Hace ya cinco años desde que publiqué -bajo el seudónimo de Saint Iosef– en la plataforma de Bandcamp «Fundamento», un EP que suma y ordena una serie de experimentos musicales -ambient/drone/neoclásica- que estuve trabajando hace buen tiempo, sin ningún afán de por medio más allá de la propia experimentación.

Hoy, gracias a RouteNote -distribuidora digital de música que recomiendo-, estos ensayos se encuentran publicados en Spotify, para su apropiada masificación -o lo que fuere.

Así que aprovecho este medio para compartir esta noticia con los cuatro gatos que siguen este blog, a quienes agradezco su seguimiento y sugiero dar una escuchada al EP en Spotify.

Me toca hacer dormir a mi hijo. Como siempre, pongo algo de música de fondo para ayudarme con la tarea. Esta vez aprovecho para reproducir un disco que me había caído hace unos días -gracias al buen Arturo, de Necio Records- y que venía escuchando: «Surge Evelia, Surge», debut de los peruanos Parahelio. Espero la reacción de mi hijo, quien siempre -a pesar de sus dos años de edad- reacciona rápidamente a la música que le hago oír, mostrando de manera inmediata su satisfacción o desagrado. Para mi tranquilidad, se acurruca a mi lado, observando el techo, y se va quedando dormido de a pocos. El operativo ha sido un éxito. Dejo el disco sonando y paso yo también al mundo de los sueños. Luego, exaltado, me levanto unas horas después; la música sigue sonando, parece que se ha quedado en mi inconsciente, para siempre.

«Surge Evelia, Surge» es, como ya dije líneas arriba, el LP debut de la banda peruana de post-rock/drone instrumental Parahelio (el parhelio, parhelia o parahelio es un fenómeno óptico asociado con la reflexión/refracción de la luz), lanzado hace ya más de un año (yo, como siempre, llego tarde a estas cosas de reseñar a tiempo). Hay que aclarar, eso sí, que ya tenían material anterior; un split EP («7000 Metros Sobre el Nivel del Mar»), un LP colaborativo («12 Percepciones de un Silencio») y un single adelanto de su disco debut («Gestos y Distancia»). Musicalmente sigue la tendencia clásica del post-rock/metal de bandas como Russian Circles, Pelican, God Is an Astronaut o GSYBE, pero con sabor propio. Con carga de prejuicio de por medio, se debe decir, que si escuchas a Parahelio, sin ser consciente de que son peruanos, pensarías que se trata de una banda gringa o europea por su logradísimo sonido.

Musicalmente, desde que les di play por primera vez, lograron conectar conmigo. Conversando con un primo y mi novia respecto a la música en «Surge Evelia, Surge», llegamos a la conclusión de que es de esa música que te deja pensando algo como «si yo hiciese música, sería exactamente esta». Y es que desde el principio, cada nota y cada progresión se van hilando entre sí de manera previsible. Y no lo digo como algo negativo, sino como resaltando el excelente trabajo compositivo que hay detrás de este fantástico disco. Literalmente, para mí funciona como una escalera totalmente visible, es evidente cada nota que va a venir, pero no deja de sorprenderte de igual manera. Es más, en mi caso, ya sabía qué nota vendría antes de que esta sonara; conforme cada tema iba avanzando, yo lo iba construyendo mentalmente, adelantándome a lo que vendría, resultando en que cada melodía sonaba exactamente a como me la había imaginado segundos antes.

En resumen, para mí, Parahelio logra dibujar melodías amigables y casi genéricas para toda persona adepta a este tipo de música; es imposible que no te guste. Y cuando digo genérico no lo digo negativamente, para mí es el afirmar que la banda ha alcanzado crear música a un nivel altísimo, que los posiciona en el Olimpo sonoro del post-rock, más allá de si comercialmente logran ubicarse arriba de las tablas del género (cosa que espero lleguen a lograr, no por nada abrieron el concierto de Interpol en Lima), ya que su sonido está brutalmente logrado. Se evidencia el trabajo detrás ya que, según he recogido de otros medios que los han reseñado, el proceso de grabación fue complejo, tomó tres años en gestarse entre investigación, composición y producción.

«Surge Evelia, Surge» está compuesto por tres movimientos de larga duración, superando el último los 20 minutos. Ahora, antes de adentrarme a revisar musicalmente tema por tema, me toca hacer una crítica conceptual honesta al álbum; la banda dice respecto al mismo (y copio textualmente la información que brindan ellos a través de su press kit): Inspirado en La Rinconada, un pueblo minero en Puno, en dónde la contaminación, minería ilegal, extrema pobreza y explotación sexual de niños y mujeres son temas cotidianos. Es esta realidad que cuesta ver pero que necesita ser expuesta.

Esta idea es rebotada en otras reseñas que he leído respecto a este disco, como la nota de Garaje del Rock que dice lo siguiente: El álbum está compuesto por tres temas que buscan exponer una realidad decadente y cruda, inspirado en La Rinconada, un pueblo minero de Puno en el que la contaminación, ilegalidad, extrema pobreza y explotación sexual de niños y mujeres son temas cotidianos. Es esta realidad que cuesta ver pero que necesita ser expuesta.

Es ahí donde, a mi parecer, surge el problema. Más adelante iré detallando, tema a tema, la lectura que hago del disco, lectura que está muy alejada de la idea original y concepto propuesto por la banda, ya que a mi entender la interpretación que puede hacerse del mismo es diametralmente distinta.

Eso sí, anotando el que cualquier artista puede decir lo que le venga en gana respecto a su obra, pero al final de cuentas una obra de arte se valida a través de aquellos que la observan (o leen, o escuchan, me dejo entender…). Y en este caso, yo como mero espectador me tomo el derecho a describir la narrativa que he encontrado subyacente en «Surge Evelia, Surge».

Volviendo a mi observación respecto al concepto formal tras el disco, no le encuentro ápice alguno a este de aquello que la banda le da como atributo; lo de exponer la realidad del pueblo minero de La Rinconada. Me parece importante que el arte realice crítica social y exponga las distintas problemáticas que aquejan a nuestras distintas sociedades, pero creo que esto debe hacerse evidente dentro de la narración de aquello que se expone. En el disco de Parahelio no se hace evidente en ningún momento crítica social o exposición de problema alguno. Es más, tanto melódica como conceptualmente la lectura que puede darse de su trabajo es, como he dicho ya, totalmente inconexa con aquello que dicen que es.

Si no fuese porque he leído a detalle el press kit de la banda y las diversas reseñas que he encontrado en Internet, jamás tendría consciencia del de qué se trata. Y eso para mí es un problema, cuando se intenta dar más virtudes a algo que de por sí no las tiene. Puedo entender que Parahelio tenga una intención política y social -que es lo que se deja entrever en las reseñas y en la explicación del contenido del disco- de querer criticar o exponer ciertos hechos que son de importancia, pero me es claro que lo hacen de manera incorrecta.

Si el hecho de los aconteceres de La Rinconada han influenciado o inspirado el trabajo musical en este álbum, perfecto, pero no es posible conectar «Surge Evelia, Surge» con una narrativa asociada a los mismos. Quizá es una cuestión de entendimiento propio de la banda, algo íntimo de Parahelio, que ellos entienden perfectamente en clave de cuestión interna, pero que no logra conectar con quienes estamos fuera.

Tanto el título del disco como los títulos de los temas dentro del mismo, la portada y la música en sí, no son asociables a eso que pretende la banda. Es más, hubiese apreciado, en tal caso, que se hiciese un trabajo más complejo, elevando el disco hacia una obra más bien audiovisual que exclusivamente musical. ¿Cómo así? Muy sencillo: cortometrajes acompañados por cada track del disco, donde sea evidente y visible esa realidad de la que nos quieren hablar desde Parahelio. Bajo esas condiciones, entendería la obra como algo más amplio y completo.

La crítica y la exposición de algo concreto -en un caso como este- son algo más adecuados cuando se hacen a través de canciones; melodías cantadas tratando un tema particular de manera directa o a través de formas más poéticas donde se requiere una lectura de aquello que subyace tras ciertas formas literarias, donde la melodía y la poesía se unen dentro de una narración más bien concreta y no tan al aire. Un ejemplo facilón serían las letras de algunos temas de Pink Floyd, o discos como «The Wall». También podríamos adentrarnos a explorar la escena punk -super contestataria- de final de los años 70s y principios de los 80s y su enfrentamiento constante con el establishment, por añadir algo más a la volada.

Una obra de arte debe ser entendida sin necesidad de que su creador te la explique. Y no me vengan con la clásica basura absurda y hampartista de es que no entiendes, no tienes el nivel, no es para cualquiera. Si alguien tiene que explicarme su obra, es que hay algo mal o no tiene idea alguna de qué es lo que está diciendo y simplemente rellena algo con afán de tener relevancia o importancia. Una obra de arte es relevante en sí misma a través de quienes se conectan naturalmente con ella y entienden su mensaje sin terceros -intérpretes- de por medio.

Ahora bien, en términos objetivos, «Surge Evelia, Surge» es una obra maestra en sí misma. La sitúo dentro de mis 10 álbumes favoritos peruanos de todos los tiempos. Es BRUTAL, sí, con mayúsculas.

El álbum apertura con el tema homónimo, una magistral pieza instrumental de más de 12 minutos que me hace emocionar hasta los huesos. Post-rock del más puro que he escuchado en mucho tiempo, lúgubre y eufórico. Pese a la juventud de quienes están tras este trabajo -no pasan de los 24 años-, han logrado crear algo totalmente maduro. «Surge Evelia, Surge» -el track– logra conjugar magistralmente las tres guitarras de la banda, donde dos van creando una atmósfera ambient/drone como back y la tercera sigue un riff ascendente muy melancólico y dramático. El bajo aparece luego, como sin quererlo, añadiendo una densidad espacial y totalmente acertada a lo que las guitarras nos van contando. Luego ingresa, también de manera suave, la batería, que va acentuando el ritmo y marcándonos la intensidad del tema. Poco a poco, el bajo y la batería van creando su propio espacio y teniendo mayor importancia y vitalidad dentro del track, llegado a explorar cierta cercanía al post-metal y tomando algo de una actitud más punk que post. Alucinante.

«Surge Evelia, Surge» es un in your face musical. Conquista de principio a fin, con una narrativa melódica dramática e intensa, con ciertos intervalos introspectivos y estallidos puntuales que te hacen remecer y levantar de ese estupor vibrante -piel de gallina- en el que te sumergieron antes.

El título de este tema, y del álbum en sí, me deja pensando. El nombre Evelia es una forma más, una variante, de Eva. ¿Qué lectura nos deja entonces? ¿Quién es Evelia? ¿Cómo surge? A mi interpretar, siento que es una validación de lo femenino dentro de la creación del ser humano, del hombre como especie animal, desde un aspecto judeocristiano, claro. Pero que más allá de cualquier sometimiento de análisis religioso, lo observo como una alegoría sobre el surgir de la mujer, su nacimiento como causalidad y su validación como base primaria de lo que somos como especie; como síntesis y reducción de nuestro origen como animales, antes de la conciencia misma. Y con esa lectura conecto con la música que titula, y me parece que encaja. Con esa inocencia y pureza femenina, pero a la misma vez con su decisión y fuerza.

BRUTAL.

Luego viene «Gestos y Distancia», que inicia cual balada instrumental, pero que se va sumergiendo en una densidad totalmente cósmica -cual agujero negro- a través de la aparición del bajo -esta vez más prominente y quizá relevante- y la batería -más pesada, más rock. Casi 14 minutos de melancolía a lo bruto, ya no de solo introspección sino de guerra, enfrentamiento; cruda violencia, como la vida misma. Cual Adán y Eva fuera del Paraíso, enfrentándose a la realidad de aquello que nos aqueja como especie: la muerte. Y por eso el título se me hace de lo más acorde. Nos distanciamos, con gestos de dolor, de aquello que nos sostenía y nos sumergimos en el desconocimiento de aquello que vendrá.

Nuevamente: BRUTAL.

«Ha’Adam» es el tema que cierra «Surge Evelia, Surge», donde esta vez Parahelio decide explayarse e irse a los 23 minutos. Un tema que va cambiando constantemente, entre lo melancólico y lo agitado, entre la introspección y la violencia; narrándonos, entre sus acordes, la vida misma del hombre -como especie animal, aclaro-, su vida, tribulaciones, alegrías y muerte. Y esta vez el título cae por su propio peso.

¿Qué significa Ha’Adam? Ha’Adam es la voz hebrea para el hombre, no como individuo masculino sino como especie: el ser humano. Ha es el artículo y Adam el sustantivo. Adam por sí mismo también se asigna a hombre -como macho humano-, y es de donde deriva el nombre Adán (va cerrando la idea ¿no?). Adam está relacionado, además, a los vocablos dam, adum y adamá, que significan sangre, rojo y tierra -suelo-, respectivamente. Y es en esa correlación de significancias en donde encuentro sentido para este último track. Como decía líneas arriba, «Ha’Adam», en mi sentir, narra la vida del ser humano, su vida (la sangre -roja- es vida, la tierra -que se representa roja en muchas culturas- también), los eventos que rodean nuestra vida como especie y nuestra muerte, como culminación de eso que hemos sido en esta tierra. Porque de la tierra vinimos y a ella volveremos.

B-R-U-T-A-L.

Así pues, cierro esta humilde reseña, hecha con admiración hacia este álbum, tratando de ser lo más objetivo posible. Felicito a Parahelio por lo bien que han trabajado «Surge Evelia, Surge». Desde su portada, que transmite ya la melancolía y densidad de sus melodías, hasta la música en sí misma, que no necesita de palabras para manifestar la vida que expresan.

Ahora sí, me toca nuevamente hacer dormir a mi hijo. Vamos a darle play a Parahelio.

Publicación: 9 de Mayo de 2019
Grabación: –
Estudios: The Way Out, Hitmakers Mastering
Miembros: Christian Ortega, Rodolfo Ontaneda, Rafael Carranza, Héctor Valdez, Adrián Hinojosa
Discográfica: LaFlor Records, Necio Records
Productor(es): Giovanni Rossi y Parahelio
Cover: Emilio Marmolejo
Ediciones: digital, CD, vinilo

Después de un año -casi- y tras mil peripecias, reaparezco por estos lares para revisar el debut independiente del Chino Burga. Comentar, cual mal chiste, que el último post que publiqué en este blog fue una reseña al último álbum de Culto al Qondor, proyecto al que -paradójicamente- pertenece Burga. Y es con el Chino, con quien reactivo -hasta quién sabe cuándo, ya me conocen- Pentagramario.

Bueno, a lo que vinimos. Chino Burga debuta como solista -en sus propias palabras, pese a que tiene más recorrido que bus interprovincial, en términos musicales- con «Letanías», un LP instrumental dividido en dos movimientos -cual música clásica- que se pueden resumir como ambient/drone a lo Stars of the Lid con la densidad de Lustmord, como mencioné con respecto a un tema de Culto al Qondor, coincidentemente (no me acusen de reciclar mis comentarios). Según cuenta Burga, es un disco grabado en casa durante la cuarentena por medio de un par de celulares y mezclado por WhatsApp.

Ahora viene lo más interesante, el momento de la música más allá de la música. Burga declara -y lo cito textualmente cual desvergonzado-: El disco consta de dos movimientos, o Letanías al Espacio y al Tiempo, afinados y tocados en Do menor, por lo que vibran a 396Hz, lo cual hace que tenga propiedades sanadoras y de liberación del chakra raíz.

Y tú te preguntarás, evidentemente, dos cosas:

1. ¿Qué son letanías?
2. ¿396Hz, qué hay con esos hercios?

Y yo te responderé ¿y a mí que me preguntas eso? Así que, intrigado, igual que tú -pero más por lo segundo que por lo primero, dados mis conocimientos en temas judeocristianos– me fui a investigar por el mundo virtual y encontré interesantes respuestas -más para lo segundo que para lo primero.

Definamos pues primero, qué es una letanía: una letanía es una oración dialogada compuesta por una serie de súplicas o invocaciones breves a Dios o a los santos que una persona recita o canta y que las demás personas que participan en la oración repiten o contestan.

Ahora, las letanías del Chino son, evidentemente, una alegoría -y acá vengo con el axioma- sobre la propia música, cual rezo a un Dios -o Dioses- representado -o representados- en el Espacio y el Tiempo; entes tan invisibles e intangibles como ciertos.

Pues bien, resuelto el primer enigma, nos toca resolver el restante.

¿Qué onda con las ondas?

Burga nos viene con una interesante declaración, respecto a que los dos movimientos de sus Letanías están afinados y tocados en Do menor, haciendo que estos vibren a exactamente 396Hz, lo que les da propiedades sanadoras. ¿What the hell are you talking about?.

Rebuscando por la red, encontré interesante información que resumiré para que usted, querido lector, no deba gastar sus dedos cliqueando a través de Internet.

Básicamente se trata de las frecuencias Solfeggio, frecuencias usadas antiguamente en los cantos gregorianos, como en el himno de San Juan Bautista, por ejemplo. Se creía que estos himnos ayudaban a dar bendiciones y potenciar los rituales espirituales. Mucho más tarde, en los años 70, el Dr. Joseph Puleo redescubrió los -en teoría- efectos sanadores de esta escala musical (siendo quien acuñaría el término de Solfeggio). Después de amplias investigaciones, se percató -según indica- que estas frecuencias aparecen codificadas en la Biblia, específicamente en libro de los Números, capitulo 7, versículos 12 al 89. Puleo utilizó -supuestamente- el método pitagórico de reducción numérica para desentrañar los misteriosos siete patrones matemáticos codificados allí, estos patrones son: 396, 417, 528, 639, 741, 852 y 936.

Estas investigaciones fueron publicadas en el libro de Leonard Horowitz «Healing Codes for the Biological Apocalypse«, en 1999, las cuales -hay que decirlo- fueron criticadas por el sonólogo Emmanuel Comte en una serie de artículos, como en «Le diapason 528 Hz est-il un mythe?«, publicado en 2014

Ahora, la frecuencia UT 396 Hz es una frecuencia utilizada para eliminar el campo negativo, lo que significa deshacer el miedo y la culpabilidad. ¿Qué es UT? Es el nombre antiguo de la nota Do, que deriva del inicio del primer verso del himno religioso Ut queant laxis (ajá, sí, el Himno a San Juan del que hablaba unos párrafos atrás), usado por Guido d’Arezzo (992-1050) para nombrar todas las notas musicales.

Volviendo a lo dicho por Burga respecto a la liberación del chakra raíz, los estudiosos del hinduismo indican que si existe un desequilibrio en el muladhara -el chakra raíz-, puedes experimentar trastornos de ansiedad, miedos infundados o pesadillas, que son justamente ese campo negativo que la frecuencia utilizada en «Letanías» -según su autor- elimina.

Ahora tiene sentido todo, ¿no?.

Ahora bien ¿y la música?. Desde un aspecto genérico, no se podría decir mucho, ya que podría reducirse a manifestar que es el loop constante de de una guitarra sonando en Do menor. Es por esa razón que prefiero ver este tema desde un ángulo más personal. Como dije, me trae a la mente pasajes escuchados en la música de Stars of the Lid o Lustmord, esto para dar una referencia conocida, ya que «Letanías» vibra en sí mismo, con autenticidad.

Este LP no es para cualquiera, hay que decirlo, se debe tener un gusto bien desarrollado por la música ambient y doom como para tenerle la paciencia necesaria. A mí me ha fascinado profundamente, ya que junta mi gusto por las guitarras de notas lentas, largas y densas del doom con la atmósfera y sonido del dark ambient. Junto a la perspectiva sanadora, me parece uno de los trabajos más interesantes que se han hecho en nuestro país, y el mundo también ¿por qué no? El simple hecho de querer escribir algo adecuado para «Letanías» me obligó a leer y estudiar más de lo que suelo hacer antes de escribir una reseña o crítica. Creo que de por sí eso da a entender lo enigmático e interesante que me ha resultado este debut en solitario del buen Chino Burga.

La perspectiva de «Letanías» y sus melodías me parecen, además, de lo más acertadas y correspondientes a los tiempos convulsos que corren. Necesitamos romper esa alteración que como raza nos viene amordazando, generando temores y miedos con respecto a ese futuro incierto que se acerca cada día más. Son momentos de buscar paz y de reconectar con el tiempo y el espacio…

Ahora sí, me toca cerrar este escrito. Me iré directamente a escuchar las Letanías al Espacio y al Tiempo, a ver si logro tener una epifanía.

Adieu.

Publicación: 28 de Mayo de 2020
Grabación: en Casa
Estudios: –
Miembros: Chino Burga
Discográfica: Drone Rock Records
Productor(es): Joel Alvarez, Chino Burga
Cover: IrA, John Martin
Ediciones: digital, vinilo

Fuentes:

https://chinoburga.bandcamp.com/album/letanias

https://www.facebook.com/story.php?story_fbid=10160238573361164&id=566661163

http://eldiadezamora.es/art/13483/las-frecuencias-solfeggio#:~:text=%C2%BFC%C3%B3mo%20funcionan%20estas%20frecuencias%20SOLFEGGIO,el%20miedo%20y%20la%20culpabilidad.&text=La%20sexta%20frecuencia%20LA%20852,visi%C3%B3n%20y%20la%20conciencia%20espiritual.

https://it.toluna.com/opinions/1965116/LAS-FRECUENCIAS-SOLFEGGIO,-LA-M%C3%9ASICA-SANADORA.

http://destacar.com.ar/VerNoticia?Frecuencias-Solfeggio-ideal-para-las-noches-de-cuarentena&id=237

https://es.wikipedia.org/wiki/Do_(nota)#:~:text=Anteriormente%20el%20nombre%20de%20esta,Di%C3%A1cono%20(720%2D799).

https://es.wikipedia.org/wiki/Ut_queant_laxis

https://deepakchoprameditacion.es/el-chakra-raiz-muladhara/

Hace unos meses ya, llegó a mis manos «Electricidad», el segundo disco -grabado en directo- de Culto al Qondor, banda peruana conformada por músicos de una más que importante trayectoria. Dadas las diversas circunstancias que me rodean últimamente, no pude reseñar este trabajo apenas salió, mas lo hago ahora, ya que mejor tarde que nunca, como dice el dicho que no sé quién dijo pero que aplica muy bien aquí.

«Electricidad» es una oda al rock espacial más primitivo y visceral, trayendo reminiscencias al Pink Floyd más bañado en ácidos (pase de la década de los sesentas a la de los setentas) y al krautrock en su esencia más experimental, más dada al jamming que a la composición concreta en sí misma. Culto al Qondor ofrece, musicalmente, una atmósfera repetitiva y etérea, sobre la cual bailan el bajo y la batería -batería sabbathiana, con ese sonido tan cavernícolamente característico-, creando un ambiente perfecto para la proliferación del sonido trippero de la guitarra, con guiños evidentes al estilo de Gilmour.

Existen dos maneras de llegar a disfrutar -según yo- este disco:

1. Estar en medio de un viaje cannábico.
2. Ser un amante brutal del sonido space/kraut (aunque llegue a ser repetitivo).

Y es que, valgan verdades, cuando logras conectar con «Electricidad», tu cuerpo siente esa insaciable necesidad de bailar, cuasi epilépticamente, cosa que me hace recordar al efecto que tuvo en mí -en tanto a percepción sonora y física- el poco conocido tema «Stellar Launch» de la banda alemana Golem -tema y banda que recomiendo exageradamente- (dejo acá el link de YouTube para que se den el contexto requerido).

Como mencioné al inicio, «Electricidad» fue grabado en directo, en el bar limeño Macchu Picchu, lo cual le da esa textura sonora, y a la vez, el feeling de sonido underground más verídico -lo que es, al fin y al cabo-. Se compone de tres temas: «E1», «E2» y «Catedral (E3)». Los dos primeros, se acercan a un sonido más floydero y concreto, mientras que el último, si bien mantiene la guitarra conocida -hasta cierto punto- se adentra más en la exploración de la experimentalidad sonora más atmosférica, yendo hacia un krautrock más minimalista -drone, of course-, donde se sobrepone -al estilo, evidentemente, de la música ambient- la construcción sonora en sí misma por sobre la melodía, dándonos pasajes extensos llenos de reverb y delay.

Si tuviese que escoger un tema, escogería «Catedral (E3)», ya que si bien, los temas primeros me llaman más desde la perspectiva de mi gusto por Pink Floyd, esta composición me llena más, de manera espiritual, ya que es pasional, de una belleza sonora única e incomparable, repleta de momentos que me llevan a sentir lo que me dan artistas como Lustmord o Stars of the Lid, apostando más a la introspección humana y al razonamiento sonoro más crudo.

Y es que «Catedral (E3)» apela al estado humano donde más se puede calar: la tristeza. La melancolía de sus extensas notas te hace viajar por un cosmos de intimidad total con tu propio ser, al borde del onanismo espiritual, donde cada molécula de tu ser se hace sentir en lo más profundo.

No existen suficientes estrellas ni números para poner puntaje a este trabajo de Culto al Qondor. Lo recomiendo al mil por ciento. Y si no les gusta, se pueden ir a la con…tinuará.

Besos y abrazos para todos. Buenas noches. Seguro que de acá a unos cuantos meses vuelvo a reseñar algo nuevo.

Publicación: 2 de Mayo de 2019
Grabación: Macchu Picchu Bar (directo)
Estudios: –
Miembros: Dolmo, Aldo Castillejos, Chino Burga, Antonio Ballester
Discográfica: –
Productor(es): Joel Alvarez, Dolmo, Chino Burga, David Castillejos, John McBain
Cover: IrA
Ediciones: digital, vinilo, CD

Vuelvo a publicar playlists. Esta vez, saco del archivo, una que tenía armada desde hace un buen tiempo, solo que demoré en hacerla pública a través de este blog.

Como su nombre lo indica -de cierta manera- «Elektrik Noir» nos acerca a ciertos temas electro/pop densos o dramáticos, a los cuales tengo gran aprecio y disfruto mucho escuchar. Con un poco de todo, esta playlist es una interesante amalgama de melodías para quien está interesado es encuchar algo nuevo.

Puedes acceder a esta lista de tres maneras:

Dando clic al botón verde de la derecha, buscando en la aplicación “Elektrik-Noir”, o directamente en este post:

But first, a little background about the band: Born in 2008 with the name Satellite Beaver, it changed to Sunnata -Sanskrit word (suññatta) to denote the emptiness- in 2013, which in 2014 would re-debut under this new name with the album «Climbing the Colossus», which would be followed “Zorya” in 2016 and later –with its four original members in its ranks –the disk that we will review today: “Outlands”.

Even though my approach to the band was with “Zorya”, after hearing full, and several times – his material, definitely can say I’ll take his most recent work .Worth truths, Sunnata debuted with a sound of classic stoner, without much originality of for a way. I do not say that their first album was bad, what I want to point rather is that while «Climbing the Colossus» is a good work, its aimed to complete the collection of some addicted to the genre that make a difference. «Zorya» is where we begin to glimpse the brushstrokes of more complex idea melodies – recognizing that has been kept an interesting lyric work from a beginning-, doing more honors to the ritual and mystical letters contained in his songs. -It is with «Outlands» where the band breaks the mold, and creates a totally unique sound.

But, and despite everything, though Sunnata is not a band that marked anything from his début, with their works it has been showing us the way that they are covering with regard to the acquisition of his musical maturity and the search and meeting of the authentic  and own identity.

Of course if someone asks ¿What genre is Sunnata? the automatic answer would be “Stoner Rock”, the melodic present variables in “Outlands” give us multiple answers simultaneously.

«Outlands» represents the exploration of the stoner rock from the perspective of doom, the sludge, psychedelia, folk, post-rock, atmospheric music and grunge.  Not only as album, but, song to song, every topic presents diverse variables, thing that offers to every topic the only and own texture. Nothing repeats itself. And it is not that tries of taking advantage of the extension of any topics – some of them come to 12 minutes-, even the shortest songs give themselves the work of exploring different alternatives of viewing and expressing the rock.

“Outlands” starts with an intro of only forty seconds, with a distorted guitar and bottom of bells, which end mating to the beginning of the first topic of the album: “lucid dream”. This song of more than nine minutes of ceremonial cut, which appeals to the construction of a melody by the using of the bass since primary instrument and distant voices as accompaniment. It is advanced already the minute five that the guitar acquires leadership and gives rock very near to the doom beginning to rhythm of stoner. “Lucid Dream” speaks to us of it short and ethereal that is life, across a cosmic poetry.

“Scars” appeals to the sludge metal, applying a lot to the work of the double pedal on the drums. A deceitfully quiet subject, whose closing approaches to the own more own brutality of the sludge close to hardcore. His letter makes me think of a medieval poem of epic cut.

The lyric devastation and the melody which solemn rhythm they come from the hand of the homonymous topic. Slow, dense, it is the topic doom excellently of this album. The voices are already classic used on this album, but with the melody created for “Outlands”, they raise the condition of mysticism that was in it carrying the third work of Sunnata. Arrangements placed in an exquisite way, bring us closer to a heavenly feeling in the midst of a letter charged with suffering.

Now we are approaching, for a moment, the most mainstream side of the album, by the hand of “The Ascender”. This song brings us closer to an idea that carries with it a certain melodic identity associated with the alternative rock of the beginning of the century. Although the letter and voices remain the mystical way already established along the development of his album, for a moment –ending the third minute– I felt approached to a low interlude that reminded me of Limp Bizkit (?), somehow. I must clarify that this did not annoy me at all; rather I found it interesting to approach a rock more pop, even for an instant.

“Gordian Knot” theme that defined a while ago as “when you like to meditate but also get violent”, it initiates with a violent riff of a guitar and a drum marked, followed of voices more aggressive than the listened ones previously on the disc. It is from the second minute that the subject is turned to a more spatial sound, pensive, where the voices again hypnotize you with its already ceremonious humming. But the thing does not stay there, “Gordian Knot”   in his final minute, his aggressive side revive and beats us with all his fury directly in the face.

Announcing us that comes the end of this excellent disc, “Falling” fulfills the labor of interlude, which construction is at the expense of the distortion of a guitar that is kept identical to the complex aesthetic of “Outlands”.

We could not go away without being caressed by the post-rock/metal. “Hollow Kingdom” closes –without possessing the bonus track– masterfully the musical narrative presented in this album. Invites us – in his melody – to the worship of some gigantic lost monolith.  Structured as a kind of a ballad, this song speaks to us of the desolation and the emptiness, lofty end for an album of post-apocalyptic trend.

“Ayahuasca” is the bonus track of the disc. It is not a primary topic not necessarily to raise “Outlands” in his level of complexity or quality. It is more than quite an interesting melodic for if we remain with desire of more. It is, briefly, the instrumental version of the homonymous topic. In the version of the album of the Bandcamp of the group it is not available, only in Spotify and –I imagine– that in the physical version or in some a special edition.

If this blog was giving points to the albums that it outlines, 10/10 it would not be enough for “Outlands”

Released: March 23th, 2018
Recorded: Monochrom Studio
Studio: Satanic Audio
Members: Michał Dobrzański, Robert Ruszczyk, Adrian Gadomski, Szymon Ewertowski
Label: –
Producers: Haldor Grunberg
Cover: Maciej Kamuda
Editions: digital, vinyl, CD

Pero primero, un pequeño background sobre la banda: nacida en 2008 bajo el nombre de Satellite Beaver, pasó en 2013 a llamarse Sunnata -palabra sánscrita (suññatā) para referirse al vacío-, la cual en 2014 haría su re-debut bajo este nuevo nombre con el álbum «Climbing the Colossus», al cual seguiría «Zorya» en 2016 y posteriormente -con sus cuatro miembros originales vigentes en sus filas- el disco que hoy repasaremos: «Outlands».

Si bien mi acercamiento a la banda fue con «Zorya», tras escuchar por completo -y varias veces- su material, definitivamente puedo decir que me quedo con su obra más reciente. Valgan verdades, Sunnata debutó con un sonido de stoner clásico, sin mucha originalidad de por medio. No digo que su primer disco haya sido malo, más bien a lo que quiero apuntar es a que si bien «Climbing the Colossus» es un buen trabajo, está más orientado a completar la colección de algún adicto al género que a marcar una diferencia. Es en «Zorya» donde empezamos a atisbar las pinceladas de una idea más compleja en las melodías -reconociendo que se ha mentenido un interesante trabajo lírico desde un inicio-, haciéndole más honor a las letras rituales y místicas contenidas en sus canciones. Es con «Outlands» donde la banda rompe el molde, y crea un sonido totalmente propio.

Pero, y pese a todo, si bien Sunnata no es una banda que marcó algo desde su debut, con sus trabajos nos ha ido mostrando el camino que van andando respecto a la adquisición de su madurez musical y a la búsqueda y encuentro de una identidad auténtica y propia.

Claro queda que si alguien preguntase ¿qué genero es Sunnata?, la respuesta automática sería «stoner rock», las variables melódicas presentes en «Outlands» nos dan múltiples respuestas a la vez.

«Outlands» representa la exploración del stoner rock desde la perspectiva del doom, el sludge, la psicodelia, el folk, el post-rock, la música atmosférica y el grunge. No solo como álbum, sino que, canción a canción, cada tema presenta diversas variables, cosa que le brinda a cada tema una textura única y propia. Nada se repite. Y no es que se trate de aprovechar la extensión de algunos temas -algunos llegan a los doce minutos-, hasta las canciones más cortas se dan el trabajo de explorar diferentes alternativas de visionar y expresar el rock.

«Outlands» arranca con un intro de apenas cuarenta segundos, con una guitarra distorsionada y fondo de campanas, que terminan acoplándose al inicio del primer tema del álbum: «Lucid Dream». Esta canción de más de nueve minutos de corte ceremonial, apela a la construcción de una melodía mediante el uso del bajo como instrumento primario y voces distantes como acompañamiento. Es avanzado ya el minuto cinco, que la guitarra adquiere protagonismo y da inicio a una musicalización de stoner rock muy cercano al doom. «Lucid Dream» nos habla de lo corta y etérea que es la vida, a través de una poesía cósmica.

«Scars» apela al sludge metal, aplicando bastante al trabajo del doble pedal en la batería. Un tema engañosamente tranquilo, cuyo cierre se acerca a la brutalidad propia más propia del sludge cercano al hardcore. Su letra me hace pensar en un poema medieval de corte épico.

La devastación lírica y la melodía cual rito solemne llegan de la mano del tema homónimo. Lento, denso, es el tema doom por excelencia de este álbum. Las voces son las ya clásicas utilizadas en este disco, pero con la melodía creada para «Outlands», elevan la condición de misticismo que de por sí venía cargando el tercer trabajo de Sunnata. Arreglos colocados de manera exquisita, nos acercan a una sensación celestial en medio de una letra cargada de sufrimiento.

Ahora nos acercamos, por un momento, al lado más mainstream del disco, de la mano de «The Ascender». Esta canción nos acerca hacia una idea que carga consigo con cierta identidad melódica asociada al rock alternativo de principios de siglo. Si bien la letra y las voces siguen el camino místico ya establecido a lo largo del desarrollo de este álbum, por un momento -finalizando el minuto tres- me sentí acercado a un interludio de bajo que me recordaba a Limp Bizkit (?), de alguna manera. Debo aclarar que esto no me fastidió para nada, más bien me pareció interesante el acercamiento a un rock más pop, aunque sea por un instante.

«Gordian Knot», tema que definí hace un tiempo como «cuando te gusta meditar pero también ponerte violento», inicia con un riff violento de guitarra y una batería marcada, seguidas de voces más agresivas que las escuchadas anteriormente en el disco. Es a partir del segundo minuto que el tema se vuelca hacia un sonido más espacial, meditabundo, donde las voces vuelven a hipnotizarte con su ya establecido canturreo ceremonioso. Pero la cosa no queda ahí, «Gordian Knot», en su minuto final, revive su lado agresivo y nos pega con toda su furia directo en la cara.

Dándonos a conocer que se viene el final de este excelente disco, «Falling» cumple la labor de interludio, cuya construcción está a cargo de la distorsión de una guitarra, que se mantiene acorde a la estética compleja de «Outlands».

No nos podíamos ir sin ser acariciados por el post-rock/metal. «Hollow Kingdom» cierra -sin contar con el bonus track– magistralmente la narrativa musical presentada en este álbum. Nos invita -en su melodía- al culto de algún gigantesco monolito perdido. Estructurada como una especie de balada, esta canción nos habla de la desolación y el vacío, excelso final para un álbum de tendencia post-apocalíptica.

«Ayahuasca» es el bonus track del disco. No es un tema primario ni necesario para elevar a «Outlands» en su nivel de complejidad o calidad. Es más que todo una interesante adición melódica por si nos quedamos con ganas de más. Es, en pocas palabras, la versión instrumental del tema homónimo. En la versión del álbum del Bandcamp del grupo no está disponible, únicamente en Spotify y -me imagino- que en la versión física o en alguna edición especial.

Si este blog diera puntaje a los álbumes que reseña, 10/10 no sería suficiente para «Outlands».

Publicación: 23 de Marzo de 2018
Grabación: Monochrom Studio
Estudios: Satanic Audio
Miembros: Michał Dobrzański (bajo), Robert Ruszczyk (batería), Adrian Gadomski (guitarra, voz), Szymon Ewertowski (guitarra, voz)
Discográfica: –
Productor(es): Haldor Grunberg
Cover: Maciej Kamuda
Ediciones: digital, vinilo, CD

Alex Sabourin, the founder of the group, mentioned to us that the band has born in a natural way. He was coming for a time practicing some riffs on the guitar, issue that he wanted to take it a step further, when is that it starts to jammear next to Joseph Grenier, the group’s current drummer, with the intention to add a little more taste to what they were doing, subsequently, would add Joe Poitras, Alex’s cousin and first guitar of the group, who would come to give them a signal that it was the moment to start a band: Cleõphüzz.

¿And that name? You will ask me. I had a simple answer of the band thereon: is a name of our ancient religion «Cléophas» which one we modify for been «Cleofuzz» simply because we like the fuzz.

Within their influences we found as the pillars, besides to the rock genre itself, bands like Black Sabbath, Kyus and Fu Manchu, together with other more of the Californian style stoner rock. Added to these, they are also as part of the larger figure of inspiration of Canadians groups such as Samsara Blues Experiment, Naxatras, 1000mods, Sleep, among other more.

Their melodies run through the arid desert of -obviously- fuzz rock through the paths of a groovy psychedelia, while a post-rock cosmic adds the landscape of thousands of galaxies at the distance inside this crucible of stoner rock raised to the «n» power. But it is not only in the generic spectrum of their musical influences, but seek to add what is theirs, their personal touch, to the giant already world of stoner, through the use of cellos and the creation of melodies doomed to a desert space instrumental rock.

When, in a conversation in internet, God Bless Facebook, ask to Alex about what other sources of inspiration have as a band, beyond than the music, he answer, literally, the next thing: «!Joe’s mother¡ She is a natural artist, she lives in a beautiful, very spiritual and beautifully decorated house. She plays music from always and it is very inspiring. Each time we improvise (in the backyard shed of Joe’s mom’s house) I feel so quiet. Literally we entered our bubble and create good shit. In general, press «record» in our audio card as soon as we entered the shed, and at night we enjoyed what we have touched.

“Wizard of Phüzz” conceives, in addition, a conceptual panorama, where the EP us narrates a history by means of his music, letters and even, his front. The disc composed by four topics, tells us the history of a few travelers of the desert who see a Sandstorm, Coming closer towards them, which manage to leave, thirsty, having ahead only Mirages. Until they meet Cleophuzz, the sorceress of the phuzz, seated, alone, in the dunes, they waving peyote in order that they eat it-As is the front page. After consuming it, they start burning and flying in the Half Moon Ritual. After a hard night of travels, the reality counter-attacks and returns them to his way, a real Walk of Shame.

“Wizard of Phüzz” open with “Sandstorm”- for if it has not become evident already- an instrumental very atmospheric topic doomed to the stoner rock more mainstream- but with their own notes, very experimental touches. “Mirage” appears after, with a high intensive melody, more blues accompanied of an aggressive voice, which accentuates the side more rock of the album. “Half Moon Ritual” it carries out for the most spiritual side of the band using a lysergic guitar and tribal percussion- along with appearances of the cello – takes us on an interstellar journey east of more than nine minutes, soft aesthetic, post rock, but intense. The EP close with “Walk of Shame” a kind of melodic tribute to the style rock from Palm Desert, very well done.

It is worth adding that the band does not have the presence of bass, instrument that is not surprising thanks to the splendid work of the two guitars.

Released: March 30th, 2018
Recorded: Studio Lachapelle
Studio: Studio Lachapelle
Members: Alex Sabourin, Joé Poitras, Joseph Grenier, Carolune Rondeau
Label: KeepHope
Producers: Francois Lachapelle, Yannick St-Amand
Cover: Tessa Najjar
Editions: digital, CD

Alex Sabourin, el iniciador de la banda, nos menciona que esta nació de manera natural. Él venía cierto tiempo practicando solo algunos riffs en la guitarra, cuestión que quiso llevar un paso más allá, cuando es que empieza a jammear junto a Joseph Grenier, baterista actual del grupo, con la intención de añadir un poco más de sabor a lo que venía haciendo. Posteriormente se añadiría Joé Poitras -primo de Alex y primera guitarra del grupo-, quien vendrían a darles la señal de que era momento de empezar una banda: Cleõphüzz.

¿Y ese nombre?, me preguntarán. Obtuve una sencilla respuesta de la banda al respecto: es un nombre antiguo de nuestra región, «Cléophas», el cual hemos modificado para ser Cleofuzz, porque sencillamente nos gusta el fuzz.

Dentro de sus influencias encontramos como centrales, además del género rock en sí, a bandas como Black Sabbath, Kyuss y Fu Manchu -junto a otras más de la movida de stoner rock californiana. Sumados a estas, están también como parte de la figura mayor de inspiración de los canadienses agrupaciones como Samsara Blues Experiment, Naxatras, 1000mods, Sleep, entre otra más.

Sus melodías recorren el árido desierto del -evidentemente- fuzz rock a través de los caminos de una psicodelia groovy, mientras que un cósmico post-rock añade el paisaje de miles de galaxias  a la distancia dentro de este crisol de stoner rock elevado a la «n» potencia. Pero no se quedan únicamente en el espectro genérico de sus influencias musicales, sino que buscan añadir lo suyo, su toque personal, al ya extendidísimo mundo del stoner, mediante el uso de violonchelos y la creación de melodías abocadas a un desértico space rock instrumental.

Cuando, en una conversación internaútica –God bless Facebook-, le pregunto a Alex acerca de qué otras fuentes de inspiración tienen como banda -más allá de la música-, me responde, literalmente, lo siguiente: ¡La mamá de Joé!. Ella es una artista natural. Vive en una hermosa, muy espiritual y bien decorada casa. Ella hace música desde siempre y es muy inspiradora. Cada vez que improvisamos (en el cobertizo del patio trasero de la casa de la mamá de Joé) me siento muy tranquilo. Literalmente entramos en nuestra burbuja y creamos buena mierda. Por lo general, presionamos «grabar» en nuestra tarjeta de audio apenas ingresamos al cobertizo, y ya por la noche disfrutamos de lo que hemos tocado.

«Wizard of Phüzz» concibe, además, un panorama conceptual, donde el EP nos narra una historia mediante su música, letras e incluso, su portada. El disco, compuesto por cuatro temas, nos cuenta la historia de unos viajeros del desierto que ven una tormenta de arena (Sandstorm) aproximándose hacia ellos, de la cual logran salir, sedientos, teniendo por delante únicamente espejismos (Mirage). Hasta que se encuentran con Cleophuzz, la hechicera del phuzz, sentada, sola, en las dunas, agitándoles un peyote para que lo coman -tal cual la portada. Tras ingerirlo, empiezan a arder y a volar en el Ritual de la Media Luna (Half Moon Ritual). Después de una dura noche de viajes, la realidad contraataca y los regresa a su camino, un verdadero camino de la vergüenza (Walk of Shame).

«Wizard of Phüzz» abre con «Sandstorm»-por si no se ha hecho evidente ya-, un tema instrumental muy atmosférico abocado al stoner rock más mainstream -aunque con sus notas propias, de toques muy experimentales. «Mirage» aparece después, con una melodía más intensa, más blues, acompañada de una voz agresiva, que acentúa el lado más rock del álbum. «Half Moon Ritual» nos lleva por el lado más espiritual de la banda, mediante una guitarra lisérgica y percusión tribal -junto a apariciones del violonchelo-, nos transporta en un viaje interestelar de estética oriental de más de nueve minutos, suave, post rock, aunque intenso. El EP cierra con «Walk of Shame», una especie de tributo melódico al estilo rock de Palm Desert, muy bien logrado.

Valga añadir que la banda no cuenta con la presencia del bajo, instrumento que no se hace extrañar gracias al espléndido trabajo de las dos guitarras.

Mi cerebro ha volado. Puff.

Publicación: 30 de Marzo de 2018
Grabación: Studio Lachapelle
Estudios: Studio Lachapelle
Miembros: Alex Sabourin (segunda guitarra), Joé Poitras (primera guitarra, voz), Joseph Grenier (batería), Carolune Rondeau (Violonchelo, sitar, voz de acompañamiento)
Discográfica: KeepHope
Productor(es): Francois Lachapelle, Yannick St-Amand
Cover: Tessa Najjar
Ediciones: digital, CD

Primer Círculo es el título que lleva el primero de estos eventos, a llevarse a cabo en el bar Machu Picchu, del centro de Lima, el día Viernes 26 de este mes en progreso.

La pateadura en escena la brindarán las bandas Cuarzo (lee nuestra reseña a su álbum debut), Rinoceronte, Pradhana,  Satánicos Marihuanos y Druida, todas altamente recomendables.

Así que ya sabes, junta tu sencillo y chapa tu combi este Viernes, ve hazte reventar a puro rock.

Datos:

Link del Evento: fb.com/event…
Lugar:  Machu Picchu Bar, Av. Roosvelt #277, Lima (Centro)
Hora: 10 p.m. (termina a las 3 a.m. del día siguiente)
Ingreso: S/. 10 (en puerta)

Influenciados por bandas como Neurosis o Danzig, Aathma aplica la agresividad del sludge en asociación con la densidad y limpieza vocal típicas del doom, cosa que los convierte en parte de esos pocos grupos que me han impactado este año. Y no es porque hayan descubierto la pólvora, sino más bien porque han sabido jugar bien con aquellos elementos ya establecidos que asocian los géneros que exploran, reflotando el valor del sonido underground a manera de bandas como Mastodon, cuyo sonido siento muy asociado a esta producción hispana. Y no es para menos, Aathma -al igual que Mastodon- aplica la riqueza que otorga el conocimiento técnico respecto a los instrumentos que utiliza para crear una atmósfera densa y un sonido pesado que no son para nada gratuitos.

Tengo mis críticas -constructivas, evidentemente-, pero no he dejado de disfrutar profundamente de «Avesta». Valga el remarcar que he estado una semana entera escuchándolo sin parar, porque realmente vale más que la pena.

Compuesto de seis temas, este álbum debe su nombre a una colección de textos sagrados de la antigua Persia, pertenecientes a la religión zoroastriana y redactadas en avéstico -una de las más antiguas lenguas de la familia indoeuropea-. Luego de la wikipédica explicación, debo añadir lo anotado por la banda con respecto al contenido de su «Avesta». Y es el echo de que cada canción recrea un rito o el culto a un elemento natural o deidad. «Mah», la luna. «Mithra», dios solar. «Atash», el gran fuego. «Ken Za», exorcismo. «Hvare», el sol. «Aban», las aguas.

«Mah», la luna, apertura el disco con una guitarra distorsionada, lejana, triste. Nos atrapa en medio de ese gris melancolía, nos lleva por entre místicos bosques bañados por la noche… para luego sumergirnos en medio de un ritual brutal, ceremonial de fuego. La batería y el bajo ahora acompañan a la acelerada guitarra. Efectos y distorsión por todos lados, nos están atacando directo al alma. El sludge ha ha llegado. Es desde este punto, arrancando apenas, que encuentro esa sensación que hizo que conectara con bandas como Mastodon. Una voz agresiva nos sorprende en el momento en que, nuevamente, «Mah» se desacelera para estacionarse en el tempo en el que se mantendrá constante, sludge remojado en doom. Luego de la inicial agresividad vocal -propia del género-, la versátil voz de Juan Domínguez -vocalista/guitarrista- se suaviza, acercándose a un estilo más doom, donde la voz melancoliza la poderosa melodía. Mi única crítica va a los momentos en que la voz se pone violenta, siento que es muy limpia, me hubiese gustado que fuese algo más áspera y aguardientosa. «Mah» hizo que, instantáneamente, me conectara con el álbum que la acobija.

Doom. Doom es lo que nos apertura la puerta a los pasillos de «Mithra», doom que luego se transforma a un estilo más alternativo que, dentro de los ocho minutos que dura, sabe explorar muy bien los caminos que este género apertura, caminos que se acercan muy tentadoramente al stoner rock.

«Atash» nos acerca más a la progresividad, doom metal que visita los dominios del prog más colérico. Al igual que en los temas que lo preceden -y que el resto del disco, valgan verdades-, esta canción se caracteriza por el poder del bajo. Un bajo marcado y lleno de groove, que me recuerda a bandas como Opeth o Dream Theater.

«Kenza», un instrumental donde reina la guitarra distorsionada, que a la mitad se cubre de sludge, para cerrar finalmente en una experimentalidad interesante. Una especie de interludio más que bienvenido, ya que abre las puertas al cierre de «Avesta», donde el disco se pone algo más «suave».

Vuelve el groove y el bajo poderoso en «Hivare», que regresa a la receta de la variabilidad de tempos con la que arranca el disco. Un interesante tema de voces limpias, acentuaciones bien marcadas y un saludo al stoner rock más clásico.

Doce minutos son los que nos despiden de este discazo. «Aban» nos recuerda que el doom es el camino, la verdad y la luz. Bandas como Trouble aparecen ante mis oídos mientras este tema avanza, lentamente, consumiéndome por dentro. Cual aguas frente a la luna, «Aban» viene y va, exhibiéndonos toda la capacidad técnica de este trío español. El bajo de Mario González brutaliza nuestro cerebro mientras la batería de Alejandro Porras nos patea directo en el tímpano y la guitarra de Domínguez nos hipnotiza con sus ires y venires. De suave a duro, de calmo a violento, así es «Aban», que nos dice adiós con toda la carga de densa oscuridad que este álbum posee.

A cada nueva escucha, «Avesta» no deja de sorprenderme.

Brutal.

Publicación: 20 de Enero de 2017
Grabación: Estudio 1 – grabación en vivo
Estudios: Sadman Studios
Miembros: Dolmo, Juan Domínguez, Mario González, Alejandro Porras
Discográfica: Underground Legends Records, Sacramento Records, Odio Sonoro, Cosmic Tentacles, The Braves Records, Lengua Armada, VZQ, Avestan Scriptures, Aladeriva Records, Violence in the Veins
Productor(es): Carlos Santos, James Plotkin
Cover: Robert Hernández
Ediciones: digital, CD

¿Doom? ¿heavy psych? ¿progresivo?, rock pesado.

Liderada por Eloy Arturo -Kranium, Reino Ermitaño- junto a la compañía de Miguel Gutiérrez y Khriss Meléndez, la Bruja debuta con un álbum homónimo que -en estos días- quizá no siente las bases de nada, pero sí muestra el único camino en que el rock debe hacerse: sin pretensiones, con honestidad y necedad.

Este disco no oculta ni se avergüenza de mostrar las influencias sobre las que se ha construido melódicamente, pero tampoco deja de ser auténtico. Exhibe la evidente madurez musical de Eloy, a través de la cual aquel material donde sienta sus bases, da paso a música realmente genuina. Se puede notar la esencia de bandas como Uriah Heep, Deep Purple, Black Sabbath e Incluso Led Zeppelin, por el notorio sabor de psicodelia pesada y progresiva que tiene «La Bruja», pero sin dejar de lado esa cuota de íntima legitimidad que queda sentada en las letras y composiciones melódicas.

«Rudraksha» -el primero de los cinco temas que contiene «La Bruja»- apertura este disco con una melodía clásica de hard rock setentero con sabor a Uriah Heep, mientras nos habla suavemente de Shiva. Con tintes orientales, este tema nos deja claro el arma con la que La Bruja viene a volarnos la cabeza: rock duro de verdad. Una batería de fondo, con ese toque seco clásico del hard setentoso, un bajo potente y una guitarra lisérgica, con un excelso armado, nos meten una pateadura que recordaremos por siempre.

«Sentimientos Encontrados» empieza lenta y sabbáthica, camuflándose con un traje de balada rock, nos seduce hasta estrellarnos brutalmente contra el rock más duro, con una de las características típicas de Black Sabbath -sobre todo en sus primeros trabajos-: los cambios marcados de tempo y el bajo prominente y acentuado, que marca la pauta. Pese a mi necesaria cita a los británicos, «Sentimientos Encontrados» es un tema auténtico y espiritual, donde la voz ronca y aguardientosa de Eloy nos arremete con su original honestidad.

Deep Purple se esconde tras los riffs de «Abismo». Es un tema corto en relación al resto de temas que lo acompañan, pero sigue dentro de ese esquema de fuerza y densidad del power-trío.

«Cenizas» mezcla la pesadez de Black Sabbath con el lado progresivo/sinfónico de Deep Purple. Un tema poderoso, único y místico, con sabor a clásico. No me cabe duda que, de haber salido como parte del álbum de alguna banda rock setentera, este tema habría marcado la historia para muchos. Algo más de cuatro minutos donde nuevamente la reseca voz de Eloy muestran el camino del rock, de cómo debe cantarse, de cómo debe de acoplarse la letra a la melodía, sobre todo con la cierta «molestia» a la hora de hacer rock en español.

Para cerrar con lápida de oro, «Ya Estoy Muerto» nos despide con un brutal guiño a -para mí- la era dorada de Led Zeppelin. Experimentalidad y armonía marcan este tema. El rock pesado se luce con su máximo esplendor.

Si en este humilde blog repartiésemos puntajes, estoy totalmente convencido de que un 10/10 sería poco.

De la portada -que me recuerda a la estética ochentera de Iron Maiden- a la música, este álbum da cátedra de cómo hacer buen rock.

Desde ayer esta obra se encuentra en pre-venta gracias a The Horde of Nebulah Records y Tóxiko Records, dejo los siguientes links donde podrán encontrar toda la información para adquirir este magno álbum de rock pesado y los datos del evento oficial:

web.facebook.com/ToxikoProducciones…

web.facebook.com/events…

Formada por Chino Burga (conocido sobre todo por ser fundador de La Ira de Dios), Dolmo (?) y Aldo Castillejos (integrantes de Serpentina Satélite), Culto al Qondor nos somete a la densidad cósmica del rock espacial, a través de los cuatro temas que conforman «Templos».

Este disco castiga a aquellos que no sean adeptos al género o no estén en el «modo adecuado» para la escucha de la música que carga. Melódicamente es ligero, pero en realidad transmite pesadez, dado que aprovecha bien los espacios del bajo y la batería, instrumentos a los que la guitarra y los loops acompañan con una lisérgica repetitividad. Y es que sí, este álbum es repetitivo, y necesitas ser muy comprensivo con esta clase de música o estar lo suficientemente «elevado» (humeado) como para poder disfrutarlo realmente. Y no, no marco esto como algo «malo», más bien me deja clara las pocas pretensiones que se echa la banda para más bien, anclarse a lo que es su esencia originaria: el jamming.

El space rock es lo bastante permisivo como para permitir dirigirlo en distintas direcciones. «Templos» explora de manera amplia la inmersión del space en géneros tan afines como el ambient/drone, a través de los cuales conecta con esa rama germana llamada kraut-rock, lo que hace más interesante y llamativa a esta nueva adición a las referencias del underground peruano.

Los cuatro temas que componen este álbum son complementarios entre sí. «Martillo», que apertura el disco, nos machaca el cerebro sin remordimiento. Aplica a la cierta repetitividad drone para luego sellar un cierre que se pasea dentro de los dominios del stoner rock. Por su parte, «Amanecer en Tres Cruces» empieza con un riff de guitarra que recuerda al clásico intro de «Another Brick in the Wall» de los Floyd, desde el cual se sumerge a lo que bien podríamos llamar drone rock, que, a la vez, continúa con la línea espacial dejada por su predecesor. Los guiños siguen, y esta vez en «Antiguos Dioses sobre Chilca», donde ahora la guitarra nos trae remembranzas -en la introducción- al «Holiday in Cambodia» de los Dead Kennedys, para luego introducirnos en el space rock más punk que he escuchado en mi vida. El disco cierra con el tema homónimo que retoma lo dejado por «Martillo»; esa fascinación por quebrar cerebros. Una introducción drone que nos devuelve a los pasillos de tortura instaurados por la batería, una exaltación del ser primigenio y tribal, donde la luz de la luna y las arenas del desierto son el ingrediente primordial para este ritual de rock.

Para cerrar esta breve reseña, debo decir que quedé gratamente fascinado por la portada del álbum, un arte magnífico, oscuro y cósmico, que me encantaría ver en la tapa de un vinilo.

«Templos» de Culto al Qondor, trabajo altamente recomendado.

Publicación: Diciembre, 2017
Grabación: Café Bar Hensley
Estudios: Man in the box Records Studios
Miembros: Dolmo, Aldo Castillejos, Chino Burga
Discográfica: –
Productor(es): Joel Alvarez, Chino Burga
Cover: Julian Ciceri
Ediciones: digital (por el momento)

Great Music from Weird Places, ¿qué carajos es eso?, pues algo que se me ocurrió mientras buscaba ciertos tags en Bandcamp, búsqueda hecha con la intención de conocer qué había publicado en esta plataforma de países de aquellos que consideramos «raros» o «desconocidos». Esta entrega será «episódica» -Star Wars FTW- y se publicará cada vez que encuentre una cierta cantidad de material que considere interesante.

PD: Espero me permitan la huachafería de colocar el título en Inglés, quedaba mejor que en Español y, además, es sencillo y entendible para quien alguna noción tiene de tal idioma. #SorryNotSorry.

PD2: God Bless Bandcamp.

Chu: XI

«XI» (2014) es el segundo EP de la banda Chu, proveniente del hermoso país de Kazajistán. Contiene tres temas con una duración superior a los 7 minutos. Una interesante propuesta de stoner/sludge básicamente instrumental, ya que cuenta con poquísimas secciones cantadas.

«XI» cuenta con una portada bastante adecuada al contenido que propone, melodías más que bien logradas y un sonido pesado. Recomendado para todo aquel que esté a la caza de cosas nuevas.

Slund: The Call of Agony

Si lo anterior te resultó demasiado suave, esta vez te invito personalmente a visitar -de manera sonora- la fría Eslovenia. Ahí te espera Slund con su álbum debut (lanzado en Febrero de este año) «The Call of Agony». Violento, sucio y terrorífico, este disco nos pasea por entre el hardcore punk y el sludge/doom, una mezcla más que interesante para aquellos que aman reventarse el cerebro a golpes.

Trece temas de pura carne cruda para tus oídos.

Boom.

Sliten6ix: Hiraeth

Siguiendo por las rutas del hardcore, esta vez nos internamos en su elemento más metal. La banda camboyana Sliten6ix nos presenta su álbum debut: «Hiraeth» (2016) -sí, seguimos con los debuts. Este disco trae cinco temas bien planteados de metalcore, el cual está acompañado de elementos black metal.

Se me hace curioso el hecho de que se esté produciendo esta clase de música en un país como Camboya, aunque debo decir que les guardo una sorpresa más con respecto a este país.

Asian rules.

Ārash Āzādi: Geosonic Journeys

Un iraní afincado en Armenia que compone drone/ambient, ese es Ārash Āzādi, quien hace relativamente poco -Octubre de este año- lanzó su primer álbum: «Geosonic Journeys».

Un interesante viaje sonoro que, dentro del ya mencionado drone/ambient, explora sus secciones más oscuras y experimentales, tomando incluso una estética noise. Seis tracks cósmico-lisérgicos (de sus títulos a melodías) que serán la delicia de todo aquel que sea adepto a estos géneros.

Además, valga decirlo, tiene momentos que recuerdan al soundtrack de Stranger Things. ¿Coincidencia?.

Varios Artistas: Cambodian Soul Sounds 

El DJ y productor Richard Rossa nos trae esta interesante colección de pop, rock, funk y psicodelia variada de origen camboyano bajo el título de «Cambodian Soul Sounds», dividida en dos volúmenes. Compuesta por temas de entre mediados de la década de 1950 hasta los también mediados de la década de 1970, esta compilación trae de vuelta a la memoria la música que se vino componiendo en Camboya en las fechas señaladas -antes de la toma de poder en 1975 en dicho país por parte de los Jemeres Rojos, que culminó incluso con la muerte de muchos de los artistas incluidos en el «Cambodian Soul Sounds»-, influenciada por el R&B que solían escuchar los soldados americanos afincados en la zona durante la guerra de Vietnam. Incluye muchas melodías de influencia latina, e incluso, incluye varios covers de temas populares de los Beatles.

Vale la pena darle una escucha.

Y, en caso quieran indagar más acerca del tema, la cuenta de Bandcamp que aloja estos dos discos, brinda mucha más información y detalle al respecto del origen e historia de las melodías que junta.

Eso es todo, por ahora. Ya volveremos más tarde.

Este nuevo álbum dejó varios pensamientos dando vuelta en mi cabeza, pensamientos que intentaré poner en orden a continuación.

Primero. Me queda claro que, desde su aparición, Ancestro tenía un sonido que se mostraba casi propio, pese a sus notorias influencias stoner/doom. Esta vez, nos muestra algo que, de no ser por ese, por momentos, saborcito a Pink Floyd -carajo, estoy viendo a los británicos en todas partes-, sería completamente «único y propio». Ancestro realmente nació maduro.

Segundo. Ancestro, más allá del sonido, tiene una identidad propia. Sabe tomar la esencia de la cultura stoner y la traduce en formas familiares al oyente local -trujillano, peruano-, quien la convierte en una expresión propia, más allá del origen gringo de la misma. Muestra una imagen que, tomando el concepto original del género -el desierto-, nos lo da en válidas versiones localistas. Desde la portada misma del álbum -imagen de un fragmento de la desértica ciudadela de Chan-Chan, visitada por gallinazos-, hasta los títulos de las canciones. Y, si bien se puede considerar sencillo adaptar la cultura stoner a nuestra zona costera, Ancestro toma el camino con más detalle y se apropia de la forma más pura de la vida desértica en su ciudad de origen: Trujillo.

No se me haría loca la idea de un concierto stoner/doom en medio de Chan-Chan.

Tercero. Portando a cuestas mis dos positivos puntos previos, debo decir que, aunque «El Gran Altar» es un buen disco, lo siento más como la grabación de un jamming. No me deja la sensación de temas completamente cerrados. A diferencia de su predecesor, al -creo yo- ser tomado más «en serio», esta nueva entrega se muestra deficiente en lo que respecta a la toma de riesgos. «El Regreso de los Brujos» era una alta dosis de ácidos directo al cerebro -gracias a su alta experimentalidad y espontaneidad-, mientras que «El Gran Altar», pese a notarse más cuidado, por esa misma razón, pierde empuje y «sorpresa», siendo un tanto más predecible y adormecido. Aunque tiene temas -son seis en total- como «Gallinazo» o «Purga» que sí se muestran más arriesgados. Con esa sensación me quedo, que, por cuidarse las espaldas y no salirse del molde que ya les había dado éxito, se perdieron en el camino que había convertido su álbum debut en luminaria de nuestra escena local: el riesgo de lo espontáneo.

Cuarto. Considero que el error que puedo achacar a este disco, reside en su rápido lanzamiento. Siento que vino muy pronto, muy pegado al debut de la banda, sin dar un mayor tiempo al redescubrimiento. Quizá se debió esperar y desarrollar un poco más. Es mi humilde opinión.

Para cerrar, solo me queda afirmar que «El Gran Altar» es un buen álbum. Poseedor de un stoner rock que, en momentos, no tiene vergüenza de explorar los territorios sonoros del space o el kraut, géneros -valga anotarlo- fuertemente ligados -o dependientes, en el primer caso- a la música psicodélica. Tiene la densidad adecuada, el talento necesario al mando de los instrumentos y una guía base sobre la cual trascurre realmente bien. Como un oyente más, no me quejo, se adiciona a mi colección de nueva y buena música. Como crítico -¡cómo me alucino!- me doy algunas licencias para hacer las anotaciones que dejo en este texto.

Tras este álbum subyace una buena idea.

Quedo a la espera de un nuevo trabajo de Ancestro, donde -para mí- retornen a sus raíces más espontáneas.

Publicación: 24 de Setiembre de 2017
Grabación: Man in the box Records
Estudios: Man in the box Records Studios
Miembros: Boris Baltodano, Diego Cartulin, Victor García
Discográfica: Man in the box Records
Productor(es): Diego Cartulin
Cover: –
Ediciones: digital, CD, vinilo

https://goo.gl/HPTiXD

https://goo.gl/e9sbz8

https://goo.gl/nw9dnq

https://goo.gl/Hi3Afb

Hace ya unas semanas -un par de meses- los mencionados genios lanzaron su tercer larga duración, bajo el título de «Storms». Previo lanzamiento al mismo, este vago que escribe reseñas cada muerte de obispo, estuvo presente en una presentación a puertas cerradas que se hizo del álbum, de la cual, dejó la siguiente nota escrita:

http://www.pentagramario.com/2017/07/11/the-dead-end-alley-band-storms-preview/

Si tuviese que definir esta nueva faceta de la banda -que empieza a sonar independiente a aquella esencia original de tributo a James Douglas Morrison y compañía- en una palabra, esta sería «madurez». Para dar una breve explicación de porqué expreso esto, me -conchudamente- citaré a mí mismo con algo que escribí en el artículo linkeado allá arriba -puta, qué holgazán-:

«DEAB -siglas de la banda- venía trabajando un sonido retro en sus dos trabajos previos, como una especie de tributo al rock psicodélico clásico, de entre los 60s y 70s (The Doors?), y algo enmarcado en ese camino esperábamos en su nuevo material. Pero todo lo contrario, esta vez nos enfrentamos a un disco que confronta la propia historia de la banda y a los álbumes que le precedieron, con un sonido propio y nunca antes escuchado en ellos. Fresco, desafiante, diferente y, sobre todo, actual.» 

Efectivamente, DEAB se saca la vuelta consigo mismo, se reinventa y nos lanza en la cara este pesado disco, «Storms», al que divido en dos partes -cual lados A y B-. ¿WHY?, porque siento que va in crescendo. Los tres primeros temas («Red Woman», «Headstone Fortress», «Need You (It’s Enough)») no logran conectar conmigo, cosa que sí hacen los tres temas finales («Thunderbolts & Lace», «The Clock Has Stopped», «Waiting for the Void»). Habiéndolos escuchado ya varias veces, me refiero a los tres primeros, los sigo sintiendo repetitivos y hasta cierto punto, algo monótonos, salvo por chispazos y momentos de genialidad auténtica.

De este «lado A», «Headstone Fortress» es el que menos me convence, siento que se pudo haber sintetizado más, convertido en un tema más corto, pero más sólido, no tan disperso.

Lo mismo aplica para con «Red Woman», pese a su brutal y pendejamente hermoso intro y exquisito cierre, yo recortaría los cuatro primeros minutos a, máximo, tres. Y, en caso hubiese querido mantener esos más de siete minutos que dura, habría apelado al pinkfloydismo que posee el tema e incluido más momentos de experimentación space rock, alargando la parte introductoria de «Red Woman» y reduciendo la zona cantada, cuyos -para mí- riffs, llegan a ser algo aburridos. Creo que «Red Woman», incluso, podría haber sido un excelso tema instrumental.

Estos dos temas, para hacer un paréntesis, son una perfecta muestra del oscurecimiento del blues a través de la psicodelia. Atrapan en sus entrañas rezagos de aquel Pink Floyd más descarnado, crudo y sucio. Aterrorizan. Y, pese a mi «negativa» crítica líneas previas, no dejo de admitir que la banda ha creado una atmósfera densa que envuelve por completo su «Storms». Atmósfera que está muy bien lograda, te convence, cual la trama de una película de esas que, de arranque puede que te deje algunas dudas, pero que no deja de atraparte con esa sensación de que algo impresionante se acerca.

Nuevamente repetitivo y más flojo que sus dos primeros hermanos, «Need You (It’s Enough)» presenta su mayor solidez en el solo de guitarra. Es un tema interesante, pero que se pudo haber desarrollado más.

Nuestro «lado B», la triada que cierra este «Storms», es ese «algo impresionante«. «Thunderbolts & Lace» es para mí, el soundtrack perfecto si hiciese una película clase B de humor negro, lo colocaría en la escena -me lo imagino en este instante- de un baile orgiástico en medio del infierno, a lo party hard en medio de un aquelarre. Esa psicodelia movida que comparte momentos con un surf-rock que bailotea entre saludos al punk más cochino, incluso, hasta cierto punto, me recuerda a los griegos de Aphrodite’s Child.

«The Clock Has Stopped» empieza como una balada psicodélica, con un saborcito a la nueva ola, para luego fundirse en puro y duro rock progresivo. No me jodan, la segunda mitad del tema parece salido del «Ocean» de Eloy. El órgano, el bajo, todo me recuerda a ese excelso disco de los germanos. Es una brutal obra de arte, en toda regla, te mece y adormece al principio, para luego sacudirte violentamente a punta de prog setentero.

En tu cara, sí, en toda tu cara.

El cierre se da con «Waiting for the Void» -hello, Black Sabbath-, un tema vandergraafciano, donde el sonido andino de los vientos y los arreglos ciertamente tribales, se confunden con aquel Popol Vuh que acompañó a Herzog en su inmortal «Aguirre». Es una obra de arte, es el pináculo absoluto -por ahora y en mi humilde opinión- de la música de The Dead-End Alley Band. Siendo el tema que más dura, es el que se te hace más corto, porque te intriga, te envuelve y atrapa en sus redes psico-progresivas, te sumerge en su aroma, similar al Pink Floyd de «The Dark Side of the Moon».

Y, volviendo a mis conchudas auto-citaciones, puedo decir que -como en mi artículo previo-: «Storms» desprende diferentes sentimientos, nos lleva de una sensación tétrica, lúgubre, pesada y de terror -cual soundtrack de alguna película de cine negro- hacia algo más movido, pero a la misma vez, misterioso. Experimenta, juguetea con nuevos sonidos, nos pasea entre riffs de blues, con sabores cercanos al surf-rock, para luego atacarnos con un acercamiento al punk más sucio para, nuevamente, alejarnos y llevarnos hacia un rock psicodélico y progresivo. Junta matices que van desde lo más clásico, a lo experimental y atmosférico. Sabe utilizar muy bien los cambios de tempo, pasando de algo clásico a un lado más bien heavy.

AMÉN.

Hay que mencionar el hecho de que «Storms» viene en ediciones diversas, empezando con la digital de South American Sludge Records (Argentina), pasando por 2 ediciones en CD, una de Necio Records/Inti Records (Perú) y otra de Forbidden Place Records (USA), y terminando con una deseada edición en vinilo gracias a Clostridium Records (Alemania), tras el quiebre con Nasoni Records, quienes llevaron a cabo este trabajo en los dos discos previos de la banda.

PD: debo mencionar algo antes de irme, y es que existió una portada previa a la que hoy conocemos, que se mostró -hace tiempo ya, evidentemente- en La Habitación 235, y que me gustaba más que la original actual. Desconozco o no recuerdo -creo que esto segundo es más certero- la razón de no utilizar este artwork previo. Comparto con ustedes el link para que puedan darle una mirada:

https://goo.gl/Qs6Ve8 

Publicación: 18 de Agosto de 2017
Grabación: Zairam Records
Estudios: –
Miembros: Javier Kou, Sebastian Sanchez-Botta, Leonardo Alva, Jafer Diaz
Discográfica: Necio Records, Inti Records, Clostridium Records, Forbidden Place Records
Productor(es): DEAB
Cover: –
Ediciones: digital, CD, vinilo

Pese a todo, seguimos acá, y espero que este blog pueda seguir muchos años más, compartiendo el amor por la música.

Y bueno, si son nuevos o les interesa conocer mejor la historia de Pentagramario, les dejo este texto, publicado allá por el 2015:

http://www.pentagramario.com/2015/09/11/3-anos-de-pentagramario/

Vayamos a por un año más.

Las reseñas en español al disco -debo resaltar esto- suelen ser desfavorables, en inglés -por el contrario- profundizan más y rescatan de buena manera la propuesta de Arcade Fire. Esto, supongo, se debe a que en nuestro lenguaje, el análisis de las letras en inglés suele pasarse por alto, mientras que, en el idioma original del álbum, la lírica es parte de la ecuación a la hora de analizar y diseccionar «Everything Now».

Los muchachos de Arcade Fire -a través de esta nueva obra- se reinventan. Parten de sí mismos para inducirse a un minimalismo pop inesperado. Se puede decir que esta capacidad de rehacerse a sí mismos no es nada nuevo, podríamos citar como caso reciente su pasado disco, «Reflektor», donde dejaban el rock y lo barroco un tanto de lado para pasar a jugar con un pop más descarado y melodías discotequeras. Aunque -debe decirse- en sus pasadas obras podríamos notar casi nula repetitividad.

«Everything Now» es un disco sencillo de escuchar, no demanda ese gusto por el art rock que debía uno poseer para escuchar sus primeros tres álbumes. Nos da, además, la opción de leer a Arcade Fire como una banda que se está dejando de tomar tan «en serio», para pasar más a relajarse, pero dejando en claro que tienen la real capacidad de hacer lo que les de la gana, musicalmente hablando.

En discos como «Funeral», encontrábamos una relación entre cada tema, melódicamente. Ahora, en este nuevo álbum, si bien nos encontramos envueltos en una esfera inicial de música disco, podemos encontrarnos con momentos cercanos al pop ochentero, al punk, al dub, al reggae e incluso a lo country.

Yo, por mi salud mental y por no querer arruinar la primera escucha de este material, me contuve de escuchar los sencillos que lanzaron previos al álbum en sí mismo. Eso fue algo positivo, porque realmente la mitad de los temas «reales» del disco fueron expuestos de esa manera. Así que, mi pequeña crónica respecto a las sensaciones que obtuve de la escucha track by track de «Everything Now», parte de este contexto «desinformado».

«Everything_Now (Continued)», el intro del álbum, si bien es sintético, no nos hace sospechar -por su estética melódica distante- lo que se viene. Arrastra cierto halo dejado por el cierre de «Reflektor» y nos hace pensar en un posible AF más electrónico.

Luego entra el gran hit -confirmado ya a día de hoy- que nos deja este disco: «Everything Now», el sencillo homónimo, que como ya han dicho algunos antes que yo, suena a un tributo al ABBA más clásico posible. Líricamente sigue esa idea -al igual que el resto álbum- depresivo-apocalíptica que siempre ha poseído el espíritu de los canadienses. Pero, por otro lado, la música traída por este tema nos lleva a todo lo contrario: la necesidad de hacer bailotear a nuestro esqueleto y de sentirnos felices de vivir (WTF!). Música disco, absolutamente disco -claro, ya dije lo de ABBA-, que, con un bajo pegajoso y un pianito con sabor a Benny Andersson, no posee rastro del Arcade Fire original salvo en los arreglos -¿quién no se queda pensando cuando la flauta africana empieza a sonar?-. Es un hitazo, nadie quitará eso. Un tema de aquellos. Podríamos, es más, viajar en el tiempo, pincharla en el famoso Studio 54, y nadie se daría cuenta de que no pertenece a esa época, no existiría sospecha alguna, solo la pregunta «¿qué grupo es ese?».

Luego viene «Signs of Life» sigue la estela disco, pero con un trabajo vocal más de estilo rap por parte de Butler. Nos habla sobre unos chicos chéveres buscando una salida de lo monótono y aburrido.

«Creature Comfort» es como imaginarnos a Arcade Fire como una banda ochentera -a lo New Order con sus syhtns- que nos acerca al sonido que obtuvieron en el maravilloso «Suburbs». Me hace pensar en cómo hubiese sido una reversión de «Sprawl II» hecha por la citada banda synthpop. Es una interesantísima propuesta con una mezcla extraña, pero atractiva, aunque nos hable del suicidio.

Aparece luego «Peter Pan», que me trae a la mente el intento de Snoop Dogg de ingresar al mundo de Bob Marley. Reggae/Dub vestido de rock, es interesante, aunque el estilo jamaiquino no logra cuajarse completamente, lo rockerito le roba protagonismo. Agreguemos a este intento de alquimia la letra romántica que esta canción posee: surrealismo completo. Hubiese querido que el reggae se sienta más profundo, pero no dejo de sentir agrado hacia este tema.

«Chemistry» continúa esta idea dub -acercándose más hacia la era primaria de este género, en tanto a sonido-, aunque luego acaba es una especie de intento de arena rock. No me convence totalmente, siento que aquí las ideas no resultaron en algo bien logrado.  La letra se me hace algo repetitiva, pese a que repetitivo va a ser lo que se nos viene…

«Infinite Content» e «Infinite_Content» son la misma mona con distinto vestido. Misma letra repetida e idea general, aunque si bien se contraponen gracias a la distinta música que pusieron en cada una. La primera es un punk insulso, que me recuerda a una versión menos producida del buen tema «Month of May», el único y verdadero gran acercamiento de la banda al punk rock. La segunda posee arreglos country de estilo tradicional, suave pero intrascendente al igual que su gemela rebelde. Ambas podrían no estar en este disco y me daría igual, es más, lo preferiría así.

«Electric Blue» nos devuelve a la pista de baile. No es un gran tema, pero su estética soft/disco junto al trabajo vocal que me recuerdan a Crystal Castles con su lírica existencialista, lo vuelven atractivo. No encaja mal en la propuesta completa del disco.

El trío de temas que cierran el álbum -sin contar el outro-, como conjunto melódico-lírico, son la prueba de que el Arcade Fire más clásico se mantiene aún activo. Algo que no he mencionado es que -y esto es algo que he discutido bastante con otras personas- muchas veces la música de los canadienses se acopla a los sentimientos que puedas estar teniendo en el momento que la escuchas. Puede llegarte, incluso, a hacer bailar con temas cargados de letras depresivas, pensemos nomás en el single principal de este disco. Y esto que escribo ahora, se aplica -en mayor o menos medida- a los tres temas que vienen a continuación…

«Good God Damn» vuelve a apelar a lo bailable, pero esta vez no solo nos entrega cercanía al estilo músical de la apertura del disco, sino que acompaña sus melodías claramente post-punk con arreglos descaradamente disco/electrónicos. Pero eso no es un pecado, es más bien el resaltar una obviedad; el post-punk siempre se alimentó de la estela dejada por la música disco. Una balada bailable de letra religiosa (?), que nos recuerda al estilo dejado por David Bowie, quien fuera -dicho sea de paso-cercano a los canadienses. Para ser honesto, suelo imaginar este tema dentro del «Black Star», y disfruto de vez en cuando imaginar la voz del británico en vez de la Butler, cosa que lamento, no pueda volverse real. Es un extraño acercamiento de Arcade Fire a sus raíces de una búsqueda más artística.

El disco se pone cada vez más sensible. Con «Put Your Money on Me» seguimos en el camino de la música disco envuelta en tragedia. Esta vez se nos antoja un pop más electrónico, con arreglos disco, que a momentos nos trae un fondo orquestal de atmósfera depresiva que sirve como el saludo de un Arcade Fire a la usanza de sus viejos álbumes. Un tema redondo acoplado a una letra extrañamente trágica.

Si con estos dos temas no nos habíamos terminado de deprimir, el círculo se cierra con «We Don’t Deserve Love». El título nos canta todo lo que se viene. Arcade Fire nos dispara con aquello que sabe hacer bien, melodías engañosamente lentas que, acompañadas de la voz de Win, nos van entumeciendo poco a poco, para luego de manera imperceptible -pero clara- despertarnos con algo más «agitado», acompañado de los coros de Régine Chassagne, que, con su voz, nos va levantando sin retraernos del estado de entumecimiento en el que nos encontramos. Y luego, luego vuelve a aquello de donde partió, en un ejercicio de introspección melódica. «We Don’t Deserve Love» es el pináculo del disco, un inesperado adiós lleno de pinceladas de arte. Nos habla de una pareja que se está quebrando, una tragedia romántica, con tintes de amor latente. Una verdadera balada pop al estilo de Arcade Fire, llena de detalles melódicos, tras un engañoso minimalismo.

«Everything Now», el álbum, nos dice adiós con «Everything Now (Continued)», un outro que no es otra cosa que una versión extendida del intro que nos presentó el disco. Bastante interesante, valga anotar, ya que si ponemos «Everything Now» a dar vueltas sin parar, no nos daremos cuenta de que ha terminado y reiniciado hasta que vuelve a empezar el single homónimo con su pegadizo bajo.

¿Qué más podemos anotar?. Quizá, a grandes rasgos, que Arcade Fire ha sido de los últimos en treparse a la ola de volver a la vida la música disco, ola que llegó gracias al «Random Access Memories» de Daft Punk. No por gusto Thomas Bangalter es uno de los encargados de la producción -junto a Steve Mackey, quien fuera bajista de Pulp, entre otros-. Pero aquello no quita que ellos sean unos de los mejores en hacerlo.

Leí algunos comentarios apuntando a que, si este álbum perteneciese a otra banda, no tendría el recibimiento y exposición que ha tenido «Everything Now», que habría sido señalado por unos pocos como un buen disco, nada trascendente, pero que auguraba un interesante futuro para su autor. Yo me pregunto, ¿podría alguien más haber hecho un trabajo como este?, y me respondo con un rotundo «no». Anoto, de manera personal, que este es el álbum de AF que va más allá de ellos, el más desenmarcado se su banda autora frente a sus discos predecesores.

Fuera de eso, es un buen disco, completo. Podrían quitarse un par temas y no pasaría mucho -aunque eso podría hacerse también en otros álbumes del grupo-, «Everything Now» seguiría siendo un buen disco. No es la obra de arte que fuera «Funeral» en su época, pero nos muestra a un grupo bien afianzado, que, aún en un momento de relajo, pueden lanzar un disco que, pese a lo que se diga, resaltará este año y quedará como una excelente pieza que añada variedad al ya -valga la redundancia- variado trabajo de Arcade Fire.

Dejemos que pase el tiempo, ahí tendremos la verdadera respuesta a cómo quedará «Everything Now» posicionado en la historia de la música contemporánea.

Maybe we don’t deserve love.

Publicación: 28 de Julio de 2017
Grabación: Setiembre 2016-Abril 2017
Estudios: –
Miembros: Win Butler, Régine Chassagne, Richard Reed Parry, William Butler, Tim Kingsbury, Jeremy Gara
Discográfica: Sonovox, Columbia
Productor(es): Arcade Fire, Thomas Bangalter, Geoff Barrow, Markus Dravs, Eric Heigle, Steve Mackey
Cover: –

El evento, dirigido principalmente al entorno de la banda y medios seleccionados (agradecemos, por lo tanto, la invitación que nos hicieron a participar) tomó lugar en el Bar Hensley de Monterrico, en Lima.

La escucha del disco, que dura aproximadamente 45 minutos, nos dio bastante miga para hablar del mismo, así que, aquí vamos.

Hace tiempo, no recuerdo en qué artículo, había mencionado que la escena rock (y subgéneros) nacional, se encontraba en una fase de -digámoslo así- «autodescubrimiento», refiriéndome a la tendencia de ir hacia el lado de tocar un sonido vintage, ya conocido, y que ya empezaba a ser momento de que buscara un sonido propio e independiente.

DEAB -siglas de la banda- venía trabajando un sonido retro en sus dos trabajos previos, como una especie de tributo al rock psicodélico clásico, de entre los 60s y 70s (The Doors?), y algo enmarcado en ese camino esperábamos en su nuevo material. Pero todo lo contrario, esta vez nos enfrentamos a un disco que confronta la propia historia de la banda y a los álbumes que le precedieron, con un sonido propio y nunca antes escuchado en ellos. Fresco, desafiante, diferente y, sobre todo, actual.

«Storms» podría ser adjetivado bajo un nuevo término (?): progressive horror psych rock. Quizá sea algo rebuscado o catalogable como póser, pero, aquellos que disfrutamos los rebusques dentro de la categorización musical, realmente gozamos con poner titulitos así, let me be.

#NotSoSpoilerAlert

El álbum desprende diferentes sentimientos, nos lleva de una sensación tétrica, lúgubre, pesada y de terror -cual soundtrack de alguna película de cine negro- hacia algo más movido, pero a la misma vez, misterioso. Experimenta, juguetea con nuevos sonidos, nos pasea entre riffs de blues, con sabores cercanos al surf-rock, para luego atacarnos con un acercamiento al punk más sucio para, nuevamente, alejarnos y llevarnos hacia un rock psicodélico y progresivo. Junta matices que van desde lo más clásico, a lo experimental y atmosférico. Sabe utilizar muy bien los cambios de tempo, pasando de algo clásico a un lado más bien heavy.

El pasado ha dado un salto hacia el futuro.

Si quisiera rememorar en este disco la seña de alguna banda, me llevó a sentir momentos con estilos cercanos a Van der Graaf Generator, Aphrodite’s Child o a Eloy, que le dan ese toque especial pscyh-prog. Pero más allá de ellos, el lado duro y oscuro, se puede adjudicar completamente a la banda y a la madurez que han adquirido.

Nos queda esperar el lanzamiento oficial del disco, ya que, tras los comentarios obtenidos por el grupo en la sesión dominical (caray, sonó a actividad religiosa), seguramente ajustarán algunas cosas para la mezcla final. Aún así, no creo que pierda la esencia descrita.

Ya vendrá la reseña completa apenas el disco llegue a nuestras manos, donde nos extenderemos debidamente.

Aprovecho para invitarlos a dar una chequeada a la entrevista que hicimos a la banda en nuestro primer contacto con ellos, hace ya tiempo atrás: https://goo.gl/hSGNK5

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Préndete, que arranca el trip.

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