Ya hemos superado el verano, y con él, agosto, el mes en el que estamos a medio gas. Sin embargo, algunos de nuestros contenidos sí os han interesado mucho. Rescatamos aquí, por si os las perdisteis, las cinco historias que han sido las más leídas del pasado agosto:

En el TOP 5, el regreso de Jack Reacher a Prime Video. El personaje de Lee Child se ha convertido en una de las franquicias más reconocibles de esta plataforma. Hablamos de la nueva temporada:

El regreso de Jack Reacher a Prime Video

En el TOP 4, un manga que ha sido uno de los tapados de los últimos meses: Los artesanos del barrio, de Akihito Sakaue, un seinen sobre los trabajos tradicionales en el Tokyo del período Edo que convenció a los críticos de la ACDCómic para incluirlo en los Esenciales 2026.

'Los artesanos del barrio', de Akihito Sakaue

En el TOP 3, Nacho Pillonetto nos hace una valoración sobre si vale la pena leer All in Batman: Hush II, del mítico tándem Jeph Loeb y Jim Lee. “Lee continúa teniendo una capacidad bestial para construir determinadas imágenes”:

¿Vale la pena leer 'All In Batman: Hush II'?

En el TOP 2, la adaptación al cómic de José Luis Munuera de El hombre que podía hacer milagros, el relato clásico de H.G. Wells, con un estilo gráfico en el que Munuera se muestra pletórico. Publica Astiberri:

‘El hombre que podía hacer milagros’, de José Luis Munuera

Y en el TOP 1, el artículo más leído del mes, tenemos el nuevo libro de la clasicista Mary Beard. Basado en una serie de conferencias que la autora dio, Clásicos sin filtros es uno de los trabajos más reflexivos y personales de esta historiadora británica:

Otros tops:

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Lo más leído en Papel en Blanco en agosto was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Un mes más, hacemos un repaso en píldoras de algunos cómic que hemos leído en los últimos meses. Tenemos un poco de todo y para cualquier público: costumbrismo, intriga, autobiografía, infantil-juvenil… Y recordad: leer cómics también es leer.

‘La razón de todo’, de David Ramírez (Astiberri, 2026)

Lo que escribió Aitor Poza en su reseña más extensa de La razón de todo valdría para lo que yo pudiera decir aquí. Es una delicia ver la evolución que ha hecho David Ramírez en sus cómics, y encontrar aquí la voz de un autor que encuentra diamantes en su instrospección. David conjuga las anécdotas personales y familiares (la relación con su familia, especialmente con su hermana fallecida), con las preocupaciones por su trabajo como dibujante, sus achaques, los recuerdos infantiles… Y todo el conjunto, es realmente una sorpresa.

‘La cantina de medianoche 10’, de Yaro Abe (Astiberri, 2026)

A estas alturas de este manga, el lector de La cantina de medianoche debería saber que siempre funciona. En esta taberna nocturna se cruzan las vidas de sus parroquianos y la comida, siempre variada y suculenta, es sólo una excusa para conocer sus cuitas: amores de juventud reencontrados, familiares separados por disputas intrascendentes, y muchos inicios de relaciones que tienen como punto en común esta cantina. Pequeñas historias costumbristas que paladear y disfrutar. Siempre la recomendamos, desde su primer volumen.

‘Arcanos menores 2’, de Jeff Lemire y Letizia Cadonici (Astiberri, 2026)

Sigue adelante el proyecto más personal, según el propio autor, de Jeff Lemire, en esta historia de provincias en la que la hija de una tarotista vuelve a su pueblo natal para comprobar que los poderes sensoriales son más ciertos de lo que pensaba. Y en todo ello, muchos secretos ocultos por los habitantes de Limberlost. ¿Qué es ese hotel con el que sueña frecuentemente Theresa? En esta nueva entrega la trama avanza para descubrirnos una extraña conspiración que se cierne sobre el pueblo de Theresa. La alternancia al dibujo de Letizia Cadonici, además, le insufla al cómic nueva vida (reconozcámoslo, Lemire es funcional como dibujante, pero limitado. Cadonici, en cambio, la verdadera protagonista de este tomo, tiene mucho más estilo y merece todo el espacio que le pueda ceder Lemire).

‘Pin, pan y pun’, de Atolonia (Astiberri, 2026)

Pin, pan y pun son tres ratones y cobayas de laboratorio que siempre han vivido encerrados. Lo que más desean es ver mundo. U un día, sin quererlo ni beberlo, su deseo se cumple. ¿Podrán hacer frente a los misterios y las amenazas que les aguardan en el bosque, en medio de la vida salvaje? Un cómic infantil que firma Antonio Ordóñez que crea un cómic sencillo y divertido, de gracioso dibujo a la acuarela y de influencias clásicas.

‘Jugando a bolos con cadáveres y otras historias de tierras desconocidas’, de Mike Mignola (Norma, 2026)

Hacia un tiempo que Mike Mignola se había semi retirado, decicándose a hacer de maestro de pista del siempre creciente Universo Hellboy. Firmaba algún guión ocasional y hacia portadas, pero los fans nos teníamos que conformar con eso. Pero se ve que el gusanillo de dibujar cómics no le había abandonado y vuelve a la carga con su inimitable estilo. Con este volumen se abre un nuevo universo mignoliano al que ha llamado Tierras Desconocidas. Lo estrena con una serie de historias cortas en las que hace lo que mejor sabe hacer, construir con cuatro pinceladas un mundo lleno de misterio y sentido de la maravilla. No se puede decir que arriesgue, porque este es el viejo Mignola de siempre, que complacerá a sus seguidores pero no creo que haga cambiar de opinion a ninguno de sus detractores. Yo, por mi parte, ya lo echaba de menos y espero la llegada de los nuevos títulos de estas Tierras Desconocidas que ya han aparecido en los USA.

‘Pies descalzos: Una historia de Hiroshima’, de Keiji Nakazawa (Distrito Manga, 2024)

Se suele decir que Pies descalzos es el Maus japonés. tanto es así que el primer tomo cuenta con una introducción de Art Spiegelman. Keiji Nakazawa nos cuenta el desastre de la bomba atómica de Hiroshima que el mismo vivió de niño. Cambia ligeramente los nombres de sus padres y hermanos, pero la familia Nakaoka sirve para contar los horrores que vivió, junto a los de tanta otra gente. El estilo de dibujo y la narrativa puede parecer naif pero no estatima en detalles. La crueldad de los fascistas japoneses, respondida por el horror de la bomba y continuada por la insensibilidad de los japoneses hacia los refugiados de Hiroshima. El apís entero estaba sumido en la miseria y el hambre y nadie quería ocuparse de los millares que se habían quedado sin nada. Una de las lecturas más duras que podréis encontrar y un recordatorio más necesario que nunca de la insensatez de la guerra. La comparación con Maus, está más que justificada, no solo por el tema, sino también por la calidad de la obra.

Otras píldoras de cómic:

• Píldoras azules de cómic (agosto)
• Medium

Píldoras azules de cómic (septiembre 2026) was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Después de haber descubierto a Gemma Files con su novela Experimental film, para luego pasar a los relatos recogidos en la antología Esto no es para vosotros (seleccionada como una de mis mejores lecturas en el 2025), simplemente tenía que seguir con esta otra colección de su ficción breve, En ese infinito, nuestro final.

Para mí, uno de los principales atractivos que tiene Gemma Files es una voz muy personal que proyecta en sus protagonistas, por lo general mujeres, a las que dota de una sólida credibilidad. Portavoz de una diversidad y una divergencia que, en parte, se reflejan en su persona (siempre ha expuesto que su autismo ha influido decisivamente en su proceso creativo), Files confiere a sus personajes una complejidad y una profundidad que redundan en un mayor interés por parte del lector. Este interés, además, se acentúa por el uso habitual de la segunda persona narrativa, que a priori se presta a la identificación con la protagonista y, por tanto, favorece la inmersión en la historia. Y cuando ésta juega con nuestros miedos, entenderéis que el resultado es particularmente efectivo.

Esto nos lleva al segundo punto fuerte de la antología: la mayor parte de los relatos reunidos en este volumen producen una inquietud o un desasosiego destacables. Sus referentes, además, coinciden con los nuestros: por un lado, las relaciones familiares constituyen un eje universal sobre el que discurren unas historias en las que, además, abundan los espacios urbanos actuales, donde la casa moderna reemplaza a la tradicional casona encantada, así como los liminales, tan de actualidad a tenor de los productos audiovisuales y literarios que nos han estado llegando en los últimos años. Esta asociación, donde la contemporaneidad actúa como una fuente complementaria de ansiedad, resulta en un terror urbano con elementos extraños (esa etiqueta weird, tan de uso en el mundo anglosajón).

En este contexto urbano, mayoritario en los relatos que componen la antología, convergen rasgos propios del terror existencialista y del horror cósmico, si bien también llegamos a encontrar incluso algún relato que funciona muy bien como muestra del folk horror, género en el que la obra de Files ha participado anteriormente. En este sentido, me siento un poco obligado a mencionar Experimental film, la primera novela de la autora que nos trajeron las editoras de La biblioteca de Carfax, ya que alguna de las historias de esta colección nos trae de vuelta personajes o situaciones que ya se trataban en aquel libro, donde el cine como elemento tecnológico se convertía en vehículo de entrada a un universo tradicional de pesadilla.

No me gustaría acabar esta breve reseña sin alabar el increíble trabajo de traducción que realiza Pilar Ramírez Tello, quien ya se había encargado de Esto no es para vosotros, la otra colección de ficción breve de Gemma Files que precedió a esta, y que constituye el tercer aspecto positivo del libro que tenemos entre manos. A ella le debemos la naturalidad con la que aparecen las distintas voces narradoras y la transmisión del increíble ritmo narrativo de Files.

De recibo es, también, dejar por escrito los cinco relatos que más me han marcado: Así están las cosas, Acércate más, Siempre después de las tres, Lugares oscuros y lejanos y, para acabar, La luna llena del gusano, se cuentan, sin lugar a duda, entre mis favoritos. Del resto, hasta llegar a la quincena, mencionaría algunos más como interesantes, aunque admito que muy probablemente me hubiera llevado una impresión de conjunto más positiva si hubiera espaciado más la lectura. En mi caso, esta circunstancia, sumada a la similitud de algunos de los planteamientos compartidos por varias de estas historias, ha jugado un poco en contra a la hora de disfrutar la obra plenamente.

Pese a todo, los quince finales que parten de lo imposible que nos trae En ese inifinito, nuestro final, contienen, en sí mismos, historias que se ganan nuestra más completa atención nada más arrancar, acaso porque vinculan con los recovecos más primarios de nuestro subconsciente, aquellos que son susceptibles de provocarnos inquietud y pavor. No es de extrañar, por tanto, que este libro se llevara el premio Bram Stoker en la categoría de mejor antología en 2021.

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Quince años después de la película protagonizada por Ryan Reynolds, que tan bien él mismo supo parodiar en las cintas de Deadpool, Lanterns recupera uno de los rincones más ricos de la editorial, pero lo hace tomando una dirección que pocos podían imaginar, incluido quien les escribe. Aquí no hay ejércitos de Linternas atravesando galaxias, enormes guerras cósmicas ni la amenaza de la muerte más oscura, al menos por ahora. HBO ha preferido empezar mucho más abajo, en el barro de Nebraska, y arrancar una serie a la que todos titulan, de manera muy ambiciosa, como una nueva True Detective.

Creada por Chris Mundy, Damon Lindelof y Tom King, la serie reúne a Kyle Chandler como Hal Jordan y Aaron Pierre como John Stewart, dos de los Green Lantern más importantes de los cómics. Su relación es, al menos inicialmente, la de un veterano cansado y un aprendiz, al que no se cansa de llamar Júnior, que todavía debe descubrir qué significa portar uno de los anillos más poderosos del universo. Y, después de haber visto los dos primeros episodios cabe preguntarse…¿dónde está Guy Gardner?

¿Quién muere en ‘Lanterns’?

Pero Lanterns tarda muy poco en demostrar que no piensa jugar sobre seguro en esta serie y, al finalizar el primer episodio, un héroe muere. La mayor parte del capítulo transcurre en 2016, cuando Hal está formando a John mientras ambos investigan unas extrañas muertes en Rushville. Sin embargo, sus minutos finales saltan hasta 2026. John regresa al mismo lugar y descubre algo que cambia completamente la lectura de todo lo que hemos visto: Hal Jordan está muerto. Su cadáver permanece sentado en las gradas, cubierto por la nieve y con un disparo en la frente. Tremendo y sorprendente. Además, su anillo ha desaparecido. ¿Cómo continuará la serie a partir de este punto? ¿Está realmente muerto Hal Jordan? ¿Su muerte está relacionada con la amenaza de los Manhunters?

La muerte de Hal Jordan en los cómics

La muerte televisiva, sin embargo, no tiene nada que ver con la que sufrió Hal Jordan en los cómics. Durante los años noventa, la destrucción de Coast City llevó al personaje a una de las transformaciones más polémicas de la historia de DC. En el espectacular Crepúsculo esmeralda, Hal terminó convirtiéndose en Parallax, enfrentándose al Green Lantern Corps y absorbiendo el enorme poder de la Batería Central de Oa. Años después, Geoff Johns reinterpretaría aquellos acontecimientos en Green Lantern: Rebirth, revelando que Parallax era en realidad una entidad cósmica vinculada al miedo que había corrompido a Jordan.

Sin embargo, la muerte de Hal Jordan vino antes de ese renacer, con la aclamada La noche final, donde el villano y antiguo héroe del sector espacial 2814 se sacrificó para derrotar a un gigantesco devorador solar. No parece que nada de esto tenga que ver con la muerte de Hal Jordan en la serie de televisión, pero estaremos atentos a ver qué nuevos caminos se abren a partir de esta interesante premisa.

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Sky, de Kaaron Warren, es una lectura perturbadora que te remueve por dentro y cuya cruda historia permanece una vez concluye. En mi caso, Sky desbloqueó un recuerdo de infancia de finales de los ochenta. En él, tengo once años y con mi madre espero el autobús enfrente del Sardinero, el paseo que delimita las dos principales playas de Santander. La parada es la del Casino, un majestuoso edificio modernista, emplazado en una de las áreas más exclusivas de la ciudad. Soy incapaz de decir por qué estamos ahí, porque esta no es ninguna de las paradas que acostumbrábamos usar, pero lo cierto es que estoy entreteniéndome con algún cartel pegado en la mampara. De repente, mi cabeza, empujada desde atrás, impacta con fuerza contra el cristal, cayendo mis gafas al suelo. Un chico, dos o tres años mayor que yo, ríe mientras, dolorido, me agacho para comprobar que mis gafas no (por favor, no) se hayan roto. Es él, el responsable de la gratuita agresión, como deduzco de la reacción de mi madre, quien enseguida salta para protegerme y abroncar al chaval, quien opta por abandonar el lugar, sin mirar atrás, pero todavía riéndose entre dientes. Por algún oscuro mecanismo de mi memoria, ese chico anónimo es Zed, el protagonista de esta breve y laureada novela que nos traen las editoras de La biblioteca de Carfax.

Zed es la gran estrella de la obra, y su relato, en primera persona, nos sumergirá en su historia desde las primeras páginas y no nos dejará ir, como os decía, hasta después del final. La maestría que Kaaron Warren demuestra en la caracterización de Zed es susceptible de resonar poderosamente en el lector si consideramos que todos nosotros, en algún momento de nuestras vidas, hemos conocido a una persona como él.

Sky se mueve entre la extrañeza, la incomodidad, la repulsión y el más abyecto terror (…) y nos alerta de la peligrosa deriva de nuestro sistema y de la galopante deshumanización de nuestra sociedad.

Como sociópata de manual, Zed es un narrador muy poco fiable, y éste es uno de los elementos que hacen de Sky una novela muy interesante. A menudo podremos vernos en situación de cuestionar la realidad así como la percibe Zed, pero cuando éste llega a Sky, un pequeño pueblo del Outback australiano, buscando a una maestra de escuela que le dio clase de niño, el horror de una realidad más difícilmente abarcable o explicable, cuyos detalles prefiero abstenerme de describir para preservar vuestra sorpresa, pondrá fin a nuestras dudas como lectores.

Si Zed es el alma de Sky, Sky, este recóndito pueblo que puede despertar en el lector ecos de folk horror, es tanto su reflejo, como el de todo un sistema que prioriza la productividad del individuo y que lo condena cuando éste deja de ser útil en estos términos. La crítica, aunque sutil, de la lógica inherente del turbocapitalismo forma parte de los cimientos sobre los que Kaaron Warren construye la historia, algo que es evidente ya desde las dos páginas que componen el primer capítulo de su obra.

Sin embargo, por mucho que caigamos en la suspensión de la incredulidad con Sky, éste no deja de ser sino el elemento increíble dentro de una historia donde el horror, el verdadero, el que podría ser real, proviene de su protagonista y de un sistema económico y social perverso. Así, Kaaron Warren demuestra con Sky, como ya había hecho en Como aceite en sus huesos, que el terror más efectivo es aquel que resulta creíble, el que nace de la realidad y de la carencia de humanidad.

A nivel formal, Sky es una novela de ritmo ágil, vertebrada en torno al monólogo interior de Zed y al diálogo con otros personajes, de estilo directo, crudo y despojado de artificios, en la que la autora establece un juego constante con el lector, que va más allá del cuestionamiento de la realidad subjetiva de su protagonista, para afectar también a la objetividad del hilo narrativo. Su autora casi parece que disfrute descolocando al lector a intervalos regulares, haciendo discurrir la narración por cauces insospechados.

Posiblemente, la novela que más me ha impactado este año, Sky se mueve entre la extrañeza, la incomodidad, la repulsión y el más abyecto terror. Con sus poco más de ciento cincuenta páginas que se leen en una exhalación y que invitan a la relectura, la obra es sumamente perturbadora y un modelo del horror más visceral que surge por asociación de la ficción y nuestra realidad, tanto la social como la personal. Pero también es un aviso para navegantes, en tanto que nos alerta de la peligrosa deriva de nuestro sistema y de la galopante deshumanización de nuestra sociedad. En definitiva, una obra actual y compleja, que se ha hecho merecedora de diferentes premios literarios, entre los que brilla el Shirley Jackson con luz propia.

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Después de tres temporadas en las que Prime Video ha terminado de convertir al personaje de Lee Child en una de sus franquicias más reconocibles, Reacher regresa por todo lo alto y sube su nivel con nuevas conspiraciones que configuran una trama más ‘compleja’, aunque todo se resuelva, al final, con los clásicos mamporros que atiza el protagonista a quien se le cruce por el camino.

La cuarta temporada adapta Gone Tomorrow, publicada originalmente en 2009 y conocida en español como Mañana no estás. Se trata de la decimotercera novela protagonizada por Jack Reacher y está narrada, además, en primera persona. El libro de Lee Child comienza sin preámbulos y nos cuenta cómo Reacher viaja de madrugada en un vagón de metro cuando empieza a analizar a los pasajeros que lo acompañan. Una mujer parece cumplir varias de las señales que, según su experiencia militar, permiten identificar a un posible terrorista suicida. Lo que sucede a continuación desencadena una investigación que conduce al protagonista hacia una conspiración mucho mayor.

Alan Ritchson ya es Jack Reacher

Tom Cruise protagonizó dos películas basadas en las novelas de Lee Child y, aunque su interpretación tenía puntos positivos y son películas vigentes, con la aparición de Alan Ritchson pocos se acuerdan de Tom. Cuatro temporadas después, resulta difícil separar actor y personaje. Su tamaño es parte del espectáculo, pero reducir su Reacher a una montaña de músculos sería injusto y en la serie se esfuerzan por dejar claro que, además de ser un pequeño Hulk, Reacher también destaca por una inteligencia extremadamente analítica.

Junto a Alan Ritchson aparecen nuevas incorporaciones como Sydelle Noel, Chris Marquette y Agnez Mo, un conjunto de actores que aportan una mayor variedad a la conspiración que rodea a Reacher.

Además, la adaptación televisiva se beneficia de la puesta en escena permitiendo que la conspiración avance con un ritmo más directo y entretenido, quizá aún más que en el propio libro. En conclusión, si alguien está buscando pasar el rato, revivir aquellos clásicos de acción de los años 80 y 90 y disfrutar no solo de la presencia física de Alan Ritchson, sino también de su carisma, entonces ver la cuarta temporada de Reacher es un buen complemento para continuar disfrutando del verano.

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Mary Beard es quizá una de las divulgadoras del mundo antiguo más interesantes y conocidas. Ha sido conocida por el gran público por su trabajo audiovisual en series documentales como Cómo vivían los romanos o Roma, un imperio sin límites, que hemos podido ver en la televisión pública. Pero Mary Beard, además, fruto de una carrera de docencia e investigación de cerca de medio siglo, tiene en su haber un buen número de obras escritas, entre las que destacan El triunfo romano (2008), Pompeya (2009), o SPQR. Una historia de la antigua Roma (2016), y cuya carrera en conjunto le ha valido el Premio Princesa Asturias de Ciencias Sociales en 2016.

En Clásicos sin filtros, Mary Beard acomoda una serie de conferencias que dio entre 2019 y 2023 en Edimburgo y Chicago para desmitificar la imagen que tenemos del mundo antiguo y para que veamos la apropiación que ha sufrido esta cultura durante siglos por sociedades de todo pelaje e ideología.

Mary Beard explica en el primer capítulo su acercamiento a la cultura clásica desde el asombro y la fascinación que le produjo contemplar un pan que se había conservado en una tumba egipcia, en una visita al Museo Británico, hecho que marcó su futura carrera. Esa sensación de asombro (ojo, no de admiración o fanatismo) es la que busca transmitirnos durante buena parte del libro.

“No se puede escribir sobre el mundo antiguo sin reflexionar con detenimiento sobre cómo reconciliar la familiaridad del pasado con su desconcertante singularidad” (pg. 55)

Esta es una idea sobre la que orbita buena parte de su ensayo: la autora no es partidaria del acercamiento a la cultura clásica sólo desde la perspectiva de lo que tenemos en común. Lo tenemos, pero también somos infinitamente diferentes, y eso también se ha de tener en cuenta.

En esa ambivalencia se mueve el libro: en evitar los presentismos, pero también sin caer en el error de no poder juzgar desde nuestra perspectiva. Ella misma reconoce que no es nada fácil.

“Es una de las pocas culturas pasadas que están al mismo tiempo tan sumamente lejos y tan sumamente cerca” (pg. 63)

En Cómo ser moderno, el segundo capítulo, la autora habla de cómo las obras de la cultura clásica han provocado debate y desacuerdo durante milenios y aún tienen la capacidad de sorprendernos, perturbarnos o incomodarnos. Y de que hay que tener mucho cuidado al hacer una lectura de estas obras: la iconografía mental que tenemos de la escultura romana es la del mármol inmaculado, pero, ¿cómo conjugar eso con el color que tuvieron esas estatuas originalmente? ¿cómo entender que estatuas que reflejaban la juventud de los emperadores (un movimiento brillante de campaña publicitaria de entonces) habrían chocado con el canon de entonces? En este tipo de diatribas, quiero decir, se asienta fundamentalmente Clásicos sin filtros: un libro que, sobre todo, busca la reflexión más que ofrecer respuestas.

La cuestión es cómo podemos tratar de mirar el mundo antiguo con ojos antiguos […] y cómo empezar a comprender las diferentes maneras […] en que las generaciones posteriores han visto y juzgado estos mismos objetos hasta nuestros días. (pg. 93)

En Aciertos y errores, Mary Beard pone énfasis, sobre todo, en la interpretación que se ha hecho del mundo antiguo hasta el momento, con las apropiaciones de ideologías como el fascismo, o de cómo la propia cultura clásica ha justificado ciertas actitudes machistas (el ejemplo de “el griego de una dama”) o clasistas (la barrera del latín y el griego como forma de acceso de la élite a la educación universitaria).

Finalmente, en En defensa de las Clásicas, la autora traza una perspectiva de cómo están los estudios clásicos hoy en día, habla de su viabilidad y de cómo la perspectiva de éstos ha cambiado (en la orientación, por ejemplo, de sustituir el término “cultura clásica” por “estudios del mundo antiguo”, abriendo el abanico al estudio de otras civilizaciones contemporáneas igualmente relevantes, como la egipcias; o cómo los estudios clásicos han ido con el tiempo incluyendo otras disciplinas o basculando el peso de sus materias: lengua, filosofía, arqueología…).

En definitiva, si el lector busca en Clásicos sin filtros una justificación para el estudio de Clásicas no la va a encontrar. Mary Beard no la tiene: “No hay respuestas claras a la pregunta” (pg. 202). Lo que sí encontrará es uno de los libros más personales de la autora (al menos de los que yo he leído), donde se permite hablar más de su experiencia como docente y divulgadora. No hay respuestas fáciles: “No te puedes ‘encontrar a ti mismo’ en el mundo antiguo”. Pero Mary Beard sí puede transmitirte esa sensación de maravilla y asombro al conocer esas culturas tan diferentes y tan cercanas a la vez.

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‘Clásicos sin filtros’, de Mary Beard was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

José Luis Munuera continúa con su línea de adaptaciones de autores del siglo XIX, tras haber versionado a Melville (Bartleby, el escribiente), Dickens (Cuento de Navidad) o J.M. Barrie (Peter Pan de Kensington, la primera encarnación del inmortal personaje). En esta ocasión le llega el turno a H.G. Wells, el gran autor de ficción científica de la literatura inglesa. Para ello, Munuera elige un cuento menos conocido del autor británico, El hombre que podía hacer milagros, publicado por primera vez en 1898 y más tarde antologado en 1911. Todas estas adaptaciones han sido publicadas originalmente en francés y aquí traducidas por Astiberri.

El hombre que podía hacer milagros es una historia muy de su tiempo, en la que un hombre corriente recibe el extrañe e involuntario de hacer realidad todo aquello que desea. Empieza desde ahí su intento de explicar qué le está ocurriendo y para ello Munuera adapta el texto para darle más empaque a esta parte: consulta con médiums, psiquiatras, médicos hasta dar con el sacerdote -originalmente ya en Wells- que es quien por primera vez le cree y le orienta en el uso de su “poder”, si bien se revela que éste también tiene intereses propios para hacerlo.

No quiero desvelar mucho más de la trama, porque estaría feo si no se conoce la historia. Baste saber que la trama va un poco en la línea del famoso relato -adaptado en Los Simpsons- de La pata de mono de W.W. Jacobs. En realidad, ni siquiera sabemos por qué a ese administrativo corriente y moliente le ha sido concedido tamaño poder. Lo que a Wells, y a Munuera le interesa, es hablar sobre el poder, la fe y las creencias, el determinismo y la libertad, y como diría Stan Lee, un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Temas complejos y profundos que Munuera arropa con un humor resultón, sobre todo con su gran capacidad para la caricaturesca expresividad de sus rostros.

A nivel gráfico, como siempre Munuera está pletórico y nos otorga -con la ayuda del color de Sedyas, que mucho tiene que ver aquí- unas grandes viñetas de magnífica factura pictórica, sobre todo en las que retratan el campo o la ciudad a toda página.

En definitiva, una historia sobre el uso y el abuso del poder, que José Luis Munuera y Sedyas ilustran de una manera excepcional.

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‘El hombre que podía hacer milagros’, de José Luis Munuera was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.

Hay algo errático en este regreso de Jeph Loeb y Jim Lee a Batman. Y quizá la mayor decepción esté precisamente en aquello que debería haber convertido Hush II en un acontecimiento: volver a contemplar a Jim Lee dibujando a estos personajes. Porque Jim Lee sigue siendo Jim Lee, pero con matices.

Se le reconoce. Hay destellos, viñetas concretas en las que aparece de nuevo ese dibujante extraordinario y uno recuerda inmediatamente por qué marcó una época. El problema no es simplemente que su trazo se haya vuelto más perezoso; es que parece haber perdido parte de aquella exuberancia visual que convertía cada página en un espectáculo.

No están aquí los cuerpos imposibles de sus X-Men de los noventa, ni aquellas mujeres que retrataba en personajes como Psylocke o Pícara, ni la energía desatada de sus WildC.A.T.s. en Image. Incluso si regresamos al Silencio original, publicado más de veinte años atrás, la diferencia resulta evidente. Aquella historia era también un escaparate para Jim Lee: composiciones espectaculares, personajes que parecían ocupar toda la página y una voluntad constante de ofrecer la imagen definitiva de cada héroe o villano que aparecía. Ahí está, entre entre otras, su recordada visión de Hiedra Venenosa.

Hush II es mucho más contenido, tanto en su historia como en el apartado visual. Lee continúa teniendo una capacidad bestial para construir determinadas imágenes, pero entre esos momentos aparece un dibujo menos inspirado, como si su talento innato funcionara ahora a medio gas. Es, por decirlo de alguna manera, un Jim Lee descafeinado. Se salva su Batgirl, por sobre el resto de personajes, quizá junto con Jason Todd, pero poco más.

La historia de Jeph Loeb, por su parte, intenta jugar deliberadamente con nuestra memoria de Silencio. Si entonces asistíamos prácticamente a un desfile de enemigos de Batman, aquí Loeb da la vuelta al mecanismo: son sus aliados quienes comienzan a ponerse en su contra. La estructura funciona como un reflejo deformado de aquella historia, pero está lejos de generar una tensión real en nosotros como lectores. Hush II es un evento menor y en el centro de todo vuelve a aparecer Jason Todd.

Loeb juega precisamente con una de las heridas que dejó el Hush original: aquella aparición de Jason que durante años estuvo asociada al engaño de Clayface y que posteriormente la propia continuidad de DC decidió manipular a su favor. Hush II aprovecha esa historia editorial, la retuerce una vez más y devuelve a Jason al centro del misterio.

En conclusión

El resultado tiene algunas ideas interesantes y algún destello del equipo creativo que convirtió Batman Silencio en uno de los grandes fenómenos comerciales del personaje. El principal problema de Hush II es que compite contra los Loeb y Lee de hace más de veinte años. Y cada vez que intenta recordarnos Silencio, inevitablemente nos recuerda también cuánto más impactante era aquel cómic y que poco lo es este.

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Echad un ojo al vídeo de este Marvel Limited Edition: El Castigador, el tomo que Panini ha publicado y que recopila la serie regular de Punisher del años 1987:

En este tomo comienza la recopilación de la mítica serie abierta de Frank Castle, encabezada por Mike Baron, Klaus Janson y Whilce Portacio, grandes leyendas del cómic de los ochenta y noventa, quienes juntos recorrieron el camino abierto por la miniserie “Círculo de sangre”. Frank Castle se convierte en un ejército de un solo hombre enfrentado al crimen organizado a escala global. Con la amenaza de Kingpin, la participación de Daredevil y el debut de Microchip. Por Mike Baron, Klaus Janson y Whilce Portacio con David Ross, Ann Nocenti, John Romita Jr., Mark Texeira, Roger Salick y Mike Vosburg.

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