En Hermanos de armas, James Holland sigue el periplo del regimiento de tanques británico Sherwood Rangers durante su actuación en la campaña de retorno a Europa, desde el desembarco en el Día D en la playa Gold (con carros Sherman anfibios DD) que abrió una dura campaña en Normandía hasta finales de agosto. Los miembros de los Sherwood Rangers habían ya combatido juntos en la campaña africana, pero tuvieron que abandonar muchas de las lecciones aprendidas asllí, ya que el terreno cerrado de los setos (el famoso bocage) favorecía a un enemigo oculto que podía detectarlos con facilidad. Tras avanzar por Bélgica y Holanda, los hombres del SRY combatieron en las últimas batallas contra el Tercer Reich y descubrieron los horrores de la guerra al liberar el campo de concentración de Stalag X-B. El precio sería muy duro: muchos veteranos arrastraron profundas secuelas psicológicas durante el resto de sus vidas.

No es Hermanos de armas un libro que se deje devorar con ligereza. Su extensión — más de seiscientas páginas, al estilo de lo que nos tiene acostumbrado Holland: en Sicilia 1943 o Normandía 1944 — hace que la lectura se prolongue durante semanas, incluso meses (de aquí la demora de mi reseña), no tanto por dificultad como por saturación de material: informes, testimonios, movimientos tácticos, nombres que reaparecen y desaparecen. La estructura que propone Holland va alternando sabiamente entre el avance operativo de los Sherwood Rangers (un desembarco aquí, una emboscada allá, una reparación improvisada bajo fuego cruzado, las dificultades logísticas del avance aliado) y la reconstrucción humana de sus tripulaciones.

El tono es uno de los elementos más reconocibles del libro. Como ya vimos en sus anteriores obras aquí, Holland escribe con una mezcla de precisión casi forense y una extraña cercanía emocional contenida. Hay un pulso constante entre el dato técnico y la respiración del testigo. En entrevistas ha insistido en que su interés no está en los grandes movimientos estratégicos, sino en la experiencia humana del soldado dentro del tanque, donde el mundo exterior se reduce a impactos, órdenes cortadas y olor a combustible. Y en mi opinión, ésta es una de las grandezas del libro: la vívida narración de la acción dentro del tanque. Cercana, inteligible, hace vibrar al lector como en una secuencia cinematográfica. Un ejemplo:

“Poco después, se avistó un tanque enemigo entre los árboles cerca del pueblo. Entrecerrando los ojos, Cotterell creyó ver algo, y dispararon contra ello. Cook dio instrucciones para corregir el tiro. El tanque enemigo se escabulló entre los árboles , pero lo destrozaron, no solo ellos, sino también otros tanques del Escuadrón B. De repente, explotó. Cotterell, desde su puesto de lap-gunner, ametralló el lugar, pero su Browning se encasquilló. El vehículo enemigo no era un tanque, sino un canón autopropulsado StuG, y al principio ardió con suavidad, pero luego empezó a explotar la munición y las llamas salieron disparadas tan alto como los árboles.” (pg. 221)

James Holland no buscará el academicismo, pero desde luego sí la exhaustividad documental. Ésta, que es su mayor virtud a la hora de crear un relato vívido pero también ajustado a la realidad, puede también lastrar en ocasiones la obra. Con todo, su investigación está muy bien documentada: la bibliografía es copiosa y exhaustiva. Como en anteriores volúmenes, se ha decidido reunir todos los mapas que siguen el periplo de los Sherwood Rangers al principio del libro. A mí personalmente me parece un poco incómoda esta decisión, pero lo importante es que esos mapas, tan útiles para el lector estén ahí, y en abundancia.

Es inevitable comparar este Hermanos de armas con otros trabajos del propio Holland (los impresionantes volúmenes dedicados a la campaña de Sicilia y a la de Normandía de los que ya hemos hablado). Si el lector ya conoce el proceder de este historiador, sabrá de su gusto por la combinación de varios niveles, ut supra diximus, desde la síntesis histórica más estratégica, hasta el descenso claro hacia lo microhistórico, más cercano a la línea de Hermanos de armas de Stephen Ambrose. De hecho, son muchos los que señalan el paralelismo entre ambas obras: mientras la de Ambrose seguía a la compañía Easy del 506º regimiento de la famosa 101ª división aerotransportada americana, Holland sigue los pasos por toda Europa del regimiento de Yeomanry británico Sherwood Rangers. Pero mientras Ambrose busca una narrativa casi novelesca, Holland es mucho más exhaustivo. Su libro combina el tono periodístico, con el testimonial, pero también el análisis táctico militar, con lo que su mirada es mucho más abierta (a pesar de que ello, también, pueda lastrar la lectura).

Como ideas finales: Holland nunca defrauda (y más, si el lector ya conoce su estilo). Hermanos de armas es una historia militar sólida, bien documentada y centrada en la experiencia del combatiente, que ofrece una de las mejores visiones de conjunto sobre la guerra librada por un regimiento británico desde Normandía hasta Alemania.

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La otra hermana Bennet se ha convertido en mi última obsesión. Siempre he sido muy fan de Orgullo y prejuicio, aunque Mary es un personaje de la historia, lo cierto es que en la obra original pasa bastante desapercibida.
Tenemos las historias de Jane y Lizzy; incluso conocemos bastante bien a Lydia y sabemos algunas cosas de Kitty, que siempre se deja arrastrar por su hermana. Pero Mary está ahí, en segundo plano, sin llegar nunca a tener una verdadera relevancia.

La autora, Janice Hadlow, toma precisamente a ese personaje olvidado y construye toda una novela alrededor de ella. Aunque La otra hermana Bennet está catalogada como novela romántica, me gustaría destacar que hasta mucho más de la mitad del libro ,casi hasta el 70 %, no aparece realmente el interés amoroso de Mary. Antes que una historia de amor, esta es una novela de personajes.

A lo largo de la obra vamos construyendo a Mary y entendiendo cómo es ella y qué la ha llevado a desarrollar esa personalidad tan particular. Desde niña, su madre le repite constantemente que es insulsa, que no es ni guapa ni alegre ni jovial como sus hermanas. Mary crece con la autoestima completamente destrozada y sin saber qué hacer para destacar. Además, le aterroriza la idea de quedarse soltera y sin recursos para sobrevivir en una sociedad donde una mujer dependía por completo del matrimonio.
Mary también tiene aficiones peculiares y una manera muy concreta de expresarse, lo que le dificulta relacionarse con los demás y encontrar su lugar en el mundo. Me ha parecido un personaje brillantemente construido. Resulta muy fácil comprender todos los conflictos que arrastra a lo largo de la novela y, al mismo tiempo, entender cómo funcionaba la sociedad para las mujeres de aquella época.

En contraposición a Mary tenemos a Charlotte Lucas, personaje que aquí adquiere bastante peso. Charlotte también estuvo a punto de quedarse soltera si no hubiera aceptado casarse con el señor Collins, una decisión tomada no por amor, sino por necesidad y oportunidad. El matrimonio era, en gran medida, una transacción, y Charlotte acepta esa transacción para poder tener cierta estabilidad y dejar de ser una carga para su familia, cumpliendo así con las expectativas sociales que recaían sobre ella. Sin embargo, eso implica renunciar al amor.

Mary observa todo esto y siente auténtico desamparo. No sabe si sería capaz de aceptar una vida así, ni si está dispuesta a asumir el precio emocional que ello conlleva. Todo cambiará cuando conozca a Tom Hayward, un abogado y amigo íntimo de sus tíos, con quienes Mary pasará una temporada. Es entonces cuando empieza realmente la historia romántica. No quiero entrar en demasiados detalles para evitar spoilers, especialmente porque el mes que viene se estrena la adaptación televisiva, que, si no me equivoco, traerá Movistar +.

Personalmente, tengo muchísimas ganas de verla. El libro me ha encantado. Eso sí, creo que es una novela que se disfruta especialmente si eres muy fan de Jane Austen, de las historias ambientadas en la Regencia o de los personajes complejos y profundamente torpes, porque todo se desarrolla a fuego muy lento. Pero precisamente por eso a mí me ha atrapado tanto. He estado enganchadísima desde el principio. Me ha parecido una novela maravillosa y me he hecho muy fan de Mary Bennet. Sin duda, la recomiendo muchísimo.

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La historiadora Virginia Luque Gallegos recupera la presencia judía en la Córdoba milenaria con Historia de los judíos y la judería de Córdoba, novedad que presenta Almuzara este mes. El libro reconstruye la comunidad hebrea desde sus primeras evidencias hasta la época moderna, destacando el papel de Córdoba como centro del judaísmo andalusí y la vigencia de su legado.

Córdoba fue foco clave del llamado Siglo de Oro hispanohebreo: sabios como el médico y diplomático Hasday ibn Shaprut y los poetas Dunash ben Labrat y Menahem ibn Saruq protagonizaron aquel esplendor cultural. Buena parte de ese legado continuó en Lucena, la “Perla de Sefarad”. Así, el libro muestra la Córdoba califal como faro intelectual que irradiaba conocimiento al Occidente medieval.

El texto parte de las huellas más antiguas: inscripciones y hallazgos demuestran presencia judía ya en época romana y plena Edad Media. La fase de esplendor acabó con la llegada de los almohades en 1148, que prohibieron la presencia judía (evento vivido en primera persona por Maimónides). Tras este exilio forzoso, sólo se reconstituye la judería después de la conquista cristiana de 1236. La obra sitúa entonces la judería bajomedieval en el barrio noroccidental del casco antiguo, cerrado con murallas por Alfonso X en 1272.

El edificio central de la comunidad fue la Sinagoga de Córdoba (1315), un templo mudéjar decorado con yeserías que constituye el único testimonio conservado de arquitectura religiosa hebrea medieval en Andalucía. Luque Gallegos detalla su planta cuadrada, la tribuna femenina y sus funciones sociales: desde sala de oración hasta centro educativo y jurídico de la aljama. Según el itinerario de la obra, la Sinagoga se convirtió con el paso del tiempo en símbolo patrimonial: tras la expulsión de 1483 de la diócesis de Córdoba fue hospital y capilla cristiana, y su restauración reciente la ha devuelto al paisaje urbano como vestigio vivo de la Córdoba judía.

En 1391 se desató un violento pogro contra los judíos cordobeses (parte de una oleada en toda España), tras el cual la judería fue repoblada como “Collación de San Bartolomé” bajo la nueva capilla mudéjar. De nuevo en 1473 las tensiones derivaron en violencia contra conversos y judíos (la llamada masacre de la Cruz del Rastro), preludio de una expulsión local en 1483. El libro vincula estos hechos con la paulatina desaparición de la comunidad: la Sinagoga fue cristianizada y la memoria judía marginada. No obstante, subraya cómo hoy la herida se enfrenta con la recuperación de la memoria sefardí y la protección del patrimonio histórico.

Historia de los judíos y la judería de Córdoba, así, se lee como una historia cultural y patrimonial de la ciudad. Combina fuentes antiguas, arqueología, arte y vida cotidiana para mostrar que la Córdoba medieval es también historia de España, del Mediterráneo y de Europa. El libro invita a repensar la Judería cordobesa como zona turística, la identidad sefardí en Andalucía, la convivencia interreligiosa, la conservación del patrimonio material y la transmisión pública de la memoria histórica.

La autora

Virginia Luque Gallegos es doble Máster en Arquitectura y Patrimonio, licenciada en Geografía e Historia. Estudiosa e investigadora sobre las conexiones históricas entre al-Andalus, Sefarad y el mundo árabe y miembro de la Red de Expertos en Patrimonio Cultural y de la Sociedad Española de Estudios Árabes. Tiene en su haber más de una decena de publicaciones como El legado de al Ándalus. La herencia andalusí y morisca en el Magreb (2017), considerado uno de los libros más relevantes en su género en España por la revista La Aventura de la Historia o Los Sabios de Qurtuba (2024). Redactora del dossier de candidatura por el que Córdoba ha sido designada Capital Mediterránea de la Cultura y Diálogo en 2027, sigue impartiendo conferencias y colaborando en algunas revistas divulgativas y especializadas. Su blog histórico-literario El Diván de Nur ha recibido más de ciento cuarenta mil visitantes de distintos países.

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Agatha Raisin y el infierno del amor es la undécima entrega de la saga de M. C. Beaton y aquí tenemos una nueva y desdichada aventura de Agatha.

Por fin Agatha ha conseguido casarse con James, pero su matrimonio es exactamente el desastre que todos los lectores llevábamos tiempo anticipando. Hay que decir que esta novela es muy hija de su época, pero James es un personaje profundamente misógino y machista. Y aunque es cierto que una de las cosas más interesantes de esta saga es precisamente que sus personajes tienen moralidades muy dudosas y se sienten tremendamente humanos —porque no son héroes ideales ni perfectos—, en esta ocasión James supera absolutamente mis expectativas de mal marido.

En esta nueva aventura, James desaparece y su amante aparece asesinada. Por supuesto, todas las sospechas recaen sobre Agatha, que no tiene culpa de nada y que, una vez más, acabará investigando el caso junto a Sir Charles para descubrir qué ha sucedido realmente.
Charles tampoco es perfecto, pero tengo que admitir que me gusta muchísimo más que James. Creo que su dinámica con Agatha funciona infinitamente mejor. Aunque, siendo sinceros, probablemente también sería una relación destinada al desastre, sobre todo teniendo en cuenta lo tacaño que es Charles y lo explosiva y rabiosa que puede llegar a ser Agatha. De hecho, creo que el único personaje realmente bueno de toda esta saga es Bill Wong.

El misterio, en esta ocasión, me ha parecido especialmente entretenido y menos predecible de lo habitual. Como siempre, estamos ante una novela corta, muy ágil y fácil de leer, que consigue ofrecernos un desenlace satisfactorio tanto en la resolución del crimen como en la evolución personal de Agatha.

Agatha Raisin sigue gustándome muchísimo. Es una saga que, sorprendentemente, no decae pese a la enorme cantidad de entregas que tiene. Es verdad que, a veces, sus personajes pecan de ser excesivamente desagradables, pero también creo que ahí reside parte de su encanto: son personajes llenos de defectos, egoístas, contradictorios y muy humanos.
Además, toda la serie funciona también como un recorrido por los Cotswolds, sus pueblos y sus habitantes, viendo cómo se relacionan entre ellos y cómo Agatha termina convirtiéndose, casi sin darse cuenta, en parte de esa comunidad.

Personalmente, me gusta muchísimo Agatha Raisin y la recomiendo un montón. Es una saga ideal si buscáis misterios ligeros, entretenidos y con muchísimo humor británico.

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Astiberri ha obtenido el Premio Nacional a la Mejor Labor Editorial 2025, según anunció el Ministerio de Cultura y Deporte de España el jueves 11 de junio. El jurado ha concedido el premio a Astiberri por “su inestimable contribución al elevar el Cómic a la categoría de alta literatura y por la enorme ambición artística de un catálogo que testimonia su espíritu exigente”.

El premio, según reza el comunicado del ministerio, tiene por objeto “distinguir el conjunto de la labor editorial de una persona física o jurídica que haya destacado por su aportación sobresaliente e innovadora a la vida cultural española”.

El jurado añade que Astiberri, “referente indiscutible del panorama editorial independiente, ha construido su prestigio apostando por formatos cuidados y obras con un marcado sello de autor. Sus publicaciones abordan temas complejos como la memoria histórica, el periodismo de guerra, la biografía y la crítica social. El buen hacer editorial ha consolidado las carreras de figuras nacionales fundamentales con la publicación de obras que se han convertido en emblemáticas y, a la vez, ha tendido puentes culturales con la traducción de creadores internacionales relevantes”.

Desde Astiberri, han declarado que “este reconocimiento ha sido una gran sorpresa y un regalo por nuestro 25 aniversario que ha superado todas nuestras expectativas. Pero, sobre todo, queremos dar las gracias a los autores y autoras que han confiado en nosotros para publicar sus obras durante este cuarto de siglo y que nos han traído hasta aquí; a los libreros y libreras, que nos dedican su atención y nos colocan en sus mesas y estanterías; a la prensa cultural, por ayudarnos a dar a conocer nuestro catálogo; a la firme apuesta de las bibliotecas por dar a conocer el medio; a los distribuidores que nos han acompañado todos estos años; y a los lectores y lectoras, que nos escogen y nos dan su tiempo.”

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Son varios los caminos que nos llevan a una obra de arte. Como la entendemos cada uno desde nuestra percepción, estudiando su composición y técnica. Dándole un contexto investigando a su autor y el momento que vivió mientras creó su obra. Después, también, por las declaraciones del propio artista al respecto pudiera hacer, tanto como la de sus críticos o seguidores.

Por analogía con las pinturas del propio Kurt Vonnegut, el camino que termina en la edición y lectura de una de sus novelas y esta en concreto, puede describirse, por ejemplo, como una espiral o estrella de varios brazos dónde cada uno, cada trama, converge o señala hacia el centro, su final. Madre noche, desde su edición original en 1961, nos habla sobre muchas cosas. Muchos de esos temas y su tratamiento siguen plenamente vigentes, girando sobre la condición humana.

Vonnegut quería hacer una parodia, según sus declaraciones, del género de espías. Y lo hizo con toda su acción, tópicos, sorpresas, dobles y hasta triples giros hacia un retorcido final. Como sabemos, le venía al pelo. Vonnegut conoció de primera mano la sociedad alemana nazi, como prisionero de guerra y como hombre de su tiempo, viviendo de principio fin la Guerra Fría. Además, siempre, por personal que fuera, con un profundo conocimiento de las personas y la sociedad en la que seguimos viviendo.

Con Madre noche toca hueso con todos los temas sobre los que actúa y sugiere, en torno a como se puede entender que es ser parte de o crear un estado fascista. Lo absurdo de los horrores provocados por lo irracional, aunque (dis)funcional, del pensamiento totalitario. Resumido en explotar el odio y la identidad propia frente a los demás.

Con esta su tercera novela en mi opinión, consigue una obra redonda, uno de sus mejores libros. Dónde como escritor define su estilo e intenciones completamente. También será la primera de sus novelas en las que de alguna forma, aborda su experiencia como soldado y superviviente de la Segunda Guerra Mundial.

En 1996 se estrenó la adaptación cinematográfica, escrita por Robert B. Weide, un reconocido autor y director de comedia y protagonizada por Nick Nolte*, Sheryl Lee o John Goodman entre otros. Pese al gran reparto y una eficaz y ajustada producción, contó con un guión perdido en los detalles más superficiales del original. Tampoco fue un éxito comercial. De todas formas en lo personal, Weide** sí había captado el sentido de la obra de Vonnegut. Terminamos con una cita del cineasta:

Gracias a él, descubrí que la literatura podía a la vez hablar de cosas importantes sin dejar de ser divertida y profundamente entretenida. Y desde ahí, todo lo demás. A Vonnegut se lee con un infinito placer, con una sonrisa que nunca se cae de la boca por muy terrible que sea lo que cuenta. Se disfruta con su lectura, a la vez que te coloca ante las grandes preguntas (…) hay una idea falsa que asocia la seriedad con lo aburrido. No es un autor intimidante en absoluto. Vonnegut es el ejemplo de que se puede ser serio sin dejar un instante de pasarlo bien. Sí, es jodidamente entretenido.

* Nolte también protagonizó la adaptación al cine de ‘El desayuno de los campeones’, junto a Bruce Willis, dirigidos por Alan Rudolph en 1999.

** Weide, responsable de Kurt Vonnengut. A través del tiempo. Un excelente documental biográfico centrado en su relación profesional y de amistad con el escritor.

Ficha de la película:

Madre noche (Mothernight). Dirección: Keith Gordon. Guión: Robert B. Weide. Fotografía: Tom Richmond. Producción: Keith Gordon, Robert B. Weide, Mark Ordesky. New Line Cinema, Whyaduck Productions. Reparto: Nick Nolte, Sheryl Lee, Alan Arkin, John Goodman, Kirsten Dunst, David Strathairn, Kurt Vonnegut Jr. (cameo). Rodaje: Quebec. Distribución: Fine Line Features. Duración: 114 minutos. Estados Unidos, 1996.

Bibliografía

Madre noche. Kurt Vonnegut. Traductor: Miguel Temprano. Ilustradora: María Medem. Cartoné. Blackie Books. ISBN: 979–13–87748–83–8. Mayo, 2026. Ficha de la edición de Blackie Books.

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Si tiene el nombre de Jane Austen , yo lo quiero. Así que cuando vi que habían sacado La vida novelesca de Jane Austen, una biografía gráfica de Janine Barchas autora de The Lost Books of Jane Austen y Isabel Greenberg ilustradora de Las cien noches de Hero y La enciclopedia de la Tierra Temprana, enseguida supe que acabaría comprándomelo.

Lo primero que quiero destacar es el dibujo. Es extrañamente peculiar. Tiene un estilo que parece sencillo y complejo a la vez. Las ilustraciones dan la sensación de ser bocetos a lápiz coloreados; no estoy segura de si esa es exactamente la técnica que ha utilizado la autora, pero desde luego esa es la impresión que transmite. Además, la paleta de colores es muy sencilla y muy marcada: alternamos sobre todo entre el amarillo y el azul. Jane está representada en amarillo y Cassandra, su hermana, en azul.

Prácticamente toda la obra gira alrededor de esos dos colores, salvo cuando Jane imagina sus historias y nos sumergimos en pequeñas escenas inspiradas en sus novelas, que aparecen teñidas de tonos fucsia.

Es una novela gráfica muy interesante porque nos muestra una parte muy humana de la vida de las hermanas Austen.

Cassandra pierde a su prometido y decide que no volverá a casarse nunca más. Tanto ella como Jane viven con un miedo muy real para las mujeres de la época: quedarse completamente desamparadas cuando muriera su padre. Ellas dos, solteras, junto a su madre, dependen económicamente de sus hermanos y de la buena voluntad familiar para sobrevivir.

La situación de sus hermanos tampoco es especialmente estable, así que ambas van dando tumbos de un lugar a otro mientras Jane escribe e intenta publicar sus historias.

Una de las cosas que más me ha gustado es cómo pequeños detalles de su vida cotidiana se enlazan con elementos que después acabarán apareciendo en sus novelas. Ese juego entre realidad y ficción está muy bien integrado y resulta muy interesante de leer.

También vemos cómo, aunque no viven en la absoluta miseria, sí tienen una situación relativamente precaria. No disponen de recursos suficientes como para llevar una vida realmente cómoda, y esa inseguridad económica atraviesa toda la historia.
Creo que eso ayuda muchísimo a entender tanto la obra de Jane Austen como la realidad de las mujeres de aquella época.

La novela recorre toda la vida de Jane adulta hasta su enfermedad y muerte.

En conjunto, me parece un cómic muy entretenido y muy accesible para acercarse a la autora. Además, sirve bastante bien para comprender un poco mejor tanto a Jane Austen como el contexto social en el que vivió.

Es cierto que el estilo de dibujo es muy peculiar y probablemente no conectará con todo el mundo. Pero, si eso no os echa para atrás, creo que merece mucho la pena darle una oportunidad.

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Los detectives más populares del universo Spawn están de vuelta, gracias a Planeta y lo hace además en una edición de lujo bajo el título Sam y Twitch: Orígenes, cuyo primer volumen ya deja claro algo que muchos lectores llevaban años defendiendo: estamos ante una de las mejores series policiacas del cómic, aunque siempre bajo la gigantesca sombra de Spawn.

Lánzate de cabeza mientras Brian Michael Bendis (Jinx, Ultimate Spider-Man) y los dibujantes Angel Medina (Spawn, The Amazing Spider-Man) y Alberto Ponticelli (Unknown Soldier) crean una nueva y sombría visión de Manhattan. Ashley Wood (Hellspawn, Popbot) también aporta su talento para realzar aún más la atmósfera de la serie con unas memorables ilustraciones de portada.

Y es ahí es precisamente donde brilla una de las mayores virtudes de la obra: en su capacidad para funcionar al margen de su ancla editorial, del mismísimo Spawn. Sí, comparte universo, escenarios y algunos personajes secundarios, pero esta serie no se pierde en las batallas interminables entre superhéroes y demonios, sino en la investigación criminal, en las calles húmedas y decadentes de una Nueva York lamentable.

Brian Michael Bendis en el universo Spawn

Sam Burke y Twitch Williams son, en apariencia, una pareja imposible. El primero es enorme, desgarbado, impulsivo y ruidoso; el segundo, delgado, tímido, cerebral y casi invisible. Y aquí Brian Michael Bendis consigue convertir lo que podría haber sido un simple contraste cómico en una relación muy humana. Ambos personajes se sienten reales porque están escritos desde la contradicción, el cansancio y las pequeñas miserias cotidianas. Este mérito lo tiene Bendis, en sus diálogos y la capacidad que tiene para profundizar en los personajes, cuando está inspirado. Eso sí, no estamos ante un cómic de acción trepidante, sino que este Sam y Twitch: Orígenes exige paciencia y una lectura pausada.

En el apartado gráfico, Angel Medina realiza un trabajo igual de importante para definir la identidad de la serie. Su dibujo está muy lejos del preciosismo superheroico y se decanta por dejar clara esa incomodidad visual tan necesaria para este tipo de personajes: rostros deformados, cuerpos exagerados y escenarios urbanos donde reina la suciedad.

También merece una mención especial el trabajo puntual de artistas como Alberto Ponticelli, capaz de mantener la coherencia visual sin perder personalidad propia. Y, por supuesto, las inolvidables portadas de Ashley Wood, auténticas joyitas visuales.

Con esta recuperación, Planeta demuestra hasta qué punto el cómic americano de finales de los noventa podía ir mucho más allá del superhéroe tradicional. Sam y Twitch sigue funcionando hoy porque entiende que el mejor noir no depende únicamente del crimen, sino de los personajes que intentan sobrevivir dentro de él.

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Leí la primera edición hace aproximadamente quince años y ya entonces me gustó, pero en 2025 la autora decidió rescatar la novela y publicar una nueva edición con Editorial Molino.

En esta historia seguimos a Annabel Lovelace, una médium y espiritista con problemas de corazón que terminará viviendo una historia de amor con Víctor Rosenfield, el fantasma protector ligado a su familia. Entre ambos surge una relación muy bonita mientras intentan descubrir qué ocurrió realmente con la muerte de Víctor.

Todo esto se desarrolla en plena época victoriana, con una ambientación gótica y oscura donde también planea constantemente la sombra de Jack el Destripador.

Y siempre lo he dicho y siempre lo diré: la ambientación es el punto fuerte de Victoria Álvarez. Se le da increíblemente bien construir escenarios en los que resulta facilísimo sumergirse. En este caso, nos encontramos con un Londres oscuro, siniestro, profundamente marcado por el espiritismo y por el miedo que generan los asesinatos de Jack el Destripador, cuya presencia parece acechar en cada esquina.

Además, los personajes están muy bien construidos. Todos resultan creíbles y humanos, y las relaciones entre ellos funcionan muy bien dentro de la trama. La historia avanza a un ritmo bastante ágil, así que la lectura se hace muy entretenida y engancha con facilidad. Ada, además, funciona como el alivio cómico de esta primera novela y aporta muchísima frescura a la historia. Pero también sirve como introducción para la segunda novela de la saga, La luz en la niebla, donde ella toma un papel protagonista. En esa continuación seguimos la historia de Ada junto a otras médiums y recogemos también el legado de Annabel, ampliando todavía más todo el universo espiritista y sobrenatural que construye la autora.

Personalmente, soy muy fan de Nathan, aunque la historia de amor entre Víctor y Annabel también me ha parecido siempre preciosa. Creo que ambos elementos funcionan muy bien juntos y aportan equilibrio a la novela entre el misterio, la tensión y la parte romántica.

Algo muy interesante de esta reedición es que incluye un final diferente al de la primera publicación. Por eso, si sois muy fans de la historia, os recomendaría darle una oportunidad a ambas versiones para poder compararlas y decidir cuál os gusta más. La autora prefiere claramente esta nueva revisión.

En cualquier caso, creo que es una lectura muy amena, entretenida y, sobre todo, tremendamente victoriana. Si os gustan las historias góticas, el espiritismo, los fantasmas, los romances imposibles y los misterios ambientados en el Londres victoriano, este es vuestro libro.

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Scott McCloud es uno de esos nombres que mejor representan al mundo del cómic. Más que por sus obras narrativas, McCloud ha hecho un gran trabajo como teórico y sus esfuerzos se han centrado en la divulgación. Sus volúmenes Entender el cómic, Reinventar el cómic y Hacer cómics son guías imprescindibles para saber cómo funciona este medio.

Planeta Cómic ha reeditado recientemente El escultor, una impresionante novela gráfica que es un verdadero tour de force: casi quinientas páginas de una historia vibrante y plena de implicaciones que van más allá de la pura anécdota. En la obra, David Smith, un joven escultor, tienen una charla con un pariente fallecido, que resulta ser la Parca. Con ella, hace un trato: tiene doscientos días para dejar una obra que le recuerde como artista. Entre tanto, David conocerá a una chica y su relación marcará lo que le queda de vida.

David vive obsesionado por hacerse un nombre. Es lo que le prometió a su padre, y ese pensamiento es el que le motiva como personaje. De hecho tiene un nombre de lo más común (él mismo lo ve en la guía, hay decenas de personas que se llaman igual que él), y lo más importante en su vida es su obra. Tener un nombre representa tener una identidad, pero también que esa identidad sea reconocida por los demás. En el fondo, se trata de una cuestión de trascendencia que todo ser humano se plantea en algún momento de su vida.

El tío Harry/la Parca sabe qué será de la vida de David. Él mismo se la pronostica. Sabe que esa gloria en olor de multitud le será negada, pero tendrá una buena vida en todo lo demás. Como le dice Harry a David, “la vida no siempre sale tal y como la planeamos”. Pero David busca más, y es capaz de trocar el destino amable que le ofrece la muerte por otro destinado al arte. Este pacto fáustico dará un giro a su vida, que se ha acortado ostensiblemente para poder alcanzar su objetivo. Con todo, la irrupción de Meg en la vida de David será decisiva, porque con su ayuda se replanteará qué valor tiene su obra, a quién quiere llegar, por qué quiere ser recordado.

El protagonista se está preguntando por las certezas absolutas. En un momento importante de su vida en que todo se desmorona, necesita algo a lo que agarrarse: “Pero entonces, ¿todo es moda? ¿No hay ningún absoluto?”. Y no lo hay. No hay certezas absolutas, verdades eternas; sólo una: la muerte. Si David puede atisbar el increíble vacío existencial que hay tras la muerte por un segundo, el desolador vértigo de la no existencia, también puede replantearse qué “vida de la fama” quiere. Para Jorge Manrique, había tres vidas: una era la mortal, que vivimos con nuestro cuerpo físico. Otra, la inmortal, la vida eterna del alma que se unirá a Dios tras nuestra muerte. Para Manrique, ésta era la verdadera, pero, mientras tanto, quizá como consuelo, existía una tercera vida, esa “vida de la fama” que consistía en vivir en el recuerdo de los demás. Una vida finita, como la primera, pero significativamente más larga.

El pacto que hace David le sumerge en una espiral de frenética actividad. Ahora, todo ese mundo interior debe pasar al exterior a través de un filtro. Y ese filtro es el mercado. Si McCloud ponía en juego temas como arte y vida, trascendencia y muerte, también se apunta aquí otro: arte y mercado, y la dolorosa relación que tienen uno y otro, cuando las sublimes aspiraciones del artista se ven sometidas a leyes de oferta y demanda como paso previo a ese reconocimiento ansiado, leyes que nada tienen que ver con su propósito original.

Así pues, cada vez más desesperado por dejar un legado, David finalmente se dará cuenta de qué recuerdo quiere dejar. El arte otorga trascendencia al hombre de alguna forma; es una forma de superar a la muerte. Pero la vida, como dice el protagonista “siempre encuentra una manera de abrirse camino”. Vivimos no sólo en nosotros, sino también en los demás. Si la “vida de la fama” que proporciona el arte tiene una fecha de caducidad (aún recordamos al padre de Jorge Manrique por sus ‘Coplas’, pero… ¿alguien recuerda quién era el rey de Castilla en ese momento?) como la tiene el recuerdo que dejamos de nosotros en los demás, ¿cuál es más valiosa? La conclusión a la que llega McCloud y el cómic es conmovedora, el y final del cómic es sencillamente sublime.

El escultor es una lectura que me dejó tocado varios días después de finalizarla. Agitó algo dentro de mí y me entristeció, pero también me hizo pensar. En una primera lectura, la novela gráfica se hace algo larga, con escenas que demoran la acción más de lo deseable. Pero es sólo una primera impresión: en una segunda lectura, todo tiene sentido, y se perciben mejor los detalles que hacen de esta una obra redonda. En general, McCloud domina perfectamente la narrativa: sabe dotarla de velocidad cuando lo necesita o demorarse en un detalle que le otorga dramatismo. Fruto de su intenso trabajo de investigación teórica, McCloud ha llegado a una depuración técnica soberbia, asimilando elementos de la narración del cómic americano o del japonés en una mezcla única.

Labor titánica de su autor, El escultor podría considerarse la obra definitiva de Scott McCloud. La que, curiosamente, le recuerde a él como autor de cómic.

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