Después de tres temporadas en las que Prime Video ha terminado de convertir al personaje de Lee Child en una de sus franquicias más reconocibles, Reacher regresa por todo lo alto y sube su nivel con nuevas conspiraciones que configuran una trama más ‘compleja’, aunque todo se resuelva, al final, con los clásicos mamporros que atiza el protagonista a quien se le cruce por el camino.

La cuarta temporada adapta Gone Tomorrow, publicada originalmente en 2009 y conocida en español como Mañana no estás. Se trata de la decimotercera novela protagonizada por Jack Reacher y está narrada, además, en primera persona. El libro de Lee Child comienza sin preámbulos y nos cuenta cómo Reacher viaja de madrugada en un vagón de metro cuando empieza a analizar a los pasajeros que lo acompañan. Una mujer parece cumplir varias de las señales que, según su experiencia militar, permiten identificar a un posible terrorista suicida. Lo que sucede a continuación desencadena una investigación que conduce al protagonista hacia una conspiración mucho mayor.

Alan Ritchson ya es Jack Reacher

Tom Cruise protagonizó dos películas basadas en las novelas de Lee Child y, aunque su interpretación tenía puntos positivos y son películas vigentes, con la aparición de Alan Ritchson pocos se acuerdan de Tom. Cuatro temporadas después, resulta difícil separar actor y personaje. Su tamaño es parte del espectáculo, pero reducir su Reacher a una montaña de músculos sería injusto y en la serie se esfuerzan por dejar claro que, además de ser un pequeño Hulk, Reacher también destaca por una inteligencia extremadamente analítica.

Junto a Alan Ritchson aparecen nuevas incorporaciones como Sydelle Noel, Chris Marquette y Agnez Mo, un conjunto de actores que aportan una mayor variedad a la conspiración que rodea a Reacher.

Además, la adaptación televisiva se beneficia de la puesta en escena permitiendo que la conspiración avance con un ritmo más directo y entretenido, quizá aún más que en el propio libro. En conclusión, si alguien está buscando pasar el rato, revivir aquellos clásicos de acción de los años 80 y 90 y disfrutar no solo de la presencia física de Alan Ritchson, sino también de su carisma, entonces ver la cuarta temporada de Reacher es un buen complemento para continuar disfrutando del verano.

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Mary Beard es quizá una de las divulgadoras del mundo antiguo más interesantes y conocidas. Ha sido conocida por el gran público por su trabajo audiovisual en series documentales como Cómo vivían los romanos o Roma, un imperio sin límites, que hemos podido ver en la televisión pública. Pero Mary Beard, además, fruto de una carrera de docencia e investigación de cerca de medio siglo, tiene en su haber un buen número de obras escritas, entre las que destacan El triunfo romano (2008), Pompeya (2009), o SPQR. Una historia de la antigua Roma (2016), y cuya carrera en conjunto le ha valido el Premio Princesa Asturias de Ciencias Sociales en 2016.

En Clásicos sin filtros, Mary Beard acomoda una serie de conferencias que dio entre 2019 y 2023 en Edimburgo y Chicago para desmitificar la imagen que tenemos del mundo antiguo y para que veamos la apropiación que ha sufrido esta cultura durante siglos por sociedades de todo pelaje e ideología.

Mary Beard explica en el primer capítulo su acercamiento a la cultura clásica desde el asombro y la fascinación que le produjo contemplar un pan que se había conservado en una tumba egipcia, en una visita al Museo Británico, hecho que marcó su futura carrera. Esa sensación de asombro (ojo, no de admiración o fanatismo) es la que busca transmitirnos durante buena parte del libro.

“No se puede escribir sobre el mundo antiguo sin reflexionar con detenimiento sobre cómo reconciliar la familiaridad del pasado con su desconcertante singularidad” (pg. 55)

Esta es una idea sobre la que orbita buena parte de su ensayo: la autora no es partidaria del acercamiento a la cultura clásica sólo desde la perspectiva de lo que tenemos en común. Lo tenemos, pero también somos infinitamente diferentes, y eso también se ha de tener en cuenta.

En esa ambivalencia se mueve el libro: en evitar los presentismos, pero también sin caer en el error de no poder juzgar desde nuestra perspectiva. Ella misma reconoce que no es nada fácil.

“Es una de las pocas culturas pasadas que están al mismo tiempo tan sumamente lejos y tan sumamente cerca” (pg. 63)

En Cómo ser moderno, el segundo capítulo, la autora habla de cómo las obras de la cultura clásica han provocado debate y desacuerdo durante milenios y aún tienen la capacidad de sorprendernos, perturbarnos o incomodarnos. Y de que hay que tener mucho cuidado al hacer una lectura de estas obras: la iconografía mental que tenemos de la escultura romana es la del mármol inmaculado, pero, ¿cómo conjugar eso con el color que tuvieron esas estatuas originalmente? ¿cómo entender que estatuas que reflejaban la juventud de los emperadores (un movimiento brillante de campaña publicitaria de entonces) habrían chocado con el canon de entonces? En este tipo de diatribas, quiero decir, se asienta fundamentalmente Clásicos sin filtros: un libro que, sobre todo, busca la reflexión más que ofrecer respuestas.

La cuestión es cómo podemos tratar de mirar el mundo antiguo con ojos antiguos […] y cómo empezar a comprender las diferentes maneras […] en que las generaciones posteriores han visto y juzgado estos mismos objetos hasta nuestros días. (pg. 93)

En Aciertos y errores, Mary Beard pone énfasis, sobre todo, en la interpretación que se ha hecho del mundo antiguo hasta el momento, con las apropiaciones de ideologías como el fascismo, o de cómo la propia cultura clásica ha justificado ciertas actitudes machistas (el ejemplo de “el griego de una dama”) o clasistas (la barrera del latín y el griego como forma de acceso de la élite a la educación universitaria).

Finalmente, en En defensa de las Clásicas, la autora traza una perspectiva de cómo están los estudios clásicos hoy en día, habla de su viabilidad y de cómo la perspectiva de éstos ha cambiado (en la orientación, por ejemplo, de sustituir el término “cultura clásica” por “estudios del mundo antiguo”, abriendo el abanico al estudio de otras civilizaciones contemporáneas igualmente relevantes, como la egipcias; o cómo los estudios clásicos han ido con el tiempo incluyendo otras disciplinas o basculando el peso de sus materias: lengua, filosofía, arqueología…).

En definitiva, si el lector busca en Clásicos sin filtros una justificación para el estudio de Clásicas no la va a encontrar. Mary Beard no la tiene: “No hay respuestas claras a la pregunta” (pg. 202). Lo que sí encontrará es uno de los libros más personales de la autora (al menos de los que yo he leído), donde se permite hablar más de su experiencia como docente y divulgadora. No hay respuestas fáciles: “No te puedes ‘encontrar a ti mismo’ en el mundo antiguo”. Pero Mary Beard sí puede transmitirte esa sensación de maravilla y asombro al conocer esas culturas tan diferentes y tan cercanas a la vez.

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José Luis Munuera continúa con su línea de adaptaciones de autores del siglo XIX, tras haber versionado a Melville (Bartleby, el escribiente), Dickens (Cuento de Navidad) o J.M. Barrie (Peter Pan de Kensington, la primera encarnación del inmortal personaje). En esta ocasión le llega el turno a H.G. Wells, el gran autor de ficción científica de la literatura inglesa. Para ello, Munuera elige un cuento menos conocido del autor británico, El hombre que podía hacer milagros, publicado por primera vez en 1898 y más tarde antologado en 1911. Todas estas adaptaciones han sido publicadas originalmente en francés y aquí traducidas por Astiberri.

El hombre que podía hacer milagros es una historia muy de su tiempo, en la que un hombre corriente recibe el extrañe e involuntario de hacer realidad todo aquello que desea. Empieza desde ahí su intento de explicar qué le está ocurriendo y para ello Munuera adapta el texto para darle más empaque a esta parte: consulta con médiums, psiquiatras, médicos hasta dar con el sacerdote -originalmente ya en Wells- que es quien por primera vez le cree y le orienta en el uso de su “poder”, si bien se revela que éste también tiene intereses propios para hacerlo.

No quiero desvelar mucho más de la trama, porque estaría feo si no se conoce la historia. Baste saber que la trama va un poco en la línea del famoso relato -adaptado en Los Simpsons- de La pata de mono de W.W. Jacobs. En realidad, ni siquiera sabemos por qué a ese administrativo corriente y moliente le ha sido concedido tamaño poder. Lo que a Wells, y a Munuera le interesa, es hablar sobre el poder, la fe y las creencias, el determinismo y la libertad, y como diría Stan Lee, un gran poder conlleva una gran responsabilidad. Temas complejos y profundos que Munuera arropa con un humor resultón, sobre todo con su gran capacidad para la caricaturesca expresividad de sus rostros.

A nivel gráfico, como siempre Munuera está pletórico y nos otorga -con la ayuda del color de Sedyas, que mucho tiene que ver aquí- unas grandes viñetas de magnífica factura pictórica, sobre todo en las que retratan el campo o la ciudad a toda página.

En definitiva, una historia sobre el uso y el abuso del poder, que José Luis Munuera y Sedyas ilustran de una manera excepcional.

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Hay algo errático en este regreso de Jeph Loeb y Jim Lee a Batman. Y quizá la mayor decepción esté precisamente en aquello que debería haber convertido Hush II en un acontecimiento: volver a contemplar a Jim Lee dibujando a estos personajes. Porque Jim Lee sigue siendo Jim Lee, pero con matices.

Se le reconoce. Hay destellos, viñetas concretas en las que aparece de nuevo ese dibujante extraordinario y uno recuerda inmediatamente por qué marcó una época. El problema no es simplemente que su trazo se haya vuelto más perezoso; es que parece haber perdido parte de aquella exuberancia visual que convertía cada página en un espectáculo.

No están aquí los cuerpos imposibles de sus X-Men de los noventa, ni aquellas mujeres que retrataba en personajes como Psylocke o Pícara, ni la energía desatada de sus WildC.A.T.s. en Image. Incluso si regresamos al Silencio original, publicado más de veinte años atrás, la diferencia resulta evidente. Aquella historia era también un escaparate para Jim Lee: composiciones espectaculares, personajes que parecían ocupar toda la página y una voluntad constante de ofrecer la imagen definitiva de cada héroe o villano que aparecía. Ahí está, entre entre otras, su recordada visión de Hiedra Venenosa.

Hush II es mucho más contenido, tanto en su historia como en el apartado visual. Lee continúa teniendo una capacidad bestial para construir determinadas imágenes, pero entre esos momentos aparece un dibujo menos inspirado, como si su talento innato funcionara ahora a medio gas. Es, por decirlo de alguna manera, un Jim Lee descafeinado. Se salva su Batgirl, por sobre el resto de personajes, quizá junto con Jason Todd, pero poco más.

La historia de Jeph Loeb, por su parte, intenta jugar deliberadamente con nuestra memoria de Silencio. Si entonces asistíamos prácticamente a un desfile de enemigos de Batman, aquí Loeb da la vuelta al mecanismo: son sus aliados quienes comienzan a ponerse en su contra. La estructura funciona como un reflejo deformado de aquella historia, pero está lejos de generar una tensión real en nosotros como lectores. Hush II es un evento menor y en el centro de todo vuelve a aparecer Jason Todd.

Loeb juega precisamente con una de las heridas que dejó el Hush original: aquella aparición de Jason que durante años estuvo asociada al engaño de Clayface y que posteriormente la propia continuidad de DC decidió manipular a su favor. Hush II aprovecha esa historia editorial, la retuerce una vez más y devuelve a Jason al centro del misterio.

En conclusión

El resultado tiene algunas ideas interesantes y algún destello del equipo creativo que convirtió Batman Silencio en uno de los grandes fenómenos comerciales del personaje. El principal problema de Hush II es que compite contra los Loeb y Lee de hace más de veinte años. Y cada vez que intenta recordarnos Silencio, inevitablemente nos recuerda también cuánto más impactante era aquel cómic y que poco lo es este.

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Echad un ojo al vídeo de este Marvel Limited Edition: El Castigador, el tomo que Panini ha publicado y que recopila la serie regular de Punisher del años 1987:

En este tomo comienza la recopilación de la mítica serie abierta de Frank Castle, encabezada por Mike Baron, Klaus Janson y Whilce Portacio, grandes leyendas del cómic de los ochenta y noventa, quienes juntos recorrieron el camino abierto por la miniserie “Círculo de sangre”. Frank Castle se convierte en un ejército de un solo hombre enfrentado al crimen organizado a escala global. Con la amenaza de Kingpin, la participación de Daredevil y el debut de Microchip. Por Mike Baron, Klaus Janson y Whilce Portacio con David Ross, Ann Nocenti, John Romita Jr., Mark Texeira, Roger Salick y Mike Vosburg.

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Entrevistamos a su editor, Lorenzo Pascual, en el aniversario de la editorial

Papel en Blanco: ¿Cómo y quiénes empiezan el proyecto de Diábolo?

Lorenzo Pascual: Antes de nacer Diábolo, me dedicaba profesionalmente a temas muy alejados de este mundo, pero por mi afición a los tebeos desde niño, el proyecto de crear una editorial daba vueltas en mi cabeza desde hacía algún tiempo. Cuando me decidí a llevarlo a cabo, Una amiga, Pilar Lumbreras, y otro conocido, entraron en el proyecto, pero posteriormente salieron de él, llevándolo yo junto con todos mis colaboradores (diseñadores, traductores…) hasta la actualidad.

PeB: ¿Cuáles fueron los primeros títulos editados?

LP: Comenzamos con varios títulos de autores españoles: Sofía, Ana, Victoria de Guillem March, Vidas a contraluz de Raule y Roger Ibáñez, Monitocadáver de Robledo y Toledano y El joven Lovecraft, de Josep Oliver y Bart Torres. A ellos hay que añadir dos cómics de autores extranjeros: Morlac, de Leif Tande, y Más o menos de Tony Consiglio.

PEB: Con el tiempo la editorial se diversifica. ¿Qué os lleva a hacerlo?

LP: Desde que empecé con Diábolo, siempre pensé que si las cosas iban bien, en un futuro ampliaría la misma con otras líneas editoriales que eran también de mi interés: ilustración, cine, coleccionismo. En un salón del cómic, un autor me presentó un proyecto sobre un libro que recorría los dibujos animados de nuestra niñez. Esto acabó materializándose en el título Abuelito, dime tú, de Guillem Medina, del que agotamos una edición tras otra, y que supuso la señal que me hacía falta para seguir por esa línea de cultura popular, de la que a día de hoy tenemos más de 200 títulos editados. Luego vinieron novelas, cuentos infantiles, manga…

PeB: ¿Cuáles crees que han sido los buques insignia de Diábolo en estos años?

LP: A lo largo de 20 años ha habido títulos que han destacado por diversos motivos. De los primeros en ser de los más vendidos estuvo El joven Lovecraft, una serie que comenzó como un webcómic y de la que se pensaba que al estar gratis en internet no iba a venderse en papel, pero sin embargo, desde su publicación, fue algo imparable, sucediéndose una reimpresión tras otra, vendiendo miles de ejemplares y publicándose en 6 idiomas más. Algo parecido pasó un poco después con el Miau de José Fonollosa, y sus sucesivas series de gatos. Jazz Maynard de Raule y Roger, y Ken Games de Robledo y Toledano fueron títulos de los primeros años que cautivaron también a muchos lectores.

Más adelante, muchos de nuestros títulos de ensayo han sido muy destacados, desde publicaciones de coleccionismo como ¡Andá, la merienda! de Vicente Pizarro, a libros de muñecas como Nancyclopedia, nuestros libros de cine o los de anime como Mi vecino Miyazaki de Álvaro López Martín y Marta García Villar. Y más recientemente la publicación de las revistas de EC, Tales from the Crypt y compañía, o la edición de series de prensa norteamericanas como Li´l Abner, Polly and her pals o Bringing up father.

PeB: ¿De qué títulos publicados estás más orgulloso? ¿Ha habido alguno que te ha hecho especial ilusión publicar?

LP: Como editor estoy orgulloso de todos los títulos que he publicado, desde el primero hasta el último. Cada uno tiene su historia, y detrás de su alumbramiento siempre ha habido muchas vivencias, la gran mayoría muy emocionantes. Pero por nombrar alguno, y por la dificultad -y los años- que supuso hacerse con los derechos, las míticas revistas de la editorial EC ha sido una de las cosas que me proporcionó mayor satisfacción.

PeB: ¿Qué te llevas de estos 20 años en positivo? ¿Cuál es la peor parte de ser editor?

LP: Lo mejor es ver en las librerías nuestras publicaciones. Durante unos años publicamos en otros idiomas, y pudimos ver nuestros libros en Italia, Alemania, Estados Unidos…También conocer y relacionarme con tantos autores, muchos de los cuales con los que he desarrollado una amistad.

Entre lo peor estarían los problemas -retrasos fundamentalmente- con las imprentas, algunas discrepancias con las distribuidoras o martirios recurrentes con las agencias de transporte.

PeB: ¿Cómo ves el mercado literario y de cómic actualmente? ¿Has observado un gran cambio en estos 20 años?

LP: No digo nada nuevo si comento que el mercado editorial está muy saturado, llevamos diciendo esto desde hace mucho tiempo, pero quizás la situación es ahora peor que nunca. Se publica mucho y los puntos de venta han disminuido drásticamente. Cuando comenzamos con la editorial, las grandes superficies dedicaban mucho espacio a los libros, pero esto hoy en día no es así, y hay centros comerciales donde las librerías se han visto relegadas al sótano. Se han perdido los quioscos y las papelerías de barrio, donde durante décadas se han podido ver y comprar muchos tebeos y libros. Y aunque aparecen librerías nuevas, también están desapareciendo algunas librerías históricas. La autoedición ha venido a complicar todo más, ya que cuando buscas algo sobre un tema en la red, te pueden salir mil productos similares donde es difícil discernir la calidad del mismo.

PeB: ¿Tiene Diábolo una postura concreta relacionada con el uso de IA en edición?

LP: En nuestro caso no usamos la IA para nada, ni para traducir, ni para diseño, nada. Entendemos que es una herramienta que no se puede despreciar, pero para lo que hacemos queremos seguir contando con personas al otro lado.

PeB: ¿Qué proyectos de futuro tiene Diábolo? ¿Puedes avanzarnos alguna novedad?

LP: Para el último cuatrimestre del año publicaremos entre otras cosas el primer volumen de tres de Little Nemo, que será la primera edición completa de esta obra maestra en nuestro país. También sacaremos un volumen con las historietas de ciencia ficción que el gran Wally Wood realizó para otras editoriales que no eran EC. O un espectacular volumen dedicado al ilustrador Enric.

Muchas gracias a Lorenzo Pascual por su tiempo para esta entrevista.

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Un mes más, hacemos un repaso en píldoras de algunos cómic que hemos leído en los últimos meses. Tenemos un poco de todo y para cualquier público: misterio, polar-maga, documental, infantil-juvenil… Y recordad: leer cómics también es leer.

· Bone: Los scouts y las mostrorratas, de Jeff Smith y Tom Sniegoski (Astiberrri) Mucho antes de que los primos Bone se perdieran en el bosque inexplorado del Valle, Big Johnson Bone, el descubridor del río Rolling Bone, fundó Boneville. Pero poco se sabe de las aventuras de este gran explorador antes de que creara su famoso puesto comercial. Así que, cuando Smiley Bone se sienta con un grupo de jóvenes scouts para volver a contar las legendarias historias de los orígenes de Boneville, lo que escuchan son locas travesuras repletas de mostrorratas, dragones y un pequeño mono sarcástico. Este volumen recupera a todo color la historia previa de Johnson Bone La historia perdida de Big Johnson Bone, publicada en Estúpidas, estúpidas mostrorratas (Astiberri, 2010), y añade, por los mismos autores (el Jeff Smith original y Tom Sniegoski a los guiones) el origen mítico de Johnson Bone y algunas más de sus aventuras, ensanchando así el universo de Bone.

· Este sitio me mata, de Mariko Tamaki y Nicole Goux (La Cúpula). En Este sitio me mata, Mariko Tamaki nos presenta una especie de whodunit lgtibq+ ambientado en una exclusiva academia femenina. En Wilberton, la admirada joven Elizabeth Woodward, que protagoniza la obra teatral anual de la academia, es encontrada muerta tras el estreno. Una recién llegada Abby, la chica rara y “margi” del instituto, que fue una de las últimas en hablar con la fallecida, indagará por su cuenta e irá descubriendo que la academia oculta numerosos secretos. Es curioso ver aquí cómo se adapta el dibujo de Nicole Goux a la idea de Mariko Tamaki (estilo manga, limitación de la paleta cromática). Un cómic que conjunga el tema de la identidad marginal con un caso detectivesco de manual, con emoción hasta las últimas páginas.

· Henshin, de Ken Niimura (Astiberri). Henshin es una recopilación de historias breves que Ken Niimura, el autor de Soy una matagigantes (Premio Internacional de Manga) y Umami (Premio Eisner), publicó de forma digital en la web de Montly Ikki de Shogakukan en 2013. Se trata de 13 historias muy breves que en su mayoría caen dentro de lo que es el costumbrismo o slice of life, pero también dejan la puerta abierta a lo fantástico, y siempre con un pellizco de comedia o drama. Niimura ha evolucionado mucho como autor desde estas viñetas que tienen 13 años ya, pero aquí, en las distancias cortas, vemos su soltura narrativa, su cercanía al lenguaje estético del manga (con algunas de las típicas historias sobre el propio autor del cómic que hacen los mangakas). Historias curiosas, desde un niño con poderes extraños, la amistad de dos chicos a lo largo de su vida, o una reunión de suicidas interrumpida. Completa este tomo 32 páginas extras en las que podemos ver el proceso creativo de algunas de esas historias.

· La mujer como lo humano, de Ulli Lust (Garbuix Books). La autora de Hoy es el último día del resto de tu vida, una especie de road movie de reivindicación feminista (y que reseñamos aquí) ha estado años trabajando en este cómic-ensayo, o cómic-documental, si se prefiere, que reconstruye el mundo de la Antigüedad para plantear quiénes eran realmente esas figuras que llamamos “diosas”. Un ensayo gráfico que se documenta exhaustivamente para hablar de las sociedades primitivas donde la empatía era clave para la supervivencia y donde la aventura humana era una tarea compartida por mujeres, hombres, niños y personas no binarias. Definitivamente, uno de los cómics del año por el valor documental que la autora ha conseguido en él.

· El nirvana está aquí, de Mikael Ross (Astiberri). En una extraña confluencia entre género negro europeo y manga japonés habíamos encontrado Los evaporados, de Isao Moutte, un autor franco-nipón que tomaba prestada la novela homónima de Thomas B. Reverdy para tejer un curioso cómic híbrido. Precisamente cuando leí El nirvana está aquí recordé esta curiosa combinación. Mikael Ross es un autor alemán con un trasfondo curioso. Se formó como diseñador de vestuario en la Ópera Estatal de Baviera y luego se especializó en la Escuela de Bellas Artes ESA Saint Luc de Bruselaas. Es autor, por otro lado, de curiosidades como El joven Ludwig, donde recrea el estilo de la nueva ola francesa de bd y autores como Christophe Blain, y en El nirvana está aquí hace un viraje en su capacidad estilística y nos entrega un noir usando un depurado estilo manga. En la trama, una historia sobre el tráfico de personas donde dos adolescentes de ascendencia vietnamita que viven en un distrito popular de Berlín se encuentran a una joven que huye de algo o alguien y deciden ayudarla. El dibujo amable y hasta cierto punto europeo parece que nos quiere llevar hacia un tipo de historia, pero no es así: El nirvana está aquí es una historia realista y cruda, llena de acción y problemas, y sin querer hacer spoilers, un final agridulce. Narrada con muy buen pulso y con temática social de fondo, se trata de un cómic que puede haber pasado muy desapercibido y que nos descubre a un autor excelente.

· La gran aventura humana, de Miguel Brieva (Astiberri). La gran aventura humana propone al lector un ensayo gráfico sobre la historia de la Humanidad bajo el subtítulo “Pasado, presente y futuro del mono desnudo”. Sabíamos que Miguel Brieva no le temía a los grandes textos, por cuanto ya lo conocemos de sus demoledoras obras anteriores Dinero o Bienvenido al mundo. Aquí, más que un cómic, tenemos un libro ilustrado por sus dibujos y sus viñetas, que en su línea más cáustica, propone una reflexión desde el humor más descarnado sobre nuestra situación como sociedad. Sacando el látigo, como siempre, Brieva explica incrédulo la capacida del ser humano para autosabotearse: cambio climático, extinción masiva de especies, exaltación de la mercancía, la violencia y el individualismo… y se pregunta: ¿qué pasaría si, tomando conciencia de ello, fuéramos capaces de salir de esta lógica funesta de la que somos cautivos? Sólo para fans de la justicia social y ecoambiental, y con paciencia para leer todo lo que Brieva tiene que decir, que es mucho y muy interesante si se le quiere escuchar.

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Llegamos a agosto, y en este mes la plantilla de editores se va a dar un descanso, mientras nuestro becario queda al mando para seguir publicando información. Hoy revisitamos nuestra actividad de para ofreceros aquí las cinco historias que han sido las más leídas del pasado julio:

En el TOP 5, la novedad de Almuzara, Momentos estelares de la histoira del arte, de Carlos Cubeiro:

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Los que me leáis habitualmente habréis comprobado que soy lector habitual de manga, pero aunque puedo decir que fue el tipo de cómic que me enganchó definitivamente a la lectura cuando Dragon Ball provocó el boom del manga a principios de los 90, con el tiempo he ido seleccionando cada vez más mis lecturas. Y es que a los 40 y muchos para que un manga me interese le pido algo, alguna cosita, extraordinaria: o un dibujo fuera de lo común, o un planteamiento original, o un tema poco visto. Acepto, sobre todo, las obras más seinen, porque suelen encajar más en mis patrones de señor mayor. Y es por eso que quise leer Los artesanos del barrio, de Akihito Sakaue, un manga que Panini empezó a publicar este pasado mayo, casi de tapadillo, con apenas información disponible sobre él (ahora que me he puesto a buscarla, he encontrado una nota de prensa, pero el lector apenas va a tener información en la librería -y pensemos que el mercado del manga en la librería especializada está sobresaturado y es ultracompetitivo: la información es vital para que se pueda vender una obra).

Los artesanos del barrio es un cómic de puro costumbrismo: en su primer tomo, se nos cuentan cinco historias de otros tantos oficios tradicionales (el último de ellos, ocupa más: tres capítulos) del período Edo, en el barrio tokiota de Kanda. Sin más ni menos nos vemos inmersos en la rutina diaria de toneleros, herreros, tintoreros, tapiceros y enlucidores (algo así como un enyesador): los problemas diarios a los que se enfrentan, el mimo con el que trabajan, la puesta en valor de lo artesano, casi como insultante contraste con la deriva asquerosa que estamos viviendo poniéndonos de rodillas ante la IA. Algunos oficios tienen más épica que otros (la maestra herrera, que experimenta la fundición sin núcleo para una katana), pero el resultado final se salda con historias en las que poco pasa. Eso es muy japonés, en el fondo, porque a lo que asistimos es al ejercicio de la paciencia, al peso de la personalidad del artesano sobre su trabajo, la explicación de oficios perdidos que demandaban tiempo y reflexión. En definitiva: los misterios de la artesanía.

Por cierto, ojo: no sé si es histórico o no, pero de esos cinco oficios, el representante que conocemos en cuatro casos es una mujer. Ese detalle me ha gustado y me hubiera gustado saber más sobre el tema de la representación de géneros y su realidad en la época. Y aquí viene mi pero a este manga: creo que el autor, centrado en destacar la importancia de esos procesos artesanos, olvida la pedagogía que muchas veces el manga aprovecha para hacer en obras como ésta. No hubiera estado de más que, al final de los capítulos, se nos diera un poco más de contexto sobre cada oficio, su tipo de trabajo, los materiales, las técnicas… Porque en el propio manga, eso tampoco aparece. Quiero decir, el cómic no es divulgativo en sí mismo. No está hecho con esa función. Lo podría ser y mi demanda va por ahí: algunos artículos de apoyo, o un texto al final del tomo hablando un poco desde la divulgación histórica a mí me hubiera gustado mucho. En cambio, el autor prefiere encuadrar la obra de otra manera. En Los artesanos del barrio, lo importante es el día a día, el trabajo que sale, las preocupaciones del maestro artesano. No es un manga para que aprendamos cosas históricas. En sí mismo es muy zen. Por eso me parece arriesgado, y mucho más aún su publicación en español. Pero es curioso, cuando menos, que este enfoque haya tenido su reconocimiento: el Premio Cultural Osamu Tezuka a mejor autor debutante, la nominación al famoso galardón Manga Taishô o el tercer puesto de la prestigiosa lista Kono manga ga sugoi! en la categoría de lectores masculinos, todo en 2024. No está nada mal. Le deseo todo lo mejor a este manga, porque no lo va a tener nada fácil en el mercado.

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A cuentas de completar la reseña de Lemóniz, ETA y el movimiento antinuclear de Florentino Flórez y Guillermo Sanna, busqué citas de PeB de su primera novela gráfica o alguna otra reseña, para descubrir que habían pasado por debajo de nuestro radar.

Así que disimulemos, imaginándonos todavía en el verano de 2021. Cuando ya habíamos comenzado a salir de la Crisis del Covid. No fueron buenos tiempos, ni tampoco lo son ahora. Pero lecturas como esta son de la clase de cosas que nos ayudan a salir adelante.

Una de las virtudes de H.P. Lovecraft: Kadath para mí, es que se inspira en los cuentos menos representativos, aunque también, de los más originales, (y últimos), escritos por Lovecraft. Los que más se alejan de esa fórmula tan manida y repetida, una y otra vez por el propio autor y su legión de imitadores.

H.P. Lovecraft: Kadath considero, nos acerca más a sus ascendentes reconocidos, Edgar Allan Poe y Lord Dunsany. Lo que nos presenta una de las obras mas cercanas a las raíces modernas del fantástico en todo su espectro.

Florentino Flórez, con sus propias licencias, crea un texto dinámico y con ritmo sobre un original ya de por si aventurero. Muy bien ilustrado por Guillermo Sanna y Jacques Salomón. Ambos aunque con estilos divergentes, funcionan perfectamente integrados y coordinados por Flórez, así creando un diálogo entre los dos ilustradores. Representando desde sus respectivas tabletas gráficas un mismo mundo, fluido, cambiante y variado, como debe ser en un sueño.

Bibliografía:

H.P.Lovecraft: Kadath. Florentino Flórez, Guillermo Sanna y Jacques Salomon. Cartoné. B/N. Diábolo Ediciones, en 2021. ISBN-10: 8418320400. ISBN-13: 978–8418320408. También publicada por entregas en la revista de la misma editorial, ‘Cthulhu’, entre 2023 y 2026. Editado posteriormente y a color (por J. Salomon) en los EEUU en 2022 por Ablaze Comics Group y en Francia, por Black River en 2023.

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‘H.P.Lovecraft: Kadath’, de F. Flórez, G. Sanna y J. Salomon was originally published in Papel en Blanco on Medium, where people are continuing the conversation by highlighting and responding to this story.