Pediatría Basada en Pruebas

Uso y cuidado de la lengua española en la ciencia

2026-06-10T06:30:00.000+02:00

El libro “Uso y cuidado de la lengua española en la ciencia” es una obra colectiva, coordinada por Federico J. C-Soriguer y Antonio Diéguez, analiza la situación actual y el futuro del español como lengua de comunicación científica. Aunque el inglés predomina hoy como la lingua franca del conocimiento, los autores defienden que el español es vital para integrar la ciencia en la cultura de las sociedades hispanohablantes. El texto recopila dieciocho capítulos donde especialistas en medicina, humanidades y tecnociencia reflexionan sobre la necesidad de cuidar el léxico y fomentar la divulgación científica en nuestro idioma. Se destaca la importancia de iniciativas como el Diccionario Panhispánico de Términos Médicos para mantener la precisión y unidad del lenguaje especializado. En definitiva, el libro propone que una lengua fuerte no puede renunciar a expresar los avances que transforman el mundo moderno. La publicación subraya que fortalecer la ciencia en español es un requisito indispensable para garantizar la soberanía cultural y el pensamiento crítico en el futuro. El libro de 203 páginas se puede descargar desde este enlace. Y es una nueva obra de Fundación Lilly, gran defensor de la ciencia en español y de las humanidades.

Un libro del que se pueden extraer estas preguntas y respuestas:

a) ¿Cuál es la relación entre el lenguaje médico y la dimensión humana?

Es una relación profunda e indisoluble, ya que la medicina surge en el momento en que el ser humano adquiere la capacidad de «decir» y manifestar que algo le ocurre a su cuerpo. Una relación que se manifiesta en los siguientes puntos clave:

- El origen evolutivo y comunicativo. La medicina comenzó cuando los homínidos solo podían comunicarse mediante expresiones no verbales (gestos, miradas, sonidos) para indicar su padecimiento. Con la evolución, el ser humano se convirtió en un animal locuente, desarrollando un lenguaje articulado que permitió un salto cualitativo en la intercomunicación entre el ser humano doliente y el ser humano acompañante que buscaba su curación.

- El «acto médico» como eje estructural. El lenguaje médico es el instrumento fundamental que hace posible el acto médico, definido como el proceso de comunicación que vincula al médico y al enfermo. Este encuentro se basa en una triple comunicación: Comunicación no verbal (niradas, gestos, silencios y tacto), Comunicación instrumental (vinculada a la actividad médica específica del momento) y Comunicación verbal (un vector primordial que combina el habla común con el lenguaje médico especializado).

- Componentes de la dimensión humana. Siguiendo a Pedro Laín, el lenguaje médico nutre tres componentes esenciales de la relación humana en la medicina: Cognoscitivo (relacionado con el diagnóstico y el saber médico), Operativo (vinculado a la exploración y el tratamiento) y Afectivo (fundamental para construir la confianza mutua entre el médico y el paciente).

- Identidad, dolor y esperanza. El lenguaje médico no es solo un conjunto de tecnicismos; es un componente del lenguaje humano que nos vincula con nuestra identidad como seres que sienten y piensan. Permite expresar tanto el dolor humano que implica la enfermedad como la esperanza que suponen la investigación y la tecnología. En este sentido, la dimensión científica y la humana no son cosas distintas, sino «dos lados de la misma cosa».

- El papel protagónico del paciente. A diferencia de otros momentos históricos, hoy se reconoce que el paciente no es un sujeto pasivo. El conocimiento y uso del lenguaje médico es un derecho legal que permite a las personas ser protagonistas de su propia enfermedad y estar «a la altura de su tiempo» en la toma de decisiones sobre su salud.

En conclusión, el lenguaje médico en español debe aspirar a la claridad y el rigor, no solo por precisión científica, sino para que el acto médico sea plenamente humano y efectivo en el mundo hispanohablante.

b) ¿Qué desafíos enfrentan los científicos al publicar en un mundo monolingüe?

En un mundo donde el inglés se ha consolidado como la lingua franca de la ciencia, los investigadores que no son hablantes nativos de este idioma enfrentan desafíos multidimensionales que van desde barreras lingüísticas hasta presiones económicas y profesionales. Y estos son los principales retos:

- Barreras lingüísticas y pérdida de matices:

• Pobreza expresiva: publicar en una lengua no nativa a menudo resulta en un «inglés neutro» que carece de los recursos expresivos y matices necesarios para las disciplinas más técnicas, y especialmente para las ciencias sociales y humanidades.

• Exigencia de nivel nativo: muchos editores de revistas científicas rechazan artículos de oficio si el texto no alcanza el nivel de expresión de un hablante nativo, lo que obliga a los científicos a contratar traductores profesionales que no siempre captan la complejidad del tema.

- Desventajas académicas y de prestigio:

• Sesgo en las citas: los trabajos escritos en inglés se citan significativamente más que los escritos en otras lenguas. Esto crea una «servidumbre del impacto», donde los científicos se ven obligados a publicar en inglés para mejorar su currículum, prestigio y obtener mejoras laborales o salariales.

• Invisibilidad del trabajo no anglófono: los académicos anglosajones rara vez consultan investigaciones realizadas en otros idiomas, lo que genera relaciones asimétricas de poder y conocimiento.

- Presiones económicas y el modelo de negocio editorial:

• Red clientelar: el modelo actual obliga a los científicos a pagar por publicar (muchas veces con fondos públicos) y luego las universidades deben pagar costosas suscripciones para leer esos mismos artículos.

• Monopolio del impacto: los algoritmos que miden la relevancia científica están controlados por unas pocas empresas que priorizan la literatura en inglés, condenando a la «irrelevancia» a las publicaciones en otros idiomas. 4. Erosión cultural e intelectual

• Dificultad para pensar creativamente: escribir en el propio idioma permite explorar mejor el mundo de las ideas complejas; por el contrario, el monolingüismo científico puede «secuestrar el espíritu» y la identidad cultural del investigador.

• Colonización semántica: la avalancha de descubrimientos nominados originalmente en inglés provoca una entrada masiva de anglicismos, traducciones erróneas y neologismos que deterioran el idioma nativo.

- Desconexión con la sociedad:

• Brecha con la ciudadanía: la presión por publicar exclusivamente en inglés para pares internacionales distancia a los científicos de su entorno local, dificultando que los avances lleguen a la población que financia la investigación y que no domina la lengua inglesa.

• Riesgo de «Saganización»: los científicos que dedican tiempo a la divulgación en su lengua materna a menudo ven esta labor denostada o poco valorada en los sistemas de evaluación académica.

En definitiva, el desafío no es solo comunicarse, sino evitar que la ciencia se convierta en una actividad «distante, elitista e indolente» que ignore las necesidades y el conocimiento experiencial de las comunidades locales.

c) ¿Cómo puede el español impulsar la cultura científica en Iberoamérica?

El español puede impulsar la cultura científica en Iberoamérica actuando como un puente esencial entre el conocimiento especializado y la sociedad, partiendo de la premisa de que la ciencia es cultura y se integra mejor a través de las lenguas autóctonas. Para lograr este impulso, cabe considerar diversas estrategias clave:

- Consolidación de espacios comunes de conocimiento. La creación y fortalecimiento del Espacio Iberoamericano del Conocimiento (EIC) es fundamental para generar una cultura científica cohesionada en su diversidad, utilizando el español y el portugués como vehículos de unión. Este espacio permite la colaboración transnacional entre universidades y equipos de investigación, lo que ayuda a que el conocimiento generado revierta en un crecimiento sostenible para la región.

- Democratización de la ciencia a través de la lengua. El uso del español es una herramienta indispensable para la democratización de la ciencia, ya que elimina las barreras lingüísticas que distancian a la ciudadanía de los avances tecnológicos. Al comunicar los hallazgos en la lengua materna de los hablantes, se facilita la participación ciudadana, se mejora la educación científica en todas las etapas y se fomenta el pensamiento crítico frente a la desinformación y las pseudociencias.

- Fortalecimiento de la divulgación científica. La divulgación y el periodismo científico en español tienen una audiencia potencial enorme que depende de estos medios para estar informada sobre el estado de la investigación. Iniciativas que acerquen la ciencia al público general, como conferencias, museos y redes sociales, son vitales para que la sociedad no vea la ciencia como algo ajeno, sino como parte de su realidad cotidiana.

- Políticas públicas y apoyo institucional. Para elevar el prestigio del español en la ciencia, es necesario mejorar el apoyo público a la investigación en los países de habla hispana, incrementando la inversión en I+D. Algunas propuestas concretas incluyen:

• Correlato en español: exigir que la investigación financiada con fondos públicos tenga un resumen o versión en español, incluso si se publica originalmente en inglés.

• Incentivos en eventos: no desincentivar el uso del español en congresos nacionales e iberoamericanos, fomentando su uso entre los investigadores más jóvenes.

• Calidad editorial: incrementar la calidad y el prestigio de las publicaciones científicas en español para que sean referentes de excelencia.

- Integración con las nuevas tecnologías. En la era digital, es un desafío crítico que el español genere sus propios tecnolenguajes y se integre plenamente en la inteligencia artificial y el big data. Lograr que los algoritmos "piensen" y se nutran del español es esencial para preservar nuestra identidad cultural y evitar que el conocimiento científico se convierta en un ámbito exclusivo de otras lenguas.

En conclusión, empoderar el español como lengua científica no busca competir con el inglés como lingua franca, sino asegurar que la comunidad hispanohablante pueda pensar, generar e innovar desde su propia realidad, garantizando un futuro donde la ciencia sea accesible y beneficiosa para todos sus ciudadanos.

d) ¿Qué papel juega el español frente al inglés en ciencia?

En la actualidad, la relación entre el español y el inglés en el ámbito científico está marcada por una clara asimetría: mientras el inglés se ha consolidado como la lingua franca de la comunicación científica internacional, el español desempeña un papel fundamental en la integración cultural, la educación y la democratización del conocimiento.

- El inglés como la lengua de la "vanguardia" y el impacto

• Hegemonía absoluta: tras la Segunda Guerra Mundial, el inglés sustituyó a lenguas como el latín, el francés y el alemán como vehículo universal de la ciencia. Hoy, aproximadamente el 94 % de los artículos en bases de datos como Web of Science están en inglés, frente a un escaso 1,3 % en español.

• Servidumbre del impacto: existe una presión constante sobre los científicos para publicar en inglés, ya que estos trabajos reciben significativamente más citas, lo que es determinante para el prestigio profesional, la obtención de proyectos y las mejoras salariales.

• Modelo de negocio: esta hegemonía alimenta un modelo editorial donde los científicos pagan por publicar y las instituciones pagan costosas suscripciones para leer, beneficiando principalmente a grandes grupos editoriales anglosajones.

- El español como lengua de cultura, educación y sociedad

• Ciencia como cultura: la ciencia se integra mejor en la sociedad cuando se comunica en la lengua materna de los ciudadanos. El español es el vehículo idóneo para que la ciencia no sea vista como algo ajeno o de élite, sino como parte de la realidad cotidiana.

• Formación y divulgación: la formación de científicos en países hispanohablantes se realiza mayoritariamente en español. Además, el español tiene un campo inmenso en la divulgación y el periodismo científico, donde existe una audiencia de cientos de millones de personas que dependen de su lengua para entender los avances tecnológicos.

• Democratización: el uso del español es clave para reducir la brecha de conocimiento entre los investigadores y la ciudadanía, fomentando el pensamiento crítico frente a la desinformación. 3. La dimensión humana y profesional

• El acto médico: en disciplinas como la medicina, el español es insustituible para el encuentro entre médico y paciente. Permite expresar con precisión el dolor y la esperanza humana, algo que un "inglés neutro" o técnico no siempre logra captar.

• Resistencia en el derecho: curiosamente, en el ámbito jurídico, el español mantiene una fuerte resistencia a la "anglobalización", conservando su propia terminología y cultura profesional.

- Desafíos y horizontes futuros

• Terminología y rigor: para que el español sea una lengua de ciencia competitiva, es vital cuidar el lenguaje y evitar la entrada masiva de anglicismos crudos. Iniciativas como el Diccionario panhispánico de términos médicos buscan garantizar esta unidad y claridad.

• Tecnociencia e IA: el gran reto del siglo XXI es lograr que el español no solo sirva para "decir" la ciencia ya hecha, sino para generar innovación e inteligencia artificial en nuestro propio idioma.

• Esperanza tecnológica: algunos expertos pronostican un futuro donde el desarrollo de la traducción automática y la IA permita a cada científico escribir en su propia lengua, eliminando la barrera lingüística y restando peso a la posición privilegiada del inglés.

En conclusión, el español no pretende competir con el inglés como herramienta de intercambio global, sino reafirmarse como el instrumento imprescindible para construir una cultura científica sólida en la comunidad hispana.

e) ¿Cómo se aplica la triple comunicación en el acto médico?

La triple comunicación se aplica en el acto médico —el proceso de comunicación que vincula técnicamente el encuentro entre el médico y el enfermo— como un eje estructural de interacción que ha permanecido constante a lo largo de la historia. Esta interacción se manifiesta a través de tres modalidades distintas:

1. Comunicación no verbal: se produce en ambas direcciones e incluye elementos como la mirada, los sonidos, los gestos, los silencios y la tactación (el tacto).

2. Comunicación instrumental: está directamente vinculada a la actividad médica específica que se desarrolla en cada momento del encuentro.

3. Comunicación verbal: es considerada el vector primordial que recorre todo el proceso. Combina el habla común con el lenguaje médico de la época.

Esta triple comunicación nutre los tres componentes fundamentales que Pedro Laín distingue en la relación médico-paciente: los componentes cognoscitivo, operativo y afectivo. El acto médico se define como el proceso de comunicación técnica que vincula el encuentro entre el médico y el enfermo, basado en la voluntad del paciente de curarse y la del profesional de prestar ayuda.

• Componente cognoscitivo: está vinculado al diagnóstico y al saber médico. Es la parte del encuentro donde se busca el conocimiento sobre lo que le ocurre al cuerpo del paciente, permitiendo identificar la enfermedad a través del estudio y la interpretación de los signos y síntomas.

• Componente operativo: se refiere a la actividad práctica y técnica del quehacer médico, específicamente a la exploración física y la aplicación del tratamiento. Es la dimensión donde el saber médico se traduce en acciones concretas para buscar la curación o el alivio del doliente.

• Componente afectivo: es el elemento que acompaña y sostiene la confianza mutua entre el médico y el paciente. Este componente es esencial para la relación humana en la medicina, ya que permite que la interacción no sea solo técnica, sino que considere la identidad del paciente como un ser «pensante y sintiente».

El lenguaje médico desempeña un papel crucial en estos tres ámbitos, ya que nutre los fundamentos conceptuales e instrumentales de cada uno. A través de una triple comunicación (no verbal, instrumental y verbal), el lenguaje permite que el médico y el paciente se entiendan y colaboren eficazmente en el proceso de salud y enfermedad. En la actualidad, se destaca que el paciente debe conocer este lenguaje para dejar de ser un sujeto pasivo y convertirse en protagonista de su propia enfermedad.

f) ¿Qué papel juegan las redes sociales en la divulgación científica?

Las redes sociales desempeñan un papel fundamental y transformador en la divulgación científica actual, actuando como uno de los principales canales para conectar el conocimiento especializado con la ciudadanía. Y su impacto se manifiesta en los siguientes aspectos:

- Canal preferente para las nuevas generaciones. El uso de Internet y las redes sociales se ha consolidado como la vía principal de información científica. Para los jóvenes de entre 15 y 34 años, las redes sociales y los vídeos son los canales favoritos para informarse sobre ciencia y tecnología. Esta tendencia es parte de una realidad donde más de la mitad de la humanidad es usuaria de estas plataformas.

- Democratización y alcance global. La proliferación de las redes sociales ha dado un impulso notable a la comunicación de la ciencia, permitiendo:

• Romper barreras geográficas y sociales: personas de todo el mundo pueden acceder a contenidos científicos de calidad independientemente de su formación académica.

• Diversificación de formatos: la divulgación se realiza ahora a través de comentarios en redes, pódcast (en plataformas como Spotify o iVoox) y vídeos en YouTube.

• Posición del español: el español es el segundo idioma más utilizado en las principales redes sociales del mundo, como Facebook, Instagram, LinkedIn y X.

- Transformación del lenguaje científico. Las redes sociales y las tecnologías digitales han forzado una evolución hacia lo que las fuentes denominan tecnolenguajes. Esto incluye:

• Brevedad y síntesis: plataformas como WhatsApp imponen un lenguaje reducido a la esencia.

• Hibridación: el uso de emoticonos y la combinación de palabras, gestos y ritmos en vídeos o publicaciones facilitan la transmisión de significados complejos.

- Desafíos y riesgos: la "posverdad". A pesar de sus ventajas, las redes sociales presentan desafíos críticos para la cultura científica:

• Propagación de pseudociencias: facilitan la difusión de teorías conspirativas, movimientos antivacunas y noticias falsas.

• Clickbait y superficialidad: existe una saturación de contenido sensacionalista o inventado que busca el impacto por encima de la veracidad.

• Necesidad de mediadores: ante este panorama, surge la figura del fact-checker o revisor de veracidad, aunque su labor sigue siendo insuficiente. Por ello, las fuentes subrayan que las universidades y academias científicas deben ser los referentes de contenido veraz en estos entornos.

En conclusión, las redes sociales han pasado de ser un medio secundario a ser el escenario principal donde se construye la cultura científica de la sociedad, exigiendo a los científicos no solo presencia, sino también una mayor alfabetización mediática para combatir la desinformación.

g) ¿Cómo impacta la IA en el lenguaje médico actual?

La inteligencia artificial (IA) está transformando el lenguaje médico actual de diversas maneras, desde la gestión terminológica hasta la superación de barreras lingüísticas en la investigación. Su impacto se manifiesta principalmente en los siguientes puntos:

- Vigilancia y actualización terminológica. Uno de los impactos más directos es la propuesta de crear unidades de terminovigilancia. Estas utilizarían algoritmos de inteligencia artificial para detectar en tiempo real nuevos conceptos y términos en revistas científicas (mayoritariamente en inglés). El objetivo es facilitar la traducción inmediata y la creación de neologismos pertinentes en español, evitando que el inglés «rompa el valladar» de nuestra lengua sin control.

- Superación de la barrera del inglés. La IA está ayudando a paliar la desventaja de los investigadores hispanohablantes:

• Traducción automática: herramientas como el traductor de Google permiten una lectura rápida de artículos científicos.

• Mejora de textos: nodelos de lenguaje como ChatGPT son utilizados por científicos para mejorar la redacción de sus trabajos en inglés, permitiéndoles centrar sus esfuerzos intelectuales en la investigación y no solo en el dominio del idioma.

• Fiabilidad técnica: en textos de carácter médico o técnico, donde la sintaxis es más sencilla y hay pocas figuras retóricas, las traducciones de la IA son cada vez más difíciles de distinguir de un original.

- Surgimiento de «tecnolenguajes». La IA es parte de una revolución que ha transformado los idiomas comunes en tecnolenguajes. En medicina, esto implica que la práctica lingüística ya no solo se da entre personas, sino que está mediatizada por programas informáticos y el procesamiento de grandes volúmenes de datos (Big Data). Esto modifica la forma de generar innovaciones y de comunicar el conocimiento médico.

- Riesgos para la identidad del idioma. A pesar de sus ventajas, se advierten sobre desafíos críticos:

• Riesgo de «marasmo»: existe la preocupación de que el español científico se «adelgace» o caiga en la desnutrición por falta de generación de contenido propio, ya que el desarrollo de la IA en inglés y chino crece a un ritmo casi inalcanzable para el español.

• Pérdida de matices: al basarse en el análisis estadístico de datos, la IA puede consolidar términos estándar y desechar versiones válidas que un traductor humano usaría por razones estilísticas, reduciendo la espontaneidad del lenguaje.

• Necesidad de un corpus en español: se argumenta que los algoritmos de la IA (que son la «gramática» de esta tecnología) deben hacerse y pensarse en español. Si la IA solo se nutre de otros idiomas y luego se traduce, se pierde la aproximación particular a la realidad y la idealidad intrínseca de la lengua española.

En conclusión, mientras que la IA ofrece herramientas potentes para la traducción y la actualización del léxico médico, también exige un esfuerzo activo de la comunidad científica para asegurar que el español no sea solo un idioma receptor, sino una lengua en la que la tecnología también «piense» e innove.

Respuestas a las preguntas más frecuentes sobre Asma

2026-06-08T06:30:00.000+02:00

RESPIRAR es una página web de referencia en español dirigida a profesionales sanitarios y familias sobre el asma en niños y adolescentes, con un enfoque muy educativo y centrado en el autocuidado.

Es un portal divulgativo y educativo promovido por la Asociación Española de Pediatría de Atención Primaria (AEPap) que ofrece información actualizada, clara y sin ánimo lucrativo. El sitio está orientado tanto a padres y madres como a pediatras, enfermería y otros profesionales, con el objetivo de mejorar el control del asma, reducir ingresos y mejorar la calidad de vida del niño.

Entre los recursos más consultados y útiles destacan:

- Portal de familias: área específica con guías, preguntas frecuentes y explicaciones sencillas sobre qué es el asma, cómo controlarla, qué son los desencadenantes, y cómo usar los inhaladores y el plan de acción.

- Material audiovisual: vídeos explicativos sobre inhaladores, técnicas de uso de dispositivos, cómo reconocer signos de descompensación y qué hacer ante un episodio agudo de asma.

- Herramientas de autocontrol: planes de acción del asma descargables, diarios de síntomas, cuestionarios de control y consejos para la escuela y el deporte.

- Contenidos para profesionales: guías de actuación, criterios de gravedad, recomendaciones de tratamiento no farmacológico (evitar el tabaco, alergenos, etc.) y formularios estandarizados para seguimiento.

En resumen, RESPIRAR funciona como una suerte de “guía práctica compartida” entre pediatra, familia y niño, con énfasis en materiales visuales, descargables y de fácil comprensión, muy útiles en consultas, guardias y educación sanitaria continuada.

Y hoy quiero compartir este enlace sobre Respuestas a las preguntas más frecuentes sobre Asma, en el que se puede obtener respuesta a cuestiones como: ¿Qué es el asma y cuán frecuente es?, ¿a qué se debe y qué cosas inflaman las vías aéreas?.¿cuáles son los síntomas¿. ¿el asma se cura?, ¿el asma es contagiosa?, ¿es posible morir por asma?, ¿cuáles son los medicamentos para el asma?

Pero también ir a aspectos más concretos sobre asma y mascotas o asma y obesidad

Un buen recurso creado en el año 1999 por el Dr. Carlos Díaz Vázquez y liderado durante muchos años por el Dr. Manolo Praena, dos buenos amigos, entre otros muchos del grupo.

Cine y Pediatría (856) “Habla, mudita” y cuéntanos la etapa de la Transición en el cine español

2026-06-06T00:30:00.000+02:00

Hoy nos adentramos en una etapa clave del cine español y lo haremos con una de sus películas fundacionales. Hablamos de la generación de cineastas que se debatió entre la etapa final del franquismo y los primeros pasos de la democracia. Son dos etapas consecutivas:

a) Nuevo Cine Español (1960-mediados 1970), grupo de directores cuyo cine refleja las tensiones políticas, sociales y morales de la España de finales del franquismo, donde la censura aún está presente y buscan burlar la misma con humor oscuro, alegoría y metáforas. Obras clave: Nunca pasa nada (Juan Antonio Bardem, 1963), La busca (Mario Camus, 1964), La tía tula (Miguel Picazo, 1964), La caza (Carlos Saura, 1965), Fata Morgana (Vicente Aranda, 1966), Juguetes rotos (Manuel Summers, 1966), Nueve cartas a Berta (Basilio Martin Patino, 1966), Nocturno 29 (Pere Portabella, 1968), El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), etc.

b) Cine de la Transición (1975-1984), grupo de películas que surgieron tras la muerte de Franco, en un momento de aparente libertad (pero aún con censura postfranquista presente) y cuyo objetivo era reflejar los cambios sociopolíticos y recuperar la memoria histórica, con temas bastantes traumáticos aún y sobrevolando los fantasmas de la dictadura. Obras clave: Cría cuervos… (Carlos Saura, 1976), El puente (Juan Antonio Bardem, 1977), Queridísimos verdugos (Basilio Martin Patiño, 1977), Cambio de sexo (Vicente Aranda, 1977), Tigres de papel (Fernando Colomo, 1977), Ocaña, retrato intermitente (Ventura Pons, 1978), Bilbao (Bigas Luna, 1978), Ópera prima (Fernando Trueba, 1980), Deprisa, deprisa (Carlos Saura, 1981), El sur (Víctor Erice, 1983), Vestida de azul (Antonio Giménez Rico, 1983), La muerte de Mikel (Imanol Uribe, 1984), Los santos inocentes (Mario Camus, 1984), etc.

La primera etapa preparó el camino a la segunda (de ahí la coincidencia de directores), un cine enmarcado como cine de autor, alrededor de la ambigüedad moral, el realismo y el simbolismo, y muchos de cuyos autores eran egresados, principalmente, de la Escuela Oficial de Cine (EOC) o de la Escuela de Barcelona, en busca de renovar el lenguaje cinematográfico español y que rompe con el cine franquista tradicional y su apuesta por la ambigüedad moral, los espacios cerrados, los silencios y la tensión emocional.

Hoy centramos nuestra mirada en uno de esos directores considerados propiamente como cineastas de la Transición, y cuya ópera prima sería una de las obras fundacionales de una nueva generación: hablamos del cántabro Manuel Gutiérrez Aragón y su debut con Habla, mudita (1973), producida por Elías Querejeta (y que contó con su homogéneo equipo habitual: fotógrafo Luis Cuadrado, montador Pablo G. del Amo, compositor Luis de Pablo) y que le consagró inmediatamente como uno de los mejores realizadores de su generación, obteniendo el premio de la crítica en el Festival de Berlín. El inicio de una prolija producción cinematográfica sembrada de premios, como Camada negra (1977), Sonámbulos (1978), El corazón del bosque (1978), Maravillas (1981), Demonios en el jardín (1982), La mitad del cielo (1986) o Cosas que dejé en La Habana (1997).

Habla, mudita es una película que es una metáfora de la incomunicación social, las dificultades de expresión bajo la censura franquista y el fracaso de los intelectuales por imponer sus discursos a las clases populares y rurales. Una película muy particular por su mezcla de drama, simbolismo y mirada crítica sobre las relaciones humanas, y que fue rodada en el refugio de Áliva y en los pueblos cántabros de Bores y Bejes, lo que refuerza el peso del paisaje en la narración: porque el paisaje no es un simple decorado, sino una parte activa del relato, donde la montaña, el refugio y la aldea transmiten aislamiento, extrañeza y una sensación de frontera entre dos mundos.

La historia sigue a Don Ramiro (José Luis López Vázquez), escritor y hombre estudioso del lenguaje, quien, durante sus vacaciones en un parador de las montañas cántabras con su familia, se encuentra a una joven pastora sordomuda (Kiti Mánver), y ese encuentro lo conduce a una relación cargada de fascinación, desequilibrio y malentendidos, que afecta tanto a su familia como a la de la adolescente. Ella vive con su abuela, su madre y un hermano mayor también sordomudo en medio de las montañas. Y a partir de esta premisa aparentemente sencilla, la película va creciendo hacia un conflicto moral y social más complejo. Ramiro se obsesiona por enseñarle a hablar: “¡Ay mudita, mudita…!, ¡Pobre mudita!”, “Poner nombre es poseer las cosas”, “Habla mudita, habla…”

Y es así como el vínculo entre ambos personajes pone en juego cuestiones de poder, deseo, incomunicación, diferencia de clase y choque entre el mundo urbano y el rural. Unas relaciones interpersonales de Ramiro y su la joven sordomuda que avanzan en doble plano, intelectivo y sensual; uno y otro quedan envueltos en el más amplio de conseguir la comunicación real y efectiva del adulto con la muchacha, como ya lo intentara Arthur Penn con Anna Sullivan (Anne Bancroft) en El milagro de Ana Sullivan (1962), François Truffaut con su doctor Itard (François Truffaut) en El pequeño salvaje (196), o Jean-Pierrre Améries con la hermana Marguerite (Isabelle Carre) en La historia de Marie Heurtin (2014). Pero en Habla, mudita, Ramiro. este intelectual hastiado de una cierta civilización, con la que no se entiende y de la que poco espera, juega a purificarse en la Naturaleza, allí donde la ingenuidad roussoniana de la mudita, el ancestral celtiberismo del hermano, la vieja sabiduría del pueblo, el consejo y la malicia celestinesca de la abuela, se combinan y entrecruzan como diversos grados de civilización existentes en el mismo lugar y en el mismo tiempo. La lúcida utilización del realismo simbólico encuentra adecuada expresión en la primera parte de la película, aunque viene a decaer en la segunda: en ese momento, ya hemos comprobado que el naturalismo ambiental contrasta o fusiona paisanaje y paisaje.

Uno de los temas más poderosos de este film es la incomunicación. El propio protagonista tiene en el lenguaje y la palabra su oficio, pero su relación con la joven muestra que saber hablar no siempre equivale a saber comprender. Otro eje importante es la relación entre poder y vulnerabilidad: la diferencia entre Ramiro y la muchacha no es solo lingüística, sino también social, afectiva y simbólica, allí donde se nos invita a mirar con cuidado cómo la fascinación puede convertirse en dominación cuando una persona intenta “explicar” o “corregir” a otra sin escucharla realmente.

La primera gran enseñanza es que la comunicación humana exige empatía, no solo palabras. Y la película deja muy claro que el contacto humano fracasa cuando una de las partes intenta definir a la otra desde su propia superioridad. La segunda reflexión es que el deseo de transformar al otro puede esconder una forma de egoísmo, porque Ramiro cree que está ayudando, formando o despertando a la joven, pero la historia muestra los límites éticos de esa actitud. La tercera enseñanza es social: el mundo rural que presenta la película está atravesado por jerarquías, silencios y violencias, pero también por una lógica colectiva que juzga y reacciona de forma implacable. Eso convierte la obra en un retrato duro de una comunidad cerrada, donde la incomprensión mutua termina generando tragedia.

Habla, mudita nos deja tres enseñanzas que son metáfora frente al franquismo que en aquel año 1973 estaba dando sus últimas bocanadas en la política de España: la metáfora de la incomunicación y la censura, donde la sociedad española actuaba como una “muda” forzada por el miedo o la represión; el choque entre el intelectual y el mundo real, un tema recurrente y crítico en el cine de la Transición; la manipulación y el adiestramiento, sugiriendo que el lenguaje se utiliza para someterá otros en lugar de para entenderse; y la búsqueda de la libertad.

Si la miramos hoy, la película sigue siendo valiosa precisamente por su incomodidad. No ofrece respuestas fáciles, pero sí una advertencia muy clara: comprender a alguien exige reconocer su alteridad, no reducirla a nuestras expectativas. En ese sentido, el silencio de la muchacha no es solo una ausencia de voz, sino también un espejo que obliga al personaje masculino - y al espectador - a preguntarse cuánto de lo que llamamos comunicación es en realidad imposición. La película sugiere así que no basta con sentirse atraído por alguien para comprenderlo: hace falta reconocer su autonomía, su mundo interior y su derecho a no ser traducido según la mirada ajena.

Porque Habla, mudita plantea preguntas que no han perdido vigencia: ¿cuántas veces confundimos atención con posesión?, ¿cuántas veces interpretamos al otro sin dejarle realmente espacio para existir tal como es? Su gran mérito está precisamente en no ofrecer respuestas cerradas, sino en dejar al espectador ante una verdad difícil: el encuentro humano exige humildad, y la verdadera comunicación empieza cuando dejamos de hablar para empezar a escuchar. Al final, Habla, mudita nos recuerda que el problema no es solo la falta de palabras, sino la dificultad de reconocer al otro sin convertirlo en una proyección de nosotros mismos.

Guía médica para la comunicación de malas noticias

2026-06-03T06:30:00.000+02:00

La comunicación de malas noticias es un tema muy importante en la práctica sanitaria y sobre el que es importante la mejor formación posible. El libro "Cómo dar malas noticias en medicina" del doctor Marcos Gómez Sancho es una obra esencial sobre la comunicación clínica y los cuidados paliativos. El autor explora el profundo estigma social y el pavor que aún rodean a enfermedades como el cáncer, comparándolas con tabúes históricos como la lepra o la sífilis. A través de un análisis crítico, se cuestiona el paternalismo médico tradicional y la falta de adiestramiento académico que deja a los profesionales sin recursos para gestionar el impacto emocional de un diagnóstico fatal. El prefacio y los capítulos iniciales defienden el derecho a la información del paciente como un pilar de la dignidad humana, rechazando el aislamiento que provoca la mentira piadosa. Finalmente, el texto subraya que una comunicación honesta y empática es fundamental para que el enfermo mantenga su autonomía y evite el desamparo en la etapa final de su vida.

Desde la organización Red de Padres Solidarios se puede descargar el libro desde este enlace. Veamos algunas preguntas que podemos responder con la lectura de este texto…

a) ¿Cómo afecta la falta de formación médica a la comunicación?

La falta de formación específica en habilidades de comunicación impacta negativamente tanto en el profesional médico como en el paciente, transformando lo que debería ser un acto humano y terapéutico en una situación de crisis mal gestionada. A continuación se detallan las principales afectaciones identificadas en las fuentes:

1. Inseguridad y miedo en el profesional

• Desprotección de recursos: el médico se encuentra solo y desprovisto de herramientas para enfrentar situaciones delicadas, ya que en la universidad se prioriza el aprendizaje de técnicas sofisticadas sobre el arte de comunicar malas noticias.

• Miedo a las reacciones del paciente: la ausencia de formación sobre cómo manejar la cólera o la desesperación hace que el profesional evite entrevistas difíciles para eludir complicaciones emocionales para las que no está preparado.

• Sentimiento de fracaso: al no ser entrenados para ver la muerte como algo inevitable, muchos médicos la perciben como una derrota personal, lo que dificulta hablar de ella abiertamente.

2. Deterioro de la relación médico-paciente

• Uso de la mentira y el engaño: ante la falta de recursos, no es raro que el médico opte por "dimitir" de su responsabilidad informativa o por engañar al enfermo, lo que menoscaba la confianza y la relación futura.

• Distanciamiento y frialdad: el médico tiende a establecer una excesiva distancia emocional, centrándose exclusivamente en los aspectos físicos de la enfermedad y bloqueando su capacidad empática.

• Abandono y huida: la salida más cómoda ante una situación comprometida suele ser la huida o el aislamiento del enfermo, esperando que otros asuman la responsabilidad que el médico desea evitar.

3. Impacto en la calidad de la atención

• Hiperactividad terapéutica: el médico puede refugiarse en el "hacer algo" (pruebas o tratamientos inútiles) para no confesar su impotencia frente a la muerte, lo que a veces deriva en ensañamiento terapéutico.

• Pérdida del poder de la palabra: la medicina actual, muy tecnificada, olvida que el diálogo es un instrumento diagnóstico y terapéutico fundamental, sustituyendo la humanidad por la química o los aparatos.

• Información deficiente: proporcionar información solo por imperativo legal, sin seguir principios científicos de comunicación, puede causar más daño que beneficio, generando ambigüedad o brutalidad en la entrega del mensaje.

4. Consecuencias legales y sociales

• Aumento de demandas: gran parte de las demandas por negligencia se deben en realidad a quejas sobre una mala información o falta de escucha, más que a errores técnicos.

• Carencias en el sistema educativo: los exámenes médicos (como el MIR) han priorizado históricamente temas de estadística y gestión sobre la formación en comunicación humana.

En conclusión, las facultades de medicina suelen formar "buenos técnicos", pero fallan al no enseñar que dar malas noticias es un acto médico y un arte que requiere aprendizaje y ejercicio constante para no dañar la integridad del paciente.

b) ¿Cómo afecta el paternalismo médico a la comunicación con el paciente?

El paternalismo médico, especialmente arraigado en la cultura latina, transforma la comunicación con el paciente en un proceso jerárquico y restrictivo que prioriza la protección del enfermo sobre su autonomía. Y este modelo afecta la comunicación por las siguientes razones:

1. Ocultamiento de la verdad y el "pacto de silencio"

Bajo el ambiente paternalista, médicos y familiares suelen optar por ocultar al enfermo la gravedad de su situación, creyendo honestamente que es lo mejor para él. Esto genera una "conspiración del silencio", donde todos saben la verdad excepto el protagonista, lo que impide que el paciente pueda despedirse de sus seres queridos o poner en orden sus asuntos personales y espirituales.

2. Infantilización del paciente

El paternalismo actúa bajo el concepto de "beneficencia" sin consentimiento; el médico actúa como un padre o madre que toma decisiones "por el bien" del enfermo. Esto resulta en una infantilización del paciente, tratándolo como alguien que no tiene la capacidad moral o intelectual para procesar la verdad. En casos extremos, se llega a entregar informes médicos falsos al paciente para mantener el engaño, lo cual se describe en las fuentes como una forma de humillación.

3. Modelo de "autoridad" vs. "diálogo"

Históricamente, el paternalismo ha definido la relación médico-paciente de la siguiente manera:

• Decisiones unilaterales: el médico toma todas las decisiones sin discutirlas con el paciente.

• Órdenes en lugar de información: solo se comentan las órdenes médicas para asegurar que se entiendan, pero no se explican alternativas ni diagnósticos.

• El "buen enfermo": se considera un "buen enfermo" a aquel que obedece ciegamente y no cuestiona la autoridad del médico.

4. Aislamiento y soledad

Aunque el objetivo del paternalismo sea evitar el sufrimiento, su efecto suele ser el contrario: genera un aislamiento absoluto del enfermo. Al percibir que su familia y médicos le ocultan algo, el paciente se siente solo en el momento más difícil de su vida, perdiendo la oportunidad de recibir un consuelo espiritual y una compañía auténtica.

5. Ruptura de la confianza

El uso de la "mentira piadosa" pone en riesgo la base de la relación terapéutica. Si el enfermo descubre el engaño —lo cual suele ocurrir por indicios no verbales o cambios en los tratamientos—, la confianza mutua desaparece, y el paciente se siente decepcionado y traicionado por quienes más deberían cuidarlo.

Actualmente, los códigos éticos y leyes abogan por superar este modelo paternalista en favor de la autonomía del paciente, reconociendo que no existe libertad sin una información veraz y comprensible.

c) ¿Qué estrategias ayudan a los médicos a dar malas noticias?

Dar malas noticias es considerado el acto más difícil y sublime de la práctica médica, un "arte" que requiere aprendizaje y ejercicio constante. Estas son las principales estrategias que ayudan a los médicos a gestionar este proceso de forma adecuada:

1. Preparación del entorno y del profesional

• Asegurar la veracidad: el médico debe estar absolutamente seguro del diagnóstico (confirmación histológica en caso de cáncer) y del pronóstico antes de hablar.

• Buscar el lugar adecuado: se requiere un espacio tranquilo y privado, con el médico sentado junto al paciente, sin ruidos (televisión apagada) ni interrupciones telefónicas.

• Disponer de tiempo: la dedicación y la falta de prisas son esenciales para que el paciente se sienta escuchado y pueda asimilar la información.

2. Evaluación previa (averiguar qué sabe el paciente)

Antes de informar, el médico debe realizar un "sondeo" para entender la situación del enfermo:

• ¿Qué sabe ya el paciente? se deben hacer preguntas abiertas como "¿Qué piensa usted de este dolor?" para detectar si ya sospecha la gravedad.

• ¿Qué quiere saber? es vital preguntar si el paciente desea conocer todos los detalles o solo las pautas del tratamiento. No se debe "bombardear" con información que el enfermo no solicita.

• ¿Qué está en condiciones de saber? el profesional debe valorar el equilibrio psicológico del paciente y si el momento físico es el oportuno (por ejemplo, evitar informar en el postoperatorio inmediato).

3. Técnicas de comunicación efectiva

• Lenguaje sencillo: evitar tecnicismos y palabras "malsonantes" o condenatorias. En ocasiones, es preferible usar términos como "proceso serio" o "neoplasia" antes que "cáncer" si esto ayuda a la asimilación gradual.

• Información dosificada y gradual: la verdad debe comunicarse en pequeños fragmentos digeribles, permitiendo pausas para que el paciente se exprese.

• Manejo de la comunicación no verbal: el contacto visual, el tono de voz y el contacto físico (como dar la mano o tocar el hombro) tienen un gran poder terapéutico y transmiten empatía.

• Evitar límites temporales: no se deben dar plazos de vida exactos ("le quedan tres meses"), ya que las estadísticas son solo medianas y pueden generar desesperanza o el "síndrome de Lázaro" si no se cumplen.

4. Soporte emocional y compromiso

• Ofrecer una "puerta abierta" a la esperanza: nunca se debe decir "no se puede hacer nada por usted". La esperanza debe ser realista, enfocándose en el control de síntomas y la calidad de vida.

• Garantía de no abandono: el médico debe transmitir el compromiso explícito de que acompañará al paciente y a su familia durante todo el proceso.

• Manejo de las reacciones: el profesional debe estar preparado para contener el llanto, la rabia o la negación del paciente sin juzgarlo, entendiendo que son mecanismos de adaptación normales.

5. Gestión del entorno familiar

• Abordar el "pacto de silencio": si la familia se opone a que el paciente sepa la verdad, el médico debe mediar, explicando que el engaño aísla al enfermo. La obligación ética primordial del médico es con el paciente y su derecho a la autonomía.

• Incluir a los familiares: si el paciente lo acepta, es beneficioso que la familia esté presente para que todos manejen el mismo nivel de información y objetivos terapéuticos.

d) ¿Qué es el pacto del silencio en la cultura latina?

El pacto del silencio (también conocido como conspiración del silencio) es una práctica muy común en los países de cultura latina, donde los familiares y profesionales de la salud ocultan deliberadamente al paciente el diagnóstico o la gravedad de su enfermedad terminal. A diferencia de la cultura anglosajona, que tiende a ser más autonómica, la cultura latina es predominantemente paternalista. En este contexto, el pacto del silencio se basa en los siguientes aspectos:

• Motivación de protección: la familia cree honestamente que al ocultar la verdad ahorrarán al enfermo un sufrimiento innecesario y evitarán reacciones extremas, como el suicidio, aunque las estadísticas muestran que este riesgo es en realidad muy bajo.

• Autoprotección familiar: los familiares a menudo intentan evitar situaciones emocionales destructivas o difíciles de manejar al no tener que hablar abiertamente sobre la muerte.

• Rol del médico: con frecuencia, el médico se identifica con esta actitud protectora y opta por engañar al paciente o refugiarse en una "hiperactividad médica" (hacer muchos estudios o tratamientos) para no confesar su impotencia frente a la muerte.

• Consecuencias negativas: aunque se hace con buena intención, esta práctica suele conducir al aislamiento y soledad del enfermo. Se crea una situación falsa donde "todos saben que el enfermo va a morir menos él", impidiéndole despedirse de sus seres queridos o poner en orden sus asuntos personales y espirituales.

En muchos casos, se llega a situaciones paradójicas donde el enfermo sospecha la verdad pero finge no saberla para no hacer sufrir a su familia, estableciéndose un mutuo engaño que impide una comunicación auténtica en los momentos finales. Actualmente, los códigos éticos y legales abogan cada vez más por la autonomía del paciente, señalando que la obligación del médico es, ante todo, con el enfermo y no con su familia.

e) ¿Qué riesgos tiene el uso de plazos de vida exactos?

El uso de plazos de vida exactos en el ámbito médico conlleva riesgos significativos tanto para el paciente como para sus familiares, ya que las predicciones temporales suelen ser inútiles, inseguras e irreales. Los principales riesgos son:

• Inexactitud estadística: las expectativas de supervivencia se basan en la mediana estadística, pero esta no representa el caso individual. Un paciente no es una cifra; para él, su vida es el 100%, y puede encontrarse en los extremos de la curva de supervivencia, viviendo mucho más o menos de lo previsto.

• El "Síndrome de Lázaro" en la familia: cuando se da un plazo concreto y el enfermo no muere en esa fecha, los familiares pueden sufrir este síndrome. Tras haber realizado un duelo anticipatorio, si la muerte no ocurre en el tiempo esperado, los parientes pueden ser incapaces de restablecer vínculos emocionales con el enfermo, sintiendo frustración, angustia y resentimiento.

• Generación de desesperanza: un cálculo frío del tiempo restante puede ser recibido como una sentencia que arroja al paciente a la desesperación. Las fuentes señalan que predecir "le quedan seis meses" es, en esencia, una mentira, ya que el médico no es infalible.

• Pérdida de credibilidad y confianza: los médicos se han equivocado tantas veces en estas previsiones (por exceso o por defecto) que darlas compromete la confianza en la relación médico-paciente.

• Negociación con la tragedia: en contextos como el estadounidense, los plazos exactos han dado pie a negocios "espeluznantes", donde inversores compran pólizas de seguros de vida de enfermos terminales esperando que mueran en el plazo previsto para obtener beneficios.

En lugar de dar cifras exactas, se recomienda que el médico sea honesto y admita que no sabe el tiempo exacto, utilizando términos más generales como "algunas semanas" o "algunos meses", y enfocándose en el compromiso de acompañamiento y control de síntomas durante todo el proceso.

g) ¿Qué es el síndrome de Lázaro y cómo afecta a la familia?

El Síndrome de Lázaro se produce cuando los familiares de un paciente terminal han realizado un duelo anticipatorio esperando la muerte en un plazo concreto y, sin embargo, el fallecimiento no ocurre en la fecha prevista. Este fenómeno tiene las siguientes afectaciones y características:

• Causa principal: surge a raíz de que el médico establezca un pronóstico de supervivencia demasiado exacto (por ejemplo, "le quedan seis meses"). El autor señala que dar cifras exactas es irreal e inútil, ya que las estadísticas se basan en medianas que no representan el caso individual del paciente.

• Deterioro del vínculo emocional: debido a que la familia ya se ha preparado psicológica y emocionalmente para la pérdida en una fecha determinada, si esta no sucede, pueden sentirse incapaces de restablecer los vínculos afectivos con el enfermo.

• Sentimientos negativos: los familiares pueden experimentar una mezcla contradictoria y dolorosa de sentimientos que incluye frustración, angustia y un cierto resentimiento porque la muerte esperada no ha ocurrido en el tiempo previsto.

• Aislamiento: el paciente puede quedar en una situación de "limbo" emocional donde, habiendo sobrevivido a su propio "vencimiento" estadístico, percibe el distanciamiento de unos familiares que ya se habían despedido mentalmente de él.

Para evitar este síndrome, se recomienda que los médicos sean honestos y admitan que no pueden conocer el tiempo exacto que le queda a una persona, utilizando términos generales (como "algunas semanas" o "algunos meses") y evitando a toda costa las fechas taxativas.

g) ¿Cuáles son las etapas de adaptación que atraviesa el paciente?

El proceso de adaptación del paciente ante una enfermedad terminal se divide generalmente en dos grandes bloques: las fases previas a la comunicación del diagnóstico y las etapas que atraviesa una vez que conoce su situación real. Es importante señalar que estas no son necesariamente lineales, sino sentimientos que pueden aparecer, desaparecer o superponerse a lo largo del proceso.

1. Fases antes de ser informado (Modelo de Sporken)

Incluso antes de que se le diga la verdad formalmente, el paciente transita por tres etapas críticas:

• Ignorancia: el paciente aún no conoce su situación, pero empieza a sospechar debido a cambios en la estrategia terapéutica, como la suspensión de tratamientos curativos.

• Inseguridad: predominan las dudas sobre el curso de la enfermedad. El paciente experimenta cambios constantes de humor, alternando entre la esperanza y un miedo intenso.

• Negación implícita: es una oposición inconsciente a la creciente toma de conciencia del desenlace mortal. El paciente puede realizar proyectos inusuales para su vida habitual como mecanismo de defensa.

2. Fases tras la comunicación del diagnóstico (Modelo de Kübler-Ross)

Una vez que el médico informa al paciente, se suelen identificar las siguientes etapas:

• Negación: es la reacción inicial de choque e incredulidad ("no, yo no", "es imposible"). Funciona como una defensa necesaria para asimilar la realidad poco a poco.

• Ira: cuando la negación no puede mantenerse, surgen sentimientos de rabia, envidia y resentimiento. El paciente se pregunta "¿Por qué a mí?" y suele proyectar su ira contra familiares, médicos o incluso contra Dios.

• Pacto o regateo: el paciente intenta posponer el final mediante "acuerdos", generalmente con Dios, prometiendo una mejor conducta a cambio de más tiempo de vida o metas específicas (como llegar a una boda o Navidad).

• Depresión: el paciente ya no puede negar su estado debido al deterioro físico. Aparece una gran sensación de pérdida y preocupación por el futuro de los seres queridos que dejará.

• Aceptación: es un periodo de relativa tranquilidad y paz donde el enfermo se despide y pone en orden sus asuntos. Se da más fácilmente en personas que sienten que han vivido una vida plena.

3. Fase Final: Decatexis

• Decatexis o depresión preparatoria: es el último estadio antes de la muerte, donde cesa la comunicación con el entorno. El paciente se desconecta afectivamente del mundo de los vivos y parece invadido por una percepción de la realidad que ya no puede compartir con nadie.

Estas son algunas preguntas que podremos responder… Pero hay otras más.

Atención pediátrica hospitalaria humanizada

2026-06-01T06:30:00.000+02:00

Dentro del XLIX Curso de Actualización de Pediatría y II Curso Internacional de Especialidades Pediátricas celebrado en Guanajuato (México) entre el 20-22 de mayo, fui invitado a impartir la ponencia “Atención pediátrica hospitalaria humanizada” en base a la experiencia adquirida durante un par de décadas en la gestión de equipos sanitarios en busca de la (H)excelencia, con H de hospital y de humanización.

Un enfoque que busca transformar el hospital en un espacio donde el conocimiento médico conviva armónicamente con la calidad emocional y ética. Y que bien podría resumirse en estas dos frases que nos regaló el uruguayo Eduardo Galeano: “Mucha magia y suerte tienen los niños que consiguen ser niños” y “Mucha gente pequeña, en lugares pequeños, haciendo cosas pequeñas, pueden cambiar el mundo”.

Porque no debemos olvidar que la palabra hospital tiene la misma raíz lingüística que “hospitalidad”. Y esa es la hospitalidad que siempre percibo de los pediatras mexicanos, en esta ocasión con la invitación de la Dra. Mari Cruz Jaramillo me ha realizado en nombre del Colegio de Pediatría del Estado de Guanajuato.

En este enlace os dejo la ponencia para su revisión y en donde quiero profundizar en varios aspectos.

a) ¿En qué consiste la atención pediátrica personalizada y humanizada?

La atención pediátrica personalizada y humanizada se define como un proceso continuo que dota a la asistencia sanitaria de cualidades humanas, fundamentándose en la premisa: “tú eres persona y te trato en tu totalidad como ser humano”,

- Concepto de Pediatría Personalizada

Este enfoque integra diversas ramas para atender al menor de forma integral:

• Pediatría clínica: enfocada en el niño enfermo.

• Pediatría preventiva: dirigida al niño sano.

• Pediatría social: centrada en la dimensión humana del niño.

• Ecopediatría: que considera al niño y su entorno físico.

- Pilares de la Humanización Hospitalaria a través de cinco componentes clave:

• Competencias profesionales: desarrollo de la excelencia técnica junto con valores humanos y principios éticos.

• Equipamientos asistenciales: creación de espacios físicos adaptados a las diferentes edades de los niños (separados de los adultos) y uso de tecnología para procedimientos no invasivos.

• Experiencia del paciente: valoración de la narrativa del paciente y uso de encuestas de satisfacción para mejorar el servicio.

• Vida en el hospital: acompañamiento psico-emocional y social (a través de arteterapia, voluntariado y apoyo educativo en aulas hospitalarias) tanto para el niño como para su familia.

• Paciente y comunidad: involucrar a las familias en el diseño de los procesos asistenciales, especialmente en enfermedades crónicas o raras; y también contar con la sociedades y las asociaciones de pacientes.

- El Hospital pensado para la infancia

El objetivo primordial es que los hospitales pediátricos estén diseñados específicamente para los menores, utilizando la imaginación y la voluntad de cambio para que la estancia sea más agradable. Esto implica potenciar lo que los niños más valoran, como el trato personal de los profesionales, los juegos y las visitas familiares, mientras se intenta minimizar el impacto negativo de los tratamientos y las instalaciones frías.

En resumen, se busca transformar el hospital en un "Hospital Optimista" donde la gestión técnica se alíe con el "liderazgo con corazón" y el arte para mejorar la calidad de vida del paciente pediátrico.

b) ¿Qué factores valoran más y menos los niños durante su hospitalización?

Durante su estancia en el hospital, los niños identifican con claridad aquellos factores que les proporcionan bienestar y aquellos que les resultan aversivos.

- Factores que MÁS valoran (Lo que más les gusta)

Los elementos positivos que ayudan a normalizar la vida del niño y reducir el impacto de la hospitalización son:

• El aula hospitalaria: espacio clave para su desarrollo educativo y social.

• El trato personal de los profesionales: la cercanía y calidez del personal sanitario.

• Los juegos: actividades lúdicas que les permiten seguir siendo niños.

• Ver la televisión: como forma de entretenimiento y distracción.

• Las visitas de familiares: el contacto con sus seres queridos es fundamental para su soporte emocional.

- Factores que MENOS valoran (Lo que menos les gusta) Existen aspectos intrínsecos al entorno clínico y al tratamiento que generan mayor malestar en los pacientes pediátricos:

• Los pinchazos: procedimientos invasivos y dolorosos.

• La comida: que suele alejarse de sus gustos habituales.

• Los tratamientos: la carga de la terapia médica.

• Las instalaciones: espacios que pueden resultar fríos o no adaptados a su edad.

• Estar encamados: la limitación física que impone la enfermedad.

• No poder salir: la pérdida de libertad y de contacto con el mundo exterior.

El objetivo primordial de la humanización pediátrica es, precisamente, utilizar la imaginación y la voluntad de cambio para potenciar los factores positivos y minimizar el impacto de los negativos, diseñando centros sanitarios que estén realmente pensados para la infancia.

c) ¿Qué es el Índice de Humanización de Hospitales Infantiles?

El Índice de Humanización de Hospitales Infantiles (IHHI) es una herramienta de autoevaluación diseñada para medir cuantitativamente el nivel de humanización en la asistencia sanitaria que reciben los niños en los centros hospitalarios.

• Objetivo: permite evaluar y monitorizar el grado en que la atención pediátrica incorpora cualidades humanas y respeta los derechos y necesidades específicas de los menores y sus familias.

• Reconocimiento: el Servicio de Pediatría del Hospital General Universitario Dr. Balmis (HGUA) ha sido premiado en diversas ocasiones en relación con este índice, obteniendo el Premio IHHI en 2018 y el galardón en la categoría de hospitales grandes de España en 2019.

• Contexto: se sitúa dentro de las "experiencias que ayudan" a transformar los centros sanitarios en "Hospitales Optimistas", donde la gestión técnica se equilibra con valores humanos y el bienestar emocional del paciente.

Esta herramienta es fundamental para que las instituciones sanitarias identifiquen áreas de mejora y avancen hacia una atención realmente pensada para la infancia.

d) ¿Qué funciones cumple el aula hospitalaria?

El aula hospitalaria (también denominada Unidad Pedagógica Hospitalaria) es un componente esencial del eje "Vida en el hospital" dentro del modelo de humanización pediátrica. Sus funciones principales, son las siguientes:

• Soporte educativo continuo: su función primaria es brindar apoyo escolar a los niños que, debido a su enfermedad, no pueden asistir a su centro educativo habitual. Este soporte puede incluso extenderse al domicilio del paciente si la situación clínica lo requiere.

• Fusión de disciplinas: actúa como un espacio donde convergen la docencia, la humanización y la arteterapia. No se limita únicamente a la enseñanza académica, sino que integra la parte emocional y creativa del menor.

• Sede de proyectos de humanización: es el lugar físico donde se desarrollan iniciativas clave para mejorar la estancia hospitalaria, tales como Un hospital de cine:, Musicoterapia, Un hospital de cuento o Encuentros culturales y deportivos.

• Bienestar psico-emocional: es uno de los factores que los niños más valoran durante su hospitalización, ya que les permite mantener una rutina similar a su vida normal y seguir desarrollándose como personas más allá de su condición de pacientes.

En definitiva, el aula hospitalaria funciona como un puente entre la Consellería de Educación y la de Sanidad para garantizar que la hospitalización no suponga una ruptura en la biografía académica y social del niño.

Os dejamos un resumen de los mensajes de la ponencia en estos dos vídeos (en español y en inglés)

Cine y Pediatría (855) “La chica zurda” que acaba descubriendo las heridas generacionales

2026-05-30T00:45:00.000+02:00

Conocemos al director estadounidense Sean Baker principalmente por su película Anora, gran triunfadora de los Óscar 2024, así como ganadora de la Palma de Oro en Cannes. Y que también en Cine y Pediatría ya nos ha regalado una joya del cine independiente como fue la rompedora The Florida Project (2017). Pero menos conocida es la taiwanesa Shih-Ching-Tsou, a la que le une un cuarto de siglo de amistad, y que ha sido la productora habitual de gran parte de la filmografía de Baker, además de directora de arte, diseñadora de vestuario e incluso ha realizado cameos en películas como Tangerine (2015), Red Rocket (2021) y la misma The Florida Project. Pues bien, ahora ambos se unen en guion muy particular para su ópera prima en la dirección: La chica zurda (Shih-Ching-Tsou, 2025), en lo que es la primera película de nacionalidad taiwanesa en Cine y Pediatría, y que llegó a representar a su país en los premios Óscar a mejor película internacional.

Antes de entrar en materia, y para contextualizar la película, una breve reseña a esa historia de desamor y disputa entre Taiwán (oficialmente República de China y antes conocida como la isla de Formosa) y China (oficialmente República Popular de China). Porque China considera a Taiwán como una "provincia renegada" que debe ser reunificada, mientras que Taiwán ha desarrollado una identidad nacional propia y busca mantener su sistema democrático y soberanía, y que se sostiene por ser una potencia global clave, indispensable para la fabricación de semiconductores y tecnología moderna (como ordenadores y coches eléctricos), conocido como “escudo de silicio”. Y así es como desde hace décadas Taiwán es una isla independiente con casi 24 millones de habitantes, cuya capital, Taipei, es una vibrante urbe de rascacielos que destaca por sus famosos mercados nocturnos, donde se puede disfrutar de comida callejera excepcional. Y en esta ciudad y en uno de esos mercados nocturnos transcurre gran parte de nuestra historia de hoy…

La chica zurda es un complejo retrato familiar que nos desvelará sus secretos. La historia se centra en Shu-Fen (Janel Tsai), una joven madre separada que, tras varios años viviendo en el campo, decide regresar a Taipei con sus dos hijas, la bella y rebelde adolescente I-Ann (Nina Ye), y la encantadora y espabilada niña de 5 años I-Jing (Shi-Yuan Ma), suficientemente sensible para captar lo que los adultos callan. E intenta abrirse camino abriendo un puesto de comida en un bullicioso mercado nocturno. Cada una a su manera, tendrán que adaptarse a este nuevo entorno para llegar a fin de mes y conseguir mantener la unidad en el hogar. Tres generaciones de secretos familiares empiezan a desvelarse después de que el abuelo, marcado por el peso de las tradiciones, le diga a su nieta menor, que es zurda, que nunca use su "mano del diablo".

Esa mano zurda sobre la que el abuelo dice en una comida familiar: “¿Por qué come con la mano izquierda?... Antaño si te veían usar la izquierda, te colgaban o te daban una paliza. En mi casa usa la derecha”. Y más adelante le espeta esta idea a la propia I-Jing algo que le marcará: “La mano izquierda es la mano del diablo. Si usas la izquierda estás haciendo el mal”. Porque desde ese momento justifica sus actos por su mano izquierda, y también sus hurtos en las tiendas: “Mira, la he cogido con la mano del mal”, se justifica así mismo.

Y mientras I-Jing se debate con el sanbenito de su mano zurda, la adolescente I-Ann aparece envuelta en ese halo de desconcierto y enfado propio del viaje de una adolescente con una estructura familiar complicada. Rechaza y odia al padre que les abandonó y que ahora está enfermo, y sobre el que la pequeña I-Jing pregunta: “¿Quién era ese hombre?”. Trabaja en una tienda de bebidas y comida, esos locales llenos de luces de colores de neón, y donde el rollo que tiene con el dueño acaba con un embarazo no deseado. Y en ese trasiego de vida que le ha hecho abandonar los estudios, cuida a su pequeña hermana y la trae del colegio en moto cada día a través de la bulliciosa ciudad. Porque I-Jing no quiere ir con los abuelos, “porque el abuelo no se ducha y huele a tofu fermentado”.

Tras la presentación de los personajes, en el último tercio de la película aparecen dos escenas clave. Entrañable cómo la hermana mayor hace devolver a I-Jing todo aquello que robó, aunque ella se excusa: “Yo no robé nada. Fue mi mano del diablo la que robó todo…”. Y especialmente esa fiesta familiar para celebrar el 60 cumpleaños de la abuela, allí donde se desencadena la catarsis y aparece la verdad oculta sobre la verdadera relación entre Shu-Fen, I-Ann e I-Jing, y donde la abuela pregunta: “¿Te ibas a guardar ese secreto para siempre?”. Un cumpleaños feliz catártico y un final caleidoscópico… para esta familia que seguirá intentando sobrevivir económica y emocionalmente entre el bullicio del mercado nocturno de Taipéi, escenario vivo donde el trabajo, la precariedad y los secretos familiares se entrelazan.

Por cierto, La chica zurda fue filmada con un iPhone, un rasgo técnico que refuerza su cercanía y su energía visual. Y que no busca el melodrama grandilocuente, sino que emociona desde los gestos pequeños, las miradas, los silencios y la convivencia diaria en una familia que intenta no romperse. Pero que también deja una sensación de inquietud porque muestra una realidad dura: pobreza, fragilidad afectiva, presión laboral y heridas transmitidas entre generaciones. Su fuerza está en mostrar que lo local puede volverse universal: una madre que lucha, una hija que se rebela y una niña que aprende a leer el mundo son figuras reconocibles en cualquier cultura. Una historia que deja poso porque habla de la supervivencia, de la identidad y de cómo una infancia puede revelar las grietas de toda una familia.

Y que deja una cosa clara: que “la mano del diablo” no está en ser zurda, sino en no sanar las heridas generacionales. Y que ahora ya, cuando I-Jing diga “mamá” pueda ya entender mejor al dirigir su mirada a Shu-Fen o a I-Ann. Porque no hay que sobrevivir a la mano izquierda, hay que sobrevivir a la vida.

El proyecto Contraste educa la mirada en familias y centros educativos

2026-05-27T06:30:00.000+02:00

La web Contraste es una plataforma digital y de contenidos audiovisuales promovida por la Fundación Aprender a Mirar, dedicada a favorecer una mirada crítica y segura de infancia y juventud (y de sus familias y educadores) ante el cine, la televisión, internet y los videojuegos.

CONTRASTE forma parte del Programa de Educación Audiovisual (PEA) de la Fundación Aprender a Mirar, una entidad sin ánimo de lucro que trabaja por la defensa del menor en los medios y la era digital, bajo protectorado del Ministerio de Educación, Cultura y Deporte. Su objetivo principal es proteger y educar al usuario infanto‑juvenil, ayudando a padres, madres, docentes y jóvenes a moverse con criterio en la avalancha de contenidos audiovisuales y aprovecharlos de forma positiva y responsable.

¿Cuáles son los recursos y contenidos más frecuentes?

En la web Contraste destacan varios tipos de recursos muy utilizados por familias y centros educativos:

- Análisis de ocio audiovisual: reseñas y análisis de películas, series, videojuegos y contenidos de streaming, explicando qué edades son adecuadas, qué valores trabajan, posibles riesgos y cómo usarlos educativamente.

- Revista digital Contraste: publicación online que ofrece guías semanales o mensuales sobre qué ver con niños y jóvenes, con recomendaciones de películas, series y videojuegos pedagógicos y apropiados por franja de edad.

- Pódcast “Contraste selección gourmet”: podcasts con selecciones comentadas de estrenos y títulos destacados en cine y series, pensados como guía ágil para familias y educadores.

- Materiales educativos para centros: fichas de trabajo, guías docentes y propuestas para usar el cine y la televisión en clase, integradas en el PEA y usadas en colegios e institutos.

En conjunto, Contraste funciona como una guía crítica y didáctica del ocio audiovisual, muy útil si quieres combinar cine, televisión y videojuegos con la educación infantil y juvenil, tanto desde la familia como desde la práctica pedagógica o clínica (por ejemplo, en psicopatía infantil o riesgos digitales).

Una herramienta muy útil ante la avalancha de medios audiovisuales que penetran en la infancia y adolescencia de nuestros hijos y nietos, y que tanto pueden afectar en ese camino que es el desarrollo como personas entre la familia, el centro docente y la sociedad que les toca vivir.

Profundicemos algo más en tres aspectos:

a) ¿Cuáles son los criterios de la Fundación Aprender a Mirar para clasificar contenidos?

La Fundación Aprender a Mirar analiza los contenidos audiovisuales en base a un conjunto de principios claros centrados en la protección del menor, la calidad educativa y la mirada crítica. Así, los ejes generales de clasificación son: a) Protección del menor: se evalúa si el contenido respeta la infancia y adolescencia, evitando la exposición innecesaria a violencia extrema, sexo explícito, discriminación, acoso o conductas riesgosas sin contexto ni advertencia; b) Calidad educativa y valores: se valora si el material promueve la empatía, el respeto, la igualdad, la ciudadanía digital, la resolución pacífica de conflictos y la responsabilidad, y si ofrece oportunidades para el debate y la reflexión.

De esta forma, se consideran criterios temáticos y de impacto: el contenido violento y terror, distinguiendo entre violencia justificada narrativamente y gratuita o excesivamente explícita; la sexualidad y exposición corporal, considerando su adecuación por edad, tono (educativo vs. explotador), contexto y posibilidad de uso en debate familiar o educativo; la discriminación y estereotipos, bien por género, raza, orientación sexual, discapacidad, etc., privilegiando modelos diversos e inclusivos. También se analizan criterios técnicos (como el formato y lenguaje audiovisual utilizado), así como el uso educativo posible: se valora si el contenido puede servir de pretexto para discusión en clase o en familia, con guías, preguntas o fichas didácticas que proyectos como Contraste suelen acompañar.

En la práctica, estos criterios se concretan en recomendaciones de franja de edad, advertencias específicas y sugerencias de uso (ver en familia, con debate, evitar en menores de X años, etc.), que luego se difunden en webs como Contraste y en materiales del Programa de Educación Audiovisual.

b) ¿Cómo se integra en el entorno escolar?

La web Contraste, dentro del PEA de la Fundación Aprender a Mirar, influye en el entorno escolar como un plan integral de acompañamiento y formación digital‑audiovisual, dirigido a alumnado, profesorado y familias, que se integra progresivamente en la vida del centro.

En muchos centros, el PEA ayuda a establecer un uso más regulado y crítico de las pantallas: se introducen normas sobre tiempo de juego, redes sociales y ciberacoso, y se fomenta un “ecosistema de uso seguro” en el aula, el recreo y casa. Además, se incorporan a menudo encuestas previas anónimas sobre el uso de pantallas, que permiten ajustar talleres y actividades a los problemas reales del alumnado (ciberbullying, adicción a videojuegos, huella digital, etc.). Y ello tiene un impacto en docentes , alumnos y familia.

- Impacto en docentes y metodología

El programa forma al profesorado en alfabetización mediática y audiovisual (cómo analizar series, películas, TikTok, etc.) y en el uso crítico de recursos como Contraste.info, webs de cine y videoclips. Esto se traduce en que los docentes incorporan más contenido audiovisual dentro de la asignatura (lengua, plástica, ética, ciencias, etc.), pero con guías didácticas, fichas de debate y sesiones de crítica compartida, en lugar de un visionado “pasivo”.

- Impacto sobre el alumnado y la convivencia

Para el alumnado, el PEA organiza talleres específicos por etapas (prevención en 0–8 años, formación en 9–12, orientación en ESO y Bachillerato) sobre emociones, redes, ciberbullying, autoestima, hipersexualización, tecnoadicciones y huella digital. Esto se traduce en: mayor conciencia de los riesgos y oportunidades de la era digital, así como menor conducta de riesgo respecto a contenido inapropiado, ciberbullying y horas de videojuego y redes.

- Impacto en familias y continuidad fuera del aula

El programa facilita recursos (infografías, webinars, newsletter, WhatsApp, material para el aula) que permiten que las familias reciban información homogénea y puedan reforzar en casa los límites y hábitos trabajados en el colegio. Proyectos derivados como “Guay‑fi” (versión adaptada del PEA para Educación Infantil) permiten trabajar desde muy pronto la relación con pantallas mediante juegos y dinámicas familiares, reforzando el papel del entorno escolar como eje de cohesión entre profesorado y hogares.

c) ¿Cómo integrar las guías didácticas de Contraste en el aula?

Integrar las guías didácticas de Contraste en el aula es relativamente sencillo porque están pensadas para ser usadas directamente por docentes, sin necesidad de adaptaciones drásticas. Sus esquemas se ajustan bien a la mayoría de niveles de primaria y secundaria, y se pueden encajar en distintas asignaturas.

1. Elegir el contenido y el contexto

Selecciona un título de película, serie o videojuego que la guía recomienda y que encaje con tu programa de área (por ejemplo, una película histórica en Sociales, un drama sobre amistad en Ética, un documental ambiental en Ciencias, etc.).

Revisa la ficha de Contraste: por lo general ofrece edad recomendada, objetivos de trabajo, preguntas clave y propuestas de actividades, que puedes copiar tal cual o adaptar ligeramente a tu grupo.

2. Antes de la proyección o visionado

Usa la parte introductoria de la guía para plantear expectativas al alumnado: “¿De qué creéis que va esta película?”, “¿Qué riesgos o aprendizajes podéis encontrar?”.

Puedes combinarlo con la rapidez de encuesta sobre pantallas, uso de redes o videojuegos, similar a los cuestionarios del programa de Educación Audiovisual, para activar ideas previas.

3. Durante la proyección o uso en clase

Aplica las pautas de observación sugeridas en la guía: destacar personajes, valores, escenas clave, tramas de poder, representación de género, etc.

Para grupos más jóvenes, combina el visionado con pausas breves o una guía de trabajo en papel (tabla de caracteres, tabla pros‑contras, dibujo de escena significativa).

4. Después de verlo

Diseña una discusión en clase basada en las preguntas de la guía de Contraste, abriendo a debate abierto (“¿Quién creéis que tiene razón en esta escena?”, “¿Qué hubierais hecho vosotros?”).

Convierte las cuestiones en una producción escrita o artística: redacción de crítica, mapa de sentimientos del personaje, storyboard de escena, cartel de campaña contra el ciberbullying, etc.

5. Vincular con el currículo y la convivencia

Usa las guías de Contraste como punto de partida para unidad didáctica: por ejemplo, una película sobre ciberbullying puede dar lugar a una semana de trabajo sobre digital wellbeing, emociones y normas de uso de pantallas.

Comparte con familias el título y la ficha (“visión recomendada con debate”) para que la herramienta trascienda el aula y se convierta en un puente entre escuela y hogar.

En resumen, las guías de Contraste se integran con fluidez en el aula si las usas como hoja de ruta estructurada, combinándolas con trabajo cooperativo, expresión oral y escrita, así como con un enfoque clínico‑educativo en bienestar infantil y uso seguro de pantallas.

En conjunto, Contraste y el PEA no solo “enseña a mirar”, sino que reconfigura el imaginario del centro sobre pantallas, convirtiendo la educación audiovisual en un pilar de la convivencia, la salud mental y la educación en valores.

Príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra: literatura, cine y ética

2026-05-25T06:30:00.000+02:00

"Yo no soy Michael Caine" es un podcast en español dedicado exclusivamente a la figura y filmografía del legendario actor británico Michael Caine, considerado por sus creadores como el intérprete más versátil de la historia del cine. El proyecto lo lleva a cabo el periodista Ricardo Mariscal y se presenta como el primer programa en este idioma centrado en rendir tributo al talentoso londinense, explorando todos los géneros en los que ha brillado a lo largo de sus más de 160 películas.

El podcast analiza películas icónicas de Caine, pero también profundiza en títulos menos conocidos, anécdotas de su carrera y su impacto cultural. Los episodios suelen combinar análisis cinematográfico, curiosidades biográficas y debates sobre su evolución como actor, desde sus inicios en los años 60 hasta sus trabajos recientes.

“Yo no soy Michael Caine” está disponible en múltiples plataformas como Spotify, Apple Podcasts, iVoox, YouTube y Podcast Addict, con episodios regulares que incluyen colaboraciones con comunicadores y expertos en cine. Su canal de YouTube (@YonosoyMichaelCaine) ofrece contenido audiovisual complementario, y las redes sociales como X (Twitter) e Instagram mantienen activa la comunidad de fans. Os dejamos el enlace a iVoox.

Hace un par de semanas fui invitado a participar en relación con la película Las normas de la casa de la sidra (The Cider House Rules, Lasse Hallström, 1999), basada en la novela “Príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra” de John Irving. La especial relación entre Homer Wells (Tobey Maguire), quien ha vivido durante toda su vida entre las paredes del aislado orfanato de St Cloud, y el director del centro, el doctor Larch (Michael Caine). La obra más reconocida de Irving y una de las más significativas de Hallström, ganadora de dos Óscar, para Caine como mejor actor secundario y para el guion adaptado, en donde participó el propio Irving.

Os dejamos el podcast de iVoox de este capítulo para que lo podáis revisar. El programa examina la trayectoria literaria de Irving, destacando cómo su estilo y vivencias personales influyen en tramas que exploran la orfandad, la sexualidad y dilemas éticos profundos. También se revisa la filmografía como director del sueco Lasse Hallström. Se destaca especialmente la interpretación de Michael Caine como el doctor Wilbur Larch, cuya complejidad moral y figura paternal resultaron esenciales para el éxito crítico del filme. Además, se aborda la controversia sobre el aborto y la tensión entre las leyes externas frente a la autonomía personal de los protagonistas. Finalmente, se ofrece una extensa lista de recomendaciones cinematográficas desde Cine y Pediatría, prescripciones de películas vinculadas a la pediatría en sus diversas áreas (pediatría clínica y social).

Dentro de los diferentes aspectos que analizamos en la entrevista, quiero destacar en el blog cuáles son los grandes dilemas morales y éticos que plantea Las normas de la casa de la sidra, reconocida por plantear conflictos que no ofrecen respuestas fáciles y que invitan a la reflexión bioética y pedagógica. Los grandes dilemas que plantea la cinta son los siguientes:

- El aborto y la ética médica: este es el núcleo más polémico de la obra. Se presenta el conflicto entre el deber de cumplir la ley y el actuar según la propia conciencia. Mientras que el Dr. Larch justifica los abortos clandestinos como actos de misericordia y protección hacia mujeres vulnerables para evitarles una tragedia, Homer Wells se niega a practicarlos por convicción personal. Esto introduce además el concepto de objeción de conciencia, donde el profesional de la salud decide no participar en una práctica que choca con sus valores sin perder su integridad ética.

- Normas impuestas frente a la autonomía personal: el título de la película simboliza la tensión entre las reglas externas, escritas por personas ajenas a una realidad (como las reglas pegadas en la Casa de la sidra, ese latifundio de manzanas), y las normas internas que cada individuo construye a través de su experiencia. Homer se enfrenta al reto de decidir hasta qué punto debe ser fiel al legado y las decisiones de su mentor o cuándo debe hacerse dueño de su propia ética y autonomía.

- El destino del niño no deseado y la orfandad: existe una tensión incómoda sobre si es preferible impedir el nacimiento de un niño que probablemente será abandonado o asumir que toda vida, por vulnerable que sea, merece ser cuidada. El Dr. Larch practica abortos para prevenir el sufrimiento de futuros huérfanos, pero al mismo tiempo cría a los niños del orfanato con una ternura y responsabilidad ejemplares. Homer encarna este dilema al ser él mismo un huérfano producto de un embarazo no deseado.

- Responsabilidad y justicia social: a través del personaje de Mr. Rose (el capataz negro de la Casa de la sidra) y el episodio de violación e incesto en la finca, la película pone a prueba la ética de Homer en un entorno social complejo, contrastando sus principios con la crudeza de la realidad exterior.

- Beneficencia médica frente a legalidad: la actuación del Dr. Larch se basa en un principio de beneficencia, buscando el bien de la paciente incluso cuando sus actos se sitúan al límite de la legalidad y la moral convencional de su época.

En resumen, la obra expone la ambigüedad moral de quienes deben tomar decisiones sobre la vida y la muerte, explorando la tensión constante entre la ley, la compasión y la responsabilidad individual.

Una buena película para aunar literatura, cine y ética en nuestra práctica clínica, analizando la figura del Dr. Larch (un increíble Michael Caine), un médico peculiar, mitad ginecólogo, mitad pediatra. La película fue analizada hace muchos años ya en Cine y Pediatría. Allí donde queda la frase que primero el Dr. Larch, y al final también Homer, sirve de despedida al acostar a los niños del orfanato: “Buenas noches, príncipes de Maine, reyes de Nueva Inglaterra”.

Cine y Pediatría (854) “Recién nacidas” a la maternidad precoz en Europa occidental

2026-05-23T06:30:00.000+02:00

Los incombustibles hermanos Dardenne (Jean-Pierre y Luc) regresan con su ética y estética habitual en su última película: Recién nacidas (2025). Esas señas de identidad son: a) la estética “dardenniana” se basa en un naturalismo austero que busca eliminar cualquier artificio cinematográfico para enfocar la atención directamente en el personaje y su lucha (cámara al hombro, móvil y cercana, ausencia de música diegética, iluminación natural predominante); b) la ética “dardenniana” es la moralidad en tiempos de precariedad y la posibilidad de la redención a través de la acción, de forma que todas sus películas giran en torno a un conflicto moral o una prueba ética que el protagonista debe superar.

Son buenos ejemplos las películas ya analizadas en Cine y Pediatría: Rosetta (1999), El hijo (2002), El niño (2005), El niño de la bicicleta (2011), El joven Ahmed (2019) y Tori y Lokita (2022). Y también lo es Recién nacidas (2025), ambientado en un centro de acogida para madres adolescentes en Lieja (Bélgica) donde conviven cinco adolescentes que acaban de ser madres o están embarazadas a punto de serlo: Perla, Ariane, Julie, Jessica y Naïma. Drama social que fue ganador del premio al mejor guion en Cannes y que fue elegida para representar a Bélgica en los Premios Óscar.

La película construye cinco tramas en paralelo y que se entrecruzan en el centro de acogida, mostrando cómo cada adolescente negocia su relación con el bebé, con su propia familia, con sus parejas y con el equipo de trabajo social del centro. Porque cada una de ellas llega con un pasado marcado por la pobreza, la violencia familiar, el abandono o el maltrato afectivo y material, y todas intentan superar sus propias carencias para poder criar a sus bebés en un entorno que pone a prueba rigurosamente su capacidad de crianza. Mientras unas parecen más preparadas, otras sienten rechazo, miedo o incluso indiferencia hacia el recién nacido, por lo que el relato se centra en los pequeños gestos de cambio, del distanciamiento inicial a una progresiva responsabilidad y afecto. Veamos un retazo de cada una de nuestras protagonistas...

- Perla (Lucie Laruelle), con su hijo Noé y su pareja Robin, con la que quiere iniciar una nueva vida en un nuevo piso. “Es la primera vez que estamos juntos. Como una familia de verdad”, le dice, mientras fuman un porro en el parque y ella ya nota el desinterés de este. Y oye los consejos de la trabajadora social del centro: “Ya dijimos que un bebé no lo soluciona todo”, aunque ella sigue obsesionada por ello y tiene que aprender a reconciliarse con ella y su maternidad, por lo que le dice a su hijo: “Me alegra volver a verte. ¿Y tú te alegras también?”

- Ariane (Janaina Halloy), su hija Lili y su madre, quien deseaba más esa recién nacida que la propia madre. Pero Ariane no se fía de su madre y menos de su violenta pareja, por lo que le expresa su intención de dar en acogida a Lili. La abuela lucha porque no lo haga, porque ve en la nieta la solución para formar una familia, quizás la que no dio a su propia hija. Pero Ariane no quiere volver: “Mamá, no me avergüenzo de ti. Pero quiero salir de ser pobre. Es todo”. Y deja escrita una carta a su hija para que la abra cuando tenga 18 años…

- Julie (Elsa Houben), su hija Mia y Dylan, su cariñoso novio. Tiene angustia a salir con su hija a la calle, angustiada por el temor de recaer en la droga al cruzarse con los camellos que conoce. Buscan un piso para vivir juntos, tiene ilusión por la nueva vida,…pero no es fácil romper el círculo vicioso.

- Jessica (Barbette Verbeek) está en sus últimas semanas del embarazo, pero ni su pareja ni los padres de este quieren saber nada de ella ni de que su hijo reconozca al futuro bebé. Finalmente da a luz a Alba y luego vemos como busca a una mujer, a quien reconoceremos que fue su madre biológica, quien la abandonó cuando era un bebé e intenta conocer el motivo que la llevó a esa decisión: “Antes de abandonarme, ¿me cogiste alguna vez en brazos?.... Por favor, dame un abrazo”. Y Jessica le dice a su propia hija: “Tenía tanta ilusión de tenerte en mis brazos… No siento nada. Aunque me gustaría. Pero no siento nada. Ni siquiera tengo leche”, y llora desconsoladamente.

- Naïma (Samia Hilmi) y su hija Selma solo tienen una escena, pero donde confirmamos que es una chica árabe que, tras ser madre soltera, no pudo volver a su casa, aunque al menos la familia no la ha repudiado. “Cuando llegué aquí ,me ayudasteis a no avergonzarme de ser madre soltera”, les dice a sus compañeras.

Con las señas de identidad de estos hermanos directores belgas, el filme se sostiene en el día a día del centro (rutinas de baño, alimentación, normas, y charlas terapéuticas) y los conflictos emocionales y las microdecisiones que van definiendo quién será capaz de quedarse con su hijo y quién quizá no. Porque las dudas es siempre el común denominador de ellas: en el embarazo con el aborto, tras el nacimiento con la acogida o adopción. Las situaciones familiares y personales complejas que se van desgranando hace que la respuesta a esas dudas sean difíciles, y se entiende la falta de contexto para evitar lo que les han llevado a un embarazo adolescente y a una maternidad demasiado precoz.

El final no es redentor ni dramático, sino verosímil y abierto, dejando flotando la fragilidad y la ambigüedad de muchísimas maternidades precoces en Europa. Pero pocas certezas, aunque algo de aliento en cada historia al final… Algo de aliento, porque en el cine de los hermanos Dardenne cuesta respirar. Porque aunque el tono sea más optimista que otras películas de los Dardenne, la película no cae en el melodrama edificante; el optimismo aparece en los pequeños gestos de autonomía, de ternura y de decisión responsable, nunca en finales artificiales.

Las enseñanzas de Recién nacidas - quizás más certero su título original (Jeunes mères) – están bien marcadas por sus ejes temáticos: 1) la maternidad forzada y precaria, donde se nos vuelve a mostrar cómo la adolescencia y la maternidad pueden cruzarse en contextos de pobreza, violencia y desprotección, donde el embarazo no surge de un proyecto sino de un vacío de afecto, educación sexual y apoyo social; 2) la dualidad del centro de acogida, que no aparece como un paraíso protector, sino como un espacio ambiguo: proporciona refugio, pero también somete a las chicas a un control constante sobre su idoneidad como madres, lo que permite reflexionar sobre cómo la justicia social y la protección infantil se ejercen en la práctica; 3) la importancia del apoyo emocional, con esa presencia afectiva constante de voluntarias, educadoras y trabajadoras sociales, donde se destaca la necesidad de acompañar, más que de juzgar; y 4) la identidad y reparación, donde cada una de las cinco chicas vive en parte un proceso de reparación de su propia infancia violentada, y con el cuidado de sus hijos intentan que sea para él algo diferente de lo que sus propias madres o figuras de referencia fueron para ellas.

En conjunto, Recién nacidas funciona como un retrato íntimo y crítico de la maternidad adolescente en una Europa occidental donde la pobreza, la violencia y la desigualdad siguen marcando quién puede permitirse ser madre y en qué condiciones. Díficil no relacionar con la película española La maternal (Pilar Palomero, 2022). Pero aquí con el toque Dardenne…

Arquitectura de la mente: de la redes neuronales a la cognición superior

2026-05-20T06:30:00.000+02:00

El cerebro humano construye la realidad mediante la interacción de redes neuronales, procesos cognitivos y funciones biológicas complejas. Un órgano que trasciende sus funciones básicas de supervivencia para convertirse en una máquina de interpretación y creación de la realidad.

He aquí un breve análisis sobre los componentes clave de la arquitectura y el funcionamiento cerebral.

1. Arquitectura cerebral: del localizacionismo al conectoma

Históricamente, el estudio del cerebro comenzó con un enfoque localizacionista, correlacionando lesiones específicas con déficits concretos, como las áreas de Broca y Wernicke para el lenguaje o el área fusiforme para el reconocimiento de caras. Sin embargo, la visión moderna propone que el cerebro debe entenderse a través del conectoma, es decir, como un conjunto de redes funcionales que emergen sobre una arquitectura estructural de fibra blanca (axones organizados en fascículos como el arqueado, el fascículo longitudinal superior e inferior o el fascículo uncinado).

2. Organización de redes: segregación e integración

El funcionamiento cerebral se basa en un equilibrio dinámico entre dos tipos de organización:

- Redes de segregación: son módulos de neuronas fuertemente conectadas entre sí que realizan funciones específicas de forma rápida y eficiente, como el procesamiento visual de color o forma.

- Redes de integración: permiten la comunicación entre diferentes módulos especializados a través de nodos conectores o hubs para generar respuestas coherentes ante situaciones complejas. La verdadera capacidad del cerebro reside en su flexibilidad para alternar entre estos estados según la demanda: tareas automáticas potencian la segregación, mientras que tareas cognitivamente exigentes aumentan la integración global.

3. Redes cognitivas superiores

Las funciones superiores se organizan frecuentemente en rutas ventrales (procesan la identidad o el "qué") y dorsales (procesan la ubicación/acción o el "dónde/cómo"):

- Lenguaje: utiliza una ruta ventral para el significado semántico y una dorsal para el procesamiento fonológico y articulatorio.

- Atención: se divide en la DAN (atención voluntaria y dirigida a objetivos) y la VAN (un "radar" automático para estímulos inesperados o biológicamente relevantes).

- Redes internas: incluyen la red por defecto (pensamiento interno y autorreferencial), la red de saliencia (detecta estímulos importantes y actúa como interruptor) y la red ejecutiva (esfuerzo cognitivo y toma de decisiones).

4. Plasticidad neuronal y bases celulares

La plasticidad es el mecanismo por el cual la experiencia "esculpe" físicamente el cerebro. El análisis distingue dos procesos fundamentales basados en los estudios de Eric Kandel:

- Memoria a corto plazo: implica cambios químicos transitorios, como la liberación masiva de neurotransmisores (glutamato) debido a la activación de proteínas quinasas y el cierre de canales de potasio.

- Memoria a largo plazo: requiere la activación de genes (vía el factor CREB) que sintetizan nuevas proteínas para remodelar el citoesqueleto, creando nuevas espinas dendríticas y terminales axonales; es decir, un cambio físico en la anatomía cerebral. En este proceso, los receptores AMPA gestionan la transmisión rápida, mientras que los receptores NMDA actúan como detectores de coincidencia esenciales para iniciar la potenciación a largo plazo.

5. Representaciones de alto nivel y consciencia

Finalmente, la plasticidad converge en la creación de unidades de significado ultraespecíficas, como las células de concepto (que responden a identidades abstractas independientemente del formato) o las neuronas espejo, que permiten la simulación interna de las acciones y emociones de otros, sentando las bases de la empatía. Es así que la consciencia emerge cuando estas redes se integran y la información se difunde globalmente, permitiendo que el cerebro no solo procese datos, sino que genere una experiencia subjetiva de ser uno mismo.

Vale la pena profundizar en estos conceptos a través de La Pizarra de Noe, un buen proyecto de divulgación científica y educativa creado por la Dra. Noelia Valle, profesora de Fisiología en la Universidad Francisco de Vitoria. Un canal es muy popular entre estudiantes de medicina y ciencias de la salud por su capacidad para explicar temas complejos de neuroanatomía y fisiología de forma visual y sencilla, utilizando una "pizarra transparente".

Veamos algunas preguntas de interés que este recurso de La Pizarra de Noé nos permite entender mejor.

¿Qué diferencia hay entre sentir una emoción y tener un sentimiento?

La diferencia fundamental entre una emoción y un sentimiento radica en su naturaleza biológica, su visibilidad y su procesamiento cerebral.

- Naturaleza y visibilidad

Emociones: son respuestas biológicas automáticas y complejas ante estímulos externos o internos. Se consideran "públicas y observables", ya que se manifiestan en cambios físicos medibles como el ritmo cardíaco, la sudoración, la secreción hormonal, las expresiones faciales o la tensión muscular.

Sentimientos: son la percepción consciente de los cambios que las emociones han provocado en el cuerpo. Es decir, son la "lectura" que la mente hace de lo que le sucede al cuerpo o la "etiqueta" que le ponemos a la emoción (por ejemplo: "me siento triste" o "tengo miedo"). A diferencia de las emociones, los sentimientos son privados y subjetivos.

- Duración y función

Emociones: sirven para evaluar la relevancia de un estímulo y regular la respuesta corporal de forma inmediata.

Sentimientos: son más lentos, pero mucho más duraderos y estables que las emociones. Su función es permitir la toma de decisiones complejas basadas en experiencias acumuladas.

- Anatomía cerebral

El cerebro procesa ambos fenómenos en áreas distintas de la red afectiva:

Centros de detección y respuesta emocional (Emoción): involucran estructuras subcorticales como la amígdala (relevancia para la supervivencia), la ínsula (traduce señales internas) y el núcleo accumbens (placer y motivación).

Centros de evaluación y control (Sentimiento): se sitúan en la corteza, específicamente en la corteza orbitofrontal y prefrontal ventromedial, que asignan un valor positivo o negativo al estímulo, y la corteza cingulada anterior, que detecta conflictos entre emociones y acciones.

- El caso ejemplar: Phineas Gage

El famoso caso de Phineas Gage ilustra perfectamente esta separación. Tras su accidente en 1848, donde una barra de hierro penetró por su mejilla izquierda y salió por la parte superior del cráneo, atravesando su cráneo y lóbulo frontal, Gage conservó sus respuestas emocionales (era irritable y propenso a arrebatos de ira) porque sus estructuras subcorticales como la amígdala estaban intactas. Sin embargo, perdió la capacidad de generar sentimientos complejos y sociales (como la vergüenza, la culpa o la empatía) debido al daño masivo en su corteza prefrontal, lo que le impedía procesar esas señales físicas para guiar su conducta de forma socialmente adecuada.

¿De qué manera el cerebro transforma impulsos eléctricos en recuerdos duraderos?

El proceso por el cual el cerebro transforma impulsos eléctricos y químicos transitorios en recuerdos duraderos se basa en la plasticidad neuronal, que es la capacidad del sistema nervioso para remodelarse físicamente en respuesta a la experiencia. Esta transformación ocurre a través de los siguientes mecanismos clave:

- De cambios químicos a cambios estructurales

El cerebro distingue entre la memoria a corto y largo plazo mediante procesos celulares distintos:

Memoria a corto plazo (Cambio químico): es un proceso puramente químico y transitorio. Implica una mayor liberación de neurotransmisores (especialmente glutamato) en la sinapsis, facilitada por la activación de proteínas quinasas y el cierre de canales de potasio, pero no requiere la creación de nuevas proteínas.

Memoria a largo plazo (Cambio físico): para que un recuerdo sea duradero, se requiere la repetición del estímulo, lo que activa una cascada molecular más profunda. La proteína quinasa viaja hasta el núcleo de la neurona y activa el factor de transcripción CREB, el cual "enciende" genes encargados de sintetizar nuevas proteínas. Estas proteínas remodelan el citoesqueleto de la neurona para construir nuevas espinas dendríticas y terminales axonales. Así, aprender algo a largo plazo cambia literalmente la anatomía del cerebro.

- El papel de los receptores (AMPA y NMDA)

La consolidación de la memoria depende de la interacción entre dos tipos de receptores de glutamato:

Receptores AMPA: son responsables de la transmisión sináptica rápida y normal.

Receptores NMDA: actúan como "detectores de coincidencia". Normalmente están bloqueados por un ion de magnesio; sin embargo, cuando la neurona recibe estímulos repetidos y fuertes, el tapón de magnesio se expulsa, permitiendo la entrada de calcio. Este flujo de calcio es la señal necesaria para iniciar la remodelación de las espinas dendríticas y fortalecer la conexión permanentemente.

- El circuito de consolidación

A nivel de redes, la transformación de la experiencia en conocimiento estable ocurre principalmente en el circuito de Papez, que incluye el hipocampo como estructura central. El proceso sigue estas etapas: 1) Codificación: la información sensorial entra por la corteza entorrinal hacia el hipocampo; 2) Contextualización: el paso por el tálamo permite ubicar la experiencia en un "dónde" y un "cuándo", creando una historia; 3) Valoración emocional: la corteza cingulada añade una carga afectiva, lo que facilita que el recuerdo se grabe con más fuerza; 4) Almacenamiento: aunque el hipocampo es necesario para aprender el dato por primera vez, los recuerdos finalmente se almacenan en la corteza cerebral.

En resumen, un recuerdo duradero no es más que una red de neuronas que han "cableado" su conexión física de forma tan sólida que el cerebro puede reactivar ese mismo patrón de actividad en el futuro.

¿Qué ocurre en el cerebro durante la amnesia anterógrada?

La amnesia anterógrada es un trastorno de la memoria que impide a una persona formar nuevos recuerdos tras una lesión cerebral, aunque pueda mantener una conversación normal y conservar los recuerdos del pasado previos al incidente. Esto es lo que sucede específicamente en el cerebro durante esta condición:

- Interrupción del circuito de Papez

La formación de recuerdos duraderos (memoria declarativa) no depende de una sola estructura, sino de una red llamada circuito de Papez. Este circuito incluye el hipocampo, la corteza entorrinal, los cuerpos mamilares, el tálamo y la corteza cingulada. En la amnesia anterógrada, este circuito se interrumpe en algún punto debido a un tumor, un ictus o alcoholismo crónico.

Al estar interrumpido, la información sensorial que entra no puede completar el "giro" necesario para ser procesada y enviada a la corteza cerebral para su almacenamiento definitivo.

- El fallo del "grabador" de historias

El hipocampo actúa como el "grabador" de los recuerdos autobiográficos y los hechos conscientes. Cuando el hipocampo se destruye o se desconecta del resto del circuito, el cerebro pierde la capacidad de contextualizar la experiencia (el "dónde" y el "cuándo") y de asignarle una carga afectiva a través de la corteza cingulada. Sin este proceso de consolidación, una persona puede conocer a alguien, salir de la habitación y, al regresar cinco minutos después, no tener ningún registro de haber visto a esa persona antes.

- Preservación de la memoria procedimental

Un aspecto clave es que la amnesia anterógrada no borra todas las formas de aprendizaje. Porque aunque no puedan recordar hechos (memoria declarativa), estos pacientes aún pueden aprender habilidades motoras y hábitos. Esto se debe a que la memoria implícita o procedimental depende de estructuras distintas como los ganglios basales (especialmente el estriado) y el cerebelo, que suelen permanecer intactos. Por ejemplo, un paciente con amnesia anterógrada profunda podría aprender a tocar un instrumento o a montar en bicicleta, aunque jure cada día que es la primera vez que ve el objeto.

En resumen, el cerebro con amnesia anterógrada puede procesar el presente mediante la memoria de trabajo, pero ha perdido el "cableado" físico en el circuito de Papez necesario para convertir ese presente en un pasado recordable.

Ejmplos de cuestiones que subrayan que profundizar de en la fisiología es clave para entender mejor el origen de las enfermedades y la clínica de nuestros pacientes.

Museo de Medicina Dr. Balmis: un nuevo capítulo en la historia de la medicina alicantina

2026-05-18T06:30:00.000+02:00

Los museos de Medicina son importantes porque convierten la historia sanitaria en una experiencia viva: ayudan a entender cómo han cambiado el diagnóstico, los tratamientos, la relación médico-paciente y la propia idea de salud a lo largo del tiempo. También cumplen una función educativa y social, porque preservan patrimonio científico, reconocen a los profesionales que impulsaron avances médicos y acercan ese legado a estudiantes, investigadores y público general.

Un museo médico no solo exhibe instrumentos antiguos; también explica cómo se construyó el conocimiento que hoy sostiene la práctica clínica. Eso permite ver la medicina como una disciplina histórica, científica y humana a la vez, marcada por aciertos, errores, innovación y compromiso social. Además, estos museos ayudan a la divulgación sanitaria, fomentan vocaciones y crean memoria colectiva sobre epidemias, hospitales, campañas de salud pública y figuras clave de la medicina. En tiempos de desinformación, su valor es doble: conservan evidencias materiales y ofrecen contexto para interpretar mejor la ciencia médica.

Y hoy recordamos este hecho porque Alicante acaba de inaugurar el pasado 13 de mayo un nuevo espacio donde la ciencia se mira con nostalgia y la memoria médica se convierte en cultura viva: el MUSEO DE MEDICINA DR. BALMIS y que se encuentra en el Palacio de Congresos del Colegio Oficial de Médicos de Alicante, y que será un puente entre las generaciones de profesionales sanitarios y la ciudadanía.

Un museo con nombre propio

El nombre del museo no es casual: alude al alicantino Francisco Javier Balmis, figura histórica de la medicina española, reconocido por su compromiso humanitario y por llevar la vacunación contra la viruela a América en el siglo XVIII. Ese referente simbólico invita a mirar la medicina no solo como conjunto de técnicas, sino como una práctica profundamente social, ética y transformadora. En Alicante, el museo se convierte en un homenaje explícito a esa tradición de servicio y responsabilidad profesional a través de su médico más relevante en la historia. Aquel que llevó adelante la primera Expedición Filantrópica médica de la historia de la humanidad y del que ya hemos hablado en este blog, tanto desde la literatura como desde el cine. Y que, además, este nombre propio que tiene el museo es el mismo que tiene mi hospital, el hospital terciario y de referencia de la provincia de Alicante: el Hospital General Universitario Dr. Balmis.

Más de 125 años de historia

El museo se concibe como un recorrido por más de 125 años de historia colegial y de asistencia sanitaria en la provincia. A través de fotografías, documentos, objetos médicos, instrumentos quirúrgicos o piezas de diagnóstico y tratamiento, el visitante puede observar cómo han cambiado los consultorios, los hospitales, los espacios de formación y la propia relación médico‑paciente; y también los libros. Cada vitrina, en realidad, es una pausa en la historia: un momento concreto del esfuerzo por comprender mejor el cuerpo humano y aliviar el sufrimiento. Alrededor de 3.000 piezas custodiadas por el busto del Dr. Balmis a la entrada del museo.

De la memoria privada al patrimonio común

Una de las características más valiosas del proyecto es su capacidad de sacar la memoria médica de los archivos privados y trasladarla al ámbito público. El museo reúne piezas cedidas por familias, médicos en activo (es una satisfacción que varios instrumentos de mi práctica clínica estén allí, en representación de los miles de niños y niñas que he cuidado), jubilados y centros sanitarios, conformando un patrimonio que antes solo circulaba en recuerdos personales o en despachos olvidados. Al darles visibilidad, el museo convierte esas historias dispersas en un relato colectivo sobre la construcción de la medicina moderna en la provincia.

Un espacio para todos

El Museo de Medicina Dr. Balmis se presenta como un espacio abierto, con entrada libre y gratuita, pensado para estamentos muy diversos: profesionales sanitarios, estudiantes de medicina y ciencias de la salud, familias, investigadores e incluso curiosos que nunca han trabajado en el sector. Esa vocación inclusive refuerza su función divulgativa: más que mostrar instrumentos antiguos, pretende explicar cómo se ha ido avanzando en diagnóstico, tratamiento y prevención, y cómo esas conquistas se han ido incorporando poco a poco a la vida cotidiana de la población.

Y este logro es gracias al esfuerzo de muchas personas, pero cabe destacar la incomiable labor de casi una década del Prof. Jaime Merino, excatedrático de Medicina Interna de la Universidad Miguel Hernández, quien ha demostrado su tesón para llevarlo adelante. Ahora vienen a mi memoria las muchas llamadas de teléfono que me hizo durante este tiempo, retomando una vez y otra el proyecto.

Un faro en la cultura de la salud

En un contexto de desinformación sobre temas médicos y de creciente desconfianza en la ciencia, los museos de salud cumplen una labor especialmente relevante. Al mostrar la larga trayectoria de errores, experimentos, debates y avances, ayudan al público a entender que la medicina es una ciencia histórica, en constante construcción, y no un conjunto de verdades absolutas. En este sentido, el Museo de Medicina Dr. Balmis no solo mira al pasado; también ofrece claves para interpretar críticamente el presente de la salud y la atención sanitaria.

Cine y Pediatría (853) “La misteriosa mirada del flamenco”… y de la transexualidad y el sida

2026-05-16T06:30:00.078+02:00

Cuando uno lee el título de esta reciente película, La misteriosa mirada del flamenco (Diego Céspedes, 2025), puede interpretar que se trate de una película española alrededor de ese baile típicamente andaluz que ha adquirido el título de Patrimonio Inmaterial de la Humanidad. Pero nada de eso, sino que es una película chilena que hace referencia al flamenco como ave y cuyo peculiar título tiene un significado muy descriptivo y que analizaremos más adelante.

La misteriosa mirada del flamenco es la ópera prima de su director y ya ha tenido una recepción muy destacada en festivales, con diversos galardones, incluido la selección para representar a Chile en los Óscar como mejor película internacional, así como mejor película de Un certain regard del Festival de Cannes, premio que reconoce el talento joven y fomenta obras innovadoras y atrevidas. Y a buen seguro que este sí que es un film innovador y atrevido, pues adquiere el aspecto de un western en una fábula queer sobre deseo, miedo y comunidad bajo los ojos de una adolescente, historia ambientada en un pueblo minero en el desierto de Atacama, el lugar más seco del planeta y situado en el norte de Chile a comienzos de los años 80. Una peculiar película definida como un neowestern, un relato de iniciación y un melodrama queer con componentes de realismo mágico, y que se suma a otros títulos de estos premios Un certain regard que ya forman parte de Cine y Pediatría y que fueron revisadas al hablar de la película británica How to Have Sex (Molly Manning Walker, 2023), ganadora de este galardón dos años antes.

“Norte de Chile, año 1982”. Así comienza esta historia y ya nos marca el contexto geográfico y temporal. Y nos presenta a nuestra protagonista, Lidia (Tamara Cortés), una niña de 11 años que crece en el seno de una particular comunidad queer marginada en el borde de un desagradable y polvoriento pueblo minero. Allí vive con un grupo de travestis y transexuales que forman parte de la bizarra diversión de los mineros del lugar y donde pronto nos aparece la primera reflexión: “Por cada maricón infectado aquí en la cantina aparecen 20 mineros infectados en el pueblo. En la cantina habemos cuatro infectadas vivas y dos que ya nos dejaron… Y eso da un total de…”. Y es que la comunidad les culpa de una misteriosa enfermedad que está empezando a propagarse, y de la que se dice que se transmite a través de una sola mirada, cuando un hombre se enamora de otro. Estamos en los inicios de la aparición del sida en el mundo, pero de momento aquí solo es una superstición, donde Lidia se enfrenta a en un entorno marcado por la violencia, el prejuicio y el miedo colectivo, donde la familia queer es su único refugio y el amor podría ser el verdadero peligro.

Es esta una cantina regentada por Mamá Boa (Paula Dinamarca, verdadera actriz trans), quien puso a sus “chicas” nombre de animales: Leona, Piraña, Estrella, Flamenco… Y acabamos conociendo cómo Flamenco (Matías Catalán), la preferida de lugar, se encontró a Lidia abandonada a la puerta del local y prometió ser su madre y cuidarla.

Se suceden las escenas que no dejan indiferentes, como el patético concurso de Miss Alaska, donde siempre ha ganado Flamenco y nos canta la canción “Ese hombre” de Rocío Jurado, un momento que no es ajeno a esa dualidad (animal y baile) del título de la película… En ese momento se nos presenta la provocativa aparición de quien fuera su pareja, Yovani (Pedro Muñoz), y que le pregunta “¿Te enamoraste de un hombre de 21 años, así como yo?”… hasta que todas le dan una paliza para que salga del local. Pero aires de venganza acaban con la vida de Flamenco, momento en el que Lidia recuerda las palabras de su madre: “Yo no me quiero ir de esta vida culeado siendo un secreto, hija”.

“Lava que lava. Al maricón no hay que mirar. Lava que lava. La peste te va a pegar. Lava que lava. Los ojos hay que tapar. Lava que lava. El maricón te va matar”, es la canción que repiten los mineros cuando las ven pasar y evitan su contacto visual. Lidia intenta entender lo que está ocurriendo, y cómo ocurrió el contagio de la “peste”: “¿Y por qué el hombre se enamora si es tan peligroso?”, pregunta Lidia a su amigo Julio, y este le responde: “Yo creo que porque cazar y ser cazado es inevitable para todos los animales”. Y las chicas trans le dicen que esa “peste” era como una maldición frente a los mineros, pero siguen sus dudas: ”Y si era frente a los mineros, ¿por qué se enfermaron ustedes?”.

Pasa el tiempo y vemos los estigmas cutáneos que dan nombre a la supuesta “peste”: el sarcoma de Kaposi tan identificativo de los inicios del sida. Así lo vemos en Yovani, quien fallece como un apestado más (aunque Lidia imagina su final con una onírica escena del más clásico Far West). Así lo percibimos también en Mamá Boa, quien antes se casó con Clemente (Luis Dubó), uno de los mineros… No es difícil imaginar que la promiscuidad y la transexualidad, la falta de conocimientos sobre la infección, los mecanismos de transmisión y los medios preventivos, hicieron que el sida campara a sus anchas.

Y con ese devenir de los hechos, deciden enviar a Lidia a la ciudad. Y la vemos alejarse en el coche por ese seco horizonte, con ese aroma de western una vez más… Pero es difícil para ella romper con su pasado, mientras suena al final la canción “Rara avis” de Florencia di Concilio, compositora uruguaya de música para cine.

Y sí, es una rara avis ese flamenco y esta historia… Porque La misteriosa mirada del flamenco es un título simbólico con varios niveles de lectura: Flamenco es el nombre de una de las figuras centrales de esa familia queer, a la que Mamá Boa llamó así por sus piernas largas y delgadas, y la “mirada” remite al rumor que circula en el pueblo: que la enfermedad o el deseo se contagian incluso con el simple acto de mirar; y donde la palabra “misteriosa” alude a ese clima de superstición, miedo y desconocimiento que rodea a la comunidad del filme, ese misterio social de cómo el prejuicio transforma el amor, el cuerpo y la diferencia en algo temido y casi sobrenatural. Y también aporta una dimensión poética: porque el flamenco es un animal bello, frágil y extraño, muy coherente con el tono del relato, que mezcla dureza, ternura y mito. En conjunto, el título resume muy bien la película: es una historia sobre cómo una comunidad marginada es observada, juzgada y convertida en leyenda por quienes la rechazan. Al mismo tiempo, reivindica la potencia de esa misma mirada cuando nace desde el afecto, la familia elegida y la supervivencia compartida.

Una película que funciona como una alegoría del estigma vinculado al VIH/sida y del pánico moral que se construyó alrededor de la disidencia sexual. En vez de centrar la violencia en el arma clásica del western, la desplaza hacia la mirada como símbolo de deseo, contagio imaginado y persecución social. También pone en primer plano la idea de familia elegida, el cuidado comunitario y la ternura como formas de resistencia frente a la exclusión. Y donde afloran tres enseñanzas principales: que el miedo social a la diferencia suele producir más daño que la propia amenaza real, que la identidad y el afecto pueden construir refugios colectivos incluso en contextos de hostilidad extrema, y que la infancia permite mirar la violencia con una mezcla de inocencia y lucidez que vuelve más fuerte la denuncia moral. Lo más interesante de la película es cómo reescribe el western desde una sensibilidad disidente, sustituyendo la épica viril por una ética del cuidado. El desierto de Atacama no aparece solo como paisaje, sino como espacio de soledad, belleza y vulnerabilidad, reforzando el tono emocional del relato.

Ya hemos hablado del sida ya desde varias miradas y filmografías, como la estadounidense Kids (Larry Clark, 1995), la sudafricana Yesterday (Darrell James Roodt, 2004) o la española Romería (Carla Simón, 2025). Y ahora vemos la visión desde La misteriosa mirada del flamenco, una obra se presenta como un debut muy sólido, visualmente poderoso y con una ambición poética que refuerza el cine chileno.

Músicos por la salud, medicina para el alma

2026-05-13T06:30:00.092+02:00

La musicoterapia se ha consolidado en las últimas décadas como una disciplina terapéutica con creciente reconocimiento dentro del ámbito sanitario. Definida como el uso clínico y basado en la evidencia de intervenciones musicales para lograr objetivos individualizados dentro de una relación terapéutica, integra conocimientos de la medicina, la psicología y las ciencias de la música. Su valor no radica únicamente en su carácter complementario, sino en su capacidad de incidir de manera significativa en dimensiones físicas, emocionales, cognitivas y sociales del paciente.

Uno de los principales fundamentos de la musicoterapia es su impacto directo sobre el sistema nervioso. La música actúa sobre estructuras cerebrales implicadas en la emoción, la memoria y la regulación del estrés, como el sistema límbico. Diversos estudios han demostrado que puede reducir los niveles de cortisol, disminuir la percepción del dolor y mejorar el estado de ánimo. En contextos clínicos, esto se traduce en beneficios tangibles: menor ansiedad preoperatoria, mejor tolerancia a procedimientos invasivos y reducción del uso de analgésicos en algunos casos.

En el ámbito hospitalario, la musicoterapia se ha incorporado progresivamente en unidades de cuidados intensivos, oncología, pediatría, neonatología, neurología y salud mental (aunque queda mucho camino por andar para que sea una realidad en España). En pacientes pediátricos, por ejemplo, facilita la expresión emocional y reduce el miedo asociado a la hospitalización. En neonatología, la exposición controlada a estímulos musicales puede favorecer la estabilidad fisiológica y el vínculo afectivo entre padres e hijos. En adultos con enfermedades crónicas o terminales, la musicoterapia contribuye a mejorar la calidad de vida, ofreciendo un espacio de comunicación y alivio emocional cuando las palabras resultan insuficientes. Nuestra experiencia en el Servicio de Pediatría del Hospital General Universitario Dr. Balmis de Alicante así lo avala en el caso de la oncología pediátrica (tanto en pacientes, como en familiares y personal sanitario).

Particularmente relevante es su aplicación en trastornos neurológicos. En pacientes con enfermedad de Alzheimer, la música puede evocar recuerdos y mejorar la interacción social incluso en fases avanzadas. En rehabilitación tras ictus, el ritmo y la melodía se utilizan para estimular la recuperación del lenguaje y la coordinación motora. Este enfoque se basa en la plasticidad cerebral, aprovechando redes neuronales alternativas para compensar funciones dañadas.

Desde una perspectiva psicosocial, la musicoterapia también desempeña un papel importante en la humanización de la asistencia sanitaria. Introduce una dimensión artística y relacional que contrarresta la despersonalización que a menudo acompaña a los entornos clínicos altamente tecnificados. El paciente deja de ser únicamente un sujeto pasivo de intervención médica para convertirse en participante activo de su proceso terapéutico.

A pesar de sus beneficios, la implementación de la musicoterapia en los sistemas de salud aún enfrenta desafíos. Entre ellos destacan la necesidad de mayor estandarización en los protocolos, la formación especializada de los profesionales y la integración efectiva en equipos multidisciplinares. Asimismo, aunque la evidencia científica es cada vez más sólida, sigue siendo necesario ampliar estudios con metodologías robustas que permitan consolidar su inclusión en guías clínicas.

Por ello el evento de presentación que tuvo lugar el día 11 de mayo en nuestro hospital de la Fundación Músicos por la Salud tiene un valor añadido. Músicos por la Salud es una fundación española nacida en 2015 en la Comunidad Valenciana (por cierto, de donde proceden más de la mitad de los músicos del país) y que lleva música en directo a hospitales y centros sociosanitarios para humanizar la experiencia de pacientes, familiares y personal sanitario. Su propuesta se basa en microconciertos emocionales y breves, diseñados para aportar bienestar en contextos de soledad, vulnerabilidad o enfermedad.

La organización trabaja con actuaciones en hospitales, residencias y otros centros de atención, incluyendo programas específicos como "Piano por la Salud" y "Recordar, Cantar y Curar". Según su propia información, ha realizado decenas de miles de microconciertos y ha llegado a cientos de miles de personas en toda España. Su idea no es solo “poner música”, sino usarla como una intervención con sentido terapéutico y relacional, adaptada al entorno sanitario. En los conciertos se procura que la música conecte con las preferencias del paciente y favorezca una experiencia más cálida y menos impersonal, siendo clave que la música la elige el paciente siempre.

Además del componente asistencial, Músicos por la Salud ha impulsado un modelo de colaboración entre músicos, voluntariado e instituciones sanitarias. También promueve la investigación y la evaluación de sus intervenciones para respaldar con evidencia su impacto en salud y calidad de vida. Y eso es lo que ocurrió ayer en nuestro hospital en un acto lleno de ciencia y arte, de música, donde a través de piezas de piano deSerguéi Rajmáninov, Frédéric Chopin, Isaac Albéniz u Óscar Esplá llevadas a cabo por músicos del Conservatorio de Alicante, se nos expuso el inicio de este proyecto en nuestro hospital. Y comenzó con la donación de un piano de cola que ahora luce en el hall de entrada del hospital y que ya es símbolo de la apuesta por la musicoterapia (será el cuarto piano donado por la fundación, tras los ya existentes en el Hosiptal La Paz, Hospital de Manises y Hospital La Fe). Un acto inolvidable que tuvo como maestro de ceremonias a nuestro compañero el Dr. Paco Cholvi, rehabilitador de nuestro hospital y afamado pianista.

Una apuesta por la arteterapia que lleva décadas desarrollándose en distintos ámbitos del hospital (como los centenares de proyectos que, desde 2014, realizamos con la Unidad Pedagógica Hospitalaria en el proyecto "La cultura y el deporte se ponen la bata y el fonendo"). Porque a nuestro proyecto "Un hospital de cuento" y "Un hospital de cine", ahora se suma este que bien podría ser "Un hospital de música".

Porque el valor de la música en la vida es fácil de entender. Y ya lo dijo un científico como Einstein: "Si no fuera físico, probablemente sería músico. A menudo pienso en música. Vivo mis sueños en música. Veo mi vida en términos musicales".

Análisis del brote de hantavirus: del periodismo a la ciencia

2026-05-11T06:30:00.067+02:00

Desde la semana pasada, prensa, radio y televisión han centrado la atención en el brote de hantavirus que ha ocurrido a bordo del crucero MV Hondius, que zarpó desde Ushuaia y terminó bajo vigilancia sanitaria internacional mientras navegaba hacia Canarias. La OMS ha confirmado cinco casos entre ocho sospechosos, con tres fallecimientos, y ha recalcado que el riesgo para la población general sigue siendo bajo.

Según las informaciones publicadas, el brote se detectó en un barco con 147 pasajeros de 23 nacionalidades, con presencia de 14 españoles, y los primeros afectados habrían embarcado tras una exposición previa en tierra, antes de subir al crucero. La hipótesis principal de la OMS es que el caso índice se infectó fuera del barco y luego pudo transmitir el virus a contactos cercanos a bordo, algo compatible con la variante andina del hantavirus. Aunque el barco funcionó como un entorno cerrado, la limitada cifra de casos apoya que no se trata de un virus con transmisión fácil y sostenida entre personas.

Las autoridades sanitarias han priorizado el aislamiento clínico, la evacuación de los casos sintomáticos y la vigilancia de los contactos estrechos, mientras se coordinan desembarcos y traslados hospitalarios. El Ministerio de Sanidad español indicó que el brote está limitado al crucero y que el riesgo para la población española es muy bajo. La OMS también insistió en que este episodio no equivale al inicio de una pandemia y que el hantavirus se comporta de forma distinta a los coronavirus o la gripe.

La preocupación no viene por una expansión masiva, sino por la gravedad del cuadro en los casos graves, especialmente cuando se complica con afectación pulmonar o renal. Además, el contexto del crucero —espacios compartidos, convivencia estrecha y movilidad internacional— obligó a actuar con rapidez para rastrear pasajeros y contactos que ya habían desembarcado. En ese sentido, el episodio ha sido importante como alerta epidemiológica, no como señal de transmisión comunitaria amplia.

Conviene recordar que el hantavirus sigue siendo un virus zoonósico ligado sobre todo a roedores, y su transmisión humana suele requerir exposición ambiental concreta; en la mayoría de variantes no se contagia con facilidad de persona a persona. El caso del barco ha llamado tanto la atención porque probablemente combina una infección adquirida en tierra con una cadena corta de transmisión en un ambiente cerrado, algo raro pero posible en la variante andina.

Veamos tres puntos clave...

1. Microbiología del hantavirus

Los hantavirus pertenecen al género Hantavirus y son virus ARN de sentido negativo, envueltos, con tropismo natural por roedores y algunos insectívoros; cada virus suele estar adaptado a uno o pocos reservorios específicos. En el humano actúan como huéspedes accidentales, y la enfermedad depende de la especie viral concreta y del contexto epidemiológico.

El reservorio principal son roedores silvestres, aunque también se han descrito virus en musarañas y topos. Los animales infectados eliminan el virus por orina, heces y saliva, y la transmisión a humanos se produce sobre todo por inhalación de aerosoles contaminados al limpiar, remover polvo o entrar en espacios infestados. También se ha descrito transmisión por mordeduras, contacto con mucosas o piel lesionada, y de forma excepcional por contagio entre personas en el caso del virus Andes (que es el responsable de este brote acaecido en el crucero).

Tras la entrada, el virus infecta principalmente células endoteliales y desencadena disfunción vascular, aumento de permeabilidad capilar y respuesta inflamatoria intensa, lo que explica el edema pulmonar, la hipotensión y el shock en las formas graves. La afectación renal es central en la fiebre hemorrágica con síndrome renal, mientras que la afectación cardiopulmonar domina en el síndrome pulmonar por hantavirus.

Existen dos grandes síndromes: fiebre hemorrágica con síndrome renal (FHSR), más habitual en las especies de hantavirus en el "viejo" continente (Europa y Asia) y síndrome pulmonar/cardiopulmonar por hantavirus (SPH/SCPH), más habitual en las especies de hantavirus en el "nuevo" continente (América). La FHSR suele comenzar con fiebre, cefalea, mialgias, dolor lumbar, náuseas, vómitos y dolor abdominal, y puede progresar a hipotensión, oliguria e insuficiencia renal. El SPH suele iniciar con cuadro pseudogripal y síntomas gastrointestinales, y luego progresa bruscamente a disnea, edema pulmonar, hipoxemia e insuficiencia respiratoria.

El diagnóstico se basa sobre todo en serología: IgM específica en fase aguda o aumento significativo de IgG. También pueden usarse inmunohistoquímica en tejidos y RT-PCR para detectar ARN viral en sangre o tejidos. En la práctica clínica, el diagnóstico se apoya además en el contexto epidemiológico, la trombocitopenia, la leucocitosis y los hallazgos de insuficiencia respiratoria o renal.

No existe un tratamiento antiviral específico de eficacia universal para todas las formas. El manejo es fundamentalmente de soporte, con hospitalización, oxígeno, UCI si hace falta y ventilación mecánica o soporte extracorpóreo en los casos graves. La ribavirina puede tener utilidad en algunas formas de FHSR, pero no ha demostrado eficacia consistente en el SPH.

La prevención se basa en reducir el contacto con roedores y sus excreciones: control ambiental, sellado de viviendas, almacenamiento seguro de alimentos y limpieza segura de zonas infestadas. Durante la limpieza debe evitarse barrer en seco, porque aumenta la aerosolización; se recomienda humedecer el área con desinfectante y usar protección personal. No hay vacuna ampliamente disponible para uso general, aunque existen desarrollos y una vacuna inactivada usada en Corea con protección incompleta.

La gravedad varía mucho según el virus: algunos producen cuadros leves, mientras que otros tienen letalidades elevadas, especialmente ciertas cepas asociadas a SPH en América. En el informe sanitario español se recuerda que no existen vacunas ni tratamientos específicos y que la letalidad puede ser importante en formas pulmonares.

2. Análisis científico del brote

El evento descrito se entiende mejor como un brote zoonósico: el virus circula de forma natural en roedores y pasa al ser humano por exposición a sus excretas o secreciones, especialmente en ambientes cerrados o mal ventilados. La evidencia disponible señala que el contagio humano ocurre sobre todo al inhalar partículas aerosolizadas procedentes de orina, heces o saliva de roedores infectados, o por contacto con superficies contaminadas.

Desde el punto de vista epidemiológico, el hallazgo importante es que el hantavirus no se comporta como SARS-CoV-2: no muestra transmisión aérea eficiente entre personas ni una expansión comunitaria sostenida en la mayoría de sus variantes. La excepción relevante es el virus Andes y algunas variantes sudamericanas, para las que sí se ha descrito transmisión persona a persona, aunque de forma infrecuente y dependiente de contacto estrecho.

Clínicamente, el riesgo del brote no está en su transmisibilidad, sino en su potencial gravedad, porque algunas formas evolucionan con rapidez hacia insuficiencia respiratoria o compromiso renal. Por eso, el problema sanitario principal es la detección precoz, el aislamiento clínico, el soporte intensivo y la identificación de exposiciones de riesgo.

3. Qué llevarse como aprendizaje

En términos científicos, lo ocurrido debe interpretarse como un episodio zoonósico de exposición y no como un virus con comportamiento pandémico comparable al de la gripe o la covid. La clave microbiológica y clínica es que el riesgo humano depende de la especie viral, del reservorio y del tipo de exposición, mientras que el manejo sanitario se centra en prevención ambiental, diagnóstico precoz y soporte intensivo.

Es importante que la información a la población sea rigurosa y veraz, sin alarmismos y prudente.

Cine y Pediatría (852) “No dejemos que esta noche todo se pierda” en la complejidad de la descolonización africana

2026-05-09T00:20:00.002+02:00

“Zimbabue-Rodesia. África del Sur, 1980” es el contexto que nos marca esta película al inicio. Y esta frase de nuestra niña protagonista de 7 años, Boboo, nos pone en la pista, aún con fundido en negro: “Mamá dice que no podemos entrar en su habitación por la noche, que no debemos asustar a mamá y a papá mientras duermen. Cuando le pregunté por qué, me respondió: Porque estamos en guerra. Podríamos pensar que eres un terrorista y disparar por error”. Así comienza la película sudafricana No dejemos que esta noche todo se pierda (Embeth Davidtz, 2024), en lo que es la ópera prima en la dirección de esta actriz estadounidense formada en Sudáfrica y que se consolidó como actriz con papeles como la trabajadora judía Helen Hirsch en La lista de Schindler (Stenve Spielberg, 1993) y la adorable maestra Jennifer Miel en Matilda (Danny de Vito1996).

La película No dejemos que esta noche todo se pierda es un drama familiar que se sitúa en la turbulenta descolonización de Rodesia (actual Zimbabue) a finales de los años 70 y principios de los 80. Contada a través de la mirada de esta niña, la película combina la ternura de una infancia libre con la crudeza de una guerra civil y de un cambio político radical, y que se fundamenta en las memorias de la autora británico-zimbabuense Alexandra Fuller, “Don't Let's Go to the Dogs Tonight” (a la sazón, el título original de esta película). La historia sigue a Bobo (Lexi Venter, de marcada espontaneidad), esta niña blanca que vive en la granja familiar de la Rodesia rural, y donde la Guerra de los Arbustos —el conflicto entre fuerzas coloniales y movimientos independentistas— va deformando el entorno de su infancia. A través de sus ojos ingenuos, el espectador asiste a la descomposición de la vida colonial, a los miedos de sus padres, a la melancolía de su madre y a la tensión racial entre la familia blanca y la población negra, mientras el país se encamina hacia la independencia bajo el liderazgo de Robert Mugabe.

Y vale la pena profundizar en el contexto. Porque la conocida como Guerra de los Arbustos (en inglés Rhodesian Bush War) fue el conflicto armado que se libró en Rodesia entre 1964 y 1979, enfrentando al régimen de minoría blanca de Ian Smith primero con movimientos guerrilleros y, más tarde, con dos grandes organizaciones nacionalistas: ZANU (Zimbabwe African National Union), cuyo brazo armado era el ZANLA, y ZAPU (Zimbabwe African People’s Union), con su fuerza guerrillera ZIPRA. El conflicto acabó con la independencia de la excolonia británica como Zimbabue, bajo gobierno mayoritariamente negro liderado por Robert Mugabe, en 1980. La guerra se enmarca en la resistencia africana a un estado de minoría blanca que se había declarado unilateralmente independiente del Reino Unido en 1965, manteniendo un sistema de dominio blanco y discriminación racial similar al apartheid sudafricano. Los movimientos nacionalistas, con ideología izquierdista y apoyo externo de países comunistas y de vecinos africanos (como Tanzania, Mozambique y Zambia), interpretaron el conflicto como una guerra de liberación nacional.

Y mientras transcurre la historia familiar, nos inundan los pensamientos de Boboo contaminados por el ambiente que le rodea: “Cualquier africano puede ser un terrorista. Lo mejor es no hablar nunca con ningún africano, por si acaso es terrorista o es amigo de uno”, “Los africanos y los blancos no son iguales. Cuando se muere un bebe blanco se va a la iglesia y se reza el Padrenuestro. Luego se le entierra y va directo al cielo. Los familiares se emborrachan y ya está. No se hace ningún drama. Sin embargo, cuando muere un niño africano, se llevan regalos a sus antepasados y se les pide que cuiden al niño para que no se confunda y trate de volver”, “Hasta el año pasado el país en el que vivíamos se llamaba Rodesia, pero los africanos dijeron que ellos lo habían descubierto y que los europeos se lo habían robado. Entonces los africanos se convirtieron en terroristas y comenzó la guerra”.

La propia directora se reserva el papel de la madre de Bobo, Nicola (Embeth Davidtz), una mujer de carácter que prefiere dormir junto a su metralleta, mientras el padre, Tim (Rob van Vuuren), le vemos preparar una artillería, con bombas de mano incluidas, con las que la niña juega. Tiene una hermana adolescente, Vanessa, con sobrepeso… y con el transcurrir del metraje descubriremos que hubo otra hija que murió ahogada en el estanque de la casa. Y les cuidan dos sirvientes negros, Sara (Zikhona Bali) y Jacob (Fumani Shilubana), quienes corren el peligro de ser vistos por la guerrilla como colaboracionistas. Y dentro de la comunidad blanca con la que se relacionan también los abuelos viven cerca, y Bobo se muestra descarada ante ellos.

Porque Bobo es total protagonista y se come la pantalla. Siempre descalza, con la cara sucia y el pelo despeinado, como una niña salvaje-hippie, que también fuma y monta en una moto con un rifle a las espaldas. Todo bastante anormal para una niña de su edad, mientras suena la BSO con temas como el “Watch Out” de la influyente banda de rock zimbabuense Wells Fargo, “The Last Farewell” de Roger Whittaker, “I Wonder” de Sixto Rodríguez, “Patricia the Striper” de Chris de Burgh… Y en ese ambiente se cría Bobo, alter ego de la novelista Alexandra Fuller, y ahí aparecen sus dudas: “¿Soy africana?...¿Somos racistas?”, le pregunta a su madre, “¿Qué sientes cuando mueres?”, le pregunta a Sarah. Y la niña aprende a mandar y, en el propio juego, trata también a los niños negros como criados.

Y en las elecciones del 18 de abril de 1980 fue declarada formalmente la República de Zimbabue, lo que supuso el fin del régimen colonial británico. Rober Mugabe tomo el cargo de Primer ministro del país, mientras que Canaan Sondino Banana fue elegido presidente. Mugabe ocupó el puesto de Primer Ministro hasta 1987 y desde ese momento ya pasó a ser el Presidente del país hasta 2017, momento en que el ejército forzó su renuncia. Y vemos en la película como en aquella fecha, donde este cambio se establece, todo cambia para la familia de Bobo, y el padre se ve obligado a vender la granja, pese a la oposición de su esposa. Los padres preparan la marcha a Zambia, país vecino al norte de Zimbabue. “Si me quieres, gírate”, piensa Bobo al despedirse de Sarah y dejar el país. Y como colofón, aparecen las fotos en blanco y negro de la historia real y los verdaderos protagonistas, acompañando a los créditos finales.

El hecho de que la cámara siga en todo momento a Bobo permite que la violencia, el racismo y la pérdida se perciban de forma indirecta, más a través de gestos, silencios y detalles que a través de discursos ideológicos. Y desde el punto de vista formal, la película ha sido elogiada por su tono equilibrado: sabe ser a la vez íntima y política, sin idealizar ni demonizar a la familia blanca colono ni a la población local.

Una película que nos acerca a un país y un momento histórico poco conocido en nuestro entorno y con tres enseñanzas y reflexiones clave: en primer lugar, la película muestra hasta qué punto la infancia puede ser un espacio de resistencia emocional frente a la barbarie; en segundo lugar, la cinta invita a pensar en la complejidad de la colonización y la descolonización, con esos modos de vida colisionando, de traumas compartidos y de heridas que no se cierran con un acto político formal; y, por último, tiene un mensaje ético sobre la memoria: la frase “no dejemos que esta noche todo se pierda” sugiere que, aunque cambie el mapa político, hay experiencias humanas que merece la pena no olvidar, incluso cuando resultan incómodas para identidades colectivas (blancas o negras).

Una película más sobre la visión de los conflictos bélicos y sociales a través de la mirada de la infancia. Una actriz (Lexi Venter) en el papel de Bob inolvidable, como ya otras niñas miraron la violación de los conflictos bélicos a la infancia desde diferentes filmografías: Paulette (Brigitte Fossey) en Juegos prohibidos (Réne Clément, 1952), Ana (Millie Perkins) en El diario de Ana Frank (George Stevens, 1959), Ana (Ana Torrent) e Isabel (Isabel Tellería) en El espíritu de la colmena (Víctor Erice, 1973), Carol (Clara Lago) en El viaje de Carol (Inmanol Uribe, 2002), Osama (Marina Golbahari) en Osama (Siddiq Barmak, 2003), Ofelia (Ivana Baquero) en El laberinto del fauno (Guillermo del Toro, 2006), Sarah (Mélusine Mayance) en La llave de Sarah (Gilles Paquet-Brenner, 2010), Lore (Saskia Rosendall) en Lore (Cate Shortland, 2012), Jasna (Isidora Simijonovic) en Klip (Maja Milos, 2012), Liesel Meminger (Sophie Nélisse) en La ladrona de libros (Brian Percival, 2013), Fanny (Léonie Souchaud) en El viaje de Fanny (Lola Doillon, 2015), Oksana (Marta Tiimofeeva) en Sestrenka (mi hermana pequeña) (Aleksandr Galibin, 2019),… O las cintas de animación Persépolis (Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud, 2007) con la niña Marjane en Irán y El pan de la guerra (Nora Twomey, 2017) con la niña Parvana en Afganistán.

Lavarse las manos salva vidas en sanidad

2026-05-06T06:30:00.073+02:00

Ayer, 5 de mayo, celebramos el DÍA MUNDIAL DE LA HIGIENE DE MANOS, fecha que fue establecida por la Organización Mundial de la Salud (OMS) en 2009, aunque la OMS ya había iniciado campañas de concienciación sobre la higiene de manos desde 2005. La creación de este día se enmarca en la iniciativa global de la OMS llamada "Save Lives: Clean Your Hands". El objetivo era destacar la importancia de la higiene de manos en la prevención de infecciones, especialmente en el ámbito de la atención sanitaria.

La fecha del 5 de mayo (5/5) fue elegida estratégicamente para recordar los cinco momentos clave para la higiene de manos definidos por la OMS:

1. Antes de tocar al paciente. ¿Cuándo?: higienícese las manos antes de tocar a un paciente cuando se acerque a él. ¿Por qué?: para proteger al paciente de los gérmenes que tenemos en las manos.

2. Antes de realizar una tarea limpia/aséptica. ¿Cuándo?: higienícese las manos inmediatamente antes de realizar una tarea aséptica. ¿Por qué?: para proteger al paciente de los gérmenes dañinos que podrían entrar en el cuerpo, incluidos los gérmenes del propio paciente.

3. Después de la exposición a fluidos corporales. ¿Cuándo?: higienícese las manos inmediatamente después de un riesgo de exposición a líquidos corporales y al quitarse los guantes. ¿Por qué?: para protegerse y proteger al entorno de atención de salud de gérmenes dañinos del paciente.

4. Después del contacto con el paciente. ¿Cuándo?: higienícese las manos después de tocar a un paciente y la zona que le rodea, cuando deje la cabecera del paciente. ¿Por qué?: para protegerse y proteger al entorno de atención de salud de gérmenes dañinos del paciente.

5. Después de tocar el entorno del paciente. ¿Cuándo?: higienícese las manos después de tocar cualquier objeto o mueble del entorno inmediato del paciente, cuando lo deje (incluso aunque no haya tocado al paciente). ¿Por qué?: para protegerse y proteger al entorno de atención de salud de gérmenes dañinos del paciente.

El Día Mundial de la Higiene de Manos tiene varios objetivos fundamentales:

- Concienciar: sensibilizar a nivel mundial a profesionales de la salud, pacientes, cuidadores y al público en general sobre la importancia de la higiene de manos para prevenir la propagación de infecciones.

- Promover las mejores prácticas: fomentar la adopción de prácticas correctas de higiene de manos en los centros de salud y en la vida cotidiana.

- Reducir las infecciones: disminuir la incidencia de infecciones asociadas a la atención sanitaria y otras enfermedades infecciosas transmisibles.

- Combatir la resistencia antimicrobiana: la higiene de manos es una medida clave para prevenir infecciones, lo que a su vez reduce la necesidad de antibióticos y ayuda a combatir la creciente amenaza de la resistencia a los antimicrobianos.

- Crear una cultura de seguridad: integrar la higiene de manos como un componente fundamental de la seguridad del paciente y de la calidad de la atención sanitaria.

- Apoyar a los trabajadores de la salud: reconocer el papel crucial de los profesionales de la salud en la promoción de la higiene de manos y proporcionarles las herramientas y la formación necesarias.

- Fomentar la participación: movilizar a líderes, responsables de la formulación de políticas y al público en general para que prioricen la higiene de manos.

Y nuestro Hospital General Universitario Dr. Balmis (HGUA) se ha sumado un año más a la celebración de la Jornada Mundial de la Higiene de Manos, con el liderazgo del Servicio de Medicina Preventiva, quien ha organizado un programa de actividades para involucrar a los profesionales para adherirse a la campaña liderada por la OMS, que este año 2026 tiene por lema "Lávate las manos: la acción salva vidas".

Porque desde Medicina Preventiva se analiza de forma sistemática - y con un cuestionario – un total de 57 unidades del HGUA varias veces al año, en el que se analizan, entre otros aspectos, el cumplimiento de higiene de manos. Y con unos resultados que vale la pena analizar:

- El porcentaje global del hospital en el cumplimiento del lavado de manos ha sido de un 65%. Una cifra que ha mejorado en los últimos años gracias a programas de formación, pues se percibió una preocupante caída postpandemia (algo que se ha definido como “fatiga pandémica”).

- El cumplimiento es desigual por estamentos sanitarios: mejor en enfermería, seguido por auxiliares-TCAES y los médicos con el peor resultado. También es desigual por sexos, peor en hombres. Y por servicios: mejor en unidades de críticos, seguido por servicios médicos y los servicios quirúrgicos con el peor resultado. Datos que suelen coincidir con los reflejados en la literatura.

- El cumplimiento ha sido peor "antes" (en los momentos 1 con un 58,2% y 2 con un 56,5%) que "después" de tocar al paciente (en los momentos 3 con un 73,6%, 4 con un 72,4% y 5 con un 66%)

- Las áreas con mayor porcentaje de mejora del año previo a este han sido: en primer lugar, Hemodiálisis con un 47% de mejora, seguido por Neurología con un 43% y Hematología con un 30%.

- Y las unidades con mejores resultados en este años han sido: Oncología Pediátrica y Hospital de Día de Oncología Pediátrica con un 100% de cumplimiento; Neonatología en segundo lugar con un 95% y en tercer lugar, la Unidad Cuidados Intensivos con un 91%.

Es una gran satisfacción que dos unidades de nuestro Servicio de Pediatría (Oncología y Neonatología) lideren este indicador de calidad y seguridad del paciente. Mi expresa felicitación a las jefas de sección (Dras. María Tasso y Caridad Tapia), supervisoras (María José Vidorreta y Eugenia del Caño) y a todos los compañeros que lo hicieron posible desde todos los estamentos (profesionales médicos, de enfermería, TCAES, residentes, etc.).

Porque un acto tan sencillo marca la diferencia. Porque lavarse las manos salva vidas en sanidad…

Código ictus pediátrico: cuando el tiempo es cerebro

2026-05-04T06:30:00.079+02:00

El código ictus pediátrico es el circuito asistencial de respuesta rápida para reconocer, diagnosticar y tratar de forma urgente el ictus en niños y adolescentes, porque en esta edad también se trata de una emergencia tiempo-dependiente. Su objetivo es evitar demoras en la atención y maximizar las opciones de reperfusión precoz cuando el caso lo permite, además de reducir secuelas neurológicas a largo plazo.

Aunque el ictus es menos frecuente en pediatría que en adultos, su impacto es muy serio: puede dejar secuelas motoras, del lenguaje, cognitivas y conductuales, y condicionar muchos años de discapacidad. Precisamente por eso el código ictus pediátrico busca que el reconocimiento sea rápido, que el traslado sea prioritario y que el paciente llegue cuanto antes a un centro preparado.

Los síntomas que deben hacer saltar la sospecha son, sobre todo, de inicio brusco: debilidad de un lado del cuerpo, asimetría facial, dificultad para hablar o comprender, alteración de la marcha, pérdida visual, cefalea intensa o un empeoramiento neurológico repentino. En pediatría el diagnóstico es más difícil que en adultos, porque puede confundirse con migraña complicada, crisis epiléptica, parálisis de Todd o parálisis facial periférica. Por eso la activación del circuito depende mucho del alto índice de sospecha clínica.

El valor real del código no está solo en el nombre, sino en la coordinación: urgencias, pediatría, radiología, neurología o neuropediatría, anestesia y UCI pediátrica deben responder como un solo equipo. En varios protocolos se insiste en que el niño sospechoso debe pasar por neuroimagen urgente y valoración especializada para decidir tratamiento, ya sea en hospital de origen o mediante derivación a un centro de referencia. También se señala que, a diferencia del adulto, en pediatría la dependencia previa no debería excluir automáticamente la activación del código.

Aquí está el punto clave: el código ictus pediátrico debe tener la misma relevancia organizativa que el de adultos, porque el tiempo también importa en el cerebro infantil. El adulto fue pionero en estructurar rutas de respuesta rápida, y ese modelo ha demostrado que los protocolos salvan tiempo y mejoran resultados; trasladar esa lógica a pediatría es esencial para no llegar tarde. La diferencia es que en niños la evidencia es menor y el proceso suele ser más complejo, así que la existencia de un circuito específico es todavía más necesaria.

El código ictus pediátrico es un reto todavía pendiente. En la práctica, el gran problema del ictus pediátrico sigue siendo el retraso diagnóstico, porque es infrecuente y sus síntomas no siempre se reconocen de inmediato. De ahí que sociedades científicas y hospitales insistan en implantar y actualizar estos circuitos, con equipos entrenados y derivación ágil a centros con capacidad de tratamiento avanzado. En términos sanitarios, disponer de un código ictus pediátrico bien definido significa dar al niño la misma oportunidad de tratamiento precoz que ya se asumió como indispensable en adultos.

Por tanto, el código ictus pediátrico no es una versión menor del de adultos, sino una necesidad clínica propia, porque en la infancia cada minuto cuenta y el retraso diagnóstico multiplica el riesgo de secuelas permanentes. Veamos algunos comentarios a tres preguntas clave.

¿Cómo se diferencia el ictus pediátrico del ictus en adultos?

El ictus pediátrico presenta diferencias significativas respecto al de los adultos en cuanto a su naturaleza, causas, diagnóstico y criterios de actuación. Según las fuentes, estas son las principales distinciones:

- Naturaleza y epidemiología

Tipo de ictus: mientras que en los adultos el 75% de los casos son isquémicos, en la edad pediátrica más del 50% son de naturaleza hemorrágica.

Incidencia: el ictus es mucho más frecuente en adultos (175-200 casos por cada 100.000 habitantes al año) que en niños, donde la incidencia se sitúa entre 2,3 y 13 casos por cada 100.000 niños al año.

- Etiología

Variedad de causas: en los niños, las causas son mucho más numerosas y variadas que en los adultos. El abanico incluye anomalías cardíacas congénitas, enfermedades hematológicas (como la drepanocitosis), infecciones (meningitis, sepsis), traumatismos y arteriopatías específicas como el síndrome de Moya-moya.

- Presentación clínica y "simuladores"

Sintomatología: las manifestaciones clínicas en la infancia suelen ser más inespecíficas que en los adultos, lo que dificulta un diagnóstico rápido.

Simuladores de ictus (Stroke-mimics): son ataques cerebrales agudos de origen no vascular que se confunden con un ictus. En los adultos representan solo el 20-30% de las sospechas, pero en los niños alcanzan el 60-70%. Los más comunes en pediatría son las crisis epilépticas (especialmente la parálisis de Todd), la migraña hemipléjica y trastornos metabólicos.

- Diagnóstico por imagen

Prueba de elección: en adultos se suele recurrir inicialmente a la TC y Angio-TC. En cambio, en pediatría, la Resonancia Magnética (RM) cerebral se considera la base para diferenciar un ictus real de un cuadro simulador.

- Manejo y Código ictus

Criterios de exclusión: una diferencia fundamental es que, a diferencia de los adultos, la dependencia previa no se considera un motivo de exclusión para la activación del Código Ictus Pediátrico.

Ubicación del ingreso: se aconseja que todo paciente pediátrico con ictus ingrese en una Unidad de Cuidados Intensivos (UCI).

Tratamiento agudo: existe una menor evidencia científica en tratamientos como la fibrinólisis o la trombectomía mecánica en niños comparado con adultos, por lo que a menudo se deben adaptar juiciosamente los protocolos de adultos al ámbito pediátrico.

Finalmente, aunque existe el concepto de que el niño tiene un "buen pronóstico" por su mayor plasticidad neuronal, las fuentes advierten que el impacto es severo: el 75% de los niños supervivientes presentan secuelas neurológicas de por vida.

¿Qué síntomas inespecíficos complican el diagnóstico del ictus pediátrico?

El diagnóstico del ictus pediátrico es particularmente complejo porque, a diferencia de los adultos, los niños suelen presentar signos y síntomas inespecíficos que pueden confundirse con otras patologías.

- Cefalea (dolor de cabeza): Presente en un 20-50% de los casos. De hecho, la cefalea puede ser la forma de presentación inicial en un 27% de los ictus.

- Alteración del nivel de conciencia: ocurre en un 17-38% de los pacientes pediátricos. Esto incluye estados que van desde el letargo y la obnubilación hasta el estupor o el coma.

Estos síntomas dificultan el diagnóstico porque son compartidos por los denominados "simuladores de ictus" (stroke-mimics), que en pediatría representan entre el 60% y el 70% de las sospechas iniciales. Entre estos cuadros que imitan al ictus mediante crisis, cefaleas o disminución del nivel de conciencia se encuentran:

- Crisis epilépticas: especialmente cuando cursan con hemiparesia postictal o Parálisis de Todd.

- Migrañas: sobre todo la migraña hemipléjica y la migraña basilar.

- Trastornos metabólicos o tóxicos: como la hipoglucemia, hiponatremia o la ingesta de ciertos fármacos.

- Infecciones: como la meningitis o la encefalitis.

Debido a esta presentación clínica tan variada y poco específica, el ictus en niños tiende a estar infradiagnosticado o diagnosticado de forma tardía, lo que hace vital aumentar el índice de sospecha ante cualquier déficit neurológico agudo.

¿Cuáles son las principales causas y factores de riesgo infantiles?

Las causas del ictus pediátrico son mucho más numerosas y variadas que las de los adultos, abarcando un amplio abanico de patologías predisponentes.

- Problemas cardíacos: Incluyen tanto anomalías congénitas como arritmias.

- Arteriopatías: se distinguen las intracraneales, como el síndrome de Moya-moya o la enfermedad de Takayasu, y las extracraneales, destacando la disección arterial.

- Estados protrombóticos: trastornos hematológicos como las trombofilias y la drepanocitosis.

- Malformaciones vasculares: presencia de malformaciones arterio-venosas.

- Infecciones: procesos graves como sepsis, meningitis y encefalitis.

- Otros factores externos y patologías: traumatismos, tumores cerebrales, consumo de drogas o ciertos fármacos.

Es importante destacar que los avances socioeconómicos y sanitarios han permitido un aumento en la supervivencia de niños con estas patologías crónicas, lo que paradójicamente ha generado un incremento de la población susceptible de sufrir un ictus pediátrico.

Porque en el ictus pediátrico, como en el adulto, el tiempo también es cerebro…

Cine y Pediatría (851) “Ciudad sin sueño” en la Cañada Real

2026-05-01T00:03:00.001+02:00

La Cañada Real de Madrid es un antiguo camino pecuario —una vía reservada históricamente al paso del ganado— que hoy se conoce sobre todo por el gran asentamiento irregular que se formó sobre parte de su trazado. Atraviesa el sureste de Madrid y municipios como Coslada, Madrid y Rivas-Vaciamadrid, y se extiende a lo largo de unos 14-15 kilómetros.

En origen, esta Cañada Real de Madrid formaba parte de la Cañada Real Galiana (o Riojana), una de las diez principales cañadas que formaron la red de cañadas reales utilizadas para la trashumancia en España. Eran vías protegidas por ley, con un ancho determinado, y no estaban pensadas para edificación. Desde la segunda mitad del siglo XX, y especialmente a partir de los años 60 y 70, fueron apareciendo construcciones irregulares, primero pequeñas viviendas y huertas, y después chabolas, naves, talleres e incluso edificaciones más consolidadas. Con el tiempo se convirtió en un gran asentamiento informal dividido en sectores. Hoy la Cañada Real de Madrid es conocida por las graves condiciones de vida de sus habitantes: falta de servicios básicos en algunas zonas, problemas de acceso a la electricidad y una fuerte vulnerabilidad social. También es un espacio de gran complejidad urbanística y administrativa, porque intervienen varias instituciones con competencias distintas.

La Cañada Real es importante porque resume varias realidades a la vez: historia de la trashumancia, crecimiento urbano desordenado, pobreza, exclusión social y conflicto sobre el derecho a una vivienda digna. Por eso aparece tanto en debates urbanísticos como en obras culturales y periodísticas. Y también es el epicentro de nuestra película de hoy: Ciudad sin sueño (Guillermo Galoe, 2025), un drama híbrido entre ficción y mirada documental que retrata la Cañada Real de Madrid a través de Toni (Antonio Fernández Gabarre), un adolescente gitano de 15 años, que vive con su familia de chatarreros en este entorno, el asentamiento irregular más grande de Europa, donde las noches sin electricidad y la amenaza de desalojo forman parte de la vida cotidiana. Y cuya comunidad vive entre el arraigo, la incertidumbre del derribo y la pérdida de un mundo que se desmorona. Esta obra es la ópera prima de su director en el largometraje, tras varios cortos y algún documental.

La película destaca por su tono elegíaco, su sensibilidad etnográfica y una puesta en escena cuidada que evita la pornomiseria y apuesta por la dignidad de sus personajes. La trama se articula alrededor de Toni y su relación con el abuelo (Jesús Fernández Silva), su amistad con Bilal (Bilal Sedraoui), de origen marroquí, y la elección dolorosa entre quedarse en un territorio amado o aceptar un futuro incierto fuera de la Cañada. Porque el conflicto no es solo urbanístico, sino también emocional y generacional: Toni ve cómo se deshace el mundo que conoce mientras la comunidad se enfrenta a la dispersión, al fin de una infancia compartida y a la presión de abandonar el lugar.

Ese proceso convierte a la película Ciudad sin sueño en una historia de formación, pérdida y despedida. "En todos los sitios estorbamos los gitanos" es una sentencia pronunciada por un hombre mayor en un bar. Y cuando a la familia de Toni les enseña el nuevo piso público, este ni se atreve a subir en el ascensor. “Ya tienes una habitación para ti”, le dice el funcionario que les enseña el piso, pero él lo observa sin ilusión alguna. Al decir su madre que ya ha firmado y que se va con la familia de la Cañada Real, su argumento es claro: “No tengo agua, no tengo luz, no puedo más…”; pero el abuelo se enfada y dice que los niños se quedan.

Y al final este pensamiento: "Toni debe elegir: enfrentarse a un futuro incierto o aferrarse a un mundo que está a punto de desaparecer". Y finaliza cuando Toni sale de la Cañada Real en su furgoneta con la familia en busca de una nueva vivienda, una nueva vida… mientras suena la canción de Enrique Morente y Lagartija Nick, “Ciudad sin sueño”, canción que da título a la propia película. Y resuena su letra: “No duerme nadie por el cielo. Nadie, nadie. No duerme nadie. Las criaturas de la luna huelen y rondan sus cabañas…”.

Es Ciudad sin sueño una película que atesora diversos premios, incluido cinco nominaciones a los Goya, del que consiguió el premio a mejor actor revelación para Antonio Fernández Gabarre, muy valorada por su naturalidad y su fuerza contenida (destacar aquí el resto del reparto no profesional, lo que contribuye al tono de verdad que sostiene la película). Uno de los rasgos más llamativos del film es la mezcla de registro social, mirada lírica y cierta deriva de western moderno, donde la Cañada Real aparece como un territorio fronterizo, casi mítico, sometido a tensiones de ocupación, vigilancia y expulsión. La película usa la oscuridad, los cortes de luz y la materialidad del espacio para construir una atmósfera muy reconocible.

También sobresale el uso de imágenes muy trabajadas desde el punto de vista visual, con travellings laterales, planos nocturnos y una fotografía que transforma la precariedad en un paisaje casi épico. Es llamativo el uso del color en algunas escenas, con rosas de Barbie, azules de Avatar, colores kitch que pintan la realidad de la pobreza y marginación, allí donde conviven personas de raza gitana e inmigrantes árabes. Varias críticas subrayan que la obra conversa con el cine social contemporáneo, pero con una personalidad formal propia, más cercana a una observación poética que a una denuncia explícita.

Una película que habla, ante todo, de la dignidad de quienes viven al margen y del derecho a permanecer en un lugar que forma parte de su identidad. Y también nos plantea que el desalojo no solo expulsa cuerpos, sino memorias, vínculos y modos de vida que no siempre encajan en la lógica urbana dominante. Otro mensaje central es el de la identidad adolescente: Toni está obligado a madurar demasiado pronto porque el desarraigo le impone decisiones para las que nadie le ha preparado. En ese sentido, la película convierte la pérdida de la casa en una metáfora de la pérdida de la infancia y de la fragilidad de cualquier pertenencia.

Sea como sea, Ciudad sin sueño evita el tono victimista y también el paternalismo; por eso funciona mejor como experiencia humana que como simple alegato. Su mayor virtud es mostrar que la Cañada Real no es solo un problema social, sino una comunidad con lazos, códigos, afectos y una memoria propia. La relación entre Toni, Bilal y el abuelo abre además una reflexión sobre el relevo generacional y sobre la posibilidad de conservar la identidad cuando el entorno desaparece. Esa tensión entre permanencia y desplazamiento da a la película una dimensión política muy clara, pero también íntima y universal.

Como obra cinematográfica, Ciudad sin sueño interesa porque integra observación social, sensibilidad poética y una fuerte conciencia del espacio. Eso la convierte en una película muy útil para pensar el cine como mirada política sin renunciar a la emoción ni a la belleza. Una ciudad sin sueño en la Cañada Real de Madrid, un lugar donde conviven algunas zonas de mayor estabilidad con otras de pobreza extrema y fuerte exclusión.

Los derechos de la niñez a través del cine

2026-04-29T06:30:00.185+02:00

"Los Derechos de la Niñez a través del Cine" es un libro colectivo publicado en 2020 por la editorial Huygens, coordinado por Carlos Villagrasa Alcaide - profesor titular de Derecho Civil en la Universidad de Barcelona - y Cristian Lepín Molina - profesor de la Facultad de Derecho Universidad de Chile -, que analiza películas seleccionadas para ilustrar y sensibilizar sobre los derechos fundamentales de niños y adolescentes según la Convención sobre los Derechos del Niño. Además de los coordinadores, participan expertos como Adoración Padial, Marta Rico, María Leoba Castañeda, Neylia L. Abboud, Belén Lama, Amelia López, Jetzable M. Montejo y otros, expertos desde el mundo del Derecho, Trabajo Social o Comunicación Audiovisual, todos con enfoque en derechos de la niñez.

El libro surge de proyectos de cooperación internacional impulsados por la Asociación para la Defensa de los Derechos de la Infancia y la Adolescencia (ADDIA), con aportes altruistas de profesores especialistas en derechos humanos de diversos países. Su objetivo principal es usar el cine como herramienta educativa para reflexionar sobre vulneraciones actuales de derechos infantiles, agravadas por contextos globales como la pandemia, y promover acciones concretas.

Cada capítulo se centra en una película de calidad —de distintos géneros, épocas y países— para abordar temas como protección, educación, juego o supervivencia, ofreciendo pautas prácticas de aprendizaje y sensibilización. Incluye análisis de obras variadas que destacan la resiliencia infantil frente a pobreza, conflictos o injusticias, fomentando la madurez civil a través del séptimo arte.

El libro se presenta como una iniciativa comprometida para lectores y espectadores de cualquier edad, enfatizando el cine como medio poderoso para la defensa de estos derechos. Tuve la fortuna de que Carlos Villagrasa, uno de los coordinadores, me regalar (y dedicara) el libro en la pasada Feria del Libro en Barcelona. Y al revisar el contenido de sus capítulos (28 capítulos para 29 películas) he podido confirmar su profunda relación con el proyecto Cine y Pediatría, pues casi todas las películas ya han sido tratadas en nuestro proyecto.

He aquí la referencia de cada una de las películas analizadas en el libro por capítulos (en aquellas en el que ya hemos analizado desde Cine y Pediatría volcamos el hiperenlace):

1. A.I. Inteligencia artificial (A.I. Artificial Intelligence, Steven Spielberg, 2001) Estados Unidos

2. Alemania año cero (Germania, anno zero, Roberto Rossellini, 1948) Alemania y Las tortugas tabién vuelan (Lakposhta Parvaz Mikonand, Bahman Ghobadi, 2004) Irán

3. Ángeles del sol (Anjos do sol, Rudi Lagermann, 2006) Brasil

4. Bebés (Thomas Balme, 2010) Francia

5. Billy Elliot (Stephen Daldry, 2000) Reino Unido

6. Binta y la gran idea (Javier Fesser, 2004) España

7. Como los demás (Comme les autres, Vincent Garenq, 2008) Francia

8. Conducta (Ernesto Daranas, 2014) Cuba

9. Del revés (Inside Out, Pete Docter y Ronnie del Carmen, 2015) Estados Unidos

10. El Bola (Achero Mañas, 2000) España

11. El niño con el pijama de rayas (The Boy in the Striped Pajamas, Mark Herman, 2008) Reino Unido

12. En buenas manos (Pupille, Jeanne Herry, 2018) Francia

13. Historia de un matrimonio (Marriage Story, Noah Baumbach, 2019) Estados Unidos

14. Kramer contra Kramer (Kramer vs Kramer, Robert Benton, 1979) Estados Unidos

15. La familia Bélier (La Famille Bélier, Éric Lartigau, 2014) Francia

16. La otra familia (Gustavo Loza, 2011) México

17. Ladybird, Ladybird (Ken Loach, 1994) Reino Unido

18. Las horas del verano (L'Heure d'été, Olivier Assayas, 2008) Francia

19. Los chicos del coro (Les Choristes, Christophe Barratier, 2004) Francia

20. Tres padrinos (The Three Godfathers, John Ford, 1948) Estados Unidos

21. Oliver Twist (Roman Polanski, 2005) Reino Unido

22. Patch Adams (Tom Shadyac, 1998) Estados Unidos

23. Rebelde (Rebelle, Kim Nguyen, 2012) Canadá

24. Señora Doubtfire, papá de por vida (Mrs. Doubtfire, Chris Columbus, 1993) Estados Unidos

25. Solo en casa (Home Alone, Chris Columbus, 1993) Estados Unidos

26. Un don excepcional (Gifted, Marc Webb, 2017) Estados Unidos

27. Un vieja inesperado (Miracle Run, Gregg Champion, 2004) Estados Unidos

28. Yo soy Sam (I am Sam, Jessie Nelson, 2001) Estados Unidos

Porque si el valor del cine es bueno para la medicina de la infancia y adolescencia, también lo es para sus derechos, tal como confirma este libro. Un libro aconsejable porque a través de las historias en pantalla se logra generar una empatía fundamental que permite reconocer a los menores como sujetos plenos de derechos y no solo como objetos de protección. Y a estos títulos cabe reseñar otros muchos títulos. Pongo como ejemplo otros títulos en Cine y Pediatría:

- Derecho a la Educación: Ni uno menos (Yi ge dou bu neng shao, Zhang Yimou, 1999) de China, Camino a la escuela (Sur le chemin de l'école, Pascal Plisson, 2013) de Francia

- Derecho a la Protección y Seguridad: La vida es bella (La vita è bella, Roberto Benigni, 1997) de Italia, Nadie sabe (Dare mo shiranai, Hirokazu Koreeda, 2004) de Japón

- Derecho al Juego y Esparcimiento: Cinema Paradiso (Nuovo Cinema Paradiso, Giuseppe Tornatore, 1988) de Italia, Matilda (Danny DeVito, 1996) de Estados Unidos

- Derecho a la identidad y diversidad: El milagro de Ana Sullivan (The Miracle Worker, Arthur Penn, 1962) de Estados Unidos, Girl (Lukas Dhont, 2018) de Bélgica

- etc.

Veinte años de evolución, rigor y compromiso con la práctica clínica basada en la evidencia

2026-04-27T06:30:00.001+02:00

Hace algunas semanas compartimos el post en el que celebrábamos los 20 años de la revista Evidencias en Pediatría (EvP). Y ello a través de su número extraordinario que conmemora los veinte años de trayectoria de la revista Evidencias en Pediatría, una publicación pionera dedicada a la difusión de la medicina basada en la evidencia (MBE) para profesionales de habla hispana.

El texto comprende nueve artículos, uno de los cuales corresponde al que escribimos los editores pioneros, reflejando los ilusionantes inicios y la pasión por los retos conseguidos. Y a él vamos a dedicar esta reseña. El artículo, bajo el título de “Veinte años de evolución, rigor y compromiso con la práctica clínica basada en la evidencia” se puede revisar en este enlace, pero queremos profundizar en dos aspectos.

¿Cómo ha evolucionado esta publicación en sus 20 años?

La publicación EvP ha experimentado una evolución significativa desde su nacimiento el 1 de diciembre de 2005, consolidándose como una referencia en la MBE para pediatras de habla hispana. Su trayectoria de 20 años se puede resumir en las siguientes etapas y avances clave:

1. Orígenes y consolidación (2005-2012)

- Nacimiento y propósito: surgió como un proyecto pionero para ofrecer a los pediatras recursos evaluados y de calidad. En sus inicios, fue la revista oficial de la Asociación Española de Pediatría de Atención Primaria (AEPap).

- Expansión institucional: en 2010 se convirtió en la revista oficial tanto de la AEPap como de la Asociación Española de Pediatría (AEP), y en 2011 recibió el aval de la Asociación Latinoamericana de Pediatría (ALAPE).

- Identidad visual y acceso: en 2012, renovó su diseño de portadas para ser más dinámica y adoptó la licencia Creative Commons para garantizar el acceso abierto.

2. Fortalecimiento metodológico (2013-2018)

- Rigor científico: se incorporaron nuevos editores y se perfeccionó la escala ESE-ARTE para la valoración objetiva de los artículos, sumando además evaluadores externos para elevar la calidad editorial.

- Vínculo con la comunidad: se creó la sección “Evidencias para padres”, traduciendo la información científica en contenido accesible para las familias.

- Evolución de secciones: la sección "De la biblioteca al paciente" evolucionó a "Evidentia praxis", adoptando un formato más estructurado y práctico con tablas de resultados uniformes.

3. Innovación y herramientas prácticas (2019-2025)

- Herramientas digitales: se integró Calcupedev, una herramienta de cálculo epidemiológico diseñada para facilitar la aplicación clínica de los resultados de investigación.

- Hito editorial: en 2024, se publicó el libro Medicina Basada en la Evidencia, una obra de 780 páginas que sintetiza el conocimiento acumulado por el grupo.

- Presencia digital: la revista ha potenciado su visibilidad a lo largo de los años través de redes sociales (X, Instagram, Facebook) para llegar de forma rápida y gratuita a un público global.

4. Logros en cifras y visión de futuro

Tras dos décadas, la revista ha publicado 80 números con 911 artículos (de los cuales 628 son Artículos Valorados Críticamente). De cara al futuro, EvP busca integrar nuevas tecnologías e inteligencia artificial aplicada a la evidencia científica, manteniendo su espíritu de servicio a la atención pediátrica.

¿Qué herramientas prácticas ofrece la revista para la práctica clínica?

La revista EvP ofrece diversas herramientas y secciones diseñadas específicamente para facilitar la aplicación de la MBE en la labor diaria del pediatra:

- Artículos Valorados Críticamente (AVC): son el eje central de la publicación y consisten en resúmenes estructurados de estudios internacionales relevantes, seleccionados por su calidad e impacto, que incluyen una evaluación rigurosa por parte de expertos.

- Calcupedev: es una herramienta epidemiológica diseñada para ayudar a los clínicos a traducir los resultados de las investigaciones en medidas clínicas comprensibles y aplicables a sus pacientes.

- Evidentia praxis: (anteriormente llamada "De la biblioteca al paciente") esta sección resuelve preguntas clínicas concretas mediante búsquedas bibliográficas y análisis críticos, utilizando tablas de resultados uniformes que permiten una interpretación rápida y eficiente.

- Fundamentos en MBE: funciona como un recurso de formación continua que proporciona herramientas prácticas para la lectura crítica, la metodología de investigación y la búsqueda bibliográfica,

- Evidencias para padres: es una sección que traduce la evidencia científica en información clara y accesible para las familias, lo que facilita la toma de decisiones compartida en la consulta.

- Libro "Medicina Basada en la Evidencia": publicado en 2024, este texto de 780 páginas sintetiza el conocimiento y la experiencia del grupo editorial para aplicar la evidencia a la práctica clínica de manera sencilla.

- Traducciones autorizadas: ofrece acceso en español a recursos internacionales clave en el ámbito de la MBE, como el Evidence-Based Pediatrics Web Site, TRIP Database o el Centre for Reviews and Dissemination.

Además, la revista cuenta con un boletín de novedades por correo electrónico y mantiene una presencia activa en redes sociales para difundir rápidamente contenidos actualizados de forma gratuita y abierta.

Cine y Pediatría (850) “La otra víctima”, las segundas víctimas

2026-04-25T06:30:00.078+02:00

En el ámbito de la seguridad del paciente, se conoce como “segundas víctimas” a los profesionales sanitarios (médicos, enfermeras, técnicos, etc.) que se ven implicados directa o indirectamente en un evento adverso, un error médico o una lesión inesperada relacionada con la asistencia a un paciente y que, como consecuencia, experimentan un fuerte impacto psicológico y emocional.

Dos son los aspectos clave de una segunda víctima: 1) está expuesto a un evento adverso grave (por ejemplo, muerte inesperada, daño importante, error de medicación, mal manejo clínico…) en el que se siente personalmente implicado, aunque no haya habido mala praxis deliberada; 2) presenta síntomas de estrés postraumático: sentimientos de culpa, ansiedad, insomnio, miedo a ser juzgado, dudas constantes sobre su competencia, baja autoestima profesional, vergüenza, irritabilidad, cansancio emocional e incluso pensamientos de abandonar la profesión.

El término segunda víctima diferencia a los otros dos términos interrelacionado, como son primera víctima (el paciente y su familia, que sufren físicamente y emocionalmente las consecuencias del evento adverso) y tercera víctima (la institución sanitaria - hospital, centro de salud, administración, aseguradoras -, que experimenta daño reputacional, gasto y tensión organizativa derivados del evento).

El concepto de “segunda víctima” se introdujo en el año 2000 en la literatura científica. Varios estudios en nuestro país señalan que más de 60% de los profesionales sanitarios han vivido algún episodio como segunda víctima en los últimos años, lo que pone de relieve la necesidad de dispositivos de apoyo interno, acompañamiento clínico, grupos de reflexión, y normas explícitas de cuidado compartido entre profesionales y dirección. Es así que tenerlo presente es clave para construir una cultura de seguridad positiva, en la que se proteja tanto al paciente como a quien cuida de él cuando algo sale mal.

Y para adentrarse en el tema vale la pena revisar la reciente película danesa La otra víctima (Zinnini Elkington, 2025), en lo que es la ópera prima de esta cineasta emergente, quien también escribió el guion de este drama médico que explora los errores en el ámbito sanitario. Vale la pena revisar su argumento…

En la unidad de ictus de un hospital danés con escasez de personal, la experimentada neuróloga Alexandra, Alex (Özlem Saglanmak), asume el busca de urgencias durante un día rutinario. Examina a Oliver, un joven de 18 años con dolor de cabeza: “Parece que se trata de una migraña normal o una resaca”, le dice la doctora a su madre; y la residente le pregunta aparte: "¿Y si le hacemos una prueba de imagen para estar seguros?”. El paciente es dado de alta, pero a los pocos minutos tiene un convulsión, vomita y pierde el conocimiento. Aquí ya la resonancia cerebral demuestra una hemorragia subaracnoidea y Alexandra comenta con otros especialistas la duda entre la cirugía y la embolización, cada una con sus ventajas y riesgos.

La reunión de contención convocada por la jefa de Urgencias entre Alex, la residente Emilia (Mathilde Arcel Fock) y la enfermera para conocer qué ha ocurrido intenta no ser una reunión de culpabilidad, pero lo cierto es que ya se comprueba un error en la transmisión de información entre la residente, que hizo el triaje, y la adjunta que no precisó la rigidez de nuca del paciente. Alex acaba de comprobar ese error, mientras comprueba que Oliver está en coma, con riesgo de muerte. Y empieza a notar el vértigo de tener que informar a la madre, Camila (Trine Dyrholm), a quien informa de que le van a operar porque puede aumentar el riesgo de su hemorragia. Inicialmente la madre le da las gracias y asume parte de culpa por no haberle dado importancia el dolor de cabeza desde la noche anterior.

El paciente se mantiene en la UCI en estado de coma… hasta que Alex recibe la llamada más difícil de la enfermera: “Oliver está registrado como donante de órganos. Tienes que volver ya… y tenemos que decírselo a los padres”. Los padres no acaban de entende qué significa la muerte cerebral que les comuniza Alex si su hijo sigue respirando (por el ventilador) y latiendo (por la medicación). Y vivimos la dura escena del examen médico para confirmar la muerte cerebral delante de los padres, como estos han pedido. Y surgen los reproches, del cirujano a Alex (“Has fallado a tus compañeros y ahora encimas estás mintiendo a los pobres familiares…¿Qué clase de médica eres?”) y Alex a la residente (“Eres médica, Emilia. Nadie va compadecerte. Ni los pacientes. Ni los familiares. Ni nadie. ¿Crees que tus sentimientos son más importantes? ¿Crees que todos tenemos que cuidarte, sentir lástima?”).

Y llegan las primeras fases del duelo: la negación, la rabia, el echarse la culpa. Los padres entre sí, la madre a la doctora. Y a la pregunta de la madre de si no había algún signo que hiciera sospechas la hemorragia cerebral, Alex responde: “La medicina no es una ciencia exacta”. Pero en nada convence a su interlocutora, rota y confusa por el dolor, quien le amenaza: “Escúchame. Has matado a nuestro hijo. ¿Te queda claro?”, mientras la agarra del cuello.

La película se convierte en claustrofóbica para Alex y para el espectador, siempre dentro del hospital. Y llega la policía ha hacerle unas preguntas…, pues consideran que es inaceptable que una paciente la haya amenazado (cuando ocurrió lo anterior, se activó el código de protección), pero Alex les pide que no denuncien a la madre. Cabe anotar que amenazar a un sanitarios es algo que en Dinamarca y algunos países es muy serio, y que en España comienza a serlo. Pero la presión y la culpa acaban originando un ataque de ansiedad de la doctora.

El padre lo acepta. La madre no. Y llama a un sacerdote para que haga algo… y la respuesta es muy potente: “Tienen que hacer lo que siempre han hecho: quererlo. No se deja de amar porque haya fallecido. El amor es más fuerte que la muerte. Eso es lo que nos hace humanos. En el amor está la aceptación. Recuérdenlo. Quiéranlo”. Pero después de ello, la amenaza del padre a la doctora: “A primera hora de la mañana presentaré una denuncia”.

La conversación final de Alex con su compañero cirujano resulta consoladora para ella, incluso cuando este le dice: “Cada médico tienen un cementerio”. Luego el abrazo que le da la residente. Acaba el día, regresa a casa y encuentra a su marido y a sus dos hijos, la menor aún lactante. Y el contraste de los padres de Oliver en la despedida de la UCI y Alex con sus hijos, ambos lugares llenos de dolor. Un final lleno de sentido y sensibilidad para entender el dolor por las primeras víctimas (Oliver y su familia) y el dolor por esas segundas víctimas que son los profesionales sanitarios, aquí especialmente la de una buena profesional como Alex que tuvo un error y pensó que por el trote era un caballo, cuando fue una cebra…

La otra víctima es una buena película que nos permite reflexionar sobre la fragilidad de quienes están detrás de decisiones cruciales en el ámbito hospitalario, un lugar donde se convive con la enfermedad, la tensión y el dolor por mucho que, como aquí, los pasillos estén decorados con intensos colores. Y para ello su directora utilizar un enfoque introspectivo y realista, evitando dramatismos excesivos para reflejar el sistema sanitario danés, con énfasis en la moralidad ambigua y la atmósfera opresiva.

Es una película con muchas aristas para profundizar como cine fórum entre profesionales sanitarios, y con dos enseñanzas principales: 1) el revelar la fragilidad humana en profesiones de alto riesgo y recordamos la frase "Cada médico tiene su cementerio", subrayando que no hay control total pese a la tecnología; 2) el abogar por la compasión hacia las segundas víctimas (el personal médico), con crítica hacia los sistemas sanitarios sobrecargados (fuentes de error) y enfatizando el poder del amor y cuidado en la adversidad.

Manual práctico de cuidados paliativos pediátricos, un referente con ciencia y con conciencia

2026-04-22T06:30:00.062+02:00

Acaba de publicarse el Manual práctico de cuidados paliativos pediátricos con el aval de la Sociedad Española de Cuidados Paliativos Pediátricos (PEDPAL). Un texto de 288 páginas elaborado por los equipos de las Unidades de Hospitalización a Domicilio y Cuidados Paliativos Pediátricos (UHDP-CPP) de la Comunidad Valenciana. Y en el que han tenido una participación nuclear miembros de nuestros Servicio de Pediatría del Hospital General Universitario Dr. Balmis de Alicante, principalmente de nuestra UHDP-CPP, pero también oncólogos, enfermeras y psicólogos. Un trabajo del que sentirse muy orgullosos.

Este manual es una obra de referencia detallada, diseñada para guiar a los profesionales de la salud en la atención integral de niños con enfermedades que limitan o amenazan su vida. Los textos, divididos en 17 capítulos y dos anexos, presentan un enfoque multidisciplinar que abarca no solo el alivio del dolor y el control de síntomas físicos, sino también el soporte emocional, social y espiritual de los pacientes y sus familias. Se detallan aspectos fundamentales como la toma de decisiones compartida, la importancia de la planificación anticipada de cuidados y los distintos niveles de atención paliativa según la complejidad del caso. Asimismo, se ofrecen pautas clínicas precisas para el manejo de síntomas digestivos, nutrición y afecciones respiratorias, destacando el uso de dispositivos como sondas y enterostomías. El objetivo central es garantizar el máximo bienestar y confort del menor, promoviendo un modelo de cuidado que acompaña al paciente desde el diagnóstico hasta la fase de duelo.

A lo largo del manual, podremos ir respondiendo preguntas de gran calado en el manejo del paciente paliativo pediátrico, temas sobre los que todos los profesionales sanitarios precisamos conocer cada día más y mejor. Sirvan estos 10 ejemplos:

- ¿Qué tipos de enfermedades requieren cuidados paliativos pediátricos?

Dirigidos a niños y adolescentes que padecen enfermedades limitantes para la vida (donde la muerte prematura es usual pero no inminente) o amenazantes para la vida (donde hay una alta probabilidad de muerte prematura pero también posibilidad de supervivencia hasta la edad adulta). Y se utiliza habitualmente un sistema de cinco grupos basado en arquetipos de enfermedades: Grupo 1 (situaciones que amenazan la vida donde el tratamiento curativo es viable pero puede fracasar; ej. cáncer, infecciones graves, fallos orgánicos); Grupo 2 (enfermedades que requieren largos periodos de tratamiento intensivo para mantener la vida, pero donde la muerte prematura sigue siendo posible; ej. fibrosis quística, sida, anomalías cardiovasculares, distrofia de Duchenne); Grupo 3 (enfermedades progresivas sin opciones curativas, donde el tratamiento es paliativo desde el diagnóstico; ej. trastornos neurodegenerativos, trastornos metabólicos progresivos, anomalías cromosómicas, cáncer metastásico avanzado al diagnóstico), Grupo 4 (situaciones irreversibles y no progresivas con gran discapacidad y extrema vulnerabilidad a complicaciones: ej. parálisis cerebral grave, malformaciones congénitas, lesiones cerebrales o de la médula espinal); Grupo 5 (condiciones detectadas en el periodo perinatal; ej. anencefalia, agenesia renal bilateral, trisomías 13 y 18, encefalopatía hipóxico-isquémica grave y prematuridad extrema).

- ¿Cómo se clasifican los niveles de atención paliativa pediátrica?

En tres niveles principales. Nivel 1: Enfoque paliativo (brindado por todos los pediatras que ofrecen su experiencia básica en el tratamiento del dolor, control de síntomas y apoyo psicosocial); Nivel 2: Cuidados Paliativos Pediátricos básicos (pediatras especialistas - como los de UCI, neuropediatras u oncólogos pediátricos - asumen los cuidados directos del niño en estrecha colaboración con el pediatra de atención primaria u otros especialistas implicados en el caso); Nivel 3: Cuidados Paliativos Pediátricos avanzados (la UHDP-CPP es la responsable, dado situaciones de alta complejidad, como el control de síntomas difíciles, la colaboración en la toma de decisiones éticas complejas, la atención al final de la vida y el acompañamiento durante el duelo). Para determinar qué nivel de atención necesita cada paciente, los profesionales utilizan escalas de valoración que estratifican sus necesidades, y una de las más utilizadas es la PaPaS-scale (Paediatric Palliative Screening Scale).

- ¿Qué herramientas existen para evaluar el dolor en niños?

Se pueden enumerar por la edad y el perfil del paciente: a) Neonatos: escala CRIES, escala N-PASS; b) Lactantes y niños pequeños (1 a 3 años): escala FLACC; c) Niños que pueden comunicarse (mayores de 4 años): escala de caras Wong-Baker (FACES), escala numérica Walco y Howite; d) Niños con dificultades en la comunicación o afectación neurológica: NCCPC-R (Non-communicating Children’s Pain Checklist-Revised).

- ¿Cómo se calcula la puntuación en la escala NCCPC-R?

Es una herramienta diseñada para evaluar el dolor en niños mayores de 4 años y adolescentes con dificultades en la comunicación o afectación neurológica. Sigue estos pasos: período de observación (la encuesta debe ser completada por los padres o cuidadores basándose en la observación de la conducta del niño durante las últimas dos horas), calificación de los ítems (la escala evalúa 30 ítems - más dos sobre alimentación y sueño - divididos en siete categorías: sonidos vocales, comportamiento social, gestos faciales, grado de actividad, cuerpo y extremidades, cambios físicos, y alimentación y sueño) y cada ítem se puntúa del 0 al 3 según la frecuencia con la que se observa la conducta (0: nunca, 1: casi nunca, 2: varias veces, pero no de forma continua, y 3: a menudo, casi continuamente, más N/A: no aplica, en caso de que el ítem no pueda evaluarse). Y con esta interpretación: puntuación ≥ 7: Indica que el niño presenta dolor; puntuación < 7: Indica que el niño probablemente no tiene dolor según los parámetros observados.

- ¿Cómo funciona el proceso de toma de decisiones compartida?

Cabe conocer que para que la toma de decisiones sea efectiva, deben cumplirse varias premisas: información veraz y comprensible, comunicación fluida, aceptación de la incertidumbre, apoyo emocional y social, responsabilidad profesional. Y conocer que cuando existen desacuerdos entre la familia y el equipo médico sobre lo que es mejor para el niño, se recomienda: dar tiempo a la familia para ajustar sus expectativas a la realidad, mantener una comunicación honesta, recurrir a la deliberación basada en los principios de la bioética y solicitar asesoramiento al Comité de Ética Asistencial si el conflicto persiste.

- ¿Cómo se aplica el modelo integrado de cuidados curativos y paliativos desde el inicio de la enfermedad?

Su aplicación se rige por los siguientes principios y etapas: inicio temprano desde el diagnóstico, variación en la intensidad, dinámica y que se adapta a la trayectoria vital del paciente, conocer el momento clave del punto de inflexión, abordaje "activo y total" en todas las esferas (física, emocional, social y espiritual), y continuidad tras el fallecimiento.

- ¿Cómo se reconoce el punto de inflexión en un paciente?

Se reconoce como el periodo en la vida del niño o adolescente en el que se identifica un cambio de tendencia en la trayectoria clínica de su enfermedad, a través de los siguientes indicadores clínicos: aceleración del empeoramiento clínico, disminución de los intervalos libres de síntomas, incremento de los ingresos hospitalarios, ausencia de respuesta al tratamiento, recaídas repetidas. La importancia de su reconocimiento Identificar este punto es crucial porque marca el momento en que el tratamiento paliativo cobra una relevancia mayor que el tratamiento con intención curativa, y sirve como punto de partida para iniciar o profundizar en el Plan Anticipado de Cuidados, permitiendo reorientar los objetivos médicos hacia el máximo bienestar y confort del menor.

- ¿Qué es un Plan Anticipado de Cuidados (PAC) para niños?

Es una valiosa herramienta de los cuidados paliativos pediátricos que permite a la familia, al menor y al equipo médico anticiparse a las situaciones que surgirán durante el transcurso de la enfermedad, El PAC es integral y puede incluir los siguientes elementos: preferencias de vida y salud, opciones terapéuticas ante síntomas que se espera que aparezcan, lugar de atención, necesidades emocionales y espirituales, deseos sobre ritos funerarios (velatorio, entierro o incineración) y opciones como la donación de órganos o la necropsia. Es importante destacar que el PAC no es un documento legal ni requiere ser firmado por la familia, pero, para que sea efectivo, debe estar registrado en la historia clínica de forma detallada y ser accesible para todos los profesionales que intervengan en el cuidado del menor, garantizando así la continuidad y calidad de la atención.

- ¿Qué apoyo se ofrece a la familia después del fallecimiento?

Incluye las siguientes acciones: seguimiento y contacto del equipo (llamada de seguimiento, carta de duelo, visita domiciliaria, presencia en el velatorio), apoyo psicológico y grupos de ayuda (para prevenir el duelo complicado), atención específica a los hermanos, apoyo práctico y espiritual (gestiones funerarias, respeto a ritos y tradiciones, opciones de trascendencia). En casos de fallecimiento neonatal, se ofrecen apoyos adicionales: cita de seguimiento, caja de recuerdos, resultados de necropsia (si los hubiera).

- ¿Qué incluye la caja de recuerdos en casos neonatales?

Es una herramienta diseñada para ofrecer a los padres memorias tangibles de su hijo. Esta caja se entrega identificada con el nombre del niño a aquellos progenitores que así lo deseen y que pueden incluir: fotografías del recién nacido, una muestra de su pelo, la huella plantar, la pinza del cordón umbilical, su pañal y cualquier otro objeto que la familia estime oportuno conservar.

Este video generado por IA a partir del manual previo se ha titulado como Desmitificando los Cuidados Paliativos Pediátricos.

La docencia a través del séptimo arte: alumnos, aulas y profesores a escena

2026-04-20T06:30:00.150+02:00

El cine, desde su nacimiento, ha mantenido un idilio ininterrumpido con la educación. No es una coincidencia azarosa, porque tanto una película como una clase comparten la misma materia prima: la mirada. Si educar es ayudar a otros a ver el mundo por primera vez, el cine es la herramienta que nos permite volver a verlo con ojos renovados.

A lo largo de la historia, las películas han documentado la transformación del ecosistema educativo. Desde la rigidez institucional de las aulas de posguerra hasta la disruptiva diversidad de los centros contemporáneos, el cine ha servido de notario emocional de los cambios en la infancia y la adolescencia. Al proyectar la figura del docente, el séptimo arte no solo rinde homenaje a una profesión, sino que explora la esencia misma de la mentoría: ese instante sagrado en que un adulto (profesor) decide apostar por el potencial invisible de la infancia y adolescencia (alumnos) en un microcosmos muy determinado (aulas).

Y en el artículo titulado "La docencia a través del séptimo arte: alumnos, aulas y profesores a escena", publicado recientemente en Revista de Pediatría de Atención Primaria (y que se puede consultar también en este enlace), homenajeamos a ese cine que se centra en las experiencias docentes en las guarderías, escuelas, institutos y universidades. Película muy diversas, pero donde el guion más común es el que reúne a adolescentes (generalmente problemáticos y desmotivados, reflejo de familias y circunstancias difíciles), centros educativos (principalmente institutos de entornos sociales complicados o peculiares) y profesores coraje (que rompen el esquema habitual del resto de sus compañeros docentes) y que son los elementos clave para cocinar un casi-subgénero en el cine.

Desde la aparición del proyecto Cine y Pediatría en el año 2010 hemos volcado ya más de mil películas alrededor de la infancia, adolescencia y familia. Y hoy recogemos aquellas que gravitan alrededor de la docencia. Películas de todas las cinematografías, pero donde destaca el cine procedente de Estados Unidos (omnipresente y omnívoro en esta industria de la imagen), de Francia (una filmografía con gran sensibilidad y destacada siempre en Cine y Pediatría) y de España (sin duda, con el sesgo de proximidad a nuestras carteleras).

a) La docencia en el cine de Estados Unidos, caracterizado por relatos épicos e individualistas donde profesores carismáticos actúan como agentes de redención en contextos de conflicto social. Algunos ejemplos:

- Semilla de maldad (The Blackboard Jungle, Richard Brooks, 1955)

- El milagro de Ana Sullivan (The Miracle Worker, Arthur Penn, 1962)

- El club de los poetas muertos (Dead Poets Society, Peter Weir, 1989)

- Profesor Holland (Mr. Holland's Opus, Stephen Herek, 1995)

- La sonrisa de Mona Lisa (Mona Lisa Smile, Mike Newell, 2003)

- Diarios de la calle (Freedom Writers, Richard LaGravenese, 2007)

- El profesor (Detachment, Tony Kaye, 2011)

b) La docencia en el cine de Francia, que adopta un tono realista y coral para analizar la escuela como una institución compleja enfrentada a la diversidad cultural y las desigualdades estructurales. Algunos ejemplos:

- Cero en conducta (Zéro de conduite: Jeunes diables au collège, Jean Vigo, 1933)

- La piel dura (L'argent de poche, François Truffaut, 1976)

- Hoy empieza todo (Ça commence aujourd'hui, Bertrand Tavernier, 1999)

- Los chicos del coro (Les Choristes, Christophe Barratier, 2004)

- La clase (Entre les murs, Laurent Cantet, 2008)

- Sólo es el principio (Ce n'est qu'un debut, Jean-Pierre Pozzi y Pierre Barougier, 2010)

- Camino a la escuela (Sur le chemin de l'école, Pascal Plisson, 2013)

c) La docencia en el cine de España, donde el aula es un espacio atravesado por la memoria histórica y las tensiones generacionales. Algunos ejemplos:

- La lengua de las mariposas (José Luis Cuerda, 1999)

- Katmandú, un espejo en el cielo (Icíar Bollaín, 2011)

- Entre maestros (Pablo Usón, 2012)

- Nous, la evolución del pensamiento (Henar Rodríguez y Christian Dehugo, 2019)

- Picotazos contra el cristal (Rafael Moles y Pepa Andreu, 2019)

- Uno para todos (David Ilundain, 2020)

- El maestro que prometió el mar (Patricia Font, 2023)

d) La docencia en el cine de todas las pantallas del mundo. Algunos ejemplos:

- Adiós, Mr. Chips (Goodbye Mr. Chips, Sam Wood, 1939), desde el Reino Unido.

- La Ola (Die Welle, Dennis Gansel, 2008), desde Alemania.

- La educación prohibida (German Doin, 2012), desde Argentina.

- María Montessori (Maria Montessori - Una vita per i bambini, Gianluca Maria Tavarelli, 2008), desde Italia.

- Nuestra querida profesora (Favoriten, Ruth Beckermann, 2024), desde Austria.

- Ni uno menos (Yi ge dou bu neng shao (Not One Less), Zhang Yimou, 1999), desde China.

- Profesor Lazhar (Monsieur Lazhar, Philippe Falardeau, 2011), desde Canadá.

(Nota de interés: en el artículo original se recogen muchos otros títulos de películas).

Porque el séptimo arte se convierte en una herramienta terapéutica y pedagógica invaluable para el pediatra, lo que permite una reflexión profunda sobre la influencia emocional en las nuevas generaciones y la defensa de los derechos de la infancia frente a las adversidades.

Cine y Pediatría (849) “El consentimiento”, el escalofriante grooming cultural

2026-04-18T00:10:00.000+02:00

Hoy revisamos una de las historias reales más escalofriantes de los últimos años. El crudo y aterrador relato de una niña de 13 años seducida por un célebre escritor que removió hace décadas a toda Francia, una película que consiguió dos nominaciones a los César y que se fundamentó en el adictivo bestseller de Vanessa Springora titulado “Le Consentement”, un libro autobiográfico publicado en 2020 en donde relata su experiencia como víctima de abuso sexual por parte del escritor francés Gabriel Matzneff cuando ella era una adolescente y él tenía cerca de 50 años. La obra expone los mecanismos de manipulación psicológica, el control y la ambigüedad del consentimiento en una relación asimétrica, enmarcada en la permisividad cultural de los años 70 y 80 en Francia, aquel entorno social que legitimó la violencia sexual contra menores bajo la máscara del “amor” y la “cultura”.

Y cuando indagamos algo más nos encontramos con esta descripción en Wikipedia: “Gabriel Matzneff es un pederasta y escritor francés. Autor prolífico que publicó unos cincuenta libros, gran parte de ellos sobre los abusos a menores que cometía y recibió numerosos premios literarios, entre ellos, los premios Mottart y Amic de la Academia Francesa en 1987 y el premio Renaudot de ensayo de 2013”. Un personaje así y una historia de este calado se traspasó a la gran pantalla con El consentimiento (Vanessa Filho, 2023), un drama duro y muy lúcido que obliga a repensar qué significa realmente consentimiento en chicas menores de edad desde el punto de vista psicológico, social y jurídico. Allí donde el reconocido escritor seduce a la joven, y es celebrado (y no criticado) por el acomodativo e hipócrita mundo cultural y político francés de la época.

Al desgranar el argumento, se nos sitúa en París, año 1985. Vanessa (Kim Higelin), de 13 años, conoce en una cena a Gabriel Matzneff (Jean-Paul Rouve), un escritor célebre, carismático, culto y muy manipulador. Él empieza un cortejo sofisticado (cartas, llamadas y elogios a la inteligencia de la menor), hasta que la convierte en su “amante” y “musa”, presentándola en círculos culturales donde casi nadie cuestiona esa relación. Cuando la madre (Laetia Casta) se da cuenta de ello, amenaza a su hija: “Si vuelves a verle, ¡te mando a un internado!”.Y ella le contesta “Tu responsabilidad es dejar que tu hija se siente con un pedófilo” y promete suicidarse si le separan de ese amor…, mientras él la sigue seduciendo: “Vamos a demostrarles a los demás que el verdadero amor sí existe… Tú eres la última niña que esperaba. Estoy dispuesto a luchar para casarme contigo. Eres mi amor definitivo”. Así que, finalmente, la madre consiente la relación e incluso expresa algo así delante de su hija y su depredador sentados a la misma mesa: “Yo creo que hay que dejar que los niños crezcan como quieran, a sus anchas. Hay que dejar que se equivoquen, que se hagan daño. Hay que dejar que aprendan a ser ellos mismos, eso es”. Una escena escalofriante… Mientras que el padre de Vanessa, que inicialmente se indigna y amenaza con ir a la policía, desaparece después de la vida de su hija.

La película va subrayando cómo Vanessa se va perdiendo en esa relación, que vive como una gran historia de amor, y encuentra en él una figura de maestro, padre idealizado y amante, todo mezclado. Pero con el tiempo toma conciencia de lo destructiva y anormal que es ese vínculo, hasta ver a Matzneff como el depredador que realmente es. Porque la pedofilia del escritor es conocida en la familia, en el colegio, en la sociedad… Incluso aparecen agentes de protección de menores que le vigilan. Pero siguen adelante, ante el espanto del espectador que conoce que no es ficción, sino que fue una historia real de dominio público. Impensable en la actualidad.

Escenas muy duras en sus diálogos, casi insoportables por la opresión del adulto sobre la joven, del lobo sobre su Caperucita,… Y lee Vanessa en los cuadernos de su depredador sexual las aventuras con otros jóvenes: “Unos poco billetes bastan para satisfacer mi deseo. A veces me encuentro en la cama con hasta cuatro niños de entre 8 y 18 años al mismo tiempo y disfruto con ellos del sexo más exquisito. Sí, esos niños que acaban en mi casa son una especie diferente, un rastro de sabores que no me canso de probar”. Y Vanessa se martiriza e intenta dejarlo. “No puedo más”… y la posibilidad del suicidio no le es ajena. Pero regresa…, atrapada, subyugada, maltratada con esa asimetría de la edad y el poder tan denigrante. Finalmente, le tiene que suplicar a Gabriel que la deje partir, porque “eres la cruz que tendré que soportar toda la eternidad”. Pero el depredador continúa al acecho de su pieza, no la suelta, la oprime, la asfixia. Y la menor no cuenta ni con el apoyo de su madre presente, ni de su padre ausente.

Fueron varios años de calvario, pues llega a soplar las velas de sus 18 años, mayoría de edad. Para profundizar más en la herida, el escritor publica un libro sobre su relación con ella que la expone ante todos y ante todo, insoportablemente detallista. Ella, desesperada en sus acciones, llega a ser expulsada del instituto. Pero ya ha sido sustituida y ahora Gabriel ya ha tomado otra joven pieza femenina… Y hasta la televisión le pregunta en entrevistas sobre ese deseo de seducir a jóvenes, y apreciamos absortos que no solo le consienten la respuesta, sino que le ríen la ocurrencia. Una vida más destrozada ante la impunidad de la sociedad que no solo lo permitía, sino que lo publicaba… y le dejaban y le premiaban. Parece que en la literatura todo valía… y cabe recordar que en 1977 este personaje fue el promotor de una carta abierta en Le Monde pidiendo la despenalización de las relaciones entre adultos y menores de 15 años, firmada por intelectuales como Jean-Paul Sartre, Simone de Beauvoir y Michel Foucault.

Un salto temporal nos lleva a una Vanessa adulta que sigue angustiándose al sentir el nombre de su particular lobo feroz escritor. Y esta asfixiante historia finaliza escribiendo el libro que doy origen a esta película. Y gracias a ese testimonio aparecido en 2020, Gabriel Matzneff, tras décadas de publicar abiertamente sobre sus relaciones sexuales con menores y ser protegido por la élite intelectual de Francia, pasó de ser una figura premiada a convertirse en un paria social tras el testimonio de una de sus víctimas. Por fortuna, las consecuencias inmediatas no de dejaron esperar: la editorial Gallimard dejó de comercializar todas sus obras por primera vez en su historia, y otras editoriales siguieron su ejemplo. La fiscalía de París abrió una investigación por violación de menores. Aunque el caso de Springora prescribió, en 2023 se inició una nueva investigación por hechos similares contra otra víctima.

El debate que nos deja esta película y esta historia es profundo. El primero, analizar esa pedofilia y pederastia envuelta en retórica “cultural” y romántica, que se camufla bajo un discurso de alta cultura y libertad sexual; y donde se subraya que el desequilibrio de poder (edad, fama, experiencia, posición social) imposibilita hablar de consentimiento libre, por mucho que la adolescente crea que “elige”. El segundo, volver a recordar la adolescencia como territorio de vulnerabilidad, etapa de tránsito con escollos para ir construyendo la identidad, y donde la película ilustra los mecanismos típicos del grooming: seducción gradual, idealización, aislamiento, alternancia de ternura y violencia, y culpa trasladada a la víctima (“tú me provocas”, “tú eres especial”). El tercero, cómo la familia y la sociedad pueden pasar de salvadores a cómplices, y en este caso la actitud de esos padres separados asusta por la desprotección a que dejan a su hija: la madre no solo no frena esa relación, sino que la llega a legitimar; el padre que inicialmente actúa con indignación, termina ausentándose, dejando a la menor sin protección efectiva; pero tan grave o más es aquel mundo cultural y político francés, que conociendo la fama de pedófilo de Matzneff, guarda silencio y en muchos casos lo celebra. Y, finalmente, el poder de la denuncia, ese paso que traslada a la víctima como narradora, en este caso con la novela como tabla de salvación y reparación, lo que acaba desmontando el mito del escritor y provocando un gran debate social.

Y una gran pregunta para el debate: ¿qué es el consentimiento con chicas menores? Y la película invita a distinguir entre tres niveles: lo que la menor siente, lo que la ley reconoce y lo que éticamente es admisible.

- La dimensión legal (Francia y España como referencia). En Francia, se ha fijado la edad mínima de consentimiento sexual general en 15 años; por debajo de esa edad, todo acto de penetración sexual con un menor se considera automáticamente violación, y en casos de incesto el límite se eleva a 18. En España, la edad legal de consentimiento sexual está en 16 años: cualquier acto sexual con menor de 16 se considera abuso sexual, y se parte de la presunción de que no existe capacidad para prestar un consentimiento jurídicamente válido; es decir, incluso si una adolescente verbaliza que quiere la relación, la ley entiende que no puede consentir de forma válida por la asimetría de edad, madurez y poder.

- La dimensión psicológica: por qué “decir sí” no equivale a consentir. Porque desde la psicología del desarrollo y la clínica con menores, varios factores explican por qué el “sí” de una chica de 13–15 años no puede equipararse al de un adulto: desarrollo incompleto de capacidades de juicio abstracto, evaluación de riesgos y anticipación de consecuencias, que maduran bien entrados los 20 años; vulnerabilidad a la idealización de figuras adultas carismáticas (profesores, artistas, médicos, etc.), con fuertes componentes de dependencia y necesidad de aprobación; mayor probabilidad de interpretar como “amor” lo que en realidad es manipulación, especialmente cuando el adulto se presenta como víctima, genio incomprendido o amante sacrificado; dificultad para identificar la violencia en contextos que alternan momentos de aparente ternura con episodios de humillación, celos, presión sexual o control, lo que genera confusión y autoculpa.

- La dimensión ética y relacional. Porque más allá de la ley, el consentimiento ético exige al menos: igualdad razonable de poder entre las partes (edad, capacidad económica, posición social, dependencia emocional); ausencia de manipulación, chantaje emocional, coacción o promesas que anulen la libertad real (por ejemplo, “si me dejas, me mato”, “destruiré tu reputación”, “nadie te querrá como yo”); capacidad de comprensión de lo que se está aceptando (implicaciones para el cuerpo, la salud, la vida social, la biografía futura).

Por todo ello, El consentimiento se transforma en una película de obligada “prescripción” en familias y centros educativos.

Terapia cinematográfica (21). Prescribir películas para entender el sida en la infancia y adolescencia

2026-04-15T06:30:00.046+02:00

El síndrome de inmunodeficiencia adquirida (sida) irrumpió en la historia de la medicina el 5 de junio de 1981, cuando los CDC de Estados Unidos reportaron cinco casos de neumonía por Pneumocystis jirovecii en hombres homosexuales de Los Ángeles. En 1984 se identificó el virus de la inmunodeficiencia humana (VIH) como agente causal de la enfermedad y un año después se desarrolló el primer test de diagnóstico basado en la detección de anticuerpos. En 1987 se introdujo la zidovudina (AZT), primer fármaco antirretroviral, aunque el cambio fundamental llegó entre 1995-1996, cuando la combinación de tres o más fármacos de diferentes familias.

Desde finales de los años 1980, el séptimo arte ha funcionado como un registro paralelo de la epidemia de sida: no solo documentando la devastación clínica y social, sino también visibilizando las vulnerabilidades estructurales, la homofobia sistémica, el estigma, la marginalización de personas afectas y la desigualdad global en el acceso a medicamentos. Las películas sobre sida cumplen una función pedagógica, política y afectiva que la medicina científica, por sí sola, no puede alcanzar. Y para ello baste enumerar una filmografía representativa en tres etapas: 1) Años 80-90: los comienzos inciertos; 2) Años 90-2000: reflexión y memoria; 3) A partir del siglo XXI: reinvención personal y normalización.

Filmar el sida en la niñez y adolescencia plantea desafíos únicos: cómo representar a menores expuestos al virus sin exotizarlos, cómo retratar la transmisión vertical sin culpabilizar a madres, cómo narrar la muerte prematura de jóvenes sin caer en el melodrama o la moralizante lástima. Las películas más efectivas en este registro equilibran autenticidad emocional, rigor médico y responsabilidad pedagógica.

El cine ha abordado el sida y sus consecuencias desde su aparición. Pero las películas argumentales sobre este tema alrededor del sida infantojuvenil son infrecuentes, aunque desde esta sección de Terapia cinematográfica recogemos 7 películas argumentales al respecto. Estas películas son, por orden cronológico de estreno:

- Juicio a un menor (The Ryan White Story, John Hezfeld, 1989), para conocer la ola de prejuicios y falsas creencias que llevó en sus inicios – y durante mucho tiempo - al rechazo social, la discriminación, la marginación y, en muchos casos, la criminalización de las personas infectadas por el VIH.

- Kids (Larry Clark, 1995), para reconocer el ambiente de sexo, alcohol y drogas que rodeaba a un parte de la juventud en la década de los 90, y que fueron el caldo de cultivo que extendió la enfermedad.

- La súplica de una madre (A Mother´s Prayer, Larry Elikann, 1995), para adentrarnos en las fases de duelo de una madre viuda afecta de sida que tiene que buscar una salida para su hijo, cuando ella ya no esté.

- Que nada nos separe (The Cure, Peter Horton, 1995), para reivindicar el poder curativo e integrador de la amistad y el afecto en los menores con sida.

- Yesterday (Darell James Roodt, 2004), para ser testigos de la desolación del sida en el continente africano, especialmente en las mujeres.

- Girl, Positive (Peter Werner, 2007), para concienciar sobre la importancia de la prevención frente al sida – y otras infecciones de transmisión sexual – a partir de la adolescencia.

- Romería (Carla Simón, 2025), para reparar la memoria silenciada de tantos niños y adolescentes que perdieron a sus padres por el estigma del sida y la drogadicción.

Siete películas argumentales para adentrarnos en las complejas vivencias de las infancias y adolescencias que se vieron acosadas por el sida, bien directamente como enfermos o bien indirectamente como huérfanos de padres afectos.

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