Peliculofagia

Ilha do Medo

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Sat, 13 Mar 2010 16:03:00 +0000

Ultimamente tenho começado algumas resenhas comparando o filme comentado com obras produzidas anteriormente. Nesse caso vai doer um pouco repetir essa rotina, visto que Ilha do Medo é um filme de Martin Scorcese (Os Infiltrados), e a espera e divulgação em cima do mesmo criou certa expectativa. Mas chegar numa sexta-feira de estréia e ver cinema lotado pra ver mais um projeto de Scorcese é perceber que o povo ainda sabe das coisas, então tentarei me ater ao principal.

Depois de, muita publicidade e trailers dublados, a espera da galera presente na sala acaba e o filme começa já revelando parte do que já sabíamos pelos trailers. Leonardo DiCaprio e Mark Ruffalo interpretando os agentes Daniels e Aule, respectivamente, e estão num caso envolvendo a fuga de uma paciente da instituição psiquiátrica que se encontrava internada, instituição essa responsável pelo tratamento de condenados com problemas mentais.

O filme mostra todos os passos da investigação e os mistérios por trás do sumiço de Rachel, e a cada cena despertando mais o clima de conspiração que o filme inspira. Clima, às vezes, quebrado por alguns takes não muito comuns em filmes de Scorcese, misturando "truques" (erros?) de edição e um pouco de computação gráfica.

Ilha do Medo parece ter uma intenção parecida com a de O Lobisomem, que monta uma história usando artifícios clássicos no cinema hollywoodiano. É legal ver tensão causada por tempestades, cenas de interrogatório etc. Tudo com ar já conhecido, mas feito de forma honesta e seguindo o manual escrito pelos mestres do estilo.

O incômodo maior no caso de Ilha do Medo vem de detalhes importantes, alguns deles diretamente ligados a solução do caso retratado, que acaba jogando o filme para a prateleira vizinha aos de M. Night Shayamalan, diretor conhecidíssimo por suas reviravoltas inimagináveis. O ritmo do filme não chega a ser tão acelerado, mas passa um sentimento totalmente diferente do adquirido ao final. Existe o risco de decepção, principalmente para os mais atentos e fãs de tramas e finais coerentes.

De maneira geral o filme agrada. Suspenses envolventes estão fazendo falta e Ilha do Medo representa bem o gênero.

Ilha do Medo (Shutter Island)

Paramount Pitures

Leonardo DiCaprio, Mark Rufallo, Ben Kingsley

Diretor: Martin Scorcese

A Última Tentação de Cristo

noreply@blogger.com (Fernando Neumayer) — Tue, 09 Mar 2010 21:43:00 +0000

Em 1988, Martin Scorcese filmou a sua visão da história de Jesus e lançou o polêmico A Última Tentação de Cristo, com Willem Dafoe no papel principal. Para a trilha chamou o ex-Genesis Peter Gabriel, que vinha do álbum So, sucesso de crítica e público, levando Gabriel - de forma mais pop, rendendo críticas - ao estrelato com músicas como Sledgehammer e Mercy Street. PG foi além em uma trilha que traduzia o conceito de World Music através da musicalidade de gente de lugares como Paquistão, Turquia, Índia, Egito, Marrocos, Senegal etc.

Artistas e músicos desses lugares fazendo algo totalmente novo e colocando muito de suas almas naquelas gravações. E é isso que reflete em Passion -- o álbum com a música do filme --, uma sequência belíssima de 21 temas com a riqueza de músicos artisticamente ofuscados pela música ocidental. Peter, que sempre procurou inserir em sua música elementos distantes de sua Inglaterra, com A Última Tentação de Cristo pôde pintar o quadro com todas as cores que lhe foram permitidas pelo longa de Scorcese. O álbum é uma viagem por diversos tipos de sons, cantos e cenários.

Com esse trabalho Peter Gabriel conseguiu dar voz e visibilidade à música vinda dos outros povos e sua gravadora RealWorld virou marca e sinônimo dessa cultura. Atualmente o catálogo da RealWord é extenso, Peter um embaixador da World Music e Passion uma verdadeira obra-prima.

Coração Louco

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Sat, 06 Mar 2010 17:09:00 +0000

Jeff Bridges dá as caras no cinema depois de algum tempo sem participar de uma grande produção. Coração Louco é responsável por sua "volta" e mostra mais uma vez a versatilidade de um ator que sabe escolher seus papéis.

Com uma mistura que lembra algumas obras recentes, o filme conta a história de Bad Blake, um cantor country de médio sucesso em turnê pelos Estados Unidos que, entre uma garrafa de uísque barato e outra, vê sua vida mudar por conta de seu vício. E após conflitos envolvendo sua carreira, família e um novo amor, Bad resolve escrever um novo capítulo de sua história.

Em alguns momentos foi difícil não perceber uma certa influência vinda d'O Lutador (com Mickey Rourke) e ligar as semelhanças onde os dois personagens, meio que auto destrutivos, se vêem entre a carreira e uma relação amorosa, ou familiar. De qualquer forma são só semelhanças (e os finais não são os mesmos, calma!).

Maggie Gyllenhaal (Cavaleiro das Trevas, Mais Estranho que a Ficção) lidera o cast de coadjuvantes ao lado de Colin Farrel, e assim como Jeff Bridges, está indicada ao Oscar (Jeff para melhor ator, Maggie para atriz coadjuvante). A trilha do filme também foi contemplada com uma indicação e "The Weary Kind" concorre ao prêmio de melhor canção original.

Depois de três indicações é óbvio que um filme destes chama atenção. E mesmo sem produção e cuidado grandioso, ou mesmo um trailer na TV e cinemas, Coração Louco vale apena ser visto. Se merece o Oscar ou não, é difícil dizer. A safra 2010 de concorrentes está de fato fraca, mas admito que um filme destes na corrida por um prêmio mostra que um bom roteiro e boas atuações ainda têm espaço.

Coração Louco (Crazy Heart)

Fox Searchlight Pictures

Jeff Bridges, Maggie Gyllenhaal, Colin Farrel

Diretor: Scott Cooper

Chéri

noreply@blogger.com (San Dias) — Fri, 05 Mar 2010 22:05:00 +0000

Numa época onde uma das profissões mais antigas do mundo vivia o seu ápice com mulheres estonteantes, romances intensos e muito dinheiro, viveu a belíssima Lea de Lonval. Lea, uma cortesã, observa sua idade avançar enquanto não vê mais os homens como prioridade em sua vida, dentre pequenos e furtivos affairs de momento, ela ocupa seu tempo com compras, passeios e visitas a amigas que, anteriormente, dividiam a mesma profissão.

Sempre muito fiel à sua amiga Charlotte Peloux, Lea acaba por tornar-se um certo tipo de tutora para o filho de 19 anos de Charlotte; ela como conhece o rapaz desde o nascimento, facilmente, aceita a proposta e assim viaja para sua casa do campo com Chéri. Com o passar dos dias e num clima propício para tal, os dois desenvolvem uma ligação que em pouquíssimo tempo passa de carinho materno pra paixão carnal.

Lea se vê envolvida pelo jovem e se deixa levar numa paixão que a faz suspirar dia após dia, Chéri, encantado com a companhia de uma mulher mais velha e experiente, se apaixona por Lea, mas não tarda os dois voltam para a capital e a mãe de Chéri muito incomodada com o romance do filho com sua amiga bem mais velha que ele, encontra numa jovem a esposa perfeita para seu filho, que mal retorna e recebe a notícia de que em poucos dias irá se casar.

A princípio Lea trata a situação como algo normal e já esperado, porque ela mesma não via futuro numa relação com um rapaz tão jovem, até que ela percebe estar apaixonada por Chéri e entra em desespero; o mesmo acontece com o rapaz que tem momentos difíceis tentando se acostumar com seu casamento arranjado pela mãe.

Daí em diante sentimentos vagam entre: ódio, amor, saudade, pesar, remorso, medo e decepção. Um clima de romance com um Q de comédia toma conta de todo o ambiente enquanto Nounoune e Chéri se apaixonam e se decepcionam. O filme ganha inúmeros pontos em todos os aspectos: Fotográfia, score, atuações e roteiro. E o elenco conta com: Michelle Pfeiffer, Kathy Bates, Rupert Friend, entre outros.

Lobisomem

analibia_17@hotmail.com (Ana Fernandes) — Fri, 05 Mar 2010 16:23:00 +0000

Acabo de voltar do cinema para depositar aqui minhas impressões sobre o remake de um clássico que estreou há pouco. Fui à tela grande sem aviso prévio quanto ao longa que veria - o que às vezes é positivo, pois assim evita-se expectativas. E entre uma olhada e outra nos cartazes, me decidi.

Vi "Lobisomem". Como eu disse, é a refilmagem do clássico de 1941, de George Waggner o primeiro filme da saga. Neste, Benício Del Toro vive Lawrence Talbot, que trabalha com uma companhia de teatro itinerante. Ao receber uma carta da cunhada informando o desaparecimento do irmão, volta à casa do pai, um recluso, misterioso e envelhecido Anthony Hopkins. Na busca por respostas quanto ao irmão, Lawrence tem seu caminho trombado por um lobisomem. E, bom, sendo Del Toro o protagonista e sabendo 1) que protagonista não morre no início da história; 2) mordido por lobisomem, lobisomem torna-se e 3) Lawrence tem uma cunhada bonita, carente e viúva, presume-se o resto.

O panorama é uma Inglaterra transilvânica, pela força da necessidade. Jogue num caldeirão ciganos, carroças, florestas de árvores altas mergulhadas em permanente cerração, homens com cartolas e mulheres pálidas; pronto: tem-se uma idéia do clima byronista que dá o tom ao longa – aliás, que dá o tom a todos os longas do gênero. Em “Lobisomem”, há uma certa contenção das atuações, que dá contorno à frivolidade subjetiva das emoções das personagens, que em determinados pontos explode na fúria do lobisomem, que mata a esmo.

Não é nenhum “Drácula” de Bram Stoker. Também está distante de “Van Helsing”. Mas é possível dizer que “Lobisomem” oscilou entre um e outro, e encontrou seu lugar nalguma fenda. Temos Hopkins emprestando sua indissociável e consagrada verve sadista hannibalesca ao patriarca Talbot; temos um ausente, mas bom-coração Del Toro. Temos a frágil e sensual boneca de louça Emily Blunt, temos um destemido investigador foreign. Ou seja, há uma estrutura pronta e bem delineada, uma característica do estilo, que infelizmente facilita e torna previsível demais o desenrolar da história. Mas não havia mesmo escapatória: como foi dito, “Lobisomem” é um remake, e tudo já estava no script.

Para os fãs de efeitos, boas notícias: o filme é indefectível nesse aspecto. E aí, aproveito pra chamar a atenção para a minúcia da metamorfose do homem para o monstro, para fins comparativos com produções anteriores mais antigas. É interessantíssima a evolução dos efeitos, e que corpus melhor que filme de lobisomem – esse tema tão recorrente da literatura cinematográfica – para analisá-la? Eu, muito chata, pensei nisso o tempo inteiro.
Com aceitáveis deslizes, “Lobisomem” encerra com razoável desfecho, que sugere um segundo volume. Será que isso também estava no script de 41? Espero que não.

Bom filme!

The Imaginarium of Doctor Parnassus

noreply@blogger.com (San Dias) — Fri, 05 Mar 2010 12:16:00 +0000

Doutor Parnassus e seu teatro viajam pelas cidades, transportando pessoas da platéia para um mundo de imaginação proporcionado pelo próprio Doutor a todos aqueles que, de certa forma, se sentem curiosos e corajosos o suficiente para desbravar o que existe por trás da cortina do teatro. Para estes que se aventuram, existe um mundo inesperado que pode variar entre os mais belos sonhos e os mais terríveis pesadelos.

O Doutor Parnassus recebeu incrível presente que é manipular a imaginação das pessoas, mas não satisfeito, ele resolve fazer um acordo com o diabo (também conhecido como Mr. Nick) para receber a imortalidade, mas em um detalhe ele não pensou: o quão pesaroso seria entregar a própria filha nas mãos do diabo. Aproveitando-se da fraqueza do doutor, Mr. Nick propõe mais um acordo, e, exatamente neste ponto, começa a desesperada corrida para salvar a bela Valentina.

Nesse meio tempo, e em meio a toda a bagunça que se torna a vida do doutor, surge um estranho chamado Tony, ninguém sabe de onde ele vem porque, após ser resgatado pela trupe, ele alega ter perdido a memória. Esse mero estranho cria uma reviravolta e nele a trupe vê uma saída para seus problemas. Tony mergulha na imaginação do doutor e percebe que ali existe um mundo maravilhoso de possibilidades. Enquanto se trava a incansável luta para salvar Valentina os cenários oscilam entre as mais incríveis e estonteantes paisagens que são povoadas por seres apenas possíveis em sonhos.

Num belíssimo mundo nunca visto antes, Terry Gilliam nos presenteia com um filme de tirar o fôlego. Prepare-se para ser devorado pelas cores, para ser inebriado pelo cheiro de sonho que paira no ar e, claro, para ser encantado pelos personagens que vão te deixar implorando por mais. The Imaginarium of Doctor Parnassus é uma dessas produções capazes de fazer com que você volte ao cinema no dia seguinte, e conta com um elenco capaz de deixar qualquer diretor morrendo de inveja: Christopher Plummer (Uma Mente Brilhante), Heath Ledger (Batman – O Cavaleiro das Trevas), Lily Cole e participações: Johnny Depp, Colin Farrell e Jude Law.

P.S.: Esse foi, infelizmente, o ultimo trabalho de Heath Ledger, mas afirmo sem sombra de dúvidas que é uma de suas melhores atuações.

P.S.: Ainda sem data de estréia no Brasil.

Vírus

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Thu, 04 Mar 2010 15:22:00 +0000

Vírus estréia numa época privilegiada, onde não existe concorrência com Resident Evil -- por enquanto, pois o quarto filme já sai em setembro --, mas pega carona na onda Zombieland. A diferença é que Vírus não apela para a comédia.

Ao assistir este filme, pensamos: "já vi isso antes". Claro! O que temos aqui é uma coletânea de características difundidas por representantes contemporâneos na categoria catástrofe, zumbis, terror etc. Mas a participação de Chris Pine (Star Trek) me fez por fé no filme. Afinal, se você um dia protagonizou Star Trek, e ainda voltará pra uma sequência esperadíssima, só se prestará a topar produções de alto nível a partir daí, certo? Errado!

O filme se passa numa América devastada por uma doença que assolou a terra e continua a extinguir a raça humana, contaminando seus últimos sobreviventes. Quatro jovens, ainda livres de contaminação, rumam ao Golfo do México na esperança de encontrar abrigo, mas a estrada reserva obstáculos incômodos que mudam drasticamente as regras de sobrevivência do grupo.

Os elementos do filme não surpreendem, a narrativa é batida (como desconfiávamos) e não existem surpresas, nem mesmo sustos, que façam Vírus um filme que tenha valido a pena ser rodado. Apesar do cuidado nas locações, fotografia e maquiagem serem exemplares, ainda acredito que seguir a velha e manjada receita, hoje em dia, só faz o filme aquecer seu lugar nas prateleiras de DVD mais cedo.

Me pergunto como é possível, diante de filmes tão representativos e de mesmo estilo já lançados -- Extermínio, Eu Sou a Lenda, Resident Evil, até mesmo Zombieland --, um filme como Vírus ter sobrevivido à aprovação do roteiro. Este é o tipo de obra que, mesmo se tivesse um cast incrível (o que não é o caso), estaria destinada a ser retirada de cartaz na primeira semana. E isso já aconteceu recentemente. Lembram de Motherhood com Uma Thurman?. Eu sei que não.

Outlander – Guerreiro VS Predador

noreply@blogger.com (San Dias) — Thu, 04 Mar 2010 11:41:00 +0000

Outlander é um épico sci-fi viking (sério mesmo), de Barrie Osborne, que ficou conhecido, merecidamente, por seu trabalho como produtor da trilogia: Senhor dos Anéis. O filme estreou nos cinemas em meados de Julho de 2009 e, infelizmente, não recebeu a atenção que uma produção como essa merece.

Outlander se passa no ano de 709 DC e conta a história de um guerreiro de uma terra distante ao Norte que, ao acordar no meio do nada, percebe que a nave na qual ele viajava caiu no meio de um lago que ele desconhece. Ele é capturado por Vikings e levado para a aldeia dos mesmos; e enquanto permanece prisioneiro, é torturado e desacreditado.

Kainan não foi a única criatura que saiu da nave com vida, uma criatura conhecida como Moorwen também desembarca e então as vilas nos arredores são atacadas de forma bestial e seus moradores são massacrados. Em meio a esses massacres, aldeias próximas começam a se acusar pelos ataques porque até então desconhecem o que os vêm atingindo. Kainan tenta avisá-los, mas os Vikings tem suas próprias crenças e desavenças, o que não os deixa ver que o que o monstro que Kainan descreve é real.

Não tarda e Moorwen ataca a vila dos Vikings que mantinham Kainan como prisioneiro, o que faz com que as palavras do guerreiro ganhem credibilidade. É então que se trava uma bela e excitante batalha épica pela sobrevivência dos moradores do pequeno povoado Viking.

A fotografia de Outlander é belíssima, as atuações cativantes e o elenco em si, contando com: James Caviezel (O Conde de Monte Cristo), Sophia Myles (Do Inferno), Jack Huston (Spartacus), John Hurt (V de Vingança), entre outros, é um show à parte.

Um Olhar do Paraíso

noreply@blogger.com (San Dias) — Thu, 04 Mar 2010 02:58:00 +0000

“The Lovely Bones” é o mais novo trabalho de Peter Jackson, chegou aos cinemas brasileiros no ultimo dia 19 e até o momento foi muitíssimo bem recebido pela critica. Em português ele vem com o título de “Um Olhar do Paraíso”.

O filme conta a emocionante história de Susie Salmon, uma menina de 14 anos de idade, que sonha em ser fotografa. Susie, assim como toda adolescente de sua idade, tem uma rotina normal -- escola, paqueras e pequenos problemas em família. Só que o interessante da história começa quando Susie, no caminho de volta pra casa, some; e sua família descobre pouco tempo depois que Susie havia sido assassinada.

Quando Susie toma consciência de que foi assassinada, começa uma busca incessante por justiça fazendo com que muitas coisas improváveis aconteçam. Nesse meio tempo, ela descobre não ser a única jovem assassinada, percebe que outras haviam sofrido antes e nesse meio tempo se desenrola uma história provida de muita emoção e cheia de momentos que cativam os apaixonados por drama/suspense. O filme é um misto de realidade com um mundo novo, colorido, sofrido e apaixonante, no qual a menina se encontra, enquanto espera que sua família descubra quem a assassinou.

E se só o enredo não deixa certa a vontade de assistir o filme, o elenco, certamente, o fará. Peter Jackson (Trilogia: O Senhor dos Anéis) acertou em cheio quando escolheu a encantadora Saoirse Ronan (Desejo e Reparação) para ser a protagonista de seu novo sucesso. O elenco conta também com: Mark Wahlberg (Max Payne), Rachel Weisz (A Múmia), Susan Sarandon (Anjo de Vidro) e outros.

Um Sonho Possível

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Wed, 03 Mar 2010 16:24:00 +0000

Um Sonho Possível é um lançamento quase da mesma categoria de Invictus: drama com futebol americano. No caso de Invictus, o esporte praticado é na verdade o Rugby, mas convenhamos queassim de primeira é tudo muito parecido.

Sandra Bullock lidera o jogo que, assim como o exemplo citado no parágrafo anterior, flerta com questões raciais. Mas o filme se passa nos Estados Unidos; então, apesar de dura, a realidade é um pouco diferente da enfrentada por Mandela e cia ao assumir o mandato.

Além de todas as questões e características sociais do filme, é clara a intenção dos autores de ir além, e tornam Big Mike, personagem de Quinton Aaron, símbolo da generosidade de Leigh Anne (Sandra Bullock) e sua família.

A cada novo momento de Um Sonho Possível, percebe-se que a mensagem é baseada na persistência, força de vontade e superação. Mas, ao contrário de muitos dramas - não necessariamente os que envolvem futebol americano -, a coisa é conduzida de forma bem pouco apelativa, sem chororô ou exageros. Todas estas características tornam as duas horas de filme menos sofridas e mais prazerosas.

O cast de coadjuvantes é perfeito, com direito a moleque sagaz e ator interpretando ex-jogador pela segunda vez, e certos destaques são peças-chave na hora de manter as cenas mais cômicas com menos ar de "sopro na ferida".

A recomendação é máxima. E, apesar de ser o tipo de filme que é indicado ao Oscar por gentileza da Academia, creio que desta vez houve equilíbrio entre a formula de bolo habitual e detalhes característicos que ajudam a fazer Um Sonho Possível um ótimo filme.

Um Homem Sério

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Fri, 19 Feb 2010 02:13:00 +0000

Eis mais um indicado ao Oscar marcando presença no Peliculofagia. Dessa vez, em minha opinião, de forma totalmente inesperada (a parte de ser indicado ao Oscar, no caso). Um Homem Sério é SIM o tipo de filme que mexe com a gente, mas de forma... diferente.

Desde que assisti os primeiros trailers deste filme eu já podia dizer que a experiência de assisti-lo não poderia ser comparada aos blockbusters que marcaram o fim de 2009 e início de 2010. A estranhesa e peculiaridade atrelados ao tipo de humor usado nesta produção é algo que vai contra o que a maioria anda acostumada.

O filme mostra a rotina "movimentada" de uma família americana guiada pela cultura judaica. O "astro" da família, o seu provedor (Larry Gopkin, interpretado por Michael Stuhlbarg), é um professor de Física que se depara com alguns eventos responsáveis por mudar sua rotina de forma suficiente incômoda

Creio que as partes mais engraçadas do filme todo são exatamente os acontecimentos em torno de Larry (sua família, alunos, etc), muito mais do que o humor em torno das cenas propriamente ditas. Cada capítulo absurdo introduzido durante Um Homem Sério já nos faz esperar o momento em que Larry perderia totalmente o controle.

Destaque pra quase todos os coadjuvantes que interferem de alguma forma no curso da história. Além do grande número de figuras, inclusos nessa lista de coadjuvantes, todos são responsáveis por tiradas que fazem valer o filme e seu humor "alternativo".

Particularmente é difícil dizer se recomendo ou não um filme como este. Mas está indicado ao Oscar de melhor filme, então vale pela pulga que me deixou atrás da orelha.

Nine

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Thu, 11 Feb 2010 18:26:00 +0000

Começo este post assim: Daniel Day-Lewis, Marion Cotillard, Penélope Cruz, Judi Dench, Fergie, Kate Hudson, Nicole Kidman e Sophia Loren. Processou? Tens noção? Caso sim, já pode partir pro próximo parágrafo.

Além de todos os "atributos" mencionados acima é preciso dizer que "Nine" também é um indicado ao Oscar. E merecido (considerando o nível do indicados deste ano, claro), porque apesar de ser um musical um pouco diferente do convencional, o filme tem lindos momentos e acaba agradando.

Algumas das ilustres participações passam meio que batidas, mas Daniel Day-Lewis segura a onda do filme e mantém o nível lá em cima, e com ajuda do sotaque italiano Daniel nos faz esquecer um pouco todas as facetas interpretadas por ele anteriormente e apreciar as cenas em que Guido Contini, personagem interpretado por Daniel, mais se destaca.

Guido Contini é um famoso diretor italiano, tendo sido responsável por muitos filmes de sucesso, muitos deles estrelados pela personagem de Nicole Kidman, que retorna para abrilhantar a produção que é retratada em "Nine". Mas apesar de toda atenção que Guido sempre chama parece que dessa vez ele acaba se enrolando com suas próprias memórias e devaneios, arriscando sua credibilidade e seu novo filme.

No início eu disse que esse era um musical diferente, e isso porque todas as partes musicais fazem parte das viagens de Guido, é quase um altismo musicado. Isso tem suas vantagens, pois não é aquela situação em que todo mundo está sempre saltitante e louco pra cantar. Neste caso isso só ocorre na cabeça de Guido, o que faz com que o resto do mundo a sua volta pareça menos.. saltitante.

Pra mim "Nine" seria um ótimo filme mesmo sem o apelo musical. Mas é o tipo de filme que se fosse feito pelo M. Night Shayamalan teria final surpreendente como sempre tem. Ou seja, nesse caso ser um musical não causa espanto já que o filme é mais um projeto de Fulano (Chicago).

Invictus

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Thu, 04 Feb 2010 17:55:00 +0000

Ao mesmo tempo que Invictus se baseou em fatos reais para ser feito, gosto de pensar também que rola uma mensagem subliminar nesse nome, considerando o "time" principal por trás dessa produção.

Clint Eastwood + Matt Damon + Morgan Freeman. Imaginar o resultado desse mix já é animador, mas CONFERIR o produto final, ainda mais de uma produção dirigida por C. Eastwood, é sempre demais!

Invictus está naquela categoria "No Limite", "Somos Marshall", etc. Mas o diferencial vem do toque "O Novo Rei da Escócia" que o filme ganha com o enredo girando em torno do recém eleito Nelson Mandela, suas estratégias para uma África do Sul mais unida (considerando seu povo e visíveis resquícios do apartheid) e sua fé quanto a essa união rolar a partir do investimento em um dos esportes mais cultuados do país: o rugby.

Matt Damon é o capitão do time que representa o país e após cruzar com o presidente Mandela percebe que sua tragetória no esporte ganha um significado que vai muito além das obrigações com a liga. É a partir deste encontro que o Springboks ganha, junto com Mandela, o papel de pivô para o início da superação das diferenças que existem entre o povo africano.

Além das comparações que fiz acima acho que penso também no case Avatar. Diretor absurdo + base simples e funcional + ideias originais = filme absurdo. Muito do que vemos em Invictus já foi rodado, mas Clint deu alma própria pro filme ao unir tantas questões relevantes (preconceito, esporte, política, etc) numa só história.

O Peliculofagia recomenda!!

Premonição 4

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Tue, 02 Feb 2010 13:53:00 +0000

Sim. Eu assisti Premonição 4. Não por acompanhar a franquia, mas porque minha curiosidade me vence toda santa vez que sai uma continuação (ainda mais se eu já tiver visto os anteriores), com excessão de Jogos Mortais, claro.

Nesse caso valeu o confere também pela implantação do 3D, dando uma graça maior a algumas cenas. Os sustos foram elevados a níveis um pouco mais incômodos, e a sensação de levar uma pancada junto com algum personagem do filme faz Premonição 4 valer mais do que os anteriores (desconsiderando o primeiro, que é o melhor).

Apesar de Avatar ainda liderar as salas 3D (o que me fez achar que Premonição sairia só em 2D por aqui) é possível conferir o novo lançamento da New Line (Warner) na tecnologia. Não duvido que esse artifício foi considerado de fato pra poder dar um up no lançamento, pois o enredo continua aquele. A mesma coisa. É.

O filme gira em torno de um grupo de jovens envolvidos num acidente durante uma corrida de Stock Car. O jovem Nick consegue tirar todos os seus amigos do local e presencia, do lado de fora, o realizar das cenas que pressentiu antes que tudo de fato acontecesse.

Durante toda trama Nick tenta evitar que os envolvidos no acidente, segundo suas visões, e salvos por ele, sejam vitimados depois. Os detalhes são copiados das versões anteriores, mas tive a impressão que esse é bem mais frenético, então rolam aqueles acidentes super impossíveis e criativos do início ao fim.

Eu não recomendo um filmes destes. Impossível ser fã de uma franquia tão fraca, repetitiva. Mas caso você simpatize com sustos e sensações que o 3D possivelmente proporciona num filme destes... assista. Até por que essas sensações não são reproduzidas no 2D, então todo "esforço" em cima do filme acaba perdendo o sentido quando se aluga um DVD, etc.

Em resumo: Premonição 4 é um repeteco mais moderno dos três anteriores. Se você quer encarar ou não, a escolha é sua.

Zumbilândia

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Mon, 01 Feb 2010 21:06:00 +0000

Apesar de estar meio atrasado com essa resenha (não que isto já não tenha rolado nas ultimas, mas...) fiz questão de não deixar essa passar em branco. Temos um exemplo de mistura bem-sucedida aqui e acho que vale a pena comenta-lo.

Zumbilândia é uma comédia, mas uma comédia bem feita, bem produzida, bem pensada. Inspirada nos clássicos filmes de zumbi, parece que este surgiu com uma intenção diferente dos filmes em que os zumbis são os coadjuvantes principais ("coadjuvantes principais"?).

O filme se passa numa América pós-apocalíptica (sim, sempre) e mostra como alguns de seus sobreviventes se viram diante da nova realidade mundial. Eh difícil dar muitos detalhes, o enredo é bem batido, apesar de muito divertido. Digamos que Zumbilândia é uma evolução dos filmes do estilo em forma de comédia.

Recomendamos que abra sua mente, assista o trailer e vá assistir o filme. Não é preciso uma longa resenha pra definir Zumbilândia (isso é bom, nesse caso) então se você curtir filmes de terror não irá se decepcionar. Assim como o fã de comédias também vai se amarrar. E se você for homem, e tiver bom gosto, também vai adorar, porque Emma Stone não aparece todos os dias! Fica a dica.

Amor Sem Escalas

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Wed, 27 Jan 2010 14:56:00 +0000

"Amor Sem Escalas" é o tipo de filme que chega aos cinemas sem mostrar exatamente para o que veio. Divulgação pobre e sem sentido, considerando o elenco e direção. Mas óbvio que nada disso me privou de ir assistir um trabalho realizado por figuras como George Clooney e Vera Farmiga, e assinado por Jason Reitman (Juno).

E não deu outra. Ótimo filme, com ótima história, presença mais que marcante de George Clooney e produção do jeito que tem que ser: simples, direta e de muito bom gosto. Ok que o reteiro (originalíssimo nos detalhes) ajuda muito. O filme caiu em boas mãos e tudo correu do jeito que a história merece.

O filme mostra os passos (vôos, nesse caso) de Ryam Bingham, que trabalha numa empresa especializada em realizar demissões. Sim! Idéia louca o suficiente (não que eu duvide que isso exista de fato) pra render um enredo com bom drama, comédia, romance. Tudo junto e muito bem misturado.

Pra quem está acostumado com o estilo do Jason Reitman, e acha que vai ver outro Juno, se engana. Apesar das características do diretor, envolvidos em inúmeros trabalhos de peso, o filme consegue ser diferente das outras produções em seu currículo e de obras semelhantes que vemos por aí. Mas, assim como Juno, os diálogos muito bem construídos ainda se fazem presentes, tornando certas cenas ainda mais completas.

Eis que uma agradável e recomendadíssima surpresa se faz presente nas salas brasileiras.

Avatar

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Wed, 27 Jan 2010 14:31:00 +0000

Começo este texto dizendo que é sempre muito difícil pensar em comentar certos filmes. Avatar é uma produção minuciosamente pensada por JC (o James Cameron, no caso), dono de ideias que revolucionaram o cinema, e eu sou um nerd cinéfilo que não consegue deixar de se pronunciar diante de tal obra, ou outras tão significantes quanto.

Demorei mais de um mês para conseguir saúde suficiente para comprar o ingresso antecipado (já que chegar, comprar e assistir de cara é luxo fora de cogitação no caso de Avatar), esperar o dia chegar, etc. Um belo dia tomei coragem, perdi a paciência, e fui a bilheteria da minha sala favorita sondar as possibilidades. Para a minha surpresa rolava assentos (em péssima localização) livres na sessão que rolaria em algumas horas. ARREMATEI! RÁ!

Apesar de estar num assento mal localizado eu fiz questão de abstrair tudo e curtir o filme. E curti! Logo no início já é possível entrar no clima e sentir, de leve, que tem coisa boa vindo. Mesmo com todo o revival no estilo Tropas Estelares/Star Treck/Star Wars/etc percebe-se as particularidades, o cuidado com as cores, efeitos e figurino que não se assemelha (tanto) com outros filmes futurísticos.

O enredo tem uma base bem batida. Mas acho que isso é inevitável (se for só a base, base MESMO). A parte boa é que JC pega essa base e a eleva de forma inteligentíssima, mesclando o cuidado, apuro nos detalhes e apelo pop da história. Resultado: a criançada curtiu, a marmanjada curtiu e a coroada também. Tem sempre o teimoso que vai dizer "Po, é tipo Pocahontas.. só que todo mundo é azul!", mas esse é aquele que assistiu todos os clássicos contemporâneos e continuou preferindo Velozes e Furiosos.

A parte visual do filme é demais, e o 3D aparece só quando necessário, o que acho perfeito. Nada de pedrinha pulando pra fora da tela ou lances desnecessários gastando a tecnologia. Afinal eu acho que filmes em 3D só devem usar o 3D assim, nos detalhes. Claro que em Avatar ele ajuda nas texturas, profundidades, mas isso passa "despercebido" e dá a chance do filme brilhar mais do que a tecnologia utilizada.

Resumindo: o filme que mais lucrou em bilheterias ao redor do mundo. Abraços a todos envolvidos.

RESENHA: "Encontro de Casais"

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Sun, 03 Jan 2010 16:37:00 +0000

O filme conta com personalidades conhecidas por diferentes obras e juntos conseguiram um esplêndido resultado e ajudaram a produzir um pipoca/comédia romântica de nível bem satisfatório.

Na maioria das produções deste estilo ve-se muito descaso, pouco compromisso com os detalhes e é tudo sempre focado demais nas piadas. Neste filme a coisa muda, pois o cuidado com detalhes na historia, locações e etc, é de alto nível.

O filme relata a história de quatro casais que se isolam num resort dedicado em ajuda-los a melhorar suas relações. Como nem todos ali sabem extamente o que esperar, as surpresas e descobertas de tudo por trás do esquema deste resort acaba se tornando o principal foco do filme.

O equilíbrio da atenção dada para cada ator é notável, mas é difícil não se acabar com as tiradas de Vince Vaughn. O cara consegue medalhar cada cena em que aparece, seja com ou sem o brilho do rapazinho que interpreta seu filho mais novo.

O filme tem um ritmo perfeito, sem queda na produção de cenas engraçadas, e todos os coadjuvantes acrescentam bastante em cada uma de suas aparições. Aliás, são os próprios coadjuvantes que ajudam a tecer as melhores cenas, como a do já épico duelo de Guitar Hero (spoiler.. Agora já era).

No final das contas o que prevalece são as risadas, que acabam sendo muitas. Elenco masculino competente, elenco feminino MARAVILHOSO e cast de coadjuvantes completo, além de um criativo roteiro. Temos uma boa comédia aqui!

RESENHA: "Revolutionary Road"

analibia_17@hotmail.com (Ana Fernandes) — Wed, 04 Nov 2009 12:08:00 +0000

A incompatibilidade dos excêntricos com a felicidade sempre é um bom subsídio para a filmografia cult. Essa eterna distância de algo que parece tão simples, de uma felicidade que parece tão tátil, mas em verdade é absolutamente fluida, é a temática de um filme incrível e pouco repercutido de Sam Mendes, o mesmo diretor de filmes mais estridentes como "Beleza americana" e "Soldado Anônimo", por exemplo. Aqui, em "Revolutionary Road" - título orginial de "Foi apenas um sonho" - ele mastiga e cospe, cruamente, todas as mazelas de um casamento debilitado por uma crise sem proviniência visível, dado todo um arcabouço social e lógico para que ela não exista.

Baseado num homônimo do já falecido Richard Yates, e ambientado na Connecticut dos anos 50, "Revolutionary road" - e aqui prefiro usar o título original por pensar que ele veste melhor a idéia do filme que o título em português - conta a história do casal April e Frank Wheeler, muitíssimo bem interpretado pela bela e forte Kate Winslet e por um amadurecido e fleumático Leonardo de Caprio. Desde o primeiro encontro dos dois, o filme já desponta que não se renderá à nenhuma tentativa de facilitar a compreensão do público sobre o drama conjugal vivido pelos prontagonistas. É após uma revolucionária mudança para a rua onde mora o casal, que dá título ao filme, que April sente uma progressiva insatisfação com a vida que a rodeia, desejando se mudar para Paris, mesmo até para saciar seu vazio de vida; o que entra em atrito com a opinião do marido. E tudo fica no plano macilento da compreensão, tangendo o limiar da insanidade.

É percorrendo a linha tênue entre a capa que blinda a intimidade de April e Frank e o marasmo existencial dos dois que o filme se desdobra. Ela ansiava pela carreira de atriz. Ele era empregado de uma empresa de computadores em franca ascensão, o que lhe garantia estabilidade financeira para si e sua família. Com todas as peças de xadrez no lugar, o difícil é o jogo não funcionar; justamente o que ocorre. Pelos motivos mais ínfimos, eles travam longas, ofensivas e dolorosas brigas, não demonstram afeto pelos filhos pequenos - que muito constantemente são jogados pra escanteio durante quase todo o filme -, e a infidelidade é apenas um detalhe irrelevante num matrimônio aos pedaços.

Os coadjuvantes não poderiam ser menos brilhantes. Kathy Bates vive a bonachona e invasiva Helen Givings, juntamente com seu filho, o louco John Givings, este que, nas visitas à residência dos Wheeler, desenvolve um prazer comezinho de vomitar sobre eles toda a verdade que os outros não conseguem ver.

Sam Mendes novamente reafirma, com "Revolutionary Road", que é a partir de um bom roteiro, ótima fotografia, atores talentosíssimos e um profundo mergulho no recôndito da mácula - o mal na arte - que está a fórmula certa para um filme simples e excelente.

Bom filme!

RESENHA: "A Verdade Nua e Crua"

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Mon, 21 Sep 2009 21:44:00 +0000

Gerard Butler e Katherine Heigl andam meio que especialistas na arte de integrar comédias românticas. Posso até dizer que agora sim Gerard largou o estigma de Leônidas, que eu jurava que o perseguiria pra sempre.

Apesar de tudo o filme agrada. Estrando numa semana de filmes fracos "A Verdade Nue e Crua" vale o ingresso e garante boas risadas em meio a piadas machistas e situações bem itneressantes criadas por Mike, personagem de Gerard.

Admito que não sou muito fã da versão "bonitão descolado" de Gerard, apesar da aparente prefência dele por papéis assim. Depois de ver "300" realmente imaginei que a partir dali o veríamos em participações com mais profundidade, o que não ocorreu. Mas mesmo assim ele usa todo o talento que tem. Impossível não se identificar com seu personagem em "A Verdade Nue e Crua".

Katherine Heigl, além de usar o prestígio que adquiriu em "Gray's Anatomy", também tem seu crédito. Mulher linda e engraçada, responsável por vários dos melhores momentos do filme. Aliás, se o lance é ser loira, gata e boa atriz, acho que Scarlett Johansson tem muito a aprender com Katherine que manda super bem na interpretação de personagens cômico (apesar do contraste devido ao seu lado dramático em "Grey's...") e tem ótima expressão corporal, caras e bocas etc.

Não creio que assistir este filme vai mudar a vida de alguém, mas vai com certeza abrir os olhos pra certos fatos existentes em qualquer relação!

RESENHA: "A janela aberta", "A voz da felicidade" e "Palíndromo"

analibia_17@hotmail.com (Ana Fernandes) — Mon, 24 Aug 2009 19:34:00 +0000

Hoje eu tenho uma surpresa para os peliculofágicos, e ela vem em dose tripla! Acontece que venho alimentando, nos últimos dias, um hábito nada saudável de dormir desconfortavelmente o sofá da sala - meu pescoço grita "SOCORRO!" - afim de pegar a (boa) programação do Telecine Cult, que teima em passar nesse ingrato horário que compreende das 4 às 6 da manhã - e no dia seguinte a expressão cadavérica denuncia uma cinemaníaca. Acontece que as resenhas que vocês lerão agora vem de outro canal, e são brazuca.

Há muitos curtas bunda por aí, mas há uns bem geniais. E tive a sorte grande de ver, na seqüência, 3 curtas incríveis, que têm, no máximo, 11 minutos e conseguem passar sua mensagem com admirável firmeza. E são eles, respectivamente, "A janela aberta", "A voz da felicidade" e "Palíndromo". O primeiro traz um intrigante/intrigado Enrique Diaz num amálgama cronológico que, à medida que cresce sem encaixe, vai arquitetando seu previsível, e mesmo assim interessante epílogo. "A voz da felicidade" satiriza, com uma generosa dose de escárnio, os programas de autidório descaradamente à Chacrinha, quando insere, numa perspectiva contrastante, uma mulher à beira do suicídio que costura um papo bizarro com um apresentador alheio à sua dor do outro lado da linha. E, pasmem, é um curtinha que já tem 22 anos. Não menos brilhante é "Palíndromo", que se desenvolve todo calcado na semântica do próprio título quando refaz, em slow backwards, um dia de cão vivido por um executivo numa cidade que não discerni se é o centro do Rio ou de São Paulo. A maestria de "Palíndromo" mora na completa inalteração de sentido característica da palavra, que conduz o monocromático curta com densidade.

Confesso que não sou fã absoluta de curtas, mas esses me chamaram a atenção pela boa direção e a capacidade de tornar o desespero humano em arte. Ponto pro cinema!
Bons filmes!

RESENHA: "Juízo Final"

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Fri, 21 Aug 2009 10:59:00 +0000

Falar desse filme é difícil. Não por ele ser complicado, ou ruim, ou muito bom, ou nada assim. A questão é que "Juízo Final" vem numa época em que filmes no estilo "humanidade perdida" já não é mais tendência. MAs mesmo assim ,vale a pena ser comentado.

Primeiro vale dizer que este é um filme velho. Sim, ele é velho. E digo isso pelo fato deste estar sendo lançado no Brasil quase um ano e meio depois de seu lançamento mundial. Neste ponto eu tenho que defender, essa obra é bem melhor do que muita coisa que saiu (se tratando de ficção, só - e olhe lá) nesse intervalo.

"Juízo Final" mostra claras e descaradas influências (plágio?) de alguns clássicos. Ao assistir a este pipocão você também assiste "Mad Mex", "O Exterminador do Futuro", "Extermínio", "Coração Valente" (assista e você vai entender =D) e muitos outros que deixarei vocês mesmos advinharem. O filme é quase uma homenagem! Impressionante. Mas até que no final das contas tem seu valor, extamente por por na mesa um estilo "esquecido" sem ficar tosco ou desmerecer as horas de estudos do diretor Neil Marshall.

Rhona Mitra já havia provado que consegue incorporar personagens durões depois de protagonizar o terceiro filme da saga Underworld, mesmo com as costumeiras interferências românticas em sua história. Agora ela volta sem os caninos numa versão ainda mais envolvente (minha opinião).

Voltando a realidade, creio que "Juízo Final" não é o melhor filme do estilo e muito menos merece um posto que vá muito além do "ficção pipocão", mas se por um acaso a sexta-feira estiver mais pra perseguições do que pra austríacos afeminados.. dê uma chance pra Rhona Mitra.

RESENHA: "Se Beber, Não Case"

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Thu, 20 Aug 2009 17:13:00 +0000

Mais um filme da série "como puderam dar esta tradução para o título original?!". E já começo dizendo que a divulgação deste lançamento não foi digna, visto que temos uma comédia realmente boa aqui.

O filme é composto por rostos não tão badalados assim, mas faz jus ao propósito e só prova que filme bom é bom independente do valor do cachê de seu elenco. Nesse caso é visível o talento por parte de quem escreveu (Jon Lucas e Scott Moore), dirigiu (Todd Phillips) e atuou (Bradley Cooper, Ed Helms, Zach Galifianakis, Justin Bartha).

A história gira em torno de quatro amigos num fim de semana de despedida de solteiro em Las Vegas e toda fanfarronagem que a seguiu. A questão é que uma simples noitada na cidade do pecado acaba virando uma grande aventura repleta de participações ilariantes e capítulos exagerados, tudo isso culminando em cenas deveras engraçadass.

O mais irado desse filme é o exagero, e isso é fato. Mas desta vez temos o talento dos protagonistas a favor dos clichês e a gente acaba se acostumando muito rápido (e vendo total sentido) a ver um tigre em cena, por exemplo. Fora que a evolução da história é bem pensada, é possível digerir cena por cena sem que os absurdos se misturem e tudo perca o sentido.

"Se Beber, Não Case" é recomendação máxima. Exemplo de comédia bem feita, e na minha opinião pode ser o início de uma boa safra de filmes do estilo.

RESENHA: "Sorry, haters"

analibia_17@hotmail.com (Ana Fernandes) — Wed, 19 Aug 2009 01:21:00 +0000

Particularmente, conheço poucos filmes interessantes que retratem a atmosfera de histeria xenofóbica que varreu os E.U.A como uma onda depois dos atentados ao World Trade Center. Entretanto, o cinema independente mais uma vez me presenteou com um daqueles filmes que, na sua roupagem absolutamente não-convencional, expoem muito da realidade de modo figurativizado. E assim funciona o inusitado longa de Jeff Stanzler, originalmente intitulado "Sorry, haters" - que por aqui ganhou o péssimo título "Esperança e preconceito".

Para quem não está habituado ao gênero cult, o filme pode parecer um puta choque. Aliado ao fator imprevisibilidade do começo ao fim, manobrando com destreza a instabilidade que dá o tom dos prontagonistas da trama, "Sorry, haters" é um filme pungentemente doloroso e crivado de mentiras; um kamikaze emocional que faz uma afiada crítica, com requintes de escárnio, sobre onde estava o real perigo naquela Nova Yorque hostil e traumatizada pós 2001.

Tudo começa quando o taxista sírio Ashade, vivido pelo estranhamente sexy (desculpem, não sou de ferro) Abdel Kachiche dá uma corrida 'a problemática Philly. Inquieta, tensa, e pertubadoramente inquisitivo-invasiva, Phoebe, ops, Philly vai desdobrando o mundo de Ashade e, paulatinamente ganhando sua confiança por mostrar um interesse muito solidário pelo fato de se propor a ajudar seu irmão, que fora injustamente levado a Guantánamo, deixando ilegalmente no país sua cunhada Eloise e seu sobrinho bebê. Tudo bem, até que eventos estranhos envolvendo começam a se desenrolar envolvendo a pretensiosa mão de Philly, desencadeando uma cíclica de caos na vida de Ashade.

Praticamente sem trilha sonora, a película se vale de toda emoção que suas seqüências frenéticas e muito carregadas de subliminaridade podem sucitar nos telespectadores. O filme inteiro parece ter sido rodado num só take, salvo alguns intervalos bem distribuídos, onde estão salpicados uma Sandra Oh aqui, um Jerry O' Connell ali, discretamente. A saber: não vá procurar por politização, pelo menos explícita, em "Sorry, haters": esta é uma produção apartidária, e a questão 11 de setembro só vai se revelar aos olhos mais atentos, lá pelos 47 do segundo tempo.

Bom filme!

O Contador de Histórias

lcmartino@gmail.com (Luís C. Martino Jr) — Mon, 17 Aug 2009 12:44:00 +0000

"O Contador de Histórias" é a biografia do mineiro Roberto Carlos Ramos e foi dirigido por Luiz Villaça. O Filme que conta a tragetória de Roberto desde que foi parar na FEBEM, passando por suas fugas, aventuras e conquistas. O filme é narrado pelo próprio Roberto, o que dá um ar de veracidade ainda maior aos capítulos retratados.

A história gira em torno da relação de Roberto (ainda criança) com Margherit, que adota o rapaz e aos poucos vai tirando o menino das ruas e afastando-o do estigma adquirido quando ainda era um interno da FEBEM.

Grande parte do filme é baseada em diálogos diversos entre Margherit e Roberto o que pode tornar a experiência do filme levemente massante, mas algumas cenas mais corridas são estratégicamente posicionadas (apesar de alguns cortes repentinos e sem sentido), como as que Roberto se depara com personagens que faziam parte de sua vida na rua.

No geral o filme faz jus a uma biografia com final feliz, principalmente pelas fortes cenas iniciais que fazem a revira-volta se tornar ainda mais esperada e deixa qualquer um se perguntando qual será destino de Roberto afinal.