Pensamentos Pedroso®

Série: Sons of Anarchy (SoA)

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Thu, 16 Dec 2010 10:31:49 PST

Baseado no clássico de William Shakespeare (Hamlet), muito embora a trama ainda não tenha se desdobrado nesse sentindo, Sons of Anarchy teve um início memorável, para aquela que certamente é uma das melhores séries produzidas nos últimos anos. Afinal, o que será mais importante: lutar por aquilo que acreditamos ou deixar que nos guiem por caminhos que não escolhemos, independentemente destes "caminhos" e/ou escolhas serem moralmente correto ou não?

Sons of Anarchy Motorcycle Club, trata sobre um clube de motociclistas que estão permanentemente envolvidos em questões ilegais, mas vivem sob a fachada de um clube de motos e de uma oficina mecânica, onde traficam armas e realizam outros negócios ilegais. A “família”, terminologia utilizada pelos seus membros, possui um código próprio de honra, justiça e conduta, e a partir disso, fazem de tudo para manter a pequena cidade onde vivem (Charming), a salvo de qualquer ameaça, bem como livre da violência, das drogas e do progresso.

O grupo de motociclistas, de certa forma, assegura a proteção da cidade (do seu modo), realizando o trabalho sujo necessário para garantir o êxito nessa missão, não faltando inclusive incursões ao mundo do tráfico de drogas, prostituição e de armas. Clarence "Clay" Morrow, o atual presidente do clube, conduz a entidade com braço de ferro, o que parece estar despertando dúvidas em Jackson "Jax" Teller, futuro sucessor de Clay na presidência do clube.

Essas dúvidas estão diretamente ligadas à descoberta de antigos documentos redigidos pelo seu progenitor (John Teller), fundador do clube ao lado de Clay. A ideia inicial do clube era bastante simples e bem diferente do atual rumo tomado pelo Sons of Anarchy.

Há outra figura importantíssima na trama, Gemma Teller Morrow (mãe de Jax). Ela se casou com Clay após a morte de John Teller, seu ex-marido. E é aqui que a trama atinge o seu apogeu: Gemma não é apenas a "mãe" porra-louca e determinada que aparenta ser. Ela é quem parece estar verdadeiramente à frente do clube/família, sendo o verdadeiro pilar que sustenta toda essa complexa estrutura, bem como suas ramificações. Espera-se, portanto, um confronto ferrenho entre mãe e filho (Gemma e Jax), no transcorrer do seriado.

Sons of Anarchy conta com uma boa dose de ação, um argumento muito bem estruturado, além da excelente trilha sonora: Curtis Stigers & The Forest Rangers; The Black Keys; Fu Manchu; Sasquatch; Black Mountain; Five Horse Johnson; The Toadies…

É, em suma, um excelente seriado. Recomendo!

O canal de TV FX anunciou a renovação da série. A 4ª temporada,

com 13 novos episódios, terá sua exibição a partir de 2011.

The Cove - A Enseada (2009)

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 23 Oct 2010 11:53:23 PDT

The Cove é um daqueles documentários impactantes. Ele tem tudo para ser o assunto nos próximos meses, e ficar tão conhecido como um daqueles docs do Michael Moore, só pra citar um exemplo recente.

A Enseada (tradução para o português), ainda não há previsão para sua estreia nos cinemas brasileiros. Essa enseada fica na baía de Taiji, no Japão, uma cidade que, à primeira vista, parece glorificar os golfinhos e baleias, com diversos monumentos, passeios turísticos, museus, etc. Pura ilusão. Taiji é o local onde existe a maior matança de golfinhos na atualidade - e tudo financiado pelo principal museu de lá.

Por ano, em todo o Japão, são mortos mais de 23 mil golfinhos. Outros tantos são mantidos vivos e vão parar em aquários de todo mundo, ao custo de 150 mil dólares cada.

Quem alerta para esses absurdos é Richard O’Barry, que ficou conhecido nos anos 60 como o treinador do Flipper. O’Barry se sente um pouco responsável pelo destino dos golfinhos. Ele acredite que por influência do seriado Flipper a exploração dos golfinhos em cativeiro tenha tomado tal dimensão.

A grande luta dos realizadores deste documentário é que a IWC - International Whaling Commission, comissão reconhecida pela ONU para proteção e preservação das baleias, inclua também os golfinhos. Mesmo eles sendo pequenos cetáceos, ou seja, mini-baleias, inexplicavelmente não são incluídos nesse programa de proteção.

Para contar essa história, o diretor do documentário Louie Psihoyos, fotógrafo da National Geographic, e também cofundador da Oceanic Preservation Society, precisava das imagens desse constante massacre, que acontece todo ano na enseada de Taiji.

Até hoje, ninguém havia conseguido filmar nem fotografar nada. A posição geográfica do local favorece a carnificina e, dificulta a captação de imagens, além da comunidade local barrar todos aqueles que queiram atrapalhar o "trabalho".

É aí que começa a “aventura”. Para documentar a matança, o diretor Psihoyos montou uma grande equipe, com diversos especialistas, entre eles dois dos melhores mergulhadores do mundo, um praticante de esportes radicais, e um perito da Industrial Light and Magic que, junto de sua equipe, cria diversas pedras artificiais (ocas), onde são escondidas todo tipo de câmera.

Além das pedras, foram usados hidrofones, ninhos de passarinho cenográficos, um pequeno balão e um helicóptero de controle remoto para as imagens aéreas.

Nos minutos finais, apenas o som ambiente... Não precisa de narrador, legenda, nenhum tipo de informação. As imagens dizem tudo. E chocam!

Depois de assistir a esse documentário, tenho certeza que tu vais pensar duas vezes antes de comprar um ingresso para o "maravilhoso" show da Sea World.

Mais informações: http://www.takepart.com/thecove

The Cove - Trailer

Tropa de Elite 2 - O inimigo agora é outro

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Mon, 11 Oct 2010 18:02:36 PDT

No último final de semana tive a oportunidade de assistir o tão aguardado Tropa de Elite 2, e a pergunta era: será que a continuação do filme conseguirá ser tão bacana quanto o primeiro? Eu arrisco: não é só tão bom quanto; é melhor, mais intenso, mais urgente, mais incendiário, mais brilhante. Não é uma continuação feita por dinheiro: é uma necessária resposta àqueles que taxaram Tropa 1 como fascista e retrógrado. Se no primeiro filme tínhamos uma tese, aqui temos uma antítese e, talvez, uma síntese.

Tropa de Elite 2 é simplesmente sensacional. Em todos os sentidos, é maior do que o seu predecessor. Além de mais empolgante, é mais complexo, elaborado e aumenta a mítica em torno dos seus personagens -- especialmente o Capitão (agora Coronel) Nascimento. É bom não comentar muito a história: basta saber que Nascimento começa o filme como comandante do BOPE, sendo retirado do posto e colocado num cargo executivo dentro da Secretaria de Segurança do Rio de Janeiro. Lá, se envolverá com a política local e acompanhará o nascimento das milícias armadas nas favelas cariocas.

Esta sinopse aparentemente simples não dá conta da complexidade da história. Como numa espécie de ópera, cada novo acontecimento na narrativa deixa o filme mais tenso, ao ponto de torcermos desesperadamente pelos mocinhos e odiar profundamente os (muitos) vilões.

O prólogo intrigante que abre Tropa 2 já escancara o sentimento de urgência que vai num crescendo poderoso e inexorável até o seu final. Após os créditos com cenas do filme anterior, caímos num primeiro ato absolutamente intenso, que mostra uma rebelião em Bangu 1. Estes primeiros 20 e tantos minutos servem apenas de preparação para a trama de fato (o surgimento das milícias), mas é essencial para estabelecer o tom e o clima do filme.

O que nos é apresentado a partir daí é uma daquelas sagas de combate ao crime que faz o espectador ficar na ponta da cadeira, num sentimento de torcida e indignação insuperáveis. Acredito que jamais tenha havido no Brasil um filme que tratasse desta forma a luta heroica contra a criminalidade em todos os escalões da sociedade.

O filme inteiro gira ao redor de Nascimento, por quem somos brindados com uma interpretação inesquecível de Wagner Moura. Se ele já transformara o policial truculento de Tropa 1 num dos grandes personagens do nosso cinema, aqui ele o eleva a um dos maiores heróis (ou anti-heróis). Moura faz um Nascimento que começa a ficar consciente de que, no fim das contas, ele é parte do tal "sistema" contra o qual ele afirma lutar. Esta consciência é sucedida por uma solidão que Moura interpreta magistralmente, comovendo o público de maneira única.

Aliás, solidão é a palavra de ordem do personagem. Seus atos o afastam da família, da corporação, dos amigos, da justiça, e ele se cerca de antagonistas por todos os lados. A começar pelo seu adversário ideológico Fraga (provavelmente baseado no histórico de militância do Deputado Estadual Marcelo Freixo), um professor de história que representa o contrário daquilo que o policial acredita -- e o faz com argumentos igualmente incisivos. Fraga é também, como descobrimos ainda no início da trama, um inimigo emocional do oficial do BOPE.

Por sinal, tudo que fez sucesso na película de 2007 retorna -- o policial idealista Mathias (feito por um André Ramiro mais maduro), a tortura com o saco plástico, etc. Mas estes elementos familiares são dispostos inteligentemente no decorrer da história, nunca de maneira gratuita e sempre num novo contexto. Por sinal, o texto não cai na tentação fácil de tentar criar novos bordões como "pede para sair": o que importa mesmo é a força da história.

Não é necessária muita imaginação para saber que o texto de Tropa 2 distribui bordoadas para todos os lados. Ninguém é poupado no julgamento dos realizadores: polícia, governo, mídia. Pouco antes do encerramento, a conclusão final: um sobrevoo por Brasília e uma pergunta em off de Nascimento que é uma verdadeira porrada no estômago do espectador. O filme faz com que o espectador se sinta parte de todo aquele universo nem tão ficcional (como já aparece escrito na tela bem no início da projeção), num desfecho inteligente e marcante.

Eu me pergunto o que aconteceria se Tropa de Elite 2 estreasse antes das eleições do último dia 3, com uma distribuição histórica em todo o território nacional. Certamente teria colocado fogo no Rio de Janeiro -- e no país.

Tropa de Elite 2 - Trailer Oficial (HD)

Van Halen + RHCP + Satriani = Chickenfoot

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 02 Oct 2010 12:17:22 PDT

O supergrupo formado por Sammy Hagar e Michael Anthony, do Van Halen, Chad Smith, do Red Hot Chili Peppers, e Joe Satriani, fez renascer o hard rock nos anos 2000?

A alcunha supergrupo, apesar de batida, cai como uma luva ao Chickenfoot, tanto pelos nomes envolvidos, quanto pela imensa expectativa que o grupo gerou, afinal estamos falando de quatro caras que já fizeram história no rock.

O primeiro álbum do Chickenfoot, agradou em cheio. Muito bem gravado, com uma sonoridade de guitarra espetacular, a banda chega próxima ao que o Van Halen fez de melhor há duas décadas. Sim, não é exagero. A banda demonstra boa sintonia (como se tocassem juntos há anos), mandam muito bem, apresentando um som viril e uma excelente forma por parte dos seus integrantes.

A faixa "Sexy Little Thing", é muito bacana (mesmo que tenha um certo apelo comercial), mas nessa faixa é possível notar as características do som de cada integrante - como por exemplo: a jogada de pratos de Chad Smith, os fraseados de Satriani, sem falar no belo trabalho realizado pelo baixo do Sr. Michael Anthony.

O som inconfundível da guitarra de Satriani, é um capítulo à parte. Além das excelentes melodias - que sempre lhe foram marca registrada -, riffs fortes e uma sequência de interludes muito bacana. Além de abusar das dobras, Satriani utiliza efeitos com perfeição, como em "Runnin Out", por exemplo. Prova disso é a forte "Get it Up", que, além de um início avassalador, une momentos de transição psicodélica e, solos de guitarra matadores.

Uma das gratas surpresas é o vocalista Sammy Hagar. Ele sempre dividiu opiniões quando o assunto era sua carreira pós-Van Halen. E mesmo que não fosse tão óbvio, Sammy parece um estreante (no bom sentido), tamanha energia que impõe. E sim, lembra muito Van Halen, principalmente em faixas como "Kinda Girl" ou "Down the Drain". Mantendo o ritmo, "Future In the Past", com título bem apropriado ao grupo, fecha esse excelente trabalho.

Embora seja impossível fazer previsões quanto ao futuro do Chickenfoot - mesmo porque, na maioria das ocasiões esse tipo de projeto não costuma durar muito tempo... mesmo assim já terá valido a pena pela honestidade da proposta, em ter surgido como uma dose de oxigênio à vitalidade que o hard rock tanto procurava.

Chickenfoot (2009)

No último final de semana, tive a oportunidade de assistir o excelente DVD da Chickenfoot (Get Your Buzz on Live). RECOMENDO!

Chickenfoot - Get Your Buzz on Live (2010)

Discos Essenciais - nº 010

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 15 Sep 2010 10:38:22 PDT

John Coltrane - A Love Supreme (1965)

A Love Supreme, o poema definitivo de Coltrane, foi seu quinto álbum para o famoso selo de indie jazz Impulse!, depois de um período na gravadora Atlantic, especializada em R&B. Em suas investidas anteriores, ele ziguezagueou pela história do jazz - participou das inovações de Miles Davis; mergulhou na "New Thing"; gravou uma série de baladas, numa parceria improvável com o crooner Johnny Hartman; reuniu uma orquestra fenomenal para o disco Africa/Brass; e chegou a dividir espaço com Duke Ellington.

Em 1962, no entanto, Coltrane já tinha desenvolvido um tipo de jazz modal que indicava escalas indianas e árabes, mantendo um foco espiritual apaixonado. Enquanto ele falava a língua do sax soprano e tenor, seu legendário quarteto o acompanhava num hard bop que levava à Índia e à África, ao soul e até mesmo à música psicodélica.

A Love Supreme consegue o raro feito de não fazer qualquer concessão e, ainda assim, ser totalmente acessível. A insistente linha de quatro notas do baixo de Jimmy Garrison que inicia "Acknowledgement" ("a LOVE su-PREME") funciona como um leitmotif, constantemente reafirmado, explorado e mutilado tanto pelo sax tenor como pelos mágicos vocais. "Resolution" leva a um Coltrane mais familiar, complementado pela bateria de Elvin Jones (que soa como se fosse um solo, sem perder sua batida sólida), enquanto a coda do álbum, "Psalm", é uma oração instrumental.

Este disco é uma viagem quase perfeita ao despertar da consciência, à compreensão do mundo e à iluminação espiritual.

Os músicos:

John Coltrane - tenor saxofone

Jimmy Garrison - double bass

Elvin Jones - drums

McCoy Tyner - piano

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

	Disco 1 - (Deluxe Edition)
01	Part 1 - Acknowledgement
02	Part 2 - Resolution
03	Part 3 - Pursuance
04	Part 4 - Psalm
	Disco 2 - (Deluxe Edition)
01	Introduction by André Francis
02	Part 1 - Acknowledgement
03	Part 2 - Resolution
04	Part 3 - Pursuance
05	Part 4 - Psalm
06	Part 2 - Resolution
07	Part 2 - Resolution
08	Part 1 - Acknowledgement
09	Part 1 - Acknowledgement

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Um prêmio que envergonha

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Mon, 30 Aug 2010 19:30:15 PDT

Por Regis Tadeu
Jornalista e crítico musical
Matéria publicada originalmente no site Yahoo!

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Minha falecida mãezinha – cujo doce espírito deve estar neste exato momento sentado ao meu lado, lendo estas mal traçadas linhas – sempre dizia que “o pior cego é aquele que não quer ver o que acontece ao seu redor”. Estas sábias palavras ecoam na minha cabeça depois de assistir a uma das mais patéticas atrações televisivas dos últimos tempos.

Certa vez, escrevi aqui mesmo no Yahoo! Brasil um texto chamado “Prêmios não servem para nada”, mas tenho que admitir que mudei de opinião depois de assistir às grotescas cenas ocorridas durante aquilo que deveria ser um dos maiores eventos da música brasileira – o Prêmio Multishow 2010 – que ocorreu na semana passada. A julgar por aquilo que vi ali, um prêmio também serve para envergonhar um País inteiro.

A começar por uma série de inacreditáveis falhas de organização, dignas de um show de quermesse de oitava categoria. “Patético” talvez seja o melhor adjetivo que posso encontrar para definir o evento, um verdadeiro antro de felicidade de plástico, exibicionismo canhestro, premiações absurdas e o que é pior: um retrato límpido e cristalino do que chamamos hoje de “juventude televisiva”.

É isso o que dá organizar uma premiação em que o vencedor é escolhido pelo público. Sem nenhum controle, o resultado é baseado na ação tresloucada dos fãs clubes, formados em sua maioria por débeis mentais que passam semanas inteiras votando em seus objetos de paixão, até ficarem com o dedo em carne viva de tanto teclar no telefone. Imagine o desespero dos pais na hora que chega a conta… Isso sem contar o fato de que certos artistas contratam empresas especializadas em fazer o serviço das ligações – como você acha que certos zé-manés e pseudoartistas ganham os reality shows da vida?

Mesmo o telespectador normal, que só ouve música quando toca na rádio ou quando assiste a um desses programas dominicais, ficou incrédulo, perguntando a si mesmo se realmente foram aquelas pessoas que se destacaram na música brasileira nos últimos dois anos.

Banda Restart recebe prêmio durante o Prêmio Multishow/Austral Foto/Renzo Gostoli

O constrangimento começava com a dupla de apresentadores, Bruno Mazzeo e Fernanda Torres, que aparentavam estar com uma enorme vontade de estarem longe dali, talvez em uma sessão de teatro ou até mesmo em um churrasco. Fernanda chegou ao cúmulo da desatenção ao chamar ao palco para receber um prêmio artistas que, na verdade, ganhariam em outras categorias até então não anunciadas. Além disso, ignorou a presença do saxofonista de Ivete Sangalo no palco. Veja o vídeo:

O músico estava ali para representar a cantora baiana no recebimento de um prêmio – até mesmo Ivete sacou que seria uma “roubada” participar desta presepada –, mas Fernanda ratou de chamar logo os próximos convidados, talvez ansiosa por sair dali o mais rápido possível.

Já Bruno Mazzeo anunciou uma apresentação de Claudia Leitte e Victor & Leo sem que os cantores estivessem prontos para entrar em cena, o que o levou a improvisar um ridículo stand up comedy ao vivo – se bem que ouvir a versão que a cantora e a dupla fizeram de “Pais e Filhos”, da Legião Urbana, foi um troço muito pior. E os Titãs, então, que foram “homenageados” na cerimônia por uma banda de mulheres que começou a tocar sem que a vocalista escalada, Maria Gadu, estivesse no palco? Uma bagunça total!

Nem vou perder o meu tempo – e desperdiçar o seu – comentando sobre os disparates nas premiações, representadas por um troféu horroroso, que mais parecia um halter de plástico, que a produção deve ter comprado aos quilos nas “lojinhas de R$ 1,99” espalhadas por qualquer capital, mas… Olha, premiar Rodrigo Tavares, o baixista do Fresno, como “Melhor Instrumentista”, foi um escárnio tão grande que mesmo o ganhador se sentiu envergonhado com a escolha. Foi o mesmo que dar o prêmio de “Melhor Carnívoro” a uma capivara… E ver um manifesto clássico como “I Love Rock and Roll”, da Joan Jett, ser massacrado pelos caras do Cine junto com uma tal de Lu Alone. Deu vontade de sair por aí recolhendo todas as giletes do meu bairro, tão preocupado fiquei com um possível surto de suicídios coletivos.

A verdade é que há tempos tais premiações se transformaram em um balaio de gente que só faz “tipinho” em frente às câmeras – embora alguns também façam o mesmo na vida real, o que é ainda mais ridículo. É o tipo de coisa que só encontra eco em cérebros desmiolados, que ainda se impressionam com o “mesmo de sempre”, que passam grande parte de suas medíocres vidas a sentar suas bundas gordas e flácidas na frente da TV ou do computador e receber doses maciças de imbecilidade.

Ainda bem que você não é assim, né? Não é? Hein?

Dono da América, de novo!

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Fri, 20 Aug 2010 11:41:15 PDT

Na última quarta-feira (18), o Internacional venceu o Chivas Guadalajara por 3 x 2 e conquistou pela segunda vez a Libertadores da América. A primeira vez fora em 2006. O clube chegou à final aos trancos e barrancos, perdendo jogos nas oitavas (Banfield), quartas (Estudiantes) e semifinais (São Paulo), mas sempre garantindo a classificação com resultados positivos (vitórias) no Beira-Rio.

O primeiro jogo da final, disputado no México, e vencido pelo Internacional (2 x 1), garantiu uma bela vantagem para o jogo da volta, no Beira-Rio, pois bastaria um simples empate para o Internacional sagrar-se campeão. O confronto teve inicio desde a execução dos hinos. Após o hino do México (tocaram apenas uma introdução), o meio-campo Bautista, do Chivas, resolveu desrespeitar o protocolo, e de forma provocativa partiu para um solitário aquecimento. O fato irritou profundamente a torcida e chamou a atenção dos jogadores colorados.

Iniciado o jogo, o que se viu foi um Chivas cometendo muitas faltas – levou quatro cartões amarelos contra nenhum do Internacional – e paradoxalmente procurando ganhar tempo, como se estivesse em vantagem. A estratégia da equipe mexicana parece ter anestesiado os gaúchos – time e torcida –, que realizaram um péssimo primeiro tempo, e ainda levaram um belo gol de Fabián, aos 42 minutos.

A segunda etapa iniciou após considerável atraso dos mexicanos, que apostavam firme em perturbar o adversário. O Internacional parecia ter voltado para os 45 minutos finais com ânimo e concentração renovados, além do acerto em relação a disposição tática da equipe, que não esteve nada bem na primeira etapa.

O gol de empate ainda demorou 16 minutos. O lateral Kléber (de excelente atuação), fez um cruzamento milimétrico da esquerda para Rafael Sobis, que se antecipou ao goleiro Michel para desviar para as redes.

A partir de então, o Internacional voltou a apresentar um bom futebol. Depois do empate, Giuliano entrou no lugar de Taison e Leandro Damião no de Rafael Sobis, o que ampliou o domínio colorado. Leandro Damião foi quem marcou o segundo gol do Inter, aos 30 minutos: o jogador (Damião) escapou pelo meio, passando pelo violento zagueiro Reynoso, com o velho drible da vaca, avançando cerca de 50 metros até bater forte para marcar o gol.

O Beira-Rio era uma festa quando Giuliano repetiu o que fez durante toda a Libertadores. Com categoria e calma de um jogador veterano, o excelente meia recebeu na entrada da área, passou como quis entre dois marcadores e deu um lindo toque por cobertura na saída de Michel. Mais um golaço do artilheiro do Internacional na competição.

Nos acréscimos, após cobrança de falta de Bautista, Omar Bravo aproveitou rebote (a bola havia batido no poste) chutando para o gol e descontando. O apito final de Oscar Ruiz, veio na sequência, sacramentando a conquista colorada.

Ainda houve cenas de pancadaria entre os jogadores das duas equipes, que logo terminaram e deram lugar à comemoração. O início da confusão teria girado em torno do zagueiro Reynoso, que teria agredido alguém (torcedor/jogador) do lado colorado.

Ao Internacional Bicampeão da América, que mesmo sem possuir uma equipe tão brilhante como a de outros momentos, conseguiu novamente a façanha de colorir a América de vermelho, de forma incontestável.

Fica aqui registrado os cumprimentos ao Bicampeão da América, e o imenso orgulho que tenho em ser Colorado!!!

Internacional 3 x 2 Chivas Guadalajara

Internacional: Renan; Nei, Bolívar, Índio e Kleber; Sandro e Guiñazu; D'Alessandro, Tinga (Wilson Matias) e Taison (Giuliano); Rafael Sobis (Leandro Damião). Técnico: Celso Roth

Chivas Guadalajara: Michel; Magallón, Reynoso, De Luna e Ponce (Escalante); Báez (Vázquez) e Araujo; Fabián, Bautista e Arellano; Omar Bravo. Técnico: José Luis Real

Cartões amarelos

Internacional: Bolívar

Chivas Guadalajara: De Luna, Fabián, Bautista e Omar Bravo

Cartão vermelho

Chivas Guadalajara: Arellano

Gols: Internacional: Rafael Sobis, aos 16min, Leandro Damião, aos 30min, e Giuliano, aos 45min do 2º tempo / Chivas Guadalajara: Fabián, aos 42min do 1º tempo, e Omar Bravo, aos 47min do 2º tempo.

Discos Essenciais - nº 009

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Thu, 19 Aug 2010 08:52:52 PDT

James Brown - Live At The Apollo (1963)

Seu apelido, "o cara que mais trabalha no show business", caía tão bem nele quanto a famosa roupa colante que usava no palco. Os primeiros hits de James Brown tinham sido alavancados por um regime incessante de shows: em 1962, ele fazia uma média de 300 espetáculos por ano. A entusiasmada resposta da plateia às suas apresentações fez com que ele levasse ao dono do selo, Syd Nathan, a ideia de lançar um disco ao vivo. Quando Syd recusou a proposta, Brown seguiu em frente sozinho, gastando US$ 55.700 do seu próprio bolso para gravar uma sessão no Apollo Theater, no Harlem, em outubro de 1962. Nathan acabou lançando o disco, com relutância - e Brown recuperou o investimento e ainda ganhou mais dinheiro.

Não há gordura no disco. Brown e o diretor musical Lewis Hamlin ensaiaram a banda até chegar a uma imaculada e feroz precisão; quase não há espaço para o naipe de oito metais tomar fôlego. O grupo detona quatro sucessos num piscar de olhos antes de baixar o tom no gospel da extraordinária "Lost Someone". Quando o show parece se aproximar de um clímax explosivo, Brown embala num medley de nove hits e, deixa o palco, voltando para a agitadíssima "Night Train". A plateia responde aos gritos. Ninguém entende por que Nathan achou melhor usar aplausos gravados no disco original.

Live At The Apollo foi um fenômeno, chegando ao segundo lugar na parada da Billboard. Dois anos depois, Brown lançou o funk e começou a acumular a maior coleção de apelidos do mundo da música.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Introduction To James Brown and The Famous Flames (by Fats Gonder)
02	I'll Go Crazy
03	Try Me
04	Think
05	I Don’t Mind
06	Lost Someone
07	Medley: Please, Please, Please / You’ve Got The Power / I Found Someone / Why Do You Do Me / I Want You So Bad / I Love You, Yes I Do / Strange Things Happen / Bewildered / Please, Please, Please
08	Night Train
	Deluxe Edition (2004)
09	Think (Single Mix, Radio Promo Version)
10	Medley: I Found Someone / Why Do You Do Me / I Want You So Bad (Single Mix)
11	Lost Someone (Single Mix)
12	I’ll Go Crazy (Single Mix)

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Vinte anos sem Cazuza

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 07 Jul 2010 12:35:41 PDT

Há vinte anos (07.07.1990), morria um dos grandes nomes da música brasileira, Cazuza. Não escreverei sobre a vida e obra deste grande artista, mas faço questão de lembrar a data do seu falecimento, assim como deixar demais informações sobre o belo trabalho realizado até hoje, pela ONG Sociedade Viva Cazuza.

Sociedade Viva Cazuza - CNPJ 39.418.470/0001-05

Rua Pinheiro Machado, nº 39 - Laranjeiras

CEP: 22231-090 Rio de Janeiro - RJ

Fone: (55 21) 2551-5368 / Fax: (55 21) 2553-0444

E-mail: vivacazuza@vivacazuza.org.br | Twitter: @VivaCazuza

Cazuza - Ideologia

Discos Essenciais - nº 008

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 03 Jul 2010 14:28:28 PDT

Bob Dylan - The Freewheelin' (1963)

Se a música folk (em inglês) foi o pilar da cultura americana nos anos 50 e 60, ninguém incorporou as tensões da época tão bem quanto Bob Dylan. E The Freewheelin' foi particularmente responsável por firmar sua fama de cantor e compositor de técnica quase perfeita, na narrativa e no humor.

O álbum sublima o compromisso de Dylan com as mudanças sociais (a capa mostra Dylan com sua namorada da época, Suze Rotolo, caminhando por Greenwich Village, onde atraiu atenção pela primeira vez como cantor de folk). Uma trilogia de músicas do disco - "Blowin' In The Wind", "A Hard Rain's A-Gonna Fall" e "Masters Of War" - parecia englobar o desejo de mudança de toda uma geração. As três permanecem, em muitos aspectos, como as canções mais duradouras de Dylan, regravadas por artistas de todos os gêneros, incluindo o rap, o reggae e o country.

Como sempre, Dylan se desviou do caminho para desafiar as classificações musicais - estabelecendo esse padrão para o resto de sua carreira. Em músicas como "Don't Think Twice, It's All Right" e a sublime "Girl From The North Country", ele joga com a temática de amor trágico das baladas, o surrealismo e até mesmo a comédia. Nesse aspecto, no mínimo, The Freewheelin' deve muito ao trabalho de uma pessoa que o inspirou desde o início: Woody Guthrie. Essas músicas igualmente ignoram a embalagem colorida da sociedade americana, preferindo se identificar com as massas oprimidas do campo. Dessa forma, o álbum pode ser visto como um manifesto.

Apesar de Dylan lamentar o rótulo de porta-voz de sua geração, The Freewheelin', é uma rara evocação de uma época em seu país.

"Jamais quis ser um profeta ou salvador." Bob Dylan, 2004.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Blowin' In The Wind
02	Girl From The North Country
03	Masters Os War
04	Down The Highway
05	Bob Dylan's Blues
06	A Hard Rain's A-Gonna Fall
07	Don't Think Twice, It's All Right
08	Bob Dylan's Dream
09	Oxford Town
10	Talking World War III Blues
11	Corrina Corrina
12	Honey, Just Allow Me One More Chance
13	I Shall Be Free

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Dunga x TV Globo

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 23 Jun 2010 15:04:10 PDT

Verificando meus e-mails agora pela manhã, recebi um que relatava os "reais" motivos da briga entre Dunga e a TV Globo. Resolvi reproduzi-lo na integra (abaixo), mas quero fazer algumas considerações.

Mesmo no caso do texto abaixo retratar a mais pura verdade (e acredito que sim), em nada justifica a postura adotada por Dunga na entrevista coletiva, onde demonstrou desequilíbrio, ignorância e uma tremenda falta de educação com todos.

Outra coisa: desde os tempos de militância político-partidária, nunca acreditei que para defender argumentos, sejam eles quais forem, tu necessariamente precisas atacar e desqualificar o teu opositor, portanto, não concordo com os adjetivos proferidos à jornalista citada.

Outro elemento importante para não esquecermos: a CBF e a TV Globo sempre foram parceiras e, acredito que continuarão sendo...

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Quem assistiu ontem(domingo) ao Fantástico, viu o ataque veemente ao treinador Dunga pelo seguinte motivo:

O Jornal O Globo em sua primeira página da edição quarta feira 16 de junho de 2010, desce a lenha na seleção e principalmente no seu treinador.

Qual a razão dessa súbita mudança de comportamento ?

Vamos aos fatos :

Segunda feira, véspera do jogo de estréia da seleção brasileira contra a Coréia do Norte,por volta de 11 horas da manhã, hora local na África do Sul.

Eis que de repente, aportam na entrada da concentração do Brasil, dona Fátima Bernardes, toda-poderosa Primeira Dama do jornalismo televisivo, acompanhada do repórter Tino Marcos e mais uma equipe completa de filmagem, iluminação etc.

Indagada pelo chefe de segurança do que se tratava, a dominadora esposa do chefão William Bonner sentenciou :

“Estamos aqui para fazer uma REPORTAGEM EXCLUSIVA para a TV Globo, com o treinador e alguns jogadores…”

Comunicado do fato, o técnico Dunga, PESSOALMENTE dirigiu-se ao portão e após ouvir da sra. Fátima o mesmo blá-blá-blá, foi incisivo, curto e grosso, como convém a uma pessoa da sua formação.

“Me desculpe, minha senhora, mas aqui não tem essa de “REPORTAGEM EXCLUSIVA” para a rede Globo. Ou a gente fala pra todas as emissoras de TV ou não fala pra nenhuma…”

Brilhante !!! Pela vez primeira em mais de 40 anos, um brasileiro peitava publicamente a Vênus Platinada !!!

“Mas… prosseguiu dona Fátima - esse acordo foi feito ontem entre o Renato ( Maurício Prado, chefe de redação de Esportes de O Globo ) e o Presidente Ricardo Teixeira. Tenho autorização para realizar a matéria”.

- Não tem autorização nem meia autorização, aqui nesse espaço eu é que resolvo o que é melhor para a minha equipe. E com licença que eu tenho mais o que fazer. E pode mandar dizer pro Ricardo ( Teixeira ) que se ele quer insistir com isso, eu entrego o cargo agora mesmo!”

O treinador então virou as costas para a supra sumo do pedantismo e saiu sem ao menos se despedir.

Dunga pode até perder a classificação, a Copa , seu time pode até tomar uma goleada, mas sua atitude passa à história como um exemplo de coragem e independência”.

ABAIXO O LINK ORIGINAL DO TEXTO.

http://botafogoemdebate.forumeiros.com/coluna-do-jim-f1/dunga-mesmo-se-perder-de-goleada-j-e-um-vencedor-t1395.htm

Discos Essenciais - nº 007

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Mon, 21 Jun 2010 10:15:40 PDT

Ray Charles - Modern Sounds in Country and Western Music (1962)

Talvez seja difícil, nos dias de hoje, imaginar o choque que este disco deve ter causado em 1962: um cantor de R&B negro e de estilo marcante, cantando Hank Williams e Don Gibson (em inglês), 18 meses antes de Martin Luther King ter seu sonho. Mas, se esse choque foi absorvido nas últimas quatro décadas, a qualidade de Modern Sounds in Country and Western Music permanece cristalina desde os primeiros e irresistíveis compassos de "Bye Bye Love", a música de abertura.

Nenhum disco antes de Modern Sounds... - e muito poucos, depois - misturou soul e sentimentalismo de forma tão eficiente. Note-se a maneira como a voz sofrida de Charles rebate o coro tradicional de "I Can't Stop Loving You", de Gibson, lançada com relutância em single. Charles fez o disco contra a vontade da gravadora, pois queria que o álbum fosse tratado como um trabalho coeso, mas o single acabou vendendo um milhão de cópias. A dor que transparece em sua voz é irrestrita na perene "Born To Lose", mas o bom de Charles é que ele não explora isso à exaustão. Quase sussurra o tempo inteiro em "I Love You So Much It Hurts", de Floyd Tillman (em inglês), mas trata "Just A Little Lovin", de Eddy Arnold (em inglês), como um flerte casual, com uma afinadíssima seção rítmica acrescentando um certo atrevimento ao que era, na gravação de Arnold, pouco mais do que uma piscadela para alguém do outro lado da pista de dança.

Por todo o álbum, o arranjo de cordas de Marty Paich fica do lado certo da linha que separa o sentimental do piegas; há ainda a participação de big bands comandadas por Gil Fuller e, especialmente, Gerald Wilson. O LP ficou 14 semanas em primeiro lugar nas paradas dos Estados Unidos.

"...se eu tocar direito, devo ganhar mais (fãs) do que perder." Ray Charles, 1962.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Bye Bye Love
02	You Don't Know Me
03	Half As Much
04	I Love You So Much It Hurts
05	Just A Little Lovin'
06	Born To Lose
07	Worried Mind
08	It Makes No Difference Now
09	You Win Again
10	Careless Love
11	I Can't Stop Loving You
12	Hey, Good Lookin'

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Discos Essenciais - nº 006

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 12 Jun 2010 07:28:44 PDT

Muddy Waters At Newport (1960)

Muddy Waters passou boa parte dos anos 50 nas paradas de R&B, com hits como "Rollin' and Tumblin" e "Louisiana Blues", mas foi apenas em 1960 que se tornou conhecido das grandes plateias brancas, a quem apresentou o blues ao vivo. Quando as vendas começaram a cair dramaticamente no final da década de 50, a Chess Records decidiu investir em seu maior talento e gravou a apresentação de Muddy no Festival de Jazz de Newport, em 1960.

Quando pisou no palco naquela tarde, Waters era tão desconhecido do público branco quanto seu estilo boogie rural de Chicago. O fervilhante refrão de "Hoochie Coochie Man" e o lamento sem os enfeites de "Baby Please Don't Go" se inspiraram no trompete arrepiante de Dizzy Gillespie. Perto do final do show, a voz de barítono poderosa de Muddy, a harmônica sentida de James Cotton e o piano-de-bar de Otis Spann fizeram a garotada dançar pelos corredores em "Got My Mojo Working".

Se este álbum apenas representasse o momento em que o blues ao vivo foi convidado a entrar nos lares da classe média, deveria ser lembrado. Se fosse somente o disco que moldou o gosto de Jimmy Page e Eric Clapton pelo som urbano dos Estados Unidos, seria um marco. Mas, depois de 50 anos de vendas consistentes, Muddy Waters At Newport é, em sua essência, o testamento do magnetismo e do sentimento do blues, em seu estado puro e cristalino.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	I Got My Brand On You (Live At Newport Jazz Festival 1960)
02	(I'm Your) Hoochie Coochie Man
03	Baby, Please Don't Go
04	Soon Forgotten
05	Tiger In Your Tank
06	I Feel So Good
07	I've Got My Mojo Working
08	I've Got My Mojo Working, Part 2
09	Goodbye Newport Blues
10	I Got My Brand On You

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Loki, Arnaldo Baptista

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 09 Jun 2010 16:02:08 PDT

Estou escrevendo esse post com pelo menos seis meses de atraso, data em que assisti o emocionante documentário (cinebiografia) pela primeira vez.

Um dos maiores nomes do rock brasileiro, Arnaldo Baptista tem sua incrível trajetória revelada nessa produção do Canal Brasil. O documentário é embalado por músicas que marcaram época, depoimentos fortes e imagens raras da vida do compositor, cantor, baixista e pianista. A narrativa é ao mesmo tempo poética, dramática e divertida, costurada com delicadeza por entrevistas emocionantes do artista, enquanto o próprio pinta uma imensa e emblemática tela.

Loki mostra a trajetória de Arnaldo desde a infância, passando pela fase de sucesso como líder dos Mutantes, o seu casamento com a cantora Rita Lee, além da fase enfrentada quando de uma terrível depressão (tentando inclusive o suicídio). Muitas etapas da vida do músico são lembradas sob diferentes pontos de vista, através das palavras de personalidades que conviveram e admiram o compositor, tais como: Tom Zé, Lobão, Nelson Motta, Gilberto Gil, Sergio Dias, Dinho Leme, Zélia Duncan, Liminha e Rogério Duprat, além de sua mãe, a pianista clássica Clarisse Leite, e de sua segunda mulher, a atriz Martha Mellinger.

Há espaço também no documentário para os fãs internacionais de Arnaldo, como Kurt Cobain, Sean Lennon e Devendra Banhart – que afirma que os Mutantes são melhores que os Beatles – também prestam suas homenagens ao ídolo e reiteram a importância de Arnaldo Baptista na história da música, não só no Brasil, mas no mundo.

A trilha sonora é outro ponto muito bacana no documentário, pois apresenta vários clássicos dos Mutantes: "Qualquer Bobagem", "Ando Meio Desligado", "Balada do Louco", "Top Top", "Tecnicolor" e "Panis et Circenses", algumas delas em versões raras, além de músicas da primeira banda de Arnaldo Baptista, O’Seis; de sua carreira solo; e de outros projetos idealizados pelo compositor, como a peça de teatro Heliogábalo, da qual foi diretor musical, e as bandas Patrulha do Espaço e Unziotro.

O documentário ainda registra imagens recentes de Arnaldo em Juiz de Fora (MG), onde mora com a sua esposa, Lucinha Barbosa, mostrando o atual estado de espírito do artista, que ainda toca piano, teclado, bateria e baixo, mas hoje dedica a maior parte de seu tempo à pintura.

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Loki - Arnaldo Baptista [Trailer]

Discos Essenciais - nº 005

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 05 Jun 2010 16:07:09 PDT

Miles Davis - Kind of Blue (1959)

Às vezes, a badalação exagerada em torno de um álbum o sufoca. Adjetivos fáceis como "clássico", "inovador" ou "marcante" são atribuídos por aí com muita facilidade e, em meio a isso, pode-se perder o verdadeiro valor do material original. Ainda bem que Kind of Blues não precisa dessa advertência - trata-se de um momento que definiu um gênero musical do século 20 e ponto final.

Davis tocava com o extraordinário saxofonista John Coltrane desde 1955 e, nos anos seguintes, eles afiaram sua mágica até chegar a Kind of Blue.

Gravadas no estúdio da Columbia, na 30th Street, em Nova York, as cinco faixas ocuparam duas sessões de nove horas, um tempo notável para uma banda que nunca tinha visto as partituras antes - um truque usado com frequência por Davis para fazer os músicos se concentrarem mais em suas performances. Ele também acreditava em poucos ensaios e, assim, conseguia levar os instrumentistas a uma brilhante espontaneidade.

Desde a abertura em meio-tempo de "So What", o álbum apresenta um leque variado de estilos, como a espantosa "Blue In Green", com Wynton Kelly tocando piano suavemente para acompanhar os lamentos do trompete de Davis, e a languidez da espanholada "Flamenco Sketches". A banda estava tão afinada que forma necessários apenas seis takes para gravar as cinco faixas - apenas "Flamenco Sketches" precisou de uma nova rodada.

O álbum foi celebrado desde o lançamento. Mas nem Miles é infalível. Três faixas foram gravadas no tom errado (o que seria consertado mais tarde, nos relançamentos). Como se alguém tivesse notado!

"Não ligo para o que os críticos falam de mim, seja bem ou mal. Eu sou o meu crítico mais exigente... sou vaidoso demais para tocar qualquer coisa que não considere boa." Miles Davis, 1962.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	So What
02	Freddie Freeloader
03	Blue In Green
04	All Blues
05	Flamenco Sketches

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

The John Bonham Story

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Thu, 03 Jun 2010 14:13:58 PDT

Bonzo "John Henry Bonham", baterista lendário do Led Zeppelin, nasceu em 31 de maio de 1948 e faleceu, tragicamente, em 25 de setembro 1980. Trinta anos depois, Bonzo está ganhando um documentário muito bacana, produzido pela rádio BBC 6 da Inglaterra. O material conta com entrevistas exclusivas de seus ex-companheiros de Led Zeppelin, familiares e amigos.

O documentário é apresentado por Dave Grohl (Nirvana, Foo Fighters e Them Crooked Vultures). O programa leva o ouvinte através da vida extraordinária de Bonham, durante a sua trajetória no Led Zeppelin, até a sua morte trágica e prematura.

O material resgata o início da carreira do músico, desde a sua infância, quando batia nas panelas de sua mãe, até a sua paixão inquestionável pela sonoridade produzida pela bateria.

A partir do ano de 1968 a sua carreira como músico (baterista), daria um "giro" de 360 graus, se modificando completamente dentro do cenário musical. Bonham foi convidado a participar da banda "The New Yardbirds" (que viria a se tornar o Led Zeppelin), liderada por ninguém menos que Jimmy Page.

O programa possibilita ao ouvinte ficar com uma imagem duradoura de um homem extraordinário, cujo destino seria forjado por seu estilo único e feroz de tocar bateria, assim como o seu apetite insaciável de viver a vida ao máximo.

Para ouvir o documentário na íntegra, clique aqui. (duração 60 minutos).

Quiz musical da Virgin...

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 29 May 2010 07:15:37 PDT

Esse post não é uma novidade, vocês já devem ter encontrado essa "brincadeira" em outros sites. A imagem abaixo faz parte de um quiz que a Virgin lançou por volta de 2005. Segundo a empresa, foram realizadas associações com 74 bandas famosas nesta imagem. Algumas bandas são muito fáceis de serem encontradas, outras nem tanto. Então vamos lá, quem aceita o desafio???

Abaixo, as bandas que já foram encontradas (Clique aqui para ver mais bandas):

01. Led Zeppelin
02. Deep Purple
03. Iron Maiden
04. Whitesnake
05. 50 Cent
06. Blur
07. Smashing Pumpkins
08. Alice in Chain
09. Guns n' Roses
10. Matchbox 20
11. Green Day
12. Scissors Sisters
13. Rolling Stones
14. White Zombie
15. Lemon Head
16. Prince
17. Sex Pistols
18. Garbage
19. Black Flag
20. Beach Boys
21. U2
22. The Police
23. Queen of the Stone Age
24. Kiss
25. Yellow Man
26. Goldfish

Discos Essenciais - nº 004

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Fri, 28 May 2010 09:20:28 PDT

Billie Holiday - Lady In Satin (1958)

Será que Lady In Satin é apenas um retrato voyeurista de uma artista em declínio ou um pedaço visceral da alma exposta de uma das mais talentosas cantoras de jazz? Admitindo qualquer uma dessas hipóteses, o fato é que o vigor das gravações da "Lady Day" para a Verve, em 1930, já ia de longe sendo substituído pela amargura de uma cantora lutando contra o sério vício em heroína. Holiday estava agora mais para uma senhora de 70 anos, do que para uma estrela de 40 anos, tentando aos poucos retomar a carreira, e o arranjador Ray Ellis não estava, a princípio, nada satisfeito com sua voz cheia de falhas.

No entanto, ao desnudar standards como "You Don't Know What Love Is" e "Glad To Be Unhappy" até sobrar apenas a emoção, Holiday canaliza seu orgulho junkie para os blues mais sinceros já gravados. São canções-guia, diferentes de tudo que o jazz já havia cantado antes: o amor é pintado como loucura, desespero, resignação, com uma brutal honestidade. Não é surpresa que este seja o disco favorito de Holiday, e tenha se tornado o testamento e o desejo final de um verdadeiro mito.

Os arranjos de cordas "acetinados" de Ellis, parecem querer expor as cicatrizes da voz de Holiday, mas, na verdade, acentuam sua habilidade singular para colocar swing em qualquer acompanhamento, mesmo os mais cafonas. Quando ela estica as sílabas até um suspiro de reprovação em "I'm A Fool To Want You", é como se estivesse perdida nas suas próprias frequências do blues. Há algo de fascinantemente terrível neste álbum, tão hipnótico e angustiante como assistir a um viciado se drogando. Mas sem Lady In Satin não existiriam, nas décadas seguintes, divas como Nina Simone ou Janis Joplin, dispostas a abrir seu coração sem concessões.

"Tenho que adaptar a melodia ao meu jeito de cantar." Billie Holiday, 1939.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	I'm A Fool To Want You
02	For Heaven's Sake
03	You Don't Know What Love Is
04	I Get Along Without You Very Well
05	For All We Know
06	Violets For Your Furs
07	You've Changed
08	It's Easy To Remember
09	But Beautiful
10	Glad To Be Unhappy
11	I'll Be Around

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Inter: confronto heróico em Quilmes

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Fri, 21 May 2010 15:51:31 PDT

Há muito não escrevia sobre futebol, mas depois da partida heróica de ontem, resolvi mudar de ideia...

O Internacional entrou em campo ontem, com a vantagem de ter vencido a equipe do Estudiantes, quando do primeiro confronto realizado no estádio Beira-Rio (pelo placar de 1X0). Neste primeiro confronto, o Internacional jogou relativamente bem, levando em consideração que a equipe do Estudiantes veio muito bem armada (retrancadíssima), e com o exclusivo propósito de levar pelo menos um empate para decidir tudo em solo argentino.

No jogo de ontem, quando da divulgação do terrível esquema tático "chama-derrota" do Internacional, ou seja, o famigerado 3-6-1, temi que a classificação já estava sendo perdida antes mesmo do jogo iniciar. O técnico Jorge Fossati, gosta de viver perigosamente, não havia a menor necessidade na mudança do esquema tático (visto que o 4-4-2 está se consolidando), tampouco optar pelo centroavante Alecsandro, em detrimento ao melhor atacante que a equipe possui hoje (Walter).

O que parecia ruim, conseguiu ficar ainda pior. O Estudiantes precisou de apenas dois minutos para fazer dois gols (o primeiro gol uma falha imperdoável da defesa do Internacional). Olhando para o desempenho do Internacional em campo, estava difícil acreditar na marcação de um golzinho sequer, quanto mais uma virada no placar. O técnico Fossati não esboçava qualquer indignação, estava inerte aos acontecimentos em campo.

Quando o Internacional retornou para o segundo tempo da partida, com exatamente a mesma equipe que havia terminado a primeira etapa, fiquei surpreso e ao mesmo tempo indignado (parecia uma brincadeira de mau gosto). Mas bastou a bola rolar, para que eu constatasse o primeiro, dos dois fatores que aconteceriam ao longo da segunda etapa, e de certa forma, contribuiriam diretamente para a classificação Colorada:

O primeiro foi o erro cometido pelo técnico Sabella, do Estudiantes. A equipe argentina abdicou do jogo no segundo tempo, além da substituição equivocada de González (atacante que havia jogado bem o primeiro tempo), por Angeleri, que acabou por modificar taticamente a sua equipe para o 5-4-1, onde já havia sido um problema no Beira-Rio;

O segundo fator, foram as substituições realizadas por Jorge Fossati, muito mais por necessidade do que por convicção. O lateral direito Nei (de fraca atuação) foi substituído por Walter (que entrou com uma boa movimentação); Sandro (que não esteve numa boa jornada), para a entrada de Edu (inexpressivo, mais uma vez); D'Alessandro por Giuliano (entrou bem, é um excelente jogador, e ainda foi dele o gol que classificou a equipe). Não posso deixar de citar Andrezinho, que esteve muito bem na segunda etapa, além é claro, do passe decisivo para o gol de Giuliano.

Acredito ser importante a parada que acontecerá em relação as competições durante a Copa do Mundo, principalmente para que o Internacional reveja muitas coisas, mas principalmente, qualifique a sua equipe... que as contratações não terminem em Tinga.

Por fim, quero registrar o motivo pelo qual passei um longo período sem escrever sobre futebol. O fato principal é simplesmente não ter tido o menor prazer em fazê-lo. Principalmente pelos inúmeros "desacertos" colorados em 2010: Diretoria do clube, técnico, postura de alguns atletas, etc.

Guiñazu e Sorondo comemoram sob o olhar desolado do zagueiro Desábato

Délibáb, o novo CD de Vitor Ramil

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Thu, 06 May 2010 23:21:18 PDT

A palavra húngara délibáb vem de déli (do sul) + báb (de bába: ilusão). Seu significado é miragem. Vitor tirou a expressão de seu romance Satolep, em que o personagem Selbor volta para sua cidade natal trazendo na bagagem a imagem de um délibáb.

O délibáb é um fenômeno extraordinário da planície húngara, tão semelhante às planícies do sul do nosso continente. Único em seu gênero, este tipo de espelhismo transporta paisagens muito distantes a horizontes quase desérticos, reproduzindo ante os olhos maravilhados do observador, em dias de calor, o desenvolvimento de cenas distantes.

Um trem corre a toda velocidade, mas não se percebem ruídos da máquina, nem se escutam os apitos. Em realidade, tal cousa sucede porque o trem não está ali; talvez se encontre a mais de 100 km de distância. Mas o délibáb o atrai ao horizonte... (Sábato, Ernesto. Nosso Universo Maravilhoso. Rio de Janeiro: El Ateneo do Brasil, 1960)

O disco é a reunião de milongas compostas por Vitor para os poemas do livro "Para las Seis Cuerdas", do poeta argentino Jorge Luis Borges, e para os versos do alegretense João da Cunha Vargas. Borges e Vargas estariam completando 110 anos em 2009 e 2010, respectivamente. O disco é uma homenagem a esses poetas tão diferentes entre si, mas ao mesmo tempo tão representativos do imaginário do Rio Grande do Sul.

O disco foi gravado na cidade de Buenos Aires, durante o mês de junho de 2009, no estúdio do músico Fito Páez (Circo Beat). O disco ainda teve a brilhante participação do violonista argentino Carlos Moscardini. As sessões de gravação do disco, foram documentadas em vídeo pelo argentino César Custodio. No Rio de Janeiro, registrou-se, a participação de Caetano Veloso. Caetano dividiu com Vitor Ramil os vocais de Milonga De Los Morenos.

Discos Essenciais - nº 003

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 05 May 2010 16:38:34 PDT

Little Richard - Here's Little Richard (1957)

"A-wop-bop-a-loo-bop-a-lop-bam-boom... tutti frutti, oh rootie!!!"

No verão de 1955, o rock'n'roll explodiu em toda parte e, Fats Domino, Ray Charles, Chuck Berry e Bo Diddley emplacavam um sucesso arás do outro. Ansioso para surfar nessa onda, Art Rupe, da Specialty Records, pediu a seu caçador de talentos, Bumps Blackwell, que encontrasse um novo Ray Charles (vamos combinar que não seria uma tarefa de fácil execução).

Sabendo onde procurar, Bumps rumou para o sul dos EUA, no lendário Dew Drop Inn, em Nova Orleans, e lá encontrou um cantor e pianista de Jump Blues extravagante (assumidamente gay) chamado Little Richard Penniman. Pouco tempo depois, já tinha convencido Richard a gravar no pequeno estúdio de Cosimo Matassa, o J&M Studio, onde fariam história.

A palavra "transbordante" não chega perto para descrever a energia irreverente, quase insana, gravada por Richard, Bumps, Cosimo e pelos músicos mais originais de Nova Orleans. "Tutti Frutti" começou a subir nas paradas de sucesso no mês seguinte, e foi seguida, em 1956, por "Long Tall Sally", "Slippin' And Slidin'", "Ready Teddy" e "Jenny Jenny". Essa série de músicas enlouquecedoras estavam reunidas no álbum "Here's Little Richard", que ainda apresenta uma foto (abaixo) inesquecível de Richard, em plena ação.

Completamente clássico, "Here's Little Richard" é seu álbum mais vendido. Nos dias atuais, é difícil encontrar o vinil, mas as músicas aparecem em vários CDs - o nome Specialty é a garantia de que se trata das gravações originais e não de versões inferiores realizadas por Richard para outros selos.

"Here's Little Richard" é a célula-tronco do rock'n'roll - a partir deste álbum, o gênero verdadeiramente deu suas boas vindas.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Tutti Frutti
02	True Fine Mama
03	Can't Believe You Wanna Leave
04	Ready Teddy
05	Baby
06	Slippin' And Slidin'
07	Long Tall Sally
08	Miss Ann
09	Oh Why?
10	Rip It Up
11	Jenny Jenny
12	She's Got It

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Discos Essenciais - nº 002

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 05 May 2010 16:38:34 PDT

Fats Domino - This is Fats (1956)

Seis anos antes de Bill Haley gravar "Rock Around The Clock", o jovem Antoine "Fats" Domino, aos 21 anos, escreveu a canção base do rock'n'roll, "The Fat Man", em 1949. A partir do sucesso desse single de estreia, que vendeu um milhão de cópias, o vocalista e pianista nascido em Nova Orleans compôs mais hits do que qualquer outro músico de rock dos anos 50, à exceção de Elvis Presley. Essa impressionante marca, inclui uma série de 39 singles que ocuparam os primeiros lugares nas paradas de sucesso, entre 1954 e 1962.

Ao vender algo em torno de 65 milhões de discos naquela década, Domino foi, sem dúvida, o responsável por fazer uma ponte entre o R&B e o rock - embora Little Richard também possa disputar esse título. O que está fora de discussão é a influência exercida por seu trabalho nos anos 50, que se espalhou por toda a música pop, atingindo de Pat Boone aos Beatles.

This is Fats, o terceiro álbum do cantor pela Imperial, foi lançado no auge da carreira de Domino e, tornou-se o mais poderoso retrato de sua genialidade, graças a maravilhas do boogie-woogie como "Blue Monday" e "Honey Chile", assim como obras-primas da tristeza como "So Long" e "Poor, Poor Me".

A triunfante "Blueberry Hill" (a minha preferida), que abre o álbum, foi um sucesso de Glenn Miller em 1940, mas, apesar de seu charme e calor, a música acabou sendo surpreendentemente difícil de gravar. Ninguém conseguia encontrar a partitura e Domino esquecia o tempo inteiro a sua parte. Não foi possível completar sequer um take e o estúdio teve de emendar o material gravado. O resultado do esforço, foi um single que chegou ao primeiro lugar das paradas de R&B nos Estados Unidos e ao segundo lugar nas de pop - a melhor colocação de Domino nessa categoria.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Blueberry Hill
02	Honey Chile
03	What´s The Reason I´m Not Pleasing You
04	Blue Monday
05	So Long
06	La-La (version 1)
07	Troubles Of My Own
08	You Done Me Wrong
09	Reeling And Rocking
10	The Fat Man’s Hop
11	Poor Poor Me
12	Trust In Me

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Discos Essenciais - nº 001

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Wed, 05 May 2010 16:38:34 PDT

Esse post marca o início de uma nova categoria dentro do blog: Discos Essenciais.

A partir de agora, tentarei atualizar o Pensamentos Pedroso® semanalmente, sendo que um ou mais posts dentro do mês, pertencerão a essa nova categoria.

O "Discos Essenciais" tentará na medida do possível respeitar uma ordem cronológica, mas não ficarei definitivamente preso à isso. O mais importante, será manter a estrutura e a periodicidade em relação à publicação dos posts.

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Elvis Presley (1956)

Não é nenhuma jóia rara. De fato, quando tocado para os ouvidos do século 21, habituados à arte e à técnica da produção de um bom álbum, o primeiro LP de Elvis Presley mostra-se de certa forma frustrante e inconsistente.

O repertório, montado a partir de várias sessões, é composto por sete faixas registradas no início de 1956 - às vésperas do lançamento do álbum, em 13 de março - e cinco que eram, virtualmente, sobras da Sun Records, de 1954 e 1955, gravadas antes do contrato de Elvis com a RCA.

O vocal bem trabalhado de "I'll Never Let You Go (Little Girl)", uma das heranças da Sun Records, chega ao limite da autoparódia: naquela época, por ironia, Elvis não tinha uma imagem pública que pudesse ser imitada. Uma curiosidade é que, embora todo o relançamento em CD inclua "Heartbreak Hotel" - a que catapultou o guri de 21 anos da celebridade local em Memphis à fama mundial em algumas semanas -, essa faixa não consta do disco original.

No entanto, o álbum tem muita magia: revoluções já aconteceram por menos que isso. O gospel branco de "I'm Counting On You" e o ressoar nervoso de "I Go A Woman", de Ray Charles, formam uma sequência forte logo no início; perto do fim, encontra-se a versão definitivamente solitária de "Blue Moon". Mas a faixa que se destaca é a impressionante "Trying To Get To You", que coloca Presley num patamar acima, já bem próximo do caminho de virar uma estrela. É uma gravação belíssima.

A capa do álbum também é inesquecível. A foto, creditada a William V. "Red" Robertson e, tirada em 31 de julho de 1955, num show em Tampa, na Flórida, é uma das mais simbólicas do cantor. A banda The Clash concordou, subvertendo a imagem para a capa de London Calling, de 1979.

Resumindo: compre, baixe, peça emprestado, mas não deixe de ouvir...

Músicas do álbum

01	Blue Suede Shoes
02	I'm Counting On You *
03	I Got A Woman *
04	One-Sided Love Affair
05	I Love You Because
06	Just Because
07	Tutti Frutti
08	Trying To Get To You *
09	I'm Gonna Sit Right Down (And Cry Over You)
10	I'll Never Let You Go (Little Darlin')
11	Blue Moon *
12	Money Honey

Fonte: 1001 discos para ouvir antes de morrer. Ed: Sextante Ltda.

Pata de Elefante - Na Cidade

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Sat, 23 Oct 2010 08:15:14 PDT

Para os amantes de rock'n'roll instrumental, o ano de 2004 reservou um capítulo a parte: o surgimento da banda gaúcha Pata de Elefante. Basicamente influenciada pelo que há de melhor no rock produzidos nos anos 60 e 70 (Jimi Hendrix, Cream, Beatles, Bob Dylan, The Who, The Band, Eric Clapton, assim como por compositores de trilhas sonoras para filmes como Henri Mancini e Ênio Morricone), a "Pata" desde cedo despertou a atenção de crítica e público ao fazer canções instrumentais de altíssima qualidade.

A Pata de Elefante se diferencia por fazer rock instrumental com ênfase nas melodias. São canções instrumentais que atingem em cheio ao público acostumado a ouvir música(s) com vocal. Gabriel Guedes e Daniel Mossman revezam entre guitarra e baixo, imprimindo a dupla sonoridade característica do trio, sustentada pela bateria de Gustavo Telles (aqui em Porto Alegre o Gustavo é mais conhecido pelo apelido: "prego").

Os três músicos são compositores, produzindo a partir disso um som heterogêneo, mas sem nunca perder o horizonte da unidade sonora. Em estúdio a banda procura dar às músicas o que cada uma necessita, priorizando sempre os timbres, arranjos e execuções. Ao vivo, definitivamente "o bicho pega", são performances viscerais! Ao dispensar palavras e optar por canções instrumentais, a "Pata" segue destruindo e reconstruindo o caminho da música instrumental brasileira de forma marcante e, acredito eu, sem volta (que bom que seja assim)!!!

Ontem (09/04), aPata de Elefante lançou o seu terceiro álbum, intitulado "Na cidade". Nesse trabalho como o próprio nome sugere, o conceito presente é o de uma sonoridade bem mais urbana e inquieta (parece que buscaram inspiração nas cores e no ritmo das cidades), pois as músicas possuem nitidamente essa métrica, diferentemente do álbum anterior "Um olho no fósforo, outro na fagulha", lançado em 2007 e, que tinha um pé no campo, com muito de folk-rock e country-rock.

O álbum "Na Cidade", contou com a produção musical de Júlio Porto (ex-guitarrista da Ultramen). A mixagem ficou sob responsabilidade de Beto Machado. O trabalho foi gravado nos Estúdios Trama e a masterização foi feita em Abbey Road por Steve Rooke, que remasterizou discos da carreira solo de John Lenonn (Mind Games, Imagine, Plastic Ono Band, entre outros) e Paul McCartney (Run Devil Run, entre outros); além de integrar a equipe que remasterizou toda a obra do quarteto de Liverpool, lançada em setembro de 2009.

Mais uma vez, a Pata de Elefante contou com a participação do tecladista Luciano Leaãs (Fernando Noronha & Black Soul, Acústicos e Valvulados e Locomotores) que tocou órgão Hammond, piano, cravo e Clavinet. Músicos convidados e instrumentos como sax, trombone, percussão, piano Rhodes e vibrafone enriquecem o ambiente sonoro da obra.

DISCOGRAFIA

Site oficial: http://www.patadeelefante.com/

Hunger, o filme!

noreply@blogger.com (Pedroso®) — Fri, 26 Mar 2010 15:24:16 PDT

Poucas vezes assisti a um filme que tenha me levado "quase" ao extremo. Passei boa parte deste filme (baseado em fatos reais), sofrendo com o personagem central, "Bobby Sands", que durante as suas seis últimas semanas de vida, fez greve de fome e liderou um dos mais violentos motins contra os maus tratos no presídio de Maze, na Irlanda do Norte, em 1981.

O filme possui um formato muito interessante (pelo menos para o meu gosto). O diretor optou por mostrar/contar a história, a partir de uma perspectiva intimista, ou seja, concentrando a maior parte das cenas, na violência silenciosa que acontecia no interior da prisão (mostrando inclusive os motivos pelos quais os presos iniciaram a revolta).

Uma das grandes sacadas do diretor, está relacionada ao pouco diálogo e, a quase inexistente trilha sonora (por vezes escutamos apenas os sons da tortura). Uma das muitas cenas excelentes, onde o silêncio é "quebrado", acontece quando "Bobby Sands" recebe a visita de um padre, pouco antes de iniciar a greve de fome. É nessa cena, que se concentram quase todos os diálogos do filme (aproximadamente vinte minutos, contando com um plano de filmagem quase estático).

Outro ponto bacana do filme (talvez o melhor), está relacionado com a brilhante interpretação do ator Michael Fassbender. Para entender exatamente o que estou escrevendo, basta assistir ao filme (a interpretação é impressionante). O ator precisou ficar com uma aparência física deplorável, a fim de garantir uma boa caracterização ao personagem.

Aos que apreciam cinema europeu (nesse caso: Grã-Bretanha/Irlanda), não podem deixar de assistir a esse filme. Mas alerto: é um filme forte, realista e chocante.

Trailer - Hunger [2008]