PanoraMI

Cercasi Tenore esalta le doti teatrali di Jannuzzo

2012-02-14T20:49:00.001+01:00

di Cristiano Robbiati

E’ la storia di Max, aspirante ed incerto cantante lirico che ottiene le luci della ribalta sostituendosi da par suo al grande artista improvvisamente assente, ad esaltare, ancora una volta, le doti teatrali di Gianfranco Jannuzzo ed a consegnare agli annali un’altra splendida pagina di gran teatro e commedia sopraffina cui la cornice del Teatro Manzoni non può che giovare.

Certo, il testo di Ludwig nella versione presentata da Giancarlo Zanetti (cui l’elogio viene raddoppiato per il ruolo di produttore ricoperto) agevola l’ottima riuscita: un vortice di fraintendimenti, scambi di persona, doppi sensi mal compresi ed interpretati (che tuttavia mai sfociano in trivialità di precedenti versioni) nei quali Jannuzzo dimostra di sapersi muovere a meraviglia con un rispetto minuzioso dei tempi teatrali quasi a sancire, anche in questa maniera, il ruolo di responsabile artistico della tournee nelle tappe in cui il regista Zanetti è assente.

Ci è parso di cogliere, persino, una sorta di compiaciuta soddisfazione nelle espressioni dell’attore siciliano, allorchè la sagacia scenica e teatrale dei compagni d’avventura contribuiva alla buona resa della commedia ben testimoniata dalle risate e dall’interazione creatasi col pubblico in sala.

Gli attori oltre a riconoscere ed apprezzare ciò, contribuiscono al meglio; senza eccezione alcuna ed anzi con caricature mai sopra le righe ma sempre a servizio della trama.

La scena, inusuale nella sua profondità e per ciò stesso ancor più apprezzata, è parte integrante della narrazione e conferma le straordinarie doti e capacità di Nicola Rubertelli.

I costumi di scena, eleganti e raffinati, rispecchiano i ruoli e ben si attagliano alla signorilità dei protagonisti.

Tenore non so (il solo accenno di alcune arie non consente di emettere giudizio); di certo lo straordinario attore ancora una volta è stato trovato ed apprezzato sul palcoscenico del Manzoni.

Teatro MANZONI

Dal 07 al 26 Febbraio 2012

CERCASI TENORE di Ken Ludwig

con Gianfranco Jannuzzo, Milena Miconi,

Federico Pacifici, Claudia Coli, Tiziana Bagatella, Fabrizio Apolloni, Rodolfo Medina, Stefania Papirio

Scene: Nicola Rubertelli Costumi: Dora Argento Musiche: Luciano Francisci Luci: Franco Ferrari

Regia: Giancarlo Zanetti

Tre sull'altalena: a Teatro Libero va in scena il divertimento

2012-02-13T21:31:00.001+01:00

“Tre sull’altalena” è una macchina di fantastica fattura. Io l’ho letta di un fiato, ridendo a bocca spalancata. E’ una delle invenzioni teatrali per le quali valga la pena uscire la sera a Milano, sobbarcarsi il rito della vestizione, prenotare il biglietto, prendere il taxi, starsene seduti in una sala stipata di gente...”.

Così Dario Fo parla di Tre sull’altalena, una pièce in cui – come sottolinea lo stesso autore - le battute si succedono all’inizio con una gratuità tale da sottrarsi a ogni giudizio di merito e di convenienza. A poco a poco però, si avviano sul terreno di una materia che, non avendo alcuna funzione pratica, non può che averne una assoluta. I tre personaggi non hanno assolutamente nulla da dirsi, i soli temi di cui si può discutere sono quindi “i temi fondamentali dell’esistenza”: vita e morte, libertà e costrizione, scienza e mistero, ragione e fede. Una scenografia semplice, spoglia, che evoca il “non luogo” in cui i tre personaggi forse casualmente si incontrano. Un’essenzialità che rende protagonista la parola, in una commedia che ci conduce ai temi fondamentali dell’esistenza, ma con un acume e un divertimento davvero unici.

Teatro Stabile di Verona

TRE SULL’ALTALENA

di Luigi Lunari

regia di Roberto Vandelli

con Roberto Vandelli, Andrea De Manincor, Maurizio Perugini, Donatella Bartoli

da domenica 12 a lunedì 27 febbraio

Teatro Libero, Via Savona

Grimmless, nuova tappa del progetto drammaturgico e performativo dell’ensemble ricci/forte, arriva a Milano all'Elfo Puccini

2012-02-11T18:49:00.000+01:00

Fiabe senza lieto fine e fisicità estrema: il teatro di Ricci/Forte torna all'Elfo Puccini, dopo il successo della trilogia proposta la scorsa stagione (Macadamia nut Brittle, Troia's Discount e Pinter's anatomy). Anche questa volta - c'è da scommetterci - l'impatto sarà dirompente: la materia umana di Grimmless - senza Grimm - è quella del desiderio e della sospensione fiabesca, che richiedono attitudine ludica e stupefatto distacco. Sei performer invocano una nuova età dell'oro e denunciano la violenza fisica, culturale e morale dilagante, invitando alla ribellione con un linguaggio tecno-narrativo dai grandi picchi visivi.

Fiaba come transizione infantile verso l’età adulta. Fiaba come polmone d’acciaio per sopportare, da adulti, una quotidianità più affilata delle unghie di qualunque matrigna. Fiabe per nonni e nipoti, ognuno con il proprio bagaglio di desideri, aspettative e frustrazioni pronte a spiccare il volo verso una materializzazione dei bisogni. Che non sempre avviene. Perché le nostre giornate non sono scritte dai fratelli Grimm. Non hanno lieto fine. Non ci sono artifici abusati e fazioni manichee: buoni da una parte, cattivi dall’altra. Ci siamo noi. Fratturati. Ribaltati. Senza sconti. Grimmless. Senza Grimm, appunto.

Nessuna Cenerentola, nessun Orco. I nuovi Hansel e Gretel, i timidi Pim Pum Fracassino, gli arroganti leprotti e i coraggiosi gnomi - emorragia di archetipi che ci sfiorano ogni giorno sull’autobus - incarnano figure e mondi che si stagliano all’improvviso nella nebbia di qualunquismo caratterizzante la nostra epoca: inquietanti come fantasmi, la cui identità fisica e mentale è assorbente e dolorosamente sincopata, alla stregua degli ossessivi ritmi techno delle autoradio che aggrediscono dai finestrini in corsa.

L’evocazione di un’età dell’oro (quella in cui tutto è possibile, quella parallela e ipercontemporanea) che ci potrà dare la spinta propulsiva a trovare la pentola d’oro ai piedi dell’arcobaleno, cominciando col sollevare gli occhi dall’asfalto che abbiamo preso come riferimento per un’esistenza senza maiuscole. Materia umana, quella metamorfica del desiderio, impastata con ironia e sgomento, con quella sospensione fiabesca che richiede attitudine ludica e stupefatto distacco.

Un progetto politico sulla fantasia, quello di Grimmless, come codice per analizzare il presente. Come segreta rinascita, ribaltando le classificazioni di Bene e Male, per stanare il malessere di un’esistenza deprivata di valori, accontentata, vinta.

Un new realism dove forse - come Pollicino - appellare le briciole che ci riconducano fuori dall’intrico forestale dell’Assenza. Dalla neve candida, che cade e ricopre tutto raffreddando - con bonario e vellutato silenzio - ogni brace vitale.”

Elfo Puccini, Sala Fassbinder | 14 > 19 febbraio

Grimmless

regia Stefano Ricci

movimenti Marco Angelilli

con Anna Gualdo, Valentina Beotti, Andrea Pizzalis, Giuseppe Sartori, Anna Terio

produzione Associazione culturale Ricci/Forte

Elio Germano e Teho Teardo allʼElfo Puccini con Viaggio al termine della notte di Louis-Ferdinand Céline

2012-02-06T21:30:00.000+01:00

Elio Germano e Teho Teardo sono in scena dal 7 al 19 febbraio allʼElfo Puccini di Milano con Viaggio al termine della notte di Louis-Ferdinand Céline, capolavoro dello scrittore francese più “incomodo” del ʻ900.

Lo spettacolo, prodotto dalla Fondazione Teatro Piemonte Europa in collaborazione con Musica 90, prosegue la tournée dal 21 al 26 al Palladium di Roma per poi terminare il 28 e 29 al Teatro Massimo di Cagliari.

Elio Germano, tra gli attori italiani più applauditi e originali del momento, legge ed interpreta lʼopera di Céline con la musica dal vivo di Teho Teardo, accompagnata al violoncello da Martina Bertoni. Ma il risultato va molto oltre la semplice "lettura scenica" con interventi musicali. Siamo di fronte a una sorta di concerto dove i suoni di Teardo (archi, chitarra e live electronics) si mescolano con la voce di Germano che diventa, grazie a effetti e manipolazioni, un vero strumento. Il tutto compone una partitura inedita che ripercorre il Viaggio di Céline per restituirci "uno spettacolo trasversale e popolare nel senso più alto - racconta Germano - che sta piacendo anche a chi non frequenta i teatri, che potrebbe essere visto sorseggiando una birra". La voce di Germano emerge dall'ambiente sonoro creato da Teardo, come il suo volto emerge dal buio della scena, per suggerirci nuove prospettive sulle disavventure di Bardamu, il disperato protagonista del romanzo, sul suo viaggio attraverso gli orrori della guerra, le tenebre delle foreste africane, la solitudine delle metropoli americane, l'alienazione delle catene di montaggio, a contatto con le debolezze e le miserie dell'uomo.

Legati, oltre che dallʼamicizia, anche da una solida affinità artistica, Teho Teardo ed Elio Germano hanno all'attivo molte altre occasioni di collaborazioni: nel recentissimo album di Teardo Music, film. Music è incluso il singolo Stanotte cosa succederà, testo e voce di Elio Germano; nel film Diaz di Daniele Vicari, che sarà presentato fuori concorso il 12 febbraio al Festival di Berlino e arriverà nelle sale italiane dal 13 aprile,

sono coinvolti come autore della colonna sonora e interprete nella parte di un giornalista.

Elfo Puccini, Sala Shakespeare 7 > 19 febbraio

Milano Tattoo Convention

2012-02-05T21:09:00.000+01:00

Come ogni anno ritorna l’appuntamento con il tatuaggio più internazionale d’Italia. Ecco dunque la Milano Tattoo Convention, la piattaforma di riferimento per tutti gli amanti dell’arte del tatuaggio, per ammirare da vicino volti leggendari e nuove creazioni nell’arte del tatuaggio, in uno scenario di trasformazione continua.

Un’unione di forze che si trasforma in una grande festa del tatuaggio, vero punto d’incontro tra i migliori artisti del mondo che si danno appuntamento per dar vita ad una manifestazione di altissimo livello.

Oltre duecentoventi artisti, provenienti da tutto il mondo e in rappresentanza di ogni stile di tatuaggio s’incontrano a Milano per una grande festa della creatività su pelle, in un continuo interscambio di informazioni e energie creative che coinvolge in maniera contagiosa anche il sempre numeroso pubblico presente.

Una cornice ideale per valorizzare le grandissime energie artistiche dei tatuatori presenti e per dare la giusta collocazione agli espositori. Un grande show che si rinnova ogni anno e che, anche per questa diciassettesima edizione, sa come dare il meglio ai visitatori e agli espositori. Tra gli eventi maggiori della tattoo-art europea, la XVII Milano Tattoo Convention occupa sicuramente un posto d’onore.

MILANO TATTOO CONVENTION

17^a edizione

10.11.12 FEBBRAIO 2011

Centro Congressi Quark Hotel

Via Lampedusa 11/A - MILANO

Con Paolo Rossi le Serate Pop di Delirio Organizzato per Milano

2012-02-05T21:02:00.000+01:00

Ogni sera un super ospite a sorpresa, improvvisazione, spontaneità, capacità di mischiare lingue e dialetti, dialogo con il pubblico, ma anche esercizio e studio sulla Commedia dell’Arte. Ecco cos’è lo spettacolo, dedicato alla città, Serate Pop di Delirio Organizzato, (in cui Pop sta per Popolari) con la Compagnia di Teatro Popolare, fondata da Paolo Rossi e dalla BabyGang. Dopo il successo di Povera Gente al Piccolo Teatro che ha dato il buongiorno all’era Pisapia, uno spettacolo per comprendere dove soffia questo “vento di rinnovamento” con speciali ospiti che Paolo Rossi e la Compagnia coinvolgeranno sul palco con ironia e spontaneità.
Una sarabanda di colori e suoni, in un esilarante susseguirsi di gag, quadri e personaggi ogni sera diversi, in base agli accadimenti del giorno, al tipo di pubblico, agli umori della Compagnia.

Il lavoro Serate Pop di Delirio Organizzato, nato come esito aperto al pubblico, momento finale dei laboratori, ha assunto pian piano la forma di uno spettacolo indipendente dal percorso pedagogico, in cui realtà e finzione s’incrociano nel pericolo e nel ridicolo, nell’ironia e nell’insensatezza.
La dimostrazione di un metodo, irriverente e dissacrante come nello stile della Compagnia, ma anche una grandissima prova sul mestiere dell’attore e sul suo significato oggi. Al centro dell’indagine della Compagnia del Teatro Popolare c’è naturalmente il vivere quotidiano, la povera gente, i luoghi comuni della nostra generazione, le ambiguità storiche che ormai accettiamo per verità assolute. Ed è così che gli attori della Compagnia, guidati dal capocomico Paolo Rossi, si scontrano e si incontrano con il pubblico per comprendere un po’ di più questa nostra Italia.

Serate Pop di Delirio Organizzato per Milano

Ideazione drammaturgica di Carolina De La Calle Casanova e Paolo Rossi / Con Paolo Rossi, Carolina De La Calle Casanova, Paolo Faroni, Marco Ripoldi e Valentina Scuderi e ospiti a sorpresa che porteranno “aria di cambiamento” / Musiche dal vivo di Francesco Arcuri / Produzione Compagnia BabyGang e Compagnia del Teatro Popolare

ATIR / dal 9 al 12 febbraio
Via Boifava 14 Milano

Per la prima volta in mostra le fotografie di Federica Brunini

2012-02-02T20:46:00.001+01:00

Saper raccontare è un'arte che richiede uno spiccato senso critico, capacità di analisi, sensibilità e fantasia, ma anche e soprattutto il piacere di ricreare e condividere le emozioni che una determinata esperienza ha impresso sul nostro spirito. E' indubbiamente uno spirito libero e curioso quello che anima Federica Brunini, giornalista e scrittrice di successo, che da anni si occupa di viaggi, costume e tendenze, alla ricerca di personaggi, storie e luoghi da vivere e raccontare. Vivace e instancabile globe-trotter, convinta che il confronto con l'ignoto sia la più preziosa delle opportunità per comprendere tanto il mondo esterno quanto la parte più profonda di noi stessi, ha trasformato il viaggio in una predisposizione d'animo costante, in uno stile di vita guidato dal desiderio di svelare le apparenze, di sovvertire verità consolidate, di riconoscere l'incanto e la poesia anche nel quotidiano. La scrittura e la fotografia consentono all'autrice di trattenere le impressioni e di rielaborarle, razionalmente, in un secondo momento. Come ogni buon narratore, ha il talento di saper delineare con pochi tratti incisivi personaggi e atmosfere lasciando tuttavia un certo margine di indefinitezza, in grado di esaltarne il fascino e il mistero.

Le fotografie selezionate per ombrebianche/animerosse rivelano un carattere introspettivo, un percorso di ricerca interiore che trae forza dal dialogo tra entità bipolari, realtà opposte ma mai antagoniste. Il titolo stesso, con la sua delicata e poetica ironia, invita a partecipare alla definizione di una dimensione nuova, complessa e articolata, che è possibile comprendere solo seguendo il suggerimento dell'autrice: procedendo per antinomie. Ecco allora affiorare alla nostra coscienza concetti ed emozioni legati all'anima, all'essenza che rende unica ciascuna persona, in contrapposizione all'ombra, che in termini fisici potremmo identificare come la parte meno caratterizzante dell'individuo. Il condizionale è d'obbligo, perché nulla esclude che si possa valutare la contrapposizione sul piano morale, attribuendo all'ombra un significato negativo. Da qui prende il via un gioco intellettuale ed emozionale che ci conduce ad osservare le opere ora singolarmente, ora accostate l'una all'altra, alla ricerca di quelle risposte che possano soddisfare i dubbi che sorgono progressivamente, e ad approfondire le nostre riflessioni su diversi piani di lettura. Il contrasto acceso dei colori, il bianco e il rosso che dominano contrastandosi, lascia affiorare in noi sensazioni legate ad esperienze passate, mentre i soggetti ritratti sembrano rivolgersi alla nostra razionalità.

Le fotografie sui toni del bianco raffigurano personaggi calati in ariosi e candidi paesaggi innevati. Sono immagini silenziose, di un lirismo delicato eppure intenso, che trasmettono un senso di pace ma anche di inquietudine. La morbidezza della sfocatura, che intenzionalmente ci impedisce di riconoscere luoghi e volti, sembra relegare la scena in un tempo remoto, nell'ambito del ricordo, in cui tutto appare indefinito e ovattato.

Anche nelle fotografie giocate sui toni del rosso il tempo è dilatato tanto da apparire quasi assente, ma lo spazio è definito con precisione e la realtà ci colpisce proprio per la sua vivacità. L'occhio si sofferma sui dettagli, indugia sulle superfici, cerca gli elementi di maggiore interesse per identificare e comprendere la scena che ci si presenta. Federica Brunini ci svela scene d'interno che racchiudono un racconto o, meglio, cattura la nostra attenzione mostrandoci il fotogramma di una vicenda che si svolge sulle note dell'incanto e della seduzione. Una giovane donna dai tratti nordici ci osserva, e si lascia osservare, consapevole del proprio fascino. Si mostra e si nega, lasciandoci nel dubbio e nell'incertezza ma inevitabilmente soggiogati dall'atmosfera intima e avvolgente: gli ampi tatuaggi sulla pelle chiara, la linea armoniosa del suo profilo, il foulard rosso che le trattiene i capelli biondi e la scarpetta d'oro languidamente abbandonata sul tappeto rivelano la fascinazione provata dall'autrice. Una fascinazione che, ora, ha conquistato anche noi.

Appassionata di viaggi e socio-antropologia, Federica Brunini lavora come giornalista per il settimanale Diva & Donna e ha scritto sulle pagine de L’Espresso, de Il Corriere della Sera, Vanity Fair, Traveller, Glamour, Gulliver. Per Diva & Donna ha monitorato le vicende dei reali d¹Inghilterra, finendo per appassionarsi. In particolare, ha seguito giorno per giorno la Kateide, la storia di Kate Middleton, futura regina borghese del Regno Unito, che le ha ispirato il romanzo Sarò Regina. La vita di Kate Middleton come me l’ha raccontata lei (Sonzogno).

Globe-trotter instancabile, ha vinto il Premio Neos Giovani come miglior giornalista di viaggi in Italia under 35 e ha pubblicato i libri Il manuale della viaggiatrice, Il piccolo libro verde del viaggio e Travel Therapy - Il viaggio giusto al momento giusto (Morellini).

Parallelamente, ha avviato una proficua carriera di fotografa, studiando negli Usa con professionisti del calibro di Jay Maisel e Joe McNally. In Italia, ha collaborato con il fotografo statunitense Bob Sacha realizzando il reportage Kitchen Stories. Sue fotografie sono apparse su Glamour, L’Espresso, Diva e Donna, Profili dell’Est. Sito personale: www.federicabrunini.com

ombrebianche/animerosse - Mostra personale di Federica Brunini

8 – 28 febbraio 2012

a cura di Emanuela Rindi

INAUGURAZIONE: mercoledì 8 febbraio, ore 19.00

Castelli Gallery

Via Cerano, 15 – 20144 MILANO

Orari: Tutti i giorni dalle 7:30 alle 23:45.

INGRESSO LIBERO

www.castelligallery.it

Al Teatro Carcano di Milano torna LA BOTTEGA DEL CAFFE’ di Goldoni

2012-02-02T20:43:00.000+01:00

Dopo il debutto la scorsa stagione al Teatro Comunale di Treviso, la produzione del Teatro Carcano La bottega del caffè ha affrontato una tournée che ha toccato, tra le altre città, Firenze, Trento, Brindisi, Bolzano, Brescia, la Spezia, Milano, Pavia. Nelle presente stagione, oltre alla rentrée al Teatro Carcano, lo spettacolo sarà a Vicenza, Mestre, Lodi, Novara, Trieste, Varese, Lamezia Terme. Grande il successo di pubblico e ottime le recensioni che hanno parlato di “allestimento senza leziosità e manierismi”(Corriere della Sera); “azione che scorre con il giusto ritmo; disegno dei personaggi nitido e preciso”(Avvenire), “sorprendente attualità della commedia”(Libero), “spettacolo goldoniano fino in fondo, tradizionale e innovativo insieme” (Studi Cattolici).

Punti di forza la regia – rigorosa e, nel contempo, discreta - di un esperto goldoniano come Giuseppe Emiliani; la recitazione dell’affiatata compagnia, con una menzione speciale per Antonio Salines, un Don Marzio campione di maldicenza e pettegolezzo; le scene di Guido Fiorato ispirate a quelle create dal suo maestro Emanuele Luzzati per l’indimenticata edizione del 1989 al Teatro Romano di Verona, protagonista Giulio Bosetti per la regia di Gianfranco De Bosio.

Andata in scena nel 1750, la commedia si svolge in una piazzetta di Venezia, sulla quale si affacciano tre botteghe: il laboratorio del barbiere, la bisca di Pandolfo e il caffé di Ridolfo. Uomo dabbene, che svolge il suo mestiere con passione ed onestà, Ridolfo si rammarica perché Eugenio, figlio del suo defunto padrone, è schiavo della passione del gioco che lo sta portando inesorabilmente alla rovina. Ma la vera rovina è l’inclinazione al pettegolezzo di Don Marzio, gentiluomo napoletano, il quale rivela subito che Eugenio ha impegnato con lui gli orecchini della moglie Vittoria e che fa segretamente visita a Lisaura, la ballerina protetta dal conte Leandro. Il giovane, alla mercè del biscazziere Pandolfo e dell’infido Leandro, non dà ascolto a nessuno e si occupa da un lato di ottenere i favori della ballerina, dall’altro di offrire protezione a Placida, una pellegrina giunta a Venezia in cerca del marito. Tutti i nodi verranno al pettine quando Eugenio, esaltato da una modesta vincita, offrirà una cena nelle stanze della bisca …

Protagonista della commedia è l’occhialetto, diabolico strumento, col quale Don Marzio, seduto al caffé, spia indiscretamente tutto e tutti, sforzandosi di vedere anche quello che effettivamente non è.

Ciò che caratterizza questo capolavoro goldoniano è l’estrema concretezza con cui sono fuse l’evocazione dello sfondo ambientale, il dipanarsi dell’intreccio imperniato su pettegolezzi, manie, stravaganze, imbrogli e finzioni, e il disegno geniale d’un carattere, quello di Don Marzio, prototipo di quei frequentatori di caffé che sanno di questo e di quello, che raccolgono notizie dalla voce degli altri e dalle gazzette per farsene portavoce, senza la cura di controllarle e di verificarne la fondatezza, mescolando verità e invenzione.

Al Teatro Carcano di Milano

da mercoledì 8 a domenica 19 febbraio 2012

Compagnia del Teatro Carcano

Antonio Salines Virgilio Zernitz Massimo Loreto

LA BOTTEGA DEL CAFFE’ di Carlo Goldoni

Scene e costumi Guido Fiorato - Musiche Giancarlo Chiaramello

Regia Giuseppe Emiliani

Personaggi e interpreti

Ridolfo, caffettiere Virgilio Zernitz; Don Marzio, gentiluomo napoletano Antonio Salines;

Eugenio, mercante Michele Di Giacomo; Flaminio, sotto il nome di Conte Leandro Elio Aldrighetti;

Placida, moglie di Flaminio in abito da pellegrina Alessandra Salamida; Vittoria, moglie di Eugenio

Cristina Sarti; Lisaura, ballerina Caterina Bajetta; Pandolfo, biscazziere Massimo Loreto;

Trappola, garzone di Ridolfo Enrico Bonavera;

Un cameriere di locanda che parla e Capitano dei birri che parla Stefano Cordella

Maurizio Solieri band in concerto al Legend 54Club

2012-02-02T20:41:00.000+01:00

La musica rock è stata la colonna sonora del mondo nella seconda metà del novecento, e non sembra invecchiare.

Musica dura, ribelle, spesso anarchica e irriverente, ha segnato la cultura, le scelte e la vita di molti di noi. Dai suoni violenti e rivoluzionari della chitarra di Jimi Hendrix alle smorfie dei Sex Pistols, dai mods impasticcati di Quadrophenia alle maschere grottesche dei Kiss, il rock ha segnato un solco profondo nella storia della musica.

Maurizio Solieri è il Rock Italiano. Chi può dimenticare l’assolo di Alba Chiara? La leggenda di Vasco non può prescindere dalla chitarra di Maurizio Solieri. E’ quel suono che ci ha fatto saltare sulla sedia nei lontani e vicinissimi anni settanta, quando il giovane dj Vasco Rossi cominciava a scrivere canzoni.

Sul palco del Legend 54 Solieri con la sua band ci racconterà tutto questo in una grande serata di rock’n’roll.

La Band

Maurizio Solieri – chitarra e voce

Lorenzo Campani - voce solista

Mimmo Camporeale - tastiere

Stefano Cappa - basso

Beppe Leoncini - batteria

Legend 54Club

Viale Enrico Fermi 98 – Milano

www.legend54.com

tel. 02 69901251

Prima Nazionale al Manzoni per Jannuzzo e il suo Cercasi Tenore

2012-02-02T20:37:00.000+01:00

Importante sforzo produttivo della Fenice che segna questa fase storica di trasformazione del teatro italiano; la produzione non cede alla tentazione di spogliare il teatro della magia della messa in scena in nome del momento di crisi e investe in un progetto intelligente e in qualità su tutti i piani della produzione: la scelta di un cast di eccellenza, bellissime scenografie, importanti costumi, luci firmate da un famoso creatore, regia moderna ed allo stesso tempo di grande attenzione alla tradizione del teatro.

“Cercasi tenore”, spettacolo che si preannuncia come l’evento comico dell’anno, riporta in Italia un testo che a Broadway è rimasto in scena ininterrottamente per due anni. Non sempre questo è elemento di certezza per il pubblico italiano ma in questo caso, sia la stampa che gli spettatori hanno attribuito a questa messa in scena il medesimo plauso.

Gianfranco Jannuzzo, attore dalle grandissime capacità istrioniche, mostra tutta la sua forza teatrale in un personaggio nuovo, diverso da quelli che lo hanno reso celebre e amatissimo dal pubblico. Un personaggio esilarante, scritto con incredibile ironia in una partitura drammaturgica in cui, l’attore siciliano, mostra tutto il suo grande talento e una faccia molto interessante.

Milena Miconi, stupirà il pubblico non solo per la sua bellezza,ma per la bravura e la capacità di far ridere e coinvolgere in iperboliche situazioni gli spettatori. Un cast di attori di grande esperienza corona questo spettacolo che lascia senza fiato per le continue risate e l’avvicendarsi di una storia concertata con incredibile perfezione drammaturgica.

Nicola Rubertelli, scenografo del teatro lirico San Carlo di Napoli e del Petruzzelli di Bari, che ha firmato gli allestimenti televisivi degli spettacoli su De Filippo curati da Massimo Ranieri, disegna una scenografia raffinatissima e molto intrigante.

Franco Ferrari, reduce dall’aver illuminato la mostra su Zeffirelli e il Duomo di Milano, esalta con le sue luci magiche la bravura degli attori e la bellezza della scenografia.

I costumi sfarzosi di Dora Argento seguono rigorosamente un’epoca molto sensuale e rappresentano il piacere di questo spettacolo.

La regia di Giancarlo Zanetti è di grande attenzione al testo e restituisce una messa in scena intrigante in cui si ride e contemporaneamente si apprezza la dedizione al teatro di qualità. Sua è anche la produzione, un segno preciso, con cui ha voluto mettere in scena non solo una bella rappresentazione piena di divertimento e classe ma anche sottolineare come il teatro, in un momento di crisi come questo che drammaticamente sta attraversando, debba investire in progetti e in qualità.

La storia: siamo negli anni ’30, la vicenda ruota attorno a Max aspirante ed incerto cantante lirico che in qualità di assistente affianca un direttore senza scrupoli di teatro d’opera di provincia. Grandi fermenti agitano gli animi dei protagonisti per l’arrivo di un tenore di fama mondiale di rara bravura, tanto da essere soprannominato “lo stupendo”, che interpreterà Otello. Cosa accade però quando a poche ore dallo spettacolo il grande artista soccombe ad un potente mix di alcool e sedativi?? Tutto precipita in un esilarante vortice di fraintendimenti, scambi di persona, doppi sensi mal interpretati, vulcaniche gags che strappano allo spettatore risate a non finire.

Al Teatro Manzoni dal 7 al 26 febbraio

Fenice srl presenta

GIANFRANCO JANNUZZO

CERCASI TENORE

di Ken Ludwig - traduzione di Lilla Picciotto

con la partecipazione di MILENA MICONI

Federico Pacifici, Claudia Coli, Tiziana Bagatella, Fabrizio Apolloni,

Rodolfo Medina, Stefania Papirio

scene Nicola Rubertelli - costumi Dora Argento

musiche Luciano Francisci – light designer Franco Ferrari

Regia Giancarlo Zanetti

Nono Concorso Nazionale RICICL'ARTE - ideare, creare, fare con materiali di recupero

2012-02-02T20:32:00.001+01:00

CONCORSO NAZIONALE “RICICL’ARTE” ideare, creare, fare con materiali di recupero

indetto dall’Amministrazione Comunale di Bresso – MI in collaborazione con l’Associazione Culturale Giò.CO.RE.

La partecipazione è aperta e gratuita a tutti i cittadini maggiorenni di ambo i sessi.

Consegna delle opere entro il 29 febbraio 2012 – h. 12 presso il Palazzo Comunale Via Roma, consegnata a mano o per posta.

Premi offerti dalle aziende KEO Project e GREEN Projects.

Regolamento e modulo di partecipazione sul sito del Comune www.bresso.net – menù eventi.

Oppure manda una e-mail all’Associazione Giò.CO.RE. asscult.giocore@tiscali.it o visita il sito www.giocore.it

Per info 339.8771649

Un viaggio nel tempo dello spettacolo per Massimo Lopez

2012-02-02T20:30:00.000+01:00

Un viaggio nelle “varie – età” dello spettacolo che hanno lasciato tracce indelebili nel tempo, rivisitate in un repertorio musicale dove il jazz e lo swing, nel quale Massimo Lopez veste bene le caratteristiche di cantante crooner, si fondono in una gradevolissima sequenza di indimenticabili evergreen americani ed italiani dagli anni ’30 ai giorni nostri eseguiti con l’accompagnamento della Big Band Jazz Company ed i pregevoli arrangiamenti del Maestro Gabriele Comeglio che da molti anni affianca l’artista nelle sue scelte musicali.

Uno spettacolo scritto a “cinque” mani dai due fratelli Lopez: Massimo ed Alessandro, un binomio indissolubile e collaudato per evidenziare ancora in questa nuova produzione teatrale le straordinarie doti canore di Massimo Lopez in un nuovo repertorio di canzoni, la simpatia, l’eleganza e la comicità. Alcune pagine “amarcord” interpretate in estemporanei colpi di scena evocheranno varie - età del cinema, della radio e della televisione. Tra gli ingredienti fondamentali per completare questo Massimo Lopez show non mancheranno divertenti monologhi ed imitazioni, con scorci di attualità.

Quindi uno show vario e brioso fatto anche di interazioni con gli elementi dell’orchestra, il cast ed il pubblico stesso nel quale l’artista troverà spazi per raccontarsi nelle sue “Varie-Età”.

Massimo Lopez, torna a firmare la regia di un suo spettacolo lasciando lo spazio necessario ad un pizzico di sogno e imprevedibilità per favorire le sue ottime qualità di improvvisazione scenica.

Dal 7 al 19 febbraio 2012

TEATRO NUOVO

MASSIMO LOPEZ

in

VARIE ETA’

Spettacolo musicale di Massimo e Alessandro Lopez

ONE MAN SHOW CON BAND DAL VIVO

regia di Massimo Lopez

A Teatro Nuovo il 6 febbraio è in scena Rent, il musical

2012-02-02T20:27:00.000+01:00

Rent (Affitto) è un musical rock scritto da Jonathan Larson e liberamente tratto dall'opera La Bohème di Giacomo Puccini.

L'opera racconta le vicende di un gruppo di artisti e musicisti newyorkesi che, nonostante una cronica mancanza di soldi, cercano di portare avanti le loro attività artistiche. Sullo sfondo di una società sempre più consumistica, Rent affronta tematiche di alto valore sociale. L'amicizia e l'amore, ma anche la discriminazione razziale, la droga, l'omosessualità e la lotta all'AIDS costituiscono i motivi guida di un musical intenso che riesce a divertire, commuovere e far riflettere gli spettatori.

L’Associazione culturale “FROG – Florence Rock Opera Group” nasce nel novembre 2001, su iniziativa di un gruppo di musicisti fiorentini, con l'intento di formare una compagnia dedita all'allestimento di rock opera e musical. Nel 2004 il gruppo diventa associazione culturale.

Il primo allestimento del FROG è Jesus Christ Superstar, l'opera forse più nota del compositore inglese Andrew Lloyd Webber, autore anche di musical del calibro di Cats, Evita e il Fantasma dell'Opera.

L'allestimento, per la regia di Matteo Marsan e le coreografie di Federica Faldi e Chiara Fiaschi, viene portato in scena per quattro anni dal 2002 al 2006.

Con un cast formato da quasi 40 persone fra musicisti, cantanti, corpo di ballo e attori, lo spettacolo ottiene un grande successo di pubblico e critica, totalizzando complessivamente più di 5000 spettatori e arrivando in luoghi come il Teatro Puccini e il Teatro Cantiere Florida a Firenze, il Politeama Pratese, l'Arena Centrale alla Festa de L'Unità alla Fortezza da Basso e il Teatro Comunale di Castelnuovo Berardenga.

Nel 2008, ormai conclusa l'esperienza di JCS, la compagnia inizia l'allestimento di Rent.

Il progetto FROG

Il progetto FROG parte dall'allestimento originale del musical, replicandone fedelmente le musiche e le atmosfere, ma sposta l'azione nel tempo e nello spazio per attualizzarla e svincolarla dalla location newyorkese dell’opera originale.

Il testo in inglese viene tradotto in lingua italiana, sia per quanto riguarda la parte recitata che per le canzoni. L'ambientazione, situata originariamente a New York negli anni '90, viene spostata nella periferia di una non identificata metropoli e collocata nel presente. Pur mantenendo lo spirito originale, le caratterizzazioni dei personaggi e i temi sociali trattati vengono modificati per adattarsi maggiormente alla nostra cultura e alla nostra società, in modo che lo spettatore possa meglio comprendere e meglio immedesimarsi nella trama del musical.

I temi dominanti dell'opera, amicizia, precarietà del lavoro, tossicodipendenza e malattia, sono temi universali legati alla giovane età dei protagonisti, nella New York degli anni '90 così come nella Milano, Parigi o Londra di questo inizio secolo. Per questo motivo la Frog vorrebbe avvicinare questi temi agli spettatori, inserendo anche quello della multi etnicità ed integrazione razziale, allestendo uno spettacolo che rappresenti maggiormente la nostra realtà “locale”.

Lo spettacolo sarà diretto da Fabrizio Checcacci, alla sua terza regia, apprezzato come performer in alcuni dei più grandi musical degli ultimi anni come Sister Act, Mamma Mia, Tosca, Jesus Christ Superstar, Pinocchio, Moulin Rouge, Beggar’s Opera, Joseph e la strabiliante tunica dai sogni in technicolor.

Nell’idea di regia, la parte musicale ha un ruolo fondamentale: eseguita dal vivo, fedele agli arrangiamenti originali (ancora attualissimi), e soprattutto vera protagonista dell’opera.

A porte chiuse di Sartre ritorna a Teatro Oscar

2012-02-02T20:21:00.001+01:00

Dopo il grande successo della scorsa stagione torna A PORTE CHIUSE (Huis Clos) di Jean-Paul Sartre: dall’1 al 19 febbraio 2012 al Teatro Oscar di Milano, per la regia di Virginio Liberti e l’interpretazione della compagnia PACTA dei Teatri.

A PORTE CHIUSE (1944) è una delle opere di maggior successo del teatro di Sartre dove si discutono grandi questioni contemporanee attraverso personaggi presi in situazioni limite la cui sfida è sempre la libertà, la responsabilità, il senso dell’esistenza.

Teatro Oscar
dall’1 al 19 febbraio 2012 A PORTE CHIUSE (Huis Clos) di Jean-Paul Sartretraduzione Massimo Bontempelli
dramaturg Paolo Bignamini
regia Virginio Liberti
con Annig Raimondi (INES), Maria Eugenia D’Aquino (ESTELLE), Riccardo Magherini (GARCIN)

Teatro Oscar, Via Lattanzio 58, 20137 Milano

Al Teatro Carcano di Milano Elena Bucci e Marco Sgrosso in ANTIGONE ovvero Una strategia del rito

2012-01-27T16:46:00.003+01:00

Dal 31 gennaio al 5 febbraio sarà in scena al Teatro Carcano di Milano la nuova produzione CTB Teatro Stabile di Brescia in collaborazione con Le Belle Bandiere ANTIGONE ovvero Una strategia del rito da Sofocle. Elena Bucci e Marco Sgrosso ne sono gli interpreti principali, oltre a firmarne il progetto e l’elaborazione drammaturgica. Elena Bucci, in collaborazione con Sgrosso, ne è anche regista. Le Belle Bandiere, compagnia fondata nel 1992 da Bucci e Sgrosso, attori del nucleo storico del “Teatro di Leo” di Leo de Berardinis con il quale hanno lavorato dal 1985 al 2001, si distingue per la rilettura di testi classici in chiave contemporanea attraverso l’utilizzo di un linguaggio teatrale vicino alla sensibilità del nostro tempo. Tra i numeroso riconoscimenti ottenuti nel corso degli anni, il premio UBU 2000 a Elena Bucci come miglior attrice non protagonista per gli spettacoli Le regine e Riccardo III di Claudio Morganti e il premio “Altre muse” 2007 della rivista teatrale Hystrio per l’attività della compagnia.

Con l’allestimento di Antigone Le Belle Bandiere affrontano per la prima volta la tragedia greca, dopo gli apprezzatissimi lavori su testi di Shakespeare, Ibsen, Brecht e Goldoni: una scelta scattata sia per la necessità di ritrovare le fonti di un pensiero etico e politico che pare sbiadirsi di giorno in giorno, sia per il desiderio di tornare a riflettere sul mito come strategia di comunicazione che unisce e crea una comunità. Lo spettacolo ha debuttato al Teatro Sociale di Brescia il 10 gennaio scorso.

Circoparola per voce attrezzi e tendini, uno spettacolo in cui i numeri circensi non sono solo quelli degli attrezzi e dei corpi, ma anche quelli delle parole

2012-01-27T15:32:00.001+01:00

Dopo il successo al Piccolo Teatro, la compagnia veneziana Pantakin Circo Teatro torna a Milano con la nuova produzione 2011: dal 31 gennaio al 12 febbraio al Teatro Leonardo da Vinci sarà in scena Circoparola per voci attrezzi e tendini, uno spettacolo in cui i numeri circensi non sono quelli degli attrezzi e dei corpi, ma anche quelli delle parole, scritte per loro dal premio Strega Tiziano Scarpa.

Il circo è certamente il luogo ideale se vogliamo parlare di sfide. Sfidano la forza di gravità il giocoliere, il funambolo e l’acrobata sul trapezio; sfidano la natura le posizioni di un contorsionista e sfidano il giudizio del pubblico i clown che cercano di strappare un sorriso. A queste molteplici sfide la Compagnia ha voluto aggiungerne un’altra: la sfida di introdurre in uno spettacolo circense una drammaturgia punteggiata da dei testi che portano l’attore e la sua voce a confrontarsi con la forza dell’immaginario circense.

Il tentativo di fare incontrare, scontrare e – perché no?! – comunicare l’immaginifico circense con la concretezza della parola e dunque della voce, nascono nell’intento di raggiungere il pubblico ad un livello più articolato e profondo, non più classificabile in generi teatrali e settori, bensì spettacolo di per sé, esperienza.

A Teatro Libero Un seminario "al buio" sulla sensorialità, sull'attivazione della percezione e dell'immaginazione

2012-01-27T15:28:00.000+01:00

Prima o poi, a chiunque succede di rendersi conto improvvisamente che la realtà è diversa da come pensava solo fino a qualche istante prima. Basta un attimo di lucidità in più, uno stimolo che si interpone tra il nostro sguardo e la realtà e tutto cambia aspetto.

E' in quel momento che ci rendiamo conto che, fino ad allora, eravamo ciechi, che avevamo chiuso gli occhi per non vedere, che eravamo rimasti indifferenti, che avevamo scelto di non prestare attenzione.

Come accade a Edipo, che per una vita continua a cadere vittima del suo destino commettendo i delitti più inumani, senza mai accorgersene e anzi scagliandosi contro i colpevoli per poi scoprire, con terribile sorpresa, che il colpevole non era che lui stesso.

Il mito di Edipo si fa perfetto tramite, in questo laboratorio “al buio” condotto a Milano da Corrado Calda il 4-5 e 11-12 febbraio, per attivare quelle che nell'attore sono le qualità imprescindibili: i sensi e l'immaginazione.

Eppure, queste sono capacità che non interessano solo l'attore, ma chiunque voglia guarire dalla cecità interiore, allenando lo sguardo all'attenzione e alla profondità.

Il seminario prende spunto dal celebre testo di Sofocle 'Edipo Re'.

Il lavoro svolto con i partecipanti si pone come obiettivo il tentativo di destrutturare Tebe e ricostruirla come luogo oscuro e fantastico, un labirinto immaginario dove il coro dei Tebani si intreccia tra Mito, Rito e Gioco.

Non un percorso quindi ma un caos, non una strada ma una perdita di direzione.

E arriva il buio, quindi (nel quale vive Tiresia, e nel quale si costringerà a vivere Edipo...) che da ostacolo apparente si trasforma in strumento salvifico e meraviglioso per affinare e sviluppare la percezione dei sensi e l'immaginazione.

Nel buio l'istinto diventa l'unica possibilità di 'esserci'.

La prima parte del seminario è dedicato allo studio dello spazio, su come possa cambiare e adattarsi alla storia che vogliamo raccontare utilizzando il corpo e la memoria percettiva degli attori.

Successivamente, verranno prese in considerazione le figura di Edipo e di Giocasta, abitanti di un intricata e buia realtà; lavoreremo sulla possibilità di decodificare il corpo tramite l'oscurità, cercheremo di analizzare le due figure partendo da un teatro per immagini fatto di ombre e silenzi.

Una profonda esperienza sensoriale, inserita in un'insolita situazione teatrale, che vuole arrivare al personaggio e al testo attraverso il corpo, i sensi e l'immaginazione.

4-5 e 11-12 febbraio 2012

Seminario di recitazione sviluppato su due weekend

Buio, sensi, immaginazione

seminario sensoriale attraversando Edipo Re di Sofocle

docente: Corrado Calda

QUOTA

€ 200 + € 10 di quota associativa

ORARIO

10:00-19:00

Magda Palazzi - “Deliziosamente artefatta. In viaggio per il mondo sul corpo di una donna”

2012-01-24T20:46:00.000+01:00

Da sempre amante della sensualità e dell’arte che ne esalta e interpreta i diversi aspetti, Angélique DeVil presenta “Deliziosamente artefatta: in viaggio per il mondo sul corpo di una donna”, un itinerario tra sogno e realtà nell’originale interpretazione artistica di Magda Palazzi.

L'idea dell'artista-fotografa nasce dal desiderio di esplorare il mondo attraverso le linee del corpo, che diventa così un mezzo narrativo: attraverso i tatuaggi si fonde con una cultura differente per entrare in contatto con il ‘lontano’.

Da Oriente a Occidente, le tradizioni e i colori del passato si mescolano alla realtà dei nostri tempi, impressi sul corpo come verità indelebili, caricando la figura femminile di una sensualità che non conosce confini.

Dopo il successo de “Le bambole dell’Oblio” del 2010, Magda Palazzi e Angélique DeVil replicano l'incontro creativo all’insegna della sensualità.

Vernissage Giovedì 26 gennaio 2012 dalle 18.00 alle 21.00 in via Cerva 7 a Milano.

DAL VIVO meditazioni e versi sotto le stelle di Roberta De Monticelli

2012-01-23T21:33:00.000+01:00

“Libretto di versi e meditazioni al vocativo” come lo definisce la stessa autrice, “lettere a un figlio, a un padre, all’erba, ai grilli e a Dio”.

Questa lieve meditazione sui giorni vivi di un’esistenza alterna ai ritmi cantabili dei versi il filo di una prosa che si fa riflessione, interrogazione, pensiero. Tre «immagini del vivo» – l’albero, la città, il deserto – scandiscono i momenti del racconto e quasi di una progressiva scoperta (o rivelazione?) dell’esistenza quando si fa viva, offrendo forme e idee a questa ricerca della segreta unità dei giorni della vita.

L’autrice di questo libro, appena ripubblicato dopo 10 anni dalla sua prima edizione, è Roberta De Monticelli, già docente di Filosofia moderna e contemporanea all’Università di Ginevra, attualmente titolare di Filosofia della Persona presso l’Università Vita e Salute San Raffaele, esperta di filosofia fenomenologica, filosofa quindi ma anche poetessa e impegnata nella ricerca linguistica e letteraria-tra le sue opere recenti “La questione morale” pubblicato nel 2010.

Dal Vivo indaga attraverso racconti, poesie, considerazioni e meditazioni, la pienezza dei momenti in cui veramente ci è dato “essere vivi, condizione opposta a quella del vivere e che sta al vivere come la grazia alla natura”, citando le parole dell’autrice.

Dare voce alle parole di Roberta De Monticelli, portare su di un palcoscenico, luogo “del vivo” per eccellenza e che si sostanzia e si nutre anch’esso, per propria peculiare natura, essenza e vocazione, di ciò che è vivo, è una magnifica occasione per adempiere pienamente a quello che è per me il fine ultimo del teatro: dare un nome e una casa alle cose impalpabili che stanno nell’aria,riflettere collettivamente- insieme -su ciò che è umano e che ci rende umani .

DAL VIVO

meditazioni e versi sotto le stelle

di Roberta De Monticelli

regia e interpretazione Elisabetta Vergani

produzione FARNETO TEATRO

dal 25 al 29 gennaio 2012

Teatro Oscar – Milano

Progetto DonneTeatroDiritti

Le Migrazioni di Maurizio Bottoni alla Frigerio Gallery

2012-01-19T22:08:00.001+01:00

La Barbara Frigerio Contemporary Art presenta al pubblico milanese, direttamente dalla 54a Biennale di Venezia, l’ultima “fatica” di Maurizio Bottoni, dal titolo “Migrazioni”.

Un dipinto che sembra racchiudere la passione e la “maniera” di un vero maestro dell’arte pittorica dei nostri giorni, che ritorna ad uno dei suoi temi più cari, quello della rappresentazione degli animali.

E lo fa descrivendo il volo di decine di specie di uccelli, racchiusi in un unico stormo, costretti a fuggire lontano, a causa della distruzione e dell’incuria provocata dal genere umano.

Un messaggio di denuncia affidato ad un dipinto di grande intensità, una sorta di catalogazione faunistica, verrebbe da dire ad un primo sguardo, data anche la dovizia di dettagli e la precisione anatomica di ogni singolo esemplare, ma questo è soltanto il lato più tecnico ed esteriore di un‘opera, dall’atmosfera sognante e ricca di poesia, dove l’attenzione per il dettaglio non travalica mai in un fredda ripetizione della realtà, ma avvolge chi guarda, trasportandolo in una dimensione altra, forse più vicina al sogno che alla realtà.

Fino al 12 febbraio

Barbara Frigerio Contemporary Art

Via Fatebenefratelli, 13

Antonio Cornacchione si domanda se "Silvio C'è?" a Teatro Nuovo

2012-01-19T21:52:00.000+01:00

Prima o poi doveva succedere.

A quattro anni di distanza dal fortunato spettacolo “Povero Silvio” Cornacchione torna a lavorare con e per il nostro Presidente del Consiglio Silvio Berlusconi.

Dopo anni di sodalizio e successi il loro rapporto che pareva essere entrato nelle secche dell’abitudine e dell’ordinario si è di nuovo infiammato e rafforzato.

La stessa dinamica intercorsa tra Silvio e gli Italiani.

Berlusconi e Cornacchione hanno stretto un patto di mutuo soccorso e in questo momento quello che ha più bisogno di aiuto è senz’altro il Premier.

Per questo l’amico Cornacchione ha deciso di scendere di nuovo in campo, armato solo di amore e di carità, per difendere Silvio dai cattivi che non gli vogliono bene e per far trionfare le armate del Bene contro le orde del Male.

Dove hanno fallito i suoi avvocati e suoi tanti portavoce, Cornacchione vincerà, grazie alla sola forza dell’Amore.

Silvio Berlusconi e Antonio Cornacchione si ritrovano insieme sullo stesso palcoscenico, grazie a “Silvio C’è?” il nuovo spettacolo del comico milanese.

Ma questa volta il gioco si fa raffinato. Se Berlusconi cerca di fare un passo indietro, di spegnere i riflettori accesi su di lui per non personalizzare la politica e soprattutto per non far coincidere troppi processi sulla sua persona, allora è necessario rispettare la sua scelta e parlare di tutto pur di non parlare di lui.

E allora si parla di gossip con Daddario &Co, di “informazione” di Vespa e Minzolini, di Brunetta e alla fine Berlusconi non è che uno degli ingredienti dello spettacolo dedicato a lui. Un’ora e mezza di confronto strabico con la realtà italiana, raccontata e cantata da Cornacchione e musicata da Carlo Fava, solida figura del teatro canzone, amabile chansonnier, campione italiano in carica degli imitatori di Joseph Ratzinger. I due complici duettano su massimi e minimi sistemi, rileggendo con ironia i tempi curiosi che andiamo vivendo.

Temi di scottante attualità, trattati con lo sghignazzo complice di due vecchi amici (tre, contando Silvio) che si cantano addosso, si parlano addosso, si criticano addosso, lavorando con autoironia sui rispettivi difetti. Così Antonio insegna a Carlo come uscire dalla nicchia della musica d’autore e Carlo suggerisce ad Antonio i segreti dei vari Telegiornali partendo dalla loro musicalità interiore.

Per finire con un omaggio al grande Giorgio Gaber, con un pezzo più che mai attuale.

“Silvio c’è” è uno spettacolo che non fugge dall’attualità, ma la affronta perché in fondo l’attualità… è solo la storia da piccola.

Per chi comprende che tutto deve cambiare perché nulla cambi, che la flessibilità nel lavoro è solo la richiesta di mettersi a novanta gradi... che la posizione della Chiesa sugli anticoncezionali è “l’uomo sul letto e la donna a duecento chilometri di distanza”.. .

Per chi, in fondo, sa che nei periodi più bui è sempre confortante accendere la luce e scoprire il volto di un buffone. Magari con un cantautore di fianco.

“Silvio c’è?”: notizie , canzoni, fannulloni, religione, telegiornali, fotografie, cazzate. Non necessariamente in quest’ordine.

Perché Silvio c’è, come Dio. Però anche ci fa.

Lunedì 23 gennaio 2012 - TEATRO NUOVO

ANTONIO CORNACCHIONE

SILVIO C’È?

testi di Antonio Cornacchione, Marco Posani e Luca Bottura

Canzoni di Carlo Fava e Gianluca Martinelli

con

CARLO FAVA

Ristruttura: una mostra collettiva incentrata sulle nuove architetture emotive proposte da un gruppo di giovani artisti che lavorano con video e fotografia.

2012-01-19T21:41:00.001+01:00

ProjectB presenta nel suo spazio di Via Borgonuovo a Milano, Ristruttura: una mostra collettiva curata da Lorenzo Durantini in collaborazione con ProjectB, incentrata sulle nuove architetture emotive proposte da un gruppo di giovani artisti che lavorano con video e fotografia.

In mostra le opere di una nuova generazione che, attraverso elaborazioni fotografiche e immagini video, affronta il tema della ‘Struttura’ come strumento per riconoscere l'intervento artistico attraverso mezzi tecnologici che spesso nascondono la “mano dell'artista”. Esplorando il rapporto tra il corpo e l’intervento artistico, gli artisti sembrano quasi voler rielaborare una nuova versione del concetto di “corpo” diffuso nel Rinascimento: non luogo d’osservazione soggettiva, bensì mezzo per calibrare il proprio lavoro.

Ognuno di loro interviene con un gesto artistico a volte impercettibile, altre volte tangibile nell'opera, attraverso l’intersezione di scultura, performance e installazione mediati dall’obiettivo.

Gli interventi passano dal poetico, come nel progetto di Noémie Goudal Haven Her Body Was che riprende una poesia di Goethe, allo storico/critico come nei Cubes for Albers and Lewitt di Jessica Eaton. Il riferimento però non diventa mai fine a se stesso, bensì luogo di partenza per la creazione di ricerche autonome che si arricchiscono tramite il dialogo con la storia dell'arte contemporanea.

A Teatro Nuovo L'Apparenza Inganna con Tullio Solenghi e Maurizio Micheli

2012-01-16T22:05:00.000+01:00

Contabile diligente e uomo mite senza qualità, François Pignon lavora per un’azienda di produzioni derivanti dal caucciù, preservativi in primis. Sfortunatamente, è stato deciso il suo licenziamento,

la qual cosa, unitamente al divorzio dalla bella moglie di cui è ancora innamorato e al fatto che il

figlio diciassettenne non lo considera minimamente, lo porta a contemplare il suicidio.

Il suo vicino lo ferma in tempo, dando via a una serie di eventi che cambieranno totalmente la sua vita e persino il suo carattere: il primo passo è quello di fingersi gay, in modo da spingere la dirigenza a non procedere al licenziamento per paura di mobilitare la associazioni omosessuali.

L'idea per quanto assurda ha successo su tutti i fronti e ribalta completamente le sorti del povero Pignon, in ufficio, nella società e anche nella vita privata, trasformandolo da oscuro contabile a icona del movimento omosessuale, con tutte le esilaranti conseguenze del caso

Tratto dall'omonimo film francese del 2000 (titolo orginale: Le placard), L'apparenza inganna riporta in scena per la quinta volta il personaggio di François Pignon inventato da Veber nel 1973 con la pièce teatrale L’emmerdeur (in italiano Il rompiballe), successivamente portata sul grande schermo da Edouard Molinaro.

A dieci anni da L’emmerdeur, nell'83 Pignon è di nuovo protagonista di Les compères (in italiano Noi siamo tuo padre, da cui viene tratto il remake americano del '97 Due padri di troppo del regista Ivan Reitman). Nell'86 ritorna con Les fugitifs (Due fuggitivi e mezzo), da cui viene tratto due anni dopo un altro remake negli USA, In fuga per tre, diretto dallo stesso Veber.

Nel 1998 il ridicolo personaggio inventato da Veber torna nuovamente alla ribalta con Le dîner de cons (La cena dei cretini), un successo internazionale prima nei teatri e poi nei cinema di tutto il mondo. Dopo Le placard, Pignon ricompare in La doublure del 2006 (Una top model nel mio letto). Nel 2008 è uscito in Francia un remake de L’emmerdeur nuovamente diretto da Veber.

Al Teatro Carcano di Milano Lella Costa in ARIE

2012-01-16T22:00:00.003+01:00

Con i suoi appassionati monologhi, Lella Costa arriva direttamente al nostro cuore e alla nostra intelligenza. La sua affabulazione incalzante scandaglia l’animo femminile con il suo bagaglio di sfide, fatiche, dolore, leggerezza, rabbia, contraddizioni.

Il suo ultimo lavoro – ARIE – arriva a Milano, al Teatro Carcano, dal 18 al 29 gennaio dopo il debutto al Teatro Petrella di Longiano (Forlì/Cesena) a febbraio 2011 e una lunga tournée.

Il conseguimento a marzo 2010 del premio “Una vita per la musica” da parte degli Amici del Conservatorio di Milano (premiate, insieme a lei, Luciana Serra e Liliana Cosi), motivato con il riconoscimento della centralità dell’elemento musicale nei suoi spettacoli, ha ispirato a Lella Costa una rivisitazione dei suoi copioni, da Traviata a Alice, da Ameto a Stanca di guerra e altri, per verificare se davvero in ognuno di essi ci fosse, più o meno esplicito, più o meno consapevole, qualcosa “che aveva a che fare con la musica”. La risposta è stata un bel sì netto: c’era la costante presenza della musica non solo come semplice colonna sonora, ma proprio come voce altra, come interlocutore e comprimario e complice di palcoscenico. C’erano anche, in ogni testo, brani costruiti con una scansione metrica che li rendeva molto più simili a uno spartito che a un copione, a un assolo che a un monologo.

In aggiunta a ciò, il privilegio di lavorare con musicisti in carne e ossa, sul palco e in sala d’incisione, nomi di prima grandezza come Paolo Fresu, Stefano Bollani, Rita Marcotulli, Danilo Rea, Antonello Salis, senza trascurare incursioni nella musica classica con Ruggero Laganà, Giorgio Mezzanotte, Rosetta Cucchi.

Spettacoli come piccole romanze recitate, quindi. Arie. Riproporle, oggi, non vuole essere soltanto una sorta di rivisitazione antologica, ma anche e soprattutto un’occasione per cucire insieme momenti in apparenza lontani e diversi e magari scoprire che effettivamente un filo che li unisce c’è, ed è saldo, e regge al tempo e all’usura.

MIGRANT WORKERS JOURNEY - Le foto di Michele Palazzi & Alessandro Penso alla Galleria San Fedele

2012-01-16T21:58:00.000+01:00

Un tempo sarebbero stati chiamati schiavi, oggi vengono definiti clandestini o lavoratori stagionali. Ma lo sfruttamento è rimasto lo stesso e non hanno nessuna voce, nessun diritto. Neanche quello di ammalarsi o di farsi curare in ospedale perché, se privi di permesso di soggiorno, rischiano fino a quattro anni di carcere. Ogni giorno devono procurarsi un lavoro nei campi, spostandosi dal Sud al Nord Italia. Raccolgono meloni, pomodori, olive e arance per 25 euro al giorno, poi devono sparire dentro abitazioni di fortuna e cercare di sopravvivere malgrado tutto. Nonostante le botte dei caporali che gli danno o gli tolgono il lavoro, nonostante i tuguri dove sono costretti a vivere, nonostante la sporcizia, l’avvilimento, la solitudine e lo sconforto. E’ questo che ci mostrano le immagini nitide e dirette di Michele Palazzi e Alessandro Penso: la condizione degli immigrati che lavorano come stagionali nei campi della Basilicata, della Calabria e della Puglia, ma anche e soprattutto la loro devastante disperazione. Una disperazione che emerge con forza, immagine dopo immagine, proprio perché nell’approfondita ricerca di questi due autori non c’è nessun pietismo, nessun tentativo di ostentare il loro dolore, di sottolineare la drammaticità delle condizioni di vita di queste persone considerate non persone. Le loro immagini si limitano a mostrare, con serietà e rigore, dove vivono e lavorano questi immigrati irregolari. E proprio per questo ci rivelano la nostra crudeltà, le nostre responsabilità collettive protese a non sapere, non capire, non immaginare. Perché l’unica domanda che ci facciamo è sempre: “Ma quanti saranno gli stranieri immigrati in Italia?”. E invece non ci chiediamo mai: “Chi sono, come li obblighiamo a vivere a causa delle nostre leggi, da dove vengono e perché hanno voluto o dovuto lasciare il loro paese?”.