação ou clímax nas cenas mais importantes (e nem vale a pena falar da fraquíssima e anti-clímax luta final).

Comparando com “Thor” – investida anterior da Marvel para formar o time dos Vingadores -, este “Capitão América” perde em quase tudo. Carece do ritmo, da boa ação e dos personagens bem mais interessantes daquele (especialmente o vilão), mas ganha no que talvez seja o melhor aspecto do filme: o romance. A aproximação de Rogers e a bela Peggy soa natural, orgânica, e se dá o tempo necessário para ser desenvolvida e nos convencer. Tanto que, no ato final, o momento dramático entre os dois é genuinamente emocionante.

Curiosamente, o último diálogo dos dois filmes termina com referência ao romance. A distância que se formava entre Thor e seu interesse amoroso era uma ponte quebrada que unia dois mundos distintos. Já a do Capitão América, é o tempo. Ao que parece, tamanha a importância de se ter um herói apaixonado atormentado por um amor impossível, tudo indica que “Os Vingadores” será uma história de amor. Assumindo ser sua melhor qualidade, será a grande chance que o Capitão América tem de estrelar um bom filme.

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Capitão América (EUA, 2011)

dir: Joe Johnston

avaliação:

Frank Ocean

Esta é apenas mais uma das histórias deste artista que tem no hip hop sua base, apesar de procurar não se prender a estilos. Aos 23 anos, seu talento ainda amadurece dia após dia, mas Ocean já trilha caminhos interessantíssimos nas composições que faz. Já escreveu, inclusive, para artistas como Justin Bieber e John Legend, mas prefere não destacar essa fase de sua carreira. Recém-chegado de Nova Orleans para Los Angeles, foi logo contratado pela Def Jam, poderoso selo de hip hop e parte da gigante Universal. A esperança de lançar um álbum foi sendo pisoteada pela indiferença do selo. Encostado e sem relação alguma com a direção (Ocean alega nunca ter sido nem convidado a conhecer a sede da empresa), gravou e lançou por conta própria, com download liberado em seu Tumblr, o excelente “Nostalgia, Ultra.”, álbum em que faz sua estreia.

Mais uma vez, o rapaz tinha que resolver as coisas à sua maneira. E deu certo. Antes quase desconhecido, não fosse por ser parte do coletivo Odd Future, Frank Ocean passou a ser elogiadíssimo pela crítica, incluindo aí grandes nomes do hip hop americano, como Drake e Lupe Fiasco. O motivo é justo. “Nostalgia, Ultra.” é como uma mixtape amplificada, que não se conforma em ser apenas uma junção de canções aleatórias. Mistura a melancolia de um coração despedaçado com a visão de tempos melhores que ainda estão por vir. Coloca lado a lado as inovações técnicas que um rapper tem às mãos e a sensação de pertencer a um mundo que praticamente se desconhece hoje em dia. Em suas canções, Ocean casa melodias frescas e arranjos que fogem do peso como o diabo corre da cruz, dando uma sopa para batidas de R&B e recebendo de troco uma cara de música pop de qualidade acima do nível normal, para ser consumida sem moderação.

Apenas 23 anos: nova geração do hip hop

O conceito de mixtape de “Nostalgia, Ultra.” ultrapassa a música e chega à forma. Ruídos clássicos de fita cassete, como a troca de lado, o apertar das teclas stop e play, estão pelo disco todo, ao começo e ao final de algumas faixas ou no meio de outras. Vinhetas que parecem ser apenas parte de uma gravação anterior na fitinha aparecem de vez em quando – na primeira faixa, “Street Fighter”, ouvimos um pouquinho da música do clássico jogo de luta de mesmo nome; em “Bitches Talkin’”, mulheres conversam enquanto a introdução de “Optimistic”, do Radiohead, toca ao fundo; e em “Soul Calibur”, mais um jogo de videogame é homenageado pelo lado moleque do artista.

Em algumas faixas, podemos claramente ver a cena: Ocean coloca para rodar uma música que gravara anteriormente e começa a improvisar em cima, chegando a resultados interessantíssimos. O rapper faz isso em “Strawberry Swing”, quando pega a música de mesmo nome do Coldplay e a reinventa, inserindo novas letras e melodias vocais e criando uma espécie de mashup vivo onde se aproveita por completo o fim da versão original (que só termina quando o sonho evapora ao som de um insistente despertador). O resultado é sensacional. Frank repete a dose em mais duas faixas, e se sai bem em todas elas: “Hotel California” dos Eagles se transforma em “American Wedding”, onde fala sobre um casamento complicado (e traz um interlúdio intrigante, após mais um “fast forward” da fita); já “Electric Feel” do MGMT fecha o álbum ao se tornar a apimentada “Nature Feels” nas mãos de Ocean.

Ainda que essas formas diferentes de abordagem sejam inteligentes e muito atraentes, é no material totalmente original que Frank Ocean deixa claro seu talento como letrista e músico – apesar da maioria de suas bases terem sido feitas, segundo o próprio, por amigos. A saga começa na suingada “Novocane”, com uma garota no festival Coachella, noites de sexo e novocaína, droga que mexe com a sensibilidade – e aí vem a virada da história, quando a sensibilidade física se torna sentimental . Em “We All Try”, a esperança de dias melhores se choca com a a falta de crença, dando brilho a esta bela peça de R&B, com batida arrastada e melodiosa. A faixa “Songs For Women” fala de… mulher. Mais enraizada, quase seca com seus pequenos trilhados eletrônicos e teclados vintage, ela mostra Ocean confessando que usa, sim, a música para “pegar mulher” – e você usaria também, se pudesse. Para “Lovecrimes”, uma batida mais encrespada e reta mostra a confusão de uma mente traída. E aqui há ainda mais um detalhe sagaz: desde o começo, ouvimos um diálogo ao fundo. Trata-se de uma parte importante do filme “De Olhos Bem Fechados” (Eyes Wide Shut), de Stanley Kubrik, quando as personagens de Nicole Kidman e Tom Cruise discutem por ele nunca sentir ciúmes dela.

Em “There Will Be Tears”, Ocean toca em temas familiares usando uma sensibilidade ímpar para os beats, dando para uma letra melancólica um andamento totalmente diferente, mais festeiro, apesar de se segurar na melodia para que nada pareça tão empolgado assim – afinal, era pra ser uma música triste, oras. Para “Swin Good”, o rapper retoma a tristeza de um fim de relacionamento, colocando na ponta da caneta e nas batidas da música tudo que o perturba, como se tivesse que se livrar de um corpo para passar de fase, partir para um novo momento. Na sequência, a balada “Dust” enfileira metáforas de amor, citando uma biblioteca que representa todas as histórias e romances que ele escreveu. Trata-se de uma das mais bonitas faixas do disco, onde a voz suave de Ocean quase sussurra seus lamentos entre uma e outra batida sincopada, salpicada de pequenos brilhos. Depois dela, as já citadas “American Wedding” e “Nature Feels” fecham o álbum de forma sublime, entrecortadas por mais uma vinheta, até que o último estalo de fita cassete ressoa pela ambiente, determinando o fim de uma história de coragem, melancolia e sentimentos deformados. Tanto para sua vida quando para seu primeiro disco solo, Frank Ocean mostra estar preparado para enfrentar qualquer obstáculo. E faz as coisas do seu jeito, como o convém, para que o arrependimento seja sempre pequeno e a satisfação cada vez maior.

Frank Ocean – Nostalgia, Ultra.

A concisão, inclusive, é o maior mérito de “Thor”: A trama e os personagens são introduzidos de forma breve, competente e sem delonga; o humor é contido, mas oportuno e certeiro (tendo o cuidado de não cair no deboche excessivo de “Homem de Ferro”) e as cenas de ação fogem do vício do gênero de serem prolixas e duram apenas o que têm que durar.

Torna-se uma agradável surpresa, portanto, que “Thor” vença a má impressão deixada pelos trailers e se revele um filme de ação-aventura tão honesto e bem escrito. O diretor Kenneth Branagh, por sua vez, até exagera nas tomadas inclinadas (por vezes sem propósito algum e acabam incomodando) mas conduz a trama com extrema segurança, e mesmo que insista em tantas referências soltas ao universo Marvel como uma esperada preparação para o filme dos “Vingadores” , não há um momento sequer em que a história não soe coesa e nos faça perder o interesse no rumo da trama e daqueles personagens. Até mesmo o CGI evita excessos e é usado com inteligência (e como é bom ver finalmente seres monstruosos realmente convincentes, compostos por atores em maquiagens).

Sim, o figurino é constrangedor. Mas o povo na Terra também tira sarro disso.

Contribui para o sucesso do filme o bom elenco (apesar da frouxidão de Antony Hopkins e Rene Russo em seus papéis), em especial pela dupla Chris Hemsworth, que tem carisma e se segura bem como protagonista, e Tom Hiddleston, como o vilão Loki, que aproveita todas as suas cenas com impressionante entrega.

o romance é bem raso, mas vai te convencer no último segundo do filme.

Claro, “Thor” não é isento de falhas, que vão desde a motivação furada do vilão (que no final das contas não justifica a idéia da revelação de sua origem. Ao invés disso, só a contradiz), da cidade monótona e sem vida de Asgard (é difícil comprá-la como uma cidade. Onde está a população? o que eles realmente fazem lá?) até o romance raso e forçado do casal principal (mas que tem a sorte de ter Natalie Portman para nos conquistar facilmente com sua beleza e carisma inerentes e um final adorável). Mas nenhum desses problemas tiram o brilho e o interesse da aventura.

Considerando que se trata de um filme com seres de outros universos, deuses mitológicos e portais dimensionais, numa época em que todos parecem ir na corrente do realismo iniciada pelo Batman de Christopher Nolan, “Thor” consegue trazer de volta vida e vigor à fantasia. E se daqui pra frente teremos que conviver com o predomínio de super-heróis nos cinemas, que “Thor” sirva de exemplo para que possamos aturá-los.

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Thor (EUA, 2011)

dir. Kenneth Branagh

O que parece uma surtada tentativa de hibridismo de gêneros, com drama, humor negro, fantasia e quase terror, acaba se tornando uma fascinante viagem fantástica quando percebemos que a grande protagonista na verdade é a irmã mais velha, Lisa. Torna-se gradualmente evidente que é através dos olhos dela que a leitura do filme deve ser feita (perspectiva que, caso fosse trabalhada com a mesma competência, como levantei aqui, melhoraria bastante “Somewhere”, da Sofia Copolla).

Como toda filha única, Lisa vê no novo relacionamento da mãe e no advento do novo irmão uma ameaça à sua atenção e prosperidade no lar. No germe dessa nova vida que a mãe inicia, é Lisa quem sente a rejeição da despedida não retribuída e o fracasso de uma espera com hora marcada. Não por acaso que Ozon sugere tão fortemente como se Lisa, de alguma forma, em seus mais pronfundos sonhos e desejos, arquitetasse tudo aquilo, desde o momento em que ela diz q está com medo de dormir dias antes do nascimento do irmão, quando faz questão de escolher o nome dele ou quando Ozon filma as reações dela quando esperamos ver as de Ricky.

A mutação gradual de Ricky se torna também a mutação de uma família e a do próprio filme. À medida em que a história progride e se aproxima da conclusão, os simbolismos religiosos vão se tornando mais óbvios (como a cena do lago), mas não menos fascinantes, e o fim da jornada fantástica remete até mesmo à “A Metamorfose”, de Kafka, quando a transformação extra-humana de um irmão representa a libertação do outro.

Utilizando-se ousadamente de momentos bizarros e de humor duvidoso, Ozon sutilmente criou uma encantadora fábula sobre a busca da harmonia familiar aos olhos de uma criança. Ao fim, a jornada serve como um processo de cura, renascimento e, como a cena final indica, renovação. Uma palavra que, felizmente, serve cada vez mais ao próprio Ozon.

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Ricky (França, 2009)

dir. François Ozon

Como os fãs do original suspeitavam, a continuação sofre as consequências da portabilidade para os consoles. A Crytek fez um grande trabalho em otimizar sua tecnologia deixando o jogo ainda muito bonito e realista sem perda no desempenho – poucos títulos dos consoles se equiparam aos gráficos de “Crysis 2” (com exceção de “Uncharted 2,” que continua, e provavelmente continuará dentre esta geração de consoles, imbatível) – ,  mas é inevitável notar como as texturas e a atmosfera ainda são inferiores ao primeiro jogo.

O design das fases também se tornou bem mais simples e linear, mais parecendo arenas multiplayer do que cenários grandiosos que permitem uma livre movimentação (a escolha tática para entrar em combate, por exemplo, vem não pelo uso do terreno disponível como no primeiro jogo, que você podia dar a volta no mapa inteiro e abordar o inimigo por trás se quisesse, mas agora vem sempre de uma visão de um lugar alto e você apenas decide, basicamente, se quer saltar descendo o pau ou atirando de longe em modo stealth) e não deixa de ser frustrante ver como a liberdade de interação com o ambiente do original se tornou bem mais limitada: as árvores não mais quebram ou reagem a tiros e explosões; apenas determinados objetos do cenário são destrutivos e há personagens pelo caminho que sequer sofrem com um soco ou um tiro.

Cloverfield perde

Se a física e o visual, ainda que com perdas, correspondem à excelência técnica que se espera da Crytek (a riqueza e a atenção aos detalhes impressionam, como a inédita água que realmente faz ondas quando você se move nela), os constantes bugs são irritantes: itens podem aparecer flutuando do chão, algumas texturas podem não renderizar direito e inimigos ficam rodando em círculos (a I.A. do jogo em geral é bem problemática, inclusive). Para piorar, a narrativa se tornou bem menos consistente e envolvente, nem de longe lembrando a experiência emocionante do original. A história progride de forma monocórdica e sem muito esforço emotivo, e ainda que o jogo guarde alguns twists (uns previsíveis, outros nem tanto) jamais envolve como o primeiro “Crysis”, que assim como títulos como “Bioshock” e o próprio “Uncharted 2”, sabia integrar a ação à narrativa de forma invejável, subvertendo o conceito de cutscenes, diluindo-as na própria jogabilidade e tornando a progressão na história muito mais intensa e emocionante.

Por mais que haja de fato em “Crysis 2” alguns momentos de estupefação, eles são apenas visuais e funcionam mais como breves interlúdios. O chão que desaba aos seus pés e os prédios que caem nos arredores são visualmente impressionantes, mas inofensivos. São momentos que vêm apenas para serem admirados (tanto que há um botão somente para olhar o que acontece), e consequentemente, você nunca se sente parte de verdade da catástrofe ao seu redor. Há um senso de passividade diante da tragédia que nos afasta do verdadeiro impacto que a história e toda a atmosfera de destruição, tão impecavelmente produzida, poderia ter. Nenhum dos momentos mais intensos de “Crysis 2” chegam perto do poder emocional dos momentos inesquecíveis do “Crysis” original, como quando entrávamos na nave alienígena (um clímax que vinha ainda na metade do jogo) ou quando, após uma surpreendente virada na história, a ilha onde você estava aparece congelada, com uma nuvem de alienígenas no céu (sem contar os assustadores e gigantescos chefes de fase que apareciam em momentos catárticos). O senso de catástrofe se intensificava cada vez mais e a tensão progredia de forma irresistível. Em “Crysis 2″ sequer há um grande chefão para tornar alguma batalha realmente memorável (o que está acontecendo com os desenvolvedores dos games de ação hein? Esse tipo de jogo PRECISA de chefes).

Chefes finais de "Crysis 1" e "Crysis Warhead". E o de "Crysis 2"....

Foi justamente a perda desse senso de “descoberta gradual” e de uma narrativa coesa e surpreendente (e também a falta de conflitos épicos que quebrem a monotonia do tiroteio) que matou a experiência de “Dead Space 2” para mim. Nesse sentido, “Crysis 2” não é tão prejudicado quanto àquele, já que as novas dinâmicas de jogabilidade – com diversos upgrades e novos movimentos – aliados ao sempre estratégico uso dos poderes do nanosuit jamais deixam de ser uma experiência sempre evolutiva e divertida. Porém, esta continuação sofre muito com a linearidade geral da ação, que inevitavelmente acaba deixando tudo genérico demais.

A escolha de ambientalizar em Nova Iorque, por exemplo, ainda que tão bem feita, provavelmente da forma mais fiel e impressionante já feita num game, acaba tendo o efeito contrário: nos sentimos num lugar meramente ordinário, já tantas vezes visitado em outros games, tirando qualquer sensação de ineditismo ou de fascínio que a insólita ilha original oferecia. E, pior, com inimigos pouco instigantes. No primeiro jogo, ainda que de design nada original (pareciam cópias exatas das sentinelas de Matrix), os aliens voavam e tinha movimentos imprevisíveis, tornando o combate muito mais tenso e difícil. Os aliens humanóides da sequência são pouco criativos e a pouca variedade faz com que se tornem facilmente repetitivos.

Basicamente os únicos inimigos que você enfrenta durante 10 horas

Acaba sendo curioso, portanto, como o jogo sabota a si mesmo ao prometer alguma variedade de ação e nunca cumprir: Duas ou três fases terminam com você entrando num tanque ou jeep e preparando-se para atirar loucamente em tudo que se move, mas – uma interrupção repentina e um loading depois – a fase seguinte, incompreensivelmente, começa com você a pé de novo. O mal aproveitamento dos veículos, inclusive (há pouquíssimos momentos em que podemos usufruir deles, mas que não permitem muita movimentação e terminam em poucos minutos), se mostra uma decadência da própria proposta da série: O uso de veículos era parte essencial da estratégia de ação no “Crysis” original e mais ainda no “Warhead”.

Contribui ainda mais para a falta de variedade a carência de clímax. Quando você finalmente entra em uma estrutura alienígena e acha que algo realmente grandioso vai enfim acontecer, uma cutscene interrompe a ação e segundos depois você já está de volta ao solo fazendo a mesma coisa que já vinha fazendo nas últimas horas. Nem mesmo a sequência final – mais uma vez, ainda que visualmente impressionante – exige algo diferente do que já foi feito em diversos outros momentos do jogo, o que não deixa de ser extremamente frustrante.

Continua bonito. Mas as árvores não caem dessa vez...

Ainda que eu praticamente só tenha apontado defeitos aqui, não tenha dúvidas: o singular uso do nanosuit e o intenso combate aliado aos ótimos gráficos fazem com que “Crysis 2” seja um dos melhores FPS disponíveis para esta geração de consoles, trazendo algo de raro e único numa época em que quase todos os FPS’ parecem se inspirar na jogabilidade limitada e repetitiva da série “Call of Duty”, o que não deixa de ser um grande triunfo. Uma pena que, para atingir uma variedade maior de público e hardware, a Crytek tenha sacrificado o que tornava seu “Crysis” original tão marcante: a ambição. Com uma campanha bem mais modesta, “Crysis 2” perdeu em praticamente tudo em comparação ao original (e também para a extensão “Warhead”): na escala, na grandiosidade, na narrativa, no envolvimento, na variedade da ação, etc.

Certamente aqueles que nunca quiseram investir numa placa de vídeo poderosa para o PC ficarão embasbacados e entretidos o suficiente com “Crysis 2” em seus consoles. Com esta continuação, terão um dos melhores FPS lançados recentemente. Uma pena que, perdendo o original, deixarão de experimentar um dos melhores de toda uma geração.

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Crysis 2

Crytek, 2011 (PS3, Xbox, PC)

avaliação:

"Nem eu sei mais!"

Lá nos idos de 2002, Beam começou a carreira do I&W tocando sozinho. Era ele e seu violão, com uma belíssima performance de folk de raiz, como se diz por aí. Seus dois primeiros discos, “The Creek Drank The Cradle” e “Our Endless Numbered Days”, são obras-primas do folk dos anos 2000, com uma série infindável de pequenos clássicos, como a incrível “Naked As We Came”. Nada mais que violão, guitarras slides, banjo, alguma percussão suave e voz, e foi assim que seu projeto cresceu e foi reconhceido.

Foi em 2005 que a coisa começou a mudar. O outrora solitário músico se juntou ao Calexico, grupo de country alternativo, e gravou o ótimo EP “In The Reins”. Pela primeira vez junto com uma banda, Sam Beam se sentiu em casa. A partir daí, abandonou a ideia de seguir solo a vida toda e começou a colocar outros músicos em suas faixas. O álbum seguinte, o também excelente “The Shepherd’s Dog”, cheio de instrumentações diferentes do que o Iron & Wine fazia, era a prova de que alguma coisa havia mudado de vez.

O que se seguiu foi ótimo para Sam Beam. Seu projeto assinou com uma grande gravadora, a Warner, e o primeiro resultado dessa união é o aguardadíssimo “Kiss Each Other Clean”. Após quatro anos sem um disco de inéditas, o Iron & Wine volta bem diferente. Dizem que o som da “banda” está a cara do Death Cab For Cutie (eu nem acho), o que obviamente não é ruim, e outros dizem que, apesar de ter construído um ótimo disco, um pouco da personalidade original do I&W ficou pra trás.

Banda de um homem só? Tá bom.

A verdade é que Beam foi além. O novo álbum traz um som mais encorpado, com baixo, guitarra, bateria, instrumentos de sopro, metais, barulhinhos eletrônicos, percussões esquisitas, mas ainda assim fugindo do comum com sua veia meio hippie saltando a cada acorde. O andamento das faixas é sempre diferente, às vezes arrastado de maneira sedutora, em outras agitado a ponto de nos fazer batucar com os dedos, estejamos onde for. Faixas como “Big Burned Hand” e “Rabbit Will Run” se destacam com arranjos incomuns, mas trazem a gênese da música do Iron & Wine como um carimbo de qualidade. É claro que agora ouve-se muitos outros sons além da voz e do violão, mas isso é o que algumas pessoas costumam chamar de inquietude. Faz parte do ser humano, ainda mais de um tão especial quanto Sam Beam.

Iron & Wine – Kiss Each Other Clean