Overlook David

The Good Wife

2012-01-13T15:14:00.001+01:00

Da qualche parte ho letto qualcuno che diceva che le serie tv sono i nuovi romanzi. Forse e' vero o forse no pero' come i buoni romanzi le serie tv posso creare assuefazione - chiedetelo a tutti i fan di Lost - ti fanno entrare nel loro mondo e i personaggi diventano quotidiani quasi amici. Per chi come vede le serie tv, non molte visto il livello medio di cui leggo in giro per il web, la ricerca della serie che t'imprigiona e ti lega al divano e' perenne.
Negli ultimi tempi l'ho trovata in The Good Wife, recuperata colpevolmente in ritardo rispetto alla messa in onda americana e a quella italiana. Siamo ormai giunti alla terza serie e io ho da poco cominciato la seconda dopo aver divorato la prima stagione.
Su Serialmente ci sono delle bellissime recensioni sulle puntate e ho letto in una di esse una cosa verissima: raccontare la trama di questa serie sminuisce decisamente la visione e non rende giustizia alla serie perché The Good Wife e' una grande serie scritta perfettamente con dei personaggi che vivono di vita propria.
La serie in poche parole parla della moglie dell'ex procuratore di Chicago che torna a fare l'avvocato dopo che il marito e' stato mandato in carcere accusato di corruzione. La serie segue le vicende dei diversi casi legali di Alicia (Juliana Margulies), della sua vita di moglie tradita, di madre e segue poi le vicende giudiziarie del marito. C'e' anche un triangolo ma non voglio svelare troppo e tutto e' inserito con cosi' tanta discrezione che non appesantisce la storia.
Personalmente non amo i legal drama pero' questo e' diverso perché le puntate, come invece spesso accade per le serie legal e crime, non seguono un format ripetuto. I casi sono tutti diversi e in diversi ambiti legali e sopratutto molto avvincenti, nella prima stagione onestamente non ho trovato neanche una puntata noiosa o banale. L'altro aspetto interessante poi e' che l'aspetto legale e' presentato da tutti i suoi punti di vista e non solo attraverso il semplice e scontato dibattito in aula. Si mostrano i retroscena, quello che avviene prima e dopo un processo e anche quello che avviene per non arrivare ad un processo.
Dal punto di vista morale la serie e' ricca di personaggi che vivono sul confine tra il bene e il male, agiscono non sempre in modo politicamente corretto e tutti alla fine cedono ai compromessi della carriera e del denaro oppure cedono semplicemente per salvarsi la faccia. Non ci sono ne' santi ne' eroi mentre l'etica e la moralità sono sempre messe in discussione.
L'altro punto di forza della serie e' che la trama orizzontale e' perfettamente integrata in quella verticale e tutto scorre magnificamente anche grazie ad un cast e a delle sceneggiature di ferro. Nel cast oltre alla bravissima protagonista ce ne sono tanti altri molto bravi e l'investigatrice dello studio, l'ambigua Kalinda, ti tiene incollato allo schermo. In questa serie trovo notevole anche la regia con inquadrature e movimenti di camera scelti con stile, soprattutto quando in campo c'e' Alicia con i suoi magnetici sguardi.
Non c'e' che dire, quindi, una serie assolutamente da vedere dove gli effetti speciali e i colpi di scena stanno in una sceneggiatura di ferro con dialoghi intelligenti e mai soporiferi. Grande serie e dopo una prima stagione praticamente perfetta spero che la seconda non deluda.
Piccola curiosità' sulla breve sigla. Cambia dalla prima alla seconda serie e sottolinea l'acquisita forza e consapevolezza di se' della protagonista. Per chiudere una piccola nota di colore: secondo me Juliana Margulies porta una parrucca.

Hunger di Steve McQueen

2012-01-02T11:00:00.000+01:00

Quando la libertà viene tolta, quando la privazione della dignità umana è all'ordine del giorno l'unica arma di difesa e di offensiva è il proprio corpo. Utilizzare il proprio corpo per lottare e combattere per i propri ideali e per la giustizia.
Hunger il film di Steve McQueen è un film di lotta, un film dove i corpi guerrieri e sconfitti sono i veri protagonisti della storia. Il film narra la storia di Bobby Sands, il rivoluzionario nordirlandese che si è lasciato morire di fame in carcere nel 1981. Ma non ci racconta solo la sua storia ma anche quella di altri uomini che hanno lottato per quella causa e sono morti per essa. Ci racconta il carcere e le sue privazioni, il carcere e la sua dura repressione dei corpi, delle anime e delle persone. I corpi nudi dei prigionieri sono continuamente picchiati e umiliati dai secondini. Le armi di lotta in carcere sono lo sciopero della fame, lo sciopero della pulizia personale, insomma sono lo sciopero del corpo.
Il film ambientato nel periodo thatcheriano è un film duro che colpisce alla stomaco con un regista che alla sua opera prima ci mostra subito i muscoli. Tra le scene di maggior impatto c'è sicuramente il dialogo tra Bobby Sands e il parroco. Una lunga scena con camera fissa che non lascia via di scampo alle parole, un dialogo che è come un combattimento, eppure è l'unico momento del film dove i corpi sono apparentemente a riposo. Un altro aspetto interessante del film è l'utilizzo dei discorsi fuori campo della Thatcher che raccontano la posizione intransigente del governo britannico nei confronti dei prigionieri. In un momento particolare il discorso si va a sovrapporre ad un pavimento che viene lavato, come se le parole pulite e ordinate della Lady di ferro potessero pulire via il lerciume e il sangue delle botte.

I miei film del 2011

2011-12-31T16:15:00.000+01:00

Scatta il 31 dicembre e anche io cado nelle classifiche di fine anno.
Ecco quindi i film che mi sono piaciuti di più in questo anno cinematografico. Ho visto e recuperato tanti bei film ma mi limito a quelli usciti quest'anno.

Sul primo non ho dubbi gli altri diciamo che li metto a pari merito.

Drive

Midnight in Paris
Il cigno nero
Pina
Le idi di marzo
Carnage
Il discorso del re
Habemus Papam
L'alba del pianeta della scimmie
Super 8
127 ore
La pelle che abito

Queste sono le 2 principali delusioni di quest'anno, insomma quei film che mi sarebbero dovuti piacere invece no:

This must be the place
A Dangerous Method

Questi sono i film che mi sarebbero potuti piacere se li avessi visti...magari li recupero il prossimo anno:

Melancholia
Faust
The tree of life
Warrior

Le idi di marzo di George Clooney

2011-12-29T19:05:00.002+01:00

Le idi di marzo è un film sulla politica e sulle sue ipocrisie. Un film cinico sui giochi di potere e sulla carriera dove i buoni non esistono. Un gioco dove il fine che giustifica sempre i mezzi, senza mezze misure. Il film di Clooney è un film scritto e recitato sul filo del rasoio, mai fuori posto eppure così potente. Non ha bisogno d'inseguimenti, piogge purificatrici o uomini con la barba lunga. A questo film sono sufficienti attori straordinari che recitano uomini e donne, non personaggi: oltre a George Clooney e Ryan Gosling ci sono Philip Seymour Hoffmann, Paul Giammatti, Marisa Tomei ed Evan Rachel Wood.
Ci sono alcune scene in questo film che ci dimostrano che George Clooney senza troppi vezzi e fronzoli riesce a fare grandi film anche dietro la macchina da presa. In uno dei punti di svolta del film, tutto il dialogo è lasciato fuori campo e a noi resta solo una macchina ferma e un lento zoom in avanti. C'è molto in quell'inquadratura. Sappiamo o immaginiamo di sapere quello che succede all'interno della macchina ma non ci è svelato apertamente. E' un po' tutta qui la politica. Un teatro che sembra giocato a carte scoperte ma che in realtà nei momenti decisivi si sottrae dai riflettori dei quali continuamente si nutre.
Una politica, quella americana in questo caso, che vive di luci ma che si nutre di ombre come quelle che inghiottono Ryan Gosling alla fine del film. Entra nell'ombra e ne esce per arrivare sotto l'ennesimo riflettore, questa volta tutto per lui e non una luce riflessa come quella dell'incipit del film.
Le idi di marzo è come si direbbe un film di struttura, dove la sceneggiatura, la fotografia e la regia sono un tutt'uno con la storia. Niente va mai sopra le righe e qui sta il cinema d'autore di Clooney, nulla viene gridato. Un gran bel film, d'altri tempi si potrebbe dire ma in fondo i tempi sono questi, sempre i nostri. Un tempo storico dove ai presidenti e ai politici si perdona tutto tranne il sesso, certo non da noi.

The Artist di Michel Hazanavicius

2011-12-28T13:08:00.001+01:00

Devo ammettere che sono andato al cinema a vedere The Artist con una tutta una serie di pregiudizi e dubbi. Non ero convinto, e non lo sono ancora, dell'idea di fare un film muto al giorno d'oggi. Non sono un fautore della tecnologia a tutti i costi ma il cinema è tecnica e in quanto tale è giusto fare avanguardia utilizzando tale tecnica e non sottraendone.
Fatta questa premessa devo ammettere che The Artist è un bel film che riesce a riproporre l'estetica del cinema muto, i suoi attori e le sue colonne sonore centrando in pieno il suo obiettivo. La storia narra delle alterne fortune di due divi hollywoodiani che hanno la loro fortuna e la loro sfortuna con l'avvento del sonoro. Non c'è che dire un periodo magico e anche molto doloroso per tutti gli attori che non ce l'hanno fatta a superare l'ostacolo della parola. Sono diversi i momenti del film in cui la parola e la sua assenza sono al centro di incubi, gag e momenti drammatici.
Il film di Hazanavicius riesce a intrattenere lo spettatore senza annoiare. C'è da dire che il regista è riuscito a fare un film per il pubblico e non per l'elite cinefila. The Artist è un film godibile e furbo, una storia d'amore e cinema che seduce anche il pubblico contemporaneo. Anche io ne sono stato catturato e, come ogni volta che vedo un film muto, alla fine dimentico che il sonoro e i dialoghi sono assenti. Chissà se alla notte degli Oscar non ci siano sorprese quest'anno, tutto sembra andare in quella direzione.
Un ultimo dubbio. Se si doveva fare un film muto al giorno d'oggi perché si è scelto di riprodurre fedelmente l'estetica e le dinamiche dei film del passato? Non sarebbe stato bello sperimentare in qualche modo l'assenza del sonoro?

Provaci ancora Dexter

2011-12-20T15:46:00.000+01:00

Ingenuamente ho sempre pensato che Dexter sarebbe andato avanti sempre con la stessa qualità nella scrittura. Mi sbagliavo, perché la stagione appena conclusa e' veramente deludente e discretamente noiosa.
In passato quando avevo parlato qui e qui di Dexter avevo sempre sottolineato il suo essere una serie forte perché aveva una sceneggiatura solida, una costruzione psicologica del protagonista notevole e sopratutto c'era quella linea di sangue che univa le puntate della singola stagione e le singole stagioni tra loro. Era ovvio che qualcosa dovesse cambiare e già con la scorsa stagione c'era il sentore, in parte recuperato anche grazie ad un buon personaggio come quello di Lumen (Julia Stiles). Non era ovvio pero' che la serie arrivasse a toccare il fondo così velocemente.
La stagione appena conclusa ha una trama verticale veramente banale e scontata, la linea di sangue si e' persa per lasciare il posto ad un "originalissimo" tema religioso. Parlare di religione e Dexter ci può stare ma in questi termini anche no.
Le storie parallele a quella di Dexter sono troppe e confuse, sembra diventata una soap. E' interessante la sottotrama poco approfondita dello stagista collezionista e chissà che non diventi la storia della prossima stagione. Il personaggio di Dexter e' decisamente peggiorato nella sua psicologia sempre più spicciola e poco interessante. E poi Deb...beh lasciamo perdere.
Insomma tutto lascia a desiderare e il pensiero di abbandonare una serie che sarebbe dovuta già finire la scorsa stagione e' forte. Pero' qualcosa si salva: l'ultimo minuto dell'ultima puntata, quei pochi secondi che mi convincono a vedere anche la successiva, almeno ci proverò.

Midnight in Paris di Woody Allen ---- Recensione

2011-12-04T13:01:00.001+01:00

Midnight in Paris può avere i suoi difetti e può non piacere a tutti. Si può cercare di leggere nel film la storia del cinema e la poetica alleniana ma per me questo film è stato cinema di puro abbandono e Woody Allen è riuscito a regalarmi (ci) un film bello e letteralmente incantevole. Se ti scopri alla fine del film con un sorrisetto soddisfatto, compiaciuto e rilassato il film ha fatto il suo effetto.

Un film ci fa vedere Parigi e il suo fascino ma ci parla anche dei sogni. L'idea alla base del film è un gioco che tutti abbiamo fatto almeno una volta nella vita cioè in quale periodo del passato vorremmo aver vissuto. Il protagonista del film sceglie la Parigi degli anni 20 e la trova a mezzanotte in tutto il suo splendore, con i suoi personaggi (Hemingway, Dalì, Picasso, Gertrude Stein, ecc) tutti volutamente sopra le righe come se fossero realmente materia del sogno, eppure tutti così presenti e reali.

Il protagonista trova il suo sogno dopo mezzanotte e trova in un certo senso se stesso e la sua strada. Capisce che la sua nostalgia del passato è solo il motore per vivere meglio il proprio presente, unico tempo che secondo Allen vale la pena di essere vissuto anche se può apparire più noioso. Allen quindi secondo me non è critico nei confronti della nostalgia ma la ricolloca, trasformandola in un carburante che muove la nostra vita.

Quest'ultimo film di Woody Allen mi è piaciuto tanto e mi ha fatto ridere e sognare. Un film magico insomma, uno di quei film che con leggerezza ci raccontano tante cose e ci fanno dimenticare di essere seduti su una poltrona a vedere un film. E poi pensare di vivere anche solo una notte con i surrealisti mi ha fatto sognare.

Pezzi di film

2011-11-24T15:04:00.001+01:00

L'illusionista
Il declino di un artista come tanti altri in un mondo dove l'illusione non ha più fascino forse perché ci viviamo dentro. Un film che dipinge la storia ed emoziona. Un racconto leggero ed elegante. Dal creatore di Appuntamento a Belleville e ispirato ad un personaggio di Jacques Tati che appare anche in una scena del film.

Bronson
Un pugno in faccia, un pugno nello stomaco, tanti calci e una piuma che ti fa il solletico. Questo e' Bronson. Film di Nicolas Winding Refn che rende teatrale la storia del carcerato più pericolo del Regno Unito. Un bravissimo Tom Hardy c'intrattiene con la violenza di un personaggio in bilico tra arte e pazzia. Questo regista, colpevolmente scoperto con Drive, continua a stupirmi.

Monsters
Un piccolo film da gustare. C'e' molto District 9 e poco del sopravvalutato Cloverfield. Non c'e' la camera a mano e ci sono dialoghi non sempre stupidi. Gli alieni ci sono ma non sempre si fanno vedere. Due facce nuove che recitano, i confini del Messico a fare da cornice e un finale insolitamente romantico.

Chloe
Atom Egoyan ci mostra di nuovo il suo lato morboso. Un film non proprio bello e troppo patinato per i miei gusti. Ha il pregio di rendere l'aria asfissiante ma c'e' qualcosa che non va. Troppo autocompiaciuto? Eccessivamente voyeuristico? Brava Julianne Moore.

This must be the place di Paolo Sorrentino

2011-11-08T10:00:00.000+01:00

Un film deludente quello di Sorrentino. Sarà che le aspettative erano alte e forse quando se ne hanno troppe si rimane puntualmente delusi. Non riesco a concretizzare con precisione tutti i miei dubbi sul film ma parafrasando una citazione del film, qualcosa mi ha disturbato e non capisco cosa.
Paolo Sorrentino è un regista che sa usare la macchina da presa e ne è consapevole. In tutti i suoi film i movimenti di camera fanno danzare le scene e le immagini. In quest'ultimo film però tutto appare gratuito, come un puro esercizio di stile. Rimangono una serie di belle immagini, di belle sequenze ma la sostanza è a mio avviso veramente scarsa.
La storia raccontata poi non è un granché. Poteva essere più interessante con scelte di altro tipo ma inserire, a mio avviso in modo ruffiano, l'olocausto come filo conduttore non da forza al film ma al contrario lo indebolisce. Qual'è il vero senso del film? La ricerca di se stesso da parte del protagonista, non sembra perché alla fine a parte togliersi il trucco non succede molto di più. Il protagonista si libera dei suoi problemi irrisolti che si trascina in tutto il film? Probabile. Ma in fondo la sceneggiatura mi sembra una serie di quadri messi lì, uno di seguito all'altro con personaggi che appaiono e scompaiono senza lasciare una traccia reale. Una serie di belle storielle. Sui buchi di sceneggiatura rimando al post di Smeerch. I dialoghi sono in alcuni momenti divertenti, soprattutto grazie a Sean Penn, ma il film è troppo pieno di citazioni che sono la gioia di Twitter. Chissà se le battute/citazioni rientrano tutte nei 140 caratteri.
I bei quadri ovviamente non mancano come quando canta David Byrne. Bella scena, belle idee ma per un videoclip non per la scena di un film anche perché il tutto è slegato dal resto. Mi sono piaciuti dei momenti surreali, anche questi slegati dal flusso narrativo: il passaggio all'indiano, Batman che cammina solitario nella notte, il mega gonfiabile a forma di birra e la macchina che va in autocombustione.
Nel complesso il film pur se visivamente molto bello non mi ha convinto. Mi è mancato il Sorrentino che ho apprezzato in altri film, la sua estetica unita ad una storia originale. Nel film non c'è il dramma de L'uomo in più, il gusto fuori dall'ordinario dell'Amico di famiglia, il mistero elettrico de Le Conseguenze dell'Amore e il morboso e anonimo potere de Il Divo. Se questo è il Sorrentino internazionale spero ritorni presto in patria.

Meglio tardi che mai: Habemus Papam di Nanni Moretti

2011-11-05T19:15:00.001+01:00

Non sono un fan di Moretti. Lo apprezzo in alcuni film ma non accetto in pieno la sua filmografia a volte ripetitiva e un po' autoreferenziale. Habemus Papam, il suo ultimo film uscito qualche tempo fa al cinema è invece un film che mi è piaciuto parecchio. Il film è stato molto chiacchierato perché parla del Papa e della religione cattolica ma come ovviamente si può immaginare, le critiche e i pregiudizi sono pienamente infondati.
Nanni Moretti costruisce un film equilibrato dove la commedia si alterna al film d'introspezione senza esagerare. Un film sul dubbio, sulla ricerca della propria personalità. Il film racconta la crisi di un Papa neoeletto che ha dei dubbi e non vuole diventare Papa, senza capirne neanche lui il perché. Un dilemma comune, sembra, quello dei giorni nostri. Ci si trova di fronte a dei bivi, delle decisioni e delle responsabilità e non sa si bene come reagire, non si sa come affrontare certe scelte. Molto spesso si reagisce scappando, si reagisce con un rifiuto che porta ad una ricerca interiore per capire le ragione di tale rifiuto. Se questo succede ad un Papa appena eletto, ecco che la storia prende subito una piega interessante.
Va proprio detto che Moretti ha avuto una bella idea e l'ha saputa controllare bene, dosando tutti gli elementi presenti in campo. Ci mostra l'interno del Conclave e ci fa vedere i cardinali che pregano per non essere scelti dal Signore. Nessuno si sente pronto e all'altezza perché in fondo parliamo di uomini, di esseri umani con sentimenti e debolezze. Forse questo aspetto può aver infastidito la Chiesa, mostrare degli uomini di chiesa con le loro fragilità e i loro dubbi.
Spero che non siano stati infastiditi dal divertente mondiale di Pallavolo organizzato dallo psicanalista Nanni Moretti, e neanche dalla bella scena dove i cardinali ammazzano il tempo con piccoli vizi nelle loro stanze.
Un film da vedere anche per la bella interpretazione di Michel Piccoli e questa volta da consigliare anche chi morettiano non lo è e non lo è mai stato. Merita anche per un finale decisamente amaro ma ricco di verità.

Drive di Nicolas Winding Refn

2011-10-27T17:23:00.005+02:00

Una scena del film

Il film racconta di un ragazzo che guida auto durante le rapine e su set cinematografici come stuntman. Il protagonista fa dei passi falsi che disturberanno i boss della zona e metteranno in pericolo la sua vita e quella delle persone a cui tiene. Una storia non originale ma raccontata con eleganza e con un punto di vista originale, intenso ed emozionante.

L'incipit del film e' bellissimo. Il protagonista si accorda per fare da autista durante una rapina. La rapina si svolge con qualche prevedibile imprevisto e lui impassibile e freddo svolge il suo lavoro fino in fondo come da accordi presi. La velocità delle auto s'intreccia con le strade notturne della città, i dettagli si mescolano alle riprese aeree. Una perfetta sintonia tra movimento e dettaglio. Un incipit che e' la giusta presentazione del film, delle scelte narrative che vedremo e dell'atmosfera che si respirera' durante la visione.

Un'altra scena in Drive mi ha colpito per la sua capacita' di sintesi. Nel loro primo incontro la protagonista femminile chiede al protagonista cosa fa nella vita e lui risponde che guida, poi dopo una pausa lei chiede se e' pericoloso e lui risponde di si. In questo breve ma intenso dialogo si raccontano molte cose sul protagonista e su quello che rappresenta. Un uomo che guida e non fa niente altro, un uomo a cui non e' permesso altro nella vita, un uomo che a suo modo diventa eroe anche perché lui semplicemente guida.

Queste due scene raccontano molto del film e del personaggio principale, il resto del film non fa altro che confermarcelo con cura nelle inquadrature, nella composizione dell'immagine e un affascinante uso della luce. In molte scene infatti la luce diventa astratta e sottolinea alcuni momenti importanti come la scena dell'ascensore e in tutta la parte finale. La luce disegna le scene, le rende vive e racconta la storia.

Oltre alle scene gia' citate ce ne sono altre da evidenziare, la scena dell'ascensore e la scena del night club. Nell'ascensore c'e' una vera e propria danza, una danza di luce, corpi, amore e violenza. All'opposto c'e' invece la fissita' della scena del night club, fissi sono i corpi delle ballerine nude con lo sguardo perso nel vuoto, fissa la posa di Ryan Gosling con il martello in mano inquadrato dal basso verso l'alto.

Un film che mi e' piaciuto molto con un ottimo cast e una bella colonna sonora. Ryan Gosling e' veramente una rivelazione. Era la prima volta che lo vedevo recitare e non mi aspettavo una cosi' bella performance. Anche tutti i personaggi di supporto sono bravi compresa Carey Mulligan la ragazza triste della porta accanto che fa bene la sua parte.

American Life di Sam Mendes

2011-10-17T15:41:00.000+02:00

Finalmente sono riuscito a vedere questo film di un paio di anni fa e devo dire che le mie aspettative erano all'altezza del film: American Life mi e' piaciuto molto. Ho trovato il film divertente, brillante, intelligente nel racconto, sobrio e con due protagonisti credibili e simpatici. Devo ammettere che in questo caso c'e' stata molta immedesimazione nei protagonisti coetanei, che hanno problematiche e dubbi che mi appartegono e per questo il loro viaggio mi ha emozionato. Uno di quei film che magari non passeranno alla storia ma che rimangono impressi, come rimangono impressi Burt e Verona, cosi' insicuri, cosi' indecisi ma innamorati e amanti della vita.

La storia e' quella di una coppia che aspetta un bambino che va alla ricerca della loro casa. La casa in questo racconto non e' un luogo fisico ma un luogo emozionale, di crescita, il fondamento della loro vita come famiglia. In questo loro percorso incontreranno diverse coppie, diversi modi di vivere la famiglia e l'essere genitori. La galleria di personaggi alterna il divertente, le macchiette lasciando spazio anche alla riflessione. Alla fine i due futuri genitori sceglieranno la loro strada e quella che e' soltanto loro come e' giusto che sia.

E' un film leggero e profondo. Un film dove la regia e' sobria e non invadente, dove i dialoghi sono misurati eppure decisi e puntuali. La scena delle promesse sul tappeto elastico, una sorta di matrimonio virtuale, e' bellissima per quello che i due si dicono e per quello che puo' significare per una coppia. In fondo una relazione, un matrimonio, una convivenza funziona anche se c'e' il giusto scambio di promesse esplicite e implicite e se le scelte sono quelle della coppia e non degli altri.

La scena delle "promesse"

C'e' da ricordare che il regista e' un certo Sam Mendes che ci ha regalato film come American Beauty e Revolutionary Road. Ma qui abbandona la sua tagliente visione della famiglia per portarci probabilmente piu' vicini alle emozioni famigliari di Era mio padre, ovviamente con toni da commedia.

Una piccola nota sul titolo originale Away we go, decisamente piu' in linea con il racconto, con lo spirito e con le emozioni del film.

La pelle che abito di Pedro Almodóvar

2011-10-14T11:19:00.001+02:00

Una scena del film

La pelle che abita e' l'ultimo film di Pedro Almodóvar, un film teoricamente di genere, un thriller che segue l'altro strano thriller del regista, Gli abbracci spezzati. E' un film che rivisita il mito di Frankenstein ma che con Almodóvar prende tutta un'altra piega.

Il film e' girato con molta eleganza, il regista non lascia al caso nessuna inquadratura e nessun movimento di camera. E' un film che avvolge e seduce. Almodóvar pero' non va mai sopra le righe e nonostante in alcuni momenti possa sembrare un film di Cronenberg, rimane sempre il film di un autore che ha dato nuova vita al melo'. Il regista non e' per le scene ricche di tensione e di claustrofobia anche se a volte si respira un'aria morbosa che potrebbe a mio avviso essere anche piu' spinta.

Il film e' decisamente superiore a Gli abbracci spezzati che non mi aveva convinto del tutto per la sua storia un po' confusa. Sembra pero' che quel film sia stata la palestra per il regista per creare La pelle che abito. L'impressione e' che con il precedente film il regista abbia sperimentato alcune idee meglio concretizzate in quest'ultima pellicola.

Il corpo, la pelle come identita' e come inganno, la vendetta e l'amore folle sono le tematiche principali del film, illustrate da Almodóvar attraverso citazioni artistiche, come le bellissime sculture di Louise Bourgeois o i quadri che adornano la bellissima casa del protagonista.

La pelle che abito, nonostante le apparenze, e' un film di Almodóvar perche' ritroviamo qui tutte le sue tematiche e nonostante l'eleganza della messa in scena e della regia ci ricorda in diversi momenti che e' sempre il regista spagnolo che si e' fatto conoscere con i suoi film piu' folli. Il personaggio dell'uomo tigre, alcune battute e in parte il finale lo fanno venire allo scoperto.

Nel complesso e' bel film, godibile, con una bellissima Elena Anaya e un Antonio Banderas mai fuori le righe, un thriller nella storia ma ma non nel ritmo. Per il mio gusto personale, in un film del genere manca un po' di gelida cattiveria.

Una scena del film

Fotografia - Festival Internazionale di Roma 2011

2011-10-07T10:00:00.000+02:00

Il Fotografia Festival di quest'anno l'ho trovato deludente. Mi riferisco alla mostra principale che si tiene in questi giorni a Roma al Macro Testaccio. Negli ultimi anni a mio parere il Festival ha perso il suo smalto iniziale dove riusciva a proporre fotografi interessanti e progetti molto coerenti intorno al tema scelto. Tra le ultime edizioni forse la piu' interessante e' stata quella al PdE di un paio di anni fa dove si e' tentata la strada del multimediale. Interessante strutturalmente ma decisamente portatrice di fruibilita' distratta, cosa che non fa bene alla fotografia.
Sono ormai storia i tempi in cui esponevano i grandi Koudelka e Salgado e l'anno in cui ho scoperto Martin Parr. Dei bravi fotografi conosciuti gli scorsi anni in questa edizione rimangono in un angolo le belle foto di Anders Petersen, con le sue foto forti con un bellissimo bianco e nero.
Il Festival mi sembra che abbia poche idee, pochi spunti interessanti e poche belle fotografie. Colpa dei tagli che il festival ha subito? Colpa della mancanza d'ispirazione o e' semplicemente un segnale dello stato della fotografia?
Il sovraccarico di fotografie che subiamo tutti i giorni, la digitalizzazione dell'immagine hanno cambiato definitivamente la prospettiva con la quale guardiamo le foto. Uno dei pannelli della mostra, non ricordo chi era che lo diceva, sosteneva che e' finito il tempo dei fotografi alla Cartier Bresson, il tempo del "Momento decisivo". Secondo me in parte e' vero perche' il digitale ha rivoluzionato il concetto di attimo e d'istante in fotografia.
L'altro aspetto che sempre della fotografia mi ha deluso negli ultimi anni e' l'uso del colore. Sopratutto nella fotografia cosidetta artistica c'e' poca sperimentazione sul colore in favore dell'utilizzo del bianco e nero, sempre banalizzato e sempre troppo scelta ovvia e facile.
In questa edizione ovviamente non e' tutto da buttare ma ci sono dei fotografi che mi hanno colpito e a parte Alec Soth sono tutti orientali o medio-orientali. Le foto degli orientali vanno al di la' del semplice istante ma scavano ed esprimono.
Comincia dall'unico "occidentale" che mi ha colpito oltre alla conferma di Petersen.

Alec Soth

Sono interessanti e affascinanti i suoi ritratti. Mi sono piaciuti i suoi colori, il suo citazionismo e il gusto per la composizione. Uno sguardo interessante.

Lieko Shiga
Quello che ho preferito. Sperimenta con l'immagine e va oltre il visibile, trasmette sensazioni. Va oltre il semplice scatto e la fotografia diventa contemporanea, realmente digitale e immaginaria. Quando la fotografia non puo' essere raccontata. Le sue atmosfere ricordano David Lynch.

Mayumi Hosokura
Straniante e surreale. Le sue immagini sono immaginarie e sospese...eppure reali.

Asako Narahashi
Mi e' piaciuto per il suo punto di vista originale. Foto a pelo d'acqua

Rinko Kawauchi
Lui anche sperimenta con la fotografia e con la luce, rendendo eterea e immateriale l'immagine.

Rania Matar
Classica ma interessante perche' ci mostra un mondo che conosciamo ancora troppo poco, quello arabo. Lo fa con classicita' ma con una bella e originale composizione dell'immagine.

A Dangerous Method di David Cronenberg

2011-10-05T14:30:00.000+02:00

L'ultimo film di David Cronenberg l'ho trovato deludente, non perché sia un brutto film ma perché l'ho trovo un debole film del regista. Cronenberg mi ha sempre abituato a film dove l'intensità della storia, dei temi e del trattamento erano ad alti livelli mentre qui ho trovato un biopic a tratti didascalico che non aggiunge molto alla storia già nota di Jung e Freud.

Mi ha deluso perché in fondo Cronenberg ha sempre parlato di queste tematiche nei suoi film, con metafore e racconti estremi da mozzare il fiato come in Crash, aveva parlato anche della malattia mentale con Spider e lì era riuscito a creare un film asfissiante e angosciante. Questo film, invece, nonostante le forti tematiche non va oltre il racconto delle vite dei protagonisti, con una regia abbastanza sottotono e non ricorda neanche lontanamente la gelida freddezza e crudeltà di A History of Violence e de La promessa dell'assassino.

La storia è quello della passione di Jung per Sabrina Spielrein, la prima paziente con la quale il famoso psicologo utilizza le tecniche della psicanalisi, la cura delle parole. Il film ci racconta anche il rapporto maestro discepolo tra Jung e Freud, la loro iniziale sintonia e la loro rottura.

Il film alterna gli affascinanti incontri/scontri tra Jung e Sabrina e gli scambi epistolari e di persona tra Jung e Freud. Jung passa dal ruolo di medico a quello inconsapevole di paziente, continuamente alla ricerca di se stesso in tutto il film. Mentre Freud e la sua autorità vacillano raramente nel corso della storia e mentre la paziente Sabrina trova se stessa e la sua libertà, Jung è quello più debole fino ad arrivare all'esaurimento nervoso. Un personaggio complesso che è ovviamente il cuore film, anche grazie alla bella interpretazione di Michael Fassbender.

Dei miei sospiri estremi di Luis Buñuel

2011-10-01T16:48:00.000+02:00

In questi due anni ho riscoperto una mia passione mai sopita, quella per il Surrealismo e ho scoperto diverse autobiografie che mi stanno permettendo di scoprirlo un po' meglio. I suoi lati oscuri, i suoi lati sempre affascinanti e le motivazioni del fallimento, perché in realtà credo che il loro progetto sia fallito, come un po' tutte le avanguardie. Il fascino dei protagonisti di quel movimento rimane ma la loro arte si è persa nella pubblicità e nelle copie scadenti.

L'ultima lettura è stata quella dell'autobiografia di Luis Buñuel che mi ha affascinato in principio per il suo titolo e poi per il personaggio di cui ho visto alcuni film. Un personaggio finora da me conosciuto come l'alter ego di Dalì ma che dopo la lettura di questa bellissima autobiografia se ne discosta ampiamente.

Questa autobiografia di Buñuel è difficile da raccontare perché rimane molto ma che non riesco ad esprimere. Durante la lettura non ci si annoia e si ride, ci si emoziona e si gode delle sue storie e della sua vita e del suo modo di raccontarle. Non è necessario essere d'accordo al 100% con tutto quello che dice ma ne esce il ritratto di un personaggio particolare e affascinante. Un vero surrealista che ha fatto di questo spirito una delle linee guida della sua vita, certo se lo è potuto permettere...Dai suoi film ai suoi scherzi hollywoodiani fino alle scelte lavorative. Lasciò la Spagna per Parigi, Parigi per New York, New York per Los Angeles per approdare in Messico dove tra alti e bassi ha trovato il modo di esprimere il suo cinema, senza compromessi, se non quelli con i budget ridotti.

L'autobiografia di Buñuel è affascinante perché lui stesso riconosce le lacune della sua memoria e trasforma di fatto l'autobiografia in un romanzo... "In questo libro semibiografico, nel quale mi capiterà di perdermi come in un romanzo picaresco, di abbandonarmi al fascino irresistibile del racconto inaspettato, forse, malgrado la mia vigilanza continuerà a sussistere qualche ricordo fasullo". Dedica molto dei suoi racconti ai surrealisti, alle diverse anime e agli scontri nel gruppo. Riconosce i limiti di alcuni e i pregi di altri. Riconosce anche la sconfitta del movimento..."Il movimento surrealista si preoccupava poco di entrare gloriosamente nelle storie della letteratura e della pittura. Il suo desiderio primario, desiderio imperioso e irrealizzabile, era trasformare il mondo e cambiare la vita. Su questo punto - l'essenziale - una breve occhiata intorno, e il fallimento salta subito agli occhi."

Parla molto di Dalì ovviamente. Hanno scritto insieme e in perfetta sintonia Un chien Andalou e si sono allontanati molto nel corso degli anni. Secondo Buñuel il motivo del cambiamento di Dalì è stato Gala, l'amore del pittore, che lo ha guidato e gestito, lui che non aveva senso pratico. Dalì dichiaro nella sua autobiografia l'ateismo di Buñuel mettendolo nei guai e quando lui chiese spiegazione Dalì rispose "Ho scritto quel libro per farmi un piedistallo, per farlo a me. Non a te". Nonostante ciò Buñuel definisce Dalì
un genio e Picasso solo un pittore.

Buñuel parla del caso, di Dio e sul Ateismo dice "credere o non credere e' la stessa cosa"... Parla dei suoi film raccontando poche cose legate ad ogni film anche se dice "non ho nessuna voglia di passare in rivista tutti i miei film e dire cosa ne penso - non spetta a me farlo. Inoltre, non credo si possa confondere una vita con un lavoro." Parla del cinema e del suo difficile rapporto con Hollywood. Fa una lista di tutto quello che ama e che odia e il consiglio che ci dà è di fare altrettanto e parla dei suoi aperitivi che arriveranno alla fine a scandire la sua giornata.

Le ultime pagine sono dedicate alla vecchiaia e alla morte e sogna un ultimo scherzo per i suoi amici..."Adesso che mi avvicino all'ultimo respiro, immagino spesso un'ultima burla. Faccio convocare alcuni vecchi amici, atei convinti come me. Sono tristi, intorno al mio letto. A questo punto entra un prete, che ho mandato a chiamare. Con grande scandalo degli amici, mi confesso, chiedo l'assoluzione di tutti i miei peccati e ricevo l'estrema unzione. Dopo di che, mi giro su un fianco e muoio". Surrealista fino in fondo.

Di seguito Un chien Andalou nella sua versione completa.

Quell'oscuro oggetto del desiderio di Luis Buñuel

2011-09-28T14:30:00.000+02:00

Un ricco borghese che a quanto sembra non ha bisogno di lavorare s'innamora di una ragazza molto più giovane di lui e nasce un'ossessione alimentata dal fatto che la giovane ragazza si nega sessualmente all'uomo. Tutta la storia ha sullo sfondo continui attacchi terroristici e bombe che esplodono.
Quell'oscuro oggetto del desiderio è l'ultimo film di Buñuel è un film che non ha bisogno del nonsense eccessivo e ostentato per sottolineare la sua anima surrealista ma sono sufficienti una forte critica alla borghesia e alcuni elementi estranei e stranianti per creare probabilmente l'ultimo film surrealista mai girato. Alcune scene sono magnificamente surrealiste, come la mosca nel bicchiere, il topo nella trappola, il sacco che si porta dietro il protagonista, la donna che cuce in vetrina un merletto insanguinato.
L'aspetto più intrigante del film è l'uso di una doppia attrice che interpreta la protagonista femminile. Conchita, la ragazza di cui s'innamora il ricco borghese, è infatti interpretata da due attrici bellissime e agli opposti sia per stile di recitazione che per aspetto fisico. Angela Molina e Carol Bouquet sono i due corpi che senza soluzione di continuità si alternano sullo schermo. Inizialmente lo spettatore viene spiazzato perché le due si alternano senza preavviso e senza capire apparentemente il perché. Poi l'occhio si abitua alle due espressioni del personaggio e resti affascinato dalle scene dove le ragazze si alternano. Se non è surrealismo questo.
Il film, poi, è antiborghese perché ci mostra un ricco uomo, interpretato alla perfezione da un elegantissimo Fernando Rey, che ha tutto nella vita, non ha necessità di lavorare ma non riesce ad avere il corpo e la verginità della bella e giovane Conchita. Nasce in lui un senso di frustrazione e ossessione che solitamente è estranea all'uomo borghese. Chi non ha nulla è frustato dal possedere qualcosa che non può avere, mentre questo solitamente al borghese non accade mai. Ecco che Buñuel ci mostra che forse qualcosa anche ai borghesi è negato, un corpo che non desidera vendersi per puro gioco o pura convenienza, ma che comunque non cede.

Carol Bouquet e Angela Molina le due attrici che interpretano la protagonista

L'alba del pianeta delle scimmie di Rupert Wyatt

2011-09-23T20:14:00.000+02:00

Il pianeta delle scimmie, l'originale del 1968 è forse uno dei film più affascinanti della mia infanzia e adolescenza. Ad ogni passaggio televisivo non potevo far a meno di vederlo e di arrivare a quel finale così inatteso e così sorprendente. Non c'era bisogno di sofisticati effetti speciali per rendere più reali del reale le scimmie, era sufficiente il fascino della storia e quello che non raccontava.
L'alba del pianeta delle scimmie è il prequel di quella storia e nonostante le aspettative potevano essere diverse devo ammettere che l'ho trovato un bel film che utilizza le citazione dell'originale con discrezione. Partendo dal presupposto che probabilmente i prequel, che tanto piacciono a Hollywood in questo periodo, quasi mai sono necessari, considero questo film di Rupert Wyatt un film a parte e capostipite di una nuova saga ripartendo da queste origini, com'è successo anche con il Batman di Christopher Nolan.
Il film racconta come un esperimento di laboratorio che doveva trovare la cura all'Alzheimer diventi un'arma nella mani delle scimmie per sovvertire l'ordine degli umani. È un film sulla rivoluzione, su come l'evoluzione inevitabilmente porta alla ribellione. Un'evoluzione culturale però, non tecnologica. L'intelligenza, la cultura e la parola sono la forza di queste scimmie che si ribellano agli essere umani che li sottomettono e li sfruttano. Il film ci parla di una rivoluzione che nasce da un capo, da un elemento che si assume la responsabilità di guidare gli altri e per questo viene riconosciuto, rispettato e protetto. Un blockbuster che come accade ogni tanto ci racconta molto di più di quello che sembra.
Gli effetti visivi non necessitano di commenti, le scimmie sono reali e in alcuni scene la regia timidamente ci regala delle ottime sequenze sopratutto nella foresta delle sequoie, nelle gabbie delle scimmie e quando crea una suggestiva pioggia di foglie.
In conclusione una domanda che mi sono fatto più volte durante la visione: Perché sto dalla parte delle scimmie?

Carnage di Roman Polanksi

2011-09-19T15:35:00.001+02:00

Roman Polanski e' bravo non c'e' niente da dire, me lo dimentico sempre ma poi alla fine se faccio un bilancio dei suoi film visti mi rendo conto che sono quasi tutti film notevoli e ricchi di spunti interessanti. La sua ultima opera, Carnage, non fa che confermare questa mia idea.
La storia e' semplice. Due coppie di genitori si ritrovano in un appartamento per discutere di un litigio tra i due figli. Uno dei due "armato" di bastone ha colpito l'altro "sfigurandolo". Da questo iniziale argomento di confronto ne nasceranno tanti altri che contrappongono non solo le due coppie di genitori, ma anche i due uomini, le due donne e tutti contro tutti...un gioco al massacro insomma.
Le parole tra virgolette non sono un caso perche' Carnage oltre ad essere un film di attori, con impianto teatrale, ma dove il cinema seppur sottile si vede eccome, e' un film di dialoghi, di parole, di presunti malintesi. Un film di scontro sul territorio della parola che diventa anche un po' fisico a tratti.
Gli attori sono pienamente all'altezza della situazione e riescono a creare uno scontro di civilita' in piena regola, esplodendo a turno e danno la loro prova di recitazione con efficacia. Christoph Waltz scoperto da Tarantino in Bastardi senza gloria e' sublime nelle sue modo di porsi, di parlare e di muoversi sulla scena. Jodie Foster e' fastidiosamente odiosa e isterica. Kate Winslet affascinante e remissiva all'inzio per sfogarsi in un finale in crescendo. John C. Reilly, l'eterno coprotagonista, e' all'altezza dei suoi colleghi e completa a perfezionare il quadro.
La regia di Polanski si vede nel movimento degli attori sulla scena, nei loro gesti controllati, misurati e mai gratuiti. Di Polanski c'e' molto altro in questo film, c'e' il suo discorso su vittime e carnefici (come nel bellissimo La Morte e la Fanciulla) c'e' il luogo d'azione chiuso e claustrofobico (Rosemary's Baby ma anche l'ultimo L'uomo nell'ombra) e c'e' quella sua acidita' e quel suo gusto tagliente di creare discussione e scontro, di mettere in discussione l'ovvio e il socialmente accettato fino a creare in alcuni casi paranoie reali o presunte.
Un aspetto interessante del film e' inoltre la struttura. Si apre e si chiude allo stesso modo, in esterni con protagonisti i ragazzini e la musica mentre tutta la parte centrale e' ambientata nell'appartamento. E' come se tutto il mondo adulto si svolgesse li' in un eterno scontro e confronto, l'aspetto curioso infatti e' che nel film non ci viene mostrato quando le due coppie s'incontrano e quando si lasciano. Questo come a sottolineare l'eternita' del confronto, dello scontro e del massacro.

SUPER 8 di J.J. Abrams

2011-09-16T14:56:00.000+02:00

Per la trama del film forse e' il caso di rimandare altrove dove sanno sintetizzare in modo efficace la storia. Andiamo invece dritti al punto e parliamo un po' in ordine sparso di un film che ti riporta agli anni 80 e non solo con la ricostruzione del film ma in generale con il sapore di un cinema che forse e' sparito e che fa parte della mia infanzia/adolescenza. Un film dove i protagonisti principali sono un gruppo di pre-adolescenti che ti fanno ritornare a quell'eta'.
Film perfetto per chi e' cresciuto con i Goonies, Stand By Me o E.T. Gli stessi che da adulti hanno ritrovato in parte negli adulti di Lost quella ricerca dell'ignoto. La ricerca del mistero, dell'avventura a tutti i costi, la speranza di trovare un galeone pieno d'oro sono tipiche di quell'eta'. Oggi non so se i ragazzini vivono le stesse cose oppure crescono piu' in fretta. Forse non e' piu' come prima se c'e' la necessita' di raccontare questa storia negli anni 80 e non ai giorni nostri.
Nonostante questo ritorno al passato il film non sa di antico, nostalgico probabilmente si, ma antico no di certo. Tutto e' nuovo ma tutto e' classico. I ragazzini in bicicletta, la pellicola del film sono un classico mentre l'alieno e le dinamiche che comporta sono moderni o comunque sempre presenti. Si cerca di ridurre l'Altro, lo straniero, l'alieno in schiavitu', si cerca di reprimerlo e l'intervento dell'esercito, come nella migliore tradizione americana, e' la raffigurazione del potere e della sua arroganza. Mentre dall'altro lato i ragazzini sono la faccia pulita, onesta e sincera della societa'. Questa sintesi aiuta sempre Hollywood a creare le sue storie e ci riescono quasi sempre bene sopratutto quando alla regia c'e' JJ Abrams e alla produzione c'e' Spielberg.
Nel film c'e' lo spirito infantile alla Spielberg che al cinema non guasta, in fondo il cinema di Hollywood funziona anche per questo, per il gusto della scoperta, della sorpresa e delle prime avventure. C'e' sono Incontri ravvicinati (lo sguardo del mostro alieno), c'e' E.T. (le biclette e l'empatia con l'alieno) ma c'e' anche Lost e c'e' anche Cloverfield sopratutto nell'introduzione del mostro. Ce' il sogno e l'aspirazione come quella di fare cinema dei ragazzini protagonisti che girano un film sugli zombie, probabilmente qui c'e' molto di autobiografico.
La regia di Abrams e' molto ben fatta, di gusto, con i suoi controluce, i primi piani pieni di speranza negli occhi dei bambini. Il disastro ferroviario, poi, e' stupefacente soprattutto se confrontato ai disaster o agli action movie. Un film di fantascienza dove gli effetti speciali non sono i padroni dello schermo ma lo sono la storia e le persone. Un racconto ben scritto e senza lungaggini, un cast di ragazzini perfetto dove spicca una sempre piu' interessante Elle Fanning.
Super 8 in conclusione e' un bel film, da gustare al cinema, che secondo me dimostra che un altro cinema hollywodiano e di genere e' ancora possibile e per chi e' cresciuto anche con questo cinema e' consolante.
Un'ultima nota: da non perdere i titoli di coda, non scappate alla fine del film e godeteveli.

La strada di Cormac McCarthy

2011-09-05T12:18:00.003+02:00

Un uomo e un bambino, un padre e un figlio, sono questi i protagonisti senza nome del romanzo post apocalittico di Cormac McCarthy che racconta i due alle prese con un viaggio verso sud. Il loro viaggio percorre un mondo post bellico o semplicemente un mondo alla deriva a causa dell'inquinamento e dell'incivilta'. In questo loro viaggio incontreranno ladri e cannibali che catturano i sopravvisutti per mangiarli. Un racconto in movimento eppure immobile perche' dopotutto succede pochissimo nonostante il viaggio sia lungo.

Il romanzo e' tutto questo, un semplice viaggio agghiacciante in un mondo che non esiste piu' dove regna la legge del piu' forte e dove in mancanza di animali, tutti estinti, la sopravvivenza e' legata alla ricerca di cibo in scatola, l'ultimo scacco del consumismo imperante? Un mondo di prede e cacciatori dove le alternative sono azzerate.

E' un libro affascinante e allo stesso tempo agghiacciante, un libro fatto di frammenti e di vuoti da riempire, dove spetta al lettore recuperare le fila del racconto e collegari i vari frammenti per capire lo scenario e tutto quello che e' accaduto prima del racconto.

La scrittura di Cormac McCarthy e' cruda e tagliente, e' emozionante e va dritta al punto. La sua puo' essere una denuncia di un mondo alla deriva dove inquinamento e consumismo hanno preso il sopravvento e dove i rapporti tra le persone sono sempre piu' carenti. Un racconto arricchito da un particolare rapporto tra un padre e un figlio, distanti eppure vicini.

Salvador Dalí - Diario di un genio

2011-04-08T10:00:00.001+02:00

Salvador Dalí è un genio? La domanda nasce leggendo questo suo autocompiaciuto diario dove parla di stesso e dove racconta solo quello vuole. L’autore/artista dichiara di omettere volutamente alcune parti perché un giorno qualcuno gli chiederà di scriverle e pubblicarle.

Questo Diario di un genio di Dalí è biograficamente interessante nella prima parte dove racconta la sua infanzia e il suo rapporto con il padre e con… Nietzsche. Dove ci racconta il perche’ dei suoi baffi e quello che pensa di Proust. Vengono anche svelati i suoi attriti con i surrealisti e con Breton.

Insomma poche pagine che raccontano molto e poi l’aspetto autobiografico si frammenta in tanti piccoli episodi, in scene di normale quotidianita’ di un’artista autodefinitosi genio. Dipinge, parla del suo amore per Gala, dei suoi piccoli incontri. Una raccolta di episodi, d’impressioni e opinioni tutto in un periodo di due anni a Port-Lligat.

E’ una specie di diario del superfluo, che ci vuole dare degli spunti per inquadrare il personaggio o forse vuole solo depistare chi lo legge. Dalí gioca con il lettore curioso? Alla fine della lettura pero’ non c’e’ la soddisfazione di aver scoperto qualcuno e di averlo compreso e non sono rimasto incuriosito dal personaggio. Una lettura che serve a far capire chi Dali’ potrebbe essere, un pazzo che non e’ un pazzo. Probabilmente tutto Dali’ e’ nei suoi baffi e non mi appassiona. Lasciamolo ai suoi quadri, forse e’ meglio.

Il cigno nero di Darren Aronofsky

2011-04-05T16:39:00.000+02:00

Il cigno nero ha una trama molto semplice che ricalca in parte la storia del Lago dei cigni. Una storia di amore e tradimento che si trasforma in una storia di ossessione e paranoia. Il regista riesce con il suo trattamento visivo della storia a trasportarti nella spirale ossessiva di chi la storia la vive sul grande schermo.
Il tema del doppio e' centrale in questo Lago dei Cigni rivisto e corretto. Un tema a me molto caro che qui viene trattato con un impatto emotivo niente male ma non ha soluzioni narrativo/visivo originali. Molti degli elementi classici sono messi in campo: gli specchi, il bianco e il nero, il disegno, il sogno. Tutto gia' visto e' vero ma ben miscelato e inserito nella storia senza mai sembrare posticcio.

Molto interessante dal punto di vista del doppio e' la soluzione della telecamera che segue la protagonista da dietro, la inquadra dietro la nuca come se ci fosse una soggettiva altra, come se l'anima nera le fosse dietro alle spalle. L'anima nera narrata in questo modo e' presente anche in Elephant di Gus Van Sant dove nei lunghi corridoi della scuola la telecamera segue i protagonisti come una minaccia. Questa soluzione visiva secondo me e' molto efficace perche' crea inquietudine in chi guarda perche' evidenzia una minaccia incombente ma anche perche' e' come se la minaccia fosse gia' negli occhi dello spettatore.

Altri temi trattati nel film che si possono ricondurre al doppio sono la sessualita', ricorrente quando si parla di doppio, e in questo caso l'omosessualita': altro da me ma uguale a me. I riferimenti sessuali e le scene di sesso non sono gratuiti ma perfettamente inseriti nell'ossessione narrata nel film. Anche la danza diventa sessuale e si fa quasi orgasmo.
Tutto cio' aggiunge tensione ad un racconto duro che a tratti e' da brividi, quasi horror, un film visivamente non sempre semplice da digerire. Una tensione narrativa tenuta viva in tutto il film anche dalla splendida interpretazione di Natalie Portman, veramente straordinaria in questo film. La parte finale poi e' l'ideale climax di un film in crescendo, le ultime scene con le musiche di Tchaikovsky sono molto emozionanti e coinvolgenti. Tra l'altra va fatto notare che l'uso della musica di Tchaikovsky non e' mai furbo anzi viene usata pochissimo a livello narrativo.
Film notevole a mio parere che dimostra che Aronofsky e' un ottimo regista, visionario ma concreto che con questo film coniuga le follie visive e narrative di Requiem for a Dream con la durezza e la realta' di The Wrestler. Due film, tra l'altro, assolutamente da vedere.

L'uomo nell'ombra di Roman Polanski

2011-03-21T16:50:00.000+01:00

L'uomo nell'ombra di Roman Polanski e' la storia di un improvvisato ghostwriter che si trova immischiato in una storia di crimini di guerra che coinvolgono un politico inglese di rilievo. Come spesso accade in molti thriller di questo tipo ci troviamo di fronte ad un uomo (Ewan McGregor) che si trova inconsapevolmente alle prese con i misterioso affari di un losco figuro (Pierce Brosnan) e cerca di fare il possibile per fare luce sul mistero e sopratutto uscire vivo dalla pericolosa situazione.

La trama semplice e lineare puo' sembrare la base di un film banale ma Polanski e gli attori in gioco ne fanno un film fatto molto bene e godibile. Un film dove si respira un'aria del cinema d'altri tempi, un cinema piu' classico dove l'intreccio e la suspense la fanno da padroni, senza eccessi e troppo fronzoli.

Il racconto fa capire immediatamente che c'e' qualcosa di strano nell'aria ma non si riesce a capire da cosa dipenda questa sensazione. La narrazione crea da subito un senso di disagio che ricorda le atmosfere di altri thriller di Polansku. Questo disagio e' accentuato dai toni freddi della fotografia e dal clima dell'ambientazione, un isola ventosa e fredda.

Il confronto cinematografico va direttamente ad Hitchcock che si respira in questo thriller vecchio stile. Non solo nelle atmosfere ma anche nei personaggi, sopratutto in quello di Ewan McGregor, un uomo incastratato in una storia che non gli appartiene ma che deve vivere e non subire. Gli attori sono tutti in piena forma e credibili nelle loro parti. Il finale poi puo' far sicuramente discutere.

Radiohead: The Kings Of Limbs

2011-03-09T12:15:00.003+01:00

E quando meno te lo aspetti arriva l'ultimo lavoro dei Radiohead. Ormai non sembra piu' corretto parlare di CD e di album perche' la musica e anche i Radiohead di quest'ultimo decennio si sono liquefatti in tante tracce che viaggiano ormai attraverso diversi canali.

Come le tracce liquefatte del nuovo download digitale dei Radiohead anche la loro musica sembra piu' liquida, meno materiale. Gli strumenti e le chitarre si disintegrano e la musica si smaterializza.
Abbiamo lasciato i Radiohead di In Rainbows con un album di canzoni che riusciva a fare una summa dei loro lavori piu' elettronici e di quelli piu' pop-rock, un album a suo modo robusto che e' cresciuto con gli ascolti.

Ora in The Kings of Limbs i Radiohead ripartono probabilmente da Kid A e dal lavoro solista di Thom Yorke The Eraser cercando una nuova fusione di stile e prendendo sempre di piu' la via della musica elettronica, anche se la loro musica diventa sempre meno etichettabile e loro sembrano giocarci. In The Kings of Limbs la musica e la voce di Yorke diventano suono e l'ascolto che comincia ossessivamente e si attenua lentamente fino ad arrivare ad un finale piu' soft. Il ritmo dell'ascolto non e' per nulla monotono e tutte le tracce secondo me suonano bene.

Un nuovo passo dei Radiohead, probabilmente non un passo in avanti come Kid A lo era stato dopo Ok Computer ma di certo un bel passo laterale che ci porta verso altri territori, piu' contemporanei e piu' immateriali. Non e' di certo una scoperta dei Radiohead questo tipo di sonorita' ma loro riescono a rendere pop questo tipo di elettronica e non nel senso di qualita' commerciale ma di accessibilita' e di diffusione.

Non e' semplice capire se e' un album che lasciera' il segno, aspettiamo di ascoltare anche tutte le altre tracce annunciate nei vari box ed edizioni speciali. Per ora e' un album godibile ma che non si lascia afferrare del tutto. Rimangono impressioni in superficie. In Rainbows era un po' il contrario un album d'impatto orecchiabile del quale si apprezzava la profondita' solo dopo diversi ascolti e anche ascoltando il lato B del disco. Anche qui saranno le diverse abitudini d'ascolto che lo renderanno diverso, forse quando durante una riproduzione casuale il flusso dell'ascolto subira' un cambiamento incontrero' un nuovo capolavoro. La traccia migliore al momento e' Feral.