pablogsantacana

creadorxs: martarta

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 24 Oct 2011 05:38:45 PDT

Ilustraciones buenas, bonitas y gratis a manos de martarta

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La Blogotheke on Vimeo o la nueva razón para dejar de ver la tele.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 08 Oct 2011 08:32:39 PDT

La blogotheke es una web de música y tendencias con contenidos bastante interesantes y bastante recomendale, salvo para quien no sepa francés (mi caso). La solución para toda esa gente (y para los francoparlantes también), está en el nutrido canal de vimeo que constantemente actualizan con nuevos vídeos y cuenta con una colección de más de 400 piezas. Las más recomendables son las que muestran los llamados "Take Away shows". Pequeños acústicos de exquisitos artistas independientes (y no tanto) editados para que podamos disfrutarlos en la patalla del ordenador. Si alguna vez te enteras de que se organizará alguno en tu ciudad, no pierdas la oportunidad de vivirlos y no se lo cuentes a nadie. A veces conviene ser egoista.

Thiago Pethit | Não se vá | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Maps & Atlases | Pigeon | A SxSw / IC Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Battles | Wall Street | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

JAE | Part 1 (Lest I Ever Waited / Jim's Place) | A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Delafé y Las Flores Azules | Espiritu Santo | A 'BlackXs Live Sound' Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

Phoenix - 1901 - A Take Away Show from La Blogotheque on Vimeo.

http://www.blogotheque.net/qui-sommes-nous/

Aleksandr Deineka

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 08 Oct 2011 08:00:19 PDT

(El País, FRANCISCO CALVO SERRALLER 08/10/2011)

La obra que desarrolló el ruso Aleksandr Deineka se mantuvo fiel al llamado realismo socialista. Pintor excepcional, ha sido postergado por la historia por sus afinidades ideológicas. Una muestra reúne por primera vez en Madrid 250 de sus trabajos

Para subrayar debidamente la importancia de esta convocatoria se podría alegar que se trata de la primera gran muestra individual -consta de unas 250 obras- de este artista soviético, uno de los más importantes de este inmenso país durante el siglo XX y, desde luego, el más representativo de lo que ha dado en llamarse "realismo socialista", una tendencia que no sólo se convirtió en la oficial y hegemónica en la URSS o en los países comunistas, sino que también tuvo una presencia beligerante y prestigiosa en las democracias occidentales hasta fechas relativamente recientes. Por otra parte, fuera de España, tampoco hasta ahora apenas si se ha exhibido la obra de Deineka, y, cuando se ha hecho, sin la ambición y la inteligencia con que se ha planteado el proyecto de la Fundación Juan March, lo que incluye una exhaustiva documentación de todo tipo en el voluminoso y suntuoso catálogo, y una selectiva contextualización histórico-artística de la obra del pintor ruso, que puede cotejarse con ejemplos bien seleccionados de la vanguardia soviética del siglo XX.

La noticia en otros webs

Siendo todo ello excelente, no podemos quedarnos ahí, porque, a través de ello, seguir el hilo conductor de Deineka nos enfrenta a una parte esencial del arte del siglo XX. Por de pronto, Deineka se inscribe en un amplio movimiento artístico internacional, que floreció en las décadas de entreguerras, que ha recibido muy diversas denominaciones, las de "realismo", "retorno al orden", "neoclasicismo", etcétera, una corriente, en cualquier caso, que gravitó de una forma decisiva en otros movimientos vanguardistas contemporáneos, como el surrealismo. Por si fuera poco, el mítico prestigio de la Revolución de Octubre, saludada internacionalmente como el primer paso de la transformación decisiva del viejo orden y la creación de un nuevo modelo de humanidad, hizo observar con ansiosa admiración cualquier aspecto de lo que se produjo en la URSS a partir de 1917, entre lo que también estuvo el arte. Tras la implacable represión estalinista de las veleidades culturales de los intelectuales, se conservó en Occidente un culto hacia los exaltados y visionarios proyectos de la vanguardia rusa aplastada, que fue reivindicada y difundida con amplitud a lo largo del siglo XX, y, en particular, en su segunda mitad. Pero, junto a este ardor generalizado por recuperar la memoria de estas "sendas perdidas" de la vanguardia rusa, se aplicó otro semejante en ignorar y despreciar cualquier manifestación artística que hubiera podido sobrevivir en la URSS, fuera más o menos "oficial". Tal fue el caso de Aleksandr Deineka (1899-1969), cuya originalidad y talento indudables han sido sistemáticamente negados, algo que, además de injusto, nos ha hecho analizar la realidad artística contemporánea con la visión crítica de un tuerto, útil sólo para disparar, algo así como si nos hubiésemos permitido ignorar la existencia de, entre otros, Hopper, Balthus, Morandi, Spencer, Gutiérrez Solana, Beckman, Schad, por citar sólo algunos contemporáneos suyos. Pienso que, algún día, cuando se entremezclen las obras de estos artistas, no sólo apreciaremos su interesante mutua conjugación, sino el papel y el valor de Deineka, que vivió todos y cada uno de los momentos, esperanzados y siniestros, de la asombrosa utopía comunista.

Hijo de un ferroviario de Kursk y formado artísticamente en Jarkov, la Revolución emplazó a Deineka en el centro de los debates artísticos posrevolucionarios, conociendo en directo las ideas de los constructivistas, productivistas y otros ismos de la vanguardia rusa de entonces, muy legítimamente obsesionada con buscar una nueva definición y función para la actividad artística convencional. Ya en la segunda mitad de la década de 1920, Deineka se decantó por el "oficio" tradicional, aunque no para ejercerlo de forma académica. Lo hizo simplemente al asociarse con el grupo OST, siglas de la Sociedad de Pintores de Caballete, membrete muy expresivo, sobre todo, si se considera que los constructivistas habían demonizado este inocuo soporte, como lo atestigua el título del libro de uno de ellos, Nikolai Tarabukin, Del cuadro de caballete al automóvil Ford. No creo, en ningún caso, que a las autoridades soviéticas le inquietasen estas conjeturas, porque su recelo estaba dirigido en general contra cualquier tipo de arte fuera de control político, como se demostró después con la caída en desgracia por igual de los pintores y de los ingenieros. En cualquier caso, la capacidad de supervivencia casi única de Deineka no se debió -o sólo en parte- a su fanatismo ideológico, ni a su particular servilismo, ni a ninguna otra clase de artimaña especial, sino a su talento para realizar un arte figurativo fuera del odioso molde formalmente ultraconservador de lo que acabó siendo el realismo socialista, algo que logró sembrando la duda entre los comisarios políticos de turno sobre si el estilo de lo que él realizaba era, en el fondo, el único genuinamente soviético.

¿Cómo podemos retrospectivamente definir ese estilo particular de Deineka, que alcanzó su punto culminante en la peligrosísima década de 1930? En primer término, es evidente que Deineka captó la importancia de la gran pintura mural de naturaleza decorativa, desde los fresquistas italianos del siglo XV y comienzos del XVI hasta Puvis de Chavannes y Ferdinad Hodlder, pero modernizándolo todo con un toque del maravilloso cartelismo art déco y una perspicaz captación de cuantas cosas interesantes se fraguaron en pintura en el renacer figurativo de la década de 1920. A través de estos mimbres u otros semejantes se puede explicar cómo maduró formalmente su estilo Deineka. Pues bien, sus armas de persuasión fueron, a mi juicio, por una parte, rescatar la arcaizante simplificación de las formas de los fresquistas del Quattrocento y su tratamiento de una luz de mediodía intemporal, lo que aportaba una solidez optimista a las composiciones monumentales de Deineka, pero también, por otra, el uso de un componente ideológico, que explica muy bien Boris Groys en el catálogo: que, a diferencia del sentido aristocrático racial con que los nacionalsocialistas alemanes trataban de apropiarse de la tradición histórica del clasicismo, por el que la grandeza aria de los griegos se culminaba en la del Tercer Reich, Deineka idealizó al proletario universal, cuya serena belleza estaba, en principio, al alcance de cualquiera, dispuesto, eso sí, a servirse y a servir al gran poder transformador de la diosa "Técnica". Los nazis alemanes también adoraban a semejante ídolo pero la aristocrática selección del nuevo modelo humano ario se basaba en la eugenesia y la eutanasia, interpretadas, eso sí, de una peculiar forma coactiva. No se puede decir que los soviéticos fueran más indulgentes con la vida humana en pos de precipitar la llegada del "hombre nuevo", pero, en efecto, no tenían un modelo racial preconcebido. Sea como sea, las radiantes imágenes de Deineka estaban pobladas de jóvenes, de físico atlético, rebosando decisión y felicidad, mientras pululaban por fábricas y polideportivos, no sin que el hábil maestro ruso dejase siempre entremedias de esta alentadora propaganda como un sutil rastro de las sombras de la vida real, un no sé qué de sexo y melancolía o hasta de una risa de más.

Hay ciertamente mucha más tela que cortar al tratar de la obra de Deineka, que, como el resto de la población soviética, no durmió tranquilo hasta la muerte de Stalin y, sobre todo, hasta el giro dado, años después, por Jruschov. Antes incluso de recibir la cascada de parabienes que inundó su última década de vida, es cierto que Deineka disfrutó de privilegios inalcanzables para la gran mayoría de sus compatriotas, entre ellos el no pequeño de poder viajar por los países occidentales pero, fueran cuales fueran éstos o las servidumbres que conllevaban, no se puede ignorar la obra de este pintor ruso, si no se quiere ignorar la realidad del arte de nuestra época, por no hablar ya de los sueños y las pesadillas que han poblado y pueblan nuestro mundo.

Aleksandr Deineka (1899-1969). Una vanguardia para el proletariado. Fundación Juan March. Castelló, 77. Madrid. Del 7 de octubre al 15 de enero de 2012.

Creadorxs | Michel Gondry

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 02 Sep 2011 03:28:01 PDT

Una recopilación de algunas de las obras (maestras) del director francés Michel Gondry. No están todas las que son, pero son todas las que están...

Un proyecto que realizó en el Pompidou de París.

Su trabajo para Kilye Minogue.

creadorxs | Michael Fakesch

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 02 Sep 2011 02:48:08 PDT

Electrónica y experimentación audiovisual para deleitar nuestros senidos. Una pequeña muestra del trabajo de este creador que ya ha trabajado para BMW, Toyota o Philipps (cuyo anuncio ganó el primer premio del festival de publicidad de Cannes).

http://www.michaelfakesch.com/

Tilt shift o cómo volvernos todos pequeñitos.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 20 Aug 2011 11:49:28 PDT

El efecto Tilt Shift se utiliza en fotografía y consiste en reducir enormemente la profundidad de campo para conseguir que la fotografía parezca una maqueta. Este efecto podemos simularlo también en vídeo gracias a las herramientas con las que cuenta Motion de Final Cut Studio.

En el siguiente tutorial se muestra como crear un efecto Tilt Shift. Para que salga bien, igual que en fotografía es fundamental que el video esté tomado desde un lugar elevado.

http://en.wikipedia.org/wiki/Tilt-shift_photography

The Sandpit from Sam O'Hare on Vimeo.

Jaime Eizaguirre, la arquitectura y los cómics.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 19 Aug 2011 15:10:19 PDT

Hace poco tuve la suerte de conocer a Jaime Eizaguirre, arquitecto de Ecosistema Urbano y responsable de la sección #eucomic. Sus viñetas y descubrimientos de otros autores nos hacen entender muchos aspectos de la arquitectura contemporánea de forma fácil y muy entretenida. Una pequeña selección de lo que se muestra en la página (http://ecosistemaurbano.org/blog/eucomic) y en sus blogs personales (http://eiza1980.blogspot.com/, http://arquicomics.tumblr.com/)

grandes vestimentas de arquitectos.

nanoarch, arquitectura de 32 pixels.

http://ecosistemaurbano.org/blog/eucomic/

los dibujos de raymond lemstra

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 19 Aug 2011 14:47:31 PDT

http://www.raymondlemstra.nl/

Kirath Ghundoo

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 19 Aug 2011 13:36:23 PDT

Me sorprendieron estos papeles totalmente artesanales vistos (valga la redundancia) en seesaw. Para todo aquel que piensa que un wallpaper no puede sustituir nunca a un cuadro en la decoración de una pared.

http://kirathghundoo.com/

Yayoi Kusama

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Fri, 19 Aug 2011 13:29:50 PDT

Como efectivamente sucedió, esta artista china está para que la encierren en un psiquiátrico. Afortunadamente para nosotros, antes de que lo hicieran creó una extensa obra parte de la cual podemos visitar en el Reina Sofía este mes.

Sorpendente y genial.

Claes Oldenburg, George Segal, James Rosenquist y, sobre todo, Andy Warhol compartieron el escenario artístico del Nueva York de los sesenta con Yayoi Kusama (Nagano, 1929). La artista japonesa acaparaba la atención del mundo del arte por sus las Accumulation Sculptures, una forma de representación masiva e infinita de penes, lunares y espejos. Pero como muchos de los personajes de la literatura japonesa, el peso de la realidad le hizo reconducir el disfrute de la fama y el éxito y en 1973 decidió volver a su país natal para instalarse como paciente externa en un manicomio y seguir trabajando en un pequeño taller. El antiguo hospital sobre el que se asienta el Reina Sofía parece el mejor lugar posible para la antológica que hasta el 12 de septiembre se expone en la primera planta del museo con obra realizada a lo largo de seis décadas. Coproducida con la Tate Modern de Londres, la misma muestra se podrá ver en el Centre Pompidou, el Whitney Museum y la propia Tate Modern.
Frances Morris, directora de colecciones de la Tate Modern, ha comisariado una exposición en la que se recrean las infinitas obsesiones de la artista. Dibujos, pinturas, collages, esculturas, instalaciones, películas y performances han sido recreadas en un ambiente que invita a adentrarse en las pesadillas y fantasmas de Kusama.

Manuel Borja-Villel, director del museo, asegura que las experiencias alucinatorias de Kusama han pesado demasiado sobre la fama de la artista. Cree que ella se enfrentó a un número, tal vez demasiado alto, de barreras. De entrada, mujer y extranjera (corría en quimono por las calles neoyorquinas), manifestó su rechazo por el entonces omnipresente expresionismo abstracto norteamericano, "un movimiento patriarcal, expansivo y autoritario ante el que ella creó sus delicadas redes infinitas".

Kusama dio la espalda a muchas más cosas. Por ejemplo, al consumo, que tanto adoraba Andy Warhol. Sus repeticiones tienen que ver con su protesta contra el endiosamiento de la obra exclusiva y única. "Fue", remata el director del museo, "una precursora del arte feminista. Sus performances, protagonizadas por mujeres, eran una negación del yo y un ensalzamiento de la mujer como colectivo".

El bosque creativo de Yoyoi Kusama está poblado de autorretratos, corazones, flores negras, selvas oscuras, sillones cuajados de penes, chaquetas de plata cargas de flores y varias instalaciones que son el resultado de su búsqueda infinita del espacio en susInfinity Mirror Rooms, unos fascinantes espacios en los que los sueños y las pesadillas se multiplican hasta acabar con la presencia del espectador.

(El país, ÁNGELES GARCÍA - Madrid - 09/05/2011 )

Intimidad está en Facebook.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 13 Jun 2011 12:29:19 PDT

Abro Facebook tras recibir una invitación de amistad de una tal Intimidad Romero. Hasta ahora, nada fuera de lo habitual. Entro en su perfil para ver si tenemos algún amigo en común antes de decidir aceptar su amistad o no. En su interior hay una amplia galería de imágenes organizadas metódicamente en carpetas. Recuerdos, Amigos, Viajes, Viejos Tiempos. Reúnen en su interior la vida reciente y no tan reciente de Romero.

El álbum personal de esta persona que no conozco está allí a mi alcance y a el de todos. Visualizarlo es algo que ni se cuestiona.

Pero hay algo que no cuadra. En todas las fotos, las caras de los retratados aparecen pixeladas.

Nos deja entrar a todos los rincones de su página pero no estamos invitados a ver su rostro, la ventana a su alma. ¿Quién es esta chica que juega con nosotros?

Sabemos que Romero vive en Barcelona y que su cumpleaños es el 21 de marzo.

Amigos no le faltan (tiene más de 4.000) y tiene centenares de comentarios sobre sus fotos. Pero poco más.

En su perfil, una adivinanza desvela un poco más sobre ella:

No poseo fronteras definidas y poseo diferentes significados.

A veces me relaciono con anonimato, a pesar de que por lo general, soy más preciada por las personas que son más conocidas por el público.

El gobierno dice que garantizará mi derecho.

Podría ser sacrificada de forma voluntaria, o involuntaria, a cambio de beneficios percibidos, personales o ajenos, con un beneficio “relativo” y con pérdidas y riesgos específicos… Estoy cambiando de ideas sobre mi misma.

Su aparición ha logrado romper mi rutina mecánica y adictiva de entrar en Facebook.

La de comentar, cotillear y dar a likes en artículos que muchas veces ni siquiera leo en este medio de comunicación social, hecho a medida.

Su álbum podría ser el de cualquiera. Cualquier persona que vuelca su vida en las redes sociales sin pararse a pensar en lo que significa.

El siguiente paso es intentar despejar esta incógnita y averiguar quién está detrás de este perfil. Después de un intercambio de emails, lanzamos un cuestionario y estas fueron sus respuestas:

¿Cuál es tu nombre real?

Intimidad Romero

¿Quién eres?

Una chica con un perfil en Facebook.

¿Eres artista?

Es muy curioso, esta pregunta me la hacen muchísimo. Supongo que depende de para quién. En cualquier caso no deja de ser un título que me es indiferente.

¿Qué buscas con este proyecto?

Recibir un mensaje que diga: “Mark Zuckerberg quiere ser tu amigo”.

¿Es una crítica a nuestra obsesión con las redes sociales?

Igual un poquito sí…

¿Hay algo más?

Es posible, pero por ahora prefiero ser discreta.

¿Por qué decidiste crear este perfil?

Es que o estás en Facebook o no existes…

¿Además de este perfil tienes otro personal?

Este es mi facebook personal.

Formas parte del colectivo UAFC. ¿Que persigue este grupo de artistas?

Estos de la UAFC solo me persiguen a mí.

Dices en tu perfil: “El gobierno dice que garantizará mi derecho. Podría ser sacrificada de forma voluntaria, o involuntaria, a cambio de beneficios percibidos, personales o ajenos, con un beneficio ‘relativo’ y con pérdidas y riesgos específicos”.

¿Estás preocupada por tus datos personales en Internet?

Es que es realmente preocupante…

¿Cómo ves la frontera entre pedir más transparencia y mantener nuestra privacidad?

Creo que esa frontera ha dejado de existir.

¿Hay algo más que quieras añadir sobre el proyecto?

No.

¿Cuándo desvelarás tu identidad real?

Creo que nunca.

¿Si te invitan a contar tu experiencia en una ponencia, te presentarás o mandarás a tu otro yo?

Es posible que envíe a mi representante.

¿Todos tenemos una Intimidad Romero dentro de nosotros?

Todos somos Intimidad Romero.

Más info: Unknown Art for Change

( MARCUS HURST, www.yorokobu.com)

Viajar

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 30 Apr 2011 11:19:58 PDT

Parece difícil conseguir que un anuncio de una escuela de idiomas se convierta en una pieza audiovisual de tanta calidad. Audio, imagen y sobretodo, buena tipografía.

Tom Dixon

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sun, 06 Feb 2011 13:29:55 PST

Es el Jaime Hayón británico. Aunque algo más clásico, este diseñador industrial también ha conseguido mucho éxito, diseñado infinidad de interiorismos y cuenta con una importante colección de productos bastante codiciados. Su tienda en el Dock londinense celebra más de un año de vida y mientras, él nos presenta el restaurante del Royal academy. Yo prefiero no enseñaros sólo eso sino también todo lo demás.

http://www.tomdixon.net/home

Hayón, Studio Job y Viktor&Rolf

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 31 Jan 2011 14:35:33 PST

A Jaime Hayón le gusta mucho la moda de Victor&Rolf. A Victor&Rolf les gusta mucho el diseño y el arte de Studio Job. A Studio Job le gusta mucho el estilo de Jaime Hayón.
Esto no lo digo yo, lo dicen sendas entrevistas publicadas en Neo2 al diseñador español y a los modistos holandeses, donde nos comentan sus intereses y esa relación con Studio job, el tercero en discordia.Y yo me pongo a hablar de todo esto porque me encantan los tres, juntos o por separado. Todas estas imágenes muestran porqué.

http://www.hayonstudio.com/home.php
http://www.viktor-rolf.com/_en/_ww/index.htm

Memoria de un proyecto.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 31 Jan 2011 13:31:08 PST

Planos, imágenes por ordenador, fotografías… estamos acostumbrados a que se nos muestren nuevos proyectos de arquitectura de una forma visual, pero a veces nos olvidamos que la memoria forma una parte importante del proyecto arquitectónico. Este que tienes a continuación es otro ejemplo más de ese hecho. Es de Izascun Chinchilla arquitectos,y es una propuesta para el Museo de Arte Moderno de Medellín.

ESCALERA AL CIELO.

Esta memoria trata de ser breve y completa, comprensible y técnicamente precisa. Es mucho lo pensado y son grandes los retos que enfrentamos y, sin embargo, breves los tiempos para tomar decisiones. En aras de lograr que la claridad y la concisión no eludan las aspiraciones integrales que perseguimos, hemos dividido esta memoria en tres apartados, tratando de que cada uno de ellos explique la propuesta desde un punto de vista distinto. En cada apartado hemos redactado un pequeño preámbulo al que, después, hemos acompañado de una serie de lemas: frases o párrafos sintéticos que trazan argumentos de desarrollo para la trasformación de estos dibujos en una mágica realidad y para su explicación, a quien pueda interesar.

REFERENCIAS CONCEPTUALES.
¿Por qué hemos construido los planos de una Nube?: Una vez Foucault habló sobre Magritte.

En 1968 Michel Foucault escribió un ensayo sobre René Magritte. El título hacia un homenaje expreso a una emblemática obra del pintor: “Ceci n’est pas une pipe”. Habría que confesar que este ha sido el libro de cabecera, durante unas semanas, del equipo redactor de este proyecto. ¿Por qué?, la respuesta es sencilla: el libro dedica un gran esfuerzo a analizar la inteligibilidad de las piezas de arte contemporáneo y ese era, precisamente, el mayor de nuestros desvelos desde comienzo del trabajo. Podríamos hacer un edificio hermoso, valorado por los arquitectos, un edificio funcional valorado por los gerentes o un edificio significativo valorado por la Alcaldía pero ninguno de estos logros garantizaban el objetivo fundamental: sensibilizar a un número importante de personas, sin predisposición previa, hacia el disfrute y la valoración del arte contemporáneo. ¿Cómo conseguir que los adolescentes tengan ganas de ver arte después de clase?, ¿cómo garantizar que los trabajadores de las industrias que todavía se ubican en barrios colindantes se sientan bienvenidos en la hora del almuerzo?, ¿cómo eludir la percepción elitista y especializada que del arte contemporáneo tiene la ciudadanía?. Secretamente, el libro de Magritte habla de ello.

Foucault defiende que en cualquiera de los vericuetos que empuja a un artista a una creación intervienen dos elementos fundamentales: los objetos y las palabras. Aunque después no queden en el lienzo, la escultura o el video, el artista ha necesitado palabras y objetos para planificar su acción. La abstracción en el arte contemporáneo ha provocado que, prácticamente siempre, esas palabras y esos objetos que alumbraron la creación desaparezcan en el soporte definitivo. Se separan así dos argumentos, que hasta el siglo XX habían tenido siempre una estrecha relación: la interpretación de los hechos, de lo que vemos, de lo que está delante y el relato creativo del mismo, el que describe el proceso de ideación. Esta separación hace que para muchos el arte contemporáneo carezca de sentido, sea hermético o, incluso, roce a veces lo ridículo. Según Foulcault, Magritte propone una nueva alianza entre las desvencijadas hipótesis de la interpretación: acorrala a la cosa con la palabra, lanza dos mensajes paralelos, insiste en los planos de interpretación y en sus relaciones. Pero también obliga al espectador a pensar. Si el caligrama dice lo mismo con la imagen que con la palabra, Magrittte lo deshace e introduce una relación no literal que obliga al espectador a conectar, en su mente, de nuevo, la palabra y la imagen que se le han presentado juntas.

Esta era una de las determinaciones que teníamos en el diseño: nuestro museo pondrá en boca del espectador un nombre, recuperará la palabra y facilitará un encuentro entre signos reconocibles y símbolos coincidentes. Cualquiera que lo vea dirá que es una nube, rechoncha, misteriosa y de aspecto decididamente blando. Verá la nube recortada sobre el cielo, como en cualquier hermoso paisaje, pero sabrá que solo la magia de la creación humana ha permitido generar esta belleza, excepcional, atípica y que parece desafiar lo posible. El edificio proporciona a la institución una imagen accesible, comprensible, significativa, divertida, desenfada y vinculada al ejercicio de la creatividad humana. Todo ello sin detrimento alguno de las prioridades de arquitectos, alcaldes y gerentes, a los que, como explicaremos en otros apartados de la memoria, dejaremos convenientemente satisfechos pero sin olvidar, tampoco, que el gran destinatario de este espacio es un público reacio a comprender su necesidad y su interés.

Nuestros lemas en lo conceptual:

HAY QUE ROMANTIZAR EL MUNDO (lo confesamos, este lo hemos tomado prestado, lo dijo Friedrich von Hardenberg (1772-1801) pero lo que importa es lo que sigue): tenemos que “convertir lo misterioso en cotidiano y lo cotidiano en sublime”.

PARA LA ARQUITECTURA DEL MAMM CONECTE CON LA CIUDADANÍA PAISA DEBEMOS CONSTRUIR LA FIGURACIÓN DE NUESTRO TIEMPO Y DE NUESTRAS INSTITUCIONES: Nuestro edificio no abstracto pretende ser el rostro amigo que permite a todos reconocer a las personas y su tiempo. Se vincula con la publicidad, con los comics, con los osos de peluche, con el videoarte y con lo que sucede en internet.

LA VOCACIÓN CULTURAL Y PÚBLICA EXIGE QUE EL EDIFICIO SEA, ADEMÁS, UN LADRILLO EN LA CONTRUCCIÓN DE IDENTIDAD DE LA CIUDAD. Aunque a los arquitectos puristas les encante criticar la arquitectura icónica y intenten achacarle millones de pecados lo cierto es que el Museo Guggemhein colocó a Bilbao en los planos del mundo y que ese beneficio es un enorme rédito social a largo plazo.

EL ARTE ES SIMPLEMENTE, VER EL MUNDO CON OTROS OJOS. Esto lo suscribe John Berger y lo aplica nuestro edificio planteando al espectador imágenes del exterior, de lo que conoce como cotidiano, deformado por lupas y teñido por colores.

UTILIZAMOS EL MITO DE LA ESCALERA HACIA EL CIELO PROCEDENTE DE VARIAS COSMOLOGÍAS INDÍGENAS DE LATINOAMÉRICA. Varias cosmologías y tradiciones culturales indígenas latinoamericanas utilizan la leyenda de la escalera al cielo para explicar los procesos de creación. En Perú se han encontrado leyendas con este argumento que explican la separación de la luna y el sol, antes una feliz pareja habitante de la tierra, como fruto de un castigo supremo consistente en hacer subir al varón al cielo por una escalera.

UNA NUBE SOBRE TALLERES ROBLEDO. Siguiendo la tradición cultural del Realismo Mágico que ha proporcionado tan insignes obras en Colombia proponemos al espectador una estampa no exenta de surrealismo: una nube parece haberse quedado obstinadamente enganchada al edificio de talleres robledo.

CONVERTIMOS EL CLIMA EN UN ARGUMENTO CULTURAL. Desde Heideger, muchos movimientos culturales han reivindicado la puesta en valor de las condiciones geográficas como aspecto configuradores de la cultura. Este proyecto trata de distinguir las condiciones geográficas de Medellín como el clima, como episodios de naturaleza cultural.
REFERENCIAS MUSEOGRÁFICAS.
Como captar al público no natural.

Si preguntásemos a cualquiera quienes son los destinatarios de un museo público parecería evidente la respuesta: toda la ciudadanía. Las estadísticas, aunque todos sabemos que puedan servir para apoyar casi cualquier argumento, no refrendan completamente esta suposición. Sin entrar en situaciones coyunturales más específicas debemos recordar que, los museos del Reino Unido, país cuya capital cuenta con una da las ofertas de museos más extensa y cualificada del mundo, reciben 110 millones de visitantes anuales y que, sin embargo, solo un 4% de la población local visita los museos, a pesar de los enormes despliegues de exposiciones temporales, más de 5 veces al año (Merriman, 2004). También hay un 20% de británicos que nunca en su vida visita un museo. Si las estadísticas que hubiésemos manejado se refiriesen específicamente a Museos de Arte Contemporáneo, los números serían más dramáticos en evidencias de cantidad y de especialización. Si no contamos con la exhuberancia museística de la ciudad de Londres y si no tenemos una cimentada afluencia turística, vuelven a reducirse significativamente las cifras.

En el mismo ámbito geográfico del Reino Unido, en el que hay muchos ejemplos de monitorización institucional, los estudios cualitativos, aquellos que tienen en cuenta la identidad del visitante, arrojan predecibles resultados: los visitantes más probables de un museo son el colectivo con mayor preparación académica (doctores y titulados universitarios) y el más desocupado (jubilados y parados), (Merriman, 2004). Aunque la tendencia es a la popularización espontánea en casi todos los países, el caso particular del arte contemporáneo sigue siendo un escollo cuya magnitud puede medirse por la drástica segmentación de clases sociales que reciben las Galerias de Arte (Schulter, 2005). Así pues si queremos que la afirmación de que los Museos públicos son para todo el mundo sea cierta tenemos mucho trabajo por hacer. La identidad arquitectónica y las posibilidades museográficas van a influir de forma determinante en las aspiraciones de la institución. El Museo Guggeheim de Bilbao ha recibido 10 millones de visitas en 10 años, número de visitantes que, antes de construirse, no era siquiera alcanzado por la cantidad de viajeros que se acercaba a una ciudad aquejada de un pasado industrial en decadencia. Exposiciones como “Bodies. El cuerpo humano como nunca lo has visto” vatió records de afluencia consiguiendo 500 visitantes en las dos primeras horas en muchas ciudades y una media de 6.000 visitantes/mes en diferentes emplazamientos. Aunque pensemos que estos logros requieren costosas inversiones esas inversiones se han hecho en otros muchos lugares sin un éxito equiparable. ¿Qué distingue a las intervenciones que superan significativamente el número de visitantes predecibles?, ¿Cómo se consigue que una exposición forme parte de los temas de conversación en trabajos y colegios?. Nuestra propuesta de edificio y filosofía museográfica aprenden las claves que las iniciativas museográficas recientes nos han proporcionado.

Una de estas claves es, sin duda, la singularización y la intensificación de la experiencia. La competencia de otros soportes, no solo los libros y revistas que ya existían, si no internet, los documentales cinematográficos, o los soportes digitales en DVD hacen que la inversión de tiempo y esfuerzo que supone la visita al museo tenga que compensarse con una experiencia “única”, que no podría reproducirse en casa o a través del ordenador. Para muchas instituciones clásicas la singularidad y la intensidad de la experiencia se apoyan en la calidad ambiental y en la presencia de las obras. El Velázquez que retrata a Inocencio X o los autorretratos de Rembrandt acompañados de la luz adecuada y un edificio histórico son sinónimo de estremecimiento asegurado. Cuando no hay un conocimiento previo de las obras, ni esa anticipación casi mítica, construir la singularidad de la experiencia e intensificar lo que su contemplación en otros medios puede suponer es un reto mucho más complejo. Otra clave fundamental es la huida de la presunción académica que envolvía a los museos del XIX y el acercamiento a realidades más integradas y comprensibles en la realidad urbana. Las medidas concretas tomadas por el equipo redactor de esta propuesta para alcanzar esos objetivos se listan a continuación, como anunciamos, en forma de lema.

UNA ARQUITECTURA ÚNICA. Creemos que Medellín merece un edificio único, que signifique y represente a la ciudad internacionalmente. Creemos que las particularidades climáticas de Medellín son diferentes a las europeas y a las norteamericanas y que la realización de edificios bunker, completamente cerrados a las favorables condiciones ambientales proceden de una aplicación acrítica de tendencias excesivamente globalizadoras. Recordamos que según los analistas “los museos tienen un papel fundamental en mejorar la comprensión de la identidad y el sentido de pertenencia a un lugar a una comunidad. Ante las duras condiciones de cambio y coyuntura socio políticas de muchos países, los museos han producido vínculos eficaces entre el pasado y el presente y han tenido un rol activador para la construcción de prometedores futuros”. (Ambrose y Paine, 1993).

TRABAJAREMOS SOBRE TODO PARA EL PÚBLICO. Sin violar los principios de la funcionalidad museográfica y de la calidad arquitectónica el objetivo que capitanea nuestro trabajo es conseguir la mayor popularidad del edificio en el público no especializado.

CON ESPECIAL ATENCIÓN A LOS NIÑOS Y ADOLESCENTES. La distribución de tiempos y ocupaciones de los sectores más jóvenes de la población les convierte en candidatos adecuados a ser público de museo. La incorporación de los jóvenes garantiza un patrimonio cultural futuro, especialmente deseable para las ciudades. En muchos lugares del mundo no se consigue esa incorporación eficazmente porque los espacios museográficos tradicionales requerían de silencios y ceremonias incompatibles con la naturaleza infantil y preadolescente e difícilmente compatibles con los grupos adolescentes no monitorizados (lo que intentamos capturar son visitas espontáneas). Hemos planteado un museo muy transparente y accesible desde varios espacios públicos para que el ruido producido por los niños no impida la contemplación interior y más pausada de las obras pero tampoco evite su acercamiento. Hemos construido una nube mágica, un espacio sorprendente que incita a la exploración sensorial. Hemos incorporado las nuevas tecnologías, recurso en el que los sectores más jóvenes de la población se sienten legitimados a capitanear destrezas instrumentales e interpretativas.

PROPORCIONAMOS UNA PLATAFORMA ABIERTA PARA COMISARIOS, GERENTES Y ARTISTAS.
Nuestro edificio se compone de varios forjados horizontales de gran extensión. La estructura se ubica buscando una máxima diafaneidad del espacio. No existe una fachada única, sino un conjunto de soluciones, dispuestas en varios planos que permiten personalizar la entrada de luz, olores y ruidos a cada espacio. Esta estructura debe ser entendida como una gran plataforma, donde puede alojarse cualquier actividad. La solución técnica para los forjados consiste en la realización de cajas huecas cerradas con listones de madera en bruto con espacios huecos intercalados entre listones. Esta solución posibilita la canalización de instalaciones especiales a cualquier punto del museo sin obra húmeda y permite al comisario o artista modificar sustancialmente el espacio. Así pues proponemos un sistema de plataformas abiertas y horizontales que pueden tener diversos usos expositivos o participativos. Más que proponer un esquema típico de compartimientos o salas conectadas, proponemos suelos flexibles y conectados verticalmente que pueden dar cabida a diversos tipos de eventos en torno a la cultura: lanzamientos de libros, debates temáticos, exposición de obras de arte plástico, intervenciones, performances, fiestas musicales, etc...

UNA DE LAS PRIORIDADES DEL DISEÑO HA SIDO CONTRUIR ESPACIOS PÚBLICOS ASOCIADOS AL USO DEL EDIFICIO.En análisis de las condiciones y retos urbanísticos de la ciudad de Medellín arroja un resultado inmediato: el trabajo más urgente a realizar por la alcaldía es la mejoría de la movilidad peatonal. La ciudad presenta un déficit de espacios públicos habitables con un acceso democrático para el conjunto de la población. Es mucho lo que se ha hecho en los último años y grandes los éxitos alcanzados que pueden medirse en la popularidad de espacios como la Plaza de los Deseos o el Parque Lineal con el que estableceremos vecindad. Parece incluso que una de las fórmulas probadas de éxito para la arquitectura y el urbanismo de Medellín consiste en la asociación de cada edificio de calidad a un espacio público anexo. Reconociendo el buen criterio de esta política hemos querido prolongarla e intensificarla. Por ese motivo hemos planteado una ocupación de parcela del 42% y hemos habilitado en el 58% de superficie restante una gran plaza, con la que el edificio establece un diálogo interactivo. Además hemos dispuesto una gran cubierta museo, donde el arte se enfrenta al paisaje de las montañas de poniente y donde se pueden realizar eventos con un aforo de unas 500 personas. Por otro lado hemos ubicado un patio cubierto de árboles y semihundido, protegido del exceso de humedad y dentro de las zonas de acceso sin pago de entrada para convertirnos en un destino habitual a las horas del almuerzo, el desayuno o la merienda, captando, de nuevo, un público espontáneo e imprevisto.

LOS ESPACIOS Y RECORRIDOS MUSEOGRÁFICOS QUE SE ORGANIZAN NO SON TANTO SALAS COMO ITINERARIOS ENTRE PLATAFORMAS. La forma de boomerang de las plantas, la ubicación central de las escaleras mecánicas y la disposición de deambulatorios perimetrales generará un catálogo de espacios expositivos donde el criterio de ordenación prioritario sea el de recorrido frente al de sala. Este esquema de funcionamiento museográfico ha dado lugar a espacios muy reconocibles como el museo Guggenheim de Nueva York o el museo Judio de Berlín. Pero, fuera de que la envolvente arquitectónica rigidice o faculte el movimiento, es una de las políticas imperantes en los museos que puede constatarse en las grandes pinacotecas como el Louvre o en prestigiosos Museos de la Ciencia en todo el mundo.

POR FAVOR, DESOIGAN A LOS ACADEMICISTAS. Por todo ello les pedimos que, por favor, desoigan a los academicistas. Conocemos la tradición que dice que las paredes de los museos son blancas, para dar libertad y contraste a lo que se expone, que la luz artificial es más controlable que la natural, que el racionalismo no solo es más barato sino que es más funcional y que la arquitectura de calidad no es compatible con la metáfora. Llamamos a los representantes institucionales y públicos a reflexionar sobre si quieren destinar su inversión a carpinterías que desaparecen para generar una sensación de arquitectura limpia sabiendo que esa apariencia de racionalismo es más costosa de lo que perece, a que el arquitecto pueda dar lecciones sobre la inteligencia de la modulación en planta o a que, de verdad, consigamos hacer, entre todos, una institución formativa y que genere entusiasmo social. Todo ello no es incompatible con las últimas tendencias museográficas, que gustan más de un garage lleno de objetos inservibles que de una caja blanca con aspecto de cenotafio. Para dar muestra de ello hemos seleccionado algunos ejemplos.

DESCRIPCIONES FUNCIONALES FUNDAMENTALES.

Una parte fundamental e irrenunciable de la cultura de nuestra época, que implica un cambio de paradigma en el pensamiento contemporáneo es la cultura de la sostenibilidad. Este proyecto no trata solo de adaptar arquitecturas de otras épocas incorporando medidas paliativas si no que contempla la sostenibilidad como uno de sus principios fundacionales. Aunque la definición de sostenibilidad excede a los requerimientos de las técnicas bioclimáticas, estas técnicas pueden definirse como un compromiso básico de los edificios con su medio ambiente. Estas son algunas de las aplicaciones que la técnicas bioclimáticas han tenido en el edificio.

USAREMOS LUZ NATURAL SIEMPRE QUE SEA POSIBLE, AUNQUE LA HAREMOS COMPATIBLE CON LOS USOS MUSEOGRÁFICOS.
Apoyamos la utilización prioritaria de luz natural aunque existe una tradición de estricto control lumínico en espacios museográficos estos requerimientos de luz difusa se han relajado en espacios industriales rehabilitados para centros de arte joven y urbano. Nuestro edificio se configura en planta para necesitar un mínimo consumo eléctrico para aporte de iluminación al mismo tiempo que trata de controlar la entrada de luz directa sin obstruir las vistas lejanas de las montañas. Para ello las plantas se configuran con una fisionomía de boomerang donde un gran patio central queda envuelto por la crujía edificada. La crujía tiene un ancho variable disminuyendo su fondo edificado en los donde otros edificios producen obstrucción solar (N y S) y aumentando el fondo edificado en la orientación a poniente. En los laterales noroeste y sureste las líneas de borde de los forjados son coincidentes en vertical formando una fachada continua, sin embargo, en el extremo Oeste cada uno de los forjados vuela sobre el inferior. Este recurso de introducir voladizos en la fachada a poniente permite evitar la entrada de sol vespertino que, en climas como el de Medellín resulta desaconsejable por coincidir con un estado atmosférico sobre calentado. Esta obstrucción de la luz natural, al no realizarse con persianas o celosías no implica un ocultamiento de las vistas a las montañas de poniente, tan características de Medellín. El conjunto completo de los forjados nunca supera en anchura los 12 metros y tiene sistemáticamente doble orientación lo cual garantiza un máximo aprovechamiento de las horas de luz natural.

Dado que la ciudad de Medellín tiene un exceso de radiación solar, con un promedio de 158 horas de brillo solar mensual, que puede generar un aumento de la temperatura de confort en espacios cerrados hemos llegado a un compromiso entre funcionalidad y rigor bioclimático proponiendo un edificio eminentemente abierto, con abundante ventilación natural y protecciones solares practicables. Las únicas orientaciones donde los forjados superiores no vuelan sobre los inferiores y donde tampoco hay obstrucción solar generada por edificios son las volcadas al patio. En ellas se disponen toldos textiles que hacen compatible la obstrucción solar con la ventilación abundante. Pese a la enorme transparencia que el edificio presenta y que puede corroborarse en las vistas NUNCA se utilizan fachadas de vidrio estancas a haces de las caras de forjado o, lo que es lo mismo sin protección mediante marquesina o porche, todas las áreas útiles se retranquean respecto a la entrada de luz y evitando el deslumbramiento y el exceso de radiación y permitiendo, sin embargo, la no dependencia funcional de la luz artificial.
Para compatibilizar las necesidades museográficas con esta filosofía de entrada de luz solar indirecta se ha recurrido a un sistema de fachadas abierto y compuesto de varias capas a diferentes distancias del borde de forjado. La primera capa es una superficie discontinua de esferas y semiesferas de materiales vítreos, cerámicos y vegetales con diferentes niveles de opacidad y brillo. Después de esa capa, que se deja atravesar por lluvia y viento, cada planta y uso contemplan diferentes recursos para el control de la iluminación (lamas verticales rotatorias, materiales semitrasparentes coloreados y retranqueados de las fachadas etc.). Esta batería de recursos ofrece un amplio surtido posibilidades museográficas y para la organización de eventos.
   GARANTIZAREMOS LA VENTILACIÓN NATURAL ABUNDANTE.
La situación de la Ciudad de Medellín en el diagrama bioclimático de Oligay arroja una conclusión determinante: el recurso más necesario para la consecución pasiva del confort climático es la ventilación natural. Recordemos que estamos edificando en una ciudad con una temperatura media de 22º y una humedad relativa media del 68%. En esas circunstancias la ventilación disminuye la sensación sofocante y de pesadez producida por las temperaturas superiores a veintiocho grados y suaviza la sensación térmica. Mucho más eficaz que el intento de realizar estancias estancas para controlar la presencia de goteras y humedades es la implementación abundante de aire natural en un movimiento continuo y suave. Ese movimiento de aire se garantiza comunicando espacios con diferencias de presión atmosférica: organizando plantas pasantes (aberturas a dos orientaciones opuestas), conectando espacios soleados y sombreados, o vinculando fachadas con diferente exposición al viento. En nuestro edificio los toldos orientados en posición este-oeste en posición inclinada comunican el espacio semienterrado del patio central con la soleada cubierta aumentando el efecto de ventilación cruzada por medio de la succión solar (producido por el movimiento natural ascendente del aire caliente).
     HABILITAREMOS UN GRAN PATIO SOMBREADO Y REHUNDIDO.
La planta inferior de nuestro patio se encuentra en una cota semienterrada. Dicha cota permite producir un control de temperaturas de +/-4 siempre en la dirección de confort por utilizar la inercia térmica natural de la tierra. Ese espacio esta arbolado, proporcionando un remanso al ruido urbano, a la contaminación atmosférica y a otras condiciones adversas del medio ambiente de la ciudad. Los toldos que circundan el patio se superponen de plantas superiores a inferiores produciendo láminas continuas de movimiento de aire espontáneo.

CAPTAREMOS ENERGÍA EÓLICA SUFICIENTE PARA EL SISTEMA DE ILUMINACIÓN CON LEDS.
Utilizaremos pequeños aerogeneradores (minieólica) para alimentar los sistemas de leds RGB que se distribuyen en fachada permitiendo la inclusión de piezas interactivas y de programas de difusión.

HEMOS IDEADO UN SISTEMA DE COMUNICACIONES QUE COMPATIBILIZA LA FUNCIONALIDAD DEL GERENTE CON EL MOVIMIENTO INTUITIVO DEL VISITANTE.
Cuando el visitante ingrese en la plaza inferior reconocerá automáticamente la existencia de un núcleo de escaleras mecánicas que le permite “ascender al cielo”. El espacio es sencillo de entender: las escaleras suben, formando una directriz única, del patio a la cubierta. No hay lugar a pérdidas ni dudas sobre si uno puede subir pues el visitante advierte desde abajo la presencia de otros que otean el horizonte desde la cubierta. Otro núcleo situado en una posición contigua a la fachada de Talleres Robledo compacta todos los movimientos verticales de trabajadores, mercancías, comisarios etc. Este segundo núcleo habilita la entrada separada al auditorio que se pedía en las bases, proporciona un acceso más rápido de personas y piezas a la cubierta y posibilidad la accesibilidad integral de los discapacitados. Los itinerarios en cada planta se realizan alrededor de un patio panóptico que permiten contemplar, en todo momento, la posición de las escaleras metálicas.

UN SISTEMA ESTRUCTURAL QUE CONLLEVA MENOS EMISIONES DE CO2. En términos estructurales hemos optado por combinar estructuras de cerchas roblonadas compuestas por pequeños perfiles metálicos entrelazados con algunos mástiles de madera laminada, que aguantan las compresiones de las cerchas, y cables de acero que postesan la estructura y acortan las luces de los forjados en ménsula. Un trabajo fundamental ha sido la reducción de cargas muertas o propias de los materiales de construcción recurriendo a la solución de forjados huecos de listones de madera antes descritos y al uso de materiales extremadamente ligeros en las fachadas consecutivas. Esto permite una disminución considerable de la cantidad del material (consideramos una reducción del 30% respecto al peso de un edificio con forjado de hormigón) y una severa reducción de las emisiones de CO2 (de un 40% aproximadamente). La sustitución de los elementos resistentes del forjado, que habitualmente se ejecutarían en hormigón o acero permite aumentar el número de productos renovables implicados en el proceso constructivo.

LA CONVIVENCIA CON LA REPRESENTACIÓN ESPONTÁNEA DE LA VIDA: HACIA UNA CONSTRUCCIÓN NO RETOCADA.

Diferentes estadísticas dicen que en construcción un 30% del dinero se dedica a acabados: pinturas, falsos techos, enchapados etc. Hemos buscado una forma de ejecución que no implique elegir costosas carpinterías o chapados para asegurar la fortaleza figurativa de la obra. Las internvenciones recientes en espacios reciclados para centros de arte de más éxito internacional (PS1 NY o Palais de Tokyo Paris) han abierto el camino a lo que algunos han llamado, “la convivencia con la ruina”. Esto no implica que destruyamos nuestros edificios, pero si que entendamos que el arte contemporáneo esta más comodo y resulta más natural en el garage que en el salón en el que se toma el té. Nuestra fachada con materiales semiesféricos colgados de cable con simple palometa y deja una zona expuesta a la lluvia. Gastamos el dinero en generar posibilidades de acontecimientos más que en garantizar una catalogación de confort inecesaria.

Soy Feldmanníaco.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sun, 30 Jan 2011 12:28:23 PST

Hace unos meses tuve la suerte de poder charlar con Hans Peter Feldmann, que expone hasta dentro de poco su obra en el Museo Reina Sofía. A parte de la muestra, el museo también ha organizado un taller para jóvenes entorno al artista y ese ansia de coleccionar imágenes. Ls plazas siguen abiertas, así que si eres menor de 18/20 años o conoces a alguien, no dudes en apuntarte.

REPETICIONES COMO MODELO DE REFLEXIÓN · PAPEL IMPRESO · REGISTROS COTIDIANOS · SENTIDO DEL HUMOR POÉTICO · POSICIONES SOBRE EL BUEN O MAL GUSTO · EXQUISITA ACUMULACIÓN DE IMÁGENES Y OBJETOS ENTRAÑABLES.

El interés de Hans Peter Feldmann por la colección menor, preservada a base de impulsos por organizar y recopilar objetos impregnados de experiencias, imágenes anodinas o fotografías amateur, devino en la valoración de una serie de relatos depositados en tales imágenes, cuyo interés no aparece en primer término. Transformando en zonas de atención estética aquello que la industria publicitaria y las tecnologías producen sin más. Una transformación entendida también como una postura crítica con respecto a las estructuras que legitiman la experiencia estética, dando paso a la ironía, el sentido del humor y la reflexión de los ritos y repeticiones que protagonizan nuestra vida cotidiana. A Hans Peter Feldmann no le interesan las imágenes individuales sino aquello que solo la serie y la agrupación es capaz de facilitar. Desde hace años el impulso coleccionista determina su deriva hacia los conjuntos de imágenes y objetos, es decir hacia la logística de la colección. Cada conjunto recae sobre una selección certera de reproducciones extraídas de revistas, cartas, carteles, postales o sus propias fotografías, ordenadas y agrupadas bajo series y temas. Unas colecciones donde las narrativas se vuelven obsesivas y los gestos inconscientes adquieren diversos sentidos, a los que se suman reproducciones en yeso de esculturas clásicas pintadas con colores estridentes o colecciones de juguetes y zapatos. Así “Hans Peter Feldmann. Una exposición de Arte” se nos presenta como una visita hacia esos sentimientos que sólo se producen masivamente.

Hasta el 28 febrero de 2011, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía. Madrid

(Fuente: Neo2 blog)

Madinat Al-zahra

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 24 Jan 2011 07:58:00 PST

Hace unas semanas tuve la suerte de visitar el edificio diseñado por Nieto-Sobejano para albergar la Sede institucional y el museo del complejo arqueológico de Madinat al-zahra (Córdoba). Allí tomé todas estas fotografías, que reflejan una pequeña parte de lo genial que es este edificio.

Medialab Prado

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 24 Jan 2011 04:57:25 PST

Paseando por Madrid la semana pasada, encontré tras el Caixaforum una enorme pantalla de 26.000 leds con un enorme terix interactivo con el que me divertí a jugar un rato. El experimento, como era de suponer, pertenece al laboratorio creativo que se encuentra justo bajo esa plaza (plaza de las letras), el Medialab Prado. Interesado en esa intensa relación entre arte y tecnología, Medialab Prado lleva a cabo proyectos que mezclen estas dos vertientes, centrándose no sólo en la investigación, si no también en la producción de los proyectos. Ellos nos explican de qué va mucho mejor.

Medialab-Prado es un espacio orientado a la producción, investigación y difusión de la cultura digital y del ámbito de confluencia entre arte, ciencia, tecnología y sociedad.

En su espacio se celebran talleres de producción y de formación, seminarios y debates, reuniones de diferentes grupos de trabajo, muestras de proyectos, conciertos, etc. Todas las actividades son gratuitas y abiertas a todos los públicos.

El principal objetivo es crear una estructura en la que tanto la investigación como la producción sean procesos permeables a la participación de los usuarios. Para ello ofrece:

Un espacio permanente de información, recepción y encuentro atendido por mediadores culturales.
Convocatorias abiertas para la presentación de propuestas y la participación en el desarrollo colaborativo de proyectos.

La programación se estructura en líneas estables de trabajo. Hasta el momento se han puesto en marcha las siguientes:

Interactivos?: usos creativos de la electrónica y la programación
Inclusiva.net: investigación y reflexión en torno a la cultura de redes
Visualizar: estrategias y herramientas de visualización de información
Laboratorio del Procomún: discusión transdiciplinar sobre los bienes comunes
AVLAB: creación sonora y audiovisual

La mayor parte de las actividades se registran en vídeo y posteriormente se pueden consultar y descagar en esta web.

Medialab-Prado es un programa del Área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid, que tiene su origen en el año 2000 en el Centro Cultural Conde Duque. En el año 2002 toma el nombre de MediaLabMadrid, y en septiembre de 2007 se traslada a la Plaza de las Letras, en los bajos de la Antigua Serrería Belga, ahora en rehabilitación y futura sede definitiva. Desde entonces pasa a denominarse Medialab-Prado, en alusión a su nueva ubicación junto al Paseo del Prado.

http://mediacion.medialab-prado.es/

http://medialab-prado.es/

Studio Banana

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 24 Jan 2011 04:15:30 PST

Studio Banana se define a sí mismo como plataforma de creación multidisciplinar, un lugar donde diferentes creativos pueden trabajar en sus proyectos individuales dentro de un ambiente de gente con intereses comunes. Pero a parte de ser un lugar de trabajo para diferentes creativos, Studio Banana es también una asociación cultural que de vez en cuando realiza actividades abiertas y sobretodo gestiona una página que actualiza constantemente con vídeos de arquitectura, cine, diseño.... Yo estoy esperando a que saquen un canal de tdt y así poder volver a encender la televisión sin sentir vergüenza ajena. Mientras tanto, http://studiobanana.tv/

http://www.studiobanana.org/

Buñuel haciendo videoclips.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Mon, 24 Jan 2011 03:24:54 PST

Después de ver algunos de sus vídeos, seguro que se te ha pasado por la cabeza esa frase. Canada son un colectivo de verdaderos artistas del mundo audiovisual cuya popularidad está creciendo como la espuma en los últimos meses, debido sobretodo a que han pasado de crear videos de artistas como Joe Crepúsculo a grupos internacionales omo Two Door Cinema Club o Scissor Sisters. Sus obras son verdaderas piezas de museo, en las que se entremezcla una estética retro-ochentera con una narrativa surrealista muy característica. A parte de videoclips, Luis Cerveró, Nicolás Méndez & Lope Serrano (sus componentes), realizan producciones de moda, publicidad (McDonalds, Ikea...), para museos...
Aquí hay una pequeña muestra, pero no os perdáis en su página el resto de obras!

http://www.lawebdecanada.com/index.php

Videomapping con 1024 architecture.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 08 Jan 2011 13:22:25 PST

Seguro que ya has tenido la ocasión de verlo alguna vez. En algún evento, por la tele, o en algún video de internet. Son proyecciones realizadas sobre fachadas de edificios y otras superficies que previamente han sido digitalizadas para crear gráficos sorprendentes. Entre los numerosos colectivos que se dedican al tema, resalta el trabajo de este estudio de arquitectura formado por Pierre SCHNEIDER y François WUNSCHEL, co-fundadores del estudio EXYZT. Como siempre, una muestra de su trabajo es la mejor manera de describirlo.

http://www.1024architecture.net/
http://1024d.wordpress.com/

Las piscinas de J.Bennett Fitts

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 25 Dec 2010 14:54:23 PST

Este fotógrafo de Kansas se recorre Estados Unidos en la búsqueda de esas escenas decadentes que caracterizan mucha de la arquitectura de por allí. De entre su trabajo destacan las imágenes de piscinas vacías, esos elementos arquitectónicos tan inquietantes y atractivos. Yo siempre he pensado que esas piscinas nos ocultan algo inquietante…

(No perderse tampoco sus imágenes sobre zonas verdes en zonas industriales)

http://www.jbennettfitts.com/index.php

Creadorxs: Paula Sevilla

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 25 Dec 2010 07:34:56 PST

Su trayectoria profesional se centra más en el diseño gráfico (sobretodo para la marca victoria), pero su sueño es volcarse de lleno en el diseño industrial. Home camping, la pieza que creó como tesís del EuropeanDesignLab del IED es el mejor ejemplo de ello.

Creadorxs: Renee Rousseau

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Sat, 25 Dec 2010 07:21:48 PST

Hace tiempo tuve la oportunidad de conocer el trabajo de esta artista de Cape Town, (Sudáfrica) que ahora vive y trabaja en Madrid. Su trabajo se mueve entre el diseño gráfico y el industrial, siempre usando un proceso manual y artesanal que da muy buen resultado. Tiene 25 años y ya ha colaborado No se si es porque también es arquitecta, pero a mí esta chica me gusta.
http://www.reneerossouw.com/

Rearranging Pieces
GEOMETRIC DIALOGUES 2008 - JAIL BIRD

De mayor quiero ser Elena Ochoa.

noreply@blogger.com (Pablo Santacana Lopez) — Thu, 11 Nov 2010 13:30:08 PST

Bastaría para envidiarla el hecho de ser la pareja de uno de los creadores más influyentes (y ricos) del mundo. Bastaría con su intachable currículum en el mundo de la psicología y la investigación. Bastaría con la fama que le dio el hecho de ser una de las primeras personas en hablar abiertamente de sexo a la audiencia española de la transición. Bastaría con la editorial de libros y exposiciones que fundó y coordina . Pero encima todo lo que hace lo hace bien! Entre otros éxitos, su editorial (Ivorypress) tiene presencia internacional y un alto prestigio en el mundo de la fotografía y el arte contemporáneo. Desde hace unos años también cuenta con un espacio en Madrid (Ivorypress Art+Books) para compartir con los madrileños todas esas maravillas con las que ella debe de rodearse en su vida diaria. Yo quiero desayunar lo que desayuna ella (a ver si así se me pega algo) así que he buscado dos interesantes entrevistas donde nos lo cuentan.

http://www.elpais.com/articulo/ultima/artista/tiene/vacaciones/siempre/alerta/elpepiult/20080416elpepiult_2/T

http://www.elmundo.es/larevista/num73/textos/ochoa1.html

Y todo esto lo escribo porque el 2 de diciembre se inaugura una expo en la que una vez más nos dejarán acercarnos a ese mundo maravilloso de los libros de artista. Una muestra de las ediciones de autor que ha ido comisariando Ivorypress en los últimos tiempos. ¿Se podrán tocar?

Hay libros que dejan de serlo para convertirse en obras de arte por derecho propio. Los grandes creadores del siglo XX exploraron ese camino a través de los libros de artista: "No hago distinciones entre la elaboración de un libro y de un cuadro", dijo Matisse. Elena Ochoa Foster decidió hace unos años tomar el testigo de esta tradición y fundó la editorial Ivorypress, un laboratorio en el que experimentar con nuevas vueltas de tuerca a su amor por la letra impresa. Todo empezó, cuenta por teléfono desde Milán una reciente tarde de noviembre, tras una conversación con el fallecido sir Robert Sainsbury, heredero de la cadena de supermercados británica, gran coleccionista de arte y amigo del arquitecto Norman Foster, esposo de Ochoa: "Me animó a que hiciera algo relacionado con los libros de artista, un campo que estaba estancado, difícil e interesante... Que aportara algo al libro de artista convencional".

Terminar un libro de artista puede llevar hasta cuatro años de trabajo. No hay premisas ni condiciones previas: "Tener una idea preconcebida sería contrario a la filosofía de Ivorypress", dice la editora. "De lo que se trata es de que el artista dé rienda suelta a su imaginación y dé un paso más en lo que ha hecho". El chino Cai Guo-Qiang profundizó en su trabajo con pólvora realizando dibujos con una pasta a base de este explosivo, a los que incorporó una banda de fósforos que el lector puede utilizar para quemar el libro. Caro tardó unos siete meses en dar vueltas a su idea hasta que elaboró un prototipo de bronce.Ochoa siguió el consejo y se lanzó a la edición de su primer libro. "Tenía que hacerlo con alguien que me conociera de mi vida anterior y que confiara en mi trabajo", asegura esta especialista en alzhéimer que a principios de los noventa se convirtió en la psicóloga más famosa de España gracias a su programa televisivo Hablemos de sexo. Así llegó hasta Eduardo Chillida, con quien trabajó en uno de los últimos proyectos que realizó antes de morir este en 2002. El resultado es una caja con dibujos del escultor vasco, textos de Carlos Fuentes y John Berger, y fotografías de Ferdinando Scianna. A ese libro, presentado en 2002, le siguieron los de Anthony Caro, Anish Kapoor, Francis Bacon, Richard Long, Anselm Kiefer, Isamu Noguchi, Cai Guo-Quiang y Richard Tuttle. En la actualidad, Ochoa trabaja con Isidoro López Valcárcel en una pieza que verá la luz a principios del año que viene.

"Cada libro ha sido una aventura y un reto. He llegado a empezar algunos que no he llegado a terminar", explica la editora, que se implica en cuerpo y alma en la elección de los materiales. El papel del de Chillida lo encontró en un molino tradicional de Angulema. Y con Anthony Caro, cuyo libro consta de una serie de esculturas en acero, bronce y latón que guardan poemas de Hans Magnus Enzesberger, recorrió fábricas de coches en busca del mejor mecanismo para mantener abierta la pieza: "El sistema es el mismo que se usa en los maleteros y, al final, lo encontramos en una empresa familiar cerca del lago de Como". En estos momentos su pelea está en el tipo de papel que Valcárcel Medina ha elegido para su libro: "Si se desplaza un milímetro la página, el material no recoge la impresión", explica con el inconfundible entusiasmo que surge del amor por el detalle.

Ochoa prefiere trabajar con artistas vivos, aunque está dispuesta a trabajar con los albaceas de creadores fallecidos si la propuesta le interesa. Ese fue el caso de Isamu Noguchi y Francis Bacon. Con la Isamu Noguchi Foundation and Garden Museum Jenny Dixon realizó el libro de artista del escultor japonés, que consta de fotografías y dibujos encuadernados en forma de libro-concertina. Los depositarios del legado del pintor irlandés fallecido en Madrid en 1992 hicieron posible la edición del libro de artista de Bacon, 25 ejemplares que incluyen 76 facsímiles de elementos encontrados en su estudio -fotografías, páginas de revistas, dibujos, cartas y notas- que se presentan dentro de un facsímil de una vieja maleta de cuero.

En algunas ocasiones, Ochoa ha tenido que desplegar todas sus dotes de persuasión: "Fui a ver a Anselm Kiefer a Provenza y me dijo que él ya había hecho muchos libros de artista y que lo que haría para mí sería una pieza única". El resultado es una escultura formada por 18 planchas de plomo de casi dos metros de altura que, a modo de páginas de un libro, presentan dibujos de constelaciones. Todos los libros editados por Ivorypress pudieron verse en la exposición Blood on paper, comisariada por Ochoa en el Victoria & Albert Museum de Londres en la primavera de 2008. "No creo que vuelva a hacer una muestra como esa hasta dentro de una década, cuando tenga otros 10 libros", dice.

Hasta entonces, sin embargo, se pueden ver en el espacio madrileño de Ivorypress, donde se organizan visitas en grupos reducidos previa petición de hora. Además de los encargados por Ochoa, la colección incluye otras dos piezas adquiridas directamente sin previa comisión: St. Peter, de la serie New Religion de Damien Hirst, y la pieza realizada por la artista israelí Michal Rovner.

Antonio Sanz, director de Ivorypress, hace hincapié en que los libros de artista "no son libros ilustrados por un artista, sino obras de arte con una cotización en el mercado, igual que un trabajo seriado, una fotografía o un grabado". La edición más grande fue la de Chillida, 200 ejemplares, una tirada que no se ha vuelto a repetir. De hecho, Ochoa señala que el número óptimo está en nueve o diez. A medida que se van vendiendo, las copias restantes van aumentando de precio: "Ciertos precios están ya en torno a los 100.000 euros; otros, en 30.000, y otros, en un millón de euros", señala Ochoa. Algunos libros ya se han agotado, como el de Cai Guo-Qiang, los dibujos de Kapoor o la serie de acero de Caro. Los compradores suelen ser museos, como el Reina Sofía o el MoMA. Ivorypress siempre se queda con un ejemplar, salvo en el caso de Kiefer, que no está a la venta por ser pieza única.

El País, ISABEL LAFONT - Madrid - 10/11/2010

Libros de artista de Ivorypress. Comandante Zorita, 48. Visitas los miércoles, previa petición de hora, en grupos reducidos. Teléfono: 91 449 09 61.

http://www.ivorypress.com/space/inicio.html