La medusa nos cuenta la historia de Odette, una joven independiente, que trabaja en una librería y acaba de conocer a una chica que le gusta mucho. Sólo tiene una pequeña preocupación: una mancha en su visión a la que ella llama “una medusa” y que insiste en enturbiarle la vista cada vez más.

Es difícil de hablar de La medusa sin hacer spoiler, porque, además, ese spoiler no es tanto de la trama como del original hallazgo narrativo que utiliza la autora para ilustrar la historia de Odette. Por tanto, me da mucha rabia, pero no comentaré lo que me parece sin duda lo mejor y más original de esta novela gráfica, aunque sí puedo decir que tiene todo el sentido y que hace que el lector pueda ponerse en el lugar de la protagonista casi literalmente. Pocas veces la empatía con el protagonista ha sido mejor usada que en este cómic.

Pero sí que podemos decir que es una historia que habla sobre los diferentes estados de una pérdida. Esa “medusa” de Odette representa el deterioro de su visión, pero también el duelo y el miedo a perder el control sobre su propia vida.

Me gusta cómo el sencillo y claro dibujo acompaña el carácter íntimo y autobiográfico del relato. No me queda claro si la autora ha vivido una experiencia similar, en ella o en alguien cercano, a la que retrata en la obra, pero sin duda está narrada desde la autenticidad. Más que hablar de la historia sobre enfermedad, La medusa habla de sobre cómo ésta transforma las relaciones personales: el amor, la amistad o la familia se ven afectados por la dependencia y la vulnerabilidad, a veces para bien y muchas para mal. Esa dimensión tan íntimamente trágica si lo pensamos (la vida que sigue mientras todo se desmorona) es uno de los aspectos que más capturan de este cómic. No es de extrañar, pues, que esta obra haya sido galardonada con los premios Eisner Award, Doug Wright Award, Bédéis Causa Awards, Lynd Ward Graphic Novel Prize y el reconocimiento de las librerías y la crítica quebequesa. Si la leéis, entenderéis que encandiló a todos esos expertos.

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Un mes más, hacemos un repaso en píldoras de algunos cómic que hemos leído en los últimos meses. Tenemos un poco de todo y para cualquier público: costumbrismo, distopía, documental, infantil-juvenil… Y recordad: leer cómics también es leer.

‘Fortaleza volante’, Miguel Vila y Lorenzo Palloni (La Cúpula)

Fortaleza Volante sorprende por su planteamiento inicial: la caída de un ovni en medio de una Italia alternativa abrazada al fascio en 1933. Una historia con pinta de ciencia ficción acaba siendo una reflexión sobre los totalitarismos, al represión y la resistencia individual. Una de las cosas que más podemos destacar de la obra es el dibujo de Miguel Vila (Padualand, Dulce de leche): feísta, incómodo, pero sobre todo interesante al no ligarse a la tradicional página y viñeta. Vila juega con la composición de página de forma parecida a la de Chris Ware o Seth, jugando con la ubicación de las viñetas, su tamaño o forma. De esta manera la composición de la página se integra en la narrativa. Hay que ser muy hábil para que esto funcione, y Vila lo consigue. De esta manera, ambos autores consiguen una obra que va bamboleándose temáticamente (¿fascismo, ufología, drama?) pero que de forma sorprendente funciona muy bien.

‘La cantina de medianoche 9’, de Yaro Abe (Astiberri)

En un manga como La cantina de medianoche, del que ya os hemos hablado algunas veces aquí, nos sorprende que, dada su naturaleza episódica y hasta cierto punto repetitiva, pueda seguir sorprendiéndonos en un noveno tomo. Pero lo hace, porque a pesar de que ya llevamos muchas historias acompañando a los parroquianos (¡225 noches!), Yaro Abe es capaz de dar aún con algún hallazgo que nos reconcilia con la serie. Hijos díscolos, amores tardíos, segundas oportunidades, parecidos divertidos… Abe sigue demostrando que la comedia humana, si viene acompañada de buena comida, es agradable a todo paladar. Como ya dijimos, una delicia de manga que tiene la virtud de conjugar la gastronomía nipona con el costumbrismo más amable.

'La cantina de medianoche 2': más refrigerios nocturnos de Yaro Abe

‘Los morfis: el huevo cósmico’, de Lorenzo Montatore

Lorenzo Montatore no es sólo un experto conocedor del noveno arte, que está entregando obra tras obra en la que fusiona tradición Bruguera con vanguardia y reflexión sobre el propio medio, amén de temas filosóficos y existenciales en su obraa. Además, la propia esencia de su estilo, gamberro y deliberadamente naïf, que busca conectar con la tradición español, le viene como un guante a su incursión en el cómic infantil, en una serie que, según la propia editorial se inspira en obras tan dispares como Los pitufos, Gumball o La codorniz. Y damos fe de que es así. Unos personajes diminutos, un huevo, una caca, y mucho lío y despiporre es lo que nos propone esta primera entrega de Los morfis.

‘Arcanos menores 1’, de Jeff Lemire (Astiberri)

Theresa vuelve a casa — a regañadientes— para cuidar a su madre enferma, una vidente de pueblo que lee el tarot y consuela a ancianas desahuciadas. Tampoco es de extrañar, porque pasó su adolescencia sintiendo que Limberlost, ese pequeño pueblo en el que había nacido, acabaría con ella, y mientras todas las chicas de su edad pasaban por una fase brujeril, ella vivía avergonzada por el trabajo de su madre. Tras su regreso, pronto descubre que todos los habitantes del pueblo están misteriosamente conectados con el tarot y que ella sí que podría tener verdaderas habilidades psíquicas. En su mano queda reconciliarse con su madre enferma, enfrentarse a los fracasos de su pasado y ayudar a los habitantes del pueblo de los que ha huido toda su vida. Jeff Lemire vuelve en Arcanos menores a un tropo en el que se siente cómodo: historias intimistas cimentadas en personajes complejos que se van deslizando hacia un realismo mágico stephenkingiano. Lemire maneja bien los tópicos que conoce, hemos de reconocerle su manierismo. En esta nueva serie está en su salsa, y él mismo confiesa que es su “serie más ambiciosa” y “el proyecto de sus sueños”.

‘Locas 2’, de Jaime Hernandez (La Cúpula)

La Cúpula continúa con la reedición en integrales de las obras de los Hernandez, y en librerías tenemos ya el segundo volumen de Locas, una saga de cómics única que tenía como apunte genial mezclar costumbrismo latino con ciencia-ficción descabellada, aventura y romance. En este tomo, tras conocer a sus Maggie Chascarrillo, Hopey, Tonta y todo el séquito de personajes inolvidables, nos ponemos al día con ellas: desahucios, la tía perdiendo el cinturón de campeona mundial de lucha libre a manos de una rusa, el retorno de Ray… Con un sorprendente sincretismo, Jaime a veces es un poco Crumb, un poco Frazzetta, un poco cómic de Archie… pero de esta amalgama emerge una obra muy personal y reconocible.

‘Pinturas de guerra’, de Ángel de la Calle (Garbuix Books)

Tenemos suerte de que Garbuix Books recuperó en una edición ampliada el año pasado Pinturas de guerra, de Ángel de la Calle, una obra compleja que mezcla autoficción, thriller político y reflexión histórica en un París poblado de espías y artistas exiliados. La novela gráfica surge de cuando el propio autor llega a la Ciudad de la Luz en los 80 para documentarse y escribir un libro sobre la actriz Jean Seberg. Allí entra en contacto con un grupo de pintores latinoamericanos que han escapado de las dictaduras militares de sus países de origen. De la Calle entrelaza múltiples personajes e historias en un fresco cultural y político, a la vez que ejerce una escrutadora y desnuda crítica sobre las dictaduras latinoamericanas y el papel del arte frente al poder. La abundancia de referencias históricas y culturales puede resultar exigente para algunos lectores; pero en conjunto, es una novela gráfica brillante, inquietante y profundamente intelectual, más cercana a la literatura que al cómic convencional.

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• Píldoras azules (septiembre de 2025)
• Píldoras azules (agosto 2025)
• Píldoras azules (julio de 2025)
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Píldoras azules (abril de 2026) was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Tras leer Un crimen con clase y disfrutarlo mucho, tenía curiosidad por ver cómo evolucionaba la saga de Beatriz Steel. Y puedo decirlo sin rodeos que Un crimen entre bastidores me ha gustado todavía más que su predecesora.

Esta historia tiene todos los elementos que me gustan: periodo de Regencia, romance y cozy crime. ¿Qué podría salir mal? Todo, pero increíblemente todo ha salido bien y he disfrutado mucho de su lectura.

Y no, no nos engañemos: esto sigue siendo un cozy crime de manual, aunque aquí la vida de Beatriz se complica bastante más.

Beatriz se traslada a Londres junto al inspector Vivian Drake, donde ambos montan su propio despacho de detectives, DS. Sin embargo, su nueva independencia no la libra de las presiones familiares: su situación económica sigue siendo precaria, y encontrar marido continúa siendo una prioridad impuesta, así pues debe participar en la temporada londinense.

Beatriz se verá envuelta en un caso dentro del exclusivo Club de la Rosa, uno de los círculos sociales más elitistas de la ciudad, donde tendrá que resolver un asesinato.

Entre el crimen y la etiqueta, Beatriz deberá priorizar entre resolver los asesinatos o ponerse romántica. ¿Qué hará?

La novela no solo plantea el misterio, sino que también introduce un conflicto: el choque entre el mundo artístico y las rígidas normas sociales de la alta sociedad londinense, que intenta restringir la libertad creativa. La historia se complica y, por si fuera poco, a esto se suma el frente romántico. Su relación con Drake sigue evolucionando (o complicándose), aparece un nuevo pretendiente, el detective Huxley, y, por supuesto, la constante vigilancia de su carabina, la señorita Bolton. Además, algo que me ha parecido muy acertado es que Beatriz empieza a construir relaciones de amistad, lo cual enriquece mucho su desarrollo como personaje.

Un crimen entre bastidores es un cozy crime de manual (y eso es bueno). La estructura del misterio responde perfectamente al género: entorno cerrado: el Club de la Rosa, un elenco de sospechosos excéntricos, todos con motivos, secretos y pasados turbios, pero solo uno culpable.

Es cierto que, como ya ocurría en la primera novela, el misterio no es especialmente complejo y el lector puede anticipar con relativa facilidad qué está pasando. Pero aquí está la clave: eso no le resta emoción al libro.

Porque lo importante no es solo el “quién”, sino el “cómo” y el “con quién”. Y, sobre todo, ¿con “quién” va a casarse Beatrice? Desarrollo que, por cierto, es todo un acierto.

Lo que hace que esta novela destaque es una narración ágil y bien equilibrada, personajes con muchísimo carisma y un tono ligero que consigue sacarte una sonrisa.

He disfrutado muchísimo viendo a Beatriz moverse por la Regencia, intentando encontrar momentos de soledad para investigar, mientras lidia con todo lo demás.

En conclusión, esta segunda entrega supera a la primera.

Es divertida, ágil, amena, estás deseando resolver el crimen y llegar a una declaración amorosa. Yo, personalmente, me lo he pasado muy bien, he disfrutado del crimen y necesito la tercera entrega porque yo necesito saber qué va a pasar entre Beatriz y Drake.

Muy fan.

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Me resulta muy intrigante encontrarme en La barca de los cinco colores con un manga gekiga (evidentemente, editado por Gallo Nero en español, la editorial que lleva la batuta de este género en castellano), pero de una autora contemporánea. Es decir: esta obra no es, como los Tsuge o Tatsumi, un gekiga de la época en la que este surge, sino que es una muestra de que el género sigue en buen estado de salud hoy en día. De Yoko Kondo ya leímos Una mujer y la guerra y en esa ocasión ya destacamos el lirismo y la delicadeza con la que la autora contribuía al relato original. Entonces la autora ya adaptaba un texto (dos relatos de Ango Sakaguchi); aquí hace lo propio con uno del tristemente fallecido Yasumi Tsuhara.

Ambientada en un Japón sumido en la guerra, la obra sigue a un grupo de artistas de feria — de los que hoy denominaríamos freaks, cuerpos considerados “anómalos” — que, lejos de ser tratados como simples símbolos de sufrimiento, se convierten en una familia profundamente humana. Recorren el país ofreciendo su espectáculo, pese a las estrecheces que pasan por culpa del conflicto bélico, pero las cosas cambiarán cuando se ven empujados a ir tras la pista de una criatura mítica (el kudan) que conoce el futuro y no puede mentir.

La autora, Yoko Kondo (1957), transforma el relato original de Yasumi Tsuhara (1964–2022) en una delicada experiencia visual. Al mismo tiempo que su trazo, deudor del feísmo del género, lo supera y le da una apariencia más amable, la destreza de Kondo estriba, sobre todo, en el uso del espacio y de la composición sobre los propios diálogos. Como en Una mujer y la guerra, hay una tristeza suspendida en cada página, pero también una extraña serenidad, y ambas las consigue la autora con el dominio de los elocuentes silencios.

Lo más interesante es cómo la obra desdibuja sus propios límites. En un gekiga no esperamos encontrar elementos fantásticos, y aquí la búsqueda de una criatura mágica (el kudan) por parte de la familia de freaks hace irrumpir un realismo mágico inesperado al lector, que se ve arrastrado a un terreno incierto donde lo posible y lo imposible conviven sin jerarquía. Pero ese elemento fantástico funciona, sobre todo, a nivel simbólico, como la barca del título, que deja de ser solo un escenario para convertirse en metáfora de un destino colectivo, de un Japón flotando entre versiones de sí mismo.

El resultado es una historia que rehúye las respuestas fáciles. La propia autora se encontraba ante un gran reto a la hora de adaptar el texto de Tsuhara, el cual también manifestó sus dudas sobre cómo podría tener sentido un manga sobre su obra. Si el gekiga es en el fondo un género que podría resumirse en “el ser humano, en busca de un sentido”, La barca de los cinco colores podría ser su epítome. Porque, desde ese colectivo de freaks que se han reunido y formado una familia por encima de los lazos de sangre, pasando por las individualidades de esa familia -o del médico que les atiende y aconseja-, todos buscan su destino: el kudan es una forma de preguntarle a la pitia sobre ese destino, y los diferentes “mundos” que la criatura fantástica propone, las encrucijadas de la fortuna. Como ya hemos dicho, esa barca zozobrante, puede ser también un trasunto del país entero, imagen del mundo flotante (recuerden, el significado literal de “ukiyo-e”), perdido entre la tradición y la modernidad, traicionado por su clase gobernante.

Cuando uno se enfrenta a una obra de estas características ya sabe más o menos qué esperar o en qué mood nos va a disponer. En el caso de La barca de los cinco colores, considero que los autores introducen un factor nuevo -lo fantástico- que hace que el género respire un aire nuevo y revelador.

Especial manga gekiga en Papel en Blanco:

• En la desolación: ‘Una mujer y la guerra’, de Yoko Kondo
• 'La mujer de al lado': historias de los derrotados
• 'La chica de los cigarrillos': costumbrismo y gekiga de Masahiko Matsumoto
• 'Los sentimientos de Miyoko en Asagaya', de Shin'ichi Abe

‘La barca de los cinco colores’, de Yoko Kondo was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Tierra Yerma, de Carla Berrocal, publicada por Reservoir Books, es un western de trazo sencillo y mujeres al frente de una sociedad matriarcial. Hay obras que apuestan por el exceso visual y otras que confían en la síntesis, y esta pertenece sin duda al segundo grupo. Con un trazo sencillo, casi austero, y una paleta dominada por el amarillo y el negro, construye un western que dialoga con la tradición del género mientras la subvierte desde dentro.

El dibujo es aparentemente plano: líneas limpias, escaso detalle y composiciones directas. Sin embargo, esa economía de recursos no implica falta de complejidad. Al contrario. Con apenas unos trazos bien colocados, la autora logra transmitir tensión en los silencios, construir atmósferas opresivas, definir paisajes áridos sin necesidad de hiperrealismo y dotar a los personajes de una presencia contundente y árida como su entorno.

El uso del amarillo y negro no es meramente estético. Funciona como código emocional y como referencia visual al imaginario del western clásico: el polvo, el sol abrasador, la sequedad moral del territorio. El contraste cromático aporta dramatismo sin recurrir a artificios. La aridez del entorno no solo se dibuja, también se respira.

Si el apartado gráfico apuesta por la contención, el planteamiento narrativo es abiertamente disruptivo. La obra se inscribe en el western, un género históricamente atravesado por la masculinidad hegemónica, pero desplaza por completo ese eje. Aquí el mundo está organizado como un matriarcado: las mujeres ocupan el espacio de poder, decisión y acción. Son las protagonistas del territorio, de la violencia, del deseo y de la supervivencia, y se convierten en el verdadero sujeto que sustenta la historia.

La relación sáfica que predomina la historia no aparece como elemento accesorio ni como gesto simbólico; forma parte orgánica del relato. No es exotizada ni convertida en una subtrama secundaria. Es vínculo, es un motor emocional y es también una afirmación política dentro del propio universo creado por Carla.

El cómic establece además un contraste claro entre la comunidad femenina y “los otros”, figuras que encarnan una masculinidad tóxica, invasiva y destructiva. No se trata de una ambigüedad moral, sino de un símbolo del patriarcado que intenta irrumpir en un espacio donde ya no tiene cabida. La violencia como herramienta de dominación, la apropiación del territorio, el control sobre los cuerpos y la imposición jerárquica forman parte de esa lógica que la obra pone en cuestión.

En ese sentido, Tierra Yerma no solo reinterpreta el western, sino que lo reescribe desde una perspectiva contemporánea, cuestionando los cimientos ideológicos del género. Lo interesante es que todo esto se articula sin discursos explícitos ni largos parlamentos. La carga política emerge de la propia estructura del mundo representado y de las decisiones de los personajes. El lector tiene que interpretar lo que esta leyendo y entender la historia por sus propios medios.

El minimalismo gráfico refuerza esa idea: no hay distracciones, todo es básico y así todo queda expuesto para una interpretación más fácil. La obra demuestra que es posible construir un western con mujeres en el centro, con el deseo sáfico como eje, con un matriarcado plenamente funcional y con una crítica clara a la masculinidad tóxica. Y hacerlo, además, con un dibujo aparentemente sencillo que, precisamente por su síntesis, resulta arbumadoramente eficaz y bonito al mismo tiempo.

Una obra que desafía las leyes del género, reinventándolas y alzándose con una historia que reivindica que las mujeres también tienen cabida dentro del western, y lo hace por todo lo alto.

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Después de leer Lonesome Dove, que le valió a Larry McMurtry el Premio Pulitzer a la mejor obra de ficción en 1986, reconozco que el comienzo de este otro libro suyo me dejó desconcertado. Si en aquella colosal epopeya el autor destruía cualquier prejuicio que pudiera existir hacia el western al desvincularlo de las novelas de a duro que invadieron los quioscos en España entre los años cincuenta y ochenta del siglo XX, aquí, en Querido Billy, en cambio, homenajea — a la par que parodia — las dime novels (o novelas de diez centavos, en las que podría situarse el origen de nuestros bolsilibros), que tanto contribuyeron a la construcción de la aura mítica que rodea a algunas figuras históricas norteamericanas, como la de Billy el Niño, al que alude el título.

En esta novela, publicada por Ediciones B dentro de su colección Tiempos Modernos, y que también puede encontrarse fácilmente de segunda mano en la edición de Círculo de Lectores, McMurtry nos presenta a un antihéroe quijotesco: un burgués acomodado que huye de su tediosa vida marital y de sus ocho hijas, refugiándose en la lectura y la escritura de novelas baratas. Un día, presa del enojo y de una enajenación mental transitoria al ver cómo su mujer se deshace de toda su colección de novelitas, decide abandonar su hogar y viajar al Oeste. Allí, tras un desastroso intento de convertirse en ladrón de trenes, conoce a un joven pendenciero, Billy, quien, a pesar de su mala puntería y su miedo a la muerte, desea convertirse en pistolero, y a quien el protagonista y narrador acabará bautizando con el apodo que lo haría pasar a la historia.

Querido Billy comienza con un McMurtry empeñado en desplegar, casi de forma sistemática y en cada párrafo, un sentido del humor que oscila entre lo ridículo y lo absurdo, entre el chabacanerismo y la elegancia. Lejos de resultar impostado, este exceso inicial se integra con naturalidad en cada escena, que bien podríamos imaginar como propias de una película de los hermanos Coen. Otra manifestación de este espíritu jocoso y juguetón es un elenco de personajes extravagantes, a caballo entre la literatura pulp y el esperpento.

Pero, a medida que la historia avanza, el autor despliega rasgos ya presentes en Lonesome Dove: la abrumadora humanidad de sus personajes y la conciencia de la temporalidad de nuestra existencia, definida por el azar y la violencia. A ello se suma el revisionismo al que somete la historia norteamericana vinculada al Oeste, por lo general magnificada por su literatura y su cinematografía. Sirviéndose de la especulación ficticia, McMurtry invita a reflexionar sobre la construcción de la leyenda y opta por un enfoque materialista que contrasta con la fantasía que emana de determinadas situaciones y de personajes inverosímiles.

En Querido Billy, McMurtry demuestra su talento como escritor: por un lado, caracteriza, con apenas unos trazos, a personajes memorables que se ganan la simpatía del lector casi de inmediato; por otro, narra su historia con gran solvencia. Para lograrlo, rehúye el exceso estilístico y apuesta por una prosa contenida, reducida aquí a su mínima expresión, pero con la capacidad de describir cada escena con viveza e incluso de evocar un cierto sentido poético, a menudo ligado al contacto con la naturaleza. Nada parece intimidarle: hace que la tragedia dé paso a la comedia, salta adelante y atrás en el tiempo y nos revela sucesos aún por ocurrir, incurriendo en algunos spoilers. A pesar de ello, el lector se ve arrastrado por la narración fluida y de ritmo ágil, construida a partir de breves escenas en las que el diálogo, a menudo ingenioso, brilla con especial fuerza.

Después de Lonesome Dove, Querido Billy es una obra sorprendente en la que el humor actúa como defensa frente al horror que atraviesa la vida. Merece la pena acercarse a ella sin prejuicios y dispuestos a disfrutar de su historia. ¡Qué gran película hubiera salido de sus páginas en manos de los hermanos Coen!

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Leí Proyecto Hail Mary hace ya unos años, y desde entonces se convirtió en mi favorita de Andy Weir. Es un autor que sabe equilibrar muy bien las explicaciones científicas con un sentido del humor muy particular: irónico, a veces absurdo, pero siempre eficaz para hacer que la lectura sea ágil y amena.

Por eso, cuando se anunció la adaptación cinematográfica, mis expectativas estaban muy altas.

Y debo decirlo desde el principio: la película no me ha decepcionado en absoluto.

Eso sí, hay matices.

Una de las preguntas que no pude evitar hacerme durante el visionado fue si las personas que no han leído el libro han logrado entender toda la carga científica de la historia. Porque, claramente, la película no pone el foco ahí.

Mientras que la novela se apoya muchísimo en el detalle técnico y en el proceso científico, la adaptación opta por centrar su núcleo en la relación entre Grace y Rocky. Y, sinceramente, no me molesta para nada, de hecho ese es sin duda el punto fuerte de ambos formatos.

Porque sí: tenemos que hablar de Rocky.

Rocky es, sin exagerar, uno de los personajes más entrañables de la ciencia ficción reciente. Nuestra piedra intergaláctica favorita. Y la película consigue algo que, parecía muy complicado: que empaticemos con un ser que no tiene cara, ni expresiones, ni nada que se le parezca…Y aun así, funciona.

Transmiten su inteligencia, su vulnerabilidad, su lealtad… todo. Y la relación que construye con Grace es preciosa. Tierna, honesta, y leal. Por fin un extraterrestre que es mejor que nosotros, que no quiere comernos ni matarnos ni ponernos huevos. No, aquí volvemos a E.T aquí volvemos a un extraterrestre entrañable que solo quiere salvar las estrellas y volver a casa. Aquí no hay enemigo. Aquí hay amistad.

Grace sostiene todo el peso de la historia prácticamente en solitario, y lo hace muy bien. Es el único humano presente durante la mayor parte de la película (más allá de los flashbacks), y aun así la narrativa no se resiente. Debo decir que Ryan Gosling hace un gran papel y es el Grace perfecto. La evolución de su personaje está muy bien llevada: desde la confusión inicial hasta ese momento final en el que encuentra su lugar, aunque ese lugar no sea en la Tierra.

Y ese instante en el que ambos están dispuestos a sacrificarse el uno por el otro… mira que ya sabía que lo que iba pasar y aun así me emocioné igualmente. Mucho. Nadie que vaya al cine se queda indiferente ante el sufrimiento de los protagonistas. Sí, los protagonistas, aquí lo son ambos, Grace y Rocky.

Si tuviera que ponerle un “pero”, estaría en la parte científica.

Creo que se podría haber profundizado un poco más en el sistema de comunicación entre Grace y Rocky (especialmente el uso del sonido, la música y la matemática como lenguaje común) y en los astrofagos, que en la novela tiene un peso mucho más detallado y complejo. Pero también entiendo la decisión: es una adaptación pensada para todos los públicos, y eso implica simplificar.

Y, aun así, lo que decide mantener, lo mantiene bien.

Hay pequeños elementos que incorpora que me han parecido especialmente acertados. El guiño a Rocky con el “Adrian”, que es un detalle simpático y bien integrado. La espectacularidad visual, que refuerza la sensación de magnitud de la historia. Y la visita de Grace a la nave de Rocky, cosa que en el libro no ocurre. La banda sonora, que acompaña perfectamente el tono épico y emocional.

Como película independiente, funciona perfectamente.

Como adaptación, está muy bien trasladada al lenguaje cinematográfico, sabiendo qué conservar y qué transformar para que crear una nueva adaptación aun siendo fiel al manuscrito original.

En conclusión…Rocky forever…

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Por azares de la vida, nunca había llegado a la lectura de Eva Medusa, de Ana Miralles y Antonio Segura, pero sus portadas siempre me llamaron poderosamente la atención por su vocación (completamente intencionada) de mesmerizantes. Ahora Astiberri nos lo pone fácil porque con el 30 aniversario de la obra, ha publicado un integral de toda la obra, con material extra: más de treinta páginas de esbozos, ideas, primeras versiones de las páginas, estudios de los personajes… y demás material que cualquier fan de la obra agradecerá mucho.

¿Y qué encuentra un lector del siglo XXI, con ojos nuevo para esta Medusa de finales del XX conectada temáticamente con el XIX? Una historia que amalgama brujería con erotismo, colonialismo… y muchas ansias de tentar/escandalizar.

El marco que establecen los autores -el trópico a principios de siglo XX- es un marco exótico ideal para establecer una historia que parece estar hecha a propósito para enfrentar al lector con todas sus tentaciones, hasta las más reprobables. Eva Medusa puede leerse como un catálogo de esas tentaciones oscuras: estupro, transexualidad, homosexualidad… (No quiero dar a entender que todo lo mencionado sean relaciones reprobables, evidentemente. Pero en la cabeza del lector de la época en que surgió seguramente las que hoy nos parecen normales sí que tuvieran cierto un aire de inmoral, oscuro o prohibido…) El ambiente de ese Brasil finisecular, a medio camino entre una bacanal de Nueva Orleans y el misterio de las prácticas del candomblé, contribuye a ello dando a la historia una pátina onírica a esta historia hecha a mayor gloria del dibujo de Ana Miralles que, aún instaurada firmemente en la tradición de la línea clara, empieza a despuntar y pone toda la carne en el asador para una trama tan tórrida como el clima de la historia. El argumento en sí mismo es algo folletinesco: el espíritu de Eva Medusa, seductora -y destructora- de hombres, se encarna en doña Isabel, y luego, para desgracia de su padre, en María. Esa presencia cuasi-divina, será la perdición de cuantos hombres se crucen en su camino.

Ana Miralles está espectacular, no sólo por la sensualidad de su dibujo, que iría perfeccionando con los años, sino por el uso magistral del color, de los tonos fríos y calientes que contribuyen a complementar la narrativa. Y el poder recrearse en los lápices (que aportan las páginas nuevas de esta edición) no tiene precio.

Es una lástima, como comenta Miralles en el prólogo a esta nueva edición, que la serie tuviera un final truncado cuando Glénat Francia decidió cerrarla de forma imprevista. Antonio Segura se vio obligado a escribir un tercer álbum que sirviera como final a una historia que se había proyectado con más calma. En todo caso, un gran acierto por parte de Astiberri de recuperar esta obra, que es historia viva del cómic español.

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En las redes de Papel en Blanco ya os hablamos del primer libro de La historia de Mo, de la coreana Yeonju Choi. De aquella primera obra, donde conocemos a Mo es, un gatito que no puede dormir, y se interna en el bosque, donde tendrá varios encuentros que le harán tener nuevas perspectivas, destacamos la sensibilidad y el intimismo que desprendía el cuento.

Un año más tarde, Libros del Zorro Rojo nos obsequia con una nueva aventura de este particular gato. En esta ocasión, en esta segunda entrega, Un día de verano, nuestro protagonista tiene que ponerse en marcha para entregar unos tornillos para reparar el ventilador de su abuelo, que vive en una isla lejana.

Gracias a las indicaciones en un mapa hecho por su madre y una gran dosis de determinación, Mo emprende el viaje para reunirse con su abuelo, pero el calor lo agobia, el mapa se estropea y pierde el rumbo. Será gracias a la ayuda de uno nuevos compañeros que conseguirá su objetivo.

Yeonju Choi consigue en esta obra (que ahora parece que se convierte en serie) recrear una atmósfera cálida y reconfortante, capaz de transmitir una sensación de calma casi envolvente, como si fuera una lectura pensada para acompañar momentos tranquilos. Su punto fuerte es la ternura que destila Mo, y el encanto de los personajes que encuentra en su viaje. Puede que la historia peque de simpleza, pero lo compensa con lo delicado de las ilustraciones, sencillas, sin caer en lo naïf .

En resumen, estas historias de Mo se disfrutan por lo sencillo pero significativo que resulta el texto sobre el crecimiento personal, el descubrimiento y la superación de los miedos. Recomendada para los más pequeños, leído en compañía, y para disfrutar del ambiente cozy, casi zen, que destilan los escenarios y los personajes de Yeonju Choi.

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‘La historia de Mo: un día de verano’, de Yeonju Choi was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

La historia del nº329, según la numeración de la clásica serie roja, continúa centrándose en Trunks y Goten, explorando el entusiasmo de los hijos de Vegeta y Goku, respectivamente, que sienten por el superhéroe Clean God, un detalle que aporta un aire ligero y desenfadado tras los eventos más intensos del arco anterior contra Cell Max.

Tras un espectacular combate entre Goku y Gohan, el primero se queda gratamente sorprendido con la mejora de su hijo, al que le propone que se enfrente a Broly para ayudarle a mejorar a su vez. Y, después de una sucesión de interesantes combates, el grupo vuelve a la Tierra.

Personalmente, considero que el número previo ofrecía un cierre prácticamente perfecto, especialmente con ese emotivo “adiós” de Piccolo, el personaje favorito de Akira Toriyama. Fue un momento con peso, significado y coherencia dentro del universo Dragon Ball, que ofrecía un final muy emotivo tras el fallecimiento del sensei.

Sin embargo, Toyotarō ha querido dejar un detalle muy especial al final de este número. Explica que esta historia nace de una idea original de Akira Toriyama, y que decidió incorporarla al manga como un pequeño homenaje. Lejos de sentirse como un añadido sin más, este capítulo funciona casi como un prólogo a la saga de los superhéroes, tendiendo un puente entre lo que fue y lo que está por venir. Por lo tanto, esta historia no pretende superar el clímax anterior, sino ofrecer algo distinto: una despedida ligera y cercana, con ese sabor clásico de Dragon Ball.

Al final, lo que Toyotarō construye es algo casi poético: un principio que sirve para cerrar un final. Un último gesto que busca acompañar al lector con una sonrisa, como quien apaga la luz sin hacer ruido, pero dejando claro que la historia, en el fondo, nunca se detiene.

Eso sí, uno de los detalles que más me ha gustado ha sido ese pequeño paseo por el museo de los héroes de la Tierra. Ver reunidas figuras como Olibu, Mr. Satán, Mutaito y ese Goku niño con el signo de interrogación sobre el rostro aporta una sensación de legado y memoria dentro del universo de la serie, recordándonos de dónde viene todo y por qué seguimos conectando con estos personajes.

¡Viva Dragon Ball!

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El final de ‘Dragon Ball Super’ serie roja (por ahora) was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.